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ENTREVISTA
MANIKOMIO DEL SUR
Por M&M
Para comenzar esta entrevista me gustaría preguntarles, ¿cómo definirían su
estilo para alguien que no haya tenido
la oportunidad de escucharles nunca,
puesto que hasta ahora sus apariciones
en público resultan escasas?
Pues la verdad es que aún no hemos
logrado situar nuestro estilo en ninguno en
concreto, podríamos decir que mezclamos
varios estilos como rock, punk, reggae,
ska…incluso rumba.
En el grupo hay un abanico amplio de
edades entre algunos de los componentes, por eso me pregunto, ¿qué les unió
en un primer momento a juntarse salvando ese salto generacional y en cuanto a
la música qué influencias o gustos prevalecen entre ustedes?
En cuanto a la primera pregunta los componentes de Manikomio del Sur nos conocemos de siempre, salvo Rubén que es el
más joven. Todos menos Rubén (Chivatito)
habíamos tocado en un grupo anterior llamado Palo Bejeque, del que hemos heredaManikomio sur en Mareando
do muchas canciones que han sido modificadas para este nuevo grupo, ya que la música que hacíamos era únicamente reggae y ska.
Después de algunas parrandas, decidimos empezar a ensayar tocando en un principio las
canciones de Palo Bejeque transformadas al nuevo sonido.
Nuestros gustos musicales en general coinciden, salvo Emilio que tiene tendencias electrónicas y Rubencito que le entra a cualquier tipo de música desde el folclore hasta la bachata. A los demás nos gusta el rock and roll y el metal en todas sus variantes y épocas, tanto
grupos españoles como internacionales.
Los ritmos de Manikomio del Sur son bastante festivos y alegres a mi parecer, pero no
por ello no guardan letras contundentes y posicionadas socialmente, ¿les interesa la
canción protesta, creen que desde la música y el arte se puede influir en la gente o en
la sociedad o lo hacen para no trastornarse más aún?
Nos gusta la canción protesta dependiendo del estilo, ya que ésta puede pertenecer a
muchos, nos gusta la canción protesta alegre ya sea rock, reggae, punk, ska, etc. Porque
creemos en la canción protesta alegre, divertida, no triste y aburrida, también creemos que
con la música y el arte en general se puede influir en la sociedad.
En relación a los acontecimientos del 15M y del Movimiento Democracia Real Ya, no
puedo dejar de preguntarles su opinión con respecto a este tema, puesto que en su repertorio una de las canciones que más me llama la atención es la del pegadizo estribillo “Esta
democracia, es una falacia”
Bueno realmente el estribillo dice: “Democracia ay que gracia, me hace reír tú nombre.
Democracia que falacia…”. Evidentemente estamos de acuerdo con lo que representa este
Movimiento y reconocemos que la idea original de la democracia es muy buena, pero que
como decimos nosotros en la canción “flipamos con la democracia” actual y va en consonancia con el 15M pero queremos dejar claro que fue elaborada antes de este movimiento, en
concreto, un día antes de la huelga general del 29 S.
En vuestro “loquero” particular que sería en este caso el local de ensayo, ¿cómo funciona el trabajo o terapia? ¿Cómo surgen las canciones, quién escribe las letras tan
elaboradas y llenas de verborrea, quién compone la música, tienen el trabajo repartido
o compartido?
En realidad las letras de las canciones se intenta que tengan mucha energía y son escritas por Emilio y la música en un principio también, pero desde hace meses ha cambiado y
ahora se hace todo en local, fruto de improvisaciones volcánicas con potencia desmesurada
creada por todos.
Su puesta en escena en los conciertos lleva una estética grupal, ¿quizás uniformada
tal cual o simplemente es parte de la diversión? ¿Tienen una apuesta estética concienciada con cierto mensaje subversivo (por aquello de la corbata)?
Jugamos con la ironía y el surrealismo, intentando hacer una puesta en escena divertida,
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pero muy crítica con los clasismos y situaciones sociales, que cambiamos en cada concierto y también con eso pretendemos llegar
al público de manera más directa y cercana
y conseguir un mejor entretenimiento, intentando realizar de esa manera otra forma de
expresión añadida a la música.
El futuro de qué color lo ven ustedes con
respecto al grupo. ¿Tienen algún plan
de grabación, proyecto en mente, disco
próximo, uso de Internet y sus herramientas para darse a conocer?
El color sería un “rosa jeje” y proyectos
en mente de todo tipo, empezando por tocar
en Canarias y península autogestionado y
autofinanciado y será todo una aventura en
la que estáis invitados a participar. Grabar
muy pronto y darnos a conocer en las redes
sociales y seguir dando conciertos en La Palma, es en lo que estamos focalizados en este
momento.
Por, último, ¿qué os parece el panorama musical de la isla? ¿Se os ocurre alguna idea
para dinamizarlo, a qué estarían ustedes dispuestos?
Que tiene que haber más facilidades para los que hacen música, en cuanto a los lugares
para hacer conciertos y menos envidia entre los mismos músicos y organizadores para trabajar todos juntos y conseguir una década que marque historia en la música palmera, y que
se beneficie todo el mundo aunque no se sea músico
NOTA PSIQUIATRICA:
Estamos interesados en una humilde revolución residual de nuestro estado mental y social
en Manikomio del Sur. Todos bienvenidos.
Hasta luego “Big Man” Clarence Clemons
Por M&M
S
i en el año 2008 nos despedíamos para siempre del
teclista de la E Street Band de Bruce Springsteen,
Danny Federicci, es ahora cuando ha llegado la despedida
de Clarence Clemons, el eólo de la banda, el gran hombre
negro apoyo del Boss tal cual metáfora de la portada del
“Born To Run”. Clarence iba para jugador de fútbol americano por sus dimensiones y por cuestiones raciales allá en
los años 70 en USA, pero él siempre llevaba su saxofón por
si acaso, y esa casualidad se la buscó yendo al encuentro
de Bruce en una calle oscura y helada de New York, esa
cita fue el inicio de una larga historia de amistad y rock and
roll, tal y como se canta en “Tenth Avenue and Freeze Out”.
La E Street Band siempre fue algo más que una banda a
sueldo, juntos desde la adolescencia en una New Jersey
industrializada y llena de paro, rodeada de problemas raciales y educacionales, el rock fue la salvación para sus
componentes. Y así se alimentó la leyenda. Clarence siempre situado a la derecha de Springsteen, apoyando sus correrías sobre el escenario, vestido de raso y cuero, ejercía el contrapunto que
Bruce necesitaba en cada concierto, le daba réplica y el directo era magia, pura camaradería. Springsteen desafió al mundo colocando
un saxofonista negro en una banda como la suya para no olvidar los orígenes soul y rhythm & blues de la música rock. Clarence nunca
fue un virtuoso del instrumento, no destacaba por su precisión a lo Charlie Parker o Coltrane, pero su ganancia es otra. Y ahora seguiremos escuchando “Thunder Road” y pensando que esa carretera sigue ahí, para meternos en un Chevrolet viejo, huyendo hacia
un mundo mejor, riéndonos a carcajadas y escuchando a tope su música que nunca dejará de sonar. Así que diré tal cual Bruce lo
presentaba: “Do I have to say his name?” (¿Tengo que decir su nombre?).
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musi.K
EL VIEJO DINOSAURIO JUNIOR
Por Raúl Masterdik
P
‘Si quieres conocer los mejores temas de la banda, tienes un magnífico recopilatorio:
Ear-Bleeding Contry: The Best of Dinosaur Jr.’
ara bien o para mal, la llamada explosión
grunge dejó esparcido por la geografía
estadounidense un reguero de bandas con
mayor o menor proyección. Entre los grandes,
hay un grupo al que se cita, pero en demasiadas ocasiones, se hace con la boca pequeña.
Dinosaur Jr. fue un proyecto musical –de hecho,
lo es- fundado y liderado por un tipejo llamado
J. Mascis. De sus años de carrera ininterrumpida bajo este nombre (tuvieron que añadir ‘Jr.’
porque ‘Dinosaur’ era un nombre registrado que
les trajo problemas legales tras su primer disco
homónimo, en 1985) son especialmente destacables dos de sus álbumes: ‘You’re living all
over me’ (1987) y ‘Bug’ (1988)… y casi tanto o
más destacables fueron un par de himnos para
toda una generación, ‘Little fury things’ y ‘Freak
Scene’.
Ahí me quedé yo. Sinceramente sólo escuché
aquellos dos discos y se me quedó grabado en mis entrañas musicales el endiablado sonido
pegadizo de la ‘escena freak’. ¿Por qué entonces retomar ahora a un grupo cuyos mejores
trabajos datan de los últimos 90? La razón es tan sencilla como plausible: En 2007 J. Mascis, Lou Barlow y Murph (la formación original) decidieron volver a tocar juntos como si 19
años hubiesen pasado tan rápido como un chispazo. Y precisamente eso, chispa, es lo que
este trío mantiene. Desde entonces han firmado dos discos, o mejor dicho, dos discazos:
‘Beyond’ (2007) y ‘Farm’ (2009) increíblemente brillantes, intensos y contundentes. ¿Quién
dijo que no se puede renacer?
La crítica es unánime: a diferencia de otras muchas bandas que vuelven a subirse a los
escenarios sin ganas, sin pasión y nada de punch, Dinosaur Jr. lo hacen brillando con luz
propia, y, sobre todo, retomando sus formas sobre las tablas, es decir, romperle los tímpanos al personal. La primera y única vez que tuve la suerte de verlos tocar, en Barcelona, me
dediqué a agitar la cabeza entre una maraña de ruido, y entre tema y tema, a discutir con mi
colega si habían tocado ésta o aquélla canción.
‘Green Mind’ (1991), ‘Where you been’ (1993), ’Without a sound’ (1994) y ‘Hand it over’
(1997) completan la discografía de Dinosaur Jr, con una baremación de excelente, buenísimo, muy bueno y buenísimo respectivamente. Durante este periodo se afianzó la fama de J.
Mascis como el ‘monstruo de las galletas egocéntrico’ que admite y despide a los miembros
del grupo a su antojo, a la vez que Lou Barlow sembraba y hacía crecer la planta de una de
las grandes bandas del indie como es Sebadoh.
Igualmente destacables –aunque mejor el
segundo que el primero- son los dos discos
que Mascis firmó como ‘J. Mascis + The
Fog’: ‘More Light’ (1996) y ‘Free so free’
(2002), un innecesario cambio de nombre
porque la pegada rugiente pero armónica
del dinosaurio seguía siendo la misma.
‘Versionear ‘Just like heaven’ de The Cure hizo que los jóvenes Dinosaurio se dieran a conocer a un
gran público (En la imagen, junto a Robert Smith, líder de The Cure)’
El de Dinosaur Jr. no es un sonido noise
rock o grunge al uso. Quienes quieran acercarse a esta banda deben saber disfrutar de
la herencia del heavy rock, de los virtuosos
y exquisitos solos de guitarra, así como de
melodías pop que se dejan entrever entre
marañas de ruido controlado. Un laborioso
y conseguido trabajo de definición musical
fundado sobre un músico excelente.
La despedida de estas líneas está dedicada obligatoriamente a ‘Several shades of why’, un
intimista, preciosista y delicado disco con el que J. Mascis nos ha sorprendido en este 2011,
posiblemente lo mejor que he escuchado en estos meses. Absolutamente desnudo: voz y
guitarra, de hermosas letras sinceras, sin batería y melódico en el sentido dinosauriano del
término (emulando a otro de sus discos, ‘Songs for Amma). Imprescindible.
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LA MÚSICA: COMO HEMOS CAMBIADO
Por Miguel Galván.
L
a industria de la música así como la
manera de acercarnos y su consumo
ha dado un giro copernicano en los últimos
años; parafraseando a Presuntos Implicados, sería como su famosa canción: ay,
como hemos cambiado. Algunos se ponen
nostálgicos y consideran mejor el sistema
de antaño: salías de la tienda acunando un
disco como quien lleva un precioso bebé en
brazos; otros, más modernos, prefieren el
presente: te metes en Internet y escuchas
al instante y sin límite música a tutiplén.
Realmente se trata de una evolución lógica,
inevitable y práctica, acorde a las posibilidades de la tecnología, que ha llevado en paralelo una serie de cambios en los diferentes estamentos musicales. Antiguamente,
había bandas que lanzaban un buen disco y
vivían de las rentas, aprovechándolo, no se
prodigaban mucho; hoy en día, por mucho
nombre y muy bueno que seas, hay que demostrarlo en directo, tanto por propia subsistencia como por la demanda del público.
Esto ha provocado el auge de conciertos y
festivales: hay más que nunca. En el caso
de España, un país con clima propicio para ello, los festivales comienzan en primavera y
duran hasta otoño, dejando prácticamente copadas todas las fechas.
Lejos de desaparecer, pronóstico de algunos agoreros, basándose en que la fórmula y la demanda se agotaría, los festivales no han hecho sino crecer: todos tienen su particular éxito,
cada cual con su marca y estilo; y ello, a pesar de la crisis que atravesamos. No deja de ser
paradójico, en este caso: más tecnología es igual a más bandas tocando en directo y más
personal dispuesto a disfrutarlas. Por otro lado, un disco, en épocas pasadas, era más difícil
de conseguir, tanto por temas económicos como de distribución, pero poseerlo era venerar
un auténtico objeto de culto, aparte de vivir un mundo de sensaciones: el ritual de desembalarlo, sus aromas a nuevo, ponerlo en el equipo y escuchar los primeros acordes, aprenderte al dedillo sus canciones: ciertamente, se profundizaba más. Por el contrario, escuchar
música en la actualidad es más fácil, instantáneo y libre, aunque más disperso, y de paso,
se pierde ese mundo de sensaciones personales derivado del disco físico. Cada vez priman
más los soportes donde acumular ingentes cantidades musicales: cuanto más acopio, mejor.
Puede que se haya ganado en cantidad en detrimento de calidad, pero también es verdad
que todo es un proceso y un viaje personal, lo que ahora nos cuesta procesar y asimilar, ante
tanta información musical, seguramente, en un futuro, podremos aprender a seleccionar. En
lo que se ha ganado descaradamente es en las posibilidades casi ilimitadas de disfrutar de
los bellos sonidos. Descargadores, servidores, discográficas, páginas, redes sociales donde
la gente pincha y comparte… todas al servicio del usuario.
Mención especial para YouTube, para los amantes de la música es algo brutal, un auténtico
mega archivo audiovisual en línea, sin límites de capacidad, conformado entre todos y que
no deja de crecer. Puedes ver desde los grupos más clásicos a los más modernos, desde
los más profesionales hasta los más amateurs, desde los más sofisticados a los más artesanales. La música se ha democratizado. Cualquiera puede colgar la suya y tener éxito,
sólo depende del talento o la capacidad de atraer. El boca a boca, antes, corría en casete
de mano en mano, hoy se propaga desde Internet, en múltiples direcciones, y corre como la
pólvora. La música ha salido ganando, aunque se pueda sentir nostalgia todo evoluciona y
en este caso para mejor: más música en directo; más posibilidades e inmediatez para disfrutarla; relación más directa y cercana entre grupos y fans; más facilidades para la producción,
exhibición y distribución… ¡la música se ha universalizado! Un debate complejo y aparte es
la nueva relación con la industria. Seguramente la música no puede ser totalmente gratuita
como preconizan algunos, pero tampoco el control absoluto que quiere ejercer la industria;
entre todos se ha de debatir y un punto intermedio encontrar porque todas las partes son
importantes y necesarias. Pero las nuevas posibilidades y la cultura que de ello se deriva son
imparables. La gente quiere música a todas horas, en cualquier lugar y de cualquier manera,
sin que ello merme las ganas de disfrutarla en directo, al contrario, fomenta e incentiva esas
ganas. Gana la música, ganan los músicos, gana el oyente. ¡Bienvenidos a una nueva Era
Musical!
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Festivales
AZKENA ROCK FESTIVAL 2011
Vitoria Gazteiz 23, 24 y 25 de Junio
A
ño de celebración ya que se cumplía
la 10ª edición, esfuerzo por parte de
la organización: ampliación del recinto, 3
escenarios, dos carpas para las sesiones
pinchadiscos de la madrugada, conciertos
a mediodía en el casco histórico de Vitoria,
bodas estilo Las Vegas, zonas de esparcimiento y relax… todo ello ayudó a lograr record de asistentes, 55.580 en total, 10.000
personas más que el año pasado, también
en gran parte debido al jueves, que ha pasado de ser un día ligero y de entremés a
ser un día grande y potente.
JUEVES - EELS: Mezcla de folk-rockglam-punk-blues o trip hop. Encargados
de romper el hielo en una tarde soleada,
público algo frío todavía, salieron a escena
con un look muy cuidado y elegante. Repertorio agradable. Buena manera de comenzar el festival. BLACK COUNTRY COMMUNION: Hard rock clásico (solo dos discos
en el mercado). Nueva superbanda: unión
de buenos músicos de diferentes formaciones. Realizaron un despliegue de rock clásico convincente con una voz muy peculiar
de su líder; el guitarrista hizo las delicias
del respetable. THE CULT: La cosa iba in
crescendo. Banda histórica en el escenario, con tablas, veteranos en estas lides.
El cantante, Ian Astbury, excéntrico y en
baja forma visible, eso sí, cuando cantaba
su voz arrasaba. Se pasó el concierto al
grito de “¡Señor Piso!”, algunos haciendo
cábalas creen que se refería a la gente que
estaba sentada en el césped. Se aburrió de
tirar panderetas al público: una de ellas pilló
despistada a una muchacha y se le quedó
incrustada en la cabeza, antes de pudiera
sacársela una jauría de hombres la había
tirado al suelo para hacerse con ella, uno
de ellos se cortó un dedo y se lo tuvieron
que llevar porque no dejaba de manar sangre: el salvajismo del rock en estado puro.
Excelente sonido; lo mejor del concierto:
los clásicos; importante guitarrista: serio,
en forma y centrado: llevó el peso. OZZY
OSBOURNE: Algo más allá de la música,
personaje mediático; padres y niños (que lo
conocían de su famoso Reality Show televisivo) expectantes por verlo. Todo un personaje, cuando le daba el arrebato pillaba una
metralleta de agua (conectado a un depósito de agua) y empapaba al que pillaba por
delante. Cómicos sus movimientos en el escenario, como decían algunos: parecía un
niño chico con los pies atados; para otros,
un Chiquito de la Calzada en potencia. En
líneas generales: bien; siempre es un placer ver al que fue líder de Black Sabbath.
KYUSS: Los seguidores del Stoner Rock
de enhorabuena, sus máximos exponentes
otra vez en la carretera: memorables, de lo
mejor del festival. Después de 15 años han
RUIDO
Por Miguel Galván y Los Hermanos Cabrera: Julio y Caco Cabrera Rodríguez.
tenido la feliz idea de juntarse de nuevo, estaban todos menos Josh Homme, (el que lo
suplió, cumplió). Desde el principio su líder,
Jhon García, y la banda, demostraron estar
en forma y tener las cosas claras. Directo
sobrio, apabullante, continuos zas en toda
la cara. El bajista Nick Oliveri, más centrado que de costumbre. El 2º tema fue el mítico Gardenia: explosión de emoción y júbilo
y encontronazos. Uno de esos momentos
por los que merece la pena ir a un festival.
La voz de John García, excepcional: hace
fácil lo difícil. Arrasaron el jueves. Hay propina: de esta gira crearán y editarán un LP.
VIERNES – BLUE RODEO: Festival que
coloque a una banda como ésta a las 17:45,
aparte de disponer de un buen cartel, es
que van sobrados. Country rock del bueno,
banda infinitamente agradable, honesta,
atemporal y directa. Compuesta por 8 miembros, mezcla de diferentes edades. Una de
las sorpresas fue que todos cantaban, todos
lo hacían bien y todos tuvieron su momento.
La peña flipó con ellos. REVERENDO HARTON HEAT: Concierto desastroso, la primera canción casi no se escuchaba y aunque
el público se lo decía, continuaban, lo que
mal empieza… solucionado el problema no
hubo manera de tomar una buena senda.
Fríos, apáticos, sin actitud, posiblemente, sus mejores tiempos pasaron. CHEAP
TRICK: Banda clásica, puesta en escena
elegante, de blanco impoluto, el cantante
con gorra blanca incluida. Hard Rock del
bueno. Excelente despliegue de clásicos,
excelente banda. PRIMUS: Banda inclasificable donde las haya: extraños, originales,
estrafalarios, peculiares. Con ellos no arrebatas, disfrutas viéndolos tocar. El cantante
bajista, Les Claypool, ciertamente hechiza
con su estilo tan personal. En el fondo del
escenario, dos enormes machangos inflables un tanto guapos pero raros, en sintonía
con ellos. QUEEN OF THE STONE AGE:
Los mejores del 2º día. Lo que se espera de
ellos, rock sin concesiones, directo al estómago, con un sonido muy logrado y único.
Para bien o para mal, no hubo sorpresas.
Algo rácanos, no hicieron ningún bis ante
la petición del público, cosa que sentó mal.
Los cabezas de cartel del día normalmente lo hacen. GLUTH: Grata sorpresa. Rock
americano. Show coherente, entretenido,
dinámico, contundente, voz con fuerza. Han
mejorado con la experiencia (8 discos en su
haber). Para muchos, de lo mejor del festival.
SÁBADO – AVETT BROTHERS: Banda formada por dos hermanos, Scott y Seth, folk
rock americano con toque tradicional (en
línea Wilco). Banda para ver en directo. Se
salieron por los cuatro costados, lección en
toda regla de folk rock. BAND OF HORSES: Bochorno en la carpa. Repertorio de
temas tranquilos. Agradaron al público con
un sonido más americano que antes, que tenían un sonido más pop. GREGG ALMAN:
Rock tradicional. Gregg está algo mayor
ya, su actuación en el casco histórico estuvo mejor, se adaptó más esa intimidad a
su formato. Escondido tras su piano hizo lo
que pudo, arropado, eso si, por una gran
banda. BRIAN STEZER´S ROCKABILLY
RIOT: Concierto dividido claramente en
dos partes: dos grandes cortinas con elegantes y diferentes estéticas se encargaron
de indicar cada momento. 1ª parte: repaso
de éxitos en solitario de Brian, quizás algo
aburrida. 2ª parte: recordaron a los Stray
Cats, salió el antiguo cofundador, Slim Jim
Phantom, se puso a la batería y se armó: la
gente no paró de bailar. PAUL WELLER: De
las mejores actuaciones. Maduro, elegante,
repertorio sólido. No defrauda, en su línea
sobre el escenario, convincente. Sonaron a
gloria. THIN LIZZY: De la formación original
casi no hay nadie, el cantante se limitaba a
cumplir: un grupo nuevo en definitiva. Hay
debate de si deben seguir con el nombre o
no. Realmente, un homenaje en toda regla
a Thin Lizzy.
El Azkena es un festival consolidado, que
ha sabido crecer y evolucionar acorde a su
propio crecimiento. El mejor de España en
su género; hay voces clamando que es uno
de los mejores de Europa: seguro que si.
Además, es un festival fusionado con su
ciudad, Vitoria, totalmente hermanados y
comprendidos. Es de agradecer y un ejemplo para otras ciudades. El rock y el respeto es posible. ¡Larga vida al Azkena Rock
Festival!
Festivales
PRIMAVERASOUND 2011
Parc del Fòrum, Barcelona
26 al 28 de Mayo
M
ientras soplan vientos de cambio
(hoy más que nunca música y revolución se dan la mano), el festival Primaverasound barcelonés consolida su propuesta
repitiendo fórmula y varios de los artistas
que lo han hecho grande. No por visitado
deja de sorprender, aunque ya no con la
misma impresión que lo hacía en ediciones
anteriores. Aun así el público (sobre todo
extranjero) no deja de acudir en masa, y en
consecuencia, resulta imposible que no se
produzcan fallos organizativos: colas interminables para entrar al recinto, problemas
con las consumiciones, masificación en
algunos escenarios, solapamiento de actuaciones, etc. Pero a pesar de exprimir al
máximo la “gallina de los huevos de oro” y
no aportar gran novedad, vayamos con los
destacados que siempre abundan en este
mayo sonoro. Le tocó, entre agradable e
ingrato, a GAF, combo chicharrero, el privilegio de abrir el festival a una hora intempestiva en el escenario habilitado para los
grupos nacionales. Solventaron con nota su
debut e hicieron alarde de su free-jazz-psicodélico con toques velvetianos. La concurrida audiencia isleña agradeció con creces
su buen hacer. Siguiendo con el producto
nacional, y ya en una liga superior, Triangulo De Amor Bizarro descargaron energía y
noise ante una considerable audiencia que
tarareaba cada uno de sus temas. El festival
comenzó a mostrar drones abrasivos con la
actuación de Moon Duo, lisergia y repetición de puro delay como propuesta de mínimos a la hora de desmenuzar su único larga
duración “Mazes”. La noche cobró intensidad con la actuación siempre solvente de
Grinderman, banda de elaboración primitiva del siempre inquieto Nick Cave y co., llevando a escena su reciente disco “del lobo”.
Aullidos y rock fueron de lo mejor que se
puede ver últimamente. Pero no queríamos
dejar sin reseñar la actuación sinfónica de
Glenn Branca Ensemble con su orquesta
de cuatro guitarras, pura composición rock
con calado de música clásica y novedosa
puesta en escena del arriesgado vanguardista neoyorquino. Y continuando con el revisionismo de legendarias bandas que viene
haciendo este festival en los últimos años,
Suicide performaron su primer disco, obra
maestra de synth noise de principios de los
ochenta, haciendo gala de un sonido demoledor. Para el que hace la crónica, actuación
testimonial de los festivos y efectistas The
Flaming Lips, con una puesta en escena
llena de confetis, globos y demás pamplinas
para repetir actuación casi calcada a la de
hace unos años en este mismo escenario.
El segundo día arrancó con la actuación
enérgica de una de las revelaciones de la
temporada, los hiperactivos Male Bon-
IGUAL PERO NO LO MISMO
Por Yose F. Fotos: Alejandro Glez.
ding, velocidad y entrega a partes iguales.
A continuación nos acercamos a un reducido escenario patrocinado para ver qué
tenían que ofrecer las aclamadas Las Robertas, chicas y pop-noise de baja intensidad, coros, y cierto primitivismo: lo mismo
pero con cierta personalidad. Con la noche
cayendo, The National hicieron acopio de
solvencia y elegancia, a la vez que dejaban
esas gotas de melancolía bañadas de épica
que ya les gustaría a Interpol concretar en
su propuesta. Mejor definidos y compactos
sonó el post-rock de Explosions In The
Sky, abanderados y supervivientes de este
Male Bonding
estilo que todavía facturan una instrumentación sólida y emotiva. Pero la verdadera explosión de elegancia, emoción y sutileza la
pusieron la banda de Duluth, Low, presentado su recién “C´mon” al grito de “spanish
revolution”. Su anterior oscurantismo con
dosis salvíficas dio paso a un folk con toques de rock y melodías que convirtieron el
recogido escenario del ATP en un pequeño
santuario de redención y alegría contenida.
Es lógico que con Low lo mismo nunca sea
igual. Y en contraposición con lo anterior,
la organización sigue repitiendo la fórmula
para atraer réditos foráneos programando
bandas de siempre del indie inglés como
Belle & Sebastian o Pulp. Ahora sí, cuando lo mismo es siempre igual. Y cerramos
el día con la prueba inequívoca de que la
repetición bien entendida no es perjudicial,
al contrario, sólo demuestra que lo igual no
es lo mismo. Shellac repitieron actuación
(y van ni se sabe) haciendo gala de su sincronismo y contundencia habitual. Supongo
que con este tipo de bandas es como se
hacen las religiones.
El último día del festival nos subió el ánimo
de la jornada anterior, así como la calidad
de las bandas seleccionadas. El ejemplo
de ello nos aconteció con Za!, banda revelación de la temporada en el panorama
español. Nunca mezclar tanto y tan diverso
salió tan bien: percusión, loops vocales, rasgueos de guitarra, etc. Otra especie de revisitación al manual de estilo es la que presentaron Yuck, rock-noise-pop de escuela
pero con efectividad y atracción. The album
Leaf puso la nota de sosiego e intimismo
a la tarde con sección de cuerda incluida.
Otra prueba de calidad sin artificios fue la
actuación para un reducido número de privilegiados del set acústico de Dean & Britta,
ella atractiva y envolvente, él, sobrio y elegante, lástima que no fueran programados
en un escenario mayor, escasa media hora
de degustación. Casi se nos atraganta la
cena con la fábrica en plena producción de
Einstürzenden Neubauten, mientras que
otros recurren a los sampler y programaciones, la banda de Blixar desarrolla su trabajo
en directo recurriendo a taladros, metales,
chapas, para hacer de lo orgánico su seña
de identidad. Sencillamente, asfixiantes,
abrasivos. Lo mismo podemos decir de
Swans, su propuesta cargada de percusión, guitarras sincopadas, por momentos
se hizo opresiva, nada que ver con su grabación en estudio más concreta y melódica.
El paso para ver a Mogwai sólo demostró
una cosa, que actuaciones pasadas fueron
mejor o más sorpresivas, aunque la de este
año por momentos estuvo emocionante,
transida de nuevos territorios que la banda
escocesa comienza a indagar, su post-rock
expansivo se vuelve más “rock” de estilo.
El dilema, aunque pronto se resolvió, llegó
con la esperada actuación de P. J. Harvey
que en su reciente trabajo hace gala de
una nueva transformación, aunando folk de
corte gaélico con su rock correoso. Alejada,
como si de una aparición fantasmagórica
se tratase, nos decidió para encaminarnos
a ver otro retorno de una de las bandas legendarias de los 90, esta vez, Dean Wareham para repasar los temas clásicos de su
antigua banda Galaxia 500. Acertada decisión, mejor vale el revisionismo propio, que
la innovación no muy bien entendida ajena.
Y de rondón, en tránsito hacia la apoteosis
final, se nos coló el trío británico, Darkstar,
que fusionaron con originalidad lo synth con
lo oscuro. Aquí sí se cumplió la máxima de
este festival: entre lo mejor, lo más interesante, aunque sea poco conocido. Lo de
Animal Collective, me reprodujo sensaciones pasadas, por mucho repetir no acaban
de despertar un gran interés. Su superposición de capas sónicas al principio sorprenden y atraen, pero con el paso de los temas
se vuelven previsibles y tediosas, que unido
al desgaste maratoniano de este festival te
planteas como conclusión: ¿volveré el año
que viene? Veremos. Pero como siempre
ocurre en estos festivales sobrecargados
de estímulos, multitud de bandas se nos
quedan en el tintero.
RUIDO
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Cana
ENTREVISTA
A JOSÉ ANTONIO FAJARDO (FAJARDO)
1) ¿Puedes contarnos un poco cómo ha
sido tu periplo desde Fuerteventura, a
Madrid y de vuelta a Canarias?
En Fuerteventura es donde nace todo
esto porque es allí donde creo mis primeras
composiciones, es allí donde formo parte de
la pimera banda con la que doy los primeros
conciertos, pero es en Madrid donde doy
mis primeros pasos en solitario. Puede que
el miedo o las inseguridades tuvieran mucho
que ver con este último detalle, pero así es.
Viajo allí con la excusa de hacer un curso de
sonido y doy algunos bolos y participo en varios micros abiertos. De esos bolos saldrían
otros y así hasta ahora. En esa época -una
de las mejores que recuerde- tuve la enorme suerte de conocer a gente maravillosa
que aportó a mi vida no sólo ayuda y apoyo
sino también amabilidad y pasión. Cuando
acabo el curso, viajo a Gran
Canaria y fijo allí mi residencia.
Con las tablas y la experiencia
adquirida en Madrid, me animo
a tocar en salas de las islas y
empiezan a esfumarse esos
miedos y esas inseguridades a
las que hacía referencia antes.
Ahora siguen existiendo miedos,
pero son diferentes...
2) Después de haber estado tiempo en la península, y
ahora de vuelta, ¿cuál dirías
tú que es el mayor handicap
que afrontan l@s músic@s de
Canarias?
Se podría decir que el mayor
handicap es la distancia, pero
no voy a caer en ese tópico. Sé
de buena cuenta que muchas
bandas de la península y de otros países
hacen miles y miles de kilómetros para dar
conciertos y se visten de ello como el que se
pone sus mejores galas. Invierten mucho de
su tiempo y su dinero en lo que para ellos
es una parte fundamental de su vida. Por
aquí tengo la sensación de que la música es
tratada como un instrumento para alcanzar
un cierto status o una cierta relevancia, lo
que implica que muchas de las nuevas formaciones que aparecen, orienten su estilo a
fórmulas carentes de riesgo y de frescura.
Diría que ese es el mayor handicap: la escasez de riesgo.
3) Tu música es muy difícil de catalogar.
Se me ocurren algunas posibles influencias, pero parece que las tienes tan procesadas, que se han transformado en tu
estilo propio. ¿Tienes influencias de ¨referencia¨? ¿A quién citarías?
Esta pregunta siempre da miedo, pero
me limitaré a decir que me crié con el grunge, que el grunge me abrió las puertas a
otras bandas anteriores a esa escena y que
RUIDO
una vez programé el vídeo que teníamos en
casa de mis padres para grabar “The Last
Waltz” y creo que fue lo más productivo que
hice nunca en mi adolescencia.
4) El disco ¨Fajardo¨ está grabado en directo. En un estudio, pero con los músicos tocando juntos en una habitación.
¿Nos cuentas cómo, dónde, cuándo y
con quién?
Efectivamente. El disco lo grabamos en
directo en Estudio Brazil, en Madrid, con
Javier Ortiz a los mandos. Fue después de
la primera gira que hice allá por 2009 y me
acompañaron César Martínez a la batería
(músico que perteneció a bandas como
Peluze o The Joe K-Plan), Jordi Tost al
bajo (componente de la banda barcelonesa
Parmesano y autor en solitario de cancio-
nes con su proyecto El Gos Binari), María
Navidad al rhodes, sintes y xilófono y Carlos
Rioboó toca la guitarra con slide en un tema
(ambos forman parte de un proyecto musical muy interesante que se llama Tostadas)
5) ¨Fajardo¨, se puede adquirir también
en una preciosa edición en vinilo, ¿reivindicas sonido, look, ambos?
Ambos.Y añado otra reivindicación: ritual.
6) ¿Para empatar con internet ...?
Creo que internet abre más puertas de
las que cierra. Ahora. Cada uno elige qué
puertas abrir.
7) No, de la SGAE no te pregunto nada.
Mejor.
8) ¿Dónde te podemos ver y escuchar
en los próximos meses? ¿Qué formatos
estarás utilizando durante estos conciertos?
Desconozco si esta publicación se edita-
Por Diego Hernández
rá antes de una semana, pero este viernes
22 estaré en el Fierro de Valverde participando en el Festivalillo Saltando Muros, una
iniciativa de unos amigos de Fuerteventura
que llevan una asociación llamada Enbabia
y compartiré cartel con el grupo conejero
El Cuarto Ambulante. Depués me embarco
en una gira que me llevará por el norte peninsular y sur de Francia. El susodicho tour
dará inicio con 2 conciertos isleños: el 22 de
septiembre en el Mojo Club de Las Palmas
GC y el 29 del mismo mes en El Generador
de Sta Cruz de Tenerife.
9) ¿Tienes planes de entrar a grabar
próximamente?
A corto plazo no creo que entre a grabar
material, pero sí que editaré 5 canciones,
de un total de 7, que grabé hace un tiempo en el mismo estudio donde
facturamos el primer disco. En
esa ocasión grabé en solitario y
ya hay dos temas de esa sesión
pululando por ahí en un cd compartido con la banda grancanaria
Malcortado.
10) En mi opinión, en tu trabajo se aprecia que cuidas bastante la presentación visual de
tu obra musical (álbum, carteles, etc... ) ¿Me equivoco?
No te equivocas. Aunque tampoco soy muy exigente, pero sí
que me gusta darle cierta personalidad a todo lo que hago. Mayormente, lo que vengo a hacer
es tirar de amigos que crean
cosas muy chulas y que vale la
pena difundir. Léase Irene León,
Javier Romero o José A. López.
11) ¿Crees que algún día llegaremos a
tener un circuito decente de música alternativa en las Islas?
Has dejado la pregunta más complicada
para el final... Pienso que crear un circuito
depende de tantos factores que dudo que
algún día pase, pero yo empiezo a ver que
se mueven cosas. No soy del todo optimista, pero percibo detalles que me agradan,
como por ejemplo la proliferación de nuevas
salas, sobre todo en Tenerife, y la aparición
de algunos blogs y webs especializados.
Falta quizá que los medios masivos se
hagan eco de lo que está pasando a otros
niveles, falta también más interacción con
lo que pasa fuera de las islas. Me parece
que Canarias debería ser parte de la ruta de
cualquier grupo que esté de gira por el país,
sea de la calaña que sea, pero para ello se
necesitan promotores con agallas y salas
que quieran acoger a esas bandas. Supongo que habrá que ser paciente y confiar en
que algún día pasará.
Reseñas
SUFJAN STEVENS
“The Age Of ADZ” (2010)
Por Miguel Galván
B
arroquismo-moderno. El último disco del genio de Detroit no se le hará fácil a
muchos, pero con paciencia su recompensa puede ser de dimensiones bíblicas;
como su disco, como él: excesivo, celestial, sensible, genial, desmesurado… Parece ser
que definitivamente ha dejado atrás su mega-ambicioso proyecto de dedicar un disco a cada
estado de EEUU, o sea, ¡50!, cada uno con su idiosincrasia particular; de ahí salieron dos
obras maestras del folk como Michigan (2003) e Illinoise (2005), que encandilaron a crítica
y público. Pero ahora sus derroteros van por otro lado, ha dado un cambio de rumbo; ya
sabemos que los genios siempre buscan nuevos caminos, nuevas sensaciones. Usa como
base inspiradora al pintor americano Royal Robertson (1936-1997), artista esquizofrénico
que se autoproclamaba profeta, del cual Sufjan toma la bonita portada y todo su imaginario:
monstruos, pasajes bíblicos futuristas, superhéroes de cómic… es un envoltorio, una vestimenta que no interfiere en el alma de las canciones. Con una estructura electrónica que no
impide escuchar al Sufjan más auténtico, con su cálida voz, rodeado de coros angelicales,
guitarras, flautas, viento y todo su mundo lírico, el disco parece una gran recopilación de
todas sus épocas y las que están por venir: canciones bandas sonoras, sonidos extraterrestres y alienígenas, temas que hacen levitar, mundos oníricos y terrenales, autopistas instrumentales hasta el más allá, una canción de 25 minutos que realmente son cuatro canciones
con interludios instrumentales por medio… Barroco, moderno, atrevido, pleno, ambicioso,
inconformista, así es Sufjan Stevens. Es un disco para tener paciencia y dejarse llevar con
su duración de 1 hora y 20 minutos, a muchos puede que les tire para atrás, pero el disco
crece con cada escucha sin llegar a empalagar, un caramelo con la dosis justa de azúcar
y que siempre va a más. Posiblemente estamos hablando de un disco futurista, una ópera
digital catártica, el cual valoraremos mejor en el futuro, en el 2030 como mínimo, una obra
antológica por llegar. Entrar en su mundo, en la Sinfotrónica de Sufjan como lo han llamado
algunos, y en este disco, The Age of ADZ, es como adentrarse en una bendita locura, un
viaje mágico-musical donde cualquier cosa puede ocurrir, ¿te atreves a entrar y probar?
MOON DUO
“Mazes” (2011)
Por Christianne F
P
sicodelic-rock. Primer largo del proyecto paralelo del guitarrista de Wooden Shjips
Ripley Johnson, que junto a su compañera Sanae Yamada forma este esquelético
dúo basado en baterías programadas, efectos de teclados varios y un arsenal de sonidos
abrasivos y riff de guitarra repetitivos. En esta primera grabación, tras respectivos ep´s y haber sido gestado a caballo entre San Francisco y Berlín, encontramos parte del machaqueo
correoso de Suicide, pero más desahogados, como salidos de la cueva, las distorsiones y
repeticiones primitivas de Stooges, y hasta unas gotas en los teclados de los mejores Spacemen 3. Pero no nos llevemos a engaño, no todo son temas de corte repetitivo sin más, sino
que en esta nueva producción abren su abanico estilístico y nos encontramos con paisajes
sonoros menos recargados y más bailables, si llegar a mover la cabeza a ritmo se puede
llamar bailar. Pues, repitamos.
ZIRIAB
“Caminito de estrellas” 2.010
Por Ángel Tal Cual
E
n este nuevo disco de Ziriab podemos apreciar como el grupo se consolida y tiene
un sonido mucho más compacto. La voz del “cantaor”, José Bueno Martín, le da a
esta fusión, a la que nos tienen acostumbrados, un sonido flamenco con un” quejío” de lo
mas “jondo” en contraposición de la marimba de Rafa Navarro, con ese sonido exótico y
tan nuevo dentro del flamenco fusión. Pedro Sanz (guitarra flamenca) y Alexander Sputh
(guitarra acústica) logran en este trabajo una complicidad entre estilos y sonidos, que le da
una pastosidad, una solidez tal que se convierte en un flamenco-jazz fluido y con compás.
Pepetoni Tamarit (batería percusión), Kike Perdomo (saxos) y Carlos Costa(bajo eléctrico)
impecables en sus ejecuciones, grandes músicos. Destacar la participación de dos grandes
de este estilo, Jorge Pardo (flauta travesera) con una gran trayectoria, considerado uno de
los mejores flautista-saxofonista dentro del flamenco fusión y Carles Benavent (Bajo) con
ese sonido especial que le saca al instrumento que pareciera una prolongación de la guitarra
flamenca.
“Caminito de Estrellas” una fusión con mucho duende.
RUIDO
Relatos
Sí
La vida en proyectos
M
e invadió un inexplicable deseo de volver a casa, eché a
correr y llegué volando. Abrí la puerta, la saludé como siempre, hola cariño; ella, reunida con sus amigas galácticas al rededor
de la mesa, tardó en responder sin girar la cabeza con la pregunta,
Santiago, estás aquí. Yo me acerqué a la mesa y le dije, sí, cariño.
Y me quedé como hipnotizado, viendo cómo la copa iba de la ese
a la i.
David Figueroa
S
e la pasó anticipando. Sabía exactamente cómo iba a pedirle matrimonio a la que fuera la mujer de su vida. Había
estudiado cada palabra, cada gesto, cada mirada. La talla de su
ropa, el número de calzado, su color de ojos y hasta el punto exacto
de dulzura. También tenía pensado el nombre de los cuatro hijos
que tendrían. Por adelantar, hasta tenía escrito su epitafio. Ayer le
enterraron. Sin adioses. Al terminar de colocar la lápida, pensó el
enterrador: “pobre diablo, mujer, cuatro hijos, doce nietos y más solo
que un perro”.
Sara Nieto
http://relatosenlinea.wordpress.com
http://palabraspreciosas.blogspot.com
Espejos
El hombre habitado
L
a suya era una soledad de vecindario. Una soledad sólo concurrida por la modesta multitud de desconocidos con los que
compartía las burocracias de una vida sin anhelos.
Con nadie intercambió nunca nada más allá de un buenos días,
algún buenas noches o aquel socorrido cómo está usted, que no
requería respuesta.
Tampoco a nadie contó nunca su problema con los espejos… y
exhausto, confuso, a veces se preguntaba:
-¿Seré una suerte de vampiro? ¿Quizás un fantasma desmemoriado?
Hasta que un día, de pura casualidad, se le desveló el misterio.
No era, por supuesto, ningún vampiro. Ni siquiera algún tipo de
monstruosidad. Simplemente… no existía.
A
cabé por eliminarla del espectáculo, y, por ende, de mis ingresos. Se había instalado en mi pequeña caravana por tres
meses, lo que duraba el contrato con el circo. Era la mejor mujer
invisible del mundo y yo, la materializaba con un ancestral truco
de magia. Cosechamos tanto éxito que empecé a concederle sus
excéntricos caprichos: prestarle mi corazón como lavadero de sus
trapos sucios, mis ojos, ventanas indiscretas, por donde asomarse al mundo. Pero cuando deshizo las maletas en mis recuerdos,
cambiando la decoración de mi pasado, la expulsé y comenzó mi
descenso por la espiral del olvido.
Ángeles Sánchez Portero
Kum*
http://mundoenungranodearena.blogspot.com
http://haikumk.blogspot.com
Predicción
Invasión
R
M
egresé a casa y ya en el portal noté que la luz era más gris
que últimamente. Accedí al interior y en el rellano, las paredes ocres mostraban amplias grietas a punto de resquebrajarse.
Cuando abrí la puerta, un olor amaderado inundó mis pulmones. Y
en el suelo, un manto de besos marchitados, me marcaba el camino directo hacia nuestro dormitorio. Tus armarios vacíos, la cama
hecha y los cuadros de fotos, sin ellas, me anunciaron que este
invierno haría mucho frío.
e quedé a esperarla sin pasar de la entrada. Poco a poco,
ella había ido tomando cada estancia a pasitos cortos, sin
que nada ni nadie pudiera detenerla; y yo, después de mi intento de
huida, fui obligada a regresar por los cancerberos de bata blanca
y sonda gástrica. Antes de verla frente a mí, con la cara amable
de mi bisabuela, olí su perfume de adormidera. Me despedí de mis
recuerdos, luego dejé que ella invadiera con un abrazo, el último
rincón de mi cordura.
David Moreno
Lola Sanabria
http://nocomentsno.blogspot.com
http://lolasanabria.blogspot.com
Por instinto
La unión hace la fuerza
S
uena la señal de paso. El ciego comienza a cruzar la calle.
Lo arrolla un camión. En su jaula del primer piso, el loro mira
para otro lado.
Pablo Gonz
L
o enrollamos despacito, como hace mamá con la alfombra
del salón, lo cargamos a hombros entre todos y lo tiramos
al río. Fue un robo sonado. Después tuvimos cinco meses de vacaciones: el tiempo que tardaron los mayores en construir de nuevo el
camino hasta la escuela.
Elisa de Armas
http://pablogonz.wordpress.com
RUIDO
http://pativanesca.blogspot.com
10
Literatura
JOSE ANTONIO LÓPEZ HIDALGO
“La luna en el agua”
LOS LIBROS DE LA GUANDILLA
Por Yose F.
C
omo el mismo autor me escribió en la dedicatoria, éstas son palabras del pasado en el presente, así que
estamos ante una obra de ficción pero basada en hecho reales. Qué hay más real que la guerra civil, esa
contienda que dividió literalmente a España, y por ende, a familias, compañeros, hermanos, amigos o vecinos.
Porque nadie, y menos en una guerra, se puede considerar víctima sin al menos no haber sido culpable alguna
vez. En esta nueva obra, López Hidalgo, autor afincado en La Palma, vuelve a indagar en la memoria histórica
de su tierra, el valle del Ebro y toma como eje de la historia a la familia de Eloy y Sabina y sus cuatro hijos, a los
que dan réplica un nutrido grupo de personajes que hacen de la narración pura historia vivida, sentida, padecida,
y sin caer en juicios maniqueos, como el señoritingo Don Rodrigo, el farmacéutico Anselmo, el cura Asterio o la
puta del pueblo, La Ráspula y su hija Susana. A parte del carácter rastrográfico de las vidas de todos los personajes a lo largo de varias generaciones, destaca la forma en la que está tejida la narración con sucesivos cambios temporales, así como ese complejo
pero inteligente recurso de presentar los nudos para luego resolverse en el
mismo andar de la novela. Como nos tiene acostumbrado este palmero de
adopción, la historia es corta, pero de aliento intenso y tras su lectura no
puedes sino sentir ese regusto amargo que produce la ira, pero también
la convicción de que esa ira si no se controla puede golpear a sangre de tu
sangre, y aquello que nos unía desaparecer para siempre: así es como se
destruyen los pueblos y no sólo con bombas.
WILLY VLAUTIN
“Vida de motel”
LA OTRA ORILLA (2007)
Por Yose F.
R
escatamos la primera incursión en la literatura de Willy Vlautin, cantante y compositor principal del grupo
de rock-folk, Richmond Fontaine (algo así como el lado oscuro de Wilco). A partir de un hecho entre
fortuito y alevoso por culpa del alcohol, Frank Flannigan se verá envuelto en una huida hacia ninguna parte junto
a su hermano Jerry Lee. El atropello de un pobre chico negro en medio de una noche de ventisca y frío sume a
ambos hermanos en un peregrinaje en busca de redención y alivio visitando una sucesión de moteles al cual más
cochambroso y nauseabundo, aunque muchas de las veces se conforman con dormir dentro del coche y con
el sólo sustento de un pack de cervezas. Alcohol y dolor se convierten en las dos caras de una misma moneda.
Vlautin ha sido comparado en innumerables ocasiones con escritores de la talla de Raymond Carver al hacer del
sentimiento de culpa del individuo medio-bajo americano su tema narrativo. Sin embargo, como el mismo afirma, “se trata tan sólo de una pequeña historia oscura”. Historia que
envuelve varias historias más ficticias o no, a modo de cajas chinas.
No obstante de entre el aire de pesimismo y desesperanza surgirá
algún rayo de luz que dotará a esta historia de realismo y profundidad
humana. Mención aparte merece las ilustraciones que acompañan los
inicios de cada capítulo como escena premonitoria de cada situación
a cargo de Nate Beaty. Para los adictos (ya desde ahora) existe otra
obra de Vlautin, Northline, publicada en la misma editorial.
LIBRERIA
TRASERA
11
RUIDO
Cómic
Homo
Oh amanecer de los días, con el
fuego entramos en la noche del
sueño y del deseo antes de
despertar cuéntame fuego
eterno que nos depara el ansia
de ser dioses mañana.
Guión y Dibujos: Pako Hernández
Humo de la verdad
muéstrame el camino que
hemos de seguir y dime
quienes seremos en el
futuro.
ALIMÉNTAME Y DAME VIDA PUES
YO SOY TU, YO SOY EL VERDADERO
FUEGO QUE ARDE EN VUESTRAS
ENTRAÑAS.
HA!! TU QUE PREGUNTAS
QUERIENDO SABER QUIEN
SERAS MAÑANA, SONDEA
PRIMERO TU ALMA Y PAGA EL
PRECIO DE LO QUE RECLAMAS.
SEREMOS
SEGURIDAD,
GUARDIANES DE
VUESTROS TESOROS,
VIGILANTES DEL
PARAÍSO, SOLDADOS
DEL SISTEMA.
SEREMOS BIENESTAR,
ADMINISTRADORES
DEL SUEÑO, ARMONÍA
Y LEALTAD, REGENTES
DEL IMPERIO
S OY
S E G U R I DA D,
C O M O D I DA D
Y V I DA
E T E R NA
SOLO A CAMBIO DE UN
PEQUEÑO ESFUERZO
ALGUNOS RECIBIRÉIS LA
RECOMPENSA DE VIVIR
ACOSTA DEL RESTO.
SEREMOS VIDA
ETERNA, PALABRA DE
DIOS, SANADORES DE
ALMAS, PASTORES DEL
REBAÑO
Pues va a
ser que
NO!!
ALIMENTAD EL FUEGO UTILIZANDO A
VUESTROS HERMANOS PARA MANTENER EL
EQUILIBRIO Y VIVID COMO REYES AQUELLOS
ELEGIDOS DESIGNADOS COMO VERDADEROS
HIJOS DEL SISTEMA HIPNOTIZADOS CON EL
HUMO DE FALSOS SUEÑOS.
RUIDO
12
Arte
ENTREVISTA AL ESCULTOR JORGE BEDA
Por Merche Martín
“Sirena con gato”
250x65x60 cm
Estación marítima
Santa Cruz de la Palma
A tu llegada en el 96
encuentras una isla
con un paisaje virgen
de arte monumental,
todas las obras que
tenemos en rotondas y
plazas se han desarrollado fundamentalmente en la primera década
del siglo XXI. Con este
paisaje tan “bonito” y
todas esas esculturas
de aguadoras, aguadores, lecheras, plataneros, y vaquitas, no
estaremos convirtiendo la isla en un portal
de Belén descomunal.
Qué opinas de todo
esto, ¿hay tiempo de
remediar este desastre
o todo está muy bien?
Siempre hay tiempo
de meter una excavadora y utilizar todas nuestras obras de arte como
relleno de alguna zanja y
empezar otra vez .
Es verdad que estamos en un pequeño portal de Belén que es La
Palma, parece que la política de Canarias ha querido dejar a la isla como
testimonio de lo que fue
aquí la cultura, sencilla y campesina, y los monumentos que hemos realizado durante estos
años están en esta línea, son piezas que por
lo general tienen que ver con el entorno en
el que están, vacas, aguadoras, aguadores,
señores que realizaron hazañas sencillas, los
hemos homenajeado con nuestras obras porque esta manera de vida tradicional simboliza
los valores de nuestros padres y abuelos que
se pierden por minutos, la solidaridad, la familia, la amistad… no es muy moderno, pero lo
moderno está ya muy viejo.
a los horizontes de las islas que se pierden
y vuelven a aparecer. Las musas de carne
y hueso. Los viajes espaciales. ¿De qué
manera se refleja la realidad del artista en
su obra? ¿O es más bien la fantasía la que
puebla tu ideario?
En general estoy en contra de las fantasías y de los sueños, lo único que me interesa
realmente del arte es alguna de las musas de
carne y hueso, a través de ellas se refleja mi
estado de ánimo, sin musa no quiero ni pintar y mucho menos esculpir. Me sirven igual
cuando las amo que cuando me dejan de querer, si me quieren los colores brillan y si no se
apagan, buscan el gris.
El arte reivindicativo, colectivo, compartido, los proyectos multidisciplinares, las
escuelas de pensamiento, la filosofía de
la vida relajada que envuelve el día a día.
¿En qué medida es enriquecedor para ti
compartir las ideas con otros artistas?,
¿qué opinas de la escena intelectual de La
Palma? ¿Hay una corriente de pintores y
escultores actual que se mueve?
Sí, creo que el arte, además de ser una
forma de vida, debe servir como testigo del
momento social. Compartiendo experiencias
con otros artistas es como se crean las corrientes estéticas y de pensamiento porque el
arte es más un gesto social que un acto individual. Hay una serie de pintores y escultores que viven del arte en esta isla, cosa nada
fácil, existe un cierto vínculo entre nosotros ya
sea de simpatía o antipatía, todos queremos
desde el origen asociarnos para hacer fuerza
pero nos falta fuerza para asociarnos, estamos quizás demasiado ocupados pensando
en nuestras musas.
¿Qué es lo que más te atrae de la vida de
artista? La bohemia ¿es una palabra romántica o es un estado irremediable?
Sinceramente creo que es un estado irremediable , yo no he conocido otra forma de
vida
¿Cómo influye el espacio
isleño en las ideas de un
artista de la piedra? Qué encuentras en esta isla mineral
lejana de tus patrias. ¿Tal
vez aislamiento y soledad?
Si, principalmente aislamiento y soledad que se acentúa con la disciplina de la talla
en piedra. Si te digo la verdad
no se qué demonios hago
aquí.
La macrocultura de una isla
atlántica la última de un archipiélago casi perdido en el
océano. Del océano al verde
de las montañas, del volcán
13
RUIDO
Arte
¿Quién era Picasso?
Un señor que vivió como
artista moderno hace cien
años o más.
En tu última exposición
has presentado una serie
de pinturas al óleo muy colorista, que choca quizás
con la sobriedad de la piedra, ¿qué te mola más la
brocha o el cincel?
La brocha me libera del
cincel y el cincel me hace
sentir fuerte.
“Árbol de los siete cejos”
800x400x200 cm
Talla de madera pintada al aceite
Puntallana
Como escultor vasco que
eres debes tener una admiración especial por Eduardo Chillida, ¿qué significaría tener un monumento
como Montaña Vacía para
la isla de Fuerteventura?
¿Alguna ideíta vasca que
se te haya ocurrido para La
Palma?
Cuando llegué a Canarias
se estaba hablando de comenzar con el proyecto. Yo
tenía la idea de ir a ver a Chillida para ayudarle con la montaña Tindaya. La montaña vacía
se le ocurrió viendo Menorca y yo vivía en Menorca antes de venir aquí.
El sentimiento estético de Chillida viene de
este rollo socio-industrial- tradicionalista vasco
en el que la unión de las masas nos hizo crecer con el espíritu de David ante Goliat.
La simple idea de vaciar una montaña en
una isla vacía es muy indicativa de esta forma
de ver la vida, y ha sido buena incluso sin haberse realizado, ha hecho que la gente piense
en la belleza de este paisaje desolado y estéril, que lo quieran más.
La Palma es una isla que, por su situación,
su paisaje y por su historia, contiene todos
los ingredientes necesarios para impulsar
los más extraños mitos, historias y leyendas, un carburante completamente ecológico con el que alimentar el patrimonio
cultural y monumental de manera beneficiosa para toda la comunidad, cuéntanos
tu proyecto para esta isla.
La idea sobre la que llevo trabajando desde
que llegué a la isla es la del Jardín de las Hespérides, un mito que habla muy bien de algunas de las cualidades de la isla, Los romanos la llamaban isla de Juno, Junonia, isla del
amor maternal y del buen juicio, y a mí me ha
parecido una buena fórmula para representar
el vínculo histórico entre la Europa clásica y
las islas Canarias. En esta línea ya he realizado el monumento Junonia Hesperium Ortus,
instalado en Los Galguitos y la desaparecida
Fuente de Tinizara, y estoy trabajando en
otras obras como la La Escapada de Atlas,
una cara de piedra que irá instalada a la entrada del puente de Los Sauces y un proyecto
más personal que es la Sirena de Santa Cruz,
una pieza para fundir en bronce, que espero
poder erigir por suscripción popular próximamente.
De cualquier forma estoy abierto a comenzar
cualquier otra línea de pensamiento, como la
que he iniciado recientemente con el Árbol de
Los Siete Cejos en el Granel de Puntallana.
“Caballo Rosa”
170x130 cm
Óleo sobre lienzo
Obra intervenida en apoyo
al movimiento 15 M
RUIDO
14
Arte
SEXO Y ARTE
Notas sobre pintura
David Méndez.
E
l tema del sexo ha estado muy presente a lo largo de la historia de la pintura y el
arte en general, si bien las intenciones para con las diversas formas de expresión,
han sido muy dispares. Y no es de extrañar el hecho de que haya sido tan recurrido, puesto
que el sexo es un territorio complejo que por nuestra condición humana y animal, estará
siempre instalado en nuestra mente, y por tanto se convertirá en motivo de investigación y
reflexión. Nuestra conducta, nuestras experiencias, la época en la que vivimos, así como
un gran número de diferentes factores aportarán inevitablemente a las obras características
que marcarán la diferencia. Si pensamos por ejemplo en los maestros del Barroco, en la
última etapa de la producción de Rubens, sobre 1630, hay un gusto especial por los cuerpos
desnudos expresivos, por la vitalidad y la alegría de la piel sonrosada en movimiento y con
gran carga sexual.
Sin embargo, en otro grande barroco como es Velázquez, quien también se acercó al desnudo, sea por ejemplo en “La Venus del espejo”, la nota estética es superior a la carnal,
situando el tema en posición contraria a lo exótico de la carne. Y si damos un salto a 1900, en
otro grande como es Balthus, comprobamos como se trata de otra mirada. En 1908, finalizaba una obra sumamente erótica, “Muchacha dormida”; tumbada en una postura sugerente,
la joven descansa con boca entreabierta, envuelta en una oscuridad cálida y latente, sin
saber que es objeto de nuestra atención. Con Pierre Bonard, “Desnudo a contraluz”, 1908,
la importancia está, como pintor de influencia impresionista, en la luz que entra a raudales e
inunda la habitación, convirtiendo la estancia en un espacio lleno de erotismo, así como en la
presencia del agua de la bañera, lo que nos conduce directamente al desnudo. Se obsesionó
tanto con su mujer, que no paró de pintarla. Es curioso como las escenas de este tipo, esas
que nos hacen partícipes directamente, nos colocan en la posición de voyeur. Esto también
ocurre con el ya más contemporáneo Erich Fishl, en “Chico malo”, 1981, quien muestra
cómo un muchacho observa a una mujer abierta de piernas, que podría ser su madre, mientras le roba algo del bolso, símbolo de la vagina. El ambiente de la habitación acentúa la
atmósfera sensual, pero la escena nos hace pensar en un complejo de Edipo.
Si echamos un vistazo al arte Pop Británico, podemos señalar a Peter Blake, en “Puerta con
chicas” 1932. El lenguaje del Pop por si solo ya sitúa el tema en otra dimensión en la que
los elementos están fragmentados y se convierten en memorias discontinuas. Recortes de
revistas de mujeres que se insinúan sobre un fondo rojo. Es curioso que el soporte sea una
puerta roja. Por un lado recuerda a esos recortes que todos hemos puesto alguna vez en la
entrada de nuestra habitación, pero también parece presentarnos la entrada a su mundo de
fantasías sexuales. Con cierta relación estética, pero en el contexto de la posmodernidad “La
zarza ardiente”, 1982, de David Salle, es un compendio de imágenes en diferentes situaciones posturales y con distintos tratamientos y lenguajes que se yuxtaponen, pero con el nexo
de una temática sexual directamente pornográfica. Volviendo a 1900 pero en el contexto
alemán, Lovis Corinth se retrata con su mujer a quien mantiene un pezón entre los dedos
mientras bebe una copa de vino; parece mostrarnos la forma en que Dionisio lo posee. Casi
paralelamente, Otto Dix muestra más atrevimiento. “Dedicado a los sadomasoquistas”, 1922
es una obra amenazadora. Presenta un lesbianismo de un modo severo, despiadado como
todas sus obras, realista y de una fuerte crítica social que pretende escandalizar en la Alemania de entre guerras. Nada que ver con la visión que de esta tendencia sexual nos acerca
Tamara de Lempica en “Las dos amigas”, 1923, ofreciéndose ambas de modo insinuante al
espectador.
Ya más contemporáneas, algunas fotografías de Goldin Nan, retratan a transexuales en
1953 en un taxi de Nueva York, revelando su vulnerabilidad, como una crónica de la vida,
sin falta de pretensiones y con mucho realismo. Mas cercano aún, “El jardín”, de Paul Mc
Carthy, 1992, un hombre copula en el bosque con un árbol. Es una performance que se
acerca a lo grosero, para cuestionar en el espectador su moralidad sexual. O las fotografías
de Nobuyoshi Araki, de 1983, que revelan su vida privada, retratando los orgasmos de su
mujer, o fotos de prostitutas o estudiantes que se insinúan en diferentes situaciones desafiando al espectador. También son impactantes, aunque intencionadamente repulsivas,
algunas fotografías de Cindy Sherman; por ejemplo la serie “Untitled”, 1987, conjuntos de
vísceras y fluidos, nos remiten directamente al sexo, aunque es mucho más explícita en otra
serie también no titulada de 1992, en la que una especie de muñecos flexibles exhiben sus
genitales en actitud pasiva, pero como si fuesen marionetas del sexo. Pero para impacto visual y emocional, podemos ver alguna película de Larry Clark, como “Kids”, 1995, una visión
que pretende ampliar la conciencia y salir fuera de sus límites. En ella observamos como se
comporta la nueva generación de adolescentes de Nueva York, en la que el sexo, la violencia
y las situaciones extremas están muy presentes.
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RUIDO

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