OCIMAG #52 (download pdf)

Transcripción

OCIMAG #52 (download pdf)
Vestido y gafas de sol DIESEL, chaqueta ADIDAS, pajarita KRIZIA ROBUSTELLA, relojes SWATCH.
Fotografía: Isidro de Quesada. Estilismo: Anna Arroyo. Modelo: Ruxanda - Traffic Models.
STAFF
52
Dirección: Rubén Vidal.
Diseño gráfico y maquetación: Grafikproject.
Moda: Agustín Velasco, Anna Arroyo.
Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis.
Contenidos de diseño y arte: Tactelgraphics.
Arquitectura: Ester Giménez.
Web: Estudio Brotons.
Corrección: Míriam López.
Publicidad y marketing Valencia: Odile Iturraspe / [email protected]
Publicidad y marketing Barcelona: Lorena Solano / [email protected]
Publicidad y marketing Barcelona: Beatriz Acosta / [email protected]
Distribución Valencia: Walk & Paste.
Distribución Barcelona y Madrid: Oci Magazine.
Han colaborado: Jacobo Sánchez, Pili Rodríguez (Vice), Estudio Merienda, Anaïs Vauxcelles,
Isidro de Quesada, Sara Cáceres, Eliotte Casimiro, David Mingoranz, Cristina Terrón, Nando
Talavera, Uno Barcelona y Traffic Models.
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008. OCIMAG# 52 / abril 2012.
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(España). Información: [email protected] Tel.: 962 971 002.
SUMARIO #52
Ilustra: Tactelgraphics.
Básics
04. Cajón desastre
70. Local.in / guía de locales
Moda
06.
08.
56.
64.
News moda
Leandro Cano
Oblivion / editorial de moda
When the past was present / editorial de moda
Diseño
10.
12.
14.
16.
18.
20.
22.
42.
News diseño y proyectos
Pepo Salazar
Elisava
Städel Museum
1024 Architectes
Lo más de lo más
Bazar deco / Notizie a Milano
Mondo Tipográfico
Música
24.
26.
28.
30.
32.
34.
36.
38.
40.
News música
Nervo
Amatria
Dolores
Ursula 1000
M83 / crónica
Workshop RBMA / crónica
Kostrok / crónica
De analógico a digital
Arte
48. Palma-Valencia #1
50. Arte y expos
cajón desastre - reflexiones fuera de contexto / por Agustín Velasco
La insoportable levedad de las egoblogueras
AGUSTÍN VELASCO (SEVILLA, 1974) COMENZÓ
COMO PERIODISTA DE MODA EN EL 2001 DE LA MANO
DE LA PRESTIGIOSA REVISTA DE TENDENCIAS NEO2.
DESDE ENTONCES, SU TRABAJO HA VISTO LA LUZ EN
PUBLICACIONES COMO B-GUIDED, CALLE20, METAL,
NEO2, VANIDAD Y OCIMAG ENTRE MUCHAS OTRAS.
FORMADO EN EL PERIODISMO DIGITAL COMO
DIRECTOR DE CONTENIDOS DE CENTROMODA
DURANTE CINCO AÑOS, SE DEFINE A SÍ MISMO COMO
"ANTIEDITOR DE MODA". SUS CRÍTICAS DE PASARELA
SON CORROSIVAS E IRREVERENTES, NO EXENTAS DE
SENTIDO DEL HUMOR Y SIN SERVILISMOS.
Poneos en situación: yo, sentado en una cafetería, leyendo a
Kierkegaard (bueno, quien dice Kierkegaard dice el último
número de El Jueves, pero el caso es que estaba leyendo), y,
en la mesa de al lado, dos chicas posadolescentes charlando
con un marcado acento a lo Tamara Falcó. Una le dice a la
otra: “Pues sí, que me da en la nariz que no voy a aprobar ni
una asignatura – por lo que entendía, estaba en primero de
empresariales, y por todos es bien sabido que, si en el primer
año no apruebas al menos una, te echan a la calle con viento fresco – y para perder el tiempo – continuó – , mejor dejo
pasar este año sin hacer nada y ya el año que viene hago algo
de provecho”. Esto ocurrió en diciembre: por lo visto, la
muchacha ya tenía claro que en los siguientes seis meses no
tenía nada que hacer si se ponía a estudiar un poquito. La
otra le dijo que tenía mucha suerte de tener unos padres tan
comprensivos que le dejaban pasar todo el día apalancada en
la cafetería de la facultad y en los bancos del patio tomando
el sol los días que hacía bueno. “Sí, mi padre me ha dicho
que el año que viene haga lo que me dé la gana, pero que
este tengo que ir todos los días a la facultad, y eso hago.” El
padre de la susodicha le había dicho que no quería presionarla y traumatizarla, que no quería ser uno de esos padres que
tratan de vivir su sueño por medio de sus hijos y que no le iba
a imponer estudiar empresariales si no era su vocación: que
aprovechara este año para encontrarse a sí misma y que decidiera qué quería hacer en la vida. Y la otra le preguntó: “¿Y
qué quieres ser, tía?”. La respuesta me dejó muerto, casi se
me cae el donut al suelo y Kierkegaard en el capuchino:
“¡¡¡Bloguera!!!”. Pero no creáis que quería ser bloguera de
actualidad política-disidente a lo Yoani Sánchez, no; la
muchacha con el pelo largo e hidratado cual modelo de
Pantene quería ser egobloguera de moda, porque según ella
eso le abriría las puertas de las revistas de moda más prestigiosas del panorama patrio, estaría todo el día de desayuno
con los diseñadores y open days en los showrooms, y con un
poco de suerte H&M la llevaría a Nueva York para ver la presentación de la colaboración del diseñador de turno. Y la otra
le decía: “Oh, sí, tía, es ideal, puedes ir a las boutiques y pedir
ropa para hacerte fotos, darte un vueltazo con ella y devolverla después”. “Sí, soy una estilista genial”, puso punto final
la susodicha. Y yo pensé: pobres Amparo Utrilla, Natalia
Bengoechea, Carine Roitfeld, Grace Coddington… Toda la
vida doblando el espinazo luchando con burros de ropa,
recorriendo showrooms y pasarelas, creando introhistorias
para las sesiones fotográficas…, ¡y resulta que solo hace falta
abrirse un egoblog para ser estilista profesional (y de reconocimiento interplanetario)! Los padres deberían vigilar más de
cerca qué hacen sus hijos en internet. Cuando ves que tu hija
sale un domingo a las ocho de la mañana vestida como para
ser tronista en Mujeres, hombres y viceversa a buscar un descampado chic para hacer unas cuantas poses frente a la
cámara de su novio, debes plantearte que quizás esa niña
necesite ayuda. Ayúdala, sácala de ahí, hazle recuperar su
vida. Sí, quizás no pueda volver a ponerse frente a una cámara sin miedo a recaer, pero, claro, estas cosas son así. No sé
si las medidas de ajuste, la reforma laboral y el atajar el déficit tarifario de las eléctricas van a sacar a este país de la crisis, pero con una juventud como esta, salir, no sé si saldremos, aunque el cielo lo tenemos ganado.
news moda
CONVERSE - Varsity urbano
Converse presenta para esta primavera-verano 2012 su nueva colección textil inspirada
en el mundo de la música, el deporte y el street art. Una mezcla del estilo varsity con
el ambiente urbano. Diferentes gráficos y mensajes reflejan distintos estilos inspirados
en el deporte, la naturaleza y las artes. Las camisetas se transforman en lienzos donde
se aplican imágenes y mensajes mediante multitud de técnicas de estampación, que
van desde el crack print, que da un aspecto envejecido a las prendas, hasta el foil print,
para darles toques metálicos. Un total de ocho líneas para plasmar el espíritu intrépido
de Converse. www.converse.es
FEIYUE
Street Premium
Feiyue, en su persecución de sensaciones e inquietudes nuevas
que ofrecer a sus seguidores, ha creado el modelo Feiyue
Street, el cual ha sido diseñado como homenaje a las sneakers
que marcaron toda una época dentro de la cultura urbana.
Ligeras, flexibles, cómodas y modernas. Realizadas con
materiales de alta calidad como la piel de napa en color blanco
o negro, en combinación con la puntera y talonera en ante del
mismo color. Detalles altamente cuidados por la marca, para
convertir sus zapatillas en productos cuidados y selectos.
Feiyue, ¡todo un lujo de detalles! www.feiyue-shoes.com
LEVI’S COMMUTER
Levi’s lanza en España su nuevo producto performance: Levi’s
Commuter. Tras el gran éxito conseguido en Estados Unidos, Commuter
presenta para esta primavera-verano 2012 una serie de piezas icónicas
en denim y nondenim, pensadas y creadas para cubrir las necesidades
de los ciclistas urbanos: es resistente al agua, repele las manchas e
incorpora una cinta reflectante para aumentar la visibilidad. De día o de
noche, con frío o calor, con lluvia o sin, cuesta arriba o cuesta abajo.
Commuter, la fórmula perfecta para practicar ciclismo de forma
moderna, segura, funcional y, cómo no, con la firma y el sello de Levi’s,
¡tan genuino y auténtico como tú mismo! www.eu.levi.com
LEE
Puro surf-rock
El estilo vintage y el revival de los años cincuenta están de moda,
y la legendaria marca Lee lo sabe, por lo que ha hecho de ellos
una de sus inspiraciones de la nueva temporada veraniega. Una
gran variedad y selección de camisetas de algodón para su línea
masculina con novedosas estampaciones, es las que se hace
patente la combinación del estilo más puro del rock’n´roll y el
surf californiano de aquella época. Lee juega con diferentes
diseños gráficos vintage, y muestra una amplia variedad y
combinación de tonos y colores. No te resistas al más puro estilo
surf and rock’n’roll californiano de Lee, ¡más moderno y rockero
que nunca! www.lee.com
SWATCH
NEW GENT LACQUERED
Swatch vuelve a romper moldes y esta vez lo hace con la presentación
de su nueva colección New Gent Lacquered. Diez nuevos relojes son
sus protagonistas; los colores vivos y las esferas transparentes, que
dejan ver su mecanismo interior, los convierten en originales piezas y
consiguen, una vez más, sorprender y ofrecer algo novedoso y
diferente. Swatch, como siempre divertida y colorista, ha lacado cada
pieza de la maquinaria interna en distintos colores, y el resultado es
un gran contraste visual. Además, varios modelos de la marca se han
creado utilizando la combinación de colores, que hace de cada reloj
un modelo único y distinto. Este verano, viste tu muñeca al ritmo de
Swatch. www.swatch.es
Ray-Ban
Legends Collection
Ray-Ban cumple años y en esta ocasión, su 75.º aniversario, la reconocida marca
de gafas de sol lo celebra presentando la línea Legends Collection, en la que hace
una revisión de algunos de sus más clásicos e icónicos modelos. Fue en 1937
cuando Ray-Ban creó la mítica gafa de aviador para las fuerzas aéreas de EE. UU.,
que con el paso del tiempo se ha convertido en una de las señas de identidad de
la marca. Legends Collection reinterpreta sus diseños e introduce por primera vez
cristales de estilo vintage y en colores exclusivos. Busca los modelos Ray-Ban
Aviator, Ray-Ban Round Metal, Ray-Ban Meteor y Ray-Ban Laramie ¡y disfruta con
Ray-Ban de su aniversario! www.ray-ban.com
LEANDRO CANO
A star is born
QUE TODO EL MUNDO GRABE ESTE NOMBRE A FUEGO: LEANDRO CANO. PUEDO AFIRMAR SIN LUGAR A
DUDAS QUE ES UNO DE LOS TALENTOS MÁS EMOCIONANTES Y CON POTENCIAL CON LOS QUE ME HE
TOPADO EN MI CARRERA COMO EDITOR DE MODA. YA TUVE LA SUERTE DE DESCUBRIR SU TRABAJO
CUANDO SE GRADUÓ EN LA ESCUELA DE MODA LEONARDO CEADE DE SEVILLA, PERO NO PUDE
IMAGINAR QUE LA ECLOSIÓN DE ESTE GRANADINO IBA A SER TAN RÁPIDA Y TAN INTENSA COMO PARA
VERLO EN POCOS MESES EN LA PASARELA EMERGENTE DE LA MB FASHION WEEK MADRID, EL EGO.
Entrevista: Agustín Velasco
Desfile de graduación de CEADE, pasar por South 36.32n, ganar la Pasarela
Abierta, ser seleccionado para Ego…, ¿no debe de ser vertiginoso en tan
poco tiempo? Pues, siendo sincero, lo llevo lo mejor posible, pero a veces
siento que me superan las situaciones, muchísimas responsabilidades. Soy
bastante exigente conmigo mismo y siempre intento dar el máximo en
todos mis compromisos, pero no quiero dejar pasar ningún tren y tengo el
firme compromiso conmigo y con los míos de darlo todo en la pasarela y en
el complejo mundo de la moda. ¿Qué ha sido lo más complicado de su ela boración? La elaboración ha sido bastante compleja, porque en todo
momento he intentado que sea exquisita y delicada y he puesto en cada
puntada una intención y el deseo de ver materializarse mi sueño. Saliendo
de Andalucía, ¿te has sentido alguna vez descontextualizado o incomprendido por tu concepto de la moda? Mi decisión de dedicarme a la moda fue
un poco tardía, pero tan firme que en ningún momento percibí nada que
me hiciera dudar de ella. Hubo quien estuvo más de acuerdo con mi idea y
quien menos, pero nadie me desalentó ni intentó apartarme de ella, porque
vieron como me sentía cada día más volcado y más feliz con mi proyecto.
Era imparable; soy imparable. Pocos podrían tildar tu colección de “andaluza” y, sin embargo, lo es desde la raíz más profunda del concepto. ¿Cómo
es la Andalucía reflejada en Buffet, tu colección debut? Para mí, Buffet es
una pincelada de la esencia de Andalucía; aunque no es la de la Carmen de
Mérimée, sí es una Andalucía soñadora, que pisa fuerte en la pasarela
paseando con solemnidad toda la carga de su historia y con esa fortaleza
sustentada en un trabajo hecho a consciencia. Nos muestra a una mujer que
impone su sello, su fuerza y su imagen ante el mundo entero, sin complejos ni limitaciones. Ese es el Buffet que yo quiero mostrar para saciar a todo
aquel que se sienta a disfrutar mi obra. ¿Hacia dónde vas ahora? ¿En qué
estás trabajando? Creo que será difícil conseguir algo parecido a Buffet,
pero he de intentarlo. De hecho, la próxima colección la tengo pensada
desde hace muchísimo tiempo; era la primera opción cuando presenté
Buffet, pero no encajaba en el entorno ni el momento, aunque la próxima
vez sí lo hará. Mi camino es siempre hacia delante, intentando salvar todos
los obstáculos que encuentro a mi paso, que no son pocos. Planes y proyectos tengo muchos, pero me encuentro con un hándicap terrible para
cualquier diseñador novel que no se encuentre apoyado por un gran patrimonio familiar o un nombre de cierta relevancia: para sobrevivir tenemos
que invertir nuestro tiempo en cubrir necesidades básicas, y de ahí siempre
sale perjudicada nuestra creatividad. Sería muy conveniente facilitar ayudas
a la creación artística para los que se encuentran llamados por esta senda.
¿Qué es lo que más te ha chocado del mundo “real” de la moda tras salir
de la escuela? Que es todo mucho menos idílico de lo que yo me pensaba,
menos bonito, “la cruda realidad” es más fea; aun así, para mí es un mundo
que me apasiona mucho, y solo quiero ver la parte positiva, se vive mejor
así. ¿Cómo ha sido la experiencia de ganar el Almacén de Ideas en Murcia?
Ha sido un punto y aparte en mi vida profesional. De ahí me seleccionaron
para desfilar en otras pasarelas españolas y más tarde llegó el salto al Ego.
Sin duda, he conocido a muchísima gente que me ha apoyado muchísimo
y me sigue apoyando. ¿Y Ego? Ha sido sin duda la mayor experiencia de mi
vida, y no exagero cuando digo: “ten cuidado con lo que deseas, porque se
puede hacer realidad”. Para mí, desfilar en el Ego era el mayor sueño de mi
vida, he luchado muchísimo para conseguir llegar ahí. Lo he vivido tan
intensamente que todo me parecía anecdótico; fueron tres días inolvidables.
news diseño y proyectos / por Tactelgraphics - tactelgraphics.tumblr.com
Étapes, todo tiene un final...
Las publicaciones sobre diseño, las revistas en este caso, pero los libros también, están
atravesando una muy mala época más o menos en todas partes. El cierre de Étapes
parece definitivo: no saldrá ningún número más después de este último que acaban de
lanzar, el 17. Posiblemente, en una coyuntura más favorable, podría retomarse el proyecto, pero, a la vista del futuro que se nos viene encima, no creo que ocurra. Una pena
muy grande. Nos despedimos de una de las mejores revistas especializadas que ha
habido y probablemente habrá en nuestro país. www.etapes.es
ROMKA MAGAZINE
Algunas fotografías son más importantes que otras, ya sea para
preservar los recuerdos de tus seres queridos, lugares que dieron
forma a tu comprensión del mundo o los acontecimientos de
impacto en tu vida. Romka Magazine está dedicada a las fotos
que guardas en tu cartera o en la puerta de la nevera. Imágenes
de gran valor sentimental que van más allá de la calidad fotográfica. No se trata de tus mejores fotos, sino de tus favoritas.
En esta edición de Romka Magazine, profesionales y aficionados
de treinta y tres países comparten sus tesoros. Esta vez, la revista cuenta con una historia ilustrada por el autor Pablo
Kwiatkowski y una colección de fotografías tomadas en Londres
por la artista Steven Chandler. La portada de este número es
obra de Evgeny Lebedev y en su web se puede encontrar desde
la forma de participar en esta publicación hasta las colecciones
fotográficas vinculadas a la revista. romkamagazine.com
RESISTENZA, tipografía reactivada
El estudio de diseño gráfico Resistenza se formó en el 2008 en Valencia.
Giuseppe Salerno y Paco González unieron sus fuerzas para llevar a cabo su
proyecto más ambicioso: dar rienda suelta a su pasión por las tipografías y sus
diversas aplicaciones. Se podría decir que son una vuelta de tuerca a esto del
llamado revival del hand-made, como si se tratase de un revivir de la tipografía
involuntario a la vez que sumamente estudiado. Fuentes digitales previamente
diseñadas y dibujadas a mano inspiradas en la década de los setenta, en el
afrobeat, en el constructivismo ruso (las vanguardias en general)… Cualquier
cosa parece servir de inspiración a estos dos jóvenes creadores. Ahora mismo
parecen asentados en Canarias, pero en breve se trasladarán a Berlín, donde
probablemente encuentren su lugar, aunque nunca se sabe… Tenemos
Resistenza para rato. www.resistenza.es
GOLDEN GLOBOS 2012
Cómics dorados
¿Por qué unos nuevos premios de cómic? Hay un montón, y de
mucho prestigio, tanto en España como en todo el mundo.
Entonces, ¿por qué unos premios más? En IluStation les gusta
hacer bien las cosas, cuidarlas hasta en el más pequeño detalle.
Si alguna vez habéis asistido a alguna de las actividades, exposiciones, fiestas o eventos que han organizado, sabréis que tienen gusto por las pequeñas cosas. Ellos piensan que el éxito no
está solo en el talento o la genialidad, sino también en los detalles que hacen que amemos algo. El savoir faire, la clase y el
"ese no sé qué" son sinónimos de estos pequeños detalles que
tanto les gustan. Ha llegado el momento de colocarlos donde se
merecen. Ha llegado el momento de los premios Golden Globo.
www.goldenglobos.blogspot.com.es
Chubasco, a golpe de lápiz
Eduard Bagur, Chubasco, presenta en la galería La Real de Palma de
Mallorca NEU, FUM, una exposición que recoge sus últimos dibujos realizados con lápices de colores. En los últimos años, Chubasco ha estado
dibujando y pintando retratos y personajes con una intención muy fotográfca, intentando capturar gestos o momentos bellos que no llega a
explicar. Durante el último año, desde su llegada de Londres, ha empezado a realizar dibujos que no se limitan al rostro o a un personaje, sino que
amplía el dibujo hacia el universo particular de estos personajes. Su background, el decorado. NEU, FUM es el resultado de este nuevo trabajo de
Chubasco, treinta y cuatro dibujos que pretenden eliminar la presencia
humana y dotar de protagonismo a la arquitectura, a los lugares. Serán
los espacios los que hablarán de lo que acaba de suceder, de lo que está
pasando o de lo que está a punto de acaecer. www.soychubasco.com
OH YEAH STUDIO
Los guiris se revolucionan
Noruega nos ha traído cosas tan dispares como el black metal, las guiris rubias y salidas
y, ahora, Oh Yeah Studio. Dos noruegos (Christina Magnussen y Hans Christian, ambos
de Oslo) con una serie de objetivos claros: seducir, inspirar y crear respuestas emocionales
a todos los proyectos visuales que se les ofrezcan, teniendo siempre claro que la mejor
solución para un buen diseño es ser innovador y, por supuesto, comunicativo.
Multidisciplinares, sus servicios incluyen identidad de marca, dirección artística, diseño
web, diseño editorial, tipografía, ilustración y packaging. También desarrollan obra propia
mediante proyectos personales, tales como exposiciones, grabados, carteles o murales.
De su trabajo y de su estilo se debe destacar la constante fusión entre lo analógico y lo
digital. Oslo mola mucho. www.ohyeahstudio.no
PEPO SALAZAR
TRANSGRESIÓN BIEN ESTUDIADA
PEPO NACIÓ EN VITORIA EN 1972 Y ES ARTÍFICE DE UNA DE LAS PROPUESTAS MÁS POTENTES DEL ARTE ESPAÑOL
CONTEMPORÁNEO. EN EL 2001 GANÓ LA MUESTRA DE ARTE JOVEN (INJUVE); EN EL 2004 EL MUSAC LE OTORGÓ EL
PREMIO MUSAC GRANT FOR CREATION, Y EN EL 2008 OBTUVO EL CAM GRANT FOR ARTS 2008 EN VALENCIA. HA
EXPUESTO EN SITIOS COMO EL PALAIS DE TOKIO, LA BIENAL DE VENECIA, EL ARTIUM O LA GALERÍA LUIS ADELANTADO…
LA OBRA DE PEPO GENERA ACTITUDES Y REFLEXIONES NUEVAS, CAPACES A SU VEZ DE PRODUCIR MATERIA CRÍTICA.
MUCHAS DE SUS PIEZAS NOS TRANSMITEN LA IDEA DE QUE ALGO ACABA DE PASAR O DE QUE ESTÁ A PUNTO DE
EMPEZAR. ESTO PONE DE RELIEVE UNA DE LAS PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DEL TRABAJO DE PEPO: EL PROCESO.
WEBS.ONO.COM/PEPOSALAZAR
Entrevista: Tactelgraphics
Eres de Vitoria y vives en Valencia… ¿Puedes explicar esta extraña migra ción? ¡Ja, ja, ja! Bueno, acostumbro a procurar no estar mucho tiempo en
una misma ciudad; he vivido en Nueva York, Berlín y Bélgica, por ejemplo y
ahora estoy pensando en desplazarme a París al menos por un año. Pero la
verdad es que en Valencia llevo ya un tiempo largo y el motivo..., pues
bueno, vine a hacer una exposición en una galería aquí y conocí a la que
fue por bastante tiempo mi pareja. Buscando información sobre ti me
encuentro con frases como esta: "La duda sirve como motor de la literatu ra y de la vida en general". ¿Todavía dudas de tu obra? ¿Es ese el sino de
todo artista? Creo que sí; o más bien, más que el sino, es la obligación del
artista. Piensa que el cuestionamiento, la cuestión, frente a "lo dado" (pues
nos lo encontramos ya construido frente a nosotros) genera preguntas que
el pensamiento va a necesitar resolver y superar, y eso me parece que pone
en marcha muchísimos aspectos. Por lo tanto, sí, hay que dudar incluso de
lo propio y de forma radical (de raíz). La exposición Walk Among Us
(Attack, Sustain, Release, Decay) que presentaste en Artium en el 2009 es
de lo más consistente y bestial que he visto en este país. ¿Qué supuso para
ti? ¡Gracias!, ¡me halaga! Para mí supuso bastantes cosas, sinceramente.
Primero, el manejar varios tipos de formato a un mismo tiempo, varias instalaciones, esculturas, fotografías, etc., y tratar de coordinar todos los significados y cuestiones estéticas entre unas y otras. También el hecho de trabajar casi un año y medio seguido en un proyecto. Fue muy gratificante
estar en mi estudio generando y viendo como crecían las cosas. Había días
en que, al entrar en el estudio, yo mismo alucinaba, pues parecía un lugar
extraño, donde vivía un freak, rodeado de cosas raras e incomprensibles.
Biziak ha sido (y será) probablemente uno de los espacios de arte contem poráneo más interesante que ha tenido la Comunidad Valenciana. ¿En qué
punto estás de este proyecto? Bueno, gracias otra vez, ¡pero puntualizaría
que en Valencia hay un par de espacios muy interesantes también! Biziak
ahora mismo está pasando por un momento de pausa por cuestiones económicas y personales que han trastocado un poco mi organización diaria,
pero una vez se haya superado esta fase espero que vuelva a estar en marcha, aquí o donde me encuentre. Es un proyecto que financio y llevo a cabo
prácticamente solo y en ocasiones es complicado coordinarse. Yo creo que
el proyecto, desde la humildad que creo necesaria en el sector del arte, es
muy sencillo pero con mucho contenido, y que trata de generar camaradería en el sector y entre otras cosas. La música es algo muy ligado a tu obra,
el punk, el hardcore, la new wave, la música experimental… Eres muy
ecléctico. Quizás el nexo entre todos estos estilos es la oscuridad y la rotun didad de su sonido. ¿Cómo afecta esto a tu obra? Quizás, sí, aunque no de
forma premeditada. Llevo haciendo música desde 1996 aproximadamente
y he pasado por muchas fases. Respecto a la relación con mi obra, creo que,
al ser una parte muy importante en mi vida (en mi familia, mis hermanos
son todos músicos; o hacemos música, mis padres son unos grandes melómanos que nos inculcaron el amor por ella) simplemente está, figura entre
las ideas que manejo a la hora de generar un trabajo nuevo. También
podría decirte que, conceptualmente, la cuestión de las subculturas musicales representa para mí un importante relevo de lo que por ejemplo fueron las vanguardias históricas, Dada, Fluxus, IS, etc. Aquel espíritu que
había en el arte ha sido en gran medida fagocitado por el mercado y las
visiones economicistas que imperan, y creo que las culturas underground o
independientes están funcionando internamente de manera más sincera y
comprometida con la idea del arte. Háblanos de tu nuevo disco, Illcons, que
edita Discos Buen Pony. “Su abanico de influencias puede ir de Eric Satie
a Napalm Death”, dice la nota de prensa… Bueno, pues fue un trabajo que
surgió casi de forma casual al hablar con José Guerrero (Betunizer, Rastrejo).
Yo almacenaba una cantidad de piezas ingentes que no se habían editado
y José me propuso publicar un número de ellas. Para mí fue un placer.
Respecto a las influencias, pues sí, soy muy ecléctico porque pienso que
hay buena música en muchos lugares. Mi formación en todos los aspectos
ha sido siempre autodidacta, y esto te obliga a no desechar, a buscar por
todas partes, ya que no vas de la mano con alguien, y así encuentras maravillas. Aprendes de forma desordenada pero creo que más amplia y desprejuiciada. Cuando era joven, por ejemplo, escuchaba al mismo tiempo
hardcore punk y música electrónica, fundamentalmente planeadores alemanes. Como te decía, en mi familia también he visto un amor por la
música clásica, pero, a la vez, como se valoraba positivamente, por ejemplo, Napalm Death o Motörhead. Estás en la galería Upstream de Ámsterdam, y en España has pasado por cuatro. Menudo itinerario, ¿no? ¡Pues
sí! Y, por cierto, con la que más tiempo seguido llevo es con Upstream
Gallery. Hay una diferencia sustancial en la forma de trabajo en España en
relación con la de Europa. Digamos, por simplificar, más clara y recta, y eso
en ocasiones hace mucho más sencillas las relaciones laborales. Además,
como decías, soy un tanto rebelde y si veo aspectos injustos tiendo a cuestionarlos. En otras ocasiones, he tenido muy buena relación con el galeris-
ta, pero si no ha funcionado laboralmente ha habido que seguir por otro
lado. ¿Qué opinas de la autoedición?, ¿es la solución a la crisis, o simplemente otro recurso más? Pues, sinceramente, no es una cuestión sobre la que
haya reflexionado, a pesar de haber hecho fanzines desde que era un chaval. Lo que creo que es delicado y que hay que pensar es si las soluciones a
la crisis debemos plantearlas nosotros mediante la agilización de las ideas y
con la merma presupuestaria. Creo que es una forma muy sutil, otra vez, de
responsabilizarnos de una situación que no hemos generado. Creo que la
autoedición debe ser ejemplificante y que con su actitud debe designar los
abusos del main-stream (en Biziak también tratamos de hacer esto). Por
ejemplo, está pasando con ediciones que demuestran ser de altísima calidad
y baratas de producir. ¿En qué andas liado ahora mismo? Si se puede saber,
claro… ¿Liado de qué?, ¿de trabajo? Ahora mismo estoy acabando de preparar un taller para la Universidad Europea de Madrid, en el que vamos a
hacer una orquesta con objetos domésticos, sillas, muebles etc, y también
estoy en la recta final de una exposición colectiva sobre la idea del encargo
y en torno al Guernica que se titula Tiempos de urgencias.
1
3
2
4
1. The Small Holder. Carlos Calahorra Soto, Xavier Puentes Ibáñez. / 2. Editorial. Wild in the streets. Sara Martínez.
3. James Blake. J. Ignacio Barbieri, Fernando Heller, Mario A. Fernández. / 4. Unzo. Jolie Amado, Karina Rodríguez.
ELISAVA Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona
Diseño al cubo
Barcelona es conocida como una ciudad que vive por y para el diseño, un arte que impregna todo el espacio urbano salpicado de museos, galerías de arte,
salas de exposiciones y showrooms. Es un auténtico imán para creativos y diseñadores de todo el mundo, que se sienten atraídos por su capacidad para
mostrar las últimas tendencias. Todo ello la convierte en uno de los mejores destinos europeos para los estudiantes de diseño. Creada en el año 1961,
ELISAVA es la primera escuela de diseño que se inauguró en España, con lo que se convirtió en la primera en ofrecer enseñanzas específicas de diseño. En
su condición de pionera, ha marcado unas directrices que han servido de punto de partida para otras escuelas. A lo largo de su trayectoria, el papel de
ELISAVA ha sido decisivo en la conformación de la cultura del diseño en Cataluña y en España. No solo porque gracias a su labor docente se han formado profesionales que hoy en día constituyen buena parte del sector empresarial del diseño, sino también porque desde su fundación ha sido una tribuna
abierta para todos aquellos que tienen algo nuevo, inteligente y reflexivo que decir. Cincuenta años con una línea formativa y de investigación pluridisciplinar, fuertemente orientada al mundo profesional, que impulsa colaboraciones con empresas, instituciones y universidades de todo el mundo. Toda una
trayectoria siendo pioneros en la enseñanza del diseño y la ingeniería, que se plasma en los grados oficiales que se ofrecen en ELISAVA: Grado en Diseño
y Grado en Ingeniería en Diseño Industrial, ambas titulaciones de la Universidad Pompeu Fabra. En este contexto, el área de másteres y posgrados de
ELISAVA ha ido creciendo progresivamente a lo largo de la última década y, actualmente, es capaz de ofrecer 22 másteres y 45 programas de posgrado de
gran calidad relacionados con la práctica profesional en cualquier ámbito del diseño, todos ellos pensados para dar respuesta a una realidad profesional
cada vez más dinámica y cambiante. La oferta se estructura en torno a cinco áreas principales: diseño gráfico y comunicación, diseño de producto, diseño
de moda, arquitectura e interiorismo, y estrategia y pensamiento, abordadas con programas que combinan lo genérico y lo técnico, que tienen diferentes
grados de especialización y que poseen el valor añadido de contar con prácticas profesionales en empresas que facilitan la inserción laboral de los alumnos. Un amplio abanico de posibilidades que abarca, desde la generación del concepto y posterior desarrollo de un producto hasta la creación de una colección de moda; desde el ingenio de una campaña de publicidad hasta el proyecto técnico de un espacio capaz de producir movimiento. Todo ello en un
entorno docente en el que, paralelamente, se fomenta el desarrollo de competencias profesionales que son importantes en el mundo laboral actual, donde
la formación tiene un marcado carácter práctico y donde los directores y profesores son profesionales reconocidos. www.elisava.net
STÄDEL MUSEUM
Círculos por todas partes
UNA AMPLIACIÓN PUEDE PENSARSE TAMBIÉN DESDE EL SUBSUELO, CON UN VOLUMEN
ENTERRADO. ASÍ DISEÑARON DESDE EL ESTUDIO DE ARQUITECTURA SCHNEIDER +
SCHUMACHER LA AMPLIACIÓN DEL STÄDEL MUSEUM EN FRÁNCFORT, UN VOLUMEN
ENTERRADO Y CUBIERTO CON UN MANTO VERDE AGUJEREADO POR LUCERNARIOS
CIRCULARES, LOS NUEVOS OJOS DEL MUSEO.
Texto: Ester Giménez / Fotos: Städel Museum, Frankfurt am Main, y Norbert Miguletz
A veces las soluciones más ingeniosas para resolver un proyecto son aquellas que desechas en un primer momento por ser demasiado arriesgadas.
Quizás la primera idea sea siempre la que satisface nuestros impulsos iniciales, que luego con el tiempo se van modelando hasta convertirse en algo
más convencional, algo más cercano a la realidad. Es posible que en el trayecto de desarrollo de la idea proyectual los múltiples agentes que intervienen y sobre todo el cliente transformen radicalmente el proyecto inicial. Es
probable que algo parecido a ese impulso inicial ocurriera en la gestación
de la extensión del Städel Museum de Fráncfort y los arquitectos del estudio alemán Schneider + Schumacher pensaran: ¿por qué no enterrar el
museo? Cuando se valora la extensión, lo primero que se dibuja en la
mente es un cuerpo añadido, un volumen anexo, muchas veces subordinado al existente. El equilibrio en una ampliación para que la novedad no se
convierta en un simple órgano trasplantado es complicado de conseguir. Sin
embargo, en esta ocasión la suma renueva al museo y la subampliación no
compite con el cuerpo original; lo subraya sin que la novedad pierda con
ello protagonismo. El estudio de arquitectura ha conseguido crear una
ampliación que ha renovado completamente la imagen del museo de arte
contemporáneo. Ganadora de un concurso convocado en el año 2008, y
compitiendo con estudios como Sanaa o Dillier + Scofidio, la propuesta fue
aclamada por la prensa y merecedora del primer premio ante un jurado
internacional. El proyecto ha sido inaugurado hace tan solo unos meses
ante la expectación de los visitantes y se prevé ir abriendo la ampliación en
diferentes fases. El proyecto propone una extensión subterránea, una
segunda pieza convertida en volumen enterrado junto al preexistente. Es
como si el espejo contemporáneo de la antigua pieza no pudiese ser más
que un reflejo en el suelo de su fachada reinterpretada. Desde el plano del
recorrido de acceso, el visitante descubre un nuevo manto verde agujereado. Esta nueva piel pisable del museo posee casi doscientos ojos converti-
dos en lucernarios translúcidos para la ocasión. Son esas aperturas circulares las que iluminan los tres mil metros cuadrados añadidos a la superficie
inicial del museo. Aunque se sigue accediendo a él por antiguo cuerpo, el
visitante pasa necesariamente por el ritual de recorrer el nuevo manto verde
esquivando o no los ojos sobre la piel y atravesando también el pequeño
montículo creado. Los lucernarios dispuestos en retícula responden a las
líneas compositivas y particiones existentes de las aberturas en la fachada
principal. Una vez dentro del foyer de la pieza preexistente, una magistral
escalera conduce al visitante al volumen enterrado. Este sostiene su cubierta curvada, montículo en el exterior, gracias a doce columnas de hormigón
armado de casi ocho metros de altura en su punto más alto. Sostenible en
todos los aspectos y especificidades técnicas, la ampliación responde con
acierto a las necesidades del museo y sorprende a los nuevos visitantes. Una
vez en el interior de las nuevas salas, los lucernarios se suman a los dispositivos de luz artificial interiores que proporcionan la calidad e intensidad
necesarias para iluminar las nuevas obras de arte allí expuestas. Sin duda,
en el interior, la nueva cubierta se convierte en protagonista; sus pliegues y
aperturas circulares hacen del escenario museístico una constelación lumínica. El espacio interior configurado se resuelve exclusivamente con elementos blancos; de nuevo la caja neutra blanca como paradigma del museo
contemporáneo. En el ambiente interior de las salas, los únicos colores los
proporcionan las obras de arte y las sombras de los pliegues en el techo,
que hacen que el espacio se asemeje a una escenografía futurista lejos del
manto verde exterior. De noche, en el exterior del museo, el manto poblado de agujeros de luz invade la visión en el acceso. La luz que entra de día
y sale de noche ha sido protagonista indiscutible del proyecto. Debemos
admitirlo: el estudio de arquitectos alemanes ha acertado una vez más, y el
impulso subterráneo ha situado al Städel Museum en el punto de mira.
1024 ARCHITECTES
El low-tech en escena
Texto: Ester Giménez / Fotos: Simon Deperez, Brice Pelleschi e Yves Malenfer
Ha sido sin duda el proyecto de Les Grandes Tables de L’île el que ha conseguido subrayar en los últimos meses el trabajo del estudio 1024 Architectes,
compuesto por Pierre Schneider y François Wunschel. Este restaurante-bar funciona como un punto de encuentro en la isla de Seguin, en París, enmarcado
en un jardín temporal. Un lugar donde está previsto un macroproyecto de Jean Nouvel. El último diseño del estudio francés recoge algunas de las claves con
las que vienen desarrollando sus propuestas desde la trayectoria dibujada junto con otros arquitectos en el colectivo francés Exyzt fundado en el año 2003.
Una de las principales características de sus proyectos es la temporalidad, entendida como un elemento más con el que configurar sus diseños. Partiendo de
estructuras efímeras, las situaciones que se desencadenan en el lugar mientras está en funcionamiento se convierten en las protagonistas de la arquitectura.
A la temporalidad de sus proyectos se suma la interrogación del usuario al plantearse el aparente uso que tienen las obras del estudio. Así, el restaurante de
Les Grandes Tables de L’île parece un invernadero a primera vista. El juego de las apariencias es sin duda un punto deliberado de partida en sus proyectos. Así
lo demostraron con el Square Cube, diseñado para el músico Étienne de Crecy, o el 3D Bridge, donde las proyecciones sobre las estructuras temporales hacían
que estas cobraran diferentes apariencias. Las obras mutaban de esta manera con multiplicidad de visiones, como si la arquitectura pudiese ser
permanentemente cambiante. Ya han demostrado en diferentes ocasiones que la combinación de videoproyecciones e instalaciones temporalmente habitadas
crea una arquitectura de la era digital, en la que la velocidad y lo efímero son dos elementos más sobre los que trabajar. Y esta forma de entender la
arquitectura es la que proponen consolidar mediante diferentes workshops, como el META-mapping, centrados en entender la importancia que los nuevos
medios digitales tienen hoy a la hora de crear una arquitectura. El equipo de 1024 Architectes, junto con el resto de los fundadores de Exyzt, ha sido sin duda
el precursor de lo que podríamos llamar el low-tech arquitectónico. Una forma de entender la construcción arquitectónica desde la utilización de materiales
fácilmente reutilizables, sin perder el valor estético de las obras. En el caso de este grupo de arquitectos, la utilización de andamios y contenedores para la
realización de sus obras ha sido una constante y ha ido proliferando de manera que ahora no son pocos los colectivos que se suman a esta escena low-tech
y entienden la arquitectura como una máquina productora de vivencias, de intensidades variables que, sin los usos múltiples, nunca podrían tener lugar.
lo más de lo más / por Jacobo Sánchez - www.puedesereal.com
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1. WeSC x RZA: Fiesta París. El pasado 10 de marzo, la marca de auriculares
WeSC, con motivo del Colette Carnaval, celebró en París una fiesta exclusiva
para los buenos amantes de la música. Se pudo ver la nueva colección de los
auriculares Chambers en colaboración con el rapero, actor, productor y
compositor neoyorquino RZA. La fiesta terminó con una performance de
Pusha T junto con sesiones de DJ Prince Charles, Arthur King y DJ Weedim.
Los nuevos auriculares Chambers by RZA los puedes encontrar en color
blanco, negro y rojo y blanco y azul. wesc.com
2. Vans x Colette + The Cobrasnake. El pasado 1 de marzo, durante la
Semana de la Moda de París, en la tienda Colette se presentó este modelo
Era de Vans en cuyo diseño podemos apreciar una hamburguesa
californiana, cortesía del fotógrafo The Cobra Snake y Vans. Se trata de una
edición limitada de sesenta unidades que solo estaban disponibles en la
tienda parisina; en apenas cuarenta y cinco minutos se agotaron todas.
¿Cómo no, con sesenta pares? www.vans.es
3. Herokid x Agustín Esteso. Nuestros amigos de Herokid acaban de
presentar Stray Birds, la colaboración que han realizado junto con el artista
Agustín Esteso. Se trata de una edición exclusiva y limitada de cuarenta
camisetas, parte de su colección primavera-verano 2012. Puedes comprarla
a través de su tienda online. www.herokid.es
Foto: Alberto Van Stokkum
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4. Ghetto Nails Girls. ¿Estás harta de que las chinas de tu barrio solo hagan
unas uñas de lo más hortera y simple que hayas visto jamás? Te presentamos
Ghetto Nails una movida que han montado las Zombie-Girls en pleno
Malasaña para poder customizar tus uñas de la manera más endémica
propia de EE. UU. Banderas, letras, escorpiones, hamburguesas, caramelos,
agujeros… No hay nada que no quepa en una uña. Tú propones, ellas
disponen. Y si lo que quieres es una buena sesión de manos mientras te
tomas un coctelazo, todos los jueves se hace Cocktel & Nails de las 16 a las
21.30 horas en el Zombie Bar de Madrid. www.ghettonailz.com
5. Nooka Zub Zan 40 & Zub Zoo 40. Nooka, la conocida marca de Nueva
York, acaba de presentar un par de modelos de relojes que llevan el nombre
de Zub Zan 40 y Zub Zoo 40. Podemos encontrarlos en analógico o digital.
La peculiaridad de estos modelos es que se pueden desmontar en dos
partes: la correa y la carátula del reloj. Puedes combinarlos como tú quieras.
Los encontrarás en la tienda online de Nooka. www.nooka.com
bazar deco / por Estudio Merienda - www.estudiomerienda.com
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NOTIZIE A MILANO
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Cuando uno piensa en diseño industrial, los colores verde,
blanco y rojo se presentan en su mente como la cuna de la
cultura del diseño, y no es para menos. Como cada año, el
Salone Internazionale del Mobile di Milano trae novedades de
las marcas punteras en el diseño de mobiliario, producto,
iluminación y textil.
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I love animals. Diseño de Pier Paolo Pitacco para Alessi. www.alessi.com
Isola. Diseño de Claesson Koivisto Rune para Tacchini. www.tacchini.it
Chair. Diseño de Nendo para Onepercentproducts. www.nendo.jp
The Cave. Diseño de Benjamin Graindorge para Moustache. www.moustache.fr
Relief. Diseño de Benjamin Graindorge para Moustache. www.moustache.fr
Block-vase. Diseño de Nendo para Onepercentproducts. www.nendo.jp
Amanita. Diseño de Hermanos Campana para Alessi. www.alessi.com
Sillón Tropez. Diseño de Stefan DÌez para GandÌa Blasco. www.gandiablasco.com
Bali. Diseño de Odosdesign para GandÌa Blasco. www.gandiablasco.com
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news música
Costa de Fuego, más madera
Durante la celebración en Benicàssim de la rueda de prensa de
presentación del festival Costa de Fuego, Año I, se confirmaron diez
nuevas bandas, encabezadas por los finlandeses Nightwish y los
británicos Paradise Lost. Además, habrá una importante representación
española con los clásicos de la escena Barón Rojo, Obús y Hamlet. La
lista la completan Amorphis, In Flames, Katatonia, Rolo Tomassi y
Noctem. Costa de Fuego, Año I tendrá lugar los días 20 y 21 de julio en
el recinto de conciertos de Benicàssim; sí, donde el FIB. Ya está
confirmada, como grandes cabezones de cartel, gente de la talla
metalera de Guns N´Roses y Marilyn Manson, entre otros muchos.
Vamos, heavilongos, a lucir el bañata paquetero con tachuelas.
www.costadefuego.com
Primeros artistas para
MONEGROS 2012
Monegros Desert Festival ha dado a conocer a los primeros
artistazos de su inminente edición del 2012. El festival, que
tendrá lugar en su emplazamiento habitual y desértico en los
aledaños de Fraga (Huesca), se celebrará entre las 17 h del
sábado 21 de julio y las 13 h del domingo 22. Entre los nombres
que han anunciado están los británicos The Prodigy; el
canadiense (aunque ahora residente en Berlín) Richie Hawtin, que
será el encargado de cerrar el festival en el escenario principal;
los archifamosos belgas 2manydjs y los hiphoperos zaragozanos
Violadores del Verso. www.monegrosfestival.com
The Bloody Beetroots en Black Lotus
El próximo 21 de abril Black Lotus celebra, en Qoqoa, su segundo aniversario, y para ello ha
contado con los apabullantes y electrosos The Bloody Beetroots -en su versión de DJ SET- para
tamaña cita. Será una de las pocas fechas que ofrecerán en España, y en Valencia actuarán
en exclusiva para Qoqoa. Además, se desvelará parte del espectacular line-up del nuevo Black
Lotus Festival, que se celebrará, el próximo 13 de octubre, en la Feria de Muestras de Valencia
y para el que contarán con muchos artistas internacionales -electro, dub step, inditronica,
new rave, drum step, etc.- de primer orden... No te digo nada y te lo digo todo. El mismo 21
de abril se pondrán las primeras mil quinientas entradas a la venta, ¿te lo vas a perder? Serás
el único. www.qoqoaclub.com
OCIMAG EN EL ARENAL SOUND
El día más musical del año
El Día de la Música 2012 -que realmente son dos: 22 y 23 de juniocontará este año en su cartel con The Raveonettes, St. Vincent,
Azealia Banks y Love of Lesbian, que participarán en el doble evento
musical que se celebra en Matadero Madrid durante los dos días
antes referidos. Además de estos grupos se ha confirmado la
asistencia de Two Door Cinema Club, Maxïmo Park, Metronomy,
Christina Rosenvinge, Twin Shadow, Fanfarlo, Apparat, Julia Holtes,
Mikal Cronin y Pegasvs..., casi nada al aparato. En las próximas
semanas se irán desvelando nuevas confirmaciones para el cartelazo
del Día de la Música 2012, por lo que atentos, que la jugada puede
ser maestra. www.diadelamusica.com
OCIMAG será el medio oficial del festival Arenal Sound en su edición
del 2012. Estamos muy preparados para darlo todo, y seguros de
que tú también lo estás, ¿verdad? En esta tercera edición del 2 al 5
de agosto en Burriana (Castellón), el dúo alemán Digitalism estará
para presentar su último y esperado disco en live, I Love You, Dude,
publicado a mediados del 2011. Esta es su primera fecha confirmada
en España hasta el momento. Además, se confirma a Crookers, Felix
Da Housecat, Cyberpunkers, Mumbai Science, DJ Amable, Rusty
Warriors, Pin&Pon DJ, Yall, Dorian DJ, Kostrok, Elyella DJ, Kill The
Hipsters, Gomad!&Monster, Lasers, etc. Ellos se unen a los ya
conocidos Two Door Cinema Club, Kaiser Chiefs, Metronomy,
The Wombats, Crystal Fighters, Kakkmaddafakka, Love of Lesbian,
Lori Meyers, Monarchy, Sidonie y Second. Como veis, la cosa se
pone bailonga... Pasen, lean y bailen. www.arenalsound.com
FIB 2012... SUMA Y SIGUE
Doce nuevos nombres se suman al fantástico cartel de FIB 2012, Benicàssim. Ed Sheeran,
Buzzcocks, La Casa Azul, Óscar Mulero, Jero Romero, The New Raemon, Django Django,
School of Seven Bells, Maya Jane Coles, Tuya y Ligers conforman el listado de artistas que
se unen a los ya anunciados The Stone Roses, New Order, Florence + The Machine, At the
Drive-In, David Guetta, Noel Gallagher´s High Flying Birds, De La Soul, Dizzee Rascal, The
Horrors, The Maccabees, Bombay Bicycle Club y The Vaccines, entre otros. Y atentos, que
el cartel aún no está cerrado. Os recordamos, además, que siguen a la venta los abonos de
cuatro días al precio de 165 euros, que incluye ocho días de camping gratuito -del 9 al 16
de julio-, así como los pases VIP y los tickets de la zona de acampada de pago del festival,
VillaCamp. Allí nos vemos, un verano más. www.fiberfib.com
NERVO
Dos veces buenas
LAS GEMELAS AUSTRALIANAS NERVO -PRODUCTORAS, DJS Y COAUTORAS DE WHEN LOVE
TAKES OVER DE LA SUPERESTRELLA DANCE DAVID GUETTA- IRRUMPEN CON FUERZA EN LA
ESCENA DANCE INTERNACIONAL CON SU SINGLE -LÉASE HITAZO PLANETARIO- WE’RE ALL
NO ONE. OCI TE LAS DESCUBRE… AGÁRRATE, QUE VIENEN CURVAS, Y NO SOLO
PRECISAMENTE MUSICALES… ¡AÚPA! WWW.MYSPACE.COM/NERVO
Texto: Fernando Fuentes
Nervo es el nuevo impacto que llega de Australia con el single We’re All No
One. No es frecuente toparse con artistas que lo tienen todo, pero ese es el
caso de Nervo. Las hermanas gemelas australianas Liv y Mim Nervo componen canciones de éxito, son productoras y DJ cuyo talento y habilidades han
atraído a los artistas más destacados del momento, interesados por las
letras inteligentes, melodías que enganchan y un atrevido y fresco sonido
electro-pop que llena el vacío entre el underground independiente y el
mainstream comercial. La impresionante selección de créditos que Nervo
tiene en su haber incluye coescribir y producir vocalmente la canción Boots
& Boys en el álbum de debut Animal de Ke$ha, que alcanzó lo más alto de
las listas (además de componer y coproducir para ella VIP y F*** Him, He’s
a DJ, componer y producir vocalmente cuatro temas en el álbum One Love
del DJ y productor David Guetta, incluyendo el single dance número uno en
Billboard When Love Takes Over con Kelly Rowland, que también fue número uno en ventas y un éxito en las emisoras en toda Europa (número uno en
radios durante once semanas) y Australia. También coescribieron If I Was A
Man del último trabajo Doll Domination de Pussycat Dolls, y Let’s Get Crazy,
de Miley Cyrus (la canción bandera de la película Hannah Montana: The
Movie). Su pasión desde siempre por la música de baile y la cultura club ha
llevado a las chicas a trabajar también con los mejores DJ, como Roger
Sanchez, Armin Van Burren, Deadmau5, Kaskade y Laidback Luke. Sus colaboraciones pop incluyen a Kylie Minogue, Ke$ha, Cheryl Cole, Rachel
Stevens (que consiguió un éxito top ten en el Reino Unido con Negotiate
With Love), y Sophie Ellis-Bextor, además de con algunos de los principales
fabricantes de éxitos como Rodney Jerkins, Cathy Dennis, Toby Gad,
RedOne, Mirwais, The Underdogs y Greg Kurstin, por nombrar solo a unos
cuantos. “Ha sido una gran experiencia trabajar con otros artistas y produc tores -cuenta Liv-. Nos encanta descubrir talento, comprender qué representa ese artista y alimentar su creatividad.” Ahora Nervo ha firmado un
contrato con el sello discográfico Astralwerks/Virgin Records que les permite publicar su propia música como artistas por primera vez en su carrera.
“Tras tantos años escribiendo y produciendo para otros artistas, estamos
encantadas de trabajar en nuestro propio material, que realmente represen ta lo que somos -declara Liv-. Cuando estamos en el estudio, tenemos la
oportunidad de disfrutar de total libertad artística y eso es muy gratifican te.”“En nuestras propias canciones, no existen barreras creativas, lo que
resulta muy emocionante”-añade Mim-. “La fuerza impulsora que nos ha
mantenido vivas es que realmente disfrutamos trabajando en el estudio dice Liv-. Nos encantaba componer y ser creativas. Pero también fue una
época muy dura y eso te aplana un poco. Sentíamos como que atravesába mos una crisis de los veinte.” Pero esta historia tiene su lado bueno, un
aspecto positivo. Muchos de sus colegas camareros y barman eran también
DJ, compositores y prometedores candidatos a productores, y las hermanas
empezaron a construir lo que Liv describe como “una encantadora comunidad que apoya a aspirantes don nadie”. Empezaron a ir a clubs y a sumergirse en la cultura underground de vanguardia de música y moda de
Londres, absorbiendo los sonidos de la pista de baile de artistas que les servían de inspiración como Daft Punk, Justice, AIR, Basement Jaxx y The
Chemical Brothers, mientras iban perfeccionando sus habilidades. “Los DJ
no iban en busca del éxito comercial, era hacerlo todo por la pista de baile
y hacer lo que te motiva -explica Liv-. Era más creativo. A los DJ con los que
trabajábamos les encantaba el hecho de que viniésemos del mundo pop y
que pudiésemos escribir melodías.” Liv se mudó recientemente a Nueva
York, mientras que Mim sigue viviendo en Londres, lo que permite al dúo
mantenerse al tanto de lo que pasa a ambos lados del Atlántico. “No podría
ser una situación mejor -cuenta Mim-. Nos movemos constantemente por
todo el mundo, así que siempre escuchamos sonidos diferentes y descubrimos nuevas tendencias; ahora contamos con una interesante plataforma
para canalizar todo eso.” Nervo asistió a la Winter Music Conference, dónde
presentó su debut dance This Kind of Love, que ha llegado al número uno
en las listas World Club y es número 2 en las listas de la semana de la música club británica (UK Music Week Club). Actuaron como DJ en fiestas para
Paul Oakenfold y Pete Tong, y compartieron escenario principal en el enorme Ultra Festival junto a los artistas internacionales más importantes de la
escena dance. “Queremos hacerlo todo -declara Mim-. Admiramos mucho
a gente como Timbaland, Missy Elliott, Mark Ronson, Diddy y will.i.am.
Todos ellos son conocidos como compositores, productores, emprendedores y artistas. No se espera que ninguno de ellos se quede en una única vía
y sea famoso solo por una cosa. ¿Por qué deberíamos hacerlo nosotras?”.
AMATRIA
Bailando pequeñas historias
TODO TIENE QUE EMPEZAR EN ALGÚN SITIO. ÉRASE UNA VEZ JONI ANTEQUERA, AL QUE SE
ENCONTRÓ TOCANDO LA GUITARRA, COMO A TANTOS OTROS ENAMORADOS DE LA MÚSICA…
TENACIDAD, VALOR Y SOBRE TODO MUCHA CONFIANZA EN SU PROYECTO HAN CONSEGUIDO QUE
UNA IDEA DIFERENTE SE HAYA TRADUCIDO EN UN DISCO DEBUT RECIÉN LANZADO MEDIANTE PIAS.
¿ES EL RESULTADO LO QUE DIFERENCIA A UN SOÑADOR DE UN LOCO?
Entrevista: Catalina Isis / Foto: Carles Rodrigo
“En el 2003 aprende a tocar.” ¿Todo? ¿La guitarra española, la guitarra
eléctrica, el teclado, la programación y el lanzamiento de loops? ¿Cuánto
has aprendido por el camino y con quién? En el 2003 aprendo a tocar la guitarra acústica, luego la eléctrica, pero en ninguna de las dos soy un virtuoso. El teclado lo chapurreo desde el 2005 por necesidad, a la hora de instrumentar para grabar en mi cuarto era imprescindible. Los bucles electrónicos
llegan de casualidad en el 2008 al comprobar que desde el controlador midi
puedo conectar un pedal y asignarle una acción que lance los bucles; así
nace Amatria tal como lo conocemos ahora. Joni Antequera y Gilberto
Auban en el formato dúo. ¿Dos multinstrumentalistas se entienden bien?
¿Tú también tocas con otros grupos, o te dedicas solo a Amatria? Se entienden bien si son profesionales y saben cuál es su papel. Gilber es Gilbertástico
cuando toca con su banda (Los Jajacobinos) y es Gilberto Aubán cuando
toca en Amatria. Yo solo toco en Amatria, me tira más la producción y composición que el directo; aun así, he de reconocer que si no estoy tocando en
otros grupos es porque no estoy seguro de mi calidad como ejecutor, cuando se trata de la creación de otras personas. Desde el 2009 hasta ahora has
sido finalista y vencedor de concursos, festivales... ¿Crees que ha sido la
mejor opción para conseguir un contrato discográfico y hacerte conocer? Sí,
pero indirectamente. Yo conocí a la gente que me está aupando mediante
un concurso, ellos eran la producción, así que hablaron de mí por allí y por
acá, no me perdieron de vista y al final PIAS se interesó cuando le pusieron
la demo; el concurso en sí no me trajo nada, pero los que organizaron el
evento y me vieron, sí. Otros concursos me han dado algún directo, pero
sobre todo veracidad y respeto. ¿Cómo se siente ser juzgado por personas
que sabes que es muy posible que no tengan una sensibilidad musical afín
a la tuya? Me encanta. Cuando uno de ellos se infecta siento que la transmisión está hecha: no le ha molado porque es afín a lo que escucha normalmente; le ha molado porque el conjunto de la obra le ha tocado la patata,
está dentro de él, se identifica, y puedes mentir a todos los demás pero
nunca a ti mismo. Así que lo veo como un reto, no me dan para nada igual,
voy a por ellos. Sin un pequeño sello de catapulta, has fichado nada menos
que con PIAS. ¿Cómo ha sido la relación? Estamos empezando, como quien
dice, pero va muy bien. Eso sí, tienes que ser consciente de que tú eres
pequeñito y de que ellos están acostumbrados a cosas más grandes; eres el
hilo fino de una madeja compuesta por hilos muy muy gordos, así que hay
que ser paciente y esperar tu momento, porque yo confío en lo que hago
firmemente, y sé que es cuestión de tiempo que el hilo finito se haga gordo
y pueda devolver la confianza proyectada en él cuando era fino. Ya no estoy
solo, eso es bueno pero también es una responsabilidad: ya no he de luchar
solo por mí; ahora he de hacerlo por todos los que están conmigo. Cuando
compones haces temas íntimos y juguetones, en los que la guitarra juega
con la electrónica... Pero cuando pinchas te van las remezclas. ¿Has pensa do en a quién querrías elegir como remezclador de tus temas, si pudieras
elegir a cualquiera? Gigamesh, probablemente. Aunque si hablamos de tronamiento total Gregori Klosman también me haría ilusión. ¿Cómo se toman
el pulso en la composición la guitarra, la voz y las bases? El proceso normal
es acordes de guitarra y línea de voz, luego instrumento con las bases y
hago pequeñas variaciones de estructura según convivan estas con la canción folkie inicial. Pero a veces comienzo con bases electrónicas y canto por
encima para crear las melodías, salen cosas diferentes y me gusta experimentar con ello. Yo no sé música académicamente hablando, por lo que no
sé las notas que canto. Me gustaría cambiarlo algún día, pero tiene su parte
buena, y es que la melodía se monta en función de lo que oigo y no en función de la escala en la que estoy, que aunque parezca lo mismo ya he comprobado que no es la misma cosa. ¿Qué significa Amatria para un desarrai gado? Es mi segundo apellido. Mi abuelo (Julio Amatria) tuvo dos hijas y
siempre decía que el apellido se perdía con él, y por otra parte llevo toda la
vida deletreándolo cuando hago alguna gestión oficial, así que, además de
gustarme cómo suena, me apetecía que no se perdiera.
DOLORES
Molando todo el rato
EL PANORAMA INDEPENDIENTE ESPAÑOL ESTÁ RECIBIENDO NUEVAS BANDAS DÍA TRAS DÍA Y,
CUANDO CREÍAMOS QUE NADA MÁS PODRÍA OCURRIR, QUE NINGUNA BANDA IBA A LLEGAR Y
DEJARNOS CON LA BOCA ABIERTA, APARECE DOLORES Y HACE QUE RECUPEREMOS LA ILUSIÓN.
UN DOLOR QUE GUSTA, AL CONJUGAR EN PERFECTA ARMONÍA SONIDOS OSCUROS CON
DESTELLOS LUMINOSOS, CONTUNDENCIA Y VAPOROSIDAD MUSICAL A PARTES IGUALES.
MELODÍAS Y LETRAS SUGERENTES QUE NO CAEN EN LA OBVIEDAD. RESULTA DIFÍCIL
CATALOGARLOS EN UN ESTILO CONCRETO, PASAN POR EL SHOEGAZE, EL POST PUNK Y EL
KRAUT IMPRIMIENDO A ESTAS FORMAS ESTILÍSTICAS PERSONALIDAD PROPIA. SU DISCO PÓSTUMO
(ORIGAMI RECORDS, 2011) HA SIDO NOMBRADO COMO REVELACIÓN EN EL PANORAMA MUSICAL
NACIONAL, UNA AUTÉNTICA BOCANADA DE AIRE FRESCO. ASÍ SÍ QUE MOLA SUFRIR.
Entrevista: Le Petit Circus / Agradecimientos: Pili Rodríguez / Foto: Tamara de la Fuente
¿Cuánto tiempo lleváis juntos? Desde que empezamos en casa, un año y
nueve meses. Desde que nos juntamos todos a ensayar, un año. El hecho de
llamarse Dolores a mí me llama mucho la atención; en mi cabeza, Dolores
hace referencia a iconografía religiosa, a tradición… Pero me imagino que
vosotros nos lo podréis explicar… Pues, por un lado, sí que tiene que ver
con eso, y, por otro, con el gusto por el drama, lo oscuro, lo triste… Vuestra
irrupción en el panorama independiente español ha levantado cierta expectación. ¿Cómo lo estáis encajando? Con naturalidad. Al principio nos abrumó bastante, fue todo muy rápido y en plan bola de nieve. Os han comparado con The Cure, Parálisis Permanente y El columpio Asesino, aunque yo
sigo pensando que vuestro estilo es muy personal. ¿Cuáles son las referencias de mayor peso en vuestra música? Cada canción puede tener su referencia. ¡Algunos han nombrado también a Pixies, a Cranes o a Stereolab!
Así que supongo que nuestras referencias son toda la música que hemos
interiorizado a lo largo de nuestras vidas, sin ninguna en concreto que nos
marque. Os vais a tocar a Berlín en este mes de abril compartiendo escena rio con Triángulo de Amor Bizarro, ¿qué significa esto para vosotros?, ¿hay
cabida para las bandas españolas en escenarios europeos? ¡Pues estamos
muy contentos y con muchísimas ganas! Salir de España, que sea a una ciudad como Berlín y que sea con Triángulo de Amor Bizarro es un gustazo.
Claro que hay cabida para los grupos españoles, hay muchas bandas con la
suficiente calidad. Y si a nosotros en España nos gustan grupos que cantan
en inglés, francés, alemán, idiomas inventados…, ¿por qué el castellano va
a suponer una barrera? Vuestras letras suenan a desamor, melancolía e
incluso resentimiento. ¿Cuál es la fuente de inspiración que genera toda
esta desazón? Las fabes asturianas generan mucha desazón y resentimiento. Estamos muy influenciados también por el lacón con grelos, por El
Descendimiento de la Cruz de van der Weyden, el punto de cruz y el macramé, Margaret Thatcher, Jara y Sedal, David Lynch, Guy Maddin, Bucarest, los
tatuajes carcelarios, las navajas de Toledo, Sangchili, los ligueros, el test de
Voight-Kampff, los ornitorrincos... Y no es coña. Luego, ser de mar nos hace
muy emos... Junto con Dolores, otras bandas como Pelea o Juanita y Los
Feos estáis poniendo un poquito de sal y pimienta al panorama indepen diente de nuestro país. ¿Podríais recomendarnos alguna de las bandas que
creáis que son indispensables? Fantasmage, Nudozurdo, Cosmen Adelaida,
Betunizer, Kokoshka, Odio París, Nadadora, Solletico, Edredón…
¿En qué festivales podremos veros esta temporada? Por ahora tenemos
fechas en el Let’s Festival, Pulpopop, Con V de Valarés, Planeta Demos…
¿Qué tan indispensable es reinventarse y, por el contrario, qué tan impor tante es ser fiel a un estilo? Lo realmente indispensable es ser honesto con
uno mismo y hacer lo que te pida el cuerpo. Si te sale seguir la línea que ya
has marcado, estupendo. Y si llega el momento en que te has cansado de
eso y sientes la necesidad de cambiar de registro, adelante. Y al que no le
guste el cambio o la continuidad, ajo y agua. Dolores es solo la punta del
iceberg, ya que sabemos que andáis con varios proyectos a la vez los diferentes miembros del grupo. ¿Qué nos podéis contar al respecto? No podemos contar nada. Es secreto de sumario. Si os dieran ahora mismo una
máquina del tiempo, ¿dónde y cuándo os gustaría nacer como banda? En
el año 800 000, cuando las personas vivan bajo tierra esclavizadas por los
morlocks. Nuestra música sería un bálsamo para las penurias de la humanidad. Eso o en años anteriores, cuando se vendían discos, se podía sobrevivir de la música y todo era nuevo, divertido y salvaje. ¿Cuáles creéis que son
los valores más consolidados que debería tener una banda para triunfar?
Casi que vuelvo a la respuesta anterior: honestidad. Por supuesto que tiene
que haber un mínimo de talento. Los demás aspectos pueden ser fundamentales también, así como sus contrarios. Molan las cosas profesionales, y
las amateurs también. Molan los grupos descarados y los de perfil bajo. Con
la honestidad por delante, todo vale. En vuestro debut, al que no pudimos
asistir debido al sold out, ¿cómo os sentisteis? Tuvo que ser una sensación
extraña... Sí, lo fue. Abrumadas es la palabra que mejor define las sensaciones que experimentamos esa noche. Hubo gente que vino desde lejos y que
se quedó fuera. Alucinante...
URSULA 1000
La felicidad por la mezcla
ESTE ESTRAMBÓTICO TIPO ES, EN SÍ MISMO, UN PISCOLABIS SONORO ANDANTE EN EL QUE CASI TODO
-SIEMPRE BUENO, GROOVY Y DIVERTIDO- TIENE CABIDA… MENOS LADY GAGA. DESDE LA ESQUINA
MÁS COOL DE NUEVA YORK, ESTE CIENTÍFICO LOCO Y MUSICAL VIENE A ESPAÑA PARA PRESENTARNOS
SU NUEVO DISCO, MONDO BEYONDO, EN EL QUE INDAGA, UN POCO MÁS SI CABE, ESE FASCINANTE
UNIVERSO SÓNICO EN EL QUE ABUNDAN LOS BREAKS, EL GLAM-ROCK, LA NU-BOSSA, EL TECH-FUNKY,
LA ELECTRÓNICA VINTAGE, EL ELECTRO-SOUL, EL EASY-LISTENING, ETC. A FLIPAR TOCA, NENES…
Entrevista: Fernando Fuentes
Regresas a nuestro país con nuevo disco bajo el brazo. ¿Qué nos puedes
contar de tu último trabajo, Mondo Beyondo, que presentarás por las mejo res cabinas de España en estas fechas? Mondo Beyondo es mi quinto disco
de canciones originales. Esta vez he querido hacer un álbum que no esté
influenciado por los sonidos del momento. Este nuevo disco tiene un sonido que estoy sintiendo ahora mismo. Y todo está tocado en vivo… Eso fue
un gran reto. Por cierto, en casi todas las críticas de Mondo Beyondo apa recen las palabras fiesta y entretenimiento… ¿Estamos ante un fiestero
recalcitrante? ¡Me encanta la fiesta! No estoy para nada por la labor de
oscurecer el sonido de Ursula 1000. ¡Esto es solo un paseo por la diversión!
Sabes que en España se te adora, hay auténtica devoción por tu sonido…
¿Te sientes arropado cuando vienes a pinchar a nuestro país? Me encanta
ir a España, no sé si sabes que mi familia es española. Me encantan la cultura, la comida y su gente. Ha sido siempre muy bonito tocar allí y conseguir una estrecha conexión sonora con la cultura de mis padres. Por cierto,
¿te gusta la etiqueta de DJ fashion y cool que te han colgado desde algu nos medios, por lo de ser DJ habitual en fiestas de Prada y Dior y al sonar
tu música en series como Sexo en Nueva York? Lo cierto es que no, puede
sonar un poco pretencioso. Se me ocurre hacer algunas fiestas para fashionistas y tener mi música colocada en algunos programas de televisión, pero
eso no me define para nada… Vayamos concretando: explorar, fusionar y
hacer bailar a la gente es lo que más le gusta a Ursula 1000… Sí. Me gusta
llevar a la gente en un viaje en el tiempo que no tiene que ser solo nostálgico… Me entiendes, ¿no? Por tu gusto por los breaks, el glam-rock, la nubossa, el tech-funky, la electrónica vintage, el electro-soul, el easy-listening,
etc., ¿te sientes como un rara avis dentro del panorama de los DJ actuales?
Me gustan muchos estilos de música, así que para mí ceñirme a un solo estilo es muy aburrido. Me gusta actuar como si fuera un científico loco del
sonido y ver si puedo inventar algo nuevo y único… ¡y sobre todo divertido! Tu padre es valenciano y era miembro de aquellos míticos Los Chavales
de la Banda de los años cuarenta y cincuenta… ¿Ya al nacer llevabas en los
genes el gusto por lo extravagante y original… y por la fiesta? La verdad es
que la música siempre estuvo en mi casa cuando yo estaba creciendo. He
aprendido mucho de eso y también de ver a la orquesta de mi padre en
directo. Además de maquinitas y platos de DJ, tocas una barbaridad de ins trumentos musicales… ¿Cómo empezó todo? Empecé tocando la batería y
luego comencé a experimentar con la guitarra. Sin embargo, los tambores
fueron siempre mi instrumento principal. Cuando descubrí la tecnología y
los synthesizers y sequencers fui capaz de alcanzar y conseguir mezclar
todas esas ideas que tenía en la cabeza. Desde hace tiempo ya no llevas vinilos y pinchas con CD, ¿te pasarás en breve al digital como otros tantos DJ?
Llegó un momento en el que viajar con todos los vinilos se convirtió en un
gran problema por el peso, así que cambié a CD. Pero todavía no uso portátil. Yo no soy gran fan de lo digital. En tus sets hay cabida para casi todo,
siempre que sea bueno, pero ¿hay algún estilo que nunca sonará en una
sesión de Ursula 1000? Uhmmmm... Lady Gaga. Vamos al grano: ¿qué dife rencias hay entre pinchar pensando en el ritmo y no en el estilo? ¿Es eso lo
que te permite sonar tan fresco, variado y felizmente desobediente? Para mí
lo importante son el ritmo y el tempo, y no tanto el estilo. Me gusta andar
entre breaks y house y electro y… ¡rock garaje! Mi truco es conseguir que
todo suene como “líquido”. Tu estrambótico aspecto físico -entre retro y
futurista- es otro de los atractivos añadidos… Creo que mi estilo refleja mi
música. También es una mezcla de épocas. A los mods de los sesenta, un
poco de los años ochenta, algo del glam de los setenta… Naciste en Nueva
York y resides habitualmente allí, ¿dónde te podemos disfrutar allí? Pincho
en un sitio que se llama Trophy Bar, en Brooklyn, que me encanta. Allí selecciono una mezcla de boogie-funk de los ochenta y se llama laser funk.
También pincho en Otto’s Shrunken Head, en Manhattan, en una fiesta que
se llama Turtleneck. Allí pincho más de los sesenta como soul y garaje. ¿Hay
algún artista español en tu agenda sonora y personal? Por supuesto,
Telephunken de Madrid y The Pinker Tones de Barcelona son grandes amigos míos. Hemos colaborado siempre. ¡Saludos desde aquí para ellos!
M83
Beats en tu cerebro
Texto y fotos: Le Petit Circus / Crónica: 12/03/2012 - Sala la Riviera, Madrid
Es cierto que esta banda es una de las qué más tirón tienen en la actualidad: reúne a gente de todas las edades, condiciones sociales y gustos musicales;
M83 gusta a todos. Su Midnight City se pasea por todos los puntos cardinales del planeta haciendo bailar y disfrutar a todo aquel que deja entrar esos
beats en su cerebro. En Madrid nos encontramos una muestra más de aquello de lo que venimos hablando, gente de todo tipo, hypsters, jovenzanos,
mayores, modernos, propios y extraños se dieron cita en la Sala la Riviera, una sala grande, preciosa, pero con unas carencias sonoras notables de principio a fin. La banda intentó por todos los medios sonar como sabe, pero la realidad era otra. He de decir que me encantó. Son un trío con mucha fuerza;
su líder y fundador, Anthony Gonzalez, junto con el incombustible bajista Jordan Lawlor son pura energía, pero nada sería igual sin la fabulosa teclista y
voz Morgan Kibby y su batería Loïc Maurin. Arrancando con la imagen del personaje que aparece en la portada del último disco y sonando de fondo Intro
dio comienzo el concierto, con un lleno absoluto debido al sold out que semanas antes nos notificaba la organización. El momento más mágico de la noche
vino de la mano de Midnight City, como era de esperar, que junto con Fall fueron los temas que más nos hicieron vibrar. El primero correspondiente a su
último disco, y el segundo es un remix espectacular del tema de Daft Punk, que apareció en la BSO de Tron Legacy. Hubo momentos también en los que
las pulsaciones aminoraron su velocidad y dieron paso a instantes más etéreos: fue el caso de Wait, una auténtica balada, una preciosidad. Una de las cosas
que podríamos destacar de M83 es cómo son capaces de moverse tanto en terrenos de beats acelerados y de adentrarse en un lo-Fi sutil, bello, incluso
con toques algo melancólicos. Debe destacarse que como punto final y como prueba del sonido deficiente de la sala, Anthony, inmerso en un arrebato
incontrolable, arrojó un altavoz y estrelló literalmente la guitarra contra el suelo, sin duda impotente por no poder disfrutar del sonido que un músico desea
ofrecer a su público. En definitiva, buen sabor de boca pese a las inclemencias sonoras, lleno hasta la bandera y un buen preámbulo para la posterior fiesta en los rincones más oscuros de la noche madrileña.
WORKSHOP RED BULL MUSIC ACADEMY
Aire fresco ante la saturación del mercado musical
Texto y fotos: Red Bull Music Academy
La Red Bull Music Academy volvió a visitar la ciudad de Valencia. Con el productor alemán Frank Wiedemann (Âme) como artista invitado, impartió un workshop magistral en Valencia, que se convirtió por unas horas en sucursal de Nueva York, donde este próximo otoño
tendrá lugar una nueva edición de la Academy. Wiedemann, uno de los dos integrantes del dueto Âme, dio su visión particular acerca
del estado actual de la producción musical internacional. Una escena, la de la electrónica, que necesita afrontar un período de reflexión
ante el excesivo número de trabajos que ven la luz. “Durante los últimos tres años, apenas hemos editado (como Âme) un par de referencias -reconoció-. No tenemos la necesidad de editar música si no merece realmente la pena. No queremos inundar un mercado ya
saturado de por sí.” Horas antes de ofrecer un elegante directo en el club Excuse Me??, la mitad de Âme desveló también sus secretos
como remezclador. Es decir, sobre el arte de “tomar prestada” una obra ajena y darle una vuelta de tuerca hasta hacerla propia: “No
existe diferencia entre hacer un tema original o un remix, el proceso es muy similar”. Un proceso que, según Wiedemann, puede resultar mucho más intuitivo de lo que se piensa: “No tenemos un método concreto, partimos de cualquier idea o sonido y lo vamos desarrollando. Por ejemplo, la línea de bajo no es la parte más importante ni mucho menos, como mucha gente opina”. Además de las
impresiones del alemán, los componentes del proyecto local Lontano realizaron un workshop técnico improvisado con cajas de ritmos y
hardware propio dejando entrever el buen estado de salud de la producción en nuestro país a pesar de las advertencias de Âme.
www.redbullmusicacademy.com
ARENAL
SOUND
KOSTROK CLUB
A la sombra de las torres
Texto: Oci Magazine / Fotos: Anaïs Vauxcelles. Crónica: 16/03/2012 - Torres de Serrano, Valencia
Viernes 16 de marzo, en plenas Fallas en la ciudad del Turia, nos encontramos en el histórico barrio del Carmen disfrutando del ambiente provocado por los miles de curiosos que
beben, hablan, observan fallas y circulan por estas viejas calles. Quedamos en la plaza del
Tossal con el equipo de Kostrok, ya que organizan la edición mensual de Kostrok Club completamente gratuita y al aire libre bajo las Torres de Serrano de Valencia, y eso no podíamos
perdérnoslo. Una vez reunidos, caminamos en dirección a las torres con el castillo de luces
deslumbrando entre los edificios y marcando nuestro paso ligero. Unas calles antes de llegar notamos un especial alboroto, a pesar del general que vive la ciudad en estas fechas, y
conseguimos distinguir los bajos del moombahton y los vocales reggae al más puro estilo de
Swag Nites. Y, efectivamente, al llegar a la derecha de las torres observamos un escenario
como epicentro de una masa interminable de gente que inunda los cuatro carriles de la calle
Blanqueries, incluido el puente hasta la casa de los caramelos; es decir: miles de fieles de
Kostrok alzan sus manos a la voz del MC Jacobo Hernández, que en ese instante grita:
“¡Arriba Valencia!”. Después de un momento de observación, nos dirigimos directos al
escenario para el inicio del show de Kostrok; al llegar se funden en un abrazo con sus invitados y al subir rugen miles de personas que estaban esperando ese momento. Al fin llega
el momento del show, Lurbe y Hosen agradecen enormemente a los asistentes que los están
apoyando esta noche: “Es una noche muy especial para nosotros y esperamos que lo sea
para vosotros” y comienzan las risas de That Laughing Track, del último álbum de Crookers,
que da inicio a su característico DJ set lleno de electro house, dubstep, moombahton y techno y que volvió una vez más locos a todas los asistentes que esa noche marchaban a ritmo
de Kostrok. Después de un poco más de hora y media de energía, Kostrok se despide y,
como en un concierto de rock multitudinario, el público jadea por una más, pero las autoridades no permiten que esto suceda. Aun así, no se pude decir nada que no sea lo que nos
dijeron ellos mismos al finalizar el show: “Nunca volveremos a ver las Torres de Serrano de
la misma forma”. Descubre todo el mundo de Kostrok desde su web: www.kostrok.es
de analógico a digital
AFFKT / PUNTO 0 (SINCOPAT)
El caso es que Affkt agarra todo su imaginario electrónico,
con claro aroma y ascendiente berlinés y, tras empaparlo de
son cubano, de sudor mestizo y de genuina raíz sonora,
nos ofrece este álbum Punto 0, que es mucho más que una
obra maestra contemporánea: es la historia de la música en
sí misma. En los dieciséis temas que escuchamos, Affkt
muestra, a tumba abierta, un dominio de la situación
sonora -sintética y natural- que simplemente abruma.
¿Cómo es posible que un tipo matemático, y técnico hasta
los tuétanos, se haya metido en un jardín de este calado,
riesgo y dificultad, y que, lejos de fracasar, haya pergeñado
un disco maravilloso de principio a fin? No hay explicación
para los mortales, es cosa de talento. Nunca la La Habana
sonó tan a Berlín y al Mediterráneo, ¿es evolución o más
bien regresión? A modo de injusto resumen, diremos que
Punto 0 goza de una refrescante energía, que parte de
abismos insondables, para finalmente eclosionar entre
beats. Gracias, artista. (Fernando Fuentes)
MOONFACE WITH SIINAI / HEARTBREAKING BRAVERY (JAGJAGUWAR)
Se me partió el corazón cuando Wolf Parade -grupo por el
que me había chupado siete horas de coche para ver su
Expo 86 en directo- anunció su separación. Pero los dos
miembros fundadores son más que prolíficos, así que
respiré hondo y pensé: “No te preocupes, entre Handsome
Furs, Sunset Rubdown, Atlas Strategic y todos los demás
proyectos, algo saldrá que valga la pena…”. El nuevo
proyecto principal de Spencer Krug se llama Moonface y no
pretende hacer discos de rock. Con Organ Music… ya se
le iba plácidamente la pinza: temas que se desenvolvían
como historias circulares, basados en el teclado y su
oscilante voz. Ahora, el canadiense coincide con Siinai, una
banda que -¡oh, destino!- no tenía vocalista. Se juntaron la
necesidad de fábula con la instrumentación progresiva para
presentar Heartbreaking Bravery, que peca en general de
excesivo desarrollo, con temas que son relatos, algunos de
ellos deliciosamente trágicos. Mejor juntos, pero habrá que
conformarse por separado. (Isis)
GORILLAZ / THE SINGLES COLLECTION 2001-2011 (PARLOPHONE)
Damon Albarn -léase el ex-Blur y el alma de la banda
virtual Gorillaz- recopila en este piscolabis los hitazos más
celebrados de dicho combo, publicados en la última
década. Aquí campan libremente el hip-hop, el dub, el
funk, el jungle, el pop, los breaks y demás salidas de madre
sonoras de uno de los dos principales estandartes del britpop noventero. El caso es que hay que reconocer que 2D,
Murdoc Niccals, Noodle y Russel Hobbs firmaron en su
momento temazos -que fueron pasto de la MTV y el NME-
de la sublime calaña de Clint Eastwood, 19-2000, Demon
Days, Dare, Feel Good Inc y Stylo. El resultado final de este
disco es más que feliz, positivo y hasta emocionante, en
algunos pasajes muy determinados, y sirve para demostrar
que el talento de Albarn es inquieto, juguetón y
apasionantemente imprevisible… That’s all folks!
(Fernando Fuentes)
TANLINES / MIXED EMOTIONS (TRUE PANTHER)
¡Ha llegado la primavera! Las hormonas están tontas, hace
más sol y tienes ganas de bailar hasta la madrugada. Pero
no vale bailar cualquier cosa, hay que bailar algo fresco,
divertido, bonito y pistero. Por eso el dúo de Brooklyn,
Tanlines, ha decidido que no te haría esperar más para
escuchar su Mixed Emotions. Jesse Cohen y Eric Emm son
los típicos hipsters que pierden el tiempo en Twitter y
Facebook, han mamado música de los ochenta, llevan
pantalones de pitillo y chaquetas vaqueras. Pero su música
se la toman muy en serio, aunque te suene desenfadada,
desvergonzada y un poco infantil. Porque Mixed Emotions
está llena de guiños: al afropop, a Talk Talk, a los sonidos
tropicales, a los Beach Boys, al pop sesentero de estribillos
pegadizos, a UB40, a la electrónica sutil y bailable, a
Delorean, a Metronomy, a Tears for Fears. Pero, sobre todas
las demás cosas, Tanlines es amante de un buen, sencillo y
directo electro-pop. Y es bien complicado parecer tan
simple. (Isis)
CHROMATICS / KILL FOR LOVE (ITALIANS DO IT BETTER)
Chromatics ya eran conocidillos antes de formar parte de la
banda sonora del momento…, pero Drive hará, sin lugar a
dudas, que miles de cinéfilos curiosos que han buscado a
Kavinsky, College o Desire en Facebook presten una
escucha interesada a este nuevo disco de la formación de
Portland. Después de su hipnótico Night Drive, la banda
ahora formada por Ruth Radelet, Adam Miller, Nat Walker
y Johnny Jewel se ha marcado Kill for Love. El nuevo disco
recoge la sombría cosecha del 2007 y le añade algunos
toques nuevos: líneas de bajo más marcadas, guitarras más
limpias y canciones mucho más atmosféricas. Chromatics
ha perdido parte de su sensual urgencia, pero mantiene su
toque synth-pop retro, caminando más hacia una especie
de shoegazing dream pop electrónico lleno de paisajes
solitarios, frágiles y desolados. De una colección inicial de
treinta y seis temas, debe de ser difícil elegir solo diecisiete,
pero Kill for Love es un disco coherente, bien enlazado y
muy oscuro. Chromatics se pasa al negro. (Isis)
PET SHOP BOYS / FORMAT (PARLOPHONE)
Los “pechosboys” -así es como los pedíamos en la disco de
mi adolescencia- son capaces de publicar un disco con solo
caras B y salir airosos del trance. Este Format contiene
treinta y ocho temas, sin apenas desperdicio, que datan de
a partir de 1995 y que recogen todos esos tracks con los
que el dúo inglés ha ido complementando los hitazos que
han ido preñando de éxito, y a ellos de millones de libras;
discos de la talla de Bilingual, Nightlife, Release,
Fundamental y Yes. El caso es que estamos ante una
sucesión de canciones que no solo encantarán a los más
fieles y facilones fans. Duela a quien duela Chris Lowe y
Neil Tennant son tan jodidamente brillantes que hasta sus
temas secundarios son capaces de hacernos soñar, bailar y
pensar en que mini-hits de la talla de Screaming, Discoteca,
Confidential o In Private… harían rico a cualquier gili popdance de ahora mismo. Respeto máximo, vaya.
(Fernando Fuentes)
ORBITAL / WONKY (ACP)
Antes del fin del mundo todos los nombres clásicos del
techno inglés quieren sacar un último disco. Chemical
Brothers acaban de lanzar un álbum en directo y Prodigy ya
ha anunciado disco para otoño. ¿Estará Fatboy Slim
planeando algo secreto? Orbital no iba a ser menos y, tras
anunciar su separación en el 2004 y aun así juntarse para
su vigésimo aniversario y compilar un disco con sus temas
favoritos en el 2009, el 2012 marca el lanzamiento de un
nuevo disco. Wonky, con la voz invitada de Lady Leshur, es
su primer single y da nombre al disco, pero no os creáis
nada: ni de lejos se parece el resto del disco a este tema.
Wonky es quizá el único corte que realmente tiene ese
saborcillo a acid house que tan famosos hizo a Phil y Paul
Hartnoll en los noventa. El resto del disco cuenta con temas
a medio tiempo, atmosféricos y arriesgados, moviéndose
entre bases rotas, cambios de tempo, melodías
melancólicas y juegos de sintetizadores. La música
electrónica es la inevitabilidad de Orbital. (Isis)
NADA SURF / THE STARS ARE INDIFFERENT TO ASTRONOMY (ERNIE RECORDS)
Los de Brooklyn, con permiso de la madrileñez de Dani
Lorca, presentan su mejor álbum hasta el momento.
Estamos ante una estupenda colección de canciones con
mayúsculas, que van desde el power-pop al rock
melodioso, siempre con ese toque melancólico que hasta
en los más tremendos y luminosos guitarrazos posee esta
gran banda. Se trata de un disco sin desperdicio, hecho
como antes, sin temas superfluos, todo chicha, nada de
paja. Los potentes hitazos Clear Eye Clouded Mind,
Waiting For Something y las sensibles Looking Through o
The Moon Is Calling sirven para dejar claro que estos tipos
son una pedazo de banda maravillosa que recupera lo
mejor de combos de la talla de Gigolo Aunts y Teenage
Funclub; que ha conseguido que nos olvidemos de aquel
millonario Popular que tan famosos los hizo, y que disfruta
de un Matthew Caws que canta como los ángeles, carajo.
Sobresaliente pop sin reservas. (Fernando Fuentes)
1
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MONDO TIPOGRÁFICO
Texto y selección: Estudio Merienda y Rubén Vidal
LA CULPA DE TODO LA TIENE GUTENBERG. ESTE
HERRERO ALEMÁN DE NOMBRE JOHANNES FUE EL PADRE
DE LA IMPRENTA MODERNA. CON LA CREACIÓN DE LOS
TIPOS MÓVILES, LA REPRODUCCIÓN DE LOS LIBROS, LA
DIFUSIÓN DE LA PALABRA Y EL FUTURO DE LA HUMANIDAD
CAMBIÓ DE MANERA RADICAL. ASÍ PUES, HABLAR DE
TIPOGRAFÍA ES HABLAR DE CULTURA, DE
ENRIQUECIMIENTO Y DIFUSIÓN. GRACIAS A ELLO SE HAN
PODIDO REPRODUCIR MANIFIESTOS, CONSTITUCIONES,
CARTAS DE AMOR O INCLUSO LOS POEMAS MÁS BELLOS
JAMÁS ESCRITOS. EN LA ACTUALIDAD EXISTEN MILLONES
DE TIPOGRAFÍAS, DE DIFERENTES FORMAS Y ESTILOS, LO
QUE SIGNIFICA QUE PODEMOS DECIR LA MISMA COSA DE
DIVERSAS MANERAS. ES ESTA LIBERTAD, ESTA VARIEDAD Y
ESTA BELLEZA DE LA LETRA COMO CARÁCTER LO QUE
HACE QUE PODAMOS UTILIZARLA COMO VALOR ESTÉTICO
Y ESTABLECERLA COMO ELEMENTO ARTÍSTICO, DARLE
USO A MODO DE ESTAMPADO TEXTIL O INCLUSO CREAR
MOBILIARIO CON ELLA. PORQUE LA LETRA ES UN
ELEMENTO ARQUITECTÓNICO, UNA PIEZA CON LA QUE
PODEMOS DESARROLLAR TODO UN MUNDO. ENTONCES,
¿ACASO NO CREES QUE GUTENBERG TIENE ALGO QUE
VER EN QUE AHORA MISMO PUEDAS ESTAR LEYENDO
ESTO? LO DICHO: CULPABLE.
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5.
Alessandro Canepa, Andrea Pulicelli. Fontable. www.outdoorzgallery.com
Johnson Banks. Arkitypo Helvetica. Keep a cool head (2003). www.johnsonbanks.co.uk
Pepo Salazar. Walk Among Us (2008). webs.ono.com/peposalazar
Viktor & Rolf. Fall 2008. www.viktor-rolf.com
Jaume Plensa. Tel Aviv Man XV (2007). jaumeplensa.com
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6. Ebon Heath. Escultura. listeningwithmyeyes.com / 7. Eastpak Artist Studio. Fikera Studio. artiststudio.eastpak.com / 8. Textonomy. Brian Derrmer. I Could Tell You, 2011. Imagen cortesía del
artista y de Packer Schopf. www.briandettmer.com / 9. Typeface T-Shirts. Masashi Kawamura e Itaru Yonenaga. Baskerville 3980 pt. Modelo: Heindi Hackemer. www.masa-ka.com
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Dsquared2. Otoño-invierno 2012. www.dsquared2.com
Numbers. Luigi Billiani. www.billiani.it
ABC (estantería modular). Roberto Saporiti y Eva Alessandrini. www.saporiti.net
Set 26. Muebles con forma de letra. www.set26.ch
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14. Barbara Kruger, Past / Present / Future, 2010. Digital print on vinyl, installation Gallery of Honor, Stedelijk Museum Amsterdam for The Temporary Stedelijk in 2010. Foto: Gert Jan van Rooij
arte
PALMA-VALENCIA #1
PUENTES INVISIBLES
Texto: Tactelgraphics / Intersecció Art (Palma de Mallorca)
Las galerías valencianas Espai Tactel y Trentatres Gallery, junto con la mallorquina Intersecció Art, inauguraron el pasado mes de marzo la exposición Palma-Valencia #1. El contacto entre las tres galerías surgió en la feria de arte Room Art Fair en Madrid a finales del año pasado. Lejos de quedarse solo en eso,
espacios como Addaya y Lareal, ambos también mallorquines, prevén continuar su relación y consolidar este nuevo puente Palma-Valencia. La selección de
artistas tuvo como principal premisa la diversidad: Clara Bleda, Martín López, David Gómez Maestre y Agustín Esteso desde Espai Tactel, y Hélène Crécent
por parte de Trentatres Gallery. Fotografía analógica, serigrafía, dibujo (ya sea al carboncillo o con rotuladores), artistas multidisciplinares y todoterreno,
algunos ya curtidos y otros más noveles forman esta ecléctica muestra, que habría que definir como mediterránea. A dicha inauguración asistieron el
ilustrador Toni Nievas; la galerista Victoria Aguiló (Lareal); la artista Hélène Crécent, en representación de Trentatres Gallery; Tomeu Simonet y Nadège You,
de Addaya, y un sinfín de amigos, periodistas y críticos de arte. Está claro que, ante la crisis, grandes ideas: las galerías jóvenes tienen que crear redes,
apoyarse entre ellas, estar abiertas a trabajar conjuntamente. Esperemos que este crossover expositivo sea el principio de un fructífero y continuo puente
de arte entre las islas Baleares y la capital del Levante. www.espaitactel.com / www.interseccioart.com / www.trentatresgallery.com
arte y expos / por Tactelgraphics - tactelgraphics.tumblr.com
CARNAVAL INTROVERTIDO
Sergi Cambrils
AUTONEGACIÓN
Juan Carlos Robles
Una muchacha ataviada de reina de las fiestas, hombres con cabeza de búho, plantas extrañas, sofás voladores, un Superman despistado, animales dalinianos, retratos de narices y orejas pegadas a un
rostro..., y exprimidores y pimientos..., y sombreros, sombreros y
más sombreros... Personajes para un carnaval introvertido es un trabajo libre e imaginativo en el que el dibujo y la pintura se entrelazan para recrear situaciones sugestivas que nos acercan al particular teatro del mundo de Sergi Cambrils. Una especie de carnaval o
baile de máscaras en el que todo empieza a estar un poco al revés,
donde todo es simulacro, donde unos personajes absurdos y estrafalarios nos narran historias abiertas y llenas de matices, mostrándonos así su verdadera naturaleza, pues todo es aceptable en este
mundo imaginario. Hay algo de trágico-cómico en las hipérboles de
Cambrils, todo parece intencionadamente barroquizado e inmerso
en una espiral vertiginosa repleta de guiños a la realidad. Sus historias enigmáticas deben circular por nuestra mente para convertirse
en un misterio por resolver. Una amalgama de imágenes procedentes del cómic, el arte, la alta costura, el diseño gráfico, el vídeo o la
televisión que se unen para formar un mundo donde se dan cita el
absurdo, la ironía, el humor y una constante y vaga melancolía.
Debemos entender esta investigación visual como un método de
autoconocimiento que sostiene la idea de que, cuanto más nos
acercamos al otro, más cerca estamos de nosotros mismos. En ese
sentido, las fotografías, vídeos y esculturas que se presentan han de
ser entendidas como si de espejos se tratara. Esta exposición titulada Autonegación pone en práctica aquello que el artista considera
central en su trabajo, que no es otra cosa que tomar medida a la
distancia que nos separa del otro. Su intención es articular un lenguaje desde el que poder repensar dicha distancia, hoy cada vez
más definida por el hecho tecnológico. Al salir del coma tras un
accidente, Juan Carlos Robles sintió lo que produce el ser observado desde el otro lado del cristal. Desde entonces, su obra escudriña
ese espacio que hay entre el artista y el espectador, entre el emisor
y el receptor. Su principal e íntima intención es reducir el objeto
artístico a ese mínimo grosor del cristal de aquel dispositivo hospitalario. Piensa que si reducimos el objeto artístico también reducimos la distancia que se interpone entre nosotros. La dimensión de
las imágenes que presenta en esta ocasión trabaja en esa dirección
reduccionista; su estética alude al momento previo que toda imagen
tiene, a la intuición que antecede a todo lenguaje.
Mister Pink, Valencia - Hasta el 27 de abril del 2012
www.misterpink.net
Galería Oliva Arauna, Madrid - Hasta el 5 de mayo del 2012
www.olivarauna.com
SOUL
Txemy
ANDROMÉSTICO
Colectiva
Esta exposición se compone de doce piezas, que muestran cada una
un rostro de un artista que, por su estilo o por su vida, ha pasado a
la historia. La elección de estas personas es una excusa para representar expresiones de cualquier individuo con el que nos podemos
cruzar por la calle. Según iba transcurriendo el tiempo de creación
de las piezas, sin quererlo, Txemy fue consciente de que cada una
de las expresiones reflejadas en los cuadros era una evidencia de sus
propios estados anímicos, momentos vividos que nos acercan a su
carácter. Asimismo, cada una de las piezas nos muestra, con su
gama cromática y la expresión del trazo, la personalidad de la obra
de ese artista y su pintura a los ojos de Txemy. La forma de afrontar
esta exposición ante el lienzo comienza con una investigación de
fotografías de estos artistas, con una primera fase de toma de contacto con museos como la National Gallery de Londres, la National
Portrait Gallery de Washington o el Museo Picasso de Barcelona,
entre otras instituciones. El resultado final es la suma de capas y
capas de pintura, tratando de encontrar la armonía entre las distintas etapas de la vida de cada personaje, para dar a conocer a estos
doce artistas desde una nueva perspectiva, a través de los trazos y
colores de Txemy.
Androméstico trata de poner en consciencia crítica la posibilidad de
que las ideas de identidad, sexo y género estén alterando o afectando al mundo objetual cotidiano, cambiando el uso de los objetos,
su adscripción a los individuos o incluso forzando su sustitución por
otros. Parte de la pregunta de si existen entornos objetuales u objetos que podamos agrupar o describir como mayoritariamente masculinos, o representativos de la masculinidad, frente a otros netamente femeninos; o de si esos entornos se confunden hoy en uno
único, común a los dos sexos. Esta exposición juega perversamente
con la idea de que los artistas decidan sobre qué objetos gira hoy
eso que llamamos masculinidad; sobre si la propia definición de este
concepto permanece férreamente vinculada en nuestros presupuestos culturales y estéticos o es ya obsoleta. El proyecto no está exento de cierta perspectiva histórica: las vanitas y las pinturas de “taller
de artista” del XVII, y su derivación en el siglo XVIII al género marginal del bodegón “de tocador” (como retrato encubierto de la
feminidad) ayudaron a crear unos cánones oficiosos de lo masculino y lo femenino. Este proyecto invita a replantear esos cánones
hoy, y a determinar transversalmente cuál es el estatus del bodegón
como género artístico y práctica dentro de la contemporaneidad.
Miscelanea, Barcelona - Del 25 de abril al 13 de mayo del 2012
La Fresh Gallery, Madrid - Del 10 de abril al 4 de mayo del 2012
www.miscelanea.info
www.lafreshgallery.com
arte y expos
VISIONES SIMBÓLICAS
Daniel Johnston
PUKE
Eduardo Bertone
Esta exposición es parte de la colección personal del exmánager de
Daniel Johnston, Jeff Tartakov, y pretende acercar a todos los públicos la realidad de Daniel Johnston mediante su simbología. Su álter
ego, La Rana Jeremiah, servirá de punto de partida e introducción
para descifrar el resto de los mensajes que esconden sus creaciones.
Haremos un recorrido por todas sus obsesiones, pasiones y angustias vitales oyendo sus cintas, paseando por sus dibujos y escuchando a los expertos evaluar su obra. Además de un viaje por el universo de Daniel Johnston, supondrá un viaje personal en el que el
espectador se sentirá identificado con muchas de sus imágenes y
sus múltiples interpretaciones. Con la proyección del documental,
las escuchas, los zoótropos y las proyecciones, se dibuja el perfil
completo de Johnston y se muestran las conexiones entre todas las
parcelas y facetas de su universo artístico. Hasta el momento, será
la exposición más completa del artista exhibida en España.
Conocido sobre todo por su faceta como músico y su particular biografía, Daniel Johnston firma una obra gráfica recorrida por sus
obsesiones, pasiones, símbolos y angustias vitales, a menudo conectadas con sus problemas psicológicos. Desde finales de los ochenta,
Daniel Johnston (Sacramento, 1961) es una figura de culto.
Eduardo Bertone presenta Puke, una interpretación humorística y
surreal de la cultura contemporánea. La muestra está compuesta
por las últimas ilustraciones del joven artista junto a obras creadas
específicamente para esta exposición: nuevas pinturas, esculturas y
un mural en la entrada de la galería, piezas en las que utiliza acrílico, aerosol (spray), rotuladores y collage sobre lienzo, papel, madera y soportes reciclados. Respecto a Puke, se trata de una interpretación humorística y surreal de la cultura contemporánea. Un
mundo de contraposiciones entre lo real y lo onírico, entre el sufrimiento y el goce. Puke es el reflejo espontáneo que genera la expulsión violenta y espasmódica de lo que te produce malestar, un acto
que suele tener un resultado placentero. Un mecanismo para expulsar del cuerpo venenos ingeridos, para limpiarse. Actualmente,
Eduardo Bertone forma parte del colectivo Guchagucha, en el que
diseña camisetas y murales. Al terminar sus estudios en diseño gráfico se trasladó a Madrid (2000), donde estudió ilustración, trabajó
como director de arte en publicidad y empiezó a vincularse a proyectos artísticos. Estos han sido mostrados en lugares como París,
Milán, Shanghái o Tokio. En España ha exhibido obra en el Museo
de Arte Contemporáneo de Madrid Conde Duque.
La Casa Encendida, Madrid - Del 20 de abril al 10 de junio del 2012
Twin Gallery, Madrid - Hasta el 4 de mayo del 2012
www.twinstudio.es
www.lacasaencendida.es
SIN HEROÍSMOS, POR FAVOR
Iván Argote, Sara Ramo y Teresa Solar
JAMES COLEMAN
Retrospectiva
Esta exposición gira en torno a la idea de la desmitificación del acto
de crear, ya que la propia creación es en sí misma un acto heroico y
de reivindicación. Esta muestra se concibe como tres exposiciones
de Iván Argote (Bogotá,1983), Sara Ramo (Madrid, 1975) y Teresa
Solar (Madrid, 1985), tres narraciones gestadas como historias independientes pero unidas bajo un mismo título. Tres relatos donde la
poética narrativa ha dejado de cuestionarse grandes heroicidades
para aproximarnos a territorios particulares. Una metáfora de aquello a lo que una vez se refirió Flaubert cuando advertía que bastaba
con mirar algo detenidamente para que se convirtiera en interesante y que, a su vez, el cine ha sabido transmitir mediante el primer
plano sobre un objeto, un rostro o un detalle, en principio, sin
importancia. Tres historias particulares, en las que cada uno de estos
artistas habla, por medio de su trabajo, del hecho de ficcionar la
realidad, de cambiarla, de inventarla e incluso de superarla. Unidos
por sutiles puntos en común, los artistas generan relatos lógicos
dentro de los cuales se producen contenidos que sobrepasan el funcionamiento de la estructura misma. Estructuras de mirada y uso,
reflexiones sobre el cómo observamos o cómo entendemos, alterando lo genérico y convirtiendo lo anormal en lo normal, o al revés.
Esta exposición es la primera gran retrospectiva de la obra de James
Coleman. Conformada por unas quince obras, la muestra incluye
desde sus piezas iniciales, realizadas en Milán en los años setenta,
hasta su trilogía de los años noventa formada por Background,
Lapsus Exposure e Initials, así como otras piezas cruciales como Fly,
Box, Untitled: Philippe Vacher y la obra Retake with Evidence presentada en la Documenta 12, que explora, mediante la imagen
audiovisual procedente de diversos soportes, las relaciones temporales entre imagen y sujeto. Una serie de obras fílmicas nunca vistas
de principios de los setenta se mostrarán por primera vez. Mediante
el uso de audiovisuales tomados de diferentes medios, Coleman ha
transformado las relaciones temporales entre imagen y sujeto en las
artes visuales contemporáneas. El artista se formó en Dublín y trabajó en Londres y en París antes de trasladarse a Milán, donde desarrolló su carrera artística durante veinte años antes de regresar a
la capital irlandesa. Su obra se encuentra en colecciones tales como
el Irish Museum of Modern Art de Dublín, el Museum Ludwig de
Colonia, el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst de Gante y el
MACBA de Barcelona. Recientemente, tres de sus trabajos se han
incorporado a la colección del Museo Reina Sofía.
Centro Dos de Mayo, Madrid - Hasta el 20 de mayo del 2012
Reina Sofía, Madrid - Del 25 de abril al 27 de agosto del 2012
www.ca2m.org
www.museoreinasofia.es
arte y expos
MÁS FOTOPERIODISMO
Visa pour l’Image
DE QUÉ HABLAMOS...
Juncal Ballestín y Néstor Sanmiguel
La fundación Photographic Social Vision y el Centre de Cultura
Contemporània de Barcelona (CCCB) presentan una selección de
exposiciones de Visa pour l’Image - Perpignan, el festival profesional de más prestigio en el sector de la fotografía documental internacional. De entre todas las exposiciones que se exhibieron en la
edición del 2011 se han elegido cuatro proyectos fotográficos. Con
más de ciento setenta fotografías, la muestra Más Fotoperiodismo
destaca por la diversidad de los géneros fotográficos seleccionados
y la actualidad que retratan, ofreciendo al público la posibilidad de
profundizar en cuatro acontecimientos del año pasado que fueron
noticia, como el tsunami en Japón, la primavera árabe, la narcocultura en México o la vida cotidiana de una mujer mutilada en
Uganda. La selección de las exposiciones se podrá ver hasta el 28 de
mayo del 2012 en el CCCB. En 1989, Jean-François Leroy creó Visa
pour l’Image - Perpignan, el mayor festival internacional de fotoperiodismo, que se celebra anualmente en Perpiñán con el propósito
de reunir a todos los profesionales de la fotografía de prensa. Por
primera vez en la historia del festival, una selección sale de su espacio habitual y llega a Barcelona gracias al interés del CCCB y de la
fundación Photographic Social Vision.
Cuando hablamos de pintura, ¿de qué intentamos hablar?, ¿qué
queremos decir? ¿Es legítimo intentar mantener una conversación
sobre (en) pintura, como si en esta práctica concreta se vieran involucradas todas y cada una de las diferentes problemáticas que afectan al arte, en tanto que práctica social, en un tiempo que ha expulsado sin remedio -por decirlo con Badiou- al dios de la religión, de
la historia y de la poesía? Se ha hecho habitual referirnos a la pintura como una práctica que, en el marco del “arte contemporáneo”
en dominio, encuentra difícil acomodo porque en ella se identifica
un orden disciplinar que no responde a las necesidades de una lectura interesada facilitada por la crítica a la obra de arte por medio
de la crisis de la autoría en el interior de una crítica mayor como es
la del individualismo. El descentramiento y la posterior destitución
de lo absoluto en todos los órdenes ha traído la negación, en el último siglo, de todo aquello afecto a lo que se da o se piensa como
uno, a la representación de un absoluto por débil o transitorio que
se pueda presentar. Los trabajos de Juncal Ballestín y Néstor
Sanmiguel pertenecen a la posibilidad que entiende la práctica de la
pintura desde una noción de tradición en el interior de un espacio
descategorizado que posibilita la experiencia de la libertad.
CCCB, Barcelona - Hasta el 28 de mayo del 2012
Rosa Santos, Valencia - Hasta el 19 de mayo del 2012
www.cccb.org
www.rosasantos.net
FUNDIDO ENCADENADO
Azucena Vieites
ONCE UPON A TIME THE SCREEN
Colectiva
Fundido encadenado - Break You Nice es el título del proyecto
expositivo que la artista Azucena Vieites presenta en la Sala 1 del
Musac, resultado de un largo proceso de trabajo iniciado en propuestas anteriores en las que incide, desde una perspectiva feminista, en el uso, la repetición y la fragmentación de imágenes como
modos de hacer recurrentes; así como en la categorización de la
dicotomía de sexo-género durante la infancia y la relación consumoproducción de imágenes provenientes de la cultura popular. Para
Vieites, la ética del “hazlo tú mismo” (do it yourself), nacida con el
movimiento punk en los años setenta, sigue hoy plenamente vigente en relación con la generación de un nuevo orden en el que las
posibilidades de la autogestión adquieren especial relevancia, especialmente desde un punto de visto feminista. Es a partir del concepto de autogestión como se entiende la relación con las técnicas del
fanzine en el trabajo de Vieites. El término fanzine hace referencia
a las publicaciones de edición autogestionada e independiente que
se realizan con medios modestos y accesibles. Muchas de estas
publicaciones se hacen por entretenimiento y diversión, como una
forma de resistencia política y de activismo; pueden usarse como
una herramienta pedagógica informal.
Del vídeo monocanal al universo del cine. Colecciones de los Fondos
Regionales de Arte Contemporáneo (FRAC) franceses (1982-2012).
La historia del vídeo ocupa un lugar importante en la totalidad de
las colecciones de los FRAC. Con más de mil seiscientos vídeos en
las veintitrés colecciones de los FRAC, este medio se ha afianzado
en treinta años como un campo de experimentación importante en
todo el mundo. Performances, autofilmaciones, ficciones y autoficciones, narraciones, experimentos tecnológicos, dispositivos, instalaciones, el vídeo reinventa aquello real y recubre una realidad en
constante evolución. En el marco del festival Screen from Barcelona
y la feria Loop, Arts Santa Mònica organiza esta exposición, la primera muestra en Europa que presenta este formidable corpus de
imágenes de los FRAC. Este recorrido en imágenes de los años
setenta hasta la actualidad empieza con un homenaje a los grandes
artistas del siglo XX. Georges Rey y Marcel Broodthaers invitan a los
visitantes a entrar en un laberinto de imágenes desde la frontera en
el sentido geográfico y político del término (Khallili, Roeskens,
Atay); el viaje, entre exilio y sueño (Almeida, Sedira, Leccia, Tan,
García), y la arquitectura a partir de su dimensión simbólica y política (Colomer, Narkevicius, Zarka, Downsbrough).
Musac, León - Hasta el 9 de septiembre del 2012
www.musac.es
Arts Santa Mònica, Barcelona - Hasta el 2 de junio del 2012
www.artssantamonica.cat
Fotografía: Isidro de Quesada - www.isidrodequesada.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Maquillaje y peluquería: Sara Cáceres para Temptu
Asistente de maquillaje: Eliotte Casimiro
Modelo: Ruxanda - Traffic Models
vestido HOSS INTROPIA / Chaqueta DIESEL / gorra ADIDAS / reloj SWATCH BY JEREMY SCOTT
vestido KARL LAGERFELD / chaqueta y muñequera ADIDAS / zapatos STUART WEITZMAN
vestido KARL LAGERFELD / chaqueta ADIDAS / zapatos MASCARÓ / reloj SWATCH
vestido ADIDAS ORIGINALS BY JEREMY SCOTT / zapatos MASCARÓ / reloj SWATCH
vestido KARL LAGERFELD / chaqueta y cinta ADIDAS / zapatos MASCARÓ / reloj SWATCH
Fotografía: David Mingoranz - www.davidmingoranz.com
Estilismo: Cristina Terrón
Maquillaje y peluquería: Nando Talavera
Modelo: Germán - UNO Bcn
gafas DAINESE
camiseta KOROMO GAE / bermudas AMERICAN APPAREL / zapatillas CONVERSE
cazadora LEVIS RED TAB / jeans LEVIS
americana SISLEY / boxers TODD SANDFIELD
camiseta FRANKLIN & MARSHALL / pantalón COS / casco DAINESE
local-in
La Niña los Peines
Mucho más que una pelu
Motivos sobran para que La Niña los Peines se haya convertido en uno de salones de peluquería más in de Valencia. Situada desde hace ocho años en el barrio
del Carmen, su directora creativa, Ana Balsera, sorprende a su clientela por la filosofía que guía su negocio desde el primer día que abrió las puertas. Como ella
misma explica, "en La Niña la estética nace de la salud, el placer y la imaginación, alejándose de la frivolidad para acercarse a la esencia". Uniendo los conceptos
de salud, bienestar y placer en uno solo, La Niña los Peines es un espacio en el que conviven tradición y vanguardismo. Precursor de las últimas tendencias en
peluquería y estética, este salón ofrece servicios artesanales y meticulosos, en los que el cuidado del cabello se personaliza para cada cliente, y donde los procesos
de coloración o de corte van siempre acompañados de un estudio y un asesoramiento previo. Sin lugar a dudas, esta es una de las cualidades más notorias del
centro. Dentro de sus especialidades en peluquería, destacan los tratamientos con queratina y los alisados japoneses, así como los degradados y californianos, de
los cuales son especialistas. Trabajos de color creativos, con especial cuidado del cabello. Pero hay más. En su voluntad de conjugar el cuidado del cuerpo y el
bienestar personal, Ana Balsera cuenta con especialistas en terapias alternativas y orientales. De este modo, los clientes de La Niña de los Peines pueden disfrutar
de masajes de shiatzu o de talleres sobre terapias orientales. Su gran profesionalidad y sus inquietudes artísticas les han unido a proyectos cinematográficos,
televisivos, teatrales y fotográficos. Conocidos y consagrados diseñadores como Juan Vidal o Glenda López, entre otros, reclaman los servicios de La Niña para sus
producciones, y cada vez son más frecuentes los trabajos en cortometrajes y vídeos. Y por si todo esto fuera poco, La Niña los Peines se ha convertido en un
espacio creativo donde periódicamente se realizan eventos, como actuaciones musicales, "chorrabastas", mercadillos y exposiciones de fotografía y de pintura, en
loa que se brinda la oportunidad a jóvenes artistas de mostrar sus trabajos y con lo que se convierte en un espacio de interacción cultural. Por último, destacan
dos rinconcitos de este salón, ya que La Niña los Peines convive con dos tiendas. Una de ellas es un córner dedicado a la reconocida empresa Los Placeres de Lola,
una tienda erótica desde la que se asesora para conseguir un sexo saludable y divertido, y donde se venden las piezas eróticas de BS is Nice, en exclusiva para
Valencia. Y el otro córner luce productos vintage de la mano de Love Vintage, ropa y complementos de la moda retro. Síguelos en Facebook:
www.facebook.com/laninalospeines, donde podrás encontrar promociones muy sugerentes, como concursos, cortes de pelo o premios, entre otros. Su horario de
apertura es de lunes a viernes de 10 a 19 h y sábados de 10 a 15 h. La Niña los Peines, trabajo cuidado y trato personal a tu servicio.
Santo Tomás, 24 - Valencia - Tel. 963 925 282 / Facebook: La Niña los Peines
LIBRERÍA DADÁ
WRANGLER
Dadá está ubicada dentro del Museo Valenciano de la Ilustración y la
Modernidad. En esta librería encontramos las mejores editoriales en arte,
arquitectura, diseño, publicidad, moda, interiorismo… Ejemplares indispensables para los amantes de las últimas tendencias. También artículos
de regalo y camisetas de firmas como Das Büffet. www.libreriadada.com
Hablar de Wrangler es darse uno de los paseos históricos más atrayentes
en el mundo tejano. Wrangler, en su constante línea de crecimiento, ha
abierto un nuevo córner en El Corte Inglés de la calle Colón, en pleno
centro valenciano. Descubre el estilo grunge que marcó toda una
generación al llamarla X. www.wrangler-europe.com
Muvim - Guillém de Castro, 8 - Valencia - Tel. 963 515 138
El Corte Inglés (tercera planta). Colón, 1 - Valencia
TULALLEVAS
CRÈME BCN FLAGSHIP STORE
Una de las tiendas en Valencia que ha logrado mantener una identidad
propia con una selección de firmas basadas en la filosofía del urban wear.
Propuestas para hombre y mujer de las mejores marcas europeas: Loreak
Mendian, Fenchurch, Wesc, Sessun, Ragwear, Ichi, Tcheka, Paz Seoane,
Touchemoa y Zenspirit. www.tulallevas.es
Crème es un referente dentro del urban lifestyle y del streetwear internacional. La primera Flagship Store abrió en el centro de Barcelona en abril
del 2010. Destacan sus colecciones de Footwear, series de tablas y la
nueva Holiday Special Collection. Además, siempre realizan promos y descuentos, así como conciertos, sesiones de DJ, fiestas... cremedirect.com
Taquígrafo Martí, 13 - Valencia - Tel. 963 228 271
Plaza del Bonsuccés, 7 - Barcelona - Tel. 933 043 310
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