OCIMAG #52 (download pdf)
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OCIMAG #52 (download pdf)
Vestido y gafas de sol DIESEL, chaqueta ADIDAS, pajarita KRIZIA ROBUSTELLA, relojes SWATCH. Fotografía: Isidro de Quesada. Estilismo: Anna Arroyo. Modelo: Ruxanda - Traffic Models. STAFF 52 Dirección: Rubén Vidal. Diseño gráfico y maquetación: Grafikproject. Moda: Agustín Velasco, Anna Arroyo. Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis. Contenidos de diseño y arte: Tactelgraphics. Arquitectura: Ester Giménez. Web: Estudio Brotons. Corrección: Míriam López. Publicidad y marketing Valencia: Odile Iturraspe / [email protected] Publicidad y marketing Barcelona: Lorena Solano / [email protected] Publicidad y marketing Barcelona: Beatriz Acosta / [email protected] Distribución Valencia: Walk & Paste. Distribución Barcelona y Madrid: Oci Magazine. Han colaborado: Jacobo Sánchez, Pili Rodríguez (Vice), Estudio Merienda, Anaïs Vauxcelles, Isidro de Quesada, Sara Cáceres, Eliotte Casimiro, David Mingoranz, Cristina Terrón, Nando Talavera, Uno Barcelona y Traffic Models. Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008. OCIMAG# 52 / abril 2012. Oci Magazine no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores. Está prohibido reproducir el material que aparece en Oci Magazine. Descárgate gratuitamente la edición completa y ediciones anteriores en formato pdf. Suscríbete a nuestra newsletter y recibe noticias mensuales de Oci Magazine. Síguenos en Facebook y Twitter: noticias, sorteos, concursos... Escucha la banda sonora #52 online: www.ocimag.com. www.ocimag.com / Facebook: Oci Magazine OCI MAGAZINE: Avda. Valencia, 67, 3.º, 9.ª, 46670. La Pobla Llarga - Valencia (España). Información: [email protected]. Tel.: 962 971 002. SUMARIO #52 Ilustra: Tactelgraphics. Básics 04. Cajón desastre 70. Local.in / guía de locales Moda 06. 08. 56. 64. News moda Leandro Cano Oblivion / editorial de moda When the past was present / editorial de moda Diseño 10. 12. 14. 16. 18. 20. 22. 42. News diseño y proyectos Pepo Salazar Elisava Städel Museum 1024 Architectes Lo más de lo más Bazar deco / Notizie a Milano Mondo Tipográfico Música 24. 26. 28. 30. 32. 34. 36. 38. 40. News música Nervo Amatria Dolores Ursula 1000 M83 / crónica Workshop RBMA / crónica Kostrok / crónica De analógico a digital Arte 48. Palma-Valencia #1 50. Arte y expos cajón desastre - reflexiones fuera de contexto / por Agustín Velasco La insoportable levedad de las egoblogueras AGUSTÍN VELASCO (SEVILLA, 1974) COMENZÓ COMO PERIODISTA DE MODA EN EL 2001 DE LA MANO DE LA PRESTIGIOSA REVISTA DE TENDENCIAS NEO2. DESDE ENTONCES, SU TRABAJO HA VISTO LA LUZ EN PUBLICACIONES COMO B-GUIDED, CALLE20, METAL, NEO2, VANIDAD Y OCIMAG ENTRE MUCHAS OTRAS. FORMADO EN EL PERIODISMO DIGITAL COMO DIRECTOR DE CONTENIDOS DE CENTROMODA DURANTE CINCO AÑOS, SE DEFINE A SÍ MISMO COMO "ANTIEDITOR DE MODA". SUS CRÍTICAS DE PASARELA SON CORROSIVAS E IRREVERENTES, NO EXENTAS DE SENTIDO DEL HUMOR Y SIN SERVILISMOS. Poneos en situación: yo, sentado en una cafetería, leyendo a Kierkegaard (bueno, quien dice Kierkegaard dice el último número de El Jueves, pero el caso es que estaba leyendo), y, en la mesa de al lado, dos chicas posadolescentes charlando con un marcado acento a lo Tamara Falcó. Una le dice a la otra: “Pues sí, que me da en la nariz que no voy a aprobar ni una asignatura – por lo que entendía, estaba en primero de empresariales, y por todos es bien sabido que, si en el primer año no apruebas al menos una, te echan a la calle con viento fresco – y para perder el tiempo – continuó – , mejor dejo pasar este año sin hacer nada y ya el año que viene hago algo de provecho”. Esto ocurrió en diciembre: por lo visto, la muchacha ya tenía claro que en los siguientes seis meses no tenía nada que hacer si se ponía a estudiar un poquito. La otra le dijo que tenía mucha suerte de tener unos padres tan comprensivos que le dejaban pasar todo el día apalancada en la cafetería de la facultad y en los bancos del patio tomando el sol los días que hacía bueno. “Sí, mi padre me ha dicho que el año que viene haga lo que me dé la gana, pero que este tengo que ir todos los días a la facultad, y eso hago.” El padre de la susodicha le había dicho que no quería presionarla y traumatizarla, que no quería ser uno de esos padres que tratan de vivir su sueño por medio de sus hijos y que no le iba a imponer estudiar empresariales si no era su vocación: que aprovechara este año para encontrarse a sí misma y que decidiera qué quería hacer en la vida. Y la otra le preguntó: “¿Y qué quieres ser, tía?”. La respuesta me dejó muerto, casi se me cae el donut al suelo y Kierkegaard en el capuchino: “¡¡¡Bloguera!!!”. Pero no creáis que quería ser bloguera de actualidad política-disidente a lo Yoani Sánchez, no; la muchacha con el pelo largo e hidratado cual modelo de Pantene quería ser egobloguera de moda, porque según ella eso le abriría las puertas de las revistas de moda más prestigiosas del panorama patrio, estaría todo el día de desayuno con los diseñadores y open days en los showrooms, y con un poco de suerte H&M la llevaría a Nueva York para ver la presentación de la colaboración del diseñador de turno. Y la otra le decía: “Oh, sí, tía, es ideal, puedes ir a las boutiques y pedir ropa para hacerte fotos, darte un vueltazo con ella y devolverla después”. “Sí, soy una estilista genial”, puso punto final la susodicha. Y yo pensé: pobres Amparo Utrilla, Natalia Bengoechea, Carine Roitfeld, Grace Coddington… Toda la vida doblando el espinazo luchando con burros de ropa, recorriendo showrooms y pasarelas, creando introhistorias para las sesiones fotográficas…, ¡y resulta que solo hace falta abrirse un egoblog para ser estilista profesional (y de reconocimiento interplanetario)! Los padres deberían vigilar más de cerca qué hacen sus hijos en internet. Cuando ves que tu hija sale un domingo a las ocho de la mañana vestida como para ser tronista en Mujeres, hombres y viceversa a buscar un descampado chic para hacer unas cuantas poses frente a la cámara de su novio, debes plantearte que quizás esa niña necesite ayuda. Ayúdala, sácala de ahí, hazle recuperar su vida. Sí, quizás no pueda volver a ponerse frente a una cámara sin miedo a recaer, pero, claro, estas cosas son así. No sé si las medidas de ajuste, la reforma laboral y el atajar el déficit tarifario de las eléctricas van a sacar a este país de la crisis, pero con una juventud como esta, salir, no sé si saldremos, aunque el cielo lo tenemos ganado. news moda CONVERSE - Varsity urbano Converse presenta para esta primavera-verano 2012 su nueva colección textil inspirada en el mundo de la música, el deporte y el street art. Una mezcla del estilo varsity con el ambiente urbano. Diferentes gráficos y mensajes reflejan distintos estilos inspirados en el deporte, la naturaleza y las artes. Las camisetas se transforman en lienzos donde se aplican imágenes y mensajes mediante multitud de técnicas de estampación, que van desde el crack print, que da un aspecto envejecido a las prendas, hasta el foil print, para darles toques metálicos. Un total de ocho líneas para plasmar el espíritu intrépido de Converse. www.converse.es FEIYUE Street Premium Feiyue, en su persecución de sensaciones e inquietudes nuevas que ofrecer a sus seguidores, ha creado el modelo Feiyue Street, el cual ha sido diseñado como homenaje a las sneakers que marcaron toda una época dentro de la cultura urbana. Ligeras, flexibles, cómodas y modernas. Realizadas con materiales de alta calidad como la piel de napa en color blanco o negro, en combinación con la puntera y talonera en ante del mismo color. Detalles altamente cuidados por la marca, para convertir sus zapatillas en productos cuidados y selectos. Feiyue, ¡todo un lujo de detalles! www.feiyue-shoes.com LEVI’S COMMUTER Levi’s lanza en España su nuevo producto performance: Levi’s Commuter. Tras el gran éxito conseguido en Estados Unidos, Commuter presenta para esta primavera-verano 2012 una serie de piezas icónicas en denim y nondenim, pensadas y creadas para cubrir las necesidades de los ciclistas urbanos: es resistente al agua, repele las manchas e incorpora una cinta reflectante para aumentar la visibilidad. De día o de noche, con frío o calor, con lluvia o sin, cuesta arriba o cuesta abajo. Commuter, la fórmula perfecta para practicar ciclismo de forma moderna, segura, funcional y, cómo no, con la firma y el sello de Levi’s, ¡tan genuino y auténtico como tú mismo! www.eu.levi.com LEE Puro surf-rock El estilo vintage y el revival de los años cincuenta están de moda, y la legendaria marca Lee lo sabe, por lo que ha hecho de ellos una de sus inspiraciones de la nueva temporada veraniega. Una gran variedad y selección de camisetas de algodón para su línea masculina con novedosas estampaciones, es las que se hace patente la combinación del estilo más puro del rock’n´roll y el surf californiano de aquella época. Lee juega con diferentes diseños gráficos vintage, y muestra una amplia variedad y combinación de tonos y colores. No te resistas al más puro estilo surf and rock’n’roll californiano de Lee, ¡más moderno y rockero que nunca! www.lee.com SWATCH NEW GENT LACQUERED Swatch vuelve a romper moldes y esta vez lo hace con la presentación de su nueva colección New Gent Lacquered. Diez nuevos relojes son sus protagonistas; los colores vivos y las esferas transparentes, que dejan ver su mecanismo interior, los convierten en originales piezas y consiguen, una vez más, sorprender y ofrecer algo novedoso y diferente. Swatch, como siempre divertida y colorista, ha lacado cada pieza de la maquinaria interna en distintos colores, y el resultado es un gran contraste visual. Además, varios modelos de la marca se han creado utilizando la combinación de colores, que hace de cada reloj un modelo único y distinto. Este verano, viste tu muñeca al ritmo de Swatch. www.swatch.es Ray-Ban Legends Collection Ray-Ban cumple años y en esta ocasión, su 75.º aniversario, la reconocida marca de gafas de sol lo celebra presentando la línea Legends Collection, en la que hace una revisión de algunos de sus más clásicos e icónicos modelos. Fue en 1937 cuando Ray-Ban creó la mítica gafa de aviador para las fuerzas aéreas de EE. UU., que con el paso del tiempo se ha convertido en una de las señas de identidad de la marca. Legends Collection reinterpreta sus diseños e introduce por primera vez cristales de estilo vintage y en colores exclusivos. Busca los modelos Ray-Ban Aviator, Ray-Ban Round Metal, Ray-Ban Meteor y Ray-Ban Laramie ¡y disfruta con Ray-Ban de su aniversario! www.ray-ban.com LEANDRO CANO A star is born QUE TODO EL MUNDO GRABE ESTE NOMBRE A FUEGO: LEANDRO CANO. PUEDO AFIRMAR SIN LUGAR A DUDAS QUE ES UNO DE LOS TALENTOS MÁS EMOCIONANTES Y CON POTENCIAL CON LOS QUE ME HE TOPADO EN MI CARRERA COMO EDITOR DE MODA. YA TUVE LA SUERTE DE DESCUBRIR SU TRABAJO CUANDO SE GRADUÓ EN LA ESCUELA DE MODA LEONARDO CEADE DE SEVILLA, PERO NO PUDE IMAGINAR QUE LA ECLOSIÓN DE ESTE GRANADINO IBA A SER TAN RÁPIDA Y TAN INTENSA COMO PARA VERLO EN POCOS MESES EN LA PASARELA EMERGENTE DE LA MB FASHION WEEK MADRID, EL EGO. Entrevista: Agustín Velasco Desfile de graduación de CEADE, pasar por South 36.32n, ganar la Pasarela Abierta, ser seleccionado para Ego…, ¿no debe de ser vertiginoso en tan poco tiempo? Pues, siendo sincero, lo llevo lo mejor posible, pero a veces siento que me superan las situaciones, muchísimas responsabilidades. Soy bastante exigente conmigo mismo y siempre intento dar el máximo en todos mis compromisos, pero no quiero dejar pasar ningún tren y tengo el firme compromiso conmigo y con los míos de darlo todo en la pasarela y en el complejo mundo de la moda. ¿Qué ha sido lo más complicado de su ela boración? La elaboración ha sido bastante compleja, porque en todo momento he intentado que sea exquisita y delicada y he puesto en cada puntada una intención y el deseo de ver materializarse mi sueño. Saliendo de Andalucía, ¿te has sentido alguna vez descontextualizado o incomprendido por tu concepto de la moda? Mi decisión de dedicarme a la moda fue un poco tardía, pero tan firme que en ningún momento percibí nada que me hiciera dudar de ella. Hubo quien estuvo más de acuerdo con mi idea y quien menos, pero nadie me desalentó ni intentó apartarme de ella, porque vieron como me sentía cada día más volcado y más feliz con mi proyecto. Era imparable; soy imparable. Pocos podrían tildar tu colección de “andaluza” y, sin embargo, lo es desde la raíz más profunda del concepto. ¿Cómo es la Andalucía reflejada en Buffet, tu colección debut? Para mí, Buffet es una pincelada de la esencia de Andalucía; aunque no es la de la Carmen de Mérimée, sí es una Andalucía soñadora, que pisa fuerte en la pasarela paseando con solemnidad toda la carga de su historia y con esa fortaleza sustentada en un trabajo hecho a consciencia. Nos muestra a una mujer que impone su sello, su fuerza y su imagen ante el mundo entero, sin complejos ni limitaciones. Ese es el Buffet que yo quiero mostrar para saciar a todo aquel que se sienta a disfrutar mi obra. ¿Hacia dónde vas ahora? ¿En qué estás trabajando? Creo que será difícil conseguir algo parecido a Buffet, pero he de intentarlo. De hecho, la próxima colección la tengo pensada desde hace muchísimo tiempo; era la primera opción cuando presenté Buffet, pero no encajaba en el entorno ni el momento, aunque la próxima vez sí lo hará. Mi camino es siempre hacia delante, intentando salvar todos los obstáculos que encuentro a mi paso, que no son pocos. Planes y proyectos tengo muchos, pero me encuentro con un hándicap terrible para cualquier diseñador novel que no se encuentre apoyado por un gran patrimonio familiar o un nombre de cierta relevancia: para sobrevivir tenemos que invertir nuestro tiempo en cubrir necesidades básicas, y de ahí siempre sale perjudicada nuestra creatividad. Sería muy conveniente facilitar ayudas a la creación artística para los que se encuentran llamados por esta senda. ¿Qué es lo que más te ha chocado del mundo “real” de la moda tras salir de la escuela? Que es todo mucho menos idílico de lo que yo me pensaba, menos bonito, “la cruda realidad” es más fea; aun así, para mí es un mundo que me apasiona mucho, y solo quiero ver la parte positiva, se vive mejor así. ¿Cómo ha sido la experiencia de ganar el Almacén de Ideas en Murcia? Ha sido un punto y aparte en mi vida profesional. De ahí me seleccionaron para desfilar en otras pasarelas españolas y más tarde llegó el salto al Ego. Sin duda, he conocido a muchísima gente que me ha apoyado muchísimo y me sigue apoyando. ¿Y Ego? Ha sido sin duda la mayor experiencia de mi vida, y no exagero cuando digo: “ten cuidado con lo que deseas, porque se puede hacer realidad”. Para mí, desfilar en el Ego era el mayor sueño de mi vida, he luchado muchísimo para conseguir llegar ahí. Lo he vivido tan intensamente que todo me parecía anecdótico; fueron tres días inolvidables. news diseño y proyectos / por Tactelgraphics - tactelgraphics.tumblr.com Étapes, todo tiene un final... Las publicaciones sobre diseño, las revistas en este caso, pero los libros también, están atravesando una muy mala época más o menos en todas partes. El cierre de Étapes parece definitivo: no saldrá ningún número más después de este último que acaban de lanzar, el 17. Posiblemente, en una coyuntura más favorable, podría retomarse el proyecto, pero, a la vista del futuro que se nos viene encima, no creo que ocurra. Una pena muy grande. Nos despedimos de una de las mejores revistas especializadas que ha habido y probablemente habrá en nuestro país. www.etapes.es ROMKA MAGAZINE Algunas fotografías son más importantes que otras, ya sea para preservar los recuerdos de tus seres queridos, lugares que dieron forma a tu comprensión del mundo o los acontecimientos de impacto en tu vida. Romka Magazine está dedicada a las fotos que guardas en tu cartera o en la puerta de la nevera. Imágenes de gran valor sentimental que van más allá de la calidad fotográfica. No se trata de tus mejores fotos, sino de tus favoritas. En esta edición de Romka Magazine, profesionales y aficionados de treinta y tres países comparten sus tesoros. Esta vez, la revista cuenta con una historia ilustrada por el autor Pablo Kwiatkowski y una colección de fotografías tomadas en Londres por la artista Steven Chandler. La portada de este número es obra de Evgeny Lebedev y en su web se puede encontrar desde la forma de participar en esta publicación hasta las colecciones fotográficas vinculadas a la revista. romkamagazine.com RESISTENZA, tipografía reactivada El estudio de diseño gráfico Resistenza se formó en el 2008 en Valencia. Giuseppe Salerno y Paco González unieron sus fuerzas para llevar a cabo su proyecto más ambicioso: dar rienda suelta a su pasión por las tipografías y sus diversas aplicaciones. Se podría decir que son una vuelta de tuerca a esto del llamado revival del hand-made, como si se tratase de un revivir de la tipografía involuntario a la vez que sumamente estudiado. Fuentes digitales previamente diseñadas y dibujadas a mano inspiradas en la década de los setenta, en el afrobeat, en el constructivismo ruso (las vanguardias en general)… Cualquier cosa parece servir de inspiración a estos dos jóvenes creadores. Ahora mismo parecen asentados en Canarias, pero en breve se trasladarán a Berlín, donde probablemente encuentren su lugar, aunque nunca se sabe… Tenemos Resistenza para rato. www.resistenza.es GOLDEN GLOBOS 2012 Cómics dorados ¿Por qué unos nuevos premios de cómic? Hay un montón, y de mucho prestigio, tanto en España como en todo el mundo. Entonces, ¿por qué unos premios más? En IluStation les gusta hacer bien las cosas, cuidarlas hasta en el más pequeño detalle. Si alguna vez habéis asistido a alguna de las actividades, exposiciones, fiestas o eventos que han organizado, sabréis que tienen gusto por las pequeñas cosas. Ellos piensan que el éxito no está solo en el talento o la genialidad, sino también en los detalles que hacen que amemos algo. El savoir faire, la clase y el "ese no sé qué" son sinónimos de estos pequeños detalles que tanto les gustan. Ha llegado el momento de colocarlos donde se merecen. Ha llegado el momento de los premios Golden Globo. www.goldenglobos.blogspot.com.es Chubasco, a golpe de lápiz Eduard Bagur, Chubasco, presenta en la galería La Real de Palma de Mallorca NEU, FUM, una exposición que recoge sus últimos dibujos realizados con lápices de colores. En los últimos años, Chubasco ha estado dibujando y pintando retratos y personajes con una intención muy fotográfca, intentando capturar gestos o momentos bellos que no llega a explicar. Durante el último año, desde su llegada de Londres, ha empezado a realizar dibujos que no se limitan al rostro o a un personaje, sino que amplía el dibujo hacia el universo particular de estos personajes. Su background, el decorado. NEU, FUM es el resultado de este nuevo trabajo de Chubasco, treinta y cuatro dibujos que pretenden eliminar la presencia humana y dotar de protagonismo a la arquitectura, a los lugares. Serán los espacios los que hablarán de lo que acaba de suceder, de lo que está pasando o de lo que está a punto de acaecer. www.soychubasco.com OH YEAH STUDIO Los guiris se revolucionan Noruega nos ha traído cosas tan dispares como el black metal, las guiris rubias y salidas y, ahora, Oh Yeah Studio. Dos noruegos (Christina Magnussen y Hans Christian, ambos de Oslo) con una serie de objetivos claros: seducir, inspirar y crear respuestas emocionales a todos los proyectos visuales que se les ofrezcan, teniendo siempre claro que la mejor solución para un buen diseño es ser innovador y, por supuesto, comunicativo. Multidisciplinares, sus servicios incluyen identidad de marca, dirección artística, diseño web, diseño editorial, tipografía, ilustración y packaging. También desarrollan obra propia mediante proyectos personales, tales como exposiciones, grabados, carteles o murales. De su trabajo y de su estilo se debe destacar la constante fusión entre lo analógico y lo digital. Oslo mola mucho. www.ohyeahstudio.no PEPO SALAZAR TRANSGRESIÓN BIEN ESTUDIADA PEPO NACIÓ EN VITORIA EN 1972 Y ES ARTÍFICE DE UNA DE LAS PROPUESTAS MÁS POTENTES DEL ARTE ESPAÑOL CONTEMPORÁNEO. EN EL 2001 GANÓ LA MUESTRA DE ARTE JOVEN (INJUVE); EN EL 2004 EL MUSAC LE OTORGÓ EL PREMIO MUSAC GRANT FOR CREATION, Y EN EL 2008 OBTUVO EL CAM GRANT FOR ARTS 2008 EN VALENCIA. HA EXPUESTO EN SITIOS COMO EL PALAIS DE TOKIO, LA BIENAL DE VENECIA, EL ARTIUM O LA GALERÍA LUIS ADELANTADO… LA OBRA DE PEPO GENERA ACTITUDES Y REFLEXIONES NUEVAS, CAPACES A SU VEZ DE PRODUCIR MATERIA CRÍTICA. MUCHAS DE SUS PIEZAS NOS TRANSMITEN LA IDEA DE QUE ALGO ACABA DE PASAR O DE QUE ESTÁ A PUNTO DE EMPEZAR. ESTO PONE DE RELIEVE UNA DE LAS PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DEL TRABAJO DE PEPO: EL PROCESO. WEBS.ONO.COM/PEPOSALAZAR Entrevista: Tactelgraphics Eres de Vitoria y vives en Valencia… ¿Puedes explicar esta extraña migra ción? ¡Ja, ja, ja! Bueno, acostumbro a procurar no estar mucho tiempo en una misma ciudad; he vivido en Nueva York, Berlín y Bélgica, por ejemplo y ahora estoy pensando en desplazarme a París al menos por un año. Pero la verdad es que en Valencia llevo ya un tiempo largo y el motivo..., pues bueno, vine a hacer una exposición en una galería aquí y conocí a la que fue por bastante tiempo mi pareja. Buscando información sobre ti me encuentro con frases como esta: "La duda sirve como motor de la literatu ra y de la vida en general". ¿Todavía dudas de tu obra? ¿Es ese el sino de todo artista? Creo que sí; o más bien, más que el sino, es la obligación del artista. Piensa que el cuestionamiento, la cuestión, frente a "lo dado" (pues nos lo encontramos ya construido frente a nosotros) genera preguntas que el pensamiento va a necesitar resolver y superar, y eso me parece que pone en marcha muchísimos aspectos. Por lo tanto, sí, hay que dudar incluso de lo propio y de forma radical (de raíz). La exposición Walk Among Us (Attack, Sustain, Release, Decay) que presentaste en Artium en el 2009 es de lo más consistente y bestial que he visto en este país. ¿Qué supuso para ti? ¡Gracias!, ¡me halaga! Para mí supuso bastantes cosas, sinceramente. Primero, el manejar varios tipos de formato a un mismo tiempo, varias instalaciones, esculturas, fotografías, etc., y tratar de coordinar todos los significados y cuestiones estéticas entre unas y otras. También el hecho de trabajar casi un año y medio seguido en un proyecto. Fue muy gratificante estar en mi estudio generando y viendo como crecían las cosas. Había días en que, al entrar en el estudio, yo mismo alucinaba, pues parecía un lugar extraño, donde vivía un freak, rodeado de cosas raras e incomprensibles. Biziak ha sido (y será) probablemente uno de los espacios de arte contem poráneo más interesante que ha tenido la Comunidad Valenciana. ¿En qué punto estás de este proyecto? Bueno, gracias otra vez, ¡pero puntualizaría que en Valencia hay un par de espacios muy interesantes también! Biziak ahora mismo está pasando por un momento de pausa por cuestiones económicas y personales que han trastocado un poco mi organización diaria, pero una vez se haya superado esta fase espero que vuelva a estar en marcha, aquí o donde me encuentre. Es un proyecto que financio y llevo a cabo prácticamente solo y en ocasiones es complicado coordinarse. Yo creo que el proyecto, desde la humildad que creo necesaria en el sector del arte, es muy sencillo pero con mucho contenido, y que trata de generar camaradería en el sector y entre otras cosas. La música es algo muy ligado a tu obra, el punk, el hardcore, la new wave, la música experimental… Eres muy ecléctico. Quizás el nexo entre todos estos estilos es la oscuridad y la rotun didad de su sonido. ¿Cómo afecta esto a tu obra? Quizás, sí, aunque no de forma premeditada. Llevo haciendo música desde 1996 aproximadamente y he pasado por muchas fases. Respecto a la relación con mi obra, creo que, al ser una parte muy importante en mi vida (en mi familia, mis hermanos son todos músicos; o hacemos música, mis padres son unos grandes melómanos que nos inculcaron el amor por ella) simplemente está, figura entre las ideas que manejo a la hora de generar un trabajo nuevo. También podría decirte que, conceptualmente, la cuestión de las subculturas musicales representa para mí un importante relevo de lo que por ejemplo fueron las vanguardias históricas, Dada, Fluxus, IS, etc. Aquel espíritu que había en el arte ha sido en gran medida fagocitado por el mercado y las visiones economicistas que imperan, y creo que las culturas underground o independientes están funcionando internamente de manera más sincera y comprometida con la idea del arte. Háblanos de tu nuevo disco, Illcons, que edita Discos Buen Pony. “Su abanico de influencias puede ir de Eric Satie a Napalm Death”, dice la nota de prensa… Bueno, pues fue un trabajo que surgió casi de forma casual al hablar con José Guerrero (Betunizer, Rastrejo). Yo almacenaba una cantidad de piezas ingentes que no se habían editado y José me propuso publicar un número de ellas. Para mí fue un placer. Respecto a las influencias, pues sí, soy muy ecléctico porque pienso que hay buena música en muchos lugares. Mi formación en todos los aspectos ha sido siempre autodidacta, y esto te obliga a no desechar, a buscar por todas partes, ya que no vas de la mano con alguien, y así encuentras maravillas. Aprendes de forma desordenada pero creo que más amplia y desprejuiciada. Cuando era joven, por ejemplo, escuchaba al mismo tiempo hardcore punk y música electrónica, fundamentalmente planeadores alemanes. Como te decía, en mi familia también he visto un amor por la música clásica, pero, a la vez, como se valoraba positivamente, por ejemplo, Napalm Death o Motörhead. Estás en la galería Upstream de Ámsterdam, y en España has pasado por cuatro. Menudo itinerario, ¿no? ¡Pues sí! Y, por cierto, con la que más tiempo seguido llevo es con Upstream Gallery. Hay una diferencia sustancial en la forma de trabajo en España en relación con la de Europa. Digamos, por simplificar, más clara y recta, y eso en ocasiones hace mucho más sencillas las relaciones laborales. Además, como decías, soy un tanto rebelde y si veo aspectos injustos tiendo a cuestionarlos. En otras ocasiones, he tenido muy buena relación con el galeris- ta, pero si no ha funcionado laboralmente ha habido que seguir por otro lado. ¿Qué opinas de la autoedición?, ¿es la solución a la crisis, o simplemente otro recurso más? Pues, sinceramente, no es una cuestión sobre la que haya reflexionado, a pesar de haber hecho fanzines desde que era un chaval. Lo que creo que es delicado y que hay que pensar es si las soluciones a la crisis debemos plantearlas nosotros mediante la agilización de las ideas y con la merma presupuestaria. Creo que es una forma muy sutil, otra vez, de responsabilizarnos de una situación que no hemos generado. Creo que la autoedición debe ser ejemplificante y que con su actitud debe designar los abusos del main-stream (en Biziak también tratamos de hacer esto). Por ejemplo, está pasando con ediciones que demuestran ser de altísima calidad y baratas de producir. ¿En qué andas liado ahora mismo? Si se puede saber, claro… ¿Liado de qué?, ¿de trabajo? Ahora mismo estoy acabando de preparar un taller para la Universidad Europea de Madrid, en el que vamos a hacer una orquesta con objetos domésticos, sillas, muebles etc, y también estoy en la recta final de una exposición colectiva sobre la idea del encargo y en torno al Guernica que se titula Tiempos de urgencias. 1 3 2 4 1. The Small Holder. Carlos Calahorra Soto, Xavier Puentes Ibáñez. / 2. Editorial. Wild in the streets. Sara Martínez. 3. James Blake. J. Ignacio Barbieri, Fernando Heller, Mario A. Fernández. / 4. Unzo. Jolie Amado, Karina Rodríguez. ELISAVA Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona Diseño al cubo Barcelona es conocida como una ciudad que vive por y para el diseño, un arte que impregna todo el espacio urbano salpicado de museos, galerías de arte, salas de exposiciones y showrooms. Es un auténtico imán para creativos y diseñadores de todo el mundo, que se sienten atraídos por su capacidad para mostrar las últimas tendencias. Todo ello la convierte en uno de los mejores destinos europeos para los estudiantes de diseño. Creada en el año 1961, ELISAVA es la primera escuela de diseño que se inauguró en España, con lo que se convirtió en la primera en ofrecer enseñanzas específicas de diseño. En su condición de pionera, ha marcado unas directrices que han servido de punto de partida para otras escuelas. A lo largo de su trayectoria, el papel de ELISAVA ha sido decisivo en la conformación de la cultura del diseño en Cataluña y en España. No solo porque gracias a su labor docente se han formado profesionales que hoy en día constituyen buena parte del sector empresarial del diseño, sino también porque desde su fundación ha sido una tribuna abierta para todos aquellos que tienen algo nuevo, inteligente y reflexivo que decir. Cincuenta años con una línea formativa y de investigación pluridisciplinar, fuertemente orientada al mundo profesional, que impulsa colaboraciones con empresas, instituciones y universidades de todo el mundo. Toda una trayectoria siendo pioneros en la enseñanza del diseño y la ingeniería, que se plasma en los grados oficiales que se ofrecen en ELISAVA: Grado en Diseño y Grado en Ingeniería en Diseño Industrial, ambas titulaciones de la Universidad Pompeu Fabra. En este contexto, el área de másteres y posgrados de ELISAVA ha ido creciendo progresivamente a lo largo de la última década y, actualmente, es capaz de ofrecer 22 másteres y 45 programas de posgrado de gran calidad relacionados con la práctica profesional en cualquier ámbito del diseño, todos ellos pensados para dar respuesta a una realidad profesional cada vez más dinámica y cambiante. La oferta se estructura en torno a cinco áreas principales: diseño gráfico y comunicación, diseño de producto, diseño de moda, arquitectura e interiorismo, y estrategia y pensamiento, abordadas con programas que combinan lo genérico y lo técnico, que tienen diferentes grados de especialización y que poseen el valor añadido de contar con prácticas profesionales en empresas que facilitan la inserción laboral de los alumnos. Un amplio abanico de posibilidades que abarca, desde la generación del concepto y posterior desarrollo de un producto hasta la creación de una colección de moda; desde el ingenio de una campaña de publicidad hasta el proyecto técnico de un espacio capaz de producir movimiento. Todo ello en un entorno docente en el que, paralelamente, se fomenta el desarrollo de competencias profesionales que son importantes en el mundo laboral actual, donde la formación tiene un marcado carácter práctico y donde los directores y profesores son profesionales reconocidos. www.elisava.net STÄDEL MUSEUM Círculos por todas partes UNA AMPLIACIÓN PUEDE PENSARSE TAMBIÉN DESDE EL SUBSUELO, CON UN VOLUMEN ENTERRADO. ASÍ DISEÑARON DESDE EL ESTUDIO DE ARQUITECTURA SCHNEIDER + SCHUMACHER LA AMPLIACIÓN DEL STÄDEL MUSEUM EN FRÁNCFORT, UN VOLUMEN ENTERRADO Y CUBIERTO CON UN MANTO VERDE AGUJEREADO POR LUCERNARIOS CIRCULARES, LOS NUEVOS OJOS DEL MUSEO. Texto: Ester Giménez / Fotos: Städel Museum, Frankfurt am Main, y Norbert Miguletz A veces las soluciones más ingeniosas para resolver un proyecto son aquellas que desechas en un primer momento por ser demasiado arriesgadas. Quizás la primera idea sea siempre la que satisface nuestros impulsos iniciales, que luego con el tiempo se van modelando hasta convertirse en algo más convencional, algo más cercano a la realidad. Es posible que en el trayecto de desarrollo de la idea proyectual los múltiples agentes que intervienen y sobre todo el cliente transformen radicalmente el proyecto inicial. Es probable que algo parecido a ese impulso inicial ocurriera en la gestación de la extensión del Städel Museum de Fráncfort y los arquitectos del estudio alemán Schneider + Schumacher pensaran: ¿por qué no enterrar el museo? Cuando se valora la extensión, lo primero que se dibuja en la mente es un cuerpo añadido, un volumen anexo, muchas veces subordinado al existente. El equilibrio en una ampliación para que la novedad no se convierta en un simple órgano trasplantado es complicado de conseguir. Sin embargo, en esta ocasión la suma renueva al museo y la subampliación no compite con el cuerpo original; lo subraya sin que la novedad pierda con ello protagonismo. El estudio de arquitectura ha conseguido crear una ampliación que ha renovado completamente la imagen del museo de arte contemporáneo. Ganadora de un concurso convocado en el año 2008, y compitiendo con estudios como Sanaa o Dillier + Scofidio, la propuesta fue aclamada por la prensa y merecedora del primer premio ante un jurado internacional. El proyecto ha sido inaugurado hace tan solo unos meses ante la expectación de los visitantes y se prevé ir abriendo la ampliación en diferentes fases. El proyecto propone una extensión subterránea, una segunda pieza convertida en volumen enterrado junto al preexistente. Es como si el espejo contemporáneo de la antigua pieza no pudiese ser más que un reflejo en el suelo de su fachada reinterpretada. Desde el plano del recorrido de acceso, el visitante descubre un nuevo manto verde agujereado. Esta nueva piel pisable del museo posee casi doscientos ojos converti- dos en lucernarios translúcidos para la ocasión. Son esas aperturas circulares las que iluminan los tres mil metros cuadrados añadidos a la superficie inicial del museo. Aunque se sigue accediendo a él por antiguo cuerpo, el visitante pasa necesariamente por el ritual de recorrer el nuevo manto verde esquivando o no los ojos sobre la piel y atravesando también el pequeño montículo creado. Los lucernarios dispuestos en retícula responden a las líneas compositivas y particiones existentes de las aberturas en la fachada principal. Una vez dentro del foyer de la pieza preexistente, una magistral escalera conduce al visitante al volumen enterrado. Este sostiene su cubierta curvada, montículo en el exterior, gracias a doce columnas de hormigón armado de casi ocho metros de altura en su punto más alto. Sostenible en todos los aspectos y especificidades técnicas, la ampliación responde con acierto a las necesidades del museo y sorprende a los nuevos visitantes. Una vez en el interior de las nuevas salas, los lucernarios se suman a los dispositivos de luz artificial interiores que proporcionan la calidad e intensidad necesarias para iluminar las nuevas obras de arte allí expuestas. Sin duda, en el interior, la nueva cubierta se convierte en protagonista; sus pliegues y aperturas circulares hacen del escenario museístico una constelación lumínica. El espacio interior configurado se resuelve exclusivamente con elementos blancos; de nuevo la caja neutra blanca como paradigma del museo contemporáneo. En el ambiente interior de las salas, los únicos colores los proporcionan las obras de arte y las sombras de los pliegues en el techo, que hacen que el espacio se asemeje a una escenografía futurista lejos del manto verde exterior. De noche, en el exterior del museo, el manto poblado de agujeros de luz invade la visión en el acceso. La luz que entra de día y sale de noche ha sido protagonista indiscutible del proyecto. Debemos admitirlo: el estudio de arquitectos alemanes ha acertado una vez más, y el impulso subterráneo ha situado al Städel Museum en el punto de mira. 1024 ARCHITECTES El low-tech en escena Texto: Ester Giménez / Fotos: Simon Deperez, Brice Pelleschi e Yves Malenfer Ha sido sin duda el proyecto de Les Grandes Tables de L’île el que ha conseguido subrayar en los últimos meses el trabajo del estudio 1024 Architectes, compuesto por Pierre Schneider y François Wunschel. Este restaurante-bar funciona como un punto de encuentro en la isla de Seguin, en París, enmarcado en un jardín temporal. Un lugar donde está previsto un macroproyecto de Jean Nouvel. El último diseño del estudio francés recoge algunas de las claves con las que vienen desarrollando sus propuestas desde la trayectoria dibujada junto con otros arquitectos en el colectivo francés Exyzt fundado en el año 2003. Una de las principales características de sus proyectos es la temporalidad, entendida como un elemento más con el que configurar sus diseños. Partiendo de estructuras efímeras, las situaciones que se desencadenan en el lugar mientras está en funcionamiento se convierten en las protagonistas de la arquitectura. A la temporalidad de sus proyectos se suma la interrogación del usuario al plantearse el aparente uso que tienen las obras del estudio. Así, el restaurante de Les Grandes Tables de L’île parece un invernadero a primera vista. El juego de las apariencias es sin duda un punto deliberado de partida en sus proyectos. Así lo demostraron con el Square Cube, diseñado para el músico Étienne de Crecy, o el 3D Bridge, donde las proyecciones sobre las estructuras temporales hacían que estas cobraran diferentes apariencias. Las obras mutaban de esta manera con multiplicidad de visiones, como si la arquitectura pudiese ser permanentemente cambiante. Ya han demostrado en diferentes ocasiones que la combinación de videoproyecciones e instalaciones temporalmente habitadas crea una arquitectura de la era digital, en la que la velocidad y lo efímero son dos elementos más sobre los que trabajar. Y esta forma de entender la arquitectura es la que proponen consolidar mediante diferentes workshops, como el META-mapping, centrados en entender la importancia que los nuevos medios digitales tienen hoy a la hora de crear una arquitectura. El equipo de 1024 Architectes, junto con el resto de los fundadores de Exyzt, ha sido sin duda el precursor de lo que podríamos llamar el low-tech arquitectónico. Una forma de entender la construcción arquitectónica desde la utilización de materiales fácilmente reutilizables, sin perder el valor estético de las obras. En el caso de este grupo de arquitectos, la utilización de andamios y contenedores para la realización de sus obras ha sido una constante y ha ido proliferando de manera que ahora no son pocos los colectivos que se suman a esta escena low-tech y entienden la arquitectura como una máquina productora de vivencias, de intensidades variables que, sin los usos múltiples, nunca podrían tener lugar. lo más de lo más / por Jacobo Sánchez - www.puedesereal.com 1 5 3 4 1. WeSC x RZA: Fiesta París. El pasado 10 de marzo, la marca de auriculares WeSC, con motivo del Colette Carnaval, celebró en París una fiesta exclusiva para los buenos amantes de la música. Se pudo ver la nueva colección de los auriculares Chambers en colaboración con el rapero, actor, productor y compositor neoyorquino RZA. La fiesta terminó con una performance de Pusha T junto con sesiones de DJ Prince Charles, Arthur King y DJ Weedim. Los nuevos auriculares Chambers by RZA los puedes encontrar en color blanco, negro y rojo y blanco y azul. wesc.com 2. Vans x Colette + The Cobrasnake. El pasado 1 de marzo, durante la Semana de la Moda de París, en la tienda Colette se presentó este modelo Era de Vans en cuyo diseño podemos apreciar una hamburguesa californiana, cortesía del fotógrafo The Cobra Snake y Vans. Se trata de una edición limitada de sesenta unidades que solo estaban disponibles en la tienda parisina; en apenas cuarenta y cinco minutos se agotaron todas. ¿Cómo no, con sesenta pares? www.vans.es 3. Herokid x Agustín Esteso. Nuestros amigos de Herokid acaban de presentar Stray Birds, la colaboración que han realizado junto con el artista Agustín Esteso. Se trata de una edición exclusiva y limitada de cuarenta camisetas, parte de su colección primavera-verano 2012. Puedes comprarla a través de su tienda online. www.herokid.es Foto: Alberto Van Stokkum 2 4. Ghetto Nails Girls. ¿Estás harta de que las chinas de tu barrio solo hagan unas uñas de lo más hortera y simple que hayas visto jamás? Te presentamos Ghetto Nails una movida que han montado las Zombie-Girls en pleno Malasaña para poder customizar tus uñas de la manera más endémica propia de EE. UU. Banderas, letras, escorpiones, hamburguesas, caramelos, agujeros… No hay nada que no quepa en una uña. Tú propones, ellas disponen. Y si lo que quieres es una buena sesión de manos mientras te tomas un coctelazo, todos los jueves se hace Cocktel & Nails de las 16 a las 21.30 horas en el Zombie Bar de Madrid. www.ghettonailz.com 5. Nooka Zub Zan 40 & Zub Zoo 40. Nooka, la conocida marca de Nueva York, acaba de presentar un par de modelos de relojes que llevan el nombre de Zub Zan 40 y Zub Zoo 40. Podemos encontrarlos en analógico o digital. La peculiaridad de estos modelos es que se pueden desmontar en dos partes: la correa y la carátula del reloj. Puedes combinarlos como tú quieras. Los encontrarás en la tienda online de Nooka. www.nooka.com bazar deco / por Estudio Merienda - www.estudiomerienda.com 1 NOTIZIE A MILANO 2 Cuando uno piensa en diseño industrial, los colores verde, blanco y rojo se presentan en su mente como la cuna de la cultura del diseño, y no es para menos. Como cada año, el Salone Internazionale del Mobile di Milano trae novedades de las marcas punteras en el diseño de mobiliario, producto, iluminación y textil. 4 3 5 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 6 I love animals. Diseño de Pier Paolo Pitacco para Alessi. www.alessi.com Isola. Diseño de Claesson Koivisto Rune para Tacchini. www.tacchini.it Chair. Diseño de Nendo para Onepercentproducts. www.nendo.jp The Cave. Diseño de Benjamin Graindorge para Moustache. www.moustache.fr Relief. Diseño de Benjamin Graindorge para Moustache. www.moustache.fr Block-vase. Diseño de Nendo para Onepercentproducts. www.nendo.jp Amanita. Diseño de Hermanos Campana para Alessi. www.alessi.com Sillón Tropez. Diseño de Stefan DÌez para GandÌa Blasco. www.gandiablasco.com Bali. Diseño de Odosdesign para GandÌa Blasco. www.gandiablasco.com 7 8 9 news música Costa de Fuego, más madera Durante la celebración en Benicàssim de la rueda de prensa de presentación del festival Costa de Fuego, Año I, se confirmaron diez nuevas bandas, encabezadas por los finlandeses Nightwish y los británicos Paradise Lost. Además, habrá una importante representación española con los clásicos de la escena Barón Rojo, Obús y Hamlet. La lista la completan Amorphis, In Flames, Katatonia, Rolo Tomassi y Noctem. Costa de Fuego, Año I tendrá lugar los días 20 y 21 de julio en el recinto de conciertos de Benicàssim; sí, donde el FIB. Ya está confirmada, como grandes cabezones de cartel, gente de la talla metalera de Guns N´Roses y Marilyn Manson, entre otros muchos. Vamos, heavilongos, a lucir el bañata paquetero con tachuelas. www.costadefuego.com Primeros artistas para MONEGROS 2012 Monegros Desert Festival ha dado a conocer a los primeros artistazos de su inminente edición del 2012. El festival, que tendrá lugar en su emplazamiento habitual y desértico en los aledaños de Fraga (Huesca), se celebrará entre las 17 h del sábado 21 de julio y las 13 h del domingo 22. Entre los nombres que han anunciado están los británicos The Prodigy; el canadiense (aunque ahora residente en Berlín) Richie Hawtin, que será el encargado de cerrar el festival en el escenario principal; los archifamosos belgas 2manydjs y los hiphoperos zaragozanos Violadores del Verso. www.monegrosfestival.com The Bloody Beetroots en Black Lotus El próximo 21 de abril Black Lotus celebra, en Qoqoa, su segundo aniversario, y para ello ha contado con los apabullantes y electrosos The Bloody Beetroots -en su versión de DJ SET- para tamaña cita. Será una de las pocas fechas que ofrecerán en España, y en Valencia actuarán en exclusiva para Qoqoa. Además, se desvelará parte del espectacular line-up del nuevo Black Lotus Festival, que se celebrará, el próximo 13 de octubre, en la Feria de Muestras de Valencia y para el que contarán con muchos artistas internacionales -electro, dub step, inditronica, new rave, drum step, etc.- de primer orden... No te digo nada y te lo digo todo. El mismo 21 de abril se pondrán las primeras mil quinientas entradas a la venta, ¿te lo vas a perder? Serás el único. www.qoqoaclub.com OCIMAG EN EL ARENAL SOUND El día más musical del año El Día de la Música 2012 -que realmente son dos: 22 y 23 de juniocontará este año en su cartel con The Raveonettes, St. Vincent, Azealia Banks y Love of Lesbian, que participarán en el doble evento musical que se celebra en Matadero Madrid durante los dos días antes referidos. Además de estos grupos se ha confirmado la asistencia de Two Door Cinema Club, Maxïmo Park, Metronomy, Christina Rosenvinge, Twin Shadow, Fanfarlo, Apparat, Julia Holtes, Mikal Cronin y Pegasvs..., casi nada al aparato. En las próximas semanas se irán desvelando nuevas confirmaciones para el cartelazo del Día de la Música 2012, por lo que atentos, que la jugada puede ser maestra. www.diadelamusica.com OCIMAG será el medio oficial del festival Arenal Sound en su edición del 2012. Estamos muy preparados para darlo todo, y seguros de que tú también lo estás, ¿verdad? En esta tercera edición del 2 al 5 de agosto en Burriana (Castellón), el dúo alemán Digitalism estará para presentar su último y esperado disco en live, I Love You, Dude, publicado a mediados del 2011. Esta es su primera fecha confirmada en España hasta el momento. Además, se confirma a Crookers, Felix Da Housecat, Cyberpunkers, Mumbai Science, DJ Amable, Rusty Warriors, Pin&Pon DJ, Yall, Dorian DJ, Kostrok, Elyella DJ, Kill The Hipsters, Gomad!&Monster, Lasers, etc. Ellos se unen a los ya conocidos Two Door Cinema Club, Kaiser Chiefs, Metronomy, The Wombats, Crystal Fighters, Kakkmaddafakka, Love of Lesbian, Lori Meyers, Monarchy, Sidonie y Second. Como veis, la cosa se pone bailonga... Pasen, lean y bailen. www.arenalsound.com FIB 2012... SUMA Y SIGUE Doce nuevos nombres se suman al fantástico cartel de FIB 2012, Benicàssim. Ed Sheeran, Buzzcocks, La Casa Azul, Óscar Mulero, Jero Romero, The New Raemon, Django Django, School of Seven Bells, Maya Jane Coles, Tuya y Ligers conforman el listado de artistas que se unen a los ya anunciados The Stone Roses, New Order, Florence + The Machine, At the Drive-In, David Guetta, Noel Gallagher´s High Flying Birds, De La Soul, Dizzee Rascal, The Horrors, The Maccabees, Bombay Bicycle Club y The Vaccines, entre otros. Y atentos, que el cartel aún no está cerrado. Os recordamos, además, que siguen a la venta los abonos de cuatro días al precio de 165 euros, que incluye ocho días de camping gratuito -del 9 al 16 de julio-, así como los pases VIP y los tickets de la zona de acampada de pago del festival, VillaCamp. Allí nos vemos, un verano más. www.fiberfib.com NERVO Dos veces buenas LAS GEMELAS AUSTRALIANAS NERVO -PRODUCTORAS, DJS Y COAUTORAS DE WHEN LOVE TAKES OVER DE LA SUPERESTRELLA DANCE DAVID GUETTA- IRRUMPEN CON FUERZA EN LA ESCENA DANCE INTERNACIONAL CON SU SINGLE -LÉASE HITAZO PLANETARIO- WE’RE ALL NO ONE. OCI TE LAS DESCUBRE… AGÁRRATE, QUE VIENEN CURVAS, Y NO SOLO PRECISAMENTE MUSICALES… ¡AÚPA! WWW.MYSPACE.COM/NERVO Texto: Fernando Fuentes Nervo es el nuevo impacto que llega de Australia con el single We’re All No One. No es frecuente toparse con artistas que lo tienen todo, pero ese es el caso de Nervo. Las hermanas gemelas australianas Liv y Mim Nervo componen canciones de éxito, son productoras y DJ cuyo talento y habilidades han atraído a los artistas más destacados del momento, interesados por las letras inteligentes, melodías que enganchan y un atrevido y fresco sonido electro-pop que llena el vacío entre el underground independiente y el mainstream comercial. La impresionante selección de créditos que Nervo tiene en su haber incluye coescribir y producir vocalmente la canción Boots & Boys en el álbum de debut Animal de Ke$ha, que alcanzó lo más alto de las listas (además de componer y coproducir para ella VIP y F*** Him, He’s a DJ, componer y producir vocalmente cuatro temas en el álbum One Love del DJ y productor David Guetta, incluyendo el single dance número uno en Billboard When Love Takes Over con Kelly Rowland, que también fue número uno en ventas y un éxito en las emisoras en toda Europa (número uno en radios durante once semanas) y Australia. También coescribieron If I Was A Man del último trabajo Doll Domination de Pussycat Dolls, y Let’s Get Crazy, de Miley Cyrus (la canción bandera de la película Hannah Montana: The Movie). Su pasión desde siempre por la música de baile y la cultura club ha llevado a las chicas a trabajar también con los mejores DJ, como Roger Sanchez, Armin Van Burren, Deadmau5, Kaskade y Laidback Luke. Sus colaboraciones pop incluyen a Kylie Minogue, Ke$ha, Cheryl Cole, Rachel Stevens (que consiguió un éxito top ten en el Reino Unido con Negotiate With Love), y Sophie Ellis-Bextor, además de con algunos de los principales fabricantes de éxitos como Rodney Jerkins, Cathy Dennis, Toby Gad, RedOne, Mirwais, The Underdogs y Greg Kurstin, por nombrar solo a unos cuantos. “Ha sido una gran experiencia trabajar con otros artistas y produc tores -cuenta Liv-. Nos encanta descubrir talento, comprender qué representa ese artista y alimentar su creatividad.” Ahora Nervo ha firmado un contrato con el sello discográfico Astralwerks/Virgin Records que les permite publicar su propia música como artistas por primera vez en su carrera. “Tras tantos años escribiendo y produciendo para otros artistas, estamos encantadas de trabajar en nuestro propio material, que realmente represen ta lo que somos -declara Liv-. Cuando estamos en el estudio, tenemos la oportunidad de disfrutar de total libertad artística y eso es muy gratifican te.”“En nuestras propias canciones, no existen barreras creativas, lo que resulta muy emocionante”-añade Mim-. “La fuerza impulsora que nos ha mantenido vivas es que realmente disfrutamos trabajando en el estudio dice Liv-. Nos encantaba componer y ser creativas. Pero también fue una época muy dura y eso te aplana un poco. Sentíamos como que atravesába mos una crisis de los veinte.” Pero esta historia tiene su lado bueno, un aspecto positivo. Muchos de sus colegas camareros y barman eran también DJ, compositores y prometedores candidatos a productores, y las hermanas empezaron a construir lo que Liv describe como “una encantadora comunidad que apoya a aspirantes don nadie”. Empezaron a ir a clubs y a sumergirse en la cultura underground de vanguardia de música y moda de Londres, absorbiendo los sonidos de la pista de baile de artistas que les servían de inspiración como Daft Punk, Justice, AIR, Basement Jaxx y The Chemical Brothers, mientras iban perfeccionando sus habilidades. “Los DJ no iban en busca del éxito comercial, era hacerlo todo por la pista de baile y hacer lo que te motiva -explica Liv-. Era más creativo. A los DJ con los que trabajábamos les encantaba el hecho de que viniésemos del mundo pop y que pudiésemos escribir melodías.” Liv se mudó recientemente a Nueva York, mientras que Mim sigue viviendo en Londres, lo que permite al dúo mantenerse al tanto de lo que pasa a ambos lados del Atlántico. “No podría ser una situación mejor -cuenta Mim-. Nos movemos constantemente por todo el mundo, así que siempre escuchamos sonidos diferentes y descubrimos nuevas tendencias; ahora contamos con una interesante plataforma para canalizar todo eso.” Nervo asistió a la Winter Music Conference, dónde presentó su debut dance This Kind of Love, que ha llegado al número uno en las listas World Club y es número 2 en las listas de la semana de la música club británica (UK Music Week Club). Actuaron como DJ en fiestas para Paul Oakenfold y Pete Tong, y compartieron escenario principal en el enorme Ultra Festival junto a los artistas internacionales más importantes de la escena dance. “Queremos hacerlo todo -declara Mim-. Admiramos mucho a gente como Timbaland, Missy Elliott, Mark Ronson, Diddy y will.i.am. Todos ellos son conocidos como compositores, productores, emprendedores y artistas. No se espera que ninguno de ellos se quede en una única vía y sea famoso solo por una cosa. ¿Por qué deberíamos hacerlo nosotras?”. AMATRIA Bailando pequeñas historias TODO TIENE QUE EMPEZAR EN ALGÚN SITIO. ÉRASE UNA VEZ JONI ANTEQUERA, AL QUE SE ENCONTRÓ TOCANDO LA GUITARRA, COMO A TANTOS OTROS ENAMORADOS DE LA MÚSICA… TENACIDAD, VALOR Y SOBRE TODO MUCHA CONFIANZA EN SU PROYECTO HAN CONSEGUIDO QUE UNA IDEA DIFERENTE SE HAYA TRADUCIDO EN UN DISCO DEBUT RECIÉN LANZADO MEDIANTE PIAS. ¿ES EL RESULTADO LO QUE DIFERENCIA A UN SOÑADOR DE UN LOCO? Entrevista: Catalina Isis / Foto: Carles Rodrigo “En el 2003 aprende a tocar.” ¿Todo? ¿La guitarra española, la guitarra eléctrica, el teclado, la programación y el lanzamiento de loops? ¿Cuánto has aprendido por el camino y con quién? En el 2003 aprendo a tocar la guitarra acústica, luego la eléctrica, pero en ninguna de las dos soy un virtuoso. El teclado lo chapurreo desde el 2005 por necesidad, a la hora de instrumentar para grabar en mi cuarto era imprescindible. Los bucles electrónicos llegan de casualidad en el 2008 al comprobar que desde el controlador midi puedo conectar un pedal y asignarle una acción que lance los bucles; así nace Amatria tal como lo conocemos ahora. Joni Antequera y Gilberto Auban en el formato dúo. ¿Dos multinstrumentalistas se entienden bien? ¿Tú también tocas con otros grupos, o te dedicas solo a Amatria? Se entienden bien si son profesionales y saben cuál es su papel. Gilber es Gilbertástico cuando toca con su banda (Los Jajacobinos) y es Gilberto Aubán cuando toca en Amatria. Yo solo toco en Amatria, me tira más la producción y composición que el directo; aun así, he de reconocer que si no estoy tocando en otros grupos es porque no estoy seguro de mi calidad como ejecutor, cuando se trata de la creación de otras personas. Desde el 2009 hasta ahora has sido finalista y vencedor de concursos, festivales... ¿Crees que ha sido la mejor opción para conseguir un contrato discográfico y hacerte conocer? Sí, pero indirectamente. Yo conocí a la gente que me está aupando mediante un concurso, ellos eran la producción, así que hablaron de mí por allí y por acá, no me perdieron de vista y al final PIAS se interesó cuando le pusieron la demo; el concurso en sí no me trajo nada, pero los que organizaron el evento y me vieron, sí. Otros concursos me han dado algún directo, pero sobre todo veracidad y respeto. ¿Cómo se siente ser juzgado por personas que sabes que es muy posible que no tengan una sensibilidad musical afín a la tuya? Me encanta. Cuando uno de ellos se infecta siento que la transmisión está hecha: no le ha molado porque es afín a lo que escucha normalmente; le ha molado porque el conjunto de la obra le ha tocado la patata, está dentro de él, se identifica, y puedes mentir a todos los demás pero nunca a ti mismo. Así que lo veo como un reto, no me dan para nada igual, voy a por ellos. Sin un pequeño sello de catapulta, has fichado nada menos que con PIAS. ¿Cómo ha sido la relación? Estamos empezando, como quien dice, pero va muy bien. Eso sí, tienes que ser consciente de que tú eres pequeñito y de que ellos están acostumbrados a cosas más grandes; eres el hilo fino de una madeja compuesta por hilos muy muy gordos, así que hay que ser paciente y esperar tu momento, porque yo confío en lo que hago firmemente, y sé que es cuestión de tiempo que el hilo finito se haga gordo y pueda devolver la confianza proyectada en él cuando era fino. Ya no estoy solo, eso es bueno pero también es una responsabilidad: ya no he de luchar solo por mí; ahora he de hacerlo por todos los que están conmigo. Cuando compones haces temas íntimos y juguetones, en los que la guitarra juega con la electrónica... Pero cuando pinchas te van las remezclas. ¿Has pensa do en a quién querrías elegir como remezclador de tus temas, si pudieras elegir a cualquiera? Gigamesh, probablemente. Aunque si hablamos de tronamiento total Gregori Klosman también me haría ilusión. ¿Cómo se toman el pulso en la composición la guitarra, la voz y las bases? El proceso normal es acordes de guitarra y línea de voz, luego instrumento con las bases y hago pequeñas variaciones de estructura según convivan estas con la canción folkie inicial. Pero a veces comienzo con bases electrónicas y canto por encima para crear las melodías, salen cosas diferentes y me gusta experimentar con ello. Yo no sé música académicamente hablando, por lo que no sé las notas que canto. Me gustaría cambiarlo algún día, pero tiene su parte buena, y es que la melodía se monta en función de lo que oigo y no en función de la escala en la que estoy, que aunque parezca lo mismo ya he comprobado que no es la misma cosa. ¿Qué significa Amatria para un desarrai gado? Es mi segundo apellido. Mi abuelo (Julio Amatria) tuvo dos hijas y siempre decía que el apellido se perdía con él, y por otra parte llevo toda la vida deletreándolo cuando hago alguna gestión oficial, así que, además de gustarme cómo suena, me apetecía que no se perdiera. DOLORES Molando todo el rato EL PANORAMA INDEPENDIENTE ESPAÑOL ESTÁ RECIBIENDO NUEVAS BANDAS DÍA TRAS DÍA Y, CUANDO CREÍAMOS QUE NADA MÁS PODRÍA OCURRIR, QUE NINGUNA BANDA IBA A LLEGAR Y DEJARNOS CON LA BOCA ABIERTA, APARECE DOLORES Y HACE QUE RECUPEREMOS LA ILUSIÓN. UN DOLOR QUE GUSTA, AL CONJUGAR EN PERFECTA ARMONÍA SONIDOS OSCUROS CON DESTELLOS LUMINOSOS, CONTUNDENCIA Y VAPOROSIDAD MUSICAL A PARTES IGUALES. MELODÍAS Y LETRAS SUGERENTES QUE NO CAEN EN LA OBVIEDAD. RESULTA DIFÍCIL CATALOGARLOS EN UN ESTILO CONCRETO, PASAN POR EL SHOEGAZE, EL POST PUNK Y EL KRAUT IMPRIMIENDO A ESTAS FORMAS ESTILÍSTICAS PERSONALIDAD PROPIA. SU DISCO PÓSTUMO (ORIGAMI RECORDS, 2011) HA SIDO NOMBRADO COMO REVELACIÓN EN EL PANORAMA MUSICAL NACIONAL, UNA AUTÉNTICA BOCANADA DE AIRE FRESCO. ASÍ SÍ QUE MOLA SUFRIR. Entrevista: Le Petit Circus / Agradecimientos: Pili Rodríguez / Foto: Tamara de la Fuente ¿Cuánto tiempo lleváis juntos? Desde que empezamos en casa, un año y nueve meses. Desde que nos juntamos todos a ensayar, un año. El hecho de llamarse Dolores a mí me llama mucho la atención; en mi cabeza, Dolores hace referencia a iconografía religiosa, a tradición… Pero me imagino que vosotros nos lo podréis explicar… Pues, por un lado, sí que tiene que ver con eso, y, por otro, con el gusto por el drama, lo oscuro, lo triste… Vuestra irrupción en el panorama independiente español ha levantado cierta expectación. ¿Cómo lo estáis encajando? Con naturalidad. Al principio nos abrumó bastante, fue todo muy rápido y en plan bola de nieve. Os han comparado con The Cure, Parálisis Permanente y El columpio Asesino, aunque yo sigo pensando que vuestro estilo es muy personal. ¿Cuáles son las referencias de mayor peso en vuestra música? Cada canción puede tener su referencia. ¡Algunos han nombrado también a Pixies, a Cranes o a Stereolab! Así que supongo que nuestras referencias son toda la música que hemos interiorizado a lo largo de nuestras vidas, sin ninguna en concreto que nos marque. Os vais a tocar a Berlín en este mes de abril compartiendo escena rio con Triángulo de Amor Bizarro, ¿qué significa esto para vosotros?, ¿hay cabida para las bandas españolas en escenarios europeos? ¡Pues estamos muy contentos y con muchísimas ganas! Salir de España, que sea a una ciudad como Berlín y que sea con Triángulo de Amor Bizarro es un gustazo. Claro que hay cabida para los grupos españoles, hay muchas bandas con la suficiente calidad. Y si a nosotros en España nos gustan grupos que cantan en inglés, francés, alemán, idiomas inventados…, ¿por qué el castellano va a suponer una barrera? Vuestras letras suenan a desamor, melancolía e incluso resentimiento. ¿Cuál es la fuente de inspiración que genera toda esta desazón? Las fabes asturianas generan mucha desazón y resentimiento. Estamos muy influenciados también por el lacón con grelos, por El Descendimiento de la Cruz de van der Weyden, el punto de cruz y el macramé, Margaret Thatcher, Jara y Sedal, David Lynch, Guy Maddin, Bucarest, los tatuajes carcelarios, las navajas de Toledo, Sangchili, los ligueros, el test de Voight-Kampff, los ornitorrincos... Y no es coña. Luego, ser de mar nos hace muy emos... Junto con Dolores, otras bandas como Pelea o Juanita y Los Feos estáis poniendo un poquito de sal y pimienta al panorama indepen diente de nuestro país. ¿Podríais recomendarnos alguna de las bandas que creáis que son indispensables? Fantasmage, Nudozurdo, Cosmen Adelaida, Betunizer, Kokoshka, Odio París, Nadadora, Solletico, Edredón… ¿En qué festivales podremos veros esta temporada? Por ahora tenemos fechas en el Let’s Festival, Pulpopop, Con V de Valarés, Planeta Demos… ¿Qué tan indispensable es reinventarse y, por el contrario, qué tan impor tante es ser fiel a un estilo? Lo realmente indispensable es ser honesto con uno mismo y hacer lo que te pida el cuerpo. Si te sale seguir la línea que ya has marcado, estupendo. Y si llega el momento en que te has cansado de eso y sientes la necesidad de cambiar de registro, adelante. Y al que no le guste el cambio o la continuidad, ajo y agua. Dolores es solo la punta del iceberg, ya que sabemos que andáis con varios proyectos a la vez los diferentes miembros del grupo. ¿Qué nos podéis contar al respecto? No podemos contar nada. Es secreto de sumario. Si os dieran ahora mismo una máquina del tiempo, ¿dónde y cuándo os gustaría nacer como banda? En el año 800 000, cuando las personas vivan bajo tierra esclavizadas por los morlocks. Nuestra música sería un bálsamo para las penurias de la humanidad. Eso o en años anteriores, cuando se vendían discos, se podía sobrevivir de la música y todo era nuevo, divertido y salvaje. ¿Cuáles creéis que son los valores más consolidados que debería tener una banda para triunfar? Casi que vuelvo a la respuesta anterior: honestidad. Por supuesto que tiene que haber un mínimo de talento. Los demás aspectos pueden ser fundamentales también, así como sus contrarios. Molan las cosas profesionales, y las amateurs también. Molan los grupos descarados y los de perfil bajo. Con la honestidad por delante, todo vale. En vuestro debut, al que no pudimos asistir debido al sold out, ¿cómo os sentisteis? Tuvo que ser una sensación extraña... Sí, lo fue. Abrumadas es la palabra que mejor define las sensaciones que experimentamos esa noche. Hubo gente que vino desde lejos y que se quedó fuera. Alucinante... URSULA 1000 La felicidad por la mezcla ESTE ESTRAMBÓTICO TIPO ES, EN SÍ MISMO, UN PISCOLABIS SONORO ANDANTE EN EL QUE CASI TODO -SIEMPRE BUENO, GROOVY Y DIVERTIDO- TIENE CABIDA… MENOS LADY GAGA. DESDE LA ESQUINA MÁS COOL DE NUEVA YORK, ESTE CIENTÍFICO LOCO Y MUSICAL VIENE A ESPAÑA PARA PRESENTARNOS SU NUEVO DISCO, MONDO BEYONDO, EN EL QUE INDAGA, UN POCO MÁS SI CABE, ESE FASCINANTE UNIVERSO SÓNICO EN EL QUE ABUNDAN LOS BREAKS, EL GLAM-ROCK, LA NU-BOSSA, EL TECH-FUNKY, LA ELECTRÓNICA VINTAGE, EL ELECTRO-SOUL, EL EASY-LISTENING, ETC. A FLIPAR TOCA, NENES… Entrevista: Fernando Fuentes Regresas a nuestro país con nuevo disco bajo el brazo. ¿Qué nos puedes contar de tu último trabajo, Mondo Beyondo, que presentarás por las mejo res cabinas de España en estas fechas? Mondo Beyondo es mi quinto disco de canciones originales. Esta vez he querido hacer un álbum que no esté influenciado por los sonidos del momento. Este nuevo disco tiene un sonido que estoy sintiendo ahora mismo. Y todo está tocado en vivo… Eso fue un gran reto. Por cierto, en casi todas las críticas de Mondo Beyondo apa recen las palabras fiesta y entretenimiento… ¿Estamos ante un fiestero recalcitrante? ¡Me encanta la fiesta! No estoy para nada por la labor de oscurecer el sonido de Ursula 1000. ¡Esto es solo un paseo por la diversión! Sabes que en España se te adora, hay auténtica devoción por tu sonido… ¿Te sientes arropado cuando vienes a pinchar a nuestro país? Me encanta ir a España, no sé si sabes que mi familia es española. Me encantan la cultura, la comida y su gente. Ha sido siempre muy bonito tocar allí y conseguir una estrecha conexión sonora con la cultura de mis padres. Por cierto, ¿te gusta la etiqueta de DJ fashion y cool que te han colgado desde algu nos medios, por lo de ser DJ habitual en fiestas de Prada y Dior y al sonar tu música en series como Sexo en Nueva York? Lo cierto es que no, puede sonar un poco pretencioso. Se me ocurre hacer algunas fiestas para fashionistas y tener mi música colocada en algunos programas de televisión, pero eso no me define para nada… Vayamos concretando: explorar, fusionar y hacer bailar a la gente es lo que más le gusta a Ursula 1000… Sí. Me gusta llevar a la gente en un viaje en el tiempo que no tiene que ser solo nostálgico… Me entiendes, ¿no? Por tu gusto por los breaks, el glam-rock, la nubossa, el tech-funky, la electrónica vintage, el electro-soul, el easy-listening, etc., ¿te sientes como un rara avis dentro del panorama de los DJ actuales? Me gustan muchos estilos de música, así que para mí ceñirme a un solo estilo es muy aburrido. Me gusta actuar como si fuera un científico loco del sonido y ver si puedo inventar algo nuevo y único… ¡y sobre todo divertido! Tu padre es valenciano y era miembro de aquellos míticos Los Chavales de la Banda de los años cuarenta y cincuenta… ¿Ya al nacer llevabas en los genes el gusto por lo extravagante y original… y por la fiesta? La verdad es que la música siempre estuvo en mi casa cuando yo estaba creciendo. He aprendido mucho de eso y también de ver a la orquesta de mi padre en directo. Además de maquinitas y platos de DJ, tocas una barbaridad de ins trumentos musicales… ¿Cómo empezó todo? Empecé tocando la batería y luego comencé a experimentar con la guitarra. Sin embargo, los tambores fueron siempre mi instrumento principal. Cuando descubrí la tecnología y los synthesizers y sequencers fui capaz de alcanzar y conseguir mezclar todas esas ideas que tenía en la cabeza. Desde hace tiempo ya no llevas vinilos y pinchas con CD, ¿te pasarás en breve al digital como otros tantos DJ? Llegó un momento en el que viajar con todos los vinilos se convirtió en un gran problema por el peso, así que cambié a CD. Pero todavía no uso portátil. Yo no soy gran fan de lo digital. En tus sets hay cabida para casi todo, siempre que sea bueno, pero ¿hay algún estilo que nunca sonará en una sesión de Ursula 1000? Uhmmmm... Lady Gaga. Vamos al grano: ¿qué dife rencias hay entre pinchar pensando en el ritmo y no en el estilo? ¿Es eso lo que te permite sonar tan fresco, variado y felizmente desobediente? Para mí lo importante son el ritmo y el tempo, y no tanto el estilo. Me gusta andar entre breaks y house y electro y… ¡rock garaje! Mi truco es conseguir que todo suene como “líquido”. Tu estrambótico aspecto físico -entre retro y futurista- es otro de los atractivos añadidos… Creo que mi estilo refleja mi música. También es una mezcla de épocas. A los mods de los sesenta, un poco de los años ochenta, algo del glam de los setenta… Naciste en Nueva York y resides habitualmente allí, ¿dónde te podemos disfrutar allí? Pincho en un sitio que se llama Trophy Bar, en Brooklyn, que me encanta. Allí selecciono una mezcla de boogie-funk de los ochenta y se llama laser funk. También pincho en Otto’s Shrunken Head, en Manhattan, en una fiesta que se llama Turtleneck. Allí pincho más de los sesenta como soul y garaje. ¿Hay algún artista español en tu agenda sonora y personal? Por supuesto, Telephunken de Madrid y The Pinker Tones de Barcelona son grandes amigos míos. Hemos colaborado siempre. ¡Saludos desde aquí para ellos! M83 Beats en tu cerebro Texto y fotos: Le Petit Circus / Crónica: 12/03/2012 - Sala la Riviera, Madrid Es cierto que esta banda es una de las qué más tirón tienen en la actualidad: reúne a gente de todas las edades, condiciones sociales y gustos musicales; M83 gusta a todos. Su Midnight City se pasea por todos los puntos cardinales del planeta haciendo bailar y disfrutar a todo aquel que deja entrar esos beats en su cerebro. En Madrid nos encontramos una muestra más de aquello de lo que venimos hablando, gente de todo tipo, hypsters, jovenzanos, mayores, modernos, propios y extraños se dieron cita en la Sala la Riviera, una sala grande, preciosa, pero con unas carencias sonoras notables de principio a fin. La banda intentó por todos los medios sonar como sabe, pero la realidad era otra. He de decir que me encantó. Son un trío con mucha fuerza; su líder y fundador, Anthony Gonzalez, junto con el incombustible bajista Jordan Lawlor son pura energía, pero nada sería igual sin la fabulosa teclista y voz Morgan Kibby y su batería Loïc Maurin. Arrancando con la imagen del personaje que aparece en la portada del último disco y sonando de fondo Intro dio comienzo el concierto, con un lleno absoluto debido al sold out que semanas antes nos notificaba la organización. El momento más mágico de la noche vino de la mano de Midnight City, como era de esperar, que junto con Fall fueron los temas que más nos hicieron vibrar. El primero correspondiente a su último disco, y el segundo es un remix espectacular del tema de Daft Punk, que apareció en la BSO de Tron Legacy. Hubo momentos también en los que las pulsaciones aminoraron su velocidad y dieron paso a instantes más etéreos: fue el caso de Wait, una auténtica balada, una preciosidad. Una de las cosas que podríamos destacar de M83 es cómo son capaces de moverse tanto en terrenos de beats acelerados y de adentrarse en un lo-Fi sutil, bello, incluso con toques algo melancólicos. Debe destacarse que como punto final y como prueba del sonido deficiente de la sala, Anthony, inmerso en un arrebato incontrolable, arrojó un altavoz y estrelló literalmente la guitarra contra el suelo, sin duda impotente por no poder disfrutar del sonido que un músico desea ofrecer a su público. En definitiva, buen sabor de boca pese a las inclemencias sonoras, lleno hasta la bandera y un buen preámbulo para la posterior fiesta en los rincones más oscuros de la noche madrileña. WORKSHOP RED BULL MUSIC ACADEMY Aire fresco ante la saturación del mercado musical Texto y fotos: Red Bull Music Academy La Red Bull Music Academy volvió a visitar la ciudad de Valencia. Con el productor alemán Frank Wiedemann (Âme) como artista invitado, impartió un workshop magistral en Valencia, que se convirtió por unas horas en sucursal de Nueva York, donde este próximo otoño tendrá lugar una nueva edición de la Academy. Wiedemann, uno de los dos integrantes del dueto Âme, dio su visión particular acerca del estado actual de la producción musical internacional. Una escena, la de la electrónica, que necesita afrontar un período de reflexión ante el excesivo número de trabajos que ven la luz. “Durante los últimos tres años, apenas hemos editado (como Âme) un par de referencias -reconoció-. No tenemos la necesidad de editar música si no merece realmente la pena. No queremos inundar un mercado ya saturado de por sí.” Horas antes de ofrecer un elegante directo en el club Excuse Me??, la mitad de Âme desveló también sus secretos como remezclador. Es decir, sobre el arte de “tomar prestada” una obra ajena y darle una vuelta de tuerca hasta hacerla propia: “No existe diferencia entre hacer un tema original o un remix, el proceso es muy similar”. Un proceso que, según Wiedemann, puede resultar mucho más intuitivo de lo que se piensa: “No tenemos un método concreto, partimos de cualquier idea o sonido y lo vamos desarrollando. Por ejemplo, la línea de bajo no es la parte más importante ni mucho menos, como mucha gente opina”. Además de las impresiones del alemán, los componentes del proyecto local Lontano realizaron un workshop técnico improvisado con cajas de ritmos y hardware propio dejando entrever el buen estado de salud de la producción en nuestro país a pesar de las advertencias de Âme. www.redbullmusicacademy.com ARENAL SOUND KOSTROK CLUB A la sombra de las torres Texto: Oci Magazine / Fotos: Anaïs Vauxcelles. Crónica: 16/03/2012 - Torres de Serrano, Valencia Viernes 16 de marzo, en plenas Fallas en la ciudad del Turia, nos encontramos en el histórico barrio del Carmen disfrutando del ambiente provocado por los miles de curiosos que beben, hablan, observan fallas y circulan por estas viejas calles. Quedamos en la plaza del Tossal con el equipo de Kostrok, ya que organizan la edición mensual de Kostrok Club completamente gratuita y al aire libre bajo las Torres de Serrano de Valencia, y eso no podíamos perdérnoslo. Una vez reunidos, caminamos en dirección a las torres con el castillo de luces deslumbrando entre los edificios y marcando nuestro paso ligero. Unas calles antes de llegar notamos un especial alboroto, a pesar del general que vive la ciudad en estas fechas, y conseguimos distinguir los bajos del moombahton y los vocales reggae al más puro estilo de Swag Nites. Y, efectivamente, al llegar a la derecha de las torres observamos un escenario como epicentro de una masa interminable de gente que inunda los cuatro carriles de la calle Blanqueries, incluido el puente hasta la casa de los caramelos; es decir: miles de fieles de Kostrok alzan sus manos a la voz del MC Jacobo Hernández, que en ese instante grita: “¡Arriba Valencia!”. Después de un momento de observación, nos dirigimos directos al escenario para el inicio del show de Kostrok; al llegar se funden en un abrazo con sus invitados y al subir rugen miles de personas que estaban esperando ese momento. Al fin llega el momento del show, Lurbe y Hosen agradecen enormemente a los asistentes que los están apoyando esta noche: “Es una noche muy especial para nosotros y esperamos que lo sea para vosotros” y comienzan las risas de That Laughing Track, del último álbum de Crookers, que da inicio a su característico DJ set lleno de electro house, dubstep, moombahton y techno y que volvió una vez más locos a todas los asistentes que esa noche marchaban a ritmo de Kostrok. Después de un poco más de hora y media de energía, Kostrok se despide y, como en un concierto de rock multitudinario, el público jadea por una más, pero las autoridades no permiten que esto suceda. Aun así, no se pude decir nada que no sea lo que nos dijeron ellos mismos al finalizar el show: “Nunca volveremos a ver las Torres de Serrano de la misma forma”. Descubre todo el mundo de Kostrok desde su web: www.kostrok.es de analógico a digital AFFKT / PUNTO 0 (SINCOPAT) El caso es que Affkt agarra todo su imaginario electrónico, con claro aroma y ascendiente berlinés y, tras empaparlo de son cubano, de sudor mestizo y de genuina raíz sonora, nos ofrece este álbum Punto 0, que es mucho más que una obra maestra contemporánea: es la historia de la música en sí misma. En los dieciséis temas que escuchamos, Affkt muestra, a tumba abierta, un dominio de la situación sonora -sintética y natural- que simplemente abruma. ¿Cómo es posible que un tipo matemático, y técnico hasta los tuétanos, se haya metido en un jardín de este calado, riesgo y dificultad, y que, lejos de fracasar, haya pergeñado un disco maravilloso de principio a fin? No hay explicación para los mortales, es cosa de talento. Nunca la La Habana sonó tan a Berlín y al Mediterráneo, ¿es evolución o más bien regresión? A modo de injusto resumen, diremos que Punto 0 goza de una refrescante energía, que parte de abismos insondables, para finalmente eclosionar entre beats. Gracias, artista. (Fernando Fuentes) MOONFACE WITH SIINAI / HEARTBREAKING BRAVERY (JAGJAGUWAR) Se me partió el corazón cuando Wolf Parade -grupo por el que me había chupado siete horas de coche para ver su Expo 86 en directo- anunció su separación. Pero los dos miembros fundadores son más que prolíficos, así que respiré hondo y pensé: “No te preocupes, entre Handsome Furs, Sunset Rubdown, Atlas Strategic y todos los demás proyectos, algo saldrá que valga la pena…”. El nuevo proyecto principal de Spencer Krug se llama Moonface y no pretende hacer discos de rock. Con Organ Music… ya se le iba plácidamente la pinza: temas que se desenvolvían como historias circulares, basados en el teclado y su oscilante voz. Ahora, el canadiense coincide con Siinai, una banda que -¡oh, destino!- no tenía vocalista. Se juntaron la necesidad de fábula con la instrumentación progresiva para presentar Heartbreaking Bravery, que peca en general de excesivo desarrollo, con temas que son relatos, algunos de ellos deliciosamente trágicos. Mejor juntos, pero habrá que conformarse por separado. (Isis) GORILLAZ / THE SINGLES COLLECTION 2001-2011 (PARLOPHONE) Damon Albarn -léase el ex-Blur y el alma de la banda virtual Gorillaz- recopila en este piscolabis los hitazos más celebrados de dicho combo, publicados en la última década. Aquí campan libremente el hip-hop, el dub, el funk, el jungle, el pop, los breaks y demás salidas de madre sonoras de uno de los dos principales estandartes del britpop noventero. El caso es que hay que reconocer que 2D, Murdoc Niccals, Noodle y Russel Hobbs firmaron en su momento temazos -que fueron pasto de la MTV y el NME- de la sublime calaña de Clint Eastwood, 19-2000, Demon Days, Dare, Feel Good Inc y Stylo. El resultado final de este disco es más que feliz, positivo y hasta emocionante, en algunos pasajes muy determinados, y sirve para demostrar que el talento de Albarn es inquieto, juguetón y apasionantemente imprevisible… That’s all folks! (Fernando Fuentes) TANLINES / MIXED EMOTIONS (TRUE PANTHER) ¡Ha llegado la primavera! Las hormonas están tontas, hace más sol y tienes ganas de bailar hasta la madrugada. Pero no vale bailar cualquier cosa, hay que bailar algo fresco, divertido, bonito y pistero. Por eso el dúo de Brooklyn, Tanlines, ha decidido que no te haría esperar más para escuchar su Mixed Emotions. Jesse Cohen y Eric Emm son los típicos hipsters que pierden el tiempo en Twitter y Facebook, han mamado música de los ochenta, llevan pantalones de pitillo y chaquetas vaqueras. Pero su música se la toman muy en serio, aunque te suene desenfadada, desvergonzada y un poco infantil. Porque Mixed Emotions está llena de guiños: al afropop, a Talk Talk, a los sonidos tropicales, a los Beach Boys, al pop sesentero de estribillos pegadizos, a UB40, a la electrónica sutil y bailable, a Delorean, a Metronomy, a Tears for Fears. Pero, sobre todas las demás cosas, Tanlines es amante de un buen, sencillo y directo electro-pop. Y es bien complicado parecer tan simple. (Isis) CHROMATICS / KILL FOR LOVE (ITALIANS DO IT BETTER) Chromatics ya eran conocidillos antes de formar parte de la banda sonora del momento…, pero Drive hará, sin lugar a dudas, que miles de cinéfilos curiosos que han buscado a Kavinsky, College o Desire en Facebook presten una escucha interesada a este nuevo disco de la formación de Portland. Después de su hipnótico Night Drive, la banda ahora formada por Ruth Radelet, Adam Miller, Nat Walker y Johnny Jewel se ha marcado Kill for Love. El nuevo disco recoge la sombría cosecha del 2007 y le añade algunos toques nuevos: líneas de bajo más marcadas, guitarras más limpias y canciones mucho más atmosféricas. Chromatics ha perdido parte de su sensual urgencia, pero mantiene su toque synth-pop retro, caminando más hacia una especie de shoegazing dream pop electrónico lleno de paisajes solitarios, frágiles y desolados. De una colección inicial de treinta y seis temas, debe de ser difícil elegir solo diecisiete, pero Kill for Love es un disco coherente, bien enlazado y muy oscuro. Chromatics se pasa al negro. (Isis) PET SHOP BOYS / FORMAT (PARLOPHONE) Los “pechosboys” -así es como los pedíamos en la disco de mi adolescencia- son capaces de publicar un disco con solo caras B y salir airosos del trance. Este Format contiene treinta y ocho temas, sin apenas desperdicio, que datan de a partir de 1995 y que recogen todos esos tracks con los que el dúo inglés ha ido complementando los hitazos que han ido preñando de éxito, y a ellos de millones de libras; discos de la talla de Bilingual, Nightlife, Release, Fundamental y Yes. El caso es que estamos ante una sucesión de canciones que no solo encantarán a los más fieles y facilones fans. Duela a quien duela Chris Lowe y Neil Tennant son tan jodidamente brillantes que hasta sus temas secundarios son capaces de hacernos soñar, bailar y pensar en que mini-hits de la talla de Screaming, Discoteca, Confidential o In Private… harían rico a cualquier gili popdance de ahora mismo. Respeto máximo, vaya. (Fernando Fuentes) ORBITAL / WONKY (ACP) Antes del fin del mundo todos los nombres clásicos del techno inglés quieren sacar un último disco. Chemical Brothers acaban de lanzar un álbum en directo y Prodigy ya ha anunciado disco para otoño. ¿Estará Fatboy Slim planeando algo secreto? Orbital no iba a ser menos y, tras anunciar su separación en el 2004 y aun así juntarse para su vigésimo aniversario y compilar un disco con sus temas favoritos en el 2009, el 2012 marca el lanzamiento de un nuevo disco. Wonky, con la voz invitada de Lady Leshur, es su primer single y da nombre al disco, pero no os creáis nada: ni de lejos se parece el resto del disco a este tema. Wonky es quizá el único corte que realmente tiene ese saborcillo a acid house que tan famosos hizo a Phil y Paul Hartnoll en los noventa. El resto del disco cuenta con temas a medio tiempo, atmosféricos y arriesgados, moviéndose entre bases rotas, cambios de tempo, melodías melancólicas y juegos de sintetizadores. La música electrónica es la inevitabilidad de Orbital. (Isis) NADA SURF / THE STARS ARE INDIFFERENT TO ASTRONOMY (ERNIE RECORDS) Los de Brooklyn, con permiso de la madrileñez de Dani Lorca, presentan su mejor álbum hasta el momento. Estamos ante una estupenda colección de canciones con mayúsculas, que van desde el power-pop al rock melodioso, siempre con ese toque melancólico que hasta en los más tremendos y luminosos guitarrazos posee esta gran banda. Se trata de un disco sin desperdicio, hecho como antes, sin temas superfluos, todo chicha, nada de paja. Los potentes hitazos Clear Eye Clouded Mind, Waiting For Something y las sensibles Looking Through o The Moon Is Calling sirven para dejar claro que estos tipos son una pedazo de banda maravillosa que recupera lo mejor de combos de la talla de Gigolo Aunts y Teenage Funclub; que ha conseguido que nos olvidemos de aquel millonario Popular que tan famosos los hizo, y que disfruta de un Matthew Caws que canta como los ángeles, carajo. Sobresaliente pop sin reservas. (Fernando Fuentes) 1 2 MONDO TIPOGRÁFICO Texto y selección: Estudio Merienda y Rubén Vidal LA CULPA DE TODO LA TIENE GUTENBERG. ESTE HERRERO ALEMÁN DE NOMBRE JOHANNES FUE EL PADRE DE LA IMPRENTA MODERNA. CON LA CREACIÓN DE LOS TIPOS MÓVILES, LA REPRODUCCIÓN DE LOS LIBROS, LA DIFUSIÓN DE LA PALABRA Y EL FUTURO DE LA HUMANIDAD CAMBIÓ DE MANERA RADICAL. ASÍ PUES, HABLAR DE TIPOGRAFÍA ES HABLAR DE CULTURA, DE ENRIQUECIMIENTO Y DIFUSIÓN. GRACIAS A ELLO SE HAN PODIDO REPRODUCIR MANIFIESTOS, CONSTITUCIONES, CARTAS DE AMOR O INCLUSO LOS POEMAS MÁS BELLOS JAMÁS ESCRITOS. EN LA ACTUALIDAD EXISTEN MILLONES DE TIPOGRAFÍAS, DE DIFERENTES FORMAS Y ESTILOS, LO QUE SIGNIFICA QUE PODEMOS DECIR LA MISMA COSA DE DIVERSAS MANERAS. ES ESTA LIBERTAD, ESTA VARIEDAD Y ESTA BELLEZA DE LA LETRA COMO CARÁCTER LO QUE HACE QUE PODAMOS UTILIZARLA COMO VALOR ESTÉTICO Y ESTABLECERLA COMO ELEMENTO ARTÍSTICO, DARLE USO A MODO DE ESTAMPADO TEXTIL O INCLUSO CREAR MOBILIARIO CON ELLA. PORQUE LA LETRA ES UN ELEMENTO ARQUITECTÓNICO, UNA PIEZA CON LA QUE PODEMOS DESARROLLAR TODO UN MUNDO. ENTONCES, ¿ACASO NO CREES QUE GUTENBERG TIENE ALGO QUE VER EN QUE AHORA MISMO PUEDAS ESTAR LEYENDO ESTO? LO DICHO: CULPABLE. 3 5 4 1. 2. 3. 4. 5. Alessandro Canepa, Andrea Pulicelli. Fontable. www.outdoorzgallery.com Johnson Banks. Arkitypo Helvetica. Keep a cool head (2003). www.johnsonbanks.co.uk Pepo Salazar. Walk Among Us (2008). webs.ono.com/peposalazar Viktor & Rolf. Fall 2008. www.viktor-rolf.com Jaume Plensa. Tel Aviv Man XV (2007). jaumeplensa.com 6 6. Ebon Heath. Escultura. listeningwithmyeyes.com / 7. Eastpak Artist Studio. Fikera Studio. artiststudio.eastpak.com / 8. Textonomy. Brian Derrmer. I Could Tell You, 2011. Imagen cortesía del artista y de Packer Schopf. www.briandettmer.com / 9. Typeface T-Shirts. Masashi Kawamura e Itaru Yonenaga. Baskerville 3980 pt. Modelo: Heindi Hackemer. www.masa-ka.com 8 7 9 10 11 12 10. 11. 12. 13. Dsquared2. Otoño-invierno 2012. www.dsquared2.com Numbers. Luigi Billiani. www.billiani.it ABC (estantería modular). Roberto Saporiti y Eva Alessandrini. www.saporiti.net Set 26. Muebles con forma de letra. www.set26.ch 13 14 14. Barbara Kruger, Past / Present / Future, 2010. Digital print on vinyl, installation Gallery of Honor, Stedelijk Museum Amsterdam for The Temporary Stedelijk in 2010. Foto: Gert Jan van Rooij arte PALMA-VALENCIA #1 PUENTES INVISIBLES Texto: Tactelgraphics / Intersecció Art (Palma de Mallorca) Las galerías valencianas Espai Tactel y Trentatres Gallery, junto con la mallorquina Intersecció Art, inauguraron el pasado mes de marzo la exposición Palma-Valencia #1. El contacto entre las tres galerías surgió en la feria de arte Room Art Fair en Madrid a finales del año pasado. Lejos de quedarse solo en eso, espacios como Addaya y Lareal, ambos también mallorquines, prevén continuar su relación y consolidar este nuevo puente Palma-Valencia. La selección de artistas tuvo como principal premisa la diversidad: Clara Bleda, Martín López, David Gómez Maestre y Agustín Esteso desde Espai Tactel, y Hélène Crécent por parte de Trentatres Gallery. Fotografía analógica, serigrafía, dibujo (ya sea al carboncillo o con rotuladores), artistas multidisciplinares y todoterreno, algunos ya curtidos y otros más noveles forman esta ecléctica muestra, que habría que definir como mediterránea. A dicha inauguración asistieron el ilustrador Toni Nievas; la galerista Victoria Aguiló (Lareal); la artista Hélène Crécent, en representación de Trentatres Gallery; Tomeu Simonet y Nadège You, de Addaya, y un sinfín de amigos, periodistas y críticos de arte. Está claro que, ante la crisis, grandes ideas: las galerías jóvenes tienen que crear redes, apoyarse entre ellas, estar abiertas a trabajar conjuntamente. Esperemos que este crossover expositivo sea el principio de un fructífero y continuo puente de arte entre las islas Baleares y la capital del Levante. www.espaitactel.com / www.interseccioart.com / www.trentatresgallery.com arte y expos / por Tactelgraphics - tactelgraphics.tumblr.com CARNAVAL INTROVERTIDO Sergi Cambrils AUTONEGACIÓN Juan Carlos Robles Una muchacha ataviada de reina de las fiestas, hombres con cabeza de búho, plantas extrañas, sofás voladores, un Superman despistado, animales dalinianos, retratos de narices y orejas pegadas a un rostro..., y exprimidores y pimientos..., y sombreros, sombreros y más sombreros... Personajes para un carnaval introvertido es un trabajo libre e imaginativo en el que el dibujo y la pintura se entrelazan para recrear situaciones sugestivas que nos acercan al particular teatro del mundo de Sergi Cambrils. Una especie de carnaval o baile de máscaras en el que todo empieza a estar un poco al revés, donde todo es simulacro, donde unos personajes absurdos y estrafalarios nos narran historias abiertas y llenas de matices, mostrándonos así su verdadera naturaleza, pues todo es aceptable en este mundo imaginario. Hay algo de trágico-cómico en las hipérboles de Cambrils, todo parece intencionadamente barroquizado e inmerso en una espiral vertiginosa repleta de guiños a la realidad. Sus historias enigmáticas deben circular por nuestra mente para convertirse en un misterio por resolver. Una amalgama de imágenes procedentes del cómic, el arte, la alta costura, el diseño gráfico, el vídeo o la televisión que se unen para formar un mundo donde se dan cita el absurdo, la ironía, el humor y una constante y vaga melancolía. Debemos entender esta investigación visual como un método de autoconocimiento que sostiene la idea de que, cuanto más nos acercamos al otro, más cerca estamos de nosotros mismos. En ese sentido, las fotografías, vídeos y esculturas que se presentan han de ser entendidas como si de espejos se tratara. Esta exposición titulada Autonegación pone en práctica aquello que el artista considera central en su trabajo, que no es otra cosa que tomar medida a la distancia que nos separa del otro. Su intención es articular un lenguaje desde el que poder repensar dicha distancia, hoy cada vez más definida por el hecho tecnológico. Al salir del coma tras un accidente, Juan Carlos Robles sintió lo que produce el ser observado desde el otro lado del cristal. Desde entonces, su obra escudriña ese espacio que hay entre el artista y el espectador, entre el emisor y el receptor. Su principal e íntima intención es reducir el objeto artístico a ese mínimo grosor del cristal de aquel dispositivo hospitalario. Piensa que si reducimos el objeto artístico también reducimos la distancia que se interpone entre nosotros. La dimensión de las imágenes que presenta en esta ocasión trabaja en esa dirección reduccionista; su estética alude al momento previo que toda imagen tiene, a la intuición que antecede a todo lenguaje. Mister Pink, Valencia - Hasta el 27 de abril del 2012 www.misterpink.net Galería Oliva Arauna, Madrid - Hasta el 5 de mayo del 2012 www.olivarauna.com SOUL Txemy ANDROMÉSTICO Colectiva Esta exposición se compone de doce piezas, que muestran cada una un rostro de un artista que, por su estilo o por su vida, ha pasado a la historia. La elección de estas personas es una excusa para representar expresiones de cualquier individuo con el que nos podemos cruzar por la calle. Según iba transcurriendo el tiempo de creación de las piezas, sin quererlo, Txemy fue consciente de que cada una de las expresiones reflejadas en los cuadros era una evidencia de sus propios estados anímicos, momentos vividos que nos acercan a su carácter. Asimismo, cada una de las piezas nos muestra, con su gama cromática y la expresión del trazo, la personalidad de la obra de ese artista y su pintura a los ojos de Txemy. La forma de afrontar esta exposición ante el lienzo comienza con una investigación de fotografías de estos artistas, con una primera fase de toma de contacto con museos como la National Gallery de Londres, la National Portrait Gallery de Washington o el Museo Picasso de Barcelona, entre otras instituciones. El resultado final es la suma de capas y capas de pintura, tratando de encontrar la armonía entre las distintas etapas de la vida de cada personaje, para dar a conocer a estos doce artistas desde una nueva perspectiva, a través de los trazos y colores de Txemy. Androméstico trata de poner en consciencia crítica la posibilidad de que las ideas de identidad, sexo y género estén alterando o afectando al mundo objetual cotidiano, cambiando el uso de los objetos, su adscripción a los individuos o incluso forzando su sustitución por otros. Parte de la pregunta de si existen entornos objetuales u objetos que podamos agrupar o describir como mayoritariamente masculinos, o representativos de la masculinidad, frente a otros netamente femeninos; o de si esos entornos se confunden hoy en uno único, común a los dos sexos. Esta exposición juega perversamente con la idea de que los artistas decidan sobre qué objetos gira hoy eso que llamamos masculinidad; sobre si la propia definición de este concepto permanece férreamente vinculada en nuestros presupuestos culturales y estéticos o es ya obsoleta. El proyecto no está exento de cierta perspectiva histórica: las vanitas y las pinturas de “taller de artista” del XVII, y su derivación en el siglo XVIII al género marginal del bodegón “de tocador” (como retrato encubierto de la feminidad) ayudaron a crear unos cánones oficiosos de lo masculino y lo femenino. Este proyecto invita a replantear esos cánones hoy, y a determinar transversalmente cuál es el estatus del bodegón como género artístico y práctica dentro de la contemporaneidad. Miscelanea, Barcelona - Del 25 de abril al 13 de mayo del 2012 La Fresh Gallery, Madrid - Del 10 de abril al 4 de mayo del 2012 www.miscelanea.info www.lafreshgallery.com arte y expos VISIONES SIMBÓLICAS Daniel Johnston PUKE Eduardo Bertone Esta exposición es parte de la colección personal del exmánager de Daniel Johnston, Jeff Tartakov, y pretende acercar a todos los públicos la realidad de Daniel Johnston mediante su simbología. Su álter ego, La Rana Jeremiah, servirá de punto de partida e introducción para descifrar el resto de los mensajes que esconden sus creaciones. Haremos un recorrido por todas sus obsesiones, pasiones y angustias vitales oyendo sus cintas, paseando por sus dibujos y escuchando a los expertos evaluar su obra. Además de un viaje por el universo de Daniel Johnston, supondrá un viaje personal en el que el espectador se sentirá identificado con muchas de sus imágenes y sus múltiples interpretaciones. Con la proyección del documental, las escuchas, los zoótropos y las proyecciones, se dibuja el perfil completo de Johnston y se muestran las conexiones entre todas las parcelas y facetas de su universo artístico. Hasta el momento, será la exposición más completa del artista exhibida en España. Conocido sobre todo por su faceta como músico y su particular biografía, Daniel Johnston firma una obra gráfica recorrida por sus obsesiones, pasiones, símbolos y angustias vitales, a menudo conectadas con sus problemas psicológicos. Desde finales de los ochenta, Daniel Johnston (Sacramento, 1961) es una figura de culto. Eduardo Bertone presenta Puke, una interpretación humorística y surreal de la cultura contemporánea. La muestra está compuesta por las últimas ilustraciones del joven artista junto a obras creadas específicamente para esta exposición: nuevas pinturas, esculturas y un mural en la entrada de la galería, piezas en las que utiliza acrílico, aerosol (spray), rotuladores y collage sobre lienzo, papel, madera y soportes reciclados. Respecto a Puke, se trata de una interpretación humorística y surreal de la cultura contemporánea. Un mundo de contraposiciones entre lo real y lo onírico, entre el sufrimiento y el goce. Puke es el reflejo espontáneo que genera la expulsión violenta y espasmódica de lo que te produce malestar, un acto que suele tener un resultado placentero. Un mecanismo para expulsar del cuerpo venenos ingeridos, para limpiarse. Actualmente, Eduardo Bertone forma parte del colectivo Guchagucha, en el que diseña camisetas y murales. Al terminar sus estudios en diseño gráfico se trasladó a Madrid (2000), donde estudió ilustración, trabajó como director de arte en publicidad y empiezó a vincularse a proyectos artísticos. Estos han sido mostrados en lugares como París, Milán, Shanghái o Tokio. En España ha exhibido obra en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid Conde Duque. La Casa Encendida, Madrid - Del 20 de abril al 10 de junio del 2012 Twin Gallery, Madrid - Hasta el 4 de mayo del 2012 www.twinstudio.es www.lacasaencendida.es SIN HEROÍSMOS, POR FAVOR Iván Argote, Sara Ramo y Teresa Solar JAMES COLEMAN Retrospectiva Esta exposición gira en torno a la idea de la desmitificación del acto de crear, ya que la propia creación es en sí misma un acto heroico y de reivindicación. Esta muestra se concibe como tres exposiciones de Iván Argote (Bogotá,1983), Sara Ramo (Madrid, 1975) y Teresa Solar (Madrid, 1985), tres narraciones gestadas como historias independientes pero unidas bajo un mismo título. Tres relatos donde la poética narrativa ha dejado de cuestionarse grandes heroicidades para aproximarnos a territorios particulares. Una metáfora de aquello a lo que una vez se refirió Flaubert cuando advertía que bastaba con mirar algo detenidamente para que se convirtiera en interesante y que, a su vez, el cine ha sabido transmitir mediante el primer plano sobre un objeto, un rostro o un detalle, en principio, sin importancia. Tres historias particulares, en las que cada uno de estos artistas habla, por medio de su trabajo, del hecho de ficcionar la realidad, de cambiarla, de inventarla e incluso de superarla. Unidos por sutiles puntos en común, los artistas generan relatos lógicos dentro de los cuales se producen contenidos que sobrepasan el funcionamiento de la estructura misma. Estructuras de mirada y uso, reflexiones sobre el cómo observamos o cómo entendemos, alterando lo genérico y convirtiendo lo anormal en lo normal, o al revés. Esta exposición es la primera gran retrospectiva de la obra de James Coleman. Conformada por unas quince obras, la muestra incluye desde sus piezas iniciales, realizadas en Milán en los años setenta, hasta su trilogía de los años noventa formada por Background, Lapsus Exposure e Initials, así como otras piezas cruciales como Fly, Box, Untitled: Philippe Vacher y la obra Retake with Evidence presentada en la Documenta 12, que explora, mediante la imagen audiovisual procedente de diversos soportes, las relaciones temporales entre imagen y sujeto. Una serie de obras fílmicas nunca vistas de principios de los setenta se mostrarán por primera vez. Mediante el uso de audiovisuales tomados de diferentes medios, Coleman ha transformado las relaciones temporales entre imagen y sujeto en las artes visuales contemporáneas. El artista se formó en Dublín y trabajó en Londres y en París antes de trasladarse a Milán, donde desarrolló su carrera artística durante veinte años antes de regresar a la capital irlandesa. Su obra se encuentra en colecciones tales como el Irish Museum of Modern Art de Dublín, el Museum Ludwig de Colonia, el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst de Gante y el MACBA de Barcelona. Recientemente, tres de sus trabajos se han incorporado a la colección del Museo Reina Sofía. Centro Dos de Mayo, Madrid - Hasta el 20 de mayo del 2012 Reina Sofía, Madrid - Del 25 de abril al 27 de agosto del 2012 www.ca2m.org www.museoreinasofia.es arte y expos MÁS FOTOPERIODISMO Visa pour l’Image DE QUÉ HABLAMOS... Juncal Ballestín y Néstor Sanmiguel La fundación Photographic Social Vision y el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) presentan una selección de exposiciones de Visa pour l’Image - Perpignan, el festival profesional de más prestigio en el sector de la fotografía documental internacional. De entre todas las exposiciones que se exhibieron en la edición del 2011 se han elegido cuatro proyectos fotográficos. Con más de ciento setenta fotografías, la muestra Más Fotoperiodismo destaca por la diversidad de los géneros fotográficos seleccionados y la actualidad que retratan, ofreciendo al público la posibilidad de profundizar en cuatro acontecimientos del año pasado que fueron noticia, como el tsunami en Japón, la primavera árabe, la narcocultura en México o la vida cotidiana de una mujer mutilada en Uganda. La selección de las exposiciones se podrá ver hasta el 28 de mayo del 2012 en el CCCB. En 1989, Jean-François Leroy creó Visa pour l’Image - Perpignan, el mayor festival internacional de fotoperiodismo, que se celebra anualmente en Perpiñán con el propósito de reunir a todos los profesionales de la fotografía de prensa. Por primera vez en la historia del festival, una selección sale de su espacio habitual y llega a Barcelona gracias al interés del CCCB y de la fundación Photographic Social Vision. Cuando hablamos de pintura, ¿de qué intentamos hablar?, ¿qué queremos decir? ¿Es legítimo intentar mantener una conversación sobre (en) pintura, como si en esta práctica concreta se vieran involucradas todas y cada una de las diferentes problemáticas que afectan al arte, en tanto que práctica social, en un tiempo que ha expulsado sin remedio -por decirlo con Badiou- al dios de la religión, de la historia y de la poesía? Se ha hecho habitual referirnos a la pintura como una práctica que, en el marco del “arte contemporáneo” en dominio, encuentra difícil acomodo porque en ella se identifica un orden disciplinar que no responde a las necesidades de una lectura interesada facilitada por la crítica a la obra de arte por medio de la crisis de la autoría en el interior de una crítica mayor como es la del individualismo. El descentramiento y la posterior destitución de lo absoluto en todos los órdenes ha traído la negación, en el último siglo, de todo aquello afecto a lo que se da o se piensa como uno, a la representación de un absoluto por débil o transitorio que se pueda presentar. Los trabajos de Juncal Ballestín y Néstor Sanmiguel pertenecen a la posibilidad que entiende la práctica de la pintura desde una noción de tradición en el interior de un espacio descategorizado que posibilita la experiencia de la libertad. CCCB, Barcelona - Hasta el 28 de mayo del 2012 Rosa Santos, Valencia - Hasta el 19 de mayo del 2012 www.cccb.org www.rosasantos.net FUNDIDO ENCADENADO Azucena Vieites ONCE UPON A TIME THE SCREEN Colectiva Fundido encadenado - Break You Nice es el título del proyecto expositivo que la artista Azucena Vieites presenta en la Sala 1 del Musac, resultado de un largo proceso de trabajo iniciado en propuestas anteriores en las que incide, desde una perspectiva feminista, en el uso, la repetición y la fragmentación de imágenes como modos de hacer recurrentes; así como en la categorización de la dicotomía de sexo-género durante la infancia y la relación consumoproducción de imágenes provenientes de la cultura popular. Para Vieites, la ética del “hazlo tú mismo” (do it yourself), nacida con el movimiento punk en los años setenta, sigue hoy plenamente vigente en relación con la generación de un nuevo orden en el que las posibilidades de la autogestión adquieren especial relevancia, especialmente desde un punto de visto feminista. Es a partir del concepto de autogestión como se entiende la relación con las técnicas del fanzine en el trabajo de Vieites. El término fanzine hace referencia a las publicaciones de edición autogestionada e independiente que se realizan con medios modestos y accesibles. Muchas de estas publicaciones se hacen por entretenimiento y diversión, como una forma de resistencia política y de activismo; pueden usarse como una herramienta pedagógica informal. Del vídeo monocanal al universo del cine. Colecciones de los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo (FRAC) franceses (1982-2012). La historia del vídeo ocupa un lugar importante en la totalidad de las colecciones de los FRAC. Con más de mil seiscientos vídeos en las veintitrés colecciones de los FRAC, este medio se ha afianzado en treinta años como un campo de experimentación importante en todo el mundo. Performances, autofilmaciones, ficciones y autoficciones, narraciones, experimentos tecnológicos, dispositivos, instalaciones, el vídeo reinventa aquello real y recubre una realidad en constante evolución. En el marco del festival Screen from Barcelona y la feria Loop, Arts Santa Mònica organiza esta exposición, la primera muestra en Europa que presenta este formidable corpus de imágenes de los FRAC. Este recorrido en imágenes de los años setenta hasta la actualidad empieza con un homenaje a los grandes artistas del siglo XX. Georges Rey y Marcel Broodthaers invitan a los visitantes a entrar en un laberinto de imágenes desde la frontera en el sentido geográfico y político del término (Khallili, Roeskens, Atay); el viaje, entre exilio y sueño (Almeida, Sedira, Leccia, Tan, García), y la arquitectura a partir de su dimensión simbólica y política (Colomer, Narkevicius, Zarka, Downsbrough). Musac, León - Hasta el 9 de septiembre del 2012 www.musac.es Arts Santa Mònica, Barcelona - Hasta el 2 de junio del 2012 www.artssantamonica.cat Fotografía: Isidro de Quesada - www.isidrodequesada.com Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es Maquillaje y peluquería: Sara Cáceres para Temptu Asistente de maquillaje: Eliotte Casimiro Modelo: Ruxanda - Traffic Models vestido HOSS INTROPIA / Chaqueta DIESEL / gorra ADIDAS / reloj SWATCH BY JEREMY SCOTT vestido KARL LAGERFELD / chaqueta y muñequera ADIDAS / zapatos STUART WEITZMAN vestido KARL LAGERFELD / chaqueta ADIDAS / zapatos MASCARÓ / reloj SWATCH vestido ADIDAS ORIGINALS BY JEREMY SCOTT / zapatos MASCARÓ / reloj SWATCH vestido KARL LAGERFELD / chaqueta y cinta ADIDAS / zapatos MASCARÓ / reloj SWATCH Fotografía: David Mingoranz - www.davidmingoranz.com Estilismo: Cristina Terrón Maquillaje y peluquería: Nando Talavera Modelo: Germán - UNO Bcn gafas DAINESE camiseta KOROMO GAE / bermudas AMERICAN APPAREL / zapatillas CONVERSE cazadora LEVIS RED TAB / jeans LEVIS americana SISLEY / boxers TODD SANDFIELD camiseta FRANKLIN & MARSHALL / pantalón COS / casco DAINESE local-in La Niña los Peines Mucho más que una pelu Motivos sobran para que La Niña los Peines se haya convertido en uno de salones de peluquería más in de Valencia. Situada desde hace ocho años en el barrio del Carmen, su directora creativa, Ana Balsera, sorprende a su clientela por la filosofía que guía su negocio desde el primer día que abrió las puertas. Como ella misma explica, "en La Niña la estética nace de la salud, el placer y la imaginación, alejándose de la frivolidad para acercarse a la esencia". Uniendo los conceptos de salud, bienestar y placer en uno solo, La Niña los Peines es un espacio en el que conviven tradición y vanguardismo. Precursor de las últimas tendencias en peluquería y estética, este salón ofrece servicios artesanales y meticulosos, en los que el cuidado del cabello se personaliza para cada cliente, y donde los procesos de coloración o de corte van siempre acompañados de un estudio y un asesoramiento previo. Sin lugar a dudas, esta es una de las cualidades más notorias del centro. Dentro de sus especialidades en peluquería, destacan los tratamientos con queratina y los alisados japoneses, así como los degradados y californianos, de los cuales son especialistas. Trabajos de color creativos, con especial cuidado del cabello. Pero hay más. En su voluntad de conjugar el cuidado del cuerpo y el bienestar personal, Ana Balsera cuenta con especialistas en terapias alternativas y orientales. De este modo, los clientes de La Niña de los Peines pueden disfrutar de masajes de shiatzu o de talleres sobre terapias orientales. Su gran profesionalidad y sus inquietudes artísticas les han unido a proyectos cinematográficos, televisivos, teatrales y fotográficos. Conocidos y consagrados diseñadores como Juan Vidal o Glenda López, entre otros, reclaman los servicios de La Niña para sus producciones, y cada vez son más frecuentes los trabajos en cortometrajes y vídeos. Y por si todo esto fuera poco, La Niña los Peines se ha convertido en un espacio creativo donde periódicamente se realizan eventos, como actuaciones musicales, "chorrabastas", mercadillos y exposiciones de fotografía y de pintura, en loa que se brinda la oportunidad a jóvenes artistas de mostrar sus trabajos y con lo que se convierte en un espacio de interacción cultural. Por último, destacan dos rinconcitos de este salón, ya que La Niña los Peines convive con dos tiendas. Una de ellas es un córner dedicado a la reconocida empresa Los Placeres de Lola, una tienda erótica desde la que se asesora para conseguir un sexo saludable y divertido, y donde se venden las piezas eróticas de BS is Nice, en exclusiva para Valencia. Y el otro córner luce productos vintage de la mano de Love Vintage, ropa y complementos de la moda retro. Síguelos en Facebook: www.facebook.com/laninalospeines, donde podrás encontrar promociones muy sugerentes, como concursos, cortes de pelo o premios, entre otros. Su horario de apertura es de lunes a viernes de 10 a 19 h y sábados de 10 a 15 h. La Niña los Peines, trabajo cuidado y trato personal a tu servicio. Santo Tomás, 24 - Valencia - Tel. 963 925 282 / Facebook: La Niña los Peines LIBRERÍA DADÁ WRANGLER Dadá está ubicada dentro del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad. En esta librería encontramos las mejores editoriales en arte, arquitectura, diseño, publicidad, moda, interiorismo… Ejemplares indispensables para los amantes de las últimas tendencias. También artículos de regalo y camisetas de firmas como Das Büffet. www.libreriadada.com Hablar de Wrangler es darse uno de los paseos históricos más atrayentes en el mundo tejano. Wrangler, en su constante línea de crecimiento, ha abierto un nuevo córner en El Corte Inglés de la calle Colón, en pleno centro valenciano. Descubre el estilo grunge que marcó toda una generación al llamarla X. www.wrangler-europe.com Muvim - Guillém de Castro, 8 - Valencia - Tel. 963 515 138 El Corte Inglés (tercera planta). Colón, 1 - Valencia TULALLEVAS CRÈME BCN FLAGSHIP STORE Una de las tiendas en Valencia que ha logrado mantener una identidad propia con una selección de firmas basadas en la filosofía del urban wear. Propuestas para hombre y mujer de las mejores marcas europeas: Loreak Mendian, Fenchurch, Wesc, Sessun, Ragwear, Ichi, Tcheka, Paz Seoane, Touchemoa y Zenspirit. www.tulallevas.es Crème es un referente dentro del urban lifestyle y del streetwear internacional. La primera Flagship Store abrió en el centro de Barcelona en abril del 2010. Destacan sus colecciones de Footwear, series de tablas y la nueva Holiday Special Collection. Además, siempre realizan promos y descuentos, así como conciertos, sesiones de DJ, fiestas... cremedirect.com Taquígrafo Martí, 13 - Valencia - Tel. 963 228 271 Plaza del Bonsuccés, 7 - Barcelona - Tel. 933 043 310 Oci 73 SUBSCRIPTION FEIYUE Los primeros en suscribirse a OCIMAG este mes de abril se llevan unas Feiyue A.S. HIGH. El modelo A.S. HIGH es la evolución del modelo A.S., un diseño ligero y elegante en formato de botín tobillero. Un imprescindible en tonos básicos con un sugerente estilo retro. Suscripción mail: [email protected] / Consulta condiciones: [email protected] www.ocimag.com