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STAFF 55
Dirección: Rubén Vidal. Diseño gráfico y maquetación: Grafikproject. Moda: Anna Arroyo y Agustín Velasco. Música: Fernando Fuentes y Catalina Isis.
Contenidos de diseño y arte: Tactelgraphics. Arquitectura: Ester Giménez. Web: Estudio Brotons. Corrección: Míriam López. Distribución: Walk & Paste.
Street y eventos: Fátima Sancho y Antonio Orlandi. Publicidad y marketing: Paula Ortega: [email protected]; Beatriz Acosta: [email protected].
Colaboradores: Jacobo Sánchez, Aída García, Rosario Muñoz, Estudio Merienda, Eduardo Almiñana, Sara Morales, Alberto Peris, Jose A. Serra, Pinat Agency,
Gustavo López Mañas, Jesús Marzón, Lola Martínez, Elite Model Management, Laura de Benito, Vanessa Payán, Joss Jaycoff y Carlos Sadness.
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008. OCIMAG #55 / edición bimestral de diciembre del 2012 y enero del 2013.
Oci Magazine no se hace responsable de las opiniones o los comentarios de sus colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o
parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del editor.
Publicidad: [email protected]. Información: [email protected]. Tel.: 962 971 002
www.ocimag.com
#55
Fotografía: Gustavo López Mañas - www.glm-studio.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Modelo: Natalja Neumeister - Elite Model Management
Máscara Manuel Albarrán, chaleco Diesel
BASICS
8. Cajón desastre. 68. Local-in: guía de locales.
MODA
10. News moda. 12. Maria ke Fisherman. 56. Plague.
Editorial por Gustavo López Mañas. 62. Walk on By. Editorial por Laura de Benito.
DISEÑO 14. News diseño y proyectos. 16.
K% by Nendo. Black & black collection. 18. FDModa Barcelona. 20. Serial Cut. 22. Superliken. 24. Bazar deco: Life in blue. 26.
Lo más de lo más. 42. Mondo Siniestro.
MÚSICA 28. News música. 30. Santigold. 32. Tuya. 34. Micah P. Hinson. 36. Black
ARTE 48. HONNI soit QUI mal y pense. 50. Arte y expos.
Lotus Festival. 38. Motel 1953 @ La3. 40. De analógico a digital.
cajón desastre - por Eduardo Almiñana
SYSTEM FAILURE
EDUARDO, LICENCIADO EN PERIODISMO Y ESCRITOR DE
HISTORIAS -CASI SIEMPRE DE CIENCIA FICCIÓN-, DECIDIÓ
TAMBIÉN SER EDITOR POR AQUELLO DE SEGUIR ESCOGIENDO
PROFESIONES CON FUTURO. AMANTE DE LA GENERACIÓN
BEAT, DEL NUEVO PERIODISMO Y DEL PERIODISMO GONZO,
QUIERE EMULAR A HUNTER S. THOMPSON Y SER CRONISTA EN
LA ROLLING STONE. TIENE UN BLOG EN EL QUE DIVULGA SUS
TRIBULACIONES, HABITUALMENTE RELACIONADAS CON
ACONTECIMIENTOS TRIVIALES QUE SIN EMBARGO ESCONDEN
DIMENSIONES EXTRA. PUEDES SEGUIRLO EN LAS REDES
SOCIALES; EN TWITTER ES @EDUREPTIL.
A lo largo de la historia no han sido pocos aquellos que han tratado de imaginar cómo sería el fin de lo que hemos coincidido en llamar mundo. Pero
este concepto es tan vago e impreciso como ingenuas han sido muchas de
las predicciones. El primer paso para adentrarnos en el misterio del último
desenlace es definir qué entendemos cuando nos referimos a ello: si al final
del cosmos en un gran cataclismo lovecraftiano o a la más que probable
extinción de nuestra especie. A mi juicio, la segunda opción es mucho
menos relevante que la primera. Al fin y al cabo, no somos inmortales y en
algún momento deberemos hacer las maletas y saldar este préstamo con
fecha de vencimiento desconocida. Algo nos finiquitará, como ha ocurrido
a tantos seres en tantas ocasiones en nuestro planeta. Puede que sea una
epidemia especialmente efectiva, una infección masiva que nos impida procrear; o bien puede ser un virus letal que se propague rápidamente y nos
impida reaccionar a tiempo; tal vez el impacto de un objeto from outer
space. Por otra parte, hay una serie de catástrofes que podemos descartar:
no sucumbiremos inmersos en un infierno de explosiones nucleares, eso
está demodé; no es sino una bella imagen del cyberpunk literario que no
tiene ya sentido dada la capacidad actual de destrucción por medios más
sofisticados -aunque igualmente terribles-. Tampoco, me atrevo a suponer,
seremos aniquilados por alguna belicosa especie alienígena. Damos por
supuesto que nuestra violencia es una característica universal, pero no tiene
por qué ser así. Independientemente de qué sea lo que ocurra, pierde interés respecto a la imagen del fin de los tiempos, que es infinitamente más
sugerente, y abre un amplio espectro de posibilidades. En este campo caben
otro tipo de interpretaciones, dado que aquello a lo que afectaría escapa a
nuestra comprensión. El fin de todo es el verdadero acontecimiento. El
Apocalipsis y el Ragnarök, así como otras teorías escatológicas -porque la
escatología también es la ciencia de lo último-, han tendido a dejar cabos
sueltos: resurrecciones, un nuevo génesis y un sinfín de continuarás optimistas y esperanzadores. ¿Por qué seguir la tan trillada estructura de introducción, desarrollo, conclusión y vuelta a empezar? El Nostradamus que llevo
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dentro me impele a encontrar alternativas más acordes a nuestra época, mi
modesta aportación a la gran apuesta. Me inclino por un final (por llamarlo
de alguna manera) sin fatalismos, ni decadencia; una interrupción brusca y
repentina, como un error 404 mayúsculo. Un system failure imprevisto y
absoluto que deje al descubierto el esqueleto de nuestra realidad, esa cuyas
imperfecciones nos llenan de gozo día a día. Porque lo perfecto es enormemente aburrido. Nos imagino ajetreados en nuestras rutinas, en un momento muy común, cuando de pronto una fractura digna de las mejores novelas de horror cósmico acaba de un plumazo con el significado de todas
nuestras ideas y convenciones. La física no tiene tiempo suficiente para perder el sentido porque ya no existe el tiempo. En un instante éramos, y al
siguiente, ser es la nada. La escena es la de un bucle imposible, se me antoja levemente parecido a los estertores de un ordenador que se apaga lentamente envuelto en el caos. Solo que, en este caso, nada se apagará, porque
eso sería un final típico, y en mi finis mundi particular ya no hay dualidades
como encendido/apagado. Sencillamente, algo falla y se produce un pantallazo azul de proporciones épicas. Eso sí sería un fin -repito, en este caso el
término es aproximado por lo limitado de nuestro lenguaje- genialmente
demencial e irreversible. Porque otra condición necesaria es que no tenga
reparación. Ningún demiurgo tiene que permanecer ajeno al gigantesco
crac. Si existía, se lo ha llevado también por delante. Buscar nuevos miedos
es uno de mis retos vitales, y creo que debe ser la tarea de cualquier aficionado a especular sobre el fin del mundo. Olvida las propuestas habituales;
los mayas decían que este tendrá lugar en diciembre de este año, así que
seguro que no es así. Tiene que ser por fuerza algo en lo que nadie haya
caído, una insignificancia ominosa que provoque el desastre. ¿Puede
alguien encarnar este fin del mundo?, ¿o una secuencia de hechos que ya
están ocurriendo sin que lo percibamos, una serie de sucesos que corre
como la pólvora en nuestra contra hasta llegar al material explosivo? ¿Puede
haber pasado ya, y que seamos simplemente un eco propagándose sobre un
tejido inmenso? Seguro que no, si he sido capaz de concebirlo.
news moda
Gas. Apuesta azul
REEBOK
New Classics
Reebok viene pisando fuerte: retoma la colección
New Classics y la combina, por un lado, con una
estética sencilla, y, por otro, con la calidad de lo
artesanal. El resultado es un estilo atemporal y
cómodo -adjetivos que son sinónimos de Reebokdel que surge una elegante zapatilla realizada con
materiales de lujo. Las ya consolidadas SL Berlin y
SL Flip combinan a la perfección la propia herencia
de la marca, de un estilo puro y sutil. Con ellas, el
look contemporáneo está garantizado. Los detalles
en piel y sus nuevos colores harán las delicias de tus
pies. www.reebok.com
Replay. Actitud espiritual
Replay se mantiene fiel a su espíritu para la temporada otoño-invierno de
2012-2013, y se embarca en un viaje a través de sus piezas más atemporales
e icónicas para darles una apariencia mucho más contemporánea y moderna.
El mimo dedicado al denim está presente en toda una serie de minuciosos
detalles que subrayan la autenticidad y la calidad de Replay. Los tejidos, los
ribetes en color cobre y las tachuelas típicas de los vaqueros ganan relevancia
al transformarse en piezas con un aire más vintage. Los elementos decorativos
son el nuevo hit: estampados, bordados y diferentes efectos creados a partir
de la combinación de diversas técnicas reflejan el savoir faire de Replay para
que solo tú lo disfrutes. www.replay.it
Oci 12
Gas ataca la nueva temporada rindiendo tributo al
azul, el color de Gas por excelencia. Cortes elegantes
y limpios llenan la nueva colección, en la que se
reinterpretan y crean nuevas versiones de sí mismos
para desarrollar estilos originales y muy personales de
manera contemporánea y sofisticada, desde el total
look denim en tonos claros hasta el denim lavado en
color azul cielo y acabados más oscuros que
acompañan al aplique metálico, o incluso
degradados cromáticos. Una colección cápsula
explora el alma urbana del denim Gas con el nuevo
modelo Noley, una evolución del best seller Noal en
una gama de tratamientos crudos que dan un look
vivido pero discreto, sofisticado y elegante, con
lavados realizados con luz para un aspecto fluido
muy agradable al tacto, efectos iridiscentes y 3D.
www.gasjeans.com
EASTPAK FOOTWEAR
La conocida marca lanza por primera vez
una colección de calzado. Si, en cuanto a
estilo de vida y cultura urbana, Eastpak crea
y marca tendencia, ahora va más allá en su
aventurero viaje y quiere que los pies luzcan
con su propio estilo. El calzado, fabricado a
partir de los materiales de la mochila
Eastpak original mediante un tratamiento de
vulcanizado de alta calidad, te permite
seguir dejando huella con sus modelos
bajos, altos y medios. Para los amantes del
estilo retro presentan la gama Returnity, que
se fabrica íntegramente con ante y con
detalles de cuero de inspiración vintage.
Evoca los treinta y cinco años de calidad y
experiencias Eastpak y construye tu propia
senda mediante tus pies. www.eastpak.com
LEVI’S,
inspiración skater
La inspiración skate y surfer del norte de
California impregna el espíritu de Levi’s este
otoño-invierno, y la calle se convierte en el
espacio más genuino donde desarrollar su
ADN. Entre sus novedades destacan los Slim
Fit y las camisetas con gráficos, una colección
tipo cápsula más inmersa en la creación de
piezas clave que se conjugan con el lenguaje y
el estilo de la marca. Como distintivo, Levi’s ha
aplicado detalles parche, con acabados en
negro mate como el Tab® negro, un patch
troquelado con los dos caballos. Los botones y
ribetes se inspiran en el legado de la firma
para darle ese toque especial y casual de
nuestro Levi’s de toda la vida. eu.levi.com
GUESS
Urban chic
GUESS nos refresca la temporada recreando
looks en los que la tendencia urbana,
combinada con el denim y con un toque
chic, ofrece una de las propuestas más
interesantes para el invierno. El denim es la
marca de estilo que, junto con el cuero, la
chaqueta, la transparencia y el accesorio
como total e imprescindible, hace que, en
definitiva, el universo GUESS recree a una
mujer fresca y vanguardista, urbana y
sofisticada. La sensualidad se une al
encanto y convierte la firma, una vez más,
en una de las marcas más transgresoras del
momento chic-tejano-glamour que todas
vamos buscando. www.guess.eu
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MARIA KE FISHERMAN
Cultura ciber y moda
UNA FIRMA CON NOMBRE DE MUJER, QUE BIEN PODRÍA PERTENECER A UNA ACERADA DIVA
BELGA, FORMADA POR DOS JÓVENES ESPAÑOLES, MARÍA LEMUS Y VÍCTOR ALONSO, CON UN ESPÍRITU MUY CONTRACULTURAL. SE TRATA DE MARIA KE FISHERMAN, UNA DE LAS FIRMAS REVELACIÓN DEL EGO DE LA ANTERIORMENTE CONOCIDA COMO CIBELES. DOS JÓVENES CON LAS IDEAS
MUY CLARAS A QUIENES NO LES IMPORTA ROMPER LAS REGLAS QUE PARECEN DEFINIR EL MUNDO
DE LA MODA ACTUALMENTE PARA INVENTAR SU PROPIO MODELO CREATIVO.
Entrevista: Agustín Velasco / Foto chica: Alberto Van Stokkum / Fotos chico: Mike Madrid
¿De dónde viene Maria ke Fisherman? María nació en Mérida. Estudió un
año de empresariales; se graduó en magisterio y después en moda en el IED
de Madrid. Yo, Víctor, nací en Madrid y estudié ciencias ambientales. Los
dos tenemos una fuerte inquietud artística, una sensibilidad especial y una
manera diferente de ver el mundo. Haber estudiado carreras tan diferentes
nos ayuda a tener concepciones de la realidad muy especiales. Nunca
hemos trabajado con ningún diseñador, es una traba pero nos ha obligado
a aprender por nosotros mismos a crear nuestro propio método. También
nos ha facilitado crear más libremente. ¿Cuándo y cómo os disteis cuenta
de que la moda sería vuestro futuro? María lo sabía desde niña, su madre
era modista y la ayudaba en su trabajo desde muy pequeña. Yo también
tengo vocación artística, crecí en el street art y el grafiti, pero no sabía que
iba a dedicarme a la moda hasta que me encontré con María. Venir de dos
mundos diferentes amplía nuestro campo de visión. ¿Cómo os conocisteis?
¿Qué os hizo emprender esta aventura juntos? Nos conocimos de fiesta,
por Malasaña. Cuando nos volvíamos a ver hacíamos historias enormes,
nuestros mundos se multiplican cuando estamos cerca. Pasamos un año en
Grecia y pensamos que dedicarnos a esto podría hacernos sentir útiles al llenar un espacio vacío en el panorama. ¿Cómo es vuestro proceso creativo en
tándem?, ¿qué aporta cada uno?, ¿en qué hay comunión de ideas? María
estalla de creatividad, yo la ayudo a entenderse; los dos damos forma a la
idea: yo la dibujo, ella la retoca. Yo me ocupo más del aspecto gráfico y
María, de las formas. Nos entendemos muy bien, cada uno cree en el otro.
¿En qué chocáis? Yo soy más ingeniero y María es más emocional, chocamos cuando la ropa se vuelve demasiado compleja y no queremos hacer
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alta costura... ¿Cómo definiríais Maria ke Fisherman a un extraterrestre? Es
lo más parecido a su cultura. ¿Cuáles son vuestras influencias estéticas más
directas? El cine freak japonés, la cultura ciber de los 90, el street art... En
realidad, nuestras referencias son bastante personales y vagas, hacemos lo
que nos da la gana. ¿Qué supuso para vosotros participar en EGO? Es la
oportunidad que necesitan dos idealistas anónimos para centrar la atención
en ellos. Nos ha servido para aparecer en la escena y para que se nos vaya
tomando en serio. Avanzamos más rápido gracias a EGO. ¿Se ha vuelto
España un territorio hostil para la moda? Sí, parece que no ha habido comunicación entre diseñadores y consumidores. Los consumidores no se atreven
a cambiar y buscan la seguridad y la estabilidad que ofrecen las firmas low
cost. Puede que los diseñadores tengamos que darles lo contrario tendiendo una mano a la individualidad. Supongo que no estáis en esto por la
pasta, ¿qué es lo que da sentido a todo el esfuerzo de sacar una colección
tras otra? Te equivocas, nosotros estamos en esto por la pasta, no lo hacemos para que una corte de amigos nos dé palmaditas en la espalda. Crear
es lo que más nos gusta y lo que mejor hacemos. Lo que nos da fuerzas
para hacer la siguiente colección es darnos cuenta de que en la anterior éramos mucho más pequeños e inocentes. Crecer merece el esfuerzo. Venís
sacando una colección por año. ¿Qué pensáis de ese ritmo que ha adquirido la moda con la implícita obligación de presentar, como mínimo, cuatro
anuales? En realidad nos importa poco. Nuestra firma es pequeña; cuando
tenemos algo que decir y sabemos que alguien nos va a escuchar sacamos
nuestra colección, no nos gusta sentirnos obligados a crear. Cuando hacemos una colección sabemos que perdura durante un año.
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news diseño y proyectos / por Tactelgraphics
Uncertain Future
Uncertain Future no es solo una marca de ropa y otros
bienes, sino también un proyecto abierto y en
constante evolución nacido en Valencia y orquestado
por el artista Agustín Esteso. Apuestan por patrones de
producción distintos, basados en una fabricación local
y artesanal, que da como resultado ediciones cortas y
cuidadas al detalle, dejando a un lado las producciones
en masa. Crean sus productos de forma atemporal, sin
estar ligados a las metódicas y previsibles colecciones
por temporada. Para empezar presentan una serie de
ocho modelos de camisetas serigrafiadas a mano, y ya
están trabajando en nuevos productos para un futuro
incierto. www.uncertainfuture.es
Neapolis
Neapolis, el último libro de Ill-Studio, no es
ni más ni menos que una mirada poética
del mundo a través del prisma del
skateboarding. La presentación se celebró
el sábado 3 de noviembre en la librería
OFR de París. Ill-Studio plantea esta edición
como una invitación a divagar, a
emprender un viaje mediante imágenes,
ensayos y entrevistas de campos tan
diversos como la arquitectura, el arte y la
danza contemporáneos o la sociología más
arriesgada. El skateboarding ha formado
parte de la vida cotidiana del estudio
parisino durante muchos años. Desde su
infancia hasta la adolescencia, no ha
influido solo en su percepción urbana, sino
también en la del mundo. Neapolis es el
intento subjetivo de conectar los puntos y
explorar la huella dejada por el skate en
sus vidas, a través de una selección de
obras y de reflexiones de artistas, autores y
fotógrafos. www.ill-studio.com
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Justin Sloane
Justin Sloane es un diseñador de California que actualmente vive y trabaja en Brooklyn,
Nueva York. En el 2010 recibió el premio BFA en medios impresos e interactivos que otorga
el Art Center College of Design. En el 2008 trabajó y desarrolló proyectos en asociación
con Quaterly y junto con la artista Jesse Hlebo. Quaterly ha formado parte de exposiciones
celebradas en países como Tokio, Seúl, Los Ángeles, Nueva York, Berlín, Ámsterdam, París
y Grecia, entre muchos otros. En el 2011 trabajó como director creativo en el estudio
Creative Time NY, por medio del cual ha colaborado con artistas y comisarios para producir
proyectos digitales y expositivos. Una auténtica delicia; mención especial a la portada de
Octavius Laws. justinsloane.com
Porcelana Innovadora
Porcelana Innovadora es el proyecto llevado a cabo por el videoartista australiano Kit
Webster durante el pasado mes de agosto. Se trata de una pared que comprende
múltiples capas de diferentes tipos de baldosas cerámicas en 3D. La escultura se
ilumina, a través del blanco y negro, por medio de patrones geométricos animados que
oscilan y cambian con extrusiones múltiples y amplían su dimensión global. Un trabajo
sofisticado con un sonido muy rítmico formado por grabaciones de cerámica mezcladas
con sonidos electrónicos. La obra es una composición en bucle que dura cinco minutos
y que comienza con un mínimo de componentes a partir de los cuales se va formando
una composición compleja basada en la abstracción y la percepción vivencial. La música
y el sonido son de Chiara Kickdrum. kitwebster.com/porcelana-innovadora
Andrew Groves
Andrew Groves, ilustrador del Reino Unido,
vive en una granja dentro de un bosque
desde donde crea sus imágenes y sus
proyectos personales. Es un apasionado del
mundo natural, las aventuras en la montaña
y la vida silvestre. Actualmente está inmerso
en un proyecto basado en la creación de
piezas de madera hechas a mano, unas
verdaderas obras de artesanía. Los colores
chillones de sus dibujos rompen con un
estilo naif y bien cuidado que evoca una
fusión de ilustradores como Sergio
Membrillas con Micah Lidberg. Entre sus
clientes cuenta con gente de la talla de The
New Yorker, Wired, Reebok, Google,
Chevrolet, Orange, Panasonic o Foundation
Skateboards, entre otros.
www.andrewgroves.co.uk
OCIMAG
New website
En OCIMAG estamos de estreno;
concretamente, inauguramos página web.
Nuestro nuevo website aspira a convertirse en
uno de los mejores portales de tendencias
artísticas, fashionistas, diseñísticas y musicales
del momento. OCIMAG es un magazine
valenciano con los ojos puestos en el resto de
la península y en las islas sin perder nunca de
vista el resto del planeta. A partir de ahora nos
erigimos en una plataforma activa y presente
en las redes sociales. Por su parte, la edición
impresa pasa a ser bimestral. Anunciamos,
pues, una renovada edición online y una nueva
periodicidad en papel para no dejar de lado
nuestro leitmotiv: la calidad y la total
modernidad de los contenidos. Lo dicho,
habemus nueva web: www.ocimag.com.
Oci 17
K% by Nendo
Black & black collection
Texto: Agustín Velasco / Fotos: Kotaro Horiuchi Architecture
El Salón del Mueble de Milán es una cita imprescindible del mundo del diseño, en la que se presentan muchas de las propuestas con más impacto en el
futuro del sector. Una de las nuevas firmas más aplaudidas de la última edición nos llega desde Singapur: se llama K% y viene firmada por un prestigioso diseñador japonés de vanguardia conocido por el nombre de su estudio,
Nendo, en calidad de director creativo. Como es de esperar, en su primera
colección, titulada black & black, el color negro es el hilo conductor de esta
propuesta de corte minimalista y funcionalista, cuyas innovaciones técnicas y
materiales participan en la consecución del balance perfecto entre estructura
y función, la razón de ser de cada objeto, ese “balance” que ambiciona la filosofía zen. Las firmas singapurenses Studio JuJu y Exit Design también han
puesto su granito de arena en este proyecto, que nos deja piezas tan interesantes como la silla Melt, de corte curvilíneo, o el revistero Scissors, que atrapa las revista en su rejilla como si de una tela de araña se tratara. Detrás de
Nendo está el diseñador japonés Oki Sato, que curiosamente nació en Toronto
(Canadá) en 1977. Sato estudió arquitectura en la Waseda University de Tokio,
creó su propio estudio en el 2005 y logró situarse, en tan solo dos años, entre
los cien japoneses más respetados según la revista Newsweek. No ha sido
hasta este año, 2012, cuando ha establecido su sucursal en Singapur, con la
que emprende nuevos proyectos en el vasto mercado asiático. Entre sus menciones más destacadas cuenta con la distinción de diseñador del año por las
revistas Wallpaper* y Elle Deco. www.nendo.jp/en
Oci 18
Escuela Superior de Diseño y Moda de Barcelona Felicidad Duce
LÍDER EN LA ENSEÑANZA DEL DISEÑO
Texto: Anna Arroyo / Fotos: Ana Aguilera (alumna de la promoción 2011-12)
La Escuela Superior de Diseño y Moda de Barcelona Felicidad Duce está
considerada un gran referente en la enseñanza del diseño de moda. Su
política de actualización y perfeccionamiento continuos, que adapta sus
programas de estudio a las exigencias del mercado laboral, basa
especialmente su proyecto de enseñanza, desde 1928, en un desarrollo
progresivo que integra nuevas disciplinas y materias como herramientas
esenciales para la formación del alumnado. Un excelente cuadro docente,
formado por miembros en activo dentro de su marco profesional, ayuda a
conseguir el difícil logro de transmitir y formar a quienes sin duda están
llamados a desempeñar, al igual que tantos de sus exalumnos, un
importante papel en el futuro del panorama nacional de la moda, el diseño
y las artes gráficas, entre otras disciplinas. Una de las novedades que ofrece
FDModa Barcelona es un curso de diseño gráfico en el que se imparten
asignaturas especializadas ligadas directamente al conocimiento profesional
del sector, ya que, a diferencia de otras escuelas, no comparte un primer
año de materias generales, ya adquiridas, lo que agiliza considerablemente
su aprendizaje. Otra de las áreas destacadas es la que comprende los
másteres y posgrados en disciplinas como el marketing, la gestión, el digital
Oci 20
management, el estilismo, el diseño y los complementos. En enero del 2013
se inicia la 19.ª edición del Máster en Diseño de Moda, cuyo objetivo
consiste en que el graduado amplíe sus conocimientos y se especialice para
poder resolver problemas complejos vinculados a su profesión. El máster
capacita así expertos en un área específica y les aporta las herramientas y los
conocimientos necesarios para desarrollar cada una de las etapas que
conciernen a la profesión escogida. La obtención de una sólida base de
conocimiento desde la que trabajar la creatividad, fomentándola con
intención de innovación y mejora, constituye uno de los requisitos para
acceder con éxito al complejo mundo de la moda desde cualquiera de sus
vertientes. Algunos de estos programas se imparten en colaboración con la
Universitat de Barcelona y todos ellos garantizan la especialización, la
ampliación de conocimientos y el reciclaje necesario para acceder al
mercado laboral o bien para mejorar nuestra posición en él. FDModa
Barcelona dispone, además, de una amplia bolsa de trabajo destinada a
satisfacer las necesidades de las empresas del mundo de la moda, en su
deseo de ejercer de medio que permita facilitar la búsqueda de candidatos
entre el alumnado por parte de las empresas del sector. www.fdmoda.com.
SERIAL CUT
Grandes por naturaleza
SERGIO DEL PUERTO ES SERIAL CUT. SU PRINCIPAL COMETIDO EN ESTE ESTUDIO DE DISEÑO CONSISTE EN SER
DIRECTOR DE ARTE. HOY POR HOY ES UNO DE LOS MEJORES ESTUDIOS DE ESTE PAÍS. SERIAL CUT HA CRECIDO
NOTABLEMENTE EN LOS ÚLTIMOS AÑOS: SU EQUIPO DE TRABAJO ES CADA VEZ MAYOR Y LOS PROYECTOS QUE
ABARCAN SON CADA VEZ MÁS POTENTES E INTERNACIONALES. ESTÁN ESPECIALIZADOS EN DIFERENTES ÁREAS
COMO LA FOTOGRAFÍA, EL DISEÑO, LOS MOTION GRAPHICS Y EL DISEÑO 3D. SU PRINCIPALES CLIENTES
PERTENECEN AL MUNDO DE LAS ARTES Y LAS INDUSTRIAS DE LA CULTURA, LA MODA O EL ESPECTÁCULO. SU
PRINCIPAL CONCEPTO ES PROBABLEMENTE LA ABSOLUTA MODERNIDAD QUE DENOTAN SUS DIFERENTES
PROYECTOS, TODOS ELLOS CON UN RESULTADO FRESCO Y CONTEMPORÁNEO. ACABAN DE PUBLICAR EL
MONOGRÁFICO EXTRABOLD (INDEX BOOK), QUE RESUME SU OBRA GRÁFICA EN UN VOLUMEN QUE SE DESMARCA
DE LOS CLÁSICOS LIBROS DE DISEÑO GRACIAS A SUS CONTENIDOS EXTRA DE LO MÁS INNOVADORES.
UN AUTÉNTICO DELEITE PARA MENTES ABIERTAS Y CURIOSAS.
Entrevista: Tactelgraphics / Foto: Serial Cut
Preséntate y háblanos un poco de ti y de Serial Cut. Solo soy un chico manchego al que le gusta la paella de su madre, montar en bici, el cine, el olor
de los libros nuevos y el Espidifen; que nació en una familia de clase media,
en la que no había una descendencia artística ni nada por el estilo, pero en
la que supieron ver rápido que era un niño muy inquieto, creativo y rebelde. Mis padres me apoyaron desde el principio y supieron conducirme para
explorar mis inquietudes. Creo que la base de mi infancia y lo que aprendí
estudiando comunicación audiovisual (y esa vena autodidacta que tengo)
dieron lugar a lo que hago ahora. ¿Puedes recordar tus comienzos?
¿Cuántos años llevas metido en el mundo del diseño gráfico? Serial Cut es
el nombre de batalla con el que empecé a firmar mis trabajos como freelance, cuando ya vivía en Madrid, allá por 1999… En esa época, Serial Cut
era un proyecto unipersonal. Los comienzos fueron duros, pero desde casi
el primer momento empezaron a dar sus frutos. Trabajé en la revista de tendencias Vanidad, de la que llegué a ser director de arte. Aquel fue un buen
trampolín para conocer a figuras hoy consagradas de la fotografía, el diseño y la ilustración. Por esas fechas también empecé a colaborar con el periódico El País, para el que hacía una ilustración semanal. Luego pasé a más
estudios de diseño y a alguna que otra agencia, pero siempre compaginando mis trabajos de freelance con el de full time. Nunca quise incluir en Serial
Cut trabajos que había hecho para otros; siempre tuve claro que todo lo
que debía mostrar en mi porfolio tenían que ser proyectos que se me habían encargado directamente; además, llevaba un estilo que cada vez iba perfilando más. Fueron tiempos en los que dormía cuatro horas al día, pero
tenía una fuerza increíble que hasta a mí, desde la perspectiva actual, me
asusta. ¿Podrías citarnos algunas de tus referencias? ¿Dónde buscas la insOci 22
piración? En mi caso, igual que me considero muy autodidacta, la búsqueda de la inspiración es algo muy instintivo, aunque tiene sin duda un apoyo
en la vida cotidiana, los viajes o un videojuego. Pero la verdad es que se me
han ocurrido grandes ideas en la ducha, mientras estaba montando en bici
o simplemente al caminar por la calle pensando en mis cosas. Aparte de
esto, siempre he contado con fuentes de inspiración típicas como el cine o
la obra de un gran maestro de la pintura. Lo que sí me ha atraído siempre
es tomar referencias de mi propia infancia y actualizarlas. Digamos que es
un proceso de actualización y sofisticación de algo retro. Básicamente, cada
día que pasa en el estudio miramos muy pocas referencias y seguimos nuestro propio estilo, tal vez porque está más definido, pero eso es algo que
lleva tiempo y bagaje. En mi libro cito a muchísimos autores que me han
servido, de una u otra manera, de inspiración. Es complicado citarlos a
todos, pero los más destacados podrían ser Herb Luballin, Mucha, Anish
Kapoor, Daniel Gil, Serge Lutens, Guy Bourdin o Lou Dorfsman… Aunque
solo son unas cuantas referencias, ¡aquí el espacio es limitado! Tienes
importantísimos clientes de la talla de Microsoft o Nike. Los clientes de ese
nivel ¿te dan realmente plena libertad creativa? ¿Qué es más importante
para ti: la idea, el diseño o el mensaje que quieres transmitir? La plena libertad creativa me recuerda más esos proyectos en los que te puedes permitir
el lujo de experimentar porque tienes más tiempo y porque estás empezando. Los clientes que llaman a nuestra puerta vienen con un brief bastante
exhaustivo, dejan pocos cabos sueltos. Eso sí: muchos de ellos vienen con
referencias de nuestro propio trabajo y eso nos hace mucha gracia e ilusión.
Hay muy buenas ideas que a veces vienen ya impuestas, y nos llaman para
hacer la dirección de arte, el último paso para conseguir el mejor resultado.
¿Qué opinas sobre el hecho de que, actualmente, la mayoría de los diseñadores sean multidisciplinares? Creo que hay que tener cierta cautela con
esto. Es genial para todos aquellos que lo sean; como ocurre en época de
crisis, todo el mundo hace de todo. En mi caso, recuerdo que al principio
quería abarcarlo todo: diseñador gráfico y web, ilustrador, fotógrafo, animador y hasta me planteé si debía ser programador. Por la experiencia que
tengo en colaborar con profesionales externos, sé que siempre obtengo
mejores resultados si cuento con gente especializada en un campo. Es más,
en el estudio casi todos hemos hecho de todo, pero a diario cada uno hace
mejor una tarea en concreto. Creo que es bueno que al menos el diseñador
tenga conocimientos sobre varias disciplinas para entender bien el proceso
de aquel con quien colabora. ¿Podrías mencionarnos algún trabajo reciente del que te sientas especialmente orgulloso? Son muchos, y es complicado elegir. Todos tienen una historia detrás, un proceso con un nivel de dificultad, un momento de crisis que luego sale adelante. Pero me quedaría
con Wet:Night (2005), porque abrió una etapa nueva en la que empezamos
a realizar bodegones fotográficos. ¿Qué diseñadores destacarías por su originalidad y calidad? ¿Qué es para ti un diseño moderno? Diseñadores y
artistas hay tantos que me cuesta pensar en alguien en concreto, pero entre
mis favoritos puedo citar a Igarashi, Herb Lubalin y Daniel Gil. El término
moderno intento usarlo lo menos posible, me parece peligroso juzgar algo
en ese sentido: ¿cuál es el diseño moderno? No soy quién para opinar sobre
ello... Hace poco me preguntaron: "¿Qué se lleva ahora?". Nunca sé qué
responder a ese tipo de preguntas. Se lleva todo y no se lleva nada...
Prefiero el concepto “diseño contemporáneo”, porque es de nuestros días,
de la actualidad, e implica cierto aire transgresor, una llamada de atención
sobre lo establecido. ¿En qué proyectos andas inmerso en la actualidad?
Ahora contamos con una avalancha de proyectos y la verdad es que aún
tengo resaca de ExtraBold, así que este proyecto de un año se ha solapado
con otros importantes. Estamos haciendo trabajos para Nike USA,
Nespresso, Rexona, Cornetto ¡y hasta Fairy! ¿Qué nos puedes contar sobre
el libro que acabas de publicar con Index Book, ExtraBold? ExtraBold es el
compendio de los mejores trabajos del estudio, desde los comienzos hasta
la actualidad. Es una selección de lo mejor de lo mejor, ordenada cronológicamente. El libro tiene atractivos muy especiales: el acceso a figuras virtuales, vídeos comerciales y making of, websites e imágenes zoom a través
de la realidad aumentada, que funciona con un app gratuito. Y por último
está la sección “Remix”, que cuenta con nuestros nueve diseñadores favoritos, quienes eligieron una obra nuestra para reinterpretarla según su propio estilo. ¿Eres consciente de la repercusión que tienen tu obra y tu estilo
en los estudios de diseño actuales de este país? Sí y no. En realidad, a veces
veo que la gente conoce mi trabajo pero a la vez pienso que el mundo del
diseño es muy pequeño. No es algo a lo que dé demasiada importancia.
¿Quieres añadir algo? Me gustaría simplemente dar un consejo a los que
empiezan en este mundo: buenos trabajos llaman a mejores trabajos. No
importa que el cliente sea grande o pequeño si resulta que el trabajo no es
bueno. Es algo que los diseñadores confunden; en realidad, lo que puede
dar más prestigio es la calidad del trabajo, no el tipo de cliente.
Oci 23
SUPERLIKEN
Encaje urbano en tres tiempos
LA MIRADA SOBRE EL ESPACIO PÚBLICO DEL ESTUDIO DE
ARQUITECTURA BIG Y LA DE LOS COLECTIVOS DE ARTISTAS Y
PAISAJISTAS TOPOTEK1 Y SUPERFLEX INVADEN LA CIUDAD DE
COPENHAGUE. UN NUEVO PARQUE URBANO ATERRIZA EN UNO DE
LOS BARRIOS MÁS DIVERSOS DE LA CAPITAL DANESA Y NOS
SORPRENDE CON UNA ESTRATEGIA ARQUITECTÓNICA POCO
HABITUAL. SUPERLIKEN SE CONVIERTE EN UN GRAN ESPACIO PÚBLICO
CAPAZ DE GESTIONAR MÚLTIPLES ACTITUDES Y USOS.
Texto: Ester Giménez / Fotos: Iwan Baan
La primera vez que observas las fotografías aéreas del barrio de Realdania,
tiendes a preguntarte con facilidad si Superliken es un fotomontaje, hasta
que descubres, conforme te acercas, que se trata de una intervención real.
Pronto percibes el uso del espacio mediante la gente de la ciudad repartida
sobre los colores del proyecto. Una virtud del paisaje urbano contemporáneo es sin duda la multiplicidad de las culturas que pueden convivir en un
mismo lugar. Sin embargo, cada vez es más difícil apropiarse del espacio
público, hacerlo más nuestro. Este proyecto reinterpreta el concepto de
identidad de un lugar para acercarlo a la gente, a los usuarios, que son, en
definitiva, quienes viven el espacio. El equipo propone una estrategia arriesgada para una de las preguntas más repetidas: ¿cómo crear hoy un espacio
público para el individuo y la colectividad? El gesto del proyecto es rudo,
incluso algo agresivo cuando se observa por primera vez. Sin embargo,
cuando consigues entender la estrategia, observas las piezas y, sobre todo,
la cantidad de personas que usan el espacio, entiendes que la intervención
ha sido un éxito, a pesar de tratarse de una actuación poco ortodoxa. La
primera decisión fue dividir el parque urbano situado en Realdania
(Copenhague) en tres áreas muy diferenciadas. A cada una le corresponde
un color: verde, negro o rojo. Estas tres zonas incluyen una inmensa variedad de superficies y colores integrados en las nuevas morfologías del proyecto, que cuenta con un kilómetro de extensión. Cada tramo posee una
atmósfera particular y potencia alguna característica relevante del espacio
público según la propuesta. Se trata, pues, de un encaje urbano sumergido
en el barrio mediante tres tiempos diferenciados. Dentro de la aparente
heterogeneidad de la primera división, la estrategia global sigue siendo
común: dotar a los barrios de la diversidad étnica y cultural por medio de su
Oci 24
representación en el espacio público y de la multiplicidad de posibilidades
que ofrece el lugar. El proyecto nace de la creencia del espacio público como
un espacio integrador y como escenario de múltiples usos. En cada tramo,
el diseño incluye mobiliario urbano y elementos naturales de casi sesenta
procedencias diferentes, las mismas que poseen los habitantes del barrio.
Puedes charlar junto a la fuente marroquí, o sentarte en los bancos brasileños bajo las palmeras chinas, o incluso candar la bici en un muelle multicolor noruego. Algunos objetos aparecen descontextualizados en solitario
pero cobran coherencia en el conjunto de la intervención: cada uno es de
un lugar y se reencuentra con el resto en el mismo parque. Es algo así como
un diálogo de rastros acumulados procedentes de lugares lejanos. Muchas
peticiones de los habitantes se traducen en el proyecto construido: nuevos
espacios culturales y deportivos, nuevas y mejores conexiones ciclistas, un
área multifuncional cubierta (que puede integrar mercadillos efímeros, juegos de pelota, desfiles…). Se trata definitivamente de intentar aproximarse
a la voluntad del usuario y al mayor número posible de acontecimientos en
un mismo lugar. La reflexión que suscita es interesante: si en cada comunidad se usa el espacio público de forma distinta y existen prácticas y mobiliarios diferentes en cada uno de esos lugares, ¿cuál es el resultado al juntar diferentes objetos y mobiliarios de diversas procedencias en un único
espacio?, ¿varía el uso de esos elementos? Lo que acaba ocurriendo en
Superliken es que, independientemente de la procedencia del elemento, se
acaban utilizando todos, e incluso se reinventan sus usos. Superliken nace
de la colaboración del estudio de arquitectura BIG con los paisajistas y artistas de los equipos creativos de Topotek1 y Superflex. De la conjunción de
estas disciplinas y de una idea radical surge esta peculiar estrategia urbana.
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bazar deco / por Estudio Merienda
LIFE IN BLUE
El invierno es una estación perfecta para disfrutar de azules como el del mar (mientras
paseamos bien abrigaditos) o el del cielo desde una bonita montaña. Hemos dejado atrás
las altas temperaturas del verano y podemos salir sin temor a morir de una insolación o de
deshidratación, si bien en ocasiones, dependiendo de donde estemos, el clima no lo
permite y toca hibernar. Los productos presentados comprenden mobiliario, iluminación y
complementos textiles para combatir el estilo en ocasiones impersonal y monótono de la
deco de invierno, y así poder seguir viendo y sintiendo azul a nuestro alrededor.
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Las Santas. Jaime Hayon para Metalarte. www.metalarte.com
Carpet 1. Marcel Wanders para Moooi. www.moooi.com
Tip Ton de Edward Barber y Jay Osgerby para Vitra. www.vitra.com
Abstract. Diseño de Gandia Blasco. www.gan-rugs.com
Tea. Estudihac para Sancal. www.sancal.com
Clouds. Diseño de Ronan y Erwan Bouroullec para Kvadrat. www.kvadratclouds.com
Gothic chair. Studio Job para Moooi. www.moooi.com
Canevas. Diseño de Gandia Blasco. www.gan-rugs.com
Copla. Diseño de Rafa García para Sancal. www.sancal.com
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lo más de lo más / por Jacobo Sánchez
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1. Nueva Volcom Store en España. El pasado 11 de octubre, Volcom
inauguró su nueva tienda en Barcelona, en la calle Canuda n.º 35, en pleno
centro histórico de la ciudad, tras la apertura de una tienda en Madrid el
pasado mes de julio. La nueva tienda insignia de la marca cuenta con 140
metros cuadrados en los que ofrece todas sus colecciones para hombre,
mujer y niño, además de su amplia gama de ropa técnica para snowboard,
calzado y complementos de otras marcas asociadas, como las gafas Electric.
www.volcomeurope.com
2. Starter x 25 Gramos. Nuestros amigos de 25 Gramos han cumplido tres
años, y qué mejor manera de celebrarlo que mediante una colaboración
con la clásica marca Starter. El resultado es una gorra de edición limitada a
150 unidades, un combinado denim con símil de cuero negro en la visera.
En el lateral de la gorra se han bordado el logo del aniversario y su fecha.
Para conseguirla, puedes acceder a la tienda online de la firma en la web
www.25gramos.com.
3. Vans iPhone 4/4S Case. Lo que empezó por ser un producto muy
exclusivo en los Estados Unidos está finalmente disponible en las tiendas de
sneakers de España. Esta espectacular funda que recrea la suela vulcanizada
waffle de Vans ya está disponible en varios colores para que puedas
combinarlas con el modelo que lleves. www.vans.es
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4. ExtraBold by Serial Cut. ExtraBold es un compendio de todas las
imágenes de Serial Cut, un estudio de diseño fundado en Madrid en 1999
por Sergio del Puerto que se centra en la dirección de arte para proyectos
internacionales. Entre los más de ciento cincuenta proyectos –que abarcan
toda su trayectoria–, algunas páginas también contienen realidad
aumentada, que puede visualizarse fácilmente a través de la cámara del
iPhone o del iPad. Los contenidos planos se transforman así en figuras
virtuales en 3D, vídeos, efectos zoom y teletransportación a páginas web.
www.serialcut.com/extrabold
5. Swatch se inspira en el tatuaje. Un reloj puede parecer un accesorio
sencillo, pero Swatch revoluciona una vez más este imprescindible objeto
con la ayuda de los artistas Tin-Tin y Emmanuelle Antille, que han diseñado
una edición limitada inspirada en el tatuaje y la ilustración como una forma
de hacer de lo sencillo algo único. Cada unidad viene dentro de una funda
exclusiva. Los cinco modelos, pertenecientes a la serie Swatch & Art, están
disponibles en tiendas de prestigio. www.swatch.com
news música
Navidad 2012 en La3
La sala multiespacio sonoro -aquí suena rock, electrónica y lo que haga falta- más celebrada
de Valencia -léase La3- presenta una programación navideña que nadie en su sano juicio
debería perderse. Entre los artistas más destacados que pasarán durante el último mes del
año por La3 estarán Caradeniño, Raro & Morini y Kuwa Live. Además, para la esperada
Fiesta del Fin del Mundo contarán en sus cabinas con los internacionales Cassette Jam y Edu
Imbernon, entre otros. Pero sin duda el plato fuerte del mes lo servirá el belga The Magician
el viernes 28, quien visitará por primera vez la capital del Turia. En Nochebuena bailaremos
al son que marcarán desde las diferentes salas los artistas residentes y habituales de La3,
como Ley, Sutja Gutiérrez, Mike Gannu y Fabian Dresens. Finalmente, en Nochevieja
recibirán la visita del gran icono dance de los noventa Chimo Bayo en su formato Live!,
acompañado por los Space Elephants, Xharles y Pablo Cebrián en la pista principal. Très
Champagne programará para Nochevieja a Mr. West, Impe y Rubik Dude. Y la electrónica
en la sala Oven vendrá de la mano de Robotto, Alber Hi, Mike Gannu y Guillermo Greg.
Vamos, que no salimos de La3 hasta después de Reyes…, ¿no? www.la3club.es
JUSTICE y THE XX
Primeros para SOS 4.8
NanorambletaPOP
Se nota que el iluminado que dijo que la música indie era para adultos no tenía ni la más remota idea. NanorambletaPOP nace para estimular la creatividad de los niños, hacer posible que padres e hijos
compartan el ocio, cultivar una actitud crítica respecto a la música…
y, sobre todo, lograr que los más pequeños disfruten con los sonidos
indies. NanorambletaPOP consiste en un ciclo de conciertos y talleres
cuyo objetivo consiste en proporcionar al público infantil una oferta
musical diferente, de calidad y competente para los hijos de una nueva
generación, joven y moderna. Espai Rambleta en Valencia ha programado una serie de conciertos temáticos en los que se pretende que
los niños aprendan ciertos contenidos mientras se divierten y escuchan
música. Grupos como Tórtel, Dwomo, Nestor Mir & Las Pinettes, Uncle
Son y Lülla son algunas de las bandas que podemos encontrar dentro
de este guateque de guardería. ¡Viva el nanopop! larambleta.com
Oci 30
El dúo francés Justice, en versión DJ set, y los ingleses The xx con su
nuevo disco Coexist son las primeras confirmaciones para la edición
del 2013 SOS 4.8, el festival que por sexto año consecutivo llenará
de música el recinto de la Fica de Murcia. Concretamente, los días 3
y 4 de mayo del 2013 han sido los elegidos para dar el tradicional
pistoletazo de salida a la temporada de festivales del verano con una
programación a la altura de un festival por el que han desfilado
grandes nombres de la escena internacional como Pulp, Franz
Ferdinand, Chemical Brothers o Suede, entre muchísimos otros.
Corre a por las entradas y los abonos, que vuelan... www.sos48.com
Residencias Matadero Madrid
Editors y White Lies en
Arenal Sound 2013
Vuelve a la actualidad uno de los festivales más esperados del año.
Arenal Sound 2013 contará de nuevo con dos fiestas de bienvenida
los días 30 y 31 de julio, así como con más de cien artistas, seis días
de acampada frente al mar, fiestas en barco y piscinas y muchas más
sorpresas que convertirán al festival en una experiencia inolvidable.
Los artistas confirmados, tanto nacionales como internacionales, que
actuarán en Burriana el primer fin de semana de agosto son Editors,
White Lies, The Sound of Arrows, The Whip, Austin Tv, Satellite
Stories, Antònia Font, Iván Ferreiro, Dorian, Fuel Fandango, Jero
Romero, Delafé y las Flores Azules, Bigott, La Bien Querida e Izal. No
olvidemos que OCIMAG es el medio oficial del Arenal Sound... ¡y la
revista favorita de los sounders! www.arenalsound.com
Matadero Madrid y Red Bull abren un nuevo plazo para que otros
proyectos emergentes disfruten de la cesión de espacios de trabajo y de
recursos. Desde enero hasta marzo del 2013, la Nave de la Música
acogerá otros proyectos musicales, de cualquier estilo o tendencia, que
desarrollen su actividad en la ciudad de Madrid. Este proyecto pretende
estimular la creación, producción e innovación entre los músicos de la
escena local facilitando el desarrollo de proyectos musicales mediante la
cesión gratuita de los recursos de los que la Nave de la Música dispone
y el apoyo en la difusión de su trabajo. Al término de la residencia, los
seleccionados podrán grabar el resultado de su trabajo en el Red Bull
Studio. El plazo de recepción de solicitudes se abre el 23 de noviembre
y finaliza el 23 de diciembre del 2012. ¡Ya estás tardando en ponerte a
demostrar tu talentazo! www.redbullstudio.es
VIVE ZOMBIE
La trepidante actualidad zombie viene marcada por la reciente y exitosa gira que ha
llevado a The Zombie Kids por tierras mexicanas. Se siente, no contaremos más; lo que
sucede en México se queda en México. Además, han sido los flamantes ganadores del
premio MTV European Music Awards en la categoría de mejor artista español, casi nada.
Su Zombie Club recibirá este mes de diciembre a artistas del crepitaje, electrosismo,
gamberreo y calidad suprema serruchista de Ikki, Aqeel, Ambush, The Party Harders, GP
Boyz y los propios The Zombie Kids en su ansiado regreso a la noche capitalina. Ya
sabemos que, además de llevar club, los zombies más famosos del clubbing nacional e
internacional son los máximos ideólogos y mentores del Zombie Bar y del Zombiestudio,
lugar donde se cuecen todos estos disloques sonoros que ahora se cuentan por hitazos
internacionales. Vive zombie y vivirás más. www.zombiestudio.es
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SANTIGOLD
De lo superhigh a lo superlow
LA ARTISTA DE BROOKLYN NOS HABLA DE LAS EXCELENCIAS MESTIZAS DE SU NUEVO
DISCO, MASTER OF MY MAKE-BELIEVE (ATLANTIC), Y DE CÓMO HA SIDO GRABARLO EN
JAMAICA; DE LO QUE LE HA GUSTADO GIRAR CON LOS RED HOT CHILI PEPPERS Y
TELONEAR A COLDPLAY, Y DE QUE TANTO LE GUSTA VESTIRSE CON UN BALENCIAGA
COMO CON UN TRAPILLO VINTAGE… DE LO SUPERHIGH A LO SUPERLOW, VAYA.
Entrevista: Fernando Fuentes / Foto: Sean Thomas
Aló, Santigold. Vamos a lo que realmente importa: ¿qué tal ha funcionado
en el mercado tu épico y desafiante segundo álbum, Master of My MakeBelieve? ¿Estás satisfecha del resultado? Sí, creo que bastante bien. Ahora
competimos en un mercado realmente diferente. Actualmente sabemos que
se vende más que antes. Yo prefiero apostar por un buen directo o un buen
festival. Así es como te ganas a los fans, y así es como soy feliz con el resultado. ¿Por qué decidiste grabar las canciones de este álbum en Jamaica?
¿Qué tiene de especial aquella tierra en lo musical que todos los grandes
artistas la veneráis? Amo Jamaica y la amo desde que iba allí de niña. Decidí
ir a un lugar para trabajar. Un lugar que fuera funky y divertido, solo para
hacer música y huir de lo que se considera una vida regular. Particularmente,
Jamaica, Portland, tiene un estudio maravilloso y amo el lugar, el país.
Contaste para la coproducción del álbum con Dave Stiek de TV on the
Radio, Diplo y Nick Zinner de Yeah Yeah Yeahs, ¿qué aportó cada uno de
ellos al disco? Principalmente, se lo debo a Nick Zinner. Lo conocí en Nueva
York, fue por un amigo mío. Yo estaba en New York tratando de averiguar
lo que iba a hacer con mi próximo trabajo, y Nick estaba también allí, en
Nueva York. Mi amigo nos invitó: “Chicos, tenéis que trabajar juntos.
Tomad asiento, quiero hacer música con vosotros”. Fue muy fácil empezar
a escribir delante de él. Compusimos algunas canciones juntos. Cada vez
que nos juntábamos, cuando él venía a tocar, parecía que nos fundíamos en
uno. Es un guitarrista brillante y un magnifico escritor. Durante el proyecto
nos hicimos realmente buenos amigos. Si alguien no se mueve al escuchar
Big Mouth es que está muerto… ¿Es provocar el baile el leitmotiv de buena
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parte de los temas de este disco? Creo que Big Mouth es muy interesante.
Está realmente cerca del dance más moderno. Sin embargo, creo que en
realidad es diferente de todo lo que se ha hecho, aunque al mismo tiempo
tiene esa energía del dance... La energía dance con el sonido de la batería
es, de hecho, lo que creo que hace interesantes ciertos aspectos de la canción… Y luego, por supuesto, los teclados, que son también una apuesta
por la creación de algo nuevo. Te conviertes en miembro de una extraña
familia, en la que todos tienen el pelo rubio, en el videoclip que tú misma
has dirigido para tu tema The Keepers. ¿Qué tal fue la experiencia de dirigir
un clip? La verdad es que lo pasé muy bien, porque tenía que disfrazarme
para interpretar varios papeles, desde la hija de la familia hasta la viejecita
en el sillón, y me encanta jugar a interpretar y encarnar diferentes roles, me
parece algo muy divertido. También es así porque en el caso del videoclip de
The Keepers fue casi como rodar un musical, un acontecimiento verdaderamente agradable. ¿Qué tal ha sido la experiencia de telonear a los Red Hot
Chili Peppers en su gira I'm With You Tour por los Estados Unidos? ¿Qué
has aprendido de ellos?, ¿y ellos de ti? Los Red Hot fueron maravillosos
durante la gira. Fue muy bien. Tuve la oportunidad de conocerlos a fondo.
Ir de tour con ellos fue una experiencia muy profesional. Aprendí mucho de
ellos. Estuve muy cerca de comprender su arte. Cada ensayo empezaba una
hora antes de subir al escenario. Durante el warm up, Flea tocaba el bajo y
Charles la batería durante una hora, calentando sus sentidos. Tocaban
superbien. Pensaban superbien. Fue excelente participar en aquella experiencia…, ¿os lo podéis imaginar? ¿Con quién te ha gustado más girar: con
Björk, con MIA o telonear a Coldplay? Cada uno es diferente y lo cierto es
que los aprecio a todos, pero quizá Björk sería la primera. Dada la increíble
amalgama de estilos sónicos que convergen en tu música es imposible etiquetarte, pero… ¿podrías tú misma definirnos cómo es tu sonido?
En Santigold,¿hay más influencia de la música blanca o de la negra?, ¿o la
música para ti no tiene color? Creo que mi música es muy general, no pienso que tenga un género específico. Y, ciertamente, no tiene color. Creo que
lo realmente especial de mi música es que trata de encajarlo casi todo,
desde Fela Kuti a Dead Kennedys, así como todo aquello que está entre
ellos, toda la música que he escuchado, toda la que he amado, todo aquello interesante que existe en calidad musical. No se trata de qué estilo de
música o de qué tipo de sonido. Dejo que mi música sea y se haga a sí
misma. ¿Es Santigold ya una estrella del pop con capacidad para llenar grandes estadios?, ¿o para eso todavía hay que esperar un poco más? ¿Si soy
capaz de llenar grandes estadios?, ¿yo? No, todavía no. Pero... sí, soy una
pop star. (Risas.) Depende de lo que entiendas, de lo que llames pop star.
Yo hago música pop. Y ahí están Madonna o Lady Gaga. Por cierto, ¿dónde
te compras la ropa? ¿Eres más de supermarcas carísimas o te gusta la ropa
vintage y de mercadillos? Compro en todas partes, de Balenciaga a Primark.
(Sonrisas.) Voy de lo superhigh a lo superlow. Es una locura que me hace
feliz. La pregunta del millón: ¿te gusta que te consideren una artista underground o prefieres que te engloben en el mainstream? Muy probablemente sea una de las pocas artistas que tiene un pie en cada orilla. ¿Podemos
decir que defines tu realidad sonora y vital? Definitivamente, sí.
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TUYA
Igual de peligroso que vivir
TRAS PASAR, CON MÁS GLORIA QUE OTRA COSA, POR FORMACIONES COMO TEMPLETON O
LUGER Y TOCAR ENTRE OTRAS EN LA BANDA DE ANNI B SWEET, ESTE MÚSICO COTIZADO Y
AFAMADO EN LAS LIDES DE LO INDIE LLAMADO DAVID T. GINZO AHORA ES EL ALMA Y CEREBRO
DE TUYA. EN SU DISCO WATERSPOT (SUBTERFUGE, 2012), QUE SE GRABÓ EN UN DÍA, Y DEL
TIRÓN, EN UN ESTUDIO DEL RED BULL MUSIC STUDIO DE MADRID, ABORDA DE FORMA NATURAL
LA INDIETRÓNICA CON UNA COLECCIÓN DE CANCIONES QUE PARECEN TENER VIDA PROPIA.
Entrevista: Fernando Fuentes / Foto: Nerea López
He leído por ahí que facturáis canciones pop-folk de factura delicada… ¿Te
gusta esta definición para el sonido de Tuya? Pues no mucho. No creo que
seamos un grupo fácil de definir para un oyente medio, pero quizá sea cuestión de dejar pasar el tiempo y que sea un consenso de nuestro público el
que nombre lo que hacemos. Todo se ve mejor con el tiempo. A mí me parece que la gran virtud de la indietrónica de Tuya es que contiene canciones
vivas, que mutan, y que crecen y hasta mueren… Eso de que la música de
uno tenga vida propia ¿no es algo tan cojonudo como peligroso? No sé por
qué puede ser algo peligroso, es un proceso natural. Será igual de peligroso que vivir. Si a alguien le da miedo eso, necesita ayuda. La pregunta tonta
de la entrevista: ¿y por qué el nombre de Tuya para este proyecto tan tuyo?
Hay varios. Están todos en el diccionario de la RAE. Dicen los periodistas que
tus letras “son oscuras, describen situaciones límite, cargadas de tensión, en
relaciones personales, en conflictos almáticos”. ¿Cómo las describirías tú?
Prefiero no hacerlo y que cada uno entienda en cada letra lo que le surja. Si
luego tiene que ver o no con la realidad es otra cuestión, pero prefiero no
coartar la percepción de cada persona por culpa de una breve explicación.
Si más tarde me encuentro en una conversación sobre alguna letra, lo agradeceré, y entiendo que la otra persona hará igual. No entiendo por qué voy
a perder esa oportunidad por llenar cuatro líneas. David, ¿por qué decidiste
abandonar Templeton y Luger? ¿Quién lo ha sentido más, ellos o tú? Se me
juntaban demasiadas cosas. No sé quién lo ha sentido más. Pregúntales a
ellos. Yo los echo de menos a ambos y creo que han hecho unos discazos
del copón después de que yo lo dejase. Tu relación sonora con Anni B
Sweet, Sidonie y CatPeople ¿de qué tipo es y era? Con todos los grupos en
los que toco o he tocado me implico quizá demasiado en cuestiones de arreglos, proponer y esas cosas; supongo que aporto un punto de vista externo
a un grupo previamente definido. Mas allá de eso, es cosa de callarse y
tocar. ¿Tuviste que dejarlos a todos porque es mucho mejor trabajar para
uno mismo que para los demás? No he dejado nada. En este mundillo las
Oci 34
cosas vienen y van, y nunca sabes dónde estarás mañana. Tampoco trabajo
para mí mismo ahora, prefiero trabajar en grupo, al igual que en los otros
proyectos en los que he estado. ¿Por qué los multinstrumentistas indies
como tú estáis tan cotizados que todos os quieren tener en sus filas? ¿Es
porque la mayoría de la parroquia musical independiente de este país no
sabe tocar ni un tambor y necesita de manos expertas y maestras que den
brillo, fijeza y esplendor a sus canciones? No es que estemos tan cotizados,
somos iguales que el resto, pero quizá llamemos más la atención, sin más.
Tampoco creo que yo sea un ejecutante perfecto. Es más, siempre fui de la
mentalidad antitocón. Hay extremos en ambos lados. Y supongo que el
mejor punto es un buen equilibrio para poder ser más versátil. Al final, como
siempre, se habla más del músico que de la música. Es culpa de Warhol...
¿Cómo pasó Tuya de ser uno solo -David T. Ginzo- a sustanciarse en una
banda al completo? De la manera más natural posible. Había que tocar y
fueron apareciendo. Hasta hoy. Este Waterspot ¿requería de una banda para
su elaboración y ejecución en directo y de ahí lo de acompañarte?, ¿o realmente te apetecía rodearte de músicos? La banda ya existía desde la gira de
Own. Aunque estas canciones las hubiese escrito yo, el disco lo hicimos
entre todos. Supongo que en Tuya quien realmente manda eres tú, ¿o me
vas a decir eso tan bonito de que trabajáis de forma colectiva tomando entre
todos las decisiones? Pues, te lo creas o no, la mayoría de las veces es así. Y
cuando no, es porque se delega en consenso. Ojalá pudiese contarte una
historia rollo Oasis, pero no es así. Eso no quiere decir que no tengamos
nuestras broncas, pero bueno, esas cosas son sanas de vez en cuando. Tuya
suena mucho más pop que en anteriores entregas, ¿es algo premeditado o
las cosas han salido así y basta? Yo tampoco lo veo muy diferente, pero, lo
sea o no, ha salido así. No es que llegásemos a improvisar al estudio, pero
tampoco lo pensamos demasiado. Las canciones estaban, las arreglamos y
las grabamos. La idea era registrar el sonido de la banda. Ahora toca ver
hasta dónde lo llevamos en directo y en nuevos temas.
Y el siguiente paso evolutivo en lo sonoro de
Tuya ¿hacia dónde crees que te conducirá? No
sé. Quizá retomaremos ambientes de Own. O
exploraremos algunas ideas rítmicas, o más bien
de estructura, que nos apetece. Lo que es seguro
es que no va a ser parecido a Waterspot, al
menos no en la manera en la que se hizo. ¿Cómo
es eso de que Waterspot se grabó durante un día
en un estudio del Red Bull Music Studio de
Madrid? Pues así fue. Ya había estado varias
veces por allí con otros proyectos y nos metimos
a hacer eso con la ayuda del Día de la Música
arriesgando un poco, pero era lo que queríamos.
¿No es un riesgo tremendo registrar un disco en
directo y así, de un solo plumazo? Claro. Pero
para ir seguros ya tenemos otros grupos. Aquí
hacemos lo que nos da la gana y entonces la idea
era grabar un directo. Nos debería haber sobrado
tiempo. Un directo nuestro dura una hora y al
final echamos todo un día… Y para alguien tan
sumamente exigente como tú -que nos han
dicho que lo eres-, ¿no ha supuesto esta aventura un trago especialmente delicado? Sí. Es una
forma de perder miedos, enfrentándote a ellos.
En los temas de este Waterspot hay cierto ramalazo electrónico… ¿Hasta qué punto te interesa
mantener cierto aire experimental, y maquinal,
en tu sonido? Creo que es algo básico es mi
manera de entender la música, la búsqueda de
otro camino que no sea el común. Se mantendrá
o no, dependerá del contexto. Quizá Metal
Shelves es vuestra canción más redonda hasta el
momento, me recuerda a los mejores Marion…
¿Acaso es el tema que mejor resume y define el
sonido de Tuya? Pues creo que está a medio
camino entre lo que hemos hecho hasta ahora,
pero no creo que sea algo que se mantenga
demasiado, habrá que buscar otras cosas.
También el ruido es algo permanente en Tuya,
¿es tu forma de mostrar públicamente que buscas algo más a pesar de que te mueves dentro de
los parámetros del pop? No lo sé. No hay ninguna pretensión por demostrar nada, más bien por
conseguir algo que nos guste. Y si se utiliza una
capa de ruido, es igual que el que pisa un pedal
de distorsión. Vamos, creo yo. ¿Cómo surgió la
oportunidad de fichar por Subterfuge? ¿Quién
convenció a quién? Yo ya llevo años trabajando
con ellos en varios proyectos y esa posibilidad
siempre se dejaba caer en alguna conversación.
Fue algo muy natural. Finalmente, David, ¿crees
que en lo musical podemos afirmar sin temer a
equivocarnos que te has salido con la tuya? La
verdad es que creo que siempre lo he hecho.
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MICAH P. HINSON
Abismo en clave de folk
LA MÚSICA DE MICAH P. HINSON ES TAN INTENSA COMO ÉL MISMO. UNA EXISTENCIA
COMPLICADA QUE, MARCADA POR SUS DRAMAS PERSONALES, SE REFLEJA EN CADA
UNA DE SUS COMPOSICIONES DE SABOR FOLK AMERICANO. CANCIONES
AUTOBIOGRÁFICAS, ETERNAS DISCUSIONES EXISTENCIALES Y UN SONIDO QUE VA
MÁS ALLÁ DEL NEO FOLK TAN EN BOGA ÚLTIMAMENTE. EL JOVEN MÁS ADULTO DE LA
ESCENA INDEPENDIENTE DE TENNESSEE ACABA DE PONER PUNTO FINAL A UNA GIRA
QUE LE HA LLEVADO POR DOCE CIUDADES ESPAÑOLAS PARA PRESENTAR SU ÚLTIMO
TRABAJO, MICAH P. HINSON & THE JUNIOR ARTS COLLECTIVE. UN RECOPILATORIO DE
CARAS B Y RAREZAS A LAS QUE, POR FIN, SE ATREVE A DAR VIDA.
Entrevista: Sara Morales / Foto: Ashley Bryn Hinson
¿Cómo está siendo la acogida de tu nuevo trabajo, Micah P. Hinson & The
Junior Arts Collective? No va mal. Siempre he estado a favor del lanzamiento de discos. Es mi trabajo, y hasta donde pueda mantenerlo lo haré. Y más
si el público responde. Consiste en rarezas y caras B que tenías por ahí guardadas… ¿Por qué has decidido sacarlas a la luz ahora? Las he sacado ahora
porque me las han pedido. Nunca he tenido la oportunidad de lanzarlas,
excepto algunas caras B de vez en cuando. Mi sello español y Rockdelux me
pidieron que las compilara para lanzarlas, así que aproveché la oportunidad.
Es un honor, desde luego. De los dieciséis temas que lo componen ¿cuál es
el más especial para ti y por qué? Todas tienen un lugar en mi corazón, sin
duda; pero, de todas ellas, diría que la demo original de The Nothing es la
que está más cerca de mi corazón. Estaba sin hogar cuando la grabé. Era
pleno invierno. Me moría de hambre. Me congelaba de frío. El tema en sí
mismo me trae de vuelta a aquellos días. Continúas con tu sonido indie
americano, muy a lo Cohen pero más visceral. Está claro que son tu fórmula y tu estilo, pero… ¿te veremos alguna vez haciendo algo diferente? Ahora
parece que todo el mundo acaba derivando hacia la electrónica. No creo
que tenga un estilo determinado, y tampoco una fórmula concreta. Estoy en
diferentes sitios de la vida mientras escribo, diferentes registros, y me muevo
a través del tiempo. Nunca me he propuesto hacer un sonido concreto de
música, solo quería tocar el mío propio. Y espero haber hecho un trabajo
decente haciendo simplemente eso, ser yo mismo. Por lo tanto, no, nunca
he tenido en cuenta hacer las cosas de este modo concreto o de este otro.
Es interesante, porque cuando la mayoría de la gente dice que mi música
Oci 36
suena a la de alguien en concreto en realidad, generalmente, nunca le he
escuchado, como Cohen, Waits o Cave. Supongo que la música electrónica
se está usando más a menudo porque uno no tiene que aprender a tocar un
instrumento; basta con alinear los ritmos y samples… Que no se me malinterprete, tengo un enorme respeto por la música electrónica, como Skinny
Puppy, Old Ministry, etc. Tu proyecto The Late Cord con John Mark Lapham
(The Earlies) suena más experimental que tus otros trabajos… Ese proyecto
eran sobre todo canciones que se me habían ocurrido, así que supongo que
era un modo de mostrar una cara diferente de mí, o un lugar en el que
pudiera mirar mis canciones de una forma distinta. Ese proyecto será siempre una espina que tengo clavada. Me echaron de la banda para la que
escribí todas esas canciones. Es ridículo. Para esta gira has decidido contar
con Timber Timbre, con quien te has autodenominado Micah P. Hinson &
The Junior Arts Collective. ¿Por qué ellos? Son unos chicos increíblemente
majos y talentosos. Nos habíamos visto y habíamos hablado en algunas ocasiones. Hablamos sobre un viaje por España y de algún modo funcionó, lo
que raramente suele suceder. Son un soplo de aire fresco entre la porquería
de la música moderna. Cuando viniste a España hace dos años a presentar
... And the pioneer saboteurs elegiste como teloneros a Tachenko. ¿Cómo
llegaste hasta este grupo de Zaragoza? A todos ellos los conocí durante mi
gira, tanto a los encargados de sonido como a los teloneros. Adoro a cada
uno de ellos, así que tenía sentido tocar juntos. Realmente los eché de
menos en esta gira, pero el futuro es siempre brillante. Les debo mucho.
Ayudaron a salvar mi vida. Nunca he conocido gente tan cariñosa y atenta.
Para cada disco escoges a una banda que te acompañe… ¿Con quién tocarías en futuros trabajos? Sí, para mis discos y grabaciones intento conseguir
nuevos músicos. Ayuda a dar a cada disco un sonido un poco distinto, y eso
casi siempre funciona bien. Para futuros discos, nunca sabes con quién vas
a contar. Para el disco en el que estoy trabajando, cuento con miembros de
mi cuarteto de cuerda en Bélgica, con mi músico de banjo aquí en los
Estados Unidos, con un número inglés llamado A Band of Buriers para los
coros y guitarra extra, con los teclados de The Twilight Sad, con Andy
Rourke de The Smiths en el bajo, etc. Tu disco de versiones de Cohen,
Beatles, Dylan, Leadbelly, Sinatra y otros no tan conocidos como Pedro the
Lion, Centro Matic o Emmy The Great tuvo una gran acogida. Eran temas
muy diferentes a los originales… ¿A quién te gustaría versionar y todavía no
lo has hecho? Hay muchas canciones que aún me gustaría hacer, pero debo
mantenerlo en secreto, pues imagino que lanzaré otro disco folk en los próximos años. La verdad es que disfruté haciendo este disco, aunque creo que
para algunos era una mierda. Me gusta coger otros temas y enviarlos a través del filtro Hinson. Esta es la clave para la música folk, sean viejas o nuevas canciones; es cuestión de poner una luz diferente y de mostrarlas a un
nuevo público. ¿Te has reconciliado con la vida? Jamás. Creo que eso solo
llegará con la muerte. ¿Qué te inspira en estos últimos tiempos para escribir? Llevo bastante tiempo sin escribir nada. Mis brazos no han funcionado
correctamente durante el último año y poco. Tuve un accidente en la carretera el pasado verano y desde entonces no he sido el mismo. Así que básicamente he estado trabajando en canciones que se grabaron la primavera
anterior. ¿Cuál es para ti el mejor grupo de la escena independiente?
Bedhead. ¿Qué es lo que más te gusta de España? La gente, sin duda.
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Black Lotus Festival
Alta frecuencia sonora
Texto: Alberto Peris. Foto: Jose A. Serra - 10/10/2012, Feria de Muestras. Valencia.
Sábado 10 de octubre del 2012,14 h. Todas las miradas están puestas en un
mismo foco, la Feria de Muestras de Valencia; el motivo: Black Lotus Festival.
El país entero, los medios, las fuerzas de seguridad y lo más relevante, los
jóvenes, ya contaban los minutos para que diera comienzo uno de los eventos musicales pioneros de la ciudad del Turia. Entre los precursores de esta
masiva atención al correcto desarrollo del evento, los trágicos sucesos ocurridos en Madrid tan solo unas semanas antes. Cada rincón y acceso al recinto estaba custodiado por las fuerzas del Estado o por un empleado de seguridad, que registraban los bienes personales de cada asistente. El recinto
donde se celebró el Black Lotus Festival tiene diez mil metros cuadrados y
capacidad para doce mil personas, y cuenta con diez puertas de evacuación
que permanecieron abiertas durante toda la velada. El enorme escenario y
el montaje de iluminación y sonido dejaban claro que allí iba a tener lugar
un espectáculo de altas frecuencias sonoras. La cosa empezó fuerte sobre
las 17 h, con la actuación de Dubsick, Gomad&Monster y el catalán Santi
the Warriors con fuertes bajos y hits muy reconocibles por el público. A las
20 h apareció, por primera vez en Valencia, Rocky Rock, que mezcló técnica a los platos con electro, dubstep y el auténtico hip hop que caracteriza a
su grupo, Black Eyed Peas. A continuación, los polifacéticos Kostrok deleitaron a su público natal con fidget, moombathon y mucha energía. Más tarde
recibimos al residente de las fiestas Black Lotus, DJ Soak, con una calidad en
directo anonadante en su mezclas. Los Rusty Warriors, producto nacional,
calentaron aún más si cabe los motores del evento con un dubstep agresivo
y con mucha fiesta, que es lo importante en estas ocasiones. A continuación
aparecieron, como auténticas rock stars, el americano Sky Blue de LMFAO y
Oci 38
toda su crew al completo. El público alucinó al ver en directo un grupo tan
archiconocido como el suyo. Sonaron remixes de Christina Aguilera, Avicci
y, cómo no, su hit I’m sexy and I know it, un gustazo para aquellos oídos
más comerciales y menos exigentes. Después les llegó el turno a los franceses Loo & Placido, que hicieron vibrar a los más de siete mil asistentes a
ritmo de dubstep, drum and bass y remixes de míticos del rock como The
Beatles o Nirvana. Con el terreno alisado, los hermanos Dewaele volvieron a
Levante para seguir consolidándose como uno de lo dúos más potentes y
legendarios del panorama electrónico. Sonaron temas muy conocidos como
MGMT, y supieron meterse a los valencianos en el bolsillo con hits del maestro local don Chimo Bayo. Secándose el sudor, el público empezó a mentalizarse de lo que se estaba viviendo en el recinto ferial. Todavía más: todos
estaban dispuestos a bailar el hardcore electrónico de los Pendulum en su
formato DJ set. Pude apreciar cómo la gente lo dio absolutamente todo con
hits como Tarantula, entre otros. Para concluir esta primera edición del Black
Lotus Festival dejamos paso al elegante dubstep de Feed Me, Bloody
Beetroots y Cyberpunkers con su frenética sesión. Como guinda, los residentes locales y pertenecientes al colectivo Bassline Abuse, Ohcan & Dosis,
pusieron el punto final al evento con el drum and bass más pegadizo y bailable. En definitiva, los artistas que más me llamaron la atención fueron Loo
& Placido por su cercanía al público y su gusto en la selección, y el inglés
Feed Me por su inyección de dubstep culto y técnico. Desde OCIMAG felicitamos a la organización de Qoqoa por hacer posible el correcto desarrollo
del evento. En resumen: crepitar, crujir, emerger, quebrar, sonar, sudar, bailar, amar, flipar...: todo eso fue Black Lotus Festival.
MOTEL 1953 @ LA3
Suite eléctrica
Texto y fotos: Pinat Agency - 24/10/2012, La3. Valencia.
Motel 1953 abrió sus puertas por segunda vez en su cita mensual con la sala La3 en Valencia, de la
mano de Pinat Agency. Cientos de personas ocuparon las diferentes pistas transformadas en habitaciones de motel con muchas ganas de pasar una noche inolvidable que no defraudó. Con la temática
motelera, el escenario principal giró en torno a una partida de póker a lo Scarface en la que los actores
interactuaron con el público acompañados durante varias partes de la noche del comando Jäger en un
hábitat propicio para ello y volvieron a sorprender a todo el mundo, tal como se plasmó en la primera
edición. En la habitación principal, llamada California, Electronicall, Mr West y Ley Dj hicieron bailar a
los asistentes hasta el final de la noche con un repertorio muy cuidado de hits. La progresión musical de
la noche hizo que los huéspedes bailasen al ritmo del indie y el electro más contundentes hasta la hora
del desayuno. En la habitación Detroit, cuando todo parecía en calma y el servicio de habitaciones rellenaba el minibar, apareció el polifacético Sutja Gutiérrez sorprendiendo a todos con un live vocal, acompañado por Lupo Heras a los platos. Así fue como vimos nacer uno de los mejores combos posibles para
una noche de algarabía. En la habitación Atlanta casi hubo que llamar a los bomberos: Dj Impe puso la
leña y encendió el fuego a ritmo de old school hip hop, clásicos y grandes éxitos de R&B; cuando la habitación prendía en llamas cogió el testigo Swag Nites para seguir con más hip hop, dancehall y moombah, y, para acabar la noche, Soniye Muzick puso el toque más gamberro a la velada con una mezcla
de moombah y trap que hizo bailar hasta a los de seguridad. Motel 1953 ha conseguido desmarcarse
de lo común y promete seguir sorprendiendo a todo el mundo para convertir cada noche de su residencia mensual en LA3 en una experiencia realmente transgresora. www.la3club.es
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de analógico a digital
MAAYAN NIDAM / NEW MOON (CADENZA)
No es algo casual que Cadenza se responsabilice del
debut sonoro de una artista desconocida y proveniente
de una escena electrónica tan poco habitual como es
la de Israel. Con esto queremos decir que Maayan
Nidam, con este New Moon y sus once temas, es el
último gran acierto del sello del chilesizo Luciano. En
este álbum, esta productora emergente deja al
descubierto un apasionante y variadísimo imaginario
sintético en el que, siempre tocado por ese exótico y
especiado aroma a más allá de Occidente, nos regala
ricos episodios techs –jazzys, ácidos y club–
perfectamente sinergiados con medios tiempos más
cercanos a los broken beats y sonidos aledaños. Nos
encantan Harmonius Funk –por su cadencia electro y
su alta elegancia– y Trippin Over You, una entrega con
más veneno club pero con idéntica raruna
sofisticación. Aunque es Sunday Sunday, y solo quizás,
el tema más atrevido y bizarro del estupendo debut de
esta artista israelí. Y es que el mundo es para los
valientes, ¿verdad? (Fernando Fuentes)
FAIRMONT / AUTOMATON (MY FAVOURITE ROBOT)
En Canadá las nubes han dejado asomar algunos rayos
de sol; Jake Fairley se ha quitado el sombrero de copa
y se ha dejado el flequillo suelto. Músico prolífico y
detallista, llevaba sin lanzar un álbum bajo el nombre
de Fairmont desde el 2007, pero eso no significa que
haya estado ocioso. Varios EP en Border Community y
Traum, un disco y un EP con su banda paralela Bishop
Morocco e incluso un EP con su casi desaparecido
proyecto The Uncut; además de algunos lanzamientos
bajo su nombre real, claro. Un chico de provecho que
se ha convertido en uno de los hombres más
interesantes de la escena musical actual. Automaton
nos presenta a un Fairley más popero, que se lanza a
cantar sobre todos los temas. Los sonidos viajan desde
un techno pop sencillo hasta un electro de sabor retro,
a medio tiempo, siempre pulidos y enriquecidos con
aderezos que convierten muchos temas aparentemente
simples en sobresalientes. Déjate llevar por Automaton
y baila en el frío hasta que salga el sol. (Catalina Isis)
DE LA SOUL / DE LA SOUL'S PLUG 1 & PLUG 2 PRESENT FIRST SERVE (PIAS)
Sí, amigos de OCIMAG: son, en parte, los míticos De
La Soul, pero como resucitados y pasados por un tamiz
conceptual y cinematográfico que, sinceramente,
creemos que les resta frescura, efervescencia y color.
Con este nuevo disco, los legendarios fundadores de la
banda –Posdnuos y Plug 2– ponen sonido y rapeados a
una película sobre dos imaginarios artistas neoyorkinos
(¿se trata de ellos mismos en un raro autorretrato
sónico?) que quieren triunfar en el mundillo del hip
hop. El resultado es ciertamente agradable, pero no a
la esperada altura de un combo de la brillantez y
elocuencia lírica de los de Nueva York. En el álbum
campa a sus anchas ese hip hop de vieja escuela,
alegrado en casi todo su tracklist por destellos disco y
aderezado con esos célebres y genuinos skits que los
hicieron tan famosos en los años noventa. En fin, no es
el Skate Is High del 96, pero consiguen amalgamar hip
hop con jazz, funk, soul y disco como solo ellos saben
hacerlo. Digno, justo y casi necesario.
(Fernando Fuentes)
THE SOFT MOON / ZEROES (CAPTURED TRACKS)
Hace un añito ya que entrevistamos a Luis Vázquez,
músico de San Francisco, en esta misma revista. Nos
hablaba de una música muy personal, en la que la voz
se utiliza fundamentalmente como otro instrumento,
abriéndose camino entre gruesas líneas de bajo
reverberantes y trepidantes cajas de ritmos. Conocido
por los amantes de la música como The Soft Moon,
Luis lanzó el pasado mes de noviembre su último
trabajo, titulado Zeroes. La inclusión a la banda de un
batería analógico, Keven Tecon, y de un bajista, Justin
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Anastasi –aunque toda la composición sigue a nombre
de Luis–, ha conseguido engordar todos los sonidos de
un The Soft Moon que vuelve con su post-punk
repetitivo, gamberro, frío y sensual. Zeroes sigue una
línea uniforme, con canciones hipnóticas y oscuras de
buen resultado, pero ¿le pasará lo mismo a The Soft
Moon que a Dark Allies, que perdió parte de su
encanto al repetir la misma fórmula? En la oscuridad,
las formas siempre cambian. El próximo disco dirá.
(Catalina Isis)
THE IRREPRESSIBLES / NUDE (OF NAKED DESIGN RECORDINGS)
Este conjunto de nueve músicos inició su andadura en
el 2002 en Londres y está capitaneada por el vocalista,
multinstrumentalista y compositor Jamie McDermott.
Una aventura diferente, dramática y épica para unos
músicos de formación clásica entre los que
encontramos chelo, piano, viola, violín y todo tipo de
instrumentos electrónicos. En Mirror Mirror (2010), su
primer álbum de estudio, The Irrepressibles recogía un
conjunto de canciones de amor íntimas, en las que los
sonidos teatrales se desenrollaban lentamente sobre
una alfombra aterciopelada. En Nude se sigue la estela
del último lanzamiento, Perfume Genius, al adentrarse
en una temática expresamente homosexual con un
homenaje a la figura de San Sebastián. El resultado es
una música que combina el sonido del Rufus
Wainwright de los Sonetos de Shakespeare con los
últimos trabajos de Anthony and the Johnsons,
algunos traviesos toques electrónicos y cierto espíritu
musical. Melodioso, dulce y descarado, The
Irrepressibles pone la carne en el asador. (Catalina Isis)
DAVID LYNCH / CRAZY CLOWN TIME (SUNDAY BEST)
Estamos ante la perturbada obra sonora –electrónica
solo en parte– de un genio total y único… Lo es en el
cine, y a casi todo lo que toca sabe aportarle ese
punto de rareza, bizarrez y sucia sofisticación marca de
la maravillosa casa audiovisual Lynch. Este Crazy Clown
Time, su álbum debut, presenta una colección de
temas tan posiblemente genial que el oyente medio –a
saber: tú, yo y todos– no va a entender ni papa, pero
¿quién quiere hacerlo? Es una amalgama
cinematográfica de guitarrazos, chirridos,
reverberaciones misteriosas, distorsiones, guiños al
imaginario sonoro de los Estados Unidos de los años
cincuenta y demás sonidos, locuras y rarezas que
apabullarán al más acérrimo seguidor del universo
lynchiano y trastornará al que no esté iniciado. Podría
ser perfectamente la genial banda sonora de una de
sus fantásticas y rarunas películas –o el hilo musical
ideal para un manicomio– por lo inquietante, extraño y
darky. Imposible y delicioso a la vez, lo juro por el dios
Lynch. (Fernando Fuentes)
PAUL KALKBRENNER / GUTEN TAG (PAUL KALKBRENNER MUSIC)
Recuerdo cuando Paul Kalkbrenner era una joven
promesa de la escena electrónica y a principios del
2000 empezaba a lanzar temas de techno con sabor
minimal, casi siempre con delicados arreglos añadidos
sobre bases limpias, rodeadas de atmósferas que
recogían cierto espíritu trancero. Abanderado del sello
de Ellen Allien, BPitch Control, Kalkbrenner ha crecido
sin privarse de experimentar. Desde ligeros sonidos
industriales hasta un tonteo con el deep house en Sky
and Sand de la banda sonora de Berlin Calling, Paul ha
hecho hasta sus pinitos como actor. Kalkbrenner ha
conseguido abrirse camino como uno de los grandes
nombres de las pistas, e incluso se ha ganado ser
headliner de Monegros 2012 por encima de Hawtin o
Garnier. Guten Tag es su sexto disco de estudio,
editado en el sello propio que inauguró el pasado año.
Una colección correcta de temas que se despojan un
poco de adornos diáfanos y la búsqueda de atmósferas
para ir al grano: un sonido más directo y más techno.
La madurez se deshace de lo innecesario. (Catalina Isis)
UNDERWORLD / A COLLECTION (COOKING VINYL)
Está bien, lo confieso: yo no debería encargarme de
escribir esta reseña; me declaro demasiado fan de
Underworld para ser mínimanente ecuánime y evitar
que sea un ejercicio tendencioso, amiguista e
impublicable. Entonces –para que mis babas no
manchen esta página– haremos otra cosa: yo repaso el
tracklist del disco-colección que nos ocupa y vosotros
juzgáis, ¿de acuerdo, ociosos? Vamos, pues, con ello:
Scribble, Crocodile, Two Months Off, Jumbo, Born
Slippy Nuxx, Dark and Long (Dark Train), Cowgirl (Live),
Rez, etc. ¿Tenemos ya veredicto? Este es el mío: Karl
Hyde y Rick Smith –tanto monta monta tanto– son
muy grandes, rozan lo gigante, y los veinte años que
llevan en lo más alto de la brecha electrónica
internacional no es que merezca un sobresaliente, es
que es simplemente monumental y posiblemente
inigualable. En fin, ya sabía yo que al final con estos se
me caería la baba y no podría hacer otra cosa que
quitarme el sombrero. (Fernando Fuentes)
Oci 43
MONDO SINIESTRO
Texto y selección: Estudio Merienda y Rubén Vidal
EL ADJETIVO SINIESTRO SIGNIFICA, EN PALABRAS DE LA RAE, “AVIESO O MALINTENCIONADO. QUE
TIENE PROPENSIÓN O INCLINACIÓN A LO MALO, O DAÑADA COSTUMBRE QUE TIENE EL HOMBRE
O LA BESTIA”. LO DE “DAÑADA COSTUMBRE QUE TIENE EL HOMBRE O LA BESTIA” NOS DEJA
TOTALMENTE KO. PERO POR AHÍ VAN LOS TIROS: IR DE CUERO, CON TACHUELAS, LLEVAR MIL
TATUAJES, AMAR LOS ESTAMPADOS DE CRUCES Y LAS CALAVERAS…, HASTA TAL PUNTO QUE SE
CONVIERTE EN TENDENCIA. MIREMOS DONDE MIREMOS, ESE HALO OSCURO A LA PAR QUE
TENTADOR NOS ENVUELVE, BIEN EN FORMA DE INFINITOS POSTS EN BLOGS DE CUALQUIER ÍNDOLE
BIEN COMO FOTOGRAFÍAS EN INSTAGRAM. Y ES QUE LO SINIESTRO VENDE. ¿POR QUÉ SI NO
VEMOS LA PORTADA DEL UNKNOWN PLEASURES DE JOY DIVISION, PIONEROS DEL POST PUNK DE
AIRE SINIESTRO Y OSCURO, EN FORMA DE CAMISETAS, TAZAS, SUELAS DE ZAPATILLA O INCLUSO
EN LOS SOUVENIRS MÁS ABSURDOS DIGNOS DE LOS DELIRIOS DE SU TRISTEMENTE DESAPARECIDO
VOCALISTA IAN CURTIS? LA MODA DE ALGUNOS JÓVENES ES UN MAL VICIO, ¿VERDAD? AHORA,
IR A UN SITIO DONDE HAY MUERTOS ENTERRADOS Y PASEAR MIRANDO LÁPIDAS, NICHOS Y
TUMBAS ES UNA COSTUMBRE MUY SANA PROPIA DE LA TERCERA EDAD. PUES ESO, QUE TODOS
HACEMOS COSAS MÁS O MENOS SINIESTRAS EN NUESTRO DÍA A DÍA. DE LO QUE NO HAY DUDA
ES DE QUE EL MUNDO DE LO VERDADERAMENTE SINIESTRO ES UN MUNDO INQUIETANTE,
MISTERIOSO Y NEGRO. MUY NEGRO. PASEN Y VEAN (SI SE ATREVEN).
02
01
01. Somke Chandelier. Diseño de Maarten Bass para Moooi. www.moooi.com / 02. Lady
in Waiting de Louise Bourgeois (París, 1911 - Nueva York, 2010). Muestra HONNI soit QUI
mal y pense en La Casa Encendida 2012. Foto cortesía de La Casa Encendida. ww.lacasaencendida.com / 03. Sundead (2012) de Luciano Podcaminsky. www.thankyouverymuch.com / 04. B. I. P. (Break In Peace) de Daniel Gantes. www.danielgantes.com / 05.
Bone Necklace Blue de James Jean (collar de porcelana). www.jamesjean.com / 06. Skull
Light de Studio Baag. www.studiobaag.com.
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03
06
04
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01
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02
03
01. La Poursuite du Bonheur (2008-11). Tactelgraphics. www.tactelgraphics.com / 02. S.T.Q.T.V.M. chair. Pool. work.poolhouse.eu / 03. Thierry Mugler Menswear 2011-12. www.mugler.com
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02
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05
06
01. Converse John Varvatos Studded Hi. Fall Winter 2002. www.converse.es / 02. New Object Research Skull (2006). Aitor Throup. www.aitorthroup.com / 03. Temporary Devotion Life size dolls
made out of plastick. Mixed media 2011. Kimberly Clark. www.artnews.org/kimberlyclark / 04. New Object Research 2 (2006). Aitor Throup. www.aitorthroup.com / 05. Design is dead. Studiolav.
www.studiolav.com / 06. Do It Right (Clean Suicide, 2008). Sebastian Errazuriz. www.meetsebastian.com
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arte y expos / por Tactelgraphics
HONNI soit QUI mal y pense de Louise Bourgeois
Los diez últimos años de Louise Bourgeois
Texto: Tactelgraphics / Fotos: La Casa Encendida
La Casa Encendida celebra su décimo aniversario con una exposición de los
diez últimos años de Louise Bourgeois titulada HONNI soit QUI mal y pense
(“MAL haya QUIEN mal piense”). En las obras de los diez últimos años de la
artista –esculturas, dibujos, celdas-células, grabados sobre tela, ensamblajes
o remiendos– reunidas para la exposición del Centro de Obra Social Caja
Madrid afloran a la superficie todas las obsesiones de Louise Bourgeois
(París,1911 - Nueva York, 2010), tratadas de forma lapidaria o exhaustiva sin
ninguna concesión con la distancia o densidad de la experiencia,
cuestionando o dando testimonio de una vida y de una obra que dejarán su
marca indeleble en el siglo XX. Pero lo más importante es que se trata de
una exposición inédita y que un tercio de las obras llegan directamente de
su estudio sin haber pasado nunca por una sala de exposiciones. Louise
Bourgeois falleció en el 2010 con casi cien años y no dejó de trabajar hasta
su muerte. En la etapa final de su vida, puso los últimos acentos a una obra
tan personal como universal que, desde hace más de medio siglo, nos hace
partícipes de su lucha, como mujer y como artista, por construirse y “no ser
eliminada”. La obra de Bourgeois no fue reconocida hasta que en 1982
–cuando ya tenía 72 años– el MoMA le dedicó una retrospectiva que supuso
la primera exposición individual de una mujer en el museo neoyorkino.
Como la propia Bourgeois afirmaba: “Mi feminidad está roída por las ratas.
Roída por dentro y por fuera como un huevo agujereado con un alfiler y
luego sorbido hasta vaciarlo. Hay que fortificarla, reforzarla, hacerla como
una pelota de espuma que rebota hasta el techo”. Perderse esta exposición
sí que es para cortarse la venas. La muestra HONNI soit QUI mal y pense,
comisariada por Danielle Tilkin, se inauguró el pasado mes de octubre y
podrá verse hasta el 13 de enero del 2013. Avisados quedáis.
La Casa Encendida, Madrid - Hasta el 13 de enero del 2013 - www.lacasaencendida.com
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arte y expos
COLECCIÓN JOSEP SUÑOL
Colectiva
WORLD PRESS PHOTO 2012
Photographic Social Vision
Al cumplirse cinco años de la apertura de la Fundació Suñol, se dedica
una nueva mirada a su colección para reexplicar obras y conceptos, esta
vez por géneros, que nos pueden ayudar a comprender la función del
arte en la sociedad. Con el fin de razonar el lenguaje artístico y conseguir un propósito pedagógico, los temas que nos proponen se han
estructurado según los siguientes títulos: rostros, escrituras, ensoñaciones, cuerpos, abstracciones, paisajes, expresionismos y resistencias. Los
contenidos expuestos en la primera y segunda planta del n.º 98 del
paseo de Gracia ofrecen un magnífico recorrido por los últimos cincuenta años de creación artística. Se analiza el compromiso visual del artista,
que dialoga con el espectador mediante la intencionalidad de sus soluciones para expresarse. Cada autor visiona, transforma, ordena y experimenta, primero consigo mismo y después con nosotros, poniendo el
acento en el valor de cada imagen, proponiéndonos una interacción con
lo que es realmente valioso dentro de la compleja pero fascinante mutación del pensamiento en imagen. La exposición muestra la obra de más
de setenta artistas de primer orden, como Pablo Picasso, Andy Warhol,
Man Ray, Zush, Jaume Plensa, Luis Gordillo, Alighiero Boetti, Salvador
Dalí o Antoni Tàpies, entre muchos otros.
La fundación Photographic Social Vision organiza por octavo año consecutivo la exposición internacional World Press Photo en el Centre de
Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). La muestra, que recoge
las ciento cincuenta y seis fotografías ganadoras del prestigioso premio
internacional de fotoperiodismo, cuenta en esta edición con un fotógrafo catalán, Samuel Aranda, ganador de la máxima categoría del concurso, el World Press Photo of the Year 2011, por una imagen tomada
durante las revueltas en Yemen. Bajo el lema “Material sensible”,
Photographic Social Vision brinda la oportunidad al público de estar
informado sobre el estado del mundo con unas fotografías que destacan
por su excelencia estética, su valor informativo, su sensibilidad y su capacidad de emocionar al espectador. Considerada mundialmente como la
más importante en el ámbito del fotoperiodismo, World Press Photo destaca por la calidad de sus fotografías, así como por el debate y la crítica
que genera cada uno de los trabajos presentados. Una cita con los acontecimientos sociales, políticos, culturales y deportivos del último año que
también es un escaparate para los mejores fotorreporteros del momento, a quienes ofrece la oportunidad de presentar un trabajo muchas
veces censurado por los gobiernos y los medios.
Fundació Suñol, Barcelona - Hasta el 2 de marzo del 2013
CCCB, Barcelona - Hasta el 6 de enero del 2013
www.fundaciosunol.org
www.cccb.org
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SOBRENATURAL
Rubenimichi
MEMENTO MORI
Paco y Manolo & Sito Mújica
Rubenimichi es un maravilloso y raro ejemplar de vegetación en el bosque del arte nacional. Es inusual ver semejante fusión de tres artistas que
convivan con un solo espíritu. Si cortáramos en sección el tronco de este
fenómeno natural que es Rubenimichi, fijaríamos el anillo más pequeño
en el año 1996, fecha en la que Michi y Rubén se encontraron para
comenzar a desarrollar una obra pictórica que no ha cesado de crecer en
dieciséis años, y menos aún a partir de la adhesión de Luisjo en el año
2002. Sobrenatural es un proyecto que ahonda en las mágicas relaciones entre vivencias extrasensoriales e inquietantes personajes camuflados en la espesura del bosque. Esta exposición surge de un estrecho contacto con el campo. Ha sido gestada en su totalidad en un refugio perdido en la sierra, con los miembros de Rubenimichi rodeados de vegetación. Podríamos pensar que Sobrenatural tiene un punto de cuento de
hadas, pero escrito bajo la minuciosa mirada de una enciclopedia natural y recreado mediante su particular universo visual, siempre provisto de
un aura de pesadilla inquietante y de trasfondo oculto. Las pinturas de
Sobrenatural poseen un punto tétrico reflejado en las figuras plasmadas,
expuestas a un análisis en el que irrumpen de forma esplendorosa la
magia de la naturaleza y sus connotaciones fantásticas.
Memento Mori es un proyecto fruto de una residencia artística realizada
por Sito Mújica y el dúo Paco y Manolo –todos ellos residentes en
Barcelona– durante el mes de septiembre del 2010 en el Addaya Centre
d’Art Contemporani de Alaró (Mallorca). Un proyecto en el que los trabajos fotográficos de Paco y Manolo y los dibujos de Sito Mújica a partir
de estas imágenes comparten protagonismo. Las fotografías de Paco y
Manolo tomadas en diferentes localizaciones de la isla son la base de las
obras que a posteriori realizó Sito Mújica, acuarelas de gran calidad técnica herederas de aquella serie en lápiz que bajo el título de Copiadas
recoge diferentes trabajos del reconocido dibujante basados en retratos
de los diferentes fotógrafos que le atraen, y que descubre a través de
internet. Memento Mori no representó tampoco la primera ocasión en la
que Sito Mújica dibujaba a partir de retratos fotográficos de Paco y
Manolo. El proyecto reúne fotografías con una importante carga romántica, en las que la juventud de los retratados contrasta con las localizaciones escogidas y cuya seña identificativa es el claroscuro. Memento
Mori es una reflexión sobre el inexorable paso del tiempo y la nostalgia,
desde la que la muerte parece estar lejana. Y es que seguro que moriremos, pero no será hoy.
Mutt, Barcelona - Hasta el 3 de febrero del 2013
Espai Tactel, Valencia - Hasta el 5 de enero del 2013
www.mutt.es
www.espaitactel.com
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arte y expos
MICROCLIMA, COSA DELICIOSA
Elena Blasco
ANDY WARHOL SUPERSTAR
The Andy Warhol Museum
Primera exposición individual de Elena Blasco (Madrid, 1950). Bajo el
título Microclima, cosa deliciosa, se presenta una selección de trabajos
que ponen de manifiesto el carácter multidisciplinar y simbólico de la
artista. Sus obras combinan múltiples materiales y técnicas que abarcan
desde la pintura acrílica hasta la espuma de poliéster, las telas, los acetatos o los objetos cotidianos y desdibujan los límites entre fotografía, pintura, escultura e instalación. La producción artística de Elena Blasco apenas ha sufrido cambios en los últimos treinta años y, sin embargo continúa plenamente vigente desde una perspectiva actual. A lo largo de su
dilatada trayectoria ha sido capaz de desarrollar y mantener coherentemente una poética propia desde los márgenes, sin hacer ruido, y alejada
de las prácticas y dictados de las modas imperantes. Poseedora de un
estilo aparentemente ingenuo en cuanto a forma y contenido, sus obras
destilan ironía y rebeldía para hablarnos de las incongruencias de la vida
cotidiana, los prejuicios, la violencia contra las mujeres y las injusticias
sociales. A esa mirada crítica se une una utilización expresionista del
color y un uso de los materiales que deja mucho espacio a la improvisación. Como resume la propia artista: “Los materiales son el motor, lo que
me estimula. Tú los diriges, pero ellos trabajan por su cuenta”.
Andy Warhol Superstar propone un viaje por la obra y la biografía de
uno de los artistas decisivos de la segunda mitad del siglo XX y máximo
exponente del triunfo del arte pop, mediante una selección que se presenta por primera vez en España con piezas creadas por Warhol entre
principios de la década de los sesenta y antes de su muerte, en 1987. La
exposición permite contemplar imágenes tan emblemáticas en su obra
como las latas de sopa Campbell’s o los retratos de personalidades y
famosos como Marilyn Monroe, Man Ray, George Gershwin, Liza
Minnelli, Albert Einstein, John Wayne, Muhammad Ali o Michael
Jackson, además de un autorretrato del artista. El recorrido por la sala
incluye también piezas con temas recurrentes en su obra, como la obsesión por el dinero, que se refleja en la serie $; versiones de obras maestras de la historia de la pintura, e incluso la imagen de la hoz y el martillo despolitizados. La muestra representa una oportunidad para disfrutar
y analizar la obra gráfica de un artista que empleó a lo largo de su producción la fotografía y la serigrafía como técnicas vertebrales para construir su estilo. La multiplicación de la imagen, la seriación y la producción
de pequeñas diferencias dominan estas piezas. El montaje incluye la
recreación de parte de la mítica Factory.
Luis Adelantado, Valencia - Hasta el 18 de enero del 2013
Centro Cultural Bancaja, Valencia - Hasta el 5 de enero del 2013
www.luisadelantadovalencia.com
obrasocial.bancaja.es
Oci 54
LOS AÑOS SESENTA
Claes Oldenburg
EPISODIOS CRÍTICOS
Colección MACBA
Los años sesenta constituye la muestra más amplia dedicada hasta la
fecha al innovador y emblemático trabajo realizado en los años sesenta
por Claes Oldenburg, figura fundamental de la historia del arte. Con sus
irónicas y profundas representaciones de objetos cotidianos, Oldenburg
se erige en uno de los padres del arte pop, la performance y el arte de
la instalación. Además, sus proyectos a gran escala realizados con Cossje
van Bruggen, gigantescos monumentos de objetos de consumo ubicados en grandes ciudades de todo el mundo, han ejercido una gran
influencia en el arte realizado para espacios públicos. La exposición brinda una visión única de los ingeniosos procesos de pensamiento del artista y cuenta con trabajos nunca antes expuestos o que solo se han exhibido en escasas ocasiones, acompañados de dibujos, películas y fotografías realizados por el propio artista que dan especial relevancia a uno de
los temas fundamentales de su trabajo: el objeto como mercancía que,
mediante continuas metamorfosis, se convierte en transmisor de cultura
y símbolo de las obsesiones del mundo capitalista. Con sus irónicas
representaciones, Oldenburg contribuyó enormemente a la renovación
de la escena artística norteamericana y fue clasificado como un artista
fundamental del arte pop y de la instalación.
El Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) presenta una
nueva ordenación de su colección. Esta selección sugiere algunos antecedentes de lo que hoy denominamos crisis sistémica. La muestra, que
reúne más de doscientas obras de sesenta y cuatro artistas, está articulada en seis episodios distribuidos en diferentes plantas del museo y con
distintas fechas de finalización: Hay que huir del contenido como de una
plaga y El arte de la primera globalización (planta 1.ª, hasta junio del
2013); Fisuras y Voyeurismo, fetichismo y narcisismo (planta 0, hasta el
17 de febrero del 2013), y, por último, Trabajo, poder y control y
Déconnage (planta 2.ª, hasta el 6 de enero del 2013). Esta exposición
coincide con el 25.º aniversario de la Fundación MACBA, que celebra un
cuarto de siglo en la construcción de la colección del museo. Entre los
artistas representados se encuentran Ignasi Aballí, Lara Almarcegui, Art
& Language, Judith Barry, Dara Birnbaum, Joan Brossa, Eduardo Chillida,
Öyvind Fahlström, Peter Friedl, Hans Haacke, Tàpies, Oteiza, Joan
Hernández Pijuan, Mike Kelley, David Lamelas, Paul McCarthy y Jaume
Plensa, entre otros. Los episodios de esta muestra, que pueden ser recorridos independientemente, sitúan las transformaciones sociales y políticas en el contexto inmediato del progreso del arte contemporáneo.
Guggenheim, Bilbao - Hasta el 17 de febrero del 2013
MACBA, Barcelona - Distintas fechas por planta hasta junio del 2013
www.guggenheim-bilbao.es
www.macba.cat
Oci 55
arte y expos
ONLINE / OFFLINE
Colectiva
DAMN YOUR EYES
Santiago Fernández Mosteyrín
Frente al término surf utilizado en el mundo anglosajón, en español se
optó por el verbo navegar para describir la circulación por internet. A
pesar de su relación acuática, esta perspectiva diferente surgió cuando la
red comenzó a popularizarse en el mundo hispanohablante, cuyo primer
browser se llamaba Netscape Navigator. Este perdió en la guerra de los
navegadores, en la que Microsoft implantó Internet Explorer al incluirlo
en el sistema operativo más utilizado, Windows. Más tarde, Netscape
Navigator dio lugar a Mozilla. Este error en la traducción al español de
surfear por navegar coloca irremediablemente la red en una posición
metafórica que la une, mediante la navegación, a la idea de “cartografía”. Podríamos decir que hay una continuidad con la historia de los
mapas y sus usos. Por tanto, la red plantea una extensión continua de
sus dominios, una colonización de los espacios de la vida. Lo comprobamos en los espacios personales y de trabajo: mail, redes sociales, escritorio en la nube, pornografía, dating sites, mapas, servidores de vídeo y un
largo etcétera que amplifican los espacios de comunicación, emoción y
acción. Este proyecto plantea un análisis sobre cómo estas tecnologías se
introducen en la vida cotidiana, cambian la configuración de las relaciones y codifican nuestra percepción del mundo.
Santiago Fernández Mosteyrín (Madrid, 1982) es artista y licenciado en
Biología por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha realizado estudios
en la Universitat de Barcelona, la Freie Universität de Berlín y la Cooper
Union School of Art de Nueva York. Ha expuesto proyectos en el CC
Montehermoso (Vitoria-Gasteiz), el Espacio Abisal (Bilbao) y la Fundació
Pilar i Joan Miró en Mallorca. Damn Your Eyes es el proyecto creado para
la primera exposición del artista madrileño en La Fresh Gallery, y en él
trata la visión como una relación física con la imagen, como contacto
íntimo que afecta al espectador. Los dibujos de Fernández Mosteyrín,
meticulosamente construidos, se ofrecen como una totalidad que debe
ser desentrañada en un proceso en el que los colores, los planos e incluso el sentido se ponen en duda. Las imágenes cambian o se escabullen
y piden un espectador activo y móvil para dar cuenta de esa unión que
la imagen (más que el que la mira) forma con el ojo. La exposición manipula de este modo el proceso de percepción, alargándolo y dificultándolo a fin de manifestar cómo se realiza la acción de mirar e interpretar, qué
factores físicos y culturales intervienen; y, sobre todo, qué tipo de relación se establece con el objeto observado, qué deseo o repulsión nos
atrapa y penetra nuestro cuerpo a través de la retina.
Valle Ortí, Valencia - Hasta el 19 de enero del 2013
La Fresh Gallery, Madrid - Hasta el 4 de enero del 2013
www.valleorti.com
www.lafreshgallery.com
Oci 56
MALEONN DESDE SHANGHÁI
Maleonn
ÚLTIMS ANYS
Yosigo
El Instituto Confucio de la Universitat de València presenta la muestra
Maleonn desde Shanghái del artista chino Maleonn (Shanghái, 1972).
Considerado uno de los fotógrafos más destacados de la escena artística de la ciudad china, ha ganado una especie de culto por sus fotografías con escenas de fábula. Maleonn investiga sobre los nexos entre la
cultura occidental y la oriental mediante la influencia del teatro, la literatura, el cine, el arte y el paisaje pictórico europeo, así como sus influencias en el arte contemporáneo chino. Mediante un imaginario y una iconografía próximos al público en general, con claras influencias de Dalí,
Tarkovsky o Angelopoulos, Maleonn se presenta como un diseñador de
teatro escénico, un poeta visual. La exposición, compuesta por las series
White on White y Maleonn’s photo studio, muestra imágenes en blanco
y negro presentadas de forma aséptica, y analiza la historia de la cultura
china por medio de objetos y fotografías antiguas. Por otro lado, en ella
se desarrollan decorados en color creados con objetos, actores y una
extraña mezcla de tonos, imágenes y escenografías teatrales evocadoras
del barroquismo occidental y de los antiguos estudios de fotografía desvanecidos por el avance tecnológico. La obra de Maleonn está claramente inspirada en obras de teatro chino y en la ópera de Pekín.
La capacidad de algunos fotógrafos para conseguir que todo lo que nos
rodea parezca especial es admirable. Poseen una mirada diferente, ven
las posibilidades que tienen las cosas de ser bellas e interesantes.
Miramos lo mismo, pero ellos lo perciben de un modo especial; se fijan
en la composición y admiran la capacidad de los objetos de contar historias. Yosigo (Donostia, 1981) es, sin ninguna duda, uno de esos fotógrafos. Este joven artista donostiarra ha conseguido una nueva forma de
mirar y de afrontar paisajes y lugares que habitamos pero de los que
muchas veces somos incapaces de sustraer valor y fortaleza estética.
Yosigo logra con sus fotografías dar un giro a lo que normalmente
vemos para llevarnos a su inconfundible terreno y a la particular visión
de su entorno. Su trabajo es profundo, documental y narrativo. La perfección visual, herencia de sus estudios de diseño, ha dado paso a una
belleza más cruda, más sencilla, sin artificios. Experimentando con la técnica e incorporando el formato analógico, el preciosismo deja paso a una
mirada más realista, más intuitiva, más honesta. Esta muestra cronológica sobre su trabajo es un plácido recorrido visual por nuestro entorno,
un vistazo a lo que nos rodea, un documento personal de lo cotidiano a
través de la mirada de un fotógrafo que tiene mucho que contar.
Mister Pink, Valencia - Hasta el 4 de enero del 2013
Miscelanea, Barcelona - Del 9 al 27 de enero del 2013
www.misterpink.net
www.miscelanea.info
Oci 57
Fotografía: Gustavo López Mañas - www.glm-studio.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Peluquería: Jesús Martos para Alterna - www.jesusmartos.com
Maquillaje: Lola Martínez para Sensilis - www.cargocollective.com/lolamartinezmakeup
Modelo: Natalja Neumeister - Elite Model Management
Oci 58
camisa JUSTICIA RUANO / pantalón GUESS / chaqueta PABLO ERROZ / collar THOMAS SABO / brazalete MANUEL ALBARRÁN / zapatos CATARINA MARTINS
chaqueta JUSTICIA RUANO / cuello y short ZAZO&BRULL / collar SU / zapatos PABLO ERROZ
vestido ZAZO&BRULL / chaqueta GUESS / pendientes SU / charms THOMAS SABO
vestido ANTIK BATIK / chaqueta AGGBARTI / pantalón GORI DE PALMA / collares THOMAS SABO / gargantilla MANUEL ALBARRÁN / pendiente SU / cartera PABLO ERROZ
body ZAZO&BRULL / chaqueta GORI DE PALMA / anillos SU
Fotografía: Laura de Benito - www.lauradebenito.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Hair & MUA: Vanessa Payán - www.vanessapayan.com
Asistente de estilismo: Joss Jaycoff
Modelo: Carlos Sadness - Agradecimiento especial al cantante Carlos Sadness
Oci 64
chaqueta LEE / pantalón LEE / zapatos VANS
gorro CARLOS SADNESS / chaqueta TOPSHOP / camiseta G-STAR / pantalón LEE / zapatos CAT
chaqueta VOLCOM / pantalón G-STAR / cinturón NUDIE JEANS / zapatos CAT
camisa LEE / camiseta G-STAR / pantalón DIESEL / gafas RAY-BAN
camiseta AMERICAN APPAREL / camisa PROTEST / pantalón NUDIE JEANS / zapatos VANS
local-in
TRENDY ROOM
Viva la edición limitada
Texto: Rosario Muñoz / Fotos: Chus Moreno
Situada en el barrio de Ruzafa, una de las zonas más activas en ocio, cultura y moda de la ciudad de Valencia, Trendy Room no es solo una tienda de
sneakers y complementos, sino también un espacio sorprendente donde la
frescura de la decoración y la exquisita selección de los productos lo convierten en el rincón perfecto para perderse durante un rato largo. Hay dos cosas
que los consumidores agradecemos cuando entramos en una tienda: que
tengan un material increíble al alcance de nuestras manos y que el trato de
la persona que nos atienda sea personalizado, pero sin sentirnos presionados. Bien, Trendy Room reúne estas dos cualidades. Los propietarios son
atentos y conocen a la perfección cada uno de los productos con los que
trabajan, es más, son sus mayores fans; por eso da gusto entrar e ir de un
lado a otro de la tienda, alucinando con el más mínimo detalle mientras te
cuentan la historia que hay detrás de cada zapa, toy, reloj o bolso: diseño,
Calle Doctor Sumsi, 4, bajo - Valencia - Tel. 625 234 594
Oci 70
producción, tendencia... Marcas como New Balance, Puma, Adidas,
Converse, Eastpak, Diesel, Sperry, Le Coq Sportif, Alive, Emporio Armani y
Vestal encuentran en Trendy Room el mejor escaparate para llegar a un
público que busca calidad y diseño también en accesorios como cinturones,
relojes, gafas de sol, bolsos, mochilas o bisutería. Objetos muy personales
que, sin duda, hoy en día marcan la diferencia a la hora de poner el toque
original a un look. En un ambiente vanguardista, aderezado con una buena
selección musical, Trendy Room es el lugar idóneo para descubrir las últimas
novedades en sneakers y los diseños más innovadores en accesorios y gadgets, así como para dejarse llevar por esa curiosidad infantil que, sin duda,
será recompensada por una amplia sonrisa de fascinación. Entrar, descubrir,
sonreír. P. D.: un capricho recomendable made in Trendy Room: las pajaritas
de fabricación artesanal confeccionadas con telas de los años 60 y 70.
LIBRERÍA DADÁ
STRAP
Dadá está ubicada dentro del Museo Valenciano de la Ilustración y la
Modernidad. Sus estanterías están repletas de joyas editoriales que
convierten este espacio en un centro imprescindible para los amantes de
las últimas tendencias en cualquier disciplina: arte, arquitectura, diseño,
publicidad, moda, interiorismo… También encontraremos artículos de
regalo y camisetas de firmas como Das Büffet. www.libreriadada.com
Si presumes de conocer lo último en streetwear, memoriza el nombre de
esta tienda. La mejor oferta de ropa street y zapas del momento en dos
puntos con personalidad propia, en los que encontrarás marcas como
Stüssy, Crooks & Castles, New Era, Nike, Adidas Originals, Fred Perry, Le
Coq Sportif, Vans o Lacoste Live, entre otras. www.strapnews.com
Muvim - Guillem de Castro, 8 - Valencia - Tel. 963 515 138
STRAP #6. Calle Gascó Oliag, 6, bajo - Valencia - Tel. 963 694 963
STRAP #21. Calle Ramon Llull, 21 - Valencia - Tel. 961 144 164
VANS SHOP MADRID
STUDIOSTORE
Flagship store de la marca californiana en la capital. Situada en pleno
centro, la tienda ofrece las últimas propuestas en zapas tanto en líneas
clásicas de skate como en líneas de streetwear, además de las últimas
novedades en ropa y complementos. Encontrarás accesorios para tablas
de skate, cascos Protec y tablas Santa Cruz de skate y longboard, así
como bicis fixed Create. www.facebook.com/Vans.Shop.Madrid
Studiostore es un espacio del Born barcelonés que promueve el diseño y
la creatividad. Desarrolla proyectos arquitectónicos y productos
exclusivos. Sus instalaciones posibilitan la celebración de eventos o
acciones. El cuidado por el diseño y la calidad de sus producciones lo
convierten un una referencia para los amantes del diseño. Podrás
encontrar marcas como Sheriff&Cherry o Woouf. www.studiostore.es
Calle de la Montera, 47 - Madrid - Tel. 915 227 922
Calle Comerç, 17 - Barcelona - Tel. 932 22 50 75
Oci 71
EL BIGOTE DEL SEÑOR SMITH
MANCHESTER BAR
Cultura, arte, innovación, creación y diversidad son los pilares sobre los
que se sustenta El Bigote del Señor Smith, un espacio de creación y de
interacción entre personas que quieran aprender y nutrirse de diferentes
disciplinas. Un hogar para gente con inquietudes vinculadas al arte, al
cine o a las nuevas tecnologías, y con ganas de absorber conocimientos
creativos. Gallery, workshops, shop & break. www.bigotesmith.com
Dos bares de igual nombre y de similar espíritu: los Manchester's.
Destacan por su ambiente intenso y en ellos econtrarás gente con ganas
de pasárselo bien, música con personalidad, ambiente oscuro, cócteles y
cervezas a un euro con palomitas (antes de las 22 h). Dos locales de
referencia en la noche barcelonesa. www.manchesterbar.com
Calle Joaquín Costa, 38 - Barcelona - Tel. 934 120 950
MANCHESTER GÓTICO. Calle Milans, 5 - Barcelona
MANCHESTER RAVAL. Calle Valdonzella, 40 - Barcelona
VICTIMS
BAR MANOLO
En el barrio de Ruzafa de Valencia, y fuera de los circuitos habituales de
las tiendas de moda, nos encontramos con este particular y especial
espacio. Una decoración moderna y ecléctica enfocada al hombre
moderno que busca por encima de todo la diferenciación y la exquisitez.
Tendencias de vanguardia para hombres procedentes de ciudades como
Londres, Nueva York, Berlín o Tokio. www.victimsstore.com
Bar Manolo era el clásico bar de barrio con copitas de brandi y anís,
cabeza de toro en la pared y fútbol. Hoy es conocido en Barcelona por
ser el primer bar afterskate de aquellos que patinan en lugares como la
plaza del MACBA. Su historia sigue escribiéndose día a día, al ritmo de
una nueva cultura, en la que los DJ y las proyecciones marcan la pauta.
www.restaurantes-bares-barcelona.com
Calle Cádiz, 37, bajo - Valencia - Tel. 600 976 465
Calle Lancaster, 3 - Barcelona
Oci 72
ZOMBIE BAR
WRANGLER
Zombie Bar supone un cambio en la concepción de lo que entendemos
por dinner. Este local de Malasaña se concibe no solo como un espacio
único donde el paladar juzga y valora la exquisitez de sus platos, sino
también como un lugar de encuentro de músicos, diseñadores, DJ,
fotógrafos, modelos y artistas. Una amplia variedad de opciones en una
atmósfera tan acogedora como atípica. www.zombiestudio.es
Hablar de Wrangler es darse uno de los paseos históricos más atrayentes
en el mundo tejano. Wrangler, en su constante línea de crecimiento, ha
abierto un nuevo córner en El Corte Inglés de la calle Colón, en pleno
centro valenciano. Descubre el estilo grunge que marcó toda una
generación al llamarla X. www.wrangler-europe.com
Calle Pez, 7 - Madrid - Tel. 910 111 952
El Corte Inglés (tercera planta)
Calle Colón, 1 - Valencia
KAUF VINTAGE
33/45 BAR & GALLERY
Kauf Vintage es un espacio donde encontrar ropa, café y arte; un lugar
dinámico del barrio de Ruzafa, en Valencia, donde puedes no solo
comprar tesoros vintage, sino también vivir una pequeña experiencia:
adquirir una prenda única, disfrutar de un café sostenible o apreciar
exposiciones, coloquios e inspiración. Una muy buena selección de piezas
vintage escogidas una a una y cuidadas al detalle. www.kaufvintage.com
Multiespacio donde se puede desayunar, comer, cenar, tomar café o
copas a cualquier hora del día. Dos espacios, y diferentes ambientes
decorados entre lo industrial, el diseño actual y la moda vintage. Sin
duda alguna, el local de moda en la Ciudad Condal y también de los
más concurridos. Recomendamos sus crepes, sus gintónics de sabores y
su carta de cócteles con tequila. De visita obligada. 3345.struments.com
Calle Cádiz, 38 - Valencia - Tel: 963 817 901
Calle Joaquín Costa, 4 - Barcelona - Tel. 931 874 138
Oci 73
SUSCRIPTION TO GET THERE
Protest afronta la próxima temporada invernal con una colección street que supera todas
las expectativas. La nueva propuesta de la firma, de materiales active aplicados a prendas
de estilo casual, presenta un enfoque hacia un estilo más informal sin comprometer la
funcionalidad, los tejidos técnicos ni los nuevos diseños. Ya estamos en invierno y con él
descubrimos la colección más extensa y revolucionaria que Protest ha presentado.
WWW.PROTEST.EU
Desde OCIMAG os servimos en bandeja lo nuevo de Protest: regalamos una sudadera de
la nueva colección a los primeros en suscribirse a nuestro magazine en esta edición #55.
Consulta condiciones y suscríbete online: www.ocimag.com
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