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STAFF 61
Dirección: Rubén Vidal. Redacción: Rosario Muñoz. Diseño gráfico y dirección de arte: Grafikproject.
Publicidad y márketing: Javier Morán: [email protected], Sandra Montosa: [email protected]
Moda: Anna Arroyo, Agustín Velasco. Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis, Sara Morales. Boardriders: Xabi Pintor, Marta Corbí, Chio Ruiz.
Contenidos diseño y arte: Tactelgraphics. Arquitectura: Carlos Salazar, Ester Giménez. Producción de vídeos: Moveo Films.
Street y eventos: Fátima Sancho, Antonio Orlandi, Nerea Coll. Edición: José Miguel Torrente. Web: Erika Gallo. Distribución: Walk & Paste.
Colaboradores: Jacobo Sánchez, Rafaella Gneco, Marta Solsona, Jordi Iranzo, Marisol Salanova, Alex Doucet, Tamara Arranz, Natalia López, Cynthia de León.
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008 - OCIMAG #61 / edición bimestral de septiembre y octubre de 2014.
OCIMAG no se hace responsable de las opiniones o comentarios de nuestros colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o
parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director.
Publicidad: [email protected] Información: [email protected] Tel.: 962 971 002
Foto staff: fotografía, Alex Doucet; estilismo, Natalia López; modelo, Asier Goñi - Uno Models.
Capa Amaya Arzuaga, sudadera Nike, vestido Carlos Diez, casco Assaad Awad.
www.ocimag.com
#61
Fotografía: Alex Doucet
Estilismo: Natalia López
Hair & Make Up: Cynthia de León
Modelo: Asier Goñi - Uno Models
Capa Amaya Arzuaga, sudadera Nike,
vestido Carlos Diez, casco Assaad Awad
BÁSICS 4. Cajón desastre. MODA 6. Diesel Neo-Neoclassic FW14. 8. Myblüchers. 10. News moda. 12. Jon Mikeo / entrevista. 58. Meet
BOARDRIDERS 14. News Boardriders. 16. Bowl
a rama Getxo. 18. Danny León / entrevista. MÚSICA 20. News música. 22. Rebolledo. 24. Dime lo que compras y de diré qué debes
producir. 26. Caribou / entrevista. 28. Holy Fuck / entrevista. 30. Los Planetas / entrevista. 32. De analógico a digital. DISEÑO 34. News
Me in a House of Love, editorial por Alex Doucet. 66. Kiss and Not Tell, por Alex Doucet.
diseño y proyectos. 36. Agujero Negro. 38. London Design Festival 2014. 40. Jules Julien / entrevista. 42. The Jockey Club Innovation
Tower / arquitectura. 44. Mondo Nature.
ARTE 50. Las cartas de agradecimiento de Chiharu Shiota. 52. Arte y expos.
cajón desastre - por Rosario Muñoz
NO SOY IMBÉCIL
ROSARIO MUÑOZ ES PUBLICISTA, ESPECIALISTA EN MK DE CONTENIDOS Y
COMUNICACIÓN DE MODA, COLABORADORA HABITUAL EN REVISTAS DE
TENDENCIAS Y UNA DE LAS PRINCIPALES REDACTORAS DE OCIMAG. CAT
LOVER CONFESA, ES UNA APASIONADA DE LA CULTURA STREET Y EL
MUNDO SNEAKER, Y LE GUSTA DISFRUTAR DE LOS PEQUEÑOS PLACERES
DE LA VIDA: UN POCO DE ALGODÓN DE AZÚCAR, GELATINA DE FRESA Y
AMOR TODOS LOS DÍAS DEL AÑO. COMENZÓ COMO ESPECIALISTA EN
MODA Y CULTURA URBANA EN LA VALENCIANA ‘A LITTLE BEAT’, Y HASTA EL
DÍA DE HOY. DESPUÉS DE RESIDIR EN NUEVA YORK, TRABAJAR JUNTO A
GRANDES DISEÑADORES Y ORGANIZAR EVENTOS DE MODA, SIGUE
EXPRESANDO SU VISIÓN DEL MUNDO DE LAS TENDENCIAS MÁS ACTUALES
CON UNA PERSPECTIVA CORROSIVA, IRREVERENTE, NO EXENTA DE
SENTIDO DEL HUMOR, SIN SERVILISMOS Y CON MUCHA, MUCHA CLASE.
Este verano me ocurrió algo mientras pasaba unos días de vacaciones.
Terminé antes de lo previsto el libro que estaba leyendo y me quedé sin lectura para desconectar totalmente, así que entré en pánico. Allí donde estaba no había ni un folleto que llevarme a los ojos, hasta que me hice con una
‘revista de estilo’, lo que terminó por agravar mi problema de pánico.
Dedicándome al sector, me pareció apropiado echarle una ojeada sin más.
No se trataba de la biblia de la moda ni similares, que son un buen documento visual para estar al día de la industria y su lenguaje: diseño, tendencias, imagen, campañas... Era más bien un manual de cómo vestir para ser
exactamente igual al resto, además de fomentar las malas prácticas empresariales de gigantes que fusilan y se apropian del trabajo creativo de los que
se lo curran mucho para dar forma a una idea y convertirla en un producto.
Para empezar, la directora, vestida de marca sobre unos stilettos de vértigo
que no parecían para nada de plástico, me animaba a buscar entre las páginas de su revista los mejores clones para ir a la moda esta temporada. Así,
predicando con el ejemplo, en plan “tú, muerta de hambre, puedes escoger
entre la mierda low cost que te enseñamos, la que está descentralizando la
producción local para llevarla a países donde la mano de obra vale menos
que un Palote de fresa, mientras yo me lleno los bolsillos de billetes para
gastar en la milla de oro madrileña”. Mis sensores saltaban a un código
naranja subidito de tono. Me aventuré a continuar: necesitaba ver qué tipo
de consejos low cost vendían para tener una visión más amplia de la porquería autocrática disfrazada de tendencias que me querían colar. Lo
siguiente que leí activó mi código rojo. No se limitaban a darme consejos y
opciones, que es lo que esperaba. No. Me decían exactamente qué comprarme, cómo combinarlo y cuándo ponérmelo. Esta gente debe de pensar
que soy imbécil. Ahora resulta, pobre de mí, que carezco de criterio para
abrir el armario y poder decir "hoy voy a ponerme esto" porque me gusta,
me sienta bien, voy cómoda, me veo mona, o lo que quiera o necesite transmitir. Me da igual, lo que sea que elija va a ser perfecto, porque representa
lo que soy y cuál es mi estado de ánimo ese día en concreto. Que una revista me informe de novedades, marcas, diseñadores y tendencias de temporada me parece bien, y lo necesito, pero que me digan lo que debo llevar es
como decirme lo que debo pensar, y eso es intolerable. La industria de la
moda tiene luces y sombras de las que hablar durante horas, pero yo hoy
quiero exponer cuatro puntos para la reflexión: 1. Están maleducando a la
sociedad, alimentando un modelo de negocio basado en el consumo voraz
de productos de baja calidad fabricados para durar tres días. 2. Distorsionan
nuestra escala de valores convirtiendo el esfuerzo de los creativos y la producción local en producto de lujo mal entendido, haciéndonos creer que es
mejor tener mil prendas de mierda, obsoletas en dos semanas, a tener tres
bien diseñadas y confeccionadas que durarán décadas (doy fe). 3. Quieren
convertirnos en un ejército de ovejas clonadas sin criterio, creando necesidades estilísticas ficticias y borrando cualquier ápice de personalidad y carácter que refuerce nuestra identidad como personas únicas e irrepetibles. 4.
Fomentan el concepto arcaico y discriminatorio de las clases sociales (otro
tema del que poder hablar sin parar). A diario nos encontramos con barreras infranqueables, pero la moda debería ser una de esas herramientas con
las que poder expresarnos y sentirnos libres, y esa clase de formatos mutila
nuestra creatividad personal y pone límites a nuestra individualidad: si no
haces lo que dictan, eres diferente, y ser diferente no está bien visto. Es solo
mi punto de vista, por otra parte plagado de matices, y me encantaría profundizar más y escuchar vuestra opinión. Porque de eso se trata, de enriquecer nuestro lenguaje-moda explorando a través de la personalidad de los
que nos rodean y sus formas de utilizarlo.
DIESEL NEO-NEOCLASSIC FW14
La revolución global del yo
Texto: Rosario Muñoz
La nueva colección de Diesel para esta temporada, llamada Neo-Neoclassic,
es todo lo que Diesel representa y más. Bebiendo del elixir eterno de los iconos de la marca, el cuero rock 'n' roll, el denim y el rollo militar, el director
creativo de la firma italiana, Nicola Formichetti, nos seduce con una mezcla
pop de su visión del neoclasicismo y el espíritu atrevido y canallesco-chic de
Diesel. La campaña refleja la comunidad global de la marca, una mezcla
democráticamente imperfecta de individuos anónimos fichados a través de
un casting online: modelos, actores y músicos que se agrupan en el centro
de la imagen, como en los cuadros neoclásicos, donde el protagonismo se
centra en cada uno de los personajes que forman el todo. Nicola
Formichetti describe la campaña Neo-Neoclassic como la esencia de lo que
hacen en Diesel: la formación de un nuevo tipo de tribu en la que todo tipo
de personas tengan cabida, mientras sean siempre fieles a sí mismas. Y es
entonces cuando nos paramos a ver la colección –no solo de imágenes y
campañas creativas vivimos los corrompidos por la moda– y nos damos
cuenta de que en efecto se trata de una amalgama de prendas y siluetas de
varios estilos impregnadas con la filosofía de Diesel. Vemos el street wear
genuino de la marca de Renzo Rosso, entre macarra y elegante, con sus
materiales fetiche, el cuero y el denim, y ese rollito marcial que marca contornos estrictos y muy atractivos. Hagamos recuento: jeans en todos los fits,
pantalones de cuero, de pinzas e incluso los palazzo; americanas de dos y
cuatro botones, las ajustadas y combinadas en piel y las holgadas de raya
diplomática; chaquetas vaqueras, que deberían ser un básico de armario,
camisas en variedad de tejidos, chalecos, gabardinas, cárdigan y jerséis de
punto, chupas de cuero, anoraks, tachuelas, pelo, cuadros, tie dye, rotos y
descosidos... La colección FW14 Neo-Neoclassic es una revisión de la herencia Diesel y una llamada a la globalización a través del “sé tú mismo”. Basta
de etiquetas: llega la revolución del neo-neoclasicismo. www.diesel.com
MYBLÜCHERS
Un ‘must have’ más allá de la tendencias
Texto: Rosario Muñoz / Foto: Sergio Andrés para Myblüchers
La mayoría de los proyectos se inician movidos por la ilusión de quien los
emprende, pero pocos son los que consiguen reflejar esa pasión personal y
convertirla en la nuestra. Es el caso de Myblüchers, un proyecto que nace
de la predilección de Victoria por calzar el blücher, el clásico y elegante
zapato de costura inglesa que hemos visto renacer como tendencia varias
temporadas. La diferencia de Myblüchers con el tirón comercial de un clásico es la concepción de este modelo como un básico must have para cada
temporada gracias a la filosofía colaborativa de la marca con distintas firmas, que convierte el tradicional diseño inglés en un modelo innovador y
diferente en cada colección. Son buenísimas e imperecederas noticias para
los apasionados del blücher y para los que no terminaban de dejarse conquistar por este zapato masculino que no entiende de géneros. El equipo
Myblüchers, formado por Victoria, la parte creativa, Sergio, la parte técnica,
y Ángel, en la parte moda de la marca, tiene un compromiso firme con la
calidad y el sello Made in Spain con el que reivindica los orígenes de la tradición del trabajo manual y artesano, del calzado en Elche, lo que convierte cada Myblücher en una pieza única trabajada al detalle con esmero.
Ahora podemos calzar el clásico blücher con el valor añadido de la diferenciación de diseños gracias a la visión única de cada una de las firmas y diseñadores que colaboran con Myblüchers creando colecciones exclusivas no
reeditables. El número 13, fetiche de la marca, es el número limitado de unidades que hacen para cada modelo y colección, y una vez agotado se reinicia el proceso creativo y se modifica su diseño, lo que lo convierte en otra
pieza de calzado única e irrepetible. Y Trece es también el nombre del showroom de Myblüchers, un espacio conceptual creado para acercar la marca
al público de una forma personal en un entorno de ocio, moda y gastronomía. Myblüchers basa su filosofía en la recuperación de un modelo tradicional de calzado convertido en icono de estilo, y en la creación de un producto exclusivo y limitado reinventado cada temporada por la visión única de
las marcas y diseñadores colaboradores, como Minerva Portillo, Francisco
Segarra, Beatriz Peñalver, Alberto Jiménez (Miss Caffeina), Totpoc, Sandra
Freckled, Uke, Eve Angel, Dragomir Krasimirov y Enum, más todos los que
quedan por llegar, que rediseñarán un nuevo Myblüchers capaz de convertir la rutina del caminar en puro placer estético. www.mybluchers.com
news moda
CAMPERLAB
ONLY & SONS
Romain Kremer es el nuevo responsable de la dirección creativa de
Camper. Su primer cambio ha sido la conversión de algunas de las
tiendas Camper en plataformas experimentales en la que se presentarán nuevas propuestas. Un concepto llamado CamperLab que se
instaura en algunas de las tiendas emblemáticas de ciudades como
Madrid, Barcelona, Londres, París, Nueva York, Berlín y Tokio, y que
determinarán el estilo vigente de las tiendas Camper de todo el
mundo, orientado a una imagen más joven y actual. Las propuestas
escogidas para presentar en las CamperLab serán una selección especial de novedades del propio Kremer y nuevas versiones de los iconos
de la marca. Camper empieza una nueva era de comunicación y una
identidad recién estrenada. camper.com/lab
Troels, Emil, Morten, Oliver y Thomas son cinco tipos anónimos que
han sido escogidos por su personalidad y actitud, todas ellas bien
diferentes, para defender la primera colección de la marca dirigida al
público masculino, Only & Sons. Influenciada por la realidad urbana
de las metrópolis actuales, Only & Sons reivindica la individualidad
frente al uniformismo mediocre que se extiende entre las marcas de
street wear. Una excepción madura con propuestas simples pero con
mucho estilo, que adapta el diseño y la calidad a las necesidades del
habitante de la urbe y reinterpreta esos clásicos que nos gustan tanto:
jeans, chinos, camisas de franela, suéters, cárdigan, americanas,
chaquetas acolchadas, de cuero, bómber y parkas. Un buen catálogo
con el que configurar un look acorde a cada personalidad. Only &
Sons ha llegado, y le damos la bienvenida. onlyandsons.com
REEBOK CLASSIC X KEITH HARING
Este año es el 25º aniversario de las Reebok Pump, y la marca quiere celebrarlo lanzando su cuarta colaboración con la Fundación Keith Haring con las clásicas siluetas Pump
rediseñadas: Instapump Fury, Pump Omni Lite, Pump Court Victory, Pump Running Dual
y Pump Aerobic Lite. Una gran noticia para muchos puretas que rememoran la aparición
de las Pump con añoranza y reminiscencias de inocencia preadolescente. La colección
para este otoño 2014 recoge detalles y referencias al mural que Keith Haring pintó inspirándose en la epidemia del crack y sus devastadores efectos en la ciudad de Nueva York
en los años ochenta. La idiosincrasia de Keith Haring, colores fuertes y llamativos, contornos en líneas negras y dibujos caricaturescos, reviste la estética modernizada de las
nuevas Reebok Pump para esta temporada. Así es, amigos, Reebok Pump x Keith Haring,
dos iconos para emocionarse, juntos y revueltos. www.reebok.es
OBEY FW 2014
Obey lanza su nueva colección otoño-invierno 2014 con los elementos
característicos de la marca y añadiendo una especial atención a la calidad de las prendas y el concepto premium. Desde que Shepard Fairey
adaptara la iconografía de los códigos de la propaganda a la actualidad
a través del street art, el ADN de Obey se plasma también en un estilo
de ropa street con un lenguaje muy concreto: siluetas militares, diseños
básicos y gráficos contundentes. La diferencia de esta nueva colección
es que las propuestas se acercan a una dimensión más madura para
seguir difundiendo la filosofía del artista. Prendas que reflejan el posicionamiento premium de la marca y toda clase de accesorios con los
prints ya inconfundibles made in Obey. www.obeyclothing.com
CARHARTT WIP F/W 2014
Carhartt WIP continua con la recuperación de piezas originales del
workwear adaptadas a los tiempos actuales. La marca da cada
temporada un paso más dotando a las colecciones de nuevas construcciones y combinaciones que la hacen cada vez más atractiva,
no solo por la calidad de sus tejidos, hecho de referencia que la
posiciona como una de las grandes, sino por la creciente inventiva
de sus propuestas. Un nuevo rango de colores vibrantes para invierno, prints leopardo en código camo, algo serio, nada de tonterias
leopardas, hojas, cachemir, patos, cactus y patrones geométricos,
entre otros aciertos refrescantes, convierten de nuevo a la firma en
un referente contemporáneo que conserva por igual el espíritu clásico y el de la calle. www.carhartt-wip.com
LEE 125 ANNIVERSARY
Cumplir años es siempre motivo de celebración, sobre todo cuando se trata de una cifra
centenaria, como los 125 años de Lee. La marca americana ha confeccionado una brillante lista de invitados colaboradores para lanzar una colección muy especial. La lista de
invitados a esta celebración de la tradición del denim está formada por cuatro de las marcas favoritas de Lee por trabajar con pasión bajo las mismas premisas de artesanía y calidad. Cuatro cápsulas en las que cada una de las marcas colaboradoras ha reimaginado
los iconos de Lee aportando su propio estilo: Donwan Harrel, creativo de la lujosa Prps;
Emma François, de la marca femenina Sessún; Örjan Andersson, el rey del denim sueco;
y el trío de diseñadores belgas de Filles à Papa, las hermanas Sarah y Carol Piron y
Gragory Derkenne. Atentos a esta exquisita colección. eu.lee.com
JON MIKEO
Un talento de vértigo
DE NUEVO UN PELLIZCO EN EL ESTÓMAGO. DESCUBRIR UNA COLECCIÓN DEBUT COMO LA DEL JOVEN PAMPLONÉS
JON MIKEO ES TODO UN LUJO PARA LOS SENTIDOS. MEJOR DISEÑADOR NOVEL EN LA ÚLTIMA EDICIÓN DE LOS
PREMIOS HEMPEL ORGANIZADA POR LA CHINA FASHION ASSOCIATION Y EL GRUPO HEMPEL. MEJOR TALENTO DE
MODA FAD 2014, CELEBRADA DENTRO DE 080 BARCELONA FASHION. DIECINUEVE SEGUNDOS ES SU COLECCIÓN DE
GRADUACIÓN, QUE LO HA ENCUMBRADO COMO UNO DE LOS TALENTOS EMERGENTES DE MÁS PROYECCIÓN.
Entrevista: Agustín Velasco / Foto: Javier Ávila; Modelo: Tania Fer; Make up: Sandra Morte
¿De dónde viene Jon Mikeo? Soy un chico de veintidós años que a la edad
de dieciocho dejó Pamplona para mudarse a Barcelona y estudiar moda.
Siempre sentí mucha inquietud por el mundo del diseño. La aguja siempre
estuvo en las manos de mi madre durante mi infancia, y creo que ello fue
indirectamente lo que me encaminó. Algo bueno están haciendo las escuelas de moda en España cuando los periodistas podemos hablar de trabajos
como el tuyo. Tú has estudiado en España y también has salido fuera, ¿qué
aportan las escuelas internacionales como el London College of Fashion?
Por propia experiencia creo que salimos bien formados, pero es cierto que
la tendencia, por lo general, en España es la de crear prendas totalmente
funcionales. Supongo que tampoco estamos en un entorno tan experimental como pueden ser Londres o Tokio, ciudades donde se busca una experimentación de materiales, sensaciones o volúmenes. ¿En qué momento
tomaste conciencia de que la colección era un éxito y que te iba a dar muy
gratos momentos? Aunque uno sepa si el trabajo está bien hecho o no,
supongo que la primera toma de contacto con el público es la más importante. En mi caso, cuando gané el concurso más importante de jóvenes diseñadores en la China Fashion Week supe que iba por buen camino. Es arriesgado plantear colecciones conceptuales que se salen de la camisa y el pantalón, porque partes sabiendo que habrá gente que no lo acabará de entender, y son los entendidos en moda los que te van a dar una valoración que
en mi opinión te hace o te deshace. Tu interés en la sastrería es quizás un
valor absoluto en tu currículo. ¿Cómo fue tu experiencia en Santa Eulalia y
qué has aprendido de la sastrería? Pese a que no sea a día de hoy a lo que
quiera dedicarme, el traje clásico es uno de los pilares de la moda. Quise
aprender de ello. Aunque la sastrería clásica no se mueva por las tendencias,
hay una infinidad de cosas que aprender y que se pueden aplicar de diversas formas. En su día, Alexander Lee McQueen, que era uno de mis diseñadores favoritos, lo hizo y me pareció un buen patrón a seguir. ¿Qué hay conceptualmente detrás de esta estupenda colección? Quise mostrar mi versatilidad. Tenía ganas de alguna forma de llegar al público. Trabajé sobre ‘el
último abrazo’ y transmitir así la sensación de soledad, dolor o tradición
entre otros. ¿Qué ha sido lo más difícil de desarrollar? Lo cierto es que en
general fue muy laboriosa. Hay un fuerte trabajo de patronaje, corte, con-
fección y bordado. Lo más difícil fue decidir las prendas que haría, pues,
además de ser la primera colección, al tener tantas siluetas todo tenía que
casar. Lo más laborioso, el bordado. Después de una colección debut tan
magnífica, ¿cómo se afronta ‘el día después’? ¿Estás trabajando en la
siguiente colección o estás poniendo en orden todo lo que te ha ocurrido
con esta? Ahora, pretendo mover lo máximo posible la colección. Tras tanto
trabajo, creo que es una herramienta que he de utilizar para darme a conocer. A finales de octubre viajo como invitado a una exhibición de diseñadores que se realiza en la semana del diseño de Pekín. A finales de noviembre
acudiré a dos concursos. Y luego moveré la colección en diferentes editoriales. Además, hasta finales de año trabajaré en China para una colaboración
de la línea de alta gama ARRTCO para el verano que viene. Más allá, no sé
lo que vendrá... Percibo muchas referencias folclóricas, más allá de los evidentes palillos de los encajes de bolillos que usas en algún diseño. ¿Qué te
interesa más de esa fuente de inspiración que son las tradiciones y el folclore? Decidí utilizarlos porque son un elemento muy tradicional de donde
vengo. Utilizar el bolillo en vez del encaje lo hace conceptual, además de la
sonoridad que da en un desfile. Pensé que este combo es perfecto. ¿Forma
la música parte de tu proceso creativo? Soy una persona que busca muchas
referencias y la música no me puede faltar. Aunque me guste música muy
variada, cuando diseño siempre me apoyo en grupos como Angus & Julia
Stone, Vetusta Morla, Coco Rosie, The Irrepressibles o Russian Red. ¿Cuáles
son los mayores miedos a los que has tenido que hacer frente a la hora de
escoger este camino, el de la moda? La incertidumbre de saber si valía o no
era el mayor miedo. Pero ante las ganas de experimentar y de aprender que
tenía, no había miedos que venciesen. Da la impresión de que eres de los
que creen que el diseñador tiene que tener una formación completa: patronaje, sastrería, corte, confección, estilismo... ¿Es así? ¿Qué asignaturas tienes pendientes? Desde luego, creo que es imprescindible para este sector
tan exigente. Me gustaría trabajar para públicos muy diferentes y mostrar mi
versatilidad aun teniendo un estilo muy marcado. ¿A qué aspiras a corto y
medio plazo? Quisiera trabajar para diferentes casas de moda. No veo claro
montar una marca propia. Quiero experimentar, curtirme en muchas cosas
que desconozco. El día de mañana, si todo va bien, me plantearé lanzar algo.
news boardriders
AK-55 SKATEBOARDING
La asociación de skaters AK-55 de Asturias se han marcado en Playa
España de Villaviciosa, muy cerca de Gijón, un increíble bowl abierto
a todo el que quiera patinarlo por un precio más que razonable, con
el que se contribuye a su mantenimiento. El Bowl AK-55 es ingeniería pura, una maravilla outdoor de madera y estructura metálica,
conseguida a base de constancia y pasión. AK-55 nos ofrece una
experiencia skate completa: patinar esta maravilla de bowl en sesiones privadas, clases de skate personalizadas y skate camps, alojamiento y reportajes de foto y vídeo. Si además le das al surfing o
quieres aprender, este es tu sitio, ya que el Bowl AK-55 está situado
en uno de los puntos de encuentro de los surfistas de Gijón, y muy
cerca de otros muchos spots de calidad. Alain Goikoetxea, Manuel
Álvarez Rubio o Danny León ya han catado el Bowl AK-55, rápido y
de transiciones perfectas. Infórmate en su web y te guiarán para llegar al paraíso. (Foto: Yeray Menéndez) ak55skateboarding.com
HAPPY RIDING
El movimiento Happy Riding está formado por un grupo de personas
volcadas en la práctica del snowboard que reivindican una manera de
vivir basada en el respeto, la amistad y la diversión bajo el grito revolucionario ‘¡happy riding!’. Marcas como Gnu, Lib Tech, Capita, Neff,
Union o Roxy, entre otras, se han unido a Happy Riding para apoyarles en su objetivo de transmitir su pasión por la nieve y asesorar a la
gente a la hora de comprar material con un radio de acción marcado
entre España y Andorra. Ayudan a tiendas a elegir bien los productos
para el tipo de rider al que van dirigidos, y aconsejan a riders a través
de test de material en los que comparten conocimientos, experiencias
y muchas risas. Tienen test permanente en Baqueira, Xanadú (Madrid)
y Sierra Nevada, y en todos estos puntos fijos y en salidas especiales
durante la temporada por otras estaciones de toda España puedes
probar el material para saber qué se adapta mejor a tus necesidades.
¿Te apetece probar? ¡Happy Riding, amigos! www.happyriding.net
WAU
WAU se estrena en el mercado del street wear inspirado en la ciudad y en el estilo
de vida de la cultura urbana. Música, arte, diseño y deporte son los ejes principales de una colección mixta de sneakers, ropa y complementos. We Are United
(WAU) apuesta por la tendencia, pero sobre todo por la frescura, la funcionalidad
y la diversión para alejarse del mainstream y posicionarse como una de las marcas
de cabecera en la calle. Para eso han lanzado su primera colección con las piezas
indispensables para moverse sin problemas por la ciudad: camisas, sudaderas,
gorras, mochilas, bolsos y una línea bien completa de zapatillas donde elegir la
mejor opción según tu rollo y la caña que les vayas a dar. El mix de colores, texturas, materiales y prints responde a la perfección al combo diseño-calidad-precio
imprescindible para incluir una marca en la lista de favoritas. www.wawbrand.com
VOLCOM’S TRUE TO THIS SERIES
Desde su fundación en 1991, Volcom ha evolucionado al tiempo que las generaciones
que forman su público objetivo han transformado sus motivaciones. El espíritu de la
marca se basa en un sentimiento antisistema con un mensaje de autenticidad y pasión
por la superación y la creatividad. Ahora el mensaje sigue siendo el mismo, pero enfocado a una generación determinada a construir un futuro mejor. True To This es el eslogan que replantea ese mensaje unificador y global construido sobre la esencia de los
deportes de tabla y el estilo de vida que los rodea. La icónica piedra en forma de
rombo sigue intacta, al igual que ese espíritu de liberación cultivado a través de la propia expresión en los deportes, el arte, la música y el cine. La serie de videobranding,
que Volcom ha empezado a lanzar desde el pasado mes de agosto y hasta el próximo
diciembre de 2014, transmite la filosofía True To This y nos muestra la esencia de los
deportes de tabla y su poder de conexión con el planeta, con nuestro entorno y con
nosotros mismos. ¿Eres fiel a ti mismo? truetothis.volcom.com
OCIMAG LES 2ALPES ATTACK
Con la nueva temporada a la vuelta de la esquina, es el momento
perfecto para presentaros la segunda entrega de la serie Boardriders
de OCIMAG... ¡y que vayáis abriendo boca!. El vídeo recoge los
mejores momentos del increíble verano de un grupo de riders nacionales e internacionales ripando en el glaciar francés de Les Deux
Alpes. Elena, Lele y Andrea (de Italia), Ivika (de Estonia), Jacob
Roberts (de Inglaterra), Vadim (de Rusia), Yopis (de Andorra), Igor (de
la Vall de Boi), Loren, Icaro y Pepino (de Málaga), Moncho (de Sevilla),
Gore (de Bilbao), Mario (de Madrid), Ike (de Vitoria) y Aleix (de
Córdoba) le dieron duro al snowpark en sesiones cargadas de energía y aprovechadas al máximo, debido al tiempo limitado que el glaciar permite ripar. Energía y buenas planchadas captadas por el objetivo de Chío Ruiz. Cajones, saltos, wallride, tubos... 16 grandes riders
rulando por el park para darnos estos momentos de engorile y estos
trucazos que ahora os mostramos. Y recordad, ¡la serie OCIMAG
Boardriders no ha hecho más que empezar! youtube.com/ocimagtv
GLOBE
Globe, la marca australiana de ropa y equipamiento para deportes de
tabla, ha ido dando pasos firmes en su andadura comercial, primero
desde el material duro, y poco a poco enfocando sus miras hacia la
esfera moda de la cultura skate. Hoy en día sus colecciones son 100%
skate streetwear, y conservan el rollo casual y cómodo para poder
darle al patín, pero con patrones, cortes y estampados de estilo claramente orientados a la cultura de la imagen. Hoy en día se encuentran
inmersos en la vorágine del universo board: producción de material,
competiciones, eventos, vídeo y diseño, así que la exposición es total
y global, por lo que continúan dando a su público lo que se espera de
ellos, con un plus de moda diferente que los posiciona también en las
calles como referencia de moda estilo skate casual. www.globe.tv
VOLCOM BOWL-A-RAMA GETXO
Killing It at the Pool
Texto: Rosario Muñoz / Foto: Jelle Keppens
El pasado mes de septiembre de 2014 se celebró la primera edición europea del Volcom Bowl-A-Rama en el mítico skatepark La
Kantera, en la playa de Arrigunaga, en Getxo. Toda la comunidad
del skate mundial estuvo pendiente del evento, la única parada
europea de este campeonato, que reunió a los mejores pros mundiales para competir en tierras vascas. Después de ver los mejores
momentos de la competi es muy difícil ponerse a escribir, pero
empezaremos por anunciar a los tres ganadores, entre los que se
encuentra un gran representante nacional. El espectáculo que se
vio en La Kantera puso en el primer puesto al actual campeón del
mundo, el brasileño Pedro Barros, seguido del italiano Alessandro
Sorgente y en tercer lugar a nuestro gran talento, el madrileño
Danny León. El bowl ardía bajo el sol de Getxo y la energía bestial de los riders, encabezados por Txus Domínguez, Pedro Barros, Cory Juneau y los jóvenes Chris Russel,
Alex Sorgente, Felipe Foguinho, Danny León y Sky Liljeg, siguió quemando el pool sin
compasión. La acción del campeonato fluyó entre líneas rápidas, carvings, grinds, elegantes stalefishs, ollies, air nosebones, algún rocket air e increíbles 540s de los que cortan la respiración, mezclándose con las transiciones más maduras y experimentadas de
las leyendas Steve Alba y Pat Ngoho. La gente se engorilaba alrededor del pool y no
dejaba de jalear y aplaudir. Un festival salvaje de talento y energía contagiada que continuó con actividades gratuitas durante toda la semana: barbacoas, música, arte, concierto sorpresa y after party. Una semana épica llena de grandes momentos, emociones, diversión y mucho skateboarding, pero del bueno. Podéis ver fotos del evento, el
vídeo de la sesión y los mejores momentos del festival en www.volcom.com
Danny León
Corazón de león
DANNY ES UN CHAVAL DE 19 AÑOS SENCILLO Y DIVERTIDO QUE PATINA PARA DISFRUTAR Y PASARLO BIEN CON LOS
AMIGOS. UNA SANA PASIÓN QUE LE HA LLEVADO A CONVERTIRSE EN PRESENTE Y FUTURO DEL SKATE NACIONAL,
CON EL APOYO DE RED BULL, ELEMENT, ARNETTE, GLOBE Y G-SHOCK. DANNY HA VIVIDO DESDE SIEMPRE FRENTE
AL SKATEPARK LOS ROSALES DE MÓSTOLES, SU SKATEPARK, PERO LA ESPECULACIÓN Y LOS INTERESES PRIVADOS
LO HAN DERRUIDO PARA CONSTRUIR UN PÁRKING Y UNA PISCINA, A PESAR DE LOS ESFUERZOS DE LA COMUNIDAD
POR SALVAR UNO DE LOS SPOTS CLAVE DEL BARRIO, QUE REUNÍA A PEQUEÑOS Y MAYORES PARA PRACTICAR
DEPORTE Y ESTRECHAR LAZOS, EL LUGAR DONDE DANNY DESCUBRIÓ SU PASIÓN POR EL SKATE.
Entrevista: Xabi Pintor / Edición: Rosario Muñoz / Foto: Zut Skateparks
Danny, cuéntanos, ¿qué patinas? De todo. Me mola patinar calle, barandillas, bordillos, rampas, pools, half pipes... Soy todoterreno, pero en donde
más disfruto es en rampa. ¿Por qué skate y no fútbol? Pues antes jugaba al
fútbol en el Móstoles ¡y le daba bien! Incluso algún grande se interesó por
mí y quiso ficharme, pero entonces construyeron el skatepark enfrente de
mi casa y ese rollo me moló mas. Empecé a ir a los entrenamientos patinando con las botas de tacos puestas y a la vuelta paraba en el skatepark y me
quedaba a patinar. Desde entonces no he soltado el patín. ¿Cuándo empe zó a madurar tu carrera como skater? Al principio no era una carrera sino
un hobby, pero llega a un punto en el que si quieres seguir en esto has de
tomarte en serio ciertos momentos. La clave está en seguir disfrutando cada
día y no perder el feeling. En España contamos con profesionales del patín
reconocidos internacionalmente, como Alain y Javi. ¿Quieres enfocar tu
carrera hacia ese nivel? ¡Dos grandes! Sin duda Alain es una de mis influencias: me he criado viendo vídeos suyos. Aún me queda mucho para eso de
ser pro, aunque el camino está siendo intenso. Me queda tiempo para
aprender... Si llega, guay. Si no, seguiré disfrutando. Este ha sido un año con
muchos éxitos y has conseguido grandes cosas... Haznos un resumen. La
verdad es que ha sido un año increíble. He logrado hacer mi primer McTwist,
un truco complicado de conseguir. También he hecho mi primera portada
para una revista de skate que se llama Erosion, un podio importante en el
Nass Festival, ¡donde hice doblete! Quedé el primero en el circuito de street de la Copa del Mundo y más tarde, ese mismo día, quedé primero en la
competición de MiniRamp. Y este verano conseguí el tercer puesto en el
Volcom Bowl-A-Rama, de Getxo, una de las competiciones internacionales
más importantes de Bowl, donde se juntan los mejores skaters del mundo.
Lo pasé muy bien, conocí a un montón de gente nueva e interesante y
quedé muy contento con lo que hice. Después de los logros de 2014, ¿qué
te estás planteando para 2015? Estoy alucinando, la verdad. He conseguido
cosas muy difíciles y me siento muy satisfecho. Acabo de terminar
Fotografía, que me encanta, y he decidido tomarme 2015 para viajar por el
mundo, visitar a Pedro Barros en Brasil, ir a USA, a China y combinar mis tres
pasiones: la foto, el skate y los amigos. Cuando vuelva seguiré estudiando.
En este sentido mi madre es mi referencia: tiene 41 años y ha estado estudiando y preparándose hasta los 37... Será un placer seguir sus pasos.
¿Tienes mánager? Mis mánagers son mis padres, siempre. Confío esta responsabilidad a mi madre, y ella me está enseñando todo para cuando tenga
que volar del nido. Además, mi padre siempre me da grandes consejos.
Patinar, divertirse, viajar, promos, competis, sponsors, responsabilidades...
¿Qué es lo que más te gusta de este estilo de vida? Lo que más, patinar con
mis amigos. ¿Y lo que menos te gusta? Lo que menos me gusta probablemente es estar expuesto a muchas críticas, y a veces no sienta bien lo que
dicen de ti sin conocerte. ¿Qué relación tienes con los sponsors? Mis sponsors son: RedBull, Arnette, G-Shock, Element, Globe y Welcome SkateShop.
Tengo un buen trato con ellos, hablo personalmente con cada uno y quedamos alguna vez para comer o incluso patinar. RedBull se porta muy bien
conmigo... ¡Me dan redbulls, jajaja! Me han ayudado con viajes y hoteles,
me han invitado a eventos propios e incluso me ayudaron con un problema
que tuve en la rodilla y es de agradecer. Arnette me ayuda con las gafas de
sol y me invitan siempre al evento de O Marisquiño, que es bastante grande a nivel nacional y está empezando a tener bastante repercusión internacional. G-Shock me sponsoriza con los relojes, Element con las tablas, Globe
con las zapatillas y Welcome SkateShop es una tienda de Madrid Centro que
me apoya con el material que necesite. También le agradezco a Francisco
Burgos por la ayuda que me da con las ruedas Bones a través de su distribuidora Sessions. Y mis padres, ¡que fueron mis primeros patrocinadores,
jajaja! Ellos fueron los primeros en apoyarme y en proporcionarme todo lo
que he necesitado: viajes en coche y todo el material de skate.
Si por cuestiones de sponsors un día te planteasen la posibilidad de trasladarte a USA para continuar allí tu carrera, ¿qué harías? No me planteo vivir
allí, no creo que les gustase ni a mi madre ni a mis amigos... Mi casa es
Móstoles. Ya veremos lo que pasa. ¿Cómo lleva tu familia que hayas escogido el camino del skateboarding, en lugar de ser abogado, médico o arquitecto? Me han apoyado desde el día 1, y lo siguen haciendo. Eres ‘el chico
de moda’, tienes fans en España y por todo el mundo. ¿Qué les dirías a
todos los chavalillos y chavalillas que empiezan a patinar y te tienen como
referencia? Es difícil de asimilar, porque yo también tengo mis referencias,
como ellos. Lo importante es patinar con los amigos... Para lo demás hay
tiempo. ¿Cuáles son tus referencias dentro y fuera del mundo del patín?
Primero mis padres, que son los que me han guiado en el buen camino de
la vida. En cuando al skate, de pequeño me fijaba mucho en Danny Way por
las cosas tan increíbles que hacía, como saltarse la muralla China con el
skate y unas rampas enormes que montaron. También me fijaba en la gente
del skatepark de Móstoles, donde me he criado, en los locales que patinaban allí y que ahora son mis amigos: Yeyo, Martín, Elis, Edouard, Cadena,
Lozano... Actualmente me fijo en la gente con la que patino. Todos me parecen increíbles por su variedad de estilos: Pedro Barros, Alain, Raven Thersy,
Gran Taylor... ¿Qué echas de menos en tu comunidad? ¿Qué les pedirías a
los gobernantes? Echo de menos el skatepark de Los Rosales, donde he
pasado más de la mitad de mi vida, nada más y nada menos que diez años,
y lo han destruido para hacer un parking de coches y una piscina municipal,
a pesar de que ya hay dos piscinas enormes en nuestra ciudad. Pero ya no
hay nada que hacer. El alcalde de Móstoles, Daniel Ortiz Espejo, y sus trabajadores solo piensan en el dinero que les puede llegar a dar un párking sin
reflexionar acerca de lo que en realidad están haciendo: destruir nuestros
sueños y un sitio donde nos juntábamos todos para vernos, patinar y pasarlo bien. Ahora muchos chavales han perdido la oportunidad de patinar un
skatepark como este, para mí el mejor de Madrid. Me han arrebatado una
de las cosas que más he querido, y no solo a mí, también a muchos de mis
amigos: Juanan, Krystian, Negro... Por eso desde aquí quiero pedirles que
recapaciten y nos construyan un skatepark nuevo donde podamos practicar
nuestro deporte y pasarlo bien, porque el skate no se puede practicar en la
calle: es delito y nos multan con cifras de hasta mil euros. Necesitamos un
skatepark ya y a ser posible indoor, para que en los días de lluvia también
podamos patinar. Sobre todo, quiero dar las gracias a todos los que lucharon contra el cierre del skatepark de Móstoles, que fueron muchos. ¿Qué
hace Danny León cuando no patina? Me gusta pasar el tiempo con mis amigos: nos vamos a hacer snowboard, montamos en los karts, vamos al cine,
hacemos crepes, nos grabamos patinando, lo editamos y hacemos nuestros
vídeos. Nos entretenemos con todo lo que encontramos por el camino.
news música
JORIS VOORN, A LA TERCERA VA LA VENCIDA
El rubiales holandés ‘erran-tech’ está de vuelta y de qué manera. Joris Voorn regresa con
nuevo álbum bajo el brazo. Se titula Nobody Knows y es su tercer trabajo de estudio. Este
renovador del techno de Detroit a la europea sigue empeñado en seguir siendo considerado
como ‘la esperanza blanca del techno’, y es que su apuesta sonora viaja por muy diferentes
lares sonoros, pero siempre desde un respeto tremendo al sonido tech de la ciudad del motor.
El trabajo saldrá editado por el sello Green –del cual es copropietario, así como de Rejected
Music– el próximo 17 de noviembre. Ya se han filtrado el tracklist y la lista de colaboradores,
entre los que están los genios Kid A, Matthew Dear aka Audion o Bran Stadhouders. Sin
duda uno de los trabajos a tener en cuenta de cara al final de 2014. www.jorisvoorn.com
MICROFUSA
Sin duda la mejor escuela independiente de sonido de España es, desde
hace 27 años, Microfusa. Con sede en Barcelona –y representación en
Madrid–, este centro especializado en nuevas tecnologías aplicadas a la
música ofrece una amplia variedad de cursos e itinerarios formativos para
alcanzar los objetivos de aprendizaje y preparación más exigentes. Si
quieres moverte como pez en el agua en las áreas de la producción musical,
técnico de sonido y Dj, o deseas recibir una formación completísima
presencial u online para, finalmente, obtener un diploma, avalado por
dicha escuela y los más importantes fabricantes del mundo de tecnología
musical, que te acredite como un profesional en dichas lides, Microfusa es
el espacio docente ideal para ello. Además, también podrás disfrutar de su
tienda especializada en producción musical en Barcelona y Madrid y una
completa tienda online. No te lo pienses más. Empieza ya a construir tu
futuro en la industria de la música. Entra ya en Microfusa y marca tú el
camino hacia el éxito profesional. www.microfusa.com
THOM YORKE
Y SU MISTERIOSO VINILO
El asunto es que Thom Yorke ha compartido recientemente en
su Twitter personal una foto doméstica –parece tomada en su
estudio– en la que aparece sobre un tocata un vinilo blanco con
una etiqueta en la que se puede leer ‘untitled’. Poco más sabemos del tema, pero los fans ya se devanan los sesos intentando
entender si se trata de un nuevo disco del líder de Radiohead en
solitario, si es una nueva entrega de su banda paralela Atoms
for Peace o si son nuevas canciones de su banda seminal,
Radiohead. El caso es que este vinilo blanco, de apariencia amanuense, ya se ha convertido en el pedazo de plástico albo más
famoso de 2014, y todos, y cuando digo ‘todos’ es ‘todos’, queremos saber a qué suena. Y es que todo lo que toca Thom Yorke
nos suena, casi, a gloria bendita. twitter.com/thomyorke
981 HERITAGE 2014
EL RAZZ CUMPLE 14 AÑOS
Antes de verano el Festival 981Heritage Son Estrella Galicia desveló
parte del cartel que sustanciaría el ciclo sonoro e itinerante de este
año (Wild Beasts, Austra, Swans, etc.), y que incluía, además, como
novedad, Barcelona en su grupo de ciudades privilegiadas en el que
ya estaban A Coruña, Londres y Madrid. Ahora conocemos nuevas
incorporaciones al line-up que pasarán por la capital de España
durante los próximos días y meses. Destaca la de Forest Swords, al
que acompañará el español Daniel van Lion en la sala Sol (Madrid), el
9 de octubre. Además, el dúo Peaking Lights el 8 de noviembre en la
sala Garufa (A Coruña); Tinariwen, en la madrileña sala But el 13 de
noviembre; los míticos y veteranos Pere Ubu, el 29 de noviembre en
la sala Sol, y al concierto de Swans se añade como telonero el 2 de
octubre Pharmakon en Shoko (Madrid). Con la buena y emergente
música a todas partes, oiga. www.981heritage.com
El 14º aniversario de la sala barcelonesa Razzmatazz está a la vuelta
de la esquina. Tras el anuncio el pasado mes de julio de los primeros
artistas confirmados –Caribou, Clean Bandit, Yelle, Steve Lawler, Jessy
Lanza y el showcase del sello Hypercolour con Roman Flügel, James
Welsh y Cedric Maison–, confirman ahora a The Chemical Brothers,
que vuelven a pinchar en una sala en una de sus pocas sesiones escogidas fuera del entorno de los grandes festivales; The Drums, Fritz
Kalkbrenner, Factory Floor; Kele, el vocalista de Bloc Party, con su
nuevo álbum, Trick; o el jovencísimo talento electrónico Porter
Robinson. También contarán con las actuaciones de Black Amiga,
Correspondant: Jennifer Cardini + Andre Bratten live! + Carreno is LB,
Drok: Latzaro + Pedro Vian + Tversky, El Columpio Asesino, Elyella Djs,
Fake Blood, Flux Pavilion, FM Belfast, Najwa, Neonized: Drömmu +
Skygaze + Black Catalans + Seapoint, Paula Temple, Pomo y Rush
Hour: Hunee + Antal + Young Marco. Ya sabes, desde el 1 de noviembre y hasta el 20 de diciembre, el Razz será la capital nacional del
mejor pop y electrónica. ¡Felicidades!. www.salarazzmatazz.com
EL VERANO ETERNO DE LEY DJ
Tras un verano apabullante con sesiones en San San Festival, el Lovin Ibiza, el SOS4.8, El Ritmo
Festival, el Ojeando Festival, el Arenal Sound o el Festivalent, Ley Dj presenta ahora su primer single
de producción propia. Un tema con el que la artista nos invita a recordar todas esas sensaciones mágicas que se quedan impregnadas en nuestro ADN cuando se acaban los veranos: los días soleados, las
fiestas con amigos, las tardes de playa y piscina, los amores fugaces y, en definitiva, las sensaciones
de libertad y de infinita felicidad que nos dejan los estíos. Get you Up, en el que colabora gente de
la talla de Pau Paredes (Modelo de Respuesta Polar), Joni Antequera (más conocido como Amatria) y
Lourdes Trujillo con su maravillosa voz, ya está a la venta y lo hace además con el anuncio de una
noticia muy especial: la firma de la artista con Sony ATV Music Publishing Spain para esta y el resto
de sus producciones musicales. Y es que siempre es verano con Ley Dj en cabina. leydj.com
REBOLLEDO, UN GUERREO EN MADRID
Texto y foto: Rafaella Gneco
El pasado viernes 3 de octubre de 2014, se celebró en Madrid el festival
VillaManuela. En una de sus sedes, la mítica sesión Ocho y Medio Club en
la madrileña sala But, pudimos disfrutar de la sesión del icono mexicano de
la música electrónica Mauricio Rebolledo. Después de toda una jornada de
directos y Dj de lo mas variopintos, pasada la medianoche y haciéndose un
poco de rogar, apareció en escena el mexicano acompañado de su inseparable maleta de vinilos. Sin duda, uno de los platos fuertes de la segunda
edición de este festival de la capital, que no solo apuesta por la música
underground, sino también por el arte, la gastronomía y el comercio local,
todo ello concentrado en los céntricos barrios de Malasaña y Conde Duque.
Rebolledo hacía su aparición, se quitó el sombrero y comenzó su set con una
producción de su grupo Pachanga Boys, grupo que comparte con el alemán
Superpicther. El publico silbaba, aplaudía y vitoreaba su nombre. Sin duda,
le esperábamos ansiosos. El humo y la oscuridad inundaron la sala, los asistentes entramos de inmediato en una hipnosis colectiva y nos dejamos llevar por los sonidos crudos y envolventes del artista. Con una sala entrega-
dísima, Rebolledo no defraudo en absoluto con un fantástico set de más de
dos horas y media. Un set inmejorable y cargado de temas propios como
Playita Frenesí, Super Vato o el mítico Guerrero, tema que una servidora no
puede dejar de canturrear pasados los días. Solo puedo decir: “¡Pinche,
Guerrero!”. Rebolledo se caracteriza por sus melodías simples, su sentido
del humor y sus estrambóticas letras. Es un personaje como de otra época
en muchos aspectos: su forma de vestir y su gusto musical les dan ese toque
especial a su genialidad como productor. Es de esos Dj que siguen tocando
con vinilo aunque en una semana deba hacer presencia en diferentes lugares del mundo. Ver a Mauricio Rebolledo en directo es disfrutar de una sensación de movimiento constante, es dejarte trasportar a diferentes lugares
sin abandonar un mismo espacio. Este efecto que genera su magia en nuestro cuerpo no tiene nada que ver con la cantidad de bpm ni con los niveles
sonoros, sino con el potente poder e inercia musical que desprende el mexicano sobre quien lo escucha. Sin duda ya tenemos ganas, de nuevo, de disfrutar de un nuevo directo de Rebolledo, y de vestirnos de cuero...
DIME LO QUE COMPRAS Y TE DIRÉ QUÉ DEBES PRODUCIR
Texto: Fernando Fuentes
El interesante informe –titulado 10 años de Beatport– que publicó en su
pasado número de septiembre la revista inglesa Mixmag –uno de los magacines más prestigiosos y representativos de la escena electrónica del clubbing planetario– no deja lugar a dudas. No hay mejor indicativo de por
dónde van los gustos del personal que consume electrónica, sea como usuario (uso doméstico) o como Dj (uso profesional), que echar un vistazo a los
gráficos que presentan la tendencia de compra por estilos y a través del cual
podemos analizar qué es lo que está sucediendo con géneros como el
house, el techno, el deep house, el trance o el dubstep. Siempre según
Beatport, claro... Lo que primero nos llama poderosamente la atención es
que en este gráfico, en el que hay lugar para diez estilos electrónicos mayoritarios, no hay ni rastro de la EDM. Lo achacamos a que este estudio abarca diez años de evolución –del 2004 al 2014– y que no hay suficiente perspectiva para su inclusión en dicha lista, dada la juventud del apabullante
fenómeno. Pero sinceramente no entendemos cómo es posible que el estilo que –guste o no, polémicas aparte– ha hecho más ricos, si cabe, a los propios capos de Beatport en estos tres últimos años –desde su explosión en
USA y posterior expansión en Europa y resto del mundo– no figure en este
estudio que, por otro lado, nos parece útil. Por cierto, tampoco hay ni rastro en este gráfico del nu-disco, y nos imaginamos que el minimal irá incluido en el techno... Qué cosas. Olvidándonos de la siempre polémica y aberrante EDM, lo primero que nos llama la atención de la evolución de venta
entre los estilos electrónicos mayoritarios y masivos es comprobar como en
este 2014 el más vendido, al igual que en 2013, es el que engloba a los sonidos deep-house, seguido por el tech-house, el techno y el house (estos dos
últimos aguantan perfectamente el tirón como grandes que son). En los últimos lugares de venta en este año encontramos al d&b, a los breaks y, en la
cola, al dubstep. ¿Malos tiempos para la bass music y aledaños? En la mitad
de la tabla están el house, el electro, el progressive house y el trance.
Posiblemente la EDM ocuparía –hoy por hoy– el primer lugar de este ran-
king de ventas, pero nos vamos a quedar con las ganas de saberlo, al menos
de forma oficial. Ahora vamos por partes: ahondando en el gráfico comprobamos como el deep-house –ahora en lo más alto– ha sufrido una evolución
paulatina que, desde el año 2010, ya apuntaba a lo más alto. En el caso del
tech-house, la tendencia no ha experimentado muchos sobresaltos: desde
el año 2008 este estilo ha estado en el primer y segundo lugar en ventas.
Solamente hay que destacar que ya en el 2013 cedió al deep-house el lugar
de privilegio dentro del top en ventas según géneros de Beatport. En cuanto al techno y el house –los estilos clásicos por antonomasia– mantienen
igualmente una evolución sostenida y tranquila dentro de sus siempre altos
índices de venta, al igual que el electro y, un poco más allá, el progressive
house. En cuanto a los que han pegado unos bajones espectaculares, destaca, sobre todo, el dubstep, que de ocupar un puesto destacado en 2011
ahora ha visto cómo sus ventas se derrumban hasta el final de la lista. Igual
pasa con el d&b y los breaks, de capa caída desde 2008, y el progressive
house, que desde que tocara el cielo en 2006 solo ha visto cómo se reducen sus ventas. El electro y el trance han experimentado en este 2014 un
breve repunte de sus ventas que, no obstante, siempre se han mantenido en
cifras destacadas. La conclusión final que extraemos de estudiar, a fondo,
este esclarecedor y colorido gráfico –facilitado por Beatport y publicado por
Mixmag– es que los sonidos relacionados con la bass music –caso del dubstep, d&b o los breaks– han caído en picado en los últimos tiempos –recordemos que, junto al trance, hace diez años eran estilos top– y que hoy por
hoy lo que vende son los estilos más clubbys, caso del deep-house –top–
seguido muy de cerca por el tech-house, el techno, el house y hasta el electro. Y es que aquí no es que haya bipartidismo sonoro que valga, amigos:
es que o te lías con tu talento y máquinas, en tu home studio, a pergeñar
este tipo de sonidos deeperos o tech-houssies o parece más que claro que
no te comerás un colín... Al menos según los que compran en dicha plataforma digital, que son legión. ¿Verdad, Mr. Hawtin?
CARIBOU
Reflejos sonoros de felicidad
ESTE MATEMÁTICO CANADIENSE –CON NOMBRE DE CIERVO GRANDOTE– ES EL TIPO DEL MOMENTO.
SU CARA MÁS POP, LA QUE SUSTANCIA A TRAVÉS DE CARIBOU, PRESENTA AHORA UN ÁLBUM
LLAMADO OUR LOVE –CONTINENTE DE UNA COLECCIÓN DE TEMAS CONMOVEDORES VS. BAILONGOS,
MELÓDICOS Y ALTAMENTE ORGÁNICOS– QUE DESATA PASIONES Y BAILES TANTO ENTRE EL TALIBANEO
INDIE COMO EN LOS TECH-KIDS MENOS COMANCHES. MUY FANS SOMOS. ¿SE NOS NOTA?
Entrevista: Fernando Fuentes / Edición: Eduardo Pérez Wassdorp / Foto: Thomas Neukum
Aló, Dan. ¿Es tu nuevo disco Our Love el gran y mejor resultado de tu madurez como artista? Creo que le estás preguntando a la persona equivocada.
Me siento intensamente orgulloso de él y estoy muy emocionado con la acogida que está teniendo. Es un disco con el que me he involucrado muchísimo, que me ha envuelto completamente. Por eso, creo que no sería objetivo. Y ¿quiénes crees que lo entenderán, disfrutarán y bailarán más? ¿Los de
18 o los de 40 años? Lo grande que me ha pasado es que ambos grupos de
edades, con edades muy diversas, y que van a mis actuaciones, me dicen
que les gusta mucho. Cuando lo hice, no lo hice pensando en ningún grupo
o rango de edades en particular. Está claro que lo hice para mí, pero aparte
de eso, parece que conecta con mucha gente y creo que eso es algo extraordinario, especial, algo que no planeamos. Y espero que la cosa siga así. ¿Es
cierto que tuviste que elegir estos nueve temas entre más de 600 que tenías hechos y preparados para formar parte de Our Love? No, bueno, no
estaban hechos. Y creo que eran más de 900. Era como una gran bola de
nieve: no paraba de crecer y crecer. Tampoco eran canciones como tal. Eran
más bien ideas, esbozos, ritmos por aquí y por allá y que no estaban terminados. Las canciones que sí estaban terminadas fueron las que acabaron en
el disco. Era como un cuaderno de borradores, en el que esbozas tu proyecto antes de elaborarlo completamente. Cada día hago dos o tres de estos
borradores, y al final alguno acaba convertido en una canción. En compara ción con Swim, creo que este disco es mucho más directo, más cercano al
público, más de verdad, sin escondites. ¿Tú también lo sientes así? De
hecho, sí. Y eso surgió de la idea de querer tener una comunicación más
directa, en el sentido de que se acortasen las distancias que hay entre mí y
la o las personas que lo escuchan. Tenía que mantener el enfoque, que fuera
directo, y funcionó muy bien. Es lo que me gusta de hacer discos: que al
principio todas las ideas parecen dispersas, como flotando alrededor, pero
en este pensé en que las cosas se concentrasen más y tomó esta forma final.
Parece como si uno de tus objetivos al componer estos temas fuera que la
gente los sintiera y disfrutara conectando contigo de una forma que antes
no se había producido... ¿Lo has conseguido? Esa pregunta no sé si seré yo
quien pueda contestártela. Cuando hice este disco lo hice con la idea de que
comunicase lo que me pasa en mi vida diaria, y transmitiese mis sentimientos a la gente. Pero lo otro que pasó con Swim fue que el resultado final
tuvo una interpretación completamente diferente a la que yo esperaba. Y
parte de estar haciendo música durante tanto tiempo te da una cierta autoconfianza. Con esto quiero decir que hasta que no terminé de hacer la música no me di cuenta de que la intención que tenga yo es una cosa, pero al
final me encontré con la idea de que la gente va a interpretar la canción de
una forma completamente personal y diferente. En ese sentido la música
hasta deja de ser mía una vez la publico, porque cada uno puede darle su
propio significado, su interpretación, incluso en la forma de remixes que me
encuentro en YouTube. Esas cosas al principio de mi carrera me preocupaban, pero ahora las disfruto. El sonido de Our Love presenta a un Caribou
mucho más conmovedor, melódico y orgánico... ¿Todo esto es producto de
una progresión sonora natural o hay algo forzado conscientemente? Creo
que no hice nada a propósito. Creo que algunas cosas tienen que ver con la
música que escucho en mi día a día, al hecho de que cada vez paso más
tiempo con mi hija, haciéndole escuchar clásicos. Tengo una hija de tres
años y mi actitud, a medida que crece, desde que era un bebé, tiene que ver
con la música que le voy poniendo cuando jugamos y estamos juntos. Creo
que tiene que ver con eso, y tampoco puedo negar que es un reflejo natural de mi momento vital, con una familia joven y tener la experiencia de salir,
que ha cambiado mi vida tremendamente. Creo que todo eso queda reflejado. ¿En qué tipo de público has pensando mientras creabas este álbum?
Antes ya habías dicho que no lo hiciste pensando en nadie en particular, ni
en un tipo de público concreto, pero ¿hay un perfil de fan de Caribou o
cualquiera puede serlo? Lo gracioso es que antes tenía la idea de que un fan
de Caribou, en muchos sentidos, era alguien como yo. Alguien que era un
obseso de la música y que al encontrarse con los amigos solo hable de música, diga “oye me encanta esta canción” y empiece a buscar las referencias.
Y luego lo que pasó con Swim, que tuve que verlo y vivirlo, es que perdí
todas mis referencias. Me di cuenta de que en realidad tengo un público
muy diverso y que conecto con toda esa gente tan distinta. Y hasta cuando
estaba haciendo este disco me imaginaba tener a alguien a mi lado, escuchando mi música, para intentar tener su perspectiva la primera, tercera o
décima vez que lo escuchaba. ¿Sabes que en España te has convertido en
un artista que gusta tanto a los indies como al público más electrónico? ¿Tu
potente background pop tiene la culpa? Creo que en mi caso tiene sentido.
Además, ambos grupos parecen estarse acercando cada día más. Así que no
es tan imposible tender puentes entre ambas comunidades, pero también
reconozco ambas cosas en mí mismo. Por ejemplo en Andorra, el disco
anterior a Swim, fue donde crecí mucho en términos de composición, creación y arreglo: tenía una estructura de canción de grupo. En cambio, en el
resto de discos que he hecho, Swim y Our Love, la estructura ha sido más
repetitiva, con una textura marcadamente electrónica junto a las texturas
más tradicionales. Creo que para mí tiene sentido que ambas cosas acaben
mezcladas. Me gusta y me siento muy afortunado de que gente de ambas
culturas pueda disfrutar de este disco. En los temas de este trabajo muestras tu voz mucho más directamente, sin tratamientos, sin mentiras, sin
ecos... ¿Le has perdido el miedo a mostrarla tal y cómo es? Es muy parecido a lo que hago con las canciones. Una cosa de la que sí me he dado cuen-
ta con el paso de los años es de que nunca jamás seré cantante profesional
(risas). Tengo una voz demasiado aniñada, que puede funcionar bien algunas veces –y muchas de mis debilidades al final acaban siendo puntos fuertes– combinada con la música. Mi tema favorito del álbum es Can't Do
Without You. ¿Lo consideras uno de los mejores tracks de toda tu carrera?
¿Qué nos quieres decir a través de esta maravilla de pop electrónico? Creo
que sí. Desde un primer momento, al hacer el tema, tuve muchísimas ganas
de poder ponérselo a la gente en festivales, en verano. Y de lo que me siento más orgulloso es que tenía este loop, con dos melodías que decían más
o menos lo mismo, y que la canción, al final, es un solo y gran crescendo.
Cuando tuve la idea original me dije “¡a ver cómo lo hago!”, y al final todo
creció sobre el camino que sembré justo al principio, así que en ese sentido
conseguí esa sensación de estar subiendo, progresando continuamente, y es
que cada detalle de esa canción me hace sentir tremendamente orgulloso.
¿En manos de qué remixers vas a dejar este buen puñado de temas que sustancian Our Love? Creo que seré más selectivo en cuanto a este tema.
Además, me he dado cuenta de que la gente hace sus propios remixes y los
sube a YouTube. He estado disfrutando mucho de esto porque hay cientos
de ellos. Se lo pido a mis amigos, a productores jóvenes. Hay dos que me
encantan, los de Tale Of Us: no los conocía. Fue tal su entusiasmo que no
pude decirles que no. Lee la entrevista completa en www.ocimag.com
HOLY FUCK
Deliciosa suciedad
HOLY FUCK SON RUIDO DEL COPÓN, ROCK VS. SINTETIZADORES, CAOS BIEN ORGANIZADO Y TENSIÓN SONORA NO
RESUELTA, AFORTUNADAMENTE. ESTOS ABIGARRADOS CANADIENSES, DEL MISMO TORONTO, SON UN GENUINO
TORRENTE MUSICAL ORGÁNICO Y ELÉCTRICO EN EL QUE, SOBRE TODO, HAY MUCHA VERDAD Y TREMENDO BUEN
GUSTO. POR ESO, DONDE REALMENTE SE LES DISFRUTA ES EN DIRECTO, ENCIMA DE LAS TABLAS Y ARROPADOS POR
UNOS CUANTOS MILES DE VATIOS DE SONIDO, Y SI SON CIENTOS DE MILES, MEJOR. CASI A PUNTO DE PRESENTAR
SU NUEVO –Y CUARTO– ÁLBUM, SE DAN UN BUEN GARBEO POR ESPAÑA Y PORTUGAL. ATENTOS TODOS.
Entrevista: Fernando Fuentes / Edición: Eduardo Pérez Wassdorp / Foto: Ali McCann
Aló, Holy Fuck. ¿Os gusta la etiqueta de ‘música moderna’ para vuestro
sonido? Brian Borcherdt: No nos molesta, de hecho, lo preferimos a que
digan que hacemos música vieja y aburrida. Tras una década de existencia
como banda, ¿qué balance hacéis de lo conseguido y de lo perdido? Bueno,
cuando empezamos lo hicimos en torno a un concepto. Con el paso del
tiempo, ese concepto desapareció y quedamos nosotros en medio, tocando
música, quizá por la diversión, y menos preocupados por ese concepto. Pero
tener esa idea todavía en nuestro subconsciente influye en muchas de nuestras decisiones. Básicamente, queríamos hacer música con instrumentos o
aparatos que fueran limitados en funciones, en contraposición a los softwares y samplers, que tienen unas posibilidades infinitas. Así fue como empezamos. Pensamos que haciendo eso siempre sonaríamos únicos y fuera de
las modas de un determinado periodo. Pero viajar alrededor del mundo con
un montón de teclados plásticos de mierda y trastos no es práctico. Hemos
perdido mucho tiempo porque estos aparatos se rompían o dejaban de funcionar. Y entonces perdíamos toda la canción, para nunca poder volverla a
tocar de nuevo. Así que ahora sampleamos muchas de esas cosas y volvemos a usar todos los aparatos de alta tecnología que una vez repudiamos.
Ahora nos importan más la música y la canción que el concepto. ¿Qué preferís? ¿Rock electrónico o electrónica rockista? ¿Rock electrónico cómo The
Who? ¿Cómo The Beatles? No lo sé. Creo que estoy de coña. Pero en verdad me gustan todos los estilos musicales. También me gusta la música
acústica, grabaciones de campo o una máquina de grabación de cintas que
graba a un viejo cantante folk o una vieja banda de jazz en su espacio de
pruebas. Me encanta la idea de capturar no solo el momento, sino también
el espacio. ¿A la felicidad siempre por el motorik y el krautrock? Ambos. Me
encanta sentir cómo un buen ritmo crece y crece. Me encanta formar parte
de los directos. Es estimulante. ¿Y para hacer buen postrock electrónico hay
que dominar antes el rock tradicional o no es necesario? No creo que haya
solo una forma de hacerlo. En nuestro caso, todos empezamos tocando rock
o punk. Mi instrumento es la guitarra, aunque no la toque mucho en este
grupo. ¿Cuánto hay de analógico y de digital en Holy Fuck? No estoy muy
seguro de saber la diferencia. La mayoría de las cosas de hoy en día son digitales. No viajamos con muchos sintetizadores o, en especial, no los antiguos
clásicos. Sobre todo viajamos con los viejos teclados de juguete y mixers,
que son los que realmente usamos como instrumentos. Caos controlado,
ruidismo melódico... ¿Hay alguna paradoja más en el abigarrado sonido de
Holy Fuck? Deliciosa suciedad. Fuck Bottons, Psychedelic Horseshit y
Mogwai, ¿son referentes directos para Holy Fuck o para nada? No. Nosotros
empezamos en 2004 y empezamos con los tours casi de inmediato. Por eso
sería imposible haber tomado referencias tan directas. Aunque esas son
algunas referencias de bandas bastante buenas, por lo que no nos importa
la comparación. Pero, de verdad, cuando empezamos no intentábamos
hacer la música en la dirección de nadie. Tan solo seguíamos los sonidos que
salían de nosotros mismos. Fue una nueva experiencia y no sabíamos qué
iba a ser. ¿Qué nos podéis adelantar del cuarto álbum que tenéis ya casi a
punto de caramelo? ¿Habrá de nuevo toneladas de instrumental postrock
tan épico y grandilocuente como ambiental? Será muy parecido a lo que has
dicho. Es un disco diferente, en el sentido de que lo hicimos cuando no estábamos de tour, a diferencia de nuestros discos anteriores, que se hicieron
todos en momentos demasiado ajetreados. Ahora podemos sentarnos y
hacer que las cosas surjan de una parcela mental más creativa. Nuestros discos anteriores los compusimos durante las pruebas de sonido en nuestros
bolos, y este disco en espacios de ensayo, donde nos relajamos mucho más.
¿Quién manda más en Holy Fuck? ¿Graham Walsh o Brian Borcherdt?
Bueno, estás hablando con Brian. Así que voy a levantar yo mismo la mano
y decir que soy yo. Me refiero a que, oye, no voy a dejar a Graham decidir
nada... ¡Que te calles, Graham! ¿Qué se siente cuando un tal Lou Reed y un
tipo llamado Thom Yorke se deshacen en elogios respecto a Holy Fuck? Es
un honor increíble. Son artistas que nos gustan y admiramos, así que saber
de que de alguna forma hemos llegados a sus oídos y que han mostrado ese
aprecio por nuestra música es uno de los mayores cumplidos que te puedan
hacer. Pero, hasta entonces, me digo a mí mismo que tenemos que recordar por qué empezamos a hacer música en primera instancia. En nuestro
caso, hacemos música por razones personales. Queremos que los demás la
disfruten, naturalmente, pero al final del día tenemos que hacerlo nosotros
solitos. ¿Qué es Holy Shad? ¿Quién es Shad y qué tenéis entre manos junto
a él? Shad es un rapero. Es buenísimo. Colaboramos con él para lanzar un
vinilo de 7’’. Fue divertido. Godspeed you!, Black Emperor, Arcade Fire,
Fucked Up, Caribou, Holy Fuck, etc. ¿Es Canadá un referente mundial del
mejor pop, rock y electrónica en este 2014? ¿Por qué creéis que se está pro duciendo esta gran avalancha de buenos sonidos canadienses? Bueno,
todos esos son grandes grupos, y claro que podríamos pensar en cien más.
Así que sí que estoy al tanto de que tenemos algo especial aquí. Estoy muy
agradecido de que se me mencione en la misma frase que a esas bandas.
Pero también, siempre que conseguimos vernos y salir, son gente fantástica.
Eso es algo, realmente, que llevarte al corazón. Conozco tantos grandes
grupos canadienses y me gustan como personas. Pero, de nuevo, eso también pasa más allá de la frontera, y podría decir lo mismo de las bandas estadounidenses, europeas y bandas de todo el mundo. Es un momento emocionante. Creo que se nos obvió tanto a los canadienses que decidimos
hacer nuestra propia música. No nos pilló la idea de fama y gloria. Había
algo real en todo eso. Quizá también porque nuestros medios, radio y televisión, eran tan malos... Siguen siendo momentos difíciles para apoyar buenos contenidos canadienses. Creo que eso también nos permite no distraernos con la cantidad de mierda que hay y concentrarnos en hacer música que
nos gusta. Vuestros directos son la bomba por viscerales, salvajes, bailongos
y enérgicos. ¿Qué parte de culpa tienen en el éxito de la banda? Lo es todo
para nosotros. No sería feliz si fuésemos un grupo para Internet o solo para
radio. Quiero ser un grupo sobre el escenario, interaccionando con el público. Es una catarsis, una que necesitamos para nuestra propia salud mental.
En España hay una gente que se llama The Suicide of Western Culture que
tienen un rollo muy parecido al vuestro. ¿Los controláis? ¿Os los presento?
Por favor. Me encanta el nombre. ¿Qué esperáis de vuestra inminente gira
por España? Vamos a visitar mucho más de vuestro país que en otras ocasiones. Eso nos encanta. Lo que es una lástima es no haber sacado antes el
nuevo disco. Así que cuando lo hagamos, esperemos poder volver a visitar
España. Lee la entrevista completa en www.ocimag.com
LOS PILOTOS
A mano y a máquina
ESTE EL REGRESO DE LOGAN ES KRAUTROCK ORGÁNICO, ELECTRÓNICA PAISAJISTA, POP
RETROFUTURISTA, PSICODELIA ÉPICA, ETC. PERO SOBRE TODO ES UN ÁLBUM QUE DESTILA
UNA ALEGRÍA MODERADA BAJO TIBIAS LUCES DE COLORES. ES UN CANTO, A MEDIO GAS, A
LA ESPERANZA VITAL Y ARTÍSTICA. AH, LOS PILOTOS SON BANIN Y FLOREN... ¿OS SUENAN?
Entrevista: Fernando Fuentes / Foto: José Carlos Nievas
En España hay pocas propuestas sonoras similares a la de Los Pilotos, tan
puramente electroorgánicas y libérrimas. ¿Por qué creéis que sucede? Banin:
Porque lo aprecia una minoría. Parece que el riesgo está castigado en este
país. Aquí en España hemos tenido experimentadores pioneros que han
hecho música increíble como Eduardo Polonio, por ejemplo. ¿Alguien se
acuerda de él? En otros países se les pone en el lugar que les corresponde y
son respetados, se sienten orgullosos de ellos. Aquí parece que no. Solo tienes que leer el libro de Jaime Gonzalo, La ciudad secreta, para darte cuenta de la cantidad de artistas avanzados con propuestas a la altura de lo que
se estaba haciendo en otros sitios del mundo que han sido ninguneados.
¿Cuánto de Los Planetas hay en Los Pilotos? Hay temas que recuerdan
mucho al sonido de vuestra banda madre. Las melodías y las texturas son de
los mismos padres, ¿verdad? Claro, somos nosotros. Son como hijos con
diferentes parejas. La pregunta del millón: ¿cuánto de orgánico hay en este
álbum? Si por orgánico entendemos lo que ha sido tocado en vez de programado, un porcentaje muy elevado es orgánico. Hay baterías y percusiones tocadas en seis de los siete temas. Guitarras en casi todos. Y respecto a
los sintes, la mayoría se han tocado y manipulado al mismo tiempo usando
máquinas analógicas. Usar samples te facilita mucho el proceso, pero esos
mismos samples es muy probable que estén presentes en una decena de discos de otros artistas. Además, somos muy exigentes con el sonido final y
tenemos comprobado que las cosas que grabas tú mismo, luego, en la mezcla, suenan mucho mejor que las muestras. Este El regreso de Logan es krautrock, electrónica paisajista, pop, psicodelia, etc. Pero sobre todo es un
álbum que destila alegría moderada y tibias luces de colores... ¿Es un canto
a medio gas a la esperanza vital y artística? Has dado una definición bastante aproximada. Ahora, con la situación económica y social que vivimos,
muchos artistas están sacando su lado más crítico, oscuro y combativo, pero
nosotros hemos preferido darle la vuelta al discurso. ‘Esperanza’ es la palabra clave, porque sin ella nos manejarán de una manera aún más siniestra.
La gente tiene que darse cuenta de que hay que volver a luchar por las cosas
en las que creemos, como lo hicieron nuestros padres y abuelos. Ellos hicieron el camino de la tiranía a la libertad, y nosotros estamos haciendo el con-
trario. En los tiempos que vivimos hay que tener esperanza de que las cosas
se pueden cambiar. Los temas del disco recuerdan mucho a cosas de Border
Community y, por ejemplo, algunos temas de Lemon Jelly y Nathan Fake.
Claro, el último disco de James Holden me encanta, es muy oscuro y orgánico al mismo tiempo. Dextro son otros de los que más me gustan. También
tengo los discos de Lemon Jelly. Los escuché mucho en su momento. Me
encanta la luz que tienen. Para su tranquilidad y la de los suyos es el tema
más propiamente pop del disco. Bajo un clima crepuscular nos abre los ojos
a un atardecer tranquilo y tristón... ¿Es uno de vuestros temas favoritos?
Tiene toda la pinta de que sí. Todos son hijos nuestros, pero, sí, este es uno
de mis favoritos. Está inspirado en los discos en solitario de Michael Rother.
Pasé muchas noches durmiéndome con ellos y penetraron en mi subconsciente. Era lo que tenía en la cabeza cuando lo hice. También me han dicho
que recuerda a M83, cosa que me sorprende porque casi no los había escuchado cuando lo hice. Pero, sí, es cierto, M83 tiene muchas canciones con
un ambiente parecido. Para mí el mejor tema del disco es el bellísimo, naif
y atemporal Paisaje sumergido. ¿Nos podéis hablar un poco de cómo sur gió? Me alegra que te guste. Es un tema que empezamos a hacer después
de terminar el disco anterior. Lo venimos haciendo en directo desde entonces y ha tenido muchísimos cambios hasta llegar a como está ahora. En principio era completamente lineal y poco a poco lo fuimos metiendo en una
estructura de canción pop, con estrofas y estribillo. Los arreglos también han
cambiado con el tiempo. Al final teníamos tantos que hicimos cuatro mezclas diferentes, cada una con distintas melodías. En cuanto a las influencias
y referentes, son tantas que nos perdemos. Tengo la sensación de que
habéis querido devolver a la música todo lo que ella os ha dado... ¿Van por
ahí los tiros? ¿Es una especie de gran homenaje? Hay mucha parte de eso,
pero yo creo que cualquier artista da a cambio de lo que recibe, es algo
genérico. Luego hay otras consideraciones a tener en cuenta, pero todo
parte de ahí. Nadie crea de la nada. En nuestro caso quizá esté más acentuado porque somos apasionados de lo que hacemos, y los motivos más
relacionados con las necesidades del ego no están tan presentes. Amamos
la música y todo lo que nos ha dado. Es justo que continúe la cadena.
¿Dónde se han grabado estos temas? Siempre empezamos las canciones en
nuestros respectivos estudios caseros. Casi todo se graba en ellos, pero
luego vamos a terminarlas a un estudio profesional. Para este disco estuvimos también en el estudio de Red Bull de Madrid, en Matadero. Sobre todo
fue un lugar de encuentro para casi todas las colaboraciones que hemos
tenido. Solo tenemos palabras de agradecimiento para todas las personas
involucradas: Víctor, Oswaldo, Raúl... El ambiente del estudio y el clima que
propician, a nosotros nos sirvió de mucho. Ahora, cuando escuchamos el
disco terminado y todo lo que se hizo allí, vemos que supimos aprovechar
lo que nos ofrecieron. Por último, la mayoría de las mezclas las hicimos en
Granada, en el estudio Producciones Peligrosas. ¿Vuestro directo sigue sien-
do muy orgánico? ¿Seguís dándole mucha importancia, por ello, a la improvisación? ¿Lo que queréis es sonar en directo como si fuerais una banda?
Estamos preparando dos sets, uno en el que vamos Floren y yo solos, más
orientado al club. En él deconstruimos las canciones y las creamos sobre la
marcha, según nos lo pidan la noche y el público. Es más parecido a una
sesión de Dj pero con máquinas. El otro set es con más músicos, como mínimo con un batería, pero la idea es ir sumando gente hasta llegar a formar
una banda completa cuando la situación lo permita. ¿Remixes ya a la vista?
Estamos haciendo contactos para sacar un disco con remixes. Pero no queremos hacerlo por que sí. Hasta que no tengamos a los artistas que nos gustan no vamos a dar el paso. Lee la entrevista completa en www.ocimag.com
de analógico a digital
BRUNA / THENCE REMIXES (SPA.RK)
Sí, claro. Fui uno de los que cuando escuché el Thence,
de bRUNA, dije que iba a ser uno de los mejores discos
nacionales del pasado 2013 y eso que el año acababa
de empezar. Y también pensé que los futuros remixes
que acompañarían a esos temazos serían de ensueño
disco-house-pop. Pero la realidad supera la ficción y
puedo decir y digo que las cinco revisiones que
presenta este Thence remixes son, simplemente,
fascinantes. Destacar las maravillosas y muy clubbys de
Marc Marzenit y Henry Saiz –para You've Been Light
To Me y Won't Say It, respectivamente–, que vienen
arropadas por las no menos estupendas que Alizzz
Feat, Patrikc Baker y Lost Twin perpetran sobre Smell
Memory y Closer. Cierra el disco una gran versión
extendida que el propio bRUNA se calza de su increíble
Magic Tweens. En fin, que Dios existe y desayuna
cereales con leche, con Carles Guajardo, cada mañana.
(Fernando Fuentes)
THE DRUMS / ENCYCLOPEDIA (MINOR)
Lo que me sorprendió de The Drums en su primer
disco homónimo no fue la vertiginosa velocidad de
Let's Go Surfing, sino la combinación de su versión de
rock, surf y psicodélica con temas más oscuros e
intimistas que casi sonaban a dark wave, acompañados
de letras que iban de lo más simple y narrativo hasta
temáticas extrañas, llenas de metáforas. Portamento
tenía un formato parecido: Money para las pistas, How
It Ended para los melancólicos de corazón. Aunque
cualquiera pensaría que son de la costa oeste, el grupo
neoyorkino vuelve ahora con su tercer disco en
discordia, algo que casi parecía imposible tras una
disolución, grupos en paralelo y, finalmente, el regreso.
Encyclopedia es más comedido y más extraño. ¿No
tiene sentido...? Puede que no. Incluso su hit pegadizo
Kiss Me Again es menos salvaje, pero todos los temas
suenan más crudos, más psicodélicos, más garajeros.
Como una noche de campamento que se llena de
locura, perversión, subidones y bajones de un grupo
de sanos muchachotes norteamericanos. (Catalina Isis)
KLAXONS / LOVE FREQUENCY (ALIVE RECORDINGS)
Aquellos que por 2007 fueron adalides de eso que se
llamó ‘nu-rave’ regresan a la palestra sonora con un
Love Frequency que se puede considerar como un
buen trabajo ¿de madurez? sin por ello tener que
echarles años encima a los mendas. El caso es que en
estos once temas hay mucho pop y también sacos de
electrónica, pero siempre tratado desde un sentido
underground del asunto... y hasta house. Aquella
permanente búsqueda de lo comercial, el hit por el hit,
ha quedado en el camino y aquí Klaxons, con tracks
como There Is No Other Time, The Dreamers y sobre
todo el temazo Out of the Dark alcanzan un estatus
más que digno entre esos grupitos que quieren hacer
pop de bailongo sin caer en esos espacios serrucheros
y aberrantes que, por ejemplo, en este álbum viene de
la mano de la horrenda Rythm Of Life... ¿Culpa de su
productor, el inefable Tom Rowlands de The Chemical
Brothers? No sé, ya se lo preguntaremos a él.
(Fernando Fuentes)
THE JUAN MCLEAN / IN A DREAM (DFA RECORDS)
Vamos ya por la tercera vuelta: el disco y el house son
los reyes de las pistas alternativas otra vez en toda
Europa. Pero, para algunos, estos estilos nunca se
fueron. DFA Records es uno de esos bastiones que han
ido adaptando a los tiempos las bases disco con su
espíritu alternativo: punk disco, disco rock, disco (y
punto)... llámalo como quieras. Han sido fieles durante
años a un sonido que ha ido y ha vuelto. The Juan
MacLean es una de las bandas de la familia y en In a
Dream, la vocalista Nancy Whang explaya todo su
potencial. Desde unas lánguidas bases house hasta
temas con guitarras o bases rotas, In a Dream es una
delicia para los amantes del disco alternativo. La única
pega es el uso excesivo de sonidos en todos los temas.
Aunque depurar los temas es difícil, hay cortes
excelentes y pisteros, como Here I Am o A Simple
Design, que serían mucho más eficientes siendo un
poco menos ruidosos. (Catalina Isis)
INTERPOL / EL PINTOR (MATADOR)
Doce años tiene ya el maravilloso álbum debut de
Interpol, Turn on the Bright Lights, y este mes se
celebra el décimo aniversario de su segundo disco,
Antics. Mucho ha llovido desde entonces: formar parte
de la banda sonora de programas de televisión, cerrar
festivales, gira con U2... En este tiempo dos miembros
de la formación original han caído y la banda se ha
tomado tres años de respiro con este El pintor como
resultado de un tiempo de reflexión. ¿Y qué ha
cambiado? La voz de Paul Banks sigue cabalgando
entre un extraño tono melancólico y subidones crudos.
La guitarra de Daniel Kessler sigue marcándose cortas
melodías que navegan la canción como una vela dirige
un barco en alta mar. Pero lo que Interpol ha perdido
de forma progresiva es su limpieza y sus silencios: esos
que hacían que cada riff de guitarra te atravesara el
corazón. El pintor es una buena colección de canciones
que suenan a Interpol, con energía pero sin alma.
Pintor, pero no artista. (Catalina Isis)
VVAA / UNDERGROUND SOUND OF IBIZA/ MARC MARZENIT (BEDROCK RECORDINGS)
Mientras alicata los temas que sustanciarán su próximo
album, y que verán la luz en otoño de este año, Marc
Marzenit saca tiempo para seleccionar, mixear y
facturar una entrega de esa serie que tras el nombre
sugerente de Underground Sound of... Ibiza intenta,
en esta ocasión, recoger lo mejor del sonido que se
baila en los espacios menos verbeneros de la isla
blanca. El caso es que este mix, dividido en dos partes
y sendos CD –una dedicada al piscineo diurno y otra al
nocturneo– contiene temas de gente como Marco
Bailey, King Unique, The Japanese Popstars, Sasha
Carassi, Ramón Tapia, Dave Angel, Pig & Dan, Guy J y
del propio Marzenit, que aporta su Fictional Crossover.
El resultado es eso: resultón y efectivo tanto en la
piscina como en el club... y de eso se trataba, ¿no?
Mientras, esperamos ese nuevo álbum de un Marzenit
que parece no conocer límites en lo que afecta a su
talento... y hasta aquí puedo leer OCIosos.
(Fernando Fuentes)
MOONFACE / CITY WRECKER (JAGJAGUWAR)
¿Qué hace esta reseña aquí? Pura nostalgia. Esta es
“mi mierda sobre su mierda”, diría un amigo –artista,
para más referencias–. Moonface es el proyecto de la
mitad del enérgico, explosivo y despiadado Wolf
Parade. En Moonface, Spencer Krug se desnuda, vacía
su energía y acerca al oyente interesado (que no son
muchos) la misma melancolía y rabia hacia antaño con
su banda, destilada a través de la tristeza: un piano,
unas letras, un bosque salvaje cubierto de nieve que
casi parece algo inocente. Cada vez que Moonface
edita algo suena diferente. A veces demasiado
abstracto, a veces demasiado melódico, demasiado
pretencioso... Suele fallarle la cohesión que encontraba
trabajando con Dan Boeckner (al que hay que seguirle
con su nuevo proyecto, Operators). Es l’enfant terrible,
el artista dolido, el personaje que engulló a la persona.
En este caso, City Wrecker es demasiado simple e
intimista. Pero no es tan fácil reinventarse con cada
paso, él mismo lo dice: está “running in place with
everyone”. (Catalina Isis)
HENRY SAIZ / REALITY ADDENDUM (NATURA SONORIS)
Siempre que nos encontramos ante un disco de
presuntas caras B pensamos en que es material
descartado, de segunda, desechos. Craso error, al
menos en este caso. En esta colección de nuevos
temas, o al menos inéditos, de Henry Saiz hay algunos
que perfectamente podrían haber viajado a bordo de
Reality is for those who are not strong enough to
confront their dreams, pero el autor no lo estimó
apropiado por diferentes razones de solo su
incumbencia, pero que seguro afectan a su velocidad y
alto contenido de bailongo. Y por eso este Reality
Addendum es justo y necesario, y lo es porque recoge
ese material de primera que Saiz guardó con
¿resignación? en su laptop y que ahora, gracias a dios,
ve la luz de mediodía. Estos nueve cortes extras son
puro baile: aquí Saiz se muestra en estado puro, y
pasajes como The Nothing, Underworlds, Anubis o
Idols nos retrotraen al artista de festival o club, menos
conceptual y ambiental: más él. Este supuesto disco de
descartes es un albumazo. (Fernando Fuentes)
news diseño y proyectos
PHARRELL X KAWS X COMME DES GARÇONS
Pharrell Williams lanza una fragancia en colaboración con Comme des Garçons.
Lo que ha tomado a muchos por sorpresa es el diseñador del arte para la botella:
uno de los artistas contemporáneos más importantes del mundo, Kaws, más
conocido en España por abrir el mundo del grafiti y los toys al mundo del arte más
conservador desde su reciente exposición en la galería Javier López, de Madrid. La
gráfica de Brian Donnelly adorna el envase de esta colaboración que marcará historia, tanto para la firma japonesa como para el multifacético Williams. Girl estará a la venta en puntos autorizados Comme des Garçons alrededor del mundo, y
en Valencia estará a la venta exclusivamente en la tienda Linda Vuela a Río. Un
triunfo mediático para Rei Kawakubo. www.comme-des-garcons-parfum.com
IRIS VAN HERPEN
X A MAGAZINE
Iris van Herpen ha comisariado el nuevo número (el decimotercero para ser exactos) de A Magazine. Según ella,
“la inspiración es una cuestión de sensibilidad. Es la
capacidad de recoger del pasado, presente y futuro a
medida que cambian junto a nosotros”. La diseñadora
neerlandesa sigue en su línea, mostrando imágenes
sugerentes. “En este número de A Magazine quiero afirmar la importancia de la alianza y la fraternización, de
transgredir los límites experienciales de esas relaciones
versátiles que son los catalizadores para la verdadera
inspiración”. Hanne Gaby protagoniza una portada firmada por el fotógrafo Pierre Debusschere. Junto a las
primeras imágenes del número, el teaser de la colección
Voltage dirigido por Geoffrey Lillemon y Joost Korn nos
enseña que la visión de Iris van Herpen va más allá de la
moda para adentrarse en la del arte más conceptual y
contemporáneo. www.irisvanherpen.com
ARQTIST
Pese a que (esperamos) el papel jamás desaparecerá para el mundo de la edición,
el mundo interactivo se abre camino a pasos agigantados. Prueba de ello es
Arqtist, una nueva revista interactiva diseñada para iPad, centrada en la creación
y la transformación de espacios desde el punto de vista de la arquitectura, el arte
y el diseño. Es gratuita, se edita en inglés y en español y está diseñada por
Tactelgraphics. En sus ediciones #0 y #1 encontramos a gente de la talla del pintor
Juan Olivares, artistas como Zhang Huan y Fabienne Verdier o los arquitectos
Herzog y De Meuron. Un exquisitez al alcance de todos. www.arqtist.com
SALÓN NUDE 2015
FRANCIS BITONTI X GAME OF LIFE
Feria Hábitat Valencia convoca la decimotercera edición del Salón Nude,
la plataforma más relevante del nuevo diseño del hábitat que
anualmente se celebra en España y que en 2015 se celebrará del 9 al
13 de febrero, de nuevo en el marco de la iniciativa Nos Vemos en
Valencia, que aglutinará la celebración conjunta en Feria Valencia de los
certámenes Cevisama y Hábitat. Nude se configura como un auténtico
vivero de innovación y creatividad, y por él han pasado a lo largo de sus
doce ediciones gran parte de los diseñadores y estudios creativos que
actualmente ocupan un primer plano en el ámbito del diseño nacional
e internacional. La edición 2015 del Salón Nude ya ha abierto la
participación a estudiantes, jóvenes diseñadores, creadores y escuelas
de diseño. www.nudegeneration.com
El diseñador de moda neoyorquino Francis Bitonti ha utilizado el
modelo matemático Game of Life (ideado por el británico John
Conway) para crear zapatos con gradientes de color en una impresora 3D. Francis Bitonti es conocido por el diseño del vestido impreso en 3D para Dita von Teese. En su colección cápsula cada zapato
de plataforma tiene una forma ligeramente diferente. Los zapatos
se generan procesalmente, lo que permite conseguir muchas configuraciones. Según comenta Bitonti, "Adobe está entrando en la
industria del 3D-printing y es una cosa muy emocionante de ver.
Esto va a ayudar a más diseñadores a empezar proyectos con la tecnología más puntera que existe. Es emocionante formar parte de
estos avances". Muy Blade Runner todo. www.francisbitonti.com
FDMODA LCI BARCELONA
La Escuela Superior de Diseño y Moda Felicidad Dulce es un referente en el sector
formativo de la industria nacional e internacional, puesto que lleva más de un año
siendo parte del grupo LCI Education Network, lo que permite a sus estudiantes ampliar
su aprendizaje en 21 campus de 11 países gracias a la movilidad que facilita la red. Pero
la oferta de LCI Barcelona no se limita a la moda. Probablemente su programa más
popular también incluye títulos superiores equivalentes a un grado universitario en
Diseño de Producto, Interiores y Gráfico, además de postgrados y másteres. La oferta
en las diferentes áreas del diseño se ha ampliado y programado para responder a las
necesidades laborales y empresariales actuales, por lo que cada una incorpora nuevos
postgrados, como el de Diseño multimedia, la Animación 3D y las Aplicaciones digitales
en el campo del diseño gráfico, y Coolhunting for Fashion Industry, Management de
colecciones deportivas, Marketing digital y Redes sociales en el ámbito de la moda.
Además, existe la oportunidad de recibir la formación en inglés, lo que aumenta
posibilidades laborales a nivel internacional. No dudes en consultar su oferta formativa
y diseñar un plan de futuro que te enriquezca laboral y personalmente. fdmoda.com
AGUJERO NEGRO (CYGNUS X-1)
La lucha entre la gravedad y el tiempo
Texto: Marta Solsona / Foto: Paco Gómez para Matadero Madrid
Un agujero negro es una región finita del espacio en cuyo interior existe una
concentración de masa lo suficientemente elevada como para generar un
campo gravitatorio tal que ninguna partícula material, ni siquiera la luz,
puede escapar de ella. Esta es la definición de lo que da nombre a la obra
de Björn Dahlem, Agujero negro Cygnus x-1, que toma el nombre del primer objeto astronómico así denominado por los científicos en el año 1971.
Inaugurada el pasado mes de septiembre en Matadero Madrid, la imponente instalación se podrá visitar hasta el 11 enero de 2015. Una construcción
que se transforma en una galaxia construida a escala humana compuesta de
madera y objetos cotidianos. Esta escultura, que ocupa la antigua cámara
frigorífica de Matadero Madrid, representa un concepto abstracto del espacio y la materia. Simula ese instante entre desesperado y cómico de lucha
imposible contra la gravedad, al tiempo que congela la imagen de un proceso devastador de aniquilación total de las cosas que se ponen a su alcance. Toda la basura interestelar es absorbida y permanece girando alrededor
por unos instantes, antes de desaparecer para siempre. No se basa en la
estabilidad, sino en la fragilidad, que Dahlem ve como la condición de la
definición de los conocimientos humanos. Nos sorprende con su simplificación al reimaginar las formas del universo. Hijo de físico, Dahlem nació en
Múnich en 1974, y se interesó por esta temática y la llevó a su propia dimensión. Elige materiales e iluminaciones sencillas para, según él, mantenerse lo
más cerca posible de la idea de la imagen inmaterial de la imaginación.
Fascinado por la forma del universo, teoriza y representa la ciencia ‘popular’
y presentaciones paralelas de las utopías y la existencia humana.
LONDON DESIGN FESTIVAL 2014
Creatividad sin límites
Texto: Tactelgraphics / Foto: London Design Festival 2014
El recién terminado London Design Festival es uno de los más importantes
eventos de diseño anuales a nivel mundial, y se celebra en la capital
británica. El programa del festival se compone de más de 350 eventos y
exposiciones protagonizadas por cientos de organizaciones asociadas en
todo el espectro de diseño alrededor del globo terrestre. Fue concebido por
Sir John Sorrell y Ben Evans. Sobre la base de la actividad del diseño existente
en Londres, su concepto es crear un evento anual que promueva la
creatividad de la ciudad, atrayendo a grandes pensadores, profesionales,
comerciantes y educadores del país para ofrecer una celebración que acabe
siendo ineludible. En los últimos doce años, sus exposiciones se han
convertido en una de sus partes más vitales: cada una ofrece una mezcla de
diseñadores, productos, charlas, instalaciones e innovaciones alojadas bajo
un mismo techo. Estos eventos son puntos de encuentro para los
compradores internacionales, prescriptores y medios de comunicación en
general. El London Design Festival es un componente clave en la siempre
creativa temporada otoñal londinense, junto a la London Fashion Week, la
Frieze Art Fair y el London Film Festival. Fundada en 2003, su papel es el de
celebrar y promover Londres como la capital mundial del diseño, así como
una puerta de entrada a la comunidad internacional del diseño. 84
exhibiciones, charlas y talleres tuvieron lugar en el V&A, eje central del
festival, y a su vez los cinco distritos del diseño de la ciudad acogieron hasta
un total de 148 eventos. Un must. www.londondesignfestival.com
JULES JULIEN
Vectorizando sueños
UNA PISTOLA-ARDILLA, CADÁVERES EXQUISITOS, SUEÑOS BAJO FORMA DE JEROGLÍFICOS... YA SEA SUTIL O GROTESCO, CON SU OBRA
JULES JULIEN CUESTIONA LA REALIDAD DEL MUNDO QUE NOS RODEA. COMBINANDO FIGURAS Y OBJETOS FAMILIARES, PRESENTA UN
MUNDO DONDE EL SÍMBOLO SE FUNDE CON LA HISTORIA Y DONDE LO EXTRAÑO SE ESCONDE TRAS DE LA UNIFORMIDAD DE SUS
IMÁGENES METICULOSAMENTE VECTORIZADAS. JULES JULIEN NOS PERMITE EVADIRNOS EN SU MUNDO SUBTERRÁNEO DONDE LOS
SUPERHÉROES SERÍAN EROS Y THANATOS Y LAS MAYORES QUIMERAS LUCIRÍAN TAN ATRACTIVAS COMO VENENOSAS.
Entrevista: Tactelgraphics
¿Te acuerdas de cuándo empezaste a dibujar? Se remonta a mi infancia. Mi
madre pintaba, y yo solía pasar el tiempo en su estudio. En el colegio se
convirtió realmente en un hobby, en el recreo, en casa... Darme cuenta de
mi propio progreso me animó a seguir y me hizo crecer. Me debatía entre
la música y el dibujo, pero cuando al final del instituto me hablaron de los
estudios de Artes aplicadas supe lo que quería hacer. Realmente no había
mucha distinción entre el arte y las artes aplicadas, pero lo que vi fue 21
horas de dibujo y la formación profesional el resto de la semana. 21 horas
de dibujo: eso me hizo soñar. ¿Cuáles fueron tus temas preferidos? ¿Tienen
algo que ver con lo que haces ahora? Recuerdo que mis padres estaban preocupados porque dibujaba calaveras y esqueletos. Pero yo no me limitaba
a eso. Que yo recuerde hacía retratos, desnudos, drapeadas, formas abstractas de las que se hacen mecánicamente cuando estás al teléfono, si no
todo tipo de monstruos, eso me gustaba mucho... ¿Podías imaginarte
viviendo del dibujo? Desde mis 15 años, una vez comenzado el curso de
estudios en artes aplicadas, sí, completamente. Lo que no sabía es qué
dirección decidiría tomar. Me gustaba todo y encontré mi camino. Así que
he llegado a vivir de ello. Para un artista, el espacio donde se muestra es
muy importante, ¿me equivoco? Está claro que cuando un artista tiene la
oportunidad de exponer en un espacio potente es una ventaja. Empezando
solo por el diseño de la exposición, ya no comienza con una página en blanco: dispone del sitio, y por mi parte lo lógico será dialogar con ese espacio
que influye inevitablemente en el concepto de la obra. Es como un encuentro: descubriendo al otro aprendemos más acerca de nosotros mismos. Pero
también creo que cada pieza o serie deben tener una autonomía propia,
capaz de vivir de forma independiente al lugar. Quizás no será lo mismo,
pero la capacidad de exhibir de nuevo un trabajo es frecuente, y también
funciona. En cualquier caso, yo agradezco tener la oportunidad de desarrollar un trabajo en relación con un lugar. Rompe con la soledad del artista y
lo obliga a bajarse de su pedestal, una especie de humildad forzada que lo
ilumina desde un nuevo ángulo. ¿Cuáles son tus próximos proyectos?
¿Podrías anticiparnos algo? Mi proceso de creación es muy largo: una expo-
sición por año más los encargos de diseño me generan mucho trabajo.
Haga lo que haga, y aunque no es evidente para el resultado final, me
documento mucho, leo todo lo que puede estar en relación con el concepto que tengo en mente. En cuanto a futuros proyectos, principalmente
estoy con la próxima exposición individual que tengo, de la que ya me estoy
empezando a documentar aquí y allá. Además de esto, he creado una serie
de porcelanas, una vajilla a la cual le he puesto por nombre Collection
Blanche, editada por TH Manufacture, para los que he realizado cuatro
diseños exclusivos, más uno que es un cover de una pieza de una exposición pasada. Acabo de terminar la portada para un single de How To Dress
Well con Truly Yours y Adidas. En breve empiezo una colaboración con otro
proyecto musical, y otro con Laura Welsh y Jonny Stimson. ¿Qué diferencias
dirías que hay entre tu trabajo como artista y tu trabajo como diseñador?
Están bastante alejados el uno del otro. El entorno es totalmente diferente.
En el diseño o la ilustración, es el cliente el que asume los riesgos con su
encargo. Eso lo tengo muy claro y si algún mensaje tiene que salir del proyecto, es el cliente quien se lo atribuirá, aunque sea yo quien lo lleve a cabo.
Es su producto, no el mío. Así que el proceso se inicia mediante el descubrimiento y la comprensión de la petición de mi cliente. No nace de mí.
Cuando creo obra propia, es decir como artista, me introvierto, es una parte
de mí lo que saco a relucir. Es infinitamente más personal. ¿Nos puedes
anticipar algo de tu próxima exposición en Espai Tactel? La exposición se llamará Blue Series: a Romantic Cluedo. Enfrento mis propios recuerdos a los
del visitante. Imágenes propias que presento de forma parcial, disociando
los lugares, las personas, los objetos o las historias. El narcisismo de una
urraca atraída por el brillo del espejo, el desvanecimiento del iris ante la
muerte, una orgía de caramelos y estrellas... es un flashback estrellado, una
historia caleidoscópica. ¿Quieres añadir algo? Estoy feliz de haber sido invitado por Ismael y Juanma a unirme a su elenco de artistas en la galería Espai
Tactel de Valencia. Pocas galerías no se sienten intimidadas por piezas realizadas digitalmente. Su actitud y su proyecto están llenos de frescura. Para
mí es un encuentro tanto humano como artístico.
THE JOCKEY CLUB INNOVATION TOWER
Utopías construidas
DESPUÉS DE UNOS DUROS INICIOS Y DEBIDO A SU PERSISTENCIA, LA PRODUCCIÓN DE EDIFICIOS DE LA ARQUITECTA DE ORIGEN
IRANÍ CON DESPACHO EN LONDRES, ZAHA HADID, HA IDO CRECIENDO CASI DE MANERA EXPONENCIAL. UNO DE SUS ÚLTIMOS
EDIFICIOS ES THE JOCKEY CLUB INNOVATION TOWER, QUE ACOGE LA ESCUELA DE DISEÑO DE LA UNIVERSIDAD POLITÉCNICA
DE HONG KONG, LA MISMA CIUDAD EN LA QUE DISEÑÓ EL PROYECTO NO REALIZADO QUE LE DIO FAMA Y PRESTIGIO.
Texto: Carlos Salazar / Foto: Iwan Baan, Doublespace, Virgile Simon Bertrand
En 1983 Philip Johnson seleccionó un proyecto de Zaha Hadid para que formara parte de la exposición Deconstructivist Architecture en el Museo de
Arte Moderno de Nueva York. Ser tocado por la mano de este personaje
omnipresente en la historia de la arquitectura del siglo XX suponía entrar en
el Olimpo de los arquitectos. El proyecto seleccionado fue el ganador de un
concurso para la construcción de The Peak Leisure Club, en Hong Kong. El
aspecto del proyecto reflejado en los planos era sorprendente. Sobre una
topografía modificada descansaba un artefacto en el que no se adivinaban
las jerarquías habituales de la disciplina arquitectónica ni del orden ortogonal. Era un cúmulo de atractivas diagonales dinámicas que se entrecruzaban
casi violentamente en una composición que recordaba las pinturas de
Kandinsky. Esta propuesta no se construyó finalmente. En su lugar se construyó un edificio resuelto en un burdo estilo postmodernista propio de la
época. Quizás esto venga justificado por el hecho de que un edificio que
rompía todas las convenciones habituales conocidas hasta la fecha parecía
más un producto de la fantasía, de la elaboración de una utopía en una
época en que la tecnología del ordenador no se había implantado, lo cual
hacía imposible, constructivamente, ese tipo de arquitectura desestructurada, basada en formas tremendamente expresivas y que hoy en día es posible y es habitual en nuestro imaginario urbano. Los dibujos y las composiciones estaban resueltas artesanalmente, tal y como se trabajaba hace treinta años. Es decir, dibujos elaborados a mano con la técnica de la delineación
a tinta y en su caso también con pinturas acrílicas. Hadid no llegó a construir un solo edificio en la primera década de su carrera. Su aportación al
mundo de la arquitectura se encasilló como un trabajo artístico experimental de cuidadas representaciones arquitectónicas, que quedaban distorsionadas para provocar algún efecto óptico mediante la superposición de diferentes perspectivas del mismo objeto.
Quizás alguien que no haya seguido la carrera de Zaha Hadid no vea similitudes entre aquel trabajo y el que ahora nos ocupa. Ciertamente, en el primero podemos observar cuatro grandes vigas moviéndose en sentido horizontal, frente a una sucesión de bandejas que se mueven en altura en el
segundo. Pero debajo de esa diferencia se halla un hilo conductor: la ambición en ambos casos de ser entendido como una extensión del entorno que
lo rodea. En este caso y para conseguir su objetivo aplica su máxima de ‘fluidez total’, concepto con el que suele explicar los proyectos desarrollados
recientemente. Fluidez que le da la geometría irregular del lugar en donde
se asienta y el flujo circulatorio de las vías que rodean el edificio. Las referencias al flujo natural que marca los movimientos del edificio de Zaha
empiezan por una serie de dibujos espontáneos que se podría calificar de
gestos arbitrarios, pero que son totalmente intencionados. Mediante un
programa de diseño parametrizado, hoy en día se puede resolver toda la
complejidad formal que pueda presentar un proyecto para hacerlo construible, aunque muchas veces, en este tipo de operaciones, la prioridad no es el
coste o la funcionalidad del edificio. Por el contrario, según algún estudio
psicológico de referencia, el ser humano se siente atraído por escenarios que
muestran un equilibrio entre coherencia, complejidad, legibilidad y ciertas
dosis de misterio. Esta complejidad paisajística propia de la naturaleza es al
mismo tiempo una fuente de relajación y estimulo para los que trabajan en
este tipo de edificios. La variedad de estímulos visuales que se potencian con
el movimiento del usuario hacen que se rompa la monotonía del día a día,
la que puede provocar un espacio visualmente pobre. La aplicación de estas
nuevas técnicas que hacen posible este tipo de arquitectura, junto con el
coraje de algunos clientes, ha hecho que la demanda de este tipo de construcciones sea cada vez más frecuente. Después de ganar el concurso en
2007, tres años de desarrollo del proyecto y tres más de construcción, pasado todo este tiempo parece que finalmente con la construcción de The
Jockey Club of Innovation Tower se cierra un bucle alrededor de la trayectoria de la arquitecta. Un edificio que se distribuye en una superficie de 15 000
metros cuadrados que acoge a 1 800 personas en espacios como salas de
lectura, clases teóricas, clases de dibujo, talleres, espacios expositivos, cafetería y un espacio común de esparcimiento. Con el paso del tiempo las utopías arquitectónicas que imaginó Zaha y que ha sido posible construir la han
convertido en uno de los pioneros de la nueva arquitectura de principios del
siglo XXI en la medida que ha inspirado a nuevas generaciones de arquitectos y ha cambiado el panorama visual de esta disciplina.
MONDO NATURE
Texto y selección: Rosario Muñoz y Rubén Vidal
DURANTE TODA SU EXISTENCIA EL SER HUMANO SE HA SERVIDO DE LA NATURALEZA PARA SUBSISTIR, DESARROLLANDO DIFERENTES TÉCNICAS PARA ADAPTARSE AL MEDIO PRIMERO Y SOMETIÉNDOLO DESPUÉS PARA MEJORAR SU CALIDAD DE VIDA. HEMOS PASADO DE CONVIVIR EN
ARMONÍA Y RESPETO CON EL ENTORNO A EXPLOTARLO Y MALTRATARLO EN NOMBRE DE LA CIVILIZACIÓN. NOS ENCONTRAMOS AHORA EN EL SIGLO XXI, UN FUTURO PRESENTE QUE LOS ABUELOS DE NUESTROS PADRES IMAGINARON COMO UN MUNDO DE CIENCIA FICCIÓN CON AUSENCIA TOTAL DE NATURALEZA VIVA. AÚN NO HEMOS LLEGADO A ESO, PERO, AL IGUAL QUE NUESTROS BISABUELOS, INTUIMOS QUE EL DESARROLLO DE NUESTRAS SOCIEDADES NO ES COMPATIBLE CON LA PRESERVACIÓN DE LA NATURALEZA, UNA REALIDAD CADA VEZ MÁS VISIBLE QUE VA
PESANDO EN LAS CONCIENCIAS INDIVIDUALES Y QUE, DE ALGUNA FORMA, ESTÁ SIRVIENDO DE
INSPIRACIÓN A ARTISTAS Y DISEÑADORES PARA REMOVER LA CONCIENCIA SOCIAL. DESDE LA
INVESTIGACIÓN DE NUEVOS PROCESOS DE PRODUCCIÓN TEXTIL RESPETUOSOS CON EL MEDIO
AMBIENTE HASTA EL CULTIVO DE TEJIDOS CREADOS A PARTIR DE BACTERIAS, PASANDO POR LA
SERIGRAFÍA ECOLÓGICA E INCLUSO LA REPRODUCCIÓN DE UNA MONTAÑA Y UNA CASCADA
PARA DARLE FORMA A UN SILLÓN, SON SOLO ALGUNOS DE LOS GRANOS DE ESPERANZA QUE SE
VAN ACUMULANDO EN ESE GRAN MONTÓN DE ARENA QUE HACE VISIBLE LA PREOCUPACIÓN DE
UNA GENERACIÓN POR UN FUTURO INMEDIATO MEJOR Y MENOS AUTODESTRUCTIVO.
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01. The Mineral Consoles Blue Edition. Maximo Riera. www.maximoriera.com / 02. Somewhere Over Summer. Tactelgraphics. www.tactelgraphics.com. / 03. Octfalls. Ryoichi Kurokawa.
www.ryoichikurokawa.com / 04. Ana Locking, primavera-verano 2015. Mercedes-Benz Fashion Week Septiembre 2014. www.analocking.com. / 05. Camille Kachani.
www.camillekachani.com.br / 05. Domsai. Bosa Cramiche. www.domsai.com
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01. The Mineral Consoles. Maximo Riera. www.maximoriera.com / 02. The Phytophiler. Foto Omar Nadalini. www.dossofiorito.com / 03. Laforet Karajuku. Be Noisy. Foto Yasutomo Ebisu. Hair
Make Up Katsuya Kamo. Art Direction & Graphic Design Rikako Nagashima. Design Naonori Yago. rikako-nagashima.com / 04. Parramyd. Kawamura-Ganjavian. www.studio-kg.com / 05.
Baitogogo. Henrique Oliveira. Palacio de Tokyo de París. www.palaisdetokyo.com
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01. Masha Reva x Syndicate. Botanical Layers (2012). Foto Synchrodogs. Modelo Lada Matis. Estilismo Masha Reva. www.mashareva.com / 02. Reserved Volumes Leaves. Mischer-Traxler.
www.mischertraxler.com / 03. Hug. Yukary Hotta. cargocollective.com/yukarihotta / 04. Montanara. Gaetano Pesce para Maeritalia. Foto cortesía de Meritalia. www.meritalia.it / 05. Lightness
(África). W Design Architecture Studio. www.wdas.co.za / 06. Humus. Giuseppe Licari. Tent Rotterdam 2012. Foto Janssen y Jan Adriaans. www.giuseppelicari.com
arte y expos
Las cartas de agradecimiento de Chiharu Shiota
Texto: Marisol Salanova
Siguiendo la estela de Louise Bourgeois, la artista Chiharu Shiota es
conocida por sus obras con lana, tejidos y nudos como materia principal, y
plantea instalaciones y performances con elementos referenciales de la
cultura japonesa con un minucioso trabajo manual. Cartas de
agradecimiento es la más reciente intervención que ha realizado y que se
puede visitar hasta el 11 de enero de 2015 en el Espai d'Art Contemporani
de Castelló (EACC). La obra consta de auténticas cartas de agradecimiento,
ese género tímido, cada vez más difícil de encontrar y parece que perdido
cuanto menos escribimos sobre papel. Atendiendo al contexto de la ciudad
e implicando a personas del entorno podríamos decir que es una obra en
cierto modo interactiva. Es destacable que haya tenido lugar otra versión
anterior de esta pieza en el Museum of Art, en Kochi (Japón). El EACC,
apostando siempre por una línea expositiva de carácter arriesgado y
experimental, acoge la propuesta de la artista en un momento clave,
coincidiendo con su nombramiento para representar a Japón en la próxima
edición de la Bienal de Venecia, que tendrá lugar en mayo de 2015. Shiota
conecta con el público, que no es aquí un mero espectador, sino un visitante
que recorre la pieza, entrando en ella y aproximándose a sentimientos
profundos emanados por los objetos. Notas colgantes provocan diversidad
de reflexiones sobre las relaciones interpersonales con un entramado de
hilos que representan la comunicación pero también la incomunicación en
una sociedad hiperconectada. Temas como la soledad, la diáspora, la
memoria, el olvido, la palabra escrita son una constante en el trabajo de esta
artista desde sus años de estudiante de pintura en la Seika Universidad de
Kioto entre 1992 y 1996, previos a su establecimiento en Berlín, sede de sus
creaciones en la actualidad o, lo que es lo mismo, centro neurálgico donde
fluyen las ideas que por primera vez traslada a territorio español en unas
condiciones tan especiales dadas las dimensiones del centro. Abramovic,
Horn y Mendieta sirven de inspiración para la faceta performativa que busca
unir las fuerzas de los cuerpos y la naturaleza, la corporalidad de los objetos
manipulados por mano humana en su incesante tendencia natural a
ritualizar. Con la voluntad de dibujar líneas en el espacio, Shiota traza sobre
la geografía etérea del interior del edificio el rastro de una pertenencia.
Cuando en 2012 expuso en Casa Asia de Barcelona una instalación más
pequeña relacionada con estas temáticas y su característica técnica bajo el
título Sincronizando hilos y rizomas, muy probablemente se estaba
fraguando lo que ha derivado en tan sugerente muestra de arte por su estilo
desconcertante y lleno de un encanto casi mágico. www.eacc.es
arte y expos
FROM SEX TO PUNK
John Tiberi
LO FEO NO SE VENDE
Miki Leal
La Térmica y Contemporánea presentan por primera vez en España la
exposición From Sex to Punk, que nace como resultado de ese interés
por la cultura popular, entendida como un elemento característico de
toda una época o como un clima estético genuino que caracteriza todos
los aspectos de la cultura, desde la museística a la baja cultura, esa ligada al consumo cotidiano. Y su objetivo principal es mostrar cómo la baja
cultura puede influenciar rápidamente el arte, la música, la moda y esa
que es considerada, en general, como alta cultura. From Sex to Punk
analiza a través de una selección de medio centenar de fotografías de
John Tiberi, fotógrafo y ex tour-manager de la legendaria banda Sex
Pistols, las interferencias de esta cultura con la música y aquel cambio de
época que es el punk, revolucionario movimiento nacido a mitad de los
años setenta y una de las últimas revoluciones socioculturales de la
segunda mitad del siglo XX, acontecida durante la crisis que sumía a
Inglaterra en aquel periodo, y muy similar a la actual. La exposición,
pues, se centra en las conexiones entre moda y cultura punk, en concreto explorando la influencia de un punto de referencia para ese nuevo
estilo emergente: Sex, la tienda inaugurada por Vivienne Westwood y
Malcolm McLaren en 1971 en el 430 de King’s Road, en Londres.
Miki Leal inaugura la temporada artística de F2 Galería, espacio que
toma el relevo de la Galería Fúcares, con la exposición individual Lo feo
no se vende. El artista realiza con esta exposición un recorrido por el
diseño industrial del siglo XX deteniéndose en cuatro hitos que revelan
las raíces y la evolución de las preferencias estéticas del artista. A cada
uno ellos dedica una suite de dibujos en técnicas mixtas: los diseños textiles de la Wiener Werkstätte, de la que reproduce un cartel de 1925;
Raymond Loewy, el padre del diseño industrial norteamericano, al que
toma prestado el título de la exposición, dándole su personal guiño sarcástico; la célebre pareja de los Eames, Charles y Ray, sobre quienes compone un ‘modesto’ relato políptico de diez piezas que entremezclan
obra y vida; y, por último, el Grupo Memphis, fundado en los años 80
por Ettore Sottsass. Volcado permanentemente en la pintura figurativa,
de la que ha sido uno de los más altos exponentes en sus ya casi quince
años de trayectoria, Miki Leal ha sustentado lo mejor de su trabajo en su
dominio del color, en su capacidad para desplegarlo en un enorme y
sugestivo abanico, y en su excepcional voracidad imaginaria. Pocos artistas han puesto sobre el papel, y nunca mejor dicho, un universo tan rico
de situaciones y momentos tan mágicos como convincentes.
La Térmica, Málaga - Del 23 de octubre al 9 de enero de 2015
F2, Madrid - Hasta el 8 de noviembre de 2014
www.latermicamalaga.com
www.f2galeria.com
NAMELESS COTERIE
Hell’o Monsters
CASTLEHEAD
Nelo Vinuesa
Hell’o Monsters es un colectivo de artistas belgas con sede en Bruselas.
Jérôme Meynen, Francois Dieltiens y Antoine Detaille, llevan más de diez
años homogeneizando lenguajes y compartiendo soportes para crear lo
que hoy es su internacionalmente reconocido universo. Un universo de
seres híbridos envueltos en una narratividad intrigante que bebe, entre
una gran diversidad de fuentes, de la iconografía e iconología medievales, el sustrato artístico y cultural surrealista belga o el arte óptico, el folclore e incluso la ciencia y el esoterismo. Con una técnica a veces rayana en un miniaturismo puntillista y unos acabados limpios y precisos, el
colectivo va extendiendo su catálogo de escenas e ideas en un empeño
casi obsesivo por ampliar y perpetuar su particular legado. Sus dibujos
sobre papel, muro o madera, juegan a menudo con las tensiones del
equilibrio físico, moral o morfológico; la oposición o dicotomía de las
fuerzas o los conceptos, tales como la honestidad, la apariencia, la vacuidad, el sentido, el optimismo o la desafección. Los interrogantes de corte
existencialista y los tópicos literarios clásicos como el acecho y la irrevocabilidad de la muerte o el carpe diem, son también temas recurrentes,
que aparecen de manera más o menos explícita, pero casi siempre tratados con un cierto cinismo, una mordacidad estoica envuelta en confeti.
Las pinturas de Nuelo Vinuesa (Valencia, 1980) se presentan como una
serie de fotogramas extraviados, fragmentos de una narración que se
construye en torno a la idea de espejismo, fenómeno que hace referencia a la distorsión de la percepción sensorial, a la apariencia engañosa de
algo que nos lleva a apreciar la realidad erróneamente. Su misterioso
mundo se construye mediante imágenes simbólicas estableciendo conexiones entre lo fantástico, lo espiritual y lo mágico. Por otro lado, hay
cierto romanticismo en las vibrantes composiciones que plantea el pintor, un anhelo por lo lejano, por lo infinito. Interesado en las relaciones
entre individuo, paisaje y naturaleza, en sus obras aparecen referencias a
la pintura clásica, a la estética esquemática de los videojuegos arcade, a
la ciencia ficción, el cómic o el cine de animación. En sus videopinturas
utiliza el potencial narrativo de la imagen en movimiento para investigar
nuevas formas expresivas mediante la práctica pictórica, y explora así las
posibilidades estéticas, espaciotemporales y rítmicas del soporte audiovisual en oposición al carácter estático del lienzo. La galería Espai Tactel
nos invita a descubrir una muestra en la cual el tiempo queda detenido,
aprisionado incluso, en los límites del espacio, pero también en la cronología de su época.
Delimbo Gallery, Sevilla - Hasta el 15 de enero de 2015
Espai Tactel, Valencia - Hasta el 7 de noviembre de 2014
www.delimbo.com
www.espaitactel.com
arte y expos
OBRAS DE HISTORIA
Carolee Schneemann
ESPEJISMOS / MIRAGES
Colectiva
Carolee Schneemann es conocida por sus trabajos pioneros en el campo
del cine y la videocreación relacionados con el feminismo, los discursos
sobre género y la sexualidad. Fue asimismo una pionera en el campo del
videoarte, la instalación y la performance, así como una exponente seminal de las aplicaciones políticas y formales del collage al usarlo en fotografía, pintura y vídeo. Obras de historia se centra en subrayar su compromiso con el registro de la historia en el momento en que ciertos acontecimientos tienen lugar. Esta retrospectiva repasa las creaciones de la
artista como una destacada representante de una nueva forma de entender el género tradicional de la pintura de historia. Desde Meat Joy (1964)
hasta algunas obras que critican las intervenciones militares en Vietnam
o los conflictos en el Líbano, concluyendo con piezas recientes como el
fotomontaje Terminal Velocity (2001). La obra de Carolee Schneemann
en relación a la historia contemporánea no solo hace al público testigo
de los intereses y preocupaciones de la artista, sino de la variedad y multidisciplinariedad de su producción. Obras de historia yuxtapone performances filmadas y los efectos collage de Meat Joy con las proyecciones
de Viet Flakes y Snows o las instalaciones More Wrong Things o
Precarious, acompañadas de una selección de dibujos y fotografías.
Vivimos tiempos difíciles en el sector del arte contemporáneo español. La
crisis económica ha agravado muchos de los problemas ya existentes,
tales como el descenso de la actividad cultural, la reducción (y en algunos casos la supresión) de la financiación pública destinada a cultura, los
recortes a las ayudas para promocionar el arte contemporáneo español
en el mercado internacional... Además, las compras institucionales han
ido desvaneciéndose poco a poco debido a los recortes y a la mala gestión, y los museos insisten en programaciones erráticas carentes de interés. Estos son solo algunos de los problemas, a los que hay que sumarles la subida del IVA y unas leyes muy poco favorables. Pese a este panorama cultural, siguen floreciendo nuevos espacios y profesionales que
parecen buscar un oasis en medio de un desierto como si de un espejismo se tratase. Las galerías participantes en esta exposición son ejemplos
de la nueva hornada de espacios dedicados a promover el arte contemporáneo en toda la geografía española, si bien para la elección de cada
artista se ha tenido siempre en cuenta que respondan al concepto de
‘espejismo’. La exposición Espejismos / Mirages no entiende de jerarquías, se muestra libre, desacomplejada de todo concepto high culture,
para de ese modo retrazar la senda de la nueva contemporaneidad.
MUSAC, León - Hasta el 7 de diciembre de 2014
musac.es
Mister Pink, Valencia - Hasta el 31 de octubre de 2014
www.misterpink.net
METAMORFOSIS. VISIONES FANTÁSTICAS
Starewitch, Švankmajer y los hermanos Quay
ALLES KLAR
Ubay Murillo
La exposición, en coproducción con el Centre de Cultura Contemporània
de Barcelona, muestra la obra de cuatro figuras clave del cine de animación: Ladislas Starewitch, Jan Švankmajer y los hermanos Quay.
Comisariada por Carolina López Caballero, estudiosa y promotora del
arte de la animación, la muestra presenta en profundidad la obra de
estos cuatro cineastas con un universo común en el que conviven la inocencia, la crueldad, la voluptuosidad, la magia y la locura. Generadores
de paisajes inquietantes y poéticos, algunas veces grotescos y otras fantasmagóricos, estos cuatro cineastas se han convertido en referentes,
entre otros, de los realizadores estadounidenses Tim Burton y Terry
Gillian. A través de marionetas, dibujos, grabados, esculturas, pinturas,
pósters, fotografías, libros, sets, objetos, etc., la exposición se presenta
como un recorrido por su trayectoria fílmica y por las piezas que han
construido para la realización de sus películas. Jan Švankmajer y los hermanos Quay han realizado una instalación específica para esta muestra,
que también reúne obras de Goya, Ensor, Kubin, Arcimboldo, Méliès y
Luis Buñuel, entre muchos otros. Esta muestra despierta la curiosidad por
un grupo de artistas que, por su radicalidad, es pertinente releer en el
marco del presente cultural y contextualizar su potencial subversivo.
Ubay Murillo expone en Twin Gallery del 30 de octubre al 29 de noviembre la muestra Alles Klar, un proyecto realizado exprofeso para la galería
en el que reflexiona sobre el capitalismo como generador de deseos y
sueños, y cómo estos, que muchas veces se tornan pesadillas, conforman un cuerpo físico, pero también social. Una fantasmagoría tanto del
cuerpo, que se ofrece como reclamo en los medios de donde salen estas
imágenes, un cuerpo desaparecido, fragmentado, distorsionado o desubicado, como una fantasmagoría social, pues ese desmembramiento
también encuentra eco en la situación de Europa actual. La exposición
estará compuesta por pinturas de las series Big Smile y Alles Klar, además de collages. Las obras que componen la serie Alles Klar, título también de la muestra, surgen a partir de la campaña de publicidad de una
casa de moda europea que se presenta en los medios al mismo tiempo
que se produce la quiebra de Lehman Brothers. Unas imágenes que, para
el artista, suponen casi un epítome de lo que pasaba en esos momentos
y lo que iba a suceder durante estos años. Así, el título de la muestra ironiza con lo que se encuentra el espectador en la galería, puesto que esa
expresión de uso común en Alemania, donde reside el artista desde hace
ocho años, podríamos traducirlo como ‘todo claro’ o ‘todo en orden.
La Casa Encendida, Madrid - Hasta el 11 de enero de 2015
Twin Gallery, Madrid - Del 30 de octubre al 29 de noviembre 2014
www.lacasaencendida.es
www.twinstudio.es
arte y expos
¡BUENA SUERTE!
Ruth Gómez
LOS MARIDOS NO CENAN EN CASA
Martín y Sicilia
Con ¡Buena suerte!, Ruth Gómez alude a esta necesidad actual de reinventarnos para no rendirnos, de cambiar para superar la inacción o el
temor trazando un arco metafórico entre realidad social humana y la
regeneración y resistencia biológicas. Su visión es optimista, no solo por
las formas empleadas, su cuidado y personal estilo en el que entremezcla hiperrealismo, pop y la idealización colorista del anime japonés. Ruth
Gómez nos da ánimos para que observemos el cambio, impuesto o
voluntario, como una apuesta vital hacia un nuevo comienzo, donde se
convoca a la suerte como compañera de viaje ideal. La regeneración es
la capacidad que poseen algunos seres vivos, animales y vegetales, de
reactivar su desarrollo para restaurar tejidos faltantes. Es la cualidad que
permite a la lagartija recomponer su cola si la pierde. O a cierto tipo de
medusas tener una vida infinita e ilimitada, renovando todo su ser, todas
sus células, cada cierto tiempo. La resistencia es la capacidad para hacer
frente a ataques de agentes bióticos o abióticos: desde plagas y parásitos a cambios ambientales extremos. Esta exposición retrata un particular y fascinante zoológico de especies capaces de reinventarse, regenerarse, resistir y sobrevivir. Actúan como amuletos o fetiches de un cambio enriquecedor por venir.
José Arturo Martín y Javier Sicilia (1974 y 1971, Santa Cruz de Tenerife)
trabajan juntos como artistas desde 1995. En la exposición Los maridos
no cenan en casa, los artistas hacen hincapié en los patrones de masculinidad y su decadencia. Y en este aspecto consideran algunas variables
que pueden explicar la crisis de la masculinidad. La primera es el surgimiento y desarrollo de los feminismos, que cuestionan las relaciones de
poder entre los géneros y la aparición de hombres que no han sido socializados con éxito y que no aceptan los patrones de deseo y aspiraciones
impuestas al género masculino: poder, trabajo, ausencia de características femeninas, tolerancia al dolor y al sufrimiento, incapacidad para
transmitir sentimientos, etc. Por otra parte tratan la fractura del capitalismo, un sistema que promueve valores masculinos como el éxito, el alcance y la jerarquía y que con la irrupción de la mujer en el ámbito laboral
se ve amenazado. La decadencia de la masculinidad no habla de una pérdida de responsabilidades del hombre, sino de una mutación de un
modelo de hombre y de cómo una estructura social piramidal va desapareciendo y dejando paso a una más horizontal e igualitaria para ambos
géneros. Una exposición que deja constancia de por qué estos artistas
son una referencia del arte joven español en todo el mundo.
La New Gallery, Madrid - Hasta el al 8 de noviembre de 2014
N2, Barcelona - Hasta el 30 de octubre de 2014
www.lanewgallery.com
www.n2galeria.com
NIVEL CERO
Rubén Guerrero
RIOTS
Norbert Bisky
Rubén Guerrero (Utrera, Sevilla, 1976) presenta Nivel cero, un trabajo
realizado específicamente para la galería Luis Adelantado de Valencia, en
la que podremos ver alrededor de quince pinturas inéditas de muy diversos formatos. Su trabajo explora el espacio pictórico como asunto de
reflexión haciendo hincapié en conceptos como el marco, el soporte o
los extremos. Guerrero emplea diferentes estrategias, como los primeros
planos extremos, los motivos de forzada frontalidad o incluso ejercicios
de trompe-lóeil, que vienen a coincidir todos en su incapacidad para
diferenciar el motivo representado del fondo del lienzo, la pintura de su
propio soporte y encuentra de este modo un lugar coincidente entre la
representación ilusoria del motivo y la veracidad de su propio soporte.
Con estas tácticas coloca al espectador en el umbral de dos espacios
separados por el propio soporte pictórico, y empleando la pintura casi
como material de construcción convierte el plano pictórico en un elemento arquitectónico hermético de superficies densas y opacas. Dentro
del conjunto de obras expuestas conviven posicionamientos pictóricos
muy distintos: planteamientos cercanos a la abstracción, ejercicios figurativos o desvíos acumulativos, todos empleados para hacer hincapié en
los límites del cuadro como argumento de su propia pintura.
Norbert Bisky (Leipzig, Alemania, 1970), estudió Arte en la Universidad
de Berlín, en Salzburg Summer Academy, en la Facultad de Bellas Artes
de Madrid y completó su formación con un Master Student en UdK,
Berlín y en la Foundation Künstlerdorf Schöppingen en Alemania. Riots,
su segunda exposición individual en la galería Espacio Mínimo, muestra
nuevos trabajos sobre lienzo y sobre papel relacionados con los disturbios
y revueltas que están aconteciendo últimamente en diversas partes del
mundo y que se mezclan con otros elementos en una instalación creada
para esta muestra. Las pinturas de Riots tienen como motivo temático la
estética de los grupos violentos, el modelo de las manifestaciones de
masas y los héroes solitarios. Pero Bisky no toma parte con sus obras en
los conflictos, sino que investiga la estética y la fascinación que ejercen
los grupos rebeldes y su imagen desde los cuadros históricos (los de
Goya, por ejemplo) a los últimos posts y selfies que circulan en los últimos tiempos en los medios sociales. El centro de la exposición es un
retrato de un manifestante que cuestiona nuestra fascinación por los
héroes y que se integra en una instalación que plasma el rastro dejado
por uno de estos disturbios. El artista aleja la mirada de los contenidos
para centrar su atención en las cualidades formales de la pintura.
Luis Adelantado, Valencia - Hasta el 14 de noviembre de 2014
Espacio Mínimo, Madrid - Hasta el 8 de noviembre de 2014
www.luisadelantado.com
www.miscelanea.info
Fotografía: Alex Doucet
Asistente de fotografía: Tamara Arranz
Estilista: Natalia López
Hair & Make Up: Cynthia de León
Modelo: Asier Goñi - Uno Models - www.unobcn.com
Capa AMAYA ARZUAGA, sudadera NIKE, vestido CARLOS DIEZ, casco ASSAAD AWAD
Camiseta y chaleco AMAYA ARZUAGA, pantalón ANTONY MORATO, bufanda LEVI'S, collar ASSAAD AWAD
Jeans CHEAP MONDAY, camisa CARLOS DIEZ, jersey DIESEL, hombreras HALO&CO, brazalete y collar ASSAAD AWAD
Pantalón y bermudas NIKE, sudadera CARLOS DIEZ, mochila CAMPER
Chaqueta ENCINAR, camisa DIESEL, pantalón ASSAAD AWAD, calcetines REEBOK, zapatillas CONVERSE, anillos ASSAAD AWAD
Abrigo AMAYA ARZUAGA, chaqueta y pantalón DIESEL, camiseta PEPE JEANS, collar y anillo ASSAAD AWAD
Mono y arnés ASSAAD AWAD, camisa CARHATT WIP, chaqueta HERIDA DE GATO, reloj ARMAND BASI, gafas MICHEL HENAU
Fotografía: Alex Doucet
Asistente de fotografía: Tamara Arranz
Estilista: Natalia López
Hair & Make Up: Cynthia de León
Modelo: Xixia - Uno Models - www.unobcn.com
Chaqueta DIESEL, sudadera BERSHKA, falda PEDRO DEL HIERRO, mallas NIKE, zapatillas CONVERSE
Chaqueta DIESEL, falda AMAYA ARZUAGA, sudadera NIKE, gorro REEBOK, zapatillas CONVERSE
Chaqueta PEPE JEANS, jeans LEVI'S, camiseta NIKE, top AMAYA ARZUAGA, zapatos STUART WEITZMAN
Pantalón, camiseta y botas DIESEL, chaqueta AMAYA ARZUAGA, collar DAVID HAVILLIO
Chaqueta y falda UKE, camisa PEPE JEANS, malla NIKE
OCIMAG SUBSCRIPTION BY SUPREMEBEING
SupremeBeing es una marca británica que surge de la cultura callejera, su arte, su música, su rollo... Sus colecciones se
alimentan de la realidad de lo que sucede en las calles de sus ciudades, una efervescencia de actividades lícitas e ilícitas que
representan la cotidianeidad de las especies que las habitan. Lo nuevo de SupremeBeing para esta temporada se inspira en
las noches de las urbes inglesas, donde la oscuridad es cómplice de los movimientos de una cultura que no deja de reaccionar
ante una sociedad regida por la opresión de las modas. En esta edición OCIMAG #61, los primeros en suscribirse se llevan
una camiseta SupremeBeing, una prenda cargada de cultura street y solo apta para sibaritas urbanos. www.supremebeing.com
Consulta condiciones y suscríbete online. www.ocimag.com

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