sebastian garcia huidobro

a tener en cuenta
bear in mind
Proyecto'ace presenta a
introducing
SEBASTIAN
GARCIA
HUIDOBRO
La de-construcción del status quo
Deconstructing the status quo
Transparent man (2009).
Impresión inkjet en papel fabriano.
Inkjet print on Fabriano paper.
60 x 75 cm. Edition 1/3
e
Alicia Candiani
n el año 2005, en la última media hora, del último día de una nueva feria de
artistas emergentes en Buenos Aires (antes de que cerrara y en un recorrido
un tanto frenético por “ver” un artista joven que dijera otras cosas) conocí a
Sebastián. O mejor, primero vi su obra sobresaliendo entre la previsibilidad
de sus alrededores. Pregunté quién era el artista, me dijeron que era un
joven chileno pero que quizás ya se había regresado a su país. Al rato, y ya sobre el filo del cierre,
apareció detrás de unos bastidores y vino a saludarme con su andar pausado - propio de los que viven
cerca de la Cordillera de los Andes- y con la actitud despreocupada y distraída que lo caracteriza. Al
día siguiente estaba en Proyecto´ace con un rollo de su obra y en el año siguiente -2006- fue el primer
artista invitado inaugurando el Programa de Residencias SUB30 para artistas emergentes. En esa
residencia, en ´ace y en Buenos Aires, conoció a Carly, estudiante de artes en la Universidad Estatal
de Nueva York, bella como las modelos de las pinturas pre-rafaelistas, con quien luego se casó y por
la que se mudó a Estados Unidos. Este fue el comienzo de varios proyectos en los que incluí a este
joven artista y, también, de visitas mutuas cuando ellos bajaban a Chile o cuando yo subía a Estados
Unidos. Hoy Sebastian y Carly viven en Brooklyn en la ciudad de Nueva York. Sebastián es ahora
Sebástian (como pronuncian su nombre en inglés) pero aún conserva su paso sin apuro y su español
de acento cordillerano, que -sin embargo y como lobos disfrazados con pieles de cordero- esconden
una mirada ácida e impiadosa sobre el mundo contemporáneo y los mecanismos de poder político,
económico y religioso que lo mueven.
n 2005, during the last half-hour, of the last day of a new trade fair held for upcoming
artists in Buenos Aires (before it had closed and somewhat hastily, I made my way to
see a young artist who spoke of different things) I met Sebastian. Or rather, I first noticed
his outstanding works among the predictability of his surroundings. I asked who the
artist was, and someone said that it was a young Chilean man who had probably already
returned to his homeland. After a while, and almost at closing time, he appeared from behind a few
wooden frames and nonchalantly came to greet me – a very typical attitude of those who live in the
Andes mountain range. On the following day he was at Proyecto´ace with a roll of his works and the
year after that -2006- he was the first guest artist invited to the opening of the SUB30 Residencies
Programme for upcoming artists. During that residency period, at ´ace in Buenos Aires, he met Carly,
an art student from New York State University, who was and is as beautiful as a pre-raphaelist model.
He got married to her and then moved to the United States. This was the beginning of several projects
in which I included this young artist, and by also, visiting each other when I was travelling to the States
or when he visited Chile. Today Sebastian and Carly live in Brooklyn in New York City. Sebastián who
is now Sebastian [t.n. stress on the first ‘a’ is how the name is pronounced in English whereas stress
on the last one is how it is pronounced in Spanish] has yet kept his nonchalantness and his Spanish
accent from the mountain range of Chile. However, just as a wolf in sheep’s clothing, he has a merciless and an acidic view over the contemporary world and the political, economic and religious powers
that are part of it.
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a tener en cuenta / bear in mind
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Sebastian García Huidobro (Chileno nacido en Inglaterra en 1981. Vive
y trabaja en Nueva York) se gradúa de la Escuela de Artes Visuales
de la UNIACC (Universidad de las Artes, Ciencias y Comunicaciones)
de Santiago de Chile, un centro de estudios que se caracteriza por
vincular al arte con las nuevas tecnologías en dos líneas específicas:
Fotografía (como soporte de obra, producción y conceptualización
de la imagen) y Tecnologías Aplicadas, preparando a artistas que
utilizan la tecnologías como soporte de su obra. Allí, SGH se formó
bajo la impronta del que fuera su director por aquellos años, Justo
Pastor Mellado, catalogado como el crítico y curador de arte más
polémico de Chile. Pastor Mellado acostumbra a publicar incisivos
escritos que disparan sistemáticamente contra la institucionalidad
del arte y otras cuestiones, generando controversias y facilitando el
debate, los que contribuyeron a despertar en toda una generación
de jóvenes emergentes chilenos egresados de la UNIACC la reflexión
crítica sobre todo (las instituciones, el arte, los medios técnicos) con
el consiguiente desafío al status quo determinado por cualquier mecanismo de poder, ya sea este artístico o político.
Sebastian Garcia Huidobro (Chilean ascendance, born in England
in 1981. Lives and works in New York) graduated in the School of
Visual Arts at the UNIACC (University of Arts, Science and Communications) in Santiago de Chile, a faculty well-known for linking
art with new technologies in two specific lines: Photography (as
works back-up format, production and conceptualization of image
works) and Applied Technologies, training artists who use technology as a format for their works. Once there, SGH developed under
the guidance of the then Dean, Justo Pastor Mellado, who has
been classified as the most controversial and critical art curator
in Chile. Pastor Mellado usually publishes incisive essays which
systematically shoot against the institutionalized status of art and
other issues, creating controversy and heating up debates. These
are the questions that helped awaken the critical thinking capacity
of a whole new generation of upcoming artists in Chile who had
graduated from the UNIACC, but above all to defy the status quo
(the institutions, art, the technical means) designated by a given
artistic or political factual power.
No es casual que con esta plataforma de formación el artista tenga
un discurso crítico y mantenga como pilar de su práctica el desarrollo de la obra mediante la exploración del proceso (y con él lo que
este tiene de aleatorio), utilizando la permanente de-construcción y
posible/arbitraria re-construcción de la imagen como metodología.
En sus obras acostumbra a realizar una intervención que destruye
la imagen que ha sido impresa previamente y en este sentido las
técnicas gráficas (ya sea las nuevas posibilidades de los medios
digitales o las técnicas más tradicionales como la serigrafía) son
entendidas como medios que el artista manipula, contraría, investiga y finalmente expande a límites insospechados.
It’s not mere chance that thanks to this training as an artist, Sebastian has such a critical attitude. He keeps the basis of his practice
by developing the works by exploring the process (and through
this, discovering what is so arbitrary about it), continuously using
permanent deconstruction and possible/arbitrary re-construction of
the image as a method. He usually carries out an intervention in his
works which destroys the image that has been printed previously
and therefore all the printing techniques (whether these may be the
possibilities offered by the digital mediums or on the other hand
by the most traditional such us screen printing) are considered
as means that the artist manipulates, defies, researches on and
eventually expands on it to unexpected limits.
En el año 2005 un joven Sebastián recorría las calles de Santiago
“apropiándose” de los pósters de propaganda pegados en los muros
para la campaña electoral chilena1. Los pósters estaban impresos
digitalmente sobre lona con tintas al solvente y bajo su intervención
manual pasaron a convertirse en la serie “De los políticos”. En este
conjunto de trabajos el artista remueve la tinta de la impresora Ink-Jet
mediante una fórmula a base de diluyentes, desplazándola hacia un
espacio análogo. Mediante esta intervención de-constructiva, de “borramiento” de la imagen, los almidonados y amigables retratos de los
políticos candidatos a la presidencia de Chile se convierten en imá-
In 2005 a young Sebastian roamed around the streets of Santiago
“borrowing” advertising posters that were stuck on his city walls during the Chilean election campaign1. The posters had been printed
digitally on solvent inkjet canvas rolls and after being manually altered
by him they went on to become the “De los políticos” (About politicians) series. In this collection of works the artist mixes the ink of an
inkjet printer by using a formula consisting mainly of diluents, moving it into a similar place. Thanks to this deconstructive intervention,
where the image is “erased”, the starchy and friendly portraits of the
1. La campaña que ganó Michelle Bachelet, la primera presidente
mujer de Chile.
1. It refers to the campaign that Michelle Bachelet won, becoming Chile’s
first female president.
La Lili (2006),
Impresión digital en
tela vinílica y solvente.
Digital print in vinyl
and solvent fabric.
50x70 cm, Edition 1.
genes monstruosas. Este acto de violentar una imagen ya diseñada
e impresa nos conduce hacia la eliminación de la serialización (y por
lo tanto del pixel): constituyéndose como obra única e irreconocible
subvierte la razón de su existencia en múltiple. Cuando SGH instaló
esta obra en el Espacio Transversal de Proyecto´ace agregó un diálogo
visual con una serie de stickers de Superhéroes, de los que los niños
pegan en sus cuadernos, pegados en la pared. El diminuto tamaño
de los superhéroes en relación a la escala urbana de los posters de
los políticos nos hablaban de que quizás la batalla estaba perdida
aún antes de empezar.
political candidates to the presidency of Chile turned into monstrous
images. This particular act of violating an image already designed
and printed led to the elimination of all the serialization (and therefore
of the pixel): defining itself as a unique and unrecognizable work,
undermining the reason of its existence in multiple. When SGH set
up this work in the Espacio Transversal of Proyecto ´ace he added a
very visual dialogue with a series of Superhero stickers, just like those
children stick on their notebooks, or on the wall. The tiny size of the
superheroes compared to that of urban scale of the politicians’ posters, possibly hinted that the battle was lost even before it had started.
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“Rostros raspados” (2007)2 es un proyecto que pretende llamar
la atención sobre los planes que la multinacional canadiense Barrick Gold tiene para explotar los yacimientos de oro que yacen
bajo los glaciares de la cordillera de Pascua-Lama. El yacimiento
se encuentra ubicado entre Atacama, Chile, y la provincia de San
Juan, Argentina. De concretarse este proyecto va a destruir la biodiversidad de estas zonas, la forma de vida de San Juan y la gente
del Valle de Huasco así como la antigua herencia del Pueblo Diaguita, contaminando el agua de riego de los agricultores indígenas,
atentando al desarrollo sostenible de la zona así como también a
la vida de las personas y animales que viven en ella. La obra está
compuesta es una instalación de un raspe gigante de 1,00 x 3,50
m dividido en 5 paneles de 70 x 100 cm cada uno. Los paneles
contienen una imagen de la cordillera impresa digitalmente a color la
que está cubierta por una capa serigrafiada de tinta de raspar color
gris-plata3. Sobre la tinta de raspe hay sobreimpresas 5 serigrafías
en color naranja con los retratos de los representantes de la compañía Barrick Gold que lleva a cabo el proyecto en esa zona. Cada
obra individual se compone entonces de tres diferentes impresiones,
las que una sobre la otra van tapando la imagen anterior. Para la
destrucción de la imagen de los “Barrick Gold” se dispusieron, al
lado de cada panel y colgadas del techo con hilo de pescar, monedas de 100 pesos chilenos (las cuales son a su vez íconos de
la cultura popular de los raspes) las que -con la intervención de
los espectadores que visitaron la muestra- sirvieron para raspar/
borrar los rostros de los ejecutivos. La noche de la inauguración,
un público entusiasta -compuesto mayoritariamente por jóvenes
estudiantes de la Boston University- raspó los rostros con furia y al
destruirlos destruyeron simbólicamente los intereses económicos
sobre este territorio. Finalmente, luego de estas acciones, la cordillera de Pascua-Lama aparece prístina, preservada en un sentido
visual y poético. La intervención del público y el tiempo fueron
factores determinantes en el aspecto final de la instalación en la
“Rostros raspados” (2007)2 (Scraped off faces) is a project that
intends to draw the attention about the plans of the Canadian multinational, Barrick Gold, has in order to exploit the gold findings
underneath the glaciers belonging to the Pascua-Lama mountain
range. The dig is located between Atacama, Chile, and the province
of San Juan, Argentina. If the project is approved it will destroy the
bio diversity of the areas, the San Juan way of life and the people
of the Valle de Huasco as well as the heritage of the Pueblo Diaguita, polluting the farming water for the local farmers, violating the
sustainable development of the area, as well as the uprooting the
lives of the people and animals that live in it. The work is a gigantic
installation in scraping measuring 1.00 x 3.5 metres divided in 5
panels measuring 70 x 100 each. The panels contain the image
of a mountain range digitally printed in color which is coated with
a layer of screen printed silver-gray-coloured scraping ink3. Over
the scraping ink there are five screen prints overlapping each other
in orange colour showing the portraits of the representatives of,
Barrick Gold, the company in charge of the project there. Each individual piece consists of three different prints, which by overlapping
each other cover the former image. In order to destroy the image
of “Barrick Gold” 100 Chilean-peso coins were laid on the sides of
each panel and were hung from the ceiling by fishing line, (which
are icons of the popular culture of scraping in gambling) which –
thanks to the intervention of the visitors during the exhibition- were
used to scrape/erase the faces of the executives. On the opening
night, an enthused audience – consisting mainly of young students
from Boston University – scraped the faces off with rage and by
destroying them they symbolically destroyed the economic interests
in this region. Eventually, after having done this, the Pascua-Lama
mountain range appears to be crystal clear, preserved in a very
visual and poetic sense. The intervention of the audience at that
time were the decisive factors in the final outcome of the installation
in which SGH uses, once again, a methodology which is subject to
2. “Rostros raspados” fue una instalación para la exposición Episodios & Itinerarios en la cuál fui artista-comisaria bajo una invitación de la Boston Printmakers Society , como muestra asociada a la Bienal de Gráfica de Norteamérica
(que incluye a México, Estados Unidos y Canadá). La exposición fue organizada
por Proyecto´ace y la Sherman Gallery de la University of Boston e incluyó seis
instalaciones realizadas con medios gráficos por artistas sudamericanos en
diferentes etapas de sus carreras. La exposición en su conjunto mereció el
elogio crítico del Boston Globe quien la vio “expandiendo los límites del grabado
más allá que cualquier otra de la bienal”.
2. “Rostros Raspados” (Scraped off Faces) was an installation for the Episodios
& Itinerarios exhibition during which I was artist-curator by invitation of the
Boston Printmakers Society. It was held as an associated exhibition to the North
American Print Biennial (which includes Mexico, the United States and Canada).
The exhibition was organized by Proyecto ´ace and the Sherman Gallery of the
Boston University and it included six installations carried out in print mediums by
South American artists in different stages of their careers. The overall exhibition
was praiseworthy of a review by the Boston Globe who considered it as an
exhibition that “pushed the limits of print farther than any other biennial”.
3. Las “tintas de raspe” son muy conocidas en el mundo de los juegos de
azar, pero también se utilizan en otros contextos, por ejemplo en las tarjetas
telefónicas prepagas. El objetivo de estas tintas es cubrir una superficie. Por
eso, son tintas muy opacas (generalmente el pigmento es polvo de aluminio y
de allí su color gris-plateado de buena cobertura y adherencia, pero que tienen
que desprenderse al ser raspadas con un objeto duro o metálico.
3. Scraping inks are very well-known in the world of gambling, but are also
used in other contexts, for instance in pre-paid calling cards. The aim of these
inks is to cover a certain surface. That’s why, they are opaque (generally the
pigment used is aluminium, hence the grey-silvery colour) which work as very
effective coating and easily stick to surfaces, but at the same time these have
to be easily worn off when being scraped with a tough or metal tool.
Pascualama 2007. Serie de 5 impresiones de 55x75cm impresas en papel roza espina, termolaminadas, cubierta de tinta raspe, serigrafia, monedas. Ed. 1
Series of 5 prints, printed on Fabriano paper, thermoplastic, a layer of scratch silver ink, silkscreen and coins, 55x75cm, 2007. Unique edition.
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a tener en cuenta / bear in mind
que SGH emplea nuevamente una metodología que se sujeta a las
des-contrucciones de las imágenes impresas, para la creación de
nuevas circunstancias, tanto políticas como técnicas.
En “Hombre transparente” (2009) el artista me recuerda al niño del
“El traje del emperador”, el cuento de H. C. Andersen4. Aquí el político/
hombre de negocios está presentado en ropa interior, debajo de un
traje invisible. Sus principales atributos en el imaginario colectivo (el
traje, el portafolios) son “transparentes” y permiten ver sus calzoncillos, sus medias y por sobre todo lo que lleva en los bolsillos. Viniendo
de Latinoamérica -en dónde la corrupción y el enriquecimiento ilícito
en las filas políticas es moneda corriente mientras la sociedad les
reclama “transparencia- esta es una obra de profundas connotaciones sociales resueltas artísticamente por medio de performances
en los espacios públicos, intervenciones de impresiones digitales
sobre vidrieras e instalaciones dentro de la galería. En una de ellas el
“Hombre transparente” es instalado al lado de una impresión de dos
pollos5 sobre una bandeja plástica envueltos en film adherente, como
los que están en las góndolas del supermercado, haciendo de la cruel
comparación un manifiesto de fuerte carga literal, visual y simbólica.
Para “Tejido vivo” (Living Tissue, 2011) su más reciente exposición
en Nueva York, creó una serie de esculturas y retratos digitales
deformados. En esta nueva serie continúa con su preocupación
por el retrato, tanto de los políticos/hombres de negocio como
de las mujeres que se someten a cirugías estéticas6. Su primer
paso es encontrar las imágenes que luego imprimirá en colores de
“gráfica de supermercado” (estridentes, saturados) sobre plástico
para termo-formado. Este material le permite manipular y ampliar
la imagen en objetos/retratos tridimensionales mediante el uso de
una pistola de calor. El artista trabaja de forma rápida y espontánea
con el calor (dando lugar a acontecimientos fortuitos e imprevisibles
que son partes importantes de la obra) produciendo un retrato que
originalmente fue impreso en plano pero que a través del calor toma
volumen y se convierte en una pieza escultórica. Como corolario,
los retratos pierden su identidad (bidimensional y social) de tal
manera que los atildados burócratas y sus mujeres de pasarela se
convierten, como en el “Retrato de Dorian Gray”7, en individuos que
parecen haber hecho un pacto con el diablo que les ha permitido
que se conserven jóvenes mientras que sus retratos envejecen
por ellos reflejando sus miserias, pecados y actos de corrupción.
En la línea de los grandes artistas del arte contemporáneo de Chile
como Eugenio Dittborn y Fernando Prats, SGH busca renovar el len-
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the deconstructing of printed images, in order to create new political
as well as technical circumstances .
In “Hombre Transparente” (2009) (“The Transparent Man”) the
artist reminds me of the tale “The Emperor’s New Clothes”, by H.
C. Andersen4. In this case the politicians/businessmen have been
represented by wearing underwear under an invisible suit. The most
important accessories in the collective imagination (the suit, the
briefcase) are “transparent” and allow us to see his underwear, his
socks and above all whatever he’s carrying in his pockets. Having
a Latin American origin – where corruption and embezzlement are
common among the politicians but on the other hand, society is
demanding more “transparency” – this piece contains deep social
connotations which have been solved artistically by performances in
public spaces, digital print interventions on stained glass and installations within the gallery. In one of them the “Hombre Transparente”
was installed next to a print portraying two chickens on a plastic
platter, covered in plastic film5, turning a heartless comparison into
a serious manifesto with a strong literal, visual and symbolic load.
For “Tejido Vivo” (Living Tissue, 2011) his latest exhibition in
New York, SGH created a series of sculptures digitally deformed.
In this new series he continues to be concerned with the issue of
politicians/businessmen, as well as the women that go through
plastic surgery6 procedures. His first step is to find images that
he will later print in colour similar to “supermarket prints” (grating,
saturated) on heating plastic. This particular material allows you
to handle and widen the image in objects/3D portraits by using
a heat gun. The artist works quickly and spontaneously with heat
(giving a chance to unpredictable events that are part of the piece
to unfold) creating a portrait which was originally printed on a
flat surface, but thanks to the heat treatment, it is shaped into
sculpture. As true evidence, the portraits lose their (bi-dimensional
and social) identity in such a way that the so-called stylish white
collars and their catwalk wives turn into, just as in the “Picture of
Dorian Gray”7, individuals who seem to have made a deal with
the devil, who has allowed them to remain young while their
portraits keep aging for them, showing their misery, sins and
other acts of corruption.
Aligned with the great contemporary artists from Chile such as
Eugenio Dittborn and Fernando Prats, SGH is constantly seeking to renew the language of visuals using chance as part of
the process and new applied technologies in the sector, in very
Unknow 2012
Impresion digital en
tinta solventada sobre
plástico, madera, barniz
brillante y opaco.
Ink digital print on
plastic, wood, varnish
bright and opaque.
50x60 cm. Ed.1
Encuentro internacional
sobre arte grafico, Serbia.
Impresion digital sobre
papel adhesivo montada
sobre plástico,
International meeting on
Graphic Art, Serbia. Digital
print on paper fitted on
plastic adhesive.
2011, ed. 1
guaje visual utilizando el azar como proceso y las nuevas tecnologías
aplicadas a la industria, en imágenes de fuerte carga simbólica y
alcance dramático. Su trabajo sigue siendo influenciado por el proceso de reelaboración de materiales mediante el uso de técnicas
experimentales y no tradicionales, reflejando la rotura de las prácticas
tradicionales de grabado. Estas prácticas gráficas de campo expandido le permiten poner eficazmente en el tapete tanto la relación entre
la humanidad y su medio ambiente como entre la sociedad y sus
dirigentes, llamándonos la atención sobre los eventos catastróficos y
las prácticas corruptas del mundo actual. De esta manera, Sebastián
García Huidobro hace una obra con preocupaciones profundamente
latinoamericanas a la que, simultáneamente, dota de contenido
universal con la misma inocencia del niño del cuento de Andersen
que nos señala: “el emperador está desnudo”.
symbolically charged images which reach dramatic scope. His
works are yet influenced by the process of redeveloping materials
by using experimental and non-traditional techniques, breaching
from traditional print techniques. The practice within the graphics
expanded field have allowed him to effectively bring forward the
relation between the human kind and the environment as well
as society and its leaders, drawing our attention on catastrophic
events and the acts of corruption present in the world today.
The outcome being that Sebastian Garcia Huidobro carries out
a practice full of Latin American concern to which he applies
universal content with the same candidness as the child from
Andersen’s story would, who is able to point out that “the emperor
is wearing no clothes”.
4. “El traje nuevo del emperador” es un cuento escrito por el danés Hans Christian Andersen. La fábula cuenta de un emperador vanidoso que se preocupaba
mucho por el vestuario hasta que un día dos embaucadores lo convencieron
de que ellos le harían un traje tan especial que seria invisible para cualquiera
que fuera incapaz para su cargo. Los estafadores no tejían ni cosían nada sino
que se quedaban con el dinero que les era dado para fabricarlo. Nadie admitía
(incluyendo al propio emperador) que la tela y el traje no existían ya que tenían
miedo de ser catalogados de incapaces. Finalmente, y cuando ya toda la ciudad estaba hablando del tema, el emperador decide desfilar con el maravilloso
(e inexistente) traje. Mientras que la gente del pueblo lo alababa enfáticamente
-temerosos de que sus vecinos se dieran cuenta de que no podían verlo- un
niño dijo: «¡el emperador está desnudo!». La fábula tiene una clara enseñanza:
«Sólo porque todo el mundo crea que algo es verdad, no significa que lo sea».
5. En Latinoamérica como en muchas otras culturas los pollos
son sinónimo de cobardía.
6. Argentina, México y Brasil en Latinoamérica registran algunos de los más
altos índices del mundo en la práctica de tratamientos estéticos. En una sociedad en la que la belleza y juventud son valores de ascenso social y económico,
el cuerpo es tratado como mercancía y sometido a las laceraciones más
espantosas que en algunos casos, logran lo contrario al objetivo deseado.
7. Oscar Wilde, 1890.
4. “The Emperor’s new clothes” is a tale by Hans Christian Andersen. The fable tells
the story of a very conceited emperor who was very concerned about the clothes
he wore, until the day two conmen convinced him that they would make a suit so
special for him that it would be invisible for those who were not worthy of their
position. The conmen didn’t sew or knit anything but would keep all the money
that was given to them to manufacture the clothing. Nobody admitted (not even
the emperor himself) that the material nor the suit ever existed and therefore were
afraid to be classified as useless for their position. At the end of the story, and when
the whole city was talking about the issue, the emperor decided to show his new
(non-existing) clothing off. The town’s people praised the clothing beyond amazement – fearful that their neighbours would realize that they couldn’t see it and then
a child said: «the emperor is wearing no clothes!». The fable’s moral is very clear:
«Just because everybody believes something is true, it doesn’t mean it’s true».
5. In Latin America as well as in many other cultures, chickens
are a sign of cowardice.
6. Argentina, Mexico and Brazil in Latin America are the countries which have the
highest rates in beauty treatments in the world. In a society in which beauty and
youth are a rising value socially and economically, the body is treated as merchandise and is put through the most dreadful damaging processes, which in some of
the cases achieve the opposite effect of what is desired.
7. Oscar Wilde, 1890.
Alicia Candiani
Directora y fundadora de Proyecto'ace. Artista y comisaria independiente
Founder and current director of Proyecto'ace. Artist and independient curator
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