Viaje al centro de la psicodelia

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Viaje al centro de la psicodelia
1
™
www.FILTERMexico.com
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@FILTERMexico
Viva la música
El próximo Vive Latino se acerca y en este número estamos orgullosos de tener entrevistas con
algunas de las bandas que se presentarán, como
Los Macuanos, División Minúscula, Gepe y, sobre
todo, Tame Impala.
El regreso de esta agrupación australiana a nuestro
país se da poco tiempo, pero mucho éxito después,
de que vinieran a México por primera ocasión. Su
show en vivo en el mencionado festival y la calidad
de Lonerism fueron el pretexto perfecto para entrevistar a Kevin Parker, la mente maestra detrás de
Tame Impala —y algunos proyectos más.
Entre otros artículos destacados de la décima edición de FILTER México se encuentra la colaboración de Reuben Torres (Los Macuanos) en la
sección Paisajes Sonoros, un especial de artistas
chilenos y las entrevistas con DJ Shadow, Björk y
Matt Maust, de Cold War Kids, que no encontrarán en otro lugar.
- C O N T E N I D O -
EN PORTADA
/ 33 /
TAME IMPALA
PAISAJES SONOROS
/ 8 /
TIJUANA
LES PRESENTAMOS A…
/ 12 /
/ 13 /
LOS MACUANOS
THE BABIES
YA DEBERÍAS CONOCER A…
/ 14 /
/ 16 /
/ 17 /
THE MACCABEES
UNKNOWN MORTAL ORCHESTRA
MADAME RECAMIER
PRINCIPALES
/ 19 /
/ 24 /
/ 26 /
/ 28 /
CHILE: JAVIERA MENA, DËNVER,
GEPE Y ASTRO
DIVISIÓN MINÚSCULA
TALIB KWELI
BJÖRK
TRIBUTO
/ 40 /
DJ SHADOW
ARTE
/ 42 /
COLD WAR KIDS
NOTA FINAL
/ 48 /
BAND OF HORSES
Gracias y hasta la próxima FILTERParty
Pamela Escamilla Menchaca
Editora en Jefe
FILTER.1
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Breakfast Media
Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza
Director Editorial
Milton Barboza
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Editora en Jefe
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Fernanda Santiago, Anna Stephens y Reuben Torres
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Gerente de Producción & Operación
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Ventas
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Octavio Tovar
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FILTER, Año 2, No. 10 (1 de febrero al 15 de marzo 2013), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media,
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DISFRUTA
Pom Pom
Liliana Zúñiga y Ekaterina Maksabedian son dos ilustradoras obsesionadas con la infancia; y nosotros, con sus dibujos. Pom Pom son
tatuajes temporales hechos con tintas hipoalergénicas, no tóxicos y con
diseños tan cute que querrás llevarlos por siempre. La primera edición
de Pom Pom es una planilla con once tatuajes, aunque también se
pueden comprar de manera individual.
Pide los tuyos a [email protected]
Twitter @pompom_mx
Instagram @pompom_mx
Facebook.com/pompom.mx
WWW.POMPOM.MX
Por PAOLA ROMO
Lupe Fiasco se pone nativo con Vans
Gold Member(s)
De pronto, un día enloqueces y quieres vestirte como M.I.A., Lady
Gaga, Azealia Banks y Ke$ha, pero… ¿no sabes qué ponerte? Jeremy
Scott tiene la solución para tu locura pasajera: unos lentes que realizó
en colaboración con Linda Farrow. A los costados tienen unas AK-47 y
están bañadísimos en pintura dorada.
WWW.INT.LINDAFARROW.COM
He aquí un ejemplo de lo que hace Vans OTW, línea de la que puedes encontrar varios modelos en
México. Aquí vemos cómo Lupe Fiasco incluye algunos de sus patrones y diseños favoritos combinados
con colores brillantes que reflejan la era dorada de los 90: el hip hop. En nuestro país también hay
varios modelos con esta silueta, llamada Stovepipe.
4.FILTER
WWW.VANS.COM.MX
Calienta tus oídos
CON MUSICA
Una bicicleta del futuro y plegable
Las hay de aluminio, de bambú y plegables. Sí, Citizen Bike son bicicletas plegables
que no pesan más de 10 kilos. Imagina llevar tu bici en una mochila, en el asiento
del copiloto o, incluso, subirla contigo al avión. Además, se pueden complementar
con canastas o cualquier tipo de accesorio de acuerdo a la personalidad y necesidades de cada quien.
Con estos audífonos podrás escuchar música al
mismo tiempo que calientas tus orejas. Están
hechos con la antiquísima técnica del crochet, lo
que los hace ver aun más bonitos y les da un toque
vintage combinado con una muy buena audición.
Consíguelos en
WWW.CITIZENBIKE.COM
WWW.UNCOMMONGOODS.COM
Bolsa de Lego
Si son amantes de Lego seguramente les encantará esta bolsa tipo messenger que es una réplica
exacta del tradicional bloque amarillo, sólo que en tela y diez veces más grande. La pieza fue
diseñada por Luxford St., originarios de Australia.
Por si el lindísimo diseño fuera poco, la bolsa tiene compartimentos secretos en el interior
para que guardes tu celular o, ¿por qué no?, algunos Legos.
WWW.ETSY.COM/SHOP/LUXFORDST
Sí, nosotros también
amamos Rodarte
Después de lanzar las sudaderas y t-shirts con las
variantes J’aime Rodarte, un corazón en el pecho y
Radarte, la última variante describe muy bien nuestro amor por las hermanas Mulleavy y sus diseños:
una playera que entre letras lee
Heart y Rodarte = Rohearte.
WWW.OPENINGCEREMONY.COM
FILTER.5
Cuidar al medio ambiente no tiene
horarios fijos, por eso te presentamos
una lista fácil y rápida para que cada
hora de tu día sea un poco más verde
y reduzcas tu huella en el planeta casi
sin darte cuenta.
-6:00 A.M.Pareciera muy temprano para pensar en
la sustentabilidad, pero una vez que la idea
de ser un “lover de lo verde” entra en tu
mente, ya no la puedes sacar. Así que lo primero que puedes hacer es activarte y hacer
deporte. En medida de lo posible, opta por
hacerlo al aire libre pues así no fomentarás
el uso de aire acondicionado, alfombras y
las tantas y tantas toallas que se lavan en el
gimnasio. Si de plano no puedes evitar ir al
gimnasio, revisa sus políticas ambientales y
elige el más verde.
-7:00 A.M.Es hora de un regaderazo para terminar
de despertar. Además de poner la cubeta
6.FILTER
mientras se calienta el agua, te pedimos
que te bañes ¡lo más rápido posible! Piensa
que cada minuto con la regadera abierta
implica aproximadamente 20 litros de
agua. Así que te sugerimos que si te vas a
rasurar, poner un tratamiento en el cabello,
exfoliarte, lavarte los dientes u otra actividad que te tome mucho tiempo, cierres la
llave mientras lo haces y sólo la abras para
lo indispensable.
-8:30 A.M.Disfruta tu camino a la oficina lo más posible. Para esto, descarta el coche todas las
veces que puedas y en su lugar utiliza una
bici, ya sea tuya o de Ecobici. Si el largo
camino a la oficina no te permite hacerlo,
puedes utilizar el transporte público y
aprovechar para leer un buen libro. Si de
plano no puedes ninguna de las anteriores,
opta por hacer ronda con compañeros de
trabajo pues seguramente hay varios que
viven cerca de tu casa o ésta les queda a
medio camino. Hay algunas opciones que
te pueden facilitar estos cambios en tu vida;
por ejemplo, Carrot, una empresa que te
renta coches por hora para distancias largas (carrot.mx); o Aventones, unos chavos
que se dedican a organizar rondas en los
coches para las oficinas (aventones.com).
Aparte de reducir tu huella ambiental, le
ayudarás a tu cartera.
-11:00 A.M:A casi todos nos da hambre a media mañana, e inclusive es sano comer más de tres
veces al día. Date un gustito y prepárate
unas frutas o verduras con chile y limón,
pero ¡que sean orgánicas! Si de plano no
consigues, te sugerimos que las compres en
un mercado o tianguis pues así beneficiarás
la economía local.
Si las frutas y verduras te dan sed, toma
agua de un termo en lugar de comprar
productos embotellados. Actualmente existen termos que filtran el agua de la llave,
también puedes hacer un concentrado de
jamaica o limón para tenerlo en la oficina.
-2:00 P.M.¡Al fin llegó la hora de comer! Pero no se
te olvide apagar la computadora o ponerla
en modo de hibernar antes de salir de la
oficina, casa o escuela. Si decides comprar
comida fuera, lleva tus propios recipientes
para no utilizar materiales desechables. Si
optas por comer en la calle, pide que no
te den platos desechables o que, al menos,
sean biodegradables. Además, te recomendamos evitar el uso de popotes pues
normalmente no los necesitas y podrás
ahorrar algo de plástico.
-4:00 P.M.En todas las juntas que haya en tu oficina
o trabajos en equipo en la escuela, fomenta
que tú y tus compañeros utilicen medios
digitales en lugar de imprimir los materiales. Si van a imprimir, sugiere que siempre
sea en hojas recicladas y por los dos lados.
También puedes demostrarles que ser
verde sí se puede presumiéndoles tus artículos sustentables, como plumas de cartón
y libretas de papel reciclado, etcétera. Por
último, opta por las conferencias telefónicas
y la computadora en lugar de recorrer largas distancias para las reuniones (evitarás
tráfico, contaminación y, muchas veces,
mal humor).
-7:00 P.M.De regreso en casa, te recomendamos
sacar a pasear a tu mascota (si tienes). Si
no tienes, pero si quisieras una, recuerda
que la adopción es la mejor opción, hay
muchos perros y gatos que no tienen hogar
y estarían felices de vivir contigo.
-8:00 P.M.Después de un largo día, a todos se nos
antoja estar un rato en la casa. Disfruta el
descanso, pero no se te olvide apagar las
luces que no estás utilizando. Te sugerimos
que en lugar de ver la tele, que gasta mucha
energía eléctrica, convivas con tu familia y
organicen una noche de juego. Si vives solo
siempre podrás leer un buen libro y, si es
digital, ¡todavía mejor!
-10:00 P.M.Listo para descansar, utiliza ropa adecuada
al clima. Por ejemplo, si hace mucho calor,
utiliza pijama ligera y ventila la habitación;
por el contrario, si hace mucho frío, usa
las capas de ropa que sean necesarias y un
edredón que te dé calor. Evita en la medida
de lo posible los calentadores y los aires
acondicionados.
Así que ya sabes, ¡no hay pretextos!
Ser verde es muy fácil y lo puedes lograr integrando algunos hábitos que
sólo te traerán beneficios. Si quieres
encontrar más consejos sobre cómo
ser verde, visítanos en facebook.com/
lpverdes, como @lpverdes en Twitter
o en nuestra página web laspaginasverdes.com
FILTER.7
Paisajes sonoros
TIJUANA
Por REUBEN TORRES Fotos MONI SALDAÑA
DJ RUPTURE
Hace poco tuve la oportunidad de formar parte
de dos eventos que tuvieron gran impacto para
Tijuana. El primero fue organizado por una
entidad extranjera, mientras que el otro tiene
raíces en la escena musical independiente de la
cuidad. Ambos contaban con expectativas muy
altas, no sólo para ellos, sino para Tijuana y su
renacimiento potencial como una fuerza cultural
en el país.
Norte Sonoro tuvo como fin crear un puente entre
sonidos regionales del norte del país, y música
8.FILTER
electrónica de procedencia principalmente internacional. Además de ser curadores de los sonidos
regionales y anfitriones para los productores
internacionales, mi agrupación –Los Macuanos-y yo tuvimos el placer de investigar el contexto de
los sonidos y transmitirlo a los participantes. El
proyecto consintió en una residencia que culminó
en una especie de showcase para los productores.
A su vez, el fin de semana en el que se realizó
coincidió con All My Friends, el festival más importante de la música independiente de Tijuana
durante los últimos años, y en donde mi grupo se
presentó como acto estelar. Ambos eventos tuvieron seguimiento extenso de la prensa norteamericana, en especial de The Fade y Pitchfork, lo que
sin dudo tornó el ojo del mundo hacia Tijuana.
Mis sentimientos hacia ambos eventos fueron
mixtos. Por una parte, el hecho de que la ciudad
se encuentre de nuevo en el mapa cultural internacional me enorgullece. Con poca modestia,
confieso que nuestros esfuerzos en generar una
onda local en la música han ayudado a generar
esta nueva percepción deTijuana; pero al mismo
tiempo, hemos contribuido a perpetuar su mito. Este hecho alimenta mis
dudas.
En mi adolescencia, la ciudad pasaba
por un momento muy particular en
su historia. Vivía un auge artístico y
musical. Al momento de cumplir la
mayoría de edad corrí hacia Tijuana
en busca de este mito; es decir, el de
una ciudad en la que supuestamente
se generaba la cultura y, en particular,
la música más vanguardista del país.
La realidad fue otra. Sólo me llegué
a topar con raves ordinarios, drogas
baratas y nostalgia por la supuesta
época de oro que algún día vivió la
cuidad. Aun así, Tijuana me parecía
infinitamente más emocionante que
San Diego, en donde nací, y por ello la
adopté como la cuna de mi juventud y
despertar creativo.
El placer me duró muy poco. A unos
años de descubrirla, la guerra contra
el narco arrasó con los residuos de
su vida nocturna. Los pocos raves y
conciertos, que de por sí cada día se
tornaban más monótonos, desaparecieron casi por completo. Como jóvenes, ansiosos por diversión y renuentes
a aceptar la condición lúgubre de la
cuidad (y del país), un grupo pequeño
de amigos y colegas, decidimos tomar
acción y generar nuestra propia comunidad musical, organizando eventos en
casas y en locales clandestinos de una
cuidad casi abandonada. Desde un
inicio nuestras metas fueron ambiciosas. Queríamos colaborar con el fin
de generar algo nuevo y original, ya
que todas las propuestas existentes nos
parecían frías y meramente comerciales, si no es que anacrónicas. Lo
que un día comenzó como diversión
a los márgenes, se terminó por volver
la sensación musical más grande que
había generado la ciudad desde el llamado boom, al menos desde el punto
de vista de la prensa internacional.
Aunque siga siendo poco aceptada
en su entorno, la nueva corriente
musical contribuyó en generar una
NORTE SONORO
nueva imagen para Tijuana, tanto
Norte Sonoro como All My Friends
surgieron a partir de estas corrientes, y
a su manera, también han contribuido
a perpetuar aquel viejo mito. Estos
eventos no vieron mucho apoyo local,
pero sí atrajeron a un número inusual
de espectadores extranjeros que llegaron en busca de ese mito. Este regreso
de la clase turista se ha llegado a considerar, en ciertos círculos, como una
victoria para Tijuana, ya que se trata
de un sector un tanto más informado
y cosmopolita (lo que de forma más
simplista se llamaría “hipster”).
La ciudad, sin duda, ha cambiado
mucho. Se han generado corrientes
nuevas y originales, pero han surgido
por la partida de la vieja clase turista
y la falta de presión por proveer para
consumidores extranjeros. No ha sido
fácil. Los pocos que hemos contribuido
a mantener la cultura tijuanense de
pie lo hemos hecho a pesar de grandes
obstáculos y de un público escéptico en su mayoría y a veces cínico y
apático. Aunque estoy de acuerdo con
que tener el patrocinio de un turismo
más sensible es preferible al antiguo
modelo, lo ideal sería atraer a otro tipo
de visitante, no turista, sino a aquél
que esté dispuesto a invertir la misma
cantidad de esfuerzo que los locales
por ver a la ciudad salir adelante.
Sobra decir que el mito de Tijuana es
sólo eso. No existe aquel paraíso de
libertad moral y cultura vanguardista
que tanto se ha retratado en los medios. Simplemente existe una ciudad
incipiente con un pasado muy marcado y una posición geográfica que le
otorga una perspectiva privilegiada
—tanto de México como del mundo—
a aquellos pocos que están dispuestos a
buscarla.
*Reuben Torres forma parte de la
agrupación musical, Los Macuanos,
además de escribir para blogs como
Club Fonograma y Remezcla.
VENUS X
FILTER.9
t
Posada
FILTER México y Topetitud Estudio
Por BEATRIZ PECERO
Fotos ÓSCAR VILLANUEVA
#FILTERParty 11
SUAVE AS HELL
Por PAMELA ESCAMILLA
Fotos RODRIGO JARDÓN
El 18 de diciembre celebramos nuestra primera posada. El lugar que nos
acogió fue Topetitud, estudio de nuestros amigos de Molotov, ubicado al
sur de la Ciudad de México. Para sonorizar y poner ambiente en la fiesta,
EsamiPau! abrió la pista de baile mezclando lo mejor de su repertorio.
Entre los asistentes contamos con la presencia de amigos de diversas bandas
como Le Baron, Los Bunkers, Los Infierno, Madame Recamier, Turbina,
Ventilander, The Plastics Revolution, Los Esquizitos, Marcello Lara (Reactor), Paco Ayala (Molotov), Yamil Rezc (productor), Mike (ex integrante de
Los Dynamite y de Royal Bloodline), Vicente Gayo y Los Rebel Cats.
Parece que fue ayer cuando se celebró la primera #FILTERParty para presentar nuestra revista y ahora ya hasta tuvimos la décima primera y última
del año. Después de hablar tanto de Suave As Hell en nuestro podcast, era
imprescindible invitarlos a nuestro tradicional encuentro en el Caradura.
Ya con el recinto lleno y con muy buen ambiente llegó el momento de
romper la tradicional piñata, que esta vez era una revista Poliça en portada
(edición 9 de FILTER México). Mientras todos cantaban al ritmo de “¡Dale,
dale, dale!”, Meketrefe nos acompañó con sus grandiosos beats. La noche
agarró sabor gracias a la deliciosa pizza de chilaquiles de Perro Negro.
La banda abrió la velada con “Susan’s Holiday” y “Controlling the sun”,
para pasar a interpretar rolas tanto de su EP más reciente, Selección Natural, como del disco homónimo de la banda, entre las que destacan “Maravillas” y “Desvanecer”, respectivamente. Antes de tocar “Be brave”, Apache
O’ Raspi brindó con el público, que enloqueció cuando tocaron “She’s not
there”, de The Zombies.
Esta posada fue para celebrar el primer año con todos ustedes y recuerden:
good music will prevail!
El grupo, también integrado por Paco, Omar y Juan Pablo, cerró el show
con “Try” y “El cadáver de dios”.
10 . F I L T E R
F I L T E R . 11
Les presentamos a...
LOS
MACUANOS
Narrativas fanstasmagóricas para
bailar hasta el amanecer.
Por ESAMIPAU!
Foto LOS MACUANOS
El turbulento 2012 por fin se fue, y con él se llevó
amargos sabores de boca que vivimos como país,
como sociedad y como individuos. Lo que los
mexicanos en general no entendemos es que dejar
pasar no significa olvidar, pues cuando uno olvida,
tropieza con la misma piedra una y otra vez. Es
posible que quienes viven en la capital no hayan
sentido la violencia tan a flor de piel como varios
jóvenes de provincia, quienes en lugar de tornarse
a lo bélico, convirtieron todo esa malilla en música,
diseño y arte.
En el ’96 Beck nos mostró su amor por lo “mexa” en
el Odelay!, algunos años después apareció el Colectivo
Nortec, quienes además de retratar a Tijuana a través
de ojos locales, nos recordaron que ahí también les
gusta pasarla bien, que hay humor a pesar de todo y
que en esa ciudad se baila hasta que el sol salga y se
vuelva a poner. Sin embargo, años después de haber
empezado la fiesta tijuanense, ésta se terminó gracias
a que la guerra del último sexenio panista se apoderó
de los estados fronterizos y la violencia volvió a reinar.
Pero mientras todo parecía estar congelado por el
miedo, en realidad se estaba gestando algo del otro
lado de la frontera. “Comenzamos con un par de
fiestas llamadas NO RAVE en el departamento de
MoiH en San Diego; Tony Gallardo, a.k.a María
y José, tocaba bajo su antiguo pseudónimo Unsexy
Nerd Ponies, MoiH como Kixly y yo bajo mi DJ
alias, Sésadelic. Nuestro set consistía de cumbias
viejas, desbaratadas y mezcladas con ritmos electrónicos. MoiH animaba al público como sonidero.
Después nos juntamos a experimentar con Ableton
12 . F I L T E R
Live y a raíz de las técnicas que usábamos para armar nuestro DJ set salieron las primeras producciones
oficiales de Los Macuanos”, recuerda Moi López,
probablemente el miembro más zen y misterioso de
la banda.
Unos años después Reuben se unió al proyecto, cuando había concluido sus estudios de cine y filosofía. Sin
tener experiencia ni un interés musical particular, él
se contagió del espíritu DIY de los tocayos y encontró
que las piezas de Los Macuanos pueden, en efecto,
relacionarse con su carrera. “Para mí, la música,
como la filosofía, es un proceso rígido. Los conceptos
que abarcamos en el proyecto siempre deben ser
sólidos. Aunque sí existen argumentos dentro de la
música, también radica un elemento más reflexivo,
que explora diferentes narrativas. Esto hace que el
proyecto se vuelva un tanto novelístico”.
Y entonces Los Macuanos se enfocaron en sus
presentaciones en vivo. Sustituyeron los samples
que usaban al principio por sintetizadores y cajas de
ritmos, adoptaron una narrativa usando arquetipos
de la música regional mexicana y con una atmósfera
fantasmagórica redondearon su primera pieza sonora
con el sonido que ahora los caracteriza. MoiH (tam-
bién conocido como DJ Nombre Apellido) nos platica
que “‘El Fantasma / La Maquila’ es una especie de
meta-narrativa sobre un obrero de maquiladora que
posteriormente descubre, dentro de su rutina monótona, que había fallecido y que sólo es un espectro
que repite las actividades de su vida pasada. Dentro
de ese track encontramos el elemento de crítica social
y experimentación sonora por medio de evocaciones del inconsciente colectivo mexicano a través de
piezas apenas reconocibles pero muy presentes en la
memoria nacional”.
Desde entonces, al lado de contemporáneos como
María y José, Santos, Siete Catorce y cualquier músico inquieto que llame su atención, Los Macuanos
se han dedicado a impulsar el ruidosón, un género
musical que se caracteriza por contextualizar la extrema dualidad mexicana al unir el amor por el baile
y la fiesta con abstractos mensajes políticos en los que
solamente basta juntar tres palabras como “Sangre,
Bandera, Cruz” para dejar en claro tan sólo el inicio
de los problemas en nuestro país.
Para leer la entrevista completa de FILTER México a Los Macuanos,
entra a filtermexico.com/?p=11357
Les presentamos a...
THE
BABIES
Por MIKE HILLEARY
Traducción ELISEO QUINTANILLA
Foto WHITNEY SUMMER
“Me estoy sonrojando”, dice Cassie Ramone. “Me
estoy poniendo roja por cosas con las que no puedo
lidiar. Pero está bien”. Se ruboriza debido a los cumplidos con los que la ataca el bajista de Woods, Kevin
Morby, que en los últimos minutos ha alabado desde
la energía positiva de la compositora de Vivian Girls,
hasta las sucias guitarras y el arte que desarrolló para
su proyecto en conjunto, The Babies. Ramone reacciona a tan sinceros halagos como cualquiera esperaría, se ríe y se enreda cuando trata de corresponder.
“Um, pues, yo… yo creo que yo… ok, fuck”.
A pesar de que su relación nunca ha llegado a un
nivel romántico, es evidente el cariño que se tienen
Morby y Ramone, y el que le tienen a su trabajo. El
título del último álbum de la banda de garage pop,
Our House on the Hill, alude a la dulzura de su relación.
Incluso la portada, un diorama hecho por la propia
Ramone, muestra una pareja de recién casados con
los brazos entrelazados afuera de una capilla.
Hace seis años, cuando Morby conoció a Ramone,
tan sólo era un tipo que buscaba un lugar donde
dormir. Recién llegado a Nueva York desde su hogar
en la ciudad de Kansas, el músico se quedó sin casa
cuando su departamento se plagó de chinches. Después de hacer couchsurfing por un tiempo, le presentaron a Ramone por casualidad y ésta amablemente le
ofreció un lugar para quedarse mientras encontraba
algo más estable.
“Básicamente, mi mejor amigo y yo teníamos un
departamento cuando estudiábamos en [Brooklyn’s]
Pratt [Institute], que tenía una sala gigante”, comenta
Ramone. “En serio, muy grande. Y decidimos que
para bajarle a la renta podríamos tener inquilinos viviendo en un fuerte en la esquina de la sala. Primero
estuvo un amigo de Oakland y funcionó muy bien.
Así que cuando Kevin buscaba casa le dije: ‘¡Deberías venir a vivir a mi sala! Es divertido’”.
Morby delimitó su espacio con un colchón desinflado
y manteles de plástico clavados al techo, e inevitablemente, su vínculo con Ramone se dio a través de la
música. En ese momento Ramone apenas arrancaba
con Vivian Girls. “Me tocaba las canciones que
estaba componiendo y me preguntaba mi opinión”,
dice Morby. “Escuchábamos discos, cocinábamos y
hacíamos música”.
Cuando Morby se mudó, él y Ramone perdieron
contacto por una temporada. “No la vi por un largo
tiempo, ni hablé con ella, ni nada”, comenta. Mientras estaban separados, Vivian Girls se convirtió en
una banda importante y Morby encontró un nuevo
hogar en los estudios Rear House de Brooklyn con
el compositor Jeremy Earl y su banda de lo-fi folk,
Woods. Pasó un año y medio hasta que Morby y
Ramone se encontraron una noche por casualidad de
camino a una fiesta. Mientras se ponían al corriente
y recordaban su poco tradicional convivencia, en
la conversación apareció la posibilidad de trabajar
juntos.
Como se formaron de manera espontánea —más o
menos como un vehículo para que Morby y Ramone
pudieran tocar en fiestas, cosa que ya no podían
hacer con sus otras bandas—, The Babies se hacían
un tiempo para grabar su lo-fi garage pop, con Justin
Sullivan en la batería, cada que sus respectivas agendas lo permitían; y posteriormente lanzaron su debut
homónimo en 2011. Un año después del lanzamiento
del LP en febrero, la banda estaba de vuelta en el
estudio para grabar su segundo disco, con Brian
Schleyer en el bajo. Grabado en Los Angeles con el
productor Rob Barbato (Cass McCombs, La Sera,
The Soft Pack) durante un periodo de dos semanas
—más un tiempo adicional para la mezcla— Our
House on the Hillh ace que la informalidad de la banda
se sienta como algo deliberado y perfeccionado.
Morby explica el porqué de las canciones divertidas y
simples de The Babies, que mezclan guitarras al estilo jangle con dulce pop adolescente. “Desde el punto
de vista de un compositor, algunas de mis canciones
favoritas pueden afectar a un niño de la misma forma
que a un adulto”, comenta Morby. También opina
que es la dinámica entre él y Ramone lo que hace que
valga la pena escuchar a la banda.
“Me gusta mucho el contraste entre las voces
masculinas y femeninas”, dice Morby. “Mi música
favorita viene de ese sonido, como The Velvet
Underground and Nico, y el álbum Desire que
hicieron juntos Bob Dylan y Emmylou Harris.
Creo que una voz masculina termina por aburrir
cuando la escuchas mucho. Me gusta la presencia
femenina en la música”.
F I L T E R . 13
Ya deberías conocer a...
THE
MACCABEES
Texto y foto CRISTINA SALMERÓN
Para muchos, 2013 trajo un nuevo ciclo, pero para
The Maccabees se cierra el que califican como “el
mejor que hasta ahora podamos recordar”.
Given to the Wild, su tercer disco, les llevó dos años
de preparación, pero les dio más de lo que esperaban: cuatro jugosos sencillos, los llevó 18 meses
de viaje por 20 países, a tocar a la par de Florence
+ The Machine en la gira por Estados Unidos, a
estar con The Black Keys en varios conciertos por
Europa, y a ser considerados entre los 12 mejores
discos del Reino Unido e Irlanda de 2012, según
el famoso Mercury Prize.
Los hermanos guitarristas Hugo y Felix White,
el bajista Rupert Jarvis y el vocalista Orlando
Weeks formaron en 2004 una banda en Brighton,
Inglaterra, y decidieron tomar al azar una palabra
de la Biblia y titular así su proyecto musical: The
Maccabees.
En 2007 debutaron con su disco Colour It In, del
que sonaron los sencillos “First love” y “About
your dress”. Un año después, hubo un cambio
en su alineación, salió el baterista Robert Dylan
Thomas y entró Sam Doyle, quien actualmente
toca con ellos. Para 2009, hicieron su segundo
disco, Wall of Arms, que fue descrito como “un
poco más oscuro” y “de sonidos con un toque de
Arcade Fire”, según The Guardian.
Con inspiración en la música de The Stone
Roses, Kate Bush y David Bowie, crearon Given
to the Wild, material que les puso rostro en
México, donde no habían sonado tan fuerte. Al
Corona Capital llegaron sin muchas expectativas, y cosecharon sorpresas: “Quedamos
asombrados por tanta gente que fue a vernos,
se creó una atmósfera muy buena durante la
14 . F I L T E R
tocada”, dijo en entrevista telefónica el vocalista,
Orlando Weeks.
El bocadito final de la que ha sido una “grandiosa,
pero cansada gira” será su concierto el 25 de febrero en el Distrito Federal. “Con este show tendremos
el cierre de un viaje que ha durado año y medio y
estamos emocionados por volver a tocar allá, así
que terminaremos en nuestro punto más alto”,
agregó Weeks.
Para los integrantes de The Maccabees, pasar
horas juntos en las carreteras, en la salas de espera
de los aeropuertos o en los camerinos antes de subir
al escenario de algún festival, no fueron tiempos
muertos, ya que aprovecharon para componer
canciones y así poder acelerar el proceso creativo
de un cuarto álbum.
El último día de su año dorado, por medio de su
página de Facebook, anunciaron que el nuevo
material estará para finales de 2013, y los asistentes
al concierto en El Plaza Condesa podrían tener un
adelanto. “Presentaremos canciones que hemos
escrito y que, si vemos que son suficientemente
buenas, serán parte de nuestro siguiente disco”, dijo
Weeks.
Cada disco lleva un proceso distinto, en el caso
de Given to the Wild, The Maccabees hallaron la
fórmula perfecta al trabajar cada uno en privado
durante seis meses y luego reunirse para develar
los tesoros que cado uno tenía.
“Esta forma de componer es más privada,
no discutes mucho el proceso con los demás.
Siempre llega el momento de mostrar lo
que has hecho, esto le imprime un toque de
emoción. A l poner tu canción en la computadora, en un disco, de darle el primer play, no
sabes si va a funcionar o no, en este proceso
ocurrió lo mismo al mostrar lo que habíamos hecho con los demás integrantes de la
banda”, platicó el británico.
Confesó que para él, la mejor parte de hacer
un disco son esos primeros meses: “ese
proceso en que no tienes nada y de repente
surge algo. Hay un tipo emoción que a lo
mejor es por la incertidumbre de no saber
cómo va a terminar una canción. La parte
más divertida es el proceso creativo, aunque
sé que viene un largo camino para que todo
termine, en el momento, disfruto mucho el
arranque”.
Y es justo ahora en el punto en que se encuentran, porque apenas concluyan el último
capítulo de ese viaje musical, se dedicarán a
plasmar sus nuevas ideas en notas y acordes.
F I L T E R . 15
Ya deberías conocer a...
UNKNOWN
MORTAL
ORCHESTRA
Por LAURA STUDARUS
Traducción BENJAMÍN ESPINOSA
Foto JASMINE SAFAEIAN
A pesar de que por una temporada, durante su adolescencia, fue un artista de grafiti en Auckland, Nueva
Zelanda, el frontman de Unknown Mortal Orchestra,
Ruban Nielson, dice que su meta nunca fue destacar.
“No me atraparon, incluso cuando usaba mi nombre
real”, comenta con un tono de voz irreverente y divertido. “Había un chico que pintaba su sobre nombre,
pero un día lo agarró la policía y tuvo que cambiarlo.
Él y yo siempre teníamos algo que ver, así que cambié
mi sobrenombre de ‘Ruban’ sólo por prevención”.
Ahora de 32 años, Nielson puede ocultarlo a simple
vista. Mientras, se sienta a sus anchas en un gabinete de
un restaurante mexicano en Echo Park, Los Angeles.
En realidad, él podría hacer cualquier otra cosa en
una noche de viernes mientras observo a detalle el
misterioso ojo que tiene tatuado en su cuello, sobre la
manzana de Adán.
Este anonimato no ha existido siempre. Después de
haber encontrado el éxito con su anterior banda, The
Mint Chicks (donde tocaba con su hermano Kody,
ahora de Opossom), Nielson descubrió que el oído del
público fue una limitante para la banda. “Estábamos
en el periódico y en la televisión”, dice. “Nueva Zelanda es un país pequeño, pero lo es aún más pequeño
una vez que la gente empieza a reconocerte. No había
ningún lugar al que pudiera ir. La única opción era
convertirse en algo más convencional”.
No estaba seguro si quería seguir haciendo música, y
deseaba un respiro de ese cargo no solicitado, como un
pez grande en un estanque pequeño. Así que Nielson se
mudó a Portland, Oregon, en donde tomó un descanso
de todo lo relacionado con su vida anterior.
16 . F I L T E R
“He estado tratando de dejar de hacer música
desde el principio”, dice Nielson. “Realmente me
gusta hacerlo, pero siguen pasando en mi cabeza
estas fases para intentar detenerme. Mi padre es
un músico de jazz. Mi madre es una bailarina de
hula, ella solía hacer coros para cantantes de salón.
Mi tía enseña el método para violín Suzuki. Tengo
un tío que es un músico de reggae... creo que estoy
genéticamente predispuesto”.
Al descubrir que incluso en otro continente no pudo
dejar de pensar en términos musicales, Nielson
volvió a su oficio, uniéndose con sus amigos Jake
Portait y Julien Ehrlich para crear Unknown Mortal
Orchestra (Ehrlich dejó UMO entre álbumes, entonces el baterista Greg Rogove se unió a la banda
en 2012). El resultado de la colaboración de este trío
es una fusión de rock psicodélico con mezclas de
guitarra estilo blues y unas melodías chirriantes. El
segundo álbum de la banda, II, tiene cierta picardía,
más oscura y que retoma los ya explorados temas
en su disco homónimo de 2011. Desde la primera
canción, “From the sun”, Nielson reflexiona: ‘La
soledad puede poner una pistola en tu mano’, hasta
la percusión impulsada por el himno de la chica
mala, “So good at being in trouble”, hay claramente
un balance estético que coloca a este álbum en un
mundo psicodélico distante y que sus creadores sólo
han experimentado a través de un vinil.
“La mayoría de las cosas por las que estoy influenciado fueron grabadas o sucedieron antes de que yo
naciera, así que no lo siento como si fuera nostalgia”,
dice Nielson. “Es genial poder olvidar que estás en esta
época y hacer cualquier tipo de música que creas que
es mejor que todo lo que has escuchado durante años.
Recuerdo que había más presión hace seis años para
traer algún elemento a nuestra música con el que nos
identificáramos como ‘de estos tiempos’. No siento esa
presión ahora”.
Admite que Unknown Mortal Orchestra tiene una
tendencia retro que fusiona y cambió desde sus propias
raíces musicales en Nueva Zelanda.“Yo crecí alrededor
de música punk-rock y bandas hardcore”, dice riendo.
“Son un placer culpable todas las cosas que estoy
haciendo ahora... sólo veo pasar a todos los chicos de
Flying Nun [Records] en Nueva Zelanda, y a todos
los punks que me han enseñado algo de música y me
dicen ‘¡No! ¡No te enseñamos eso! ¡No te enseñamos a
ser así!’”.
Independientemente del género, Nielson cuenta con el
incansable estímulo de su hija Iris, de dos años de edad,
quien aparece en la portada del 7” Swim and Sleep (Like
a Shark). Ya contento de haber ganado su atención con
Unknown Mortal Orchestra, Nielson tiene planes para
ampliar aun más su panorama musical con grabaciones de su banda anterior.
“Va a ser gratificante cuando ella esté sobre el escenario y yo pueda decir: ‘Esto es The Violent Femmes ...’”
dice. “La chica de la música cool. Pero ella es una chica
real, ella no va a querer escuchar Napalm Death. Ella
es más del estilo Blondie y cosas así”.
Al menos Nielson sabe que siempre tendrá una fan que
nunca dejará de reconocerlo.
Ya deberías conocer a...
MADAME
RÉCAMIER
Por FERNANDA SANTIAGO
Foto CORTESÍA DRAGORA RECORDS
Gina Récamier, mejor conocida como Madame Récamier, es una de las jóvenes cantautoras mexicanas cuya
propuesta ha cautivado al público. Ella se dio a conocer con Chocolate, su primer disco, en el que contó con
la participación instrumental de Aleks Syntek, Marcello
Lara y Enrique “Bugs” González y Mood Fu.
Gina es amante de la música desde muy pequeña: “no
me imagino haciendo otra cosa, si no estuviera haciendo esto, no sé qué haría. La música es mi pasión”,
asegura.
Entre las canciones más destacadas de aquel material,
que la llevó a presentarse en el festival Corona Capital,
se encuentran “Mira mira”, “Pam, pam, pam”, a la
que Bonnz (Hello Seahorse!) le hizo un remix y “No
dudes”. Desde entonces también ha hecho música
para la obra de teatro Wonderland y el tema principal
de la película Me late chocolate, entre otros proyectos.
“Me gusta colaborar en todo tipo de cosas, me gusta
de todo, de repente te llaman y aceptas”, indica quien
también ha cantado con Los Estrambóticos.
Uno de los discos hechos en México más esperados de
2013 es ImaGina, su segundo álbum. Éste fue producido
por Chetes y su primer sencillo, “Quiero”, suena desde
hace varios meses. “Este disco es más sólido, fue más
respetado el proceso, tuve que buscar un productor,
dinero y promocionarlo, es la primera vez que saco un
disco con un sello”, comenta sobre el proyecto.
Para Madame Récamier, en este material ha evolucionado mucho si se le compara con el trabajo que hizo
en Chocolate, en el que experimentó más. “Para ImaGina
ya tenía una selección de instrumentos y sabía la forma
que iba a tomar mi voz en cada canción”.
Entre las rolas más esperadas de este material se
encuentra “Luz verde”, que presentó en el Vive
Latino 2011 junto a Luis Humberto Navejas
(Enjambre). “La colaboración surgió de manera
espontánea y muy natural, le dije a Luis que fuera
a componer a mi casa, llevó su guitarra y empecé a
cantar. La compusimos en media hora, fue muy rápido y simple, estábamos nerviosos nunca habíamos
compuesto con alguien más. Después le dije que
la grabara en el disco, creo que está más lindo con
una colaboración”, opina Gina.
Para ella, ImaGina es el filtro de todo lo que vio y vivió
durante la creación del disco. “Me inspiré en muchísimas cosas, en viajes por México principalmente, me
fui a Peña de Bernal (Querétaro) y Zipolite (Oaxaca).
También me gusta mucho observar a la gente en
cualquier momento, sus reacciones me sensibilizan y
hace que me den ganas de componer del amor y la
vida”, asegura.
Gina ha sido comparada con otras solistas mexicanas,
tales como Ximena Sariñana, Natalia Lafourcade y
Carla Morrison. “Es muy normal, somos de la misma
generación, a todos siempre nos están comparando,
prefiero que me comparen con Natalia que con Belinda. Natalia me cae muy bien, hicimos click a partir
de “Un derecho de nacimiento”, la canción que nos
unió. Yo sé que todas somos muy diferentes, sólo que
la gente necesita puntos de comparación”, concluye
la cantante, a quien no le quita el sueño el qué dirán y
prefiere enfocarse en el material que podría terminar
de consolidarla en el mundo de la música.
F I L T E R . 17
18 . F I L T E R
a escuchar nuevas propuestas, ser críticos, comprar su
música legalmente y comprobar lo bien que lo hacen
en vivo. Un ciclo que ahora no debe terminar, ¿cachái?
LA MEXICANIZACIÓN DE
JAVIERA MENA
Por FERNANDA SANTIAGO
Foto SELENE ORTIZ TOLENTINO
La autora de la banda sonora de la película Joven
y Alocada lanzará su tercer álbum —también
hecho de la mano de su amigo, el músico y productor chileno, Cristián Heyne— a mediados o
finales de este año. “Mi tercer disco sigue siendo
pop, pop para bailar, con un par de baladas,
siempre apuntado hacia la música electrónica,
pero también quiero canciones que te digan
algo”, indica la cantante, quien se inspiró en
viajes por México, España y Argentina para la
composición del material. “Los discos pasados
fueron introspectivos, hablaban de mis sentimientos y de amor. Este disco es externo, sobre
sociedades, sobre mirar el mundo desde el lugar
en el que estés”, asegura.
Por ANNA STEPHENS
Hablar de Chile como referencia cultural es fundamental para nuestro país. Específicamente, la influencia que la nación sudamericana ha tenido en la escena
musical de México es tan innegable al punto en que
ambos países somos una simbiosis cuyos límites y
fronteras artísticas se han perdido para bien.
Aunque Chile ha exportado talento que va de La
Ley, Lucybell, Los Tres y Los Búnkers, en los últimos
10 o 15 años hemos vivido la invasión de una nueva
oleada de músicos independientes cuyo talento es
en ocasiones poco valorado en aquella nación. Esto
tiene que ver con que en Chile la industria musical
es una inversión de tiempo y dinero por la cual pocos
empresarios e instituciones han apostado. Es así que
estaciones de radio, promotores, disqueras y foros
han apenas comenzado –poco a poco– a aparecer en
un esfuerzo provocado por los mismos músicos, que
ven en la pasión por componer un modus vivendi y que
se han visto obligados a realizar la labor completa
que conlleva tener esta carrera. Casi como cualquier
músico en nuestro país.
Con esto, los chilenos han visto en México un país
lleno de oportunidades y, sobre todo, de intercambio
artístico cada vez más enriquecedor para ambas
culturas. Javiera Mena, Gepe, Dënver, Francisca
Valenzuela, Anita Tijoux y Astro son tan sólo algunos
de los nombres que resuenan constantemente en la
radio y los foros. Mantener esta experiencia es algo
que nos corresponde a todos cuando estamos abiertos
nuestro país por la interpretación de Daniela
Romo, “Sol de invierno” y la rola que da nombre
al disco. Con Mena, segundo material de larga
duración, bajo el brazo, Javiera se presentó en
los festivales más relevantes de nuestro país (Vive
Latino y Corona Capital). Sin embargo, en pocos
años ya ha visitado los principales foros y ciudades de México.
Después de “Necesito cambiar”, en colaboración
con Dapuntobeat, y de su participación con Gepe en
Los Momentos, DVD de Julieta Venegas, la chilena no
descarta alguna colaboración mexicana en su próximo material. “Tengo muchas ganas de que alguien
de México colabore en mi tercer disco, no lo voy
a decir porque aún no se concreta y qué pena que
no quiera”, adelanta la cantante, así que podemos
esperar algún combo interesante.
Javiera Mena está involucrada en el mundo de la
música desde hace más de diez años, pero fue hasta
Esquemas Juveniles (2006), primer álbum en estudio
de la cantautora, que se dio a conocer gracias a
temas como “Yo no te pido la luna”, famoso en
Una vez que esté listo el material, Javiera quiere
presentar el material en nuestro país. “Me quiero
quedar seis meses. Quiero experimentar vivir en
México. Siempre me encuentro a varios artistas
y comparto mucho cuando estoy con ellos, creo
que en la escena de aquí hay mucho compañerismo”, concluyó durante su visita, así que si no
la has escuchado en vivo, en unos meses ya no
tendrás excusa.
F I L T E R . 19
LA LIBERTAD CREATIVA DE
DËNVER
Por CRISTINA SALMERÓN
Foto TERRÍCOLAS IMBÉCILES
San Felipe era lindo, pero pequeño para sus sueños.
Por eso, Mariana y Milton tomaron su teclado, su
guitarra, sus canciones y se fueron para Santiago.
Aunque sus primeros escenarios fueron los autobu
autobuses, y su público, los pasajeros, pronto llegaron los
bares para tocar frente a los amigos más cercanos;
después los centros culturales con amigos de los
amigos y, al fin, los teatros con desconocidos que ya
coreaban sus canciones.
Mariana Montenegro y Milton Mahan, que aunque
se llaman Dënver son bien chilenos, forman parte
de la nueva ola de músicos de este país andino que
en los últimos años se ha caracterizado por esa
libertad mental para escribir letras y cantarle a la
cotidianidad sin sentir remordimientos políticos o
sociales.
Decidieron llamarse Dënver luego de leer la novela
de Jack Kerouac, En el Camino, y comenzaron a distinguirse por su sonido electrónico y la creatividad
para cantar versos de amor, pero sarcásticos. En
2008 reunieron lo necesario para grabar Totoral, su
primer LP, y dos años después, Música, Gramática,
Gimnasia.
Como parte de una de las giras que tuvieron en
2012, Dënver visitó el Distrito Federal. Mariana
tenía el brazo derecho enyesado a causa de un
accidente en bicicleta, pero le quedaron los deditos
libres para poder poner los efectos de su teclado y
tocar junto con Milton frente a los chilangos.
“Quizá todos nosotros somos una generación
posdictadura. Como que no crecimos tanto con el
resentimiento de esa época. Para entonces, yo tenía
tres años y quizá por eso hacemos música que no
20 . F I L T E R
tiene un significado político, lo que nosotros hacemos es pop y nos fijamos en cosas más de la vida
cotidiana”, platica Mariana.
“Además de ser una generación más libre”, dice
Mariana, “crecimos con internet y tuvimos acceso a
disfrutar cualquier tipo de música, lo cual amplía el
universo y permite crear cualquier cosa. Creo que
todo eso es lo que nos ha dado un sello especial”.
Aunque desde pequeños escuchaban a Los Prisioneros, Violeta Parra o la folclorista Margot Loyola,
Dënver reconoce que sus influencias musicales son
de grupos extranjeros.
En Chile son parte del sello discográfico Cazador
y en México han sido acogidos por Terrícolas
Imbéciles, que ha puesto los ojos en músicos de su
misma camada.
Bandas y solistas como Gepe, Pedropiedra, Javiera
Mena, Francisca Valenzuela, y Astro son parte de
esa escena en la que los Dënver se sienten cómodos
porque crecieron junto a ellos tocando en el Bar Lo-
reto, El Subterráneo o el Centro Cultural Gabriela
Mistral, sitios obligados para las bandas independientes que se mueven en Santiago que, como
muchas otras ciudades capitales, es el epicentro del
rock de su país.
“Creo que la escena en Chile está yéndose más al
pop que al rock, que está muy bien encaminada por
estar constantemente creando espacios. Cada banda,
además de ser una banda, es gestora, hace todo lo que
implica su promoción, publicidad y eso ha hecho que
cada vez estemos ganando más respeto de la gente
chilena, de la prensa y se está posicionando exponencialmente afuera”, asegura la cantante.
Luego de dos años de promoción en España,
México y Sudamérica, Dënver prepara ya su
tercer disco, el cual se escuchará en 2013. “Estoy
muy contenta con lo que está pasando, espero
que eso siga y que en Chile se preocupen de
incentivar la música en más regiones de nuestro
país”, concluye optimista una chica veinteañera
que acaricia su yeso del que sobresale un pulgar
levantado.
MATERIAL DE EXPORTACIÓN:
GEPE
Por BENJAMÍN ESPINOSA
Foto GABRIEL SCHOLNICK
Han pasado casi ocho años desde que escuchamos por
primera vez a Daniel Riveros en Gepinto (2005). Desde
hace algún tiempo la oleada de artistas chilenos ha
llegado con fuerza a los oídos de los mexicanos, que
al parecer congeniamos mucho con su estilo. Gepe no
es la excepción y se proyecta como una de las figuras
referentes de aquel país andino.
Latino, Gepe comenta: “Todas han sido especiales,
han sido en diferentes etapas de mi carrera. El primer
festival grande al que fui fue el Vive Latino en 2008…
era un verdadero novato y tenía todos esos sentimientos a flor de piel y creo que por eso le tengo más cariño
a esa presentación”. También tiene experiencias tan
extravagantes y nutrientes como las que realizó en
Shanghái, China, durante la celebración del bicentenario de la independencia de Chile, con un público
totalmente desconocido y diferente, lo que representó
un reto para él.
Gepe es un artista que sigue su propio camino sin
modificar su tendencia melódica y que logra imprimir
una esencia estética en cada material en el que tiene
una colaboración. Aunado a la ya larga lista de su
carrera, este año estará presente en Lollapalooza
Chile… y lo que le espera.
Dentro de las personas con las que Gepe ha colaborado a lo largo de su trayectoria encontramos a Javiera
Mena, Pedropiedra y, más recientemente, para su disco
GP, Carla Morrison. “Me gusta mucho su voz, es muy
linda. Fue lo que intenté rescatar. Esa colaboración
surgió porque el año pasado me invitó a tocar con
ella una canción que se llama ‘Maleza’ a una de las
presentaciones que tenía en el Metropólitan. Luego
de interpretar la canción le dije que si quería en algún
momento hacer una canción conmigo o cantarla.
Desde que empecé el disco quería trabajar con ella”,
explica el chileno.
No conforme con lanzar hace unos meses su más
reciente álbum, ahora tiene una colaboración más con
otro connacional suyo, Alex Andwandter. “Es un disco
que trabajamos durante tres años. En cierto momento
le dedicamos mayor tiempo. Trabajar en este disco con
Alex, que tiene una dinámica laboral muy distinta a la
mía, fue muy entretenido porque no nos conocíamos
antes de este trabajo. A mí se me ocurrió que podríamos hacer una canción y luego fue como ‘hagamos un
disco’, fue superbonito”, declara.
A pesar de que Gepe ha mostrado un maduro crecimiento y desarrollo con los años en su natal Chile, para
algunos de nosotros quizá nos resulte más reciente su
presencia. Al hablar sobre todas sus presentaciones
como el Primavera Sound, el SXSW o incluso el Vive
F I L T E R . 21
ASTRO:
HEDONISTAS SIN CULPAS
Por CRISTINA SALMERÓN
Foto DANIEL HANSELMANN
Ellos mismos aseguran que el salto a tocar fuera
de su país les ha llegado rápido; admiten sentirse
cobijados por una escena que crece, se reproduce
y es tan popular como un trago de “terremoto”
en un bar santiaguino, pero que es, apenas, el
inicio de una cuesta.
Su primera tocada fue en un centro de esquí al
sur de Chile en septiembre del 2008. Para entonces, en Astro solo estaban Andrés y Octavio.
“Por una montaña nevada y con unos esquíes,
subimos con el tecladito, la guitarra y nuestras
máquinas en las espaldas. Llegamos en pleno
almuerzo, había familias comiendo y les tocamos
‘Maestro distorsión’ recién hecha. Así fue, así
comenzó”, cuentan quienes son vocalista y baterista de la banda, respectivamente.
Seis meses después, llegaron Nicolás (Lego)
y Daniel (Zeta) para completar la alineación
de Astro, un grupo que dice sonar a pajaritos
en ácido, inspirarse en las palmeras, y mete
a los chicles bomba en varias de las letras de
22 . F I L T E R
sus canciones que contagian esa diversión que
arman en el escenario. “No es banalidad, sino
plena libertad”, aseguran. Poder cantar lo que
les venga en gana es una lucha ganada que ellos
disfrutan ahora.
“Somos probablemente la primera generación
que está desvinculada del tema Pinochet, de la
dictadura, en un sentido emocional. Nosotros ya
no tenemos sentimientos profundos con respecto
a eso. Cada uno tiene su postura política, pero
no lo reflejamos en la música, ni como la voz de
la banda”, dice Octavio. “Por primera vez, uno
puede ser hedonista, pero con libertad, sin la
carga de ‘¿oye, por qué no estás pensando en los
temas de verdad?’”, agrega Andrés.
Y, en gran parte, es ese sentimiento independiente el que ha unido a esta nueva ola de
músicos chilenos que crecieron admirando a Los
Tres o a Los Prisioneros, pero supieron tomar
distancia y forjar una identidad distinta que los
ha hecho subir como espuma de pisco sour.
“Existió una época en que las bandas no podían
hablar de ciertos temas porque los bajaban del
escenario y los tomaban presos, pero al mismo
tiempo sentían que tenían la responsabilidad de
hablar de temas que arreglaran el país que esta-
ba podrido”, explica Nicolás —y le interrumpe
Zeta—, “ahora estamos orgullosos de esa generación, de que haya existido esa revolución, pero
nosotros ya estamos en otro contexto”.
De acuerdo con los Astro, haber tenido un
festival como Lollapalooza en Chile refleja un
poco la confianza que tiene la industria y los
fans. “Muestra que está creciendo una escena
emergente a nivel de managers, disqueras, grupos, todo. Somos una gran familia que hemos
refrescado la música chilena”.
Aunque se iniciaron actuando en fiestas y bares
en Santiago, a sólo un año de haberse formado
ya eran parte del Vive Latino 2010. “Fue muy
rápido el salto a tocar en Buenos Aires y luego
a la ciudad de México. Hemos ido a Uruguay,
Colombia, España, Estados Unidos y estaremos
en Panamá y Costa Rica con Café Tacvba”,
cuentan estos chicos que tienen un EP y un LP
homónimo.
“Hay una generación específica que ha trabajado muchísimo por su sueño musical. Artistas
como Dënver, Gepe, Javiera Mena, Alex Anwandter o Pedropiedra han tenido un salto a la
internacionalización pero vienen otros más que
son capísimos”, concluye Andrés.
F I L T E R . 23
P
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D
I
N
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M
I P A
I
Por BEATRIZ PECERO
Fotos RODRIGO JARDÓN
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S
V
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I
Ú
Matamoros, una ciudad en el noreste del estado
de Tamaulipas, es el lugar en donde División
Minúscula surgió. Sin embargo, en Monterrey
construyeron sus primeros años en el panorama
musical de nuestro país. Su característico sonido
los ha llevado a presentarse en recintos de culto
para el rock en español, como el Café Iguana en
Monterrey o el Multiforo Alicia en la Ciudad de
México. En los últimos años formaron parte del
cartel del Vive Latino, uno de los festivales más
importantes en nuestro país. Su fiel grupo de
seguidores ha atestiguado la carrera en ascenso de
esta banda mexicana.
A pocos días de haber editado su cuarto disco,
División Minúscula platicó en exclusiva con FILTER México sobre el proceso por el que pasaron
24 . F I L T E R
S
S
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I
U
Ó
para ver materializado este trabajo. En el lobby
de un hotel ubicado en una zona céntrica de la
ciudad, nos reunimos con Javier (guitarra y voz),
Luque (bajo y coros), Ricci (guitarra) y Efrén (guitarra y coros), para quienes este álbum de manera
física significa un respiro en su carrera musical.
Los norteños tenían claro el sonido que querían,
así que recurrieron a Brian McTernan, uno de sus
productores musicales favoritos y a quien consideran pieza clave en el sonido del disco.
La experiencia de trabajar con Brian fue haber
llegado al límite, desde la manera de tocar hasta
la de componer. Con su ayuda conquistaron el
disco que tanto anhelaban. “Creo que logramos
hacer el álbum que soñábamos”, opina Efrén. Ir
a grabar con McTernan implicó vivir un mes en
N
L A
Baltimore, en donde recordaron la banda que son
y sus orígenes. Para ellos este trabajo es la mezcla
de sus anteriores discos: tiene la energía del
Extrañando Casa, el sonido fuerte que caracterizó
a Defecto Perfecto y el mood más clásico y orgánico
que tenía Sirenas, más lo que han absorbido como
banda. Esa suma da como resultado División.
Al vivir juntos durante un mes, la banda reflexionó sobre todo lo que ha sucedido en estos 15 años
de carrera, lo que los motivó a llamar al disco
División. “Nosotros somos División Minúscula
pero para todo y todos nos dicen ‘los División’;
el ‘minúscula’ casi nunca se usa. Fue adoptar ese
apodo de cariño y hacerlo más personal, eso incluye a toda la gente que está y trabaja con nosotros y
a nuestros fans. Este álbum refleja una parte muy
P
íntima de la banda, fue voltear atrás y ver nuestras
raíces e historia pero sin dar un paso atrás”, explica Javier, el frontman de la banda.
División fue un trabajo que tardó en salir dos años,
bajo una idea clara, pero en una época de incertidumbre en su carrera: no tenían manager y ellos
hacían el booking o lo que hubiera que hacer para
salir adelante. El momento clave llegó cuando
retomaron la esencia de la banda, pero con un
sonido más ambicioso. Recordaron a bandas que
los marcaron como The Ramones, The Clash,
Bruce Springsteen y Bad Religion. Tenían plena
conciencia de quiénes eran, de dónde eran y de lo
que podían hacer.
R
I
N
C
I
P A
L
E
pretenden llevar la versión en vivo del disco a
toda la gente. Quince años en la escena musical
de México sustentan la trayectoria de División
Minúscula, quienes se muestran agradecidos por
tener un lugar en la historia del rock mexicano,
aunque para ellos el reconocimiento más importante es saber que sus fans han hecho de División
el soundtrack de su vida.
En este material, se preocuparon por primera vez
por el hecho de que hubiera una sinergia entre
el sonido y el arte del álbum. Para ellos, el título
representa todo lo que han hecho desde hace 15
años que empezaron a tocar. “Trabajamos una
idea para hacer nuestra versión de los clásicos que
nos gustan. Por eso los logos, el color, el arte, la
foto. División es nuestra versión moderna de los
clásicos que nos hicieron agarrar una guitarra”,
argumenta Luque.
El momento más sincero de la conversación llegó
cuando nos platicaron sobre lo que les falta por
lograr en su carrera musical, tras varios años en
la escena: “Nos falta tocar en lugares en los que
nunca hemos tenido la oportunidad. Queremos
que la gente nos escuche en vivo, nos gustaría ir a
Europa, regresar a Sudamérica. Por ejemplo, que
en España conocieran a División así como aquí
conocemos a muchas bandas españolas. “División
sabe lo que ha logrado y aunque no tengamos un
premio, varios medios y la gente nos consideran
un grupo de culto. Preferimos quedarnos con un
buen lugar en la historia y en el corazón de la
gente que ha crecido con la banda, eso es mejor
que una estatuilla”, concluye Javier.
División Minúscula empezó una gira por el interior de la República a finales de enero, con la que
F I L T E R . 25
S
Por COLIN STUTZ
Traducción BEATRIZ PECERO
Fotos MARC LEMOINE
Mientras Talib Kweli se encontraba dando un show al lado de Yasiin
Bey, conocido como Mos Def, se
sintió perturbado al ver que entre
los asistentes había un chico que
portaba una playera con la leyenda
“More Tupac, Less Drake”. En
medio de su set y frente a un gran
público, lo único que venía a la
mente de Kweli era “¿Por qué
tienes que usar esa playera en mi
show?”
“A ellos no les gusta su arte”, dijo
Kweli a la mañana siguiente, mientras caminaba en la banqueta de
Studio City en Los Angeles. “Drake
es talentoso, seas o no su fan”.
Durante el año pasado algo similar
le sucedió a Kweli mientras hablaba con el público en un concierto.
Notó que alguien en la audiencia
usaba una playera que decía “Lil
Wayne Sucks”. Un fan grabó el
momento en el que Kweli se comparó con Weezy y dijo: “En el hip
26 . F I L T E R
LA GRAN ACEPTACIÓN
hop hay mucha división y carecemos
de unidad, y lejos de las diferencias
que existan entre Lil Wayne y yo,
también hay similitudes… antes de
juzgar a cualquier persona y a su
rendimiento creativo, deberían darse
cuenta de dónde vienen y de sus
experiencias personales”. Este video
apareció en la red.
Pero aquí están esos fans que presumen su odio durante el show de
Talib Kweli, esperando que él esté
de acuerdo con ellos. “Lo más triste
de todo es que ellos no se dan cuenta
de que su mente tan estrecha es la
responsable de reprimir la cultura
de la gente que está en su contra”.
Si tan sólo la gente que proclama
amor fuera más abierta a recibir la
experiencia de otras personas en el
hip hop”.
Por los años 90, a sus 22, Kweli salió
del anonimato musical gracias a
la gran colaboración que tuvo con
Mos Def formando Black Star, que
sirvió como ejemplo para recordar
en “Definition”, su primer sencillo, el
trágico final de Tupac Shakur y The
Notorious B.I.G.
En 2002 fue otro momento clave
en la carrera de Kweli, pues trabajó con Hi-Tek, con quien formó
Ref lection Eternal, él lo ayudó
a editar Quality, su álbum debut
como solista. Este disco lo ayudó a
postularse como un agente de cambio social y conciencia dentro del
hip hop, tanto en la música como
en la cultura del género. Con una
minuciosa y sofisticada producción por parte de Kanye West, DJ
Quik y J Dilla en el tema “Get by”,
Kweli se levantaba como el líder
de una nueva etapa y no como una
moda pasajera. Eso fue exactamente lo que pasó, el hip hop se
impuso dentro de lo convencional,
no inf luyó dentro del sistema, pero
sí el sistema dentro de él. En 2004,
con su disco The Beautiful Struggle,
buscaba expandir su carrera musi-
cal, pero sus fans reaccionaron de
una manera negativa.
Kweli entró en shock cuando,
durante una presentación como
telonero de los Black Eyed Peas, se
dio cuenta de que estaba cantando
sus mejores temas ante una audiencia
ávida de pop. Los Black Eyed Peas se
encontraban de gira y con su sencillo
“Where is the love?”, en donde
participaba Justin Timberlake, en
la cima. Para Kweli ese momento
significó un cambio: “Sabía que eran
muy importantes y pensé que todavía
eran los mismos Black Eyed Peas”,
dijo, haciendo referencia a lo que
alguna vez Fergie había argumentado acerca de lo alternativos y creíbles
que eran dentro del hip hop. “Nunca
me imaginé que fueran una banda
de pop”.
“Ahí fue cuando el hip hop empezó
a cambiar. Antes el hip hop sonaba
toda la noche en una fiesta, quizás
combinado con música para bailar.
li. “Quería que él colaborara en una canción severa,
donde el tema no fuera sobre estar en un club”.
Mientras preparaba Prisoner of Conscious, Kweli quería grabar un álbum con canciones de amor al estilo
de The Love Below, de André 3000; o The Miseducation of Lauryn Hill, pero al final tomó otro camino:
“me enfoqué en hacer un álbum con el que pudiera
contar historias en vez de en el arte de ser MC”.
Los temas son variados: desde la conciencia política
en “Human mic”, en donde recuerda la manifestación que hubo en Wall Street en octubre del año
pasado, hasta una tierna y lenta canción de amor
como “Kilos of love”. Mientras tanto, la rola que le
da nombre al disco se destaca con un coro de rock
pesado que parece salir de los límites del género
por completo; y durante todo el disco, los alientos y
cuerdas acentúan la mayoría de los tracks.
Ahora es todo lo contrario, si hay hip-hop sólo lo
ponen con intención irónica”, dijo Kweli.
Ahora, después de 37 años de carrera y varios álbumes editados, Kweli es un sobreviviente; pero para
otros es uno más. “Antes te sentías atraído por un
hip hop con mensaje. Para los artistas que realmente quieren seguir con consciencia social, esto es todo
un reto. Es una de las cosas más difíciles de hacer,
ser relevante y aun así sobresalir”.
Prueba de ello es que por primera vez en mucho
tiempo, Kweli es el artista de hip hop más visitado
en el portal Okayplayer. Al editar en septiembre
Attack the Block (mixtape) se sintió inquieto sobre las
reacciones y comentarios que se podrían decir sobre
éste; sin embargo, todas las reseñas fueron positivas.
“Siento que mi música ha mejorado, me siento más
productivo. He construido oportunidades, pero
me molesta cómo mi manera de ver las cosas es
diferente a la de algunos fans que quieren llamar la
atención. Es por ello que me desprendo de estar tan
preocupado sobre a dónde va el hip hop”, continúa.
“Mi carrera en este género no se puede discutir.
No estoy tratando de competir con Chief Keef. Soy
quien soy por lo que he hecho. Es bueno pensar más
allá del hip hop. Fue bueno lo que hice, pero no
puedo seguir con lo que ahora marca la industria”.
Así como Drake y Lil Wayne, amados u odiados;
Kweli dice que es juzgado y encasillado por lo que
la gente percibe de él. Y con todo eso en mente,
es sorprendente saber que cuando el rapero Nelly
condujo en un Maybach hasta la casa de Kweli, en
donde éste le enseñó música de Madlib y J Dilla. En
medio de todo grabaron el tema “Before he walked”
para el nuevo LP de Kweli, titulado Prisoner of
Conscious, una colaboración que nadie se esperaba
y eje del álbum. “En ese momento me di cuenta
del amor que él tenía por el género. Es bueno, pero
sus elecciones musicales no han causado el efecto
esperado en la gente”, señala.
Prisoner of Conscious contó con las colaboraciones de
Seu Jorge, Busta Rhymes, Curren$y y Kendrick
Lamar, pero ninguna tan poco probable como la
de Nelly. Como era de suponerse, los comentarios
alrededor de este disco no se hicieron esperar.
“Él era perfecto para hacer lo que yo quería, porque
al igual que a mí, a él lo han encasillado”, dijo Kwe-
“Sólo estoy tratando de escribir canciones que
ustedes amen. Y la mejor manera de hacerlo es
escribir canciones que yo ame y ser lo más honesto
que puedo ser conmigo”, dice Kweli.
Pero al final con los raperos siempre es lo mismo.
“¿Por qué un artista no debería escribir una canción
acerca de un club de strippers? Si a le agente le
gusta, no hay más… si quieres hablar de lo que
trata, un fan siempre te dirá: ‘La música es buena,
se siente bien, tiene estilo…’ Pero entonces tampoco
te puede gustar Wu-Tang Clan. Puedes hablar
de Onyx, Biggie, Redman o J Dilla, quienes han
hablado de prostitutas, clubes nudistas, de tener un
gran auto y de fumar marihuana todo el día. Sin
embargo, si vas a hablar en el más sentido estricto
de la palabra del hip hop, vas a perder tu argumento todo el tiempo”.
Sentado en su patio trasero y de frente a su estudio
de grabación, se detiene por un momento para
dar una fumada. Exhalando el humo hacia el sol
dice: “Pero ese no soy yo, no el chico que va con la
corriente del rap y tengo que aceptarlo. Eso debe
aceptarse como un artista, también”.
F I L T E R . 27
PRINCIPALES
E S C L AV I T U D D E L S O N I D O
Bjork
U n a c o n v e r sa ción básica con
Por KEN SCRUDATO
Traducción CRISTINA SALMERÓN
Fotos NICK AND WARREN
28 . F I L T E R
PRINCIPALES
Bjork
“El mundo es de los que se atreven”
Aquellas palabras dichas por un iluminado caballero del siglo XVIII, mejor
conocido como Voltaire, lo metieron en
un gran problema cuando, a diferencia de
otros filósofos charlatanes, decidió vivir
de este modo. Doscientos años más tarde,
estas palabras podrían servir fácilmente
para describir el trabajo artístico de Björk
Guðmundsdóttir —que, si bien, no sufrió
precisamente una estancia en la Bastilla,
sí ha soportado la carga de malentendidos
absurdos y de burlas por parte de la misma
clase de mentes retrógradas que buscan
desacreditarla, como al francés.
Tal como sucede con enormes y singulares
personalidades como la suya, Björk ha ganado notoriedad, que ha sido mucho menor
comparada con su correspondiente éxito
comercial. Ahora, para añadir algunos
signos de exclamación a su carrera, ha concluido cuatro años de ferviente e intensiva
investigación al realizar Biophilia, uno de
los más apasionantes y honestos proyectos
musicales desde El anillo del Nibelungo, de
Wagner (o, posiblemente, Quadrophenia). Un
material hecho con furia, con puro corazón, abrumadoramente visceral y, al mismo
tiempo, profundamente intelectual por
retomar la naturaleza del mundo a través
de la comprensión del sonido. Todo eso, a la
vez, sin sencillos exitosos.
Björk se apoyó en verdaderos genios para
reinterpretar algunos de los tracks de Biophilia en un álbum llamado Bastards. El mago
de la electrónica, Matthew Herbert, tomó
“Mutual Core” y la convirtió en un pasaje
etéreo y fantástico; el dúo experimental
de hip hop, Death Grips, dio a “Sacrifice”
una belleza salvaje; y el sirio favorito de los
hipsters, Omar Souleyman, imprimió su
sello a “Crystalline” y “Thunderbolt”.
Siempre visionaria, Björk reclutó al cineasta
Andrew Thomas Huang para colaborar en
el video de “Mutual Core”. Éste también
incluyó el trabajo del director del Museo
de Arte Contemporáneo de Los Ángeles
(MOCA), Jeffrey Deitch, quien lo metió en
las series de arte y música de MOCAtv.
No quiero hacer menos a Copérnico,
Newton o Galileo, pero reconocer nuestro
lugar en este infinito y terriblemente
maravilloso universo se parece mucho a
escuchar cómo Björk lo explica.
Biophilia fue un salto interesante.
Gran parte de lo que habías hecho
era más personal y, ahora, tenemos
un proyecto que retoma el universo
entero y el tiempo.
Björk: A veces siento como si viviera en
una clase de mundo extraño del sonido. Y
para qué representar todo eso en un álbum,
sabía que no había otra forma, mas que incluirlo todo. El mundo del sonido está en las
moléculas, en las galaxias y todo lo que hay
entre ellas. La intención fue que sirviera
para explicarlo a los niños también, así que
debía empezar desde el principio.
Parece ser que estás en el momento
de tu vida en que empiezas a pensar
en tu lugar del mundo, en la búsqueda del significado de la existencia.
Yo no diría eso. Pienso que es más sobre la
búsqueda del mundo del audio y cómo me
he sentido respecto al sonido desde que era
una niña… Caminando en las montañas y
escuchando el viento; y después, yéndome
a las ciudades que son realmente ruidosas.
También abordo la musicología. Fui a la escuela de música desde que tenía cinco años
y ahora estoy en un punto en que siento que
puedo mostrar mi opinión, y también la
versión visual de esto.
Tiendes a ser progresista, rara vez
te vas al pasado. A un año de que
lanzaste Biophilia llegó este disco
remix. ¿Por qué pensaste que era
importante hacerlo?
Hay gente que baja todo de internet, y
hay otra que va a las tiendas de discos
para encontrar algo bueno. Gente de mi
generación, a pesar de poder tener 30 o
40 remixes en línea, preferiría tener un
disco que haya editado sólo diez u once
mezclas.
Entonces, ¿crees que es preferible
ofrecer un trabajo inteligente con
valor agregado, en lugar de que
todos puedan buscarlo en internet
y construir sus propias versiones?
Todo es emocionante. A fin de cuentas,
esto habla de la pasión por la música.
Ha sido una bendición estar con Derek
[Birkett] de One Little Indian (su
disquera), que simplemente produce
todo lo que hago. Pero él viene de una
generación punk, en la que si al menos
se venden cinco copias, valió la pena
hacer el álbum. Nunca he sentido que
mis fans tengan que comprar todo lo
que hago.
F I L T E R . 29
¿Cómo eligieron los remixes?
Cada uno tiene una historia diferente. Fui preguntando
a cada colaborador y fue gratificante cuando me fueron
diciendo que sí. Había estado trabajando en unos beats
con Current Value y las piezas terminaron siendo remixes.
Cuando hice Biophilia fue muy elemental, por aquello de los
elementos naturales. Si estás pensando en cristales y física…
Entonces te diriges hacia aquellas personas que hacen beats
elementales.
Biophilia se siente como una proyección filosófica,
como si proyectara a Björk en todos los elementos
del universo, pero ¿qué significa para ti?
Biophilia estuvo ahí conmigo todo el tiempo. Fue un intento
de revelar y compartir cómo me siento con respecto al mundo del sonido. Se convirtió en algo educativo… lo hemos
llevado alrededor del mundo, mostrándolo a los niños. ¡En
Reykjavik lo han puesto entre las materias de la escuela,
al menos en los siguientes tres años! Y esto me recuerda a
cuando era niña y aprendía musicología en Islandia. Fue
increíble, por cuatro años todos dejamos el alma ahí.
¿Podrías ilustrarnos un poco? ¿Qué deberíamos
saber del sonido?
El sonido mueve de forma similar los átomos y los planetas y
lo hace también con los humanos, con los coches… o incluso
con los animales. Si gritas en un cuarto, y hay un eco que se
te regresa, el sonido se está comportando como el sistema
solar y el espacio. Si ves las fotos de las ondas sonoras, es
similar al trabajo de los átomos.
La película de Andrew Thomas Huang, Doll Face,
parece tratar nuestra desesperación por aferrarnos a un mundo cada vez más tecnológico. Y he
sentido que tu música, a menudo, establece esa
tensión entre nuestro ser primitivo y la tecnología
de ahora. ¿Eso es lo que te llamó la atención de él?
De hecho, yo vi algo (Solipsist) de él que era mucho más
elemental. Él utiliza cosas elementales como arena y barro.
Incluso, la paleta de colores es similar al color al de los
estratos terrestres, y los acordes de la música también son
similares a los estratos.
Parece que en el video transmites la capacidad de
la naturaleza para aterrorizarnos.
30 . F I L T E R
¡No, para nada! Es más bien como una celebración de la
naturaleza.
La naturaleza no es precisamente altruista,
muchas veces hace con nosotros lo que quiere;
estamos atenidos a sus deseos brutales. ¿Hacer
Biophilia te ayudó a entender nuestra relación con
la naturaleza?
Creo que Biophilia es una sugerencia de cómo deberíamos
vivir con la naturaleza. Es como colaborar con ella en pleno
siglo XXI. Tenemos que hacerlo porque estamos en un
estado de emergencia.
Platícanos de tu participación en MOCAtv y tu
trabajo con Jeffrey Deitch, director del MOCA.
Ellos fueron los que se acercaron a mí, tenían sugerencias con las que no estuve de acuerdo. Al final, lo
que ellos querían era involucrarse en el video, y era la
intención… colaborar. Es extraño cuando la gente del
mundo audiovisual me contacta para hacer ese tipo de
cosas, porque soy músico ¿sabes? Pero creo que Jeffrey
Deitch apoya a la gente que ha hecho videos para mí,
como Michel Gondry.
Hoy en día existe una serie de exigencias
artísticas.
El mundo está cambiando muy rápido, ahora mismo ya
no podemos costear nuestros videos vendiendo discos.
MTV ya no apoya a gente como yo. Yo soy una punk
vieja: nunca he hecho un comercial, nunca me he dejado
patrocinar por alguien. Me siento rara cuando veo esas
bandas patrocinadas por marcas de coches. Y algo como
MOCAtv, que su único fin comercial es el de llevar el
trabajo a un museo, hace que realizar un video se vuelva
un trato amigable.
¿Te ha parecido extraño llamar la atención de
los curadores de museos?
Es gracioso, sí. Yo recibí las ofertas de los museos, ellos
son los que querían promoverme.
Todo mundo quiere tener un poco de tu brillo.
Y me siento halagada, pero esto fue sólo para realizar
los videos. A fin de cuentas, estoy contenta con ser una
mujer que hace música pop.
PRINCIPALES
Bjork
STILL DE “MUTUAL CORE”
VIDEO ANDREW THOMAS HUANG
F I L T E R . 31
32 . F I L T E R
TAME IMPALA
EN PO R TADA
Viaje al centro de la psicodelia
Por PAMELA ESCAMILLA
Después de casi dos años de haber visitado la Ciudad de
México por primera vez, Tame Impala vuelve a nuestro país
a un escenario mucho más grande y en diferentes condiciones:
son de las bandas más esperadas del Vive Latino 2013 y traen
a Lonerism, y todo el éxito después de haber lanzado este
material, bajo el brazo.
A principios de este año entrevistamos a Kevin Parker, mente
maestra detrás de este proyecto australiano, quien nos confesó
que la primera vez que vino se sintió abrumado por nuestra
ciudad. “La gente nos ha estado diciendo que tenemos que
venir a México, nunca sabemos qué se espera de nosotros, la
cantidad de gente en el festival será una sorpresa también.
Desde la última vez que estuvimos allí salió el segundo álbum
y la gente ha estado escuchándonos…”, confiesa el veinteañero
a tempranas horas laborales en México, casi a media noche en
Perth, su ciudad.
Foto MACIEK POZOGA
Tanto para él como para la banda, satisfacer sus necesidades
creativas y estéticas es una prioridad. Irónicamente, es probablemente eso lo que da como resultado música exitosa. “Creo
que lo importante es hacer música relevante para nosotros,
hacer música que queremos escuchar, si es relevante o no para
los demás, es un accidente”, advierte.
Mientras llega el momento de volver a escucharlos en vivo, los
invitamos a disfrutar estas páginas, en las que encontrarán
una introducción a la banda, publicada en la edición de otoño
de FILTER Magazine, así como las declaraciones que Parker
hizo a FILTER México con respecto a su segundo material
discográfico y a muchos otros temas relativos a Tame Impala.
F I L T E R . 33
EN PORTADA
Foto MATTHEW C SAVILLE
GOING BACKWARDS
PARA SUMERGIRSE EN
TAME IMPALA
Por LAURA STUDARUS
Traducción CRISTINA SALMERÓN
Kevin Parker, el líder de Tame Impala, no es precisamente un científico loco —sólo juega a serlo mientras
descansa entre gira y gira en su casa de Perth. “Estoy
inventando un ‘sonido envolvente omniguitarra’”, dice el
australiano sobre sus experimentos, pero antes de verse a
sí mismo hablando de más, decide no revelar otros datos.
“Va a ser asombroso, confía en mí”.
Presumiblemente un solista (en el escenario él suele estar
con Dominic Simper, Jay Watson, Nick Allbrook y Julien
Barbagallo), Parker es experto en canalizar esa explosión
de creatividad que viene de sus momentos a solas —ya
sea al hacer música o instrumentos. Recientemente, el
músico terminó Lonerism, el segundo álbum que hace
bajo el sobrenombre de Tame Impala. A pesar de tal
título (que en jerga anglosajona es como estar enfermo
de soledad), Parker asegura que en este disco quiso hacer
algo más allá de un ejercicio de introspección, aunque
se le ha hecho la fama de esconderse para escribir en su
“guarida”, como él mismo la llama.
“Se trata de hacer un contraste entre uno mismo y
el resto de la gente”, habla sobre el tema central del
álbum. “De esta forma, en verdad se convierte en ese
mundo exterior y las formas de interpretarlo, lo cual se
describe como ‘lonerism’ —cómo describiríamos ese
mundo de afuera que se vuelve una propiedad particular de tu sangre”.
Más aventurero que su disco debut, Innespeaker, el tono
vibrante de Lonerism fue influenciado por un periodo
en el que Parker produjo el disco solista de su ahora
novia, Melody Prochet, titulado Melody’s Echo Chamber.
“Ella fue la que me dio el coraje para probar cosas
34 . F I L T E R
en verdad locas que, normalmente, nunca hubiera
hecho, como poner una distorsión digital extraña
en las baterías”, recuerda. “Soy tímido; me gusta
permanecer en esa producción hecha a la antigua,
pero ella se veía muy audaz y con ganas de probar
cosas hechas al azar”.
El cambio de enfoque dio lugar a un vibrante sonido,
como de explosión de lámpara de lava. Así, las armonías
retro-futuristas de Parker se unieron a fuerzas con una
serie de opciones sónicas que resultaron inesperadas.
Por medio de una aventura optimista de pop sicópata, el álbum incluye canciones como esa improvisación technicolor que es “Elephant” y sus sincopados
pisotones, que semeja al rey de los paquidermos
amenazando con aproximarse; del mismo modo, “Be
above it”, captura la intensidad del quinteto tocando
en vivo —con un coro que nos lleva a un ambiente
similar a unos Beatles vistos tras un cristal.
Intercalados entre capas ondulantes de sonido
se encuentran unos bits misteriosos de palabras
habladas —recuerditos de un viaje de cerca de dos
años que Parker hizo antes del debut con la banda.
“Es como tomar una fotografía”, dice al respecto de
su hábito por coleccionar piezas de audio. “Para mí,
el sonido es más potente que las imágenes. Si estoy
en una habitación en algún lugar —incluso si hay un
silencio tenebroso, como cuando el viento sopla— y
comienzo a grabar, reproduzco esto un mes después y
recuerdo exactamente lo que era…. Tal vez, el hecho
de que haya tantas fotos en el mundo ha hecho que
pierdan su potencia”.
Además de esos sonidos, Lonerism fue inspirado por
muchas reflexiones momentáneas. Parker señala
que “Apocalypse dreams” es donde —a pesar de sus
mejores intenciones— la conciencia colectiva de la
fascinación por 2012 se apoderó de él. “Es algo que
ha impregnado mis sueños”, relata. “Seguía teniendo
esos sueños recurrentes acerca del fin del mundo.
Había sólo una emoción en ellos. La canción se trata
del Apocalipsis, pero también de sentirse como al
borde de un gran cambio…. Es tener ese sentimiento
de que todo está cambiando y luego darse cuenta de
que se ha vuelto al punto de inicio”.
Se ríe de tan analítica descripción, notando que está
a punto de hacer que sus interlocutores no compren
su disco, o de que su proyecto se vea como un tipo de
terapia sónica (aunque, asegura, él está sosteniendo
esta conversación mientras se encuentra recostado en
una cama en Perth, algo muy similar al diván de un
siquiatra).
“Este disco tiene una emoción de niño”, aclara el
músico de 26 años. “Es algo simple, en realidad.
Las emociones y los sentimientos tienen ese toque
de juventud. La maravilla de ser joven como oposición a ser excesivamente intelectual y adulto”.
Parker está consciente de que su trabajo ha
encontrado un lugar en la esquina de un paisaje
cultural. “Hacer este álbum de principio a fin
terminó siendo algo en lo que puse mi corazón por
completo”, asegura. “Sé que debe haber ciertas
personas para las que Tame Impala es algo importante. No quiero decepcionarlas. Ellos valoran
a Tame Impala tal como lo hago yo. Es música
buena que tiene sentido para ellos. Si los defraudo,
me defraudo a mí”.
EN P O RTA DA
LONERISM
LA PRUEBA
DE FUEGO
Por PAMELA ESCAMILLA
“No estaba pensando en lo que la gente esperaría de
un segundo álbum cuando empecé a trabajar en él”,
Kevin Parker
Innerspeaker, su primer álbum de larga duración, fue reconocido en su país
natal con nominaciones en los ARIA Music Awards y el J Award (que
otorga la estación de radio Triple J), mientras que Pitchfork lo reconoció
como Best New Music. La tarea de realizar el temido segundo disco de
cualquier banda exitosa, no le quitaba el sueño a Parker y compañía, lo
que seguramente se reflejó en los resultados de la aventura sicodélica que es
Lonerism. “Pasa de manera natural y hasta rápido, no estaba pensando en lo
que la gente esperaría de un segundo álbum cuando empecé a trabajar en
él. La parte creativa fue muy fácil, muy natural, pero son las decisiones las
que son difíciles”, indica el multiinstrumentista.
Aparte de decidir qué canción tiene que ir antes que otra, para Kevin es el
resultado final de cada rola lo que más lo preocupa. “También si quieres
que una canción suene muy loca o más digerible, es como definir que una
canción tenga todas las cosas raras y todos los sonidos retorcidos o hacerla
más digerible pero aún interesante, o si de plano quieres quitar todo lo loco
y hacerla para que sea puesta en el radio. Es una batalla en tu cerebro que
ocurre a cada momento, si quieres ser totalmente raro o accesible”, explica
tras confirmar que los sencillos son las partes más digeribles de sus discos.
¿Será este el caso de “Feels like we only go backwards”?
con los mismos músicos en la agrupación, así como en otros proyectos, tales
como The Dee Dee Drums, Pond, Mink Mussel Creek y Space Lime Peacock.
“No estaríamos en donde estamos si no fuéramos los mejores amigos, nos
conocemos desde hace años, con algo tan sensible y frágil como lo es hacer
música necesitas amigos y otros músicos que entiendan tu visión, cómo te estás
sintiendo. Si no lo hacen, entonces no hay razón para trabajar con ellos, tiene
que haber pleno entendimiento de todo y por fortuna todos mis amigos lo
hacen, nos entendemos entre nosotros”, afirma el australiano.
Esta constancia de colaboraciones creativas, se nota en todas las partes del disco. Prueba de esto es que Leif Podhajsky, quien creó el arte de Innerspeaker, volvió a trabajar con Tame Impala en su segundo disco, cuya portada nace de una
fotografía tomada por el mismo Parker mientras trabajaba en el proyecto de la
francesa Melody Prochet, en París. “Me involucro mucho en esto, es la imagen
que todos tendrán en la mente cuando se hable del álbum, la manera en que se
muestra la música para mí es muy importante”, sostiene el compositor.
Para Parker, este material, a pesar de su complejidad sonora, es un poco infantil. “Lo de la niñez y lo infantil tiene que ver más con las letras, la melodía vocal es muy simple. Contiene música muy compleja. Sé que hay muchos instrumentos y sonidos en las canciones pero cuando sacas cada cosa es muy simple,
en especial las letras y la manera de cantarlas, y todos en la banda tenemos una
onda infantil, nadie tiene un alma vieja, cuando cantas sobre las emociones; es
algo muy de niño”, explica sobre el disco que, aunque tenga un título que haga
referencia a la soledad, es el resultado de un trabajo en equipo.
Foto MATTHEW C SAVILLE
En la composición de este material destaca que comparte créditos con Jay
Watson en dos canciones, “Elephant” y “Apocalypse dreams”, cosa que no
había hecho antes en su carrera como Tame Impala. “Tiene los acordes e
ideas de alguien más, así que me renové con ello y estábamos emocionados
de hacerla porque tiene esta onda soul y a la vez es casi espacial y electrónica. Fue una canción muy divertida de escribir”, comenta con respecto a su
creación apocalíptica.
Aunque gran parte del trabajo creativo de Tame Impala está sobre los
hombros de Kevin, es destacable que ha trabajado de manera constante
F I L T E R . 35
EN PORTA DA
WHY WOULDN’T
HE ANSWER ME?
MÁS DE LA CHARLA CON KEVIN PARKER
Todos estamos fascinados con Lonerism, pero este
material no es todo en la vida de Tame Impala, ni
sus visitas a México sus únicos conciertos, así que
esperamos que disfruten esta sesión de preguntas
y respuestas con el líder de la agrupación.
¿Qué es lo más raro que has escuchado de
un fan sobre la interpretación de alguna
canción?
He escuchado varias pero hay una en particular
rara. La primera canción del disco (Lonerism) “Be
above it”, repite esas palabras una y otra vez,
alguien dijo alguna vez que podría sonar como
“Be a puppet”, no es lo que quería decir pero tiene
como este otro significado. Fue algo cool, me gustó
la idea de que le dieran otro significado aunque
no fuera para nada en lo que yo estaba pensando.
Esta persona le mandó a nuestro manager todo
un párrafo preguntando sobre otro significado de
la canción.
¿Cuál es el significado que tienen tus lanzamientos en la carrera de Tame Impala?
Incluyendo Innerspeaker y el primer EP.
Creo que nunca sabré qué significado tienen.
Siempre que termino una canción me siento
satisfecho, para mí no tiene que ver para nada con
álbumes, sino con canciones individuales porque
si nunca hubiera lanzado la música, si no la
hubiera vendido y se la hubiera dado a compañías
36 . F I L T E R
discográficas no tendría discos, sino sólo canciones. La idea completa de hacer un álbum es
poner juntas un grupo de canciones que quedan
bien, yo no necesariamente escucho mi propia
música en álbumes así que para mí cada canción
tiene su propia alma y el álbum es sólo poner un
círculo enorme alrededor de ellas.
¿Qué estás escuchando ahora? Bandas
que estés descubriendo o redescubriendo…
No escucho tanta música, se me olvida…
Menciona algunos covers que solías tocar
cuando eras más joven.
“Paranoid” de Black Sabbath, creo que “1979”
de Smashing Pumpkins y, no sé, supongo que
algo de Silverchair.
¿Qué disfrutas más de las giras?
Creo que la idea de ir de un lugar a otro muy rápido, visitar un lugar por un día y luego avanzar
es algo romántico. Entrar a un cuarto de hotel
sólo una vez, salir y saber que nunca entrarás
a la misma habitación, lo encuentro como una
experiencia mágica.
¿Qué planes a futuro tienes con Tame
Impala?
Andar mucho de gira, supongo. Hacer mucho
de lo que te estaba contando, entrar a diferentes
cuartos sólo por una vez y salir, pero creo que
vamos a ir a nuevos lugares este año, lo que será
bueno.
¿Ya empezaste a escribir material
nuevo?
Un poco. Es decir, siempre estoy pensando
en canciones pero en este momento sólo estoy pensando en cosas que hacer en el show
en vivo, quiero hacer algo de lo que me
sienta orgulloso, hacer algunos puentes musicales. Creo que una vez que me establezca
y tenga tiempo de nuevo podré pensar en
más música para álbumes.
Foto MATTHEW C SAVILLE
F I L T E R . 37
EN PORTA DA
3 DISCOS
QUE INSPIRARON A KEVIN PARKER
PARA HACER MÚSICA
AIR – Talkie Walkie
“Me hizo descubrir
hermosos paisajes sonoros.
Descubrí el mundo de la
música más allá de las guitarras. Fue algo exuberante,
electrónico con acordes
melancólicos”.
¿De dónde te inspiras para crear música?
No sé, del mundo a mi alrededor, supongo. Nunca ando buscando inspiración pero siempre es como que
tengo cosas que debo sacar, y a la vez vienen del mundo de afuera… pero no siempre estoy al pendiente
de eso.
¿Cuáles son las diferencias en los resultados de producir el álbum Melody’s Echo Chamber y trabajar en Lonerism?
Fue mucho más fácil, creo que trabajar en Melody’s Echo Chamber para mí fue sólo ser el productor, no
tuve que ser el artista, lo que es divertido, porque significa que tienes que divertirte y hacer sonidos. No
tienes que preocuparte por escribir canciones ni letras, sino hacer sonidos de batería. Es más como un
pasatiempo, hacer Lonerism tomó mucho más de mi alma, es más como tener un bebé, y producir el disco
de alguien es como ser niñera del hijo de otro.
¿Qué tan importante es recibir buenos comentarios y reseñas de tus materiales y tu
trabajo?
Ohhh, no es muy importante. Es decir, es la opinión de una persona, la gente que reseña álbumes lo
hace de una manera diferente que la gente que sólo lo escucha porque le gusta la música, es diferente.
No es como amar la música, sino analizarla, como hacer un examen en la escuela. Para mí es lo opuesto
a apreciar la música.
A l trabajar con Modular Recordings, ¿cómo te sientes? Han estado muy constantes con la compañía, ¿cómo les ha funcionado como banda?
Muy bien, me dejan hacer lo que quiero en el estudio, nunca han tratado de controlar el lado
creativo, que es lo que toda banda quiere. Hay discos que se hacen para hacer dinero. No me
puedo quejar porque nunca me han presionado para ir a un estudio profesional de grabación
o conseguir a “x” productor, puedo grabar en mi recámara, que es mi sueño. El resultado de
eso nunca lo han tratado de convertir en otra cosa.
38 . F I L T E R
SMASHING PUMPKINS
Siamese Dream
“Me confrontó con la melancolía —de la forma en que
la música puede ser pesada,
con muchas guitarras, pero,
al mismo tiempo, totalmente
pop y soñadora”.
SUPERTRAMP
Breakfast in America
“Sus canciones y melodías
eran efusivas. Tienen un toque nostálgico, aunque no se
estén refiriendo a un pasado
en específico”.
F I L T E R . 39
I SEE A DARKNESS
DJ
La historia de
SHADOW
Por KEVIN FRIEDMAN
Traducción PAMELA ESCAMILLA
Si Josh Davis fuera cineasta, hubiera hecho
filmes de horror. La oscuridad que corre a través
de su trabajo justifica su alias, DJ Shadow. No es
difícil imaginarlo como un personaje de alguno
de los clásicos del género, alguien esclavizado por
sus creaciones.
Él empezó a hacer beats cuando cursaba la secundaria. Como estudiante en UC Davis, fundó
el colectivo Solesides con los dúos Blackalicious
(Gift of Gab y Chief Xcel) y Latyrx (Lyrics Born
y Lateef the Truthspeaker) y empezó a lanzar
discos como DJ Shadow. Un remix llamó la
atención de James Lavelle, pionero británico del
vinyl, quien lo alentó a hacer su primer LP en
1996. Ese esfuerzo, Endtroducing….., cambiaría el
mundo de la música y su vida.
Endtroducing….. incluye sampleos de cine y
television como T he Prince of Darkness, Twin
Peaks y THX 1138, pero también material de
David A xelrod, Tangerine Dream, Kraftwerk y Giorgio Moroder. El álbum lo ayudó
a establecer el género embriagador y downtempo que se convirtió en trip-hop. Con
material sacado de sus famosos y profundos
cajones, creó lo que aparece en el Libro Guinness de los Records como el primer álbum creado sólo con sampleos. Seis años después, con
T he Private Press continuó su viaje a través de
un bosque claroscuro de sonido. Se estancó
en los tonos menores y grooves lentos.
40 . F I L T E R
A pesa r de los la rgos per iodos ent re sus
la n za m ientos sol ist a s, colaboró con L avel le
y Ti m G old swor t hy en U N K L E , cuyo á lbu m
de 19 9 8 , Ps ye nce F i ct i on, i ncluyó colaboraciones voca les de T hom Yorke, M i ke D y
R icha rd A shcrof t. Ta mbién compi ló u na
colección de sus pr i mera s g rabaciones pa ra
P ree mpt i ve S t r ik e y produjo el sou ndt rack del
docu ment a l D ark D ays.
Para algunos, el tiempo que se tomó entre
álbumes era prueba de su atención al detalle,
pero los fans se sorprendieron con T he Outsider
(2006). Sus seguidores se dividieron por este
disco-frankenstein, con voces y MCs. Shadow
usó una técnica de producción más convencional para acompañar a raperos como David
Banner, Nump y Keak Da Sneak. Mientras
siempre se había considerado parte del mundo
del hip-hop, eso no había sido tan claro para
sus escuchas.
Los artistas que han experimentado con
nuevas direcciones han enfrentado el aumento
de seguidores contrariados, Shadow parecía
desconcertado por las antorchas y cañones
fuera de los muros de su castillo. La reacción
de la gente lo llevó a decir: “¿Repetir Endtroducing….. una y otra vez? Eso nunca estuvo en el
plan. Es tiempo para ciertos fans decidir si son
seguidores del álbum o del artista”. Pasarían
cinco años más antes de que un nuevo LP de
Shadow le diera a la gente la oportunidad de
tomar la decisión. En 2011, Shadow lanzó T he
Less You Know, the Better.
E n otoño la n zó R econ st r uct ed : T h e B est of DJ
S h a dow, u n á lbu m de g ra ndes éx itos, y el
box- set R econ st r uct ed : T h e D ef init i ve DJ S h adow. E st a s colecciones capt u ra n su evolución
como autor, u no que ex plora géneros y se
esf uer za por ma ntener a l escucha — y sobre
todo, a l a r t ist a— si n sent i r que había n v isto
est a pel ícu la a ntes.
Sólo Shadow sabe
Una conversación con Josh Davis
¿Cómo empezaste a trabajar con tornamesas y samplers?
No teníamos mucho dinero cuando crecimos, así
que ahorré para comprar mi equipo. No sabía
que quería hacer beats hasta el último año de la
preparatoria. Muchos de mis mentores, estaban
de fijo en los clubes nocturnos. Creí que eso era lo
que terminaría haciendo hasta que me tomé más
en serio lo de buscar qué samplear. Era la época
dorada del hip-hop, a finales de los ochenta.
¿Querías trabajar con MCs o mantener
las cosas instrumentales?
Estuve con los Solesides alrededor de 1992, ya
tenía un par de discos de 12’’. El primer rapero
de Solesides con el que trabajé fue Gift of Gab,
con quien hice varios de éstos. En 1993 me
buscó Lavelle, del sello londinense Mo’ Wax.
Él quería ir en una dirección instrumental,
había escuchado “The legitimate mix”, que
hice para Zimbabwe Legit. Le gustó ese tipo
de onda espacial y etérea, y quería que hiciera
algo así. Eso definió mi primer sencillo en
Mo’ Wax [“In/Flux”]. Después quiso darle
seguimiento y “Lost and found” se convirtió en
lo que me haría ser mencionado en las listas de
popularidad. Mo’ Wax y James me animaron a
hacer más de esto, porque era un área que me
interesaba. Si hubiera querido hacer un beat
para mover la cabeza hubiera llamado a uno de
los MCs de Solesides.
¿Qué querías lograr con Endtroducing.....?
Pasé gran parte del verano de 1995 trabajando
en un EP llamado What Does Your Soul Look Like?
Había estado escuchando música basada en
sampleos y hip-hop por una década, fue con lo
que crecí. En cierto sentido, mucho más que
las tornamesas, el sampler se convirtió en mi
instrumento. Escuchaba lo que todos los demás
estaban haciendo, estudiándolo y tratando de
hacer algo que nadie más hiciera.
A The Outsider lo dejé resonar con todas las
inf luencias de mi vida.
Cuando lo sacaste, ¿sentiste que eras
parte del mundo del hip hop?
Creo que abrí un espacio, era una puerta para
que otros descubrieran el género. No creo que
eso haya cambiado la dirección del rap o del
hip hop. Ofreció una nueva perspectiva de lo
que el sampling y el hip hop pueden ser.
¿Puede la apreciación de diferentes géneros
convertirse en una trampa cuando se produce un disco?
Uno se rodea de mucha música e ideas, y no hay
nada nuevo bajo el sol. Muchos de mis héroes han
llegado lejos —Trevor Horn, Malcolm McLaren— y
cuando creces con discos audaces es difícil limitarte a
las mentes conservadoras del mainstream.
Después de que saliera Endtroducing…..muchos
quisieron hacer un disco instrumental y me
decepcionaron. Sólo eran beats de rap. Estoy
orgulloso de que ninguno de mis discos instrumentales esté hecho de simples beats a los
que les hace falta una voz. La música se tiene
que construir de manera diferente, yo estoy
tratando de contar historias con las canciones
que hago y por eso es que Endtroducing…..sigue
siendo el favorito de muchos. Tiene muchas
capas y eso he tratado de aplicarlo en todos mis
álbumes, ya que es mucho más difícil lograr un
track instrumental de siete minutos y mantener
la atención.
¿Qué cambios experimentaste en
los seis años antes de llegar a The
Private Press?
Había lanzado un álbum aclamado con Endtroducing….. y eso cambió mi vida. Con UNKLE
me realicé como productor, pero estaba trabajando 20 horas diarias en el estudio. Fue la primera vez en que acepté que tenía que bajar el
ritmo. The Private Press fue un disco muy personal y no he trabajado tan duro desde entonces.
Creo que varias de mis mejores canciones están
en ese material, fue un gran salto.
Y The Outsider es un brinco diferente…
Después de The Private Press sentí que había
cumplido mis obligaciones con los fans y caí
en la cuenta de que sería ridículo pedirle a
cualquier artista no hacerle caso a su musa o
no llevar su creatividad tan lejos como pudiera.
Parece que hubo mala respuesta por parte
de algunos fans, ¿eso te molestó?
Me decepcionó. A veces es difícil para la gente
entender que he evolucionado y que no hago la
música del mismo modo. Prefiero hacer algo
diferente, en el sentido de que estoy haciendo lo
que se supone que tengo que hacer. Muchos creen
que los artistas están para complacerlos.
Tu primer álbum fue una aventura en solitario pero has avanzado a escenarios con
más colaboraciones. ¿Qué disfrutas más?
Recordando cuando empecé a trabajar con los
Solesides, yo haría un beat para cualquiera, así
fue como esto empezó. El disco de UNKLE fue
cuando trabajé por primera vez con guitarristas
en el nivel de alguien como Thom Yorke y Richard Ashcroft —gente que viene de un universo
musical diferente. El proceso colaborativo puede
dar recompensas y decepciones. Es por eso que
[en The Less You Know, the Better] he tratado de
limitar un poco mis colaboraciones. Creo que
cuando trabajo solo es cuando mi visión es más
pura y puedo adentrarme en algo profundo para
comunicar.
¿Cómo te sientes con un álbum de retrospectiva de tu carrera?
Es una de esas ideas a las que me resistí, pero al
terminar el último disco sentí que tenía suficiente
material para justificarlo. Tenía seis horas de
material para escoger y unos tracks nuevos. Estoy
feliz con el resultado.
F I L T E R . 41
ARTE
SINFONÍAS INCOMPLETAS
EL ARTE RE-VISIONARIO DE
MATT MAUST
DE
COLD WAR KIDS
Por KYLE LEMMON
Traducción DANIELA ESPAÑA
Arte MATT MAUST (CORTESÍ
¿En dónde estudiaste diseño gráfico?
Fui a una escuela muy pequeña de artes de la
cual tal vez nunca hayas escuchado, su nombre es
Biola University, se encuentra en La Mirada, en
el sureste de Los Angeles. No es muy conocida por
su programa en artes. Me quedé con muy poco
de lo que estudié ahí. Tomé más de una clase de literatura que me dio Paul Buchanan, él enfatizaba
en la idea de borrar lo más que se pudiera hasta
que ya no quedara que borrar. Básicamente tenías
que volver a trabajar con tu propio trabajo. Tenías
que escribir y editar todo lo que pudieras para
después volver a escribirlo. En realidad eso me
gustaba mucho.
Casi siempre el arte que yo hago es arbitrario.
Pienso que mis cosas se parecen mucho a algo
que pudo haber hecho un niño, siempre lo tengo
presente. Me gusta hacer arte que no parezca que
fue hecho por un artista.
En el verano tuviste una exposición en Manhattan. ¿Qué intentabas obtener con las piezas
que expusiste? ¿Fue una exposición de toda tu
obra o fue más como una selección?
42 . F I L T E R
Técnicamente fue mi trabajo de los últimos
diez años, pero la mayoría fue de los últimos
dos. Exhibí 70 piezas de gran formato. Fotocopié gran parte de mi trabajo para hacerlo
blanco y negro. No exhibí ningún original,
pues eran muy coloridos. La exposición se
organizó de último momento, pero a mí me
gusta trabajar rápido. Esta fue mi primera
exposición, ubicada en Danese, en Chelsea,
después de tres años de estar tan ocupado
con la banda.
Realizas exposiciones, el arte de algunos
álbumes, diseño web y libros que coinciden con el lanzamiento de la música de
Cold War Kids. En ocasiones anteriores
has mencionado que te gusta la relación
que hay entre las artes plásticas y los
lanzamientos musicales de bandas como
The Clash y Joy Division. ¿Qué es lo que
disfrutas de dicha estética?
Creo que la banda que ha logrado ese nivel de
dirección de arte es New Order. Peter Saville,
director de arte y diseñador gráfico inglés, lo ha
logrado de la mejor manera. Él no era parte de
la banda; sin embargo, lo dejaron tener el control
total del arte con Factory Records. El mito se fundamenta de la siguiente manera: New Order no
interfería en lo más mínimo con el diseño de los
discos porque el director de arte estaba totalmente
involucrado en esto. Yo lo veo a él como a una inspiración, porque aunque estoy con Cold War Kids
puedo ver mi arte desde un filtro que involucra un
nombre específico y una estética determinada.
He realizado todo el arte de nuestros EPs y LPs, la
mayor parte de ese trabajo lo realizo por mi cuenta.
Las fotos para Loyalty to Loyalty fueron tomadas por
un gran amigo mío, pero yo me encargué del diseño
gráfico. En el EP Behave Yourself, Nathan hizo algunos
de los dibujos y yo el resto. Es difícil recordarlo. Las
líneas son difusas en cuanto a qué ha hecho quién.
Simplemente me gusta trabajar en cosas como estas.
Nathan Willet (vocalista, guitarrista y
pianista de Cold War Kids) está interesado
en integrar influencias filosóficas, literarias y cinematográficas a la música de la
banda. ¿Te gustaría hacer lo mismo con
tus piezas artísticas?
ARTE
Has mencionado que intentas ir a tu
estudio antes y después de que la banda
escribe y ensaya. ¿Piensas que tu música y
tu arte se complementan?
Claro que lo pienso. Muchas de las piezas están
influenciadas por las letras de las canciones de
Cold War Kids. El estudio de nuestra banda está
repleto de piezas mías, es una gran motivación.
Estoy seguro de que algunas de las nuevas piezas
estarán en el siguiente álbum.
Lo que sucede con la música es distinto, pues ahí
estás intentado hacer algo con lo que las personas
puedan identificarse y a la vez personalizarlas de
alguna manera. Es cierto que Nathan está intentando integrar influencias filosóficas, literarias y
cinematográficas. Yo creo que con el arte trabajas
con otra parte del cerebro, pues en menor medida
estás mandando mensajes a las personas. Creo que
fue Peter Saville quien dijo que los diseñadores no
tienen mucho que decir a diferencia de los artistas.
Sólo tengo 33 años pero creo que a veces la línea
que me separa del diseñador y del artista es muy
difusa. Al ser tan joven tengo mucho cuidado con
decir todo el tiempo cosas con mi arte, aunque en
ocasiones no puedo evitarlo. Me gusta exponer
más preguntas que respuestas. Mi arte tiende a representar ideas o estados de ánimo, sin embargo,
no me gusta recurrir a éstos con frecuencia porque
la mayoría de las veces lo hago bromeando. Es
casi como un sentimiento o un tipo de emoción,
no se lo dejo muy claro al espectador.
Uno de mis artistas favoritos en este momento es
el director alemán Wim Wenders, él tiene un gran
libro de fotografías llamado Once. He escuchado
que en ocasiones comenta que fue muy fácil para él
comenzar una película, pero a la mitad de ésta las
cosas comenzaron a complicarse y en realidad nunca
ha terminado una. Me gusta pensar constantemente
en esa idea. Él realiza películas que nunca están
terminadas y eso es lo que hace que el espectador las
vea, el hecho de que no están resueltas.
Todo el tiempo vuelvo a trabajar sobre lo que ya
he hecho. Tomo fotos de la foto, de la foto. Las
imprimo. Las dibujo. Las escaneo. Las vuelvo
a escanear. Es casi irreconocible. Creo que el
trabajo de un artista nunca está terminado. Me
encanta estar en una banda en la que presionas el
botón de grabación, tocas una canción y después
se masteriza para su lanzamiento. Esa canción
está terminada pero aún así tendrás que tocarla
por muchos años más. Nunca dejo nada grabado
sobre una piedra, eso está bien, creo yo.
¿En este momento están trabajando en el
nuevo álbum de Cold War Kids?
Sí, está casi terminado. En esta ocasión nosotros
lo grabamos por completo, por eso tuve más
tiempo para trabajar en mi arte, porque trabajas
arduamente grabando por dos días y tienes otros
cuantos para una exposición o algo más.
Cuéntame un poco sobre tu proceso al
realizar estas piezas artísticas. ¿Qué
tipo de materiales utilizas para el
texto y para los collages que están en
el fondo?
Quería que se vieran viejos, así que raramente hago recortes de revistas; más bien es mi
manera de organizar las cosas. Lo escribo en
una computadora o en una máquina de escribir y comienzo a copiarlo una y otra vez.
Casi siempre convierto mis textos en timbres
postales, otras veces distorsiono los colores
alterando la copia. Ese aspecto viejo lo logro
a partir de diferentes técnicas. Aunque casi
todo se resume en trabajar una y otra vez
con mis piezas.
¿Qué tal suenan las grabaciones hasta
ahora?
Estamos mezclándolas de nuevo. Hay algunas
canciones que suenan muy nuevas para nosotros y otras que podrían estar en nuestro primer álbum. Tenemos un nuevo guitarrista, pues
Jonnie (Russell) dejó la banda después de siete
años y nuestro amigo Dann Gallucci (Modest
Mouse, Murder City Devils) tomó las riendas
de la guitarra inmediatamente. Él también
produjo el disco completo en nuestro estudio de
grabación casero en San Pedro. Tiene un nuevo
sonido, diferente del de Mine is Yours, que fue
grabado por Jacquire King, productor ganador
de un Grammy.
¿Hay aspectos de tu arte en los que quieras
seguir mejorando?
Es una buena pregunta. Lo primero en lo que
pienso es en que quiero dibujar mejor. Me gusta
el aspecto sencillo que tienen mis dibujos pero
podría evolucionar.
Para conocer más sobre el trabajo de Matt Maust
puedes visitar mistermausters.tumblr.com.
F I L T E R . 43
44 . F I L T E R
REVIEWS
TORO
Y MOI
Anything in Return
Foto PATRICK JEFFORDS
Carpark
85%
Chaz Bundick, el héroe y mente creativa detrás de Toro Y Moi, ha dicho
una y otra vez que él tan solo quiere hacer buen pop. Cualquiera que
haya escuchado esos beats funkeros llenos de éxtasis se ha dado cuenta
de que tal vez no está tan lejos de su sueño. Tal vez no sea necesario mencionar que Anything in Return —el tercer material de Bundick como Toro
Y Moi— no es de aires tan californianos. Musicalmente es sin duda lo
mejor que Toro Y Moi ha logrado, con ritmos complejos y una meticulosa
producción —característica que ha prevenido que los anteriores éxitos de
Bundick se pierdan en el imaginario musical.
En 2010, Toro Y Moi lanzó Causers of This, un debut que detonó a
decenas de proyectos musicalmente similares como el Life of Leisure, EP
de Washed Out, y Psychic Chasms de Neon Indian. Trece meses después
Bundick editó Underneath the Pine, un material lleno de texturas que también sirvió como una respuesta al género que Bundick involuntariamente
había ayudado a crear.
En Anything in Return, todos los beats tienen algún giro. Cualquier letra
que tenga que ver con amor, viene acompañada de un aire agudo y un
tanto misterioso. “High living” es un espeso tema con sintetizadores
alegres que inmediatamente contrastan con el bajo que rebota una y otra
vez. “Never matter” inicia como una fresca explosión de una botella de
Perrier, mientras los instrumentos burbujean sobre una tarola firme y
un bajo con mucho groove. La última nota de un sintetizador cerca de
la marca de los cuatro minutos es tan sólo una muestra de la habilidad
de Bundick para moderar ritmos y sus dinámicas. “Cola”, uno de los
mejores temas del disco, retoma todo el funk ochentero y lo combina
con percusiones repetitivas y los característicos sampleos vocales que se
han vuelto la firma de Toro Y Moi. Pero con letras como “I wish I could
be there/See you every day/I don’t have to call you”, la canción —como el resto
del disco— los remontará a la nostalgia en las canciones de Underneath the
Pine y experimenta con las dinámicas fundamentales de este género que
Bundick claramente tiene toda la intención de dominar.
Underneath the Pine llegó en 2011 y a través de él Bundick canalizó el dolor
que le provocó la muerte de un amigo muy cercano. El sonido era crudo
y mostraba a Bundick aceptando el ciclo de la vida y el hecho de que todos tenemos que crecer. A pesar de que Anything in Return evoluciona musicalmente a partir de lo que construyó en Underneath the Pine, líricamente
da un paso atrás. El álbum habla en general de amor (fórmula probada
en el pop) pero carece de narrativa y de aquel detalle que nos permita
conectar con Bundick. La música pop exitosa depende de una conexión
y en Anything in Return es innegable que la meta es la pista de baile mucho
más que de las palabras de Bundick, que sirven más como textura para
las canciones.
En cuanto a influencias, Anything in Return es una perfecta mezcla de
sampleos de funk, jazz, chillwave (sí, chillwave), synth rock, shoegaze
y un sinnúmero de géneros creados por los periodistas. Es el disco más
old school de todos los que ha editado Toro Y Moi. Mientras Causers of
This era abundante en sampleos y Underneath the Pine es un experimento
en vivo exitoso, Anything in Return es un homenaje a los héroes musicales
de Bundick. A veces esta fórmula coquetea con el acid jazz (“Harm in
change”, “So many details”) y otras ocasiones toma caminos como el del
sencillo “Say that”.
Entonces, ¿qué concluimos del álbum? Que le falta un poco de balance,
aun así Anything in Return es otra muestra de qué tan bueno es Bundick
cuando se trata de dominar su arte. Tal vez el pop no lo sea tanto, pero
sus talentos para prolongar la vida de un género que se adapta a todo lo
demás, son bastante satisfactorios. ZACHARY SNIDERMAN
Traducción ESAMIPAU!
F I L T E R . 45
REVIEWS
TEGAN AND SARA
Heartthrob
Warner
85%
En su nuevo álbum Heartthrob, el dueto indie
canadiense Tegan and Sara cambia de dirección hacia un sonido pop más pulido. Desde
el primer sencillo, “Closer”, hasta el último
track, “Shock to your system”, las canciones
están llenas de ganchos bailables y voces
amigables con la radio comercial. Aun así, el
cambio no es tan drástico, tal vez sólo para
los más f ieles fans de la banda. Aunque la
producción es la mejor de todos sus trabajos
(gracias a los productores Greg Kurstin y
Justin Meldal-Johnsen), las canciones todavía
son tan fervorosas como siempre; las voces
de Tegan y Sara mantienen hacia adelante
el contrapunto, sacando las canciones con
mucha más emoción que siempre. El hecho
de que este álbum no encaje pulcramente con
The Con, su material más popular, es una buena señal —las chicas aún no están listas para
descansar en sus laureles, y en vez de eso
siguen impulsando su música hacia delante de
manera dinámica.
JEFFREY BROWN
THE JOY FORMIDABLE
Wolf’s Law
Canvasback/ Atlantic
80%
En 2011, el trío galés The Joy Formidable hizo
una gran declaración con su debut de larga
duración The Big Roary, con un sonido sin complejos cimentado en la voz etérea de la frontwoman Ritzy Bryan. El siguiente material de
la banda, Wolf ’s Law, encuentra al grupo toda46 . F I L T E R
vía escalando esa montaña de sonido —han
aprendido algo de realmente tocar en los estadios en los que hubieran querido estar con
Roar... A diferencia de su debut—que algunas
veces podría tener momentos equivalentes a
armas de fuego, que ocasionalmente golpean
a su objetivo —los tracks en Wolf ’s Law son
como cohetes láser, más efectivos. Con un
inicio fuerte con las trituradoras “This ladder
is ours”, “Cholla” y “Tendons”, la sorpresa
real viene de “Silent treatment”, un gentil y
acústico número a medio camino que queda a
la perfección.
MIKE HILLEARY
THE BABIES
Our House on the Hill
Woodsist
84%
The Babies crean tonadas indie folk que son, en
la superficie, dulces. Ahí donde Cassie Ramone,
de Vivian Girls, y Kevin Morby, de Woods,
despliegan un talento refinado en donde sus más
mórbidos pensamientos aún tienen un brillo de
juventud. El nunca empalagoso Our House on the
Hill disipa toda noción de depresión estudiantil.
Con la entrada del bajista Brian Schleyer y las
sólidas y valientes líneas de guitarra, el resultado es un suntuoso seguimiento, en particular
en “Get lost”, mientras que “Slow walking”
golpea como un soundtrack laberíntico a través
de carreteras sin rumbo. Saliendo de su vibra
tradicional garage-folk, “That boy” incursiona
con riffs hogareños y toques country, mientras
que “Baby” reverbera en un rugiente muro de
sonido. Hasta con coros como ‘I’ve been on the
road for way too long’ y ‘I want to die’, garfios
infecciosos y dulces duetos oohs y ahhs aún incitan a mover la cadera y sonreír tímidamente.
PAULA MEJÍA
BRIAN ENO
Lux
Warp
78%
El maestro minimalista podría haberse superado
a sí mismo. La composición de Eno, presentada en cuatro partes nombradas todas “Lux” y
delineadas como “1”, “2”, “3” y “4”,agregan más
de una hora a un paisaje de lentos movimientos
de piano, loops y teclados que a menudo tocan
las fronteras de lo efímero. La información sobre
el lanzamiento es del tipo: “envuelto en obras de
arte ubicadas en el Palacio de Venaria en Turín,
Italia”, pero no especifica qué piezas o cómo los
tonos las envuelven. La historia de músicos que
han recibido influencia de otras formas de arte
es significativa, y el principal discípulo de esa
mentalidad podría ser el constante colaborador
de Eno, David Bowie, pero en donde él usó sus
influencias a la vista, Eno escogió, al menos
en esta ocasión, ser más obtuso. La música es
suficientemente agradable, Hermosa en partes, y
pondrá en un mood perfecto a esos que pueden
bajar la velocidad lo suficiente para escucharlo
todo. ADAM POLLOCK
OF MONTREAL
Daughter of Cloud [compilation]
Polyvinyl
83%
Siempre prolífico, Of Montreal también ha tendido
a ser increíblemente ecléctico. Durante los últimos
seis años, sus álbumes se han hecho más accesibles
en general, hasta con la experimentación sonora sin
cansancio de Kevin Barnes, el frontman de la banda.
Tras coleccionar rarezas y lados B de este periodo,
Daughter of Cloud es un sorpresivo showcase de energía
frenética. No es tan consistente como el Paralytic Stalks
pero aun así es atractivo y hasta humorístico. Destaca
una nueva versión de “Feminine effects”, en donde
la participación de la cantante Rebecca Cash le da
un nuevo sonido a Of Montreal. Los fans devotos
podrían tener ya varias de estas canciones en 7’’ y los
nuevos escuchas no encontrarán esto como el mejor
punto de entrada a algún álbum en particular, pero
los seguidores casuales que han disfrutado los últimos
cuatro lanzamientos de la banda deberían dar la
bienvenida a esta sorpresa. JEFFREY BROWN
CLINIC
Free Reign
Domino
83%
En Bubblegum, material lanzado en 2010 por
Clinic, la banda de Liverpool que usa tapabo-
cas tomó su post-punk frenético a un nuevo
y relativamente suave territorio. La misma
estética está presente en lo más reciente de
la agrupación, Free Reign, pero toma forma
en algo más viajado y seductor.Cada uno de
los nueve tracks del disco emite un hechizo
hipnótico que nos transporta a diferentes
paisajes: “Cosmic radiation”, con su groovera base de jazz, nos manda a un paseo
desmadejado hacia los bordes del espacio y
de regreso; mientras que “King Kong” nos
lleva a cuartos oscuros llenos de humo, en
donde cada f lash de un estrobo descubre
un delicioso trato ilícito. Una abrasadora
sensualidad a lo largo del disco destina a Free
Reign a ser el soundtrack de muchas aventuras ardientes.‘The touch of your skin/Keeps
me alive’, canta Ade Blackburn en “Sun and
the moon”. Puede ser el track que cierra el
disco, pero las cosas podrían apenas estar
empezando. TAMARA VALLEJOS
NOSAJ THING
Home
Timetable/ Innovative Leisure
78%
Innovative Leisure no sólo es el sello discográfico del
segundo material de larga duración de Nosaj Thing,
sino también es un sucinto resumen de Home. El álbum
se desarrolla agradablemente pero sólo se las arregla
para captar la atención del escucha en un puñado de
ocasiones. La voz de Kazu Makino, de Blonde Redhead,
en el segundo track “Eclipse blue” definitivamente tiene
una vibra de Portishead, pero tal vez demasiado y la
comparación no les hace ningún favor.
En el track con Toro y Moi, “Try”, logra emparejar el
estilo para llegar al intrincado final del disco. No es
suficientemente sexy para ser un album de R&B electro
ni explota lo suficiente para ser un track de chill-out en el
club. DAVID C. OBENOUR
F I L T E R . 47
NOTA FINAL Por
BAND OF HORSES
Fotos CHRISTOPHER WILSON
Creighton Barret salió a tiempo de la cárcel para felicitarme
porque al fin mi orina, que
estaba en una botella de Powerade, era de un color normal.
RYAN MONROE
Chris Wilson, nuestro director de arte y
mejor amigo, comenzó a tomar algunas
fotos de Ryan Monroe y yo estrechando
nuestras manos en diferentes momentos
alrededor del mundo. Lo empezamos a
hacer en diferentes festivales y frente a
todos los asistentes; nos creíamos alcaldes
de una ciudad cortando el listón para
inaugurar un nuevo edificio o como parte
de un acto civil.
Ésta fue tomada mientras grabábamos
nuestro nuevo disco en L.A. El productor
Glyn Johns estaba hospedado en casa de
la hija del director de cine Ridley Scott,
que se encuentra en lo alto de una colina.
Dicha residencia fue ocupada en algún
momento por Ridley, quien después se
la dejó a su hija, Jordan. Como gran fan,
pasé gran parte de mi tiempo actuando
mi película favorita de Ridley, Alien. Me
puse unas mallas blancas y una camiseta
como la que usó Sigourney Weaver; Ryan
me persiguió alrededor de la casa como si
él fuera el alien. Me veía muy bien en mis
mallas blancas.
CREIGHTON BARRETT
PORTLAND
STOCKHOLM
Durante mucho tiempo he que-rido perdonar a Tyler por todas
sus fechorías. Estoy feliz de
comunicar que cada día estamos
más cercanos al perdón. ¿Acaso
este apretón de manos hace que
mi trasero se vea más grande?
BEN BRIDWELL
JACKSON HOLE
En esta foto estamos Creighton Barret y yo
mostrando un símbolo de unidad después de —
finalmente— estar de acuerdo en que los amigos
imaginarios son reales y merecen derechos humanos igual que el resto de nosotros. El hombre que
está en la parte de atrás de la foto no estaba en el
momento cuando fue tomada. Nunca imaginé que
Creighton tuviera amigos imaginarios hasta que
su Polaroid fue encontrada dentro de una apestosa
maleta de gimansio de la primavera de 2010.
RYAN MONROE
La siguiente fue tomada tras bambalinas de un show de televisión en
Sao Paulo, Brasil. Tuvimos que estar sentados por alrededor de tres
horas tamborileando con nuestros instrumentos mientras el conductor hablaba en portugués y no teníamos un traductor. Eso me recordó
cuando tomamos un ferry en Europa que iba de un país a otro. El
viaje tomó pocas horas, así que decidimos beber algunas cervezas
para consentirnos. Al llegar a nuestro destino estábamos
algo ebrios.
LOS ANGELES
48 . F I L T E R
Nuestro manager en aquella época, Baptiste, era un tipo pequeño y
con largo cabello rojo, razón por la cual solíamos llamarlo “Le Petite
Monsieur Rouge”. Ryan y yo estábamos bastante alcoholizados y
él corrió detrás de quien pensó que era Baptiste para darle una nalgada. Volteó y se dio cuenta de que no era él sino una mujer alemana
de edad avanzada que estaba con su familia; Ryan estaba asustado y
confundido. Recuerdo cómo mientras pedía disculpas todos corríamos para ocultarnos atrás del autobús, llorábamos de la risa. Buenos
tiempos, sin duda. Seguramente la señora tuvo marcada la mano de
Ryan en el trasero toda la semana.
CREIGHTON BARRETT
SAO PAULO

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