Suplemento Órbita No. 05

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Suplemento Órbita No. 05
Orbita
Porque no todos escuchamos lo mismo
Agosto 2013- Año 1- No. 3
HAN CAMBIADO ANTES ERAN CHEVERES
Por : Joselo Sánchez.
forma en la que no nos imaginábamos que podían hacerlo. Puede que el cambio
sea porque ahora patrocinan a cierta marca en un comercial, su canción sale en
un serie o tiene un cover que supera a la original, pero sea cual sea el caso sus
trabajos nuevos no son tan buenos como los anteriores.
A continuación se mencionan unas cuantas bandas que se han perdido en otro
sonido o se les ha acabado el talento ¿Ustedes qué dicen?
de baladas románticas, el disco con canciones no divertidas y es el disco en
donde los integrantes cambiaron la mata larga por el peinado de oficina que
prevaleció hasta su otro disco de 2010 Come Around Sundown.
Por el título de su nuevo álbum Mechanical Bull pensamos que recaerían en
los ritmos divertidos y en los solos de guitarra en canciones rápidas que casi
no se entiende lo que dicen, pero no. Tal vez el hacer canciones que salgan en
series como Glee sea la nueva tirada de los Kings Of Leon no lo sé, tampoco
sé si van a hacer un disco que tenga canciones como los primeros, o sí pronto
vendrán a México, pero si sé que ellos son una de las bandas que tienen unos
grandes primeros discos.
KINGS OF LEON
Si tienen la oportunidad de poner el Youth and Youth Manhood de los Kings Of
Leon en un su grabadora o estéreo se encontraran con un gran inicio del disco,
con un sonido como del viejo oeste muy divertido que te hará mover el pie, aparte de que Red Morning Light es una buena canción, fue un gran sencillo para que
los KOL se dieran a conocer y nos hicieran esperar más música de ellos. En 2005
editaron un disco como de transición de ese sonido campirano de tipo western a
uno más serio y fue en 2007 con su Because of the Times se encargaron de definir
ese sonido; un gran álbum con muchos detalles que lo hacen hasta el momento
el mejor disco de la banda (para muchos, yo entre esos muchos).
Pero de pronto algo llamado One Hit Wonder se asomó en la carrera de la banda;
en 2008 nunca pasó por nuestra mente tener un disco de la banda, ya que hace
solo un año que nos habían entregado una maravilla y creíamos que teníamos
suficiente Kings Of Leon por un rato, hasta que en la radio empezó a sonar su
nueva canción (en ese entonces) titulada Sex On Fire. La canción no sonaba mal
pero no era el ritmo al que nos tenía acostumbrados y el disco estaba igual. Only
By The Night es el disco pop que rompió lo que hicieron antes, el disco cargado
THE KILLERS
The Killers es otra de las bandas que no sabemos en donde dejo la esencia de
sus primeros dos discos y se apegan más a algo electrónico y hasta disco que
nada tiene que ver con un Somebody Told Me. La banda liderada por Brandon
Flowers, en sus dos más recientes trabajos se han enfocado a una onda más
bailable y agradable a la primera escucha, como si hubieran querido ganar
más fanáticos u otros diferentes a los que tenían.
Hot Fuss y Sam’s Town son sus dos primeros discos que salieron cuando las
bandas que en su nombre tenían “The” estaban muy de moda; son trabajos
buenos que te hacían voltear a ver a The Killers como una banda que podía
hacer las cosas de manera diferente… pero no fue así. Day & Age y Battleborn,
los discos siguientes, están cargados de ritmos pop y demasiadas cajas de ritmos, los instrumentos ya casi no tienen un papel importante pero eso sí, los
videos cada vez son mejores.
No sé que esperar ya de un nuevo material de The Killers, sí algo parecido al
debut o algo más pop de lo que han hecho, pero eso parece ser muy, pero
muy difícil de lograr.
Muchas veces las bandas que uno escucha tienden a cambiar de sonido de una
Octubre 2013- Año 1- No. 5
Orbita
Octubre
Agosto 20132013- Año
Año 11- No.
No. 53
Octubre
Agosto20132013-Año
Año11-No.
No.53
NOTAS
THE STROKES
La transición y la pelea interna de la banda, desde el 2006 en que salió su
tercer álbum llamado First Impressions of Earth hasta el 2011 que editaron
Angles, parece que les pasó factura y el resultado no solo fue un disco bastante diferente a los trabajos pasados, sino que significó el camino que ahora
iban a tomar para su siguiente disco.
El recuerdo del Is This It y el Room On Fire queda muy lejano cuando escuchas Angles, un trabajo totalmente distinto y cargado con sintetizadores en,
por lo menos, 6 canciones que son pegadizas, pero de las que puedes decir
“pues esta buena” y nada más.
Para el Comedown Machine de este año no cambiaron mucho con respecto
al Angles, las canciones pueden llegar a hacer que muevas el pie y agitar la
cabeza, pero nada más, no hay un solo de guitarra memorable o un nuevo
single que te atormentará por todos lados como Reptilia. Tal vez con este último disco dejan la esperanza abierta a que pueden hacer otro trabajo igual
de increíble que sus primeros tres álbumes pero habrá que esperar y con
esta banda nunca se sabe.
Y ahora que ya no se espera una canción como Last Nite, o una de esas canciones divertidas que tienen, solo queda en el recuerdo esa banda de chicos
de Nueva York, con su atuendo desgarrado y tomando cerveza cuando grababan sus videos, como también su música de inicio de la década del dos mil
que para muchos, musicalmente hablando, fue lo que salvó la década.
MUSE
Esta es una banda en la que se debe poner especial atención. Fueron conocidos por muchos como “esos que suenan a Radiohead” y sin temor a decirlo,
trabajaron en un sonido que les quitó esa etiqueta y que puso a Muse en un
plano musical muy alto, tanto que la tercera entrega de la saga de Crepúsculo fue musicalizada por ellos, además de las 2 canciones anteriores que
fueron ocupadas como parte de la banda sonora.
No se puede asegurar que el éxito brindado por Crepúsculo haya sido el motivo para el que decidieran hacer canciones que sonaran a Queen (United
States of Eurasia que viene en The Resistance), pero su disco de 2009 fue el
cambio total en comparación con sus discos anteriores. El Black Holes And
Orbita
Reforma Hacendaría
e IVA a los conciertos.
Por: Redacción
Revelations fue una clase de advertencia de cómo sonaría el “nuevo” Muse.
Si bien la parte musical de The Resistance y The 2nd Law es rescatable y muy diferente a Absolution, pero parecen más ya discos por encargo; como si tuvieran que
cubrir el contrato con una disquera e hicieran solo música para la industria.
HE AND HIM
Muchos tal vez solo conozcan a Zooey Deschanel por ser una actriz de ojos azules
que es muy atractiva pero sorpresa, también tiene una banda y no hablo de la
sale en la película Yes Sir (2009). She And Him, que debutaran en 2008, aunque
no traían algo nuevo o diferente te ofrecían esas canciones para dedicárselas a tu
chico o chica lo cual no está mal.
En 2010 y con su volumen II mejoraron en su sonido y ofrecían mejores canciones
que en su antecesor, pero ya lo feo viene cuando hacen un Volumen III y suena
casi idéntico al pasado pero con menos ganas.
El álbum seria un excelente álbum si todos los que lo escucharan estuviesen enamorados, ya que de otra manera el álbum es plano y simple. Parece que la banda
puede dar más pero por alguna extraña razón continúan sin hacerlo.
El trabajo de una banda para editar un álbum debe ser mucho y hay unas que
trabajan muy seguido para editar varios. The Beatles son un claro ejemplo de lo
que hay que trabajar tanto en composición como en producción pero también en
que el talento no dura siempre y si hay un avance hacia la cima también hay una
bajada.
El período presidencial de Enrique Peña Nieto se aproxima a caracterizarse por un síndrome de “reformitis” que no acaba de satisfacer las demandas de grupos sociales. La
esfera cultural y de espectáculos, incluida la música, no pudo librarse de la propuesta de
Reforma Hacendaria, ya que ésta propone un aumento del 16% de IVA a los espectáculos
públicos. La iniciativa parte de que la ganancia por el patrocinio de eventos de espectáculos (excepto circo y teatro) es privada, beneficia a cierto grupo de la población y no
pagan lo suficiente de impuestos antes las ganancias que tiene por sus entradas.
Además de la propuesta del aumento de IVA a los conciertos, se le puede agregar que
la oferta presentada por Ocesa y Ticketmaster (que se cobra un cargo por el servicio de
la compra de los boletos) no es accesible para cualquiera, y solo para aquél que decide
restar un presupuesto de sus actividades cotidianas. Como lo menciona Juan Pablo Proal,
llega un momento en el que no hay bolsillo que soporte la oferta musical de Ocesa, es
decir lucra con el arte y las pasiones los amantes de la música.
Sea un festival o un concierto de pequeños o grandes artistas, es caro en México, ahora
ésta propuesta de Reforma Hacendaria aumenta más el precio del boleto. Para imaginar
el aumento, es necesario poner un ejemplo. Si decidiste acudir al Festival Corona Capital,
el boleto por día tenía un costo de $900 más el cargo por servicio de Ticketmaster de $180 (un 20%) y ahora se le agregarían otros $144
(16% de IVA) dando un total de $1224.
Nos queda la duda si ahora con este impuesto el gobierno federal contribuirá para hacer eventos o si dará apoyos a los músicos para que
puedan ir a festivales en otros países (como Chile lo hizo), para editar sus álbumes o hacer sus videos, aunque parece que solo lograra
que la oferta sea limitada y muy costosa.
Además también está la duda si la gente va a protestar por esta reforma que toca aspectos muy cotidianos como el IVA a los alimentos
para mascotas. Si bien no lo sabemos y podemos esperar para ver qué sucede
#YODIGOQUECHALE
Por: Eduardo Godínez
La banda de Rock/Pop DELOREAN se presento en el Festival Mutek de la ciudad de
México pero al día siguiente sufrieron un
secuestro “virtual” ya que fueron desalojados del hotel en donde estaban por unas personas que les dijeron que estaban en peligro y los movieron a otro hotel en donde ya
eran parte de un secuestro.
Afortunadamente a la banda no le pasó nada y gracias a miembros de varias agencias de seguridad fueron rescatados pero aquí lo importante es ver lo que causó la noticia a nivel internacional. Por Ejemplo John Talabot quien estaba programado para el Corona Capital,
decidió cancelar su participación en el festival por razones de seguridad.
Ya se tomaron medidas por parte de las autoridades mexicanas por este caso pero no creo que eso vaya a ser suficiente para borrar lo
que pasó con DELOREAN, Las visitas de bandas internacionales a México, que hoy en día son bastantes, tal vez se vean afectadas por lo
ocurrido y esperemos que no regresemos a esos tiempos en donde la oferta de conciertos de bandas internacionales era poca.
II
Necesitamos una reforma al futbol,
eso en verdad es importante.
III
En la reforma al futbol, la selección
será nuestra, pero otro país podrá
ir en nuestro nombre al mundial
(eso no es privatizar).
IV
Son un excelente motivo para
manifestarnos! (Ver ediciones
pasadas)
V
Han logrado una unidad nunca
antes vista de todos los maestros
de México.
VII
Con la reforma hacendaria los perros serán tratados como humanos
y tendrán que trabajar, ¿Ya era
justo no?
VIII
Gracias a la reforma de telecomunicaciones podremos ver más
cosas de calidad y contenido educativo como “La rosa de Lupita” y
“Sabadázo”, ¡Televisa no se vende,
se ama y se defiende!
IX
El petróleo seguirá siendo nuestro,
estará en manos extranjeras y no
recibiremos nada pero es nuestro.
Directorio
2
“infraestructochor” del país.
VI
¡Tenemos más miedo a las nuevas
reformas que al Coco!…
no, no, no, el coco no…
El efecto DELOREAN
Director: Eduardo Godínez
Jefe de redacción: José Luis Sánchez
Jefe de información: Oscar Rosas
Coordinador de diseño: Omar Ariel Cortes
Colaboradores:
Alina Garduño
Álvaro Rivera
Andrea Torres
María Solano
Víctor López
Yessica Pacheco
Omar Ariel Cortes
LA
REFO S
RMA
I
S
Es necesario modificar la
Síguenos en redes sociales:
facebook.com
/orbitarevista
Twitter:
@Orbita05
X
La única persona que podría
salvarnos de las reformas es la
bondadosa Laura Bozzo, ¡Que sería
de México sin ella!
Por: Oscar Rosas Hernández
3
Orbita
Octubre
Agosto 20132013- Año
Año 11- No.
No. 53
Octubre
Agosto20132013-Año
Año11-No.
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NOTAS
THE STROKES
La transición y la pelea interna de la banda, desde el 2006 en que salió su
tercer álbum llamado First Impressions of Earth hasta el 2011 que editaron
Angles, parece que les pasó factura y el resultado no solo fue un disco bastante diferente a los trabajos pasados, sino que significó el camino que ahora
iban a tomar para su siguiente disco.
El recuerdo del Is This It y el Room On Fire queda muy lejano cuando escuchas Angles, un trabajo totalmente distinto y cargado con sintetizadores en,
por lo menos, 6 canciones que son pegadizas, pero de las que puedes decir
“pues esta buena” y nada más.
Para el Comedown Machine de este año no cambiaron mucho con respecto
al Angles, las canciones pueden llegar a hacer que muevas el pie y agitar la
cabeza, pero nada más, no hay un solo de guitarra memorable o un nuevo
single que te atormentará por todos lados como Reptilia. Tal vez con este último disco dejan la esperanza abierta a que pueden hacer otro trabajo igual
de increíble que sus primeros tres álbumes pero habrá que esperar y con
esta banda nunca se sabe.
Y ahora que ya no se espera una canción como Last Nite, o una de esas canciones divertidas que tienen, solo queda en el recuerdo esa banda de chicos
de Nueva York, con su atuendo desgarrado y tomando cerveza cuando grababan sus videos, como también su música de inicio de la década del dos mil
que para muchos, musicalmente hablando, fue lo que salvó la década.
MUSE
Esta es una banda en la que se debe poner especial atención. Fueron conocidos por muchos como “esos que suenan a Radiohead” y sin temor a decirlo,
trabajaron en un sonido que les quitó esa etiqueta y que puso a Muse en un
plano musical muy alto, tanto que la tercera entrega de la saga de Crepúsculo fue musicalizada por ellos, además de las 2 canciones anteriores que
fueron ocupadas como parte de la banda sonora.
No se puede asegurar que el éxito brindado por Crepúsculo haya sido el motivo para el que decidieran hacer canciones que sonaran a Queen (United
States of Eurasia que viene en The Resistance), pero su disco de 2009 fue el
cambio total en comparación con sus discos anteriores. El Black Holes And
Orbita
Reforma Hacendaría
e IVA a los conciertos.
Por: Redacción
Revelations fue una clase de advertencia de cómo sonaría el “nuevo” Muse.
Si bien la parte musical de The Resistance y The 2nd Law es rescatable y muy diferente a Absolution, pero parecen más ya discos por encargo; como si tuvieran que
cubrir el contrato con una disquera e hicieran solo música para la industria.
HE AND HIM
Muchos tal vez solo conozcan a Zooey Deschanel por ser una actriz de ojos azules
que es muy atractiva pero sorpresa, también tiene una banda y no hablo de la
sale en la película Yes Sir (2009). She And Him, que debutaran en 2008, aunque
no traían algo nuevo o diferente te ofrecían esas canciones para dedicárselas a tu
chico o chica lo cual no está mal.
En 2010 y con su volumen II mejoraron en su sonido y ofrecían mejores canciones
que en su antecesor, pero ya lo feo viene cuando hacen un Volumen III y suena
casi idéntico al pasado pero con menos ganas.
El álbum seria un excelente álbum si todos los que lo escucharan estuviesen enamorados, ya que de otra manera el álbum es plano y simple. Parece que la banda
puede dar más pero por alguna extraña razón continúan sin hacerlo.
El trabajo de una banda para editar un álbum debe ser mucho y hay unas que
trabajan muy seguido para editar varios. The Beatles son un claro ejemplo de lo
que hay que trabajar tanto en composición como en producción pero también en
que el talento no dura siempre y si hay un avance hacia la cima también hay una
bajada.
El período presidencial de Enrique Peña Nieto se aproxima a caracterizarse por un síndrome de “reformitis” que no acaba de satisfacer las demandas de grupos sociales. La
esfera cultural y de espectáculos, incluida la música, no pudo librarse de la propuesta de
Reforma Hacendaria, ya que ésta propone un aumento del 16% de IVA a los espectáculos
públicos. La iniciativa parte de que la ganancia por el patrocinio de eventos de espectáculos (excepto circo y teatro) es privada, beneficia a cierto grupo de la población y no
pagan lo suficiente de impuestos antes las ganancias que tiene por sus entradas.
Además de la propuesta del aumento de IVA a los conciertos, se le puede agregar que
la oferta presentada por Ocesa y Ticketmaster (que se cobra un cargo por el servicio de
la compra de los boletos) no es accesible para cualquiera, y solo para aquél que decide
restar un presupuesto de sus actividades cotidianas. Como lo menciona Juan Pablo Proal,
llega un momento en el que no hay bolsillo que soporte la oferta musical de Ocesa, es
decir lucra con el arte y las pasiones los amantes de la música.
Sea un festival o un concierto de pequeños o grandes artistas, es caro en México, ahora
ésta propuesta de Reforma Hacendaria aumenta más el precio del boleto. Para imaginar
el aumento, es necesario poner un ejemplo. Si decidiste acudir al Festival Corona Capital,
el boleto por día tenía un costo de $900 más el cargo por servicio de Ticketmaster de $180 (un 20%) y ahora se le agregarían otros $144
(16% de IVA) dando un total de $1224.
Nos queda la duda si ahora con este impuesto el gobierno federal contribuirá para hacer eventos o si dará apoyos a los músicos para que
puedan ir a festivales en otros países (como Chile lo hizo), para editar sus álbumes o hacer sus videos, aunque parece que solo lograra
que la oferta sea limitada y muy costosa.
Además también está la duda si la gente va a protestar por esta reforma que toca aspectos muy cotidianos como el IVA a los alimentos
para mascotas. Si bien no lo sabemos y podemos esperar para ver qué sucede
#YODIGOQUECHALE
Por: Eduardo Godínez
La banda de Rock/Pop DELOREAN se presento en el Festival Mutek de la ciudad de
México pero al día siguiente sufrieron un
secuestro “virtual” ya que fueron desalojados del hotel en donde estaban por unas personas que les dijeron que estaban en peligro y los movieron a otro hotel en donde ya
eran parte de un secuestro.
Afortunadamente a la banda no le pasó nada y gracias a miembros de varias agencias de seguridad fueron rescatados pero aquí lo importante es ver lo que causó la noticia a nivel internacional. Por Ejemplo John Talabot quien estaba programado para el Corona Capital,
decidió cancelar su participación en el festival por razones de seguridad.
Ya se tomaron medidas por parte de las autoridades mexicanas por este caso pero no creo que eso vaya a ser suficiente para borrar lo
que pasó con DELOREAN, Las visitas de bandas internacionales a México, que hoy en día son bastantes, tal vez se vean afectadas por lo
ocurrido y esperemos que no regresemos a esos tiempos en donde la oferta de conciertos de bandas internacionales era poca.
II
Necesitamos una reforma al futbol,
eso en verdad es importante.
III
En la reforma al futbol, la selección
será nuestra, pero otro país podrá
ir en nuestro nombre al mundial
(eso no es privatizar).
IV
Son un excelente motivo para
manifestarnos! (Ver ediciones
pasadas)
V
Han logrado una unidad nunca
antes vista de todos los maestros
de México.
VII
Con la reforma hacendaria los perros serán tratados como humanos
y tendrán que trabajar, ¿Ya era
justo no?
VIII
Gracias a la reforma de telecomunicaciones podremos ver más
cosas de calidad y contenido educativo como “La rosa de Lupita” y
“Sabadázo”, ¡Televisa no se vende,
se ama y se defiende!
IX
El petróleo seguirá siendo nuestro,
estará en manos extranjeras y no
recibiremos nada pero es nuestro.
Directorio
2
“infraestructochor” del país.
VI
¡Tenemos más miedo a las nuevas
reformas que al Coco!…
no, no, no, el coco no…
El efecto DELOREAN
Director: Eduardo Godínez
Jefe de redacción: José Luis Sánchez
Jefe de información: Oscar Rosas
Coordinador de diseño: Omar Ariel Cortes
Colaboradores:
Alina Garduño
Álvaro Rivera
Andrea Torres
María Solano
Víctor López
Yessica Pacheco
Omar Ariel Cortes
LA
REFO S
RMA
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S
Es necesario modificar la
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/orbitarevista
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@Orbita05
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La única persona que podría
salvarnos de las reformas es la
bondadosa Laura Bozzo, ¡Que sería
de México sin ella!
Por: Oscar Rosas Hernández
3
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Octubre
Agosto 20132013- Año
Año 11- No.
No. 53
Octubre
Agosto 2013- Año 1- No. 53
Orbita
RESEÑAS
MÚSICA
Lorde - Pure Heroine -Lava / Republic; 2013 - Por: Guadalupe Solano
Yelich-O’Connor, mejor conocida como Lorde, se da a conocer por su LP titulado The love club
en el 2012. Ahora regresa para presentar su primer álbum bajo el nombre de Pure heroine.
El álbum comienza con tennis court. Al momento, se puede pensar que se trata de la voz y
sonido de Lana del Rey, pero no, Lorde propone ir más allá y lo logra, sí se continua escuchando el disco se podrá encontrar con grandes joyitas como Ribs, Buzzcut season, White teeth
teens, cerrando con broche de oro con Aworld alone.
Esta joven de apenas diecisiete años, puede estar segura de que ha hecho un excelente trabajo, ya que al terminar esta degustación musical que cautiva con sus sonidos electros, se estará
satisfecho de inquirir una nueva propuesta que promete un mercado diferente.
Kings Of Leon
Mechanical
Bull
Kings Of Leon
RCA Records (2013)
Por; Alina Garduño
Icona Pop - This Is… Icona Pop -Big Beat / Record Company Ten (2013) - Por Eduardo Godínez
Arctic Monkeys
AM
Sony Music, Domino Records (2013)
Por: Eduardo Godínez
Los Arctic Monkeys han editado “AM” (titulo inspirado en
“VU” de The Velvet Underground) su más reciente álbum,
con un mensaje sencillo otra vez, don´t belive de hype y
que también les ha valido su 3ra nominación al Mercury
Prize
Es un disco en el que trabaja el mismo productor, la misma
banda y la misma colaboración de Josh Homme de Queens
Of The Stone Age pero el disco tiene un sonido diferente a
su antecesor, Suck It And See (2011), y pues tenemos dos
teorías; la primera es que el disco se grabo en Los Ángeles,
California, muy lejos de su país de origen, lejos también de
ese clima nublado y de esos días lluviosos por algo mucho
más soleado. La segunda teoría es que la banda también
cambió, los integrantes han crecido y su música ha mejorado gracias a su trabajo y en “AM” consolidan un gran
sonido, un sonido característico de los Arctic Monkeys.
El disco empieza alto pero lento, una combinación bien hecha que puede ser la advertencia de como es el contenido
del disco. Un inicio eléctrico, cargado de guitarras con distorsión y letras sobre relaciones de pareja problemáticas
(R U Mine?, I Want It All, Arabella) para justo recaer en la
misma fórmula de sus trabajos anteriores, llegar a la mitad del disco y encontrar esa canción con la cual puedes
pedir disculpas por lo ocurrido (Mad Sounds, Party N° 1),
bajar un poco el ritmo sin perder ese sonido áspero para
después subirlo poco a poco pero sin llegar a un sonido
tan frenético como al inicio, aunque con canciones igual
de raras (Why’d You Only Call Me When You’re High?, Knee
Socks en donde colabora Josh Homme). Llegar al final es
fácil (pero siguen sin superar ese gran final de su primer
disco, A Certain Romance), se despiden de una forma más
melódica e increíblemente atractiva, como cuando alguien
se despide sin decir lo que piensa y mucho menos lo que
queríamos escuchar, porque lo que dijo fue mejor.
Es una búsqueda de una relación que cause problemas no
causando problemas, una búsqueda de un acompañante
ideal y esa desesperación de encontrarlo y que después de
la Media Noche (After Midnight “AM”) y unas cuantas cervezas puede que le llegas a marcar por teléfono.
4
Franz Ferdianand
Right Thoughts, Right Words, Right Action
Domino Records (2013)
Por Yessica Pacheco
Right Thoughts, Right Words, Right Action es el cuarto disco de los escoceses, después de una larga
pausa y con poca actividad por la cual se había dicho que la banda iba a disolverse, regresan con este
disco que fue grabado y producido en los estudios
de los mismos integrantes. Además cuenta con colaboraciones de integrantes de Hot Chip, Veronica
Falls entre otros.
El disco comienza con la canción Rigth Action, la cual
es extremadamente pegajosa pues el ritmo que marca la guitarra te hará bailar, además los altibajos en el
ritmo lograrán atraparte completamente, recordándote esas canciones pasadas como This Fire o Take
Me out.
Es así que conforme pasan los tracks, se va encendiendo cada vez más tus ánimos, ya que las tres primeras canciones, Evil Eye, Love Illumitation, además de
la ya mencionada, son los hits del álbum, pues si vas
escuchando esto en pleno día caluroso con tus lentes
de sol, te sentirás todo un rockstar.
A lo largo del álbum se puede notar la mezcla de estilos en cada canción. En unas canciones es más notorio el uso de sintetizadores, así como la batería y la
guitarra y algunos ritmos suaves un poco tropicales.
Al llegar a la mitad, las canciones bajan un poco su intensidad. Es así, que este álbum sería un buen acompañante en un paseo de fin de semana con tu chico
o chica según sea el caso, o simplemente a dónde
quiera que tú vayas.
Es un álbum que, por lo simple que puede llegar a
ser en la primera escucha, puede que no lo quieras
volver a repetir pero conforme lo vayas frecuentando encontraras ciertos detalles que hacen de Right
Thoughts un álbum diferente a los demás.
Luzbel
Regreso al Origen
Ceiba Recordings. México. 2013
Por: Víctor López Jaramillo (VLJ)
Luzbel era el ángel predestinado a gobernar el reino
del metal en México en los hoy lejanos años ochenta.
Con la mancuerna Huizar-Greñas y con un cuidado EP
titulado Metal caído del cielo con una disquera trasnacional, Luzbel reclamaba para sí el trono del metal en
México, género que siempre ha sido popular en el país
pero nunca ha podido generar un exponente con éxito
masivo. La técnica depurada y el profesionalismo de
Raúl Fernández Greñas encontraba cómplice perfecto
en la voz y carisma de Arturo Huizar.
Pero, cual si fuera maldición bíblica, Luzbel fue expulsado del paraíso. La plaga del ego y la peste de las divisiones internas terminaron por arrojar a Luzbel del cielo
rockero nacional. Un leve intento de reconciliación en
los 90 que no trascendió. Huizar se llevó su micrófono
y Raúl Greñas se quedó con la guitarra. Proyectos siameses. Huizar siguió en la brega, Raúl guardó silencio.
Y he aquí que hoy, hermanos, os traigo la buena nueva,
el angel caído ha vuelto. Parecía que estaba estaba
perdido y ha sido hallado. Con una nueva alineación
encabezada por Raúl Greñas en la guitarra, Mike de la
Rosa en la voz, Vic Nava en el bajo y Jorge Curiel, batería; Luzbel presenta un nuevo disco que en su título
resume todo el concepto: Regreso al origen.
Un álbum que contiene canciones ya clásicas de Luzbel
grabadas por la nueva alineación. Destaca el poderío
de la guitarra y la nueva masterizacion en dónde lucen una batería contundente y un imponente bajo que
guía a la banda. Kirieleisón, Por piedad, La gran ciudad,
La muerte del hechicero, clásicos regrabados junto a
nuevas canciones como Vacío, muestran que Luzbel
regresa al siglo XXI por su reino perdido.
Muchos se preguntaran ¿Qué diablos es Icona Pop? Y la manera de contestarlo es con el nombre
del disco “This Is”; Icona Pop viene con todo para hacerte, por lo menos, mover el pie al ritmo de
su música y que pide a gritos que les hagan remezclas de sus canciones.
El disco es una fiesta que promete durar toda la noche y te hará bailar hasta involuntariamente
con All Night una canción por demás pegadiza tanto en ritmo como en letra “We got the keys
to open paradise, yeah paradise, It feels like... we could do this all night”, pero el problema es
que el disco entero es así, y se vuelve irrelevante o hasta aburrido si no eres de los que les gusta
escuchar un disco plano, sin variaciones rítmicas y con voces demasiado agudas diciéndote que
nosotros tenemos el mundo (We Got The World).
Veamos cómo les va a las Icona Pop con este álbum que seguro sonora en varias fiestas y se
harán famosas pero que esperemos que sigan así y no caigan en montar espectáculos tipo Lady
Gaga. Por lo pronto para muchos quedara como el gusto culposo de este 2013 lo cual no parece
estar nada mal, digo en 2012 fue Lana Del Rey.
Andrés Calamaro -Bohemio - Por: Víctor López Jaramillo (VLJ)
Calamaro es como un veterano mediocampista de futbol, sabe que vale más el buen toque
y saber cuando pausar el juego que correr desbocado y perderse en jugadas intrascendentes. Bohemio es un retorno al Calamaro de finales de los noventas.
Canciones para un corazón destrozado, para escucharse una mañana de cenizas y colillas de cigarro esperando que el cielo esté nublado para que no impacte más en la resaca.
Cuando no estás, el primer sencillo, es una muestra de ello. Versos para una casa vacía y la
esperanza vana. La mirada perdida en el infinito. Nacimos para correr, un canto al aquí y
ahora, al renacimiento melancólico.
Bohemio, una declaración de principios donde no importa ser un naufrago en la búsqueda
de la libertad. Plástico fino, un resignado pero, pese a todo, optimista saludo a un mundo
lleno de conflictos. Se podrá acusar a Calamaro de no innovar, de no arriesgar en nuevos
ritmos. Quizá. Pero eso a ni a Andrés ni a sus hinchas les interesa. En su veteranía, saben que
se podrá perder la condición física pero el buen toque jamás.
Este año, Kings Of Leon no se quedó atrás
con un nuevo álbum, que para sorpresa
de muchos, después de tres años, fue
sólo un intento de.
El álbum se llama Mechanical Bull y uno
puede pensar que nos mostrarían un
sonido como de cantina de vaqueros
montando el toro mecánico y solo nos lo
deja en la imaginación. El disco comienza
con el sencillo “Supersoaker” que lejos de
ser una excelente canción, pareciera que
hacen un rudo esfuerzo por reafirmar su
estilo desde aquel “Use Somebody”.
Escuchando sin esperar nada, quizá
“Don’t Matter” es de lo mejor junto con
“Beautiful War”, y “Comeback Story” es
probablemente la parte esencial de este,
(simplemente) trabajo bien-hecho. Sin
embargo con el paso de los tracks, no hay
ni un asomo de aquellos “Kings Of The
Rodeo” y ni siquiera una pizca de exitosos
como ese “Sex On Fire” en su momento.
Lo predecible de esta familia de reyes, es
un camino hacia un lugar donde están las
bandas que eran excelsas antes de ser comerciales y recurrir al los mismos recursos una y otra vez pero en este disco en
especial es como si los Kings Of Leon ya
no supieran para donde ir. Si regresar a lo
que los hizo famosos para un público o a
seguir haciendo canciones para su nuevo
público.
En conclusión me gusto el álbum…superficialmente.
MGMT –MGMT. - Columbia; 2013 - Por: Guadalupe Solano
Los chicos MGMT, Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser presentan su tercera producción
titulada: MGMT. Es un álbum que puede ser escuchado cuando los hábitos cotidianos han
perdido actividad, y promete ser de gran deguste musical desde la primera canción, Allien
days, la cual comienza a sonar entre las principales listas de reproducción. Hasta la última
canción, An orphan of fortune.
Sin lugar a dudas, cada uno de los discos representados por esta banda estadounidense,
siempre han dejado con buen sabor de boca, y qué decir de sus videos con un toque cargado
de imaginación psicodélica. Pero si comparamos Oracular Spectacular (2008) con este nuevo
álbum, especialmente con el video Cool song N. 2, se puede asegurar que se alejaron un poco
del ideal musical que han venido presentado en el trascurso de su carrera, ya no hacen canciones pop como Kids; la complejidad de la música en MGMT es más de la que imaginábamos
y puede ser aburrido para muchos, difícil de digerir pero no creo que sea muy nutritivo.
MGMT nos lleva a lugares coloridos pero oscuros, esa clase de lugares que pudimos obviar
durante mucho tiempo sin darse cuenta que estaban más presentes de lo que pensábamos.
5
Orbita
Octubre
Agosto 20132013- Año
Año 11- No.
No. 53
Octubre
Agosto 2013- Año 1- No. 53
Orbita
RESEÑAS
MÚSICA
Lorde - Pure Heroine -Lava / Republic; 2013 - Por: Guadalupe Solano
Yelich-O’Connor, mejor conocida como Lorde, se da a conocer por su LP titulado The love club
en el 2012. Ahora regresa para presentar su primer álbum bajo el nombre de Pure heroine.
El álbum comienza con tennis court. Al momento, se puede pensar que se trata de la voz y
sonido de Lana del Rey, pero no, Lorde propone ir más allá y lo logra, sí se continua escuchando el disco se podrá encontrar con grandes joyitas como Ribs, Buzzcut season, White teeth
teens, cerrando con broche de oro con Aworld alone.
Esta joven de apenas diecisiete años, puede estar segura de que ha hecho un excelente trabajo, ya que al terminar esta degustación musical que cautiva con sus sonidos electros, se estará
satisfecho de inquirir una nueva propuesta que promete un mercado diferente.
Kings Of Leon
Mechanical
Bull
Kings Of Leon
RCA Records (2013)
Por; Alina Garduño
Icona Pop - This Is… Icona Pop -Big Beat / Record Company Ten (2013) - Por Eduardo Godínez
Arctic Monkeys
AM
Sony Music, Domino Records (2013)
Por: Eduardo Godínez
Los Arctic Monkeys han editado “AM” (titulo inspirado en
“VU” de The Velvet Underground) su más reciente álbum,
con un mensaje sencillo otra vez, don´t belive de hype y
que también les ha valido su 3ra nominación al Mercury
Prize
Es un disco en el que trabaja el mismo productor, la misma
banda y la misma colaboración de Josh Homme de Queens
Of The Stone Age pero el disco tiene un sonido diferente a
su antecesor, Suck It And See (2011), y pues tenemos dos
teorías; la primera es que el disco se grabo en Los Ángeles,
California, muy lejos de su país de origen, lejos también de
ese clima nublado y de esos días lluviosos por algo mucho
más soleado. La segunda teoría es que la banda también
cambió, los integrantes han crecido y su música ha mejorado gracias a su trabajo y en “AM” consolidan un gran
sonido, un sonido característico de los Arctic Monkeys.
El disco empieza alto pero lento, una combinación bien hecha que puede ser la advertencia de como es el contenido
del disco. Un inicio eléctrico, cargado de guitarras con distorsión y letras sobre relaciones de pareja problemáticas
(R U Mine?, I Want It All, Arabella) para justo recaer en la
misma fórmula de sus trabajos anteriores, llegar a la mitad del disco y encontrar esa canción con la cual puedes
pedir disculpas por lo ocurrido (Mad Sounds, Party N° 1),
bajar un poco el ritmo sin perder ese sonido áspero para
después subirlo poco a poco pero sin llegar a un sonido
tan frenético como al inicio, aunque con canciones igual
de raras (Why’d You Only Call Me When You’re High?, Knee
Socks en donde colabora Josh Homme). Llegar al final es
fácil (pero siguen sin superar ese gran final de su primer
disco, A Certain Romance), se despiden de una forma más
melódica e increíblemente atractiva, como cuando alguien
se despide sin decir lo que piensa y mucho menos lo que
queríamos escuchar, porque lo que dijo fue mejor.
Es una búsqueda de una relación que cause problemas no
causando problemas, una búsqueda de un acompañante
ideal y esa desesperación de encontrarlo y que después de
la Media Noche (After Midnight “AM”) y unas cuantas cervezas puede que le llegas a marcar por teléfono.
4
Franz Ferdianand
Right Thoughts, Right Words, Right Action
Domino Records (2013)
Por Yessica Pacheco
Right Thoughts, Right Words, Right Action es el cuarto disco de los escoceses, después de una larga
pausa y con poca actividad por la cual se había dicho que la banda iba a disolverse, regresan con este
disco que fue grabado y producido en los estudios
de los mismos integrantes. Además cuenta con colaboraciones de integrantes de Hot Chip, Veronica
Falls entre otros.
El disco comienza con la canción Rigth Action, la cual
es extremadamente pegajosa pues el ritmo que marca la guitarra te hará bailar, además los altibajos en el
ritmo lograrán atraparte completamente, recordándote esas canciones pasadas como This Fire o Take
Me out.
Es así que conforme pasan los tracks, se va encendiendo cada vez más tus ánimos, ya que las tres primeras canciones, Evil Eye, Love Illumitation, además de
la ya mencionada, son los hits del álbum, pues si vas
escuchando esto en pleno día caluroso con tus lentes
de sol, te sentirás todo un rockstar.
A lo largo del álbum se puede notar la mezcla de estilos en cada canción. En unas canciones es más notorio el uso de sintetizadores, así como la batería y la
guitarra y algunos ritmos suaves un poco tropicales.
Al llegar a la mitad, las canciones bajan un poco su intensidad. Es así, que este álbum sería un buen acompañante en un paseo de fin de semana con tu chico
o chica según sea el caso, o simplemente a dónde
quiera que tú vayas.
Es un álbum que, por lo simple que puede llegar a
ser en la primera escucha, puede que no lo quieras
volver a repetir pero conforme lo vayas frecuentando encontraras ciertos detalles que hacen de Right
Thoughts un álbum diferente a los demás.
Luzbel
Regreso al Origen
Ceiba Recordings. México. 2013
Por: Víctor López Jaramillo (VLJ)
Luzbel era el ángel predestinado a gobernar el reino
del metal en México en los hoy lejanos años ochenta.
Con la mancuerna Huizar-Greñas y con un cuidado EP
titulado Metal caído del cielo con una disquera trasnacional, Luzbel reclamaba para sí el trono del metal en
México, género que siempre ha sido popular en el país
pero nunca ha podido generar un exponente con éxito
masivo. La técnica depurada y el profesionalismo de
Raúl Fernández Greñas encontraba cómplice perfecto
en la voz y carisma de Arturo Huizar.
Pero, cual si fuera maldición bíblica, Luzbel fue expulsado del paraíso. La plaga del ego y la peste de las divisiones internas terminaron por arrojar a Luzbel del cielo
rockero nacional. Un leve intento de reconciliación en
los 90 que no trascendió. Huizar se llevó su micrófono
y Raúl Greñas se quedó con la guitarra. Proyectos siameses. Huizar siguió en la brega, Raúl guardó silencio.
Y he aquí que hoy, hermanos, os traigo la buena nueva,
el angel caído ha vuelto. Parecía que estaba estaba
perdido y ha sido hallado. Con una nueva alineación
encabezada por Raúl Greñas en la guitarra, Mike de la
Rosa en la voz, Vic Nava en el bajo y Jorge Curiel, batería; Luzbel presenta un nuevo disco que en su título
resume todo el concepto: Regreso al origen.
Un álbum que contiene canciones ya clásicas de Luzbel
grabadas por la nueva alineación. Destaca el poderío
de la guitarra y la nueva masterizacion en dónde lucen una batería contundente y un imponente bajo que
guía a la banda. Kirieleisón, Por piedad, La gran ciudad,
La muerte del hechicero, clásicos regrabados junto a
nuevas canciones como Vacío, muestran que Luzbel
regresa al siglo XXI por su reino perdido.
Muchos se preguntaran ¿Qué diablos es Icona Pop? Y la manera de contestarlo es con el nombre
del disco “This Is”; Icona Pop viene con todo para hacerte, por lo menos, mover el pie al ritmo de
su música y que pide a gritos que les hagan remezclas de sus canciones.
El disco es una fiesta que promete durar toda la noche y te hará bailar hasta involuntariamente
con All Night una canción por demás pegadiza tanto en ritmo como en letra “We got the keys
to open paradise, yeah paradise, It feels like... we could do this all night”, pero el problema es
que el disco entero es así, y se vuelve irrelevante o hasta aburrido si no eres de los que les gusta
escuchar un disco plano, sin variaciones rítmicas y con voces demasiado agudas diciéndote que
nosotros tenemos el mundo (We Got The World).
Veamos cómo les va a las Icona Pop con este álbum que seguro sonora en varias fiestas y se
harán famosas pero que esperemos que sigan así y no caigan en montar espectáculos tipo Lady
Gaga. Por lo pronto para muchos quedara como el gusto culposo de este 2013 lo cual no parece
estar nada mal, digo en 2012 fue Lana Del Rey.
Andrés Calamaro -Bohemio - Por: Víctor López Jaramillo (VLJ)
Calamaro es como un veterano mediocampista de futbol, sabe que vale más el buen toque
y saber cuando pausar el juego que correr desbocado y perderse en jugadas intrascendentes. Bohemio es un retorno al Calamaro de finales de los noventas.
Canciones para un corazón destrozado, para escucharse una mañana de cenizas y colillas de cigarro esperando que el cielo esté nublado para que no impacte más en la resaca.
Cuando no estás, el primer sencillo, es una muestra de ello. Versos para una casa vacía y la
esperanza vana. La mirada perdida en el infinito. Nacimos para correr, un canto al aquí y
ahora, al renacimiento melancólico.
Bohemio, una declaración de principios donde no importa ser un naufrago en la búsqueda
de la libertad. Plástico fino, un resignado pero, pese a todo, optimista saludo a un mundo
lleno de conflictos. Se podrá acusar a Calamaro de no innovar, de no arriesgar en nuevos
ritmos. Quizá. Pero eso a ni a Andrés ni a sus hinchas les interesa. En su veteranía, saben que
se podrá perder la condición física pero el buen toque jamás.
Este año, Kings Of Leon no se quedó atrás
con un nuevo álbum, que para sorpresa
de muchos, después de tres años, fue
sólo un intento de.
El álbum se llama Mechanical Bull y uno
puede pensar que nos mostrarían un
sonido como de cantina de vaqueros
montando el toro mecánico y solo nos lo
deja en la imaginación. El disco comienza
con el sencillo “Supersoaker” que lejos de
ser una excelente canción, pareciera que
hacen un rudo esfuerzo por reafirmar su
estilo desde aquel “Use Somebody”.
Escuchando sin esperar nada, quizá
“Don’t Matter” es de lo mejor junto con
“Beautiful War”, y “Comeback Story” es
probablemente la parte esencial de este,
(simplemente) trabajo bien-hecho. Sin
embargo con el paso de los tracks, no hay
ni un asomo de aquellos “Kings Of The
Rodeo” y ni siquiera una pizca de exitosos
como ese “Sex On Fire” en su momento.
Lo predecible de esta familia de reyes, es
un camino hacia un lugar donde están las
bandas que eran excelsas antes de ser comerciales y recurrir al los mismos recursos una y otra vez pero en este disco en
especial es como si los Kings Of Leon ya
no supieran para donde ir. Si regresar a lo
que los hizo famosos para un público o a
seguir haciendo canciones para su nuevo
público.
En conclusión me gusto el álbum…superficialmente.
MGMT –MGMT. - Columbia; 2013 - Por: Guadalupe Solano
Los chicos MGMT, Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser presentan su tercera producción
titulada: MGMT. Es un álbum que puede ser escuchado cuando los hábitos cotidianos han
perdido actividad, y promete ser de gran deguste musical desde la primera canción, Allien
days, la cual comienza a sonar entre las principales listas de reproducción. Hasta la última
canción, An orphan of fortune.
Sin lugar a dudas, cada uno de los discos representados por esta banda estadounidense,
siempre han dejado con buen sabor de boca, y qué decir de sus videos con un toque cargado
de imaginación psicodélica. Pero si comparamos Oracular Spectacular (2008) con este nuevo
álbum, especialmente con el video Cool song N. 2, se puede asegurar que se alejaron un poco
del ideal musical que han venido presentado en el trascurso de su carrera, ya no hacen canciones pop como Kids; la complejidad de la música en MGMT es más de la que imaginábamos
y puede ser aburrido para muchos, difícil de digerir pero no creo que sea muy nutritivo.
MGMT nos lleva a lugares coloridos pero oscuros, esa clase de lugares que pudimos obviar
durante mucho tiempo sin darse cuenta que estaban más presentes de lo que pensábamos.
5
Orbita
Orbita
Octubre
Agosto20132013-Año
Año11-No.
No.53
GAME OVER
Wisdom, ésta noche en el colchón.
CINE EN TURNO
“No se aceptan devoluciones”
Por. S. Andrea Torres Fernández
Por: Omar Cortes
TOTAL WAR ROME 2
Por: Alvaro Rivera
¿QUE TAN LEJOS IRIAS POR ROMA? Pregunta de entrada el nuevo juego de la serie TOTAL WAR, donde
después de 8 años de haber sacado el primer juego
con la misma temática histórica, nos presenta un
juego de detalles sutiles en la táctica y la estrategia, además de gráficos jamás vistos en un juego de
estrategia.
TOTAL WAR ROME 2 es un juego que después de
un prólogo que enseña las bases y puede ser de
una duración de 2 horas o hasta 7 horas, dependiendo de tu capacidad de aprendizaje y visión militar, ROME 2 te permite jugar las modalidades de
campaña y multijugador. La campaña es en pocas
palabras, la creación de un Imperio equivalente al
romano, ya que el jugador elige entre nueve civilizaciones que van desde las tribus britanas del norte
europeo hasta la gran civilización egipcia (perceptiblemente incluyendo a roma).
El jugador se enfrasca entonces en reescribir la
historia con la facción elegida desarrollando regiones, construyendo edificios para esparcir la cultura,
generar alimentos o mantener al pueblo feliz. El
conflicto es interno: tramando y descubriendo conspiraciones para tener una hegemonía política en
el poder, lidiando con el crecimiento poblacional
y la miseria, reduciendo los niveles de corrupción,
sentando una economía fuerte que se base en el
tráfico de esclavos o en los impuestos, por dar algunos ejemplos. De manera externa, el juego se
desarrolla en 2 mapas, el estratégico y el de tiempo
real. EN el primero se pueden ver la ciudades, las
rutas comerciales la geografía de la Europa del 200
AC. Pero no solo es visual, es donde se tiene acceso
a la diplomacia con otras civilizaciones, donde se
generan ejércitos, se construyen edificios y agentes
que ayuden a desarrollar tu civilización o mermar a
tus enemigos.
Finalmente el Mapa en tiempo real es el centro de
le experiencia de ROME 2 donde las grandes batallas del mundo antigua se desarrollan, poniéndote
al frente de hasta 3000 hombres (dentro la configuración estándar del juego) Efectivamente, tanto en
6
mutlijugador como en una batalla de la campaña
se trata de llegar al frente con un ejército que las
decisiones pasadas definieron, un ejército que
para el momento del conflicto no se puede modificar o ampliar en el instante. Donde las unidades
tienen un toque más humano, se cansan y tienen
moral, dos armas y enemigos invisibles en el campo de batalla.
Como último detalle es remarcable el precario estado del juego a su salida en el mercado, un juego
con grande problemas de velocidad en el desarrollo de la campaña, de problemas de texturas,
de una mala inteligencia artificial, por mencionar
algunos de sus errores. Estos errores han sido corregidos con el paso de las semanas, sin embargo
todavía faltan ciertos detalles por lustrar, pero
poco a poco se ve la grandiosidad que ROME 2
prometió. Sin más es un juego de excelencia dentro de los juegos de estrategia, una experiencia de
fidelidad histórica, detalle visual, de gran profundidad estratégica y táctica.
http://gamingbolt.com/wp-content/gallery/totalwar-rome-2-wallpapers-in-A
https://fbcdn-sphotos-a-a.akamaihd.net/hphotosak-prn2/1053369_480309528710919_2004735621
_o.jpg
http://4.bp.blogspot.com/-v6Bnk2rjo-E/UheAvgWd t f I /A A A A A A A A JJ I /d f 5x h p q Ky 8 k /s16 0 0/
Rome+II+battle.png
¿Para qué ver “No se aceptan devoluciones” si podemos ver gratis
“La familia Peluche”? en este texto espondré porque esta película
me parece una cochinada.
1: Eugenio Derbez actúa exactamente de “Ludovico Peluche” (no
hay ni un cambio a la psicología del personaje, excepto el entorno
social en el que vive).
2: Que todos los actores interpreten mejor su personaje (incluyendo Sammy) que el protagonista deja mucho que desear, y que
incluso una niña de 8 años recree mejor las escenas “dramáticas”
que Eugenio, es una vergüenza.
3: Eugenio Derbez da más risa cuando intenta ser serio que cuando
SOBREACTUA en todas sus escenas de comedia.
4: Los signos visuales no son cómplices de la historia, están maquilados descaradamente para que Eugenio presuma que estudio cine
y eso lo aprendió en clase (los lobos, y otras tonterías).
5: Los elementos lingüísticos en vez de ser guiños que después causen sorpresa son presentados efusivamente para que a la fuerza
tengas conectividad con la historia, resultando predecible y sosa.
5: Eugenio Derbez se ve en la necesidad de poner cara de idiota
para simpatizar con la gente (recordemos que hay excelentes cintas
de comedia que no se valen de esto para causar gracia).
6: El guión es maquilado como una serie de televisión en vez de
como guion cinematográfico, tan es así que en vez de que los personajes sean naturales se ven forzados a hacer caras estúpidas
cuando supuestamente
ningún otro personaje
de la película los ve,
como si esto conectara
con el público pero
solo demuestra que los
guionistas están fuertemente arraigados a escribir SKETCH para televisión.
7: Eugenio Derbez se ve
en la necesidad de forzar los chistes trhillados
y usados mil veces en
“La casa de la risa” en
vez de demostrar una
ingeniosa
capacidad
para mostrar nuevos y
originales.
8: Derbez se ve en la
necesidad de maltrata y sangolotear a una bebé solo para “que
veamos lo profesional que es como director y actor”, además de
manejar con arrogancia la cámara, mostrando o alargando tomas
innecesarias solo para demostrar “que fregona quedo la escena”.
9: Lo mejor de la película es los cameos de Jesús Ochoa y Karla
Souza
10: Eugenio Derbez sin pudor afirma que quería entrar en un tono
similar a “La vida es bella” mostrando perfectamente una tragicomedia, empero pesa más su ego de comediante y en cada escena
dramática hace un chiste del cual solo se ríen aficionados a “La escuelita” de Jorge Ortiz de Pinedo.
11: En vez de manejar un guión inteligente y coherente se tiene que
valer de irrealidades sin gracia como tratar al persona de la niña
de estúpida, colocando una misma foto de una actriz con diferente
personas y pensar que la niña se creerá el cuento de que las imágenes son reales.
12: Los personajes tienen que recalcar una y otra vez como es su
personalidad, en vez de dirigir correctamente a los actores, las situaciones y diálogos enfatizan la psicología del personaje como si el
público fuera idiota y no entendiera cómo se comporta cada quien
y cuál es la función de cada uno (la niña madura, el padre inmaduro)
13: Eugenio se autodenomina director, pero solo pone a Sammy frente a la cámara y deja que hable (así cualquiera es director).
14: Los personajes gringos cuando quieren hablan con acento
americano y cuando no, con acento mexicano
15: Hay demasiadas tomas innecesarias de personajes irrelevantes
(como el de Alessandra Rosaldo) que solo alargan la historia (pero
claro, es Eugenio Derbez, le tenemos que perdonar que ponga a su
esposa por capricho nomás).
16: ESTE PUNTO CONTIENE SPOILER: si pones un final dramático,
una bonita fotografía, música triste y una niña de 8 años carismática
muriendo, esta escena hasta en la Rosa de Guadalupe te conmueve.
AL FINAL...
...ME MUERO
Octubre
Agosto 2013- Año 1- No. 53
AllTomorrowsparties
“Severin, down on your bended knee Taste the whip, in love not given lightly
Taste the whip, now bleed for me.
-Fragmento de Venus in Furs.
I
maginemos la escena. Creamos en algo sólo por un instante.
1967. EdieMinturnSedgwick retozaba en el regazo albino de Andy Warhol; Lou Reed, su otra
musa le recitaba sus deleites personales que cabalgaban entre el sado, agua oxigenada y los
arponazos indispensables que este se daba a diario en la jungla de concretopara poder llegar
hasta su hombre, sí por supuesto que con todo y los 26 dollars in hishand. Una regresión. 1955.
La hija yonqui antítesis de la estirada socialité híper tradicionalista Estadounidense de corte
W.A.S.P a mediados de los cincuenta ha encarnado en ella y su sombrero estampado de leopardo. 2013. TheVelvetUnderground tiene ahora, la imagen del bombo de la batería reflejado
en Edie, ella, es la musa sublime del conjunto.Tenía que empezar por ahí, por eso de que es
Noviembre y los muertos regresan al terruño dónde se les ha construido un altar. En Órbita en
moi sección, Wisdom ésta noche en el colchón, se le ha de hacer honor por el simple hecho del
s’éclater (el gozo que va con el Paroxismo, por supuesto).
Edie abría los ojos (danzaba) igual que un pavorreal lo hace con las alucinantes plumas de su
cola al sentirse amenazado. En la Factory todo era sagrado, la morfina y las jeringas de cierto
espesor calibraban la noche bohemia de aquel lugar dónde interminables artistas dejaron no
sólo sus líquidos, sino sus creaciones que deleitaron a los miembros más estrambóticos de La
casa del padre.
TheVelvetUnderground sirvió como referente musical para que a lo largo de su legado gran
número de artistas retomara todo el bagaje que ellos habían cosechado al identificarse así con
guitarras estruendosas, panderetas pastorales, voces andróginas y enigmáticas letras poseídas por un eterno sentimiento de angustia adictiva. Músicos han hecho explicito la influencia
proveniente de los VelvetUnderground en sus canciones hoy en día. Sería impresionante la
lista que obtendríamos sí contáramos los diversos conjuntos que se formaron a lo largo de las
décadas posteriores. Entonces, resulta significativa la creación de los Velvet como parte aguas
de todos los hijos de la Revolución psychedelicapostmortem que llegamos a escuchar hoy en
día. La verdadera y jodida psychedelia oscura nació acá.
1965. John Cale y Lou Reed se juntan a experimentar en la silverFactory, resultan ya parte de
la élite musical a tan solo un año de haber iniciado tan siniestro proyecto.El “sexo bizarro” es
el culpable del nombre de la banda, Debido a que TheVelvetUndreground evoca a una subcultura híper kinky que fue evidenciada en el trabajo del periodista Leigh a principios de los
sesentas, realizadas todas en territorio Yanqui. ThevelvetUnderground, lo Tabú, las prácticas
inmorales que suponían la perversión eterna de cualquiera que estuviera relacionado con la
liberación del ser y la mente por medio de la música y el arte.
TheVelvetUnderground navega entre la música docta, la generación perdida, de lo refinado y
vulgar que resultan dos hombres virtuosos en un mismo sentido musical, pero, tan rivales al
momento de componer. Cale era la parte estética, sensitiva, mística, refinada y definitiva. Reed
era el demente-desviado que quería agregarle lo atonal, indeterminado, disonante, tacky, el
sonido peculiar, controversial y jam de Ornette Coleman.
1967. Nico, la esperanza alemana.
¿Por qué piensa la gene que los artistas son algo especial? El suyo es simplemente un oficio
más.
-Andy Warhol.
Warhol creyó contundente incluir a una mujer en la banda como agente pop, claro aquel que
brindara un lado más soft, cosmopolita, provocativo y evocativo a la imagen como factor primario. Pudiera haber llegado a pensar en utilizar a Edie, inclusive alguna Astor o de plano de la
casa Vanderbilt. ¡No!, cualquier socialite resultaba poca cosa ante Nico, ella en cambio, aparte
de lucir exquisita y mística envuelta en Bencedrina y tweed; sabía hacer temblar a todo oído
retorcido que le escuchaba entonar sinfonías de sonidos orgásmicos.
El arte, fue una parte fundamental dentro de la esencia creadora de los VelvetUnderground
tanto en el escenario como en sus composiciones musicales. Por una parte se le debe el mérito a Dios padre: Andrew Warhola, que cosificó la bellísima existencia racial de la estructura
ósea de Nico, la preferencia por los dulces alucinógenos de la época y las bananas erectas
sobre una pasta blanca (como portada de su álbum más conocido), para al final obtener de
esto: Un objeto cliché y de culto penetrado hoy en día por la cultura popular. Pues la visión
de Warhol, le permitió crear el mito de la banda cósmica que perdura hasta nuestros días;
todo se debe a la forma en cómo TVU tiene todos los elementos que suponen el conjunto
onírico del Rock Art; la imagen plástica que proviene de la evidente esteticidad física de
los miembros principales de la banda: John Cale ( el nihilismo empedernido), Lou Reed (
los look camaleónicos y transexuales) & por algunos años lo fueron: Nico ( el glam vocal)
y MaureenTucker ( por su look andrógino). Sí analizamos el complemento sustancial de
los miembros de la banda, podemos ver ese equilibrio parecido al cuadro de la última
cena pero, de los psicodélicos sesenta: Andy Warhol en el centro, supremo y poderoso,
con María Magdalena (Nico) a la derecha del señor, Lou Reed a la izquierda de Warhol
como el profeta Tomás, John Cale junto a Nico Magdalena, Sterling Morrison como Judas, Maureen Tucker estaba en la misma posición que Felipe el apóstol. El background de
la conferencia proyecta en el fondo a una mujer caminando por alguna acera de Nueva
York, portando una boa color crema y negligé negro.
La portada del álbum del 67, el de la Banana se ganó la inmortalidad. Una fruta nunca
antes había tomado el lugar de un objeto de culto digno del Rock avantgardista completamente experimental. Andy Warhol, era el artista, el innovador, el creador de un símbolo
que denotaba la plasticidad de la obra, y que conforme a la creación de ese símbolo,
ha ayudo a identificar al conjunto musical a través de los años y a las generaciones más
jóvenes que van acuñando bandas en su playlist. Lo artístico aparece cuando la obra se
encuentra en ella misma su razón de ser (Debray: 192).
El rock se hace subjetivo con la inmersión de la música experimental, ahora todos grababan su sueño errante, lo más puro, sublime y preciso.
En el 68nace White light/ White heat. La obra que definiría y les daría el poder identitario
a la generación babyboomer para crear su propio conjunto, sabían ahora que la querella
del asunto se resumía en ir a otros estados de conciencia, armónicos y musicales. Este álbum resulta un proceso- bricolaje del verdadero espíritu de los VelvetUnderground sin la
intromisión del manager Andy Warhol. El álbum es la carne viva, herida,henchida de noise
altamente disonante la ilustración sonora de lo empírico. Sin Nico y sin Warhol (Reed los
despidió) como emblemas que les facilitaran el acceso a la morbosidad y el voyerismo de
las compañías disqueras, sólo eran los chalecos de cuero y leopardo de Reed y los enojos
constantes de Cale.
Los álbumes posteriores el del 69 y el loaded en el 70, fueron breves aires de grandeza, sí
bien son un must, lo mejor se hizo antes del 69. Después del 70, son sonidos melancólicos
de alguna jerga bien gastada. Valido para su adoración y reconocimiento, claro está.
Pronto, la banda intentó seguir con otros álbumes. Reed y Cale triunfaron apestosamente
a su manera a lo largo de las décadas venideras. TheVelvetUnderground es el mito del
cual todos quieren hablar, practicar y escuchar.
Si te moló la idea sobre las diversas líneas que tomó el Rock después de esta banda, debes
dejarte llevar por el VELVET UNDERGOUND & NICO de 1967. El más sencillo. Todo, resulta
un pastiche musical, que sí se le sabe y aprende a escuchar, resulta el orden de la mezcla
musical que todos los integrantes de los Velvet proveen a la atmosfera lo inmaculado de
su propia, libre y degenerada génesis.
Las fiestas son interminables. Siempre son mañana.
Referencias
Debray, Regis (1995). Vida y muerte de las imágenes. México: Paidós.
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7
Orbita
Orbita
Octubre
Agosto20132013-Año
Año11-No.
No.53
GAME OVER
Wisdom, ésta noche en el colchón.
CINE EN TURNO
“No se aceptan devoluciones”
Por. S. Andrea Torres Fernández
Por: Omar Cortes
TOTAL WAR ROME 2
Por: Alvaro Rivera
¿QUE TAN LEJOS IRIAS POR ROMA? Pregunta de entrada el nuevo juego de la serie TOTAL WAR, donde
después de 8 años de haber sacado el primer juego
con la misma temática histórica, nos presenta un
juego de detalles sutiles en la táctica y la estrategia, además de gráficos jamás vistos en un juego de
estrategia.
TOTAL WAR ROME 2 es un juego que después de
un prólogo que enseña las bases y puede ser de
una duración de 2 horas o hasta 7 horas, dependiendo de tu capacidad de aprendizaje y visión militar, ROME 2 te permite jugar las modalidades de
campaña y multijugador. La campaña es en pocas
palabras, la creación de un Imperio equivalente al
romano, ya que el jugador elige entre nueve civilizaciones que van desde las tribus britanas del norte
europeo hasta la gran civilización egipcia (perceptiblemente incluyendo a roma).
El jugador se enfrasca entonces en reescribir la
historia con la facción elegida desarrollando regiones, construyendo edificios para esparcir la cultura,
generar alimentos o mantener al pueblo feliz. El
conflicto es interno: tramando y descubriendo conspiraciones para tener una hegemonía política en
el poder, lidiando con el crecimiento poblacional
y la miseria, reduciendo los niveles de corrupción,
sentando una economía fuerte que se base en el
tráfico de esclavos o en los impuestos, por dar algunos ejemplos. De manera externa, el juego se
desarrolla en 2 mapas, el estratégico y el de tiempo
real. EN el primero se pueden ver la ciudades, las
rutas comerciales la geografía de la Europa del 200
AC. Pero no solo es visual, es donde se tiene acceso
a la diplomacia con otras civilizaciones, donde se
generan ejércitos, se construyen edificios y agentes
que ayuden a desarrollar tu civilización o mermar a
tus enemigos.
Finalmente el Mapa en tiempo real es el centro de
le experiencia de ROME 2 donde las grandes batallas del mundo antigua se desarrollan, poniéndote
al frente de hasta 3000 hombres (dentro la configuración estándar del juego) Efectivamente, tanto en
6
mutlijugador como en una batalla de la campaña
se trata de llegar al frente con un ejército que las
decisiones pasadas definieron, un ejército que
para el momento del conflicto no se puede modificar o ampliar en el instante. Donde las unidades
tienen un toque más humano, se cansan y tienen
moral, dos armas y enemigos invisibles en el campo de batalla.
Como último detalle es remarcable el precario estado del juego a su salida en el mercado, un juego
con grande problemas de velocidad en el desarrollo de la campaña, de problemas de texturas,
de una mala inteligencia artificial, por mencionar
algunos de sus errores. Estos errores han sido corregidos con el paso de las semanas, sin embargo
todavía faltan ciertos detalles por lustrar, pero
poco a poco se ve la grandiosidad que ROME 2
prometió. Sin más es un juego de excelencia dentro de los juegos de estrategia, una experiencia de
fidelidad histórica, detalle visual, de gran profundidad estratégica y táctica.
http://gamingbolt.com/wp-content/gallery/totalwar-rome-2-wallpapers-in-A
https://fbcdn-sphotos-a-a.akamaihd.net/hphotosak-prn2/1053369_480309528710919_2004735621
_o.jpg
http://4.bp.blogspot.com/-v6Bnk2rjo-E/UheAvgWd t f I /A A A A A A A A JJ I /d f 5x h p q Ky 8 k /s16 0 0/
Rome+II+battle.png
¿Para qué ver “No se aceptan devoluciones” si podemos ver gratis
“La familia Peluche”? en este texto espondré porque esta película
me parece una cochinada.
1: Eugenio Derbez actúa exactamente de “Ludovico Peluche” (no
hay ni un cambio a la psicología del personaje, excepto el entorno
social en el que vive).
2: Que todos los actores interpreten mejor su personaje (incluyendo Sammy) que el protagonista deja mucho que desear, y que
incluso una niña de 8 años recree mejor las escenas “dramáticas”
que Eugenio, es una vergüenza.
3: Eugenio Derbez da más risa cuando intenta ser serio que cuando
SOBREACTUA en todas sus escenas de comedia.
4: Los signos visuales no son cómplices de la historia, están maquilados descaradamente para que Eugenio presuma que estudio cine
y eso lo aprendió en clase (los lobos, y otras tonterías).
5: Los elementos lingüísticos en vez de ser guiños que después causen sorpresa son presentados efusivamente para que a la fuerza
tengas conectividad con la historia, resultando predecible y sosa.
5: Eugenio Derbez se ve en la necesidad de poner cara de idiota
para simpatizar con la gente (recordemos que hay excelentes cintas
de comedia que no se valen de esto para causar gracia).
6: El guión es maquilado como una serie de televisión en vez de
como guion cinematográfico, tan es así que en vez de que los personajes sean naturales se ven forzados a hacer caras estúpidas
cuando supuestamente
ningún otro personaje
de la película los ve,
como si esto conectara
con el público pero
solo demuestra que los
guionistas están fuertemente arraigados a escribir SKETCH para televisión.
7: Eugenio Derbez se ve
en la necesidad de forzar los chistes trhillados
y usados mil veces en
“La casa de la risa” en
vez de demostrar una
ingeniosa
capacidad
para mostrar nuevos y
originales.
8: Derbez se ve en la
necesidad de maltrata y sangolotear a una bebé solo para “que
veamos lo profesional que es como director y actor”, además de
manejar con arrogancia la cámara, mostrando o alargando tomas
innecesarias solo para demostrar “que fregona quedo la escena”.
9: Lo mejor de la película es los cameos de Jesús Ochoa y Karla
Souza
10: Eugenio Derbez sin pudor afirma que quería entrar en un tono
similar a “La vida es bella” mostrando perfectamente una tragicomedia, empero pesa más su ego de comediante y en cada escena
dramática hace un chiste del cual solo se ríen aficionados a “La escuelita” de Jorge Ortiz de Pinedo.
11: En vez de manejar un guión inteligente y coherente se tiene que
valer de irrealidades sin gracia como tratar al persona de la niña
de estúpida, colocando una misma foto de una actriz con diferente
personas y pensar que la niña se creerá el cuento de que las imágenes son reales.
12: Los personajes tienen que recalcar una y otra vez como es su
personalidad, en vez de dirigir correctamente a los actores, las situaciones y diálogos enfatizan la psicología del personaje como si el
público fuera idiota y no entendiera cómo se comporta cada quien
y cuál es la función de cada uno (la niña madura, el padre inmaduro)
13: Eugenio se autodenomina director, pero solo pone a Sammy frente a la cámara y deja que hable (así cualquiera es director).
14: Los personajes gringos cuando quieren hablan con acento
americano y cuando no, con acento mexicano
15: Hay demasiadas tomas innecesarias de personajes irrelevantes
(como el de Alessandra Rosaldo) que solo alargan la historia (pero
claro, es Eugenio Derbez, le tenemos que perdonar que ponga a su
esposa por capricho nomás).
16: ESTE PUNTO CONTIENE SPOILER: si pones un final dramático,
una bonita fotografía, música triste y una niña de 8 años carismática
muriendo, esta escena hasta en la Rosa de Guadalupe te conmueve.
AL FINAL...
...ME MUERO
Octubre
Agosto 2013- Año 1- No. 53
AllTomorrowsparties
“Severin, down on your bended knee Taste the whip, in love not given lightly
Taste the whip, now bleed for me.
-Fragmento de Venus in Furs.
I
maginemos la escena. Creamos en algo sólo por un instante.
1967. EdieMinturnSedgwick retozaba en el regazo albino de Andy Warhol; Lou Reed, su otra
musa le recitaba sus deleites personales que cabalgaban entre el sado, agua oxigenada y los
arponazos indispensables que este se daba a diario en la jungla de concretopara poder llegar
hasta su hombre, sí por supuesto que con todo y los 26 dollars in hishand. Una regresión. 1955.
La hija yonqui antítesis de la estirada socialité híper tradicionalista Estadounidense de corte
W.A.S.P a mediados de los cincuenta ha encarnado en ella y su sombrero estampado de leopardo. 2013. TheVelvetUnderground tiene ahora, la imagen del bombo de la batería reflejado
en Edie, ella, es la musa sublime del conjunto.Tenía que empezar por ahí, por eso de que es
Noviembre y los muertos regresan al terruño dónde se les ha construido un altar. En Órbita en
moi sección, Wisdom ésta noche en el colchón, se le ha de hacer honor por el simple hecho del
s’éclater (el gozo que va con el Paroxismo, por supuesto).
Edie abría los ojos (danzaba) igual que un pavorreal lo hace con las alucinantes plumas de su
cola al sentirse amenazado. En la Factory todo era sagrado, la morfina y las jeringas de cierto
espesor calibraban la noche bohemia de aquel lugar dónde interminables artistas dejaron no
sólo sus líquidos, sino sus creaciones que deleitaron a los miembros más estrambóticos de La
casa del padre.
TheVelvetUnderground sirvió como referente musical para que a lo largo de su legado gran
número de artistas retomara todo el bagaje que ellos habían cosechado al identificarse así con
guitarras estruendosas, panderetas pastorales, voces andróginas y enigmáticas letras poseídas por un eterno sentimiento de angustia adictiva. Músicos han hecho explicito la influencia
proveniente de los VelvetUnderground en sus canciones hoy en día. Sería impresionante la
lista que obtendríamos sí contáramos los diversos conjuntos que se formaron a lo largo de las
décadas posteriores. Entonces, resulta significativa la creación de los Velvet como parte aguas
de todos los hijos de la Revolución psychedelicapostmortem que llegamos a escuchar hoy en
día. La verdadera y jodida psychedelia oscura nació acá.
1965. John Cale y Lou Reed se juntan a experimentar en la silverFactory, resultan ya parte de
la élite musical a tan solo un año de haber iniciado tan siniestro proyecto.El “sexo bizarro” es
el culpable del nombre de la banda, Debido a que TheVelvetUndreground evoca a una subcultura híper kinky que fue evidenciada en el trabajo del periodista Leigh a principios de los
sesentas, realizadas todas en territorio Yanqui. ThevelvetUnderground, lo Tabú, las prácticas
inmorales que suponían la perversión eterna de cualquiera que estuviera relacionado con la
liberación del ser y la mente por medio de la música y el arte.
TheVelvetUnderground navega entre la música docta, la generación perdida, de lo refinado y
vulgar que resultan dos hombres virtuosos en un mismo sentido musical, pero, tan rivales al
momento de componer. Cale era la parte estética, sensitiva, mística, refinada y definitiva. Reed
era el demente-desviado que quería agregarle lo atonal, indeterminado, disonante, tacky, el
sonido peculiar, controversial y jam de Ornette Coleman.
1967. Nico, la esperanza alemana.
¿Por qué piensa la gene que los artistas son algo especial? El suyo es simplemente un oficio
más.
-Andy Warhol.
Warhol creyó contundente incluir a una mujer en la banda como agente pop, claro aquel que
brindara un lado más soft, cosmopolita, provocativo y evocativo a la imagen como factor primario. Pudiera haber llegado a pensar en utilizar a Edie, inclusive alguna Astor o de plano de la
casa Vanderbilt. ¡No!, cualquier socialite resultaba poca cosa ante Nico, ella en cambio, aparte
de lucir exquisita y mística envuelta en Bencedrina y tweed; sabía hacer temblar a todo oído
retorcido que le escuchaba entonar sinfonías de sonidos orgásmicos.
El arte, fue una parte fundamental dentro de la esencia creadora de los VelvetUnderground
tanto en el escenario como en sus composiciones musicales. Por una parte se le debe el mérito a Dios padre: Andrew Warhola, que cosificó la bellísima existencia racial de la estructura
ósea de Nico, la preferencia por los dulces alucinógenos de la época y las bananas erectas
sobre una pasta blanca (como portada de su álbum más conocido), para al final obtener de
esto: Un objeto cliché y de culto penetrado hoy en día por la cultura popular. Pues la visión
de Warhol, le permitió crear el mito de la banda cósmica que perdura hasta nuestros días;
todo se debe a la forma en cómo TVU tiene todos los elementos que suponen el conjunto
onírico del Rock Art; la imagen plástica que proviene de la evidente esteticidad física de
los miembros principales de la banda: John Cale ( el nihilismo empedernido), Lou Reed (
los look camaleónicos y transexuales) & por algunos años lo fueron: Nico ( el glam vocal)
y MaureenTucker ( por su look andrógino). Sí analizamos el complemento sustancial de
los miembros de la banda, podemos ver ese equilibrio parecido al cuadro de la última
cena pero, de los psicodélicos sesenta: Andy Warhol en el centro, supremo y poderoso,
con María Magdalena (Nico) a la derecha del señor, Lou Reed a la izquierda de Warhol
como el profeta Tomás, John Cale junto a Nico Magdalena, Sterling Morrison como Judas, Maureen Tucker estaba en la misma posición que Felipe el apóstol. El background de
la conferencia proyecta en el fondo a una mujer caminando por alguna acera de Nueva
York, portando una boa color crema y negligé negro.
La portada del álbum del 67, el de la Banana se ganó la inmortalidad. Una fruta nunca
antes había tomado el lugar de un objeto de culto digno del Rock avantgardista completamente experimental. Andy Warhol, era el artista, el innovador, el creador de un símbolo
que denotaba la plasticidad de la obra, y que conforme a la creación de ese símbolo,
ha ayudo a identificar al conjunto musical a través de los años y a las generaciones más
jóvenes que van acuñando bandas en su playlist. Lo artístico aparece cuando la obra se
encuentra en ella misma su razón de ser (Debray: 192).
El rock se hace subjetivo con la inmersión de la música experimental, ahora todos grababan su sueño errante, lo más puro, sublime y preciso.
En el 68nace White light/ White heat. La obra que definiría y les daría el poder identitario
a la generación babyboomer para crear su propio conjunto, sabían ahora que la querella
del asunto se resumía en ir a otros estados de conciencia, armónicos y musicales. Este álbum resulta un proceso- bricolaje del verdadero espíritu de los VelvetUnderground sin la
intromisión del manager Andy Warhol. El álbum es la carne viva, herida,henchida de noise
altamente disonante la ilustración sonora de lo empírico. Sin Nico y sin Warhol (Reed los
despidió) como emblemas que les facilitaran el acceso a la morbosidad y el voyerismo de
las compañías disqueras, sólo eran los chalecos de cuero y leopardo de Reed y los enojos
constantes de Cale.
Los álbumes posteriores el del 69 y el loaded en el 70, fueron breves aires de grandeza, sí
bien son un must, lo mejor se hizo antes del 69. Después del 70, son sonidos melancólicos
de alguna jerga bien gastada. Valido para su adoración y reconocimiento, claro está.
Pronto, la banda intentó seguir con otros álbumes. Reed y Cale triunfaron apestosamente
a su manera a lo largo de las décadas venideras. TheVelvetUnderground es el mito del
cual todos quieren hablar, practicar y escuchar.
Si te moló la idea sobre las diversas líneas que tomó el Rock después de esta banda, debes
dejarte llevar por el VELVET UNDERGOUND & NICO de 1967. El más sencillo. Todo, resulta
un pastiche musical, que sí se le sabe y aprende a escuchar, resulta el orden de la mezcla
musical que todos los integrantes de los Velvet proveen a la atmosfera lo inmaculado de
su propia, libre y degenerada génesis.
Las fiestas son interminables. Siempre son mañana.
Referencias
Debray, Regis (1995). Vida y muerte de las imágenes. México: Paidós.
.
7
Orbita
Octubre
Agosto20132013-Año
Año11-No.
No.53
JOYAS ESCONDIDAS DEL CINE: “QUEMAR LAS NAVES”.
Por: Omar Ariel Cortes
Quemar las naves (2007)
Director: Francisco Franco
Actores: Irene Azuela, Ángel
Onésimo Nevarez, Diana Bracho,
Alberto Estrella, Claudette Maillé.
Premios: “Ariel” mejor actriz y
mejor música original y mejor
director en el “Festival de Cine de
Morelia”.
Algo raro pasa con nosotros los mexicanos,
siempre nos quejamos que en cualquiera
de nuestros ámbitos –política, educación,
deporte, ARTE - todo sale mal. Estamos
acostumbrados a decepcionarnos que muchas veces, perdemos la esperanza de encontrar a alguien que realmente haga algo
correcto.
Algunas veces sucede ese “milagro” y nos
emocionamos, ovacionamos… y volvernos a decepcionarnos: no nos damos cuenta que tenemos muchísimo talento, que lo
Ángel Onésimo Nevares
hay y lo hay en verdad…
Entonces ¿Por qué referente a nuestra industria fílmica, - donde ya se perdió la esperanza, o, porque se estrena puro bodrio, o, porque el talento se va al extranjero- evadimos
que hay otros directores, productores y actores sobresalientes, excelsos, que en talento
no le piden nada a ningún artesano cinematográfico del extranjero?
Sucedió con “Quemar las naves”: en los pocos cines y festivales que se estreno fue ovacionada y aplaudida, pero…no paso nada. ¿Cómo es posible que estar frente a una obra
de calidad excepcional sea sinónimo de indiferencia?
Quemar las naves es un drama que trata del incesto y la orientación sexual, temas que
parecen no estar listos -a pesar de estar perfectamente dirigido- para digerirse por el
público nacional.
Cuando Hernán Cortes llego a México, mando incendiar los barcos para que sus tripulantes, miedosos de integrarse a una nueva vida, no tuvieran la tentación de regresar
a Europa, fue el impulso obligado para armarse de valor y enfrentar la situación, única
opción al no poder retornar: “Quemar las naves” del temor que les impedía comenzar
nuevos sucesos.
La película retrata la vida de Sebastián (Ángel Onésimo Nevarez) un chavo con look
fresita en una escuela de niños “bien”, pero sin la choncanteria de un wanna be. Tiene
a Helena (Irene Azuela), su hermana, una mujer guapa e interesante, pero medio amargada, cuya única vocación es cuidar a su mama enferma y hacer los quehaceres del
hogar –cual solterona tía enojada con la vida- además le grita a la sirvienta (Que es
como parte de la familia) y le da hasta hueva salir a la esquina.
Sebastián no es rebelde, es popular sin querer serlo, inspira confianza y ternura, tan
galán y “perfecto” que mas de un compañero lo comienza a ver con ojos más allá de la
amistad. Tan irresistible que tampoco pasa ajeno al deseo carnal de su propia hermana.
No es fácil para nadie “quemar sus naves”, menos para una monja enamorada del intendente de su colegio, o para un niño de buena familia que tiene que aparentar ser un
macho mexicano por el temor de revelar su verdadera orientación sexual, o para una
adolescente que no tiene las agalladas de evitar que su horripilante suegra la despoje
de su objeto más querido… y tampoco para Sebastián y Helena, conformistas con su
vida y cuyo impulso para quemar sus naves (o quemar las incorrectas) es la muerte de
su madre.
“Quemar las naves” hace que reflexiones la idea del porque si siempre hay alguien peor
que nosotros y en peores situaciones, la mayoría no es feliz y tiene miedo de arriesgarse.
La película funciona en gran medida gracias a sus protagonistas: con la impactante
actuación de Irene Azuela se puede sentir perfectamente el dolor, el vacio, la rabia y
desesperación de su personaje. Tan desgarradora interpretación que demuestra que
en México si hay talento, y del bueno: su técnica es precisa, pero su talento es innato,,
algo que muchas actrices nunca podrán comprar en su vida y que Irene, aun sin ánimos,
lucirá perfectamente, incluso gano el Ariel 2 años seguidos a mejor actriz por esta y su
siguiente película, y afortunadamente continúa siendo tomada en cuenta para esparcir
a través de la pantalla grande el talento actoral nacional.
Es grato ver también la interpretación de
Ángel Onésimo Nevarez, y resulta difícil comprender como este actor –siendo su primer
largometraje- manufacturo de tan alucinante
y soberbia manera un papel tan complejo y
disfuncional.
Reflexiva y emotiva, son la peculiaridad de
esta joya que definitivamente, te motivara a
pensar ¿Por qué no has quemado las naves?
8
Tuvimos la oportunidad de platicar con Ángel Onésimo, quién nos contó la experiencia
de ser parte del filme y nos habló también sobre su personaje en la cinta.
Cuándo leíste el guion ¿Qué fue lo primero que pensaste?
A: No creía interpretarlo, tenía muchos miedos al que dirán.
Una película tan compleja ¿Es difícil de realizar?
A: Si, pero lo gratificante que fue para nosotros fue el tiempo para preparar la película a base
de talleres y creación de los personajes con el director. Fue de bastante ayuda para así encontrar la psicología del personaje.
Mientras se rodó el film ¿Te llevabas bien con Irene Azuela y el resto del elenco?
A: Claro, recibí mucho apoyo por mis compañeros en especial por Irene, me ayudo algunas
veces.
¿Crees que el público mexicano aun tiene miedo de ver en cine temas como los que se tocan
en la película?
A: No, yo creo que le teme al sentido en cómo se aborden esos temas, por ejemplo que tan
crudos o explícitos se muestren.
¿Te imaginaste que la película quedaría tan bien realizada?
No, solo si sabía que estábamos haciendo algo con todo el corazón ¡y con todas las ganas!
¿Si Helena y Sebastián tenían una vida dentro de los parámetros “normales” porque crees
que surge entre ellos una atracción no solo familiar?
A: Entre ellos había un vinculo mucho más fuerte que con el resto de los personajes, un propio mundo. Helena al ser la mayor -y Sebastián un tanto introvertido- toma un papel como
de posesión hacia él; lo cuidaba, lo defendía, lo tomo como si fuera de ella… Sebastián,
creo, al principio así lo aceptaba, se sentía un tanto cómodo, hasta que sus ideales se hacen
presentes y todo lo que empieza a querer.
¿Sebastián se enamora de Juan o solo pasa por una etapa de confusión?
A: Sebastián al momento a cambiar su entorno, sus pinturas, sus amigos, sus conversaciones,
es por algo más. Le llama la atención, quiere estar con esa persona, siente algo muy fuerte
para vencer sus miedos y seguir detrás de lo q quiere… ¡así que si se enamora!
La etapa de rebeldía que vive Sebastián ¿Es porque no se decidió “a quemar las naves” o
porque “no quemo las naves correctas”?
A: Porque no las quemo, y creo q su principal nave era Helena y todo el mundo que había
creado ella hacia él.
¿Helena realmente estuvo enamorada de Sebastián?
A: Si como hermana, y obvio como lo dije anteriormente, todo su mundo era entorno hacia
el. ¿Una atracción sexual? no estoy seguro, creo que ni ella lo vería así.
Personalmente ¿Qué te dejo Quemar las naves?
A: ¡Ah ¡ muchas cosas. Me hizo una persona más segura, sin miedos y crecer personalmente...
Valorar muchas cosas y ¡aventarse a la vida!
¿Qué sientes cuando alguien te dice esta película movió parte de su vida?
A: Me siento muy orgulloso de haber estado en la peli, y de saber que nuestro trabajo movió
algo en la gente
Con esta película se demuestra que hay calidad en el cine mexicano ¿Por qué crees que muchas de las buenas producciones mexicanas no tienen gran difusión?
A: Porque no les gusta apostar, tienen miedo en creer en nuevas personas.
¿Por qué crees que a las personas nos da tanto miedo “Quemar las naves”?
A: Creo que muchos le tenemos miedo al fracaso y por eso mismo no nos lanzamos, no nos
atrevemos a dejar esa zona de confort y aventarnos a lo que realmente queremos. Pero ojo
claro que si hay esas personas y mis respetos para ellos.