Descargar Catálogo - FESTIVALES de Buenos Aires

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Descargar Catálogo - FESTIVALES de Buenos Aires
@mauriciomacri Disfrutemos de este Festival del que todos, artistas
y espectadores, somos protagonistas. Bienvenido #10FIBA
@mauriciomacri Let’s enjoy this Festival whose main figures are the
artists and the audience. Welcome #10FIBA!
@horaciorlarreta La Ciudad celebra el Festival que se consagró
como uno de los más importantes de América latina: llegó #10FIBA
@horaciorlarreta Our City is home to the Festival that has become
one of the major theatre events in Latin America. #10FIBA has arrived.
@herlombardi Orgullosos de presentar la décima edición del Festival
Internacional de Buenos Aires. Acompañanos a vivirlo. #10FIBA
@herlombardi We are proud to present the tenth edition of the
Festival Internacional de Buenos Aires. Let’s enjoy it together. #10FIBA
Darío Lopérfido Festejemos los 10 años de este gran encuentro
de las artes escénicas en Buenos Aires, ciudad de teatro. #10FIBA
Darío Lopérfido Let’s celebrate the 10 years of this great performing
arts event in Buenos Aires, city of theatre. #10FIBA
@festivalesgcba Nos esperan dos semanas para vivir lo mejor del
teatro y la danza del mundo en la Ciudad. #10FIBA
@festivalesgcba Two weeks ahead of us to enjoy the world’s best
theatre and dance in the City. #10FIBA
Here is the tenth edition of the Festival we founded in 1997 with the desire to bring theatre from across the world to Buenos Aires, a city with a rich
and diverse theatrical scene. Ever since then, key figures and artists at the
forefront of contemporary performing arts have visited us every two years.
On this occasion, we are once again committed to delivering high quality programming, one that blends different aesthetics and includes established artists performing here for the first time. One that features a variety
of national stage productions: works selected, works invited, works in progress, a focus on a local creator, the premiere of two dance shows – winners
of the FIBA - Festival Buenos Aires Danza Contemporánea Co-Production
Prize. And one that reflects partnerships with Panorama Sur, a platform for
creation and reflection, which presents a much-awaited Latin American premiere; with Chilean festival Santiago a Mil, and with Artes del Sur, which
brings foreign critics to engage in a discussion fueled by diversity. As usual,
the Festival offers activities to take a close look at theatre and think about
it from different perspectives. Discussions, open events, workshops, films,
book presentations, and tributes will provide a space for exchange. And to
stimulate the expansion of our artists, we bring back The Market, with networking sessions for local artists and foreign programmers.
I would like to give my thanks to the City Festivals staff for their drive
and commitment, and to local government authorities for their trust and the
freedom they gave me.
Darío Lopérfido
Artistic Director
10 Festival Internacional de Buenos Aires
Llega la décima edición del Festival que fundamos en 1997 con el deseo de que Buenos Aires, una ciudad con actividad teatral rica y diversa,
recibiera al teatro del mundo. Desde entonces, referentes de la escena contemporánea y figuras renovadoras nos visitaron cada dos años.
En esta ocasión, volvemos a apostar a una programación de gran nivel
en la que conviven estéticas diferentes y que incluye a artistas consagrados
que por primera vez actuarán aquí. La producción nacional está presente
en su variedad: obras seleccionadas, obras invitadas, work in progress, un
foco sobre un creador local, el estreno de los dos espectáculos de danza
ganadores del Concurso de Proyectos de Coproducción FIBA - Festival
Buenos Aires Danza Contemporánea. Y además, la articulación con la plataforma de creación y reflexión Panorama Sur con un esperado estreno iberoamericano, con el festival chileno Santiago a Mil, y con Artes del Sur que
invita a críticos extranjeros para generar un diálogo desde la diversidad.
Como siempre, todas las actividades que permiten acercarse al teatro y
pensarlo desde distintas perspectivas. Charlas, encuentros abiertos, talleres, películas, presentaciones de libros y homenajes como espacios para el
intercambio. Y para estimular la proyección de nuestros artistas, volvemos
a realizar la sección El Mercado con jornadas de encuentro entre artistas
locales y programadores extranjeros.
Quiero agradecer al equipo de Festivales de la Ciudad por su empuje
y compromiso, y a las autoridades del gobierno porteño por la confianza y
la libertad de trabajo.
Darío Lopérfido
Director Artístico
10 Festival Internacional de Buenos Aires
GOBIERNO DE LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES
Jefe de Gobierno
Mauricio Macri
Jefe de Gabinete de Ministros
Horacio Rodríguez Larreta
Ministro de Cultura
Hernán Lombardi
Dirección Festivales
de Buenos Aires
Vivi Cantoni
Dirección Artística 10 FIBA
Darío Lopérfido
Producción General
Cecilia Kuska
Asistencia Artística
Carolina Prieto
Cecilia Kuska
Jurados Las Nacionales
Seleccionadas
Darío Lopérfido
Carolina Prieto
Andrea Servera
Alejandro Ullúa
Gerencia Operativa
de Producción Festivales
Silvia Tissembaum
Producción Ejecutiva
Coordinación
Luciana Saffores
Equipo
Natalia Colás
Pía Ruiz Luque
Las Internacionales
Carolina Arandia
Rodrigo de la Fuente
Macarena Herrera Bravo
Mónica Pérez
Las Nacionales
Coordinación
Nicolás González
Asistencia
Sol Montaldo
Equipo
Pía Bertoldi
María Belén Chaud
Diego Silva Garrido
Encuentros y Workshops
Alejandro Ullúa
Asistencia
Mónica Pérez
Intérprete
Alejo Magariños
Las Películas
Victoria Oleaga
El Mercado
María João Machado
Lionel Braverman
IX Premio
Germán Rozenmacher
Jurado
Jimena Aguilar
Jorge Dubatti
Santiago Loza
Producción Técnica
Coordinación
Jose Luis Fiorruccio
Pablo Calderón
Noelia González
Mariana Castelucci
Equipo
Pablo Alfieri
Martín Arcidiácono
Verónica Cámara
Magalí Fischtein
Esteban Lahuerta
Pablo Rodino
Alejandro Zambrano
Aldana Illán
Utilería
María José Crivella
Gerencia Operativa
de Logística Festivales
Romina Marson
Equipo
Ariel Cáceres Correa
Florencia Blanca
Pablo Dadone
Ayelén Decuzzi
Damián García
Luis Madril
Jimena Takuhi Berberian
Oficina de Invitados
Coordinación
Paz Canessa
Asistencia
Denise Menache
Equipo
María Luz Varela Grau
Maggie Perkins
Relaciones Institucionales
Mercedes Saloña
Asistentes de
Compañías Extranjeras
Coordinación
Ximena Belgrano Rawson
Asistencia
Juan Pedro Fernández Argento
Equipo
María Betania Antico
Carolina Basaldúa
Giulia Foschia
Marina Lacarta
Tomás Landa
Fanny Ribes
Enzo Romano
Francisco Luis Scarponi
Laura Scot
Producción de Sedes
José Andrukowicz
Miranda Barron
Nicolás Carnavale
Florencia Falconi
Martín Frosio
Julia Marcovich
Laura Mazzei
Xavier Mercado
Lucila Piffer
Martín Rea
Punto de Encuentro
Agustina Morales
Imagen y Comunicación
Coordinación
Lourdes Lima
Asesoría
Carolina Stegmayer
Equipo
Nicole Goldszmidt
Carolina Sturla
Constanza Zarnitzer
Diseño Gráfico
Agustina Periale
Lucas Panichella
Prensa
Pablo Medina
Luciana Zylberberg
Diseño Web y Programación
Alejandro Duarte - Kood Studio
Informes
Coordinación
Fernanda Moreira
Redes Sociales
Gustavo Lamas
Redacción de Noticias
Guillermo Pintos
Video
Gaby Starna - Borde Chino
Fotografía
Fernando Dvoskin
Gustavo Correa
Ignacio Arnedo
Adán Jones
Margarita Fractman
Jade Sívori
Catálogo
Coordinación de contenido
Carolina Prieto
Diseño Editorial
Verónica Roca
Cecilia Loidi
Corrección
Gabriela Berajá
Traducción
Cecilia Zabaleta
Producción Comercial
Cayetano Vicentini
Asistencia
Juan Pedro Fernández Argento
Gerencia Operativa
Gestión de Operaciones
Aída Barbara
Equipo
Lucas Rosa Albanese
Adriana Alonso
Maximiliano Betti
Patricia Latorre
Cecilia Gómez Padilla
Jorge Ribezuk
Deborah Rapoport
Paola Romanín
Carina Stanzione
Recepción
Claudia Klappenbach
Sistemas
Eduardo Desanze
Agradecimientos | Acknowledgements
Embaixada de Portugal
em Buenos Aires
índice contents
Sedes Venues
8
Actividades Gratuitas - Venta de Entradas - Puntos de Venta
Free Activities - Ticket Sale - Ticket Outlets
9
LAS INTERNACIONALES international productions
13
LAS NACIONALES | seleccionadas
national productions | selected
49
las nacionales | invitadas
national productions | invited
Concurso de proyectos de Coproducción
FIBA-festival buenos aires danza contemporánea
FIBA-Festival buenos aires Danza Contemporánea
co-production prize
87
115
FIBA EN CHILE fiba in chile
122
PANORAMA SUR
125
HOMENAJE A TADEUSZ KANTOR Tribute to Tadeusz Kantor 135
ENCUENTROS Y WORKSHOPS events & workshops
139
LAS PELíCULAS the films
149
LOS LIBROS the books
167
EL MERCADO. WORK IN PROGRESS. EXPLORACIONES escénicas
the market. work in progress. stage Explorations
181
sedes venues
Teatro Coliseo
Marcelo T. de Alvear 1125
Sportivo Teatral
Thames 1426
Av. Corrientes 1681
Alianza Francesa
Av. Córdoba 936
ElKafka Espacio Teatral
Lambaré 866
Teatro San Martín
Av. Corrientes 1530
Centro Cultural
Rector Ricardo Rojas
Av. Corrientes 2038
Teatro Beckett
Guardia Vieja 3556
Punto de
Encuentro
Teatro Regio
Av. Córdoba 6056
Teatro Sarmiento
Av. Sarmiento 2715
El Cultural San Martín
Paraná, esq. Sarmiento
Teatro 25 de Mayo
Av. Triunvirato 4444
Teatro Colón
Tucumán 1171
Espacio Callejón
Humahuaca 3759
La Carpintería Teatro
Jean Jaures 858
Teatro del Abasto
Humahuaca 3549
Teatro del Pueblo
Av. Pres. Roque
Sáenz Peña 943
Patio de Actores
Lerma 568
Teatro Anfitrión
Venezuela 3340
Santos 4040
Santos Dumont 4040
Defensores de Bravard
Bravard 1178
Margen del Mundo
Concepción Arenal 4865
Anfiteatro del
Parque Centenario
Av. Ángel Gallardo y
Leopoldo Marechal,
entrada por Lillo
Teatro El Brío
Av. Álvarez Thomas 1582
Casa de la Lectura
Lavalleja 924
La Ideal
Suipacha 384
Zelaya
Zelaya 3134
Parque Sarmiento
Av. Ricardo Balbín 4750
Apacheta Sala / Estudio
Pasco 623
Teatro Buenos Aires
Rodríguez Peña 411
Actividades gratuitas Free Activities
Con entrada libre y gratuita, el FIBA ofrece una serie de actividades especiales
que dialogan con las artes escénicas desde distintas perspectivas.
FIBA offers a series of special activities that explore the performing arts from different
perspectives, with free admission.
Homenaje a TadeuSz Kantor Tribute to Tadeusz Kantor
Encuentros y Workshops events & Workshops
Las Películas The Films
Los Libros The Books
Exploraciones Escénicas stage Explorations
venta de entradas ticket sale
Desde el jueves 3 de septiembre, podés adquirir tus entradas y abonos
a través de buenosaires.gob.ar/festivales o personalmente en los PUNTOS DE VENTA.
Starting on Thursday, September 3, you can purchase your tickets and packages online
at buenosaires.gob.ar/festivales or in person at TICKET OUTLETS.
puntos de venta ticket outlets
Del 3 al 17 de septiembre / From September 3 to 17
nCasa de la Cultura (Av. de Mayo 575), de Lun a Vie de 10 a 20 h / Mon-Fri: 10 AM-8 PM
n
Teatro Colón, de Lun a Sáb de 10 a 20 h y Dom de 10 a 17 h /
Mon-Sat: 10 AM-8 PM and Sun: 10 AM-5 PM
A partir del 18 de septiembre / Starting on September 18
Teatro San Martín, de Lun a Dom de 10 a 22 h / Mon-Sun: 10 AM-10 PM
nTeatro Regio, de Lun a Dom de 10 a 22 h / Mon-Sun: 10 AM-10 PM
nTeatro Colón, de Lun a Sáb de 10 a 20 h y Dom de 10 a 17 h /
Mon-Sat: 10 AM-8 PM and Sun: 10 AM-5 PM
n
las internacionales
international productions
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las internacionales
El 10 FIBA recibe a dos grandes artistas europeos que por primera vez
actúan en esta Ciudad. El belga Ivo van Hove, director de Toneelgroep
Amsterdam, la compañía holandesa más reconocida de ese país, y su
compatriota Jan Lauwers con la Needcompany. El primero trae Opening
Night, un montaje que articula teatro y cine, basado en el film homónimo
de John Cassavetes. Un engranaje de capas superpuestas para reflejar
la crisis de una diva, a poco del estreno de una obra teatral. Lauwers
presenta dos creaciones que revelan el carácter multidisciplinario de sus
propuestas: Isabella’s Room, un cóctel de música en vivo, danza, artes
visuales y teatro para dar cuenta del secreto que domina la vida de una
mujer ya grande y ciega, y The Blind Poet, que acaba de estrenarse en
el Kunstenfestivaldesart con el FIBA como coproductor, una indagación
sobre la identidad en la Europa multicultural que se remonta mil años
atrás. También debuta la compañía australiana Back to Back Theatre,
formada por actores con y sin discapacidades, con Ganesh versus the
Third Reich. De España llegan dos propuestas muy atractivas. La compañía catalana Agrupación Señor Serrano, ganadora del León de Plata 2015 en la Bienal de Venecia, con Brickman Brando Bubble Boom:
un formato dinámico que mixtura performance, texto, videos, sonido e
instalaciones para escenificar dos vidas en apariencia distantes, la del
constructor que inspiró el primer sistema hipotecario de la historia y la
del actor Marlon Brando, en busca de un hogar. La coreógrafa Sol Picó
regresa al Festival con We Women, trabajo que FIBA coproduce junto
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al Festival Grec, en el que bailarinas de culturas diversas dibujan un
retrato de la mujer contemporánea. Francia está presente con tres espectáculos. El Groupe F abre el Festival con À Fleur de Peau, un impactante montaje al aire libre de imágenes computarizadas, sonido y
fuegos artificiales. El argentino Rodrigo García, actual director del Centre
Dramatique National de Montpellier, hará Gólgota Picnic, un espectáculo
desmesurado, radical, poblado de referencias bíblicas pero que se mete
en otros terrenos. El director y actor Arthur Nauzyciel ofrecerá una lectura del KADDISH de Allen Ginsberg, aquel largo poema que el autor beat
escribió tras la muerte de su madre. Mención aparte para la versión de
la ópera Macbeth, de Verdi, a cargo del director sudafricano Brett Bailey:
un espectáculo tan conmovedor como lúcido y colorido, que traslada el
drama shakespereano al África, donde las tiranías locales y las fuerzas
multinacionales hacen estragos, y cuyos cantantes han sido ellos mismos víctimas de la violencia que la obra describe. La argentina radicada
en Berlín, Constanza Macras, trae uno de sus últimos trabajos, The Past,
en el que los bailarines exploran la relación entre espacio y memoria.
Cuba nos visita con Antigonón. Un contingente épico, de Rogelio Orizondo, un referente de la nueva dramaturgia isleña que está dando que
hablar en los festivales europeos; Chile y Perú con Castigo y La cautiva
respectivamente, dos puestas que abordan distintos tipos de violencia,
familiar y social.
Darío Lopérfido
16
international productions
10 FIBA welcomes two great European artists performing in the City for
the first time. Belgian Ivo van Hove, director of leading Dutch theatre
company Toneelgroep Amsterdam, and fellow countryman Jan Lauwers
with the Needcompany. The former brings Opening Night, a production
combining theatre and cinema, based on the film of the same name by
John Cassavetes. A layered matrix of interlocking elements reflect the crisis of a famed actress, in the run-up to the debut of her new play. Lauwers
presents two creations that reveal his multidisciplinary approach to theatre making: Isabella’s Room uses a mix of live music, dance, visual arts
and theatre to represent the secret that dominates the life of an old blind
woman, and The Blind Poet, recently premiered at Kunstenfestivaldesart
and co-produced by FIBA, reflects on identity in today’s multicultural Europe going back a thousand years. Another company debuting this year
is Australia’s Back to Back Theatre, composed of actors with and without a disability, who perform Ganesh versus the Third Reich. Two stunning productions come from Spain. Catalan company Agrupación Señor
Serrano, winner of a Silver Lion at the Venice Biennale 2015, presents
Brickman Brando Bubble Boom: a dynamic format mixing performance,
text, video, sound and installations to depict the seemingly distant lives of
two people, the builder who inspired the first mortgage system in history,
and actor Marlon Brando, who is searching for a home. Choreographer
Sol Picó returns to the Festival with We Women, a piece co-produced by
17
FIBA and Festival Grec, in which female dancers from diverse cultures
paint a portrait of the contemporary woman. France participates with
three shows. Groupe F opens the Festival with À Fleur de Peau, a stunning
open-air spectacle combining projected images, sound and fireworks.
Argentine Rodrigo García, current director of Centre Dramatique National
de Montpellier, presents Gólgota Picnic, a radical, excessive show ridden
with biblical references but exploring other territories. Director and actor
Arthur Nauzyciel offers a reading of Allen Ginsberg’s KADDISH, the long
poem that the Beat author wrote after his mother’s death. Special mention must be made of the version of Verdi’s opera Macbeth created by
South African director Brett Bailey: a touching, brilliant and colorful show
that relocates the Shakespearean drama to Africa, where local tyrants
and multinationals are wrecking havoc, and whose singers have been
themselves victims of the violence depicted on stage. Argentine-born,
Berlin-based Constanza Macras brings one of her most recent works,
The Past, in which dancers explore the relationship between space and
memory. Cuba visits us with Antigonón. Un contingente épico, by Rogelio
Orizondo, a leading figure of the country’s new drama who is getting a
lot of attention at European festivals; while Chile and Peru bring Castigo
and La cautiva, respectively, which deal with family and social violence.
Darío Lopérfido
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las internacionales | francia
función de apertura / opening night
À Fleur de Peau Skin on Fire / a flor de piel
À Fleur de Peau es una balada telúrica, un paseo curioso y espectacular entre los tesoros de la vida, un cuento fulgurante que explora la compleja relación entre los humanos
y su entorno. La obra conduce al espectador a los confines del mundo contemporáneo, en un universo mágico y asombroso cuyos excesos cuestionan constantemente
la precariedad del hombre y su entorno. À Fleur de Peau is a telluric ballad, a curious
and spectacular stroll amid the treasures of life, a dazzling tale exploring the complex
relation between humans and their environment. It leads the spectator to the confines
of the contemporary world, in a magical and breathtaking universe whose excesses
constantly question the precariousness of man and his environment.
Christophe Berthonneau A partir de una constante experimentación en nuevos territorios escénicos, artísticos y técnicos, crea
obras contemporáneas en el campo del teatro y los eventos. Sus
creaciones son aptas para todo público. Constantly experimenting
in new scenic, artistic and technical territories, he creates contemporary works in the field of theatre and event. His creations are
open to all audiences.
Autor y director: Christophe Berthonneau / Compañía: Groupe F / Elenco: Barbara Amar, Didier Bonnardel,
Johanna Bortuzzo, Rachel Cronier, Nicolas Leras, Sylvain Man / Música: Scott Gibbons / Producción:
Groupe F / Duración: 45’
Jue 17/9, 21 h / Sáb 19/9, 19:30 h / Dom 20/9, 19:30 h
Thu 9/17, 9 PM / Sat 9/19, 7:30 PM / Sun 9/20, 7:30 PM
Parque Sarmiento
ph Christophe Berthonneau: © H.Hote-Agence Caméléon
PH À fleur de peau: © Daniel Roblin
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international productions | cuba
Antigonón. Un contingente épico
Antigonon. An Epic Contingent
Rogelio Orizondo, uno de los autores jóvenes más interesantes de Cuba, lleva los célebres versos de Martí a un ámbito moderno. En muchas escenas breves, intérpretes
y bailarines crean un caleidoscopio de encuentros absurdos. La idea de libertad que
expresa el poeta choca con la dura realidad, pero también con las múltiples voces de
un pueblo capaz de contrarrestar esta misma realidad con ingenio y gracia, dignidad
y el deseo de sobrevivir. Rogelio Orizondo, one of the most interesting young Cuban
authors, transposes Martí’s famous verses into a modern setting. In many brief acted scenes, performers and dancers create a kaleidoscope of absurd encounters. José
Martí’s idea of freedom clashes with tough reality, but also with the manifold voices of
a people able to counter this reality with wit and grace, dignity and the will to survive.
CARLOS DÍAZ Director General del Teatro El Público, es uno de los
nombres más celebrados y polémicos de la escena cubana. Su
teatro mezcla discursos y lenguajes contemporáneos en una dimensión multidisciplinaria. General Director of Teatro El Público,
he is one of the most celebrated and controversial names on the
Cuban scene. His theatre combines contemporary discourses and
languages within a multidisciplinary framework.
Autor: Rogelio Orizondo / Dramaturgia: Rogelio Orizondo y Carlos Díaz / Asesoría dramática: Norge Espinosa /
Compañía: Teatro El Público / Director: Carlos Díaz / Asistentes de dirección: Adolfo Mena Cejas y Osvaldo
Hernández / Elenco: Giselda Calero, Daysi Forcade, Luis Manuel Álvarez, Roberto Espinosa, Linnet Hernández /
Coreografía y movimiento escénico: Xenia Cruz, Sandra Ramy / Composición musical: Bárbara Llánes /
Diseño de iluminación: Oscar Bastanzuri / Diseño de escenografía: Robertiko Ramos / Diseño de vestuario:
Celia Ledón, Robertiko Ramos / Material audiovisual: Marcél Beltrán - Cortesía de la Embajada de Polonia en
La Habana / Producción: Jorge Luis Guerrero y Jorge Luis Ramírez / Duración: 80’
Esta obra contiene desnudos.
This production contains nudity.
Vie 25/9, 21:30 h + Q&A / Sáb 26/9, 21:30 h / Dom 27/9, 17 h
Fri 9/25, 9:30 PM + Q&A / Sat 9/26, 9:30 PM / Sun 9/27, 5 PM
Teatro 25 de Mayo
PH: © Lessy Montes de oca
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las internacionales | españa
Brickman Brando Bubble Boom
Brickman, Brando y el estallido de la burbuja
Un poblado de chabolas ardiendo. Funky a todo volumen. La crisis del sistema hipotecario. La Inglaterra victoriana. Nidos, madrigueras, cuevas y mansiones. Más de 150.000
desalojos en 2012. Un banquero sonriendo. Mucho video en directo. Paraísos tahitianos.
El derecho a la vivienda. El derecho al aire acondicionado. Y Marlon Brando haciendo
de John Brickman. Ni más ni menos. A shantytown on fire. Funky music playing loud.
The mortgage crisis. Victorian England. Nests, dens, caves and mansions. More than
150,000 foreclosures in 2012. A banker smiling. A lot of live video. Tahitian paradises.
The right to housing. The right to air conditioning. And Marlon Brando playing John
Brickman. No more, no less.
Agrupación Señor Serrano Fundada por Àlex Serrano en 2006, la
compañía crea espectáculos multimedia sobre aspectos discordantes de la experiencia humana de nuestros días. León de Plata 2015
de la Bienal de Venecia. Founded by Àlex Serrano in 2006, the company creates multimedia productions based on discordant aspects
of today’s human experience. Winner of the Silver Lion at the 2015 Venice Biennale.
Compañía, autoría y dirección: Agrupación Señor Serrano / Idea original: Àlex Serrano y Pau Palacios /
Creación y performance: Diego Anido, Àlex Serrano, Pau Palacios, Alberto Barberá / Dramaturgista: Ferran
Dordal / Creación y desarrollo tecnológico: Martí Sánchez-Fibla / Video-creación: Jordi Soler / Iluminación:
cube.bz / Movimiento: Diego Anido / Diseño de sonido y banda sonora: Roger Costa Vendrell y Diego Anido /
Arquitecto asesor: Pau Vidal / Maquetas: Nuria Manzano / Vestuario: Alexandra Laudo / Asesor del proyecto:
Víctor Molina / Management: Iva Horvat / Agente129 / Producción: Agrupación Señor Serrano, Festival TNT
(Terrassa Noves Tendències), Centre d’Arts Escèniques de Terrassa / Producción ejecutiva: Barbara Bloin /
Coproducción: Oficina de Suport a la Iniciativa Cultural - Departament de Cultura; Beca a la creación del
Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CoNCA); Ayuda a la Creación Dramatúrgica en residencia de
Iberescena; Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música; Institut Ramon Llull; Centre National des
Écritures du Spectacle La Chartreuse; Beca Odyssée del Ministerio de Cultura Francés / Duración: 60’
Mié 23/9, 21 h / Jue 24/9, 21 h + Q&A / Vie 25/9, 20 h
Wed 9/23, 9 PM / Thu 9/24, 9 PM + Q&A / Fri 9/25, 8 PM
Teatro San Martín, Sala Casacuberta
ph Agrupación Señor Serrano: © Nacho Gómez
PH Brickman Brando Bubble Boom : © Alfred Mauve
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international productions | chile
Castigo Punishment
Castigo es la puesta en escena de un episodio de infancia relatado por el sueco August
Strindberg en su novela autobiográfica El hijo de la sierva, escrita a fines del siglo XIX.
Se trata de un retrato arquetípico que pretende dar cuenta de los vicios y abusos enquistados en esta intangible institución moral llamada familia. Castigo brings to the stage a
story from the childhood of Swedish author August Strindberg, narrated in his autobiographical novel in the late 19th century. It is an archetypal portrait that aims to expose the
vices and abuses ingrained in this “intangible moral institution” called family.
Cristián Plana Es actor de formación, luego ingresó al Seminario
de Dirección Teatral del Centro de Investigación La Memoria. El trabajo de Plana se ha caracterizado por crear atmósferas asfixiantes.
Originally trained as an actor, he then attended the theatre directing
seminar at the Centro de Investigación La Memoria. A major characteristic of his work is the creation of suffocating atmospheres.
Dramaturgia y dirección: Cristián Plana, a partir de un texto de August Strindberg / Elenco: Rodrigo Soto,
Alexandra von Hummel, Daniela Ropert, Diego Salvo, Natalia Ríos / Música: Diego Noguera / Diseño de
escenografía: Fernando Quiroga, Sandro Compayante, Cristian Canales / Diseño integral: Belén Abarza /
Producción: Carla Casali / Coproducción: Teatro de la Memoria & Fundación Teatro a Mil / Duración: 60’
Jue 24/9, 20:30 h / Vie 25/9, 21:30 h + Q&A / Sáb 26/9, 20 h
Thu 9/24, 8:30 PM / Fri 9/25, 9:30 PM + Q&A / Sat 9/26, 8 PM
Teatro Regio
ph: © Fundación Teatro a Mil
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las internacionales | australia
Ganesh Versus The Third Reich
Ganesha versus el Tercer Reich
Comienza con el viaje de Ganesha, deidad con cabeza de elefante, a través de la Alemania
nazi para recuperar un antiguo símbolo hindú. Mientras este intrépido héroe se embarca
en este recorrido, se revela una segunda línea narrativa: los propios actores comienzan a
sentir el peso de la responsabilidad que tienen como narradores y cuestionan la ética de la
apropiación cultural. Liderada por un elenco único de actores con discapacidad, la compañía da voz a problemáticas sociales y políticas que apelan al público en general. It begins
with the elephant-headed god Ganesh traveling through Nazi Germany to reclaim an ancient Hindu symbol. As this hero embarks on his journey, a second narrative is revealed:
the actors themselves begin to feel the weighty responsibility of storytellers and question
the ethics of cultural appropriation. The company is led by a unique ensemble of actors
with a disability, giving voice to the social and political issues that speak to all people.
Bruce Gladwin Artista y creador australiano. Su trabajo en la compa-
ñía desde 1999 es reconocido por su innovación y excelencia. Se presenta en importantes instituciones y festivales de arte internacionales.
Australian artist and performance maker. His work with the company
since 1999 is recognized for innovation and excellence, touring to major
international arts festivals and institutions.
Coautores: Mark Deans, Marcia Ferguson, Bruce Gladwin, Nicki Holland, Simon Laherty, Sarah Mainwaring,
Scott Price, Kate Sulan, Brian Tilley, David Woods / Compañía: Back to Back Theatre / Director: Bruce
Gladwin / Elenco: Mark Deans, Simon Laherty, Scott Price, Brian Tilley y David Woods / Música: Jóhann
Jóhannsson / Diseño de iluminación: Andrew Livingston, Bluebottle / Diseño de sonido: Lachlan Carrick /
Operador de sonido: Marco Cher Gibard / Diseño y construcción de escenografía: Mark Cuthbertson /
Diseño de vestuario: Shio Otani / Jefa de escena: Alice Fleming / Coproducción: La primera temporada
contó con el apoyo de Keir Foundation, Melbourne Festival, Malthouse Theatre, National Theatre Studio
(Londres) y ANZ Trustees. / Duración: 100’ (sin intervalo)
Contiene temas para público adulto y lenguaje vulgar. Es una ficción y no pretende ser una representación exacta de un hecho histórico o de las escrituras sagradas. This production contains adult themes and course language. It is a work of fiction and does not purport to be an accurate representation of historical fact or scripture.
Vie 25/9, 21 h / Sáb 26/9, 20:30 h + Q&A / Dom 27/9, 16 h
Fri 9/25, 9 PM / Sat 9/26, 8:30 PM + Q&A / Sun 9/27, 4 PM
Teatro Coliseo
ph: © Jeff Busby
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international productions | francia
Gólgota Picnic
“Rodrigo García escudriña nuestro mundo y da de él una visión radical y perturbadora,
a veces chocante, siempre pertinente. La intensidad del texto abre el camino del arte
del retrato, íntimo, personal, marcado por el desasosiego. El director orquesta un mundo suspendido a su consumo donde el arte no es más que un adorno, y nos recuerda
las notas de Joseph Haydn como para abrir mañanas apaciguadas”. Jacky Ohayon
“Rodrigo García examines our world and gives a radical, disturbing view of it, at times
shocking, yet always relevant. The intensity of the text paves the way for the art of the
portrait – intimate, personal, marked by helplessness. The director orchestrates a world
dependent on consumerism, where art is nothing but an ornament, and reminds us of
the tunes of Joseph Haydn to begin the day peacefully.” Jacky Ohayon
Rodrigo García Reconocido autor, escenógrafo y director. Consolidó un lenguaje personal alejado del teatro tradicional. Su escritura
es una extensión de lo real cuya fuerza reside en su dimensión poética. He is a renowned playwright, set designer and director, who
has forged a personal language away from traditional theatre. His
writing is an extension of reality, with a powerful poetic dimension.
Autor y director: Rodrigo García / Compañía: hTh - CDN Montpellier / Elenco: Gonzalo Cunill, Núria Lloansi,
Juan Loriente, Juan Navarro, Jean-Benoît Ugeux / Música: Joseph Haydn / Pianista: Marino Formenti /
Diseño de iluminación: Carlos Marquerie / Creación sonora en videos: Daniel Romero / Diseño de escenografía: Rodrigo García / Diseño de vestuario: Belén Montoliu / Video creación: Rodrigo García / Asistente de dirección: John Romão / Espacio sonoro: Marc Romagosa / Asesor técnico: Roberto Cafaggini /
Producción: Centro Dramático Nacional - Madrid, Theatre Garonne - Toulouse / Producción ejecutiva: hTh
CDN Montpellier / Coproducción: Festival d’Automne à Paris / Duración: 130’
Esta obra es un proyecto realizado en el marco del programa TransArte del Institut Français, que favorece
la circulación y la promoción de propuestas artísticas nacidas de la hibridación de procesos y disciplinas.
Diseñado como un sello, este programa innovador fue creado en 2012 en Europa y América latina, y se
desarrolla desde entonces con numerosos socios a través del mundo.
Esta obra contiene desnudos y escenas que pueden afectar la sensibilidad del público.
This production contains nudity and scenes that the audience may find disturbing.
Vie 2/10, 19 h / Sáb 3/10, 19 h + Q&A / Dom 4/10, 18 h
Fri 10/2, 7 PM / Sat 10/3, 7 PM + Q&A / Sun 10/4, 6 PM
Teatro San Martín, Sala Casacuberta
ph Rodrigo García: © Marc Ginot
ph gólgota picnic: © Christian Berthelot
30
las internacionales | bélgica
Isabella’s Room La habitación de Isabella
Isabella’s Room guarda un secreto. Es el lugar de una mentira. Es el lugar de la mentira que domina la existencia de Isabella. Es la hija de un príncipe del desierto que
desapareció en una expedición. Así comienza la historia de vida de la ciega y anciana
Isabella. Pero pronto es evidente que una verdad terrible e indescriptible se esconde
debajo de la historia del príncipe del desierto. Isabella’s Room contains a secret. It
is the location of a lie. It is the location of the lie that dominates Isabella’s existence.
She is the daughter of a desert prince who disappeared on an expedition. This is how
the life story of the blind old Isabella begins. But it soon becomes clear that a terrible,
unutterable truth lies hidden beneath the story of the desert prince.
Jan Lauwers La formación de Lauwers como artista visual es fundamental para su manejo del medio escénico y lo lleva a desarrollar un
lenguaje teatral muy personal y vanguardista que se pregunta por el
teatro y su significado. Lauwers’ training as a visual artist is decisive
in his handling of the theatre medium and leads to a highly individual
and in many ways pioneering theatrical idiom that examines the theatre
and its meaning.
Autor, director y diseño de escenografía: Jan Lauwers / Compañía: Needcompany / Elenco: Viviane De
Muynck, Anneke Bonnema, Hans Petter Dahl, Julien Faure, Benoît Gob, Misha Downey (reemplaza a Ludde
Hagberg), Grace Ellen Barkey (reemplaza a Tijen Lawton), Yumiko Funaya (reemplaza a Louise Peterhoff),
Maarten Seghers, Jan Lauwers, Elke Janssens / Música y dirección musical: Hans Petter Dahl y Maarten
Seghers / Diseño de iluminación: Marjolein Demey y Jan Lauwers / Sonido: Marc Combas / Diseño de
vestuario: Lemm&Barkey / Producción: Needcompany / Coproducción: Festival d’Avignon, Théâtre de
la Ville (París), Théâtre Garonne (Toulouse), La Rose des Vents (Scène Nationale de Villeneuve d’Ascq),
Brooklyn Academy of Music (Nueva York), welt in basel theaterfestival. Con la colaboración del Kaaitheater
(Bruselas). Con el apoyo de autoridades de Flandes. / Duración: 120’ (sin intervalo)
Sáb 19/9, 20 h / Dom 20/9, 20 h
Sat 9/19, 8 PM / Sun 9/20, 8 PM
Anfiteatro del Parque Centenario
ph: © Maarten Vanden Abeele
32
international productions | francia
Kaddish Kadish
Una página tras otra, la ternura del poema de Allen Ginsberg escrito en 1959, bajo el
efecto de anfetaminas, impresiona nuestros sentidos. Canto de amor, cruel, irónico y
doloroso, donde la narración despiadada sobre el descenso a los infiernos de su madre
Naomi está atravesada por una poesía mística, KADDISH es una obra maestra del autor
de Howl, considerado uno de los fundadores de la Generación Beat. One page after
another, the tenderness of the poem of Allen Ginsberg wrote in 1959, on amphetamines,
impresses our senses. Cruel love song, ironic and painful, where the ruthless narration of the descent into hell of his mother Naomi is crossed with pure mystical poetry,
KADDISH is a masterpiece from the author of Howl, who is considered a founding member of the Beat Generation.
Arthur Nauzyciel Comenzó su carrera como actor y luego se
dedicó a la dirección teatral. Se convirtió en uno de los directores
franceses más importantes de las últimas décadas. Desde 2007, se
desempeña como director del Centre Dramatique National Orléans/
Loiret/Centre. He began his career as an actor and then turned
to stage directing. He became one of the most important French
directors of the last decades. Since 2007 he has been the director
of the Centre Dramatique National Orléans/Loiret/Centre.
Autor: Allen Ginsberg (fragmentos de Kaddish y Journal 1952-1962) / Compañía: Centre Dramatique
National Orléans/Loiret/Centre / Director e intérprete: Arthur Nauzyciel / Música: Étienne Daho (canto
y voz del diario de Allen Ginsberg) / Video: Valérie Mréjen / Diseño de iluminación y dirección técnica:
Jean-Marc Hennaut / Diseño de sonido: Xavier Jacquot y Florent Dalmas / Cocina: Régine Nauczyciel /
Producción: Centre Dramatique National Orléans/Loiret/Centre / Coproducción: Musée d’Art et d’Histoire
du Judaïsme / Duración: 80’
Lun 28/9, 20 h + Q&A
Mon 9/28, 8 PM + Q&A
Alianza Francesa
ph: © GERALDINE ARESTEANU
34
las internacionales | perú
La Cautiva The Captive
Perú, Ayacucho 1984, una sala de morgue. María Josefa despierta en un lugar que
nunca imaginó para comprender que será presa del horror. El capitán y su tropa la
van a violar. El técnico auxiliar es el responsable de prepararla para el festejo de sus
verdugos. En un acto de compasión, el joven se apiada de la cautiva transformando la
realidad en su fiesta de 15 años. A morgue room in Ayacucho, Peru, in 1984. María
Josefa wakes up in an unimagined place to realize that she will be a victim of horror.
The captain and his troop will rape her. The technical assistant is in charge of getting
her ready for the celebration of her executioners. Moved by compassion, the young man
takes pity on her and transforms reality into her fifteenth birthday party.
Chela de Ferrari Prestigiosa directora limeña, es fundadora y
directora artística del Teatro La Plaza, que desde 2003 ofrece una
programación que combina textos clásicos bajo una mirada contemporánea y nueva dramaturgia. A prestigious director from Lima, she
is the founder and artistic director of Teatro La Plaza, which since
2003 has been staging classic texts from a modern perspective as
well as new works.
Autor: Luis Alberto León / Compañía: Teatro La Plaza / Directora: Chela de Ferrari / Director asistente: Carlos
Galiano / Elenco: Nidia Bermejo (cautiva), Alain Salinas (auxiliar), Carlos Victoria (médico), Emilram Cossio (capitán), Jesús Tantaleán (soldado), Rodrigo Rodríguez (senderista) / Coreografía: Ana Correa / Investigación: Luis
Rodríguez Pastor / Producción sonora: José Balado / Charango: Martín Choy / Diseño de iluminación: Jesús
Reyes / Diseño de escenografía: Chela de Ferrari y Luis Alberto León / Diseño de vestuario: Chela de Ferrari y
Luis Alberto León / Producción general: Teatro La Plaza / Productora de gira: Mariana Soria / Duración: 105’
Esta obra contiene desnudos.
This production contains nudity.
Jue 1/10, 20 h + Q&A / Vie 2/10, 21 h / Sáb 3/10, 17 h
Thu 10/1, 8 PM + Q&A / Fri 10/2, 9 PM / Sat 10/3, 5 PM
Teatro Regio
ph la cautiva: © CARLOS GALIANO
36
international productions | sudáfrica
Macbeth
En esta recreación, un grupo de refugiados congoleses se topa con un baúl lleno de
partituras, vestuarios y discos de vinilo del Macbeth de Verdi. Esta parafernalia teatral
sirve de disparador para reinterpretar la historia de Shakespeare, donde los Macbeth
aparecen como líderes militares, las tres hermanas como empresarios estafadores y
Dunsinane como la región de los Grandes Lagos de África Central. In this recreation, a
group of Congolese refugees stumble upon a trunk filled with sheet music, costumes
and gramophone recordings of Verdi’s Macbeth. This theatrical paraphernalia becomes
the catalyst for a dramatic retelling of Shakespeare’s tale with the Macbeths as warlords, the three sisters as double-crossing businessmen and Dunsinane as the Great
Lakes region APLICACIÓN
of Central
Africa.
PARA TAPAS
Brett Bailey Es dramaturgo, diseñador, director teatral, curador
de festivales y director artístico de Third World Bunfight. Sus
trabajos se han presentado en Europa, Australia y África, y han
recibido varios premios. He is a playwright, designer, play director, festival curator and the artistic director of Third World
Bunfight. His works have been staged in Europe, Australia and
Africa, and won several awards.
Autores: Giuseppe Verdi, Brett Bailey, Fabrizio Cassol / Compañía: Third World Bunfight / Director, diseño
de vestuario y escenografía: Brett Bailey / Elenco: Macbeth: Owen Metsileng; Lady Macbeth: Nobulumko
APLICACIÓN PARA PÁGINAS DE AUTORIDADES / CARTELERÍA
Mngxekeza; Banquo:
Otto Maidi; Coro: Sandile Kamle, Jacqueline Manciya, Monde Masimini, Siphesihle
Mdena, Bulelani Madondile, Philisa Sibeko, Thomakazi Holland / Música: Fabrizio Cassol, a partir de la obra
de Verdi / Orquesta: Natalia Shishmonina (violín); Ángel Randazzo (violín), Gabriel Falconi (viola), Stanimir
Todorov (violoncello), Elián Ortiz Cárdenas (contrabajo), Fabio Mazzitelli (flauta y pícolo), Guillermo Astudillo (clarinete y clarinete bajo), Diego Armengol (fagot y contrafagot), Werner Menger (trompeta), Enrique
Schneebeli (trombón y trombón bajo) / Dirección musical y diseño de sonido: Premil Petrovic / Diseño
de iluminación: Felice Ross / Producción: Barbara Mathers - Third World Bunfight / Coproducción: Con
el apoyo del EU Culture Fund y el National Lottery Distribution Fund de Sudáfrica. Una coproducción de
APLICACIÓN VARIAS
Barbican, KFDA/KVS, Wiener Festwochen, Theaterformen Festival et La Ferme du Buisson. / Duración: 100’
Dom 4/10, 17 h + Q&A / Lun 5/10, 15 h
Sun 10/4, 5 PM + Q&A / Mon 10/5, 3 PM
Teatro Colón
ph: © Nicky Newman
38
las internacionales | holanda
Opening Night Noche de estreno
Opening Night muestra a una compañía de teatro durante los agitados días previos a
la noche de estreno de una nueva obra llamada The Second Wife. Tras ser testigo de
la muerte de una joven admiradora, Myrtle Gordon, la primera actriz de la compañía,
empieza a confundir la vida real con el teatro. No puede deshacerse de las imágenes
del accidente y su personaje empieza a vincularse con la muerte de Nancy. It portrays
a theatre company during the hectic run-up to the opening night of a new play entitled
The Second Wife. When she witnesses the death of a young fan, Myrtle Gordon, the
company’s leading actress, starts to confuse real life with theatre. She cannot rid herself
of the images of the accident and her role becomes associated with the death of Nancy.
Ivo van Hove Director de teatro nacido en Bélgica y aclamado internacionalmente. Desde 2001, es director general del Toneelgroep
Amsterdam, la compañía de teatro más grande de Holanda. He is
an internationally acclaimed Belgian theater director and general
director of Toneelgroep Amsterdam, the largest repertory theatre
company in the Netherlands since 2001.
Autor: John Cassavetes / Compañía: Toneelgroep Amsterdam / Director: Ivo van Hove / Elenco: Elsie
de Brauw, Jacob Derwig, Hélène Devos, Lien de Graeve, Hans Kesting, Chris Nietvelt, Alwin Pulinckx,
Oscar van Rompay, Bart Slegers, Eelco Smits, Lien Wildemeersch / Traducción: Sam Bogaerts y Gerardjan
Rijnders / Dramaturgia: Koen Tachelet / Diseño de iluminación y escenografía: Jan Versweyveld / Diseño
de sonido: Marc Meulemans / Diseño de video: Erik Lint / Diseño de vestuario: An d’Huys / Producción:
Toneelgroep Amsterdam / NTGent / Duración: 140’
Esta obra contiene desnudos.
This production contains nudity.
Vie 2/10, 20 h / Sáb 3/10, 20 h + Q&A / Dom 4/10, 15 h
Fri 10/2, 8 PM / Sat 10/3, 8 PM + Q&A / Sun 10/4, 3 PM
Teatro San Martín, Sala Martín Coronado
ph: © Jan Versweyveld
40
international productions | bélgica
The Blind Poet El poeta ciego
Es la última obra de Jan Lauwers, en estrecha colaboración con el compositor Maarten
Seghers, que se estrenó en el Kunstenfestivaldesarts en 2015 coproducida por FIBA.
Lauwers parte del árbol genealógico de los intérpretes y escribe una nueva historia
basada en la diversidad de nacionalidades, culturas e idiomas de estos. Retrocede mil
años para reflexionar sobre la noción de identidad en la Europa multicultural de la actualidad. It is the latest play by Jan Lauwers, in close cooperation with composer Maarten
Seghers, which premiered at the Kunstenfestivaldesarts in 2015 and was co-produced
by FIBA. Lauwers starts out from the performers’ family trees and is writing a new story
based on their various nationalities, cultures and languages. He goes back a thousand
years to ponder the notion of identity in today’s multicultural Europe.
Jan Lauwers La formación de Lauwers como artista visual es fundamental para su manejo del medio escénico y lo lleva a desarrollar
un lenguaje teatral muy personal y vanguardista que se pregunta
por el teatro y su significado. Lauwers’ training as a visual artist
is decisive in his handling of the theatre medium and leads to a
highly individual and in many ways pioneering theatrical idiom that
examines the theatre and its meaning.
Autor: Jan Lauwers / Compañía: Needcompany / Director y diseño de escenografía: Jan Lauwers /
Elenco: Grace Ellen Barkey, Jules Beckman, Anna Sophie Bonnema, Hans Petter Melø Dahl, Benoît Gob,
Maarten Seghers, Mohamed Toukabri, Elke Janssens, Jan Lauwers / Música y dirección musical: Maarten
Seghers / Diseño de iluminación: Marjolein Demey y Jan Lauwers / Diseño de sonido: Ditten Lerooij /
Diseño de vestuario: Lot Lemm (Vestuario: Mohamed de Bachir bin Ahmed bin Rhaïem El Toukabri) /
Producción: Needcompany / Coproducción: Kunstenfestivaldesarts, Kunstfestspiele Herrenhausen, FIBA,
Künstlerhaus Mousonturm. Con el apoyo de las autoridades de Flandes. / Duración: 140’ (con intervalo)
Jue 24/9, 20 h / Vie 25/9, 19 h + Q&A / Sáb 26/9, 18 h
Thu 9/24, 8 PM / Fri 9/25, 7 PM + Q&A / Sat 9/26, 6 PM
Teatro San Martín, Sala Martín Coronado
ph: © Maarten Vanden Abeele
42
las internacionales | Alemania
The Past El pasado
de Constanza Macras | DorkyPark y Oscar Bianchi
The Past explora el arte de la memoria o ars memoriae, en el cual los recuerdos están
fuertemente asociados con lugares físicos. La obra investiga los espacios arquitectónicos
como instrumentos narrativos de nuestra historia: en su reescritura, para superar las heridas del pasado y para comprender los acontecimientos actuales como parte de un ciclo
constante que vivimos como el paso del tiempo. The Past explores the art of memory,
or ars memoriae, in which memories are strongly associated with physical locations.
The piece examines architectonic places as narrative instruments of our history – in the
rewriting of history, for overcoming the wounds of the past, and for understanding contemporary events as part of a constant cycle that we experience as the passing of time.
Constanza Macras Nació en Buenos Aires. Es coreógrafa y desde 1995 vive y trabaja en Berlín, donde tiene base su prestigiosa
compañía internacional, Constanza Macras | DorkyPark. She is a
Buenos Aires-born choreographer who, since 1995, has been living
and working in Berlin, where her internationally acclaimed company Constanza Macras | DorkyPark is based.
Autores: Constanza Macras | DorkyPark y Oscar Bianchi / Compañía: Constanza Macras | DorkyPark /
Directora: Constanza Macras / Elenco: Louis Becker, Emil Bordás, Fernanda Farah, Susanne Fröhlich,
Luc Guiol, Nile Koetting, Johanna Lemke, Ana Mondini, Yuka Ohta, Felix Saalmann, Miki Shoji / Música
y dirección musical: Oscar Bianchi / Diseño de iluminación: Sérgio Pessanha / Diseño de sonido: Manuel Horstmann / Diseño de escenografía: Laura Gamberg y Chika Takabayashi / Diseño de vestuario:
Alison Saunders / Producción: Constanza Macras | DorkyPark y Hellerau - European Center for the Arts /
Coproducción: Schaubühne Berlin. Financiada en el marco del Doppelpass-Program of Kulturstiftung des
Bundes. Financiada por el Swiss Arts Council Pro Helvetia. / Duración: 100’
Vie 18/9, 20:30 h + Q&A / Sáb 19/9, 21 h
Fri 9/18, 8:30 PM + Q&A / Sat 9/19, 9 PM
Teatro San Martín, Sala Martín Coronado
ph Constanza Macras: © Bettina Stöss
ph the past: © Thomas Aurin
44
international productions | españa
W.W. (We Women) Nosotras, mujeres
Muy interesada en la mezcla de lenguajes, Sol Picó cuestiona la condición de la mujer,
enriqueciendo su mirada con la de mujeres artistas de otras culturas. Partiendo de
las disciplinas que practican sus colaboradoras y de sus orígenes diversos, ofrece un
retrato de la mujer contemporánea. Estilos, técnicas y lenguajes varios para plantear los
mismos interrogantes y buscar las mismas respuestas. Very interested in the mixture
of languages, Sol Picó questions the status of women, incorporating the vision of female
artists from other cultures to enrich her own. She delivers a portrait of the contemporary
woman based on the disciplines practiced by her collaborators and their diverse origins.
A variety of styles, techniques and languages to pose the same questions and look for
the same answers.
Sol Picó Coreógrafa y bailarina afincada en Barcelona, es conocedora de danza clásica, española y contemporánea, tres disciplinas
que se advierten en su trabajo, enmarcado en la expresión más
contemporánea de la danza. A Barcelona-based choreographer
and dancer with expertise in classical, Spanish and contemporary
dance; influences of the three disciplines are evident in her work,
rooted in the most contemporary expression of dance.
Dirección: Sol Picó / Dramaturgia: Roberto Fratini / Compañía: Sol Picó cía. de danza / Composición e
interpretación coreográfica: Julie Dossavi, Minako Seki, Shantala Shivalingappa, Sol Picó / Composición
e interpretación musical: Adele Madau, Lina León, Marta Robles / Asistencia de dirección: Verónica Cendoya / Escenografía y coordinación técnica: Joan Manrique / Diseño de iluminación: Sylvia Kuchinow /
Diseño de sonido y concepción sonora: Stéphane Carteaux / Diseño de vestuario: Sol Picó / Producción:
Pia Mazuela y Núria Aguiló / Coproducción: Grec 2015 Festival de Barcelona, 10 FIBA, Sol Picó cía. de
danza. Con la colaboración de Institut Ramon Llull, L’Animal a l’Esquena, Festival Sismògraf y Teatre Atrium
de Viladecans / Fotografía: David Ruano, Erin Bassa Photographer, Carmen Escudero / Video: Mayo Films
/ Distribución: Agente 129 / Duración: 75’
Vie 18/9, 20:30 h / Sáb 19/9, 20:30 h + Q&A / Dom 20/9, 17 h
Fri 9/18, 8:30 PM / Sat 9/19, 8:30 PM + Q&A / Sun 9/20, 5 PM
Teatro 25 de Mayo
ph sol picó: © JordiTorrell
ph w.w. (we women): © Erin Bassa
las nacionales | seleccionadas
national productions | selected
50
national productions | selected
With every edition of FIBA, the amount of works submitted in response to the call for national productions increases. This year,
submissions reached a record number of 460, a much higher figure
compared to the past. As a result, the works selected cover a wide
range of trends, languages, aesthetics and generations. Text-based,
puppet and object theatre, circus, clown, collective creations, dance,
dance-theatre, dramatized concerts, music theatre, installations, performances, projects from young to established artists form a mosaic
that reflects the variety and vitality of the local scene. It is not easy
to select sixteen works out of nearly five hundred, but programming
a festival always involves some sort of shortlisting, until the next edition when opportunities arise again. We believe that the pieces selected paint a diverse and highly attractive picture of our theatre. The
originality, the venture off the usual paths, the risk, the creativity, the
emotion and the treatment of poignant and thought-provoking topics
are all present in this selection, inevitably involving the subjectivity of
those who curated it, for the enjoyment of everyone.
51
las nacionales | seleccionadas
En cada edición del FIBA la cantidad de obras presentadas a la
convocatoria nacional aumenta. Este año hubo una presentación
récord: 460 espectáculos, cifra que supera con creces a las de las
ediciones anteriores. El abanico de propuestas resultó muy amplio
en cuanto a tendencias, lenguajes, estéticas y generaciones. Teatro
de texto, de títeres y objetos, circo, clown, creaciones colectivas,
danza, danza-teatro, recitales teatralizados, teatro musical, instalaciones, performances, propuestas de artistas jóvenes, de generaciones intermedias y de consagrados conformaron una trama diversa,
reflejo de la vitalidad de la escena local. No es una tarea sencilla
seleccionar dieciséis obras de casi quinientas; pero todo festival implica un recorte hasta la próxima edición en que las oportunidades
se renuevan. Creemos que las elegidas representan un panorama
heterogéneo y muy atractivo. La originalidad, la búsqueda por fuera
de los caminos ya transitados, el riesgo, la creatividad, la emoción y
el abordaje de temas que conmueven y que promueven la reflexión
están presentes en esta selección, inevitablemente subjetiva por
parte de quienes ejercimos la curaduría, para el disfrute de todos.
Alejandro Ullúa, Andrea Servera,
Carolina Prieto y Darío Lopérfido
52
las nacionales | seleccionadas
Algo que no era Not What It Had to Be
Tres amigos vacacionan en la costa atlántica, uno de ellos asegura ver dentro de la heladera a
sus antepasados rusos invitándolo a participar de la revolución de 1917. Sus compañeros de
viaje se ven obligados a tomar posición cuando comprueban que lo que creían consecuencia
de un brote psicótico o de una ingesta de drogas, es una situación extraordinaria de la que se
han erigido como protagonistas. Three friends go on holidays to the Atlantic seaside. One of
them claims seeing his Russian ancestors in the fridge, who have invited him to participate in
the revolution of 1917. His trip mates are forced to take action when they confirm that what
they believed was a consequence of a psychotic break or drug taking is actually an extraordinary situation that has put them in the spotlight.
Pablo Elías Quiroga Buenos Aires, 1981. Dramaturgo egresado de la
EMAD, trabajó como actor, director, asistente de dirección y productor
en diferentes proyectos teatrales. Born in Buenos Aires in 1981, he is
a playwriting graduate of EMAD and has worked as an actor, director,
assistant director and producer in several theatre projects.
Autor: Pablo Elías Quiroga / Compañía: Algo que no era / Director: Pablo Elías Quiroga / Elenco: Sol
Rodríguez Seoane, María Zambelli, Diego López, Juan Pablo Galimberti, Leonardo Odierna / Música: Juan
Carzoglio / Asistencia de dirección: Nery Mucci / Diseño de iluminación: Claudio del Bianco / Diseño de
sonido: Juan Carzoglio / Diseño de escenografía: Marina Apolino / Diseño de vestuario: Daira Gentile /
Producción: Vicky Carzoglio / Duración: 75’
Jue 1/10, 17 h / Vie 2/10, 16 h
Thu 10/1, 5 PM / Fri 10/2, 4 PM
La Carpintería Teatro
PH ALGO QUE NO ERA: © Pigu GÓmez
54
national productions | selected
Cactus Orquídea Orchid Cactus
Un hombre pierde a su mujer pero en vez de extrañarla su vida se silencia. A través de su
empleado conoce a una mujer, quien le regala una semilla que al plantarla hace volver a la
persona que perdió. Cinco historias entrelazadas donde lo cotidiano se encuentra con lo mágico. Es la tercera obra de El Ensamble Orgánico, grupo de investigación y creación formado
por estudiantes de actuación de la EMAD. A man loses his wife, but instead of missing her,
his life goes silent. He meets a woman through his employee, who gives him a seed that
when planted brings the person he lost back to life. Five interwoven stories where daily life
meets magic. This is the third production by El Ensamble Orgánico, a company of EMAD
acting students dedicated to research and creation in theatre.
Cecilia Meijide Es actriz egresada de la EMAD. Trabajó en Exhibición y
desfile y Estado de ira, ambas de Ciro Zorzoli. Es coautora y actriz de Anís.
Cactus orquídea es su primer trabajo como dramaturga y directora. She
graduated as an actress from the EMAD. She appeared in Ciro Zorzoli’s
Exhibición y desfile and Estado de ira. She is co-author and cast member
of Anís. Cactus orquídea is her first credit as a playwright and director.
Autora: Cecilia Meijide / Compañía: El Ensamble Orgánico / Directora: Cecilia Meijide / Elenco: Ignacio
Bozzolo, Laila Duschatzky, María Estanciero, Gastón Filgueira Oria, Lucas Avigliano / Asistencia de dirección: Jimena Ducci / Música original: Guilermina Etkin / Diseño de iluminación: Santiago Badillo /
Diseño De Escenografía: Javier Drolas y Soledad Ruiz Calderón / Diseño de objetos: Mariana Meijide /
Diseño de vestuario: La Polilla (Gustavo Alderete y Natalia González) / Producción: El Ensamble Orgánico /
Duración: 75’
Lun 28/9, 14 h / Jue 1/10, 22 h
Mon 9/28, 2 PM / Thu 10/1, 10 PM
Teatro Anfitrión
ph cactus orquídea: © Francisco Iurcovich
56
las nacionales | seleccionadas
Cinthia interminable Endless Cinthia
Cinthia interminable confiesa los sueños violentos y recurrentes de los integrantes de la
familia Haber. Sueños que revelan ciertos episodios que han marcado a cada personaje para
siempre. La familia Haber no existe, es un espejismo. Sin embargo, la mitología que los
funda es una mitología universal y eterna. Fue ganadora dentro de la categoría Proyecto a
Desarrollar en la Bienal de Arte Joven 2013. Cinthia interminable confesses the recurring
violent dreams of the Haber family members. These dreams reveal certain episodes that have
marked the life of each character. The Haber family does not exist; it is a mirage. However, the
mythology of their origin is a universal and eternal one. Award winner at the Bienal de Arte
Joven 2013 in the Projects for Development category.
Jazmín Titiunik Es bailarina, docente y coreógrafa. Se forma en el
I.S.A. Teatro Colón y en la UNA. She is a dancer, teacher and choreographer. She has studied at I.S.A. Teatro Colón and at UNA.
Juan Coulasso Es docente y director de teatro. Este año inauguró
Roseti, su espacio de investigación. He is an acting teacher and theatre
director. Early this year, he opened Roseti, a space for research.
Creación colectiva: Eric Mandarina, Germán Botvinik, Gulliver Markert, Jazmín Titiunik, Juan Coulasso,
Juan Fernández Gebauer, Marysol Benítez / Compañía: Cinthia Interminable / Idea original: Eric Mandarina
/ Dirección general: Juan Coulasso y Jazmín Titiunik / Elenco: Eric Mandarina, Germán Botvinik, Juan
Fernández Gebauer, Marysol Benítez / Música: “Nocturno en Mi Bemol Mayor Op. 9 Nº 2”, de Frédéric
Chopin; “In the beginning”, Statler Brothers; “Libiamo Ne’lieti Calici” (fragmento de La Traviata), de Giuseppe Verdi; “Deep Water”, de Portishead; “Mr. Sandman”, de The Chordettes / Diseño de iluminación:
Mariano Arrigoni / Diseño de sonido: Ignacio Sepúlveda / Diseño de escenografía: Ezequiel Galeano /
Diseño de vestuario: Ezequiel Galeano / Producción: Juan Coulasso y Jazmín Titiunik / Coproducción:
Bienal de Arte Joven Buenos Aires 2013-2014 / Duración: 50’
Mié 30/9, 16 h / Sáb 3/10, 19 h
Wed 9/30, 4 PM / Sat 10/3, 7 PM
Teatro Beckett
ph Jazmín Titiunik y Juan Coulasso: © Nicolás Colledani
ph cinthia interminable: © Akira Patiño
58
national productions | selected
EL ORIGEN, siete vidas THE ORIGIN, Seven Lives
¿Qué representa ganar? Siete habitantes de un pueblo se juntan para prepararse para un
concurso de poesía. Las fantasías que despierta la posibilidad de ganar y cambiar sus vidas
mueven a estos personajes de manera descabellada en el intento por modificar sus destinos.
Posicionarse y estar sujeto al poder político, religioso o económico son otros temas que,
con ironía, atraviesan esta pieza. What does winning imply? Seven villagers get together to
prepare for a poetry contest. The fantasies inspired by the possibility of winning and changing
their lives drive these characters into absurd situations in the attempt to change their fate.
Themes like taking a stance and being subject to a political, religious or economic power are
also treated, with irony, in this piece.
Silvia Gómez Giusto Bailarina, coreógrafa y actriz. Estudia dramaturgia con Javier Daulte, Mariana Chaud y Agustina Gatto. Es curadora de
Ciudanza y creadora del Festival Vicente López y del ciclo de lecturas
Álbum - Retratos Leídos. A dancer, choreographer and actress, Silvia
has studied playwriting with Javier Daulte, Mariana Chaud and Agustina
Gatto. She is Ciudanza curator and the creator of Festival Vicente López
and the Álbum - Retratos Leídos reading series.
Autora y directora: Silvia Gómez Giusto / Elenco: Vanesa Weinberg, Agustín Daulte, Vivi Vázquez, Lisette
García Grau, Rafael Solano, Diego Brizuela, Lucía Villanueva / Música: Selección musical del elenco que
incluye a Cristhian Basso, Geoffrey Burgon, Max Capote, Agapornis / Diseño de iluminación: Leo D’Aiuto /
Diseño de escenografía: Gustavo Coll / Diseño de vestuario: Jam Monti / Duración: 75’
Lun 28/9, 16:30 h / Jue 1/10, 19 h
Mon 9/28, 4:30 PM / Thu 10/1, 7 PM
Espacio Callejón
ph Silvia Gómez Giusto: © Magdalena Diehl
ph EL ORIGEN, siete vidas: © PABLO TESORIERE
60
las nacionales | seleccionadas
LA CÉLULA - Acto incompleto y orquestado
THE CELL - An Incomplete and Orchestrated Act
En un pueblo de la provincia de Buenos Aires, activistas aficionados planean una revolución.
El plan se ejecuta desde un boquete clandestino y Radio Chiviboikot que interrumpe la frecuencia con proclamas. Pero, a horas de concretar el operativo, la convicción ideológica se
convierte en un laberinto de pasiones cruzadas; el amor y la política se mezclan y una acción
imprevisible arrebata el final. In a small town of the Buenos Aires province, amateur activists
are planning a revolution. The plan is executed from a secret bunker and Radio Chiviboikot,
which interrupts broadcasts to spread revolutionary messages. A few hours before insurrection, however, their ideological convictions are caught in a web of conflicting passions; love
and politics become entangled, and an unpredictable action snatches the end away.
Arco Voltaico Teatro Quienes escriben, dirigen y actúan La célula…
son licenciados en Actuación, egresados de la carrera de Arte Dramático y formados en distintas instituciones en danza, títeres y música. The
writers, directors and performers of La célula… hold a college degree in
Acting, are graduates of the Dramatic Arts program, and have received
formal training in dance, puppeteering and music.
Autoría: Arco Voltaico Teatro / Compañía: Arco Voltaico Teatro / Dirección: Arco Voltaico Teatro / Elenco:
Antonella Ipeckchian, Claudio Tornese, Florencia Marsal, Paulina Lita, Lucas Ablanedo, Lucrecia Sacchelli /
Música: Arco Voltaico Teatro / Dirección musical: Claudio Tornese / Diseño de iluminación: Juliana Benedictis / Diseño de sonido: Arco Voltaico Teatro / Diseño de escenografía: Arco Voltaico Teatro y Estanislao
Ortiz / Diseño de vestuario: Arco Voltaico Teatro / Producción: Javier Torres Dowdall / Duración: 60’
Jue 1/10, 20 h / Sáb 3/10, 20 h
Thu 10/1, 8 PM / Sat 10/3, 8 PM
ElKafta Espacio Teatral
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national productions | selected
La máquina idiota The Idiot Machine
Buenos Aires. Cementerio de la Chacarita. Contiguo al Panteón Oficial de la Asociación Argentina de Actores, ha crecido una mutual de figuras menores del espectáculo. Allí un orden
repetido, recurrente, los enfila. Proliferan los reclamos y una melancolía plagada de recuerdos
sospechosos, de amores crispados los invade. El destino llama a escena una vez más: el sindicato convoca a los festejos de octubre. Buenos Aires. Chacarita Cemetery. Next to the Official Pantheon of the Argentine Association of Actors a mutual society for minor figures of show
business has grown. Its members follow a repetitive, recurrent order. Claims proliferate and a
melancholy plagued with suspicious memories and strained love affairs invades them. Destiny
is calling them to the stage once again: the union is preparing for the October celebrations.
Ricardo Bartís Fundó y dirige desde 1986 el Sportivo Teatral, estudio
de entrenamiento actoral y usina de creación y reflexión sobre la actividad. Recibió numerosos premios en los más importantes festivales del
mundo. He is the founder and director since 1986 of Sportivo Teatral,
an acting training studio and a hub for theatre creation and discussion.
He has received several awards at major festivals around the world.
Autor: Ricardo Bartís / Compañía: Sportivo Teatral / Director: Ricardo Bartís / Elenco: Fabián Carrasco,
Facundo Cardosi, Flor Dyszel, Gustavo Sacconi, Hernán Melazzi, Dana Basso, Luciana Lamoglia, Mariano
González, Matías Scarvaci, Martín Kahan, Nicolás Goldschmidt, Lucía Rosso, Pablo Navarro, Rosario Alfaro,
Darío Levy, Sebastián Mogordoy, Sol Titiunik / Asistencia de dirección: Clara Seckel, Francisco Alerino,
Mariano Saba / Dirección musical: Manuel Llosa / Diseño de iluminación: Ricardo Bartís / Diseño de
sonido: Fabricio Rotella / Diseño de escenografía: Ricardo Bartís / Realización de escenografía: Paola
Delgado / Vestuario: Paola Delgado / Producción: Sportivo Teatral / Producción en gira internacional:
Lorena Regueiro / Duración: 80’
Vie 2/10, 18 h / Dom 4/10, 20 h
Fri 10/2, 6 PM / Sun 10/4, 8 PM
Sportivo Teatral
ph: © nora lezano
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las nacionales | seleccionadas
Las mutaciones Mutations
Alguien dijo que el amor es un lugar por donde pasamos. ¿Lo es? Esta obra muestra las
veces que nos encontramos y otros momentos en los que no pudimos. Volver a mirar como
para saber qué hicimos mal y preguntar “dónde me equivoqué”. Y si volviera a mirar, ¿acaso
entendería qué pasó? Y por favor: no vayan a preguntar por qué miro hacia atrás (como al
azar) ni por qué vuelvo a pasar por ahí. Someone said that love is a place we go through. Is
it? This play shows the times we found each other and other times when we couldn’t. Looking
back again to know what we did wrong and asking ourselves “where did I make a mistake?”
And if I looked back again, would I be able to understand what happened? And please, don’t
go asking why I look back (randomly) or why I revisit that place.
Lorena Ballestrero Es directora teatral, actriz y docente. Dirige
Nada más, dentro del Ciclo Teatro Bombón 6. Dirigió Se fue con su
padre, de Luis Cano, en el Teatro San Martín (2012-2013). A theatre
director, actress and teacher, Lorena currently directs Nada más, in the
6 th Teatro Bombón Series, and formerly directed Luis Cano’s Se fue con
su padre at Teatro San Martín (2012-13).
Autora: Valeria Correa / Compañía: Las Mutaciones / Directora: Lorena Ballestrero / Elenco: Lorena Vega y
Leonardo Murúa / Música: Pablo Bronzini / Diseño de iluminación: Ricardo Sica / Diseño de escenografía
y vestuario: Rodrigo González Garillo / Coreografía: Verónica Litvak / Duración: 50’
Mié 30/9, 18 h / Jue 1/10, 21 h
Wed 9/30, 6 PM / Thu 10/1, 9 PM
Teatro del Abasto
ph: © Antú Martín
66
national productions | selected
lejos Far Away
La actriz busca en su memoria los cuerpos de representaciones biográficas-ficcionales del
pasado. A través de un recorrido físico extremo desde la respiración, los cuerpos del pasado
aparecen y se actualizan como presente. Lejos se pregunta cómo habitar un espacio vacío y
desterrar físicamente cierta memoria en un intento por transformar los mecanismos de la representación y buscar un pequeño gesto de autonomía. The actress is searching in her memory for the bodies of biographical-fictional representations of the past. Through an extreme
physical journey that begins with breathing, the bodies of the past appear and update to the
present. Lejos explores how to inhabit an empty space and rid the body of certain memory, in
an attempt to transform the mechanisms of representation and experience some autonomy.
Marina Sarmiento Licenciada en trabajo social, coreógrafa, bailarina-performer, docente y productora independiente. En sus obras y
ensayos aparece el cruce entre lo visual, la danza, el teatro y la performance. She is a graduate social worker, choreographer, dancer-performer, teacher and independent producer. Her works and experiments
combine visual arts, dance, theatre and performance.
Autores: Marina Sarmiento, Florencia Bergallo, Ezequiel Abregú / Compañía: Lejos / Directora: Marina
Sarmiento / Elenco: Florencia Bergallo / Música: Ezequiel Abregú / Dirección musical: Ezequiel Abregú /
Diseño de iluminación: Brenda Bianco / Diseño de sonido: Ezequiel Abregú / Diseño de escenografía:
Lucio Maselli, Julieta Potenze, Marina Sarmiento / Diseño de vestuario: Belén Parra / Producción: Lejos /
Coproducción: Beca Fondo Nacional de las Artes - Fondo Metropolitano - Uocra Cultura / Duración: 55’
Jue 1/10, 16 h / Vie 2/10, 21 h
Thu 10/1, 4 PM / Fri 10/2, 9 PM
Teatro Beckett
ph lejos: © mariana Roveda
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las nacionales | seleccionadas
Mi hijo sólo camina un poco más lento
My Son Only Walks a Little Slower
Branco padece una enfermedad en la que día a día va perdiendo movilidad. ¿Qué puede
hacer él? ¿Qué pueden hacer los que lo rodean? En medio de esta realidad aparecen grietas
por donde respirar otro aire. Branco has a medical condition that is reducing his mobility
by the day. What can he do? What can people around him do? Cracks in this reality begin to
show, from where it is possible to breathe a different air.
Guillermo Cacace Montó obras de autores como Discépolo, Liddell,
Huertas, Eurípides, Shakespeare y Molière. Obtuvo numerosos premios:
Trinidad Guevara, María Guerrero, Florencio Sánchez y Teatro del Mundo. Enseña en UNA, EMAD y Apacheta. He has staged plays by such
authors as Discépolo, Liddell, Huertas, Euripides, Shakespeare and Molière. He has received several awards: Trinidad Guevara, María Guerrero,
Florencio Sánchez and Teatro del Mundo. He currently teaches at UNA, EMAD and Apacheta.
Autor: Ivor Martinić / Traducción: Nikolina Zidek / Compañía: CITA / Director: Guillermo Cacace / Elenco:
Aldo Alessandrini, Antonio Bax, Luis Blanco, Elsa Bloise, Paula Fernández Mbarak, Pilar Boyle, Clarisa
Korovsky, Romina Padoan, Juan Andrés Romanazzi, Gonzalo San Millán, Juan Tupac Soler / Música: Francisco Casares / Dirección musical: Francisco Casares / Diseño de iluminación: David Seldes / Diseño de
sonido: Francisco Casares / Diseño de escenografía y de vestuario: Alberto Albelda / Producción: Carolina Alfonso / Coproducción: Colectivo de Creación Apacheta / Festival Europa+América / Duración: 75’
Sáb 3/10, 11:30 h / Dom 4/10, 11:30 h
Sat 10/3, 11:30 AM / Sun 10/4, 11:30 AM
Apacheta Sala / Estudio
70
national productions | selected
Moralamoralinmoral
Moralamoralinmoral propone un ensayo de prueba y error en la búsqueda de respuestas a
inquietudes sobre la moral y las formas contemporáneas de composición escénica. La obra
se construye hasta llegar a la inevitable destrucción de sus escenas en el intento de vaciar y
resignificar la moral. Entre globos y guirnaldas empieza, termina y aún no sabemos si asistimos a una fiesta o a un funeral. Moralamoralinmoral is a trial and error exercise seeking
answers to questions about moral and contemporary forms of stage composition. The play
builds up to the point where its scenes are inevitably destroyed in the attempt to empty them
of meaning and resignify their moral. It begins and ends with balloons and garlands, but we
are yet to know if we are attending a party or a funeral.
Agustina Fitzsimons, Brenda Carlini, Marta Salinas, Milva
Leonardi Estudiaron Composición Coreográfica en la UNA. Se formaron en danza, teatro y música. Actualmente se desarrollan como
intérpretes, productoras y codirectoras en diversos proyectos. They
have studied Choreography at UNA and trained in dance, theatre
and music. They currently serve as performers, producers and codirectors in diverse projects.
Autoría, dirección y elenco: Agustina Fitzsimons, Brenda Carlini, Marta Salinas, Milva Leonardi / Diseño
de iluminación: Matías Sendón / Asistencia de iluminación: Sebastián Francia / Diseño de escenografía
y de vestuario: Mariana Tirantte / Asistencia técnica: Camila Fabbri / Diseño gráfico: Pablo Viacava /
Prensa: Luciana Zylberberg / Duración: 50’
Mié 30/9, 22 h / Jue 1/10, 18 h
Wed 9/30, 10 PM / Thu 10/1, 6 PM
ElKafka Espacio Teatral
ph Agustina Fitzsimons, Brenda Carlini,
Marta Salinas y Milva Leonardi: © Pablo Viacava
ph Moralamoralinmoral: © Nicolás Colledani
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las nacionales | seleccionadas
Qué azul que es ese mar That Sea Is Really Blue
Qué azul que es ese mar es una ficción que tiene la referencia de una realidad, ya que
involucra a Crucero, un cortometraje que contiene imágenes de archivo de una pareja que
registra sus viajes desde los 60 hasta los 90. ¿Cómo trasladar a escena la esencia de un
video hogareño? ¿Cómo adaptar a un material dramático-corporal el paso del tiempo en
los cuerpos? Qué azul que es ese mar is a fiction based on a reality: Crucero, a short film
featuring a couple’s footage of their travels between 1960 and 1990. How can we transpose
the essence of the homemade video onto the stage? How can we reflect the effects of the
passing of time on the body in a dramatic-physical performance?
Eleonora Comelli Licenciada en Composición Coreográfica (Universidad Nacional de las Artes). Sus obras Domingo, Linaje y Qué azul que
es ese mar han recibido distinciones y han participado de varios festivales nacionales e internacionales. She holds a degree in Choreography
(Universidad Nacional de las Artes). Her productions Domingo, Linaje
and Qué azul que es ese mar have won awards and participated at
several national and international festivals.
Autora y directora: Eleonora Comelli / Compañía: Eleonora Comelli / Elenco: Stella Maris Isoldi, Roberto
Dimitrievitch, Laura Figueiras, Matías Etcheverry / Creación coreográfica: Stella Maris Isoldi, Roberto Dimitrievitch, Laura Figueiras, Matías Etcheverry, Eleonora Comelli / Asistencia en escena: Eleonora Capua
y Manuel Pallero / Música original: Ulises Conti / Diseño de iluminación: Ricardo Sica / Diseño de banda
sonora: Ulises Conti, Pablo Pintor, Eleonora Comelli / Diseño de escenografía y vestuario: Paula Molina /
Producción general: Eleonora Comelli / Diseño gráfico y fotos: Oscar Pintor / Realización audiovisual y
colaboración creativa: Pablo Pintor / Coproducción: Teatro del Abasto / Duración: 60’
Lun 28/9, 18 h / Sáb 3/10, 21 h
Mon 9/28, 6 PM / Sat 10/3, 9 PM
Teatro del Abasto
ph Qué azul que es ese mar: © Sebastián Acevedo
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national productions | selected
Seré tu madre tranquila I’ll Be Your Quiet Mother
Seré tu madre tranquila es una promesa imposible imaginada desde el lugar del hijo. Un ensayo sobre el mundo que rodea a la madre. Las amigas de la infancia, la abuela, la mucama.
Es un espectáculo de lo pequeño. Un recital que toma como punto de partida lo cotidiano.
El recuerdo. Cantar cuando se sufre, recordar en brazos de otro. Seré tu madre tranquila is
an impossible promise imagined from the perspective of the son. An essay about the world
surrounding the mother. The childhood friends, the grandmother, the maid. It is a show about
small things. A performance inspired by everyday life. Memories. Singing when in pain, remembering in the arms of someone else.
Ariel Gurevich Escribe poesía, teatro y desarrolla guiones para distintos realizadores. Seré tu madre tranquila es su ópera prima como
dramaturgo y director. He writes poetry, plays and screenplays for different filmmakers. Seré tu madre tranquila is his debut as a playwright
and director.
Autor y director: Ariel Gurevich / Elenco: Juan Gabriel Miño y Fernanda Pérez Bodria / Diseño de iluminación: Elías Díaz / Diseño de sonido: Franco Calluso / Diseño de escenografía: Adrián Suárez / Realización
de escenografía: Amelio Cardozo Gill y Adrián Suárez / Asistencia de escenografía: Juli Baglietto / Coreografías: Luis Sodá / Diseño de vestuario: Jam Monti / Fotografía: Gerardo Azar / Prensa: Carolina Alfonso /
Asistente de dirección: Valentina Rata Zelaya / Producción: Centro Cultural Rector Ricardo Rojas - UBA /
Obra seleccionada en el Ciclo Óperas Primas, VIII Edición / Duración: 60’
Jue 1/10, 21 h / Vie 2/10, 17 h
Thu 10/1, 9 PM / Fri 10/2, 5 PM
CC Rojas
ph Seré tu madre tranquila: © Elías Díaz
ph Ariel Gurevich: © Gerardo Azar
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las nacionales | seleccionadas
Surmenage
Un recorrido teatral y musical que propone un viaje de estímulo a los sentidos, desde la
subjetiva perspectiva de una mujer. Construida a partir del juego o disfrute, libre de todas las
convenciones que hacen a los géneros teatrales, toma como punto de partida una banda de
músicos-intérpretes, y los lleva a contar una historia salida de los mentideros del inconsciente.
A sense-stimulating theatrical and musical journey, from the subjective perspective of a woman. Inspired by a sense of play and pleasure, free from all the conventions of theatrical
genres, the piece follows a band of musicians-performers as they tell a story born of the
voice of the unconscious.
Fernando Tur Miembro del grupo Krapp. Desde 2007, dirige e integra
Cocktail Tour Musique. Como actor y compositor musical se desarrolla
en cine, teatro, publicidad y danza. Krapp group member. Since 2007,
he is director and part of Cocktail Tour Musique. He works as an actor
and composer in film, theatre, dance shows and commercials.
Autores: Milagros Almeida y Fernando Tur / Compañía: Les Manontroppo / Director: Fernando Tur / Asistente de dirección: Sofía Ciravegna / Elenco: Milagros Almeida, Gonzalo Álvarez, Yanina Ferraro, Andrea
Mango, Eduardo Penney, Omar Possemato, Maia Prieto, Hernán Sánchez, Matías Zawadzki / Música y
dirección musical: Milagros Almeida / Diseño de iluminación: Julieta Carrillo / Diseño de escenografía:
Fernando Tur y Yanina Ferraro / Diseño de vestuario: Milagros Almeida / Producción: Les Manontroppo /
Duración: 60’
Mar 29/9, 20 h / Mié 30/9, 17 h
Tue 9/29, 8 PM / Wed 9/30, 5 PM
Patio de Actores
ph surmenage: © sofía ciravegna
78
national productions | selected
Terrenal. Pequeño misterio ácrata
Earthly. Little Anarchic Mystery
En un viejo loteo fracasado Caín, Abel y su versión conurbana del mito. Dos hermanos en
pelea en un terreno partido al medio al que nunca podrán volver morada común. Ellos y Tatita,
el abuelo folclorista, completarán los pasos del relato bíblico: el del primer asesinato, el del
triunfo del hacer sobre el ser, del propietario sobre el desposeído. El de la condena. In an old
unresolved lot division, Cain, Abel and their suburban version of the myth. Two brothers fight
over a piece of land divided in half that won’t ever be their common home again. With Tatita,
their folk musician grandfather, they will follow every step of the biblical narrative: the first
murder, the superiority of doing over being, of the owner over the squatter. The punishment.
Mauricio Kartun Dramaturgo y director con más de treinta piezas
estrenadas. Entre otras: La Madonnita, El niño argentino, Ala de criados, Salomé de chacra y Terrenal, la obra que aquí presenta. He is
a playwright and director with more than thirty productions staged,
including La Madonnita, El niño argentino, Ala de criados, Salomé de
chacra and Terrenal, the play he presents here.
Autor: Mauricio Kartun / Compañía: Terrenal / Director: Mauricio Kartun / Elenco: Claudio Da Passano,
Claudio Martínez Bel, Claudio Rissi / Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez / Diseño de sonido:
Eliana Liuni / Diseño de escenografía: Gabriela Aurora Fernández / Diseño de vestuario: Gabriela Aurora
Fernández / Duración: 90’
Mar 29/9, 16 h / Mié 30/9, 16 h
Tue 9/29, 4 PM / Wed 9/30, 4 PM
Teatro del Pueblo
ph mauricio kartun: © SERGIO PARRELLA
80
las nacionales | seleccionadas
Todo piola S’All Good
En una esquina oscura, dos amigos de un barrio cualquiera se saludan con un “todo piola” y
a partir de ahí se abren las puertas de un mundo inesperado. Todo piola parte de un momento
de soledad para convertirse en un encuentro fantástico y efímero. La intimidad se dispara
a un estado de imaginación desatada en una combinación desquiciada de romance, teatro
físico y fantasmagoría. At a dark corner, two neighborhood friends greet each other saying
“s’all good”, opening the doors to an unexpected world. Todo piola starts off from a moment
of loneliness until it turns into a fantastic, fleeting encounter. Intimacy gives way to a state of
wild imagination, in a crazy mix of romance, physical theatre and phantasmagoria.
Gustavo Tarrío Entre sus trabajos se cuentan Afuera, Kuala Lumpur
(2002), Decidí canción (2004), LB.tv (2009) y los films Foto Bonaudi
(2006), Súper (2007) y Una canción coreana (2014). Vive en Buenos
Aires. His credits include Afuera, Kuala Lumpur (2002), Decidí canción
(2004), LB.tv (2009) and the films Foto Bonaudi (2006), Súper (2007)
and Una canción coreana (2014). He lives in Buenos Aires.
Autores: Mariano Blatt, Gustavo Tarrío, Eddy García / Compañía: Todo Piola / Director: Gustavo Tarrío /
Elenco: Eddy García, Carla Di Grazia, Guadalupe Otheguy / Música: Guadalupe Otheguy / Dirección musical: Guadalupe Otheguy / Diseño de iluminación: Agnese Lozupone / Diseño de vestuario: Ana Press y
Cristian Bonaudi / Diseño de movimiento y asistencia de dirección: Virginia Leanza / Asistencia general:
Francisco Benvenuti / Producción ejecutiva: Eleonora Pascual / Duración: 60’
Mar 29/9, 18 h / Vie 2/10, 23:30 h
Tue 9/29, 6 PM / Fri 10/2, 11:30 PM
Teatro del Abasto
ph Gustavo Tarrío: © Laura Ortego
ph todo piola: © Eleonora Pascual
82
national productions | selected
Vago Lazy
Es el final de los 90. El que tiene un poco más que el otro manda. El día a día es una incertidumbre. El mañana no está garantizado. En el conurbano bonaerense, un segmento de
población consigue como puede su plato de comida pasando por encima del otro y sobre su
propia dignidad, si es que les queda. “Nadies” que tratan de sobreponerse a las condiciones
precarias que tiñen lo cotidiano. It’s the late ‘90s. The one who owns more has control.
The day-to-day is uncertain. Tomorrow is not guaranteed. In the suburbs of Buenos Aires,
a segment of the population struggles to get something to eat, stepping over others and on
their own dignity, if there is any left. “Nobodies” trying to overcome the poor conditions of
everyday life.
Yoska Lázaro Madrid, 1979. Vive en Buenos Aires desde 2003. Es
director teatral (graduado en la EMAD), dramaturgo, actor y docente,
especialista en Técnica Meisner. Dirige la compañía Teatro A Tres Velas
desde 2007. Born in Madrid in 1979 and based in Buenos Aires since
2003, Gustavo is a theatre director (EMAD graduate), playwright, actor,
teacher, and a Meisner Technique expert. He’s been Teatro A Tres Velas
company’s director since 2007.
Autor: Yoska Lázaro / Compañía: Teatro A Tres Velas / Director: Yoska Lázaro / Elenco: Fernando García
Valle, Romina Oslé, Marcelo Saltal, Federico Minervini, Magalí Gadea Lara / Diseño de iluminación: Paula
Fraga / Diseño de sonido: Marcelo Medina y Fernando García Valle / Diseño de escenografía: Teatro A Tres
Velas / Producción artística: Teatro A Tres Velas / Dirección de producción: Estanislao Otero / Producción
ejecutiva: Miguel Ángel Ludueña / Duración: 80’
Lun 28/9, 21 h / Vie 2/10, 14 h
Mon 9/28, 9 PM / Fri 10/2, 2 PM
Teatro del Abasto
ph Yoska Lázaro: © Mariana Medina
las nacionales | invitadas
national productions | invited
88
national productions | invited
FIBA’s Artistic Board invites a series of plays to be part of the national
programming, serving as a co-producer in many cases. These are
works that come from different horizons: from agreements with theatre-related institutions such as El Cultural San Martín and Complejo
Teatral de Buenos Aires; from the decision of showing the works
of an artist in a more comprehensive format (Claudio Tolcachir’s
productions in 2011, the Alejandro Acobino Retrospective and the
Rafael Spregelburd Series in 2013, and the Focus on Fernando
Rubio this year), or from a particular interest in a specific project
(such as the new work of Nahuel Cano).
89
las nacionales | invitadas
La Dirección Artística del FIBA invita a una serie de obras a que integren la programación nacional, en muchos casos asumiendo la coproducción. Son trabajos que provienen de distintos horizontes: a través
de acuerdos con instituciones afines como El Cultural San Martín y el
Complejo Teatral de Buenos Aires; aquellas propuestas que decide
mostrar en un formato más integral dando cuenta de la producción de
un artista (las de Claudio Tolcachir en 2011, la retrospectiva Alejandro
Acobino y el ciclo Rafael Spregelburd en 2013 y el Foco Fernando
Rubio en esta edición), o por el interés particular que despierta un
proyecto puntual (como el caso de lo nuevo de Nahuel Cano).
90
LAS NACIONALES | invitadas
Presentadas por El Cultural San Martín
Artaud, Invocación IV Artaud, Invocation IV
Un manicomio reducido en la actualidad a una oficina, cuyos pabellones se han convertido en
una playa de estacionamiento. Médico, enfermeras, internos y ex internos conviven. Los signos sobre la vida y la obra de Artaud, especialmente sus años psiquiátricos, fueron estímulos
para generar un mundo autónomo que ocurre en una Buenos Aires decadente, abandonada y
donde se reprime a los locos. A former mental institution reduced to an office; its halls have
been turned into a parking lot. A doctor, nurses, current and former patients live together. The
signs about the life and work of Artaud, especially his years of psychiatric treatment, have
inspired the creation of an autonomous world in a run-down, abandoned Buenos Aires where
the insane are repressed.
Sergio Boris Dirigió y escribió La Bohemia, El sabor de la derrota, El
perpetuo socorro, El cadáver de un recuerdo enterrado vivo y actualmente Viejo, solo y puto. Participó en diferentes festivales internacionales y ha sido reconocido con numerosos premios. His credits as a
director and playwright include La Bohemia, El sabor de la derrota, El
perpetuo socorro, El cadáver de un recuerdo enterrado vivo and currently running Viejo, solo y puto. He has participated at different international festivals and
received several awards.
Director: Sergio Boris / Elenco: Diego Cremonesi, Pablo De Nito, Elvira Onetto, Verónica Schneck, Rafael
Solano / Diseño de iluminación: Matías Sendón / Diseño sonoro: Carmen Baliero / Ingeniero de sonido:
Marcos Zoppi / Diseño y realización de escenografía: Ariel Vaccaro / Diseño de vestuario: Magda Banach /
Asistente de dirección: Adrián Silver / Producción ejecutiva: María Laura Santos / Producción general
Ciclo Invocaciones: Carolina Martín Ferro / Idea y curaduría del ciclo: Mercedes Halfon / Coproducción:
El Cultural San Martín / Duración: 60’
Jue 24/9, 18 h / Vie 2/10, 18 h
Thu 9/24, 6 PM / Fri 10/2, 6 PM
El Cultural San Martín, Sala Alberdi
El FIBA recomienda los reestrenos de Meyerhold, de Silvio Lang (Invocación I)
los días 3, 4, 10, 11, 18, 24, 25 y 31 de octubre y 1, 7, 8, 21, 22 y 28 de
noviembre a las 20 h en el Teatro Margarita Xirgu, y de Jarry. Ubú Patagónico,
de Mariana Chaud (Invocación II) los lunes a las 21 h en Teatro Timbre 4.
ph sergio boris:
© Guadalupe Gaona y Ramiro González
PH Artaud, Invocación IV: © Sandra Cartasso
92
national productions | invited
Presented by El Cultural San Martín
Brecht, Invocación III Brecht, Invocation III
Un grupo de actores se prepara para representar una versión de El círculo de tiza caucasiano,
de Brecht, en el Far West. La llegada sorpresiva de un inspector de la Asociación de Protección Autoral revela que la compañía no cuenta con autorización para representar una versión
de la obra. Resuelven, solo por esa noche y con el fin de despistar al inspector, improvisar
una función especial. A group of actors is getting ready to perform a Far-West version of
Brecht’s The Caucasian Chalk Circle. The unexpected arrival of an inspector of the Copyright
Protection Association reveals that the company has no authorization to stage a version of
the original play. They decide that, on that night only and for the purpose of deceiving the
inspector, they will improvise a special show.
Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu Son dramaturgos, directores y actores. Trabajaron en decenas de obras de teatro y en films. Escribieron y dirigieron en colaboración tres obras: Los talentos, La edad
de oro y Capitán. They are playwrights, directors and actors who have
worked in numerous theatre productions and films. Together they wrote
and directed three plays: Los talentos, La edad de oro and Capitán.
Autores y directores: Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu / Elenco: Juan Barberini, Fernanda Bercovich,
Valeria Lois, Horacio Marassi, Laura Paredes, Marcelo Pozzi, Pablo Seijo, Daniel Tur, Gabriel Zayat / Asistente de dirección: Gabriel Zayat / Música: Gabriel Chwojnik / Músicos en escena: Gabriel Chwojnik y Fito
Reynals / Dirección musical: Gabriel Chwojnik / Diseño de iluminación y operación en escena: Eduardo
Pérez Winter / Diseño y realización de escenografía: Ariel Vaccaro / Diseño de vestuario: María Emilia
Tambutti / Producción ejecutiva: Gabriel Zayat / Producción general Ciclo Invocaciones: Carolina Martín
Ferro / Idea y curaduría del ciclo: Mercedes Halfon / Coproducción: El Cultural San Martín, Goethe-Institut,
Premio S / Duración: 90’
Mar 22/9, 18:30 h / Mar 29/9, 18:30 h
Tue 9/22, 6:30 PM / Tue 9/29, 6:30 PM
El Cultural San Martín, Sala Alberdi
El FIBA recomienda los reestrenos de Meyerhold, de Silvio Lang (Invocación I) los
días 3, 4, 10, 11, 18, 24, 25 y 31 de octubre y 1, 7, 8, 21, 22 y 28 de noviembre
a las 20 h en el Teatro Margarita Xirgu, y de Jarry. Ubú Patagónico, de Mariana
Chaud (Invocación II) los lunes a las 21 h en Teatro Timbre 4.
ph Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu:
© Guadalupe Gaona y Ramiro González
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LAS NACIONALES | invitadas
Presentadas por El Cultural San Martín
Cuando vuelva a casa voy a ser otro
When I Get Back Home, I’ll Be Another One
A lo largo de los años, uno se convierte en un doble de sí mismo. Un ex militante revolucionario encuentra unos objetos que escondió en el pasado y se enfrenta a esa cápsula de
tiempo. Un director intenta reconstruir una obra que hizo quince años atrás. Una cantante
interpreta las canciones perdidas de su padre. Un político se vuelve literalmente otra persona.
¿Qué pasa cuando uno descubre que es otro? Throughout the years, we become our own
double. A former revolutionary activist stands before a time capsule after finding a series of
objects he hid in the past. A director attempts to revive a play he staged fifteen years ago. A
singer performs her father’s lost songs. A politician turns literally into a different person. What
happens when we realize we are somebody else?
Mariano Pensotti Autor y director de teatro. Entre sus obras, que
se presentan en gran cantidad de teatros del mundo, se destacan: Cineastas, El pasado es un animal grotesco, A veces creo que te veo y
La marea. Author and theatre director. His works, staged at numerous
venues across the world, include Cineastas, El pasado es un animal
grotesco, A veces creo que te veo and La marea.
Autor y director: Mariano Pensotti / Compañía: Grupo Marea / Elenco: Agustín Rittano, Mauricio Minetti,
Santiago Gobernori, Julieta Vallina, Andrea Nussembaum / Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte /
Música: Diego Vainer / Luces: Alejandro Le Roux / Producción: Florencia Wasser / Asistencia de escenario: Manuel Guirao y Carlos Etchevers / Coproducción: Grupo Marea, El Cultural San Martín, 10 FIBA, Kunstenfestivaldesarts, Festival D’Avignon, Festival Theaterformen, Mousonturm, HAU Hebbel Am Ufer, Theatre
Nanterre Amandiers y Maison des Arts, Scène Nationale de Créteil et du Val-de-Marne. En colaboración con
Ligne Directe / Judith Martin / Duración: 80’
Dom 27/9, 20:30 h / Vie 2/10, 21 h
Sun 9/27, 8:30 PM / Fri 10/2, 9 PM
El Cultural San Martín, Sala AB
ph Mariano Pensotti: © carlos furman
ph Cuando vuelva a casa voy a ser otro: © Beniamín Boar
96
national productions | invited
Presented by El Cultural San Martín
Las ideas The Ideas
Las ideas trabaja los límites entre realidad y ficción. Pone en escena la intimidad de un proceso de creación, similar al que Federico León (autor y director) podría atravesar en sus obras
junto a Julián Tello (actor y colaborador). Las ideas podrían ser sus ideas pero no son necesariamente sus ideas. Ellos son ellos pero al mismo tiempo hacen de sí mismos. Las ideas
explores the limits between reality and fiction. It offers an intimate look at a creative process,
similar to the one Federico León (author and director) may embark on to develop works with
Julián Tello (actor and collaborator). The ideas could be his ideas but are not necessarily his.
They are themselves, but at the same time they play themselves.
Federico León Reconocido autor y director de teatro y cine. Creador de
obras como Cachetazo de campo, Yo en el futuro, Las multitudes (teatro),
Todo juntos, Estrellas y Entrenamiento elemental para actores (cine).
A renowned writer and director for theatre and film. His credits include
Cachetazo de campo, Yo en el futuro, Las multitudes (theatre), Todo
juntos, Estrellas and Entrenamiento elemental para actores (film).
Texto y dirección: Federico León / Actores: Julián Tello y Federico León / Escenografía: Ariel Vaccaro /
Música y diseño de sonido: Diego Vainer / Diseño de luces: Alejandro Le Roux / Vestuario: Paola Delgado /
Coordinación técnica: Matías Iaccarino / Casting: María Laura Berch / Fotografía: Ignacio Iasparra /
Actor en ensayos: Ignacio Rogers / Asesoramiento técnico: Paula Coton y Agustín Genoud / Cámara &
fotografía: Guillermo Nieto / Gaffer: Guillermo Saposnik. Dirección de arte: Mariela Ripodas / Realización
de objetos: David D’Orazio / Sonido: Diego Vainer / Edición: Andrés Pepe Estrada / Post-producción:
Alejandro Soler / Asistencia: Malena Juanatey / Actores en video: Alejandra Manzo, Maitina De Marco,
Pablo Gasloli, Alejandro Ini, Bárbara Irisarri, Ana María Monti, Patricia Russo, María Laura Santos, José María
Seoane, Alfredo Staffolani, Martín Tchira, Emanuel Torres, Antonella Querzoli, Gabriel Zayat / Agentes:
Judith Martin y Carlota Guivernau / Prensa: María Laura Lucini Monti / Diseño: Alejandro Ros / Asistencia
general: Melisa Santoro Aguirre y Antonella Saldicco / Asistencia de dirección: Rodrigo Pérez y Rocío Gómez
Cantero / Producción: Rodrigo Pérez y Rocío Gómez Cantero / Coproducción: Kunstenfestivaldesarts
(Bélgica), Iberescena (España), FIBA (Buenos Aires), El Cultural San Martín (Buenos Aires), Fundación Teatro
a Mil (Santiago de Chile), La Bâtie - Festival de Genève (Suiza), Festival D’Automne à Paris - Théâtre de la
Bastille, La Villette - Residence d’Artistes 2014 (Francia) / Duración: 60’
Vie 18/9, 21 h / Lun 28/9, 21 h
Fri 9/18, 9 PM / Mon 9/28, 9 PM
Zelaya
ph Federico León: © Malena Juanatey
ph las ideas: © Ignacio Iasparra
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LAS NACIONALES | invitadas
Presentadas por El Cultural San Martín
La niña, el diablo y el molino
The Girl, the Devil and the Mill
Inspirada en un cuento de los hermanos Grimm, esta obra es la historia de un padre ingenuo
que hace un pacto con el diablo sin ver que está sacrificando a su hija. La joven huye y
comienza un viaje lleno de peligros y pruebas que le permiten al director tocar esos temas
de los que los niños no se atreven a hablar: la muerte, el diablo, el amor. Un viaje iniciático
que le habla al niño que hay en cada uno. Inspired by a tale of the Grimm brothers, this play
tells the story of an unsuspecting father who makes a pact with the devil, unaware he is
sacrificing his daughter. The young girl escapes and embarks on a journey full of dangers and
challenges that allows the director to tackle those topics that children are afraid to talk about:
love, death, the devil. A coming-of-age journey appealing to our inner child.
Olivier Py Autor, director y actor. Actual director del Festival d’Avignon.
Ha sido también director del Centre Dramatique National/Orléans-LoiretCentre y del Théâtre National de l’Odéon, Théâtre de l’Europe. Author,
director and actor. He is the current director of the Festival d’Avignon
and a former director of the Centre Dramatique National/Orléans-LoiretCentre and the Théâtre National de l’Odéon, Théâtre de l’Europe.
Autor: Olivier Py, en base a cuentos de los hermanos Grimm / Director: Olivier Py / Asistente de dirección: Leo Muscat / Elenco: Jenny Williams, Fabián Carrasco, Ian Guinzburg, Martín Portela / Música:
Stéphane Leach / Diseño de iluminación: Bertrand Killy / Escenografía y vestuario: Pierre-André Weitz /
Producción: Festival d’Avignon, Théâtre de la Ville-Paris, El Cultural San Martín, Furgang Comunicaciones /
Duración: 50’
Sáb 26/9, 16 h / Dom 27/9, 18 h
Sat 9/26, 4 PM / Sun 9/27, 6 PM
El Cultural San Martín, Sala 3
ph La niña, el diablo y el molino:
© Nestor Barbita
100
LAS NACIONALES | invitadas
Presentada por el Complejo Teatral de Buenos Aires
El hambre de los artistas The Hunger of Artists
Una antigua troupe de artistas detenida en algún lugar del pasado. Por las entrañas, un
viaje en el tiempo. Del otro lado, un grupo de arrogantes que trama el desconcierto: la cosa,
una trampa. Los Nuevos y Los Antiguos. Teatro. Fantasmas. El hambre de los artistas, una
tragicomedia polifónica. Una obra de Alberto Ajaka y del Colectivo Escalada. A senior troupe
of artists is stuck somewhere in the past. A journey back in time, through the bowels. On the
other side, a group of arrogant performers are plotting a shocking act: the thing, a trap. New
and Old Performers. Theatre. Ghosts. El hambre de los artistas, an ensemble tragicomedy. A
production by Alberto Ajaka and Colectivo Escalada.
Alberto Ajaka Actor, director y dramaturgo. Cada una de las cosas
iguales y ¡Llegó la música! son algunas de las obras realizadas junto al
Colectivo Escalada, compañía teatral que dirige desde 2008. Actor, director and playwright. Cada una de las cosas iguales and ¡Llegó la música!
are some of the productions created with theatre company Colectivo
Escalada, under his direction since 2008.
Autor y director: Alberto Ajaka / Compañía: Colectivo Escalada / Elenco: Leonel Elizondo, Sol Fernández
López, Karina Frau, Rodrigo González Garillo, Georgina Hirsch, Luciano Kaczer, Gabriel Lima, Julia Martínez
Rubio, Luciana Mastromauro, Andrés Rossi, Alberto Suárez, María Villar / Asistencia artística: Hernán
Ghioni / Música: José Ajaka y Alberto Ajaka / Diseño de iluminación: Andrés Grimozzi / Diseño de escenografía: Rodrigo González Garillo / Diseño de vestuario: Betiana Temkin / Producción: Complejo Teatral
de Buenos Aires / Duración: 105’
Dom 27/9, 20 h / Vie 2/10, 21 h
Sun 9/27, 8 PM / Fri 10/2, 9 PM
Teatro Sarmiento
ph: © carlos furman
102
LAS NACIONALES | invitadas
Nahuel Cano
La vida breve The Short Life
Una reescritura, una opinión contemporánea, mutante y caótica del universo narrativo y temático de León Tolstói y Antón Chéjov, una reflexión crítica acerca de la ficción y sus limitaciones para dar cuenta del drama privado del amor y la muerte, al tiempo que expresa la
urgencia de una reinvención. A rewrite; a contemporary, changing and chaotic view of the
narrative and thematic universe of Leo Tolstoy and Anton Chekhov; a critical examination of
fiction and its limitations to account for the private drama of love and death that also expresses the urgent need for reinvention.
Nahuel Cano Es actor, director y docente. Ha trabajado en cine, teatro y
televisión, y participó en numerosos festivales. Desde 2010 investiga y crea
junto a la compañía ESTUDIO|EL CUARTO|. He is an actor, director and teacher, who has worked in film, theatre and TV, and participated at numerous
festivals. He has been researching and creating new work with ESTUDIO
|EL CUARTO| since 2010.
Autores: Esteban Bieda y Nahuel Cano / Compañía: Estudio|ELCUARTO| / Dirección: Nahuel Cano /
Elenco: María Abadi, Anabella Bacigalupo, Florencia Bergallo, Diego Echegoyen, Leonardo Murúa, Javier
Pedersoli, Mariano Sayavedra / Diseño de iluminación: Matías Sendón y Rocío Caliri / Diseño de escenografía: Julieta Potenze / Diseño de vestuario: Belén Parra / Diseño gráfico: Sonia Basch / Registro en
video: Martín Berra / Preparación vocal: Claudia Cano / Asistencia coreográfica: Laura Aguerreberry /
Asistencia de dirección: Gastón Guanziroli / Producción ejecutiva: Julieta Potenze y Laura Loredo Rubio
/ Coproducción: FIBA y ESTUDIO|ELCUARTO|. Con el apoyo de la Embajada de Rusia en Argentina y El Brío
Teatro / Agradecimientos: Pablo Seijo, Nayla Pose, Santos 4040 y Maite Caballero, Juan Mako, Sebastián
Arpesella, Martín Berra, Lupe Lafuente, Tomás Bieda, “El Moro” González, Leo Prat, Belén Fasulis, Panal
de Ideas / Duración: 80’
Lun 28/9, 16 h / Vie 2/10, 17 h
Mon 9/28, 4 PM / Fri 10/2, 5 PM
Santos 4040
ph La vida breve: © SEBASTIÁN ARPESELLA
106
national productions | invited
focus on fernando rubio
In the last few editions, FIBA has aimed to show the work of a local
artist in its finest light. This mission is not only a way to pay tribute to
our artists, to give them more exposure, but also an opportunity for
the public to discover or see them again in a more comprehensive
way. In this opportunity, the artist selected is director, playwright and
visual artist Fernando Rubio. He is a multidisciplinary creator, whose
works bring together elements of theatre, visual arts, literature, installation and cinema, redefining the relationship with the space and with
the spectators.
“In my works I seek to realize the utopia of establishing deep, unshakable bonds between actors, spectators and props through the
dialogue between theatre, visual arts and thoughts about the construction of cities and the spaces of nature. Creating spaces and
stories that offer new ways to express ourselves. Taking familiar elements and objects, and placing them in a new context with different
parameters from those of reality, to discover the possibility to build a
web of relationships, previously unnoticed, between the space and
the human.” Fernando Rubio
107
las nacionales | invitadas
foco fernando rubio
En las últimas ediciones, el FIBA busca reflejar la producción de un
artista local de la manera más acabada posible. Una forma no solo
de homenajear a nuestros artistas, de darles una mayor visibilidad,
sino también de que el público pueda descubrirlo o volver a visitarlo
de modo más global. En esta oportunidad, el elegido es Fernando
Rubio, director, dramaturgo, artista visual. Un creador multidisciplinario cuyas obras articulan lenguajes como el teatro, las artes visuales, la literatura, la instalación y el cine reformulando la relación con
el espacio y con los espectadores.
“En mis obras busco concretar la utopía de establecer lazos de profundas e inalterables conexiones entre los actores, los espectadores
y los objetos utilizados a través del diálogo entre el teatro, las artes
visuales y el pensamiento sobre la construcción de las ciudades y
los espacios de la naturaleza. Creando espacios y relatos que habiliten nuevas formas de reflejarnos. Tomando elementos y objetos
reconocibles, y ubicándolos en un nuevo contexto con parámetros
diferentes a los de la realidad, para descubrir así la posibilidad de
construir un tejido de vinculaciones entre lo espacial y lo humano,
antes no percibido.” Fernando Rubio
108
LAS NACIONALES | invitadas
Foco Fernando Rubio
Pueden dejar lo que quieran
You Can Leave What You Want
Cuenta la historia de un hombre que pierde a su familia en un accidente y decide reconstruirla a partir de las historias que escribirá sobre sus ropas. Silenciosa y extrañamente,
encontrará la posibilidad de volver a vincularse con el mundo, con las ropas e historias de
los otros, con la posibilidad de juntar gente que no se conoce pero que por alguna razón él
elige para que ingresen en esta historia. This is the story of a man who loses his family in an
accident and decides to reconstruct it with stories he will write about their clothes. Silently
and strangely, he will find the opportunity to reconnect with the world, with the clothes and
stories of others, and bring together a group of strangers that for some reason he has decided
to incorporate into this story.
Fernando Rubio Sus proyectos buscan la reformulación del espacio
escénico y del vínculo con los espectadores. Presentó obras en más
de veinte países. Todo lo que está a mi lado, Cuando éramos chicos y
El tiempo entre nosotros son sus recientes trabajos. His projects seek
to rethink the theatre space and the relationship with the audience. He
has staged productions in more than twenty countries. His latest works
include Todo lo que está a mi lado, Cuando éramos chicos and El tiempo entre nosotros.
Autor y director: Fernando Rubio / Elenco: Julián Calviño, Juliana Muras, Natalia Salmoral, Pablo Gasloli,
Lourdes Pingeon, Jorge Prado, Martín Urruty / Música y diseño de sonido: Pablo Dacal / Diseño de escenografía: Fernando Rubio / Realización de escenografía: Santiago Rey / Realización de video: Gabriel
Lichtman / Iluminación: Lucía Feijoo / Producción general: Martín Grosman / Producción: Ramón Barranco
y Marion Ecalle / Asistencia de dirección: Santiago Pianca / Coproducción: Kiblos SARL (Francia-España),
Fira Tàrrega (Catalunya-España), VIII FIBA y CCEBA. Con el apoyo de AECID y del Ministerio de Relaciones
Exteriores y Culto de Argentina / Duración: 70’
Vie 25/9, 21 h / Sáb 26/9, 21 h / Dom 27/9, 17:30 h
Fri 9/25, 9 PM / Sat 9/26, 9 PM / Sun 9/27, 5:30 PM
Teatro San Martín, Sala Cunil Cabanellas
110
national productions | invited
Focus on Fernando Rubio
Todo lo que está a mi lado Everything by My Side
La obra nace después de un sueño. Con el recuerdo olvidado de una historia de la infancia
alojada en algún lugar de la mente y el cuerpo durante veinticinco años. Ese espacio concreto
e imaginario da cuerpo a un nuevo pensamiento estético sobre la intimidad, el movimiento
sutil, el vínculo con los otros, nuestra presencia en el tiempo y la extraña forma que tenemos
de habitar espacios afectivos en relación a lo desconocido. The play is born after a dream.
Trying to remember a childhood memory lost somewhere in the mind and body for twentyfive years. This concrete and imaginary space fleshes out a new aesthetic concept about intimacy, subtle movement, the relationship with others, our presence in time, and the strange
way in which we inhabit spaces of affection in relation to the unknown.
Fernando Rubio Sus proyectos buscan la reformulación del espacio
escénico y del vínculo con los espectadores. Presentó obras en más
de veinte países. Todo lo que está a mi lado, Cuando éramos chicos y
El tiempo entre nosotros son sus recientes trabajos. His projects seek
to rethink the theatre space and the relationship with the audience. He
has staged productions in more than twenty countries. His latest works
include Todo lo que está a mi lado, Cuando éramos chicos and El tiempo entre nosotros.
Autor y director: Fernando Rubio / Elenco: María Abadi, Vanina Falco, Milagros Gallo, Laura Limp, Marta
Lubos, Andrea Nussembaum, Lucrecia Oviedo, Lourdes Pingeon, Natalia Salmoral, Julieta Vallina, Lorena
Vega / Diseño espacial: Fernando Rubio / Producción: Martín Grosman / Duración: 15’
Mar 29/9, 16 h / Mié 30/9, 16 h
Tue 9/29, 4 PM / Wed 9/30, 4 PM
Teatro Colón, Plaza Vaticano
ph: © María Baranova
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LAS NACIONALES | invitadas
Foco Fernando Rubio
La distancia real The Real Distance
Los encuentros para la creación en residencia en el estudio El Jardín Sahel del argentino
Fernando Rubio apuntan a fomentar obras en colaboración entre creadores argentinos y
extranjeros promoviendo la experimentación, el diálogo y la búsqueda de encuentros entre
lenguajes en el marco de la naturaleza. En este caso, los artistas son la argentina Luciana
Acuña y el norteamericano Nick Hallet. The creative in-residence sessions at El Jardín Sahel,
the studio of Argentine artist Fernando Rubio, are meant to encourage collaborative work
between Argentine and foreign creators, promoting experimentation, dialogue and combination of disciplines while surrounded by nature. In this opportunity, the artists are Argentine
Luciana Acuña and American Nick Hallet.
Luciana Acuña Es bailarina, coreógrafa y actriz. Sus obras se presentaron en festivales nacionales y extranjeros. She is a dancer, choreographer and actress. Her works have been staged at many festivals in
the country and abroad.
Nick Hallett Es compositor, productor cultural y vocalista, codirector
de Darmstadt Contemporary Music Series. He is a composer, cultural
producer and vocalist, co-director of Darmstadt Contemporary Music
Series.
Autores y directores: Luciana Acuña y Nick Hallett / Dirección de proyecto de residencias: Fernando
Rubio / Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux / Diseño de escenografía: Mariana Tirantte / Diseño de
vestuario: Gabriela A. Fernández / Producción: Martín Grosman / Coproducción: El Jardín Sahel (Residencias de artistas y encuentros para la creación. Un proyecto de Fernando Rubio) - Richard B. Fisher Center
for the Performing Arts - Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC). El Jardín Sahel cuenta con el
apoyo del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. / Duración: 50’
Mié 30/9, 20 h
Wed 9/30, 8 PM
Teatro Colón, CETC
ph Luciana Acuña:
© Carolina Bartolomé
ph Nick Hallett:
© Reuben Radding
Concurso de Proyectos
de Coproducción FIBA-Festival
Buenos Aires Danza Contemporánea
FIBA-Festival Buenos Aires
Danza Contemporánea
co-production prize
116
FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea
co-production prize
Two contemporary dance shows will premiere this year at the Festival as a result of winning the Co-Production Prize held jointly by 10
FIBA and VIII Festival Buenos Aires Danza Contemporánea. The jury
consisting of Andrea Servera, Gustavo Lesgart and Darío Lopérfido
has selected the following projects: La comunidad, by Nicolás Rosés
Ponce, and Diógenes al sol, by Celia Argüello Rena and Juan Pablo
Gómez. “It gives us great satisfaction to accompany these projects
all the way until their debut. These are bold and original works by
brilliant, open-minded young artists, interested in experimentation
with movement and at its intersection with other languages and disciplines,” they claim.
117
Concurso de Proyectos de Coproducción
FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea
Dos espectáculos de danza contemporánea se estrenan en esta
edición como resultado del Concurso de Proyectos de Coproducción entre el 10 FIBA y el VIII Festival Buenos Aires Danza Contemporánea, del que resultaron ganadores. El jurado integrado por
Andrea Servera, Gustavo Lesgart y Darío Lopérfido eligió los proyectos La comunidad, de Nicolás Rosés Ponce, y Diógenes al sol,
de Celia Argüello Rena y Juan Pablo Gómez. “Es una gran satisfacción acompañar estos proyectos hasta su estreno. Son propuestas
arriesgadas y originales de artistas jóvenes, desprejuiciados y lúcidos, interesados en experimentar con el movimiento y sus cruces
con otros lenguajes y disciplinas”, aseguran.
118
LAS NACIONALES
Concurso de Proyectos de Coproducción
FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea
Diógenes al Sol Diogenes in the Sun
Una casa tomada por el síndrome de Diógenes es el punto de partida para crear un territorio donde los objetos invaden cada rincón, las personas se confunden con las cosas y el
movimiento se abre camino entre montañas de desechos inútiles. La mujer que habita esta
madriguera abre las puertas de su hogar donde con paciencia, hace crecer su jardín hasta
convertirlo en una selva sin fin. A house taken over by the Diogenes syndrome is the starting
point to create a territory where objects invade every corner, people are confused with stuff,
and movement emerges from piles of useless trash. The woman living in this lair opens the
door to her home, where she is patiently growing her garden into an endless jungle.
Juan Pablo Gómez y Celia Argüello Rena Colaboran desde 2012
alternando diferentes roles en cada proyecto. En su trabajo cruzan
los lenguajes del movimiento, la instalación y el teatro. They have
collaborated since 2012 alternating between different roles in each
project. Their work combines the languages of movement, installation and theatre.
Autores y directores: Celia Argüello Rena y Juan Pablo Gómez / Equipo Diógenes: Andrés Molina, Pablo
Castronovo, Ollantay Rojas, Teli Ortiz, Macarena Orueta, Roberta Blazquez Caló, Diego Rosental, Jimena
Pérez Salerno, Josefina Gorostiza / Actriz: Maitina De Marco / Asistencia general: Diego Demarchis /
Diseño de iluminación: Pigu Gómez / Gaffer: Carolina Rolandi / Diseño sonoro: Pablo Chimenti / Diseño
espacial: Norberto Laino / Asistente escenográfica: Sofía Eliosoff / Dirección de arte y vestuario: Eugenia
Foguel / Diseño y realización de vestuario: Nacho Fabio / Dibujos: Ezequiel García / Fotografía: VOLCÁN /
Marianela Laura Depetro, Leticia Bobbioni, Eugenia Foguel / Producción general: Proyecto Diógenes /
Coproducción: 10 FIBA, Proyecto Diógenes y Cooperativa El Correcamino / Duración: 45’ aprox.
Dom 27/9, 21 h / Sáb 3/10, 20 h
Sun 9/27, 9 PM / Sat 10/3, 8 PM
Teatro El Brío
PH Diógenes al Sol: © volcán
120
NATIONAL PRODUCTIONS
FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea
co-production prize
La Comunidad The Community
La comunidad es un concierto que oscila entre una práctica espiritual, artística y política. Una
obra que puede ser clasificada como un trabajo de danza, teatro o de carácter performático.
Gira en torno al concepto de comunidad y explora las posibilidades de las personas que, aun
formando parte de un grupo, son capaces de tomar sus propias decisiones individualmente.
La comunidad is a concert oscillating between a spiritual, artistic and political practice. It
can be classified as a dance, theatre or performance piece. Revolving around the concept
of community, it explores the possibilities of those who, even when being part a group, are
capable of making their own decisions individually.
Nicolás Roses Estudió en la School for New Dance Development de
Ámsterdam. Su trabajo se basa en la investigación y en la premisa de
que la danza no es solo una disciplina artística, sino también una disciplina de orden espiritual y político. He has studied at the School for
New Dance Development in Amsterdam. His work is based on research
and on the premise that dance is not simply an artistic discipline, but a
spiritual and political one.
Autor: Nicolás Roses / Compañía: La Comunidad / Director: Nicolás Roses / Elenco: Camila Malenchini,
Bárbara Hang, Hernán Martínez, Gonzalo Lagos, Joaquín Wall, Esteban Esquivel, Liza Rule Larrea, Juan
Salvador, María Aguirregomezcorta, Lucia Rabinovich, Alina Marinelli, Natalí Chino Faloni, Sebastián
Soares, Rodolfo Opazo / Producción: Rocío Alonso / Duración: 60’ aprox.
Jue 24/9, 22 h / Jue 1/10, 22 h
Thu 9/24, 10 PM / Thu 10/1, 10 PM
La Ideal
122
fiba in chile
A selection of FIBA productions arrive for the third time in Santiago,
Chile, after successful performances in previous editions, thanks
to an agreement between our local Festival and FITAM (Fundación
Internacional Teatro a Mil). The plays to be staged at Teatro Municipal
de Las Condes this year are: Australia’s Ganesh versus the Third
Reich, directed by Bruce Gladwin; South Africa’s Macbeth, directed
by Brett Bailey; and from Argentina, Mi hijo sólo camina un poco más
lento, directed by Guillermo Cacace, and Querido Ibsen: Soy Nora,
directed by Silvio Lang.
· Ganesh Versus the Third Reich, see p. 26
· Macbeth, see p. 36
· Mi hijo sólo camina un poco más lento, see p. 68
123
fiba en chile
Una selección de espectáculos del FIBA llega por tercera vez a
Santiago de Chile tras la notable recepción que las obras programadas han tenido en las ediciones pasadas, gracias al acuerdo firmado
entre el Festival porteño y FITAM (Fundación Internacional Teatro a
Mil). Este año desembarcan en el Teatro Municipal de Las Condes la
producción australiana Ganesh versus the Third Reich, dirigida por
Bruce Gladwin; la sudafricana Macbeth, dirigida por Brett Bailey; y
las argentinas Mi hijo sólo camina un poco más lento, dirigida por
Guillermo Cacace, y Querido Ibsen: Soy Nora, dirigida por Silvio Lang.
· Ganesh Versus the Third Reich, ver p. 26
· Macbeth, ver p. 36
· Mi hijo sólo camina un poco más lento, ver p. 68
panorama sur
126
Panorama Sur
En su décima edición, el FIBA recibe a Panorama Sur, una plataforma
de teatro, danza y performance con sede en Buenos Aires, Argentina, creada y dirigida por Cynthia Edul y Alejandro Tantanian, que
este año tendrá su sexta edición y que contará con un espectáculo
internacional creado por artistas latinoamericanos, a estrenarse en
el marco del Festival, coproducido por ambas instituciones.
Panorama Sur ofrece a los artistas de la región el espacio y el tiempo para desarrollar un nuevo trabajo a la vez que es un ámbito para
poder construir conocimiento y reflexión crítica sobre las artes contemporáneas. A su vez, la plataforma ofrece al público en general
un contacto con trabajos de artistas internacionales con una fuerte
marca de experimentación. El objetivo de Panorama Sur, que tiene
lugar todos los años, es fomentar la colaboración y el intercambio
entre los artistas de América latina, construyendo una doble red:
tanto de artistas como de instituciones. Este programa intensivo in-
127
cluye, durante tres semanas, una residencia para autores de teatro
en habla hispana, la presentación de espectáculos internacionales,
un ciclo de clases sobre estéticas contemporáneas (en teatro y danza) y workshops de artistas internacionales. Cada año, alrededor
de veinte autores de diferentes países latinoamericanos, además de
artistas locales y de todas partes del mundo, se reúnen en Buenos
Aires durante tres semanas para desarrollar un nuevo trabajo, para
intercambiar ideas en un diálogo con la escena internacional y para
construir red con otros artistas. Porque uno de los factores esenciales de Panorama Sur es fomentar el lazo social entre los artistas para
promover una red entre las personas que dure más allá del tiempo
de la plataforma. En su sexta edición, el seminario de autores de
Panorama Sur recibe a veintiún autores de Cuba, México, Colombia,
Brasil, Chile, Uruguay, Perú, Bolivia, España y de diferentes provincias de la Argentina.
128
panorama sur
In its tenth edition, FIBA welcomes Panorama Sur, a Buenos Airesbased theatre-dance-performance platform, created and directed by
Cynthia Edul and Alejandro Tantanian. This year, it celebrates its sixth
edition with an international show created by diverse artists from Latin America, which was co-produced by the two institutions and will
premiere at the Festival.
Panorama Sur provides space and time for artists from the region
to develop a new project, as well as an immersive environment
for learning and reflecting on contemporary arts. Also, the platform brings audiences closer to the work of international artists
who strongly lean on experimentation. The aim of the annually held
Panorama Sur is to promote collaboration and exchange between
Latin American artists, creating a network that integrates both talent
and institutions from the region. This intensive three-week program
129
includes playwright-in-residence sessions in Spanish, the presentation of international shows, a series of lectures on contemporary
aesthetics (in theatre and dance) and workshops conducted by international artists. Every year, around twenty authors from different
countries in Latin America, in addition to local and worldwide artists,
meet in Buenos Aires over three weeks to develop new projects,
to exchange ideas in a dialogue with the international scene and to
network with other artists. One of the quintessential characteristics
of Panorama Sur is to encourage social interactions between artists
in order to establish lasting relationships beyond this platform. In its
sixth edition, Panorama Sur’s seminar welcomes twenty-one authors
from Cuba, Mexico, Colombia, Brazil, Chile, Uruguay, Peru, Bolivia,
Spain and different provinces of Argentina.
130
panorama sur
Las noches vencidas. Palimpsesto
the nights vanquished. palimsest
Una niña juega al borde una piscina. Se acerca al trampolín y observa. Salta. Y el salto es un
salto a la ficción. Esta niña toma parte en el juego y rompe las historias, las cambia o las hace
estallar. Las noches vencidas. Palimpsesto es un texto construido entre nueve autores de
países latinoamericanos, España y Estados Unidos, con la dirección de tres directores de tres
países: Argentina, Bolivia y Chile. A girl is playing at the edge of a swimming pool. She goes
near the springboard and observes. She jumps. She jumps into fiction. This girl takes part in
the game; she tears the stories apart, changes them, blows them up. Las noches vencidas.
Palimpsesto is a text created by nine authors from Latin America, Spain and the United States,
and directed by three directors from Argentina, Bolivia and Chile.
Eduardo Calla Es director y autor boliviano, fundó y dirige el colectivo
Escena 163. He is a Bolivian director and author, founder and director of
Escena 163 collective.
Fernando Ocampo Es arquitecto, dramaturgo y director mexicano residente en Chile. He is a Mexican architect, playwright and director who resides
in Chile.
Agostina López Es argentina y dirigió Mi propia playa y La laguna. She
is an Argentine director. Her credits include Mi propia playa and La laguna.
Autores: Catalina Landívar (Argentina), Erik Leyton (Colombia), Martín López Brie (México), Julián Mesri
(Estados Unidos), José Manuel Mora (España), Gerardo Oettinger (Chile), José Pagano (Uruguay), Fabián
Suárez Ávila (Cuba), Paloma Vidal (Brasil) / Compañía: Panorama Sur / Directores: Eduardo Calla (Bolivia),
Agostina López (Argentina), Fernando Ocampo (México/Chile) / Elenco: María Alché, Susana Pampin, Patricio Aramburu, Esteban Bigliardi / Diseño sonoro: Valentín Pelisch / Diseño de iluminación: David Seldes /
Asistencia de iluminación: Facundo David / Diseño de escenografía: Fernando Ocampo / Diseño de
vestuario: Paola Delgado / Producción: Mónica Paixao, Maxi Gallo (productores) / Panorama Sur / Casting
de la niña: María Laura Berch / Coproducción: 10 FIBA / Duración: 90’
Vie 2/10, 21 h / Sáb 3/10, 21 h / Dom 4/10, 19 h
Fri 10/2, 9 PM / Sat 10/3, 9 PM / Sun 10/4, 7 PM
Teatro San Martín, Sala Cunil Cabanellas
ph Fernando Ocampo: © Gonzalo Donoso
ph Las noches vencidas. Palimpsesto: © MOODLAB
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Lecture Series on Performing Arts
presented by Panorama Sur, 10 FIBA
& Malba Literatura
This is a series of four lectures based on the Ciclo Invocaciones,
created by Mercedes Halfon and Carolina Martín Ferro, in which four
theatre directors from Buenos Aires engage in a dialogue with four
other directors of 20th century theatre; that means that they have
worked “with”, “inspired by” and “rewriting” authors, directors and
aesthetics that preceded them.
At these sessions, each director will share their reflections on the
rewriting and reading done: Sergio Boris will talk about Artaud;
Silvio Lang, about Meyerhold; Agustín Mendilaharzu and Walter
Jakob, about Brecht; and Mariana Chaud, about Jarry.
All lectures are admission free and will take place at the Salón
Dorado of Teatro Colón on September 14, 16, 21 & 23 at 5:30 PM.
133
Ciclo de clases sobre Artes Escénicas
presentado por Panorama Sur, 10 FIBA
y Malba Literatura
Una serie de cuatro clases focalizadas en el Ciclo Invocaciones,
creado por Mercedes Halfon y Carolina Martín Ferro, en el que cuatro directores de teatro de Buenos Aires entran en diálogo con otros
cuatro directores de la historia del teatro del siglo XX; es decir que
trabajaron “con”, “a partir de”, “reescribiendo a” autores, directores,
estéticas que los precedieron.
En los encuentros, cada director desplegará sus reflexiones sobre la
reescritura y la lectura que hizo: Sergio Boris expondrá sobre Artaud;
Silvio Lang, sobre Meyerhold; Agustín Mendilaharzu y Walter Jakob,
sobre Brecht; y Mariana Chaud, sobre Jarry.
Las charlas se realizarán con entrada libre y gratuita en el Salón
Dorado del Teatro Colón, los días 14, 16, 21 y 23 de septiembre a
las 17:30 h.
homenaje a tadeusz kantor
tribute to tadeusz kantor
136
tribute to tadeusz kantor
In the year commemorating the 100th anniversary of the birth of Tadeusz Kantor,
FIBA joins the celebration of the life and work of the great Polish artist with various
activities, jointly with the Embassy of Poland in Buenos Aires. This is a very special
year for the Polish theatre scene since Kantor’s anniversary coincides with the
250th anniversary of the debut of the National Theatre Company, founded by King
Stanisław Poniatowski in Warsaw. For this reason, 2015 was declared the Year of
Theatre in that country.
Theatre Is Not to Be Watched
A program presenting four short pieces. El lugar de Kantor, an interactive videoinstallation by Silvia Maldini; La habitación de la infancia, an object theatre piece
created and directed by Susana Villalba; Evocaciones, a video-performance by
Jehymy Vasco; and Concierto para equipaje, a performance created and directed
by Tatiana Sandoval.
Sat 9/19 and Sat 9/26, 7 PM / Casa de la Lectura
Free admission, limited capacity.
Conference on His Visual and Theatrical Work
Participants: Ana Alvarado, Sergio Sabater and Katarzyna Cytlak
Wed 9/30, 7:30 PM / Casa de la Lectura
Free admission, limited capacity.
137
homenaje a tadeusz kantor
En el año de los festejos por el centenario del nacimiento de Tadeusz Kantor, el
FIBA se suma a la celebración de la vida y la obra del genial artista polaco con diversas propuestas junto a la Embajada de Polonia en Buenos Aires. Es un año muy
especial para la escena polaca dado que el aniversario de Kantor coincide con el
250º aniversario del primer estreno realizado por la Compañía Nacional de Teatro,
fundada por el rey Stanisław Poniatowski en Varsovia. Por este motivo, en ese país,
el 2015 fue declarado Año del Teatro.
El teatro no se mira
Multiespectáculo que consta de cuatro obras breves. El lugar de Kantor, una videoinstalación interactiva de Silvia Maldini; La habitación de la infancia, pieza de
teatro de objetos creada y dirigida por Susana Villalba; Evocaciones, videoperformance de Jehymy Vasco; y Concierto para equipaje, una performance con dramaturgia y dirección de Tatiana Sandoval.
Sáb 19 y Sáb 26/9, 19 h / Casa de la Lectura
Entrada gratuita hasta agotar la capacidad de la sala.
Conferencia sobre su obra plástica y teatral
Participantes: Ana Alvarado, Sergio Sabater y Katarzyna Cytlak
Mié 30/9, 19:30 h / Casa de la Lectura
Entrada gratuita hasta agotar la capacidad de la sala.
138
Exposición de fotografías de Stanislaw Ignacy Witkiewicz Witkacy
El dramaturgo elegido por Kantor fue también uno de los innovadores del encuadre,
el close up y la concepción general del uso de la cámara. Contemporáneo del surrealismo, el dadaísmo y el absurdo, su visión del arte y de la realidad se aprecian en
este recorrido por su obra fotográfica.
Jue 24, Vie 25, Sáb 26/9, Jue 1, Vie 2 y Sáb 3/10, de 17:30 a 21 h / Margen del Mundo
Entrada libre y gratuita.
Conferencia de Marcos Rosenzvaig
Las características generales del Teatro de la Muerte de Kantor. Una aproximación a
su particular estética acompañada de una performance teatral.
Jue 24/9, 19 h / Margen del Mundo
Entrada libre y gratuita.
Photo Exhibit by Stanislaw Ignacy Witkiewicz Witkacy
The playwright chosen by Kantor also had an innovative approach to framing, close-ups and the general use of the camera. He was contemporaneous with Surrealism, Dada and the Absurd. This journey through his photographic work reflects his
vision of art and reality.
Sept 24, 25, 26, Oct 1, 2 and 3, 5:30 PM-9 PM / Margen del Mundo
Free admission.
Conference by Marcos Rosenzvaig
General characteristics of Kantor’s Theatre of Death. An approach to his singular
aesthetics followed by a theatrical performance.
Thu 9/24, 7 PM / Margen del Mundo
Free admission.
encuentros y workshops
events & workshops
140
Events & Workshops
This section is an opportunity to come into direct contact with the
creators, learn about their working methods, their obsessions, and
their creative universes. For this reason, at the end of international
performances, there will be post-show discussions where the main
figures (performers and directors) will take the stage to converse with
the audience. In addition, the section will offer open talks, performing
experiences and workshops.
141
Encuentros y Workshops
Esta sección es un espacio para entrar en contacto con los creadores de manera directa, descubrir sus formas de trabajo, sus obsesiones, sus universos creativos. Por eso, una vez terminados los
espectáculos internacionales, habrá charlas post-función en las que
los protagonistas (intérpretes y directores) saldrán a escena para
dialogar con los espectadores. Además, se llevarán a cabo charlas
abiertas a todo público, experiencias escénicas y talleres.
142
POST-SHOW EVENTS
Immediately after the performance, the protagonists (cast members and directors)
will engage in a dialogue with the audience.
THE PAST , by Constanza Macras | DorkyPark
& Oscar Bianchi
Fri 9/18, 8:30 PM / Teatro San Martín,
Sala Martín Coronado
GANESH VERSUS THE THIRD REICH ,
W.W. (We Women), by Sol Picó cía. de danza
Mon 9/28, 8 PM / Alianza Francesa
Sat 9/19, 8:30 PM / Teatro 25 de Mayo
BRICKMAN BRANDO BUBBLE BOOM ,
by Agrupación Señor Serrano
Thu 9/24, 9 PM / Teatro San Martín,
Sala Casacuberta
ANTIGONÓN. UN CONTINGENTE ÉPICO ,
by Rogelio Orizondo
Fri 9/25, 9:30 PM / Teatro 25 de Mayo
CASTIGO , by Cristián Plana
Fri 9/25, 9:30 PM / Teatro Regio
THE BLIND POET , by Jan Lauwers
by Back to Back Theatre
Sat 9/26, 8:30 PM / Teatro Coliseo
KADDISH , by Arthur Nauzyciel
LA CAUTIVA , by Teatro La Plaza
Thu 10/1, 8 PM / Teatro Regio
gólgota picnic , by Rodrigo García
Sat 10/3, 7 PM / Teatro San Martín,
Sala Casacuberta
OPENING NIGHT , by Ivo van Hove
Sat 10/3, 8 PM / Teatro San Martín,
Sala Martín Coronado
MACBETH , by Brett Bailey
Sun 10/4, 5 PM / Teatro Colón
Fri 9/25, 7 PM / Teatro San Martín,
Sala Martín Coronado
Also, there will be a Q&A session after the screening of the film Die Letzten Zeugen (The Last
Witnesses), by Doron Rabinovici and Matthias Hartmann, with the participation of a protagonist, Ari Rath, a renowned Austrian journalist and writer based in Israel.
Thu 10/1, 7 PM and Sun 10/4, 7 PM / El Cultural San Martín, Sala 2
143
ENCUENTROS POST-FUNCIÓN
Una vez concluidas las funciones, los protagonistas de las obras (intérpretes
y directores) dialogarán con los espectadores que asistieron a la función.
THE PAST , de Constanza Macras | DorkyPark
y Oscar Bianchi
Vie 18/9, 20:30 h / Teatro San Martín,
Sala Martín Coronado
GANESH VERSUS THE THIRD REICH ,
W.W. (We Women) , por Sol Picó cía. de danza
Lun 28/9, 20 h / Alianza Francesa
Sáb 19/9, 20:30 h / Teatro 25 de Mayo
BRICKMAN BRANDO BUBBLE BOOM ,
de Agrupación Señor Serrano
Jue 24/9, 21 h / Teatro San Martín,
Sala Casacuberta
ANTIGONÓN. UN CONTINGENTE ÉPICO ,
de Rogelio Orizondo
Vie 25/9, 21:30 h / Teatro 25 de Mayo
CASTIGO , de Cristián Plana
Vie 25/9, 21:30 h / Teatro Regio
THE BLIND POET , por Jan Lauwers
por Back to Back Theatre
Sáb 26/9, 20:30 h / Teatro Coliseo
KADDISH , por Arthur Nauzyciel
LA CAUTIVA , por Teatro La Plaza
Jue 1/10, 20 h / Teatro Regio
gólgota picnic, por Rodrigo García
Sáb 3/10, 19 h / Teatro San Martín,
Sala Casacuberta
OPENING NIGHT , por Ivo van Hove
Sáb 3/10, 20 h / Teatro San Martín,
Sala Martín Coronado
MACBETH , por Brett Bailey
Dom 4/10, 17 h / Teatro Colón
Vie 25/9, 19 h / Teatro San Martín,
Sala Martín Coronado
También habrá un Q&A tras la proyección del film Die Letzten Zeugen (Los últimos testigos),
de Doron Rabinovici y Matthias Hartmann con la presencia de Ari Rath, uno de los protagonistas, reconocido periodista y escritor nacido en Austria y radicado en Israel.
Jue 1/10, 19 h y Dom 4/10, 19 h / El Cultural San Martín, Sala 2
144
OPEN EVENTS
JAN LAUWERS
The multi-faceted Belgian artist will talk with
10 FIBA’s Artistic Director Darío Lopérfido about
his work as a theatre director and about the two
productions he presents at the Festival, in a discussion open to the public.
THEATRE PROGRAMMING, PRODUCTION
AND MANAGEMENT TODAY
Prominent programmers and curators from different parts of the world will share their experiences and stories of success and failure in
performing arts production and programming.
Tue 9/22, 5:30 PM / Teatro Colón, Salón Dorado
Fri 10/2, 10 AM-12:30 PM / Teatro Buenos Aires
Free Admission
Limited capacity.
Free Admission
Limited capacity.
MATÍAS FELDMAN
The pianist, actor, director, playwright, founder and general director of the Compañía
Buenos Aires Escénica will present two of his experimental works, part of a series
called Proyecto de Pruebas.
Prueba I: El espectador
Prueba II: La desintegración
Research and reflection on the role of the spectator in the theatrical event. What happens when
the spectator watching is watched? And what
happens when that which watches the spectator
is fiction?
What do we disintegrate? A few scenes? A story?
A model of representation? A realistic model?
What is realism? In the presence of failure, when
order, times and correspondences break, what do
we see? Something begins to vibrate. This is not
about what we see, but what resonates.
Thu, 9/24, 2:30 PM and 4 PM
Thu, 10/1, 2:30 PM and 4 PM
Teatro Defensores de Bravard
Free Admission
Advance online registration is required.
Sun, 9/20, 3 PM and 4:30 PM
Sun, 10/4, 3 PM and 4:30 PM
Teatro Defensores de Bravard
Free Admission
Advance online registration is required.
145
ENCUENTROS ABIERTOS
JAN LAUWERS
El multifacético artista belga discutirá junto con
Darío Lopérfido, director artístico del 10 FIBA,
sobre su trabajo como director teatral y sobre
sus dos obras presentes en esta edición en una
charla abierta al público en general.
PROGRAMACIÓN, PRODUCCIÓN Y
GESTIÓN TEATRAL EN EL CONTEXTO
ACTUAL
Destacados programadores y curadores de distintos sectores del mundo darán a conocer sus
experiencias, triunfos y fracasos al producir y
programar artes escénicas.
Mar 22/9, 17:30 h / Teatro Colón, Salón Dorado
Gratis
Hasta agotar la capacidad de la sala.
Vie 2/10, de 10 a 12:30 h / Teatro Buenos Aires
Gratis
Hasta agotar la capacidad de la sala.
MATÍAS FELDMAN
El pianista, actor, director, dramaturgo, fundador y director general de la Compañía
Buenos Aires Escénica, presenta dos de sus pruebas, como parte del Proyecto
de Pruebas.
Prueba I: El espectador
Prueba II: La desintegración
Investigación y reflexión acerca del lugar del espectador en el hecho teatral. ¿Qué sucede cuando el espectador que mira es mirado? ¿Y qué
ocurre cuando aquello que mira al espectador es
la ficción?
¿Qué desintegramos? ¿Unas escenas? ¿Un relato?
¿Un modelo de representación? ¿Ese modelo sería
el realismo? ¿Qué realismo? ¿Qué es el realismo?
Ante la falla, ante la ruptura del orden, los tiempos
y las correspondencias, ¿qué vemos? Algo empieza a vibrar. No se trata de lo que se ve, sino de lo
que resuena.
Jue 24/9, 14:30 h y 16 h
Jue 1/10, 14:30 h y 16 h
Teatro Defensores de Bravard
Gratis
Requiere inscripción previa vía web.
Dom 20/9, 15 h y 16:30 h
Dom 4/10, 15 h y 16:30 h
Teatro Defensores de Bravard
Gratis
Requiere inscripción previa vía web.
146
WORKSHOPS
CONSTANZA MACRAS DANCE IN ACTION *
NICK HALLETT - OPEN SOURCE
SINGING METHOD *
The Argentine-born, Berlin-based dancer, director of dance company Dorky Park, and one of her
dancers, Emil Bordás, will share a theoreticalpractical training session.
American musician Nick Hallet will conduct
a workshop for performers seeking to gain a
deeper awareness of their voices and information on vocal acoustics and biomechanics to
increase their creativity.
Sat 9/19, 11 AM-2 PM / Teatro Coliseo
Fri 10/2, 2 PM-5 PM / Teatro Colón, CETC
THE BODY IN THE WORKS
OF JAN LAUWERS *
The Belgian director will conduct a workshop
for dancers and actors with movement training
in which they will perform intense physical work.
Mon 9/21, 11 AM-3 PM / Teatro Coliseo
BACK TO BACK THEATre:
EXPLORING NEW TECHNOLOGIES
IN CREATIVE PROCESSES *
NAHUEL CANO - FICCIÓN A
MARTILLAZOS | Laboratory
of Stage Experiences *
The lab intends to explore the forces, the ways of
action, and the ways fiction enters the scene to
build a map, a personal approach to the imaginary, projected and overlapping onto the real,
material map – the scene.
Sat, 9/26, 2 PM-5 PM / Teatro Coliseo
The Australian company shares, with workshop
participants, a preview of their research on the
use of sound, specifically binaural, which will be
part of their upcoming production, to premiere in
late 2016.
Sun 9/27, 10 AM-12:30 PM / Teatro Coliseo
*
Free admission / Advance online registration is required.
147
WORKSHOPS
CONSTANZA MACRAS DANZA EN ACCIÓN *
NICK HALLETT - ESCUCHAR NUESTRAS
VERDADERAS VOCES *
La bailarina argentina radicada en Alemania, directora de la compañía Dorky Park, junto a uno de
sus bailarines, Emil Bordás, compartirán un entrenamiento teórico-práctico con bailarines locales.
El músico norteamericano Nick Hallet dictará un
taller para intérpretes que quieran lograr una
conciencia más profunda de sus voces y contar
con información sobre acústica vocal y biomecánica para potenciar su creatividad.
Sáb 19/9, de 11 a 14 h / Teatro Coliseo
Vie 2/10, de 14 a 17 h / Teatro Colón, CETC
EL CUERPO EN LAS OBRAS
DE JAN LAUWERS *
El director belga dará un taller para bailarines y
actores con dominio corporal en el que desarrollarán un intenso trabajo físico.
Lun 21/9, de 11 a 15 h / Teatro Coliseo
BACK TO BACK THEATre:
EXPLORACIÓN DE LAS NUEVAS
TECNOLoGíAS EN LOS PROCESOS
CREATIVOS *
La compañía australiana anticipa con los participantes de este workshop el proceso de investigación sobre el uso del sonido, en particular el
binaural, que desarrolla y formará parte de su
próximo espectáculo a estrenarse a fines de 2016.
Dom 27/9, de 10 a 12:30 h / Teatro Coliseo
*
Gratis / Requiere inscripción previa vía web.
NAHUEL CANO - FICCIÓN A
MARTILLAZOS | Laboratorio
de Experiencias Escénicas *
El laboratorio pretende investigar las potencias, los
modos de acción y los modos de aparición de la
ficción en escena para de esta manera construir
un mapa, una aproximación personal a lo imaginario, que se proyecta y superpone sobre el mapa
real, material, de la escena.
Sáb 26/9 de 14 a 17 h / Teatro Coliseo
Muebles - Diseño Interiores
las películas
the films
150
the films
After a successful first edition in the last FIBA, the film section
returns to serve as a bridge between two arts that are very much
related. In this opportunity, there will be a good amount of local
offerings by young filmmakers featured at Bafici, and a number
of gems from abroad. Germany brings a focus on Andres Veiel.
Austria offers Die Letzten Zeugen (The Last Witnesses), a filmed
version of the stage production that recovers the voices of Holocaust victims. From France come a documentary about Ariane
Mnouchkine and the Théâtre du Soleil, and the version of Racine’s
classic Phèdre made by Patrice Chéreau. In addition, the section
premieres a documentary about the ninth FIBA, featuring Darío
Lopérfido in interviews with several participating foreign directors
and excerpts from their shows.
151
las películas
Tras el éxito de su primera edición en el FIBA pasado, la sección cinéfila vuelve a tender puentes entre dos artes tan ligadas.
Esta vez, habrá una buena dosis de propuestas locales a cargo de creadores jóvenes que pasaron por el Bafici y una serie
de joyas que vienen del exterior. Alemania trae un foco sobre
Andres Veiel. Austria ofrece Die Letzten Zeugen (Los últimos testigos), versión filmada de la obra teatral que recupera las voces
de aquellas personas que sufrieron el Holocausto. De Francia, un
documental sobre Ariane Mnouchkine y el Théâtre du Soleil, y la
versión realizada por Patrice Chéreau sobre el clásico Phèdre,
de Racine. Además, se estrenará el documental sobre el IX FIBA,
con entrevistas de Darío Lopérfido a varios de los directores extranjeros que participaron y con fragmentos de los espectáculos.
152
Anagramas, de Santiago Giralt
Argentina, 2014, 82’
Una pareja sin hijos, un matrimonio con tres hijos y una pareja gay con un hijo de un matrimonio
anterior se entremezclan en cuatro cuentos como las letras de un anagrama. A couple without
children, a married couple with three children and a gay couple with a son from a previous marriage
are mixed together in four short stories like letters in an anagram puzzle.
Santiago Giralt Es cineasta, escritor, actor y dramaturgo. Escribió, dirigió y produjo una decena de películas, que recorrieron los principales festivales del mundo. Socio fundador de Los Griegos Films y finalista de los Premios Nacionales, Konex, Cóndor de Plata, Sur y Premio Planeta de Novela.
He is a filmmaker, writer, actor and playwright. He has written, directed and
produced over ten films, screened at major festivals worldwide. A founding
partner of Los Griegos Films and an award finalist for Premios Nacionales,
Konex, Cóndor de Plata, Sur and Premio Planeta de Novela.
Jue 24/9, 20 h / Vie 2/10, 21 h
Thu 9/24, 8 PM / Fri 10/2, 9 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
153
Ariane Mnouchkine. L’Aventure du Théâtre du Soleil,
de Catherine Vilpoux - Francia, 2009, 75’
La cámara de Catherine Vilpoux registró a Ariane Mnouchkine y su compañía, el célebre Théâtre du Soleil, desde 2010 en su actividad cotidiana: desde funciones en Taipei y en Nueva York hasta el trabajo y
la creación de cada día en el espacio teatral donde funciona este elenco, la Cartoucherie de Vincennes,
ubicado en las afueras de París. El resultado es una biografía teatral e íntima que combina ensayos,
fragmentos de espectáculos, testimonios diversos y a la propia Mnouchkine evocando su infancia, su
amor por el cine, su concepción del teatro, su militancia y su compromiso político, entre otras cuestiones. Catherine Vilpoux has captured the artistic activity that Ariane Mnouchkine and her company, the
famous Théâtre du Soleil, have been carrying out since 2010: from performances in Taipei and New
York to the daily work and creative routines at the company’s base, the Cartoucherie de Vincennes,
on the outskirts of Paris. The result is an intimate theatrical biography combining rehearsals, extracts
from performances, various testimonies and featuring Mnouchkine as she evokes her childhood, her
passion for cinema, her conception of theatre, and her political activism and commitment.
Catherine Vilpoux Es editora de varios documentales así como de películas para televisión.
Ariane Mnouchkine. L’Aventure du Théâtre du Soleil es su primera producción como directora, editora
y fotógrafa. She has edited several documentaries as well as telefilms. Ariane Mnouchkine. L’Aventure
du Théâtre du Soleil is her first film as a director, editor and cinematographer.
Sáb 26/9, 22:20 h / Vie 2/10, 19 h
Sat 9/26, 10:20 PM / Fri 10/2, 7 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
Se presenta con el apoyo del Institut Français d´Argentine.
Presented with the support of the Institut Français d’Argentine.
154
El infierno de Beatriz, de Marcos Migliavacca
Argentina, 2015, 16’
El infierno de Beatriz es un viaje fantasmal por la mente y las sensaciones de la dramaturga y directora
teatral Beatriz Catani durante una función de la obra Infierno, adaptación libre de La divina comedia.
El riesgo y la imposibilidad de control, junto a lo efímero de lo teatral, y lo inevitable de la muerte que
interrumpe el amor son ideas de un paisaje sonoro dantesco donde la intimidad de la voz de Beatriz
sobrevuela en un itinerario melancólico. El infierno de Beatriz is an eerie journey through the mind
and senses of playwright and theatre director Beatriz Catani during a performance of the play Infierno,
a free adaptation of The Divine Comedy. Ideas such as risk and impossibility to control, along with
the ephemeral about theatre, and love interrupted by the inevitability of death are part of a Dantesque
soundscape layered with the intimacy of Beatriz’s floating voice on a melancholic excursion.
Marcos Migliavacca Nació en La Plata. Estudió comunicación audiovisual en la UNLP. Fue codirector del largometraje Al cielo (2012), dirigido por
Diego Prado, y junto con Nahuel Lahora dirigió Rocío Recorder (2014). Es
programador del Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata,
FestiFreak. Born in La Plata, he studied audiovisual communication at UNLP.
He co-directed the feature film Al cielo (2012), with Diego Prado, and with
Nahuel Lahora he directed Rocío Recorder (2014). He is a programmer of
La Plata International Independent Film Festival, FestiFreak.
Sáb 26/9, 20 h / Sáb 3/10, 19 h
Sat 9/26, 8 PM / Sat 10/3, 7 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
155
Phèdre, de Patrice Chéreau
Francia, 2003, 140’
Patrice Chéreau ha elegido mostrar su Fedra en un decorado desnudo rodeado de murallas de
piedra de los Atelier Berthier. De la tragedia de deseo y de muerte de Racine, nos presenta el retrato
de una mujer con el cuerpo y el alma quemados por un amor prohibido. Dominique Blanc encarna a
esa mujer, perdida, fuera de sí, escándalo viviente más allá de toda razón y de toda moral, representación carnal del enigma del deseo femenino. Patrice Chéreau shows his Phaedra in a bare space
surrounded by the stone walls of the Atelier Berthier. In his version of Racine’s tragedy of desire
and death, he presents a portrait of a woman physically and spiritually scarred by a forbidden love.
Dominique Blanc plays this woman, lost, desperate, a living disgrace beyond all reason, a fleshand-blood incarnation of the enigma of female desire.
Patrice Chéreau (1944-2013) Fue director de cine, teatro y ópera además de productor, actor y guionista. (1944-2013) He was a film, theatre and
opera director as well as a producer, actor and scriptwriter.
Jue 24/9, 17 h / Sáb 26/9, 17 h
Thu 9/24, 5 PM / Sat 9/26, 5 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
Se presenta con el apoyo del Institut Français d´Argentine.
Presented with the support of the Institut Français d’Argentine.
156
focus on Andres Veiel
Balagan, de Andres Veiel - Alemania, 1993, 96’
Un actor judío ortodoxo, la hija de un superviviente de un campo de concentración y un palestino elaboran juntos una obra de teatro sobre la presencia del Holocausto en la sociedad
israelí. Una experiencia que visibiliza las dolorosas contradicciones de la sociedad israelí al
mismo tiempo que personifica una gran esperanza. An orthodox Jewish actor, the daughter of
a concentration camp survivor and a Palestinian create a play together about the presence of
the Holocaust in the Israeli society. An experience that reflects the painful contradictions of the
Israeli society while giving great hope.
Andres Veiel Multipremiado director de cine y teatro, guionista y autor
nacido en 1959 en Stuttgart, Alemania. Estudió psicología y luego dirección
y dramaturgia con Krzysztof Kieślowski. Es miembro de las Academias de
Cine alemana y europea. Enseña en diferentes universidades de cine. Su
filmografía incluye Black Box BRD (2001) y Quién sino nosotros (2011). An
award-winning film/theatre director and writer born in 1959 in Stuttgart,
Germany. He studied psychology first and then directing and playwriting with Krzysztof Kie ślowski.
He is a member of the German and European Film Academies and a teacher at different film
schools. His filmography includes Black Box BRD (2001) and If Not Us, Who? (2011).
Jue 1/10, 17 h
Thu 10/1, 5 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
Se presenta con el apoyo del Goethe-Institut.
Presented with the support of the Goethe-Institut.
157
foco Andres Veiel
Der Kick (El golpe), de Andres Veiel
Alemania, 2006, 82’
En la noche del 13 de julio de 2002 fue asesinado Marinus Schöberl de 16 años por tres
jóvenes neonazis. La película es una adaptación fílmica de la obra de teatro homónima, que
representa lo ocurrido en lecturas escénicas. Fue estrenada en la Berlinale 2006. On the night
of July 13, 2002, 16-year-old Marinus Schöberl was murdered by three neo-Nazi teenagers.
The film is an adaptation of the play of the same name, in which real events are presented in
a stage-reading style. It premiered at the Berlinale 2006.
Dom 4/10, 17 h
Sun 10/4, 5 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
Se presenta con el apoyo del Goethe-Institut.
Presented with the support of the Goethe-Institut.
158
focus on Andres Veiel
Die Spielwütigen (Pasión por actuar), de Andres Veiel
Alemania, 2003, 108’
Durante siete años Veiel acompañó a cuatro jóvenes que quieren estudiar arte dramático en
la prestigiosa escuela de Ernst Busch de Berlín. Cuatro vidas y una película sobre el pasaje de
la adolescencia a ser adultos, el retrato de una generación. Premio del Público y de la Crítica
Alemana en la Berlinale 2003. For seven years, Veiel has followed four young drama students
at the prestigious Ernst Busch academy in Berlin. Four lives and a movie about the passage
from adolescence to adulthood, the portrait of a generation. Winner of the Audience Choice
Award and German Critics’ Prize at the Berlinale 2003.
Andres Veiel Multipremiado director de cine y teatro, guionista y autor
nacido en 1959 en Stuttgart, Alemania. Estudió psicología y luego dirección
y dramaturgia con Krzysztof Kieślowski. Es miembro de las Academias de
Cine alemana y europea. Enseña en diferentes universidades de cine. Su
filmografía incluye Black Box BRD (2001) y Quién sino nosotros (2011). An
award-winning film/theatre director and writer born in 1959 in Stuttgart,
Germany. He studied psychology first and then directing and playwriting with Krzysztof Kie ślowski.
He is a member of the German and European Film Academies and a teacher at different film
schools. His filmography includes Black Box BRD (2001) and If Not Us, Who? (2011).
Dom 27/9, 17 h
Sun 9/27, 5 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
Se presenta con el apoyo del Goethe-Institut.
Presented with the support of the Goethe-Institut.
159
foco Andres Veiel
Winternachtstraum (Sueño de una noche de invierno),
de Andres Veiel
Alemania, 1991-92, 84’
Inka Köhler-Rechnitz termina su formación de actriz en 1928, pero por motivos familiares y
políticos recién sesenta años más tarde vuelve a las tablas, ámbito que debía haber sido el
primer peldaño de su carrera. Sueño de una noche de invierno relata los sueños de su juventud
y el intento de realizar una parte de ellos en la vejez. Inka Köhler-Rechnitz completed her
training as an actress in 1928, but due to family and political reasons it was not until sixty
years later that she returned to the stage, the place that was supposed to be the first step in
her career. Winter Night’s Dream narrates the dreams of her youth and the attempt to fulfill a
part of them during old age.
Vie 25/9, 17 h
Fri 9/25, 5 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
Se presenta con el apoyo del Goethe-Institut.
Presented with the support of the Goethe-Institut.
160
La princesa de Francia, de Matías Piñeiro
Argentina, 2014, 70’
Luego de un año en el extranjero, Víctor regresa a Buenos Aires con dos nuevos proyectos para su
compañía de teatro: adaptar Shakespeare para la radio y reconquistar amores perdidos. After a
year living abroad, Víctor returns to Buenos Aires with two new projects for his theatre company:
adapting Shakespeare for radio and winning back lost loves.
Matías Piñeiro Nacido en Buenos Aires en 1982. Estudió en la Universidad del Cine, donde enseñó dirección, guión e historia del cine. Sus películas
incluyen El hombre robado, Todos mienten, Rosalinda y Viola. Actualmente
está terminando la cuarta película de su serie Las Shakespeareadas: Hermia
y Helena, su primera película hablada en inglés. Born in Buenos Aires
in 1982, he studied at Universidad del Cine, where he taught Directing,
Screenwriting and Film History. His films include El hombre robado, Todos mienten, Rosalinda and
Viola. He is currently finishing the fourth film of his series Las Shakespeareadas: Hermia y Helena,
his first English-language movie.
Sáb 26/9, 20 h / Sáb 3/10, 19 h
Sat 9/26, 8 PM / Sat 10/3, 7 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
161
Llamas de nitrato, de Mirko Stopar
Argentina-Noruega, 2015, 65’
El film cuenta la historia de Renée Falconetti, la actriz francesa que interpretó el rol principal en la
mítica película La pasión de Juana de Arco, de Carl Dreyer. El documental se centra en la colaboración entre Falconetti y Dreyer durante el rodaje y en cómo esta performance impactó en la vida de
la intérprete. Además, muestra el derrotero del film de Dreyer, censurado, quemado y perdido durante años, hasta la azarosa aparición de un negativo original en un manicomio noruego en los 80.
The film tells the story of Renée Falconetti, the French actress that starred in Carl Dreyer’s epic film
The Passion of Joan of Arc. The documentary centers on the collaboration between Falconetti and
Dreyer during the shooting, and on how this performance affected the life of the actress. It also
shows the tragic fate of Dreyer’s film, censored, burnt and lost for years, until an original negative
was discovered at a Norwegian mental institution in the 1980s.
Mirko StopaR Nació en Buenos Aires, en 1974. Allí estudió cine y realizó
cortometrajes y videos musicales. Trabajó en TV y publicidad. Desde 2001 reside parte de su tiempo en Noruega, donde trabaja como director y guionista
de cine y TV con su productora Ferryman Film. He was born in 1974 in Buenos Aires, where he made a series of short films and music videos, and worked in TV and commercials. Since 2001, he has been based in Norway, where
he has worked as a director and writer for film and TV with his production company, Ferryman Film.
Vie 2/10, 17 h / Sáb 3/10, 17 h
Fri 10/2, 5 PM / Sat 10/3, 5 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
162
Die letzten Zeugen (Los últimos testigos),
de Doron Rabinovici y Matthias Hartmann
Austria, 2013, 134’
¿Qué pasará cuando se agoten las voces de los últimos testigos del Holocausto para siempre?
Un grupo de jóvenes actores lee los testimonios mientras los testigos mayores legitiman cada
palabra con su presencia. Lo importante es recibir sus mensajes y compartir la carga del
recuerdo para el futuro. El film se mostró en el Burgtheater en Viena y en el Theatertreffen en
Berlín. En Buenos Aires se exhibe gracias al apoyo de la Embajada de Austria y de la Radiotelevisión Austríaca ORF, y contará con la presencia de Ari Rath, uno de los protagonistas del film,
reconocido periodista y escritor nacido en Austria y radicado en Israel. What will happen when
the voices of the last witnesses of the Holocaust ran out forever? A group of young actors read
testimonies while older eyewitnesses legitimize each word with their presence. The important
thing is to receive their messages and share the burden of the memory for the future. The film
was screened at the Burgtheater in Vienna and the Theatertreffen in Berlin. Its exhibition in
Buenos Aires is made possible by the support of the Embassy of Austria and the ORF Austrian
Broadcaster and will feature the participation of a protagonist, Ari Rath, a renowned Austrian
journalist and writer based in Israel.
Mié 23/9, 20 h
Wed 9/23, 8 PM
Teatro Colón, Plaza Vaticano
Jue 1/10, 19 h + Q&A / Dom 4/10, 19 h + Q&A
Thu 10/1, 7 PM + Q&A / Sun 10/4, 7 PM + Q&A
El Cultural San Martín, Sala 2
163
Doron Rabinovici Nació en 1961 en Tel Aviv y vive en Viena desde 1964.
Escritor, historiador con numerosas distinciones, entre otras del Archivo de
Documentación de la Resistencia Austríaca (DÖW). He was born in 1961 in
Tel Aviv and has lived in Vienna since 1964. A writer and historian recognized with numerous honors, including one from the Documentation Centre of
Austrian Resistance (DÖW).
Matthias Hartmann Nació en 1963 en Osnabrueck y vive en Salzburgo. Director de teatro y ópera. Dirigió instituciones como Schauspielhaus
Bochum, Schauspielhaus Zuerich y Burgtheater Viena. He was born in 1963
in Osnabruck and lives in Salzburg. He is a theatre and opera director, and
former Director of Schauspielhaus Bochum, Schauspielhaus Zuerich and
Burgtheater Viena.
164
Una canción coreana, de Gustavo Tarrío y Yael Tujsnaider
Argentina, 2014, 78’
An Ra Chung llegó a la Argentina hace más de treinta años, vive con su familia en el barrio
coreano de Buenos Aires. Es esposa, madre, cristiana devota, maestra de canto y además es
cantante lírica. En un momento de su vida se cruza con los directores que le proponen ser
protagonista de una obra de teatro y de una película. An Ra Chung arrived in Argentina more
than thirty years ago and lives with her family in the Korean neighborhood of Buenos Aires.
She is a wife, mother, devoted Christian, singing teacher, and also a lyric singer. At some point
in her life she meets the directors who ask her to star in a stage production and in a film.
Vie 25/9, 22:20 h / Dom 27/9, 20 h
Fri 9/25, 10:20 PM / Sun 9/27, 8 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
165
Gustavo Tarrío Se graduó en el CERC (actual ENERC) del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales). Entre sus creaciones teatrales
figuran Afuera, Kuala Lumpur, Decidí canción, LB.tv y en cine dirigió los
films Foto Bonaudi, Súper y Una canción coreana (2014). He graduated
from CERC (now ENERC) of INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales). His credits as a theatre maker include Afuera, Kuala Lumpur, Decidí canción, LB.tv, and as a film director, Foto Bonaudi, Súper and Una canción coreana (2014).
Yael Tujsnaider Es licenciada en Artes, egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Trabaja como productora audiovisual y gestora
cultural independiente. En 2008 comienza a trabajar con la comunidad
coreana argentina, asesorando en contenidos audiovisuales a la empresa
coreano­argentina BizDragon, promoviendo el diálogo y difundiendo ambas
cinematografías. She holds a degree in Arts from UBA’s Faculty of Philosophy and Letters. She works as a freelance cultural manager and audiovisual producer. In 2008, she
began working with the Korean-Argentine community, providing advice on audiovisual materials to
Korean-Argentine company BizDragon, fostering dialogue, and promoting films from both countries.
166
Documental IX FIBA, realizado por Baraka Producciones
con la colaboración de Eugenio Zanetti
Argentina, 2013-2015, 90’
Un recorrido por la novena edición del Festival Internacional de Buenos Aires con entrevistas realizadas por su director artístico, Darío Lopérfido, a los directores extranjeros que participaron. Una
oportunidad única para volver a ver fragmentos de los espectáculos que marcaron la edición y,
sobre todo, para acercarse al pensamiento y la reflexión de sus protagonistas. A journey through
the ninth edition of the Festival Internacional de Buenos Aires featuring interviews by its artistic
director, Darío Lopérfido, with foreign directors who participated. A unique opportunity to see again
excerpts from its most stunning productions, and especially to take a closer look at the views and
reflections of their makers.
Vie 25/9, 20 h / Sáb 3/10, 21 h
Fri 9/25, 8 PM / Sat 10/3, 9 PM
El Cultural San Martín, Sala 2
los libros
the books
168
The books
The Festival continues to publish books that offer an opportunity to
reflect on stage-related topics, immerse oneself in fictional stories all
over again and reconnect with theatre through imagination as many
times as wanted. For this reason, books are still a source of interest.
10 FIBA presents four new releases: Nueva Dramaturgia Cubana, an
anthology compiled by Argentine critic Federico Irazábal; the traditional publication of the two winning pieces of the Rozenmacher Prize for
New Playwriting in a quadrilingual edition, jointly with the Centro Cultural Ricardo Rojas; Casa que arde. Teatro para niñas anarquistas y animales embalsamados, by Emilio García Wehbi, and Lo incapturable.
Puesta en escena y dirección teatral, by Rubén Szuchmacher.
169
los libros
El Festival sigue abocado a publicar libros que permitan repensar
cuestiones vinculadas a la escena, volver a sumergirse en ficciones
y retomar el contacto con lo teatral de manera imaginaria tantas veces como uno quiera. Por eso, los libros siguen siendo motivo de interés y en el marco del 10 FIBA habrá cuatro presentaciones: Nueva
Dramaturgia Cubana, una flamante antología realizada por el crítico
argentino Federico Irazábal; la habitual edición de las dos obras ganadoras del Premio Rozenmacher de Nueva Dramaturgia, en versión
cuatrilingüe, junto con el Centro Cultural Ricardo Rojas, Casa que
arde. Teatro para niñas anarquistas y animales embalsamados, de
Emilio García Wehbi, y Lo incapturable. Puesta en escena y dirección
teatral, de Rubén Szuchmacher.
170
nueva dramaturgia cubana
El 10 FIBA edita Nueva Dramaturgia Cubana, volumen que reúne siete obras de tres jóvenes autores
cubanos, representantes de la nueva dramaturgia
isleña, en un momento en que poco se conoce de
la prolífica creación teatral de ese país. Esta antología, realizada por el crítico argentino Federico
Irazábal, incluye las siguientes piezas que fueron
escritas y estrenadas en los últimos años: Talco y
Mecánica, de Abel González Melo (n. 1980); Semen
y Pasaporte, de Yunior García Aguilera (n. 1982);
Perros que jamás ladraron, Ayer dejé de matarme
y Antigonón. Un contingente épico, de Rogelio
Orizondo (n. 1983). Una aproximación a una escritura intensa y de fuerte carga política que se aleja de los lugares comunes,
las proclamas demagógicas o los alegatos. Por el contrario los tres autores
evidencian un tratamiento formal muy elaborado y extremo, en las antípodas
del realismo, a través del cual abordan distintos aspectos dolorosos de la
realidad y la vida cotidiana cubana.
171
Dice Irazábal: “Leído desde la extranjería, que es lo único a lo que podemos
aspirar, se podría decir que el protagonista de estos siete textos es el mismo:
la isla. Y es que como no ocurre en otros territorios, la isla, Cuba, la república,
es una suerte de organismo que se mueve, se desarrolla, crece, se transforma, oprime y libera. No se trata jamás de un objeto estanco, establecido,
firme. Es puro dinamismo que resiste a ser convertido en objeto estanco
pero que sabe que algo de ese estancamiento le ha ocurrido. Una sociedad
fragmentada que mira y habla de dos países que son el mismo precisamente
porque son diferentes: la Cuba que construyen los hijos de la revolución no
es la misma que la que construyen los hijos del período especial (que se
inicia en 1991 con la caída de la URSS y se extiende a lo largo de la década). Entre la mirada idealizada y la cruel realidad, el teatro es un ámbito de
debate, de pulsión, de creatividad feroz que busca darle forma a una palabra
siempre silenciada, postergada”.
Sáb 26/9, 15 h / Margen del Mundo
Entrada libre y gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala.
172
nueva dramaturgia cubana
10 FIBA releases Nueva Dramaturgia Cubana,
a book with seven plays by three Cuban authors, who represent the island’s new drama, at
a time when very little is known about the prolific theatrical creation in the country. This anthology, compiled by Argentine critic Federico
Irazábal, includes the following pieces, written and premiered in recent years: Talco and
Mecánica, by Abel González Melo (b. 1980);
Semen and Pasaporte, by Yunior García
Aguilera (b. 1982); Perros que jamás ladraron, Ayer dejé de matarme and Antigonón. Un
contingente épico, by Rogelio Orizondo (b.
1983). The book is an overview of an intense, politically charged writing
that stays away from commonplaces, demagogic claims or pleadings. On
the contrary, the three authors evince a very elaborate and extreme formal
treatment, opposed to realism, through which they explore painful aspects
of Cuban reality and everyday life.
173
Irazábal says, “After reading these texts from abroad, which is the only
thing we can aspire to do, we could say that the protagonist of these seven
texts is one and the same: the island. And different from what happens in
other territories, the island, Cuba, the republic, is a sort of organism that
can move, develop, grow, transform, oppress and liberate. It is never a
stagnant, fixed, firm object. It is pure dynamism refusing to be made into a
stagnant object but knowing that it has been affected by some degree of
stagnation. A fragmented society that looks and talks about two countries
that are one and the same precisely because they are different: the Cuba
built by the children of the revolution is not the same as the one built by
the children of the Special Period (beginning in 1991 with the fall of the
USSR and running through the decade). Between an idealized view and a
cruel reality, theatre is a space for discussion, stimulus, and fierce creativity seeking to shape a word always silenced, postponed.”
Sat 9/26, 3 PM / Margen del Mundo
Free admission, limited capacity.
174
IX Germán Rozenmacher Award for New Playwriting
Book Presentation & Award Ceremony
Created in 1999, the Germán Rozenmacher Award for New Playwriting is organized by the Centro Cultural Rector Ricardo Rojas of the Universidad de Buenos
Aires and FIBA, under the authority of the Buenos Aires City’s Ministry of Culture.
It takes the name of Germán Rozenmacher (Buenos Aires, 1936 - Mar del Plata,
1971) in homage to the memory of the great playwright and short-story writer, author of Requiem for a Friday Night and Little Black Head. It is offered and awarded
every two years, in each new edition of FIBA. Its aim is to stimulate the production
of authors born or based in Argentina who are under 36 years of age. In 2015, the
jury for the ninth edition of the Award included Jimena Aguilar (2013 Rozenmacher
Award winner), critic Jorge Dubatti and author Santiago Loza, who selected the
following prize and mention winners:
1st Prize: Todo tendría sentido si no existiera la muerte, by Mariano Tenconi Blanco
2nd Prize: Todo lo cercano se aleja, by Laura Paredes
Mentions (in no order of merit): Abrakadabra, by Leandro Matías Airaldo; B, by Giuliana Kiersz;
Chongo triste, by Alberto Antonio Romero; and Los cautivos, by Jimena Repetto
The First Prize and Second Prize winning plays are published by Los Libros del Rojas in a quadrilingual edition, with translation into English, French and Portuguese to facilitate their reading and
staging in other contexts. Translations were by Laura Guidi (English), Sandra Andreoli (Portuguese)
and Valeria Castelló-Joubert (French). Just like in previous years, this ninth edition displays the
great quality, poetic diversity and huge output of the new generation of playwrights, as well as the
originality, the value of the new and the experimentation in their writings.
Authorities: UBA Rector: Dr. Alberto Edgardo Barbieri; Secretary of International Relations, Culture
and Communication: Jorge Biglieri; General Coordinator of Culture: Cecilia Vázquez.
Fri 9/18, 7 PM / CC Rojas
Free admission, limited capacity.
175
Presentación del libro y entrega de premios
del IX Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia
Creado en 1999, el Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia es organizado por el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, de la Universidad de Buenos
Aires, y el FIBA, que depende del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos
Aires. Lleva el nombre de Germán Rozenmacher (Buenos Aires, 1936 - Mar del
Plata, 1971) en homenaje a la memoria del gran dramaturgo y cuentista, autor de
Réquiem para un viernes a la noche y Cabecita negra. Se convoca y entrega cada
dos años, en ocasión de cada nueva edición del FIBA. Su objetivo es estimular
la producción de autores argentinos o radicados en la Argentina que no hayan
cumplido 36 años. En 2015, en su novena edición, el Premio contó con un jurado
integrado por Jimena Aguilar (ganadora del Premio Rozenmacher 2013), el crítico
Jorge Dubatti y el autor Santiago Loza, quienes eligieron a los siguientes ganadores y mencionados:
1er Premio: Todo tendría sentido si no existiera la muerte, de Mariano Tenconi Blanco
2do Premio: Todo lo cercano se aleja, de Laura Paredes
Menciones (sin orden de mérito): Abrakadabra, de Leandro Matías Airaldo; B, de Giuliana Kiersz;
Chongo triste, de Alberto Antonio Romero; y Los cautivos, de Jimena Repetto
Las obras ganadoras del Primer Premio y del Segundo Premio son publicadas por la editorial Los
Libros del Rojas en edición cuatrilingüe con traducciones al inglés, al francés y al portugués, para
favorecer su lectura y puesta en escena en otros contextos. Las traducciones han sido realizadas
por Laura Guidi (inglés), Sandra Andreoli (portugués) y Valeria Castelló-Joubert (francés). Como
sucedió en años anteriores, esta novena edición pone en evidencia la calidad, la diversidad poética
y la cantidad de producción de la nueva generación de dramaturgos, así como la originalidad, el
valor de lo nuevo y el carácter experimental de sus escrituras.
Autoridades: Rector de la UBA: Dr. Alberto Edgardo Barbieri; Secretario de Relaciones Institucionales,
Cultura y Comunicación: Lic. Jorge Biglieri; Coordinadora General de Cultura: Lic. Cecilia Vázquez.
Vie 18/9, 19 h / CC Rojas
Entrada libre y gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala.
176
10 fiba recommends
casa que arde. teatro para niñas anarquistas
y animales embalsamados
This book, by Emilio García Wehbi, was published by Ediciones DocumentA/
Escénicas 2015. The text was written for the recent staging of the production of
the same name at the state-run Konzert Theater Bern, in Switzerland, which was
co-directed by the author and Maricel Álvarez.
In the play, Emilio García Wehbi takes Federico García Lorca’s The House of Bernarda Alba as a starting point to depict the family home as a microfascist space
where women are subject to a phallic-logocentric and religious structure that takes
away their power and will. Casa que arde is a modern look at a male-ruled society
that takes control of the female body. The verbal strength of his writing is born of
the combination of Lorca’s play with many other elements, such as lists of pharmaceutical products, Greek myths, Lévi-Strauss, Faust, fragments from the book
Male Fantasies, by German sociologist Klaus Theweleit, as well as the visual and
textual universe of American artist Henry Darger, music by Gustav Mahler, and the
American reality show Little Miss Perfect, among others. True to his style, Wehbi
works up a rewrite entailing a two-way process where texts detach themselves
from their context while they create a new setting with echoes of their origin.
Emilio García Wehbi He is an interdisciplinary artist whose work combines different performing disciplines. In 1989, he founded El Periférico de Objetos, a leading experimental
theatre group in Argentina. His shows, operas, performances and urban installations have
been presented in the Americas, Europe, Oceania and Asia. His most recent productions include Herodes reloaded (2015), Artaud 1: lengua madre (2015), Vértigo (2014), 58 indicios
sobre el cuerpo (2014), Rey Lear (2013), Prefiero que me quite el sueño Goya a que lo haga
cualquier hijo de puta (2012), Hécuba o el gineceo canino (2011), among others.
Wed 9/23, 7:30 PM / Teatro Buenos Aires
Free admission, limited capacity.
177
10 fiba recomienda
casa que arde. teatro para niñas anarquistas
y animales embalsamados
Este libro, de Emilio García Wehbi, fue publicado por Ediciones DocumentA/
Escénicas 2015. El texto fue escrito con motivo del reciente montaje escénico del
mismo nombre realizado en el Konzert Theater Bern, el teatro estatal de Berna,
Suiza, y que contó con la codirección del autor y Maricel Álvarez.
En la obra, Emilio García Wehbi hace una apropiación literaria de La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca, para tomar al hogar como un espacio microfascista en el cual la mujer se ve sometida a una estructura falo-logocéntrica y
religiosa que suprime su potestad y voluntad. Casa que arde propone un acceso
contemporáneo a una sociedad dominada por los hombres que toma de rehén el
cuerpo femenino. La escritura está marcada por una fuerza verbal donde además
de Lorca juegan un papel importante listas de productos farmacéuticos, mitos griegos, Lévi-Strauss, Fausto, textos de Fantasías masculinas, del sociólogo alemán
Klaus Theweleit, así como el universo visual y textual del artista estadounidense
Henry Darger, la música de Gustav Mahler o el reality americano Little Miss Perfect,
entre otros. Siendo fiel a su estilo, Wehbi habita el espacio de la reescritura proponiendo un juego donde los textos van perdiendo su contexto al mismo tiempo que
componen un paisaje nuevo en el cual el origen no deja nunca de resonar.
Emilio García Wehbi Artista interdisciplinario que trabaja en el cruce de lenguajes escénicos. En 1989 funda El Periférico de Objetos, grupo paradigmático del teatro experimental
argentino. Sus espectáculos, óperas, performances, instalaciones e intervenciones urbanas
han sido presentados en América, Europa, Oceanía y Asia. Algunos de sus últimos trabajos
son Herodes reloaded (2015), Artaud 1: lengua madre (2015), Vértigo (2014), 58 indicios
sobre el cuerpo (2014), Rey Lear (2013), Prefiero que me quite el sueño Goya a que lo haga
cualquier hijo de puta (2012), Hécuba o el gineceo canino (2011), entre otros.
Mie 23/9, 19:30 h / Teatro Buenos Aires
Entrada libre y gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala.
178
10 fiba recommends
lo incapturable
Puesta en escena y dirección teatral
This book, by Rubén Szuchmacher, was published by Reservoir Books (Random
House Mondadori) is an invitation to reflect on the performing arts without complacency. Just like in life, in the performing arts events, significant or trivial, happen:
they become history immediately after they occur. Different from other arts, where
objects remain practically identical to themselves and last through the passing of
time and material deterioration, performing arts are impossible to capture. This
book presents every aspect of the theatrical event: from the arts involved (architecture, visual arts, sound arts, literature) to the role of the director, including questions regarding staging and tensions between art and entertainment. Argentine
director Rubén Szuchmacher, one of the most renowned in the country, stages
a unique and vital piece: a critical understanding and interpretation of what is at
stake in a stage production.
PH: © Alejandra López
Rubén Szuchmacher He is an actor, director, teacher,
playwright, translator, choreographer, social psychologist
and performing arts manager. In his vast artistic career, he
has worked as an actor in theatre and film, and directed
plays by major local and foreign authors, including Euripides,
Brecht, Shakespeare, Heiner Müller, Arthur Miller, Discépolo
and Griselda Gambaro, among others. He has taught acting
and directing in Argentina, Brazil, Uruguay, Mexico, Chile,
Germany and Spain. He carries out cultural management
projects at diverse institutions, notably in ElKafka Espacio
Teatral and Teatro Payró, alternative venues for artistic
creation. Also, he was Director of FIBA in 2009.
Fri 10/2, 5:30 PM / Teatro Colón, Salón Dorado
Free admission, limited capacity.
179
10 fiba recomienda
LO INCAPTURABLE
Diseño de tapa: Alejandro Ros
Puesta en escena y dirección teatral
Este libro, de Rubén Szuchmacher, editado por Reservoir Books (Random House Mondadori) invita a
pensar las artes performáticas sin complacencia.
En las artes escénicas –como en la vida misma–
los hechos, trascendentes o banales, pasan: apenas se producen ya son historia. A diferencia de
otras artes, en las que los objetos permanecen
prácticamente idénticos a sí mismos y perduran a
pesar del paso del tiempo y del deterioro de su materialidad, las artes escénicas son incapturables.
Este libro presenta cada uno de los aspectos del
hecho teatral: de las artes intervinientes (arquitectura, artes visuales, artes sonoras, literatura) al lugar del director, pasando por los
interrogantes de una puesta y las tensiones entre arte y entretenimiento. Rubén
Szuchmacher, uno de los directores argentinos más reconocidos en su país, pone
en escena una obra única e indispensable: comprender e interpretar críticamente
lo que se juega en una producción escénica.
Rubén Szuchmacher Es actor, director, docente, dramaturgo, traductor, coreógrafo, psicólogo
social y gestor en artes performáticas. Su vasta producción artística incluye actuaciones en
teatro y cine, y la dirección de obras de grandes autores locales y extranjeros como Eurípides,
Brecht, Shakespeare, Heiner Müller, Arthur Miller, Discépolo y Griselda Gambaro, entre otros. Ha
desarrollado su trabajo docente, tanto en el campo de la actuación como en el de la puesta en
escena, en Argentina, Brasil, Uruguay, México, Chile, Alemania y España. Lleva adelante proyectos de gestión cultural en diversas instituciones, especialmente en ElKafka Espacio Teatral y en
el Teatro Payró, ámbitos alternativos de creación artística. Además, fue director del FIBA en 2009.
Vie 2/10, 17:30 h / Teatro Colón, Salón Dorado
Entrada libre y gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala.
EL MERCADO
the market
WORK IN PROGRESS
EXPLORACIONES escénicas
STAGE Explorations
182
After a successful first edition of The Market, FIBA repeats and enhances
this experience aimed at exporting local theatre and promoting its growth
beyond national borders. In addition to attending performances of national
productions during the second week of the Festival, programmers will have
an opportunity to meet and network over two days with the local artists programmed this year. Also, there will be a session about new modes of production and management of stage projects aiming to perform beyond the local
scene. And a new new section joins us: Work in Progress, a selection of works
currently under development that the programmers will get to see before their
debut. They are: Condición de buenos nadadores, directed by Camila Fabbri
and produced by Brenda Carlini; El asalto, directed by Gerardo Naumann and
produced by Rocío Gómez Cantero; Hedda Gabler, directed by Cristian Drut
and produced by Drut and Belén Blanco; Mátate amor, directed by Martín
Flores Cárdenas and produced by Lola Silberman; and Sólo la noche, directed and produced by Jorge Eiro.
In addition to foreign programmers, 10 FIBA will be graced with the presence
of theatre critics from different countries within the framework of the Stage
Explorations, an international program aimed at promoting exchange between cultures, carried out by Artes del Sur/Teatro al Sur. These expert professionals – mostly members of the International Association of Theatre Critics
(Unesco) – were invited to discover and explore the City’s performing arts.
They will attend performances of national productions showing at FIBA to
later reflect on them and engage in a dialogue with Argentine theatre makers
and professionals in the field.
Stage Explorations is a co-production of 10 FIBA and Artes del Sur.
Design and Direction: Halima Tahan / Production: Alina Mazzaferro
Assistance: Manuel Leiva
183
Luego del éxito de la primera edición de El Mercado, el FIBA repite y potencia esta experiencia destinada a la exportación del teatro local, a
impulsarlo a crecer más allá de las fronteras. Además de asistir a los espectáculos nacionales durante la segunda semana del Festival, los programadores contarán con un ámbito para encontrarse y dialogar con los
artistas locales programados durante dos jornadas de intercambio. Habrá
también un encuentro sobre nuevos modos de producción y gestión de
proyectos escénicos que aspiran a circular más allá de los ámbitos locales.
Y se suma una nueva propuesta: la sección Work in Progress, una selección de trabajos en proceso de creación que los programadores conocerán antes de su debut. Estos son: Condición de buenos nadadores, dirigido por Camila Fabbri y producido por Brenda Carlini; El asalto, dirigido por
Gerardo Naumann y producido por Rocío Gómez Cantero; Hedda Gabler,
dirigido por Cristian Drut y producido por Drut y Belén Blanco; Mátate amor,
dirigido por Martín Flores Cárdenas y producido por Lola Silberman; y Sólo la
noche, dirigido y producido por Jorge Eiro.
Además de los programadores extranjeros, el 10 FIBA contará con la visita
de críticos especializados de distintos países en el marco de Exploraciones
Escénicas, un programa de carácter internacional destinado a fomentar el
intercambio entre culturas, impulsado por Artes del Sur/Teatro al Sur. Estos
profesionales de la crítica teatral –en su mayoría, miembros de la Asociación
Internacional de Críticos de Teatro (Unesco)– fueron invitados para conocer
y explorar las artes escénicas de la Ciudad. Asistirán a espectáculos argentinos programados por el FIBA para luego reflexionar sobre ellos, entrando
en diálogo con los realizadores argentinos y con profesionales del medio.
Exploraciones Escénicas es una coproducción de 10 FIBA y Artes del Sur.
Diseño y dirección: Halima Tahan / Producción: Alina Mazzaferro
Asistencia: Manuel Leiva

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