Descargar - Poupee Tessio


Descargar - Poupee Tessio
OBRAS 1965 - 2011
Coordinación Editorial
Juan Cruz Andrada
Julio Sanchez
Rosa Faccaro
Corrección de textos
Martha Soto
Traducción al inglés:
Nicole Kovalivker
Julia Garzón Funes
Fotografías de Obra
Mariano Airaldi
Pedro Roth
Fabián Cañas
A Dios y a la vida por ser artista.
A mis nietos, porque por ellos ordené el futuro y la ausencia.
A mis hijos por soportar a una madre distinta.
A Gui por ser un “compinche” de primera
A mis amigas por su colaboración, buena onda y buen humor
Al diseñador Sebastián Urio por su paciencia.
Quiero destacar y agradecer especialmente a mi editor, Juan
Cruz Andrada, por su ayuda y profesionalidad. Porque me apuntaló, aconsejó e impulsó constantemente con su empeño y entusiasmo y porque creyó en mi obra.
También quiero agradecer a todos los que colaboraron de una u
otra manera con la edición de este libro: Nicole Kovalivker, Julia
Garzon Funes, Sebastian Urio, Julio Sanchez, Rosa Faccaro, Catalina Fara, Mariano Airaldi, Martha Soto
A mis nietos
Juan Cruz Andrada
Tessio, Nilda Liria
Poupee Tessio : obras 1965-2011 .
- 1a ed. - Buenos Aires : el autor, 2011.
136 p. : il. ; 30x23 cm.
ISBN 978-987-33-0167-4
1. Tessio, Nilda.Obra Artística. I. Título
CDD 708
Mirar atrás.
Sobre la obra de Poupée Tessio.
Looking Backwards:
Poupée Tessio’s Work.
Jugando con el mundo . Tinta y café . 11 x 30 cm . 1967
Mirar retrospectivamente la propia obra es un
paso arriesgado que Poupeé Tessio ha decidido
dar. Ahí está la verdad sin anestesia, los altos
y bajos, la continuidad y la disrupción. Poupeé
se dio ese lujo, se lanzó sin red y asumió todos
los riesgos. Algunos de sus seguidores podrán
repasar su trayectoria, otros, descubrirán un periplo de varios años. ¿Qué se puede ver en esta
aventura plástica? Desde los tempranos setenta
hasta hoy hay una producción amplia y sólida,
continua, casi sin intervalos, que habla de un
compromiso inamovible y también de una voracidad sin límites, de una continua necesidad
de producir. Luego, una variedad de técnicas
que van desde la maestría académica hasta las
experimentaciones más personales, desde la
tela o el papel hasta la instalación de objetos.
Hay una preferencia clara por la figuración y
un leve coqueteo con la abstracción (aunque la
artista prefiere evitarla); hay una constante admiración por los predecesores, por la historia
del arte, y también un humor sutil que no es
sátira ni obviedad.
To look backwards at one’s own work is
indeed a risky step, and Poupée Tessio has
decided to take it. It is there that truth is to be
found, without anesthesia, with its ups and
downs, its continuity as well as its disruption. Poupée has offered this luxury to herself, taking a leap in the dark and running
all the risks. Some of her followers will be
able to go over her trajectory, and others will
discover a many year long journey. What can
we see in this art adventure? From the early
seventies till today her production has been
wide and compact, practically without any
pause, revealing an unwavering commitment
as well as an unbounded voracity, a permanent need to produce. She displays a variety
of techniques spanning from academic mastery to more personal experimentations, from
fabric or paper to objects installation. There
is a clear inclination towards figurative representation, with a very slight flirting with the
abstract (which the artist prefers to avoid);
her work shows a constant admiration for the
great masters and the history of art, and is
pregnant with a subtle humour that is neither
satirical nor obvious.
The Work
La obra
Jugando con el mundo: Un diablo conduce a
un general de paso marcial, que guía a un diablo de cuernitos y orejas puntiagudas que a la
A devil leads a general of martial step who
guides a horned and pointed-eared devil, who
in turn guides another general pushing forwards another devil who in turn pushes forwards another soldier ready to attack the whole
vez guía a otro general que empuja a otro diablo
que finalmente impulsa a otro militar dispuesto
a arremeter contra todo el planeta.
Los seis personajes fueron creados por Poupee
Tessio en 1966, y marcan, lejos, el espíritu de
toda su obra. ¿Cuál es? En primer lugar una mirada hacia la historia del arte, la escena no ignora la famosa Parábola de los ciegos de Brueghel (1568) que a la vez está inspirada en el texto
bíblico: “Dejadlos: son ciegos y guías de ciegos.
Y si un ciego guía a otro ciego, los dos caerán
en el hoyo”, (Mt, 15, 14) y también “¿Podrá el
ciego guiar otro ciego? ¿No caerán los dos en
el hoyo?” (Lucas 6, 39). En segundo lugar, la
mirada crítica, Tessio transforma el tema de la
pintura renacentista en una crítica contempo-
These six characters, created by Poupée Tessio in 1966, already and clearly mark the very
spirit of her entire work. There is, in the first
place, a glance at history of art, as the scene
sends back to the famous Parable of the Blind,
by Brueghel (1568), in turn inspired by biblical source: ‘Leave them: these are blind guides.
And if a blind man another blind man, both
will fall into the pit.’(Matthews 15:14) and also
‘A blind man cannot guide a blind man can
he? Will they not both fall into the pit? (Luke
6: 39). In the second place, Tessio’s critical
look turns the theme of the renaissance painting into a contemporary criticism of military
violence among nations. A third characteristic
of her painting is the gentle and self explaining
humour, as can be seen in another work dated
the same year, where a high ranked soldier is
playing billiards with a devil (pag.22). The peculiar technique we find in both works, ink and
coffee spots on paper, speaks out about another
characteristic trait in Tessio’s work: a freedom
of expression which refuses to restrict itself to
classical academic patterns.
Popular scenes
Asistieron mis invitados y los espíritus. Acrílico. 60 x 90 cm . 1976
ránea a la violencia militar entre las naciones.
El tercer rasgo de su pintura es el humor gentil,
tal como se comprueba en otra obra del mismo
año, donde un militar de alto rango juega al billar con un diablo (pag.22), no se necesita más
explicación. Ambas obras echan mano de una
técnica peculiar, tinta y manchas de café sobre
papel, lo que nos habla de una cuarta característica más de la obra de Tessio, una libertad
expresiva que no se ciñe a los moldes clásicos
de la academia.
Her early works show a marked narrative gesture, and in some, the great masters of universal
history appear as a source of inspiration. The
painting may then become a delightful story
of meetings and failed meetings, or a complex
scene after the fashion of Brueghel’s children
games, or even offer more delimited scenes,
such as these characters around the table who,
under a seemingly normal attitude, enclose
a degree of craziness: there is a lady with a
colourful headband whose bust is a dartboard,
another lady is wrapped in a boa -which is not
precisely made of feathers-, and a third one exposes her buttocks and wears a pink wig. Tessio
picks the avant la lettre surrealist tradition of El
Bosco, Goya or the above mentioned Brueghel.
As in Alice in Wonderland, objects get bigger
or smaller, animals get humanized and humans
metamorphose, there is magic everywhere and
logic falls apart to give way to the absurd and
the humourous.
The portrait
Hay un gesto fuertemente narrativo en muchas
obras de Tessio, sobre todo en su primera etapa.
Algunas de ellas fueron inspiradas en grandes
maestros de la historia universal. La pintura se
convierte en un delicioso cuento de encuentros y desencuentros, puede haber una escena
compleja a la manera de los Juegos de niños
de Brueghel, o escenas más acotadas como en
aquella pintura donde se ubican personajes alrededor de una mesa en actitudes que parecen
naturales, pero que encierran gestos disparata-
Many characters in the fields of art, politics or
culture have been portrayed by Tessio. Jorge
Luis Borges, Raúl Alfonsín, Osisris Chierico,
Sarita Narváez and her daughter Jazmín, Nancy
Quintas de Guggenheim, Neil Diegues, Marta
Uranga and Manuel Bandeira are some of the
models on whom such privilege was bestowed.
As a matter of course and practically as a rule,
her family and the people who are dear to her
also find their place in this chapter. Portraits
are varied, with a neuter background in some
cases, in others with plenty of flowers or details
evocative of Gustav Klimt, the great Austrian
portrait painter. A group of portraits stand
out because of the fantastic, almost surrealist
dos: una dama con turbante colorido que lleva
una pechera con una diana de tiro al blanco,
una mujer abrigada con una boa y no precisamente de plumas, otra más con su trasero al
aire y peluca rosa.
Tessio recoge la tradición surrealista avant
la lettre, de El Bosco, Goya o el mencionado
Brueghel. Como si fuera una escena de Alicia
en el país de las maravillas, los objetos se agrandan o se achican, cobran vida, los animales se
humanizan y los hombres se metamorfosean,
hay magia por doquier y la lógica se quiebra
para dar paso al absurdo y al humor.
El retrato
Muchos personajes vinculados al arte, a la política y a la cultura en general fueron retratados
por Tessio. Jorge Luis Borges, Raúl Alfonsín,
Osiris Chierico, Sarita Narváez y su hija Jazmín,
Neil Diegues y Marta Sangiorgi son algunos de
los privilegiados por los colores de nuestra artista. Naturalmente y como es casi de rigor, la
familia y los seres queridos también tienen su
lugar en este capítulo. Los retratos son variados, en algunos casos con fondos neutros, en
otros con un despliegue de flores o evocaciones a Gustav Klimt, el gran retratista austriaco.
Hay un grupo de retratos que se destaca por
la incorporación fantasiosa, casi surrealista de
elementos dispares en el personaje, como en
Troilo o El hacedor.
Un caso particular es precisamente su Autorretrato de 1977. Veamos cómo se ve a sí misma.
De la cabeza de la mujer vuelan pajaritos, lo
que recuerda una expresión popular (cabeza
llena de pajaritos) para referirse a la profusión
inclusion of disparate elements in the character, in Troilo or The Doer for example. Her
Self portrait (1977) is certainly a peculiar case.
How does she see herself? There are little birds
flying out of the woman’s head, which reminds
of the popular idiomatic expression in Spanish, ‘a head full of little birds’, to refer to the
profusion of ideas only leading to escape from
reality; she wears a necklace made of men’s
heads, an (involuntary) analogy with Goddess
Kali’s necklace, made of her enemies’ skulls.
It is certainly significant that the woman in
the self-portrait should wear her men’s heads:
usually the woman is the man’s ‘trophy’. Quite
early then, when gender studies in literature
and art were only at their inception, Tessio
inverted the terms of patriarchal domination; it
is not the man who conquers the woman, it is
her who pursues him. The headgear spills from
head to trunk into countless plants and animals: a lion, a stork, a wolf, some butterflies,
a cow and even a snail. The presence of each
of them is not merely decorative but symbolic,
as animals’ characteristics have always been
associated with those of men: the lion’s leadership, the wolf’s slyness, the snail’s slowness,
the butterfly’s ephemeral beauty, and so on.
Confesión de parte (Autorretrato) . Acrílico . 120 x 80 cm . 1977
de ideas que no llevan más que a la evasión de
la realidad; luego un collar de cabezas de hombres, que tiene una fuerte analogía (involuntaria) con el collar de calaveras de sus enemigos que usa la diosa Kali. Es significativo que
el autorretrato muestre a una mujer que porta la cabeza de sus hombres como cuentas de
un collar, cuando se supone que es el hombre
quien debería tener a la mujer como “trofeo”.
Es decir, muy temprano, o por lo menos cuando recién asomaban los estudios de género en
la literatura y el arte, Tessio invierte los términos de dominación patriarcal, no es el hombre
quien conquista a la mujer, sino ella quien persigue a él. El tocado se derrama de la cabeza al
torso con un sinnúmero de plantas y animales,
hay un león, una cigüeña, un lobo, algunas mariposas, una vaca y hasta un caracol. La presencia de cada uno de ellos no es meramente
decorativa, sino simbólica, desde siempre las
características de los animales han sido asociadas a las del hombre, el liderazgo de un león,
la astucia de un lobo, la lentitud del caracol,
la belleza efímera de una mariposa, etcétera.
El abigarrado conjunto deja lugar a las sorpre-
Con la lengua afuera. Óleo. 100 x 130 cm . 1995
The multicoloured ensemble offers surprises,
such as the angel (after the fashion of the putti,
in Italian renaissance) whispering some secret
in her ear, while another angel, (somewhat less
angelical, more devilish) is seemingly counteracting, in an opposition reiterated in the detail
of the priest stalked on by a witch. The formula of the psychological portrait is fascinating:
beyond the identifiable features of the model,
the multiplicity of characters is propitious to
recreate the complex personality of a woman.
Though this is not specifically sought, it is
possible to see a certain relationship between
these portraits and those by the artistic genius
Giuseppe Arcimboldi (1527-1593).
The bestiary
Buenos Aires, Close of the Century forms one of
the most enticing chapters of Tessio’s creative
novel. Vernissage (pag.48) can be regarded as a
‘collective portrait’ of Buenos Aires’ artistic fauna. It is a well known fact that art is often buried under what can be called an ‘epiphenomenon’ comprising everything that surrounds
the work, a complex system including social
events, prize giving ceremonies, critics, gallery
owners, painter friends and many more. This
painting is a friendly wink at characters which
are musts: the artists Rogelio Polesello, Marta
Minujín and Carlos Alonso, the businesswoman
Amalia Fortabat, the critics Jorge Glusberg
and Raúl Santana, the gallery owner Osvaldo
Centoira and the entertainer Eduardo Bergara
Leumann. The photographs are of course represented, as well as the waiters with the highlyvalued treasure: the glass of Champagne. One
can see four pelicans, beaks widely open –ready
perhaps to gobble up whatever they can-; some
vultures are overflying the scene, a metaphor
for ‘art snoopers’, a jaguar is roaring, a chimpanzee is doing all kinds of mimicries and an
elephant is stomping clumsily in a vanity fair.
Placed in the very background, the works of art
seem almost forgotten. In these paintings, on
the left margin, one can see (or rather make out)
sas, como un angelito (a la manera de los putti
del Renacimiento italiano) que secretea algo al
oído, mientras arriba otro angelito (menos angélico, más diabólico) parece contrarrestar a su
par, oposición que también se repite con la figura de un sacerdote acechado por una bruja.
La fórmula del retrato psicológico no deja ser
apasionante, más allá de los rasgos con los que
se puede identificar a la modelo, la multitud
de personajes induce a recrear la personalidad
compleja de una mujer. Aunque no haya pensado específicamente en él, hay cierto parentesco de estos retratos con el genial Giuseppe
Arcimboldo (1527 - 1593).
El bestiario
Hay un capítulo apasionante en la novela creativa de Tessio que tituló Buenos Aires Fin de
Siglo. Hay una obra, Vernissage, (pag.48) que
puede ser considerada como un “retrato colectivo” de la fauna artística de nuestra ciudad.
Sabemos que el arte muchas veces es sepultado
por lo que podemos llamar el “epifenómeno”,
es decir, todo aquello que rodea a la obra, un
sistema complejo que incluye eventos sociales
y premiaciones, críticos, galeristas, pintores
amigos y otros tantos. La obra es un guiño simpático hacia personajes infaltables, como el artista Rogelio Polesello, Marta Minujín o Carlos
Alonso, la empresaria Amalia Fortabat, críticos
como Jorge Glusberg o Raúl Santana, galeristas
como Osvaldo Centoira, u hombres del espectáculo como Eduardo Bergara Leumann. No falta
el fotógrafo, ni los mozos con el más preciado
tesoro, la copa de champagne. En el medio se
ubican cuatro pelícanos con sus bocotas abier-
Bs As acocalipsis now. Óleo. 130 x 130 cm . 1995
the contours of a different pelican, tearing its
heart to feed its chick as in the classical trope.
In Cocktail (pag.51), no paintings are exhibited and gluttonous pelicans seem to be more
interested in art than people. It is not pointless
to recall the medieval bestiaries -especially
those popular in France and England around
the XII th century- which were real compendia
of zoology, botany or mineralogy and included a
moralistic intent. Practically in a similar spirit,
our artist places animals and people on a same
moral footing, as if men belonged to the same
Tessio insists on updating the idea of ‘bestiary’
in The Sock-exchange (pag.55) where shareholders and businessmen are roaring with other
predators, in this case five Bengali tigers. Puffing and Panting (pag. 52 and 53) laughs at our
society’s speedy pace. A taxi is running as fast as
an ambulance or a police car, a bride is getting
married ‘in haste’, social and daily requirements
compel us to instant coffee, instant food, instant
news, quick procedures and quick laundry, as if
nothing and nobody could wait to let us enjoy a
moment of idleness: as the saying goes, ‘time is
money’, and to be in a perpetual rush is therefore
equivalent to wealth ostentation.
Something similar occurs in Apocalypse now
(1995): in a multicoloured urban scene, three gi-
tas, ¿están ahí porque se embuchan cualquier
cosa?; hay buitres sobrevolando, una metáfora
de “los merodeadores del arte”; un jaguar ruge
al acecho, un chimpancé parece imitar cualquier cosa y un elefante camina con torpeza en
un bazar de vanidades. Muy atrás, en último
plano, casi olvidadas, las obras de arte. Entre
estos cuadros, en el margen izquierdo, se puede ver (o entrever) el contorno de un pelícano
distinto, el que rasga su corazón para alimentar
a su pichón, tropo clásico de la figura crística.
En otra pintura, Cocktail (pag. 51) ya no se ven
obras, y son más los pelícanos tragones que las
personas interesadas en el arte. No es ocioso recordar los bestiarios medievales -especialmente populares en la Inglaterra y Francia del siglo
XII-, aquellos compendios que describían animales, plantas e incluso rocas con una intención moralizante. Casi con el mismo espíritu,
nuestra artista ubica animales y personas en un
mismo horizonte moral, como si los hombres
también formaran parte del mismo zoológico.
gantic tigers are rummaging in a crowd of people
and cars. The traffic jam serves as an excuse to
show motorcyclist thieves, petty thieves, street
children, rioters, and the whole spectrum of
urban violence we, city dwellers, have to suffer
day after day. The setting is unambiguously the
Republic Place, with its characteristic obelisk,
at the crossing of Corrientes and 9 de Julio
Avenues. This is not only a typical postcard of
Buenos Aires, but also a reference point putting this chaos in order. Precisely, the religion
researcher Mircea Eliade stresses the role played
by a monument to order a territory, acting as the
‘sacred mountain’ (the mythical Meru Mount to
the Hindus) which joins the sky to the earth. The
same happened with the Spaniards nailing the
royal privileges to the trunk of a tree or the astronauts staking the flag of the United States on the
moon to make a ‘cosmos’ out of the lunar chaos.
Tessio’s work establishes a dialectics between
cosmos and chaos, where beasts, humans and
machines meet in an endless struggle. The word
‘apocalypse’ clearly refers to the mysterious book
written by St John on the Patmos Island, and in
this particular painting, it describes the end of
urban order.
Tessio insiste en actualizar la noción de “bestiario” en La Bolsa (pag. 55) donde los accionistas y empresarios rugen con otros depredadores, en este caso, cinco tigres de Bengala. O
Con la lengua afuera (pag. 52 y 53), una ironía
sobre el comportamiento “fast” de nuestra sociedad: el taxi corre a la misma velocidad que
la ambulancia o el patrullero, la novia se casa
“de apuro” con su pareja, los mandatos sociales
y cotidianos nos obligan al café instantáneo, a
los trámites urgentes, al bar al paso, a la noticia
al instante, el lavado rápido de ropa, como si
nada ni nadie pudiera esperar y gozar el tiempo muerto de un viaje o simplemente perder
el tiempo, como una ostentación de riqueza siguiendo la ecuación “el tiempo es oro”.
Algo semejante pasa en Apocalipsis Now, (1995)
una abigarrada escena urbana con tres gigantescos tigres hurgando entre una muchedumbre de
gente y automóviles. El embotellamiento es la excusa para mostrar moto-chorros, rateros, niños de
la calle, manifestantes, y todo el espectro de violencia urbana que sufrimos día a día quienes habitamos en una ciudad. El escenario es definido,
la plaza de la República, donde se ubica el Obelisco porteño, en el cruce de la avenida Corrientes con la avenida 9 de julio. Esto es significativo
no solamente porque constituye una postal característica de Buenos Aires, también es el punto
ordenador del caos. Recordemos al investigador
de las religiones Mircea Eliade cuando dice que
un territorio se ordena siempre mediante un monumento que actúa como la montaña sagrada (el
mítico monte Meru de los hindúes) pues comunica el cielo con la tierra. Así ha sucedido con los
colonizadores españoles que clavaron un tronco
con las prebendas reales, o los astronautas que
implantaron la bandera de los Estados Unidos
para empezar a “cosmizar” el caos. Pues bien,
la obra de Tessio establece una dialéctica entre
cosmos y caos, donde bestias, humanos y máquinas se mezclan en una lucha sin fin. La palabra
Apocalipsis remite claramente al misterioso libro escrito por San Juan en la isla de Patmos y
en el caso particular de esta obra describe lo más
parecido al fin del orden urbano.
Los árboles
El árbol es un símbolo profundo y arcaico de los
tres niveles de la realidad: hunde sus raíces en
el inframundo, su tronco crece en el mundo del
hombre y las ramas se elevan al cielo. Para muchos pueblos ha sido un maestro de vida, sólo
hay que observarlo atentamente, ver como el ciclo de las estaciones lo fortalece, o ver que des-
Brotado. Técnica mixta. 80 x 80 cm . 2007
The tree is a profound and archaic symbol of the
three levels of reality: its roots are buried in the
underworld, its trunk grows in the world of men
and its branches rise towards the sky. To many
peoples, the tree is life-teaching: if you observe
it attentively, you will see how it gets stronger
and stronger season after season, how the withered leaves fall to give room to new leaves and
shootings, you will see the cycle of deaths and
rebirths. The tree chosen by Tessio is the palm
tree, in which she incorporates human forms;
she resorts to the techniques of collage and painting to elaborate a long trunk with a top widening into branches like most palm trees do, from
which hands, legs or other human parts stick
out. This synthesis of botanical and human elements goes hand in hand with the teachings of
symbolic traditions: only the tree whose roots are
deep can grow high, the firmer deep down, the
higher high up. In the same way, only the man
whose roots are firm can rise spiritually. The
issue of gender cannot be overlooked: in Spanish, palm tree is a feminine word, it is a ‘she’
palm tree out of which women’s arms and legs
spring, the ‘he’ tree, a masculine word in Spanish, is purposefully avoided. Tessio’s works, of
revealing titles, explore sociological and specific
aspects of the feminine condition: The Palm Tree
of Femininity, the Palm Tree of the Phantasm
in Love, The Palm Tree of Self Affirmation, The
Vernissage II. Óleo. 160 x 100 cm . 1995
prenderse de las hojas que ya no le sirven permite
que los nuevos brotes crezcan con más fuerza, o
comprobar el ciclo de renacimientos y muertes.
Tessio ha tomado una especie particular, la palmera, y la ha cruzado con formas humanas; con la
técnica del collage y la pintura edificó figuras con
un largo tronco que se abre en la parte superior,
precisamente como la mayor parte de las especies
de palmeras, de ahí pueden salir manos, piernas
y otros fragmentos de personas. Esa síntesis botánico-humana va de la mano con la enseñanza de
las tradiciones simbólicas: sólo el árbol que tiene
sus raíces bien hundidas puede crecer bien alto,
cuanto más afirme abajo, más alto arriba; del mismo modo, sólo el hombre que esté bien plantado
podrá elevarse espiritualmente.
Por otro lado, hay una cuestión de género que no
puede solaparse, hablamos de “la” palmera y de
ella surgen brazos y piernas de mujer, como si se
estuviera eludiendo el masculino de “el” árbol,
muy en consonancia con toda la mirada de Tessio.
Los títulos de las obras son orientadores: Palmera
de la femineidad, Palmera del fantasma enamorado, Palmera de la afirmación, Palmera del sentimiento oculto, Palmera de la conciencia, en todas
ellas hay una búsqueda que explora los aspectos
sicológicos y más profundos de lo femenino. El
cuerpo vertical es paralelo al árbol.
Tessio sigue utilizando esta forma para su serie
de Cuerpos escritos (pag. 90 y 91). Todos tienen
una expresión de serenidad, como la de un árbol que resiste el invierno o disfruta la primavera,
impasible ante el elogio o el insulto. Sobre estos
cuerpos la artista dibuja líneas expresivas, con el
ya clásico chorreado (dripping) de los informalistas, de esta forma combina y sintetiza la tradición
figurativa más clásica, racional y controladora,
con la gestualidad, más espontánea y azarosa.
Palm Tree of the Hidden Feeling, The palm Tree
of Consciousness.
The vertical body is parallel to the tree. Tessio
keeps on using this form in the series Written Bodies (pag. 90 and 91). The expression of
serenity, present in each, sends back to the tree
which resists winter and enjoys spring, impassive before praise or insult. The artist draws expressive lines on these bodies using the already
classical ‘dripping’, thus combining classical
figurative tradition, rational and controlling,
with a more spontaneous and random gesture.
Telas y flores
Las flores (especialmente amapolas y girasoles) son
la temática central de otra serie de obras de Tessio
en la que también se incluyen animales y frutos.
En estas, la artista provoca una mutación del soporte clásico de la pintura, la lona, para convertirlo en una tela más vaporosa, tal como si estuviera
pintando el estampado de un vestido. En la pintura clásica, el espectador aspira a ver una manzana
pintada, pero en las pinturas de Tessio ve una “tela
estampada con una manzana pintada”. Es como
una vuelta de tuerca a la famosa Traición de las
imágenes (1928- 1929) de René Magritte, donde
hay una pipa pintada con la inscripción: “Esto no
es una pipa”. El belga metió la hoja de un cuchillo
entre la representación y lo representado, nos obligaba a afirmar algo como “qué hermosa pintura de
un caballo” en vez de “qué hermoso caballo”. Siguiendo la huella de Magritte, nuestra artista pliega telas con imágenes de elefantes, paisajes, frutos
y otros temas para luego volver a “pintarlas” en un
juego dialéctico que nos hace pensar en un sistema
de representación pictórico (pag. 42 a 47).
La mujer
El cuerpo femenino y la construcción del género
constituyen otro capítulo significativo en la epopeya pictórica de nuestra artista. Desde diferentes perspectivas aborda el lugar de la mujer en la
sociedad contemporánea y pone en entredicho el
poder patriarcal.
Para explorar el cuerpo femenino Tessio crea
un plano de contornos femeninos donde los
nudos urbanos se transmutan en zonas erógenas, la entrepierna, los senos y el ombligo son
rotondas que distribuyen calles, mientras que
Cloths and Flowers
Flowers, (poppies and sunflowers especially)
form the thematic backbone of another series
by Tessio, who includes also animals and fruits.
In these works, the artist causes the traditional
canvas to mutate into a more vaporous cloth,
as if she were printing the pattern of a summer dress. In a classical painting, the spectator
aspires to seeing, say, an apple, but in Tessio’s
work, he will see a ‘printed cloth with a painted
apple’. A turn of the screw to René Magritte’s
famous Treachery of images (1928-1929) where
the painted pipe is accompanied by the inscription: ‘this is not a pipe’. The Belgian artist put
the blade of a knife between the representation
and the represented, forcing us to affirm ‘what a
beautiful painting of a horse ‘rather than ‘what a
beautiful horse’. Following in Magritte’s footprints, our artist folds cloths with pictures of
elephants, landscapes, fruits and other themes
to ‘paint’ them back, in a dialectical game which
leads us to think of a system of pictorial representation (pag. 42 to 47).
The Woman
The female body and gender construction
mean another significant chapter in Tessio’s
pictorial epic. From different viewpoints, she
tackles the issue of the place of women in contemporary society and questions patriarchal
To explore the female body, Tessio creates a
plane of female contours where urban knots
become erogenous zones: groin, breasts and
navel are roundabouts, there is a ‘belt path’ and
a highway which forks into the neckline. The
Caresses Avenue passes through the thighs, the
Kisses Avenue passes through the other side,
and the map is completed with the Bride´s
Sexual Guide, which ironically compares the
bride to a new domestic appliance requiring an
instructions manual.
Palmera de la femeneidad. Técnica mixta. 130 x 50 cm . 2007
hay un “camino de cintura” y una autopista
que se bifurca en el escote. Por los muslos pasa
la Avenida de las Caricias y por el otro, la Avenida de los Besos, más abajo el mapa se complementa con una Guía Sexual de la Novia,
una ironía que compara a la “novia” con un
electrodoméstico nuevo que para ser utilizado
necesita un manual de instrucciones.
Mujeres memorables (pag. 71) es otra obra, con un
vestido tapizado de rostros de decenas de mujeres,
a los costados etiquetas con nombres de amigas,
conocidas, parientes o simplemente mujeres que
la artista se cruzó en la vida. Seguramente ninguna de ella tenga o merezca un monumento público o una calle con su nombre, pero, ¿a quién le importa?. Esas son heroínas que pasan a la historia,
a Tessio le importan las heroínas cotidianas, no le
interesa la macrohistoria, sino la microhistoria y
ahí está de acuerdo con las últimas tendencias en
la historiografía, de rescatar pequeñas biografías,
en vez de grandes nombres centrales en la política u otras campos. Dice la propia Poupee: “Decidí
homenajear a mis amigas, porque para mí son mujeres memorables. Algunas han sido reconocidas
en sus profesiones o actividades, pero hay otras
que, como hormiguitas anónimas, han trabajado
para hacer la vida mejor y placentera para otros,
como las “amas de casa”, y las que día a día, uno
igual al otro, y en la edad del reconocimiento han
esperado que alguien les diga: “Sos una mujer maravillosa”. Ellas son a las que les dedico preferentemente esta obra. Este homenaje es para que con
todo mi cariño se sientan “diosas” y sepan que,
para mí, son las mujeres más importantes de mi
La suma de estas mujeres anónimas, pero con
nombres y apellidos, dan por resultado un arquetipo de mujer. Eso es lo que aborda nuestra
artista en su serie de muñecas-tótem, objetos cilíndricos con formas femeninas (pag. 16), algunas de ellas tienen cuellos muy largos a la manera
de la tribu Karen, en Tailandia, que acostumbran
usar anillos metálicos para estirar esa parte del
cuerpo. Sus cuerpos están pintados o tatuados
y cada una de ellas parece tener puertas, ventanas o alguna especie de receptáculo en la que se
guarda algún objeto. No sólo se está potenciando
el carácter receptivo del cuerpo femenino, sino
también el concepto de secreto para ser develado, de tesoro a descubrir, invisible, oculto, en el
interior no visible.
Hay un ciclo de pinturas que cuentan la epopeya
de “la Nelly” (pag. 72 a 79), más que una epopeya, podríamos decir, la novela de la tarde. Poupeé
creó una mujer que tiene mucho en común con
otras mujeres argentinas, una de clase media, que
aspira a crecer, a enamorarse y a formar una familia, a una felicidad codificada que a veces sale bien
y otras no tanto. En un cuaderno, casi una bitácora,
nuestra artista armó el árbol genealógico de la Nelly, su padre dueño de una pizzería; su madre, modista; y la familia típica del conourbano porteño.
Ella logra lo que muchas mujeres sueñan, casarse.
Lo hace con Julián, un viajante de comercio, que
si bien al principio de la relación la ama, pronto
comienza a celarla y a vigilarla en extremo. Ella se
siente un animal doméstico, con sus aspiraciones
artísticas cercenadas y limitada al hogar, que siente como una cárcel. A la Nelly le gustaba cantar y
esa vocación la conduce a una decisión terminante, abandonar a su marido. Conoce a otro hombre,
Mosquito Fernández, un “rockero under”, que la
trataba con la ternura y el cariño que ella buscó
siempre. En fin, la historia tiene los ribetes de una
telenovela, la torta de bodas, la desesperación del
encierro, el intento de suicidio, la liberación, la
consagración como cantante y otros tantos capítu-
In Memorable Women (pag. 71) there is a dress
covered with the faces of dozens of women, and
on the sides there are tags with the names of
friends, acquaintances, and relatives or simply
women Tessio just met at one time or other.
Surely, these women do not have a monument
erected in their honour, they do not have a street
named after them and probably do not deserve
it, but, who cares? They are heroines who will
go down in history. These un-heroic heroines
do matter to Tessio, she is interested in micro,
not macro-history, and she fully agrees with the
latest trend in historiography which tends to retrieve little biographies rather than big names in
politics or other fields. Poupée says: ‘I decided
to pay tribute to my friends, because they are
memorable women to me. Some of them have
won recognition in their work or activities, but
there are other who, like anonymous ants, have
been working to make life better and more pleasant to others, housewives who, day after day,
every day the same, have been waiting in vain
for somebody to tell them ‘‘You’re an extraordinary woman’’. To these, especially, I dedicate
this work. This tribute is for them to feel like
goddesses, for them to feel that they are the most
important women in my life’.
As a result, we get from these anonymous but
fully named women an archetypal woman. This
is the theme treated by Tessio in the ‘dollstotems’ series, female-shaped cylindrical objects
(pag. 16); some of them have very long necks,
after the fashion of the Karen tribe women, in
Thailand, who use metallic rings to stretch this
part of their body. Their bodies are tattooed or
painted, and each of them seems to have doors,
windows, or a receptacle of some sort to keep
things. Thus, not only is the receptive characteristic of the female body emphasized, but
also the concept of a secret or a treasure to be
discovered, something precious and invisible
from the outside.
A series forms the ‘Nelly’ epic (pag. 72 to 79):
actually more a TV soap opera than an epic.
Mapa sexual de la novia. Técnica mixta. 57 x 20 cm . 2003
“Sólo un año en mi vida, no pude pintar. Decidí realizar una materia pendiente: hacer escultura.
Me divertí mucho jugando con varias técnicas para representar mis personajes“
los de vida que Poupeé ilustra minuciosamente en
cada una de sus pinturas, tanto que hasta incluye
textos para que no queden dudas ni de los hechos
ni de los sentimientos de su heroína.
En otro ciclo de pinturas donde predomina el color azul, Tessio toma otro arquetipo de mujeres,
como en Lupe, Delfina y Betina (pag. 107), son chicas que no sufren por amor, sino por permanecer
jóvenes. Ya no quieren seducir a un hombre sino
al espejo. Ellas se juntan a hablar de ellas, de sus
cirugías estéticas y de cómo lucir más bellas, así se
las ve en Botox Party (pag. 100), donde nos imaginamos a las chicas felices de eliminar la papada, las patas de gallo, las bolsas bajo los ojos, y las
arrugas de las comisuras y la frente. Se corrobora
la misma idea en otras obras, como Visitando la
fuente de juventud y belleza (pag. 108 a 109)
A modo de conclusión:
I. En las últimas producciones se acusa más claramente una tendencia constante a lo largo de la
obra, el gusto por la fragmentación. Nuestra artista
toma trozos de papel que ella misma pinta y luego
utiliza para componer diferentes escenas o figuras.
No deja de evocar cierta estética finisecular, afin al
modernismo austríaco, donde en cada fragmento
hay diseños geométricos que se repiten, sean espirales, círculos concéntricos, abanicos triángulares,
chevrons, cruz de San Andrés y un repertorio afín
a la geometría de la heráldica; luego toma cada
uno de ellos y los combina en armonía de paleta
para crear figuras humanas, animales o escenas. En
Mujer y lobo, (pag. 87) por ejemplo, cada elemento
del cuadro está compuesto por cientos de diseños
geométricos, sea para los personajes, las flores, él
árbol o el vestido de la protagonista, inclusive los
fondos como el cielo o el pasto. Es notable como
Poupée has created a woman who shares the
middle-class Argentine woman’s aspirations:
grow, fall in love, and form a family. This is a
codified happiness which may be successful or
not. In a notebook, a logbook, so to speak- we
find Nelly’s genealogical tree: her father owned
a pizzeria, her mother was a dressmaker. Hers
is a typical Buenos Aires suburbs family. Nelly
achieves the dream of most women: to get married. She marries Julian, a travelling salesman
who loves her at first but becomes frantically
jealousy and starts watching her too closely.
Nelly feels she is some kind of pet, that her
artistic aspirations are thwarted, that her home
has become a jail to her. Nelly wants to be a
singer and to embrace her career she takes the
drastic step of leaving her husband. She meets
another man, Mosquito Fernández, an underground rocker who gives her the tenderness
she has always been looking for. None of a TV
soap opera’s trimmings is missing: the wedding
cake, the despair of being shut away, a suicide
attempt, liberation, recognition as a singer and
many more episodes are minutely illustrated by
Poupée, who also includes texts to shed even
more light on the heroine’s feelings and adventures.
In other series, where blue is the prevailing
colour, Tessio chooses a different type of women:
Lupe, Delfina and Betina (pag. 107) do not suffer
out of love, but because they want to be eternally
young. Their desire is to seduce the mirror, not a
man. They get together to talk about themselves,
about their plastic surgeries, about how to be
more beautiful; in Botox Party (pag. 100) we
imagine them, happy to get rid of their double
chin, their crow’s feet, the bags under their eyes,
the wrinkles at the corners of their mouth and on
their forehead. Visiting the Spring of Youth and
Beauty (pag. 108 to 109) explores the same theme.
By way of conclusion:
I. The latest works consistently show a marked
tendency to fragmentation. Our artist uses bits
of paper she has previously painted to com-
esta estrategia de fragmentación se mantiene hasta en las composiciones más abstractas de los últimos años y se puede rastrear en momento anteriores; en la epopeya de la Nelly, por ejemplo,
muchas escenas están compuestas a la manera de
un cloisonné, aquella vieja técnica de trabajo en
metal que compartimentaba espacios para llenarlos de esmalte o vidrio.
II. ¿Qué ha mirado Tessio todo estos años con el
lente de su pintura? Si se revisa la totalidad de
su obra uno descubre a una cronista de nuestro
tiempo, una observadora de las glorias y miserias de nuestra sociedad. Tessio no se exalta ni
se angustia, más bien sonríe y tiene una actitud
de conmiseración, pues sabe que ella misma
está adentro de este paso de comedia. Sin hacer
“pintura de género”, sin militar en el feminismo, Tessio deja en su obra la impronta de una
mirada femenina. No es casual que su primera
muestra individual se haya llamado Yo mujer.
Ella pinta a la que espera con ansias el llamado
telefónico del bienamado, o a la que se resiste al
paso del tiempo echando mano de los recursos
quirúrgicos disponibles; pinta tan bien el “periplo de la heroína” porque ella misma es esa
heroína y ella misma ha recorrido ese periplo.
Le tocó vivir los últimos años del siglo XX y los
primeros del XXI, ha sido testigo privilegiado
de cómo se ha transmutado la mujer y la sociedad. De todo esto da testimonio un corpus de
trabajo serio y no exento de humor.
pose different figures or scenes. One cannot
fail to see there a certain evocation of the close
of the 19th century aesthetics, akin to Austrian
modernism, where each fragment bears a geometrical pattern, such as spirals, concentric
circles, triangular fans, herring bones, Saint
Andrew crosses, and motifs pertaining to
heraldry; these are combined according to a
harmony of palette to create human figures,
animals or scenes. All the elements in Woman
and Wolf (pag. 87) are made of hundred of geometrical patterns: the characters, the flowers,
the tree, the main character’s dress as well as
the sky and the grass in the background. It is
noteworthy to see how this fragmentation strategy persists even in the most abstract compositions of the latest years and can be traced back
to prior moments; in Nelly’s epic, for example,
many scenes are made up after the fashion of
a cloisonné, the ancient metalwork technique
which consists in compartmentalizing spaces
and filling them with enamel or glass.
II. What is it that Tessio has been looking at
through the lens of her painting, all these
years? Going over her entire work, one discovers a chronicler of our time, an observer of the
glories and miseries of our society. Tessio gets
neither excited nor distressed,
she smiles compassionately, knowing that she
is part of this comedy. Her paintings are not
‘gender’ paintings, she is not a feminist activist, but her works do carry female hallmarks.
Her first individual exhibition was called ‘I,
Woman’: this is not by chance. She portrays
the woman who’s anxiously waiting for her
beloved’s call, or the one who fights the passing of time with surgical weapons; if she is
so good at painting the Heroine’s Journey, it
is because she is this heroine who has made
this journey. During the last years of the XX th
century and the first years of the XIst, she has
been the privileged witness of the transmutation of woman and society. The testimony she
gives us is a corpus of serious work, not free
from humour.
Jugando con el mundo . Tinta y café . 11 x 30 cm . 1967
El juego . Tinta y café sobre papel . 30 x 11 cm . 1967
La huelga . Tinta y café sobre papel . 30 x 11 cm . 1967
Homenaje . Tinta y café sobre papel . 19 x 16 cm . 1967
La consulta. Tinta y café sobre papel . 19 x 16 cm . 1967
Té de brujas . Tinta y café sobre papel . 16 x 19 cm . 1966
Serie Proceso a una suegra. "La vendetta" . Tinta y café sobre papel . 19 x 16 cm . 1966
Serie Proceso a una suegra. "Lo siento" . Tinta y café sobre papel . 19 x 16 cm . 1971
Domingo de feria . Acrílico . 70 x 90 cm . 1977
Invitados especiales . Acrílico . 50 x 60 cm . 1977
Esperando el llamado . Acrílico . 60 x 80 cm . 1975
Fiesta de hijos pródigos . Acrílico . 40 x 50 cm . 1975
El contrabando . Acrílico . 35 x 45 cm . 1976
A confesión de parte (Autorretrato) . Óleo . 140 x 120 cm . 1978
Nancy Quintas de Gougenheim . Óleo . 130 x 130 cm . 1988
Marta Sangiorgi . Óleo . 120 x 100 cm . 1987
Nosotros . Óleo sobre madera . 140 x 100 cm . 1972
Neil Dieges . Óleo . 140 x 80 cm . 1987
Osiris Chierico . Pastel . 100 x 70 cm . 1986
Raúl Alfonsín . Óleo . 120 x 70 cm . 1986
Jorge L. Borges . Óleo . 90 x 60 cm . 1986
Reflejos . Óleo . 130 x 160 cm . 1983
Elefantes . Óleo . 150 x 150 cm . 1993
Montoya . Óleo . 100 x 100 cm . 1990
Colas de zorro . Óleo . 100 x 130 cm. 1992
Reflejos . Óleo . 130 x 160 cm . 1983
Vernissage II . Óleo . 140 x 100 . 1995
Cóctel. . Óleo . 120 x 140 cm . 1995
Buenos Aires Apocalipsis now . Óleo . 130 x 130 cm . 1995
Con la lengua afuera . Óleo. 120 x 140 cm . 1994
Pagina siguiente detalle
Delegación extranjera . Óleo . 120 x 120 cm. 1995
La bolsa. Óleo . 120 x 140 cm . 1994
Carta a un pariente lejano . Óleo . 120 x 130 cm . 1999
La boda. Óleo . 130 x 130 cm . 1999
Desayuno en la hierba . Óleo . 130 x 160 cm . 2000
Dame tu email . Óleo . 130 x 120 cm . 2002
La conversación . Óleo . 130 x 160 cm . 2003
La realidad su máscara . Óleo . 130 x 160 cm . 2003
Figura III . Óleo . 170 x 55 cm . 2004
Figura II . Óleo . 170 x 55 cm . 2004
Figura I . Óleo . 170 x 55 cm . 2004
Nombre de la obra, técnica, medidas, año.
Serie de lo femenino . Óleo . 130 x 50 cm cada uno . 2002
Al ballotage . Técnica mixta . 57 x 20 cm . 2003
La cuarentona que esconde su pasado . 57 x 20 cm . 2003
Mapa sexual de la novia . Técnica mixta . 57 x 20 cm . 2003
Novia hippie . Técnica mixta . 57 x 20 cm . 2003
Homenaje a mis amigas . 100 x 70 cm . 2004
Serie mujeres argentinas. La Milonguita . Óleo . 105 x 26 . 2004
Serie mujeres argentinas. La under . Óleo . 105 x 26 cm . 2004
La consagración y la visita de Paul Auster . Técnica mixta . 130 x 145 . 2004
El piropo . Técnica mixta . 50 x 130 cm . 2004
Casorio con baile . Técnica mixta . 50 x 130 cm . 2004
El levante . Técnica mixta . 50 x 130 cm . 2004
Huyó con el rockero . Técnica mixta . 50 x 130 cm . 2004
Páginas 78/79
Páginas 80/81
La confesión . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2004
El Julián y los celos . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2004
La Nelly, alegato femenino . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2004
El telo . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2004
La calle . Técnica mixta . 120 x 120 cm
Experiencia con cálidos y grafismos . Técnica mixta . 130 x 160 cm . 2005
Experiencia VI . Técnica mixta . 130 x 160 cm . 2005
Experiencia IX. Díptico . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2006
Página siguiente
Amapolas con historias . Técnica mixta . 100 x 160 cm . 2006
Mujer con lobo . Técnica mixta . 140 x 100 . 2005
El silencio . Técnica mixta . 120 x 120 cm . 2005
La celebración . Técnica mixta . 150 x 150 cm . 2005
Mujer . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2006
Hombre . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2006
Desnudándose . Técnica mixta . 140 x 60 cm . 2007
Duetto lúdico . Técnica mixta . 130 x 130 cm . 2006
Resplandor de un ángel . Técnica mixta . 120 x 140 cm . 2007
Noche de luna en la cornisa . Técnica mixta . 120 x 120 cm . 2007
Página siguiente
Vivir apasionada (detalle) . Técnica mixta . 140 x 120 cm . 2007
Serie palmeras humanas. "La de los ojos" . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2007
Serie palmeras humanas . "La del predijitador" . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2007
Serie palmeras humanas. "De la pareja feliz" . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2007
Serie palmeras humanas. "Palmera Hollywood" . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2007
Botox party . Técnica mixta . 146 x 143 cm . 2009
Felicidad fácil . Técnica mixta . 130 x 160 cm . 2008
Mi lugar, la idea . Técnica mixta . 120 x 140 cm . 2009a
¿Qué se hizo la Adelita? . Técnica mixta . 120 x 100 cm . 2009
Rosa . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2009
Ivone . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2009
Visita a la fuente de juventud y belleza . Técnica mixta . 120 x 140 cm . 2009
Intromición. técnica mixta . 150 x 150 cm. 2010.
Mapa alucinógeno. técnica mixta . 140 x 120 cm . 2011.
Blue moon. técnica mixta . 150 x 150 cm . 2010.
De océanos . técnica mixta . 160 x 100 cm . 2010.
Rock en la jungla. técnica mixta . 150 x 150 cm. 2011.
Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fe
ILARI. Instituto Latinoamericano de Relaciones Internacionales. Asunción, Paraguay.
Galería Lirolay, Buenos Aires
The British Council, Buenos
Instituto de Relaciones Culturales Paraguayo Americano,
Asunción, Paraguay
Caja Cooperativa de Crédito,
Sala Cultural Lowe, Buenos
Latin American Gallery, Buenos Aires
Consulado General de la
República Argentina, Colonia,
Galería Bosch, Lima
Galería Rebeca, Bogotá
Galería Aramayo, Montevideo,
Concejo Deliberante de Buenos Aires
Galería Lagard, Buenos Aires
Galería Sagazola, Buenos
Galería Marta Zullo
Museo de la Paz, Bolivia
Casa de la Cultura Franz
Tamallo, Santa Cruz de la
Sierra, Bolivia
Galería de Arte Latinoamericano Asunción, Paraguay
Galería Wildenstein
Casa Argentina en Roma
Centro Venezolano-Argentino
de Cooperación Cultural Tecnológico, Caracas, Venezuela
Galería de la Pequeña Muestra, Rosario
Centro Cultural Monte Carmelo, Santiago de Chile
Galería Wildenstein, Buenos
Galería Aycart, Punta del Este,
Salón Municipal de Artes
Plásticas, Museo Sivori, Buenos Aires
Galería Peuser, Buenos Aires
Galería Nexus, Buenos Aires
Museo de Arte Moderno,
Dirección de Cultura, Misiones
Salón Municipal de Artes
Plásticas, Museo Sivori, Buenos Aires
Centro Cultural Recoleta,
Buenos Aires
Galería Wildesntein, Buenos
Galería Tema Contemporáneo,
San Pablo
Galería Perfomance, Brasilia
Trench Gallery, Buenos Aires
Centro Cultural Monte Carmelo, Santiago de Chile
Diario La capital, Mar del Plata.
Galería Performance, Brasilia
Galería Tema Contemporáneo,
San Pablo
Consulado Argentino, Rio de
Hotel Sofitel, Buenos Aires
Galería Zurbarán, Buenos
Galería Centoira, Buenos Aires
Atelier Internacional, Buenos
Galería Amalfi, Punta del Este,
Galería Centoira, Buenos Aires
Galería Vazquez, Buenos Aires
Galería De Santis, Buenos
Salón Blanco Municipal, Esperanza, Santa Fe
Hotel Llao Llao, San Carlos de
Bariloche, Rio Negro
Esperanza, Santa Fe
Centro de Estudios Brasileños, Buenos Aires
Galería Centoira, Buenos Aires
Diario “La Capital”, Mar del
Honorable Concejo Deliberante, Buenos Aires
Trench Gallery, Punta del Este
Hotel Sofitel, Buenos Aires
Galería Thames, Buenos Aires
Galería Grillo, Punta del este,
Museo Rosa Galisteo de Rodriguez, Santa Fe. Exposición
Sala Cultural Lowe, Buenos
Latin American Gallery, Buenos Aires
Centro Cultural San Martín,
Buenos Aires
Galería Lagard, Buenos Aires
Sagazola Galería de Arte,
Buenos Aires
Sociedad Rural Argentina,
Bueno aires
Galería Wildenstein, Buenos
Muestra Religiosa, Buenos
Centoira Galería de Arte,
Buenos Aire
Galería de Arte Orión, Olavarría
Centro de Estudios Históricos
Antropológicos y Sociales
Sudamericanos, Buenos Aires
Galería Praxis, San Pablo
Galería Elysyum, Nueva York
Galeria Della Tartaruga, Roma
Galería Praxis, Buenos Aires
Galería Sisley, Buenos Aires
Thailand Culture center,
Palacio de Correos, Buenos
Palacio San Martín, Buenos
Museo de Bellas Artes Bonaerense, La Plata
Glaería de la Recoleta, Buenos Aires
Palacio San Martín, Buenos
Fundación AVON, San Juan
Hatman Ar Space, Coral Gables, Florida
Trench Gallery, Punta del
Este, Uruguay
Bolsa de Comercio de Buenos
Galería Rubbers, Buenos
Artistas de la Colección
MAAP, Fundación Raggio
Bienal Areatec
Participa en ArteBa en los
años 1988, 2000, 2002, 2003,
2004, y 2005 con Espacio Giesso y Transarte
Participa en Expotrastiendas
en los 2002, 2004, 2007, 2008,
2009 con las Galerías Gradiva,
Espacio Giesso y Archimboldo
Palais de Glace, Buenos Aires
Palacio San Martín, Buenos
Museo de Arte Contemporáno,
La Plata
Palacio San Martín, Buenos
Salón Avon, Buenos Aires
...en los collages es donde esta artista adquiere su exacta
voz. Son piezas de valores bajos - muchas veces dramáticas – donde las tintas cargadas hacen marco a los papeles de intención metafísica. El equilibrio con su razón de
“fiel” y el ritmo compositivo, cada uno por su lado y los
dos en común, son ingredientes que obtienen encomiables
logros en su obra.
“La señora F se desnuda”, “Blanco y Negro” y “Máquina
que hace música”, representan noblemente a Poupée Tessio. Hasta lograr en obras como en “Homenaje a Arthur C.
Clarke”, acuda dulcemente al contemplador la memoria
de Max Ernest: el padre del collage.
Jorge Taberna Irigoyen
La obra gráfica de Poupee Tessio nos transporta con sutil
ironía a un mundo habitado por inquietos demonios. La
experimentación técnica la lleva a utilizar el café como
recurso colorístico, como elemento unificador de una serie
que es una aguda visión de las relaciones humanas.
Catalina Fara
Poupée Tessio supo encontrar el sentido fundamental, que
resulta de la etapa “surrealista” aquí mostrada. El primer
impacto visual causado por el conjunto es el del color, sumado a un dibujo seguro, a pesar de esquemático. Ahora
bien, el soporte de las construcciones pictóricas de Poupée, un diseño muy ágil, desenvuelto, que podría prever
formas tridimensionales de escultura, sirve de apoyo a
una verdadera fiesta de colores.
Josélia Constandrade
Son seguramente personajes de fábula: pero, ¿de qué fábula? Esta es la primera clave: los fondos, las escenografías,
pertenecen a viejos libros de cuentos, pero esas extrañas
familias, no. Pese a sus disfraces, sus ojos en blanco y sus
gestos de asombro, son tan contemporáneos como nosotros mismos. ¿Y por qué no nosotros mismos?
Luis Angel Aubele
... este nuevo camino le permite ejercer con mayor empeño sus conocimientos técnicos, ahondar el dibujo, refinar la materia cromática, cuidar la composición. Nada de
lo cual impide que su fantasía cobre vuelo y se encienda
en abigarrada sucesión de elementos. La realidad tiene su
eje en la figura que remeda la pose del modelo, un retrato
verdadero o fingido, lo mismo dá, y se cubre de aditamentos, como echándose encima un ropaje caprichoso. La
vivacidad, el ritmo, el rico detalle del un pincel prolijo
realza, nos franquea la entrada a lo onírico, a un ensueño
que en la mejor tradición, nos mantiene en vilo frente a lo
Guillermo Whitelow
Poupée necesita someter casi obsesivamente la realidad
que ama, la realidad circundante, la de los seres, los objetos, los frutos y las flores a modificaciones que, de alguna
manera, la reserven para si misma. Van Gogh decía que
el arte es el hombre agregado a la naturaleza, sólo que en
Poupeé parece que se invierte el sentido de la definición:
es la naturaleza agregada al hombre.
Ahora esa naturaleza aparece entre pliegues de su obra.
Este recurso podría considerarse como la búsqueda de una
sensación táctil, pero puede tener además otra motivación: la secreta necesidad de replegarse. Es una conjetura
atractiva como revelación expresiva e incuestionablemente original.
A través de las formas, luz , movimiento, y una fina gama
de color, dinamiza Tessio su óptica pictórica que adquiere
asi singular trascendencia.
Osiris Chierico
... Por eso asistimos a un proceso de desrealización; aún
con la presencia de elementos reconocibles de la realidad
Poupée Tessio emplea con acierto este recurso. Lo que nos
muestra no está para que nosotros reconozcamos en éllos
una experiencia vivida, sino para ayudarnos a desarrollar
una experiencia a vivir. Nos propone así una participación
en su propia búsqueda; no en un mundo a confirmar lo
existente sino a aventurarse en la intuición de lo posible.
Por eso sus pinturas son enigmáticas y no encierran ninguna significación simbólica. Mas bien, se podría decir, la
En esa mirada hacia adelante es donde la artista se
reconoce. Para eso es necesario desrealizar; despojar a la
obra de la posibilidad de reconocer en ella realidades vividas y ofrecer, a cambio, realidades hacia delante que se
apoyen las imágenes rescatadas de la memoria, para crear
con ellas no tanto una rememoración de los que fue sino
una percepción de lo que podría ser.
Fermín Fevre
La obra de Poupee Tessio se puede tomar como una muestra de los resultados de una vocación realizada en base a
la búsqueda de la propia identidad. (…) Imágenes que la
pintora transforma desde todos los ángulos mediantes líneas impregnadas de sensualidad y ágiles planteos de color; aprovechamiento funcional de espacio; objetos en estado de armoniosa conjunción, llevan al espectador hacia
una verdadera ultravisón de la realidad. Como en un acto
de recreación, de complementación del mundo, aprehende la realidad exterior, la somete a un proceso interno de
transfiguración. Cada cuadro tiene su propio clima, y su
climax. La obra constituye un puente de plácido, sereno y
alegre asombro entre la realidad y el misterio.
Rubén Astudillo y Astudillo
… su obra presenta una característica que atraviesa su mundo creativo, en el cual la artista cuestiona los vínculos y la
participación femenina en la sociedad actual. Es la mujer
en su inscripción histórica a partir de la década de los setenta, la que adquiere una especial importancia dentro del
campo del trabajo, de la educación y de la cultura. Así lo
declara la artista en varias oportunidades y lo va a demostrar al reflejar la conducta social de la mujer dentro de un
sistema visual, como una metáfora imaginaria, en el mundo de la moda y del diseño.
En la obra de Poupée Tessio, la historia de “la Nelly”, constituye uno de sus aciertos populares. La artista profundiza
la mirada hacia esa realidad cultural y al mismo tiempo
con una resolución plástica original-que se resuelve entre
el dibujo y la pintura- inventa una técnica que se ajusta a
las tiras humorísticas dibujadas a través de guiones visuales con textos. Es en estas series donde surge su interés por
lo popular. La historia de la Nelly y del Julián, conquista
para el mundo de la plástica, personajes reales porteños.
(…). La visión aguda y crítica de la escena porteña iba a
ofrecerle en el arte y la vida, protagonistas para su escena
plástica, que la artista presenta como un referente valioso
de una realidad social.
En esta serie de obras, Poupee se propone nuevamente
construir desde los fragmentos, esta vez con papeles que alguna vez envolvieron un regalo, contaron alguna historia o
guardaron algún secreto. Esos papeles ahora se incorporan
generando silencios entre intrincadas texturas gráficas y
junto a guardas con cierta reminiscencia precolombina;
donde el preciosismo de la línea marca el ritmo de las
Poupée Tessio incorpora la figura del árbol como un ar-
quetipo de vida y de fuerza en crecimiento. (…) La actitud
contemplativa es un valor que presta inmensidad a una
impresión efímera y particular. Las imágenes pintadas son
realidades humanas, no basta referirse a estas imágenes,
hay que vivirlas en su inmensidad poética. La imagen del
árbol, símbolo de la vida y de la muerte, es citada en los
diversos enfoques de las ciencias espirituales tradicionales, y se traduce como metáfora de la germinación y crecimiento interior que se renueva constantemente. Es la
clave simbólica la que lleva a comprender el cuerpo de la
imagen perseguida por la artista como soporte de futuras
transformaciones. La interpretación de lo que acontece no
puede cerrarse sino permanecer abierta, al devenir de las
“La artista como poeta y creadora de signos, obedece a las
leyes de la creación, estas leyes invisibles podrían enunciarse de este modo:
Una hoja tranquila hace crecer el alma, crecer el estío,
crecer el mundo. La calma se instituye como una emergencia del ser, como un valor que domina, pese a un mundo
Rosa Faccaro
El vestido nos re-presenta. Habla, dice, grita, susurra ...
convierte el cuerpo en un mensaje, algo que propone al
que mira.
Le memoria funcionará como el deseo que se proyecta en
cada vestido–expresión, en los vestidos que imaginó y
creó Poupée Tessio.
Un código sutil hace visible lo implícito de la identificación con el cuerpo de origen, un cuerpo de mujer, cuerpo
materno que se apropia cada vez más de nuestro cuerpo.
Fijemos la mirada en el vestido adecuado que hablará por
Salvina Sollima Tamborini
Una charla entre mujeres o el té con amigas para hablar de
la vida, se convierte en un “botox party”; las vecinas chismosas ahora se preguntan “¿Qué se hizo la Adelita?”. El
delicado equilibrio tonal y el jugueteo de los grafismos nos
revelan a esas mujeres que han perdido su rostro buscando
una perfección efímera. En un mundo donde la lucha de
las chicas contra el espejo se gana en el quirófano, la sutil
ironía y el humor sagaz de la artista denuncian la artificialidad de los arquetipos de la belleza contemporánea.
Julio Sanchez
¿Cómo fueron tus primeros acercamientos
al arte?
Toda mi infancia estuve obsesionada en
llamar la atención de mis padres y abrir
un espacio reconocible entre mis dos hermanas, espacio que logré a brochazos. Ser
la del medio no es fácil y dada mi sensibilidad el camino era con espinas. En tercer
grado la maestra nos pidió que hiciéramos en nuestra casa un dibujo sobre los
aztecas y me parece que me salió bastante
bien porque en el colegio no me creyeron que lo había hecho yo. Decían que yo
mentía y que me lo había hecho mi mamá,
me dio muchísima bronca porque ella no
sabía dibujar. Desde ese momento mi único lucimiento en el colegio estuvo relacionado con la pintura, ya sea pintando
telones, diseñando escenografías y todo
lo relacionado con lo decorativo. Los mayores logros los tenía cuando retrataba a
los perros o los caballos de las amigas de
mamá. A partir de ese momento los regalos de mi mamá a sus amigas fueron esos
retratos que yo hacía. Como era común en
esa época mis padres me enviaron a profesores de danza, piano y dibujo.
A los 11 años descubrí a Picasso, a los
12, estando sola en la casa de mi abuelita
decidí sorprenderla con un mural de mi
autoría. Su casa tenía a la entrada una pared blanca y grande que se veía casi inmediatamente después de abrir la puerta
de calle, esa pared fue el soporte para mi
mural. El tema era pesquero, con varios
personajes y niños con un solo ojo de
fuerte influencia picassiana, el resultado
fue una abstracción con contenido social.
En su momento a mí me pareció una gran
obra, sobre todo por el tamaño, pero me
acuerdo el primer comentario de mi abuela al verlo: “me hubieras pintado unos cisnes”. Tengo lindos recuerdos de esa casa
Tell me about your early approaches to art.
All through my childhood, I was keen on attracting my parents’ attention, in an attempt
to open a space between my two sisters and
me. I managed to win that space with the
strokes of a paint brush. Being the middle
sister was not easy and given the fact that
I was too sensitive, I felt I had to make my
way walking on thorns. When I was in third
grade, our teacher asked us to make a drawing about the Aztecs as homework. The result must have been very good because everybody doubted my authorship. They said
that I was only pretending and that, in fact,
it was my mother’s doing. This made me
very angry because mother could not draw
at all. From then on, I only was good at painting whether it be painting curtains, designing scenography, and everything relating to
decoration. My greatest achievements of all
were the portraits of the dogs or the horses
belonging to my mother’s friends. As from
then, my mother always gave the portraits
I made as usual presents to her friends. As
it was common in those days, my parents
hired instructors who gave me dancing, piano and drawing lessons.
When I was 11 years old, I saw a painting by
Picasso. One day, when I was alone at my
grandmother’s, I decided to surprise her.
The house had a large white big wall that
could easily be seen when opening the front
door, and I chose that wall for my paintings.
It was a fishing scene with several characters and one-eyed children all showing a
strong influence by Picasso. It was an abstract painting with social content. At that
time I considered it a great work of art, especially because of its size. I will never forget
my grandmother’s comment, she said: “you
should have painted swans for me”. Still,
I have beautiful memories of that house
which was a sure shelter for me after my
En La Boca a los 17 años
Onda existencialista
Tarjeta de navidad pintadas por mi
ya que fue el refugio seguro donde acudía
después de hacer las travesuras.
Ya siendo un poco más grande nos mudamos a Olivos y comencé a tomar clases
de pintura con Leopoldo Torres Agüero,
esto para mí fue como descubrir un nuevo mundo. A medida que iba conociendo
más de pintura más me convencía que me
quería dedicar a eso. Junto con mi amor
al arte crecía mi fascinación por París que
dura hasta hoy. Recuerdo pintar escenas
de esa ciudad sin conocerla ni teniendo
referencia alguna. Era pura imaginación
y estaba obsesionada, me levantaba todas
las mañanas diciendo “Vive La France”.
childish mischiefs.
When I was older, we moved on to Olivos
and I started taking painting lessons with
Leopoldo Torres Agüero. This learning
process was like discovering a new world
for me. As I was learning more and more, I
realizad that I wanted to devote my life to
my vocation which was, no doubt, painting. My love for art grew together with my
fascination for Paris which is now as strong
as ever. I remember painting Paris scenes
though I had never been there. It was pure
imagination and I was obsessed with the
idea, I used to wake up every morning saying “Vive la France”.
¿Y cuando fue tu primera exposición?
Mi primera exposición fue en el living de
la casa de una amiga del colegio cuando
tenía 17 años. En todas las paredes de su
casa había cuadros míos, me acuerdo que
expuse dibujos, paisajes y un autorretrato.
En esa exposición vendí mi primera obra
a mi profesora de lógica, una chica joven
de la cual me hice íntima amiga.
En ese tiempo mi abuelo materno me vendía mis temperas en casas de decoración,
era un personaje inolvidable. Lo amaba,
me ayudaba en mis pasos de ballet, nos
buscaba a la salida del colegio, asistía a
reuniones de padres, siempre estaba presente. Además de las ventas a las casa de
decoración comencé a ganar dinero haciendo tarjetas de navidad que gustaban
When was your first exhibition?
My first exhibition took place in the livingroom of a school-friend’s house when I was
17 years old.
My paintings were hung on all the walls
of the house. I remember that I exhibited
drawings, landscapes and a self-portrait. I
sold my first portrait then, to my Professor
of Logics, a young girl who later became a
close friend of mine.
By that time, my mother’s father used to sell
my tempera for decoration purposes. He is
an unforgettable person for me. I loved him
because he helped me dance ballet and always picked me up when school time was
over. He also attended parents’ meetings
and was always there for me. Apart from
the paintings I sold to decorators, I also
started to make money painting very successful Chirstmas cards.
¿Siempre supiste que querías dedicar tu
vida al arte?
Sí, pero como era muy común en esa época la primer reacción de mis padres a este
planteo fue “pero de qué vas a vivir” y
“cuando te vas a casar”. El mandato familiar fue muy fuerte y me casé a los 21
Did you always know that you wanted to
devote your life to art?
Yes, but as it was customary in those days,
my parents’ first reaction was to ask me two
very common questions: “How are you going to make a living” and “when are you go-
años. En el 63 tuve a mi primer hijo Martin y a los 11 meses siguientes nació mi
hija María, fue casi como tener mellizos.
A parir de ese momento y hasta que los
chicos fueron al colegio mi prioridad fue
criarlos. Recuerdo una vez que visité a Ignacio Pirovano y me hizo un comentario
que me impresionó muchísimo: “O se tiene familia o se hace arte, las dos cosas no
pueden ir juntas”, quedé shockeada. De
todas maneras nunca dejé de pintar, se me
hizo muy difícil pero pude, decidí respetar la vocación contra viento y marea. En
1965 expongo en el Museo Rosa Galisteo
de Rodríguez en Santa fe, tenía unos consejeros de lujo como Guillermo Whitelow,
Ignacio Pirovano y Enzo Meneguini, desde entonces no he parado, y creo que el
olor a pintura es mi perfume favorito.
Desde muy temprano en tu obra la mujer
y su rol en la sociedad se convierte en un
tema recurrente. ¿Por qué?
Siempre sentí la necesidad de tomar, a través de mi obra, la defensa de la mujer.
En 1970 me divorcio, mis hijos tenían 6 y
7 años. Esa fue para mí una época muy difícil a nivel económico, gracias a Dios que
contaba con grandes amigos que me apoyaron muchísimo, esas cosas nunca se olvidan. De todas maneras, en ese momento
me convertí en modelo de mujer independiente y estaba feliz con ello. En esa
época el divorcio no era común, era casi
una hazaña, en especial si no se tenía cobertura económica garantizada. De todas
maneras, yo no podía creer que llevaba a
mi cuerpo de aquí para allá, donde quisiese, sin pedir permiso ni consultar a nadie.
Ese mismo año expuse en Galería Lirolay
una muestra que titulé “Yo Mujer”, en ella
había dibujos en tinta donde se parodiaba la relación matrimonial y el lugar de
objeto que tiene la mujer en la sociedad,
situación que me irrita y no acepto. Esta
fue mi primera exploración en la pintura
de género. Siempre me indignaron todas
las calamidades que tuvo que soportar la
mujer a lo largo de la historia y hasta hoy
tengo un sentimiento de recelo femenino,
sin llegar a ser feminista, pero casi.
¿Cómo hiciste para subsistir durante esos
ing to get married”. My parents’ command
was very strong, and I married when I was
21 . In 1963, I had my first son, Martin.
Eleven months later, my daughter María
was born. It was almos like having twins.
From that moment on, the most important thing for me was to bring them up. I
remember that once I visited the art-critic
Ignacio Pirovano and he said something to
me which impressed me greatly. “Either
you have a family or you devote yourself to
art, you cannot do both”. I was shocked by
his words but, in spite of his comments, I
never stopped painting. It was difficult
for me but I always managed to follow my
interests. I decided to stand up to my vocation, rain or shine. In 1965, I presented my
works at the “Museo Rosa Galisteo de Rodríguez” in Santa Fé. I had superb cousellors, the art-critic Guillermo Whitelow, the
art-collector and art-critic Ignacio Pirovano,
and Enzo Meneguini, marchand. As from
that moment on, I never stopped working.
I have come to think that my favourite perfume is the scent of paint.
Primer viaje a Colombia
Catálogo exposición Galería Lirolay. 1970
Pabelló Argentino de la Feria de las Naciones, Uruguay.
Grupo Signo
As from an early stage, “woman” and her
role in society have become a recurring
theme. Why?
I always felt the need to engage in the defence of women trough my work. In 1970, I
divorced my husband. By then, my children
were 6 and 7 years old. Those were hard
times for me but, thank God, I counted with
really good friends. I will never forget what
they did on my behalf. I became a model
independent woman and I was content with
my lot. In those days, getting a divorce was
quite uncommon, especially when one’s
earnings were not guaranteed. But, it had
its advantages: I could come and go wherever I wanted without asking for permission. That year, I presented an exhibition
at “Galería Lirolay”, a show that I called:
“Me, Woman”. There were ink-drawings
and paintings where the matrimonial relationship was parodied, in this way showing
that the concept of “woman-object” given to
women by society annoyed me greatly. It is
simply something I cannot accept. That was
my first investigation of themes relating to
gender. I have always been angry with the
misfortunes women had to put up with in
Premio "Cecilia Grierson", LXV salón nacional de pintura. 1976
Al principio intenté trabajar en publicidad, pero esto me dejaba con muy poco
tiempo para estar con mis hijos. Decidí
trabajar en casa junto a ellos creando objetos pintados que se los vendía a cuatro
locales. La demanda me obligaba a inventar nuevos objetos todo el tiempo, ya sea
mesitas con espejos de pared, diseños de
cunas, muebles de niños pintados, platos,
tarjetas de navidad, etc. También me dedique a armar decoraciones y con el paso
de los años logré estabilizar mi economía.
¿Esto te permitió seguir con tu carrera de
Si. En esta época me dediqué más que
nada a dibujar. Después de la muestra
de Lirolay, Cristino Alonso me invitó a
formar parte del Grupo Signo, junto con
Armando Donnini, Blas Castagña, Carlos
Fels, Ladislao Magyar y otros grandes dibujantes. Hicimos varias exposiciones
tanto en Buenos Aires como en el interior
de la Argentina. En este período también
logré presentar mi obra en distintas partes
de Latinoamérica. Todavía, me acuerdo
la emoción que sentí cuando me avisaron
que tenía una muestra en la galería Rebeca, en Bogotá. Después de esa exposición
en Colombia me hice un regalito y me
fui sola a México, quedé fascinada. Mas
o menos un año después, en 1974, logro
viajar a Europa por primera vez.
Ulyses Petit de Murat y José Fioravanti
Contrabando. Premio "Cecilia Grierson",
LXV salón nacional de pintura. 1976
Afiche Grupo Signo
Primer viaje a new York. 1973
¿Qué impacto tuvo en vos este viaje?
No lo podría creer, lloré ante los cuadros
que durante años sólo había visto en reproducciones. Recorrí Europa durante
todo un mes. Al final del recorrido viajo a
Madrid para hacer una última excursión a
Sevilla, Granada y Córdoba. Mi último día
en Madrid voy a conocer el Gijón, el famoso café de los intelectuales. Ahí una pareja cercana a mi mesa me preguntó si era
argentina y me invitaron a sentarme con
ellos. Resultaron ser un anticuario español y Sandra Negrín, hija de Juan Negrín,
presidente del Consejo de Ministros español antes del golpe Franquista. Hicimos
una linda amistad y me llevaron al Oliver,
lugar frecuentado por mucha gente famosa, ahí conocí a Saura, Geraldine Cha-
the course of history. And even until now, I
feel a certain feminine resentment although
I do not support the feminist movement as
a whole.
How was it that you could manage to survive during those years?
At first, I tried to get a job at an advertising
company but it meant little time to spend
with my children so I decided to work at
home and I started to create artistic objects
which I sold to retail shops. As demand
was strong and stable, I had to invent new
things all the time, such as small tables with
looking-glasses on painted frames, cradles
with surprising designs, painted furniture
for children, also painted plates, Chirstmas
cards, and so on. I also took to decorating
houses and in due time I managed to stabilize my earnings.
Was it in that way that you could develop a
stable career?
Of course. In those days I took up drawing
mostly. Alter my exhibition at “Lirolay”,
the artist Cristino Alonso asked me to form
part of the Signo Group together with Armando Donnini, Blas Castagna, Carlos Fels
and Ladislao Magyar and other important
expert draughtsmen. We took part in several exhibitions together, in Buenos Aires
and other parts of Argentina. In those days,
I was lucky to present my works in other
parts of Latin America. I still remember
the emotion I felt when I was told that my
works were exhibited at the gallery “Rebeca” in Bogotá. After the show in Colombia, I
treated myself to a trip to Mexico and I was
charmed by the tour. About a year later, in
1974, I travelled to Europe for the first time.
How did this trip affect you?
I could not believe my eyes. I shed tears of
joy at the paintings I had seen before only
in reproductions. I travelled in Europe for a
month. At the end of my journey, I went to
Madrid and then I visited Seville, Granada
and Cordoba. On my last day in Madrid, I
went to see “Gijón” the famous coffee-shop
always visited by intellectuals. A couple
sitting next to me asked me if I was from
Argentina and invited me to their table. He
turned out to be a Spanish antique-shop
plin, Ava Gardner y Paco Rabanne. Otro
día fuimos a una quinta cerca del Escorial y conocí escritores muy importantes
como Francisco Cerecedo. Entre una cosa
y otra, me ofrecieron trabajar en lo de un
arquitecto catalán del grupo de Figueiras
colaborando en la decoración de palacios.
Fue un viaje inolvidable, pero tuve que
París. 1972
Neil Dieges, Poupee Tessio
Poupee Tessio
En mi taller. 1991
¿Qué hiciste cuando volviste de Europa?
Seguí con mi trabajo. Ese mismo año expuse en la galería Aramayo en Montevideo. Ahí conocí al embajador Guillermo
de la Plaza, quien se me acercó de repente y me dijo: “mucho gusto, usted se va
a encargar del stand de Argentina en la
feria de las naciones en el Prado de Montevideo”. Nunca había hecho este tipo
de trabajo pero no podía decir que no, a
partir de esto y durante algunos años hice
de arquitecta de ferias y decoraciones en
Montevideo, Colonia y Buenos Aires. Al
poco tiempo viajo a New York, quedé deslumbrada, creo que no dormí por doce
noches. Visite museos y galerías, todo me
deslumbró para siempre, es una ciudad
que adoro.
Cuando regreso de Estados Unidos comienzo la serie que llamé escenas populares, me gustó muchísimo hacerla. Creaba
escenarios de fábula y en ellos insertaba
pequeñas escenas que se relacionaban con
hechos de la vida cotidiana. Pintaba sobre todo a la gente que conocía. Si bien a
simple vista estas obras parecen inocentes, casi un juego, si se observa con detalle
se puede descubrir la historia y el interior
de cada personaje a través de sus ropajes
simbólicos, representación de sus cualidades y debilidades. Me gustó jugar con lo
expuesto y con lo oculto, lo que a simple
vista se ve pero nadie reconoce. Siempre
me interesó muchísimo la dialéctica que
existe entre la apariencia y la esencia. En
estas obras los personajes viven la fiesta
de la vida pero lo hacen con miedo.
Aparte de las fiestas y procesiones se puede ver gente que traslada comida y objetos
de un lugar a otro, estas obras las titulas
contrabando. ¿Cómo se te ocurrió pintar
owner and she was Sandra Negrín, daughter of Juan Negrín, president of the Council
of Ministers before the Coup by Franco. We
soon made friends and they took me to “Oliver”, a place always full of famous people.
There I met Saura, Geraldine Chaplin, Ava
Gardner and Paco Rabanne. Another day,
we went to a week-end house near “Escorial” and I was introduced to very important
writers such as Francisco Ceresedo. They
offered me a job with an architect from the
“Figueras Group” that used to work in interior decoration of Palaces. It was an unforgettable trip, but as I had to return home, I
could not accept the offer.
What did you do after you returned from
After I returned from Europe, I went on with
my usual work. That same year, I exhibited my
paintings at the gallery “Aramayo” in Montevideo. There I met Ambassador Guillermo de
la Plaza who came to me and said: “ Pleased
to meet you!” . You will be in charge of the
Argentine stand of the World Fair at the Prado
in Montevideo.” I had never done anything
like that, but I couldn’t say no. As from that
time on, I engaged in architectural works in
fairs and also interior decoration in Montevideo, Colonia and Buenos Aires. Shortly after,
I travelled to New York and I was bewildered
by it. I visited museums and galleries and I
was unable to sleep for twelve nights. I was
captured forever. I must confess that it is a
city I adore. When I returned from the United
States, I created a series that I called “Popular
Scenes” which I enjoyed greatly. The sceneries were fabulous, and in them I retold facts of
everyday life. Mostly, I painted people I knew.
They seemed to be innocent themes but on
second thought and taking into account small
details there was a story and the innermost
secrets feelings of each character were present
through their symbolic attire showing their
qualities and weaknesses. I enjoyed playing
with those things that were open to the eye
and other things that were hidden and that
no one acknowledged. I have always been
interested in the dialectics of appearance and
reality, in the essence of things. In my works,
the characters enjoy the fiesta of life but they
do it in fear.
Apart from fiestas and processions, one can
Mi hermana una vez me contó que en
los pasos de La Quiaca y Virazón no se
consideraba contrabando todo lo que una
persona pudiera cargar, por lo que se veía
cruzar a las personas cargadas con bolsas
enormes encima de sus hombros. Esta
anécdota me sugirió pintar estos traslados
de cosas. Una amiga me pide uno de estos
cuadros para ver si me lo compraba, pero
en lugar de colgarlo en su casa lo envía
al LXV Salón Nacional. Un día me llama
y me dice: “Bueno te compro el cuadro”,
arreglamos para encontrarnos para efectuar el pago, pero antes de cortar me dice
“te quiero que decir que compré la obra
que sacó el premio Cecilia Grierson en el
Salón Nacional “.
Algunos años después estos pequeños
personajes desaparecen y comenzas a pintar rostros cargados de símbolos. ¿Por qué
pasaste el foco de atención del grupo al
En aquel entonces pensaba que todo pasaba por la cabeza, no solo lo racional, sino
también lo sentimental. En este momento
comencé a analizarme y me hice un montón de preguntas sobre mi ser y mi vida.
Este período es en el que más me acerco al
surrealismo. Buscaba representar el mundo interior de las personas, su psiquis,
aquello que les pasaba por la cabeza. En
1978, recomendada por Osiris Chierico,
expongo este conjunto de obras en la galería Wildenstein. La muestra tuvo bastante
éxito, buenas críticas y muchas ventas,
para mí esto fue muy importante. En esta
misma época comencé a pintar retratos
a pedido, el problema con esto es que la
gente no me solía dejar libertad para la
creación. Cuando iba realizaba retratos
en una casa toda la familia opinaba, me
sentía que estaba haciendo un traje a medida. Por lo general los personajes ligados
a la cultura me dejaban mayor libertad de
expresión y es ahí donde me sentía más
Retrataste a Raúl Alfonsín cuando era presidente ¿Que sentiste?
Lo fui a pintar a la quinta de Olivos, fui
con mi caballete y mi valija de pinturas,
estaba muy nerviosa, me acuerdo que
see people taking food and objects from one
place to another. These paintings are entitled “smuggling”. How did it occur to you
to paint all this?
My sister once told me that through the
footpaths from La Quiaca to Virazón, all
that a person could carry was not considered smuggling and so, you could see people going across the boder with huge bags
on their back. This story inspired me to
paint the transportation of things. A friend
of mine asked me for one of those paintings
saying that she wanted to buy it from me
but instead of taking it to her home, she took
it, secretly, to the LXVth National Salon in
Argentina. Then, one day, she telephoned
me and said: “I want to buy your painting”.
We arranged a meeting for me to receive the
payment but before she hang up, she said “I
want to tell you that I am buying the painting that received the prize`Cecilia Grierson’
at the National Salon”.
Years after, these small characters fade
away and you started painting faces full
of symbols. Why did you shift the focus of
attention from the group to the individual?
In those days, I thought that everything
went through your head, not only your rational aspects by also your emotional perceptions, the things you felt. It was then,
that I went through psychotherapy to solve
questions about myself and my life. That
was the moment when I most took to surrealism. I was trying to show the inner side of
people, their inner-self, the things that went
through their heads.
En 1978, counselled by the art-critic Osiris
Chierico, I presented this group of works at
“Wildersten” Gallery. The show was very
successful, the criticts were good and there
were successful sales. All this proved to be
very important for me.
By that time, I started painting protraits on
demand. My problem was that those who
hired me, left no ground for personal creation. I used to work at the home of those
who required my services and, unfortunately, all the members of the family had
something to say about what I was doing,
so much so that I felt that I was making a
ready-made portrait. Conversely, other people whom I painted and who were related
Oriris Chierico, Poupee Tessio
Poupee Tessio, Dr. Guillermo Vidal
Canela, Poupee Tessio
Poupee Tessio
tomé un café y el pocillo me temblaba, se
oía el cli cli cli de la taza. Para colmo,
como era de esperar Alfonsín no paraba de
moverse y había unos cuantos periodistas
registrando el momento. La experiencia
fue emocionante pero confirmé que no me
siento cómoda pintando en público. Este
retrato junto con otros como el de Borges,
Osiris Chierico, Kosice, fueron expuestos
un tiempo después en la galería Centoira.
Poupee Tessio 1976
Jorge Luis Borges, Poupee Tessio
Poupee Tessio, Gyulia Kosice
Poupee Tessio en New York
Al poco tiempo realizas tus obras plegadas. ¿Qué se oculta en los pliegues?
Esta serie nació mientras pintaba unas
manzanas, cuando llegué al eterno problema de solucionar el fondo empecé a hacer
pequeños pliegues de luces y sombras. Al
ver esto comencé a imaginar formas en
las que podría mostrar y ocultar al mismo
tiempo una imagen Así nació el primer
plegado, casi como una dialéctica entre la
apariencia y la esencia. Descubrí que podía organizar el trabajo y crear un procedimiento para pintar estas obras: Primero
hacía un boceto en pastel sobre papel que
luego trasladaba a una tela, que así podía
plegar a mi gusto y que me servía como
modelo para las obras finales. Por más que
el tema fuera el mismo cuando los pliegues cambiaban de posición nacía una
nueva obra. Esto fue un desafío técnico,
buscaba pintar los pliegues en diagonal,
con mucha luz y sombra, para resaltar el
efecto del plegado. Esta obra gustó muchísimo y trabajé con ella durante casi seis
De los plegados pasas a la serie Buenos
Aires fin de siglo. A simple vista parece
un cambio de 180 grados. ¿A qué se debió
Fue algo espontáneo, tenía que hacer nueva obra para una muestra en la Galería De
Santis y no quise pintar más los plegados.
El director de la galería los estaba esperando y cuando le mostré la nueva serie
se quedó desconcertado. De todas formas
hice la exposición y resultó tener mucho
éxito. No sé si estará relacionado, pero
este fue un periodo de muchos cambios
en mi vida. En 1995 me caso por segunda
vez y en 1996 nacen mis nietos, los mellizos Francisco y Daniela. Estaba feliz y
to the cultural spheres of society, left more
ground for freedom of expression and it was
with them that I felt more comfortable.
You made a portrait of Raul Afonsin when
he was president, how did you feel?
I went to the Presidential Home in Olivos
with my easel and my box of paintings. At
first, I felt very uneasy and trembled with
fear. When I drank coffee, the coffee-cup
went “clic, clic”.
President Alfonsín kept moving from one
place to another and we were surrounded
by a number or journalists interested in
capturing the moment. The experience was
thrilling but I realized then, that I do not
feel comfortable painting in public. This
portrait together with others and that of
Borges’s- the famous writer-, and also those
of the critic Osiris Chierico and the artist
Kosiche were shown at Galería “Centoira”
for some time.
Shortly alter that, you started working on
painted folds on canvas. What is hidden in
those folds?
The series was born when I was painting
some apples. There was a moment when I
tried to solve the background and started to
make small folds using lights and shadows.
On seeing this, I started imagining shapes
in which I could show and hide an image
at one time. My first fold was born there
and then. It was almost a dialectic shift between appearance and essense. I found that
I could organize my work and develop a
procedure to paint those works.
First, I would work on a draft with pastel on
paper and next I would transfer it to a canvas which I could fold at pleasure and that
would serve as a model for other works.
Although the themes were the same, simply
by chaging folds a new work appeared. It
was a technical challenge. I tried to paint
folds diagonally using light and shadow to
enhance the folded effect. The results were
very successful and I worked with this technique for almost six years.
From those foldings you turned to the “End
of the Century Buenos Aires” series. At
first glance, it seemed to be a 180 degrees’
change. What was the cause of this change?
viajaba a Chile a verlos todos los meses.
En esta serie presentas la ciudad cómo
una selva cargada de velocidad y en varias
de estas obras aparece tu imagen inserta
en esta vorágine. ¿Podrías vivir fuera de
la ciudad?
No. Soy totalmente urbana y por esto mismo quise mostrar el tipo de vida que se
llevaba en la Buenos Aires del fin de siglo, representar su estado psicofísico. Se
me ocurrió mostrar esto asociando ciertas
características de la vida en la ciudad con
distintos animales, los mezclaba para poner en un mismo registro el objeto y su
metáfora. De esta manera, la velocidad la
identifiqué con los galgos, la violencia y
la agresión la representé con los tigres,
etc. Era como hacer una ecología social de
mi entorno.
¿Y la apariencia?
También. En esa época, como hoy en día,
las apariencias valían más que la esencia.
Siempre la apariencia tuvo mucha más
prensa. Los vernisagge son un ejemplo
de esto. Muchas personas se juntan en
un espacio con la aparente intención de
ver arte pero, en realidad, la gente va para
encontrarse con otras personas. En estos
eventos cada uno tiene un rol establecido.
Esto es lo que quise mostrar en esta obra
¿En algún momento de tu carrera abandonaste la pintura?
Sí, pero sólo por un año, me sentía bloqueada. Pero aproveche el momento, y
como tenía la materia pendiente de hacer
escultura, me fui al taller de Lydia Galego
y después al de Leo Vinci. A partir de esta
experiencia se acrecentó mi admiración
hacia los escultores ya que el trabajo que
ellos hacen tiene muchísimas exigencias.
De todas maneras, lo que siempre me gustó hacer es pintar. Lo hago porque para
mí es la mejor forma de vivir. El hecho
de pintar es como un rito, casi como una
misa. Para hacerlo pongo música de fondo, a veces fuerte y a todo volumen. Hay
días que pinto en silencio porque quiero
escucharme, me escucho a mi misma y me
divierto. Pinto bailando, pinto con todo el
It was something spontaneous, I needed
something new for the exhibition at “Galeria
De Santis” and I decided I did not want to
paint any more folds. The Director of the Gallery was expecting them and when I showed
him the new series he was astonished. Anyway, the exhibition was a success. I do not
know if this bears a relationship with the
many changes that took place in my life in
those days. In 1995, I married for the second time and in 1966 my two grandchildren
were born, the twins Francisco and Daniela.
I was very happy and I used to travel to Chile
to see them every month.
This last series shows the city as though it
were a jungle, full of quick movement and
in several of these works your image is embedded in the rush. Is there any chance that
you could survive far from town?
No, I am completely a city dweller and for
this reason I wanted to show the type of
life in “End of the Century Buenos Aires”.
I tried to picture the psycophysical aspects
of the city. And to show all this, I associated certain characteristics of life in the city
with animals which I chose placing under
the same register an object and its metaphor. In this way, speed was associated to
greyhounds, violence and aggression were
associated to tigers and so on. I meant some
kind of social ecology in relation to my
And, what about appearance?
In those days like today, appearance was
more valued than essence. Art-exhibits are
a clear demonstration of this. People come
to an exhibition with the apparent intention of viewing art but, in fact, people come
to meet other people. In those events each
one plays an established role. This is what I
wanted to show in my works.
Did it ever occur to you to abandon your
Yes, but only for a year. I was going through
a stand still and as I had always intended to
take sculpture, I joined Lydia Galego’s workshop and later Leo Vinci’s. As from that experience my admiration at sculpturers grew
because their work is very exacting. But, my
favourite activity has always been painting
Dr. Raúl Alfonsín, Poupee Tessio
Pintando el retrato de Dr. Raúl Alfonsín
Poupee Tessio, Eduardo Costa Peuser
Poupee Tessio en Roma
Tu vuelta a la pintura es con la serie Planos de la memoria. En ella tomas colores
tierra y creas escenas con un tinte melancólico. ¿Qué sentías en este momento?
Estaba muy triste, mi segundo matrimonio se había deteriorado, y me sentía
olvidada. Para colmo al poco tiempo se
comienza a ver los principios de la gran
crisis que sufrió la Argentina en 2001.
Asimismo, comencé a utilizar el óleo pastel y una operación de la vista me abrió el
campo visual, todo esto me llevó a buscar
una nueva imagen. Quería pintar el aire,
pero no simplemente como una cosa física, sino como portador de historias. Yo
venía de la serie Buenos Aires fin de siglo
y cuando le muestro esta nueva obra a Rafael Squirru, él me pregunta “¿Ya no tiene
nada que criticar?” Hasta el día de hoy no
se que responder a esa pregunta. Lo que si
se es que quise dejar de hablar del exterior
para concentrarme en el interior. Toda mi
obra está muy ligada a mis sentimientos.
En uniendo mis pedazos le das una nuevo
giro a esta cuestión espiritual, ¿Por qué lo
haces usando el collage?
En esa época traía rollos de tela de chile
porque era más barato, son los rollos de
tela que pinto en planos de la memoria.
Como armaba mis propios bastidores me
sobraban pedazos, con estos sobrantes
armé esta serie. Casi como una metáfora
de la vida.
En el 2002 retomas el tema de la mujer.
¿Qué te hizo volver esto?
La mujer y lo femenino es un tema que
siempre me interesó y aún hoy me interesa. Quise hacer una serie sobre las mujeres argentinas y así nacieron la divorciada, la under, la lolita, la tanguera, la
bloqueada, etc. Al poco tiempo hice una
especie de síntesis y dejé solo el vestido
como metáfora y metonimia de la mujer
que lo viste. Así pinté el vestido de la mujer contendora como un ánfora, el de la
oriental como una alfombra, ya que son
las más pisoteadas del planeta, el vestido de la mujer-objeto como un parque de
diversiones, etc. Se sucedían una imagen
tras otra, no podía parar, me divertí mu-
and I go in for it because I think it is the best
way of living. Paiting for me is like a ritual,
a kind of mass. When I paint I listen to music, sometimes at full volume and there are
days when I paint in silence because I want
to listen to myself. In this way, I have a lot
of fun. I dance while I paint, I paint with
my whole body.
Your return to painting comes together with
a series of Memory Planes. You chose new
colors and created new scenes tinged with a
melancholy touch. What were your feelings
in those days?
I was very sad because my second marriage
was coming to pieces. I felt forlorn and forgotten. What is more in 2001, there was a
great crisis in Argentina. At that time, I started to use pastel-oil and, as I underwent eyesurgery, my visual acuity increased and all
this led me to search for a new image. I wanted to paint the air, but not just as a physical
element but as conveyor of histories.
I was through with my series “End of the
Century Buenos Aires” when I showed my
new work to the art-critic Rafael Squirru
and, in surprise, he asked me: is it that you
no longer have any criticism to make? The
truth is that, until today, I have no answer
to that question.
I only know that I wanted to stop referring to
the outer world to concentrate on my inner
world. All my work is related to my feelings.
In “Joining my Pieces” you give a new turn
to the spiritual question. Why do you use
In those days, I used to bring rolls of silk
from Chile which were cheaper. They are
those rolls which I painted in Memory
Planes. As there were small pieces of cloth
left, I used them for other paintings: I felt
this series was a metaphor of life.
In 2002, you insisted on the “woman” theme. What made you return to it?
The things that always interested me were
those related to women and femininity, things
which still interest me today. I wanted to create a series about Argentine women and it was
in this way that types such as the divorcee,
the under, the Lolita, the tango dancer, the
emotionally blocked and others, were born.
Poupee Tessio, galería Zurbaran.
Julio Sánchez, Marino Santamarina, Poupee
Diana Dowek, Marta Minujín, Poupee Tessio
Marité Ponisio, Osvaldo Mastromauro y
Poupee Tessio
Poupee Tessio, Guillermo Whitelow
Poupee Tessio, Osvaldo Giesso
Luis Felipe Noé, Poupee Tessio
Poupee Tessio, Eduardo Silverstein y Juan
Carlos Lasser
Nito Mestre, Poupee Tessio, Mabel Ibarra,
Galería Thames
Marcelo Olmos, Pelusa Borthwick, Graciela
Borthwick, Poupee Tessio. Museo Rosa
Galisteo de Rodriguez, Santa Fe
chísimo haciendo esta serie. Un poco después se me ocurrió crear vestidos de novia
para los diversos estereotipos de mujeres.
En ellos encontré una salida humorista y
una forma de hablar del matrimonio irónicamente, del cual yo estaba bastante decepcionada. Así nació el vestido para la
virtuosa, para la cuarentona, la novia trucha, otro con un mapa sexual, etc. Nunca
abandoné el tema de la mujer, a lo sumo
cambio las preguntas que me hago y los
intereses que tengo. Por ejemplo, en 2009
retomo a la mujer pero en relación a la inevitable pérdida de la juventud y todo lo
que esto implica a nivel psíquico, físico y
¿Qué recepción tuvieron estos vestidos?
Fue muy buena, me acuerdo de que Osvaldo Giesso llevó los vestidos de novia
a ArteBA y nos causó mucha gracia ver
como la gente hacía cola para verlos. Las
mujeres llamaban a sus maridos para mostrarles. Me llegaron a asociar con Maitena
por la percepción irónica de la mujer. Se
vendieron tantos que me mandaron a casa
a trabajar para reponer lo que se llevaban.
Yo estaba feliz y a esta felicidad se sumó
el nacimiento de mi nieto Juan Manuel.
Luego de los vestidos inicias una serie
donde el collage adquiere protagonismo
indiscutido. ¿Cómo llegaste a esto?
Yo siempre estoy explorando con nuevas
técnicas, me gusta la emoción de hacer
cosas nuevas. Una vez me compré ropa en
un lugar donde la envolvían con un papel
de seda gris de un lado y negro del otro.
Este primer papel lo llené de grafismos
usando diferentes combinaciones entre
los negros, blancos, tierras y plateado.
Luego los corté y los compuse sobre una
tela usando óleos. Así nació “La celebración” que fue la primera obra de esta serie. Me gustó tanto este papel que fui a
comprar otras prendas con el objetivo de
obtener más dado que no lo pude conseguir en ninguna papelera. Me salió caro
pero me dio muchas satisfacciones ya que
lograba un efecto especial cuando le aplicaba el óleo, este se expandía generando
una aureolita que me interesaba plásticamente.
Shortly after, I reduced everything to a synthesis and left only the dress as a metaphor
and metonimy of the woman who wears it.
Thus, I painted on canvas the dress of the
supportive woman in the shape of an anphor; the oriental woman as a floor carpet,
(being the women most stepped upon of the
planet); the woman-object as if she was an
amusement park, and so on.
A vertiginous flow of images came to my
mind and I worked tirelessly. I had a lot of fun
while I was painting this series. Shortly after,
I began to create wedding-gowns to stand for
each type of woman. In doing so, I found a
humorous way out and, somehow, I managed
to refer to marriage ironically since I was very
disappointed with married life. Thus, a dress
for the virtuous woman was born, another for
the forty-year-old, or for the fake bride and
another for the one who only meant a sexual
trap. I never abandoned the theme “woman”,
I only pose different questions to myself and
review my interests. For example in 2009, I
continued with the theme “woman” but in
relation to the inevitable loss of youth and all
the psychological, physical and social implications associated with it.
What was the reaction of the public towards
these dresses?
It was very good. I remember that the versatile expert in art Osvaldo Giesso took my
wedding-gowns to Arte BA (a Buenos Aires
yearly large art fair) and it amused us both
greatly to see people qeueing up to see them
and women bringing their husbands to the
show. They even associated me with Maitena, the writer of comic strips, and her ironic perception of women’s character. Almost
all of the dresses painted on canvas were
sold and I was sent home to work, to replace
those that were taken away by customers. I
was very happy and the birth of my grandson Juan Manuel greatly added to my joy.
After the dresses on canvas you iniciated a
series were collage is the undisputed protagonist. How did you reach this stage?
I have always been exploring new techniques to feel the emotion of creating new
things. Once I bought clothes at a place
where they used to wrap them up in silk paper which was gray on one side and black
O´Neil Crüces y Poupee Tessio
Ladislao Magyar, Tino Alonso, Poupee Tessio
y Nidia Pizzi.
Poupee Tessio en Egipto
Creo que con esta técnica es con la que
me siento más cómoda. Ya el hecho de no
tener que esperar que se seque la pintura
me permite jugar con las formas de manera más libre. Todas mis obras a partir
de este momento son con collage. Incluso
retomo temas ya utilizados por mí, como
las flores, que al ser renovadas en escala
y técnica introducen un nuevo universo
¿Cómo se te ocurrió hacer la historia de la
Nelly? , ¿ Consideras a la Nelly un alter
ego tuyo?
Comencé a crear personajes y los hice en
diversos materiales. De repente dibujé
una mujer que me transmitió mucha empatía y enseguida comencé a imaginar
toda su vida: su horóscopo, sus amigos,
toda su circunstancia. La bauticé La Nelly.
No voy a negar tener algo de la Nelly,
pero ella se da todos los gustos y yo no
siempre pude hacerlo. Más que nada me
identifiqué con la problemática femenina
que conlleva este personaje: la búsqueda
de la independencia, la libertad para expresarse, la mujer objeto, etc. La Nelly se
casó muy joven porque ese era el mandato
familiar, no se le ocurría que podría tener
otra elección, la vida era para casarse y
tener hijos. Tenía muy linda voz y se dedicaba a cantar de manera aficionada, a
medida que se metió en el mundo de la
música conoció otra realidad y de pronto
descubrió que el mundo en el que estaba
inserta le quedó chico. Con el arte empieza a descubrir su independencia, pero el
precio de la libertad es la soledad. Todas
las mujeres tienen algo de la Nelly, es un
arquetipo de la mujer y sus problemas.
El 2006 fue un año de muchos cambios
para vos y vio el surgimiento de una
nueva serie de alto contenido simbólico.
¿Qué sucedía en estos días?
Fue año bastante movidito. Por un lado
nació mi nieto Matías que puso muy feliz, pero por el otro finalmente me divorcio y me mudo. Una buena y una mala.
Comienzo la serie de los árboles cuya primera obra “Morir de pie” era la representación de mi estado anímico en ese momento. Una amiga psicóloga me recuerda
on the reverse. The first time that I used
this paper for painting purposes, I filled
it with different graphite combinations
of black, white, earthen colors and plated
silver. Then, I cut them up and made new
combinations on a piece of cloth together
with oil colors.
Thus, “The Celebration” was born, which
was the first work of the series. I liked the
silk paper so much that I bought more
pieces of clothing with the aim of obtaining
more of that paper which I could not find
anywhere else. It proved to be expensive,
but I got a lot of satisfaction out of it, given
the fact that I could produce special effects
on applying oil-colors which spread, thus
creating a sfumato effect which was very
dear to me. I think this is the technique with
which I feel more comfortable. As it is not
necessary to wait for the paint to dry, I can
play with shapes freely. Since then, all my
works are collages. I can even go back to
themes I had used before such as flowers,
which turned out to be renewed because I
used different scales and techniques to create a new visual universe.
What about Nelly’s story. Do you consider
her an alter ego of yours?
I started creating characters with different
materials. All of a sudden, I drew a picture
of a woman towards whom I felt great empathy and I went on imagining what the rest of
her life could have been: her horoscope, her
friends and all her background. I Christened
her Nelly. I must confess that I surely have
things in common with Nelly except for the
fact that she enjoys all the pleasures of life
which I not always have the chance to.
Most of all, I identified with the feminine
problems envisaged in this character: the
search for independence, for freedom of expression, the rejection of the woman-object
image, and so on. Nelly married very young,
simply because that was expected of her, to
comply with the family tradition. It never occurred to her that she could have a different
choice. Life was about getting married and
having children. She was the owner of a
nice voice and was an amateur singer. Gradually she entered the world of singing and
she discovered a different reality and found
that the world in which she had lived until
el texto de Alejandro Casona, “Los árboles
mueren de pie” y sin duda la asociación
era correcta. Yo me sentía un árbol porque
había perdido mis hojas, pero luego cambié de estación y volví a brotar.
¿Qué artistas sentís que influyeron en vos?
Siento una gran atracción hacia Brueghel,
amo sus escenas, la manera de representar
sus personajes, su uso del color, en definitiva el clima general de su obra. Algo
parecido me pasa ante las obras de Hieronimmus Bosch. Siempre miré muchos
libro de historia del arte, por ejemplo recuerdo el interés que me causaron unos
grabados anónimos del siglo XVIII que representaban distintos oficios. Dentro del
arte del siglo XX me fascinan las obras
surrealistas y metafísicas en especial las
de Magritte, De Chierico, Tanguy, etc.
También me encanta la obra del expresionista Delveaux y del pintor naif Henry
Ya dentro del ámbito de la pintura Argentina me acuerdo que estaba deslumbrada
por la obra de Raquel Forner. En 1961
la conozco por intermedio de Guillermo
Whitelow y Enzo Meneguini y pude estudiar con ella un tiempo. También, miré
con mucha atención los collages de Antonio Berni, en especial la serie de Juanito
Laguna y Ramona Montiel.
then, became too small for her. Art was an
open door towards her independence but the
price of liberty was solitude and loneliness.
I think every woman feels she has something
in common with Nelly. She is an archetype
for women and their problems.
The year 2006 meant many changes for you
together with the birth of a new series having a high symbolic content. What happened in those days?
It was a very hectic year. First, my grandson
Matías was born which made me very happy but, conversely, I finally divorced and
moved house. One was a good experience
and the other a bad one. I started paniting
trees and my first work was “Trees Die
Standing Up” which stood for the way I felt
at that moment. A psychoanalist, friend of
mine, reminded me of a text by the novelist Alejandro Cassona “Trees Die Standing
Up” and undoubtedly the association was
correct. I felt like a tree after losing all its
leaves but, come the change of season, new
shoots grew.
Who are the artists you think had an influence on you?
I those days I felt a great attraction towards
Brueghel, I enjoyed his scenery and the way
he pictured his characters, his use of color and,
mostly, the general atmosphere of his works. I
felt almost the same towards the works of Hieronimmus Bosch. I used to go through many
art-history books, for example anonimous
gravures of the XVIIIth Century, picturing the
various trades which inspired my works like
“The Basket”. In relation to the XXth century,
I was inspired by surrealist and metaphisical
works such as those by Magritte, De Chierico,
Tanguy and ohters. I also enjoyed the work
of the expressionist Delveaux and the “naïf”
painter Henry Russeau.
Within the field of Argentine painting, I remember I was fascinated by Raquel Forner’s
work. I met her in 1961, thanks to the critics
Guillermo Whitelow and Enzo Meneguini
and I engaged in training under her guidance for some time. I also studied with great
attention the collages by our great painter
Antonio Berni, especially the “Juanito Laguna” and “Ramona Montiel” series.
Mario Gatiello, Ana María Carrio, Poupee
Tessio, Carolina Cerverizzo. Primer Bienal
Area TEC
Poupee Tessio, Jorge Gamarra.
Poupee Tessio, 2009

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