Nº11 MAY 2015 · Trilogía Mad Max · Quentin
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Nº11 MAY 2015 · Trilogía Mad Max · Quentin
Nº11 MAY 2015 PUBLICACIÓN GRATUITA OPERACIÓN TRUENO LICENCIA PARA MATAR CASINO ROYALE 007 AL SERVICIO DE SU MAJESTAD MOONRAKER EL MUNDO NUNCA ES SUFICIENTE ZOOLANDER CICLO QUENTIN TARANTINO KILL BILL PULP FICTION JACKIE BROWN DJANGO DESENCADENADO PLANET TERROR + DEATH PROOF RESERVOIR DOGS MALDITOS BASTARDOS VUELVEN LAS BEER&PIZZA NIGHTS CON LA SESIÓN MÁS CRAZY EL REGRESO DEL GUERRERO DE LA CARRETERA Conmemoramos el 120 aniversario de Gaumont con un ciclo A SU ALTURA SUMARIO EDITORIAL 03 CICLO JAMES BOND Allá por septiembre de 1979, vi mi primera película de Bond en pantalla grande; una especie de rebufo de Star Wars que sus productores se sacaron de la manga a toda prisa. Moonraker, que así se titulaba la nueva entrega de 007, estaba protagonizada por Roger Moore, alias “El Santo”, junto a un villano granguiñolesco apodado “Tiburón”, el titánico Richard Kiel. Aunque años después pude leer en revistas especializadas que esta entrega se consideraba una payasada, a los ojos de un chaval de 10 años fue toda una fiesta para los sentidos. Y, desde luego, marcó mi fascinación por el personaje. En aquellos años existía en Barcelona un montón de cines que nos brindaban reestrenos en época estival. Fue así como descubrí al genuino Bond, Sean Connery, al que habían elevado al Olimpo en comparación con ése al que consideraban un bufón. Sea como fuere, la saga Bond inspiró muchos de mis sueños cinéfilos. Era una cita bianual que provocaba largas cola en los cines de todo el país. Este mes de mayo, y coincidiendo con el aniversario del nacimiento de Ian Fleming, hemos querido rendir homenaje a Bond, James Bond, ese nombre ya mítico encarnado, hasta la fecha, por seis actores muy diferentes entre sí. Así pues, os invitamos a descubrir una parte fundamental en la historia del cine contemporáneo, y de paso un recorrido por la cultura popular de los últimos 50 años. 14 LAS 50 CARAS DE JAMES BOND 24 MAD MAX 34 CICLO QUENTIN TARANTINO 58 BEER & PIZZA NIGHT: ZOOLANDER 64 120 AÑOS DE GAUMONT 68 PROGRAMACIÓN Director Nacho Cerdà Editora Sandra S. Lopera Redacción Pablo Mérida, José Antonio Pérez Guevara, Carlos Murcia, Jaume Miranda, Erika Tiburcio Moreno, Coral Ferrero, Pablo García Márquez, Misael Sanroque, Javier J. Valencia, Bartholomew Quint, La reina Margot, Faust de Winter Diseño y maquetación: Miki Edge Nacho Cerdá Director de Phenomena Experience Contacto [email protected] 2 3 Por Bartholomew Quint (www.elcinedesdelacuna.com) Celebramos el aniversario del escritor Ian Fleming dedicando un ciclo a su personaje más popular: James Bond. La programación estará formada por films de cada uno de los actores que han dado vida al agente 007. Sábado 2 18:30h OPERACIÓN TRUENO Domingo 3 18:15h LICENCIA PARA MATAR Sábado 9 18h CASINO ROYALE Sábado 23 18:15h 007 AL SERVICIO DE SU MAJESTAD Sábado 30 19:45h MOONRAKER Domingo 31 18h EL MUNDO NUNCA ES SUFICIENTE 4 5 Esta película, la cuarta de una saga en pleno éxito nada esperado en su inicio, contó con el mayor presupuesto hasta la fecha, ganó el Oscar a los mejores efectos visuales y consiguió ser una de las más exitosas y rentables. Su director, Terence Young, ya había moldeado a Connery en las dos primeras películas, a imagen y semejanza del perfil descrito por Fleming. El autor había muerto en 1964 pero las lineas de la saga se habían definido: la organización SPECTRE, el espía cínico y entregado a su patria y un sinfín de gadgets y chicas para hacer la aventura ágil y dinámica. Fleming escribió Operación Trueno en 1961 junto a Jack Whittingham y Kevin McGlory, quien retuvo los derechos de la novela originando una de las sonadas pugnas legales que ha sufrido la saga, hasta 1983, insólito año en que el Reino Unido produjo dos Bonds: Octopussy, de la saga oficial con Roger Moore, y Nunca digas nunca jamás, basada en Operación Trueno, con una vuelta extraoficial de Connery dirigido por Irvin Kershner, quien gozaba de éxito tras estrenar El imperio contraataca en 1980. El título venía a propósito de la frase que dijo el propio actor cuando, en 1971, consiguió deshacerse del personaje tras Diamantes para la eternidad. OPERACIÓN TRUENO (1965) Ian Fleming VIVIENDO AMANECERES Ian Fleming concebió a principios de los 50 el espía más famoso del mundo en su novela Casino Royale, y pronto se visualizó como material para trasladar a la pantalla. La Guerra Fria era el campo de batalla para desarrollar las aventuras del espía británico elegante, frío, cínico, atractivo e inteligente más definitivo. Albert R. Broccoli y Harry Saltzman, y su EON Productions, lanzaron en cine a James Bond, el agente 007 del MI6 al servicio de Su Majestad, en la franquicia más rentable y longeva del cine, que aportó seis rostros para ese mismo personaje. Seis actores han perfilado a Bond dentro de la saga oficial de 24 películas en más de cinco décadas desde Agente 007 contra el Dr. No (1962), a los que añadimos Barry Nelson y David Niven, quienes fueron Bond, respectivamente, en 1954 en TV y en 1967 en adaptaciones extraoficiales de Casino Royale. Ocho prototipos de un mismo héroe ficticio que ha generado estudios especializados sobre el personaje y su mundo, por su destacada y dilatada incidencia en la cultura pop y el consumo de masas. Podemos considerar que se nos ofrece un mismo personaje con un rostro para cada época y seguramente para cada gusto. ¡Tomaos vuestras licencias y dejaos llevar por los seis tonos de voz oficiales de Bond, James Bond! 6 Mr. Kiss-Kiss Bang-Bang: El Bond más cínico El escocés Sean Connery estableció los cánones del agente secreto en 1962. Con Operación Trueno (1965), el actor consolidó el mito, otorgándole una considerable dosis de cinismo, exhibido en escenas como la del baile mortal en el club “Kiss-kiss Bang-bang”, cuyo nombre daba título a un tema para los créditos iniciales de la película pensado primero para Shirley Bassey, pero que fue grabado finalmente por Dionne Warwick, y al final descartado. Esta versión del tema inicial se incluyó en un recopilatorio por razón del 30 aniversario de la saga. Los productores cambiaron sus ideas sobre la canción principal y el tema “Mr. Kiss-kiss Bang-bang” pasó a oirse sólo en versión instrumental en algunas escenas, y fue Tom Jones quien pasó a dar el do de pecho, hasta la extenuación, para los títulos de crédito iniciales con el tema “Thunderball”. Operación Trueno hizo gala de impactantes escenas acuáticas y paisajes caribeños. Se había consolidado un equipo técnico y de actores dedicado a la saga para la continuidad como son Richard Maibum (guionista), John Barry (compositor) o Ted Moore (fotografía) y los actores Bernard Lee (M), Desmond Llewelyn (Q) y Lois Maxwell (Moneypenny). 7 007 AL SERVICIO SECRETO DE SU MAJESTAD (1969) Desde Australia con amor: El Bond más romántico. En 1967 Connery quiso desvincularse de 007 tras rodar Sólo se vive dos veces, y los productores oficiales contrataron a un desconocido modelo australiano que parecía dar la talla. Entre los muchos candidatos ya sonó el nombre de un demasiado joven Timothy Dalton, y Roger Moore, quien estaba atado al contrato de la serie El Santo, pero fue George Lazenby por quien se apostó para interpretar una película que se ajustara más que ninguna hasta la fecha a la novela elegida: Al servicio secreto de su Majestad. 8 Lazenby compuso un Bond que no fue aceptado por una parte del público y de la crítica por ser capaz de abandonar su deber por el matrimonio. Pese a ello, la película fue una de las más rentables de 1969, y posee pequeñas cualidades que con el tiempo han sido mejor valoradas. El film fue planteado como un reinicio de la saga, con inclusión de escena-homenaje a todas las anteriores películas, cuyos referentes quedan guardados simbólicamente en un cajón. Con el mismo simbolismo, los títulos de crédito, compuestos por el habitual Maurice Binder, aparecen en una singular composición con todos los anteriores diseños en un significativo reloj de arena. John Barry también repetiría como compositor oficial de la saga por sexta vez, definiendo el sonido Bond para toda la saga desde que Monty Norman compusiera el tema principal para Agente 007 contra el Dr. No. Junto a Desde Rusia con amor, esta película fue la segunda de dos únicas películas que arrancaban con tema instrumental en los créditos iniciales, pasando a escucharse la canción principal a mitad del metraje. La partitura que Barry compuso para esta aventura fue de las más valoradas y reconocidas, y el propio Barry la homenajeó en Panorama para Matar (1985). La canción principal que sonó durante la película fue We’ve all the time in the world, interpretada por Louis Armstrong, quien dio el tono romántico a la historia entre Bond y Tracy, interpretada por Diana Rigg, famosa entonces por la serie inglesa Los Vengadores, equilibrando el desconocimiento popular existente sobre Lazenby. El personaje de Tracy serviría de motivo en el arranque de Solo para sus ojos (1981), cerrando la cuenta pendiente con el villano Blofeld, jefe de SPECTRE, que desde los 70 eran nombres inpronunciables en la saga por otra de las famosas pugnas legales, que parece haberse solucionado para el próximo estreno de una película Bond en 2015. El romanticismo de Lazenby en la saga dejó al final una película singular más apreciada en su posteridad que en su estreno, y es que esto no le ocurría al otro Bond... En los créditos finales de La espía que me amó ya se adelantaba, como solía hacerse, el siguiente film, Sólo para sus ojos, pero el 77 fue el año de Star Wars y su impacto lo cambió todo, decidiendo lanzar un Bond galáctico, en la aventura más radical de la saga, trasladando el argumento de La espía que me amó al espacio y aumentando el sentido del humor, resultando de tal valiente combinación uno de los éxitos de 1979. Otra apuesta para Moonraker fue volver a incluir a Shirley Bassey, por última vez, para interpretar el tema inicial, e incluir al recientemente desaparecido Richard Kiel, como Tiburón, quien había sido un éxito sorprendente en su antecesora de 1977. Kiel es uno de los esbirros más recordados y famosos de la saga, el único repetidor, y contribuyó a los indices de comicidad más elevados de toda la franquicia, junto a Moore. El equipo estaba entregado a la apuesta galáctica de Bond y todos participaron de la diversión ofreciendo diversos cameos en el rodaje: Broccoli aparece en una de las escenas de Venecia con su mujer, el director Lewis Gilbert en una de las persecuciones, la hija de Lois Maxwell, Moneypenny, como una de las chicas del villano Drax, incluso el productor ejecutivo de la saga, Michael G. Wilson, en tres ocasiones, y el director de fotografía, Jean Tournier, pintando un cuadro en la plaza de San Marcos. MOONRAKER (1979) La loca historia de las galaxias: El Bond más cómico. Después del exitazo de La espía que me amó (1977), tercera incursión del inglés Roger Moore como Bond, el actor y el productor Cubby Broccoli, ahora ya sin Harry Saltzman, dieron un definitivo impulso a la saga en horas bajas. Moore modeló un Bond de los 70 con grandes dosis autoparódicas que la crítica valoró y el publicó aceptó. El actor aportó la comicidad precisa en el momento necesario, incluyendo nuevas generaciones y públicos a la saga. Posiblemente, gracias a Moore hoy seguimos disfrutando del agente 007. Si la aventura del 77, con una estupenda BSO de Marvin Hamlisch, impactó por sus escenas de acción y su comicidad, Moonraker fue más allá... ¡a las estrellas! 9 EL MUNDO NUNCA ES SUFICIENTE (1999) LICENCIA PARA MATAR (1989) Venganza personal. El Bond más serio. Connery y Moore han sido las dos caras de Bond más radicales durante más de dos décadas. Cinismo y humor hicieron sobrevivir a Bond, y, en 1987, los arquetipos debían revisarse. Un actor galés de buena formación, Timothy Dalton, fue rescatado de la memoria de Cubby Broccoly como mejor opción para interpretar a Bond. Se habían barajado varios nombres (Sam Neill y Pierce Brosnan, este último ligado por contrato a la serie Remington Steele) pero fue Dalton quien dio su toque a 007 a finales de los 80. Fue en dos ocasiones, aportando el lado más egocéntrico y vengativo al personaje, según con lo establecido por Ian Fleming, sobretodo en su segunda película, Licencia para matar. Si su primera incursión en 007: Alta tensión (1987) posee los elementos más clásicos de la saga, en su segunda y última aparición, la aventura se aleja de todo lo establecido hasta la fecha, incluso a lo que a su propio look se refiere, mostrando un Bond oscuro, no siempre bien entendido. 10 10 Licencia para matar nos regala la segunda interpretación en cine de un desconocido Benicio del Toro. Hay que destacar las presencias de los actores repetidores en la saga: Pedro Armendáriz, aquí como divertido presidente de una ficticia república bananera, y en Desde Rusia con amor (1963) como contacto del MI6 en Estambul, y también el actor David Hedison, que repitió como habitual amigo de la CIA, Felix Leiter, rol ya interpretado en la primera película de Moore, Vive y deja morir (1973). En esta segunda y última película de Dalton, no sólo él se despediría de la saga, sino que también dejamos de disfrutar de grandes habituales como el diseñador de títulos Maurice Binder, el guionista Richard Maibum, o el actor Robert Brown com “M”, desde 1977. El compositor John Barry había dejado la franquicia en la película anterior, con un trabajo por todo lo alto junto al grupo A-ha. Tras Licencia para matar, los productores entraron en uno de los conflictos más longevos por los derechos con MGM/UA, provocando una sequía del mito de seis años sin película. La maquinaria de la productora oficial, EON Productions, se puso en marcha con el quinto rostro de Bond con Goldeneye (1995): Bond dejaba de fumar, las chicas pasaban a ser algo más que un florero y su jefe, “M”, pasaba a ser una dama de hierro, y en su primera intervención ante 007 hacía una declaración de principios dejando claro que la misoginia y egocentrismo del agente estaban tan caducos y superados como la misma Guerra Fría. Después de aquello, Judi Dench repitió su personaje en las siguientes seis películas, siendo un valor seguro de éxito y calidad. En El mundo nunca es suficiente, Dench obtiene uno de sus protagonismos más prolongados de sus intervenciones bondianas. Al mismo tiempo, es la última película de Desmond Llewelyn como el mítico “Q”, el actor más longevo y activo de la saga interpretando su personaje en 17 de las hasta entonces 19 películas. El actor se despide literalmente en la película al presentar un relevo a su personaje interpretado por John Cleese, que no repetiría su papel. Llewelyn murió en accidente de tráfico tras el rodaje. Con el Bond de Brosnan, la saga adoptó más sofisticación y calidad en el diseño de producción, cuidando todos los detalles y su marketing, mostrando al actor como un prototipo de hombre elegante agasajado de marcas de ropa, relojes, gafas y conduciendo coches y motos de alto prestigio. El mundo nunca es suficiente arrancó con localizaciones en el Guggenheim de Bilbao y con la Ertzaintza algo ridiculizada, y una de las persecuciones más espectaculares por el Támesis, donde los bobbies londinenses tampoco salían bien parados. Salvando el mundo con estilo: El Bond más elegante. Si el Bond ochenteno de Dalton dejaba atrás la Guerra Fría y abordaba otras cuestiones más actuales como el tráfico de armas y los mercados de la droga, el Bond de los 90 seguiría esa linea actualizando nuevos enemigos como el control de los mass media o del petróleo, y los argumentos dejarían de basarse directamente en las novelas o relatos cortos de Ian Fleming, y sólo El mundo nunca es suficiente recogía en este título una referencia a Fleming, por ser ésta una frase citada en el imaginario escudo de la familia Bond, descrito en Al servicio secreto de su Majestad. El litigio entre productoras y distribuidoras tras Licencia para matar provocaron el espacio de tiempo más dilatado entre dos películas y cuando pudo activarse la saga, Dalton ya no era una opción. Se tanteó a Mel Gibson pero la balanza se inclinó por el irlandés Pierce Brosnan quien tuvo una gran aceptación por el público. 11 11 La serie replanteó el personaje en 2006, abordando su mundo más íntimo y vulnerable: orígenes, familia, personalidad. Para el nuevo enfoque se eligió al británico Daniel Craig, quien recibió una feroz oposición de los fans del personaje, causando un destacado cambio de opinión de los mismos tras el estreno de su película. Craig fue nominado al BAFTA por Casino Royale, un lujo de reinvento donde las persecuciones iniciales y la escena de la partida en el casino provocaron el aplauso de fans y crítica. Para tal lujoso relanzamiento se contó con el director Martin Campbell, que ya había hecho lo mismo para lanzar a Brosnan en Goldeneye. La BSO volvió a recaer en el experimentado David Arnold, quien había recogido las riendas para las nuevas partituras tras el abandono de John Barry en 007: Alta tensión (1987). Arnold continuaría el legado de Barry en los nuevos films de Brosnan y Craig mezclando con habilidad los acordes clásicos de la serie con otros actuales. Arnold había publicado un CD en los 90, con el título Shaken and Stirred: The David Arnold James Bond Project, donde dio muestra de su valía para los nuevos proyectos versionando temas instrumentales y canciones de las películas clásicas de la saga con voces de Chrissie Hynde o Iggy Pop, entre otras. En la actualidad el director Sam Mendes, responsable de los últimos proyectos con Craig como Bond, ha incluido a su compositor predilecto, Thomas Newman. CASINO ROYALE (2006) Licencia registrada: El Bond más vulnerable. Tras la celebración del 40 aniversario de la franquicia con la vigésima película “oficial”, Muere otro día (2002), en la que se homenajeaba toda la saga y Pierce Brosnan abandonaba 007, un nuevo conflicto de derechos entre productoras y distribuidoras nos dejaba cinco años sin Bond. La productora oficial llegaría a un acuerdo con Columbia Pictures junto a MGM/UA por los derechos de la primera novela de Fleming, aún no realizada oficialmente. Casino Royale fue un episodio de la serie de TV Climax en 1954, y una parodia en la película del mismo título en 1967, con David Niven en el papel de Sir James Bond, y con una magnifica canción principal, The look of love, interpretada por Dusty Springfield. Con esta oportunidad, se eligió nuevo protagonista y nuevo enfoque para la saga... ¡y a comenzar de nuevo! 12 12 Sin duda, las cuatro últimas películas de James Bond parecen indagar, con la aportación del sexto actor de la saga, en el mundo interior del protagonista de forma más directa y profunda, removiendo sentimientos personales de todo tipo y mezclando argumentos vinculados a ataques informáticos y desclasificación de archivos con los secretos más ocultos del espía más famoso del mundo. 13 13 LAS 50 CARAS DE 007 Por Pablo Mérida Resumimos la historia de los actores que han dado vida a James Bond y la de aquellos que se quedaron a las puertas de hacerlo en 50 explosivas píldoras solo aptas para miembros del servicio secreto debidamente entrenados y amantes del cine en general. 14 14 15 15 01 Cuando Ian Fleming supo por primera vez que querían llevar a su personaje del agente secreto James Bond al cine, el escritor mostró sin ningún disimulo sus preferencias por el actor que debía interpretarlo: Cary Grant. 07 De todos los actores que interpretarían a James Bond a lo largo de los años, Connery fue el único que había servido en la Royal Navy, al igual que 007. Eso sí, se diferenciaba bastante de la creación de Ian Fleming en otros aspectos, como en su insaciable apetito sexual. 02 La búsqueda del primer Bond cinematográfico fue complicada. Entre los nombres que se barajaron a comienzos de los años 60 para encarnar a 007 figuraron los de Rod Taylor, Richard Burton, Stanley Baker, James Mason, Rex Harrison, Trevor Howard, Laurence Harvey, David Niven y… ¡el culturista Steve Reeves! 03 Mientras preparaba la primera adaptación de Bond al cine, Agente 007 contra el doctor No (1962), el productor Albert R. Broccoli descubrió al actor Sean Connery (25 de agosto de 1930. Edimburgo, Escocia) en la película infantil Darby O’Gill y el rey de los duendes (1959), que le sorprendió por su fuerza en una secuencia en la que el actor se veía involucrado en una pelea. Broccoli le pidió a su esposa Dana que viera el film para que dijera si el actor le parecía o no atractivo. 04 Sean Connery se convirtió en el primer James Bond oficial del cine a pesar de sufrir problemas de alopecia. El actor había comenzado a perder pelo a partir de los 21 años de edad. En todas las películas de 007 tuvo que utilizar un peluquín. 05 Para Connery, su película de James Bond favorita fue su segunda intervención como agente secreto: Desde Rusia con amor (1963). Su actuación como 007 ocupó el puesto nº5 del ranking de las «100 Greatest Movie Characters of All Time», publicado por la revista Premiere. 06 El gran éxito que obtuvo con James Bond contra Goldfinger (1964), situó a Sean Connery como al actor más taquillero de Estados Unidos, un honor que conseguía por primera vez un actor británico. 16 16 10 08 Todas las escenas ambientadas en Estados Unidos de la película James Bond contra Goldfinger se rodaron en los míticos estudios Pinewood, situados a las afueras de Londres. Allí se rodó, por ejemplo, la pelea entre 007 y el siniestro coreano Oddjob. Connery se dañó la espalda en la escena, aunque hay malas lenguas que aseguran que fue una treta que el actor utilizaría para mejorar las condiciones de su contrato en las siguientes películas de Bond. 09 Al participar en Operación Trueno (1965), el actor fue consciente de verdad de hasta qué punto su personaje se estaba convirtiendo en un fenómeno de masas. El rodaje en las Bahamas transcurrió con dificultades debido a la enorme cantidad de reporteros, fotógrafos y curiosos que se dieron cita allí para ser testigos de las nuevas hazañas de 007. El director de Operación Trueno, Terence Young, afirmó que solo vio perder los nervios a Connery en una ocasión: cuando rodaron las escenas submarinas de la película con tiburones. En teoría, el actor estaba protegido detrás de unas mamparas de plástico. Pero éstas no tenían demasiada altura y un tiburón logró superarla sin dificultad, a lo que Connery reaccionó con auténtico terror. 13 Con el guión de 007 al servicio secreto de Su Majestad (1969) listo, los productores Harry Saltzman y Albert R. Broccoli le ofrecieron al actor un millón de dólares para que protagonizara la película. El escocés rechazó la oferta y los productores se vieron en la obligación de localizar a un sustituto. 11 En plenos intentos por salvar su matrimonio con Diane Cilento, Sean Connery se embarcó en el rodaje de Sólo se vive dos veces (1967), una historia ambientada en Japón. El actor trató sin éxito de convertir el rodaje en una especie de segunda luna de miel. 12 La agobiante presencia de la prensa y los fans durante el rodaje de Sólo se vive dos veces —hasta un empresario fletaba autobuses para que le gente pudiera seguir la filmación— y el progresivo protagonismo de los efectos especiales sobre las actuaciones, provocaron que Connery renegara de la saga y asegurara que no volvería a repetir el papel de James Bond. 14 Horrorizados por justificar el cambio de protagonista ante el gran público, los productores ordenaron que la película comenzara con Bond en un hospital sometiéndose a una operación de estética. Al final, la idea fue rechazada. 17 17 15 Durante 4 meses, se hicieron pruebas a unos 4.000 candidatos al papel de Bond. Algunos medios compararon el proceso de selección con el de Scarlett O’Hara en Lo que el viento se llevó. 16 Broccoli le ofreció el papel de 007 a su amigo Adam West, muy popular en aquellos días gracias a su paso por las series de televisión El virginiano y, sobre todo, Batman. West lo rechazó convencido de que a Bond debía interpretarlo un actor británico. 18 El papel principal de 007 al servicio secreto de Su Majestad recayó finalmente sobre un perfecto desconocido: un modelo de origen australiano que respondía al nombre de George Lazenby (5 de septiembre de 1939. Goulburn, Australia). El cambio de imagen de Bond resultó tan radical que hasta en la película se atrevieron a mostrar al agente secreto llorando, algo impensable en los tiempos de Connery. 21 24 22 25 Aunque con el tiempo llegaría a ser una de las películas favoritas de los seguidores de la saga Bond, en su estreno, 007 al servicio secreto de Su Majestad resultó un fracaso más que considerable. A pesar de ello, los productores le ofrecieron a Lazenby la oportunidad de protagonizar Diamantes para la eternidad (1971). El actor no aceptó por las restrictivas condiciones de su contrato. Broccoli y Saltzman se temieron con horror que un nuevo cambio de actor pudiera acabar de forma definitiva con la serie Bond. A pesar de ello, intentaron reclutar a Burt Reynolds, que tenía compromisos previos adquiridos, y a John Gavin, que había protagonizado poco antes la producción europea de espías No hay flores para O.S.S. 117. 23 El mismo presidente de la United Artists, David Picker, tomó cartas en el asunto y dijo que había que volver a contar con Sean Connery a cualquier precio para conseguir garantizar la continuidad de la saga. Para que retomara el personaje de James Bond en Diamantes para la eternidad, Connery recibió una oferta económica inédita para aquellos tiempos: 1,25 millones de dólares, lo que obligó a que la producción disminuyera de forma considerable su presupuesto en efectos especiales. El actor donó su salario a una organización de caridad escocesa. La relación entre Connery y Albert R. Broccoli acabó tan mal que, cuando años después, invitaron al actor a asistir al funeral del célebre productor, éste se negó. 26 Mientras se barajaba la posibilidad de contar con alguna estrella consagrada, de la categoría de Robert Redford o Paul Newman, el productor Albert R. Broccoli recordó a uno de los actores en los que se pensó al iniciar la saga Bond: Roger Moore (14 de octubre de 1927. Stockwell, Inglaterra), quien se había dado a conocer como el inolvidable Simon Templar de la serie televisiva El Santo. 19 Lazenby no tenía ninguna experiencia como actor. Sorprendido, se encontró ante la sorpresa que el director de 007 al servicio secreto de Su Majestad, Peter R. Hunt, no le hablaba más que a través del ayudante de dirección. El debutante trató de darlo todo e insistió en rodar sus propias escenas de acción, hasta que se rompió un brazo y obligó a cancelar el rodaje durante unas semanas. 17 Otro seleccionado por los productores fue un casi desconocido Timothy Dalton, que apenas había hecho un papel menor en la producción El león en invierno. El actor, que por entonces contaba con 22 años de edad, se autodescartó al considerarse demasiado joven para el papel. 18 18 20 A sus 29 años, se convirtió en el actor más joven que interpretó a Bond. Sean Connery lo había hecho por primera vez a los 31. Y, más tarde, lo harían respectivamente Roger Moore con 45, Timothy Dalton con 40, Pierce Brosnan con 41 y Daniel Craig con 38. 19 19 31 Pese a asegurar que nunca volvería a interpretar a 007, en el año 1983 Sean Connery retomó al personaje en un remake de Operación Trueno no oficial titulado Nunca digas nunca jamás. 32 La producción del «Bond no oficial» Nunca digas nunca jamás, coincidió con la de la nueva entrega de la saga oficial, Octopussy (1983), protagonizada de nuevo por Roger Moore. El duelo en la taquilla entre los dos agentes 007, se saldó con un pequeño triunfo para Moore. Octopussy recaudó en todo el mundo 187 millones de dólares, mientras Nunca digas nunca jamás solo alcanzó los 160 millones. 35 Por su parte, Roger Moore comenzó a sentirse ya un poco fatigado para seguir haciendo de intrépido agente secreto a su edad. Aún así, aceptó interpretar a James Bond una vez más en Panorama para matar (1985). A sus 57 años de edad, se convirtió en el actor más viejo que encarnaba a 007, puesto que Sean Connery había hecho Nunca digas nunca jamás con 52 años. 33 Antes que en Connery, en realidad el productor de Nunca digas nunca jamás, Kevin McClory, había pensado en recuperar a George Lazenby para el papel principal. Sin embargo, éste desestimó la oferta con elegancia al conocer que el actor escocés había mostrado interés por volver a hacer de Bond. 27 A pesar de contar ya con 45 años de edad, Moore aceptó debutar como James Bond en Vive y deja morir (1973), otorgando desde el primer momento un nuevo aire al agente secreto mucho más próximo al descrito por Ian Fleming en sus novelas. 28 El cambio de Bond permitió que el personaje mostrara nuevos hábitos, como prescindir de los sombreros, beber whisky o fumar puros. El actor dibujó un nuevo perfil de agente secreto, mucho más sofisticado, dotado de un sutil sentido del humor y de una cuidada elegancia. 29 Siguió mostrando este peculiar estilo en El hombre de la pistola de oro (1974), la película que marcó el final de la alianza entre los productores Harry Saltzman y Albert R. Broccoli. En la separación de ambos socios, Moore se mostró abiertamente cercano a Broccoli, con quien estableció una gran amistad. 20 20 30 Pese a que El hombre de la pistola de oro no funcionó bien en taquilla, Broccoli confió plenamente en Moore como James Bond para relanzar la saga. Y lo hizo con una serie de películas en las que las tramas fueron haciéndose más disparatadas para dar paso a sorprendentes escenas de acción y a cada vez más llamativos efectos especiales, como se pudo comprobar en La espía que me amó (1977), Moonraker (1979) y Solo para sus ojos (1981). 34 Durante el rodaje de Nunca digas nunca jamás, Sean Connery aceptó recibir clases de artes marciales. Su relación con el instructor no fue del todo buena. La tozudez del protagonista provocó que, en una ocasión, el instructor perdiera los nervios con él y le provocara una luxación en la muñeca. El instructor se llamaba Steven Seagal. 36 Con su socarrón estilo, Moore anunció durante el rodaje su intención de no volver a tomar la licencia 007. ¿La razón? Él mismo explicó que la decisión la había tomado al comprobar que la madre de Tanya Roberts, su compañera de reparto, era mucho más joven que él. 37 Después de que el humor de Moore convirtiera a James Bond prácticamente en una parodia de sí mismo, los responsables de la saga optaron por devolver algo de seriedad a las películas del agente secreto. El proyecto de 007: Alta tensión (1987) se puso en marcha con la idea de tener a Pierce Brosnan como protagonista. Sin embargo, no fue posible por los compromisos adquiridos por el actor con la serie de televisión que le había hecho popular, Remington Steele. 21 21 38 Después de pensar en el actor Sam Neill como un posible Bond, Broccoli volvió a echar mano de un candidato del pasado: Timothy Dalton (21 de marzo de 1944. Colwyn Bay, Gales). Con menos carisma que Roger Moore, le dio a la saga un toque mucho más serio al componer a un agente secreto más frío e implacable, que enseguida enganchó con un nutrido grupo de seguidores. 42 Finalmente, la saga volvió a ponerse en marcha con la producción de Goldeneye (1995), y la elección de un protagonista que, en principio, agradó a todos los seguidores del famoso agente secreto: Pierce Brosnan (16 de mayo de 1953. Navan, Irlanda). 39 Ese carácter más oscuro de 007 se potenció aún más en la segunda intervención de Timothy Dalton como Bond: Licencia para matar (1989), una película violenta en la que el agente secreto se veía envuelto en una espiral de venganza con sádicos narcotraficantes de por medio. Fue la primera película de Bond que recibió la calificación PG13 en su exhibición en Estados Unidos. 45 El mundo nunca es suficiente (1999), tercera aparición de Pierce Brosnan como Bond, regresó a los estudios Pinewood, a los que no había vuelto desde 007: Alta tensión. Como en Goldeneye y El mañana nunca muere, el actor recibió como complemento de su salario el coche que lucía el agente secreto en la película, en este caso un impresionante BMW Z8. 46 40 Se suponía que Timothy Dalton iba a protagonizar en Hong Kong un tercer largometraje de James Bond titulado Property of a Lady, pero los malos resultados comerciales de Licencia para matar dejaron el proyecto en suspenso. 41 Pasó una larga temporada hasta que la saga de Bond retomó el vuelo. En el entretanto, surgieron los ya habituales rumores de actores que podían estar a punto de convertirse en el nuevo rostro de 007. Entre ellos, Liam Neeson, Mel Gibson, Hugh Grant y Lambert Wilson. 22 22 43 Sin ser tan oscuro como el Bond de Timothy Dalton, Brosnan debutó en el papel dejando claro que su licencia para matar estaba más que activa. En Goldeneye, James Bond mata a 47 personas, más que en ninguna otra película de Bond. 44 En su segunda aparición como Bond, en El mañana nunca muere (1997), Brosnan insistió en quedarse con un poco de lo mejor de sus antecesores: la virilidad de Connery, la elegancia de Moore, y esa frialdad letal que tan bien había mostrado Dalton. En cualquier caso, el 007 de Brosnan casi estaba más próximo al playboy que al despiadado asesino. Muere otro día (2002) fue la cuarta y última aparición de Pierce Brosnan como James Bond. Aunque se habló de la posibilidad de hacer un quinto largometraje en 2004, el proyecto no llegó a ver la luz. Según los sastres habituales de las películas de Bond, Brosnan había pasado a ser del más ligero al más pesado 007, iniciando su trayectoria en Goldeneye con 74 kilos de peso y finalizándola en Muere otro día con 95 kilos. 47 En octubre de 2005, Eon Productions anunció el fichaje de Daniel Craig (2 de marzo de 1968. Chester, Inglaterra) como sexto actor encargado de dar vida al flamante agente secreto James Bond en el rodaje de Casino Royale (2006). La decisión despertó inmediata polémica, sobre todo porque muchos fans consideraron que el actor no contaba con las características físicas adecuadas para hacer de 007. Entre otras cosas, le acusaban de bajito, al medir 1,78 m, cuando sus antecesores tenían una media de 1,88 m de altura. 48 Después de conseguir un éxito sin precedentes y ser calificado por el perfecto James Bond del siglo XXI, Craig volvió a bordar el personaje en Quantum of Solace (2008), aportando un toque de seducción y realismo que nunca antes se había visto en la saga. 49 En su tercera intervención como 007, en la película Skyfall (2012), Daniel Craig obtuvo unos ingresos próximos a los 17 millones de dólares, convirtiéndose en el actor mejor pagado de la saga. 50 Daniel Craig vuelve al papel de James Bond en la que será la 24ª película oficial de la saga, Spectre (2015). Antes incluso de su estreno, por las redes sociales ya corren los rumores sobre que será la última aparición del actor como 007. ¿Su sucesor? Se mencionan los nombres de Tom Hardy, Idris Elba, o lo televisivos Damien Lewis (Homeland), Andrew Lincoln (The Walking Dead) y Jon Hamm (Mad Men). 23 23 Sábado 9 21h · MARATÓN MAD MAX: MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA + MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA + MAD MAX 3, MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO Jueves 14 20:30h · PROGRAMA DOBLE ESPECIAL MAD MAX: MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA + MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA Del 15 al 20 MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA VOSE Sábado 23 21h MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA Por Javier J. Valencia Domingo 24 21:30h MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA El 15 de mayo se estrena Mad Max: Furia en la carretera, la nueva entrega de una saga que cambió el género postapocalíptico con aires de western. Aprovechamos su estreno para recuperar la trilogía original, protagonizada por Mel Gibson, que se podrá ver en una maratón especial el 9 de mayo y después en sesiones individuales. Además, Phenomena proyectará Mad Max: Furia en la carretera, en varios pases del 15 al 20 de mayo, en Dolby Atmos. 24 24 25 25 Surgida en pleno auge de la ozplotation (cine de explotación australiano) a finales de los 70, Mad Max se convirtió en la película de mayor éxito y alcance internacional de este fenómeno -aunque no terminó de funcionar en los Estados Unidos, donde todavía tardarían algo más en hacerse con el brutal carácter de este universo, concretamente hasta la aparición de su secuela-, y en muchos sentidos en la más representativa: aprovecha al máximo los desérticos parajes locales, tiene un grado de violencia mucho mayor que el acostumbrado por aquel entonces en el cine de acción standard, y exprimir al máximo el carácter exiguo de su presupuesto, tanto de puertas afuera (el acabado de la cinta es formidable, sacando partido del polvo, el calor y la suciedad del entorno para conseguir George Miller parecer un pariente australiano-futurista de Sam Peckinpah) como de puertas adentro (el propio Miller tuvo que sacrificar su coche, las medidas de seguridad para el equipo de rodaje dejaron bastante que desear… incluso según el documental Not Quite Hollywood es casi un milagro que nadie saliera herido durante la filmación). La razón de este éxito probablemente sea a que, en realidad, es un título con unos elementos totalmente reconocibles para el espectador corriente, ya que su funcionamiento se basa en los principios del western. La película que marcó un punto y aparte en lo que a la concepción de un mundo postapocalíptico se refiere fue Mad Max 2: El guerrero de la carretera 26 26 27 27 El héroe, Max Rockatantsky, es el último hombre justo en un mundo que está yéndose al cuerno: si bien no se menciona el apocalipsis ni ningún término parecido durante el metraje, sabemos que es así: algo terrible debe estar pasando “ahí fuera”, más allá de las fronteras aussies, para que enloquecidas bandas motorizadas estén aterrorizando a los pobres ciudadanos locales mostrando en ese futuro tan cercano una muy lustrosa decadencia social. Por supuesto, más adelante las secuelas nos informarían de la verdadera situación coyuntural donde habita el personaje que dio el empujón definitivo a la carrera de Mel Gibson hacia Hollywood, y sabemos que, cronológicamente, Mad Max: salvajes de autopista sucede al filo del abismo. Max representa al principio del film los conceptos de moral y ética, con reglas y leyes, del viejo orden, intentando aferrarse al clavo ardiendo que representa la justicia del pasado aunque sea para mantener protegida a su familia. Pero cuando lo pierda todo –a su esposa, a su hijo, incluso a su mejor amigo y aliado, estremecedor momento por cierto en el cual visita a Ganso en el hospital que causó más de un trauma a los niños de mi generación-, pasará de ser último justo al primer vengador, como si mantuviera a ese justiciero viviendo dentro de sí y deformándolo hasta convertirse en el verdadero Road Warrior al que cita el título de la secuela, a lomos de su montura (el Pursuit Special, un Ford Falcon XB GT manipulado). En cierto sentido, también marca el final de los viejos y anticuados –en esa situación- conceptos de heroísmo y el nacimiento de unos nuevos, necesarios para el mundo que está a punto de llegar. Como si se tratara de El jinete pálido, solo que en este caso la venganza no es de ultratumba literal sino simbólica. Max Rockatantsky muere, pero su cuerpo es ocupado por Mad Max, la versión enloquecidamente extrema del anterior. También la ambientación y el background emparentan a la película con las historias del salvaje oeste. Por lo general, las distopías prestan especial atención a todo aquello que se diferencia (o que es satíricamente semejante) a nuestro mundo. Sin embargo la concepción del de Mad Max es precisamente un viaje marcha atrás, es la historia de la sociedad de la cual solo vemos el viaje de retorno de un bumerang (precisamente). La distopía de Mad Max presta atención a elementos puramente mecánicos del futuro pero centra el comportamiento de los hombres en plena regresión al salvajismo. Es el salvaje oeste, sí, pero mecanizado y en el corazón de Australia… Pero, aunque Rockatantsky y su entorno conviertan Mad Max en un western de corazón, volviendo al inicio del artículo, la obra es totalmente representativa del cine de explotación australiano, y como tal mezcla géneros diversos sin ningún tipo de vergüenza saliendo totalmente entera del asunto, como si realmente estuviera predestinada a ser una mezcla entre el susodicho western distópico, pero también es de persecuciones, un rape and revenge, y obviamente una de acción particularmente salvaje. Sí, es posible que un espectador acostumbrado a ver como le revientan la cabeza a un personaje en su serie de TV semanal de fantasía predilecta no le parezca para tanto, pero contextualicen, por favor: Mad Max en su momento era la más salvaje que se había visto en mucho tiempo al menos a nivel popular. 28 28 29 29 Sin embargo, la película que marcó un punto y aparte –quizá por que, ahora si, conquistó al público norteamericano- en lo que a la concepción de un mundo post-apocalíptico se refiere fue Mad Max 2: El guerrero de la carretera. Aquí el tema de esta ya no es que la ley esté perdiendo relevancia, es que ya ha dejado de existir tal y como la conocimos. Abandona totalmente esa ambigüedad que tenía la primera entrega de situarse en un mundo futuro pero muy, muy cercano al nuestro –que tenía muchas virtudes pero no hay que olvidar que también era así por tener un presupuesto muy limitadoy abraza otro en el cual la ausencia de petróleo ha llevado al mundo directamente a una Edad de piedra motorizada en el cual solo los más fuertes sobreviven, apoyado este vez por una mayor enjundia económica – en su momento fue la producción australiana más cara de la historia-. El viaje de regreso del bumerang había terminado. Probablemente es mucho más icónica que su predecesora, y tuvo una influencia abismal tanto en el cine de explotación posterior de serie B (creando su propio sub-género, mayoritariamente de producciones italianas y australianas) como en el de la primera división hollywoodiense (y si no que le pregunten a Kevin Costner y sus intentos por mimetizar a Max en Waterworld o Mensajero del futuro), por no hablar de otros medios como el cómic o los videojuegos. Y tiene un elemento que particularmente siempre adoro en la secuelas, que es el presentarme una nueva historia y a poder ser nuevos entornos, en vez de ser un mero remake de la original. 30 30 En este caso, empero, las diferencias entre el mundo de Max entre la primera y segunda parte son un tanto excesivas, pero esperemos que la largamente esperada Mad Max: Fury Road, de nuevo dirigida por Miller y en la que Tom Hardy interpretará por primera vez al protagonista, y que estará ubicada entre la primera y la segunda entrega, nos aclare varios de estos excesos y a su vez nos responda algunas dudas que conecten ambos títulos, como por ejemplo… ¿Es Ganso quién se oculta tras la máscara de Humungus? 31 31 32 32 33 33 Sábado 2 · 23:30h KILL BILL Vol.1 Domingo 3 · 21h PULP FICTION Miércoles 6 · 21h JACKIE BROWN Domingo 10 · 21h DJANGO DESENCADENADO Viernes 22 · 21h PLANET TERROR + DEATH PROOF Miércoles 27 · 21h KILL BILL Vol.2 Viernes 29 · 23h RESERVOIR DOGS Sábado 30 · 22:30h MALDITOS BASTARDOS 34 34 35 35 Un infiltrado en la Meca del Cine Por Carlos Fernández Castro (www.bandejadeplata.com) Llegas a casa y enciendes la televisión; no sabes de qué película se trata, pero tienes la certeza de que sus imágenes y sus diálogos sólo pueden haber sido engendrados por la mente retorcida de Quentin Tarantino. ¿Podrías identificar el cine de otros directores con la misma facilidad? Quizás el de Terrence Malick, el de Pedro Almodóvar, el de Paul Thomas Anderson, el de Michael Haneke, y seamos sinceros, el de pocos más. Y es que Quentin Tarantino tenía las ideas muy claras desde el principio; o al menos desde el momento en el que su primera película se convirtió en un puñado de polvo. Porque a pesar de lo que muchos piensan, Reservoir Dogs fue la segunda oportunidad que todo debutante frustrado hubiera deseado tener. Como por arte de magia, las llamas borraron casi todas las huellas de su calamitoso debut (El cumpleaños de mi mejor amigo) en un providencial incendio. El destino parecía susurrar a su oído: “sólo triunfarás si te mantienes fiel a las películas que te convirtieron en un cinéfilo”. Y así fue. Cuando preguntan a Quentin por sus películas favoritas, la lista está siempre encabezada por los mismos títulos, lo cual denota un gusto cinematográfico muy bien definido. El cine es arte y entretenimiento, tanto para el Tarantino espectador como para el Tarantino creador; y por eso apreciamos en sus trabajos las influencias de Sergio Leone, Howard Hawks, Martín Scorsese, o Mario Bava, artistas de una personalidad muy marcada, y ante todo, cinéfilos de pro que disfrutan con su trabajo. Sin ir más lejos, El Bueno, el Feo y el Malo es una influencia evidente en las secuencias de acción del director de Tennessee. Porque al igual que Leone, Tarantino se recrea en la violencia hasta el punto de hacerla parecer irreal a los ojos del espectador (accidentalmente, Vic Vega vuela la tapa de los sesos a un tipo en el interior de su coche, en Pulp Fiction), e incluso de buscar cierta comicidad en su exageración (Louis dispara a Melanie porque ésta le saca de quicio, en Jackie Brown). De alguna manera, ambos abogan por un cine en el que la forma es tan importante como el fondo, la realidad es un eco distante, y el sentido del humor tiene cabida en cualquier contexto. Sin embargo, el cine de Quentin es tan ecléctico como el Xanadú que Charles Foster Kane mandó construir en la ópera prima de Orson Welles. Su veneración hacia el parsimonioso estilo de Sergio Leone, contrasta con su pasión por Howard Hawks, un director que se vanagloriaba de dirigir el doble de rápido que cualquier otro cineasta de la época. De hecho, Reservoir Dogs y Pulp Fiction exhiben orgullosamente la influencia de las legendarias réplicas y contrarréplicas de Luna Nueva (His Girl Friday). Si al estilo dinámico de Hawks le añadimos el indiscutible talento de Tarantino para escribir diálogos de culto, obtenemos un producto irresistible. Porque es precisamente lo que dicen, y no lo que hacen, lo que define a los personajes del director de Death Proof. Al igual que ocurriera en las películas de la Nouvelle Vague, las conversaciones no tienen porqué ser especialmente trascendentes mientras revelen diferentes aspectos de la personalidad de sus interlocutores. Y en este menester, pocos guionistas han demostrado tanta destreza como el bueno de Quentin. Una vez escuchado, ¿quién puede olvidar el diálogo con el que arranca Reservoir Dogs, dedicado a interpretar el “verdadero significado” del ‘Like a Virgin’ de Madonna, o la conversación final entre David Carradine y Uma Thurman en Kill Bill Vol. 2? 36 36 37 37 Porque otra de las peculiaridades del cine de Quentin Tarantino es que sus películas contienen pequeños “videos musicales” en los que existe una armonía perfecta entre la imagen, el sonido, y el argumento de turno. Canciones como ‘Stuck in the Middle with You’ (el Sr Blanco corta la oreja de un policía al son de esta canción en Reservoir Dogs) y piezas musicales como ‘Twisted Nerve’ (el pegadizo silbido que acompaña a Darryl Hannah en una secuencia de Kill Bill Vol.1) dejan de pertenecer a sus autores (Steeler’s Wheel y Bernard Herrman) para fundirse eternamente con las imágenes concebidas por el director de la mandíbula prominente. Pero hay más. En sus primeros trabajos, se aprecia una especial inclinación por la construcción de estructuras narrativas complejas, tan habituales en el cine de Jean-Luc Godard o Alain Resnais. También se observa una llamativa tendencia a la mezcla de géneros en películas como Malditos Bastardos o Django Desencadenado, algo que el director siempre admiró de Abbott y Costello contra los Fantasmas. En definitiva, la inabarcable cultura cinematográfica del director americano queda patente a través de las innumerables referencias que esconde su cine; a veces evidentes, a veces ocultas bajo su marcada personalidad. Tarantino se atreve incluso a homenajear películas relativamente recientes. La secuencia de animación de Kill Bill Vol.1 en la que una pueril O-Ren Ishii (Lucy Liu) dispara en la cabeza al asesino de sus padres, es un magnífico guiño a un pasaje de Muerte entre las Flores en el que Leo (Albert Finney) hace lo propio con un par de sicarios que intentan matarle. Lo mismo podríamos decir del mítico baile de Vic Vega en Pulp Fiction, que rememora la época en la que John Travolta era el rey de la pista. ¿Y qué decir de la afición del Sr. Rosa por recuperar antiguas estrellas venidas a menos? Laurence Tierney en Reservoir Dogs, Pam Grier en Jackie Brown, David Carradine y Darryl Hannah en ambas entregas de Kill Bill, Kurt Russell en Death Proof, Don Johnson en Django Desencadenado… Probablemente, el inmenso carisma de sus personajes y su excepcional dirección de actores resucitaría la carrera de cualquier vieja gloria, al igual que resucitan, o alcanzan la fama, las canciones que conforman sus exquisitas bandas sonoras. 38 38 Algunos de sus trabajos podrían incluso dividirse en pequeñas unidades independientes, como ocurre en Reservoir Dogs y su llamada “commode story” (historia del lavabo), o en Malditos Bastardos y su secuencia inicial, un magnífico ejercicio de suspense que corona a uno de los malvados cinematográficos más odiosos de los todos los tiempos: Hans Landa (Christophe Waltz). En definitiva, Tarantino hace lo que quiere y no rinde cuentas a nadie. Quién no esté de acuerdo con esta afirmación, que nombre un director actual al que le permitan rodar dos western seguidos, teniendo en cuenta que el género está pasado de moda. Porque no estamos hablando de un cualquiera, sino de un tipo que realizó su mejor película cuando un amplio sector de la crítica condenó a muerte a la fórmula de Reservoir Dogs y Pulp Fiction, y por lo tanto, a su responsable directo. Fue cuando Quentin decidió rodar la película más clásica de toda su filmografía, demostrando que podía hacer cine (relativamente) convencional cómo y cuándo quisiera, y hacerlo mejor que el resto de directores “normales”. Todas estas peculiaridades y este derroche de personalidad bastarían para haber sido rechazado por un Hollywood que fomenta la producción en serie e intenta evitar cualquier rasgo de autoría en sus películas. Pero al igual que su gran amigo Paul Thomas Anderson, Quentin Tarantino se las ha apañado para convertirse en una anomalía unánimemente tolerada. No cabe duda que su empleo de los géneros clásicos ha contribuido a esta aceptación: una trilogía del hampa (Reservoir Dogs, Pulp Fiction y Jackie Brown), un díptico de acción y artes marciales (Kill Bill Vol. 1 y 2), una película de terror (Death Proof), una película bélica (Malditos Bastardos), y un díptico del western (Django Desencadenado y The Hateful Eight). Pero el director no se ha limitado a ejercerlos, sino que se ha adueñado de ellos, transgediendo cada una de sus normas hasta hacerlos parcialmente irreconocibles. 39 39 El cine de los márgenes: Quentin Tarantino Por Misael Sanroque Quentin Tarantino comparte con Alfred Hitchcock o Pedro Almodóvar el extraño fenómeno de la incomprensión: aunque sus películas sean taquilleras, celebradas por la crítica y premiada por festivales y academias, sigue siendo un autor incomprendido. Probablemente sea cosa del propio Quentin, que juega al despiste. Una de los pecados que más se le achacó fue que en una película titulada Inglorious Basterds (Íd., 2009), los “bastardos” fueran personajes secundarios de la trama. Absurdo, ¿verdad? Pero así ha sucedido con el cine de Tarantino, el cine de los márgenes (y los marginados). Él nos muestra A, pero la gente entiende B. Y celebran la B, sí, pero... Nacido en 1963 en Knoxville (Tennessee) pero criado en un barrio marginal de Los Ángeles, vivía con su madre adolescente, Connie, quien compartía piso con otras dos chicas jóvenes. Lo que Tarantino llama “mi sitcom particular”1; de hecho la televisión será su mejor amiga durante su infancia y adolescencia y pronto dejará el instituto para ir de un lado a otro (estudió interpretación, trabajó de acomodador en un cine porno...) hasta encontrar su lugar en el mundo, detrás del mostrador en el videoclub Video Archives. “En realidad lo que a mí me gustaría sería unir la solidez narrativa y profesional de un Howard Hawks y la capacidad inventiva de Godard”. 40 40 Como el propio Tarantino confesó a Charlie Rose en su programa, no fue en el videoclub donde adquirió su cinefilia, sino que fue contratado, precisamente, gracias a su vastísimo y puntilloso conocimiento del cine. Pero la leyenda es la leyenda... Tras años de mentir en su currículum actoral para acabar trabajando en Las chicas de oro y de entrevistar a mucho de sus cineastas predilectos para el falso proyecto de un libro de entrevistas à Bogdanovich, Tarantino se comprometió a rodar su primera película My Best Friend’s Birthday, inacabada y hoy repudiada por el propio Quentin. Tras escribir Reservoir Dogs intenta, en vano, mover el guión. Finalmente el manuscrito (con hojas de diferentes colores, faltas de ortografía y una pinza de tender la ropa como única encuadernación) llega al director de culto Monte Hellman (Two-Lane Blacktop, The Shooting), a quien el texto entusiasma hasta el punto de querer dirigirlo. Pero unas semanas después, Tarantino vende el guión de Amor a quemarropa a Tony Scott y se siente con las agallas suficientes para decirle a Montel Hellman que, si quiere, produzca la película, pero que la dirigirá él. Y Hellman no pudo hacer más que aceptar. RESERVOIR DOGS (1992) “Con Reservoir Dogs quería hacer una buena película de gángsteres, una peli de crímenes, de duelos. Siempre me ha encantado ese subgénero. No se había hecho nada en esa línea desde hace mucho tiempo, y me parecía guay hacerlo [...] De hecho, lo que yo quería al principio era esto: que si alguien algún día se ponía a escribir un libro sobre el género, tuviera que citar mi película. Eso es todo”.2 Con un objetivo tan poco modesto como el de entrar en los anales de la historia del cine, o al menos en uno de sus subgéneros, Tarantino rodó su ópera prima producida por Monte Hellman y Lawrence Bender, entre otro, la particular visión de Tarantino sobre el cine de robos dejaba claro su punto de vista: jamás veríamos el robo. “Creí que sería posible fraccionar la película a través de cada uno de los personajes, pero no de acuerdo con la mecánica del flashback, sino simplemente, como si fuesen capítulos de una novela [...] se ven sólo seis personajes, pero en realidad se habla y se discute sobre por lo menos otros seis que tienen una considerable importancia pero a los cuales nunca llegas a ver en persona, como el policía que ejerce funciones de vigilancia o Alabama, la esposa de Mr. White”3. El cine de los márgenes, en Reservoir Dogs la trastienda es el foco principal de la acción. Asimilando el estilo teatral, no es absurdo pensar en Esperando a Godot (En attendant Godot, Samuel Beckett, 1948): los atracadores con nombres de color se limitan a esperar al jefe, a discutir sobre qué hacer a continuación o a pelearse entre sí hasta que alguien hace saltar la alarma sobre que, quizá, hay un policía infiltrado entre ellos. A partir de ahí, todo será un juego de espejos y máscaras y discusiones para averiguar quién es el topo. Y aunque las máscaras van cayendo (y algunos van muriendo) la identidad del topo (que el espectador conoce a mitad de película, obviando cualquier atisbo de whodunit) sólo es revelada a los personajes al final. 41 41 Así pues toda la película se construye en ese equilibrio en la cuerda floja, en el paréntesis entre el atraco y el final. Eso sí, todo plagado de escenas donde vemos el pasado de algunos de los personajes (Mr. White, Mr. Blonde y Mr. Orange). Como bien ha explicado Tarantino no son flashbacks, sino capítulos que aparecen en ese orden con fines dramáticos. “(Reservoir Dogs) estaría más bien estructurada como una novela [...] En América todo tiene que ser lineal: si se empieza una escena en una carrera, se acabará al final de la carrera... Prefiero lo que hizo Sergio Leone en Érase una vez en América: ‘Las respuestas primero, las preguntas después’”4. Esa alteración estructural para estirar el tiempo, como Leone estira los silencios, y su cine en los márgenes del cine convirtieron a Tarantino en un ídolo indie, arropado por Sundance y por directores como Sam Fuller y Terry Gilliam; sus diálogos kilométricos, que sirven, no para explicar la trama, sino para explicar a los personajes, a su mundo, su sociedad. La muy polémica conversación sobre las propinas que abre la película nos deja claro que a Tarantino el diálogo le sirve para algo más: para que su cine sea puramente visual. Hay que recordar que los productores arriesgaron tanto en la película que incluso se permitieron tener a un director de fotografía novel, Andrzej Sekula, que volvería a repetir con Tarantino en Pulp Fiction y que consiguió darle a la película una textura entre John Woo y Jean-Pierre Mélville que ha hecho de la película lo que es hoy: un clásico. Durante una sangrienta velada de boxeo manipulada por la mafia, el boxeador vencedor huye con el dinero de los gángsters a los que ha estafado y tras haber asesinado a su contrincante. Pero en la película sólo vemos a Butch en el taxi que le lleva al motel donde le espera su mujer. Tarantino nos introduce todos los elementos de las clásicas historias de boxeo y mafia, sin mostrarnos más que a Butch y a su mujer en la intimidad de su dormitorio, literalmente en la cama con ellos. “Podríamos decir que Reservoir Dogs es mi ‘película de gran golpe’, tal como Pulp Fiction sería mi película ‘de boxeo’, aunque ni en la primera se ve prácticamente el atraco ni en la segunda contemplemos ningún combate”6. Decidido a reinventar el thriller, Tarantino rueda una película donde asistimos a escenas con varios niveles. En el Jack Rabbit’s Slim, el restaurante retro, contemplamos a John Travolta (Fiebre del sábado noche, Grease) interpretando a un gángster heroinómano que sale a cenar con la mujer del jefe. En un momento dado, la acción se detiene para el concurso de baile, y ahí tenemos a Travolta bailando una vez más junto a Uma Thurman en lo que es una de las elipsis más bellas de toda la película. Ese baile extraño, absolutamente fuera de onda y que nos lleva a pensar en algo más que en un simple baile inocente... Es su gran escena de amor; aún más: de amor imposible. Y el amor imposible es trágico y he ahí la escena del chute de caballo y la jeringuilla de adrenalina. Adulterio, drogas y gángsteres, pero también tenemos al camello con una camiseta de Meteoro comiendo cereales, o a su mujer adicta a los piercings. PULP FICTION (1994) Un thriller de aire pulp, trufado de música surf y referencias televisivas. Más o menos así podríamos describir Pulp Fiction, la cinta que consagró a Tarantino un lugar en el cine. En 1994 la película se alzó con la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y Tarantino declaró “Nunca esperé ganar nada en un festival donde un jurado tuviera que decidir porque yo no hago películas para poner al público de acuerdo, sino para enfrentarle”. El argumento es fácil de sintetizar, tal y como expresa el epígrafe en el guión original (que bien podría haber servido de tagline) Pulp Fiction es “Three stories, about one story”5. Inspirado por las novelas pulp como Black Mask y por Las tres caras del miedo (Mario Bava, 1963), Tarantino y Roger Avary se proponían rodar tres cortometrajes, tres historias independientes. Finalmente, Tarantino compró a Avary su historia (The Golden Watch) y decidió mezclarlas; aunque cada historia sería independiente, estaría conectada con las otras. Pulp Fiction fue una revolución. Tarantino volvía a romper las convenciones de tiempo y estructura. La película mostraba una especie de bucle interrumpido; entre la primera escena en el café y la última, se desarrolla el grueso de la película. Otra vez en los márgenes: vemos a los gángsters desayunar, discutir sobre teología o ir a cenar con la novia del jefe. Aunque no se escatima en escenas violentas y de acción (la recuperación del maletín de Marsellus Wallace o la pelea entre Butch y Marsellus), Tarantino vuelve a poner hincapié en “lo que pasa después”. 42 42 43 43 “Siempre he considerado que tengo dos universos. Está el universo Quentin normal, que para mí tiene toda la diversión de una película pero de hecho es más real que la vida real. (...) Luego tengo otro universo que es el de la película-película. No se trata de la vida real, es sólo acerca de películas.” Todo confluye en el mismo punto y de ahí lo brillante del título. Una ficción pulp. Recordemos que aquellas revistas amarillentas de papel rugoso solían incluir historias de gángsters, de terror o de ciencia ficción. Si bien no hay elementos de ciencia ficción en Pulp Fiction, sí que nos manejamos en algún momento con los márgenes del terror, en esa casa de empeños tétrica donde no falta un personaje vestido de cuero que bien podría aparecer en una versión nada lírica de una película de Darío Argento. Pulp Fiction es una amalgama de géneros y estilos. La película tiene la muy tarantiniana cámara estática, de movimientos suaves y que se apoya en los primeros planos de los personajes. Tarantino adora a sus actores y la película está absolutamente dedicada a ellos, incluso en los fueras de campo. Lo que ha quedado para algunos de la película es música rock, gángsteres cool que hablan mucho y pistolas. Pensándolo así, Pulp Fiction sea la película menos “Pulp Fiction” que existe. “Siempre he considerado que tengo dos universos. Está el universo Quentin normal, que para mí tiene toda la diversión de una película pero de hecho es más real que la vida real. Es el mundo que aparece en Reservoir Dogs y en Pulp Fiction, y en mi guión de Amor a quemarropa. Luego tengo otro universo que es el de la película-película. No se trata de la vida real, es sólo acerca de películas. En realidad solo existen en la pantalla y en el proyector. Kill Bill es el primer film que he realizado dentro de este universo, pero mis guiones para Asesinos natos y Abierto hasta el amanecer también están en ese mundo. La manera más precisa de describir las diferencias entre los dos universos es que cuando los personajes de Amor a quemarropa, o de Reservoir Dogs o Pulp Fiction van al cine, esas son las películas que van a ver”7. Quentin Tarantino estaba a punto de madurar (Jackie Brown se estrenaría unos cuantos años después) y antes quiso descargar todo su mundo en una sola película sin que la película fuera un escaparate barroco de obsesiones. Cada elemento, cada personaje - cada cuál salido de su propio género cinematográfico - tenía su lugar exacto en la narración. Algo único que difícilmente podría llegar a superarse. 44 44 1 2 Declaraciones a Briex Férout para SO FILM (Noviembre 2013) 3 4 6 Entrevista con E. Riambau, M. Torreiro, C. Heredero y J. E. Monterde para DIRIGIDO POR (Enero 1995) 5 “Tres historias sobre una historia”. 7 Entrevista con Mark Olsen para SIGHT & SOUND (Octubre 2003) 45 45 la palabra “nigger” en la película, hecho que fue defendido por el propio Samuel L. Jackson. El guión también está influenciado, y en parte es un homenaje, a las películas del llamado blaxploitation, un género que emergió en la década de los 70, ambientado en suburbios y que estaba destinado a un público de color, aunque su éxito fue mucho mayor y abarcó finalmente a todo tipo de seguidores. Jackie Brown es un guiño a la carrera de Pam Grier, con la que Tarantino ya estuvo a punto de trabajar en Pulp Fiction, en la cual hizo la prueba para el personaje de Jody, finalmente interpretado por Rosanna Arquette. Tarantino no la olvidó y realizó los cambios oportunos para que pudiera interpretar el papel protagonista. El póster de la película imita los de Coffy (1973) y Foxy Brown (1974), y hasta la tipografía es exactamente igual a la de esta última. JACKIE BROWN (1997) Por Faust de Winter (www.elcinedesdelacuna.com) Jackie Brown (1997) viene marcada por ser la película posterior a Pulp Fiction (1994), lo cual supuso que fuera considerada una película menor dentro de la filmografía del director, debido a las siempre odiosas comparaciones. La realidad es que el paso del tiempo ha sentado muy bien a esta película, que fue la primera y única vez, hasta hoy, en la que Tarantino se basaba en material escrito por otro autor. Después de finalizar Pulp Fiction, Tarantino y Roger Avary adquirieron los derechos cinematográficos de varias novelas de Elmore Leonard, entre ellas Rum Punch. Tarantino tenía muy claro que quería para el papel protagonista a Pam Grier, y, al adaptarla para la gran pantalla, cambió la etnia y el nombre del personaje y Jackie Burke pasó a llamarse Jackie Brown, en homenaje a Foxy Brown, personaje interpretado por Pam Grier en la película homónima de 1974. Tarantino no estaba muy seguro de que el novelista aprobaría estos cambios, pero la realidad fue que éste se mostró encantado y dijo que era la mejor adaptación que se había hecho nunca de uno de sus libros. El guión de Tarantino trata de ser fiel a la novela de Leonard, pero incorpora elementos inconfundibles de su cinematografía. Sin embargo, estamos ante la película menos violenta del director, en la que solamente escuchamos nueve disparos. La controversia vino de la mano de Spike Lee, que criticó duramente el abusivo uso de 46 46 Del propio Samuel L. Jackson fue la idea de incorporar el pelo largo y la peculiar barba de chivo de su personaje Ordell Robbie. El actor rodaba sus escenas los fines de semana, ya que estaba trabajando también en Esfera, de Barry Levinson (1998). Bridget Fonda interpreta a Melanie. Su personaje siempre está tumbado en el sofá, drogándose y viendo películas. Es curioso destacar que además de The Mad Dog Killer (1997), con Helmut Berger, en otra escena está viendo Dirty Mary Crazy Larry, interpretada por su padre en la vida real, Peter Fonda. Y Chris Tucker interpreta a Beaumont. Uno de los puntos fuertes de la película es el magnífico reparto. Robert de Niro quería el papel de Max Cherry. Tarantino estaba encantado de trabajar con él, pero ya había pensado en Robert Forster (que fue nominado al Oscar al mejor actor secundario), por lo que le ofreció en su lugar el papel de Louis. Mientras Jackie Brown estaba en producción, Universal Studios estaba preparando Un romance muy peligroso (1998), dirigida por Steven Soderbergh, otra adaptación de Leonard donde aparece Ray Nicolette, el personaje interpretado por Michael Keaton en el film de Tarantino. Aunque Miramax tenía los derechos del personaje, permitió que Keaton realizara un pequeño cameo sin acreditar como Ray Nicolette, aunque aquí trabajando para el FBI en lugar de para el ATF. La banda sonora cuenta con música de The Delfonics, Bill Withers y The Grass Roots, entre otros. Hay varias canciones extraídas de películas del blaxploitation, incluyendo Across 110th Street, de Bobby Womack, de la película del mismo título (1972), que suena en la escena inicial, cuando Pam Grier camina por el aeropuerto. En lugar de grabar una nueva banda sonora, Tarantino incorporó la música funk de Roy Ayers de la película Coffy para varias escenas, como en la que Pam Grier sale de los probadores buscando a los policías ocultos en la galería. 47 47 MALDITOS BASTARDOS (2009) Por Erika Tiburcio Con esta idea, Quentin Tarantino bucea en la historia para recordar a la audiencia una operación histórica: la operación Greenup. Ésta consistía en un comando de espionaje, formado exclusivamente por judíos, que tenían por misión infiltrarse en las líneas alemanas, entre los que se encontraban Frederick Mayer, Hans Wynberg y Franz Weber. Una vez en Innsbruck (Austria), Mayer se hizo pasar por oficial alemán durante tres meses, consiguiendo extraer información al bando enemigo. Después decidió hacerse pasar por un electricista francés, pero uno de sus contactos le descubrió, siendo capturado por la Gestapo. En una sala oscura, Mayer fue torturado durante días para sacarle una información: Él jamás contó nada y siempre contestaba en francés que no sabía nada. Tras toda la tortura, fue llevado hasta el castillo donde vivía Franz Hofer, gobernador del Tirol. Éste era consciente de que los nazis estaban perdiendo la guerra, así que Mayer le ofreció la rendición y la declaración de Innsbruck como ciudad abierta a cambio de ser tratados como prisioneros de guerra. Finalmente, y como Hofer no quería morir lo consiguió, pese a que esa promesa había sido un farol de Mayer, ya que él no podía garantizar estas condiciones. Con Malditos bastardos, Tarantino se daba el gusto de hacer su propia interpretación de la Segunda Guerra Mundial. El género al que recurre para crear su historia es al Spaguetti Western en un primer término, para después dejar notar ciertos atisbos del cine bélico, habiendo referencias en esta ocasión a películas como Salario para matar (Sergio Corbucci, 1968) o Doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967). Aunque obtuvo ocho nominaciones al Óscar, entre las que estaban la de mejor película y mejor guion, la única estatuilla que obtuvo la película fue al mejor actor de reparto, gracias a la actuación de Christoph Waltz, actor de origen austríaco, el cual, aunque gozaba de una larga carrera en Alemania, no sería hasta esta producción cuando vería reconocido su trabajo. La historia detrás de Malditos Bastardos Todos recordamos a Aldo Raine, interpretado por un Brad Pitt glorioso, y el discurso que da a sus reclutas, todos de origen judío, antes de llevar a cabo la misión que se les ha encomendado: matar soldados alemanes. De esta manera dice que “nuestro plan de batalla imitará la resistencia apache. Seremos crueles con los alemanes. Seremos conocidos por nuestra crueldad, y encontrarán pruebas de esa crueldad en los desmembrados, destripados y desfigurados cuerpos que dejemos atrás. Y los alemanes no podrán borrar jamás las imágenes de crueldad a las que los sometimos con nuestras manos, con nuestras botas, y con nuestros cuchillos”. 48 48 “Realmente no rompía con su personaje. Cuanto hablabas con él sobre otras cosas, él hablaba con la voz de Aldo” 49 49 Un largo proyecto que logró nacer Malditos bastardos es un proyecto que comienza diez años antes de su estreno, como bien afirma el productor Lawrence Bender, que había tenido contacto con las primeras ideas del guion. Eli Roth, que interpreta a Donny Donnowitz afirmó que, en 2004, ya tenía constancia de esta idea, tras una interpretación por parte de Tarantino del discurso completo de Hitler. Diez años tuvieron que pasar hasta que, por fin, el 2 de julio de 2008, Tarantino da por finalizado el borrador de su nueva película. El título final, Malditos bastardos (Inglouriuous Basterds) hace referencia a una película de Enzo Castellari, The Inglouriuous Bastards (1978), un director de numerosos Spaguetti Western, por el que Tarantino ha mostrado en numerosas ocasiones una devoción especial. Las localizaciones de rodaje fueron fundamentalmente en Europa, entre los que se encontraban el estudio Babelsberg en Postdam, un lugar especial, ya que había sido el estudio que había pertenecido a la UFA (Universum Film AG), en donde se habían rodado grandes títulos alemanes como es el caso de El Gabinete del Doctor Caligari (Robert Wiene, 1920). También rodó en otros lugares de Alemania como Görlitz, Bad Schandau o Krampnitz, así como en París. Para hacer más creíble la película, el director decidió no ceñirse únicamente al inglés, su lengua natal, sino que utilizó el francés y el alemán como lenguas fundamentales de comunicación entre los distintos personajes, siendo destacable el personaje de Christoph Waltz que habla cuatro idiomas: inglés, alemán, francés e italiano. El rodaje comenzaría el 9 de octubre de 2008 y, finalmente la premiere se produjo en el festival de Cannes, el 20 de mayo de 2009. Tras conseguir finalizar ese primer borrador, quedaba aún encontrar a los actores adecuados, las localizaciones y formar un equipo de rodaje, un proceso que duró catorce semanas. Como anécdota destaca la manera en que Tarantino cuenta su encuentro con Brad Pitt. Voló hasta París, uno de los lugares junto con Berlín y Los Ángeles donde se hacían los castings, para conocer a Brad. Enseguida quedó convencido ya que, además, como bien afirma el director, este actor “realmente no rompía con su personaje. Cuanto hablabas con él sobre otras cosas, él hablaba con la voz de Aldo”. 50 50 De nuevo, el realizador hace magia y todos los personajes del guión vuelven a ser perfectos. El papel de Christoph Waltz (que se retroalimenta del coronel Hans Landa de Malditos bastardos) en la piel de un cazarecompensas, mantiene enganchado al espectador con todos los giros de los que es capaz Tarantino cuando escribe. Leonardo Di Caprio resulta muy convincente en el papel de Calvin Candie, que sorprende como la viva encarnación del infierno disfrazado de esclavista. En una escena, el actor, sumergido totalmente en el clímax, se cortó al aplastar una copa de cristal del decorado y con la mano ensangrentada, Leo aprovechó la veracidad del momento para culminar su diálogo. Debido a la profundidad de la herida, tuvieron que darle varios puntos de sutura. Habiendo conseguido a todos sus actores, entre los que se encontraban Christoph Waltz, que supuso la gran sorpresa de la película, les reunió en una sala y les explicó lo que él quería hacer. Para Tarantino, las películas de la Segunda Guerra Mundial se dividían entre aquellas que mostraban las guerras como una tragedia y entre aquellas que mostraban a los hombres en movimiento y, obviamente, él quiso hacer ésta última, bañada de tintes sangrientos y ultraviolentos. Notas www.imdb.com Documental: “Los auténticos malditos bastardos”: https://www.youtube.com/watch?v=1B_LtOYHnZw Artículo: Influencia del Espaguetti-western en Malditos bastardos de Quentin Tarantino en Área Abierta (n. 26) de Vanesa F. Guzmán Parra, José Roberto Vila Oblitas (Universidad Complutense, 2010) Nota de prensa de Ingloriuous Basterds: http://www.festival-cannes.com/assets/Image/Direct/029846.pdf DJANGO DESENCADENADO (2012) Por La Reina Margot (www.elcinedesdelacuna.com) El título de la película es un regreso a los spaghetti western de Sergio Corbucci, Django (1966) y su secuela Django 2: El retorno del héroe (1987), que eran violentos, breves y absolutamente contundentes. La trama hace más de una referencia a la infravalorada y magistral Mandingo (1975), una película de Richard Fleischer que retrata con crudeza la relación de deseo y dominación que se establece en un sistema totalmente opresivo. Tarantino, fiel a su estilo, hizo con Django Desencadenado una mezcla de spaghetti western y cine de vaqueros clásico, mostrándonos los sobrecogedores paisajes naturales de Wyoming y California, además de realizar un homenaje a la obra maestra de John Ford Centauros del desierto (1956). La primera influencia y homenaje de Tarantino hacia esta saga se encuentra en su renuncia a los títulos de crédito que usa habitualmente, así como a sus personales elecciones de las bandas sonoras en el comienzo de la película. Aquí, a través de la intertextualidad, calca la tipografía y el tema principal como homenaje a ese Django original (existen más de 20 spin-off) que le da pie a desarrollar su particular western. Para el papel protagonista, el director quiso a Will Smith, pero no llegaron a ponerse de acuerdo y barajó entonces otras opciones: Idris Elba, Chris Tucker, Terrence Howard, M.K. Williams y Tyrese Gibson siendo finalmente Jamie Foxx el elegido. Del resto del elenco cabe destacar los nombres de Samuel L. Jackson como negro-negrero, Kerry Washington, Bruce Dern y un excelente Don Johnson. Entrando en la mitomanía de la película, tenemos el genial cameo de Franco Nero (protagonista del Django de 1966 de Sergio Corbucci), el de una una irreconocible Zoë Bell y a Tom Savini. La banda sonora recoge desde pistas de Dos mulas y una mujer (1970), compuesta por Ennio Morricone, hasta estilos mucho más contemporáneos como el del rapero Rick Ross o la pista que se atreve a remezclar Tupac con James Brown. Django Desencadenado no está exenta de polémica. Spike Lee, que ya acusó a Tarantino de usar el término “nigger” despectivamente en Jackie Brown, volvió a la carga en su twitter haciendo la siguiente declaración: “La esclavitud americana no fue un spaghetti western de Sergio Leone. Fue un Holocausto. Mis ancestros son esclavos, robados de África. Yo les honraré”. La polémica no va más allá, al igual que la profundización en la estilización formal que el director realiza de la violencia explícita, ya que sus películas son una lección y un homenaje al cine de todos los tiempos, y por lo tanto, su tema principal es el cine mismo. 51 51 TRAS LA PISTA DE DJANGO DESENCADENADO Por Erika Tiburcio “Django, you must face another day”... Un encuentro con su banda sonora Django Desencadenado se convirtió en la obra más taquillera de Tarantino. Con ella, se quedó a las puertas del Oscar como mejor película, aunque su guión consiguió una estatuilla, un Globo de Oro y un premio BAFTA. Christoph Walz fue otro de los más premiados con un Óscar al mejor actor de reparto, un Globo de Oro al mejor actor de reparto y un premio BAFTA al mejor actor secundario. Uno de los aspectos destacados de las películas de este director son sus bandas sonoras, por lo ecléctico de las mismas, como él mismo afirma. Django no decepciona en este sentido, ya que, por un lado, recurrió a canciones de películas viejas que aparecían en películas del género, como es el caso del tema principal, del que ya hemos hablado previamente, o con el caso de “Trinity (Titoly)” de Le llamaban Trinidad (Enzo Barboni, 1970), o “I Got A Name” de El último héroe americano (Lartmon Johnson, 1973), un drama centrado en el mundo deportivo. Por otro lado, decidió recurrir a compositores actuales para crear canciones nuevas como a John Legend, Jim Croce, Rick Ross, y al análogo de la música del spaguetti western, Ennio Morricone. Pese a que éste último había colaborado en más trabajos con él, acabó en 2013, renegando de él y afirmando que no deseaba trabajar con él nunca más por su disconformidad ante la colocación de las canciones y por lo sangriento de sus imágenes. Boss Nigger Que Tarantino siempre utiliza sus películas para hacer homenajes a géneros populares es algo que venía demostrando desde su ópera prima, Reservoir Dogs (1992), con el cual hacía recordar al espectador el cine negro de serie B. Django Desencadenado no es una excepción, ya que, cualquiera que haya visto esta película se habrá acordado de grandes clásicos del Spaguetti Western que ponían en tela de juicio las premisas de La diligencia (John Ford, 1939) o Río Bravo (Howard Hawks, 1959), entre otros títulos. Mientras que estos títulos, situaban al estadounidense frente a un ambiente hostil al cual dominar, el Spaguetti Western, ponía el acento en los paisajes áridos y la vida cotidiana convertida en un infierno por la extrema violencia que rodeaba a estos habitantes. Pues bien, Django Desencadenado centra su atención en un tema que aún hoy en día sigue abriendo heridas: el esclavismo, con un discurso centrado en unos amos que disfrutaban del sufrimiento de sus esclavos de una manera sádica. Una referencia directa es a la película, considerada de culto, Django (Sergio Cobucci, 1966). En ella, Django (Franco Nero) acabará en una lucha contra dos bandas rivales que aspirar a dominar la región. No sólo el propio título, el cual, ya deja claro su consideración, sino también la canción, Django (Rocky Roberts & Luis Bacalov), que aparece en los títulos de crédito, es el tema principal de la obra de Cobucci. Igualmente tendremos el placer de ver otra vez a Franco Nero haciendo un cameo en la historia de Tarantino como Amerigo Vessepi, el dueño del mandingo que pierde contra el que posee Calvin J. Candie (Leonardo DiCaprio). Pese a que dejamos muchas referencias en el tintero, hay otra que es digna de mención y es la trilogía de Blaxexploitation Western, compuesta por The legend of Nigger Charley (Fred Williamson, 1972), The Soul of Nigger Charley (Larry Spangler, 1973) y Boss Nigger (Jack Arnold, 1975), protagonizadas por Fred Williamson o “The Hammer”, las cuales se centran en las aventuras de Charley. El largo camino hacia Texas Allá por el año 2007 Tarantino interpretaría en la obra de su amigo Takashi Miike, Suriyaki Western Django, el papel de Piringo, un anciano que fue el maestro de un personaje. En 2011, apareció una imagen de un guión de Tarantino con el título del film y así empezaron los rumores sobre una película que acabaría estrenándose un año más tarde. El rodaje vio muchos cambios de reparto. El primero de ellos fue el de Kevin Costner, quien abandonó el rodaje porque se negó a interpretar a Ace Wood, un sádico esclavista a las órdenes de Candie. El siguiente fue Joseph GordonLevitt, quien dejó el rodaje por problemas de calendario, ya que coincidió con el rodaje su película Don Jon. Tarantino también fue abandonado por Kurt Russell y Sacha Baron Cohen. Notas IMBD: www.imdb.com Quentin Tarantino’s Django Unchained. The Continuation of Metacinema, de Oliver C. Speck (editor) (Bloomsbury, 2014). “Kurt Russel y Sacha Baron Cohen abandona el rodaje”: http://www.ecartelera.com/noticias/10741/kurt-russell-sacha-baron-cohen-abandonan-django-desencadenado-quentin-tarantino/ “El compositor Ennio Morricone rompe con Tarantino “coloca la música sin coherencia”: http://www.20minutos.es/noticia/1761104/0/ennio-morricone/tarantino/banda-sonora/ Entrevista a Tarantino: https://www.youtube.com/watch?v=GrsJDy8VjZk 52 52 53 53 películas, sobre todo en Abierto hasta el amanecer, en la que, Tarantino como guionista/protagonista y Rodríguez como director, realizaron algo parecido a un western con vampiros diabólicos, herencia del cine de serie B que tanto admiraban. Pero fue 2007 el año elegido por los dos directores para realizar un homenaje directo y especial al Grindhouse, titulando el proyecto con el mismo nombre. Proyecto que constaría de la proyección de dos films, uno de Tarantino y otro de Rodríguez, separados por varios trailers. La proyección conjunta, remetía a los pases dobles que se solían proyectar de este género particular; aunque finalmente fue imposible estrenarlos como unidad y acabaron apareciendo en cartelera por separado. Así nacieron: Planet Terror y Death Proof. El universo de Grindhouse va más allá de Tarantino y de Rodríguez, dejando un pequeño espacio para aquellos directores que también aman el cine de serie B. De esta forma nacen 5 falsos trailers dirigidos por diferentes personalidades. El dirigido por el propio Rodríguez acabaría convirtiéndose en una de sus grandes películas/ sagas que continuarían en la misma línea de homenaje al cine de serie B: Machete. Los otros cuatro trailers son: Don’t, Thanksgiving, Werewolf Women of the SS, Hobo with a Shotgun (también convertido en película). Dirigidos por personajes como Rob Zombie, Edgar Wright o Eli Roth, son una breve miniatura del Grindhouse pero también rinden homenaje a los trailers de serie B, cuya calidad en muchas ocasiones superaba a la propia película. Cada película del particular Grindhouse de los polémicos directores hacía referencia a un género o un estilo concreto y característico dentro de las obras de Serie B. Planet Terror es un homenaje al cine de zombis, y Death Proof al subgénero del slasher. Ambas evidentemente enmarcadas en el género del terror y con una clara voluntad humorística. Pero más allá de ser grandes películas, con guiones sorprendentemente sólidos e inteligentes y con un mecanismo fílmico que claramente rinde homenaje al tipo de cine del que beben; Death Proof y Planet Terror están completamente impregnadas del estilo propio de cada director. Robert Rodríguez nos enseña lo mucho que le gusta crear héroes indestructibles que luchen contra una gran cantidad de villanos, en este caso una stripper con una pierna-ametralladora cuya principal actividad es matar zombis. Quentin Tarantino tampoco se resiste a colocar dos de sus constantes favoritas: la venganza y la femme fatal. Ambos directores se mueven de maravilla dentro de este terreno aportando sus propias singularidades repetidas a lo largo de su carrera. En definitiva, el proyecto Grindhouse, encabezado por Tarantino y Rodríguez, es un sofisticado homenaje a un género importantísimo y muchas veces menospreciado en el mundo del cine. Pero lo más importante es que surge de unos directores que, antes de serlo, eran fans de la serie B y no hay nada más bonito que aquellos grandes proyectos que surgen de la pura admiración. PLANET TERROR Y DEATH PROOF: EL MEJOR HOMENAJE Por Carlos Murcia Tanto Robert Rodríguez como Quentin Tarantino se han criado bajo un entorno cinematográfico muy particular, marcado por la visualización y admiración de las películas gore, Grindhouse y de serie B/Z más populares de la década de los 70 y los 80. ¿Pero realmente qué son este tipo de obras? Son películas que viven al margen de los criterios cualitativos; es decir, es evidente que existen películas de Serie B mejores que otras, pero hay que tener en cuenta que los aspectos comúnmente considerados negativos a la hora de valorar obras cinematográficas, son positivos dentro de aquellas que pertenecen a la serie B. Los vacíos argumentales, el pastiche, la exageración de determinados recursos estilísticos, la exhibición del artificio fílmico, la casposidad de la obra… pueden aumentar, aunque no siempre, la calidad o el interés que suscita una determinada película. Son obras en las que la sangre, la violencia, los asesinatos, los monstruos, las chicas guapas, los chistes y las aventuras patéticas son más importantes que el dinero invertido. Quizás lo más admirable de este tipo de cine es la sorprendente capacidad que tienen de asombrar y entretener al espectador. En 2007, ya hacía muchos años que el cine Grindhouse había perdido todo su poder y, aunque quedaban algunos resquicios en alguna película, poco quedaba de él. Era un buen momento para que Tarantino y Rodríguez se uniesen, habiendo ya honrado este tipo de cine a través de sus 54 54 55 55 melodía de la serie de televisión Ironside, tono utilizado por Tarantino para el cruce de miradas entre la protagonista y sus enemigos. KILL BILL. VOL 1 Y 2 Pero si hay una influencia clara en Kill Bill es, desde luego, el cine de artes marciales. Muestra de ello es la presencia del veterano Sonny Chiba como Hattori Hanzo, fabricante de espadas, o el entrenamiento de la protagonista que se revela a través de un flashback en Kill Bill. Vol.2, sin olvidar la fuerte presencia de la japonesa Lady Snowblood (1973), uno de los referentes más claros de esta historia. Tarantino se permitió otro fichaje a modo de guiño cinéfilo: Chiaki Kuriyama, la joven actriz que interpreta a Gogo, la asesina que protege a O-ren Ishii (una de las enemigas de la Novia). El director la fichó tras descubrirla en la producción japonesa Battle Royale, y quiso que su personaje luciera el uniforme de colegiala como referencia a aquel título, en el que unos alumnos eran llevados a una isla en la que debían matarse unos a otros. Referencias cinematográficas aparte, lo cierto es que Tarantino hizo mucho más que una película moderna de kung fú. El complejo desarrollo narrativo se atrevió con todo. No sólo mezcló texturas, por no hablar de la famosa secuencia en el restaurante, rodada en blanco y negro para evitar que los litros de sangre empleados resultaran excesivos para el espectador (o la censura), sino que presentaba la historia sin miedo a los saltos cronológicos, empezando el film por el segundo enfrentamiento (tras un breve prólogo en blanco y negro) y dejando para más adelante el flashback completo en el que se dará a conocer el motivo de la sangrienta venganza. Kill Bill Vol.2 es quizá más simple en ese sentido, ya que la ruptura narrativa no es tan brusca y Tarantino se centró más en las tomas largas que le permitieron hacer brillar sus magníficos diálogos, marca de la casa, como la famosa conversación sobre Superman que mantienen los personajes de la Novia (Uma Thurman) y Bill (David Carradine). Por Sandra S. Lopera Mientras rodaban Pulp Fiction, Uma Thurman y Quentin Tarantino aprovecharon las pausas para empezar a trabajar en una idea que había surgido durante una de sus conversaciones, en las que hablaban sobre qué tipo de films les gustaría hacer y recordaban viejas películas de kung fu. La premisa era simple: una novia que era dada por muerta tras una masacre el día de su boda y que volvía para vengarse. Sin pasado, sin identidad, incluso sin nombre (cada vez que se pronuncia en la primera entrega de Kill Bill suena un pitido y no es hasta el Volumen 2 cuando nos enteramos de cómo se llama la protagonista), esta novia no se trataba de una mujer cualquiera, sino que era en realidad una de las mejores asesinas a sueldo del mundo. El director empezó a trabajar en el guión y se lo regaló a la actriz en su cumpleaños. La primera versión era ya para un largometraje extenso, pero fue tras rodar Kill Bill cuando Tarantino empezó a recibir presiones de los productores para que aligerara el metraje. Cuando éste se negó a mutilar su obra, se tomó la decisión de dividirla en dos entregas y estrenarlas con pocos meses de diferencia. La cuarta película de Tarantino fue un verdadero festín visual, capaz de combinar desde referencias del cine de artes marciales y espadas samuráis hasta manga, western o incluso pinceladas de slasher y del cine de Brian de Palma. En ella, el cineasta evolucionaba hacia un tipo de narración muy dinámica, con un magnífico montaje y, como siempre, una banda sonora totalmente atípica en la que se podía encontrar desde grupos de pop japoneses hasta la 56 56 Extraordinario a todos los niveles, el díptico formado por las dos entregas de Kill Bill no son solo un resumen de las referencias cinéfilas de un director, sino una muestra de pasión por el lenguaje cinematográfico. Tarantino fue capaz de incorporar elementos del western (el ejemplo más claro sería Por un puñado de dólares) y trasladarlos a una historia en la que las pistolas se convierten en katanas para llevar a cabo una venganza propia de un thriller clásico de los años setenta vestido de artes marciales. Eso sin olvidar los elementos prestados del cine japonés contemporáneo y hasta de los videojuegos (esa Novia pasando de un rival a otro en el restaurante como si fuera superando niveles para llegar hasta su objetivo). Uno de los mejores trabajos de su director y todo un ejemplo de como el cine puede retroalimentarse y utilizar sus referentes para crear un film (o dos) prácticamente perfecto. 57 57 Por Coral Ferrero Ben Stiller será el protagonista del Beer & Pizza Night de este mes con su mejor comedia: Zoolander. Un descerebrado de moda, una parodia sobre el mundo de la moda repleta de cameos famosos. Jueves 28 de mayo. Jueves 28 · 21h BEER & PIZZA NIGHT: ZOOLANDER 58 59 LA ABSURDA BRILLANTEZ DE BEN STILLER Derek Zoolander es el rey de las pasarelas. Todos los hombres quieren ser como él y las mujeres estar con él. Su mirada “acero azul” hace furor allá por donde pasa. No en vano, ha ganado el premio a Mejor Modelo Masculino durante tres años consecutivos. Pero en la gala de la entrega del que podría suponer su cuarta victoria, Derek queda en ridículo al haber creído escuchar su nombre como ganador. En su lugar, el vencedor resulta ser Hansel McDonald, su némesis y principal candidato a arrebatarle el trono. Destrozado por la derrota, Derek decide retirarse. Sin embargo, el malvado diseñador Jacobim Mugatu requerirá los servicios del modelo con oscuros propósitos: tras lavarle el cerebro utilizará a Derek para matar al primer ministro de Malasia, que acaba de derogar la ley que permite el trabajo infantil. Lo que esto implica es dejar libre a la los niños de ese país, es decir, la mano de obra de los caros diseños de Mugatu, circunstancia que quiere impedir a toda costa. Esta es la disparatada premisa de Zoolander: un descerebrado de moda (2001), película dirigida, coescrita y protagonizada por Ben Stiller. En su tercer film como director, Stiller se decanta por la comedia pura y dura que ya pudimos saborear en la segunda película que dirigió, Un loco a domicilio (1996), en lugar de la comedia suave y realista que supuso su estreno como realizador, Bocados de realidad (1994). Para Zoolander, el actor recupera al arquetipo de personaje exagerado y caricaturesco que apareció en Un loco a domicilio, bajo la forma de Jim Carrey. Sin embargo, pese a los muchos defectos que Derek demuestra tener –tan absurdos como la incapacidad de girar su cuerpo hacia la izquierda o inventarse cuatro miradas exactamente iguales y exponerlas como si fueran diferentes-, se revela como un personaje que genera simpatía, tanto dentro de la historia como entre el público. Es muy probable que parte del encanto de Derek Zoolander se contagie gracias al incontable número de personajes famosos que aparecen en la película y que declaran convencidos su genialidad, haciendo creer a los espectadores que, en efecto, es la estrella que todos dicen que es. relegado a los cameos. Entre los personajes secundarios podemos ver a un irreconocible David Duchovny interpretando a un ex modelo de manos y antigua víctima de Mugatu que intenta ayudar a Zoolander, a John Voight y Vince Vaughn como padre y hermano del protagonista o a David Bowie, que hace una espectacular aparición como juez en un combate de modelaje. En su primer papel en Hollywood encontramos también a un joven Alexander Skarsgard, interpretando a uno de los compañeros de piso de Derek y que coprotagoniza una de las escenas más inesperadas de la película. Zoolander salió al mercado con desventaja. Su estreno en cines se produjo dos semanas después del 11 de septiembre, por lo que el público norteamericano no se encontraba de humor para ver una comedia de esta índole. Más tarde, Stiller decidió excluir las escenas de la película en las que aparecían las Torres Gemelas, con el fin de no herir sensibilidades. Aunque no generó un gran impacto en la taquilla, con los años ha llegado a convertirse en una película de culto. Cabe destacar el pequeño papel que interpreta Justin Theroux, también irreconocible, como el dj del desfile de Mugatu. Sería la primera vez que Stiller y Theroux aparecían juntos en un film. Más tarde los dos idearían Tropic Thunder: ¡una guerra muy perra! (2008) que supondría la cuarta película como director de Ben Stiller. En la ya anunciada segunda parte de Zoolander será Theroux el encargado de escribir el guión. Con todo esto, queda claro que a Stiller le gusta rodearse de amigos a la hora de dirigir una película. Su compañero Owen Wilson encarna al rival de Derek, Hansel McDonald. Tras aparecer juntos en Los Padres de Ella, Zoolander marcaría el principio de numerosas colaboraciones entre ellos dos, como Los Tenenbaums. Una familia de genios o Starsky y Hutch. Además, tanto su mujer, Christine Taylor, como su padre, Jerry Stiller, interpretan importantes papeles del film. Para poder disfrutar de este film es conveniente que el espectador sepa a qué atenerse. Zoolander no es ni de cerca una película para tomarse en serio, pero es que no pretende serlo. Aunque es obvio que hay ciertos momentos dedicados exclusivamente a mofarse de la industria de la moda y de toda la frivolidad que la envuelve, el principal objetivo del film es el del simple entretenimiento, sin moralejas, metáforas ni mensajes ocultos. Y esto, hoy en día, resulta un soplo de aire fresco Desde Cuba Gooding Jr hasta Donald Trump, pasando por Natalie Portman o Winona Ryder, y sin olvidar la hilarante aparición de Billy Zane, Zoolander acaba siendo un “quién es quién” de actores, músicos y personajes del mundo de la moda. Pero el sorprendente reparto no queda únicamente 60 61 ZOOLANDER 2 Mediante una magistral lección de marketing, Ben Stiller confirmó la segunda parte de Zoolander (cuyos rumores indican que podría titularse Twolander) en la última edición de la Semana de la Moda de París. Para tan esperado anuncio, tanto Stiller como Owen Wilson se metieron en la piel de sus personajes y recorrieron la pasarela del diseñador Valentino. A partir de entonces, las noticias referentes a la secuela y su producción han ido sucediéndose una detrás de otra. Lo primero que se ha conocido es que gran parte del reparto original volverá, retomando los papeles que interpretaron. Además de a Zoolander y a Hansel, volveremos a ver a Matilda (Christine Taylor) y a Mugatu (Will Ferrell). Pero a estas caras conocidas se suman dos importantes fichajes nuevos: por un lado el de la Kristen Wiig, veterana de Saturday Night Live y curtida en el arte de hacer reír. Por otro lado, el de Penélope Cruz en la que será su primera incursión en una comedia norteamericana. Aunque habrá que esperar para saber qué papeles interpretarán estas dos actrices, lo que sí se sabe es que el joven Cyrus Arnold será Derek Jr, el hijo con sobrepeso de Derek. El rodaje ya ha empezado en Roma, donde se reemprenderá la acción diez años después de la primera película. En la secuela, Derek y Hansel deberán enfrentarse a una compañía rival que intentará apartarles del mundo de la moda. Como ya se ha mencionado, Justin Theroux ha escrito el guión del film, mientras que Stiller dirige otra vez. El estreno de Zoolander 2 está previsto para el 12 de febrero de 2016. 62 63 Conmemoramos el 120 aniversario de Gaumont con un ciclo que reúne algunos de los títulos más significativos de esta casa, productora francesa de grandes cineastas como Louis Malle o Max Ophüls. La programación abarca desde comedias como La cena de los idiotas a verdaderas joyas como Ascensor para el cadalso. Por Jose Antonio Pérez Guevara 64 65 ASCENSOR PARA EL CADALSO: POEMA VELADO SOBRE EL DESAMOR Ciudadano Kane (1941, Orson Welles), Los amantes de la noche (1947, Nicholas Ray), Pather Panchali (1955, Satyajit Ray), Los 400 golpes (1959, François Truffaut), El espíritu de la colmena (1973, Víctor Erice)… tienen en común el significar el bautismo cinematográfico de sus autores. Ascensor para el cadalso fue la primera vez para Louis Malle, su ópera prima se alejó de sus coetáneos (que en un par de años inaugurarían la revolucionaria Nouvelle Vague) y se despachó con un film noir, un ejercicio de estilo que emulaba a sus adorados maestros del Hollywood dorado: Hawks, Wilder, Huston… Su experimento se saldó con un estimable resultado, amén de dejar constancia de que, lejos de la fábrica de sueños, también había lugar para obras de cine negro, de contundente factura, tanto técnica como artística. Alain Cavalier, director y amigo de Malle, le dio a leer la novela de Noël Calef –en la que se basa la película- . A Malle le gustó y propuso su financiación a un productor, quién le contestó: “De acuerdo, si la haces con Jeanne Moreau”. La historia se articula a través de tres sucesos paralelos: el asesino que se queda atrapado en el ascensor, su amante que camina por las calles en su búsqueda, y dos atolondrados que roban el coche del asesino y cometen el más disparatado de los asesinatos, todos ellos envueltos en la oscuridad de la noche parisina. Mínima expresión de localizaciones, un ajustado reparto, amén de la poderosa Moreau, Maurice Jornet y Lino Ventura, como el inspector, para este angustioso y sobrio ejercicio de suspense, despojado de artificios y dotado de una madurez envidiable, con claras reminiscencias del cine del maestro y admirado Henri-Georges Clouzot. Resultan conmovedoras las imágenes en las que vemos a una solitaria Jeanne Moreau vagando sin rumbo por las calles nocturnas de un París teñido de blanco y negro, y envuelta en los acordes y compases de la maravillosa y excelente partitura de Miles Davis. La música irrumpe en la película de forma magistral convirtiéndose en un elemento completamente estimulante y brillante. La película ganó el premio a la mejor opera prima “Louis Delluc”. Amén de dejarnos uno de los poemas más desoladores sobre la imposibilidad de amar, de ser amado y de nuestra incapacidad humana para ser felices. 66 “Cuánto más vivo, menos me fio de las ideas y más de las emociones” LOUIS MALLE desde que el cine existe Léon Gaumont (1864-1946), ingeniero de profesión se transformó en inventor de aparatos fotográficos. El 22 de marzo de 1895, después de asistir a una de las sesiones que organizaba la Sociedad de Fomento de la Industria Nacional, donde los hermanos Lumière presentan su cinematógrafo, se queda fascinado por el nuevo invento y adquiere la patente del cronofotógrafo de Demeny, e inmediatamente después se lanza a construir aparatos tomavistas y de proyección, y realiza pequeñas cintas, en las que asumirá la dirección su secretaria Alice Guy, convirtiéndose así en la primera directora de la historia del cine, donde produce, escribe y dirige más de 600 películas para la compañía que tocaban todos los géneros, cuentos de hadas, policíacos, comedias…En 1907, la compañía manufacturó su propio equipo y se lanzó a producir películas en masa, contratando para tal efecto a Louis Feuillade, donde se abordaron argumentos muy ambiciosos dotándolos de grandes dosis de realismo de manera poética, en títulos como Fantomas (1913), o Judex (1916). La compañía crece de un modo asombroso y ya en 1916 cuenta con 52 sucursales en Francia y su marca (La margarita) es sinónimo de honradez y calidad. En su extensísimo catálogo encontramos grandes nombres, genios del cine como Jean Renoir, Jean-Luc Godard, Louis Malle, y muchos más… en la actualidad sigue siendo una compañía de calidad que sigue en la brecha gozando del éxito del público en títulos como Los visitantes, Salir del armario, The Artist o Intocable. Sus 120 años de historia no sólo la convierten en la compañía más longeva de la historia del cine, sino en una de las empresas que contribuyó de manera eficiente y ejemplar en afianzar el nuevo arte y convertirlo en el arte del siglo XX. 67 PROGRAMACIÓN MAYO 2015 Ciclo James Bond Ciclo Quentin Tarantino VIERNES 1 16:30h · Ciclo Festival de Cannes SEXO, MENTIRAS Y CINTAS DE VÍDEO Sex, Lies, and Videotape Steven Soderbergh, 1989. Int: James Spader, Andie MacDowell, Peter Gallagher. USA · 100’ · 35mm · VOSE El descubrimiento y consagración de Steven Soderbergh como uno de los nuevos talentos del cine independiente, sobre todo tras ganar la Palma de oro al Mejor director y el premio al Mejor actor para James Spader en el festival de Cannes. Una ópera prima perfecta sobre infidelidades y deseos ocultos. 18:30h · Ciclo Amores de hoy y de siempre TITANIC Titanic James Cameron, 1997. Int: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane. USA · 194’ · 35mm · VOSE James Cameron quiso recrear con todo detalle el hundimiento del famoso barco, llegando a invertir en una cámara especial para rodar los verdaderos restos del naufragio y reproduciento hasta la vajilla que usaban a bordo. Una gigantesca producción ganadora de 11 Oscar. 21:00h GOLPE EN LA PEQUEÑA CHINA Big Trouble in Little China John Carpenter, 1986. Int: Kurt Russell, Kim Cattrall, Dennis Dun USA · 99’ · 35 mm · VOSE Carpenter recordó el cine de aventuras con el que había crecido y quiso ir más allá con esta mezcla de acción y comedia gamberra en la que se encuentran influencias que van desde el terror hasta las artes marciales. Puro entretenimiento con un genial Kurt Russell. 23:30h KILL BILL: VOLUMEN I Kill Bill: Volume 1 Quentin Tarantino, 2003. Int: Uma Thurman, David Carradine, Daryl Hannah. USA · 111’ · DCP · VOSE Tarantino recogió en esta película no sólo el cine que ha marcado su filmografía, sino también los géneros más diversos, jugando siempre con la mirada del espectador. El director utiliza, para esta historia de venganza, texturas visuales ochenteras, momentos en blanco y negro (como la sangrienta lucha en el restaurante) y hasta secuencias de anime con una narrativa impecable. 22:45h BLADE RUNNER Blade Runner Repetición el día 7 18:30h OPERACIÓN TRUENO Thunderball Terence Young, 1965. Int: Sean Connery, Claudine Auger REINO UNIDO · 130’ · DCP 4K · VOSE El primer Bond rodado en Panavision triplicó el presupuesto de sus antecesoras para conseguir escenas tan espectaculares como la lucha bajo el agua. Connery se enfrentó a la organización Spectra, que amenazaba con destruir una ciudad. DOMINGO 3 16:15h · Ciclo Charles Chaplin LA QUIMERA DEL ORO The Gold Rush Charles Chaplin, 1925. Int: Charles Chaplin, Mack Swain, Tom Murray. USA · 95’ · 35mm · VOSE El baile de los panecillos es uno de los momentos más inolvidables del cine de Chaplin, que aquí volvió a interpretar a su personaje de vagabundo, esta vez convertido en un explorador en Alaska. Tal era el éxito de esta secuencia, que el público de las salas exigía que se volviera a proyectar una y otra vez. 18:15h LICENCIA PARA MATAR Licence to Kill John Glen, 1989. Int: Timothy Dalton, Robert Davi, Carey Lowell REINO UNIDO · 133’ · DCP 4K · VOSE Timothy Dalton encarnó a uno de los Bond más realistas, sobre todo a nivel de un tipo de acción más física que en films anteriores. Influenciada por la moda de los thrillers, esta entrega apostó por una historia menos tecnológica, con un Bond tratando de vengar el asesinato de un amigo a manos de un narcotraficante. 21:00h PULP FICTION Pulp Fiction Quentin Tarantino, 1994. Int: John Travolta, Samuel L. Jackson, Bruce Willis. USA · 154’ · DCP · VOSE John Travolta resucitó del olvido gracias a este collage de historias donde Quentin Tarantino dio rienda suelta a sus pasiones cinéfilas. Palma de oro al director en el Festival de Cannes y Oscar y Globo de oro al Mejor guión. 68 21:00h BLADE RUNNER Blade Runner 18:00h CASINO ROYALE Casino Royale 21:00h DJANGO DESENCADENADO Django Unchained Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young USA · 117’ · DCP · VOSE Martin Campbell, 2006. Int: Daniel Craig, Eva Green, Judi Dench REINO UNIDO/USA · 144’ · 35mm · VOSE Quentin Tarantino, 2012. Int: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio. USA · 165’ · DCP · VOSE Ver reseña del día 1 Primera aparición de Daniel Craig como agente 007. Basada en la primera novela de James Bond escrita por Ian Fleming, y con algún elemento prestado de Goldfinger, Casino Royale apostó por una trama glamurosa que combinaba una tensa partida de póquer con secuencias de alto voltaje como la persecución en el aeropuerto. Apasionado de Sergio Leone y del spaguetti western, Tarantino dio una vuelta de tuerca al género cambiando al héroe solitario por un esclavo que se une a un cazarrecompensas para rescatar a su mujer. Espléndido Leonardo DiCaprio como comerciante de esclavos y breve cameo del actor Franco Nero, el Django original. VIERNES 8 16:30h · Ciclo Festival de Cannes EL TERCER HOMBRE The Third Man Carol Reed, 1949. Int: Orson Welles, Joseph Cotten, Alida Valli USA · 104’ · 35mm · VOSE Versión filmada de la ópera de Merimee, interpretada por el tenor Plácido Domingo y la soprano Julia Migenes. Su dirección artística utilizó como punto de partida las ilustraciones realizadas por el pintor Gustave Doré en 1873 y el bailaor Antonio Gades preparó las coreografías. La famosa huida de Orson Welles por las alcantarillas tiene hasta su propia ruta turística en Viena, ciudad en la que se ambientaba la novela de espionaje de Graham Greene. El director y productor Alexander Korda y el propio Welles se encargaron de adaptar el relato. Magnífica fotografía del oscarizado Robert Krasker. 19:00h · Ciclo 120 años de Gaumont WEEK-END Le Week-end 18:30h FASCINACIÓN Obsession Jean-Luc Godard, 1967. Int: Mireille Darc, Jean Yanne, Jean- Pierre Kalfon. FRANCIA · 105’ · DCP · VOSE Brian de Palma, 1976. Int: Cliff Robertson, Geneviève Bujold, John Lithgow. USA · 98’ · 35mm · VOSE Godard retrata con ironía los pecados materialistas de la sociedad de consumo a través de un matrimonio que empieza a desquiciarse en un atasco de tráfico, lo que dará paso a situaciones cada vez más descontroladas. Basado en un relato de Julio Cortázar. Considerada la obra perfecta de Brian de Palma. Fascinación es un sorprendente thriller en el que se intuye la huella de Vértigo, de Hitchcock, y que se desmarca de los tópicos del género gracias al sólido guión de Paul Schrader y del propio director. 21:00h JACKIE BROWN Jackie Brown 21:00h · PROGRAMA DOBLE JUEVES 7 SÁBADO 2 Las aventuras de Julio Verne saltaron a la gran pantalla de la mano de Charles Brackett, guionista habitual de Billy Wilder, que escribió esta adaptación junto a su amigo Walter Reisch pocos años después de que ambos compartieran el Oscar al Mejor guión por El hundimiento del Titanic. Francesco Rosi, 1984. Int: Julia Migenes, Plácido Domingo, Ruggero Raimondi. FRANCIA · 152’ · DCP · VOSE Traficantes de armas y policías ven como se complican sus negocios en este thriller con el que Tarantino aparcaba su violencia característica para rodar con un estilo mucho más clásico y calmado. Además, se trata del único film del director que adapta una novela: Rum Punch, de Elmore Leonard. Una rareza dentro de su filmografía. La obra maestra de Ridley Scott no es sólo un film de culto que revolucionó la ciencia-ficción, sino también una película que invita al debate y a las múltilpes interpretaciones gracias a un final lleno de incógnitas. Fascinante diseño de producción y banda sonora de Vangelis. Journey to the Center of the Earth Henry Levin, 1959. Int: James Mason, Pat Boone, Arlene Dahl USA · 132’ · 35mm · VE 16:15h · Ciclo 120 años de Gaumont CARMEN DE BIZET Carmen Quentin Tarantino, 1997. Int: Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert Forster. USA · 154’ · 35mm · VOSE Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young USA · 117’ · DCP · VOSE 16:00h VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA MIÉRCOLES 6 PROGRAMACIÓN MAYO 2015 16:30h · Ciclo Amores de hoy y de siempre SOLO EL CIELO LO SABE All that Heaven Allows ALGO PARA RECORDAR Sleepless in Seattle Nora Ephron, 1993. Int: Tom Hanks, Meg Ryan, Ross Malinger USA · 105’ · 35mm · VOSE GHOST (MÁS ALLÁ DEL AMOR) Ghost Jerry Zucker, 1990. Int: Patrick Swayze, Demi Moore, Whoopi Goldberg. USA · 127’ · DCP · VOSE Dos títulos esenciales del género romántico tan de moda en los años 90. Abre la sesión toda una experta: Nora Ephron, que convirtió a Tom Hanks y Meg Ryan en la pareja del momento. Jerry Zucker dio un giro a su carrera, recordada por títulos como Aterriza como puedas, dirigiendo este drama sobre un hombre, que tras morir, permanece junto a su mujer como un fantasma. 21:00h · MARATÓN MAD MAX MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA Mad Max MIÉRCOLES 13 George Miller, 1979. Int: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh Keays-Byrne. AUSTRALIA · 88’ · DCP · VOSE 16:30h · Ciclo Amores de hoy y de siempre TÚ Y YO An Affair to Remember MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA Leo McCarey, 1957. Int: Cary Grant, Deborah Kerr, Richard Denning USA · 119’ · 35mm · VOSE Mad Max 2 George Miller, 1981. Int: Mel Gibson, Bruce Spence, Michael Preston. AUSTRALIA · 95’ · DCP · VOSE MAD MAX 3, MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO Mad Max Beyond Thunderdome George Miller, George Ogilvie, 1985. Int: Mel Gibson, Tina Turner, Bruce Spence. AUSTRALIA · 107’ · 35mm · VOSE Mel Gibson saltó a la fama gracias a este justiciero que vaga por un futuro postapocalíptico en el que la gente se mata por conseguir gasolina. Una trilogía rodada con influencias del cómic y de la acción setentera norteamericana, que hizo de las persecuciones salvajes su marca personal. Violenta y épica, la saga ha cobrado nueva vida con una cuarta entrega. DOMINGO 10 16:00h SOLO EN CASA Home Alone Chris Columbus, 1990. Int: Macaulay Culkin, Joe Pesci, Daniel Stern USA · 100’ · 35mm · VE Chris Columbus convirtió a Macaulay Culkin en la estrella infantil mejor pagada de la historia tras el gran éxito de esta comedia. La idea de unos padres que se olvidan a su hijo en casa cuando se van de vacaciones se le ocurrió al director mientras preparaba las maletas, y su amigo John Hugues la plasmó en un guión. Douglas Sirk, 1955. Int: Jane Wyman, Rock Hudson, Agnes Moorehead. USA · 89’ · 35mm · VOSE El esperado reencuentro de los protagonistas en lo alto del Empire State Building sigue emocionando como el primer día gracias a las interpretaciones de Cary Grant y Deborah Kerr, que improvisaron buena parte de sus frases para hacer sus escenas más realistas. 19:00h · Ciclo 120 años de Gaumont ASCENSOR PARA EL CADALSO Ascenseur Pour l’échafaud Louis Malle, 1958. Int: Jeanne Moreau, Maurice Ronet, Georges Poujouly. FRANCIA · 88’ · DCP · VOSE Una de las musas del cine francés, Jeanne Moreau, permitió que Louis Malle la filmara en un continuo primer plano sin apenas maquillaje y utilizando una luz natural que remarcaba el dramatismo de este thriller precursor de la Nouvelle Vague. 21:00h PASE PRIVADO MIEMBROS CLUB PHENOMENA JUEVES 14 16:00h · Ciclo 120 años de Gaumont MADAME DE… Madame de… Max Ophüls, 1953. Int: Danielle Darrieux, Charles Boyer, Vittorio De Sica. FRANCIA · 105’ · DCP · VOSE Unos pendientes son el leit motiv con el que el gran Max Ophüls dibuja la caída en desgracia de la protagonista. El director Vittorio de Sica admiraba tanto a este cineasta que le pidió un papel y Ophüls escribió para él el personaje del barón Donati. Antes de convertirse en una popular villana de los culebrones televisivos, Jane Wyman conmovió con sus interpretaciones en films como este melodrama en el que se enamora de un chico más joven que ella: Rock Hudson. Su diferencia de edad y de clase social incomodará a su entorno. 18:00h · Ciclo Charles Chaplin EL GRAN DICTADOR The Great Dictator 18:15h · Ciclo 120 años de Gaumont ADIÓS MUCHACHOS Au revoir les enfants Charles Chaplin, 1940. Int: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie. USA · 125’ · 35mm · VOSE Louis Malle, 1987. Int: Gaspard Manesse, Raphael Fejtö, Francine Racette. FRANCIA · 104’ · DCP · VOSE El discurso en un idioma inventado, que doblaba los micrófonos con sus gritos, y la imagen de Chaplin jugando con la bola del mundo son algunos de los momentos míticos que hicieron de este título un gran clásico. Su estreno fue prohibido en España hasta 1976, tras la dictadura. Louis Malle se inspiró en un recuerdo de su propia infancia para rodar este drama intimista, sencillo y desgarrador. El despertar a la madurez de los alumnos de un internado que empiezan a ser conscientes del asedio nazi que viven los judíos en Francia. SÁBADO 9 16:00h · Ciclo Amores de hoy y de siempre LA COLINA DEL ADIÓS 18:00h · ÓPERA EN DIFERIDO LA TRAVIATA Love is a Many-Splendored Thing Henry King, 1955. Int: William Holden, Jennifer Jones, Torin Thatcher. USA · 102’ · 35mm · VOSE Conductor: Daniel Oren. Director: Benoit Jacquot Interpretes: Diana Damrau (Violetta), Anna Pennisi (Flora), Cornelia Oncioiu (Annina) y Francesco Demuro (Alfredo) El prolífico Henry King consiguió algunos de los melodramas más emblemáticos del Hollywood dorado. Buena muestra de ello es este film, basado en hechos reales, en el que William Holden y Jennifer Jones luchan por mantener su romance en Hong Kong durante la revolución comunista. La Ópera de París acoge la obra compuesta por Verdi a partir de La dama de las camelias, de Alejandro Dumas. Benoit Jacquot dirige este montaje en tres actos, protagonizado por Diana Damrau y Anna Pennisi. Desde la Ópera de París 69 PROGRAMACIÓN MAYO 2015 20:30h · PROGRAMA DOBLE ESPECIAL MAD MAX MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA Mad Max George Miller, 1979. Int: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh Keays-Byrne. AUSTRALIA · 88’ · DCP · VOSE MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA Mad Max 2 George Miller, 1981. Int: Mel Gibson, Bruce Spence, Michael Preston. AUSTRALIA · 95’ · DCP · VOSE Programa doble dedicado al film clave en el nuevo género fantástico, con el que Mel Gibson cambió el estereotipo de héroe. El árido paisaje del desierto australiano se convierte en un futuro postapocalíptico cada vez más salvaje, donde la gasolina es el bien más preciado. George Miller demostró ser un director visionario a la hora de plasmar en pantalla la verdadera lucha por la supervivencia. VIERNES 22 16:30h · Ciclo Festival de Cannes BLOW-UP Blow Up Michelangelo Antonioni, 1966. Int: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles. ITALIA/REINO UNIDO · 111’ · 35mm · VOSE El primer film de Antonioni rodado en inglés fue este drama, con tintes de thriller, que De Palma homenajeó en Impacto. Una foto tomada al azahar esconde la clave de un crimen. El prestigioso fotógrafo John Cowan realizó las fotos que se pueden ver en el estudio y el piso del protagonista. 18:30h · Ciclo 120 años de Gaumont LA CENA DE LOS IDIOTAS Le dïner de cons Francis Veber, 1998. Int: Thierry Lhermitte, Jacques Villeret, Francis Huster. FRANCIA · 80’ · DCP · VOSE Tras cinco años de éxito en los teatros, Francis Veber trasladó su obra a la pantalla, encargando el papel principal al mismo actor, Jacques Villeret, que llevaba más de 600 funciones interpretando al torpe François, que acepta una invitación a cenar sin saber que se trata de una apuesta. Tanto Villeret como su coprotagonista ganaron el premio César por su trabajo. 21:00h · PROGRAMA DOBLE PLANET TERROR Planet Terror Robert Rodríguez, 2007. Int: Rose McGowan, Freddy Rodríguez, Josh Brolin. USA · 105’ · 35mm · VOSE DEATH PROOF Death Proof VIERNES 15 · GRAN ESTRENO Quentin Tarantino, 2007. Int: Kurt Russell, Zoë Bell, Rosario Dawson. USA · 113’ · 35mm · VOSE MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road Los problemas de distribución hicieron que Tarantino y su amigo Rodriguez tuvieran que estrenar por separado este proyecto, con el que rendían homenaje a los programas dobles de serie B que veían en el cine de pequeños. George Miller, 2015. Int: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult. AUSTRALIA · 120’ · DCP · VOSE En vez de conformarse con un remake, George Miller decidió retomar su saga treinta años después de cerrar la trilogía original. Tom Hardy, actor en alza tras su villano Bane de El caballero oscuro: La leyenda renace, es el nuevo guerrero de la autopista. Para conseguir un mayor impacto visual, se optó por rodar las secuencias de acción y las persecuciones con especialistas, utilizando muy pocos efectos digitales. SÁBADO 16 · VOSE DOMINGO 17 LUNES 18 MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road 16:00h / 18:30h / 21:00h · VOSE MARTES 19 MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road 16:15h / 19:00h / 21:30h · VOSE MIÉRCOLES 20 MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road 16:30h / 19:30h / 22:00h · VOSE 70 23:00h RESERVOIR DOGS Reservoir dogs 18:00h EL MUNDO NUNCA ES SUFICIENTE George Miller, 1979. Int: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh Keays-Byrne. AUSTRALIA · 88’ · DCP · VOSE Quentin Tarantino, 2004. Int: Uma Thurman, David Carradine, Michael Madsen. USA · 137’ · DCP · VOSE Quentin Tarantino, 1992. Int:Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen. USA · 99’ · 35mm · VOSE Film clave en el nuevo género fantástico, con el que Mel Gibson cambió el estereotipo de héroe. El actor se dio a conocer con este violento thriller situado en un futuro postapocalíptico, donde interpreta a un agente de la ley que lucha contra los criminales que controlan las autopistas. Al no querer renunciar a buena parte de su metraje, Tarantino tuvo que dividir en dos entregas esta producción en la que recogió muchas de sus pasiones cinéfilas. Uma Thurman ultimará su venganza katana en mano y un flashback permitirá recordar su duro entrenamiento. Un título bastó para que Tarantino se convirtiera en director de culto. Su ópera prima, sobre un atraco que sale mal, dejó muy clara su forma de plasmar la violencia en la pantalla y los inconfundibles diálogos, marca de la casa, que le dan a sus films una personalidad única. The World Is Not Enough Michael Apted, 1999. Int: Pierce Brosnan, Sophie Marceau, Robert Carlyle. REINO UNIDO · 128’ · DCP 4K · VOSE 23:00h LAS AVENTURAS DE PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert Stephan Elliott, 1994. Int: Hugo Weaving, Guy Pearce, Terence Stamp. AUSTRALIA · 104’ · DCP · VOSE Después de interpretar a villanos durante años, Terence Stamp sorprendió a todo el mundo al convertirse en Bernadette, una transexual que cruza el desierto en su autocar tuneado con otras dos drag queens interpretadas por Hugo Weaving (el agente Smith de Matrix) y Guy Pearce (el prota de Memento). Su impresionante y colorido vestuario fue justo ganador del Oscar. DOMINGO 24 16:15h · PROGRAMA DOBLE LA PRINCESA PROMETIDA The Princess Bride Rob Reiner, 1987. Int: Robin Wright Penn, Cary Elwes, Mandy Patinkin. USA · 98’ · 35mm · VOSE LOS GOONIES The Goonies Richard Donner, 1985. Int: Sean Astin, Josh Brolin, Corey Feldman USA · 114’ · DCP · VOSE Íñigo Montoya vuelve a buscar venganza por la muerte de su padre en este precioso cuento dirigido por Rob Reiner, con un inolvidable cameo de Billy Cristal como curandero. Además, los Goonies volverán a meterse en líos cuando se lancen a la aventuras para dar con el tesoro de Willy el Tuerto. Impactante secuela en la que el guerrero de la autopista se unirá a una colonia de supervivientes para proteger su tanque de gasolina frente a un grupo de violentos guerreros dispuestos a todo. El set de rodaje construido en medio del desierto la convirtió en una de las producciones más caras del cine australiano. MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road 16:00h / 18:30h / 21:00h / 23:30h · VOSE 21:00h KILL BILL: VOLUMEN II Kill Bill: Volume 2 Mad Max 2 George Miller, 1981. Int: Mel Gibson, Bruce Spence, Michael Preston AUSTRALIA · 95’ · DCP · VOSE · VOSE MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road 16:30h / 19:00h / 21:30h 21:00h MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA Mad Max 21:30h MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA 16:30h / 19:30h / 22:30h SÁBADO 23 16:15h · Ciclo Amores de hoy y de siempre BREVE ENCUENTRO Brief Encounter David Lean, 1945. Int: Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley Holloway. REINO UNIDO · 86’ · 35mm · VOSE David Lean tuvo que lidiar con una censura que no aprobaba esta historia de unos amantes que se veían cada semana en el mismo café. Primera nominación al Oscar para Lean, que adaptó un texto de su amigo el dramaturgo Noel Coward. 18:15h 007 AL SERVICIO SECRETO DE SU MAJESTAD On Her Majesty’s Secret Service Peter R. Hunt, 1969. Int: George Lazenby, Diana Rigg, Telly Savalas REINO UNIDO · 142’ · 35mm · VOSE El único Bond interpretado por George Lazenby fue el más romántico de la saga, aunque tampoco faltaron secuencias de acción espectaculares como la de la pista de esquí. Un momento que Christopher Nolan quiso recordar en Origen. PROGRAMACIÓN MAYO 2015 MIÉRCOLES 27 16:30h LOS TRES MOSQUETEROS The Three Musketeers George Sidney, 1948. Int: Lana Turner, Gene Kelly, June Allyson USA · 125’ · 35mm · VOSE Teniendo como protagonista a Gene Kelly, estaba claro que esta iba a ser la versión más musical y colorida de la novela de Alejandro Dumas. El actor dio vida a un D’Artagnan dispuesto a convertir los duelos de espadas en verdaderos números de baile, dando un aspecto realmente original a la producción. Una divertida adaptación en la que no faltan los villanos de altura, como Vincent Price o Lana Turner. 19:00h · Ciclo Charles Chaplin LUCES DE LA CIUDAD City Lights Charles Chaplin, 1931. Int: Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee. USA · 87’ · 35mm · VOSE Film admirado por Orson Welles, George Bernard Shaw y hasta por el mismísimo Einstein. El entrañable vagabundo Charlot trata de conseguir dinero para que una florista ciega recupere la vista. Preciosa banda sonora a partir del tema La violetera, compuesta por Jose Padilla, que tan popular se hizo con el film de Sara Montiel. JUEVES 28 16:00h · Ciclo Amores de hoy y de siempre HISTORIAS DE FILADELFIA The Philadelphia Story George Cukor, 1940. Int: Cary Grant, Katharine Hepburn, James Stewart. USA · 112’ · 35mm · VOSE Phillip Barry Jr. escribió esta obra de teatro expresamente para Katharine Hepburn, quien no sólo la interpretó durante meses, sino que se quedó los derechos para adaptarla al cine. La actriz consiguió su tercera nominación al Oscar, aunque fue James Stewart quien se llevó la estatuilla por su papel de periodista que va a cubrir una boda de la alta sociedad. 18:15h · Ciclo Amores de hoy y de siempre LA REINA DE AFRICA The African Queen John Huston, 1951. Int: Humphrey Bogart, Katharine Hepburn, Robert Morley. USA · 105’ · 35mm · VOSE Justo cuando Katharine Hepburn fue calificada de veneno para la taquilla y Humphrey Bogart se sentía infravalorado en Hollywood, John Huston los reunió en una de sus obras maestras. Un título que le valdría al actor el único Oscar de su carrera y que demostró que Hepburn todavía era capaz de arrasar entre el público. La química que destilaron ambos, unida a las peripecias del rodaje, la han convertido en todo un clásico. 21:00h · BEER & PIZZA NIGHT ZOOLANDER (UN DESCEREBRADO DE MODA) Zoolander Ben Stiller, 2001. Int: Ben Stiller, Owen Wilson, Christine Taylor USA · 89’ · DCP · VOSE Brillante comedia con la que Ben Stiller parodió el mundo de la moda y las pasarelas. Cameos de lujo como David Bowie, Natalie Portman o el diseñador Tommy Hilfiger y un guión tan delirante como divertido, y con cierta mala baba, la han hecho destacar como un film de culto a reivindicar. SÁBADO 30 16:15h HASTA QUE LLEGÓ SU HORA C’era una volta il West Sergio Leone, 1968. Int: Henry Fonda, Charles Bronson, Claudia Cardinale. ITALIA · 175’ · 35mm · VOSE Dario Argento y Bernardo Bertolucci ayudaron a Sergio Leone en lo que fue el inicio de una nueva saga tras la conocida Trilogía del dólar. El director cambió a su actor habitual, Clint Eastwood, por un Henry Fonda que temía estropear su imagen si interpretaba a un sádico pistolero. Eso sí, para la música Leone contó de nuevo con Ennio Morricone. 19:45h MOONRAKER Moonraker Lewis Gilbert, 1979. Int: Roger Moore, Lois Chiles, Michael Lonsdale REINO UNIDO · 126’ · DCP 4K · VOSE Doble sesión de homenaje al universo Star Trek. Primero con una entrega mítica de su saga gracias a la aparición del villano Khan, y después con una comedia repleta de guiños a la serie a través de un grupo de actores que acaban en una nave espacial para ayudar a unos extraterrestres. PRECIOS Quentin Tarantino, 2009. Int: Brad Pitt, Diane Kruger, Eli Roth USA · 153’ · 35mm · VOSE Tarantino descubrió en este film a dos actores que nos han dado enormes alegrías en los últimos años: Michael Fassbender y Christoph Waltz. Una combinación de cine bélico y spaguetti western, ambientado en la Francia ocupada por los nazis y en la que un grupo de soldados, liderados por Brad Pitt, planea matar a Hitler. Abierto de miércoles a domingo y festivos. Taquilla abierta de 16:00 a 23:30h. Sesión individual 6€ / Sesión doble 9€ / Maratones 12€. DESCUENTOS Y ABONOS Mayores de 65 años y Menores de 12 años: Sesión individual 5€ / Sesión doble 8€ / Maratones 10€. Abono P-10: 50€: Tarjeta recargable, personal e intransferible. Válido para 10 sesiones individuales. También será válido para las sesiones dobles abonando 3€, y 5€ en el caso de las maratones. Socios del Club Phenomena: hasta un 50% de descuento según sesión. PHENOMENA Holly Hunter se llevó prácticamente todos los premios del año por su papel como pianista muda que llega a una isla de Nueva Zelanda, en el siglo pasado, para conocer a su marido. El film supuso también el descubrimiento de Anna Paquin, quien antes de ser la Pícara de los X-Men ganó un Oscar con tan sólo once años. C/ Sant Antoni Maria Claret, 168 · 08025 Barcelona Tel. 93 252 77 43 [email protected] METRO L5 Sant Pau / Dos de Maig L2 Sagrada Familia L4 Alfons X / Joanic 18:30h · Ciclo 120 años de Gaumont SALIR DEL ARMARIO Le placard Francis Veber, 2001 Int: Daniel Auteuil, Gérard Depardieu, Thierry Lhermitte. FRANCIA · 84’ · DCP · VOSE El arrollador estilo de sus videoclips hizo que el debut en el cine de Michel Gondry fuera muy esperado, sin embargo, fue con su segunda película con la que llamó poderosamente la atención. Una comedia romántica inusual, cuyas rupturas narrativas reflejan una creatividad desbordante. HÉROES FUERA DE ÓRBITA Galaxy Quest Dean Parisot, 1999. Int: Tim Allen, Sigourney Weaver, Alan Rickman. USA · 102’ · 35mm · VOSE 22:30h MALDITOS BASTARDOS Inglorious Basterds Jane Campion, 1993. Int: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill USA · 121’ · 35mm · VOSE Michel Gondry, 2004. Int: Jim Carrey, Kate Winslet, Tom Wilkinson USA · 108’ · 35mm · VOSE STAR TREK II - LA IRA DE KHAN Star Trek: The Wrath of Khan Nicholas Meyer, 1982. Int: William Shatner, Leonard Nimoy, DeForest Kelley, USA · 113’ · DCP · VOSE HORARIO 16:15h · Ciclo Festival de Cannes EL PIANO The Piano 20:15h · Ciclo Amores de hoy y de siempre ¡OLVÍDATE DE MI! Eternal Sunshine of the Spotless Mind 21:00h · PROGRAMA DOBLE STAR TREK La saga Bond se adaptó a las nuevas modas y, viendo el éxito de producciones como Star Wars, trasladó las aventuras del agente 007 al espacio, lo que hizo que su presupuesto fuera mayor al de todas sus antecesoras juntas. Además, se quiso añadir más humor al personaje, interpretado por cuarta vez por Roger Moore. VIERNES 29 Después del sonado éxito de La cena de los idiotas, Francis Veber volvió a la comedia, esta vez con un personaje que cree que podrá evitar su despido si hace correr el rumor de que es gay. Destaca la presencia de secundarios veteranos como Jean Rochefort y Michel Aumont. Pierce Brosnan interpretó a un Bond sobrio, con una psicología profunda y con cierta preferencia por las persecuciones. Buena parte del rodaje se llevó a cabo en los estudios Pinewood, el hogar del agente 007, aunque fue sonado su paso por Bilbao para rodar a Bond deslizándose por la fachada del Museo Guggenheim. AUTOBUSES 19 / 20 / 45 / 47 / 92 / H8 / V21 / N1 DOMINGO 31 16:15h · Ciclo Charles Chaplin EL CHICO The Kid Charles Chaplin, 1921. Int: Charles Chaplin, Edna Purviance, Jackie Coogan. USA · 68’ · 35mm · VOSE Aunque contaba ya con docenas de cortometrajes en su haber, fue esta película la que demostró que Chaplin era capaz de conmover al mundo entero. Un film icónico que, tras su aparente sencillez, utilizó recursos dramáticos realmente innovadores para la época. Síguenos en www.phenomena-experience.com 71 Nº11 MAYO 2015 www.phenomena-experience.com