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Dirección: Rubén Vidal
Redacción: Rosario Muñoz
Dirección de arte y diseño gráfico: Ocimag
Publicidad y márketing: Javier Morán, [email protected]
Publicidad, márketing y música electrónica: Sandra Montosa, [email protected]
Moda: Anna Arroyo, Agustín Velasco
Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis, Sara Morales
Boardriders: Xabi Pintor, Chio Ruiz
Diseño y arte: Tactelgraphics
Arquitectura: Carlos Salazar, Ester Giménez
Producción de vídeos: Antonio Orlandi, I Loop You
Edición: José Miguel Torrente
Web: Openmomo, Erika Gallo
Distribución: Ocimag
Colaboradores: Marisol Salanova, Jacobo Sánchez, Rafaella Gnecco, Odile Iturraspe, Ángel
Zorraquino, Laura Posse
Publicidad: [email protected]
Información: [email protected]. Tel.: 962 971 002
Portada: fotografía Gustavo López Mañas, producción Lorena Parra, estilismo Sayuri
Murakami, modelo Vanessa Cruz Wilhelmina New York. Chaqueta Diesel.
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008.
Edición OCIMAG #63, bimestral de marzo y abril de 2015.
OCIMAG no se hace responsable de las opiniones o comentarios de nuestros colaboradores.
Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido
escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización
expresa y por escrito del director.
www.ocimag.com
SUMARIO
MODA 4. Laura Austin Create Your Vision. 6. Innocence / editorial de moda por Gustavo López Mañas. 16. Reviews moda.
18. Timber! / entrevista. BOARDRIDERS 20. Reviews boardriders. 22. House of Vans Berlín. 24. Makeparks. 26. Nike SB
Brotherhood of the Feet. 28. María Hidalgo / entrevista. MÚSICA 30. Reviews música. 32. RBMA. 34. Sónar. 36. Mutek ES.
38. The Modernphase / entrevista. 40. Is Tropical / entrevista. 42. Matías Aguayo / entrevista. 44. Satellite Stories /
entrevista. 46. Ir Bcn. 48. Reviews audio.
DISEÑO 50. Reviews diseño y proyectos. 52. Armstrong Light Trap. 54. In & Out.
ARTE 62. Reviews arte. 64.
55. Landesgartenschau Exhibition Hall. 58. Toormix / entrevista. 60. Musée des Confluences.
Arco 2015. 66. Javier Palacios / entrevista. 68. Arte y expos.
Laura
Austin
La cámara de fotos de
Laura Austin es nuestro
pasaporte a cualquier lugar.
A través de sus fotografías
emprendemos un viaje por
las emociones que Laura
captura en el momento
justo de apretar el
disparador.
Texto: Rosario Muñoz
La nueva entrega del ciclo #createyourvision nos
presenta al nuevo miembro de la familia Arnette,
Laura Austin. Laura pertenece a la floreciente
escena de la fotografía de Los Ángeles, y ha
construido su reputación fotografiando impresionantes paisajes y escenarios urbanos. Lo suyo
con la fotografía no fue una vocación temprana,
sino una elección casi obligatoria en el programa
de estudios del instituto. Allí trabajaban con película, lo que significaba muchas horas de trabajo
desde el primer clic hasta finalizar el proceso para
obtener la fotografía física, un resultado que
siempre le compensaba. Una satisfacción que
acabó por volverse vocación, profesión y estilo de
vida: “He visto lugares, personas y cosas increíbles que no habría visto nunca en mi vida si la
fotografía no fuera mi profesión”. Columnista en
medios como Radcollector, Burton Snowboards o
TheGoodLife, y editora online de Snowboarder
Magazine, Laura es la nueva imagen de la campaña femenina de Arnette, y la representación del
verdadero espíritu de la marca. Laura viaja por el
mundo buscando paisajes, momentos, experiencias y personas para captar con su cámara. Un
espíritu nómada que experimenta una gran libertad de sensaciones para compartirlas, en sus infinitas versiones, a través de sus fotografías.
Porque todos tenemos algo que contar. ¿Te atreves a crear tu visión? www.arnette.es
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#createyourvision
Electric Youth
INNO
CENCE
Fotofrafía: Gustavo López Mañas - Gus&Lo. Producción: Lorena Parra - Gus&Lo.
Estilista: Sayuri Murakami. Ayudante de estilista: Yoshiko Yoshida. Maquillaje: Roy Liu. Peluquería: Shuhei Kadowaki.
Modelo: Vanessa Cruz - Wilhelmina New York.
Camiseta G-STAR RAW, pantalones y short LEVI’S, gorra OBEY
Chaqueta G-STAR WOMEN, camisa OBEY, shorts G-STAR RAW
Sudadera y pantalones OBEY, botas DR. MARTENS
Vestido DIESEL, calcetines en las manos HAPPY SOCKS, sandalias DR. MARTENS
Cardigan DIESEL, ropa interior HAPPY SOCKS
Chaqueta OBEY, camisa DR. MARTENS, pantalones DIESEL
Chaqueta amarilla G-STAR RAW, chaqueta roja OBEY, short DIESEL, botas DR. MARTENS
Chaqueta G-STAR RAW, camiseta LEVI’S, shorts y riñonera OBEY
REVIEWS MODA
LEVI’S 501 CT
HERSCHEL SUPPLY SS15
Esta primavera-verano Levi’s celebra la unión entre la música y el
estilo personal con su clásico icono 501, los jeans más vividos de
la historia. Personajes y figuras de todos los ámbitos y estilos han
escrito su propia historia con unos 501 como fieles compañero, y
por eso la campaña SS15 Live In Levi’s cuenta las historias de
músicos y cantantes que viven la música con sus Levi’s, llevando
para la campaña el mítico modelo 501 y otros fits como el 511.
Además, la legendaria marca lanza el nuevo Levis 501 CT, inspirado por el público y customizado según las nuevas tendencias,
modificando su clásico fit con una pierna algo más estrecha.
Siempre habrá unos 501 para todo el mundo. www.levi.com
La nueva colección de Herschel Supply para esta temporada se
inspira en un viaje por el condado de Riverside a través de la
arquitectura estilo Desert Modernism de Palm Springs, en la que
el desierto de Coachela, las noches estrelladas y los colores
vibrantes de las puestas de sol y los amaneceres marcan la pauta.
Geometrías, palmeras, lunares, colores cálidos, suaves y neutros,
pero también vibrantes como el Flamingo, el Neon y el Washed
Mango son los protagonistas de una colección de mochilas, bolsos de viaje, tote bags y otros accesorios que reavivan los clásicos de una marca de tradición artesanal. Viajemos a cualquier
lugar, pero viajemos. www.herschelsupply.com
PUMA X MCQ
Segunda colaboración de Puma con McQ, la línea joven de
Alexander McQueen, fundada por el mismo Lee Alexander antes
de su muerte en 2010. Esta colección fusiona la experiencia de
la marca deportiva con el espíritu urbano de los diseños de McQ,
y redefine los modelos Run Mids, el Rush Mid Low y el Mid T, a
través de texturas metálicas, pieles de alta calidad y detalles
glow-in-the-dark. La última tecnología de Puma se combina con
los elementos característicos de los diseños de McQ, como su
icónico gráfico de neumático y los detalles metálicos. Una colección que une la experiencia de Puma y el extraordinario concepto de la moda de McQueen. www.alexandermcqueen.com
CARHARTT WIP SS15
Los incondicionales de Carhartt WIP lo somos porque en sus
colecciones encontramos siempre los básicos que funcionan,
pero renovados: se respetan los patrones pero se añade el atractivo extra de la temporada, nuevos colores, estampados o colaboraciones. Carhartt WIP reinterpreta para este verano algunos
de sus éxitos e incluye el tejido Light-Lux, más blando y ligero. La
esencia del workwear adaptado al streetwear es el valor más
apreciado del público de Carhartt WIP: calidad, durabilidad y
confort, que con la colección SS15 vuelve a sumar el componente moda fresco y con clase, prendas urbanas acordes con la
madurez de un estilo de vida alternativo. www.carhartt-wip.com
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REVIEWS MODA
OBEY WOMEN SPRING 2015
Obey Clothing Women presenta esta primavera-verano 2015 una
colección que respeta los códigos base de la marca, con ese rollo
underground contestatario de propaganda Obey que tanto
caracteriza a la firma en los mensajes y los gráficos de las camis,
los rotos y deshilachados de los vaqueros y la actitud de la chica
Obey, pero deja libre el espíritu femenino en una serie de diseños
que incluye vestiditos, shorts, minifaldas, sudaderas, bombers,
boyfriend jeans y slim fit jeans. Texturas patentadas, como el
Jaquard Obey, en varias prendas, cuero y raso. Siluetas que combinan el slim fit con el oversize para construir un look femenino
despreocupado y supercómodo. www.obeyclothing.com
NIKELAB X GYAKUSOU
Jun Takahasi, fundador de la icónica marca Undercover y uno de
los diseñadores japoneses más influyentes del streetwear, vuelve
a experimentar en el laboratorio de Nike para sacar a la luz la
colección unisex Nikelab x Gyakusou que progresa en diseño y
tecnología. Una experimentada generación de runners, en la que
se incluyen el mismo Takahasi y su crew del club GIRA, en Tokio,
exigen diseño e innovación, y Nikelab x Gyakusou aporta a la
escena esta combinación exacta. La incorporación de las últimas
tecnologías Nike a la agudeza creativa de Takahasi redefine las
siluetas del running en esta colaboración, con la que salir a correr
es todo un desafío en contra de los elementos. nike.com/nikelab
ALEXANDER WANG
REEBOK X MELODY EHSANI
Si ha habido una colección que ha dado que hablar en la semana de la moda de Nueva York esta ha sido la colección otoñoinvierno 2015-2016 de Alexander Wang. Toda la pasarela se tiñó
de negro y aires góticos que nos transportaban a una estética a
medio camino entre el goth y el grunge. Vimos líneas elegantes
con toques de cuero y cierto aire victoriano, suéteres que evocaban a Kurt Cobain y vestidos ceñidos de cota malla. Las modelos aparecieron sobre unas plataformas propias de un fan de
Marilyn Manson y sus ceños fruncidos y pasos contundentes
hacían que la melancolía adolescente acompañara a estas lolitas
góticas en sus pasos. www.alexanderwang.com
La frescura creativa de Melody Ehsani vuelve al centro de operaciones de Reebok Classic para ofrecernos, ¡por fin!, una colección
textil de inspiración varsity firmada por Ehsani. Hay que ver lo
que nos mola el rollo cheerleader, el estilo cool de los cortes inspirados en los deportes yanquis, el moderneo de los estampados
geométricos y el black&white, las mezclas exóticas y noventeras,
como el print de serpiente con toques de color verde en unas
pumps. No hay palabras. Esta primavera-verano va a ser como la
vuelta al high school más rebelde con Reebok Classic x Melody
Ehsani, con esta colección cápsula superfemenina que mezcla
piezas de inspiración vintage varsity. www.reebok.com
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TIMBER!
Chad Eaton es el álter ego de Timber!, ilustrador y skateboarder de Los Ángeles. Desde
hace más de siete años colabora con Element diseñando tablas y camisetas con un
estilo inconfundible y temáticas muy peculiares. En esta ocasión ha vuelto a colaborar
con la marca en una colección completa inspirada en el lifestyle del mundo del
conmuter y las bicis urbanas, para la que ha creado unos personajes montando en
bicicleta inspirados en la estética vintage. El mundo del ciclismo es una nueva pasión
que Chad ha descubierto y para la que se ha preparado bien con ayuda de los
herederos de Alex Singer en París, una de las tiendas-ttaller de bicis más reconocidas
del planeta, donde le han construido una bicicleta a su medida.
Entrevista: Rosario Muñoz.
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¿En qué momento de tu vida descubriste la bici como elemento inspirador y vehículo de aventuras? Hace unos tres años...Compré una
bici de cicloturismo y empecé a hacer viajes. Me gustó que fuera
más lento que viajar en coche o tren porque había más tiempo para
disfrutar de los alrededores. En tu nueva colaboración con Element
has incorporado bicicletas a los personajes de tus ilustraciones, normalmente procedentes de la vida en las montañas y los bosques.
Pero también vemos figuras inspiradas en la estética de la América
de 1860 y también de principios del siglo XX. ¿Existe una conexión
entre la estética vintage y el interés actual por la cultura de la bici
en las grandes ciudades? Creo que estaba tratando de mostrar que
las bicicletas son intemporales. No importa cuándo o dónde estés,
siempre pueden ser relevantes. Por otra parte, a nivel visual, me
gusta dibujar entornos vintage. Como biker commuter habitual,
¿qué le pides a una colección de ropa? Algo ligero y flexible, que
quede bien y que tenga buenos gráficos... nada extravagante.
Inspirándote en tu manera de vivir el biking de ciudad, has desarrollado un universo para esta nueva colección manteniendo tu estilo,
la atención a los detalles, los contrastes del blanco y el negro. ¿Hasta
qué punto te has involucrado en la creación de la colección cápsula Element x Timber!? Estoy más involucrado en todos los gráficos
y el etiquetado que en el diseño de ropa. Dibujé todas las camis, las
etiquetas y los skateboards. Generalmente, Element me da total
libertad para trabajar en este sentido, y tener esa libertad es muy
bueno cuando se trabaja con alguien en una colaboración. Alex
Singer's Shop, en París, es uno de los establecimientos más legendarios a nivel mundial en la construcción de bicicletas. ¿Qué sentiste al entrar por primera vez y al conocer a Olivier Csuka, heredero
del fundador? ¡Intimidado! ¡Jajajaja...! No soy un experto en ciclismo,
lo hago a veces. Sentí que no merecía estar ahí, pero fue increíble
conocer toda la historia y ver cómo siguen haciendo todo a mano.
Aquello es como un santuario de bicicletas. Cuéntanos tu experiencia en el proceso de construcción de una bici a tu medida. ¿Cuáles
son los puntos de partida? Quería una bicicleta de touring, o cicloturismo, que es una bicicleta de carretera pero más cómoda para
hacer largas distancias. Después, específicamente, quise fijarla a mi
altura, porque un montón de bicicletas son demasiado pequeñas
para mí. Es muy agradable tener algo hecho a la medida. Esto fue lo
más importante para mí. Después de eso lo más divertido fue elegir
los colores y los accesorios para hacerla más chula. ¿Cómo verás el
mundo montado en tu bici personalizada por Alex Singer's Shop?
Puesto que las bicis se han construido del mismo modo durante los
últimos cien años, creo que cuando lo haga me imaginaré que vuelvo atrás en el tiempo. ¿Qué prendas de lo nuevo de Element x
Timber! son tus favoritas? Los pantalones vaqueros: me gustan su
forma y flexibilidad. Además, llevan un material reflectante cosido en
las costuras del pantalón y cuando le das una vuelta al bajo de los
pantalones se refleja la luz. Es un detalle genial.
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REVIEWS BOARDRIDERS
SNOWBOMBING 2015
PLAYBOY X JART
Quédate loco con el Snowbombing Festival: sol, nieve y música
en uno de los entornos naturales de montaña más increíbles de
Europa. Del 6 al 11 de abril de 2015, en el pueblo alpino de
Mayrhofen (Austria), figuras de talla internacional como Carl Cox,
Idris Elba, MK o Skrillex estarán calentando el ambiente junto a
más de cien artistas que actuarán en ochenta fiestas a lo largo de
una semana de infarto durante la que tendrás la obligación de
disfrutar a muerte del freestyle y de las actividades de sol y nieve
que la organización ha preparado para la decimosexta edición de
este inigualable festival. Si vives la experiencia Snowbombing una
vez, ya nada volverá a ser lo mismo. www.snowbombing.com
Vuelven las conejitas de Playboy al mundo del skate, en esta ocasión de la mano de Jart Skateboards, que ha lanzado una colección de tablas Playbloy en colaboración con la legendaria publicación de Hugh Hefner. Jart ha desarrollado una colección de
ocho tablas con fotos de playmates y el icónico logo de Playboy,
que representan un tándem colaborativo basado en la más alta
calidad, como las siete laminas de la mejor madera de arce estadounidense y el cuidado por los detalles de un producto exclusivo. Playboy by Jart son piezas de coleccionista creadas para
ripar, un símbolo mundial de la revolución sexual impulsada por
Playboy a mediados de los años cincuenta. jartskateboards.com
CRUZADE SKATEBOARDS
Una nueva orden de soldados del patín ha llegado a las calles
para retomar el espíritu de los ochenta con una visión actual. La
libertad de patinar cualquier spot y la satisfacción de construir
con sus propias manos para compartir momentos y motivación
haciendo lo que les gusta. Así es Cruzade Skateboards, una
marca de tablas nacional que se presenta con energía y pasión.
Los gráficos de las tablas son ilustraciones de Marcos Cabrera
inspiradas en la época del oscurantismo bajo una visión irónica
old school. Su objetivo es ripar duro, porque Cruzade
Skateboards es engorile, dagger, risas, barbacoas, talegos, sangre
y cervezas. Puro skateboarding. www.cruzadeskateboards.com
REEF X TAYLOR KNOX
Reef ha firmado orgullosamente con el legendario surfista californiano, y rider de Reef desde hace mucho tiempo, Taylor Knox
como embajador. Taylor Knox es sinónimo de la perfección técnica y el poder sobre una tabla de surf. Taylor aporta a Reef un
pack total de sabiduría, experiencia y energía juvenil. Solo hay un
Taylor Knox y Reef anuncia feliz que el ‘Capitán América’ es el
nuevo embajador de la marca. Knox decidió retirarse de la ASP
después de la temporada de 2012, pero aun así sigue participando en algunas series eliminatorias mundiales. Su surfing en la
Bahía J fue uno de los momentos destacados del 2014, en la película de Reef de Passage. Toda una leyenda viva. www.reef.com
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REVIEWS BOARDRIDERS
CONS CTAS PRO BLACK MONO
El rider del team de Converse Kevin Rodrigues presenta las Cons
Ctas Pro Black Mono en un edit filmado por Ben Chadourne.
Rodado en París durante los meses de invierno, el paisaje urbano
de la ciudad se muestra en secuencias en blanco y negro, mientras que la clandestinidad de la noche aparece a todo color bajo
el cielo negro de la Ciudad de la Luz. Kevin tiene una visión única
del skate, los spots y el estilo, influenciada por la ciudad en la que
ha crecido patinando, París. Este vídeo es una representación
audiovisual de su vida y de su modo de patinar, y también una
presentación perfecta de las nuevas Convers Cons Ctas que aparecen en el vídeo en negro monocromas. conversecons.com
HOUSE OF VANS & SEBASTIEN
El pasado mes de enero de 2015 visitamos House of Vans en
Berlín, celebrando la vigésima edición del Brigt Tradeshow. La jornada dio mucho de sí: disfrutamos de un delicioso brunch, customizamos unas Vans Sleep-On, asistimos a los premios Bright
European Skateboard Awards 2015, la liamos por la noche en la
fiesta Vans y tuvimos la oportunidad de charlar con Bastien
Duverdier, uno de los skaters del team Vans, sobre cómo empezó con el patín y cómo vive la experiencia de ser skater profesional, entre otras muchas cosas. Un día completo en buenísima
compañía. No te pierdas el vídeo resumen y la entrevista en la
web o nuestro canal de Youtube. www.ocimag.com
VOLCOM PIPE PRO 2015
El Volcom Pipe Pro es uno de los campeonatos de surf más
impresionantes que existen. El pasado mes de febrero la edición
2015 llegó a su fin en Hawái dando como ganador al local John
John Florence, que demostró que pilota como nadie y que, con
dos buenas olas y un aéreo, se alzó con la victoria para ganar su
cuarto Pipe Pro. El segundo clasificado fue Manson Ho, el tercero Kelly Slater, seguido del cuarto puesto de Sebastian Zietz. El
Volcom Pipe Pro 2015 ha estado marcado por unas semifinales
muy reñidas pero que han dejado momentos increíbles. 112 surfistas de todo el mundo lucharon este año en la batalla de olas
que marca el inicio de la temporada. www.volcompipepro.com
OCIMAG STYLE WARS
El próximo 21 de marzo de 2015 tendrá lugar en el snowpark
Rincón del Cielo de la estación de Cerler la primera competición
de snowboard organizada por OCIMAG. OCIMAG STYLE WARS
está pensada para riders que quieran demostrar ser poseedores
de la Fuerza. Como dijo el Maestro Yoda, “no lo intentes. Hazlo o
no lo hagas. Pero no lo intentes”. Y para hacerlo, en OCIMAG
STYLE WARS los riders tendrán que llegar dispuestos a mostrar
sus habilidades en una Expression Session de diferentes categorías: chicos, chicas y menores de 15 años, con premios y sorpresas para todos. Nace una nueva cita en el calendario del freestyle
nacional. Que la fuerza te acompañe. www.ocimag.com
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House
of Vans
Neue Heimat, uno de los
viejos edificios
ferroviarios situados en el
distrito Friedrichshain, se
convirtió en el centro de
operaciones de House of
Vans Berlín en una jornada
marcada por la celebración
de la cultura del
skateboarding y su
industria.
Texto: Rosario Muñoz. Foto: Rafaella Gnneco.
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Una mañana de entrevistas y presentaciones
en la nueva localización de House of Vans
Berlín dio paso a una de las noches más
emblemáticas de la ciudad, en la que se iba
a premiar el trabajo de toda una comunidad
entregada a la conservación y difusión de la
cultura del skate y a destacar el espíritu solidario y familiar de un gran grupo de entusiastas que han conseguido hacer de su
pasión un modo de vida, creando y alimentando una industria que crece en beneficio
de toda la escena. A la cita anual de los premios BESA (Bright European Skateboard
Awards) acudieron algunas de las figuras
más importantes del mundillo, como Eric
Koston, Sean Mato y Kenny Anderson. Dos
de los premios se quedaron en casa, en
House of Vans: el premio al Novato del Año,
para el rider de Vans Daan van der Linden, y
el premio al Fotógrafo del Año, para Davy
van Laere; el premio Kingpin al Mejor
Skateboarder del Año 2014 fue para Madars
Apse, un máquina que convierte cualquier
espacio en el spot perfecto. En sus discursos
los premiados reivindicaron una industria
Berlín 2015
más honesta, impulsada por y para skaters,
palabras aplaudidas por un público entregado, formado por los protagonistas de la
escena. Tras los premios empezaba la fiesta
en un espacio impresionante con la huella
viva de la cultura del grafiti de los noventa en
sus paredes conviviendo con piezas actuales, luces de colores, barras, chill out, exposiciones, el fotomatón de Vans, gente guapa y
unas ganas locas de bailar hasta el amanecer. Con el local Hotflush DJ empezó el buen
rollo y el set de Mount Kimbie enloqueció al
personal, The Bug marcó el ritmo y Miss Red
y Flowman siguieron sus pasos mientras My
Panda Sall Fly y Benji añadieron el calor con
una sesión back-to-back para llegar al final
apoteósico de Bass Gang y Through My
Speakers. La gente se movía de una sala a
otra o salían, a pesar del frío extremo, a
tomar un reconstituyente en los food-trucks
entre luces de verbena y proyecciones. Otra
noche inolvidable, cortesía de House of
Vans, que dio para celebrar el esfuerzo de la
comunidad skater europea, bailar como malditos y gritar: “We love you, Berlin!!”.
Makeparks
Snowparks made in Spain
La dedicación, el esfuerzo y
la pasión por el freestyle de
una crew de shapers del sur
de España han dado lugar al
nacimiento de Makeparks,
empresa dedicada a la
construcción y
mantenimiento de
snowparks.
Texto: Laura Posse.
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El cuartel general de Makeparks es la estación de Sierra Nevada, destacada por su
apoyo al freestyle con la creación de buenos
snowparks y la celebración de importantes
eventos y competiciones desde hace más de
una década. Después de muchos años como
shapers, Miguel Caballero, Juan José Avilés y
Jorge Cabrera, responsables de Makeparks,
comenzaron su andadura con la elaboración
del diseño en 3D del Super Park Sulayr, "la
línea más larga de Europa", en 2013-2014, y
finalmente asumiendo la construcción y
mantenimiento del snowpark al completo en
la temporada 2014-2015. Su trabajo conjunto con uno de los maquinistas más reconocidos de la península, Ricardo Castro, destacado por su participación en los JJOO de
invierno de Sochi 2014, y un grupo de shapers cualificados, hace que el snowpark
Sulayr esté considerado como uno de los
mejores de Europa, según medios especializados en el sector. Makeparks no solo se
ocupa de la construcción y mantenimiento
del snowpark, sino que también fabrica sus
propios módulos y pone a punto algunos
viejos olvidados creando juguetes que deleitan a cualquier amante del freestyle.
Progresión y diversión son claves en su filosofía. Las líneas que han creado para el disfrute de los riders van desde la más absoluta iniciación al freestyle hasta una línea pro
diseñada especialmente para la Universiada
2015 –Juegos Olímpicos universitarios de
invierno celebrados en Granada el pasado
mes de febrero–, pasando por gran variedad de módulos pensados para los niveles
intermedios. Si a todo esto le añadimos la
cantidad de días que brilla el sol en Sierra
Nevada, hace que ripar el snowpark Sulayr
sea una auténtica maravilla. Ha llegado
Makeparks y vienen para quedarse... Que
ningún rider se quede sin visitar esta joya del
sur de España. Facebook: MakeParks.
NIKE SB
BROTHERHOOD
OF THE FEET
CINCO DE LOS MEJORES RIDERS
EUROPEOS DEL TEAM NIKE SB
VIAJAN AL EPICENTRO
MUNDIAL DEL FÚTBOL PARA
VISITAR A SUS HERMANOS
BRASILEÑOS EN LAS CIUDADES
DE SAO PAULO Y RÍO DE
JANEIRO. ALLÍ DESCUBREN QUE
HAY PASIONES QUE LATEN CON
MUCHA FUERZA BAJO LA
SUPERFICIE DE LA FACETA MÁS
CONOCIDA DE BRASIL.
Texto: Rosario Muñoz.
Aunque fútbol y skateboarding son dos deportes
totalmente diferentes, en Brasil ambos están
intrínsecamente unidos a la vida en las calles. En
Brasil, cuando hay fútbol, las calles se quedan
totalmente desiertas y es entonces cuando los
riders pueden experimentar el skateboarding en
una atmósfera totalmente diferente a la habitual.
En ese momento, el extraño silencio de una ciudad que por norma general está llena de vida y
ruido se rompe con un único y familiar sonido, el
de las ruedas de sus skates por el asfalto y el
cemento, el que hace el patín al planchar un truco.
Brotherhood of the Feet: Europe vs. Brasil es la
historia de un viaje en el que Wieger van
Wageningen, Denny Pham, Maxime Geronzi, Dani
Lebron y Kyron Davis experimentan el espíritu del
skateboarding en un país en el que la pasión por
el fútbol llena las vidas de 145 millones de personas. Junto a sus compañeros cariocas Luan
Oliveira y Fabio Cristiano rularon por las calles
brasileñas y se encontraron con una comunidad
que se rige por la diversión y la amistad en un
entorno en el que la pasión por el deporte puede
convertirse en un peligro. En el vídeo se pueden
ver secuencias chulísimas de trucos increíbles,
planos de cualquier spot de Sao Paulo y Río De
Janeiro en el que grupos de skaters observan con
atención todos los movimientos de un truco en
una atmósfera de respeto y energía, y se pueden
escuchar las reflexiones de los chicos de NIKE SB
ante una experiencia que les ha ofrecido una
nueva visión de un país conocido por su insaciable apetito por el fútbol. No dejéis de ver el vídeo
en ocimag.com. www.nike.com/skateboarding
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EUROPE VS. BRASIL
MARÍA
HIDALGO
Desde OCIMAG os presentamos a la snowboarder del momento. Su nombre es María
Hidalgo y lleva unos años revolucionando el mundo del snowboard con su técnica y
destreza encima de la tabla. María está consiguiendo hacerse un hueco en la escena
internacional por sus buenos resultados en competiciones. Burton, Oakley, Buff y Tactic
son las marcas a las que representa. Aquí hay mucho nivel de riding y máxima
implicación en el snowboard.
Entrevista: Ángel Zorraquino. Foto: Miquel Soler.
Llevamos tiempo siguiéndote la pista, y tu progresión está siendo
brutal. Viajas por todo el mundo visitando lugares para ripar en diferentes snowparks, participar en competiciones... ¿Ha supuesto esto
un cambio muy grande en tu vida o ya estabas acostumbrada a la
hiperactividad? La gracia de la vida está en los cambios, así que no
hay nada mejor que tu vida vaya cambiando, siempre y cuando sea
en la dirección que tú quieras. Desde el año pasado empecé a viajar para competir. Este año ya he recibido el apoyo de la Federación
de Deportes de Invierno para seguir haciéndolo junto a Carles
Torner, y esto ha supuesto un gran cambio, pero un cambio para
mejor. Sin duda, viajar enriquece la mente, y más en el mundo del
snowboard, que te da la oportunidad de pisar nuevos spots y bajar
palas que nunca hubieras pensado que harías... De todas las estaciones a las que has viajado este último año, ¿con cuál te quedas?
Pues la verdad es que he tenido la oportunidad de estar en diferentes estaciones, como la de Stoneham, en Quebec, o Park City, en
Utah, pero me quedo con Laax, en Suiza: es un sitio increíble, lleno
de montañas, con un buen snowpark, por no decir de los mejores
del mundo, y seguramente el mejor de Europa. Tengo muchas
ganas de volver y, sinceramente, no creo que pase mucho tiempo
para hacerlo. El snowpark, ese sitio maravilloso donde perdemos la
noción del tiempo... ¿Qué es el snowpark para una rider como tú?
¿Una oficina o un parque de atracciones? ¿Qué prefieres, un parque
juguetón o un parque de nivel profesional? Yo lo definiría más como
un parque de atracciones. Con un parque con un par de rails y un
par de saltos me conformo. Puedes sacar grandes trucos en módulos muy simples. No hacen falta grandes instalaciones para disfrutar
y progresar, aunque también molan mucho, todo hay que decirlo.
Está claro que cuando uno entrena tiene que estar concentrado al
máximo y aprovechar el tiempo todo lo que pueda. ¿Qué diferencia
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tiene entrenar por tu cuenta o hacerlo con un entrenador? Aunque
no lo parezca, hay mucha diferencia. Tener a alguien a tu lado da
mucha confianza, que es lo que a veces falta para planchar un truco
o para probar uno nuevo. El freestyle es muy diferente a otros
deportes que se puedan practicar en la nieve. El entrenador ha de
ser mucho más cercano a ti: cuando te dice que desde ese sitio llegas al salto con buena velocidad, tú debes confiar en él y hacerlo así.
De esta forma se puede progresar más rápido. Tu trayectoria habla
por sí sola y poco a poco te estás haciendo un hueco entre las mejores. ¿Te ves compitiendo en unos Xgames o en unas Olimpiadas?
¿Qué opinión tienes sobre el snowboard federado? La verdad es
que conseguir ir a unos Xgames o a las Olimpiadas sería mi máxima
meta, y espero que llegue con el tiempo. Ahora mismo tengo un
gran apoyo de la federación, y gracias a todas las personas que hay
detrás y que han creído en mí he podido empezar a competir en
World Cups e incluso participar en el World Championship. La federación esta empezando a creer y apostar fuerte por el snowboard y
nosotros no podemos estar más agradecidos. Sabemos que llevas
el snowboard en la sangre y que lo has vivido desde bien pequeña.
¿Qué influencias ha tenido tu hermano David en tu riding actual?
¿Os parecéis en algo encima de la tabla? Estilo, stance, trucos... Pues
supongo que sí debe haber algún parecido, pero desde dentro no
sabría decirte. Seguramente se verá más desde fuera. Lo que sí te
puedo decir es que a él le gustaba mucho hacer frontflips y a mí me
gusta mucho hacer backflips. Parece que lo de estar boca abajo sí
que viene de familia. Además de tu hermano, rodearte de buenos
amigos y grandes snowboarders te habrá ayudado a crecer como
persona y como rider. ¿Quiénes son tus compañeros de viaje y las
personas que más te motivan? Pues hasta ahora he viajado con
mucha gente del sector: el año pasado Alba Pardo me abrió muchas
puertas y me presentó a mucha gente que me está ayudando en la
actualidad, y en verano voy siempre de la mano de Iker Fernández y
toda la familia Dalton. Esta pretemporada he viajado muchísimo con
mis amigos Albert Casas y Bernat Ripoll, y desde enero he tenido la
oportunidad de juntarme con Carles Torner, de quien no paro de
aprender cosas, ya sea en la nieve o fuera de ella. También he coincidido bastante con Queralt Castellet, otro ejemplo a seguir. En estos
últimos años hemos podido verte en varios vídeos y fotografías de
calidad. La imagen que vemos es la de una rider que se lo toma en
serio, y está claro que planchar perfecto siempre es complicado. ¿Te
consideras una rider exigente o prefieres sacar mucho material aunque no esté planchado perfecto? No tengo problemas para sacar
material en el que el truco no esté planchado, pero se verá claramente cómo me caigo. Ahí está la gracia del juego. Pero cuando estoy
en la nieve y estoy haciendo un truco, no paro hasta que me salga
como yo quiero. Si tuvieras la oportunidad de realizar una superproducción en España, con los mejores filmers y fotógrafos, además de
los mejores riders nacionales, ¿a qué riders te llevarías? ¿En qué
estación nacional realizarías el rodaje y por qué? Elegiría Andorra el
Tarter, aunque no es nacional, y me llevaría a todos los amigos que
pudiera: Pau Bartolo, Aleix López, Daniel Rived, Iker Fernández,
Carles Torner, Bernat Ripoll... ¡Creo que podría seguir dando nom-
bres durante un buen rato! Este último año pudimos ver en Internet
a toda la escena nacional volcada por un motivo: ver a María Hidalgo
competir en la Pleasure Jam. ¿Cómo te sentiste al ver que gente a
la que probablemente ni conoces se volcara de esa manera por
verte conseguir una meta? ¿Cómo viviste la experiencia en la competición? Fue increíble. Nunca hubiese imaginado que toda esta
cantidad de gente me apoyaría, y la verdad es que fue brutal y se lo
agradezco mucho a cada una de esas personas que perdieron un
poco de tiempo por mí... ¡Gracias! En la competición pude clasificarme segunda para las finales. Antes de empezarlas se puso la niebla
y estuvimos en la salida esperando dos horas hasta que decidieron
aplazarlas para el siguiente día. Cuando ya estábamos en la entrega
de premios de las clasificatorias, la nube se fue por un momento y el
speaker dijo que se harían las finales, así que todos los riders subimos arriba como locos para hacer las rondas de entrenamiento. Tras
un par de rondas la niebla volvió y las condiciones empeoraron, así
que entre todos decidimos hacerlas al día siguiente. Acabé en sexta
posición tras no planchar mi segunda ronda. Pero recuerdo irme a
casa bastante contenta. Fue una gran experiencia. ¿Qué objetivos te
has marcado para el futuro? Mi principal objetivo es seguir evolucionando todo lo que pueda y nunca acomodarme. Si logro esto ya
veremos dónde me van llevando las cosas y qué pasa en el futuro.
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REVIEWS MÚSICA
BEAT LABS
FIB 2015
Beat Labs es una escuela/estudio de Barcelona especializada en
música electrónica, integrada por profesionales con un amplio
bagaje musical. Ofrecen un trato personalizado y una enseñanza
creativa en la que las prácticas, como mejor manera de aprender
el oficio, son parte fundamental. Beat Labs recupera el espíritu de
los grandes productores. No creen en cursos teóricos con asignaturas innecesarias, ni en clases abarrotadas de alumnos. Sus
cursos son para grupos reducidos. Con esta filosofía, se están
convirtiendo en un referente dentro de las escuelas de producción, y se han especializado en música electrónica y nuevas tecnologías sonoras. www.beat-labs.net
FIB 2015 –que se celebrará los días 16, 17, 18 y 19 de julio– presenta un primer elenco de artistas de distintos estilos y que, desde la
electrónica-punk-rave de The Prodigy, la efervescencia popi de
Florence + The Machine, el trip-hop de Portishead, el pop-rock de
Los Planetas y Noel Gallagher’s High Flying Birds, el flow de
Public Enemy, la rítmica de MØ y el pop de Bastille, Crystal
Fighters y Clean Bandit, van perfilando la nueva etapa del gran
festival decano. Se nota que hay otra forma de ver las cosas y una
nueva sensibilidad. Además, se presentan dos nuevos espacios,
Trenchtown y Bearded Kitten, en los que ofrecen nuevas apuestas musicales. ¡Allí nos vemos y bailamos! www.fiberfib.com
DAVE DK VAL MAIRA
El productor y músico alemán Dave DK presentará en abril, concretamente el día 27, su primer álbum, Val Maira, que será publicado por el sello teutón Kompakt, propiedad de Michael Mayer.
Halma ha sido el single elegido por Dave DK para adelantar parte
de los contenidos de este disco que aúna las buenas artes de su
autor como remixero de postín del mejor indie del momento y su
tremendo buen gusto sintético que recuerda a genios de la talla
de Koze o Pantha du Prince. Elegante, planeadora, cálida y plena
de ensoñación urbana, así es la electrónica de Dave DK y este Val
Maira que, seguro, será uno de los mejores discos de la inminente primavera. www.kompakt.fm
ALEX UNDER
La aristocracia tecnoibérica tiene en Alex Under uno de sus principales baluartes mejor consolidados. El productor y Dj madrileño –capo del sello CMYK Musik– sabe amalgamar estilos como el
minimal, el trance, la electrónica, el jazz, la psicodelia, el house,
etc., para –sobre un espacio bizarro y tech– conseguir un sonido
collage que deambula entre lo potente, lo sintético y lo arty, y
siempre con el amanecer de Detroit en el punto de mira. Durante
los próximos meses presentará su esperado directo –al que ha
incorporado hardware, sintes y efectos– en Razzmatazz de
Barcelona, Doornrosje de Holanda o Enter de Londres, entre
otros. Bailar, bailar y bailar. Facebook: Alex.Under.OfficialPage
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REVIEWS MÚSICA
ARENAL SOUND 2015
Ya conocemos parte los artistas confirmados del cartelazo de la
sexta edición del festival de Burriana, del 28 de julio al 2 de agosto en la costa de Castellón. Los londinenses Rudimental encabezan el cartel acompañados por The Kooks, John Newman, Tom
Odell, Delorentos, Zombie Nation, South Central, Vitalic, OK Go,
The Ting Tings, Vinai, La Roux, Citizens!, Supersubmarina, Dorian,
Nacho Vegas, La Habitación Roja o Zahara, entre otros, además
de bandas nacionales y foráneas como Niños Mutantes, Second,
Hola a Todo el Mundo, Holy Bouncer o Carlos Sadness. OCIMAG
será, un año más, el medio oficial de la cita festivalera más divertida, colorida y alocada del levante. www.arenalsound.com
22º SÓNAR BARCELONA
Sónar Barcelona 2015 amplía la programación, de su 22ª edición,
con nombres de talla planetaria. Referentes de primer orden del
panorama actual electrónico como FKA Twigs, Die Antwoord,
Arca, Flying Lotus y Skrillex. Además, el pop electrónico gana
peso en el cartel con la suma de Róisín Murphy, Hot Chip y clásicos del mejor sinth-pop como Duran Duran, todos ellos con
nuevo álbum. La oferta de música de baile brilla con artistas de
la clase de Laurent Garnier, Jamie XX, Maya Jane Coles,
Siriusmodeselktor, The 2 Bears, Roman Flügel o Ralph Lawson,
entre muchos otros. Sustancian un cartel de locura, ensueño y
bailongo mayúsculo. I love you Sónar! www.sonar.es
JÄGERMUSIC LIVE SHOTS
981HERITAGE
Jägermusic Live Shots presenta por todo el país los directos de
las bandas indies nacionales e internacionales más transgresoras
y las sesiones Jägermusic con los mejores y más apasionantes Dj
del panorama clubbing de aquí y de allá. ¡Jägermusic sigue
dando guerra! Esto de que Jäger patrocine conciertos, eventos y
salas hace que los fines de semana sean un no parar de diversión
hasta bien entrada la madrugada. Música y Jägermeister combinan perfectamente: descubre el talento emergente y las bandas
con una actitud más arriesgada que son la apuesta personal y de
futuro del programa musical Jäger. Consulta ya toda la programación en su agenda www.jagermeister.es
Scott Mattew y Godflesh inauguran la nueva temporada de 981
Heritage SON Estrella Galicia. Después de un décimo aniversario
con enormes shows encabezados por Swans, Tinariwen o Wild
Beasts, llega la temporada número once del 981, y lo hace de la
mano de dos nombres muy distintos pero cargados de calidad
artística sobre el escenario: Scott Mathew llegará a Madrid para
presentar su nuevo disco el 16 de abril (Teatro Lara), y Goldflesh
–la banda de Justin Broadrick– el 21 del mismo mes (en
Paddock), para hacer un repaso a su carrera dentro del metal
más extremo. 981 Heritage, un festival itinerante de calidad extrema, al servicio del oyente más exigente. www.981heritage.com
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RBMA
Arigato, Tokio... ¡Bonjour, París!
Tras su exitoso paso por
Tokio, la Red Bull Music
Academy anuncia su
próxima parada en París.
Será en otoño de este 2015.
Así, la academia musical
más importante, chula y
famosa del planeta
regresa a Europa tras su
recordada y feliz edición
madrileña de 2011.
Texto: Fernando Fuentes. Foto: Yasuharu Sasaki.
Entre el pasado 12 de octubre y el 14 de
noviembre de 2014, Tokio se convirtió en el
epicentro mundial de la música y del arte
más vanguardista gracias a la última edición
de la Red Bull Music Academy. Por primera
vez, tras 16 años, el festival viajó hasta Asia,
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en concreto a la capital nipona, donde exploró su rico legado musical y artístico. A la cita
con la Academy en Tokio acudieron artistas
de la talla de Special Request aka Paul
Woolford, Randall, Dbridge, Mark Pritchard,
Tony Humphries, Dj Nori, Ryoji Ikeda, Otomo
Yoshihide, Daito Manabe, Dj Krush, Richie
Hawtin, Mathew Johnson, James Holden y
Carl Craig. Fueron cinco semanas en las que
se celebraron 20 fiestas, muchas charlas e
instalaciones y 59 alumnos –entre los que se
encuentra la artista y productora española
Brigitte Laverne– disfrutaron de una RBMA
que tuvo su sede principal en el bullicioso
barrio de Shibuya donde, durante el día, las
actividades se desarrollaron dentro de un
espacio diseñado especialmente para la ocasión por el arquitecto japonés Kengo Kuma.
Por la noche, diferentes locales de la zona
fueron tomados por los numerosos eventos
organizados por la Red Bull Music Academy
que coparon la noche tokiota. En otoño de
2015 la única academia dedicada a los músicos emergentes de todo el mundo vuelve a
Europa. Y será en París –la ciudad de Daft
Punk y MC Solaar; de Serge Gainsbourg y
Plastic Bertrand; de Johnny Hallyday y de
(por un tiempo) Miles Davis– donde la Red
Bull Music Academy abrirá sus puertas.
Pero... ¿qué sucede una vez que traspasas
esas puertas? Realmente, todo. Abierta a
músicos, cantantes, productores, beatmakers y Dj, la Red Bull Music Academy se
dedica a explorar todos los aspectos de la
creatividad musical y a proporcionar lugares,
entornos y escenarios para mejorar y descubrir la inspiración. Eventos, exhibiciones,
talleres, conferencias y sesiones de estudio
se alternan con el aprendizaje, el desarrollo y
la evolución de unos participantes que no
dejan de divertirse mientras forman parte de
ello. El equipo de Red Bull Music Academy
trabaja incesantemente desde hace meses
en la preparación de un trepidante programa
lleno de eventos, exposiciones, workshops,
charlas y sesiones de estudio. A estas alturas
de 2015 los productores y músicos, aspirantes a participar como alumnos en dicha cita,
ya han enviado sus propuestas. Solo queda
esperar que una llamada les dé paso en una
experiencia que les pueda cambiar la vida...
Pronto conoceremos los primeros nombres
de los artistas confirmados para esta gran
cita con la Red Bull Music Academy en la
Ciudad de la Luz... y la mejor música electrónica. redbullmusicacademy.com
SÓNAR
2015
SÓNAR ARRAIGA Y ARRASA
ALLÁ POR DONDE VA. DESDE EL
AÑO 2002 Y HASTA ESTE 2015,
ADEMÁS DE LAS 21 EDICIONES
EN BARCELONA HA CELEBRADO
47 FESTIVALES ALREDEDOR DEL
MUNDO. YA PODEMOS AFIRMAR
QUE SE HA CONSOLIDADO EN
ESCANDINAVIA COMO LA CITA
REFERENCIAL EN EL
CALENDARIO EUROPEO DE LOS
MEJORES FESTIVALES DE
INVIERNO. SIN DUDA, SÓNAR SE
HA CONVERTIDO EN UNA FECHA
ESENCIAL EN LOS PAÍSES
NÓRDICOS. NO EN VANO, EN
LAS PRIMERAS CITAS DE SÓNAR
2015 SE HAN CONGREGADO YA
MÁS DE 14.000 ASISTENTES,
ENTRE LAS EDICIONES DE
REIKIAVIK Y ESTOCOLMO.
Texto: Fernando Fuentes.
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A LO LARGO Y ANCHO DEL PLANETA
Sónar ha iniciado su recorrido por el mundo
este 2015 en Reikiavik y Estocolmo con la
celebración de dos festivales que han presentado más de cien actuaciones de artistas
internacionales y nórdicos repartidos en
ocho escenarios. Sónar Reikiavik, celebrado
en el auditorio Harpa, en el corazón de la
capital islandesa, ha recibido a un total de
diez mil visitantes. Durante sus tres jornadas
se han podido disfrutar cerca de setenta
shows programados en cinco escenarios.
Sónar Reikiavik ha celebrado su tercera edición plenamente consolidado como cita
ineludible del calendario de festivales europeos. La segunda edición de Sónar
Estocolmo también ha sido un éxito rotundo. El festival sueco de Sónar contó con
cerca de cuarenta actuaciones, que fueron
seguidas por más de cuatro mil espectadores. El festival inauguró nueva sede, el espectacular Palacio de Congresos Stockholm
Waterfront. Un excelente nivel artístico de la
escena nórdica y a la vez grandes actuaciones, como las de Skrillex, Kindness, Sophie,
Jamie xx –todos ellos también presentes en
Barcelona el próximo mes de junio–, Paul
Kalkbrenner, Lorentz, Elliphant, Nina Kraviz,
Roll The Dice, SBTRKT o Todd Terje, entre
muchos otros. El recorrido de Sónar por los
países nórdicos se completó los pasados
días 13 y 14 de marzo con la primera edición
de Sónar Copenhague, que tuvo lugar en DR
Koncerthuset. La programación de Sónar
Copenhague presentó las actuaciones de,
entre otros, Metronomy, Jon Hopkins, Daniel
Avery, Factory Floor, Zebra Katz, Vessel,
Mumdance & Novelist, Kiasmos, Âme,
Randomer y una importante representación
de la escena nacional. Los responsables de
Sónar afirman que Escandinavia es su nuevo
hogar, y lo argumentan de la siguiente
manera: "Los principales atributos y valores
de Sónar se destilan y potencian en el marco
de la escena cultural escandinava. La caleidoscópica visión musical del festival y su formato adquieren aquí un estatus extraordinario”. La cuarta edición de Sónar Reikiavik y la
tercera de Sónar Estocolmo ya están en
marcha para celebrarse en febrero de 2016.
Sónar arraiga en Escandinavia y afianza su
posicionamiento internacional multiplicando
su presencia durante todo el año a lo largo y
ancho del planeta. Tras la celebración el
pasado mes de diciembre de las ediciones
de Ciudad del Cabo y Johannesburgo, en
Sudáfrica, los festivales de Reikiavik y
Estocolmo son el arranque de la temporada
2015, que continuará en marzo en
Copenhague, junio en Barcelona, otoño en
Tokio y en diciembre culminará en
Latinoamérica, en Santiago de Chile, Bogotá
y Buenos Aires. www.sonar.es
MUTEK ES
MÁS MUTEK QUE NUNCA
EN SU SEXTA EDICIÓN EL
‘FESTIVAL BOUTIQUE’
BARCELONÉS –DE ORIGEN Y
MATRIZ CANADIENSE– PRESENTÓ
UN AMPLIO PROGRAMA DE LIVE
SHOWS, ESTRENOS EN
EXCLUSIVA, CONCIERTOS Y
SESIONES, ESPECTÁCULOS
AUDIOVISUALES, INSTALACIONES
A/V , MAPPINGS, TALLERES Y
CONFERENCIAS CON LA
PRESENCIA DE MÁS DE UNA
TREINTENA DE ARTISTAS
NACIONALES E
INTERNACIONALES, Y MÁS DE
7.000 PERSONAS QUE LO
PETARON, LITERALMENTE
Texto: OCIMAG. Foto: Alba Rupérez.
A modo de principales highlights de Mutek
ES destacaremos que la edición de 2015 ha
sido sin duda la más visual de todas, con las
A/V más potentes y aplaudidas. Al efecto,
sus nuevas localizaciones han sido un gran
acierto: el festival encuentra en el Teatro
Barts el marco perfecto para los A/V de gran
formato. Igualmente, la afluencia de público
en la antigua fábrica Damm superó todas las
expectativas. A la hora de abrir, aforo completo, con más de 1.700 asistentes en total
durante la jornada del sábado. Y el Nitsa de
nuevo se rindió a Mutek: es sin duda el gran
escenario deseado para las Nocturne.
Gracias a todos estos nuevos puntos de
expresión el festival se ha sentido más integrado que nunca en la ciudad. En esta edición los espacios han estado más separados
y el público foráneo ha respondido genial
aprovechando para conocer una urbe tan
fascinante como es Barcelona. Mutek ES
presentó un gran número de shows y Eps
de los artistas españoles y catalanes más
interesantes, lo que ubica a Mutek como una
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gran plataforma de visibilidad para ellos. Hay
que destacar de forma global la increíble
calidad técnica, sonora y visual, de esta edición en la que los artistas invitados, a su vez,
forman parte del público del festival, asisten
a otros shows y conferencias y eso denota el
gran interés que todo tiene para todos. En lo
que respecta al miércoles hay que hacer
especial mención a la gran asistencia en las
presentaciones de Oscilab y Nonotak, y el
talento local representado por Equipo y
Loppkio. El aforo estuvo completo en todo
momento. Por la noche el Moog registró un
llenazo desde primera hora. Se estrenó
Damián Romero –director de Mutek México–
en una cabina y el Dj Move D desató la locura en la pista. Durante el jueves destacó el llenazo para ver The Sound of the Room by
Deadbeat. Igualmente se desbordó la presentación de La Residencia de Estefania AA
(Phonos & Mutek) en el Museu de la Música.
Este evento superó totalmente las expectativas de asistencia. También fueron memorables las actuaciones de Nonotak, Herman
Kolgen, Eduardo de La Calle y Franco Cinelli.
Del viernes nos quedamos con el Panel
Livesoundtracks, Twin Drive y Federico
Monti, y la primera noche en el Barts con
Murcof y Antivj y con Herman Kolgen que
presentó Aftershocks. En el Nitsa lo petaron
en la madrugada Talaboman y Sau Poler.
Finalmente, del sábado nos quedamos con
la forma en la que Estrella Damm se volcó
con el 6º Mutek ES abriendo sus puertas y
espacios al programa diurno Experience.
Más de 1.700 personas lo llenaron para ver a
PlayMoss y a Herman Kolgen. Del resto de la
jornada destacaremos a los nacionales
Reykjavik 606 con visuales de Inesfera, sin
duda uno los mejores shows de Mutek 6, y la
presentación en España del Lumiere II, de
Robert Henke. Finalmente el gran colofón,
en un Nitsa patas arriba, lo pusieron Der
Panther, Pantha du Prince y Veronica
Vasicha, quien cerró la pista dejando a una
gran multitud aplaudiéndole durante un
buen rato. ¡Hasta el año que viene, querido
Mutek ES! www.mutek.org/es
The Modernphase
Al habla con la máquina
Desde Badajoz recibimos a
este artista total, Dj y
productor– que es a veces
fresh, a veces dark, a veces
disko, a veces techno, a
veces house y otras veces
canalla. Pero además este
tipo es un estudioso, un
filósofo y un teórico del
asunto electrónico. Sí, todo
a la vez. Y le sobra tiempo,
como ingeniero de sonido,
para ser parte
imprescindible del trío
Gameboyz y bajo al aka de
Kali producir temas para
gente como Two Yupa o
Dinio. A leer y a bailar.
Entrevista: Fernando Fuentes.
Foto: Manuel Carlos Franco.
Aló, The Modernphase. En tus sesiones y
producciones hay de todo, y bueno, como
en botica antigua. ¿En la variedad electrónica, sin prejuicios pero sí bien alicatada, está
el gusto? Puede que sea así o puede que no,
ni idea... Lo que sí sé es seleccionar, siempre
sin buscar nada a cambio, ¿me explico? Yo
entraría en mi botica a buscar medicamentos, canciones, para paliar mi estado en ese
momento o el del club. Eso de “a veces fresh
a veces dark, a veces disko, a veces techno,
a veces house y otras veces canalla”... ¿no
puede despistar al bailante o escuchante de
a pie? ¿No es mejor llamarle ‘punchi-punchi’
y arreglado? Las etiquetas son la mayor
basura que hemos inventado y que utilizamos para guiarnos, yo el primero; pero, claro,
fallamos más que las escopetas de la feria,
como decimos aquí. Catalogar estilos dentro
de la música electrónica es normalmente
muy difícil, muy abstracto y un poco ridículo. Yo lo definiría como ‘música electrónica
para diferentes momentos’. ¿Qué objetivos
tienen tus sets? ¿Mover y conmover? No
tengo objetivos concretos a la hora de mez-
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clar canciones. ¡Sobre todo que quede bien,
a poder ser! Yo quiero que el público goce y
disfrute de la manera que mejor le venga en
gana. La pregunta cabrona de la entrevista.
¿Es The Modernphase solo realmente el 33%
de Gameboyz? No llego al 33%. ¿Sabes por
qué?... Porque me declaro la persona más
desorganizada del mundo, soy hiperactivo y
me cuesta mucho acabar las cosas y concretarlas. Tus temas y sesiones suenan muy
bien, guste o no... ¿Es la ventaja de tener
siempre un ingeniero de sonido a buena
mano? Una de las contras que yo veo a la
hora de hablar de democratización de la
industria musical o discográfica, la tecnología y las comunicaciones, es que ahora todo
el mundo vale para todo. Y no es cierto. Un
técnico, con la experiencia suficiente, sabe
qué medidas tomar, qué herramientas usar
o, en general, sabe ‘qué podría hacer’ para
conseguir un determinado aspecto técnico.
Pero un técnico no sirve para ser creativo.
Muchos piensan que sí. Igual te marcas un
set en un festival techno que en uno dedicado a los sonidos urbanos, que en el propio
Womad... ¿Es la polivalencia sonora una
herramienta indispensable para ti? La polivalencia en sí misma no. Sí el disfrute de un
estilo musical u otro. Además eres también
Kali y produces temas para gente como,
ejem..., Two Yupa o Dinio. ¿Esto cómo se
come? ¿Se puede tener el alma underground y hacer temas para este tipo de
gente? La música comercial también me
gusta. ¿Cuál es el problema? Además, algunos de los que has nombrado son bastante
currantes. Otra cosa es el talento de cada
uno de ellos... La máquina me habla es uno
de tus últimos temas. Mola ese rollo technorock ácido y acanallado. Recuerda a Alec
Empire, entre otros. ¿Qué nos quieres decir
con ello? Con esos tracks veo la parte más
directa y resultona. Ahora los sellos con que
empiezo a trabajar este año demandan algo
más clásico dentro del techno y el house.
Punchi Punchi, un sello emergente mexicano, saca a la venta este compilado con amigos y productores de la escena latina, Mijo
aka Alec Sander o Rubinskee incluidos… Lee
la entrevista completa en www.ocimag.com
IS TROPICAL
Esta gente mola, y mucho. Son mucho más que una banda londinense más de pop
electrónico pintón con ínfulas arty. Desafían, valientes, a la industria sonora desde una
concepción libre y artística de la creación musical, y por eso publican un disco en cinco
entregas diferentes y plazos, en vinilo de diez pulgadas y con portadas diferentes. Y es
que este Black Anything es una pequeña revolución en la que, además, hay temarrales
a celebrar. Y es que no hay nada como hacer lo que a uno le da la santa gana para que
salga cojonudamente bien…
Entrevista: Fernando Fuentes.
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Aló, Is Tropical, vamos al grano. ¿Qué contiene la segunda entrega
de este tercer disco, Black Anything, que vais a ir sacando en diferentes plazos y que en marzo cumplirá su segundo volumen? Dom:
La segunda parte la componen Cruise Control y Say, y ambos fueron
grabados en Europa, ya fuese en un desierto en el sur de España o
componiendo en una caravana alrededor de Bélgica. También hubo
grabaciones en Italia, Alemania y un par de fragmentos creados
desde cualquier momento y lugar de nuestro viaje por Europa el año
pasado. Para nosotros, Europa es un hogar lejos de nuestro hogar, así
que considerábamos importante recrear los ambientes y la atmósfera de sus diversos sabores. Uno de los temas principales que surgieron a raíz de la sesión de grabación europea fue la yuxtaposición de
lo moderno y lo tradicional, tanto en términos de composición como
de producción, lo cual a través de Black Anything pretende ser futurista, distópico y adelantado a su tiempo. Eso es, obviamente, algo
muy europeo: cómo reconciliar el disturbio constante y la reinvención con la identidad... ¿Por qué lo llamáis ‘proyecto’ en vez de disco?
Creo que nos referimos a ambos términos en entrevistas diferentes,
así que no creo que fuese intencionado al cien por cien. Sin embargo, ciertamente tiene mucho de proyecto, en cuanto que grabar y
editar de esta forma modulada implica que el proyecto informa en sí
mismo, más de lo que lo hace un ‘disco’ propiamente dicho, que simplemente resume un periodo de tiempo en el estudio. Algunos discos terminan siendo insectos atrapados en ámbar, o se fosilizan. Al
fin y al cabo, estás tratando de colocar todo este sedimento de ideas
y capturar un sonido que, independientemente de sus influencias y
su contexto dentro de ese momento, destacará como disco de esa
semana, o del mes, o lo que sea. Black Anything está resultando ser
un proceso más involutivo, y se está desenvolviendo mediante viajes
geográficos y temporales. ¿Por qué esta forma de sacar un disco
aplazado en hasta cinco entregas? ¿Es una inteligente estrategia de
márketing o va mucho más allá de eso? Es más una reacción contra
las desventajas inherentes al ciclo tradicional de grabar-promocionar-ir de gira, a las que nos hemos enfrentado anteriormente. Creo
que la manera en la que se espera que un disco se edite es más un
síntoma de los problemas logísticos y habituales de la industria tradicional que cualquier otra cosa. ¿Cada uno de los temas ha sido
pensado de forma independiente de los demás? La manera en la que
escribimos canciones es siempre cambiante, pero sí, las canciones
son inicialmente escritas de una manera bastante independiente de
este régimen de grabación ‘geográfico’. ¿Y por qué solo en vinilo
transparente de diez pulgadas? ¿Es un guiño a los coleccionistas?
Los discos así son increíbles y nunca antes habíamos tenido la posibilidad de hacer algo tan especial. Realmente no queríamos hacer un
CD de ninguna manera, porque los CD son horribles, y en nuestro
sello, Axis Mundi, son supercomprensivos con el hecho de que la
visión de un álbum se extiende a su apariencia. ¿Por qué habéis decidido sacar este tercer disco en el sello neoyorquino Axis Mundi
Records? Axis Mundi es un sello creado por nuestros amigos en
Nueva York, sobre todo por Graham, de Crystal Fighters. Salimos ahí
fuera y construimos un estudio dentro de la grabación de la primera
parte, y eso resume un poco nuestra filosofía como grupo.
Establecimos unos principios en los que pudiésemos apoyarnos los
unos a los otros de manera creativa y económica desde el minuto
uno, y lo hicimos con la brutal filosofía de ‘renovarse o morir’ con la
que muchos sellos discográficos comulgan. ¿Qué tiene de especial
este label? ¿No echáis de menos a Kitsuné? Tuvimos un muy buen
viaje con Kitsuné, y hay un par de oportunidades este año de trabajar con artistas a los que conocimos a través del sello. Realmente
tuvimos muchísima suerte de firmar para un sello como este, porque
realmente nos dieron toda la libertad y el apoyo, nos dejaron entrar
en su espectacular red de contactos alrededor del mundo, y nos
enviaron de gira a lugares geniales como Tokio o Moscú cuando
hacía menos de un año que nos habíamos unido a ellos. De algún
A SU
SANTA
BOLA
modo, no seríamos la banda que hoy somos si no hubiésemos vivido la experiencia que Kitsuné nos brindó. Es una nueva etapa en
nuestra vida para hacer cosas a nuestra manera, y en una familia tan
unida como lo es Axis Mundi seremos capaces de reconducir
muchas cosas de la metodología tradicional discográfica, de la que
incluso Kitsuné eran una versión. Es solamente que ahora, en lugar
de hacer presión contra un sello que realmente respetamos y sentíamos a veces en conflicto, esa conversación puede ocurrir a otro
nivel. Nuestro contrato es además bastante flexible para dejar que
esto suceda. ¿Qué tal ha respondido el público ante Crawl y On My
Way, los dos primeros temas conocidos de este nuevo Black
Anything? ¿Estáis contentos? ¡Ambas canciones son fuego! ¿Qué ha
aportado el productor Luke Smith de forma global a este Black
Anything? Luke Smith es un capataz, el panóptico, el sabio. Le compramos café caro, y él tamiza a través de los manuscritos palimpsestos de nuestras extrañas y medio grabadas ideas en las demos que
grabamos como banda de garaje… ¡Es el mejor! Lo amamos. ¿Es
Black Anything un espejo que refleja los lugares y la gente que ayudaron a crear este disco? Sí, por favor, usa eso como cita. Lo de que
cada disco tenga un art-work diferente también los hace más atractivos para los fans, ¿verdad? ¿Es cierto que cada uno rinde tributo al
continente en el que fue grabado? Sí, el art-work de la edición digital fue diseñado por Christian Ashton y David Abrahams, y tiene
como temática el continente en el cual cada referencia fue grabada.
También resume muy bien el sabor distópico que queríamos seguir
a través de todo el proyecto. Una vez que tengamos los cinco vinilos, ¿si los juntamos entre todos compondrán algo especial? Sí, cada
vinilo muestra el continente, así que colocándolos todos juntos se
puede ver el mundo a través de los cinco. La cantante Kirstie Fleck
se ha convertido en nuevo miembro permanente de Is Tropical…
¿era algo tan esperado como necesario? Kirstie siempre ha estado
ahí, en la sombra, desde que la banda se formó en 2009. Cuando
cantó en Dancing Anymore creo que estábamos todos tan sorprendidos y deleitados con su actuación como los fans lo acabaron
estando, y llevarla con nosotros el año pasado a esos conciertos fue
muy divertido. Ella añade algo a la dinámica del grupo, y es parte de
la banda. Así que tenía sentido continuar usando su voz en las canciones nuevas, y solo puedo decir que ella está influenciando a la
banda en muchos más aspectos positivos que en sentarse y cantar
en directo simplemente. ¿Hay algún tema en este nuevo disco que
tenga la capacidad de hit de Dancing Anymore? ¡Sí, todas! ¿Seguís
prefiriendo los pequeños clubs a la hora de tocar? ¡No me digáis que
nos os molaría estar este año en el FIB ante veinte mil fans entregados como locos a la causa de Is Tropical! ¡El FIB suena muy bien! Nos
encantaría, de hecho. ¿Puedes negociar un buen caché para nosotros? ¿Sacar un disco durante todo un año es una excusa perfecta
para pasaros todo el 2015 haciendo lo que más os gusta, tocar y viajar por medio planeta? Montamos esta banda como una forma de
escapismo, y aquí estamos con nuestra música, todavía sacando discos y tocando en directo cinco años después. Ha sido una profecía
bellísima y enriquecedora, no queremos que esto se acabe nunca.
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MATÍAS
AGUAYO
Este chileno alemanizado –en el buen sentido de la palabra– es una de las mentes más
preclaras, analíticas y brillantes de la industria de la música electrónica que mola. Sí, lo
es. Es lo mejor que le ha pasado al sello Kompakt, y a la escena alemana del baile, en
los últimos diez años. En 2008 mató al minimal, literal, y desde ahí no ha parado de
publicar, pinchar y bailar música hecha desde la libertad y la originalidad. Su sello
Cómeme es lo más cool del momento y ahora está punto de publicar una nueva
colección de doce pulgadas llamada El ruso del house.
Entrevista: Fernando Fuentes.
Matías, creo que eres lo más fresco, sensual, libre y original que le ha
sucedido a Kompakt, y a la escena alemana electrónica, en la última
década. ¿Cómo se te queda el cuerpo? Creo que es importante
como músico desprenderse del contexto y de las referencias y no
pensar en términos de escenas o un discurso que uno lleve con ella.
Justo para poder crear algo original y libre, por lo menos en mi caso,
trato de evitar pensar en esos términos. Mis referencias a veces son
muy personales, tienen a veces más que ver con mi infancia u otras
cosas que no forman parte de un desarrollo o discurso de escenas
musicales. Eres para muchos, entre los que me incluyo, “el hombre
que mató al minimal en 2008” y que resucitó Kompakt. ¿Estás de
acuerdo? El minimalismo murió cuando se le puso nombre y se
comenzó a entender como género. Minimalismo en un comienzo era
más bien una actitud, una forma de trabajo, una forma de vida. Usar
pocos equipos, no mirar televisión, no creer en las modas, usar los
menos elementos posibles con mayor eficiencia para hacer bailar a
la gente... En general una actitud proveniente de una postura más
contracultural. En algún momento se volvió forma, se volvió algo
más bien definido por elementos musicales o sonoros muy definidos que por una postura o idea. Y así murió solo. Después escribí la
canción... ¿Quién le debe más a quién? ¿Michael Mayer a Matías
Aguayo o al contrario? Estamos a mano. ¿Te consideras un inmigrante sonoro en constante movimiento? ¿Es el desapego físico y
cultural una virtud en este sentido? No sé si es una virtud, pero lo
trato de tomar así. Puede ser difícil no pertenecer realmente a un
lugar. Yo trato de tomarlo como una ventaja. El constante movimiento, el hecho de que esté trabajando siempre con gente de diferen-
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tes trasfondos culturales, etc., me ayuda a abrir mi lenguaje musical.
Me gusta la idea de un lenguaje abierto, que no solo lo entiendan los
insiders de un género específico. Dinos la verdad, Matías, tú estás en
esto de la música porque lo que más te gusta es bailar, ¿verdad?
¡Tienes toda la razón! Es lo que más me gusta, y es por lo que más
me ha gustado siempre salir. Bailar es la forma más expresiva de
demostrar el amor a la música. Sin embargo, he observado con preocupación que extrañamente, en lo que es la dance music, la gente
está bailando cada vez menos, se ven menos pasos originales en las
pistas. Antes ir a bailar era un deporte, y ahora apenas se mueven
los pies y los hombros. ¡Así que pensé que hay que pasar a la acción!
A partir de marzo voy a sacar un disco al mes, una serie de cuatro
12" llamada El ruso del house. Cada disco trae una mascara diseñada con mucha dedicación por la artista Sarah Szczesny, que hace
todas las tapas de Cómeme, y cada máscara representa un baile.
Desarrollé cuatro pasos de bailes simples de aprender y los seguí
trabajando con una coreógrafa, Alexandra Green, en Londres, y dos
bailarines. Grabamos cuatro vídeos en los cuales mensualmente voy
a enseñar esos pasos que están relacionados con cuatro diferentes
ritmos de la serie. Los vídeos fueron filmados por Sally Sibbet. ¿Se
puede entender la historia y el devenir de la música electrónica sin
el permanente influjo de la música latina en su más amplía concepción? Absolutamente no. ¡Qué sería el house sin sus protagonistas
de origen latino en Nueva York y Chicago! El freestyle de los Latin
Rascalls, los ritmos de Masters at Work, Jesse Vélez, DJ Sneak, y tantos, tantos otros más latinos o gente de origen latino están haciendo y siguiendo la innovación en las pistas hasta el día de hoy...
¿Sigues pensando que la música electrónica no es un género? ¿Y
qué es pues? Básicamente es tecnología, es el uso de máquinas o
computadoras como principal instrumento musical, y eso refleja
diferentes tradiciones musicales como en Detroit muchas veces
parece una continuación del soul y del funk, o en México se escuchan ritmos provenientes de cumbia y guaracha. En la música de
Sano o también Dany F, ambos de Medellín, se escucha muy claramente el trasfondo colombiano. Quizás lo electrónico logra acercar
esas influencias algo más, eso sí... Tanto minimal, tanto minimal...
¿Podemos entender la música de baile sin que haya gente que la
baile? En realidad, el buen minimalista es muy bueno para bailar. Si
escuchas el tema Minus, que es muy repetitivo, hay todo un espacio
para el bailarín para rellenarlo con movimientos. Puedes elegir tú a
qué acento del arpegio ponerle atención, y eso puede provocar otro
movimiento de piernas o caderas. La buena música de baile siempre
considera al bailarín. Es música que recién está completa cuando
alguien la baila, cuando forma un diálogo con la pista. Hay campanas y claps a las que uno puede responder sacudiendo los hombros,
hay líneas de bajo que pueden ser contestadas con las caderas...
¿Cuándo creas un tema o ideas un set en qué tipo de publico estás
pensando? ¿Cómo son los que imaginas en la pista de baile dándolo todo con un futuro tema o sesión de Matías Aguayo? Quizás es
más bien al revés, es una reacción a la pista, y ahí me gusta lo mas
variado posible, porque diferentes pistas estimulan diferentes ritmos
y colores. Estoy muy contento de que no solo esté tocando en clubs.
Me encanta tocar en cualquier situación; sala de concierto, calle,
galería, tienda de disco, boda de un amigo, etc. Y es ahí también
donde creo y desarrollo ideas. No llevo necesariamente las ideas del
estudio a la pista, sino que también existe el camino al revés... ¿Darle
tanta importancia a lo vocal en tus sets y producciones es una forma
de alejarte conscientemente del fenómeno Dj? ¿No te has planteado nunca cantar en otro idioma que no sea el castellano? Nunca he
querido decir nada con el hecho de que canto o alejarme de algo. Es
natural, soy Dj con micrófono y percusión. Me entretiene más y
tengo tanto respeto al público que creo que merecen un show, y
siempre trato de cambiar mi set y de mejorarlo, incluyendo canto,
instrumentos y baile. Canto mucho en castellano, pero también
tengo varias en inglés, y también me gusta mezclar idiomas, como
en Run Away From the Sun. Muchas veces es idioma inventado también... Me gusta celebrar con la gente cuando toco, y no sentirme en
esa posición de poder del Dj, del que mueve cuerpos con tan solo
girar un botón. Digamos que me gusta más bien un bombo horizontal que vertical... ¿Ahora mismo musicalmente te consideras más
alemán que chileno o tus diferentes orígenes e influencias sonoras
son algo tan personal e intransferible que nunca desaparecerán
estés donde sea? Son bastante personales debido a una geográficamente compleja historia de vida. En el transcurso de la vida me doy
cuenta igual de que las identidades nacionales son algo nocivo para
la convivencia, así que procuro hacer un sonido libre de eso, si se
puede. ¿Qué importancia tiene tu sello Cómeme para ti en estos
momentos? No logro realmente separar trabajo alguno del trabajo
con el sello, así que diría cien por cien. Porque hacer música también
lo vinculo a eso. Mi trabajo con los músicos es el de productor en el
sentido de un productor de la vieja escuela. Música arriesgada que
si no la pinchas en el momento adecuado te puede vaciar la pista de
baile en veinte segundos… ¿Eso es Cómeme? ¡Exacto! ¡El buen Dj
sabe poner el tema arriesgado en su buen momento y hace bailar a
la gente como locos con música que otros no se atreven a poner!
Tras el éxito de Ay ay ay (Kompakt, 2009) y The Visitor (Cómeme,
2013), ¿para cuándo un nuevo álbum de Matías Aguayo? Me parece
que la gente ya no tiene tiempo de concentrarse en un álbum y
andan muy distraídos con sus móviles, etc. Hay que desarrollar un
formato nuevo. Lo estamos pensando..., pero, mientras, ¡El ruso del
house! ¿Algún día grabarás tu famosa vs. inédita canción Por eso,
corazón? ¡Qué increíble! No me acordaba de ese tema. Hay que
hacerlo, es una buena idea.... ¿Quizás con una banda española?
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SATELLITE
STORIES
Son la penúltima sensación del siempre venerado indie nórdico: son finlandeses,
amistosos y rubiales y su amalgama de épicas guitarras anglosajonas, estribillos
contagiosos y electrónica comercial está causando sensación en toda Europa, nuestro
país incluido. Ya son más famosos, y venden más discos, en Londres o Madrid que en su
Laponia natal, y es que estos Satellite Stories se lo pasan teta disfrutando del buen
calorcito que procura el éxito foráneo.
Entrevista: Fernando Fuentes. Foto: Jussi U.
Aló, Satellite Stories. ¿Imaginasteis alguna vez en vuestra lejana y
gélida Finlandia natal que un buen día vendríais a la soleada España
de gira? Cuando empezamos en la banda, en 2008, planeamos
hacer gira en el extranjero, pero nunca pensamos que haríamos una
enorme gira de clubs siguiendo a cada disco que sacásemos, y no
pensamos que estaríamos tocando en los festivales más importantes de Europa, así que estamos muy contentos de estar donde estamos ahora. ¿Es la primera vez que triunfa en toda Europa una banda
de un lugar cercano a Laponia? Viniendo de allá aquí el invierno os
parecerá una broma, ¿no? Si es una broma, es una broma muy
calentita y divertida. Siempre nos gusta viajar a España, nos lo pasamos pipa allí. El verano pasado incluso pasamos una semana cerca
de Barcelona, solamente para disfrutar de los placeres de España y
de su clima. ¿Qué supone para vosotros ser el máximo exponente
del indie finlandés? Sobre todo nos hace querer ayudar a las bandas
más pequeñas. Cuando una banda se convierte en una tan grande
como la nuestra, tiene que devolver algo a la comunidad. Los nórdicos somos básicamente ermitaños a los que nos gusta estar solos y
centrarnos en nuestras canciones. Por eso nos salieron todas esas
canciones tan extrañas. ¿Qué tiene de especial el sonido de las bandas indies nórdicas que tanto gusta en el resto del planeta? No hay
mucha cabida para las bandas indies en Finlandia, es una diversión
para una pequeña cantidad de gente. La mayoría de los finlandeses
escuchan hip-hop nacional. De todos modos, nuestras canciones
han sido radiadas en el top de la radio nacional, y siempre hemos
vendido muchísimas entradas para nuestros conciertos, así que no
parece que nos afecte demasiado. ¿Es más fácil para una banda
indie como vosotros abrirse camino a través de UK que de
Finlandia? Hemos agotado las entradas de Londres y Helsinki, así
que no sé cómo hacer una comparación. ¡Son dos países muy diferentes! ¿Eso de estar un poco aislados allí tan arriba, tan cerca del
hielo puro y duro, dota a los artistas finlandeses del norte de una
especie de estilo propio ajeno a modas y modos? (Risas) Nunca
había oído que el estilo finlandés es el que es solo por el hielo, fascinante. Pero el aislamiento probablemente sea parte de ello.
Compusimos nuestro anterior disco en un búnker nuclear abando-
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nado cerca de Laponia. Sentimos que podíamos hacer prácticamente cualquier cosa, no sentíamos ningún tipo de presión del exterior.
Estábamos bastante seguros en aquel búnker de todos modos.
Nuestro nuevo estudio está situado en una base militar abandonada. Cualquier lugar en el que componemos canciones parece estar
encantado por los fantasmas de la guerra fría. En un país como
Finlandia ¿o creas tu propio mundo musical o artístico o estás condenado a pasarlo mal? ¡Sí, es eso exactamente! Tienes que crear tu
propio mundo, o si no te concentras demasiado en la oscuridad y la
lluvia. ¿Cómo calificaríais vuestra propia progresión sonora en estos
años? ¿Dónde quedaron el punk y la rapidez de los comienzos?
Cuando llegó la llamada del 1977, el punk tuvo que irse a casa. Diría
que hoy en día pensamos más en los arreglos y el sonido global de
las canciones. Antes era solamente “toca algo, pero tócalo muy algo
y muy rápido”. ¿Qué ha aportado Simon Barny Barnicott a este
nuevo y tercer disco vuestro llamado Vagabonds? Él trajo mucha
creatividad y nuevas ideas a las sesiones de grabación. Esa aprendió a tocar el violoncello, e intentamos diversos arreglos en las canciones. El estudio estaba situado en la tranquilidad del campo en
Kentish, y estábamos rodeados de animales: caballos y zorras. Barny
era un trabajador duro: venía al estudio por la mañana temprano y
podía quedarse frente a los monitores hasta las cuatro de la mañana. En general, hicimos muchos avances en el estudio. Épica britpopera, hitazos estribilleros y hasta EDM… ¿No hay ningún estilo
que se os resista? Iba a decir calypso, pero luego recordé que el
disco tiene algunas partes de batería steel. ¿Guitarras vs. sintetizadores? ¿Es como elegir si se quiere más a papá o a mamá? Las guitarras, como el padre, y los sintetizadores, la madre. Pon esos dos
juntos y la cigüeña te traerá unos buenos temas. ¿Sois fans de bandas como Phoenix, Arctic Monkeys, Temper Trap, Kasabian o
Bombay Bicycle Club? ¿Son influencias directas para vosotros?
¡Todas esas son bandas muy buenas! Seguimos bastante la escena
del pop guitarrero y la música electrónica. Es difícil nombrar influencias, ya que todos tenemos gustos musicales diferentes. ¿En la composición de vuestros temas colaboráis todos? Si siguieses nuestro
proceso compositivo durante un mes, probablemente te volverías
loco. Es una mezcla muy confusa de creatividad, lucha y pensamiento irracional. Pero,
por alguna razón, funciona. Vuestros directos son uno de vuestros fuertes. ¿Qué les
espera a los fans españoles que acudirán a
vuestros bolos en marzo en Madrid,
Barcelona, Mallorca y Granada? ¡Va a ser ruidoso y divertido! Nuestros directos están
siempre llenos de energía de los artistas y
del público. Tenemos recuerdos maravillosos
de nuestros conciertos en España, así que no
vemos la hora de volver a tocar allí. ¿Sabéis
que en España hay una emisora importante
llamada Radio3 que no para de radiaros?
¡Eso es increíble! El año pasado tocamos en
la tele en España, así que esa es la última
experiencia que tenemos en los medios allí.
También leí los artículos que escribieron
sobre nosotros en Rolling Stone y
Cosmopolitan. Amamos España, y sentimos
que hemos encontrado un gran segundo (y
cálido) hogar. Este nuevo single, Heartbeat,
es uno de vuestros mejores temas hasta el
momento… ¿Es el hit en el que se os nota
más vuestro aprecio por la épica del pop británico al más puro estilo Keane o Snow
Patrol? Con Heartbeat realmente quisimos
hacer algo que no habíamos hecho antes.
Bajamos la velocidad y desgranamos los
arreglos. Solamente ya en el estudio completamos el tema con sintetizadores, solos de
guitarra y coros. Estamos realmente felices
de cómo ha quedado el tema al final. Es una
canción enorme con letras muy personales,
y eso lo hace interesante para nosotros. En
vuestros temas se aprecia que os gusta la
electrónica. ¿Es cierto que os pirráis por la
bass music actual de UK? ¿Artistas electrónicos que os molen? Nos gusta mucho la
escena electrónica. Algunos de nuestros
favoritos son Cashmere Cat, Trippy Turtle,
Lone, Milo Mills, Deon Custom, Wave Racer y
cualquier artista de los sellos Pelican Fly o
Maltine. ¿Es fácil ver a miembros de Satellite
Stories en un club disfrutando de la sesión
de un Dj? Solíamos tener nuestra propia
noche indie y electrónica en un club hace
unos cuantos años, así que hemos hecho
algunos Dj sets. Actualmente estamos
demasiado ocupados con la banda para
poder tener una fiesta, pero fue muy divertido entonces. ¿Qué parte de culpa de vuestro éxito fuera de Finlandia tienen Internet y
las redes sociales? Internet y los blogs nos
dieron un buen comienzo, pero nuestra
banda creció porque habíamos tocado fuera
de Finlandia ininterrumpidamente desde
2012. También nos ayudó que los singles de
nuestro anterior disco (Campfire, Australia,
Lights Go Low) fueron muy radiados en
Europa. Y también tenemos unos agentes y
un sello que trabajan muy duro por nosotros
en cualquier país. Es un esfuerzo conjunto:
como banda recibimos ayuda de nuestro
increíble equipo detrás del escenario. Se
nota que os gusta experimentar mezclando
sonidos orgánicos y sintéticos. ¿Hacia qué
lado creéis que tenderéis más en siguientes
entregas? Va a ser una mezcla de ambos
aspectos. Cualquiera que funcione bien para
las canciones. Es bueno poder inspirarse de
sonidos de las dos fuentes. Finalmente, ¿os
gusta que os remixeen? ¿Qué artistas os
gustaría que se hicieran cargo de los remixes
de vuestros mejores temas? Siempre es un
placer escuchar remixes de nuestras canciones. Cualquiera de los artistas que he mencionado antes podía hacer un buen trabajo
con un remix. Particularmente, un remix de
PC Music sería estupendo.
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IR BCN
2015
El Poble Espanyol de Barcelona recibirá del 17 al 21 de junio de 2015 una nueva edición de
Ir BCN. Desde OCIMAG, como medio oficial, os avanzamos en exclusiva algunos de los
nombres de los artistas nacionales e internacionales confirmados para este gran evento,
entre los que destaca la presencia de Dixon, Nina Kraviz, Ricardo Villalobos, Ame, Mathew
Jonson y Fumiya Tanaka, entre muchos otros. Además, uno de sus directores nos habla de
la esencia, funcionamiento y futuro de este festival tan especial... ¿Quién da más?
Texto: Fernando Fuentes. Foto: Pablo Bustos (Ir BCN 2013 Poble Espanyol).
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Ir nace de la unión, las ganas y los valores
humanos de dos jóvenes a los que la música ha unido de forma tan involuntaria como
feliz. Leo Perdomo y Mirus –ambos directores de Ir BCN– comandan esta loca aventura, en la que Luna y Katherine desempeñan
un papel fundamental apoyándolo y creyendo siempre el mismo sueño que sus parejas.
De forma transversal aparecen otras personas aliadas –bajo los mismos lemas y voluntades– y así se crea un equipo perfecto que
desarrolla este enorme proyecto llamado Ir.
Al respecto, una de las piezas claves de
dicha estructura es Alberto Nerone –socio y
booking manager–, que aporta, desde el
principio, su experiencia y manera de entender este tipo de acciones y eventos. Por último, pero no por ello menos importante para
el desarrollo de Ir BCN, ha sido clave –en su
consolidación y desarrollo– la unión de las
promotoras Indigo Raw Events & Media y
Outsiders Agency, productora francesa de
renombre internacional comandada por
Axel Franchi –socio y coordinador ejecutivo
en Ir–. “En Ir BCN nadie es más que nadie y
todos juntos somos y sumamos más” (Leo
Perdomo). El principal objetivo de Ir BCN es,
cuidando sus valores, exportar su concepto,
y, como nos comenta Leo Perdomo, “sin
perder por el camino la verdadera esencia
de nuestros eventos: lugares y situaciones
especiales en donde se crea una atmósfera
particular. Seguro que muy pronto veréis
nuestra expansión dentro y fuera de
Europa. Pero todo a su ritmo y a su tiempo.
Creemos que no vamos a llegar más lejos
por querer ir más rápido. Llegaremos donde
tengamos que hacerlo pero de forma segura ”. La ciudad de Barcelona cumple un
papel fundamental en este proyecto:
“Barcelona es la anfitriona perfecta para Ir”.
No solo por ser la anfitriona perfecta, sino
por la enorme demanda del público, su
excelente clima, la gastronomía, la gente, el
mar, etc. Ir BCN, en su planificación de trabajo, se distribuye en tres partes, que se
desarrollan a lo largo de todo un año: La
Previa, El Acto y El Post Acto. “Todo nos
cuesta muchos meses de trabajo, para que
luego suceda en solo cinco días...”. La gran
labor previa de tantos meses garantiza
poder encontrar dentro del recinto todo lo
necesario para vivir una experiencia única al
aire libre, rodeada de naturaleza y música.
Su dinámica interna de trabajo se organiza
en más de diez departamentos, entre los
que destacan los de Logística, Artística,
Para nuestra ediProducción y Personal. “P
ción Ir BCN 2015 llevamos trabajando desde
el pasado agosto. Intentamos no seguir
modas, pero sí somos conscientes de lo que
la gente quiere ver y quiere oír...”. Sobre qué
criterio artístico se sigue a la hora de elegir
los artistas que sustancian su programación,
Leo nos cuenta que “la importante labor de
seguimiento y selección de artistas es un
trabajo al que también dedicamos muchas
horas, cada día más”. Ir BCN está orientado
para todo tipo de público. Durante los días
de su celebración Barcelona recibe a más de
200.000 personas de más de 50 países, y
todas ellas relacionadas de una manera u
otra con la música electrónica: “Es por ello
que cada día es para nosotros una nueva
aventura: todas las personas que asisten a Ir
pueden conocer e intercambiar conocimientos, culturas, gustos, ideas y muchas
más cosas de interés. Lo mismo ocurre con
la música. Ir BCN es un lugar donde todo
ocurre, todo es posible. Disfrutamos de los
diferentes estilos sonoros en su máxima
libre expresión, sin prejuzgar a nadie musicalmente, sin limitaciones. Simplemente bailamos bajo el sol”. Ir BCN da trabajo a más
de 200 personas y, por supuesto, cabida, de
forma especialmente sensible, a diferentes
sellos y artistas de la escena local catalana.
“Superarse, mejorar y dar siempre un paso
más es el pilar fundamental de nuestra filosofía como productora de eventos”.
Ir BCN 2015 ofrece una programación nacional e internacional de máximo interés, efectividad a la hora de divertir y hacer bailar al
público y una calidad apabullante y avant
que es marca de la casa de Ir BCN. El 17 de
junio, en el Monasterio del Poble Espanyol, el
sello barcelonés Hivern Discs presentará una
programación muy seleccionada que además incluye un Very Special Guest aún por
confirmar. El 18 de junio, en idéntico lugar,
será Resident Advisor la que programe la
segunda jornada de Ir BCN con artistas
increíbles que serán la representacion de la
famosa familia RA. El 19 de junio, People Like
Us dará paso a otra nueva tanda de artistas
excepcionales. En el bellísimo espacio de la
Plaza Mayor, el mismo día 19, FRRC ofrecerá
las actuaciones de Ricardo Villalobos,
Mathew Jonson, Sonja Monear y Fumiya
Tanaka. Además, ese mismo día, el showcase de Ir & Dekmantel nos acercará a los sonidos tech-houssies de Dixon, Ben Klock, Nina
Kraviz, Levon Vincent y Joey Anderson.
También el 19, en el Castell de Montjuic, Liam
presentará a Dixon, Ame, Culoe de Song y
Solar. El 20 de junio será el label Pampa
Records el que presente su line up. También
el 20 de junio, en el monasterio, serán Indigo
Raw & Dekmantel los que den paso a un
showcase en el que están confirmados
Dekmantel Soundsystem e Ir-hythm (compuesto por los residentes oficiales de Ir:
Mirus, Nerone y Moreon & Baffa). Todo
apunta a que esta nueva y sobresaliente edición de Ir BCN será una de las citas más
seguidas, celebradas y bailadas del mes de
junio en Barcelona, periplo con el que la bella
ciudad condal se convierte, por méritos propios, en la capital mundial de la mejor música electrónica y aledaños. Atentos pues a
OCIMAG, ya que como medio oficial os
mantendremos informados de todo lo relacionado con Ir BCN 2015, incluido su
extraordinario line-up completo, además de
noticias y novedades. www.irbcn.com
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REVIEWS AUDIO
DIPLO
F10RIDA
(Big Dada / Pias)
YELLE
COMPLÈTEMENT FOU
(Big Dada / Pias)
JON HOPKINS
ASLEEO VERSIONS
(Domino)
MARILYN MANSON
THE PALE EMPEROR
(Cooking Vinyl)
BJÖRK
VULNICURA
(One Little Indian)
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Oh Diplo reedita ahora, con todos los honores, su álbum más experimental:
aquel F10rida de hace diez años al que nadie hizo caso. El caso es que un
Diplo mucho más joven y modesto se aventuró, en 2004, a pergeñar un disco
de debut con el que intentar sorprender a través de un imaginario sonoro
que poco, o nada, tiene que ver con lo que publica ahora como Major Lazer
en su sello Mad Decent y que le ha hecho famoso y rico. Los temas fueron
producidos entre Filadelfia y Florida, bajo los influjos de la inspiradora hierba,
y el resultado fue solo regular, tirando a flojo e insustancial. Solo en poder
ahondar e indagar en la figura actual de Diplo radica el interés de este F10rida
que es reeditado para reivindicar unos comienzos que nada tienen que ver
con su realidad millonaria y supermegacool. ¿Capricho, necesidad o acierto?
Piensa mal y acertarás. (Fernando Fuentes)
Con los USA rendidos a sus pies, este pintón combo galo de pop electrónico
–liderado por Julie Budet– es el favorito de la superdiva Katy Perry. Ahora
presentan las canciones de su nuevo álbum Complètement fou (Kemosabe),
que ha sido producido por ese mago sonoro follonero y yanki llamado Dr
Luke. Se trata de una colección de temas divertidos vs. melancólicos a través
de los cuales Yelle suenan “100% Yelle”. Parece que su paso a dúo, tras la
salida de Tepr, les ha sentado más que bien y es que es evidente que a la
hiperchic Julie solo le hace falta tener cerca a GrandMarnier –su pareja
artística desde siempre jamás– para pergeñar temas que, en este caso,
merecen otro tipo de bailes. Destacan Ba$$in, Moteur Action, Jeune fille
garnement y ese inesperado Les soupirs et les refrains, que viene a ser un
refrito ideal de pop y balada sintética. Mola... y lo sabes. (Fernando Fuentes)
Al fin tenemos en nuestras manos la esperada colección de autoversiones
tranquilonas de los temas de aquel Immunity de 2013 que tanto nos gustó.
No se trata de remixes, para nada. Son revisiones del propio Hopkins de
cuatro de los principales temas de dicho álbum, que cuentan ahora con la
ayuda vocal de gente como Raphaelle Standell de Braids y Blue Hawaii –en
el caso de Form by Firelight– y de King Creosote en la nueva cover de Form
by Firelight. En los cuatro casos Hopkins deja que su olla se vaya más allá de
los cerros de Úbeda y así reimagina sus temas en clave ensoñadora y cuasi
ambiental. Las ‘versiones Asleep’ de Breathe This Air y Open Eye Signal son
pura delicadeza instrumental. Así Hopkins nos muestra su lado más orgánico,
académico y sensible. Se recomienda escuchar del tirón los 25 minutos
seguidos: el EP está diseñado para ello. (Fernando Fuentes)
Al que fuera –autodenominado– ‘el anticristo superstar’ en los felices y fieros
años noventa parece que se le hace de noche. Definitivamente es así. El caso
es que este The Pale Emperor nos muestra a un Marilyn Manson más rockero
y tabernario que casi nunca, aunque los golpes de sintetizadores ponen el
punto contemporáneo al trasunto. Solo en temas como Slave Only Dreams
To Be King, Odds Of o Third Day of a Seven Day Binge, la voz del ínclito
Manson aguanta bien el tirón. En las demás luce una desgana y una carencia
de ferocidad alarmante. ¿Estamos necesariamente ante un artista acabado?
En fin, que solo los muy fans –¡pero mucho!– disfrutarán de un disco regulero
en el que, a pesar de que se pone toda la carnaza en el asador, nada, casi,
parece haber salido bien. ¡Despierta, Marylin, que se te comen la merienda!
(Fernando Fuentes)
El caso es que este Vulnicura, el noveno disco de estudio de la islandesa más
famosa del pop y la electrónica, recuerda mucho inevitablemente al
Homogenic de 1998, pero también al Vespertine de 2001, lo que supone una
presunta y feliz regresión sobre lo publicado de forma más reciente –tan
deslumbrantemente raro y modernísimo como aburrido–, y eso nos hace
muy desdichados a los que queríamos destripar lo más nuevo de la genial
esquimal. El caso es que es, a bordo de los temas que sustancian este álbum,
como si se dejara de tontuneos y delirios avants y volviera a hacer lo que
mejor le sale: pop contemporáneo, directo, oscuro e intimista. Nos quedamos
con Black Lake (con un Arca inmenso), Mouth Mantra y Atom Dance: las tres
canciones son tan bellas como amenazantes. En fin, otra vez será… lo de
hacer sangre, digo. (Fernando Fuentes)
REVIEWS AUDIO
Electrónica espacial, a veces con toques retro, a veces con detalles cristalinos. Este
disco se pasa del house al techno o adonde le da la gana y vuelve, por si acaso te
habías perdido algo. El último trabajo de Levon Vincent es una delicia para los
amantes de la electrónica atmosférica y envolvente. Y lo mejor de todo es que si eres
un huevón y no te lo quieres comprar en vinilo, la descarga digital es absolutamente
gratuita. El neoyorquino afincado en Berlín es un firme creyente en la música
antisistema, en la búsqueda de un sonido diferente y en una comunidad de
colaboración y experimentación. No en vano lleva más de diez años produciendo
música pero este es su primer LP en su propio sello, Novel Sound... Y aunque su
disco debut se ha agotado en vinilo, no lo piensa reeditar por ahora, porque lo suyo
“no es hacerlo por dinero”. Ahí lo tenéis: un idealista con talento y un disco variado,
sorprendente y gratis. ¡A hacer ruido! (Catalina Isis)
LEVON VINCENT
Argy, famoso por sus producciones para Desolat, Cadenza o Bpitch, se alía ahora
con la vocalista Simone Ogunbunmi, aka Mama, y se marcan un disco a pachas en
el que la electrónica ensoñadora, callejera y altamente pop es lo que manda. Se le
notan Berlín y Londres a este álbum de la cabeza a los pies. Al house tecnificado –o
techno ajausado– de Argy le sienta de maravilla la voz urbana, cálida y black de Mama
y al contrario; la sinergia es perfecta y da buen resultado. En el disco hay pasajes de
garage/2step, otros más techs y constantes referencias al sonido de los noventa,
cuando reinaron divas vocales souleras de la categoría suprema de Grace Jones, con
permiso de una de las referencias más directas de estos Argy & Mama. La única pega
es que casi todos los temas del álbum parecen quizá el mismo –aquí destacaremos
Recluse– y la buena nueva es que en breve ya podremos disfrutar de los oportunos
remixes. Al loro, que no estamos tan mal. (Fernando Fuentes)
ARGY & MAMA
Por si ser parte de una de las bandas más importantes de música alternativa de la
última década no fuera suficiente, Will Butler incluso puede decir que ha estado
nominado a un Óscar. Pero el hermanísimo no se ha quedado ahí y ha decidido sacar
un disco en solitario. Como si el treintañero se hubiera quedado con muchos temas
en el tintero de Arcade Fire que necesitaba exorcizar, Will Butler se pasea desde un
rock’n’roll bastante predecible a toques de disco pop que traen a la cabeza una
curiosa mezcla entre Suburbs y Reflektor. En temas como Anna, por ejemplo, de
repente introduce un sonido de viento. Policy no hace nada que suene nuevo, pero
saca a relucir el lado realmente americano del sonido de Arcade Fire, heredero del
mejor indie noventero y de los toques más countrys y rockeros de su infancia tejana.
Will toca una cantidad sorprendente de instrumentos, tiene estudios de poesía, ha
viajado por medio mundo... Pero en su música, vuelve al hogar. ( Catalina Isis)
WILL BUTLER
Reza en la nota de prensa, el propio Borgore, de este su nuevo álbum que “será un
apocalipsis de unicornios zombies”. No entendemos demasiado bien la broma, pero
de lo que estamos seguros es de que este artefacto de EDM abrasiva, chillona,
efectista y hasta pop –hay algunos temas que parecen sacados del disco más
electrónico de Linkin Park– hará a Borgore mucho más rico de lo que ya es. Este
artista israelita, ya elevado a categoría de fenómeno mundial, sabe muy bien lo que
se hace y al efecto combina con cierta maestría los ritmos electros y dubsteperos
más aberrantes y facilones con vocales pop dulces como terrones de azúcar: el
resultado es una demoniaca mixtura que, sin duda, le hará vender cientos de miles
de copias entre la parroquia edemista mundial más imberbe y asilvestrada. En fin, si
tienes algo más de 18 años cumplidos, abstente o sentirás mucho vértigo... ¿Te
estarás haciendo viejo? (Fernando Fuentes)
Mi primera reacción ha sido escribir la palabra ‘moñas’ hasta cubrir los 170 caracteres
de este huequito aquí presente, pero he respirado hondo y he pensado: “Venga, este
chico te ha ofrecido algunos temazos que todavía te sacan la lagrimita. Le debes una
reseña de más de una palabra”. Pero es que lo único bueno que puedo decir del
último trabajo del dominicano George Lewis Jr., más conocido como Twin Shadow,
es que parece que por fin ha asumido que es un cantante estupendo... y se ha
dedicado a lucir su voz. O será que haber fichado por Warner para este disco le ha
provocado un cortocircuito musical y tiene miedo de sacar su lado original, new wave
y punk. Eclipse es como una mezcla entre temas de bandas sonoras de Disney,
baladas de Boyz II Men y canciones peliculeras de Gerard McMann. Poca cosa más
puedo decir salvo que no os dejéis convencer: esto no tiene nada de experimental ni
innovador. Y precisamente por eso, Twin Shadow no es el nuevo Prince. (Catalina Isis)
LEVON VINCENT
(Novel Sound)
DOMINONATION
(BPitch Control)
POLICY
(Merge Records)
BORGORE
THE BUYGORE ALBUM
(Buygore Records)
TWIN SHADOW
ECLIPSE
(Warner Bros/4AD)
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REVIEWS DISEÑO Y PROYECTOS
SALONE MILANO 2015
BJÖRK ARCHIVES
El Salone Internazionale del Mobile de Milán 2015 celebrará este
año una nueva edición en la ciudad italiana, entre los próximos
días 14 y 19 de abril de 2015, en las instalaciones del recinto ferial
de la feria de Milán. Mostrará las últimas novedades e innovaciones del sector del mueble en sus diferentes vertientes, siendo
esta una feria de verdadera referencia dentro del sector. El Salone
Internazionale del Mobile de Milán 2015 es uno de los eventos
más importantes de Europa de la industria del mueble y accesorios de mobiliario, en el cual se nos mostrarán todas las novedades en diseño y fabricación. La feria se constituirá un año más
reuniendo lo mejor del diseño contemporáneo. salonemilano.it
Con motivo de la retrospectiva que el MOMA dedicará en la primavera de 2015 a Björk, la cantante ha confirmado la publicación
de un libro sobre toda su carrera bajo el título de Archives. El libro
presenta un gran número de sus famosos retratos fotografiados
por nombres como Inez & Vinoodh, Araki o Juergen Teller, entre
otros. Además, mostrará sus trajes más icónicos, de diseñadores
como Alexander McQueen, Hussein Chalayan y Sophia
Kokosalaki. El libro irá acompañado de cuatro libretos y un póster recopilación del art-work de sus siete álbumes. Archives está
concebido como un “celebración de la cretividad”. Su lanzamiento será con la editorial Thames and Hudson. bjork.com
EL MUSEU DEL DISSENY BCN
COACH X GARY BASEMAN
El Museu del Disseny de Barcelona acaba de abrir sus puertas
con el objetivo de ser un punto de encuentro de personas vinculadas al mundo del diseño, así como instituciones cercanas al sector. El centro nace fruto de las colecciones del Museo de las Artes
Decorativas, el Museo Textil y de Indumentaria y el Gabinete de
las Artes Gráficas. Las exposiciones permanentes, a cada una de
las cuales el museo destina una planta, son una muestra de artes
decorativas, diseño gráfico, de producto y moda. El Museu del
Disseny se ubica en el edificio Disseny Hub Barcelona, obra de
MBM Arquitectes. Se compone de dos partes: una subterránea y
otra que emerge a 14,5 m de altura. museudeldisseny.cat
Arte y moda van de la mano y actualmente no dejamos de ver
colaboraciones de lo más sonadas. Recientemente vimos la
colección de accesorios que Jeff Koons diseñó para H&M, y
ahora ha sido el ilustrador de Los Ángeles Gary Baseman el
encargado de volver a unir arte y moda con su colaboración con
la marca norteamericana Coach. Stuart Vevers, nuevo director
creativo de la marca, ha aportado guiños a la colección de primavera que nos remiten directamente a películas como True
Romance o Lost Highway, y que unido al universo de Baseman
crean un mundo de formas, colores y texturas divertido aunque
oscuro, como jugar en la oscuridad… garybaseman.com
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REVIEWS DISEÑO Y PROYECTOS
BAHÍA DE SAN BÚHO
JULES JULIEN Y APPLE
El ilustrador australiano Simon Hanselmann acaba de presentar
durante una gira europea que recientemente pasó por Valencia
su nuevo y psicodélico cómic Bahía de San Búho. En él seguimos
viendo las surrealistas ocurrencias diarias de Megg, Mogg y Owl
en la línea a la que nos tiene bien acostumbrados Hanselmann:
drogas, programas de telebasura y múltiples referencias a la cultura popular... Simon Hanselmann en sí mismo es todo un espectáculo, cosa que ya demostró en su reciente visita a la tienda de
cómics Futurama. Simon Hanselmann cuenta con tres cómics en
el mercado: Hechizo total, Bahía de San Búho y la novela gráfica
colectiva Terry, en la cual colaboró. girlmountain.tumblr.com
El artista Jules Julien, que recientemente expuso en solitario en la
galería valenciana Espai Tactel, forma parte de la nueva campaña de Apple en colaboración con diversos artistas y diseñadores.
Bajo el título de Start Something New, la marca de Cupertino se
alía con artistas internacionales de la talla de Jules Julien,
Universal Everything o Craig & Karl, y mediante el software de
Apple crean su obra. La estética y minuciosidad de Jules Julien
hacen de su trabajo algo claramente reconocible. No es la primera vez que Jules Julien colabora con una marca: Julien también
realizó una campaña para otra marca mundialmente conocida,
como Nike. www.julesjulien.com
LUIS VENEGAS: THE PRINTED DOG
PONYTALE #3
Luis Venegas, director creativo y editor de Candy Magazine, Ey!
Magateen o Fanzine 137, acaba de lanzar la nueva publicación
The Printed Dog, una revista sobre perros y su relación con sus
mejores amigos, sus dueños. La publicación se centra en creativos de los ámbitos del arte, la moda o la fotografía con un nexo
de unión en común: son amantes de los perros. Luis Venegas
sigue así aportando un aire fresco al mundo editorial nacional con
propuestas transgresoras como su revista Candy Magazine, de
reconocimiento internacional, que es la primera revista de moda
dedicada por completo a celebrar el travestismo, la transexualidad y la androginia. theprinteddog.byluisvenegas.com
La publicación Ponytale, con sede en Madrid y Nueva York, acaba
de lanzar su número tres. Ponytale es una revista bianual que pretende ser una plataforma online e impresa principalmente hecha
por y para creativos de todo el mundo bajo el leitmotiv de “Girl
Culture”. Desde sus inicios Ponytale ha servido desde su web
como blog de referencia para todo lo referente a cultura viral
femenina, y muestra un retrato realista de las chicas del siglo XXI
desde una perspectiva neofeminista. Desde su web y su tumblr
reúnen el trabajo de creativos (creativas, principalmente) que
muestran el lado más femenino/feminista de la red y del arte bit
actual. Girl culture rules! ponytale-magazine.tumblr.com
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Armstrong Light Trap
Light Me With the Moon
El 20 de julio de 1969, Neil
Armstrong descendía del módulo
lunar del Apollo 11 para ser el primer
hombre en pisar la Luna y dar ese
pequeño paso que marcaría un hito
en la historia de la humanidad y el
inicio de una nueva era. Pasaremos
de largo las ‘consparanoias’ y nos
quedaremos con el romanticismo de
un hecho histórico que ha inspirado
a millones de personas durante
generaciones.
Texto: Rosario Muñoz.
La Luna ha sido desde tiempos inmemoriales objeto de culto y admiración; protagonista de conjuros,
leyendas y mitos; obsesión de investigadores, científicos y románticos; el centro de todas las miradas
desde que el hombre es hombre. Por suerte para
nosotros, soñadores incorregibles, amantes de las
cosas bonitas, del diseño sorprendente y práctico, la
orografía del astro que ilumina nuestras noches se
convierte de nuevo en inspiración. Los jóvenes diseñadores rusos Constantin Bolimond y Maxim Ali han
creado una lámpara de mesa en cerámica a la que
han llamado Armstrong Light Trap por razones
obvias. Un hermoso e ingenioso aparato redondo
con unas luces led en su interior y orificios de diferentes tamaños en su superficie, que imitan los cráteres lunares, cubiertos con tapones de corcho con
los que podemos controlar la intensidad de iluminación simplemente quitándolos y volviéndolos a
poner. La lámpara Armstrong Light Trap funciona
con una batería interna, se enciende simplemente
quitando un tapón y se apaga devolviéndolo a su
lugar. Gracias a sus luces led consume un 85%
menos de energía y posee una vida útil de veinte mil
horas. La utilización de la porcelana en la fabricación
de esta pequeña esfera lunar de luz la convierte en
un objeto duro y resistente, y el suave color blanco
de su superficie pulida le confiere la apariencia delicada de un sueño. Un sueño al servicio del diseño,
que convierte la ambición de alcanzar la Luna en
una realidad práctica, porque ahora con la lámpara
Armstrong Light Trap, la luz de la Luna está en
nuestras manos. www.behance.net/alimki
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2
IN & OUT
Interior, exterior y viceversa
1
3
El pasado mes de febrero, en
la decimotercera edición del
Salón Nude de la Feria
Hábitat de Valencia, se
presentó In & Out, un
proyecto realizado por los
alumnos de tercer curso de
Diseño de Producto de EASD,
la Escuela de Arte y Superior
de Diseño de Valencia.
Texto: Rosario Muñoz.
1/ Domo, diseño de Michela D’Angelo.
2/ Zaple, diseño de Mika Hirota.
3/ Water for Birds, diseño de Angela Sarsosa.
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El objetivo de In & Out, supervisado por el
diseñador Pedro Ochando, del estudio
Pérez-Ochando, era sacar los productos de
interior al exterior y viceversa, jugando con
el concepto del uso predeterminado de los
mismos para concebir un doble sentido
desde el minuto uno de su proceso de creación. Un total de diez alumnos presentaron
sus diseños, creados a partir del estudio de
las formas, los materiales, los colores y las
texturas para conseguir objetos con un valor
estético, independientemente del lugar que
ocupen en nuestro hábitat. In & Out es el
resultado de la investigación de las necesidades prácticas del entorno a través del
doble juego entre la estética y el uso en cualquier espacio. Descubrimos diseños como
Domo, de Michela D’Angelo, una mesa plegable individual para trabajar dentro y fuera
de casa, un espacio capaz de estimular la
concentración sin importar el entorno.
Mediterránea, de Arturo Bascuñana y Abel
Valdeolivas, es un diseño doble creado para
fomentar el uso de la terraza. Se trata de un
juego formado por una pieza de luminaria y
una sombrilla de exterior polivalente que
funciona también como pantalla reflectante
nocturna. Water for Birds, de Angela
Sarsosa, es un diseño sostenible que funciona como bebedero de pájaros reutilizando el
agua de riego de las plantas. Reuse-Lamp,
de Sonia Bosch, una luminaria con vocación
sostenible y solidaria. Wirecircle, de Jessica
Isidro y María Ángeles Blanes, un diseño de
estante con percha, dinámico y práctico,
para decorar las paredes de exterior, y
Wirehexagon, antagonista del anterior, un
macetero de dos piezas pensado para los
pequeños jardines urbanos de interior. Zaple,
de Mika Hirota, es una silla que se pliega y
despliega en forma de zigzag, para llevar y
usar en cualquier parte. Balki, de Eric
Carrascosa y Ángela Almela, una mesa
especial, con cinta para ajustar la altura, pensada para trabajar. Diseño al servicio de la
sociedad moderna. www.easdvalencia.com
LANDESGARTENSCHAU
EXHIBITION
HALL
LA ARQUITECTURA DEL FUTURO
LA SALA DE EXPOSICIONES
LANDESGARTENSCHAU ES EL PRIMER
EDIFICIO EN EL MUNDO CREADO A
PARTIR DEL DISEÑO COMPUTACIONAL Y
CON UNA ESTRUCTURA PRIMARIA DE
PLACAS DE MADERA DE HAYA
CONTRACHAPADA PREFABRICADAS
ROBÓTICAMENTE. SE TRATA DEL
ESCAPARATE INTERNACIONAL DE UNA
ARQUITECTURA INNOVADORA Y
ALTAMENTE EFICIENTE BASADA EN LA
UTILIZACIÓN DE LOS RECURSOS
LOCALES DISPONIBLES Y LA
INGENIERÍA ROBÓTICA.
Texto: Rosario Muñoz.
Foto: ICD/ITKE/IIGS Universität of Stuttgart.
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Este edificio, situado en algún bosque del estado de Baden-Württemberg, en
Alemania, es el resultado del proyecto de investigación Robótica en la construcción de madera, realizado en la Universidad de Stuttgart y desarrollado por el
Instituto de Diseño Computacional (ICD, Prof. Achim Menges), el Instituto de
Estructuras de Construcción y Diseño Estructural (ITKE, Prof. Jan Knippers) y el
Instituto de Ingeniería Geodésica (IIGS, Prof. Volker Schwieger). Muchas mentes
preclaras han participado en este proyecto con el objetivo de desarrollar todas las
posibilidades arquitectónicas eficientes que ofrece la construcción en madera a
través del diseño computacional. La sala de exposiciones de Landesgartenschau
está construida con 243 paneles de madera contrachapada de haya de tan solo
50 mm de grosor, prefabricados con robots. Cada una de estas planchas de
madera ha sido diseñada digitalmente con una forma y tamaño únicos de manera que encajan entre sí a la perfección para trabajar en conjunto y generar la fuerza correspondiente para distribuir y soportar la carga de todo el edificio. Para
construir la estructura de la sala, que tiene 125 metros cuadrados de superficie
total y una altura de 17 metros en su punto más alto, han sido necesarios tan sólo
12 m3 de madera de haya. El aislamiento, la impermeabilización y el revestimiento
del edificio también han sido prefabricados digitalmente, lo que facilitó su construcción en tan solo cuatro semanas. La utilización de la tecnología digital para
diseñar los nuevos edificios de la sociedad del siglo XXI reduce su impacto
medioambiental y también el tiempo invertido en su construcción. El
Landesgartenschau Exhibition Hall abre las puertas a una nueva arquitectura que
cambiará el proceso completo de construcción de los edificios desde su concepción. A través del diseño computacional y la robótica las futuras construcciones
se contemplarán desde la eficiencia a todos los niveles. icd.uni-stuttgart.de
T OORMIX
Toormix es un estudio de diseño gráfico afincado en Barcelona, especializado en
proyectos de branding, dirección de arte, editorial, webs y mucho más. El pensamiento,
el diseño y la innovación son el motor que los impulsa. "Primero pensamos, después
diseñamos", ese es su leitmotiv. Toormix nace por la inquietud de desarrollar una forma
de trabajo propia y distinta a la que nos encontramos en las estructuras del mundo del
diseño que se han podido ver hasta el momento. Una mezcla de perfiles, disciplinas y
personalidad que se expresan a través de un nombre curioso y divertido. Es, a la vez, un
reflejo de su personalidad.
Entrevista: Tactelgraphics.
¿Cómo definiríais vuestra forma de entender el diseño? En Toormix
entendemos el diseño como la mezcla entre las ideas, la funcionalidad y la estética. Todo trabajado a través de la creatividad y la coherencia. No hay diseño sin idea, no hay diseño sin concepto. La estética por la estética no existe para nosotros. ¿Quién os influye u os ha
influido hasta el momento? Seguramente a lo largo de nuestra
carrera hay muchos diseñadores que nos han influido y de los cuales bebemos, pero también es verdad que muchos creadores de
otros campos profesionales, sean estos cocineros, directores de cine
o artistas, pueden ser mucho más influyentes en tu carrera profesional que un colega de profesión. Creemos que mucha gente que
tiene un buen discurso creativo, mediante sus ideas te influye más
que un profesional de tu mismo sector. ¿Os beneficia el hecho de
vivir y trabajar en Barcelona? Habladnos un poco del tejido cultural
en lo que a diseño gráfico se refiere. Quizás en Barcelona, por la tradición que hay, los clientes son un poco más sensibles al diseño y
están más acostumbrados a demandarlo y, aunque no todo el
campo es orégano, a respetarlo. Con esto seguramente su criterio
también sea un poco más fino. También es verdad que, a su vez,
existen muchos diseñadores en nuestra ciudad, y esto dificulta el
mercado, aunque también quizás lo profesionaliza y lo convierte en
más exigente y en más profesional. Esta situación también nos obliga a hacer un esfuerzo mayor para trabajar fuera. Pero en general el
ecosistema de diseño que existe en Barcelona es estimulante.
Seguramente no seamos conscientes de la suerte que tenemos por
el hecho de estar aquí. Sobre vuestros últimos proyectos... ¿Tenéis
alguna sorpresa que contarnos? ¡Un montón! Después de estrenar
la nueva web de la cadena hotelera H10 Hotels, lo cual nos ha llevado bastante tiempo de desarrollo, hay un proyecto con el que llevamos mucho tiempo y que nos hace especial ilusión, aunque es un
proyecto que preferiríamos no lo tuviese que ver demasiada gente:
el diseño y conceptualización del nuevo hospital de día de oncología y hematología infantil en el Hospital de la Vall d’Hebron de
Barcelona y que promueve la Fundació Small. Es un proyecto que
nos hace especial ilusión por su finalidad social y porque hemos
podido trabajar desde el concepto del propio espacio a la experiencia del usuario, pasando por el diseño formal y la dirección de arte
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del proyecto de interiorismo. Un trabajo en el que hemos montado
equipo con arquitectos, el equipo médico y la Fundación Small.
Aparte de este, también estamos preparando proyectos de identidad, la gráfica para una película de terror que ya se está rodando en
Barcelona o la identidad para la décima edición de la Barcelona
Design Week. Para vosotros es muy importante el entorno de trabajo. Explicadnos qué es El Taller, ¡que sabéis que tanto nos gusta!
Hace unos cuatro años que empezamos a desarrollar este nuevo
sistema de trabajo y la verdad es que ha sido un cambio en nuestra
metodología que nos ha llevado a evolucionar como equipo y también como profesionales. El Taller es un espacio paralelo y separado
de nuestra oficina principal, adonde vamos los viernes, un espacio
alejado de nuestro día a día que nos permite desarrollar otro tipo de
dinámicas de trabajo más centradas en la investigación y a cuestionarlo todo a través de la reflexión y el diálogo. Es una inversión en
tiempo que nos ha permitido crecer como profesionales y como
personas en beneficio del estudio y con el objetivo de analizar y
definir lo que va a ser el futuro de Toormix, sus procesos y metodologías, e investigar con nuevas estructuras, mecánicas e incluso relaciones con los clientes. Soléis dar muchos workshops. De hecho, nos
conocimos por uno que vinisteis a dar en Valencia. Disfrutamos
mucho dando talleres y clases. Normalmente son formatos intensivos o pequeños workshops. La mayoría de ellos van relacionados
con la creación de identidad y abarcan el proceso de creación de
una marca para un proyecto que nos inventamos para hacerlo lo
más lúdico y educativo posible. Se trabaja todo el proceso empezando por el del estudio del briefing, la fase de investigación y
benchmark, la creación del nombre, la jerarquía de la denominación
y arquitectura de marca, y seguidamente todo el proceso relacionado con la conceptualización y el desarrollo gráfico de la propuesta.
Incidimos mucho en el argumentario de las ideas. Fomentamos el
trabajo en equipo y se comparten los proyectos en sus diferentes
fases con el objetivo de abrirlos a las opiniones de todo el grupo y
aportar en beneficio de los proyectos. Es importante enseñar a trabajar la fase del diseño conceptual y estructural para luego ir sobre
seguro en la fase de la ejecución gráfica. Defendemos mucho la idea
de que primero hay que pensar y después al final de todo, diseñar.
El diseño formal no tiene sentido sin una base conceptual. Por eso
buscamos que los alumnos trabajen siempre con ideas sólidas y
creen historias. En algunos casos, hemos desarrollado solo sesiones
de conceptualización y creemos que son las más interesantes y sorpresivas, ya que muchas veces la gente no se espera que un workshop de diseño se base en las ideas y no en la forma. Sesiones en
las que se acaba justo cuando se define la idea y se tiene muy claro
cómo va a ser el desarrollo gráfico. En el fondo, diseñar es muy fácil
cuando se tienen las ideas claras y el camino a seguir. Finalmente,
otro tipo de taller que hicimos en Valencia y que fue una muy buena
experiencia lo desarrollamos hace un par de años en la EASD e iba
enfocado a la innovación en los procesos de creatividad y la docencia. ¡Nuestros alumnos fueron los profesores de la escuela! La verdad es que, como estudio, dar clase es estimulante y te sirve también para reordenarte, ya que el hecho de explicar tus ideas y metodología te obliga a ordenar tus ideas y a estructurarlas para que
sean comprensibles y se entiendan de forma lógica. También generáis eventos y exposiciones vinculadas con el diseño. ¿Qué podéis
contarnos de esto? Supongo que es un interés que hemos ido acumulando en estos últimos años. Quizás sea por nuestra trayectoria,
por un interés especial por dar voz a los diseñadores con el fin de
ayudar a crear un poco de consciencia y dotar de valor nuestro trabajo o por la oportunidad que nos han dado instituciones y espacios vinculados al diseño. El hecho es que hemos estado creando y
colaborando en varios proyectos en esta línea. Hemos organizado
cinco ediciones del Behance Portfolio Reviews en Barcelona, un
evento en el que mezclábamos microconferencias con música, cerveza, expos e instalaciones. También el año pasado organizamos la
exposición Inside Designers, que profundizaba en la forma de pensar y trabajar que tienen los diseñadores, una forma de explicar el
diseño más allá de las imágenes, que es la visión habitual que se
ofrece del diseño como disciplina. Era una exposición de diseño articulada a través de las palabras. Quisimos explicar el enfoque de los
distintos diseñadores a través de los conceptos y ofrecer al visitante la posibilidad de ver la coherencia entre las palabras y las imágenes. Pocas veces tenemos la oportunidad de explicar nuestras
inquietudes, y una exposición de pensamiento más allá de la muestra de piezas visuales fue muy interesante. Invitamos a veinte diseñadores y también a ocho escuelas de diseño de Barcelona, que
explicaban cómo veían a los diseñadores del futuro, una fórmula que
extenderemos al resto del estado y también a nivel internacional.
Para este año también preparamos nuevos formatos expositivos y
otras actividades dentro de la Barcelona Design Week 2015, que ya
desvelaremos conforme las vayamos cerrando. Nos gusta mucho
vuestra frase: “Primero pensamos y luego diseñamos”. Como ya
hemos comentado en algunos puntos de la entrevista, en Toormix
damos mucho peso a la parte previa al desarrollo gráfico de un proyecto. Todo aquello que tiene que ver con la estrategia y la conceptualización creemos que es tan o más importante que la fase visual.
En el estudio estamos especializados en proyectos de identidad globales que nos obligan a trabajar fuerte las ideas para generar una
coherencia entre todas las piezas. Es la clave para transmitir claramente las ideas y ser coherente con el posicionamiento de aquello
que queremos transmitir. Es por eso por lo que decimos que primero pensamos y luego diseñamos. Es un proceso que no funciona el
uno sin el otro y un sinónimo muy gráfico de todo nuestro trabajo.
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MUSÉE
DES CONFLUENCES
Bautizado como ‘la nube’, el Musée des Confluences de Lyon, que se sitúa precisamente y
como su nombre indica en la confluencia de los ríos Ródano y Saona, ha sido concebido por el
gabinete austriaco Coop Himmelb(L)au, uno de los estandartes del movimiento
deconstructivista. Con una larga trayectoria y una reputación consolidada en todo el mundo,
esta es su primera construcción en Francia. Otras creaciones suyas son el Museo BMW Welt
(Múnich, Alemania), el Akron Art Museum (Ohio, Estados Unidos), la Casa de la Música
(Alborg, Dinamarca) y la próxima sede del Banco Central Europeo (Fráncfort, Alemania).
Texto: Carlos Salazar. Foto: Quentin Lafont.
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El Musée de Confluences, cuya obra se decidió hace catorce años,
con la convocatoria en 2001 de un concurso por parte del gobierno
regional del departamento del Ródano y cuyas obras han durado
cuatro años, ha estado desde su nacimiento envuelto en la polémica ligada a su ubicación, en un terreno pantanoso situado sobre una
antigua fábrica de gas, y su elevado coste, 355 millones de euros,
que cuadruplican su presupuesto inicial. El edificio lo componen tres
partes de dimensiones mareantes a las que los autores han puesto
nombre propio: el Zócalo, construido totalmente en hormigón y
semienterrado, tiene una superficie de 8.700 m². Distribuido en dos
niveles, contiene dos auditorios, vestíbulo para grupos, espacios privatizables, espacios para instalaciones técnicas del museo, talleres,
etc. En la Cristalera encontramos la entrada principal para el público
y un gran vestíbulo distribuidos en 1.900 m². Como su propio nombre indica, está hecho de vidrio, y es un espacio con vocación urbana dedicado a los encuentros y los intercambios. Este espacio
queda entroncado con el jardín exterior abierto que ofrece zonas de
paseo, de reposo. De aquí pasamos a la Nube, que tiene 10.900 m²
y acoge las salas de exposición en cuatro niveles. En el nivel 1 podemos encontrar las salas dedicadas a las exposiciones temporales; en
el nivel 2, las exposiciones permanentes y talleres pedagógicos; en
el siguiente nivel, la administración y espacios privatizables, y en el
último nivel, el premio al sufrido visitante: la cafetería con su correspondiente terraza para el disfrute de las vistas. Parece ser que las
catedrales contemporáneas son aquellos lugares que dan cabida a
la sociedad del conocimiento, promueven el contacto y el intercambio. Hoy esos lugares no solo se concentran encerrados en una
estructura con tipología concreta: desde lo virtual hasta lo tangible
el panorama es muy variado. Si nos referimos a la arquitectura, los
museos como aglutinadores de conocimiento y emisores de información se están volviendo lugares de referencia en la ciudad destinados a todo tipo de público en una estrategia de máximo alcance
y, ¿por qué no?, cada vez más hacia una rentabilidad económica
propia y a su alrededor, tal y como ocurría en las catedrales europeas y de prestigio. Esta voluntad o estrategia pasa por ofrecer objetos atractivos y de referencia para la ciudad. Lo novedoso es que
esta imagen explotada a través de la red se cuela en los espacios vir-
tuales de potenciales usuarios que muchas veces participan como
benefactores o usuarios de los contenidos del museo, a pesar de
vivir alejados del objeto. Una respuesta a palabras clave como son
arquitectura, espacio público, movimiento, intercambio, cultura,
icono, redes. Así es como lo entendieron también las autoridades del
gobierno regional del departamento, cuya capital es Lyon. Un organismo nutrido por las colecciones de una serie de antiguos museos
lioneses, como el Colonial creado por Edouard Herriot, el de
Religiones de Emile Guimet y el de las Curiosidades del Siglo XVII de
los hermanos Gaspard de Liergues y Balthasar de Monconys. En su
interior reposan 2,2 millones de piezas, aunque solo 4.000 están
expuestas al público, que persiguen responder a la eterna interrogación: ¿Quiénes somos?, ¿de dónde venimos? y ¿adónde vamos?,
según su director científico, Bruno Jacomy. Preguntas tan tópicas
que tratan de justificar un proyecto museístico claro y en el que su
nombre nada tiene que ver con su vocación, versión actualizada de
las célebres mediatecas que tanto proliferaron por Francia. El
mamut de Choulans o el esqueleto de un camarasaurus de hace 155
millones de años, momias egipcias, máscaras del teatro Nô japonés,
meteoritos, un satélite Sputnik, un acelerador de partículas... todo un
popurrí forzado para dar contenido a un edificio heredero de la
grandeur versallesca que tanto ha marcado la personalidad de los
franceses y que hoy en día es una característica global reforzada por
el éxito del Museo Guggenheim de Bilbao, cuyo éxito ha llevado la
desgracia a otras ciudades de la mano de políticos y gestores irresponsables. Lyon no ha sido la excepción a la hora de dejarse llevar
por el famoso ‘efecto Bilbao’, como reconoció el vicepresidente del
Consejo General del Departamento del Ródano, Jean-Jacques
Pignard, durante la presentación del museo a la prensa al añadir:
“Queríamos hacer un gesto importante en la entrada de Lyon”.
También es casi inevitable pensar en los paralelismos con la recientemente inaugurada Fondation Louis Vuitton en el Bois de
Boulogne de París, una estrategia que apela más al simbolismo, los
valores patrios, levantando la voz para hacerse visible. En definitiva,
un márketing carísimo que, lo grave en este caso, lo pagan los ciudadanos: “Es un alocado proyecto realmente hermoso”, manifestó
con alegría el miembro del equipo de arquitectos Wolf D. Prix.
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REVIEWS ARTE Y EXPOS
OSVALDO LAMBORGHINI
ALEXANDER CALDER
Osvaldo Lamborghini (Buenos Aires, 1940-Barcelona, 1985) fue
una de las grandes figuras de las letras argentinas, al que sus
poemas y novelas convirtieron en un auténtico autor de culto. En
esta exposición el MACBA recoge por primera vez su faceta más
visual exponiendo sus collages fotográficos que hasta ahora
jamás se habían mostrado. Teatro proletario de cámara es una
muestra de su obra plástica compuesta por collages, dibujos
expresionistas e imágenes recogidas de periódicos pornográficos de la época. Toda una oportunidad para adentrarse en la
faceta más desconocida de Lamborghini. La exposición podrá
visitarse hasta el 1 de junio de 2015. www.macba.cat
Fruto de la colaboración entre la Fundación Beyeler, de Basilea
(Suiza), destinada a la muestra del arte contemporáneo más
audaz, y la Fundación Alexander Calder, de Nueva York, nace
esta retrospectiva sobre el artista que en la década de los años
treinta comenzó a maravillar al mundo con sus esculturas revolucionarias. La muestra recoge series de pintura abstracta que
nunca antes habían sido exhibidas. Calder dijo que inició esta
incursión en la pintura desde la visita de Mondrian a su estudio
de París. En la exposición, la pintura y escultura tempranas de
Calder podrán visitarse en la Fundación Beyeler de Basilea hasta
el 6 de septiembre de 2015. www.fondationbeyeler.ch
LA CAPILLA DE ELLSWORTH KELLY
EL INFIERNO DE DAVID DELFÍN
El artista norteamericano de 91 años Ellsworth Kelly, conocido
por sus pinturas de abstracción geométrica, ha realizado una instalación en la Universidad de Texas consistente en un edificio de
piedra con ventanas de cristales de colores que dota a la estancia de un cierto aire litúrgico, alejado de cualquier simbología religiosa. La obra de Kelly posee reminiscencias de su paleta de
colores habitual y nos sumerge en un mundo de luz y geometría.
Las obras más reconocidas de Ellsworth Kelly de su ultimo periodo son las que se conforman de paneles pintados consistentes
en la unión de hasta 64 lienzos, cada uno de ellos de un intenso
color, conformando un cuidado equilibrio cromático.
Si algo nos ha cogido desprevenidos en esta última edición de la
Mercedes Benz Fashion Week Madrid, ha sido la última colección
del diseñador David Delfín. Esta vez, con Inferno, se ha alejado de
la gama cromática divertida y de aire kitsch que caracterizó su
última colección NO ONE para adentrarse en un universo oscuro, sobrio, masculino y distinguido en el que los modelos desfilaban únicamente con un rastro de velas en la pasarela y la melodía del film Drácula, de Francis Ford Coppola, acompañándolos.
Pero lo que quizás ha conseguido captar nuestra atención son las
prendas con obras del artista Santiago Ydañez. Arte y moda
nunca estuvieron tan cerca. www.davidelfin.com
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REVIEWS ARTE Y EXPOS
TACTEL LAND
FESTIVAL FIVA EN ES BALUARD
Tactelgraphics, el dúo de diseñadores Ismael Chappaz y Juanma
Menero, han sido los encargados de darle color a la fachada del
Hotel Urban de Madrid que anteriormente ilustró Ricardo Cavolo.
En la edición de GlassArt#6, Tactelgraphics plasma todo un imaginario tan heterogéneo como pop uniendo a Jodorowsky y
Mario Bros en lo que es un universo de formas geométricas que
bien podrían formar parte de un videoclip. La obra se podrá contemplar todo un año al acercarse al Hotel Urban madrileño, situado muy cerca del Museo Thyssen Bornemisza o el Círculo de
Bellas Artes. Arte contemporáneo perfectamente incrustado en
la realidad de la capital española. www.tactelgraphics.com
El videoarte desde su inicio a mediados de la década de los
sesenta ha ido ganando espacio y prestigio dentro de la escena
artística. Su presencia en museos, ferias y bienales es amplia y
central y se ha convertido en una práctica democrática y de
extensa inserción en todos los estratos sociales, permitiendo
defender la libertad creativa de muchos artistas. El Observatori
d’Es Baluard de Palma acoge hasta el 12 de abril la proyección de
las obras ganadoras y de las menciones de la última edición del
Festival FIVA, Festival Internacional de Videoarte que nació en el
año 2011 y que, tras cuatro ediciones, ha conseguido consolidarse en diferentes países. A tener en cuenta. www.esbaluard.org
BENJAMIN PHELAN 3D
JONATHAN MONAGHAN
Benjamin Phelan produce esculturas frágiles orientadas hacia un
futuro cercano a nuestra generación. Cuando contemplamos sus
obras nuestra visión se confunde motivada por el uso de herramientas digitales. Phelan alude a los minerales, vegetales y a las
ciencias de la topología. El material que utiliza para sus esculturas es espuma de poliestireno. Recientemente presentó su obra
en Future Touch de Brooklyn, y actualmente se encuentra preparando un proyecto en Los Ángeles. Entre sus proyectos más destacados encontramos el diseño de portada del disco Odd Blood,
del grupo Yeasayer del año 2010. Un nombre a tener en cuenta y
un placer visitar su web www.benjaminphelan.com
El artista neoyorquino Jonathan Monaghan ha sido una de las
sorpresas de la edición de Arco 2015. Su trabajo se compone de
animación 3D que podríamos calificar de postmoderna con
toques kistch y con una clara tendencia al art media actual, basada en el ready made digital que reutiliza y dota de un nuevo significado a recursos 3D ya modelados. Con sus animaciones
Monaghan crea universos surrealistas, grotescos, cercanos al
mundo del videojuego y a la videorrealidad. Sus proyectos han
sido reseñados en The Washington Post y fue nombrado en 2011
por DC Modern Luxury Magazine como uno de los “mejores 10
jóvenes artistas para coleccionar”. www.jonathanmonaghan.com
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ARCO 2015
Arte en plural
La edición de la feria de arte
contemporáneo ARCO en
Madrid este año se ha visto
especialmente rodeada de
propuestas paralelas y
complementarias, sin
suponer competencia, muy
sugerentes: JustMad, Art
Madrid o Casa Leibniz.
Texto: Marisol Salanova. Foto: Rafaella Gneco.
JustMad, feria de arte emergente celebrada
en el Colegio de Arquitectos bajo la dirección de Gregorio Cámara, se posicionaba,
frente a la más clásica Art Madrid, como
alternativa favorita que contó con la presencia de galerías como Espai Tactel, Área 72,
Addaya y Espacio Valverde e incluso por primera vez visita improvisada de la realeza
española. Por otra parte, en el Palacio de
Santa Bárbara, o sea, a escasos metros de
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Just, surgía una nueva iniciativa, la Casa
Leibniz. Se trata de una exposición colectiva
de artistas de distintas galerías que casi a
modo de feria poco tradicional intervenían el
peculiar espacio contando cada sala con un
texto de un reputado crítico de arte, escogidos los textos y los artistas por el comisario
del loable evento Jacobo Fitz-James Stuart,
además director de Espacio Valverde junto a
Asela Pérez Becerril. También la NewFair,
feria curiosa por su formato en galería y con
artistas independientes, proyecto comisariado por Semíramis González, se mantuvo por
segundo año. Con tantas citas atractivas la
semana de ARCO se convirtió en un recorrido fluido y coherente a través del cual conocer el panorama del arte internacional de
forma concentrada. Visitar la Casa Leibniz
iluminada principalmente por luz natural
relajaba nuestra mirada después de horas y
horas de pasillos interminables de luz artificial, no obstante ARCO sigue siendo, aun
reducida hace tiempo a solo dos pabellones
de IFEMA y desplazada a la última semana
de febrero entrando en marzo, el gran
encuentro anual del arte en España. Esta vez
el país invitado ha sido Colombia, lo cual ha
atraído no únicamente a galerías colombia-
nas de nivel sino a críticos y comisarios que
desde Colombia han venido a intercambiar
impresiones y tender puentes. Por otro lado,
la fuerte presencia de coleccionistas chinos y
su interés por los artistas españoles ha sido
una de las novedades que críticos y feriantes
indican. Galeristas, editores, revistas y otros
expositores se han mostrado satisfechos al
término señalándola como una de las mejores ediciones desde que comenzó la crisis
económica. El optimismo, la apuesta por
sectores llenos de frescura como las editoriales jóvenes independientes con la sección
As Tables Are Shelves comisariada por Luiza
Teixeira de Freitas contando con Editorial
Micromegas, Nocapaper o Múltiplos, y el
asequible programa Solo/Dúo, han estimulado el tejido cultural de manera tal que ni
siquiera el viejo debate sobre qué es auténtico arte pudieron empañar. Y es que un
vaso de agua del artista cubano Wilfredo
Prieto valorado en 20.000 euros creó expectación entre duchampiano y propio del Hirst
más irreverente, y sin embargo no frenó a
mentes abiertas como la del coleccionista
Antonio Lobo, a quien le gustó, así que
podemos decir que en el arte el vaso está
medio lleno. www.ifema.es/arcomadrid_01
JAVIER
PALACIOS
Javier Palacios comenzó su formación en Jerez, en la Escuela de Arte, pasó por la Facultad
de Bellas Artes de Sevilla y acabó la licenciatura en Valencia. Numerosas obras suyas
forman parte de colecciones como la del Museo Histórico de San Fernando, DKV o la
Fundación Winterthur. En 2010 obtuvo una beca de Producción Artística Grand Tour que lo
llevó a Gdansk, Polonia. En 2014 ganó el premio Enrique Ginestal de Toledo y el muy
destacable galardón BP Portrait Award Visitor’s Choice de Londres. Shit Behind Beauty, su
primera exposición de 2015, tendrá lugar en la galería valenciana Espai Tactel.
Entrevista: Marisol Salanova.
Algunos creen que el artista nace, otros que se hace. ¿Cómo llega
Javier Palacios al mundo del arte? En mi familia, aunque no hay ningún miembro con una formación específica en arte, sí que ha existido desde que yo era pequeño una gran sensibilidad por lo artístico
y así se me ha transmitido. Un caso curioso es el de mi bisabuela
paterna: era una excelente pintora y vendía sus trabajos. Esto, siendo mujer en un lugar como era el Jerez de posguerra, es digno de
tener en cuenta. Mis padres siempre me han llevado a exposiciones
y nunca han puesto ningún impedimento a que experimentara con
lo artístico. Escribes tu tesis en torno al concepto de retrato en un
ámbito acotado y geográficamente muy concreto, el de Valencia.
¿Qué es lo que más te interesa de los artistas cuyo trabajo has escogido analizar? El género del retrato se ha vinculado en las últimas
décadas a una práctica artística trasnochada. En mi tesis doctoral
defiendo el poder de la representación del rostro que siempre
sobrevive y se nos presenta en el arte de infinitas maneras. Los artistas que analizo son un ejemplo de esto, pues emplean la representación del rostro como una herramienta para transmitirnos cuestiones de muy diferentes maneras, que se alejan de las tradicionalmente relacionadas con el retrato. ¿Qué hay en las personas que tú
mismo eliges retratar para tu obra? Son siempre personas de mi
entorno, de mi generación. Cada uno de estos rostros busca empatizar con el espectador y expresar una sensación de perplejidad
ante lo que le rodea. Por supuesto, en el contexto de crisis que vivimos actualmente podemos encontrar matices relacionados con una
generación perdida, pero pienso que hay algo más universal e imperecedero detrás de estos grandes rostros. ¿Cómo entiendes la evolución de los cánones de belleza en lo pictórico? Imagino esta evolución de la siguiente manera: se ha ido añadiendo agua a una botella de plástico, y desde hace relativamente poco tiempo la botella ha
explotado por la presión. Ahora el agua se encuentra esparcida por
el suelo, y el artista trata con sus propias manos de recuperarla para
tratar de dar una forma nueva al continente. Háblanos, por favor, de
tu próxima exposición. ¿Hay suciedad tras lo bello? ¿De dónde
viene el título Shit Behind Beauty? La mierda detrás de la belleza, un
mensaje claro y directo. En la elección de las imágenes que están
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conformando este proyecto hay un grado importante de intuición y
pura atracción por la superficie de los materiales de desecho, lo que
sobra y es inútil. Se produce también una paradoja entre el poder de
seducción de la obra gracias a la transformación que se ha dado en
ella, cubierta con spray de oro, cobre..., y el origen de la misma, a la
que no prestaríamos atención en lo cotidiano. Para mí hay en el
fondo de todas estas obras una especulación sobre la mentira, la
belleza, lo superficial y su contenido, que se podría extrapolar a
muchos campos de reflexión. ¿Qué opinas sobre la parte comercial
del arte? Esa combinación de poder vivir del arte y ser fiel a uno
mismo en ocasiones genera cierta controversia. ¿Te sientes cómodo trabajando con galería y exponiendo en instituciones públicas?
Hasta ahora, el mercado del arte me ha permitido desarrollar mi trabajo de una forma totalmente libre. Que esto sea así en un momento especialmente complicado hace que me sienta afortunado y por
ello veo la parte amable del mercado, aunque no puedo dejar de
darle un matiz negativo al uso de lo ‘comercial’. Sí que puedo decir
con seguridad que vivimos una situación compleja, donde han surgido muchos procedimientos de trabajo con diferentes formas de
hacer llegar la obra al espectador, y que es muy útil. ¿Por qué confías en ser representado por galeristas hoy en día? Yo tengo una
relación especial con mis galeristas. Somos de generaciones muy
cercanas y nuestros espacios de trabajo también son muy próximos.
Tenemos una idea parecida sobre cómo conseguir los objetivos a
través de la intensidad en el trabajo, y aunque en muchos aspectos
tenemos opiniones radicalmente distintas, creo que esto nos enriquece. Las galerías te permiten acceder a circuitos, espacios y
espectadores que de otra manera no sería posible. Proporcionan
también difusión y respaldo, y, en el mejor de los casos, son capaces de darle un lugar en el mundo a las obras que cogen vida en el
estudio. ¿Hacia dónde se dirige Javier Palacios? Actualmente me
encuentro centrado en acabar el proyecto para mi primera exposición individual en la galería Espai Tactel de Valencia, y también en
mi tesis doctoral. Para finales de año ha surgido un proyecto expositivo en Londres, y estoy cerrando unas residencias en Los Ángeles, Ámsterdam y Florencia para realizar en la próxima temporada.
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ARTE Y EXPOS
Jorge Fuembuena
Daniel G. Andújar
Mr. Pink, Valencia. misterpink.net
Museo Reina Sofía, Madrid. www.museoreinasofia.es
Del 5 de marzo al 30 de abril de 2015
Hasta el 4 de mayo de 2015
HOLIDAYS
SISTEMA OPERATIVO
Holidays es un work in progress en el que Jorge Fuembuena
plantea una interrogación sobre los lugares de ocio y el control
que es ejercido en esos escenarios turísticos donde acude la
gente a la búsqueda de nuevas experiencias en su tiempo libre.
Para ello, ha viajado a países nórdicos (Islandia y Finlandia) y a
otros del área mediterránea. Escenarios idílicos que, mas allá de
su apariencia de lugares de libertad, encierran normas de control
y regulación que obedecen a estrategias dictadas por las infraestructuras turísticas de los respectivos países. Concentrándose en
lugares de mar y montaña, emplazamientos de gran belleza que
animarían a una contemplación íntima y solitaria, estas imágenes
nos plantean precisamente la tensión existente entre la experiencia individual de los lugares y su imposibilidad al haberse convertido en objetivos de explotación turística. Fuembuena lleva a
cabo una exploración de esos paisajes sometidos a la industria
del ocio que choca con el reclamo de las ‘postales turísticas’, y
pone de manifiesto el proceso contemporáneo de desromantización del paisaje natural. En el mundo actual, la posibilidad de llegar a los lugares más recónditos del planeta, en esos viajes atestados de gente, impide la contemplación y por tanto hace difícil
hoy la experiencia estética individual. (Rosa Olivares)
Sistema operativo es la exposición que realiza un recorrido por
los veinte años de creación de Daniel G. Andújar, artista visual y
teórico. Nacido en Almoradí (Alicante) en 1966, Andújar trae al
Museo Reina Sofía obras de nueva producción y trabajos anteriores pocos conocidos o nunca vistos en España. Andújar está considerado uno de los mayores representantes en nuestro país del
llamado ‘arte en la red’. Interesado en construir un discurso cultural a través de los medios digitales y de las tecnologías, cuestiona, revisa y reflexiona mediante la ironía y la utilización de
estrategias de presentación de las nuevas tecnologías de la información y comunicación y las promesas democráticas e igualitarias de estos medios, criticando al tiempo la voluntad de control
que esconden detrás de su aparente transparencia. El artista
opera desde el espacio público utilizando la ciudad como principal referente, y la red como territorio para desarrollar su trabajo.
En esta línea, las relaciones sociales y de poder se encuentran en
un sistema de negociación en permanente redefinición, manifestando a través de sistemas informáticos las desigualdades y discusiones que generan estas relaciones. La muestra recoge alrededor de 50 proyectos creados en los últimos veinte años. La
mitad son trabajos previos y el resto obras de nueva creación.
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ARTE Y EXPOS
Rosana Antolí, Ana Barriga y Vicky Uslé
Retrospectiva
Espai Tactel, Valencia. www.espaitactel.com
Victoria & Albert Museum, Londres. www.vam.ac.uk
Hasta el 30 de abril de 2015
Del 14 de marzo al 2 de agosto de 2015
INCOMPLÉTUDES
SAVAGE BEAUTY
Incomplétudes es una exposición colectiva que reúne una selección de obra reciente de Rosana Antolí, Ana Barriga y Vicky Uslé,
artistas pertenecientes a una misma generación pero con estilos
muy distintos y en etapas de sus carreras muy diferentes. Para el
filósofo búlgaro Tzvetan Todorov la categoría ‘existencia’ depende de los otros por la incomplétude original del ser humano. El
concepto de incomplétude en francés viene a señalar que una
persona comienza a existir realmente a partir de la mirada del
otro, haciendo hincapié en la importancia que tiene la vida en
común. Históricamente quienes se han encargado de poner
orden y armonía en ese convivir del hogar, en la vida en común,
han sido las mujeres. Sus imágenes del cuerpo sin cuerpo, de
fragmentos abstractos, lugares a los que les faltan partes o
donde parece que haya que poner objetos en orden, trazan un
nuevo camino, marcan nuevas posibilidades de definir qué es la
identidad y qué es lo corpóreo, dónde están los límites entre nosotros y lo que nos rodea. Se trata de una conjugación idónea de
obras entre las que se establece un diálogo más allá del género,
que lleva al visitante a preguntarse por la imagen que proyecta
ante los demás, revisar el entorno en el que vive e intercambiar
más miradas. (Marisol Salanova)
Londres siempre formó parte del universo emocional y creativo
de Lee Alexander McQueen. Allí creció, estudió y desarrolló una
intensa y prolífica carrera como uno de los diseñadores más inteligentes, perspicaces e insólitos que haya visto jamás el mundo
de la moda. Tras su trágica muerte, en el año 2010, el Costume
Institute del Museo Metropolitano de Nueva York organizó una
exposición retrospectiva del trabajo de McQueen, que reunía
diseños creados en la época de su graduación en la Central Saint
Martins, en 1992, hasta la colección otoño-invierno de 2010, que
dejó inacabada. La muestra expone la obra del diseñador con la
escenografía dramática y la visión estética de espectáculo con
las que McQueen presentaba sus colecciones sobre la pasarela.
A lo largo de su recorrido se puede apreciar el resultado de la
dinámica creativa de McQueen, que consistía en una continua
fractura de las normas establecidas con el objetivo de preservar
intacta la libertad. Los conceptos de tradición y vanguardia se
disolvían para crear las más increíbles exquisiteces, a veces difíciles de entender. La muestra Savage Beauty llega por fin a Europa
para celebrar la excepcional visión de la belleza de este genio
añorado. El museo Victoria & Albert de Londres, su hogar, acoge
esta extraordinaria retrospectiva. (Rosario Muñoz)
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ARTE Y EXPOS
Salim Malla
Colectiva
Twin Gallery, Madrid. www.twingallery.es
Fundación Telefónica, Madrid. www.fundacion.telefonica.com
Hasta el 25 de abril de 2015
Del 14 de marzo al 24 de mayo de 2015
PUNTO CIEGO
BIG BANG DATA
Salim Malla presenta en Twin Gallery su primera exposición individual en Madrid, Punto ciego, en la que, a través de fotografía,
vídeo, instalación, escultura y grabado pone en relación dos
hemisferios en ‘sombra’: la cara oculta de la Luna y el punto ciego
del ojo. Es difícil identificar el momento en el que Salim Malla
(Vitoria-Gasteiz, 1976) comienza a interesarse por el universo en
su concepción más amplia –cosmos, mundo, naturaleza, leyes y
constantes físicas–. Así, aunque es cierto que sus estudios de
topógrafo asentaron las bases de su posterior apego por estas
cuestiones, Salim encuentra el germen de esta fascinación en un
borroso recuerdo de su infancia. Evoca de esta manera una escena en la que tumbado en su cama ‘despega’ y paulatinamente va
dejando atrás su edificio, su ciudad, el continente, el planeta
Tierra, el Sistema Solar... hasta que no es capaz de seguir avanzando, atenazado precisamente por la posibilidad de continuar
hasta el infinito. El afán del ser humano por descubrir lugares
ignotos le ha llevado a desarrollar la tecnología hasta unas cotas
inimaginables hace unos años. Los pronósticos de Verne se han
cumplido, la anticipación científica del escritor francés es solo
superada por su capacidad de imaginar portentosas aventuras
con un trasfondo mítico e iniciático.
Cada día se crean en el mundo cerca de 2,5 quintillones de bytes
de datos. El análisis de esta gran cantidad de datos que procede
de diferentes fuentes se denomina Big Data, un concepto surgido hace apenas diez años, que ofrece grandes posibilidades para
las administraciones, las empresas y el público en general. Big
Bang Data, comisariada por la arquitecta y diseñadora Olga
Subirós y el periodista y teórico José Luis de Vicente, explora los
efectos de la datificación en el mundo, un proceso tan determinante en el siglo XXI como lo fue la electrificación en el XIX. La
exposición, que ha sido coproducida con el CCCB, pudo verse en
Barcelona del 9 de mayo al 16 de noviembre 2014. La muestra de
Madrid está formada por cerca de 70 piezas que muestran el
fenómeno del Big Data y su tendencia. Una tendencia que crea
nuevos profesionales y que los ha llevado a trabajar de manera
interdisciplinar. Ejemplo de ello son los perfiles que se exhiben en
la exposición: el Data Artist, con piezas de David Bowen o Ingo
Günther; el Data Designer, como Jaime Serra Palou o Aaron
Koblin, o el Data Scientist, como Ricardo Baeza o Fernanda
Viegas y Martin Watterberg. La exposición combina instalaciones
y proyectos artísticos, documentación histórica, entrevistas,
documentos audiovisuales y prototipos tecnológicos.
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ARTE Y EXPOS
Bruce Nauman
Retrospectiva
IVAM, Valencia. www.ivam.es
MOMA, Nueva York. www.moma.org
Hasta el 28 de junio de 2015
Hasta el 7 de junio de 2015
CASO DE ESTUDIO
BJÖRK
Casos de estudio son proyectos que vinculan el marco expositivo con la investigación y el análisis de la obra de artistas determinantes en el último siglo. Con el objetivo de ir más allá de la
exposición, de profundizar en el estudio de la obra de un artista
presente en la colección del IVAM, se plantea Caso de estudio.
Cuerpo, espacio y tiempo en Bruce Nauman. Es una selección de
catorce obras del artista norteamericano que se presentan junto
a otras de Man Ray, Marcel Duchamp, Georges Hugnet, Samuel
Beckett, Richard Serra, Steve Reich, Merce Cunningham y John
Cage, para contextualizar y analizar el trabajo de Nauman (Fort
Wayne, Indiana, 1942). El Body Art, el arte de acción y el videoarte se inscriben, desde los años sesenta y setenta, en la exploración artística del cuerpo, de las relaciones que se establecen
entre los objetos y el espacio que los rodea y quien los observa.
Bruce Nauman comprende la praxis artística como un vehículo
privilegiado de entender y reflexionar acerca de la propia vida
haciendo del cuerpo humano un territorio de reflexión para sus
acciones, por lo que valora el espacio a partir de la experiencia
de su propio cuerpo y de la relación de este, los objetos y el lugar
en el que se enmarcan. Este Caso de estudio incidirá en que en
la obra de Nauman nada se resuelve.
Björk Gudmundsdóttir nació en 1965. Saltó a la fama como
miembro de Sugarcubes antes de embarcarse en su carrera en
solitario. La artista de 48 años ha realizado siete álbumes, entre
ellos Debut (1993), Homogenic (1997), Biophilia (2011) y su trabajo más reciente, Vulnicura (2015). Sus otros proyectos incluyen el
film Bailando en la oscuridad, del cineasta danés, creador del
género dogma, Lars Von Trier, gracias al cual ganó la Palma de
Oro de Cannes como mejor actriz. Pues bien, por si fuera poco,
el icono islandés tendrá un retrospectiva en el MOMA de Nueva
York que podrá visitarse hasta el 7 de junio de 2015. El Museo de
Arte Moderno de Nueva York presentará una muestra de la multifacética compositora, música y cantante Björk. La exposición
aborda más de veinte años llenos de innovadores y desafiantes
proyectos, así como un repaso a sus ocho álbumes para así
poder realizar una crónica sobre su carrera a través del sonido,
cine, visuales, instrumentos, objetos y vestuario... Toda una gozada para sus fans (que no son pocos). Seguro que muchos de ellos
llevaban años deseando poder ver a esa leyenda viva en un contexto tan oportuno y coherente para Björk como es un museo. La
diva del hielo invade la gran manzana llenándola de vanguardia y
transgresión. (Ismael Chappaz)
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Inspirada en la meca del Desert Modernism que se
encuentra en la soleada Palm Springs, la marca de
accesorios de viaje Herschel Supply presenta su
colección Classics Primavera 2015. Los primeros en
suscribirse a esta edición se llevan una pieza de la
firma referencia en accesorios atemporales de viaje.
www.herschelsupply.com
[email protected]
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