“Torrente 5: Operación Eurovegas”: recupera la

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CONTENIDO
BLOG DE CINE
- “Perdida”, la perfección argumental
- “Torrente 5: Operación Eurovegas”: recupera la esencia de su éxito
· Instituciones del humor clásico español: Charlamos con Barragán y Fernando Esteso
· Alec Baldwin y Santiago Segura valoran y exponen sus sensaciones respecto a “Torrente
……….5: Operación Eurovegas”
· Julián López y Carlos Areces dos genios del humor al frente de “Torrente 5: Operación
……….Eurovegas”
- “Coherence”: amarás esta película sobre todas las cosas
- “Amarás al prójimo” (salvo si vistes de sotana)
- “Sueño de invierno”, desolados paisajes emocionales
- "Mi Vida Ahora”: una idea de primer nivel empañada por el abuso del romanticismo
- "Ninja Turtles”: aceptable versión a pesar de la incapacidad interpretativa de Megan Fox
- "Lasa y Zabala”: parte de la historia de nuestro país narrada de manera sublime
· Pablo Malo y Unax Ugalde: “Lasa y Zabala se trata de una historia sobre los derechos
……….humanos”
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BLOG DE CINE..
ESTRENO 10 OCTUBRE.
“Perdida”, la perfección argumental
PATRICIA M. OROL
@PatryOrol
De la mano de David Fincher (Seven, El Club de la Lucha, La Red Social) llega Perdida, la adaptación de la novela
de Gillian Flynn, quien también guioniza, y cuya trama argumental la convierte en una cinta digna de estudio. La
capacidad de David Fincher y de su equipo a la hora de elaborar proyectos de esta índole es simplemente
maravillosa. Su fuerza argumental, su estructura perfectamente labrada, consolidan una película impecable.
Amy Dunne desaparece de su casa en una mañana cualquiera. Su esposo, Nick, es el que da la voz de alarma en
cuanto lo descubre. Junto a los padres de Amy y sus vecinos, Nick hace un llamamiento para poder encontrar a
su esposa. Sin embargo, tras una investigación a fondo, la policía descarta una desaparición o secuestro sin más.
Es muy probable que Amy Dunne haya sido asesinada.
La trama argumental se divide en cuatro partes y, en todas ellas, el peso de los “mass media”” es fundamental.
David Fincher recrea uno de los tópicos más comunes en la sociedad actual, la incursión mediática en cualquier
acontecimiento, sea una violación, un asesinato, una detención… etc. Sobre todo en torno a temas
sociales/sucesos, para los que se despliegan todos los medios necesarios para cubrir la noticia, adentrándose en
la profundidad de las vidas de los implicados hasta sacar todos los trapos sucios que se guardan en la recámara.
Un asalto a la intimidad de un presunto implicado (y su familia) mucho antes de saber de su grado de
culpabilidad.
Pero no es lo único. En realidad, Perdida es una elaborada visión sobre el poder de la mente, de la capacidad de
manipulación a la que puede ser sometido un ser humano o una sociedad. Del grado de psicopatía en el que
mucha gente vive y de la que la gente que la rodea no llega a ser consciente.
Perdida también trata de la capacidad de sacrificio de una persona, de sus miedos y sus terrores, del amor y de
su incondicionalidad. Todo ello envuelto en un aura de normalidad, narrado de forma sutil, dejando de lado las
grandes escenas para concentrarnos en minimalismos y detalles que hacen al espectador partícipe de la trama.
La cinta es un todo en uno, concentrado y perfectamente acabado. Una excelente fotografía y escenografía, un
diseño de producción asombroso y unos personajes de doble cara con un enorme arco de trasformación que
evolucionan para bien o para mal. Destacar la impresionante interpretación de Rosamund Pike (Orgullo y
Prejuicio, Jack Reacher) que se hace con la película y que enamora al espectador. Salvable Ben Affleck (Pearl
Harbor, Argo), quien demuestra que un buen personaje es difícil de estropear. Affleck se aferra a él para que no
se visualicen sus carencias, pero sigue siendo estático, sigue sin controlar su yo, sin dejarse llevar por el calor
interpretativo. Le falta algo, no sé el qué.
A pesar de las críticas, a Ben Affleck lo considero una de esas personas que están en este mundo porque
realmente les gusta, les apasiona. Véanse como ejemplo sus proyectos como director o guionista. Pueden ser
mejores o peores, pueden ser de calidad o simples proyectos, pero ninguno puede ser llamada comercial o
desechable. Sí, seguramente oportunista, pero poco más se le puede criticar, además de lo de “mal actor”.
Vuelvo a resaltar lo dicho al principio, una estructura envidiable que parte de un guion que se supera a cada giro.
Ritmo: un ritmo que es constante, que tiene movimiento, que sorprende con cada giro. El argumento es un tren
cuyas vías se ven sometidas a cambios bruscos pero que continúan el mismo camino argumental, sin cambiar de
sentido en ningún momento. Giro, giro, giro, sin marear al espectador, sólo sorprendiéndolo y tendiéndole la
mano a una historia trepidante que bebe no sólo de la novela sino de la magnífica dirección de FIncher.
Sus dos horas y media de metraje se hacen cortas puesto que el espectador se envuelve en la historia, en los
supuestos y en esa música que acompaña a la película, su tono y su color que lo arrastran hacia las
profundidades de una misma historia con diferentes voces.
Sensacional, envidiable y, sin duda, extraordinaria.
BLOG DE CINE.
ESTRENO:3 OCTUBRE.
“Torrente 5: Operación Eurovegas”: recupera la esencia de su
éxito
ALEJANDRO LÓPEZ REINA
@tigerlopezreina
Vivimos en una época en la que el cine español reclama novedades por doquier. Esta necesidad viene
acompañada de otro reclamo: Que vuelva el mejor José Luis Torrente. Con Torrente 5: Operación Eurovegas, los
fans del humor más bestia y
satírico se verán saciados. Santiago Segura ha logrado dar un volantazo a la saga de Torrente, acercándose a la
fórmula que le hizo triunfar en las dos primeras entregas. No nos referimos solo a taquilla (con expectativas de
sobra cumplidas) sino a también en el apartado crítico. La esencia de Torrente está de vuelta.
Nuestro enfoque no está destinado solo a los clásicos chistes verdes y gags que siguen arrastrando desde la
primera entrega, sino también a novedades tan agradecidas como la trama principal de Torrente 5: Una sátira de
los Oceans de Steven Soderbergh. Mientras que en una encontramos a Brad Pitt, George Clooney o Matt
Damon, aquí encontramos a Fernando Esteso, Jesulín y Cañita Brava entre otros. No os dejéis engañar, estos
personajes os harán entreteneros tanto o más que los Ocean’s Eleven y compañía.
Seguimos sin saber cómo Santiago Segura sigue sorprendiéndonos con nuevos cameos, nuevos personajes y la
inclusión de personalidades de la talla de Alec Baldwin. Julián López, Carlos Areces, Jesulín, Angy, Florentino
Fernández, Anna Simón, Fernando Esteso, Barragán o Cañita Brava entre otros son solo unos cuantos rostros
conocidos que os encontrareis en el filme y que os harán cosechar más de una carcajada.
La trama aunque aparentemente sencilla supone un plus de atención para esta película. Se ambienta en el año
2018, Torrente recién salido de la cárcel retoma una nueva andadura como ciudadano: decide dar un golpe y
actuar al margen de la ley (terror del bueno). Torrente consigue un contacto gracias a su estancia en la cárcel, un
hombre llamado John Marshall (aparición sublime) encargado de la seguridad del principal casino de Eurovegas.
Recomienda a Torrente organizar un equipo de especialistas, por lo que nuestro protagonista se dedicara a
reclutar a los mayores personajes posibles (momentazos por todas partes).
No todo resultara tan fácil, ya que todos estos patanes pondrán el casino patas arriba (Fernando Esteso como
butronero, con eso lo decimos todo). Torrente 5: Operación Eurovegas supone una gran noticia para los fans de
la saga y para todas aquellas personas que busquen humor a precio de saldo. Es la entrega más crítica a nivel
social que corre a cargo de Santiago Segura. Temas como la independencia de Cataluña o la crisis que vive
nuestro país entremezclados con la fórmula infalible de la sátira-verde de Santiago Segura. Es para darle una
oportunidad sin duda.
Hemos de dar especial atención al papel de Julián López como Cuco, el cual consigue olvidar y en algunos
aspectos mejorar al papel de Gabino Diego (son dos grandes, no se puede elegir) y a Carlos Areces como
Ricardito, un personaje que con tan solo aparecer en el plano provoca carcajadas sin límite. Habría que
mencionar el nuevo registro de Santiago Segura, en cuyo papel como Torrente comienza como una sílfide y
acaba engordando como nunca. Y sin omitir a Alec Baldwin que para aquellos que conocemos su faceta más
cómica realiza un papel esencial por el bien del filme. No nos podíamos quedar con las ganas de deciros que
echamos de menos en nuestras pantallas al inconmensurable Fernando Esteso, historia viva del cine (de
destape) español.
En definitiva, no dudéis en concederle otra oportunidad al policía más guarro y atlético de toda la historia de
España. Sé que muchos de vosotros pensareis: “Si, eso se dijo en Torrente 3 y Torrente 4 y luego eran lo mismo
de siempre”. Tenemos que discrepar respecto a Torrente 5, esta entrega tiene un toque especial.
En las próximas páginas podrás encontrar varias entrevistas realizadas por Alejandro López-Reina a los
protagonistas principales de Torrente 5.
Instituciones del humor clásico español: Charlamos con Barragán
y Fernando Esteso
Desde mundoplus.tv no perdimos detalle durante la presentación de Torrente 5: Operación Eurovegas en el
Casino Gran Madrid. Éramos conscientes del gran número de personalidades del mundo de la televisión y el
humor que estarían presentes, así que cargamos la grabadora y fuimos directos a entrevistar a todo aquello/a
que se nos pusiese por delante. A pesar de vivir esta presentación en un casino, aguantamos la tentación de
echar una cañita al aire y nos centramos en lo que mejor se nos da.
Se nos preguntó a quién queríamos entrevistar y dada la oportunidad, se nos pasó por la cabeza el hablar con
dos instituciones del humor en España: Barragán y Fernando Esteso.
Los más jóvenes puede que no conozcáis en profundidad a aquel humorista que aparece en todas las películas
de Torrente con esas ropas andrajosas y con esos gags que provocan el descojone del espectador (no os perdáis
detalle de Barragán en Torrente 5, merece la pena).
Su nombre autentico es José María Rubio Barragán y aunque no lo creáis, compagina su papel de Barragán con
su trabajo como publicista ¡Vaya mezcla!
Barragán es un personaje creado en los años 80 a partir de la intervención de José María en un anuncio de
Carrefour (para la que trabajaba el mismo como publicista). En 2010 decide invertir todo su tiempo en su
pasión… ¡Hacer de Barragán!
Nos contó su visión sobre el humor actual y declaró que “para mí el humor actual es una mierda. Me refiero a los
monólogos, a mí esto me suda la polla (con perdón por si estamos en horario infantil). Lo veo con mucho
estudio, todo a nivel muy intelectual, mucho guion, mucha preparación, cosa que odio. A mí me gusta la
improvisación, me gusta el chiste de siempre y pienso que mucha gente en este país estará conmigo en que el
chiste clásico no tiene que desaparecer. Y soy de los pocos que lo está conservando“.
Aseguró que “Santiago Segura es un genio. Es una persona muy inteligente y es una persona que estás hablando
con ella y se nota que es más listo que tú. Tiene humor de genio y la gente que lo critica son hipócritas. Somos
más iguales de lo que creemos”.
mundoplus.tv: Buenos días Barragán. Has participado en casi todas las películas de Torrente ¿Cuál crees tú que
es la mejor de todas?
Barragán: “De momento esta última. La sensación que me di ayer (en el preestreno para los actores y el equipo)
fue muy gratificante. Tenemos la esperanza todos y coincidimos en que es la mejor. No sé si es porque hay mejor
guion o el Alec Baldwin “de los cojones” o yo que se…Diría que la mejor es esta.
MP: A la hora de trabajar con toda esta gente tan variopinta ¿Quién a sido el que mas o la que mas te ha
sorprendido en general?
B: “Jesulín. Esperaba que hiciera un poco el tonto como hizo Paquirrín en su día (Torrente 4), sin embargo esta
bordado, esta que se sale. No queda tonto ni mucho menos queda como actorazo y la gente no se va a reír de él
sino con él”.
Sobran las presentaciones. Fernando Esteso participo en un tipo de cine español de gran coyuntura tratándose
del marco histórico en el que se encontraba nuestro país durante los años 70 y 80. El cine de destape apareció
durante la Transición Española a partir de la desaparición de la censura franquista. Protagonizo éxitos como Los
bingueros, Yo hice a Roque III o Los liantes, todas ellas coprotagonizadas con su inseparable amigo y compañero
de juergas, Andrés Pajares.
Sabemos de algunos momentos difíciles que paso a lo largo de su carrera llegando a reaparecer en la gran
pantalla con la anterior entrega Torrente 4: Lethal Crisis. A pesar de ello no pierde su sonrisa. Asegura que lo más
difícil que ha sido durante el rodaje es “controlar las caras a lo largo de la escena cuando no sabes que te estas
enfocando, es complicado aguantar la risa en muchas ocasiones“.
Al final de su comparecencia ante los periodistas, le deseamos suerte y le pedimos que nunca dejase el cine, a lo
que nos respondió un “se hará lo que se pueda”.
Toda una institución en el cine español a la altura de los Juanito Navarro, Paco Martínez Soria, Antonio Ozores o
Alfredo Landa. Imposible de caer en el olvido por los amantes del cine español.
mundoplus.tv: Eres una persona con una dilatada carrera como actor, ya como curiosidad ¿Podrías contarme
un momento a lo largo de tu carrera como actor que más valores? ¿Algo que te haya impactado? ¿Algo que te
haya llenado?
Fernando Esteso: “Hay un momento profesional y por ejemplo el que todavía te paren por la calle y te den las
gracias por haberles echo felices…Eso que te lo hagan ahora y te pidan un autógrafo y una fotografía chavales
de siete u ocho años es muy grande. Gracias al capítulo de La que se avecina en el que aparecí y le pusieron cara
a Fernando Esteso (hizo de sí mismo). Era ya famoso en la serie por Estela Reynolds y eso de que la chupe un
pezón. Una cosa que yo ni me acuerdo, y a lo mejor pudo ser verdad porque en aquella época tenía un barullo…
(risas).
Alec Baldwin y Santiago Segura valoran y exponen sus sensaciones
respecto a “Torrente 5: Operación Eurovegas”
Todos vosotros seréis conscientes del éxito que está cosechando Torrente 5: Operación Eurovegas. Con récords
de taquilla en su primer fin de semana, la quinta entrega de la saga más famosa de España promete dar guerra
en la gran pantalla.
mundoplus.tv pudo asistir a la presentación del filme, donde nos peleamos por preguntar a Santiago Segura y a
Alec Baldwin su visión sobre este proyecto tan ambicioso como sus predecesoras. Durante la rueda de prensa no
nos mordimos la lengua y nos insistimos hasta que nos pasaron el micrófono. ¡No sabían lo que hacían!
mundoplus.tv: Yo tenía dos preguntas, una para Santiago Segura. Sabemos que todos los años consigues reunir
a los mejores humoristas y a los mejores actores, ¿Durante esta película hay alguien que te haya costado
contratar para que apareciese en Torrente 5? Y la otra era para Alec Baldwin, ¿Qué es más complicado, trabajar
con Martin Scorsese o con Santiago Segura?
Santiago Segura: “Lo de los cómicos; resulta que lo más complicado es contratar gente para hacer de sí mismo o
papeles graciosos. Nunca he tenido problema para eso. La gente que viene está encantada de trabajar con
nosotros. A la hora de hacer un cameo les pregunto ¿podrías hacer de ti mismo en la película? Responden
encantados. Cuando hablo con estos cómicos no he tenido problema. De hecho soy afortunado de trabajar con
tantos amigos y con gente que me cae muy bien. Y lo de Alec me parece una pregunta surrealista (risas)”.
Alec Baldwin (inglés traducido): “En primer lugar si mi mujer hubiese sido australiana hubiese tenido que ir a
hacer una película a Australia (su mujer es de origen español). Y en segundo lugar ha sido más difícil trabajar con
Santiago Segura porque me paga más. Martin Scorsese me paga un dólar y medio y todo el café que pueda
beber, entonces se espera más de mí. Trabajar en un país como España es un privilegio. Ya trabaje en Roma con
Woody Allen y puedo asegurar que la cultura española me encanta, el arte, las esculturas….Sois muy
afortunados por vivir en España, con todo lo que tiene. Tiene problemas como los políticos, la Iglesia… pero eso
pasa tanto en Estados Unidos como en el resto de Europa. Me gusta mucho España“.
Santiago Segura: Hay que decir que se aloja en el Ritz, así a mí también me gustaría España.
Pudimos charlar brevemente con Santiago Segura, el cual nos mostró las dificultades de hacer una película como
esta y nos dejó ver su lado más humano. Aseguro que “Hacer una película es un esfuerzo sobrehumano. La
continuidad de la saga te la da la taquilla”. Aparte, Segura comentó: “Yo no quiero salvar la taquilla española, yo
no quiero salvar a nadie, yo quiero que la taquilla española este a salvo“. Defendió la Marca España, dando
gracias por todo lo que tenemos en nuestro país. Aboga por levantar el pecho ante momentos tan difíciles como
los que estamos viviendo. Toda una mente brillante (como nos comentó el mismísimo Barragán). ¡Te deseamos
lo mejor Santiago!
MP: Se le está dando mucho bombo al tema de la taquilla, y tras cuatro entregas ¿Cuál dirías que es el punto
fuerte o destacable de esta quinta entrega de Torrente respecto a las anteriores?
SS: “Yo creo que de alguna forma es la más coyuntural. Yo siempre he hecho Torrente como más atemporal y sin
referencias. Y aquí sí que hay referencias al hacerlo en el futuro, en 2018. He jugado más con lo que es el
presente. La ensalada es la ensalada pero luego la vinagreta puede ser de cereza, le añades cositas…a la gente le
gusta que salga lo del Fary, que salga lo de las pajillas, que salga lo del Atleti… pero claro si es todo igual la gente
se vería las anteriores y ya está. Pongo una mega estrella internacional, Jesús que es un tío muy carismático y la
gente tiene curiosidad de si lo hace bien o lo hace mal. Si lo hace mal le fusilan, estarían encantados de irle a
poner a parir (Risas). Por suerte para él y para mí, lo hace muy bien. Todo eso forma el punto fuerte yo creo, una
saga tiene esa fuerza, la gente quiere ver si ha ido para atrás, si ha ido para adelante. Yo lo hago lo mejor que
puedo y que Dios nos pille confesados.
MP: ¿Me podrías decir algún momento a lo largo de tu extensa carrera que te haya causado alguna especial
motivación o una alegría enorme en tu vida?
SS: Carrera (risas) ojala se le pudiese llamar a esto carrera. Mira es muy triste esto que te voy a decir, pero
cuando hice de Rafaela Carrá en Tu cara me suena y gané me dió mucha alegría (risas). Mi día a día consiste en
ser un poco niño, soy feliz con tonterías. Yo me acuerdo cuando enseñe al elenco y al equipo el preestreno de la
película y los actores pudieron ver la peli por primera vez, ver sus caritas y sus expresiones diciendo lo bien que
ha quedado tan contentos… me causo mucha felicidad. Ayer fue una noche híper feliz. Intento que cada mes me
pase algo, una película tiene muchos sufrimientos pero también muchas alegrías.
Julián López y Carlos Areces dos genios del humor al frente
de “Torrente 5: Operación Eurovegas”
En la presentación de Torrente 5, mundoplus.tv nos dejamos notar y decidimos coger nuestra grabadora y
ponernos a charlar con los más grandes humoristas de nuestro país.
Entre ese grupo encontramos dos figuras que sobresalen en ese reparto espectacular: Julián López y Carlos
Areces. En el papel de Cuco (anteriormente Gabino Diego) y Ricardito (no puedes parar de reír)
respectivamente, se mostraron optimistas ante el resultado de la última entrega de Torrente.
Ante la sombra de Gabino Diego tras meterse en la piel del toxicómano Cuco, López aseguró que “no me afecta
la repercusión de mi papel durante el rodaje, me afectaría si por ejemplo los espectadores comenzasen a
compararme con él”. “Mi personaje ves que es un tío rastrero, que hace lo que sea por la droga, pero tiene algo
curioso porque de repente te suelta alguna frase de erudito, por ejemplo que es la ética…yo hacer ruidos y todo
eso muy bien, pero memorizar frases se me da muy mal”.
Respecto a la interpretación de Ricardito, Areces aseguró: “Yo no podría hacer de malo, soy muy bonachón y me
sale mucho más natural hacer un papel como Ricardito”. “Yo llamé a Santiago y le dije -dame algo-, Santiago es
un visionario y sabe que Ricardito tiene un peso importante. Fue la primera vez que pedí un papel. Santiago me
contaba que tenía en la cabeza, quería que fuera una parodia de Ocean’s Eleven o de La cuadrilla de los once”.
Carlos Areces afirmó que “Santiago le puso a Cañita Brava algunas peliculas de Charlton Heston para meterse en
el papel, para que cogiese porte, estilo y manera de moverse”.
Respecto a Alec Baldwin ambos aseguraron que se integró genial ya que cuenta con un género cómico bastante
gracioso sobre todo a la hora de enfadarse. Afirmaron que durante el visionado del filme no paró de reírse.
Nos pidieron que no contásemos el final. López dijo “no hagaís como el cartel de Psicosis en México donde ponía
-el asesino era la madre- (risas)”. A lo que Areces contestó: “Imaginaos que por ejemplo en El Sexto Sentido se
llamase en realidad Bruce Willis está muerto (risas)”.
Mundoplus.tv: Bueno chicos, ¿cómo ha sido el rodaje de Torrente 5?
Carlos Areces: “Ha sido tenso, con mucha violencia, muy desagradable. Imagino que parecido a como tuvo que
sentirse Shelly Duvall en el rodaje de El resplandor. El director gritando ¡No así no, zote, que eres un zote! Pues
así para todos los días para Julián porque claro, como el chico esta empezando…”
Julián López: “Para mí a sido todo lo contrario al rodaje de Variety. No hay más que añadir. Metidos en una caja y
nosotros que si República Dominicana, parque, puticlub, casino… mañana viene Buenafuente, pasado viene
Wyomming…se lleva muy bien si, muy entretenido“.
MP: Habéis tenido la suerte de trabajar con los mejores humoristas en este mundillo, se os puede considerar un
grupo de dioses del humor en nuestro país. He llegado a conoceros hasta de figurante en Museo Coconut. ¿Qué
persona a lo largo de vuestra contrastada carrera os ha resultado más graciosa?
CA: “Hay una persona. Hay un humorista que aparte de que nos resulta graciosísimo es de una ternura
espectacular. Es Chiquito. Además de gracioso es súper tierno. Le conocí rodando Spanish Movie y cuando
fuimos a comer dentro de los estudios, solo con los técnicos y el equipo, pues si el tío no se hizo setenta fotos no
se hizo ninguna. Y el tío con una sonrisa para todo el mundo. El tío es él, no es un personaje y eso se nota. Como
Cañita“.
JL: “Yo también con los que más me he reído ha sido con Florentino Fernández y Raúl Cimas. Son dos grandes
amigos”.
MP: Pues fíjate que el otro día entreviste a Raúl Cimas y el me respondió que Enrique San Francisco (risas).
CA: “Fíjate y tu lanzándole el piropo(risas)”.
JL: “Lo de Raúl ya hablaré con él (risas) y sino no se lo voy a decir yo, que le llegue”.
Fue una entrevista bastante agradable, si puede llamarse una entrevista porque estuvimos de risas y charlando
de mil cosas durante un rato. López aseguro que “soy una persona que consume también mucho drama.
Conozco chavales que en gracietas me superan y todo”. “Yo pienso en la muerte cada mañana (risas)”. A lo que
Areces respondió: “Yo es llegar a casa y pensar en el realismo social, que mal estamos, la crisis, y me pongo triste
(risas), pero yo pienso en la muerte antes de acostarme.
Tuvimos una charla muy amena sobre el caso de Robin Williams y el cómo una persona dedicada en cuerpo y
alma al humor tuviese una vida tan oscura y tan triste hasta su repentino suicidio. En definitiva, estos dos genios
del humor espero que nunca nos dejen de hacer de reír.
BLOG DE CINE.
ESTRENO: 24 OCTUBRE.
“Coherence”: amarás esta película sobre todas las cosas
@tigerlopezreina
Estamos ante una película capaz de no dejar indiferente a nadie. Coherence reúne las cualidades necesarias para
convertirse en película de culto. Si eres un espectador que anhela nuevos conceptos cinematográficos y ansía
tensión en cada plano, esta es tu película.
Supone el debut de un gran rookie en la dirección como es James Ward Byrkit (aparte ejerce como guionista y
productor ejecutivo). Acostumbrado a participar en filmes faltos de imaginación como Rango o Piratas del
Caribe, Ward nos deja estupefactos ante esta obra culmen en el género de la sci-fi.
Ganadora del Premio al Mejor Guion de Sitges y Mejor Película en festivales fantásticos como FANT de Bilbao y
Ámsterdam, os preguntareis que tiene Coherence para que coseche estos éxitos. Digamos que guarda los
mejores toques de un thriller psicológico junto con el puro drama y la dificultad de las relaciones humanas.
Efectivamente, los protagonistas son mayormente desconocidos por el público, pero su trabajo y su capacidad
de improvisación (ordenado por James Ward) quedan latentes en la poco más de hora y media que dura la
película.
Su trama la que a priori resulta sencilla puede resultar un rompecabezas para los espectadores. Comienza con
una tranquila cena entre ocho amigos y amigas en los que la naturalidad y las ganas de pasarlo bien aparecen en
un primer instante, aunque tras conocer a los personajes descubrimos las fracturas (muchas veces
irremediables) entre estas personas. Todo va bien hasta que se lanza el tema de la aparición de un cometa de
gran misterio esa misma noche.
Surge de boca de los protagonistas una historia (Escalofriante) que sucedió en Finlandia en 1923. El paso de un
cometa hizo que los habitantes de un pueblo quedasen desorientados y con comportamientos muy extraños. A
partir de aquí surgen apagones, nervios y sobre todo… muchos cambios. No queremos destriparos nada del
filme, pero os recomiendo que no perdáis ojo de ningún detalle. Sé que todos entendisteis como yo Origen,
Memento o cualquier película de David Lynch pero ahora os enfrentáis a algo totalmente nuevo.
¿Existen agujeros temporales? ¿Hay otros yo en realidades paralelas? ¿Estos cometas pueden surgir algún día?
Desconocemos las respuestas para estas preguntas (Iker Jiménez o Punset puede que lo sepan), pero lo que si
os podemos asegurar es que ideas como Coherence, son tan escasas como maravillosas en una fábrica como es
el cine.
El guion de Coherence es cuasiperfecto, sin apenas lagunas, acompañado de un elenco de actores que llena de
vida y credibilidad cada escena del filme. Especialmente reseñables son los papeles de Nicholas Brendon (hemos
crecido viendo Buffy y su papel como Xander), el cual transmite emociones de una forma más que aceptable (y
sorprendente) y sobre todo el protagonismo que se le concede a Emily Foxler sobre todo en la segunda parte de
la trama, que nos ofrece la supervivencia existencial desde primera persona.
Una indispensable para las taquillas españolas (y más ahora con la esperada Fiesta del Cine). No os perdáis
Coherence, un filme cuyo estreno está previsto el próximo 24 de octubre de la mano de Bellanova Films y Ugly
Duckling Films. ¡Para quedarse atónitos!
Lo mejor: Su trama absorbente y la naturalidad inerte a los protagonistas
Lo peor: No apto para las mentes sencillas
BLOG DE CINE.
“Amarás al prójimo” (salvo si vistes de sotana)
CHEMA ROMÁN
La religión es junto con la lengua y la historia, uno de los pilares más sólidos con los que construir la identidad de
un país. En el caso de Polonia el catolicismo ha sido siempre, más que una religión, un modo de reafirmación
nacional, sobre todo frente a un entorno geopolítico tradicionalmente hostil. Un elemento profundamente
arraigado en la esencia polaca, como lo son el Vodka o los húsares alados. En España, a pesar de contar con una
posición ventajosa con respecto al resto de cultos, la Iglesia Católica lleva décadas reculando. Sigue influyendo lo
suyo en las mentalidades, nadie lo duda, pero sólo hay que entrar en los templos en hora de misa para darse
cuenta de que tiene los teocráticos días contados. Pero en Polonia, cuna de uno de los Papas más carismáticos
de los últimos años, es otro cantar.
Tal vez por ello, e independientemente de su calidad cinematográfica, no es caer en el tópico hablar de Amarás
al prójimo como de una película audaz, ya que plantea una situación, que, no por conocida, deja de ser espinosa:
la represión sexual de los sacerdotes católicos.
Małgoska Szumowska, su directora, se plantea en este, su cuarto largometraje, el conflicto interno que sufre un
cura destinado al pastoreo de una pequeña parroquia rural, en la que hay un grupo de adolescentes con
problemas de conducta. Y lo hace centrándose en las urgencias carnales del pobre sacerdote más que en las
contradicciones de fe derivadas de su sacro oficio. En ese sentido arranca con buen pie, presentando a los
personajes y al escenario con claridad y solvencia.
Desgraciadamente, a medida que avanza la historia va perdiendo fuelle hasta llegar a un final que trata de
remontar el vuelo gracias a la precipitación de los acontecimientos.
Por utilizar la estructura clásica, Amarás al prójimo tiene un buen planteamiento, un nudo que se estanca y un
desenlace que decepciona. Y hablo de decepción porque no sé como entender el final. Tal vez sea mi
inteligencia, que con la edad va menguando, o tal vez que en la narrativa las conclusiones sorprendentes ya rara
vez me sorprenden, y en la mayoría de los casos me irritan.
Desde un punto de vista formal, la película muestra una evidente intención de aproximarse al público americano,
hasta tal punto de que si nos olvidamos de la endiablada lengua polaca, por momentos uno podría pensar que la
acción transcurre en un poblacho de Illinois. No faltan las sudaderas, las gorras de beisbol, las rancheras
destartaladas, los maizales o los almacenes en mitad de la polvorienta nada. Incluso la banda sonora y la
fisonomía de ciertos actores remiten a un tipo de cine americano actual que cualquiera puede reconocer.
Película que habla de sentimientos y deseos reprimidos, y que sin caer en el maniqueismo tampoco aporta gran
cosa a la reflexión del espectador sobre este asunto: un cura se siente atraído sexualmente por uno de sus
feligreses y se controla como puede. Uno, tal vez esperase una mayor hondura psicológica por parte del
protagonista, pero la directora prefiere dejar el conflicto en un plano puramente físico, con lo que la película
gana en claridad lo que pierde en profundidad.
Porque dado el artificio del oficio sacerdotal lo raro no es que se den casos de este tipo, lo raro es que no sea
noticia lo contrario. Y el problema no viene de reprimir un instinto, viene de reprimir algo que no tiene
connotación negativa alguna, ¿O desear otro cuerpo la tiene? ¿Y refregarse con uno o con ciento si se pudiese?
He ahí el problema. Tanto tiempo dejando el monopolio de la moral en manos de profetas e intermediarios
divinos nos ha llevado a no cuestionarnos cuales son las razones últimas de dicha moral, con resultados
desastrosos.
Tal vez por eso aprovechar un argumento como el de esta película para generar un debate de ideas la hubiese
hecho ganar muchos enteros, pero quizá sea pretender más de lo que la directora quería ofrecer. No todo
conflicto humano puede ser leído con la clarividencia con que lo hacía un Albert Camus, y muchas veces los
sufrimientos de ciertas personas, aun condicionadas por un alzacuellos, no dan más que para una lectura
superficial.
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“Sueño de invierno”, desolados paisajes emocionales
CHEMA ROMÁN
Si uno, tras más de tres horas de metraje reúne la paciencia suficiente para echar un vistazo a los títulos de
crédito, descubrirá, aunque no entienda ni jota de la lengua turca, que, oculta entre un tropel de vocales
cargadas de diéresis, hay una referencia a Anton Chéjov. Se trata de una nota de agradecimiento, que es lo
mínimo que Nuri Bilge Ceylan, el director y guionista de Sueño de invierno ha podido hacer.
Porque todo en esta película rezuma Chéjov. Empezando por el título, que alude a una de las grandes
preocupaciones del dramaturgo ruso: la hibernación (en sentido metafórico) de los intelectuales frente a los
problemas reales y concretos del pueblo.
En segundo lugar el guión, construido a partir de dos de sus relatos: La esposa y Excelentes personas. El primero
le sirve para crear el eje de tensiones matrimoniales que articula la historia, mientras que del segundo extrae la
subtrama de la relación entre los hermanos.
En tercer lugar, son chejovianos los largos y teatrales diálogos que se suceden a lo largo de la película y en los
que se debaten profundas cuestiones morales. Algunos de estos diálogos, como es el caso de la discusión en
torno a la idea de no resistencia al mal han sido copiados tal cual del texto ruso. Esto lleva a preguntarme sobre
cuales son los límites en donde acaba la inspiración literaria, y en consecuencia el guión original, y empieza la
adaptación literaria, y por lo tanto hablamos de un guión adaptado.
Y por último, es típicamente chejoviano el conflicto del protagonista, el del intelectual lleno de principios
humanistas, ideales de progreso y una alta consideración de sí mismo, atrapado en el marasmo de la vida torpe y
aislada de provincias.
Aydin es un actor retirado propietario de un hotel en la Capadocia, donde comparte existencia con su hermana y
una joven esposa. Allí malgasta su tiempo escribiendo pequeños artículos para un periódico local, aburrido en
medio de la burbuja de comodidad que le proporciona una buena renta y el convencimiento de su superioridad
moral.
Apoyándose en ambas, el protagonista es capaz de ejercer una tiranía sobre cuantos le rodean: ya sea, la esposa,
la hermana, el encargado del Hotel o los inquilinos de sus propiedades. Tiranía sutil, particularmente odiosa al
ampararse en elevados ideales de justicia, progreso y educación y la convicción por parte del protagonista de
que está realizando en todo momento lo correcto.
Por otro lado, el paralelismo entre la sociedad zarista de finales del siglo XIX y la Turquía de comienzos del XXI no
puede ser más acertado. En ambos casos se trata de países con grandes diferencias sociales y económicas, en los
que la religión supone un refugio y amparo para los más desfavorecidos, y que viven en constante equilibrio
entre la tradición y la modernidad, representada esta última por Europa, espejo de una clase intelectual tan
cargada de buenas intenciones como impotente.
Con estos mimbres y un metraje algo excesivo Ceylan construye un relato de soledad y de incomprensión
humanas que se nos antoja más desasosegante aún al tener como escenario el desolado paisaje de la estepa
anatolia.
Desasosiego que no debe tener el director cada vez que viaja al Festival de Cannes, al haber sido premiado ya en
cuatro ocasiones: En 2003 con el Gran Premio por su película Uzak (Lejano). En 2008 al mejor director por Tres
monos. En 2011 su segundo Gran Premio por Érase una vez en Anatolia, para llegar al 2014 y alzarse con la Palma
de oro por esta, su última realización.
Un trabajo sobrio apoyado en la poética de las palabras y en buenas interpretaciones, cargado además de una
patética melancolía, que viene y va junto con las notas de la Sonata en La mayor de Schubert. Cine, en fin, para
contemplar y escuchar reposado y con un punto de desengaño vital, y no apto para quienes buscan pasar la
sesión entre originales movimientos de cámara o trepidantes secuencias de acción.
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“Mi Vida Ahora”: una idea de primer nivel empañada por el abuso
del romanticismo
@tigerlopezreina
Hemos de reconocer que a la hora de sentarnos a ver esta película nos mantuvimos expectantes. Una película
dirigida por el inestimable Kevin MacDonald promete un trabajo impecable. Mi Vida Ahora es una obra muy
correcta para una temática tan arriesgada como es la visión post apocalíptica en un futuro cercano desde la
perspectiva de cuatro adolescentes y niños. Una idea interesante que veremos si llega a funcionar.
Desde el punto de vista técnico, Mi Vida Ahora está muy bien lograda. Los escenarios rurales y la ambientación
resulta esencial para captar los sentimientos y las emociones de los personajes, todo ello acompañado de una
buena banda sonora que nos hace mimetizarnos con la principal protagonista Daisy (Saoirse Ronan sigue
mostrando pinceladas de buena actriz).
La película comienza con la sensación que todo adolescente hemos llegado a sufrir en la edad del pavo: dejar
nuestro círculo de comodidad y tener que pasar el verano con nuestros inaguantables primos. Esto le sucede a
Daisy, de nacionalidad estadounidense que debe pasar una temporada en Reino Unido con sus primos y su tía.
Sin embargo los problemas tanto personales como psicológicos que sufre la protagonista no ayudaran a que la
convivencia funcione. Hasta que comienza a mirar más allá de las barreras de la vida y el apoyo que encuentra
entre sus tres primos (especialmente con el guaperas Eddy) llegando a que Daisy se sienta como en casa.
Pero ahí viene el bombazo: estalla la Tercera Guerra Mundial. ¿Qué haríais vosotros? (excelente idea de Meg
Rosoff, autora del libro del que se basa esta película, How I live now).
Durante nuestra época como adolescentes llegamos a pasar por algunos que otros altibajos emocionales y
psicológicos (muy bien expuestos en el personaje de la protagonista). Problemas como la baja autoestima o la
obsesión por sentirse bella quedara latente en los primeros compases de Mi Vida Ahora. Los personajes ofrecen
una constante evolución personal a pesar de los problemas y baches que llegan a encontrarse en su camino.
¡Punto a favor de los guionistas!
Poniéndonos serios, dada la situación que inestabilidad que reina en todo el mundo, esta visión fantástica y
apocalíptica hace introducirse de lleno al espectador, algo complicado hoy en día. El estallido de algo tan serio
como la Tercera Guerra Mundial supone el fin de la inocencia y el comienzo de la supervivencia para Daisy y sus
primos, los cuales tendrán que competir consigo mismos para salir indemnes de su extrema situación.
Hemos de confesar nuestra más que aceptable opinión de la primera etapa del filme, en la que los personajes
irradian personalidad. Pero en el momento de introducir un elemento tan delicado como es el romance, provoca
confusión para el espectador. Una idea de primer nivel, empañada por el abuso del romanticismo (para gustos
los colores).
Kevin MacDonald puede estar contento pero con matices. No hemos podido disfrutar de la novela de Meg
Rosoff, pero podemos asegurar que si el director se hubiese centrado únicamente en dos puntos como son la
evolución de los personajes y la trama (realista e interesante a la vez) estaríamos hablando de un resultado
sobresaliente, en vez de hablar de una película más que aceptable.
Como puntos a destacar señalaríamos la interpretación de los personajes, empezando por la camaleónica
Saoirse Ronan (¡se atreve con todo!). George MacKay, la entrañable Harley Bird y la futura promesa (cada vez
más presente) Tom Holland dan la talla en un filme que carga de responsabilidades a sus personajes.
En definitiva, la película ofrece algún que otro mensaje entre líneas. Los problemas de autoestima y de auto
insuficiencia se solventan en el momento que decides romper con tu pasado y con tus traumas. Y sobre todo,
una de las cosas que más me ha gustado de esta película es que nunca debemos olvidarnos que la supervivencia
y la lucha son términos que vienen inertes a la condición del ser humano.
Si queréis aprender a valorar los pequeños momentos y volver a aprovechar cada segundo no os podéis perder
Mi Vida Ahora, cuyo estreno está previsto para el próximo 10 de octubre de la mano de Filmax.
Lo mejor: la trama y la evolución de los personajes
Lo peor: es genial hasta que abusan de la melancolía y el amor adolescente
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“Ninja Turtles”: aceptable versión a pesar de la incapacidad
interpretativa de Megan Fox
@tigerlopezreina
Antes de sentaros en vuestras butacas debéis estar predispuestos a lo que estáis a punto de ver. No esperéis una
película de más trasfondo que sus espectaculares peleas, gags constantes y la misma fórmula que las anteriores
entregas de la saga. The Ninja Turtles supone una visión distinta de sus predecesoras, donde la tecnología y la
actualidad se han adaptado a esta obra de Jonathan Liebesman.
Obviamente se nota el toque de su productor Michael Bay (no sorprende el protagonismo de una inexpresiva
Megan Fox), en el que efectos especiales y una trama lineal aparecen inherentes a las aventuras de las tortugas.
Guarda pequeñas similitudes en la historia de Transformers (que casualidad): Protagonista pringado/a que sueña
con hacer algo grande con su vida. Descubre algo sobrenatural de lo que nadie le cree (los Transformers o las
tortugas), conoce a los héroes y este protagonista resulta esencial para evitar un desenlace trágico. Ambos
grupos protagonistas se hacen inseparables dando lugar a una (segura) secuela.
Para aquellos que hayas visto sus antecesoras de los años 90, ya estaréis curados de espanto. Hemos de
reconocer que la película se hace amena gracias a las dosis de acción y los puntos que tienen las tortugas
(especialmente Michellangello), además del carisma que atesoran los cuatro protagonistas y su maestro
Splinter. La diferencia respecto a entregas anteriores es la modernización que atesoran los personajes, en
algunos casos a mejor (Rafael mejora ostensiblemente) y algunos a peor (se han cargado el personaje de
Donatello, le ponen como un friki informático).
Ahora centremos en (chupa cámaras) Megan Fox. De sobra es conocido su físico privilegiado al igual que su nula
capacidad de interpretación. Un personaje tan carismático como April O´Neill debería haberse otorgado a una
actriz con mayor capacidad interpretativa, ya que en muchas ocasiones el peso de la película recae sobre sus
hombros. El villano Shredder y su clan del pie no tienen trascendencia ninguna, en la historia del cine hemos
conocido villanos que dan más miedo a pesar de tener una súper armadura (Van Damme en Los Mercenarios da
más respeto).
La trama es sencilla. Shredder y su clan del pie siembran el pánico en Nueva York, pero tienen un duro oponente:
Las tortugas ninja. Estas deben mantenerse escondidas de la sociedad y aun así conseguirán darles más de una
sorpresa. La posibilidad de propagar un virus mortal por la ciudad hará a las tortugas a dejarse el alma por
evitarlo, todo ello con primeros planos de Megan Fox entre medias. April O´Neill (Fox) debe intermediar e
investigar para solucionar el conflicto, a la vez que proteger a las tortugas (Una de las tortugas quiere un
romance con ella, no os diremos cual).
¿Puntos a tener en cuenta? Es una película que os hará divertiros y reíros una hora y cuarenta minutos.
Recomendable en exclusiva a los fans de las tortugas y de los superhéroes, además de los que necesiten acción
en vena cada vez que acudan al cine. Su estreno está previsto en España para el 17 de octubre de la mano de
Paramount Pictures y en colaboración con Nickelodeon.
Esta entrada fue publicada en Críticas y etiquetada cine de acción, Paramount Pictures Spain, The Ninja Turtles
por Alejandro Lopez Reina. Guarda enlace permanente.
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“Lasa y Zabala”: parte de la historia de nuestro país narrada de
manera sublime
@tigerlopezreina
He reconocer que a la hora de ver Lasa y Zabala mis expectativas no eran muy altas. Tras comprobar las críticas
que ha recibido en algunos portales de internet y el (casi desconocido) éxito que ha tenido en el reciente Festival
de San Sebastián, me esperaba un filme algo politizado tras conocer la historia de estos dos jóvenes etarras, que
supuso la primera aparición de los GAL (formación anti terrorista que causo el caos en España).
Sin embargo mi sorpresa ha sido mayúscula. Una historia tan traumática e importante para España y más
concretamente para el País Vasco ha sido llevada de manera sobresaliente para Pablo Malo y excelentemente
reconducida por el camaleónico Unax Ugalde. No es nada fácil hacer una película de estas magnitudes sin caer
en ninguno de los dos extremos: tanto para los simpatizantes de ETA y conocedores de lo que sucedió
realmente, tanto para los españoles que vivieron durante la década de los 80 una autentica ola de terror por
parte del grupo nacionalista vasco.
Para aquellos que desconozcáis la historia de lo que sucedió os la comento brevemente. En Octubre de 1983
desaparecieron dos jóvenes miembros de ETA refugiados en Francia. Secuestrados por las GAL en Bayona,
fueron torturados y brutalmente asesinados. Doce años después aparecieron sus cuerpos en una zanja en
Alicante, lo que supuso la apertura del caso por parte del abogado de las dos familias (excelente una vez más
Unax Ugalde). Un caso que conmociono a toda España.
Como bien nos explicó su director Pablo Malo “No quisimos caer en extremismos, estoy encantado de haber
rodado esta película y lo que supone recordar un hecho como este“. Sin ir más lejos, otras películas referentes a
las GAL y ETA como Lobo (protagonizada por Eduardo Noriega) no llegan a profundizar tanto en las emociones y
en unos hechos tan sumamente oscuros en la historia de nuestro país.
Denominada por el propio director como “un thriller político”, nosotros sentimos algo más respecto a Lasa y
Zabala. Es una historia que reúne excelentes cualidades: la amistad, la patria, el misterio, la tensión, las crisis
políticas, el poder, el dolor, la tragedia, el amor y sobre todo el odio. Un odio entre etarras y guardia civiles
expuesto por la inestabilidad que vivía el País Vasco en aquella época.
Vivimos una etapa en la que el cine español es marginado por el Gobierno e incluso por los propios espectadores.
Lasa y Zabala reúne aquellos ingredientes de los que debe sustentarse el cine para conseguir salir a flote. Más
que una película política se trata de una exposición de aquello que consideramos derechos humanos y de lo que
consideramos “hacer el mal en detrimento del bien y de la justicia”. La vivencias que tuvieron que sufrir dos
chavales de 20 años como fueron Lasa y Zabala en sus últimos días, quedan plasmadas en una hora y cuarenta
minutos de manera sublime.
Pablo Malo recalcó lo atroz que supone torturar a una persona (torturadores y torturados tenían todos
alrededor de 20 años) y el agotamiento que supuso rodar esta película durante año y medio. Los resultados así lo
reflejan tras una obra de estas magnitudes. Desconocemos si tendrá éxito en taquilla o no, pero el llegar de esta
manera a los espectadores merece una mención aparte.
Bien es cierto que puede que se hayan quedado en el tintero algunas historias que sucedieron en este suceso, sin
embargo si se hubiese caído en un mínimo extremismo por alguna de las dos partes habríamos catalogado a este
filme de panfleto político; por suerte no es así.
No podemos recomendaros otra cosa que no sea darle una oportunidad a esta película, tanto a los más mayores
que vivieron este acontecimiento en plenitud así como los jóvenes que desconocíamos la historia y más
concretamente la situación de crisis y de guerra interna que se vivía en nuestro país. Una oda de terror que
queda plasmada en Lasa y Zabala.
Pablo Malo y Unax Ugalde: “Lasa y Zabala se trata de una historia
sobre los derechos humanos”
Actualmente se habla mucho sobre el mal momento que vive el cine español. Con un nulo apoyo por parte del
Gobierno, hacer una película hoy en día supone una verdadera heroicidad. mundoplus.tv ha tenido la
oportunidad de ver una película de gran calidad y casualmente hecha en nuestro país a partir de un
acontecimiento histórico que conmovió a todo un país.
Se trata de Lasa y Zabala, filme que narra el asesinato de dos jóvenes etarras por parte de las GAL. La manera en
que sucedieron los hechos marca esta historia. La aparición de dos cadáveres en Alicante recubiertos de cal
supuso una investigación de este hecho, archivado años antes por la policía.
Tuvimos la oportunidad de hablar con su director Pablo Malo y con su protagonista Unax Ugalde. Ambos ejercen
una labor notable por el bien de Lasa y Zabala, tanto en la dirección como en la interpretación. Unax Ugalde
aguanta perfectamente el peso de la trama y firma una actuación muy correcta.
Mundoplus.tv: Pablo, mi pregunta va enfocada al proceso de documentación del filme. ¿Como conseguisteis
reunir toda la información y exponerla en la película? ¿Habéis recibido amenazas por parte de algún grupo
social o político?
Pablo Malo: “Para nada. No hemos recibido ningún tipo de presión. La verdad es que vivimos en otra época. El
proceso de documentación ha sido muy duro, con sumarios de mas de 13.000 folios. Hablamos con ambas partes
del suceso, donde pudimos comprobar que todavía quedan heridas por cerrar. Hemos contado con
asesoramiento de la Guardia Civil a la hora de construir bien los personajes, aunque tengo que confesar que
hacer una película así durante año y medio deja psicológicamente tocado y cansado. Pero el resultado final ha
sido mas que satisfactorio. El caso de Lasa y Zabala fue el caso más icónico de la guerra sucia“.
MP: Unax, ¿conocías el hecho de Lasa y Zabala antes de rodar la película e interpretar tu papel? ¿Que fue lo que
te atrajo a este proyecto?
Unax Ugalde: “Yo tenia 17 días cuando aparecieron los cadáveres de Lasa y Zabala. En el País Vasco y en general
en toda España fue algo muy fuerte sobre todo en el ámbito de la sociedad vasca. Y si lo recuerdo bastante bien,
pero he tenido que documentarme. Hoy en día la gente joven apenas conoce el suceso fue un hecho muy
trágico. Pasados treinta años todavía se sigue recordando. Y lo que me atrajo a este proyecto fue sobre todo mi
personaje del abogado. El personaje de Iñigo y como llevo el caso de Lasa y Zabala fue interesante. Como llevo el
caso con sus familias, su involucración…Atrajo mi atención porque supuso un hecho super trágico y me pareció
muy interesante sobre todo para desarrollarlo como actor. Para redondear tu pregunta, te diría que me atrajo
algo muy importante, que más que un panfleto político es una historia de derechos humanos en su totalidad“.
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ESTRENO 17 OCTUBRE.
“El Protector”, magistral
HENRY
@henry_pedroso
El pasado viernes 17 de octubre se estrenó la última película de Denzel Washington, “El protector“. La misma nos
cuenta la historia de un hombre retirado que pretende iniciar un nuevo camino en su vida, intentando, bajo mi
modo de ver, dejar atrás un pasado, no sé si turbio u oscuro o simplemente, pasado. Reinsertándose en la vida
cotidiana haciendo las cosas comunes que los demás hacen, pretende despojarse de todo lo que un día fue, pero
como bien sabemos, se nace para lo que se nace y a veces se hace lo que hay y lo que se sabe hacer.
No creo haberme enterado muy bien de donde proviene la antigua vida de nuestro hombre, estaba tan absorto
en otras cosas que creo que me lo perdí, pero puede que sea un ex agente CIA, como en aquella otra película,
Man on Fire, dónde también encarna a un retirado de la Agencia Central de Inteligencia Norteamericana y
también se alista en una “última misión”: intentar salvar la vida de alguien.
A modo de información les digo que viene esta versión de ahora, según he leído, de una serie de los años
ochenta llamada El Justiciero, pero no tuve la oportunidad de conocerla en su día y no puedo hablarles mucho de
ella, si esta versión de ahora es mejor o peor, sólo sé que para mí la película es brutal.
Un poco lenta al principio y quizá un poco larga al final, pero pequeños defectos que quedan minimizados ante la
imponente actuación del señor Washington, de la mano de Antoine Fuqua (El francotirador, y Lágrimas del sol,
mis preferidas), y también de la forma de este último de dirigir, un dúo que nos hace pasar casi hora y medio en
vilo, creo yo que haciendo arte de la violencia y las ganas de matar.
Escenas muy logradas acompañadas de una música vibrante que nos pegan al asiento al ver como un hombre
con más de cincuenta años, se toma su particular forma de hacer justicia con sus manos, nunca mejor dicho. Me
recuerda mucho a la cinta de Liam Neeson, Venganza, tienen un corte parecido en la forma de desenvolverse los
protagonistas en su cometido, sólo que esta vez, se ha ido en poco más allá en cuanto la descripción óptica y
sonora del devenir de las escenas, unos primeros planos de los ojos vetustos y tranquilos del actor,
acompañados de una mágica e inquietante banda sonora, bastan para que la adrenalina se te dispare al máximo
y sepas que algo, violento, doloroso, justo y exquisito, va a pasar.
Algo de poesía también hay en ella, no faltan las reflexiones del personaje principal, en diversas ocasiones,
intentando reflexionar, sólo que en ocasiones, la gente no quiere sentarse a escuchar.
Recomiendo esta película al cien por ciento, es una buena oportunidad de dejar salir todas las voces que
llevamos dentro, nos digan lo que nos digan. De soltar las amarras y dejarnos llevar por la marea de
acontecimientos, excitarnos con cada golpe y pedir más severidad en la ejecución, llorar, maldecir, reír.
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ESTRENO 10 OCTUBRE.
“Así nos va”: una comedia insulsa, aburrida y eterna
PATRICIA M. OROL
@PatryOrol
Diane Keaton y Michael Douglas se unen a Rob Reiner (Cuando Harry encontró a Sally, La Princesa Prometida,
Dicen por ahí), para crear entre los tres una comedia clásica. Pero lo único que hacen es llenar la licuadora de un
montón de trozos de chistes, clichés y tramas típicas para mezclarlas y, una vez listo, descubrir que es un brebaje
insípido y horrible y que lo lógico sería volver a empezar. Claro que… no volvieron a empezar y surgió “Así Nos
Va”.
Oren pone en venta la casa en dónde ha pasado toda su vida junto a la mujer que ama. Y sólo la venderá por el
precio que él estipula. Será su último trabajo. Entre tanto, vive en un complejo de apartamentos (que le
pertenecen) junto a personas de clase media. Dos familias jóvenes y una viuda, cantante de bar, que es incapaz
de terminar una canción sin echarse a llorar.
De la nada aparece su hijo quien tiene que entrar en prisión y le deja a su hija de diez años (a la que Oren no
conoce) para que la cuide.
Para empezar, de comedia tiene poco. Eso sí, tiene mucho de ese género comercial que nos venden por comedia
pero que al verla no se te ocurre ni sonreír, porque no puedes, porque simplemente el amago es un insulto al
término “comedia”. Los personajes principales son insoportables. Leah (Diane Keaton) es insufrible y Oren
(Michael Douglas) es un cascarrabias. En definitiva, son insulsos, aburridos y poco empáticos. Además, su
evolución no es verosímil. Pero eso es una de las características primordiales de este tipo de cinta.
Y no es todo: la estructura carece de contenido, solo sostenida por los tres pilares fundamentales de una
narración: inicio, nudo y desenlace. Podría sugerir que con el “nudo” se hiciesen la soga, pero sería pasarme.
Guion común, diálogos vacíos y unos exteriores demasiado estereotipados. Así como los personajes secundarios.
En resumidas cuentas Así Nos Va es la decadencia hecha película que no tiene nada salvo la correcta
interpretación de Douglas y Keaton. Sus escenas juntos, sin duda, son lo único salvable de la cinta. Pero no
todas, pues se hacen pesados, reiterativos y demasiado previsibles. Lo que lleva al espectador a terminar por
aborrecerlos porque, como ya he citado, los personajes carecen de ningún aspecto que los haga apetecibles.
Otro detalle: la voz de Diane Keaton. Y ya no doy más por la película, me planto.
Lo cierto es que no soy capaz de entender por qué dos actores de esta talla se han prestado a esto. ¿No se
leyeron el guion? Tampoco les iba a llevar mucho tiempo. Hora y media de película, insulsa, aburrida y eterna.
Sobre todo eterna. Esos noventa y cuatro minutos espero que sean bonificables en la renta de 2014.
BLOG DE SERIES.
”THE GOOD WIFE” SE EMITE EN FOX LIFE.
“The Good Wife”: mujeres al poder
CARLA LOSADA
@deyre_
La sexta temporada de “The Good Wife” demuestra una vez más la fortaleza y la tenacidad de sus personajes
femeninos. Alicia Florrick y Diane Lockhart progresan personal y profesionalmente, pero no sin esfuerzo. Y es
que la ficción de CBS es una de las producciones que mejor reflejan los obstáculos con los que las féminas se
encuentran en la sociedad contemporánea. Ya desde el irónico título, “la buena esposa”, la serie pone de
manifiesto la lucha continua de las mujeres que la protagonizan, que deben debatirse entre la autorrealización y
lo que se espera de ellas.
En la sexta temporada, Alicia Florrick está en el culmen de su carrera profesional. Después de haber fundado un
bufete de abogados con Cary Agos, la protagonista está a punto de aliarse con Diane Lockhart para formar la
que sería la firma legal más poderosa del país dirigida por mujeres. Se le presenta además una oportunidad
inesperada: convertirse en fiscal del Estado, aunque Alicia es más que reticente a la política. Paradójicamente,
este posible nombramiento se produciría bajo el paraguas de su marido, Peter Florrick, pues a pesar de que la
protagonista ha decidido cesar toda relación sentimental con él, ambos se mantienen juntos de cara al público,
para “mantener la imagen” y por el beneficio que les reporta a su carreras.
Alicia es “Santa Alicia”, la “buena esposa” para la opinión pública. El hecho de que las encuestas en torno a su
posible nombramiento como fiscal del Estado señalen a que recibiría apoyos tanto de las votantes
conservadoras –que aprecian que permanezca junto a su marido- como de otras más progresistas -que valoran
que haya construido una carrera profesional independientemente de su esposo- refleja la tensión abierta a la que
Alicia se enfrenta como mujer. Mientras hay quien apoya su carácter fuerte e independiente, existe un sector
que considera que debe mantenerse dentro de un rol muy definido y limitante. Algo parecido sucede con Diane
Lockhart, que en el momento que decide abandonar su bufete para unirse al de Alicia utiliza como excusa que va
a retirarse para dedicar más tiempo a su reciente marido, una afirmación bastante paradójica en boca de alguien
como Diane, pero que responde a las expectativas que parte de la sociedad tiene de ella como mujer.
Pero a pesar de los obstáculos, los guionistas quieren bien a sus personajes femeninos. No es de extrañar por lo
tanto, que Alicia y Diane formen equipo para rescatar a Cary Agos de la cárcel, acusado de un cargo de drogas
por causa de uno de sus clientes, el traficante Lemond Bishop. A ellas se une la incansable investigadora Kalinda,
para formar un trío de ases que salva a Cary de la prisión. Una línea argumental que da la vuelta a la visión
tradicional del hombre como rescatador de la fémina indefensa. Y al igual que Cary debe recurrir a las tres
mujeres, Peter Florrick tendrá que convencer a su esposa para que se presente a candidata para fiscal del
Estado, lo que beneficiaría su carrera política.
Aunque la sólida construcción de sus personajes femeninos no sea la única razón para ver una serie tan brillante
como “The Good Wife” , es innegable que se agradece ver en televisión a mujeres tan fuertes e independientes,
desafortunadamente, algo que no es tan común en televisión como debería.
BLOG DE SERIES.
“THE HONOURABLE WOMAN ” SE EMITE EN CANAL+ SERIES.
“The Honourable Woman”, la serie que no te puedes perder
JANO
@AEspinoReboredo
¿En quién confías? ¿Cómo lo sabes? ¿Por lo que aparentan? ¿Por qué dicen? ¿Por lo que hacen? ¿Cómo? Todos
tenemos secretos. Y todos decimos mentiras para ocultarlos. Pero a veces, algo sucede que no te deja otra
opción que revelarlos. Dejar que el mundo vea cómo eres de verdad. Tu yo secreto. Pero en general mentimos,
escondemos nuestros secretos de los demás, de nosotros mismos. Y la manera más sencilla de hacerlo es ni
siquiera saber cuáles son. Así que cuando lo piensas así, es asombroso que seamos capaces de confiar en
alguien.
Con esta sugerente reflexión de Maggie Gyllenhaal comienza la que, con permiso de True Detective o Fargo, es
sin duda LA SERIE del año. Así la describen muchos de los que han podido ver ya al completo The Honourable
Woman, una miniserie creada por BBC y Sundance Channel que estrenará en unos días Canal+ Series. Lo hará con
un piloto que se preestrenó este sábado en Madrid, durante la sexta edición del Festival de Series de Canal+.
Este monólogo inicial es toda una declaración de intenciones. Porque la serie creada por Hugo Blick (autor de la
magnífica The Shadow Line) es precisamente eso. Una historia de secretos y mentiras. Una historia en la que
nadie sabe, tampoco el espectador, en quién puede confiar. Y esa es la clave. Al igual que haberla ambientado en
el trasfondo de un conflicto tan candente como apasionante, las relaciones entre Israel y Palestina.
En The Honourable Woman conocemos a Nessa Stein (Gyllenhaal), una empresaria que desde la compañía
heredada de su padre, a quien la OLP asesinó años atrás delante de sus hijos, dedica tiempo y esfuerzo a
promover los procesos de paz en Oriente Medio. Una iniciativa que esconde más de lo que aparenta y que
pronto la sitúa en el centro de una compleja trama política de escala internacional, que la lleva a enfrentarse
inevitablemente a los fantasmas de su turbulento pasado.
Su primer episodio nos presenta a la perfección la trama de este emocionante y laberíntico thriller político que
cuenta con un sólido reparto, en el que sobresalen Andrew Buchan (Broadchurch), Stephen Rea (The Shadow
Line) o Janet McTeer (Daños y perjuicios). Y si a ello le sumas una factura visual excepcional, un guión sin fisuras
en donde todo encaja y una ambientación musical que ayuda a aumentar el suspense y la intriga de la trama, no
es de extrañar que esté despertando tantos elogios.
En el Festival de Series, sin duda, fue una de las grandes sensaciones. No es para menos. Estará seguro entre las
ficciones más premiadas del año. Se lo merece. Algunos la ven como la respuesta inglesa y mejorada a
Homeland. Pero nada más lejos de la realidad. Es mucho más compleja, adulta y perfecta. No le sobra nada. No
hay relleno. Todo lo que cuenta su primer episodio tiene un por qué. Solo tendremos que esperar un poco para
saber cuál es.
BLOG DE SERIES.
“THE KNICK” SE EMITE EN CANAL+ SERIES.
“The Knick”: ¿Preparados para una serie única en su especie?
@tigerlopezreina
El 23 de septiembre mundoplus.tv tuvo la oportunidad de presenciar en exclusiva el preestreno de dos de las
grandes apuestas de Canal + para este año: The Knick y Gotham. Dos series que reflejan la posición de la cadena
de ofrecer todas las series más prestigiosas del panorama internacional.
Esta serie cuenta con un punto a tener en cuenta antes de su visualización: está dirigida por el inestimable
Steven Soderbergh. Ganador de un Oscar gracias a Erin Brockovich y de un Emmy, es el responsable de varios de
los éxitos que han revolucionado Hollywood, como es el caso de Traffic o la saga de Ocean’s Eleven, un director
que es sinónimo de éxito para cualquier proyecto ligado a su nombre y figura.
Y si comenzamos mencionando a Soderbergh, tampoco nos íbamos a olvidar del actor protagonista, Clive Owen.
Un actor con una nominación al Oscar y ganador de un Globo de Oro y un Bafta por su papel en (la
recomendable) Closer. Sabemos de la importancia de este proyecto para Owen, ya que su propia carrera
cinematográfica se ha visto un poco estancada en los últimos años. Hemos de darle un voto de confianza. Su
papel como el prestigioso cirujano John W. Thackery resulta vital para entender el marco de la serie. Un médico
que busca constantemente nuevos métodos para alargar la vida de la gente, mientras debe solucionar su
comportamiento racista y su dura adicción a las drogas (no perdáis detalle de este aspecto del personaje).
Este primer episodio de The Knick arranca con una intensidad latente a cada plano. Hay que señalar su excelente
ambientación, que data del Nueva York de 1900, en una época en la que los medios sanitarios eran mínimos,
donde la mortalidad era bastante alta (durante la serie hacen mención a la esperanza de vida que rondaba entre
40 y 50 años). El marco de la serie transcurre en torno al hospital Knickerbocker, lugar donde se buscaran nuevos
adelantos en el ámbito de la ciencia.
Si nos centramos analizar en profundidad la serie, os podemos decir que el “gore” que radica en las escenas es
demasiado severo para los más sensibles (¡y adorado por los seguidores del término!). Las operaciones son
totalmente creíbles, lo que ofrece una mayor naturalidad de la serie. ¿Sus puntos fuertes? La dirección de
Soderbergh y la actuación de Clive Owen que ya provocan la necesidad de darla una oportunidad a la serie. ¿Los
puntos flojos? Gore para unos cuantos, el escepticismo que genera a los espectadores otra (ya van muchas) serie
sobre médicos y medicina.
La serie se estrenó 27 de septiembre a las 22:30 en Canal+ Series. ¿Estás listo para ver una serie tan irresistible?
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“GOTHAM” SE EMITE EN CANAL+ SERIES.
“Gotham”, toda historia guarda un comienzo
@tigerlopezreina
¿Qué llevo a Bruce Wayne a convertirse en Batman? ¿Cómo era la ciudad de Gotham antes que apareciese este
superhéroe? ¿Cómo eran los villanos de la ciudad en sus inicios? ¿Cómo se forzó la leyenda de esta ciudad? Todos
estos misterios engloban a una de las apuestas más importantes de Canal + en los últimos años.
Basada en los personajes creados por Bob Kane para DC Comics, Gotham se hizo con el premio a la Serie Nueva
más Prometedora en los Critics’ Choice Awards, antes de haberse estrenado. Esta serie, creada por Bruno Heller,
muestra en su totalidad el universo de Batman y los personajes que nos han hecho disfrutar durante décadas.
Gotham reúne varios elementos interesantes. Tiene un toque policiaco y de investigación que le hace muy
interesante (rollo Castle), unos personajes bien caracterizados, una trama que engancha, alusiones a otras series
(sigue la estela de Agentes de S.H.I.E.L.D.) y la ambientación que estamos seguros que encantara a los amantes
de Batman.
La serie se centra en el detective Jim Gordon y en sus inicios en la comisaría de Gotham. Contará con la
inestimable ayuda de su mentor, Harvey Bullock, los cuales tendrán diferentes puntos de vista a la hora de
establecer la ley y el orden en la ciudad. Gordon luchara por solucionar la corrupción y de limpiar la ciudad de
maleantes (muy interesante la aparición del pingüino). Acción y misterio compartirán planos en cada secuencia
de Gotham.
La serie protagonizada por Ben McKenzie (The O.C.) y Donald Logue como Gordon y Bullock respectivamente
tratarán de proteger a un joven Bruce Wayne al que la desgracia le acecha desde muy joven.
Recomendamos esta serie no solo a los fans del Universo Batman, sino a todos aquellos que quieran disfrutar de
un producto diferente, esas personas que estén necesitadas de una serie que les aporte un toque diferente a lo
que vienen acostumbrados los “consumidores compulsivos” de series. La serie puedes disfrutarla desde el 23 de
septiembre en Canal+ Series en VOSE y a partir del 9 de octubre en dual.
¿Listo para descubrir Gotham? e sentaros en
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“True Blood”, hasta la última gota
SUSANA ESCALANTE
@Txutxanita
Así disfruté la serie True Blood y, sobre todo, la última temporada. Vengo con retraso porque la guardé para
degustarla especialmente sin interrupciones y saborearla al máximo.
No es que sea la mejor serie que he visto en toda mi vida, pero a los tarantinos, como yo, nos es difícil encontrar
contenido tan gore de ficción (no me gusta la sangre que puede ser real, como las películas de Charles Bronson)
y esta serie la he disfrutado mucho por el cochinero que han montado a lo largo de sus 7 temporadas.
Y no sólo eso, sino que además han cerrado la historia de manera magistral. Está uno con el moco colgando por
un suicidio por amor cuando se desencadena el último reventón vampiril de la serie, y no se puede más que
mezclar la carcajada con las lágrimas. La heroína ahí, toda triste y cubierta con las vísceras de lo que, alguna vez,
fuera el amor de su vida. Poesía pura!
Sin embargo, mis personajes favoritos fueron otros, todo el tiempo. En primer lugar, Erik Northman, tan frío, tan
despiadadamente atractivo y con toda esa antigüedad en sus hombros. Y, a la vez, tan buen amigo de sus pocos
amigos. Y en segundo lugar, Pam. Es como el ingrediente extremadamente House de la serie. Siempre tiene
palabras desagradables para quien está muriendo o sufriendo delante de sus narices y jamás pierde el glamour.
Real como la vida misma!
Yo creo que estos dos personajes han alimentado, de alguna manera, mis ansias de dejarme llevar en más de
alguna ocasión por mis instintos más primarios y mandar al carajo todas las elementales normas de cortesía que
me enseñaron durante toda mi niñez.
Reconozco que la serie tuvo sus “malos momentos”. Por ejemplo, la segunda temporada y la Comunidad del Sol.
Casi no la soporté, aunque quizá tenga que ver con una experiencia cercana al relato que tuve en mi juventud. Y
una, para mi gusto, sobresaturación de seres sobrenaturales que tuvo, me parece, en la cuarta temporada.
A pesar de eso, creo que no gozaba tanto de una serie desde que vi Fringe. Cada capítulo visto era para mí, como
haberme puesto un chute de alguna droga de esas que dan subidón (no he consumido nunca ninguna y no
pienso hacerlo. Ya el café me sienta mal, de por sí…) y me iba tan contenta y satisfecha a dormir.
Definitivamente, una de esas series que vale la pena coleccionar.
P.D. Si eres de los que te gustan Sonrisas y Lágrimas no he dicho nada.
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“ANATOMIA DE GREY ” SE EMITE EN FOX.
“Anatomía de Grey”, la serie perfecta
SUSANA ESCALANTE
@Txutxanita
No me refiero a que sea la serie con más nivel de las que se han emitido en la historia de la televisión, pero hay
que reconocerle mucho a esta producción. Para empezar, ni más ni menos sus 11 temporadas emitidas.
Yo todavía recuerdo casi con pelos y señales el piloto: Derek y Mer teniendo sexo rápido y desenfrenado y
encontrándose luego en el hospital con que él era el jefe y ella la estudiante. ¿Ya los presentaron? Esteeeeee…
No, creo que no.
La de años que han pasado desde entonces! Admito que, durante un tiempo le perdí la pista y luego me chuté las
temporadas 3, 4, 5 y 6 de un tirón. Cómo lo disfruté! Tanto, que cuando llegué al final del último capítulo emitido
me cabreé por no poder saber qué pasaba después. Se malacostumbra uno a poder seguir la historia.
Una vez “emparejada” con las emisiones en directo, aprendí a disfrutarla a pequeños sorbos. ¿Y por qué
considero que es perfecta? Aparte de lo mucho que ha durado y que ahí me tiene, pegada al televisor, por otras
tantas razones: En un solo capítulo te saca la adrenalina, te hace reír, te hace llorar a mares y te deja satisfecho
con el final. Además, si no has visto el resto de la serie, de todos modos puedes disfrutar de un capítulo suelto.
Por otra parte, los finales y principios de temporada son espectaculares. No sé cómo se han arreglado para
hacerlo así durante 11 temporadas, más las que tienen ya firmadas (no estoy segura si son 11 y 12 o hasta la 13),
pero cada vez que inicia la temporada yo me quedo con la sensación de que me voy a aburrir (porque me parece
difícil que metan más caña de la que ya vi) y termino emocionada hasta los huesos.
Sus personajes son todo imperfección, cometen errores, tienen que pedir perdón. Humanos, vaya. No puedo
dejar de lamentar la partida de Cristina Yang (Sandra Oh), más que nada porque era mi personaje favorito, por
borde, cabezota y chingona (muy buena en lo que hacía). Pero, con todo y eso, quedan todavía muchos
personajes que, en conjunto, hacen de Anatomía de Grey la serie perfecta. Y, parte de esa perfección es que nos
ha enseñado a ser pacientes y esperar a que emitan la siguiente temporada, sin acabarnos las uñas en el
entretanto. Porque, después de 11 temporadas, sabemos que lo que viene a continuación será igual de
emocionante que lo que ya pasó.
Para esta undécima temporada, nos ofrecen la espectacular presencia de Geena Davis. Supongo que, para
compensar la ausencia de Cristina, han tenido que repartir la bordería (me gusta sacarme palabros de la manga)
entre los que quedaban y traer a ese pedazo de actriz como la guinda del pastel de los que no hacen amigos.
Y, como premio si te has leído todas mis alabanzas, aquí te dejo un regalito que me encontré el otro día: “51
cosas que no sabías de Anatomía de Grey” (lo siento, está en inglés. Lo traduciría, pero… Que son CINCUENTA Y
UNA COSAS!!!). Para compensar mi falta de tiempo -y ganas, para qué lo vamos a negar. Aprendan inglés, leches,
que no es tan complicado!-, les adelanto que los únicos actores que han aparecido en TODOS los capítulos de la
serie son Patrick Dempsey y Ellen Pompeo; usan órganos de vaca, grasa de pollo y gelatina roja para las escenas
quirúrgicas, y cerebros de cordero para las escenas de neurocirugía y, por último: Miranda Bailey (Chandra
Wilson) fue el único papel que tenía descripción física: “Rubia pequeñita y con rizos”. XD
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“THE WALKING DEAD ” SE EMITE EN FOX.
“The Walking Dead” vuelve con fuerza en su quinta temporada
SUSANA ESCALANTE
@Txutxanita
Trepidante primer capítulo de la quinta temporada. ¡Por fin! Porque en la cuarta hubo algunos tan lentos, que
creímos que no veríamos más acción. ¡Si la serie va de despedorrar gente, hombre! Vivos o muertos, da igual.
Yo no había visto tanto revuelo con una serie desde Perdidos. Ya sé que los menciono mucho, pero creo que es
inevitable comparar todo lo que ocurre en materia de series de televisión con ellos. En este caso, como
fenómeno mediático y fan. Cada vez que se emite un capítulo, Twitter hierbe de actividad zombie, incluso varias
horas antes. Han traído de gira a los actores, literalmente, por todo el mundo. Me atrevería a apreciar que sólo
los actores de Juego de Tronos les hacen la competencia allá a donde van, y eso más que nada por tema de
localizaciones para filmar, porque ahora están en Sevilla y se nota mucho.
Supongo que también las redes sociales contribuyen mucho a esta masificación mediática de las series y los fans.
Y las productoras están sabiendo sacar jugo de esta situación. Organizan presentaciones especiales, concursos,
entrevistas. Nunca antes los seriéfilos tuvimos tanto material extra como en la actualidad.
No quiero ser dura con los guionistas. Sé que es un trabajo complicado y que producir material audiovisual no es
sencillo, perooooo… La verdad es que, biológicamente, me resulta totalmente incongruente la teoría zombie. Es
decir, suponiendo que verdaderamente fuera posible que los muertos anduvieran deambulando por ahí, ¿por
qué iban a tener semejante obsesión por comer carne fresca? ¿Y por qué sólo comer? ¿Y cómo es que diferencian
entre muertos y vivos, si son tan tontos para todo lo demás? ¿Si están tan putrefactos cómo es que no se
despedorran al primer contacto? ¿Por qué los vivos no se pasaron las primeras 3 temporadas vomitando por el
olor a muerto? ¿Con qué se limpian cuando van al baño? ¿Si están todos contagiados, por qué tienen que cortar el
miembro cuando los muerden? ¿Qué diferencia hay entre ser mordido y esparcirse todas las tripas por encima, a
manera de camuflaje?
Da igual. Como buena tarantina que soy, la serie mola un montón. Yo creo que todavía estoy llena de la
adrenalina que me dejó este primer capítulo de la temporada, y eso que hace ya rato que terminó. De hecho,
pienso en la serie todos los días. La veo por todos lados: en el parque solitario, en la gente que camina por la
calle, en las noticias por el ébola… Es una serie que, a poca imaginación que tengas, consigue ambientar toda tu
vida, por muchas incongruencias biológicas que le pongan. Y ese es el gran trabajo de los guionistas: conseguir
engancharnos a una historia que no se tiene en pie, pero que nos deja sin uñas de todos modos.
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“You’re the Worst”: azúcar no, gracias
CARLA LOSADA
@deyre_
Para los que estamos hartos de las comedias románticas edulcoradas, “You’re the Worst” es el mejor remedio.
Nada mejor que la sitcom de FX, recién renovada por una segunda temporada, para rebajar los niveles de azúcar.
La ficción subvierte los clichés de las comedias amorosas con un resultado hilarante. No es de extrañar, pues,
que la acción arranque en la boda de la ex novia de Jimmy (Chris Geere), un escritor con poco éxito que no
recibe con buenos modos el matrimonio de su ex pareja. Despechado, provoca la incomodidad de la novia con
un discurso de lo más inapropiado, pero conoce a Gretchen (Aya Cash). La chica en cuestión es una relaciones
públicas alérgica al matrimonio con la que comparte una sinceridad aplastante-incluso hiriente- y un sentido de la
sutileza más bien nulo.
Jimmy y Gretchen comienzan en la cama, con una noche de sexo que dista de ser ideal. Los personajes inician
una relación abierta plagada de todo tipo de inconvenientes –desde una indiferencia un tanto ofensiva hasta una
competición por ver quién tiene relaciones sexuales con más ex- que desemboca en una relación monogámica,
pero que no cae en lo convencional.
Los protagonistas, son “lo peor”, como reza el título. Sin ir más lejos, Jimmy es un espécimen dado al pesimismo
crónico al que le encanta aleccionar a todo aquel que esté a su alrededor. Gretchen también tiene sus defectos,
como un desorden que se acerca peligrosamente al síndrome de Diógenes. La serie exagera y da la vuelta a los
clichés amorosos, que cuando parece que se van a cumplir se rompen de manera estrepitosa a través de estos
personajes honestos y desastrosos, pero en cierto modo adorables. No se puede olvidar tampoco a Lindsay, la
mejor amiga de Gretchen, una mujer atrapada en un matrimonio infeliz que desata su instinto sexual con todo el
que no es su marido, y cuyas historias provocan grandes carcajadas.
“You’re the Worst” huye de las consabidas tramas de las almas gemelas predestinadas, de la mujer obsesionada
con la búsqueda del amor y del concepto del matrimonio como solución final a todos los problemas. Una serie
ideal para todo aquel que está cansado de vomitar arcoíris.
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“Star Wars Rebels: La Chispa de La Rebelión”: más de lo mismo…
en una galaxia muy, muy lejana
JAIME CONTRERAS
Ante la próxima llegada del Episodio VII y, una vez acabado el proyecto (en mi opinión fallido) de Clone Wars,
Disney y Lucasfilm nos traen, a partir del 3 de octubre, una serie “nueva” que abarca el periodo entre los
Episodios III y IV, es decir, entre el surgimiento del Nuevo Imperio Galáctico y la Batalla de Yavin, con una nueva
banda de héroes dispuestos a rescatar a la galaxia.
Con ánimo de ser fiel a mi visión como fan veterano de la saga, he de comenzar por decir que lo único nuevo es
el nombre y que, en esta ocasión, han recurrido incluso a los diseños una vez descatalogados de Ralph
McQuarrie para el episodio IV, V y VI, aunque se han esforzado por aparentar y argumentar que ha sido a
propósito.
Y es que, tal y como está planteado, este episodio piloto convertido en película (tal y como en 2008 hicieron con
el piloto de Clone Wars, pero pasando directo a televisión sin proyección en cines), parece que la misma historia
reciclada con otros personajes debe funcionar, o al menos dar para vendernos algo en lo que despliegan toda su
Fuerza con SW7. El episodio está tan lleno de clichés ya usados en previas entregas que llega un momento en
que, lejos de poner atención a la historia, estás más pendiente del origen del comentario gracioso o de la frase
pre-fabricada que de seguir las peripecias que unen a esta peculiar banda de rebeldes.
Pero no todo está perdido. Aunque el hilo argumental es bastante débil (una vez más hay una relación entre un
Padawan accidental y un maestro “Hansoleado” que permanece oculto ante la amenaza de ser descubierto, una
Mandalorian que detrás del casco es una guerrera implacable y parece que por fin hace algo más que caer en un
Sarlaac, un astro-droide semi-funcional que da el toque cómico, una Twi`lek que parece saber más de lo que
aparenta y un alienígena cuyo diseño hizo ya el casting para Chewbacca en 1977 y no pasó la prueba; y el malo
malísimo de turno que sólo da destellos de su maldad al final), los efectos y las escenas de batalla siguen siendo
lo mejor y lo rescatable de esta película. Ver otra vez TIE fighters, soldados imperiales y combates semi-épicos
siempre alegra a todos. En ese apartado, el técnico, han mejorado en relación a Clone Wars, pero no podemos
decir que por ello sea una buena serie.
A falta de ver el resto (inevitable, al ser fan de Star Wars) y de que desarrolle la historia, de comprobar si
estamos ante una nueva etapa en el universo de Star Wars o simplemente han tomado los mismos ingredientes y
les han dado nuevas carcasas, Star Wars Rebels, de momento, es más de lo mismo… en una galaxia muy, muy
lejana.
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Stephen King desafía al pasado
EDURNE TAPIA
@etapiamarquez
Una apacible mañana del 22 de noviembre de 1963, los habitantes de la ciudad de Dallas, en el estado de Texas,
abarrotaban las calles con sus cámaras de fotos y videos para dejar constancia de un día muy especial. Era el día
en el que el presidente de los Estados Unidos, John Fitzgerald Kennedy iba a recorrer sus calles. Los vítores y los
aplausos se contagiaban a medida que el Lincoln negro completaba su recorrido. Familias enteras esperaban
expectantes a tener a pocos metros a uno de los hombres más poderosos del mundo. Pero todo cambió con una
bala. En ese momento, el miedo invadió los rostros de los ahí presentes que buscaban un lugar en el que
refugiarse.
¿Cuántos tiradores hubo? ¿Quién cometió el asesinato? ¿Hubo un titiritero que manejó los hilos de una
marioneta? Ha pasado medio siglo desde entonces, y las teorías de la conspiración no han parado de surgir. Pero,
¿y si no nunca hubiera pasado? ¿Y si alguien hubiera viajado desde el futuro para evitarlo? ¿Cómo sería ahora
Estados Unidos? Un acontecimiento que quedará marcado en rojo en la historia, y que Stephen King, el rey del
terror, ha sabido reescribir en su novela ‘11/22/63’ publicada en 2011. Ya sea porque la leyenda de J.F.K sea tan
alargada que llega a nuestros días o porque todo lo que escribe este estadounidense se convierte en
superventas, J.J. Abrams se pondrá detrás de las cámaras para dirigir la adaptación de este libro que llegará en
forma de miniserie a nuestra pequeña pantalla. Todavía se desconoce la fecha en la que verá la luz, pero con este
dúo, la calidad y las buenas críticas están casi aseguradas.
Jake Epping, un divorciado profesor de inglés de instituto, vive en Maine viendo los días pasar sin que nada
extraordinario le ocurra. Un día como otro cualquiera entra en el restaurante de Al Templeton, sin sospechar que
su mundo se trastocará como nunca antes había imaginado. Al le descubre un portal del tiempo que conduce al
9 de septiembre de 1958, a las 11:58. Siempre a la misma hora y mismo día. Su amigo está obsesionado en evitar
el asesinato de Kennedy, pero su repentina muerte hace que Jake tome el testigo y viaje en el tiempo para evitar
el trágico suceso del 11/22/63.
Parafraseando una de las célebres frases de Forrest Gump, “mama siempre decía que se puede saber mucho de
una persona por sus zapatos. A dónde va, a dónde ha estado…”, los zapatos de Jake mostrarán un largo viaje
por un fragmento de la memoria de Estados Unidos, pero los zapatos de Stephen King tienen la suela gastada de
tanto andar por los platós y decorados que cuentan sus novelas para la televisión. La lista de libros que han
tomado vida al sintonizar la pequeña pantalla es extensa. ‘Los misterios de Salem’s Lot’, ‘Apocalipsis’, ‘Pesadillas
y alucinaciones de Stephen King’, ‘El resplandor’, ‘La cúpula’ o ‘La niebla’. Muchas historias narradas desde el
terror que infunden en el espectador y lector, y que dejan una huella. Una huella proveniente de un hombre que
calza zapatos cómodos y seguros, y de los que no agarrotan las piernas después de una larga caminata por el
suspense.
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Y hasta aquí puedo leer (o visionar)
JESUS DEL VALLE DEL APIO
@jevial
Llega el momento en la vida de una serie en el que tienes que decir basta. Y ese momento, casi siempre, coincide
con su final. Pero no todos los guionistas saben elegir el momento adecuado.
Llega el momento en la vida de una serie en el que tienes que decir basta. Y ese momento, casi siempre, coincide
con su final. Pero no todos los guionistas saben elegir el momento adecuado.
Hago esta reflexión mientras me encuentro en una reflexión televisiva. Es el momento de mi vida que menos
series estoy viendo. Y es porque ninguna me atrae, ni me llama ni nada por el estilo.
Es más, las que llevo tiempo viéndolas, las tengo que dejar, por aburridas y tediosas.
¿Soy yo, o son ellas? Difícil reflexión…
Empecé con Clive Owen, uno de los mejores actores en el panorama americano. Su serie de época no me
interesó lo más mínimo. Que pereza ponerse en pleno siglo XXI a averiguar cómo operaban los doctores en
aquellas fechas. Una menos en la lista.
Seguí con Homeland. Y nada mas visionarlo en el Iplus me llegó un momento reflexivo: “¿Qué hago viendo una
serie política, si nunca me han gustado? ¿Enserio que me he visto las tres temporadas sin rechistar? ¿Es tan buena
como exageran todos?”
Por lo que tanto darle vueltas, he decidido dejarla en el camino. Otra menos en la lista.
Algo parecido ocurrió con Bates Motel, en donde hasta la misma TNT parece que tiene ganas de quitársela de en
medio. Soy fan de Psicosis, pero esto no hay quien se lo trague. Que aburrimiento tan insufrible. Qué manera de
dar vueltas a los mismos temas. Lo siento por Vera Farmiga, pero me bajo en la siguiente parada. Una menos en
la lista.
Y permitirme no mencionar siquiera las palabras “The” y “Bridge”. Solo con escribirlas me provocan bostezos
interminables.
Me quedan dos balas en la recamara. Son los pilotos de Gotham y Fargo. ¿Debería rebajar mis esperanzas? ¿Soy
yo o son ellas?
Fijaros que hasta he vuelto a repasar Médico de Familia gracias al nuevo Yomvi Play de Canal+.
Ver para creer…
Pero ojo, que no todo ha empezado mal.
Siempre tenemos a nuestros frikis favoritos, que tienen la pinta de hacerse empresarios de una tienda de comics
(sería un gran acierto para las tramas).
O a nuestro escritor favorito, Castle. ¿O ya no tan favorito…? ¿Y si finge sobre su desaparición…?
Además, Fox Life ha estrenado al fin la quinta temporada de Glee un año después. Luego hay gente que les da
las gracias en twitter…
Y quiero dejar para el final una serie que no sabía dónde colocarla. Si en la de “Adiós y hasta siempre” o en la de
“seguiré viéndola apasionadamente”.
Se trata de “The Leftovers”. No he entendido nada en los siete capítulos que llevo vistos. Es más, creo que no
suele pasar absolutamente nada en cada episodio que emiten. Pero no puedo dejar de verla. Es como un
“enganche”. Y es demasiado raro.
Quiero ver el final de temporada solo por leer todo lo que se ha escrito sobre el. Que por lo visto, ha sido mucho.
Lo que no sé es si bueno o malo…
Definitivamente, no se cual es vuestro diagnóstico.
¿Soy yo, o son ellas?
¿Hecho bastante de menos a los Gallagher, y a Ryan Hardi como para no dejarme tener mas series que seguir?
Doctor, ¿Qué me pasa?
Pdt: Enhorabuena a Canal+ por su Festival de Series. A los que nos gusta este arte, agradecemos que alguien las
cuide tanto como solemos hacer nosotros.
Y que alguien diga a Iñaki Cano que no vuelva a presentar El Rey de las Series. Para hacerlo así, mejor no hacerlo.
Sinceramente.
BLOG DE SERIES.
“The Hour”: ¿por qué dicen “Mad Men” cuando quieren decir
“The Newsroom”?
ALBERTO G. AHIJADO
@agahijado
Dentro de las numerosas series británicas que cada año llegan a las televisiones procedentes de las islas, el nivel
de calidad siempre es alto, muy alto. No hay demasiadas en los últimos años que puedan despreciarse, sobre
todo para un seguidor de series habitual. Sin embargo, a pesar de esa altísima nota media de todas las que se
emiten, de vez en cuando hay una que destaca sobre las demás, que llega donde otras no osan siquiera imaginar,
o que aporta cualidades insospechadas para el formato televisivo, o para algo destinado, principalmente, al
entretenimiento. The Hour cumple todas y cada una de esas premisas.En origen, el estreno de The Hour en 2011
vino trufado de comentarios comparativos con Mad Men… Ni los inquilinos de Madison Avenue estaba en el
punto evolutivo posterior, ni se había visto la serie inglesa más que en imágenes… Claro, las imágenes de gente
vestida de los años 50 pueden resultar comparables. Comparar lo que esa gente hace o dice, ya es otro cantar.
The Hour es el nombre de un prestigioso programa informativo y de entrevistas en la BBC en los años 50. En su
primera temporada (2011), consigue desarrollar en paralelo el ambiente interno de la cadena y del programa, sus
problemas de gestión, incluso sus “asuntos personales”, con una trama de espionaje de alto nivel (guerra fría,
demasiado reciente la Segunda Guerra Mundial y los bombardeos sobre Londres, y todos esos eventos de la
parte central del siglo), que hace absolutamente inevitable inmiscuirse en cuerpo y alma en la narración y en las
vivencias de los personajes.
La segunda temporada (2012) da un paso más allá y, en lugar de mezclar la investigación periodística con
acontecimientos políticos en modo thriller, como hizo brillantemente en la primera temporada, se lanza al
abismo de la crítica social, racismo, prostitución, y explotación laboral, con una adecuada dosis de trama política
detrás. Los personajes (todos los personajes) dan un paso al frente, se desarrollan en coherencia, pero cada uno
a su modo, y las tramas secundarias (como ocurre con frecuencia en las series británicas) asfixian la atmósfera,
hasta dejarte sin palabras y hasta sin parpadeos, no vaya a ser que se pierda algún detalle significativo.
En la parte argumental, es razonable acordarse de esa serie que iba para leyenda, y se ha quedado en un puñado
de episodios, que es The Newsroom (cuya tercera y última temporada de seis episodios se emitirá en noviembre,
tras dos retrasos anteriores durante el verano). Su creador, Aaron Sorkin, pretendió dar lecciones de periodismo
y, lo que es más peligroso, de moral y educación sociopolítica, y le salió una especie de pantomima demasiado
forzada, en la cual no hay ni un solo personaje que no resulte exagerado, histriónico a su manera, perdido en
tanta regla preestablecida por su creador. La serie en conjunto es agradable de ver, pero nada tiene que ver con
una serie canónica de periodismo realista, lo cual era su intención. Es más un melodrama alimentado por ese
ritmo frenético de las narraciones televisivas de Sorkin, que sirve para ocultar en parte las muchas carencias de la
serie, tanto en fondo como en forma.
Sin embargo, The Hour llega donde The Newsroom solo soñó con llegar. Es una serie capaz de mezclar la
realidad histórica con toda su crudeza (no jugueteando con los tiempos para beneficio de un mensaje
evangelizador), contada por unos personajes coherentes, que crecen y se desarrollan, pero nunca pierden su
razón de ser. Los acontecimientos de la época son narrados con el realismo y el detalle que muestran un trabajo
honesto y bien documentado, pero sin perder la intriga que crea el argumento inventado, ni las aportaciones de
cada personaje en su justa medida. Numerosas nominaciones a diversos premios reconocieron este excelente
trabajo, culminado con el Emmy a mejor guión por la segunda temporada de la serie cuando, paradójicamente, la
BBC ya había anunciado su cancelación.
Ahora precisamente que estamos a escasos días de que clausure sus emisiones The Newsroom (rogamos una
oración por su alma fallida), es un buen momento para que cualquier seriéfilo le dedique unas horas al placer de
zambullirse en una verdadera trama periodística imbricada en la más rabiosa actualidad. Sin sobre actuaciones,
sin paternalismos, sin lecciones de moralina, sin aprovecharse de los hechos para contarlos de modo caprichoso.
Sólo televisión.
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“LOS VIERNES AL SHOW” SE EMITE EN ANTENA 3.
Manel Fuentes: “Como decía Woody Allen, humor es tragedia
mas tiempo”
@tigerlopezreina
Fuimos invitados a la presentación del nuevo programa de Atresmedia: Los Viernes al Show. Es la gran apuesta
de la cadena para dar guerra en el prime time de los viernes, para ello cuenta con los dos showmans más
conocidos de la televisión: Manel Fuentes y Arturo Valls.
Con una gran carrera televisiva a sus pies, estos presentadores se atreven con todo. El programa tendrá mil
registros: entrevistas diferentes, bromas, disfraces, invitados estelares y un punto muy interesante: la
colaboración del público. Estos asistentes podrán sufrir desde bromas a grandes sorpresas (A lo Isabel Gemio).
Os podemos asegurar que este programa tiene muy buena pinta.
Efectivamente, mundoplus.tv quiso indagar en esta presentación y nos dispusimos a preguntar como locos.
mundoplus.tv: Tengo dos preguntas. Habéis comentado de que en este programa haréis entrevistas diferentes,
¿Qué consideráis el término “entrevistas diferentes”? y segunda dirigida a los dos presentadores. ¿Qué
personaje deseáis entrevistar a lo largo de la temporada en este programa?
Manel Fuentes: ”Lo del tema de las entrevistas diferentes, nos amoldamos a los invitados que vayamos a tener
en ese programa. Dependiendo de la persona que vaya a asistir a nuestro programa preparamos la entrevista de
una manera u otra y con unas sorpresas acorde a la persona. Si esta semana viene Melendi o Santiago Segura
con cada uno de ellos haremos algo diferente, cosas específicamente para cada uno de ellos. Habrá algún
recurso que a lo largo de los programas que puede que se repita, intentaremos que no. No es fácil hacer un
programa sin esquemas marcados y donde el trabajo depende de cada programa. Una entrevista diferente y una
entrevista al uso como puede hacer Iñaki Gabilondo no es lo mismo, ya que a Gabilondo le responden unas cosas
y a otros no. Y hasta aquí le puedo hablar, será así o no (imitación de Rajoy)”.
Arturo Valls: “Yo desearía invitar a Bigote Arrocet”.
Manel Fuentes: ”Yo a María Teresa, pero como es de Mediaset no se si me dejaran (risas)”.
mundoplus.tv: Manel, ¿Crees que la televisión en España necesita más programas como Los Viernes al Show y
dejarnos de tanta tontería con el mundo del corazón?
MF: ”No, no, queremos tener la exclusiva nosotros, los demás que hagan otra cosa (risas). Cuando la cadena nos
propone esto, volver a estar juntos y hacer un programa tan artesano, que la verdad es una locura para todo el
equipo. Pero el estar pendiente de pon esto, cambia lo otro… es algo especial, ya que incluso antes de empezar
hay cosas que cambiamos y esa es la fuerza de los dos, que de repente es ¿es esto lo que queréis hacer? Luego se
prueban cosas, hay algunas que funcionan mejor, otras peor…pero también hay un margen del 10 o 15 por
ciento de cosas que tampoco estaban previstas. Cuando esto sea en directo (sus cinco primeros programas son
grabados) es algo que va a pasar muy a menudo. Esa atmósfera es algo que le va a dar algo diferente al
programa. Ir al plato a pasártelo bien y descargarte de tus problemas es algo que agradecer”.
Bonitas palabras dedicó a su compañero Arturo Valls “De Arturo me gusta casi todo. Con él, el humor siempre
está presente”. Les deseamos lo mejor para su programa, que se estrenó el pasado viernes en Antena 3.
Preparaos para pasarlo genial con estos dos locos de la televisión.
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“LOS VIERNES AL SHOW” SE EMITE EN ANTENA 3.
Arturo Valls: “Aprendí más en un año en ‘Caiga Quien Caiga’ que
en tres años de carrera”
@tigerlopezreina
Si tuviésemos que escoger a los dos presentadores mas gamberros de la televisión a la hora de presentar un
programa como Los Viernes al Show lo tendríamos claro: Manel Fuentes y Arturo Valls. Durante la presentación
de esta nueva apuesta de Atresmedia pudimos comprobar el sentido de humor tan gamberro de ambos
periodistas y la línea televisiva que seguirá el programa. ¡Una apuesta segura!
Arturo Valls es una de las personas más carismáticas de la televisión. Comenzó abriéndose paso gracias a Caiga
quien caiga y desde ahí su carrera ha continuado in crescendo. Con innumerables trabajos en televisión, también
ha participado en grandes proyectos cinematográficos (desternillante su papel en Torrente 2) al igual que en
películas como doblador.
Mundoplus.tv tuvo la oportunidad de charlar con este genio del humor y os aseguramos que es exactamente
igual de bromista y de gamberro que lo que veis en televisión. Dio con nosotros y le sacamos sus más íntimos
secretos.
Entrevista a Arturo Valls .
Mundoplus.tv: Hablaste en una entrevista Arturo de que tu mito erótico era Beyoncé. ¿Cuál es tu mito anti
erótico?
Arturo Valls: “Pues es una broma que hice que cogió un peso que no entendí nunca. ¿Mi mito anti erótico?
Ninguno, me gustan todas (risas). Pues mira, Leticia Sabater. Yo era pequeño y me ponía a ver la tele y la veía
decir: “Con mucha marcha”. Me asustaba, me paraba la marcha”.
MP: Comenzaste la carrera de periodismo y tuviste que dejarlo porque conseguiste trabajo. ¿Cómo fue ese
hecho de dejar la carrera y el comenzar a hacer entrevistas en la calle?
AV: “Tu imagínate que estas en tercero de carrera y te llaman del Caiga quien caiga para empezar a trabajar.
Entonces era una situación irrechazable. Se cumple el típico topicazo, que se aprende más en un año de Caiga
quien caiga que en tres años de carrera. La pena es no haber vuelto y haberla acabado. Fui compaginando y fui
intentando sacarme asignaturas pero al final la vida, y el apartado profesional fue lo que me hizo continuar con
la carrera de la vida. No tienes el titulo pero aprendí mucho a manejarme”.
MP: Con invitados como Santiago Segura, como Jesulín. ¿No te hace recordar otra vez tu papel como en
Torrente 2? ¿Cómo fue ese personaje?
AV: “Ese papel me llega por Santiago Segura. En ese momento estoy ya coqueteando con la interpretación y me
parece una experiencia única y así la viví. Hacer de un malo, con patillas, con acento rumano…me lo pase
bomba”.
La participación del público será esencial en Los Viernes al Show. Al terminar la entrevista le afirmamos con
claridad: “como os gusta a ti y a Manel hacer putadas”. A lo que Arturo contestó: Claro que sí, tu imagínate que
soy Isabel Gemio y que te digo, hay un familiar que ha venido a verte después de mucho tiempo sin veros…y le
debes 300 euros”.
BLOG DE SERIES.
“KILLER KARAOKE” SE EMITE EN CUATRO.
“Killer Karaoke” promete diversión y locura a partes iguales
@tigerlopezreina
¿Os imagináis cantar en una urna de cristal rodeado de víboras y tarántulas? ¿Cantar una de vuestras canciones
favoritas mientras dos gordacos grasientos se alían para restregarse contra ti? ¿Sufrir una depilación con cera
mientras tienes el micrófono en tu mano?
Estas son solo algunas de las locuras que nos tiene preparado la nueva apuesta de Mediaset, Killer Karaoke. Este
programa tiene poco que ver con un karaoke convencional; solo hay que ver a sus dos presentadores: Florentino
Fernández y Patricia Conde.
Ambos harán las delicias del gran público y “putearan” a participantes a cambio de hasta 3.000 euros si
consiguen superar todas las pruebas. La dinámica del programa aunque parezca simple, es de una fabulosa
complejidad: ocho concursantes se enfrentaran en tandas de dos mientras cantan melodías clásicas. Eso si,
tendrán que superar pruebas la mar de divertidas.
Mundoplus.tv quiso jugársela y ofrecernos voluntarios para sufrir alguna de estas pruebas. Nos enfrentamos a
nosotros mismos (y al resto de medios presentes) y llegamos a la prueba final. Nunca había cantado Sarandonga
mientras daba vueltas a toda leche en una plataforma rodante, y menos aun había cantado Soy yo de Marta
Sánchez mientras lidiaba con urnas (si, en una había serpientes). Hemos de reconocer lo divertido que es este
programa, tanto para los concursantes como los telespectadores ansiosos por ver estas famosas pruebas.
La dinámica del programa y la diversión que proporcionan estas pruebas son solo algunos de los puntos álgidos
de este programa, que se emite desde el 5 de noviembre a las 22:30 en Cuatro. Aparte de todos estos apartados,
hemos de destacar el tándem: Fernández-Conde. Ambos profesionales del humor suponen un plus para
cualquier programa, comprobada de primera mano la relación simbiótica y la complicidad que tienen ambos
presentadores.
Mundoplus.tv: Bueno, ya que Patricia ha confirmado que participareis en alguna prueba durante esta
temporada, y además me he ofrecido a cantar. ¿Hay alguna prueba del programa que digais, ni de coña la hago?
Florentino Fernández: “Yo si tengo varias pero te voy a decir solo una: Singing in the hell. No es que la odie, es
que la tengo pánico. Creo que esa no la haré durante el programa (risas). Cuando la veas dirás Mama, esa es la
prueba que me dijo Flo durante la presentación del programa. Singing in the hell es una prueba brutal. Hay una
cosa que me encanta del programa y que los directores la conocen, es que los dos minutos y medio que ves a la
persona haciendo su show y sobre todo durante sus primeros treinta segundos cantando, ves como cada poco
tiempo las putadas van in crescendo. Cada veinte segundos ves que les va pasando algo que va a mas y mas. Me
recuerda un poco a la estructura que se trabaja en ficción, cada 20 o 30 segundos tiene que pasar algo para que
el espectador este atento“.
Patricia Conde: “Depende también de la persona. Si por ejemplo una persona en el casting dice que tiene fobia a
las cucarachas, basta con que diga eso para que le pongamos eso en la prueba. Bueno ya sabemos con la
respuesta que ha dado Flo, la prueba que le va a tocar hacer este año (risas). Yo el tema de los bichos cada vez lo
llevo mejor porque me estoy acostumbrando a trabajar con bestias, al final o te aclimatas o te aclimueres. El
tema de los bichos y las cucarachas lo voy llevando mejor porque aquí me noto más protegida hasta si incluso
me muerde una serpiente, sin embargo llego a casa, estoy sola y veo una arañita y me pongo a chillar”.
FF: “Bueno entre serpientes no pasa nada hay que decirlo (risas)”.
PC: “Si venga, y entre zorrillas también (risas)”.
FF: “Es un animal en uno porque ademas de zorra, cobra”.
PC: “La prueba que no haría sería gimnasio pringoso, la de dos señores grandes y pringosos. También que me
cayeran de repente dos kilos de spaguetti boloñesa en la cabeza, no lo llevaría bien (risas)”.
BLOG DE TV DIGITAL.
¡Un, dos, chef! la comida saludable llega a Disney Channel
HENRY
@henry_pedroso
Tuvimos la oportunidad de presenciar lo que será el nuevo programa de cocina para niños, ¡Un, dos, chef!, con
Aimar, finalista de la primera edición de Master Chef Junior y Luis Piedrahita, su avezado pincha, como reza en la
nota de prensa.
Disney nos propone adentrarnos en el mundo culinario, intentando promover la vida sana y se propone el reto
de ir más allá, quiere hacerlo a través de aquellos alimentos que nadie quiere comer. Más allá de todo marketing,
ganancias o publicidad, la idea es muy buena, pero mejor aún, lo es ese chiquillo llamado Aimar.
Reconozco que no vi Master Chef Junior, pero puedo imaginar un poquillo de lo que me perdí, porque ese
chaval, va para crack. Y es que con una naturalidad espantosa, nos va llevando, siempre al lado de su pinche, a
través de unos minutos deliciosos para reír, aprender y disfrutar de la cocina.
Además, cada programa contará con un invitado, a quién supuestamente habrá que convencer para que
apruebe el plato preparado por los anfitriones y el cual, supuestamente, no es del agrado de dicho invitado, y
creo que aquí también aciertan. En el primer capítulo que se estrenará el 17 de octubre, Carlos Latre tendrá que
degustar el plato preparado con col, algo que no le ha gustado nunca. Sobra decir que la diversión con este
señor artista está garantizada.
¿Aprobarán los chavales? os pido que no se pierdan esta aventura, concebida con muy buen criterio para que los
niños aprendan a comer mejor, y de paso echen unas risas con la conducción de un chavalito de ocho años que
parece tener más tablas que un tablado y su pinche, con estos ingredientes el éxito del programa está
asegurado.
Han colaborado…
ALEJANDRO LÓPEZ-REINA
CHEMA ROMAN
PATRICIA M. OROL
JANO
HENRY
SUSANA ESCALANTE
JAIME CONTRERAS
JESUS DEL VALLE DEL APIO
EDURNE TAPIA
ALBERTO G. AHIJADO
Si quieres colaborar…
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