1. ¿QUÉ ES EL ARTE?

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ara mí, el arte no tiene pasado ni futuro. Cuando una obra no consigue permanecer siempre viva, entonces no
merece la menor consideración. El arte de los griegos, de los egipcios y de los pintores de otras épocas, no es un
arte del pasado. El arte no evoluciona por sí mismo, sino que las ideas de las personas cambian y, con ellas,
sus formas de expresión.
P
PICASSO
CONTENIDOS
1. ¿Qué es el arte?
2. Iconografía e iconología
3. La obra de arte en la sociedad
1. ¿Qué es el arte?
2. ¿Crees que para que una obra de arte sea buena ha de representar algo bello? ¿Y ha de ser fiel a la realidad?
3. ¿Consideras que la situación social de cada momento incide en las manifestaciones artísticas?
4. ¿Cuáles pueden ser, según tu criterio, los móviles para la realización de una obra de arte?
5. ¿Piensas que una obra de un estilo o un autor que desconoces totalmente puede desencadenar en ti las mismas sensaciones que otra
cuyo autor o estilo conoces bien?
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1. El arte como expresión humana en el tiempo y el espacio
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Vermeer de Delf: Muchacha con el pendiente de perla. Mauritshuis. La Haya
1. El arte como expresión humana en el tiempo y el espacio
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D E S A RROL L O
DE C O N T E N I D O S
1. ¿QUÉ ES EL ARTE?
No es tarea fácil establecer con precisión qué es el arte. Podríamos decir que el
arte es una necesidad esencial del ser humano, un mecanismo de expresión que
aparece en él desde el Paleolítico Superior.
(El arte) es una actividad por la
cual las experiencias del mundo
sensible percibidas por el artista
según las modalidades del plano
estético se incorporan a una
materia y son llamadas a constituirse en el plano artístico.
Umberto Eco
FIG. 1-1 Degas: Detalle de
Es, además, un lenguaje con un código que el espectador de cada momento conoce y sabe interpretar, por ello, es necesario tener en cuenta los parámetros espacio-temporales en que la obra de arte nace, para llegar entenderla en profundidad y evitar la descontextualización que, en muchas ocasiones, oscurece su interpretación; sería imposible entender el porqué de las pirámides de Egipto si no nos
aproximamos a su organización social o su religión.
Pese a esto, es bien cierto que la obra de arte tiene la capacidad de transcender
estos límites y suscitar emociones fuera de su tiempo. Si no, ¿cómo podemos
explicar el sobrecogedor efecto que aún despiertan en nosotros obras como las
pinturas de Altamira, el Partenón o la Capilla Sixtina de Roma, por citar algún
ejemplo, miles de años después de haber sido creados?
Desnudo rascándose la espalda
FIG. 1-2
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La esfinge de Gizeh. El Cairo
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FIG. 1-3 Jørn Utzon: La Ópera de Sidney
En ocasiones, quizás como fruto del desconocimiento, existe una tendencia a
valorar la obra en la medida en que ésta es un fiel reflejo de la realidad. En
este sentido afirma Pérez de Ayala: «Si el arte fuera tan sólo la copia del natural,
la música no sería arte, la danza no sería arte, el arte literario más alto no
sería arte».
De la misma manera, podemos decir que los cambios más bruscos en la forma de entender el arte se han producido durante los siglos XIX y XX, especialmente en este último, durante el que las dificultades para definirlo, para delimitarlo, se han agudizado ostensiblemente. De hecho, en la actualidad pocos
se aventuran a señalar la orientación que éste ha tomado.
La belleza, concepto cuya concepción fluctúa con el paso del tiempo, ha sido
primordial en muchos momentos de la Historia del Arte, pero esto no quiere
decir que sea el único objetivo de la misma.
El móvil que empuja a la realización de una obra de arte puede ser
la liturgia, la utilidad, un fin funerario, doméstico, etc.
La belleza es, al mismo tiempo,
uno de los conceptos más variables y relativos que existen, modificándose su valoración de forma,
a veces radical, de un período a
otro. Uno de los condicionantes
más importantes de la obra de
arte es la técnica. El desarrollo
de la misma o la aparición de
nuevos procedimientos técnicos
es decisivo.
Desde el punto de vista de nuestro gusto moderno, nos parece
casi imposible que una voluntad
artística positiva pudiera dirigirse
en algún momento hacia la fealdad
y la ausencia de vida. Todo depende de que entendamos, al fin, que
el objetivo del arte no se agota con
lo que denominamos belleza ni
con lo que llamamos vida, sino que
la voluntad artística puede estar
dirigida a la percepción de otras
manifestaciones de las cosas.
Alois Riegl
La especie más noble de la belleza es aquella que no arrebata de
repente, que no hace ataques
tempestuosos y embriagadores,
sino que se filtra despacio, que
lleva a uno consigo, casi sin ser
advertida (...) toma completa
posesión de nosotros y llena
nuestro corazón de lágrimas.
Nietzsche
FIG. 1-4 Cabeza de Hermes.
Museo Arqueológico. Estambul
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FIG. 1-5 Caillebotte:
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La Plaza de Europa en un día de lluvia. Art Institute. Chicago
Por ejemplo, la invención del óleo
supone la posibilidad de reflejar la realidad, las diferentes calidades de los
ropajes de los ricos burgueses flamencos del siglo XV con una fidelidad
asombrosa, prácticamente fotográfica,
que no se podía alcanzar con la técnica
del temple.
De la misma manera sucede en la
arquitectura, por ejemplo, sin las aportaciones constructivas de Juan de
Herrera, habría sido absolutamente
imposible hacer una obra tan colosal
como El Escorial en tan escaso tiempo.
FIG. 1-6
Petra. Jordania
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1. Trata de recordar alguna aportación técnica que haya incidido de manera trascendental en el desarrollo de las manifestaciones artísticas.
2. ¿Es igual el concepto de belleza en el arte prehistórico que en Grecia?
3. ¿Crees que es posible valorar igual una obra de arte de tu época que una que ha sido realizada en la Prehistoria?
4. ¿Cuáles son las principales dificultades que encuentras en el análisis y disfrute de una obra de arte?
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2. ICONOGRAFÍA E ICONOLOGÍA
Estas son las dos ciencias que se dedican al estudio de los
temas figurados que aparecen en las obras de arte. La primera se ocupa del origen y desarrollo de estos temas,
mientras que la segunda lo que hace es penetrar en su significado. Establecer una separación nítida entre ambas es
bastante difícil, en realidad, las dos se complementan.
Panofsky, uno de los padres de la iconografía la define de
la siguiente manera en su obra Estudios sobre iconología:
«La iconografía es la rama de la Historia del Arte que se
ocupa del contenido temático o significado de las obras de
arte en cuanto algo distinto de su forma». Esto supone,
según Panofsky, que la correcta interpretación de la obra
de arte nos debe llevar a un análisis de otras manifestaciones que tienen una incidencia directa sobre la misma:
«El historiador deberá indagar y descubrir las analogías
internas existentes entre fenómenos tan heterogéneos, en
apariencia, como la literatura, las artes, la filosofía y los
acontecimientos sociales, políticos y los movimientos religiosos».
Panofsky estableció, además, un método iconológico que
ilustra lo que hemos señalado:
FIG. 1-7 Miguel Ángel:
Sibila líbica. Capilla Sixtina. Roma
FIG. 1-8 Representación de un apóstol. San Juan de Letrán. Roma
FIG. 1-9 Capital de un manuscrito medieval
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• Descripción preiconográfica: consiste en una descripción de los elementos
que integran las obras, de las expresiones y los gestos de sus protagonistas. Para
este primer paso tan sólo precisamos de la utilización de nuestros sentidos.
• Análisis iconográfico: implica la identificación de las imágenes, las historias
y las alegorías de la obra. Este segundo paso será meramente descriptivo, nunca
interpretativo. Para poder llevarlo a cabo con eficacia es necesario tener un bagaje literario y cultural que nos haya permitido estar familiarizados con estos temas
y, de esta manera, poder clarificar cómo ha variado la manera de representarse
a lo largo de la Historia.
• Análisis iconológico: en palabras de Panofsky consiste en «dilucidar la significación intrínseca o contenido, que se aprehende investigando aquellos principios subyacentes que ponen de relieve la mentalidad básica de una nación, de
una época, de una clase social, de una creencia religiosa o filosófica, matizada
por una personalidad y condensada en una obra». Si en el proceso anterior, analizábamos el origen y la variación del tema, en éste lo que hacemos es penetrar
en el significado del mismo.
La iconografía y la iconología son disciplinas esenciales para la interpretación de
la obra de arte, pero que deben de ir acompañadas del estudio de otros aspectos
de la misma.
FIG. 1-10
Cupido y las perfumadoras. Casa dei Vettii. Pompeya
AC T I V I DA D E S D E E N S E Ñ A N Z A - A P R E N D I Z A J E
1. ¿Qué sabes de Panofsky?
2. Define la iconografía.
3. ¿Qué utilidades crees que tienen la iconografía y la iconología en el estudio y análisis de un cuadro, por ejemplo?
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3. LA OBRA DE ARTE EN LA SOCIEDAD
3.1. La historia social del Arte
En torno a los años 50 surge una corriente de historiadores que se ocupan del estudio del arte en relación con
la sociedad. Es el caso de investigadores como Antal y
Hauser. Éste último es autor de una obra en la que, bajo
el título Historia social de la Literatura y del Arte, hace un
análisis de la manera en que la obra de arte está, inevitablemente, conectada a la sociedad en que se gesta.
En algunos casos, los análisis de estos historiadores
llegaron a ser un tanto excesivos, puesto que se dejaban a un lado otros factores fundamentales de la obra
de arte, especialmente los aspectos formales. Es cierto que el hecho artístico está indisolublemente ligado
al momento histórico que lo ve nacer, pero hay que
contar con la individualidad de su creador, con su personalidad única e irrepetible, sin la cual esa obra no
sería la que es.
Es cierto que el artista nace en el seno de una sociedad, que las obras de arte que lleva a cabo están determinadas por la personalidad del cliente que las encarga al artista pero, junto a esto, se encuentra su propia
creatividad, su libertad y su postura ante el entorno.
La guerra es para Picasso algo execrable como
demuestra en su obra Guernica, mientras que es claramente exaltada por los pintores futuristas, de los
que le separan pocos años. Hauser afirmaba: «Todo el
arte está condicionado socialmente, pero no es definible socialmente. No lo es, sobre todo, la calidad artística, porque ésta no posee ningún equivalente sociológico. Lo más que puede hacer la sociología es referir a
su origen real los elementos ideológicos contenidos en
una obra de arte».
FIG. 1-11 Carpaccio: Detalle de
Simeón en el Templo.
Academia de Bellas Artes. Venecia
3.2. La consideración social del artista
En los diferentes momentos de la Historia el Arte adquiere
una dimensión social diferente que vamos a repasar brevemente en este apartado.
En la Prehistoria el Arte es una especie de rito mágico que
sirve para atraer la caza, un rito que lleva a cabo el artista.
En Egipto los artistas apenas eran tenidos en consideración
y se encontraban muy por debajo de los escribas en la rígida
jerarquía social.
Los griegos y los romanos establecían una distinción
entre artes nobles y la artesanía. Esta distinción, que perdurará durante mucho tiempo, consideraba que aquellas
manifestaciones artísticas que no se vinculaban al esfuerzo físico tales como la música y la poesía, se encontraban
muy por encima de la pintura o la escultura, de carácter
manual.
Por tanto, un pintor o un escultor, en el mundo clásico, estarán siempre por debajo de un poeta o un músico.
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FIG. 1-12 Escultura de
Tutmosis III
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Lo que tan poderosamente nos
impresiona no puede ser, a mi juicio, más que la intención del artista, en cuanto él mismo ha logrado
expresarla en la obra y hacérnosla aprehensible. Sé muy bien que
no puede tratarse de tan sólo una
aprehensión meramente intelectual; ha de ser suscitada también
nuevamente en nosotros aquella
situación afectiva, aquella constelación psíquica que engendró en
el artista la energía impulsora de
la creación.
La idea de que una obra de arte
pueda tener una significación propia, irreductible a cualquier otra,
no asoma en general, en el pensamiento de los sociólogos.
FIG. 1-13 Interior de la
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En la Edad Media el artista no experimentó una mejora en su consideración
social, más bien todo lo contrario. La pintura y la escultura continuaron siendo artes minusvaloradas frente a la poesía o la música, no por su carácter artesanal, como sucedía en el mundo clásico, sino por la prevención que el Cristianismo tiene contra los sentidos y la información y el goce que proviene de
ellos.
El arte, en estos momentos, adquiere una función claramente doctrinal, puesto que la inmensa mayoría de la población no sabe ni leer ni escribir. La manera de enseñar al creyente las verdades de la fe eran los mosaicos en Bizancio
o las portadas monumentales de las iglesias románicas y góticas. El artista
medieval es un personaje anónimo e itinerante que se ajusta de manera precisa a los rigurosos programas iconográficos trazados por el teólogo. A partir
del Gótico comenzaremos a tener noticia de la identidad de algunos artistas,
no en vano este estilo prepara la llegada del Renacimiento.
Durante el Renacimiento se produce un profundo cambio en la mentalidad
que se traduce en la consideración de la actividad artística como una labor de
carácter intelectual.
Freud
Pierre Francastel
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El artista ya no será un artesano, sino que estará más cerca de un intelectual que
conoce en profundidad diferentes disciplinas. Ghiberti, tomando como punto de
partida el libro de Vitrubio De architectura, afirma: «El escultor –y también el
pintor– debe ser adiestrado en todas estas artes liberales: Gramática, Geometría, Filosofía, Medicina, Astronomía, Perspectiva, Historia, Anatomía, Teoría
del dibujo y Aritmética».
Poco a poco, el artista renacentista adquiere el reconocimiento social que nunca antes había tenido. Surge, por un lado, el artista intelectual, encarnado a la
perfección por Leonardo, y por otro, el artista que se distingue con sus excentricidades de los demás seres y que se considera a sí mismo único –«hijo de
Saturno»– representado por Miguel Ángel.
Basílica de San Pedro Vaticano
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El siguiente paso es el Academicismo, que alcanzará su máxima expresión
durante el siglo XVIII. En éste, además de considerarse que el arte es algo que
puede ser enseñado, y por lo tanto, aprendido, se trata de uniformar el gusto
creando un modelo único que surge como una síntesis perfecta de los aspectos
más relevantes de los grandes pintores renacentistas. La tesitura del artista barroco en Flandes, Italia o España por aquel entonces era bien diferente, ya que estaba sometido a la voluntad de la Iglesia, que empleaba el arte como
mecanismo para enfrentarse a las herejías y como defensa y difusión de sus
propios dogmas.
Será en la época contemporánea cuando el artista alcanzará una verdadera
independencia, e inicia un camino que le llevará a tener una mayor libertad y que
llega hasta nuestros días. El arte se convertirá en algo a lo que todo el público va
a tener acceso.
FIG. 1-14 Gauguin:
En la playa. Museo d'Orsay. París
AC T I V I DA D E S D E E N S E Ñ A N Z A - A P R E N D I Z A J E
1. Haz un cuadro en el que recojas los diferentes momentos en la consideración social del artista.
2. ¿Crees que es positivo tener sólidos conceptos de Historia o de Filosofía a la hora de interpretar una obra de arte? ¿Por qué?
3. Comenta el siguiente texto:
La tarea primordial del historiador del arte es entender la obra a la luz de sus propias premisas históricas, ya que el
objeto artístico es a la vez obra de arte y documento de época.
Teorías del Arte
ESTELA OCAMPO
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