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67
Dirección: Rubén Vidal
Dirección de arte y diseño gráfico: Ocimag
Publicidad y márketing: Javier Morán, Sandra Montosa
Redacción: Rosario Muñoz
Contenidos moda: Rosario Muñoz
Contenidos música: Sandra Montosa
Contenidos diseño y arte: Tactelgraphics
Colaboradores: Half Nelson, Vidal Romero, Catalina Isis, Bruno Garca, Agustín Velasco, Marisol
Salanova, Laura Posse, Beatriz Acosta, Álex Braza, Chío Ruiz, Comunica Surf, Nadia Leal,
Nacho Romero, Ana Miguel, Jacobo Sánchez
Portada y staff: fotografía Manu de León, make up Estíbaliz Otero, estilismo Fer Decartaya,
modelo Mari Halang de Uniko Models. Look portada: peto vaquero Diesel, sudadera Reef,
leggings a modo de camiseta Nike, sombrero Brixton
Edición: José Miguel Torrente
Web: Erika Gallo
Distribución: Ocimag
Publicidad: [email protected]
Información: [email protected]. Tel.: +34 962 971 002
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008
OCIMAG #67, trimestral de abril, mayo y junio de 2016. OCIMAG no se hace responsable de las
opiniones o comentarios de sus colaboradores. Queda terminantemente prohibida la
reproducción total o parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta
publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director
www.ocimag.com
Sumario
MODA 4. Vans 50 años. 6. Nike Lab Natural Motion. 8. Noticias moda. 10. Melody Ehsani / entrevista. 38. Wouh / editorial de
moda por Manu de León. MÚSICA 12. Noticias música. 14. Raster Noton / entrevista. 16. Red Axes / entrevista. 18. Suuns /
entrevista. 20. Sónar + D. 22. Tresor. 24. Innercut / entrevista. 26. Ben Klock / entrevista. 28. Moderat / entrevista. 30. Primal
DISEÑO 46. Noticias
ARTE 52. Noticias arte. 54. Wu Zei. 56. Arco
Scream / entrevista. 32. The Orb / entrevista. 34. Shit Robot / entrevista. 36. Nuevos lanzamientos.
diseño y proyectos. 48. Diseño experiencial. 50. Nathaniel Russell / entrevista.
2016. 58. Jonathan Monagman / entrevista. 60. Arte y expos.
VANS
50 AÑOS
VANS CELEBRA SU 50.º
ANIVERSARIO POR TODO LO
ALTO. Y ES QUE SON
CINCUENTA AÑOS DE HITOS
HISTÓRICOS LOGRADOS A
TRAVÉS DEL COMPROMISO
REAL CON UN ESTILO DE VIDA
MARCADO POR LA PASIÓN
POR EL SKATEBOARDING, EL
ARTE, LA MÚSICA Y LA
CULTURA URBANAS.
Texto: Rosario Muñoz. Foto: Archivo Vans
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Medio siglo de historia ha pasado desde
aquel día de marzo de 1966 en una pequeña
ciudad del condado de Orange, California,
en el que los hermanos Van Doren inauguraban un negocio familiar de venta de zapatillas de fabricación artesanal con tan solo tres
modelos disponibles, entre ellos el #44, hoy
convertido en uno de los iconos de la marca:
las Authentic. Convertida en un clásico contemporáneo que se mantiene inamovible
década tras década, Vans ha construido
todo un universo alrededor de su herencia
Off the Wall, y ha marcado una trayectoria
internacional que persiste por encima de
modas y tendencias con un estilo característico, fiel a su filosofía de la libre expresión y
la creación de una cultura única influenciada
por jóvenes de todas las generaciones, los
deportes de acción y el apoyo al arte en
todas sus expresiones a través de plataformas como House of Vans, centro cultural de
la marca en diferentes ciudades de todo el
mundo, y otras iniciativas creadas o esponsorizadas por este clásico de las sneakers.
Para celebrar estos cincuenta años de historia, popularidad y compromiso, el pasado
día 16 de marzo Vans puso en marcha una
cadena de eventos mundiales, desde Nueva
York hasta Hong Kong, pasando por São
Paulo y Mexico D.F., en los que reunió a miles
de invitados bajo la inconfundible bandera
checkboard, icónico print de la marca, a través de distintas acciones: workshops interactivos, instalaciones vintage, exposiciones
retrospectivas y actuaciones inolvidables
con artistas y bandas de estilos muy diver-
sos, que incluyen punk-rock, hip-hop, indie y
electrónica, pues todos estos géneros representan la singular estética musical de Vans.
Así, los afortunados asistentes a cualquiera
de los diez eventos globales que la marca
organizó alrededor del mundo pudieron disfrutar de las actuaciones de artistas y bandas de la talla de Nas, Dinosaur Jr., Wu-Tang
Clan, The Kills, Erykah Badu, Jamie XX y
Dizzee Rascal, entre otras muchas figuras
internacionales. Pero no se vayan todavía,
que aún hay más, porque a lo largo de 2016
Vans organizará una serie de actividades por
todo el mundo, como exhibiciones de skateboarding, conciertos, talleres de diseño y
exposiciones, orientados a potenciar las
comunidades creativas que han apoyado a
Vans durante los últimos cincuenta años.
Para reforzar los grandes fastos del aniversario, la marca ha puesto en marcha la campaña La historia de Vans, como un tributo a su
legado, con un vídeo que destaca los modelos más emblemáticos entremezclados en
una animación compuesta, fotograma a
fotograma, por diferentes técnicas para
representar la celebración de sus cincuenta
años de historia, y cuatro piezas más que
subrayan las formas más emblemáticas de la
expresión creativa de Vans y definen el mantra del estilo de vida Off The Wall. Para estar
al tanto de las últimas novedades de la campaña La historia de Vans, y compartir tu propia historia, sigue el hashtag #Since66.
Porque todos, de una forma u otra, hemos
construido recuerdos con unas Vans de por
medio, y lo que nos queda. www.vans.es
NIKE LAB NATURAL MOTION
EL CALZADO NIKE ES UNA
EXCELENTE EJEMPLIFICACIÓN DE
CÓMO DISEÑO Y TECNOLOGÍA
TRABAJAN AL UNÍSONO CON UN
FIN COMÚN: MEJORAR EL
MOVIMIENTO NATURAL DE LOS
ATLETAS. LOS DESVARÍOS
CONSTRUCTIVOS DEL EQUIPO DE
DISEÑO DE LA FIRMA PUEDEN
VERSE EN LA MUESTRA THE
NATURE OF MOTION, DENTRO DE
LA MILANO DESIGN WEEK,
DONDE SE DAN CITA LAS MENTES
MÁS CREATIVAS DEL DISEÑO, UN
ENCUENTRO INELUDIBLE DONDE
DESCUBRIR LA VANGUARDIA
CREATIVA DEL MOMENTO.
Texto: Agustín Velasco
La Milano Design Week 2016 albergó una
muestra insólita en la que la experimentación en estado puro fue la protagonista. El
proceso innovador no es en ningún caso
determinista, sino que la innovación nace del
desvarío, de hacer posible el sin sentido, de
plantearse preguntas y dar respuestas sin
apego a su practicidad… y de todo ello terminan surgiendo, y depurándose, ideas, conceptos y soluciones que tienen su reflejo en
la vida real y que la mejoran ostensiblemente. No se trata de pensar ‘mejor’ sino de pensar ‘diferente’, arriesgarse y salirse de las
normas. En The Nature of Motion los diseñadores de Nike se plantearon la experimentación del concepto de ‘movimiento natural’
inspirándose en la forma en que la energía
de un atleta se mueve en ciclos: preparación,
ejecución y recuperación. Deseaban aplicar
ese proceso de circuito cerrado a la hora de
desarrollar el calzado, teniendo en cuenta
que los materiales pasan por estados paralelos al del atleta. De esta forma se ha generado una interesante colección de experimentos que tienen en común el uso de la
parte de arriba de unas Flyknit, y que son
una excelente aproximación a cómo se
siembra una idea innovadora de la que germine algo práctico. Por ejemplo, los diseñadores se fijaron en los caminos adoquinados
que se encuentran en los jardines de Taiwán,
y por los que los locales caminan descalzos
a modo de tratamiento de reflexología, y se
dijeron: “¿Por qué no tratamos de imitar esa
sensación bajo los pies incorporando al prototipo a modo de suela unas rocas recogi-
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das en la sede mundial de Nike, cerca de
Beaverton, Oregón?”. O, por ejemplo, se
plantearon crear una densa suela a base de
compilar esferas de espuma de poliuretano
en dos tamaños, de modo que si bien cada
una se comprime independientemente para
contrarrestar el impacto, lo cierto es que el
conjunto reacciona colectivamente para formar un sistema de amortiguación que
amplifica el retorno de energía y anima al
usuario a abrazar la inestabilidad. Y ¿si aplicaran un sistema vibracional que ayudara al
atleta a recuperarse sin dejar de moverse?
Obviamente, el resultado final es una ideaconcepto a la que habría que darle un desarrollo práctico, pero siempre es interesante plantearse lo impracticable para refinar las
ideas. El diseño y la innovación no son ajenos al sentido del humor, como demuestra
que los diseñadores usen a modo de extravagante sistema de amortiguación la colocación de mopas bajo los pies. Hay un mensaje claro que se lanza a los demás contendientes en competición: “¡Voy a limpiar el
suelo contigo!”. Ideas todas que navegan
entre lo conceptual y lo práctico se mezclan
en los insólitos prototipos que desarrollan
los cerebros del laboratorio de diseño de
Nike, capitaneados por Noah Murphy
Reinthertz, líder de diseño sostenible de la
compañía, y Nate Joe, director de diseño de
Nike Sportswear, y por eso en esta muestra
también se invita a jugar al espectador a través de diversos experimentos 3-D que el
visitante disfrutó en la llamada Sensation
Room de la muestra. www.nike.com
NOTICIAS MODA
ITALIAN INDEPENDENT & ADIDAS
LEVI’S SKATEBOARDING SS16
Italia Independent y Adidas introducen una nueva colección de
gafas de sol como resultado de su nueva colaboración. Inspiradas
por la creatividad y el estilo urbano de Adidas Originals, esta
colección de gafas de sol está diseñada en polímero ligero con
toques de goma y detalles inspirados en las prendas de Adidas
Originals. Una colección que representa los valores fundamentales de ambas marcas, con un equilibrio perfecto entre innovación
y tradición, que crea así una moderna gama de gafas de sol diseñadas con métodos característicos de la producción de arte: biinyección e impresión digital. Máxima protección, ligereza, resistencia y flexibilidad. www.italiaindependent.com
Inspirada en los trabajadores apodados Blue Collar Workers, término acuñado en el siglo XIX que se refería a los trabajadores
más humildes del puerto de San Francisco, Levi's Skateboarding
crea una colección atemporal y funcional, en la que prima la
comodidad al más puro estilo work wear. Hoy en día el skate
exige prendas que duren y que permitan la máxima movilidad, al
igual que los Blue Collar Workers. Por eso el gigante mundial de
la industria del jean reinterpreta aquellas siluetas clásicas para
introducirlas y adaptarlas a la escena actual. Levi's Skateboarding
es una línea creada por y para skaters, que combina las mejores
prestaciones a la hora de patinar sin limitaciones. www.levis.com
REEBOK ALIEN STOMPER
HUF X OBEY
Para celebrar el 30.º aniversario de la película dirigida por James
Cameron, Aliens –en España Aliens, el regreso–, Reebok se alía
con Fox para lanzar una reedición del modelo original Alien
Stomper, el modelo utilizado por Sigourney Weaver en el taquillazo del año 1986. La reedición de Reebok incluye una versión
alta y otra baja, y es un sutil guiño al planeta LV-426 de la película. Aliens, el regreso se estrenó en Estados Unidos el 18 de Julio
de 1986, fue número 1 en taquilla y alcanzó unas recaudaciones
increíbles. Actualmente figura entre las diez mejores películas del
género y sus zapatillas entre las más deseadas por los amantes
de la ciencia-ficción y las sneakers. reebok.es
Las pasiones crean lazos de amistad en el tiempo que se convierten en un estilo de vida y cambian la perspectiva con la que uno
contempla su futuro. Es justo el caso de Keith Hufnage y Shepard
Fairey, cuyos caminos se cruzaron durante los años noventa gracias al skateboarding. Años después, sus caminos vuelven a cruzarse para crear una colaboración entre sus marcas, que comparten la filosofía del Do It Yourself con la que se han establecido.
Huf x Obey es una colección cápsula compuesta por las prendas
básicas e indispensables para marcar la diferencia y desenvolverse sobre el patín. Dos iconos unidos para simbolizar la fuerza de
una pasión convertida en un estilo de vida. obeyclothing.com
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NOTICIAS MODA
BURTON SS16
ROXY & COURRÈGES
Una nueva y completa colección de Burton llega con la nueva
temporada primavera-verano 2016 para ofrecernos la oportunidad de vivir toda clase de aventuras sin perder ni un ápice de
estilo. Y es que la colección Durable Goods de la marca presenta
una selección bien pensada de productos prácticos y funcionales, con toda clase de detalles técnicos, formas modernas y prints
atractivos. Diseños funcionales, ligeros y resistentes en prendas
de ropa para chico y chica, accesorios y material de camping, con
estampados superfrescos, colores vívidos y la tecnología textil
más avanzada de la marca especialista en snowboarding, adaptada a los meses más cálidos del año. www.burton.com
Roxy y Courrèges se unen para ofrecernos una colección cápsula
inspirada en la tradición visionaria de la casa francesa y el trabajo
riguroso de la firma deportiva en diseño y producción de prendas
de alto rendimiento. Cada marca ha aportado su savoir-faire para
cambiar la percepción de la moda en las mujeres y potenciar su
belleza real en una colaboración impulsada por la pasión de
ambas firmas por el deporte. Una colección deportiva de alta
gama que combina alto rendimiento técnico y un diseño
excepcional de máxima calidad. La colección está formada por 16
piezas pensadas para el esquí, el snowboard, el running y los
deportes de agua. Go, go, girls! www.roxy.com
WRANGLER SS16
BRIXTON SPRING 2016
Wrangler es un clásico en la industria del denim que se ha mantenido durante décadas a la vanguardia de la innovación de las
prendas jean. Wrangler vuelve esta temporada con su colección
Ready, presentando la línea Active Ready para chico y chica con
un denim cómodo y flexible perfecto para una vida activa, jeans
para el verano confeccionados con coolmax, que emplea fibras
inspiradas en la tecnología deportiva para conseguir un tejido
denim ligero que se mantiene seco a pesar del calor. La filosofía
Born Ready de Wrangler ha inspirado esta colección, diseñada
para proporcionar libertad de movimientos las veinticuatro horas
del día. www.wrangler.es
La nueva colección de Brixton continúa fiel a su filosofía celebrando la autenticidad, lo atemporal y el eclecticismo con una
colección que huele a motor, garaje, salitre y asfalto, y una campaña protagonizada por el mítico Kenny Anderson, los skaters
Brad Cromer y Kevin Coakley, el bike builder Mark Choiniere y el
tatuador Blake Wernli, entre otros, que representan el más diverso life style californiano y la esencia del street wear, con una
muestra de estilos inspirados en la California más retro, con
toques de los setenta para las prendas y los complementos
femeninos y una perfecta selección de piezas inspiradas en el
skate de los ochenta y el indie de los noventa. www.brixton.com
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MELODY
EHSANI
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A PUNTO DE SEGUIR EL CAMINO MARCADO POR LAS COSTUMBRES QUE DICTA LA
ORTODOXIA DE UNA FAMILIA TRADICIONAL PERSA EN CALIFORNIA, MELODY
EHSANI DECIDE DAR UN GIRO DE CIENTO OCHENTA GRADOS A SU VIDA TRAS
SER ADMITIDA EN LA FACULTAD DE DERECHO. SU FUERZA CREATIVA LA EMPUJA
A ROMPER CON UN FUTURO CONCERTADO PARA COGER LAS RIENDAS DE UNA
VOCACIÓN LATENTE. HOY MELODY EHSANI ES UNA DE LAS DISEÑADORAS MÁS
RELEVANTES DE LA ESCENA DEL STREET WEAR FEMENINO Y EL DISEÑO DE
JOYAS. CON UN ESTILO ÚNICO Y CARACTERÍSTICO, FRUTO DE LA FUSIÓN DE
CULTURAS CON TOQUES DEL IMAGINARIO CALLEJERO DE SU CIUDAD NATAL, LOS
ÁNGELES, UN MENSAJE PODEROSO QUE PROMUEVE LA LIBRE EXPRESIÓN DE LA
IDENTIDAD FEMENINA, Y UNA LARGA Y PROLÍFICA TRAYECTORIA DE
COLABORACIONES CON REEBOK, MELODY EHSANI SIMBOLIZA EL TRIUNFO DE
UNA NUEVA VISIÓN DEL STREET WEAR, QUE TRANSFORMA LOS CONCEPTOS DEL
SPORT Y LA SOFISTICACIÓN PARA CREAR UNA SILUETA DIFERENTE,
CONFORTABLE, FEMENINA Y CON CARÁCTER DE SOBRA.
Entrevista: Rosario Muñoz
¿Cómo descubriste que el diseño iba a ser tu propósito en la vida?
Crecí en un hogar con un entorno artístico: mis padres eran pintores.
Yo nunca me vi como una artista, porque para mí la pintura no era
una gran forma de expresión creativa. Yo la veía como una actividad
más técnica: siempre estaba inventando cosas, me encantaban las
cosas hermosas pero siempre tuve una parte bastante práctica. Me
interesaba por descubrir cómo funcionaban las cosas y cómo hacer
que funcionasen aún mejor. Cuando crecí me di cuenta de que estaba bien ver disciplinas como la pintura como algo técnico, pero que
también había otro tipo de creativos, como los diseñadores, así que
me dejé llevar para llegar al rol que estaba destinado para mí. ¿Cómo
ha sido el camino que te ha llevado al éxito como diseñadora con
marca propia? Ha sido bastante increíble. Empecé pronto, con la
oportunidad de trabajar con algunas personas inspiradoras y de
mucho talento a las que admiraba. Por supuesto, ha habido muchos
retos y dificultades a lo largo del camino, pero ninguno de ellos ha
importado, porque al final he encontrado lo que quería. Aunque tus
diseños de ropa y joyería respiran un fuerte aroma a street life, de
alguna manera siempre detecto alguna influencia étnica y ancestral
en ellos. ¿Cuánto ha influido la cultura persa en tu trabajo? Estoy
segura de que crecer en un hogar persa ha ejercido fuertes influencias en mi trabajo, puesto que ha formado parte del tejido de mi sistema de valores y mi formación cultural como individuo. He sido
muy afortunada al crecer rodeada de muchos y muy diversos círculos de personas, y también empecé a viajar muy joven, lo que sin
duda ha contribuido igualmente a la formación de las bases de mi
estética. Nos gusta mucho la filosofía de Melody Ehsani, que empodera la integridad de la mujer y su libre expresión. ¿Cómo apoyas a
la comunidad a través de tu trabajo como diseñadora? Creo que es
importante para las niñas saber que ayudar no significa que tienen
que formar parte de una ONG o una organización de caridad. Todo
eso es maravilloso y puede ser muy gratificante si es lo tuyo, pero el
mejor servicio que puedes darle al mundo es mostrarte tal y como
eres y hacer lo que estás destinada a hacer. Yo estoy involucrada en
diferentes cosas, pero creo que para muchas mujeres lo más importante es que he creado una especie de camino alternativo para mostrarse a sí mismas. Así es como ayudo a mi comunidad: facilitando
una forma diferente de hacer las cosas, haciéndoles ver que, si yo
puedo, ellas también pueden, que sí es posible. ¿En qué tipo de
mujer piensas cuando te enfrentas a la creación de una colección o
una nueva pieza? Pienso en mujeres despiertas o que buscan cómo
despertarse. Mujeres que quieren algo diferente y fresco en el mensaje, pero icónico y clásico en cuanto a la estética. Somos fans de tus
colaboraciones con Reebok. Cuéntanos cómo empezó este proyecto y cómo desarrollas las colecciones, desde las prendas hasta las
zapatillas. Hace tiempo diseñé un zapato para ellos como parte de
un programa que estaban haciendo con un grupo de mujeres.
Quedó muy bien y llamó su atención, así que me hicieron una propuesta de colaboración. Reebok tiene un programa de diseño muy
intenso: todo lo que creamos se diseña con al menos 16 meses de
antelación. Las primeras fases del proceso incluyen desde el storytellling y la fabricación hasta las siluetas y el ajuste. ¿Te marca
Reebok alguna directriz para trabajar? No, son geniales en cuanto a
la confianza que depositan en mí; me dan total libertad para marcar
la dirección que yo quiera seguir a la hora de diseñar. Le hemos
puesto a tus diseños de joyería la etiqueta de ‘street jewelry’. Es
potente, divertida y femenina al mismo tiempo. ¿De dónde te viene
la inspiración para tus creaciones? La inspiración viene de muchos y
muy diferentes lugares: está enraizada en la cultura donde crecí, que
además incluye música, actualidad, naturaleza, etc. Actualmente
existe una clara confluencia entre deporte y street life, y tus diseños
son una perfecta fusión de ambos. ¿Es este el nuevo código estético del street wear? Opino que sí lo es. Es la combinación perfecta
cuando eres capaz de incorporar por igual componentes femeninos
y masculinos en un mismo look. A menudo me encuentro a mí
misma en la sección de ropa masculina, comprando prendas y luego
alterándolas para que se ajusten a mí. En general, creo que las mujeres solo quieren estar cómodas sin comprometer ese sentimiento de
feminidad, sentir que pueden verse guapas al mismo tiempo que
cómodas. Háblanos sobre la iniciativa The Virtues Project, ese
pequeño toque de sabiduría que recibimos con cada newsletter de
Melody Ehsani, y que a mí, personalmente me encanta. En mi opinión, la comprensión de las virtudes más simples es muy importante. Cada vez que aprendo sobre el verdadero significado de una virtud y lo practico, obtengo una mejor perspectiva de mi vida y mis
relaciones. Siempre que encuentro algún tipo de herramienta que de
verdad pueda beneficiar a la gente, me gusta compartir ese hallazgo. Siento que muchas de las personas que apoyan mi marca y son
parte de mi comunidad lo aprecian. No se trata solo de productos y
moda: se trata de qué es lo que los mueve y el amor que hay detrás.
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NOTICIAS MÚSICA
OASIS FESTIVAL 2016
RAZZMATAZZ THIS IS HARDCORE
Oasis Festival es un paraíso electrónico en medio del desierto. La
segunda edición tendrá lugar del 16 al 18 de septiembre en
Marrakech, y hasta la fecha los nombres anunciados comprenden
un line up de infarto: Amine K, Bicep, Booka Shade, B. Traits,
David August, Derrick May, Dixon, Dolan Bergin, Dubfire, Dusky,
Eli & Fur, George Fitzgerald, Helena Hauff, Jennifer Cardini, Job
Jobse, Leon Vynehall, Lindstrøm live, Mano Le Tough, Margaret
Dygas, Maya Jane Coles, Midland, Motor City Drum Ensemble,
Objekt, Omar Souleyman Live, Prins Thomas, Rodriguez Jr. Live,
Sei A, Hunee, Speaking Minds, Tale Od Us y The Black Madonna.
Grandeza sonora en un lugar de ensueño. theoasisfest.com
Un año más regresa This Is Hardcore a Razzmatazz, uno de los
mayores eventos en una de las mejores salas, que se celebrará los
días 16, 17 y 18 de junio con una programación cargada de artistas que revolucionan las pistas de baile de todo el mundo. This Is
Hardcore nos ofrece una programación especial a cargo de sellos
y colectivos internacionales que organizarán sus propias fiestas y
llenarán la casa de invitados de peso. Nombres como Heidi, Josh
Wink, Dave Clarke, Louisahhh, Joefarr, Ben Sims, el B2B de Simian
Mobile Disco y George Fitzgerald o Paranoid London, entre
muchos otros, visitarán Barcelona para llenar el Razzmatazz de
pura vanguardia sonora. www.salarazzmatazz.com
100% PSYCH
ELECTROSPLAH 2016
SON Estrella Galicia presenta 100% Psych, un ciclo de conciertos
creado por Giradiscos y Universalodds, almas máter de algunas
de las programaciones musicales más arriesgadas de nuestro
país. Un ciclo atrevido y avanzado que arrancó el pasado mes de
abril, con fechas hasta el próximo mes de julio, en las que podremos descubrir las propuestas más novedosas de la psicodelia y
el rock progresivo internacionales. Música nutritiva y que aporta
la parte experimental y más oscura del arte musical. Por 100%
Psych ya ha pasado el folk-rock nómada de Melange o el krautrock psicodélico de Gnod, máximos exponentes de esta disciplina musical. Atentos a los nuevas fechas. son.estrellagalicia.com
ElectroSplash vuelve a la carga los próximos 8, 9 y 10 de julio en
la playa de Fora Forat de Vinaròs. Tres días junto al Mediterráneo,
con algunos de los artistas más reconocidos tanto nacionales
como internacionales. Figuras míticas de la escena electrónica
como Âme, Tama Sumo, Hunee, Fred P, Kresy, Fort Romeau,
Bearoid, Skygaze, The Suicide of Western Culture, Benedikt Frey,
XDB, Tama Sumo, Hunee, Edward, Helena Hauff o Eduardo de la
Calle, entre otros. Además, este año ElectroSplash también presentará su faceta más indie con la participación de bandas con
potentes directos del panorama indie electrónico, como Dorian,
Polock o We Are Standard. ¿Quién da más? electrosplash.com
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NOTICIAS MÚSICA
NOCHES DEL JARDÍN BOTÁNICO
RBMA EN SÓNAR BARCELONA 2016
Del 27 de junio al 29 de julio una exquisita selección de artistas
mostrarán sus últimos trabajos y éxitos en directo, en el Real
Jardín Botánico Alfonso XIII, un espacio natural privilegiado en
pleno centro de Madrid. Se trata de un festival multifacético
donde se mezclarán generaciones y estilos, jazz, música brasileña, latina, electrónica o rock y pop, haciendo del eclecticismo su
carta de presentación. Ya se han presentado los primeros nombres: The Lumineers, Rozalén, Quilapayún, Wilco, Toquinho &
Maria Creuza, The Alan Parsons Project, Benjamín Clementine,
M83, Marillion o Robert Plant & The Sensational Space Shifters,
entre muchos otros. www.nochesdelbotanico.com
Red Bull Music Academy vuelve a comisariar, en el festival Sónar
Barcelona, el escenario SonarDôme, en el que será el duodécimo
año de colaboración. Los próximos 16, 17 y 18 de junio, Red Bull
Music Academy vuelve a programar un line up donde los directos de alumnos y exalumnos de la Academy se alternarán con los
de artistas clásicos y afiliados a la institución, siempre teniendo
en cuenta como denominador común la calidad. Jamie Woon,
Club Cheval, Canblaster, Magic Mountain High, Gerd Janson o
Underground Resistance, entre muchos otros, representarán la
pasión por la creatividad musical y la expresión creativa con
visión de futuro. www.redbullmusicacademy.com
DGTL BARCELONA 2016
‘JUNK’, NUEVO DISCO DE M83
La segunda edición de DGTL Barcelona revela el cartel casi completo para los próximos 12 y 13 de agosto de 2016, con una selección sólida de Dj y productores, que han sabido hacerse un lugar
en el podio de la electrónica de calidad a través de distintos estilos y tonalidades musicales. Así pues, este 2016 podemos encontrar cabezas de cartel como Nina Kraviz, Maceo Plex, Âme Dj,
Jamie Jones b2b Joseph Capriati, Pan-Pot, Dixon, Robert Hood,
Marcel Dettmann, Agoria, Gui Boratto, Fort Romeau o KiNK,
entre muchos otros. Todos acompañados por el arte extravagante y futurista marca de la casa, que inundará el Parc del Fòrum
con un look & feel 100% industrial. www.dgtl.es
M83 ha presentado Junk, su esperadísimo nuevo álbum. Tras su
trabajo anterior, Hurry Up, We’re Dreaming –nominado a los
Grammy–, que incluía su exitoso single Midnight City, y dos años
de triunfante gira mundial, Anthony Gonzalez –arquitecto musical de M83, compositor, front man y vocalista–, regresa con una
notable evolución artística y muestra distintas vertientes de sí
mismo. Mientras los anteriores discos de M83 siempre han combinado géneros de manera nostálgica pero provocativa –del
ambient y el shoegaze al synth-pop y el rock alternativo de los
noventa–, en Junk, Gonzalez experimenta con estilos que nunca
había explorado. (Foto: Andrew Arthur). ilovem83.com
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RA STER - N OTO N
OLAF BENDER ES BYETONE, PERO
TAMBIÉN UNO DE LOS FUNDADORES
DEL MÍTICO SELLO ALEMÁN RASTERNOTON, QUE ESTE AÑO CELEBRA SU
VIGÉSIMO ANIVERSARIO CON UNA
SERIE DE EVENTOS QUE, COMO NO
PODÍA SER DE OTRO MODO, VUELVEN
A PONER DE MANIFIESTO LA
IMPORTANCIA DE ESTA
DISCOGRÁFICA EN LA DEFINICIÓN DE
UNOS CÓDIGOS DE SONIDO, DE
DISEÑO Y TAMBIÉN ÉTICOS QUE LA
HACEN IMPRESCINDIBLE EN EL
PANORAMA DE LA ELECTRÓNICA
CONTEMPORÁNEA. A MEDIO CAMINO
ENTRE LA VANGUARDIA DE LA
INVESTIGACIÓN SONORA Y VISUAL, EL
DISEÑO Y EL HEDONISMO DE LA PISTA
DE BAILE, RASTER-NOTON CELEBRA
SU ANIVERSARIO, MUY
POSIBLEMENTE, EN SU MOMENTO DE
MAYOR EXPANSIÓN.
Texto: Half Nelson. Foto: Pere Virgili
¿Podrías mencionar alguno de los momentos más destacados de estos veinte años de
carrera? Es una pregunta muy difícil, pero
intentaré ser preciso. Para nosotros siempre
fueron muy importantes nuestros Electric
Campfires anuales, donde todos los artistas
del sello podían presentar su último material
al público, y gratis; pero también eran una
oportunidad para reencontrarnos, reunirnos,
ensayar, debatir y, por supuesto, también
celebrar y fortalecer nuestra amistad. En ese
sentido, los primeros tours del sello por
Japón tuvieron un significado similar.
También creo que fue muy importante la
colaboración con la Galería de Arte
Contemporáneo de Leipzig a finales de los
noventa, ya que fue nuestra primera oportunidad de dirigirnos a un público más amplio.
Además, muchas futuras colaboraciones
con gente como Scanner, Mika Vainio, Carl
Michael von Hausswolff, Plastikman o
Thomas Brinkmann se gestaron durante
nuestras instalaciones allí. También fue
importante el premio Ars Electronica que se
nos concedió en 2000 en el campo de la
música digital; y también nuestro primer
libro fue premiado como uno de los mejor
diseñados del mundo por la Stiftung
Buchkunst de Fráncfort. Además, también
me gustaría señalar las colaboraciones con
una serie de artistas a los que nos sentimos
muy unidos: Ryuichi Sakamoto, Cosey Fanni
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Tutti o Wolfgang Voigt, por citar solo unos
pocos. Aunque todo eso no es nada comparado con todos los momentos emocionantes
que hemos vivido a lo largo de estos años.
Cuando se inició el sello, ¿creíais que ibais a
durar tanto tiempo? No, nunca se planeó
algo así. El sello era un vehículo para publicar
nuestros trabajos e investigar con nuevos
formatos físicos y sonoros. Es difícil decir
esto sin sonar pedante, pero no queríamos
tener un gran hit, sino simplemente dejar
nuestra influencia para futuras generaciones.
Can fue una banda muy importante para
nosotros, pero nunca tuvieron un hit. Su
ética de trabajo y su talento nos inspiraron a
nosotros y muchos otros para atrevernos a
experimentar: eso es lo que queríamos.
¿Creéis que estáis en el mejor momento del
sello? Es una pregunta muy difícil. Para nosotros el sello siempre tuvo una idea de futuro, de estar continuamente haciendo cosas,
sacando discos, sobre todo los de Carsten y
Frank (Brestchneider); si pensáramos que
nuestro mejor momento es este o que ya
pasó tendríamos que dejarlo, porque queremos siempre progresar y no seríamos
honestos sacando unos discos si creyéramos
que no son mejores que los anteriores. Para
nosotros, uno de los highlights del año será
el showcase de Raster-Noton en el Sónar,
¿puedes avanzarnos algo de lo que estáis
preparando? Para nosotros también será
especial, aunque el showcase de Sónar no
sea algo con un formato superespecial.
Serán tres conciertos individuales de Ryoji
Ikeda, Alva Noto y Byetone, pero que reflejan muy bien la filosofía del sello: son tres de
las caras más importantes del sello. Ikeda
con un show con un concepto muy potente
y muy preciso. Mi set no es tan frío, me gusta
mucho la interacción con el público, es lo
que me gusta de hacer directos. Y Carsten
[Nicolai, que publica como Alva Noto], como
siempre, más digital. Háblanos de esta instalación, White Circle, que ya ha empezado a
funcionar. Sí, este es uno de los eventos centrales de las celebraciones del vigésimo aniversario. Es una instalación de 47 altavoces
que crean un sonido circular y en la que van
a sonar piezas compuestas para la ocasión
por Alva Noto, Kyoka, Frank Bretschneider y
Kangding Ray, y que el sistema interpreta al
mismo tiempo con una combinación de
luces. Podría usarse para shows en directo,
pero la idea original es la de una instalación
de luz y sonido que interactúa por sí misma.
Se inauguró en marzo en la galería ZKM de
Karlsruhe, pero vamos a trasladarla a diferentes eventos a lo largo de este año y del
próximo. No te puedo dar muchos detalles,
pero es posible que se vea en España también. De momento, tenemos confirmado
Londres, Berlín y Tiblisi (Georgia). Entrevista
completa en ocimag.com
RED AXES
AUNQUE SIEMPRE HABÍA
FUNCIONADO COMO UN DESTINO
TURÍSTICO PARA LAS ÉLITES
ECONÓMICAS, HASTA HACE POCO
TIEMPO A NADIE SE LE HABRÍA
OCURRIDO PENSAR EN ISRAEL
COMO UN LUGAR DE
PEREGRINACIÓN ELECTRÓNICA. SIN
EMBARGO, EN LOS ÚLTIMOS AÑOS
HA IDO DESARROLLÁNDOSE UN
INTERESANTE CIRCUITO DE CLUBES
EN LA CIUDAD DE TEL AVIV, A CUYO
CALOR HAN CRECIDO UNA SERIE DE
ARTISTAS Y PRODUCTORES QUE
TRABAJAN CODO CON CODO, QUE
COLABORAN Y SE APOYAN ENTRE
SÍ, CONTRIBUYENDO AL
CRECIMIENTO COMÚN DE SUS
PROYECTOS Y DE ESA JOVEN
ESCENA. UNA ESCENA EN LA QUE
SOBRESALE UN DÚO QUE SE HACE
LLAMAR RED AXES.
Entrevista: Vidal Romero
“Nos conocimos de niños, gracias a los torneos de tenis de mesa que Niv [Arzi] organizaba en su casa, pero la idea de Red Axes no
tomó forma hasta que volvimos de Ámsterdam, una ciudad a la que habíamos ido
como miembros de una banda de formato
más pop, Red Cotton, y en la que descubrimos la música electrónica”. Dori Sadovnik,
cincuenta por ciento de la banda, reconoce
también que “existen un montón de aspectos en lo que hacemos que están heredados
de aquella época” cuando le pregunto por
todos esos trazos de post-punk y new wave,
de pop clásico y art rock, que se adivinan en
el fondo de muchas canciones de Red Axes.
“Es la música que nos gusta y con la que
hemos crecido, así que es normal que salga
a la superficie en muchas de nuestras producciones”. Tel Aviv todavía suena a lugar
exótico para muchos europeos. ¿Cómo es la
escena en la ciudad? Es una ciudad estupenda, con un montón de arte, música y cosas
interesantes sucediendo a todas horas; de
hecho, estamos rodeados de gente con la
que colaborar e inventar todo tipo de ideas
locas. En cuanto a la escena electrónica, si en
el pasado se conocía a Israel básicamente
por la escena Goa Trance, en los últimos
tiempos han aparecido muchos productores
que trabajan en un entorno más cercano al
house o al techno: gente como Moscoman,
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Autarkic, Xen, Uriah o Yotam Avni. ¿Y crees
que haber crecido en un lugar tan ‘aislado’
tiene algo que ver con el sonido de vuestro
proyecto? Con esa mezcla de ritmos mecánicos y líneas de bajo deslavazadas, con
todas esas capas de sonidos extraños en
colisión continua y esos detalles étnicos que
aparecen aquí y allá. En realidad, esos arreglos que llamas ‘étnicos’ están hechos con
un controlador láser que utilizamos mucho y
que tiene un sonido parecido a un theremin.
Cuando escribimos un tema lo normal es
que partamos de algún ritmo sencillo y que
luego vayamos desarrollando capas por
encima, pero no tenemos ninguna regla fija.
Puede comenzar todo con un sample, con
un riff de guitarra o con cualquier idea extraña que se nos ocurra. Vuestros temas suenan también muy directos, como si estuvieran improvisados en el estudio. Solemos
hacer muchas jams en el estudio, tocamos
instrumentos ‘tradicionales’. En mi caso, bajo
y teclados; en el caso de Niv, guitarras y
voces. Y tenemos muchos amigos músicos
que colaboran en las sesiones de grabación.
Nos interesa que la música tenga ese sentimiento de ‘directo’ del que hablas, que refleje de algún modo nuestras sesiones como Dj
o nuestros conciertos, en los que, por cierto,
suelen acompañarnos Abrao cantando y
Yovav en las guitarras. Abrao es vuestro
colaborador más habitual. ¿Cómo os conocisteis? Nos conocemos desde los tiempos
de Red Cotton y forma parte del proyecto
desde el principio: participó en la primera
canción que grabamos como Red Axes,
Caminho de Dreyfus, y en ese momento
supimos que estábamos hechos los unos
para el otro. Y desde entonces no hemos
parado de trabajar: fue el productor de nuestro primer álbum, Ballad of the Ice (I’m a
Cliché, 2014), y ahora vamos a publicar su
primer EP en nuestro sello. Habéis grabado
EP para Correspondant, I’m a Cliché o
Hivern, y cada uno de esos EP encaja en la
estética particular de cada sello. Nunca
hemos podido pensar de esa manera, porque se trata de algo que no ha sucedido.
Enviamos al sello las canciones que tenemos
terminadas y ellos escogen las que les interesan. Acabáis de publicar vuestro primer EP
en Permanent Vacation, Sun, My Sweet Sun.
Las canciones incluyen algunas de las melodías más extravagantes que habéis grabado
hasta la fecha. Las tres canciones que incluye el EP se han grabado en épocas distintas,
pero de algún modo están conectadas.
Cockroaches es la más antigua: la grabamos
en nuestro anterior estudio, que estaba en
mi casa y en el que aparecían muchas cucarachas. Tantas que llegamos a pensar que
venían para disfrutar de la fiesta.
S E L E C C I Ó N
SUUNS
AUNQUE ESTÁN CENSADOS EN
MONTREAL, LOS CUATRO INTEGRANTES
DE SUUNS TIENEN (MUY) POCO QUE VER
CON LA ESCENA DE SU CIUDAD.
HOSCOS, AFILADOS, SUS DISCOS SON
AUTÉNTICAS ANDANADAS DE UN ROCK
ATMOSFÉRICO Y CUBISTA, EN EL QUE
CONVIVEN PSICODELIA, MINIMALISMO,
NOISE-ROCK Y TECHNO. Y, SIN
EMBARGO, Y A PESAR DE QUE ESA
RECETA PUEDA SONAR A EXPERIMENTO
Y COMPLICACIONES, EL RESULTADO ES
EXTRAÑAMENTE MAGNÉTICO:
CANCIONES QUE SE PEGAN AL OÍDO Y
QUE EMPUJAN LOS PIES CON
INSULTANTE SOLTURA. UNA FÓRMULA
QUE EN SU TERCER DISCO, HOLD/STILL
(SECRETLY CANADIAN, 2016), BRILLA
CON MÁS FUERZA QUE NUNCA.
Entrevista: Vidal Romero. Foto: Caroline Desilets
Vuestro primer disco, Zeroes QC (2010), ya
definía a la perfección la manera que tenéis
de tocar: seca, atmosférica, minimalista, punteada con estallidos ocasionales de violencia. Es un estilo que se ha ido refinando a
medida que ibais grabando discos, pero que
en el fondo no ha variado. Creo que es algo
que hemos ido tanteando poco a poco. No
nos gusta sentirnos cómodos mientras hacemos música, no nos gusta que nuestros
oyentes se sientan cómodos mientras nos
escuchan, así que intentamos buscar diferentes maneras de hacer canciones, que no
tengan que ver necesariamente con arreglos
convencionales. Por otro lado, no tenemos
interés en hacernos famosos: estamos en
esto para explorar nuestros propios límites y
crecer como personas, y mientras más
exploramos, más seguros nos sentimos de
nuestras elecciones y más capacidad tenemos para concretar y refinar las ideas que
nos gustan. La mayoría de vuestras canciones parecen enraizadas en una especie de
minimalismo. Quiero decir, están hechas con
pocos elementos, pero esos elementos están en mutación continua a
lo largo de la canción. Lo habitual es que todo comience en
el cerebro de alguno de noso-
tros, casi siempre en el de Ben Shemie; una
idea inicial que luego trabajamos entre
todos, siempre buscando forzar los límites
espaciales, para llegar hasta lugares desconocidos incluso para nosotros mismos. Y a
veces tardamos mucho tiempo en conseguir
ese objetivo: Instrument y Optimist, dos de
las canciones del nuevo disco, han estado
acompañándonos durante varios años antes
de ver la luz. Otro aspecto que me interesa
de vuestra música es que parece trabajar
con muchos elementos contrapuestos: guitarras limpias contra bajos distorsionados,
ritmos mecánicos contra melodías bonitas,
melancolía contra ruido… Es algo que ha
estado presente en nuestra música desde el
principio: la dualidad, partir de ciertos aspectos y confrontarlos con elementos que parecen opuestos. En realidad es solo semideliberado, en el sentido de que muchas de esas
cosas las descubrimos por accidente, después de haber estado dando muchas vueltas
a una misma canción. Pero, como te decía
antes, no nos interesa que nuestro público se
sienta cómodo. Nos interesa que esté excitado y que se sienta provocado. Por último, me
da la impresión de que tenéis una cierta
conexión con la música electrónica, no solo
en cuanto a la construcción de ritmos y
estructuras, sino también en el tipo de sonidos que utilizáis o en la manera en que
muchas de vuestras canciones están mezcladas. Por supuesto que sí. Las cajas de ritmos y los sintetizadores juegan un papel
muy importante en nuestra música, así que
es inevitable que ciertos aspectos de la
música electrónica se cuelen por las rendijas.
De todos modos, cada uno de los miembros
de la banda tiene una relación y una opinión
diferentes acerca de la electrónica, y esa tensión nos permite incorporarla de una manera extraña y, posiblemente, equivocada.
Habéis grabado todas las canciones del
disco en directo, y sin realizar overdubs.
¿Esto se debe a lo que me contabas antes,
que habéis tocado esas canciones durante
mucho tiempo antes de entrar al estudio? En
algunos casos sí, pero no en todos. Digamos
que llevábamos el ochenta por ciento del
trabajo ya realizado desde casa y que el
resto lo hemos terminado en el estudio. Pero
la verdad es que grabamos en directo porque nos gusta sonar como una banda de
directo, que en el fondo es lo que solemos
hacer. Quiero decir, a lo largo del año dedicamos mucho más tiempo a tocar en directo
que a grabar discos. Lee la entrevista completa en www.ocimag.com
Sónar + D
CONSCIENTES DE QUE EL VIRUS
DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA NO
SE HA QUEDADO ENCERRADO EN
EL APRETADO ESPACIO DE UNA
PISTA DE BAILE, SINO QUE
CONTAMINA MULTITUD DE
DISCIPLINAS RELACIONADAS CON
EL ARTE Y EL ENTRETENIMIENTO,
LOS RESPONSABLES DEL SÓNAR
HAN CUIDADO SIEMPRE LAS
ACTIVIDADES PARALELAS DE SU
FESTIVAL PROGRAMANDO
EXPOSICIONES, CONFERENCIAS,
TALLERES Y ENCUENTROS DE
TODO TIPO, QUE ANALIZAN ESA
POLINIZACIÓN CRUZADA Y
AVENTURAN EL FUTURO QUE ESTÁ
POR LLEGAR. DESDE HACE TRES
AÑOS TODAS ESAS ACTIVIDADES
ESTÁN REUNIDAS EN SÓNAR+D
(16, 17 Y 18 DE JUNIO DURANTE
SÓNAR DE DÍA EN FIRA MONTJÜIC),
UN CONGRESO INTERNACIONAL
DE CULTURA DIGITAL Y
TECNOLOGÍAS CREATIVAS QUE
CONSTITUYE UN AUTÉNTICO
FESTIVAL DENTRO DEL FESTIVAL.
Texto: Vidal Romero
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El plato fuerte de esta cuarta edición es, por
supuesto, la conferencia inaugural a cargo de
Brian Eno, y no solo por el estatus de leyenda que reviste al no-músico y productor
inglés, sino porque desde muy joven se ha
preocupado por conceptualizar todos los
aspectos que rodeaban la creación musical,
y por encontrar conexiones entre esta y
otras manifestaciones artísticas, como la pintura, el diseño gráfico o la videocreación. No
es el único pionero que pasará por el congreso: responsable de varios canales de radio de
la BBC, Jeff Smith hablará sobre el futuro de
su medio en la época de la hiperconexión, y
de la necesidad de ver Internet no como un
enemigo, sino como una herramienta que
permite acercarse mejor a los intereses de
los oyentes. Un campo de trabajo cercano al
de Matt Ogle y Ajay Kalia, responsables de
los motores de búsqueda con los que
Spotify gestiona las recomendaciones a sus
usuarios, y Kate Crawford, directora de proyectos de investigación sobre Big Data en
Microsoft. Sobre el manejo de los datos de
manera atípica tratará otra de las secciones
del congreso, Data Powered Art, en la que se
darán cita artistas, colectivos e instituciones
dedicados a interpretar el flujo de datos que
recorre la red para localizar en su interior
nuevas maneras de enfrentarse a la creación,
tanto conceptual como formalmente. Las
visualizaciones creativas de los españoles
Domestic Data Streamers, las experiencias
inmersivas de los norteamericanos Google
Data Arts, las residencias artísticas del CERN
y el archivo público de sonidos espaciales del
observatorio astronómico ALMA forman
parte de un programa en el que destaca la
instalación que levantarán los ingleses
Semiconductor en SonarPLANTA. Las relaciones entre música y espectáculo tendrán
también, por supuesto, un papel protagonista dentro de la cita, con artistas como Jean
Michel Jarre, Alva Noto, Byetone, Lawrence
Lek (responsable de la parte visual dentro
del nuevo proyecto multimedia de Kode9) o
Richie Hawtin, que explicarán la manera en la
que crean sus espectáculos de directo.
Espectáculos que, por supuesto, forman
parte de la programación del festival, al igual
que otros a cargo de Anonhi o James Blake,
que se estrenarán en Barcelona. Pero quizás
lo más interesante dentro de la programación del congreso sea el apartado dedicado
al emprendimiento: esas técnicas y estrategias que permiten conseguir que las creaciones artísticas sirvan para alimentar la cartera
además del espíritu. Un aspecto en el que se
centrarán las conferencias de Matt Clark
(director creativo de la agencia UVA, pionera
en el diseño de escenografías audiovisuales),
Kalam Ali y Vincent Favrat (inversores especializados en el desarrollo de startups creativas) o Bu Vui, director de operaciones de ese
fenómeno de masas llamado Minecraft.
www.sonarplusd.com
TRESOR 25 JAHRE ALT
EL MÍTICO CLUB (Y DESPUÉS SELLO)
BERLINÉS CUMPLIÓ EL PASADO 13 DE
MARZO VEINTICINCO AÑOS DE
TECHNO. FUNDADO EN 1991, APENAS
DOS AÑOS DESPUÉS DE LA CAÍDA DEL
MURO, SU PRIMERA UBICACIÓN EN LA
POTSDAMER PLATZ SERÍA CLAVE
PARA DEFINIR LA FORMA Y EL
CONTENIDO DE LOS CLUBES MÁS
AVANZADOS DE EUROPA. EN LOS
SÓTANOS DE LOS ANTIGUOS
GRANDES ALMACENES WERTHEIM, LA
CÁMARA ACORAZADA QUE ANTES DE
LA GUERRA ATESORABA LOS FONDOS
DE LA COMPAÑÍA PASÓ A
CONVERTIRSE EN EL MEJOR LUGAR DE
LA CIUDAD PARA ESCUCHAR ESOS
EXTRAÑOS DISCOS DE MÚSICA A LA
VEZ EUFÓRICA, INFERNAL, ERÓTICA Y
ESPIRITUAL QUE LLEGABA SOBRE
TODO DESDE ESTADOS UNIDOS.
Texto: Half Nelson
Imagina que una gran cicatriz de solares yermos y edificios abandonados donde ni la
policía ni el ayuntamiento tienen muy claro si
tienen competencia para actuar atravesara
una gran ciudad como Madrid o Barcelona y
dejara un inmenso espacio al margen de la
autoridad y la ley. Así era buena parte del
Berlín oriental tras el colapso del régimen
comunista en la República Democrática
Alemana a la caída del muro el 9 de noviembre de 1989. Si además el local en cuestión
estaba en la zona muerta entre las fronteras
de los dos bloques, donde los edificios eran
derribados para facilitar la visión de los tiradores del este sobre los pobres desgraciados que habían tenido la mala suerte de
encontrar un agujero en el muro o la alambrada, no habría nadie en Berlín que se atreviera a echar a unos jóvenes con sueños
artísticos que tan solo querían un local para
continuar organizando fiestas y pinchando
tras el cierre de su club en el Berlín occidental, el UFO. Dimitri Hegemann y Achim
Kohlberger buscaban un local cuando la
caída del muro les brindó la oportunidad de
aprovechar el enorme espacio libre en el
lado soviético, porque “en Berlín Oeste no
quedaba un puto metro cuadrado libre”,
decía Hegemann en Der Klang Der Familie
(Alpha Decay, 2016), de Felix Denk y Sven
von Thülen. Cuando descubrieron la escalera que llevaba a la cámara acorazada (‘tresor’, en alemán), sintieron “lo que debe sen-
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tirse cuando se encuentra un tesoro azteca”
(Johnnie Stieler, también en Der Klang Der
Familie). Como club, el imponente aspecto
de la sala de cajas de caudales, con el Dj
encerrado tras unos barrotes de acero, las
cajas metálicas todavía presentes, la reverberación del sonido contra el acero y el hormigón, la escasez de luz y el exceso de niebla enlatada, aseguraban a todo el que se
atreviera a entrar una experiencia difícil de
olvidar. Los Dj Tanith, Rok y Jonzon lo vieron
claro: solo el techno más duro y al máximo
volumen podía pincharse entre aquellas
mugrientas paredes. Pronto, toda una generación de productores de Detroit vinieron en
su ayuda. A los pocos meses, en el Tresor
debutó en Berlín el colectivo de Detroit
Underground Resistance, con Mad Mike
Banks, Jeff Mills y Robert Hood en sus filas.
Ellos tres bajo el futurista nombre de X-101
inauguraron el nuevo sello Tresor con un
mítico primer maxi que ni siquiera tiene
número de catálogo. Estamos en octubre de
1991. La popularidad del club se disparó en
un momento de euforia y vacío de poder por
la situación política, mientras que el espíritu
tolerante de la escena electrónica cristalizaba en un club donde no hay barreras para
nadie y los del este y los del oeste se mezclaban sin problemas. Los festivales al aire
libre (Tresor Park, las primeras Love Parade)
pasaron de congregar a unos pocos cientos
a colapsar la ciudad con cientos de miles de
participantes, lo que a la larga provocaría la
desvinculación de Tresor y del resto de clubes pioneros de la ciudad. Casi tan viejo
como el propio género, la alianza entre el
sello Tresor y la segunda generación de
Detroit (a los citados hay que añadir a Blake
Baxter y Eddie Flashin' Fowlkes) perfilará un
techno de sonido perfectamente reconocible, oscuro, musculoso, pero esquemático y
obsesivo que pronto se extendería por todo
el mundo: si no tienes un Tresor en casa es
que no sabes lo que es el techno. También
productores locales que se contaban como
clientes en la noche inaugural del club formaron parte del catálogo: 3MB con Thomas
Fehlmann (Palais Schaumburg, Sun Eletric,
The Orb) y Moritz von Oswald (Palais
Schaumburg, Basic Channel, Maurizio) o 3
Phase con Dr. Motte con el mítico tema Der
Klang Der Familie que ocupó el Tresor 6. El
círculo se cierra de momento con la referencia 262 a pachas entre Juan Atkins y Moritz
von Oswald, con los tres maxis de
Borderland. De vuelta al club, después de
años de renovaciones del alquiler a corto
plazo, finalmente en 2005 la licencia fue cancelada y el local demolido. Dos años más
tarde, el club Tresor se trasladó a su ubicación actual en la Köpenickerstrasse y ahí es
donde los días 21, 22 y 23 julio se celebrará
un festival del que todavía no se han confirmado nombres, pero que a buen seguro
contará con las grandes figuras del sello.
I n n e r c u t
DESDE IGUALADA (BARCELONA) EL
JOVENCÍSIMO ADRIÀ DOMÈNECH SE
PREPARA CONCIENZUDAMENTE
PARA DAR EL GRAN SALTO AL
FORMATO LARGO. DESPUÉS DE
DEBUTAR EN EL SÓNAR EL PASADO
AÑO, CONTINÚA TRABAJANDO
PARA PERFILAR SU SONIDO, QUE EN
MUY POCO TIEMPO HA BASCULADO
DESDE EL POST-DUBSTEP
BOMBÁSTICO A LO HUDSON
MOHAWKE, HACIA UN POP
ELECTRÓNICO CON MAYOR USO DE
LAS VOCES. PESE A QUE PUEDA
PARECER QUE SU ACTIVIDAD SE HA
DETENIDO, ENSEGUIDA PODREMOS
COMPROBAR COMO EN SU ESTUDIO
CASERO NO PARA DE PREPARAR
TEMAS Y QUE TAN SOLO NECESITA
UN PEQUEÑO EMPUJÓN PARA
EMPEZAR A DEMOSTRAR QUE YA
ESTÁ MÁS QUE PREPARADO.
Texto: Half Nelson. Foto: Ruben 242
Después la repercusión del EP Hidden
Places que colgaste en Soundcloud el año
pasado, decías que ibas a sacar otro EP
antes de atreverte con un LP. [Risas] Sí, dije
eso, pero no quería decir que fuera a publicarlo inmediatamente. Lo que quería decir
es que estaba muy contento con haber
completado el EP justo antes de actuar en el
Sónar Village, pero que sentía que aún me
faltaba mucho para desarrollar un sonido
propio. Entonces, la actuación en el Sónar
fue la excusa para sacar el EP… Sí, desde el
momento en que me lo confirmaron estuve
trabajando los temas para acudir al Sónar
con algo de más entidad. Quería hacer un
directo y no una sesión, y vi que si preparaba algún tema más podría completar un
buen concierto. Veo que has colgado muy
pocas cosas desde entonces. ¿Las estás
reservando? Sí y no. He seguido produciendo temas y estoy muy contento con ellos,
pero aún me falta un nexo en común para
poder presentar un trabajo coherente. He
enviado cosas a sellos porque tengo muchas
ganas de seguir publicando, pero aún no hay
nada concreto. Sí que te puedo confirmar
que en breve saldrá un remix para una banda
francesa. La verdad es que tengo mucho
material, no paro de hacer temas, pero me
estoy tomando con calma el ofrecerlos a los
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sellos y encontrar el vínculo para acabar de
redondear un maxi o un EP. ¿Y en qué línea
van esos nuevos temas? Hay de todo. Hay
cosas más contundentes como mis primeros
trabajos, pero también noto que cada vez
me interesan más el pop y la incorporación
de voces, aunque eso es añadir más complicación al proceso. En todo caso, nunca lo
planifico por adelantado. Empiezo a trabajar
en una idea a partir de un sample generado
por mí mismo o copiado de otra fuente, y el
tema se va desarrollando. En unas ocasiones
el tema sale más bailable y en otras más
melódico, no hay una explicación. Es todo
bastante instintivo, no tengo un estilo predeterminado. Para mí está bien, pero entiendo
que un sello prefiera sacar un disco con una
cierta coherencia, no que cada tema sea
diferente. ¿Trabajas con hardware o con
software? Sobre todo con software, aparte
de alguna guitarra para generar sonidos. De
todos modos, el tema de los sintetizadores
analógicos es muy interesante, y tengo
muchas ganas de trabajar con ellos, pero
ahora mismo no es posible. La ventaja del
digital es que, una vez tengo los sonidos,
puedo trabajar con el portátil en cualquier
sitio. ¿Originas tú mismo los samples?
Depende. A veces parto de un sample propio, pero si veo que el tema funciona con un
sample externo no me preocupo en reproducirlo. De todos modos, depende mucho
del tema. En ocasiones todo está muy manipulado y en otras está tal como lo capturé.
En el EP, de cuatro canciones dos tenían
colaboraciones. De cara a futuros trabajos,
¿sigues con esa idea? Tengo que reconocer
que ahora mismo siempre añadiría voces a
mis beats. En el caso concreto del EP, tenía
muy claro que tenía que añadir voces. Así
que envié los beats de Overcome a Bearoid
y, a distancia, intercambiando ficheros, acabamos el tema. En cambio, para Without U
DryRain sí que vino al estudio a grabar sus
voces porque también es de Igualada. O sea
que es como si fueras un productor de hiphop: tienes tus beats preparados para ofrecérselos a los cantantes que te apetezcan.
Sí, un poco sí. Vengo de la cultura hip-hop y
estaría bien hacer algo así. En el caso de
Without U fue diferente porque fue una verdadera colaboración en el sentido de trabajar juntos en el estudio. En el resto de casos,
siempre ha sido trabajando a distancia: o yo
enviaba la base o me enviaban la pista de
voz como en el caso de una remezcla como
la de Duality [feat. Alex Markousis] de
Musemesis. Me gustaría mucho hacer algo
con una conexión más cercana, que un cantante venga al estudio y trabajar juntos.
BEN
KLOCK
SENTADO EN EL TRONO DE LA
RESIDENCIA DEL BERGHAIN BERLINÉS
JUNTO A MARCEL DETTMANN, BEN
KLOCK ES UNO DE LOS DJ MÁS
RECONOCIDOS DEL MUNDO. SUS
EXTRAORDINARIAS SESIONES DE
CINCO HORAS O MÁS SUPONEN UN
HITO DE RESISTENCIA Y
CONCENTRACIÓN, PERO LO SUYO NO
ES TAN SOLO UN CASO DE RÉCORD
GUINNESS: SU TRABAJO METÓDICO Y
SU INSTINTO A LOS PLATOS HACEN DE
SUS SESIONES UNA EXPERIENCIA
INELUDIBLE. ADEMÁS, SUS
ESPORÁDICAS PRODUCCIONES SON
REFERENTES Y SU TRABAJO DE
CANTERA EN SU PROPIO SELLO,
KLOCKWORKS, LE CONVIERTEN EN
UNA DE LAS FIGURAS CLAVES DEL
TECHNO DE LOS ÚLTIMOS AÑOS. EN EL
SÓNAR, PRESENTARÁ EN EXCLUSIVA
THE WAREHOUSE PROJECT JUNTO A
LA ARTISTA VISUAL HELEEN BLANKEN.
Texto: Half Nelson
¿Cuando pinchas menos de cinco horas no
te da la sensación de dejarte cosas en el tintero? No, normalmente no. Hay gente que
cree que solo hago sets muy largos, y eso no
es del todo cierto. Normalmente pincho dos
o tres horas. Por ejemplo, este fin de semana
tengo cinco sets seguidos: si pinchara seis
horas cada vez me faltarían horas para completar mi agenda [risas]. El único set muy
largo será con Marcel (Dettmann): pincharé
siete horas en Ámsterdam, en el festival
Awakenings. No tengo ningún problema en
hacer shows más cortos y adaptar mi estilo.
Es cierto que me gusta mucho explicar una
historia, dirigir a la audiencia a lo largo de
siete o de diez horas, pero eso también
puede hacerse en dos o tres horas, solo que
más comprimido y condensado [risas]. ¿Por
qué empezaste a hacer esos sets tan largos?
Fue algo muy natural. Cuando empecé a
pinchar, en mi primera residencia en un club
en los años noventa pinchaba todos los martes de doce de la noche a siete de la mañana. En Berghain sí que es verdad que la cosa
se me va de las manos. Alguien viene y me
dice: “¿Sabes qué hora es?”, y yo contesto:
“No, ni lo quiero saber” [risas]. En cuanto sé
la hora que es empiezo a pensar: “Oh, Dios
mío, llevo ocho horas pinchando…”, y entonces me entra el cansancio. Si no sé la hora
que es podría estar mucho más tiempo, sin
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ningún plan ni límite. En tus sesiones, te
gusta mezclar novedades con temas algo
más clásicos. ¿Tienes algún tema que siempre llevas encima y que solo pinchas cuando
la sesión es extraordinaria? Hhhhhhmmm,
me gusta pinchar clásicos, pero hay cosas
que yo no puedo pinchar. Hay cosas que son
demasiado obvias y que solo pincharía si se
dan las condiciones: en un acontecimiento
especial o si estoy con mis amigos. ¿Qué
escuchas cuando no escuchas música electrónica? Suelo escuchar música cuando conduzco en Berlín. Tengo un CD en el coche
que escucho continuamente durante un par
de semanas y después lo cambio. El último
ha sido un CD del Requiem, de Mozart.
Quizás es música algo deprimente pero
también muy bella, como si la hubiera escrito Dios directamente. Cuando voy en tren o
en avión normalmente escucho temas nuevos para incorporar a las sesiones, y si ya he
acabado la selección simplemente disfruto
del silencio [risas]. Estoy constantemente
rodeado de música a un volumen muy alto,
así que me gusta escuchar el silencio de
cuando en cuando. Hablemos un poco de
tus propios proyectos. He leído que estabas
muy interesado en producir usando sintetizadores modulares. Sí, en enero y febrero
me tomé algunos días libres, algo que suelo
hacer normalmente, pero esta vez estuve en
el estudio trabajando en un nuevo disco que
saldrá en septiembre. Será mi primera publicación en mucho tiempo. Realmente estoy
ahora mismo muy obsesionado con los sintetizadores modulares: los últimos seis
meses los he pasado buscando cosas en
eBay o por ahí, y mis cajas de modulares
cada vez son más grandes [risas]. Es necesario algo de tiempo desde que empiezas a
manipularlos hasta que empiezas a obtener
música, o al menos algo que se le parezca.
Como mi tiempo es bastante limitado, disfruto mucho cuando tengo un rato libre para
dedicarme a los cacharros. ¿Ya sabes quién
editará el disco? ¿Klockworks, Ostgut Ton…?
Prefiero no decir nada por el momento
[risas]. En España se ha publicado la traducción de Der Klang Der Familie (Alpha Decay,
2016) de Felix Denk y Sven von Thülen sobre
la escena electrónica berlinesa inmediatamente después de la caída del muro. No lo
he leído todavía, pero me interesa mucho. Yo
vivía en Berlín occidental antes de la caída
del muro y la encontraba muy aburrida. La
caída del muro fue un soplo de aire fresco
porque aparecieron muchas propuestas
excitantes. Yo escuchaba todo tipo de música, aunque estaba un poco saturado, pero
en esa época fui a muchos de esos primeros
clubes y fue cuando me enamoré de esta
música. Me impactó de lleno.
MODERAT
LO QUE COMENZÓ COMO UN DIVERTIMENTO, EL RESULTADO DE JUNTAR A VARIOS
AMIGOS EN UN ESTUDIO PARA VER QUÉ SUCEDÍA, HA TERMINADO POR CONVERTIRSE
EN UNA BESTIA TAN GRANDE QUE INCLUSO AMENAZA CON DEVORAR LA CARRERA DE
SUS COMPONENTES. MODERAT, EL PROYECTO AL QUE MODESELEKTOR Y APPARAT
DIERON FORMA EN 2009 (DESPUÉS DE UNA PRIMERA INTENTONA, A MODO DE
MAXISINGLE, EN 2003), ALCANZA SU MAYORÍA DE EDAD CON UN TERCER DISCO
PENSADO ANTES PARA LA ESCUCHA CASERA QUE PARA EL DISFRUTE EN EL CLUB. UNA
COLECCIÓN DE CANCIONES INTROSPECTIVAS Y DELICADAS, EN LAS QUE EL FORMATO
DE CANCIÓN POP SE ESTIRA PARA ALCANZAR TERRITORIOS DESCONOCIDOS, AL MENOS
DENTRO DEL VOCABULARIO HABITUAL QUE MANEJABA EL TRÍO HASTA LA FECHA.
Entrevista: Vidal Romero. Foto: Flavien Prioreau
“Al principio no sabíamos muy bien cómo sacar adelante nuestra
colaboración y probábamos cosas diferentes, así que Moderat I
(2009) consiste en gran medida en Modeselektor y Apparat remezclándose entre sí” . Desde su estudio en Berlín, en un descanso de
los ensayos para la gira de la banda, Sascha Ring explica cómo ha
cambiado la manera de trabajar de Moderat desde aquellos primeros días: “Fue después de tocar juntos durante algún tiempo cuando comenzamos a sentirnos como una banda auténtica, y eso nos
permitió dar forma al segundo disco de una manera más colectiva,
pero ha sido con Moderat III (Monkeytown Records, 2016) cuando
por fin hemos alcanzado la confianza suficiente como para escribir
canciones de una manera más ‘tradicional’. Por supuesto, para llegar
hasta aquí hemos tenido que grabar mucha música de un modo más
espontáneo, con jam sessions e improvisaciones que nos han permitido descubrir nuestras virtudes y nuestras carencias”. Después de
escuchar Moderat III, lo primero que me ha llamado la atención es
que no contiene muchas canciones de baile. Se trata, más bien, de
una colección de canciones de tono íntimo, mucho más apropiadas
para escucha casera que para bailar en un club. En realidad, Moderat
nunca ha sido exactamente un ‘proyecto de club’, pero es cierto que
este disco ha terminado por convertirse en una criatura muy introvertida, al menos desde mi punto de vista. Y digo esto porque no
todos dentro de la banda comparten esa percepción, y eso es lo
interesante, que al final somos tres caracteres diferentes que se unen
para trabajar juntos. Y, bueno, también nos preocupa que la música
que hacemos sea capaz de revolver algo en el interior de la gente,
algo profundo. ¿Ha tenido algo que ver, en ese cambio de estado
emocional, el hecho de que cada vez tocáis menos en clubes y más
en festivales, con el necesario sentido del espectáculo que este salto
conlleva? Teniendo en cuenta el tipo de locales y festivales en los
que estamos tocando, creo que lo último que deberíamos hacer es
discos con sonido íntimo. Pero la verdad es que no nos paramos
demasiado a pensar en qué sucede con nuestras canciones una vez
que abandonan el estudio y llegan a la calle. Cuando haces música
tiendes a meterte en una burbuja que te aísla del mundo exterior,
algunas veces demasiado. También tengo la impresión de que exis-
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te una sensación de continuidad a lo largo del disco, con algunas de
las canciones creciendo de manera natural a partir de las anteriores
para establecer un cierto sentido de la narrativa. ¿Era esa la idea, trabajar en algún tipo de concepto a nivel sonoro-literario? Siempre
nos ha interesado trabajar el formato de álbum desde una perspectiva narrativa, que sirviera de algún modo para contar una historia. Y
no quiero decir con esto que seamos gente superconceptual, porque lo que hacemos suele venir antes del vientre que del cerebro,
sino que mientras estamos grabando siempre aparece una especie
de línea roja que te marca la dirección hacia la que tiene que dirigirse el disco. Es en ese momento cuando te das cuenta del tipo de
material con el que estás tratando y la manera en la que tienes que
dejarte llevar para darle una forma apropiada. La pregunta anterior
se refería, en parte, a una cosa que comentáis en la nota de prensa:
que entrasteis al estudio sabiendo exactamente lo que queríais
hacer. Y ese “exactamente lo que queríais hacer” es lo que me interesa, sobre todo porque tu voz tiene tanta presencia en el disco que
en muchas ocasiones funciona como un auténtico centro de gravedad. En realidad, lo que teníamos claro es que necesitábamos mejorar la forma en la que están estructuradas nuestras canciones.
Queríamos que fueran más complejas, pero también que al mismo
tiempo resultaran más desnudas, sobre todo en los arreglos y capas
de sonido. De algún modo, queríamos alcanzar el núcleo de cada
canción y quedarnos solo con eso. Y creo que esa obsesión es el
motivo principal de que hayamos tardado un año en grabar el disco:
dedicamos muchos meses a buscar maneras de decir lo mismo con
menos. Algunas de vuestras letras tienen espíritu político. ¿Os preocupa todo lo que está sucediendo en Europa? De hecho, hay una
canción del disco, Reminder, que estuvo a punto de titularse Europe,
y es una de las canciones más oscuras que hemos escrito. Así que sí,
por supuesto que nos preocupa todo lo que está sucediendo. Son
tiempos muy duros, y todo apunta a que serán aún más duros en el
futuro. Sobre todo porque hemos tenido la extraña suerte de vivir
durante varias décadas en un mundo en el que no existían grandes
tensiones ni preocupaciones. Solo tienes que fijarte en lo increíble
que fue la década de los noventa, al menos para los europeos.
En este sentido, tengo la sensación de que muchos de los instrumentos y sonidos escogidos están ahí para subrayar las emociones que
transmiten las letras, como si se tratara de ‘espejos sónicos’ o de las
distintas escenas de una misma película. Es cierto que existe una
mayor atención a lo que dicen las letras, y que eso se refleja en la
música de algún modo. Aunque si le preguntas a Gernot te dirá que
no es su caso, que él intenta abstraerse por completo del mensaje.
Por ejemplo, The Fool comenzó siendo una canción totalmente distinta, con una letra mucho más larga y una melodía diferente, pero
Gernot se limitó a coger una única frase y a construir desde allí una
canción completamente nueva. Es algo que no podríamos haber
hecho si primáramos el mensaje por encima de todas las cosas, y me
parece algo positivo e intrínseco a la manera que tenemos de trabajar: cada uno de nosotros percibe cosas distintas en cada canción.
Otro aspecto que me interesa mucho de Moderat III es el cuidado
que habéis dedicado a la dinámica del disco. En una época como
esta, en la que parece que todo el mundo intenta sonar más fuerte
que las demás bandas, se agradece que alguien dé más importancia
al detalle sonoro que a la pura fuerza física. Sin embargo, ¿no crees
que esta decisión os pone en desventaja en un universo dominado
por el streaming y las escuchas a través de aparatos de mala calidad? La verdad es que hemos hecho tres másteres diferentes, con
idea de sonar potentes en los distintos formatos, pero sin perder ese
aire introspectivo del que hablábamos antes. Por desgracia, hoy es
prácticamente imposible grabar un disco ‘silencioso’ si tienes expectativas de sonar en la radio, así que hemos intentado buscar una vía
intermedia. Algo que ha sufrido en particular nuestro masterizador,
Bo Kondren, al que le pedimos que el disco sonara íntimo, pero que
al mismo tiempo pudiera competir con toda esa ‘guerra del sonido’
que existe ahí fuera. Por último, la nota de prensa habla de Moderat
III como del cierre de una trilogía. ¿Se refiere a que es la culminación
de un viaje desde la música electrónica hacia el pop o es que existe
algún tipo de nexo que me ha pasado desapercibido? Dejémoslo en
que la próxima vez que hagamos un disco el título ya no será un
número. La verdad es que no se trata de una trilogía en un sentido
conceptual, sino en el sentido de que todo este tiempo hemos estado explorando a nuestro alrededor hasta dar con un espacio común
en el que los tres nos sintiéramos cómodos trabajando, y que puede
servir de base para nuestros próximos discos. Sé que en vuestros
espectáculos tiene mucha importancia el aspecto visual, y que
habéis estado trabajando con vuestros colaboradores habituales,
Pfadfinderei, en ese aspecto. Así que, como estaréis tocando en el
Primavera Sound, ¿puedes avanzarnos algo al respecto? ¿Tendrá
algo que ver con la atmósfera sombría y distópica del vídeo que
habéis grabado para Reminder? El espectáculo va a ser muy diferente a todo lo que hemos hecho antes. De hecho, el vídeo va a tener
muy poca presencia: el protagonismo lo van a acaparar las luces, que
vamos a utilizar para dar forma a una especie de ‘arco dramático’. Es
algo que tiene que ver con cómo estamos enfocando los aspectos
musicales; queremos sentirnos más libres para interactuar y hacer
crecer las canciones, y esa actitud resulta complicada si tienes que
estar sincronizado con lo que está sucediendo en una pantalla de
vídeo. Los tres sois personas que habéis estado involucradas en la
escena de clubes de Berlín desde hace muchos años. ¿Cómo lleváis
los cambios que están sucediendo en la ciudad, y en otras como
Londres o Madrid, debido a la presión de las empresas inmobiliarias
sobre los locales? ¿Es un punto de no retorno o existe una voluntad
política real por atajar el problema? Hace ya tiempo que los grandes
clubes, las marcas, se han convertido también en negocios. Al principio todo era más espontáneo y nadie tenía muy claro lo que estaba haciendo, incluso nosotros tres intentando sacar adelante nuestros sellos. Pero lo cierto es que la ciudad ha crecido, algo que no es
necesariamente malo, porque nos facilita mucho el trabajo, y con ese
crecimiento una parte del espíritu del antiguo Berlín se ha quedado
atrás. Pero tampoco es un drama: los clubes pequeños e interesantes funcionan durante un par de años y luego desaparecen o reaparecen en otro local, así que todavía es posible encontrar a ese viejo
Berlín. Solo tienes que saber dónde buscar.
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PRIMAL
SCREAM
LA CARRERA DE PRIMAL SCREAM SIEMPRE HA FUNCIONADO COMO UNA ESPECIE DE MONTAÑA RUSA
EN LA QUE CADA NUEVO DISCO SUPONE UN BANDAZO RESPECTO AL PRECEDENTE A NIVEL ESTILÍSTICO,
PERO TAMBIÉN EMOCIONAL. TENIENDO EN CUENTA ENTONCES QUE SU ANTERIOR CRIATURA, MORE
LIGHT (2013), HABÍA SALIDO MORDAZ Y AFILADA, UNA BOMBA REPLETA DE ENERGÍA OSCURA Y MALAS
VIBRACIONES, RESULTA NORMAL QUE LA BANDA HAYA DECIDIDO TOMARSE LA VIDA CON UN POCO MÁS
DE CALMA A LA HORA DE VOLVER AL ESTUDIO. Y EL RESULTADO ES UN CHAOSMOSIS (FIRST
INTERNATIONAL, 2016), QUE DE CAÓTICO SOLO TIENE EL TÍTULO: UNA COLECCIÓN DE CANCIONES EN
LAS QUE LA BANDA REVISITA LOS DISTINTOS ESTILOS QUE HA IDO TOCANDO A LO LARGO DE LOS AÑOS,
Y QUE A NIVEL EMOCIONAL SE MUEVE ENTRE LA INCERTIDUMBRE SENTIMENTAL Y LA INCERTIDUMBRE
POLÍTICA. DE TODO ELLO NOS HABLA ANDREW INNES, GUITARRISTA Y COMPAÑERO DE CORRERÍAS DE
BOBBY GILLESPIE DESDE LOS PRIMEROS DÍAS DE PRIMAL SCREAM.
Entrevista: Vidal Romero. Foto: Niall O’Brien
Después de treinta años haciendo música, ¿dónde encontráis inspiración para seguir grabando discos? En el fondo no somos muy
diferentes de las personas convencionales. Como ellos, tenemos que
levantarnos cada mañana y acudir a trabajar, aunque sea lo último
que nos apetezca. Es posible que los horarios y las condiciones no
sean los mismos, pero hace ya muchos años que lo veo desde ese
punto de vista. Eso sí, tiene una gran recompensa, y es ese momento en el que has terminado de grabar y mezclar un disco y por fin
llega a tus manos un acetato con el máster definitivo. Ese olor tan
particular todavía hace que me sienta excitado y me empuja a querer grabar un nuevo disco inmediatamente. La mayoría de los discos
de Primal Scream poseen una personalidad marcada, un espíritu
concreto. Sin embargo, Chaosmosis tiene el aspecto de una colección de canciones. Canciones que revisitan de algún modo muchos
de los estilos que la banda ha cultivado a lo largo de los años. No se
me había ocurrido pensar en el disco de esa manera, pero puede
tener sentido. Después de todo, hemos grabado todas las canciones
en un tiempo sorprendentemente corto: lo normal cuando hablamos
de un disco de Primal Scream es tardar mucho tiempo en terminarlo y pasarlo muy mal; a veces hemos dedicado cerca de un año para
todo el proceso. Pero en esta ocasión le hemos dado forma a todo
en solo dos meses, y supongo que esa espontaneidad se ha transmitido de algún modo a las canciones. Y ¿a qué se ha debido ese
cambio de actitud? Bueno, Bobby y yo teníamos un pequeño estudio de grabación, montado en un viejo edificio de oficinas, desde
principios de los noventa. Era nuestro lugar de trabajo. Casi todos los
discos de Primal Scream han comenzado allí o incluso se han grabado en parte. Pero hace un año nos avisaron de que teníamos unos
meses para marcharnos de allí porque iban a demoler el edificio,
imagino que para construir pisos de lujo para pijos de la City. Y pensamos que estaría bien despedirnos del lugar de una manera apro-
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piada. Así que os pusisteis a grabar sin más. También tuvo que ver
que nuestro disco anterior, More Light. Fue de los que más trabajo
nos costó terminar, una experiencia bastante dura. El problema fue
que tenía muchos instrumentos y arreglos en su interior. Era un disco
acústico al que le habíamos ido añadiendo muchas capas y en el que
habían trabajado muchas personas. Para esta ocasión queríamos
algo más sencillo, así que nos fuimos al estudio Bobby y yo a solas,
sin ninguna idea preconcebida, con un par de guitarras y algunos
sintetizadores que me había comprado y que me apetecía probar. O
sea, que esa es la razón por la que Chaosmosis suena tan electrónico, con tantas cajas de ritmos y tantos sintetizadores por todas partes. Siempre me han gustado mucho los sintetizadores y los cacharros electrónicos, pero desde que utilizo el ordenador lo disfruto
todavía más. Hay un montón de plugins que suenan igual que los
sintetizadores que teníamos hace veinte o treinta años, pero que,
además, son mucho más fáciles de utilizar. Así que las canciones
están hechas de ese modo, probando cosas con los sintetizadores,
improvisando melodías con las guitarras. Creo que también ayuda el
hecho de que no tuviéramos expectativas: no sentíamos la presión
de tener que salir de allí con un montón de canciones. Solo estábamos diciendo adiós a un lugar que había sido importante para nosotros. Desde luego, la producción es muy liviana y sencilla, con los
adornos justos. Tiene ese aire como a grabación casera. Mientras
escribes las canciones no te paras a pensar en el proceso, te limitas
a tocar y dejas que las cosas vayan saliendo por sí solas. En otros discos las guitarras han estado en la base de las canciones, pero en esta
ocasión han crecido a partir de algún ritmo o incluso de samples,
cosas provisionales, pero que se han quedado después ahí. Private
War podría ser una excepción: es un tema hecho sobre la marcha en
cinco minutos, con una guitarra acústica. Luego le metimos arreglos
de cuerda, pero la base de todo está ahí, en esa primera toma.
Hay colaboraciones vocales inesperadas, como las de Sky Ferreira o
las de Haim. En ambos casos se trata de gente mucho más joven que
nosotros, pero que está interesada en la música que se hacía en las
décadas de los ochenta y los noventa. Y, bueno, nosotros llevamos
suficiente tiempo en esto como para haber estado allí. A Sky Ferreira
la conocimos en Los Ángeles. Se nos acercó porque quería que grabáramos alguna canción a medias. A Haim las conocimos en el
Festival de Glastonbury: se subieron a hacer coros en algunas de
nuestras canciones y desde entonces somos amigos. Espero que
trabajar con gente tan joven no os haga sentir como dinosaurios.
¡Espero que no! Aunque a lo mejor no nos falta tanto como para convertirnos en unos. También habéis grabado algunas canciones en
Estocolmo, en el estudio de Björn Yttling [de Peter, Björn and John].
Nos apetecía grabar algunas cosas en estudios que no conocíamos,
y Björn nos ofreció el suyo. Fue una experiencia interesante, y no solo
porque el punto de vista de Björn, sus ideas acerca de cómo teníamos que producir las canciones, nos hizo probar cosas que hasta ese
momento no se nos habían ocurrido. También creo que el propio
clima de Estocolmo, mucho más frío y más gris, iba a juego con el
espíritu del disco, que es de algún modo más oscuro de lo que suele
ser normal en Primal Scream. En ese sentido, canciones como
Private War, Golden Rope o Autumn in Paradise tienen un componente político muy marcado: hablan del futuro desde un punto de
vista bastante negativo. ¿Os preocupa lo que está sucediendo en
Europa? Yo siempre me he considerado un habitante de Europa, me
gusta esa idea de pertenecer a un lugar tan grande y con tanta historia, pero desde luego no estamos viviendo el mejor de sus tiempos, y eso afecta de manera especial a los jóvenes. El paro en España
es algo completamente ridículo, Alemania está cayendo en picado y
todos los partidos políticos parecen más preocupados por destruir
la democracia y ganar dinero que por cuidar de los ciudadanos o
pensar en el futuro de Europa. Es algo que viene sucediendo desde
los años setenta, y que no parece que se vaya a solucionar pronto.
Son tiempos oscuros, un mal momento para ser joven. ¿El título del
disco, Chaosmosis, tiene algo que ver con todo esto? Sí que lo tiene.
Fue una idea de Bobby, y creo que refleja bastante bien la sociedad
en la que vivimos: una sociedad que parece gobernada por el caos,
pero que en realidad está en manos de gente que programa de
algún modo ese caos, que está destrozando ciudades, países y
muchísimas vidas, y que solo lo hace para ganar más y más dinero.
¿Y qué opinas de Inglaterra? El acoso al que está sometido Jeremy
Corbyn, incluso desde las propias filas del Partido Laborista, parece
brutal. Creo que esa es la demostración de que el partido está completamente podrido por dentro, que ya no está interesado en sus
propios ideales. En ese sentido, la presencia de Corbyn solo puede
ser beneficiosa, suponiendo que le dejen trabajar. Espero que ayude
a recuperar algunas de las libertades que se han perdido por el camino, porque lo cierto es que me da miedo el tipo de sociedad que
estamos construyendo. Para terminar, estaréis tocando este verano
en el Azkena Rock Festival. ¿Veremos a los Primal Scream desnudos
de Chaosmosis o recuperaréis a vuestros músicos de siempre? Es
algo en lo que todavía no hemos empezado a trabajar, pero dudo
mucho que toquemos de la misma manera que en el disco. Tenemos
un repertorio demasiado grande como para cambiar el formato de
un día para otro, y además siempre nos ha gustado modificar mucho
las canciones para que den más espectáculo en directo, nos encanta sorprender a la gente con versiones inesperadas, y creo que es
algo que al público también le gusta. Así que es el momento de abrir
las puertas, dejar que el resto de la banda entre en la casa y convertir este disco en algo que podamos tocar alto y fuerte.
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THE ORB
DESDE QUE EL MUNDO ES MUNDO (AL MENOS DESDE 1988), THE ORB HAN ESTADO AHÍ. EL
DOCTOR ALEX PATERSON SIGUE RECETANDO SUS PÍLDORAS AMBIENTALES Y PSICODÉLICAS,
PERO LLENAS DE GROOVE, SIEMPRE DISPUESTAS A SUGERIRTE UN BUEN TRIP Y SIN DEJAR DE
MIRAR DE REOJO LA PISTA DE BAILE. PRIMERO JUNTO A JIMMY CAUTY (THE KLF) Y, MÁS TARDE,
JUNTO AL INSIGNE THOMAS FEHLMANN (PALAIS SCHAUMBURG, SUN ELECTRIC), THE ORB HAN
SIDO SINÓNIMO DE UN SONIDO ENSOÑADOR, NO DOGMÁTICO Y ABSOLUTAMENTE PERMEABLE
A TODO TIPO DE INFLUENCIAS (CIENCIA-FICCIÓN, DROGAS, COLABORACIONES…), PERO CON
UNA PERSONALIDAD FÉRREAMENTE CONTROLADA: UN EJEMPLO DE CARRERA CON ALTIBAJOS,
PERO SIEMPRE 100 % COHERENTE. TRAS EL FUTURISTA Y ALGO APOCALÍPTICO MOONBUILDING
2703 AD DEL PASADO AÑO, REGRESAN CON UN EP DE TEMÁTICA ALPINA CON VACAS,
CENCERROS Y GORGORITOS TIROLESES QUE DEMUESTRA QUE HAN VUELTO CON LAS PILAS
CARGADAS Y SU MUY PECULIAR SENTIDO DEL HUMOR INTACTO.
Entrevista: Half Nelson. Foto: Max Zerrahn
Contactamos vía email con Alex Paterson, historia viva de la música
electrónica y del ambient, y del ambient house, en particular, quien
responde en ocasiones demasiado lacónicamente o de forma algo
confusa, pero con la suficiente pasión para dejarnos entrever que
todavía está en buena forma y entusiasmado por su trabajo.
Después del intrincado y futurista Moonbuilding 2703 AD (Kompakt,
2015), The Orb cambian de tercio, ya que el pasado 3 de marzo se
publicó el EP Alpine (Kompakt, 2016), con regusto concreto de postal costumbrista (cencerros de ganado y cantos tiroleses ponen el
fondo paisajístico) y un indudable aire cronológico al dividirse en
tres temas que hacen referencia a la tarde, la mañana y el amanecer.
¿Este nuevo EP se llama Alpine porque Thomas nació en Suiza? No,
es porque contiene canciones tirolesas y por las vistas, aunque sí
que es cierto que Thomas proviene de los Alpes. ¿Cuál es la relación
de este disco con el anterior? Moonbuiding 2703 AD tenía un regusto a ciencia-ficción que no se encuentra en Alpine. No hay ninguna
relación, porque los Alpes se están convirtiendo en una región de
pastos de montaña por el aire cálido y los cantos tiroleses. Este es
un disco de tierra, una foto de lo que está pasando ahora mismo,
mientras que Moonbuiding 2703 AD era una predicción de un futuro que vendrá del espacio, pero que acabará afectando a la Tierra,
porque nuestra predicción es la correcta. Así que será una foto real
de la Tierra dentro de muchos años, pero no ahora. En Moonbuiding
2703 AD volvisteis a los temas largos que os hicieron famosos.
¿Crees que un largo desarrollo es lo mejor para la música de The
Orb? Sin duda, sobre todo con Thomas. Con Youth [Martin Youth
Glover, bajista y fundador de Killing Joke y gran amigo de Paterson]
todo tiende a ser más pop. Estoy intentando que los tres volvamos
a trabajar juntos como al final de 2014. Empezamos a preparar una
road movie, pero eso será con temas más cortos como Little Fluffy
Clouds, que ya sabemos que es lo que funciona. Moonbuiding 2703
AD ha sido descrito como un álbum conceptual. ¿Puedes explicar-
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nos las motivaciones que lo originan? ¿Qué lunático dijo eso? Estaba
previsto que fuera una ópera… una versión moderna de Romeo y
Julieta comisionada por la Ópera del Covent Garden. La Tierra y la
Luna son los protagonistas, una historia de amor sin fin que dura
billones de años… La inspiración me vino del libro Who Built The
Moon (Watkins, 2007) de Christopher Knight y Alan Butler. Al principio iba a ser una ópera experimental, pero hace cinco años, tras las
elecciones generales (en el Reino Unido), se impusieron los conservadores y empezaron la austeridad y los recortes. Uno de ellos nos
afectó a nosotros, porque estábamos trabajando con la Ópera del
Covent Garden para una serie de conciertos llamados Opera Shots.
Se trataba de que artistas contemporáneos explicaran su visión de
la música clásica, pero los tories se lo cargaron todo y tuvimos que
abandonar el proyecto. Me gustó Dilla’s Moon Quake, el tema homenaje a J Dilla en la versión deluxe de Moonbuiding 2703 AD, pero no
acabo de ver qué relación tenía con un disco sobre la exploración
espacial y la colonización del satélite. Gracias, pero es que simplemente somos fans de J Dilla. Thomas tiene contactos en Estados
Unidos y consiguió los permisos necesarios. Que le den al concepto
y que suenen las sirenas… Con Moonbuiding 2703 AD habéis vuelto
a Kompakt después de diez años sin publicar con ellos. ¿Qué significa el sello para vosotros? Siempre ha habido y siempre habrá conexión con Kompakt, especialmente a través de Thomas, que conoce
a muchos de los fundadores y responsables del sello y creo que
tenemos muchas influencias y sensibilidades en común. Nunca
hemos tenido una mala experiencia: pagan los royaltis y publican los
discos sin retrasos. Pero el vínculo más poderoso es que han publicado a lo largo de un montón de años el mejor proyecto en el
mundo entero: las Pop Ambient series. Supongo que estarás orgulloso de que Alpine Dawn fuera incluida en la compilación Pop
Ambient 2016 (Kompakt, 2015). Por supuesto que sí, es para mí un
orgullo formar parte de algo tan maravilloso como Pop Ambient.
Moonbuiding 2703 AD llegó después de un período lleno de colaboraciones [David Gilmour de Pink Floyd, Lee Scratch Perry…], pero
parece un retorno al sonido clásico de The Orb. Así es y así lo será
también con el nuevo EP. Ahora iremos a presentarlo a Australia y
Japón y a la vuelta empezaremos a trabajar en las sesiones del nuevo
disco. ¿Crees que esas colaboraciones os han ayudado a desarrollar
vuestro sonido? Por supuesto: a unos perros viejos siempre puedes
enseñarles nuevos trucos, aunque la mejor escuela es la old school.
¿Cómo fue trabajar con una leyenda como Lee Scratch Perry?
¿Tenéis más colaboraciones previstas? Muchas felicidades en su
ochenta cumpleaños a mi querido Lee Scratch [la entrevista tuvo
lugar pocos días después del ochenta cumpleaños de Perry, el 20 de
marzo]: one love, él es el maestro, el profeta, el único Jah. Trabajar
con él fue una locura, en todos los sentidos. Queríamos hacer algo
diferente, pero él preguntaba por la sección de vientos, por el bajista
y por qué no estábamos haciendo reggae. Al final, llegamos a un
acuerdo y creo que el disco es bastante equilibrado. Por supuesto
que no fue fácil, tampoco lo fue trabajar con David Gilmour, pero no
escoges con quién quieres trabajar por lo fácil que va a ser estar en
el estudio sino por lo que sabes que puedes llegar a conseguir al final.
No hay nada más planeado con él por el momento, pero estamos
preparando colaboraciones para 2017 y más adelante. Por el contrario, el sonido del EP Alpine me parece puro The Orb, un disco totalmente consciente de estar libre de influencias externas. ¡Quizás o
quizás no! Creo que siempre es bueno volver atrás desde el futuro y
recuperar la esencia, las raíces. He mantenido The Orb en marcha
durante veintisiete años y creo que eso tiene mucho que ver con sentarse a reflexionar de cuando en cuando. Me gustó mucho vuestra
actuación en el festival Mutek de Barcelona. Fue una buena mezcla
de directo y sesión de Dj y de nuevos y viejos temas. Gracias. ¿Cómo
de importante es para vosotros la improvisación en directo? Para
nosotros, en directo la improvisación lo es todo. Está claro que tene-
mos unos temas y una estructura preparada, pero según sea la reacción de la gente vamos a hacer más hincapié en unos desarrollos o
en otros. ¿Y pensáis en el directo cuando estáis en el estudio preparando un LP? Normalmente no, porque trabajamos muy rápidamente. Tenemos muy poco tiempo para trabajar juntos Thomas y yo, porque él vive en Berlín y yo en Londres. Además, no nos gusta trabajar
separados y después intercambiarnos los ficheros. Cada uno prepara sus ideas en su casa y cuando tenemos asignado tiempo en el
estudio, vamos a Berlín y grabamos sin parar durante una semana.
De esa manera, estamos alejados de nuestro día a día, muy concentrados, sabiendo que tenemos que aprovechar el tiempo. Puede
parecer una tontería, pero esa disciplina es la que nos mantiene motivados y con ganas de seguir haciendo música después de tantos
años. ¿Cómo de importante es para vosotros el directo? Me he pasado la vida de gira. Me conozco bien y sé lo que me gusta y lo que no:
una de las cosas que más me hace disfrutar es actuar en directo, pero
para poder hacerlo necesitas estar constantemente produciendo
música, así que tenemos que seguir publicando discos. Llevamos
veinte años en ese círculo y no veo otra alternativa. Es complicado,
pero ¡es la única manera de evitar un trabajo ‘normal’ de nueve a
cinco! ¿Qué podemos hacer si parece que la gente sigue interesada
en nosotros? Si dejan de llamarnos para actuar en directo, nos volveremos a nuestras casas. Después de tantos años, ¿qué es lo que te
mantiene unido a la música ambient? Para mí, lo más importante es
la relatividad del tiempo. El pop trata de la inmediatez, es el ahora. La
música ambient que nosotros hacemos amplía el concepto de tiempo. Si ves que algo funciona durante diez minutos, ¿por qué tienes
que parar? Sigue e intenta decir lo mismo usando veinte minutos. No
se trata de relajación, de música de chill out, sino de que no puedes
estirar el concepto de inmediatez durante quince minutos. El formato te obliga a cambiar el objeto de la música, ralentiza la vida diaria,
reconforta el corazón y te lleva a otra dimensión.
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SHIT ROBOT
DURANTE MUCHO TIEMPO FUE EL CHICO PARA TODO DE DFA: LO MISMO PINCHABA EN LAS FIESTAS
DEL SELLO QUE FABRICABA CONSOLAS DE MADERA PARA EL ESTUDIO DE JAMES MURPHY O
EJERCÍA DE PRODUCTOR CON LOS NUEVOS FICHAJES DE LA CASA. PERO HACE DIEZ AÑOS EL AMOR
LE LLEVÓ A ABANDONAR NUEVA YORK Y A REFUGIARSE EN LA CAMPIÑA ALEMANA, UN EXILIO QUE
SE HA TRADUCIDO EN UNA INTENSA ACTIVIDAD MUSICAL: EN TODO ESTE TIEMPO, SHIT ROBOT HA
PUBLICADO DOS DECENAS DE MAXIS Y TRES DISCOS. SON TÍTULOS EN LOS QUE EXHIBE UNA
HABILIDAD PARTICULAR PARA MEZCLAR TODO TIPO DE COSAS (ES CAPAZ DE SALTAR DEL TECHNO
AL HOUSE, DEL POP A LA MÚSICA DISCO, DEL ELECTRO A LA KOSMISCHE), MIENTRAS FABRICA
AUTÉNTICAS BOMBAS PARA LA PISTA DE BAILE. WHAT FOLLOWS (DFA, 2016), SU ÚLTIMA ENTREGA
EN LARGO, ES LO MEJOR QUE HA GRABADO HASTA LA FECHA. Y ESO YA ES DECIR MUCHO.
Entrevista: Vidal Romero
“Después de doce años viviendo en la ciudad, empecé a sentir que
mi idilio con Nueva York estaba llegando a una conclusión natural.
No me malinterpretes: todavía creo que es el mejor lugar del mundo,
pero tenía la sensación de estar haciéndome viejo y mi estilo de vida
empezaba a cansarme”. Desde su refugio a las afueras de Stuttgart,
Marcus Lambkin explica cómo cambiar de aires le ayudó a encarrilar su vida y a centrarse en dar forma a Shit Robot, su propio proyecto. “Me gustan las ciudades, pero también tengo un lado muy
casero. Puedo disfrutar de un pequeño jardín en calma, de algo de
naturaleza. La que terminaría por convertirse en mi mujer estaba en
una situación parecida, pero además sentía nostalgia por volver a su
tierra, así que decidimos probar a vivir aquí durante un año. Aquella
decisión terminó resultando crucial: casi diez años después seguimos aquí, tenemos dos niños y la manera en la que enfoco la música es radicalmente distinta. Sobre todo, porque no tengo tantas distracciones como en Nueva York y me resulta más sencillo concentrarme”. Escuchando What Follows tengo la sensación de que es
una continuación lógica de tu primer disco, From the Cradle to the
Rave (DFA, 2010). ¿Quiere esto decir que cuando hiciste el segundo, We Got a Love (DFA, 2014), estabas probando cosas que quizás
no llegaron a funcionar del todo? A eso lo llamo ser directo. Pero es
cierto, cuando grabé We Got a Love estaba muy interesado en el
concepto ‘in the box’, esa idea de que puedes realizar todo lo que
quieras con la única ayuda de un ordenador y algunos periféricos. Y
sí, es cierto que puedes hacer cosas increíbles utilizando solamente
sintetizadores virtuales y plugins, y también que existe gente que le
saca un partido increíble, pero definitivamente no se trata de algo
hecho para mí. ¿Esa es la razón de que decidieras utilizar solo equipo analógico a la hora de grabar What Follows? ¿Para recuperar el
gusto de tocar las cosas en directo y huir de las infinitas posibilidades que permiten los ordenadores a nivel sonoro? En realidad no es
una regla demasiado estricta. Sigo utilizando el ordenador para
muchas cosas, pero sí, es una combinación de esas dos ideas que
comentas: es mucho más divertido utilizar instrumentos que puedes
tocar con tus propias manos y, al mismo tiempo, restringir la paleta
de sonidos ayuda a que todo mantenga una sensación unitaria. Otra
decisión que tomaste antes de empezar a grabar fue que debías ter-
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minar el disco en un plazo de tiempo determinado. ¿Querías evitar
dar muchas vueltas a las mismas ideas? Me parecía importante terminar todo en un plazo corto de tiempo por dos razones. La primera es la que tú señalas, que muchas veces escribo mis canciones con
cierta rapidez, pero luego me enredo durante meses en los detalles.
Y en esta ocasión quería que el disco fuera el reflejo de una época
muy concreta de mi vida: quería evitar que pasara el tiempo y que
aparecieran otras ideas o influencias que terminaran por colarse en
el disco y lo contaminaran. La segunda razón es que buscaba un
álbum que sonara cohesivo, como si se hubiera grabado en una
única sesión, y además lo quería un poco crudo, no demasiado pulido. Así que decidí que tendría que tenerlo terminado para una fecha
concreta, y que si llegaba esa fecha y había cosas que no sonaban
perfectas al cien por cien, las dejaría tal cual. Después de todo,
muchos de mis discos favoritos suenan un poco destartalados. Ha
sido una buena decisión, porque es cierto que What Follows resulta
muy coherente, y eso a pesar de que hay muchos estilos distintos
en su interior. Lo que sí me sorprende es que suena más a ‘disco de
canciones’ que a disco pensado para la pista de baile. Esa era la
clave, que todo estuviera bien atado, quizás porque We Got a Love
resultaba al final demasiado disperso, más una colección de canciones que un álbum de verdad. De todos modos, me parece interesante lo que dices, porque pretendía que What Follows fuera un disco
de baile, que reflejara el tipo de música que me gusta pinchar, mi
faceta como Dj. Hay canciones, por supuesto, pero no se pliegan al
típico formato de verso/estribillo; están escritas para sonar en un
club, no para sonar en la radio. A pesar de esa variedad de estilos,
creo que existe una idea global que recorre el disco, un sonido particular que recuerda al synth pop de los años ochenta, a las versiones más primitivas del house y del techno. ¿Es una consecuencia del
equipo que has utilizado o es un reflejo de tus influencias más directas? Un poco las dos cosas. El techno y el house de finales de los
ochenta siguen siendo las cosas que más influyen en todo lo que
hago. Pero, además, cuando utilizas máquinas reales, como la
Roland TR-808, es inevitable que tu disco adquiera una pátina específica, un sonido que te recuerda mucho a otras épocas. Es una de
las razones por las que decidí utilizar básicamente equipo analógico.
La nota de prensa habla de la manera en la que has producido el
disco. Me parece interesante que hayas comenzado construyendo
los ritmos de una manera independiente, sin pensar en melodías o
estructuras. Todas las canciones se han desarrollado a partir del diseño de un ritmo, con la excepción de In Love y End of the Trail. Esto
ha sido otra novedad para mí, porque antes solía trabajar en diferentes ideas hasta que sentía que disponía de suficiente material como
para dar forma a un disco, pero esta vez me he concentrado en producir diez u once bases rítmicas perfectas. Un material que pudiera
escuchar sin cansarme y que sirviera de cimiento desde el que ir
rellenando huecos. Al principio me aterraba, pero creo que ha merecido la pena. En el disco participan muchos músicos: Nick Millhiser
(Holy Ghost!), Morgan Wiley (Midnight Magic, Hercules & Love
Affair), Juan MacLean… ¿Han funcionado como auténticos colaboradores? Cada uno de ellos ha participado de manera activa en todo
el disco, aunque no siempre de la misma manera. Por ejemplo, en
algunas canciones casi todas las partes están tocadas por Morgan,
pero en otras apenas sí llegaron a la mezcla algunas de las cosas que
hizo. De hecho, hay montones de pistas que no he llegado a utilizar
en las mezclas, pero que de algún modo me han servido para decidir qué tenía que hacer con cada una de las canciones, hacia dónde
quería llevarlas. Y ¿cuál ha sido el papel de cada uno? Al primero que
visité fue a Nick. Tiene una colección de sintetizadores estupenda y
un sistema modular muy completo que utilizamos para fabricar todo
tipo de sonidos extraños, secuencias y líneas de bajo. Después llevé
esas secuencias a Morgan, que tocó teclados y muchos otros instrumentos por encima. Me volví a casa con todo ese material, envié
algunas cosas por correo para las colaboraciones vocales y cuando
tuve todo me fui al estudio de Juan, donde terminamos algunos
detalles e hicimos las mezclas. En todos los casos te has desplazado
tú a sus casas y estudios. ¿Es una estrategia para mantener las cosas
frescas, algo así como jugar en el campo del rival? Esa es exactamente la idea. Vivo en un lugar bastante aislado, así que el solo hecho
de estar en una habitación con otros músicos ya es algo importante
para mí. Por otro lado, cuando conoces tu equipo demasiado bien
puedes llegar a aburrirte de él, y la posibilidad de juguetear con un
sintetizador al que habitualmente no tienes acceso te permite ser
mucho más creativo. Además, salir de tu zona de confort es algo que
siempre te fuerza a ser más creativo. También hay cantantes invitados, gente que ha estado involucrada en Shit Robot en el pasado,
como Alexis Taylor (Hot Chip) o Nancy Whang (LCD Soundsystem,
The Juan MacLean). ¿Es una manera de establecer una cierta continuidad dentro del proyecto o es que a estas alturas escribes tus
temas pensando en ellos? No tiene nada que ver con una idea de
continuidad. Se trata más bien de que me gustan sus voces. Quiero
decir, me encanta trabajar con Nancy, y si no estuviera siempre tan
ocupada intentaría hacer aún más cosas con ella. Y en cuanto a
Alexis, en esta ocasión parecía la elección más acertada: normalmente tardo algún tiempo en decidir a quién quiero llamar, pero esta vez
su voz no paraba de sonar en mi cabeza mientras trabajaba en las
dos canciones que canta. En cualquier caso, se trata de gente con
mucho talento y a la que además considero amiga, que es algo que
también tiene importancia, porque no es fácil colaborar con alguien
de esta manera, intercambiando archivos por Internet. Ten en cuenta que yo siempre tengo una idea acerca de cómo me gustaría que
sonara, pero esa idea no siempre coincide con la de la otra persona.
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NUEVOS LANZAMIENTOS
KYOKA
SH EP
(Raster-Noton)
ESSAIE PAS
DEMAIN EST UNE
ALTRE NUIT
(DFA / PIAS)
VARIOS
HAMBURG
ELEKTRONISCH 3
(Hafendisko)
GNOD
MIRROR
(Rocket)
DAMIAN
SCHWARTZ
THE DANCING
BEHAVIOR
(A Harmless Deed /
Kompakt)
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Después de su residencia en los estudios EMS de Estocolmo, famosos por su
colección de sintetizadores modulares vintage, la japonesa Kyoka entrega a
través del sello alemán Raster-Noton su trabajo más experimental, lleno de
sonidos cortantes y de apariencia distante. Tras la fantasmal intro de
Susurrus Kyoka, modula la tensión en cuatro piezas (y otras dos más en la
edición japonesa) a partir del glitch digital y la alternancia de sonido y
silencio (curiosamente, casi todos los títulos parecen tener relación con el
silencio), con intenciones y resultados diversos. Me gusta mucho el
dinamismo de Hovering que pone el beat en primer plano, mientras que
Shush se basa totalmente en el glitch. La mejor pieza es Smash/Hush, una
eficaz combinación de las dos anteriores que no da tregua al oyente, con
cambios constantes y un particular sentido del ritmo. (Half Nelson)
Después de publicar tres LP desde 2012, el matrimonio canadiense formado
por la cantante Marie Davidson y el ingeniero Pierre Guerineau debuta en el
sello neoyorquino DFA con este Demain est une altre nuit, en el que la pareja
desata su amor por los sintetizadores vintage y el sonido crudo de la new
wave electrónica. Demain… es un disco prácticamente instrumental, donde se
imponen las crudas capas de sintetizadores y se pretende dar una imagen
distante, alienada, que en la parte final (Facing the Music y Lights Out) flirtea
con la EBM más melódica. Los de Montreal imponen su estilo maquinal y
deshumanizado incluso en los temas cantados, donde el frío recitado de
Guerineau en Retox y en Le port de masque est de rigeur es apenas
levemente dulcificado por los coros de Davidson. La elegiaca La Chute pone
el tono ideal para una despedida bajo la lluvia. (Half Nelson)
Arrinconada por la potencia de Berlín y Fráncfort, la eficiencia de Colonia y
la artesanía de Düsseldorf, la orgullosa Hamburgo lucha por un lugar en la
escena electrónica alemana. El sello hamburgués Hafendisko, comandado
por Tobias Lampe, insiste en este tercer volumen en la combinación de
nombres consagrados internacionalmente (Dj Koze, Isolée, Tobias Schmid,
Lawrence, Boris Dlugosch, Extrawelt, Oliver Huntemann o Florian Kruse) con
otros circunscritos, de momento, al ámbito local como gancho de este doble
CD (uno mezclado y el otro no, pero con tracks diferentes y 29 temas en
total). En el primer CD destaca la voz de Lance en Heartbeats, que enlaza
bien con la jazz poetry de Joney (Pop Corner). En el segundo, el equilibrio
entre pista y sofá en una mezcla poco agresiva y no acreditada. De todos
modos, la joya del lote es la inagotable XTC, de DJ Koze. (Half Nelson)
Pese a publicar desde 2007, el colectivo (más que banda) Gnod empezó a
llamar la atención con Ingnodwetrust (Rocket, 2011), todo un tratado
anticlerical de tan solo dos canciones llenas de furia. Mezclando psicodelia
con guitarras abrasivas (Learn to Forgive) casi metálicas y tan obsesivas
como las de los propios Swans, los de Mánchester mantienen el (muy alto)
nivel de su anterior LP, el monstruoso por violencia y extensión Infinity
Machines (Rocket, 2015). En Mirror, Gnod son más concisos para que las
arengas de Paddy Shine, que pretenden reflejar el descontento de la
sociedad británica actual, se salden como exorcismos personales que dejan
vacíos el cuerpo y la mente del intérprete (y también del oyente). En ese
sentido Sodom & Gomorrah (18 minutos), con sus guitarras rituales que nos
acompañan al cadalso y a la condenación, es insuperable. (Half Nelson)
El productor madrileño vuelve al formato largo después de nada menos que
ocho años desde Party Lovers (Net28, 2008). Aunque ha seguido
publicando maxis con regularidad, ninguno de ellos avanzaba las canciones
contenidas en este The Dancing Behavior, señal de la importancia que, como
obra completa, le concede a este formato. Schwartz se muestra como un
productor polivalente dentro de unos parámetros de house elegante con
ciertos guiños retro, y lo consigue pese a una cierta dispersión con cuidadas
líneas de bajo: nerviosísima en Minor Moves o delicada en No Waltz. Destacan
también los grooves muy Mr. Fingers de Trophic Cascade y de The Present,
el mejor tema, que se va volviendo ácido a medida que avanzan los siete
minutos de la canción. Lástima que la fallida experimentación de A Remark I
Made emborrone el final electroso con A World of Issues. (Half Nelson)
NUEVOS LANZAMIENTOS
No hay mejor noticia que el retorno de Tim Gane (Stereolab), ahora residente
en Berlín. Desde el primer segundo de Tardis Cymbals se reconoce su firma
en ese sonido retrofuturista (mezcla de krautrock, electro primigenio y pop
barroco con clavicordios y violines) fruto de la combinación de guitarras y
sintetizadores en largas galopadas instrumentales llenas de progresiones,
cambios y sorpresas, gracias al formato de composición por bloques que
practica Gane. Además, en Liquid Gate Bradford Cox canta como si fuera el
mismísimo Dan Bejar (Destroyer) y Sonic Boom pone el toque arty recitando
a Victor Vasarely en Planetary Folklore. Los temas parecen provenir de largas
jams y se pueden alargar hasta el infinito, aunque la joyita final, la delicada
Zone Null, no alcance los tres minutos. El problema de este disco es que cada
vez que lo escuchas echas de menos la voz de Laetitia Sadier. (Half Nelson)
CAVERN OF
ANTI-MATTER
El loop de fanfarria de Nautilus nos da la bienvenida al LP de debut de Anna
Meredith, compositora residente en la Orquesta Sinfónica de la BBC en
Escocia, y nos ayuda a hacernos una idea del resto. Varmints es un disco que
busca la abstracción de la música electrónica con instrumentos clásicos
(vientos y cuerdas) llevados al límite de la repetición. Cuando acierta vemos
a una compositora arriesgada y prometedora, pero cuando quiere acercarse
al pop se le viene el mundo encima: no debería empeñarse en cantar (Last
Rose, donde Mara Carlyle le hace coros), ni en buscar estribillos simples
(Taken sonroja, y no solo por fusilar a Pixies), ni en abusar de los excesos de
virtuosismo rockero (Shill). Varmints es un catálogo más disperso que
variado con multitud de registros que Meredith deberá limitar para poder
desarrollar el talento que la melancólica Blackfriars sugiere. (Half Nelson)
ANNA MEREDITH
Aunque en muchas ocasiones recuerdan en exceso a sus admirados Animal
Collective, y a El Guincho cuando cantan en castellano (Lo bueno se termina),
los madrileños Sorry Kate se desmarcan brillantemente con retazos de jazz,
reggae, soul y hasta pinceladas de rap y spoken word (Ceased Haze, la slam
poetry de Caramel’s Fruit con Ink) que les llevan mucho más allá de la mera
emulación. Es esa capacidad para, partiendo de un material ‘reciclado’,
escapar del cliché con un simple giro lo que los convierte en una banda
estimable y temible al mismo tiempo. Me gusta mucho la melancolía inicial
de Trust Visits Napoleon, que llega a recordar a los grandísimos Blue Nile, en
un tema que luego se desmadra hacia el R&B con exceso de helio. Cuando
perfilen un poco más sus intenciones y generen su propio sonido de principio
a fin nos encontraremos ante una banda gigantesca. (Half Nelson)
SORRY KATE
Adictos al desparrame guitarrero, los Mogwai sientan la cabeza en este
contenido y refinado Atomic, una selección de las piezas que compusieron
para el documental de la BBC4 Storyville - Atomic: Living in Dread and
Promise sobre el desarrollo del armamento nuclear desde el bombardeo de
Hiroshima hasta la actualidad. Lo cierto es que, separada de su función
original, la música de Mogwai resplandece. Desde el excelente inicio con la
modestamente épica Ether, mi favorita del disco por su combinación de
guitarras eléctricas y la sobria melodía de trompa de Robert Newth, son las
melodías las que dirigen la acción: con aire arábigo y envolvente en Pripyat,
con violín a lo Dirty Three en la bella Are You a Dancer y con giros
inquietantes en Weak Force, casi como si John Carpenter reversionara la
mítica sintonía de Informe semanal de Rafael Beltrán. (Half Nelson)
MOGWAI
Regresa el productor sueco Axel Willner con la enésima reencarnación de un
proyecto que pese a las mínimas variaciones no da ninguna señal de
agotamiento. The Follower son seis temas entre los nueve y los catorce
minutos en los que Willner exprime sus loops y a través de la falta de
progresión invita al oyente a sumergirse en un trance más mental que
estrictamente bailable. Aquí no se trata de contar una historia, sino de inducir
a un estado mental de abstracción y abandono, para lo que es fundamental
un minutaje extenso. Los diferentes cambios de intensidad dentro del tema
añaden colorido a un carácter que viene definido desde el inicio por el propio
sample escogido. En la línea más abstracta de Cupid’s Head (Kompakt, 2013),
hay que destacar la textura de Pink Sun (que recuerda al sonido de guitarras
procesadas de Seefeel) y el ambiental Reflecting Lights. (Half Nelson)
THE FIELD
VOID BEATS /
INVOCATION TREX
(Duophonic)
VARMINTS
(Moshi Moshi / PIAS)
HAVEN HOOD
(Foehn)
ATOMIC
(Rock Action)
THE FOLLOWER
(Kompakt)
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WO
UH
N i c o l a s
Foto: Manu de León
Modelo: Mari Halang - Uniko Models
Maquillaje y peluquería: Estíbaliz Otero
Estilismo: Fer Decartaya
Vídeo: Xavi Sivecas - IAM
Asistente: Albert Llambí - IAM
Estudio: IAM Studio
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J a a r
Zapatillas VANS, calcetines HAPPY SOCKS, rodilleras GUSTAVO ADOLFO TARÍ
Mono SCOTH & SODA, gorra BRIXTON y anillos BERSHKA
Gorro BRIXTON
Relojes G-SHOCK, mono y cinturón GUSTAVO ADOLFO TARÍ, zapatillas REEBOK
Bomber FRANKLIN & MARSHALL, bikini DIESEL, pantalón NINE IN THE MORNING, gafas REEF, pendientes BERSHKA, sandalias VANS
Top NIKE, chaqueta REEBOK, boxer TOMMY HILFIGER, short ADIDAS, calcetines VOLCOM, zapatos CAMPER
NOTICIAS DISEÑO Y PROYECTOS
FADFEST 2016
ODISEO
FADfest es el evento anual del FAD (Fomento de las Artes y del
Diseño), que celebra la excelencia creativa, reconoce el trabajo de
profesionales y empresas y acerca el diseño a la ciudadanía. Un
escaparate para descubrir las mejores propuestas del año en
arquitectura, interiorismo, diseño gráfico, publicidad, diseño
industrial, artesanía, arte y moda que este año celebra en
Barcelona su sexta edición entre el 6 y el 12 de junio. En esta quincena tendrán lugar la entrega de los distintos premios que otorga FAD, un congreso internacional sobre diseño abierto, una
exposición, debates, charlas, fiestas y muchas otras actividades
relacionadas con el diseño. www.fadfest.cat
El desnudo se banalizó con la irrupción de los móviles con cámara, pero afortunadamente aún queda quien cree en el alto poder
artístico del cuerpo humano sin tapujos. Es el caso de Albert
Fotch, artífice del proyecto editorial Odiseo, una fusión conceptual entre revista y libro de periodicidad bianual del que se imprimen 3.000 ejemplares por volumen. En sus páginas el desnudo
es tratado con delicadeza y sensualidad, y elimina cualquier
sesgo soez que pudiera ser posible. Odiseo es la constatación de
que el cuerpo desnudo aún tiene mucho que decir en el mundo
del arte y el diseño, ya que cada momento en el tiempo implica
un singular acercamiento a él. www.folchstudio.com/odiseo
JAMES DYSON AWARD 2016
BARCELONA DESIGN WEEK
¡Diseña algo que resuelva un problema! El James Dyson Award
es un concurso internacional de diseño cuyo objetivo es apoyar
la próxima generación de ingenieros. Lo organiza la Fundación
James Dyson como parte de su misión de acercar a los jóvenes
al mundo del diseño y la ingeniería. Buscan diseñadores que
piensen diferente para crear productos que funcionen mejor.
Prototipos que funcionen. Productos que tengan un propósito
práctico, que sean comercialmente viables y que hayan sido diseñados pensando en la sostenibilidad. El concurso está dotado de
un primer premio de 40.000 euros y el plazo de presentación
estará abierto hasta el 19 de julio. www.jamesdysonaward.org
La Barcelona Design Week, organizada por BCD Barcelona
Centro de Diseño, es la cita anual del diseño y la innovación que,
desde 2006, atrae a profesionales y a empresas creativas que
desean conocer nuevas tendencias, hacer networking y compartir conocimientos de temáticas diversas. Con el objetivo de celebrar su 11.ª edición, la BDW 2016 ofrecerá del 2 al 12 de junio un
programa que combinará actividades abiertas, como exposiciones, talleres, charlas y tours, así como otras dirigidas al público
profesional para crear oportunidades de negocio e intercambio
de conocimiento. BDW, una de las design weeks más importantes del calendario internacional. barcelonadesignweek.com
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NOTICIAS DISEÑO Y PROYECTOS
LA INSPIRACIÓN FUNK DE CEAUSESCU
DISEÑO GRÁFICO (1940-1980)
Debe de ser complicado llevar el apellido Ceausescu en Rumanía.
Compartir el patronímico con un dictador no es plato de buen
gusto, pero el director de arte Bogdan Ceausescu ha conseguido
que él sea el primero en quien se piensa cuando se nombra a
Ceausescu en el mundo del diseño gráfico. Su último proyecto ha
sido el diseño de los carteles para el grupo de música The Funk
Overdrive Series, y se ha inspirado en los sonidos funk de dicho
grupo, donde se pueden apreciar sus señas creativas más características, como el empleo de tipografía de gran tamaño en negrita que le proporciona el equilibrio entre funcionalidad y atractivo
visual que persigue en su obra. b-ceausescu.tumblr.com
El Museu del Disseny de Barcelona alberga la exposición permanente El diseño gráfico: de oficio a profesión (1940-1980), una
muestra con más de 500 piezas dedicadas a los pioneros del
diseño gráfico, desde el año 1940 hasta 1980. Gracias a las generosas donaciones de muchos profesionales y entidades, hoy en
día el museo cuenta con una colección –si bien aún en construcción– muy representativa de algunas etapas. La exposición esta
dedicada a la generación que impulsó el paso de oficio a profesión de lo que conocemos como diseño gráfico. El periodo que
cubre la exposición finaliza hacia 1980, pero están previstas futuras muestras de otras décadas. museudeldisseny.barcelona.cat
LA IDENTIDAD DEL MUSEO DEL SEXO
LA CANCHA PIGALLE DE PARÍS
Nueva York es la ciudad de los mil museos. En la Quinta Avenida
podemos encontrar algunos de los más importantes, como el
Metropolitan, el Guggenheim, la Colección Frick y el Museo de la
Ciudad. En la esquina de la calle 27 también se encuentra el
MoSex, o Museo del Sexo de Nueva York. En los museos, como
en el sexo, prima aquello de renovarse o morir, así que el MoSex
puso en manos del estudio de diseño Base Design el repensar su
identidad. Su nueva imagen trata de transmitir la de un museo
‘abierto’ donde el reto lo representa acabar con los prejuicios de
la gente sobre este espacio, y acercarla a su amplia e interesante
programación. www.museumofsex.com
Tiempo después de la famosa obra Blanco sobre blanco (1918),
de Kazimir Malévich, quintaesencia del suprematismo preconizado por el pintor ruso, llegaría Sportsmen (1930), donde el contraste de colores era el protagonista. Inspirándose en esta obra,
el estudio de diseño Ill-Studio ha convertido una cancha de
baloncesto encajada entre dos edificios del distrito 9 de París en
una verdadera obra de arte. Allí, caminando por la rue Duperrè,
descubres de pronto, casi escondida, esta cancha que es un estallido de colores primarios, azul, amarillo y rojo, inspirada en la
obra de Malévich con espíritu geometrista. Una colaboración
entre Ill-Studio y la marca de moda Pigalle. www.ill-studio.com
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DISEÑO EXPERIENCIAL
EL CONOCIMIENTO TRANSVERSAL ES UNA DE LAS HERRAMIENTAS CLAVE
DE LOS NUEVOS PROFESIONALES DEL DISEÑO EN TODOS SUS ÁMBITOS,
QUE ENCUENTRAN EN EL DISEÑO DIGITAL E INTERACTIVO LA BASE DEL
LENGUAJE ACTUAL PARA LA CREACIÓN DE UN PRODUCTO QUE OFREZCA
AL USUARIO UNA EXPERIENCIA INOLVIDABLE.
Texto: Rosario Muñoz. Foto: External Reference Arquitects
La vertiginosa evolución de la era digital redefine constantemente
nuestra forma de comunicarnos y conectarnos, lo que genera la
demanda de profesionales sólidamente formados en las nuevas
tecnologías. El diseño digital interactivo es una herramienta
indispensable en el desarrollo de la sociedad moderna que involucra
a los profesionales de todos los ámbitos del diseño. Es el caso de
External Reference Arquitects, una empresa multidisciplinar de
diseño que se autodefine más como una red de profesionales que
como un estudio. Su trabajo se basa en transgredir las fronteras entre
la arquitectura, el arte visual y la creación digital para generar nuevas
experiencias espaciales. La exhibición España Explora en el Pabellón
Español en la Expo Yeosu 2012 es uno de los ejemplos de proyectos
multidisciplinares en los que ha participado, junto a Onion Lab, un
estudio de creación de productos y espacios interactivos. Se trataba
de un espacio concebido para la exposición organizada por Corea
del Sur en homenaje a los océanos y las zonas costeras. Este espacio
representaba la tradición española de exploración geográfica y el
descubrimiento científico mediante una exposición didáctica a través
de una experiencia sensorial construida con proyecciones
interactivas, gráficos dinámicos, sonidos y luces de colores. Los
avances tecnológicos influyen en la percepción de la realidad que
nos rodea de forma que empresas públicas y privadas se ven
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obligadas a generar en paralelo nuevas formas de comunicación
para lanzar su mensaje, cualquiera que este sea, de una manera
impactante y efectiva. Por eso, los centros como LCI Barcelona y la
Escuela Superior Oficial de Diseño, que han sabido detectar estas
nuevas herramientas de comunicación, tienen en su oferta
académica programas específicos para formar a los profesionales de
este futuro tan actual. Los másteres oficiales enfocados al diseño
digital interactivo no solo enseñan a diseñar un proyecto, sino que se
centran en la aplicación de la enseñanza a un prototipo real. Cursos
como el máster en Creación y Desarrollo de Proyectos Digitales, que
se ha configurado en colaboración con la prestigiosa agencia Herraiz
Soto y que se centra en dos especialidades: proyectos digitales de
comunicación y publicidad para marcas; y para espacios interactivos,
trabajando conjuntamente con el máster de Diseño de Interiores
Experiencial, es decir, diseño gráfico digital llevado al espacio físico
real. Una formación cruzada en la que los estudiantes de cada uno
de los másteres oficiales realizan proyectos transversales para
diseñar productos desde su especialidad, poniendo en práctica la
aplicación del diseño digital e interactivo para crear nuevas
experiencias de usuario y darle ese valor añadido a su producto,
indispensable en las nuevas formas de creación.
Nathaniel Russell
LA CARTELERÍA ES UNA DE LAS DISCIPLINAS MÁS VERSÁTILES EN EL CAMPO DEL DISEÑO.
PUBLICIDAD, CINE, POLÍTICA, MÚSICA, ARTE... MUCHOS SON LOS SECTORES QUE HAN
UTILIZADO EL CARTEL PARA TRANSMITIR SUS MENSAJES. LA SENCILLEZ DE SU LENGUAJE
ESCONDE UNA PODEROSA ARMA DE COMUNICACIÓN MASIVA IGUAL DE EFECTIVA PARA
PROMOCIONAR UN PRODUCTO QUE PARA TRANSMITIR UN MENSAJE IDEOLÓGICO. LA
CREACIÓN DE UN PÓSTER SE BASA EN UN PROCESO BÁSICO QUE COMIENZA CON UNA IDEA
CONCRETA Y SU ARTICULACIÓN COMO MENSAJE A TRAVÉS DE UN LENGUAJE DIRECTO E
IMPACTANTE. CONSEGUIR TRANSMITIR ESE MENSAJE CON LA MÍNIMA EXPRESIÓN ES LA META
DE NATHANIEL RUSSELL, UNO DE LOS DISEÑADORES/ARTISTAS QUE HAN ENTRADO A FORMAR
PARTE DEL WALL OF FAME DEL PROYECTO ELEMENT PERSPECTIVE, CONCEBIDO POR ELEMENT
PARA DAR VISIBILIDAD A UNA GRAN COMUNIDAD DE ARTISTAS, FOTÓGRAFOS Y DISEÑADORES
INTERNACIONALES CON UNA PERSPECTIVA DE LA VIDA ÚNICA Y MUY PERSONAL. RUSSELL HA
DESARROLLADO PARA LA MARCA SU TRABAJO COMO DISEÑADOR DE PÓSTERS PARA
PLASMARLO SOBRE UN FORMATO MUY ESPECIAL: UNA TABLA DE SKATE.
Entrevista: Rosario Muñoz
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Tu interés por el skateboarding empezó con
12 años. ¿A qué edad empezaste a interesarte por el arte y el diseño gráfico? Creo que
fue también alrededor de los 12 años. Estaba
interesado en los logos de las bandas y los
gráficos de patín, así como en dibujos e ilustraciones de comics y la revista MAD. La
representación visual de la música en las portadas fue muy importante para mí, lo primordial. Generalmente compraba un álbum por
el arte de la portada, con la esperanza de que
fuera bueno. ¿Qué tiene el lenguaje de la cartelería que te atrae tanto? Me gusta porque
es una forma simple y utilitaria con un propósito, y no es considerado como un objeto
sagrado y delicado. El póster es un formato
estándar utilizado en publicidad, protesta y
celebración. Tus diseños son simples, pero
con mensajes potentes, cargados de mucho
significado. ¿Intentas con tu trabajo que el
público se plantee cuestiones sustanciales
más allá de la belleza estética? Creo que
quiero expresar la parte más profunda de
nosotros mismos, nuestra conexión con los
demás y la tierra, lo que es ser un ser viviente aquí, en el espacio, en este planeta, usando la menor cantidad de señales y ruido
como sea posible. Decir más con menos es
mi meta. ¿Cómo surgió la colaboración con
el proyecto #Element Perspective? Me contactó Brecht Cuppens, el director de arte,
para trabajar en el proyecto. Pasamos por un
proceso de generación y filtración de
muchas ideas antes de establecer una direc-
ción. A partir de ese momento empecé a trabajar y recibí un feedback muy positivo, que
me ayudó a que el proyecto se desarrollara
poco a poco, sin presiones. Él me trató con
mucho respeto y yo quería estar seguro de
que estaba contento con cómo iban las
cosas y con el producto terminado. Fue una
gran experiencia para mí. ¿Cuál es la diferencia entre plantear un diseño para un póster y
hacerlo para una tabla de skate? El formato
(horizontal o vertical) de la tabla es un desafío porque es muy estrecho. No representa
una limitación sino un divertido puzle para
resolver. Tu trabajo abarca desde el diseño
gráfico hasta la escultura, pasando por la
serigrafía y la pintura. ¿Qué técnicas has utilizado para desarrollar este proyecto? Todo
comienza con el dibujo. Tengo interés en las
diferentes maneras de dibujar que tiene cada
uno. Una línea es como una voz, cada una es
diferente. Para dibujar utilizo directamente el
lápiz, el pincel y la sierra, son mi marca de trabajo. Has creado tres diseños a todo color,
sencillos pero impactantes. En ellos recoges
referencias a la grandeza del Universo y la
Naturaleza. Son cuestiones muy profundas
para la mayoría de la gente, hoy en día.
¿Cómo influye tu perspectiva del mundo en
tu trabajo?, ¿qué respuestas tienes de la
gente cuando descubren el significado de tu
trabajo? Supongo que será satisfactorio
saber que por lo menos les has dado pie a
reflexionar, aunque solo sea por unos minutos, sobre la vida y nuestra relación con la
naturaleza. Estos son temas importantes
para mí y que han surgido una y otra vez en
mi trabajo, así que me parecía natural introducirlos en este formato. Estaba más preocupado con mi punto de vista que con el del
resto del mundo. Creo que mi trabajo puede
significar muchas cosas para diferentes personas, y he creado estas imágenes con el fin
de articular algo que no puedo explicar.
Puede que el significado sea algo impreciso,
pero continúa siendo algo importante para
mí. No sé qué pueden sentir otras personas
al ver mis diseños, pero espero que puedan
apreciar la idea. Los artistas entendéis la vida
de una forma diferente al resto de los mortales. ¿Cuál es tu filosofía de vida? Solo intento
ser tan bueno como puedo, intento ser una
buena persona. Creo que es lo mejor que
podemos esperar de la gente, y es bastante
difícil de hacer estos días. Creo que estamos
aquí para apoyarnos los unos a los otros.
Eres músico y melómano: ¿qué playlist nos
recomiendas para una tarde de skateboarding? Ahora patino de forma menos agresiva. Se trata de divertirse y salir con mis amigos. Casi nunca escucho música, pero si lo
hiciera probablemente sería una mezcla de
deep dub reggae y canciones de Jonathan
Richman, de los Misfits. Tu spot favorito para
patinar. Patino lugares pequeños y raros:
bordillos, DIY spots, rocas y cosas que son
difíciles pero en las que no corres el riesgo de
hacerte daño... ¡No me gustaría lesionarme y
quedarme sin dibujar!
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NOTICIAS ARTE
TRUCK ART PROJECT
ANDY WARHOL, MÚSICA Y VINILOS
Truck Art Project es un proyecto de mecenazgo artístico impulsado por el empresario y coleccionista Jaime Colsa y destinado
a componer una particular colección de arte contemporáneo. En
él, los monumentales soportes de las obras son los camiones de
su empresa, camiones que sirven como soporte para los artistas
y que realizarán sus rutas habituales por toda la geografía española. La iniciativa se convierte así en un muestrario vivo de las
tendencias más actuales de la pintura, el dibujo y el arte urbano,
en el que ya han colaborado artistas como Javier Arce, Suso33,
Okuda San Miguel, Abraham Lacalle, Marina Vargas, Javier Calleja
o Daniel Muñoz, entre otros. truck-art-project.com
El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León inaugura el
sábado 7 de mayo All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, música y
vinilos (1949-1987), una exposición que analiza el papel jugado
por la música en la obra de Andy Warhol. La muestra, que podrá
visitarse hasta el 4 de septiembre, traza una genealogía de las
relaciones entre el arte y la música popular durante la segunda
mitad del siglo XX a través de más de 200 piezas, incluyendo
portadas de discos, libros, revistas, pósters, fotografías, serigrafías, dibujos, películas, videoinstalaciones, screen tests, videoclips
musicales y diversos objetos relacionados con el universo artístico de Warhol a lo largo de casi cuatro décadas. www.musac.es
HOSTING BY GEORGE DOWING
PRADA INACCESIBLE Y DECADENTE
Las apps para ligar han revolucionado la forma de entender la
vida y la sociabilización. ¿Lo que no podríamos imaginar? Que
también llegarían a formar parte del arte como herramienta en un
proceso creativo. Así lo demuestra el libro Hosting, de George
Downing, que recopila los retratos que ha ido tomando en sus
citas vía Tinder. George, fotógrafo y aspirante a cineasta, muestra un talento intuitivo a la hora de exponer la belleza humana
con la crudeza de la luz natural. Para él es muy interesante la
comparación entre la mirada personal de sus instantáneas y las
que sus modelos usan en sus perfiles de la app, lo que abre el
eterno debate del yo y su percepción. georgewdowning.com
En medio del desierto hay una tienda de Prada, pero si alguien se
paró alguna vez con el impulso de comprarse un bolso, le habrá
extrañado no poder entrar. Y es porque no es Miuccia Prada la
que ha llevado su firma al desierto de Texas, cerca de la localidad
de Marfa, sino los artistas Elmgreen y Dragset, que crearon esta
escultura, que no tienda, llamada Prada Marfa. Esta no-tienda,
instalada en 2005, muestra bolsos y zapatos de la colección
otoño-invierno 2005 de Prada. Su objetivo es mostrar la decadencia del lujo con el paso del tiempo. Habiendo partido de ser
una escultura experimental, es un icono de la industria y hasta un
reclamo turístico. www.elmgreen-dragset.com
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NOTICIAS ARTE
FELIPE PANTONE Y LA CIBERCULTURA
LA TÉRMICA PRESENTA ‘APP & DOWN’
Cabalgando entre los juegos ópticos de Bridget Riley y el formalismo de Frank Stella, el artista Felipe Pantone retoma los precedentes de la pintura abstracta para nivelarlos con el acervo de la
cultura popular (el cómic, ciencia-ficción, ciberpunk, tipografías
grafiteras…) y dar con un lenguaje acorde con los tiempos hipermodernos. Valencia es el marco en el que a mediados de los
noventa Felipe comienza a desarrollar su carrera artística y
donde continúa residiendo, así como donde se granjea el apodo
de Pantone por su singular conceptualización del uso cromático.
Sus obras se caracterizan por el uso de brillantes colores y degradados sobre gráficos en blanco y negro. www.felipepantone.com
La Térmica de Málaga –en colaboración con La Fresh Gallery–
presenta la exposición App & down, un recorrido por las distintas
formas de un nuevo lenguaje universal. Los últimos avances tecnológicos han creado nuevas formas de comunicación, las cuales
van adheridas a sentimientos de respuesta inmediata. A través de
las diferentes obras de esta muestra, se puede contemplar cómo
influyen las más recientes aplicaciones en nuestros estados de
ánimo, formando parte de la rutina personal a través de un uso
natural y cotidiano. Un recorrido dinámico a través de la mirada
de una generación 3.0 en un estado constante de actualización.
Del 17 de junio al 17 de julio de 2016. www.latermicamalaga.com
DANDO CAZA A BANSKY
CURADOR MAGAZINE
Robin Gunningham. La magia del anonimato se diluye en torno
al misterioso artista callejero conocido como Banksy. Según un
estudio publicado por la Universidad Queen Mary de Londres, se
ha utilizado una compleja herramienta de perfil geográfico para
confirmar la identidad secreta del codiciado grafitero, que ha
dado como hipotético nombre real el de Gunningham, nombre
que de otra parte ya venía sonando desde hace tiempo en los
mentideros artísticos. Partiendo de 140 obras pintadas en
Londres y Bristol se diseñó un mapa con los ‘puntos calientes’
donde podría ir con asiduidad el artista. Con tanto asesino suelto es increíble que se dediquen a perseguir el arte. banksy.co.uk
El arte desborda cualquier enfoque con el que se trate de aproximárselo. Por eso es en muchos caso un proyecto multidisciplinar y multiplataforma para abordarlo de forma satisfactoria.
Curador es mucho más que una revista. Es una plataforma en
papel y digital para dar difusión a artistas de distintas disciplinas:
fotógrafos, ilustradores, pintores, arquitectos… Curador nace para
ver a través de los ojos del artista, cuya visión es el principal
motor para gestionar y generar los contenidos. Un enfoque fresco que revaloriza nuevos formatos artísticos. Artistas que se convierten en comisarios de otros artistas, abriendo un nuevo camino para que los nuevos muestren sus obras. curadormag.com
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WU
ZEI
COMO SALIDO DE LA
IMAGINACIÓN DE LOS CREADORES
DE GODZILLA, UN GIGANTESCO
PULPO ES LA ESTRELLA DE LA
EXPOSICIÓN QUE HA LLEVADO A
15 PRIVILEGIADOS ARTISTAS
CHINOS A QATAR. LA
SUPERESTRELLA DEL ARTE
CHINO, CAI GUO-QIANG, ES EL
ENCARGADO DE ARTICULAR EL
DISCURSO NARRATIVO DE LA
MUESTRA, DONDE LA TEMÁTICA
DE LA LIBERTAD ESTÁ MUY
PRESENTE TANTO EN LA FORMA
COMO EN EL FONDO.
Texto: Agustín Velasco. Foto: Wen-You Cai, Cai Studio
La revolución en el arte, como en muchos
otros ámbitos de la vida, está llegando de
China. Coleccionistas de arte contemporáneo del mundo han incluido entre sus prioridades a los artistas del país asiático. El progresivo aperturismo económico y social
chino ha posibilitado que las vanguardias del
país hayan empezado a ser incluidas en los
principales espacios expositivos de todo el
planeta. Pero ¿dónde están los más importantes coleccionistas del momento? Para
saberlo hay que seguir la ruta del petróleo.
Allí es donde el arte chino está teniendo más
impronta. En el Al Riwaq Art Space de Qatar
tiene lugar la exposición What About the
Art? Contemporary Art from China, comisariada por Cai Guo-Qiang, la estrella del arte
chino y miembro de la revista Supertouch.
Esta iniciativa muestra el trabajo de 15 artistas nacidos en China en el marco de la colaboración artística de un año de duración que
vienen manteniendo China y Qatar. Una
muestra multidisciplinar que incluye pinturas, esculturas y videoinstalaciones, de las
que la pieza estrella es Wu Zei, la escultura
de un gigantesco monstruo marino obra de
Huang Yong Ping. La fantástica bestia propia de la iconografía nipona del universo
Godzilla es un híbrido entre un pulpo y una
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sepia, que, suspendida del techo de la galería, representa una ácida crítica a la continua
degradación de los océanos por la mano del
hombre. Uno de los tentáculos del monstruo
reposa sobre un charco en el suelo, donde se
mezcla con retazos de la aceitosa basura
oceánica y restos de animales muertos, algo
que resulta especialmente crítico dado que
la obra de este artista chino se está exhibiendo en uno de los principales países exportadores de petróleo del arco árabe. El objetivo
de la exposición, en palabras de Cai GuoQiang, “es abrir esta plataforma de libertad
para que los artistas que toman parte puedan expresar plenamente su genuina visión
artística única. Se le da mucha atención al
contexto sociopolítico del arte chino contemporáneo y a la subida meteórica de los
precios de mercado de las obras de arte.
Menos atención se presta a la singular creatividad individual de los artistas y a su método artístico y su metodología individual y
única. La libertad es un codiciado asunto
para muchos artistas. Pero lo más importante es cómo se utiliza su lenguaje plástico
para expresar efectivamente esta noción de
libertad y presentarlo de una manera tan
abrumadoramente poderosa". Hasta el 16 de
julio de 2016. www.alriwaqartspace.com
ARCO 2016
LA EDICIÓN DE LA FERIA DE ARTE
CONTEMPORÁNEO ARCO EN MADRID
ESTE AÑO HA PASADO MÁS RÁPIDO DE
LO ESPERADO. ¿POR QUÉ? ALGUNOS LO
ACHACAN A LA FALTA DE RIESGO POR
PARTE DE LA MAYORÍA DE LAS
GALERÍAS, QUE FUERON A LO SEGURO,
A LLEVAR LO QUE PENSABAN QUE IBA A
VENDERSE SIN ATREVERSE A DESTACAR
DEMASIADO, SIN UN PROYECTO
CURATORIAL. OTROS, AL HECHO DE QUE
NO HUBO NOTAS DISCORDANTES, EN LA
MISMA LÍNEA, PUES EXCEPTO EL
PERFORMER DESNUDO ENTRE LOS
PALÉS DE UNA INSTALACIÓN, LA OBRA
COLONIAL COLOR PALETTE, DE EMILIO
ROJAS, LA PROVOCACIÓN BRILLÓ POR
SU AUSENCIA. NO QUEREMOS DECIR
CON ESTO QUE EL ARTE
CONTEMPORÁNEO DEBA PROVOCAR
INDUDABLEMENTE, ¿O SÍ?
Texto: Marisol Salanova. Foto: Afioco
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La desnudez de Rojas ponía de relieve con
su obra las denominaciones raciales relacionadas con los recursos extraídos de las colonias que tuvieron las primeras ediciones de
las pinturas de la famosa marca Crayon, que
más tarde fueron modificados. Instalación y
performance trataron de cobrar fuerza o
generar mayor impacto. No obstante, la pintura prevaleció y es que parece que los
coleccionistas están volcados en la compra
de pintura y fotografía más que otros años.
La pintura fue la técnica estrella en esta edición, pero por supuesto que hay pintores
atrevidos que se sirven de diversas técnicas
pictóricas para traspasar límites, meter el
dedo en la llaga, realizar denuncias sociales
o políticas... y los tiempos que corren casi lo
piden a gritos. El performance art siempre
ha sido el más subversivo de los campos, y
de este hubo sinceramente poco de calidad,
pese a que se empeñasen en difundir que se
trataba de la técnica protagonista de la 35.ª
edición de ARCO. Pasados unos meses,
podemos reflexionar sobre lo visto en la
feria, con serenidad, tras el apogeo de las
ventas, de los reencuentros que suceden
una vez al año entre amigos galeristas,
coleccionistas, artistas, directores de centros
de arte y de museos, etc. Tras el subidón hay
que hacer balance, y aunque el balance de
ventas es bueno, seamos francos: ARCO ha
perdido tirón. Algo falla. Tal vez se haya vuelto un encuentro recatado. Como experiencia, la feria deja de sorprender y, por lo tanto,
el público percibe menos estímulos. No es
que el arte esté para entretener, pero sí
debería de llevarnos a pensar. Una incipiente
revalorización de la escultura se erigió como
aire renovador y positivo, ya que, dado el
carácter matérico de lo escultórico, poco a
poco los artistas más jóvenes se habían alejado de su práctica, pues cuestan mucho los
materiales, el almacenaje y el transporte. Sin
embargo, este año se vendió escultura por
precios astronómicos, así como esculturas
más asequibles de pequeño formato de
jóvenes artistas, lo cual fue estupendo: no
solo de vender Juan Muñoz se vive; no obstante, siempre resulta espectacular una gran
obra. La escultura de bronce Yellow Song, de
George Baselitz, que expuso la galería francesa Thaddaeus Ropac, tenía un precio
superior al millón de euros, y fue de las más
comentadas, de las que más selfis acaparó,
si puede ese ser un medidor de popularidad.
La conclusión es que prescindir de un país
invitado en esta edición dejó huella y se notó
que nos faltaba algo, aunque esta siga siendo la cita anual del arte contemporáneo por
excelencia. Seguiremos atentos.
Jonathan Monaghan
NACIDO EN EL SENO DE UNA FAMILIA CATÓLICA DE ORIGEN IRLANDÉS, MONAGHAN SE CRIÓ EN QUEENS (NY),
JUNTO AL OCÉANO. SU RELIGIOSA EDUCACIÓN INFLUYÓ MUCHO EN SU FORMA DE RELACIONARSE Y ENTENDER
LA VIDA QUE LO RODEABA. AL CRECER –Y AL IGUAL QUE TODA LA GENTE DE SU GENERACIÓN–, ESTAS
DOCTRINAS ACABARON DILUYÉNDOSE, AUNQUE DEJARON UN POSO QUE A DÍA DE HOY ES OBSERVABLE EN SU
FORMA DE COMPONER HISTORIAS. EN SUS VIDEOCREACIONES PODEMOS VER DESDE UN RENO DE ORO
GALOPANDO A TRAVÉS DE UN VASTO TABLERO MIENTRAS UN OVNI GROTESCO SOBREVUELA LA ESCENA, A
LOS COJINES DE UN SOFÁ MODERNISTA DANDO A LUZ UN BECERRO DE ORO. SU IMAGINACIÓN PARECE NO
TENER LÍMITES NI COMPLEJOS, Y NO DUDA EN MEZCLAR CONCEPTOS Y OBJETOS COMO UNOS HUEVOS DE
FABERGÉ REINTERPRETADOS, TODO TIPO DE CIBORGS Y EL LUJO DECADENTE: IMÁGENES SURREALISTAS A
GOGÓ PARA UN MUNDO ARTIFICIAL COMPUESTO DEL DETRITUS DEL CAPITALISMO MÁS ABSURDO. IRONÍA
POSAPOCALÍPTICA A LA PAR QUE ELITISTA Y BELLA. TODO ESTO Y MÁS SE ENCUENTRA EN LAS ENCRIPTADAS
COMPOSICIONES Y DEMÁS CREACIONES DIGITALES DE JONATHAN MONAGHAN. PASEN Y VEAN...
Entrevista: Tactelgraphics. Edición: Rosario Muñoz. Foto: Courtesy of Bitforms Gallery, New York
¿Te consideras videoartista? Soy un artista y hago lo que tiene sentido para mí. Trabajo cruzando técnicas: hago esculturas, grabados y
videoinstalaciones, pero todo forma parte del mismo mundo. Las
imágenes y los conceptos te dirigen a través de los diferentes materiales. Cada técnica es adecuada para interactuar con los temas y
conceptos, que se tratan de una manera única. ¿Qué opinas del
denominado movimiento post-Internet? Hay una fluidez de los significados en mi trabajo, donde elementos dispares se fusionan en
algo nuevo. Es un poco la forma en la que funciona la Red, en la que
todo tipo de técnicas se transforman a través de la pantalla del ordenador. Sin duda, me preocupan las cuestiones que la era digital
moderna es capaz de abarcar y transformar. Creo que los artistas
pueden ocuparse de esta cuestiones a través de todo tipo de enfoques, pero yo soy consciente del uso que hago de las herramientas
digitales para ser crítico con los efectos que tienen sobre nuestro
sentido de la realidad, nuestra identidad, nuestra historia. Más concretamente, estoy creando obras que parecen spots publicitarios:
tienen la agudeza y la seducción de un anuncio de un coche, por
ejemplo. La exposición Escape Pod hacía referencia a la mitología
tanto nórdica como griega. Sin embargo, tus vídeos tienen un claro
contenido apocalíptico. ¿Cómo influye todo esto en la creación de
tu obra audiovisual? Yo veo la historia como un estadio no lineal. Me
gusta estudiarla como la mitología, no como una serie de eventos
indirectos sino como las mismas manifestaciones de la naturaleza
humana en formas ligeramente diferentes. Utilizando criaturas míticas y de cuentos en mi obra estoy intentando explorar la raíz de la
naturaleza humana en la era digital. Los posibles hábitos de consumo quedan claramente reflejados en obras como Afrer Fabergé. La
ironía es un ‘must’ en tus trabajos. Utilizar un Starbucks o una tienda
libre de impuestos en mi otro mundo imaginario aproxima mi trabajo a la realidad. La discordancia humorística creada por el contraste
entre estos elementos banales y las imágenes de poder o historia
tiene como objetivo desencadenar la visión de quiénes somos y
adónde vamos, o eso espero. El mundo paralelo, no desvinculado de
la iconografía más contemporánea, se ve reflejado en tu cuerpo de
obra. ¿Qué pretendes con ello? Me veo obligado a buscar en nuestra cultura comercial y consumista de una manera diferente. A menu-
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do la gente se pregunta ‘por qué’ cuando observan mi trabajo: ¿por
qué hay un hotel en este palacio barroco?, ¿por qué está bailando
Iron Man? ‘Por qué’ es una buena pregunta para hacerse cuando
navegamos por nuestra vida y nuestra cultura. Creo que no preguntamos lo suficiente y espero que mi trabajo pueda instigar estas preguntas. Pese a la carencia de humanoides en tus piezas, el concepto de hibridación parece siempre estar presente. ¿El mensaje encriptado tiene algo de adoración hacia el mundo de la ciencia-ficción?
Siempre he estado influenciado por la ciencia ficción y por cómo
trata la tecnología, la alegoría y las advertencias sobre problemas
concretos. Estoy haciendo algo similar, pero estos híbridos del pasado y del presente de nuestra cultura del consumo van más allá de la
evasión y la fantasía asociada a veces a la ciencia ficción. Supongo
que conoces a la artista Patricia Piccinini y sus pequeños mutantes.
¿Sabes que inspiró la película Splice, con Adrien Brody y Sarah
Polley? ¿Te gustaría que tu obra derivase en lo mismo? Sí, sin duda.
Hollywood es más que bienvenido para pagarme por una dirección
de arte en cualquier momento. Hablemos del parto del ciervo de oro
del sofá, que me tiene totalmente hechizado. ¿Metáfora del consumo o mito revisitado? La imaginería en mi obra es intencionadamente ambigua. No existe un significado específico, sino más bien un
desfile de imágenes para contemplar. Me gusta enfrentar contrarios
y lo inesperado. Nos obliga a pensar sobre las cosas de manera diferente. No puedo evitar pensar en artistas como Matthew Barney
cuando visualizo tus vídeos, salvando las distancias. Cremaster Cycle
es una de las piezas, desde mi punto de vista, más importantes de
principios de este siglo… ¿Tú que opinas? He visto un montón de
videoarte. Matthew Barney ha sido, en muchas formas, una gran
influencia para mí. Creo que la sensación que tuve al estudiar esos
trabajos fue que podría producir algo como eso, pero que podría
hacerlo con mis propias habilidades. No tengo un estudio o un gran
presupuesto, ni siquiera sabía cómo usar una cámara, pero pensé
que podría hacerlo con los conocimientos de animación 3D que ya
tenía. ¿Qué proyectos tienes entre manos en estos momentos?
Estoy terminando una serie de grabados y esculturas, tituladas
Gotham, con un giro hacia el lujo arquitectónico del Nueva York del
siglo XIX, convertidos en viñetas orgánicas.
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ARTE Y EXPOS
Pascale Marthine Tayou
Louise Bourgeois
CAC, Málaga. cacmalaga.eu
Guggenheim, Bilbao. www.guggenheim-bilbao.es
Hasta el 5 de junio de 2016
Hasta el 4 de septiembre de 2016
MIRACLE !!!
ESTRUCTURAS DE LA EXISTENCIA
El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera exposición individual en España de Pascale Marthine Tayou. En
MIRACLE !!!, título de la exposición comisariada por Fernando
Francés, el artista reúne 24 trabajos en los que se aprecian las
diferencias culturales entre África y Europa, además de emplear
diferentes materiales: madera, acero, cristal, cerámica, incluso
elementos reciclados. En su obra, el artista enfrenta términos
antagónicos: lujo/pobreza; poder/sumisión; pureza/corrupción,
etc. Los objetos cotidianos se emplean como recurso estético y
se interpreta como la variedad religiosa, cultural, política y social
que ha resultado del poscolonialismo. Los movimientos de las
personas y materiales a través del mundo, la conexión espiritual
con los lugares son algunos de los temas que aborda en su trabajo. Además de sacar a la luz los problemas sociales o políticos,
Pascale Marthine Tayou también denuncia que estas desigualdades llegan a afectar al medioambiente y a la forma de obtener y
explotar los recursos naturales por parte de Occidente. Esta realidad se hace más visible en el empleo de materiales de desecho
en sus obras. A pesar de todo, el colorido y la vistosidad de su
trabajo hacen que la forma de abordar estos problemas sea
desde un punto de vista positivo.
El Museo Guggenheim Bilbao presenta a Louise Bourgeois.
Estructuras de la existencia: las Celdas reúne una amplia representación de las innovadoras y sofisticadas obras escultóricas
desarrolladas por Louise Bourgeois (1911–2010), una de las artistas más influyentes del siglo XX, a lo largo de dos décadas de su
carrera. En esta exposición, organizada por Haus der Kunst
(Múnich) en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao, el
público podrá conocer y experimentar 28 espacios arquitectónicos cargados de emoción que separan el mundo interior del
exterior y que representan, en cada caso, un microcosmos particular. La exposición en Bilbao es posible gracias al patrocinio de
la Fundación BBVA. Las Celdas se ubican a medio camino entre
el panorama museístico, la escenografía y la instalación, y abordan la memoria y las emociones, el dolor, la angustia y, de manera específica, el miedo al abandono. En estos espacios arquitectónicos únicos, la artista coloca diferentes objetos encontrados,
como prendas de vestir, muebles o esculturas singulares, y compone escenarios teatrales cargados de emociones. Para
Bourgeois, el término en inglés, cell, tiene diversas connotaciones, pues se refiere tanto a la celda individual de una cárcel o de
un monasterio como a la célula biológica de un organismo vivo.
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ARTE Y EXPOS
Luis Úrculo
Colectiva
Espai Tactel, Valencia. www.espaitactel.com
MoMA, Nueva York. www.moma.org
Del 6 de mayo al 17 de junio de 2016
Hasta el 12 de marzo de 2017
ORNAMENTO Y DELITO
FROM THE COLLECTION: 1960-1969
Ornamento y delito, de Luis Úrculo, es un ambiguo acuerdo de
contrarios, una disección de algunas ideas desarrolladas por
Adolf Loos en el ensayo del mismo título, para ser convertidas en
conceptos más flexibles, es decir, fieles a los postulados del arquitecto vienés a la vez que los contradicen. El artista madrileño presenta una antítesis que enlaza con la lista de contradicciones vertidas en algunos escritos y proyectos que Loos nos ha legado. Se
trata de una reflexión sobre lo decorativo que contribuye, como
otros trabajos del artista, a un mejor conocimiento de lo doméstico-arquitectónico. Esta exposición es la continuación del proceso de registro del comportamiento de los materiales, iniciado con
Las cosas, y en el que ahora Úrculo prescinde del cuerpo (de
aquellas manos anónimas) para concentrarse, citando a
Heidegger, en lo “cósico”. La exploración del potencial de lo
imperceptible-cotidiano se lleva ahora a cabo a través de unos
fragmentos ficticios que reproducen las tramas abstractas presentes en un material arquitectónico real, cuyo proceso de
obtención, a veces, también es fingido. Haciendo uso del dibujo,
la fotografía, el objeto o la instalación, Úrculo anula la ‘alternancia
wölffliniana’ en favor de la coincidencia entre lo ‘clásico’ y lo
‘barroco’. En Espai Tactel, del 6 de mayo al 17 de junio.
La década de los sesenta es muy significativa en el arte contemporáneo. Supone casi el comienzo de la era del consumismo, en
que, gracias a un gran auge económico, se empezaron a producir de forma masiva distintos elementos de la vida cotidiana.
Debido a las dos guerras mundiales, el país que salió más fortalecido en todos los aspectos fue Estados Unidos. El auge material promovió comodidad y, por tanto, un auge intelectual. Los
artistas multidisciplinares experimentaron con los medios tradicionales para transformarlos. From the Collection: 1960-1969 es la
exposición que presenta el MoMA, y que reúne las mejores piezas de esta década. Las obras han sido recopiladas de su colección de la cuarta planta del museo en colaboración con seis
departamentos, la biblioteca y los archivos del museo. Así, esta
es una oportunidad única para ver piezas que jamás han sido
expuestas, como esculturas, cuadros, pinturas, dibujos, bocetos,
piezas de diseño, también de diseño industrial y fotografías. Está
ordenada de forma cronológica y encontramos obras como el
coche Jaguar E-Type Roadster del año 1961, fotografías de Bela
Kolárová de los años 1962 y 1963, Zen for TV de Nam June y del
año 1963 y, así, las más destacadas hasta 1969, como la película
Dream Houses, de Nalini Malani, entre muchas otras.
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ARTE Y EXPOS
Darío Villalba
Carlos Nicanor
Luis Adelantado, Valencia. www.luisadelantado.com
Twin Gallery, Madrid. www.twingallery.es
Hasta el 13 de junio 2016
Del 5 de mayo al 4 de junio de 2016
AQUÍ
NEOMISMOS
Luis Adelantado Valencia presenta la exposición individual de
Darío Villalba, Aquí, que tendrá lugar el próximo 7 de abril. Darío
Villalba (1939, San Sebastián) es una referencia ineludible para
entender el arte después de la generación del informalismo de
los cincuenta. Su respuesta a este ‘ismo’ abrió una brecha en la
concepción del propio mundo artístico, conceptualizando nuevas formas de trabajo. Pionero en el uso de la fotografía como
pintura, emulsionada, intervenida y transformada, su labor ha
sido reconocida por las más relevantes instituciones artísticas. En
1970, en la XXXV Bienal de Venecia, presentó sus Encapsulados,
que le dieron fama internacional y trascendencia artística. Por la
constancia en la excelencia de su trabajo ha sido galardonado
con diversos reconocimientos, entre ellos la Medalla de Oro al
Mérito en Bellas Artes otorgada por el rey de España en 2002 y
el Premio Nacional de Bellas Artes en 2003. Para esta su quinta
exposición individual en Luis Adelantado Valencia, Villalba presenta más de 40 nuevas piezas: en ellas recorre un camino desde
la reinterpretación del pasado hacia una nueva visión en la que
nos mostrará algunas de sus obras, con las que retoma el color
de los documentos originales de los años ochenta completado
con las luces y las sombras de un pulcro blanco y negro.
El escultor canario Carlos Nicanor presenta el 5 de mayo en Twin
Gallery la exposición Neomismos, el Barroco como pretexto (primera parte), en la que se adentra en el desconcierto de la pintura, se sale del marco y se desata en la tridimensionalidad de la
escultura, como un daño aparentemente reversible y un juego no
pudoroso con el puro pigmento. La muestra se podrá visitar
hasta el 4 de junio. La intensidad escultórica de Carlos Nicanor es
de naturaleza poética. Tal vez por eso su obra parece tan cómoda y rigurosamente expresiva cuando hace suyo el legado de las
vanguardias, en especial del dadaísmo, y su capacidad para
hacer objetos autosuficientes, entidades cerradas con las que
para comunicarnos es imprescindible una clave cultural. El poder
de la imaginación y la construcción a través del desahogo creativo desemboca en sombras de intimidad y efluvios de deseos.
Ahora los procesos se vuelven, a modo de pausa, menos gráficos
y más hipnóticos. Evasión a la irrealidad algo kitsch y pop.
Elocuente relación entre lo concebido y la experiencia. Genera
manchas de color como esculturas, no hay concepto narrativo y
no existen límites espaciales. Explota la tramoya del artificio y
sitúa al espectador en un lugar privilegiado, la responsabilidad
sobre su propio flujo emocional.
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ARTE Y EXPOS
Mona Hatoum
Colectiva
Tate Modern, Londres. www.tate.org.uk
Las Naves, Valencia. www.lasnaves.com
Del 4 de mayo al 21 de agosto de 2016
Del 5 de mayo al 18 de junio, y del 23 de junio al 30 de julio de 2016
MONA HATOUM
PARAÍSOS
La Tate Modern de Londres recibe la retrospectiva sobre Mona
Hatoum. Nacida en el año 1952 en Beirut, se mudó a Inglaterra en
1975 tras la guerra en el Líbano. Debido a todos estos cambios e
impresiones que recibió durante su infancia, la cosmogonía de
Mona Hatoum es bastante abrumadora, significativa y contundente. Desde el 4 de mayo hasta el 21 de agosto podremos ver
más de cien obras que contienen piezas como vídeos, esculturas,
instalaciones, fotografías y trabajos en papel. Desde la década de
los ochenta y a través de un repaso exhaustivo de sus treinta y
cinco años de carrera, nos adentraremos de lleno en el universo
Hatoum. Su obra es conocida por su pasión por la anatomía. De
hecho, es una constante ya que, para ella, es una buena forma de
mostrar tanto la vulnerabilidad como la resiliencia humanas. Así,
sus famosas obras, piezas como Light Sentence (1992), Corps
étranger (1994) o Homebound (2000) o Impenetrable (2009),
entre muchas otras, estarán en esta exposición. La obra de Mona
Hotaum es algo imprescindible debido al impacto que causa.
Cuando vemos sus piezas algo se remueve dentro de nosotros.
La crítica ácida sobre el ser humano y el hombre del mundo
actual hacen que esta exposición sea algo imprescindible para
los que amamos el arte contemporáneo.
El termino ‘paraíso’ está más próximo a nociones como la utopía
que a una realidad. Funciona tanto como pérdida o como promesa, aunque en alguna ocasión puede permitirnos una identificación de lugar. Paraísos artificiales / Paraísos terrenales es una
exposición en dos tiempos que engloba un total de veinte artistas entre los cuales cabe destacar a Deva Sand, Jorge
Fuembuena, Sergio Belinchón, Miguel Ángel Gaüeca, Christto &
Andrew o Alex Francés. Si bien en la primera parte (Paraísos artificiales) las diez posturas artísticas nos sitúan de nuevo en la
paradoja: hacer arte o diseñar un proyecto expositivo a la par que
se homenajea Les Paradis Artificiels es asumir también el estigma
que reside en la pregunta lanzada por Baudelarie: “¿Qué sentido
tiene trabajar, labrar el suelo, escribir un libro, crear y dar forma a
lo que fuere, si es posible acceder de inmediato al paraíso?”. En
la segunda parte (Paraísos terrenales) el tema se articula sobre la
diversidad de la idea de paraíso construida desde múltiples identidades. La elaboración de una realidad a partir de este concepto nos obliga a integrar su opuesto, el infierno, y todas las contradicciones que esta idea conlleva. Paraísos artificiales podrá verse
desde el 5 de mayo hasta el 18 de junio, y su continuación,
Paraísos terrenales, del 23 de junio hasta el 30 de julio de 2016.
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DC Shoes lleva más de dos décadas siendo una de las marcas de referencia de la cultura del
skateboarding en todo el mundo. Comenzó como un pequeño negocio de venta de camisetas fundado
por un par de amigos, uno de ellos hermano del skater Danny Way, para seguir con la fabricación y el
diseño de zapatillas especializadas primero y de toda clase de material para deportes extremos como
el surf, snowboard, BMX y el motocrós años después. La cultura de la calle la acogió como una de sus
marcas representativas, y grupos underground como Cypress Hill, Beastie Boys o Limp Bizkit la
apoyaron desde el principio. DC Shoes es un clásico de la escena que no puede faltar en tu fondo de
armario. Por eso, en esta edición de OCIMAG, los primeros en suscribirse se llevarán una prenda DC.
(Producto a elegir sujeto a disponibilidad de stock: zapatillas, camiseta, gorra o sudadera).
www.dcshoes.com
Información y suscripción online: www.ocimag.com
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