Los 40 principales-PowerPoint. Corregido

Transcripción

LOS 40 PRINCIPALES
PINTORES:
1. Sandro Botticelli (1447-1510)
2. Leonardo Da Vinci (1452-1519)
3. Jeroen Van Aken, “El Bosco” (1453-1516)
4. Rafael Sanzio (1483-1520)
5. Domenikos Theotokópoulos, “El Greco” (1541-1614)
6. Michelangelo Merisi, “il Caravaggio” (1571-1610)
7. Pedro Pablo Rubens (1577-1640)
8. Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660)
9. Rembrandt Harmenszoon Van Rijn (1606-1669)
10. Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682)
11. Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828)
12. Vincent Van Gogh (1853-1890)
13. Vasily Kandinsky (1866-1944)
14. Henri Matisse (1869-1954)
15. Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
16. Marcel Duchamp (1887-1968)
17. Salvador Dalí (1904-1989)
18. Pacheco Altamirano (1905-1978)
19. Jackson Pollock (1912-1956)
20. José Caballero (1915-1991)
SANDRO BOTTICELLI
Sandro Botticelli (Florencia,
1447-1510), “el mejor
decorador lineal que haya
habido en Europa”, según
proclamaba en el siglo XIX el
crítico Bernard Berenson.
Vasari indica que se formó
en un taller de orfebrería y
que en 1470 trabajaba en
Florencia como artista
independiente,
convirtiéndose en el pintor
favorito del círculo
neoplatónico de los Medici.
La pintura que desarrolla es
mitológica y tiene un
contenido moralizante.
PALAS DOMANDO AL CENTAURO (1482)
TEMPLE SOBRE LIENZO. 207 X 148 CM. UFFIZI, FLORENCIA.
EL NACIMIENTO DE VENUS (1482)
TEMPLE SOBRE TABLA. 17,5 X 278,5 CM. UFFIZI, FLORENCIA.
VIRGEN CON EL NIÑO Y ÁNGEL (1465-67)
TEMPLE SOBRE TABLA. 87 X 60 CM. SPEDALE DEGIL INNOCENTI, FLORENCIA.
LEONARDO DA VINCI
Leonardo Da Vinci (Vinci, 1452Amboise, 1519) es un científico que
aporta a la pintura el espíritu de la
investigación. Tuvo una formación
multidisciplinar. Su profesor fue
Verrochio. Tenía la manía de escribir
al revés, de modo que sólo se podía
leer con un espejo, con el fin de que la
iglesia no le persiguiera.
Su principal contribución a la pintura
será la técnica del sfumato o
“difuminado”, que consiste en
sombrear las figuras y diluirlas
mediante el claroscuro en el espacio.
*Curiosidad: Da Vinci tenía la manía
de no terminar ninguno de sus
trabajos. Se aburría y dejaba de
hacerlos.
LA VIRGEN DE LAS ROCAS (1483-1486)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 198 X 123 CM. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS.
LA ÚLTIMA CENA (1495-1498)
ÓLEO Y TEMPLE SOBRE YESO. 460 X 880 CM. REFECTORIO DEL CONVENTO DE
SANTA MARÍA DELLE GRAZIE, MILLÁN.
RETRATO DE MONNA LISA, LLAMADA
“LA GIOCONDA” (1503-1506)
ÓLEO SOBRE TABLA. 77 X 53 CM. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS.
JEROEN VAN AKEN, “EL BOSCO”
Jeroen van Aken, El Bosco
(Hertogenbosch, 1453-1516),
que firma con la abreviatura de
su villa natal y se mueve entre
la sátira popular del Medievo y
la moral propugnada por los
humanistas del Renacimiento.
Utiliza una técnica miniaturista
y un lenguaje simbólico,
inspirado en los refranes y
canciones populares, que a los
ojos actuales parece enigmático,
pero que en su época era de fácil
interpretación. A partir de estas
alegorías, forja una visión
pesimista de la existencia
humana, donde la salvación sólo
es posible mediante el control
de las pasiones.
EL JARDÍN DE LAS DELICIAS (1500-1510)
ÓLEO SOBRE TABLA. EL PANEL CENTRAL MIDE 220 X 195 CM Y LAS PUERTAS
LATERALES 220 X 96,5 CM. MUSEO DEL PRADO, MADRID.
CRISTO CON LA CRUZ A CUESTAS
(OBRA DEBATIDA ENTRE 1510-1535)
ÓLEO SOBRE TABLA. 76,5 CM × 83,5 CM. MUSEO DE BELLAS ARTES DE GANTE,
BÉLGICA.
ADORACIÓN DE LOS MAGOS (1485-1500)
ÓLEO SOBRE TABLA. 138 CM × 72 CM. MUSEO DEL PRADO, MADRID.
RAFAEL SANZIO
Rafael Sanzio (Urbino, 1483-1520,
Roma), pintor y arquitecto italiano.
Fue, junto con Leonardo y Miguel
Ángel, uno de los tres grandes
creadores de la pintura del alto
Renacimiento y el más ecléctico de
los grandes artistas de la época; su
obra ejerció una profunda
influencia en la posterior pintura
europea. Nacido en Urbino, hijo del
pintor G. Santi, en esta ciudad tuvo
su primera formación pictórica,
influida por la vigorosa
personalidad de Piero della
Francesca.
Cuatro etapas se advierten en su
vida, que se desarrollan
sucesivamente en Perugia (14941500), Urbino (1500-1504),
Florencia (1504-1508) y Roma
(1508-1520).
LA VIRGEN DEL JILGUERO (1506)
ÓLEO SOBRE TABLA. 107 X 77 CM. UFFIZI, FLORENCIA.
LA ESCUELA DE ATENAS (1509-1510)
FRESCO SOBRE MURO. ESTANCIA DE LA SIGNATURA, PALACIO DEL VATICANO.
ROMA.
LA PESCA MILAGROSA (1515)
CARTÓN PARA TAPIZ. 360 X 400 CM. VICTORIA AND ALBERT MUSEUM, LONDRES.
DOMENIKOS THEOTOKÓPOULOS, “EL
GRECO”
El Greco (Candia, 1541-Toledo, 1614) forma
parte del reducido censo de artistas que
continúan presentes en la estimación de los
críticos y en el recuerdo popular. Esta fama
perdurable se debe a la arrogancia con que
defendió sus pinturas en ambientes hostiles a la
independencia liberal del arte y al inconfundible
sello de su estilo, en el que el manierismo del
alargamiento alcanza la plenitud. “Ser enana –
sentenció- es lo peor que puede tener cualquier
género de forma”.
Su primera formación la recibe en la isla de
Creta, especializándose en iconos religiosos
sobre fondos dorados, de acuerdo con la tradición
bizantina tardomedieval imperante en los
talleres griegos. Su estancia en Italia la
completa en Roma, asimilando el apretado
dibujo de Miguel Ángel.
Desahuciado por el círculo cortesano, el Greco
fija, en 1582, su domicilio definitivo en Toledo.
EL EXPOLIO DE CRISTO (1577-1579)
ÓLEO SOBRE LIENZO. PRECIO: 3650 REALES. 285 X 173 CM. SACRISTÍA DE LA
CATEDRAL, TOLEDO.
MARTIRIO DE SAN MAURICIO Y LA
LEGIÓN TEBANA (1580-1582)
ÓLEO SOBRE LIENZO. PRECIO: 8800 REALES. 448 X 431 CM. MONASTERIO DE
SAN LORENZO EL REAL, EL ESCORIAL.
EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ
(1586-1588)
ÓLEO SOBRE LIENZO. PRECIO: 13200 REALES. 460 X 360 CM. PARROQUIA DE
SANTO TOMÉ, TOLEDO.
MICHELANGELO MERISI (IL CARAVAGGIO)
Michelangelo Merisi (Milán, 1571- Porto Ercole,
1610), llamado il Caravaggio por la localidad
bergamesca de la que era oriunda su familia, es el
creador del naturalismo y del tenebrismo pictórico.
Su vida está marcada por la bohemia y su arte por la
incomprensión. En 1590 se traslada a Roma, donde
su carácter arrogante y pendenciero le lleva varias
veces a la cárcel y al asesinato de un hombre por
riñas de juego. Condenado por homicida, huye en
1606 a Nápoles, Malta, Siracusa y Mesina. Obtenido
el perdón, muere de malaria cuando regresaba a
Roma. Tenía 37 años. Paradójicamente, sus sinceras
representaciones populares, dominadas por un
áspero verismo, fueron rechazadas por el pueblo, que
no quería ver en las historias evangélicas a los
mismos pescadores y labriegos que habían tratado a
Cristo, sino las decorosas imágenes concebidas por el
arte oficial de los Carracci. Sus contemporáneos
alabaron el talento del Caravaggio, pero le
reprocharon el mal uso que hizo de él.
La breve carrera del Caravaggio ha sido fragmentada
por Friedlaender en tres etapas. La fase inicial
corresponde a sus primeros años romanos y abarca
desde 1590 a 1599. A partir de 1600 se inicia su estilo
maduro. La etapa final coincide con su exilio.
LA VOCACIÓN DE SAN MATEO (1601)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 338 X 348 CM. CAPILLA CONTARELLI, IGLESIA DE SAN
LUIS DE LOS FRANCESES. ROMA.
LA MUERTE DE LA VIRGEN (1606)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 369 X 245 CM. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS.
BACO (1593-1594)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 95 X 85 CM. UFFIZI, FLORENCIA.
PEDRO PABLO RUBENS
Pedro Pablo Rubens [Siegen (Alemania), 1577-Amberos,
1640] fue un mago del color, además, está considerado como
el artista más culto de su tiempo, hablaba y escribía seis
lenguas modernas aparte del latín, y estuvo considerado como
un sagaz diplomático al servicio de la política exterior de
España. Su habilidad en los asuntos de Estado le hizo
recorrer las cancillerías europeas negociando tratados de
paz, como el obtenido entre Madrid y Londres, en 1630. El
éxito de esta embajada le valió ser nombrado caballero por
Felipe IV y Carlos I de Inglaterra. El artista escribirá: “Por
mi parte quisiera que el mundo entero estuviera en paz y que
el siglo en que vivimos fuera de oro y no de hierro”.
Rubens dominó todos los procedimientos de la técnica
pictórica, desde lienzos al óleo hasta murales al fresco,
pasando por los cartones para tapices, el diseño de arcos
triunfales para honrar los recibimientos regios y la
ilustración de libros y misales, que los grabadores de la
famosa editorial flamenca de Plantin trasladaron a planchas.
Con idéntica maestría tocó todos los temas y géneros, pero
renovándolos. Pintó asuntos religiosos, históricos y
mitológicos; cultivó el paisaje, el bodegón y fue un espléndido
retratista. La pintura no tuvo secretos para él.
DON FRANCISCO DE SANDOVAL Y
ROJAS, DUQUE DE LERMA (1603)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 283 X 200 CM. MUSEO DEL PRADO, MADRID.
AUTORRETRATO CON SU ESPOSA ISABEL
BRANT (1609)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 179 X 136 CM. ALTE PINAKOTHEK, MÚNICH.
LAS TRES GRACIAS (1638)
ÓLEO SOBRE TABLA DE ROBLE DE POLONIA. 221 X 181 CM. MUSEO DEL PRADO,
MADRID.
DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA VELÁZQUEZ
Diego Rodríguez de Silva Velázquez (Sevilla, 1599Madrid, 1660) es, además, el genio más grande del
arte español. Fue un supremo retratista, que abarcó
todos los géneros pictóricos: el cuadro religioso, la
fábula mitológica, el bodegón y el paisaje. En sus obras
capta la naturaleza, la luz y el movimiento,
interpretándolo con equilibrio y serenidad, acorde con
su temperamento flemático. El aprendizaje lo realiza
en el taller de Francisco Pacheco, de quien se convertía
en yerno al casarse, en 1618, con su hija. El
“sevillano”, como va a ser conocido en la corte de Felipe
IV, marcha a Madrid en 1623 para ocupar la plaza de
pintor de cámara. Realiza dos viajes a Italia: el
primero, de estudios, en 1629; veinte años después,
acude de nuevo con la embajada para comprar
estatuas clásicas y pinturas modernas que
completarán la colección real. Esta segunda estancia
en Italia se demoró tres años y hoy sabemos que esta
tardanza se debe en parte al nacimiento de su hijo, que
bautizó con el nombre de Antonio, tenido con una
dama romana. A su vuelta, fue nombrado aposentador
de Palacio y, poco antes de morir, recibió el hábito de
la Orden de Santiago.
Su estilo evoluciona, pudiendo advertirse dos épocas,
que coinciden con su etapa sevillana, de juventud y
formación, y la posterior madrileña, de absoluta
madurez.
RETRATO DEL PAPA INOCENCIO X
(1649)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 140 X 120 CM. GALLERIA DORIA PAMPHILI, ROMA.
* Este retrato está considerado como uno de los retratos más realistas de la
historia. Se aprecia perfectamente el gesto expectante del papa. Este cuadro
supera a todos sus retratos anteriores y posteriores en penetración
psicológica; cuenta la leyenda que el Papa exclamó al verlo troppo vero!,
aludiendo a su excesiva veracidad.
LA VENUS DEL ESPEJO (1650)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 122 X 177 CM. NATIONAL GALLERY, LONDRES.
* Curiosidad: Tengo que añadir que este es mi cuadro favorito ya que me
transmite serenidad y creo que es precioso. Como curiosidad, hace tiempo
una mujer rajo el cuadro por la mitad, al considerarlo un símbolo
machista. La mujer fue encarcelada.
LA FAMILIA DE FELIPE IV O LAS
MENINAS (1656)
REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN
Rembrandt Harmenszoon van Rijn
(Leyden, 1606- Ámsterdam, 1669) es el
gran intérprete de la sociedad burguesa
holandesa y el primer artista que ya no
depende del mecenazgo de la corte o de
la aristocracia, sino que vende sus
productos en el mercado.
Sus orígenes son modestos. Cursa su
formación pictórica con Pieter
Lastman, que acababa de regresar de
Roma y le enseña los secretos del
tenebrismo caravaggiesco. Con estos
ingredientes, Rembrandt acuña un
estilo propio en el que los contrastes de
luz y sombra nunca serán tajantes,
como venían haciendo los italianos,
sino que envuelve sus figuras en
penumbras graduadas, misteriosas y
doradas. En 1624 abre un taller en
Leyden, comenzando a pintar asuntos
bíblicos y a desarrollar la técnica del
grabado al aguafuerte.
LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR
NICOLAES TULP (1632)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 169 X 216 CM. MAURITSHUIS, LA HAYA.
LA RONDA DE NOCHE (1642)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 259 X 438 CM. RIJKSMUSEUM, ÁMSTERDAM.
ARISTÓTELES CONTEMPLANDO EL
BUSTO DE HOMERO (1653)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 143 X 136 CM. METROPOLITAN MUSEUM, NUEVA YORK.
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 16171682) pertenece a la generación siguiente a
Velázquez y presenta diferencias biográficas
con su paisano. Renunció a la corte por “vivir
en Sevilla”; tampoco visitó Italia,
familiarizándose con el arte flamenco,
genovés y veneciano a través de las pinturas
colgadas en las iglesias y colecciones
hispalenses; no gozó de esa libertad del
pintor sin encargos que tuvieron los artistas
de cámara, cuyo único trabajo fue retratar al
Rey, y hubo de ganarse la vida con la venta
de sus obras, al carecer de un sueldo fijo de
la Administración.
La muerte se cebó con su familia: huérfano
de padre y madre siendo niño, quedó pronto
viudo y vio morir a seis de sus nueve hijos.
Mitigó la soledad con su afiliación a las
hermandades sevillanas y volcándose hacia
la enseñanza del dibujo en la Academia del
Arte de la Pintura, que fundó en 1660.
Los románticos extranjeros dividieron el
estilo de Murillo en tres períodos: frío, cálido
y vaporoso. Una clasificación, quizás muy
rigurosa, pero absolutamente lógica.
MUCHACHOS COMIENDO EMPANADA
(1665-1675)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 123 X 102 CM. ALTE PINAKOTHEK, MÚNICH.
LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO
(1649)
EL BUEN PASTOR (1655-1660)
FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES
El aragonés Francisco de Goya y
Lucientes [Fuendetodos (Zaragoza),
1746- Burdeos (Francia), 1828] es un
pintor genial difícil de encasillar. Vivió a
caballo entre los siglos XVIII y XIX,
sirviendo a cuatro reyes: Carlos III,
Carlos IV, José Bonaparte y Fernando
VII. Cultivó el Neoclasicismo y el
Romanticismo, y a lo largo y ancho de su
vasta producción anticipa los cambios
radicales que va a experimentar la
sensibilidad pictórica contemporánea: la
ligereza de su pincelada preludia el
Impresionismo, sus fantasías oníricas
desembocan en el Surrealismo y su
desgarrado mundo interior abre paso a
la temática expresionista. Dominó todas
las técnicas: la pintura mural y de
caballete, los cartones para tapices y el
grabado; y abundó en todos los géneros:
el retrato, el bodegón, el cuadro religioso
e histórico y la escena costumbrista.
LA FAMILIA DE CARLOS IV (1800-1801)
MAJA DESNUDA (1798)
LOS FUSILAMIENTOS DE LA MONCLOA
(1814)
VINCENT VAN GOGH
Vincent van Gogh [Groot Zundert (Holanda), 1853- Auvers
(Francia), 1890] fue un prodigio de potencia y fertilidad
creadora. Vivió 37 años, pero únicamente los nueve últimos
los pasó entregado a la pintura, dejando, al suicidarse, 879
cuadros. Sólo logró vender un lienzo en vida.
Era hijo de un pastor calvinista, y sus contactos con el arte
se iniciaron en 1869, cuando entra a trabajar como
marchante de la galería francesa Goupil en la sucursal de
La Haya, trasladándose sucesivamente a las sedes de
Bruselas y Londres, y a la casa central de París. La cadena
de desengaños amorosos que sufre en estos destinos ahonda
su estado depresivo, llevándole a desatender el negocio, por
lo que fue despedido en 1876.
Busca consuelo en la religión y decide convertirse en
“evangelizador de los pobres”, predicando la Biblia.
Su estilo se define por la línea firme de los japoneses y el
color como gran motor de la emoción. Pinta entonces noches
estrelladas, campos de trigales, olivos, cipreses, almendros,
gladiolos, girasoles y lirios; representa escenas de interior,
entre las que no falta su propia habitación, y culmina la
serie de 43 autorretratos, en los que ensayaba pigmentos y
técnicas tomando como referencia su rostro, cada vez más
degradado.
AUTORRETRATO DE ENERO DE 1889 CON LA
OREJA VENDADA
ÓLEO SOBRE LIENZO. 51 X 45 CM. COLECCIÓN STAVROS NIARCHOS, ATENAS.
* El 23 de diciembre de 1888, víspera de Navidad, tras una discusión “cargada de
electricidad”, Van Gogh persigue con una navaja de afeitar a Gauguin por las calles de
Arlés, sin poder darle alcance. Cuando regresa a casa, sufre un ataque de demencia, se
corta la oreja, la envuelve en papel de periódico y entrega el paquete a la prostituta de
un burdel. Al día siguiente, Gauguin se marcha, avisa a Thèo (hermano de Van Gogh)
del suceso, que acude desde París, y Van Gogh es internado en el hospital de Arlés. El 7
de enero de 1889 abandonaba el centro sanitario, realizando poco después este célebre
autorretrato con la cabeza vendada por la mutilación.
LA NOCHE ESTRELLADA (1889)
ÓLEO SOBRE LIENZO. POSTIMPRESIONISMO. 73,7 X 92,1 CM. MOMA, NUEVA
YORK.
DORMITORIO DE VAN GOGH EN ARLES
(1888)
ÓLEO SOBRE TELA. 72 X 90 CM. MUSEO VAN GOGH, ÁMSTERDAM.
VASILY KANDINSKY
Vasily Kandinsky [Moscú, 1866Neuilly sur Seine (Francia), 1944],
músico, pintor y teórico. Fue, junto
con Franz Marc, el fundador del
segundo grupo representativo del
Expresionismo alemán: Der Blaue
Reiter (El jinete azul). Kandinsky
recordaba así el nombre que se
otorgaron: “A los dos nos gustaba el
azul, a Marc para los caballos, a mí
para los jinetes. Entonces el
nombre salió por sí mismo”.
Se sumerge en una pintura de
ritmo rotativo, salpicada de
manchas de color y de signos
gráficos de valor emocional para
explicar su mundo interior. El
camino de la abstracción estaba
abierto. En 1914, con la llegada de
la guerra, Der Blaue Reiter se
disuelve.
DER BLAUE REITER, “EL JINETE AZUL”
(1903)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 55 X 65 CM. ZÚRICH, COLECCIÓN PARTICULAR.
PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA (1910)
ACUARELA Y TINTA. 49 X 63 CM. COLECCIÓN NINA KANDINSKY. NEULLY SUR SEINE,
FRANCIA.
SILLONES DE PLAYA EN HOLANDA (1904)
ÓLEO SOBRE CARTÓN. 24 X 32,6 CM. STÄDTISCHE GALERIE IM LENBACHHAUS.
MUNICH.
HENRI MATISSE
Henri Matisse (Le Cateau, 1869Niza, 1954) se mostrará fiel al
movimiento fauve a lo largo de
toda su vida artística.
El estilo de Matisse se caracteriza
por simplificar el modelo,
traduciendo sus formas mediante
exaltadas zonas de color, que no
suelen coincidir con su apariencia
real en la naturaleza.
En las grandes composiciones
mezcla el desenfreno cromático con
los ritmos curvilíneos del Art
Nouveau y el arabesco del mundo
musulmán.
Posteriormente, una artritis le
impediría pintar y consumió sus
últimos años haciendo recortables
de colorido brillante, donde las
tijeras actuaban como pincel.
LA RAYA VERDE (1905)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 40 X 32 CM. MUSEO DE ARTE DEL ESTADO. COPENHAGUE,
DINAMARCA.
LA DANZA (1909)
ÓLEO SOBRE LIENZO. MUSEO DEL HERMITAGE. SAN PETERSBURGO, RUSIA.
LA ALEGRÍA DE VIVIR (1906)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 175 X 241 CM. THE BARNES FOUNDATION. MERION.
PENNSYLVANIA.
PABLO RUÍZ PICASSO
Pablo Ruíz Picasso [Málaga, 1881- Mougins (Francia),
1973], cuyos orígenes artísticos no pueden ser más
académicos. Su padre es profesor de dibujo en la Escuela de
Artes y Oficios de Málaga, con quien se forma el precoz
pintor durante su infancia y primera juventud, al
acompañarle en sus destinos de La Coruña y Barcelona.
Entre 1901 y 1904 alumbra el período azul, que supone una
reacción frente al Impresionismo y en el que expresa una
humanidad de tipos escuálidos, infelices y dolientes en su
trágica condición existencial. En 1904 se establece
definitivamente en París. A finales de este año, abandona
la melancolía y aclara su paleta iniciando el período rosa,
en el que da vida a una tierna iconografía de personajes de
circo y teatrillos ambulantes.
Dentro del Cubismo se mantuvo en el primer plano de las
vanguardias entre 1907 y 1916. Durante este período, se
advierten dos fases: el cubismo analítico (1907-1911), este
cubismo hace que Picasso se centre en el paisaje y en la
figura humana; y el cubismo sintético (1912-1916), el
collage inaugura este cubismo. Supone la ventaja de
incorporar los objetos reconocibles a las pinturas.
Convertido en un mito viviente, el mundo cultural se rinde
a sus pies, aunque de los treinta años que Picasso
permaneció en los ciclos de la creatividad, aclamado como
un dios indiscutido, su fase cubista fue, a todas luces, la
más excepcional.
EL VIEJO GUITARRISTA (1903)
ÓLEO SOBRE TABLA. 121 X 82 CM. ART INSTITUTE, CHICAGO.
LES DEMOISELLES D´AVIGNON (1907)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 244 X 234 CM. MUSEO DE ARTE MODERNO, NUEVA YORK.
GUERNICA (1937)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 349 X 777 CM. MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE
REINA SOFÍA, MADRID.
MARCEL DUCHAMP
Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, 1887- Neuilli
sur Seine, 1968) fue el precursor del dadaísmo.
Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un
pequeño pueblo, donde su padre, Eugène Duchamp,
ejercía como notario y alcalde. Fue el tercero de seis
hermanos. Sus dos hermanos mayores, que adoptaron
más tarde los nombres de Raymond Duchamp-Villon
y Jacques Villon, decidieron dedicarse al arte, quizás
debido a la influencia de su abuelo materno, que tras
ganar una fortuna considerable como agente
marítimo se había retirado para dedicarse a sus
principales aficiones, el grabado y la pintura,
llegando a exponer algunas obras en la Exposición
Universal de París (1878).
Abominó de la sedimentación simbólica en las obras
artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y
exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo
contemporáneo. Duchamp es uno de los principales
valedores de la creación artística como resultado de
un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad
estricta de formación, preparación o talento.
DULCINEA (1911)
ÓLEO SOBRE TELA. 146 X 114 CM. PHILADELPHIA MUSEUM OF ART.
SONATA (1911)
DESNUDO BAJANDO UNA ESCALERA (1912)
SALVADOR DALÍ
Salvador Dalí (Figueras, 1904-1989) fue un pintor surrealista que, a
través de sus ensoñaciones y recuerdos, dará rienda suelta al pavor
por el contacto físico con el sexo contrario, al miedo a la castración,
heredado del complejo de Edipo que le enfrentó a su padre, y a la
obsesión enfermiza por la impotencia, la muerte y la putrefacción.
Dalí se adhiere al grupo surrealista en 1929, cuando acuda a París
para rodar la película Un perro andaluz: un cortometraje escrito en
colaboración con su amigo, el director de cine Luis Buñuel, que
arranca con un ojo seccionado por una navaja barbera de afeitar. El
cinematógrafo, recién inventado, se convertía así en una flamante
herramienta al servicio de los surrealistas. Ese mismo año se
enamora de Gala, que será su musa, madre, amante, confidente y
marchante de sus obras, consiguiendo para el artista fama mundial
y fortuna.
Inmediatamente, Dalí se pone a trabajar en la configuración de un
método experimental propio, que denominará paranoico-crítico, y
que apoyará en su portentosa habilidad como dibujante académico.
Su factura es tan precisa, que el propio artista se referirá a alguno
de sus lienzos como “fotografías pintadas a mano”.
El resultado del método paranoico-crítico daliniano será la imagen
doble que, sin alterarse, representa al mismo tiempo dos o más
realidades. “La única diferencia entre un loco y yo –dirá Dalí-, es
que yo no estoy loco”.
El calculado esnobismo de Dalí y su descarada actitud mercantilista
harán que, en 1939, en intransigente Breton, “papa del
surrealismo”, y su “gran inquisidor”, le expulse del movimiento.
SUEÑO PROVOCADO POR EL VUELO DE UNA
ABEJA ALREDEDOR DE UNA GRANADA UN
SEGUNDO ANTES DE DESPERTAR
(1944)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 51 X 41 CM. COLECCIÓN THYSSEN, MADRID.
CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZ
(1951)
ÓLEO SOBRE LIENZO. SURREALISMO. 205 X 116 CM. MUSEO KELVINGROVE,
GLASGOW. REINO UNIDO.
LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA (1931)
ÓLEO SOBRE LIENZO. SURREALISMO. 24 X 33 CM. MOMA, NUEVA YORK.
PACHECO ALTAMIRANO
Arturo Pacheco Altamirano (Chillán, 1903Santiago, 1978) estudió un año arquitectura.
Su formación plástica es autodidacta. En
1935 realizó su primer viaje al extranjero,
exponiendo en Buenos Aires. Dos años
después lo hizo en Lima.
En 1950 viajó a Estados Unidos y expuso en
la sala de la Unión Panamericana en
Washington y también en Nueva York.
Fue Agregado Cultural de Chile en Francia
en 1952. Durante la década del cincuenta
expone en diversas partes de Europa. El tema
central de la obra de Pacheco Altamirano son
marinas y escenas portuarias.
Recibió diversos premios durante su carrera
artística.
Sin una formación artística sistemática,
Pacheco Altamirano es un pintor instintivo
que vuelca con intensidad en la tela las
sensaciones primarias de la naturaleza.
RÍO VALDIVIA
ÓLEO SOBRE TELA.
ASTILLERO
ÓLEO SOBRE TELA. MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES, MADRID.
PAISAJE
ÓLEO SOBRE TELA.
CONCEPCIÓN.
49 X 57 CM. PINACOTECA DE LA UNIVERSIDAD DE
JACKSON POLLOCK
Jackson Pollock (Estados Unidos, 1912-1956) fue un referente en el
movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más
importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.
En 1929, se mudó a Nueva York, donde estudió con el pintor Thomas Hart
Benton.
Su trabajo empezó a ser relacionado con el surrealismo. Los críticos del
momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera
con el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los
fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista.
Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso,
el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su
alcoholismo.
El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945, la cual le brindo todo su
apoyo siempre, a pesar de las adversidades, y de los múltiples vicios de
Pollock.
De su corta vida, se dice que los únicos años destacables fueron aquellos en
que logró controlar su alcoholismo, es decir, el período 1949-1950. Peggy
Guggenheim fue su mecenas, quien le entregaba una mensualidad.
Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno
de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie
de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y
la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del
desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Toda esta
dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del
“Expresionismo Abstracto” como rama artística de gran peso entre la década
de los 40 y 60.
La carrera de Pollock se vio súbitamente interrumpida cuando falleció en un
accidente de coche en 1956.
FIGURA ESTENOGRÁFICA (1942)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 101,6 X 142,2 CM. MOMA. NUEVA YORK.
LA MUJER LUNA (1942)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 175,2 X 109,2 CM. COLECCIÓN PEGGY GUGGENHEIM.
VENECIA.
RITMO DE OTOÑO: NÚMERO 30 (1950)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 266,7 X 525,8 CM. MOMA. NUEVA YORK.
JOSÉ CABALLERO
José Caballero (Huelva, 1915- Madrid, 1991) realizó sus estudios
primarios en el colegio de los Padres Agustinos y el bachillerato en el
Instituto de Huelva, donde ya daba muestras indudables de su
capacidad para el dibujo. A finales de los años 20, conoce al poeta
Adriano del Valle. En 1924 fallece su padre, quedando la familia en
una difícil situación económica.
En 1930 Se traslada a Madrid para estudiar Ingeniería Industrial,
que abandona dos años después para ingresar en la Escuela de
Bellas Artes de San Fernando y continuar con sus clases en el
estudio de Daniel Vázquez Díaz, a quien había conocido en Huelva,
pintando los murales del Monasterio de la Rábida. A través de su
maestro entra en contacto con los artistas e intelectuales más
destacados de aquél momento. Poco tiempo después, junto a otros
artistas como Federico García Lorca, colabora en el Ateneo de
Huelva en una exposición tan polémica que fue clausurada a la hora
de inaugurarse.
El año 1935 representa para el artista una etapa creativa muy ligada
al surrealismo español. Así realiza tres carteles conjuntamente con
Adriano del Valle en el Ateneo de Sevilla e ilustra poemas para
Federico García Lorca y Pablo Neruda.
Su éxito es notable, hasta que en 1950 es invitado a la XXV Edición
de la Bienal de Venecia y realiza su primera gran muestra individual
en Madrid, en la galería Clan. A partir de ahí se interesa por el
expresionismo y en 1953 expone en el Museo de Arte Contemporáneo
de Madrid. En 1957 conoce a Pablo Picasso en París. A partir de ahí
su obra se dilata en el tiempo con aportaciones diversas, fruto de
viajes a diferentes países como Turquía que le llevan a probar con el
geometrismo en sus obras. Las exposiciones sobre su obra serán
numerosas en estos años.
OBJETO NAVEGANDO EN EL MAR A LAS SEIS
DE LA TARDE (1953)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 46 X 38 CM. COLECCIÓN PARTICULAR. MADRID. ESPAÑA.
AL LLEGAR EL VERANO (1948)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 65 X 58 CM. COLECCIÓN PARTICULAR. MADRID. ESPAÑA.
EL BAILE (1933)
COLLAGE Y TÉMPERA SOBRE PAPEL. 88.5 X 65.5 CM. COLECCIÓN PARTICULAR.
MADRID. ESPAÑA.
ESCULTORES
1. Mirón (480-440 a.C.)
2. Donato di Nicollò, “Donatello” (1386-1468)
3. Miguel Ángel (1475-1564)
4. Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)
5. Luis Gilabert Ponce (1848-1930)
6. Julio González (1876-1942)
7. Pablo Gargallo (1881-1934)
8. Alexander Archipenko (1887-1964)
9. Alexander Calder (1898-1976)
10. Henry Moore (1898-1986)
MIRÓN
Mirón (480-440 a. C.) fue un gran
escultor y broncista de mediados del
siglo V a. C. y uno de los más conocidos
autores del arte griego, cuyas
aportaciones escultóricas supusieron
la transición al periodo clásico. Nacido
en Eleuteras, ciudad situada en la
frontera de Beocia y el Ática. Según la
Historia Natural de Plinio, Agéladas
de Argos fue su maestro.
Trabajó fundamentalmente con el
bronce: y aunque hizo algunas
estatuas de dioses y héroes, su fama
descansa principalmente en sus
representaciones de atletas, en los que
hizo una revolución, según los
comentadores de la Antigüedad, al
introducir una mayor audacia en la
pose y un ritmo más perfecto,
subordinando las partes al todo.
DISCÓBOLO
JARDÍN BOTÁNICO DE COPENHAGE, DINAMARCA.
MINOTAURO
MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL DE ATENAS.
ATENEA
DONATO DI NICCOLÒ, “DONATELLO”
Donatello (Florencia, 1386-1468),
fue el escultor más influyente del
siglo XV. En su producción se
distinguen tres cualidades y tres
épocas.
Sus cualidades son el dominio que
ejerció sobre todas las técnicas y
materiales, la profundidad
psicológica con que expresa los
sentimientos humanos, y su
imaginación creadora para definir la
tumba, el púlpito, la cantoría, el
altar y el monumento ecuestre del
Renacimiento. En cuanto a las
etapas de su catálogo, se advierte
una fase inicial de adolescencia y
madurez en Florencia, que abarca
de 1404 a 1443; su estancia en
Padua entre 1443 y 1453; y el
posterior regreso a Florencia, donde
desarrolla un arte expresivo y
nervioso.
SAN JORGE (1415-1417)
MÁRMOL. 209 CM. MUSEO NAZIONALE DEL BARGELLO, FLORENCIA.
TABERNÁCULO DE LA ANUNCIACIÓN (14351440)
PIEDRA CALIZA. 420 X 248 CM. IGLESIA DE SANTA CROCE, FLORENCIA.
MAGDALENA PENITENTE (1454-1455)
MADERA POLICROMADA. 188 CM. MUSEO DELL´OPERA DEL DUOMO, FLORENCIA.
MIGUEL ÁNGEL
Miguel Ángel (Caprese, 1475– Roma, 1564) fue arquitecto, urbanista e
ingeniero, poeta y pintor, sobresaliendo con maestría inigualable en
todos estos campos, pero el artista se consideraba fundamentalmente
escultor.
El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro
Francesco da Urbino. Pero Miguel Ángel quería ser artista, y cuando
comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron
muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco
reconocido.
Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura,
disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce
años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven
que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos
Ghirlandaio (Domenico y Davide); su familia y los Ghirlandaio
formalizaron un contrato de estudios durante tres años.
Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el
Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel
Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas
del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y
Marsilio Ficino. Estas relaciones lo pusieron en contacto con las
teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno
de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus
obras plásticas como en su producción poética.
Según Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según
Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos
aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio, fue cuando
Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como
consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia
claramente en todos sus retratos.
VIRGEN DE LA ESCALERA (1489-1492)
MÁRMOL. 55,5 X 40 CM. CASA BUONARROTI, FLORENCIA.
PIEDAD (1498-1499)
MÁRMOL. 174 X 195 CM. BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO, ROMA.
* Al ver esta obra, tengo que añadir que es mi escultura favorita, puesto que la veo
maravillosa. Pienso que, siendo de mármol, es muy real, ya que se aprecia
perfectamente cómo la Virgen está agarrando a Cristo por el costado, la postura de
Cristo completamente real y los pliegues del vestido. Es impresionante.
DAVID (1501-1504)
MÁRMOL. PRECIO: 400 ESCUDOS. 410 CM. GALERÍA DE LA ACADEMIA,
FLORENCIA, DONDE FUE TRASLADADO EN 1873 DESDE LA PLAZA DE LA
SEÑORÍA.
GIAN LORENZO BERNINI
Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598- Roma,
1680) dominó todas las disciplinas artísticas,
pero por encima de todo su vocación fue la
escultura. Los rudimentos de la profesión los
adquiere con su padre, que en 1605 se
traslada con toda la familia desde Nápoles a
Roma. A partir de entonces, el joven Bernini
copia las antigüedades greco-latinas del
Vaticano y admira el arte de Miguel Ángel.
Años después, sus contemporáneos lo
considerarán “el Miguel Ángel del siglo XVII”.
El profesor Wittkower, que consideraba a
Bernini como “el precursor de la civilización
de la imagen”, ha dividido su producción en
cuatro etapas (etapa juvenil, alto barroco,
período medio y estilo tardío), que coinciden
con el generoso mecenazgo de otros tantos
príncipes de la Iglesia y papas. El material
que utilizó fue el mármol y tanto las figuras
aisladas como los grupos tendrán un punto de
vista frontal.
APOLO Y DAFNE (1621-1624)
MÁRMOL. 243 CM DE ALTURA. GALLERIA BORGHESE, ROMA.
DAVID (1623-1624)
MÁRMOL. 170 CM DE ALTURA. GALERÍA BORGHESE, ROMA.
ÉXTASIS DE SANTA TERESA (1647-1652)
MÁRMOL. CAPILLA CORNARO, SANTA MARIA DELLA VITTORIA, ROMA.
LUIS GILABERT PONCE
Luis Gilabert Ponce (Valencia, 1848-1930),
familiarmente conocido como Chilabert, comenzó
su formación en el taller de Antonio Esteve
Romero, ampliándola en la Real Academia de
Bellas Artes de San Carlos con Francisco Molinelli
Cano.
En 1878 optó a la plaza de pensionado en Roma,
presentando una estatua en yeso, de El Soldado
de Maratón, pero a pesar de haber obtenido el
número uno en los ejercicios realizados en Madrid,
no le fue concedido el disfrute de dicha plaza.
En 1894 ocupó el cargo de escultor anatómico de
la Facultad de Medicina de Valencia para la que
realizó gran número de piezas anatómicas, bustos
y medallones de catedráticos como los de: Enrique
Ferrer y Viñerta, Amalio Gimeno Cabañas, Jaime
Ferrán Clúa, Pascual Garín Salvador, Peregrín
Casanova Ciurana, Vicente Peset Cervera,
Santiago Ramón y Cajal, Darwin y un largo
etcétera.
Realizó también numerosas figuras en yeso y
barro cocido, de pequeño formato, representando
escenas costumbristas. Fue designado Académico
de número en 1907, siendo más tarde, consiliario
tercero de dicha Academia de San Carlos.
PANTEÓN PERIS Y VALERO
CEMENTERIO GENERAL DE VALENCIA.
BUSTO DE D. JOSÉ COLOMINA ARQUER,
MARQUÉS DE COLOMINA
LÁPIDA DE DÑA. FELIPA SAN MARTÍN Y
GEA DE FERRERO
JULIO GONZÁLEZ
Julio González [Barcelona, 1876Arcueil (Francia), 1942] escultor
español. Se formó en Barcelona, en
el taller de orfebrería de su padre.
Se trasladó a París en 1900, pero no
empezó su actividad como escultor
hasta diez años más tarde. Influido
por el cubismo, colaboró con Picasso
y Gallardo. A partir de 1925 su
experiencia de soldador en la fábrica
de automóviles Renault le indujo a
emplear el hierro forjado y la
soldadura autógena, técnicas con las
que produjo sus obras más famosas
del decenio 1932-1942. Su
aspiración era “ dibujar con hierro
en el espacio”, creando obras
abstractas, afiladas y abruptas.
“
LA PETITE FAUCILLE U HOMENAJE A LA
HOZ Y EL MARTILLO (1937)
HIERRO FORJADO. 30 X 10,5 X 8 CM.
.
LA MONTSERRAT (1937)
STEDELIJK MUSEUM, AMSTERDAM.
CABEZA ANTE EL ESPEJO (1934)
ES LA ESCULTURA MÁS AMBICIOSA Y DIFÍCIL DEBIDO A SU GRAN COMPLEJIDAD
CONCEPTUAL Y FORMAL.
PABLO GARGALLO
Pablo Emilio Gargallo Catalán [Maella
(Zaragoza), 1881- Reus (Tarragona), 1934]
formado en Barcelona, empezó creando
obras realistas, pero su estilo evolucionó a
través de largas estancias en París. Sin
abandonar nunca la escultura en piedra,
en la que realizó una serie de bellos
desnudos femeninos, destacó sobre todo
por sus obras en hierro forjado y recortado.
Una serie de máscaras (1915-1922), un
busto (1923) y un gran torso femenino
(1924) prefiguran ya las características de
sus obras posteriores, en las que el vacío
sugiere la presencia de los músculos, una
simple arista los trazos de un rostro, o la
curva de una placa metálica el volumen de
una cabeza. Gargallo permaneció fiel a la
figuración. Junto con Julio González, es el
introductor del hierro forjado en la
escultura moderna.
PEQUEÑO ARLEQUÍN CON FLAUTA
(1931)
CHAPA DE COBRE. 34 X 12 CM. COLECCIÓN PARTICULAR, BARCELONA.
EL GRAN PROFETA (1933)
BRONCE Y PÁTINA DE HIERRO ENNEGRECIDA. 238 CM. MUSEO NACIONAL
CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA, MADRID
DANZARINAS (1930)
MUSEO DE ARTE MODERNO, BARCELONA
ALEXANDER ARCHIPENKO
Alexander Archipenko [Kiev (Ucrania), 1887- Nueva
York, 1964) maestro de estilo cubista - constructivista,
realiza estudios de pintura y escultura en Kiev. A partir
de 1910 sus contactos con la estética del cubismo le
hacen desarrollar un trabajo muy ligado a este estilo:
figuras humanas concebidas para el análisis del
volumen a partir de formas geométricas de contornos
afilados y planos rectilíneos.
Paralelamente, comienza a afrontar el problema de
dotar de carácter real a los espacios inscritos en la
escultura; transgrede así las fronteras del volumen
cerrado, comunicando permanentemente interior y
exterior. Con el tiempo sus esculturas, como las de
Boccioni, se convierten en realizaciones materiales de la
estética cubo-futurista, siendo muy apreciadas por la
critica de vanguardia. Es uno de los primeros en
experimentar con formas cóncavas para sugerir anti
volúmenes, siendo precursor de la vuelta a la
policromía. La utilización de diversos materiales le
permite conseguir efectos tales como la transparencia,
la reflexión, etc., convirtiéndose su taller en centro de
difusión de la nueva escultura.
La mayor parte de su obra es destruida durante la
Primera Guerra Mundial, lo que le lleva a su
reconstrucción. Ejerce gran influencia en el desarrollo
de la nueva escultura, tanto en América como en
Europa.
MEDRANO II (1913)
ESTAÑO, VIDRIO, MADERA Y TELA DE ACEITE. 127 CM. MUSEO GUGGENHEIM.
NUEVA YORK.
GONDOLERO (1914)
BRONCE. 83 CM. MUSEO DE ARTE MODERNO. PARÍS.
LA REINA DE SABA (1961)
BRONCE. 167,6 CM. MUSEO FRANKLIN MURPHY GARDEN. LOS ÁNGELES.
ALEXANDER CALDER
Alexander Calder (Filadelfia, 1898-1976, Nueva York)
fue un escultor de gran vitalidad y versatilidad, famoso
por sus móviles, considerado como uno de los artistas
más innovadores e ingeniosos del siglo XX. En 1919
obtuvo el título de ingeniero en el Instituto Stevens de
Tecnología. En 1923 ingresó en la Asociación de
Estudiantes de Arte de Nueva York y en el otoño de
1926 se instaló en París. Sus esculturas en alambre le
dieron fama internacional. En 1933 regresó a Estados
Unidos y a partir de entonces dividió su tiempo entre
su país y Francia y realizó importantes exposiciones
tanto en París como en Nueva York. A comienzos de la
década de 1930, Calder inició sus experimentos en el
campo de la abstracción, primero como pintor y
después como escultor.
Experimentó también con el movimiento, lo cual le
condujo al desarrollo de los dos modos de escultura que
le hicieron famoso, el móvil y el estable (stábile). Estas
obras, cada vez de mayor tamaño, lograron una
entusiasta aceptación popular rara vez alcanzada por
el arte abstracto, lo cual llevó a que se le hicieran
numerosos encargos después de la II Guerra Mundial.
PEZ DE ACERO (1934)
.
METAL, CABLE, PLOMO Y PINTURA 292 X 348 X 304 CM. COLECCIÓN PRIVADA.
SEIS PUNTOS SOBRE UNA MONTAÑA (1956)
ACERO PINTADO Y BARRAS DE METAL. 397 X 539 X 202 CM. HIRSHHORN MUSEUM.
FLAMINGO (1973)
ACERO PINTADO. 16.15 M. URBANA, CHICAGO.
HENRY MOORE
Henry Moore Henry Moore [Castleford (Reino Unido),
1898- Much Hadham, 1986) comenzó sus estudios
artísticos en Leeds después de combatir en la Primera
Guerra Mundial, y en 1919 ingresó en el Royal
College of Art con una beca. Su interés por la
escultura arcaica y clásica le llevó a frecuentar el
British Museum y a viajar por Italia, Francia y
España. Fue profesor del Royal College entre 1925 y
1932, y de la Escuela de Arte de Chelsea de 1932 a
1939.
En esta época tenía ya un estudio propio y había
forjado el estilo que caracterizaría su trayectoria
artística. Rechazaba la búsqueda de la belleza al estilo
de los clásicos o del Renacimiento y en sus obras
buscaba tan sólo la expresión de una energía interior.
Desde 1930, la figura yacente y la maternidad se
configuraron como sus dos temas preferidos, a los que
se añadieron más tarde las pequeñas cabezas y los
grupos familiares.
La piedra en los inicios y el bronce después fueron sus
materiales preferidos. Es considerado uno de los
escultores más importantes del siglo XX y una de las
principales figuras artísticas del Reino Unido
contemporáneo.
FIGURA RECLINADA DE MADERA (1935-36)
ALBRIGHT-KNOX ART GALLERY, BUFFALO USA.
FIGURA RECLINADA VESTIDA (1952-53)
BRONCE 102 X 152 CM. MUSEUM LUDWIG, COLOGNE.
FIGURA RECLINADA (1979)
BRONCE. HENRY MOORE FOUNDATION.
FOTÓGRAFOS
1. Man Ray (1890-1976)
2. Berenice Abbott (1898-1991)
3. Ansel Adams (1902-1984)
4. Cecil Beaton (1904-1980)
5. Bill Brandt (1904-1983)
MAN RAY
Man Ray (Filadelfia, 1890- Francia, 1976) era de familia
judía; su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk,
Bielorrusia. Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky.
Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray
estudia en la Hihg School y en La Escuela de Bellas Artes del
Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer
cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz.
En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo
famoso su nombre por América, como uno de los primeros
pintores abstractos.
Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de
sus cuadros.
Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y
cinematográficos y en la publicación del número único de New
York Dadá. Impulsado por Duchamp, Man Ray se mudó París
en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951)
que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial,
pasó el resto de su vida allí.
Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que
bautizó como rayogramas. Erróneamente se consideró
inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían
experimentado otros artistas anteriormente, entre otros
Talbot (hacia 1840) y Schad (1918). Publicó 12 de sus
rayogramas bajo el título "Champs delicieux".
Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las
vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura,
escultura, fotografía y películas.
LE BAISER (1935)
LES LARMES (1936)
LE VIOLON D'INGRES (1924)
BERENICE ABBOTT
Berenice Abbott [Springfield (Ohio), 1898-1991] famosa por
su magnífica serie documental sobre la ciudad de Nueva
York, así como por su trabajo innovador en el campo de la
física.
Estudió escultura en Nueva York y París. A partir de los años
veinte se dedicó a la fotografía, debido a la influencia del
surrealista estadounidense Man Ray. A través de él conoció al
fotógrafo Eugène Atget, con el que trabajó intensamente.
Regresó a su país en 1929 y casi reprodujo fielmente las
formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva
York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado
"Changing New York".
De los 40 a los 60 años se dedica a la publicación de libros y al
estudio fotográfico sobre diferentes y diversos fenómenos
físicos.
Impartió clases mientras se dedicaba a finalizar otro de sus
trabajos denominado "Ciencia" y "Escenas Americanas".
El último trabajo de fotografía que realizó Abbott, fue sobre
una ruta que iba desde Maine (dónde más tarde se
establecería) hasta Florida.
Abbott fue sin dudas una de las más grandes fotógrafas que
ha dado la Historia cuando de documentales se habla.
Famosa por su serie sobre New York, descubrió su pasión por
la fotografía a los 20 años de edad.
MANHATTAN (1936)
BROADWAY TO THE BATTERY (1938)
CUSTOM HOUSE (1936)
ANSEL ADAMS
Ansel Adams (San Francisco, 1902-1984) adoptó como
tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país.
En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde
captó en blanco y negro la majestuosidad de la
naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan
un enorme contraste de sombras y luces, desiertos
áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles.
En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham
y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un
grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la
estética naturalista, este estilo había sido impulsado en
un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en
artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan.
En 1939 Adams expone por primera vez en San
Francisco. Crea el primer departamento de fotografía
en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California
y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía
acerca de técnicas fotográficas.
En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros
prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con
entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que
ofrecía el sistema.
“La fotografía es un medio analítico y la pintura es un
medio sintético.” (Ansel Adams).
TAOS PUEBLO (1930)
OAK TREE SNOWSTORM (1948)
THE TETONS AND THE SNAKE RIVER
(1942)
CECIL BEATON
Cecil Beaton (Londres, 1904-1980) , debido a sus
grandes dotes, conquista la fama a nivel mundial, como
Fotógrafo y diseñador británico.
En 1915 le regalan su primera cámara fotográfica una
Kodak 3A de fuelle. Fue guiado por Alice Collard quien
le enseñó las técnicas del revelado y fijado.
En 1924 se introdujo en el mundo de Vogue con un
retrato retocado de su amigo George Rylands. Durante
varios años después, reúne material suficiente y abre
una exposición en el West End, en 1926 empieza a
dedicarse exclusivamente a la fotografía.
En 1929 se queda en Nueva York, trabajando desde el
estudio para la firma Vogue.
Hacia 1930 regresa con un gran triunfo a Londres
donde escribe su primer libro "El libro de la belleza".
Viaja hasta Hollywood donde gracias a su ingenio y
aprovechando la deslumbrante luz de California y sus
pintorescos claroscuros realiza una serie de retratos a
grandes personajes, tales como; Gary Cooper, Johnny
Weissmuller, Dolores del Rió.
Desde sus viajes por Rusia, África, España y México,
retrata a Henry Ford, Salvador Dalí y su esposa Gala,
Picasso, Rolling Stones, entre otros.
MARILYN MONROE (1956)
LAURA
COCO CHANEL
BILL BRANDT
Bill Brandt (Hamburgo, 1904-1983) se interesa por la
fotografía a partir de los 20 años, cuando todavía residía en
Viena. Este gran maestro de la fotografía optó por resaltar
valores como la poesía, la justicia y el amor.
En 1929 se muda a París donde trabajará como asistente de
Man Ray, para trasladarse dos años después a Londres. Allí
empieza su carrera como fotógrafo independiente. Durante
este tiempo Brandt hace fotografías de grandes ciudades
inglesas, en un momento en el que se apresura una crisis
económica.
En 1944 adquiere una cámara de placa con un gran
angular.
Lo relevante de sus paisajes es la preferencia por
determinados tipos de luz que estimula la total y absoluta
libertad mental.
Hacia los años 50, empieza a positivar sus imágenes en
papel contrastado y duro llegando a solidificar los negros
proporcionando relieve a altas luces.
A la edad de 40 años, Brandt pasa desde un tipo de
fotografía arquitectónica y social, al retrato. En este
momento es cuando tras su experimentación se inicia en la
fotografía de desnudos y perspectivas deformadas.
“Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades
receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez “
(Bill Brandt).
DESNUDOS, CAMPDEN HILL, LONDON
(1949)
DESNUDOS, CAMPDEN HILL, LONDON
(1949)
ODD CORNERS OF MUSEUMS
ARTISTAS LIBRES
1. Antoni Gaudí i Cornet (1852-1926)
2. Daniel Vázquez Díaz (1882-1969)
3. Joan Miró i Ferrà (1893-1983)
4. Fernando Botero (1932)
5. Antonio Cazorla González (1971)
ANTONI GAUDÍ I CORNET
Antoni Gaudí i Cornet (Riudoms o
Reus, 1852-1926, Barcelona) fue un
arquitecto español, máximo representante.
Gaudí fue un arquitecto con un sentido
innato de la geometría y el volumen, así
como una gran capacidad imaginativa que
le permitía proyectar mentalmente la
mayoría de sus obras antes de pasarlas a
planos. De hecho, pocas veces realizaba
planos detallados de sus obras; prefería
recrearlos sobre maquetas
tridimensionales, moldeando todos los
detalles según los iba ideando
mentalmente. En otras ocasiones, iba
improvisando sobre la marcha, dando
instrucciones a sus colaboradores sobre lo
que tenían que hacer.
EL DRAGÓN DEL PARQUE GÜELL
LA SAGRADA FAMILIA
LA CASA BATLLÓ
DANIEL VÁZQUEZ DÍAZ
Daniel Vázquez Díaz (Nerva, 1882- Madrid, 1969)
pintor español. Estudió comercio en Sevilla y se
graduó en 1902 como profesor mercantil. Al mismo
tiempo empezó a pintar de forma autodidacta. En
1903 se trasladó a Madrid, donde realiza copias en
el Museo del Prado e inicia su amistad con Juan
Gris. En 1906, camino de París, presenta su
primera exposición individual en los Salones de El
Pueblo Vasco en San Sebastián, y visita
Fuenterrabía, que será a partir de entonces una de
sus fuentes de inspiración. En la capital francesa
presenció la gestación del cubismo y tomó contacto
con Picasso y Braque. A su regreso a España en
1918, se instaló en Madrid y alternó la labor de
artística con la docente, primero en su taller y más
tarde en la cátedra de pintura mural en la Escuela
de Bellas Artes de San Fernando. Posteriormente
desarrolló una extensa obra dedicada especialmente
al retrato, las naturalezas muertas y al paisaje.
Obtuvo numerosos galardones, entre los que
destacan el Gran Premio de la Bienal
Hispanoamericana de Arte (Madrid, 1951) y la
Medalla de Honor de la Exposición Nacional de
Bellas Artes de 1954. En 1949 fue elegido académico
de la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando.
PARTIDA DE LAS NAVES (1929)
TROZO DE LOS FRECOS PINTADOS EN EL MONASTERIO DE LA RÁBIDA, HUELVA
(1930).
CRISTÓBAL COLON CON LOS FRAILES
DEL MONASTERIO
TROZO DE LOS FRECOS PINTADOS EN EL MONASTERIO DE LA RÁBIDA, HUELVA
(1930).
PAISAJE DE FUENTERRABÍA
ÓLEO SOBRE LIENZO.
39 X 32 CM.
JOAN MIRÓ I FERRÀ
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 1893-1983, Palma de
Mallorca) pintor, escultor, grabador y ceramista
español, considerado uno de los máximos
representantes del surrealismo. En su obra reflejó su
interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su
país. En un principio mostró fuertes influencias
fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una
pintura plana con cierto aire naïf. A partir de su
estancia en París, su obra se vuelve más onírica,
coincidiendo con los puntos del surrealismo e
incorporándose a este movimiento. En numerosas
entrevistas y escritos que datan de la década de 1930,
Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos
convencionales de pintura, en sus propias palabras de
"matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder
favorecer una forma de expresión que fuese
contemporánea, y no querer doblegarse a sus
exigencias y a su estética ni siquiera con sus
compromisos hacia los surrealistas.
MUJER BOTELLA
GRAN MATERNIDAD
LA CARICIA DE UN PÁJARO
FERNANDO BOTERO
Fernando Botero Angulo (1932- Medellín,
Antioquia) pintor, dibujante y escultor
colombiano, en el que la monumentalidad, el
humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con
un admirable dominio del oficio y gran talento.
En principio sus obras revelan cierta admiración
por el muralismo mexicano y la pintura del
renacimiento italiano, pero más tarde estas
influencias van desapareciendo en favor de un
personalísimo estilo, en el que las figuras
engordan y se deforman hasta cubrir en buena
parte el lienzo, los cuadros de esos años denotan
la influencia del surrealismo.
Sus primeras pinturas muestran una pincelada
suelta y concreta, pero poco a poco ésta se
empasta, al tiempo que las perspectivas y las
figuras se hacen arbitrarias en función de la
importancia que tengan en la representación.
Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son
manejados con gran destreza a lo largo de su obra.
Botero emplea la gordura como base de una
cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de
la vida.
EL BAÑO (1989)
ÓLEO SOBRE LIENZO. 249 X 205 CM. COLECCIÓN DEL ARTISTA.
LA ORQUESTA (1991)
FAMILIA COLOMBIANA (1999)
ANTONIO CAZORLA GONZÁLEZ
Antonio Cazorla González (Punta Umbría, 1971)
con sólo diez años ya pintaba al óleo, y a partir de
esa edad compaginó estudios y exposiciones, en
Huelva, y cada verano, en la sala de exposiciones
del ayuntamiento de Punta Umbría.
En 1989 inicia sus estudios en la Facultad de
Bellas Artes de Sevilla. Tras su licenciatura
realizó los cursos de doctorado. Durante esos años
de estudio su pintura evolucionó técnicamente,
madurando y haciéndose más personal. Esa
evolución marca toda su trayectoria profesional,
debido a su carácter crítico y perfeccionista.
En 1996 expuso individualmente en la galería
Haurie de Sevilla con gran éxito de crítica y
ventas, y en los próximos años participó en
exposiciones y ferias de arte por toda España.
Un salto cualitativo en la evolución profesional de
Antonio Cazorla, supuso su decisión de abordar el
mercado inglés cambiando su residencia a
Inglaterra a principios de 2002.
DUNAS DE PUNTA UMBRÍA
MUJER
CARACOLAS
PALOMA DEL ROCÍO LOZANO
GONZÁLEZ
1º Grado de Magisterio - especialidad, Educación
Primaria.

Los 40 principales-PowerPoint. Corregido

Transcripción

Documentos relacionados

La Anunciación (Annunciazione) Leonardo da Vinci, h. 1472

formas, colores

Catalogo Abstracto

También se inauguró la Exposición de Pintura del pintor JOSÉ

En 1951 obtiene el Premio Nacional de Pintura y a partir de este