RESEÑAS octubre- noviembre

RESEÑAS octubre- noviembre
La Pop Life Admin
06 December 2014
TABLE OF CONTENTS
Iceage, Plowing into the Field of Love ............................................................................................. 2
Ariana Grande, My Everything ........................................................................................................... 4
Centavrvs, Sombras de Oro ................................................................................................................. 6
Scott Walker Sunn O))), Soused ......................................................................................................... 9
Erasure, The Violent Flame ............................................................................................................... 11
Weezer, Everything Will Be Alright In The End ...................................................................... 14
Oxomaxoma, Con Ojos de Fuego ................................................................................................... 16
The Limiñanas, (I’ve Got) Trouble In Mind ................................................................................. 19
The White Stripes, Live Under The Lights Of The Rising Sun .......................................... 22
Hookworms, The Hum ........................................................................................................................ 25
Julian Casablancas and the Voidz, Tyranny .............................................................................. 27
30 Años Con Seguridad Social… Por Siempre Jamás ............................................................ 31
Bryan Ferry, Avonmore ...................................................................................................................... 33
Miguel Bosé, Amo .................................................................................................................................. 35
Iceage, Plowing into the Field of Love
ARTURO URIZA • La banda vuelve con un disco único en su tipo; oscuro desde la
médula y refrescantemente diferente al anterior.
Hay varias cosas que llamaron mi atención la primera vez que escuché a Iceage. Para
comenzar, la crudeza de la banda, reflejada sobre todo en la errática y quebrantada
voz de su líder, la cual parece desbaratarse y gozar de poca profesionalización, cosa
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que lejos de ser un defecto, le otorga muchísima personalidad al proyecto.
Pero la voz juega un papel aún más importante; primero porque al hacer de lado la
crudeza musical del primer disco y dotar a este nuevo material con instrumentación
mucho más compleja, se permite que lo vocal evoque sentimientos de diferentes
maneras.
Lo primero que pensé al escuchar este disco fue que en algún punto, la voz puede
residir entre los más infames momentos de un joven Thurston Moore y los chillantes
gritos de un Chino Moreno de los primeros Deftones. No quiero decir que esto
tenga que ser absoluto, simplemente no puedo alejarme de esa idea, sobre todo
cuando escucho canciones como “Simony”, donde pienso en las veces que Moreno
trataba de cantar como Robert Smith y no le salía. En verdad todo esto lo considero
genial.
Pero hay otro cambio fundamental en el sonido de la banda: el trabajo de cuerdas.
Desde el primer avance, que es “The Lord’s Favorite”, la banda dejó ver que el
cambio era brusco, recayendo principalmente en la guitarra y la experimentación
con un ritmo que parece referenciar al country, pero que no deja de cobijarse bajo
una fría referencia post punk que sirve de tangente a todo el álbum. Otro es la
adición de metales y pianos incidentales en varias de las canciones, características
melancólicas dignas de Nick Cave & The Bad Seeds, notable en canciones como
“Against The Moon”, “Glassy Eyed” y “Dormant And Veiled”.
Tengo que mencionar que no es un disco tan sencillo; fuera de un par de rolas, suele
requerir un poco de previo conocimiento de la banda y de su extraño sonido, que de
repente puede tener muchos toques de no wave, pero que también alcanza niveles
épicos tremendos, como pueden corroborarlo con cierres magníficos como en
“Forever”, donde trazan semejanzas hasta con Neutral Milk Hotel.
Bajos punzocortantes, voces coléricas, violentas y melancólicas, guitarras eufóricas
y una banda mucho más pulida que acaba de sacar un disco único en su tipo; oscuro
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desde la médula y refrescantemente diferente al anterior.
Es el disco en donde colapsa el oscuro sur norteamericano con el gélido sonido post
punk danés y la tradición de un montón de cosas en medio.
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Ariana Grande, My Everything
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CRISTHIAN SILIS • Una chica que sabe cómo hacer las cosas.
Al no ser un iniciado en la música de esta cantante, no sabía qué esperar después del
intro, aunque me quedó más claro tras escuchar la primera canción “Problem”, que
de hecho es el primer sencillo de este disco, al lado de la rapera australiana Iggy
Azalea.
El disco nunca cae en lo aburrido, ya que está lleno de detalles y arreglos
interesantes que hay que escuchar, de preferencia con audífonos para notarlos bien.
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Tampoco es un disco que tengas que escuchar en partes. Cada canción de My
Everything tiene personalidad propia debido a que cada una tiene su propio
productor y eso le da cierta profundidad al disco sin por ello perder coherencia.
Algunos arreglos son novedosos y otros nos recuerdan a esas agrupaciones de los
noventa como Bell Biv Devoe o De La Soul. Otros cortes destacables pueden ser
“Break Your Heart Right Back” y la que da título al disco, aunque mi favorita
definitivamente fue “Only 1”.
Sin duda, My Everything es un buen disco. Esta cantante y la gente que la maneja
saben muy bien cómo hacer las cosas.
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Centavrvs, Sombras de Oro
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NICOLÁS GONZÁLEZ • La banda se despacha con total comodidad y clase en la
llamada “electrónica regional”.
Lo (ya no tan) nuevo de Centavrvs me ha parecido, ante todo, nuevo. Nuevo porque
no conocía el proyecto hasta que me lo encargó el editor de LAPOPLIFE, pero
también porque es un estilo que no acostumbro a escuchar.
Así y todo, vencido el prejuicio, a los pocos minutos de escucharlo ya se había
ganado mi respeto y poco después mi admiración. Y es que Sombras de Oro tiene de
todo, además del obvio contenido “regional”, donde se despachan con total
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comodidad y clase.
Por ejemplo, el primer track, “La Noche y un Huracán” posee elementos que van
desde la electrónica y el rock, hasta la música caribeña. Pero más que nada, lo que
me pareció más interesante del álbum es la capacidad del grupo para manejar los
estados de ánimo. Prácticamente todo el trabajo posee un halo de nostalgia, aunque
trabajan con pasajes de alegría, tristeza, confusión y amor, logrando un producto
final multifacético y atractivo por donde se lo mire.
Párrafo aparte merece “El Reino del Cacao”, canción con la cual terminaron de ganar
mi corazón. En esta pieza, Centavrvs echa todo al asador, utilizando una base de
palmas sumamente bailable, el bajo y sobretodo las guitarras, que son puramente de
garage rock, con teclados también acordes, que se fusionan de manera increíble con
scratchs y samples propios del rap.
Obviamente también destaca ese aspecto de ser un álbum de “electrónica regional”,
que no se pone cómodo solamente con la cumbia, como la mayoría de los tantísimos
proyectos que ahora mezclan tanto la electrónica con la cumbia, sino que se anima a
buscar en ritmos regionales como los del altiplano y mezclarlos con elementos de
rock mainstream. Carlos Santana, Tito Puentes, Carlos Vives, Armando Manzanero
y hasta Juan Luis Guerra parecen convivir perfectamente en armonía con Muddy
Watters, The Beach Boys, Konvicted y Chris Critical.
Como conclusión, puedo decir que Sombras de Oro es un disco para volar, bailar,
ponerse nostálgico y viajar, externa e interiormente. Todo un logro, sin duda.
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Scott Walker Sunn O))), Soused
JUAN DE LA SERNA • Soundtrack del abismo.
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Scott Walker y Sunn O))) unieron ideas para crear un EP desafiante. Escucharlo es
sumergirse entre obscuras capas de sonido y textura. Lento y de difícil digestión,
este experimento se aleja lo más posible de lo melódico, como si en una especie de
analogía (y desde hace ya varios discos), Walker corriera despavorido de los 4/4, las
guitarras limpias y sobre todo de un coro pegajoso, ese que en sus inicios
curiosamente lo llevo al hartazgo, desembocando en una carrera mucho más
interesante.
Por medio de indescifrables sonidos, Greg Anderson y Stephen O’Malley, de Sunn
O))) utilizan sintetizadores y guitarras altamente distorsionadas (y afinadas en tonos
poco convencionales) para probar que pueden resolver por otros medios diversos
paisajes sonoros. De esta manera, determinan el lienzo perfecto para que Scott
Walker pinte a su manera cada uno de los cinco tracks que comprenden esta
producción.
El proyecto, apodado Scott O))), lejos de lo “innovador” que parezca y más que una
abstracción de ideas entre personas que se comunican a través de sonidos, parece
hasta cierto punto y de manera exagerada algo proveniente del mismo averno; el
soundtrack perfecto para el abismo.
Este sonido es justo lo que se podría esperar de un artista que rechazó toda la fama
y reconocimiento en los sesentas y de una banda que ha grabado gritos dentro de un
ataúd para crear ciertas atmósferas. Algunos de estos aspectos no solo hablan de su
compromiso y gusto por los detalles, sino por ese esfuerzo constante de crear algo
por otros medios y sin caer en ciertos clichés que funcionan para un mercado
dispuesto a aceptarlos.
¿Porqué una banda como Sunn O))) se acercaría a Scott Walker?, el abanico de
respuestas es amplio, pero las palabras “respeto” y “admiración” son las primeras
que vienen a mi mente, mismas que personajes como Jarvis Cocker, y grandes como
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Brian Eno y David Bowie han expresado abiertamente por el artista.
Por otro lado, el proyecto nos hace reflexionar: ¿hasta qué punto artistas tan
diferentes convergen en un mismo lugar, y una vez que llegan ahí crean algo tan
personal y hasta cierto punto “complejo”? Ambos artistas, individualmente o en
colaboración podrían ser considerados por muchos como inaudibles o intolerables,
pero con suerte y después de quitar ciertos prejuicios también podría ser
interesante ver si dicho público logra encontrar algo interesante aquí. En otras
palabras: ¿en dónde se encuentran ideas ahora tan diferentes entre el músico como
creador y el escucha como público y juez?
Soused sale a la venta el 20 de octubre de 2014, a través del sello inglés 4AD en los
formatos digital, CD y LP doble.
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Erasure, The Violent Flame
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POLA THRACE • Esperas un pop dulzón y melodías pegajosas y eso es lo que
obtienes.
Erasure tiene una cualidad y es que sus discos siempre serán lo que se espera de
ellos. Aparte de un breve periodo en que experimentaron con sonidos diferentes –y
de lo cual ni los fans fueron fans–, con este dúo estamos seguros de que no nos dan
gato por liebre: esperas un pop dulzón y melodías pegajosas y es lo que obtienes.
The Violent Flame, su último álbum, no es diferente. Incluso si en la forma de
escribirlo cambiaron un poco su procedimiento, esto es imperceptible en el
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resultado: la voz siempre pura de Andy Bell, la temática de alguna forma optimista
sobre decepciones amorosas y las ganas de bailar, incluso en los temas más lentos.
Durante 37 minutos, este disco nos ofrece esos tracks ligeros y simpáticos, con todo
y su obligada balada sobre que todos somos uno mismo (esta vez bajo el título “Be
The One”), y termina antes de que nos demos cuenta. Quizá el tema que sorprende
por ser menos ligero es “Smoke and Mirrors”, que aunque comienza un espiral
descendiente, de todas formas no se va tan abajo en el mood.
Al final, The Violent Flame es un disco para fans, quienes quizá no lo encuentren
brillante, pero por lo menos no terminarán diciendo que extrañaron “esos viejos
tiempos en los que Erasure sonaba a Erasure.”
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Weezer, Everything Will Be Alright In
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The End
JUAN DE LA SERNA • Amantes del metal haciendo música pop.
En palabras del líder de la banda Rivers Cuomo, el título de su noveno disco de
estudio es más una duda que una certeza. Pero la pregunta inevitable es: ¿qué
podemos esperar de él? Y la respuesta es: “Weezer”, simple y llanamente.
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Este LP reúne buena parte de lo viejo así como lo mejor del sonido de sus discos más
recientes. El sencillo “Back to the Shack”, y la segunda canción del disco recuerdan a
éxitos como “Pork and Beans” o “Beverly Hills”, haciendo líricamente una
retrospectiva sobre la banda, la canción habla de regresar a ese sonido inicial, lleno
de riffs, distorsión y temáticas personales. Y podría decirse que lo logran en algunas
canciones; aunque la evolución de la banda es inevitable y emular ese sonido
primitivo queda solo en un intento, porque es evidente que han cambiado.
La canción más afortunada del disco y que retoma ese tono de las baladas más
poderosas de Weezer es “Go Away”, rebasando por mucho a los sencillos que la
banda ha seleccionado para el lanzamiento de este material –y curiosamente
también es la canción de este disco que siempre eligen para tocar en vivo. Una
verdadera canción de pop que recuerda grandes éxitos de la banda como “Buddy
Holly”.
Otro punto fuerte es la trilogía de canciones al final; piezas que van de lo
instrumental a los coros, pasando por riffs dignos de Iron Maiden, pero con otra
intención. Y es que como diría alguna vez el propio Rivers Cuomo: “Sí, somos nerds
pero nos gusta el metal”; género que ha sido discretamente un importante detalle en
toda la carrera de Weezer, porque aunque haya coros pegajosos y melodías simples,
también se escuchan solos de guitarra muy cercanos a este género.
Me gustaría decir que quiero que Weezer siga sacando más discos, pero la verdad es
que no. Hasta cierto punto, una banda debe saber cuándo detenerse, principalmente
cuando sus discos comienzan a sonar repetitivos o cuando ellos mismos y su
audiencia saben que no van a superar su mejor material. Esto no significa que
Everything Will Be Alright In The End sea un mal disco, por el contrario.
Además de que, como vimos en el Festival Corona Capital, Weezer es una gran
banda en vivo, y esa es una virtud en tiempos en que grabar un disco parece una
tarea fácil. Esta es una buena oportunidad para que las nuevas generaciones se
adentren en otros materiales de Weezer, como al álbum verde o en menor medida
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Pinkerton.
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Oxomaxoma, Con Ojos de Fuego
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CRISTHIAN SILIS • Otro regreso al que hay que ponerle atención.
Música electrónica, experimental, progresivo e industrial son algunos de los estilos
que esta banda practica. Pero tuvieron que pasar poco mas de doce años para que
estos exploradores sonoros regresaran con una nueva entrega.
Ahora bajo la producción de Bishop, y aprovechando que las posibilidades de las
redes sociales están teniendo un reconocimiento mayor al que pudieron tener en
épocas pasadas, alejándose un poco del progresivo y remarcando su faceta
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experimental y electrónica.
El disco está lleno de furia en cortes como “Black Dots” –que sería un gran sencillo–;
la atmosférica “Androids”, y la propia “Con Ojos de Fuego”, que nos va dando una
muestra del paseo sonoro por el que llevarán a nuestros oídos.
Con ojos de fuego by Oxomaxoma
Por ahora el disco se puede conseguir digital y muy pronto en formato físico, pero lo
que más se antoja es escuchar los directos de la banda para comprobar todas esas
historias y leyendas que nuestros padres y hermanos mayores nos contaban de
Oxomaxoma.
Un material muy recomendable. No tengas miedo de explorar nuevos caminos.
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The Limiñanas, (I’ve Got) Trouble In
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Mind
ESTEBAN CISNEROS • Psicodelia que emociona.
Soy un tipo normal con muchos defectos.
Y cuando digo muchos, es muchos.
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Uno de ellos, carajo, es que todo lo que tenga tufillo a nouvelle vague y a ye-yé
francés me chifla. Me convierto en un memo zombi y dejo de cuestionarlo todo. Digo
“sí” a todo como si estuviese bajo el influjo de una fuerte hipnosis.
Caigo redondo. Y lo mismo me pasa con esa psicodelia guarra, llena de fuzz, de
lipsticks negros, gafas oscuras y flequillos. La que comienza en los gritones
suburbanos que querían imitar a Jagger y que le debe tanto a Velvet Underground
en su etapa Exploding Plastic Inevitable. Dos universos que no están tan lejos uno
del otro (tan sólo hay que preguntarle a Antoine y sus Problemas). Y que, cuando
colapsan, generan explosiones tan bonitas que deslumbran.
En cierto modo, es una fórmula. Una que ya me tiene tomada la medida. ¿Cómo
puede algo tan fácil conmigo? ¿Es posible tanta oligofrenia a partir de sonidos y
sensaciones? A pesar de todo, esa sensación babosa de embelesamiento me
encanta. Me siento enamorado. Me convierto en un fanboy y entiendo por un
momento a las chicas desquiciadas por las bandas de chavales bienpeinados que
bailan coordinados o los guapitos pop de turno.
Qué vergüenza / Qué bonito.
The Limiñanas están hechos para mí. Es inevitable. Y aunque sus detractores tal vez
tengan razón en insistir en lo pastiche de todo el proyecto, creo que esa es una de
sus grandes virtudes. El amor de Marie y Lionel Limiñana a esa época de la música es
genuino y se nota. No están burlándose de esos sonidos; lo que pasa es que, de por
sí, son dos universos teatrales, afectados, artificiales como los paraísos de
Baudelaire. Y en ello recae la belleza.
Este par es total; es todo, menos rústico. ¿Por qué irse a las raíces cuando los pétalos
son lo mejor? Ahí arriba es donde ocurre la belleza, el sexo, el color.
La carrera de los Limiñanas comenzó en 2009 y ha sido prolífica, como de grupo
sixties: sencillos en 7”, EPs y discos largos. Y, por supuesto, hay muchas canciones
sueltas que son recopiladas ahora en (I’ve Got) Trouble In Mind; disco que, sin
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embargo, resulta sorprendentemente cohesivo.
Comienza con una introducción del DJ Evan “Funk” Davies y lo que sigue es una
retahíla de hits: de la increíble canción titular a Liverpool, de “Tu es à moi a Je m’en
vais”, del cover a los Beach Boys de “I Know There’s An Answer” a la versión de Phil
Spector de “Christmas”; de “Migas 2000” a “Ugly Death”. Fuzz, sitar, recitaciones
con voz nasal, ritmos ye-yé. No hay pierde: oligofrenia y baba segura para seres
sugestivos como yo; un buen rato de baile y corazones brincones para los chicos y
las chicas del ritmo.
Trouble in Mind es una finísima pieza gainsbourgiana de psicodelia que emociona. No
hay solemnidad ni búsqueda de lo majestuoso aquí; al contrario, se trata del beat, del
ritmo, del ruido. De lo primordial. Ye-ye-yé.
C/S.
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The White Stripes, Live Under The
Lights Of The Rising Sun
PABLO ISLAS • Cómo se le extraña a este dueto.
En febrero de 2011 los White Stripes anunciaron su ruptura. Desde entonces han
sucedido muchas cosas, sobre todo con el hiperactivo de Jack White y sus múltiples
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ocupaciones.
Estoy seguro de que muchos aún recuerdan la carta de despedida de Jack y Meg, en
la que afirmaban que la desintegración era para preservar la música. La nota era
acompañada de una fotografía de ambos en unos columpios. Sin embargo, lo
importante con los White Stripes, es la nostalgia que ya levantan. Apenas han
pasado tres años de su separación y vaya que se les extraña. Por eso no es de
sorprender la edición de Live Under The Lights Of The Rising Sun.
Fieles a su estilo lo-fi, la grabación del concierto no es precisamente la mejor,
aunque logra comunicar lo importante: energía. De inmediato se siente esa fuerza
que te avienta y te empuja.
El CD 1 es un ensayo de la gira por Japón y el segundo es el concierto, pero ya con el
público en pleno en un muy interesante ejercicio. En los ensayos se escuchan muy
sólidos, interesados en sacar lo mejor de ellos mismos en cada una de las canciones.
Pero ya con público, parece que ellos mismos se conectan a la corriente eléctrica y
suenan poderosisimos, y de verdad que no es exageración. Y eso que se escucha que
no están tocando ante mucha gente.
En este material se escucha a una banda que se perfilaba a la cima musical, gracias a
un trabajo muy perseverante, talento desbordado, furia, velocidad y excelentes
canciones.
Antes de “Seven Nation Army” y “The Hardest Button To Button”, antes de los
videos, antes de salir en los Simpson y antes de tener toda la atención mundial
estaban estas canciones: la simplemente divertida “You´re Pretty Good Looking”, la
fuerza de “Lets Shake Hands”, la sencillez de “Apple Blossom”, la furia de “Dead
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Leaves And The Dirty Ground”, la locura de “Hello Operator” o “When I Hear My
Name” que nos puso a saltar más de una vez y que se convirtió en una de las
favoritas de los conciertos.
Al terminar de escuchar este disco entiendo por qué los extrañamos tanto.
NOTA: Antes de la llegada de los álbumes que consagraron a los White Stripes,
como Elephant (2003) o Get Behind Me Satan (2005); antes de firmar con disqueras
trasnacionales, y de la fama y la gloria, hubo mucha gente que confió en ellos. Y una
de las personas que hizo posible escuchar a los White Stripes en México con
materiales como Dj Stijl (2000) o White Blood Cells (2001) e incluso su debut del 99,
fue nuestra querida Ayelén Hernández, que le dio un impulso definitivo a esta y
muchas otras bandas en México. Personalidades como Tom Waits, Joe Strummer o
Sepultura también tuvieron más oportunidades de desarrollo y nosotros como
público mejores grupos justo en su momento, gracias al talento y personalidad de
Ayelén. Ahora que has emprendido un viaje sin retorno te queremos agradecer tu
trabajo, pero sobre todo tu amistad. Te vamos a extrañar.
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Hookworms, The Hum
ARTURO URIZA • Más psicodelia y más energía.
La escena de nueva psicodelia tiene un par de líneas tangenciales recurrentes en
múltiples proyectos. Especialmente me siento atraído por aquellas bandas que usan
esas tangentes para inyectar un poco más de energía de la acostumbrada en el rock
psicodélico.
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No basta el letargo y las letras abstractas; agregar baterías energéticas llenas de eco
y filtros parece ser una buena herencia de todas las bandas alemanas que entran
bajo la categoría kraut. El apache beat ha aparecido en infinidad de tracks en estos
años desde que el mundo anglosajón descubrió el motorik de Neu! y lo mezcló con la
colorida sinfonía del San Francisco de los sesenta. Es un escenario ideal.
Debo decir que además, esta ecuación borra los límites geográficos por momentos.
Se vuelve complicado determinar la ubicación de una banda y se hace borrosa su
influencia primaria. ¿Quién tuvo más mella en Hookworms? ¿Hawkwind o 13th Floor
Elevators? ¿Qué les sirvió más de base: los hipnóticos órganos del rock y garage
psicodélico o la potencia del space rock de Spacemen 3? La verdad es que todo eso
podría pesar igual, y no necesitamos que nos lo aclaren.
Es interesante ver los puntos en común que The Hum tiene con materiales y artistas
contemporáneos de escenas similares. Mi más claro ejemplo es Thee Oh Sees, que a
pesar de ser de California, comparten fuertemente las bases sonoras de estos
ingleses. Incluso vocalmente hay un trabajo equiparable. Por supuesto, se mantiene
una identidad clara, sin embargo el unificar este tipo de escenas siempre es
interesante, sobre todo cuando se manifiesta un revival de una forma tan fuerte
como en estos años.
Aunque en general el álbum es bastante concreto, contiene las acostumbradas
piezas de más de seis minutos de duración, donde hacen gala de sus dotes para el
feedback, fuzz y demás sonidos oníricos. “Off Screen”, de más de siete minutos de
duración, es una de mis favoritas, porque contiene un crecimiento maravilloso y está
en el éxtasis del disco; atrayente y cálida.
“IV” es otra pieza genial, totalmente instrumental y llena de secuencias y paisajes
espaciales. Tal vez Hookworms no esté descubriendo nada nuevo, pero
definitivamente es una banda interesante con un disco muy completo, sobre todo
para quienes disfruten de este sonido de exploración de la psique.
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Julian Casablancas and the Voidz,
Tyranny
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PABLO ISLAS • Si eres fan de los Strokes y esperas encontrar la misma receta, ni lo
intentes.
Desde su aparición, The Strokes se convirtieron en una revelación: traían una nueva
bocanada de frescura a una muy aletargada escena musical. Y su música fue
devorada de inmediato por milones de fans.
Sin embargo, con el paso de los años se fueron atascando en una serie de
contratiempos y cargando pesados lastres. Para muestra, su álbum Comedown
Machine (2013) que no tenía ni portada, lo que demostraba el enorme peso que la
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banda cargaba y los problemas con su compañía disquera.
Quizá por ello, los integrantes de la banda comenzaron diversos proyectos alternos,
destacando en el 2009 el debut de Julian Casablancas, Phrazes For The Young, que
dejó aún más confundido a más de uno, ya que se separaba del sonido tradicional de
su banda. En 2014 se cruzaron diversas informaciones en las que se afirmaba que
Casablancas ya no disfrutaba de tocar con los Strokes, aunque a los pocos días se
dijo que no, que se “había malinterpretado la información”.
Así que enmedio de esta controversia aparece Tyranny, el regreso de Casablancas
como solista, ahora acompañado de una banda llamada The Voidz. Y si alguien se
encontraba desconcertado por su sonido como solista, ahora lo estará más, ya que el
músico ahora toma una ruta mucho más experimental que comprende lo mismo
voces distorsionadas que sonidos de teclados.
Si eres fan de los Strokes y esperas encontrar una receta parecida al sonido de la
banda, mejor no te acerques a este material. Lo recomendable es verlos realmente
por separado. Es cierto que Julian pone toda su experiencia en la creación de este
nuevo material, además de que demuestra que es un músico que va más allá de lo
que ha propuesto con los Strokes.
La propuesta sonora comienza con la enigmática “Take Me In Your Army” y de no ser
porque el nombre de Julian aparece en la portada, no lo creerías. Aquí hay un sonido
oscuro, repetitivo e hipnótico. “Crunch Punch” parece salida de la banda sonora de
un videojuego; es dinámica y directa, pero elaborada. Y aquí ya comenzamos a
reconocer los gritos tradicionales de Casablancas.
En “M.Utually A.Ssured D.Estruction” aparecen dos elementos contrastantes:
guitarras distorsionadas a tope y un teclado sacado de una película de terror,
creando un ambiente saturado sobre el que casablancas frasea más que cantar.
“Human Sadness” parece sacada de una película de Tim Burton y con sus más de
diez minutos es un paseo por un experimento sonoro, como si tratara de narrar lo
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ocurrido en un sueño.
“Where No Eagles Fly” es más punky, dominada por el riff del bajo y la saturada voz
de Casablancas y nos prepara para otro paseo sonoro, ahora con “Father
Electricity”, que con sus siete minutos de duración, ahora es dominada por las
percusiones. Si hablábamos de que la música tenía tonalidades de videojuego,
“Nintendo Blood” nos lo confirma desde el título. Y así, saltando de track en track,
parece que saltamos de un nivel a otro en una consola de juegos.
La lección que nos deja Phazes For The Young es que nunca debemos encasillar a un
artista en un género; es más, en ningún grupo. Cuando hay talento, da para muchos
facetas, prueba de ello es Julian Casablancas, quien con este material toma muchos
riesgos, pero al final descubre nuevos caminos, sale bien librado, y nos deja con la
boca abierta.
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30 Años Con Seguridad Social… Por
30
Siempre Jamás
MAURICIO HERNÁNDEZ A • Un festejo y nada más.
Seguridad Social lleva más de tres décadas con la bandera en alto de aquella Movida
Madrileña de los ochenta. Desde entonces, esta agrupación veneciana, hace caso
omiso a las nuevas tendencias musicales contemporáneas. Son básicos y clásicos. Ya
cumplieron treinta y los festejan con una producción en vivo.
30 Años… es un álbum lleno de recuerdos y melancolía para quienes disfrutaron en
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su esplendor de aquel momento importante del rock en español. Quince cortes que
integran las poco más de tres décadas de vida de esta banda española.
Sonidos que van desde el desgarrado punk (muy al estilo de Parálisis Permanente)
hasta el pop, reggae y new wave, que también barnizan el álbum. Sus clásicos
“Chiquilla”, “Comerranas”, “La Camisa de Once Varas” y “No Verte Más” son
interpretados con la misma potencia de hace años, aunque con notable madurez.
Una producción que merece respeto por la trayectoria y por las aportaciones
musicales que dio al rock esta agrupación. Sin embargo, pareciera un disco local y
solo para unos cuantos. Un festejo y nada más.
El disco trae colaboraciones de miembros de otras bandas de aquella época, como el
legendario Javier Ojeda, de Nacha Pop, quien participa en “Solo Tú”, o “Chiquilla”,
que es interpretada con Raimundo Amador y Enrique Bunbury. Parece un disco de
amigos y para amigos. Las leyendas no necesariamente estarán vigentes ni
aportarán para siempre. Porque Seguridad Social forjó y cimentó, pero hasta ahí.
Se queda como un grato recuerdo que compartirás con tus amigos.
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Bryan Ferry, Avonmore
POLA THRACE • ¿El glam funciona sin la brillantina?
No todos los artistas ni todos los géneros envejecen dignamente, como
probablemente le está sucediendo al glam, a través del nuevo disco de Bryan Ferry.
Sin ser esta una mala entrega, a este trabajo le falta la brillantina y a su autor los
trajes estrafalarios que lo acompañaban cuando lo escuchamos por primera vez.
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“Lost” resulta a la vez familiar y extraño. Mientras que el coro podría pasar por un
sampleo de Avalon (disco emblemático de la extinta banda Roxy Music) con su
sonido abstracto y casi aéreo característico del glam, la percusión marca un ritmo
poco convencional que sin embargo logra sonar tan elegante como todo lo que Ferry
ha hecho siempre.
“Midnight Train” retoma esta percusión e integra además los sonidos con que suele
firmar el cantante: sintetizadores atmosféricos, riffs de guitarra muy funky que
vienen y van, y la voz que susurra y seduce. Pero más allá de estos dos tracks, Ferry
parece caer presa de su propio estilo. El romance de las letras, incluso de temas en
los que uno no se lo esperaría como “One Night Stand” es difícil de tragar sin agua y
“Send the Clowns” es todavía más melosa.
Fuera de eso, algunos momentos recuerdan de buena forma los mejores álbumes de
Roxy Music. Quizá Avonmore no sea un disco que haya que dejar pasar, pero es un
hecho que al escucharlo nos recuerda lo anacrónico que a veces puede llegar a ser el
llamado glam rock.
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Miguel Bosé, Amo
CRISTHIAN SILIS • Canciones aderezadas con sonidos que no a todos les
interesarán.
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Miguel Bosé lo vuelve a hacer.
Después de un disco de duetos (él mismo ha declarado que son imposiciones de su
disquera, suponemos que para después poder trabajar con libertad en su música
nueva) y de una recopilación de sencillos, lados b y colaboraciones, el artista regresa
con un álbum arriesgado sonoramente, como ya venía haciéndolo con +Velvetina y
Cardio.
Se trata de un disco lleno de canciones que podrían sonar en la radio comercial, pero
que difícilmente lograrán el éxito que Bosé ha tenido en otros momentos con las
baladas.
Por supuesto, esto no significa que Amo no contenga las infaltables canciones de
amor, porque de hecho cada track de este álbum tiene una letra que habla del amor
visto desde diferentes latitudes; quizá un poco más arriesgadas o aderezadas con
sonidos que no le interesarán a muchos de sus nuevos (y viejos) seguidores.
Lo que queda claro es que la música de Bosé sigue siendo tan fina, elegante y llena
de buenas letras como siempre. Escuchar este disco será un buen ejercicio para los
que crean que el hombre ya dio lo mejor que tenía hace muchos años.
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¿Qué canción destacamos? Todas, no hay desperdicio.
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Link index
Iceage, Plowing into the Field of Love
Ariana Grande, My Everything
Centavrvs, Sombras de Oro
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Scott Walker Sunn O))), Soused
Erasure, The Violent Flame
Weezer, Everything Will Be Alright In The End
Oxomaxoma, Con Ojos de Fuego
http://oxomaxomamx.bandcamp.com/album/con-ojos-de-fuego
The Limiñanas, (I’ve Got) Trouble In Mind
The White Stripes, Live Under The Lights Of The Rising Sun
Hookworms, The Hum
http://www.lapoplife.com/hookworms/
Julian Casablancas and the Voidz, Tyranny
30 Años Con Seguridad Social… Por Siempre Jamás
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Bryan Ferry, Avonmore
Miguel Bosé, Amo
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