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EN LA MIRA: GUNS N’ ROSES TANYA MOSS y su efecto mariposa EN DIEZ CANCIONES DE VIVA VOZ: RAÚL NAVARRO UN “PINTADOR” A SECAS EJEMPLAR GRATUITO A FONDO: COCO CHANEL LA MUJER QUE REVOLUCIONÓ LA MODA Promoción válida del 1° de Septiembre al 31 de Octubre de 2015. PARTICIPAN TODOS LOS MODELOS BUICK® VIGENCIA DEL 1 DE SEPTIEMBRE AL 31 DE OCTUBRE DE 2015. CORPORACIÓN INTERPUBLIC MEXICANA, S.A. DE C.V. ES RESPOSABLE DE LA PROMOCIÓN DENOMINADA “RIDE THE LIGHT” LIBERANDO DE TODA RESPONSABILIDAD A GENERAL MOTORS DE MÉXICO, S. DE R.L. DE C.V. (GMM). GMM ES LICENCIATARIA AUTORIZADA DE LA MARCA BUICK® Y SU RESPECTIVO LOGOTIPO. AEROPLASA VISÍTANOS Aeropuerto 4210 9879 Blvd. Puerto Aéreo 141 Col. Federal C.P. 15700 Miramontes 5684 6915 Av. Canal de Miramontes 3164 Col. Residencial Acoxpa C.P. 14300 www.buickgmcaeroplasa.com.mx aeroplasa ¡Escanea Aquí el mapa! CONTENIDO DIRECCIÓN GENERAL Mary Carmen Sánchez Meyer [email protected] DIRECCIÓN EDITORIAL Adriana Sánchez Meyer [email protected] DIRECCIÓN DE VENTAS Rodrigo P. Carranco [email protected] DIRECCIÓN CREATIVA E2 (e al cuadrado) [email protected] DISTRIBUCIÓN Mónica Recoder Camacho [email protected] COLABORADORES Entrevistas Arturo Sánchez Meyer Artículos Manuel Delgado Barrios Alejandro Razzo Guillermo Revilla Gómez Martha Patraca Felipe Casas Rodrigo Bazán Bonfil Marco Valentini Jorge Landeros 10 MODA PRIMAVERA/ VERANO 2016 12 5 ALIADOS DE MAKEUP 15 CUANDO EL TIEMPO EMPEZÓ A VOLAR 17 COCO CHANEL: LA MUJER QUE REVOLUCIONÓ LA MODA TANYA MOSS Y SU EFECTO MARIPOSA 6 21 THE BOX CLUB: SÓLO PARA HOMBRES 24 THE BIG’S: EL NUEVO CONCEPTO DE GRUPO FISHER’S 27 29 RAÚL NAVARRO UN “PINTADOR” A SECAS YU PARTY: CONSTRUYENDO EL PRESENTE 33 CANTO TABERNARIO: UN CULTO DIRECCIÓN GENERAL Rodrigo P. Carranco DIRECCIÓN GENERAL ADJUNTA Astarté M. Sosa Cruz PRODUCTORA EJECUTIVA Marcela Medina Sánchez DIRECCIÓN ADMINISTRATIVA Ana Díaz Ortega COORDINACIÓN MODA Mauricio Pérez Carcaño CURADURÍA Y MUSEOGRAFÍA Responsable: Astarté M. Sosa Cruz RELACIONES PÚBLICAS Mayte Requejo Jiménez Felipe Casas de la Portilla DISEÑO Erik Fernández Barrios 34 MIRADAS DEL MUNDO 36 ALGO MÁS SOBRE RUFINO TAMAYO GUNS N’ ROSES EN DIEZ CANCIONES 40 38 LA GRAPPA, DESTILADO ITALIANO POR EXCELENCIA 47 EL JUEGO NO ES SÓLO COSA DE NIÑOS 44 PUEBLA AL TAÑIR DE LAS CAMPANAS © TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS 2012-2022. FASHION AND ART MÉXICO. FASHION & ART MÉXICO y BAJO PALABRA EDICIONES S.C. son titulares de la marca FASHION & ART MAGAZINE. Queda prohibida la reproducción total o parcial de esta publicación periódica, por cualquier medio o procedimiento, sin para ello contar con la autorización previa, expresa y por escrito del editor. Toda forma de utilización será perseguida y sancionada según lo establecido en la ley de Derecho de Autor. Todos los Derechos Reservados. FASHION & ART MAGAZINE, Año 1, No. 3. Publicación trimestral de abril de 2016. Editorial responsable: BAJO PALABRA EDICIONES S.C. Registro de Marca otrogado por el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial 1480767. Domicilio Fiscal en: Mariano Azuela 51, Ciudad Satélite, Naucalpan, Estado de México C.P 53100. Impresa en los talleres de FOLI de México S.A de C.V., Negra Modelo 4-A, Fraccionamiento Industrial Alce Blanco, Naucalpan, Estado de México. 3 EDITORIAL E 4 n Fashion & Art Magazine recibimos la llegada de la primavera con los brazos abiertos, y para inaugurarla como se merece nadie mejor que Tanya Moss, quien con el sello inconfundible de la mariposa nos recuerda no sólo la evolución de la moda y de su increíble carrera como diseñadora, sino la transformación latente en cada uno de nosotros. La inspiración, como ella misma nos cuenta, puede llegar de las cosas más cotidianas, pero es el ojo del artista el que logra condensarla en un objeto que nos identifique y nos recuerde eso que, desde lo profundo, compartimos. Ese mismo lazo que nos une como humanidad puede representarse en el arte con una simple mirada, como lo hizo Bego Goyeneche en cada uno de sus cuadros durante la exposición “Miradas del mundo”. En la pintura, como en cada una de las artes, los recursos hablan de una época, de la realidad que rodea al artista, pero para lograr una obra que pueda perdurar a través del tiempo y tener algo que decir a cualquier persona hay que tomarse en serio el oficio, tal como nos dice de viva voz el “pintador” Raúl Navarro. Y para estar en sintonía con el cambio de temporada, quisimos ahondar en unas cuantas novedades que tal vez habían pasado desapercibidas para algunos, como la oportunidad de recibir prendas seleccionadas por un personal stylist con The Box Club o el cambio que seguramente hemos visto al pasar por Masaryk en The Big’s bar. Este mismo ánimo de transformación nos llevó a reflexionar sobre los cambios que no son cíclicos, sino que surgen de una necesidad de ruptura que asegure la propia evolución. Es por eso que en este número rendimos homenaje a Coco Chanel, el ícono que revolucionó la moda, y a una de las bandas que dejó huella en la memoria de muchos y que este año volvió a cimbrar el Foro Sol: Guns N’ Roses. Finalmente, como una alegre coincidencia, fue también en una primavera de hace 485 años cuando se fundó la ciudad de Puebla. Para formar parte de los festejos de aniversario, quisimos compartir una de sus tradiciones más recientes: el Angelis Custodiant. En este recorrido por su gastronomía, sus paisajes y sus sitios emblemáticos dentro y fuera de la ciudad, el arte y la moda surgen en cada rincón, al tañir de las campanas. ADRIANA SÁNCHEZ MEYER Directora Editorial 5 “NO HAY ILUMINACIÓN DIVINA, SE REQUIERE MUCHA CONCENTRACIÓN Y DISCIPLINA” TANYA MOSS Y SU EFECTO MARIPOSA POR: ADRIANA SÁNCHEZ MEYER A l hablar de Tanya Moss lo primero que nos llega a la mente es su estilo, su elegancia y la manera en que una sola de sus piezas puede cambiar nuestra apariencia e incluso nuestro estado de ánimo. Pero detrás de esta gran diseñadora hay mucho más de lo que hubiéramos podido imaginar. Las pocas horas en que pudimos coincidir con ella en un café bastaron para darnos cuenta de que su visión del mundo, su tenacidad y, sobre todo, su sencillez, son solo algunas de las características que la han llevado a ser, además de una gran artista mexicana, un ícono de la joyería a nivel internacional. 6 DE MÉXICO PARA EL MUNDO ¿Crees que hay una falta de oferta académica para los artistas y diseñadores en nuestro país? No, justo acabo de venir de Centro y creo que hay muchísimas oportunidades. Lo que debe pasar es que la educación se enfoque más a la práctica y también al nivel comercial. Veo que hay más apertura para las marcas, pero no sirve de nada si la marca no da el ancho en materia de producción. Como mexicanos tenemos que pensar de forma global, producir A L E S T I L O D E . . . para competir con el mundo y no con los vecinos, entonces debes compararte hasta arriba y ese desarrollo te va llevando a un mayor nivel. Lo primero que tenemos que hacer es educar a la gente para que la cultura del trabajo sea algo más comprometido y más duradero, enfatizando que una educación te compra una entrada, pero no una estancia. ¿Qué piensas de la producción en serie en contraposición del valor de lo hecho a mano o las producciones exclusivas? Hay mercado para todos, pero uno debe tomar una decisión: si quiere ser más de nicho o más exclusivo, si se quiere expandir más o quedarse en la línea de en medio. Lo importante es que en lo que sea que hagas asumas realmente un compromiso y entiendas cuáles son las implicaciones de cada decisión. Yo estoy en el punto intermedio, tengo piezas únicas, pero la gente no me ubica como una marca de ese tipo sino más bien como un lujo accesible, que tiene suficiente personalidad como para reflejar lo que eres y lo que representas. ¿Cuál sería tu recomendación para los artistas jóvenes que no tienen las relaciones suficientes para abrirse camino en un inicio? Tú mismo te vas abriendo las puertas, vas trabajando por ello y tejiendo tu sueño poco a poco. Si tienes alguien que te apoye en un principio qué padre, pero si no también tienes que ser capaz de hacer cualquier trabajo que te permita realizarlo. Yo no empecé siendo diseñadora, empecé dando clases en la Ibero, además tenía un despacho “freelance” con mis amigas de la universidad y trabajaba en otra empresa dos días a la semana. Tenía tres trabajos al mismo tiempo y comencé a trabajar desde los 21 años, me gustaba tener lo mío y que no me pidieran cuentas, me gusta hasta la fecha. LA CREATIVIDAD DE UN ARTISTA ¿En qué te inspiras? Me inspira todo lo que veo, por ejemplo, aquí donde estamos sentadas me basta con ver la talavera, es el poder que tiene el ojo de resumir y abstraer la cosas. Me gusta inspirarme en mi entorno y puede ser arte o una cultura específica, como lo que tengo oportunidad de ver durante un viaje. También me gusta asociar mucho mi marca con la naturaleza, sentir que a la hora “COMO MEXICANOS TENEMOS QUE PENSAR DE FORMA GLOBAL, PRODUCIR PARA COMPETIR CON EL MUNDO Y NO CON LOS VECINOS” 7 “LO MÁS IMPORTANTE EN TODO LO QUE HAGAS ES SABER VENDERTE, VENDER TU PROYECTO, LO PRIMERO QUE VENDES ES A TU PERSONA” de tomar una piedra estoy tocando algo vivo, me gusta que la marca hable de eso. ¿Y cómo es este proceso creativo? ¿Cómo haces para materializar esta inspiración en una pieza de joyería? A veces tengo una especie de “flashazos” y esos son los más afortunados. Ayer, por ejemplo, solucioné un problema en la cama antes de dormir, lo vi y dije: “¡Ya lo tengo! ¡Tengo la solución a este problema!” Y llegué con el área de diseño a decirles: “Al rato les explico, ¡pero ya lo vi!” Y cuando lo veo en la noche, a punto de dormirme, o en los sueños, es cuando sé que eso va a funcionar. Otras veces sí es un proceso de empezar con la idea o el tema que quiero tratar y desgranar ideas. Hay mucho trabajo detrás, te puede llegar la inspiración y es un hilo de donde te agarras para empezar a trabajar, pero es un proceso. No hay iluminación divina, se requiere mucha concentración y disciplina. Generalmente un artista trabaja en soledad, pero una marca necesita de un equipo, ¿cómo empatas estas dos facetas de tu vida profesional? Yo soy buena diseñadora, pero soy mejor directora de arte, entonces sé dirigir a la gente que está conmigo, sé trabajar en equipo. Hay veces que les doy el concepto, pero no quiero influir 8 en sus cabezas, me gusta dejar que la gente que trabaja conmigo aporte porque creo que el trabajo colaborativo nos alimenta mucho más. Ya no se trata de mí como persona sino de una marca, estamos hablando de toda la gente que me da su voto de confianza al hacerse dueña de una pieza mía. EL CAMINO DEL ÉXITO Como muchas otras historias de éxito, la tuya comenzó vendiendo de puerta en puerta, ¿crees que es importante comenzar a labrarse un camino desde abajo? No veo cómo puede ser de otra manera, es básico. El hecho de que en mi empresa yo sepa desempeñar todos los puestos y que cualquiera de las personas que trabaja conmigo pueda tocar mi puerta y preguntarme “¿qué opinas de esto?”, es fundamental porque yo sé hacerlo. Lo más importante en todo lo que hagas es saber venderte, vender tu proyecto, lo primero que vendes es a tu persona. Entonces sí creo que lo más afortunado para mí es que disfruto vender, me encanta tener la oportunidad de meterme al mundo de cualquiera de mis clientes y poder entender lo que una pieza significa para ellos. ¿Cómo pasaste de tocar puertas a manejar tantas tiendas como las que tienes ahora? De una en una, jugándomela, sin pensar mucho. Tuve la suerte de comenzar a tener pedidos y clientes muy pronto, y entonces surgió la idea de tener un lugar fijo. Fui, busqué, encontré un local y estuve encima hasta que lo conseguí porque yo soy una persona muy tezonera y no quito el dedo del renglón. Desde que abrimos las puertas de la primer tienda tuvimos gente, y así ha sido el proceso con cada una. ¿Cómo manejas tus colecciones? Tenemos las clásicas que siempre están, como la mariposa, pero también tenemos colecciones que llevan un mensaje. No trabajo con temporadas, aunque hay épocas del año más fuertes comercialmente y entonces saco más, pero durante todo el año sacamos un promedio de siete u ocho colecciones. TANYA MOSS: LA MUJER ¿Qué te gustaría que sintiera una mujer que porta una de tus mariposas? La mariposa es un símbolo para acordarte de muchas cosas. En primer lugar te recuerda lo que la mariposa significa para ti, porque cada quien tiene una asociación personal. En mi caso significa la libertad, el constante cambio y evolución, los contrastes: el cuerpo que es un insecto y la belleza de las alas. Pero más que nada es el mensaje de la propia evolución y cómo en cada etapa puedes ser la mejor versión de ti misma. Me gustaría que en cualquier edad y en cualquier generación, ya sea la Generación X, los Millennials o en cualquier momento de la vida que toquemos la mariposa, pensemos: “esto es un reto y yo lo puedo superar”. ¿Alguna vez te has sentido estancada? Sí, claro. Por ejemplo, va a salir una colección de mascadas fabulosas pero me tomó un año de estancamiento en el que no me daba la cabeza… Finalmente lo superé y ahora está lista para salir. ¿De qué manera crees que ha evolucionado el papel de la mujer en la sociedad actual? Yo he tenido mucha suerte porque nunca me he sentido limitada por ser mujer, nunca lo percibí en mi familia y mucho menos con mi esposo. No tuve la necesidad de pelear por ese espacio, simplemente luché por lo que yo quería y punto. Creo que hoy en día tenemos más herramientas para ir creciendo como mujeres. Yo, como mamá de una hija, todo el tiempo estoy empujándola y empoderándola… Pero, a la vez, esta libertad de género ha causado más reacciones radicales, más feminicidios. ¿Cuál sería tu mensaje para las mujeres? Creo que ahora sabemos más, pero me parece que en cada “CELEBRO A LA GENTE QUE ESTÁ HACIENDO RUIDO EN ESTE MOMENTO PARA QUE NO HAYAN MÁS ABUSOS” persona está la posibilidad de ser un agente de cambio y en cada mamá educar a sus hijos, hombres y mujeres, en el respeto, y claro que también el gobierno tiene la responsabilidad de empujar a una mayor igualdad. Yo celebro a la gente que está haciendo ruido en este momento para que ya no haya más abusos. Cuando comenzaste a ser mamá, ¿cómo empataste esta faceta con tu profesión? ¡Llevándome a mis hijos al trabajo! Teniendo un esposo que me apoya y después creando una infraestructura que me ayudara. Claro que para hacerlo también tuve que producir lo suficiente como para poder pagarlo, pero eso no me detuvo: si me los tenía que llevar lo hacía y lo disfrutaba, incluso hasta hoy que me llevo a mis perros. 9 MODA PRIMAVERA/VERANO 2016 POR: MANUEL DELGADO E sta temporada tiene sus desventajas, como sufrir por tanto utilizadas para “Yamir” son el lino, el encaje y algunos algodones, calor o por algunas alergias, pero tiene también grandes las cuales ayudan a tener una sensación de frescura durante esta ventajas, sobre todo en cuanto a moda, ya que se presta temporada. para usar prendas vaporosas, con estilo. La principal inspiración de Homero es la moda urbana y los Con su más reciente colección, “Yamir”, el diseñador Homero temas oscuros, llenos de misticismo, a partir de los cuales ha Cortéz nos muestra nuevas piezas, en las cuales apuesta a los logrado plasmar su visión en ideas contemporáneas que reflejan colores neutros y texturas con vuelos, tomando como inspiración el estilo de vida actual del hombre y la mujer independientes. principal a la cultura hindú. La paleta de colores utilizada en esta colección muestra una combinación de tonos como blanco, amarillo, azul marino y negro, creando formas y siluetas que reflejan ligereza y comodidad al usar las prendas. Las texturas 10 Fotografìa: Reyna López • Maquillaje y peinado: Erich Lawrenz • Modelos: Casandra Aguilar para Queta Rojas; Belém Campuzano, Gerardo Holguín para Hector Alegría Models y HARD International; Ángel Ochoa Loreto. 5 ALIADOS DE MAKEUP QUE DEBES LLEVAR EN TU BOLSA POR: ALEJANDRO RAZZO ¿Quieres estar siempre muy guapa y preparada para cualquier situación? Entonces toma nota de estos productos de maquillaje que tienen que estar en tu bolsa ¡sí o sí! Probablemente seas de esas personas que lo único que suelen llevar en la bolsa es el celular y la cartera; sin embargo, no está de más contar con algunos otros objetos que, sin duda, te serán más que indispensables en tu día a día y te ayudarán a estar siempre perfecta y lista para cualquier cosa que se presente. #1 CHAPSTICK Entre el calor, el frío, el sol y la falta de agua en nuestro cuerpo, es súper común que los labios se resequen e incluso lleguen a partirse, así que, por tu bien, siempre debes tener cualquier tipo de humectante en tu bolsa, pues realmente no sabes cuándo lo podrás necesitar. #2 BLUSH ¿Quieres lucir siempre llena de vida? Entonces opta por tener un blush en tu bolsa, ya que tener color en las mejillas no sólo te hará ver sana y fresca, sino que también ayudará a que tu cara se vea más definida. Y bueno, si por ahí también te cabe algún bronzer, ¡mucho mejor! #3 POLVO El clima y la contaminación pueden ser dos factores muy importantes para que tu piel no luzca perfecta, así que siempre debes llevar un polvo traslúcido para poder quitar el brillo y que tu cara se vea mucho más tersa y con una textura mate. #4 RÍMEL Unas pestañas largas son el punto clave para tener una mirada de envidia, por eso el rímel es uno de los principales productos que debes tener en tu bolsa. Además estarás preparada para cualquier ocasión, así que si sale algún plan por la noche tú ya tendrás las herramientas necesarias para estar ad hoc. #5 LIPSTICK Llevar en la bolsa un poco de color para los labios es indispensable, pues la verdad es que este pequeño detalle puede hacer que tu look luzca completamente distinto, así que ya sabes: ¡tener un lipstick en la bolsa es fundamental! 12 L O Q U E T E A C O M O D A GUÍA RÁPIDA PARA CUIDAR TU PIEL DURANTE UNA CONTINGENCIA AMBIENTAL POR: ALEJANDRO RAZZO ¡Malas noticias! Viviremos cinco contingencias ambientales en los próximos meses en la Ciudad de México, hecho que puede dañar terriblemente nuestra piel. Así que decidimos dar algunos consejos para protegerla y mantenerla sana paso a paso. Actualmente en la Ciudad de México y sus alrededores se vive un momento complicado en cuanto a la calidad del aire, después de haber alcanzado la fase 1 de la contingencia, la Secretaría del Medio Ambiente anunció que se espera la llegada de cinco contingencias próximamente, por lo que nuestras rutinas sin duda se verán afectadas. Con esto no sólo nos referimos a los cambios extraordinarios en el programa “Hoy No Circula”, sino a que ante estos altos niveles de contaminación es necesario proteger nuestra piel de efectos como quemaduras solares, dermatitis, salpullido, deshidratación, irritación y, a largo plazo, cáncer de piel y hasta muerte prematura. ¿Cómo? Basta con seguir estos pasos: 1. HIDRATACIÓN Mantén tu piel bien hidratada usando una cantidad generosa de crema por la mañana, como primer paso de tu rutina de belleza. No olvides mantenerte hidratada también por dentro tomando suficiente agua durante el día. 2. BLOQUEADOR SOLAR La disminución de la capa de ozono hace que los rayos UV se incrementen y, por lo tanto, haya mayor probabilidad de sufrir quemaduras y melanoma (el más peligroso de los cánceres de piel). La protección solar ya no es una opción, ahora debe ser una parte esencial de tu rutina de belleza. Recuerda aplicar bloqueador cada 4 o 5 horas para asegurarte de que siga surtiendo efecto. 13 3. ANTIOXIDANTES Se convertirán en los mejores amigos de tu piel en esta época de contaminación, ya que son capaces de prevenir o disminuir la oxidación de la piel y bloquear los radicales libres. Es importante que los agregues a tu alimentación a través de frutas y verduras como jitomates, zanahorias, lechuga, espinaca; así como en productos de aplicación directa a la dermis como sueros, lociones o mascarillas. 4. LIMPIEZA Las partículas suspendidas en el aire, el humo de los autos y camiones y la suciedad en general, impregnan tu piel de 14 partículas que pueden ser las causantes tanto de brotes de acné como de irritación o dermatitis. La limpieza es esencial, no sólo por la noche, lo ideal es que lleves contigo toallitas limpiadoras para poder remover toda la suciedad también durante el día. 5. EXFOLIACIÓN Al estar tan expuesta a la suciedad, tu piel requerirá de un mayor esfuerzo para eliminar por completo las partículas, así que lo ideal es que, al menos una vez a la semana, exfolies la piel de tu rostro. Recuerda que es un proceso un tanto invasivo para tu piel, así que lo ideal es que lo hagas por la noche para dejarla descansar el mayor tiempo posible. S I N E T I Q U E T A CUANDO EL TIEMPO EMPEZÓ A VOLAR POR: GUILLERMO REVILLA EL DESPERTAR DE UN SIGLO En los albores del vertiginoso siglo XX, París era probablemente el epicentro cultural del mundo occidental: en 1900 había sido sede de la Exposición Universal y de los primeros juegos olímpicos del nuevo siglo; el reloj de la fachada de la estación de ferrocarriles de Orsay (hoy un importante museo), construida para la Exposición, ya daba la hora a los viajeros; ya se incubaban las vanguardias artísticas; la Gran Guerra estaba a la vuelta de la esquina. Desde su invención en Alemania cuatro siglos atrás, poco a poco, el reloj portátil había ido conquistando su lugar como un artículo indispensable de la moda masculina: como pasa con muchas cosas que usamos a diario, el instrumento individualizado para medir el tiempo nació para satisfacer una necesidad y fue sofisticándose paulatinamente de la mano de la tecnología y la moda hasta convertirse en algo más que un instrumento para saber la hora. De ser en sus inicios un objeto ancho y pesado, que debía llevarse colgado en el cuello o la cintura, el reloj portátil evolucionó hasta ser un pequeño objeto de elegante diseño sujetado a una cadena (leontina), guardado en el bolsillo de los caballeros: un objeto suntuario, aunque de uso común, ciertamente distintivo de las clases mejor acomodadas. Corría el año de 1901. Hacía dos años que la casa joyera Cartier, dirigida por Alfred y Louis Cartier, padre e hijo, se encontraba en la Rue de la Paix, desde entonces una de las calles más lujosas de París. La compañía suiza Patek Philippe había hecho el primer reloj de pulsera en 1868, para uso de las damas. Aproximadamente desde 1888, Cartier, que ya era la joyería favorita de la aristocracia parisina y hasta de la realeza, había puesto a la venta relojes-pulsera exclusivamente para mujeres, pero se trataba más de una joya que de un reloj. Los hombres, por su parte, sólo utilizaban el reloj de bolsillo. Mientras eso sucedía en las calles, el cielo parisino era surcado por globos aerostáticos. Un ingeniero brasileño educado en Francia, Antonio Santos Dumont, llevaba algunos años estudiando estos aparatos y tratando de perfeccionar su sistema de dirección, entonces inexistente, hasta que en 1898 logró realizar el primer vuelo de un globo dirigible autopropulsado. 15 REUNIÓN DE GENIOS El 19 de octubre, tras un par de intentos fallidos, Santos Dumont, a bordo de su dirigible Número 6, intentó por tercera vez superar el desafío que un magnate petrolero había lanzado: 100 mil francos a quien partiese del parque Saint Cloud, llegase a la Torre Eiffel y volviese en menos de 30 minutos. El evento, atestiguado y dictaminado por el Aeroclub de Francia, recibiría un veredicto durante una cena en el restaurante Maxim’s, en la que se encontraban presentes distinguidos miembros de la alta sociedad parisina, entre ellos Louis Cartier, quien ya conocía para entonces a Santos Dumont. El veredicto fue positivo, pero al recibir la noticia, el brasileño se mostró, además de contento, sorprendido; el joyero Cartier le preguntó por qué, pues asumía que el ingeniero, poseedor de un reloj de bolsillo como era común, debería conocer el tiempo que tardó en llevar a cabo la empresa. Dumont confesó no tener idea exacta del tiempo que había hecho, pues teniendo las manos ocupadas en la conducción del dirigible, le había sido imposible sacar su reloj para cronometrar su vuelo. La necesidad estaba planteada; el joyero Cartier se dio a la tarea de crear un nuevo modelo de reloj que solucionara este problema: nació así el reloj Cartier Santos, que con su caja cuadrada y numerales romanos, es hasta hoy un emblema de la firma francesa. El reloj quedó terminado en 1904, y Santos Dumont lo usó desde entonces en todos sus vuelos, incluso cuando el 23 de octubre de 1906, con él en los controles, su 16 prototipo de avión 14 bis fue el primer aparato más pesado que el aire en despegar, volar y aterrizar por sus propios medios (los modelos de los hermanos Wright utilizaban para el despegue rieles o catapultas). Por su parte, Cartier logró la producción en masa y comercialización del reloj Santos en 1911, alcanzando un definitivo del reloj de rápido éxito comercial. El pulsera se dio durante la Primera Guerra Mundial, al probar ser ideal para pilotos y soldados debido a la practicidad de no tener que estar metiendo y sacando algo del bolsillo. Sin embargo, los relojes utilizados por la milicia eran redondos, a diferencia del primer modelo de Cartier, imponiendo una tendencia que se mantiene hasta hoy. Es así como el nacimiento del siglo XX trajo consigo la aparición de un objeto que hoy nos parece de lo más cotidiano, como es el reloj de pulsera. Pero éste no llegó solo: en la primera década del siglo también entraron en escena, por ejemplo, la turbina, la aspiradora, el aire acondicionado, el plástico, el tostador de pan y hasta los cierres de la ropa. A la postre, Santos Dumont se convirtió en un pionero de la aviación, hasta el punto de ser considerado por algunos el verdadero padre de ésta; por su parte, Cartier sigue siendo en nuestros días una de las marcas más emblemáticas de relojes en el mundo. De la fructífera relación de ambos genios, queda testimonio cada que le pedimos la hora a alguien sin necesidad de usar palabras, simplemente señalando nuestra muñeca, en un gesto que se ha vuelto universal. COCO A F O N D O CHANEL LA MUJER QUE REVOLUCIONÓ LA MODA POR: MARTHA PATRACA AL PENSAR EN COCO CHANEL NOS VIENE A LA MENTE LA IMAGEN DE UNA MUJER EXITOSA, DE UNA EMPRESARIA VISIONARIA, ALGUIEN QUE MARCÓ EL SIGLO XX POR EL DISEÑO DE ROPA, PERFUMES Y COSMÉTICOS. SU HISTORIA ES LA DE ALGUIEN QUE SE CONSTRUYE DESDE ABAJO, QUE CON SUS IDEAS Y TRABAJO LOGRÓ ROMPER PARADIGMAS. 17 “LA SIMPLICIDAD ES LA CLAVE DE LA VERDADERA ELEGANCIA” UNA VIDA MARCADA POR EL ABANDONO Cuando Coco Chanel era interrogada acerca de sus orígenes, a menudo inventaba historias muy alejadas de una verdadera infancia que siempre quiso olvidar y que le dolía recordar. Gabrielle Bonheur Chanel nació en Saumur, Francia, el 19 de agosto de 1883, en un hospicio. El inicio de la vida de Gabrielle marcó una infancia errante, triste y solitaria: con tan solo seis años perdió a su madre, Jeanne Devolle, y su padre, un vendedor ambulante siempre ausente, no se hizo cargo de sus cinco hijos, a los que envió a vivir con sus abuelos en Vichy. Cuando éstos tampoco quisieron responsabilizarse de sus nietos, Gabrielle y sus dos hermanas ingresaron al orfanato de Aubazine. Gabrielle pasó años terribles en orfanatos rígidos y estrictos donde lo único que pudo aprender fue a coser. Al fin, a sus 20 años pudo trasladarse a vivir a Moulins, a la casa de una familia propietaria de la mercería conocida como Casa Grampayre, donde empezó a trabajar haciendo arreglos de confección. Con el tiempo pudo independizarse acompañada por su tía Adrienne, dos años mayor que ella, con quien tuvo una vida más o menos feliz, diseñando sus propios vestidos y sus originales sombreros, y atrayendo a la antigua clientela de la mercería Grampayre. DE GABRIELLE A COCO CHANEL Como Coco acostumbraba inventar historias sobre su vida, existen varias hipótesis acerca de su cambio de nombre. Una de ellas es que en algún momento intentó cantar en cabarets. Una 18 de las canciones que más ovaciones levantaba era una famosa melodía titulada “Qui qu’a vu à Coco?” y otra que representaba con especial gracia se titulaba “Ko ko ri ko”. Como en ambas aparecía en el estribillo la palabra Coco, el público y sus amigos terminaron por llamarla “la petite Coco”. En ese tiempo, además de coser con su tía y divertirse cantando en los bares de moda, Coco conoció al que sería el primer amor de su vida: Étienne Balsan, un militar de 24 años de origen burgués. A pesar de que Balsan ya tenía una amante oficial, Coco no dudó en iniciar una relación con alguien que le podría introducir en la alta sociedad. Así, en 1910 inició lo que se convertiría en una leyenda: Étienne financió el primer proyecto empresarial de Coco, una tienda de sombreros en el 21 de la Rue Cambon llamada Chanel Modes. Su estilo simple y elegante causó sensación. Para esa época era increíble que trajera el cabello arriba de los hombros, que fuera delgadísima, usara pantalones y estuviera bronceada, sólo las pobres campesinas que trabajaban bajo el rayo del sol tenían ese color de piel. Todo lo contrario de la tendencia: mujeres pálidas, de melena larga y figura redonda. Así, Coco fue ganando fama y buena reputación al vestir actrices famosas y en poco tiempo las mujeres de París empezaron a imitarlo. ENTRE LA FAMA Y EL ESCÁNDALO El éxito no tardó en llegar y en 1913 abrió una nueva boutique en Deauville, donde introdujo una colección sport. Su línea de jersey fue totalmente revolucionaria y cambió por completo la relación de la mujer con su cuerpo y su forma de vida. A esta tienda le siguió en 1915 la de Biarritz y después la del número 31 de la Rue Cambon, en 1918, ambas casas de alta costura. Hacia finales de los veinte, mademoiselle había triunfado. Pero su éxito no se basó en ser considerada una gran diseñadora sino una visionaria de la moda que intuyó las necesidades y deseos de las mujeres. Coco fue la primera diseñadora que entendió el cambio más importante del siglo: una mujer ya no debía crear la impresión de riqueza con la ropa que vestía a diario. “No es la apariencia, es la esencia. No es el dinero, es la educación. No es la ropa, es la clase”. “EL PERFUME ANUNCIA LA LLEGADA DE UNA MUJER Y ALARGA SU MARCHA” Como sucede con todo vanguardista, la vida personal de Chanel estuvo siempre marcada por la controversia. Nunca se casó, nunca pudo tener hijos, tuvo numerosos amantes y amó profundamente, incluso estuvo exiliada durante la guerra porque se le asoció con un general nazi y la acusaron de ser espía. Podemos encontrar miles de anécdotas distintas en cada uno de sus biógrafos, pero todas coinciden en retratar la historia apasionante de una mujer que nos dejó un gran legado: una postura ante la moda, y más aún, ante la vida. COCO DISEÑÓ VESTUARIO PARA EL BALLET RUSO, Y TAMBIÉN PARA LA PELÍCULA DE JEAN COCTEAU ORPHEE. ENTRE SUS AMIGOS ESTABAN PABLO PICASSO, IGOR STRAVINSKY Y SALVADOR DALÍ. LOS SELLOS DE COCO: UN LEGADO PARA LA MODA DE TODOS LOS TIEMPOS EL TRAJE SASTRE FEMENINO Inspirado en la comodidad y las formas del traje masculino, el original para mujer fue creado justo para confort y practicidad. Constaba de una chaqueta de tweed escocés y falda sencilla y liviana que permitía la libertad de movimientos, además de una blusa de jersey o crepé de seda. La chaqueta tenía botones dorados y no le puso hombreras, además la hizo con un corte recto para procurar facilidad en el movimiento. EL COLLAR DE PERLAS Uno de los accesorios más usados en los eventos formales es precisamente el collar de perlas, debido a su sofisticación y sobriedad. Estos pueden usarse con casi cualquier mezcla de colores, aspecto que lo ha convertido en un accesorio versátil que nunca pasará de moda. EL ZAPATO BICOLOR En los años cincuenta los hombres utilizaban zapatos con la punta negra para disimular las manchas. Coco adaptó ese estilo con un diseño que le daba al pie mayor libertad de movimiento al contar con una cinta elástica para asegurarlo al tobillo. La combinación de colores conseguía acortar el pie debido a la punta negra y, al mismo tiempo, alargar la pierna con el color beige. “Una mujer con unos buenos zapatos nunca será fea”, decía mademoiselle. ESTILO NÁUTICO Inspirándose en Biarritz, en sus viajes en yate, Chanel mezcló la imagen de los marineros con la ropa de calle: playeras a rayas, suéteres con cuellos redondos, pantalones acampanados y alpargatas. Las mujeres de la época copiaron rápidamente su estilo. 19 TELA DE JERSEY PETITE ROBE NOIRE El triunfo inicial de Coco fue el innovador uso del jersey, un material usualmente manufacturado para la ropa interior, calcetería, ropa para tenis, golf y de playa. Esta tela era considerada como “demasiado ordinaria” para utilizarla en la ropa exterior, además de que era difícil de manejar; sin embargo, la guerra había causado un recorte en muchas telas y muchas mujeres estaban trabajando como enfermeras, en el servicio civil o en fábricas, labores que implicaban esfuerzo físico. Además, este tipo de prendas facilitaban sus traslados en tren, autobús o bicicleta y les permitían vestirse sin ayuda de ningún sirviente. El little black dress (LBD o pequeño vestido negro) de Chanel, es una prenda que ha sobrevivido a todo tipo de modas pasajeras desde su nacimiento en 1926. Durante casi noventa años ha sido un must en todos los guardarropas, es sinónimo de elegancia y, sobre todo, tiene el poder de rescatarnos de cualquier emergencia. ¿Cómo nació uno de los mejores aliados de la mujer? Aunque en los años veinte del siglo pasado el negro era considerado un color exclusivo para el luto o la servidumbre, por ser fácil de lavar y poco llamativo, Coco Chanel decidió ir al teatro con uno de sus últimos diseños: un vestido negro hasta la rodilla. Este acto fue un símbolo de rebeldía a las reglas de moda de la época, cuando lo aceptado para las mujeres era optar por tonos claros o muy coloridos. Fue tal el impacto que en 1926 apareció una ilustración de su LBD en Vogue America nombrando al vestido como “el Ford de Chanel”, porque el modelo Ford T era el coche más accesible para todas las clases, igual que ese sencillo pero elegante vestido. LA BOLSA CHANEL 2.55 Para liberar a las mujeres del bolso de mano, Chanel creó una bolsa que se colgaba al hombro, bautizada como “2.55” (creada en febrero de 1955). Cada elemento de la versión original tenía un significado profundo para ella: ya sea de jersey o cuero, el diseño capitonado al exterior aludía a las chamarras que utilizan los jockeys; la cadena para colgarla, un recuerdo del internado, donde los vigilantes colgaban sus llaves en cadenas alrededor de la cintura; el revestimiento interior era color borgoña, el mismo que tenían los uniformes que usaba en su juventud. 20 Aunque Coco Chanel es la creadora, fue Audrey Hepburn quien lanzó esta prenda a la fama cuando apareció en Breakfast at Tiffany’s con un little black dress de Givenchy, elegante y sofisticado como pocos. Su imagen ha pasado a la historia, convirtiéndose en un ícono de estilo para el universo femenino. D E L U J O TheBox CLUB: sólo para hombres REDACCIÓN F&A MAGAZINE EL CONCEPTO Buscando facilitar la vida de los hombres de la Ciudad de México, un grupo de jóvenes inversionistas y visionarios creó The Box Club, un concepto que, como indica el nombre, funciona como un club exclusivo que ofrece asesoría de imagen personalizada con marcas nacionales e internacionales, a mismo precio que en el punto de venta, con la enorme ventaja de tocar a su puerta como una gran caja de regalos. Además de los miles de factores negativos que se combinan hoy en día para ir de compras (como el tráfico, el exceso de trabajo y la poca flexibilidad de horarios) hay que sumar dos muy importantes en el caso de la mayoría de los hombres: su poca disposición para caminar durante horas en plazas comerciales buscando la tienda indicada y su tendencia a autodenominarse con poco gusto o conocimiento de la moda y el estilo que les 21 favorece. Para todos ellos, The Box Club es la opción perfecta, tanto para recibir ropa o accesorios en la comodidad de su casa (u oficina) como para ser asesorados por alguno de sus personal stylists. Al ser un concepto exclusivo, muchos creen que estos servicios son sólo para personas con un nivel socioeconómico alto, sin embargo, The Box Club cuenta con una gran variedad de marcas y precios que logran ajustarse a todos los bolsillos, porque entienden que el vestir bien no va relacionado con la cantidad de ceros que alguien tenga en su cuenta bancaria. ¿CÓMO PERTENECER AL CLUB? Cuentan con un showroom en Polanco, donde también están sus oficinas, al que tenían que ir todos los clientes en un principio para que la personal stylist hiciera su perfil y entendieran el concepto, sin embargo, como siguiente paso implementaron un sistema web para facilitar aún mas el proceso. El día de hoy pertenecer al club es muy fácil: entra a su sitio web, da clic en Join the Club y sigue los pasos. Te harán preguntas sobre tu forma de vestir para ir trabajar y fin de semana, los estilos de cortes de camisas y pantalón que prefieres, la marca que usas continuamente o que más te gusta y tus tallas. Después de llenar una breve base de datos, inmediatamente te llega un correo con una segunda entrevista y durante las siguientes 24 horas te contactan. Si lo decides, al día siguiente tendrás en el domicilio que asignaste tu primer caja con la ropa, complementos y accesorios que la personal stylist eligió para ti. Como cereza del pastel, The Box Club creó recientemente su propio blog, donde puedes conocer las últimas tendencias, tips sobre combinaciones, reglas de estilo y toda la información que necesites para estar a la moda sin ningún esfuerzo y, sobre todo, sin arriesgarte a comprar en línea a ciegas, una tendencia cada vez más frecuente pero muchas veces decepcionante al no tener un equipo detrás, un club del que puedas formar parte. Showroom: Luis G Urbina #4- 203 www.theboxclub.mx 22 23 THE BIG’S EL NUEVO CONCEPTO DE GRUPO FISHER’S REDACCIÓN F&A MAGAZINE Q UIEN SE HAYA DADO UNA VUELTA EN ESTOS DÍAS POR LO QUE ERA BIG RED, O INCLUSO QUIEN HAYA PASADO POR AHÍ, SEGURAMENTE SE HA DADO CUENTA DE QUE EL LEGENDARIO “BAR ROJO” HA CAMBIADO. ALGUNOS PUEDEN PENSAR QUE CERRÓ, OTROS QUE ESTUVO EN REMODELACIÓN, PERO LA VERDAD ES QUE ESTE CAMBIO ES PARTE DE UNO MAYOR QUE ABARCARÁ A TODOS LOS BIG’S. PARA ENTERARNOS DE LO QUE NOS ESPERA HABLAMOS CON FELIPE MECALCO CABRERA, GERENTE DE THE BIG’S Y ÓSCAR SOSA GERENTE GENERAL, QUIENES NOS COMPARTIERON TODO LO QUE SIEMPRE QUISIMOS SABER SOBRE ESTOS BARES DE GRUPO FISHER’S Y LOS CAMBIOS QUE SE AVECINAN. Grupo Fisher’s está conformado por Fisher’s, Decräb, Simon’s, Don Capitán y los Big’s Bar, además del Fisher’s Truck y servicios como el de catering, y cada uno tiene un mercado distinto. ¿En qué se diferencian los Big’s Bar de los otros restaurantes del grupo? La diferencia principal es obviamente el tipo de cocina, además de que el horario a partir de mitad de semana es hasta las 2 am, lo cual, aunado a la música con mayor volumen y el ambiente que se crea, lo hace ideal para ir a tomar una copa o al “precopeo”, es decir, un restaurante que por la noche se convierte en bar. ¿Cómo nació el concepto de Big’s Bar? El concepto nace de fusionar 5 cocinas para darle al cliente varias opciones, hacer una especie de “food court” en un solo establecimiento, más el plus del bar. 24 El concepto de una “onza bar” se creó para poder darle al cliente un precio justo. Es un concepto en el cual las bebidas se cobran por onza y el mezclador se cobra aparte, y así ya tú sabrás cuántas pides y cuánto te quieres gastar. ¿A qué se debió que estuvieran divididos por colores? (Big Red, Big Blue, Big Orange, Big Yellow y Big Silver) No se decidió por zona sino por feeling. El primero fue Big Red porque cuando nos enseñaron las barras vimos que podían ser de colores y la primera que vimos fue la roja ¡y nos encantó! La misma barra que es de alcohol y alimentos es la que tiene colores diferentes, entonces es de ahí de donde salió el nombre y cada zona adoptó un color determinado. Por ello, en cada establecimiento se encuentra la barra del color del nombre del bar. D Por ejemplo, Big Yellow para Santa Fe, Big Orange en Interlomas, Big Silver en Palmas. Los colores fueron justos para las zonas en donde se pusieron: Palmas, que es una zona más sobria, tiene un color elegante como el plata; los universitarios que representan alegría y buen ambiente, un color amarillo o naranja. Tenemos patentados varios colores para seguir creciendo, aunque este nuevo concepto, The Big’s, ya no se divide por colores. DE BIG’S BAR A THE BIG’S ¿A qué responde el cambio reciente de Big’s Bar, que ahora abarca todos estos bares en un solo concepto: The Big’s? Big Red se inauguró el 27 de julio de 2004, cuando ya íbamos a cumplir 12 años con la marca. La misma gente lo pedía, entonces nos aventuramos a hacer un cambio radical, desde el concepto de cocina y el de bar. Cambiamos nuestro concepto de onza al mismo concepto de Fisher’s, que es el del “bar a la vista”, es decir, servir hasta donde el cliente diga. Se trata de hacer algo más moderno, una cocina más urbana, además de que con el tiempo nuestros clientes comenzaron a identificarnos en su mayoría como bar por las noches, por lo que necesitábamos reforzar que principalmente somos una cadena de restaurantes. Danos un adelanto, ¿van a haber cambios en los otros Big’s también? Va a haber un cambio, eso es seguro. Podemos darles la primicia de que la carta de alimentos sí se va a cambiar en todos, va a ser paulatino, pero global. No sabemos todavía qué tanto vamos a cambiar lo demás, si vamos a cambiar mobiliario, si vamos a cambiar la imagen como la que pueden ver en The Big´s Masaryk o si vamos a cambiar en todos la forma de servir las bebidas porque hay cosas que ya están muy arraigadas. Dos de los Big’s que tenemos están cerca de universidades, entonces nuestro público son los estudiantes que pueden tener la percepción de que es más caro, y no, va a costar exactamente lo mismo una onza que el nuevo concepto de “bar a la vista”, pero es difícil que el público se acostumbre y se dé cuenta de que no le va a costar más. Cada uno de los Big’s Bar tiene un tipo de público distinto, ¿hay una estrategia particular para el cambio en cada uno de ellos? Claro, el cambio tendrá que ver con eso, quizá no todos van a ser la réplica exacta de The Big´s Masaryk sino que van a conservar el toque que adquirieron conforme fueron naciendo. Pero buscamos que cuando llegues a cualquiera de nuestros restaurantes The Big’s ya sepas qué quieres comer, qué quieres tomar y te sientas como en casa. Aun así, va a haber un cambio definitivo como es el nombre, ya no habrá Big Yellow Bar, Big E L U J O Orange Bar, ahora todos se van a llamar The Big’s y sólo quedará la referencia de los colores en la parte inferior del logo, porque eso el público no nos lo perdona. THE LITTLE BIG KITCHEN Sabemos que como parte de este cambio, la carta está elaborada en torno al concepto de “slow food”, ¿en qué consiste? Se trata de una tendencia a nivel mundial en la que la preparación de los alimentos es muy meticulosa, ya que requiere de más tiempo para cuestiones como los marinados o los salseados. Esto no quiere decir que nos vamos a tardar más tiempo en prepararlos sino que requieren de una preparación previa, pero a la hora de cocinarlos se toman el tiempo normal, de 10 a 12 minutos. Pero sí es una cocina diferente, se podría decir que no hay nada preparado que únicamente se caliente cuando lo pidan, como es el caso de un “fast food”, aquí los platillos son en su mayoría preparados al momento. También hay ingredientes nuevos, mezclas de diferentes ingredientes y productos orgánicos, es una cocina más saludable con platillos que se adaptaron de Fisher’s y de otro restaurante nuestro, Don Capitán, a la marca The Big’s, entonces es una fusión de las cocinas de nuestros diferentes restaurantes. En The Big’s se busca crear un ambiente de convivencia del cual los alimentos son una parte fundamental, ¿es por esto que hay varios platillos para compartir? Exactamente. No queremos ser el típico restaurante formal sino crear una nueva tendencia de pedir al centro, compartir, probar de todo y complementar con el trago del “bar a la vista”. La coctelería también tiene nuevas propuestas hechas por un mixólogo del grupo, es una coctelería fina y de gran calidad. 25 Mencionabas que el concepto anterior de Big’s Bar se basaba en la posibilidad de probar cinco cocinas diferentes, ¿de qué manera se mantiene esa variedad en el nuevo menú? En Big Red existían 5 tipos de cocina a la manera de un “fast food”: Menorca, que era nuestra cocina más elaborada; Bagans, que es una marca que se creó hace tiempo en el grupo que son Baguettes con pan francés; City soups, que son sopas y entradas; Fast Fisher’s, que son algunos platillos que se tomaron de Fisher’s de rápida elaboración, y los Rollers, que son los sushis. Ahora ya no van a existir esas 5 marcas, en este cambio radical se fusionó todo en una gran cocina como lo es “The Little Big Kitchen”. Se llama así porque es una pequeña cocina en cuanto a espacio, pero es una gran cocina porque abarcamos los tipos de comida que se manejaban antes en los Big’s más platillos nuevos bajo el concepto de “slow food”. ¿Se podría decir que la cocina de Grupo Fisher’s cambió de alguna manera la forma de comer pescados y mariscos en México? Definitivamente, Fisher’s fue un parteaguas en la forma de comer pescados y mariscos, y después de 27 años sigue siendo líder y sigue creando nuevos platillos y tendencias, tanto en la comida como en la bebida. BRINDANDO A LA MODA ¿A qué se debe el cambio de venta de alcohol por onza, que es uno de los sellos más particulares de los Big’s Bar, y cuál sería la diferencia en el costo de las bebidas? En el precio no va a repercutir nada, parecería que es más caro que se sirva bebida a la vista, como en Fisher’s, pero en realidad no es así, simplemente cambia el hecho de que servimos mayor cantidad, que incluso puede ser mucho más que en una bebida normal, pues cada quién decide cuánto. El plus es que el mezclador lo cobramos aparte y no lo integramos en el precio de la bebida, por lo que hay un beneficio en los tragos 26 que se toman en las rocas o en otros tragos para los que un solo mezclador te puede alcanzar para dos o tres. Las onzas fueron un “boom”, aunque tienen otras limitaciones, pero la verdad es que nuestros clientes extrañan mucho el servicio de bar por onzas, y finalmente el cliente es quien pide y sabemos escucharlo… Así que probablemente pronto vean las onzas de regreso en The Big’s, estamos trabajando en hacer una fusión entre las onzas y el Bar a la Vista. En cuanto a la coctelería, se han distinguido por poner de moda bebidas como el famoso “jaggifish”, ¿cuál es el proceso de creación de nuevos cocteles? Básicamente se crean según la preferencia por las bebidas que van poniéndose de moda, que se trabajan en conjunto con la marca, según el tipo de alcohol. Por ejemplo, actualmente creamos bebidas con ginebra o mezcal, que es el tipo de alcohol que se está consumiendo más. Y, por supuesto, el hecho de que seamos líderes es la pauta que ayuda a generar tendencia entre nuestros clientes. UN GRAN BAR ¿Qué tipo de bar es The Big’s? ¿Con qué se va a encontrar la gente? Quisimos hacer un bar donde puedas venir a comer o a cenar en un buen ambiente, por ejemplo, en cuestión de música tenemos un DJ en vivo, entonces se trata de crear un espacio donde puedas platicar y además disfrutar de un ambiente prendido. ¿Cómo se eligió la decoración y qué valor agregado tiene para sus clientes? Está inspirada en lo “vintage”, que se ha puesto tan de moda, claro que con toques modernos y elegantes. Fue creada para lograr un ambiente cálido y confortable de día o de noche, y va acorde a nuestro público, tanto para una pareja como para compañeros de trabajo, un plan familiar o un grupo de chavos. D E L U J O YU PARTY CONSTRUYENDO EL PRESENTE DE LA ARQUITECTURA Y EL DISEÑO POR: FELIPE CASAS L a sustentabilidad ya es un tema que va mucho más allá de una tendencia o moda, considerada para muchos urbanistas como un principio básico. Por ello, YU, un programa creado por Grupo Ypasa en busca de apoyar a estudiantes de dichos ramos, convocó a más de mil estudiantes de 10 universidades a un concurso para exponer sus propuestas y desarrollar un espacio funcional y sustentable. Los trabajos finalistas fueron exhibidos en un evento de primer nivel la noche del pasado 15 de abril en el colegio de Arquitectos de la Ciudad de México, en donde se concentraron cientos de jóvenes, maestros y personalidades de diversos sectores como la arquitectura, la ingeniería, la construcción y el diseño. durante las primeras horas hasta la premiación, misma en la que resultaron ganadores los alumnos de la Universidad Westhill con el primer lugar, la Universidad Motolinía del Pedregal, en el segundo, y la Universidad Anáhuac del Sur, con el tercero, obteniendo diversos premios otorgados por los patrocinadores de la noche. El jurado estuvo integrado por el arquitecto Gerardo García del Valle, la diseñadora Elena Talavera y la socia fundadora de F&A México, Astarté Sosa. La noche continuó con Cox y Jenny Blanquet (de La Voz México) y finalizó con música hasta altas horas de la noche, en la que jóvenes y celebridades crearon de ésta primer YU Party toda una experiencia que es sólo el cimiento del futuro de la arquitectura, el diseño y la construcción en México. Mauricio Pérez Carcaño fue el anfitrión de la noche, quien animó 27 28 D E V I V A V O Z RAÚL NAVARRO UN “PINTADOR” A SECAS POR: ARTURO SÁNCHEZ MEYER D esde que tuvimos la oportunidad de acompañar a Raúl Navarro en su exposición “Pintura Pintura”, hace unos meses en la Fundación Sebastián, supimos que detrás de esos grandes cuadros había una historia que teníamos que contar. Aunque el arte no necesita testimonios, y con la muestra nunca existió “intención de explicar, de enseñar o de expresar alguna idea, ni mucho menos un concepto”, la postura del autor nos deja ver algo que quizá sea igual de importante que la experiencia ante la obra: su forma de enfrentarse al arte… y a la vida. “COMÍA CUANDO HABÍA Y PINTABA CUANDO PODÍA” Alguna vez un bolero me preguntó si yo era pintador a secas, y sí, eso es lo que soy. Yo monto mis telas, yo las restiro, sí tengo un ayudante, pero la diferencia que tengo con otros pintores es que hay quienes hacemos todas nuestras cosas y hay quienes tienen una industria. Yo tengo amigos que tienen tirados sus lienzos por ahí y están sus ayudantes preparándoselos, ese no es mi estilo. En 1978 me decidí cien por ciento a pintar y desde entones no hago otra cosa más que vivir de la pintura. Antes trabajaba y pintaba, pero en ese mismo año (1978), unas personas para las que yo trabajaba murieron en un accidente aéreo y ahí fue cuando tomé la decisión de dedicarme de lleno al arte. En ese entonces yo tenía 35 años, estaba casado, pero después de tomar la determinación de ocuparme exclusivamente de la pintura me divorcié, obviamente. 29 Así que comía cuando había y pintaba cuando podía, nunca quise hacer otra cosa, ni siquiera dar clases para ayudarme, prefería cambiar mis cuadros por tortas; tengo amigos que tienen muchísima obra mía en sus restaurantes porque yo se las cambié por comida. Es cierto que es muy difícil para un pintor mantenerse sólo de sus cuadros, pero es más difícil para otros artistas, un poeta, por ejemplo, ¿qué puede dar a cambio para comer? En mi caso yo sí podía, aunque dijeran: “esas son unas porquerías, pero ya me dio algo”. Es como la artesanía, por más mala que sea comen porque tienen algo que vender. Así que la de pintor sí es una carrera muy cruda, pero no tanto como dicen. Claro que hay que trabajar, a las cinco de la mañana yo ya estoy pintando y no es ningún heroísmo, los que dan las noticias ya están en la tele, así que ellos también se levantan temprano. Entonces, desde esa hora empiezo a pintar y tengo muchísima obra porque nunca he quitado el dedo del renglón. Yo me lo tomé en serio, así de fácil. “NO TENGO PELOS EN LA LENGUA PORQUE TENGO MUCHOS PINCELES Y CON ESO HABLO” Los pintores que no tuvimos la suerte de estudiar artes visuales o plásticas en La Esmeralda o en San Carlos, los que somos autoformados, autodidactas o como quieras llamarnos, no teníamos lugar. Los que estudian en las escuelas que mencioné ya tienen los espacios, pero yo no tuve eso. Me hubiera gustado haber estudiado, pero solamente por eso, para tener más relaciones. Parte de lo que te digo de los contactos ha hecho que la calidad de las artes en México sea muy baja. Aunque hay grandes pintores, los buenos están ocultos y los “maletas” son los que están en las vitrinas. A veces son diez hermanos y resulta que todos pintan, y que todos son buenos. Yo tengo amigos y conozco muchachos muy talentosos, pero completamente olvidados, no hay manera de ayudarlos. El “arte ojete” domina los museos. Por eso soy pintador a secas, esa es la definición, porque aunque he hecho algunas exposiciones con el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), la mayoría las he buscado por mi cuenta, no soy como esos artistas que toda su vida han vivido del presupuesto. Lo mismo pasa con algunos críticos, hay unos que duraban seis sexenios, como Raquel Tibol. ¡Era una dictadura peor a la de 30 “YO ME LO TOMÉ EN SERIO, ASÍ DE FÁCIL” Porfirio Díaz! Sólo se hacía lo que ella decía, o Teresa del Conde, y entre más alcohólicas más les creían. Bueno, así lo pienso, no tengo pelos en la lengua porque tengo muchos pinceles y con eso hablo, con la boca digo muchas idioteces, pero me encanta porque es la única manera de poder expresar la sensación de lo que es ser pintor en esta época. “ESTOY HACIENDO LO QUE SIEMPRE SOÑÉ HACER” Yo no ando en la búsqueda del arca perdida. El asunto de la inspiración es un poco un cuento porque los pintores que ya nos hemos dedicado por mucho tiempo a este oficio, más que pensar en la inspiración, nos damos cuenta de que lo que nos ha sacado adelante ha sido el resultado nuestro trabajo. Claro que si yo no tuviera un poco de aptitud, por no hablar de talento, pues realmente sería muy difícil hacer lo que hago, aunque también es cierto que hay mucha gente que no tiene aptitud, que no tiene talento y que está en el mercado, y también muchos artistas con grandes capacidades que se encuentran en la sombra. Así que con tener inspiración ya se logra lo bueno. Yo creo que lo importante son los resultados, que tienen que ver con mucho trabajo, muchas ganas, mucha dedicación. A nadie se le puede exigir inspiración si no está en sintonía con la vida. Yo estoy inspirado todo el tiempo. Es cierto que como decía el Doctor Atl, el asunto de los pintores es como el béisbol, los home runs son muy escasos, hay mucha “abanicada”, muchas “bases por bolas”, etcétera. Esa analogía me gusta mucho porque es cierta, estás pinte y pinte y de repente “¡pum!”, pero para que eso pase hay que estar en la caja de bateo. Te puedo decir que realmente yo sí hago lo que me da la gana y para ser un artista tienes que ser así, porque si estás acotado a tener el coche muy bonito, muy bien lavado, último modelo, debiéndolo toda la vida y además sufriendo porque ya le dieron un rayón, pues qué clase de vida es esa. Digo, no es que esté mal, pero si decides hacer eso no puedes ser un artista. Creo que es necesario hacer lo que te pida el cuerpo, y para lograr eso hay que sacrificar cosas, unas por otras. Ahorita estoy haciendo lo que siempre soñé hacer y llevando la vida que siempre deseé tener, a lo demás no le pongo mucha atención, no tengo ni coche porque me choca manejar, aunque hay a quien no le gusta manejar y de todos modos lo hace, a fuerza. Además yo tengo la mecha tan corta que ya en la esquina estoy a punto de matar a un güey. Ahora me siento hasta mejor con eso porque últimamente todo el mundo anda con que “ya no circulo hoy”, yo circulo siempre. Sitio oficial del pintor: http://raulnavarropintor.blogspot.mx 31 E S C A P A R A T E S U R B A N O S CANTO TABERNARIO: UN CULTO Q POR: RODRIGO BAZÁN uien piense la Edad Media como un largo periodo obscuro y terrible en el que nada pasó acertará... un poco: porque es uno de los dos milenios que cuenta la era cristiana, resulta largo, en efecto, pero de obscuro tuvo poco y pese a los millones de muertos causados por sus guerras y pestes, no resulta en realidad más terrible que la Segunda Guerra, las del Golfo, Bosnia y Centroamérica en los 80, la de Irak, nuestra “Revolución”, la...[agregue cual crea conveniente]; pero tiene, en cambio, el encanto de una cultura donde solemindad e irreverencia convivieron con mucha mayor soltura de la que hoy muestran. Los Carmina Burana son poemas de los siglos XI al XIII con que los goliardos ‒estudiantes-viajeros (es decir, vagabundos) cuya vida espiritual se vinculó más a líquidos espirituosos que al Espíritu Santo‒ cantaron el gozo y la vida: illi mens est misera, qui nec vivit, nec lascivit sub Estatis dextera [...] qui conantur, ut utantur premio Cupidinis: simus jussu Cypridis gloriantes et letantes pares esse Paridis quien bajo el reinado de la vida no disfrute ni la goce es alma miserable [...] a quienes luchamos por los premios de Cupido: permítasenos, por orden de Venus, regocijarnos como Paris Y así como ejemplifican la convivencia de misterio y risa, pues allá y entonces ir a la Universidad implicaba hacer vida monástica, señalan cómo el mismo poema puede ser canción de borrachos en el siglo XII, documento histórico en 1803, letra de una cantanta operísitica de Carl Orff desde 1936, soundtrack de una película (porque “O Fortuna” acompaña a Arturo en las batallas de Excálibur, glorioso film que este año cumple 35) o material para un coro de primaria si uno tuvo la suerte de ir a una escuela (radio)activa al sur de la Ciudad de México como Alondra de la Parra, aunque el pasado octubre cancelara su participación en las funciones del Auditorio Nacional (lástima). La poesía, pues, nace en la calle y a ella vuelve... incluso cuando pasea mil años por corredores universitarios, tabernas, salas de concierto, foros de filmación y parvularios que, en el fondo, no son tan distintos entre sí. notaalpie.org/author/rodrigo/ 33 MIRADAS DEL MUNDO REDACCIÓN F&A MAGAZINE El arte, como expresión única de la naturaleza humana, es el mejor testimonio de un momento histórico. Técnicas, corrientes y materiales se mezclan en cada obra dejándonos ver la transformación no sólo del artista, sino de la sociedad completa. En este tránsito entre el ayer y el hoy, la exposición “Miradas del Mundo”, de Bego Goyeneche, nos hace ver el punto en que la ciencia y el arte, que de golpe pueden parecer polos opuestos, se unen para mostrarnos su mayor (y mejor) semejanza: recordarnos la conexión que, sin importar la raza, la época o la ideología, existe entre todos y cada uno de nosotros. fui encontrando más fotos que me decían algo y empecé a buscar información de los autores. Encontraba sus páginas, sus contactos o les escribía por Facebook. “NO HACE FALTA MÁS QUE UNA MIRADA PARA IDENTIFICARNOS CON ALGUIEN QUE NO HABÍAMOS VISTO NUNCA” Fue una gran sorpresa que casi todos me contestaran, algunos tardaban más y otros al día siguiente me respondían animándome a usarlas y pidiéndome que les mandara los resultados. Me sentí cada vez más conectada, tanto con ellos por sus respuestas como con los modelos al irlos pintando. De ahí surgió todo el concepto de lo que después se transformó en exposición: que todos estamos conectados de alguna forma. MÉXICO EL INICIO DE UNA REVELACIÓN La colección empezó realmente como un ejercicio y un reto personal de aprender a pintar rostros. La primera fotografía me la dio mi profesora, la sacó de una revista que tenía en el salón: era la foto de una niña viendo a la cámara en un reportaje de los niños refugiados en Tailandia. Mientras más la pintaba, más me sentía conectada de alguna forma con ella. Poco a poco me surgió la idea de empezar a buscar fotos donde la gente te estuviera viendo directo a los ojos, y por medio de Instagram y Facebook fui encontrando cada vez más. La tercera foto que encontré fue de un niño de mi universidad que una amiga conocía. Me enamoré de la foto y le pedí permiso para usarla. Al ver su reacción positiva me llené de curiosidad por saber cómo reaccionarían otros fotógrafos. Poco a poco 34 AFGANISTÁN A Y E R Y H O Y EL PODER DEL ARTE Durante dos años y medio me dediqué a seguir pintando retratos, a seguir buscando fotos nuevas y contactando a los fotógrafos. Pintaba en promedio de dos a tres horas a la semana y cada vez que había algún adelanto le tomaba una foto al cuadro. Después, por pura curiosidad, fui armando videos del proceso y pude ver cómo avanzaba. Para mi sorpresa, estos videos llamaban mucho la atención de la gente y me di cuenta de que el saber la historia del cuadro, hace que la gente se conecte más con él. Todo esto me ayudó al momento de armar la colección, pude apoyarme en las partes visuales (como los videos) para dar un valor añadido a las pinturas. SIBERIA que muchas veces no sabíamos que existía y nos ayuda a conectarnos con personas de otras épocas o de otros lugares, unificando nuestras voces y traduciéndolas a un lenguaje universal. En este caso, todo el concepto de la exposición se dio por sí solo, ya que en cada paso me di cuenta de lo unidos que estamos todos como seres humanos, hoy con mucha más fuerza gracias a la tecnología, y de cómo no hace falta más que una mirada para identificarnos con alguien que no habíamos visto nunca. TAMIL NADU Fue una experiencia que me marcó, me enseñó y sigue enseñándome mucho. Lo que empezó como un simple ejercicio para aprender a pintar se convirtió en la exposición que siempre había soñado lograr, y el ir involucrando a más personas que incluso no conozco en persona me hizo sentir como parte de algo mucho más grande y me confirmó el poder que existe en el arte. Creo que el arte siempre ha estado presente en la vida de los seres humanos porque logra transmitir lo que llevamos dentro, Este ha sido el propósito de “Miradas del Mundo” que espero que haya marcado a la gente tanto como me marcó y enseñó a mí, porque al final del día, con una mirada, igual que como sucede con el arte, podemos transmitir mucho más que con las palabras. [email protected] Instagram: @bego_go www.begogoyeneche.com 35 ALGO MÁS SOBRE RUFINO REDACCIÓN F&A MAGAZINE Sin duda uno de los artistas mexicanos más influyentes del siglo XX fue el oaxaqueño Rufino Tamayo. A diferencia de otros célebres muralistas como Diego Rivera o David Alfaro Siqueiros, Tamayo no sólo destacó en el área del muralismo, en realidad, pese a lo que muchos piensan, fue ante todo un pintor de caballete fascinado por la naturaleza muerta. Sin duda, todos conocemos algunas de las obras populares de Tamayo, como las famosas “sandías”, pero hay mucho más que saber sobre este gran pintor que entregó su vida al arte, con una humildad poco común entre los artistas de su talla. Es por eso que decidimos, a manera de homenaje, recopilar algunos datos que tal vez no sabías sobre Rufino Tamayo. Su nombre completo era Rufino del Carmen Arellanes Tamayo. En 1917 se inscribió en la Academia de San Carlos, alternando sus estudios con la atención de un negocio de frutas en el mercado de la Merced. Cuatro años más tarde fue designado jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología. Fue en ese tiempo cuando alquiló su primer estudio en la calle de La Soledad, donde pintó varias de sus obras más famosas. En 1926 presentó su primera exposición de pintura. Ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde expuso sus obras en el Art Center. Regresó a México en 1929. Fue profesor en la Escuela de Bellas Artes y estuvo al frente del Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación Pública. 36 Desde finales de los años sesenta, el autor del famoso mural “El día y la noche” comenzó a formar una colección de arte contemporáneo internacional. Estos esfuerzos culminaron el 29 de mayo de 1981 con la creación del Museo Tamayo, en la Ciudad de México. L O Q U E N O S A B Í A S TAMAYO En 1974 se inauguró, en la ciudad de Oaxaca, el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, con 1300 piezas coleccionadas y donadas por el artista. Ocho años más tarde, el pintor oaxaqueño y su esposa crearon la fundación que lleva sus nombres: Fundación Olga y Rufino Tamayo, con el fin de apoyar el funcionamiento del museo. Rufino Tamayo fue un artista que se encontraba en constante búsqueda de nuevas técnicas. Junto con Lea Remba creó un nuevo tipo de técnica gráfica, conocida como mixografía: impresión sobre papel a la que se le añade profundidad y textura. Una de las mixografías más famosas de Tamayo es: “Dos Personajes Atacados por Perros”. Sus pinturas y mixografías han sido expuestas en San Francisco, Nueva York y Chicago. En la Ciudad de México, el Museo de Arte Moderno, en el Bosque de Chapultepec, tiene la colección más importante de la obra del pintor oaxaqueño. Muchas veces se ha criticado la postura políticoideológica de Tamayo, sin embargo, decenas de documentos resguardados en importantes archivos de México, Estados Unidos y Europa lo muestran como a un artista identificado con el socialismo, pero respetuoso de las particularidades del individuo. Tamayo nunca siguió la tendencia de otros pintores mexicanos, contemporáneos suyos, cuya obra se identificaba con diversas corrientes políticas. Varias instituciones de enseñanza superior lo han honrado con el título de doctor Honoris Causa: la Universidad de Manila, en 1974; la Universidad Nacional Autónoma de México, en 1979, y la Universidad de San Francisco, en 1982. Entre otras muchas distinciones, Rufino Tamayo obtuvo el Premio Nacional de Artes; la orden de la Legión de Honor de la República Francesa y el grado de Comendador, otorgado por la República Italiana. 37 La Grappa DESTILADO ITALIANO POR EXCELENCIA POR: MARCO VALENTINI SUS ORÍGENES La Grappa se concibió como tal alrededor del año 1000 en la Escuela Salernitana (Salerno, Ciudad de Campania, Italia) donde se definieron las reglas de su concentración alcohólica a través de la destilación. En un inicio, el destilado se destinó para prescripción médica, con resultados que le garantizaron un éxito sin precedentes. A través de los siglos, la Grappa ha recorrido todos los escalones sociales, desde la cantimplora de los militares hasta los restaurantes y enotecas más prestigiadas del mundo. 38 A pesar de que personajes históricos como Boccaccio o Dante la despreciaban por no ser una bebida noble y de que los actores de ópera lírica en el año 800 se negaban a nombrarla por miedo a la burla del público, hoy en día la Grappa se ha ganado un merecido lugar en el gusto de la alta sociedad. Pero no fue sino hasta 1997, el 12 de septiembre, que se reguló la producción de la Grappa y otros destilados en Italia. Su denominación se debe a aquellos requisitos que, como tal, tiene que presentar: materia prima obtenida de uvas producidas, vinificadas y destilada en Italia. E N L A M I R A EL PROCESO DE TRANSFORMACIÓN La destilación, proceso fundamental para la obtención de la Grappa, se hace por medio de un aparato llamado alambique, ya sea de sistema continuo o descontinuo. A través de este sistema se trabaja exclusivamente con la piel de la uva (vinacce), fermentada y semifermentada. A lo largo de este proceso surge una transformación que va de lo sólido al vapor, para terminar en un líquido con una graduación alcohólica que puede llegar hasta los 86º. Los pasos siguientes son la refrigeración, filtración, añejamiento en barrica de madera, la reducción del grado de alcohol y, finalmente, el embotellamiento. Marco Valentini, embajador de la Grappa en México. RECOMENDACIÓN DEL EMBAJADOR DE LA GRAPPA EN MÉXICO: MARIDAJE La Grappa puede usarse en combinación con otras bebidas, por ejemplo para añadirse a una taza de café, dando vida al famoso “café correcto”; para usarse como base en distintas mezclas de coctelería y hasta para elaboración de algunos platillos. Pero si lo que se quiere es disfrutarla pura, también es ideal como digestivo. Se puede combinar perfectamente con pasteles a base de fruta, vainilla o chocolate, dependiendo de su tipo de añejamiento, y una de las mejores experiencias es acompañarla con el sabor de un buen chocolate. Si se quiere probar la mejor versión de este destilado recomiendo la Grappa de mi amigo Poli la BARRIQUE, de uva cabernet Sauvignon, merlot y variedades tintas de la zona de Vicenza. Con 13 años de crianza en barrica, se presenta con un color ámbar y aromas complejos con recuerdos de madera tostada, vainilla, cacao y café. En la boca es elegante, potente y armónica. ¡Buona Grappa! “LA GRAPPA TIENE COMO MÍNIMO UNA GRADUACIÓN ALCOHÓLICA DE 37.5 VOL. ALC.” 39 GUNS N’ ROSES EN DIEZ CANCIONES POR: JORGE LANDEROS 40 E N L A M I R A Al Suick S. P ara muchos, en su mayoría adolescentes (bastantes chicas incluidas), a principios de los noventa oír sus canciones y ver sus videos significó una revolución sonora y visual. Las espontáneas carreras a lo largo del escenario y la voz estrujante de Axl Rose, los guitarrazos precisos y salvajes de Slash, el ingenio rítmico y poderoso de Izzy Stradlin, el compás exacto de Duff McKaggan y los golpes atronadores de Steven Adler, además de sus atuendos de vagabundos metaleros, son estampa imborrable de la escena del rock mundial. Hablamos de un panorama en el que bandas como Aerosmith, Metallica, AC/DC o Mötley Crüe, por mencionar sólo un puñado de agrupaciones que definieron la idea del rock puro y duro, se volvieron nombres familiares asociados a la rebeldía de fin de siglo. A pesar de haber conseguido el mayor de los éxitos en la industria prácticamente de la noche a la mañana (lo cual no significa que no sin mucho esfuerzo), GN’R tuvo muchos tropiezos y descalabros relacionados con pleitos internos y excesos de todo tipo que hoy mismo dejan notar sus consecuencias: el daño vocal, aunado al deterioro físico de Axl Rose y la ausencia de Izzy y Steven Adler, son ejemplos obvios de su situación a treinta años de su fundación. El viernes primero de abril (april fool’s day, similar al día de los inocentes en Latinoamérica) de este año, las cuentas de redes sociales de la banda anunciaron el concierto más esperado en mucho tiempo, esa misma noche, en el mismo club que los vio nacer a mediados de los años ochenta: The Troubador. Sí, ya se sabía de algunas presentaciones en Las Vegas, California y México, pero aquello se trataba de un concierto sorpresa en el que los miembros fundadores: Axl Rose, Slash y Duff McKagan, se volvían a reunir en un escenario desde hacía más de dos décadas. ¿Era una broma? No lo era. Era la noticia más fabulosa para las doscientas cincuenta personas que alcanzaron entrada y para los que están esperando verlos en las ciudades ya mencionadas. Axl y compañía, juntos, de nuevo. Guns estaba de vuelta. 41 HE AQUÍ CANCIONES A PROPÓSITO DE SU REGRESO Y SU VISITA A NUESTRO PAÍS: 1. MERRIE MELODIES 6. ROCKET QUEEN El tema de introducción en esta gira es el original de las caricaturas de Looney Tunes, adaptada a su vez de la composición de Charlie Tobias, Murray Mencher y Eddie Cantor, Merrily we roll allong. No es una canción de GN’R, lo sabemos. Pero lo que vale la pena es lo que parecen decir: “Seguimos tan campantes”. Sobrevivencia que ríe en el desparpajo. Barbi von Grief soñó con tener una banda, llamada Rocketqueen. Lo que nos dejó fue algo distinto: saber que hay mujeres que no abandonan a los hombres perdidos. Y un tatuaje como última canción. 2. IT’S SO EASY Al menos hasta ahora no ha habido otra igual. El sonido angelino en estado puro. Una canción del álbum Appetite for destruction (si bien, ya había aparecido desde las grabaciones de la banda Hollywood Rose), compuesta por el bajista de Guns, Duff McKagan. La canción habla de lo fácil que resultó, una vez obtenido cierto reconocimiento en la escena musical angelina, la aparición constante de chicas acompañando a la banda. Cosa fácil. 7. SWEET CHILD O’ MINE 8. CIVIL WAR No sólo es una de las canciones de paz más emblemáticas en el rock, también significó la despedida de Steven Adler de la banda. Y el comienzo del fin. 3. CHINESE DEMOCRACY 9. PARADISE CITY Junto con Better y This I love, esta canción del disco homónimo tuvo desde su gestación una historia atropellada que causó que le tomara casi diez años ver la luz. Baste decir que el gobierno de la República Popular de China censuró el disco y que muchos de sus fans miraron con desconfianza esta nueva producción de Axl Rose y compañía (que no Guns N’ Roses tradicionales). Sin embargo, este disco atrajo a un nuevo joven público que recién comenzaba a deleitarse con la banda californiana. Cuando Axl, Slash, Izzy y Duff concretaron reunirse como Guns N’ Roses no hacían más que vagar, vender sustancias para sobrevivir y dormir en las calles, y aun así no dejar de componer canciones y ensayar con tenacidad. No firmaban ningún contrato cuando olfateaban los intereses mercantiles de los ejecutivos del rock, que no se esforzaban siquiera por entender la esencia de la banda. Se dice que el cazatalentos de la disquera Geffen, Tom Zutaut, al momento de contactar con la banda, habló el mismo idioma que ellos. En una palabra: los comprendió como si fuera un colega más. En ese momento fueron de la jungla a ese lugar paradisiaco llamado éxito, sin perder el alma. 4. WELCOME TO THE JUNGLE La canción puede significar cualquier andanza en un entorno hostil a los ojos de un adolescente, justo la edad en la que a Axl Rose se le ocurrió escribirla cuando viajaba haciendo autostop. No importa cuántas veces las toquen en bares con covers que no rozan la medianía, la guitarra de Slash siempre sonará fresca con esa irrupción desafiante al comienzo del disco. 5. LIVE AND LET DIE Se dice que los hijos de Paul McCartney le contaron a su padre que esa era la mejor canción de GN’R, y no creyeron que él fuera el compositor. 42 10: ¡SON GUNS N’ FUCKIN’ ROSES! Elija la que usted guste. Esa, seguro, es la mejor. Websites Social media Diseño Aplicaciones móviles Publicaciones digitales Diseño, planeación y desarrollo de proyectos digitales Diseño gráfico integral Coyoacán, México DF 6731 6355 y 56 www.ealcuadrado.com 43 “¡QUÉ CHULA ES PUEBLA!”, SE ESCUCHA DECIR SIEMPRE A ALGUIEN CUANDO SE HABLA, O SE CANTA, SOBRE EL ESTADO (“¡QUÉ CHULA ES PUEBLA, QUÉ LINDA, QUÉ LINDA, QUÉ CHULA ES PUEBLA!”) A TAL PUNTO SE HA PROPAGADO LA FRASE QUE CUALQUIER MEXICANO, Y OTROS TANTOS EXTRANJEROS, LA UBICAN COMO EL ADJETIVO QUE MEJOR PUEDE DEFINIR ESTA ZONA DEL PAÍS: PUEBLA LA CHULA, LA LINDA PUEBLA. PERO MÁS ALLÁ DE UNA FRASE POPULAR, PUEBLA SE HA GANADO LA ADMIRACIÓN DE HABITANTES Y TURISTAS CON UNA MEZCLA INFALIBLE: SUS TRADICIONES, SUS PAISAJES, SUS LEYENDAS, SU ARTE Y SU GASTRONOMÍA. PUEBLA AL TAÑIR DE LAS CAMPANAS REDACCIÓN F&A MAGAZINE 44 B R Ú P J U L A C U L T U R A L odríamos hacer una lista interminable de motivos por los que visitar Puebla es casi obligatorio, pero quizá una buena forma de resumirlos es describiendo uno de los festejos más importantes: el del aniversario de su fundación. a lo que compartimos como humanidad. Así, Puebla, la gran artista, ha conseguido una vez más resumir en 2016 segundos de campanadas, la grandeza de una historia de 485 años. A las festividades tradicionales se añadió, desde el 2006, un concierto protagonizado por uno de los símbolos más emblemáticos: las campanas. Así, desde el 475 Aniversario de la Fundación de Puebla, el “Angelis Custodiant” sacude el centro histórico cada cinco años. Veintisiete iglesias, la Catedral y el Palacio Municipal repican al unísono en una orquesta formada por 130 tañedores, entre sacristanes y estudiantes del Conservatorio de Música de Puebla. Talavera Celia. El mejor lugar para encontrar piezas artesanales de diseño original, que cuentan con certificado de denominación de origen y holograma de autenticidad, en un esfuerzo por engrandecer la tradición de la talavera poblana. 5 Oriente 608, Centro Histórico, Puebla, Pue. El título de este concierto, compuesto por el músico y director poblano Bely David Rocha, alude al lema del escudo de armas del municipio de Puebla: “Angelis suis Deus mandavit de te ut custodiant te in omnibus viis tuis” (“Dios mandó a sus ángeles para que te custodiasen en todos tus caminos”). Y tal parece que este abril los ángeles volvieron a hacer su aparición. La expectativa acumulada durante cinco años ha sido superada en cada uno de estos espectáculos, sumando a sus tradiciones una tal vez no tan antigua, pero sustentada en la creatividad de sus músicos y el eco de sus templos. Se dice que la grandeza de un artista se mide por la habilidad de transmitir una experiencia que aunque no haya sido vivida pueda provocar una emoción de la misma intensidad, apelando DÓNDE COMPRAR Quinta de la Luz. El lugar de tradición para llevar el platillo más famoso del Estado: el mole. Se sabe que es elaborado de manera artesanal, pero la receta sigue siendo su secreto. Av. 3 de mayo 8132-6, Col. Tres Cruces, Puebla, Pue. Tienda de artesanías del Salón de Protocolos. Este espacio en el centro de la ciudad continúa siendo un lugar emblemático, con piezas de arte exclusivas y albergadas por el inmueble histórico, sede del Banco Oriental de México. Av, Juan De Palafox y Mendoza 202, Centro Histórico, Puebla, Pue. DÓNDE COMER Mesón Sacristía de la Compañía. El patio central del restaurante, con una decoración de interiores que evoca el México del siglo XIX, crea el ambiente perfecto para una comida poblana tradicional. Y si los huauzontles o los cho pandongos no fueran suficientes, el mesón ofrece talleres de cocina poblana acompañados de 45 recorridos por la cuidad. 6 Sur 304, Callejón de los Sapos, Centro Histórico, Puebla, Pue. Royalty. Ubicado dentro del hotel del mismo nombre, este restaurante ofrece los platillos más tradicionales de la cocina poblana, además de contar con una vista panorámica de la ciudad, acompañada por el son de la marimba. Portal Hidalgo 8, Centro Histórico, Puebla, Pue. Pinche & Chef. Una propuesta original de cocina de autor, donde el chef Daniel López combina ingredientes de la región para crear desde platillos típicos como las chalupas poblanas, hasta los más especializados como el magret de pato con mole casero. Plaza Bosques de Zavaleta 313-A, local 18, Col. Santa Cruz Buenavista, Puebla, Pue. PARA RECORRER FUERA DE LA CIUDAD Atlixco Una ciudad famosa por sus flores, su arquitectura colonial y por gozar del mejor clima del mundo. Una de las festividades más importantes es la del Huey Atlixcáyotl, en la que cada región envía a una representante que demuestre verdadero conocimiento de sus tradiciones para ser elegida como Xochicíhautl (mujer flor), entre cantos, flores y danzas como la de los voladores de Huachinango. Además del recorrido obligado por el zócalo y el Convento de San Francisco, se puede visitar el Cerro de San Miguel y la ermita dedicada al arcángel, donde se cuenta que encerró al diablo dentro del pozo. A 25 km de la ciudad de Puebla 46 Zacatlán de las manzanas Un poblado que parece estar entre las nubes, rodeado de niebla y una ambiente de misterio. En este pueblo mágico hay que visitar el Valle de las Piedras Encimadas, compuesto de rocas colosales con formas que asemejan cualquier cosa que nuestra creatividad pueda imaginar; el ex convento franciscano, el más antiguo de todo el Estado, y la cascada Tulimán, al interior del parque ecológico donde se puede practicar una gran variedad de actividades al aire libre. A 123 km de la ciudad. Cholula En este pueblo mágico hay una iglesia diferente para visitar cada día del año, lo que nos habla de la riqueza cultural y arquitectónica que se puede encontrar en cada uno de sus rincones. Además, se puede visitar la pirámide más grande del mundo en base, de más de 400 metros por lado, que alberga en su interior una gran cantidad de pinturas prehispánicas. Este centro ceremonial convirtió a Cholula en “Ciudad Sagrada” desde el asentamiento de los grupos Toltecas. A 22 kilómetros de la ciudad. E N T R E N O S O T R O S EL JUEGO NO ES SÓLO COSA DE NIÑOS REDACCIÓN F&A MAGAZINE P odemos nombrar una lista interminable de problemas urgentes en nuestro país, y generalmente nos acercamos a ellos con cautela, con desesperación o con hartazgo. La mayoría de estos grandes problemas sociales no tienen una solución única y palpable, sino que requieren de estrategias conjuntas y de esfuerzos tanto individuales como colectivos. Pero entre todas las señales de alarma que nos bombardean día con día, se nos ha ido escapando el otro lado de la moneda: la necesidad y el derecho de seguir jugando. Con el objetivo de transmitir la importancia del derecho al juego para fomentar la innovación y la creatividad en el abordaje de problemáticas sociales, la Fundación México Juega implementa programas orientados a satisfacer las necesidades de grupos específicos, como: niños, adolescentes, adultos, adultos mayores o personas con discapacidad, respetando los usos y costumbres de cada sector. Ya sea a través del Programa Educativo Lúdico, el Programa de Acreditación de Ludotecas y Ludotecarios, el Programa de Mejora e Incremento de Acervo Lúdico o el Programa de Relaciones Interinstitucionales, la Fundación trabaja en la formación de alianzas, capacitación y normatividad para fomentar el juego en todos estos espacios y dirigirlo a metas que mejoren la calidad de vida de todos los mexicanos e incrementen el aprendizaje de manera creativa. 47 DÍA INTERNACIONAL DEL JUEGO Con la finalidad de concientizar a la población sobre la importancia del derecho al juego, desde el año 2000 se celebra cada 28 de mayo el Día Internacional del Juego (World Play Day). El mensaje esencial de este día es el de retomar la inclusión y el derecho de cualquier persona en el mundo al juego, sin importar su condición social. Pero además, específicamente en México, la Fundación promueve los juegos tradicionales como parte esencial de nuestra cultura. ¿CÓMO APOYAR? Voluntariado individual: En esta modalidad, cualquier persona con el tiempo y la disposición necesarios puede apoyar a la fundación en tareas de oficina, manejo de redes sociales, estrategias de mercadotecnia y comunicación o participando en las actividades de la “ludoteca itinerante”. Voluntariado empresarial o corporativo: Para el sector empresarial, la Fundación ha creado áreas específicas para poder participar, como en las dinámicas lúdicas en espacios públicos o la procuración de recursos, ya sean económicos o en especie. Productos solidarios: Para quienes no disponen del tiempo o las condiciones para apoyar de manera sistemática, la contribución por medio de la compra de productos sustentables es una opción al alcance de todos. Se puede colaborar con la compra 48 de pulseras solidarias, chocolates solidarios o los morralitos lúdicos “Por si me aburro”, “No me olvides” y “Por la salud”, que contienen juegos y juguetes tradicionales. Contacto: Sitio web: www.mexicojuega.org.mx Correo electrónico: [email protected]; [email protected] Teléfono: 5528 6640 Dirección: Avenida Insurgentes Sur No. 3751, primer piso. Col. San Pedo Apóstol C.P. 14260