Julian Lynch - FILTER México

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Julian Lynch - FILTER México
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@FILTERMexico
Living in a digital world
En las trece ediciones impresas de FILTER México vimos desfilar
montones de propuestas nuevas y exclusivas que no hubiéramos soñado
hace dos años, antes de que saliera la revista en nuestro país, y vivimos
cambios tanto de formato como de distribución. Sin embargo, en tiempos en
los que la inmediatez no es un lujo, sino una necesidad —y prácticamente
una obligación—, publicar una edición cada seis semanas representaba
prescindir de temas que en su momento fueron importantes, por lo que
hemos decidido mudarnos por completo a un formato digital.
Esto no significa nuestra desaparición, sino un enriquecimiento de la página
web, ya que uniremos fuerzas en favor de un mejor, así como más oportuno
y relevante contenido. Hay quienes dicen que las revistas y los libros están
en un declive, pero en FILTER México no creemos eso, ya que seguimos
aplaudiendo el trabajo de otros medios en el país y de nuestros hermanos
FILTER Magazine, así como amamos las descargas digitales sin dejar de
disfrutar tener un disco nuevo en nuestras manos. No descartamos hacer
algunos especiales impresos en el futuro, o sea que si son coleccionistas no
hay por qué preocuparse.
En esta edición afortunadamente fue difícil escoger a la banda de portada,
lo que refleja la calidad musical actual, y contamos ya con material de
algunas agrupaciones que visitarán nuestro país para el Corona Capital
2013. Agradecemos infinitamente a todos cuyas plumas han pasado por
las páginas de FILTER México, así como a las bandas que nos abrieron las
puertas para conocer un poco más a los creadores de la música. Seguiremos
en esta labor a través de filtermexico.com, nuestra recién estrenada app, el
podcast que realizamos en Dixo.com y, por supuesto, en nuestras próximas
fiestas.
- C O N T E N I D O -
EN PORTADA
/ 46 /
QUEENS OF THE STONE AGE
LES PRESENTAMOS A…
/
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/
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DAN SOLO
JULIAN LYNCH
MACKLEMORE & RYAN LEWIS
ZONORA POINT
YA DEBERÍAS CONOCER A…
/ 17 /
/ 19 /
/ 20 /
PAISAJES SONOROS
/ 22 /
COACHELLA
DE VISITA CON...
/ 26 /
BUFI
PRINCIPALES
/ 28 /
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Editora en Jefe
Pamela Escamilla Menchaca
10 /
12 /
14 /
15 /
32
34
36
41
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/
/
!!!
JAKE BUGG
CHIKITA VIOLENTA
ERA DIGITAL: DE LO TANGIBLE A LO
ABSTRACTO
YOKOZUNA
KASHMIR
PORTUGAL. THE MAN
THE NATIONAL
TRIBUTO
/ 52 /
BRYAN FERRY & ROXY MUSIC
NOTA FINAL
/ 56 /
RODRIGO JARDÓN
FILTER.1
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Publishers
Breakfast Media
Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza
Director Editorial
Milton Barboza
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Editora en Jefe
Pamela Escamilla
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Editora Web
Paulina García
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Colaboradores
Federico Arias, Karina Cabrera, Nicole Day, Jacinto DiYeah, Benjamín Espinosa, Artemisa Hernández,
Alejandra Limón, Romina Pons, Revilox Studio, Alejandro Rocha, Paola Romo y Cristina Salmerón.
Corrección de Estilo
Berenice Andrade
Director de Arte
Oliver Barrón
Fotografía
Rodrigo Jardón, Óscar Villanueva y Jaime Fernández
Gerente de Producción & Operación
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Ventas
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Gabriela Toriz
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Octavio Tovar
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FILTER, Año 2, No. 13 (1 de julio al 31 de agosto 2013), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media,
S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 10, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368. Editor responsable:
Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011-083012492100-102, ISSN 2007-3216. Certificado
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México, Distrito Federal. Distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc,
C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 28 de junio de 2013 con un tiraje de 25,000 ejemplares.
Distribución: La versión gratuita de FILTER México es distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación
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ART
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PHOTOGRAPHERS
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SCRIBES
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Jardine, Taleen Kalenderian, Zach Kraimer,
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FILTER MAGAZINE LLC, 5908 BARTON AVE., LOS ANGELES, CA 90038.
Vol. 1, NO. 52, SPRING-SUMMER 2013
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FILTER.3
USA, JUEGA Y DISFRUTA
Por PAOLA ROMO
BOTAS Y PONCHO
MAISON
BARAJA FRAGGLE ROCK
¿Se acuerdan de aquella serie con personajes
tipo muppets que vivían bajo las tuberías de
una ciudad? Fraggle Rock era uno de los shows
preferidos de la infancia de muchos de nosotros y
recientemente The Spare Room lanzó una baraja
con los personajes de la serie.
www.spareroomhollywood.com
Las casas francesas Kitsuné y Aigle realizaron
una colaboración en la que presentan un juego
de botas Wellington y poncho, ideales para la
época de lluvias. Ambas prendas son unisex.
www.kitsune.fr
ESPÍRITUS DULCES
La próxima vez que pongas un altar el día de
muertos o retomes el hobbie de la repostería, podrías considerar hornear unas galletas en forma
de calavera. Los moldes son de Fred & Friends y
pueden decorarse de mil maneras distintas.
www.fredandfriends.com
4.FILTER
BACKPACK VVVOVVV
Se pronuncia “vov” y es una marca 100%
mexicana. Todos los diseños de sus backpacks
o bolsas tienen la intención de mantener la
sencillez con toques del estilo urbano de nuestra ciudad. En algunos modelos utilizan piel
reciclada de muebles y hebillas de oro viejo.
www.vvvvovvvv.com
LIBRETA DIY TEJIDA
Curious Doodles es una marca que fomenta
los proyectos DIY con técnicas tradicionales
y objetos de diseño, como esta libreta que
puede ser tejida. El kit trae un par de libretas,
estambre, agujas y algunos patrones.
www.etsy.com
BABAR X OPENING
CEREMONY
Opening Ceremony lanzó recientemente en
conjunto con la marca danesa Soulland una
increíble colección de camisas, t-shirts, sudaderas y shorts con prints de Babar.
www.openingceremony.us
iSTICK ORGANIZADOR DE ESCRITORIO
Si de pronto tienes tu escritorio lleno de post-its, plumas, lápices y papeles, no te
caería nada mal tener un iStick, que es básicamente un organizador para escritorio
que cabe perfecto entre la compu y el teclado. Lo mejor de todo es que tiene un
brazo que detiene los vasos, así que no derramarás líquidos en el teclado.
www.amazon.com
FILTER.5
#filterparty
14
FILTER
PARTY
ELLA
MURETO
Y EL
E
L
L
Y
E
L
M
A
U E
R
T O
Por ESAMIPAU!
Fotos RODRIGO JARDÓN
Una vez más hicimos de las nuestras en
el Caradura, y aunque habíamos dicho
que esperaríamos más tiempo para hacer
otra FILTER Party, no nos aguantamos y la
adelantamos un poquito.
Como invitados especiales tuvimos
a Ella y El Muerto, dúo conformado
por Camila Sodi y Saúl Ledesma de
Radaid. Ellos tomaron el escenario
a las 11:30 p.m. para dejar a los
asistentes escuchar un poco de
6.FILTER
su álbum debut homónimo. Las
canciones con tintes góticos se
apoderaron de todo el lugar y en
cuanto empezaron su set la gente
que estaba merodeando por el bar se
apretujó en el centro para poder ver y
escuchar lo que tenían que ofrecerles.
El show fue corto, pero consistente, y la
rola más coreada fue “Señorita corazón
venganza”. Ella y El Muerto hicieron de
ésta, otra exitosa FILTER Party.
FILTER.7
ZONA VERDE
Crea adornitos: los CDs son
excelentes opciones para ser
implementados en la decoración
navideña. Puedes recortarlos
para hacer figuras; o bien, utilizarlos completos y poner lindos
mensajes (pueden ser navideños o
no). Al final, con un martillo y un
clavo, hazles un hoyito para que
puedas poner un hilito y hacer
que cuelguen de tu árbol navideño
o de un bonito perchero en cualquier época del año.
Por CRISTINA GUASCH WARNHOLTZ (Las Páginas Verdes)
Foto CHUYU
La tecnología avanza rápidamente y es
común que los objetos que considerábamos los más vanguardistas se conviertan
en residuos electrónicos. Los CDs han
llegado a esta etapa, pero todo tiene una
oportunidad de convertirse en algo nuevo
cuando ponemos un poco de esfuerzo en
ser creativos. El hecho de que nuestros
viejos amigos hayan sido suplantados, no
significa que tengan que botarse. Hay un
montón de grandes proyectos para darle
un segundo uso a vieja tecnología. Las
Páginas Verdes te presenta cinco ideas
para comenzar:
Convierte discos compactos viejos
en pesas: no se necesitan herramientas y con sólo 150 CDs (que
seguro tienes abandonados), una
varilla y tornillos de rosca puedes
conseguir montar una pesa de
aproximadamente 5 kilos.
Elabora un lindo portarretratos: es
facilísimo, sólo tienes que armar una
base, puede ser con cartón grueso, y
cortar tres discos en pedacitos con
mucho cuidado, ya que cuando este
material está en fragmentos puede
ser bastante filoso en sus extremos.
Después, pégalos sobre la base con una
pistola de silicón.
8.FILTER
Haz joyería: también es muy
sencillo y es un accesorio que le
dará un toque realmente original
a tu look. También puede ser un
excelente obsequio. Lo lograrás
cortando las piezas igual que en el
portarretratos. Les puedes hacer
un pequeño orificio, como en el
punto anterior, para agregarles la
cadena o los aretes, dependiendo
del accesorio que estés fabricando.
Guarda tu bagel: los contenedores
de CDs, hoy en día también son
considerados como basura. Una
forma muy original para darle un
nuevo uso es utilizarlos como recipientes. Se ve muy divertido y te
sorprenderás de lo perfecto que se
amolda su forma a tu almuerzo.
Estas son tan sólo unas ideas,
sin embargo, hay infinidad de
reúsos que puedes darle a tus
viejos discos compactos. No
los tires ni los dejes abandonados, ¡dales una segunda
oportunidad!
FILTER.9
LES PRESENTAMOS A...
Por PAMELA ESCAMILLA
Foto MIX LE FUN
Dan Solo es más que el alias como DJ
del tecladista de Technicolor Fabrics.
Es un proyecto que surgió de las
grabaciones nocturnas que el tapatío
hacía después de pasar todo el día
en el estudio mientras se preparaba
el segundo álbum de la banda. “De
pronto me di cuenta de que ya tenía,
por ejemplo, 32 rolas. Fue una onda
de mis amigos, ellos me hicieron
entender que tenía que hacer un disco
con eso, al que llamé Club Insomnio
porque lo hice de madrugada”, indica.
Dan asegura que después de tanto
tiempo de trabajar hasta las 6 de la
mañana, dejó de sufrir de insomnio
cuando dio por concluido el material.
10 . F I L T E R
Las rolas que quedaron en el disco
fueron las que terminé. Dan reconoce
que “Shine” y la que da nombre al
material son las que definen mejor el
proyecto. “Describe muy bien la onda
disco fresca, es más funk y bailable”,
explica sobre la primera, mientras
que reconoce que “Club insomnio” es
más intensa y progresiva.
Al haber finalizado el álbum, se dio
cuenta de que la versión en vivo tenía
que contar con músicos y no sólo
sacarlo como DJ. “Estoy en contra
de los lives que son una computadora
y máquinas, entonces armé uno que
sí es una banda, una de nu-disco y
funk”, explica sobre la agrupación
que está conformada por músicos
con los que ya tenía confianza. A la
fecha ya han compartido escenario
con MGMT, Hot Chip y Penguin
Prison.
Cabe destacar que aunque el disco
salió el año pasado y está a la venta
de manera digital, se planea sacar
una versión especial en físico, en la
que se incluirán remixes y se refleje
más lo que es el show en vivo. “El
buen jale que tuvo la banda fue el
detonante de plantear muchas cosas,
si no hubiera funcionado tal vez
seguiría solo. Siento que los sonidos
y las canciones tienen más riqueza
cuando se cabildean con mucha
gente, sobre todo cuando tienes en
común tantas cosas y has trabajado
con ellos”.
Aunque Dan asegura que el próximo
material de la banda, que espera hacer
este año, se hará más como un trabajo
en equipo, el éxito de sus releases
electrónicos rendirá más frutos a
partir de mayo, cuando realizará una
gira en varias ciudades de Europa
(París, Estrasburgo, Marsella,
Barcelona, Madrid y Berlín) en
formato de DJ.
F I L T E R . 11
LES PRESENTAMOS A...
L
a cabeza de Julian Lynch está llena de música.
Prueba de esto son sus espléndidos álbumes,
en donde destaca el cuarto y más reciente Lines, que
es como escuchar una caravana de sueños salir de su
cabeza a través de notas, agrupadas en nubes como
células u organismos que poseen inteligencia propia.
“A veces, para mí, hacer música se siente como
completar un cubo Rubick”, nos cuenta acerca de los
procesos internos de crear sus canciones. Resulta una
analogía adecuada, aunque sus canciones suenan más
como a un cubo Rubick resolviéndose a sí mismo:
cuadrados de colores brillantes, deslizándose y
rotando, planos y facetas cambiantes para luego hacer
una breve pausa para pensar, un pensamiento jazzy.
Lines es el más rápido y florido álbum de Lynch. Sus
dos primeros álbumes, Orange You Glad (2009) y
Mare (2010) fueron hechos usando “pequeños juegos
que tenían lugar en mi cabeza mientras tocaba y
escribía las canciones. El nuevo álbum no comparte
estas restricciones estructurales, los juegos que jugué
conmigo mismo para éste fueron diferentes”. A Terra,
trabajo editado en 2011, el músico lo considera como
un álbum ‘minimal pop’ — un enfoque que ha sido
sustituido constantemente por más y más dinámicas
ambiciosas que parecen reflejar mejor el flujo circular
de la vida a través del caos y la serenidad.
El viaje musical de Lynch empezó oficialmente
cuando tenía diez años. Celoso del puesto de su
hermano mayor como fagotista en la orquesta escolar,
eligió a la música como su camino y al clarinete como
su instrumento al ver a su hermano “llevar ese enorme
fagot todos los días a la escuela”.
Pronto, la música le dio a Lynch más que sólo buenos
momentos y amor fraternal; se convirtió en una
manera de convivir con el mundo a su alrededor. “Creo
que para muchos de los niños que se involucran con
la música rara como en la que yo estaba en secundaria
–está de alguna manera socialmente alienado o
simplemente es un chico raro metido en el punk rock
— inmediatamente se adquiere algo más que sólo los
12 . F I L T E R
+ >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
Julian + +
++
Lynch
>>>>>>>>>>>>>>>> +
>>>>>>>>>>>>>>>>
Por LOREN AUDA POIN
Traducción ARTEMISA HERNÁNDEZ
Foto PETER BENCK
+
+
Estas experiencias lo han mantenido hasta el día de
hoy, impulsándolo como una mecha encendida de un
cohete. Actualmente Julian Lynch trabaja a tiempo
completo para conseguir su doctorado en antropología
y etnomusicología en la Universidad de WisconsinMadison, pero Lynch se resiste a que su música sea
asociada a sus intereses profesionales o viceversa.
“Mi investigación académica en realidad es acerca de
los usos culturales de la música, no de la música como
tal. Creo que la gente a veces lo utiliza como una señal
para escribir acerca de mi música usando un lenguaje
exótico o tomándolo como un marcador o apropiación
cultural, pero esa no es mi intención en lo absoluto”,
comenta Lynch.
discos que está escuchando o las notas en una página”.
A temprana edad le dio por tener una banda – una
enfermedad contagiosa en su ciudad natal Nueva
Jersey que también afectó a sus amigos, incluyendo
a aquellos que conforman bandas como Real Estate,
Ducktails y Family Portrait (entre muchas otras) y las
mentes maestras de Underwater Peoples, el joven y
ecléctico sello que desarrollaron juntos.
“Ha sido maravilloso trabajar con ellos. En algún
momento del colegio, empezaron a hablar acerca
de que querían hacer un sello discográfico. Una de
sus primeras ediciones fue un CD mío que nunca
fue distribuido. Después sus primeros lanzamientos
se empezaron a vender rápidamente. Cada vez
que regreso a Wisconsin se ven más establecidos
y más y más gente va a los shows”, explica sobre
Underwater Peoples, que ha sido un hogar cómodo
para Lynch, un lugar amistoso y, cuando es
necesario, profesionalmente relajado.
La intersección de sus dos pasiones es incidental,
ramas divergentes del mismo árbol. Por ejemplo,
Lynch toma clases de tabla en Madison, pero él la
ha utilizado más por respeto a los tímpanos de sus
vecinos que para la música religiosa india que estudia,
mientras que sus fraseos de guitarra parecen más
de Frank Zappa que de Ravi Shankar. “Diría que
muchas de las cosas que me hicieron interesarme en
la etnomusicología fueron en muchos sentidos las
mismas cosas que me hicieron sentir más cómodo para
crear mi propia música o me inspiraron a hacerla”.
Las grabaciones de Lynch evocan revelaciones
inciertas y misteriosas que se vislumbran en relación
a los diversos giros de la Tierra. Sin embargo, el toque
exótico de estos temas no es que vengan del oriente o
de la India, sino que vienen del lugar más recóndito
y extraño de la mente de Lynch, donde algunos de
nosotros hemos ahondado lo más que podemos.
No es la tabla, el tintineo de campanas o el xilófono
que empapan las canciones de Lynch con vigor
y presencia; es su entrelazamiento y la elevación
de los impulsos, los tonos mágicos que se unen
y se convierten en algo más. De hecho, la espiral
embriagadora de la música sin duda ha establecido su
residencia en la cabeza de Lynch, pero sólo porque
primero echó raíces en su corazón.
F I L T E R . 13
LES PRESENTAMOS A...
Por JONATHAN ZWICKEL
Traducción NICOLE DAY
Foto JOHN KEATLEY
El otoño en Seattle es generalmente luminoso y
alegre. El velo que nubla la ciudad el resto del año se
hace a un lado por días largos y noches cristalinas.
La tierra y el cielo son impecables, pintorescos,
exponiendo mucho brillo en el latente interior. Y en
el otoño de 2012 era difícil de imaginar al rapero
Ben Haggerty, de 29 años de edad, mejor conocido
como Macklemore, existiendo bajo cualquier otra
luz.
Macklemore llega a Victrola Coffee en el barrio de
Capitol Hill en Seattle, en un Cadillac DTS negro
2008 radiante. Sí, leyeron bien: un Cadillac DTS
Edición Biarritz. Liso como una orca androide, el
coche parece que vibra en el sol de mediodía, incluso
mientras está estacionado. Haggerty se baja en jeans,
unos Jordan vintage, camisa de franela azul marino
con botones, sonrisa perezosa, cabello rubio peinado
hacia atrás e intensos ojos azules. Él es, en más de un
sentido, un hombre que ha llegado.
Ahora vamos a dar una vuelta. Durante los
siguientes 90 minutos, Haggerty viaja por la ciudad,
su ciudad, casual y enamorado. “Seattle”, dice,
“es, primero y ante todo, el lugar más hermoso en
Estados Unidos”.
Nuestro primer destino es a algunas cuadras de
donde empezamos nuestro recorrido, la casa de dos
pisos en donde Macklemore creció, vendida este
verano por sus padres. Luego, TOPS, la escuela
secundaria en donde estudió y su madre trabajó
como voluntaria, mientras que su padre dirigía una
14 . F I L T E R
empresa de muebles en la cercana isla de Bainbridge.
Siguiente parada, Seward Park, en donde tuvo una
experiencia alocada mientras consumía hongos
en la secundaria. Ahora nos toca ir al centro, por
Showbox, donde Haggerty y su socio musical,
Ryan Lewis, agotaron tres conciertos consecutivos
la primavera pasada (la última banda en hacer eso
fue Pearl Jam). Después, Key Arena, donde el dúo
llenó con 10 mil personas el Festival de Música
Bumbershoot en 2011, y Safeco Field, donde lanzó
la primera bola contra los Angels para sus queridos
Mariners en septiembre.
Estos lugares y fases vividas convierten a Haggerty
en Macklemore, el maestro de ceremonias emotivas
que en los últimos dos años ha acumulado millones
de visitas en YouTube y cientos de miles de
descargas en iTunes sin el apoyo de un álbum o
sello discográfico. Nos deslizamos a través de todo,
su pasado, borroso y confuso fuera de la ventana,
su presente definitivamente aquí, detrás del volante
lacado de madera de un coche lujoso y de gama alta.
En On The Heist, el tan esperado primer álbum
que salió en octubre, Haggerty y Lewis encuentran
el equilibrio en los extremos. No hay pequeños
momentos en el disco. Con un himno rimbombante,
cada canción está bien definida, ya sea cotidiana
(alabando la moda de segunda mano en “Thrift
shop”) o crucial (apoyando el matrimonio gay en
“Same love”). Cada canción implora al oyente a
pensar mas allá de lo obvio. Cuando Macklemore
rapea sobre su colección de Jordan en “Wing$”
y junto a Ab-Soul, del crew ‘black hippy’ de Los
Angeles, sobre su Cadillac en “White Walls”, habla
de los efectos del consumismo. Al mismo tiempo, la
producción de Lewis es desgarradora en su grandeza
sinfónica.
Estas canciones suenan enormes en The Heist; pero
suenan monumentales en vivo. En algún momento
en torno a la liberación del EP de Macklemore
y Ryan Lewis en el 2009, el dúo se detuvo
simplemente a tocar y comenzaron a proporcionar
experiencias que cambian la vida. Fans han acudido
a conciertos sold out en Estados Unidos y Europa,
ansiosos por el sentimiento puro que es la firma de
Macklemore.
“Estoy constantemente escudriñando la vida y
poniéndole en canciones. No soy muy prolífico. No
se me ocurren 100 discos de rap al año. Pero los que
voy a sacar van a identificar perfectamente cualquier
emoción. Veo eso como algo bueno, algo que evoca
una sensación en el escucha”, comenta Haggerty.
“No soy un producto terminado”, señala. “Es algo en
lo que estoy trabajando como un ser humano que de
vez en cuando es puesto en mi música. Son cosas en
las que trabajo constantemente, sólo que las proceso
de una manera muy pública”.
Zonora
Point
Desde hace unos buenos cuatros años hemos
recibido –aparentemente– toda la música de la
nueva generación chilena. Disfrutamos hasta
el cansancio los lanzamientos de Astro, Javiera
Mena, Gepe, Dënver y muchos más artistas
que han encontrado amor y admiración en
oídos mexicanos. Sin embargo, si uno vuelve
la cabeza un poco y mira para atrás, una buena
parte de estos proyectos musicales se mueven
en el synth pop, y sabemos que en todos los
países —por más pequeños que sean— existe
más de una corriente musical.
Por ESAMIPAU!
Foto CORTESÍA
Durante la tan extrañada década de los 90, en Chile explotaron todas las
vertientes del hip hop. DJs, MCs, break dancers y escritores surgieron a lo
largo del Cono Sur y “es por eso que se comenta que en Chile existe un gran
nivel de hip hop, para muchos el mejor de Sudamérica”, de acuerdo con
Zonora Point un dúo que definitivamente hace que creamos en lo que se dice
de este género, y cuyos integrantes han estado sumergidos en esta cultura
desde los 13 años.
Zonora Point llegó en 2007 y empezó como un trío en los barrios
porteños. Con sus dos primeros mixtapes las rimas y beats de Camileazy,
En una charla con Zonora Point, señalaron que
para ellos el hip hop, además de ser amistad,
también es competencia. “Entonces al
momento en que se encuentran personas
que practican la misma disciplina, quieren
demostrar sus habilidades y ganar”, explica
Jamez Manuel, pero para poner las cartas
sobre la mesa el rapero debe tener beats que
le sirvan de pedestal que se va elevando
mientras él rima. Es por eso que además de
Douster, Zonora Point ha trabajado con otros
productores como DJ Dacel, DJ Raff, Daniel
Klauser u Hortadoj, todos nombres muy bien
parados en el hip hop chileno que han ayudado
a darle vida a un sonido único que va y viene entre
los límites de lo sensual, lo peligroso y lo sudoroso.
El álbum debut de Zonora Point, 24/7, está lleno de imágenes tan
vívidas que uno podría verlas suceder mientras escuchan temas como
“Gitana” y “Nos 2”, donde Jamez Manuel y Camileazy prueban ser
el vivo ejemplo de aquellos chicos que si se los presentaran a sus
papás, les daría un pequeño infarto pero que ustedes, chicas, dejarían
que las llevaran a donde ellos quisieran.
Por otro lado, aunque 24/7 les dará una muy buena idea de lo que hoy
día es Zonora Point, no deben dejar de lado temas como “Huachita
Rica (Douster Mix)”, “Polvo” o “Zkte esa bless” que les mostrarán el
verdadero mundo de estos dos chilenos.
Desde hace un par de años el hip hop ha gozado de muy buena salud por estos
lares de América, valdría la pena checar algo del material que se edita al sur del
continente, aunque les advertimos claro y fuerte: Zonora Point no es música
para oídos sensibles a las palabras altisonantes en español.
F I L T E R . 15
LES PRESENTAMOS A...
Jamez Manuel y Lioz Prav (quien ya no es parte del grupo) llegaron a
oídos del productor francés Douster, con quien mantienen una cercana
relación. Desde sus inicios han sabido complementar sus rimas altamente
provocativas y astutas con bases en las mismas características. Zonora
Point pertenece a una nueva generación de hip hoperos cuyo flow ha
encontrado un gran complemento en la música electrónica de bajas
frecuencias: bass music, ambient o aquel género tristemente conocido
como post dubstep. Música sexy que provocaría a tu novia quitarse la ropa
traviesamente, que cobija letras sexuales y que a la vez es suficientemente
contundente para respaldar momentos donde el MC tiene que
pararse el cuello y probar que él es la autoridad.
16 . F I L T E R
Por KENDAH EL-ALI
Traducción ESAMIPAU!
Fotos PIPER FERGUSON
A veces el plan más simple es el más exitoso.
Hace más de 16 años unos jóvenes de Sacramento
soñaron con un futuro sencillo. Con una amistad de
años como motor y unos cuantos viajes de LSD, la
idea era hacer música extraña, con tintes de highenergy y dance con instrumentos en vivo en lugar
de máquinas. Cinco discos después, la una vez
novedosa banda llamada !!! (Chk Chk Chk) se ha
colocado como un referente en la escena musical.
“No empezamos a tocar porque estaba de moda,
tocamos así porque era lo que queríamos hacer. Al
principio fue como: ‘Ok, genial, hay más modelos
en el backstage’”, nos contó el vocalista Nic Offer
mientras bebíamos un café cerca de Bryant Park en
Nueva York. “Luego pensamos que dejaríamos de
estar de moda, cosa que definitivamente sucedió,
pero lo supimos manejar. A pesar de todo, éste era
nuestro sonido. Solamente estábamos haciendo lo
que nos gustaba”.
Bajo el mando del carisma que Offer tiene en el
escenario, sin mencionar su habilidad para rebotar
durante su set entero, los imparables !!! ahora son
más conocidos por las sudorosas fiestas que arman
en vivo que por su curioso nombre. Y, a pesar de
que la fórmula no parezca ser complicada, sus
presentaciones en vivo nunca dejan de ser sólidas,
además de divertidas.
En medio de la escena dance-punk que evolucionó
a principios de la década pasada, no fue tan difícil
para !!! tener éxito. Su primera oportunidad se
dio durante una fiesta de la Miami Winter Music
Conference del 2003. Al principio lo que más
llamaba la atención eran los chinos alborotados de
Offer, pues su presentación fue un tanto plana. Sin
embargo, todo eso cambió cuando sonó la alarma
de un edificio, y de alguna forma, la banda logró
hacerlo parte de su set.
“Sólo recuerdo a alguien abriendo la puerta de
emergencia mientras estábamos en el escenario
y eso activó la alarma. Pensamos que era parte
del momento así que nos dejamos fluir”, recuerda
Offer.
La gente pasó de ser borrachos bailando a una masa
frenética en minutos. Y en términos de éxito, las cosas
para !!! resultaron ser algo similar a ese show. Todos
sabían cómo pronunciar su nombre después de eso.
“Pensamos ‘¡No mames, estamos en Miami!’
primero”, sonríe Offer. “Y después salí en un blog
de moda. Todos nuestros amigos de Sacramento
entraron en shock después de eso. Ahí fue cuando
nos dimos cuenta de que nuestro momento había
empezado”.
Recientemente !!! empezó una gira para promover
su lanzamiento THR!!!ER. El álbum tiene mucho
Ya deberías conocer a ...
!!!
de lo que la banda siempre ha prometido:
diversión, litros de sudor y la ocasional
sicodelia. “Slyd” destaca por ser una joya disco
que derrocha sexualidad, mientras el primer
corte, “Even when the water’s cold”, suena
casi como una canción de folk bailable. Un
ingrediente clave en el éxito de esta banda es la
necesidad de la variedad, que sin duda, viene
de la inquieta mente de Offer, sin mencionar
su amor genuino e interés por diferentes tipos
de música.
“Todo lo que hago, todos los libros que
leo, lo hago esperando que cambie aunque
sea lo mínimo en mí para escribir mejores
canciones”, dice Offer. “Soy bueno para la
música porque la amo y estoy obsesionado
con ella”.
“Siempre que viajo, llevo conmigo un radio
de transistor para ver qué está sucediendo.
Recientemente la radio me llevó por un viaje al
oeste de África. Terminé en un estudio en Sierra
Leona grabando con unos tipos que no conocía
por seguir la música y preguntarles qué era lo
que sucedía. Y de pronto, estaba ahí”.
Detrás del hiperactivo frontman, el grupo de
amigos de Sacramento seguirá bailando al
ritmo de alarmas de incendios, el oeste de
África y más.
F I L T E R . 17
18 . F I L T E R
Por LAURA STUDARUS
Traducción ALEJANDRO ROCHA
Foto MARC LEMOINE
comparación muy floja y genérica,
aunque, a final de cuentas, no es algo
malo. Aun así, me hace preguntar
si esta gente tan siquiera tiene otros
discos”, termina su declaración con
una risa ligera, desligándose de
cualquier tono agresivo.
Bugg se deslinda de la comparación
con un encanto superficial. “La gente
en verdad quiere conectarme
con eso”, menciona.
“Yo creo que
es una
Con una cara esbelta y un corte
de cabello lanudo, Bugg se parece
más a Noel Gallagher que a Robert
Zimmerman. Inundado con energía
postadolescente, se inquieta mientras
habla, interrumpiéndose para
preguntar si la entrevista puede ser
hecha afuera. Cuando nos cambiamos
de lugar, el traslado lo transforma;
repentinamente es más trovador que
adolescente. Con un cigarrillo en la
mano, habla de forma lenta y raspada,
lo que, según él, es consecuencia
de una serie de compromisos
profesionales y no los residuos de una
fiesta.
De hecho, al emparejar esto con
sus anécdotas de whisky, mujeres
y redención, es fácil ver de dónde
vienen las comparaciones con
personajes de folk. “La gente dice
que tengo este estilo de grabación
vintage,” reflexiona. “Para ser
honesto, es algo que nunca he
pensado. Grabé unas cuantas
canciones en un estudio con mi
manager; tres piezas. Después me fui
a un estudio en Liverpool para
grabar otras. Luego me fui a
otra cabina con un amigo.
La última pieza la hice
con mi iPhone... hice
muchas canciones. No
es como si hubiera
llegado y pensara
‘voy a utilizar
este micrófono
y después éste’.
No... alguien me puso un micrófono
enfrente y empezamos a grabar”.
Su atracción por la guitarra surgió
después de escuchar “Vincent (starry,
starry night)”, de Don McLean,
en un episodio de Los Simpson y
posteriormente fue fomentada por
la colección de discos de su tío; su
voz encontró su estilo por su cuenta.
Al dejar la escuela a los 16 años
para dedicarse a la música, Bugg no
tuvo que esperar mucho tiempo para
encontrar la fama. Un año después de
iniciar, la BBC lo escogió para abrir el
Festival de Glastonbury.
La respuesta del público fue
exponencial. El año posterior, su
sencillo “Lighting bolt” fue parte
del soundtrack oficial de los Juegos
Olímpicos de Londres. De igual
forma, recibió nominaciones para los
Brit Awards y NME Awards por su
LP debut. Bugg describe su salto a la
fama como algo divertido.
“Encuentro un poco injusto que yo
pueda vivir mi sueño de tocar música
mientras otras personas no tienen esa
oportunidad”, menciona el inglés.
“Lo único que puedo hacer es tratar
de entretener a la gente, cosa que,
a mis 19 años, he descubierto es
una tarea imposible. Pero hay que
intentarlo”.
“Escucho mi música cuando la
estoy escribiendo y después en el
estudio”, menciona. “Cuando está
‘afuera’, ya no lo hago porque ya
no es mía. La he regalado... lo único
que sé es que una canción puede
cambiarle el día a alguien. Si mi
música puede completar o cambiarle
el día a una persona, entonces eso
cambia mi día”.
F I L T E R . 19
Ya deberías conocer a ...
JAKE
BUGG
Jake Bugg sabe que la pregunta
vendrá tarde o temprano. El cantante
se inclina y articula las palabras
conforme las piensa. ¿Acaso él es —
como muchos lo han nombrado— la
respuesta de la Generación Y a Bob
Dylan?
Ya deberías conocer a…
C H I K I T A
V I O L E N T A
Por CRISTINA SALMERÓN
Foto ARTS & CRAFTS MÉXICO
Si algo caracteriza a Chikita Violenta es esa vibra de amigos que hay
entre ellos. Desde hace 13 años y tres discos, estos chilangos han sido de
esas bandas que aunque no hacen canciones a destajo, se sabe que siguen
ahí componiendo y que, como desde la secundaria, continúan haciendo
la música que les gusta.
Su primer disco, Chikita Violenta, fue lanzado en 2003. Desde entonces
brincó al público que todas sus canciones fueran en inglés, pero al ver lo
natural que les salía cantar en otro idioma rolas como “Turnaround” o
“Happy pills” su trabajo fue bien recibido. En este LP debut trabajaron
con Paco Huidobro, de Fobia y Los Odio!
The Stars and Suns Sessions fue su segundo material y el primero
enteramente grabado en Canadá en 2005. Con este disco forjaron una
relación de trabajo —que aún continúa— con Dave Newfeld, famoso
productor de bandas como Broken Social Scene, Los Campesinos o los
Super Furry Animals.
De este segundo álbum, los temas más sonados fueron “Laydown”
y “War”, que pudieron llevar por dos años consecutivos al festival
SXSW en Austin, Texas.
En el 2010 dieron a conocer Tre3s, éste fue presentado por la disquera Arts &
Crafts, un sello canadiense que Armando David Ortigosa y Andrés Velasco,
mejor conocido como el Güero, trajeron a México.
De esa alineación integral que reunía a cinco amigos, además de
Armando y Güero, sigue en la banda Esteban Suárez, que toca el bajo
20 . F I L T E R
y la guitarra, pero ya han salido el baterista Eduardo Pacheco y el
vocalista, guitarrista y bajista, Luis Arce.
“Después de que salió Luis reorganizamos la banda, comenzamos a
tocar con Zöel Farrugia como nuestro baterista oficial al igual que
Gerardo Gabilondo como bajista para los shows en vivo”, dice Armando
sobre la nueva alineación de sus conciertos.
Este 2013, Chikita Violenta vive una nueva etapa musical que tardó tres
años en cuajar, ahora podemos ver a tres orgullosos padres de familia
que viven por y para la música y se estrenan con un tema cantado en
español al que llamaron “Colapsomanía”.
Si bien ya habían dado muestra de que sí cantan en español con el
cover de “Horror amor” que hicieron a Six Million Dollar Weirdo, esta
vez han grabado cinco canciones en su lengua materna. Ellos mismos
no saben si los nuevos temas serán un EP o parte de un LP, pero están
contentos con el resultado de un experimento que irán develando poco
a poco.
La renovación de Chikita Violenta navega con la corriente actual
de los consumidores de música, donde ya pocos compran discos.
“Últimamente quizá ya ni se sientan a escucharlos completos, con
el rush de la vida diaria, no sé qué tanta gente se tome el tiempo de
poner el disco, de ponerse los audífonos o ponerlo en su casa. De
alguna manera está padre que este material tenga esta exposición.
Nos encanta el disco completo, pero éste es un nuevo camino”,
reconoce el Güero.
F I L T E R . 21
PAISAJES SONOROS
Por MILTON BARBOZA ARRIAGA
Fotos JAIME FERNÁNDEZ
Ya no hay mucho que decir sobre este importante festival. Tantos años de realizarse, tantas bandas desfilando
por sus ahora seis escenarios y millones de personas que hasta la fecha han disfrutado de la música ahí, son
suficientes para entender la trascendencia de este encuentro.
22 . F I L T E R
N
PAISAJES SONOROS
uestro recorrido este año se realizó durante
el segundo fin de semana que, para nuestra
fortuna, tuvo buena afluencia de gente, pero así
se podía caminar cómodamente por el Empire Polo Club.
Y esto es lo que vivimos:
Band of Horses energizó con su rock ligero y relajante,
gracias a rolas como “Is there a ghost”. Ben Bridwell,
líder del grupo, pidió un aplauso para los fotógrafos que
siempre ayudan a que los músicos se vean increíbles en
el escenario.
Alt-J dio muestra de por qué fueron acreedores al
Mercury Prize en 2012 gracias a su disco An Awesome
Wave. “Breezelblocks” es un agasajo en vivo. Por su
parte, Passion Pit tuvo un gran recibimiento y ya se les
ve más cómodos en el escenario.
Llegó el turno de The Stone Roses, cuya presentación
fue bastante inconstante, ya que no conectaron
adecuadamente con la gente e incluso tuvieron poca
convocatoria. “I wanna be adored” sirvió para iniciar,
pero Ian Brown se veía cansado y se lo transmitió a
John Squire, Mani y Reni.
A Local Natives les vino bastante bien el Outdoor
Theatre, en donde presentaron rolas de su segunda
producción Hummingbird, tales como “You & I” y
“Heavy feet”.
El maestro Jello Biafra se hizo acompañar de The
Guantanamo School of Medicine, una banda que no se
queda corta ante la importancia de Biafra, exlíder de
los Dead Kennedys, ya que es una de las mejores en la
historia del punk.
Dog Blood, el proyecto alterno de Skrillex y Boys Noize,
generó una gran convocatoria en el Sahara Stage y valió
la pena, ya que son una bomba en vivo y un must para
los amantes de la música electrónica.
Por otro lado, los Yeah Yeah Yeahs tuvieron un
éxito rotundo e incluso reunieron más gente que
los headliners ingleses del primer día: The
Stone Roses y Blur.
Por el lado contrario, Foals estuvo presente en el Gobi
Stage y realmente les quedó chico este lugar. Blur
cerró el escenario principal, “Girls & Boys” dio la
pauta para que la noche concluyera bien, aunque no
como muchos esperarían, ya que por momentos fue
tedioso.
Pero quien sí cerró con broche de oro esta primera
fecha fue Trent Reznor como parte de How To
Destroy Angels. Hicieron magia con una presentación
que incluyó mapping y cortinas de leds. Fuimos
afortunados porque son de los pocos conciertos que
harán.
Ya el sábado, la banda de shoegaze originaria de
Virginia, Wild Nothing, eclipsó con las canciones de
sus dos discos, Gemini y Nocturne, dejando un gran
sabor de boca.
F I L T E R . 23
COBERTURA ESPECIAL
Por su parte, la banda de chicas Savages le puso un toque
muy especial a la tarde, porque de inmediato engancharon
con el público que a cada rola ovacionaba más a las
originarias de Londres.
Quizás les parezcan familiares los nombres de rolas como
“Blister in the sun” o “Kiss off”, que hicieran famosas los
experimentados Violent Femmes, quienes después de 33
años de carrera siguen teniendo la misma euforia en sus
conciertos. Ellos tocaron en el Coachella Stage.
Jaime Meline, mejor conocido como El-P, llegó con toda
su carga hip hopera y puso los puntos sobre las íes en lo
que a calidad musical e importancia dentro de la escena
neoyorquina se refiere; mientras que Natasha Khan, o Bat
For Lashes, hizo vibrar a los miles de fanáticos que la vieron.
Por su parte, nuestros compatriotas Café Tacvba regresaron
al Empire Polo Club, en donde miles de mexicanos cobijaron
a los de Satélite coreando cada una de sus ya clásicas
canciones. También, tanto los oriundos de Alaska, Portugal.
The Man, como Hot Chip demostraron su evolución sobre el
escenario.
Después de su visita a la ciudad de México, Jason Pierce,
mejor conocido como Spiritualized, tocó por acá. También
los irlandeses de Two Door Cinema Club, que son un
fenómeno internacional y agradan a todos. Ahora tuvieron
horario estelar y lo aprovecharon al máximo, ya que la
fuerza que los caracteriza terminó por agradar a los miles de
asistentes.
The Postal Service hizo historia con su show; no dejó
ningún cabo suelto y, por el contrario, confirmó que es un
proyecto que debe seguir teniendo su validez en la escena,
así como The xx, quienes dieron un gran concierto en el que
los integrantes de la banda se notaron más relajados en el
escenario.
Otros de los grandes shows fueron los de Franz Ferdinand,
que tienen muy bien armada su presentación y cada una de
sus canciones es una pieza perfecta; New Order, quienes
cumplieron con el cometido de hacerse respetar en estas
tierras y dejarse querer por los fans de todo el mundo; y
24 . F I L T E R
PAISAJES SONOROS
Phoenix, que ya tienen ganado un lugar privilegiado en el
mundo de la música.
Para acabar con nuestra experiencia en Coachella, el domingo
vimos la presentación de Ghost B.C., poderosa banda sueca
de metal que sigue dándonos esperanza con respecto a la vida
del género. Luego vimos a DIIV cuya música es simplemente
excelsa, energética y cruda. En el Gobi se presentó Thee Oh
Sees, la banda de San Francisco que en el mismo mood que
DIIV electrizaba a los presentes con su rock alegre.
A sus casi 25 años, James Blake se cuece aparte. Es un
magnífico músico que se hace acompañar de otros muy buenos
colegas que en vivo le dan un giro de 180 grados al sonido.
Vampire Weekend fue de las bandas más esperadas y
Coachella recibió a los oriundos de Nueva York muy bien.
También Joshua Tillman (Fleet Foxes), quien ahora desarrolla
su proyecto en solitario, Father John Misty, dio un gran
espectáculo.
Wu-Tang Clan demostró cómo son una leyenda viviente y,
sobre todo, parte de la cultura estadounidense. Se reunió gran
cantidad de gente a escucharlos y todos y cada uno cantaron y
bailaron a ritmo de su hip hop.
También tuvimos la fortuna de ver a un clásico del drum and
bass, el maestro Roni Size, quien armó la fiesta junto con
Dynamite MC.
Los Red Hot Chili Peppers la rompieron en el escenario
principal como lo que son: headliners. Casi dos horas de
excepcional concierto en donde se demostró la importancia de
la banda californiana.
Mientras todos nos cansamos de caminar y sofocarnos con el
imponente sol, algunos miles pasaron 72 horas de fiesta en el
Sahara Stage, en donde la música electrónica no dejó de sonar
ese fin de semana. Si hubiera un festival sólo de ese escenario,
tendría el mismo éxito que siempre ha tenido.
F I L T E R . 25
De visita con...
Por JACINTO DI YEAH
Fotos RODIGO JARDÓN
26 . F I L T E R
En esta ocasión nos trasladamos a Coyoacán al
estudio y hogar de un joven productor de música
electrónica con una nutrida trayectoria. Se trata
de Mateo Gónzalez “Bufi”. Hemos visto el
crecimiento de su carrera desde el lanzamiento de
su primer EP, We Begin, en 2008, hasta los últimos
remixes que ha hecho este 2013 para Quiero Club
o Hello Seahorse! Su estilo siempre ha sido pulcro,
afrancesado y con mucha personalidad. En esta
visita Bufi platicó cómo ha logrado madurar el
sonido de sus producciones junto a su carrera.
Instalado en un acogedor departamento me recibe
junto a su novia Pamela y sus dos perros, Cosmo
y Tofu. Este último can fue la inspiración para que
Bufi hiciera el track “Training Tofu” que aparece
en su primer LP, Trilogy, editado a finales del 2012.
Además, Pamela le ayudó con las voces para otra
canción de este mismo disco. Acerca de este álbum,
Bufi comenta: “Al principio tenía la idea de hacer
tres EPs, pero finalmente decidí sacar todo como
un solo LP; quería sacarme la espina de hacer
un álbum completo”. Dentro de esta colección
de canciones podemos encontrar varios sencillos
que sonaron fuerte en las estaciones de radio en
la capital: “Labios rojos” o “Will be” ayudaron a
que más gente y medios especializados pusieran
atención al trabajo del productor mexicano.
Estas canciones, al igual que todas las que ha lanzado
Bufi, han sido producidas en el estudio dentro de su
departamento, que pasó de ser compuesto básicamente
por una computadora, un teclado controlador y un par
de monitores, a una estructura mucho más compleja
basada en sintetizadores y efectos analógicos que lo
han ayudado a encontrar su sonido. “Rey Pila fue una
influencia para dejar de producir electro, el primer
EP de Bufi lo hice casi todo en la computadora, en
software, y en Rey Pila al tocar el bajo y clavarme
en el mundo de los pedales cambié mi percepción de
la música”, explica Bufi sobre cómo ha cambiado su
manera de trabajar. Esto produjo un cambio importante
en el aspecto de su estudio y en la forma en que
produce. “Cada vez he ido convirtiendo mi estudio en
hardware based en lugar de software based”: Pedales
de guitarra clásicos como el Distortion de MXR o
Memory Man de Electro Harmonix, combinados con
el poderoso sintetizador Acces Virus TI, se han vuelto
las principales herramientas de Bufi para poder
alejarse del sonido “aburrido” de la computadora.
Para sus presentaciones en vivo, explica: “es una
reproducción del trabajo que hago aquí en mi
estudio, volver a pasar las cosas por los pedales y
manipularlas”.
Durante este año Mateo planea su segunda visita
a Europa, pero incluyendo más ciudades y clubes
que en su primera experiencia y con la intención
de dejar descansar los remixes a terceros por un
tiempo. También se prepara para realizar su siguiente
material, en donde le gustaría integrar a más músicos
como Diego Solórzano (Rey Pila) o Paco Martínez
(Centavrvs y ex Neon Walrus); pero sobre todo,
se ve concentrado en aprovechar y disfrutar todas
las tocadas que tiene en puerta y con paciencia y
dedicación ir avanzando en la industria musical de
México y el mundo.
Si quieren ver de cerca el estudio que tiene en
casa Bufi, les recomendamos visitar la sección
#FierrosNuevos en filtermexico.com
F I L T E R . 27
PRINCIPALES
D e lo tangible
A L O A B S T R A C T O
ERA DIGITAL
Por MILTON BARBOZA ARRIAGA
Ilustración @REVILOX
PERSPECTIVAS ENCONTRADAS
Hace ya varios años, Sean Parker y Shawn
Fanning fueron de los primeros en renovar la
distribución musical a través de Napster, su
creación. Era 1999.
A partir de ese momento la industria no
volvería a ser la misma, las disqueras buscaban
desesperadamente evitar que se compartieran
canciones en esta especie de red social que
conectaba a los cibernautas melómanos del mundo.
Ya no tenemos que recordar que algunas bandas
como
28 . FMetallica
I L T E R se unieron para demandar a Napster
“No todo lo que brilla es oro” es una
frase muy recurrente para referirse
a la forma de comprender y, sobre
todo, percibir el mundo. La evolución
constante de la civilización en
varios ámbitos ha llevado al
mundo a valorar nuevas formas de
entendimiento de su entorno.
Hoy, no todo lo que podemos ver y
tocar tiene más valor que lo que
no lo es, tan sencillo como hablar
de lo digital, algo que jamás
podremos tener en nuestras
manos. Y de ahí partimos.
por este suceso que se conocía en los tribunales
internacionales como “ilegal”, aunque, si el análisis
es claro, no había dinero de por medio entre los
usuarios del software (como sucede diariamente en
los tianguis de nuestro país, donde por 10 pesos se
compran cientos de canciones en formato mp3).
Con el crecimiento acelerado de la tecnología, el
aumento de la gente que tiene acceso a internet y
la revolución con respecto a distribución musical,
empresas dedicadas a la creación de equipo de
cómputo —como es el caso de Apple— vieron
en esta nueva era digital una ventana para captar
públicos diversos pero con un objetivo en común:
almacenar la música de una manera diferente al
CD.
Era apenas enero de 2001, el inicio del nuevo siglo
y milenio, cuando Steve Jobs dio a conocer la idea
de proveer al consumidor de música sin necesidad de
ir a una tienda de discos. iTunes se presentaba como
una tienda digital que ofrecía a la gente canciones
en formato mp3 con la particularidad de que podías
adquirir un solo track en lugar del álbum completo.
las discográficas cambiaron la forma de premiar
a los artistas por la ventas de sus materiales.
Por ejemplo en México, un disco de platino se
consigue con 60 mil copias vendidas, cuando hace
diez años era por 100 mil, entre 1999 y 2003 por
150 mil y antes de 1999, por 250 mil.
De acuerdo con la consultora
Yankee Group, en 2001 se
descargaron alrededor de
5 mil 100 millones de
canciones, mientras
que durante 2007
se alcanzó la cifra
de 7 mil 400
millones —no
por nada
Los siguientes años fueron decisivos en la
consagración de los acontecimientos digitales. El
surgimiento de MySpace ofrecía la posibilidad de
compartir entre amigos conectados desde ideas y
pensamientos hasta, claro está, música.
Poco a poco las mismas bandas comenzaron a
utilizar la red como el arma perfecta para dar a
conocer su propuesta musical. Sin importar que
algún sello discográfico las apoyara, lo importante
era promover su trabajo, hubieran o no grabado
un disco.
Muchos
comenzaron
a olvidarse de lo
que era comprar un CD
y se concentraron en explotar otras
alternativas de Peer 2 Peer que surgieron
tras la desaparición de Napster. La ilegalidad
ahora se concentraba en sitios en los que se
compartían archivos de gran tamaño, como es
el caso de los denominados Torrent, con los que
se tenía el objetivo de compartir sin costo ya no
solo música, sino también películas y software.
Share my tweets
Facebook y Twitter llegaron casi a la par con
algunos meses de diferencia. La importancia
de ambos hasta nuestros días es innegable para
cualquier persona que esté conectada a la red. Las
redes sociales digitales son básicas para entender
el mundo y cómo se mueve. De acuerdo con
“Futuro Digital Latinoamérica 2013”, un estudio
realizado por Comscore, los latinos utilizamos
las redes sociales 10 horas al mes en promedio,
cuando la media en el ámbito mundial es de 5.8
horas. México ocupa el segundo lugar en uso de
Internet en la región, con más de 24 millones de
cibernautas, mientras que Brasil lidera con 62
millones de usuarios.
Para comprender la importancia de las redes
en distintos ámbitos, platicamos con Edgar
San Juan, productor y escritor de la película
mexicana Chalán, que se estrenó solamente por
Internet y gracias a la ayuda de las redes sociales,
principalmente Twitter, según cifras de Casete
—disquera que también se especializa en la
difusión de música y películas
a través de plataformas
digitales—fue la primera
película mexicana de
la historia que se estrenó
vía streaming a través de
Nuflick y fue vista por más de
100 mil personas el día de su
estreno (21 de noviembre de 2012).
“Está financiada con 80 por ciento de fondos
públicos, decidí que no teníamos por qué
restringirla. Es una película con crítica a la clase
política y me pareció pertinente compartirla por
streaming porque es una tendencia que no toda la
gente conoce. Creo que fue una historia de éxito”,
indica San Juan.
En el caso de la música el terreno ha sido claro
y el camino ascendente, sobre todo para los
creadores que han difundido sus proyectos por
medio de las redes sociales, invirtiendo pocos
recursos en ellas.
F I L T E R . 29
PRINCIPALES
Aunado a esto, y debido al éxito de iTunes,
Apple presentó para finales de ese mismo año un
dispositivo que marcaría la tendencia y la historia
de la música de los últimos años: se dieron
a conocer el iPod y, con él, todo un nuevo
estilo de vida. Las disqueras comenzaban
a buscar nuevas formas de ofrecer su
música y tenían que unirse a este
importante mercado, ya legal, que había
catapultado iTunes, mientras que
compañías de hardware creaban sus
propias versiones del dispositivo
de Apple.
PRINCIPALES
Al respecto, Eduardo Mussali, Managing Director
de Deezer México —servicio para escuchar música
en streaming cuyo catálogo asciende a 25 millones
de canciones—, apunta: “Se están descubriendo
nuevos artistas independientes y el crecimiento que
tienen es muchísimo más rápido, ya que se viraliza
al integrar las plataformas de música en streaming
con las redes sociales. Esto les permite que su
trabajo se promueva de manera más orgánica a
través de la red”. Deezer cuenta con más de 30
millones de usuarios registrados y el país con
mayor tiempo de escucha al mes en la plataforma
es México.
Por su parte, Mariana Saucedo, Gerente de
Mercadotecnia de Terra México, explica:
“Empezamos haciendo streamings de producciones
externas, si se presentaba algún grupo lo
cubríamos. Vimos que los resultados eran muy
buenos y justo encontramos esta nueva área de
oportunidad que el usuario nos pedía. Internet te
permite ir a algún lugar desde tu casa, e interactuar.
También surge de la necesidad de las mismas
bandas de poder acercarse a sus fans.”
Con la llegada del iPad y demás tablets, hace ya
tres años, se dio un cambio radical en la forma de
disfrutar y leer la prensa escrita… el papel cada
vez es más prescindible para estos medios de
comunicación, y muchos recurren a la alternativa
de crear aplicaciones para estos dispositivos en los
que también se incluyen contenidos multimedia
como un plus a lo publicado.
30 . F I L T E R
futuro que cada vez es más digital, menos tangible,
más abstracto pero, sobre todo, ideal para los
tiempos que vivimos.
En cuanto a esta nueva generación de contenidos,
Saucedo opina: “No creemos que la prensa vaya
a desaparecer del impreso, pero cada vez nos
damos cuenta de que más medios migran al
formato online”.
Sobre el futuro de la transmisión digital de material
audiovisual, San Juan opina: “Es alucinante ver
el impacto que tiene Netlifx, Klic y todas estas
plataformas con sus series exclusivas. Lo que sucede
es que se ajustan los gustos del consumidor para que
no sólo tengan una experiencia de dos horas, esto se
reformula y puede ser a largo plazo. Hoy día la gente
vincula su propia vida a la narrativa de este tipo de
nuevas series, empiezan a hacer estas experiencias
algo muy fuerte, creo que no sabemos hacia dónde va
el futuro, pero debemos aprovechar el link que se está
generando”.
Este cambio en las diferentes formas de distribuir
música, cine y otras artes, nos obliga a pensar en el
Para Mussali, en la música, mientras más sencilla sea
la entrega y difusión de ésta, es mejor para todos.
El proyecto de vida apunta a la revolución
digital, a ser y estar todo el tiempo conectado a
la red, lo que algunos han dicho sobre la nube
y que otros ya producen, como es el caso de
Apple (con iCloud), parece gestar el mundo que
le tocará vivir a nuestros hijos, uno en el que su
PRINCIPALES
En el ámbito de generación de contenidos
la información cada vez tiene una vigencia
más corta que debe ser aprovechada por los
medios, Mariana lo ve desde el punto de vista
de multiplataforma, como lo es el caso de Terra:
“Las notas cada vez son más cortas, el usuario
se queda poco tiempo en una página y va a
otra. Ahora todo debe ser simple para lo que
busca la gente”.
vida estará escrita y vivida desde esa “nube”,
en donde tendrán todo lo necesario para su
comunicación y entretenimiento.
De acuerdo con De la Riva Group, actualmente
hay aproximadamente 6.8 billones de personas
en el mundo, de las que 2 billones son usuarios
de Internet. La era digital existe desde hace
años pero hoy es más fuerte y nos marca el
camino que hay que seguir. Seguramente
llegará un momento en que nuestra vida será
completamente digitalizada, pero no por ello
perderemos la capacidad de asombro o el
amor por lo material, simplemente seguiremos
evolucionando como sociedad moderna…
¿Alguien quiere bajarse del barco de una vez?
Sharing artists…
Con la llegada de las redes sociales
despuntaron las carreras de varios artistas.
Por ejemplo, los Arctic Monkeys y Lily Allen
se dieron a conocer gracias a MySpace. Los
primeros llegaron a 124 mil amigos en esta
red, además de lograr que su disco fuera
escuchado más de un millón de veces.
También están los casos —no tan
agraciados— de YouTube, entre los que
destacan PSY, que superó las mil millones
de vistas del video de “Gangnam Style”, o
Rebecca Black, cuyo video “Friday” y un
comentario de Justin Bieber la convirtieron
en una estrella viral.
También hay casos como el de OK Go y
su ya clásico video de “Here it goes again”
(la siempre imitada pero jamás igualada
coreografía en las caminadoras), que se
convirtió en uno de los videos más vistos
tras su salida en 2006, rebasando las 52
millones de vistas en YouTube antes de
ser bajado y vuelto a subir a la red.
En el terreno del share de discos,
Radiohead marcó la historia con In
Rainbows, el primero que sacaron sin una
disquera trasnacional y que fue lanzado
en formato digital en octubre de 2007.
La diferencia fue que la banda ofrecía la
descarga al precio que la gente quisiera
pagar por el material (pay-what-you-like)
y tiempo después salió en formato físico,
logrando la venta de más de 100 mil
copias en su primera semana tan sólo en
Estados Unidos. Se reportaron más de 30
mil descargas en iTunes del disco durante
su primera semana a la venta en esta
tienda online.
F I L T E R . 31
PRINCIPALES
YOKO
ZUNA
Por ALEJANDRO ROCHA
Fotos RODRIGO JARDÓN
C
uando alguien piensa en un grupo como
Yokozuna es probable que los visualice
como un par de rockeros intensos y asertivos.
Con base en su música, incluso podríamos
llamarlos como ‘ingobernables’ o desmadrosos.
Desde sus inicios, a mediados de la década
32 . F I L T E R
pasada, la banda se ha caracterizado por ir en
contra de las reglas. Mientras en la radio se
escuchaba una versión acústica de la sensación
pop del momento, este par de hermanos tocaba
éxitos basados en blues y rock pesado como “Ya
no queda nada de mi amor”.
Podrían ser la oveja negra de la industria musical
mexicana. Sin embargo, no es así. Al llegar a la
entrevista, José Antonio y Arturo Tranquilino
sonríen y hablan un poco acerca del tránsito de la
ciudad. “Cuando quieras podemos empezar”, indica
José Antonio mientras se quita su sombrero negro.
Quiero Venganza es un disco muy llamativo,
un LP muy agresivo pero no parece tener un
destinatario fijo. Los Tranquilino aseguran que ése
era el punto de la creación de este LP. Para Toño y
De acuerdo con el vocalista, Venganza fue
concebido como una obra de arte atemporal. Sin
embargo, al ver todo lo que pasaba a su alrededor,
lograr un trabajo universal resultó más difícil
de lo que parece. “Había sentimientos de
enojo e ira, eso sí. También tomamos
ideas de momentos y de sucesos”,
asegura mientras se reacomoda en el
sillón. “A eso nos referimos, que
la gente se pueda identificar con
diferentes cosas, y que sirva (el
disco) en diferentes épocas”.
Lo primero que llama la atención de Quiero
Venganza son las guitarras distorsionadas y
las letras de enojo y depresión que remiten
un poco a los 90. Al decirles esto,
aseguran que el mensaje musical que
transmiten los instrumentos es un
rock puro en todos sus sentidos
y ésa era toda la intención. De
acuerdo con Toño y Arturo, este
disco representa todo lo que
habían escuchado cuando eran
pequeños. Es cierto que tienen
influencias contemporáneas
como Wolfmother y The
Hives, mientras que por ratos
también se escucha un ligero
homenaje al rock clásico como
Led Zeppelin o King Crimson.
¿Lo predominante? Según
Arturo, la influencia noventera
fue esencial para este disco,
bandas como Soundgarden, Pearl
Jam y Red Hot Chili Peppers.
“Hoy en día hay muchas cosas en la
escena nacional que suenan a José José,
Raphael, Vikki Carr... y eso está padre”, dice
Arturo, entre risas con su hermano. “Pero los
papás bailando con los hijos... parte de hacer rock n
roll es enfurecer a la gente, romper el orden, hacer
mucho ruido para que tus papás te digan ‘bájale’”,
reflexiona el vocalista.
Antonio, el baterista de la banda, también asegura
que para ellos, el rock and roll está lejos de la
muerte. “La cuestión es que requiere disciplina y
esfuerzo; todavía tiene mucho potencial”, asegura.
“Desafortunadamente, muchos músicos en México
no se lo toman en serio”.
llegarle a quien fue reprobado por su maestro
hasta a alguien en Atenco; a cualquier persona
que tenga esa necesidad de desprestigiar a
otro”, agrega.
Con base en este comentario,
el video promocional para
su primer sencillo, “Quiero
venganza”, tiene mayor
sentido. Para ellos, aunque éste
muestra fragmentos de protestas
y enfrentamientos con los
militares alrededor de México...
no tiene una postura política.
“El sentido que se le daba a la
palabra ‘venganza’ en novelas
como de Jack London era sobre la
urgencia y motivación hacia hacer
algo; para bien o para mal. El chiste es
moverse...”, agrega Arturo. “Ése es uno
de los objetivos del video; mostrar la realidad
fuera de nuestra burbuja”, concluye Toño.
Arturo, lo mágico de ser un músico es que puedes
mandar una simple idea para que posteriormente,
el público le dé forma.
“No estamos escribiendo una doctrina filosófica,
estamos haciendo una canción que va a hacer
a la persona sentir una emoción”, señala Toño,
mientras Arturo asiente con la cabeza. “Puede
Aunque con Quiero Venganza aún no hay una gira
planeada, sí les gustaría hacer una. Cuando se les
pregunta con respecto a festivales, concluyen entre
risas: “Hay planes casi cerrados, pero todavía no
les podemos decir”, responde Arturo, mientras
la sonrisa de Toño se extiende lentamente por
su cara. Después dejan la redacción de FILTER
México para continuar su trabajo, al que aman
porque disfrutan hacer y ser rock.
F I L T E R . 33
PRINCIPALES
K
I n q u i e t u d
A S
i n f i n i t a m e n t e
H
a m p l i f i c a d a
M
Por ARTEMISA HERNÁNDEZ y FEDERICO ARIAS
Fotos SONY MUSIC MÉXICO
Reinventarse con cada álbum es una labor estrictamente necesaria para muchos músicos, en este
caso, Kashmir lo ha logrado a través de sus veintidós años de carrera, cumplidos en abril. A partir del
popular Zitilites, Kasper Eistrup, Mads Tunebjerg, Asger Techau y Henrik Lindstrand pusieron todo
su empeño en mejorar sus creaciones sonoras, tanto que conquistaron México, una ciudad
a miles kilómetros de su natal Dinamarca.
Y es que en 2003, casi una década después de editar su primer álbum,
Travelogue, Kashmir logró brillar fuera del continente europeo con
sencillos correspondientes a su cuarto material discográfico como
“Surfing the warm industry” y “Rocket brothers”, que los colocaron
en el top ten de miles de personas y de canales de videos, en los
que eran programados más de cinco veces al día.
“Cuando lo grabamos todo era nuevo, decidimos producirlo
nosotros mismos y desde entonces así ha sido, cuando
empezamos pensábamos en crear canciones para radio
sin dejar atrás el camino de nuestra música, fue un gran
experimento con un buen resultado”, menciona Asger Techau,
baterista de la banda, en entrevista telefónica para FILTER
México, con respecto al famoso disco.
Este año, luego de casi tres de descanso y de haber crecido con otros
materiales y compilaciones, Kashmir regresa con E.A.R. siglas
de Eternally Amplified Restlessness, álbum del que Asger nos
habló horas antes de un show en Holanda.
“Aún es muy emocionante para nosotros salir,
especialmente con este álbum que es muy diferente.
Al principio nos sentíamos un poco temerosos
acerca de la recepción del público y las críticas, la
ansiedad nos comía, parecíamos niños chiquitos, pero
al final todo ha resultado bien, son experiencias nuevas para
nosotros. Amamos lo que hacemos”, explica el músico.
34 . F I L T E R
“Al principio nos sentíamos
un poco temerosos acerca de la
recepción del público y las
críticas”, Asger Techau, baterista
de Kashmir.
I
E.A.R. y sus preludios sentimentales
Dejar a un lado riffs que nos dejan tarareando todo el
día y empezar a usar más ambientes y
secuencias no es una tarea fácil,
pero Kashmir lo logró con
E.A.R. El material
consta de doce
canciones
cuyos
títulos llevan una carga anticipada de las sensaciones que
experimentaremos al escucharlas. “Piece of the Sun” nos
transporta a esos días de excesivo romanticismo, en esta
canción la voz de Kasper hace una perfecta combinación
sonora al acompañarse con arpas, guitarra acústica, y una
línea de bajo que marca una visión primaveral.
“Seraphina” es la canción que destaca el cambio rotundo
que han tenido los daneses. Pero esta variación no es
mala, al contrario, es el complemento perfecto para sus
presentaciones en vivo. Nos recuerda un poco a “Rocket
brothers” pero no nos deja esa melancolía, sino una
sensación de empezar de cero. Sin duda, es un nuevo
himno no sólo de Kashmir y la escena danesa, sino de la
escena indie que aún queda.
Un disco se disfruta más cuando no caemos en un ritmo
monótono, y sin duda E.A.R. tiene esa esencia que lo
colocará como uno de los mejores discos de 2013. La
evolución de esta banda la percibimos en “Milk for the
black hearted”, una canción oscura llena sintetizadores
y secuencias, pieza que también podría resultar en el
soundtrack perfecto para los enamorados o las personas
que tienen roto el corazón. Desde el nombre nos damos
cuenta de que es una canción que intenta curar la
decepción cuando no estamos con el ser amado, parecida
a la historia de la musa Melpomene que con todo y
riqueza, belleza, y hombres, no podía ser feliz.
“This love, this love” y “E.A.R.” son grandes canciones
que despiden de manera efectiva un gran disco. “This
love, this love” es la balada perfecta para olvidar el trago
amargo que tuvimos con “Milk for the black hearted” y
“Trench”. Esta balada nos hace llevar el ritmo perfecto
con la voz de Kasper, acompañada perfectamente con
una sutil batería y un coro que cierra a la perfección el
momento romántico.
“E.A.R.” nos deja ese sentimiento de expectativa. Es
una de las canciones con las que concluye este disco de
experimentación, gracias al que nos damos cuenta de que
siguen haciendo música. Es una canción camaleónica
que puede combinar a la perfección con cualquier otra
en vivo, como “Melpomene”, “Mouthful of wasps” o
“Surfing the warm industry”.
F I L T E R . 35
PRINCIPALES
R
“Nos sentimos muy felices con respecto a E.A.R.,
que fue producido por nosotros en nuestro
estudio en Copenhage. Disfrutamos hacer
música que nos gusta sin recibir órdenes
de alguien más. Grabarlo fue un viaje
fantástico para nosotros. Decidimos dividirnos
en equipos de dos, así cada uno llegaba con
ideas diferentes y debíamos acoplarlas, nos hizo
más intuitivos y la parte creativa fue más fácil
de este modo. Todas las decisiones son difíciles,
especialmente cuando se trata de música, pero al
final creo que elegimos correctamente el camino
de este material”. Tal es el caso de la elección de
“Seraphina” como primer sencillo del álbum.
“Nunca sabemos cuál escoger, no podemos ser
tan objetivos al respecto, pero nos pareció una
decisión bastante obvia, tiene algo diferente y
positivo a la vez, esperamos le llegue a mucha
gente”, agrega Techau.
“Disfrutamos hacer música
que nos gusta sin recibir
órdenes de alguien más.
Grabar E.A.R. fue un viaje
fantástico para nosotros”.
PRINCIPALES
36 . F I L T E R
Con este extraordinario contexto es un alivio darse cuenta
de que John Baldwin Gourley es afable y humilde, alguien
que pocas veces pierde el control. “Teníamos ballenas y
belugas en la parte trasera de la casa”, comenta Gourley en
el teléfono. “Recuerdo que invitábamos a niños a la casa
y se asustaban”. Gourley pasó su infancia rodeado de una
fauna diversa y paisajes fantásticos, pero también inmerso
en la colección de viniles de sus papás. Desde chico era fan
de los Beatles. En cuanto a lectura, se familiarizó con las
obras de Jack London.
Por KYLE MACKINNEL
Traducción ROMINA PONS
Fotos HAYLEY YOUNG
L
a aventura es algo que corre por la sangre. Su andar
puede ser controlado por poco tiempo antes de que hierva
y se manifieste en el actuar de los valientes. Si no lo creen,
pregúntenle a John Baldwin Gourley, vocalista de Portugal. The
Man.
En los setenta, el padre de Gourley unió sus fuerzas con Robert
A. Durr —un profesor de Siracusa asociado con Terence
McKenna— y escaparon de su cotidianidad para buscar lo
desconocido en “la última frontera”: las montañas más altas del
interior de Alaska. El señor Gourley pasaría tres años en uno
de los climas más inhóspitos del planeta, y meses enteros sin
la luz de sol. Finalmente migró al sur, a las afueras de Wasilla,
una pequeña ciudad a 80 km al norte de Anchorage. Calmarse
no estaba entre sus planes. El padre de Gourley construyó
una cabaña para Joe Redington, el fundador del Iditarod (una
carrera de trineos jalados por perros que se realiza cada marzo
Por ahora está preparando el tour de Portugal. The Man y
admite que se siente presionado por la prensa y el trabajo de
promoción que hay detrás de su próximo disco, —el séptimo
de la banda y el segundo con Atlantic Records— Evil Friends,
mientras sus compañeros de banda disfrutan del sol veraniego.
Tanto su niñez como su genética le han dado el carácter necesario
para lidiar con estas situaciones, poniendo así a Portugal. The
Man en los reflectores desde un inicio.
La banda se formó mientras sus miembros iban a la prepa
en Wasilla y es la evolución de la banda de covers de
Zachary Carothers, el bajista, quien es descrito por Gourley
como “el chico más popular de la escuela”. Su banda tocaba
esporádicamente covers durante los recreos de la escuela,
canciones de Cannibal Corpse, Rage Against The Machine
y más.
“Recuerdo verlos tocar y pensar, de manera ingenua e
ignorante: ‘Si pueden tocar música de otros, también
pueden hacer música propia’”, dice Gourley. Entonces se
acercó al grupo y empezaron a escribir canciones. Además
su voz poco pulida congeniaba con el nuevo sonido de la
F I L T E R . 37
PRINCIPALES
de Anchorage a Nome). A manera de trueque, Redington le
pagó con un trineo altamente equipado. Él perfeccionó sus
habilidades para participar en el Iditarod y otras carreras.
PRINCIPALES
banda. Admite que sus colegas tienen tablas musicales,
mientras que él nunca estudió nada de eso.
“¿Qué te vuelve un buen músico?”, pregunta Gourley.
“¿Es la habilidad técnica o es tu gusto y lo que le
inyectas a una canción? Siempre se trata sobre lo que
quieres mejorar”. Tal vez esta frase sea cliché, pero
nadie puede desacreditar una banda que ahora tiene
siete sólidos discos.
Cuando se acercó el momento de grabar Evil Friends,
habían tomado la decisión de hacer ellos mismos
el disco. A pesar de esa mentalidad, fueron
a Sonic Ranch Studios en El Paso, Texas,
donde se les presentó una oportunidad
que no podían rechazar.
“Sí, la situación con Danger
Mouse se dio de la nada”,
explica Gourley. Rich,
nuestro manager, me llamó
un día y tal cual me dijo:
‘Oye, Danger Mouse
quiere conocerte. ¿Vuelas
mañana a Nueva York?’
Tienes que ser estúpido
para desaprovechar esa
oportunidad. Pasé a
ser el músico al que un
productor buscaba”.
Hay algo acerca de Evil Friends
que lo hace destacar. Las letras
de Gourley continúan con
matices modernos pero la voz
suena distinta, más madura,
38 . F I L T E R
los instrumentos muy limpios y las influencias parecen
más distantes que en álbumes anteriores. Sería fácil
argumentar que la calidad del sonido fue lograda por
Danger Mouse, pero sería admitir que una banda
talentosa no es más que una boy band manipulable, y
no es el caso.
“Todo lo que me dijeron que no dijera, fue
precisamente lo que dije”, comenta Gourley sobre
su entrevista con el productor. “Llegué al estudio
e inmediatamente Danger Mouse dijo ‘No estoy
seguro de trabajar de nuevo con una banda de rock.
Sólo trabajé con The Black Keys’. Para mí fue un
alivio escuchar eso, pues no tenía que actuar de
cierta forma”. Evidentemente Danger Mouse cambió
de opinión.Gourley se encontró con una agradable
sorpresa al darse cuenta de que Danger Mouse
fungía como caja de resonancia para sacar el máximo
provecho de la banda, y no como un productor que
quería dirigir todo.
“Te enfrenta a un reto como artista”, comenta Gourley.
“Ha sido la experiencia más positiva que he tenido en
ese ámbito, pues se la pasaba diciéndonos ‘no, pueden
hacerlo aún mejor’”. Este acercamiento orgánico dejó
a la banda fascinada, y el resultado es un disco de pop
muy sólido.
Si crees que ya sabes todo sobre el estilo de
Portugal. The Man, no estés tan seguro. La
aventura está grabada dentro del ADN de la banda
y, con el intrépido de Gourley como líder, el futuro
se vislumbra brillante. “Hay una cosa rara con la
música”, dice Gourley. “Parece ser que todo es
oscuro”, continúa. “Me gusta eso, pero prefiero
mantenerlo iluminado”.
F I L T E R . 39
40 . F I L T E R
NATIONAL
Tránsito emocional
En el documental
Mistaken for Strangers
hay una escena que
encuadra al antiguo proyecto
de The National. La escena es una
transición al pasado, un show de una
banda que nació hace década y media. En ésta,
un peludo y desaliñado Matt Berninger se aferra
de igual manera al pedestal del micrófono que a
su cigarro y tiene a sus costados a los guitarristas
gemelos Aaron y Bryce Dessner. A sus espaldas,
un fachoso e irreconocible Bryan Devendorf
golpea sus
tambores
mientras,
a solo unos
centímetros,
su hermano
Scott toca el
bajo. La banda está en el escenario del Mercury
Lounge, en una húmeda caverna ubicada en
el barrio Lower East Side de Nueva York, que
tiene capacidad para 250 personas. “No había
Por LAUREN HARRIS
Traducción CRISTINA SALMERÓN
Fotos MARC LEMOINE
gente ahí”, platica Berninger,
que se repone rápidamente de aquel embarazoso
momento, pero aunque parecía tener mucha
fuerza por esos miles de fans que aparecen
durante el documental, él llega a su casa, cierra
la puerta y rompe en llanto.
Él se dirige a Tom, director de la cinta y
hermano de Berninger, nueve años más joven
que él. Matt intenta sacar a su hermano de ese
ámbar paralizante en el que está atrapado y le
comparte su razón de lucha: “pusimos toda la
F I L T E R . 41
PRINCIPALES
the
PRINCIPALES
ansiedad, el miedo y la humillación en nuestra
música, y esto nos acercó a ambos”, cuenta
Berninger.
Esas palabras hicieron eco en toda la sala de
proyecciones en la noche de inauguración del
Festival de Cine de Tribeca 2013, un momento de
emoción desbordada. Los integrantes de la banda
habían viajado por quince años, escalado las listas
de ventas y pisado la alfombra roja, su familia
estaba ahí con ellos. Y no es a pesar de estas
emociones difíciles que The National se ha subido
a escenarios de estadios, sino que es consecuencia
de ellas.
Es imposible hablar de The National sin meterse
en las relaciones que hay en la banda. Integrada
por los hermanos Dessner y Devendorf, Berninger
es la figura central, su singularidad resalta entre
tanta fraternidad. Se ha hablado mucho de estos
parentescos, pero tal vez no de que Berninger
también tenía a un hermano (y su madre puede
dar fe de ello). “Hay un tipo de simbiosis entre
Aaron y Bryce”, dice Berninger, “ellos trabajan
en conjunto, y Bryan y Scott se la pasan pegados,
practican más que nadie. Y yo estoy en medio,
hecho un desastre”.
Desde que el grupo llamó la atención de
la crítica en el 2005 con su tercer álbum,
Alligator, se han ganado el mote de “banda de
hermanos” en la prensa. “Pero en realidad no
me cansa”, reconoce Bryce, y no le molesta que
le preguntan qué se siente estar en un grupo
así. “Es lo que somos”, dice.
La banda se creó en Cincinnati, con los hermanos
Dessner y el baterista Bryan, que tocaban juntos
desde que tenían trece años. Después, Scott,
hermano mayor de Bryan, conocería a Matt en la
Universidad de Cincinnati. Solían viajar al este
para sus prácticas de diseño y se quedaban en
un departamento bajo del Puente Queensboro.
42 . F I L T E R
“Nuestro primer show fue probablemente en un
picnic que organizó la empresa donde trabajaba
Matt”, cuenta Bryce: “El ADN de nuestra banda
fue tocar en pequeños lugares, sólo para nuestros
amigos, para nosotros”.
A falta de un “verdadero público” en ese entonces,
hace estos episodios se recuerden con cariño, pero
al mismo tiempo fueron entrenamientos para la
humillación. Como para un show en Atlanta al que
casi nadie asistió, pero para entonces eran una banda
de quinceañeros. También hubo una ocasión en la
que viajaron por carretera para tocar en Lexington,
Kentucky, al que sólo la madre de Matt los fue a ver.
Este tipo de acontecimientos los hizo una banda aún
más familiar.
Y como los miembros de la familia son también los
integrantes de la banda, normalmente se tratan
como familia, incluso aquellos que tocan con ellos en
el estudio o en los shows en vivo. Sharon Van Etten
conoció a la banda luego de ver tocar a los Dessner
un cover a la canción “Love more”. Ella se acercó a
preguntarles si querían grabar con ella y así fue como
Aaron produjo su álbum, Tramp. Van Etten, que
tiene varias colaboraciones en el nuevo disco de The
National, se unió a ellos durante una gira por Europa
que coincidió con su cumpleaños 30. “Estábamos
en Berlín. Ellos me llevaron a ver a PJ Harvey, que
me encanta”, cuenta Van Etten, “luego, mis padres
me sorprendieron con su llegada —también era el
cumpleaños de mi madre— y al final del show, ellos
me tenían unos cupcakes con velitas y cantaban
el ‘Happy birthday’, me hicieron sentir esa vibra
familiar que tienen en la banda”.
F I L T E R . 43
PRINCIPALES
Años después, Aaron iría a la universidad en
Nueva York y se separaría por primera vez de su
gemelo. De hecho Aaron reconoce que esa etapa
lejos de su hermano fue como un luto que ocupó
sumergiéndose en la música con sus amigos.
Después de su graduación, Aaron se quedó en
la ciudad, Bryce se fue también para allá y así
comenzó a tocar The National.
PRINCIPALES
Mistaken for Strangers no es sobre The National.
“El documental se convirtió en algo que resultó no
ser ‘nosotros’, lo que es un alivio. ¿Quién quiere ver
una película así? Más bien somos como el escenario
del filme”, aclara Aaron en la noche de la premiere.
El tema principal es Tom y su lucha por encontrar
el equilibrio en el contexto de éxito que tiene su
hermano. Al principio, esta película fue concebida
como un documental de una gira, algo que seguro los
fans querrían ver, pero cambió de rumbo.
escrito y de las composiciones más complejas que
hemos hecho”, explica Aaron.
Esta expansión sónica conecta directamente
con el contexto en el que fue concebido el
disco. Históricamente, The National solía ser
difícil de digerir, y eso nunca fue tan cierto
como con High Violet, la culminación de este
material y su respectiva gira coincidió con uno
de los momentos más difíciles de la banda.
Curiosamente, su éxito se contrapuso a esos
Mistaken for Strangers resultó ser una carta de
problemas y los colocó en un mejor escenario.
amor: Matt, un deportista hermano mayor; y Tom, “Boxer y High Violet fueron una batalla”,
torpe, cuenta cómo lo despidieron de su trabajo
asegura Aaron, “en cada ocasión, nos sentimos
como manager. Desde ese punto, Tom aborda
que estábamos a la sombra de lo que habíamos
una trama repleta de espirales para culminar este
hecho anteriormente”. Esta incapacidad para
proyecto que resuelve un ejercicio familiar: cómo
salir de lo más profundo de las canciones que
amar a alguien que no siempre te cae bien.
ya habían recorrido el mundo sustenta lo que
dice Aaron sobre esos días considerados como
“Es mucho más de lo que hemos pensado para algún “los peores de la banda”. The National estaba
filme sobre la banda. Es chistoso, pero no se trata de luchando con tensiones entre ellos y luchas que
mermaban el proceso creativo. “Y algunos de
la banda y sin embargo se puede saber mucho más
sobre la banda, que en cualquier documental que se nosotros lo estábamos haciendo muy bien”,
bromea Aaron, “después de eso, volver a escribir
hubiera hecho”, dice Berninger. Durante la trama
música fue en realidad un placer”.
entre estos hermanos, los otros son entrevistados y
así, el público va introduciéndose en detalles de su
vida y del grupo.
Y The National regresó a las vidas que había
tenido al inicio de la gira de High Violet.
Llegaron los bebés, los niños crecían y sus
La mayoría conoció a The National hasta 2007,
cuando sacaron Boxer, una lucha meditativa sobre el prioridades se volvieron a alinear. A pesar de
enamoramiento. Éste fue el predecesor del Alligator, sus intenciones por tomarse un tiempo luego
de este tour, la banda comenzó a trabajar en lo
criticado y amado, un sucio affair.
que sería Trouble Will Find Me. “Nos pareció
más natural, más fluido”, recuerda Aaron.
Con Boxer, la voz de Berninger se convertiría en una
“No fue porque nos estuvieran correteando”,
especie de tarjeta de presentación de la banda, en un
asegura Berninger, “más bien, las canciones
bálsamo fresco que a la vez resultaba provocador.
que Aaron y Bryce enviaban eran demasiado
Ya en el 2010, High Violet los hizo navegar en aguas
buenas”.
emocionales, yendo hacia delante y hacia atrás entre
sus discos anteriores.
Parecería contradictorio que la paternidad
precipitara el proceso de un álbum en vez de
Con Trouble Will Find Me, la banda pisa un
obstruirlo, pero Aaron y Berninger cuestionan
nuevo territorio sonoro, construido a partir de las
esa idea: “creen que al ser padre uno no va a
canciones favoritas de The National. “En este disco
tener tiempo de ser creativo, pero es lo más
hay algunas de las letras más simples que hemos
44 . F I L T E R
inspirador”. Aaron regresó de la gira de High
Violet —que duró 22 meses— con una hija
de dos años y estuvo trabajando bajo esta
apasionante labor: “estaba pensando en la
primera música que alguien escucha y cómo es
ésta”.
Para Berninger, la paternidad encontró
un camino al igual que la música, pero en
diferentes formas. “Al tener a mi hijo sobre
mis hombros, traté de no herir a nadie”, piensa
Berninger, quien es muy consciente de que
su forma de moverse por el mundo tendrá un
impacto en su hija. Ésta y muchas más ideas
fueron las cuerdas para tejer Trouble Will
Find Me. “Antes de tener un hijo, la idea de
ser atropellado o de que me cayera un rayo
era algo a lo que decía ‘ok, así es la vida’. Pero
ya no soy un joven salvaje e indestructible
de treinta y tantos. Solía fumar y beber
como loco, y dejé de hacerlo, no me quiero ir
hecho mierda porque hay alguien ahí que me
necesita’”.
Además de la paternidad, The National vació
otras experiencias en Trouble Will Find Me:
narradores haciendo el ridículo en fiestas, llorar
mientras se escucha un disco favorito, atacar
a los seres queridos. “Líricamente, nuestras
letras tienen todo tipo de momentos incómodos
y de situaciones humillantes, luchamos contra
nuestros demonios. Después de años de luchar
por ser una banda, el proceso nos ha hecho
más humanos y el éxito, que es algo aún más
dulce, nos ha hecho salir adelante pero a la
vez conservar la esencia de nuestros inicios”,
reconoce Bryce.
Según ellos mismos, Aaron y Berninger son
los más obstinados de la banda, cavan en sus
infiernos y planean estrategias para ensanchar
sus agendas musicales. “Tenemos una incipiente
democracia en el grupo”, dice Aaron, “yo soy
el rey y él es como el primer ministro”, añade
irónicamente Berninger.
PRINCIPALES
“Vivíamos en una elaborada partida de ajedrez,
donde cada quien defendía su posición”, pero ahora
después de los momentos difíciles, de haber hecho 20
canciones, Berninger y Aaron se han dado cuenta,
por primera vez en mucho tiempo, de que estaban
emocionados por lo que estaban creando. Incluso,
para evitar que hubiese problemas, Dressner y
Berninger decidieron los tracks del disco al elegir
las que consideraban las diez mejores canciones, y
coincidieron en nueve. “No sé si esto va a durar para el
siguiente disco”, reconoce Berninger.
The National se sube al escenario luego de
la fiesta por la apertura del festival. Unos
momentos antes en ese día, Bryce se había
acordado de un show que habían tenido en
ese mismo lugar unos años atrás, y no lo
recuerda con cariño. Su actuación de esta
noche no podía estar más lejana a la anterior.
Comenzaron con “Oh holy night”, dedicada
a Tom en un guiño a la escena en la que él se
retuerce en Mistaken for Strangers y luce solo
y desgastado.
Berninger está ahí, aferrado al pedestal del
micrófono y a un vaso de vino blanco, los
Dressner y los Devendorf detrás de él, justo como
mostraban esas imágenes de una década atrás.
Berninger da una introducción a “Don’t swallow
the crap (No te tragues esta mierda)”, no lo
puede resistir: “recientemente revisamos nuestro
propio mensaje en la letra”, dice él mientras
extiende la mano hacia sus compañeros y toma
un poco de esa ansiedad, miedo, humillación,
para canalizarlo en algo hermoso.
F I L T E R . 45
en portada
Por KURT ORZECK
Traducción PAMELA ESCAMILLA
Fotos BRANTLEY GUTIERREZ
46 . F I L T E R
QUEENS
OF THE
STONE
AGE
E l
a r t e
d e
l a
g u e r r a
osh Homme está agotado de la batalla.
El guitarrista de 39 años aún no muestra
canas en su flamante cabello rojo, pero su
corpulenta estructura se encorva mientras se
sienta en un lugar de Hollywood y su café no
llega lo suficientemente rápido. Es una tarde
de miércoles de abril y el ciclo para el nuevo
álbum de su banda, Queens of the Stone Age,
apenas ha comenzado. …Like Clockwork
todavía no sale y las fechas de la gira todavía
no se anuncian. Pero Homme, que casi murió
en 2010 debido a un incidente relacionado con
el agotamiento, luce fatigado. “Alguien iba
a educarse con este disco”, dice mientras le
echa crema a la primera de dos tazas de café.
“Iba a ser él o nosotros”.
Sin perder el ritmo, Homme admite que el
sexto álbum de QOTSA fue, por mucho, el más
retador. Tras varios inicios falsos, la banda
finalmente grabó ...Like Clockwork en agosto
de 2012 y el material salió seis años después de
su predecesor. El disco mantiene la tradición
de tejer líneas entre cada álbum de QOTSA.
Lo que es aún más revelador para Homme —a
quien comúnmente se asocia con su lugar de
nacimiento, Palm Desert— es la pasión por
el océano. Es un tema nuevo para la banda y
está lleno de alusiones al existencialismo, la
renovación y la eternidad. “Estoy en el timón
de este barco pirata pero a merced de las olas”,
dice mientras levanta la vista del café. “Todo
lo que realmente necesito son las adversidades
insuperables y soy feliz”.
Homme se merecía un buen y largo descanso
en 2009. No sólo había sacado discos de
QOTSA prácticamente cada dos años desde
1998 a 2007 y estuvo de gira extrema después
de cada lanzamiento, sino que había sacado
recientemente otro disco con su proyecto
alterno, Eagles of Death Metal. De acuerdo
con sus cuentas, básicamente trabajó sin
parar durante 13 años.
Estaba listo para abrir finalmente la hamaca
que había mantenido en su caja durante seis
años —pero entonces surgió Them Crooked
<
F I L T E R . 47
en portada
J
en portada
Vultures. También con la participación de John Paul Jones y Dave
Grohl, el proyecto era el sueño mojado de un fan del hard-rock
si es que existe alguno, y ese sueño se le hizo realidad a Homme.
“Necesitaba un descanso físico y mental, pero fue como un truco
de magia”, señala. “Mordí el anzuelo”.
El trío encaró altas expectativas. Mientras que QOTSA por lo
regular enfrentaba a Homme con el estudio de grabación, con un
elenco cambiante de músicos llenando los huecos —incluyendo
al guitarrista Troy Van Leeuwen, al tecladista Dean Fertita y al
bajista Michael Shuman— Vultures sólo contaba con otras dos
extremidades que antes habían sostenido a dos de las más grandes
bandas en la historia: Led Zeppelin y Nirvana.
Homme dice que no le podrían haber importado menos las
críticas —aunque se premió a Vultures con un Grammy por Best
Hard Rock Performance— pero que no quería decepcionar a sus
compañeros de banda. Así que asumió virtualmente todas las
responsabilidades: guitarras, voces, melodías y letras.
Él no culpa a sus compañeros por poner la vara tan alta. Desde
que era niño ha puesto más presión en él mismo que nadie en su
vida. Vive con el mantra militar de que si tú mismo haces tu vida
más dura de lo que tus enemigos la hacen, entonces no podrás
ser derrotado. “Me presioné en el disco de Vultures más de lo que
necesitaba, porque quería hacerlo bien por los tres”, indica. “Puse
toda mi energía en eso… y me pasó la factura”.
Homme, que colapsó por agotamiento en el escenario en 2005,
se sintió diferente cuando terminó la gira con Vultures en verano
de 2009. En vez de euforia, o compulsión por empezar a escribir
de nuevo, esta ocasión experimentó confusión. “Paré, levanté la
cabeza y estaba como ‘¿Por qué estoy en Fresno y dónde están mis
pantalones?’”, declara. “me di cuenta de qué tan perdido estaba”.
El caso de agotamiento de Homme fue tan grave que requirió
48 . F I L T E R
cirugía. Durante el procedimiento, los doctores no podían
reoxigenar su sangre, así que tuvieron que usar un desfribilador
para que recuperara la consciencia. “Morí en la plancha”, asegura.
“Cuando desperté, sentí que algo fue robado de mi interior”.
Homme —quien recuerda que al tratar de cepillar sus dientes,
solo llenaba de pasta sus cejas— pasó cuatro meses en cama
recuperándose de la fatiga y de la cirugía. Para un hombre que,
como un tiburón, se tiene que mantener en movimiento para
sobrevivir, ese medio año fue un infierno.
“No soy bueno en hacer reminiscencias ni en mirar atrás, porque
hay tantas cosas maravillosas por delante que no se pueden
ignorar”, indica. Por primera vez, según recuerda, sintió pena por
él mismo. Pero entre esa extraña sensación de autocompasión,
Homme entendió algo: no había a dónde ir, sólo hacia delante.
Después del retardado relanzamiento del primer álbum de la
banda, Queens of the Stone Age, hicieron una gira en 2011 en la que
tocaban todo el disco cada noche.
Pero mientras Homme disfrutaba reviviendo la embriagadora
música de QOTSA, había un problema: no tenía nuevas ideas. Lo
que le quitaron durante la cirugía no había vuelto. Ahí fue cuando
decidió pedir ayuda. No al 911 —Trent Reznor, por supuesto. Los
dos habían tenido algunos breves pero memorables encuentros
cuando QOTSA y Nine Inch Nails fueron de gira juntos en 2005,
de acuerdo con Homme. Y tenía una sensación de que Reznor, tan
inteligente y con los pies en la tierra como cualquier otro músico
de rock que hubiera conocido, podría identificarse con lo que
estaba experimentando.
“Necesitaba hablar con alguien”, dice. “Terminamos teniendo
cuatro o cinco de estas conversaciones de cinco horas de duración.
Me di cuenta de que algunas veces obtienes lo que necesitas
cuando dejas de buscarlo tan frenéticamente”.
“De repente, ya no estaba funcionando”, señala
Homme. “Fue una dura manera de empezar
un disco”. Es difícil definir una fecha exacta
de inicio para ...Like Clockwork —porque hubo
varias. Homme se alistaría para juntarse con
sus compañeros en el estudio, sólo para decirles
que sufría del ‘bloqueo del escritor’. Un par de
semanas de descanso podrían ayudar, pensó, pero
pronto se convirtieron en dos años.
Pero mientras Grohl y Oliveri mantuvieron todo
funcionando, fue una leyenda de la música quien
tuvo un mayor impacto tanto en el disco como
en Homme —nada más y nada
menos que ‘Rocket Man’,
Sir Elton John. Después
de que un amigo de
Homme se encontrara
con John y supiera
que era un fan de
Them Crooked
Vultures, el piloto de
QOTSA recibió una
llamada de ‘Captain
Fantastic’.
Afortunadamente para Homme, que completó su
contrato con Interscope con el álbum de Vultures,
no tenía a una compañía discográfica respirándole
en la nuca. Eso también hizo más fácil que tuviera
su propio estudio discográfico: Pink Duck, ubicado
en Burbank. Fue a través de esas puertas que Dave
Grohl caminó —y ayudó a Homme a finalmente
aplicarse con el álbum. “Tenemos una relación
especial”, sostiene. “Fue como, ‘Hermano, te
necesito’. Significó mucho para mí”.
Homme lo invitó a
su estudio, y su
contribución fue
más allá de una
participación
especial
en ...Like
Clockwork.
Como lo cuenta,
el Paseo de la
Fama del Rock
and Roll lo ayudó
a finalmente
recuperar lo que
había perdido en el
quirófano: su instinto
y habilidad de hacer
música con otros.
Todavía más especial para Homme es su relación
con su amigo de la infancia y exintegrante de
QOTSA, Nick Oliveri, a quien sacó del grupo en
2004 después de que Oliveri tuvo unos arranques de
ira muy publicitados. “Despedí a mi mejor amigo
y no dije mucho al respecto”, reconoce Homme.
“Pero volví a ver a Nick tres meses después de salir
de la banda y lo he seguido viendo”.
“Siempre escucho
cómo suenan las cosas,
así que avanzo hacia
lo que escucho”, dice
Homme, tratando
de verbalizar lo que
lo hace un músico
nato talentoso. “Si
“La gente estaba como, ‘no puedes acercarte tanto
[al álbum]. Estarás en una burbuja y no sabrás
qué es lo que sucede’”, recuerdo. “Y yo pensé, ‘Lo
siento, no sé lo que eso significa’. Pero esta vez fue
la primera en la que estuve como ‘Umm...uhh…lo
entiendo ahora’”.
en portada
Todo volvió a hacer click de nuevo, pero hacer un
nuevo álbum de QOTSA estaba lejos de lograrse.
Debido a incompatibilidad de horarios, Reznor no
pudo producir el disco, como Homme esperaba.
Aun más significante, otro potencial colaborador
dejó todo a la mitad de las sesiones: Joey Castillo,
baterista de QOTSA durante 10 años.
F I L T E R . 49
en portada
50 . F I L T E R
De agosto a enero —una eternidad en el estudio,
para los estándares de QOTSA— ellos finalmente
crearon ...Like Clockwork. El resultado final
es la grabación más sombría, contemplativa
y humilde a la fecha. Tal vez mucho más que
cualquier otro disco de QOTSA, es sobre Homme
el hombre: lo que sucede adentro, no sólo de su
cabeza sino de su alma.
“Not everything that goes around comes back
around/One thing that’s clear: It’s all downhill
from here”, dice en la canción que da nombre
al disco. En otra, “The vampyre of time and
memory”: “I feel no love/Does anyone out there
get this right?”. La canción probablemente
más autobiográfica que ha escrito, “I appear
missing”, documenta el incidente en la cirugía
(“Shock me awake, tear me apart/Prisoner of
sleep/Pieces were stolen from me/As I go down
the drain, I appear missing”).
Mientras Homme considera Era Vulgaris (2007)
su disco más enojado, es justo decir que el nuevo
es el más oscuro. “Cuando miras en el espejo
y no ves nada, sabes que eres un vampiro”,
menciona con respecto a su hospitalización.
El álbum tiene uno o dos tracks más ligeros,
como “Smooth sailing”, que Homme llama
“una canción funk reminiscente de Eagles” (de
las otras, no tan Death Metal). Pero mientras es
igualmente amargo —no vayan más lejos que al
himno “Fairweather friends”— ...Like Clockwork
es representativo de todos esos que han apoyado
a Homme durante los últimos años. Castillo toca
la batería en cuatro canciones, Reznor canta
y agrega percusiones en “Kalopsia” y Mark
Lanegan aparece en “If I had a tail”. También
hay participaciones de Elton John, James Lavelle
(UNKLE), Alex Turner (Arctic Monkeys), Jake
Shears (Scissor Sisters) y el nuevo baterista de
QOTSA, Jon Theodore, antes de The Mars Volta.
“El álbum es una incorrecta flecha en llamas
hacia el futuro. Tiene un sentimiento de
Naranja Mecánica, y una vibra de cabaret de
David Bowie”, explica Homme, agregando
que ha estado escuchando mucho material de
la artista de electrónica Wendy Carlos, quien
hizo la banda sonora de la película de Stanley
Kubrick.
“¿Sabes cómo se siente cuando corres en un
sueño y despiertas y agradeces que no haya
sido real?”, pregunta. “Eso se fue a todos lados.
Como si el tiempo no valiera y fuera lo único
que tienes al mismo tiempo. Como si se hubiera
detenido y fuera eterno”.
Mientras QOTSA pasó alrededor de cuatro
veces más en el estudio de lo planeado, Homme
señala que el nuevo material no es más depurado
que el demás material de la banda. “No soy un
perfeccionista. Quiero errores”, dice. “Dejemos
que este material sea el escupitajo en el suelo
que es. Es como caer y levantarse. Este álbum es
como sentarse después de la batalla”.
Para lograrlo, dejó fuera mucho material
adicional que se había creado antes porque no
encajaba en el tema de las sesiones de grabación.
Mientras los fans podrían haber esperado un
disco doble después de la sequía, Homme les da
exactamente lo contrario.
“Soportamos las críticas, cambios de
integrantes, relámpagos, abuso de drogas,
felicidad, tristeza, todo— y lo hemos hecho”,
concluye Homme, quien regularmente lee sobre
generales invencibles. “Este es nuestro sexto
disco, pero en cierta manera, siento que es
nuestro segundo acto y empieza ahora”.
F I L T E R . 51
en portada
alguien tiene una idea cool, puedo escucharla y
entender en dónde van caminando. Pero perdí
eso durante dos años, solo podía escuchar la
música de otras personas, me era imposible
escribir”.
TRIBUTO
Por KEN SCRUDATO
Traducción PAMELA ESCAMILLA
Foto CORTESÍA BRYAN FERRY
A pesar de una distinguida historia de provocadores
como Byron, Oscar Wilde y Quentin Crisp, ser
homosexual a mediados de la década de los 60
era casi un crimen. Peor aun, bandas como ELP
reinaban el mundo del rock a principios de los 70,
así como una nueva cosecha de drogas combinadas
con el hábito inglés de ver románticamente a lo
medieval, fomentaban una cultura de botas de elfo y
letras sobre invasiones sajonas.
Como sucede en tales situaciones, una reacción
potente se vislumbraba. Pero mientras un David
Jones (aka Bowie) y el T. Rex de Marc Bolan no
se había sacudido las tendencias folk, Roxy Music
llegó a la escena en 1971 como una máquina
moderna perfecta. Había, por supuesto, el toque
exacto de campamento posmoderno, el traje blanco
de Ferry, las boas de plumas de Brian Eno…
la etimología de su nombre prácticamente no
sorprende, es un tributo directo a Samuel “Roxy”
Rothafel, pionero de las salas cinematográficas.
Ferry, cinéfilo, buscaba un nombre que transmitiera
el alcance cinematográfico de su tamaño y
52 . F I L T E R
producción. Los riffs espaciales del sintetizador de
Eno, el sabor latino/exótico de la guitarra de Phil
Manzanera, la reinvención del oboe y el saxofón
por parte de Andy Mackay, así como la batería de
Paul Thompson nunca fueron una mezcla ostentosa,
pero siempre exacta.
Sin embargo, siempre fue la
sensualidad natural de Ferry como
frontman lo que unió toda esa
salvaje experimentación en
algo irresistible. Proveniente
de un pueblo en Durham, se
reimaginó a sí mismo como
una inteligente amalgama
de los protagonistas de
Hollywood de los años
40. El primer sencillo
“Virginia Plain”, lo
encontró cantando un
sarcástico pastiche
como ‘Baby’s Jane’s
in Acapulco/We are
Su debut homónimo de 1972 y su sucesor en
1973, For Your Pleasure, marcaron pauta para una
nueva ola que definiría el inicio de los 80. Tracks
como “Re-make/Re-model”, “Ladytron”, “Do
the strand” y “In every dream home a heartache”
se inspiraron en gran medida en la teoría cultural
contemporánea y fueron, en cierto modo, retro y
modernos a la vez, intelectuales y viscerales, pop y
anti-pop. La banda fue convenientemente agrupada
en el glam —pero en realidad, exhibieron poco de
su glorificación del exceso estilístico.
La ambición de Eno es otra historia por completo —
pero lo llevó a marcharse antes de que comenzaran a
trabajar en su tercer álbum. A sus filas se unió Eddie
Jobson, más inclinado a lo clásico, y continuaron
con Stranded, Country Life y Siren, este último
con el ahora clásico sencillo “Love is the drug”.
Pero canciones de los discos previos —“A song for
Europe,” “Mother of pearl” y “Out of the blue”— se
dirigían hacia una parte más gentil y sensual. Se
desintegraron durante cuatro años y regresaron en
otra versión con Manifesto, después Flesh + Blood
y su decisivo final, Avalon. Para entonces, una
generación de discípulos, algunos de la talla de Duran
Duran y Spandau Ballet, dominaban las listas de
éxitos. Mientras su progenie les daba la vuelta, Roxy
se desintegró en 1983.
Ferry ya había hecho cinco discos bajo su
nombre pero fue hasta ese momento que su
carrera como solista llegó al estrellato —debido
al éxito internacional de Avalon. No decepcionó.
El sencillo del glorioso Boys and Girls (1985),
“Slave to love”, fue un hit mundial que cimentó
su imagen de seductor. “Kiss and tell”, del disco
siguiente Bête Noire, triunfó en Estados Unidos
debido a su inclusión en la película Bright Lights,
Big City, basada en la novela de Jay McInerney.
De acuerdo con los rumores, la letra de la rola era
una daga apuntando hacia la exnovia supermodelo
de Ferry, Jerry Hall, quien lo dejó por Mick Jagger,
aunque él ya se había casado con la hermosa
socialite Lucy Helmore.
El cantante se tomó seis años para lanzar un disco
de covers, Taxi (1993), seguido por el oscuro
Mamouna, en el que se reunió con Brian Eno —lo
que no afectó a elevar su perfil comercial. Era el
álbum de material original que daría a conocer en
una década que vio al grunge y al techno dejar a
muchos iconos noventeros al margen.
Ferry cerró los 90 con As Time Goes By, colección
de estándares de jazz grabada con una orquesta
completa. Fue recibida con entusiasmo universal.
Después, lo inevitable, Roxy Music anunció su
reunión en 2001 en una conferencia de prensa de
saco y corbata en un hotel de Londres. Para la
banda era esencial revisitar un legado que era uno
de los más importantes en la historia del rock and
roll. Varios de los conciertos y giras que seguirían
serían emocionantes para los fans. Curiosamente,
el material prometido nunca se produjo.
De manera simultánea, otro álbum solista de Ferry
en 1990, Frantic (que contó con la participación
de Jonny Greenwood, de Radiohead, en la guitarra),
lo regresó a las listas de popularidad. Dylanesque
(2007) era Ferry cerrando el círculo artístico en
cierta manera —líder de una banda cuya existencia
y vitalidad se debía al rechazo de los ideales hippies
haciendo honor a un icono definitivo del movimiento.
Con toda la emoción con respecto a la posibilidad
de un nuevo material de Roxy, el disco solista
de 2010 de Ferry, Olympia, jugó ese papel, sin
la consagración oficial. Fue liderado por Rhett
Davies, productor de algunos materiales de
Roxy Music; incluyó participaciones de Eno,
Manzanera y Mackay; y pareció tanto estética
como ideológicamente asimilar todo el alcance de
la carrera del cantante. La portada con la imagen
de Kate Moss combinaba perfecto con las mujeres
fatales de las primeras portadas de Roxy Music.
Una vez más en la vorágine de la relevancia cultural,
Ferry lanzó un golpe maestro a finales de 2012,
The Jazz Age. Es una colección de covers a sí
mismo, como solista y como integrante de Roxy,
recreados como piezas de jazz instrumental de
1920. Afortunadamente coincide con el lanzamiento
de una de las películas más esperadas de 2013, la
versión de Baz Luhrmann de The Great Gatsby,
con la participación de Leonardo DiCaprio y Carey
Mulligan. El director no sólo tomó prestados un par
de temas para el soundtrack, sino que le pidió a Ferry
la creación de música adicional.
Y así, 42 años después de iniciar un viaje
creativo que cambiaría la manera en que la
música, el arte, el cine, la moda y los medios
coexisten, Bryan Ferry parece estar una vez
más en el centro de todo.
F I L T E R . 53
TRIBUTO
flying down to Rio’ sobre un riff minimalista y
proto-punk.
REVIEWS
VA MPI RE
WEEKE N D
Modern Vampires of the City
Terrícolas Imbéciles
90%
De Afganistán, Estados Unidos, India, Inglaterra,
Irlanda o incluso México, de ahí provienen los
modernos vampiros citadinos, al menos Junior Reid
así lo estableció en 1989 a través de la canción “One
blood”, dance hall que pone la primera línea para
el tercer disco de Vampire Weekend, pero mientras
el jamaiquino hablaba de unidad racial y establecer
a la humanidad bajo una misma sangre, Modern
Vampires Of The City es sobre grandes ideas y miedos
aún mayores que trascienden el temor al fracaso
en la industria de lo inmediato, no responden a la
idea de mimar el estatus del nuevo grupo preferido
neoyorquino o mantener frescos sus múltiples
proyectos alternos en SoundCloud.
El nuevo disco de Vampire Weekend es sobre evocar
una especie de estremecimiento por medio de un
pop algo rarito centrado en la muerte y el miedo a lo
desconocido, otorgando cierta belleza que mantiene
a la banda lejos de la crisis ligada con la novedad que
solía ser en el año 2007, cuando las críticas en blogs
los impulsaron hacia los medios convencionales.
Modern Vampires Of The City es sobre cinco años,
tres discos, múltiples apariciones en festivales y una
demanda, lo que significa algunos cambios al interior
que repercuten en lo que escuchamos.
54 . F I L T E R
Foto Terrícolas Imbéciles
Sí, todavía es una banda de pop estadounidense
recostada sobre una extensa cama de afropop, pero
Vampire Weekend ya no se centra en correcciones de
estilo, tendencias y lo fabuloso de las universidades de
prestigio, llega al 2013 con sus integrantes bordeando
los 30 años de edad, totalmente conscientes de la crisis
económica que no anuncia su retirada. Pero aún con
las diferencias, las letras de Ezra Koenig —puestas en
el orden correcto— parecen reflejar ese crecimiento,
como el tercer capítulo de una historia que intenta
arrugar las idiosincrasias y, al mismo tiempo,
mantenerse familiar.
Regresando al 2007, cuando la cobertura de un blog
parecía poco trascendente y su impacto aún era
dudoso, Vampire Weekend surgió en un contexto
que empezaba a exigir una evolución viral a través
de internet, un juego que dominaron plenamente sin
necesidad de grandes estrategias o todo el aparato
de social media que se utiliza en la actualidad. Para
el momento en que su álbum debut homónimo fue
lanzado, lo que más se discutió fueron sus influencias,
mas no el esfuerzo de reunir a miles de personas
en YouTube para ver su concierto en el Roseland
Ballroom, era una banda más cercana a las bromas
que realizó Steve Buscemi en los cortos previos a su
participación en la serie American Express Unstaged.
De 2007 a 2013 el mundo parece haberse encogido
debido a la red, pero la cultura parece haberse
ampliado, al menos en los rangos abarcados por
Vampire Weekend en Modern Vampires Of The City, el
grupo realmente intenta moverse y liberarse del estilo
que lo hizo más famoso, agregando el ruido que en
los 90 fue conocido como alt-rock, algo de hip-hop
y la notable habilidad de no tener miedo a crecer,
aunque con la absoluta consciencia de que todo
tiene fecha de caducidad.
La música ha dado un paso hacia adelante, pero
puedes detectar ecos de “M79” y “Walcott” de su
álbum debut, así como de “Cousins” y “White sky”
de Contra. La separación la brindan “Everlasting
arms” y “Finger back”, que justo a la mitad hacen
que el tercer álbum desarrolle otro Vampire Weekend,
antes de eso todo es familiar, después elimina las
preocupaciones sobre lo que podría desarrollar
Vampire Weekend en este momento de su trayectoria.
Tal vez se trate del peso de la mortalidad, las letras
dan la impresión de un Koenig encontrando la marca
de la angustia, pero aún con la pesadez de las palabras
es un material ligero, lleno de canciones de engañoso
ritmo alegre, accesible en la rotación en el oído, capaz
de quedarse largo rato como si ya lo conocieras, pero
no deja de recordarte que ya no es sobre el exitoso
crossover o los coros contagiosos, sino de la calidad
de la música.
Es el fin de una fase, seguramente apuntan a la
cima, pero ya no enterrando sus pensamientos en
una miríada de referencias culturales.
Vampire Weekend nos ha dado un disco de pop
resplandeciente e inmediatamente amable. Fue su
tercer intento y nuevamente lo logró con éxito.
En esta época pocos pueden decir eso sin pasar
inmediatamente al olvido.
KARINA CABRERA
F I L T E R . 55
REVIEWS
DAVID BOWIE
Bowie 1965! (EP 7”)
EMI, 2013
80%
Bowie fue muy bien recibido al lanzar The Next
Day, un disco extraordinario que no está lejos de
los materiales lanzados antes de su retiro de una
década. La realidad es que debido a producciones
fundamentales como la ‘trilogía de Berlín’ y The
Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from
Mars, su nombre es sinónimo de sorpresa.
En el EP de siete pulgadas lanzado como edición
limitada para Record Store Day 2013 es admirable que la nueva capa que descubrimos de Bowie
provenga de los años previos a la formación del personaje, la época en que se propuso ser compositor y
buscó la inspiración en la práctica diaria del oficio
hasta que encontró su estilo en Space Oddity (1967).
Bowie 1965! es material previo que muestra las
56 . F I L T E R
influencias y el inevitable pop que corría por
venas que todavía no eran alienígenas. En el EP
lo descubrimos con cuatro tracks que desde hace
años rondaban YouTube de The Manish Boys y
Davy Jones & The Lower Third, grupos en los que
ya se ven temas constantes, como en “Take my
tip”, que ya incluye la frase “you’re playing with
the spider who possess the sky…”, demostrando
que la araña empezó mucho antes de la década
de los 70.
KARINA CABRERA
BICICLETAS
Magia Amor Locura Animal
POP ART MUSIC
79%
El tercer LP de esta agrupación argentina tiene la
misma frescura que sus predecesores, pero denota la madurez y experiencia que han adquirido.
“Magia” es la canción con la que abre el álbum y
su coro lleva con orgullo el nombre de este material mientras te pone a bailar.
En rolas como “Buen día” y “Amigos” se percibe
un gran porcentaje de buena vibra en las letras,
mientras que lo que dicen otras como “Fiesta” y
“Siempre” es algo con lo que cualquiera podría
identificarse. Sobre “El pistolero”, primer sencillo
del que ya existe un video, sólo hay que aclarar
que es difícil que quien la escuche se la pueda
sacar de la cabeza.
Desde el EP Cubiertas (2011) se notó el cariño
de los Bicis a México y con este disco ese fugaz
desliz se transforma en una relación sólida si
tomamos en cuenta que parte de este material fue
compuesto mientras vivieron en el Distrito Federal, prueba de esto es “El extranjero” y (probablemente) “Sicario”. Con “Adelante” y “Mañana”,
el álbum cierra con un dejo de melancolía, que
nos hace ansiar nuevas canciones o, al menos,
escuchar todas éstas en vivo.
PAMELA ESCAMILLA
REVIEWS
The Breeders
LSXX
4AD
85%
El recorrido de 39 minutos altamente promovido
en la nación alternativa de cortes instrumentales,
experimentación avant-garde, recuerdos de grupos
femeninos de los 60 y distorsión no era el mejor
álbum de aquella época. Sin embargo, 20 años
después Last Splash es un verdadero ejemplo de lo
que sobrevivió y se intenta retomar vía la nostalgia
en vivo.
La celebración llega con la misma versión de 1993
que ya hemos escuchado, la misma fidelidad y
orden, un manifiesto de que The Breeders considera
que así como lo lanzó hace dos décadas era perfecto
y no necesita modificaciones, o que 4AD prefirió
ampliar la idea a través de los agregados, 30 para ser
exactos. Lejos de la idea de que ya tenías ese mismo
disco, las hermanas Deal crecen a través de LSXX
mostrando qué tan creativas podían ser, así como
las múltiples capas que encerraba The Breeders.
El conjunto de 44 tracks es una larga lección de historia de un breve periodo de tiempo, sobre una banda que no tuvo gran éxito al iniciar justo cuando se
lanzó Bossanova de Pixies, pero que con su segundo
álbum y el impulso del sencillo “Cannonball” creó
una curiosidad que era difícil ignorar.
Lo mismo ocurre con LSXX, sus demos, rarezas y
versiones para la BBC son muchas aproximaciones
de una misma banda buscando un sonido, pero
todo cambia con el extra titulado The Stockholm
Syndrome. El concierto grabado en Suecia en 1994
evidencia la fricción al interior provocada por ciertas adicciones con la frase ‘The next song is “Saints”
and Kelley is going to start it ... We hope’. Es el
declive de un grupo que después no pudo volver a
remontar, pero que si volviera a lanzar Last Splash
se encontraría más fresco que muchas otras cosas
que escuchamos.
KARINA CABRERA
TURBINA
Leti’ Hum Eek’ -Inda Jani- Mish
Masadi Vol.2
Intolerancia
70%
Pocos grupos nacionales rompen las barreras establecidas. Muchos se enfocan más bien en trabajar en
un género que saben qué le gustará al público, como
un pop-rock o un rock básico. Sin embargo, Turbina
lanza un disco que nos da la esperanza de que las cosas cambian para la escena nacional. Al escuchar Leti’
Hum Eek’, la música que escuchamos es una mezcla
experimental y psicodélica que pocos pueden copiar,
mucho menos crear. Más allá de guitarras distorsionadas y pianos, el grupo incluye bucles y máquinas
de batería para explorar qué tan lejos pueden llegar.
A pesar de ser el trabajo más arriesgado que se ha
escuchado por parte de un conjunto mexicano en varios años, Turbina va más allá e incluye un homenaje
a las lenguas regionales de México, como el maya, el
zapoteco y el mixe.
Las fusiones de sonidos que se escuchan en este disco
son demasiadas, ya que pasa del rock a lo psicodélico,
y a lo experimental dentro de las mismas canciones. “Lego delator”, en la que participa Bocafloja,
mantiene un misticismo y cuenta con una serie de
sintetizadores que se mezclan muy bien con la voz.
Por su parte, Daniel Zlotnik, reconocido saxofonista, le inyecta al disco su propio estilo al mezclar los
sonidos experimentales de Turbina con una clase jazz
contemporáneo. Su colaboración va muy de la mano
con los pianos que se pueden escuchar en varias de
las canciones. También recomendamos la canción
“Philia”, porque durante esos siete minutos de duración los músicos explotan de manera exquisita los
instrumentos.
A final de cuentas, todo parece indicar que Turbina
hizo de este disco una lasaña; los chicos metieron
toda clase de ingredientes y el resultado es muy
bueno. Arriesgado, pero finalmente, es lo que necesitamos.
ALEJANDRO ROCHA
THE NATIONAL
Trouble Will Find Me
4AD, 2013
85%
De la grandeza de Alligator, a la casi perfección
de Boxer al momento mainstream de High
Violet, pasando por las comparaciones con
R.E.M y Wilco, el quinteto de Brooklyn ha
intentado no sacrificar la integridad artística
en favor de la máquina de hacer discos, se
tomó su tiempo para meditar profundamente y
lograr que The National sea un crossover, pero
no de sonido, sino de espíritu, entre la gran
aceptación que llena estadios y la modestia del
escenario pequeño.
Sabían que se esperaba un High Violet II, en vez
de complacer crearon un material que resiste la
separación en sencillos, pero busca aquel viejo
concepto de álbum y retomar el ejercicio de
sentarse a escuchar el disco como un todo que
necesita un track seguido de otros 12.
Trouble Will Find Me tiene un arco progresivo,
es una invitación para superar las tentaciones
impuestas por la generación del random, no es
un álbum para el salto continuo, es necesario el
recorrido completo para capturar las canciones viscerales y la voz de Matt Berninger en
crecimiento durante 55 minutos, con letras
más complejas encontrando un balance entre lo
ostentoso y lo íntimo.
A diferencia de las grandes orquestaciones de
sus discos anteriores, The National esta vez
buscó cierta austeridad a través de texturas sintéticas y bajos, todo para lograr una
sensibilidad pop y jugar con esa idea de que se
trata de canciones divertidas sobre la muerte,
sin rellenos gracias a una selección que logra
que Trouble Will Find Me sea tanto oscuro
como melancólico, edificante y silenciosamente
eufórico.
KARINA CABRERA
F I L T E R . 57
REVIEWS
LA BANDA BASTÖN
Todo bien
Independiente
70%
Muelas (MC) y Dr Zupreeme (productor/DJ) han hecho un disco en el que ambos se sienten cómodos. Los
flows de Muelas se mueven bien entre los beats funk,
jazzy; guapachosos y rappers de Supremo.
Los temas van del ego trip (“Quiúbole”), las mujeres
(“Chula”) y el sexo (“Habitación con jacuzzi”), al
barrio (“Los ayeres”) y el país (“Pantanos”).
Su marca de distinción, como parte de La vieja guardia, son los juegos de palabras con el slang ‘de la calle’,
como es el caso de “Así se habla”.
Todo bien. Es un disco que tiene todo para estar bien,
sin correr riesgos: los temas típicos del rap, las colaboraciones de la casa y ritmos para todo gusto.
“Me gustas” es lo que se sale de la lista. En esta
canción, Mu escribe sin ser genérico de un affaire que
lo enloquece, ‘Me gustas, me buscas, me encuentras,
me usas, me gustas…’, sobre una base funk. Un track
fresco del que sólo sale una pregunta: ¿por qué no
salieron del promedio y nos dieron más canciones así?
ALEJANDRA LIMÓN
Mark Kozelek
Like Rats
Caldo Verde
76%
Hacer covers puede resultar complicado y hacer álbumes compuestos en su totalidad por éstos los es aun
más. Al igual que con su más conocido disco de covers
a Modest Mouse como Sun Kil Moon, Like Rats, de
Mark Kozelek toma una variedad de canciones desde
(Descendents, Sonny & Cher) y las convierte en versiones a veces irreconocibles. Los fans de estas canciones
puedes encontrarlas completamente irrelevantes,
pero para aquellos que se interesan en el trabajo de
58 . F I L T E R
Kozelek, pueden encontrar una colección interesante
que se presta para la deconstrucción intelectual y para
simplemente escucharlo.
JEFFREY BROWN
HAVALINA
H
Origami Records
Sire/ADA
70%
Escuchar la música de la banda española Havalina es
como meterse por las callejuelas oscuras de Madrid, pero
en H, su más reciente producción, ya se notan algunos
destellos de luz entre ese rock atormentado que tanto gusta a sus integrantes y que han mostrado en sus anteriores
LPs: Junio (Estoescasa, 2007), Imperfección (Origami,
2009) y Las Hojas Secas (Origami, 2010). “Norte”, la rola
con la que abre el disco, tiene una introducción larga que
funciona como presentación de las influencias que tiene
este trío de rockeros, como Sonic Youth, el lado denso de
The Cure y hasta lo más pesado de Caifanes. Incluso, el
timbre de voz de Manuel Cabezalí semeja un poco al de
Saúl Hernández. Si bien las guitarras, las distorsiones y
los delays son el sello de Havalina, en “Viaje al Sol” son lo
más evidente; aquí sólo dan dos minutos de canción, pero
es tiempo suficiente para sentir la intensidad del ruido de
sus instrumentos.
Mucha lira y poca letra es lo que ofrece “El estruendo”,
que con un coro cantado por la guitarra recuerda a la
música árabe. A este track le sigue “Compañía felina”, que
después de la tormenta ruidosa muestra una canción de
rock más clásica y alegre, éste es el mismo caso de “Viernes” que, salvo el final clavado, es ágil y de fácil digestión.
Un defecto de dos temas del disco es que empiezan con
un conteo de baquetas que se hace innecesario, pero eso
es exquisitez, quizá el punto más débil sean las repeticiones melódicas que en canciones como “Música para
peces” (que dura 7 minutos y medio) dan ganas de pasar
a la siguiente.
H es un disco que consolida el estilo de los madrileños
Havalina y da fe del virtuosismo interpretativo de sus
integrantes.
CRISTINA SALMERÓN
QUEENS OF THE STONE AGE
...Like Clockwork
Arts and Crafts Vagrant
80%
Después de un largo periodo en el que escuchamos más silencio de QOTSA que de los proyectos
Eagles of Death Metal, The Dead Weather y Them
Crooked Vultures, el grupo regresa con una batalla
de demonios en el exterior, en la que todos los sonidos
empujan hacia el principio.
...Like Clockwork no gira hacia adelante, sino hacia
atrás, al territorio familiar, pero el camino no es tan
simple como ir hacia las raíces, ya que es también un
‘un documental de audio de un año maníaco’ al que
se sumaron colaboraciones tan obvias como las de
Brody Dalle (esposa de Josh Homme), Dave Grohl,
Mark Lanegan, Nick Oliveri y Trent Reznor, con un
refresh sonoro con Alex Turner (Arctic Monkeys),
Jake Shears (Scissor Sisters) y un inesperado Elton
John.
A pesar del gran elenco, el único músico que hace
imborrable su presencia es el mismo Homme, da
todas las características del volumen y la búsqueda
de la seducción en la oscuridad, aunque esta vez, lejos
del desierto y el exceso. En su debut querían anunciar un sonido, en Rated R evidenciaban que eran
diferentes y extraños, en Songs for the Deaf deseaban
experimentar, pero Lullabies to Paralize era sobre las
indulgencias de The Desert Sessions y en Era Vulgaris
contrastaban el viaje del desierto hacia Hollywood.
Sin embargo, en ...Like Clockwork encontramos
narradores caricaturizados autoexplorándose en un
tejido de líneas de guitarra perfectamente adictivas.
Es sobre la precisión de un reloj, es complejo pero más
pegadizo que los anteriores discos de QOTSA, eso
significa que es menos stoner y más orientado a las
canciones, con Homme encontrando una vía alterna
al desierto del sur de California para profundizar en
su música, pero sin poner en peligro su identidad.
KARINA CABRERA
nuevo disco de
F I L T E R . 59
NOTA FINAL
Donde la magia sucede:
Armory Studios, San Francisco
Por RODRIGO JARDÓN
The Armory es un enorme edificio histórico de la ciudad de San Francisco,
California, que sirvió para guardar las armas de soldados de principios del siglo
pasado y que desde el 2007 es el hogar de kink.com, un imperio de pornografía
para “sexualidades alternativas” o BDSM (Bondage, Disciplina y Dominación,
Sumisión y Sadismo, y Masoquismo). Este paraíso porno ofrece hoy en día
60 . F I L T E R
visitas guiadas a sus instalaciones, que van desde calabozos llenos de celdas,
tambos de lubricante, cadenas y grilletes, hasta exquisitos salones decorados con
tapetes, cortinas de terciopelo, candelabros y pinturas al óleo que retratan escenas
de sus cintas pornográficas extremas.

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