100 Consejos Esenciales - Revista Enfoque Visual

Transcripción

ESPECIAL DE EDICIÓN
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REVISTA ENFOQUE VISUAL / Noviembre 2015 - Marzo 2016
100 Consejos Esenciales
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por: gustavo pérez
10
consejos técnica FOTOGRÁFICA
Especial de Edición
[email protected] twitter: @photoguzzo Instagram: @gustavoperezphoto
1. Ampliando
el rango de
contraste
Cuando realizamos una
fotografía y está muy
contrastada, perdiendo sus
detalles más finos en las
zonas de luz o de sombra, es
posible modificar su resultado
desde la toma. Ubicando en
su Menú, “Estilos de imagen”
particularmente en el ajuste de
contraste, ensaye de acuerdo a
su cámara y necesidad, mover
entre el más y el menos, para
conseguir ampliar la cantidad de
valores a corregir. Compare sus
resultados y observe la ganancia
en estos detalles.
2. Los pre-ajustes (Horquillados)
Son aquellos que permiten fijar los parámetros
de uso de las funciones de la cámara, tales como
el uso de botones, prioridades del sistema, o la
programación de funciones que permiten hacer
fotografías automatizando acciones. Un ejemplo
común es el “Bracketing”, que permite hacer
fotografías sucesivas, con cambios específicos de
valores de ajuste en la cámara.
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5.BokEh fácil
La utilización de ópticas luminosas
permite el uso de diafragmas muy
abiertos que facilitan la producción
de BOKÉH. Utilice un cuadrado
pequeño de cartulina negra que cubra
su lente frontal y recorte una forma
cualquiera en el centro de esta; el
motivo principal debe encontrarse
relativamente cerca y las luces en el
fondo para producir el efecto.
3.Equilibrio de las
temperaturas de color
Se refiere a los ajustes que podemos realizar
en cada valor predeterminado del balance de
blancos (WB). Se encuentra en cada icono de
referencia del tipo de luz y permite variar con
precisión el color, para un ajuste más exacto en la
búsqueda del balance de blancos óptimo de una
fuente. Sus variaciones se dan en grados Mired.
4. Exponiendo a la derecha
Es una técnica de análisis y ajuste del
histograma cuando se está haciendo una
fotografía en formato RAW, para lograr el
máximo de respuesta en la captación de
luz, evitando la producción de ruido en las
sombras. Consiste en mover hacia la derecha el
Histograma, con los diafragmas o velocidades,
hasta encontrar el límite de exposición.
6.Buscando la
exposición correcta
Todo sistema expositivo ha sido calibrado para
ofrecer un resultado preciso, nuestra base es el
“Gris del 18% de reflectancia”. Esto obedece a una
realidad contundente: el mundo reflejado por la luz,
es también gris en la síntesis total de sus colores
(síntesis partitiva de color luz). Cuando uno se
enfrenta a situaciones que no reflejan este promedio
usual (la nieve, la playa), debemos buscar medir
precisamente ese valor. Entonces, sitúe una carta
gris de 18% de reflectancia hacia la luz principal que
ilumine nuestro motivo, y encuádrela exclusivamente
sin producir sombra sobre ella. De esta manera
podremos obtener la exposición correcta sin dudas.
7.Entendiendo el Fill-flash
(Flash de relleno)
El software de control que relaciona los flashes con las
cámaras fotográficas, hoy nos permite lo que antes era
un procedimiento de cálculo muy complejo: la relación
entre el flash y la medición de la luz de la cámara. La
denominación TTL (Through the lens), relacionada con las
diferentes referencias y marcas de cámaras, permite que
se realice inicialmente el cálculo general de exposición de
la luz de día. Preferiblemente utilice un Modo de abertura
o Tiempo de exposición y el sistema AF, coloque en su
flash BL o Fill-flash para que todas las valoraciones sean
tomadas en cuenta y puedan ser procesadas. Busque
rellenar los valores excesivos de contraste o las sombras,
pero no duplicar la exposición del sol.
8.La Ley
de la mirada
9. Destellos cortos y los
“congelados”
10.El efecto Zoom
Es conocida como una ley fotográfica y es
relativa al retrato o a las imágenes en que se
quiere enfatizar la dirección a la que se dirige
algo, dejando un espacio de vacío (“aire”),
hacia esa misma dirección, para acentuarlo.
Esta ley le proporciona sentido y alterna con
la estética compositiva.
La duración de un destello de flash externo es de
1/700s a 1/2.500s, esto permite que los elementos
de acción, puedan quedar quietos (“congelados”), no
necesita hacer sincronizaciones con los valores de
obturación altos, ni tener luces continuas encendidas.
Tan solo calcule la exposición del flash, coloque el
diafragma y sea oportuno en la obturación.
Se requiere una cámara que permita mover
manualmente el zoom durante la toma. En lo
posible utilice un trípode, use un ISO bajo,
al igual que un tiempo de exposición lento
(Ej. 1/15s o menos). Mueva el zoom al mismo
tiempo que la obturación sin parar, hasta que
finalice la toma. Ensaye varias combinaciones
hasta que lo logre.
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por: gustavo pérez
10
consejos técnica FOTOGRÁFICA
[email protected] twitter: @photoguzzo Instagram: @gustavoperezphoto
14. El múltiple
destello del flash
17. Iluminación para
Macro-foto
Para entender esta técnica debe tomar
en cuenta el cálculo recíproco de la
exposición. Suponga que usted necesita
fotografiar un objeto estático y con
trípode, a un diafragma f/22, pero
su flash solo se genera en un destello
a f/11. Podrá entonces hacer este
cálculo para lograrlo: 1 destello= f/11, 2
destellos = f/16, 4 destellos =f/22.
Lo ideal es un campo amplio de luz en
un pequeño espacio, las luces duras y
contrastantes no ayudan siempre, pues
resultan difíciles de controlar. Un camino
sencillo es la difusión. Debe procurar
modificar la luz de su unidad de flash,
haciendo una pequeña caja suavizadora
de luz, para interponerla entre el flash
y el motivo. Utilizando un cable de
sincronización o radio, acérquelo a su
objeto, calcule la exposición y obtendrá
una luz muy pareja.
11. Ley de los tercios
Ley fotográfica descendiente de la composición
Aurea. Facilita al fotógrafo un esquema, dónde
le permite guiarse en el momento de componer
la imagen. La razón de esto es proporcionar
una forma diferente de ver y ubicar los
elementos de la toma y cambiar la composición
simétrica tradicional.
12. El plano Holandés
Es una activa forma compositiva, derivada del
sistema triangular de composición. Nacida en
el cine y adoptada por la fotografía, también
es conocida como plano aberrante. Se refiere
al manejo angulado de la toma, buscando
enfatizar la perspectiva, las líneas y formas, por
medio de un encuadre diagonal, resultando una
composición diferente, dinámica y muy atractiva.
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13.Usando la distancia Hiperfocal
La realidad es que la mayoría desconocemos el cálculo
y el uso de la Distancia hiperfocal. Consiste en el
aprovechamiento de la óptica física que se aplica en cada
objetivo fotográfico, respecto del cubrimiento de nitidez,
de acuerdo a su distancia focal y cada diafragma que se
use. Existen fórmulas físicas y gráficas que nos ayudan a
encontrar estas distancias y a obtener campos nítidos, solo
por la elección del diafragma y el punto dónde ajustar el
enfoque. La idea principal, es la de extender al máximo los
campos nítidos, desde un punto cercano a usted, hasta lo
más lejos que pueda observar.
15.La rejilla de encuadre en
su cámara
16. Cambiando el punto
de enfoque
La mayoría de los modelos de cámaras ofrecen a
sus usuarios rejillas (composición geométrica),
o matrices de encuadre (ley de tercios), que
facilitan la composición estética mediante el
uso de guías en el visor o en la pantalla. Estas
se pueden activar a través del Menú, o bien en el
botón INFO o DISP (display).
Cuando requiera enfocar automáticamente su
cámara y el motivo quede desplazado de su centro,
usted puede modificar el punto AF hacia su objetivo.
Se puede lograr mediante el movimiento del punto
AF con el cursor de la cámara, disponiéndolo en el
lugar de su necesidad y fijándolo, para que siempre
en ese lugar se realice el cálculo de la distancia.
18.Reflector hecho en casa
19. Composición geométrica
Las sombras duras y la imagen plana de la luz
del flash portable, pueden ser modificadas
mágicamente por la reflexión sobre una
superficie reflectiva. Basta con conseguir una
cartulina blanca y hacerle algunos plegados,
creando un soporte simple para acondicionarlo
a su flash. La luz será suave y pareja, ampliará la
cobertura, pudiendo utilizar lentes más abiertos.
Utilizada por los fotógrafos como guía indispensable
para facilitar la composición, relacionando los
componentes de la imagen entre sí. Cuando
queremos impactar en una imagen, buscamos
generar recorridos visuales que faciliten entender
el sentido comunicacional y emocional de la foto.
Las líneas y los triángulos facilitan al observador,
reconocer el sentido compositivo del autor.
20.Evitando la vibración
(Trepidación)
Para resolverlo, el trípode es la solución más concreta,
también están los estabilizadores para movimientos
específicos o aleatorios. De no tener las anteriores,
use una superficie sólida como apoyo; o bien, use un
cordel resistente atornillado a su cámara y extendido
hasta sus pies en forma de triángulo, tensionando su
cámara hacia arriba logrará mejorar la estabilidad.
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por: jairo zambrano
10
consejos retrato
www.jairozambrano.com twitter: @photojairozam Instagram: @jairoza
7. Lentes ideales
para retrato
Más allá de una buena cámara,
una gran variedad de lentes
es indispensable al momento
de retratar, hoy en día existen
lentes zoom de gran calidad,
donde la apertura en toda su
extensión es de f2.8, esto da
para jugar con ellos y poder
dejar el fondo desenfocado y así
concentrarnos en la persona
retratada, lo mejor es tener
lentes teleobjetivos mayores
a 70mm estos favorecen la
forma de la cara de la persona y
comprimen el fondo también.
1.Como enfocar en retrato
Los ojos son el alma del retratado, de allí la importancia de
enfocar siempre los ojos de la persona, si los ojos están en
foco, se tiene el sentido de que toda la foto está en foco, si
utiliza los puntos focales en su cámara, póngalos siempre
sobre los ojos, si enfoca manualmente haga lo mismo.
2. Raw
Siempre dispare en R AW, en retrato es muy
importante que los tonos de piel queden bien, pero la
exposición para cada rostro es diferente, imagínese
una foto grupal donde hay pieles blancas, morenas y
negras, no todas las caras van a quedar bien ya que
cada piel ref leja la luz diferente, si dispara en R AW
puede modificar cada piel a Su gusto.
3. Mejor ángulo de una persona
Al retratar, el fotógrafo debe reconocer el mejor ángulo de
una persona, el perfil derecho e izquierdo de cada persona es
diferente, si fuéramos simétricos seríamos como el personaje
de huevoduro en Condorito. Hay un perfil donde la persona
se ve más delgada que en el otro, por lo general este sería
el perfil a escoger, esto es indispensable al momento de
buscar el mejor ángulo, otro buen consejo es retratar los dos
perfiles de la persona antes de iniciar su sesión fotográfica y
decidir cuál es el perfil a retratar. Esto no es necesario si se
realiza retrato documental, ya que allí prima la persona en su
entorno, y no su belleza.
4.Relación fotógrafo - modelo
5. Iluminación en Estudio
6. Iluminación en exteriores
Sea carismático con las personas que va
a retratar, usted no es un fotógrafo de
producto sino de retrato, si hay una buena
relación entre el fotógrafo y la persona que
va hacer retratada, se asegura una sesión
fotográfica exitosa, la amabilidad no pelea
con nadie, averigüe los gustos de la persona y
la expectativa que tiene con sus fotos.
Configuración recomendada: la principal (una caja muy
difusora en especial una Octa), una de relleno, dos para
el fondo (para lograr fondo blanco sin detalle), y una
para el cabello. Con estas cabezas puede hacer fotos de
iluminación plana, contrastadas y tipo Rembrandt. Para
la luz de cabello es bueno tener un panel de abeja para
concentrar la luz, para la luz de relleno use una sombrilla
y para el fondo la úselas con campanas.
Dos opciones, la primera speedlights, mínimo
con un difusor, o una batería con dos antorchas
de luz, utilice una luz con difusor para las
personas y la otra para hacer contraluz o
iluminar fondos, pero siempre cuente con dos
luces para solucionar cualquier situación. La
última batería Profoto, la D2, es simplemente
espectacular para exteriores.
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Como modificadores de luz, recomiendo dos cajas de luz
medianas para hacer contraluz o iluminar fondos suavemente.
8. Tipos de fotografía
de retrato
9.Vestuario para
fotografía comercial
10.Entrega final
Para mi hay tres tipos de fotografía de retrato, el
comercial, el editorial y el artístico. El enfoque de
todos es totalmente diferente, planee qué tipo de
retrato va a realizar, para comercial busque la armonía
(necesita un buen equipo de iluminación), busque que
el cliente siempre quede bien, para editorial la palabra
clave es entorno, y para artístico originalidad.
Busque siempre la uniformidad en la ropa,
especialmente en fotos grupales, si hay mucho color
nos concentraremos en los colores vivos, dejando
lo otros colores a un lado. Estamos haciendo foto
de retrato, no de moda, la ropa no debe llamar la
atención sino los rostros de las personas que van hacer
retratadas. Evite mangas sisas en mujeres mayores.
No economices en un laboratorio fotográfico
donde no te garanticen el color, al momento
de entregar el trabajo impreso. Ya que todo su
trabajo puede no ser favorable, al momento de
imprimir un color fuera de tono. Los colores
piel son muy delicados, nadie querrá verse en
una impresión con una cara verdosa. Pida a su
laboratorio los perfiles ICC del papel a usar.
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por: César David Martínez
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consejos Paisaje Y Naturaleza
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1. Entre más
alto mejores
fotografías
5. Generalidades
Ansel Adams tenía esta máxima
entre sus directrices. Colombia
está llena de montañas, hay que
subir para encontrar paisajes
con mayor impacto visual.
Desde lo alto el punto de vista y
el ángulo de visión se amplían
y develan siempre gratas
sorpresas. En los meses de
verano la nubosidad desaparece
en las mañanas y la bruma se
disipa. Hay que tener cuidado
de llevar bolsas secas y ponchos
para que en caso de una lluvia
nuestro equipo esté protegido.
2. Uso del filtro de densidad
neutra degradada
Este filtro, que controla la luminosidad de cielos
quemados manteniendo fiel el color nos permite
equilibrar los tonos de la geografía del paisaje
con las nubes y la textura del cielo. Excelente
para largas exposiciones en ambientes con agua,
tales como playas y cascadas. Muy recomendado
cuando no hay cielos azules o días soleados.
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El fotógrafo de naturaleza
debe estar armado de mucha
paciencia y fortaleza física
para cargar todo lo necesario
en largos trayectos, debe
anticiparse a los eventos,
conocer horas y épocas del año
ideales, las temporadas animales
y documentarse sobre cada
tema en particular. El fotógrafo
de naturaleza es el ojo que
muestra al común de la gente
aquellos lugares y criaturas que
probablemente nunca verán.
6. Uso del
Polarizador Circular
En ambientes donde hay reflejos naturales y cielos
azules, el polarizador nos ayudará a resaltar
los tonos de cuerpos de agua y cielos de azules
profundos, eliminando los reflejos que están sobre
ellos, Así mismo el verde del follaje y resaltará los
colores del arco iris. Es necesario que el polarizador
sea circular, ya que el lineal funciona solamente con
tecnología análoga. Muy recomendado que sea de
marca como Hoya o B+W para mantener al máximo
la nitidez y fidelidad de color, manteniendo un
diseño delgado que no viñeta las esquinas. Uno de
los filtros que usan los fotógrafos que no usan filtros.
3. Aves en vuelo de frente
4. No todo es positivo
8. Fenómenos naturales
Un verdadero reto para un fotógrafo de
naturaleza es capturar en foco un ave en vuelo.
Se requiere de mucha destreza y experiencia
en el manejo de los equipos, tales como un
buen teleobjetivo (mayor a 300mm), el manejo
del modo de autofoco servoasistido y lo más
importante, conocer las zonas y horarios en los
que se mueven las aves de nuestro interés.
Es deber del fotógrafo de naturaleza es
documentar y dar a conocer la deforestación,
el exterminio de especies, la contaminación
del medio ambiente, el calentamiento global
y las actividades negativas que el hombre
hace a costa de los recursos naturales, como
en este caso la deforestación en la Sierra
Nevada de Santa Marta.
Aproximarse y fotografiar fenómenos naturales
como la erupción de un volcán es algo muy raro,
es muy importante mantenerse informado de la
actividad vulcanológica del país ya que nos puede
dar oportunidades únicas de observar y documentar
estos eventos. Es necesario hacerlo desde sitios
medianamente cercanos, por lo que es bueno contar
con teleobjetivos para lograr una buena captura.
7. Nuevas disciplinas
El fotógrafo de naturaleza debe acercarse con respeto a
nuevas disciplinas para mejorar su producción fotográfica.
Hablo específicamente de deportes de aventura y de
la biología. Sin llegar a hacerse un experto, se pueden
experimentar en un nivel intermedio prácticas como el
buceo, la escalada, el montañismo, el parapentismo, la
ornitología, orquideología, la espeleología, el vulcanismo,
la astronomía y otros similares. Esto con el fin de ampliar
el espectro de posibilidades y conocimientos para hacer
mejores reportajes de naturaleza. Es necesario conocer
los detalles técnicos y de seguridad de cada una de estas
disciplinas, así como ir adquiriendo equipo y accesorios
fotográficos especializados para cada una de ellas.
9. Macro con
iluminación difusa
10. Construye historias
con la fauna
Un gran recomendado para fotografiar insectos
es usar anillos extensores de macrofotografía en
combinación con una caja de luz difuminada como una
softbox portátil, controlada inalámbricamente o con
cable de sincronización de flash. Con esta combinación
podemos cerrar nuestro diafragma y obtener muy
buenos planos de los pequeños habitantes del bosque.
Aproximarse a los animales en busca de sus expresiones
y costumbres, sus relaciones y comportamientos
siempre serán interesantes motivos fotográficos. Entre
más cerca, mejores fotografías, para eso hay que ser muy
silencioso, mimetizarse en lo posible con el entorno y
conocer los ritmos y costumbres de la especie de nuestro
interés. La paciencia es un aspecto fundamental.
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por: esteban escobar
10
consejos moda
www.estebanescobar.com twitter: @estebanesfoto
Instagram: @estebanescobarfoto
6. La luz natural
Se me hace más fácil trabajar
con luz artificial (el solo hecho
de poner un flash en frente de la
modelo te asegura buena luz),
por eso recomiendo insistir en la
luz natural, que es casi imposible
de emular con flash. La luz
natural te da un look muy fresco
y te exige más conocimiento, es
más compleja de entender pero
no requieres de equipos costosos
y al final te ayuda a formarte y
a tener herramientas y destreza
en el manejo de la luz. Como un
buen ejercicio para entender la
luz natural seria trabajar con una
ventana como fuente principal.
7. Disparar opciones
1. Moverse siempre
2. Al que madruga dios le ayuda
El punto de vista cambia radicalmente las cosas, por
esta razón siempre debemos tratar de proponer nuevos
ángulos y explorar cómo se ve de arriba, de abajo, desde
atrás, etc. Seguro veremos cosas diferentes que aportarán
creativamente a nuestro trabajo, mi concejo sería: no te
quedes quieto, siempre hay algo nuevo por descubrir.
Este dicho popular se hace muy importante para los amantes de la
fotografía y más aún para quienes nos movemos en el mundo de la
moda: la luz de las primeras dos horas del amanecer y del atardecer
son claves, ya que el sol está en el ángulo perfecto para una luz muy
cosmética y directa, en caso de que hagamos otro tipo de fotografía
es un momento ideal donde las texturas están en todo su esplendor.
Para mí es de suma importancia tener
varias opciones a la hora de hacer una
selección, una buena fotografía se logra
como producto del trabajo y la búsqueda,
así que no economicemos, ni en tomas, ni
en tiempo al momento de estar trabajando
un buen tema. Obtura y busca varias
alternativas de ángulo, de exposición, de
óptica, etc. Pues las cámaras digitales no
tienen límite en el número de disparos.
3. Menos es más ... Una luz
4. La óptica
5. El equipo no importa
8. Las buenas imágenes se trabajan
9. Hay que ver siemprE
10. flash de mano
El manejo de la luz es una de las principales claves
para una buena toma y a la hora de iluminar siempre
debemos recordar que nuestra fuente por excelencia
es solo una: el sol. Entonces para qué llenarnos de
luces, si la misma naturaleza nos ha mostrado que con
una es suficiente. Por esta razón siempre iniciemos un
esquema de iluminación con una sola luz, no importa
que al final terminemos poniendo muchas más.
Existe una batalla muy fuerte entre quienes
defienden la óptica fija y están en contra de los
objetivos zoom, sin embargo, estos lentes te
hacen más cómoda la vida, en el sentido de tener
varios acercamientos sin moverte de un mismo
punto. Los lentes fijos generan un desenfoque a
mi manera de ver, más bonito y te exigen estar en
continuo movimiento.
Con los adelantos tecnológicos de hoy en día, la
fotografía ha llegado a una muy buena calidad, tanto
en cámaras no profesionales, como en las de gama
alta; en estos momentos es más fácil hacer una buena
foto que hace 20 años (el ensayo error es un recurso
muy didáctico), por esta razón un equipo económico
te funciona perfecto en cuestiones de calidad. Así que
la gran diferencia la hace nuestro ojo.
Como todo en la vida, hay que perseverar y trabajar
mucho en la búsqueda de un logro, puede existir un
instante de suerte, pero no siempre. Los proyectos
llevan una planeación, una búsqueda y un arduo
trabajo para que su fin sea exitoso, así que hay que
trabajar mucho en la búsqueda de una buena toma
y tener una metodología de trabajo e investigación
como en cualquier otra rama de arte o conocimiento.
El acto creativo requiere de una gran dosis de
sensibilidad y ésta solo se logra gracias a la
información que le suministramos a nuestro
cerebro día a día. Es clave que nos informemos
que veamos y que investiguemos todo el tiempo
para que nuestro cerebro tenga herramientas a
la hora de crear. Nunca partimos en la creación
desde cero, siempre hay un punto de partida.
Esta herramienta no debe faltar en el kit de un
fotógrafo. Cuando la luz no es suficiente o la posición
del sol no nos ayuda, un leve relleno con un speedlite
hace una gran diferencia y no es un accesorio muy
costoso. La tecnología de sincronización y precisión
del flash con la cámara hacen que nuestros resultados
sean maravillosos. Y si lo complementamos con
radios esclavas, nuestras opciones serán aún mayores.
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por: Henry Agudelo
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consejos reporteria GRÁFICA
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1. PUBLICAR
7. EL AMOR
todo aquello que tu creas que tiene un objetivo en común,
que lleva un sentimiento, haciendo visible lo invisible,
de esta manera no esperamos que sea un medio de
comunicación el único en tomar esta alternativa, para eso
son las redes sociales, busca realizar una exposición, un
libro, un catálogo. Obtener historias de interés general, que
generen ruido en la comunidad, no dejemos que ellas nos
resbalen y se nos salgan de las manos. Miremos también
alrededor de nuestra familia, amigos o nuestra comunidad,
es allí donde están las verdaderas fotohistorias, las más
insólitas, las más cautivantes.
a tu profesión, esta se debe
ejercer con gran pasión y voluntad
para obtener un buen resultado.
Recuerda siempre disparar con el
corazón, fotografiar exige mucho
más por parte del fotógrafo, mayor
observación, deleite, tener fe en la
existencia de algo más allá de lo
meramente sensorial, y saber extraer
de la realidad misma la esencia
imperceptible a primera vista. Exige
ser uno mismo, mirar con la mente,
con el alma, y no con los ojos.
2. CREATIVIDAD
3. SORPRENDERSE
Esa es la única que nunca, ojo, nunca nos puede faltar. De
ella depende sorprender y crear un sello personal. Luz,
color y encuadre son los tres elementos básicos cuando
hablamos de fotografía. Puedes hacer fotografías en color
y ajustarlo, editarlo o convertirlo en un elemento creativo
muy importante, incluso si trabajas en blanco y negro. Saber
utilizar muy bien los diferentes tipos de lentes y distancias
focales que tenemos, a esto le sumamos los ángulos y la
técnica fotográfica que hemos aprendido y la aplicamos
directamente al fotoperiodismo, hay que saber utilizar bien
las altas luces para darle dramatismo a nuestras imágenes.
no debemos perder esta actitud, es fundamental. Ya
que el día que nada nos emocione, nuestra carrera
habrá terminado y seguramente cambiemos de
profesión. Debemos estudiar, apreciar, admirar
y observar de una manera crítica y constructiva
el trabajo fotográfico de los demás, es un gran
campo de partida, no para copiar o imitar, sino
para aprender de sus aciertos o errores, recogiendo
todo aquello que nos pueda servir para nuestra
educación, ya que nunca dejamos de aprender y
perfeccionar lo que otros dejaron a medias.
4. EL TIEMPO
5. EL RESPETO
6. AYUDA
no desesperarse frente a las circunstancias,
este es uno de los factores más importantes,
si no te das tiempo suficiente pueden suceder
cosas que tú nunca registrarás. Recuerda, tú
eres un cazador de imágenes, debes esperar el
tiempo suficiente y en un segundo obtener tu
resultado, esperar para dar con el momento
decisivo.
siempre se debe tener con lo que vas a
fotografiar, sean personas o cosas, debes
obtener una buena cultura para aprender
a ver y escuchar, eso te llevará a ser noble.
Recuerda aquella frase sabia de nuestro
Premio Nobel Gabriel García Márquez “una
mala persona no puede ser un buen periodista
o foto–periodista”.
siempre que puedas hazlo a través de tus
imágenes, denunciando o haciendo visible lo que
muchos no pueden observar, a través de nuestras
imágenes podemos aportar un grano de arena para
transformar a una sociedad, bien puede ser en la
parte deportiva, cultural, ambiental, política. No
olvides que una imagen sirve de testimonio para
ayudar a tus propios colegas si son maltratados.
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8. APRENDE A TRABAJAR
EN EQUIPO
es importante no tener miedo a enseñar
y compartir con tus colegas y amigos esos
proyectos personales realizados o por realizar,
de ellos recibirás orientación de manera positiva
o negativa, siempre aprenderás. Puedes hacer
visibles tus proyectos a través de las redes
sociales o en alguna exposición.
9. INVESTIGAR
10. DUDAR
hacer prehistoria de cada uno de estos
temas que vas a abordar, para saber que
se ha hecho y no volverse repetitivo, así
marcarla diferencia a la hora de enfrentar
dicha temática. Cada año se repiten
temáticas, el reinado de belleza, la Feria de
Flores, etc. Es como tú la muestras, lo que
la hace diferente ante tus observadores.
no dar todo por hecho es una de nuestras ventajas frente a
los demás, para que ese logro sea un total acierto y no una
manipulación que nos da una fuente. Desarrollar un sexto
sentido para realizar nuestros propios proyectos fotográficos,
pero manejando diferentes fuentes de información para no
dejar que nuestra apreciación se convierta en una utilización
de la fuente, para ponerla al servicio de ellos y contar lo que a
ellos les conviene informar.
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por: César David Martínez
10
consejos viajes
www.cesardavid.com facebook.com/sabdab
1. Logística y
planificación
Antes de iniciar, debes
planificar lo mejor posible tu
viaje. Haz un itinerario, conoce
lo máximo de cada lugar que
piensas visitar: sus horarios de
acceso, las condiciones del sitio,
en algunos lugares necesitarás
trípode, en otros es prohibido,
en otros será necesario tener
un permiso escrito, en algunos
deberás llevar equipos para
acampar y en otros simplemente
un par de tenis. Busca en
internet toda la información
posible y experiencias de
otros viajeros. Coordina el
alojamiento con anterioridad
para no pasar sorpresas. Si
son viajes internacionales
revisa los voltajes y formas de
los tomacorrientes. Consulta
siempre acerca de la seguridad
en la zona y el clima actual.
5. Detrás de cámaras
Hacer fotografías del viaje mismo
es muy interesante. Desde la
planificación, los inconvenientes
que surgen, tu interacción con
los personajes y lugares que has
visitado, contar tus anécdotas
personales y porque no las
frustraciones también. Un diario
de viaje ilustrado con fotografías
siempre será interesante. ¡Haz un
blog de viajero!
6. Equipo
fotográfico
Dependiendo de tus intenciones
fotográficas, trata de llevar un equipo
fotográfico lo más ligero posible.
Muchas veces una buena compacta
con buenas prestaciones es suficiente
para nuestras necesidades. Viajar
liviano te permite ser más versátil
y tener comodidad. Protege tus
equipos del polvo, la humedad, la
lluvia y usa maletines de bajo perfil,
especialmente en Colombia.
7. Trata de superarte a ti mismo
No trates de superar a otros fotógrafos. Supérate a ti
mismo, trata de hacer un mejor trabajo que el anterior,
evalúate con espíritu crítico y no te duermas en los
laureles del pasado. Se honesto con la labor fotográfica
y trata de transmitir con tu talento y recursos ese
sentimiento que te produce cada nuevo destino. Créate
nuevos retos técnicos, si logras fotografiar el alma de la
situación que acabas de visitar habrás hecho lo mejor.
Esto se logra con mucha experiencia, dedicación,
entrega y amor por el ejercicio fotográfico. Recuerda
que el fotógrafo debe aprender a pensar en luz y ver
aquello que los demás no pueden ver.
2. Horarios
3. Viaja con otros fotógrafos
4. “Puebliando”
8. Interactúa con la gente
9. Narrativa
10. Gadgets y accesorios
Usa las horas de luz natural como el amanecer y atardecer
para paisaje y exteriores. Deja el medio día para el
almuerzo o descanso. Si vas a hacer interiores, puedes
usar el horario de las 9 am a las 3 pm; para arquitectura
aprovecha la hora azul (cuando se oculta el Sol y aún hay
cielo azul, pero ya hay luces encendidas), para nocturnas
muchas veces es mejor descansar temprano y levantarse a
media noche, cuando las calles están libres de distractores.
Cuando vas de safari fotográfico es muy
bueno compartirlo con colegas. Los tiempos
se comparten; mientras que si viajas con
grupos de viajeros o turistas, debes adaptarte
a los tiempos de ellos o tarde o temprano se
aburrirán de esperarte o tú te perderás de
una luz o una locación añorada por tener que
continuar el recorrido.
Los pueblos siempre son interesantes, tienen lugares
obligados como la plaza del mercado, las estaciones de
transporte, los museos y los lugares donde se hacen
las labores productivas de la localidad como granjas,
fincas cafeteras, cultivos, industrias locales, entre otros.
Los iconos del pueblo como monumentos, arquitectura
histórica, cuerpos de agua, bosques, etc. La gente en sus
actividades diarias siempre será interesante.
Los retratos siempre serán piezas claves de
un reportaje de viajes. Acércate a la gente
amablemente, pide permiso para hacerles
fotografías, si aceptan, aprovecha esos instantes,
si no aceptan, retírate con respeto. Muchas
veces la fotografía hace amigos, pero no hay que
olvidar que la cámara es un elemento agresivo e
invasor de la privacidad.
Cuenta historias con tus fotografías. Una
buena historia es mejor que muchas fotografías
sueltas. Se selectivo con las temáticas,
fotografiarlo todo no es buena idea ni para tus
baterías ni para tu disco duro. Escoge temáticas
y desarróllalas a profundidad, trata de no hacer
la misma postal que hace todo el mundo, se
creativo y haz algo diferente.
Hay una serie de accesorios muy útiles en
viajes: una multitoma mini, cargadores de
baterías de cámara y de baterías normales, disco
duro portátil bien protegido, linterna, botas
pantaneras, un buen gorro de sol, un GPS, poncho
para el agua, el celular cargado, un buen canguro
fotográfico, tarjetas de presentación, repelente de
insectos y por supuesto, tus papeles en orden.
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por: Christian Cardona
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consejos bodas
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1. Cálido / Frio
esta técnica en particular la
uso mucho!, puedes usarla
de 2 maneras, realizando la
toma con filtros de color o
aprovechando la luz ambiente
de habitaciones con la exterior
para lograr contrastes fuertes
con el color y la temperatura
de 2 ambientes. En revelado
es posible también potenciar
el efecto con temperatura y
capas según el área que desees
trabajar. En cámara valiéndote
de speedlights puedes lograr
este simple truco que aporta
mucho creativamente.
5. Solo se aprende
“embarrándola”
No existen atajos, este oficio se
ha visto afectado por los que
creen que para ser fotógrafo solo
se requiere una buena cámara,
y la realidad es que ya no basta
con hacer fotos “bonitas”. Para
hacerte a un mercado, un estilo y
una reputación, debes embarrarla
mucho para aprender y mejorar.
2.Todo o nada
La reportería gráfica, y en especial la de
matrimonios, exige que des el 200% de tu
esfuerzo, concentración y dedicación el día de
la boda. Son largas horas de trabajo, sol, sudor,
correr, improvisar, estar atento a cada momento,
esto no es un oficio para fotógrafos perezosos o
conformistas con su primer disparo.
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3.No hay excusas, sólo tienes
un chance de hacerlo bien
No siempre contarás con las condiciones y
locaciones ideales para trabajar. Dispara sin
tener fotos planeadas, siguiendo libretos o
llenándote la cabeza con grandes expectativas,
debes volverte recursivo y ser capaz de hacer
una buena foto independientemente de las
condiciones adversas que tengas que enfrentar.
4.Comprométete con contar
una historia, no con hacer
fotos para premios
Ser “famoso” en el gremio de fotógrafos
es como ser millonario en monopolio, tu
responsabilidad en una boda es contar
la historia, no perder la cabeza por estar
pensando en hacer fotos para ti y tu portafolio.
Deja la “adicción” por los likes.
8. O encuentras la luz
o la creas
Hay que ser recursivo, toda fuente de luz, brillo,
difracciones, espejos son herramientas válidas
al momento de construir una imagen, la luz
puede ser nuestra aliada o un dolor de cabeza,
tú decides. El uso de speedlights y luz continua,
amplía mis posibilidades creativas y me saca de
aprietos donde la luz no ayuda.
6. Tu cabeza es más
importante
que tu equipo
7. Conoce a tus
clientes, el evento y
las condiciones
de trabajo
¿Nikon-Canon?. Lentes fijos o
zoom?. Todo eso es secundario, elige
el equipo que se acople a tu manera
de trabajar y facilite las cosas, es más
importante educarse y formarse un
criterio visual que una maleta llena
de equipos que no sabes usar, el
equipo no es una excusa.
No tenemos control de la mayoría de
situaciones el día de la boda, pero sí
podemos conocer las expectativas,
gustos y requerimientos de nuestros
clientes y el evento. Habla con la pareja
y el/la planeador(a), asegúrate de que
conozcan tu estilo, propuesta creativa y
condiciones para trabajar.
9. La locación como un
personaje más de
la historia
10.“Mata ambientes”
Las parejas que eligen hacer sus bodas de
destino, tienen claro que la locación escogida
es parte fundamental de la misma, cómo
fotógrafo debes darle el protagonismo e
importancia que el lugar tiene para la pareja y
la historia para la que fuiste contratado
Los speedlights son la mejor herramienta
para resolver situaciones difíciles a las que
nos enfrentamos, locaciones complicadas,
poca luz, objetos que no deseamos en la
composición, o simplemente para destacar
espacios en particular en la foto. El término
“matar” es literal, con esto eliminas de tajo lo
que no te sirve en la foto.
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por: Iván Gómez
10
consejos Postproducción
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6. Suavizar pieles
(PHOTOSHOP)
1. El efecto de piel de porcelana puede lograrse r‡pidamente
de esta manera. Duplicar la capa
Aplicar Filtro > Desenfocar >
Desenfoque gaussiano En el
panel de Canales oprimir la tecla
Ctrl/Cmd y hacer clic sobre la
miniatura del canal compuesto
RGB y copiar. Pegar y eliminar la
capa de desenfoque.
1. Mejorar
contraste
en cielos
(LIGHTROOM)
Si deseamos que los
cielos azules de nuestras
fotografías aparezcan más
intensos.
1 Duplicar la capa de la
imagen a ajustar.
2 Desde el menú Imagen
seleccionar Aplicar imagen.
3 En el cuadro de diálogo
seleccionar el canal Rojo
4Colocar la capa en modo
de fusión Luminosidad.
2. Enfocar imagen
(PHOTOSHOP)
Para tener más control sobre el efecto de
enfoque utilice la siguiente técnica: Copiar la
capa de la imagen a enfocar, aplicar el filtro
Otro>Paso alto. Arrastrar el deslizador hasta
que se vean solo los bordes de los objetos.
Colocar la capa en modo de fusión Superponer.
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5. Crear un ajuste de
importación (LIGHTROOM)
Para asegurarse que las fotos a importar queden
en la carpeta correcta con la estructura deseada y
evitar el tedioso procedimiento de elegir la carpeta
de destino, el cambio de nombre de las imágenes y
la aplicación de algún efecto de importación, cree un
Ajuste preestablecido de importación.
1. Realice todos los ajustes de carpetas origen
y destino, Cambio de nombre de archivo,
Aplicación durante importación.
2. Desde la barra de la parte inferior de la ventana
de Guardar ajustes actuales como nuevo ajuste
preestablecido, nombre el ajuste y listo.
3. Mejorar
contraste en pieles
(PHOTOSHOP)
Con el uso de mezcla de canales se pueden
lograr pieles más contrastadas. Duplique la
capa desde el menú Imagen, seleccione Aplicar
imagen. Seleccione el canal Verde, modo
Normal y 100% de opacidad. Cambiar el modo
de fusión de la capa a Luminosidad
7. Guardar metadatos
de la imagen (LIGHTROOM)
Lightroom asegura que todos los cambios que se
hacen a una imagen queden registrados en una base
de datos, de tal manera que sea posible modificar
o revisar los ajustes en cualquier momento. Para
hacer que estos cambios queden siempre con la
imagen es necesario actualizar los Metadatos
con alguna frecuencia. Aunque sabemos que en
ligthroom no es necesario Guardar, utilizando
el famoso comando Ctrl/Cmd + S se guardará la
información del archivo en un archivo XMP.
4. Mejorar contraste
en cielos (PHOTOSHOP)
8. Mejorar detalle en
objetos negros (PHOTOSHOP)
9. Recuperar fotos
subexpuestas (PHOTOSHOP)
10. Mejorar color en
imágenes (LIGHTROOM)
Para lograr cielos más azules active el módulo
de Tono/Saturación/Brillo y desde la pestaña de
Saturación arrastre hacia la derecha el deslizador
del Azul.Para eliminar el azul en otras zonas,
active la pestaña de Curva de tonos, elija el canal
Rojo y mueva los controles de la curva.
Esta es una de las pocas excepciones donde la
imagen debe trabajarse en CMYK directamente.
1. Abrir la imagen y convertir a CMYK. 2. Añadir
una capa de ajuste de Color selectivo. 3. Seleccionar
Negros, metodo Absoluto 4. Reducir los niveles
de Cian, Magenta y Amarillo. 5. Incrementar el
contraste en el canal negro con curvas.
Aproveche la nueva función de Photoshop CC
Filtro de Camera Raw para aclarar fotos muy
oscuras. Aplique el filtro a la imagen en el módulo
de Camera Raw y en el cuadro de dialogo mueva
los deslizadores de Exposición y sombras hasta
recuperar el detalle en las zonas oscuras.
Para mejorar el color en las fotografías podemos
trabajarlas enl modo Lab. Duplicar la capa de la
imagen, activar el canal a Desde el menœ imagen
seleccionar Aplicar imagen y seleccionar el canal a
como origen y activar el modo Superponer. Repetir
el procedimiento con el canal b. Si el color queda
muy intenso se puede reducir la opacidad de la capa.
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por: dIEGO bALANTA
10
consejos VIDEO CON CÁMARA FOTOGRÁFICA
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instagram: @diego.balanta
5. Exponer correctamente sí o sí
A menos que trabajes con una cámara de cine
digital con grabación en RAW, que te permite
márgenes de exposición, en video debes exponer
bien sí o sí. El video usualmente usa códecs de
compresión como el h.264, por lo que es imposible
recuperar información y corregir a diferencia de
cuando trabajas tu foto en RAW.
1.Elige una
cámara que
permita control
manual de
parámetros
de video
9. Utiliza siempre un trípode
para video
No todas las cámaras
fotográficas que
incorporan la función de
video, e incluso muchas
videocámaras para uso
doméstico, permiten
controlar manualmente
parámetros esenciales como
el tiempo de exposición o el
nivel de entrada de luz y lo
hacen de forma automática.
El resultado: el funesto
salto continuo de luz.
6. Solo tarjetas de memoria de alta
velocidad, capacidad y calidad
Aunque muchos modelos de cámaras
fotográficas cuentan con funciones de
video muy interesantes y con una calidad
sobresaliente, no están diseñadas para
trabajar con video: no cuentan con la
ergonomía necesaria para ese tipo de
trabajo, por lo que son completamente
inestables al pulso humano. Por eso siempre
se debe utilizar un trípode para video u otro
tipo de grip de estabilización de cámara.
Puedes tener toda la tecnología de punta en tu
cámara, pero si la usas con una tarjeta de memoria
de baja velocidad y capacidad, será un juguete inútil.
El video consume mucha información y requiere
de alta velocidad de transferencia. Procura usar
tarjetas de clase 10 en adelante, de más de 16GB y
de una marca confiable.
10. Elegir el perfil de
cámara correcto
2. Usa siempre el modo
manual de la cámara
Una señal de mal empleo de las funciones
de video de una cámara, es el uso del modo
automático. En fotografía puede ser útil
o necesario en ciertas situaciones, pero
en video al ser imagen en movimiento y
no un cuadro fijo, el salto constante de la
exposición es simplemente inaceptable.
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3.El objetivo en enfoque manual
Los objetivos para fotografía, video y cine,
aunque sirven para lo mismo, son muy
distintos entre sí, tanto en su construcción,
como en funcionamiento. Ni la cámara
fotográfica, ni su objetivo, están diseñados
para seguir sujetos en movimiento. Por eso
siempre usa el enfoque manual, si quieres
evitar constantes saltos de foco.
4.Lleva siempre
baterías extra
El modo video consume más batería que
la fotografía, por lo tanto es indispensable
llevar consigo baterías adicionales para
la cámara, además de recargar las que
ya se han consumido. En poco menos de
una hora de uso continuo, tendrás que
cambiar de batería.
7.Balance de blancos
antes de iniciar
Corregir esto en video no es tan sencillo
como en fotografía, por eso realiza el
ajuste de balance de blancos lo más
preciso posible durante la grabación, para
evitar correcciones en postproducción y
la consiguiente degradación de la imagen
que este proceso conlleva.
8. Consigue una grabadora
externa y micrófonos
El audio grabado de las cámaras fotográficas
es muy pobre, por lo que si en tu proyecto el
audio es importante, es primordial usar un
grabador de audio externo e independiente
con diversas entradas y un buen micrófono.
Hay muchos y económicos modelos en el
mercado. Desde luego en postproducción se
debe sincronizar.
Como ya está claro, no es posible capturar
video como quien dispara en RAW, a
menos que se trate de cámaras de cine
con esa opción, por lo que es fundamental
usar el perfil de imagen con el mayor
rango dinámico. Las cámaras suelen venir
con varios perfiles preconfigurados con
nombres como “neutro”, “paisaje”, “retrato”,
“monocromo”. El perfil “retrato” ayudará a
evitar que “peguemos” los fondos negros y
“clipeemos” las altas luces. Terceras marcas
como Marvels, ofrecen perfiles fantásticos.
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100 Consejos Esenciales - Revista Enfoque Visual

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