romeo y julieta - Peruana
Transcripción
romeo y julieta - Peruana
El Peruano Año 106 // 3ª etapa // 468 // Viernes 22 de julio de 2016 DIARIO OFICIAL ARTE E HISTORIA EN PERSPECTIVA A LA ÚLTIMA PRINCESA INCA A de Orbegoso recrea en un corto primera Ana eexpresión formal del mestizaje. Pág. 2 BUEN GUION VUELVE HEVIA RESPALDO ESTATAL AL CINE SE FORTALECE DICHOS POPULARES EN ENTREDICHO Pág. 6 Pág. 3 45 BAILARINES DAN VIDA A TRÁGICA HISTORIA DE AMOR ROMEO Y JULIETA BELLEZA Y DESTREZA DE LA DANZA CLÁSICA EN ESCENA Págs. 4 y 5 2 PROPUESTAS Viernes 22 de julio de 2016. El Peruano Variedades Inspiración. La imagen de la boda de la princesa inca con el noble español motivó a la artista a indagar en la historia. El cortometraje vino luego y ya ha sido premiado en Nueva York el año pasado. C uando trabajaba en su proyecto ‘Vírgenes Urbanas’, hace alrededor de doce años, la artista Ana de Orbegoso descubrió para sí una pintura que le inyectó la inquietud y el desasosiego de las cosas que uno no termina de comprender a primera vista. El cuadro –réplica de un óleo original que se conserva en el Cusco desde el siglo XVII– representa el matrimonio de Beatriz Clara Coya, descendiente directa de la nobleza inca, con el capitán español Martín de Loyola, sobrino de San Ignacio de Loyola. “Era una celebración importante, obviamente, pero a mí esos rostros no me transmitían nada”, recuerda De Orbegoso. Mitad curiosidad, mitad deseo de esclarecer el contexto histórico del acontecimiento, la artista inició un proceso de inmersión que debía llevarla a aplacar una preocupación que la persigue incluso desde antes que incursionara en los terrenos del arte: ¿Quiénes somos los peruanos? Beatriz Clara Coya fue hija de Sayri Túpac y nieta de Manco II, y su casamiento con Martín de Loyola es conside- CAPÍTULO CLAVE Una pintura del siglo XVII sobre el matrimonio de la ñusta Beatriz Clara Coya con el español Martín de Loyola es el punto de partida para una exploración artística que desemboca en los terrenos de la identidad, la memoria y la trascendencia histórica. TEXTO: CÉSAR CHAMAN rado como la primera expresión formal del mestizaje del que hoy es heredero el Perú del siglo XXI. Elucubraciones como esa rondaban el espíritu de Ana de Orbegoso, hasta que se decidió a reinterpretar aquel óleo anónimo y darle un sentido propio. Volvería a contar ese capítulo, a su manera. “En el colegio, la historia es una narración aséptica, una sucesión de fechas, nom- PRODUCCIÓN L a Última Princesa Inca fue filmada en el Teatro Municipal y en el sitio arqueológico Mateo Salado. Son quince minutos en cámara lenta donde no hay diálogos sino sonido ambiental y música. Las canciones que acompasan el desarrollo de la historia son interpretadas por la soprano Sylvia Falcón. El papel de Beatriz Clara Coya lo interpreta la actriz Miriam Sernaqué. bres y lugares –acota–; y, en la práctica, es un relato sin compromisos”. Ana se apasiona en la argumentación y agrega elementos para anclar en las ideas de la identidad, el pasado y la pertenencia. “¿Por qué es importante la historia?”, se pregunta. Y se contesta al segundo: “Porque sin ella seríamos parias”. EL RESULTADO Memoria y símbolo son temas centrales en los trabajos previos de Ana de Orbegoso. Su muestra itinerante ‘Vírgenes Urbanas’, por ejemplo, apela a la síntesis del ícono para estampar rostros andinos sobre las imágenes sacras de los tiempos del virreinato. Y en esa misma línea de resistencia contaría el signiicante y el signiicado de esa boda, la de la última princesa inca. El resultado de aquella exploración es una película de quince minutos, cuya producción tomó más de dos años y que ya fue premiada como Mejor Cortometraje Experimental en el Big Apple Film Festival de Nueva York en 2015. Con estos antecedentes, ‘La Última Princesa Inca’ se presentó esta semana en el Museo Pedro de Osma, en Barranco, como parte de la exposición multidisciplinaria inspirada en el cuadro virreinal sobre el casamiento de Beatriz Clara Coya. La muestra estará a disposición del público hasta inales de agosto. “Solo espero que la película nos inspire a explorarnos un poco más –comenta Ana–; tenemos que sacar la historia de los libros y los museos para intentar ‘sacudir’ el alma de los peruanos”. Como país, aún somos una gran cantidad de grupos fragmentados, observa la artista. “Nuestra felicidad todavía es muy breve”. Director fundador: Clemente Palma | Director (e): Félix Alberto Paz Quiroz | Editor: César Chaman Alarcón | Jefe de Edición Gráfica: Daniel Chang Llerena Jefe de Diagramación: Julio Rivadeneyra Usurín | Editor de Fotografía: Jack Ramón Morales | Teléfono: 315-0400, anexo 2182 Correos: [email protected] [email protected] Variedades Viernes 22 de julio de 2016. El Peruano PUBLICACIÓN 3 PUNTADA E HILO Para el sicólogo Julio Hevia el cerebro humano es un joyero lleno de sortilegios, marañas electrónicas y dichos populares. De eso trata su último libro Del dicho al hecho, una provocación para la inteligencia. ESCRIBE ELOY JÁUREGUI Bourdieu. Pero también a sus pares: Challe, Miflin, Cubillas y el gran Perico León. Así, es un pensador 4X4, una suerte de Pokémon Go, que sale de caza muy temprano y se inserta en la jungla de cemento, entre el desorden combi y el futing orgánico para buscar más que el orden público, el lúbrico de la lucidez. NUEVO LIBRO En Del dicho al hecho (Penguin Random House, 2016) libro que acaba de editarse, Hevia coge el bisturí lingüístico diseccionando las verdades nacionales que aceptan a los dichos populares como un inapelable sismo casi terremoto o el fenómeno El Niño o como una verdad genética imposible de borrar. Entonces advierte que “perro que ladra sí muerde” y nos demuestra que es el lenguaje el que moldea nues t ro pensamiento y no al revés y, ante esta verdad, aceptemos de una vez pues es el lenguaje el que crea la realidad y no al “vesre”. Cuando Julio Hevia conversa hasta por los codos yo doblo el mismo. Porque sé que sus palabras rastrean el fondo de los capachos y que existen incubadas a su ADN y además se clonan. Julio Hevia las observa, explica y ‘juega’ con la multiplicidad más densa de su estructura oculta: la polisemia atravesada incluso por el argot. Esa urdimbre proscrita cuando escrita. IRONÍA DEL HABLA Aporte. La nueva publicación de Hevia explora en el tema del lenguaje para dejar claro que es este el que moldea nuestro pensamiento. J ulio Hevia no solo es psicólogo, sino que desatora y suelda la lengua pública casi púbica. Desarticula el complejo sistema del lenguaje que usamos los mortales y lo construye de otra manera para hacernos inmortales. El gel que usa viene de los valles de la mejor literatura y usa más que la observación, la oreja. Ese ojo que oye, esa vista que conversa. Lujo de sus alumnos porque Julio Hevia es profesor universitario y utiliza el diván del salón de clases más que como terapia como provocación. Entonces su lengua es su sagacidad y sus palabras el quinqué que en los buenos arqueros dizque le dicen “golpe de vista”. Sus libros son el gas pimienta para la ‘desahuevina’ –término que terminó con la determinación– e iluminan la sazón de la razón. Hevia, que más que primo es primogénito del pensamiento posmoderno, cita de memoria a sus impares: Lyotard, Deleuze, Baudrillard, Foucault, Vattimo, Derrida, Lipovetsky o ESCUCHARSE MÁS “ Creo que la gente escucha muy poco. Partiendo de la evidencia de que somos muy diferentes entre nosotros en esta cultura, el único modo de crear algo que se parezca a una identidad orgánica en que cada cual tenga sitio, es escucharse más, y aquí solo priman unas cuantas verdades, unos cuantos principios y unas posturas paternalistas o sumamente autocríticas, que casi siempre vienen de arriba y la que surge abajo no alcanza suficiente audio en los espacios que debería ocupar. Otro tanto de resistencia al cambio, en gran medida define todavía al Perú poderoso, no al otro, no al Perú potencial, al emergente”. (J.H.) En un libro anterior Habla jugador, el primer tratado serio de la ironía del habla, yo advertía que lengua no viene de lenguaje sino del lenguado, ese pez en blanco y negro coloreado por los imaginarios y deslizándose en las turbias aguas de los signos académicos, los vocablos marginales y los signiicados nodales. En los textos de Julio Hevia, el tejido es hablado, pero más tensado por la erección del decir. Así, es escritura que revisa la obviedad del pronunciamiento e ilumina el relector apagado, imaginado por la erótica de las páginas negras. Ese alfabeto del instante conectivo eterni- “Hevia desarticula el sistema del lenguaje que usamos los mortales y lo reconstruye para hacernos inmortales.” zado por el enunciar y el denunciar. Y otros libros como El limeño como estereotipo o Lenguas y devenires en pugna, Julio Hevia hace del nexo, hablar-escribir un pretexto del texto, ese el de lenguas sin menguas, su lectura. En la Universidad de Lima, donde Julio Hevia enseña hace más de una treintena de años, lo admiran y respetan. Hace unos días el escritor y periodista Renato Cisneros decía: “Algunas de las mejores clases que tuve en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Lima fueron responsabilidad de Julio Hevia. Uno salía del salón confundido y a la vez iluminado, y entendía que era –que siempre sería– fundamental sospechar de aquello que parecía tan deinitivo, oleado y resuelto”. Es verdad, he trabajado con Hevia con alumnos tan heterogéneos como es la variedad de naciones que hay en el Perú. Cierto, en todo estábamos en desacuerdo, solo lo nuevo era aquello que nos unía. Como en los anteriores textos, su libro Del dicho al hecho reúne hasta diez paquetes de frases, cada uno de ellos compuesto por tres o cinco proverbios que pueden remitir a temas diversos. El lector puede elegir el refrán que más le interese. Es, pues, una suerte de homenaje a Rayuela de Cortázar en el sentido de que el libro puede ser comenzado por cualquier lado, no hay para nada una secuencia. Es un juego que se le propone al lector. Finalmente, pocos como Hevia, audaz y atrevido, mordaz. Ladran los perros Julio, señal de que te seguimos leyendo. 4 BALLET Variedades LA DANZA DEL AMOR Bajo la dirección de la destacada Lucy Telge, Lima aprecia desde hoy al elenco de danza del Ballet Municipal, en la obra más universal de Shakespeare: Romeo y Julieta. Los 45 bailarines, además del cubano Brian Gómez, interpretarán la versión que trabajó en 2004 el coreógrafo ruso Boris Miagkhov. El ballet clásico está aquí. ESCRIBE CÉSAR CHAMAN FOTOS MELINA MEJÍA E l 2 de agosto de 1998, la maestra Lucy Telge estuvo a punto de entrar en shock. El antiguo Teatro Municipal de Lima se había consumido en llamas y, entre butacas chamuscadas, telones en harapos y restos de alfombras, ardió también una parte de sus recuerdos como bailarina aicionada. Sentía que se había quemado su casa, pero, igual, su familia le prohibió ir al centro histórico: excepto escombros y ceniza, esa noche no había nada que ver en la esquina de los jirones Ica y Ruino Torrico. Ahora es martes, también de noche, y la maestra Telge, directora del Ballet Municipal de Lima, observa el ensayo general previo al estreno de Romeo y Julieta. El profesor Koukharev da instrucciones con el micrófono y ella aprueba, con un movimiento leve de cabeza, los desplazamientos de sus bailarines. “He visto locales modernos, más grandes, con mucha tecnología, pero ninguno se compara con nuestro Teatro Municipal”. ROMEO Y JULIETA “¿Romeo y Julieta? No, nunca me tocó bailarla”, admite la directora en la penumbra de esta platea, mientras repasa alrededor de treinta años de su vida dedicados a la danza clásica en zapatillas de punta, medias y leotardos. “Debuté a los tres años [en 1938] en La ronda del amor, vestida de Cupido junto con ot ra s niña s”. Desde entonces, bailó en el Teatro Municipal hasta 1966 con el elenco de la Asociación de Artistas Aficionados y se despidió de manera simbólica del público con el Concierto de Mozart, una pieza en la que fue bailarina principal del segundo acto. Después, bajó del escenario y se dedicó a enseñar todo lo aprendido a nuevos artistas, aunque, en realidad, nunca se alejó del viejo recinto del centro de Lima. La señorita Lucy –como la llaman con cariño en el mundo del ballet–, ha visita- do una diversidad de teatros en Europa y América. “He visto locales modernos, mucho más grandes, con mucha tecnología, pero ninguno se compara con nuestro Teatro Municipal”. Por eso se emociona con cada inicio de temporada. Hoy, por ejemplo, comienza Romeo y Julieta con 45 bailarines del elenco local y un invitado, el cubano Brian Gómez, quien hará de Romeo en varias de las funciones hasta el 7 de agosto. El Perua BALLET 5 no. Viernes 22 de julio de 2016 Temperamento. Los cuerpos en movimiento describen las cualidades interpretativas y la actuación de los bailarines que participan en esta historia de amor de dos jóvenes pertenecientes a familias rivales. La versión del Ballet Municipal sobre esta trágica historia de amor es la que trabajó el coreógrafo ruso Boris Miagkhov en el 2004. “No la presentábamos desde el 2012, pero considerando que este año se cumplían los 400 años de la muerte de William Shakespeare, nos pareció muy apropiado hacer una temporada”, explica Lucy Telge. FUERZA Y TÉCNICA La principal diicultad de este ballet es que no basta con tener una sólida técnica de danza clásica, sino que t ambién son necesarias las cualidades interpretativas, acota la directora. “Los bailarines tienen que ser al mismo tiempo actores. Y más que eso, pues los actores pueden dirigirse al público con la palabra; los bailarines, no”. Por eso, el reto del ballet clásico es desarrollar un papel y conectarse con el público a partir de los movimientos del cuerpo. “En- LAS FUNCIONES L a temporada de Romeo y Julieta comienza hoy y se prolongará hasta el domingo 7 de agosto. Las funciones van de viernes a domingo, además del jueves 28 de julio, feriado por el aniversario patrio. El horario de los viernes se tuvo que ajustar a las necesidades del público: como cada vez resulta más complicado ingresar en automóvil al Centro de Lima, las funciones ya no comenzarán a las 19:30 horas, sino a las 20:00 horas. tonces es un triple trabajo: la técnica clásica, la actuación y la interpretación; aquí hay que mostrarlo todo con el cuerpo”. Para alcanzar ese nivel, los ensayos son intensos. “Estamos preparándonos desde que acabó la temporada de Don Quijote, desde abril. Romeo y Julieta es un ballet diícil que demanda una preparación fuerte y exigente, con mucho trabajo para los bailarines y para el maestro”, comenta Telge. La directora conía en su elenco para interpretar un clásico de todos los tiempos, surgido de la genialidad de Shakespeare. En tres actos, la obra detalla los pormenores de una tragedia: el amor que une a dos jóvenes pertenecientes a familias rivales, los Montesco y los Capuleto, que solo consiguen reconciliarse tras la muerte de los dos enamorados. “Veo los ensayos y pienso que todos saldrán felices del espectáculo”, dice la señorita Lucy. 6 SÉTIMO ARTE Viernes 22 de julio de 2016. El Peruano Variedades “Por primera vez se cumplió con la Ley de Cine, al otorgar más de 8 millones de soles en el presupuesto para películas nacionales no comerciales”. Balance. Pierre Vandoorne asegura que 70 proyectos cinematográficos, entre largometrajes, cortos y documentales, de varias categorías, son premiados cada año. E l éxito del cine peruano de los últimos años no se agota solo en las películas comerciales de gran respaldo de taquilla, tipo A su mare o A los 40, sino también al surgimiento de un cine menos comercial, y que se inancia gracias a los premios que otorga el Ministerio de Cultura. Esto es importante, porque son este tipo de películas las que representan al Perú en el extranjero, participando en festivales, ganando premios, incluso tuvimos una película nominada al Óscar, como La teta asustada, marcando con ello la identidad del cine peruano. Pierre Vandoorne, de la Dirección de Audiovisuales, Fonograía y Nuevos Medios del sector, no oculta su satisfacción. Dice que cada año se premian 70 proyectos cinematográicos, entre largos, cortos y documentales, en diversas categorías, gracias a que desde 2014 se cumple con repartir el equivalente de 2,000 UIT, unos 8 millones de soles, en premios, tal como lo dispone la Ley de Cine, modiicada en 2012. PREMIOS Y MONTOS Así, tenemos premios en 14 categorías diferentes, que inancian desde la producción CINE SIN PAUSA El responsable de la Dirección de Audiovisuales del Ministerio de Cultura detalla el apoyo que se brindó al cine nacional durante este quinquenio. Se apostó por una propuesta más artística, menos comercial y este se expresó en un mayor presupuesto y en más categorías. ESCRIBE: EDUARDO GARCÍA FOTOS: JUAN CARLOS GUZMÁN PELÍCULAS PREMIADAS Y como no solo de palabras vive el cine, les presentamos una relación de las películas ganadoras de los premios del Ministerio de Cultura de los últimos años, que finalmente pudieron llegar a las salas nacionales. Tenemos Planta Madre, del peruano-argentino-suizo Gianfranco Quattrini, estrenada en agosto de 2015; Troika, que marca el retorno de Francisco Lombardi a las tareas de dirigir, después de varios años de ausencia. Asimismo, Ella y él , de Frank Pérez Garland; Videofilia, del director Juan Fernández Molero, que ganó un premio en el festival internacional de cine de Róterdam, y NN, identidad desconocida, de Héctor Gálvez. hasta la distribución de una película, gracias a lo cual se pudieron terminar y estrenar en salas limeñas, además de participar en festivales en el extranjero. Punto aparte merece el apoyo que se brinda al cine regional, inexistente hasta hace poco, con convocatorias exclusivas para este sector, y que permite descentralizar la industria y generar identidades y problemáticas que no tienen que ser las de Lima. Solo este año, a escala nacional, se inancian 16 proyectos: seis largos nacionales, tres largos regionales, tres documentales en proyecto, dos en producción y dos en coproducción. Además, todos los proyectos reciben apoyo en distribución, marketing e inserción en los circuitos comerciales. Para el productor y director de películas como Paraíso y NN, Identidad Desconocida, Héctor Gálvez, el apoyo del Ministerio de Cultura ha sido positivo, pero aún hay temas pendientes por resolver, como la nueva ley de cine, y la cuota de pantalla para las películas peruanas en salas nacionales. CUOTA DE PANTALLA El propio Gálvez es un ganador de los concursos estatales, gracias a los cuales ha podido terminar sus dos largos y ganar varios festivales en el extranjero. Por eso, saludó que en este quinquenio se haya aumentado el presupuesto de apoyo al cine a 8 millones de soles y, en general, diversiicado las convocatorias, para favorecer al mayor número de géneros, tanto de icción como de no icción. Gálvez pide que el nuevo gobierno saque adelante la nueva ley de cine, pues la que rige hoy tiene más de 20 años, y ha quedado desfasada ante la aparición del internet, los avances tecnológicos y hasta las nuevas modalidades de distribución alternativa. Justamente, uno de los puntos que el cineasta pide incluir es el derecho de pantalla para el cine peruano, especíicamente para las películas no comerciales, que enfrenta la resistencia de los programadores de las cadenas, a darles sala, pues preieren apostar por los blockbusters con taquilla asegurada. “Nadie habla de imponer las películas peruanas, pero debe haber mecanismos para tener cuota de pantalla, que cuenten con las mismas oportunidades de exhibición que las otras películas, me reiero a las producciones no comerciales”. Reclama, además, un fondo permanente de apoyo al cine peruano, que no salga del presupuesto, sino que se inancie de parte del 10% de impuestos que pagan las entradas de cine, y que ahora se destina íntegramente a las municipalidades. Vandoorne precisa que el cine comercial peruano, que no recibe apoyo del Estado, sino que es inanciado por el sector privado, retroalimenta al cine artístico o menos comercial, porque los directores de estas películas también tienen proyectos personales, que requieren apoyo del Estado. Variedades Viernes 22 de julio de 2016. El Peruano NOVELISTA 7 EL SECRETO DE SACHERI Eduardo Sacheri, el autor de la reciente novela ganadora del Premio Alfaguara, La noche de la usina y del libro que inspiró la cinta El secreto de tus ojos, reflexiona sobre las idas y venidas del oficio literario, del arte de escribir y de su inicial vocación por la historia. Recomienda a los más jóvenes, leer, leer y leer, antes de ser novelistas. TEXTO Y FOTO: LUIS M. SANTA CRUZ E n la terraza de un conocido hotel sanisidrino me espera Eduardo Sacheri. Relajado y de buen humor, el escritor argentino me recibe con tan buena onda, totalmente ajena a alguien que se ha pasado toda la mañana dando entrevistas. Esto invita al diálogo, pide un café para los dos, ambos con leche, y se acomoda para el interrogatorio. Sacheri, primero, fue historiador y después novelista. Fue una forma de buscar conocerse él mismo, así como conocía la historia de lugares y terceros. La escritura fue irónicamente la lectura de lo interno. “Para mí, escribir es la forma más personalizada y perfecta de leer, ya que sacamos cosas de nuestra cabeza, íntimas e incluso ajenas, para darles forma, interpretarlas y analizarlas. En ese sentido, escribir es terapéutico y catártico porque me ha servido para encarar – más no sanar – mis miedos, traumas y fantasmas más recurrentes: el dolor, la soledad, el temor a la muerte. Sobre todo, la muerte de los que quiero”. ESCRIBIR POR PLACER La literatura le permitió al autor de La noche de la usina cerrar un duelo mal hecho que duro NOCHE DE LA USINA E n la premiada novela, La noche de la usina, Eduardo Sacheri narra la historia de esa merecida revancha de los perdedores, consumada en una noche legendaria y secreta que quedará en el recuerdo. Durante la crisis económica que sufrió Argentina en el 2001, un grupo de vecinos se propone reunir el dinero necesario para llevar a cabo un proyecto que podría ser una salida de la decadencia y la pobreza. Sin embargo, en medio de la incautación general de los ahorros, sufren una estafa particular que los decide a recuperar lo perdido. quince años, que se inició en la niñez con la muerte de su padre. Sus primeros cuentos estaban cargados de fallecimientos y ausencia, lo que le ayudó a procesar el dolor y a hacer que la herida no se vea tan marcada con el tiempo. Por eso, él sabe mejor que nadie que la belleza de la escritura no reside en la fama o las publicaciones. “Que ser novelista se convirtiera en una profesión de éxito fue algo feliz, pero secundario porque si mañana las editoriales dejan de publicar mis historias, seguiría escribiéndolas. No temo dejar de ser popular o no ver mis libros en los escaparates de las librerías. Lo que temo realmente es que un día escribir deje de servirme. Me da miedo no sentir que estoy canalizando lo que siento, lo que deseo o lo que aborrezco. Tengo miedo a enmudecer y que mis textos ya no le digan nada a los lectores”. Sacheri mantiene el buen humor y el gesto alegre, a pesar de que hemos tocado temas serios e incluso complicados. Todavía no llega el café, me recuerda con un ademán, antes de retomar la conversación. PREGUNTA SECRETA Cuando su novela La pregunta de sus ojos fue adaptada al cine como El secreto de sus ojos, ilm ganador del Óscar a Mejor Película Extranjera, se abrieron muchas puertas y al mismo tiempo cayeron muchas ideas preconcebidas erróneamente. Posición. Escribir y leer constituyen las prioridades para el exitoso autor; la fama no lo desvela, dice. “La masividad del cine y el Óscar me hizo más conocido en mi país y ayudó a que el libro viajara por el mundo; entonces me di cuenta de algo: mi mundo es un pedacito de Argentina, no releja la identidad argentina, si acaso eso existe, porque solamente soy un sujeto de clase media, de un suburbio de Buenos Aires. Mi prejuicio era que nadie que no fuera de Argentina entendiera mis libros por esa razón, por lo limitado que era mi mundo y lo ajeno que podía resultar en el extranjero. Luego piensa como lector: me encantó Abril rojo, de Roncagliolo, y no sé un carajo de la época posterior de Sendero en la Sierra peruana. Sin embargo, me apropié de esa experiencia. No sé nada de lo que era Colombia para el narco en los ochenta, pero disfruté de Delirio de Laura Restrepo. ¡Y qué puedo decir sobre la realidad brasileña que me contaba Vargas Llosa en La guerra del in del mundo! Como lectores, nos enamoramos con las capas y no con lo supericial del relato. La única realidad universal son los pequeños mundos de nuestras obras”. La buena racha persiste. Su última novela lo ha hecho acreedor del Premio Alfaguara, lo que garantiza que “No temo dejar de ser popular o no ver mis libros en los escaparates de las librerías. Lo que temo es que algún día escribir deje de servirme”. su obra llegará a más lectores, pero que pone ciertas trabas en el proceso creativo que requiere para entregar nuevas historias. “Este año no voy a escribir porque estoy de aeropuerto en aeropuerto, y no tengo el silencio que necesito. Me la paso hablando de mí mismo y de algo que ya terminó. Ese no es el estado emocional adecuado. Necesito mi casa, mi pueblo, mis vínculos, mi soledad. Y vaya que escribir es un ejercicio solitario porque la soledad es necesaria para asumir las derrotas del texto imperfecto y la historia que se escapa”. Antes de irme le pido un consejo para los jóvenes escritores, una forma sutil de pedir para mí la asesoría de un maestro momentáneo. Se acomoda y suelta la respuesta. “Tienes que leer mucho, leer siempre y leer variado porque eso te aina el oído, eso te mejora. Creo también que es importante que compartas con otras personas que sean buenas lectoras, pero sobre todo que sean buenas personas, para que critiquen con empatía y no desde la pedantería que se ejerce en ciertos círculos de la crítica”. Sacheri continúa: “Tienes que dedicarle tiempo porque la literatura es mucho más trabajo que inspiración. Es más esfuerzo que talento. Tienes que escribir sin concentrarte en lo que funciona en las editoriales o en los medios. Primero escribe para ti, que sea tu principal necesidad. Si encuentras lectores, mejor. Si encuentras a alguien que te publique, mejor. Pero tu principal necesidad debe ser escribir algo que te permita dormir bien por las noches”. Cuando damos por concluida la conversación, llega ese café con leche que solicitamos al comienzo. Sacheri me mira y sonriente, otra vez, me dice: “Se ha demorado tanto que parece que lo han traído directamente desde Colombia. Más vale que esté bueno”. 8 Viernes 22 de julio de 2016 6 El Peruano o Con todo. La banda metalera Mandragora, no solo muestra actitud en su propuesta musical, evidencia aptitud y deseo de conquista. H acia el año 2007 en NuevoChimbote,la ciudad del acero (o delmetal,sisequiere), Jorge Reinoso buscaba formar una banda que relejara los gustos e inluencias musicales que tenía desde su adolescencia. Cuando solo le faltaba encontrar un vocalista, un amigo le mencionó que Fátima Natthammerpodíaencajarensu propuesta.Tuvosusdudas,debido a que nunca fue su intención sonar “bonito”, verse estilizados o aligerar la música con una voz melodiosa. Todo lo contrario, su grupo nacía vocalmente con marcadas inluencias masculinas: Paul Di´Anno, Algy Ward, Rock´n Rolf o Biff Byford, “voces roncas, raspadas, con bastante ataqueyhastaaveceschillonas”. Pero cuando conoció y escuchó a Fátima quedó convencido de que ella era la indicada. Esto, porque aunado a sus cualidades interpretativas,estabadispuesta a “empezar de cero, hacer temas propios” además de enfrentar a un público que la recibiría tal vez sin aplausos. BUENA RAÍZ En la actualidad, el hecho de ser unabandaconuna“frontwoman” seconstituyeensucaracterística principal, pues aunque en la composiciónmusicalinterviene todoelgrupo,Fátimaseencarga de plasmar laletra de lamayoría de canciones, siendo también la que propuso el nombre que hoy los identiica: Mandragora. Esta esunaraízasociadaalamitología. LA MAGIA DE MANDRAGORA La escena metalera peruana se renueva. Bandas como Mandragora pertenecen a esta nueva hornada de músicos que asoma con evidente proyección internacional, asumiendo retos. Uno de ellos fue incorporar a una vocalista, pero lo que inicialmente pareció un hecho anecdótico, es hoy un distintivo del grupo. ESCRIBE RICHARD CHUHUE Se decía que poseía forma humanayalserarrancadaemitía gritos. Dichas características llamaronsuatenciónydecidieron denominarse así. Mandragorahoyson(además de Jorge en el bajo y Fátima en voz), Herman Gers y Paulo Rockett en las guitarras y Abel en la batería. Reconocen como sus principales inluencias a bandas como Iron Maiden, Judas Priest,Dio,Saxon,Tank,Running Wild, Accept, Aria, Megadeth, Warlock y Doro. Cuando esta última, cantante alemana, ícono de la escena metalera mundial, brindó hace un par de años un conciertoenLima,ellostuvieron la oportunidad de abrir el show. TOCA Y QUEDA M andragora ha tocado en diversas ciudades del Perú como Trujillo, Chiclayo, Piura, Cajamarca, Lima, Tacna, Ayacucho, Huancayo, Juliaca, Saña, Huaraz, y pronto lo harán en Ica. Además, cuando el disco esté listo proyectan una nueva gira promocional donde tienen considerado incluir a países vecinos donde su música ya es reconocida, hablamos de Colombia, Chile, Argentina o, incluso, varios de Europa. Canciones como ‘Snakebite’, ‘Steel Metal’, ‘Someone’ o ‘Nightmare’ son las que más solicitan sus seguidores. LaentregaysencillezdeDorolos hizo tocar muy motivados en lo que consideran una experiencia inolvidable y espectacular, especialmente para Fátima. Tambiéncompartieronesce- nario con bandas de Inglaterra, Suecia y Chile, además de tocar enEcuador.MaterialsuyofueeditadoenColombiayenAlemania, país donde reside su manager Lucho Palomino, quien a través de su productora Inka Noise Records ha hecho llegar su música alugarestanlejanoscomoJapón, Grecia o Finlandia, desde donde les solicitan entrevistas, como la brindada recientemente para la revista Hard Rock alemana. EN VITRINA Su nuevo CD (a lanzarse en octubre) saldrá editado por un sello francés, habiendo planes paraeditarlotambiénenformato vinilo. Por lo pronto, tienen a la ventaelDigipackCD“SteelMetal Attack”, que recopila trabajos previos, remasterizados por PaulPinto(QuarterNoteStudio). La escena metalera peruana vive una nueva etapa en lo que Nunca fue su intención, sonar “bonito” o verse estilizados; buscaban una voz raspada, ronca, con bastante ataque. se ha venido a llamar “la nueva ola del Heavy Metal Peruano” (NWOPHM), haciendo un símil con lo que ocurrió en Gran Bretaña en la década de 1980 y para remarcar que aquí antes existieron bandas como Óxido, Orgus, Mazo, M.A.S.A.C.R.E., Armagedón, Sentencia, Almas Inmortales, entre otras, que tocaban heavy en español, algunas de las cuales siguen vigentes. A diferencia de las nombradas la nueva hornada que representan grupos como Cobra, Blizzard Hunter o Mandragora, componen en inglés, tienen una clara proyección internacional (con presencia en conciertos y festivales foráneos), además de no temer innovar como con el hecho de incluir a una cantante en su alineación, un gran aporte, qué duda cabe. Ellos esperan estar vigentes muchos años “con el espíritu vivo e inquebrantable” de su música, cumpliendo todos los objetivos y sueños que les depare su carrera. Que así sea.