Arte de - FILTER México

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El rodillo islandés…
Muchos podrían pensar que el regreso de Sigur Rós sería con un disco diferente a lo que nos ha
tenido acostumbrados la banda islandesa, pero lo cierto es que vuelven a ponernos los pies en la
tierra y recordarnos por qué son uno de los grupos más queridos en nuestro país y aclamados en
Europa, gracias a esa melancolía que los ha caracterizado.
Debido a la importancia que tiene Sigur Rós, decidimos tenerlos en portada, además de traerles
de primera mano lo que piensan sus integrantes, quienes no dejan de soñar y, sobre todo, siguen
siendo partícipes de una escena que cada vez nos ofrece más y más propuestas.
Con Valtari (rodillo en español), Jónsi y compañía nos permiten viajar con ellos a un mundo que
muchos quisiéramos habitar en estos momentos, donde hay tranquilidad, atmósferas musicales
perfectas y un sinfín de buena vibra. Se les agradece.
Asimismo, tenemos una serie de charlas con grupos como Vicente Gayo, con quienes estrenamos
sección y por fin regresan con nuevo disco, lo mismo que Alabama Shakes, Grimes, Florence + The
Machine y Nite Jewel, entre otros proyectos que están generando ruido —en el buen sentido de la
palabra— y que es imprescindible que los lectores de FILTER México conozcan y sigan.
También traemos una exclusiva con Molotov y Olallo Rubio, quienes nos platican de Gimme the
Power, este rockumental que se dio a conocer en momentos pre electorales… nada más para
recordar de qué van algunos políticos y cómo se ha defendido la escena de nuestro país ante la
censura.
No queda más que darles la bienvenida a nuestra sexta edición, en la que sigue prevaleciendo la
buena música para tus oídos.
Milton Barboza Arriaga
- C O N T E N I D O EN PORTADA
/ 32 /
SIGUR RÓS
PAISAJES SONOROS
/ 10 /
ESTONIA
LES PRESENTAMOS A…
/ 12
/ 13
/ 14
/ 15
LOS ROMÁNTICOS DE ZACATECAS
NITE JEWEL
JUAN CIREROL
ALABAMA SHAKES
YA DEBERÍAS CONOCER A…
/ 16 /
SUN KIL MOON
ESTACIÓN F
/ 18 /
POLIÇA
DE VISITA CON…
/ 20 /
VICENTE GAYO
PRINCIPALES
/
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BEAR IN HEAVEN
FLORENCE + THE MACHINE
GRIMES
MOLOTOV
22
24
26
28
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ARTE
/ 38 /
EL GRAND CHAMACO
TRIBUTO
/ 40 /
MCA DE BEASTIE BOYS
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FILTER México, Año 1, No. 5, (1º de mayo al 15 de junio 2012), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada
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abril de 2012 con un tiraje de 25,000 ejemplares.
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3.FILTER
USA
JUEGA
DISFRUTA
Por PAOLA ROMO
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dickies
Uso rudo
pero con estilo
Trabajar no implica tener puesto un overol lleno de evidencias de
pintura, pero sí alguna prenda cómoda, algo así como el pantalón
de trabajo Dickies Slim Straight Fit. Éste, además de ser realmente
cómodo, es resistente a las arrugas y súper fácil de desmanchar. El
corte slim se ajusta perfecto al cuerpo de un hombre trabajador que
disfruta de la comodidad sin perder el estilo.
www.DICKIES.com
un
USB
muy
seguro
A lo largo de la existencia del USB hemos visto
cientos de modelos, tamaños, capacidades y figuras
distintas. Bulavkus es el nombre que le ha dado el
despacho ruso de diseño Artemy Lebedev al aún prototipo de este USB de cuatro GB que está adherido
a un pin. Como cualquier otro segurito, se puede
colocar fácilmente en la ropa haciéndolo accesible y
casi imperdible.
Vans
sabor sandía
www.artlebedev.com
¡Sí! ¡Es primavera, hace calor, nos encanta la sandía y somos
fans de Vans!
El modelo Vans Era Watermelon original de 2009 será
relanzado esta temporada, y pues sí, ¿quién no quisiera usar
el modelo bajo este insoportable calor? El color rojo, la
suela verde y las pequeñas semillas harán de estos tenis uno
de los objetos más deseados de la temporada. La sandía es
tan 2012 y tan fresca que era obvio que regresaría.
www.vans.com
4.FILTER
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Pinball
para iPhone
¿Se acuerdan qué divertido era jugar pinball en
los salones de juegos? Ya habíamos visto un case
para iPad que lo convertía en un auténtico pinball.
Ahora el case está disponible para iPhone con
todo y los botoncitos, resortes y luces del clásico
juego. Sólo es necesario conectar el iPhone,
descargar la aplicación, que es gratuita, y pagar
$35 dólares por el caparazón.
Ben Sherman
en México
La marca inglesa Ben Sherman, popularizada por
skinheads y mods gracias a sus entalladas formas y patrones a cuadrícula, ha llegado a México. Hace unos
meses se presentó el showroom en la colonia Roma con
el pretexto de la última colección primavera – verano
2012, titulada Brighton to Tokio, en la cual se mezclan
elementos de la cultura japonesa con la ya clásica
estética inglesa del brit pop. La marca será distribuida
en nuestro país por Liverpool, Saks Fifth Avenue y
boutiques especializadas.
www.bensherman.com
www.thefancy.com
Cocina como un
Wookiee
Givenchy
ama a los rottweiler
Hubert es como Givenchy nombró al querido
rottweiler que ha estado presente en muchas de las
prendas y accesorios de la colección pre-otoño 2012.
El furioso cachorro ha aparecido en playeras —quizá
la prenda más representativa de la colección, que fue
popularizada por Kanye West, Rihanna, Usher y Liv
Tyler—, tote bags, backpacks, sudaderas y, el último
accesorio lanzado, un case para iPad. Algunas de las
piezas están disponibles a través de eBay o en las
boutiques de Givenchy.
www.givenchy.com
The Star Wars Cookbook: Wookiee Cookies and Other Galactic
Recipes es un libro de cocina que incluye alrededor de
27 recetas facilísimas. Tanto así, que las páginas son
de un material totalmente resistente al agua, por si
acaso le llegara a caer algún ingrediente. Entre éstas
están las Wookiee Cookies, hotcakes de C3PO, paletas
de Jedi, Boba Fett-uccine y Yoda Soda. Seguramente
muchos estuvieron cocinando estos platillos el pasado
día de Star Wars #Maytheforth. Pueden encontrar
el libro en:
www.amazon.com
5.FILTER
ZONDA
E
VER
qué
¿¿con
se come
Y la sustentabilidad
¿
Por BEGOÑA ORTIZ ARIZA de Las Páginas Verdes
La sustentabilidad se come con las manos, disfrutándola, como
una manzana jugosa con chile piquín o como el pan recién
salido del horno. A la sustentabilidad hay que gozarla, porque
ser verde es aprovechar mejor la vida. Y cabe aclarar que ser
verde no es ser hippie, sólo es ser un poco más conscientes de
nuestras acciones.
Hoy en día, todo el que puede nos recuerda que le hemos hecho
mucho daño al planeta y que, por ende, algo tenemos que hacer
al respecto. A muchos nos encantaría ir a salvar ballenas a Japón,
ser voluntarios para reforestar miles de hectáreas de bosques,
e inclusive, recorrer en bicicleta las grandes distancias que hoy
pasamos en el tráfico citadino. Todas estas acciones son muy importantes, pero casi siempre se complican demasiado. La buena
noticia es que hay una solución mucho más cerca de nosotros.
De hecho, una buena parte de la solución está en la próxima
compra que hagamos.
La realidad es que todos vamos a consumir algo en nuestra
existencia y muchos no queremos cambiar nuestro estilo de vida
6.FILTER
porque ¡hasta disfrutamos las compras! La propuesta es que
cambiemos la manera en la que tradicionalmente compramos
por el consumo sustentable. Y te preguntarás: ¿eso qué?
El consumo sustentable es aquel que satisface tus necesidades
pero no pone en riesgo la capacidad de otras generaciones para
satisfacer las suyas. Es mucho más fácil de lo que parece, sólo
debemos sustituir los productos que normalmente utilizamos
por otros que no dañen el ambiente o artículos cuya repercusión
sea menor que la promedio. Sólo pregúntate lo siguiente: ¿es
imprescindible comprarlo o es un caprichito? ¿Compraré un
producto que puedo sustituir con algo que tengo en casa?
¿Puedo hacer lo que necesito con algo que sí tengo? ¿Puedo
sustituirlo con un producto que cuide el medio ambiente?
Lo que quiero dejar claro con este primer acercamiento a la
sustentabilidad, es que no importa si eres un estudiante o un
alto ejecutivo, una abuelita o una adolescente, ser sustentable
es más fácil de lo que parece y todos deberíamos serlo, porque
nos conviene.
7.FILTER
#
party4
Por ESAMIPAU!
Fotos RODRIGO JARDÓN
A finales de abril celebramos nuestra cuarta FILTER
Party en el Caradura. Los invitados para engalanar
el escenario del lugar fueron Los Románticos de
Zacatecas, una banda que desde 2007 ha buscado
combinar rock con los elementos gruperos y románticos que han distinguido a México durante décadas
enteras.
pit. Obviamente dentro de los temas a tocar había
espacio para una de las canciones pertenecientes
a su nuevo disco Ya Lo Dijo Rufis Taylor. Durante
casi una hora, Los Románticos hicieron gozar a su
público, que lo único que buscaba era disfrutar de
un jueves con baile y música para empezar un fin de
semana largo con el pie derecho.
Las personas empezaron a entrar a las 10 de la
noche y el Caradura poco a poco se fue llenando de
gente ansiosa de ver a esta banda que ha generado
numerosos comentarios favorables alrededor de
su trabajo. Ya cuando la casa estuvo llena, Los
Románticos dieron inicio a un set lleno de rock y
ritmo. El público que estaba notablemente alegre,
bailó una canción tras otra y formaron un mini-mosh
No nos queda más que agradecer infinitamente a
cada uno de ustedes su presencia, al igual que a los
chicos de Los Románticos de Zacatecas por haber
compartido una noche inigualable. Y por último, al
Caradura por brindarnos el espacio. Esta fiesta ha
sido todo un éxito para FILTER México. Esperamos
que las siguientes sean igual de divertidas y agradables como ésta y las anteriores.
8.FILTER
CON
party5
BENGALA
Por MILTON BARBOZA
Fotos JAIME FERNÁNDEZ
De nueva cuenta el bar Caradura de la colonia Condesa en la Ciudad de
México vivió una gran noche. La edición número 5 de nuestra ya tradicional FILTER Party hizo que el lugar se llenara de gran forma, gracias
a que Bengala se presentó con todo su poder sonoro.
Y la gente lo agradeció, ya que el grupo integrado por Diego, Sebastián,
Jesús, Amauri, Marcos y Alexa, colaboradora de la banda en vivo,
dio todo sobre el escenario, desde donde se escucharon rolas como
“Carretera”, “Miente” y “Cárcel”, así como algunas de su más reciente
disco, Sigue.
Todos los presentes cantaron cada una de las rolas junto con Diego,
quien incluso (y gracias a la euforia del momento) cayó al estar cerca del
público, pero todo terminó con mucha más emoción.
Como siempre es un gusto enorme poder convivir con ustedes y que
además puedan disfrutar de las mejores bandas de la escena nacional como
se debe: en vivo y en un lugar apto para sentirse entre amigos.
La FILTERParty#6 regresará a finales de junio y seguramente será memorable… muy pronto les compartiremos algunas sorpresas al respecto.
Good music will prevail…
9.FILTER
P A I S A J E S
S O N O R O S
Back to the Baltics
60
h o r a s
en
e s t o n i a
Por MIKE BELL
Traducción MARA VARGAS
Después de 15 horas de viaje y una diferencia de horario de
siete con respecto a Nueva York, mis aventuras internacionales
comenzaron en el aterrizaje en Tallin, Estonia, una ciudad capital de 900 años de edad en el país báltico más septentrional.
Vine para el Tallinn Music Week. Ahora, en su cuarto año, el
festival de conferencias y conciertos está claramente acelerando su paso, con más de 180 bandas en 27 escenarios a lo largo
de tres días. La mayoría de las bandas eran de Estonia (¿quién
habría dicho que son tantas?) y los países vecinos, tales como
Finlandia, de donde hubo 15 actos. El verano pasado fui a
Letonia para asistir al Festival Positivus, y aunque la capital de
ese país, Riga, y Tallin están a sólo cinco horas por tierra, hay
muchas diferencias culturales. Lo más notable es que Tallin
inmediatamente se sintió un poco menos “post-soviético” en
comparación con Riga. Estonia cuenta con una conexión cultural más fuerte a Finlandia que a Rusia, ya que Helsinki está
a sólo un viaje de tres horas en ferri (también me dijeron que
el idioma finlandés y el estonio son bastante similares, hasta
el punto de que hablantes de cada idioma pueden entenderse
entre sí).
Al llegar al hotel, después de recoger mi acreditación en el lobby, sólo tenía un par de horas antes de que el autobús viniera
por los visitantes para llevarnos al Rock Café. Ahí veríamos
a Rubik, banda indie-pop de Finlandia, y a Iris, una dulce y
electro banda de Estonia (es ahí donde bebería la primera de
muchas cervezas Saku a lo largo de mi viaje). El reloj marcaba
que me quedaban 60 horas para absorber la mayor cantidad de
cultura báltica posible. Rápidamente dejé mi maleta y me fui al
“viejo pueblo”, que estaba a tan sólo unas cuadras.
RUBIK Por TÕNU TUNNEL
10 . F I L T E R
P A I S A J E S
S O N O R O S
IIRIS Por RUTH SOTNIK
Estar en Tallin se sentía como cualquier otra ciudad moderna
de Europa: edificios altos, hoteles elegantes, centros comerciales, restaurantes finos y antros. Pero, por otro lado, la parte vieja era como regresar en el tiempo a la época medieval o, como
los locales lo describen, “al mundo de los cuentos de hadas”. Mi
caminata por esta parte de la ciudad, que fue fundada en 1154,
se sentía bastante medieval: las calles de piedra me llevaron a
un estrecho pasaje más allá de las casas y tiendas que datan al
siglo XIII, a lo largo de la pared que bordea la ciudad hacia un
castillo —sí, un castillo de verdad. Extrañamente está a una
corta caminata del Depeche Mode Baar —un bar de verdad
en el que sólo ponen Depeche Mode y está completamente
decorado con memorabilia de la banda (le fue muy bien cuando
en 2001 Depeche Mode enfiestó ahí antes de su concierto en
Tallin).
A la mañana siguiente, los dos días de conferencia, parte del
Tallinn Music Week, los abrió un discurso del presidente estonio Toomas Hendrik Ilves, que muchos delegados consideran
el presidente más cool de la historia. Trabajó en Radio Free
Europe en los ochenta, sabe mucho de música y es conocido
por citar a sus artistas favoritos —Jello Biafra y los Ramones—
en sus discursos. ¿Cuál será su siguiente movida: cantar las
noticias?
IIRIS Por TÕNU TUNNEL
El siguiente día y medio pasó rápido, pero estuvo lleno de buena música en vivo alrededor del pueblo viejo. Lo más destacado
fue Alina Orvola (Lituania), una dramática sirena, el dúo de
rock experimental Mona De Bo (Letonia) y Diver (Austria) un
trío folk. La gente del Tallinn Music Week me cuidó muy bien
durante el fin de semana (muchas gracias a Helen, su equipo y
todos nuestros nuevos amigos en Estonia), y sin darme cuenta,
mis 60 horas se habían terminado; o en la nueva forma en
la que voy a medir el tiempo, habían pasado cinco vueltas al
catálogo completo de Depeche Mode. Gracias, Estonia, me
cambiaste para siempre.
11 . F I L T E R
Les presentamos a...
LOS
ROMANTICOS deDEde de
ZACATECAS
enviarlalo
Por MILTON BARBOZA
Fotos ANAIRAM
A lo largo
de su historia musical, México se ha
caracterizado por tener lugares muy específicos de donde
salen la mayoría de los grupos. La centralización se ha convertido en un
tema recurrente porque, en todos los ámbitos, la Ciudad de México funciona como el
centro medular del país. Para fortuna de la escena, poco a poco dichos estándares han cambiado
y hoy por hoy, bandas de diversos estados de la República se han posicionado como parte fundamental
de la música creada en el país. Tal es el caso de Los Románticos de Zacatecas, quienes a lo largo de su corta pero
fructífera carrera han enarbolado el rock creado en su estado y tenido muy buena respuesta en el ámbito nacional.
Toño, baterista, y Gerber, bajista de la banda, están conscientes de lo que significa salir adelante para dar a conocer su música. “Ya
Lo Dijo Rufis Taylor es un disco que sacamos nosotros solos, es totalmente independiente; lo grabamos en León y lo mezclamos en el D.F.
con Tito Fuentes (Molotov) en Topetitud. El arte lo armó Manzanas (vocalista del grupo) y tiene que ver completamente con Zacatecas;
Rufis Taylor es un pregonero de la región que en la década de los setenta anunciaba obras de teatro y toquines. Además, el disco trae samplers
que grabamos del mercado y de sucesos de la calle, los cuales metimos entre rola y rola”, afirma Toño sobre el segundo álbum de la agrupación.
El segundo material de Los Románticos mantiene el sonido que los ha caracterizado, en donde el punk rápido y certero genera dinamismo al
momento de escucharse. Para Gerber, la esencia del grupo sigue siendo la misma. “El disco pasado fue el reflejo de lo que estábamos viviendo en ese
momento musical y líricamente; éste representa un poco más las vivencias de venir mucho al D.F. y añorar la casa. No hay tanta diferencia en lo musical
sino en la forma en que lo hicimos, porque nadie nos dijo cómo hacerlo o cuándo entregarlo, nos tardamos más o menos un año en terminarlo. Y no salió
hasta que tuvimos el disco que queríamos”, explica el bajista.
El tema de la centralización es algo tan emblemático de nuestra sociedad, que no cambia —ya lo apuntaba Alan Riding en su libro Vecinos Distantes
(1985) — que hoy sigue siendo una realidad y que en la música ha funcionado para afianzar el trabajo. Gerber explica la razón por la que hace un tiempo
decidieron venir a la capital para fortalecer su carrera: “La cultura en México no es rockera. Entonces llegas al D.F. porque hay mucha gente para todos
los gustos, gracias a eso podemos tener dos o tres shows buenos al mes. En Zacatecas podíamos hacer uno cada tres meses debido al funcionamiento
de la ciudad, que te la acabas en poco tiempo. Y como aquí están centralizados los medios, se hace un parteaguas para que la gente te identifique”.
Toño también lo confirma: “La Ciudad de México es un boom debido a los medios, que te dan difusión para que puedas tocar fuera del D.F.;
sin embargo, ahora pasamos por una época difícil en provincia porque no hay foros. A Zacatecas vamos y venimos porque se nos hace más
fácil componer fuera del D.F. y allá tienes chance de palomear, pero nunca hubo, hay, ni habrá tantos foros. Siento que los lugares se
están acabando por todo lo que sucede y por eso ahora tenemos a muchas bandas por acá”.
Ya Lo Dijo Rufis Taylor resulta una aventura por el proceso de buscar la trascendencia por medio de la calidad, de las ganas
de triunfar en cualquier lugar. “Si quieres hacer algo lo puedes lograr, nunca tires la toalla. Este disco es muestra
de ello, porque mucha gente se unió para que llegara lejos”; concluye Gerber sobre este trabajo que define
a Los Románticos de Zacatecas como una nueva apuesta del Bajío mexicano por descentralizar
el rock.
12 . F I L T E R
NITE
JEWEL
Les presentamos a...
Por PAMELA ESCAMILLA
Fotos MATHEW SCOTT (CORTESÍA SECRETLY CANADIAN)
Nite Jewel es el proyecto de Ramona Gonzalez, quien se dio a conocer a través de MySpace hace algunos años con grabaciones que hizo
en un cartucho de ocho pistas. En entrevista, la compositora definió
su música como “una combinación de lo sensual y lo anguloso”,
mientras que para el productor Damon Dash ella hace “música para
tener sexo”.
“Es a la vez fría y caliente. Creo que mis lazos con la música electrónica alemana, así como con la música negra de Estados Unidos son
una rara combinación, pero también son culturas que han lidiado
con muchas adversidades”, explica Gonzalez sobre sus influencias.
Ramona también estudió filosofía y se ha desempeñado como
artista multimedia. “Creo que mi música suena mejor cuando mi
mente está pensando en arte y conceptos metafísicos. Encuentro
las instalaciones muy inspiradoras para crear música”, reconoce
la autora de temas como “Suburbia”, “She’s always watching you”
y “One second of love”, quien también ha conformado una dupla
creativa con su esposo, el productor y músico Cole M. Greif-Neill.
“Sus ideas sobre los tiempos y el ritmo se han infiltrado completamente en mi interior y se han convertido en una parte de mí”,
reconoce la cantante.
Tanto ella como Cole son fans de Kraftwerk e inclusive interpretaron el Computerwelt en el Hard Rock Cafe de Hollywood el verano
pasado. Esta influencia se nota sobre todo en One Second of Love,
segundo LP de Nite Jewel, en el que asegura haber contado con más
colaboraciones, mientras que Good Evening —su primer material de
larga duración— fue algo más personal. “Trabajé mucho entre esos
álbumes, había mucho que cambiar, grababa constantemente y me
presentaba todo el tiempo. Estuve escuchando mucha música nueva
también. Creo que fue en ese periodo en el que me di cuenta de que
me podía convertir en una artista seria en la música y eso significa
mucha experimentación y toma de riesgos”, aclara Ramona, quien
actualmente escucha a Tears for Fears, Robert Palmer, Louis
Armstrong y un poco de Daughn Gibson.
Dos viniles, tres EPs y dos LPs después de haber iniciado su carrera
musical, Nite Jewel por fin se presentará en el Distrito Federal (Pasagüero) este 7 de julio, pero no te dejes llevar por el electro suave
y cuidado de sus grabaciones, ya que Gonzalez asegura que en vivo
—con una banda de cuatro integrantes— su música tiene mucho
más punch y vísceras, así que promete hacerte bailar.
13 . F I L T E R
Les presentamos a...
JUAN
CIREr
rol
Por ANDRÉS DÍAZ
Foto ÓSCAR VILLANUEVA
Uno tarda en darse cuenta de qué es lo que ha hecho hasta que se para
y reflexiona sobre esto. Juan Cirerol hizo una reflexión con respecto a
su radical cambio de vida al dejar una banda de punk para tomar una
guitarra y componer canciones en las que narra lo que vive.
Ofrenda al Mictlán, su disco debut, comenzó como un homenaje a la
ciudad de México y terminó siendo su entrada triunfal a la misma
gracias a una serie de conciertos que nos recordaron lo básico de la
música: alguien que se expresa por medio de canciones. A pesar de
tocar en donde pudiera —desde pulquerías hasta bares—, su nivel
de exigencia ha ido en aumento, pero no por rockstar: “Antes tocaba en
la calle pero nadie me conocía. Ahora busco darle respeto a la gente,
darles el mejor show”.
A un año de ese lanzamiento —y de ganar como Mejor Disco Solista y
Folclore en los Indie-O Music Awards (IMAS) — lanzó Haciendo Leña,
el cual tiene que ver más con el significado que le dan en el norte del
país (algo así como patear traseros): “Grabé 25 canciones para este disco. Hay algunas que estaban compuestas desde antes y las saqué ahora
porque hubieran dejado de retratar el tiempo que estoy viviendo”. Y
la tendencia de grabar constantemente seguirá, ya que tiene pensado
lanzar dos discos al año: “Me compré un bajo sexto, muy distintivo de
14 . F I L T E R
la música norteña, con el que estoy componiendo canciones aún más
graves, incluso con mi voz”.
Juan está muy consciente de la creciente exposición que ha tenido,
pero eso le ha ayudado a buscar un nuevo e interesante rumbo: “Me he
dado cuenta de que hay mucha gente que consume lo que hago porque
le gusta, por lo mismo he sentado los pies en la tierra. Estoy aquí para
componer música y andar de fiesta, para vivir y escribir canciones
netas y poéticas”.
Otra manera (filosófica, por así decirlo) en la que se ha planteado
el papel que tiene como músico, ha sido la de no pensar en nada,
porque nada tiene sentido: “Me han llegado indicios, al escuchar
halagos, de cuál es la misión de mi vida. Prefiero pensar en que
nosotros no servimos para nada y que lo que hacemos es sólo por
gusto o por casualidad. Pienso que soy un artista del siglo XXI
porque antes sólo lo hacían para vender discos, ahora no. Antes
todos eran como dioses y ahora, gracias a internet, puedes hablar
con ellos. Todo se bajó al nivel en el que se nos da el poder de
hacer todo. Sabiendo eso, ¿qué tan especial puede ser uno? Ya
nada es misterioso en estos días. Como artista lo que debo hacer
es ser un carnal que les toca canciones”.
Les presentamos a...
ALABAMA
SHAKES
Por A.D. AMOROSI
Traducción ANNA STEPHENS
Foto AUTUMN DE WILDE
fue el momento en el que se dio cuenta de que Alabama Shakes
alcanzó éxito con su escalofriante garaje R&B, responderá con
otra pregunta: “¿alcanzamos el éxito?” Menciona la añadidura de
“Alabama” al nombre original de su banda, The Shakes, y contesta
que “se trataba de una pesadilla de un booking agent. Además,
añadir “Alabama” era apropiado —es el lugar en donde la mayoría
de nuestros recuerdos personales y como banda se encuentran.
Quedaba muy bien, ya que todas nuestras canciones hablan de
nuestras experiencias de crecimiento”, contesta. “Muchas de las
canciones hacen referencia a Alabama”.
Las sentimentales canciones de crecimiento y madurez de su EP
homónimo editado en el 2011, y su primer álbum Boys & Girls son
la caja de chocolates más añorada de nuestros sueños adolescentes
y ruines experiencias narradas a través de la voz tipo Janis Joplin/
Poly Styrene de Howard. “Es un aullido y requiere de mucha
energía”, se refiere a su habilidad.
Existe algo muy peculiar sobre la manera en que Brittany
Howard de Alabama Shakes ve al mundo a partir de lo que
describe como sus inspiraciones musicales. La afroamericana
cantante de soul, guitarrista y compositora, gustaba de David
Bowie, Bob Dylan y Bon Scott de AC/DC durante su adolescencia, porque cada uno de ellos eran excelentes narradores
de historias. Cuando era una niña, Howard escuchaba a James
Brown “por su forma de desenvolverse en el escenario”, afirma.
“En aquel entonces me gustaba eso, ahora también.”
Pero cuando discute sobre Famous L. Renfroe y su espeluznante álbum Children de 1968 –del cual poco se sabe, Howard se
concentra en el individualismo a ultranza de Renfroe de cara a
la soledad. “Fue el evangelio de este hombre lo que me aseguró
que está bien saber hacer las cosas a tu modo.”
“Hold on” es un monólogo de su protagonista a través de sus
problemas. “Estoy tratando de mantenerme bien, pero al mismo
tiempo estoy cansada de esperar a que las cosas mejoren”, dice
Howard sobre su lamentación. “I ain’t the same” habla de cuando
te das cuenta de que ya no eres un niño y que nunca volverán a ser
las cosas tan sencillas. “Un día trataba de recordar cuándo fue la
última vez que me sentí libre de preocupaciones, y no pude recordar”, dice su compositora. “Me sentí muy triste porque sabía que
era una etapa del crecimiento y ésta era mi forma de lamentarlo”.
Hasta ahora las canciones parecen autobiográficas. Cuando le
preguntas sobre “You ain’t alone” y la forma en la que su narrador
habla sobre el miedo, no podemos resistirnos a preguntarle a
Howard acerca de sus propios temores y en quién pensó al componer esta canción. “Eres la primera persona en preguntarme eso”,
dice Howard. “Esta canción fue escrita para mí”.
3 DISCOS
QUE INSPIRARON A ALABAMA
SHAKES A HACER MÚSICA
Sin el afán de ser una Frank Sinatra o una Sid Vicious, “a su
manera” es la única forma en la que Brittany Howard entiende
cómo hacer las cosas.
La originaria de Athens, Alabama, de 23 años de edad es
–como la mayoría de sus compañeros de banda– una punk
rocker con rasgos del soul. Bandas como Kerosene Swim Team
eran de su dominio y Howard encontró los músicos y colaboradores ideales para alcanzar su objetivo ruidoso.
FAMOUS L. RENFROE / Children
El bajista Zac Cockrell fue el primero cuando los dos
estudiaban en el mismo colegio. “Inicialmente quería tocar
con Zac porque él era el único bajista que conocía”, dice
Howard. “Le gustaba música muy interesante, considerando nuestro entorno rural: Modest Mouse, At The Drive-In,
T. Rex. Zac no tenía expectativas de nada y sólo quería
tocar: era el elemento perfecto.”
THE ROLLING STONES / Sticky Fingers
Presiona a Howard un poquito más y pregúntale por las primeras
personas que realmente contaban con lo que ella quería; responderá sin dudar: “Zac, Steve [Johnson, baterista de Alabama
Shakes] y Heath [Fogg, guitarrista y último en unirse al grupo].”
Ellos fueron los primeros integrantes de la banda y, a juzgar por
la manera en la que se expresan, serán los únicos. “Hasta que la
muerte nos sacuda, ¿sabes?”
Howard es divertida y autocrítica. Si le preguntas cuándo
LED ZEPPELIN / Houses of the Holy
15 . F I L T E R
Ya deberías conocer a...
Sun Kil Moon
Por KYLE LEMMON
Traducción benjamín espinosa
Foto GABRIEL SHEPARD
Un atractivo de la música es que las canciones sobre el dolor y
aislamiento ayudan a sentirnos mejor. En San Francisco, desde
hace más de veinte años, Mark Kozelek ha proporcionado
una salida para esos pensamientos. Fue el líder callado de
Red House Painters, una de esas bandas que etiquetas como
“slowcore”, hasta que puso ese proyecto a descansar. Desde entonces ha llevado una carrera en solitario como Sun Kil Moon.
Inspirado por su homónimo, campeón mundial de boxeo en
dos divisiones, Kozelek admitió cambiar su nombre artístico
para despertar la atención de los críticos. Pero también hay
un significado más profundo. “Creo que hizo clic conmigo, es
que es un deporte solitario” dice Kozelek. “Los boxeadores
tienen a su equipo de esquina, pero es el cuello [del boxeador]
el que está en juego. Parte de mi filosofía es que lo que vivo
son las cosas que he recogido de los boxeadores y entrenadores
como Teddy Atlas, Freddie Roach, Cus D’Amato y Floyd
Mayweather”.
Fuera de ese cuadro alentador, Freddie Roach es el que inspira
de forma particular a Kozelek. “Se levanta todos los días con su
enfermedad de Parkinson y viaja por el mundo para entrenar a
los combatientes. Pienso en eso cuando estoy cansado y me da
fuerza. Tú lees libros sobre músicos, gente que se refugia todo
el tiempo en hoteles y drogas. Uno lee sobre los boxeadores,
chicos disciplinados con la ética de trabajo sólida”.
La conexión de Kozelek entre el boxeo y la música encaja en su
última aventura. La quinta producción de Sun Kil Moon, Among
the Leaves, se centra en la transición, una observación extrema,
cómica y profunda de la naturaleza de mirada fija en las líneas
amarillas sobre el pavimento.
Kozelek hace con amor sus canciones, algo ya escuchado
sobre Admiral Fell Promises (2010), pero con un mínimo en la
configuración de la grabación. “Para Among the Leaves, la puesta
en marcha era una guitarra clásica Ramírez y ocasionalmente
una de flamenco Yamaha, un micrófono vocal y uno para la
guitarra”, dice Kozelek. “Me he simplificado en los últimos
años. Grabamos directamente en ProTools. Me he cansado de
las sesiones de grabación tradicionales, reservando un estudio”.
De la intimidad y la instrumentación analógica con la guitarra
española, en Among the Leaves también hay reflejo en sus letras
inquietantes. Las canciones pintan una representación dramática de un hombre desesperado atrapado entre los recuerdos
de su casa en la bahía y los flashes de brillantez mientras jugaba
16 . F I L T E R
con sus devotos fans. Kozelek canta: “I’m half man, half alley cat”.
Es tanto declaración ruidosa como sentencia de muerte.
Por otra parte, la luminosa “Sunshine of Chicago” sigue a
Kozelek como la consentida. En una melodía, él se agita con los
recuerdos de las groupies en los noventa y de las enfermedades de
transmisión sexual que molestan a su difunto padre. Hay un toque
de humor negro en el disco. Kozelek no sufre o se preocupa de las
críticas de la gente acerca de sus severas canciones, y eso es parte
de su encanto cascarrabias.
Las historias se centran en fans que interrumpen, músicos que
mueren jóvenes en su propia nostalgia. Sus letras en muchos
álbumes se llenan de observaciones macabras. De hecho, Among the
Leaves con “Song for Richard Collopy” se centra en la muerte. Una
melodía hermosa, conmovedor tributo a un amigo de Kozelek
de San Francisco, reparador de guitarras. “Trabajar con Richard
fue tirarse los dientes, la verdad. Él realmente se tomó su tiempo.
Pero era un buen tipo y mi mejor recuerdo fue cuando recogí mi
Gibson L-00. Él se fue pero la trajo de vuelta a la vida”.
El camino puede ser difícil para un guitarrista en 2012, pero
Kozelek sabe que las giras, ventas de camisetas y concesión de
licencias son las formas de ganar dinero. “Los CD probablemente
se acaben para 2014, por lo que tendremos que acostumbrarnos a
eso”, dice. “Las personas ya no compran música”.
Un trovador cansado toma todo esto hoy en día, al igual que sus
fans lo hacen. Es su inspiración para seguir. “Me acuerdo de Cus
D’Amato, entrenando a Mike Tyson y diciendo: ‘eres un profesional. ¡Tienes que salir allí, adaptarte y sacar lo mejor de la situación
te sientas como una mierda o no!’ Nunca voy a olvidar esa cita. A
veces estoy tocando en algunas circunstancias de mierda y quiero
caminar fuera del escenario, pero creo en esas palabras y sigo”.
3 DISCOS
de Mark Kozelek
que debes tener
Red House Painters / Old Ramon (2001)
Mark Kozelek / White Christmas Live (2001)
Mark Kozelek / Noches LP (2008)
17 . F I L T E R
ESTACIÓN
LAS HISTORIAS FANTASMAS DE
POLIÇA
Por Lauren Harris
Traducción mara vargas
Fotos Marc Lemoine
Comenzó con una serie de beats, clics, pausas y espacios que
cuatro personas se tenían que aprender de memoria y a partir
de ahí seguir construyendo. En sus coches y en su cuarto, a
los miembros de Poliça –antes de que los conocieran como
tales– les fue dado el andamiaje y, sin discutirlo, crearon su
álbum debut, magníficamente áspero y salpicado de R&B, Give
You the Ghost.
La vocalista Channy Leaneagh, los bateristas Ben Ivascu y
Drew Christopherson y el bajista Chris Bierden solían ser más
un grupo de estrellas que una banda. Los unió el productor
Ryan Olson, quien había creado los beats de los cuales
salieron estas canciones, algunos desde hace 15 años. Olson
conoció a los integrantes a través de varios amigos músicos
de Minneapolis Roma di Luna, Vampire Hands, GAYNGS y
Bon Iver. Con el tiempo fue reclutándolos, uno por uno, y
presentándoles los once tracks. En cada miembro, Olson reconoció algo intrínseco y necesario para el sonido que tendría
Poliça. Aunque la formación de Poliça parezca más la de una
boy band que de un proyecto artístico, Leaneagh se encarga de
aclararlo: “Suena como si hubiéramos sido fabricados, pero
sólo queríamos hacer canciones juntos. Fue muy orgánico”.
“Conocíamos esos beats”, explica Leaneagh acerca del proceso
poco convencional en la creación de Ghost. “Todos estamos
conectados a él. Todos estábamos reaccionando a esta misma
cosa”. No fue hasta que habían terminado el disco, en el primer ensayo de la banda, que todos sus integrantes estuvieron
en el mismo espacio al mismo tiempo. Los nervios desaparecieron una vez que empezaron a tocar. “En el momento que
empezamos a tocar y vi cómo [Channy] se conectó con la
música y empezó a bailar, me di cuenta de que esto sería algo
interesante”, dice Christopherson.
Mientras hacer música en algo vacío puede sonar como
un reto, fue un alivio para Leaneagh, quien por años había
estado en la banda marido-mujer, Roma di Luna, con su ex
esposo, Alexei Caselle. La banda se disolvió y con ella, su
matrimonio, esto dejó a Leaneagh emocionalmente agotada,
por lo que una nueva forma de colaborar le fue muy atractiva.
“No tenemos las bases o la historia de un una amistad,” dice
ella. “De alguna forma es un ambiente donde nos queremos
llevar bien todos porque trabajamos juntos.” Libres de ciertas
dinámicas impersonales que pueden hacer que la vida en una
18 . F I L T E R
banda sea difícil, el resultado es un objetivo mucho más claro.
“Hay una sensación de que estamos juntos porque tenemos
que cumplir una misión”.
Tanto en su construcción como en las emociones que trasmite,
Poliça (se pronuncia polisa, y quiere decir “política” en numerosos idiomas del este de Europa) se está convirtiendo en algo
más primitivo que la inteligencia que ha venido a caracterizar
mucha de la música independiente. A veces, Leaneagh es una
seductora, otras es un hermoso frenesí invocando un pozo
de emociones, por eso es casi irreconocible cuando te habla
la educada pixie de Minnesota. La decisión de vaciar la voz de
Leaneagh en Auto-Tune en casi todas las canciones suma los
escalofríos que produce Ghost y crea una mayor distancia entre
la Leaneagh del disco y la que conoces conversando.
La brecha no es intencional, dice Leaneagh. “Grabé la mayor
parte del disco sentada en mi sofá, fumando cigarros a las dos
de la mañana”, dice ella aludiendo al estado emocional en
el que estaba mientras escribía las letras de las canciones del
disco. “Estaba en otro estado mental, como un alter ego o algo
así”. Mientras Leaneagh es clara sobre no querer regresar a ese
tiempo y espacio, hay un sentimiento de pérdida en sus palabras, sobre el hecho de que no podría regresar aunque quisiera,
una nostalgia por un espacio en el que vivió y su simplicidad.
“Muchas de las canciones son sobre estar en una relación, y el
no poder darle más a ésta, pero sí puedes darle tu fantasma.”
Aunque los miembros de la banda eran casi desconocidos
cuando empezaron a tocar juntos, hay una fuerte vibra de
intimidad entre ellos y una veneración del espacio emocional
de donde vienen estas canciones. “Es una cápsula de tiempo,”
dice Christopherson, “es un disco sobre un lugar en tu vida al
que no puedes volver”.
La banda está consciente de las condiciones en las cuales
fue creado Ghost, y lo que puede significar para el próximo
álbum de Poliça. Hay una habilidad inherente para crear esas
circunstancias una vez más, pero la banda no está preocupada
–están emocionados de trabajar juntos, de crear juntos en vez
de aislados. “Me mueven mucho estos beats, estos bateristas
y este bajista,” dice Leaneagh. “Hemos llegado a conocer la
configuración un poco mejor, y apenas estamos rascando la
superficie de lo que podemos hacer como banda.”
19 . F I L T E R
Les
presentamos
De visita
con... a...
Por PAMELA ESCAMILLA
Fotos RODRIGO JARDÓN
20 . F I L T E R
Justo el día que se dio a conocer “Interpretaciones sin razón”,
primer sencillo de la segunda producción de Vicente Gayo, la
banda —Armando, para ser exactos— abrió las puertas de su
cuarto de ensayo a FILTER México.
Gracias a esta oportunidad, les presentamos la primera entrega de
esta sección, en la que se abarcarán temas que van más allá de la
música de las bandas más representativas de la escena local.
De acuerdo con los integrantes del grupo, ese lugar al que hicieron suyo en la colonia Roma es como su segundo hogar, ya que ahí
pasan todo el día, todos los días. En este estudio-cuarto de ensayo
antes vivía la abuela de Alan y Josué. Ahora es utilizado por ellos
y otras agrupaciones para practicar y componer. “Hay personas
que piensan que es una casa en la que viven muchos. También
usamos este lugar como una oficina”, comentó Alan mientras
Pablo Romero, integrante de la banda argentina Árbol, trabajaba
en la mezcla del más reciente material —hasta ese momento sin
nombre— de la banda.
Una vez que mostraron su felicidad por estar ubicados en una
zona tan céntrica —aunque a Josué también le gusta el ambiente
de Coyoacán— nos contaron que lo que más les late del área de
la ciudad que los adoptó es el ritmo de vida, y que hay una buena
cantidad de restaurantes que no son franquicias y paulatinamente
han salido adelante, así como tiendas de discos.
“Hay gente que se está arriesgando con otras propuestas de
comida. Nosotros crecimos en el Estado de México y llevamos
unos años aquí en el D.F. y creo que hay una gran diferencia en
cuestión de espacios para tocar. El uso de la bicicleta es algo que se
empezó a fomentar y está chido, mucha gente dice que es moda,
pero es algo positivo. Lo hagan por moda o no, favorece”, agregó
Javier, quien también gusta de ir a lugares en donde venden cosas
usadas, como el mercado de Santa Martha Acatitla.
Una vez que salimos a la calle debido al calor que se sentía en el
cuartel de Vicente Gayo, no faltó el vendedor de rosas que debido
al look “rockero” de la banda asumió que portaban (y compartirían) “algo qué fumar”. Después de unas cuantas risas, y de que el
susodicho también les preguntara sobre algún cuarto para rentar
en esa calle, continuamos con nuestro camino aún sin destino.
Tenían hambre, pero no todos y no tanta, así que fuimos a la Plaza
Río de Janeiro a que se despabilaran de estar todo el día metidos
en el proyecto. Ya un poco más relajados nos contaron que eso no
sería algo que harían en sus actividades cotidianas y que de hecho
no es común que salgan a comer juntos, con excepción de cuando
van a la fonda. Continuamos el camino.
Mientras Alan —el más hambriento— pedía algo de comida china, los demás nos platicaban que partían en dos sus ensayos, para
que así les diera tiempo tanto de continuar con la posproducción
de su nuevo álbum como de ensayar para los próximos conciertos,
entre los que destaca su participación en Rock al Parque (del 30
de junio al 2 de julio de 2012, en Colombia). “Hay planes de
tocar en toda la República ya que esté el disco e ir a Los Angeles
en octubre. Posiblemente el viaje de Colombia se extienda un
poco más porque hay un par de invitaciones después del festival.
También queremos ir a ciudades de Estados Unidos a las que
no fuimos con el disco pasado, así como a Argentina, Europa,
Chile…” concluyó Javier antes de pasar por tortas y empanadas
al local de al lado del estudio, en donde nos despedimos para
dejarlos continuar con su quehacer musical.
21 . F I L T E R
PRINCIPALES
Por ESAMIPAU!
Foto shawn brackbill
La falta de anhelo y
su amor por México
22 . F I L T E R
Una buena banda es aquella que se preocupa
por todos los detalles.
Tal vez la creencia común sea la contraria y la
mayoría de los músicos sólo quieren dedicarse
a componer e interpretar sus canciones. Pero
no los culpemos a ellos, apuntemos el dedo a
quienes muchas décadas atrás asumieron que
el único papel del artista era convertirse en
una máquina de éxitos que no se preocupa por
nada más.
PRINCIPALES
Afortunadamente existen bandas como Bear in Heaven, que
reconocen el peligro que corre la música hoy en día. Ante la
sobreoferta de bandas que hay y la facilidad de conseguir lo
que sea gracias a internet, a ellos no les importa desafiar oídos
ajenos y ponerlos a trabajar con música que tal vez de inicio
no sea tan amigable, con tal de lograr algo de permanencia
en la memoria colectiva. Para promocionar su más reciente
producción, I Love You, It’s Cool, la banda decidió habilitar
un stream en su página oficial hace unos meses. ¿El chiste de
esto? El nuevo disco solamente daría una vuelta desde el día
uno hasta la fecha oficial de lanzamiento. El resultado fue casi
un experimento sonoro donde una nota podía durar horas
enteras.
En una plática en exclusiva para FILTER México, Jon Philpot
—quien inició Bear in Heaven en su habitación— habló de
varios temas, entre los que destacaron la falta de anhelo en
torno a la música hoy en día, su peculiar stream y cómo México
ha sido una de sus mejores experiencias en lo que a festivales
se refiere.
Se han presentado en festivales alrededor
del mundo. ¿Cuál es la mejor experiencia
que han tenido?
Definitivamente el Indie-O Fest. En verdad, no miento, fue
una experiencia increíble. Claro, hay otras, pero tocar en el
Polyforum Siqueiros fue algo muy chido: el piso que se mueve,
la energía y el público que atendió nos volaron la cabeza.
Empezaste a hacer música en tu casa, ¿cómo
crees que formar una banda hizo que hubiera un cambio en tu sonido?
Cuando empecé a hacer música no sabía mucho sobre el tema
y luego tuve la necesidad de compartir con más gente. Sin
embargo, no es fácil estar en una banda, hay gente que busca
vivir de esto y las influencias de todos son diferentes, así que
siempre hay puntos de vista variados. Una de las grandes ventajas de estar en una banda es que siempre debes escuchar a
tus compañeros, aunque pienses que son estúpidos, porque es
muy probable que termines con algo mucho más interesante a
que si lo hubieras hecho tú solo.
¿Piensas entonces que tu música es ahora más
interesante que la que hacías en tu cuarto?
Seguro. Y la verdad es que solamente hice un EP por mi
lado. He estado en una banda mucho más tiempo que solo.
Pienso que si hubiera seguido por ese camino, la música sería
completamente diferente; probablemente sería mucho más
tranquila, tan sólo por el hecho de que no sé tocar la batería.
Hablando del nuevo disco y la forma que
han encontrado para que las personas lo
“escuchen” antes de su lanzamiento, ¿cuál es
tu opinión acerca de cómo se distribuye la
música actualmente?
Hemos llegado a un punto en la música donde ya no existe
un anhelo real gracias a tanta inmediatez. Recuerdo muy
bien cuando tenías que aventurarte a las tiendas en busca
de un disco, y ahora sólo hay que introducir el título en
un buscador y listo, lo tienes. Así que como todo está al
alcance de tus dedos (con sus excepciones), hay que esfor-
zarse por darle algo diferente a la gente, con contenido. Se
tiene que establecer una postura de lo que estás haciendo
y por qué es importante que la gente ponga atención a
tu trabajo. Así que tienes que hacer algo de relaciones
públicas subliminales donde le digas a la gente “te vamos a
mostrar algo que no es tan ligero ni tan fácil de digerir”.
Entonces el stream de su disco 400 mil por
ciento más lento fue su respuesta a eso…
Lo que sucedió con esto fue que no sólo tuvimos la oportunidad
de dar nuestra postura al respecto, también hicimos algo nuevo,
en lugar de tener una reacción violenta al marketing musical
moderno. Me parece que el stream que está en nuestra página es
bastante agradable y, si le dedican algo de su tiempo, verán que les
dará lo que buscan.
¿Existe algún tipo de sonido/textura que
siempre hayan querido recrear y que no han
perfeccionado?
Creo que la música se rige por la pasión de lograr componer la
canción perfecta, lo que es difícil. Estamos orgullosos de este
nuevo disco, suena muy chido y es el primer material en el
que hacemos las cosas bien: nos sentamos a componer juntos,
grabamos en un estudio por primera vez y hay muchas cosas
importantes que lo rodean. Definitivamente ha habido cambios en nuestro sonido, pero no creo que hayamos escrito la
canción perfecta todavía, aunque me parece que eso es lo que
mantiene a la gente haciendo música: el poder un día decir
de verdad “amo esta canción más que TODAS las canciones
del mundo”.
¿Cómo fue su primera experiencia dentro de
un estudio?
Fue estresante, pues confrontas tus habilidades de una manera
muy cruda. Hay un calendario que hay que cumplir y dices
“bueno, tengo tanto tiempo para grabar todo esto con lo que
sé hacer. ¿Cómo lo hago antes de que se termine el tiempo?”
El trabajo de estudio no es fácil… no es apto para los débiles.
En cuanto a la parte visual de Bear in Heaven,
da la impresión de ser coherente con su
música. ¿Crees que todas las bandas deberían
preocuparse por cómo la gente “ve” su música?
¡Definitivamente! Si eres músico tu forma de hablar con la
gente es editar un disco, así que deben prestar atención a todo
lo que proyectan. Creo que con la cantidad de esfuerzo que
se le invierte a un disco, la finalidad de la banda no debería
ser nada más tocar las rolas que componen; deberían tratar
de darle a la gente algo en qué pensar, hacerlos sentir bien…
o mal… algo.
¿Quién hace el arte de sus discos?
Tenemos amigos que colaboran con nosotros. El arte del nuevo
disco lo hizo Sadek Bazarra, un ex miembro de Bear in Heaven,
lo cual me parece fantástico. Él tocó los teclados durante un
tiempo, pero antes de salir para la gira del disco pasado, dejó la
banda. Es un gran artista, músico, filósofo y diseñador gráfico,
hace un poco de todo; y la verdad es que es increíble tenerlo
en la banda de una u otra forma. Él se ha encargado de toda
la parte visual desde el primer disco, así que sigue presente y
queremos mantenerlo tan cerca como podamos.
23 . F I L T E R
PRINCIPALES
FLORENCE + THE MACHINE
El llamado
de la sirena
Por DANIEL KOHN
Traducción Anna stephens
Fotos TOM BEARD
Los últimos tres años han sido un torbellino para
Florence + The Machine. A lo largo de este periodo, el contagioso indie pop de Florence Welch y su
banda se ha expandido como incendio forestal. Ha
lanzado dos discos que conquistaron múltiples listas
de popularidad, ha estado de gira por todo el globo
y ganó el BRIT Award por mejor álbum y un premio
NME como mejor artista solista. No ha sido un mal
comienzo para una pelirroja del sur de Londres.
Se dio a conocer con “Dog days are over” de su
álbum debut Lungs y la banda ya es un elemento
básico en la radio de rock alternativo. Cuando esa
canción comenzó a sonar y fue parte del soundtrack
de series de televisión como Glee, Gossip Girl, Community y Grey’s Anatomy, Welch se proyectó ante un
público mayor, lo que dio como resultado una gran
expectativa ante un próximo lanzamiento. El otoño
pasado, con Ceremonials, la banda comprobó que es
más que una moda.
Al éxito de sus producciones discográficas debemos
sumar que las presentaciones en vivo de Florence
24 . F I L T E R
+ The Machine son de las más comentadas en la
industria. La intensidad y legendario nivel energético
de Welch se ha ganado el respeto de la audiencia y ha
catapultado a la banda a otras esferas.
Para incrementar su legado, Florence + The Machine tocaron recientemente para un episodio de
MTV Unplugged, que incluyó a Welch y a otros tres
integrantes de la banda, junto con un coro gospel de
diez personas. Grabada a finales del año pasado, la
sesión Unplugged se compone de versiones desnudas
de sus éxitos, así como un cover a la canción de Otis
Redding, “Try a little tenderness”, y un dueto con el
vocalista de Queens of the Stone Age, Josh Homme,
para la clásica de Johnny Cash, “Jackson”.
Antes de embarcarse a Estados Unidos para una serie
de conciertos, platicamos con Welch —vía telefónica
desde Newcastle, momentos antes de que ofreciera el
último concierto de su gira por el Reino Unido— sobre su forma de tocar ante un público cada vez mayor,
y si es que la ex estudiante de arte tiene tiempo estos
días para bocetar más que canciones.
PRINCIPALES
¿Cuando grabaste Lungs, esperabas que fuese
¿Has comenzado a componer canciones nuevas para tu próximo álbum?
¡No, de ninguna manera! Es un disco extraño, ya que
es como el diario de una adolescente. Existen partes
de mi vida que se reflejan en él. Se sentía como un
cuaderno de bocetos y que tanta gente se relacionara
con ello fue increíble. Jamás esperé que fuese tan
reconocido y bien recibido.
Aún no he podido estar en el estudio, pero me
encantaría. Nos gustaría tener un estudio móvil, para
componer mientras estamos de gira… como demos.
Así fue como surgió “No light, no light”.
tan exitoso como resultó ser?
Con ese álbum disfrutaste del éxito masivo,
¿fue difícil escribir material nuevo para
Ceremonials?
No estaba segura del álbum que quería hacer,
pero esperaba que fuera una obra completa, un
esfuerzo de trabajo lineal. Al grabar en los mismos
estudios (Abbey Road Studios en Londres) nos
dio esa cohesión de sonido que no alcanzamos del
todo en el primer disco. En ese sentido, fue algo
más fácil.
¿Cómo fue que el trabajo con el productor Paul
Epworth te ayudó a darle forma a tu sonido?
Él realmente te ayuda dentro del estudio respecto a
qué hacer y cómo hacerlo. Tengo la tendencia de entregar mi mayor esfuerzo de un solo golpe y él te dice
cómo debes guardar energía para cada cosa. Constantemente tiene beats y secuencias de cuerdas. Es muy
prolífico y tenaz, yo soy más soñadora y distraída.
¿Estudiar arte antes de convertirte en músico te ayudó a componer tus canciones?
Definitivamente. También influye mucho mi madre.
Ella es historiadora de arte. La música para mí es algo
muy visual y es como crear un retrato en la cabeza
de alguien. Me gusta pensar que soy mejor cantante
que pintora.
¿Recientemente has tenido tiempo para
dibujar o pintar?
Sí. Llevo conmigo cuadernos para bocetar y cosas
así. Me gusta hacerlo de vez en cuando. Es chistoso.
Generalmente lo hago cuando tengo jet lag. Cargo con
un libro de pinturas del siglo XV y dibujo copias de
las pinturas cuando no puedo dormir bien.
¿Cómo te ha ido en la gira?
Nos ha ido bien. La gente ha sido impresionante, especialmente si tomas en cuenta que
el público británico es muy reser vado. Hemos
tenido una atmósfera festivalera en cada concierto. Queremos que la gente se deje llevar
con lo que hacemos.
Tomando en cuenta los increíbles artistas
que han pasado por el escenario de MTV
Unplugged, ¿qué representó para ti la experiencia?
Tratas de no pensar en eso y volverte loco al preocuparte sobre lo icónico que es. Estaba tratando de
tocar para la gente que estaba ahí. Fue un espacio
hermoso y lo hizo emocionante.
¿Qué te hizo decidirte por hacer un cover a
“Jackson” de Johnny Cash a dueto con Josh
Homme?
Fue una de las primeras canciones que grabé años
atrás en un pequeño estudio del sur de Londres. Salía
con un chico de una banda y en una ocasión entré
al estudio y grabé algunos covers de Johnny Cash.
Siempre he sido una gran fanática suya, pero también
soy una gran admiradora de Queens of the Stone Age.
Queríamos hacer algo que estuviese acorde con nuestras voces, ambos somos fans de Cash y sabemos la
canción. Parecía algo que podría salir bien. Josh es un
gran tipo. Nos invitó a cenar en Nueva York la noche
previa a la grabación. Es exactamente como esperas
que sea: un gran, amigable y caluroso personaje.
¿Cuál es tu MTV Unplugged favorito?
Nirvana. Para mí es por mucho el MTV Unplugged
más icónico. Me encantaría ver el de Kanye. Fue a
uno de nuestros conciertos y me comentó que su
Unplugged iba a ser en realidad Plugged! Lo que sea
que haga, me encantaría verlo.
Algunos músicos asistieron a la grabación
de tu Unplugged. ¿Qué significa para ti que
músicos contemporáneos muestren respeto
a lo que haces?
¡Increíble! Salir a tocar y ver en primera fila a Kanye
involucrado durante toda la presentación… fue un
gran honor tenerlo presente. Es uno de mis héroes y
un genio, en verdad.
¿Podríamos esperar una colaboración con él
en algún momento?
¡Me encantaría! Es un tipo muy ocupado, así que ya
veremos.
25 . F I L T E R
PRINCIPALES
EL BRUTAL
Y HERMOSO
-Arte de-
GRIMES
Por Kendah El-Ali
Traducción PAULINA GARCÍA
Foto TOMMY CHASE LUCAS
Arte GRIMES
No resulta extraño que Claire Boucher tenga los cuatro
símbolos de las piedras de El Quinto Elemento (1997)
tatuados en los dedos. Tan visualmente atractiva como
Milla Jovovich corriendo en su vestuario diseñado por
Jean Paul Gaultier –y claramente no menos alien que
la diva azulada–, Boucher es la viva imagen de amor
puro y energía positiva que estos símbolos representan.
A pesar de que el color del cabello de esta heroína es
siempre cambiante, una cosa es segura: ella hace música
por amor a crear. Ella es real, nadie inventó a Grimes
más que la misma Boucher.
Grimes es igualmente artista visual que músico, además
de visionaria, la canadiense de 24 años se encuentra
en una colina cuesta arriba. Ella produce su propia
música (incluyendo su tercer álbum, Visions, editado
por 4AD) y porta un look nada usual para una diva del
pop. También es capaz de hacer las ilustraciones más
intricadas y extrañas que resultan tan tenebrosas como
fascinantes, además de grabar videos perturbadores
con sus amigos. En el escenario se hace acompañar por
una banda de hombres con torso desnudo, y su música
los hará bailar como locos. Cita a Jenna Jameson como
su fuente de sabiduría e inspiración y es la sacerdotisa
de una secta surrealista que se centra en la burocracia
(donde nunca pasa nada porque siempre hay demasiado
papeleo). Considera la hiena como su animal de poder y
26 . F I L T E R
dice que el 8 es su número de la suerte. Grimes representa la
definición actual de girl power que se alimenta de un manejo
de la realidad poco usual para una persona de su edad. A
pesar de ser tímida, también es una chica cálida, chistosa y,
sobre todo, adorable.
Boucher creció en Vancouver en una casa donde predominaban los hombres, y su dieta creativa consistía en ballet
y comics. Su madre es política y sus abuelos le enseñaron
cómo disparar una pistola –“en el caso de un repentino
desastre mundial”, explica Boucher. A pesar de haberse
ido de su casa para entrar a la Universidad, al poco tiempo
la expulsaron de McGill University, ubicada en Montreal.
El nacimiento de Grimes fue producto de que su duende
interno tenía que hacerse notar, y afortunadamente –para
nosotros– Boucher atendió su llamado. El paisaje musical de
hoy sería mucho menos colorido si Grimes no estuviera en él.
FILTER México se reunió con Boucher en el Bowery
Hotel de Nueva York. Recién salida de una sesión fotográfica –con todo y bindi sobre su tercer ojo–, se sentó a
platicar sobre su arte, de ser una pacheca y, en sus propias
palabras, cómo intenta combatir “ciertas banalidades de la
música pop de hoy”. Lo sentimos Leeloo [Dallas] has sido
derrocada. Grimes es el futuro real.
¿Mientras crecías te visualizabas como músico
o artista?
Primero fui artista. Empecé con el arte porque estaba muy
clavada con los cómics y el manga y quería dibujar mi
propio cómic. Creo que eso ya no es parte de mi vida pero
se refleja mucho en mi estilo de dibujar. Soy fan de Charles
Burns, Dan Clowes y todo lo que traiga ese estilo de gráfica moderna. Artísticamente, siempre busco representaciones surrealistas del infierno donde todo se viene encima,
pero al mismo tiempo también es una imagen estática que
puede permanecer en un cuadro. Siento que hace mucha
referencia al estilo de Burns, lo lamento si suena algo raro.
Cuando hago arte, casi siempre sucede cuando estoy
muy pacheca. Generalmente cuando fumo mota, me
gusta ver películas de horror y dibujar durante horas.
PRINCIPALES
Muchas veces solamente llego al punto donde estoy muy
triste y consternada, e inmediatamente se convierte en un
asunto serio. De la misma forma hago música… desaparezco y trabajo durante 15 horas seguidas.
Por lo general estoy muy deprimida cuando hago arte,
pero para cuando termino ya me encuentro muy, muy
contenta. Es increíblemente catártico para mí, lo uso para
poner mi mente a trabajar. Tengo mucha energía, así
que si no la saco –ejercitándome o dibujando– me vuelvo
loca. Siento que es tan solo una vida: PUM. La verdad es
que quiero sacarle el mayor jugo posible a todo, hasta a lo
peor…. ¿cuál era tu pregunta?
En un principio estudiabas filosofía y neurociencia en la Universidad de McGill. ¿Cómo es
que nace Grimes en medio de un camino poco
musical?
La escuela perdió todo sentido para mí. Sí quiero regresar
pero ahora no es el momento. Estaba estudiando dos carreras: filosofía y sicología, además de ruso y electroacústica, que es una rama de la neurociencia en McGill, es
de cómo el cerebro procesa la música. Me inscribí en esa
materia porque quería hacer música, pero claro que no
tenía nada que ver con eso. Alguien me enseñó cómo usar
Garage Band y así empecé, de forma muy natural. Pienso
que entonces es en realidad lo que se supone que tenía que
hacer, pero nunca lo había intentado. En cuanto empecé
a hacer música, supe que tenía que hacerlo lo más seguido
posible. Consumió mi vida por completo.
Tanto tu música como tus presentaciones en vivo
combinan diferentes elementos que rara vez se
ven en artistas femeninas. Es una mezcla extraña de un set techno, una banda de punk de chicas
y los sollozos de Mariah Carey…
GRIMES
Sobre todo, soy productora. Pero es verdad, mi show en
vivo requiere de muchas cosas. Entre los chicos y yo
siento que apenas cubrimos lo básico con los pedales
que tenemos. Generalmente uso un sampler y dos
pedales diferentes, uno para loopear y otro para efectos,
pero es muy importante para mí seguir haciendo esto.
No me gustaría que la gente pensara que no soy yo la
que hace los beats y la música. Eso es lo que me importa, canto porque, pues estoy yo. No me cuesta trabajo
y puedo hacerlo como yo quiera.
Todo ese asunto de ser la “estrella de pop” me dio un
poder social y musical que no esperaba y mucho tiene que
ver con el “branding” personal. El pináculo de lo que he
hecho hasta hoy es un remix de “Unthinkable” de Physical
Therapy, que a su vez es una versión ruidosa, perturbadora y medio bailable de una rola de Alicia Keys. Pensé
que debería haber una canción de R&B que tuviera estas
características y, ¿por qué no hay?, y ¿por qué no hay una
cantante pop que produzca sus propios tracks? De esa forma uno está en control de todo. ¿Por qué dejar que alguien
más lo haga? Aunque es un hecho que en los últimos años
han salido más mujeres con sus composiciones. Y no son
sólo mujeres al frente de una banda. Esto es un ambiente
bastante masculino y generalmente yo soy la única chica,
pero de verdad creo que eso está cambiando.
En el último año has recibido mucha atención,
pero recientemente más. ¿Qué piensas de cómo
han avanzado las cosas?
Las personas que más admiro han dejado su marca en la
cultura. Mi meta en la vida, si pudiera lograr algo, sería
eso. Si hacerlo viene acompañado de exposición –que es
un hecho– entonces, está muy bien; es justo ahí donde
quiero estar. Me importa un bledo la fama y el dinero,
lo que de verdad me interesa es tener el respeto de la gente
y que puedan verme y decir: “¡Ah! Sí, lo que ha hecho ella
es musicalmente/artísticamente relevante”. Me encantaría y estoy en el mejor punto de mi vida. Todos los días
hago arte y soy yo quien decide por donde llevarlo, y la
gente está escuchando. Está chido porque además tengo
la oportunidad de ayudar a muchas personas. Mi única
otra opción en esta vida era trabajar en Tim Horton’s.
Tienen MSG en su oficina, eso lo hace increíble.
¿Qué sigue?
Más videoarte. Empecé a trabajar en algo con mi amigo
Calvin McElroy, de la banda Kuhrye-oo. Es como un
grupo de baile llamado The Ballet Militia. Se llama así
porque nos gusta el concepto de la belleza, el dolor y la
severidad. Nos colamos a Six Flags y grabamos un video
de ballet colgando de los juegos y sólo puedes ver nalgas,
botas de combate y camuflaje. El proyecto trata de meterse a lugares, bailar ballet y filmarlo. Hay una estética pero
estamos definiéndola bien. El video de “Be a body” [del
Visions] es justamente de Ballet Militia.
Mi historia con el ballet es larga y complicada. Ahora que
lo veo desde la distancia, puedo volver a acercarme a él.
Es algo doloroso y es un arte que implica muchísimo rigor
y algo de crueldad, pero eso es lo que lo hace grandioso.
Es intenso, punzante y severo. También involucra pies
ensangrentados, he ahí su belleza.
27 . F I L T E R
principales
MOLOTOV Y OLALLO RUBIO
Por MILTON BARBOZA
Entrevista Molotov JUAN CARLOS FIGUEROA
Fotos CORTESÍA AMATEUR FILMS Y UNIVERSAL MUSIC
“No hay futuro”… es una pequeña frase que tiene un
gran significado, sobre todo en este país que día a día
busca emerger de las cenizas que, de manera cíclica,
quedan con el paso del tiempo en todos los ámbitos:
político, económico y social.
Esa falta de futuro y expectativas poco a poco ha sido
borrada de nuestras mentes, al darnos cuenta que como
sociedad sí podemos funcionar, sin importar las instituciones políticas que cada día nos demuestran que no
cambian. A lo largo de nuestra historia como país hemos
sufrido infinidad de altibajos que nos han fortalecido.
Pero, dejemos de lado la política y sus actores, mejor
hablemos de la música, ésa que algún día tuvo un nacimiento bajo el influjo del rock y que nuestros padres
vivieron en la década de los sesenta… era la época
de Avándaro, de los hippies, de bandas como los Dug
Dugs o Three Souls in my Mind.
Ese momento histórico llevó a los jóvenes a buscar
nuevas alternativas de expresión, con todo y la censura
patrocinada por gente como Gustavo Díaz Ordaz o
Luis Echeverría, un dúo que, más que dinámico, era
diabólico, maquiavélico y autoritario.
Pero los tiempos fueron cambiando para bien a partir
de finales de los ochenta y principios de los noventa,
no por el sistema, sino por las ganas de salir adelante
28 . F I L T E R
de los músicos que estaban en pleno crecimiento.
Caifanes, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, Botellita de Jerez y Café Tacvba son sólo algunos
de los nombres que comenzaron a sonar en la escena
mexicana y que poco a poco ganaron adeptos en todas
las clases sociales.
Ya para los noventa, la camada de rockeros era
impresionante y, pese a la falta de difusión en medios
de comunicación, muchos no se quedaron de brazos
cruzados… este es el caso de Molotov que, sin tener un
disco en forma, hace ya 17 años buscaban darse a conocer en donde se pudiera. Randy, baterista de la banda,
así lo recuerda: “Antes de que saliera ¿Dónde Jugarán las
Niñas? habíamos grabado demos que estaban rolando
por diferentes estaciones; de hecho “Gimme the
power”, en su versión acústica, llegó a ser número uno
en una estación de radio de Houston, lo que nos ayudó
a tener mucha apertura antes de que saliera el disco”.
¿Dónde Jugarán las Niñas? (1997) es un disco ya clásico
del rock mexicano que despertó polémica, de entrada
por su portada y después por las rolas incluidas. Tito,
guitarrista de Molotov comenta sobre la salida de este
material:“Lo grabamos y la primera reacción de gente
cercana fue: ‘no, no van a vender su disco porque la
portada está muy gruesa’. Nos salimos a la calle a vender el disco porque no conocíamos cómo funcionaba
el mundo disquero”.
MOLOTOV Y OLALLO RUBIO
Y fueron estas ganas de trascender las que ayudaron
a que se abrieran las puertas de algunos medios que
vieron en Molotov una propuesta realmente interesante y que debía ser escuchada. Paco, bajista de la
banda asegura que “tal vez las circunstancias de ese
entonces nos pusieron como punta de lanza, pero era
algo que iba a pasar a huevo. Nunca nos hemos adjudicado el qué tanta influencia tuvimos, somos parte
de una camada de propuestas musicales de nuestra
generación que apoyaba esa nueva ola del rock”.
Alguien que fue muy cercano a la banda es Olallo
Rubio, quien en aquel entonces era uno de los
locutores más afamados de la Ciudad de México
y se convirtió en buen amigo de la banda. Rubio
siempre se consideró amante no sólo del rock, sino
también del cine y entre los proyectos que tenía en
la mira se encontraba precisamente un trabajo con
Molotov. “En realidad se me ocurrió formalmente
en 2003. Mis dos grandes pasiones son el cine y el
rock, obviamente siempre había querido hacer un
rockumental. Me tocó vivir el fenómeno de Molotov
en primera fila porque en esa época yo trabajaba en
principales
Radioactivo y los entrevistaba desde antes de que
grabaran sin tener canciones para complementar las
entrevistas, entonces poníamos a los Beastie Boys o
los Chili Peppers, Illya Kuryaki and The Valderramas. Tenían un demo, pero no era radiable, porque
eran puras groserías y en esa época la censura estaba
cabrona, entonces me tocó ver ese fenómeno y es
curioso, porque ellos estaban dentro de la burbuja
de Molotov y no veían tanto sobre lo que estaba
pasando alrededor”.
EL ROCKUMENTAL
La propuesta formal de realizar este trabajo llegó
apenas el año pasado, según apunta Olallo: “se los
propuse el 6 de mayo y se empezó hacer en octubre.
Había hecho mucha tarea antes, años de investigación; escribí un guión de 30 páginas y me tardé un
día, ya era como muy claro todo y estos episodios de
los que hablamos en la película los había estudiado
con calma durante mucho tiempo, por el gusto de
conocer cosas y fenómenos que habían ocurrido”.
29 . F I L T E R
principales
MOLOTOV Y OLALLO RUBIO
Realizar un trabajo cinematográfico que incluya
historia, datos duros y, además, rock, parece una labor
titánica y así resultó de momento para Rubio, quien
tuvo que recopilar también entrevistas con diferentes
personalidades del periodismo como Javier Solórzano,
especialistas en música como Rulo o Warpig, escritores como Xavier Velasco y Juan Villoro, así como
músicos de la talla de Alex Lora, el Mastuerzo y el
productor Gustavo Santaolalla, quien jugó un papel
crucial en la primera etapa de Molotov. Y para culminar con el análisis, entrevistó al que posiblemente sea
“El Carnal de las Estrellas”, el productor de televisión
Luis de Llano, a quien se le ubica por haber producido
el festival Avándaro y, en el extremo, ser el creador de
artistas pop juveniles como Timbiriche.
“Quería abordar muchos más temas. El primer corte
fue, si no me equivoco, de dos horas con 45 minutos y
lo dejamos en una hora. Quedó mucho más comprimido, ágil, concreto, aunque yo quería decir más cosas,
explorar muchos temas, pero obviamente no se puede.
Dicen que las películas duran 90 minutos porque es
el tiempo que puedes retener líquidos en la vejiga…
en ese sentido la película quedó tal cual como me la
imaginaba, salvo por todos los capítulos que tuvimos
que quitar, pero dejamos lo indispensable”.
“Frijolero”; la censura en la tele con “Rastamandita”.
Como que él va narrando la historia de la política en
México con nuestras rolas”.
Miky: “Sale mucho material viejo de nosotros tocando
hace un chingo; periodistas, compañeros de la música,
incluso gente que era muy marcada en Televisa. Está
muy bueno, les va a gustar”.
El resultado de Gimme the Power es una película de poco
más de 90 minutos y busca dar a conocer lo sucedido
en este país en diferentes contextos, sin olvidar la
importancia que tiene Molotov en la historia musical
del país.
“Creo que la gran virtud de esta película es que me
puse muy al servicio del espectador y también, en
ciertos aspectos, al servicio de Molotov; entonces
eso me ayudó a no ser autoindulgente”, afirma Olallo
Rubio sobre este nuevo proyecto que se estrenó en
cines el 1 de junio.
¿Cuál fue la percepción de Molotov sobre
este rockumental hecho en su honor?
Cabe resaltar que Molotov también lanzó recientemente el DVD titulado Desde Rusia con Amor, en el
que se capta parte de la gira que hizo la banda por
aquellas lejanas tierras, en donde —lo que no es de
sorprender—Molotov es muy aclamado y la gente
que no habla español canta las rolas disfrutándolas
al máximo.
Tito, siempre tan honesto, opina: “es el punto de
vista de Olallo de la historia política de México en los
últimos veinte años y cómo se relacionan las movidas
sociales con respecto a nuestra música”.
Randy: “Exacto, el wey habla de la libertad de
expresión y pone “Puto”; habla del gobierno que es
una mierda y pone “Gimme the power”; la migración,
¿Y sobre la actualidad de la música? Desde su punto
de vista, Tito apunta algo muy cierto: “ahorita hay
tanta oferta que está cabrón innovar, hay de todo para
todos y accesibilísimo. Falta una banda nueva chida,
parteaguas, que tenga alguna particularidad, porque
todo es medio homogéneo, muy parecido. Se volteó la
tortilla, ¿no?”
30 . F I L T E R
31 . F I L T E R
en portada
Un lugar remoto
Por Breanna Murphy
Traducción PAMELA ESCAMILLA
Fotos Lilja Birgisdóttir
32 . F I L T E R
en portada-
T
odo comienza con un zumbido resonante en tus oídos. Lenta
y tristemente, las cuerdas comienzan y después de un crescendo
se conectan con un estribillo palíndromo que suena como si estuviera centelleando bajo el agua. La estructura deja sin aliento, se
desvanece y continúa hasta la llegada de una sonora y determinada
respiración que vierte un emotivo verso legato de sílabas y palabras
desconocidas. No tienes idea de lo que la voz dice, está en un
lenguaje que nunca has escuchado, pero de alguna manera sabes
exactamente lo que la música significa. Es triste. Es hermosa. Es
asombrosa. Es alegre. Es toda rompecorazones también. Cuando
un ensamble de metales se une a la lastimera celebración puedes
romper en llanto. Para el momento en el que el débil sonido
de fuegos artificiales suavemente se resquebraja en el fondo,
probablemente estás sonriendo. Un millón de emociones en seis
minutos y medio y no tienes idea de lo que la voz dice. Pero lo ves
en tu cabeza, lo sientes en el alma. Y es real: se llama “Starálfur”.
Visitar el universo complicado y misterioso de Sigur Rós es
tan intrínsecamente sencillo como lo es escuchar una de sus
canciones. Cada álbum es una oportunidad para un viaje. Presiona
el botón, activa el interruptor o baja la aguja en cualquier parte,
en cualquiera de sus discos y te transportarás a todos los lugares
a los que estás destinado a ir. Inicia un zumbido y un lugar
comienza a tomar forma. Está borroso al principio, aparece en
destellos —la voluble manera en la que la luz se comporta al
alba y al anochecer— y entonces se enfoca repentinamente en
la realidad y te invita justo en la entrada. La música de la banda
es exuberantemente cinematográfica, coros sin palabras pintan
escenas vívidas y las piezas construyen miles de visualizaciones
emocionales ascendentes y descendentes, de la contemplación
solemne al triunfo extático a la furia del ruido. Es difícil librarte de
lugares a los que Sigur Rós te lleva, aun mucho después de que la
música haya terminado y el silencio vuelva.
Durante 18 años —hasta ahora seis álbumes, dos películas y
cientos de notables presentaciones en vivo— el cuarteto islandés
de Jón Þór Birgisson (Jónsi), Orri Páll Dýrason, Georg Hólm
(frecuentemente llamado “Goggi”) y Kjartan Sveinsson ha
construido mundos imaginarios dentro de las cabezas de sus
escuchas. Con cada lanzamiento exitoso, los paisajes se expanden
y se agregan nuevos y hermosos detalles a un universo siempre
adaptable que ocupa el espacio desde una oreja hasta la otra. Tan
subjetiva como pueda ser la experiencia, también es universal; la
popularidad internacional de la banda está clara.
Pero los efectos de su música, aunque comunes, no necesariamente son comprensibles. Sigur Rós es una banda velada por
su mismo misterio e imagen, ambos reales e imaginarios. Para
todos los que no son de Islandia, la banda es de un país extraño
y desconocido, hace discos con títulos impronunciables y
compone música cuyo género no es identificable y letras que no
se pueden conocer a fondo. Su música es citada frecuentemente
como “inaccesible”, lo que probablemente se relaciona con su
naturaleza enigmática y experimental —sin mencionar que la
mayoría de sus canciones son cantadas en islandés (un complicado
y hermoso lenguaje nórdico, hablado por menos de medio millón
de personas) o en hopelandic (un lenguaje inventado, hablado por
nadie). La “alteridad” la diferencia de todas las demás bandas, esa
naturaleza única también le da al público de Sigur Rós una hoja
en blanco sobre la cual pueden trazar su imaginación y emociones
desde las experiencias musicales.
La imagen que tienes en la cabeza es sin duda viva, pero es
también un destino que existe en ningún lugar y en todos lados.
Es extraño y familiar, ajeno y acogedor. O, tal vez en el mundo
real, es un lugar mucho más de opuestos en donde los volcanes
hacen erupción y luego son congelados con capas de hielo vetusto;
donde los días algunas veces nunca terminan, y en otras ocasiones
nunca comienzan; donde lo moderno es forzado a adaptarse y
cohabitar con el viejo mundo, y no al contrario.
“Es como ir a la luna”, es como Islandia me fue descrita justo
antes de aterrizar en el aeropuerto más grande del país: Keflavík,
que cuenta con dos pistas y una terminal central construida
33 . F I L T E R
en portada-
originalmente por la Fuerza Aérea Americana durante la Segunda
Guerra Mundial. La base militar, una colección de edificios brillantes y coloridos, fue abandonada por los Estados Unidos en 2006,
dejando su presencia como la OTAN de la Guerra Fría llamada
Fuerza de Defensa de Islandia. El país no cuenta con un ejército
del cual hablar.
Durante el viaje de casi 50 kilómetros hacia Reikiavik, la capital del
país y metrópolis más habitada (con alrededor de 120 mil personas,
un tercio del total de la población), los viajantes pasan a través de
la segunda y tercera ciudad más grandes, Kópavogur (de aproximadamente 30 mil ciudadanos) y Hafnarfjörður (con poco más
de 25 mil), respectivamente. Los paisajes que se desplazan por la
ventana son de otro mundo, alarmantemente bellos y no se parecen
a nada de este tiempo: los aún muy activos volcanes que se levantan
de las cordilleras nevadas disfrazadas de montañas y el terreno de
gruesa lava congelada (ahora cubierta de musgo denso y de un
verde brillante) que rodean todo son la única pista de la delicada y
variable paz que la naturaleza mantiene aquí. Afuera, la primavera
temprana es de 1.5°C (“No está muy frío, no hay problema,” mi
chofer, Skæri, asegura mientras toca el medidor de temperatura), y
al respirar profundo, la frescura golpea los pulmones con ímpetu. La
naturaleza es abrumadora, pero el hombre está presente también.
Edificios vacíos, construidos tan rápidamente para que haya quien
los llene, y la gigante marca industrial de la planta Rio Tinto Alcan
Aluminum son intrusos siniestros en la prístina vista con milenios
de antigüedad —constantes y modernos recordatorios del colapso
bancario de 2008, un golpe devastador para el país que había vivido
un crecimiento rápido antes de la crisis económica. En Islandia, los
viejos estándares y las nuevas maneras están en constante representación, un acto de balance que mantiene al país fiel a sus tradiciones
a la vez que es una de las naciones más progresistas del mundo.
Para aquellos que nunca tendrán la oportunidad de experimentar
este país para ellos mismos, Sigur Rós y su música son los embajadores internacionales de esta extraña tierra de contradicciones,
un país que, para muchos, permanece como una extranjera y
misteriosa entidad flotando “en algún lugar” al norte del Reino
Unido e Irlanda. Cuando imaginas fuerzas opuestas, la complejidad
y la belleza de la música de Sigur Rós es una elección obvia para
creer que el retrato musical refleja su patria lejana.
“Es hermoso. Es crudo y duro, pero tan bello de esa manera”. Alex
Somers sirve más mate caliente y sonríe.
En la acogedora casa de madera de Alex y Jónsi, ubicada en el
centro de Reikiavik, en el estudio donde el más reciente disco de
34 . F I L T E R
Sigur Rós, Valtari, se terminó, Alex y yo hablamos de varias cosas, en
especial de las circunstancias que rodean al nuevo álbum. De alguna
manera, aunque —por supuesto— el tema ha tomado un desvío y
se ha aventurado en la innegable belleza del país. Alex, productor y
músico norteamericano, ha vivido en Islandia con Jónsi siete años;
ambos comparten un hogar y sus vidas, pero todavía más, comparten un historial de colaboraciones discográficas que se extienden a
lo largo de los últimos cinco años. Como un outsider al interior, por
decirlo de alguna manera, Alex aún es capaz de revelar la unicidad
de los exquisitos y poco convencionales alrededores de Reikiavik.
“La naturaleza aquí es realmente poderosa e intensa: cascadas,
glaciares y volcanes. Cuando miras hacia afuera, es como si pudieras
ver dinosaurios”, se ríe.
Mirando alrededor del pequeño espacio del estudio, los dos han
acumulado una colección curada con interesantes instrumentos
vintage de todo el mundo. Junto al sofá hay un baúl de instrumentos
musicales infantiles; contra el muro hay varios pequeños pianos
antiguos; desde la esquina, Alex trae un instrumento de cuerdas
con una serie de martillos de madera llamado Marxophone (“Me
hace pensar en Aphex Twin”, dice). Hasta abajo de una escalera,
en la sala, Jónsi acomoda con entusiasmo un carillón de campanas
con la emoción de un niño que desenvuelve regalos en navidad —el
instrumento fue comprado recientemente a un coleccionista en
Beverly Hills, una llegada a la casa que coincidió con la mía. Varias
de las chucherías acumuladas en el loft fueron usadas de alguna
manera u otra en Valtari.
“Nunca había trabajado con Sigur Rós,” explica Alex. “Me
involucré con este álbum demasiado tarde; la banda estaba trabajo
en él durante varios años, y fue sólo a finales del año pasado que
parecía que querían probar algo diferente. Tenía sentido darle una
oportunidad.”
De acuerdo con la banda, las grabaciones que se convertirían en
éste, su muy esperado sexto álbum, fueron comenzadas en sesiones
desde 2006, después del lanzamiento de Takk, su aclamado por la
crítica cuarto álbum. Pero el viaje de Valtari no es tan simple como
algo complejo construido de manera constante durante varios años;
ésta es la historia de un álbum que casi no se hace.
En mayo de 2009, seis meses después del final de la gira mundial de
la banda para el juguetón Með suð í eyrum við spilum endalaust de 2008,
Sigur Rós anunció en su sitio web que habían empezado a trabajar
en el disco siguiente. Incluso fueron tan lejos que dijeron que su
esfuerzo estaba “cerca de ser completado” y advirtieron un cambio
en portada-
de dirección con respecto a Takk y Með suð, describiendo el nuevo
material como “melódico pero mucho menos ruidoso.” Sin
embargo, pasó casi un año completo sin noticias ni lanzamiento y
para enero de 2010, la banda daba entrevistas en las que sugería
que a pesar de las sesiones que habían sido grabadas previamente,
lo habían estado dejando de lado y el grupo no tenía planes
futuros de grabar.
“Siempre encontré ‘hiato’ como una palabra seria,” dice Georg
Hólm pensativamente mientras bebe una pinta de cerveza.
“Cuando llegó, yo ni siquiera sabía lo que eso significaba: ‘hiato,’”
dice Jónsi, riendo, vacilando sobre el término extranjero por un
momento en su marcado acento. “Nunca había escuchado esa
palabra antes.”
Al hablar con la banda en el cuarto común de un hostal en
Reikjavik entre la comida, café y cervezas, ésta es una de las primeras entrevistas que el cuarteto dará sobre los detalles, procesos
y perspectivas del nuevo álbum. Recordando su estado creativo en
2009, todos expresan una cierta sensación de cansancio y tedio
en esa época.
“No estábamos agotados por exceso de trabajo, pero los diez años
antes de ese hiato fueron algo intensos. Creo que se vale,” Kjartan
Sveinsson explica un poco a la defensiva —aunque nadie pretende
discutir contra su lógica.
“Queríamos un descanso y no sabíamos exactamente cuánto demoraría. Fue más inocente, creo”, Georg opina. “La creatividad,
tal vez, al menos así lo sentía por mí… me estaba cansando cada
vez más. Ya no podía sentir la energía”.
Pero para los fans que habían estado esperando con entusiasmo
un nuevo esfuerzo del cuarteto, las palabras “hiato indefinido”
señalaban incertidumbre. Después de más de una década del ciclo
constante de grabación de álbumes, de gira por el mundo, después
otro proyecto —llámese libro, documental, soundtrack o cualquier
otra cosa con la que la banda hubiera soñado— y repitiendo
el proceso una y otra vez, Sigur Rós levantó la aguja de su disco
perpetuamente en rotación y descansó durante casi cuatro años.
Georg, Kjartan y Orri tuvieron hijos en el transcurso de 2009 y
2010 y se asentaron en la vida familiar. Jónsi, sin embargo, mantuvo una ética laboral impresionante, y se aventuró fuera de Sigur
Rós, primero con Alex en el disco instrumental de 2009 Riceboy
Sleeps, después para su álbum debut como solista, el descrito
como “flotante” Go, lanzado el siguiente año. Se fue de gira con
ambos discos y luego colaboró con el director Cameron Crowe
en el soundtrack de la película We Bought a Zoo (Un Zoológico en
Casa) en 2011.
Aunque Jónsi permaneció como maniaco de la música, Sigur
Rós no ha tocado en vivo desde el final de su gira internacional
para Með suð en 2008 —para todo intento y propósito, habían
abandonado el ambiente pintoresco que habían construido por
años. En esa ausencia hubo silencio. Para llenar el vacío, en 2011
la banda (con el director Vincent Morisset) lanzó un filme y álbum
en vivo llamado Inni, en el que se documentaban dos noches en
el Alexandra Palace en Londres (noviembre, 2008). Inni contrasta
con lo presentado en Heima, documental musical de Sigur Rós’
en 2007. En vez de vivos y coloridos paisajes representando a la
banda en varias escenas islándicas, Inni es una visión saturada,
claustrofóbica y en blanco y negro de cuatro individuos al unísono
como uno. Raramente hay tomas de la banda completa, y cuando
las hay son desde un punto lejano.
“Queríamos registrar cómo era en esa época porque creo que ya
estábamos pensando en hacer algo diferente después de eso. Hablamos de la ‘macro sensación’ de eso, dándole a la audiencia en
el escenario detalles que normalmente no verías durante nuestro
show, que nadie nota,” dice Georg.
“Sólo éramos nosotros cuatro, no teníamos cuerdas ni metales, y
queríamos capturar eso,” dice Orri, explicando la salida de Amiina, quienes acompañaban a la banda desde mucho tiempo atrás.
“Fue como el final de una era,” señala Kjartan.
35 . F I L T E R
en portada-
El filme y el álbum encapsularon la energía de las legendarias
presentaciones en vivo de Sigur Rós, pero no dieron indicios de
lo que deparaba el futuro. Sin que lo supiera el público, para la
época de la premier de Inni en el Festival de Cine de Venecia,
Sigur Rós ya trabajaba en nueva música juntos después de tres
años, aunque eso traería otra serie de espectáculos, también.
no, no está pasando,’ darnos por vencidos y luego regresar a esto
y decir ‘no, aquí hay algo, es bueno,’ y luego rendirnos de nuevo”, se ríe. “Creo que siempre es bueno dar un pequeño paso
hacia atrás para que cuando vuelvas a lo que estabas haciendo
te des cuenta de cosas que no notabas antes. Aclaras tu cabeza y
luego regresas y piensas ‘oh, sí, es realmente agradable’”.
Para Valtari, la banda decidió conciliar algunas de sus grabaciones de 2006 y otras, aparte de la gran cantidad de 2009.
Entraron al estudio Sundlaugin, en donde habían grabado
cada álbum desde ( ), de 2002, y retomaron todo desde
donde lo habían dejado.
“Es un álbum raro”, admite Jónsi. “Lo empezamos tantas veces
y lo pusimos en suspenso y luego lo volvimos a empezar —es
definitivamente extraño”.
“Cuando comenzamos a hacer un nuevo material, no pensamos
en el último”. indica Kjartan. “No nos estamos forzando a ir
hacia cierto paisaje sonoro, porque tenemos cierto sonido, y es
muy fácil entrar en él.”
“Tratamos de no pensar en un camino a seguir, es algo que toma
forma en el proceso,” sostiene Orri.
“Siempre hemos sido súper colaborativos en todo lo que
hacemos. Trabajamos así en nuestro espacio de ensayo. Sólo nos
juntamos y escribimos canciones juntos,” dice Jónsi mientras se
encoge de hombros.
Al hablar con los cuatro integrantes sobre cada uno, el tono y la
camaradería que expresan —ambos con y sin palabras— hacen
sumamente claro que, más allá de ser una banda, Sigur Rós es
una familia. “Siempre ha sido de esa manera, hacemos todo
juntos”, continúa Jónsi. “Creo que es cool, me gusta que se
sienta como una unidad. Todos estamos juntos en esto por las
mismas razones”.
Y la longitud del tiempo pasado fuera de las canciones que generó una ruptura en primer lugar, resultó ser una bendición.
“Creo que [el descanso] era realmente necesario porque apuntábamos hacia esto,” explica Georg. “Sentíamos como ‘[suspira]
36 . F I L T E R
“Las cambiamos [las grabaciones de 2009] mucho, sólo porque
lo sentíamos”, dice Orri. “Pusimos la carne en los huesos”.
Todavía, a finales de 2011, la banda llegó a otra barricada
creativa —tal vez por invertir mucho tiempo en eso. Alex estaba
encomendado a mezclar su primer disco de Sigur Rós, que
resultó ser mucho más instrumental.
“En muchas maneras, Alex como que lo salvó. Era muy difícil
trabajar con música como esa durante mucho tiempo,” declara
Georg con franqueza sobre las dificultades que representaron las
composiciones de Valtari. “Tiene la paciencia de sentarse y sólo
escuchar una de esas canciones durante horas. Y nosotros no, así
que entrábamos y salíamos y hacíamos una que otra parte. Pero
él siempre estaba ahí.”
“Ahí en el estudio”, Alex responde con humildad y franqueza. “Todas las canciones eran muy buenas desde la primera
escucha. Pero les faltaba cierto tipo de estructura. Aunque
hubiera una estructura ambiental, necesitaban algún tipo
de forma. Todos trabajábamos juntos en encontrar eso,”
explica. “Creo que los chicos son realmente espontáneos
por naturaleza. Normalmente el que ellos escribieran una
canción pasaría rápido, pero creo que se estaban aburriendo
de este álbum. Creo que por eso era bueno que trajeran
a alguien más y le diera nueva vida al proyecto. Creo que
ayudó a todos a emocionarse con éste de nuevo porque es
realmente bueno”.
en portada-
“Este disco pasó por un proceso difícil, pero aun así, fue
disfrutable al mismo tiempo. Estoy muy feliz con el resultado.
Escucho algo diferente cada vez que lo escucho. Creo que es
muy hermoso.”—Georg Holm, bajista
La banda pasó seis semanas con Alex en el estudio, donde
las grabaciones eran cortadas, ajustadas y rearregladas. Los
miembros de la banda venían en pares e individualmente a
hacer overdubs en este espacio íntimo, a agregar pianos, percusiones, la característica guitarra con arco de Jónsi y utilizar
“todo tipo de cosas raras” de las colecciones de Jónsi y Alex,
todo mientras dejaban sus zonas de confort al intercambiar
instrumentos.
cuatro.” Hace una pausa, mientras se asoma una sonrisa.
“Creo que todos están estresados. Como Goggi, él tenía esta
pesadilla sobre subir al escenario y no recordar las canciones
y ser abucheado. Así que está realmente nervioso,” se ríe.
“No ha tocado su bajo en cuatro años, así que está como
‘¿tengo que aprenderme todas las canciones de nuevo? ¡No
recuerdo ninguna!’ Sólo nos hemos visto una vez para practicar, eso fue ayer, y sólo tocamos una canción.”
El resultado es Valtari, descrito por sus creadores como
“raro,” “diferente” y “muy hermoso.” Con las atmósferas
puramente instrumentales de “Hafsól” (Von), la simplicidad
acústica de Ágætis byrjun, la construcción y el asalto sónico de
“Untitled 8”, de ( ), y el éxtasis orquestal de “Hoppípolla”
(Takk) o la rapidez y el placer sin complicaciones de “Gobbledigook” (Með suð): Valtari el siguiente viaje sónico. Diferente
a cualquier otro álbum de Sigur Rós, el sexto combina
ambiente con antigüedad teñida de sepia. Pianos e idiófonos
a través de la atmósfera; notas de cuerda hasta el cansancio; la
decadencia de la cinta crepita dentro y fuera de un delicado
fondo estático. Todo esto podría surgir de la profundidad
de un gramófono si cierras los ojos por suficiente tiempo.
Mientras el álbum fue el que necesitó de más tiempo para
ser terminado, seleccionado de los fragmentos de diferentes
épocas, suena como si pudiera haber sido el primero, en
el inicio de un siglo que nunca ha existido. Y para toda la
construcción que su música inspira en el cerebro o el alma
de uno, Valtari reafirma, también, que ellos mismos son
arquitectos de su arte.
“El ensayo de ayer es la cura a mis pesadillas. Me di cuenta de
que esto no va a ser tan difícil como lo pensé,” señala Georg
riéndose. “Cuando regresé a casa comencé a escuchar discos
en vivo de nuestra música y lo realmente raro fue que cerré
mis ojos y podía ver mis manos en el bajo, las notas que estaba tocando. Fue claro y bizarro a la vez. Memoria muscular.”
“Es sólo el sonido que estos cuatro chicos crean —y no es
como guitarra-bajo-batería-piano o como sea,” dice Alex
mientras sonríe. “Creo que da un buen ejemplo a las bandas
para que no se encierren y piensen mucho sobre ser músicos.
Es más sobre ser creadores de música.”
En este momento, Sigur Rós finalmente se está preparando
para volver a poner la aguja sobre el groove con Valtari como
el catalizador que los trae de vuelta a nosotros. Ahora, los
destinos que quedan por delante para el cuarteto son los extranjeros y los extraños, mientras se preparan para viajar por
el mundo durante varios meses por primera vez en años.
“Lo esperamos. Es muy emocionante,” dice Jónsi con el
rostro iluminado. “No he ido de gira en un largo tiempo. La
última vez que lo hice fue hace dos años; con los chicos, hace
“Estábamos hablando sobre lo divertido que es cuando estás
estresado y luego tomas tu instrumento y empiezas a tocar,
y entonces automáticamente das en el acorde correcto,”
asegura Jónsi.
Mientras mi auto recorre la misma ruta que me trajo a Reikiavik dos días antes, la experiencia es parecida a despertar
y abrir los ojos —o ponerle pausa a la música. Es momento
de volver a la realidad, a otra existencia. Dejar Islandia es
aventurarme fuera de un cómodo sentido de balance, donde
una tradición culinaria ancestral como hákarl (carne podrida
de tiburón, esencialmente) se mantiene cerca a su identidad
nacional mientras se adopta una reforma social en el nombre
del progreso y el bienestar de su gente. El aire fresco, lagos y
ríos termales y hermosos paisajes se empiezan a desvanecer
en el retrovisor. Pero, la misma naturaleza de partir siempre
significa regresar algún día.
Pronto, también Sigur Rós partirá; dejando un país extraordinario para viajar a docenas de otros y darles la música que los
transporta, por sí sola, a lugares lejanos.
“Un buen show, para mí, es cuando estoy como en la zona de
salida,” describe Georg su experiencia en el escenario. “Es
casi como meditar. Se siente como energía natural. En un mal
show, me siento muy consciente de mí mismo. ‘Oh. Estoy
aquí.’ ¿Sabes? Un buen show es cuando apenas notas que lo
estás haciendo —sólo escuchas la música.”
Y dejas que te lleve.
37 . F I L T E R
A R T E
E
C
G R
H A
L
A
M
N D
A C
O
-Humor a través de la imagenPor ESAMIPAU!
Imágenes CORTESÍA DEL ARTISTA
El Grand Chamaco es un diseñador mexicano que desde
muy temprana edad se sintió atraído por la imagen y tardó
poco en darse cuenta de que de esa manera se expresaría
el resto de su vida. “Siempre he sido muy malo para hablar
y conversar, esto me llevó a tratar de comunicarme de otra
forma, decir cosas que no se podían decir literalmente.
Descubrí que podía comunicarme, de alguna manera,
con el dibujo y que esta era una forma mucho más libre y
atractiva para expresarme”.
Más que tener una carrera universitaria, El Grand
Chamaco aprendió mucho desde su pasión por el dibujo y a través de personajes como el escritor Ignacio
38 . F I L T E R
Solares, quien le enseñó muchísimo sobre las bases
de la identidad mexicana. “En lo personal, fui más de
práctica y aprendí mucho de las personas que conocía,
pero también creo que es muy importante tener
conocimientos básicos de las teorías”, sin embargo,
en su lista de influencias El Grand Chamaco nombra
los carteles del Chango Cabral, además de encontrar inspiración por medio de la música. “La música
también es de gran ayuda, acostumbro hacer playlists
especiales para cada proyecto”.
Al mismo tiempo, El Grand Chamaco es uno de los
artistas cuyo trabajo ha sobresalido gracias a las redes
A R T E
sociales. “Aparte de mi página web, son el único medio que tengo para exponer y dar a conocer el trabajo
que hago día a día. Es impresionante la facilidad de
exponer tu trabajo en Instagram, Twitter, Facebook,
Behance, etcétera, y que al instante tengas una reacción de las personas que lo ven”.
Su cuenta de Twitter (@sedibujantuits) es
probablemente una de las más divertidas en esta
red, pues ante la poca facilidad de expresarse con
palabras pero, atraído por el ingenio que habita
en Twitter gracias a varios usuarios, El Grand
Chamaco sacó esos 140 caracteres de la rigidez
del texto y los convirtió en imágenes que aportan
humor al contenido.
Pero esto no termina ahí. Una de las grandes ventajas
de su trabajo es que según El Grand Chamaco es muy
versátil: “Independiente de las formas, narices, ojos,
bocas y cruces, puedo usarlo con diferentes técnicas
y en diferentes medios sin complicarme tanto. Puedo
invertir muchas horas en un 3D muy detallado para
un proyecto y mañana estar dibujando con los dedos
en el iPhone sin que se vean como estilos divorciados.” Esto mismo lo ha llevado a entrar a convocatorias para diseñar carteles musicales, fue invitado
por Sprite para intervenir un camión en el marco del
festival urbano All City Canvas y recientemente fue
publicado en el libro de Pictoplasma.
Mantener la identidad propia anónima siempre
resulta atractivo, sobre todo si se trata de dejar que
tu trabajo hable por ti. Ya sean ilustradores, artistas
urbanos o músicos, esta “técnica” permite que la
gente que sigue sus creaciones esté al pendiente de
cada paso que se da a través de una imagen o canción.
No sabemos si ésta sea una estrategia adoptada por
El Grand Chamaco (cuyo nombre permanecerá sin
ser revelado) con ese propósito, pero en realidad, eso
es de poca importancia pues sea como sea estamos
muy al pendiente de su sentido del humor único para
enfrentar el día a día.
39 . F I L T E R
TR IB U TO
Por: MANUEL ‘LA GRAN EME’CARRASCO / @graneme_og
Fotos CORTESÍA EMI MISIC MÉXICO
Dentro de la realeza del hip hop, las muertes trágicas
de Biggie y 2Pac forman parte del evangelio del
género. Después de ellos Eazy-E, Guru, Big L y J Dilla
se han unido a la lista de deidades en la iconografía
santa de los beats y las rimas. Siendo un género aún
muy joven (no olvidemos que cuenta con sólo unos 35
años), las pérdidas tienen un impacto profundo entre
los aficionados. Podemos decir que a esta generación
nos ha tocado enterrar a los héroes que siempre
estuvieron ahí, que antes de ellos “La Palabra” no se
había manifestado; son ellos los que participaron en el
génesis del género.
40 . F I L T E R
>>
Con pena, nos enteramos de que un tercio de una
de las bandas favoritas y más queridas de las últimas
décadas ha dejado de existir: MCA murió el 4 de
mayo de 2012.
Adam Yauch de los Beastie Boys ha fallecido, con lo
que se puso punto final a la exitosa y legendaria carrera del trío seminal. El que, al menos en apariencia, era
el más pulcro y serio de los beasties, pero que detrás
de bambalinas era poseedor de un humor que durante
los primeros discos de la banda funcionó como combustible para las influyentes grabaciones del Licensed
to Ill y el clásico Paul’s Boutique. También es recordado
por su compromiso con la liberación del Tíbet, que lo
llevó a organizar festivales en favor de esta causa. Para
muchos, Adam Yauch era el catalizador del éxito de la
maquinaria Beastie.
Musicalmente fue un bajista que bien podía atacar su
instrumento con la violencia de su ídolo Darryl Jenifer
o la cadencia de Bootsy Collins. Su talento lo podemos
apreciar en los temas instrumentales jazzy/funk y en
los más duros lapsos de hardcore punk que delatan los
orígenes de la banda. Es precisamente en estas pistas
donde podemos apreciar la trascendencia e influencia de
Yauch en la banda desde su concepción. MCA tenía las
herramientas para ejecutar desde temas influenciados
por los grandes jazzistas Jimmy Smith o Lou Donaldson,
hasta pistas que podían sonar al punk más duro de Bad
Brains o Black Flag.
A través de los años, la generación hip hop vio crecer
a los Beastie Boys de ser un trío de adolescentes irresponsables hasta convertirse en uno de los actos más
respetados en la música popular. Presenciamos cómo
los Beasties, en particular MCA, ofrecieron disculpas
públicas si en algún momento sus letras habían sido ofensivas y evitaron a toda costa utilizar lenguaje soez en sus
grabaciones, con lo que dieron un paso hacia adelante,
combatieron complejos muy arraigados dentro del género
y reafirmaron su integridad como artistas. Esta postura
confirmó que para ‘mantenerlo real’ no era necesario
abusar del lenguaje y colocó a la banda en ese especial
nicho de compromiso con el mensaje que enviaban a su
audiencia y al resto de la comunidad hiphopper.
Afortunadamente MCA, acompañado de Mike D y el Rey
Adrock, nos ha dejado un vasto recuerdo de su existencia
a través de sus discos. Himnos como “Shake your rump”,
“Sabotage” o “Rhymin’ & stealin’” permanecerán en la
memoria de todos aquellos que atesoramos la obra de
los Beastie Boys y, por qué no decirlo, en la historia de
la música popular. Siempre podremos referirnos a los
videos que el trío realizó —algunos de ellos dirigidos
por el mismo Adam— y que ayudaron a apuntalar la
imaginería del grupo, muchos con gran rotación en los
canales dedicados a los videos musicales.
Todos hemos sido testigos de cuando en alguna fiesta los
primeros acordes de “So what’cha want”, “Intergalactic”
o “Sure shot” comienzan a sonar y los asistentes estallan
en júbilo. Ése es el efecto que los Beasties generan y seguirán provocando aun después de esta terrible pérdida.
Adam Yauch se une a una lista de recientes decesos que
entristecen a la comunidad musical. Los tributos no se
dejarán esperar. Le sobreviven los otros dos miembros de
los Beastie Boys, su esposa y su hija, además de millones
de fans alrededor del mundo que nunca lo olvidaremos.
Recordemos y celebremos el legado del originario de
Brooklyn al escuchar su vasta obra.
41 . F I L T E R
42 . F I L T E R
REVIEWS
Santigold
Master of My Make-Believe
DOWNTOWN/ATLANTIC
86%
A los 35, Santi White tiene ya una trayectoria haciendo música,
desde sus primeros días en una banda de punk hasta su trabajo
más conocido bajo el nombre de Sant(o/i)gold, cuyo debut de
2008 aún se puede escuchar en los mejores lugares. Sin embargo,
curiosamente, la tendencia moderna para los que gustan de llamar
la atención —y que creen que más es más— aún necesitaba filtrarse para estar en sintonía con la increíble y sucia nube en la que
la señorita White vivía, por lo que, mientras, seguíamos esperando
un disco sucesor.
Tras desaparecerse por unos años, el 2012 parece ser un gran
año para Santigold. Sus presentaciones en SXSW iniciaron un
tsunami de alabanzas por sus shows de fiesta —e invitados especiales como Karen O en un concierto en Williamsburg en enero
— que generaron millones de reacciones, las cuales predecían
bien lo que venía con su nuevo disco, Master of My Make-Believe.
En nuevas fotos se ve, obviamente, más grande que la agresiva (y
de alguna forma sonriente) hipster que conocimos en la época
de “L.E.S. artistes”. La mujer segura y madura que pide nuestra
atención ahora nos atraviesa con una mirada que sugiere que
ahora es ella misma (y no porque no lo fuera también a los 29).
No se tiene que conocer sus antecedentes musicales para disfrutar su nuevo trabajo —se mantiene de pie por sí solo— pero el
informarse sobre los orígenes de donde viene Make-Believe hace
bien a los escuchas. Además, se siente menos como un ambicioso
segundo álbum, como era de esperarse, y más como un avance
dramático hacia la relevancia, de nueva cuenta.
El disco abre con una vibra ochentera de la dulce pero sombría
en letras “Go!”, hasta que, la antes mencionada señorita O invita
a algunas oscuras nubes a la fiesta. Ésta no será la primera vez
que esta reseña haga referencia al new wave, Bow Wow Wow
(busquen el significado, chicos), Malcolm McLaren o The Clash.
“People want my power, and they want my station”, dice el coro.
Es un inicio dramático.
A partir de ahí, los once tracks en Master of My Make-Believe se
columpian entre moderna y gloriosa música inspirada en varios
países y una caminata por el new wave, lo cual resulta en algo
nuevo, familiar y retro a la vez. Dejando de lado la tentación de
formar parte de los primeros puestos mainstream (aunque puede
que aún tenga algunos de esos espacios reservados para el futu-
ro), Santigold ha ido directo hacia un ambicioso y significativo
sucesor; piensen en Sandinista! vs. London Calling.
“Disparate youth,” la primera canción seria, sigue a “Go!” e
inmediatamente llama la atención hacia el interplay entre “The
guns of Brixton”. (El video también conjunta lo salvaje con lo
maravilloso, mientras nuestra chica conduce una moto y navega
—y no exactamente en el estilo refinado de Duran Duran—
hacia una isla misteriosa con todo y vida salvaje y habitantes con
caras pintadas).
“God from the machine” es la canción más funk que Leslie
Feist podría hacer y “Fame” tiene el estilo al que estamos
acostumbrados del sonido de M.I.A. —bajos sexys preparan los
platos para cenar mientras Santi gime, “We are the fame”. Ruda.
“Freak like me” provee el cénit de una centellante primera
mitad con voces sobre beats y otros sonidos que crean un
hipnotizante ritmo.
No es un secreto la influencia ochentera de Santi, y son notables
las referencias al estilo de esa época en sus canciones, tanto viejas
como nuevas. A la lista mencionada anteriormente, agreguemos
el poder de los Beastie Boys, las melodías de Peter Gabriel, la
actitud de chica ruda de Salt-n-Pepa y —aunque al referirnos a
esa década solemos hablar de cajas de ritmos y teclados, la verdad
es que también había mucho soul en ese entonces— el soul de los
grandes Phil Collins y The Eagles.
La segunda mitad de Master se adueña por completo del distorsionado retro estético de Santigold. “This Isn’t Our Parade” es
un tema mid-tempo que llega hasta el corazón, aunque las letras no
son reveladoras. Le sigue “The Riot’s Gone”, una adorable pieza
que parece ser más sobre una relación que sobre un disturbio.
“The Keepers” levanta maravillosamente su melodía de “Little
Red Corvette” de Prince, lo cual es suficiente que decir sobre
ella. Gran tema. Pero nuestra chica aún no termina de agregarle
funk al asunto; eventualmente Santi deja el melodrama y cambia
de mood para el gran final. “Look at these hoes” tiene el mismo
enojo que un mosh pit molesto, empujando a cualquiera que se
interponga en su camino; jadeo igual a miedo. “Big Mouth”
aligera todo con sus cantos, logrando un final esperanzador y
abriendo las puertas de par en par al regreso de Santigold.
ADAM POLLOCK
Traducción PAOLA DEL CASTILLO
43 . F I L T E R
REVIEWS
HERE WE GO MAGIC
A Different Ship
Secretly Canadian
83%
El tercer disco de Here We Go Magic es como una llamada a armarse de creatividad, siguiendo el ejemplo del compositor Luke Temple. Como en el caso de sus predecesores,
A Different Ship es propenso a mostrar diferentes géneros, una escuela basada en Phish,
(“Make up your mind”) y floreciendo sobre crestas lo suficientemente suaves como para
hacer estática (“Over the ocean”) pasando de turquesa a azul marino. La tesis hace énfasis en “I believe in action” y con su actitud de demuestra-no-cuentes: “Don’t Imagine
anything at all”.
KYLE MACKINNEL
Brent Knopf está muy enojado y —esperen, no es cierto. En el segundo álbum de
Knopf como Ramona Falls, el ex miembro de Menomena barre casi todo el enojo
que tenía su banda con una muestra sorpresivamente optimista en su característico
rock cargado de jazz. Aún hay rastros de depresión burbujeando hacia la superficie.
“Sqworm” incluye una de sus guitarras más furiosas a la fecha, donde demuestra que
no debe de gritar para hacernos sentir su dolor.
LAURA STUDARUS
RAMONA FALLS
Prophet
Barsuk
80%
44 . F I L T E R
45 . F I L T E R
REVIEWS
BRIGHT EYES
Fevers and Mirrors
(Reissue)
Saddle Creek
77%
NITE JEWEL
One Second of Love
Secretly Canadian
82%
JACK WHITE
Blunderbuss
Third Man/Columbia
90%
Fue un gran acierto que Saddle Creek relanzara este año una serie de discos de Bright
Eyes con el colérico Fevers and Mirrors del 2000 como cereza del pastel. Pero, aunque ahora
es un paquete de dos LPs, no hay campanas extra ni silbidos de los cuales comentar. Lo
que sí ofrece es una oportunidad de escuchar a un chico desesperado: antes de que Conor
Oberst se convirtiera en un monstruo del folk, sufría con demonios que se aparecían
en los lamentos y gritos de Fevers, particularmente en canciones como los ahora clásicos
“Haligh, haligh, a lie, haligh” y “Something vague”. Apostamos a que a Oberst no le gusta
revivir su tormento, pero a nosotros sí nos gusta hacerlo de vez en cuando… aunque
hubiera sido bueno obtener algo extra para nuestros problemas. Todo ese enojo no es fácil
de sobrellevar.
MARISSA R. MOSS
Desde su debut en 2009, Ramona Gonzalez nos ha dado beats de disco etéreo y lento,
pero su música se opacaba por la producción lo-fi que estaba tan de moda antes de esta
década. One Second of Love es R&B; es un disco que es lento en todas las formas correctas.
Con un sencillo homónimo que vas a querer poner en cada after de una noche new wave, el
ritmo animado de la batería eléctrica y sintetizadores le dan un gran peso a las canciones
de amor. Lo que es increíble del álbum es el efecto transformador de la mezcla entre R&B
y escuela de arte (“Mind and eyes”), una combinación que surgió desde el EP Am I Ready?
Gonzalez explota su rango vocal al máximo (suena casi como Debbie Harry en “Memory
man”) jugando con nuevas armonías. Aunque en el pasado no fue más que algo estético,
aquí es pura atmósfera tratando de apegarse a la rareza de la ciencia ficción (“Unearthly
delights”) que adoptó desde el inicio.
taleen kalenderian
Existen muchas formas de pensar a Jack White. Muchos esperaban que se deshiciera de
Meg White desde el inicio, otros lo prefieren con The Raconteurs, algunos piensan que
es mejor produciendo y la mayoría sigue lamentándose la desaparición de The White
Stripes. Todos serán felices con Blunderbuss. Por un lado, es muy personal. “Missing
pieces”, la canción que abre el álbum, es una travesía melancólica sobre la disolución de
una relación, la experiencia es tan visceral que él se siente desaparecer. Establece el tono
para meditar, desde todos los ángulos, acerca del amor y la pérdida, con las herramientas
musicales de White: Detroit, Nashville, Memphis y riffs de guitarras. Pero es también
divertido y acelerado: “Sixteen saltines” es un ácido acoplado de los Stripes; “I’m shakin´”, un perverso cover de Rudy Toombs. Cada canción es una sorpresa, cada canción
con el sello característico de White. Así que cualquier cosa que creías que extrañarías en
esta producción, no existe. Familiar pero emocionante. Blunderbuss es una introducción
magistral a un hombre al que todos hemos conocido desde hace mucho tiempo.
MARISSA R. MOSS
Producido por Danger Mouse, después de la colaboración que tuvieron juntos en Rome el
año pasado, Little Broken Hearts de Norah Jones podría ser como la parte dos, si tomamos
en cuenta el sonido vintage al que nos tiene acostumbrados. Algunas canciones sólo
contienen momentos mágicos gracias a su voz, como “She’s only 22”. En estos momentos,
no sabes exactamente qué es lo que podemos esperar de Jones, pero sí sabemos que será
maravilloso.
JON FALCONE
NORAH JONES
Little Broken Hearts
Blue Note /EMI
82%
46 . F I L T E R
47 . F I L T E R
END NOTE
EL GRAND CHAMACO
Título de la pieza:
Día de muertos
48 . F I L T E R
Descripción:
Para mí es muy especial el día de muertos y cada 2 de noviembre hago una
ilustración especial con esta temática.
Ésta es la versión 2011 y espero que
vengan muchísimas más.
LOCK UP
THE LOOK.
THE NEW ERA 59FIFTY
®
DISPONIBLE EN
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