Catàleg complet de l`exposició.
Transcripción
Catàleg complet de l`exposició.
emergent a les illes balears (iv) Yolanda Adrover Paz Alcoverro Joan Cabrer Julia García Lourdes Grivé Miquel Mesquida Jaume Simó Sabater i Garau José Ángel Sintes María Isabel Uribe Marcos Vidal emergent a les illes balears (iv) Crèdits EXPOSICIÓ Concepte i comissariat: Projecte Llevant Coordinació: Ferran Barceló Bisbal Gerència: Antoni Vicens Massot Assistència tècnica: Mario C. Mañas Catalina Artigues CATÀLEG Disseny: SignaturaComunicacio.com Textos: Fernando Gómez de la Cuesta Traducció al català: Anna Aguiló Traducció a l’anglès: Judith Glueck Crèdits fotogràfics: © Arxius dels artistes (p. 38, 39, 40, 41, 43, 44, 45, 46, 47, 48, 49, 50, 51, 52, 53, 59, 62, 63, 64,65, 68, 69, 70, 71, 77 i 82) © Josep M. Alcover (p. 79) © Sarai-Maria Arias (p. 89) © Joan-Ramon Bonet (p. 72 i 73) © Eva Choung-Fux (p. 92) © Rosa Ginart (p. 87) © Natasha Lebedeva (p. 34, 35, 36 i 37) © Fernando Maquieira (p. 58) © Paloma Ojea (p. 80) © Teresa Pou (p. 54) © Maria Puigròs (p. 56, 57 i 86) © Carles Ribas (p. 60 i 61) © Fabián Schalekamp (p. 66, 67 i 90) © Julia Vara (p. 81) Documentació i sistematització currículums artistes: Mario C. Mañas Assessoria lingüística: Servei d’Assessoria Lingüística, Ajuntament de Palma Fotomecànica i preimpressió: amadip.esment Impressió: amadip.esment Dipòsit Legal: PM-1535-2010 Edició de 4.000 exemplars © d’aquesta edició: Projecte Llevant © dels textos: els autors © de les fotografies: els autors © de les traduccions: els autors Portada: Jaume Simó Sabater i Garau · Bruciati I. 2008. Cartró, bosses de plàstic i mantes. 50 x 150 x 40 cm aprox. Fotografia de Fernando Maquieira Volem expressar el nostre agraïment més sincer a totes aquelles persones i institucions que, amb la seva col·laboració, han fet possible aquesta exposició. 6 Índex Deu anys (deu) d’emergència a Balears (2001-2010), per Gómezdelacuesta..............................................................................9 Catàleg d’obres....................................................................................... 33 Currículums.............................................................................................. 75 Traduccions al castellà.......................................................................... 97 Traduccions a l’anglès ........................................................................ 123 Projecte Llevant. Història .................................................................. 149 Itinerància............................................................................................... 176 7 Art emergent a les Illes Balears (IV) Gómezdelacuesta DEU ANYS (DEU) D’EMERGÈNCIA A BALEARS (2001-2010). Les connotacions semàntiques del terme emergent, a més d’evocar el concepte de novetat, posen allò recent en contacte amb una tradició, més o manco propera: una base des de la qual s’emergeix, establint amb ella una relació de continuïtat o ruptura.1 L ’ésser humà és binari en essència, no hi ha dubte, però just després del si i del no, de l’un i del zero, tendim al decimal, a ajuntar-ho tot en grups de deu, a numerar qualsevol cosa mentre emprem amb soltesa molts dels seus infinits múltiples i alguns dels seus inabastables divisors. Som cercadors insaciables de decàlegs, decaloguistes nats que anem transitant, viatjant, entre els deu manaments, les deu millors destinacions per a unes vacances de somni, el sistema de puntuació amb el qual ens avaluen des de nens o alguns d’aquells decatlons atlètics que mai aconseguirem culminar. Som proclius a la desena, a la dècada, i ho som perquè ens resulta familiar, perquè ens completa, perquè ens ordena, perquè ens equilibra i perquè ens sossega enmig d’aquest caos contemporani que, per a la nostra desgràcia, gairebé sempre aconsegueix desbordar-nos. En el si d’aquest remolí els historiadors busquem cert ordre, i l’ordre, de vegades, tendeix al número deu. Per això, arribats a un any tan paradigmàtic com aquest en el qual ens trobem, no ens ha de resultar estrany que tractem d’organitzar el nostre present –i un passat tan recent que àdhuc ho recordem amb precisió– sobre la base dels deu anys d’art emergent que acabem de viure. Deu anys que han vingut acompanyats, gairebé des del principi, per aquestes propostes d’“Ars emergent” afavorides pel Projecte Llevant i que ens serveixen, ara, de fil conductor per tractar d’explicar el que ha estat aquesta dècada prodigiosa d’emergència artística 1 balear. Uns creadors, llocs i anys que, en contínua evolució, han assentat les bases del desenvolupament plàstic, de l’art més actual, que s’ha realitzat a les nostres benvolgudes illes. I és precisament per aquest ànim escrutador, classificador –d’historiador– pel qual simplifiquem, potser facilitem, una evolució de deu anys dividida en deu epígrafs que, sense ànim de ser absolutament exhaustius, es plantegen amb la voluntat que el seu contingut es constitueixi en una ajustada mostra del que ha estat l’art nou d’aquesta comunitat. Deu notes senzilles que donen expressió de multitud de projectes, de noms que entren i que surten, que vénen i que van, d’il·lusions, intencions, talents, ambicions i desitjos, però que junts han anat creant el contingut, més o menys afortunat, encertat, transgressor o rellevant, de l’art emergent de les Illes Balears en aquesta primera dècada del segle XXI. 1. “…en projecte” 1992-2007. Un precursor singular, un col·laborador necessari. Potser el que més crida l’atenció, a priori, d’aquest cicle d’exposicions titulat “…en projecte” i desenvolupat per Joan Carles Gomis per a la Torre de ses Puntes de Manacor, sigui el naixement tan primerenc de la proposta. Efectivament, la primera convocatòria data de 1992 i en el text que acompanya al desplegable que li dóna difusió ja s’assenyalaven de manera clara Carme Castells, “Art emergent a les Illes Balears”, text recollit al catàleg Art emergent a les Illes Balears (I), Projecte Llevant, Manacor, 2002, p. 5. 9 i concisa els valors que inspirarien el seu plantejament inicial, uns paràmetres que han seguit alimentant aquest projecte durant els seus més de quinze anys d’activitat: Pensam que un dels objectius d’un espai de les característiques del nostre, al marge d’oferir al públic l’obra d’artistes de vàlua reconeguda, ha de ser el d’estimular el treball dels joves creadors i fer possible, d’una manera proporcional al seu esforç, que la seva obra pugui ser coneguda. Estam convençuts que la interacció que resulti del contacte de llur obra amb el públic –experiència inèdita per a alguns d’ells– incidirà positivament sobre el desenvolupament posterior del seu treball.2 Centrant-nos en el període de temps que hem delimitat i als voltants cronològics dels quals porta causa, la segona qüestió que sorprèn és la premonitòria nòmina d’artistes que han freqüentat les diferents convocatòries d’aquest cicle d’exposicions. Especialment significativa i precursora va ser “…en projecte (III)” (1996) on artistes com Joan Miquel Arrom “Sasai” (Palma, 1970) que anticipava amb aquesta participació la seva posterior selecció a “Art emergent (II)” (2003), l’escultor Jeroni Bosch (Manacor, 1975) o la que ha resultat ser una de les trajectòries més consolidades de l’art contemporani balear, Ricard Chiang (Barcelona, 1966), es van donar cita al costat de Tomeu Estelrich (S’Alqueria Blanca, 1968), Adolf Gil (Muro, 1970) i Catalina Julve (Manacor, 1972), per configurar una proposta que demostrava el bon criteri de l’equip encarregat de la selecció dels participants. No va ser fins passats tres anys quan es va reprendre la convocatòria de “…en projecte”, seguint la seva activitat anualment i sense interrupcions fins a l’última edició celebrada en 2007. En les successives exposicions es va congregar un complet grup de creadors entre els quals cal esmentar a Ramon Company (Alcúdia, 1973) en “…en projecte (IV)” (1999); participants en successives edicions d’“Art emergent” com Jaume Canet (Felanitx, 1966), Marian F. Moratinos (Palma, 1973), Rafel Perelló (Manacor, 1963), Joan Serra 2 10 “…en projecte I”, Torre de ses Puntes, Ajuntament de Manacor, Manacor, 1992. (Manacor, 1973) o Joan Servera “Peix” (Artà, 1971) en “…en projecte (V)” (2000); els també seleccionats per “Art emergent” Paco Espinosa (Palma, 1969) i Joan Vallespir (Inca, 1969) en “…en projecte (VI)” (2001), Astrid Colomar (Palma, 1970) en “…en projecte (VII)” (2002), Jaume Fullana (Palma, 1963) i Amparo Sard (Son Servera, 1973) en “…en projecte (VIII)” (2003), o Maria Antònia Mir (Sa Pobla, 1977) i Ginés Quiñonero (Palma, 1971) en “…en projecte (IX)” (2004). Una coincidència entre tots dos esdeveniments, “Art emergent” i “…en projecte”, que, òbviament, no és casual. És precisament en aquest “…en projecte (IX)” de 2004 quan apareix la primera artista que forma part de la selecció de l’exposició que dóna origen al present catàleg: “Art emergent a les Illes Balears (IV)”. Es tracta de la creadora d’origen colombià María Isabel Uribe (Neiva, Huila, Colòmbia, 1969), mentre que, al costat d’ella, van compareixent també Yolanda Adrover (Felanitx, 1977), Paz Alcoverro (Barcelona, 1969) i Julia García (Albacete, 1968) a “…en projecte (XI)” (2006), o Joan Cabrer (Palma, 1983) i Miquel Mesquida (Manacor, 1954) a “…en projecte (XII)”, una última cita d’aquest longeu cicle que va culminar l’any 2007. Uns camins paral·lels, els de aquestes peculiars propostes, plens de retroalimentacions i de punts en comú que consoliden a “…en projecte” no només com un singular antecedent sinó també com un col·laborador necessari d’uns itineraris que acabaran confirmant-se en les successives convocatòries de “Art emergent”. 2. Recollint l’emergència abans d’“Art emergent”. Abans que el projecte “Art emergent” vingués a ocupar d’una forma estable, programada i coordinada l’espai de selecció i difusió de les propostes emergents de les Balears, s’havien succeït una sèrie d’exposicions que van aconseguir donar cabuda a les creacions d’aquest conjunt d’artistes que per edat, maneres i continguts, podríem enquadrar en l’ambigua, àmplia i heterogènia categoria de l’emergent. Parlem, per exemple, d’algunes mostres col·lectives organitzades pel Govern Balear i inaugurades durant l’any 1999, com són “Pittura Giovane Balear” presentada a la Galleria Contemporanea A. Sangallo de Loreto, Itàlia. En aquesta mostra, entre els representants de menor edat, trobem als ja esmentats: Joan Miquel Arrom “Sasai”, Ramon Company, Marian Moratinos, Adolf Gil o Joan Vallespir, així com, entre d’altres, a alguns dels participants en diferents convocatòries de “…en projecte” o de “Art emergent”: Xavier Andreu (Inca, 1973), Martí Antoni Monjo (Maria de la Salut, 1972) o Bartomeu Pons (Campanet, 1973). També a 1999 es va celebrar “29 artistes a Menorca” amb la inclusió dels “emergents” Paca Florit (Ciutadella, 1974) i Carles Moll (Maó, 1969); mentre que aquesta visió parcial de l’arxipèlag va acabar de conformar-se, uns anys després, gràcies a la mostra produïda pel Museu d’Art Contemporani d’Eivissa titulada “Hic et nunc. Actuals a les Pitiüses” (2002) que va congregar, entre els seus vuit participants, una interessant representació d’artistes nascuts en la dècada dels seixanta i vinculats, d’una manera o una altra, a les Pitiüses, aquests eren: Maria Català (Castelló, 1961), Enric Riera (Formentera, 1963), Rom Ero (Granada, 1960), Paco Romero (Eivissa, 1966) i el participant en “Art emergent (III)” Mario de Ayguavives (Saragossa, 1968). L’any 2000, organitzada per Edicions 6a i Sa Nostra, es va realitzar l’edició gràfica i posterior exposició titulada “7i7”, una mostra que es va encarregar de recollir certa representació de l’emergència de la nostra comunitat mitjançant unes litografies d’artistes joves que es barrejaven amb els versos d’alguns poetes joves també. Aquí va comparèixer l’obra dels citats Paco Espinosa, Paca Florit, Marian Moratinos i Joan Vallespir, als quals se’ls van unir la mallorquina actualment establerta a Galícia Aina Noguera, l’eivissenc Pep Tur i l’integrant del posterior “…en projecte (VII)” (2002) Santiago Picatoste (Palma, 1971). Però possiblement la proposta que més es va apropar a algunes de les premisses que després van regir “Art emergent” va ser la sèrie de dues exposicions organitzades per l’Ajuntament de Palma en els anys 2000 i 2001 i que serien presentades en el cèntric espai del Casal Balaguer. “Exit 1” i “Exit 2”, nom que van rebre cadascuna de les convocatòries, van recollir, mitjançant una adequada selecció per part de la comissària Neus Cortés, gran part dels noms que ja protagonitzaven l’art balear més jove i modern i que, en molts casos, encara avui segueixen protagonitzantho: Cati Aguiló (Palma, 1970), “Sasai”, Xisco Bonnín (Palma, 1967), Biel Bover (Palma, 1962), Paco Espinosa, Mercedes Estarellas (Palma, 1972), José Fabré (Palma, 1961), Jaume Fullana, Carles Gispert (Palma, 1969), Iván de Lucas (Madrid, 1962), Rosa Mascaró (Manacor, 1961), Marga Nicolau (Palma, 1964), Kiko Palmer (Palma, 1968), Gabriel Pereiro (Palma, 1975), Santiago Picatoste, Néstor Romero (Granada, 1970), Tatiana Sarasa (Barcelona, 1966), Joan Vallespir, Gori Vicens (Palma, 1968) i el participant en aquesta quarta convocatòria d’“Art emergent”, Marcos Vidal (Vitòria, 1967), van acabar de completar una visió prèvia i suficientment àmplia del panorama emergent balear per a aquest inici de segle. 3. “Art emergent (I), (II) i (III)”. Una primera i encertada trilogia. És l’any 2002 quan arriba la primera convocatòria d’“Art emergent”, una proposta a la qual van seguir, sense solució de continuïtat, any rere any, altres dues exposicions més, constituint una afortunada trilogia on van ser tots els que estan, encara que lògicament no van estar tots els que eren –sempre hi ha alguna absència que aquest “Art emergent (IV)” i les properes cites “emergents” tractaran d’esmenar–. Si es mira amb certa perspectiva, ja gairebé històrica, els itineraris pels quals s’han desembolicat cadascun dels artistes que han participat en aquestes tres primeres convocatòries, veurem camins dispars, alguns d’ells públics, notoris i plenament consolidats, uns altres de recorregut més difícil, gairebé tots de cert interès. El temps ha donat, en la majoria dels casos, la raó als comissaris del projecte –Joan Carles Gomis en la primera convocatòria i Maria Antònia Artigues per les dos següents– demostrant que l’elecció dels creadors es va fer amb bon criteri. Acompanyant les peces dels trenta-un artistes seleccionats es desplega tot el desenvolupament crític dels documentats i oportuns textos realitzats per Carme Castells per als catàlegs que recullen cadascuna d’aquestes tres primeres exposicions. Uns textos que 11 recolzen i completen el projecte d’una manera tan generosa que ens serviran per entendre, a la perfecció, el concepte i el desenvolupament d’unes propostes de les quals aquí, simplement, enumerarem a tots els seus participants. Així, a “Art emergent a les Illes Balears (I)” (2002), ens trobem amb Astrid Colomar, Rafel Adrover (Palma, 1969), Amparo Sard, Paco Espinosa, Joan Serra, Marian Femenías Moratinos, Joan Servera “Peix”, Pedro Oliver (Palma, 1968), Yolanda Montesa (Eivissa, 1973) i Paca Florit; a “Art emergent a les Illes Balears (II)” (2003) compareixen Jaume Canet, Carles Moll, Martí Antoni Monjo en col·laboració amb Ana Camuñas (Villafranca de los Cavalleros, Toledo, 1975), Rafel Perelló, Aina Perelló (Pollença, 1976), Blanca Pérez-Portabella (Barcelona, 1973), Eliana Perinat (París, 1965), Joan Miquel Arrom “Sasai”, Fabián Schalekamp (Palma, 1964) i Joan Vallespir; mentre que a “Art emergent a les Illes Balears (III)” (2004) trobem les contribucions del resident a Eivissa Mario de Ayguavives, Rafel Bestard (Palma, 1967), Mercedes Estarellas, Jaume Fullana, Carles Gispert, Núria Marquès (Ciutadella, 1975), Maria Antònia Mir Sastre, Ginés Quiñonero, Pedro Vidal (Palma, 1968) i Guillem Santandreu (Manacor, 1965) que, curiosament, ja va estar present en la segona convocatòria de “…en projecte”, allà per 1994. 4. Projecte Llevant, Projecte Torre i Projecte Triangle. Però òbviament el Projecte Llevant no es redueix tan sols a aquestes convocatòries d’“Art emergent”. Projecte Llevant és una idea de col·laboració que uneix i coordina els esforços de moltes institucions illenques que, en funció de la proposta concreta, van variant i entre les quals es troben els ajuntaments de Binissalem, Capdepera, Felanitx, Inca, Manacor, Marratxí, Palma, Porreres, Santanyí, Sant Llorenç des Cardassar o Sa Pobla, el Govern de les Illes Balears, el Consell de Mallorca, SA NOSTRA, l’Espai Mallorca, el Museu d’Art Contemporani d’Eivissa o el Museu de Menorca. Una dilatada trajectòria de projectes que es va iniciar a 1999 amb “Itineraris damunt paper. El dibuix a la plàstica contemporània a Mallorca”, a la qual van succeir “Fotografia contemporània a Mallorca” (2000), “Actituds tangencials” (2000), “Erotisme a la plàstica 12 contemporània a les Illes Balears” (2001) –on tornem a trobar a Ricard Chiang–, els tres esmentats cicles d’“Art emergent” (2002, 2003 i 2004), “Escultura contemporània a les Illes Balears” (2005) en la qual compareixen, referint-nos als emergents, Jeroni Bosch, Jaume Canet, Jaume Fullana o Carles Gispert, “Historietes. El còmic a les Illes Balears” (2006), “Ceràmica contemporània a les Illes Balears” (2007) i “Cadàver exquisit” (2008) amb, entre d’altres, Astrid Colomar, Marian F. Moratinos, Paca Florit, Maria Antònia Mir, Rafel Perelló, Amparo Sard i Pep Guerrero (Port de Sóller, 1966), així com un curiós i apropiat text del jove crític i comissari Pau Waelder (Palma, 1974). Una sèrie de propostes que ara es completen amb aquest “Art emergent (IV)” del que el present catàleg porta causa. Projecte Torre és, en realitat, el nom que es dóna a totes les exposicions produïdes des de la Torre de ses Puntes, normalment encaminades a realitzar revisions individuals i concretes d’artistes emergents –encara que no sempre– a partir del moment en què aquestes comencen a itinerar per altres municipis diferents a Manacor, lloc on radica l’esmentat centre expositiu. La primera mostra d’aquest cicle va ser la realitzada per Ricard Chiang a 1997. Unes exposicions que s’organitzaven, produïen i finançaven des de Manacor, amb l’ajuda del propi Ajuntament, del Consell de Mallorca i de SA NOSTRA, i que se cedien gratuïtament a altres espais destinats a l’exhibició d’art contemporani, sent recollits en uns catàlegs de disseny homogeni que funcionen a la manera de col·lecció. Als efectes que ens ocupen destaquen, entre la gran quantitat de propostes realitzades a l’empar d’aquest projecte, les exposicions de Marian F. Moratinos (2001), Rafel Perelló (2001), Guillem Santandreu (2002), Fabián Schalekamp (2003), Astrid Colomar (2003), Maria Antònia Mir (2004), Pedro Oliver (2005), Pedro Vidal (2005), Rafel Bestard (2006) o Jaume Fullana (2008), any en el qual també té lloc, dins de la programació de Projecte Torre, la mostra retrospectiva “Déjà vu 19982008” de l’artista Paz Alcoverro, seleccionada per aquest “Art emergent (IV)” . El Projecte Triangle, a la vegada, és una derivació recent del Projecte Torre. Són produccions realitzades a tres bandes entre els ajuntaments de Manacor, Felanitx i Capdepera, de les quals s’han realitzat dos cicles complets, on cada municipi s’encarrega de proposar a un artista. La primera convocatòria va organitzar exposicions individuals a Mateu Estarellas (Cala Rajada, 1970), Jaume Fullana i Yolanda Adrover, mentre que la segona va reunir a Pere Bennàssar (Felanitx, 1963), Marcos Vidal i Antònia del Río (Capdepera, 1983). Unes propostes, totes elles, que intenten mantenir el concepte general i el format de catàleg de les mostres que es van realitzar sota la coordinació del Projecte Torre. 5. Els premis Art Jove, donant visibilitat a la pedrera, i un breu esment dels projectes “RetroActiva” i “Praxis”. Els Premis Art Jove, promoguts pel Govern de les Illes Balears, van néixer a 1994 amb la clara vocació d’incentivar i difondre les propostes dels creadors més joves de la nostra comunitat. Un certamen que va ser d’arts plàstiques fins a l’any 2002 –pintura i escultura donant cabuda també a les instal·lacions– passant a la denominació més àmplia d’arts visuals a partir de 2003. En la nòmina de guanyadors tornem a trobar molts dels noms que han donat forma a l’art emergent balear durant aquesta dècada que estem tractant, artistes citats repetidament en aquest text com, entre molts d’altres, Ramon Company (guanyador del Art Jove de pintura a 1995 i de la modalitat d’escultura el 1998), Pep Guerrero (vencedor del certamen d’escultura el 1996), Joan Vallespir (de la convocatòria de pintura el 1997), Carles Gispert (primer premi d’escultura el 1997 i tercer premi el 1999), Marian F. Moratinos (segon premi de pintura el 1998), Cati Aguiló (segon premi d’escultura el 1999), Joan Servera “Peix” (guanyador del certamen de pintura el 2001), Blanca PérezPortabella (vencedora de la modalitat d’escultura el 2001), Cecilia Segura (menció d’honor en escultura 2001), Jaume Simó Sabater (tercer premi el 1996 i primer premi el 2002 en la categoria d’escultura), Yolanda Adrover (primer premi d’escultura el 2002), Mitos Colom (primer premi de fotografia i menció d’honor de pintura el 2002), Aina Perelló (guanyadora del certamen de 2003 ja sota l’epígraf genèric d’arts visuals), la menorquina Núria Marquès (vencedora el 2004), l’eivissenc Santiago Vic (triumfador el 2005), el valencià Robert Ferrer (guardonat el 2008), així com la nova saba de nascuts en els anys vuitanta: Onofre Caldentey, Neus Marroig i Enric Sòcies (primer premi i mencions especials el 2006), el guanyador del certamen de 2007, Albert Pinya, la segona classificada, l’eivissenca Sara Tur, i, finalment, Lara Fluxà i Joan Cabrer, segon i tercer premi respectivament de la convocatòria de 2008. En un intent d’aprofitar aquesta selecció d’artistes, normalment oportuna, que els propis premis anava oferint, va sorgir “RetroActiva”, una proposta que es va configurar a la manera d’una singular retrospectiva d’Art Jove realitzada des d’un punt de vista diferent. Una iniciativa nascuda el 2008 que impulsa, des del camp institucional, intervencions de l’art més actual pels carrers de Palma. Cinc instal·lacions en cada cicle, amb seu en un context urbà, que tenen com a objectiu incitar i excitar el diàleg espontani entre la creació contemporània i els ciutadans. Els primers artistes seleccionats, entre tots els guanyadors i mencions especials dels premis, van ser Yolanda Adrover, Carles Gispert, Núria Marquès, Jaume Simó Sabater i Enric Socías (Palma, 1981). La segona convocatòria s’ha celebrat recentment, al setembre de 2010, i els triats per produir una instal·lació en un carrer de Palma escollits per ells mateixos són: Mitos Colom (Palma, 1977), Pep Guerrero, Neus Marroig (Sóller, 1982), Marian F. Moratinos i Aina Perelló. “RetroActiva” compta amb la peculiaritat, a més, de ser una proposta que s’afegeix al programa de la prestigiosa Nit de l’Art palmesana, un esdeveniment promogut per les associacions de galeries de Mallorca que compta amb el suport de les institucions de les Illes Balears i en el qual la participació de l’espectador cobra especial rellevància, un marc idoni per als plantejaments que caracteritzen “RetroActiva”. Cal citar, encara que de manera un poc succinta, la proposta auspiciada també pel Govern Balear que rep el nom de “Praxis”, una convocatòria que sorgeix 13 amb la idea de fomentar la creació entre els artistes més joves de les illes, recentment llicenciats en Belles Arts en alguna facultat espanyola, i que, just en aquest moment, comencen la seva carrera professional dins del món de la plàstica. La primera exposició, celebrada a 2009, es va titular “PraxisMMIX” i va reunir algun dels noms que comencen a sonar en el competitiu camp de l’art contemporani balear: Joan Cabrer, Lara Fluxà (Palma, 1985) o Bartomeu Sastre (Palma, 1986); mentre que per a “PraxisMMX”, la segona mostra d’aquest cicle que va tenir lloc al setembre de 2010, es va seleccionar, entre d’altres, a Joana Esteve (Muro, 1987), Alelí Mirelman (Palma, 1987) i Jaume Orejuela (Pollença, 1981). 6. Altres certàmens d’arts plàstiques, no específicament joves, que premien i consoliden plantejaments emergents. Sens dubte el certamen més important d’arts plàstiques de Balears, tant en prestigi com en dotació, és el premi Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” d’Arts Plàstiques, una convocatòria que ha marcat la pauta de qualitat dels concursos d’art contemporani en la nostra comunitat i, com no podia ser d’una altra manera, s’ha convertit en un dels legitimadors més contrastats per a les propostes de caràcter emergent. La seva nòmina de guardonats i seleccionats és àmplia, encara que apropant-nos a la dècada i al tema que ens ocupa, sembla necessari esmentar, almenys, a alguns dels emergents més reconeguts que han obtingut alguna distinció en el certamen. Així cal recordar que Martí Antoni Monjo va guanyar el 1997, que Amparo Sard ho va fer el 1999, que Rafel Perelló es va alçar amb el triomf el 2002, que Joan Morey (Sant Llorenç des Cardassar, 1972) es va adjudicar la convocatòria de 2003, que Núria Marquès i Rafel Bestard van ser esment d’honor el 2004 i 2007 respectivament, o que Cecilia Segura va rebre un accèsit en la cita de 2008; tots ells acompanyen en el palmarès a dos representants d’aquest “Art emergent (IV)”: Paz Alcoverro, guanyadora el 2008, i José Ángel Sintes (Alaior, 1978) primer premi de 2009. Un altre concurs de dilatada i consolidada trajectòria és 14 el Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques que, des de 1994, ve donant una expressió de l’art més actual a partir de la seva selecció de finalistes. Per limitar l’enunciat als certàmens del 2000 d’ara endavant, direm que Rafel Perelló el va guanyar en aquest mateix any, Rafel Adrover ho va fer el 2002, Pep Guerrero el 2003, Maria Antònia Mir el 2005, Aina Perelló el 2006, Rafel Bestard el 2007, i Yolanda Adrover i Joan Cabrer, participants en el present “Art emergent (IV)”, el van aconseguir el 2009 i 2010 respectivament. També és important remarcar la qualitat i longevitat del famós Certamen Internacional d’Arts Plàstiques de Pollença que, en el present any, ha complert la seva edició número XLVII i que ha comptat entre els seleccionats en les seves diferents convocatòries amb obres d’Aina Perelló, Núria Marquès o Gabriel Pericàs (Palma, 1988). Altres premis dignes d’esment són el Certamen Internacional d’Arts Plàstiques Vila de Binissalem, guanyat per Maria Antònia Mir el 2006, per María Isabel Uribe el 2007 i en el que Joan Servera “Peix” va obtenir el tercer lloc el 2008; el Certamen d’Arts Plàstiques Rei en Jaume de Calvià, obtingut per Mitos Colom el 2007, Isabel de Castro Jung (Palma, 1976) el 2008, Robert Ferrer el 2009 i Neus Marroig en aquest 2010; o el Certamen de Pintura de Sant Marçal a Marratxí, guanyat el 2009 per Mònica Fuster (Palma, 1967) i el 2010 per Joan Vallespir. 7. Galeries sensibles a l’art emergent. El projecte Noves Presències i Art Palma Project. Una de les característiques més sorprenents de la ciutat de Palma i, per extensió, de la illa de Mallorca, és la seva extraordinària densitat d’espais expositius consagrats a l’art contemporani, segurament al mateix nivell d’algunes de les grans capitals europees. Un ventall de possibilitats tan extens que facilita que els creadors –els que aquí resideixen i els que vénen atrets per l’efecte cridada que genera aquesta singular “terra d’oportunitats”– disposin de multitud d’opcions perquè les seves propostes vagin veient la llum, fins i tot, i depenent de l’artista, amb certa regularitat; una abundància que desgraciadament no ha tingut el mateix ràtio de cobertura per a la resta de les nostres illes, quedant Menorca i Eivissa ateses d’una manera bastant desigual. Centrant-nos ja en l’àmbit de les galeries comercials –en el sector privat– es pot dir que hi ha un potent grup d’espais plenament consolidats, de dilatada i solvent trajectòria, que encaminen el seu itinerari per la senda de l’art actual, sense quasi fisures, encara que, per descomptat, ponderat pel gust d’aquells que les dirigeixen. Moltes d’aquestes galeries, de qualitat més que contrastada, han realitzat una aposta decidida per l’art emergent de la nostra comunitat, una labor necessària per acabar d’afermar els camins d’uns creadors, cada vegada més consolidats, mentre van posant a prova les seves obres davant aquest jutge despietat que és el mercat. Dins d’aquest primer i selecte grup de galeries cal destacar la tasca contínua i estimulant de la Ferran Cano –tant a la seva sala de Ciutat, en ple casc antic, com en el seu celebrat espai de Barcelona– una línia expositiva que sempre va en benefici de les propostes més emergents i, sobretot, arriscades. Limitantnos a la galeria de Palma i a aquesta dècada que ens ocupa, la relació d’exposicions és àmplia, Pep Guerrero el 2001, 2005, 2008 i 2009, Pedro Oliver el 2003 i 2008, Amparo Sard el 20033 i 2007, Yolanda Adrover el 2005 i, entre uns altres, Julia García el 20064. Pelaires, amb més de 40 anys de galerisme a les seves esquenes, no descarta les propostes emergents i ha donat el seu suport, últimament, a artistes com Natxo Frisuelos (Palma, 1976), Guillermo Rubí (Palma, 1971) i Blanca Pérez-Portabella; aquesta última també va exposar5 en la Galeria Horrach Moyà on, precisament, compareixen Susy Gómez (Pollença, 1965), Joan Morey o Jaume Simó Sabater. En els dos espais de la Maior –Palma i Pollença– han mostrat la seva obra Cati Aguiló6, Joan Cortés (Pollença, 1964), Mònica Fuster, Núria Marquès o Aina Perelló7; mentre que la Galeria Xavier Fiol ha dedicat alguna de les seves exposicions a Marta Blasco (Manises, València, 1974), Xisco Bonnín8, Ricard Chiang, Mercedes Estarellas9, Santiago Picatoste o Concha Vidal (Palma, 1975). El segon conjunt de galeries inserides en el si de la generosa oferta mallorquina de sales comercials, podria ser definit com un grup d’espais que, en si mateixos, poden ser considerats emergents, una sèrie de projectes, pràcticament tots de naixement recent, que tenen una sensibilitat gairebé exclusiva per programar propostes d’art jove i actual. Entre ells cal esmentar la interessant trajectòria de ABA Art Contemporani amb mostres tan significatives per a l’emergència balear com són les de Toni Amengual (Palma, 1980), Isabel Ferrer Tàpia (Palma, 1973), Harold Jiménez (Cali, Colòmbia, 1972)10 o María Isabel Uribe; també La Caja Blanca amb Kira Ball (Palma, 1976)11, Mitos Colom12, Bàrbara Juan (Palma, 1965) o Marian F. Moratinos; així com SKyistheLimit on destaquen Diana Coca (Palma, 1977)13, Magdalena Ferragut (Palma, 1979)14, Susana Muñiz (Madrid, 1967), Nano Valdés (Palma, 1969) i Marcos Vidal. També és important citar la labor d’un altre tipus d’espais, amb algunes peculiaritats distintives, com són Addaya centre d’art contemporani, que maneja una interessant i profusa nòmina d’artistes extraordinàriament joves –Joan Àvila (Palma, 1980), Arantxa Boyero (Palma, 1982), Jaume Orejuela o Julià Panadés (Palma, 1981)15– al costat d’uns altres amb una trajectòria una mica més dilatada –Yolanda Adrover, Paz Alcoverro, Robert Ferrer, Tomeu Simonet “Gorriomoixa” (Alaró, 1973) o Joan Vallespir–. En el cas del Centre d’Art la Real la llista inclou a Javier Cadavieco (Palma, 1978)16 i Bàrbara Vidal (Palma, 1979), mentre que les propostes Exposició realitzada dins del programa Noves Presències afavorit pel Consell de Mallorca. Exposició realitzada gràcies a la beca Art Palma Project promoguda per l’associació de galeristes Art Palma i recolzada pel Govern de les Illes Balears, el Consell de Mallorca i l’Ajuntament de Palma. 5 Dins del programa Noves Presències 2003. 6 Dins del programa Noves Presències 2003. 7 Dins del programa Noves Presències 2002. 8 La seva primera individual en aquesta galeria va ser en el marc del programa Noves Presències 2005. 9 Amb una primera individual en el marc del programa Noves Presències 2009. 10 La seva primera individual en aquesta galeria va ser en el marc del programa Noves Presències 2007. 11 Amb una primera individual en el marc del programa Noves Presències 2009. 12 La seva primera individual en aquesta galeria va ser en el marc del programa Noves Presències 2007. 13 Encara que la seva primera exposició individual a una galeria comercial va ser a La Caja Blanca dins del marc de Noves Presències 2006. 14 Dins del programa Noves Presències 2007. 15 Amb una primera individual en el marc del programa Noves Presències 2009. 16 Amb una primera individual en el marc del programa Noves Presències 2008. 3 4 15 suggeridorament alternatives d’Intersecció Art han estat freqüentades per creadors com Onofre Caldentey (Palma, 1980), Neus Marroig, Víctor Moragues (Palma, 1978), Maria Simón Masip (Palma, 1983), Enric Socias o Evarist Torres (Eivissa, 1970). Potser una de les propostes que ha servit de més ajuda en les carreres dels artistes implicats i la repercussió mediàtica de la qual ha estat major, és l’esmentat programa Noves Presències, una col·laboració entre les galeries mallorquines i el Consell Insular de Mallorca que inclou una sèrie d’ajudes econòmiques i adquisició d’obra a favor de creadors als quals se’ls organitza una primera exposició individual en un espai comercial. El projecte, nascut el 2002, va comptar en principi amb la col·laboració de totes les galeries associades de la illa, però a partir de la convocatòria de 2005 el col·lectiu Art Palma –que havia nascut d’una escissió, un any abans, de l’Associació Independent de Galeries d’Art de Balears, AIGAB– es va desmarcar de la convocatòria, deixant als membres d’aquesta última agrupació com a únics integrants de la cita. Un cicle d’exposicions anual que, des de fa un temps i al marge de la mostra individual que cada espai organitza per a cadascun dels seus artistes novells, culmina amb una col·lectiva en el Centre Cultural de la Misericòrdia de Palma en el si dels actes de la, cada vegada més multitudinària, Nit de l’Art. A part de les exposicions que ja s’han assenyalat en els dos paràgrafs que precedeixen a aquest, creiem d’utilitat citar les següents: en el 2002, la de Marian F. Moratinos a la Bennàssar de Pollença, Catalina Julve a la Quàsars de Manacor i la de Marcelo Víquez (Montevideo, Uruguai, 1971) a la desapareguda Galeria Mediterrània; el 2003, Pedro Vidal a la Joan Guaita Art, Isabel Ferrer Tapia per a la Galeria Camba, Astrid Colomar a Altair o Joan Àvila, també a la Mediterrània; el 2004, Mateu Estarellas a la Bennàssar, José Hevia (Palma, 1976) a ABA Art o Tomeu Simonet “Gorriomoixa” a la desapareguda Lebasi; el 2005 José Juan Gonzálvez (Palma, 1973) al Centre Cultural Asbaek d’Andratx; el 2007 –després de la suspensió del programa durant tot el 2006– Joan Cabrer a la Galeria Joan Oliver “Maneu”, Robert Ferrer a la Mediterrània i Isabel Serra (Inca, 1981) a Can Janer; i en les convocatòries de 2008 i 2009 respectivament: 16 Sylvia Wolterman (Stadskanaal, Holanda, 1978) i Camila Puls (Palma, 1980) ambdues pel Centre Cultural Asbaek d’Andratx. Va ser el 2005 –any en què l’associació de galeristes Art Palma va deixar de participar en el projecte Noves Presències– quan es va constituir l’anomenat Art Palma Project, una proposta de l’Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears –AAVIB– i de l’esmentada agrupació d’espais privats, que comptava amb el suport del Govern, del Consell de Mallorca i de l’Ajuntament de Palma. Un premi que consistia en l’organització d’una exposició individual a l’any en una de les galeries pertanyents a Art Palma d’un dels artistes emergents afiliats al citat col·lectiu, triat, lògicament, per un jurat designat a aquest efecte. El projecte es va inaugurar amb la interessant proposta de José Antonio Troya (Logronyo, 1967) que va tenir com a il·lustre seu la Galeria Pelaires. L’any següent la triumfadora va ser Julia García i la seva “El hombre pulmón”, una exposició a la Galeria Ferran Cano que es va convertir en una exquisida i ajustada mostra d’alguns dels arguments i de les delicades formes que freqüenta aquesta artista. 8. Des de l’escena alternativa: La casa del cactus, La fàbrica de licors, La resistència de l’art, Visionaris i les publicacions independents. Qualsevol ecosistema de creació contemporània que es prei sempre ha de tenir la seva quota d’alternativitat, un escenari de sana independència que doni cabuda a aquelles propostes que, per concepte o per risc, encara es troben al marge de les institucions i del mercat, uns estaments que habitualment prefereixen el control a la incertesa. Aquest canal alternatiu es converteix en una via per albergar i difondre els projectes menys comercials, més agosarats, crítics, experimentals –potser més emergents?– amb la llibertat un poc matisada que solen mantenir la majoria d’aquests col·lectius. Propostes que orbitant al voltant dels camins establerts, a major o menor distància, intenten expandir iniciatives que tenen una sortida més complexa en el difícil circuit de l’art. Aquestes organitzacions cobreixen un espectre molt necessari per a la promoció de les plàstiques, encarregant-se de donar recer a continguts d’un tenor més singular en el si d’uns espais una mica diferents, uns col·lectius de virtuts clares però amb una sèrie de problemes recurrents que solen generar una existència complexa i, gairebé sempre, limitada en el temps; una sort de patologies comunes que acaben afectant a un canal d’emissió creat per amor a l’art però que acaba modificat, gairebé sempre perjudicat, per qüestions completament terrenals. I és que aquestes iniciatives solen procedir de l’embranzida d’un grup concret de persones en confluència momentània de voluntats i interessos, aficionats, professionals de sectors afins –o no tant– que a la mateixa velocitat que esgoten la seva il·lusió, forces o diners, van perdent la manxa necessària per mantenir l’embranzida del projecte. Aquests col·lectius viuen de l’ànim dels seus socis i, per aquest precís motiu, solen caminar a una velocitat inconstant, desapareixent i rebrotant, mentre van variant la seva composició humana i, amb això, les sensibilitats en la selecció, producció i difusió de les seves propostes, configurant un panorama difús on els criteris que assumeixen poden semblar una mica irregulars. Però el problema fonamental, com gairebé tot en aquesta vida, és de finançament. Infraestructures i projectes requereixen inexcusablement uns fons que poden posar en perill el caràcter més essencial d’aquestes iniciatives: la seva independència. Efectivament, no resulta rar que aquests col·lectius puguin veure’s atrapats en una espiral on la pròpia recerca dels diners, com a mitjà, els faci recórrer al mercat o al compromís institucional modificant els seus paràmetres de selecció darrere de propostes més comercials o apel·lant a patrocinadors, normalment públics, que alhora que els subministren els diners necessaris poden fer-los perdre la seva genuïna i intransferible essència, fiscalitzant els seus continguts, moderant els seus criteris o ficant-se en els seus plantejaments. Aquestes propostes, algunes d’elles recolzades sobre interessants idees, han anat apareixent, submergint-se, renaixent i extingint-se, segons la potència de la seva pròpia fórmula i de com aquest poder ha anat aguantant els successius problemes –humans o econòmics– que amb l’esdevenir del temps i el desenvolupament del projecte van sorgint. La realitat és que per aquestes illes han comparegut conceptes lligats a les plàstiques tan interessants com la plataforma d’art i difusió La casa del cactus els artífexs fonamentals del qual van ser els artistes Cati Aguiló i Carles Gispert, sempre en col·laboració amb altres creadors que anaven fluctuant segons la convocatòria concreta. Un plantejament que va iniciar el seu recorregut allà per 1996 en una antiga casa del poble mallorquí de Ses Salines, un lloc que quedava, cada estiu, a la disposició d’una singular colonització artística. Després d’anar-se de l’espai físic que li dóna nom, el projecte va començar a desenvolupar-se en noves i variades ubicacions, d’això donen bona prova “Ultramarins” (2001) un complet programa que incloïa exposicions, performances i intervencions multimèdia que es van desenvolupar en diferents contextos de Barcelona; també el 2001 va concórrer “Arxipèlag-cactus” imbricat dins de l’oferta del festival mallorquí de música Isladencanta. Ambdues cites van comptar amb artistes com Yolanda Adrover, Joan Cortés, Mònica Fuster, Fabián Schalekamp i Marcos Vidal, al marge, per descomptat, dels comentats Cati Aguiló i Carles Gispert. A aquests projectes li va seguir el 2002 “Panem et circenses” organitzada al costat de l’empresa de gestió cultural més activa d’aquesta dècada a Balears, Tres serveis culturals, una idea que va convocar a artistes, estudiosos i col·lectius amb l’objecte de conviure i desenvolupar durant vuit dies tot un programa de tallers, taules rodones, performances i exposicions; un lloc de reflexió, però també una cita amb cert component lúdic, una combinació que aquest tipus d’associacions sempre ha sabut manejar molt bé. En aquest esdeveniment van intervenir, entre d'altres, Mariano Mayol (Palma, 1965), Jaume Simó Sabater, Joan Sastre (Selva, 1961) o Marcos Vidal. No va ser fins a 2007 quan aquesta associació va tornar a participar en una proposta plàstica a Mallorca, en aquest cas va tenir lloc en el Monasteri de la Real i es va titular “Cimentiments o no m’asfaltis el respecte” on, amb una evident càrrega crítica i irònica, molts artistes tractaven de fer-nos reflexionar sobre temes tan controvertits com la corrupció, l’especulació 17 immobiliària o la contaminació, aquí ens trobem a Pedro Oliver, Carles Gispert, Susana Muñiz, Pepi Hervás (Palma, 1978), Juan Gavilán (Palma, 1977), Magdalena Ferragut, Amparo Sard, Bàrbara Juan, Joan Sastre, Joan Cortés, Mònica Fuster, Jaume Simó Sabater, Fabián Schalekamp o Pedro Vidal. Finalment cal esmentar també un projecte coordinat per aquest col·lectiu el 2009 i que es va anomenar “Atelier CRISI”, un contenidor d’idees on es va convidar a gent molt diversa a exposar la seva sensibilitat, la seva acció o la seva lluita entorn d’aquesta complicada situació global que, encara avui, anem sofrint; una crisi que es va veure sota el prisma de les propostes de Rafael Adrover, Xisco Bonnín, Susana Muñiz, Pedro Oliver o Jaume Simó Sabater, entre d’altres. La fàbrica de licors juntament amb La resistència de l’art van ser, durant els anys que van mantenir el seu projecte, els únics espais expositius independents sense ànim de lucre que van consolidar una programació continuada en les Balears. La fàbrica de licors, concretament, era un grup heterogeni i jove de persones vinculades a la fotografia, el disseny i l’art, que defensaven uns conceptes de la cosa plàstica molt diversos i que plantejaven les seves propostes com una especial i curiosa simbiosi en les mateixes entranyes del casc antic de Palma. Xisco Bonnín, Magdalena Ferragut, Juan Gavilán, Pepi Hervás i el que signa aquestes línies, Fernando Gómez de la Cuesta, vam emprendre una activitat completament alternativa que es va estendre des de 2002 fins a 2006 i en la qual s’englobaven tallers, cicles de projeccions, música, sessions de dj, performances, instal·lacions i, per descomptat, exposicions. Per les seves sales van passar alguns dels projectes menys convencionals de la illa i molts dels representants emergents de la fotografia i les arts visuals a les Balears: Javier Izquierdo (Palma, 1976), Javier Cadavieco, Dani Cardona (Palma, 1971), Julia García, Susana Muñiz, Marta Blasco, Paz Alcoverro, Marcos Vidal, José Juan Gonzálvez, Marcelo Víquez, Diego Dintino (Montevideo, Uruguai, 1970), Carles Gispert, Tatiana Sarasa o Pedro Oliver, van integrar algunes de les propostes individuals, les col·lectives, van participar en el seu project room o van impartir tallers, sempre vinculats, tots ells, a contribuir a la difusió d’una nova manera de fer, transmetre i consumir art contemporani. 18 La resistència de l’art també plantejava una oferta multidisciplinària que ens aproximava a la creació plàstica d’una manera lúdica, reivindicant la figura de l’artista dins de la cadena de producció de l’art i defensant un concepte de professionalització dels serveis artístics que permetés mantenir econòmicament els projectes que s’anaven gestant. Marga Nicolau i Mercedes Estarellas van ser les encarregades de consolidar el desenvolupament d’aquesta idea durant els més de tres anys que va tenir d’activitat (2003-2006) en els quals van incloure propostes de Juan Gavilán, Pepi Hervás, Susana Muñiz, Marcos Vidal o Marcelo Víquez. Amb la desaparició de La fàbrica i de La resistència el panorama d’espais alternatius no comercials de les Balears va quedar amb prou feines sense contingut, sent potser, el cicle de projeccions “Visionaris”, l’única proposta que recull una mica d’aquell esperit desinhibit i mestís que tractava d’acompanyar l’art amb tallers, música, participació i diversió; una convocatòria que cada inici d’estiu té lloc a la Fundació Pilar i Joan Miró de Palma, promoguda, des del 2008, pel col·lectiu Samakineta, compost per Xisco Bonnín, Pepe Cañabate, Javier Izquierdo i Rif Spahni. Una associació que s’ha marcat com a objectiu mostrar-nos l’obra fotogràfica de creadors de tot el món, incorporant, alhora, alguns balears emergents com són: Toni Amengual, Dani Cardona, Víctor Moragues, Bartomeu Sastre, Evaristo Torres, Bàrbara Vidal, José Juan Gonzálvez o Isabel Santandreu (Valldemossa, 1976). Per concloure aquest epígraf també sembla necessari esmentar la labor de tres publicacions independents que amb els seus continguts han difós, no només les propostes d’art emergent de la nostra comunitat si no també aquells desenvolupaments artístics que difícilment haguessin tingut ressò en la premsa escrita de les nostres illes, parlem de les revistes Youthing –dirigida pels germans Quetglas–, DP progressive urban culture –que té per editor a Gori Vicens– i Casatomada –l’artífex fonamental del qual va ser Horaci Alba–. 9. Algunes exposicions col·lectives a manera d’exemple. Durant aquesta primera dècada del segle XXI i sense la possibilitat, ni l’ànim, de ser exhaustius, hem seleccionat tres exposicions col·lectives que, per diferents motius, poden ajudar a arrodonir aquesta perspectiva de l’art emergent balear. Per això ens hem centrat en una curiosa terna de propostes realitzades gairebé a meitat de la dècada –entre 2004 i 2005– perquè ens ajudin a configurar una perspectiva més global del que ha estat l’art contemporani en la nostra comunitat. Dins de les jornades “Palma ciutat del món” organitzades per l’Ajuntament de Palma a l’octubre de 2004, es va presentar una mostra col·lectiva titulada “Mestizos” comissariada pel qual això subscriu i que tenia la intenció de mostrar les visions de diferents artistes sobre l’evident metamorfosi que està experimentant la moderna noció de ciutat, fent especial recalcament en les noves relacions que se susciten entre els seus habitants, els ciutadans, on els importants fluxos migratoris a nivell mundial, el cada vegada més freqüent contacte entre les diverses cultures i l’efecte globalitzador dels nous mitjans de comunicació i difusió, van provocant una redefinició, veloç i contínua, de tot aquest entramat de (des) connexions humanes. Els artistes seleccionats van ser Antonio Camba (Sant Sebastià, 1961), Cecilia Segura, Marcelo Víquez, Marcos Vidal, Marta Juan (Palma, 1980) i Ferran El Otro (Barcelona, 1980), Mitos Colom, Diego Dintino, Oswaldo Fernández (Bogotà, Colòmbia, 1962), Pastora Muncunill (Barcelona, 1975), Pedro Vidal, Pepi Hervás, Ramón Company, Sonia Ibáñez (Moncofa, Castelló, 1974), Susana Muñiz i Xim Izquierdo (Palma, 1975), uns creadors que, valentse de tècniques que anaven des de la videocreació a la pintura, passant per la fotografia, la instal·lació o l’escultura, van conformar un conjunt de peces on prevalia, per sobre de qualsevol altra cosa, el missatge. Poc després, al desembre del mateix any, va tenir lloc en el Centre Cultural Asbaek d’Andratx la completa exposició “Somnis i malsons” comissariada per Pilar Ribal. Una mostra que ens va permetre apreciar el macabre i refinat esteticisme de Ricard Chiang, el “brico-art” kitsch i irònic de Marcos Vidal, el sarcàstic surrealisme de Víquez, els ensomnis cinèfils de Marta Blasco, l’excitant sensualitat esportiva de Pedro Vidal, la simbiosi entre l’oníric i el quotidià de Carles Gispert, les suggestives metamorfosis de Julia García, el joc evocadorament pop de Tatiana Sarasa, o les inquietants i subtils creacions d’Amparo Sard; un món de somnis, desitjos i algun malson que acabava de completar-se amb les peces de Yolanda Adrover, Xisco Bonnín, Antonio Camba, Jesús Cánovas, Ramon Company, Paco Espinosa, Mercedes Estarellas, Pep Guerrero, Bàrbara Juan, Marian F. Moratinos, Susana Muñiz, Marga Nicolau, Blanca Pérez-Portabella, Fabián Schalekamp, José Tobal i María Isabel Uribe. Ja el 2005 es va celebrar la col·lectiva titulada “Bombeo de amor”, una exposició que, a part de la característica evident d’aglutinar de nou a alguns dels principals representants de l’emergència balear, se li unia l’interès de ser un projecte que va transcendir les fronteres i es va exhibir a Amsterdam, concretament en el W.G. Kunst Expozaal. Una mostra que tenia el seu origen el 2003 i que, després d’un parell d’escales illenques, va completar el seu desenvolupament a la capital holandesa, una ciutat ideal per compartir un projecte d’arts plàstiques on l’amor, els seus fluxos i els seus derivats, essencials o desnaturalitzats, eren els protagonistes. Els amants estimats, artistes implicats, eren un grup de qualitat, heterogeni i potent: Marcos Vidal i la seva màquina de passar targetes de crèdit que, literalment, fa l’amor amb una Barbie; els metafòrics cinc tipus d’abraçades de Susana Muñiz, perquè l’amor no és només un; les passions, bogeries i desmesures de l’amor, vists per un esteta anomenat Juan Gavilán que contínuament corre a la recerca de la bellesa; l’essència de l’amor, endodèrmic i abstracte, que aflora del cor de Julia García; la no tan poderosa Afrodita de Mercedes Estarellas, que lluita, dubta, gaudeix i es consumeix sota la flama de l’amor; Xisco Bonnín i els seus paisatges fotogràfics postmoderns, reflex de l’ofici més vell del món i, finalment, les pintures d’exquisida tècnica de Marta Blasco i els seus amors de pel·lícula. Tot obres ben plantejades, formal i conceptualment, que assumeixen la idea germinal i la desenvolupen d’una manera més que correcta, mentre donen una oportuna expressió de l’art més jove i modern que, per aquells llavors, s’estava realitzant a Balears. 10. …I per fi “Art emergent (IV)”. Amb aquest bagatge cada vegada més extens arribem a 2010 i a aquesta quarta cita d'“Art emergent” en la qual, per descomptat, no és una casualitat que 19 gairebé tots els creadors triats hagin comparegut en moltes de les propostes que hem anat desgranant en els epígrafs anteriors, unes notes prèvies que s’han fet amb la intenció d’agafar certa perspectiva sobre els últims deu anys d’art emergent balear i que serveixen de context per a la selecció d’artistes que ens ocupa. Una decisió, escollir aquests deu creadors, que sempre es converteix en una tasca complexa i incompleta, sobre tot si els que tenen possibilitats són tants com concorren a les nostres illes. Per atenuar aquesta sensació d’inseguretat el millor és no perdre de vista la senzillesa amb la qual s’ha plantejat el present projecte: deixar testimoni d’algunes de les noves aportacions de qualitat a la plàstica de la nostra comunitat, deu mirades més –que ja sumen quaranta– dins de la infinita multiplicitat que caracteritza l’emergència de la plàstica actual. Un conjunt heterogeni d’artistes que van aportant la seva contribució personal i intransferible a aquest magma insondable que és la creació contemporània gràcies a una obra solvent i contrastada, on trajectòries consolidades i artistes joves compareixen en el si d’un elenc suggeridor i variat, com també ho és, precisament, l’art més recent. Els participants en aquesta convocatòria, Yolanda Adrover, Paz Alcoverro, Joan Cabrer, Julia García, Lourdes Grivé, Miquel Mesquida, Jaume Simó Sabater, José Ángel Sintes, María Isabel Uribe i Marcos Vidal, han seguit, com no podia ser d’una altra manera, uns itineraris molt personals, amb unes propostes completament diferents i amb uns conceptes absolutament diversos, però unintlos a tots una accentuada preocupació per les formes i els continguts de la plàstica actual, una matèria de treball, un objecte de consideració i una font d’anàlisi, que és el veritable motiu de la present proposta i, per extensió, del text que l’acompanya. UN DECÀLEG (QUALSEVOL) PER A UN ART EMERGENT (SINGULAR) Per a un crític d’art, de vegades historiador, no hi ha gens més interessant que tenir l’oportunitat de reflexionar sobre cert contingut després d’haver fet una mica d’història. A manera de decàleg –com no– introduirem deu qüestions d’entre les infinites dialèctiques que freqüenten l’art contemporani actual, sostenint-nos en la estimable investigació que cadascun dels artistes 17 20 d’aquest “Art emergent IV” ha emprès. Deu qüestions, deu, que s’uneixen als innombrables debats que donen contingut a la plàstica dels nostres dies i que tan sols ens serviran per proporcionar una visió incompleta, fins i tot esbiaixada, de tot el que està ocorrent en l’art d’ara, perquè l’inabastable, òbviament, només es pot explicar de manera parcial. Deu motius per a la reflexió en el si d’una plàstica contemporània peculiar, insondable, mentre ens anem basant, recolzant i creixent al costat de les singulars i sòlides peces de la desena d’artistes que han estat seleccionats per aquest “Art emergent (IV)”. 1. Verges, putes, mares i filles (per a un art sense gènere per favor). Yolanda Adrover. Endinsant-se en aqueix territori íntim on se succeeix la batalla del dia a dia i es desenvolupa la vertadera identitat, Yolanda Adrover incorpora el seu discurs artístic al d’una genealogia de creadores que han fet de la casa i els rols socials el centre de llur reflexió.17 Sempre he estat enemic dels tòpics però sóc conscient que el ritme frenètic dels temps, alienant i desesperant, precisa una determinada dosi de generalitzacions perquè la nostra complexa i desquiciada contemporaneïtat sigui una mica més suportable. En un món on el més senzill pot arribar a complicar-se fins a l’absurd, ens veiem obligats a recórrer, més del que desitjaríem, a certes convencions reductores i empobridores que, per descomptat, aconsegueixen simplificar les nostres vides a canvi d’anar perdent pel camí gairebé tots els conceptes que poguessin resultar interessants. D’aquí al buit absolut amb prou feines hi ha un pas. Lluitar contra aquestes generalitzacions, contra aquestes convencions, contra aquests tòpics, i contra els abusos, les desigualtats i les estupideses que provoquen, se sol convertir en una tasca titànica i moltes vegades estèril. L’ésser humà s’asseu sobre ells còmodament, dipositant tot el seu pes, mentre li fan la vida molt més relaxada, li eviten pensar, interrogarse, dubtar, però també créixer, moure’s i avançar. Som més epidèrmics que profunds i és per aquest motiu pel qual sovint ens conformem amb l’exterior, amb el simple, mentre anem confonent, per a la nostra pròpia desgràcia, moltes de les formes i gran part dels continguts. Pilar Ribal, “Yolanda Adrover: una secreta rebel·lia” text recollit al catàleg de l’exposició Batecs. Yolanda Adrover, Addaya Centre d’Art Contemporani, Alaró, 2008, p. 3. No crec en l’art de gènere ni en el gènere en l’art. Crec en les idees, en els seus desenvolupaments i en les seves maneres. Parlar de gènere al món de l’art pot ser un error i parlar d’art de gènere un error complet. En realitat tot s’explica millor a través de certes sensibilitats comunes, d’algunes voluntats concurrents, de les idees que es desenvolupen, de les formes i de les maneres que es freqüenten, de les vides, de les formacions, de les inquietuds, dels desitjos i de les expectatives que es generen i que, en ocasions, també es cobreixen; tots ells són arguments per intentar entendre qualsevol plantejament bastant més fiables que el sexe de la persona que crea la peça, encara que ho relacionem amb les formes que practica i els temes concrets que tracta. Sovint, referint-se a l’obra de Yolanda Adrover, he vist confondre el seu gènere amb el seu art. En Adrover, l’odi i l’amor, el dolor i el plaer, la solitud i la convivència, se succeeixen en un singular cicle catàrtic on l’art es constitueix en l’element guaridor dels mals socials i personals que l’artista detecta, el contrapès que sana la seva ànima i situa el fidel de la balança en una posició equilibrada, encarregant-se, també, de mostrar els camins perquè la nostra societat es desenvolupi d’una manera més correcta, més ètica, més civilitzada. Una recerca d’aquest equilibri que és aconseguit a força de produir, en un incontenible alleujament i desallotjament de pors, tabús, errors, encerts, desitjos i complexos, un art on la convivència pot ser un camp de batalla, on la societat és un lloc de conflicte i on el sexe apareix, de vegades, com una lluita caníbal. Unes peces en les quals la figura de la dona reflecteix tota aquesta infravaloració social que ha patit i l’home manifesta tota la seva meravellosa prepotència, mentre l’artista, amb la rebel·lia necessària, denuncia tants i tants anys de menyspreu gràcies a unes obres que superen, amb solvència, el complicat envit plantejat. Un menyscapte que en l’àmbit de la creació plàstica no només queda patent per l’evident falta de dones artistes que s’han recollit en els llibres d’història de l’art, sino també pel monopoli que, fins a fa uns anys, tenia l’home sobre la seva representació, sobre la iconografia de les dones que s’estandarditzava i transcendia com a expressió dels rols que havien d’assumir. Fent una generalització deliberadament falsa i maliciosa: verges, putes, mares i filles, conformaven els quatre patrons bàsics en els quals la imatge femenina es desenvolupava, heroïnes molt poques, lluitadores algunes i millors que els homes cap. Al marge de les pioneres avantguardistes i de l’extraordinària, polifacètica i incommensurable Louise Bourgeois, potser va ser la nova fotografia la primera a habilitar un mitjà democràtic per posar les coses en el seu lloc; Dora Maar, Cindy Shermann o Francesca Woodman, moltes vegades utilitzant-se a elles mateixes com a models, van començar a aconseguir que els rols de les dones comencessin a modificar-se, precisament, a partir de les seves pròpies i prèvies representacions. Primer va venir la imatge, la idea, després va arribar el canvi. Yolanda Adrover, no obstant això, no es limita tan sols a un mitjà com la fotografia si no que empra sense complexos tots els que té al seu abast amb un mestratge que, sens dubte, diferencia la seva obra. Els seus sacs de boxa confeccionats amb retalls i combinats amb uns peculiars guants de rentar plats que serveixen per copejar-los, aquests ovals brodats que encimbellen als altars aquella imatgeria que representa a l’home i a la dona encara amb un atrezzo desigual, o els seus fins dibuixos plens d’ironia, deixen al descobert una trista realitat –que ho segueix sent– gràcies a un encertat desenvolupament conceptual i una estètica exquisida que connecta les seves belles i desassossegants metàfores amb tota aquesta elaborada poesia de la vida quotidiana que, d’una manera afortunada, caracteritza gran part de la seva obra. 2. L’ordinador és Déu (i Internet el seu profeta). Paz Alcoverro. Perduda la seva individualitat i el seu propi suport físic, la imatge, multiplicada fins a l’infinit, flota en l’èter de la iconosfera contemporània, el ciberespai que conforma Internet, els disc durs dels ordinadors, les targetes de memòria i en la nostra pròpia ment modelada per una cultura eminentment visual.18 Dins de les noves espècies del singular ecosistema de les plàstiques, crida poderosament l’atenció l’acaparadora majoria d’artistes multimèdia que compareixen 18 Pau Waelder, “Ineluctable modalitat del visible”, text recollit al catàleg de l’exposició Premi Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” d’Arts Visuals 2008, Casal Solleric, Ajuntament de Palma, Palma, 2009, p. 14. 21 abstrets davant de la pantalla de l’ordinador que tot ho pot i al que, sense objeccions, confien gran part de les seves il·lusions en un curiós dipòsit d’anhels que no hauria de resultar intranscendent. Aquesta convicció gairebé religiosa sol servir d’ajuda, i acte de fe, mentre l’imparable huracà tecnològic que omple d’oportunitats la creació plàstica s’encarrega de satisfer gairebé tots els nostres desitjos, encegantnos amb les seves increïbles capacitats i confonent, la part de l’obra que pertany a la destresa personal de l’artista, amb la que deriva de la mateixa potència que el mitjà emana. Per això l’art actual es converteix en superflu quan es posa al servei de la tècnica, assumint les coordenades que el mitjà li dicta i reduint les seves formes i els seus continguts als propis de la tecnologia emprada, alhora que el creador va desmantellant la seva autoria, deixant-se seduir còmodament per l’indubtable atractiu d’aquestes noves possibilitats. La infrastructura tecnològica de l’art s’aprofita d’aquests incautes i els ven el seu producte, assegurant-los que, en aquesta espiral de omnipotència tecnològica, tot està a l’abast de la seva mà, convencent-los amb el superficial i evitant que coneguin la seva veritable essència. Una explicació de la creació actual que s’estén a tota una societat en la qual els éssers humans, sense amb prou feines adonar-nos-en, compareixem totalment desbordats, alienats i en un estat d’absoluta esquizofrènia. En el si d’aquest esgotador excés digital que, com hem assenyalat, no és exclusiu d’artistes, destaca el poder i la summa facilitat amb la qual qualsevol, i des de qualsevol lloc, pot accedir a Internet, la immediatesa de les seves transmissions, la gran capacitat de les seves possibilitats i la hiperabundància d’uns continguts que, gairebé sempre, compareixen com a milions d’imatges a tan sols un clic de distància. Una desmesura que satura sense compassió les nostres retines i gran part del nostre cervell, aconseguint, no només els efectes positius, comunicatius i evidents que li són propis, sinó també tot un catàleg de llastos, degeneracions i redundàncies, que acaba viciant la nostra sensibilitat i el nostre enteniment fins a tal punt que ens impedeix percebre les coses, fins i tot el més senzill, amb absoluta nitidesa. La xarxa, per descomptat, és un 22 canal d’informació essencial però pot resultar també una anestèsia adormidera de consciències: de tot una mica, de res molt i de molt mal. Des del principi de la seva activitat artística, Paz Alcoverro, va pressentir els enormes riscos que s’anaven creant rere la fúria desmesurada de la tempesta d’imatges i informació que s’estava generant i que, de manera imminent, se’ns venia damunt. Com a resguard va decidir interposar la seva càmera entre ella i la marabunta, no només com a parapet físic – que també– si no com un sofisticat processador que anava seleccionant-li el transcendent i apropant-li el que, en principi, pogués resultar-li incomprensible o perillós. L’ull i la intuïció de l’artista feia la resta. Les seves fotografies es constitueixen des de llavors en una curiosa barreja d’idees, de punxant i pertorbador contingut, que es manifesten com una evident expressió dels temps en els que vivim. Unes enigmàtiques composicions que, al marge del concepte, no obvien l’estètica de la qual es nodreixen: aquest insondable banc d’imatges universal que contínuament està creixent al nostre cibernètic món, un catàleg infinit que els avanços tècnics en forma de captació, reproducció i transmissió d’imatges està generant. Tot un mostrari visual del que existeix i, fins i tot, del que no existeix. Efectivament, Alcoverro proveeix les seves obres d’imatges preexistents, fotos de notícies periodístiques, escenes robades de pel·lícules, programes de televisió, arquitectures, gent, animals, objectes, casualitats. La creadora s’encarrega de confrontar totes aquestes visions en un joc de diferents i d’iguals, perquè la imatge, sotmesa per l’artista al contacte amb altres imatges, vagi mutant, mantenint o reforçant els seus continguts, una curiosa metàfora a l’empara d’aquesta miscel·lània visual i global. Les peces seleccionades per aquest “Art emergent” pertanyen a dues sèries ben diferenciades encara que amb nexes evidents: la primera, “Stealing news”, anticipa el seu interès per l’apropiació i la recontextualizació d’imatges generant nous significats per contacte i ubicació, en aquest cas, en l’àmbit de la notícia periodística; la segona, “384 kbps”, es fica de ple en la reflexió sobre la inabastable multiplicitat d’Internet, conformant unes imatges compostes, ambigües, poderoses, que neixen des de l’asèpsia d’un fons neutre i que es consoliden com una representació de la realitat, per que en una premonició tan sols a l’abast dels visionaris més privilegiats, el nostre món cada vegada s’assembla més a aquestes fotos d’Alcoverro. 3. La pintura sempre resisteix (una altra vegada). Joan Cabrer. La seva obra m’inquieta. Veig xarxes, cordes, embolics, caseres, horitzons, connectors, algues, bombolles, cèl·lules, motlles i tubs i punxes… Un llenguatge propi, carregat d’ironia, que s’entremescla dialogant en abstracte.19 Mentre la creació plàstica contemporània recorre els innombrables i necessaris camins de la performance, la interactivitat, la instal·lació, el digital, el vídeo, la llum o el sonor, sempre hi ha una via paral·lela, tangencial, fins i tot convergent, que freqüenta la pintura d’una manera plenament contemporània. La pintura muta i s’adapta però, per molt que es digui, mai mor. Ara es reinventa per enèsima vegada –i les que li queda– i d’aquesta regeneració participa, mitjançant la seva obra, Joan Cabrer. Així és, en una època en la qual parlar d’abstraccions i de figuracions resulta cada vegada més difícil –gràcies a que la imatge, monarca insuperable de qualsevol forma de comunicació, ha iniciat una deriva en la qual les referències objectives van perdent la seva materialitat– millor que d’abstracció hem de parlar de noves realitats. Una “alteritat” que ens situa, sense adonar-nos-en, en aquells àmbits que l’home contemporani transita amb una normalitat que fa tan sols uns anys seria completament impensable: l’endogen, el cel·lular, el cibernètic, les entranyes de la màquina, els circuits, els xips, els espais virtuals, el cosmos, la galàxia, la molècula, han passat d’inspirar, des de la incertesa, ficcions i ciències, per crear un entorn cert on les dimensions, el temps, les formes, la llum i els seus colors, es relacionen de manera bastant diferent a tot el que fins ara coneixíem. L’home gaudeix d’una nova visió i aquesta possibilitat es trasllueixen en els propis motius de l’art. És veritat que en aquests temps no és necessari que l’obra artística respongui sempre a criteris d’excel·lència tècnica, però sí resulta imprescindible conèixer i controlar un llenguatge per poder deconstruir-lo. Cap analfabet musical deu de permetre’s el luxe de tocar ni tan sols una tecla d’un piano i dir que fa, sense més, música minimalista, pel mateix motiu cap artista plàstic pot desmuntar el que mai va saber construir i, menys encara, intentar defensar-ho com si d’una profunda investigació es tractés. El camí cap a les noves realitats –i ja no parlem només de pintura– pot confondre sobre determinades qualitats ja que la capacitat de donar forma, des d’aquesta altra certesa, pot estar en mans del creador més sensible o ser l’últim recurs de l’incapaç més absolut. El problema d’aquestes noves maneres que inunden la plàstica contemporània des de la realitat recent, és que la senzillesa de la seva factura, de les seves formes, pot evitar que els seus continguts s’assimilin i s’expressin correctament. No és el cas de Cabrer que, des de l’estètica afortunada de les seves pintures a força d’una tècnica més que solvent, recull els conceptes oportuns en un descriptiu i ajustat retrat de la contemporaneïtat, però també dels seus gustos personals i dels seus interessos més íntims. Seguint una tradició evident que connecta amb aquelles idees que freqüenten José Manuel Broto, Luis Gordillo, Juan Uslé o, fins i tot, Juan Navarro Baldeweg, les peces de Cabrer doten de nocturnitat, joventut i traïdoria un espectre de la creació que, al contrari del que pogués semblar, de moment no s’esgota. L’ésser humà actual, com dèiem, ha canviat la visualitat i els mitjans de la seva observació, els telescopis cada vegada són més potents, els microscopis més nítids, fem tomografies axials computeritzades, ressonàncies, radiografies i ecografies tridimensionals del nostre interior, la percepció del que ens envolta ha canviat definitivament i, on abans vèiem una taula de fusta, ara distingim una amalgama molecular. Joan Cabrer agafa totes aquestes noves percepcions que, per la seva joventut, són les úniques que ha conegut, i els uneix al manga japonès, la simbologia informàtica i tantes altres coses de les quals, amb habilitat, extreu les seves formes però també els seus continguts, donant una oportuna expressió de tots els elements i 19 Maria Antònia Artigues, “Joan Cabrer”, text recollit al desplegable de l’exposició “…en projecte (XII)”, Torre de ses Puntes, Ajuntament de Manacor, Manacor, 2007. 23 de tots els conceptes que van component el seu art, un art plenament contemporani que, de nou, torna a ser pintura. 4. A la recerca del senzill (de tornada a casa). Julia García. I és que Julia García, potser sense que ella –per la seva modèstia– sigui conscient, es permet un luxe a l’abast de pocs creadors: incorporar una nova definició d’art al lèxic de les plàstiques, un art saurí que, recorrent al pròxim, al quotidià i al senzill, transcendeix l’evident per a narrar-nos el qui hi ha més enllà, el que se amaga sota l’epidermis, amb la subtil i simple poesia de qui és capaç de veure l’invisible, comprendre’l, enriquir-lo i explicar-lo.20 De vegades pot ser un llapis, un paper, la pintura o una simple fotografia, la forma més adequada per transmetre la puresa i la senzillesa del que és veritablement important. Julia García és totalment conscient d’això i des de sempre s’ha valgut de la simplicitat dels mitjans que empra, del dibuix quotidià, de la línia sense barroquismes innecessaris, de la pintura sense distància, del color sense sofisticacions, de la fotografia elemental i de l’exquisida senzillesa i calidesa dels seus materials, per comunicar de la manera més precisa possible les seves pròpies emocions, el que escolta, el que pensa, el que llegeix, el que sent, el que mira, el que diu. Les seves obres parlen sobre coses estranyament normals, properes, sobre rutines tranquil·litzadores, inquietants des del costum, anodines fins al grat, que troba sense esforç en el seu entorn més immediat, en el seu àmbit familiar. La maternitat, el que li és propi, els seus, les ferides de la convivència, la transcendència del quotidià, les creences, els sentiments, però també l’orgànic, l’endogen, el biològic, l’interior; tots ells subjectes d’un llenguatge en permanent evolució que s’enriqueix a mesura que avança, un abecedari que la seva semàntica es pot obtenir amb cada element, unint les lletres, formant paraules, creant frases, una escriptura que es mou en aquesta frontera que freqüentem diàriament –i que acaba definint-nos– entre el que ens fascina i el que ens repel·leix. 20 24 Crec que determinats artistes, i Julia García és una d’ells, han detectat a la perfecció aquest procés d’alienació fruit d’una globalització que ens porta a la desmesura, i la seva reacció, convenient i encertada, ha estat en forma de tornada al més íntim, a la nostra família, a la nostra casa, a la nostra ciutat, a les nostres coses i a nosaltres mateixos com a temes i objectes fonamentals de l’expressió artística, com allò al que solem tornar per buscar la calma, mentre que amb les seves creacions van contrarestant la labor d’aquests altres artistes que, en més ocasions de les desitjables, recorren a rebuscats amaneraments, a complexes formes i a exòtics ambients i continguts, per tractar d’expressar les seves idees o la seva estètica. Efectivament, un error molt habitual en la plàstica contemporània és pretendre obtenir determinades qualitats a partir del llunyà, de l’exòtic, del complex o de l’excessivament especialitzat, en un esnobisme sense fi que no es preocupa per atendre ni per recollir els valors veritablement importants, una fórmula que, en la majoria d’oportunitats, no només no aconsegueix el seu objectiu de remarcar la pretesa intel·lectualitat de l’obra o l’anhelada originalitat de les peces, si no que sol provocar un efecte de rebot, mentre s’interposen – de vegades de manera deliberada i unes altres de forma inconscient– murs insalvables entre les creacions i l’espectador. Per contra, Julia García, sempre ha freqüentat el camí invers, recorrent al que ens és proper, percebent la poesia del quotidià i situant el seu peculiar prisma sobretot el que ens fa sentir coses interessants partint de la proximitat; una artista que elabora els seus projectes amb el mestratge d’una depurada poetessa i amb la senzillesa del que és capaç d’assimilar l’essencial de les coses. A partir de conceptes en principi unívocs la creadora va cosint les seves idees, desenvolupant els seus termes i obrint noves perspectives: propostes com “El hombre pulmón” o “Claros del bosque”, inspirada en la lectura atenta de María Zambrano, brollen de nocions bàsiques i són completades amb aquesta poesia subtil, plena de metàfores i racons, que s’encarrega de convertir-les en múltiples idees i, sobretot, estimulants emocions. En les seves peces l’humà –l’individual i fins i tot l’endogen–, el domèstic –la llar, la casa, la família– i Gómezdelacuesta, “Art saurí”, text recollit al catàleg de l’exposició Julia García. El hombre pulmón, Galeria Ferran Cano, Palma, 2006. el natural –com a ecosistema revelador i integrador del ser– es donen cita conformant un peculiar bosc animat, amb ànima, amb ànimes, en el qual es reivindiquen singulars simbiosis i s’expressen alguns dels plets de l’home amb ell mateix, amb els que l’envolten i amb el mitjà en el qual es desenvolupa. 5. Som el que mamem (la tradició i el nou). Lourdes Grivé. Eivissa és per antonomàsia el país de l’arquitectura sense arquitecte. Les cases que hi construeixen els pagesos són d’un estil tan pur i d’una expressió tan harmoniosa, que poden sostenir perfectament la comparació amb les obres reflexives i calculades de l’arquitectura moderna. Així que fugiu de la ciutat i us endinseu en l’illa, aneu de sorpresa en sorpresa: per tot la mateixa perfecció plàstica, per tot la noblesa de formes de les cases.21 Som el que mamem, el que ens va envoltar sent nens, els éssers amb qui ens relacionem, amb qui vam créixer, aquells als quals odiem i tots dels que ens van enamorar. Som el que ens van ensenyar i el que ens van inculcar, el que vam veure, vivim, sentim i intuïm, també, per descomptat, el que imaginem. Som perquè vam ser i vam ser en funció d’on i amb qui estàvem. Una interminable cadena de causalitats, casualitats i afectes que van configurant els valors que regiran la resta de la nostra vida: jo sóc jo, les meves circumstàncies i els meus gens que en certa mesura també són part de les meves circumstàncies. Un mapa humà individual, personal i completament intransferible. Aquest entorn comença en la nostra infància més tendra, condicionant i estimulant, alhora que es constitueix com la primera assimilació, la que més ens influeix i contra la qual, en algunes ocasions, més violentament reaccionem. Ni el tipus més desarrelat del món pot desprendre’s de la bona o la mala llet que va mamar i, d’una manera o d’una altra, aquest ecosistema que va nodrir els seus inicis es constituirà a la base, bé per acció bé per reacció, del que vindrà després. En l’art, com en la vida mateixa, els començaments són fonamentals, el que absorbeixes al principi, el que coneixes primer, sol deixar una petjada més profunda, un afecte més sòlid i, de vegades, un rebuig més visceral. 21 L’illa d’Eivissa sempre ha estat un lloc singular que posseeix aquest halo especial i únic que atreu, de manera irresistible, la sensibilitat dels artistes. Des que alguns pioners de les avantguardes històriques, com Walter Benjamin o Raoul Hausmann, la descobrissin i descrivissin com un entorn ideal per a la seva inspiració, s’ha mantingut durant tot el segle XX com un dels paradisos europeus de la creació artística. Will Faber, Eduard Micus, el Grup Eivissa 59, amb exponents tan interessants com Erwin Broner, Bechtold o Hans Laabs, i artistes pitiüsos de cert reconeixement internacional i immensa vàlua com Vicent Calbet, Toni Cardona, Portmany o Rafael Tur Costa, van configurar un panorama creatiu d’inqüestionable atractiu. Aquesta tradició artística, caracteritzada per una extraordinària sensibilitat cap a la poesia de l’abstracte, té la seva continuació en l’obra dels propis Tur Costa o Erwin Bechtold, així com en la d’Irriguible, Carles Guasch, Enric Riera, Cis Lenaerts, Michel Buades o Gilbert Herreyns i, en certa manera, en aquest gust per la geometria, per l’abstracció, per la línia delicada de traç subtil, pel blanc, que recullen les fotografies sobre arquitectura de Lourdes Grivé. Precisament una de les peculiaritats que va fer d’Eivissa una destinació tan desitjable per a artistes i intel·lectuals va ser la seva singular arquitectura rural, unes cases basades en l’enginy local i que anticipaven, gràcies a una premonitòria intuïció, algunes de les premisses més destacades les quals després van ser enunciades pels més importants representants de l’arquitectura moderna. Uns habitatges que es desenvolupaven a partir d’estructures modulars que tendien al cub i que dotaven a aquesta construcció d’una plasticitat, organicitat i practicitat que va provocar que arquitectes racionalistes com Le Courbusier o Erwin Broner la fixessin com a objecte del seu estudi. La casa tradicional eivissenca compta amb una sèrie de característiques que la singularitzen, convertint-la en una construcció extraordinàriament interessant: són cases funcionals, tot en elles està pensat conforme a l’ús que ha de tenir i amb l’objectiu de que aquesta funció es realitzi de la manera més eficaç possible, són habitatges orgànics, vius, que posseeixen un desenvolupament modular en virtut de les necessitats dels seus habitants, creixent Raoul Hausmann, “Eivissa i l’arquitectura sense arquitecte”, article de la revista D’Ací i d’Allà, Núm. 148, Barcelona, 1936. 25 amb ells mitjançant successius volums cúbics, són un espai amb cert caràcter defensiu, la qual cosa provoca la seva escassetat d’obertures i un cert component introvertit en la seva arquitectura i, finalment, són cases blanques com la calç, la sal i la llum d’Eivissa. Tot això podria haver estat motiu suficient perquè Lourdes Grivé hagués agafat l’arquitectura eivissenca com a objecte de la seva creació, encara que, d’una forma merament epidèrmica, només fora per la fotogènia de la seva geometria, dels seus colors, de les seves llums i de les seves ombres. Però l’obra de la fotògrafa Lourdes Grivé, les imatges de la qual són expressió del que ha viscut i, per descomptat, del que ella mateixa ha aportat, centra el seu objecte d’anàlisi, de reflexió, en aquesta arquitectura, emprenent dues vies de treball que, evidentment, són més depurades que una simple aproximació formal. Un parell de camins que, sent independents, porten causa l’un de l’altre: la primera d’aquestes línies freqüenta la ruïna com a record d’aquelles construccions rurals senzillament esplendoroses que va albergar l’illa i de les quals, per desgràcia de tots, cada vegada queden menys exemplars intactes, una forma d’investigació que no es redueix tan sols al formal, ni tan sols a l’antropològic o costumista, si no que transcendeix la materialitat per imbricar-se en l’espiritual, en el vestigi metafísic. Partint d’aquesta anàlisi, però iniciant la segona via, Grivé, desenvolupa una altra recerca no menys interessant, aquesta vegada, amb l’arquitectura contemporània com a subjecte, mentre intenta oferirnos, no només l’oportuna expressió del que s’està fent a la illa, sinó també l’evident petjada d’aquesta tradició constructiva i conceptual tan sucosa que els eivissencs porten segles gaudint. Així, d’aquesta manera, a l’extraordinària herència de l’arquitectura popular i a la perceptible petjada de famosos arquitectes moderns com Josep Lluís Sert o Erwin Broner al seu pas per Eivissa, se li uneixen, en un potent desenvolupament on es fon la tradició amb el nou, les peces de reconeguts i joves arquitectes actuals com són Francesc Xavier Pallejà, Salvador Roig, Marc Tur, Oriol Batchellí, Victor Rahola, Martínez Lapeña o Elías Torres, mentre Lourdes Grivé va deixant, de tot això, un exquisit testimoniatge i una profunda reflexió. 26 6. Un antropocentrisme recent i (per descomptat) ple de dubtes. Miquel Mesquida. El pintor, atrevit, agosarat, enfollit de desig, borratxo d’utopia, arrisca el seny i la mateixa vida per tornar al paradís perdut de l’autenticitat. A cops d’impuls i de matèria prima, salvatge, plasma la veritat de l’home (tot tatuant-li a la pell el sexe fet serpent i al cap –a tots els caps!– una taca de sang).22 Cada vegada són més els artistes contemporanis que intenten refugiar-se en l’objecte i en el subjecte per tractar de recuperar algunes de les múltiples referències que amb l’esdevenir del temps havien anat perdent. Un retorn a un art figuratiu i expressiu amb el que molts creadors semblen aferrar-se a la realitat més càrnica i a la més objectual –la més emocional i la més propera– d’entre totes les múltiples veritats que ens emboliquen, evitant així abandonar-se a il·lusions metafísiques, exercicis merament estètics, especulacions cibernètiques o a abstraccions completament buides de contingut que, en ocasions, tendeixen a desconcertar-los. Durant aquests llargs anys en què l’abstracte, el conceptual i el digital han marcat de manera indeleble el ritme de la història de l’art recent –en moltes oportunitats per a millor– també es van esprémer fins a la nàusea les formes i les maneres que aquells genuïns pioners –i els seus continuadors més sagaços– havien anat desenvolupant; un ús reiteratiu i abusiu que aconsegueix desmantellar gairebé tots els continguts d’unes propostes que han anat degenerant en certes malformacions cadavèriques i sense essència que, encara avui, continuen intentant convèncer-nos amb la seva falsa bondat. Sempre va haver-hi algun element reactiu a aquestes dominacions de la desobjetivització, desmaterialització, deshumanització, despersonalització, despinturització de l’art, autèntics resistents de la mal anomenada figuració com Francis Bacon que, des de la seva claustrofòbica habitació plena de violències, pors, egos i crits estripats, es va mantenir fidel a una realitat que distorsionava diabòlicament amb mà mestra. 22 Jaume Santandreu, “Miquel Mesquida. Assalt a l’Edén”, text recollit al desplegable de l’exposició “…en projecte (XII)”, Torre de ses Puntes, Ajuntament de Manacor, Manacor, 2007. Miquel Barceló, Anselm Kiefer i molts d’altres, han mantingut l’estendard d’aquestes noves formes d’expressar la figura humana i l’objecte, alhora que han anat conquistant l’espai que anaven cedint unes abstraccions que, al marge d’algunes aportacions conegudes i interessants, cada vegada compareixien més buides i amanerades. Aquestes vies recuperades de les avantguardes històriques se centren en la representació de l’humà i de tot el que ens envolta, un antropocentrisme ple de dubtes, que manifesta formalment la seva inclinació per qualsevol recurs de força expressiva –sigui matèria, gest, color o línia– i dels quals el creador es val en un intent decididament comunicador. Una sement expressionista i real que ha germinat en molts artistes actuals, convertits, ara, en els garants de que aquest camí no es desabasteixi de continguts i de que es vagin trobant nous itineraris que alimentin els desenvolupaments més recents. Com a bon defensor de l’art sincer, sense embuts ni mitges tintes, les de Miquel Mesquida són unes imatges vigoroses que es constitueixen en la màxima expressió del que vol explicar i dels seus propis sentiments. Unes peces que recullen aquest imaginari que, a poc a poc, ha anat construint, un món peculiar que germina atrapant instants de la rutina diària o configurant escenes d’aquests llocs completament diferents, absolutament nous, que ell imagina, visiona, preveu, un vocabulari personal de l’artista, però també una afortunada manifestació de la nostra sintaxi col·lectiva, fascinant per la seva quotidianitat i, en un estrany contrasentit, per la seva beneïda irrealitat. Una singularitat que li confereix la seva òptica especial i els mitjans concrets que empra, accessibles, manejables, propers. Dibuixos de línies privilegiades però insuficients per contenir els seus impetuosos colors, les seves textures, els seus degotejos, els seus gestos i uns afegits en forma de collage que reforcen la sensació d’inacabat i que li confereixen aquest caràcter proper, de vegades desitjable unes altres no tant, que caracteritza gran part de la seva producció. Uns éssers eteris i uns objectes peculiars que es desenvolupen en ambients estranys o quotidians, unes pintures que assenyalen el seu paradís mundà, unes escultures que ens acompanyen en el descens als celestials inferns, un art irredempt, humà i dubitatiu, que compareix llest per al combat i, per descomptat, per a la contemplació. 7. La (des)ubicació de l’objecte artístic. Jaume Simó Sabater. Les instal·lacions de Jaume Simó Sabater són fetes d’una selecció de materials i d’imatges de gran potència evocadora, que presenten i representen alhora, i que actuen com a artefactes simbòlics. L’assemblage i l’escenificació lligada al happening són alguns dels seus modus operandi habituals a partir dels quals crea xarxes de significants relacionats que conformen unitats de sentit i que llancen les reflexions de l’artista. També resulta un recurs habitual la figura de la sinècdoque que, entre d’altres coses, contribueix a l’extremada economia y ecologia de mitjans, caracteritzats pel tractament en cru i sense manipular.23 A la mateixa i frenètica velocitat amb la qual es van descobrint i descrivint remeis i vacunes per als mals més insospitats, aquests mateixos mals, en una hàbil mutació, progressen, es desenvolupen i es transformen en noves i més resistents varietats de la malaltia de la qual porten causa. L’art contemporani, atent a la realitat que l’envolta i amb aquesta extraordinària capacitat d’absorció que el defineix, sempre ha assumit les influències més positives però també els contagis més cruels, autèntiques degeneracions d’unes sements que, en moltes ocasions, eren portadores d’una interessant idea. Així, el concepte d’instal·lació sorgit, entre d’altres motius, amb la intenció de dessacralitzar els espais de l’art, incorporant nous objectes, i per la pretensió multimèdia de transcendir els límits clàssics de l’escultura, s’ha anat constituint com una tècnica cada vegada més important en el si dels nous paràmetres de l’art contemporani, un potent recurs que es val a la perfecció de tots els mitjans que el món actual va deixant al nostre abast i que es converteix en una de les formes d’expressió més adequades per a la cultura visual, conceptual i artística que la nostra època va teixint. Jaume Reus, “Situaccions en conflicte”, text recollit al catàleg de l’exposició Exilis. Jaume Simó Sabater i Garau. Obres 1997-2008, Casal Solleric, Ajuntament de Palma, Palma, 2008, p. 115. 23 27 Però quan un llenguatge comença a aconseguir la seva maduresa,24 sense solució de continuïtat, també comença a generar les seves pròpies perversions: unes vulgars degeneracions que, en el cas de les instal·lacions, es consoliden en algunes manifestacions buides, pretensioses o redundants. L’obra de Jaume Simó Sabater, no obstant això, fuig de qualsevol vacuïtat mentre insereix les seves arrels a la terra, a la seva pròpia terra, i ho fa apel·lant a valors que, des de l’inici, són consubstancials a tota la seva obra. Partint del substrat que ens és comú, de la nostra cultura, la que ens defineix i en ocasions també ens mediatitza, Jaume Simó Sabater la recull i la reivindica sense renunciar a les formes i a les maneres de l’art més actual. I és que la realitat ens diu que, amb la mateixa inèrcia amb la qual ens oblidem del que és nostre, en moltes ocasions, també anem prescindint del substrat adequat on situar-nos, que controlem, que ens explica, i sobre el qual, amb coneixement de causa, hauríem d’afirmar-nos per després desenvolupar-nos. Tots som posseïdors de certa herència, d’una cultura amb la qual ens identifiquem i d’una successió de formacions i experiències amb la que la completem, fins i tot els més desarrelats construeixen els seus propis fonaments a partir del que els van donar i del que, en l’esdevenir de la seva pròpia vida, han anat prenent. Així, Jaume Simó Sabater, sense renunciar a la terra que aguanta els nostres peus i a la cultura que ajuda a definir-nos, decideix que el substrat en el qual ens recolzem ha de servir per prendre impuls i, només en èpoques de tempesta forta, per fixar l’ancora. Un impuls que amb aquesta base li porta per uns interessants rumbs creatius que inclouen la instal·lació però també l’acció, una acció reivindicativa, estètica, política, en la qual l’artista apel·la a la matèria en brut per elaborar uns productes totalment connexos amb la realitat, ja que, si alguna cosa nodreix l’obra de Sabater, és el conflicte contemporani, les dialèctiques que s’estableixen a les zones de relació, a les zones de fricció, a les zones, precisament, de conflicte, unes situacions que les seves peces s’encarreguen de deixar palesa inserint-les en els llocs de l’art contemporani, en les galeries, centres i museus, propiciant el debat, sobreentenent la reivindicació, descontextualitzant i resituant objectes i conceptes. Sensació, situació, acció i reacció. I és que les peces seleccionades per aquest “Art emergent (IV)”, la silueta de revòlver amb llums de Nadal, el banc potser llar del sense sostre i altres connotatius i denotatius artefactes, busquen crear situacions, possiblement, tot esperant alguna resposta sincera. 8. Noves formes i noves maneres (cap a una altra estètica). José Ángel Sintes. Desde el ocaso de las vanguardias, el arte ha tenido que reinventarse a sí mismo sin tener que “matar al padre”, porque el padre ya estaba muerto. No quedaban más academias que derrumbar ni tradiciones que combatir. El rey estaba desnudo y el posmodernismo no ha hecho otra cosa que evidenciarlo, porque los intentos de encontrarle nuevas vestimentas –incluso recosiendo las viejas– sólo han conseguido provocar mucho ruido mediático y pocas sorpresas.25 En una eterna i complexa espiral, la història de l’art i la seva crítica, van alternant i encavalcant l’elecció de l’actor protagonista entre la forma i el contingut; èpoques on el concepte de bellesa –l’estètica que li és pròpia i l’aparença que la manifesta– prevalen sobre la idea que contenen, permuten o es combinen amb altres en les que, el fonamental, és el que es diu. I és que durant segles, entre aquests dos pols, ha anat oscil·lant el diapasó de la creació artística, aconseguint, en una sort de contínua i imparable mutació, gran part de les infinites combinacions que entre tots dos poden donar-se. En l’art actual, més Com indica Ranciere referint-se a l’evolució del concepte d’instal·lació: “Todas esas instalaciones jugaban entonces sobre lo que treinta años antes había sido el resorte de un arte crítico: la introducción sistemática de objetos y de imágenes del mundo profano en el templo del arte. Pero el sentido de esta mezcla ha cambiado radicalmente. Antes, el encuentro de elementos heterogéneos buscaba resaltar las contradicciones de un mundo dominado por la explotación y quería cuestionar el lugar del arte y de sus instituciones en ese mundo conflictivo. Hoy día la unión de elementos heteróclitos se afirma como la operación positiva de un arte que archiva y testimonia un mundo común. Esta unión se inscribe entonces en la perspectiva de un arte marcado por las categorías del consenso donde se trata de devolver el sentido perdido de un mundo común o reparar las fallas del lazo social” a Jacques Ranciere, El viraje ético de la estética y la política, Editorial Palinodia, Santiago de Chile, 2005, p. 37. 24 25 28 Marie-Claire Uberquoi, ¿El arte a la deriva?, Random House Mondadori, Barcelona, 2004, p. 153. conceptual que estètic, sol vincular-se l’art major a creacions on la idea i el contingut predominen sobre les formes que l’artista empra per transmetre’ls; és per això que les expressions plàstiques on es prefereix la bellesa per si mateixa queden vinculades –més del que seria desitjable i en més oportunitats de les certes– a creacions de tendència, de disseny o a un pur esteticisme, moltes vegades usant aquests conceptes amb un evident desdeny. És cert que l’objecte artístic no té per que ser bell però sembla que, en l’actualitat, de vegades es busca el lleig pel mer fet de no incórrer en la bellesa, se li té paüra al bell per no caure en la cursileria o en el merament plàstic i es prefereix, en un afany mal entès d’epatar, el desagradable, el violent, el repulsiu, fins i tot l’hortera o el simplement insuls, fugint com a possessos del concepte tradicional de bellesa. En ocasions el crític mossega aquest ham, confonent el que en realitat és una lletjor buida de continguts, amb una nova transgressió quebrantadora de les lleis de l’estètica o del políticament correcte. Al marge d’això, el que sí és cert, és que una nova voluntat estètica està freqüentant els nous paràmetres de l’art contemporani, fonamentalment la pintura i la fotografia, tractant de recollir en el seu esdevenir aquest canvi de criteri. Efectivament, sembla que la sensibilitat dels artistes porta temps percebent que la bellesa és una cosa senzilla, propera, que es troba just al nostre costat, en els objectes, en les persones i en les situacions que ens resulten més accessibles i és per això que aquesta nova plàstica, aquesta nova estètica, s’obstina a donar cabuda als nous subjectes de l’art. José Ángel Sintes és un exponent clar d’aquesta tendència, un cercador nat de la bellesa en les coses i en les situacions que li són properes, en aquelles en les quals, malgrat estar situades al nostre costat, el comú dels mortals no havíem reparat. Uns peculiars objectes i situacions que ell detecta gràcies al seu fi sensor, cridant-nos l’atenció sobre ells i explicant-nos la seva bellesa, la seva senzillesa, la seva harmonia. Un camí que supera la pol·lució contemporània per depurar, purificar i codificar aquesta nova estètica del corrent, aquesta autèntica i singular bellesa del quotidià. Si genis com Edward Hopper haguessin transcendit la seva captació de l’ambient, dels interiors, dels paisatges, i fixessin la seva atenció exclusiva i superdotada en els objectes que els envoltaven, en algunes situacions viscudes, i tot això, en primeríssim plànol, com Sintes, possiblement haguessin obtingut, tots dos, resultats amb certes similituds conceptuals i fins i tot formals. José Ángel Sintes, a més, no es conforma amb la física evident de les coses i també va a la recerca d’aquella metafísica no tan òbvia: les seves naturaleses mortes, per exemple, són expressió dels objectes en els quals fixa la seva atenció i, a pesar de que solen ser d’una quotidianitat manifesta, posseeixen aquell halo espiritual que tan generosament ens va llegar l’obra de Giorgio Morandi i que l’artista, amb destresa, també ens facilita. 9. Des del domèstic (amb amor). María Isabel Uribe. Con el desenfado iconoclasta y esas dosis de humor atrevido que la caracterizan, la artista reflexiona ahora sobre la maternidad, una experiencia que, por cierto, acaba de conocer. El espacio mental y emocional de ese entorno doméstico alterado por la llegada de un nuevo ser, queda, ¡cómo no!, referido en unos objetos que prueban ser especialmente aptos para las aventuras estéticas de Uribe.26 I una vegada refugiats a casa nostra, al resguard de les inclemències contemporànies, l’artista còmode, conformista, poc sincer, sense ganes, es queixa permanentment de la seva falta de temps, de la manca d’estímuls que excitin la seva creació, mentre dóna la culpa de la seva escassa voluntat a la voràgine contemporània. No obstant això per a María Isabel Uribe la llar és font d’inspiració, i en ocasions, fins i tot espai de producció. Així és, l’artista ja ens plantejava, en aquella exposició titulada “I am very domestic” que va tenir lloc a la galeria palmesana ABA Art Contemporani el 2006, que la casa, cada casa, és alhora diferent i única. Escuradores, graneres i galledes, la neteja després de la celebració familiar i ossets de joguina que contribueixen al somni no sempre tranquil d’un bebè, podrien semblar més l’expressió d’un esgotador lloc de treball que d’una veritable llar –i molt menys un 26 Pilar Ribal, “Objetos y fetiches: la ubicuidad de la réplica”, text recollit al catàleg de l’exposició María Isabel Uribe. I am very domestic, ABA Art Contemporani, Palma, 2006, p. 3. 29 entorn d’inspiració– si no fos per l’extraordinari sentit de l’humor de l’artista, el seu optimisme desbordant i un concepte lúdic de la vida que converteix els objectes i les situacions més quotidianes en subjectes del seu art, fent mutar el prosaic cap a una proposta plena de poesia i color, encara que no exempta de cert sarcasme. Una descontextualització d’objectes quotidians, una intervenció sobre ells i una nova ubicació, que assumeix sense problemes els paràmetres més actuals de l’art contemporani. Perquè les coses ja no són el que semblen, les coses són el que són, i cadascuna d’elles, a més, és alguna cosa diferent. Efectivament, els objectes són el mitjà i la llar és el lloc, però el fonamental, òbviament, és la capacitat de l’artista per transmetre. Ja ho deia Leon Tolstoi, L’art és la forma a través de la qual una persona lliura a unes altres sentiments de tal manera que s’infectin d’ells i els experimentin,27 i raó no li faltava, l’art sincer és un estat d’ànim, sens dubte, i ho és per qui ho avalua, per qui ho consumeix i, per descomptat, també per qui ho produeix. L’art pot entendre’s, l’art pot explicarse, però sobretot, ha de sentir-se, i la mateixa persona pot fer-ho de mil maneres diferents. Jo sóc jo i les meves circumstàncies, i quan estic deprimit, enfadat o enamorat, moltes cançons –que abans no m’importaven– comencen a parlar de mi. En l’art necessitem sinceritat, sens dubte, però per sobre de tot fa falta sentiment, passió, amor, el genuí motor dels actes humans més insondables. L’afectat per la passió, l’apassionat, és un tipus evident al que es reconeix fàcil, gaudeix de gairebé tot i gairebé tot ho fa al màxim, la seva entrega és total i la seva convicció suprema, això li serveix per aconseguir els més apoteòsics encerts, però també per cometre els més estrepitosos errors. En el cas d’Uribe, gràcies a la seva extraordinària capacitat, la passió que demostra no la confon, sinó que li aguditza el criteri per encertar gairebé sempre, permetent-li realitzar una producció artística d’extraordinari interès, unes peces que, amb l’amor d’una bona mare, d’una gran artista, té la generositat d’oferir-nos des de la calidesa i intimitat afectuosa de la seva pròpia llar. Des de casa amb amor. Marc Vidal no cau en la temptació de voler crear grans obres, heroiques, definitives; relaciona i utilitza amb intel·ligència la ironia i la paradoxa, ambdues coses molt serioses, capaces com pocs recursos de desvetllar les contradiccions i els llocs comuns del nostre temps. Els materials i els elements dels seus escuts i capelles, per exemple, ens remeten a un catàleg de significats d’índole social. No hi ha ingenuïtat ni pur automatisme en aquests acoblaments/collage, sinó intenció i crítica socials.28 Amb algunes formes heretades del Pop més àcid – aquell que no es va conformar amb recollir sinó que va optar per flagel·lar, des del sarcasme, gran part de les convencions socials més embrutidores– les peces de Marcos Vidal parlen de molts dels triumvirats magnífics que omplen la nostra societat: diners, sexe i religió, l’art, els artistes i la resta de la fauna… Un camp obert per a la ironia i l’humor que Vidal transita amb seguretat i solvència. Per això apel·la a tot un catàleg d’imatges i objectes, potents i recognoscibles, en moltes ocasions preexistents, que compon, ensambla i superposa en un inconfusible collage de recuperacions i ocurrències que entronca també amb tota una sofisticada i irreverent imatgeria kitsch d’iconografia marcadament popular. Vidal recorre als objectes com a elements i com a conceptes, juga amb ells i els intercala amb habilitat entre tot aquest imaginari col·lectiu del que es nodreix, rient-se de la definició més “petarda” de modern i assenyalant les evidents corrupcions que la nostra societat va patint: de nou els diners, la política, el poder. Però en aquest ús constant del prefabricat, no només troba Marcos Vidal el seu afortunat mitjà d’expressió, sinó que la reutilització de l’existent es converteix en la pròpia expressió de la idea. Així és, el creador pretén deixar en evidència l’insondable catàleg d’objectes amb el qual, la massiva i extenuant producció industrial, gairebé ens sepulta. Un excés contemporani, com d’altres dels quals hem parlat en el Leon Nikolayevitch, ¿Qué es el arte?, Editorial Tor, Buenos Aires, Argentina, 1950. Pablo J. Rico, “Estratègies d’indiferència en Marc Vidal”, text recollit al catàleg Marc Vidal. Llinatge sospitós, Espai Ramon Llull, Govern de les Illes Balears, 2002, p. 9. 27 28 30 10. L’infinit catàleg de creacions (i algunes de les seves properes vides). Marcos Vidal. present text, que queda patent i examinat en cadascun dels assemblatges amb els quals l’artista resol les seves peces. Però aquest infinit catàleg del que Vidal es nodreix, aquesta cultura de la superproducció on es fa absolutament de tot i d’aquest tot se’n fa en molta quantitat, és, en si mateixa i amb tot el seu repertori d’imatges i conceptes, un poderós i perillós mitjà d’expressió per a l’art, on s’obté, des de fa algun temps, una interessant matèria primera –però excessivament còmoda– amb la qual seguir creant. Un recurs potent que cal tractar amb la cautela i amb la perícia que ho fa Marcos Vidal, un artista que parteix de les nombroses aportacions icòniques i objectives que s’han anat sumant amb l’esdevenir del temps, algunes sens dubte genials, unes altres no tant, que converteixen aquestes possibilitats en alguna cosa diabòlica que pot fer caure al creador en paranys tan evidents i comuns com el vulgar apropiacionisme de l’impropi, la simple repetició insubstancial de continguts o el bast collage d’elements destemplats en el que l’artista es constitueix en un mer seleccionador –en un remixador– seduït per l’esplèndida potència i quantitat del ja creat. Lluny d’aquests vicis, el virtuós Vidal, opta per aplicar les seves qualitats més accentuades, la seva intel·ligència, la seva ironia fins al sarcasme, el seu sentit de l’humor, l’encert estètic de les seves composicions, en una sort de jocs atractius i suggeridors que, sens dubte, transcendeixen qualsevol contingut merament epidèrmic per anar directes al cor de la crítica social. Cala Rajada. Setembre de 2010 31 32 Catàleg d'obres 33 34 Yolanda Adrover Faules del dia a dia. 2009 · Dibuix i brodat damunt tela entapissada · 150 x 150 cm aprox. Espejito, espejito. Sèrie 1. 2008 · Dibuix i brodat damunt tela entapissada · 145 x 90 cm 35 Yolanda Adrover 36 Espejito, espejito. Sèrie 2. 2008 · Dibuix i brodat damunt tela entapissada · 145 x 90 cm Pedaços bruts. 2008 · Instal·lació · Mides variables 37 Paz Alcoverro 38 Sense títol. Sèrie “384 Kbps”. 2008 · Impressió fotogràfica damunt dibond · 90 x 130 cm Sense títol. Sèrie “Stealing news”. 2006 · Fotografia sobre paper damunt dibond · 50 x 75 cm c/u 39 Paz Alcoverro 40 Sense títol. Sèrie “384 Kbps”. 2009 · Dues impressions digitals damunt polyester · 50 x 70 cm Sense títol. Sèrie “384 Kbps”. 2009 · Dues impressions digitals damunt polyester · 50 x 70 cm 41 Joan Cabrer 42 Polizón en Atlántida. 2010 · Acrílic damunt tela · 195 x 130 cm 43 Joan Cabrer 44 Caminos inesperados I. 2010 · Acrílic damunt tela · 100 x 100 cm Caminos inesperados II. 2010 · Acrílic damunt tela · 100 x 100 cm 45 Julia García 46 Claros del bosque XII. 2010 · Fotografia amb infrarojos damunt alumini · 100 x 150 cm Claros del bosque XIV. 2010 · Fotografia amb infrarojos damunt alumini · 100 x 150 cm 47 Julia García 48 Venas (díptic) · 2010 · Gofrat damunt paper · 80 x 100 cm c/u Sèrie Hemografies. 2006 · Tècnica mixta damunt llenç · 30 x 30 cm c/u 49 50 Lourdes Grivé Caseta de Banys a Talamanca I (Eivissa). 2008 Marc Tur & Oriol Batchelli arquitectes · Canon 5D Paper Ilford Gallerie Smooth Pearl 290 g/m2 sobre Forex 5 mm · 75 x 50 cm Caseta de Banys a Talamanca II (Eivissa). 2008 Marc Tur & Oriol Batchelli arquitectes · Canon 5D Paper Ilford Gallerie Smooth Pearl 290 g/m2 sobre Forex 5 mm · 50 x 75 cm Edifici del Carrer Lleó (Eivissa). 2005 Víctor Rahola Aguadé arquitecte · Bronica 6 x 4’5 cm. Diapositiva Fuji Paper Ilford Gallerie Smooth Pearl 290 g/m2 sobre Forex 5 mm · 50 x 75 cm 51 52 Lourdes Grivé Transparència (Eivissa). 2007 Jaime Serra arquitecte - ADV arquitectura · Canon 5D Paper Ilford Gallerie Smooth Pearl 290 g/m2 sobre Forex 5 mm · 50 x 75 cm Casa Josep Lluís Sert (Eivissa). 2002 Josep Lluís Sert arquitecte · Bronica 6 x 4’5 cm · Negatiu Ilford FP4plus Paper Ilford Gallerie Smooth Pearl 290 g/m2 sobre Forex 5 mm · 75 x 50 cm Edifici d’habitatges a Eivissa. 2003 Xavier Pallejà i Salvador Roig i Associats S.L. arquitectes · Bronica 6 x 4’5 cm · Negatiu Fuji Reala Paper Ilford Gallerie Smooth Pearl 290 g/m2 sobre Forex 5 mm · 75 x 50 cm 53 Miquel Mesquida 54 El petit volador. 2010 · Fusta i ferro · 95 x 94 x 45 cm 55 56 Miquel Mesquida De la sèrie “Vehícles” i “Voiture volante”. 2010 · Tècnica mixta i collage damunt tauler · 50 x 50 cm c/u De la sèrie “Cotxes”. 2010 · Tècnica mixta i collage damunt tauler · 50 x 50 cm c/u 57 Jaume Simó Sabater i Garau Bruciati I. 2008 · Cartró, bosses de plàstic i mantes · 50 x 150 x 40 cm aprox. Sense títol. 1998 · Fusta, bombetes de colors, metacrilat i perns · 120 x 200 x 50 cm 58 59 Sense títol. 2009 · Capsa de cartró, bossa de fems, llums de nadal, cinta de fontaner, secador i temporitzador · Mides variables Jaume Simó Sabater i Garau 60 61 62 Observació. 2008 · Oli damunt tela · 50 x 35 cm S/T. 2009 · Oli damunt tela · 38 x 27 cm José Ángel Sintes 63 José Ángel Sintes 64 Càmera. 2007 · Oli damunt tela · 35 x 27 cm Pot. 2006 · Oli damunt tela · 27 x 24 cm Natura morta. 2008 · Oli damunt tela · 61 x 65 cm 65 66 María Isabel Uribe Un huevo pa ti. 2010 · Tècnica mixta · 25 peces de 20 cm Ø 67 María Isabel Uribe El oso tranquilo. 2007-2010 · Tècnica mixta · 40 x 70 x 45 cm Cortando el viento mi amor. 2010 · Tècnica mixta · Mides variables 68 69 70 Dolce vita I. 2005 · Fotografia damunt metacrilat · 100 x 70 cm Dolce vita II. 2005 · Fotografia damunt metacrilat · 100 x 70 cm Marcos Vidal 71 Marcos Vidal Escut de caça. 2002 · Acoblament de fusta i objectes trobats · 120 x 90 cm Arquilla de caça. 2002 · Acoblament de fusta, porcellana i objectes trobats · 76 x 66 x 35 cm 72 73 74 Currículums 75 recuperación del sentido. Dirigit per Manuel Drago Díaz Alemán 2005 Fotografia i impressió digital. Dirigit per Joan Fontcuberta 2006 Projectes multidisciplinars en gràfica. Dirigit per Txema Elespuru Exposicions individuals 2000 “EL PERRITO DE SUSI”. Es Gurugú. Felanitx 2003 “EL TEATRO DOMÉSTICO O AL CORRO CHIRIMBOLO”. Instal·lació. Galeria Ferran Cano. Palma (Mallorca) “ÁNGEL DE LA GUARDA”. Instal·lació. Projectes d’art Lluc Fluxà. Palma 1997-2001 Llicenciada en Belles Arts per la Universitat de La 2004 “RECORDS PRESENTS”. Acció-instal·lació. Casal Balaguer. Palma 2002-2003Doctorat Temps i llocs de l’escultura contemporània 2005 “PRE-TEXTOS”. Galeria Ferran Cano. Palma 2007 “LES FORMES DE LA INTERIORITAT”. Can Fondo. Alcúdia (Mallorca) 2008 “YOLANDA ADROVER. OBRES 1999-2008”. Centre Cultural. Felanitx (Mallorca) “YOLANDA ADROVER. OBRES 1999-2008”. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) “YOLANDA ADROVER. OBRES 1999-2008”. Can Creu d’Inca. Capdepera (Mallorca) © Fotografia: arxiu de l’artista YOLANDA ADROVER VAQUER Felanitx (Mallorca), 1977 Formació Laguna. Tenerife a la Universitat de Barcelona Cursos 1998 SIMPOSIO CANARIO Lenguajes gráficos, lenguajes plásticos. Organitzat pel Colectivo Leonardo Proyectos para un tanque. Taller d’investigació i d’intervenció plàstica. Dirigit per Adrián Alemán Batarrica, amb la col·laboració de Mitsuo Miura i Carmen Cámara 2000 Taller Rex: la intersubjetividad en el arte a favor de la 77 78 “BATECS”. Galeria Addaya, Alaró (Mallorca) “Festival Isladencanta”. Archipielago-cactus. 2009 “CEBES I FILS”. Dia de la dona, Centre Cultural Flassaders, Palma (Mallorca) Esporles (Mallorca) “INCART” – “BATECS 2”. 2002 “Mail Art. Íntimo y Personal”. Galeria Antonia Camba. Palma Sa Quartera centre d’Art. Inca (Mallorca) “XI EDICIÓN COPUS EFÍMERO”. “Art Jove”. Casal Balaguer. Palma · “Mallorca tropical”. Celler d’art Sant Marc. Sineu (Mallorca) Can Marquès. Palma (Mallorca) “BAC!”. Centre de Cultura Contemporània L’ARQUITECTURA DE LA PERSONALITAT”. de Barcelona Galeria Ferran Cano. Barcelona 2003 “Art Jove 2002”. Guanyadors del certamen d’arts plàstiques del programa cultural “Art Jove 2002”. Espai Ramon Llull. Palma Premi Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” d’Arts Plàstiques 2002. Casal Solleric. Palma “Deas Ba 2003”. Fundació Vila Casas. Espai VolART. Barcelona “MATER’S”. Pabellón de Mixtos de la Ciudadela de Pamplona Exposicions col·lectives 1997 “Ni figa ni raïm”. Ca’n Timoner. Santanyí (Mallorca) 1999 “Arte sacro”. Seminari a La Laguna. Tenerife “Arte Joven”. Teatre Guimerà. Santa Cruz de Tenerife “Estética del estudio”. Col·legi d’Arquitectes. Santa Cruz de Tenerife 2004 “Atenció! Galeria contaminada”. Galeria Ferran Cano. Palma 2000 “Arte Joven”. Sala d’exposicions Los Lavaderos. Santa Cruz de Tenerife “Certamen de Artes Plásticas”. Exposició itinerant. XI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2004. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) San Juan de la Rambla, Garachico, Tacoronte i Santiago del Teide. Tenerife Premis Rei en Jaume d’Arts Plàstiques 2004. Calvià (Mallorca) 2001 “In Gurugú”. Es Gurugú. Felanitx “Somnis i malsons”. Centre Cultural “Situaciones”. Encontres internacionals d’art. Conca d’Andratx. Mallorca “Crear poética”. Col·legi d’arquitectes. Santa Cruz de Tenerife 2005 “Futbólicos”. Casal Son Tugores. Alaró (Mallorca) XII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2005. Torre de ses Puntes. Manacor © Fotografia: Josep M. Alcover PAZ ALCOVERRO FIGUEROLA Barcelona, 1969 Viu i treballa a Mallorca Formació 1987-1993 1996-1998 1998-2000 2006 2007 2008 2009 Llicenciatura en Veterinària. Universitat Autònoma de Barcelona Fotografia. Escola d’Arts i Oficis. Palma (Mallorca) Vídeo i cine. Centre d’Estudis Fotogràfics. Palma Taller impressió digital. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Palma Taller amb Daniel Canogar. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Palma Cicle de Conferències Art Digital. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Palma Taller amb Clara Boj i Diego Díaz. Art digital. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Palma Taller amb Paco Salinas. Fotografia. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Palma “En_lloc”. Cicle de conferències coordinat per Pau Waelder. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Palma “Comunicació”. Curs amb Joan Morey. CRCC Quarter d’Intendència. Palma Exposicions col·lectives 1998 1999 2000 Ca’n Puig. Sóller (Mallorca) Ca’n Puig. Sóller (Mallorca) “Hybrid Art”. Esporles (Mallorca) 2002 I Certamen d’Arts Plàstiques de Capdepera. Capdepera (Mallorca) (catàleg) 2005 Addaya Centre d’Art. Alaró (Mallorca) 2006 Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Plàstiques 2005. Casal Solleric. Palma (catàleg) Addaya Centre d’Art. Alaró (Mallorca) “...en projecte (XI)”. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) (catàleg) XIII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2006. Torre de ses Puntes. Manacor (catàleg) “Fototrash”. La Fàbrica de Licors. Palma 2007 “Cimentiments”. Monestir Secar de La Real. Palma “Imatges raonades”. Addaya Centre d’Art. Alaró (Mallorca) XIV Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2007. Torre de ses Puntes. Manacor (catàleg) “Jam Art”. Fira d’art. Palma (catàleg) “Obra Gràfica”. Addaya Centre d’Art. Alaró (Mallorca) 2008 Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Plàstiques 2007. Casal Solleric. Palma (catàleg) XV Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2008. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) (catàleg) “Flow”. Comissariada per Pau Waelder. Centre Cultural. Andratx “Imatges Raonades ‘08”. Addaya Centre d’Art. Alaró (Mallorca) 2009 Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Plàstiques 2008. Casal Solleric. Palma (Mallorca) (catàleg) “Contemporani Balears”. Berlin Art Center. Berlin XVI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2009. Torre de ses Puntes (Manacor) (catàleg) “Utopia? L’Art amb els drets humans”. Casal Son Tugores. Alaró (Mallorca) “Nit de l’art ‘09 a Palma”. Addaya Centre d’Art. Palma (Mallorca) “Utopia? L’Art amb els drets humans”. Auditori Sa Màniga. Cala Millor (Mallorca) 2010 “Utopia? L’Art amb els drets humans”. Museu de sa Pobla (Mallorca) “f. Art”. Museu de sa Pobla (Mallorca) “Utopia? L’Art amb els drets humans”. Sa Quartera centre d’art. Inca (Mallorca) XVII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2010. Torre de ses Puntes, 79 Manacor (Mallorca) (catàleg) “Art emergent a les Illes Balears (IV)” (Projecte Llevant). Itinerant per Mallorca, Menorca, Eivissa i Barcelona Exposicions individuals 2004 2006 2008 2009 2010 “Interferencias”. La Fàbrica de Licors. Nit del No Art. Palma (catàleg) “25 frames/segundo”. Ca’n Puig. Sóller (Mallorca) “Paz Alcoverro. Déjà vu 1998-2008”. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) (catàleg) “Paz Alcoverro. Déjà vu 1998-2008”. S’Escorxador. Marratxí (Mallorca) (catàleg) “Paz Alcoverro. Déjà vu 1998-2008”. Ca’n Gelabert. Binissalem (Mallorca) (catàleg) “Déjà Vu 1998-2010”. Espai Mallorca. Barcelona (catàleg) Premis i mencions 2006 Finalista al XIII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2006 Finalista al Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Plàstiques 2005 2007 Finalista al XIV Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2007 2008 Finalista al XV Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2008 Finalista al Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Plàstiques 2007 2009 Primer premi al Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Plàstiques 2008 Finalista al XVI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2009 2010 Finalista al XVII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2010 Obres a col·leccions Ajuntament de Manacor Ajuntament de Palma 80 © Fotografia: Paloma Ojea JOAN CABRER PIZÀ Palma (Mallorca), 1983 Formació acadèmica 2004-2009 Belles Arts, Facultat Sant Jordi. Universitat de Barcelona 2006-2007 Weißensee Kunsthochschule Berlin 2005 Accademia di Belle Arti (realització del projecte final del CFGS pintura). Roma 2001-2004 Cicle formatiu de Grau superior de pintura mural. Escola Massana. Barcelona 2000-2001 Batxiller Artístic. Escola d’Arts i Oficis. Palma Exposicions individuals 2007 “Juan Cabrer. Naturaleza Urbana”. Galeria Maneu. Palma Exposicions col·lectives 2010 “Art emergent a les Illes Balears (IV)” (Projecte Llevant). Itinerant per Mallorca, Menorca, Eivissa i Barcelona Premi Tapiró, Biennal d’Art, Museu d’Art Modern de Tarragona, Tarragona XVII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques. Torre de ses Puntes, Manacor (Mallorca) “Praxis”, Casa de Cultura de Felanitx, Felanitx (Mallorca) “Praxis”, Torre de ses Puntes, Manacor (Mallorca) “Praxis”, sala d’exposicions de Belles Arts, Facultat Beques i premis 2010 2009-2011 2009 2008 2006-2007 2005 Primer premi al XVII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2010. Manacor (Mallorca) Artista resident a Hangar, centre de producció, Barcelona Finalista al XVI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2009. Manacor (Mallorca) Finalista al Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Plàstiques 2008 Tercer premi Art Jove Illes Balears 2008 Erasmus a la Universitat Weissensee Kunsthochschule Berlin Estada d’un semestre a la Accademia di Belle Arti. Roma Obra a col·leccions © Fotografia: Julia Vara Sant Jordi, Barcelona “Praxis”, Museu de Menorca, Maó 2009 “Art<30”. Sala Parés. Barcelona “Art<30”. U.C.M, Facultad de Bellas Artes. Madrid “Praxis”. Espai Ramon Llull. Palma XVI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2009. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) “Autocugat”. San Cugat del Vallés. Barcelona Premis “Muncunill”. Museu comarcal de Manresa. Manresa Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Plàstiques 2008. Casal Solleric. Palma 2008 Art Jove 2008. Ses Voltes. Palma “Autocugat”. San Cugat del Vallés. Barcelona “Noves presències”. Espai Mallorca. Barcelona 2007 “Noves presències”. Capella de la Misericòrdia. Palma “...en projecte (XII)”. Torre de ses puntes. Manacor (Mallorca) “...en projecte (XII)”. Casa de Cultura. Felanitx (Mallorca) “Ackerstrasse 18”. Selecció de treballs alumnes de la KHB. Berlin 2006 “El Astillero”, amb motiu de l’aniversari de la revista digital sobre cultura i pensament “Zona Urbanitzable”. Barcelona 2005 Sala Busquetes. Selecció de treballs alumnes de 2n curs de CFGS de pintura mural. La Massana. Barcelona 2004 “Papers d’art”. Sarrià de Ter. Girona 2003 “10% loading”. El Passatge. Barcelona JULIA GARCÍA Albacete, 1968 Formació 1986-1991 Llicenciada per la Facultat de Belles Arts de València 1991-1992 Estudis de Doctorat. Departament de Pintura Beques 1993 Beca d’investigació de la Caja de Ahorros del Mediterráneo (CAM) Curs becat per la Conselleria d’Educació (papermaking) a la Universitat d’Edimburg. Escòcia 1992 Beca d’investigació de la Fundació Caja Segorbe (València) Exposicions individuals Ajuntament de Palma (Mallorca) Ajuntament de Manacor (Mallorca) 81 82 “El hombre pulmón”. Galeria Ferran Cano. Palma (Mallorca) 1988 Casa de la Cultura. Villarrobledo. Albacete Exposicions col·lectives 2010 “Art emergent a les Illes Balears (IV)” (Projecte Llevant). Itinerant per Mallorca, Menorca, Eivissa i Barcelona 2006 “...en projecte (X)”. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) 2005 “Knallende Liefde“ (Bombeo de Amor). WG Kunst- Expozal. Amsterdam “Somnis i malsons”. Centre Cultural d’Andratx (Mallorca) 2004 “ORGÁNICO-HUMANO-DIVINO”. La Fàbrica de Licors. Palma (Mallorca) 2003 “Correllengua”. Centre Cultural de la Misericòrdia. Palma (Mallorca) “Bombeo de Amor”. Es Jonquet. Palma (Mallorca) 1993 “El pulso de la tierra. Arte y Ecología “. Palau de la Música i les Arts. València 1990 Artistes Joves. Ajuntament d’Albacete Galeria Mutpache. Cheste (València) 1989 Artistes Joves. Ajuntament d’Albacete 1996-1998 Fotògrafa de la Guía fin de semana del Diario de Ibiza (director: Juan Suárez). Eivissa 1996 Assistent de la productora Ibiza Broadcast © Fotografia: arxiu de l’artista 2006 LOURDES GRIVÉ ROIG Barcelona, 1977 Viu i treballa a Eivissa Formació Curs bàsic de fotografia, impartit per Fernando Monje/Grupo Cero. Eivissa General I i II de fotografia professional. Gris Art, Barcelona Fotografia Digital i Il·luminació. Gris Art, Barcelona Curs Photoshop avançat. CAEB, Eivissa Curs de monitor del Patrimoni de la Humanitat a Eivissa. CIJAE, Eivissa Cursos i seminaris AFP (Associació de Fotògrafs Professionals d’Espanya), tallers, reunions, activitats, etc., impartides per Outomuro, Alsina, Virgili, Sardà, Norbert Tomás i E. Menossi, entre d’altres. Barcelona I Festival de Fotografia de ArquitecturaPhotoarquitectura 08 –conferències amb Jesús Granada–Fernando Guerra al Col·legi Oficial d’Arquitectes de Balears, Palma (Mallorca) Cursos Adobe Photoshop CS4 a Sonimagfoto 2009 Experiència professional 1997-2005 1999-2005 2003 2004 2005 2008 2003-2010 (director: Sandro Zito). Eivissa Fotògrafa de catàlegs i publicitat de Gráficas Pitiusas. Eivissa Assistent de fotografia de publicitat d’Alsina, Dany Virgily, César Ordóñez, Felipe Mena i Conrad White, entre d’altres. Barcelona / Eivissa Assistent de fotografia de publicitat a tallers de Sonimagfoto 2001, de Judith Vizcarra, Kote Cabezudo i Iván Cerdà. Barcelona Ajudant de coordinació, localització i taxidriver per a Sunrise Productions. Fotògrafa: Sabine Liweland p er a Ariella. Formentera Ajudant de coordinació i taxidriver per a Dolce Vita (Sunrise Productions). Fotògraf: Peter Brhet Day per a Siemens Xelibry. Eivissa Ajudant de coordinació i taxidriver per a Dolce Vita (Sunrise Productions), per a Beck’s. Eivissa Assistent de fotografia de publicitat de Serge Gueraund, per a Dolce Vita Campanya Fiat. Barcelona Col·laboradora revista SEAT PASSION - Finder Marketing Services Fotògrafa d’arquitectura: Elías Torres, Marc Tur &Oriol Batchelli, Marià Castelló, mipmarí arquitectura i disseny Salvador Roig – F.X. Pallejà, Víctor Rahola Aguadé... Exposicions individuals 2003 2004 2005 2006 2007 2008 Portes i finestres. Obrim Espai. Gandia, València Con luz. Arquitectura y moda. AAVIB. Eivissa Arquitectura a Eivissa i Formentera. Lourdes Grivé, fotògrafa i Salvador Roig, arquitecte. Sala de Cultura “Sa Nostra”, Eivissa Arquitectura tradicional. Ses Canyes. Eivissa Arquitectura a Eivissa i Formentera. Lourdes Grivé, fotògrafa i Salvador Roig, arquitecte. Sala de Cultura “Sa Nostra” de Formentera i Espai Cultural Molí d’en Simó. Sant Antoni de Portmany, Eivissa Arquitectura tradicional. Teatre Pereyra i Ses canyes. Eivissa IV Edició Premis d’Arquitectura d’Eivissa i Formentera 2005. COAIB, Eivissa Can Curt. Sant Agustí. Eivissa Espai Mallorca. Barcelona Col·legi Oficial d’Arquitectes de Catalunya. Barcelona “Encontrarse con la memoria”. Museu Puget. Dalt Vila. Eivissa Galeria Es Molí, Eivissa Exposicions col·lectives 1999-03 Colorantes Autorizados. Organitzat per AFP a Sonimagfoto. Fira de Barcelona 2000 Premi Lux Jove 2000. Sala Tàndem. Barcelona El Sol Festival Iberoamericano Madrid i Sonimagfoto. Fira de Barcelona 2003 Premi Lux Arquitectura i Interiorisme Bronze 2003. Sala Tàndem, Barcelona. El Sol Festival Iberoamericano, Madrid i Sonimagfoto, Fira de Barcelona Inauguració AAVIB (Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears), Eivissa Contra las Guerras, AAVIB Figuraté, AAVIB. Eivissa Abstraccions, AAVIB. Eivissa Por la Paz, Café del Parque. Eivissa Payasos sin Fronteras. Salón Cultural Santa Cruz. Eivissa Performance pel projecte de retrat i bodegó amb Lina Adiñach, AAVIB 2004 Premis FAD a la Galeria de la plaça dels Àngels amb els arquitectes Elías Torres i J. López Lapeña. MACBA. Barcelona Col·laboració al càtaleg de l’edició dels premis LUX 03 AFP (Associació de Fotògrafs professionals d’Espanya) 2006Supermercado del Arte. Sala d’exposicions Ebusus. Eivissa Isla latente. Museu d’Art Contemporani d’Eivissa Colorantes Autorizados y galardonados Premios Lux 07. Palau de Congressos de Barcelona-Sonimagfoto 07 2008 Galeria Es Molí – Aniversari. Eivissa Premi Lux d’Arquitectura i Interiorisme 07 a Sonimagfoto Premi Lux d’Arquitectura i Interiorisme 07 al Festival Iberoamericà “El Sol”. Donosti - Sant Sebastià Col·laboració amb 20 obres a la V Edició dels premis d’Arquitectura de Eivissa i Formentera al Col·legi Oficial d’Arquitectes de Balears (Demarcació Eivissa) Col·laboració amb 20 obres a la V Edició dels premis d’Arquitectura d’Eivissa i Formentera a la Sala municipal d’exposicions de l’Ajuntament de Formentera Premi Photoarquitectura 08, COAIB. Palma (Mallorca) 20 Biennal d’Eivissa. Sala capitular del Museu d’Art 83 Contemporani d’Eivissa 2009 Patrimoni de la Humanitat “Memorandum”. Sala capitular del Museu d’Art Contemporani d’Eivissa Supermercat de l’Art. Sala d’exposicions Ebusus. Eivissa 2010 Patrimoni de la Humanitat “Memorandum” . Sala Blanquerna. Madrid “Art emergent a les Illes Balears (IV)” (Projecte Llevant). Itinerant per Mallorca, Menorca, Eivissa i Barcelona Premis 2003 Lux menció junior 2000 Lux Bronze categoria Arquitectura i Interiorisme Premi fotografia més votada pel públic. Certamen fotografia Sant Antoni, Eivissa 2005 Lux plata categoria Arquitectura i Interiorisme 2007 Premi Photoarquitectura 2008 Col·laboració en publicacions d’arquitectura 2003 Col·laboració amb fotografies de les obres d’arquitectura de Roig-Pallejá/Elías Torres/J. Antonio Lapeña/Josep Lluís Sert pel llibre Patrimonio de la Humanidad. Col·legi Oficial d’Arquitectes d’Eivissa i Formentera. Eivissa Col·laboració a l’Especial Baleares. Colegio Superior de Arquitectos de España Col·laboració a la revista Casa Basic. Marina Alta Editors, n. 5, 2003 2004-2005 Col·laboració a la Guía de Turimo de Ibiza y Formentera. Diario de Ibiza. Eivissa 2004 Reportatge per a l’Editorial On Diseño de les obres seleccionades als Premis FAD d’Arquitectura d’Elías Torres-Lapeña per a l’obra El Jardí de les Eres. Barcelona 2005 Reportatge per a la Editorial On Diseño. Obres del Castell d’Eivissa i El Jardí de les Eres. Barcelona El País (fotografia del Jardí de les Eres) Reportatge per a la Revista oficial COAM (Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid) del Museu diocesà, Jardí de les Eres i el Castell (Pallejá-Roig, Lapeña-Torres) Tradition at the copting edge, Vision Magazine. Beijing, Xina. juny Col·laboració a l’Enciclopèdia d’Eivissa i Formentera 84 2006 2007 2008 Col·laboració amb Enrique Villalonga a la portada de la revista “Eivissa” “Cases de llum”, Avui. Barcelona Isla latente. Museu d’Art Contemporani d’Eivissa Reportatge per a Euro design, n. 9. Estilo. Casas ibicencas, historia de luces y sombras Col·laboració a “Nuestras islas”, revista d’actualitat Ibiza y Formentera, n. 3. Devoción a la luz Col·laboració a “looc baleares”, n. 5 Col·laboració a “loft publications” -editorial teNeues “luxury houses”-, Juan de los Ríos, arquitecte Col·laboració a “loft publications” -editorial Gribaudo “Architecture Water”-, Javier Planas, arquitecte Col·laboració a “loft publications” -editorial Monsa “Restored Rural houses”-, Víctor Beltrán, arquitecte Col·laboració a “loft publications” -editorial Monsa “Complejos Residenciales Privados”-, Víctor Rahola, arquitecte Col·laboració a “loft publications” -editorial Evergreen-, Juan de los Ríos, arquitecte Col·laboració a “loft publications”-editorial köneman-, Juan de los Ríos, arquitecte Col·laboració a Spain architects. Housing 4, -editorial Manuel Padura-, Marià Castelló, arquitecte Col·laboració a Manuel Padura -Edifici Ros-Fita, Elías Torres- J.Antonio Martinez Lapeña Magazine de “La Vanguardia”, Marià Castelló, arquitecte Magazine de “La Vanguardia”, Francisco Cifuentes, arquitecto Col·laboració al càtaleg de l’edició dels premis LUX 07 AFP (Associació de Fotògrafs professionals d’Espanya) Reportatge per a la Revista COAM (Col·legi Oficial d’Arquitectes de Madrid) -Edifici Ros-Fita, -Elías Torres-J.Antonio Martínez Lapeña, arquitectes Col·laboració a Vivienda Housing. Spain Architets- Marià Castelló, n. 3 Manuel Padura Ediciones Col·laboració reportatge de l’Edifici Ros-Fita Elias torres-J-Antonio Matinez Lapeña -Manuel Padura Ediciones Reportatge portfoli La fotografía actual – digital Publicitat a la revista Ibiza Style – ADV arquitectura Col·laboració a “Loft publications” –editorial Kolon- Weekend Homes-Juan de los Ríos, arquitecte 2010 Magazine de “La Vanguardia”-Jaime Serra – ADV Arquitectura Lifestyle n. 2 – n. 4 entrevistes Lourdes Grivé – ADV arquitectura Col·laboració al càtaleg de l’edició del premi Photoarquitectura Col·laboració al catàleg Ibiza Real Estate 2/2008 pàg. 42-43 – ADV arquitectura Col·laboració als càtalegs de “S’olivera del Molí/“VUE 360º”-O&WNoticia del premi Photoarquitectura a On diseño n. 298 Reportatge a la revista Elle Bèlgica Col·laboració a la portada i al DVD distribuït pel Consell Insular d’Eivissa, amb imatges de la Casa Broner al documental d’Erwin Bechtold dirigit pel director Enrique Villalonga i el productor Julio Arche-Factoria Difacil, presentat al festival de Cine “La Semici” i al “Club Diario de Ibiza” Col·laboració al càtaleg de l’exposició “Memorandum”, del MACE Col·laboració a la Revista que edita “Pacha”. Fotografia para ADV arquitectura Col·laboració a la Revista que edita “Pacha”. Fotografia de la Casa Broner Cultura/s La Vanguardia n. 413. Reportatge de la Casa Broner Reportatge a Monsa “ Low Cost” -Marià Castelló, arquitecte-. Casa 8x8 Formentera Reportatge a Kbwama “More about the house” n. 4.99 -Marià Castelló, arquitecteCasa 8x8 Formentera Reportatge a Ibiza Style n. 3. “Bauhaus á la Ibiza”, sobre la casa Broner Reportatge a Ibiza Style n. 3. “Tradición de Gasa”, sobre la moda Eivissenca Col·laboració al reportatge de Ibiza Style n. 4 -“There-s someone living here”-, sobre la Casa Tur Costa d’Erwin Broner Reportage a Ibiza Style n. 5 -“The sea in his hands”-, sobre Nito Misses “Mestre d’aixa” Llibre fotografia arquitectura Fotografies del llibre que edita el Col·legi Oficial d’Arquitectes dels Premis d’Arquitectura IV Edició. Gráficas Margen. Eivissa Fotografies del llibre que edita el Col·legi Oficial d’Arquitectes dels premis de la V Edició (20 obres). 2008 85 © Fotografia: Maria Puigròs 86 Alaró (Mallorca) 2008 “Porta a l’avern”. SACMA (Sala per l’Art i la Cultura de Manacor). Manacor (Mallorca) “Percepcions oníriques”. Casal Ca’n Planes. Sa Pobla (Mallorca) 2009 “Retrospectiva 2005/2009”. Galerie Im Velhornhaus (Alemanya) “Projecció en el temps. Obres 2006-2009”. Espai d’Art Miquela Nicolau. Felanitx (Mallorca) “Berlin-Retorn a la Memòria”. Berlin-Rückkehr zur Erinnerung. Galerie Sievi. Berlin (Alemanya) “Sofismes”. Can Gelabert, Binissalem (Mallorca) 2010 “Personatges”. Galerie der Moderne, Berlín (Alemanya) Exposicions individuals “Va de vi” (2001-2010). Museu d’Història Torre dels Enagistes. Manacor (Mallorca) 1979 Sala municipal d’exposicions. Manacor (Mallorca) “Ales, ullada a Sa Pleta”. Sa Pleta Freda, 2005 “Fragments”. Torre de ses Puntes. Son Servera (Mallorca) Manacor (Mallorca) 2006 “De la mar”. Ca’n Creu d’Inca. Exposicions col·lectives Capdepera (Mallorca) 1989 Ateneu de Maó (Menorca) “Del bou al mite”. Na Batlessa. Artà (Mallorca) 2005 “Sa Nostra”. Sant Llorenç des Cardassar (Mallorca) Exposició permanent. Gran Hotel Son Julià. Llucmajor (Mallorca) XII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2005. Torre dels Enagistes. Manacor (Mallorca) 2007 “Paradís perdut”. Claustre de Son Tugores. 2006 SACMA (Sala per l’Art i la Cultura de Manacor) “Estormiart”. Ca’n Creu d’Inca. Capdepera (Mallorca) © Fotografia: Rosa Ginart 2007“Estormiart”. Torre de ses Puntes (Manacor), Claustre de Sant Domingo (Inca) i Centre Cultural de la Misericòrdia (Palma) “Eròtica”. SACMA (Sala per l’Art i la Cultura de Manacor) JAUME SIMÓ SABATER I GARAU “...en projecte (XII)”. Torre de ses Puntes. Santa Maria (Mallorca), 1972 Manacor (Mallorca) “...en projecte (XII)”. Casa de Cultura. Formació Felanitx (Mallorca) 1991-1996 Llicenciat en Belles Arts. UPV. Leiola (Bilbao) 2008 XV Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2008. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) 1994 “Nuevos entornos visuales. Umbrales de la imagen”. Curs impartit per Joseba Lopezortega. Sala Galeria Racó 98. Sóller (Mallorca) Rekalde. Bilbao “Manacor Art col·lectiu”. SACMA (Sala per l’Art i la Cultura de Manacor) “Artistas y espacio ubano. Propuestas para la ciudad. Pensar el espacio”. Seminari dirigit per Fernando Castro Flórez. Gijón (Astúries) 2009 XVI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2009. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) 1995 Seminari de fotografia amb Koldo Chamorro. Fundació “la Caixa”. Palma “A favor d’APROSCOM”. Sa Màniga. Sant Llorenç des Cardassar VII Jornades Internacionals de Semiòtica. “Ver y creer”. Bilbao Galeria Bennàssar. Pollença (Mallorca) Espai d’Art Miquela Nicolau. Felanitx (Mallorca) 1996 “El efecto Kafka”. Seminari impartit per Francisco Jarauta. Arteleku (Sant Sebastià, País Basc) Galeria Le Compagnie. Dordrecht (Països Baixos) Nit de l’Art’09. Espai d’Art Miquela Nicolau (Felanitx) i Galeries Bennàssar (Pollença). Centre Cultural de la Misericòrdia (Palma) “Experiencia estética y crítica del arte”. Seminari impartit per Roman de la Calle. Arteleku (Sant Sebastià, País Basc) 1996-1998 Doctorat en estètica. Departament d’Estètica. Facultat de Filosofía de la UPV. Sant Sebastià 87 (País Basc) 1997 Taller d’escultura dirigit per Ángel Bados, Txomin Badiola. Arteleku (Sant Sebastià, País Basc) “El espacio público e ilusión arquitectónica”. Seminari dirigit per Luca Ortelli. Arteleku (Sant Sebastià, País Basc) “La desaparición del otro”. Seminari dirigit per Jean Baudrillard. Arteleku (Sant Sebastià, País Basc) “Paisajes modernos para la arquitectura urbana”. Seminari impartit per Alberto Ferlanga. Arteleku (Sant Sebastià, País Basc) 2002-2003 Postgrau a ESBA. Departament de Recerca Plàstica i Multimèdia. Escola Superior de Belles Arts. Ginebra (Suïssa) 2003-2005 Màster en Belles Arts. Departament d’Escultura del Royal College of Art. Londres 88 “Simulador de espacios domésticos”, amb l’artista Iñaki Garmendia. Talleres Abiertos. Bilbao 1997 Sala Barrena, exposició amb Iñaki Garmendia i Asier Mendizábal. Ordizia (País Basc) Premi Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” de Pintura. Casal Solleric. Palma 1998: Exposició al taller d’Ángel Bados & Txomin Badiola. Arteleku (Sant Sebastià) i Palau Montehermoso (Vitòria, País Basc) Galeria Zappi. Zarautz (País Basc) 2002 Premi Art Jove d’Escultura. Casal Balaguer. Palma Premi Dijous Bo d’Inca. Centre d’Art Sa Quartera. Inca “Panem et circenses”. Projecte de Lacasadelcactus. Can Gelabert. Binissalem 2003 “Art Jove 2002”. Espai Ramon Llull. Palma “Panem et circenses”. Can Gelabert. Binissalem 2004 “El paisaje: Lo dado y lo interminable”. Comissariada per Sebastià Camps. Galeria Horrach Moyà. Palma Exposicions individuals 2004 “Cantaferro”. Galeria Horrach Moyà. Palma “Stereo White”. Coordinat per Nigel Rolfe. Howie Street. Londres 2006 “És que som mort per amor”. Galeria Horrach Sala Henry Moore. Royal College of Art. Londres Moyà. Palma “Background”. Galeria Horrach Moyà. Palma “Iran 2005” (projecte amb Mark Mangion). Saint James Cavalier. Valetta (Malta) 2008 “Exilis. Obres 1999-2008”. Casal Solleric. “Art School”. Projecte amb el Departament d’Escultura, coordinat per Sacha Craddock i Keith Wilson. Espai d’Art de Bloomberg. Londres Palma (Mallorca) 2005 ”Bloomberg New Contemporaries”. Spike Island and LOT, Bristol, i Corner Hause. Manchester (Regne Unit) “Peripheral Visions”. Mostra paneuropea de joves videoartistes. Comissariada per Nigel Rolfe i Cliodhna Shaffrey. Cork Film Centre. Cork (Irlanda) Exposicions col·lectives 1996 Sala Sanz Enea. Zarautz (País Basc) Exposició final del Màster en Belles Arts. Royal College of Art. Londres 2006 “Bloomberg New Contemporaries”. Barbican Art Gallery. The Curve. Londres “Oltrepassando l’arte dei paesi”. Antic monestir de Santa Clara. República de San Marino “VideoArte a Venecia”. Illa de San Sérvolo. Venècia (Itàlia) “Background”. Galeria Horrach Moyà. Palma “Iran 2005”. Saint James Cavalier. Valetta (Malta) 2007 Premi Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” d’Arts Plàstiques. Casal Solleric. Palma “A search for a spache”. Biaggio steps. Valetta (Malta) “Les temptacions de Sant Antoni”. Galeria Espai B. Barcelona “Postfotografia II”. Galeria Horrach Moyà. Palma “Diario de Mallorca Art Report 2007”. Centre de Cultura de “SA NOSTRA”. Palma XIV Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2007. Torre de ses Puntes. Manacor 2008 Premi Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” d’Arts Plàstiques 2007. Casal Solleric, Palma © Fotografia: Sarai-Maria Arias JOSÉ ÁNGEL SINTES (Alaior, Menorca, 1978) Formació Llicenciat en Belles Arts per la Universitat de Barcelona Exposicions individuals XV Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2008. Torre de ses Puntes. Manacor 2002 2003 2005 2006 2008 2010 Sala de Cultura de la Fundació “SA NOSTRA”. Maó i Ciutadella Galeria Encant. Maó Sala de Cultura de la Fundació “SA NOSTRA”. Maó i Ciutadella Sala d’exposicions de l’Ajuntament d’Alaior Galeria Arantza & Cia. Alaior Galeria Encant. Maó José Ángel Sintes i Piers Jackson. Galeria Encant. Maó Pintures i dibuixos. Galeria Encant. Maó “Frecuencias”. Instituto Cervantes. Exposicions col·lectives 2001 2002 XI Premi Sant Antoni de Pintura. Fundació “SA NOSTRA”. Maó i Ciutadella (Menorca) XII Premi Sant Antoni de Pintura. Fundació “SA NOSTRA”. Maó i Ciutadella (Menorca) Sense Títol. Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona Exposició itinerant “Retroactiva”. Art Jove 2008. Govern de les Illes Balears 89 Premis XI Premi Sant Antoni de Pintura. Menció Especial XII Premi Sant Antoni de Pintura. Menció Honorífica a l’artista menor de trenta anys XIV Premi Sant Antoni de Pintura. Menció Honorifica a l’artista menor de trenta anys XV Premi Sant Antoni de Pintura. Primer Premi Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Visuals 2009. Primer Premi Obra a col·leccions públiques Ajuntament de Palma Fundació “SA NOSTRA” © Fotografia: Fabián Schalekamp El espacio como concepto. Galeria Arantza & Cia. Alaior (Menorca) 2003 Galeria Encant. Maó (Menorca) Galeria Arantza & Cia. Alaior (Menorca) Pintures. Centre de Cultura Sant Diego (Menorca) 2004 XIV Premi Sant Antoni de Pintura. Fundació “SA NOSTRA”. Maó i Ciutadella (Menorca) Galeria Encant. Maó (Menorca) 2005 XV Premi Sant Antoni de Pintura. Fundació “SA NOSTRA”. Maó i Ciutadella (Menorca) Galeria Encant. Maó (Menorca) Galeria Arantza & Cia. Alaior (Menorca) 2006 Galeria Encant. Maó (Menorca) 2007 Galeria Encant. Maó (Menorca) 2008 Galeria Encant. Maó (Menorca) 2009 Galeria Encant. Maó (Menorca) 2010 Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Visuals 2009. Casal Solleric. Palma “Art emergent a les Illes Balears (IV)” (Projecte Llevant). Itinerant per Mallorca, Menorca, Eivissa i Barcelona MARÍA ISABEL URIBE DUSSAN Neiva-Huila (Colòmbia) 1987-1989 Universitat Piloto de Colòmbia. Facultat d’Arquitectura 1990-1995 Llicenciada per la Universitat Surcolombiana. Arts visuals. Neiva-Huila (Colòmbia) 1997 Universitat de les Illes Balears. Facultat d’Educació. Cursos de doctorat Didàctica de l’Art. Palma (Mallorca) 2002-2006 Escola Superior de Disseny. Fotografia Artística. Palma 2010 Homologació del títol oficial espanyol de Llicenciada en Belles Arts per la Universitat de Murcia Experiència didàctica 2003 90 Formació Programa didàctic, activitats per a families. “Descobreix amb nosaltres la màgia de l’espart”. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. 2008 2009 2010 Palma, Mallorca Taller infantil “Dulce figura”. Museo de Arte Contemporáneo del Huila-MACH. Huila, Colòmbia Sant Joan 2009. Taller “Prenda, objeto del deseo”. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Palma, Mallorca “Punto y línea. Elementos mágicos de un mismo universo”. Es Baluard Museu d’art modern i contemporani de Palma, Mallorca 1994 Sociedad Huilense de lucha contra el sida. Neiva-Huila Galeria Oriente. Santiago de Cuba Casa de la Cultura San Agustín. Huila (Colòmbia) 1996 Ministeri de Treball. Santa Fe de Bogotá (Colòmbia) 1998 Casal Balaguer. Palma Exposicions individuals 2001 Celler d’Art San Marc. Sineu (Mallorca) 1994 Galeria Valencia Pitalito-Huila (Colòmbia) 2002 “Mallorca tropical”. Celler d’Art San Marc. 1995 Sala Ricardo Borrero I.H.C. Neiva-Huila (Colòmbia) Sineu (Mallorca) 2004 “Canas al aire”. Es cavallets. Sa Pobla (Mallorca) VI Salón Regional de Artistas Visuales 2002. “Corpus Christi”. Acción Corazón de María. Neiva-Huila (Colòmbia) Ca’n Marqués. Palma 2003 VI Mostra d’Escultura Vila de Santa Maria del 2006 “Nidos de amor”. Casal Son Tugores. Camí (Mallorca) Alaró (Mallorca) “Mallorquines de adopción”. Museu Krekovic. Palma “I am very domestic”. Galeria ABA art. Palma “Rebotats”. Projecció audiovisual. El Garito. Palma 2008 “The kitchen is the heart of the home”. Casal de Cultura Can Gelabert. Binissalem (Mallorca) 2004“...en projecte (IX)”. Torre de ses Puntes. 2009 “Mesticitos”, video-instal·lació. Casa de las Culturas. Saragossa Manacor (Mallorca) XI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques 2004. Torre de ses Puntes. Manacor (Mallorca) Premis Rei en Jaume d’Arts Plàstiques 2004. Exposicions col·lectives Calvià (Mallorca) 1993 Instituto Huilense de Cultura y Turismo. “Somnis i malsons”. Centre Cultural Neiva-Huila (Colòmbia) d’Andratx (Mallorca) Salón Regional de artistas Zona 6. 2005 “O d’oxigen”. Cas Pellers. Binissalem (Mallorca) Neiva-Huila (Colòmbia) XXVII Certamen de Pintura Vila de Universidad Surcolombiana. Neiva-Huila (Colòmbia) Binissalem (Mallorca) 91 © Fotografia: Eva Choung-Fux MARCOS VIDAL FONT Vitoria-Gasteiz, 1967 Viu i treballa a Sineu, Mallorca 92 Formació 1987 1991 1992 1994 1995 1997 Curs d’introducció al cine, aspectes teòrics i històrics, organitzat pel vicerrectorat d’extensió universitària. Universitat de València Llicenciat en Belles Arts a la Facultat de Sant Carles. Universitat Politècnica de València (especialitat de gravat) Tres cursos de postgrau: Seminaris d’historieta 1 i 2, impartits per Ramón Marcos, i Seminari d’infografia, impartit per Marina Segarra. Departament d’Història de l’Art de la Facultat de B.B.A.A. de Sant Carles. Universitat Politècnica de València Curs “Cubano Multidisciplinar” del Centre Wifredo Lam. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca Cursos “Cubano Experimental” i “Xilografía”. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca Ajudant d’Eva Choung-Fux en el curs de postgrau “Relief-Printmaking-Grafic-Art” a la Facultat de 2006 BBAA de València Curs de gravat amb Mitsuo Miura. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca Curs “Derivas gráficas” de Chema Elexpuru. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca Exposicions individuals 2010 “Marcos Vidal. L’objecte trobat. Obres 1996-2009”, Centre Cultural Can Prohens, Felanitx, Mallorca 2009 “Marcos Vidal. L’objecte trobat. Obres 1996-2009”, Torre de ses Puntes, Manacor, Mallorca 2008 “Cochina tele”, Galeria Candyland, Estocolm, Suècia “Pay attention”, Galeria SKL, Palma, Mallorca 2007 “Pay attention”, Field Institute Hombroich, Fundació Insel Hombroich, Neuss, Alemanya 2006/2007 “Las invasiones heráldicas”, Simposium internacional d’escultura d’Alacant, intervenció, Castell de Santa Bàrbara, Patronat de cultura, Ajuntament d’Alacant 2006 Museu i fons artístic de l’Ajuntament de Porreres, Mallorca 2005 “Tv show”, Sala Dato, Ajuntament de Vitoria-Gasteiz “Perills Domèstics”, Galeria La Resistència de l’Art, Palma, Mallorca 2004 “El darrera al davant”, intervenció al pati del Museu de Mallorca, Ajuntament de Palma, Mallorca “Amor Propio”, La fàbrica de licors, Palma, Mallorca 2002 “Llinatge sospitós”, Espai Ramon Llull, Conselleria d’Educació i Cultura, Govern de les Illes Balears, Palma, Mallorca “Les mes nobles intencions”, instal·lació festival BAC 02, La Santa, Barcelona 2001 “Les teves cartes”, instal·lació, Galeria Xavier Fiol, Palma, Mallorca “Ceci n’est pas un pupitre”, instal·lació, “Museo de los ángeles”, Turégano, Segòvia 1997 “Monstruos perfectos”, Sala Purgatori, València 1994 Galeria 4 Gats-Ferran Cano, Palma, Mallorca 1991 1990 Galeria Sargadelos, València Ajuntament de Sineu, Mallorca Exposicions col·lectives 2010 2009 2008 “Art emergent a les Illes Balears (IV) (Projecte Llevant). Itinerant per Mallorca, Menorca, Eivissa i Barcelona “IEEB 4” Bienal internacional de gráfica experimental. Palaus Bracovian, Bucarest, Rumania Water tower art fest, Festival d’art experimental, Sofia, Bulgària “Next Chicago”, Fira d’art, stand Galeria SKL, Xicago (EUA) “Supermarket”, Fira d’art, Kulturhuset, Estocolm, Suècia XVII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques, Torre de ses Puntes, Manacor (Mallorca) “Watermarks”, Centre cultural NDSM, Institut d’Estudis Baleàrics, Amsterdam, Holanda “Reality Check”, Galeria Ubr, Salzburg, Àustria “Valuable Parcel”, Centre d’art Wspólczesnej, Ajuntament d’Opole, Polònia “KIAF”, estand Galeria SKL, fira internacional de Seúl, Corea “Puro arte”, estand Galeria SKL, fira d’art de Vigo, Galícia XVI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques, Torre de ses Puntes, Manacor, Mallorca “Incart”, festival d’art, Casal des metge Cifre, Inca, Mallorca “Les temptacions de Sant Antoni”. Museu can Planes, Sa Pobla, Mallorca Beijing 2008. Casal Son Tugores, Alaró, Mallorca “3rd Beijing International art Biennale”, National art Museum, Ministeri de Cultura de la República Popular de Xina, Pekí, Xina “KIAF”, estand Galeria SKL, fira internacional de 2007 2006 2005 2004 2003 Seúl, Corea “Olympics fine arts”, Xina international exhibition center, Pekí, Xina XV Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques, Torre de ses Puntes, Manacor, Mallorca “KIAF”, estand Galeria SKL ,fira internacional de Seúl, Corea “Jam Art Mallorca”, Fira d’art de Palma, Mallorca “Les temptacions de Sant Antoni”, Galeria Espai B, Barcelona “Estormiart”, itinerant per Can Creu d’Inca (Capdepera), Torre de ses Puntes (Manacor), Sa Quartera centre d’Art (Inca) i Centre Cultural de la Misericòrdia (Palma) “Futbólicos”, Ajuntament de Sineu, Mallorca i Espai Mallorca, Barcelona XIV Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques, Torre de ses Puntes, Manacor, Mallorca “BIPAF”, Busan Internacional print festival, Busan, Cordea XIII Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques, Torre de ses Puntes, Manacor, Mallorca “II Certamen de intervenciones artísticas”, Ajuntament de Navacerrada, Madrid “56 certamen Arte Alavés”, Caja Vital, Vitoria- Gasteiz, Euzkadi “2nd Beijing Internatinal art Biennale”, Museu Monument Mil·lenni, Ministeri de Cultura de la República Popular Xina, Pekín, Xina Bombeo de Amor”, centre d’art W.G. Kunst, Amsterdam, Holanda II Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques, Torre dels Enagistes, Manacor, Mallorca “Somnis i malsons”, Centre Cultural d’Andratx, Mallorca “Mestizos”, Ses Voltes, Ajuntament de Palma, Mallorca XI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques, Torre dels Enagistes, Manacor, Mallorca “Gielniak print competition”, Karkonoskie Museum, Jelenia-Gorá, Polònia 93 2002 2001 2000 94 XII Biennal d’Eivissa Ibizagrafic, Museu d’art contemporani d’Eivissa “Coslart 03”, Sala Margarita Nielken, Ajuntament de Coslada, Madrid “Literal, o tot el contrari”, Celler d’art Sant Marc, Sineu, Mallorca Colección Mardavall, Galeria Lázaro by Corsi, Milà, Itàlia “Íntimo y personal”, mail art, Galeria Antonio Camba, Palma, Mallorca “Diàlegs amb Dionisos”, itinerant, sales de Sa Nostra, Mallorca III exposició donacions d’obra gràfica a la Biblioteca Nacional, Madrid “Panem et circenses”, Lacasadelcactus, Can Gelabert, Binissalem, Mallorca “Mallorca tropical”, Celler d’art Sant Marc, Sineu, Mallorca Biennal “Mediterranea Nº2”, Ministeri d’assumptes exteriors d’Itàlia, Ministeri de Cultura de Croàcia, Conselleria d’Educació i Cultura, Govern Balear, Dubrovnik, Croàcia “Èxit 1”, Casal Balaguer, Palma, Mallorca “Les arts de Sant Marc”, Celler d’art Sant Marc, Sineu, Mallorca “Arxipèlag Cactus”, Festival Isladencanta, Esporles, Mallorca “Espai domèstic”, Sa Quartera centre d’Art, Inca, Mallorca VII Triennal Internacional Majdanek, Museu estatal de Majdanek, Ministeri de Cultura de Polònia, Lublin, Polònia Premi “Ciutat de Palma” Antoni Gelabert de Pintura, Casal Solleric, Palma, Mallorca VII Premi Ciutat de Manacor de Pintura, Torre dels Enagistes, Manacor, Mallorca “Divaneos”, Casal Balaguer, Palma, Mallorca Can Miret, Festival Hibrit-Art, Esporles, Mallorca “New Art” fira d’art, estand Galeria Ferran Cano, 1999 1998 1997 1996 1995 1994 1993 Hotel Sans, Barcelona “Espai Net”, Celler d’art Sant Marc, Sineu, Mallorca Casino d’Alacant “La vulva xilogràfica”, Celler d’art Sant Marc, Sineu, Mallorca Museu del Gravat Espanyol Contemporani de Marbella, Màlaga Galeria Thema, València Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, Palma, Mallorca XXIV Premi Bancaixa, València, Castelló i Alacant (itinerant) Fira Estampa´97, Galeria Sánchez i Juan, Madrid C.I.P.E. 96, Unió Nacional d’escriptors i artistes de Cuba, La Havana, Cuba Sala Purgatori II, València Taller Experimental de Gràfica, La Havana, Cuba Art Jove, Casal Balaguer, Palma, Mallorca Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, Palma, Mallorca III Concurso Internacional de Pintura Fundació Barceló, Palma, Mallorca “Arte y Sida”, Llonja del peix, Ajuntament d’Alacant Col·laboracions 2010 2008/2010 2007 2002 1999 Amb Irene Peukes i Eder Santos, a la presentació de “Guate va vest”. Es Baluard Museu d’art modern i contemporani de Palma Amb Au-ments, a l’obra de dansa “Tales of the body” atrezzo, itinerant per Europa i Amèica Amb Irene Peukes i Julio Fuentes, a la instal·lació “El vestido de mis locuras”. Jam Art Mallorca, fira d’art. Palma Amb Pistolo Eliza, al projecte “Box”, juntament amb Joan Vallespir i Santiago Picatoste. Can Gelabert. Binissalem, Mallorca Amb Andrés Llopís, a la performance “La cara oculta del Pez Luna”. Sala Naraja, València Premis i beques 2009 Menció d’honor al XVI Premi Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques, Manacor, Mallorca 2008 Beca de IASPIS Swedish arts grants committe per a impatir un workshop al Harmaby art port de Estocolm, Suècia 2007 Ajuda a la mobilitat dels creadors de l’AECID, Ministeri d’Assumptes Exteriors d’Espanya per a una estada a la Fundació Insel Hombroich, Neuss, Düsseldorf, Alemanya 2005 1997 1996 1995 Beca Ajudes a la creació Montehermoso, Ajuntament de Vitoria-Gasteiz, Euskadi Estada a la Fundació Starke a Berlín, Alemanya Beca Pilar Juncosa i Sotheby’s per als Tallers Miró, Palma, Mallorca Beca del Frans Masereel centrum de Bèlgica, per als seus tallers de gràfica Beca de viatge del Ministeri de Cultura Espanyol, convidat pel “Taller Experimental de Gráfica” i el Taller René Portocarrero a La Havana, Cuba 1993 Beca Pilar Juncosa i Sotheby’s per als Tallers Miró, Palma, Mallorca 1988 Beca d’ajuda a la creativitat i a les iniciatives culturals, Universitat Literària de València Consell de Mallorca Taller Experimental de Gráfica, La Havana, Cuba. Taller René Portocarrero, La Havana, Cuba Ajuntament de Sineu, Mallorca Ajuntament de Manacor, Mallorca Museu i fons artístic de Porreres, Mallorca Museu Posada de Biniatró, Campanet, Mallorca Museo de los ángeles, Turégano, Segòvia Facultat de Belles Arts de Sant Carles, València Centre Eusebio Sempere d’art i comunicació visual, Diputació d’Alacant Frans Masereel centrum, Kasterlee, Bèlgica Unió Nacional d’escriptors i artistes de Cuba, La Havana, Cuba Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, Palma, Mallorca Biblioteca Nacional, Madrid Royal Museum of Fine Arts, Amberes, Bèlgica State Museum at Majdanek, Lublin, Polònia Fundació Insel Hombroich, Neuss, Düsseldorf, Alemanya Obra a museus i col·leccions Galeria SKL, Palma, Mallorca Galeria Ferran Cano, Palma, Mallorca Galeria Xavier Fiol, Palma, Mallorca Col·lecció La fàbrica de licors arts visuals, 95 Traduccions al castellà 97 Art emergent a les Illes Balears (IV) Gómezdelacuesta DIEZ AÑOS (DIEZ) DE EMERGENCIA EN BALEARES (2001-2010). Les connotacions semàntiques del terme emergent, a més d’evocar el concepte de novetat, posen allò recent en contacte amb una tradició, més o manco propera: una base des de la qual s’emergeix, establint amb ella una relació de continuïtat o ruptura.1 E l ser humano es binario en esencia, no hay duda, pero justo después del si y del no, del uno y del cero, tendemos a lo decimal, a juntarlo todo en grupos de diez, a numerar cualquier cosa mientras empleamos con soltura muchos de sus infinitos múltiplos y algunos de sus inabarcables divisores. Somos buscadores insaciables de decálogos, decaloguistas natos que vamos transitando, viajando, entre los diez mandamientos, los diez mejores destinos para unas vacaciones de ensueño, el sistema de puntuación con el que nos evalúan desde niños o algunos de aquellos decatlones atléticos que nunca conseguiremos culminar. Somos proclives a la decena, a la década, y lo somos porque nos resulta familiar, porque nos completa, porque nos ordena, porque nos equilibra y porque nos sosiega en medio de este caos contemporáneo que, para nuestra desgracia, casi siempre consigue desbordarnos. En el seno de esta vorágine los historiadores buscamos cierto orden, y el orden, a veces, tiende al número diez. Por eso, llegados a un año tan paradigmático como éste en el que nos encontramos, no nos debe resultar extraño que tratemos de organizar nuestro presente –y un pasado tan reciente que aun lo recordamos con precisión– en base a los diez años de arte emergente que acabamos de vivir. Diez años que han venido acompañados, casi desde el principio, por estas propuestas de “Art emergent” auspiciadas por el Projecte Llevant y que nos sirven, ahora, de hilo conductor para 1 tratar de contar lo que ha sido esta década prodigiosa de emergencia artística balear. Unos creadores, lugares y años que, en continua evolución, han sentado las bases del desarrollo plástico, del arte más actual, que se ha realizado en nuestras queridas islas. Y es precisamente por ese ánimo escrutador, clasificador –de historiador– por el que simplificamos, quizás facilitamos, una evolución de diez años dividida en diez epígrafes que, sin ánimo de ser absolutamente exhaustivos, se plantean con la voluntad de que su contenido se constituya en una ajustada muestra de lo que ha sido el arte nuevo de esta comunidad. Diez notas sencillas que dan expresión de multitud de proyectos, de nombres que entran y que salen, que vienen y que van, de ilusiones, intenciones, talentos, ambiciones y deseos, pero que juntos han ido creando el contenido, más o menos afortunado, acertado, trasgresor o relevante, del arte emergente de las Islas Baleares en esta primera década del siglo XXI. 1. “…en projecte” 1992-2007. Un precursor singular, un colaborador necesario. Quizás lo que más llama la atención, a priori, de este ciclo de exposiciones titulado “…en projecte” y desarrollado por Joan Carles Gomis para la Torre de ses Puntes de Manacor, sea el nacimiento tan temprano de la propuesta. Efectivamente, la primera convocatoria data de 1992 y en el texto que acompaña Carme Castells, “Art emergent a les Illes Balears”, texto recogido en el catálogo Art emergent a les Illes Balears (I), Projecte Llevant, Manacor, 2002, p. 5. 99 al desplegable que le da difusión ya se señalaban de manera clara y concisa los valores que inspirarían su planteamiento inicial, unos parámetros que han seguido alimentando este proyecto durante sus más de quince años de actividad: Pensam que un dels objectius d’un espai de les característiques del nostre, al marge d’oferir al públic l’obra d’artistes de vàlua reconeguda, ha de ser el d’estimular el treball dels joves creadors i fer possible, d’una manera proporcional al seu esforç, que la seva obra pugui ser coneguda. Estam convençuts que la interacció que resulti del contacte de llur obra amb el públic –experiència inèdita per a alguns d’ells– incidirà positivament sobre el desenvolupament posterior del seu treball.2 Centrándonos en el período de tiempo que hemos delimitado y en los alrededores cronológicos de los que trae causa, la segunda cuestión que sorprende es la premonitora nómina de artistas que han frecuentado las diferentes convocatorias de este ciclo de exposiciones. Especialmente significativa y precursora fue “…en projecte (III)” (1996) donde artistas como Joan Miquel Arrom “Sasai” (Palma, 1970) que anticipaba con esta participación su posterior selección en “Art emergent (II)” (2003), el escultor Jeroni Bosch (Manacor, 1975) o la que ha resultado ser una de las trayectorias más consolidadas del arte contemporáneo balear, Ricard Chiang (Barcelona, 1966), se dieron cita junto a Tomeu Estelrich (S’Alqueria Blanca, 1968), Adolf Gil (Muro, 1970) y Catalina Julve (Manacor, 1972), para configurar una propuesta que demostraba el buen criterio del equipo encargado de la selección de los participantes. No fue hasta pasados tres años cuando se reanudó la convocatoria de “…en projecte”, siguiendo su actividad anualmente y sin interrupciones hasta la última edición celebrada en 2007. En las sucesivas exposiciones se congregó un completo grupo de creadores entre los que cabe mencionar a Ramon Company (Alcúdia, 1973) en “…en projecte (IV)” (1999); participantes en sucesivas ediciones de “Art emergent” como Jaume Canet (Felanitx, 1966), Marian F. Moratinos (Palma, 1973), 2 100 “…en projecte I”, Torre de ses Puntes, Ajuntament de Manacor, Manacor, 1992. Rafel Perelló (Manacor, 1963), Joan Serra (Manacor, 1973) o Joan Servera “Peix” (Artà, 1971) en “…en projecte (V)” (2000); los también seleccionados para “Art emergent” Paco Espinosa (Palma, 1969) y Joan Vallespir (Inca, 1969) en “…en projecte (VI)” (2001), Astrid Colomar (Palma, 1970) en “…en projecte (VII)” (2002), Jaume Fullana (Palma, 1963) y Amparo Sard (Son Servera, 1973) en “…en projecte (VIII)” (2003), o Maria Antònia Mir (Sa Pobla, 1977) y Ginés Quiñonero (Palma, 1971) en “…en projecte (IX)” (2004). Una coincidencia entre ambos eventos, “Art emergent” y “… en projecte”, que, obviamente, no es casual. Es precisamente en este “…en projecte (IX)” de 2004 cuando aparece la primera artista que forma parte de la selección de la exposición que da origen al presente catálogo: “Art emergent a les Illes Balears (IV)”. Se trata de la creadora de origen colombiano María Isabel Uribe (Neiva, Huila, Colombia, 1969), mientras que, junto a ella, van compareciendo también Yolanda Adrover (Felanitx, 1977), Paz Alcoverro (Barcelona, 1969) y Julia García (Albacete, 1968) en “…en projecte (XI)” (2006), o Joan Cabrer (Palma, 1983) y Miquel Mesquida (Manacor, 1954) en “…en projecte (XII)”, una última cita de este longevo ciclo que culminó en el año 2007. Unos caminos paralelos, los de estas peculiares propuestas, llenos de retroalimentaciones y de puntos en común que consolidan a “…en projecte” no sólo como un singular antecedente sino también como un colaborador necesario de unos itinerarios que terminarán confirmándose en las sucesivas convocatorias de “Art emergent”. 2. Recogiendo la emergencia antes de “Art emergent”. Antes de que el proyecto “Art emergent” viniera a ocupar de una forma estable, programada y coordinada el espacio de selección y difusión de las propuestas emergentes de las Baleares, se habían sucedido una serie de exposiciones que consiguieron dar cabida a las creaciones de ese conjunto de artistas que por edad, maneras y contenidos, podríamos encuadrar en la ambigua, amplia y heterogénea categoría de lo emergente. Hablamos, por ejemplo, de algunas muestras colectivas organizadas por el Govern Balear e inauguradas durante el año 1999, como son “Pittura Giovane Balear” presentada en la Galleria Contemporanea A. Sangallo de Loreto, Italia. En esta muestra, entre los representantes de menor edad, hallamos a los ya mencionados: Joan Miquel Arrom “Sasai”, Ramon Company, Marian Moratinos, Adolf Gil o Joan Vallespir, así como, entre otros, a algunos de los participantes en diferentes convocatorias de “… en projecte” o de “Art emergent”: Xavier Andreu (Inca, 1973), Martí Antoni Monjo (Maria de la Salut, 1972) o Bartomeu Pons (Campanet, 1973). También en 1999 se celebró “29 artistes a Menorca” con la inclusión de los “emergentes” Paca Florit (Ciutadella, 1974) y Carles Moll (Maó, 1969); mientras que esta visión parcial del archipiélago terminó de conformarse, unos años después, gracias a la muestra producida por el Museu d’Art Contemporani d’Eivissa titulada “Hic et nunc. Actuals a les Pitiüses” (2002) que congregó, entre sus ocho participantes, una interesante representación de artistas nacidos en la década de los sesenta y vinculados, de una manera u otra, a las Pitiusas, estos eran: Maria Catalán (Castellón, 1961), Enric Riera (Formentera, 1963), Rom Ero (Granada, 1960), Paco Romero (Eivissa, 1966) y el participante en “Art emergent (III)” Mario de Ayguavives (Zaragoza, 1968). En el año 2000, organizada por Edicions 6a y Sa Nostra, se realizó la edición gráfica y posterior exposición titulada “7i7”, una muestra que se encargó de recoger cierta representación de la emergencia de nuestra comunidad mediante unas litografías de artistas jóvenes que se mezclaban con los versos de algunos poetas jóvenes también. Aquí compareció la obra de los citados Paco Espinosa, Paca Florit, Marian Moratinos y Joan Vallespir, a los que se les unieron la mallorquina actualmente afincada en Galicia Aina Noguera, el ibicenco Pep Tur y el integrante del posterior “…en projecte (VII)” (2002) Santiago Picatoste (Palma, 1971). Pero posiblemente la propuesta que más se acercó a algunas de las premisas que luego rigieron “Art emergent” fue la serie de dos exposiciones organizadas por el Ajuntament de Palma en los años 2000 y 2001 y que serían presentadas en el céntrico espacio del Casal Balaguer. “Exit 1” y “Exit 2”, nombre que recibieron cada una de las convocatorias, recogieron, mediante una adecuada selección por parte de la comisaria Neus Cortés, gran parte de los nombres que ya protagonizaban el arte balear más joven y moderno y que, en muchos casos, todavía hoy siguen protagonizándolo: Cati Aguiló (Palma, 1970), “Sasai”, Xisco Bonnín (Palma, 1967), Biel Bover (Palma, 1962), Paco Espinosa, Mercedes Estarellas (Palma, 1972), José Fabré (Palma, 1961), Jaume Fullana, Carles Gispert (Palma, 1969), Iván de Lucas (Madrid, 1962), Rosa Mascaró (Manacor, 1961), Marga Nicolau (Palma, 1964), Kiko Palmer (Palma, 1968), Gabriel Pereiro (Palma, 1975), Santiago Picatoste, Néstor Romero (Granada, 1970), Tatiana Sarasa (Barcelona, 1966), Joan Vallespir, Gori Vicens (Palma, 1968) y el participante en esta cuarta convocatoria de “Art emergent”, Marcos Vidal (Vitoria, 1967), terminaron de completar una visión previa y suficientemente amplia del panorama emergente balear para este inicio de siglo. 3. “Art emergent (I), (II) y (III)”. Una primera y acertada trilogía. Es en el año 2002 cuando llega la primera convocatoria de “Art emergent”, una propuesta a la que siguieron, sin solución de continuidad, año tras año, otras dos exposiciones más, constituyendo una afortunada trilogía donde fueron todos los que están, aunque lógicamente no estuvieron todos los que eran –siempre hay alguna ausencia que este “Art emergent (IV)” y las próximas citas “emergentes” tratarán de subsanar–. Si se mira con cierta perspectiva, ya casi histórica, los itinerarios por los que se han desenvuelto cada uno de los artistas que han participado en estas tres primeras convocatorias, veremos caminos dispares, algunos de ellos públicos, notorios y plenamente consolidados, otros de recorrido más difícil, casi todos de cierto interés. El tiempo ha dado, en la mayoría de los casos, la razón a los comisarios del proyecto –Joan Carles Gomis en la primera convocatoria y Maria Antònia Artigues para las dos siguientes– demostrando que la elección de los creadores se hizo con buen criterio. Acompañando las piezas de los treinta y un artistas seleccionados se despliega todo el desarrollo crítico de los documentados y oportunos textos realizados por 101 Carme Castells para los catálogos que recogen cada una de estas tres primeras exposiciones. Unos textos que apoyan y completan el proyecto de una manera tan generosa que nos servirán para entender, a la perfección, el concepto y el desarrollo de unas propuestas de las que aquí, simplemente, enumeraremos a todos sus participantes. Así, en “Art emergent a les Illes Balears (I)” (2002), nos encontramos con Astrid Colomar, Rafel Adrover (Palma, 1969), Amparo Sard, Paco Espinosa, Joan Serra, Marian Femenías Moratinos, Joan Servera “Peix”, Pedro Oliver (Palma, 1968), Yolanda Montesa (Eivissa, 1973) y Paca Florit; en “Art emergent a les Illes Balears (II)” (2003) comparecen Jaume Canet, Carles Moll, Martí Antoni Monjo en colaboración con Ana Camuñas (Villafranca de los Caballeros, Toledo, 1975), Rafel Perelló, Aina Perelló (Pollença, 1976), Blanca Pérez-Portabella (Barcelona, 1973), Eliana Perinat (París, 1965), Joan Miquel Arrom “Sasai”, Fabián Schalekamp (Palma, 1964) y Joan Vallespir; mientras que en “Art emergent a les Illes Balears (III)” (2004) hallamos las contribuciones del residente en Ibiza Mario de Ayguavives, Rafel Bestard (Palma, 1967), Mercedes Estarellas, Jaume Fullana, Carles Gispert, Núria Marquès (Ciutadella, 1975), Maria Antònia Mir Sastre, Ginés Quiñonero, Pedro Vidal (Palma, 1968) y Guillem Santandreu (Manacor, 1965) que, curiosamente, ya estuvo presente en la segunda convocatoria de “…en projecte”, allá por 1994. 4. Projecte Llevant, Projecte Torre y Projecte Triangle. Pero obviamente el Projecte Llevant no se reduce tan sólo a estas convocatorias de “Art emergent”. Projecte Llevant es una idea de colaboración que aúna y coordina los esfuerzos de muchas instituciones isleñas que, en función de la propuesta concreta, van variando y entre las que se encuentran los ayuntamientos de Binissalem, Capdepera, Felanitx, Inca, Manacor, Marratxí, Palma, Porreres, Santanyí, Sant Llorenç des Cardassar o Sa Pobla, el Govern de les Illes Balears, el Consell de Mallorca, Sa Nostra, el Espai Mallorca, el Museu d’Art contemporani d’Eivissa o el Museu de Menorca. Una dilatada trayectoria de proyectos que se inició en 1999 con “Itineraris damunt paper. El dibuix a la plàstica contemporània a Mallorca”, a la 102 que sucedieron “Fotografía contemporània a Mallorca” (2000), “Actituds tangencials” (2000), “Erotisme a la plàstica contemporània a les Illes Balears” (2001) – donde volvemos a encontrar a Ricard Chiang–, los tres mencionados ciclos de “Art emergent” (2002, 2003 y 2004), “Escultura contemporània a les Illes Balears” (2005) en la que comparecen, refiriéndonos a los emergentes, Jeroni Bosch, Jaume Canet, Jaume Fullana o Carles Gispert, “Historietes. El còmic a les Illes Balears” (2006), “Ceràmica contemporània a les Illes Balears” (2007) y “Cadàver exquisit” (2008) con, entre otros, Astrid Colomar, Marian F. Moratinos, Paca Florit, Maria Antònia Mir, Rafel Perelló, Amparo Sard y Pep Guerrero (Port de Sóller, 1966), así como un curioso y apropiado texto del joven crítico y comisario Pau Waelder (Palma, 1974). Una serie de propuestas que ahora se completan con este “Art emergent (IV)” del que el presente catálogo trae causa. Projecte Torre es, en realidad, el nombre que se da a todas las exposiciones producidas desde la Torre de ses Puntes, normalmente encaminadas a realizar revisiones individuales y concretas de artistas emergentes –aunque no siempre– a partir del momento en que éstas empiezan a itinerar por otros municipios distintos a Manacor, lugar donde radica el mencionado centro expositivo. La primera muestra de este ciclo fue la realizada por Ricard Chiang en 1997. Unas exposiciones que se organizaban, producían y financiaban desde Manacor, con la ayuda del propio Ayuntamiento, del Consell de Mallorca y de SA NOSTRA, y que se cedían gratuitamente a otros espacios destinados a la exhibición de arte contemporáneo, siendo recogidos en unos catálogos de diseño homogéneo que funcionan a la manera de colección. A los efectos que nos ocupan destacan, entre la gran cantidad de propuestas realizadas al amparo de este proyecto, las exposiciones de Marian F. Moratinos (2001), Rafel Perelló (2001), Guillem Santandreu (2002), Fabián Schalekamp (2003), Astrid Colomar (2003), Maria Antònia Mir (2004), Pedro Oliver (2005), Pedro Vidal (2005), Rafel Bestard (2006) o Jaume Fullana (2008), año en el que también tiene lugar, dentro de la programación de Projecte Torre, la muestra retrospectiva “Déjà vu 1998- 2008” de la artista Paz Alcoverro, seleccionada para este “Art emergent (IV)”. El Projecte Triangle, a su vez, es una derivación reciente del Projecte Torre. Son producciones realizadas a tres bandas entre los ayuntamientos de Manacor, Felanitx y Capdepera, de las que se han realizado dos ciclos completos, donde cada municipio se encarga de proponer a un artista. La primera convocatoria organizó exposiciones individuales a Mateu Estarellas (Cala Rajada, 1970), Jaume Fullana y Yolanda Adrover, mientras que la segunda reunió a Pere Bennàssar (Felanitx, 1963), Marcos Vidal y Antonia del Río (Capdepera, 1983). Unas propuestas, todas ellas, que intentan mantener el concepto general y el formato de catálogo de las muestras que se realizaron bajo la coordinación del Projecte Torre. (mención de honor en escultura 2001), Jaume Simó Sabater (tercer premio en 1996 y primer premio en 2002 en la categoría de escultura), Yolanda Adrover (primer premio de escultura en 2002), Mitos Colom (primer premio de fotografía y mención de honor de pintura en 2002), Aina Perelló (ganadora del certamen de 2003 ya bajo el epígrafe genérico de artes visuales), la menorquina Núria Marquès (vencedora en 2004), el ibicenco Santiago Vich (triunfador en 2005), el valenciano Robert Ferrer (galardonado en 2008), así como la nueva savia de nacidos en los años ochenta: Onofre Caldentey, Neus Marroig y Enric Socias (primer premio y menciones especiales de 2006), el ganador del certamen de 2007, Albert Pinya, la segunda clasificada, la ibicenca Sara Tur, y, por último, Lara Fluxà y Joan Cabrer, segundo y tercer premio respectivamente de la convocatoria de 2008. 5. Los premios Art Jove, dando visibilidad a la cantera, y una breve mención de los proyectos “RetroActiva” y “Praxis”. En un intento de aprovechar esta selección de artistas, normalmente oportuna, que los propios premios iba deparando, surgió “RetroActiva”, una propuesta que se configuró a la manera de una singular retrospectiva de Art Jove realizada desde un punto de vista algo diferente. Una iniciativa nacida en 2008 que impulsa, desde el campo institucional, intervenciones del arte más actual por las calles de Palma. Cinco instalaciones en cada ciclo, con sede en un contexto urbano, que tienen como objetivo incitar y excitar el diálogo espontáneo entre la creación contemporánea y los ciudadanos. Los primeros artistas seleccionados, entre todos los ganadores y menciones especiales de los premios, fueron Yolanda Adrover, Carles Gispert, Núria Marquès, Jaume Simó Sabater y Enric Socias (Palma, 1981). La segunda convocatoria se ha celebrado recientemente, en septiembre de 2010, y los elegidos para producir una instalación en una calle de Palma escogida por ellos mismos son: Mitos Colom (Palma, 1977), Pep Guerrero, Neus Marroig (Sóller, 1982), Marian F. Moratinos y Aina Perelló. “RetroActiva” cuenta con la peculiaridad, además, de ser una propuesta que se añade al programa de la prestigiosa Nit de l’Art palmesana, un evento promovido por las asociaciones de galerías de Mallorca que cuenta con el apoyo de las instituciones de las Islas Baleares y en el que la participación del espectador cobra especial Los Premios Art Jove, promovidos por el Govern de les Illes Balears, nacieron en 1994 con la clara vocación de incentivar y difundir las propuestas de los creadores más jóvenes de nuestra comunidad. Un certamen que lo fue de artes plásticas hasta el año 2002 –pintura y escultura dando cabida también a las instalaciones– pasando a la denominación más amplia de artes visuales a partir de 2003. En la nómina de ganadores volvemos a encontrar muchos de los nombres que han dado forma al arte emergente balear durante esta década que estamos tratando, artistas citados repetidamente en este texto como, entre otros muchos, Ramon Company (ganador del Art Jove de pintura en 1995 y de la modalidad de escultura en 1998), Pep Guerrero (vencedor del certamen de escultura en 1996), Joan Vallespir (de la convocatoria de pintura en 1997), Carles Gispert (primer premio de escultura en 1997 y tercer premio en 1999), Marian F. Moratinos (segundo premio de pintura en 1998), Cati Aguiló (segundo premio de escultura en 1999), Joan Servera “Peix” (ganador del certamen de pintura en 2001), Blanca Pérez-Portabella (vencedora de la modalidad de escultura en 2001), Cecilia Segura 103 relevancia, un marco idóneo para los planteamientos que caracterizan a “RetroActiva”. Cabe citar, aunque de manera algo sucinta, la propuesta auspiciada también por el Govern Balear que recibe el nombre de “Praxis”, una convocatoria que surge con la idea de fomentar la creación entre los artistas más jóvenes de las islas, recién licenciados en Bellas Artes en alguna facultad española, y que, justo en este momento, comienzan su carrera profesional dentro del mundo de la plástica. La primera exposición, celebrada en 2009, se tituló “PraxisMMIX” y reunió alguno de los nombres que empiezan a sonar en el competitivo campo del arte contemporáneo balear: Joan Cabrer, Lara Fluxà (Palma, 1985) o Bartomeu Sastre (Palma, 1986); mientras que para “PraxisMMX”, la segunda muestra de este ciclo que tuvo lugar en septiembre de 2010, se seleccionó, entre otros, a Joana Esteve (Muro, 1987), Alelí Mirelman (Palma, 1987) y Jaume Orejuela (Pollença, 1981). 6. Otros certámenes de artes plásticas, no específicamente jóvenes, que premian y consolidan planteamientos emergentes. Sin duda el certamen más importante de artes plásticas de Baleares, tanto en prestigio como en dotación, es el premio Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” d’Arts Plàstiques, una convocatoria que ha marcado la pauta de calidad de los concursos de arte contemporáneo en nuestra comunidad y, como no podía ser de otro modo, se ha convertido en uno de los legitimadores más contrastados para las propuestas de carácter emergente. Su nómina de galardonados y seleccionados es amplia, aunque acercándonos a la década y al tema que nos ocupa, parece necesario mencionar, por lo menos, a algunos de los emergentes más reconocidos que han obtenido alguna distinción en el certamen. Así cabe recordar que Martí Antoni Monjo ganó en 1997, que Amparo Sard lo hizo en 1999, que Rafel Perelló se alzó con el triunfo en 2002, que Joan Morey (Sant Llorenç des Cardassar, 1972) se adjudicó la convocatoria de 2003, que Núria Marquès y Rafel Bestard fueron mención de honor en 2004 y 2007 respectivamente, o que Cecilia Segura recibió un 104 accésit en la cita de 2008; todos ellos acompañan en el palmarés a dos representantes de este “Art emergent (IV)”: Paz Alcoverro, ganadora en 2008, y José Ángel Sintes (Alaior, 1978) primer premio de 2009. Otro concurso de dilatada y consolidada trayectoria es el Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques que, desde 1994, viene dando una expresión del arte más actual a partir de su selección de finalistas. Por limitar el enunciado a los certámenes del 2000 en adelante, diremos que Rafel Perelló lo ganó en ese mismo año, Rafel Adrover lo hizo en 2002, Pep Guerrero en 2003, Maria Antònia Mir en 2005, Aina Perelló en 2006, Rafel Bestard en 2007, y Yolanda Adrover y Joan Cabrer, participantes en el presente “Art emergent (IV)”, lo lograron en 2009 y 2010 respectivamente. También es importante remarcar la calidad y longevidad del afamado Certamen Internacional d’Arts Plàstiques de Pollença que, en el presente año, ha cumplido su edición número XLVII y que ha contado entre los seleccionados en sus diferentes convocatorias con obras de Aina Perelló, Núria Marquès o Gabriel Pericàs (Palma, 1988). Otros premios dignos de mención son el Certamen Interncional d’Arts Plàstiques Vila de Binissalem, ganado por Maria Antònia Mir en 2006, por María Isabel Uribe en 2007 y en el que Joan Servera “Peix” obtuvo el tercer puesto en 2008; el Certamen d’Arts Plàstiques Rei en Jaume de Calvià, obtenido por Mitos Colom en 2007, Isabel de Castro Jung (Palma, 1976) en 2008, Robert Ferrer en 2009 y Neus Marroig en este 2010; o el Certamen de Pintura de Sant Marçal en Marratxí, ganado en 2009 por Mònica Fuster (Palma, 1967) y en 2010 por Joan Vallespir. 7. Galerías sensibles al arte emergente. El proyecto Noves Presències y Art Palma Project. Una de las características más sorprendentes de la ciudad de Palma y, por extensión, de la isla de Mallorca, es su extraordinaria densidad de espacios expositivos consagrados al arte contemporáneo, seguramente al mismo nivel que algunas de las grandes capitales europeas. Un abanico de posibilidades tan extenso que facilita que los creadores –los que aquí residen y los que vienen atraídos por el efecto llamada que genera esta singular “tierra de oportunidades”– dispongan de multitud de opciones para que sus propuestas vayan viendo la luz, incluso, y dependiendo del artista, con cierta regularidad; una abundancia que desgraciadamente no ha tenido el mismo ratio de cobertura para el resto de nuestras islas, quedando Menorca e Ibiza atendidas de una manera bastante desigual. Centrándonos ya en el ámbito de las galerías comerciales –en el sector privado– se puede decir que hay un potente grupo de espacios plenamente consolidados, de dilatada y solvente trayectoria, que encaminan su itinerario por la senda del arte actual, sin apenas fisuras, aunque, por supuesto, ponderado por el gusto de aquellos que dirigen sus designios. Muchas de estas galerías, de calidad más que contrastada, han realizado una apuesta decidida por el arte emergente de nuestra comunidad, una labor necesaria para terminar de afianzar los caminos de unos creadores, cada vez más consolidados, mientras van poniendo a prueba sus obras ante ese juez despiadado que es el mercado. Dentro de este primer y selecto grupo de galerías cabe destacar la tarea continua y estimulante de la Ferran Cano –tanto en su sala de Ciutat, en pleno casco antiguo, como en su celebrado espacio de Barcelona– una línea expositiva que siempre va en beneficio de las propuestas más emergentes y, sobre todo, arriesgadas. Limitándonos a la galería de Palma y a esta década que nos ocupa, la relación de exposiciones es amplia, Pep Guerrero en 2001, 2005, 2008 y 2009, Pedro Oliver en 2003 y 2008, Amparo Sard en 20033 y 2007, Yolanda Adrover en 2005 y, entre otros, Julia García en 20064. Pelaires, con más de 40 años de galerismo a sus espaldas, no descarta las propuestas emergentes y ha dado su apoyo, últimamente, a artistas como Natxo Frisuelos (Palma, 1976), Guillermo Rubí (Palma, 1971) y Blanca Pérez-Portabella; ésta última también expuso5 en la Galería Horrach Moyà donde, precisamente, comparecen Susy Gómez (Pollença, 1965), Joan Morey o Jaume Simó Sabater. En los dos espacios de la Maior –Palma y Pollença– han mostrado su obra Cati Aguiló6, Joan Cortés (Pollença, 1964), Mónica Fuster, Núria Marquès o Aina Perelló7; mientras que la Galería Xavier Fiol ha dedicado alguna de sus exposiciones a Marta Blasco (Manises, Valencia, 1974), Xisco Bonnín8, Ricard Chiang, Mercedes Estarellas9, Santiago Picatoste o Concha Vidal (Palma, 1975). El segundo conjunto de galerías insertas en el seno de la generosa oferta mallorquina de salas comerciales, podría ser definido como un grupo de espacios que, en sí mismos, pueden ser considerados emergentes, una serie de proyectos, prácticamente todos de nacimiento reciente, que tienen una sensibilidad casi exclusiva para programar propuestas de arte joven y actual. Entre ellos hay que mencionar la interesante trayectoria de ABA Art Contemporani con muestras tan significativas para la emergencia balear como son las de Toni Amengual (Palma, 1980), Isabel Ferrer Tapia (Palma, 1973), Harold Jiménez (Cali, Colombia, 1972)10 o María Isabel Uribe; también La Caja Blanca con Kira Ball (Palma, 1976)11, Mitos Colom12, Bárbara Juan (Palma, 1965) o Marian F. Moratinos; así como SKyistheLimit donde destacan Diana Coca (Palma, 1977)13, Magdalena Ferragut (Palma, 1979)14, Susana Muñiz (Madrid, 1967), Nano Valdés (Palma, 1969) y Marcos Vidal. También es importante citar la labor de otro tipo de espacios, con algunas peculiaridades distintivas, como son Addaya Centre d’Art Contemporani, que maneja una interesante y profusa nómina de artistas extraordinariamente jóvenes –Joan Exposición realizada dentro del programa Noves Presències auspiciado por el Consell de Mallorca. Exposición realizada gracias a la beca Art Palma Project promovida por la asociación de galeristas Art Palma y apoyada por el Govern de les Illes Balears, el Consell de Mallorca y el Ajuntament de Palma. 5 Dentro del programa Noves Presències 2003. 6 Dentro del programa Noves Presències 2002. 7 Su primera individual en esta galería fue en el marco del programa Noves Presències en 2002. 8 Dentro del programa Noves Presències 2003. 9 Dentro del programa Noves Presències 2002. 10 Su primera individual en esta galería fue en el marco del programa Noves Presències en 2005. 11 Con una primera individual en el marco delprograma Noves Presències 2009. 12 Su primera individual en esta galería fue en el marco del programa Noves Presències en 2007. 13 Aunque su primera exposición individual en galeria comercial fue en La Caja Blanca dentro del marco del programa Noves Presències 2006. 14 Dentro del programa Noves Presències 2007. 3 4 105 Ávila (Palma, 1980), Arantxa Boyero (Palma, 1982), Jaume Orejuela o Julià Panades (Palma, 1981)15– junto a otros con una trayectoria algo más dilatada –Yolanda Adrover, Paz Alcoverro, Robert Ferrer, Tomeu Simonet “Gorriomoixa” (Alarò, 1973) o Joan Vallespir–. En el caso del Centre d’Art la Real la lista incluye a Javier Cadavieco (Palma, 1978)16 y Bárbara Vidal (Palma, 1979), mientras que las propuestas sugerentemente alternativas de Intersecció Art han sido frecuentadas por creadores como Onofre Caldentey (Palma, 1980), Neus Marroig, Víctor Moragues (Palma, 1978), Maria Simón Masip (Palma, 1983), Enric Socias o Evarist Torres (Eivissa, 1970). Quizás una de las propuestas que ha servido de más ayuda en las carreras de los artistas implicados y cuya repercusión mediática ha sido mayor, es el mencionado programa Noves Presències, una colaboración entre las galerías mallorquinas y el Consell de Mallorca que incluye una serie de ayudas económicas y adquisición de obra a favor de creadores a los que se les organiza una primera exposición individual en un espacio comercial. El proyecto, nacido en 2002, contó en principio con la colaboración de todas las galerías asociadas de la isla, pero a partir de la convocatoria de 2005 el colectivo Art Palma –que había nacido de una escisión, un año antes, de la Associació Independent de Galeries d’Art de Balears, AIGAB– se desmarcó de la convocatoria, dejando a los miembros de esta última agrupación como únicos integrantes de la cita. Un ciclo de exposiciones anual que, desde hace un tiempo y al margen de la muestra individual que cada espacio organiza para cada uno de sus artistas noveles, culmina con una colectiva en el Centre Cultural de la Misericòrdia de Palma en el seno de los actos de la, cada vez más multitudinaria, Nit de l’Art. A parte de las exposiciones que ya se han señalado en los dos párrafos que preceden a éste, creemos de utilidad citar las siguientes: en el 2002, la de Marian F. Moratinos en la Bennàssar de Pollença, Catalina Julve en la Quàsars de Manacor y la de Marcelo Víquez (Montevideo, Uruguay, 1971) en la desaparecida Galería Mediterrània; en 2003, Pedro Vidal en la Joan Guaita Art, Isabel Ferrer Tapia para la Galería Camba, Astrid Colomar en Altair o Joan Àvila, también para 15 106 16 Con una primera individual en el marco del programa Noves Presències 2009. Con una primera individual en el marco del programa Noves Presències 2008. la Mediterrània; en 2004, Mateu Estarellas en la Bennàssar, José Hevia (Palma, 1976) en ABA Art o Tomeu Simonet “Gorriomoixa” en la desaparecida Lebasi; en 2005 José Juan Gonzálvez (Palma, 1973) en el Centre Cultural Asbaek d’Andratx; en 2007 –tras la suspensión del programa durante todo el 2006– Joan Cabrer en la Galería Joan Oliver “Maneu”, Robert Ferrer en la Mediterrània e Isabel Serra (Inca, 1981) en Can Janer; y en las convocatorias de 2008 y 2009 respectivamente: Sylvia Wolterman (Stadsknaal, Holanda, 1978) y Camila Puls (Palma, 1980) ambas para el Centre Cultural Asbaek d’Andratx. Fue en 2005 –año en que la asociación de galeristas Art Palma dejó de participar en el proyecto Noves Presències– cuando se constituyó el llamado Art Palma Project, una propuesta de la Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears –AAVIB– y de la mencionada agrupación de espacios privados, que contaba con el apoyo del Govern, del Ajuntament de Palma y del Consell de Mallorca. Un premio que consistía en la organización de una exposición individual al año en una de las galerías pertenecientes a Art Palma de uno de los artistas emergentes afiliados al citado colectivo, elegido, lógicamente, por un jurado designado a tal efecto. El proyecto se inauguró con la interesante propuesta de José Antonio Troya (Logroño, 1967) que tuvo como ilustre sede la Galería Pelaires. El año siguiente la triunfadora fue Julia García y su “El hombre pulmón”, una exposición en la Galería Ferran Cano que se convirtió en una exquisita y ajustada muestra de algunos de los argumentos y de las delicadas formas que frecuenta esta artista. 8. Desde la escena alternativa: La casa del cactus, La fàbrica de licors, La resistencia de l’art, Visionaris y las publicaciones independientes. Cualquier ecosistema de creación contemporánea que se precie siempre debe tener su cuota de alternatividad, un escenario de sana independencia que dé cabida a aquellas propuestas que, por concepto o por riesgo, todavía se encuentran al margen de las instituciones y del mercado, unos estamentos que habitualmente prefieren el control a la incertidumbre. Este canal alternativo se convierte en una vía para albergar y difundir los proyectos menos comerciales, más osados, críticos, experimentales –¿quizás más emergentes?– con la libertad algo matizada que suelen mantener la mayoría de estos colectivos. Propuestas que orbitando alrededor de los caminos establecidos, a mayor o menor distancia, intentan expandir iniciativas que tienen una salida más compleja en el difícil circuito del arte. Estas organizaciones cubren un espectro muy necesario para la promoción de las plásticas, encargándose de dar cobijo a contenidos de un tenor más singular en el seno de unos espacios algo diferentes, unos colectivos de virtudes claras pero con una serie de problemas recurrentes que suelen generar una existencia compleja y, casi siempre, limitada en el tiempo; una suerte de patologías comunes que acaban afectando a un canal de emisión creado por amor al arte pero que termina modificado, casi siempre perjudicado, por cuestiones completamente terrenales. Y es que estas iniciativas suelen proceder del empuje de un grupo concreto de personas en confluencia momentánea de voluntades e intereses, aficionados, profesionales de sectores afines –o no tanto– que a la misma velocidad que agotan su ilusión, fuerzas o dinero, van perdiendo el fuelle necesario para mantener el empuje del proyecto. Estos colectivos viven del ánimo de sus socios y, por este preciso motivo, suelen caminar a una velocidad inconstante, desapareciendo y rebrotando, mientras van variando su composición humana y, con ello, las sensibilidades en la selección, producción y difusión de sus propuestas, configurando un panorama difuso donde los criterios que asumen pueden parecer algo irregulares. Pero el problema fundamental, como casi todo en esta vida, es de financiación. Infraestructuras y proyectos requieren inexcusablemente unos fondos que pueden poner en peligro el carácter más esencial de estas iniciativas: su independencia. Efectivamente, no resulta raro que estos colectivos puedan verse atrapados en una espiral donde la propia búsqueda del dinero, como medio, les haga recurrir al mercado o al compromiso institucional modificando sus parámetros de selección en pos de propuestas más comerciales o apelando a patrocinadores, normalmente públicos, que a la vez que les suministran el dinero necesario pueden hacerles perder su genuina e intransferible esencia, fiscalizando sus contenidos, moderando sus criterios o entrometiéndose en sus planteamientos. Estas propuestas, algunas de ellas apoyadas sobre interesantes ideas, han ido apareciendo, sumergiéndose, renaciendo y extinguiéndose, según la potencia de su propia fórmula y de cómo este poderío ha ido aguantando los sucesivos problemas –humanos o económicos– que con el devenir del tiempo y el desarrollo del proyecto van surgiendo. La realidad es que por estas islas han comparecido conceptos ligados a las plásticas tan interesantes como la plataforma de arte y difusión La casa del cactus cuyos artífices fundamentales fueron los artistas Cati Aguiló y Carles Gispert, siempre en colaboración con otros creadores que iban fluctuando según la convocatoria concreta. Un planteamiento que inició su recorrido allá por 1996 en una antigua casa del pueblo mallorquín de Ses Salines, un lugar que quedaba, cada verano, a disposición de una singular colonización artística. Tras irse del espacio físico que le da nombre, el proyecto comenzó a desarrollarse en nuevas y variadas ubicaciones, de ello dan buena prueba “Ultramarinos” (2001) un completo programa que incluía exposiciones, performances e intervenciones multimedia que se desarrollaron en diferentes contextos de Barcelona; también en 2001 concurrió “Archipiélago-cactus” imbricado dentro de la oferta del festival mallorquín de música Isladencanta. Ambas citas contaron con artistas como Yolanda Adrover, Joan Cortés, Mònica Fuster, Fabián Schalekamp y Marcos Vidal, al margen, por supuesto, de los comentados Cati Aguiló y Carles Gispert. A estos proyectos le siguió en 2002 “Panem et circenses” organizada junto a la empresa de gestión cultural más activa de esta década en Baleares, Tres serveis culturals, una idea que convocó a artistas, estudiosos y colectivos con el objeto de convivir y desarrollar durante ocho días todo un programa de talleres, mesas redondas, performances y exposiciones; un lugar de reflexión, pero también una cita con cierto componente lúdico, una combinación que este tipo de asociaciones siempre ha sabido manejar muy bien. En 107 este evento participaron, entre otros, Mariano Mayol (Palma, 1965), Jaume Simó Sabater, Joan Sastre (Selva, 1961) o Marcos Vidal. No fue hasta 2007 cuando esta asociación volvió a participar en una propuesta plástica en Mallorca, en este caso tuvo lugar en el Monasteri de La Real y se tituló “Cimentiments o no m’asfaltis el respecte” donde, con una evidente carga crítica e irónica, muchos artistas trataban de hacernos reflexionar sobre temas tan controvertidos como la corrupción, la especulación inmobiliaria o la contaminación, aquí nos encontramos a Pedro Oliver, Carles Gispert, Susana Muñiz, Pepi Hervás (Palma, 1978), Juan Gavilán (Palma, 1977), Magdalena Ferragut, Amparo Sard, Bárbara Juan, Joan Sastre, Joan Cortés, Mónica Fuster, Jaume Simó Sabater, Fabián Schalekamp o Pedro Vidal. Por último cabe mencionar también un proyecto coordinado por este colectivo en 2009 y que se llamó “Atelier CRISI”, un contenedor de ideas donde se invitó a gente muy diversa a exponer su sensibilidad, su acción o su lucha entorno a esta complicada situación global que, todavía hoy, andamos sufriendo; una crisis que se vio bajo el prisma de las propuestas de Rafael Adrover, Susana Muñiz, Pedro Oliver o Jaume Simó Sabater, entre otros. La fàbrica de licors junto con La resistència de l’art fueron, durante los años que mantuvieron su proyecto, los únicos espacios expositivos independientes sin ánimo de lucro que consolidaron una programación continuada en las Baleares. La fàbrica de licors, concretamente, era un grupo heterogéneo y joven de personas vinculadas a la fotografía, el diseño y el arte, que defendían unos conceptos de la cosa plástica muy diversos y que planteaban sus propuestas como una especial y curiosa simbiosis en las mismísimas entrañas del casco antiguo de Palma. Xisco Bonnín, Magdalena Ferragut, Juan Gavilán, Pepi Hervás y el que firma estas líneas, Fernando Gómez de la Cuesta, emprendimos una actividad completamente alternativa que se extendió desde 2002 hasta 2006 y en la que se englobaban talleres, ciclos de proyecciones, música, sesiones de dj, performances, instalaciones y, por supuesto, exposiciones. Por sus salas pasaron algunos de los proyectos menos convencionales de la isla y muchos de los representantes emergentes de la fotografía 108 y las artes visuales en las Baleares: Javier Izquierdo (Palma, 1976), Javier Cadavieco, Dani Cardona (Palma, 1971), Julia García, Susana Muñiz, Marta Blasco, Paz Alcoverro, Marcos Vidal, José Juan Gonzálvez, Marcelo Víquez, Diego Dintino (Montevideo, Uruguay, 1970), Carles Gispert, Tatiana Sarasa o Pedro Oliver, integraron algunas de las propuestas individuales, las colectivas, participaron en su project room o impartieron talleres, siempre vinculados, todos ellos, a contribuir a la difusión de una nueva manera de hacer, transmitir y consumir arte contemporáneo. La resistència de l’art también planteaba una oferta multidisciplinar que nos aproximaba a la creación plástica de una manera lúdica, reivindicando la figura del artista dentro de la cadena de producción del arte y defendiendo un concepto de profesionalización de los servicios artísticos que permitiera mantener económicamente los proyectos que se iban gestando. Marga Nicolau y Mercedes Estarellas fueron las encargadas de consolidar el desarrollo de esta idea durante los más de tres años que tuvieron de actividad (2003-2006) en los que incluyeron propuestas de Juan Gavilán, Pepi Hervás, Susana Muñiz, Marcos Vidal o Marcelo Víquez. Con la desaparición de La fàbrica y de La resistència el panorama alternativo de espacios no comerciales de las Baleares quedó sin apenas contenido, siendo quizás, el ciclo de proyecciones “Visionaris”, la única propuesta que recoge algo de aquel espíritu desinhibido y mestizo que trataba de acompañar el arte con talleres, música, participación y diversión; una convocatoria que cada inicio de verano tiene lugar en la Fundació Pilar i Joan Miró de Palma, promovida, desde 2008, por el colectivo Samakineta, compuesto por Xisco Bonnín, Pepe Cañabate, Javier Izquierdo y Rif Spahni. Una asociación que se ha marcado como objetivo mostrarnos la obra fotográfica de creadores de todo el mundo, incorporando, a la vez, algunos baleares emergentes como son: Toni Amengual, Dani Cardona, Victor Moragues, Bartomeu Sastre, Evaristo Torres, Bárbara Vidal, José Juan Gonzálvez o Isabel Santandreu (Valldemossa, 1976). Para concluir este epígrafe también parece necesario mencionar la labor de tres publicaciones independientes que con sus contenidos han difundido, no sólo las propuestas de arte emergente de nuestra comunidad si no también aquellos desarrollos artísticos que difícilmente hubiesen encontrado eco en la prensa escrita de nuestras islas, hablamos de las revistas Youthing –dirigida por los hermanos Quetglas–, DP progressive urban culture –que tiene por editor a Gori Vicens– y Casatomada –cuyo artífice fundamental fue Horacio Alba–. 9. Algunas exposiciones colectivas a modo de ejemplo. Intermediando esta primera década del siglo XXI y sin la posibilidad, ni el ánimo, de ser exhaustivos, hemos seleccionado tres exposiciones colectivas que, por diferentes motivos, pueden colaborar a redondear esta perspectiva del arte emergente balear. Por eso nos hemos centrado en una curiosa terna de propuestas realizadas casi a mitad de década –entre 2004 y 2005– para que nos ayuden a configurar una perspectiva más global de lo que ha sido el arte contemporáneo en nuestra comunidad. Dentro de las jornadas “Palma ciutat del món” organizadas por el Ajuntament de Palma en octubre de 2004, se presentó una muestra colectiva titulada “Mestizos” comisariada por el que esto suscribe y que tenía la intención de mostrar las visiones de diferentes artistas sobre la evidente metamorfosis que está experimentando la moderna noción de ciudad, haciendo especial hincapié en las nuevas relaciones que se suscitan entre sus habitantes, los ciudadanos, donde los importantes flujos migratorios a nivel mundial, el cada vez más frecuente contacto entre las diversas culturas y el efecto globalizador de los nuevos medios de comunicación y difusión, van provocando una redefinición, veloz y continua, de todo este entramado de (des)conexiones humanas. Los artistas seleccionados fueron Antonio Camba (San Sebastián, 1961), Cecilia Segura, Marcelo Víquez, Marcos Vidal, Marta Juan (Palma, 1980) y Ferran El Otro (Barcelona, 1980), Mitos Colom, Diego Dintino, Oswaldo Fernández (Bogotá, Colombia, 1962), Pastora Muncunill (Barcelona, 1975), Pedro Vidal, Pepi Hervás, Ramón Company, Sonia Ibáñez (Moncofa, Castellón, 1974), Susana Muñiz y Xim Izquierdo (Palma, 1975), unos creadores que, valiéndose de técnicas que iban desde la videocreación a la pintura, pasando por la fotografía, la instalación o la escultura, conformaron un conjunto de piezas donde primaba, por encima de cualquier otra cosa, el mensaje. Poco después, en diciembre del mismo año, tuvo lugar en el Centre Cultural Asbaek d’Andratx la completa exposición “Somnis i malsons” comisariada por Pilar Ribal. Una muestra que nos permitió paladear el macabro y refinado esteticismo de Ricard Chiang, el “brico-arte” kitsch e irónico de Marcos Vidal, el sarcástico surrealismo de Víquez, las ensoñaciones cinéfilas de Marta Blasco, la excitante sensualidad deportiva de Pedro Vidal, la simbiosis entre lo onírico y lo cotidiano de Carles Gispert, las sugestivas metamorfosis de Julia García, el juego evocadoramente pop de Tatiana Sarasa, o las inquietantes y sutiles creaciones de Amparo Sard; un mundo de sueños, deseos y alguna pesadilla que terminaba de completarse con las piezas de Yolanda Adrover, Xisco Bonnín, Antonio Camba, Jesús Cánovas, Ramon Company, Paco Espinosa, Mercedes Estarellas, Pep Guerrero, Bàrbara Juan, Marian F. Moratinos, Susana Muñiz, Marga Nicolau, Blanca Pérez-Portabella, Fabián Schalekamp, José Tobal y María Isabel Uribe. Ya en 2005 se celebró la colectiva titulada “Bombeo de amor”, una exposición que, aparte de la característica evidente de aglutinar de nuevo a algunos de los principales representantes de la emergencia balear, se le unía el interés de ser un proyecto que trascendió las fronteras y se exhibió en Ámsterdam, concretamente en el W.G. Kunst Expozaal. Una muestra que tenía su origen en 2003 y que, después de un par de escalas isleñas, completó su desarrollo en la capital holandesa, una ciudad ideal para compartir un proyecto de artes plásticas donde el amor, sus flujos y sus derivados, esenciales o desnaturalizados, eran los protagonistas. Los amantes amados, artistas implicados, eran un grupo de calidad, heterogéneo y potente: Marcos Vidal y su máquina de pasar tarjetas de crédito que, literalmente, hace el amor con una Barbie; los metafóricos cinco tipos de abrazos de Susana Muñiz, porque el amor no es sólo uno; las pasiones, locuras y desmesuras del amor, vistos por un esteta llamado 109 Juan Gavilán que continuamente corre en busca de la belleza; la esencia del amor, endodérmico y abstracto, que aflora del corazón de Julia García; la no tan poderosa Afrodita de Mercedes Estarellas, que lucha, duda, goza y se consume bajo la llama del amor; Xisco Bonnín y sus paisajes fotográficos postmodernos, reflejo del oficio más viejo del mundo y, por último, las pinturas de exquisita técnica de Marta Blasco y sus amores de película. Todo obras bien planteadas, formal y conceptualmente, que asumen la idea germinal y la desarrollan de una manera más que correcta, mientras dan una oportuna expresión del arte más joven y moderno que, por aquellos entonces, se estaba realizando en Baleares. Joan Cabrer, Julia García, Lourdes Grivé, Miquel Mesquida, Jaume Simó Sabater, José Ángel Sintes, María Isabel Uribe y Marcos Vidal, han seguido, como no podía ser de otra manera, unos itinerarios muy personales, con unas propuestas completamente diferentes y con unos conceptos absolutamente diversos, pero uniéndoles a todos una acentuada preocupación por las formas y los contenidos de la plástica actual, una materia de trabajo, un objeto de consideración y una fuente de análisis, que es el verdadero motivo de la presente propuesta y, por extensión, del texto que la acompaña. UN DECÁLOGO (CUALQUIERA) PARA UN ARTE EMERGENTE (SINGULAR) 10. …Y por fin “Art emergent (IV)”. Con este bagaje cada vez más extenso llegamos a 2010 y a esta cuarta cita de “Art emergent” en la que, por supuesto, no es una casualidad que casi todos los elegidos hayan comparecido en muchas de las propuestas que hemos ido desgranando en los epígrafes anteriores, unas notas previas que se han hecho con la intención de coger cierta perspectiva sobre los últimos diez años de arte emergente balear y que sirven de contexto para la selección de artistas que nos ocupa. Una decisión, escoger estos diez creadores, que siempre se convierte en algo complejo e incompleto, máxime si los que tienen posibilidades son tantos como concurren en nuestras islas. Para atenuar esta sensación de inseguridad lo mejor es no perder de vista la sencillez con la que se ha planteado el presente proyecto: dejar testimonio de algunas de las nuevas aportaciones de calidad a la plástica de nuestra comunidad, diez miradas más –que ya suman cuarenta– dentro de la infinita multiplicidad que caracteriza la emergencia de la plástica actual. Un conjunto heterogéneo de artistas que van aportando su contribución personal e intransferible a este magma insondable que es la creación contemporánea gracias a una obra solvente y contrastada, donde trayectorias consolidadas y artistas jóvenes comparecen en el seno de un elenco sugerente y variado, como también lo es, precisamente, el arte más reciente. Los participantes en esta convocatoria, Yolanda Adrover, Paz Alcoverro, 1. Vírgenes, putas, madres e hijas (para un arte sin género por favor). Yolanda Adrover. Endinsant-se en aqueix territori íntim on se succeeix la batalla del dia a dia i es desenvolupa la vertadera identitat, Yolanda Adrover incorpora el seu discurs artístic al d’una genealogia de creadores que han fet de la casa i els rols socials el centre de llur reflexió.17 Pilar Ribal, “Yolanda Adrover: una secreta rebel·lia”, texto recogido en el catálogo de la exposición Batecs. Yolanda Adrover, Addaya Centre d’Art Contemporani, Alaró, 2008, p. 3. 17 110 Para un crítico de arte, a veces historiador, no hay nada más interesante que tener la oportunidad de reflexionar sobre cierto contenido después de haber hecho algo de historia. A modo de decálogo –como no– introduciremos diez cuestiones de entre las infinitas dialécticas que frecuentan el arte contemporáneo actual, sosteniéndonos en la estimable investigación que cada uno de los artistas de este “Art emergent IV” ha emprendido. Diez cuestiones, diez, que se unen a los innumerables debates que dan contenido a la plástica de nuestros días y que tan sólo nos van a servir para proporcionar una visión incompleta, incluso sesgada, de todo lo que está ocurriendo en el arte de ahora, porque lo inabarcable, obviamente, sólo se puede explicar de manera parcial. Diez motivos para la reflexión en el seno de una plástica contemporánea peculiar, insondable, mientras nos vamos basando, apoyando y creciendo junto a las singulares y sólidas piezas de la decena de artistas que han sido seleccionados para este “Art emergent (IV)”. Siempre he sido enemigo de los tópicos pero soy consciente de que el ritmo frenético de los tiempos, alienante y desesperante, precisa una determinada dosis de generalizaciones para que nuestra compleja y desquiciada contemporaneidad sea algo más sufrible. En un mundo donde lo más sencillo puede llegar a complicarse hasta el absurdo, nos vemos obligados a recurrir, más de lo que desearíamos, a ciertas convenciones reductoras y empobrecedoras que, por supuesto, consiguen simplificar nuestras vidas a cambio de ir perdiendo por el camino casi todos los conceptos que pudieran resultar interesantes. De ahí al vacío absoluto apenas hay un paso. Luchar contra estas generalizaciones, contra estas convenciones, contra estos tópicos, y contra los abusos, las desigualdades y las estupideces que provocan, se suele convertir en una tarea titánica y muchas veces estéril. El ser humano se sienta sobre ellos cómodamente, depositando todo su peso, mientras le hacen la vida mucho más relajada, le evitan pensar, interrogarse, dudar, pero también crecer, moverse y avanzar. Somos más epidérmicos que profundos y es por ese motivo por el que a menudo nos conformarnos con lo exterior, con lo simple, mientras vamos confundiendo, para nuestra propia desgracia, muchas de las formas y gran parte de los contenidos. No creo en el arte de género ni en el género en el arte. Creo en las ideas, en sus desarrollos y en sus maneras. Hablar de género en el mundo del arte puede ser un error y hablar de arte de género un error completo. En realidad todo se explica mejor a través de ciertas sensibilidades comunes, de algunas voluntades concurrentes, de las ideas que se desarrollan, de las formas y de las maneras que se frecuentan, de las vidas, de las formaciones, de las inquietudes, de los deseos y de las expectativas que se generan y que, en ocasiones, también se cubren; todos ellos son argumentos para intentar entender cualquier planteamiento bastante más fiables que el sexo de la persona que crea la pieza, aunque lo relacionemos con las formas que practica y los temas concretos que trata. A menudo, refiriéndose a la obra de Yolanda Adrover, he visto confundir su género con su arte. En Adrover, el odio y el amor, el dolor y el placer, la soledad y la convivencia, se suceden en un singular ciclo catártico donde el arte se constituye en el elemento sanador de los males sociales y personales que la artista detecta, el contrapeso que cura su alma y sitúa el fiel de la balanza en una posición equilibrada, encargándose, también, de mostrar los caminos para que nuestra sociedad se desenvuelva de una manera más correcta, más ética, más civilizada. Una búsqueda de ese equilibrio que es alcanzado a base de producir, en un incontenible desahogo y desalojo de miedos, tabúes, errores, aciertos, deseos y complejos, un arte donde la convivencia puede ser un campo de batalla, donde la sociedad es un lugar de conflicto y donde el sexo aparece, a veces, como una lucha caníbal. Unas piezas en las que la figura de la mujer refleja toda esa infravaloración social que ha padecido y el hombre manifiesta toda su maravillosa prepotencia, mientras la artista, con la rebeldía necesaria, denuncia tantos y tantos años de menosprecio gracias a unas obras que superan, con solvencia, el complicado envite planteado. Un menoscabo que en el ámbito de la creación plástica no sólo queda patente por la evidente falta de mujeres artistas que se han recogido en los libros de historia del arte, si no también por el monopolio que, hasta hace unos años, tenía el hombre sobre su representación, sobre la iconografía de las mujeres que se estandarizaba y trascendía como expresión de los roles que debían asumir. Haciendo una generalización deliberadamente falsa y maliciosa: vírgenes, putas, madres e hijas, conformaban los cuatro patrones básicos en los que la imagen femenina se desenvolvía, heroínas muy pocas, luchadoras algunas y mejores que los hombres ninguna. Al margen de las pioneras vanguardistas y de la extraordinaria, polifacética e inconmensurable Louise Bourgeois, quizá fue la nueva fotografía la primera en habilitar un medio democrático para poner las cosas en su sitio; Dora Maar, Cindy Shermann o Francesca Woodman, muchas veces utilizándose a ellas mismas como modelos, empezaron a conseguir que los roles de las mujeres comenzaran a modificarse, precisamente, a partir de sus propias y previas representaciones. Primero vino la imagen, la idea, luego llegó el cambio. Yolanda Adrover, sin embargo, no se limita tan sólo a un medio como la fotografía si no que emplea sin complejos todos los que tiene a su alcance con una maestría que, sin duda, diferencia su obra. Sus sacos 111 de boxeo confeccionados con retales y combinados con unos peculiares guantes de lavar platos que sirven para golpearlos, esos óvalos bordados que encumbran a los altares aquella imaginería que representa al hombre y a la mujer, todavía con un atrezzo desigual, o sus finos dibujos plenos de ironía, dejan al descubierto una triste realidad –que lo sigue siendo– gracias a un acertado desarrollo conceptual y una estética exquisita que conecta sus bellas y desasosegantes metáforas con toda esa elaborada poesía de la vida cotidiana que, de una manera afortunada, caracteriza gran parte de su obra. 2. El ordenador es Dios (e Internet su profeta). Paz Alcoverro. Perduda la seva individualitat i el seu propi suport físic, la imatge, multiplicada fins a l’infinit, flota en l’èter de la iconosfera contemporània, el ciberespai que conforma Internet, els disc durs dels ordinadors, les targetes de memòria i en la nostra pròpia ment modelada per una cultura eminentment visual.18 Dentro de las nuevas especies del singular ecosistema de las plásticas, llama poderosamente la atención la aplastante mayoría de artistas multimedia que comparecen ensimismados delante de la pantalla del ordenador que todo lo puede y al que, sin reparos, confían gran parte de sus ilusiones en un curioso depósito de anhelos que no debería resultar intrascendente. Esta convicción casi religiosa suele servir de ayuda, y acto de fe, mientras el imparable huracán tecnológico que colma de oportunidades la creación plástica se encarga de satisfacer casi todos nuestros deseos, cegándonos con sus increíbles capacidades y confundiendo, la parte de obra que pertenece a la destreza personal del artista, con la que deriva de la misma potencia que el medio emana. Por eso el arte actual se convierte en algo superfluo cuando se pone al servicio de la técnica, asumiendo las coordenadas que el medio le dicta y reduciendo sus formas y sus contenidos a los propios de la tecnología empleada, a la vez que el creador va desmantelando su autoría, dejándose seducir cómodamente por el indudable atractivo de estas nuevas posibilidades. La infraestructura tecnológica del arte se aprovecha de 112 estos incautos y les vende su producto, asegurándoles que, en esta espiral de omnipotencia tecnológica, todo está al alcance de su mano, convenciéndoles con lo superficial y evitando que conozcan su verdadera esencia. Una explicación de la creación actual que se extiende a toda una sociedad en la que los seres humanos, sin apenas darnos cuenta, comparecemos totalmente desbordados, alienados y en un estado de absoluta esquizofrenia. En el seno de este agotador exceso digital que, como hemos señalado, no es exclusivo de artistas, destaca el poderío y la suma facilidad con la que cualquiera, y desde cualquier sitio, puede acceder Internet, la inmediatez de sus transmisiones, la gran capacidad de sus posibilidades y la hiperabundancia de unos contenidos que, casi siempre, comparecen como millones de imágenes a tan sólo un clic de distancia. Una desmesura que satura sin compasión nuestras retinas y gran parte de nuestro cerebro, consiguiendo, no sólo los efectos positivos, comunicativos y evidentes que le son propios, sino también todo un catálogo de lastres, degeneraciones y redundancias, que termina viciando nuestra sensibilidad y nuestro entendimiento hasta tal punto que nos impide percibir las cosas, incluso lo más sencillo, con absoluta nitidez. La red, por supuesto, es un canal de información esencial pero puede resultar también una anestesia dormidera de conciencias: de todo un poco, de nada mucho y de mucho mal. Desde el principio de su actividad artística, Paz Alcoverro, presintió los enormes riesgos que se iban creando tras la furia desmedida de la tormenta de imágenes e información que se estaba generando y que, de manera inminente, se nos venía encima. Como resguardo decidió interponer su cámara entre ella y la marabunta, no sólo como parapeto físico –que también– si no como un sofisticado procesador que iba seleccionándole lo trascendente y acercándole lo que, en principio, pudiera resultarle incomprensible o peligroso. El ojo y la intuición de la artista hacía el resto. Sus fotografías se constituyen desde entonces en una curiosa mezcla de ideas, de punzante y perturbador contenido, que se manifiestan como una evidente expresión de los tiempos en los que vivimos. 18 Pau Waelder, “Ineluctable modalitat del visible”, texto recogido en el catálogo de la exposición Premi Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” d’Arts Visuals 2008, Casal Solleric, Ajuntament de Palma, Palma, 2009, p. 14. Unas enigmáticas composiciones que, al margen del concepto, no obvian la estética de la que se nutren: ese insondable banco de imágenes universal que continuamente está creciendo en nuestro cibernético mundo, un catálogo infinito que los avances técnicos en forma de captación, reproducción y transmisión de imágenes está generando. Todo un muestrario visual de lo que existe e, incluso, de lo que no existe. Efectivamente, Alcoverro abastece sus obras de imágenes preexistentes, fotos de noticias periodísticas, escenas robadas de películas, programas de televisión, arquitecturas, gente, animales, objetos, casualidades. La creadora se encarga de confrontar todas estas visiones en un juego de diferentes y de iguales, para que la imagen, sometida por el artista al contacto con otras imágenes, vaya mutando, manteniendo o reforzando sus contenidos, una curiosa metáfora al amparo de esta miscelánea visual y global. Las piezas seleccionadas para este “Art emergent” pertenecen a dos series bien diferenciadas aunque con nexos evidentes: la primera, “Stealing news”, anticipa su interés por la apropiación y la recontextualización de imágenes generando nuevos significados por contacto y ubicación, en este caso, en el ámbito de la noticia periodística; la segunda, “384 kbps”, se mete de lleno en la reflexión sobre la inabarcable multiplicidad de Internet, conformando unas imágenes compuestas, ambiguas, poderosas, que nacen desde la asepsia de un fondo neutro y que se consolidan como una representación de la realidad, por que en una premonición tan sólo al alcance de los visionarios más privilegiados, nuestro mundo cada vez se parece más a estas fotos de Alcoverro. 3. La pintura siempre resiste (otra vez). Joan Cabrer. La seva obra m’inquieta. Veig xarxes, cordes, embolics, caseres, horitzons, connectors, algues, bombolles, cèl·lules, motlles i tubs i punxes… Un llenguatge propi, carregat d’ironia, que s’entremescla dialogant en abstracte.19 Mientras la creación plástica contemporánea recorre los innumerables y necesarios caminos de la 19 performance, lo interactivo, la instalación, lo digital, el video, la luz o lo sonoro, siempre hay una vía paralela, tangencial, incluso convergente, que frecuenta la pintura de una manera plenamente contemporánea. La pintura muta y se adapta pero, por mucho que se diga, nunca muere. Ahora se reinventa por enésima vez –y las que le queda– y de esta regeneración participa, mediante su obra, Joan Cabrer. Así es, en una época en la que hablar de abstracciones y de figuraciones resulta cada vez más difícil –gracias a que la imagen, monarca insuperable de cualquier forma de comunicación, ha iniciado una deriva en la que las referencias objetivas van perdiendo su materialidad– mejor que de abstracción debemos hablar de nuevas realidades. Una “otredad” que nos sitúa, sin apenas darnos cuenta, en aquellos ámbitos que el hombre contemporáneo transita con una normalidad que hace tan sólo unos años sería completamente impensable: lo endógeno, lo celular, lo cibernético, las entrañas de la máquina, los circuitos, los chips, los espacios virtuales, el cosmos, la galaxia, la molécula, han pasado de inspirar, desde la incertidumbre, ficciones y ciencias, para crear un entorno cierto donde las dimensiones, el tiempo, las formas, la luz y sus colores, se relacionan de manera bastante distinta a todo lo que hasta ahora conocíamos. El hombre disfruta de una nueva visión y esta posibilidad se trasluce en los propios motivos del arte. Es verdad que en estos tiempos no es necesario que la obra artística responda siempre a criterios de excelencia técnica, pero sí resulta imprescindible conocer y controlar un lenguaje para poder deconstruirlo. Ningún analfabeto musical se debe permitir el lujo de tocar tan sólo una tecla de un piano y decir que hace, sin más, música minimalista, por el mismo motivo ningún artista plástico puede desmontar lo que nunca supo construir y, menos aun, intentar defenderlo como si de una profunda investigación se tratara. El camino hacia las nuevas realidades –y ya no hablamos sólo de pintura– puede confundir sobre determinadas calidades ya que la capacidad de dar forma, desde esa otra certeza, puede estar en manos del creador más sensible o ser el último recurso del incapaz más absoluto. El problema de estas nuevas maneras que Maria Antònia Artigues, "Joan Cabrer", texto recogido en el desplegable de la exposición "…en projecte (XII)”, Torre de ses Puntes, Ajuntament de Manacor, Manacor, 2007. 113 inundan la plástica contemporánea desde la realidad reciente, es que la sencillez de su factura, de sus formas, puede evitar que sus contenidos se asimilen y se expresen correctamente. No es el caso de Cabrer que, desde la estética afortunada de sus pinturas a base de una técnica más que solvente, recoge los conceptos oportunos en un descriptivo y ajustado retrato de la contemporaneidad, pero también de sus gustos personales y de sus intereses más íntimos. Siguiendo una tradición evidente que conecta con aquellas ideas que frecuentan José Manuel Broto, Luis Gordillo, Juan Uslé o, incluso, Juan Navarro Baldeweg, las piezas de Cabrer dotan de nocturnidad, juventud y alevosía un espectro de la creación que, al contrario de lo que pudiera parecer, de momento no se agota. El ser humano actual, como decíamos, ha cambiado la visualidad y los medios de su observación, los telescopios cada vez son más potentes, los microscopios más nítidos, hacemos tomografías axiales computerizadas, resonancias, radiografías y ecografías tridimensionales de nuestro interior, la percepción de lo que nos rodea ha cambiado definitivamente y, donde antes veíamos una mesa de madera, ahora distinguimos una amalgama molecular. Joan Cabrer coge todas estas nuevas percepciones que, por su juventud, son las únicas que ha conocido, y les une el manga japonés, la simbología informática y tantas otras cosas de las que, con habilidad, extrae sus formas pero también sus contenidos, dando una oportuna expresión de todos los elementos y de todos los conceptos que van componiendo su arte, un arte plenamente contemporáneo que, de nuevo, vuelve a ser pintura. 4. En busca de lo sencillo (de vuelta a casa). Julia García. I és que Julia García, potser sense que ella –per la seva modèstia– sigui conscient, es permet un luxe a l’abast de pocs creadors: incorporar una nova definició d’art al lèxic de les plàstiques, un art saurí que, recorrent al pròxim, al quotidià i al senzill, transcendeix l’evident per a narrar-nos el qui hi ha més enllà, el que se amaga sota l’epidermis, amb la subtil i simple poesia de qui és capaç de veure l’invisible, comprendre’l, enriquir-lo i explicar-lo.20 20 114 A veces puede ser un lápiz, un papel, la pintura o una simple fotografía, la forma más adecuada para transmitir la pureza y la sencillez de lo verdaderamente importante. Julia García es totalmente consciente de ello y desde siempre se ha valido de la simplicidad de los medios que emplea, del dibujo cotidiano, de la línea sin barroquismos innecesarios, de la pintura sin distancia, del color sin sofisticaciones, de la fotografía elemental y de la exquisita sencillez y calidez de sus materiales, para comunicar de la manera más certera posible sus propias emociones, lo que oye, lo que piensa, lo que lee, lo que siente, lo que mira, lo que dice. Sus obras hablan sobre cosas extrañamente normales, cercanas, sobre rutinas tranquilizadoras, inquietantes desde la costumbre, anodinas hasta el agrado, que encuentra sin apenas esfuerzo en su entorno más inmediato, en su ámbito familiar. La maternidad, lo propio, los suyos, las heridas de la convivencia, la trascendencia de lo cotidiano, las creencias, sus sentimientos, pero también lo orgánico, lo endógeno, lo biológico, lo interior; todos ellos sujetos de un lenguaje en permanente evolución que se enriquece a medida que avanza, un abecedario cuya semántica se puede obtener con cada elemento, uniendo las letras, formando palabras, creando frases, una escritura que se mueve en esa frontera que frecuentamos a diario –y que termina definiéndonos– entre lo que nos fascina y lo que nos repele. Creo que determinados artistas, y Julia García es una de ellos, han detectado a la perfección ese proceso de alienación fruto de una globalización que nos lleva a la desmesura, y su reacción, conveniente y acertada, ha sido en forma de retorno a lo más íntimo, a nuestra familia, a nuestra casa, a nuestra ciudad, a nuestras cosas y a nosotros mismos como temas y objetos fundamentales de la expresión artística, como aquello a lo que solemos volver para buscar la calma, mientras que con sus creaciones van contrarrestando la labor de esos otros artistas que, en más ocasiones de las deseables, recurren a rebuscados amaneramientos, a complejas formas y a exóticos ambientes y contenidos, para tratar de expresar sus ideas o su estética. Efectivamente, un error muy habitual en la plástica contemporánea es pretender obtener determinadas Gómezdelacuesta, "Art saurí", texto recogido en el catálogo de la exposición Julia García. El hombre pulmón, Galería Ferran Cano, Palma, 2006. calidades a partir de lo lejano, de lo exótico, de lo complejo o de lo excesivamente especializado, en un esnobismo sin fin que no se preocupa por atender ni por recoger los valores verdaderamente importantes, una fórmula que, en la mayoría de oportunidades, no sólo no consigue su objetivo de remarcar la pretendida intelectualidad de la obra o la ansiada originalidad de las piezas, si no que suele provocar un efecto de rechazo, mientras se interponen –a veces de manera deliberada y otras de forma inconsciente– muros insalvables entre las creaciones y el espectador. Por el contrario, Julia García, siempre ha frecuentado el camino inverso, recurriendo a lo que nos es próximo, percibiendo la poesía de lo cotidiano y situando su peculiar prisma sobre todo lo que nos hace sentir cosas interesantes partiendo de la cercanía; una artista que elabora sus proyectos con la maestría de una depurada poetisa y con la sencillez del que es capaz de asimilar lo esencial de las cosas. A partir de conceptos en principio unívocos la creadora va cosiendo sus ideas, desarrollando sus términos y abriendo nuevas perspectivas: propuestas como “El hombre pulmón” o “Claros del bosque”, inspirada en la lectura atenta de María Zambrano, brotan de nociones básicas y son completadas con esa poesía sutil, llena de metáforas y recovecos, que se encarga de convertirlas en múltiples ideas y, sobretodo, estimulantes emociones. En sus piezas lo humano –lo individual e incluso lo endógeno–, lo doméstico –el hogar, la casa, la familia– y lo natural –como ecosistema revelador e integrador del ser– se dan cita conformando un peculiar bosque animado, con alma, con almas, en el que se reivindican singulares simbiosis y se expresan algunos de los pleitos del hombre con él mismo, con los que le rodean y con el medio en el que se desenvuelve. 5. Somos lo que mamamos (la tradición y lo nuevo). Lourdes Grivé. Eivissa és per antonomàsia el país de l’arquitectura sense arquitecte. Les cases que hi construeixen els pagesos són d’un estil tan pur i d’una expressió tan harmoniosa, que poden sostenir perfectament la comparació amb les obres reflexives i calculades de 21 l’arquitectura moderna. Així que fugiu de la ciutat i us endinseu en l’illa, aneu de sorpresa en sorpresa: per tot la mateixa perfecció plàstica, per tot la noblesa de formes de les cases.21 Somos lo que mamamos, lo que nos rodeó siendo niños, los seres con quiénes nos rozamos, con quiénes crecimos, aquellos a los que odiamos y todos los que nos enamoraron. Somos lo que nos enseñaron y lo que nos inculcaron, lo que vimos, vivimos, sentimos e intuimos, también, por supuesto, lo que nos imaginamos. Somos porque fuimos y fuimos en función de dónde y con quién estábamos. Una interminable cadena de causalidades, casualidades y afectos que van configurando los valores que regirán el resto de nuestra vida: yo soy yo, mis circunstancias y mis genes que en cierta medida también son parte de mis circunstancias. Un mapa humano individual, personal y completamente intransferible. Este entorno comienza en nuestra infancia más tierna, condicionante y estimulante, a la vez que se constituye como la primera asimilación, la que más nos influye y contra la que, en algunas ocasiones, más violentamente reaccionamos. Ni el tipo más desarraigado del mundo puede desprenderse de la buena o la mala leche que mamó y, de una manera u otra, este ecosistema que nutrió sus inicios se constituirá en la base, bien por acción bien por reacción, de lo que vendrá después. En el arte, como en la vida misma, los comienzos son fundamentales, lo que absorbes al principio, lo que conoces primero, suele dejar una huella más honda, un afecto más profundo y, a veces, un rechazo más visceral. La isla de Eivissa siempre ha sido un lugar singular que posee ese halo especial y único que atrae, de manera irresistible, la sensibilidad de los artistas. Desde que algunos pioneros de las vanguardias históricas, como Walter Benjamín o Raoul Hausmann, la descubrieran y describieran como un entorno ideal para su inspiración, se ha mantenido durante todo el siglo XX como uno de los paraísos europeos de la creación artística. Will Faber, Eduard Micus, El Grupo Ibiza 59, con exponentes tan interesantes como Erwin Broner, Bechtold o Hans Laabs, y artistas pitiusos de cierto reconocimiento Raoul Hausmann, "Eivissa i l'arquitectura sense arquitecte", artículo de la revista D'Ací i d'Allà, nº 148, Barcelona, 1936. 115 internacional e inmensa valía como Vicent Calbet, Toni Cardona, Portmany o Rafael Tur Costa, configuraron un panorama creativo de incuestionable atractivo. Esta tradición artística, caracterizada por una extraordinaria sensibilidad hacia la poesía de lo abstracto, tiene su continuación en la obra de los propios Tur Costa o Erwin Bechtold, así como en la de Irriguible, Carles Guasch, Enric Riera, Cis Lenaerts; Michel Buades o Gilbert Herreyns y, en cierta manera, en ese gusto por la geometría, por la abstracción, por la línea delicada de trazo sutil, por el blanco, que recogen las fotografías sobre arquitectura de Lourdes Grivé. Precisamente una de las peculiaridades que hizo de Eivissa un destino tan apetecible para artistas e intelectuales fue su singular arquitectura rural, unas casas basadas en el ingenio local y que anticipaban, gracias a una premonitoria intuición, algunas de las premisas más destacadas de las que luego fueron enunciadas por los más importantes representantes de la arquitectura moderna. Unas viviendas que se desarrollaban a partir de estructuras modulares que tendían al cubo y que dotaban a esta construcción de una plasticidad, organicidad y practicidad que provocó que arquitectos racionalistas como Le Courbusier o Erwin Broner la fijasen como objeto de su estudio. La casa tradicional ibicenca cuenta con una serie de características que la singularizan, convirtiéndola en una construcción extraordinariamente interesante: son casas funcionales, todo en ellas está pensado conforme al uso que va a tener y con el objetivo de que esta función se realice de la manera más eficaz posible, son viviendas orgánicas, vivas, que poseen un desarrollo modular en virtud de las necesidades de sus habitantes, creciendo con ellos mediante sucesivos volúmenes cúbicos, son un espacio con cierto carácter defensivo, lo que provoca su escasez de vanos y un cierto componente introvertido en su arquitectura y, por último, son casas blancas como la cal, la sal y la luz de Eivissa. Todo esto podría haber sido motivo suficiente para que Lourdes Grivé hubiese cogido la arquitectura ibicenca como objeto de su creación, aunque, de una forma meramente epidérmica, sólo fuera por la fotogenia de su geometría, de sus colores, de sus 116 luces y de sus sombras. Pero la obra de la fotógrafa Lourdes Grivé, una artista cuyas imágenes son expresión de lo que ha vivido y, por supuesto, de lo que ella misma ha aportado, centra su objeto de análisis, de reflexión, en esta arquitectura, emprendiendo dos vías de trabajo que, evidentemente, son más depuradas que una simple aproximación formal. Un par de caminos que, siendo independientes, traen causa el uno del otro: la primera de estas líneas frecuenta la ruina como recuerdo de aquellas construcciones rurales sencillamente esplendorosas que albergó la isla y de las que, para desgracia de todos, cada vez quedan menos ejemplares intactos, una forma de investigación que no se reduce tan sólo a lo formal, ni siquiera a lo antropológico o costumbrista, si no que trasciende la materialidad para imbricarse en lo espiritual, en el vestigio metafísico. Partiendo de este análisis, pero iniciando la segunda vía, Grivé, desarrolla otra búsqueda no menos interesante, esta vez, con la arquitectura contemporánea como sujeto, mientras intenta ofrecernos, no sólo la oportuna expresión de lo que se está haciendo en la isla, sino también la evidente huella de esa tradición constructiva y conceptual tan jugosa que los ibicencos llevan siglos disfrutando. Así, de esta manera, a la extraordinaria herencia de la arquitectura popular y a la perceptible huella de famosos arquitectos modernos como Josep Lluís Sert o Erwin Broner a su paso por Eivissa, se le unen, en un potente desarrollo donde se funde la tradición con lo nuevo, las piezas de reconocidos y jóvenes arquitectos actuales como son Francesc Xavier Pallejá, Salvador Roig, Marc Tur, Oriol Batchellí, Victor Rahola, Martínez Lapeña o Elías Torres, mientras Lourdes Grivé va dejando, de todo ello, un exquisito testimonio y una profunda reflexión. 6. Un antropocentrismo reciente y (por supuesto) lleno de dudas. Miquel Mesquida. El pintor, atrevit, agosarat, enfollit de desig, borratxo d’utopia, arrisca el seny i la mateixa vida per tornar al paradís perdut de l’autenticitat. A cops d’impuls i de matèria prima, salvatge, plasma la veritat de l’home (tot tatuant-li a la pell el sexe fet serpent i al cap –a tots els caps!– una taca de sang).22 22 Jaume Santandreu, "Miquel Mesquida. Assalt a l'Edén", texto recogido en el desplegable de la exposición "…en projecte (XII)”, Torre de ses Puntes, Ajuntament de Manacor, Manacor, 2007. Cada vez son más los artistas contemporáneos que intentan refugiarse en el objeto y en el sujeto para tratar de recuperar algunas de las múltiples referencias que con el devenir del tiempo habían ido perdiendo. Una vuelta a un arte figurativo y expresivo con el que muchos creadores parecen aferrarse a la realidad más cárnica y a la más objetual –la más emocional y la más cercana– de entre todas las múltiples verdades que nos envuelven, evitando así abandonarse a ilusiones metafísicas, ejercicios meramente estéticos, especulaciones cibernéticas o a abstracciones completamente vacías de contenido que, en ocasiones, tienden a desconcertarles. Durante estos largos años en que lo abstracto, lo conceptual y lo digital han marcado de manera indeleble el ritmo de la historia del arte reciente –en muchas oportunidades para mejor– también se exprimieron hasta la nausea las formas y las maneras que aquellos genuinos pioneros –y sus continuadores más sagaces– habían ido desarrollando; un uso reiterativo y abusivo que consigue desmantelar casi todos los contenidos de unas propuestas que han ido degenerando en ciertas malformaciones cadavéricas y sin esencia que, todavía hoy, continúan intentando convencernos con su falsa bondad. Siempre hubo algún elemento reactivo a estas dominaciones de la desobjetivización, desmaterialización, deshumanización, despersonalización, despinturización del arte, auténticos resistentes de la mal llamada figuración como Francis Bacon que, desde su claustrofóbica habitación llena de violencias, miedos, egos y gritos desgarrados, se mantuvo fiel a una realidad que distorsionaba diabólicamente con mano maestra. Miquel Barceló, Anselm Kiefer y muchos otros, han mantenido el estandarte de estas nuevas formas de expresar la figura humana y el objeto, a la vez que han ido conquistando el espacio que iban cediendo unas abstracciones que, al margen de algunas aportaciones conocidas e interesantes, cada vez comparecían más vacías y amaneradas. Estas vías recuperadas de las vanguardias históricas se centran en la representación de lo humano y de todo lo que nos rodea, un antropocentrismo pleno de dudas, que manifiesta formalmente su inclinación por cualquier recurso de fuerza expresiva –sea materia, gesto, color o línea– y de los que el creador se vale en un intento decididamente comunicador. Una simiente expresionista y real que ha germinado en muchos artistas actuales, convertidos, ahora, en los garantes de que este camino no se desabastezca de contenidos y de que se vayan hallando nuevos itinerarios que alimenten los desarrollos más recientes. Como buen defensor del arte sincero, sin tapujos ni medianías, las de Miquel Mesquida son unas imágenes vigorosas que se constituyen en la máxima expresión de lo que quiere contar y de sus propios sentimientos. Unas piezas que recogen ese imaginario que, poco a poco, ha ido construyendo, un mundo peculiar que germina atrapando instantes de la rutina diaria o configurando escenas de esos lugares completamente distintos, absolutamente nuevos, que él imagina, visiona, prevé, un vocabulario personal del artista, pero también una afortunada manifestación de nuestra sintaxis colectiva, fascinante por su cotidianeidad y, en un extraño contrasentido, por su bendita irrealidad. Una singularidad que le confiere su óptica especial y los medios concretos que emplea, accesibles, manejables, cercanos. Dibujos de líneas privilegiadas pero insuficientes para contener sus impetuosos colores, sus texturas, sus goteos, sus gestos y unos añadidos en forma de collage que refuerzan la sensación de inacabado y que le confieren ese carácter próximo, a veces apetecible otras no tanto, que caracteriza gran parte de su producción. Unos seres etéreos y unos objetos peculiares que se desenvuelven en ambientes extraños o cotidianos, unas pinturas que señalan su mundano paraíso, unas esculturas que nos acompañan en el descenso a los celestiales infiernos, un arte irredento, humano y dubitativo, que comparece listo para el combate y, por supuesto, para la contemplación. 7. La (des)ubicación del objeto artístico. Jaume Simó Sabater. Les instal·lacions de Jaume Simó Sabater són fetes d’una selecció de materials i d’imatges de gran potència evocadora, que presenten i representen alhora, i que actuen com a artefactes simbòlics. L’assemblage i l’escenificació lligada al happening 117 són alguns dels seus modus operandi habituals a partir dels quals crea xarxes de significants relacionats que conformen unitats de sentit i que llancen les reflexions de l’artista. També resulta un recurs habitual la figura de la sinècdoque que, entre d’altres coses, contribueix a l’extremada economia y ecologia de mitjans, caracteritzats pel tractament en cru i sense manipular.23 A la misma y frenética velocidad con la que se van descubriendo y describiendo remedios y vacunas para los males más insospechados, estos mismos males, en una hábil mutación, progresan, se desarrollan y se transforman en nuevas y más resistentes variedades de la enfermedad de la que traen causa. El arte contemporáneo, atento a la realidad que lo envuelve y con esa extraordinaria capacidad de absorción que lo define, siempre ha asumido las influencias más positivas pero también los contagios más crueles, auténticas degeneraciones de unas simientes que, en muchas ocasiones, eran portadoras de una interesante idea. Así, el concepto de instalación surgido, entre otros motivos, con la intención de desacralizar los espacios del arte, incorporando nuevos objetos, y por la pretensión multimedia de trascender los límites clásicos de la escultura, se ha ido constituyendo como una técnica cada vez más importante en el seno de los nuevos parámetros del arte contemporáneo, un potente recurso que se vale a la perfección de todos los medios que el mundo actual va dejando a nuestro alcance y que se convierte en una de las formas de expresión más adecuadas para la cultura visual, conceptual y artística que nuestra época va tejiendo. Pero cuando un lenguaje empieza a alcanzar su madurez24, sin solución de continuidad, también comienza a generar sus propias perversiones: unas vulgares degeneraciones que, en el caso de las instalaciones, se consolidan en algunas manifestaciones vacías, pretenciosas o redundantes. La obra de Jaume Simó Sabater, sin embargo, huye de cualquier vacuidad mientras inserta sus raíces en la tierra, en su propia tierra, y lo hace apelando a valores que, desde el inicio, son consustanciales a toda su obra. Partiendo del sustrato que nos es común, de nuestra cultura, la que nos define y en ocasiones también nos mediatiza, Jaume Simó Sabater la recoge y la reivindica sin renunciar a las formas y a las maneras del arte más actual. Y es que la realidad nos dice que, con la misma inercia con la que nos olvidamos de lo nuestro, en muchas ocasiones, también vamos prescindiendo del sustrato adecuado donde situarnos, que controlamos, que nos explica, y sobre el cual, con conocimiento de causa, deberíamos afirmarnos para luego desarrollarnos. Todos somos poseedores de cierta herencia, de una cultura con la que nos identificamos y de una sucesión de formaciones y experiencias con la que la completamos, incluso los más desarraigados construyen sus propios cimientos a partir de lo que les dieron y de lo que, en el devenir de su propia vida, han ido tomando. Así, Jaume Simó Sabater, sin renunciar a la tierra que aguanta nuestros pies y a la cultura que ayuda a definirnos, decide que el sustrato en el que nos apoyamos debe servir para tomar impulso y, sólo en épocas de tormenta recia, para fijar el ancla. Un impulso que con esta base le lleva por unos interesantes derroteros creativos que incluyen la instalación pero también la acción, una acción reivindicativa, estética, política, en la que el artista apela a la materia en bruto para elaborar unos productos totalmente conexos con la realidad, ya que, si algo nutre la obra de Sabater, es el conflicto contemporáneo, las dialécticas que se establecen en las zonas de relación, en las zonas de fricción, en las zonas, precisamente, de conflicto, unas situaciones que sus piezas se encargan de dejar patente insertándolas en los lugares del arte contemporáneo, en las galerías, centros y museos, propiciando el debate, sobreentendiendo la reivindicación, descontextualizando y reubicando objetos y conceptos. Sensación, situación, acción y reacción. Y es que las piezas seleccionadas para este “Art emergent (IV)”, la silueta de revolver con luces de navidad, el banco quizás hogar del sin hogar 23 Jaume Reus, "Situaccions en conflicte", texto recogido en el catálogo de la exposición Exilis. Jaume Simó Sabater i Garau. Obres 1997-2008, Casal Solleric, Ajuntament de Palma, Palma, 2008, p. 115. 118 24 Como indica Ranciere refiriéndose a la evolución del concepto de instalación: “Todas esas instalaciones jugaban entonces sobre lo que treinta años antes había sido el resorte de un arte crítico: la introducción sistemática de objetos y de imágenes del mundo profano en el templo del arte. Pero el sentido de esta mezcla ha cambiado radicalmente. Antes, el encuentro de elementos heterogéneos buscaba resaltar las contradicciones de un mundo dominado por la explotación y quería cuestionar el lugar del arte y de sus instituciones en ese mundo conflictivo. Hoy día la unión de elementos heteróclitos se afirma como la operación positiva de un arte que archiva y testimonia un mundo común. Esta unión se inscribe entonces en la perspectiva de un arte marcado por las categorías del consenso donde se trata de devolver el sentido perdido de un mundo común o reparar las fallas del lazo social”, en Jacques Ranciere, El viraje ético de la estética y la política, Editorial Palinodia, Santiago de Chile, 2005, p.37. y otros connotativos y denotativos artefactos, buscan crear situaciones, posiblemente, en espera de alguna respuesta sincera. 8. Nuevas formas y nuevas maneras (hacia otra estética). José Ángel Sintes. Desde el ocaso de las vanguardias, el arte ha tenido que reinventarse a sí mismo sin tener que “matar al padre”, porque el padre ya estaba muerto. No quedaban más academias que derrumbar ni tradiciones que combatir. El rey estaba desnudo y el posmodernismo no ha hecho otra cosa que evidenciarlo, porque los intentos de encontrarle nuevas vestimentas –incluso recosiendo las viejas– sólo han conseguido provocar mucho ruido mediático y pocas sorpresas.25 En una eterna y compleja espiral, la historia del arte y su crítica, van alternando y solapando la elección del actor protagonista entre la forma y el contenido; épocas donde el concepto de belleza –la estética que le es propia y la apariencia que la manifiesta– priman sobre la idea que contienen, permutan o se combinan con otras en las que, lo fundamental, es lo que se dice. Y es que durante siglos, entre estos dos polos, ha ido oscilando el diapasón de la creación artística, alcanzando, en una suerte de continua e imparable mutación, gran parte de las infinitas combinaciones que entre ambos pueden darse. En el arte actual, más conceptual que estético, suele vincularse el arte mayor a creaciones donde la idea y el contenido predominan sobre las formas que el artista emplea para transmitirlos; es por ello que las expresiones plásticas donde se prefiere la belleza por sí misma quedan vinculadas –más de lo que sería deseable y en más oportunidades de las ciertas– a creaciones de tendencia, de diseño o a un puro esteticismo, muchas veces usando estos conceptos con un evidente desdén. Es cierto que el objeto artístico no tiene por que ser bello pero parece que, en la actualidad, a veces se busca lo feo por el mero hecho de no incurrir en la belleza, se le tiene pavor a lo bello para no caer en la cursilería o en lo meramente plástico y se prefiere, en un afán mal entendido de epatar, lo desagradable, 25 lo violento, lo repulsivo, incluso lo hortera o lo simplemente insulso, huyendo como posesos del concepto tradicional de belleza. En ocasiones el crítico muerde este anzuelo, confundiendo lo que en realidad es una fealdad vacía de contenidos, con una novedosa trasgresión quebrantadora de las leyes de la estética o de lo políticamente correcto. Al margen de esto, lo que si es cierto, es que una nueva voluntad estética está frecuentando los nuevos parámetros del arte contemporáneo, fundamentalmente la pintura y la fotografía, tratando de recoger en su devenir este cambio de criterio. Efectivamente, parece que la sensibilidad de los artistas lleva tiempo percibiendo que la belleza es una cosa sencilla, cercana, que se encuentra justo a nuestro lado, en los objetos, en las personas y en las situaciones que nos resultan más accesibles y es por ello que esta nueva plástica, esta nueva estética, se empeña en dar cabida a los nuevos sujetos del arte. José Ángel Sintes es un exponente claro de esta tendencia, un buscador nato de la belleza en las cosas y en las situaciones que le son próximas, en aquellas en las que, a pesar de estar ubicadas a nuestro lado, el común de los mortales no habíamos reparado. Unos peculiares objetos y situaciones que él detecta gracias a su fino sensor, llamándonos la atención sobre ellos y explicándonos su belleza, su sencillez, su armonía. Un camino que supera la polución contemporánea para depurar, purificar y codificar esta nueva estética de lo corriente, esta auténtica y singular belleza de lo cotidiano. Si genios como Edward Hopper hubiesen trascendido su captación del ambiente, de los interiores, de los paisajes, y fijasen su atención exclusiva y superdotada en los objetos que les rodeaban, en algunas situaciones vividas, y todo ello, en primerísimo plano, como Sintes, posiblemente hubiesen obtenido, ambos, resultados con ciertas similitudes conceptuales e incluso formales. José Ángel Sintes, además, no se conforma con la física evidente de las cosas y también va en busca de aquella metafísica no tan obvia: sus naturalezas muertas, por ejemplo, son expresión de los objetos en los que fija su atención y, a pesar de que suelen ser de una cotidianeidad manifiesta, poseen aquel halo espiritual que tan generosamente nos legó la obra de Giorgio Morandi y que el artista, con destreza, también nos facilita. Marie-Claire Uberquoi, ¿El arte a la deriva?, Random House Mondadori, Barcelona, 2004, p. 153. 119 9. Desde lo doméstico (con amor). María Isabel Uribe. Con el desenfado iconoclasta y esas dosis de humor atrevido que la caracterizan, la artista reflexiona ahora sobre la maternidad, una experiencia que, por cierto, acaba de conocer. El espacio mental y emocional de ese entorno doméstico alterado por la llegada de un nuevo ser, queda, ¡cómo no!, referido en unos objetos que prueban ser especialmente aptos para las aventuras estéticas de Uribe.26 Y una vez refugiados en nuestra casa, al resguardo de las inclemencias contemporáneas, el artista cómodo, conformista, poco sincero, sin agallas, se queja permanentemente de su falta de tiempo, de la carencia de estímulos que exciten su creación, mientras echa la culpa de su escasa voluntad a la vorágine contemporánea. Sin embargo para María Isabel Uribe el hogar es fuente de inspiración, y en ocasiones, incluso espacio de producción. Así es, la artista ya nos planteaba, en aquella exposición titulada “I am very domestic” que tuvo lugar en la galería palmesana ABA Art Contemporani en 2006, que la casa, cada casa, es a la vez diferente y única. Fregonas, cepillos y cubos, la limpieza después de la celebración familiar y ositos de juguete que contribuyen al sueño no siempre tranquilo de un bebé, podrían parecer más la expresión de un agotador lugar de trabajo que un verdadero hogar –y mucho menos un entorno de inspiración– si no fuese por el extraordinario sentido del humor de la artista, su optimismo desbordante y un concepto lúdico de la vida que convierte los objetos y las situaciones más cotidianas en sujetos de su arte, haciendo mutar lo prosaico hacia una propuesta plena de poesía y color, aunque no exenta de cierto sarcasmo. Una descontextualización de objetos cotidianos, una intervención sobre ellos y una nueva ubicación, que asume sin problemas los parámetros más actuales del arte contemporáneo. Porque las cosas ya no son lo que parecen, las cosas son lo que son, y cada una de ellas, además, es algo distinto. Efectivamente, los objetos son el medio y el hogar es el lugar, pero lo fundamental, obviamente, es la capacidad del artista para transmitir. En el arte necesitamos sinceridad, sin duda, pero por encima de todo hace falta sentimiento, pasión, amor, el genuino motor de los actos humanos más insondables. El afectado por la pasión, el apasionado, es un tipo evidente al que se le reconoce fácil, disfruta de casi todo y casi todo lo hace al máximo, su entrega es total y su convicción suprema, esto le sirve para lograr los más apoteósicos aciertos, pero también para cometer los más estrepitosos errores. En el caso de Uribe, gracias a su extraordinaria capacidad, la pasión que demuestra no le confunde, sino que le agudiza el criterio para acertar casi siempre, permitiéndole realizar una producción artística de extraordinario interés, unas piezas que, con el amor de una buena madre, de una gran artista, tiene la generosidad de ofrecérnoslas desde la calidez e intimidad afectuosa de su propio hogar. Desde casa con amor. 10. El infinito catálogo de creaciones (y algunas de sus próximas vidas). Marcos Vidal. Marc Vidal no cau en la temptació de voler crear grans obres, heroiques, definitives; relaciona i utilitza amb intel·ligència la ironia i la paradoxa, ambdues coses molt serioses, capaces com pocs recursos de desvetllar les contradiccions i els llocs comuns del nostre temps. Els materials i els elements dels seus escuts i capelles, per exemple, ens remeten a un catàleg de significats d’índole social. No hi ha ingenuïtat ni pur automatisme en aquests acoblaments/collage, sinó intenció i crítica socials.28 Pilar Ribal, "Objetos y fetiches: la ubicuidad de la réplica", texto recogido en el catálogo de la exposición María Isabel Uribe. I am very domestic, ABA Art contemporani, Palma, 2006, p. 3. Leon Nikolayevitch Tolstoi, ¿Qué es el arte?, Editorial Tor, Buenos Aires, Argentina, 1950. 28 Pablo J. Rico, "Estratègies d'indiferencia en Marc Vidal", texto recogido en el catálogo Marc Vidal. Llinatge sospitós, Espai Ramon Llull, Govern de les Illes Balears, 2002, p. 9. 26 120 Ya lo decía Leon Tolstoi, El arte es la forma a través de la cual una persona entrega a otras sentimientos de tal manera que se infecten de ellos y los experimenten27, y razón no le faltaba, el arte sincero es un estado de ánimo, sin duda, y lo es para quien lo evalúa, para quien lo consume y, por supuesto, también para quien lo produce. El arte puede entenderse, el arte puede explicarse, pero sobre todo, debe sentirse, y la misma persona puede hacerlo de mil maneras distintas. Yo soy yo y mis circunstancias, y cuando estoy deprimido, enfadado o enamorado, muchas canciones –que antes no me importaban– empiezan a hablar de mí. 27 Con algunas formas heredadas del Pop más ácido – aquel que no se conformó con recoger sino que optó por flagelar, desde el sarcasmo, gran parte de las convenciones sociales más embrutecedoras– las piezas de Marcos Vidal hablan de muchos de los triunvirato magníficos que trufan nuestra sociedad: dinero, sexo y religión, el arte, los artistas y el resto de la fauna… Un campo abierto para la ironía y el humor que Vidal transita con seguridad y solvencia. Para ello apela a todo un catálogo de imágenes y objetos, potentes y reconocibles, en muchas ocasiones preexistentes, que compone, ensambla y superpone en un inconfundible collage de recuperaciones y ocurrencias que entronca también con toda una sofisticada e irreverente imaginería kitsch de iconografía marcadamente popular. Vidal recurre a los objetos como elementos y como conceptos, juega con ellos y los intercala con habilidad entre todo ese imaginario colectivo del que se nutre, riéndose de la definición más petarda de moderno y señalando las evidentes corrupciones que nuestra sociedad va padeciendo: de nuevo el dinero, la política, el poder. Pero en ese uso constante de lo prefabricado, no sólo encuentra Marcos Vidal su afortunado medio de expresión, sino que la reutilización de lo existente se convierte en la propia expresión de la idea. Así es, el creador pretende dejar en evidencia el insondable catálogo de objetos con el que, la masiva y extenuante producción industrial, casi nos sepulta. Un exceso contemporáneo, como otros de los que hemos hablado en el presente texto, que queda patente y examinado en cada uno de los ensamblajes con los que el artista resuelve sus piezas. Pero este infinito catálogo del que Vidal se nutre, esta cultura de la superproducción en donde se hace absolutamente de todo y de ese todo se hace mucha cantidad, es, en sí misma y con todo su repertorio de imágenes y conceptos, un poderoso y peligroso medio de expresión para el arte, donde se obtiene, desde hace algún tiempo, una interesante materia prima –pero excesivamente cómoda– con la que seguir creando. Un recurso potente al que hay que tratar con la cautela y la pericia que lo hace Marcos Vidal, un artista que parte de las numerosas aportaciones icónicas y objetivas que se han ido sumando con el devenir del tiempo, algunas sin duda geniales, otras no tanto, que convierten estas posibilidades en algo diabólico que puede hacer caer al creador en trampas tan evidentes y comunes como el vulgar apropiacionismo de lo impropio, la simple repetición insustancial de contenidos o el burdo collage de elementos destemplados en el que el artista se constituye en un mero seleccionador –en un remixador– seducido por la espléndida potencia y cantidad de lo ya creado. Lejos de estos vicios, el virtuoso Vidal, opta por aplicar sus cualidades más acentuadas, su inteligencia, su ironía hasta el sarcasmo, su sentido del humor, el acierto estético de sus composiciones, en una suerte de juegos atractivos y sugerentes que, sin duda, trascienden cualquier contenido meramente epidérmico para ir directos al corazón de la crítica social. Cala Rajada. Septiembre de 2010 121 122 Traduccions a l'anglès 123 Emerging art in the Balearic Islands (IV) Gómezdelacuesta TEN YEARS (TEN) OF EMERGENCE IN THE BALEARICS (2001-2010). The semantic connotations of the term “emerging”, in addition to evoking the concept of novelty, places the recent in contact with a more or less close tradition: a basis from which it emerges, establishing a relationship of continuity or rupture with it.1 H uman beings are undoubtedly binary by nature, but right after the yes and the no, the one and the zero, we tend to the decimal, to band all things together in groups of ten, to number all things, while we use with ease many of its infinite multiples and some of its boundless divisors. We are insatiable seekers of decalogues, born decaloguists who travel, passing among ten commandments, ten best destinations for dream holidays, the marking system used to evaluate us from the time we were young or some of those athletic decathlons that we will never manage to finish. We are inclined to the decade, to the score, and we are so inclined because it is familiar to us, it completes us, it keeps us in order, it balances us and it calms us in the midst of this contemporary chaos, which almost always manages to overwhelm us to our dismay. At the heart of this maelstrom, historians seek a certain order, and order at times tends to the number ten. Thus, having reached a year as paradigmatic as this one, it should not seem strange that we are attempting to organise our present –and a past so recent we still remember it accurately– on the basis of the ten years of emerging art we have just experienced. Ten years that have been accompanied, almost from the start, by these “Art emergent” proposals sponsored by Projecte Llevant that now serve us as a common theme in our efforts 1 to recount what this prodigious decade in artistic Balearic emergence has been like: constantly evolving artists, sites and years that have laid the foundations for the artistic development of the most cutting-edge art created on our beloved isles. And it is precisely this scrutinising, classifying –historian’s– spirit that makes us simplify, perhaps facilitate, a ten-year evolution divided into ten sections that, with no pretence to being exhaustive, is considered with the desire that their contents constitute a lean sample of what this community’s new art has been like. Ten simple notes that give expression to a multitude of projects, names that enter and exit, that come and go, hopes, intentions, talents, ambitions and desires that together to a lesser or greater degree have been creating the felicitous, successful, transgressive or relevant content of the emerging art of the Balearic Islands in this first decade of the twenty-first century. 1. “…en projecte” 1992-2007. A singular precursor, a necessary partner Perhaps the most striking aspect, a priori, of this exhibition series entitled “...en projecte”, which was developed by Joan Carles Gomis for Torre de ses Puntes in Manacor, is the proposal’s birth so long ago. Indeed, the first event dates back to 1992 and the text that accompanies the brochure that Carme Castells, “Art emergent a les Illes Balears”, an essay in the Art emergent a les Illes Balears (I) catalogue, Projecte Llevant, Manacor, 2002, p. 5. 125 advertised it already clearly and concisely pointed out the values that inspired its initial approach, parameters that have continued to fuel this project during its more than fifteen years of history: We believe that one of the goals of a space with our features, aside from offering the work of artists of recognised value to the public, should be to stimulate young artists’ work and make it possible for it to be known in a manner proportional to their effort. We are convinced that the interaction resulting from the contact with the public of their work –an unprecedented experience for some of them– will have a positive influence on its further development.2 Focusing on the period of time we have delimited and the chronological setting around it, the second surprising question is the premonitory roster of artists that have frequented the different editions of this exhibition series. Especially significant and precursory was “...en projecte (III)” (1996), in which artists such as Joan Miquel Arrom “Sasai” (Palma, 1970) –who anticipated his later selection of works in “Art emergent (II)” (2003) with his participation– sculptor Jeroni Bosch (Manacor, 1975) and Ricard Chiang (Barcelona, 1966), who has proven to be one of the most solid careers in contemporary Balearic art, came together with Tomeu Estelrich (S’Alqueria Blanca, 1968), Adolf Gil (Muro, 1970) and Catalina Julve (Manacor, 1972) to configure a proposal that demonstrated the wisdom of the team responsible for selecting the participants. “...en projecte” would not be resumed until three years later and after was held each year without interruption until its last edition in 2007. Successive exhibitions congregated a dedicated group of artists that included Ramon Company (Alcúdia, 1973) in “…en projecte (IV)” (1999), participants in later years of “Art emergent” such as Jaume Canet (Felanitx, 1966), Marian F. Moratinos (Palma, 1973), Rafel Perelló (Manacor, 1963), Joan Serra (Manacor, 1973) and Joan Servera “Peix” (Artà, 1971) in “…en projecte (V)” (2000). Also selected for 2 126 “…en projecte I”, Torre de ses Puntes, Ajuntament de Manacor, Manacor, 1992. “Art emergent” were Paco Espinosa (Palma, 1969) and Joan Vallespir (Inca, 1969) in “…en projecte (VI)” (2001), Astrid Colomar (Palma, 1970) in “… en projecte (VII)” (2002), Jaume Fullana (Palma, 1963) and Amparo Sard (Son Servera, 1973) in “…en projecte (VIII)” (2003), and Maria Antònia Mir (Sa Pobla, 1977) and Ginés Quiñonero (Palma, 1971) in “…en projecte (IX)” (2004). The coincidence between the two events, “Art emergent” and “…en projecte” is obviously not accidental. It was precisely in the 2004 edition of “…en projecte (IX)” that the first artist that forms part of the “Art emergent a les Illes Balears (IV)” exhibition that brought about this catalogue appeared: Columbian artist María Isabel Uribe (Neiva, Huila, Colombia, 1969). She was joined by Yolanda Adrover (Felanitx, 1977), Paz Alcoverro (Barcelona, 1969) and Julia García (Albacete, 1968) in “…en projecte (XI)” (2006) and Joan Cabrer (Palma, 1983) and Miquel Mesquida (Manacor, 1954) in “…en projecte (XII)”, the final round of this long-lived series that culminated in 2007. These singular proposals had parallel paths, teeming with feedback among them and commonalities that consolidated “...en projecte” not only as a singular antecedent, but also as a necessary partner in itineraries that would ultimately be confirmed in the successive years of “Art emergent”. 2. Covering emergence before “Art emergent” Before the “Art emergent” project came to occupy the space for selecting and disseminating emerging proposals in the Balearics in a stable, planned and coordinated manner, it was preceded by a series of exhibitions that successfully accommodated the works by this series of artists, whose age, manner and content allow them to be a part of the ambiguous, broad and heterogeneous emerging artist category. Several examples were the group shows organised by the Balearic Government and inaugurated during 1999, such as “Pittura Giovane Balear” presented at Galleria Contemporanea A. Sangallo in Loreto, Italy. Among the youngest representatives in this show were the abovementioned Joan Miquel Arrom “Sasai”, Ramon Company, Marian Moratinos, Adolf Gil and Joan Vallespir, as well as a number of participants in the different editions of “…en projecte” and “Art emergent”: Xavier Andreu (Inca, 1973), Martí Antoni Monjo (Maria de la Salut, 1972) and Bartomeu Pons (Campanet, 1973). Another event in 1999 was “29 artistes a Menorca”, which included the “emerging” Paca Florit (Ciutadella, 1974) and Carles Moll (Mahon, 1969); while that partial vision of the archipelago had been completed a few years later by the show produced by the Museu d’Art Contemporani d’Eivissa entitled “Hic et nunc. Actuals a les Pitiüses” (2002), whose eight participants were an interesting representation of artists born in the 1960s and linked in one way or another to the Pitiusan Islands, to wit: María Catalán (Castellón, 1961), Enric Riera (Formentera, 1963), Rom Ero (Granada, 1960), Paco Romero (Ibiza, 1966) and the participant in “Art emergent (III)” Mario de Ayguavives (Zaragoza, 1968). In 2000, Edicions 6a and Sa Nostra organised the graphic edition and subsequent exhibition entitled “7i7”, a show that covered a certain sample of emerging art in our community through lithographs by young artists who mixed their work with verses by young poets. This show featured pieces by the above-mentioned Paco Espinosa, Paca Florit, Vallespir Marian and Joan Moratinos, who were joined by the Mallorcan-born Aina Noguera, who is currently based in Galicia, Ibizan Pep Tur, later a participant of “...in projecte (VII)” (2002), and Santiago Picatoste (Palma, 1971). Yet, the proposal that may have come closest to some of the premises which then governed “Art emergent” was the series of two exhibitions organised by the Palma Municipal Council in 2000 and 2001, which would be presented at Casal Balaguer in the centre of Palma. “Exit 1” and “Exit 2”, the name given to these events, featured a careful selection by curator Neus Cortés that included most of the names who were already at the forefront of the youngest, most modern Balearic art, names that continue to be at the forefront in many cases: Cati Aguiló (Palma, 1970), “Sasai”, Xisco Bonnín (Palma, 1967), Biel Bover (Palma, 1962), Paco Espinosa, Mercedes Estarellas (Palma, 1972), José Fabré (Palma, 1961), Jaume Fullana, Carles Gispert (Palma, 1969), Iván de Lucas (Madrid, 1962), Rosa Mascaró (Manacor, 1961), Marga Nicolau (Palma, 1964), Kiko Palmer (Palma, 1968), Gabriel Pereiro (Palma, 1975), Santiago Picatoste, Néstor Romero (Granada, 1970), Tatiana Sarasa (Barcelona, 1966), Joan Vallespir, Gori Vicens (Palma, 1968) and the participant in this fourth edition of “Art emergent”, Marcos Vidal (Vitoria, 1967). Together, they made up a sufficiently broad preview of the Balearic emerging art scene at the turn of this century. 3. “Art emergent (I), (II) i (III)”. A first and judicious trilogy. The year 2002 brought with it the first “Art emergent”, a proposal that was followed year after year without interruption by another two exhibitions, constituting a felicitous trilogy with all the artists who were included –although logically not all artists were included– some are always missing; this “Art emergent (IV)” and upcoming “emerging” events will seek to remedy this. When viewed from a certain, almost historical perspective, the pathways travelled by each artist who participated in these first three events reveal disparate itineraries, some of them public, well-known and fully consolidated, others more difficult to follow, almost all of them of interest. In most cases, time has proved the project curators –Joan Carles Gomis in the first and Maria Antònia Artigues in the following two– right, showing that the choice of artists had been wisely made. Deployed alongside the pieces by the thirty-one artists selected was the entire array of criticism developed and the opportune texts by Carme Castells for the catalogues for each of these first three exhibitions. These texts supported and completed the project in such a generous way that it helped us grasp perfectly the concept and 127 development of proposals whose participants we shall simply enumerate here. Thus, in “Art emergent a les Illes Balears (I)” (2002), we find Astrid Colomar, Rafel Adrover (Palma, 1969), Amparo Sard, Paco Espinosa, Joan Serra, Marian Femenías Moratinos, Joan Servera “Peix”, Pedro Oliver (Palma, 1968), Yolanda Montesa (Ibiza, 1973) and Paca Florit; in “Art emergent a les Illes Balears (II)” (2003), we find Jaume Canet, Carles Moll, Martí Antoni Monjo in collaboration with Ana Camuñas (Villafranca de los Caballeros, Toledo, 1975), Rafel Perelló, Aina Perelló (Pollença, 1976), Blanca Pérez-Portabella (Barcelona, 1973), Eliana Perinat (Paris, 1965), Joan Miquel Arrom “Sasai”, Fabián Schalekamp (Palma, 1964) and Joan Vallespir; while in “Art emergent a les Illes Balears (III)” (2004), we find Ibizan resident Mario de Ayguavives, Rafel Bestard (Palma, 1967), Mercedes Estarellas, Jaume Fullana, Carles Gispert, Núria Marquès (Ciutadella, 1975), Maria Antònia Mir Sastre, Ginés Quiñonero, Pedro Vidal (Palma, 1968) and Guillem Santandreu (Manacor, 1965), who, curiously enough, had taken part in the second “…en projecte”, back in 1994. 4. Projecte Llevant, Projecte Torre and Projecte Triangle Yet, Projecte Llevant obviously cannot be reduced merely to these editions of “Art emergent”. Projecte Llevant is a collaborative idea that combines and coordinates the efforts of many island institutions that vary according to the specific proposal. These institutions include the Municipal Councils of Andratx, Artà, Binissalem, Capdepera, Calvià, Felanitx, Inca, Manacor, Marratxí, Palma, Porreres, Santanyí, Sant Llorenç des Cardassar and Sa Pobla, the Balearic Government, the Mallorca Council, Sa Nostra, Espai Mallorca, the Museu d’Art Contemporani d’Eivissa and the Mallorca Museum. A long trail of projects that was kicked off in 1999 with “Itineraris damunt paper. El dibuix a la plàstica contemporània a Mallorca”, which was followed by “Fotografia contemporània a Mallorca” (2000), “Actituds tangencials” (2000), “Erotisme a la plàstica contemporània a les Illes Balears” (2001) –in which 128 we come across Ricard Chiang once again–, the three series mentioned above of “Art emergent” (2002, 2003 and 2004), “Escultura contemporània a les Illes Balears” (2005), which featured emerging artists Jeroni Bosch, Jaume Canet, Jaume Fullana and Carles Gispert, “Historietes. El còmic a les Illes Balears” (2006), “Ceràmica contemporània a les Illes Balears” (2007) and “Cadàver exquisit” (2008) with, among others, Astrid Colomar, Marian F. Moratinos, Paca Florit, Maria Antònia Mir, Rafel Perelló, Amparo Sard and Pep Guerrero (Port de Sóller, 1966), as well as an intriguing and appropriate text by young critic and curator Pau Waelder (Palma, 1974). This series of proposals is now complete with this “Art emergent (IV)”, from which this catalogue is derived. In fact, Projecte Torre is the name given to all the exhibitions produced by Torre de ses Puntes, which usually –although not always– focus on individual and specific reviews of emerging artists from the time in which they begin to roam to municipalities other than Manacor, the site of the aforementioned exhibition centre. The first exhibition in this series was by Ricard Chiang in 1997. These exhibitions were organised, produced and financed by Manacor, with the help of its Municipal Council, the Mallorca Council and Sa Nostra, and were lent free of charge to other contemporary art exhibition spaces, being covered in homogeneously designed catalogues that functioned as a collection. For our purposes, the many proposals put forward under the auspices of this project include exhibitions by Marian F. Moratinos (2001), Rafel Perelló (2001), Guillem Santandreu (2002), Fabian Schalekamp (2003), Astrid Colomar (2003), Maria Antònia Mir (2004), Pedro Oliver (2005), Pedro Vidal (2005), Rafel Bestard (2006) and Jaume Fullana (2008); 2008 was the year in which the retrospective exhibition “Déjà vu 1998-2008” by artist Paz Alcoverro, selected for this “Art emergent (IV)”, took place as part of the Projecte Torre programme. In turn, Projecte Triangle is a recent derivation of Projecte Torre. These productions are produced by the troika of Manacor, Capdepera and Felanitx. Each municipality is responsible for proposing an artist and two full series have already been held. The first series featured solo exhibitions by Mateu Estarellas (Cala Rajada, 1970), Jaume Fullana and Yolanda Adrover, while the second brought together Pere Bennàssar (Felanitx, 1963), Marcos Vidal and Antònia Del Río (Capdepera, 1983). All of these events have striven to maintain the general concept and catalogue format of the exhibitions held under the coordination of Projecte Torre. 5. The Art Jove Awards, lending visibility to the ranks, and a brief mention of the “RetroActiva” and “Praxis” projects The Art Jove Awards, sponsored by the Balearic Islands, were born in 1994 with the clear spirit of encouraging and disseminating proposals by our community’s youngest artists. Until 2002, it was a plastic arts competition –painting and sculpture, with room for installations as well– but since 2003, it has been representing the broader denomination of visual arts. Many of the names that have shaped Balearic emerging art during the decade under review, artists mentioned over and over in this text, can be found once again on the list of winners, e.g., Ramon Company (the Art Jove Award for painting in 1995 and sculpture in 1998), Pep Guerrero (first prize for sculpture in 1996), Joan Vallespir (first prize for painting in 1997), Carles Gispert (first prize for sculpture in 1997 and third prize in 1999) Marian F. Moratinos (second prize for painting in 1998), Cati Aguiló (second prize for sculpture in 1999), Joan Servera “Peix” (first prize for painting in 2001), Blanca PérezPortabella (first prize for sculpture in 2001) Cecilia Segura (honourable mention in sculpture, 2001), Jaume Simó Sabater (third prize in 1996 and first prize in 2002 for sculpture), Yolanda Adrover (first prize for sculpture in 2002), Mitos Colom (first prize for photography and honourable mention in painting in 2002), Aina Perelló (winner of the 2003 competition under the now generic heading of visual arts), Núria Marquès from Menorca (2004), the Ibizan Santiago Vich (2005), Valencian Robert Ferrer (2008), and the new crop of artists born in the 1980s: Onofre Caldentey, and Neus Marroig and Enric Socias (first prize and special mentions, 2006), Albert Pinya and Ibizan Sara Tur (first and second prize respectively in 2007), and lastly, Lara Fluxà and Joan Cabrer (second and third prize respectively in 2008). An attempt to exploit this normally opportune selection of artists, which the awards themselves provided, gave rise to “RetroActiva”, a proposal configured as a unique Art Jove retrospective from a slightly different point of view. This initiative, which was launched in 2008 and fostered from the institutional realm, was a series of interventions with the most cutting-edge art on the streets of Palma. The five installations in each series, based on an urban context, aimed to encourage and spark a spontaneous dialogue between contemporary art and the public. The first artists were selected from among the winners and special mentions: Yolanda Adrover, Carles Gispert, Núria Marquès, Jaume Simó Sabater and Enric Socias (Palma, 1981). The second edition recently took place in September 2010 and those chosen to create an installation on a street in Palma that they were allowed to choose for themselves were Mitos Colom (Palma, 1977), Pep Guerrero, Neus Marroig (Sóller, 1982) Marian F. Moratinos and Aina Perelló. Furthermore, “RetroActiva” has the singular feature of being on the programme of Palma’s prestigious Nit de l’Art, an event promoted by Mallorca’s gallery associations, which enjoys the support of Balearic institutions and in which audience participation is particularly relevant, the ideal framework for the approaches that characterise “RetroActiva”. Mention should be made, although briefly, of the proposal also sponsored by the Balearic Government called “Praxis”, an event that aimed to foster work by the islands’ youngest artists, those who had recently graduated in the Fine Arts in Spain and were launching their professional careers in the world of art at the time. The first exhibition, held 129 in 2009, was entitled “PraxisMMIX” and brought together some of the names that are beginning to ring in the competitive field of contemporary Balearic art: Joan Cabrera, Lara Fluxà (Palma, 1985) and Bartomeu Sastre (Palma, 1986). The second show in the series, “PraxisMMX”, which took place in September 2010, featured Joan Esteve (Muro, 1987), Alelí Mirelman (Palma, 1987) and Jaume Orejuela (Pollença, 1981), among others. 6. Other plastic art events, not specifically for young people, that reward and nurture emerging approaches. Without a doubt, the most important plastic arts competition in the Balearic Islands, both in terms of prestige as well as resources, is the Ciutat de Palma Antoni Gelabert Award for the Plastic Arts, an event that has set the standard for quality among our community’s contemporary art competitions and – how could it be otherwise– has become one of the most proven sources of legitimacy for proposals of an emerging nature. Its roster of winners is long, although considering the decade and topic at hand, we must mention just a few of the more well-known emerging artists that have received a prize in the competition: First prize went to Martí Antoni Monjo in 1997, to Amparo Sard in 1999, to Rafel Perelló in 2002 and Joan Morey (Sant Llorenç des Cardassar, 1972) in 2003; Núria Marques and Rafael Bestard received honourable mentions in 2004 and 2007 respectively, and Cecilia Segura was awarded second prize in 2008. All of them are accompanied on the list by two representatives of this “Art emergent (IV)”: Paz Alcoverro winner in 2008, and José Ángel Sintes (Alaior, 1978) winner in 2009. Another competition with a long, well-established track record is the Ciutat de Manacor d’Arts Plàstiques, which has been showcasing the most cutting-edge art on the basis of its selection of finalists since 1994. Limiting ourselves to competitions from 2000 onwards, Rafel Perelló won in that same year, Rafael Adrover in 2002, 130 Pep Guerrero in 2003, Maria Antònia Mir in 2005, Aina Perelló in 2006, Rafel Bestard in 2007 and Yolanda Adrover and Joan Cabrer, participants in this year’s “Art emergent (IV)”, did so in 2009 and 2010 respectively. Also noteworthy is the quality and longevity of the famous International Competition d’Arts Plàstiques de Pollença, which is in its forty-seventh edition this year and has featured works in other editions by Aina Perelló, Núria Marquès and Gabriel Pericàs (Palma, 1988). Other noteworthy events include Certamen Interncional d’Arts Plàstiques Vila de Binissalem, won by Maria Antònia Mir in 2006, Maria Isabel Uribe in 2007 and in which Joan Servera “Peix” took third place in 2008, the Certamen d’Arts Plàstiques Rei en Jaume de Calvià, awarded to Mitos Colom in 2007, Isabel de Castro Jung (Palma, 1976) in 2008, Robert Ferrer and Neus Marroig in 2009 and in 2010, and the Certamen de Pintura de Sant Marçal in Marratxí, won by Mònica Fuster (Palma, 1967) in 2009 and Joan Vallespir in 2010. 7. Galleries sensitive to emerging art. The Noves Presències and Art Palma Project spaces. One of the most striking features of the city of Palma and by extension, the island of Mallorca, is the extraordinary density of exhibition spaces dedicated to contemporary art, most likely on par with some of Europe’s major capitals. This vast range of possibilities enables artists –those who live here and those who are attracted by the call of this unique “land of opportunities”– to have plenty of options, so that their proposals will see the light, even with a certain regularity, depending on the artist, an abundance that unfortunately does not have the same ratio of coverage in the other Balearic islands, Menorca and Ibiza being treated in a rather uneven manner. In the realm of private commercial galleries, there is a strong group of fully consolidated spaces with longstanding, solvent experience that chart their courses on the path of modern art, with barely any fissures, although of course, influenced by the tastes of those who run their plans. Many of these galleries, with their more This first, select group of galleries includes the stimulating on-going work accomplished by Ferran Cano –both in his gallery in Palma, right in the heart of the old town, and in his celebrated space in Barcelona– with a line of exhibitions that always benefit the most emerging and above all, daring proposals. Confining ourselves to the gallery in Palma and decade in question, the roster of exhibitions is broad: Pep Guerrero in 2001, 2005, 2008 and 2009, Pedro Oliver in 2003 and 2008, Amparo Sard in 20033 and 2007, Yolanda Adrover in 2005 and Julia García in 2006 4 among others. Pelaires, with over 40 years of gallery work behind it, does not rule out emerging proposals and has more recently lent its support to artists such as Natxo Frisuelos (Palma, 1976), Guillermo Rubí (Palma, 1971) and Blanca Pérez-Portabella; the last having also exhibited5 at Galería Horrach Moyà where precisely Susy Gómez (Pollença, 1965), Joan Morey and Jaume Simó Sabater have appeared. In Maior’s two spaces –in Palma and Pollença– Cati Aguiló 6, Joan Cortés (Pollença, 1964), Mònica Fuster, Núria Marquès and Aina Perelló7 have displayed their works, while Galería Xavier Fiol has devoted several exhibitions to Marta Blasco (Manises, Valencia, 1974), Xisco Bonnín 8, Ricard Chiang, Mercedes Estarellas9, Santiago Picatoste and Concha Vidal (Palma, 1975). spaces could be defined as a group that in itself can be considered emerging, a series of projects, virtually all recent, that have an almost exclusive sensitivity to mounting young and modern art proposals. Among them, we must mention the interesting history of ABA Art Contemporani with shows as significant to emerging Balearic art such as those by Toni Amengual (Palma, 1980), Isabel Ferrer Tapia (Palma, 1973), Harold Jiménez (Cali, Colombia, 1972)10 and María Isabel Uribe; also La Caja Blanca with Kira Ball (Palma, 1976) 11, Mitos Colom 12, Bárbara Juan (Palma, 1965) and Marian F. Moratinos; as well as SKyistheLimit, which has featured Diana Coca (Palma, 1977) 13, Magdalena Ferragut (Palma, 1979) 14, Susana Muñiz (Madrid, 1967), Nano Valdés (Palma, 1969) and Marcos Vidal. Mention must also be made of work by another type of space with several distinctive features, such as Son Addaya Centre D’art Contemporani, which handles an interesting and copious list of extraordinarily young artists –Joan Ávila (Palma, 1980), Arantxa Boyero (Palma, 1982), Jaume Orejuela and Julià Panades (Palma, 1981)15– alongside others with a somewhat longer history –Yolanda Adrover, Paz Alcoverro, Robert Ferrer, Tomeu Simonet “Gorriomoixa” (Alarò, 1973) and Joan Vallespir–. In Centre d’Art la Real’s case, the list includes Javier Cadavieco (Palma, 1978)16 and Bárbara Vidal (Palma, 1979), while Intersecció Art’s suggestively alternative proposals have been populated by artists such as Onofre Caldentey (Palma, 1980), Neus Marroig, Víctor Moragues (Palma, 1978), Maria Simón Masip (Palma, 1983), Enric Socias and Evaristo Torres (Ibiza, 1970). The second series of galleries at the heart of the generous Mallorcan offering of commercial Perhaps one of the programmes that has been most helpful to the careers of the artists involved than proven quality, have made a firm commitment to our community’s emerging art, a task needed to definitively strengthen the paths of increasingly consolidated artists, who they put their work to the test before the most ruthless of judges: the market. Exhibition held as part of the Noves Presències programme sponsored by the Mallorca Island Council.. Exhibition held thanks to the Art Palma Project grant promoted by the Art Palma gallery owner association and supported by the Balearic Government, the Mallorca Island Council and the Palma City Council. 5 As part of the Noves Presències 2003 programme. 6 As part of the Noves Presències 2002 programme. 7 Her first solo exhibition in this gallery took place as part of the Noves Presències programme in 2002. 8 As part of the Noves Presències 2003 programme. 9 As part of the Noves Presències 2002 programme. 10 His first solo exhibition in this gallery was part of the Noves Presències programme in 2005. 11 Her first solo exhibition in the gallery was part of the Noves Presències 2009 programme. 12 His first solo exhibition in this gallery was part of the Noves Presències programme in 2007. 13 Although her first solo exhibition in a commercial gallery was at La Caja Blanca within the Noves Presències 2006 programme. 14 As part of the Noves Presències 2007 programme. 15 With a first solo show as part of the Noves Presències 2009 programme. 16 With a first solo show as part of the Noves Presències 2008 programme. 3 4 131 and whose media coverage has been the most comprehensive is the above mentioned Noves Presències, a collaboration between Mallorcan galleries and the Mallorca Island Council, which includes a series of financial subsidies and the acquisition of works by artists who are organising their first solo exhibition in a commercial space. In the beginning, the project, which was launched in 2002, was supported by all the island’s associated galleries, but from 2005 on, the Art Palma collective –which had been born the year before when it splintered off from the Independent Association of Balearic Art Galleries (AIGAB)– distanced itself from the event, leaving the components of the latter group as the only members. This yearly exhibition series, which aside from the solo show each space organises for each of its young artists, culminates in a group show at the Misericòrdia Cultural Centre in Palma during the ever more popular Nit de l’Art. In addition to the exhibitions cited in the two preceding paragraphs, the following merit a mention: in 2002, shows by Marian F. Moratinos at the Bennàssar in Pollença, Catalina Julve at Quàsars in Manacor and Marcelo Víquez (Montevideo, Uruguay, 1971) at the now shuttered Galería Mediterrània; in 2003, Pedro Vidal at Joan Guaita Art, Isabel Ferrer Tapia at Galería Camba, Astrid Colomar at Altair and Joan Àvila, also at Mediterrània; in 2004, Mateu Estarellas at Bennàssar, José Hevia (Palma, 1976) at ABA Art and Tomeu Simonet “Gorriomoixa” at the now-defunct Lebasi; in 2005, José Juan Gonzálvez (Palma, 1973) at Asbaek d’Andratx Centre Cultural; in 2007 –after the programme was suspended during all of 2006– Joan Cabrer at Galería Joan Oliver “Maneu”, Robert Ferrer at Mediterrània and Isabel Serra (Inca, 1981) at Can Janer; and in 2008 and 2009 respectively, Sylvia Wolterman (Stadskanaal, Holland, 1978) and Camila Puls (Palma, 1980) both at the Asbaek d’Andratx Centre Cultural. It was in 2005 –the year in which the Art Palma gallery owners association stopped participating in the Noves Presències project– when the Art Palma Project was established, a proposal by the 132 Visual Artists Association of the Balearic Islands (AAVIB) and the above-mentioned association of private spaces, which was supported by the Balearic Government, Palma Municipal Council and the Mallorca Council. A prize consisting in the organisation of one solo show a year at one of the Palma Art galleries for one of the emerging artists affiliated to that group, obviously chosen by a jury appointed for this purpose. The project was inaugurated with interesting work by José Antonio Troya (Logroño, 1967) at the illustrious venue of Galería Pelaires. The following year’s winner was Julia García and her “El hombre pulmón” was an exhibition at Galería Ferran Cano that was an exquisite, carefully chosen sample of some of the themes and delicate forms this artist frequents. 8. From the alternative scene: La casa del cactus, La fàbrica de licors, La resistencia de l’art, Visionaris and independent publications. Any self-respecting contemporary art ecosystem must always have its share of alternative, healthily independent venues to accommodate proposals whose concept or risk keeps them on the margins of institutions and the market, entities that usually prefer control to uncertainty. This alternative channel becomes a way to house and disseminate less commercial projects, the most daring, critical, experimental –perhaps most emerging ones– with the somewhat nuanced freedom than most of these groups usually maintain. Proposals orbiting around the beaten track, at a greater or lesser distance, endeavouring to expand initiatives that have a more complex output in the thorny art circuit. These organisations cover a very necessary spectrum in promoting the arts and are responsible for providing a home to contents of a more singular tenor in somewhat different spaces, collectives with clear virtues but with a series of recurring problems that often generate a complex existence and are almost always limited in time, common conditions that end up affecting a communicative channel that is created from the love of art, but that ends up modified, almost always disadvantaged, for completely earthly reasons. Since these initiatives usually stem from the impetus of a particular group of people in a temporary confluence of desires, interests, enthusiasms and professionals in related –or not so related– sectors, they lose the oxygen needed to maintain their projects’ momentum at the same speed that their enthusiasm, strength or money is depleted. These groups live in the minds of their collaborators and, for this very reason, often flourish at variable speeds, disappearing and sprouting, while their human components vary; with it, their sensitivities in selecting, producing and disseminating their proposals configure a diffuse panorama, in which the criteria they assume may be somewhat irregular. Yet, the fundamental problem, like almost everything in life, is funding. Infrastructure and projects inexcusably require funds that can threaten the most fundamental nature of these initiatives: their independence. Indeed, it is not uncommon for these groups to find themselves trapped in a spiral where the pursuit of money in itself, as a means, makes them rely on the market or an institutional commitment that shifts the parameters of selection towards more commercial proposals or makes them appeal to usually public sponsors, which while providing them with the necessary money, may make them lose their genuine and non-transferable essence by controlling their content, moderating their views or intruding on their approaches. These proposals, some of which are supported by interesting ideas, have been emerging, submerging, being reborn and dying out, according to the power of their own formulas and the way in which this power handles the series of human or financial problems that arise with the passage of time and the project’s development. The reality is that our islands have welcomed interesting concepts linked to the plastic arts, such as the platform for art and dissemination La casa del cactus, whose main creators were artists Cati Aguiló and Carles Gispert, always in collaboration with other artists who would fluctuate, according to the specific event. This project began its journey back in 1996 in an old house in the Mallorcan village of Ses Salines, a place that was at the disposal of a singular artistic colony every summer. After coming forth from the physical space for which it was named, the project began to develop in new and varied locations, solid proof of which was “Ultramarinos” (2001) a comprehensive programme that included exhibitions, performances and multimedia interventions developed in different contexts in Barcelona. Also in 2001 was “Archipiélago-cactus”, imbricated in the offering of the Mallorcan music festival Isladencanta. The two events featured artists such as Yolanda Adrover, Joan Cortés, Mónica Fuster, Fabián Schalekamp and Marcos Vidal, aside from, of course, the above-mentioned Cati Aguiló and Carles Gispert. These projects were followed in 2002 by “Panem et circenses”, organised in conjunction with the most active cultural management firm of this decade in the Balearic Islands: Tres Serveis Culturals, an idea that brought artists, scholars and groups together for eight days in order to share experiences and take part in a wide-ranging programme of workshops, panel discussions, performances and exhibitions, a space for reflection, but also a meeting place with a certain leisure component, a tandem this type of association has always handled very well. Participating in this event were Mariano Mayol (Palma, 1965), Jaume Simó Sabater, Joan Sastre (Selva, 1961) and Marcos Vidal, among others. It was not until 2007 when the association again participated in an artistic proposal in Mallorca, in this case “Cimentiments o no m’asfaltis el respecte” at Monasteri de La Real, where, in an obviously ironic and critical vein, numerous artists attempted to make us reflect on controversial issues such as corruption, land speculation and pollution. The artists included Pedro Oliver, Carles Gispert, Susana Muñiz, Pepi Hervás (Palma, 1978), Juan Gavilán (Palma, 1977), Magdalena Ferragut, Amparo Sard, Bárbara Juan, Joan Sastre, Joan Cortés, Mónica Fuster, Jaume Simó Sabater, Fabián Schalekamp and Pedro Vidal. Lastly, another project coordinated by this group in 2009 bears mentioning: “Atelier 133 CRISI”, a container of ideas where very different people were invited to display their sensitivity, actions or struggles with this complicated global situation that we are undergoing even now, a crisis viewed through the prism of proposals by Rafael Adrover, Susana Muñiz, Pedro Oliver and Jaume Simó Sabater, among others. During the years that the project was underway, La fàbrica de licors and La resistència de l’art were the only independent, not-for-profit exhibition spaces to run on-going programmes in the Balearics. In particular, La fàbrica de licors was a heterogeneous group of young people linked to photography, design and art, who advocated very diverse plastic concepts and put forward their proposals as a special and curious symbiosis in the very heart of the old town of Palma. Xisco Bonnín, Magdalena Ferragut, Juan Gavilán, Pepi Hervás and the author of these lines, Fernando Gómez de la Cuesta, launched a completely alternative activity that lasted from 2002 to 2006 and encompassed workshops, film series, music, DJ sessions, performances, installations and of course, exhibitions. Some of the least conventional projects on the island and many of the emerging representatives of photography and visual arts in the Balearic Islands passed through its halls: Javier Izquierdo (Palma, 1976), Javier Cadavieco, Dani Cardona (Palma, 1971), Julia García, Susana Muñiz, Marta Blasco, Paz Alcoverro, Marcos Vidal, José Juan Gonzálvez, Marcelo , Diego Dintino (Montevideo, Uruguay, 1970), Carles Gispert, Tatiana Sarasa and Pedro Oliver were some of the individual proposals. The group projects participated in the project room or gave workshops, all of which were always connected to helping disseminate a new way of creating, transmitting and consuming contemporary art. La resistència de l’art also proposed a multidisciplinary offering that brought us closer to artistic creation in a entertaining way, vindicating the artist’s figure within the art production chain and advocating a concept of the professionalization of art services that would provide incubating 134 projects with financial support. Marga Nicolau and Mercedes Estarellas were responsible for ensuring the development of this idea during the more than three years of its existence (2003-2006), which included projects by Juan Gavilán, Pepi Hervás, Susana Muñiz, Marcos Vidal and Marcelo. With the demise of La fàbrica and La resistència, the alternative non-commercial scene in the Balearics was drained of almost all content, with the projections series “Visionaris” perhaps being the only proposal that reflects something of that disinhibited, intermingled spirit that endeavoured to complement art with workshops, music, participation and fun. “Visionaris” takes place at the Fundació Pilar i Joan Miró in Palma at the start of summer each year and has been promoted since 2008 by the Samakineta collective composed of Xisco Bonnín, Pepe Cañabate, Javier Izquierdo and Rif Spahni. This association’s goal is to display photography by artists from all over the world, while including several emerging Balearic residents at the same time: Toni Amengual, Dani Cardona, Victor Moragues, Bartomeu Sastre, Evaristo Torres, Bárbara Vidal, José Juan Gonzálvez and Isabel Santandreu (Valldemossa, 1976). To conclude this section, it also seems necessary to mention the work of three independent publications whose contents have disseminated not only emerging art proposals in our community, but also artistic developments that would have had a hard time finding an echo in our islands’ press, to wit, the magazines Youthing –edited by the Quetglas brothers–, DP progressive urban culture, edited by Gori Vicens and Casatomada, whose founder was Horacio Alba. 9. Some group exhibitions by way of example Mediating this first decade of the twenty-first century without the possibility or intention of being exhaustive, we have selected three group shows that may help round out a perspective of Balearic emerging art for various reasons. This curious trio of proposals was launched almost at the midpoint of the decade –between 2004 and 2005– to help form a more global view of what contemporary art has been like in our community. Within the conference “Palma ciutat del món” organised by the Palma City Council in October 2004, there was a group show entitled “Mestizos” curated by the author of these lines, which aimed to show various artists’ vision of the apparent metamorphosis that the modern concept of metropolis is undergoing, with a particular emphasis on the new relationships being forged among inhabitants –citizens– in which major migratory flows all over the world, the increasingly frequent contact between different cultures and the globalising effect of new communication and broadcasting media are leading to a fast, endless redefinition of the whole rhizome of human (dis) connections. The artists selected were Antonio Camba (San Sebastián, 1961), Cecilia Segura, Marcelo Víquez, Marcos Vidal, Marta Juan (Palma, 1980) and Ferran El Otro (Barcelona, 1980), Mitos Colom, Diego Dintino, Oswaldo Fernández (Bogotá, Colombia, 1962), Pastora Muncunill (Barcelona, 1975), Pedro Vidal, Pepi Hervás, Ramón Company, Sonia Ibáñez (Moncofa, Castellón, 1974), Susana Muñiz and Xim Izquierdo (Palma, 1975), artists who, through techniques ranging from video art to painting, including photography, installation and sculpture, created a series of pieces in which the message prevailed over everything else. Soon after, in December that year, the comprehensive exhibition “Somnis i malsons” curated by Pilar Ribal was mounted at the Asbaek d’Andratx Cultural Centre. This show allowed us to relish Ricard Chiang’s macabre and refined aestheticism, Marcos Vidal’s ironic “brico-art” kitsch, Víquez’ sarcastic surrealism, Marta Blasco’s cinephile daydreams, Pedro Vidal’s exciting athletic sensuality, Carles Gispert’s symbiosis between dreams and the everyday, Julia García’s suggestive metamorphosis, Tatiana Sarasa’s evocatively pop play and Amparo Sard’s haunting and subtle creations, a world of dreams, desires, and an occasional nightmare that was completed with pieces by Yolanda Adrover, Xisco Bonnín, Antonio Camba, Jesús Cánovas, Ramon Company, Paco Espinosa, Mercedes Estarellas, Pep Guerrero, Bàrbara Juan, Marian F. Moratinos, Susana Muñiz, Marga Nicolau, Blanca Pérez-Portabella, Fabián Schalekamp, José Tobal and María Isabel Uribe. 2005 brought with it the group exhibition entitled “Bombeo de amor”, a show that, aside from the obvious aspect of reuniting some of the leading emerging artists in the Balearics, was joined by the desire to be a project that transcended borders and so was mounted in Amsterdam, specifically at the W.G. Kunst Expozaal. This show was started in 2003 and after skipping around the islands, was completed in the Dutch capital, a city ideal for sharing a plastic art project in which love, its flows and its essential or denatured derivatives were the protagonists. The beloved lovers, the artists involved, were a diverse and powerful, top quality group: Marcos Vidal and his credit card machine that literally made love to a Barbie; the metaphorical five types of embraces by Susana Muñiz, because there is more than one kind of love; the passions, follies and excesses of love, seen by an aesthetician named Juan Gavilán who is on an endless quest for beauty; the essence of endodermic, abstract love that blooms in Julia García’s heart; Mercedes Estarellas’ not-so-powerful Aphrodite who struggled, hesitated, enjoyed and was consumed in the flame of love; Xisco Bonnín and his postmodern photographic landscapes, reflecting the world’s oldest profession; and finally, Marta Blasco’s exquisitely crafted paintings and her love of film. All these works were formally and conceptually well developed, assumed the germinal idea and developed it in a manner that was far more than just correct, while giving a timely expression of the youngest and most modern art being created in the Balearics at that time. 10. …And finally “Art emergent (IV)”. Against this ever-expanding background, we now come to 2010 and this fourth round of “Art emergent” in which, of course, it is not by chance that almost all of those chosen have appeared in 135 many of the proposals we have been highlighting in the above sections, previews that have been revealed in order to provide a perspective of the past ten years of emerging Balearic art and a framework for the selection of artists in question. The decision to choose these ten artists is always a complex and incomplete process, especially if those with potential are so numerous, as they are in our islands. To alleviate this feeling of insecurity, it is best not to lose sight of the simplicity with which this project was proposed: to attest to some of the new, quality contributions to the plastic arts in our community, ten more views –now totalling more than forty– within the infinite multiplicity that characterises the emergence of the current plastic arts scene. A heterogeneous group of artists who are contributing their personal and transferable contribution to this unplumbable magma that is contemporary art, thanks to solvent, proven work in which both established artists and young lions appear at the heart of an appealing and varied cast, as is precisely the most recent art. Participants in this competition, Yolanda Adrover, Paz Alcoverro, Joan Cabrer, Julia García, Lourdes Grivé, Miquel Mesquida, Jaume Simó Sabater, José Ángel Sintes, María Isabel Uribe and Marcos Vidal have continued along very personal itineraries, with completely different proposals and absolutely diverse concepts –could it be otherwise?– yet uniting all of them is a heightened concern with the form and content of today’s plastic arts, a work material, an object of consideration and a source of analysis, which is the real reason for this proposal and by extension, the accompanying text. A DECALOGUE (ANY DECALOGUE) FOR A (SINGULAR) EMERGING ART. To an art critic and sometimes historian there is nothing more interesting than having the chance to reflect on certain content after history has been made. By way of a decalogue –and why not– we will introduce ten questions from the infinite dialectical ones that frequent contemporary art, resting on the estimable research that each artist in this “Art emergent IV” has undertaken. Ten questions, ten, 1. Virgins, whores, mothers and daughters (for a genderless art please). Yolanda Adrover. Entering in such an intimate territory where the battle of the everyday takes place and true identity is forged, Yolanda Adrover incorporates into her artistic discourse a genealogy of artistic creators who have made the home and social roles the core of their reflection.17 I have always been an enemy of cliché, but I am aware that the frantic, alienating and frustrating pace of the times requires a certain dose of generalisation to make our complex and unhinged contemporaneity somewhat more endurable. In a world in which the simplest can eventually be complicated unto absurdity, we are forced to resort more than we would like to certain reductive and impoverishing conventions that of course, manage to simplify our lives in exchange for leaving behind on the road almost all concepts that might be of interest. Hence, the absolute vacuum lies just one step away. Challenging these generalisations, these conventions, these stereotypes and the abuses, inequalities and stupidities they cause usually turns into a titanic and often sterile chore. Human beings perch comfortably on them, putting all their weight upon them while they make their lives much more relaxed. This saves them from thinking, questioning, doubting, but also from growing, moving and advancing. We are more epidermal than profound and that is why we often settle for the external, the simple, since we confuse, to our own misfortune, many of the forms and much of the content. Pilar Ribal, “Yolanda Adrover: una secreta rebel·lia”, an essay from the exhibition catalogue for the Batecs. Yolanda Adrover exhibition, Addaya Centre d’Art Contemporani, Alaró, 2008, p. 3. 17 136 joining the countless debates that shape the content of plastic art in our day, ten questions that will only serve to provide an incomplete, even biased picture of all that is happening in today’s art, because the unembraceable can obviously only be explained in part. Ten reasons for reflection within a particular unfathomable, contemporary art, while we support and grow alongside the unique and solid pieces by a score of artists who have been selected for “Art emergent (IV).” I do not believe in gender art or gender in art. I believe in ideas, in their development and their ways. Speaking of gender in the art world can be a mistake and speaking about gender art a complete mistake. In reality, everything is best explained through certain common sensibilities, concurrent desires, ideas that are developed, forms and ways that are frequented, lives, training, concerns, desires and expectations that are generated and that at times, also cover them. All of them are far more reliable arguments for trying to understand an approach than the gender of the person who creates the piece, although we relate them to the forms practiced and the specific issues involved. Often, when referring to Yolanda Adrover’s work, I have seen her gender confused with her art. In Adrover, hatred and love, pain and pleasure, solitude and togetherness, occur in a singular cathartic cycle in which the art is constituted in the healing element of the social and personal evils that the artist detects, the counterweight that heals the soul and places the faithful in a balanced position, taking care as well to light the way, so that our society will unfold in a more correct, more ethical, more civilised manner. A search for that balance that is achieved on the basis of producing in an overwhelming relief and evacuation of fears, taboos, mistakes, successes, desires, and complexes, an art where coexistence can be a minefield, where society is a place of conflict and where sex appears sometimes as a cannibalistic fight. Pieces in which the figures of women reflect all the social undervaluation they have suffered and men manifest all their wonderful arrogance, while the artist with the necessary rebelliousness, denounces so very many years of disregard thanks to works that credibly overcome the complicated challenge posed. An impairment that in the realm of artistic creation is reflected not only in the apparent lack of female artists in art history books, but also by the monopoly that, until recently, man had on their representation, on the iconography of women that was standardised and transcended as an expression of the roles they were to assume. Making a deliberately false and malicious generalisation: virgins, whores, mothers and daughters made up of four basic patterns in which the female image unfolded, very few heroines, some of them fighters and none of them better than men. Aside from the pioneering avant-garde and the extraordinary, multifaceted and immeasurable Louise Bourgeois, perhaps new photography was the first to empower a democratic medium to put things in their place, Dora Maar, Cindy Sherman and Francesca Woodman, often using themselves as models, began to successfully change women’s roles, specifically, on the basis of their own earlier representations. First came the image, the idea, then later came the change. Yolanda Adrover, however, is not limited to only one medium such as photography, but rather unabashedly employs all that is within reach with a mastery that undoubtedly distinguishes her work. Her punching bags made from scraps and combined with peculiar dishwashing gloves that were used to beat them, these embroidered ovals that exalt imagery that depicts man and woman on altars, with still uneven accessories, or her fine drawings full of irony, reveal a sad reality –one that continues– thanks to a successful conceptual development and exquisite aesthetic that connects her beautiful and disturbing metaphors with all that elaborate poetry of the everyday in a felicitous way and characterises a large part of her work. 2. The computer is God (and the Internet its prophet). Paz Alcoverro. Having lost its individuality and a physical support of its own, the image, multiplied unto infinity, floats in the ether of the contemporary ionosphere, the cyberspace made up of the Internet, computer hard drives, memory cards and in our own minds moulded by an eminently visual culture.18 What commands attention within the plastic arts’ new kind of singular ecosystem are the overwhelming majority of multimedia artists who appear engrossed in front of a computer 18 Pau Waelder, “Ineluctable modalitat del visible”, an essay from the catalogue for the Premi Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” d’Arts Visuals 2008 exhibition, Casal Solleric, Ajuntament de Palma, Palma, 2009, p. 14. 137 screen that can do absolutely anything and who unreservedly trust a large part of their hopes in a curious deposit of yearnings that should not be inconsequential. This quasi-religious conviction is usually helpful and an act of faith, while the unstoppable technological hurricane that fills plastic creation with opportunities is responsible for satisfying almost all our desires, blinding us with its amazing capabilities and confusing the part of work that belongs to the artist’s personal skill with what derives from the very power the media emanates. That is why contemporary art becomes superfluous when used to serve technique, when it assumes the coordinates the medium dictates and reduces its forms and contents to those inherent in the technology used, while the artist goes about dismantling his authorship, easily seduced by these new possibilities’ undeniable appeal. Art’s technological infrastructure takes advantage of these gullible souls and sells them its product, assuring them that everything is at their fingertips in this spiral of technological omnipotence, convincing them with the superficial and preventing them from knowing its true essence. An explanation of contemporary creation that is spreading throughout an entire society in which human beings are completely overwhelmed, alienated and absolutely schizophrenic without even completely realising it. At the heart of this exhausting digital excess that, as noted, is not exclusive to artists, is the power and utter ease with which anyone, anywhere, can access the Internet, the immediacy of its transmissions, the vast capacity of its possibilities and the hyperabundance of contents that almost always appear as millions of images that are just a click away. An excess that mercilessly pervades our retinas and much of our brains, achieving not only the positive, communicative and clear effects that are inherent, but also a long list of weights, degeneracies and redundancies that end up debasing our sensitivity and our understanding to such an extent that it prevents us from perceiving even the simplest things with absolute clarity. Of course, the Internet 138 is an essential channel of information, yet it may be also a sleep-inducing anaesthesia of consciences: a little of everything, not much of anything and a lot of harm. Ever since the outset of her career, Paz Alcoverro has sensed the enormous risks that were being created in the wake of the unbridled fury of the storm of images and information that were being generated and that so imminently come upon us. As a shield, she decided to insert her camera between herself and the havoc, not only as a physical shield, but also as a sophisticated processor that would sort out the transcendent and bring to her what she might have found incomprehensible and hazardous in theory. The artist’s eye and intuition did the rest. Since then, her photographs have been a curious mixture of ideas, of poignant and disturbing content manifest as a clear expression of the times in which we live. Enigmatic compositions that, regardless of concept, do not obviate the aesthetics which they draw from: that unfathomable universal image bank that is continuously growing in our cyber world, an infinite catalogue that technical progress is generating in the shape of capturing, reproducing and transmitting images. A complete visual sample of what exists and even of what does not exist. Indeed, Alcoverro supplies her works with existing images, photos from news articles, scenes cribbed from films, television programmes, architectures, people, animals, objects and coincidences. The artist is responsible for confronting all these visions in a game of odds and evens, so that the image, subjected by the artist to contact with other images, will mutate, maintain or strengthen its contents, a curious metaphor that takes shelter in this visual and global miscellaneousness. The pieces selected for this “Art emergent” exhibition belong to two very distinct series with obvious links: the first, “Stealing news”, anticipates her interest in the appropriation and recontextualisation of images by creating new meanings upon contact and location, in this case, in the field of news items; in the second, “384 kbps”, she immerses herself in reflection on the Internet’s boundless multitude, forming ambiguous, powerful composite images that are engendered by the asepsis of a neutral background and consolidated as a depiction of reality, because in a premonition that is only within reach of the most privileged visionaries, our world increasingly looks like Alcoverro’s photos. 3. Painting always resists (again). Joan Cabrer. His work unsettles me. I see networks, ropes, tangles, horizons, connectors, seaweed, bubbles, cells, casts and tubes and spikes... His own irony-filled language that mingles dialoguing in the abstract.19 While contemporary fine art travels the countless, necessary byways of the performative, the interactive, the installation, the digital, the video, sound or light, there is always a parallel, tangential, even convergent path that painting frequents in a fully contemporary manner. Painting mutates and adapts, but no matter what people say, it never dies. Now Joan Cabrera is reinventing himself for the umpteenth time –and those to come– and takes part in this regeneration through his work. Hence, at a time in which speaking of abstractions and figurations is increasingly difficult –because the image, insuperable monarch of all forms of communication, has started a drift in which objective references are losing their materiality– we should speak of new realities rather than abstraction. An “otherness” that situates us, without our hardly even realising it, within those spaces that modern man transits with a normality that would have been completely unthinkable only a few years ago: the endogenous, the cellular, the cybernetic, the bowels of the machine, the circuits, the chips, the virtual space, the cosmos, the galaxy, the molecule, have gone from using uncertainty to inspiring fictions and sciences to create a certain environment in which dimensions, time, shapes, light and its colours relate to one another in a very different and unprecedented way. Humankind enjoys a new vision and this possibility is revealed in art’s very motifs. 19 It is true that today artwork need not always respond to criteria of technical excellence, yet to be able to deconstruct a language, it is essential to understand and control it. No musical illiterate should be allowed the luxury of playing just one key on a piano and say he is making minimalist music just like that, for the same reason that no artist can dismantle what he has never known how to build and even less, can he attempt to defend it as if it were a profound study. The road towards new realities –and we are no longer just talking about painting– may become confused about certain qualities, since the capacity to give shape on the basis of that other certainty may lie in the hands of the most sensitive artist or be the last resort of the most absolute incompetent. The problem with these new ways that are flooding contemporary art on the basis of recent reality is that the simplicity of their manufacture, their forms, can keep their contents from being assimilated and expressed properly. This is not the case of Cabrer who, on the basis of his paintings’ felicitous aesthetic based on a more than solid technique, depicts opportune concepts in a descriptive, fitting portrait of contemporaneity, but also of his personal tastes and most private interests. Following a clear tradition that connects with the ideas espoused by José Manuel Broto, Luis Gordillo, Juan Uslé and even Juan Navarro Baldeweg, Cabrer’s pieces endow a spectrum of creation that has not yet been exhausted, contrary to appearances, with nocturnality, youth and treachery. As we mentioned, today’s human beings have changed visuality and the means of its observation: telescopes are becoming more powerful, microscopes sharper, computerised axial tomographies, MRIs, X-rays and three-dimensional ultrasounds are being made of our insides, the perception of what surrounds us has definitely changed and where once we saw a wooden table, we now make out a molecular amalgam. Joan Cabrer takes all these new insights –which are the only ones he is familiar with because of his youth– and combines them with Japanese manga, computer symbology and all the many Maria Antònia Artigues, “Joan Cabrer”, an essay from the brochure for the “…en projecte (XII)” exhibition, Torre de ses Puntes, Ajuntament de Manacor, Manacor, 2007. 139 other things from which he skilfully extracts forms as well as contents, giving timely expression to all the elements and concepts that make up his art, a fully contemporary art that returns to painting once again. 4. In search of simplicity (back home again). Julia García. Because Julia García, perhaps without her even being aware of it thanks to her modesty, allows herself a luxury available to few creators: incorporating a new definition of art in the lexicon of the plastic arts, a Saurian art that, resorting to the proximate, the simple and the everyday, transcends the obvious to narrate what lies beyond, what is hidden beneath the skin with the subtle and simple poetry of those who can see the invisible, understand it, enrich it and explain it.20 A pencil, a piece of paper, a painting or a simple photo may sometimes be the most appropriate way to convey the purity and simplicity of what is truly important. Julia Garcia is fully aware of this and has always relied on the simplicity of the media she uses: the everyday drawing, the line without unnecessary baroque embellishments, painting without distance, unsophisticated colour, essential photography and the exquisite simplicity and warmth of her materials to communicate as accurately as possible her own emotions, what she hears, what she thinks, what she reads, what she feels, what she sees, what she says. Her works speak of strangely normal, proximate things, of reassuring routines, disturbing because of the normality, bland unto pleasantness which she finds almost effortlessly in her immediate surroundings, in the realm of her family. Motherhood, domesticity, her family, the wounds of co-existence, the transcendental of the everyday, beliefs, feelings, but also the organic, the endogenous, the biological, the interior –all subjects in a constantly evolving language that it is enriched as it marches on, an alphabet whose semantics can be obtained from each item, linking 140 20 the letters, forming words, creating sentences, a script that moves in the realm of that borderland we frequent every day –and that ends up defining us– between what fascinates us and what repels us. I believe that certain artists, and Julia García is one of them, have detected to perfection this process of alienation that stems from a globalisation that leads us to excess, and her wise, convenient reaction takes the shape of a return to the most intimate –our families, our homes, our city, our things and ourselves– as the fundamental subjects and objects of artistic expression, like what we usually return to in search of calm, while her creations counteract work by those other artists who, on more occasions than is desirable, resort to mannerisms, complex forms and exotic ambiances and contents in an attempt to express their ideas or aesthetics. Indeed, a very common error in contemporary art is trying to achieve certain qualities on the basis of the distant, the exotic, the complex or the excessively specialised in an endless snobbery that cares nothing for handling or reflecting truly important values, a formula that not only usually fails its intended goal of highlighting a work’s pretended intellectuality or the pieces’ desired originality, but instead often leads to an effect of rejection, while insurmountable walls are placed –sometimes deliberately and other times unconsciously– between the work and the viewer. In contrast, Julia García has always taken the opposite path, using what is close to us, perceiving the poetry of the everyday and setting the sights of her peculiar prism on everything that gives us interesting experiences based on proximity; an artist whose projects are developed with a refined poet’s mastery and the simplicity of someone capable of assimilating the essence of things. On the basis of theoretically univocal concepts, the artists goes about basting together her ideas, developing her terms and opening up new perspectives: proposals such as “El hombre pulmón” and “Claros del bosque”, inspired by María Zambrano’s attentive reading, teem with basic notions and are complemented Gómezdelacuesta, “Art saurí”, an essay from the catalogue for the Julia García. El hombre pulmón exhibition, Galeria Ferran Cano, Palma, 2006. by that subtle poetry, full of metaphors and turns that are responsible for turning them into multiple ideas and above all, stimulating emotions. In her pieces, the human (the individual and even the endogenous), the domestic (the home, house, family) and the natural (as a revealing, integrative ecosystem of being) come together and make up a peculiar animated forest with a soul, with souls, in which unique symbiosis are vindicated and some of man’s struggle with himself, with those around him and the atmosphere in which he moves are expressed. 5. We are what we suckled (the traditional and the new). Lourdes Grivé. Ibiza is par excellence the country of architecture without architects. The houses the farmers built there have such a pure style and harmonious expression that they can hold up to perfection in the comparison with the reflection-filled, calculated works of modern architecture. So flee from the city and discover the island, go from surprise to surprise: all around the same plastic perfection, all around the nobility of the shapes of the houses.21 We are what we suckled, what surrounded us as children, the people with whom we rubbed elbows, with whom we grew up, whom we hated and all of those with whom we fell in love. We are what we were taught and what we were inculcated, what we saw, lived, felt and intuited and of course, what we imagined as well. And we are because we were and what we were depended on where we were and who we were with. An endless chain of causalities, coincidences and emotions that go about shaping the values that are to govern the rest of our lives: I am me, my circumstances and my genes, which are also part of my circumstances to some extent. An individual, personal and fully transferable human map. This environment begins in our earliest conditioning and stimulating childhood, while it is constituted as the first assimilation, the one that most influences us and against which we react most 21 violently, in some cases. Even the most rootless individual in the world cannot get rid of the good or bad milk that nourished him in one way or another, this ecosystem that nurtured his start and will become the basis for what follows, either by action or reaction to it. In art as in life itself, beginnings are fundamental; what one absorbs at first, what we first know, usually leaves a deeper impression, a deeper affection and sometimes a more visceral rejection. The island of Ibiza has always been a unique place that possesses that special and unique aura that attracts artistic sensitivity so irresistibly. Ever since a handful of pioneers from the historical avant-gardes such as Walter Benjamin and Raoul Hausmann discovered and described it as the ideal setting for inspiration, it remained one of European havens of artistic creation throughout the twentieth century. Will Faber, Eduard Micus, the Group Ibiza 59, with exponents as interesting as Erwin Broner, Bechtold and Hans Laabs and Pitiusan artists of a certain international renown and immense value, such as Vicent Calbet, Toni Cardona, Portmany and Rafael Tur Costa, have created an unquestionably appealing art scene. This artistic tradition, characterised by an extraordinary sensitivity to the poetry of the abstract, has been carried on in work by Tur Costa and Erwin Bechtold themselves and by Irriguible, Carles Guasch, Enric Riera, Cis Lenaerts; Michel Buades and Gilbert Herreyns and in a certain way, in that taste for geometry, abstraction, for the subtly traced fine line, for white, that Lourdes Grivé’s architecture photographs reflect. Precisely one of the peculiarities that has made Ibiza such an appealing destination for artists and intellectuals is its unique rural architecture, houses based on local ingenuity that, thanks to a prescient intuition, anticipated some of the most important premises to be articulated by major figures of modern architecture. Houses built from modular structures that tend to the cube-like, which endowed them with a plasticity, organicity and practicality that caused rationalist architects such Raoul Hausmann, “Eivissa i l’arquitectura sense arquitecte”, an article from the journal D’Ací i d’Allà, nº 148, Barcelona, 1936. 141 as Le Corbusier and Erwin Broner to use them as an object of study. The traditional Ibizan dwelling has a number of distinguishing features that make it an extremely interesting construction: they are houses; everything in them is designed according to their future use and for this function to be fulfilled as effectively as possible, they are organic houses, alive. They are developed in modules according to their inhabitants’ needs, growing with them through successive cubic volumes; they are spaces whose nature was defensive and so there were very few openings and an introverted component in its architecture. Lastly, they are white like Ibiza’s whitewash, salt and light. All this might have been reason enough for Lourdes Grivé to have chosen Ibizan architecture as the object of her creation, although in a purely epidermal form, if only because of the photogenicity of her geometry, colours, lights and shadows. Yet the oeuvre of photographer Lourdes Grivé, an artist whose images are an expression of what she has experienced and of course, what she herself contributes, revolves around an analysis of, a reflection on this architecture, undertaking two ways of work that are obviously more refined than a simple, formal approach. A pair of pathways that, being independent, derive from each other: the first of these haunts the ruins in memory of all those simply splendid rural buildings that the island was home to, of which fewer and fewer intact specimens exist, unfortunately for all of us. This form of research is not limited merely to the formal, not even to the anthropological or the local, but rather transcends the material to imbricate itself in the spiritual, in the metaphysical vestige. On the basis of this analysis, but going down a second pathway, Grivé develops another, not less interesting quest, this time with contemporary architecture as its subject, while attempting to offer not only a timely expression of what is being done on the island, but also the clear imprint of the conceptually rich architectural tradition Ibiza has been enjoying for centuries. Thus, she combines folk architecture’s ample heritage and the 142 perceptible footprint of famous modern architects such as Josép Lluís Sert and Erwin Broner during their time in Ibiza in a powerful development in which tradition intermingles with the new, pieces by young, renowned contemporary architects such as Francesc Xavier Pallejá, Salvador Roig, Marc Tur, Oriol Batchellí, Victor Rahola, Martínez Lapeña and Elías Torres, while Lourdes Grivé leaves an exquisite testimony to and a profound reflection on all of them. 6. A recent and (of course) doubt-filled anthropocentrism. Miquel Mesquida. The painter, bold, daring, crazed with desire, drunk with utopia, risks his sanity and life itself to return to the lost paradise of authenticity. On the basis of momentum and savage raw material, he reflects man’s truth (while tattooing sex made serpent on the skin and a bloodstain on the head - and all the heads!).22 More and more contemporary artists are endeavouring to take refuge in the object and the subject to attempt to retrieve some of the many references that had been lost over time. A return to a figurative, expressive art that many artists apparently use in order to cling to the most meaty, objectual reality –the most emotional and the closest– of all the many truths that surround us. Thus, they avoid indulging themselves in metaphysical illusions, merely aesthetic exercises, cybernetic speculation or completely contentless abstractions that sometimes tend to disconcert them. During these long years in which the abstract, the conceptual and the digital indelibly marked the pace of art’s recent history –in many cases for the better– the forms and manners that those genuine pioneers –and their most sagacious followers– had been developing were also squeezed ad nauseum; an abusive, repetitive use that successfully dismantles almost all the contents of proposals that have been degenerating into certain cadaveric, essenceless malformations that still try to convince us with their false bounty even today. 22 Jaume Santandreu, “Miquel Mesquida. Assalt a l’Edén”, an essay for the brochure from the “…en projecte (XII)” exhibition, Torre de ses Puntes, Ajuntament de Manacor, Manacor, 2007. There was always a reactive element to these dominations of desobjectivisation, dematerialisation, dehumanisation, depersonalisation, de-picturalisation of art, authentic resistors to a misnamed figuration such as Francis Bacon, who used his claustrophobic room full of violence, fear, ego and piercing screams to remain faithful to a reality he diabolically distorted with a masterful hand. Miquel Barceló, Anselm Kiefer and many others have flown the banner of these new ways of expressing the human figure and the object, while conquering the space yielded by ever emptier and more mannered abstractions, aside from some interesting, wellknown contributions. These pathways retrieved from the historical avant-gardes that focus on representing humans and everything around us, a doubt-filled anthropocentrism that formally manifests its preference for any resort to expressive force –be it material, gesture, colour or line– and those the artist makes use of with a decidedly communicative intention. A real, expressionist seed that has sprouted in many contemporary artists, now turned into guarantors so that this road is not emptied of content and finds new routes that feed into the latest developments. As a worthy advocate of sincere art without subterfuge or mediocrity, Miquel Mesquida’s vigorous images are constituted in the ultimate expression of what he wishes to recount and his own feelings. Pieces that reflect this imagery with which little by little, he has been fashioning a unique world that he germinates by capturing moments of everyday life or configuring scenes from these completely different, completely new places that he imagines, envisions, foresees –the artist’s personal vocabulary, but also a successful demonstration of our collective syntax, fascinating in its ordinariness and– in a strange contradiction–– in its blessed unreality. A uniqueness endowed by his special optic and the concrete media he uses, accessible, manageable, proximate. Drawings with privileged lines insufficient for containing his impetuous colours, textures, droplets, gestures and a few additions in the form of collage that reinforce a sense of unfinished business and give it the proximate, sometimes appetising, sometimes not so appetising character typical of much of his work. Ethereal beings and unusual objects that unfold in foreign climes or everyday ambiances, paintings that show his worldly paradise, sculptures that join us in the descent to heavenly infernos, an unredeemed art, human and hesitant, which appears ready for combat and of course, for contemplation. 7. The (dis)location of the art object. Jaume Simó Sabater. Jaume Simó Sabater’s installations are fashioned from a selection of powerfully evocative materials and images that both present and represent and act as symbolic artefacts. Assemblages and stagings related to happenings are some of his customary modus operandi, the manner in which he creates networks of related signifiers that form units of meaning and launch the artist’s reflections. He also customarily resorts to the figure of synecdoche, which, among other things, contributes to the extreme economy and ecology of the media, characterised by a raw, unmanipulated treatment.23 At the same frenetic speed with which remedies and vaccines are discovered and described for the most unimaginable evils, these same evils, in a skilful mutation, progress, develop and turn into new, more resistant varieties of the disease from which they derive. Contemporary art, mindful of the reality that surrounds it and with that extraordinary capacity for absorption that defines it, has always assumed the most positive influences. Yet, it has also assumed the cruellest contagions, the authentic degeneration of seeds that were carriers of an interesting idea, in many cases. Thus, among other reasons, the concept of installation, which arose in order to demystify art spaces and add new objects and because of the multimedia pretention to transcend sculpture’s traditional boundaries, has been an increasingly important technique within 23 Jaume Reus, “Situaccions en conflicte”, an essay from the catalogue for the Exilis. Jaume Simó Sabater i Garau. Obres 1997-2008 exhibition, Casal Solleric, Ajuntament de Palma, Palma, 2008, p. 115. 143 contemporary art’s new parameters, a powerful resource that makes perfect use of all the media that today’s world is placing within our reach and becomes one of the most suitable forms of expression for the visual, conceptual and artistic culture our time is weaving. Yet, when a language begins to reach maturity 24 without a break in continuity, it also begins to generate its own perversions: vulgar degenerations that are consolidated in empty, pretentious or redundant manifestations, in the case of installations. However, Jaume Simó Sabater’s work sidesteps shallowness while inserting its roots in the land, in his own land, and does so by appealing to values that have been critical to his entire oeuvre from the outset. Starting from our common grounds –our culture– which defines us and sometimes mediatises us, Jaume Simó Sabater reflects it and vindicates it without renouncing the forms and manners of the latest art. Because reality tells us that, with the same inertia with which we forget our own culture, on many occasions, we also dispense with the suitable grounds where we stand, that we control, that explain us and that we should affirm with full knowledge so as to later develop ourselves. We all possess a certain heritage, a culture with which we identify and a series of experiences and training which we complete; even the most rootless people fashion their own foundations on the basis of what they were given and what they have taken, in the evolution of their own lives. Thus, without giving up the ground beneath our feet and the culture that helps define us, Jaume Simó Sabater decides that the substrate on which we rely must serve to build momentum and only in times of raging storm, to weigh anchor. A momentum that on this basis takes him down some interesting creative paths, including installation, but also action, a vindicative, aesthetic, political action, in which the artist appeals to raw 144 materials to fashion products completely linked to reality because, if anything nourishes Sabater’s work, it is contemporary conflict, the dialectic established in zones of relationship, in zones of friction, in zones, precisely, of conflict, situations that his pieces are responsible for clarifying by inserting them into the sites of contemporary art –in galleries, museums and centres– sparking discussion, implying vindication, decontextualising and relocating objects and concepts. Sensation, situation, action and reaction. Because the pieces selected for this “Art emergent (IV)” exhibition, the silhouette entangled in Christmas lights, the bench perhaps home for the homeless and other connotative and denotative artefacts seek to create situations, while perhaps awaiting a sincere response. 8. New forms and new ways (towards a different aesthetic). José Ángel Sintes. Since the decline of the avant-gardes, art has had to reinvent itself without having to “kill the father” because the father was already dead. There were no longer academies to tear down nor traditions to combat. The emperor had no clothes and postmodernism has done nothing else but demonstrate that, because attempts to find new clothes –even re-stitching old ones– have only managed to cause a lot of noise in the media and few surprises.25 In a complex, never-ending spiral, art history and criticism alternate and overlap between form and content for the choice of protagonist; periods in which the concept of beauty –the inherent aesthetic and the appearance it displays– take precedence over the idea contained; it permutes or combines with others in which the essential is what is being said. Because for centuries, the pitch of artistic creation has oscillated between these two poles, achieving a large part of the infinite combinations that may occur between 24 As Ranciere indicates in reference to the evolution of the concept of installation: “All these installations made use of a procedure that, three decades earlier, had been the province of critical art: the systematic introduction of the objects and images of the world into the temple of art. But the meaning of this mixing has changed radically. Previously, the encounters between heterogeneous elements were meant to underline the contradictions of a world marked by exploitation and question the place of art and its institutions in this conflictual world. Today, the same gathering of is stated as a positive operation of an art that has been put in charge of the functions of archiving and of bearing witness to a common world. This gathering then is in keeping with a state of art marked by the categories of consensus: to return the lost meaning of a common world or to repair the cracks of the social bond”, in Jacques Ranciere, El viraje ético de la estética y la política, Editorial Palinodia, Santiago de Chile, 2005, p. 37. 25 Marie-Claire Uberquoi, ¿El arte a la deriva?, Random House Mondadori, Barcelona, 2004, p. 153. the two in a kind of on-going, unstoppable mutation. In contemporary art, which is more conceptual than aesthetic, major art is usually linked to works in which idea and content prevail over the ways the artist uses to transmit them; thus, the plastic expressions in which beauty is preferred for itself are linked –on more occasions than what would be desirable– to trendy creations of design or to pure aesthetics, often using these concepts with an obvious disdain. It is true that art objects do not need to be beautiful, yet today it seems as if ugliness is sometimes sought for the sake of not incurring in beauty; people are terrified of what is beautiful so as to avoid the kitsch or the merely plastic. In a poorly-understood effort to shock, they prefer the unpleasant, the violent, the repulsive, even the tacky or just dull, fleeing from the traditional concept of beauty as if possessed. Sometimes critics take the bait, confusing what is actually an empty ugliness of contents, with a disruptive novelty that violates the laws of aesthetics or political correctness. Aside from this, what is indeed true is that a new aesthetic will is frequenting the new parameters of contemporary art –primarily painting and photography– attempting to reflect this changed criteria in its future. Indeed, it seems that artistic sensitivity has been perceiving for a long time that beauty is a simple, proximate thing that can be found right beside us in the most accessible objects, people and situations; thus, this new art form, this new aesthetic, strives to accommodate new subjects of art. José Ángel Sintes is a clear example of this trend, a born seeker of beauty in nearby things and situations, the common ones of ordinary mortals, those we hadn’t noticed, although they were right there by our side. Peculiar objects and situations he detects through his fine sensor, drawing attention to them and explaining their beauty, simplicity and harmony. A road that overcomes modern pollution to clean, purify and encode this new aesthetic of the ordinary, this authentic and unique beauty of the everyday. If luminaries such as Edward Hopper had transcended their perception of ambiance, interiors and landscapes and turned their exclusive, gifted attention to the objects around them, on situations experienced, in the most extreme close-up like Sintes’, they both might have obtained results with certain conceptual and even formal similarities. Moreover, Sintes does not content himself with the obvious physical aspect of things and also goes in search of that not-so-obvious metaphysics: his still lifes, e.g., are expressions of the objects on which he turns his attention and although they are usually of a manifest everydayness, they possess that spiritual aura that Giorgio Morandi’s work so generously gave us and that the artist also skilfully provides. 9. From the domestic (with love). María Isabel Uribe. With the iconoclastic ease and those doses of daring humour that characterise her, the artist now reflects on motherhood, an experience with which, incidentally, she is newly acquainted. The intellectual and emotional space of that home environment altered by the arrival of a new being is - why not! - referred to in objects that prove to be particularly suitable for Uribe’s aesthetic adventures.26 And after taking refuge in their homes, sheltered from the contemporary elements, comfortable, conformist, insincere, gutless artists constantly complain of a lack of time, a lack of stimuli to excite the work, while blaming their weak will on the contemporary maelstrom. But for María Isabel Uribe, home is a source of inspiration and sometimes even a space for production. Back in the exhibition entitled “I am very domestic” held at ABA Art Contemporani in Palma in 2006, the artist presented for our consideration that the home, every home, is both different and unique. Mops, brooms and pails, cleaning up after a family celebration and teddy bears that contribute to a baby’s not always tranquil slumber might seem more like the expression of a exhausting workplace than a true home –and even less so, an inspiring environment– were it not for the artist’s extraordinary sense of Pilar Ribal, “Objetos y fetiches: la ubicuidad de la réplica”, an essay from the catalogue of the María Isabel Uribe. I am very domestic exhibition, ABA Art contemporani, Palma, 2006, p. 3. 26 145 humour, her boundless optimism and her playful concept of life that turns the most everyday objects and situations into subjects of her art, making the mundane mutate into a poetry-filled, colourful proposal not devoid of a certain sarcasm. warmth and affectionate intimacy of her own home. From home with love. A contextualisation of everyday objects, an intervention on them and a new site that easily assumes the most cutting-edge parameters in contemporary art. Because things are not what they seem; things are what they are and moreover, each thing is somewhat different. In effect, the objects are the media and the home is the place, yet the main thing is obviously the artist’s ability to transmit. Leo Tolstoy said, “Art is a human activity consisting in this, that one man, consciously by means of certain external signs, hands on to others feelings he has lived through and that other people are infected by these feelings and also experience them”27, and he was right: sincere art is a state of mind, without a doubt, and it is so for anyone who evaluates, for those who consume it and of course, for those who produce it as well. Art can be understood; art can be explained, but above all, it must be felt, and the same person may do so in a thousand different ways. I am myself and my circumstances and when I am depressed, angry or in love, many songs I was indifferent to before start speaking to me. Marc Vidal sidesteps the temptation of aiming to create great , heroic, definitive works: he intelligently relates and uses irony and paradox, both very serious things capable of revealing the contradictions and clichés of our time as few other resources are. The materials and elements of his shields and chapels, e.g., reference a catalogue of social meanings. There is no naivety or pure automatism in these assemblages/collages, but rather intention and social critique.28 We need sincerity in art, no doubt, but above all we need feeling, passion, love, the true driver of the most unfathomable human action. One who is affected by passion, the impassioned, is a clear, easily recognisable type who enjoys almost everything and does almost everything to the fullest; his dedication is total and his conviction supreme. This helps him to achieve the most successful apotheosis, but also to commit the most glaring errors. Thanks to Uribe’s extraordinary ability, in her case, the passion she shows does not confuse her; instead it heightens her criteria to almost always hit the target, allowing her to craft an extraordinarily interesting artistic oeuvre, pieces that, with the love of a good mother, a great artist, she has generously offered us from the loving 27 146 28 10. The infinite catalogue of creations (and some of his next lives). Marcos Vidal. With several forms inherited from the most acid pop art –art that was not content with reflecting on, but rather opted for flagellating many of the most stultifying social conventions on the basis of sarcasm– Marcos Vidal’s pieces speak of many of the magnificent triumvirates that triumph in our society: money, sex and religion, art, artists and other animals... an open field for irony and humour in which Vidal safely and soundly moves. To do so, he appeals to a wide-ranging catalogue of powerful, recognisable, often pre-existing images and objects that he composes, assembles and overlaps in a distinctive collage of retrievals and occurrences that also fit well with a sophisticated, irreverent kitsch imagery with a markedly popular iconography. Vidal resorts to objects as elements and concepts; he plays with them and skilfully intersperses them among all the collective imagery from which he draws, laughing at the most idiotic definition of the modern and indicating the obvious corruptions from which our society suffers: again money, politics, and power. Yet, with the constant use of the prefabricated, Vidal not only finds his felicitous means of expression –the reuse of existing objects also becomes the very expression of the idea–. Thus, the artist Leon Nikolayevitch Tolstoi, ¿Qué es el arte?, Editorial Tor, Buenos Aires, Argentina, 1950. Pablo J. Rico, “Estratègies d’indiferència en Marc Vidal”, an essay from the Marc Vidal. Llinatge sospitós exhibition, Espai Ramon Llull, Govern de les Illes Balears, 2002, p. 9. aims to make clear the bottomless catalogue of objects with which massive, debilitating industrial production almost buries us. A contemporary excess, like others we have discussed in this text, which is illustrated and discussed in each of the assemblages with which the artist resolves his pieces. Yet, this endless catalogue from which Vidal draws nourishment, this culture of over-production in which absolutely everything is made and in large quantities, is in itself and with its full repertoire of images and concepts, a powerful and dangerous means of expression for art, in which he has been obtaining an interesting, yet too comfortable raw material with which to continue creating for some time. A powerful resource that must be treated with the caution and skill of Marcos Vidal, an artist who starts out from many iconic, objective contributions that have been adding up over time – some undoubtedly great, others not so great–which turns these possibilities into something diabolical that may make the artist stumble on obvious, common pitfalls such as the vulgar appropriation of what belongs to others, the simple, pointless repetition of content or the rough collage of discordant elements in which the artist becomes a mere selector –a remixer– seduced by the splendid power and quantity of what has already been created. Far from these vices, the virtuoso Vidal chooses to apply his most pronounced qualities –his intelligence, his almost sarcastic irony, his sense of humour, his compositions’ aesthetic success– in a sort of attractive, suggestive play that undoubtedly transcends any purely epidermal content to go straight to the heart of social critique. Cala Rajada. September 2010 147 Projecte Llevant. Història 150 1999 ITINERARIS DAMUNT PAPER. EL DIBUIX A LA PLÀSTICA CONTEMPORÀNIA A MALLORCA. Comissari: Joan Carles Gomis. Contingut: revisió a la plàstica contemporània mallorquina a través d’una selecció de dibuixos de vint dels artistes més significatius: Amengual, Barceló, Bennàssar, Bird, Canet, Carbonero, Fabré, Forteza, Garcia Sevilla, Jacobson, Menéndez Rojas, Miller, Nadal, Ramírez Suassi, Ribeiro, Roig, San Martín, Sapere, Socias i Terrades. Institucions col·laboradores: Ajuntament d’Artà, Ajuntament de Capdepera, Ajuntament de Felanitx, Ajuntament de Manacor, Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar, Ajuntament de Son Servera, Sa Nostra i Consell de Mallorca. Itinerància: Torre de ses Puntes. Manacor / Centre Cultural. Felanitx / Can Creu d’Inca. Capdepera / Na Batlessa. Artà / Sa Capella Fonda de l’Església Nova. Son Servera / Sala d’exposicions de Sa Nostra. Sant Llorenç des Cardassar / Sala d’exposicions de l’Ajuntament de Calvià / Ca’n Gelabert. Binissalem / S’Escorxador. Marratxí. Catàleg: 112 pàgines, 24 x 16’5 cm, 39 il·lustracions en bitò, 2 il·lustracions en color, amb textos de Cristina Ros (català i castellà) i currículums dels artistes. Dipòsit Legal: PM 1677/1999. ISBN: 84-930573-3-9. Edició de 2.000 exemplars. 151 152 2000 FOTOGRAFIA CONTEMPORÀNIA A MALLORCA. Comissari: Joan Carles Gomis. Contingut: revisió a la fotografia contemporània mallorquina a través d’una selecció de treballs recents i inèdits de catorze dels autors més significatius: Carlos Barrantes, Joan-Ramon Bonet, Juan Antonio Briñas, Pepe Cañabate, Toni Catany, Pedro Coll, Pere Colom, Miguel Czernikowski, Joan-Miquel Ferrà, Miguel Font, Gabriel Lacomba, Gabriel Ramon, Antoni Socias i Agustí Torres. Institucions col·laboradores: Ajuntament d’Artà, Ajuntament de Capdepera, Ajuntament de Felanitx, Ajuntament de Manacor, Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar, Ajuntament de Calvià, Ajuntament de Marratxí, Ajuntament de Porreres, Ajuntament de sa Pobla, Ajuntament de Santanyí, Ajuntament de Pollença, Espai Mallorca (Barcelona), Sa Nostra, Consell de Mallorca i Govern de les Illes Balears. Itinerància: Torre dels Enagistes. Manacor / S’Escorxador. Porreres / Sala d’exposicions de Sa Nostra. Sant Llorenç des Cardassar / Centre Cultural. Felanitx / Na Batlessa. Artà / Can Creu d’Inca. Capdepera / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Sala d’exposicions de l’Ajuntament de Calvià / Museu de Pollença / S’Escorxador. Marratxí / Can Manresa. Santanyí / Museu d’Art Contemporani d’Eivissa / Espai Mallorca. Barcelona / Museu de Menorca (Maó) / Espai Ramon Llull. Palma / Ajuntament de Lüberg, Alemanya / Institut Cervantes de Moscú, Rússia / World Trade Center de Bremen, Alemanya. Catàleg: 110 pàgines, 22’6 x 23 cm, 41 il·lustracions en color, 15 il·lustracions en blanc i negre, amb textos de Maria-Josep Mulet (català i castellà, i separates en alemany i rus), amb currículums dels artistes. Dipòsit Legal: PM 1859/2000. ISBN: 84-607-1185-4. Edició de 4.000 exemplars. 153 154 2000 ACTITUDS TANGENCIALS. Comissari: Joan Carles Gomis. Contingut: Aproximació a l’heterodòxia plàstica mallorquina contemporània a través d’una selecció d’obres -dels anys cinquanta i seixanta, principalment- de vuit creadors significatius: Josep Bover, Miquel Brunet, Longino, Jaume Mercant, Miquel Morell, Juli Ramis, Miquel Rivera Bagur i Joan Trujillo. Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears, Consell de Mallorca, Sa Nostra, Ajuntament d’Artà, Ajuntament de Capdepera, Ajuntament de Felanitx, Ajuntament de Manacor, Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar, Ajuntament de Calvià, Ajuntament de Marratxí, Ajuntament de Porreres, Ajuntament de sa Pobla, Ajuntament de Santanyí, Ajuntament de Pollença. Itinerància: Torre de ses Puntes. Manacor / Centre Cultural. Felanitx / Sala d’exposicions de Sa Nostra. Sant Llorenç des Cardassar / S’Escorxador. Porreres / Espai Mallorca. Barcelona / Espai Ramon Llull. Palma / Can Creu d’Inca. Capdepera / Teatre d’Artà / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / S’Escorxador. Marratxí / Can Manresa. Santanyí / Museu d’Art Contemporani d’Eivissa / Sala d’exposicions de l’Ajuntament de Calvià / Museu de Pollença / Museu de Menorca. Maó. Catàleg: 86 pàgines, 22’6 x 23 cm, 16 il·lustracions en color, 9 il·lustracions en blanc i negre, amb textos de Cristina Ros (català i castellà). Dipòsit Legal: PM 2.302/2000. ISBN: 84-607-1185-4. Edició de 4.000 exemplars. 155 156 2001 EROTISME A LA PLÀSTICA CONTEMPORÀNIA A LES ILLES BALEARS. Comissari: Joan Carles Gomis. Contingut: L’erotisme, com a exaltació física de l’amor, és un concepte indissociable de la vida, i per tant inseparable també de l’art. A totes les èpoques -des de la prehistòria fins avui- hi trobem creacions plàstiques les connotacions eròtiques de les quals constaten altes dosis de creativitat, de genialitat. L’erotisme ens remet a la sensualitat, al refinament, a la bellesa, en definitiva. També a la plàstica contemporània a les Illes Balears hi podem trobar una notable producció eròtica, gairebé desconeguda: pintures, dibuixos, escultures, fotografies: imatges suggerents i seductores. I sempre l’erotisme com a sinònim d’Art, en majúscules. La present exposició plateja una exhaustiva aproximació a aquest àmbit. Obres de Rafael Amengual, Miquel Barceló, Joan Bennàssar, Bernardí Roig, Guillem Nadal, Joan March, Maria Carbonero, Miquel Brunet, Pere Bennàssar, Antoni Socias, Jaume Canet, Toni Catany, Llorenç Ginard, Miguel Czernikowski, Frédéric Barzilay, Menéndez Rojas, Roca Fuster, Ramon Trias, Matías Quetglas, Pepe Nebot, Mati Klarwein, Ricard Chiang i Ellis Jacobson. Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears, Consell de Mallorca, Fundació Sa Nostra, Ajuntament d’Artà, Ajuntament de Capdepera, Ajuntament de Felanitx, Ajuntament de Manacor, Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar, Ajuntament de Calvià, Ajuntament de Marratxí, Ajuntament de Porreres, Ajuntament de sa Pobla, Ajuntament de Santanyí, Ajuntament de Pollença. Itinerància: Sa Màniga. Cala Millor / Torre dels Enagistes. Manacor / Can Creu d’Inca. Capdepera / S’Escorxador. Porreres / Centre Cultural. Felanitx / Teatre d’Artà / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Espai Ramon Llull. Palma / S’Escorxador. Marratxí / Sala d’exposicions de 157 158 2002 ART EMERGENT A LES ILLES BALEARS (I). Comissari: Joan Carles Gomis. Contingut: El projecte s’articula inicialment a partir de l’anàlisi de les més significatives propostes expositives generades els darrers anys, així com del seguiment del treball dels autors emergent mes representatius de la nostra comunitat. A la primera mostra, “Art emergent a les Illes Balears (I)”, hi participen els següents autors: Astrid Colomar (Palma, 1970), Rafel Adrover (Palma, 1969), Amparo Sard (Son Servera, 1973), Paco Espinosa (Palma, 1969), Joan Serra (Manacor, 1973), Marian Femenias Moratinos (Palma, 1973), Joan Servera Peix (Artà, 1971), Pedro Oliver (Palma, 1968), Yolanda Montesa (Eivissa, 1973) i Paca Florit (Ciutadella, Menorca, 1974). Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears, Consell de Mallorca, Fundació Sa Nostra, Ajuntament d’Artà, Ajuntament de Capdepera, Ajuntament de Felanitx, Ajuntament de Manacor, Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar, Ajuntament de Calvià, Ajuntament de Marratxí, Ajuntament de Porreres, Ajuntament de sa Pobla, Ajuntament de Santanyí, Ajuntament de Petra, Ajuntament d’Inca, Ajuntament de Binissalem. Itinerància: Espai Ramon Llull. Palma / Teatre d’Artà / Torre dels Enagistes. Manacor / Can Creu d’Inca. Capdepera / S’Escorxador. Porreres / Centre Cultural. Felanitx / Sala municipal. Petra / Sala d’exposicions de l’Ajuntament de Calvià / Can Gelabert. Binissalem / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Sa Quartera Centre d’Art. Inca / S’Escorxador. Marratxí / Auditòrium sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) / Can Manresa. Santanyí / Espai Mallorca. Barcelona / Museu d’Art Contemporani d’Eivissa / Museu de Menorca. Maó. Catàleg: 216 pàgines, 22’6 x 23 cm, 31 il·lustracions en color, 10 il·lustracions en blanc i negre, amb textos de Carme Castells (català, 159 160 2003 ART EMERGENT A LES ILLES BALEARS (II). Concepte: Joan Carles Gomis. Comissariat: Maria Antònia Artigues. Contingut: Segona part d’aquest cicle que s’articula a partir de l’anàlisi de les més significatives propostes expositives generades els darrers anys, així com del seguiment del treball dels autors emergent més representatius de la nostra comunitat. A la segona mostra, “Art emergent a les Illes Balears (II)”, hi participen els següents autors: Jaume Canet (Felanitx, 1966), Carles Moll (Maó, Menorca, 1969), Martí Antoni Monjo (Maria de la Salut, 1972) & Ana Camuñas (Villafranca de los Caballeros, Toledo, 1975), Rafel Perelló (Manacor, 1963), Aina Perelló (Pollença, 1976), Blanca Pérez-Portabella (Barcelona, 1973), Eliana Perinat (París, 1965), Joan M. Arrom Sasai (Palma, 1970), Fabián E. Schalekamp (Palma, 1964) i Joan Vallespir (Inca, 1969). Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears, Consell de Mallorca, Fundació Sa Nostra, Ajuntament d’Artà, Ajuntament de Capdepera, Ajuntament de Felanitx, Ajuntament de Manacor, Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar, Ajuntament de Calvià, Ajuntament de Marratxí, Ajuntament de Porreres, Ajuntament de sa Pobla, Ajuntament de Santanyí, Ajuntament d’Inca, Ajuntament de Binissalem. Itinerància: Torre dels Enagistes. Manacor / Centre Cultural. Felanitx / Espai Ramon Llull. Palma / Museu de Porreres / Can Creu d’Inca. Capdepera / Centre Cultural de Santa Ponça. Calvià / Can Gelabert. Binissalem / S’Escorxador. Marratxí / Museu d’Art Contemporani. Eivissa / Teatre d’Artà / Sa Quartera Centre d’Art. Inca / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Auditòrium sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) / Can Jaume Antoni. Santanyí / Espai Mallorca. Barcelona / Museu de Menorca. Maó. 161 162 2004 ART EMERGENT A LES ILLES BALEARS (III). Concepte: Joan Carles Gomis. Comissariat: Maria Antònia Artigues. Tercera part d’aquest cicle que s’articula a partir de l’anàlisi de les més significatives propostes expositives generades els darrers anys, així com del seguiment del treball dels autors emergent més representatius de la nostra comunitat. A la tercera mostra, “Art emergent a les Illes Balears (II)”, hi participen els següents autors: Mario de Ayguavives (Saragossa, 1968. Viu a Eivissa); Rafel Bestard (Palma, 1967); Mercedes Estarellas (Palma, 1972); Jaume Fullana (Palma, 1963); Carles Gispert (Palma, 1969); Núria Marquès (Ciutadella, Menorca, 1975); Maria Antònia Mir Sastre (sa Pobla, 1977); Ginés Quiñonero (Palma, 1971); Guillem Santandreu (Manacor, 1965) i Pedro Vidal (Palma, 1968). Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears / Consorci per el foment de la llengua catalana i la projecció exterior de la cultura de les Illes Balears / Consell de Mallorca / Sa Nostra / Ajuntament de Manacor / Ajuntament de Capdepera / Ajuntament de Calvià / Ajuntament de Felanitx / Ajuntament de Marratxí / Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar / Ajuntament de sa Pobla / Ajuntament de Santanyí / Ajuntament de Porreres / Ajuntament d’Inca / Ajuntament d’Artà / Ajuntament de Binissalem. Itinerància: Torre dels Enagistes. Manacor / Espai Ramon Llull. Palma / Can Gelabert. Binissalem / Can Creu d’Inca. Capdepera / Sala d’exposicions de l’Ajuntament de Calvià / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Can Jaume Antoni. Santanyí / Museu de Porreres / S’Escorxador. Marratxí / Centre Cultural. Felanitx / Auditòri sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) / Museu de Menorca. Maó / Museu d’Art Contemporani. Eivissa / Sa Quartera Centre d’Art. Inca / Teatre d’Artà. 163 164 2005 ESCULTURA CONTEMPORÀNIA A LES ILLES BALEARS. Concepte: Joan Carles Gomis. Comissariat: Maria Antònia Artigues. Contingut: L’exposició proposa una exhaustiva revisió a l’obra dels escultors més significatius de la nostra comunitat, i està integrada per peces representatives dels següents artistes: Ferran Aguiló, Alcover, Amador, Jeroni Bosch, Jaume Canet, Pep Canyelles, Joan Cortés, Joan Costa, Antoni Ferragut, Jaume Fullana, Llorenç Ginard, Miquel G. Sarasate, Carles Gispert, Antoni Hormigo, Eugenio López, Pere Martínez Pavia, Glòria Mas, Gerard Matas, Miquel Planas, Alfons Sard, Josep M. Sirvent i Tomeu Ventayol. Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears / Consell de Mallorca / Fundació Sa Nostra / Ajuntament de Manacor / Ajuntament de Capdepera / Ajuntament de Calvià / Ajuntament de Felanitx / Ajuntament de Marratxí / Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar / Ajuntament de sa Pobla / Ajuntament de Santanyí / Ajuntament de Porreres / Ajuntament d’Inca / Ajuntament de Binissalem / Ajuntament d’Andratx / Ajuntament d’Artà / Ajuntament d’Alcúdia. Itinerància: Torre dels Enagistes. Manacor / Can Creu d’Inca. Capdepera / Espai Ramon Llull. Palma / Sala d’exposicions de l’Ajuntament d’Andratx / Can Gelabert. Binissalem / Sala d’exposicions de l’Ajuntament de Calvià / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Can Jaume Antoni. Santanyí / Museu de Porreres / Centre Cultural. Can Prohens. Felanitx / Teatre d’Artà / Can Fondo. Alcúdia / S’Escorxador. Marratxí / Museu d’Art Contemporani d’Eivissa / Sa Quartera Centre d’Art. Inca / Auditòri sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) / Espai Mallorca. Barcelona / Museu de Menorca. Maó / Palau de Congressos. Zaragoza. Catàleg: 230 pàgines, de 22’5 x 23’2 cm, 22 il·lustracions en color i 22 il·lustracions en blanc i negre, amb textos de Biel Amer, Maria Antònia Artigues, Juan Luis Calbarro, Esteve del Campo, Lourdes Durán, Gómezdelacuesta, Miquel Mestre, Jaume Pomar, Pilar Ribal, Llorenç Riera, 165 166 2006 HISTORIETES. EL CÒMIC A LES ILLES BALEARS. Concepte: Joan Carles Gomis. Comissariat: Florentino Flórez. Joan Roig. Contingut: L’exposició proposa una exhaustiva revisió al treball –passat, present i futur– dels historietistes més significatius de la nostra comunitat, i està integrada per originals de Benejam, Nené Estivill, Luis Bermejo, Joan Escandell, Tatum, Pere Joan, Max, Rafel Vaquer, Tomeu Seguí, Diego Ibáñez, Zaca, Yeti, Tomeu Matamalas, Jaume Ramis, Marcos Mateu, Juan Moreno, Gabi Beltrán, Paco Díaz, Linhart, Alex Fito, Pau, Tomeu Morey, Guillem March, Macoll, Jaume Balaguer, Canizales, Sònia Pulido, Bonobo, Carmona, Guillermo Sanna, Miquel Jaume Ribes, Maria Piña, Bartolo Torres i Dani Martín. Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears / Institut d’Estudis Baleàrics / Consell de Mallorca / Fundació “Sa Nostra” / Ajuntament de Palma / Ajuntament de Manacor / Ajuntament de Capdepera / Ajuntament de Felanitx / Ajuntament de Marratxí / Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar / Ajuntament de sa Pobla / Ajuntament de Santanyí / Ajuntament de Porreres / Ajuntament d’Inca / Ajuntament de Binissalem / Ajuntament d’Andratx. Itinerància: Espai Ramon Llull. Palma / Torre de ses Puntes. Manacor / Centre Cultural. Felanitx / Museu de Menorca. Maó / S’Escorxador. Porreres / Castell de Son Mas. Andratx / Can Creu d’Inca. Capdepera / S’Escorxador. Marratxí / Auditòrium sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) / Can Gelabert. Binissalem / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Can Jaume Antoni. Santanyí / Centre Cultural de la Misericòrdia. Palma / Museu d’Art Contemporani d’Eivissa / Sa Quartera Centre d’Art. Inca / Casa-Museu Posada de Biniatró. Campanet / XXVI Saló Internacional del Còmic · Barcelona / XXX Salón Internacional del Cómic · Gijón / Salón Internacional del Cómic · Ávila / Palau d’Ayamans. Lloseta. Catàleg: 340 pàgines, de 22’5 x 23’2 cm, a tot color, amb textos de Florentino Flórez, en català i castellà, i biografies dels artistes. Dipòsit Legal: PM-2573-2006. Edició de 4.000 exemplars. 167 168 2007 CERÀMICA CONTEMPORÀNIA A LES ILLES BALEARS. Concepte: Joan Carles Gomis. Comissariat: Pilar Serra. Contingut: Existeix, a les Illes Balears, un dilatada tradició de producció ceràmica, així com una bibliografia mínima referida a aquest tema. En qualsevol cas, la present exposició proposa una exhaustiva revisió a la ceràmica contemporània a la nostra comunitat, tema damunt el que no existeix bibliografia publicada. A l’hora d’estudiar la “Ceràmica contemporània a les Illes Balears”, cal referir-se en primer lloc a l’obra de Lluís Castaldo, acceptat unànimement com el gran mestre d’aquesta vessant de les arts plàstiques. A més, l’exposició proposa una revisió a les aportacions realitzades dins aquest àmbit per tota una sèrie de ceramistes, fins arribar a la tasca desenvolupada per les darreres generacions de creadors. Així, la present exposició compta amb originals de Mercè Alabern, Víctor Andreu, Matilde Blanch, Maria Antònia Carrió, Lluís Castaldo, Pilar Cerdà, Margalida Escalas, Amelia García, Raimon Galla, Ricardo Madirolas, Sebastiana Munar, Isabel Ramis Caubet, Maria Ramis, Elisenda Pipió, Pilar Sastre i Lin Utzon. Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears / Consell de Mallorca / Ajuntament de Palma / Fundació “SA NOSTRA” / Ajuntament de Manacor / Ajuntament de Capdepera / Ajuntament de Felanitx / Ajuntament de Marratxí / Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar / Ajuntament de sa Pobla / Ajuntament de Santanyí / Ajuntament de Porreres / Ajuntament d’Inca / Ajuntament de Binissalem / Ajuntament d’Andratx. Itinerància: S’Escorxador. Marratxí / Espai Ramon Llull. Palma / Torre de ses Puntes. Manacor / Centre Cultural. Felanitx / Museu de Menorca. Maó / Can Creu d’Inca. Capdepera / Sala d’exposicions de l’Ajuntament d’Andratx / Auditòrium sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) / Can Gelabert. Binissalem / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Can Jaume Antoni. Santanyí / S’Escorxador. Porreres / Sa Quartera Centre d’Art. Inca / Espai Mallorca. Barcelona / Casa de Cultura. Museu de Sóller / Palau de Congressos. Saragossa. Característiques del catàleg: 204 pàgines , de 22’5 x 23 cm, a tot color, amb textos de Pilar Ribal i Simó, Lluís Castaldo, Amelia García Sánchez, Irene Mestre Massot, Víctor Andreu, Maria Antònia Carrió, Guillem Frontera, Gudi Moragues Jaulin du Seutre, Magdalena Aguiló Victory, Xisco Barceló, Jaron Rowan, Sebastiana Munar, Biel Mesquida, Carlos Garrido, Gina Garcías Sansaloni, Biel Majoral i Frederic Climent Guimerà, entre d’altres, en català i castellà, i biografies dels artistes. Dipòsit Legal: PM-1317-2008. Edició de 4.000 exemplars. 169 170 2008 CADÀVER EXQUISIT. Concepte: Joan Carles Gomis. Comissariat: Pilar Serra. Contingut: Cadàver exquisit és una suggestiva proposta expositiva que permet integrar a artistes de distintes generacions i d’estils molt diversos. Cadàver exquisit és una tècnica mitjançant la qual s’uneixen col·lectivament un conjunt de paraules o d’imatges; el resultat és conegut com un cadàver exquisit o cadavre exquis en francès. Emprada pels surrealistes devers el 1925, s’inspira en un vell joc de taula anomenat “conseqüències” en el qual els jugadors escrivien per torn a un full de paper, el doblegaven per tal de cobrir part de l’escriptura, i després el passaven al següent jugador per una altra col·laboració. El nom es deriva d’una frase que sorgí quan es va jugar per primer cop en francès: Le cadavre / exquis / boira / du nouveau / vin (El cadàver esquisit beurà el nou vi). Els teòrics i impulsors d’aquesta estratègia creativa (en un principi, Robert Desnos, Paul Eluard, André Bretón i Tristan Tzara) postulaven que la creació, en especial la poètica i la plàstica, havia de ser anònima i grupal, intuïtiva, espontània, lúdica i, en la mesura del possible, automàtica. Vuitanta anys després, cadavre exquis serva tot el seu potencial creatiu. Així, es proposa la creació d’un gran Cadàver exquisit a partir de la col·laboració dels artistes Steve Afif, Josep Maria Alaminos, Amador, Rafael Amengual, Mateu Bauzà, Erwin Bechtold, Joan Bennàssar, Pere Bennàssar, Rafel Bestard, Jim Bird, Maria Carbonero, Maria Catalán, Pep Coll, Astrid Colomar, Joan Costa, Cristina Escape, Ñaco Fabré, Marian Femenías Moratinos, Paca Florit, Pep Guerrero, Gilbert Herreyns, Enric Irueste, Ellis Jacobson, Mercedes Laguens, Alícia Llabrés, Antoni Llabrés, Pep Llambías, Eugenio López, Joan March, Teresa Matas, Mariano Mayol, J.M. Menéndez Rojas, Maria Antònia Mir, Pepe Nebot, Ángel Pascual Rodrigo, Rafel Perelló, Cris Pink, Alceu Ribeiro, Enric Riera, Dolores Sampol, Lourdes Sampol, Àngel San Martín, Bernat Sansó, Horacio Sapere, Amparo Sard, Tòfol Sastre, Juan Segura, Joan Soler Rebassa, Andreu Terrades, Vicenç Torres, Rafel Tur Costa, Tomeu Ventayol i Amable Villarroel. Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears / Consell de Mallorca / Ajuntament de Palma / Obra Social de “SA NOSTRA” / Ajuntament de Capdepera / Ajuntament de Felanitx / Ajuntament de Marratxí / Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar / Ajuntament de Manacor / Ajuntament de sa Pobla / Ajuntament de Santanyí / Ajuntament de Porreres / Ajuntament d’Inca / Ajuntament de Binissalem. Itinerància: Ses Voltes. Palma / Centre de Cultura "SA NOSTRA". Eivissa / Centre Cultural Can Prohens. Felanitx / Museu de Menorca. Maó / S’Escorxador. Porreres / Centre Cap Vermell. Cala Rajada (Capdepera) / Torre de ses Puntes. Manacor / S’Escorxador. Marratxí / Auditori sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) / Can Gelabert. Binissalem / Museu d’Art Contemporani de Mallorca. Ca'n Planes. sa Pobla / Can Jaume Antoni. Santanyí / Sa Quartera Centre d’Art. Inca / Espai Mallorca. Barcelona. Catàleg: 196 pàgines, de 22’5 x 23’2 cm, a tot color, amb textos de Pau Waelder, en català i castellà, i ressenyes biogràfiques dels artistes. Dipòsit Legal: PM-0145-2009. Edició de 4.000 exemplars. 171 2009 ARBRES a la plàstica contemporània a les Illes Balears. Comissariat: Ferran Barceló Bisbal. Contingut: ARBRES a la plàstica contemporània a les Illes Balears proposa un suggestiu recorregut al nostre paisatge a través d’una sèrie de significatius artistes contemporanis. En referència al nostre àmbit geogràfic, la història de la pintura al llarg de la primera meitat de segle XX discorre, en bona mesura, al marge del desenvolupament de les avantguardes. L’aventura postimpressionista –encoratjada des d’una crítica que mancava per complet d’una elemental visió universalista i, sobretot, degut al conformisme i a l’autocomplaença d’una societat que exigia dels seus pintors una supeditació quasi inquebrantable als seus decadents criteris estètics– resultà, a les illes, excessivament dilatada i infructuosa. Paisatgisme i aproblematicisme, en paraules de Josep Melià, defineixen clarament un llarg període cronològic –marcat, d’altra banda, per una llarga llista de noms– en el qual, més enllà de simples actituds epigonals, es fa difícil reconèixer aportacions significatives. En aquest context de provincià academicisme, en que tota dissidència front a un art oficialitzat i dogmàtic era sistemàticament repudiat, resulta complex ubicar en el temps aquelles inicials aportacions que haurien de conformar el substrat sobre el que se sustentaria la plàstica contemporània. La benignitat climatològica i una geografia seductora facilitaren un constant flux –en ocasions merament circumstancial– cap a les Illes d’un bon nombre d’artistes, poetes, novel·listes, crítics, arquitectes, músics, etc., que hi treballaren o hi residiren temporalment. A partir de la segona meitat de segle, foren molts els que s’assentaren definitivament entre nosaltres. A la dilatada nòmina de pintors que, des de principis de segle se sentiren atrets per la llum de l’illa –Sebastià Junyer, Santiago Rusiñol, Joaquim Mir, Anglada-Camarasa, Eliseu Meifrèn, Cittadini, Bernareggi, Blanes Viale, William Degouve de Nuncques..., tots, artistes modernistes o post-impressionistes, que juntament amb pintors illencs com Ricard Anckermann, Antoni Gelabert, Joan Fuster Bonnín, Antoni Ribas Oliver i Llorenç Cerdà, entre d’altres, contribuïren cada un amb la seva personalitat peculiar a renovar la pintura de paisatge, tot escrivint d’aquest manera un dels capítols més importants de la vida cultural de les nostres illes–, hi hem d’incorporar amb posterioritat la d’aquells noms relacionats amb cercles avantguardistes, com el pintor muralista mexicà Diego Rivera i la seva dona la pintora russa Angelina Beloff, María Blanchard, Lipchitz, el pintor fauve holandès Kees van Dongen, Arthur Cravan, l’escultor José de Creeft, el pintor Joan Junyer, el constructivista Adolf Fleischmann, Nicolas de Stäel, Santos Balmori, o els fotògrafs alemanys Georg Reisner i Hans Namuth, entre d’altres, que afavoriren un procés d’adequació, al llarg del qual és convenient recordar la extraordinària fascinació que el paisatge exercí en la sensibilitat d’alguns d’aquest artistes més innovadors. Avui, més de cent anys després, i dins d’un context social i artístic totalment, normalitzat, el paisatge segueix essent font i motiu d’inspiració per a molts d’artistes. El present projecte planteja una aproximació a les diverses lectures i interpretacions que del nostre entorn geogràfic fan una sèrie de significatius creadors contemporanis, com Pep Guerrero, Enric Irueste, Andreu Maimó, Rafel Joan, Àngel Pascual Rodrigo, Àngel San Martín, Juan Segura, Jorge Pombo, Bernat Sansó, Paca Florit o Vicenç Ochoa. Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears / Consell de Mallorca / Obra Social de “SA NOSTRA” / Ajuntament de Palma / Ajuntament de Capdepera / Ajuntament de Felanitx / Ajuntament de Marratxí / Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar / Ajuntament de Manacor / Ajuntament de sa Pobla / Ajuntament de Santanyí / Ajuntament de Porreres / Ajuntament d’Alcúdia / Ajuntament de Binissalem / Ajuntament d’Inca. Itinerància: Auditori sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) / Can Gelabert. Binissalem / Ses Voltes. Palma / Centre Cultural Can Prohens. Felanitx / Museu de Menorca. Maó / S’Escorxador. Porreres / Centre Cap Vermell. Cala Rajada (Capdepera) / Can Fondo. Alcúdia / Torre de ses Puntes. Manacor / S’Escorxador. Marratxí / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Can Jaume Antoni. Santanyí / Sala de Cultura de “SA NOSTRA”. Eivissa / Sa Quartera Centre d’Art. Inca / Espai Mallorca. Barcelona. Catàleg: 172 pàgines, de 22’5 x 23’2 cm, a tot color, amb textos de Ferran Barceló Bisbal, Gabriel Carrió i Vives, Anna Bagur, Antonio Pizarro, Enric Irueste, Arnau Pons, Damià Pons i Pons, Patxi Ermosurie, Àngel Pascual Rodrigo, Joan Carles Gomis i Pilar Serra, en català i castellà, i ressenyes biogràfiques dels artistes. Dipòsit Legal: PM-0145-2009. Edició de 4.000 exemplars. 173 174 2010 ART EMERGENT A LES ILLES BALEARS (IV). Comissariat: Projecte Llevant. Aquesta exposició es planteja a manera d’actualització del cicle “Art emergent a les Illes Balears” –que s’encetà l’any 2002 i tingué continuïtat el 2003 i el 2004– i s'articula a partir de l’anàlisi de les més significatives propostes expositives generades els darrers anys, així com del seguiment del treball dels autors emergents més representatius de la nostra comunitat. Els artistes participant a aquesta quarta edició són: Yolanda Adrover (Felanitx, 1977), Paz Alcoverro (Barcelona, 1969), Joan Cabrer (Palma, 1983), Julia García (Albacete, 1968), Lourdes Grivé (Barcelona, 1977), Miquel Mesquida (Manacor, 1954), Jaume Simó Sabater i Garau (Maria de la Salut, 1972), José Ángel Sintes (Alaior, Menorca, 1978), María Isabel Uribe (Neiva-Huila, Colòmbia) i Marcos Vidal (Vitòria-Gasteiz, 1967). Institucions col·laboradores: Govern de les Illes Balears / Consell de Mallorca / Obra Social de “SA NOSTRA” / Ajuntament de Palma / Fundació Tren de l’Art. Ferrocarrils de Sóller / Ajuntament de Capdepera / Ajuntament de Felanitx / Ajuntament de Marratxí / Ajuntament de Sant Llorenç des Cardassar / Ajuntament de Manacor / Ajuntament de sa Pobla / Ajuntament de Santanyí / Ajuntament de Porreres / Ajuntament de Binissalem / Ajuntament d’Inca. Itinerància: Sala de Cultura “SA NOSTRA”. Eivissa / Auditori sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) / Can Gelabert. Binissalem / Ses Voltes. Palma / Centre Cultural Can Prohens. Felanitx / Museu de Menorca. Maó / S’Escorxador. Porreres / Centre Cap Vermell. Cala Rajada (Capdepera) / Can Prunera. Museu modernista. Sóller / Torre de ses Puntes. Manacor / S’Escorxador. Marratxí / Museu d’Art Contemporani. sa Pobla / Can Jaume Antoni. Santanyí / Sa Quartera Centre d’Art. Inca / Espai Mallorca. Barcelona. Catàleg: 184 pàgines, de 22’5 x 23 cm, a tot color, amb textos de Fernando Gómez de la Cuesta, en català, castellà i anglès, i ressenyes biogràfiques dels artistes. Dipòsit Legal: PM-1535-2010. Edició de 4.000 exemplars. 175 Itinerància Sala de Cultura “SA NOSTRA”. Eivissa Ses Voltes. Palma Can Prunera. Museu modernista. Sóller Auditori sa Màniga. Cala Millor (Sant Llorenç des Cardassar) Torre de ses Puntes. Manacor Centre Cultural Can Prohens. Felanitx Museu de Menorca. Maó Centre Cap Vermell. Cala Rajada (Capdepera) S’Escorxador. Marratxí Can Gelabert. Binissalem Can Jaume Antoni. Santanyí Sa Quartera Centre d’Art. Inca Museu d’Art Contemporani de Mallorca. Can Planes. Sa Pobla Espai Mallorca. Barcelona S’Escorxador. Porreres 176 El present llibre s’acabà d’imprimir el dilluns dia 27 de setembre de 2010 a les premses d’amadip.esment amb motiu de l’exposició emergent a les illes balears (iv) Per a la seva composició s’utilitzaren els tipus Whitney. L’interior s’imprimí sobre paper Pioneer de 170 g, i la coberta sobre paper Estucat mate de 300 g. El Projecte Llevant segueix, així, el seu camí. Laus Deo 177