Descargar - Batería Percusión

Transcripción

ISSUE JUL-AGO 2012
EN PORTADA
REVIEWS
Cajas Brady
Herramientas y accesorios para tu batería
NUEVAS SECCIONES
Mi kit y yo
www.bateriapercusion.com
Yoel Páez
sumario
04
9
En Portada
Yoel Páez
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
12
Cajas Brady Robertico
Alemán
Review
Mi kit y yo
14
18
27
Hablando
con el
Luthier
Didáctica
Herramientas y accesorios para
tu batería
Entrevista.
editorial #7
Review
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ISSUE JUL-AGO 2012
35
Dime qué
escuchas,
ves, estudias
y te diré
quién eres.
Un nuevo número y aquí estamos fieles a la cita con los lectores de
Como siempre, os recomiendo visitar las páginas de nuestros
Batería & Percusión. Un número más y una portada más que en esta
anunciantes porque tienen propuestas muy interesantes que ofrecer.
ocasión se la lleva Yoel Páez, percusionista/baterísta cubano que
Gracias por estar ahí.
mamó el ritmo desde sus días de cuna y que ha llegado a compartir
escenario con Michael Bolton o Marc Anthony, casi nada.
En el apartado de reviews contamos con el punto de vista de nuestros
expertos para visitar dos cajas Brady, una de accesorios y herramientas
(Palanca Trick, Cympad y Swing Nut), Robertico Aleman nos hablará
de su Grestch y pondremos sobre la mesa un par de productos de
software con los que poner en práctica tus dotes de producción. J.A.
Pereira nos ha preparado la primera parte de su artículo de opinión
“Estar ahí”. Como no podía faltar, Danko Compta y sus eclécticas
recomendaciones y nuestra sección de didáctica con clases prácticas
a las que se suma de nuevo la transcripción fusionera de rigor de la
mano de Pablo Posa.
Agus González-Lancharro
Director de Batería & Percusión
ISSUE JUL-AGO 2012
EN PORTADA
PURO RITMO
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Yoel
Páez
Asensio Ros “Wally”
Nacido en Matanzas, Cuba 1974. A la temprana edad de cinco años, su padre
Rafael Páez (músico profesional) lo adentra en el mundo de los festivales
de la isla ganando así importantes premios. Comienza sus estudios musicales a los nueve años en la Escuela Vocacional de Artes de Matanzas (EVA) y
posteriormente en la Escuela Nacional de Artes de La Habana (ENA) dónde
se gradúa a los 18 años como profesor e instrumentista en la especialidad
de percusión clásica y moderna. Es miembro fundador de “Percuba” y ha
formado parte desde los 19 años de los grupos más importantes de su país
como son Isaac Delgado, el Médico de la Salsa y Paulito y su Elite con los
que realiza giras por el mundo compartiendo escenario con figuras como
Paul Simon, Herbie Hancock, Celia Cruz, Marc Anthony, Michael Bolton, Chucho Valdes, Oscar de León, Shakira, etc. En nuestro país a acompañado entre
otros a Café Quijano, Paulina Rubio, Manu Tenorio, Sole Gimenez, Concha
Buika, Juanes, Marc Anthony, Julio Montalvo…
EN PO R TAD A
Vienes de familia de músicos, ¿Por qué te inclinaste por
la batería y la percusión y no por otro instrumento?
Bueno, desde que tengo uso de razón, recuerdo al
grupo de mi padre ensayando en mi casa, en Cuba es
muy normal que los grupos ensayen en la casa de alguno de sus integrantes ya que los vecinos no suelen
protestar, la música forma parte de la vida cotidiana
del cubano y la gente vive casi todo el tiempo con
música en su casa. Siempre tuve inclinación hacia
los instrumentos de percusión, lo primero que me
dieron para que les acompañara en los ensayos fueron las claves, ya después me fueron enseñando otros
instrumentos como el guiro, maracas, cencerro o el
bongó, también el baterista del grupo de mi padre
Raciel Amigo me sentaba en el Drums y poco a poco
me iba enseñando algunos ritmos sencillos para que
en los intermedios del ensayo yo practicara y me di
cuenta enseguida de que la percusión sería mi forma
de vida y gracias a Dios ha sido así.
La percusión cubana es todo un mundo, ¿Cual es la
clave y por que fusionan bien los ritmos cubanos con el
jazz, pop, flamenco…?
Pienso que son ritmos muy pegadizos y con una gran
capacidad para mezclarse con otros estilos como bien
dices, ellos vienen de nuestros antepasados africanos
y españoles, esta mezcla de África y España es para
mi genial, fuerza y alegría al mismo tiempo, por eso
cuando tenemos que tocar con músicos flamencos
nos sentimos muy cómodos, sentimos que tenemos
mucho en común ya que es un viaje de ida y vuelta.
Pasa igual con el jazz, músicos como Mario Bauzá,
Chano Pozo o Dizzy Gillespie fusionaron el jazz con
“Mi influencia
fundamental siempre
ha sido mi padre, Rafael
Páez.”
los ritmos afrocubanos teniendo muchísimo éxito.
Hablando ahora del pop, a menudo vemos en sus
formatos un set de percusión donde instrumentos
como las congas, bongó, timbales, guiro o los cencerros, tienen un gran protagonismo en sus temas,
ritmos como el son, el mambo o el chachachá son de
los que mas se utilizan por su carácter bailable.
¿En qué tipo de fusión te encuentras más a gusto?
Me encuentro muy a gusto tocando latin jazz y música cubana en general, pero me encanta mezclar todos
estos ritmos con géneros como el rock o el flamenco
ya que también me gustan mucho.
¿Qué música escuchas?
Suelo escuchar todo tipo de música la verdad, para mi
la música es una sola y trato de disfrutar diariamente
de ella, lo que me pida el cuerpo en ese momento, escucho música clásica, jazz, pop, rock, flamenco y por
supuesto mucha música cubana y latina en general.
¿Cuales son tus influencias como músico y a que
baterista percusionista actuales admiras?
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ISSUE JUL-AGO 2012
Mi influencia fundamental siempre ha sido mi padre, Rafael Páez, ya que el me inició en este camino maravilloso de la música y siempre he seguido su
ejemplo no solo como músico, también como trabajador y sobre todo como persona, después tuve la
suerte de tener dos grandes profesores en Cuba como
son Tomás Jimeno Díaz que ha sido el responsable de
que me guste tanto combinar la batería y la percusión
ya que la independencia es su especialidad y con el
dí mis primeros pasos en Matanzas allá por el año
1984 y también Roberto Concepción Rubí especialista en La Caja y demás instrumentos de percusión
clásica. Bateristas como Horacio “El Negro” Hernández, Dafnis Prieto o Julio Barreto también han pasado por sus manos. Después tengo que mencionar a
percusionistas que han sido una gran influencia para
mi como son José Luis Quintana “Changuito”, Calixto Oviedo, grandes congueros como Tataguines,
Miguel Angá Diaz, los grupos folklóricos cubanos
Muñequitos de Matanzas y Afrocuba de Matanzas
y los conjuntos de Arsenio Rodríguez y Felix Chapottín, también Raciel Amigo y Francisco Pancholín
Gonzalez, músicos percusionistas del grupo de mi
padre, esto sería en la parte cubana. En la parte clásica tengo una gran influencia de compositores como
Bach, Mozart o korsakov, en el rock de Led Zeppelin,
Queen y Police, en el jazz de Dizzy Gillespie, Chick
Corea y Herbie Hancock y en el flamenco del gran
Paco de Lucía.
Admiro a muchos bateristas y percusionistas en la actualidad, además de los consagrados de toda la vida
a los cuales todos conocemos y admiramos, creo que
actualmente hay un gran nivel y eso me llena de
05
EN PO R TAD A
alegría, ves a la gente joven que viene con muchas
ganas y fuerza, pienso que esto es bueno para todos
nosotros y para la percusión en general, he tenido la
suerte de tocar con magníficos percusionistas en las
giras que he realizado como Tany Allende, Tomasito
Cruz, Tomás El Panga Ramos entre otros y todos me
han aportado muchísimo en mi carrera.
“ trabajar duro en
muchísimos ejercicios
para poder controlar
bien el instrumento y
su técnica”
¿Con quien te gustaría tocar de los que aún no lo has
hecho?
Me gustaría haber tocado con el gran Arsenio Rodríguez ya que es mi ídolo pero esto va a ser imposible
ya que murió hace muchísimos años, en la actualidad hay muchos grupos que me gustan y con los
que sería un placer colaborar, tanto nacionales como
internacionales.
¿Cómo has conseguido llegar a ser un bateristapercusionista tan completo, innovador y creativo?
Siempre partiendo desde la humildad creo que no
todo está inventado y pienso que cada uno de nosotros podemos aportar nuestro granito de arena, por
eso cuando me siento en una Batería o en otro instrumento de percusión ante todo trato de disfrutar y
de que las ideas vayan fluyendo, trato de ser fiel a mi
personalidad a la hora de tocar y que mi relación con
el instrumento sea óptima, también me gusta darle
importancia a todos estos instrumentos por igual,
para mi es tan importante la batería como las congas
o el guiro, a todos les doy el mismo trato.
Tu independencia es impresionante, ¿Cuál es la clave?
He tenido grandes profesores y a ellos les debo todo,
me enseñaron que lo fundamental para lograr una
buena independencia era primero trabajar duro en
muchísimos ejercicios para poder controlar bien el
instrumento y su técnica, a partir de ahí lo más importante es que la independencia por difícil que fuere
nos salga de una manera muy natural y así poder disfrutar a la hora del concierto, trabajo, naturalidad y
disfrute, creo que por ahí cerca está la clave.
¿Sigues estudiando?
preparación sigues?
¿Qué rutinas de estudio y
Actualmente debido a los conciertos y a las clases no
puedo estudiar tantas horas como hacía antes, pero
siempre encuentro un hueco para mantener la forma, también el hecho de dar clases te mantiene muy
activo y lleno de ideas para podérselas trasmitir a los
alumnos. Me encanta dar clases y sobre todo lo que
les enseño en la teoría demostrárselo también en la
práctica, sentado en el instrumento, esto hace que no
me relaje y me mantiene en forma.
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ISSUE JUL-AGO 2012
¿Cómo fue tu experiencia con Issac Delgado y con
Herbie Hancock?
Esto fue en el 2001 y fué una experiencia muy bonita
ya que he seguido muchos años el trabajo de Herbie Hancock, hicimos un concierto en el Malecón
de la Habana el grupo de Isaac con Herbie al piano
ante miles y miles de personas, lo pasamos todos muy
bien la verdad, entre los temas que tocamos estuvo el
mítico Chameleon, una experiencia inolvidable.
¿Qué importancia le das a la percusión en la música?
Muchísima importancia, soy un defensor incansable
de la percusión, creo que somos muy importantes
dentro de cualquier formato musical, hay mucha historia en cada uno de estos instrumentos, la percusión
es pura energía, corazón y fuerza además de que somos una gran familia, cuando has tenido la suerte de
ver en festivales como La Rioja Drumming Festival o
en el Drumfest de Sevilla tantos percusionistas juntos pasándosela bien y con un ambiente genial, te das
cuenta de que da igual el estilo que mas nos guste o
no, somos y seremos una gran familia.
Impartes muchas master class, ¿Qué intentas ofrecer en
una master class de batería-percusión?
Ante todo intento dar mi punto de vista y trasmitir
mis experiencias vividas en estos años como músico,
trato de que vean que la batería no está separada de la
percusión, que todos estos instrumentos se complementan entre si, también me gusta mucho mezclar
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EN PO R TAD A
los ritmos latinos con otros estilos como el jazz, pop
o el flamenco. Primero les enseño los ritmos tradicionales y a partir de ahí como se pueden mezclar con
otros respetando por supuesto su esencia, también
les pongo ejemplos con temas y varios ejercicios para
poder desarrollar estos sets.
Al respecto de tu experiencia como docente, actualmente
impartes clases en la Asociación de Bateristas y
Percusionistas de Valencia y cuentas con un gran número
de alumnos ¿Cuál es el secreto para estar tan solicitado
y tener tanto éxito como profesor y maestro?
Gracias a Dios tengo muchos alumnos y estoy muy
orgulloso de ellos, la mitad viene a clases de Batería
“Todos los días me levanto y me siento feliz
de haber escogido este
instrumento, esto es
una carrera de fondo
y las cosas van llegando poco a poco en su
momento.”
y la otra mitad a otros instrumentos como Congas,
Tambores Batá, Timbales, Cajón, Bongó o
al Set de percusión, la
mayoría son profesionales que quieren seguir
aumentando su nivel
técnico o su independencia. También vienen
a especializarse en Latin
Jazz o Percusión latina,
aunque damos clases de
varios estilos para que
sean músicos completos.
En la clase me gusta ser
exigente pero mis alumnos son mis amigos y me
hacen cada día mejor
músico y persona, tengo
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ISSUE JUL-AGO 2012
una relación muy especial con ellos y son parte muy
importante de mi vida.
Háblanos de tus métodos de enseñanza y más en
concreto sobre tu último DVD. EL ARTE DE LA
INDEPENDENCIA 360º
En el 2008 salió al mercado mi primer Método “Adaptación de los toques afrocubanos a la Batería y al set
Percusión” este método ya lo he podido presentar en
varios festivales de percusión, tenía muchas ganas de
realizar un Dvd con algunos de los formatos que he
utilizado en las giras, por eso quise dar en este Dvd
un viaje por mas de 10 sets de percusión diferentes.
En ellos vamos a encontrar sets más reducidos para
cuando vamos en formatos mas íntimos hasta otros
con muchísimos elementos ya en plan de conciertos grandes, en el Dvd también habrá ejercicios que
me han sido muy útiles a la hora de desarrollar estos
sets, en el video he querido pasar por muchos estilos,
no solo latinos, también internacionales y traté de
darle importancia a todos los instrumentos de percusión por igual desde la Batería hasta al Shaker, mi
intención fundamental es dar muchas ideas y después
cada uno puede crear sus propios aportes, para este
trabajo he contado con la producción del gran Julio
Montalvo.
¿Cuál es tu set y configuración de batería?
Tengo el honor de representar a marcas como Yamaha Drums, Meinl Percusión, platos Zildjian y
parches Remo, el set de la Batería lo voy cambiando
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EN PO R TAD A
para variar, a veces voy con pocos toms y otras veces
con una batería muy grande, es según el trabajo que
quiera realizar en ese momento Lo mismo hago con
la percusión, puedo llevar dos congas o puede que
tres o cuatro, el cajón puede ser también el bombo
en un formato como el que utilizo en la gira de Sole
Giménez .No me gusta acostumbrarme a un solo set,
me gusta moverlos como piezas tanto a la derecha
como a la izquierda , creo que es una costumbre de
mi pasado como percusionista clásico y las obras de
multipercusión que tuve que interpretar.
¿Cuáles son tus proyectos actuales?
Actualmente sigo con la cantante Sole Gimenez y
también realizando la gira de Clinics y festivales de
percusión, hasta ahora va todo muy bien gracias a
Dios, no me puedo quejar porque todos sabemos que
la situación actual es muy difícil, ya próximamente
saldrá el Dvd y nos pondremos manos a la obra para
presentarlo en diferentes eventos.
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ISSUE JUL-AGO 2012
¿Y tus metas?
No me gusta ponerme metas, lo fundamental es
trabajar día a día desde la humildad y disfrutar al
máximo de la música, somos unos privilegiados ya
que podemos vivir de lo que nos gusta. Todos los días
me levanto y me siento feliz de haber escogido este
instrumento, esto es una carrera de fondo y las cosas
van llegando poco a poco en su momento, siempre
que se haga de una manera limpia y sin hacerle daño
a nadie, dando el 100% en cada ensayo o en cada
actuación y lo que tenga que venir llegará.
¿Algo más que nos quieras contar?
Quiero dar las gracias a todo el equipo de la revista y
desearles toda la suerte del mundo, ha sido un placer
compartir con ustedes. También mandarle un saludo
muy grande a todos los amigos percusionistas y lectores de la revista, como he dicho antes somos una gran
familia.Un fuerte abrazo y que viva la música.
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ISSUE JUL-AGO 2012
REVIEWS
CAJAS BRADY
Un referente en la percusión
Daniel García “Podador”
En el universo de las cajas,
teniendo en cuenta la
cantidad de fabricantes y
factores que las rodean como
medidas, materiales, número
de capas, construcción, a
veces es complicado escoger
la apropiada para cada
situación. No obstante, hay
algunos nombres propios
que poseen en sus cajas
propiedades de tan altísima
calidad, que las convierten
en un elemento de obligada
presencia en tu equipaje
de camino al estudio de
grabación y para tus shows.
REVIEWS
Este es el caso de las cajas Brady. De origen australiano
y fabricación artesanal, son todo un referente en el
mundo de la percusión. Su historia se remonta a 1976,
y desde entonces todo han sido éxitos, siendo cajas
usadas por baterías top a nivel mundial de forma regular
y alabadas por expertos y músicos de todo el planeta.
Sin duda estamos hablando de un gigante.
Jarrah Ply JP-1455- BHG de 14” x 5.5”
Esta caja tiene un acabado exterior Blackheart Gloss, en
el cual se puede apreciar la veta de la madera que le
da un aspecto clásico y muy noble. En su construcción
tiene un tirador de bordonero tradicional cuya palanca
de nylon y sordina, hacen muy discreta su activación/
desactivación.
Su sonido se caracteriza por ser rico en armónicos y
especialmente dulce a dinámicas medias-bajas, ideal
para funk, jazz, hip hop, r&b, brasileiro, incluso country/
bluegrass, o música de autor. No es un modelo que yo
usaría por ejemplo para tocar rock o metal, puesto que
no es una caja pensada para aportar potencia, si no
definición y matices.
El casco de Jarrah aporta un tono oscuro, pero muy seco
y definido, a su vez envuelto por los bonitos armónicos
de esta madera, lo que la convierte en una caja muy
fidedigna, y “chivata”. Con esto quiero decir que se
entiende TODO, lo que está bien tocado y lo que está
mal tocado. En mis sesiones de práctica, cuando trabajo
rutinas con rudimentos, o solos de caja, etc, me resulta
BANCO DE PRUEBAS
Hoy tengo la suerte de disponer de dos cajas Brady.
Ambas están construidas en capas de madera de Jarrah
y aros rebajados. Las bellotas en forma de bala y los lugs
de tubo son toda una firma estética de Brady. Además
los tornillos de afinación, en su punto de contacto con
muy útil para trabajar técnica y corregir matices que
con otras cajas no podría apreciar.
Normalmente trabajo con esta caja en afinaciones
medias altas, ya que es donde realmente luce y en
formatos como tríos, cantautores, bandas de funk,
incluso big bands de jazz.
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ISSUE JUL-AGO 2012
los aros, tienen unas almohadillas de nylon blando,
separadas por unas pletinas de acero, que aseguran
la afinación de forma más sólida y constante. Poseen
un bordón de brass también fabricado por Brady que
las aporta una respuesta altísima en sus dinámicas,
especialmente a niveles sensibles, donde la definición
es óptima.
Jarrah Ply JP-1465 de 14” x 6.5”
El acabado es un precioso Turtleback Satin, de aspecto
muy vintage y un color blanquecino mate precioso.
En este caso, el sistema bordonero es un sistema
Trick de movimiento circular, en aluminio. La rosca del
bordonero además posee unas pequeñas “memorias”
donde puedes ajustar la tensión del bordón y queda
ligeramente bloqueado, de tal forma que en directo o en
largas sesiones no pierde la tensión.
El sonido de esta caja es realmente versátil, ya que aún
poseyendo ricos armónicos, al igual que su compañera,
es más controlada y redonda. Funciona de maravilla
tocando en dinámicas medias-altas, siendo idónea
para estilos como rock, pop, metal, funk, blues... donde
busques más contundencia y pegada.
Su casco de madera Jarrah en 6’5, le aporta una
perfecta profundidad al sonido, rico en tonos medios,
y de personalidad “grande” y contundente. Sigue
contando con los armónicos que caracterizan a estas
cajas, pero como indiqué previamente muy equilibrados
y controlados.
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REVIEWS
Me gusta trabajar con ella en afinaciones mediasbajas, donde su carácter abierto y resonante empasta
de maravilla con el resto del set. Además, si golpeamos
utilizando el rimshot encontramos lo completa que es
esta caja: Nos da pegada, contundencia, tono definido,
bordón dulce, arenoso...
En mi trabajo la utilizo para tocar con bandas de blues,
fusion, rock, y artistas de estilo pop, indie e influencias
británicas, donde busco ese sonido más “gordote” que
la caja tproporciona. Sin duda, un caballo ganador.
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ISSUE JUL-AGO 2012
Resumiendo, estamos hablando de super cajas, gamas
muy altas de características muy profesionales, cuyo
precio no es precisamente barato (oscilan entre los 1000
/ 1500 euros) pero hace justicia a la calidad de estas
obras de artesanía.
Quería rematar, con una máxima que resume la filosofía
de este fabricante: “Nothing Sounds like a Brady because
nothing is built like a Brady” - (Nada suena como una
Brady, porque nada está construido como una Brady)
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M I KIT Y YO
ROBERTICO ALEMÁN
Y SU GRETSCH
RENOW MAPLE
Gretsch ha sido esa marca de baterías que siempre quise
tener. Ha sido la montura de algunos de los baterías que
me han gustado a lo largo de todos estos años, como Vinnie
Colaiuta, Zach Danziger, Bill Stewart o Stanton Moore y,
desde hace unos meses, también Keith Carlock. Hace cosa
de un año me he sacado esa espinita que tenía desde pequeño
al hacerme con una Gretsch Renown Maple que trataré de
describir en estas líneas.
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ISSUE JUL-AGO 2012
Robertico Alemán
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El kit en cuestión consta de un bombo de 24” x 16”,
un tom aéreo de 13” x 9” y dos bases (floor toms)
de 16” x 16” y 18” x 16”, en acabado Silver Oyster
Pearl, cascos cortados a 30 grados y el famoso interior
plateado de la marca. Los herrajes que incluye son
bastante “modernos” y contrastan con el look vintage
del instrumento. Aros “Die-Cast” en todos los cascos y
el clásico sistema de sujeción GTS en el tom aéreo, que
permite una mayor vibración sin perforarlo a la vez que
es comodísimo para maniobrar. Las patas de los bases,
bastante robustas, vienen equipadas con unas memorias
que nos facilitan y agilizan el montaje.
Los cascos tienen una proporción muy alta de arce
norteamericano en sus 6 capas, lo que les confiere una
calidez muy particular.
Monta de fábrica, en los toms, parches “Evans G2
Clear” arriba, quesuelo usar habitualmente, y con los
que consigo un sonido potente, rico y explosivo y unos
parches transparentes sin logo, que yo cambié por
unos Evans “Resonant”, abajo. No obstante, para
algunos de los proyectos con los que colaboro
actualmente, en los que preciso un sonido más
“setentero”, le he montado los “Evans EC2 Coated”,
con los que logro un sonido más seco, corto, pero muy
potente y controlado también. Estos parches funcionan
muy bien en afinaciones graves, que son las que suelo
utilizar. De cara a este review, he probado la batería
con una afinación más aguda y me ha sorprendido y
agradado mucho el descubrir que el rango de afinación
es bastante amplio. Un sonido nítido, claro, con bastante
proyección, muy maleable y sensible a los matices, que
no pierde ni un ápice de esa calidez que comentaba
antes.
El bombo trae de serie un “Evans EQ4”, que le da una
pegada brutal, no sólo con las mazas de madera, sino
incluso con las de fieltro y las de goma, y con un sonido
muy, muy redondo y muy controlado, y un parche blanco
rugoso con el logo de Gretsch en el frontal. Aclarar que
utilizo el bombo completamente limpio, sin ningún tipo
de “muffles” en su interior. Para algunas grabaciones
en las que me han pedido algo más de profundidad,
he montado el “Evans EMAD”, con muy buen
resultado también. Tener en cuenta que al tener 16” de
profundidad, la interacción entre los dos parches es más
rápida, lo que le confiere un sonido potente, con mucho
y muy buen “punch”.
En definitiva, un kit bastante rockero (es lo que buscaba
cuando la adquirí) con un sonido muy potente y
agradable, crudo, que no pasa desapercibido en ninguna
de las formaciones en las que es tocado. A la vez, muy
versátil y con una capacidad enorme de defenderse en
cualquier estilo de una manera discreta. Si vale el
símil….es un elefante que entra en una cacharrería….
sin romper nada…. Saludos
Con este artículo iniciamos una serie donde los baterías
hablaran de sus instrumentos a modo de review. Si
quieres participar mándanos un correo a direccion@
bateriapercusion.com y te explicamos como.
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Hablando con el luthier
José Viana
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RESTAURANDO UNA BATERÍA
Cuestión de cosmética
Hola a todos y bienvenidos a un nuevo número de Batería Percusión. En esta ocasión os voy a contar como
restaurar una batería. Hace tiempo un amigo mío me pidió una batería transportable y así llego a nuestras manos
una Pearl Traveller. La batería estaba bastante bien en lo que a madera se refería, pero en cuanto al aspecto de
los herrajes la verdad es que tenía un poco de oxido ya acumulado y polvo, como es normal cuando llevan algún
tiempo almacenadas. Aquí os dejo una foto para que os hagáis una idea de en que estado llegó.
o ferretería. Os pongo a continuación una
foto de los herrajes del tom desmontados y
otra con los materiales y herramientas que
necesitáis:
Lo primero que hay que hacer en estos casos
es desmontar el instrumento por completo,
pieza por pieza. Así lo podéis ver en la foto
siguiente:
Foto pearl traveller 2
Después examinamos el casco para ver que
no tiene ningún desperfecto que necesite ser
reparado o si es necesario cambiado. Podréis
observar que los cascos estaban bien, incluso
los bordes estaban en buen estado, perfectos:
Sin embargo lo que se hallaba con óxido y
polvo eran las bellotas y los aros de la Pearl.
Con el tiempo y un poco de humedad, el
cromado -que es lo que protege al metal de la
oxidación- se desprende y por esos pequeños
poros es por donde va surgiendo el óxido
debido al oxígeno que respiramos y al agua.
Por eso, a no ser que todos nuestros herrajes
sean de aluminio, con el tiempo aparecerá
el oxido en nuestros aros y bellotas. Para
eliminarlo hay varios métodos pero a mí el
que mejor resultado me ha dado hasta el
momento es el utilizar lana de acero. Contra
más fina sea mucho mejor, ya que menos
dañaremos al aro o a la bellota. Se puede
utilizar lija de grano 1200 o superior, pero
es bastante más cara que la lana de acero y
hay que sustituirla frecuentemente ya que
enseguida se emboza. Además también
puedes empapar la lana de acero con un poco
de algún producto desoxidante con lo que
potencias el efecto para eliminar el óxido. Yo
utilizo el de la foto pero os puedo asegurar
que hay miles de ellos en cualquier droguería
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Bueno pues manos a la obra y lo primero
que hay que hacer es coger un trozo de
lana de acero y poner un poco del producto
desoxidante en ella como podéis ver en la
siguiente foto:
Lleva un rato de faena y la verdad es que es
muy tediosa, pero os recuerdo que el resultado
merece la pena ya que os dejara la batería
como si estuviese recién salida de la fábrica.
Este producto crea una capa blanquinosa
que parece que manche mas la bellota pero
no es así, luego cuando se seca se limpia bien
con un trapito de algodón y es cuando ves el
resultado final. Os dejo unas fotos de como
estaba antes, durante y el resultado final de
una bellota sin óxido:
Desmontáis la bellota, o sea quitáis la pieza
de plástico negro que sujeta a lo que hace
que enrosque el tornillo tensor y os ponéis
con las dos piezas con ganas y frotando bien
para eliminar el oxido existente. Os adjunto
unas fotografías de la bellota desmontada y
de como la limpio:
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Con los aros se hace exactamente igual que
con las bellotas y los tom holder. Os dejo unas
ilustraciones aquí para que veáis el proceso
sin palabras:
El resultado final es el que cuenta, así que
recordad esto “La paciencia es amarga pero
sus frutos muy dulces”. Os dejo unas fotos
del antes y el después como si fuese un
anuncio de lavavajillas. A disfrutar de nuestro
instrumento y hasta la próxima.
Bueno finalmente cuando ya tenéis todo limpio
solo queda volver a montar la batería como
antes. Es un proceso largo y tedioso también,
pero hay que hacerlo. Para montar la batería
es conveniente engrasar los tornillos ya que
así será más sencillo afinarla y desmontarla
en un futuro. Yo utilizo vaselina neutra ya que
con el tiempo he comprobado que es la que
mejor resultado me está dando y además no
mancha y tiene la textura apropiada. Os dejo
más fotos:
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DIDÁCTICA
(Don’t) Wait Until Tomorrow
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ISSUE MAR-ABR 2012
POR ELÍAS GARGALLO
¿Cansado de los mismos grooves y los mismos fills? Enriquece tu catálogo
de ritmos y ábrete a nuevas posibilidades con estos tres pequeños trucos. En
ocasiones lo que estás buscando puede que no sea un gran cambio sino una
pequeña variación que le de un nuevo aire a tus ritmos preferidos y amplíe el
espectro de matices sin perder la esencia del groove.
Hola a tod@s, bienvenid@s a una nueva edición de ¡Batería & Percusión!
Por si el titulo no es lo suficientemente obvio, el trigger de este artículo es el corte
numero tres del disco en directo Try! de John Mayer Trío. Más concretamente el ritmo
que Sir Steve Jordan ejecuta con su habitual poderío y buen gusto. Si tienes el disco
a mano, Spotify, Youtube o cualquier otra vía de acceso al tema puedes ponértelo
mientras lees el artículo y darte el gustazo. Si ya sabes del tema que estoy hablando,
es uno de esos ritmos que no se olvidan fácilmente. Difíciles de reproducir a la primera
de cambio, pero inconfundibles y que dejan huella.
En mi caso desde que lo escuché por primera vez, es uno de esos que no te cansas
de tocar o escuchar una y otra vez. Eso me llevo a preguntarme: ¿Qué hace que este
groove sea tan especial? No es que yo sea de sobre analizar y transcribir todo aquello
que me gusta, pero transcribir este tema supuso disfrutarlo aún más. Una vez transcrito
pude tocarlo con todas sus variaciones y además de un ejercicio de lectura, fue una
oportunidad de brindar a la salud del señor Jordan y empaparme de su estilo y actitud.
He aquí una pequeña muestra de la transcripción:
Una de las primeras cosas que denotas es que las variaciones, aunque sutiles, son
continuas en Wait Until Tomorrow. Tiene muy claros cuales son los puntos clave,
aquellos en los que el bombo y la caja son inamovibles, ya que anclan el groove a la
línea de bajo.
Sin embargo, al mismo tiempo se permite ciertas licencias -y qué buenas son- sin
ignorar el patrón base, no se acomoda ni se limita a seguirlo estrictamente si no que
va evolucionando el ritmo. Lo mantiene vivo. Mi pequeño análisis me ha llevado a
la conclusión de que la mayoría de estas variaciones las crea mediante cambios de
intensidad en puntos concretos del compás. Dando unas veces una mayor intensidad,
otras menor a una misma nota, genera la sensación de estar variando el ritmo. Sin
embargo no lo hace, solo esconde ciertos golpes transformándolos en ghost notes
(literal: notas fantasma).
Los toca de manera que no parece que estén ahí, pero están. Lo hace tanto en la caja
como en el plato introduciendo semicorcheas de mas o de menos según la mutación,
muchas veces acompañando los golpes de bombo que son semicorcheas con ghost
notes en caja o plato. De esta manera las esconde tras el sonido del bombo, no son
obvias, pero le dan una nueva textura y añaden algo nuevo cada vez que las pone o
las quita.
En este artículo te propongo trabajar alrededor de estas dos ideas: la sensación de
estar tocando semicorcheas en la mano derecha y las ‘notas fantasma’. El tercer
punto será un pequeño ejercicio que…es tan pequeño que si te lo explico ahora
ya no va a quedar nada que decir después. La sensación de semicorchea consiste
en introducir semicorcheas aleatorias o incorporadas al ritmo sin necesariamente
18
DIDÁCTICA
tocar un flujo constante de cuatro semicorcheas por tiempo. Tocar cada una de las
semicorcheas del compás según en que tema puede ser técnicamente tan exigente que
se puede convertir en un imposible. Sin embargo si distribuimos estas semicorcheas
por diferentes elementos de la batería, no solo lo hacemos posible sino que además
creamos un sonido totalmente nuevo.
En el primero de los casos que planteo, el de conseguir la sensación de semicorchea en
la mano derecha, un buen punto de partida son las páginas 24 y 25 del Syncopation
de Ted Reed. Son ejercicios que plantean líneas de corcheas sobre 4/4 en las que va
subdividiendo algunas de ellas en dos semicorcheas. En nuestro caso esta línea seria
nuestra mano derecha (hi-hat o ride). Este sería un ejemplo:
Un buen ejercicio a seguir sería ir subdividiendo una corchea diferente cada 4 u 8
compases. De esta forma te aseguras de que ganas la memoria mecánica necesaria
para poder enfrentar cualquier posibilidad. Una vez dominado esto el siguiente paso
sería platear un patrón fijo. Por ejemplo: subdividir la segunda corchea de cada tiempo,
después la primera de cada tiempo, etc. Una vez los tengas bajo control, lo siguiente es
empezar a introducir acentos en diferentes partes del compás, como por ejemplo en el
groove de Could you be loved, de Bob Marley. En este caso puedes apreciar un cierto
toque de swing en la subdivisión:
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ISSUE MAR-ABR 2012
Este otro, un ejemplo del mismo ritmo pero trasladando las semicorcheas en la parte
débil del tiempo a la caja en forma de ghost notes:
Se trata de un ejercicio con una cierta dificultad y complejidad ya que, si no es algo que
has hecho hasta el momento ya sea consciente o instintivamente, puede costar. Quizás
lo mejor seria empezar trabajando la mecánica y la coordinación a un tempo bastante
bajo. Lo que yo hago es ponerme el metrónomo a una velocidad que me resulte muy
cómoda y entonces lo bajo 8 o 10bpm de esta forma pasa de ser una velocidad cómoda
a una velocidad casi incomoda pero apropiada para trabajar. Una vez lo tengas bajo
control, entonces lo más importante es conseguir una gran diferencia entre las notas
de caja principales (por así llamarlas) y las fantasma. Se trata de conseguir que lo sean,
que estén ahí pero apenas se note. Ese control de las dinámicas internas del groove es
el que te permitirá dar el salto y te abrirá muchísimas posibilidades a la hora de añadir
ese algo que a veces le pueda faltar a un tema.
Para acabar os dejo con el tercer punto al que me refería al principio y que sigue en la
idea de mantener un flujo de semicorcheas (¡qué ‘pesao’ que es el tío este con el flujo
dichoso estaréis pensando!) pero en un contexto diferente.
En este caso os planteo encontrar la forma de reproducir el groove en la versión de
Chanka Khan de A night in Tunisia. (Se puede encontrar fácilmente en Youtube o
Spotify si no tenéis el disco). El patrón sería el siguiente:
Si se hace en la caja, la idea es generar un colchón sonoro que conecte los diferentes
golpes de caja y bombo entre sí. De esta forma se completa el flujo constante (o
semi-constante) de notas a lo largo del compás sin cambiar el carácter del groove
excesivamente.
Este sería el ejemplo de groove de semicorcheas llevadas desde la mano derecha, ya
sea en hi-hat o en ride:
Solo un pequeño apunte, los golpes de caja siguen teniendo un golpe acentuado de
hi-hat al mismo tiempo. Para ello hay más de una posibilidad, encuentra la tuya. En el
próximo artículo desvelaré la mía. ¡A disfrutar!
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ISSUE JUL-AGO 2012
DIDÁCTICA
Window Shoppin’
Hiram Bullock. Batería: Charley Drayton.
Un acercamiento a los grandes
de la fusión (6)
Textos y transcripción : Pablo Posa
El tema que trataremos en esta ocasión es “Window Shoppin’” del guitarrista
Hiram Bullock, uno de los referentes de la escena del jazz fusión de los ochenta
y noventa. Sus trabajos en directo y en estudio se encuentran entre lo mejorcito
de la música que se hizo en este tiempo, ya sea como solista o colaborando
con gente como David Sanborn, Brecker Brothers, Jaco Pastorius, Spyro Gyra,
Marcus Miller etc...
Como apunte significativo hay que destacar que estuvo tocando mucho tiempo
en la banda del programa de David Letterman. Para aquel que no conozca este
programa, le recomendamos que eche un vistazo en el Youtube a cualquiera
de los programas de la serie Drum Solo Week de D. Letterman. Seguro que os
llevaréis alguna sorpresa.
Volviendo al tema que nos ocupa, “Window Shoppin’” pertenece al primer Cd
como solista de Hiram Bullock que se llamó “From all Sides “. El batería que
grabó en este disco es Charley Drayton, uno de los casos más curiosos del
panorama baterístico a nivel internacional, ¿Por qué?
Porque no es muy normal llegar a tocar con gente como Keith Richards , Chaka
Khan, Mariah Carey, Herbie Hancock, etc como batería y a la vez trabajar
como bajista con Iggy Pop, Robben Ford o The Cult. Desde luego merece estar
considerado un caso aparte.
La onda del tema es Rock-Funk y el tiempo es un medium muy cómodo. La parte
20
DIDÁCTICA
A es un patrón de dos compases con el “feel“ a semicorcheas. En la B
pasa a un patrón de corcheas y en el puente sube la intensidad tocando el
Ride como si se tratara de un tema convencional de rock. En los solos hay
una variación en el bombo pero mantiene el HH de la parte A. Después
de volver a la S, la Coda se basa en un solo de Kenny Kirkland sobre el
patrón de la A.
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ISSUE JUL-AGO 2012
Puedo decirte que lo que estás
buscando, está a tu alcance, no
quedarás defraudado.
No hay pasajes de dificultad, ni complicaciones que haya que destacar.
El sentido de enfrentarse a un tema así es intentar darle el peso y la
contundencia que transmite Charley Drayton en la grabación. Si
conseguimos acercarnos un poco a este ideal, seguro que nuestro
“sonido” comenzará a mejorar.
¡Qué lo disfrutéis!
Sílabas Rítmicas (2)
WWW.IBERDRUM.COM
Textos y transcripción : Raúl Guzmán
Esta vez les comentaré acerca de cuatro tipos básicos de paradiddles que
podemos emplear. Esta no es la mejor ni única clasificación que hay o puede
haber sobre los paradiddles. Sin embargo, nos servirán para desarrollar el
trabajo que queremos. En la imagen 1 muestro los tipos de paradiddles
que podemos componer basados en la digitación y acentuación. Antes de
continuar, analicemos estos patrones un momento: los patrones tienen
solo dos tiempos, todos los acentos del primer tiempo son tocados por la
mano derecha, mientras los acentos del segundo tiempo son tocados por
la mano izquierda. El análisis no es solo un cliché intelectual: si recuerdas
esto no necesitarás memorizar los patrones o buscarlos cuando no los
Lug Lock TM
C/ Josefina Aldecoa Nº 6 - Illescas - Toledo - 45200 - España
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ISSUE JUL-AGO 2012
DIDÁCTICA
tengas a mano; podrás reconstruirlos por ti mismo cuando lo necesites, lo que
a su vez ayudará con tu creatividad ya que las ideas estarán en tu cabeza,
donde se da el proceso creativo y no en el papel. Practícalos hasta “mecanizar”
su precisa ejecución. Pon especial atención en mantener el mismo nivel de
volumen de las notas acentuadas y las no acentuadas y la continuidad y fluidez
del ritmo. Estas habilidades serán esenciales para avanzar al paso siguiente.
A diferencia de lo antes visto, el vocabulario propuesto se basa en un ritmo lineal
de semicorcheas, esto es, en todo momento solo ejecutamos una nota por vez.
Los acentos realizan la labor de marcar el tiempo; son la referencia periódica
para no salirnos del ritmo. Los patrones de la imagen 2 son resultado de realizar
dos acciones a partir de los paradiddles básicos; mover la mano derecha hacia
el charles y sustituir algunas notas de la mano derecha o izquierda por notas
en el bombo. Respecto al trabajo en el bombo, te puedo decir que el bombo
hace las veces de “tercera mano”. La mayor dificultad la constituye cambiar
nuestro natural proceso de acción muscular “derecha/izquierda” por “derecha/
izquierda/pie”. Un trabajo de coordinación muy útil y necesario. La herramienta
más útil para este estudio será el metrónomo. Sé que a veces es un fastidio pero,
ayuda a avanzar más rápido.
Como en la entrega anterior, este pequeño juego de patrones tiene varios
objetivos didácticos: desarrollar la coordinación y control de acentos, la
comprensión del concepto de la tercera mano, interiorizar el sentido del tiempo
y, por supuesto, aumentar nuestro vocabulario rítmico.
Ahora avanzaremos en el aspecto creativo. Puede que al ver los patrones
escritos pienses que no hay mucho espacio para crear más allá de combinar los
patrones entre sí. Pues, te equivocas. Te doy una pista: funk + rock = funk-rock.
¡Así es! prueba combinar los patrones de la entrega anterior con algunos de
los patrones de la presente entrega. En esta tarea el objetivo principal es lograr
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ISSUE JUL-AGO 2012
DIDÁCTICA
una transición fluida entre ambos tipos de patrones, sin descalabros. Muchos
bateristas han creado acompañamientos geniales al mezclar diferentes estilos
en un compás o una frase. Puedes investigar como suavizar un patrón rock
y/o endurecer un ritmo funk cambiando dinámica, movimiento, voces, etc. De
manera ilustrativa, te comento que el ritmo principal de Smells Like Teen Spirit
de Nirvana es un patrón funk-rock resultado de la combinación de patrones
funk y rock similares a los mostrados.
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Hasta aquí, ya posees un vocabulario básico de 35 ideas rítmicas, sin contar
las variaciones de platillo. Son 35 sílabas con las cuales desarrollar discursos
musicales para diversos estilos y géneros. Cuando digo “posees” no me refiero
a que te has descargado la revista, sino a que te has tomado el tiempo para
estudiar los patrones. Sin estudio y práctica no convertirás la información
presentada en conocimiento y con poco conocimiento tu creatividad y
musicalidad estarán muy limitadas.
Estar ahí
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ISSUE MAR-ABR 2012
POR JOSÉ ANTONIO PEREIRA
1ª Parte
En cierta ocasión departía amigablemente con un joven compañero aprendiz de
batería. Aspiraba a ser un gran músico y a vivir de ello por lo que tomaba muchas
clases y practicaba de sol a sol… y no es una forma de hablar. Comentábamos
asuntos relacionados con el estudio del instrumento, el trabajo con bandas y artistas
y la relación con las marcas. En cierto momento de la conversación me confesó que
sentía deseos de “estar ahí”. Yo le pregunté a que se refería con esa expresión y me
respondió “pues eso, estar ahí, como tú… tocando con artistas famosos y eso…” Me
quedé callado, pensativo. No en vano, me acababa de enterar que yo “estaba ahí”.
Le contesté que probablemente tenía una visión idealizada de esta profesión y eso le
podía llevar a algún desengaño. No obstante, le comprendí puesto que pasaba muchas
horas delante de la batería y de los libros de técnica y al fin y al cabo, en ellos no pone
nada del trabajo, del negocio o de “estar ahí”. Sin querer, mi joven amigo me hizo
reflexionar mucho y plantearme escribir sobre ello.
Cada músico profesional que ha logrado desarrollar una prospera carrera profesional
tiene una historia personal distinta, con sus propias circunstancias y coincidencias
“azarosas” que le han llevado hasta donde está. Si preguntáis a vuestro músico
admirado como se llega hasta donde el está, probablemente no os sepa decir como
se logra, tan sólo podrá contaros su historia personal. Nadie tiene la clave del éxito
porque, entre otras cosas, el éxito no es lo mismo para unos que para otros.
No obstante, hay ciertas “prácticas saludables” que pueden ayudarnos en nuestra
carrera personal hacia el éxito. En este artículo trataremos sobre ellas teniendo en
cuenta que lo más inteligente es hacerlas nuestras y amoldarlas a nuestra personalidad
y circunstancias propias.
El concepto de éxito
¿Qué es para ti el éxito? Hazte esta pregunta y trata de contestarla con honestidad.
Pensar en ello con calma y profundidad nos aportará respuestas menos obvias que
las que daríamos en un primer momento. Tenemos que tener claro en que consiste
el éxito para nosotros, puesto que esto será lo que guíe nuestros pasos y nos indique
la dirección de nuestras actuaciones. Más de una vez he visto músicos amargados
por confundir su concepto de éxito con las metas o por perseguir el tipo de éxito
que le imponen la sociedad, la tradición u otros músicos. El concepto de éxito no
es fijo, puede variar con los años al igual que nuestros intereses o nuestros valores.
No debemos cerrarnos y ser fieles a un ideal que ya no vale para nosotros, esto sólo
nos hace andar por un camino erróneo. Cuando perseguimos a toda costa una meta
equivocada todo cuesta más, encontramos muchos inconvenientes y lo que es más
importante, sufrimos mucho. Estos no son más que los índices que nos indican que
nos hemos apartado de nuestro camino natural. Mi sueño era tocar la batería y llegar
a trabajar de ello, por lo que me he sentido una persona con éxito desde el primer
momento, no importa si ganaba más o menos o si las condiciones del trabajo eran
mejores o peores. Saber que has alcanzado el éxito te hace más feliz, más agradecido
y un mejor compañero de trabajo, esto repercute en más y mejores oportunidades. No
obstante, ser consciente del propio éxito no es sinónimo de conformismo. Agradece y
disfruta tu actual situación sin dejar de trabajar para llegar más alto.
No hay nada de malo en pretender dinero, reconocimiento y fama. Aunque no es
necesario ya que si persigues lo que tu alma realmente demanda, el dinero y el
reconocimiento llegan como resultado lógico de haber escogido el camino correcto. Lo
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ISSUE JUL-AGO 2012
ideal es adentrarse en el corazón de cada uno para saber con claridad que es lo que te
está pidiendo e ir a por ello.
Comienza ya
Si sueñas con ser un profesional de valía, serio y que se esfuerza al límite, comienza ya.
Da igual si tocas en una banda aficionada, una orquesta pequeña, gratis o cobrando
poco. Ser un profesional no es más que eso; serlo. Es una cuestión de actitud. No tiene
que ver con cuanto dinero ganas ni con la popularidad del artista al que acompañas.
Si siempre eres profesional al final acabarás estando donde mereces sin ninguna duda.
No es una buena política esperar a ganar una cantidad determinada de dinero para
ser profesional. He escuchado a músicos decir “cuando gane x cantidad haré las
cosas de otra manera”. Ser profesional es algo que se aprende y se mejora con la
práctica. Comenzar a trabajarlo lo antes posible nos asegura que adquiriremos buenos
hábitos y nos acostumbraremos a trabajar de forma correcta. También sucede que si
nos acostumbramos a hacer las cosas de forma poco seria, será complicado rectificar
puesto que crearemos un hábito. Practica diariamente tu profesionalidad al igual que
tu técnica, independientemente de cuanto cobras o del nivel de tu empleo.
El público no sabe tu caché, ni si el técnico de monitores no hace bien su trabajo o
si el manager te explota. Por eso siempre debes mantener una imagen y un nivel de
esfuerzo que te haga sentir orgulloso si te vieras desde la grada. Respeta al público,
ya que es la razón de que tú estés en el escenario. Por otro lado, nunca sabemos quien
mira o quien te dará la oportunidad de un mejor trabajo, así que siempre hemos de dar
el 100%. Por encima de todo, esta nuestro respeto hacia nosotros mismos que pasa
por no perder de vista lo que somos aunque las circunstancias que nos rodean no sean
las más adecuadas.
Si en un trabajo determinado no podemos trabajar al 100% y dar lo mejor de nosotros
mismos, es mejor dejarlo que ofrecer una versión “descafeinada” de lo que somos.
A corto plazo puede traer problemas económicos pero a la larga será mucho más
beneficioso para nuestra carrera. Una mala impresión puede resultarnos más cara a la
39
larga que el dinero que dejamos de cobrar en un trabajo inadecuado.
No olvides quien eres
Una de las fuentes de desánimo más habituales viene dada por la asociación que
hacemos entre lo que somos y lo que hacemos. Yo no soy el trabajo que hago,
soy lo que decido ser. Por tanto, si toco en una orquesta de tercera no pienso que
soy un batería de tercera si no un batería plenamente profesional y capaz que
en un momento dado, se encuentra haciendo ese trabajo. Y a la inversa, si estoy
tocando con el artista o grupo más famoso del momento no pienso que soy el
mejor batería del mundo, si no un batería plenamente profesional y capaz que, en
un momento dado, se encuentra haciendo ese otro trabajo. Esto es muy importante
porque nuestros actos van en la dirección de nuestras creencias. Si tienes claro que
eres un batería profesional de éxito actuarás como tal y al final acabarás donde te
corresponde.
No consiste en que suceda algo para creerlo sino en creerlo para que suceda.
Si no asociamos lo que hacemos a lo que somos nos evitaremos tristezas, malestar
y depresiones. Nosotros siempre somos lo mismo mientras que lo que hacemos
va cambiando. Si hemos decidido escoger la profesión de batería, hemos de estar
preparados para tocar en situaciones diversas y muy diferentes. Es habitual que
nos encontremos con que un día acompañamos a una estrella frente a miles de
personas y, al día siguiente, nos vemos tocando en un bar frente a cuatro personas.
Con nuestros compañeros de banda sucede igual, a veces nos encontramos con
excelentes músicos que hacen nuestro trabajo más fácil y en otras ocasiones
mantener estable un groove es tarea de titanes por la poca preparación de los
compañeros. En estas circunstancias cambiantes tener claro lo que eres, es una
máxima.
Tener siempre bien presente lo que eres te ayuda a no cegarte por el espejismo del
éxito y a no hundirte cuando las cosas no van como quisieras.
HERRAM IE NTAS Y ACCE SOR I OS PAR A TU SE T
Cympad
Características
A veces algunos bateristas para solucionar la situación
que antes comentábamos, colocan cinta aislante
pegada en la base del plato.
Cympad evita tener que acudir a este viejo truco
que además ensucia nuestros platos. Los aros son
asequibles y fáciles de utilizar mejorando el sonido
y el rendimiento de prácticamente todos los tamaños
de plato, tipos y marcas.
Por Asensio Ros “Wally”
Cympad aísla las vibraciones del soporte del plato,
reduce los tonos no deseados además de mantener
y aumentar la articulación. Los platos oscilan más
tiempo y funciona como sistema de suspensión que
se separa por completo el platillo del hardware.
De diseño exclusivo y disponible en tamaños
incrementales, es versátil y ajustable, proporcionando
una gama de efectos de amortiguación (de abierto
a óptimo). Están construidos en una especie de
‘neopreno’ blando y flexible, ligero pero resistente al
mismo tiempo.
ISSUE JUL-AGO 2012
http://www.cympad.com/
Distribuido en España por Iberdrum
“SUJECIÓN Y SONIDO”
Cympad es una compañía Suiza que se ha
especializado en construir diferentes medidas en los
aros de sujeción que utilizas para platos, estos aros
optimizan el sonido de tu set, basando su eficacia en
el material –una especie de espuma de alta densidad
que regula la duración de la cola de sonido actuando
como sordina adaptándola a tus necesidades sonoras
|
Producto
Cympad ofrece varias líneas de producto según cuales sean nuestras
necesidades
Cympad Optimizer Series
Mejoran el sonido además de proteger los platos
Medidas:
- 40x8mm, 40x12mm,40x15mm, 40x18mm
- Hi-Hat Clutch&Seat
Cympad Moderator Series
Controlan el sonido y el volumen
Medidas:
- 50, 60,70,80,90,100x 15mm
Cympad Chromatics Series
Para darle colorido estético
- En naranja y azul 40x15mm
Conclusiones
Se adapta perfectamente a la forma del plato y el tamaño.
Incrementa la vida de platos y evita la roturas.
Aumenta la articulación.
Aumenta el confort y reduce la fatiga de la mano.
Mayor duración que los cojines estándar de fieltro.
Gibraltar Swing Nut
Este es un sistema de montaje de platos que recibió un
premio al producto en la NAMM 2011, ahora se puede
conseguir de manera individual. Una de las tareas
menos agradables con las que nos enfrentamos los
baterías es tener que montar y desmontar el equipo y
eso incluye el set de platos y más cuando tienes que
estar enroscando las palometas que los sujetan.
El diseño de este mecanismo está indicado
fundamentalmente para cubrir dos razones que oímos
constantemente, que el hardware pesa mucho y que
además es frustrante el tiempo que se pierde dando
vueltas a las mariposas.
A partir de ahí en Gibraltar diseñan el Swing Nut, el
sistema está realizado en aluminio L stock, ligero,
estable y resistente, que soluciona el handicap del
peso, dando una estabilidad propia de los refuerzos
dobles pero con el peso de un solo soporte reforzado.
Por otra parte para montar el plato solo hay que
dejarlo sobre el soporte, empujar hacia abajo y una
pestaña que acciona y que tiene un giro automático
lo fija, cuestión de un par de segundos.
Se puede usar en cualquier plato que tenga una rosca
de 8 mm.
Poco más se puede añadir salvo que es un invento
en apariencia sencillo, pero que en la práctica diaria
facilita enormemente la experiencia de tener que
montar tu set de platos.
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ISSUE JUL-AGO 2012
Gibraltar Swing Nut es distribuido por Fender Ibérica
Tiradores Trick
Seguro que a muchos de vosotros os ha pasado que
la tensión del bordón se va perdiendo conforme se
va usando la caja, ya sea por desgaste de la rosca,
mal funcionamiento, vibración o incluso cuando la
palanca del tirador se afloja. Llegó por fin la solución
a estos problemas de la mano deTRICK, distribuidos
en España mediante Santafe.
ISSUE JUL-AGO 2012
Distribución para España por Santafe
acción muy suave, hace que esté considerado por
muchos el mejor del mercado. Su palanca presenta
un sistema bastante innovador que ,a diferencia de
las que estamos acostumbrados a usar, se acciona
girándola hacia los lados. Su rosca de ajuste viene
con unas muescas donde engranan unas pequeñas
“bolitas” que hacen que esta no pierda nunca la
tensión deseada. En otras palabras, este sistema es
una garantía.
Mi Experiencia con Trick
Pros:
A pesar de que su palanca sobresale un poco, cosa
que al principio no me terminó de convencer, creo
que es un mal menor si lo comparamos con todas
sus ventajas.
• Gran durabilidad debido a sus materiales de
construcción.
• Su sistema de ajuste es de los más precisos del
mercado.
• Su palanca nos permite un accionamiento rápido.
• Ligero y cómodo.
Por Akior García
Contras:
• La palanca sobresale un poco más de lo habitual.
La marca americana Trick ha conseguido que todo
aquel batería que pruebe su tirador no quiera
cambiarlo nunca. Fabricado en aluminio sólido y de
|
Desde 2011 la empresa valenciana Santafe,
especializada en baterías totalmente artesanales,
monta este sistema de bordón en sus cajas custom.
También nos da la opción de adquirirlo por separado
para acoplarlo a nuestras cajas.
Hace unos cinco años después de haber “muerto”
mi tirador, decidí darle una oportunidad a Trick por
aquello de su fama. Lo cierto es que al principio, me
chocó un poco el tema de accionar la palanca de
forma lateral e incluso me costó acostumbrarme…
Poco a poco me fui haciendo a su mecanismo hasta el
punto de montarlo en tres de mis cajas. ¡Eso de que
no pierde tensión y demás es una verdad como un
templo! Fue colocarlo y olvidarme de este problema.
Si estáis cansados de ajustar el bordón de vuestra
batería cada vez que vais a tocar, os animo a probar
los tiradores Trick.
Cinematic Strings 2.0
Revolucionando a lo simple
Cinematic Strings es la compañía de samples que nació hace varios años de la mano
de Alex Wallbank. En sus inicios, se propuso dar alternativa a los productos que
ofrecían sampleado de cuerdas en el mercado pero en su nueva versión 2.0 ha dado
un paso al frente siendo el primero en poner un producto de estas características con
todo integrado en la misma interfaz y con un sonido de la máxima calidad.
Por Agus González-Lancharro
Sin duda, el punto fuerte de Cinematic Strings 2.0
es su integración de todas las opciones en un mismo
interfaz para Kontakt de Native Instruments, como
no podía ser de otra manera. A veces puede llegar a
ser muy frustrante la cantidad de tiempo que se llega
a perder solo buscando en las interminables listas de
patch, toqueteando keyswitches, mezclando y aplicando
efectos cuando nosotros lo que queremos hacer es
componer y que suene, simple y llanamente. CS2.0 te
ofrece esa comodidad que tanto nos gusta con una
calidad de alto nivel nada más cargar un patch y con
una mezcla lista.
Desde esta nueva e inteligente interfaz podremos
ajustar 4 tipos de entramados microfónicos diferentes
como Stage, Room, Close o todos a la vez (Mix) asi como
también el vibrato y el release/sustain de las diferentes
articulaciones disponibles desde el panel Advanced.
Donde realmente Cinematic Strings 2.0 se juega su
cuota de mercado es en el sistema de keyswitches.
En la propia GUI contamos con una lista de diferentes
articulaciones como Arco, Pizzicato (Bartok), Stacatto o
el modo RUN (diseñado para lanzar notas imprecisas
que le dan un realismo extra a nuestra programación
MIDI). Estos keyswitches vienen predefinidos pero nos
lo ponen fácil y son absolutamente programables a
nuestro antojo. Para ahorrar RAM y recursos de nuestro
sistema podremos desactivar las articulaciones que no
deseemos utilizar, liberando así memoria y desahogando
nuestra computadora.
También contaremos con un control de LIVE, que
unido al modo RUN es un arma muy potente, ya que
“desrobotizará” nuestras lineas, así como el tan
necesario LEGATO, que le da naturalidad a cualquier
melodía ejecutada con un instrumento de cuerda que
con sus 4 samples de Round Robin nota por nota
también aportan lo suyo, como no.
Un detalle curioso y de agradecer se encuentra en la
posibilidad de escoger entre High y Low a la hora de
tocar con Arco. Esta opción nos da a elegir entre un
sonido más rico y brillante y otro más cálido, obtenido
de tocar con el arco más cerca o más lejos del puente del
intrumento, de ahí su nombre.
Como no podía ser de otra manera y siguiendo la
tradición, la rueda de modulación controla los dinámicos
de cada instrumento. Personalmente, y quizá parecerá
una tontería pero a un servidor le traía de cabeza a la
hora de trabajar con este tipo de samples, es que con la
posición de la rueda a 0 se consigue el silencio absoluto.
Normalmente, lo común venía siendo escuchar un
dinámico de pianissimo cuando colocábamos la rueda
en esta posición. Con otras librerias era extremadamente
complicado pasar del dinámico muy sutil al silencio
absoluto, habiendo que exportar la línea MIDI a audio y
ajustar los volumenes por medio de automaciones. Con
CS2.0 eso se acabó y la ayuda paracon el realismo es
muy de agradecer.
En el blog de su página web, http://www.cinematicstrings.
com/ el propio Alex Wallbank nos ofrece unos trucos
y consejos muy útiles para comprender esta librería y
poder utilizarla de la manera más realista posible.
31
Conclusión
4.7/5
Hacía tiempo que se venía pidiendo
una integración absoluta de todas
las opciones en la misma interfaz,
para ahorrar tiempo y dolores de
cabeza. El primer paso lo ha dado
CS2.0 y el mercado ya se está
moviendo siguiendo sus pasos. El
propio Mr. Wallbank nos comunicó
que está trabjando en más librerías
con este mismo concepto así que
habrá que estar muy atentos a
sus pasos. En cuanto al sonido
poco hay que decir: profesional
y rico. El único “pero” podría ser
la no inclusión de más efectos y
articulaciones, pero es que tampoco
aspiraban a ello. Quizá algún día se
animan con una expansión
32
Spitfire Percussion
La mejor percusión virtual
Spitfire nació para el sibaritismo y ahora se aproxima al común de los mortales. Su
librería de percusión fue el primer paso y aunque no ha sido el único ya nos dio a
entender que aunque a un precio accesible algo de sibaritismo si que había quedado.
Christian Henson y Paul Thomson crearon Spitfire en el año 2008 con la idea de samplear
librerías para ellos mismos a una calidad fuera de límites. Tan costoso era el proyecto
que decidieron “compartir” dichas librerias con un puñado de compositores que con sus
aportaciones de varias decenas de miles de libras esterlinas podrían acceder a dichas
librerias privadas. Después de direccionar sus librerías de metal y vientos a miembros del
Olimpo decidieron tomar otra perspectiva con la percusión, adaptándola a un bolsillo más
común, y creando la mejor librería de percusión hasta la fecha por alrededor de los 400
euros.
Spitfire Percussion va por su versión número 3 y está a punto de estrenar la 4, completamente
gratis para usuarios existentes. Y como no, es para Kontakt de Native Instruments.
Los 25GB que componen esta librería fueron interpretados por el afamado Joby Burgess
y sampleados por el experimentado equipo de Spitfire en los legendarios estudios AIR de
Londres a través de 3 diferentes tipos de microfonía: Ambiente, Close y Decca (árbol).
La estructuración de esta librería está organizada por registros tonales, es decir, por
naturaleza y timbre del instrumento en cuestión: Drums High, Drums Low, Timpani, Metales,
Madera, Mazas... y dentro de cada uno hay otra organización por sub-carpetas.
Por Agus González-Lancharro
En los instrumentos que se presten a ello, como por
ejemplo las congas o bongos, encontraremos ademas
diversos “rolls” que se podrán controlar con rueda
de modulación así como patrones típicos en otros
instrumentos.
Cabe destacar la calidad de las grabaciones y el sonido
de este producto, por ejemplo, la celesta, que suena
simplemente sublime. El timpani, probablemente el
elemento de percusión orquestal más utilizado, suena
muy presente y cristalino, obteniendo también todos
los rangos dinámicos necesarios, así como la extensa
selección de platillos, que le dan una vitalidad tremenda
al track en el cual lo apliques.
Esta librería no se adentra demasiado en terrenos étnicos
y quizá nos sorprenden en el futuro con una libreria
dedicada a ello, aunque lo dudo, pero si encontraremos
instrumentos universales como los ya mencionados
bongos y congas, tam tams o gongs. Viendo la calidad de
esta librería (parece que recibo algún tipo de patrocinio
de Spitfire debido a mis comentarios, pero NO, es así de
buena) espero que le dediquen tiempo a una librería
más étnica, porque si suena así de bien prácticamente
va a dejar obsoleta a la competencia.
34
Conclusión
5/5
Después de varios años testeando las mejores librerias
de percusión del mercado, no puedo encontrar ninguna
superior a la creada por Spitfire, así de sencillo. La
programación es simple pero efectiva, la calidad de
sonido es insuperable (Jake Johnson a los mandos, uno
de los grandes en el Reino Unido) y respiramos alma,
personalidad y clase en cada patch que recorremos. La
librería tiene de todo pero su organización hace que no
te pierdas en sus carpetas poniéndolo todo muy fácil.
Si eres productor o percusionista y buscas percusión
orquestal hazte con esta librería, no busques más.
Dime qué escuchas/ves/estudias
y te diré quién eres.
Textos: Danko Compta Hirnyj.
DOCUMENTAL
Discos, directos, métodos, websites, y curiosidades en los que parar, ya sea un ratito o para
que formen parte de tus incunables.
CD
VÍDEOS
Frank Zappa
CLASSIC ALBUMS
APOSTROPHE OVER-NITE SENSATION
Un documental sobre uno de los genios de la música moderna,
Frank Zappa, narra desde sus procesos de creación, grabación, entrevistas con sus músicos, familia, prensa, labels.
Un documento de vida para conocer el carácter de este histriónico
personaje que nos dejó toneladas de música y con el que han
tocado músicos como Steve Vai, Mike Kenneally, Vinnie Colaiuta,
Terry Bozzio, y un enorme etcétera, os animo a qué busquéis si no
conocéis, gran inspiración.
Wayne Krantz
YOUR BASIC LIVE 03
Este disco es un directo loquísimo con 3 surferos de la música, a mi
entender. Wayne Krantz, guitarrista abstracto donde los haya, crea
temas con estructuras rarísimas, cambios de tempo y de compás
sorprendentes, pero melodías cantábiles y armonías arriesgadas
pero atractivas. Tim Lefebvre, bajista, desde el jazz hasta la electrónica más oscura, pasando por la fusión, un todoterreno con
agilidad, gracia e influencias bien sanas, y un curriculum de asombro…
Y el que pavimenta el disco, con esos cambios de tempo, de compás, y sus chops maravillosos, patrones de bombo y caja y ¡TODO!
¡Keith Carlock!. Un disco que no tiene pérdida, si te concentras y
puedes escucharlo entero, es que puedes soportar de todo.
Varios Artistas
THE BUDDY RICH MEMORIAL
Un obligado en estantería baterística. Dos dvd’s, 270 minutos de
maestría. Grabado el 14 de octubre de 1989, con la Buddy Rich
Big Band la siguiente lista de bateristas nos deleita con grandes
clásicos: Neil Peart, Dennis Chambers, Dave Weckl, Steve Gadd,
Louie Bellson, Gregg Bissonette, Vinnie Colaiuta, Marvin “Smitty”
Smith, Steve Smith, Omar Hakim y Will Calhoun.
Nótese el duelo entre Weckl, Gadd y Colaiuta, ¡Corte mítico de
este gran concierto!
MÉTODO INSTRUCCIONAL
(DVD/LIBRO/AUDIO CD)
Jojo Mayer
SECRET WEAPONS FOR MODERN
DRUMMER
Interesantísimo y completísimo DVD de este baterista suizo que
aborda la postura y el grip, el movimiento más básico y el control
de todo el detalle de nuestra labor al instrumento para optimizar
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ña, Peter Erskine, Horacio “El Negro”, Bill Bruford, Gregg Bissonette, Giovanni Hidalgo, Dave Weckl, Luis Conte, Dennis Chambers,
David Garibaldi, Steve Smith y un largo etcétera.
Ojo al cartel del festival de esta temporada, RHCP, Neil Young y
algunas de las bandas menos conocidas también son de asombro.
Ofrece desde tu perfil personal, tienda online, departamento de
becas, contacto directo para asesoramiento, una oferta cuidada
para que el alumno se sienta cómodo y aprenda lo que necesita.
RADIO - (PROGRAMA / CADENA)
Musicians Radio
Y también en la dificultosa tarea en nuestras tierras de programas
de radio de calidad musical para músicos otro encuentro grato
y potente. Bateristas como Hal Blaine (Hall of Fame of american
drummers), Steve Ferrone, y artistas como Robben Ford, Vonda
Shepard, David Crosby, Dave Wilcox y un etcétera que parece no
acabar, aseguran también audiencia de entrevistas y anécdotas de
todoterrenos de la música internacional.
A través de los podcast y los vídeos en la web encontramos una
forma cómoda y sencilla de oír lo que sucede y cómo sucede al
otro lado del charco.
Link: www.musiciansradio.com
TV - (PROGRAMA / CADENA)
AUSTIN CITY LIMITS
velocidad, sensibilidad, dinámicas y hacer del modo más correcto
nuestro trabajo sin hacernos daño y para lograr un rango de velocidad y fuerza mayor aplicada a diferentes estilos de la música
moderna.Pequeños samples estilísticos con patrones de ragtime,
swing, boogaloo, reggae, drum’n’bass, beat, rock, metal incluso
sólo con un bombo, caja y charles nos ayudan a ver cómo a él le
ha funcionado, con horas y horas de estudio, recordad.
WEB SITE
www.virtualdrummerschool.com
El portal web que creó Salvador Niebla en 1999 ofrece clases con
baterías de prestigio internacional como Ignacio Berroa, Alex Acu-
En la difícil búsqueda de programas de tv entretenidos y ricos para
todo tipo de músicos, no sólo bateristas, he topado con este programa americano, mítico y que ha generado un festival internacional homónimo.
Da cabida desde a artistas internacionales y superventas hasta
proyectos más alternativos.
Con nombres en su historia como Coldplay, R.E.M, Albert Collins,
Stevie Ray Vaughn, Johnny Cash…lleva desde los 70’s en activo y
asegura horas de disfrute musical, tanto por la música en sí como
por los musicazos que forman los proyectos o acompañan a los
artistas que aparecen tanto en el programa de TV como en los
festivales que organiza.
En nuestro ánimo de expandir nuestros conocimientos musicales
os animamos a que si conocéis programas o cadenas de televisión
y de radio nos escribáis para descubrírnoslas y así poder recomendarlas a todos. Buscad el Canal Facebook de la revista BATERÍA Y
PERCUSIÓN y mandadnos un post con vuestras ideas o mandadme un mensaje interno a mi página en Facebook. ¡Gracias!
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Colaboradores
Jefe de Redacción
Artículos y Entrevistas
Diseño Gráfico
Asensio Ros “Wally”
Agus González-Lancharro
ComoPezEnLaRed
José Manuel López Gil
Roberto Alemán
Raúl Guzmán
Danko Compta Hirnyj
Pablo Posa
José Viana
Elías Gargallo
J.A Pereira
Daniel García “Podador”
Akior García
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