LA NEW Gallery - ArteSantander

Transcripción

1
Administración Económica /
Financial Managing
Sociedad Regional de Educación,
Cultura y Deporte, S.l.
Consejería de Educación, Cultura y Deporte
Gobierno de Cantabria
Administración y comunicación /
Managing and press manager
Elena Casquero Nava
Catálogo y cuidado edición /
Catalogue and editing supervision
Eva Bolado Castro
Impresión / Printer
Imprenta Copisan
Depósito Legal: SA - 486 - 2015
Sábado, 25 julio /
Saturday, 25th July
Inauguración oficial (por invitación) // 12:30 h.
Official opening (by invitation) // 12:30 pm.
Abierto al público // 17:00 a 21:30 h.
General admission // 5 pm. to 9:30 pm.
Domingo, 26 julio /
Sunday, 26th July
Lunes, 27 julio /
Monday, 27th July
Martes, 28 julio /
Tuesday, 28th July
Miércoles, 29 julio /
Wednesday, 29th July
Clausura // 21:30 h.
Closing // 9:30 pm.
25_29 / JULIO_JULY
Comité de selección de galerías /
Galleries selection committee
Alicia Ventura
Benjamin Weil
Moisés Pérez de Albéniz
25_29 Julio / 25th_29 July
Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander //
Santander Congress and Exhibition Hall
2015
Director / Director
Juan González de Riancho
Organizan / This fair is organized by
Consejería de Educación,
Cultura y Deporte del
Gobierno de Cantabria
Ayuntamiento de Santander
2
3
What makes this an object of value?
6
8
Presentación / Presentation
Visiones Urbanas / Urban Visions
29
Galerías / Galleries
30
A del Arte
72
Greusslich Contemporany
32
Adora Calvo
74
Guillermina Caicoya
34
Alegría
Art Projects
36
Ángeles Baños
76
Javier López
38Artizar
78
JM
40Astarté
80Josedelafuente
42ATM
82
Juan Silió
44
84
Kir Royal Gallery
46Cànem
86
L21 Gallery
48
88
La Gran
50Cavecanem
90
La New Gallery
52Collectiva
92Mäss
54
Espacio Creativo Alexandra
94
Moisés Pérez De Albéniz
56
Espacio Marzana
96
My Name´S Lolita Art
58
Espacio Valverde
98
Paz y Comedias
60
Espai Tactel
Blanca Soto Arte
Carolina Rojo
100
Rafael Ortiz
62Espaivisor
102
Rafael Pérez Hernando
64Espiral
104
Set Espaid´Art
66
106Siboney
Estela Docal
68Ethall
108Sicart
Dibujo Contemporáneo
110
70
Gema Llamazares
112Yusto/Giner
116
4
ÍNDICE / INDEX
Índice / Index
Twin Gallery
Colaboradores / Partners
5
Organización y dirección / ARTESANTANDER 2015 / Organization and management
ARTESANTANDER ha sabido, en una época difícil, reinventarse, adaptarse a los tiempos, transformándose en una feria con un nuevo formato desde hace cuatro ediciones, “Sólo Projects”, lo que la ha supuesto
tomar nuevos aires y consolidar una feria que en esta su XXIV edición,
está a las puertas cumplir una cifra redonda.
Este formato, y la colaboración que la feria mantiene con el curso “Comisariado y Coleccionismo en Arte Contemporáneo” que organiza la
Asociación de Coleccionistas de Arte Privado 9915, en colaboración
con el Gobierno de Cantabria, y la Universidad Internacional Menéndez
Pelayo dentro de sus cursos de verano, nos han permitido mejorar y ser
más eficaces y competitivos.
Van a ser unos días en los que coleccionistas, galeristas, artistas, comisarios, críticos, directores de museos, y amantes del arte en general, van a
tener en Santander su punto de encuentro, haciendo de la ciudad en estas fechas el epicentro del arte contemporáneo nacional, con un componente más cosmopolita, motivado por la importante presencia de galerías
internacionales, y de artistas igualmente internacionales, que confiamos
en que abrirán el campo de acción y de repercusión del evento.
Esto es posible por la decidida apuesta de las dos instituciones que
año tras año hacen posible este evento; El Gobierno de Cantabria y el
Ayuntamiento de Santander, y que han permitido a la feria mantener
el Programa de Coleccionistas, -que pretende incentivar la presencia de
responsables de museos, centros de arte y colecciones con la intención
de que ARTESANTANDER se convierta en un observatorio de jóvenes
promesas y en lugar de captación de nuevos talentos-, y posibilitan
igualmente la permanencia del programa Visiones Urbanas, que es el
elemento que concreta aproximación al ciudadano del evento artístico.
La manifestación, de la propia Feria en el exterior del recinto expositivo.
Los responsables de ambas instituciones, -el Presidente de Cantabria y
el Alcalde Santander-, junto al equipo de trabajo de la feria, queremos
dar la bienvenida a las nuevas galerías que se incorporan en esta edición
y a las que año tras año vienen mostrando su confianza en nuestro
proyecto.
ARTESANTANDER´s fair has managed, in a difficult time, reinvent
themselves, adapt to the times, becoming a fair with a new format four
editions ago, “Only Projects”. This new object, it has meant to take new
line and strengthen a fair in its 24TH Edition. The fair is near a round
figure. This format, and the collaboration that the fair maintains with the
course “Curatorial and collections in contemporary art” organized by
the Association of Collectors of Art Private 9915, in teamwork with the
Government of Cantabria, and the International University “ Menéndez
Pelayo” (UIMP) in the summer courses, have allowed us to improve and be
more efficient and competitive.
They will be days where collectors, gallery owners, artists, curators, critics,
directors of museums, and art lovers in general, will come to Santander
as theirmeeting point. In this point, Santander will be the main city as
the national epicenter of contemporary art, with a more cosmopolitan
component, motivated by the important presence of international galleries,
and also international artists. We trust that it will open the field of action and
impact of the event.
ARTESANTANDER ´s fair is possible by the resolute commitment of the
institutions that make it possible every year this event: The Government of
Cantabria and the Town Hall of Santander, and that have allowed the fair
to keep collectors programme, - which aims to encourage the presence of
responsible for museums, art centres and collections with the intention that
ARTESANTANDER becomes an Observatory of promising young and new
talents-. These institutions also allow the permanence of the program Urban
Visions which is the element that approach to the citizen of the artistic event,
the fair on the outside of the exhibition.
Managers of both institutions, - the President of Cantabria and the Mayor
Santander, besides the staff of the fair, we want to welcome the new galleries
that are incorporated in this Edition and who year after year are showing
their confidence in our project.
We wish you a great fair.
Your success will be all.
Os deseamos una gran feria.
Vuestro éxito será el de todos.
6
7
VISIONES URBANAS / URBAN VISIONS
9
1 PLAZA DE MACHICHACO
(LAS CACHAVAS)
Eulalia Valldosera
Cortesía de la Galería SICART
(Barcelona)
Joan Hernández Pijuan Cortesía de la Galería
RAFAEL PÉREZ HERNANDO
(Madrid)
Roberto Coromina
Cortesía de la Galería A DEL ARTE
(Zaragoza)
2 CASTELAR
Iñaki Bergera
Cortesía de la Galería
CAROLINA ROJO (Zaragoza)
Marina Núñez
Cortesía de la Galería LA GRAN
(Valladolid)
Simón Arrebola
Cortesía de la Galería LA NEW (Madrid)
Tete Álvarez
Cortesía de la Galería JM (Málaga)
Todd James
©Pablo Gómez Zuloaga.
Cortesía de la Galería
JAVIER LÓPEZ & FER FRANCÉS
(Madrid)
11
Roberto Coromina
12
13
Todd James
14
15
Joan Hernández Pijuan
16
17
Simón Arrebola
18
19
Iñaki Bergera
20
21
Tete Álvarez
23
Marina Núñez
24
25
Eulalia Valldosera
26
27
GALERÍAS / GALLERIES
29
A del ARTE//28
c/ Bernardo Fita 19 / 50005 Zaragoza
Tel.: +34 976221757 / [email protected] / www.adelarte.es
DIRECTOR / DIRECTOR
Mariano Santander
FUNDADA EN / ESTABLISHED IN
2008
ARTISTAS REPRESENTADOS / REPRESENTED ARTISTS
José Beulas, Julia Dorado, Enrique Larroy, Rafael Navarro, A. Pascual Rodrigo,
Gema Rupérez, Teresa Salcedo, Gonzalo Tena, Alicia Vela, Lina Vila
Roberto Coromina
PROYECTO / PROJECT
TIZA SOBRE PINTURA
Es el título y la descripción del mural realizado por Roberto Coromina para Arte Santander 2015. La reflexión sobre los Wall Drawings de Sol LeWitt se convierten en referencia directa de estos murales de Coromina. Círculos y líneas dibujados con tiza
blanca sobre la pared pintada de azul representan el cosmos, y nos hacen cuestionar
el origen del Universo.
Esta intervención se inscribe en los intereses en los que trabaja Coromina, cuestionando la Pintura, sus imágenes, percepción, presencias y ausencias; con ella quiere hacer
partícipes a los espectadores de su investigación, y de la intención de definir trazo a
trazo nuevos límites pictóricos.
“Chalk on paint” is the title and description of the mural created by Roberto Coromina for
‘Arte Santander 2015’. A reflection of the wall drawings of Sol LeWitt is the reference and
inspiration for these murals by Coromina. Circles and lines drawn with white chalk on blue
painted walls representing the cosmos makes us question the origin of the universe.
This questioning is what inspires the work of Coromina, investigating the Paint, its
images, perception, presence and absence; with this he wants to share his research and
define, bit by bit, new limits in painting.
Tiza sobre pintura, 2015 / Mural: Tiza sobre la pared pintada del stand
30
31
ADORA CALVO//37
c/ Arco 11 / 37002 Salamanca
Tel.: +34 923212784 / [email protected] / www.adoracalvo.com
DIRECTORA / DIRECTOR
Adoración Calvo Vicente
2004
Fernando Renes, Alicia Martín, Jordi Teixidor, Fernando Sinaga, Juan Hidalgo,
Paloma Pájaro, Antonio Almaraz, Yan Lung, Beth Moysés, Susso33, David Escanilla,
Mitsuo Miura
Fernando Renes
PROYECTO / PROJECT
Considero mi obra como una segunda forma de arte conceptual, no como pintura pura y
simple en el viejo sentido, ya que en mi trabajo la interpretación semiótica produce una
definición del presente, es decir, de uno mismo. Cuando por ejemplo cito un icono familiar
del pasado en una obra evidentemente contemporánea, siento la diferencia entre el Entonces y el Ahora, y al mismo tiempo la relación entre ambas.
Mi propuesta para ArteSantander 2015 es mostrar un conjunto de dibujos que reflejen mi
momento actual, además de incluir cerámicas, como novedad en mi obra.
I consider mi work as a second form of conceptual art, not only as painting in the old
sense, because in my work, the semiotic interpretation produces a definition of the
present, of one’s self. When for example I make a reference to a familiar icon from the
past in an obviously contemporary work, I sense the difference between Then and Now,
and at the same time the connection between them.
Mi proposal for ArteSantander 2015 consists in showing a set of drawings that reflect on
my here and now, and also, as a novelty in my work, I will include ceramics.
Sin título, 2015 / Bolígrafo sobre papel / 19,5 x 14,5 cm
32
33
ALEGRÍA//21
Doctor Fourquet 35 / 28012 Madrid
Tel.: +34 912122526 / [email protected] / www.galeriaalegria.es
DIRECTOR / DIRECTOR
Sebastián Rosselló
2010
José Ramón Ais, Humberto Poblete-Bustamante, Nico Baixas, Jorge Diezma,
Stefan Rinck, Michael Horsky, Felipe Talo, Pablo Morata, Iñaki Imaz, Xavier Mañosa,
Raúl Domínguez
José Ramón Ais y Raúl Domínguez
PROYECTO / PROJECT
FUERA DE CAMPO
Recoge la obra de José Ramón Ais y Raúl Domínguez. Ambas obras abordan el concepto
de paisaje desde técnicas muy diferenciadas pero con un similar enfoque analítico y una
personal respuesta emotiva al paisaje.
La serie fotográfica “Parque Natural” de José Ramón Ais plantea un recorrido por un espacio natural ficticio, creado a partir de estereotipos de paisajes ideales que a lo largo de la
historia la mirada occidental ha creado, imaginado y colonizado. Un espacio protegido de
las necesidades de la modernidad, una naturaleza imaginada donde el ser humano queda
fuera de campo, aludiendo a un paisaje originario y mítico, previo a el uso de los recursos
naturales por parte de la civilización. José Ramón construye las imágenes con técnicas de
postproducción a partir de su propio archivo fotográfico. En sus paseos, como si de un
pintor romántico se tratara recoge imágenes de hierbas, árboles, cielos, piedras… para
reconstruir un imaginario propio.
Los dibujos de Raúl Domínguez recorren espacios que ningún imaginario ha ideado, son un
paseo por el fuera de campo. Un lugar sin mapa en el que Raúl plantea una cartografía emocional y sensorial, con señalizaciones que se crean al recorrerlo y desaparecen rápidamente
absorbidas por la entropía. Lugares abandonados, descampados y jardines mínimos son el
escenario para sus personajes. Un desorden altamente creativo y transgresor contra cualquier valoración moral proyectada sobre el paisaje, una naturaleza ruderal que coloniza sin
criterio. Utilizando el carboncillo, el apunte o el boceto se convierten en la base de su obra,
un dibujo eterno que acaba acumulando el rastro y mancha del propio proceso creativo.
Raúl Domínguez + José Ramón Ais, Rajita + Parque Natural nº 4, 2015
34
35
ÁNGELES BAÑOS//20
c/ Plaza de los Alfereces 11 / 06005 Badajoz
Tel.: +34 924235538 / Mo: +34 606088965 / [email protected]
www.galeriaangelesb.com
Ángeles Baños
2002
Andrés Pachón, Antonio Xoubanova, Susanne Themlitz, Juan Carlos Bracho,
Javier Arbizu, Blanca Gracia, Carlos Lobo, Daniel Martín Corona, Emilio Gañán,
Ignacio Bautista (Mutiu), Ignacio Llamas, Jesús Zurita, Laura González Cabrera,
Manuel Antonio Domínguez, Miguel Ángel Fúnez, Ricardo Cases, Manuel Vilches,
Ruth Morán
Javier Arbizu
PROYECTO / PROJECT
El contenido del trabajo de Arbizu no se presenta de forma explícita, sino que opera por
medio de alusiones y referencias indirectas. Busca establecer situaciones donde parece
que podemos conocer efectos experienciales pero no sus causas. En el contexto de su
trabajo lo no dicho adquiere un papel fundamental.
Su interés por la pintura figurativa radica en su capacidad para hacer frente de una manera muy directa a las ideas de potencialidad, ausencia, polisemia e indeterminación.
En el proceso de hacer una imagen, la información anecdótica desaparece gradualmente al superponer niveles de distancia entre los motivos iniciales y finales, entre el
referente y la representación resultante.
The content Arbizu’s work is not made explicit, but operates by way of sly allusions
and indirect references. He seek to establish situations where it seems that we
can know experiential effects while missing causes. In the context of his work, the
unspoken acquires a critical role.
His interest in figurative painting lies in its capacity to deal in a very direct manner
with the ideas of potential, absence, polysemy and indeterminacy. In the process of
making an image, anecdotal information gradually disappears into overlapping levels
of space between initial and final motives, between departure and the resulting
representation.
Sin título, 2015 / Óleo sobre lienzo / 195 x 162 cm
36
37
ARTIZAR//11
c/ San Agustín 63 / 38201 La Laguna / Tenerife
Tel.: +34 922265858 / [email protected] / www.artizar.es
DIRECTORES / DIRECTORS
Frasco Pinto y Pedro Pinto
1989
Amparo Sard, José Luis Serzo, Noelia Villena, Pamen Pereira, Carlos Nicanor,
Ubay Murillo, Hans Lemmen, Martín & Sicilia, Manuel Mendive, Ángel Padrón,
José Bedia, Dave McKean, Sema Castro, Luis Palmero
Amparo Sard
PROYECTO / PROJECT
SOMBRAS
Es la nueva serie después de Límites (2014-2015), de la cual Amparo explicaba que “el
límite de una persona es la piel, si hablamos de algo palpable. El límite de su alma, o
de su esencia, o de lo verdaderamente importante es otra cosa algo más compleja”.
Las sombras de los paisajes representados son una metáfora sobre esa complejidad
entre dos realidades, la temida y la real. Sobre los temores que influyen en la toma
de decisiones. Las sombras de nuestra cabeza, también inmateriales, que a menudo
parecen más reales que la realidad-real.
Por ese motivo en los papeles de esta serie encontramos dos realidades, la representada por los huecos creados perforando el papel blanco, y la otra realidad, la representada con la impronta negra (hecha de caucho y sílice). Por un lado la inmaterialidad
de los dibujos perforados, del vacío del hueco; y por el otro la masa negra utilizada
dando fisicidad a las sombras. El tratamiento de los contrastes que contiene cualquier
fenómeno de la naturaleza, se aplica al ser humano como trama argumental de la
compartimentación del espíritu y de las visiones que del mismo vamos experimentando
durante la existencia.
.
Montaña #2 , 2015 / Papel perforado y caucho con sílice / 100 x 150 cm
38
39
ASTARTÉ//23
Monte Esquinza 8 / 28010 Madrid
Tel.: +34 913194290 / [email protected] / www.galeriaastarte.com
Marisa Fernández-Cid Plañiol
2000
Almalé/Bondía, Carlos Pascual, Cristina Silván, Florentino Díaz, Joao Mouro,
José García Navas, José María Báez, María Aranguren, María Oriza, Manuel Valencia,
Manuel Vilches, Lola Guerrera, Rafael Reverón-Poján, Tom Carr, Vari Caramés,
Pamen Pereira, Olalla Gómez, Matthias Kanter
Olalla Gómez Comisaria: Nerea Ubieto
PROYECTO / PROJECT
La instalación de Olalla Gómez (Madrid 1982), consiste en ocho columnas de hormigón, cada una con una letra de la palabra por.venir inscrita, de las que surgen unos
hierros que se proyectan hacia lo alto. ¿qué representan, aquello que está por erigir o
los escombros de algo que nunca llegó a ser?
La artista juega con la dualidad de significados que se le pueden atribuir al elemento
portante, así como con la ambigüedad del título según la distribución de sus caracteres,
para reflexionar en torno a los futuros posibles. Si continuamos repitiendo el mismo
esquema del ayer, nos espera una obra inconclusa, fallida; sin embargo, si utilizamos
lo acontecido como base provechosa desde la que ejercitarnos, podremos fabricar el
siguiente nivel sobre unos cimientos sólidos.
Por. Venir, 2015 / Hormigon y hierro / Instalacion en el stand
40
41
ATM//40
Carretera de Deva 675 / 33394 Gijón / Asturias
Tel.: +34 630045642 / [email protected] / www.galeriaaltamira.com
DIRECTOR / DIRECTOR
Diego Suárez Noriega
1958
Ben Diercks, Kepa Garraza, Avelino Sala, María Vallina, Ixone Sadaba,
Filippos Tsitsopoulos, Alfonso Fernández, Cristina Ferrández, Nick Hulleguie
Kepa Garraza
PROYECTO / PROJECT
THIS IS THE END OF THE WORLD AS YOU KNOW IT
Es un proyecto construido en forma de un relato de ficción sobre el futuro más
inmediato. Esta narración está compuesta por múltiples escenas que se suceden en el
tiempo, para recrear así una historia donde se nos muestra un futuro distópico. Una
especie de utopía negativa, un porvenir consecuencia de la sociedad actual pero de
resultados totalmente indeseables.
Este proyecto pretende reflexionar acerca de la crisis económica y sus consecuencias
sociales y evidenciar la sensación permanente de ausencia de futuro que desprenden
las sociedades contemporáneas. Otro aspecto fundamental sobre el que quiero
reflexionar con este proyecto, trata sobre el límite cada vez más difuso entre la imagen
periodística (comúnmente aceptada como un testimonio veraz) y las imágenes de
ficción. Ese terreno cada vez más transitado por el espectador y que le obliga a vivir en
un mundo cada vez más incierto, más borroso y de verdades solo relativas.
Riot, 2013 / Pastel on paper / 140 x 150 cm
42
43
BLANCA SOTO ARTE//10
Almadén 13 / 28014 Madrid
Tel.: +34 914023398 / [email protected] / https://galeriablancasoto.wordpress.com
Blanca Soto
2000
Claudia Jaguaribe, Agustina Núñez, Felipe Barbosa, Manuel Barbero, Manu Muñoz,
Fabiano Gonper, Chus García Fraile, Jonathan Notario, Sergio Sotomayor, Paula Anta,
Luis Quintero, Pepe Enguídanos, José Luis Santalla, Ruth Quirce, Imanol Marrodán,
Che Marchesi, Óscar Seco, PSJM, Jesús Zurita, José Luis Serzo
Ruth Quirce y Manuel Saro
PROYECTO / PROJECT
La Galería Blanca Soto, presenta un proyecto específico y realizado para la Feria, basado en la obra de dos artistas con una larga trayectoria y que trabajan formalmente en
una línea muy similar, pero con contenidos argumentales muy diferentes.
Sorprende que desde el origen de su producción trabajen con resultados geométricos
tan próximos, a la vez tan distantes en su argumento. La presentación de este proyecto
trata pues de vincular los trabajos artísticos de Quirce y Saro, a la vez pareja en la vida.
Quirce moldea elementos como la luz mediante el trazo de la geometría, y trabaja la
tensión entre el caos y el orden a través del concepto “Entropía”, y Saro introduce a
través de sus composiciones contenidos sociales y políticos.
The Galería Blanca Soto brings a specific Project: based on the artwork of two
Spanish artists with a long-term trajectory in art. We can find formal similarities in the
result of their geometrical work, but there are deep differences within their contents
and arguments. It is quite revealing the fact that their careers have developed from
the very beginning these geometrical style similarities, meanwhile so disparate in the
essence of their artworks. This is the first time both works from Quirce and Saro -a
married couple in life- are shown together to be linked and connected.
Quirce shapes light by means of geometry. Her work also deals with the conflict
between such concepts as chaos and order, through the idea of Entropy. On the other
hand, Saro brings social and political matters into his compositions.
Manuel Saro / Torre Dazzel - Vauban, 2015 / Acuarela sobre papel / 100 x 140 cm
Ruth Quirce / Meteorito Number One, 2014 / Mixta sobre papel / 21 x 29 cm
44
45
CÀNEM//09
c/ Antonio Maura 6 / 12001 Castelló de la Plana
Tel.: +34 964228879 / [email protected] / www.galeriacanem.com
Maria Pilar Dolz Mestre
1974
Jordi Abelló, Pepe Agost, Antonio Alcaraz, Antoni Alcàsser, Mar Arza, Pilar Beltrán,
Vicent Carda, Miquel Gozalbo, Yotta Kippe, Bernhard Lehmann, Isidre Manils,
Manel Margalef, Yugo Minami, Geles Mit, Irina Novarese, José Antonio Orts,
Alfred Porres, Manuel Rey-Fueyo, Deva Sand, Héctor Sos, Vicente Tirado del Olmo,
Josep Vallribera, Lluis Vives
Antonio Alcaraz
PROYECTO / PROJECT
En los último años Antonio Alcaraz ha hecho de la industria (des-industrialización) el
tema protagonista de su objeto y acto artístico. Antonio Alcaraz utiliza las técnicas de
reproducción, transferencias electrográficas, litografía, xilografía, serigrafía, en los que
la fotografía es la imagen primigenia, “original”, y figurativa. El acto fotográfico es
esencial en su obra: es el testimonio.
La obra de Antonio Alcaraz quiere sensibilizarnos: Aquí está el compromiso del artista,
como un francotirador, hacia el elemento industrial, ahora ya espacios vacíos y obsoletos. A estas alturas ya no se trata de memoria, de arqueología, de patrimonio (memento
mortis) ... Ahora es la memoria que se activa, que se despierta.
Over the last few years, Antonio Alcaraz has taken that industry (the-industrialization)
as a main subject of his object and artistic act. Antonio Alcaraz uses the techniques
of reproduction, electrographic transfers, lithography, xylography, and silk screen
printing in which the photograph is the primitive image, “original” and figurative. The
photographic act is essential in his work – it is the witness.
Antonio Alcaraz’s works wants sensitize us, as the artist’s engagement, like a sniper
aiming at industrial elements that are today empty and obsolete spaces. It is no
longer about memory now, archeology or heritage (mementum mortis), but memory
that activates and awakens.
Chimenea. A Coruña, 2008 / Estructura de madera, impresión UV sobre plexiglás.
Fieltro / 165 x 120 cm
46
47
CAROLINA ROJO//39
Paseo de Sagasta 72, local 3 / 50006 Zaragoza
Tel.: +34 976958180 / [email protected] / www.galeriacarolinarojo.com
Carolina Rojo
2010
Almalé y Bondía, Mariano Anós, Nacho Bolea, Iñaki Bergera, Jorge Fuembuena,
Louisa Holecz, Yann Leto, Fernando Martín Godoy, José Noguero, Charo Pradas,
Enrique Radigales, Jorge Usán, Cecilia de Val
Iñaki Bergera Comisariado por Chus Tudelilla
PROYECTO / PROJECT
TWENTYSIX (ABANDONED) GASOLINE STATIONS
Cincuenta años después de que lo hiciera Ed Ruscha, Iñaki Bergera fotografió en 2012 veintiséis gasolineras abandonadas que encontró durante su viaje en coche por el suroeste de Estados Unidos; sin un afán documental explícito, aunque siguiendo un método de orden serial.
Entre los propósitos que guiaron el proyecto de Bergera ocupan lugar principal su atracción por los coches, los viajes por carretera y la vida al borde de la carretera, el interés por
las estructuras arquitectónicas comerciales e industriales y su estandarización tipológica...
asuntos que, junto a su atención por los procesos de construcción y destrucción, entendidos como metáforas de la arquitectura, y el análisis del deterioro, configuran un mapeado
sociológico según el modelo al que aludió Hal Foster.
In 2012, fifty years after Ed Ruscha, Iñaki Bergera photographed twenty-six abandoned
gas stations while driving through the American Southwest; without any specific documentary intention, though employing a sequential approach.
Among the guiding motives behind Bergera’s Project, those at the top of the list would
be his passion for cars, road trips and life on the roadside, a fascination for commercial
and industrial architectural structures and their typological standardization... themes
that, together with an interest in the processes of construction and destruction,
understood as architectural metaphors, and the analysis of deterioration, all configure a
sociological mapping in accordance with the model referred to by Hal Foster.
48
U.S. 11, Harrisburg Pike, Cumberland, Pennsylvania, 2012 / Inyección de tinta sobre
papel Canson Infinity / 85 x 127 cm (ed. 1 + 1 P.A.) / 28 x 37 cm (ed. 3 + 1 P.A.)
49
CAVECANEM//12
Pasaje Francisco Molina / 41003 Sevilla
Tel.: +34 647840076 / [email protected] / www.galeriacavecanem.es
DIRECTOR / DIRECTOR
Fernando Roldán
1992
Ocaña, Laura León, Matías Sánchez, David R. Belmonte, Montse Caraballo,
Aurora Perea, Alejandro Botubol, Atín Aya, Nazario, Javier Velasco, Luis Roldán,
Cristina Lama
Atín Aya
PROYECTO / PROJECT
MEMORIA INMEDIATA
Atín Aya (Sevilla, 1955-2007), desaparecido en plena madurez, dejó el legado de una obra de
marcado carácter, testimonio cuya calidad trasciende todo localismo. Dedicado a la captura de
escenas, ambientes o almas en sus portentosos retratos “privilegia al personaje sin letanías
simbólicas”, como afirma la especialista Lola Garrido, “con un ojo increíble para lo esencial.”
Sus fotografías se nutren de un singular sentido de la composición y una depurada técnica,
que le permiten explorar las posibilidades de la luz natural, sin artificios. Uno de sus principales
trabajos, Marismas del Guadalquivir, inspiró a los autores de la película “La isla Mínima”.
Atín Aya (Sevilla, 1955-2007), passing in full artistic maturity, left a legacy of work of
a marked personality, a testimony whose quality goes beyond all localism. Dedicated
to the capture of scene, atmosphere or souls, in his magnificent portraits he “grants a
privilege to the character without symbolic litanies”, as the specialist Lola Garrido afirms,
“with an eye for the essential”.
His photography is nourished by a unique sense of the composition and a polished
technique, which allows him to explore the possibilities of natural light, with no artifices.
One of his major works The Guadalquivir Marshes, inspired the authors of the film
“Marshland” (“La isla Mínima”).
Diego Carrasco
El rito de la matanza. Cortijo Don Pedro. Aguilar de la Frontera, Córdoba, 2002 /
Fotografía / 60 x 45 cm
50
51
COLLECTIVA//08
Brunnenstraße 152 / 10115 Berlin / Alemania
Tel.: +49 3084119210 / [email protected] / www.collectivagallery.com
DIRECTOR / DIRECTOR
Ewa Bojarowski
2008
Edith Kollath, Ina Sangenstedt, Katarzyna Szeszycka, Lidia Krawczyk & Wojtek Kubiak,
Marta Antoniak, Petra Lindholm, Raman Zaya, Regina Nieke, Thomas Judisch
Edith Kollath
PROYECTO / PROJECT
La exposición “exTENSION“ está compuesta de los últimos trabajos sobre papel e instalaciones poéticas de Edith Kollath y se concentra tanto en la expansión del material como en
su ocupación del espacio. La artista se inspira en las estructuras naturalmente dinámicas,
examinando con su trabajo diversos estados de estructuras expansibles (su compacidad y su
potencial de ser desdoblado). Los trabajos irritan por su movimiento y sonido (desarrollado
por la artista sonora americana Chelsea Leventhal).
Edith Kollath, 1977 Eutin, Alemania, estudió en la Universidad de Bellas Artes HFBK, Hamburgo;
en la Universidad de Ciencias Aplicadas, Hamburgo; la Universidad Aristotelous de Thessaloniki,
Grecia y en la Universidad de Arte y Diseño Central Saint Martins de Londres. Vive en Frankfurt
am Main y Berlin. Participó en numerosas exposiciones en Alemania, Europa, Estados Unidos y
Asia. En 2011 recibió el ABoT (Premio de reconocimiento del MAK – Museo Austriaco de Artes
Aplicadas / Arte Contemporáneo de Viena). Los trabajos de Edith Kollath están representados
en diversas colecciones por todo el mundo.
The exhibition “exTENSION” consists of Edith Kollath’s latest works on paper and her
poetic installations, focusing on the potential extension of material and its spatial
occupation. Inspired by natural dynamic structures, the mixed media artist Edith
Kollath examines in her work divers states of so-called “deployable structures“ – their
compactness and unfolding potential. Her works irritate through motion and sound
(developed in collaboration with American sound artist Chelsea Leventhal).
Edith Kollath, b.1977 in Eutin, Germany, educated at the University of Fine Arts, HFBK Hamburg,
University of Applied Science, Hamburg, Aristotelous University of Thessaloniki, Greece, Central
Saint Martins College of Arts and Design, London, lives in Frankfurt am Main and Berlin,
Germany. She participated in numerous exhibitions in Germany, Europe, America and Asia. 2011
she received the ABoT Recognition Award of the MAK – Austrian Museum of Applied Arts /
Contemporary Art, Vienna. Edith Kollath’s works are represented in several collections worldwide.
© artist & COLLECTIVA. “Dark ensemble“, 2015 / Paper, motor, train system /
50 x 400 x 50 cm (variable)
52
53
ESPACIO CREATIVO ALEXANDRA//06
c/ Francisco Cubría nº 3 y 4 / 39007 Santander
Tel.: +34 942037210 / Mo.: 652948116 / [email protected]
www.espaciocreativoalexandra.com
Alexandra García Núñez
2008
Vicky Kylander, Nadia Barkate, Jose Luis Ochoa, David Arteagoitia, Hondartza Fraga,
Sonia Higuera, Judas Arrieta, Juanjo Viota, Santiago A. Sagredo, Sandra Rilova
Sonia Higuera
PROYECTO / PROJECT
IRREVERSIBLE
Inestabilidad, fragilidad y ruptura que provoca y sufre el individuo en una era de rígidas
estructuras sociales, económicas y mediáticas. Nos habituamos a tales sobrecargas que
nos olvidamos casi por completo de que como seres sólidos somos irrefutablemente
frágiles y que la inestabilidad puede ser fatal. Insignificantes pero constantes impactos
que generan fragmentaciones irreversibles dada la precariedad de los vínculos existentes entre los seres humanos y la naturaleza. Fracturas y grietas que tapamos y obviamos
porque pensamos que en el olvido la memoria no recuerda las heridas, pero pasamos
por alto que las cicatrices no entienden de temporalidad.
The instability, fragility and rupture that individuals provoke and suffer in an era of
rigid social, economic and media structures. We get used to such overloads that
we almost completely forget that as solid beings we are irrefutably fragile, and
that instability may be fatal. Given the precariousness of the linkages between
humans and nature, these insignificant, but constant impacts generate irreversible
fragmentations. Ruptures and cracks that we cover up and ignore because we think
that when neglected memory will not remember the wounds, yet we overlook that the
scars know no temporality.
La fragilidad con sobrepeso, 2015 / Inkjet sobre papel Hahnemühle / 41,5 x 48,5 cm
54
55
ESPACIO MARZANA//04
Muelle Marzana 5 / 48003 Bilbao
Tel.: +34 944167580 / +34 690181391 / [email protected] / www.espaciomarzana.net
Roberto Atance / Jesús Uranga
2002
Elena Goñi, Ixone Sádaba, Fermín Moreno, Elssie Ansareo, Eduardo Sourrouille,
Abigail Lazkoz, Blami, Juana García Pozuelo, Naia del Castillo y David Civico;
Los artistas consolidados Carlos Cánovas, Carlos Marcote, Begoña Zubero,
Miriam Ocariz, Ángel Garraza, José Luis Vicario, Pedro Salaberri, Edu López,
Ana Román, Carmelo Camacho, Alberto Peral, Erika Barahona Ede,
Miguel Ángel Gaüeca, y Alfredo Álvarez Plágaro.
Alicia Martín, Arancha Goyeneche, Marina Núñez, Enrique Marty, Herminio Molero,
Paco Fernández, Ignacio Sáez, David Hornback, Patxi Ezquieta, Aimar Arriola,
Marta Arzak, PSJM, Colectivo Democracia, Marta Serna, Ruth Gómez
Edu López
PROYECTO / PROJECT
{input} se presenta como un proyecto de espacio expositivo en donde se alternan, de
manera ordenada y obedeciendo ese orden tanto a la propia naturaleza de las obras
como al relato propuesto (relato sobre el relato) o a la estructura (disponibilidad) del
propio espacio, obras seleccionadas para dar forma a un nuevo discurso que parte
de trabajos realizados siguiendo un modelo de proyecto abierto y multidisciplinar,
abarcando campos de influencia que van desde el hecho pictórico hasta la edición
experimental. En {input}, atendiendo al fragmento, se reflexiona sobre la imposibilidad
de contar y, también, sobre la negación de esa imposibilidad.
{input} is presented as an expositive space project where some selected works are
altered (on an organized way that respects both the original nature of the works and
the story they want to tell) to give shape to a new story. The workflow that permits
the creation of this new story is both open and multi-disciplinary and takes a broad
number of influences that go from the pictorial level to the experimental edition.
In {input} we reflect about the impossibility of telling a story, and also, about the
negation of said impossibility.
Nuevas razones para no dormir, 2015 / Tinta, lápiz y acrílico sobre papel / 12 x 12 cm
56
57
ESPACIO VALVERDE//03
Valverde 30 bajo 1ª / 28004 Madrid
Tel.: +34 609572226 / [email protected] / www.espaciovalverde.com
Asela Perez & Jacobo Fitz-James Stuart
2006
Elena Alonso, Luis Vassallo, Alejandro Botubol, Jorge Diezma, Alfredo Rodriguez,
Robert Ferrer, Hugo Bruce, Luis Asín
Alfredo Rodríguez
PROYECTO / PROJECT
Para este proyecto he partido de material fotográfico en forma de negativos, pero
sometidos a las condiciones extremas del fuego. Los restos de esta primera fase son
“analizados” para la producción de diferentes piezas realizadas mediante diferentes
procesos fotográficos y en las que se pueden observar diferentes puntos de vista: desde
la consideración del negativo como algo pequeño y dañado en la serie holográfica AdultContent, o también su ampliación desmesurada en Hoja de contactos 001, y por fin la
búsqueda de restos de imagen reconocible en los negativos mediante ampliación con luz
láser en la serie Silverflesh.
Adult-content 002, 2015 / Emulsión holográfica sobre vídrio / 40 x 30 cm
58
59
ESPAI TACTEL//14
c/ Denia 25 Bajo / 46006 Valencia
Tel.: +34 963958808 / +34 696190285 / [email protected] / www.espaitactel.com
Ismael Chappaz / Juanma Menero
2011
Michael Roy, Miguel Rael, Nelo Vinuesa, Sergio Belinchón, Antonio Fernández Alvira,
Javier Palacios, Christto & Andrew, Luis Úrculo, Eduardo Hurtado, Ana Barriga,
Rosana Antolí, Jules Julien
ARTISTAS COLABORADORES: Carles Congost, Natacha Lesueur, Vicky Uslé y Joan Morey
Ana Barriga y Javier Palacios
(Visual Storytelling)
PROYECTO / PROJECT
El trabajo de Ana Barriga y Javier Palacios a pesar de haberse desarrollado en contextos distintos, se caracteriza por un especial atrevimiento en cuanto al uso de los colores, las texturas o la
fragmentación de los cuerpos y los objetos, arriesgándose a representar imágenes extraídas del
detritus propio del post-capitalismo, cuestionando los géneros tradicionales de la pintura. Como
resultado, cada elemento o personaje dentro de sus piezas sugieren una reflexión de las diferentes
estratificaciones que se encuentran en la sociedad contemporánea.
“Ana organiza con sutileza los bloques de color, mancha sólo lo preciso o muestra detalles reconocibles apenas lo imprescindible… Pero sobre todo, establece los ritmos necesarios (de tonos,
líneas, cromatismos y pesos visuales) con espontaneidad. Parece sencillo -y de eso se trata, que el
desenlace sea claro-, pero resulta complicado. Mantener esos equilibrios aplicando las pinceladas
adecuadas sólo puede plantearse con aptitud y conocimiento. Si no se poseen alguna de las dos
destrezas, no hay nada que inventar. Para ser buen artista hay que cultivar el ojo y dejarse llevar
con perspicacia. Lo demás es encarecer.”
Sema D’Acosta (Crítico y comisario de arte).
“Estas pinturas “impecables” de Palacios, que entre la abstracción y la figuración, pues, pero
también entre la ventana y el espejo que ofrece tradicionalmente la vieja disciplina, nos dejan
con la duda de si hablan del propio medio o se lanzan más allá. Bueno, también en el Barroco
los pliegues del cuerpo se corresponden con los del alma. Quizá por ello no sea tan descabellado
trazar un arco y exponerlas también a aquella duda que asaltaba a Barthes frente a los trabajos
de Réquichot, cuando se preguntaba si lo que está puesto “ahí”, al final de nuestra mirada, como
un campo profundo, ¿no será el magma interno del cuerpo?, ¿un pensamiento fúnebre y barroco
que regula la exposición del cuerpo anterior, el de antes del espejo?”
Óscar Alonso Molina (Crítico y comisario de arte).
Javier Palacios. The Last Scream 2, 2015 / Óleo sobre tabla / 38 x 55 cm
Ana Barriga. Esto es un abrazo, 2015 / Óleo sobre lienzo / 89 x 146 cm
60
61
ESPAIVISOR gallery//07
c/ Carrasquer 2 / 46001 Valencia
Tel.: +34 963922399 / +34 628881245 / [email protected] / www.espaivisor.com
Mira Bernabeu / Miriam Lozano
1983, nueva dirección 2006
Hamish Fulton, Sanja Ivekovic,´ Graciela Carnevale, Lotty Rosenfeld, Patricia Gómez &
Mª Jesús González, Nil Yalter, Joan Fontcuberta, Esther Ferrer, Mladen Stilinovic,´
Carlos Leppe, Miguel Ángel Rojas, Bleda y Rosa, Lea Lublin, Daniel G. Andújar,
Jürgen Klauke, Humberto Rivas, Braco Dimitrijevic,´ Lynne Cohen, Tomislav Gotovac,
Cabello/Carceller, Françoise Janicot, Martha Rosler, Renée Green, Ana Teresa Ortega,
Oswaldo Maciá
Bleda y Rosa
Sagunto, primavera del 219 a. J.C.
PROYECTO / PROJECT
La representación del territorio y la idea de viaje son elementos constantes en nuestro
trabajo. Centrándonos en la Península Ibérica como marco geográfico, social y político,
comenzamos a reconocer el paisaje que, por otros motivos, tantas veces antes
habíamos recorrido. Inmersos en su cotidianidad, austeros paisajes, amplias llanuras
o simples campos de cultivo, conforman el actual escenario de lo que fue el campo de
batalla; donde apenas se hacen visibles las huellas del pasado. Partiendo de la lectura
de aquellas escenas pictóricas, hacemos uso de la imagen panorámica y el color para
(re)presentar el paisaje; fijando el acontecimiento y el tiempo histórico al que remite la
imagen a través de la inserción de una concisa leyenda al pie de la imagen.
The representation of the landscape and the idea of the journey are consistent
elements in our work. Taking the Iberian Peninsula as a geographical, social and
political framework, we began to look afresh at the land that we had travelled
through so many times. Immersed in their everyday reality, bare hillsides, broad
plains or simple fields of crops make up the contemporary terrain of what was once
the battlefield, where traces of the past are hardly to be seen. Following the lead of
the painted battle scenes, we use a panoramic view and colour to (re)present the
landscape; identifying the event and the historical moment which the photograph
refers to by the insertion of a short text at the foot of the image.
Campos de batalla. España, 1991-1996 (1999) / Inyección de tinta sobre papel de algodón
montada sobre Dibond / 85 x 150 cm
62
63
ESPIRAL//18
Plaza de la Villa 18, (entrada por c/ de los Cuadrillos) / 39180 Noja / Cantabria
Tel. Fax: +34 942631014 / Mo.: +34 661670506 / [email protected]
www.galeriaespiral.es
DIRECTOR / DIRECTOR
Manuel Sáenz-Messía
2006
J. Martínez Cano, Willy Ramos, José Carlos Balanza, Eduardo Alvarado,
Nekane Manrique, María Bejarano, Joaquín Cano, Messía, Oyonarte, Belzunce,
Rax Rinnekangas, Vega de Seoane, Monika Grygier, Antonio Maya, López Davis
López Davis
PROYECTO / PROJECT
El autorretrato es un tema recurrente para López Davis. Se manifiesta a través de
imágenes autogeneradas o regeneradas a través de otros objetos o figuras adyacentes
en las obras. A veces parte de elementos abstractos y termina construyendo todo un
universo onírico y humano; otras surgen de pequeños personajes y monstruos que
presenta como imágenes frente a un espejo y las convierte en pasto traslucido para una
gran veladura y manchas geométricas. Su obra es aparentemente dura, se puede sentir
cada pincelada y trazo, pero a su vez esconde un juego de sutilidades y transparencias
que hacen que haya de releer cada centímetro de manera diferente. Es un manipulador
de la emoción y como tal cada obra nos plantea un reto y nos lleva al extremo. Cada
línea es una incisión que hay que abrir para ver su trasfondo y su origen.
The self-portrait is a recurring theme for Lopez Davis. It manifests itself through
self-generated or regenerated images through other adjacent objects or figures in
his works. Sometimes the author departs from abstract elements and he finishes
building a whole dream-like and human universe; at other times, monsters and tiny
characters shown as images in front of a mirror arise and then he turns them into
a translucent pasture for a huge glaze and geometric spots. Apparently, his work is
hard. Every single brush-stroke can be felt while at the same time, it hides a game
of transparencies and subtleties which makes every centimeter has to be re-read
differently. López Davis is an emotion-manipulative artist and as such each work is
presented to us as a challenge and he leads it to the end. Each line is an incision to
be opened to see their background and origin.
David Murcia García. 2015
Hombre viendo las noticias, 2015 / Mixta sobre papel / 100 x 70 cm
64
65
ESTELA DOCAL//13
c/ Andrés del Rio 7 bajo / 39004 Santander
Tel.: +34 942214815 / Mo.: +34 617643442 / [email protected] / www.esteladocal.com
Estela Docal
2000
Antón Hurtado, Guillermo Oyágüez, David Morago, Fernández Pinedo, Nacho Zubelzu
Juan Manuel Fernández-Pinedo
PROYECTO / PROJECT
Historias de un segundo que se alargan, evolucionan en el tiempo y que pueden marcar
un final.
Las obras mostrarán situaciones en las que la naturaleza se presenta como el detonante de un suceso que puede determinar un cambio o un final y que plantea la relación
presente y futura entre el hombre y la naturaleza.
La participación del espectador es la vía elegida para que se adentre en estos sucesos
de forma directa y se convierta en un elemento más del proceso creativo. Las obras se
despiezarán por partes. Las distintas pinceladas flotarán por la sala desligada de la
obra. Estas pinceladas estarán al alcance del espectador quien podrá cogerlas e integrarlas en la obra para que adquieran un sentido y dimensión diferente.
Zona residencial, 2015 / Óleo sobre lienzo / 180 x 180 cm
66
67
ETHALL
dibujo contemporáneo//36
c/ Joaquín Costa 30 / 08001 Barcelona
Tel.: +34 606802323 / [email protected] / www.ethall.net
DIRECTOR / DIRECTOR
Jorge Bravo
2011
Inken Reinert, Martín Vitaliti, Sergio Prego, Luis Bisbe, Jochen Gerner, Matt Madden,
Patricio Vélez, Aleksandra Kopff, Luis Macías, Ignacio Sáez, Sinéad Spelman,
Alberto Peral, Javier Peñafiel, Enric Farrés Duran
Aleksandra Kopff Vs Ignacio Sáez
PROYECTO / PROJECT
La galería etHALL presenta en ArteSantander una propuesta que reúne a dos artistas que
no comparten otra cosa más allá del compromiso moral con su trabajo y una manera de
entender el arte indisociable de su posicionamiento ético y su propio desarrollo como
personas.
Aleksandra Kopff (Varsovia 1982) dibuja desde muy temprana edad. Para ella la práctica
artística es un recurso para la supervivencia del alma a través de la creación de objetos
cargados de significado que ayudan a sobrellevar las dificultades cotidianas, recordando
la existencia de otras posibilidades. Su trabajo funciona a modo de sismógrafo de sus
emociones, como un diario de a bordo donde verdades, mentiras y lo que entre ellas se
cuela se manifiestan.
Ignacio Sáez (Bilbao 1971) asume su trabajo de manera individual afrontando la representación cómo procedimiento para la emancipación, en contraposición a los procesos de
alienación y la tendencia del arte hacia la espectacularización. Frente al flujo de información contemporáneo que nos desborda, el artista trabaja dentro de unos parámetros de
producción limitados a las posibilidades del estudio y su realidad cotidiana.
Sin título (detalle), 2015 / Lápiz sobre papel / 28 x 21 cm
Sin título (detalle), 2013 / Lápiz sobre papel / 20 x 25 cm
68
69
Galería GEMA LLAMAZARES//27
c/ Instituto 23 / 33201 Gijón / Asturias
Tel.: +34 984197926 / [email protected] / www.gemallamazares.com
Gema Llamazares
2005
Espacio_1: Jose María Sicilia, Jose Manuel Broto, Menchu Lamas, Charris, Gonzalo Sicre,
Dis Berlín, Pedro Castrortega, Javier Riera, Ciuco Gutierrez, Antón Patiño, Kely
Espacio_2: Irma Álvarez-Laviada, Guillermo Peñalver, Laramascoto, Federico Granell,
David Martínez Suarez, Yutaka Mori, Miren Pastor, Santiago Lara
Irma Álvarez-Laviada
PROYECTO / PROJECT
LO NECESARIO Y LO POSIBLE
Surge de una situación bastante habitual para los artistas. Esta situación se da cuando
hay que sacar las obras del estudio con motivo de una exposición. Lo único que queda
en esos momentos, en lo que hasta entonces ha sido un espacio de experimentación,
son los restos de los materiales que se han utilizado para desarrollar el trabajo. A partir
de esta cuestión mi atención se centra en los elementos accesorios que hay en el estudio. De forma más concreta, dada su relación con la obras, en el material de embalaje,
cuyo carácter intrínseco parece contener un índice de negación, un impulso virtual para
el ocultamiento, la desaparición o la ausencia.
Lo necesario y lo posible gira en torno a los estados de transitoriedad de las obras, al carácter
accesorio de los materiales, y a la negación de la imagen como estado constitutivo de la obra.
The necessary and the possible derives from a situation which is fairly common for
artists. This situation arises when you have to remove the artwork from the studio in
order to exhibit it. All that is left in these situations are the materials which were used
to build the project in, a space which has been used for experimentation until now.
This is the theme which has led me to focus on the secondary elements in the
studio. More specifically on the packaging, given its relationship with the art work,
as its intrinsic character seems to contain a level of virtual impulse towards hiding,
disappearance or absence.
The necessary and the possible revolve around the transitory states of the pieces, the secondary
character of the materials and the negation of the image as an essential element of the piece.
70
WorkSpace, 2015 / Collage / 43,2 x 27,9 cm
71
GREUSSLICH CONTEMPORANY//25
Buchholzer Str. 11 / 10437 Berlin / Germany
Tel.: +49 3053672850 / [email protected] / www.greusslich-contemporary.de
DIRECTOR / DIRECTOR
Andreas Greusslich
2012
Iván Abreu, Rollin Beamish, Vanessa Farfán, Joséphine Kaeppelin, José Noguero,
Peter Rollny
Vanessa Farfán, José Noguero
PROYECTO / PROJECT
LA CIUDAD Y EL PAISAJE
Vanessa Farfán (1977, México D.F.) vive y trabaja en Berlin desde 2010. Su trabajo se
concentra en un análisis formal y social de la ciudad. Sus investigaciones dan como
resultado obras de pintura, collage, dibujo y grabado. Los collages presentados para
ARTESANTANDER muestran una fuerte interacción de color y línea.
José Noguero (1969, Barbastro) reside igualmente en Berlín, mas las pinturas que presenta en ARTESANTANDER exploran la posibilidad contemporánea del paisaje y la representación. La obra de Noguero abarca escultura, fotografía, dibujo, pintura y video.
THE CITY AND THE LANDSCAPE
Vanessa Farfan, born in Mexico City (1977), has lived and worked in Berlin since
2010. Her work is concerned with formal and social analyses of the city. Her research
results in works of painting, collage, drawing and printmaking. The collages presented
at the ARTESANTENDER fair display an impressive interaction of line and color.
José Noguero (1969, Barbastro) also lives and works in Berlin. The paintings of
his presented in Santander show that there is yet contemporary possibility in the
representation of landscape. Noguero’s work includes sculpture, photography,
drawing, painting, and video.
José Noguero, Dysprosium 1 (Detail), 2014 / Oil on Linen / 100 x 130 cm
72
73
GUILLERMINA CAICOYA Art Projects//19
c/ Principado 11 / 33007 Oviedo / Asturias
Tel.: +34 985042626 / +34 600078850 / [email protected] / www.galeriacaicoya.com
Guillermina Caicoya Gómez-Morán
2008
Alfredo Álvarez Plágaro, María Álvarez, Morgan Bancon, Maite Centol, Carlos Coronas,
María Cueto, Paco Fernández, Jorge Flórez, Paloma Gámez, Santiago Mayo, Natalia Pastor
Nicholas Woods Comisario: Alfredo Aracil
PROYECTO / PROJECT
SUN_MOON: LA LÓGICA DE LA PERCEPCIÓN
Sun_Moon: La lógica de la percepción explora una serie de geometrías en relación a distintos campos de color, para presentar nuestra capacidad visual como el lugar de conflicto
entre los datos obtenidos de la realidad física y el desarrollo mental propio de cada sujeto.
Por medio de polvo de pigmento aplicado directamente sobre papel y pared, Nicholas
Woods relaciona en distintos formatos fondos con figuras, en un trabajo encaminado a la
abstracción pura, que no obstante toma como referencia figurativa la representación de
la bóveda celeste y los rayos del sol. Del gris más sombrío al fluorescente más intenso, la
gama cromática empleada da testimonio de las posibilidades infinitas de este paisaje óptico de sensaciones, donde el círculo, el cuadrado, la mancha, el trazo y el marco superan
la relación que se establece entre la imagen y la cosa para abrazar el campo casi infinito
de las posibilidades.
Sun_Moon: The logic of perception explores a series of geometrical forms in relation to
different colour fields , to show our visual capacity as the place of conflicto between the
information obtained from the phisycal reality and the mental development of every individual.
Applying pigment’s dust directly on paper and on the Wall, Nicholas Woods links in
different forms backgrounds with figures, in a work of pure abstraction, that takes as
a figurative reference the representation of the firmament and the rays of sun. From
the darkest grey to the most intense fluorescent, the colour wheel used is testimony
to the endless posibilities os this emotional landscape, where the circle, the square,
the spot, the line and the frame exceed the relationship between the image and the
thing itself to embrace the endless field of posibilities.
Sun/Moon, 2015 / Pigmento en polvo sobre papel / 65 x 50 cm
74
75
JAVIER LÓPEZ & FER FRANCÉS//38
c/ Guecho 12 B / 28023 Madrid
Tel.: + 34 915932184 / [email protected] / www.galeriajavierlopez.com
DIRECTOR / DIRECTOR
Fer Francés
1995
Pilar Albarracín, Nobuyoshi Araki, John M. Armleder, Francesco Clemente,
Hannah Collins, Phil Frost, Liam Gillick, Peter Halley, Jenny Holzer, Todd James,
Alex Katz, KAWS, Manuel León, Jason Martin, Matthew McCaslin, Tatsuo Miyajima,
Sarah Morris, Erik Parker, David Salle, Marina Vargas, Leo Villareal, José María Yturralde
Todd James
PROYECTO / PROJECT
Todd James (Nueva York, 1969) es una de las figuras más relevantes de una generación
de artistas que ha revolucionado a todos los niveles el mundo del arte y la cultura popular
de las últimas décadas. De formación autodidacta en el entorno del arte urbano de los
años 80, en 2001 fue co-creador del proyecto Street Market, que fue seleccionado para
representar a su país en el pabellón de la Bienal de Venecia. Este año ha sido incluido en
la exposición colectiva The Bridges of Graffiti de la 56 edición de la bienal de esa ciudad.
La inconfundible temática de sus pinturas se combina con su singular estilo de cómic en
composiciones de atractivo cromatismo, en las que a pesar de la inocente apariencia trata
asuntos controvertidos como la guerra, los conflictos globales, la violencia o la desesperación, una realidad que desdramatiza a través de su característico e inteligente sentido del
humor para hacerla más soportable.
Todd James (Nueva York, 1969) is an important figure amongst the generation of artists
who have influenced popular culture on every level during the last decades. Self - taught,
he began painting on the subways of New York City in the 80s. In 2001 he was the cocreator of Street Market, a major work and pioneer event on the post - graffiti movement
that was subsequently selected for that year’s Venice Biennale. This year his work takes
part of the group show The Bridges of Graffiti in the 56 edition of the biennale in that city.
The unmistakable theme of James’ paintings is combined with his distinctive cartoon
- like style in colourful compositions. Despite its disarming and innocent appearance,
the artist is dealing in subjects of warfare and global conflict, damage and desperation;
subjects whose reality must be sublimated to be bearable, and which here are
triangulated effortlessly, astonishingly, and somehow, with James’ trademark humor.
Soldier, 2011 / Gouache y grafito sobre papel / Gouache and graphite on paper / 57 x 38 cm
© Pablo Gómez Zuloaga
76
77
JAVIER MARÍN//31
Duquesa de Parcent 12 / 29001 Málaga
Tel.: +34 952216592 / [email protected] / www.galeriajm.com
DIRECTOR / DIRECTOR
Javier Marín
2001
Carlos Miranda, Carlos Schwartz, Celia Macías, Cristina lama, Federico Guzmán,
Irene Andessner, Isaac Cordal, Iván Pérez, Judith Samen, Laura Brinkmann,
Matías Sánchez, Narda Alvarado, Tea Mäkipää, Tete Álvarez
Carlos Miranda y Tete Álvarez
PROYECTO / PROJECT
Proyecto expositivo específico de carácter instalativo integrado por trabajos recientes de
Carlos Miranda y Tete Álvarez, dos sólidos artistas andaluces que establecen mediante esta
propuesta un diálogo entorno al relato a través del apropiacionismo de diferentes espacios
interiores de lugares de trabajo. Por un lado la representación de los espacios domésticos de
creación artística y, por otro, los lugares de encuentros y debate político de las instituciones
del poder. Todo ello planteado mediante un diálogo formal a través de un doble lenguaje.
La pintura y la fotografía. El antiguo género de la pintura de interiores y la fotografía de
nuestros días a través de la apropiación de material hallado en internet.
Specific exhibition project of installation nature composed of recent works by
Carlos Miranda and Tete Alvarez, two solid Andalusian artists through this proposal
establishing a dialogue around the story through the appropriation of different indoor
workplaces. On the one hand the domestic spaces of artistic creation and other
places of meetings and policy discussion in the institutions of power. All this proposed
through a formal dialogue through a double language. Painting and photography.
The old genre of interior paint and the photography of today through the
appropriation of material found on the Internet.
Carlos Miranda, Serie Stories from homes. Chema Cobo, “Blow”. Galería Álvaro Alcázar.
Madrid, 2012. (3 y 4), 2014 / Óleo sobre telas y vinilo sobre pared / 27 x 35 cm (3).
25,5 x 39,5 cm (4)
78
79
JOSEDELAFUENTE//42
c/ Daoíz y Velarde 26 / 39003 Santander
Tel.: +34 942313745 / [email protected] / www.josedelafuente.gallery
DIRECTOR / DIRECTOR
José Luís de la Fuente
2007
Kyungwoo Chun, Ángela Cuadra, Enric Fort Ballester, Antonio Díaz Grande,
Miguel Ángel García, Paco Guillén, Arturo Hernández Alcázar, Raúl Hevia,
Eduardo Hurtado, Rui Pedro Jorge, Ion Macareno, Nacho Martín Silva,
Alberto Reguera, Emilio Rojas
Antonio Díaz Grande
PROYECTO / PROJECT
MORTIS CAUSA es una locución latina que define los actos legales que tienen efecto
tras el fallecimiento de una persona.
Este proyecto multidisciplinar profundiza en conceptos como el tiempo, la memoria,
la herencia y el legado desde una perspectiva íntima que, sin embargo, posee tintes
universales. El artista investiga los procesos de construcción identitaria a través de la
repetición de patrones de bordados intervenidos con estratos de papel y composiciones
con objetos procedentes de su herencia personal o encontrados en diferentes rastros
(desechos de otras herencias), sobre los que introduce leves modificaciones que apuntan simbólicamente a la formación de los recuerdos.
MORTIS CAUSA is a Latin expression that defines the legal acts that take effect
following the death of a person.
This multidisciplinary project examines concepts such as time, memory, inheritance and
legacy from an intimate and personal, yet universal, standpoint. The artist studies the
processes of identity construction through the repetition of embroidery patterns which
are intervened with layers of paper, and compositions with objects from his personal
inheritance or from flee markets (remains from other inheritances), upon which he
introduces slight modifications that symbolically suggest the formation of memories.
Trampa (detalle), 2015 / Fotografía / 40 x 30 cm
80
81
JUAN SILIÓ//02
c/ Sol 45 bajo / 39003 Santander
Tel.: +34 942216257 / [email protected] / www.juansilio.com
DIRECTOR / DIRECTOR
Juan Silió
1988
Chema Alvargonzález, Daniel Canogar, Ricardo Cavada, Victoria Civera, José Cobo,
Pilar Cossío, Cristina del Campo, Joan Fontcuberta, Carlos Irijalba, Abraham Lacalle,
Juan López, Rafa Macarrón, Antonio Mesones, Rosell Meseguer, Gorka Mohamed,
Antoni Muntadas, Nico Munuera, Michael Najjar, Cuca Nelles, Nuno Nunes-Ferreira,
Ixone Sádaba, Noé Sendas, Miguel Ángel Tornero, Juan Ugalde, Alain Urrutia,
Darío Urzay, Juan Uslé, Santiago Ydañez
Cristina del Campo
PROYECTO / PROJECT
El trabajo de Cristina del Campo (Riosapero, Cantabria 1981) se desarrolla fundamentalmente
a través de la pintura y el dibujo, y se centra en elementos cotidianos. Trata de investigar sobre
una especie de naturaleza muerta actual, contemporánea, buscando reinventarla de una manera muy personal a través de la observación y el análisis del objeto contemporáneo. Ciertos
elementos y fragmentos relacionados con lo arquitectónico han cobrado también mucha importancia en su obra actual, así como determinados fragmentos textiles y drapeados.
Interesada por la dimensión espacial y el juego de escalas en sus imágenes, selecciona para sus
obras elementos que pueden pasar desapercibidos por su presencia diaria a nuestro alrededor,
eligiendo una especie de “plano detalle” como enfoque (distancia intima, plano muy cercano
que muestra en su máxima expresión un objeto o un fragmento de éste, enfatizando algún
elemento de esa realidad, destacando algún detalle que de otra forma pasaría desapercibido).
The work of Cristina del Campo (Riosapero, Cantabria 1981) is developed primarily through
painting and drawing, and focuses on everyday items. She tries to investigate a kind of current,
contemporary still life, looking to reinvent contemporary objects in a very personal way through
observation and analysis. Certain elements and fragmentes related to the architectural discipline
have taken protagonism in her current production as is the case with textile and drapes fragments.
Interested in the spatial dimension and scale play in her images, For her work, she selects elements
that may go unnoticed due to their daily presence around us, choosing a “view detail” as focus
(close intimate distance plan showing at its best an object or a fragment thereof, emphasizing
some element of that reality, highlighting some details that otherwise would pass unnoticed).
Sin título, serie “Drapeados”, 2013-2014 / Óleo y grafito sobre tabla entelada / Oil and
graphite on srim board / 22 x 16 cm (cada uno)
82
83
KIR ROYAL Gallery//41
c/ Reina Doña Germana 24 / 46005 Valencia
Tel.: +34 962066709 / [email protected] / www.kirroyal.es
DIRECTOR / DIRECTOR
Juan Cárdenas Romero
2011
Mariela Apollonio, Fernando Bayona, Miguel Borrego, Alessandro Brighetti,
Ernesto Cánovas, Chus García Fraile, Gil Gijón, Yu Jie, Carlos Martiel, Luis Moscardó,
Lázaro Navarrete, Miguel Scheroff, José Luis Serzo, Bernardo Tejeda, Tom Venning,
Keke Vilabelda, Sergio Zavattieri
Keke Vilabelba
PROYECTO / PROJECT
En los últimos trabajos de la serie Neon Flow, el artista ensambla hormigón y metacrilato de nuevo inspirado en la arquitectura contemporánea. En las superficies de
cemento se reproducen las imágenes de fachadas de edificios, cuyas estructuras ahora
se sintetizan en un solo gesto, en trazos que desvanecen y propagan la imagen en la
superficie restante de metacrilato. La realidad aspira a una estética zen y casi monocromática en la que ahora se destacan de manera más fuerte y despegada unas líneas
repetidas en colores fluorescentes. Curvas y líneas marcan los contornos de los edificios
como si fueran de neón.
In the last works from the series Neon Flow, the artist assembles concrete and
methacrylate once again inspired by contemporary architecture. On the cement are
reproduced images of facades of buildings, whose structures are now synthesized
in a single action, in strokes that blur and spread the image on the remaining
methacrylate area. The reality aspires to a Zen and almost monochrome aesthetic
on which in an even stronger and detached way, repeated lines in fluorescent colors
stands. Curves and lines mark the outlines of the buildings as if they were neon.
Neon flow-Sweet pink wave, 2015 / Mixed media on cement and methacrylate / 190 x 190 cm
84
85
L21 Gallery//15
San Martí 1 / 07012 Palma de Mallorca // Doctor Fourquet 1 / 28012 Madrid
Tel.: +34 971577238 / +34 915395398 / [email protected] / www.l21gallery.com
DIRECTORES/ DIRECTORS
Óscar Florit / Francesco Giaveri
2012
Alejandro Leonhardt, Álvaro Gil, Bel Fullana, Cristina Garrido, Ian Waelder,
Pep Vidal, Rafa Forteza, Antonio González, Pol González Novell
Álvaro Gil
PROYECTO / PROJECT
Una explosión mineral manierista, en forma de maqueta ridícula sobre una peana doméstica post-señorial. Instrucciones de montaje de artefactos escultóricos sin una función clara,
mármol y tuercas pulidas, crema, crema, crema, geometría digital tetraédrica como airbag
instalativo.
La idea del Hágaselo Usted Mismo, tan presente en la actualidad y vinculada a cualquier
proceso de bricolaje, responde a la necesidad humana de resolver uno mismo mediante
la forma y la técnica problemas concretos y personales o de carácter más universal, que
necesitan de algo a medida.
Brikoexplosion, 2014 / Madera, acrílico, mesa de mármol y cinta / Medidas variables
(instalando los tubos hexagonales en pared) Medidas de la mesa y pieza: 130 alto x 150
largo x 140 ancho
86
87
LA GRAN//34
Claudio Moyano 16, 2º / 47001 Valladolid
Tel.: +34 983106154 / [email protected] / www.lagran.eu
DIRECTOR / DIRECTOR
Pedro Gallego de Lerma Rojo
2015
Marina Núñez, Enrique Marty, Ignacio Pérez-Jofre, Laura Salguero, Elisa Terroba,
Guillermo Peñalver, Luis Pérez Calvo, Paloma Pájaro, Laura Piñeiro
Marina Núñez
PROYECTO / PROJECT
Tras su indagación en la ambigüedad de los cuerpos, en la otredad, la locura y la
monstruosidad, el trabajo de Marina Núñez se fue adentrando en “la exploración del
cuerpo como organismo enigmático capaz de todas las transformaciones y abierto a
metamorfosis múltiples”. Esto le permitió profundizar en otras posibles figuraciones
plásticas de la alteridad, creando una iconografía a partir de variadas referencias, como
la literatura e imaginería fantástica del siglo XIX o la ciencia ficción. En el proyecto
que ahora desarrolla, la gestualidad, en palabras de Alberto Martín, “va dejando paso,
figurativamente, a la energía, al fluido, a la luz; y el cuerpo convulsionado cede ante el
cuerpo electrificado. Es inevitable observar un nuevo desplazamiento en la figura de la
energía, de la electricidad (…) hacia el territorio de la ciencia ficción, entre fantasmagoría y tecnología.”
Following her inquiry into the ambiguity of bodies, in otherness, madness and
monstrosity, the work of Marina Núñez went deeper into “the exploration of the
body as an enigmatic organism capable of all transformations and open to multiple
metamorphosis”. This allowed her to delve into other possible plastic figurations of
otherness, creating an iconography based on various references such as literature and
the fantastic imagery of the nineteenth century or science fiction.
S/T (Ciencia Ficción) #2 y #3, 2014 / Infografía impresa con tintas pigmentadas sobre
papel de algodón 100% Fine Art / 55 x 40 cm Edición de 10 + 1 PA
88
89
LA NEW Gallery//35
c/ Carranza 6 / 28004 Madrid
Tel.: +34 914456557 / [email protected] / www.lanewgallery.com
Ricardo García / Juan Valverde
2012
Aleix Plademunt, Simón Arrebola, Lois Patiño, Roberto Coromina, Juan Fernández Álava,
Elena Fernández Prada, Jorge Fuembuena, Ruth Gómez, Cristina Llanos,
Miquel Llonch, Cristina De Middel, Santiago Talavera, Santiago Ydáñez,
Andrés Pachón (en colaboración), Ricardo Cases (en colaboración)
Simón Arrebola
PROYECTO / PROJECT
ITINERANCIAS ESPIRITUALES
Con un sentido escenográfico de la pintura, Simón Arrebola plantea un viaje narrativo cuyos
trayectos son una consecuencia de la amenaza que planea sobre la transitoriedad de nuestra existencia. Las experiencias vividas a través del viaje, tanto físico como espiritual, han
dado lugar a diversas manifestaciones literarias y artísticas que evidencian determinadas
concepciones cosmogónicas.
Éstas pretenden conceder algún tipo de consuelo o una explicación de lo que sucede, si
es que algo sucede, después de morir. Los transcursos de estas exploraciones interiores
desembocan principalmente en tres lugares imaginarios: Infierno, Purgatorio y Paraíso, cuya
significación y sentido son coincidentes en muchas religiones. La ordenación topográfica
que se ha seguido en esta exposición obedece a la evolución que Dante realiza en la Divina
Comedia tras su deambulación por estos tres estadíos.
With a scenographic sense of painting, Simón Arrebola proposes a narrative trip which
paths are a consequence of the threat that glides above our existence’s transience. The
experiences lived through the journey, as physical as spiritual, have led to diverse literary
and artistic manifestations that put into evidence particular cosmogonical conceptions.
These pretend to grant some kind of comfort or an explanation of what happens, if
something happens, after death. The curse of these inner- explorations mainly flow
into three imaginary places: Hell, Purgatory and Paradise, which meaning and sense
are conceived in many religions. The topographic order that has been followed in this
exposition obeys Dante’s evolution at the Divine Comedy after his wandering through
these three stadiums.
90
Infierno / Hell, 2015 / Óleo sobre lienzo / 162 x 195 cm
91
MÄSS//30
Koppenstrasse 49 / 10243 Berlín / Alemania
Tel.: +49 15214019270 / [email protected] / www.facebook.com/maessgallery
2015
Enric Fort, Esra Özen, Lucía Simón, Marco Montiel-Soto, Rizki Resa Utama
Lucía Simón
PROYECTO / PROJECT
G.F.B.R.L.W.W.V.H.C.W.M.J.L.A.M.B
Composición audiovisual de 5449”, en la que sonido e imagen del movimiento no son
simultáneos. Resulta de múltiples transformaciones de una serie lineal de números
primos escrita a lo largo de tres libretos. Cada libreto ha sido interpretado de forma
individual por tres músicos y posteriormente tres bailarines. El audio de éstas es reproducido de forma independiente a través de 6 altavoces. El video documenta las improvisaciones de los bailarines al escuchar por primera vez las transformaciones musicales.
Las iniciales del título hacen referencia a una lista de personas destacadas por su aportación a la filosofía del lenguaje.
Sin título, lista I, 2015 / Impresión y dibujo / 21 x 29,7 cm
92
93
MOISÉS PÉREZ ALBÉNIZ//16
c/ Doctor Fourquet 20 / 28012 Madrid
Tel.: +34 912193283 / [email protected] / www.galeriampa.com
Moisés Pérez de Albéniz / Jordi Rigol
2001
Dennis Adams, Ana Laura Aláez, Ángel Bados, Basurama, Victoria Civera, Phil Collins,
Willie Doherty, Miren Doiz, Jon Mikel Euba, Manuel Fernández, Iñaki Garmendia,
Santiago Giralda, Pello Irazu, Carlos Irijalba, Antoni Miralda, Antoni Muntadas,
Itziar Okariz, Tony Oursler, Juan Ugalde, Juan Uslé
Miren Doiz
PROYECTO / PROJECT
Miren Doiz (Pamplona, 1980) actualmente se encuentra inmersa en un proceso de
cambio en su manera de hacer. Si bien podría parecer que su manera de pintar, gestual,
con una enérgica pincelada, se corresponde con una pulsión libre y natural, la artista
asume que se trata de un procedimiento aprendido e interiorizado. Por ello, Doiz ha
emprendido una amplia serie titulada No painting, en la que evita usar pintura como
material, lo cual le lleva a la imposibilidad de la pincelada, del chorreo, de la mezcla
de colores, eliminando los recursos pictóricos habituales en su estilo. Utiliza en estas
piezas diferentes materiales, como cintas adhesivas, telas, plásticos o papeles.
En esta edición de la feria ARTESANTANDER, presenta un conjunto de obras de esa
misma línea de trabajo, realizadas con cintas adhesivas de tela y papel sobre tablillas
enteladas; obras que tienen algo de objeto y en la que los colores y las formas, en líneas
y planos son condicionados por el propio material, es decir, la cinta adhesiva. También
presenta una instalación No painting, o incluso Pintura expandida sin pintura, realizada
con diversos materiales y objetos tales como plásticos o persianas.
Sin título (Serie No Painting), 2015 / Cinta adhesiva sobre tablillas enteladas / 180 x 60 cm
94
95
MY NAME`S LOLITA ART//22
c/ Calle Almadén nº 12, Bajo / 28014 Madrid
Tel.: +34 915307237 / [email protected] / www.mynameslolita.com
DIRECTOR / DIRECTOR
Ramón García Alcaraz
1988
Ángel Mateo Charris, Paco Pomet, Gonzalo Sicre, Teresa Moro, Juan Cuéllar,
Concha Pérez, Joël Mestre, Illán Argüello, Leo Wellmar, John Robinson,
Ciuco Gutiérrez, Jorge Hernández
Paco Pomet
PROYECTO / PROJECT
En la obra de Pomet siempre hay un dibujo implícito, que es el que se traza sobre el
lienzo en un primer momento. Ese dibujo sienta las bases de todo el proceso posterior
y conforma el andamiaje de toda la obra. En este caso, el proyecto consistiría en que
este proceso dibujístico, previo a cada obra, pasase a ser protagonista, y se convirtiese
en la finalidad.
El propio artista nos habla del proceso que le aboca a concebir un conjunto de imágenes que podría formar una serie:
“No suelo trabajar ideando obras en serie para ser expuestas en un determinado orden,
y que tengan un denominador común. Mi forma habitual de trabajo es volcarme sobre
mis obras de forma independiente y, cuando finalizo una de ellas, pasar a la siguiente.
Cada obra es como un viaje distinto, con puntos de partida y de llegada diferentes,
con desarrollos y motivaciones dispares. Por lo que trabajar en un conjunto de dibujos,
con el mismo tamaño y tratamiento, podría llevarme a unificar un línea argumentativa
que arroje luces sobre la posibilidad de extender una idea y encarnarla en diferentes
obras”.
~,2015 / Carbón graso sobre papel / 30 x 42 cm
96
97
PAZYCOMEDIAS//17
Pl. Colegio del Patriarca 5 bajo-dcha / 46002 Valencia
Tel.: +34 963918906 / [email protected] / www.pazycomedias.com
José Vicente Santaemimlia / Teresa Legarre
2004
Albert Corbí, Ana Esteve Llorens, Andrea Nacach, Anna Talens, David Jiménez,
Eduardo Nave, Ernesto Casero, Fernando M Romero, José Guerrero,
Isidro López Aparicio, Manuel Blázquez, Miaz Brothers, Nuno Nunes-Ferreira,
Pepe Talavera, Raúl Belinchón, Ruth Morán, Sergio Luna, Zoé T. Vizcaíno
Manuel Blázquez
PROYECTO / PROJECT
ALBARIUM
El proyecto “Albarium” forma parte de una investigación iniciada en el 2010 donde
se estudian los parámetros vitales de espacio y tiempo. Se trata de un trabajo plástico
de difícil catalogación, a caballo entre la escultura, el libro de artista y la arquitectura,
donde la línea suple al texto como espacio poético y construye con breve imprecisión el
linde milimétrico que cerca las barbas del papel cortado. Apilado, escalonando silencios
de compás paciente, creciente, sereno, reiterado y constante se generan piezas que
dibujan el vacío desde un espacio volumétrico laminar.
The artistic project “Albarium” studies the vital parameters of space and time using
the interlinear technique. In this Project, situated along the borderlines between
artist’s book, sculpture, and architecture, the line replaces the text as a poetic space
and builds with brief imprecision the millimetric boundary which surrounds the edges
of the cut paper. Piled up, gradually building patient, increasing, serene, repeated and
constant one-bar rests creates sculptures which draw the emptiness from a laminar
volumetric space.
Albarium IV (detalle), 2014 / Papel 180 gr. cortado a mano / Políptico 50 x 65 cm c/u
98
99
RAFAEL ORTIZ//38
c/ Mármoles 12 / 41004 Sevilla // R.O. Proyectos: Huertas 61 bajo izda / 28014 Madrid
Tel.: +34 954214874 / Mo.: + 34 607485381 / [email protected]
www.galeriarafaelortiz.com
DIRECTOR / DIRECTOR
Rafael Ortiz
1984
Eugenio Ampudia, José María Baez, José Manuel Ballester, Manolo Bautista,
Natividad Bermejo, Jaime Burguillos, Patricio Cabrera, Carmen Calvo, Miguel Ángel Campano,
Luis Cruz Hernández, Dorothea von Elbe, Equipo 57, Sonia Espigares, Evru-Zush,
Curro González, Luis Gordillo, Rubén Guerrero, Juan Francisco Isidro, Graciela Iturbide,
Carmen Laffón, Miki Leal, Mara León, Nico Munuera, Jesús Palomino, Pamen Pereira,
José Miguel Pereñíguez, Guillermo Pérez Villalta, Betsabeé Romero, Inmaculada Salinas,
Antoni Socías, Juan Suárez, Ignacio Tovar, Patricio Vélez, Daniel Verbis, José María Yturralde
Nico Munuera
PROYECTO / PROJECT
IN THE MOOD FOR LANDSCAPE
“En el estado de ánimo para el paisaje”, define la actitud adoptada por Nico Munuera
estos últimos años ante su obra. Tomando claramente como referencia consciente la
morfología del paisaje, nos invita a adentrarnos en la ensoñación, apropiándose de los
grandes espacios naturales mediante la pintura. Esos atractivos e inhóspitos lugares
como los desiertos, las llanuras heladas, las grandes montañas con su nieve calmada,
tensa, ligera y contundente, son los que subyacen ante la pincelada inicial.
Esta travesía comenzada en su serie White Drift/Deriva Blanca, y tomando como punto
de partida regenerador el color blanco, se desarrolla pictóricamente hacia diferentes
estructuras naturales más reconocibles. Las derivas reales de las grandes masas heladas, así como los espacios envueltos en la niebla de las series Whitemist o Ross Island,
forman parte de este recorrido que sirve como incentivo de un estado de ánimo idóneo
para adentrarse en nuevas incertidumbres pictóricas y personales, recorrido que se
decide sin prisas, con sosiego y contemplación, pero que paradójicamente se construye
con gestos de color decididos en impulsos de fracciones de segundo.
In the mood for landscape 4.1, 2013 / Acrílico sobre tela / 180 x 160 cm
100
101
RAFAEL PÉREZ HERNANDO//29
Orellana 18 / 28004 Madrid
Tel.: +34 912976480 / [email protected] / www.rphart.net
DIRECTOR / DIRECTOR
Rafael Pérez Hernando
2004
Alfonso Fraile, Antón Lamazares, Bonifacio, Catalina Obrador, Clara Carvajal, Eduardo
Valderrey, Filippos Tsitsopoulos, Giorgio Griffa, Javier Calleja, Joan Hernández Pijuán,
Julián Gil, Laura Ramis, María Bueno, María Gimeno, María Lara, Marta Barrenechea,
Miguel Ángel Barba, Ofelia García, Regine Schumann, Yolanda Domínguez
Joan Hernández Pijuan
PROYECTO / PROJECT
Cuando muy a finales de los años 80 y principios de los 90 Joan Hernández Pijuan
(Barcelona, 1931-2005) en sus lienzos deja sus pinceles y comienza a utilizar las herramientas de un “albañil” como si enluciera un muro, se va a convertir en el Hernández
Pijuan que hoy conocemos.
Creemos que en los últimos 15 años de su vida, desde 1989 hasta 2005, Pijuan surge
como uno de los principales exponentes de la pintura europea mediterránea, donde
sensualidad y misticismo van unidos. Queremos recordar y rendir homenaje a este pintor en el décimo aniversario de su fallecimiento.
It was at the very end of the 1980s and the beginning of the 1990s that Joan Hernández
Pijuan (Barcelona, 1931-2005) “set aside his brushes” and began to use the tools of a
brick layer (as if he were to white whitewash a wall). It was at this time that he became
the Hernández Pijuan we know today.
We believe that in the last 15 years of his life, between 1989 and 2005, Pijuan became one
of the leading southern European artists who united mysticism and sensuality in his works
We would like to remember and pay tribute to the artist on the 10th anniversary of his
death.
Casa sobre negre, 1990 / Óleo sobre lienzo 150 x 180 cm
102
103
SET espai d´art//33
Plaza Miracle del Mocadoret 4 / 46001 Valencia
Tel.: +34 963920024 / Mo.: +34 666439585 / [email protected] / www.setespaidart.com
Reyes Martínez / Joan Montagud
Jávea (Alicante) 2004 / Valencia 2012
Andreu Alfaro, Cristina Almodóvar, Ibán Ramón, Isidro Ferrer, Javi Moreno,
Juan Olivares, Lukas Ulmi, Mayte Alonso, Ruben Tortosa, Sean Mackaoui,
Sergio Barrera, Xavier Monsalvatje, Luce, Noé Sendas
Juan Olivares
PROYECTO / PROJECT
La sostenida fuga de Olivares hacia el espacio, muestra la expansión de la obra pictórica de Juan Olivares en forma de collage, pintura-objeto y alfombras. Las combinaciones
de materiales tan distintos juegan a ser cuadro sobre el muro y escultura sobre el suelo,
sin olvidar que se trata de eso: de un juego de estructuras en el que cada combinación
es solo el instante en el que quedó definida a sabiendas que eran un juego de infinitas
y cambiantes posibilidades para el espectador que descubre y calibra sus líneas con la
mirada, que las define y modifica al rodearlas.
La sostenida fuga de Olivares hacia el espacio, shows the expansion of Juan Olivares
pictoric work in the form of collage, object-paintings and carpets. The combinations of
such different materials, plays picture on the wall and on the floor, sculpture, without
forgetting that it is a set of structures in which each combination is only the instant
which it was defined into the known that possibilities were an endless and changing
game for the viewer who discovers and calibrates his lines with the look which
defines and modifies them by surrounding them.
Andana, 2014 / Alfombra 100% lana virgen / 228 x 300 cm
104
105
SIBONEY//26
c/ Santa Lucía 49 / 39003 Santander
Tel.: +34 942311003 / Mo.: +34636041954 / [email protected]
www.galeriasiboney.com
DIRECTOR / DIRECTOR
Juan González de Riancho
1985
Dis Berlin, Chema Cobo, Luis Cruz Hernández, Damián Flores, Concha García,
Gómez Bueno, Ricardo González García, Emilio González Sainz, Aldo Iacobelli,
Jose Lourenço, Fernando M. Romero, Fernando Martín Godoy, Arancha Goyeneche,
Daniel R. Martín, Emilio Pemjean, Serzo, Vicky Uslé, Xesús Vázquez, Susanne Wehmer
Fernando Martín Godoy
PROYECTO / PROJECT
LA MIRADA FANTASMA
Fernando Martín Godoy presenta un proyecto pictórico que juega con la memoria, la
ficción y la percepción del espectador. La mirada fantasma es una serie de piezas que
recrea momentos de la historia del arte utilizando material apócrifo: representaciones
de personas, espacios o momentos relevantes realizados a partir de fotografías totalmente ajenas al contexto. Las pinturas, en las que los elementos y los personajes están
velados como siendo aún recuperados de la memoria, presentan una organización a
modo de maqueta de libro o de revista, como si las imágenes hubieran sido encontradas en alguna publicación desconocida hasta el momento.
Fernando Martín Godoy shows a painting project that plays with memory, fiction
and the audience perception. La mirada fantasma (The ghost look) is a series of
works that recreate moments in art history using apocryphal sources: pictorial
representations of relevant people, interiors or moments, sourced from photographs
extracted from a completely different context. The paintings display veiled elements
and characters in such a way as to convey the memory of their presence in some
hitherto unknown publication.
Pablo Picasso 1906, 2015 / Acrílico sobre lienzo / 30,3 x 25,2 cm
106
107
SICART//01
Carrer de la Font 44 / 08720 Vilafranca del Penedès / Barcelona
Tel.: +34 938180365 / +34 629237560 / [email protected] / www.galeriasicart.com
DIRECTOR / DIRECTOR
Ramon Sicart
2000
Irma Álvarez-Laviada, Alejandra Alarcón, Cecilia Avendaño, Lluis Barba, Muu Blanco,
Nicola Costantino, Gonzalo Elvira, Sofía López Mañán, Matilde Marín, Ruth Morán,
Fernando Navarro Vejo, Juan Pablo Ordúñez - Mawatres, Gisela Ràfols,
Eulàlia Valldosera, Gal·la Uriol Jané, Danny Van Der Elst
Eulàlia Valldosera
PROYECTO / PROJECT
BARRER. En torno al rescate del archivo de El ombligo del mundo (1990-2009)
Consiste en un suelo a modo de alfombra cubierto de colillas y ceniza. En realidad
son tres instalaciones en progreso, mostrándose en ellas diversas partes de un cuerpo
femenino. El ciclo entero ha tardado más de una década en realizarse y conservarse.
Las primeras presentaciones eran sistemáticamente barridas del espacio expositivo
por parte de galeristas y comisarios. La falta absoluta de medios por mi parte y la
falta absoluta de fe por su parte procuraron el sacrificio repetido de varios suelos
que pacientemente, durante días y días, construía con rigor a partir de los esquemas
elaborados en mis tintas. El material tóxico debía ser recolectado por mí. Después, la
labor de colocación en el suelo era enorme e irrepetible. Quizá fue ésta situación, el
abuso que sufrí por parte de los medios artísticos por los que transité aquellos años, la
que procuró mi decisión final de incluir su destrucción como parte de mi programa. La
condición para encarar tamaña operación, la de depositar una a una las colillas en la
alfombra, era que al final las barrería YO misma. Barría mi trabajo con la escoba que, a
modo de pincel, barría también siglos de pintura.
Las colillas, residuos del acto de fumar tabaco o hierba, hablan de la respiración, del
tiempo para la ensoñación, de la no-productividad, y también del desgaste, de la
destrucción. Duchamp dijo “I like breathing better than working”. Barrer habla del
cuidado, de la renovación diaria de nuestro espacio vital.
Fragmentos del libro El ombligo del mundo,
editado en motivo de mi exposición en el MNCARS, 2009. © E. Valldosera, 2009
108
El melic del món #3 El cul de la terra (El ombligo del mundo #3 El culo de la tierra), 1990-2001 /
Lona de algodón de 4 x 4 m colocada en el suelo, cubierta de los restos de colillas y ceniza fijadas
con un barniz después de tener lugar la acción “Barrida”.
109
TWIN Gallery//05
c/ San Hermenegildo 28 / 28015 Madrid
Tel.: +34 912870011 / Mo.: +34 659272168 / [email protected] / www.twingallery.es
DIRECTORAS / DIRECTORS
Cristina Fernández, Blanca Fernández,
Beatriz Fernández y Rocío de la Serna
2012
Rosalía Banet, Marla Jacarilla, Tito Pérez Mora, Gema Rupérez, Carlos Nicanor,
Javier Chozas, Yani Alonso, Manuel Franquelo Giner, Daniel Vega Borrego,
Ubay Murillo, Gema Álava, Iván Cantos, Salim Malla
Marla Jacarilla
PROYECTO / PROJECT
Marla Jacarilla desarrolla su obra mediante técnicas como la escritura, la performance,
los cortometrajes y las videoinstalaciones. Busca continuamente nexos entre el arte
plástico, las nuevas tecnologías y la literatura para desarrollar una narratividad
fragmentada y salpicada de ficción que el espectador es invitado a recomponer.
Las obras que conforman la serie Anotaciones para una eiségesis abordan conceptos
como apropiación, reinterpretación, modificación o plagio y proponen una reflexión
sobre los mismos. Partiendo de materiales ajenos preexistentes (artículos de periódico,
gráficos, novelas, etc.), las obras seleccionadas muestran la inevitabilidad de una
interpretación subjetiva en constante variación que expande, modifica y cuestiona
incesantemente la historia del arte.
Marla Jacarilla´s artwork explores techniques such as writing, performance, short
films and video installations. She focuses on the connections between visual arts, new
technologies and literature to develop a fragmented fiction-sprinkled narrative, upon
which the viewer is invited to redesign.
Anotaciones para una eiségesis addresses appropriation, reinterpretation,
modification or plagiarism and aims to a reflect on these concepts. Retrieving
occurring additional materials (newspaper articles, graphics, novels, etc.), her selected
works display an unavoidable subjective interpretation that states constant change;
thus, expanding, modifying and persistently questioning Art History.
El fin y la persistencia, 2014 / Instalación, técnica mixta / Medidas variables
110
111
YUSTO/GINER//32
c/ Madera 9 / 29603 Marbella / Málaga
Tel.: +34 951507053 / [email protected] / www.yusto-giner.com
Graciela Giner
2012
Javier Calleja, Miguel Gómez Losada, Dionisio González, Katsumi Hayakawa,
Emmanuel Lafont, Miguel Laino, Rosa Loy, Hugo Lugo, José Luis Puche, José Noguero,
Beatriz Ros
José Luis Puche
PROYECTO / PROJECT
Como un cazador de imágenes, José Luis Puche elige fragmentos de lo real para
componer nuevas realidades. El dibujo es el eje de su obra, con incrustaciones de color
y neón, figurativo y con un gesto propio. Más interesado en el aura de las imágenes y en
la creación final de lectura abierta, tiene una clara intención de inquietar al espectador
e incitarle a que sea él el que de el último significado, incluso haciéndole cómplice de
la misma, yendo más allá de la propia experiencia de la tradicional visión de la pieza en
sí y planteándole una nueva experiencia.
As a hunter of pictures, Jose Luis Puche picks fragments of what is real in order to
compose new realities. The drawing is the axis of his works, with neon and colour
incrustations, figurative and with an original take. More interested in the aura of
images and the final creation of open lecture, he has a clear intention of wanting to
make the onlooker uncomfortable and incite him to draw their own meaning from
his painting, even making them an accomplice, going further than the experience
of a traditional viewing of a piece in and of itself and planting the seed of a new
experience.
Darkness, 2015 / Carbón graso y acuarela líquida sobre papel Saunders Waterford /
50 x 130 cm
112
113
115
Recta de Heras, s/n
39792 Medio Cudeyo
Cantabria
Tel.: +34 942 54 07 25
Fax: +34 942 54 11 23
www.cafedromedario.com
c/ Camilo Alonso Vega, 29
39007 Santander
Tel.: +34 942 33 12 00
Aparcamientos Ferry
Plaza de las Cachavas
c/ Calderón de la Barca 17-B 1º dcha.
Santander
Tfno. 942 312 919
Jesús de Monasterio, 25-1º
39008 Santander
Tel.: +34 942 23 09 00
Fax: +34 942 23 43 74
[email protected]
COLABORADORES / PARTNERS
c/ El Campón, 23
39001 Peñacastillo, Santander
Tel.: +34 942 33 47 33
Fax: +34 942 34 63 96
[email protected]
Boulevard Luciano Demetrio Herrero
39300 Torrelavega
Cantabria
Tel.: +34 942 80 57 11 / M: +34 639 40 26 91
www.interparking.com
www.mundo-artistas.es
Plaza Cañadío 1
Santander
www.thebathcollection.com
Bajada del Caleruco 21A
39012 Santander
Tel.: +34 942 321 222
116
117
119
COLABORADORES / PARTNERS
121
120
122
123
A.G.A.C.C.
Asociación de Galerías
de Arte Contemporáneo de Cantabria
LA NOCHE
de las
GALERÍAS
Martes 28 de julio
Agradece su colaboración:

LA NEW Gallery - ArteSantander

Transcripción

Documentos relacionados

2 JUST MAD

JM6.CATALOGO_online - Paca Proyectos Artísticos. Casa Antonino.

Defensores de la Luz - SU Mexico DF - 2012