informacion guía educ. etét. y artíst. 5to prepa

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informacion guía educ. etét. y artíst. 5to prepa
UNIDAD 1
ELEMENTOS ARTÍSTICOS
1.- Concepto de arte
El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con
una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o, en general, una
visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.
Bellas Artes
Las Bellas Artes describen una forma de arte desarrollada principalmente por la estética que por su utilidad
práctica. Históricamente las principales son: la arquitectura, la escultura, la pintura, la literatura, la danza y
la música. A estas seis se le añadió, durante el siglo XX, el cine (llamado, por tanto, el séptimo arte).
2.- Las artes y la cultura
Cuando hablamos de cultura y arte tenemos que entender que ambas se correlacionan; incluso la cultura
popular es alma mater de todo trabajo artístico, de toda expresión cultural.
El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y
la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.
Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual,
mágica o religiosa, pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente
estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.
3.- Cultura
La cultura es un todo y esta integrada por aquello en el que el ser humano ha dejado su huella, sea una
obra material o rasgos de comportamiento, etc. Sin embargo esta totalidad responde a un condicionamiento
determinado histórica y socialmente; es decir que la valoración o asimilación cultural depende de pautas
sociales, incluso ideológicas.
Cultura popular
Cuando se habla de cultura popular se hace referencia a todas las expresiones arraigadas en el pueblo, en
la comunidad; ya sea porque ahí se generaron o porque, provenientes del exterior, son tomadas por gente
y las moldea para usarlas como vía de expresión.
4.- Componentes de la obra artística
CONTENIDO
La historia que cuenta
TEMA
¿Qué quiere decir?
LENGUAJE
Material con que se construye la obra (ritmo,
líneas, color, formas, movimiento, contraste ,
música, movimiento, textura, luz, sombras,
etc.)
ESTRUCTURA
Disposición de los materiales que hace que esta
obra sea única.
UNIDAD II
Teoría del color
Círculo Cromático
El círculo cromático nos resulta extremadamente útil para observar la organización básica y la
interrelación de los colores. Los doce colores que lo componen incluyen tonos primarios,
secundarios y terciarios. Los tres tonos primarios son: el rojo, el amarillo y el azul y se les conoce
como colores puros. Los tres tonos secundarios el naranja, el violeta y el verde están ubicados
entre lo tonos primarios y son el resultado de la mezcla de dos de ellos. El rojo anaranjado, el
amarillo anaranjado, el amarillo verdoso, el azul verdoso, el azul violáceo y el rojo violáceo son los
seis tonos terciarios y se obtienen por la combinación de partes iguales de un primario con un
secundario adyacente. Dentro del círculo aparece un círculo pequeño negro que procede de la
mezcla de todos lo colores.
Rojo
Anaranjado
Anaranjado
Amarillo
Anaranjado
Rojo
Rojo
Violáceo
Amarillo
Amarillo
Verdoso
Violeta
Azul
Violáceo
Verde
Azul
Azul
Verdoso
Complementarios
Son colores que se encuentran diametralmente opuestos en el círculo cromático.
Propiedades del color
Valor
El valor tiene que ver con la claridad u oscuridad de un color. Un tono cambia su valor cuando se
le añade blanco o negro. Un color al que se le ha añadido blanco se califica como mas claro o
luminoso; un color al que se le ha añadido negro se conoce como oscuro o menos luminoso.
Saturación
También llamada intensidad, la saturación sirve para expresar el brillo de un color. La saturación
es mayor en los colores puros y sin mezcla.
Armonía
Se conoce como armonía a la serie de variaciones obtenidas a partir de un color; esto es que al
comparar el conjunto de colores percibimos diferencias luminosas o cromáticas generadas por el
mismo color.
Contraste
Las combinaciones producidas por tonos opuestos en el círculo cromático contrastan fuertemente
produciendo un gran atractivo visual.
Temperatura del color
Los términos “cálido” y “frío” se utilizan para calificar a aquellos tonos que connotan dichas
cualidades. En general rojos, naranjas y amarillos se conocen como colores cálidos y se
distinguen por ser alegres, estimulantes y excitantes, mientras que azules, verdes y morados
transmiten frialdad.
Psicología del color
El color y sus significados:
Blanco: Se le considera el color de la perfección. Se asocia a la luz, frescura, limpieza, calma,
pureza, bondad e inocencia.
Amarillo:
Representa riqueza, alegría, felicidad, energía, inteligencia, positivismo,
resplandor, calor, sol y hospitalidad.
El amarillo estimula la actividad mental y genera energía muscular. Con
frecuencia se asocia con la comida.
Naranja:
Es un color que tiene una alta visibilidad, representa el
entusiasmo, la atracción, la creatividad, la determinación, el éxito, el
ánimo y el estímulo.
El naranja se asocia con energía y felicidad,
alegría, sol y trópico. Se asocia con alimentación sana y estímulo del
apetito.
Rojo: El color rojo se asocia con peligro, guerra, energía, fortaleza y
determinación. Es el color de la excitación, calor, pasión, placer,
ceremonia, fiesta, amor, romance, fuego, brasa, prestigio y pompa.
Tiene una visibilidad muy alta, por lo que se suele utilizar en avisos
importantes, prohibiciones y llamadas de precaución. Verde: Es el color más relajante para el ojo humano.
Se le asocia con
armonía, estabilidad, equilibrio, elegancia, crecimiento, exuberancia,
fertilidad, sofisticación, refinamiento, descanso, fertilidad y frescura.
Púrpura: El púrpura significa estabilidad y energía.
Se asocia a la
realeza, el poder, nobleza, lujo, riqueza y ambición.
Se asocia con la
sabiduría, la creatividad, la independencia y la dignidad.
Este color
también se asocia con la magia y el misterio.
Azul: Se asocia con estabilidad, calma, tranquilidad, descanso, reposo
y profundidad.
Representa infinito, dinamismo y distancia.
Significa
lealtad, confianza, sabiduría, verdad, fe e inteligencia.
Negro: El negro representa misterio, muerte, poder, autoridad,
fortaleza, formalidad, elegancia, seriedad y prestigio. Se asocia al
miedo, a lo tenebroso y a lo desconocido.
UNIDAD III
TÉCNICAS PICTÓRICAS
CARBONCILLO
La técnica del dibujo al carboncillo es aquella que emplea el carboncillo o carbonilla para su
ejecución. La carbonilla es una barra de carbón de origen vegetal que se utiliza para dibujar. Es un
pigmento no graso, por tanto no tiene buena fijación al papel.
• Materiales
Para dibujar con esta técnica necesitamos barras de carboncillo de distintos grosores. Otro
elemento indispensable es el difumino, que es una barra de papel concentrado con forma de lápiz
que se utiliza para suavizar las líneas y difuminar las sombras. También se utilizan para este
procedimiento, la goma de miga de pan, trapos y esponja.
• Características
El carboncillo es un medio ideal para dibujar con rapidez y eficacia. Este instrumento ofrece un
pigmento no graso que resulta más sucio y menos adherente al papel. Estas características son
positivas ya que permite una fácil difuminación y el borrado, lo que lo hace ideal para el estudio de
luces y sombras, del cuerpo humano, de la composición.
• Ventajas
Esta técnica nos permite mediante el simple trazado del contorno de la figura y un par de manchas
que se correspondan con la sombra propia y la proyectada, conseguir la representación de una
figura geométrica.
El difuminado de manchas nos permite dar volumen a las piezas. Dicho difuminado puede hacerse
con el dedo.
Para aclarar las zonas iluminadas se resta color pasando el dedo limpio o un paño limpio.
LÁPICES DE COLOR
• Antecedentes
Los lápices de colores ya se usaban con frecuencia en la Francia del siglo XVI para la realización
de retratos. Esto se debía a la rivalidad que siempre tuvo el dibujo con la pintura. Los lápices
permitían obtener resultados pictóricos con una técnica dibujística.
Sin embargo, no se empezaron a fabricar industrialmente hasta el siglo XIX.
Las posibilidades plásticas de los lápices de color, han tenido a pintores he ilustradores desde que
este medio existe. Los han utilizado solos o mezclados con otras técnicas, pero en cualquier caso,
han demostrado que con ellos las posibilidades de expresión artística son amplias.
También, el lápiz a color es un esplendido medio auxiliar para otros cometidos, como bocetos
ilustraciones, carteles, diseños, story boards etc.
• Características
Son bastante fáciles de utilizar en comparación con otras técnicas de ilustración,
haciendo casi igual uso que el lápiz de grafito, sólo que se podría decir que el de color
es más fino y con acabado más satinado.
Otra característica representativa es su transparencia, esto quiere decir que se pueden
realizar varias capas y combinar c olores para obtener distintas tonalidades; se puede
decir que los colores reflejan estados de ánimo de la obra en sí, definidos por su grado de
tonalidades, impresión y presión.
• Composición
El lápiz de color consiste en una barrita de madera con una mina coloreada en su interior, más
dura y fina que los colores pastel, pero con mayor facilidad de uso. La mina se compone,
actualmente, de cera y resina con pigmento de color. Al igual que ocurre con los lápices de grafito,
hay lápices de colores de distintas durezas, aunque éstas no suelen venir indicadas.
• Ventajas
- Riqueza de tonos
- Posibilidad de hacer tramas y fusiones
- Posibilita las variaciones vibrantes en los paisajes y los reflejos suaves en los desnudos
- Son prácticos y de uso inmediato
PASTEL
• Antecedentes
El desarrollo de la pintura al pastel a lo largo de la Historia del Arte va ligado a la conquista del
dibujo como técnica independiente y no sólo como complemento de la pintura con pincel. Su
nombre deriva de la palabra pasta, la masa que se forma al mezclar los pigmentos en polvo con la
goma que los aglutina.
El pastel empieza a utilizarse como un medio seco y rápido de aplicar
color al dibujo para potenciar los volúmenes y acercarse un poco más a la realidad con el soporte
del color, principalmente en el retrato y la pintura de figura. Es una técnica que se emplea en la
pintura desde el siglo XV, pero fue en el siglo XVIII cuando se empezó a usar de manera habitual
en el dibujo y la pintura. En el siglo XVIII ya es una de las técnicas mas utilizadas entre pintores de
la corte francesa, y ha dejado de formar parte del dibujo para convertirse en un medio pictórico
con personalidad propia. Más tarde, los impresionistas la adoptan por la luminosidad de sus
matices. A partir de entonces estará presente y será protagonista de todos los movimientos
artísticos hasta nuestros días. Si en sus principios el pastel fue un complemento del dibujo en la
pintura del retrato, hoy en día es una técnica que no conoce barreras temáticas, estilísticas ni de
concepto.
• Características
El pastel es un medio pictórico que ha resultado atractivo a infinidad de artistas, tanto por la
luminosidad e intensidad del color, debida a la gran proporción de pigmento que las barras
contienen, como por la sencillez de su manejo, puesto que no requiere paleta, pinceles ni
sustancias diluyentes.
El hecho de que el pastel sea una técnica seca proporciona al pintor la
ventaja de la rapidez, ya que no se ve obligado a esperar a que la pintura se seque para aplicar
nuevas capas encima. Esta pintura, además, encierra una interesante versatilidad que permite
pintar con finas líneas superpuestas, hacer veladuras y también trabajar con empaste y colores
saturados.
Las barras pastel son más o menos blandas según la calidad del ligante; las más blandas son las
más brillantes pero también las más frágiles.
Por el contrario, los colores de pastel figuran entren
los más sólidos. Pueden mantener su brillo durante siglos. Por ello hay que utilizarlos sobre papel
sin ácido, garantía de longevidad y muy resistente a la luz.
Aterciopelados, luminosos, los colores
de pastel seco pueden superponerse o yuxtaponerse porque no se mezclan con facilidad. Se
difuminan para crear sombras y luces sutiles.
Se recomienda, por tanto, un papel en grano
pronunciado o con una superficie abrasiva que retiene los pigmentos. Elegir un papel de color
confiere profundidad a la pintura o el dibujo y resalta la energía del color de pastel
• Composición
La pintura de pastel está compuesta de pigmento puro, yeso y cola (goma o resina). Con esta
mezcla se hace una pasta que se modela para darle forma de barra, y se deja secar. La calidad y
el tipo de pastel están condicionados por las proporciones de esta mezcla en la pintura; los
pasteles de gran calidad no llevan yeso en su composición, ya que se trata prácticamente de una
barra de pigmento puro.
Por esta razón, los colores de la pintura al pastel son limpios, intensos y
saturados; con los que permiten al artista realizar bellas obras de gran contraste y luminosidad.
• Soportes
El soporte "normal" para la pintura al pastel es un buen papel de color uniforme. Y si hemos
entrecomillado el calificativo "normal" es porque son posibles otros soportes, como lo fueron
ciertas telas de seda y terciopelo usados antiguamente, tejidos en los que el pastel se incrustaba
con facilidad. Hoy día disponemos de excelentes papeles de color con una amplia gama de
matices y variedad de texturas para poder escoger aquel que mas convenga a nuestra futura obra,
la cual podremos iniciar a partir de la entonación de fondo dada por el papel y que será una u otra
según lo que el tema aconseje. Cuando se trabaje de una marina, por ejemplo, lo mejor será
utilizar un papel de tonalidad fría: un gris azulado, pongamos por caso. Si el tema fuese un retrato,
lo mas lógico sería decantarse por un papel gris o cálido, de la gama de los sienas o tierras.
ÓLEO
A partir del siglo XVII con el arte barroco los pintores eligieron como soporte favorito de sus
pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este más práctico para la elaboración de grandes
composiciones, que la tabla. De tal forma tomó importancia el material empleado por los artistas
que se empezó a emplear la palabra lienzo u óleo en lugar de cuadro para designar las obras
pictóricas. Los primeros grandes artistas de pintura al óleo fueron los flamencos.
Van Eyck utilizaba el óleo con gran precisión y los venecianos (Tiziano) lo ampliarán
aprovechando las posibilidades de textura de la pintura con base de aceite. La perspectiva aérea
la desarrolla Leonardo de Vinci (la Gioconda) El flamenco Rubens, pintor barroco parte de una
base oscura o neutra. Estos pintores se caracterizaban por ser directos en grado extremo (capas
con gran vitalidad y mínimas correcciones). Rembrandt creará el "grisaille"; éste se convirtió en el
método académico en el siglo XVIII. En el Romanticismo hay mayor libertad técnica. En el
impresionismo los pintores usan una técnica más directa. En el expresionismo abstracto hay un
intento de primar la expresión en lugar de la corrección técnica, igual que los neoexpresionistas.
CARACTERÍSTICAS
Las pinturas al óleo aportan mucha capacidad de representación porque nos permiten crear
muchas tonalidades y la calidad de los colores es muy alta. Se puede trabajar despacio porque se
seca lentamente, lo que permite hacer degradados, fundidos y sombreados tranquilamente
mientras observamos la realidad. Pero sobretodo su éxito radica en que una vez seca, la pintura
continúa teniendo un color vivo y potente, gracias a sus bases aceitosas.
VENTAJAS
• Permite empastes y veladuras. Las pinturas al óleo se pueden disolver con aceites, esencia de
trementina y otros medios para óleo y también se pueden espesar utilizando pigmentos y
oleopasto, una masa espesa especial para mezclar con óleos.
• Es una técnica persistente en el tiempo por la buena calidad de las pinturas. El óleo existe desde
finales del siglo XIV, y las obras de arte continúan con un color fresco y vivo, después de algunos
procesos de limpieza y restauración.
MATERIALES
Entre los instrumentos necesarios para la realización o confección de pinturas al óleo encontramos
los pinceles (pueden ser de cerdas blandas o duras y de diferentes tamaños), las espátulas, el
caballete y la paleta. Múltiples son los soportes que admiten las pintura al óleo entre ellos los que
más destacan son el muro, la tabla y el lienzo.
ACUARELA
La historia de la acuarela está íntimamente ligada a la historia del papel, inventado por los chinos,
aunque tiene como antecesores a los egipcios, que aplicaron sobre el papiro pinturas, primero con
tintas planas y, posteriormente, tintas desvanecidas, en dibujos y pinturas consiguiendo los
primeros claroscuros.
Por otra parte la llamada pintura de fresco "boun", en realidad es una acuarela especial que se
usaba para pintar las paredes sobre yeso mojado, técnica que se utilizó para los murales de la
Capilla Sixtina.
En el siglo VIII, los chinos, utilizaron la acuarela para decorar la seda y pintar sobre papel de
arroz. En Europa, durante el medioevo, se utilizó para la decoración de los manuscritos, para lo
que se empleaban pigmentos solubles en agua, aglutinados con un densificador derivado del
huevo.
Los frescos medievales se fabricaban con una base de pintura blanca a la que se le añadían
distintos pigmentos diluidos en agua.
La invención de la pintura al óleo por los maestros flamencos, declinó un poco el interés por la
pintura al fresco y la acuarela fue relegada como el vehículo para hacer bocetos preliminares o
como una herramienta para estudios.
La primera escuela de acuarela europea data del 1471 por la influencia del pintor Albrecht Dürer,
que utilizo con maestría esta técnica creando escuela, aunque debemos reconocer que, el
verdadero avance se produjo en Inglaterra en el siglo XVIII, proceso que se vio favorecido por el
avance tecnológico que desarrolló la Inglaterra imperialista. Se mejoró la producción y la calidad
del papel y de los pigmentos que llegaban a los puertos británicos, procedentes de todas las
partes del mundo.
CARACTERÍSTICAS
Característica principal de la técnica la transparencia. Esto implica la superposición de capas finas
de pintura, una sobre otra. Además se basa en la blancura del papel para obtener efectos y toques
de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más profundo. Es necesario
trabajar con la técnica de acuarela con rapidez.
Desgraciadamente este efecto de la luz hace más vulnerable la acuarela.
VENTAJAS
La acuarela tiene las siguientes ventajas:
Obras muy vivas.
Es una de las mejores técnicas para la representación del agua.
Un color y una fusión de los colores muy bella.
Si se sabe trabajar, la luz en la acuarela es radiante y potente.
El grafismo y la textura del material, normalmente papel de grano visible, le aporta una gran
cualidad plástica.
MATERIALES
Las herramientas más necesarias para acuarela son: pinceles, colores, papel, una paleta y
tableros donde se tensará el papel.
Papel y cartulina:
No todas las cartulinas tienen el mismo peso, textura, o grosor, existen
diferentes clases de cartulinas y de papel de acuarela. El tamaño estándar de papel de acuarela
es de 70 x 100 cm. Puedes comprar hojas enteras o medias hojas (50 x 70).
Los Colores:
La paleta debe traer una relación de colores que incluye un color cálido y otro frío de
cada uno de los colores primarios
ACRÍLICO
Se trata de una técnica que emplea los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero
diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética (hecha a partir de ácido
acrílico). El medio así resultante es soluble en agua. Su secado es rápido y el acabado mate
(menos medio acrílico) o brillante (más medio).
En los años 50’ fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran auge en el mercado,
particularmente en los Estados Unidos; también surgieron nuevas técnicas artísticas originadas
por Noland, Pollock, Rothko y Motherwell.
Esta técnica se asocia al Arte contemporáneo sobre todo desde la década de los cincuenta,
principalmente en el ámbito americano del expresionismo abstracto (Pollock, Rothko ... ) y entre
los pintores de los valores geométricos y del Pop Art (Warhol, Wesselmann... ).
El desarrollo de la pintura acrílica como medio artístico se produjo a consecuencia de un
imperativo social. En los años 20, un grupo de pintores mexicanos, en especial José Clemente
Orozco (1883-1949), David Alfaro Siqueiros (1896-1974) y Diego Rivera (1886-1957), querían
pintar grandes murales para edificios públicos, algunos de ellos en los muros exteriores,
expuestos al aire libre. Comprobaron que el óleo no duraría mucho en tales condiciones, y
experimentaron con el fresco, pero esto tampoco resultó práctico. Necesitaban una pintura que se
secase rápidamente y permaneciera estable ante los cambios climáticos. En realidad, lo que
necesitaban existía ya desde hacía tiempo en el campo industrial, pero nunca se había empleado
como vehículo para pigmentos: las resinas plásticas.
CARACTERÍSTICAS
Como características destacadas del acrílico podemos mencionar las siguientes:
-Su luminosidad, que permite obtener gamas de color muy amplias
-La fluidez en las mezclas, por lo que las mezclas entre diferentes colores son fáciles con tan solo
removerlos un poco,
-Secado y contracción, que afecta por igual a todo el volumen pictórico, por lo que se pueden
emplear grandes empastes de pintura, y secarán con igual estabilidad que si de una simple
pincelada se tratase.
-Estabilidad a la luz, que significa una gran resistencia al deterioro cromático que viene dada por el
propio medio que protegerá los pigmentos.
VENTAJAS
La ventaja de esta técnica, que hace que muchos artistas la hayan adoptado una vez que se
ofreció en el mercado en los años 50, es que es de secado muy rápido, más barata que el óleo,
cómoda de aplicar, limpiar y de larga duración.
MATERIALES
Los soportes son similares a los del óleo, esto es, lienzos, tablex, cartón, cartón pluma, madera,
papel, etc. Se puede utilizar prácticamente cualquier tipo de pincel, brocha y espátula.
GODETE: Se puede utilizar cualquier paleta, aunque son preferibles las de plástico, ya que se
limpian fácilmente después de cada sesión
DISOLVENTE: EL AGUA es el disolvente que se utiliza para la pintura acrílica, también para la
realización de veladuras, limpieza de utensilios, etc. Una vez seca la pintura, se hace resistente al
agua.

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