Descargar catálogo BIM 2014
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2 . Sobre la BIM / About BIM del 20 de noviembre al 20 de diciembre ca tá lo go 2014 EDUNTREF Denegri, Andrés. Catálogo BIM 2014 / Andrés Denegri y Gabriela Golder.- 1a ed.- Sáenz Peña: Universidad Nacional de Tres de Febrero, 2015. 280 p.; 23x15 cm. ISBN 978-987-1889-59-4 1. Artes Visuales. I. Golder, Gabriela II. Título CDD 778.5 © Catálogo BIM 2014 / Denegri, Andrés y Golder, Gabriela © de esta edición UNTREF (Universidad Nacional de Tres de Febrero) para Eduntref (Editorial de la Universidad Nacional de Tres de Febrero). Reservados todos los derechos de esta edición para Eduntref (UNTREF), Mosconi 2736, Sáenz Peña, Provincia de Buenos Aires. www.untref.edu.ar Primera edición mayo de 2015. Hecho el depósito que marca la ley 11.723. Queda rigurosamente prohibida cualquier forma de reproducción total o parcial de esta obra sin el permiso escrito de los titulares de los derechos de explotación. Impreso en la Argentina. 4 . Sobre la BIM / About BIM Sobre la BIM Palabras del rector / Words from the chancellor . 9 Aníbal Y. Jozami Sobre la BIM / About BIM . 11 Andrés Denegri y Gabriela Golder About BIM PREMIO / AWARD NORBERTO GRIFFA A LA CREACIÓN AUDIOVISUAL LATINOAMERICANA PROGRAMACIÓN programme introducción / introduction . 15 jurados / jury . 17 obras seleccionadas / selected works . 21 exposiciones / exhibitions . 71 proyecciones / screenings . 109 actividades especiales / special activities . 257 6 . Sobre la BIM / About BIM SOBRE LA BIM A B O U T BIM 2014 B I M palabras del rector / Words from the chancellor Por / by Aníbal Y. Jozami Rector Untref / Director Muntref Untref chancellor / Muntref director 8 . Sobre la BIM / About BIM Since its beginnings, the Untref has given special importance to innovation and the development of new technologies. At the same time, the desire to internationalize the university has also been essential, in order to prevent the possibility of becoming intellectually insular from other schools of thought, and to provide our graduates and students with opportunities for development outside Argentina. The Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), produced by the Universidad Nacional de Tres de Febrero and created three years ago thanks to the drive and creativity of Andrés Denegri and Gabriela Golder, is one of the areas of our activ- ity where these two paradigms overlap. This Biennale will give an appreciation of the best of experimental video and film being produced internationally and bring out creators into contact with their peers from the rest of the world, while at the same time contributing to taking our creative output to a wider audience. The cultural expansion work that we have been doing through the Muntref for over twelve years takes on a new significance in the continuity of this Biennale. I would like to offer my most sincere thanks to all those at Untref and Muntref who make this possible. .9 catálogo BIM 2014 Desde sus inicios, la Untref dio especial importancia a la innovación y al desarrollo de nuevas tecnologías. Asimismo, fue clave en nuestra trayectoria el deseo de internacionalizar la universidad tanto para superar a nivel intelectual la posibilidad de insularización del pensamiento como para brindar a nuestros graduados y estudiantes posibilidades de desarrollo que no se limitaran a nuestro país. La Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), producida por la Universidad Nacional de Tres de Febrero y creada tres años atrás por el impulso y creatividad de Andrés Denegri y Gabriela Golder, es uno de los ámbitos de nuestro accionar en los que los dos paradigmas a que hacíamos referencia se entrelazan. Esta bienal permitirá apreciar lo mejor del video y cine experimental que se está haciendo a nivel internacional y acercará a nuestros creadores a sus pares del resto del mundo, al tiempo que contribuirá en la difusión de nuestra producción. La tarea de expansión cultural que venimos realizando a través del Muntref desde hace ya doce años encuentra en la continuidad de esta BIM una nueva significación. Mi más sincero agradecimiento a todos los que desde la Untref y el Muntref hacen esto posible. Sobre la BIM / About BIM Por / by Andrés Denegri y Gabriela Golder Directores BIM / BIM directors 10 . Sobre la BIM / About BIM . 11 catálogo BIM 2014 Las artes audiovisuales presentan una esencia singular, mixta, que comparte una fuerte tendencia a la alternatividad con la incursión en el terreno del arte contemporáneo de mayor institucionalización. Históricamente, el cine experimental ha seguido un comportamiento endogámico. Sin ser reconocido como cine por la mayoría y al ser generalmente ignorado por el campo del arte, desarrolló su propio terreno que lo llevó a conservar, salvo en casos excepcionales, una conducta insular. La irrupción de los equipamientos de video de comercialización masiva a mediados de la década del sesenta fue rápidamente aprovechada por varios artistas integrados al circuito del arte contemporáneo que comprendieron la riqueza estética de este nuevo soporte. Las décadas del ochenta y del noventa delinearon la consolidación del video en los espacios del arte, pero eso no condicionó la riqueza y abundancia de las propuestas que se generaron desde terrenos marginales, en los que el video siempre se sintió mucho más cómodo que en un gran museo. En el desarrollo de esta historia, nuestro momento es especialmente valioso. Debido al vértigo del desarrollo tecnológico, el cine y el video ven transformada su realidad tanto en los ámbitos de más sólida institucionalidad como en los espacios marginales. Hoy, con el desarrollo del cine digital, los soportes fílmicos son desterrados de la industria del entretenimiento y se mantienen solo en el terreno del arte, solo para aquellos artistas que comprenden su valor poético y dominan el oficio del cineasta. Al mismo tiempo, el video se ha diversificado exponencialmente. Casi todos llevamos una cámara de alta definición en nuestro bolsillo como parte de esas herramientas omnifuncionales que son los dispositivos de comunicación móvil. En el universo de la selfie y la Internet de alta velocidad, seguir pensando el video como en la década del setenta es un sinsentido. Esta segunda edición de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), producida por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Untref) y pensada como un lugar de encuentro entre creadores, investigadores, estudiantes, productores culturales y el público amante de las artes audiovisuales en sus expresiones más diversas, tiene como objetivo fundamental generar un abanico de propuestas hacia el que dirigirse en busca de res- puestas a las cuestiones que presenta este nuevo universo audiovisual. Es un escenario que comprende las singularidades más extremas del cine y del video, en el que estas herramientas estéticas se pueden pensar desde la historia y la contemporaneidad de sus especificidades más propias. The audiovisual arts have a particular, mixed essence that shares a strong leaning towards the alternative with the incursion into the terrain of more institutionalized contemporary art. Historically, experimental cinema has been more inbred in its behaviour. While not recognised by most as cinema and generally ignored by the art world, it made its own ground that resulted in its presering, save some exceptional cases, an insular attitude. The boom in mass market video equipment in the 1970s was quickly harnessed by various artists on the contemporary art circuit who understood the aesthetic richness of this new format. The 1980s and 90s saw video consolidated in art spaces, without compromising the wealth and abundance of ideas generated from marginal areas, where video always felt far more comfortable than in a great museum. In the course of this history, today is especially valuable. Due to vertiginous technological development, the reality of cinema and video is being transformed both in the most staunchly establishment areas and in the spaces in the margins. Today, with the development of digital cinema, celluloid formats have been banished from the entertainment industry and remain only in the fi eld of art, only for those artists who understand their poetic value and master the fi lmmaker’s trade. At the same time, video has diversifi ed exponentially. Almost all of us carry a highdefinition camera in our pockets as part of those omnifunctional tools that are mobile communication devices. In the world of the selfi e and high-speed internet, there is no sense in continuing to think of video as in the 1970s. This second edition of the Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), produced by the National University of Tres de Febrero (Untref), is conceived as a meeting place for creators, researchers, students, culture producers and anyone who loves audiovisual art in all its diverse expressions. Its fundamental aim is to offer a range of proposals in which one may find answers to questions asked by this new audiovisual universe. The BIM is a comprehensive stage for all the most extreme uniqueness of fi lm and video, where these aesthetic tools can be considered from the perspective of the history and the contemporaneity of their most essential particularities. 12 . Sobre la BIM / About BIM PREmIO w a r d Norberto Griffa a la Creación AUDIOVISUAL Latinoamericana . 13 catálogo BIM 2014 a 14 . I N T R O D U C T I O N introducción The Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana is one of the main activities at BIM. The call for works, then shaping the works into a selection and programs means outlining an aesthetic scenario of audiovisual arts in Latin America today. It is an action that leads us to reflect on the content of the exhibition and its subsequent discourses, as well as the symbolic place where this prize is situated. A corpus of works is formed in which we search for answers to questions that arise in a constant reality at leading international experimental cinema and video exhibition spaces, where Latin American works are hardly ever present. With this prize we seek to create a different context; it is an aesthetic policy that arises from what Latin American creators put forward. Consequently, non-hierarchical dialogues are generated between central and peripheral countries with the intention of producing symbolic, historic and conceptual shifts and redefinitions of audiovisual arts. . 15 catálogo BIM 2014 El Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana es una de las actividades principales de la BIM. Realizar una convocatoria de obras, conformar con ellas una selección y luego programas implica delinear un paisaje estético de las artes audiovisuales en la Latinoamérica contemporánea. Es un gesto que nos propone reflexionar sobre los contextos de exhibición y sus consecuentes discursos, así como sobre el lugar simbólico en el que este premio se sitúa. Se conforma un corpus de obras en las que buscar respuestas a preguntas que surgen frente a una realidad constante en los principales espacios internacionales de exhibición dedicados al cine y video experimental: en ellos, las obras latinoamericanas casi no están presentes. El Premio busca crear un contexto diferente: constituye una política estética que surge de las propuestas de creadores latinoamericanos. De esta manera, se generan diálogos entre países centrales y países periféricos en un sentido horizontal con la intención de producir desplazamientos y redefiniciones simbólicas, históricas y conceptuales sobre las artes audiovisuales. 16 . j u r y j u r a d o s Claudia Aravena Abughosh / Chile Visual artist, Audiovisual Communicator and Master’s Degree in Cultural Studies, Universidad Arcis, Santiago de Chile. Besides her continuing visual arts production, she teaches at the Schools of Arts and Visual Culture, and Film (Universidad Arcis), Graduate School of Arts (Universidad de Chile) and at the Visual Arts School (Universidad Diego Portales and Uniacc). She has participated in several solo and group exhibitions during his career, including the Bienal de Arte in La Havana (2009), VI and VII Biennial of Video and New Media in Santiago (2007) and the Triennial of Chile (2009) in the Museum of Contemporary Art in Santiago, plus the exhibition Handle with Care (2007) in the same institution. La operaciónverdad, o la verdad de la operación, collective exhibition at the Museo de la Solidaridad Salvador Allende (2010), Circa Berlin in the NikolajContemporary Art Center inCopenhagen (2005), From the Other Site/Side at the Museum of Contemporary Art in Seoul (2006), Video-Forum, NBK in the Tamayo Contemporary Art Museum in Mexico City (2006), among others exhibitions in Chile, Latin America, Europe and Asia. He has also participated in several international film festivals, among which are the International Documentary Film Fest in Paris, the Palermo International Video Art Festival in Italy, the International Documentary Film Festival of Leipzig in Germany, the IX International Documentary Film Festival in Lisbon, among others. In 2002 she received a nomination to the Altazor Award in the category installation and video art by Lugar común, coauthored with Guillermo Cifuentes. . 17 catálogo BIM 2014 Artista visual, comunicadora audiovisual y magíster en Estudios Culturales de la Universidad Arcis. Docente en las escuelas de Arte y Cine de la Universidad Arcis, la Universidad Diego Portales, la Universidad de Chile y UNIACC. Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas durante su carrera, entre ellas la Bienal de Arte de La Habana (2009), VI y VII Bienal de Video y Nuevos Medios de Santiago (2007) y la I Trienal de Chile (2009) en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, además de las muestras Handle with Care (2007) en la misma institución, La operación verdad, o la verdad de la operación, exposición colectiva en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende (2010), Circa Berlín en el Nikolaj Contemporary Art Center de Copenhague (2005), From the Other Site/Side en el Museo de Arte Contemporáneo de Seúl (2006), Video-Forum, NBK en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo de ciudad de México (2006), entre otras exposiciones en Chile, América Latina, Europa y Asia. Además, ha participado en varios festivales internacionales de cine, entre los que se encuentran el International Documentary Film Fest en París, el Palermo International Video Art Festival en Italia, el International Documentary Film Festival of Leipzig en Alemania, el IX International Documentary Film Festival en Lisboa, entre otros. En el año 2002 recibió una nominación al Premio Altazor de las Artes Nacionales en la categoría instalación y videoarte por Lugar común en coautoría con Guillermo Cifuentes. Lauren Howes / Canadá Trabaja como directora ejecutiva del Canadian Filmmakers Distribution Centre desde 2006. Antes de instalarse en Toronto, trabajó como ejecutiva de distribución en la sección Video Out Distribution de VIVO Media Arts en Vancouver. Debido a su trabajo como distribuidora, asiste a numerosos festivales de cine y mercados de arte medial en el mundo entero y promueve el arte medial canadiense. Presentó curadurías en Dublín, San Pablo, Río de Janeiro, Hamburgo, París, Londres, Berlín y Seúl. Se graduó en 1996 con un BFA en Film Production en la Simon Fraser University. Howes actualmente es presidente del Board of the Media Arts Network of Ontario (MANO ) y ha colaborado con el Board of Independent Media Arts Alliance entre 2008 y 2010. Lauren Howes assumed the role of Executive Director of CFMDC in September 2006. Prior to coming to CFMDC, she was the Distribution Manager of Video Out Distribution in Vancouver, BC from 2002-2006. Howes has programmed screenings of Canadian Media Art for events in Vancouver, Toronto, Dublin, Hamburg, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Seoul and London and was selected as a Goethe Scholar to participate in the Living Archive program 2013 at Arsenal - institut für film und videokunst in Berlin. Howes currently sits on the Board of Directors at the Toronto Arts Council. She graduated from Simon Fraser University with a BFA in Film Production and endeavors to make films when possible, outside of the demands of arts administration. 18 . Jurado / jury Claudia Joskowicz / Bolivia Artista plástica boliviana, vive y trabaja en Nueva York y en Santa Cruz de la Sierra. Obtuvo un magíster en Artes Plásticas de la New York University en el año 2000. Sus exposiciones individuales incluyen LMAK Projects, Forever & Today, Inc., Thierry Goldberg Projects y Momenta Art en Nueva York; Dot Fiftyone en Miami; California Museum of Photography en Riverside, California; Glalería ACBEU en Salvador, Brasil; Espacio Simón Patiño y Museo Nacional de Arte de La Paz y el Centro Cultural Santa Cruz y Galería Kiosko en Santa Cruz (Bolivia), y Lawndale Art Center en Houston para la Bienal de Fotografía Fotofest. Joskowicz es docente en el departamento de artes plásticas Steinhardt de la New York University. . 19 catálogo BIM 2014 Claudia Joskowicz lives and works in New York and Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. She received her MFA from New York University in 2000. Solo exhibitions include shows at LMAK Projects, Forever & Today, Inc., Thierry Goldberg Projects, and Momenta Art in New York; Dot Fiftyone Gallery in Miami; California Museum of Photography in Riverside, California; Galeria ACBEU in Salvador, Brazil; Espacio Simón Patiño and Museo Nacional de Arte in La Paz, Centro Cultural Santa Cruz and Galería Kiosko in Santa Cruz (Bolivia); and Lawndale Art Center in Houston. S e l e c t e d w o r k s obras seleccionadas 20 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Vii Pulgadas / Vii Inches Cristian Alarcón Ismodes Perú / Peru | 2013 Un viaje a través de un imaginario infantil construido por un militarismo endémico y un catecismo servil a los fines del poder. Basado en un rezo popular que se canta a los niños como canción de cuna y que aún se repite en las escuelas de Latinoamérica. A journey through a child’s imaginary built by endemic militarism and servile catechism for the purposes of power. Based on a popular prayer sung to children as a lullaby and still repeated in schools in Latin America. Artista audiovisual peruano. Su obra se desarrolla en una variedad de formatos, como el videoarte, la animación, el documental, la instalación, la intervención del espacio público, el video mapping y el dibujo. Ha participado en diferentes festivales, bienales y exhibiciones internacionales tanto de arte como de cine y video. Ha sido merecedor de varias distinciones y becas, como la Beca Iberoamericana de Creación Artística de la SEGIB y la Casa de Velázquez 2013. Peruvian audiovisual artist. His work uses a variety of formats, including video art, animation, documentary, installations, public space intervention, video mapping, and drawing. He has taken part in various international festivals, biennales and exhibitions in both film and video. He has won various distinctions and grants, such as the Ibero-American Artistic Creation Grant from the SEGIB and the Casa de Velázquez 2013. . 21 catálogo BIM 2014 10’ 10’’ | HDV | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file A Cassette / On Cassette David Rubén Marcial Valverdi Argentina | 2013 12’ 25’’ | HD | ByN / B&W / Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file El autor planea acceder a la memoria de su difunta madre a partir de fotos y objetos. ¿Recordará ella su propia muerte? ¿Y si sus recuerdos fueran diferentes de los del director? The director plans to reach the memory of his late mother through photographs and objects. Will she remember her own death? And what if her memories are different from his? Estudiante de Diseño de Imagen y Sonido (UBA), dirigió su primer corto, 112, en 2011. En 2013 presentó A Cassette, que recibe el premio Mejor Documental en Festicine Pehuajó y en Pehuén Cortos; el premio Mejor Edición Extranjera en el festival Plasma en Corto (México) y la Mención especial en el Festival Ventana Andina. Actualmente trabaja en su documental Yo soy uno y ustedes dos tras participar del Buenos Aires Doclab. Image and Sound Design student (UBA), directed his first short 112 in 2011. In 2013 he presented On Cassette, which won the Best Documentary prize at Festicine Pehuajó and at Pehuén Cortos; the Best Foreign Editing prize at the Plasma en Corto Festival (Mexico) and the Special Mention at the Ventana Andina festival. He is currently working on his documentary I Am One and You Are Two after participating at Buenos Aires Doclab. 22 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Abecedario / ABC Colectivo Los Ingrávidos México / Mexico | 2014 04’ 55’’ | 16mm/HD | ByN / B&W | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Abecedario es un intento por transformar la experiencia cinematográfica en una muerte fílmica, en una ejecución fílmica. La experiencia audiovisual de la actual guerra civil mexicana. ABC is an attempt to transform the Davani Varillas, Guenia Varillas, Rosario Gonzales, Marina Herrera, Rodrigo Cerbón, Cristóbal Serrá, Antonio Jiménez, Ángel Linares, Oswaldo Varillas. Davani Varillas, Guenia Varillas, Rosario Gonzales, Marina Herrera, Rodrigo Cerbón, Cristóbal Serrá, Antonio Jiménez, Ángel Linares, Oswaldo Varillas. The Colectivo Los Ingrávidos came about from the need to break up the audiovisual grammar that the aesthetic-televisual corporate spirit has used and still uses to effectively guarantee the diffusion of an audiovisual ideology through which a continuous social and perceptive control is maintained on most of the population. . 23 catálogo BIM 2014 El Colectivo Los Ingrávidos surge de la necesidad de desarticular la gramática audiovisual que el corporativismo estético-televisivo ha utilizado y utiliza para garantizar de manera eficaz la difusión de una ideología audiovisual por medio de la cual se mantenga un continuo control social y perceptivo sobre la mayoría de la población. cinematic experience into a filmic death, a filmic execution. The audiovisual experience of the current Mexican civil war. Aequador Laura Huertas Millán Colombia-Francia / France | 2012 19’ 42’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Una relación de viaje sin palabras por el río Amazonas, atravesando un paisaje poblado por construcciones modernistas abandonadas, ruinas o recuerdos de una utopía del pasado engullida por la naturaleza. Aequador, país a la vez ficticio y real, documental y ciencia ficción, evoca los restos de ciertas políticas progresistas del siglo XX en las selvas de Latinoamérica y su cohabitación con el presente. Mezclas de documental y ficción, sus filmes indagan en los recovecos del exotismo y la etnografía. Sus obras han sido exhibidas en museos y galerías, como el Guggenheim Museum, el Palais de Tokyo, la Haus der Kulturen der Welt, AwZ Viena y el CCCB de Barcelona, entre otros, y en distintos festivales. Graduada de la escuela de Bellas Artes de París y Le Fresnoy, actualmente cursa un doctorado en la École Normale Supérieure de París y la Escuela de Bellas Artes. Es investigadora afiliada al Sensory Ethnography Lab en la Universidad de Harvard. A wordless travel chronicle up the Amazon River through a landscape dotted with abandoned Modernist constructions, ruins or souvenirs of a past utopia engulfed by nature. Aequador, a fictitious and real country, part-documentary, part-science fiction, evokes the remains of certain 20th-century progressive policies in the jungles of Latin America and their coexistence with the present. Combining documentary and fiction, her films explore the recesses of exoticism and ethnography. Her works have been exhibited in museums and galleries including the Guggenheim Museum, the Palais de Tokyo, the Haus der Kulturen der Welt, AwZ Viena and the CCCB in Barcelona, and at different festivals. A graduate of the School of Fine Arts in Paris and Le Fresnoy, she is currently studying for a PhD at the École Normale Supérieure in Paris and the School of Fine Arts. She is an affiliated researcher at Harvard University’s Sensory Ethnography Lab. 24 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Ano Branco / Año Blanco / White Year Luiz Roque “A partir del primero de enero de 2031 la Organización Mundial de la Salud va a quitar la transexualidad, ICD 10 F 64, de su lista de enfermedades”. “From 1 January 2031 the World Health Organization, will remove transsexuality, ICD 10 F 64, from its list of diseases”. Su trabajo ha sido expuesto en muestras de cine y exposiciones de arte contemporáneo en diversos países desde del inicio de los años 2000. His work has been shown at film festivals and contemporary art exhibitions in various countries since the early 2000s. . 25 catálogo BIM 2014 Brasil / Brazil | 2013 7’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Antonio Gil Lía Dankser Argentina | 2000-2013 80’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file ¿Ofrenda? Todos los años, cada 8 de enero, en las proximidades del santuario del Gauchito Antonio Gil, registros de todos sus devotos en lentos travellings. Surgen así las coreografías espontáneas de peregrinos, autos, carpas, colectivos, árboles, banderas, caballos. Partes del imaginario argentino, fragmentos sueltos de historias inconclusas. El indio, el gaucho, el orillero, un comerciante, la señora del paraguas rojo, un hombre con un tatuaje de Malvinas, un espinillo, un punk, el campesino, una novia, la vendedora de chipá, un mencho, el ñandubay, un doberman, un camarógrafo, muchos caballos. Otro hombre vestido de gaucho. Cada elemento es una parte viva de Antonio Gil, un fragmento de su difuminado cuerpo. Una y otra vez la cámara recorre este paisaje. Sin detenerse, sin jerarquizar, intentando capturar a través del artificio cinematográfico otro más sofisticado y complejo: el mito. L.D. Estudió cine en la ENERC. Es especialista en Teoría del Diseño Comunicacional, UBA. Desde el 2000, desarrolla una investigación artística sobre la religiosidad popular, entendida como un artefacto cultural de creación colectiva; asume el capitalismo como sistema de creencia hegemónico y se pregunta qué otras formas perviven y qué rol tienen en la gestación de nuevos modelos sociales. La videoinstalación Quiero creer (2012) y el documental Antonio Gil (2013) son parte de esa búsqueda. Offering? On 8 January every year, near the Gauchito Antonio Gil sanctuary, in very slow travelling shots, Lía Dankser tries to record all of his worshippers. Spontaneous choreographies emerge of pilgrims, cars, tents, buses, trees, horses, flags, different parts of the Argentinian imaginary, loose fragments of unfinished stories. The Indian, the gaucho, the worker, a peasant, a trader, a lady with a red umbrella, a man with a tattoo of the Malvinas Islands, a gorse tree, a punk, a bride, a woman selling chipá, a farm worker, a nandubay tree, a Doberman, a cameraman, many horses. Another man dressed as a gaucho. Each element is a living part of Antonio Gil, a fragment of his faded body. Lía Dankser moves through this scene over and over again. Without stopping; without putting one thing ahead of another, trying to capture through the artifice of cinema something even more complex and sophisticated: the myth. LD Studied film at the ENERC, and specialised in Communication Design Theory at UBA. Since 2000, she has carried out artistic research into popular religiosity, understood as a cultural artifact of collective creation; she assumes capitalism as the hegemonic belief system and asks what other forms coexist and the role they play in the gestation of new social models. I Want to Believe (2012) and Antonio Gil (2013) are part of this search. 26 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works BOB Tálata Rodríguez Argentina | 2013 05’ 37’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Escritora, performer, activista cultural y productora. Realizadora de contenidos audiovisuales literarios. A los cinco años, junto con su padre, publicó Los pájaros de la montaña soñadora. En 2013, Tenemos Las Máquinas editó su primer libro crossmedia, Primera línea de fuego, integrado por nueve poemas y nueve videoclips que han participado de varios festivales alrededor del mundo. En noviembre de este año participará de la Feria del Libro de Guadalajara. The internet is the largest book in the history of mankind. A book that is permanently being constructed and rewritten that no one will be able to read in its entirety. BOB is a chapter in that story: alternative literature (ALT-LIT), literary pop video. BOB is a story and an intervention in the old carriages from the subway line A of Buenos Aires as part of the crossmedia project First Line of Fire, created and directed by the writer Tálata Rodriguez. In this poetic prose, a woman relates the images of her unconscious to her rock and literary imaginary, hopping from Bob Dylan to Enrique Fogwill in a breeze. Writer, performer, cultural activist and producer. Creator of literary audiovisual content. At the age of five she published, with her father, The Birds of Dream Mountain. In 2013, the publishing house Tenemos Las Máquinas published her first crossmedia book, First Line of Fire, featuring nine poems and nine video clips which have participated in various festivals around the world. In November this year she will participate at the Guadalajara Book Fair. . 27 catálogo BIM 2014 Internet es el libro más grande de la historia de la humanidad. Un libro en permanente construcción y reescritura que nadie podrá terminar de leer. BOB es un capítulo en esa historia: literatura alternativa, videoclip literario. BOB es un relato y una intervención videopoética realizada en los antiguos vagones de la línea A del subte de Buenos Aires, que forma parte de la experiencia crossmedia Primera línea de fuego, creada y conducida por la escritora Tálata Rodríguez. En esta prosa poética, una mujer relaciona las imágenes de su inconsciente con su imaginario rockero y literario, yendo de Bob Dylan a Enrique Fogwill en un suspiro. Cena con amigos / Dinner With Friends Santiago Martín Deandreis Alonso Argentina | 2013 09’ 26’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Breve documental sobre ese lapso de tiempo en el que uno come y prepara la cena para disfrutarla en la mesa con aquellos a quienes más quiere. Short documentary about that period of time cooking and eating dinner, and enjoying it at the table with loved ones. Vive en Castelar, Buenos Aires y tiene 26 años. Es técnico electrónico y estudiante de Artes Electrónicas en la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Gracias a los conocimientos adquiridos durante la carreta, desarrolló junto con Juan Manuel Larrañaga Kuntur Huasi, un estudio de grabación y producción audiovisual en el que plasmar sus ideas. Lives in Castelar, Buenos Aires. 26 years old, he is an electronic technician and a student of Electronic Arts at the National University of Tres de Febrero. Thanks to the knowledge acquired during the course, he founded with Juan Manuel Larrañaga, Kuntur Huasi, an audiovisual recording and production studio where they can put down their ideas. 28 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Corea / Korea Melina Serber Argentina | 2012-2013 23’ 25’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Nació en Buenos Aires en 1986 y es diseñadora de Imagen y Sonido egresada de la Universidad de Buenos Aires (UBA). Es docente en la cátedra de Historia del Cine Argentino y Latinoamericano (UBA). Trabaja como asistente de producción y dirección en diversos proyectos audiovisuales. Escribió, produjo y dirigió este documental que ha participado en varios festivales. What happens when an eastern community from one side of the world, emigrates and settles in the west? Over time, I am getting to know the Korean community. I observe, film, interview and take photos of them, I buy from their shops, visit their churches, eat at their restaurants, and build strong ties. But I also encounter difficulties, a different culture, a language I cannot understand, fears that I cannot placate and, sometimes, a lack of interest. Because of this, and due to a connection between my personal history and immigration, I made Korea. The East in the West. Born in Buenos Aires in 1986, and graduated in Image and Sound Design from the University of Buenos Aires (UBA). She teaches History of Argentine and Latin American film (UBA). She works as a production and direction assistant on various audiovisual projects. She wrote, produced and directed this documentary, which has participated in various festivals. . 29 catálogo BIM 2014 ¿Qué sucede cuando una comunidad de un lado del mundo –oriente– migra y se radica en la otra parte del mundo –occidente–? Con el correr de los meses voy conociendo a la comunidad coreana. Observo, filmo, hago entrevistas, saco fotos, compro en sus negocios, visito sus iglesias, almuerzo en sus restaurantes, genero vínculos fuertes. Me encuentro también con dificultades, otra cultura, el idioma, el miedo y, algunas veces, el desinterés. De aquí, y por el vínculo entre mi historia personal y la inmigración, surge Corea. El oriente en el occidente. De cómo se daban poco esos indios de haber las mujeres vírgenes y de cómo usaban del nefando pecado de la sodomía (de la serie Crónicas, reloaded) (from the series Chronicles, reloaded) On how those indians did not relish virgin women and on how they incurred in the unspeakable sin of sodomy Miguel Alvear Lalley Ecuador | 2013 09’ 42’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Interpretación del actor León Sierra de un fragmento de la Crónica de Indias del sevillano Pedro Cieza de León (1520-1554), en el que narra las costumbres sexuales de una comunidad en la actual península de Santa Elena, en Ecuador. Artista visual, realizador de cine y video, gestor cultural. Su trabajo ha sido incluido en las antologías de cine experimental Visionarios, audiovisual en Latinoamérica (San Pablo, 2008) y Cine a contracorriente (Barcelona, 2010). Ha participado en exposiciones como la 55ª Bienal de Venecia (2013), Changing the Focus in Latin American Photography (2010) y la Bienal de La Habana (2006). Dirigió los largometrajes Blak Mama (2009) y Más allá del mall (2010). Actualmente es director de Creatividad de la Secretaría de Cultura de Quito. Actor León Sierra interprets a fragment from a chronicle by Spanish writer Pedro Cieza de León (15201554) in which he recounts the sexual customs of a community in what is today the Santa Elena peninsula, on the coast of Ecuador. Visual artist, film and video director, arts manager. His work has included the experimental film anthologies Visionaries, Audiovisual in Latin America (São Paulo, 2008) and Film Against the Flow (Barcelona, 2010). He has participated in exhibitions such as the 55th Venice Biennale (2013), Changing the Focus in Latin American Photography (2010), and the Havana Biennale (2006). He directed the feature films Blak Mama (2009) and Beyond the Mall (2010). He is currently Director of Creativity for the Department of Culture of Quito. 30 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Depois do almoço de domingo / Después del almuerzo de domingo / After Sunday Lunch Tula Anagnostopoulos Después de un almuerzo de domingo en familia, el abuelo termina de arreglar y limpiar el espacio de la churrasquera como de costumbre. ¿Cómo cosas tan ordinarias se van borrando de la memoria? O serían todo lo contrario, ¿las que se mantienen? After a family’s Sunday lunch, the grandfather finishes off tidying and cleaning the barbecue as usual. How can such ordinary things be erased from memory? Or on the contrary, how is it that they remain? Nació y vive en Porto Alegre. Es artista, investigadora y montadora de filmes (ficciones, documentales, experimentales, videoarte). Mestre en Poéticas Visuales por el Programa de Posgrado en Artes Visuales del Instituto de Artes de la UFRGS (Brasil) en el año de 2014, de la que también se graduó en Artes Plásticas en 1997. De 1998 al 2000 hizo el curso regular con énfasis en edición por la EICTV (Cuba). Trabaja en video y cine como realizadora y montajista. Born in Porto Alegre, where she now lives. Artist, researcher and film editor (fiction, documentaries, experimental, video art). Master’s in Visual Poetics through the Postgraduate Program in Visual Arts at the UFRGS (Brazil) in 2014, where she also graduated in Plastic Arts in 1997. From 1998 to 2000 she did the regular course at the EICTY (Cuba) with an emphasis on editing. She works with video and film both as an artist and editor. . 31 catálogo BIM 2014 Brasil / Brazil | 2012 3’ 30’’ | MiniDV y VHS | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Deshoras / An Ungodly Hour Toia Bonino Argentina | 2012 05’ | HD | Color | Mono Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file La cámara se acomoda y, como si fuera un escenario, las vacas ingresan a escena con su característica cadencia. Después deja su lugar de espectador principal para registrar lo imposible, la mirada de la vaca. La cámara colocada sobre el animal choca contra los cuernos de otra vaca, huele y arranca pasto, respira, se mueve e impide que miremos desde ella. Finalmente atardece, y los dos puntos de vista, humano y animal, incongruentes, convergen enfrentados en el ojo de la vaca que llora exhibiendo el reflejo de la autora frente a ella. Nació en Buenos Aires en septiembre de 1975. Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Es licenciada en Artes Visuales (IUNA) y licenciada en Psicología (UBA). The camera focuses on a herd of cows entering the scene as though onto a stage, moving with their particular bovine cadence. The camera then leaves the viewpoint of the main spectator to record the impossible, the cow’s point of view. With the camera attached to the animal, it crashes against the other cows’ horns, sniffs and pulls up grass, we hear her breathing. Then she moves and we can no longer watch from her vantage point. Finally, night falls and the two incongruent points of view, human and animal, converge. The camera focuses on the eye of the crying cow, now reflecting the author before her. Born in Buenos Aires in September 1975. Graduated from the Manuel Belgrano National School of Fine Arts and the Prilidiano Pueyrredón National School of Fine Arts. Holds a degree in Visual Arts (IUNA ) and Psychology (UBA ). 32 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Desplazamiento / Displacement Magdalena Cernadas El hogar se vuelve una estructura endeble, frágil e ilusoria en geografías que se ven afectadas por la violencia provocada por la intolerancia racial o religiosa, la discriminación, la lucha territorial o las situaciones de conflicto armado que giran en pos de la ganancia del capital. Home becomes a weak, fragile and illusory structure in geographies that are affected by violence caused by racial or religious intolerance, discrimination, territorial wars or situations of armed conflict that revolve around capital profit. Nació en Buenos Aires, Argentina. Trabaja como artista visual en el campo del video, la pintura, el collage y la instalación. En el 2014 expuso una obra en el Tate Britain de Londres. Exhibió sus pinturas en la Argentina y en Berlín, Alemania. Sus obras en video se proyectaron en Nueva York, España, Eslovenia, Lituania, Buenos Aires, México, Chile, Berlín e Italia (donde ganó el Premio Mejor Spot 2014). Born in Buenos Aires, Argentina. Works as a visual artist in the field of video, painting, collage and installation. In 2014 she exhibited work at Tate Britain, London. She has exhibited her paintings in Argentina and Berlin. Her video art has been screened in New York, Spain, Slovenia, Lithuania, Buenos Aires, Mexico, Chile, Berlin and Italy (where she won the 2014 Best Spot Award). . 33 catálogo BIM 2014 Argentina | 2013 01’ 38’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file El día que llegaste a Buenos Aires / The Day You Arrived in Buenos Aires Iván Marino & Aya Eliav Argentina-Israel-España / Spain | 2012-2013 19’ 08’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file El trabajo retrata los avatares de una relación de pareja a través de sus comunicaciones digitales (diálogos de Skype, emails, películas domésticas registradas con dispositivos móviles, etcétera). La pieza se inscribe en la tradición de los diarios o los apuntes sobre la vida doméstica (Mekas, Perlov y Brakhage, entre otros). El documental aborda el tópico de la comunicación-a-través-de-los-dispositivos, una versión posmoderna de aquello que Günter Anders denominaba home delivered reality, que hoy podría subtitularse como “la vida en pantalla”. Aya Eliav (Israel, 1977). Graduada en Arte y Diseño (Jerusalem, 2002), cursó estudios en la Accademia di Belle Arti (Roma, 2003). Artista plástica, produce obras en formato multimedia desde el 2006. Entre sus principales exposiciones: The Barbican Institute (Londres, 2012), Haifa Museum of Art (Israel, 2012), Videobrasil Festival (San Pablo, Brasil, 2011, 2013), Optica Festival (Madrid-Gijón-Buenos Aires, 2011) y National Museum of Art (China, 2010). Iván Marino (Argentina, 1968). Estudia cine y TV en su país natal. En 1997 estudió y produjo documentales en el Filminstitut (Universidad del Arte, Alemania). En 1998-1999 fue Visiting Scholar en la escuela de Cine y Televisión de la Universidad de California (ucla), donde se introdujo en el diseño y la programación de audiovisuales interactivos. En el año 2000 se estableció en Barcelona para dedicarse a la producción artística y a la investigación en el ámbito universitario. This piece portrays the ups and downs in a couple’s relationship through their digital communications (Skype conversations, e-mails, and home movies recorded on domestic devices like smart phones, tablets, etc.). The piece falls within the tradition of diaries or sketches of daily life (Jonas Mekas, David Perlov, Stan Brakhage). This documentary addresses the topic of communication-through-devices, the noises of a postmodern version of what Günther Anders called “home-delivered reality”, which today might be subtitled “life on screen”. Aya Eliav (Israel, 1977). Graduate in Art and Design (Jerusalem, 2002), studied at the Academy of Fine Art (Rome, 2003). Plastic artist, also producing work in multimedia format since 2006. His main exhibitions include: The Barbican Institute (London, 2012), Haifa Museum of Art (Israel, 2012), Videobrasil Festival (Brazil, 2011, 2013), Optica Festival (Madrid-Gijón-Buenos Aires, 2011). Iván Marino (Argentina, 1968). Studied film and TV in Argentina. In 1997 he studied and produced documentaries at the Filminstitut (University of Art, Berlin). In 1998-1999 he was a visiting scholar at ucla, where he was introduced to interactive audiovisual design and programming. 34 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works El ejercicio de la violencia / The Exercise of Violence Gustavo Galuppo “También el mundo está naufragando, pero ellos parecen no darse cuenta”. Antonio Tabucchi “The world is sinking too, but they don’t seem to realise”. Antonio Tabucchi Nació en Rosario, Argentina, en 1971, donde reside y ha desarrollado toda su carrera profesional. Es autodidacta y su obra de video experimental ha participado asiduamente en diversas muestras relacionadas con el videoarte y el cine. Se desempeña en el campo de la investigación sobre teoría e historia del cine publicando textos en libros y revistas especializadas. También es docente y músico de rock. Born in Rosario, Argentina, in 1971, where he currently resides and has spent all of his professional career. He is self-taught, and his experimental video work has participated regularly in various exhibitions related to video art and film. He works in the field of research into film theory and history, and has published articles in books and specialist journals. He is also a lecturer and a rock musician. . 35 catálogo BIM 2014 Argentina | 2013 12’ 30’’ | HD | Color-ByN / Color-B&W | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file El espíritu del tiempo / The Spirit of Time Rocío Pérez Belarra Argentina | 2012 3’ 26’’ | HD | ByN / B&W | Mono Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Un tiempo muerto dentro del acelerado tiempo de la ciudad. A time-out in the fast-paced time of the city. Artista audiovisual e incipiente diseñadora de moda. Estudió Artes Multimediales en IUNA, Artes Electrónicas en UNTREF, escritura creativa, arpa, canto e improvisación musical. Junto con su pareja, Tomás Utillano, conforma desde el 2009 el colectivo audiovisual Acheiropoieta. Sus trabajos han obtenido reconocimientos en Perú, España y la Argentina. Actualmente desarrolla su marca de ropa Anna Anannnaá volcando su afición por el trabajo pictórico y la experimentación. Audiovisual artist and budding fashion designer. Studied Multimedia Arts at the IUNA, Electronic Arts at the UNTREF, creative writing, harp, singing and musical improvisation. Since 2009 she and her partner Tomás Utillano have formed the audiovisual collective Acheiropoieta. Her works have attained recognition in Peru, Spain and Argentina. She is currently developing her clothing brand Anna Anannnaá, bringing to the fore her interest in pictorial work and experimentation. 36 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works El modelo / The Model Germán Scelso Argentina-España / Spain | 2013 45’ | miniDV | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Nació en Buenos Aires en 1976. Estudió cine en la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina, ciudad en la que vivió hasta que en 2004 se radicó en Barcelona. En España hizo la mayor parte de su trabajo como realizador. Sus obras han sido exhibidas en festivales como FIDMarseille (Francia, 2014), Punto de Vista (Pamplona, 2013), FICUNAM (México, 2013), BAFICI (Buenos Aires, 2012) y programadas en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, en La Casa Encendida en Madrid y en el Anthology Film Archives de Nueva York. Ha sido jurado en los festivales de cine de Cosquín (Argentina), de Cali (Colombia) y en el festival de cine de No Ficción Transcinema en Lima (Perú). Desde 2013 vive entre Buenos Aires y Córdoba, donde coordina una clínica de creación y trabaja en la escritura y rodaje de dos proyectos. Forma parte del comité evaluador de la Convocatoria del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico 2014 en Bogotá (Colombia). Jordi’s left arm and leg are almost useless and he uses his disability to beg on the street. The portrayal of the character and his relationship with the author creates a fresco of modern Spain, thrown into turmoil by the immigrant population and the economic crisis. Was born in Buenos Aires in 1976. He studied film at the National University of Córdoba, Argentina, where he lived until 2004 before moving to Barcelona. In Spain he worked mostly as a director. His works have been shown at festivals including FIDMarseille (Francia, 2014), Punto de vista (Pamplona, 2013), FICUNAM (Mexico 2013), BAFICI (Buenos Aires, 2012) and programmed at the Centre of Contemporary Culture of Barcelona, La Casa Encendida in Madrid and in the Anthology Film Archives in New York. He has participated on film festival juries in Cosquín (Argentina), Cali (Colombia) and at the Non-Fiction Transcinema film festival in Lima (Peru). Since 2013 he spends his time between Buenos Aires and Córdoba, where he coordinates a creative clinic and is working on writing and shooting two projects. In 2014 he was part of the evaluation committee for the Film Development Fund Competition 2014 in Bogotá (Colombia). . 37 catálogo BIM 2014 Jordi tiene el brazo y la pierna izquierdos casi inutilizados y exhibe su invalidez para pedir limosna en la calle. El retrato de este personaje y su relación con el autor crean un fresco de la España actual, convulsionada por los movimientos inmigratorios y la crisis económica. En morsom fortælling / Un cuento divertido / An Entertaining Story Constanza María Petrera Argentina | 2014 09’ 22’’ | Super 8-video | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Un cuento de hadas de un escritor danés y una sombra fugaz en un muro se entrelazan en la carretera argentina. Nació en Buenos Aires en 1976. Creció en Dinamarca, donde trabajó en la televisión. Estudió cine documental en Buenos Aires y dirigió El lugar de Nadia (2010) y Fotos sueltas (2010) que participó en MARFICI y BAFICI. A fairytale by a Danish writer and a fleeting shadow on a wall become intertwined on the Argentine highway. Born in Buenos Aires in 1976. Grew up in Denmark, where she worked in television. Studied documentary film in Buenos Aires and directed Nadia’s Place (2010), and Scattered Photos (2010) (MARFICI, BAFICI). 38 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Eres un princeso / You Are a Prince Patricia Domínguez Chile-Colombia | 2014 03’ 28’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Nació en Chile en 1984. Su trabajo rastrea, modifica y transforma la genealogía de las relaciones de lo vivo. Es magister en Bellas Artes del Hunter College, Nueva York, y licenciada en Arte por la Universidad Católica de Santiago de Chile. Sus proyectos han sido presentados en diferentes museos y galerias. You Are a Prince investigates the modern relationship between people, horses and plants in Latin America. These relationships are products of the second colonization of the land by the drug cartels and their territorial conquest in Latin America today. When the Spanish introduced horses to America through the Caribbean, the indigenous viewed them as one being, without differentiating their individual natures. Currently, the relationship between horses and humans has become a different hybrid: a horse, a caregiver and a piece of land represented by decorative palms. Personal stories intersect in the Santa Leticia stable, where 14-and 15-year-olds take care of horses and different types of tropical palms. They all establish such physical and emotional closeness, that their bodies and subjectivities become strange emergencies through everyday actions. Born in Chile in 1984. Her work traces, modifies and transforms the genealogy of relationships between living things. She holds a Master’s in Fine Arts from Hunter College New York, and is a graduate of the Catholic Arts University, Santiago, Chile. Her projects have been presented in several galleries and museums around the world. . 39 catálogo BIM 2014 Eres un princeso investiga la relación actual entre personas y caballos, producto de la segunda colonización del terreno colombiano realizada por el mundo narco y su conquista territorial, luego de la conquista española. Cuando los españoles introdujeron los caballos en América, los indígenas los vieron como un solo ser, sin diferenciar sus individualidades. Un ser que fue considerado como una divinidad, según la narrativa española. Eres un princeso propone la creación de un híbrido entre animal, humano y vegetal, basado en la imagen panamericana de la figura del español y su caballo. Actualmente, la relación de los caballos y sus patrones se ha transformado en un híbrido diferente: un caballo trofeo, un cuidador y una finca representada por diferentes hojas de palmeras. En Eres un princeso, historias personales que se entrecruzan en el establo Santa Leticia estableciendo tal cercanía física y emocional con los animales que sus cuerpos y subjetividades se convierten en emergencias extrañas a través de acciones cotidianas de aseo y entrenamiento. Estado laico / Secular State André Luís Garcia Brasil / Brazil | 2013 4’ | HD | Color | Mono Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Un hecho histórico en Brasil: la llegada del papa Francisco, el líder de la Iglesia católica, a Río de Janeiro, visto a través de los ojos de los canales abiertos de televisión. Nació en Porto Alegre, Brasil, en 1988. Graduado en cine por la Universidade de Vale do Rio dos Sinos en 2010, el foco principal de su trabajo es explorar las cuestiones contemporáneas de la imagen en tránsito entre el videoarte, el cine y la performance. A historic event in Brazil: the arrival of Pope Francis, the leader of the Catholic Church, in Rio de Janeiro, seen from the perspective of the terrestrial TV channels. Is 25 (1998), born in Porto Alegre, Brazil. He graduated in film studies from the University of Vale do Rio dos Sinos in 2010. The main focus of his work is to explore contemporary questions of image, in transit between video art, film and performance. 40 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Éxodo / Exodus Mario Bocchicchio Argentina | 2014 4’ 36’’ | Super 8 | Color - ByN / ColorB&W | Muda / Silent Proyección / Screening: Super 8 Nació en el barrio de Boedo, Buenos Aires, en septiembre de 1978. Estudió diseño gráfico y filosofía en la Universidad de Buenos Aires (UBA) y realización de cine y video en el Centro de Investigación y Experimentación de Video y Cine (CIEVYC). Asistió a los talleres de cine experimental de Claudio Caldini (2008), grabación de campo dictado por Alan Courtis (2010) y clínica de obra con Fabián Burgos (2009). Desde 2011 expone sus pinturas en la galería Cobra, en muestras individuales y colectivas. Participó en las ediciones 2012 y 2013 de arteBA. Como cineasta recibió el premio Georges Méliès en el año 2005 y sus películas participaron de muestras y festivales tanto a nivel local como internacional. Desde el año 2008 trabaja como montajista de las películas del director Gustavo Fontán. “The day of one hundred dead, meaningless hours. A miraculous rage was necessary to overcome so many trials and attain the ideal of the hesychia, this living silence of the heart and mind in which God could grow like a great flower”. Héctor Murena, Visions of Babel Born in the Boedo neighbourhood of Buenos Aires, in September 1978. He studied Graphic Design and Philosophy at the University of Buenos Aires (UBA) and film and video production at the Film and Video Research and Experimentation Centre (CIEVYC). He attended workshops by Claudio Caldini (2008, experimental film), Alan Courtis (2010, field recording) and Fabián Burgos (2009, work clinic). He has exhibited his paintings at the Cobra Gallery since 2011, at individual and collective exhibitions, and at the 2012 and 2013 editions of Arteba. As a filmmaker he received the Georges Méliès Award in 2005 and his films have participated at local and international shows and festivals. Since 2008 he has been working as an editor on the films of director Gustavo Fontán. . 41 catálogo BIM 2014 “El día de cien horas muertas, sin sentido. Milagroso furor era necesario para vencer tantas pruebas y llegar al ideal de la hesiquía, a ese vivo silencio del corazón y de la mente en el que Dios podría crecer en ellos como una gran flor”. Héctor Murena, Visiones de Babel Fotooxidación / Photooxidation Pablo Mazzolo Argentina | 2013 13’ | 16 mm | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: 16 mm Deselectronización de una entidad molecular como resultado de una fotoexcitación. La luz incrementa el estado de oxidación a la vez que libera electrones radicales libres. La luz recorre el trabajo humano como una fotodegradación natural. Se transforma dentro de sus propios límites, desde la irradiación solar hasta su imposible percepción en la retina. De-electronation of a molecular entity as a result of photoexcitation. Light increases its oxidation state as it releases free radical electrons. Light passes through human work as natural photodegradation. It mutates within its own limits, from solar radiation to its impossible perception in a retina. —PM. Nació en Buenos Aires en 1976. Estudió diseño de imagen y sonido en la UBA. Es realizador audiovisual, montajista y docente. Su obra explora la relación entre la imagen, la luz y el tiempo a través del medio. Sus filmes se han exhibido en distintos museos, galerías y festivales como New York Film Festival: Views from the Avant Garde, Rotterdam Film Festival, Ann Arbor Film Festival, Edinburgh Film Festival, entre otros. Conjeturas (2013) ganó el primer premio en Media City Film Festival (Canadá). Oaxaca Tohoku (2012) fue premiada por el Fondo Nacional de las Artes y por la BIM. Buenos Aires, 1976, studied Image and Sound Design at the University of Buenos Aires. He is an audiovisual director, editor and lecturer. His work explores the relationship between image, light and time through a medium. His films have been shown at various museums, galleries and festivals, including New York Film Festival: Views From the Avant Garde, Rotterdam Film Festival, Ann Arbor Film Festival, and Edinburgh Film Festival. Conjectures (2013) won the first prize at the Media City Film Festival (Canada). Oaxaca Tohoku (2012) won awards from the National Arts Fund and the BIM. 42 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Fragmentos de domingo / Fragments of Sunday Benjamín Ellenberger Este film nace por el simple deseo de capturar, documentar, guardar la luz de un espacio cotidiano que en poco tiempo dejaría de habitar intentando que algo de aquella atmósfera quede impregnado en las imágenes. This film is conceived from the simple desire to capture, document and keep the light of an everyday space that I was about to leave, trying to capture some of that atmosphere in images. Nació en Córdoba en 1983. Es realizador y montajista. Entre sus trabajos se encuentran Corte, Perforación y Tras la ventana. Ha sido invitado a participar en el 28º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y ha expuesto su obra en México, Brasil, Colombia, Chile y Perú. Dicta talleres de found footage y desarrolla un trabajo de investigación y archivo sobre cine doméstico. Born in Córdoba, 1983. Filmmaker and editor. His many films include Cut, Perforation and Behind the Window. He participated in the 28th Mar del Plata International Film Festival, and his films have been screened in Mexico, Brazil, Colombia, Chile and Peru. He currently teaches workshops in Found Footage, and is doing research and archive work in domestic cinema. . 43 catálogo BIM 2014 Argentina | 2013 03’ 34’’ | Super 8 | ByN / B&W | Muda / Silent Proyección / Screening: Super 8 Fresno / Fresno Leandro Listorti Argentina | 2014 3’ | Super 8 | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: 16 mm En la mitología nórdica, el árbol de la vida Yggdrasil se cree que era un fresno (Fraxinus). El pueblo nórdico tenía una particular visión del mundo, en la que el espacio no era único ni continuo y el universo estaba compuesto por distintos mundos que se podían destruir y crearse otros nuevos. En medio del caos y la destrucción, Yggdrasil siempre mantiene la calma protegiendo a aquellos sobrevivientes de las catástrofes con el fin de poblar un nuevo mundo. Fresno registra un año en la vida de uno de estos árboles. Nació en Buenos Aires, Argentina. Realizó varios cortometrajes, entre ellos Montevideo (2007) y Amsterdam (2008). En el año 2010 dirigió su primer largometraje, Los jóvenes muertos. Dicta clases de escritura y de realización cinematográfica, y desde el año 2005 es programador del BAFICI. Es uno de los creadores de A.R.C.A. (Archivo Regional de Cine Amateur). Actualmente trabaja en su segundo largometraje, Sombras en el cuadro. In Norse mythology, the Yggdrasil tree of life is commonly held to be an ash (Fraxinus). The Norsemen had a very particular worldview, in which space was not unique nor continuous, and the universe was made up of different worlds, where could be destroyed and new ones created. Amid the chaos and destruction, Yggdrasil always remains calm, protecting the survivors of catastrophes so that they might populate a new world. Fresno shows one year in the life of one of these trees. Born in Buenos Aires, Argentina. Has directed various shorts, including Montevideo (2007) and Amsterdam (2008). In 2010 he directed his first feature film Dead Youth. He teaches writing and film directing, and has been a BAFICI programmer since 2005. He is one of the creators of ARCA (Regional Amateur Film Archive). He is currently working on his second feature film, Shadows in the Frame. 44 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Fui à Capadócia e lembrei de você / I Went to Cappadocia and I Thought of You / Fui a Capadocia y me acordé de ti Larissa Figueiredo Quería volar; usted me sugirió que tenía raíces. Me cansé de ser un turista. decidí volver. Llego ahora. I wanted to fly; you suggested I had roots. I got tired of being a tourist. I decided to go back. I’m going home now. Nació en Brasilia y estudió literatura en la UnB, hizo una Maestría en Teoría de Cine en la Universidad Lumière Lyon 2, en Francia, Artes Visuales/Cine en la Haute École d’Art et Design de Ginebra, Suiza, donde tomó clases con artistas como Joana Hadjithomas y Khalil Joreige, Miguel Gomes, Mathieu Amalric y Albert Serra. En 2011 pasó 40 días en Tailandia durante un taller impartido por el artista Apichatpong Weerasethakul. En 2012 vivió en la Argentina, donde realizó un intercambio en la Universidad del Cine y participó en el Talent Campus Buenos Aires, vinculado a la Berlinale. En agosto y septiembre de 2012, participó de una residencia artística en Capadocia, Turquía, que dio como resultado, entre otros proyectos, el documental Postales desde Kapadokya, en producción, y el cortometraje Fui a Capadocia y me acordé de ti, exhibido en el 16º Festival de Cine de Tiradentes y en el 23º Festival Internacional de Cortometrajes de Río de Janeiro. Su primer largometraje, El toro, protagonizado por la actriz portuguesa Joana de Verona y producido por Tu i Tam Filmes, recibió recientemente el premio a la finalización del fondo suizo Visions Sud Est. Brasilia. She studied Literature at the University of Brasilia, took a Master’s in Film Theory at Lumière University Lyon 2, France, and Visual Arts/Film at Geneva University of Art and Design, Switzerland, where she took classes with such artists as Joana Hadjithomas and Khalil Joreige, Miguel Gomes, Mathieu Amalric and Albert Serra. In 2011, she spent 40 days in Thailand, taking a workshop with the artist Apichatpong Weerasethakul. In 2012 she lived in Argentina, where she did a placement at the Universidad del Cine and participated in Talent Campus Buenos Aires, part of the Berlinale. In August and September 2012, she took an artistic residency in Cappadocia, Turkey, which among other projects led to Postcards from Kapadokya, in production, and the short I Went to Cappadocia and I Thought of You, screened at the 16th Tiradentes Film Festival and the 23rd Rio de Janeiro International Short Film Festival. Her first feature film, The Bull, starring Portuguese actress Joana de Verona, recently received a prize from the Swiss fund Visions Sud Est. . 45 catálogo BIM 2014 Brasil / Brazil | 2013 9’ | HD | Color | Estéreo / Stereo | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Huancayo / Huancayo Camila Donata Ciccone Argentina | 2014 37’ | HD | ByN / B&W | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file El viaje comienza en la Estación Constitución, uno de los polos ferroviarios más importantes de Buenos Aires, el que une una significativa porción del conurbano bonaerense y gran parte del sur del territorio nacional. Allí se pueden vislumbrar postales de paisajes en los que sujetos condicionados a conductas gregarias transitan presos de una rutina. Juana es el personaje central de la historia; con una cartografía propia, su imaginación trasciende el tiempo y el espacio. El viaje adquiere estatus de símbolo, de metáfora y permite cargarlo de diversos sentidos. A través de la ventanilla de un tren, Huancayo recorre las montañas más altas, los túneles más extensos y las oscuridades más profundas. Nació en El Salvador el 18 de diciembre del 1974, donde vivió sus dos primeros meses de vida, luego su familia se radicó en Buenos Aires. En el año 2003 comenzó la carrera de Dirección de Fotografía en la Universidad del Cine y en el 2004 realizó el cortometraje Esbozo, que se exhibió en diferentes muestras. Desde el 2011 realiza el Taller de Videoarte en el Complejo Penitenciario IV de Mujeres en Ezeiza. The journey begins at Constitución Station, one of the most important railway termini in Buenos Aires, connecting a significant portion of the Buenos Aires metropolitan area and much of the south of the country. There, you can glimpse postcards of landscapes where subjects move, conditioned to the ordinary behavior of the herd, like prisoners of a routine. Juana is the central character of the story, with her own roadmap, her imagination transcending time and space. The trip takes on a symbolic, metaphorical status, loading it with different meanings. Through the window of a train, Huancayo crosses the highest mountains, the longest tunnels and the deepest darkness. Born in El Salvador on 18 December 1974, where she lived for the first two months of her life before her family moved to Buenos Aires. In 2003 she started the Direction of Photography course at the Universidad del Cine. In 2004 she made the short Sketch, which was screened at different festivals. Since 2001 she has been running a video art workshop at the 4th Women’s Penitentiary Centre in Ezeiza. 46 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Inconstante. Adj. No estable ni permanente / Inconstant. Adj. Neither Stable nor Permanent Rocío Gauna y María Victoria Ferrari Inconstante es un video de carácter experimental, una reflexión poética sobre el paso del tiempo en el cuerpo cuatro mujeres. Inconstant is an experimental video, a poetic reflection of ageing in the bodies of four women. Inconstante nace en el marco de la materia Diseño Audiovisual III de la cátedra Campos / Trilnick como culminación de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. Es el primer proyecto experimental de la dupla Rocío Gauna y María Victoria Ferrari, quienes actualmente trabajan en un proyecto documental con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes. Inconstant came about in the context of the Audiovisual Design 3 course taught by Campos / Trilnick, at the conclusion of the Image and Sound Design degree at the University of Buenos Aires. It is the first experimental project by the duo Rocio Gauna and María Victoria Ferrari, who are currently working on a documentary project with the support of the National Arts Fund. . 47 catálogo BIM 2014 Argentina | 2013 16’ 07’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Isla Alta / Isla Alta Federico Adorno Paraguay | 2011 14’ 10’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Un ganadero paraguayo se encuentra desaparecido. Campesinos del pueblo de Isla Alta observan mientras una familia acaudalada busca al ganadero. A Paraguayan rancher is missing. Peasants from the Isla Alta village watch as a wealthy family search for the rancher. Nació en 1982 en Carapeguá, Paraguay. Estudió ciencias de la comunicación en la Universidad Católica de Asunción y es diplomado en actuación y dirección teatral por CI&DT El Estudio de Asunción. Ha realizado cinco cortometrajes y actualmente se encuentra desarrollando su primer largometraje de ficción. (1982) was born in Carapeguá, Paraguay. He studied Communication Sciences at the Catholic University of Asunción and holds a diploma in acting and theatre directing from CI&DT El Estudio in Asunción. He has made five short films and is currently developing his first fiction feature film. 48 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works La extensión / Vast Christian Delgado y Nicolás Testoni Argentina | 2014 60’ 20’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Christian Delgado (La Plata, 1972) y Nicolás Testoni (Bahía Blanca, 1974) colaboran, desde 2004, en la realización de videos y videoinstalaciones. En 2014 recibieron una mención en la Bienal del Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca y el primer premio del Festival Latinoamericano de Videoarte de Buenos Aires (FLAVIA). Vast is a film which, adapting its times to the geographical location it portrays –the plain on the imaginary line that separates the Argentine provinces from Buenos Aires and the Pampas–, cannot ‘end’. The question arising from the images is, perhaps, as old as our country: how to conceive of this expanse which is almost boundless territory, immeasurable in its physical and social dimension, as a common space? Christian Delgado (La Plata, 1972) and Nicolás Testoni (Bahía Blanca, 1974) have worked together since 2004 on videos and video installations. In 2014 they received a mention at the 2014 Biennale of the Museum of Contemporary Art of Bahía Blanca and the first prize from the Buenos Aires Latin American Festival of Video Art (FLAVIA). . 49 catálogo BIM 2014 La extensión es una película que, adecuando sus tiempos al espacio geográfico que retrata –la llanura sobre la línea imaginaria que separa a las provincias argentinas de Buenos Aires y La Pampa–, no puede terminar. La pregunta que crece entre estas imágenes tiene tal vez la misma edad de nuestro país: ¿cómo concebir un territorio casi inabarcable, inconmensurable en su dimensión física, pero también social, como un espacio común? La motivación en el trabajo / Motivation at Work Benjamín Ellenberger Argentina | 2013 04’ 46’’ | 16 mm | Color | Mono Proyección / Screening: 16 mm Apropiación y manipulación de un film institucional en 16 mm a partir de un mismo patrón durante toda la película: borrado de imagen y sonido cada 24 fotogramas (equivalente a un segundo). Esta intervención hace visible el desfasaje entre imagen y sonido durante la proyección; entrecortando el discurso del film, llegan palabras sueltas que generan nuevas lecturas de su contenido. Nació en Córdoba en 1983. Es realizador y montajista. Entre sus trabajos se encuentran Corte, Perforación y Tras la ventana. Ha sido invitado a participar en el 28º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y ha expuesto su obra en México, Brasil, Colombia, Chile y Perú. Dicta talleres de found footage y desarrolla un trabajo de investigación y archivo sobre cine doméstico. Appropriating a 16mm institutional film, Ellenberger manipulated it using the same pattern throughout the entire film, erasing picture and sound every 24 frames (equivalent to one second). This intervention created a visible mismatch between the image and sound of the projection. From the broken speech of the film, we can make out single words, generating new readings from the content. Born in Córdoba, 1983. Filmmaker and editor. His many films include Cut, Perforation and Behind the Window. He took part at the 28th Mar del Plata International Film Festival, and his films have been screened in Mexico, Brazil, Colombia, Peru and Uruguay. He currently teaches courses in Found Footage, and is doing research and archive work on domestic cinema. 50 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Los puntos internos / The Internal Points Sergio Subero Argentina | 2013 4’’ | 16 mm | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: 16 mm (18 fps) Nació en Buenos Aires en 1981. Es cineasta, curador y librero. Programó el ciclo de cine y video del MAMBA. Actualmente es curador independiente y trabaja en COBRA. Su obra se exhibió en Anthology Film Archives (Nueva York), TIE (Colorado y Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI, Buenos Aires) y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (Buenos Aires), entre otros. Film diary where the process of the perspective is internal: “seeing” as an impression. An impulse to feel the light not only as radiation or colour, but also as heat. The eyes as half-closed windows. Born in Buenos Aires in 1981. He is a filmmaker, curator and bookseller. He has programmed the MAMBA film and video cycle. He is currently an independent curator and works at COBRA. His work has been exhibited at Anthology Film Archives (New York), TIE (Colorado and Museum of Latin American Art of Buenos Aires), Buenos Aires International Independent Film Festival (BAFICI, Buenos Aires) and Mar del Plata International Film Festival (Buenos Aires), among others. . 51 catálogo BIM 2014 Diario fílmico en el que el proceso de la mirada es interno: el “ver” como impresión. Una pulsión a sentir la luz no solo como radiación o color, sino también como calor. Los ojos como ventanas entrecerradas. Mi horizonte / My Horizon Carlos Ariel Marulanda Cortés Argentina | 2013 5’ 51’’ | HD - Processing | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file A través de las experiencias personales de habitar una ciudad vista desde lo íntimo de los recuerdos, se presenta la unión de dos perspectivas de la silueta de una ciudad; desde el campo y desde la urbe, lugares contrapuestos geográficamente y unidos en una misma experiencia de texturas visuales y ambientes sonoros. Mi horizonte es una exploración plástica de la memoria y del tiempo. Diseñador visual de la Universidad de Caldas (Colombia), especialista en video y tecnologías digitales y estudiante de la Maestría en Teoría del Diseño Comunicacional en la Universidad de Buenos Aires. Se ha desempeñado en el área del diseño audiovisual, en largometrajes y cortometrajes de ficción, publicidad, video experimental, videoarte, performances audiovisuales y VJ. Ha realizado exposiciones artísticas, individuales y colectivas, en espacios como el Festival Internacional de la Imagen en Manizales (Colombia), en el Salón Regional y en el Salón Nacional de Artistas en Colombia. From personal experiences and intimate memories of living in a city, I show the synergy from two perspectives of a city’s silhouette: the rural and the urban. Thus we have two geographically juxtaposed places which merge in a unified experience of both visual textures and sound environments. My Horizon showcases a plastic exploration of memory and time. Visual designer from the University of Caldas, Colombia, specialising in video and digital technologies, and a Master’s student in communication design theory at the University of Buenos Aires. He has worked in the area of audiovisual design, on feature films and fiction shorts, publicity, experimental video, video art, audiovisual performances and as a VJ. He has exhibited both individually and as a group at The International Festival of the Image in Manizales, Colombia, and at the Regional Artists Salon and the National Artists Salon of Colombia. 52 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Mónica / Mónica Fernando Llanos México / Mexico | 1995-2013 13’ 43’’ | VHS | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Nació en México en 1974 y es un artista experimental considerado referente en el mundo latinoamericano por su experimentación en el video. Su trabajo ha sido presentado en más de veinte países, en lugares como el Guggenheim de Nueva York, el Festival de Nuevo Cine y Nuevos Medios en Montreal, el World Wide Video Festival en Ámsterdam y el Transmediale de Berlín, entre otros. Ha publicado 18 libros y 5 DVD. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores. When I was 18, I went to a cheap motel with my first girlfriend. We wanted to record ourselves having sex. We filmed for two hours but never consummated the act. A true, autobiographical story of desire, interrupted by the conflicts of adolescence. Born in Mexico in 1974, an experimental artist, considered a leading figure in video experimentation in Latin America. His work has been presented in over twenty countries, in places such as the New York Guggenheim, the Montreal Festival of New Cinema and New Media, the World Wide Video Festival in Amsterdam, and at the Berlin Transmediale, etc. He has published 18 books and released 5 DVDs. He is a member of the National System of Creators. . 53 catálogo BIM 2014 Cuando tenía 18 años fui a un motel barato con mi primera novia; nos queríamos grabar teniendo sexo. Grabamos durante dos horas pero nunca consumamos el acto. Una historia de deseo real y autobiográfico interrumpida por los conflictos típicos de la adolescencia. Napoleón / Napoleon Andrés Felipe Gatto Argentina | 2013 24’ 50’’ | HD 5760x1080 | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Niego tu inexistencia y la oculto de mi vista, y de la vista de todos: para negarte a vos como no ser y negarme a mí como un posible dejar de ser. No estoy, me muevo a estar bajo estas condiciones y bajo toda esa tierra. Aunque quizás pueda ser soportable: vení muerto, sé conmigo el resto de camino sin tiempo, anclado en esto, anclado en mí, anclado en acá. Nunca más será ahora, existe un más allá de este dolor. Quizás si te cargo, de aquí a aquí, de aquí a allá, de allá afuera de mi vida. Siento que te fuiste pero todavía te veo. Te huelo, te miro, te extraño. Napoleón se desarrolla sobre el proceso de duelo, la separación del sujeto por sobre un cuerpo “sujeto” y objeto. Dividida la pantalla en tres marcos, propone una reflexión necesaria a través del silencio, de lo que no está dicho, en la unión y en su negación. En lo simultáneo intentan evocarse en el presente y en la memoria. nació en Buenos Aires en 1988 y es realizador. Egresado la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA, donde desempeña hace cinco años la docencia. Recibido en dirección de fotografía en el SICA, ha trabajado en diversos medios y propuestas audiovisuales, entre los que se destacan la participación en el documental Al otro lado, de Sofía Quirós (2011) y el proyecto Centro clandestino de detención y tortura (2013). Actualmente integra el grupo creativo COBRA y en lo personal está desarrollando una nueva obra experimental. I deny your existence and hide it from my sight, and from the sight of others. To deny you as a non-being and to deny myself as a may-stop-being. I’m not here, I move to be under these conditions, and under all that earth. Though it may be bearable: come dead, be with me the rest of the timeless way, anchored to this, anchored to me, anchored to here. Never will it be now again, something beyond this pain exists. Maybe if I carry you, from here to here, from here to there, from there to out of my life. I feel you gone but I can still see you. I smell you, look at you, miss you. Napoleon develops during the process of mourning, the separation of subject over a body that is subject and object. On three screens inside one, it proposes a necessary reflection through silence, of what is not said, in its union and in its denial. Andrés Felipe Gatto Buenos Aires, 1988. Director. Graduatedin Image and Sound Design from the University of Buenos Aires. Graduated in Direction of Photography from the SICA. He has worked in various audiovisual media and projects, including participation in the documentary On The Other Side by Sofía Quirós (2011), and the Clandestine Detention and Torture Centre project (2013). He is currently part of the COBRA creative group. 54 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Ocho construcciones imaginadas por ocho obreros de construcción / Eight Constructions Imagined by Eight Construction Workers Eliana Otta Vildoso Animación hecha con dibujos realizados por obreros de la construcción a los que, cuando salían del trabajo, se les preguntó: “¿Qué construirías si pudieras construir lo que tú quisieras?”. El sonido de la construcción en curso es el escenario en el que estos trabajadores se enfrentan a una pregunta que, como alguno de ellos dice, “nunca había pensado”. Video animation with drawings made by construction workers who Eliana Otta Vildoso approached as they left work, asking “What would you build if you could build anything you wanted?” The sound of construction underway is the background as they face a question that, as one of them says “I’ve never thought about it.” Es artista visual. Ha expuesto individual y colectivamente en ciudades como Nueva York (Jewish Museum, 2014), Londres (Tate Gallery, 2013), Barcelona (Tasneem Gallery, 2011), Cali (Lugaradudas, 2010). Entre otras distinciones, ganó el Concurso de Obras Cinematográficas de Cortometraje Experimental 2013. Cofundadora del espacio Bisagra, perteneció al colectivo de artistas La Culpable y a La Casa Rosa. Cursa la Maestría en Estudios Culturales de la PUCP. Visual artist. She has exhibited individually and collectively in such cities as New York (Jewish Museum, 2014), London (Tate Gallery, 2013), Barcelona (Tasneem Gallery, 2011), Cali (Lugaradudas, 2010). Among other distinctions, she has won the 2013 Competition for Experimental Short Film Works. She is the cofounder of the Bisagra space, and was part of the artists collective La Culpable and La Casa Rosa. She is studying for a Master’s in Cultural Studies at the PUCP. . 55 catálogo BIM 2014 Perú / Peru | 2012 4’ 54’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Presque vu / Punta de la Lengua / Presque Vu Cecilia Araneda Chile-Canadá / Canada | 2013 04’ 13’’ | HD | Color - ByN / B&W | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Una combinación de elementos de película e imágenes de alta resolución revela un pasado misterioso. Aunque los fragmentos de la memoria parecen a punto de formarse de nuevo, el recuerdo nos elude. Lush hand-crafted film footage and HD images combine to reveal a mysterious past through remnants of a memory that is almost remembered, but ultimately escapes us. Nació en Chile y reside en Canadá. Su obra se caracteriza por una experimentación con la materia cinematográfica, con las texturas y los colores de la película, elementos utilizados de forma simbólica para hablar del paso del tiempo y de su efecto en los recuerdos. Araneda fue objeto en 2010 de una retrospectiva en el Canadian Film Institute (Ottawa). Actualmente, es directora general del Winnipeg Film Group. Was born in Chile and resides in Canada. her work is characterized by experimentation with film material, with film textures and colours, elements used symbolically to speak of the passing of time and their effect on memories. Araneda was the subject of a 2010 retrospective at the Canadian Film Institute (Ottawa). She is currently general director of the Winnipeg Film Group. 56 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Producto nacional / National Product María José Ayarza Peillard Chile | 2014 4’ 03’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Videoartista chilena nacida en 1991. Se especializó en el área audiovisual y síntesis de música electroacústica en la Universidad Católica. Ha colaborado en diversos proyectos audiovisuales que incluyen películas, cortometrajes y videoclips. Ha obtenido diversos reconocimientos a nivel internacional y firmó en 2011 contrato con la galería española Ob-art. Su investigación se centra en la deconstrucción de la imagen publicitaria y la performance, la acumulación y el cruce semiótico del footage son sus estrategias preferidas. The video explores the different ways of representing female characteristics through various commercials aired on Chilean TV. We can recognise a combination of national and international ads that create a beauty ideal very close to the one we see in the First World. Far from generating needs, this advertising seeks to appeal to those needs we already have, like emotional security, gratification of the ego, or a sense of dignity.The title is an ironic reference to the way we build ourselves with foreign identity elements, and how attainment of a product is linked to certain physical characteristics and illusory lifestyles. (1991) Chilean video artist, specialising in the audiovisual area and synthesis of electroacoustic music at the Catholic University of Chile. She has collaborated on various audiovisual projects, including films, shorts and video clips. She has received various international awards and in 2011 signed a contract with the Spanish gallery Ob-Art. Her research focuses on the deconstruction of the advertising image, and her preferred strategies are performance, accumulation and semiotic crossing of footage. . 57 catálogo BIM 2014 Video que explora la representación de los caracteres femeninos en la tanda comercial televisiva (en este caso, chilena). Se puede advertir una mezcla de comerciales extranjeros y locales que, en conjunto, forman un ideal de belleza cercano a los estándares de primer mundo. Esta publicidad, lejos de generar necesidades, pretende explotar aquellas que ya tenemos, como la de seguridad emocional, la gratificación del ego o el sentido de dignidad. El título ironiza sobre cómo nos construimos mediante elementos identitarios foráneos y cómo se liga la obtención del producto con la proyección de ciertas cualidades físicas y estilos de vida ilusorios. Rombo (Las horas, Flores en el cielo) / Rhombus (The Hours, Flowers in the Sky) Leandro Katz Argentina | 2011 6’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Varios grupos de gente que esperan para cruzar la calle son fotografiados desde una perspectiva elevada. Esta secuencia fotográfica fija es luego tratada con elementos gráficos y color enfocando la mirada en distintas situaciones sociales sugeridas por cada toma fotográfica. La música y el sonido del tráfico se sugieren hacia el final ante la presencia de una mujer que toca un bandoneón. Artista, escritor y realizador argentino conocido por sus películas y sus instalaciones fotográficas. Sus obras incluyen proyectos de largo término que abordan temas latinoamericanos e incorporan la investigación histórica, la antropología y las artes visuales. Ha producido 18 libros de artista y 17 películas narrativas y no narrativas. Su ensayo documental El día que me quieras (1997) recibió el Premio Coral en el Festival de Cine Latinoamericano de La Habana, entre otros. Desde 1965 hasta 2006 vivió en Nueva York, donde condujo actividades académicas y creativas. Reside ahora en Buenos Aires. Su muestra Arrebatos, diagonales y rupturas se exhibió recientemente en el Espacio Fundación Telefónica con curadoría de Bérénice Reynaud. Several groups of people waiting to cross the street are photographed from an elevated perspective. This still photographic sequence is then treated with graphic and colour elements, focusing the perspective on different social situations suggested by each take. Music and the sound of traffic are also suggested towards the end when a woman appears in the scene, playing a bandoneon. Argentine artist, writer, and filmmaker, known for his films and his photography installations, his works include long-term projects that deal with Latin American subjects, incorporating historical research, anthropology, and visual arts. He has produced eighteen books and artist books, and seventeen narrative and non-narrative films. His documentary essay The Day You Love Me (1997) received the Coral Prize at the Latin American Film Festival, Havana, among others. From 1965 until 2006 he lived in New York where he led creative and academic activities. He currently lives in Buenos Aires. His exhibition Raptures, Diagonals and Ruptures was recently shown at Espacio Fundación Telefónica, curated by Bérénice Reynaud. 58 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Shadowplay / Shadowplay Gustavo Caprín Argentina-España / Spain | 2013 09’ 09’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Nació en Buenos Aires en 1968. En 1991 finalizó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de Buenos Aires y egresó como profesor nacional de Pintura. En 2005 obtuvo el diploma de Estudios Avanzados (DEA) de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Ha realizado numerosas exhibiciones de su obra en Latinoamérica, Europa, Estados Unidos y Canadá. Desde 2001 reside y trabaja en Barcelona, España. The video explores the relationships between various everyday objects in a clear attitude of innocence and/ or ignorance. In a context of almost total absence of light, the four actions (Drawing, Figure in H0 scale, 75º and Dynamics) appear as a curious series of scientific tests or exercises. The materials (cardboard, water, fire and light) enter into a world of games and scenarios of a fragile appearance, where the only order is represented by the flickering light of a lantern. The work is part of a series of videos and photographs inspired by the artist Franz Erhard Walther (Germany, 1939), especially his series Handlungsstücke (Action Pieces) from the 60’s. Born in Buenos Aires in 1968. In 1991 he completed his studies at the Prilidiano Pueyrredón School of Fine Arts in Buenos Aires with a teacher’s qualification in painting . In 2005 he obtained the Diploma in Advanced Studies (DEA) from the Faculty of Fine Arts of the University of Barcelona. He has held numerous exhibitions of his work in Latin America, Europe, the USA and Canada. He has lived and worked in Barcelona since 2001. . 59 catálogo BIM 2014 El video explora, en una clara actitud de inocencia y/o ignorancia, las relaciones entre diversos objetos de uso cotidiano. En un contexto de ausencia casi total de luz, las cuatro acciones (dibujo, figura en escala H0, 75º y dinámica) aparecen como una curiosa serie de pruebas o ejercicios científicos. Los materiales (cartón, agua, fuego y luz) entran en un mundo de juegos y escenarios de una apparience frágil en la que el único orden lo representa la temblorosa luz de una linterna. La obra forma parte de la serie de videos y fotografías dedicada al artista Franz Erhard Walther (Alemania, 1939), especialmente a sus obras denominadas Handlungsstücke (piezas de acción) de los años sesenta. Solitude (On Light and Duration) / Soledad (sobre luz y duración) Pablo Mollenhauer Chile-Reino Unido / UK | 2014 11’ 51’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file La película toma la forma de una estructura hecha mediante conexiones materiales y sensoriales. Luz y duración, sonido y visión son entrelazados a través del aparato de grabación cinematográfica para revelar vínculos entre los ritmos de la ciudad y la naturaleza, lo humano e inhumano. La película es una yuxtaposición de dos mundos sensoriales que convergen en un lugar del suburbio de Londres. Este lugar de soledad, en el patio trasero de la maquinaria productiva de la gran ciudad, constituye una metáfora de nuestra relación contemporánea con la existencia y la muerte. Cineasta experimental con base en el Reino Unido. Sus obras han sido presentadas en cuatro continentes en diversos festivales y galerías de arte. Actualmente, es candidato a doctorado de la universidad de Westminster en Londres. Su objeto de estudio explora la interactividad en el cine como proceso relacional entre los miembros de la audiencia. The film takes the shape of a structure made of material and sensorial connections. Light and duration, sound and vision are interwoven through the cinematographic recording equipment to unveil hidden relations between the rhythms of the city and nature, the human and inhuman. The film is a juxtaposition of two sensorial worlds which converge in a place in a London suburb. This place of solitude, located in the backyard of the vertiginous productive machinery of the big city, constitutes a metaphor of our contemporary relationship with the concept of existence and death. Is an experimental filmmaker based in the UK. His works have been exhibited on four continents at various festivals and art galleries. He is currently applying for a PhD at the University of Westminster in London. His studies explore interactivity in film as a relational process among members of the audience. 60 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Tabula rasa / Tabula Rasa Jonathan Perel Argentina | 2013 42’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Nació en 1976. Cursó la Licenciatura en Artes de la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). Filmó los largometrajes Tabula rasa, 17 monumentos y El predio, y los cortometrajes 5 (cinco), Los murales y Las aguas del olvido. Sus películas han sido seleccionadas en diversos festivales internacionales: BAFICI, FID Marseille, Rencontres Internationales París/Madrid/Berlín y La Habana, entre otros. A few architectural shots, graphics of abstract shapes that slowly turn into recognizable images, pictures of facades, and descriptive texts. Perel returns to the place where the Clandestine Center of Detention, Torture, and Extermination –the ESMA– once operated. But this time, his approach is different. Not only because he goes into it from a physical perspective that is different from his entry into the social imaginary, but also because his approach aims to contemplate not so much the building of a new place, but the destruction of space. This annihilation tears down a lot more than just columns, cement, and girders. Between the River Plate and a city, with its back to it, misses out on everything that happens, Tabula Rasa salvages a fraction of the urban landscape (the back of the Naval School) that remains anonymous to most citizens who pass through that fraction of Avenida Lugones. Jonathan Perel (1976). Graduated in Arts from the Faculty of Philosophy and Letters (University of Buenos Aires). He has filmed the feature films Ta- bula Rasa, 17 Monuments and The Grounds and the shorts 5 (five), The Murals and Oblivion Waters. His films have been select- ed in: BAFICI, FID Marseille, Rencontres Internationales Paris / Madrid / Berlin, Havana, among others. . 61 catálogo BIM 2014 Unos planos arquitectónicos, gráficos de formas abstractas que poco a poco se convierten en imágenes reconocibles, fotos de fachadas, textos descriptivos. Perel vuelve al predio en el que funcionó un Centro Clandestino de Detención, Tortura y Exterminio, la ESMA, pero esta vez su aproximación es distinta. No solo porque se adentra desde un lugar físico diferente al que representa su entrada en el imaginario social, sino también porque su acercamiento tiene como objeto contemplar ya no la construcción de un nuevo lugar, sino la destrucción del espacio. Esa aniquilación hace caer mucho más que columnas, cemento y vigas de metal. Entre el Río de la Plata y una ciudad que, al estar de espaldas no ve nada, a Tabula rasa le lleva menos de una hora rescatar una fracción del paisaje urbano (la parte trasera de la Escuela de Mecánica de la Armada), anónima para la gran mayoría de los ciudadanos que pasan veloces por esa fracción de la Avenida Lugones, que, una vez reconocida, nos obliga nuevamente a pensar las relaciones entre memoria, espacio y sociedad. The Salvador Cresta´s Home-Videos Vol. 13: Mierda azul / The Salvador Cresta´s Home-Videos Vol. 13: Blue Shit Salvador Cresta Argentina | 2014 17’ 09’’ | SD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Este trabajo de Salvador Cresta, posiblemente el más quijotesco de su obra, indaga sobre la posibilidad de la reencarnación como castigo eterno. Con más abundancia de material propio que el de reapropiación y collage que lo caracteriza, Mierda azul usa la posibilidad de otras vidas para adentrarse en arquetipos de Córdoba, donde el autor reside. “Yo soy Otro. Tú. Mi problema es TUYO”, dice el personaje-autor parafraseando a Rimbaud a través de los usuales subtítulos que utiliza. Angustia existencial, fernet y desprendimientos de un yo alienado y desnudo, literal y metafóricamente, conviven dentro de este cut-up audiovisual, en el que el uso de sí mismo como plataforma paródica terminará de darle envión a este delirante viaje autobiográfico. Nació en 1984 en Moreno, provincia de Buenos Aires y actualmente reside en Córdoba. Autodidacta, se dedica a la producción artística independiente. Su obra audiovisual consta de 13 collages autobiográficos, los Salvador Cresta´s Home-Videos, que conviven con su música. Sus discos y videos son manufacturados artesanalmente por el autor, que los difunde a pedido en cajas-collage de tirada única. Realiza continuamente trabajos en colaboración con artistas independientes de estas y otras latitudes. This piece by Salvador Cresta, possibly the most quixotic of his work, investigates the possibility of reincarnation as an eternal punishment. With more abundance of his own material than his typical use of reappropriation and collage, Blue Shit uses the possibility of other lives to explore archetypes of Córdoba, where the author resides. “I am Other. You. My problem is YOURS” says the character/author, paraphrasing Rimbaud, through the usual subtitles that he uses. Existential angst, Fernet and insights of an “I” that is literally and metaphorically alienated and naked coexist within this audiovisual cut-up, in which the use of himself as a parodic platform ultimately gives momentum to this delirious autobiographical trip. Born in 1984 in Moreno, Province of Buenos Aires, currently resides in Córdoba. Self-taught, he works in independent artistic production. His audiovisual work consists of 13 autobiographical collages, Salvador Cresta’s Home Videos, which are accompanied by his music. His records and videos are crafted by the author, distributing them on request in single edition collage boxes. He is continuously working in collaboration with independent artists from Argentina and elsewhere. 62 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works The Things / Las cosas Ilich Castillo Ecuador | 2012 5’ 30’’ | SD | ByN / B&W | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Nació en Guayaquil en 1978 y estudió Artes Visuales en el ITAE y en la Universidad Casa Grande Guayaquil, es programador del Cineclub del ITAE. Entre sus recientes exhibiciones se incluyen: Inter-American Biennial of Video Art, (BID) Washington, 15th Edition Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de París, ESPACIO SÍ-LUGAR NO, Casa Barrio Domingo Savio (Guayaquil), 8º Festival de Cortometrajes de la Ciudad de México, Jornadas de Reapropiación (México D.F.), SIMULTAN FESTIVAL #9 | “Popular Unknown” Casa Artelor (Timisoara, Rumania), [dis]Corporate Bodies: “Under-Mining the Institution”, The Unstitute Project (Reino Unido) y TÁNTALOS, Demolden Video Project (Santander, España). Strange transformations are generated in the credits of John Carpenter´s 1982 film The Thing. As the seconds go by, reading becomes more difficult due to the progressive mixing of the names to the point where nothing is recognisable. The copypaste of the credits from Christian Nyby´s (or Howard Hawks´?) 1951 film The Thing From Another World and Matthijs van Heijningen´s 2011 remake of the prequel, have been infiltrated in this video generating glitches, that end up fusing the identities of the cast members of the three movies. The syndrome of suspicion surrounds us. Ilich Castillo Guayaquil (1978). Studied Visual Arts at the ITAE and Casa Grande Guayaquil University. Programmer of the ITAE Cineclub. His recent exhibitions include: InterAmerican Biennial of Video Art, (IDB) (Washington); 15th Edition Paris Festival for Different and Experimental Cinema, ESPACIO SÍ-LUGAR NO, Casa Barrio Domingo Savio (Guayaquil); 8th Short Film Festival of Mexico City, Reappropriation Conferences (Mexico City); SIMULTAN FESTIVAL #9 |“Popular Unknown” Casa Artelor (Romania); [dis]Corporate Bodies: “Under-Mining the Institution”. The Unstitute Project (UK); (Spain). . 63 catálogo BIM 2014 Extrañas transformaciones se generan en los créditos de La cosa (1982) de John Carpenter. Con el transcurrir de los segundos, la mezcla progresiva de nombres empeora la lectura al punto que finalmente no parece reconocerse a nadie. El copy-paste de los créditos de The Thing from Another World, 1951 (¿de Christian Nyby o Howard Hawks?) y los de la precuela con el mismo nombre (de Matthijs van Heijningen Jr., 2011) han sido infiltrados en este video produciendo un glitch de identidades. El síndrome de la sospecha nos rodea. Tiempo aire / Airtime Bruno Varela México / Mexico | 2014 29’ 45’’ | Super 8 - VHS - Video 8 mini DV - 3GP - Avchd | Color - ByN / B&W | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Bitácora multiformato de viaje interior, manifiesto estético-personal, revisión orgánica de material audiovisual registrado desde 1994 hasta el 2013 en diversas locaciones que incluyen algunas comunidades oaxaqueñas, pasando por las ciudades de Oaxaca, La Paz (Bolivia) y Nueva York. Tiempo aire alude a ese elemento que requiere el universo para proseguir y el cine para consolidarse. Reconexiones con el pasado, desviaciones formales; los atajos los decide cada quien, también su destino. Conocemos la historia de Hermes, el legado para su comunidad “la preponderancia de la imagen” a partir de subtítulos a todo lo largo. La distancia evidente con otras voces señala cierto camino de lectura, también los códigos de tiempo que acompañan cada texto como si estuviéramos ante una copia de trabajo. ¿Estamos acaso frente a diálogos de otra(s) película(s)? “Hermes viajó al Norte en tren, pero cuando regresó era otro”. La historia de muchos. Y tras un tiempo, Hermes decide partir de nuevo al norte. Deja la duda de las imágenes en movimiento. El día de su partida muere una anciana. Hermes regresará cada año, como las estaciones o los ciclos naturales. Maximiliano Cruz. Ficunam 2014 A log, with multiple formats, of an inner journey, a personal aesthetic manifesto, an organic revision of audiovisual material recorded between 1994 and 2013 in various locations that range from small communities in Oaxaca and the capital city of that state, to La Paz, Bolivia, and New York. Airtime alludes to that element which is necessary for the universe to continue, and which cinema requires in order to be consolidated. Reconnections with the past, formal deviations. The shortcuts, like destinies, are chosen by each person. We get to know Hermes’s story through subtitles. The evident distance with other voices points us towards a specific path for reading this film, as do the time codes that appear with each text as if we were watching a rough cut. This is the story of so many. After a while, Hermes takes the decision to go north again. The day of his departure an old woman dies. And Hermes returns to it every year, like the seasons or other natural cycles. Maximiliano Cruz. Ficunam 2014 Nació en Ciudad de México en 1971. Es artista audiovisual y músico. Su trabajo se ha mostrado en diversos festivales, foros y museos. Recibió la beca Media Arts otorgada por la Fundacioìn Rockefeller y es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca. (Mexico City, 1971). Audiovisual artist and musician. His work has been exhibited at several festivals, forums and museums. He received the Media Arts Fellowship from the Rockefeller Foundation. 64 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works U. Adrián Regnier Chávez México / Mexico | 2014 4’ 40’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file En junio de 2012 finalizó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Escultura, Pintura y Grabado La Esmeralda. Actualmente, se encuentra apoyado por la beca Jóvenes Creadores 2013-2014 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes con el proyecto H.U.I.D.A.S. y, adicionalmente, resultó seleccionado en el programa privado de Comisiones y Residencias 2014 de la Fundación Cisneros Fontanals, con el proyecto C. Interpretación Múltiple del Orden Estelar. U. is a piece that integrates particular systems along 3D spatial compositions and illumination into a continuous, cyclical and reversible format. It may be played indefinitely, both forwards and backwards. There is such a thing as an instant expanded into the time of the eternal. It is born as soon as time itself dies. Indistinguishable in its beginning or ending, U. shows an Earth suspended in total limbo, where nuclear fission and fusion convert time, cosmos, energy and matter. When they do, it is in an absolute of love, cloud, everything. Nothing. Graduated in June 2002 in Visual Arts from La Esmeralda School of Sculpture, Painting and Printmaking. He is currently supported by the 2013-14 Young Creators Scholarship of the National Culture and Arts Fund with the project H.U.I.D.A.S. and has also been selected for the private program of the Cisneros Fontanals Foundation’s 2014 Commissions and Residencies, with the project C.- Multiple Interpretation of the Stellar Order. . 65 catálogo BIM 2014 U. es una obra que integra sistemas de partículas y entornos e iluminación 3D en un formato de reproducción cíclico continuo y reversible: puede reproducirse indefinidamente, del comienzo al final o viceversa, tantas veces se desee. Hay tal cosa como un instante distendido hacia el tiempo de lo eterno. Nace cuando el tiempo muere. Indiscernible en su comienzo o final, U. muestra una Tierra suspendida en un limbo total. Cuando la fisión y fusión nucleares convierten tiempo, cosmos, energía y masa. Cuando lo hacen en un absoluto de amor, de nube, de todo. De nada. Vivimos en una duda permanente / We Live in Permanent Doubt Germán David Vanegas Méndez Colombia | 2012 3’ | SD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Durante la secuencia de tres minutos de la película Historia de Lisboa de Wim Wenders, el director Manoel de Oliveira duda de la existencia de la realidad y el tiempo a través de su huella sobre el soporte cinematográfico-video. Partiendo desde allí, una operación estructural reordena los nueve lenguajes que vienen por defecto en el video, mediante un proceso casi matemático. Una composición que genera una nueva secuencia dándole primacía a la multiplicidad de lenguajes y a las formas y ritmos que devienen del proceso mismo. Artista plástico y visual egresado de la Universidad Nacional de Colombia, en Bogotá, en la actualidad es estudiante de la Maestría de Lenguajes Artísticos Combinados del IUNA. Su trabajo mezcla técnicas como el video, el objeto, la escultura, la instalación y la performance. Ha expuesto en las muestras colectivas: Tesis (Museo de Arte Contemporáneo, Bogotá, 2014), Crecer, menguar (Palacio de Cultura Rafael Uribe Uribe, Medellín), Nudos de tiempo (Centro Creativo Textura, Bogotá, 2013), Semana Protósfera (Universidad Javeriana, Bogotá, 2012) y Equinoccio exploraciones (Matik Matik, Bogotá, 2012), entre otras. During the three minute sequence of Lisbon Story by Wim Wenders, the film director Manoel de Oliveira doubts the existence of reality and time through his mark on the cinematographic support. From this starting point, Germán Vanegas takes the nine default languages that come with the movie and, using a near-mathematical process, composes a new sequence, giving primacy to the multiplicity of languages, forms and rhythms that arise from the process itself. Plastic and Visual Artist, graduated from the National University of Colombia in Bogotá. He is currently studying for a Master’s in Combined Artistic Languages at the IUNA. His work combines techniques such as video, object, sculpture, installation, and performance. His exhibitions at collective shows include: Thesis (Bogotá, Museum of Contemporary Art’ 2014) Waxing, Waning (Medellín, Rafael Uribe Palace of Culture), Knots in Time (Bogotá, Creative Texture Centre - 2013), Protosphere Week (Bogotá, Javeriana University 2012), Equinox Explorations (Bogotá, Matik Matik - 2012). 66 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works Weddel Blizzard Ignacio Masllorens Argentina | 2013 4’ 30’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Estudió diseño de imagen y sonido en la Universidad de Buenos Aires. Dirigió los films Hábitat (2014), Martin Blaszko III (2013, mejor largometraje PAFID 2013), Panópticon (2011) así como varios documentales y cortos. Sus obras han participado en diversos festivales, como BAFICI, BIM, FLVR, Premio Fundación Andreani, FIVA, FAB, FLaVia, SESIFF (Seúl), Incubarte (Valencia), MIDBO (Bogotá), Interfilm (Berlín), Fest Curtas BH (Belo Horizonte), Waterpieces (Riga), Videomedeja (Novi Sad) y L’Alternativa (Barcelona). “Snow: years of anger following hours that float idly down. The blizzard drifts its weight deeper and deeper for three days or sixty years, eh? Then the sun!” Blizzard, William Carlos Williams Studied Image and Sound Design at the University of Buenos Aires. Directed the films Habitat (2014), Martin Blaszko III (2013, Best Feature Film PAFID 2013), Panopticon (2011) as well as various documentaries and shorts. His works have participated at various festivals such as BAFICI, BIM, FLVR, Andreani Foundation Prize, FIVA, FAB, FLaVia, SESIFF (Seoul), Incubarte (Valencia), MIDBO (Bogotá), Interfilm (Berlin), FestCurtasBH (Belo Horizonte), Waterpieces (Riga), Videomedeja (Novi Sad), and L’Alternativa (Barcelona). . 67 catálogo BIM 2014 “Cae la nieve: años de furia detrás de horas que flotan perezosas. La ventisca arrastra su peso más y más hondo por tres días ¿o sesenta años, eh? Después el sol!”. William Carlos Williams, Blizzard Windmills / Molinos Roberto Niño Betancourt Colombia-Holanda / Netherlands | 2014 07’ 40’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Herón de Alejandría inventó el molino en el siglo i d. c en Grecia. Este invento revolucionario es el punto de partida para la realización de este documental observacional que explora los Países Bajos: un territorio perfectamente organizado delineado por canales que cuidadosamente dividen las llanuras verdes en las que se encuentra el ganado. Una tierra conquistada al océano por el hombre y su técnica. El viaje evoluciona a partir de ambientes puros y naturales, como el mar y los bosques, hacia el medioambiente intervenido por el hombre, quien explota sus recursos para garantizar su supervivencia. El molino se convierte en el protagonista de la trama ya que representa la columna vertebral de la evolución tecnológica, que modificó los paisajes naturales de manera definitiva. Las huellas dejadas en el camino son el único indicio de la presencia del hombre en el relato. Será la naturaleza la que se revele a sí misma mientras experimenta su continua transformación. Realizador audiovisual colombiano y director del largometraje documental Soñadores en el hospicio (2010), filmado en el Hospital Borda de la ciudad de Buenos Aires en colaboración con el Frente de Artistas del Borda. Actualmente, se encuentra cursando una maestría en cine y nuevos medios en la academia de artes NABA en Italia. Hero of Alexandria invented the first windmill in the 1st century AD in Greece. This world-changing creation is the starting point for an observational documentary that explores The Netherlands: a perfectly organized territory, outlined by canals, carefully dividing green pastures where cattle graze. A land reclaimed from the ocean by man, and his technique. The journey evolves from purely natural environments such as the sea and the forests, to nature as affected by man by the exploitation of resources in order to guarantee his survival. The windmill becomes the centre of the narrative, as it represents the backbone of a man-made environment that causes a permanent effect on the environment as a whole. The footprints left along the way are the only hint of human presence. It will be nature that reveals itself while undergoing its continuous transformation. Colombian audiovisual director of the documentary feature Dreamers in the Hospice (2010) filmed in the Borda Hospital in Buenos Aires, in collaboration with the Borda Artists’ Front. he is currently working on a Master’s in film and new media at the NABA Academy of Arts in Italy. 68 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works programación P R O G R A M M E BIM 2014 . 69 catálogo BIM 2014 exposición / proyecciones / actividades especiales exhibition / screenings / special activities 70 . E X H I B I T I O N S exposiciones Rosa Barba Desde hace casi quince años, Rosa Barba explora el uso de proyectores de cine bajo la forma de obras escultóricas y performativas. Sus instalaciones y películas se valen de conceptos sobre la imagen y el tiempo para decantar características esenciales al medio cinemático. La imagen le permite indagar formas alternativas de interpretación de la realidad mediante las limitaciones y posibilidades propias del celuloide y la máquina de proyección. El tiempo es analizado mediante el contraste entre espacios naturales y la irrupción de la tecnología en contextos signados por referentes sociales y culturales. Esta selección incluye tres instalaciones cinemáticas y una película. Sus instalaciones son producto de la intervención de equipos de cine transformados en esculturas cinéticas que se despliegan por el espacio de exhibición. El uso del celuloide de 16 y 35 mm es un manifiesto sobre la vigencia de este noble formato en For nearly fifteen years, Rosa Barba has explored the use of cinema projectors in the form of sculptural and performative works. Her installations and films make use of concepts of image and time to move towards characteristics that are essential to the cinematic medium. The image permits her to investigate alternative forms of interpretation of reality through the limitations and possibilities of celluloid and the projector. Meanwhile, time is analysed via the contrast between natural spaces and the emergence of technology in contexts marked by social and cultural references. This selection includes three cinematic installations and a film. Barba’s installations result from the intervention in film equipment transformed into kinetic sculptures that stretch out around the exhibition . 71 catálogo BIM 2014 Performatividad de la presencia / Performativity of Presence Curado por / Curated by José Carlos Mariátegui épocas de digitalización y compresión masiva del conocimiento humano. Estos frágiles y arcaicos artefactos recompuestos por Rosa Barba permiten una lectura de la “arqueología medial”, en la que lo performático y lo aleatorio patentizan el concepto de “acción/reacción” que hace visibles los mecanismos de generación y reproducción de la imagen que hoy son reemplazados por cajas negras de hardware y software. Los límites del consumo (2012) es una coreografía de dos esferas metálicas que trasladan su acción performativa a sus sombras, generadas sobre una proyección multicromática. Es un juego entre la inestabilidad y el balance: el proyector ilumina las esferas y, a su vez, causa su movimiento, pues el celuloide es transportado a través de una torre de latas de película que desestabilizan constantemente las esferas montadas en la superficie superior, como si estuviesen adheridos en forma precaria. El resultado es un trabajo escultórico sobre la aleatoriedad del medio cinemático y la tensión entre sus elementos. Mesa redonda del oeste (2007) se compone de dos proyectores de 16 mm que simulan un diálogo entre sí. Inspirado en el histórico simposio “Mesa redonda del oeste sobre el arte moderno”, acontecido en San Francisco en 1949, este duet de artefactos maquínicos proyecta sobre su luz blanca la sombra del proyector opuesto. Las siluetas antagonistas componen un “coloquio” entre ambos artefactos como metáfora visual de la conversación. Dos extractos sonoros de películas de Fellini complementan la obra y se intensifican con el rumor extendido e inquebrantable propio del carrete por el que corre el celuloide. A diferencia de las dos instalaciones anteriores, Un cuadro privado (2010) es narrativa a manera de crítica cultural que intermedia entre la historia y la exageración del poder de la semiótica. La proyección presenta tomas de las inscripciones y trazos dejados hace más de un siglo en los pasadizos subterráneos del río Mersey, en Liverpool, por los ingenieros que estudiaron los puntos de presión creados por los vehículos que atravesaban dichos túneles. La obra space. The use of 16mm and 35mm celluloid is a manifesto on the validity of this worthy format in these times of digitalization and mass compression of human knowledge. These fragile, archaic artifacts recomposed by Rosa Barba allow a “media archaeology” reading in which performative and random elements show the concept of “action/reaction”, making visible the mechanisms of image generation and reproduction that are gradually being replaced by black boxes of hardware and software. Boundaries of Consumption (2012) is a choreography of two metal spheres that transfer the performative action to the shadows, cast on a multi-colour projection. It is a play between instability and balance: the projector lights up the spheres and in turn causes their movement, as the celluloid is transported via a tower of film cans that constantly destabilise the spheres mounted on the upper surface, as if they were stuck there precariously. The result is a sculpture work on the randomness of cinematic media and the tension between its elements. Western Round Table (2007) is made up of two 16mm projectors simulating a dialogue between them. Inspired by the historic Western Round Table on Modern Art that took place in San Francisco in 1949, this duet of machine artifacts projects the shadow of the opposing projector onto the white light. The antagonistic shadows form a “dialogue” between the two artifacts as a visual metaphor of conversation. Two sound extracts from Fellini films complement the piece and are intensified with the expansive and unbreaking whirring of the reel along which the celluloid runs. Unlike the two above-mentioned installations, Private Tableaux (2010) is a narrative in the form of cultural critique mediating between history and the exaggeration of the power of semiotics. The projection presents shots of inscriptions and sketches 72 . Performatividad de la presencia / Performativity of Presence Rosa Barba (Sicilia, 1972) estudió en la Academia de Artes de los Medios en Colonia y en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam. Su trabajo involucra el uso de película de 35 mm y 16 mm para crear “instalaciones del tiempo”y películas. Está especialmente interesada en la abstracción de la cinematografía como medio para forzar los límites y sus posibilidades. Sus exposiciones individuales recientes incluyen: CAC Vilnius (Lituania, 2014); MAXXI Museo delle Arti del Secolo XXI (Roma, Italia, 2014); Turner Contemporary (Margate, Reino Unido, 2013); Bergen Kunsthall (Noruega, 2013); Cornerhouse (Manchester, Reino Unido, 2013); MUSAC (Castilla y León, España, 2013), Jeu de Paume (París, 2012); Kunsthaus Zürich (Suiza, 2012); Marfa Book Co (Marfa, Texas, 2012) y Museo de Arte Contemporáneo de San Luis (Estados Unidos, 2012). Ha participado en exposiciones colectivas en instituciones y festivales en todo el mundo y su obra está representada en numerosas colecciones internacionales. Las monografías Rosa Barba: White is an Image left over a century ago in the tunnels under the River Mersey in Liverpool by the engineers who studied the pressure points created by the vehicles using the tunnels. The work creates a contemporary imaginary narrative from the figurative references. Somnium (2011) is presented as a complement to these three installations, a 35mm film (transferred to digital) that takes the title of the 1608 work by German astronomer Johannes Kepler, considered the first science fiction story about a lunar voyage, used to validate his theory of a heliocentric universe. Like many of Rosa Barba’s films, Somnium seeks to construct a Utopian history from interpretations of real events, confronting cultural research with the impact of technology and how the latter is gradually transforming our perception of reality. It presents spaces and characters that appear on the fringes of conventional everyday life, in barren places where the emergence of technology is miniscule and ephemeral compared to the awesome power of nature. Rosa Barba (Sicily, 1972) studied at the Academy of Media Arts in Cologne and at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam. Her work involves the use of 35mm and 16mm film to create “time installations” and films. She is especially interested in the abstraction of cinematography as a means to push boundaries and possibilities. Her recent individual exhibitions include: CAC Vilnius, Lithuania, 2014; MAXXI Museo delle Arti del Secolo XXI, Rome, Italy, 2014; Turner Contemporary, Margate, UK, 2013; Bergen Kunsthall, Norway, 2013; Cornerhouse, Manchester, UK, 2013; MUSAC, Castilla y León, Spain, 2013, Jeu de Paume, Paris, 2012; Kunsthaus Zurich, Switzerland, 2012; Marfa Book Co, Marfa, Texas, 2012; Museum of Contemporary Art . 73 catálogo BIM 2014 crea una narrativa imaginaria a partir de referentes figurativos. Complementando estas tres instalaciones, se presenta Somnium (2011), un film realizado en 35 mm (transferido a digital) que toma el título de la obra del astrónomo alemán Johannes Kepler en 1608, considerado el primer relato de ciencia ficción, que cuenta un viaje lunar utilizado para validar la tesis de un universo heliocéntrico. Como muchas de las películas de Rosa Barba, Somnium pretende construir una historia utópica, a partir de interpretaciones de eventos reales, confrontando la investigación cultural con el impacto de la tecnología y cómo esta última viene transformando nuestra percepción de la realidad. Presenta así espacios y personajes que parecen estar al margen de la vida cotidiana convencional, en lugares áridos en los que la irrupción tecnológica es minúscula y efímera en comparación con el poder inquietante de la naturaleza. y Rosa Barba: Time as Perspective fueron publicadas por Hatje Cantz en 2011 y 2013, respectivamente. Vive y trabaja en Berlín. José Carlos Mariátegui (Lima, 1975). Escritor, curador y emprendedor en cultura, nuevos medios y tecnología. Estudió biología y es bachiller en Matemáticas Aplicadas por la Universidad Peruana Cayetano Heredia (Lima). Tiene una Maestría y un Doctorado en Sistemas de Información e Innovación por la London School of Economics and Political Science (LSE). Es fundador de Alta Tecnología Andina (ATA), dedicada al desarrollo de proyectos en arte, ciencia y tecnología en América Latina y fue directorfundador de la Casa Museo José Carlos Mariátegui del Ministerio de Cultura (19952005). Ha sido curador de exhibiciones de arte y tecnología a nivel internacional, como: Videografías In(visibles), Emergentes y VideoXXI - Lemaitre Collection, entre otras. Ha sido miembro de la Comisión Nacional de Cultura del Gobierno del Perú (2001-2002) y del Comité Consultivo del Ministerio de Cultura (2010, 2012-2013). Es miembro del Network Committee de la Prince Claus Fund (Holanda) y del Comité Editorial de la Serie Leonardo, libros sobre arte, ciencia y tecnología publicados por MIT Press (Estados Unidos). St Louis, USA., 2012. She has participated in collective exhibitions in numerous international collections. The essays Rosa Barba: White is an Image and Rosa Barba: Time as Perspective were published by Hatje Cantz in 2011 and 2013, respectively. She lives and works in Berlin. José Carlos Mariátegui (Lima, 1975) Writer, curator and culture, new media and technology entrepreneur. Studied Biology and graduated in Applied Mathematics from the Cayetano Heredia Peruvian University (Lima). He has a Master's and PhD in Information and Innovation Systems from the London School of Economics and Political Science-LSE (London). Founder of Alta Tecnología Andina-ATA, dedicated to developing art, science and technology projects in Latin America. Founding Director of the José Carlos Mariátegui House Museum of the Ministry of Culture (1995-2005). He has curated international art and technology exhibitions, including “In(visible) Videographies”, “Emergent”; ‘21st Video – Lemaitre Collection’. He has been a member of the National Commission for Culture of the Peruvian Government (2001-2002) and of the Consultative Committee of the Ministry of Culture (2010/2012-2013). He is a member of the Network Committee of the Prince Claus Fund (Netherlands) and of the Editorial Committee of the Leonardo Book Series, art, science and technology books published by MIT Press (USA). 74 . Performatividad de la presencia / Performativity of Presence Boundaries of Consumption / Los límites del consumo 2012 Duración variable / Variable duration | 16 mm Proyector modificado, latas de película y 2 esferas de metal / modified projector, film cans and 2 metal balls The Boundaries of Consumption installation is a kind of balancing act, or an unstable sculpture where a 16mm film is looped between two film cans: The sculptural work is in constant tension between all the elements that make it up, resulting in something between a balancing act and a magic trick, where two spheres on the film cans meet in constant movement. The resultant image, in the style of a random film, is never the same, as at times the two spheres morph into one and then become two once again. . 75 catálogo BIM 2014 La instalación Los límites del consumo representa una suerte de acto de equilibrio o una escultura inestable en la que una película de 16 mm circula a manera de bucle entre dos latas de película. La obra escultórica se encuentra en una tensión constante entre todos los elementos que la constituyen, y resulta en algo entre un acto de equilibrismo y un truco de magia, en el que dos esferas sobre las latas de película se encuentran en constante movimiento. La imagen resultante, a manera de una película aleatoria, nunca es la misma, pues por momentos las dos esferas se transforman en una y luego se convierten en dos nuevamente. Western Round Table / Mesa redonda del oeste Estados Unidos / USA | 2007 2’ en loop | Dos películas de 16 mm, dos proyectores, dos bucles, sonido óptico / Two 16 mm films, two projectors, two loops, optical sound En 1949 la Escuela de Bellas Artes de California organizó en San Francisco el simposio “Mesa redonda del oeste sobre el arte moderno”. En él, un grupo de hombres del arte y la ciencia –que incluyó a Marcel Duchamp, Frank Lloyd Wright y Gregory Bateson– discutió de manera pública y privada sobre la práctica artística contemporánea, su legado y el futuro modernista. La referencia al simposio puede ser leída dentro la obra de Barba, incluso si permanece exterior a ella, en el campo de la investigación independiente del espectador. Pero Western Round Table no es necesariamente sobre un discurso estético decadente; su material de origen la convierte en una obra fuera del tiempo, un monumento y un enigma. La obra podría representar una situación generalizada de negociación aparentemente impotente (de la política o la cultura contemporánea) –un debate atrapado en un bucle sin fin, la caja de resonancia que define su (nuestro) estado tan ridículo y sin solución–. Autónomo y atemporal, es un objeto abierto y cerrado al mismo tiempo, una clave para la práctica de Barba (Ian White). In 1949 the California School of Fine Arts organised The Western Round Table on Modern Art in San Francisco. A group of men from art and science - including Marcel Duchamp, Frank Lloyd Wright and Gregory Bateson publicly and privately discussed contemporary artistic practice, its legacy and a modernist future. The symposium reference might be read into Barba's work even if it remains exterior to it, in the field of the viewer's independent research. But Western Round Table is not necessarily about a bankrupt aesthetic discourse. Its source material converts it into an abstract piece outside of time, a monument and an enigma. This work might also stand for a generalised situation of seemingly impotent negotiation (of politics or contemporary culture) - a debate trapped in an endless loop, the echo chamber that defines its (our) condition as ridiculous and unresolvable. Self-contained and timeless it is a simultaneously open and closed object, a key to Barba's practice (Ian White). 76 . Performatividad de la presencia / Performativity of Presence A Private Tableaux / Un cuadro privado El trabajo realizado en 16 mm, Un cuadro privado (2010) voltea la mirada y enfoca la cámara en una serie de dibujos, que solo son arte durante el tiempo en el que quien los percibe no puede descifrarlos. Así como La conferencia oculta, este film comienza con fragmentos cortos de texto que introducen la perspectiva a la que uno es dirigido montando el escenario y –una y otra vez– dividiéndolo con inserciones textuales. La cámara se desplaza a lo largo de las paredes escasamente iluminadas de un sistema de túneles en los que los ingenieros han estado marcando fallas y grietas durante décadas. Esos dibujos, dejados por personas, cubren casi todas las secciones del muro, pero esta red de deficiencias previene el deterioro de la estructura. Los restos de todas estas grietas en los arcos del túnel, sus repeticiones en tiza, demuestran una huella indirecta de lo que espera en el exterior; por un lado, las narraciones dominantes de la historia del arte y, por otro, el tráfico amenazante en la superficie. Los límites del arte se abren en un archivo fílmico de puntos de vista, que construyen nuevas relaciones de viejos rechazos. The 16 mm work A Private Tableaux (2010) turns this perspective around and points the camera at a series of drawings, which only remain art as long as their perceiver cannot decipher them. Like The Hidden Conference, this film begins with short fragments of text, introducing the perspective one is led into, staging the scenery and dividing it with textual insertions. The camera navigates along sparsely lit walls of a system of tunnels on which the engineers have been marking flaws and cracks for decades. These man-made drawings cover almost every section of the wall, but this network of deficiencies prevents the structure’s breakdown. The traces of all these cracks in the arches of the tunnel and their repetition in chalk demonstrate an indirect imprint of what awaits outside, on the one hand the dominant narratives of art history, and the menacing traffic above ground on the other. The boundaries of art are opened up within a filmic archive of views, which construct new relations out of old rejections. . 77 catálogo BIM 2014 Reino Unido / UK | 2010 7’ en loop | Film 16 mm | Sonido óptico / Optical Sound Somnium Holanda / Netherlands | 2011 19’ 20’’ en loop | Transfer de película 16 mm a archivo digital / 16 mm film transferred to digital video file | Sonido óptico / Optical sound Rosa Barba produjo una película de ciencia ficción basada en entrevistas con los residentes y las personas involucradas en el proyecto para recuperar la tierra en Maasvlakte 2. Barba pidió a los entrevistados imaginar lo que esta nueva tierra podría ser en el futuro. Mientras vemos imágenes de la nueva tierra, un depósito de almacenamiento de lodo altamente contaminado en el nuevo río Meuse, la construcción de los enormes diques, bloques de basalto, envases vacíos y los movimientos mecánicos del proceso de trasbordo, escuchamos también una historia que aparentemente tiene lugar en el futuro. El personaje principal es un apicultor que comenzó con su primera colmena en Maasvlakte hace 30 años, y ahora está rodeado de silos para el almacenamiento de aceite. Combinadas con fotos de archivo del puerto, las imágenes forman un ballet mecánico del hombre y la máquina sobre un paisaje futurista. Rosa Barba produced a science fiction film based on interviews with local residents and individuals involved in the land reclamation project for Maasvlakte 2. Barba asked the interviewees to imagine what this new land would look like in the future. While we see images of the new land, including a storage reservoir for heavily contaminated sludge from the new Meuse river, the construction of the huge docks, basalt blocks, empty containers and the mechanical movements of the transshipment process, we listen to a story apparently taking place in the future. The main character is a beekeeper who started with his first hive on the Maasvlakte, thirty years ago, and is now surrounded by silos for oil storage. Combined with archive pictures of the port, the images form a mechanical ballet of man and machine, set against a futuristic landscape. 78 . Performatividad de la presencia / Performativity of Presence Hito Steyerl Las películas y ensayos de Hito Steyerl toman la imagen digital como punto de partida para adentrarse en un mundo en el cual una política de deslumbramiento es presentada como deseo colectivo. Si la guerra, el genocidio, los flujos de capital, los desechos digitales y la lucha de clases tienen lugar también en las imágenes, ya no estamos tratando con algo virtual, sino con un ente concreto –a la vez confuso y extraño– que recién estamos empezando a comprender. Hoy en día, el mundo de la imagen, nos recuerda Steyerl, está lejos de ser algo plano. Y, paradójicamente, podemos localizar su ética en sus puntos más vulgares y huecos. Porque aquí es donde las formas corren libres y lo que subyace oculto y desconocido comienza a cuestionar, a una velocidad vertiginosa, determinados proyectos de poder. La instalación de Steyerl recoge algunas reflexiones de su texto “En defensa de la imagen pobre”, que celebra las imágenes de baja resolución por ser ampliamente uti- The films and essays of Hito Steyerl take the digital image as a starting point to explore a world in which a policy of bedazzlement is presented as collective desire. If war, genocide, capital flows, digital waste and the class struggle also have a place in the images, we are no longer dealing with something virtual but with a concrete entity –as confusing as it is strange– that we are only now beginning to understand. The world of the image today, Steyerl reminds us, is far from being something flat. And paradoxically, we can locate its ethics and its most vulgar and empty points. Because it is here that forms run free and what lies beneath, hidden and unknown, begins to cast certain power projects into crisis at a vertiginous speed. Steyerl’s installation covers some reflections from her text “In Defence of the Poor Image”, which celebrates low-resolution images because they . 79 catálogo BIM 2014 En defensa de la imagen pobre / In Defence of the Poor Image lizadas, socialmente útiles y circular sin autorización alguna. El video How not to be seen? –de reciente producción– retoma el tema centrándose en la manera en que estas imágenes permiten a los sujetos permanecer menos visibles o ser delineados de modo más ambiguo. Según Steyerl, el deseo de desaparecer es un concepto altamente ambivalente: es algo que se desea, que nos alivia de la constante representación en imágenes a la que todos estamos expuestos. Pero también es algo que produce temor al evocar el fantasma del secuestro político masivo. De hecho, el video de Steyerl hace referencia explícita a este lado oscuro de la desaparición e insinúa que los desaparecidos de la era digital terminan como fantasmas en 3D situados en el fondo de alguna representación arquitectónica. Además, vaticina que los fantasmas comenzarán a perseguir a los que generan este tipo de representaciones, los grupos de poder político y/o económico. Esta vertiginosidad del contenido visual, el concepto-en-devenir de las imágenes, las ubica en el seno de un giro informacional general, dentro de economías del conocimiento que arrancan de su contexto a las imágenes y sus pies de foto lanzándolas al remolino de la constante desterritorialización capitalista. La historia del arte conceptual describe esta desmaterialización del objeto artístico en primer lugar como un movimiento de resistencia contra el valor fetiche de la visibilidad. Después, sin embargo, el objeto de arte desmaterializado resulta ser perfectamente adaptable a la semiotización del capital de la que se deriva el giro conceptual del capitalismo. De alguna manera, la imagen pobre está sujeta a una tensión similar. Por un lado, opera contra el valor fetiche de la alta resolución. Por otro lado, este es precisamente el motivo por el que acaba perfectamente integrada en un capitalismo de la información que prospera en lapsos de atención comprimidos, en la impresión antes que en la inmersión, en la intensidad antes que en la contemplación, en las vis- are widely used, socially useful and circulate without any authorisation whatsoever. The recent video How Not To Be Seen? picks up on this subject, focusing on the way in which these images allow their subjects to remain less visible or be outlined more ambiguously. According to Steyerl, the desire to disappear is a highly ambivalent concept: it is something that is desired, that relieves us from the constant representation in images to which we are all exposed. But it is also something that produces fear, evoking the ghost of the mass political abduction. In fact, Steyerl’s video makes explicit reference to this dark side of disappearance, and suggests that the disappeared of the digital era end up as 3D ghosts situated at the bottom of some architectural representation. And she foresees that the ghosts will begin to pursue those who generate this type of representation, the groups of political and/or economic power. This flattening-out of visual content, the concept-in-becoming of the images, positions them within a general informational turn, within economies of knowledge that tear images and their captions out of context, into the swirl of permanent capitalist deterritorialization. The history of conceptual art describes this dematerialization of the art object firstly as a resistant move against the fetish value of visibility. Then, however, the dematerialized art object turns out to be perfectly adapted to the semioticization of capital, and thus to the conceptual turn of capitalism. In a way, the poor image is subject to a similar tension. On the one hand, it operates against the fetish value of high resolution. On the other hand, this is precisely why it ends up being perfectly integrated into an information capitalism thriving on compressed attention spans, on impressions rather than immersion, on 80 . En defensa de la imagen pobre / In Defence of the Poor Image intensity rather than contemplation, on previews rather than screenings”. Extracto de Los condenados de la pantalla de Hito Steyerl, Caja Negra, 2014. Excerpt from Hito Steyerl The Wretched of the Screen. e-flux, 2012 Hito Steyerl (1966, Munich, Alemania). Es cineasta y trabaja como realizadora y autora en el campo del cine y video documental de ensayo, media art y videoinstalación. Se dedica desde hace años a los medios de comunicación y al análisis de la circulación masiva y global de imágenes. Doctora en Filosofía por la Universidad de Viena y profesora de New Art Media en la Universidad de Berlín; sus ensayos críticos se centran en temas como el feminismo, el militarismo y, sobre todo, la proliferación y difusión del conocimiento a través de las imágenes como consecuencia de las tecnologías digitales. Como artista y documentalista participó en distintas muestras individuales, festivales y bienales de todo el mundo, entre otras, Documenta 12 (2007), Bienal de Shanghai (2008), Bienal de Taipei (2010) y Bienal de Venecia (2013). En ocasión de la Bienal de la Imagen en Movimiento y con apoyo del Goethe-Institut, la editorial Caja Negra presenta Los condenados de la pantalla, su primer libro traducido al español. Hito Steyerl (1966, Munich, Germany) is a filmmaker working as a director and author in the field of documentary essay film and video, media art and video installation. For several years her work has focused on the media and the analysis of the mass global circulation of images. A PhD from the University of Vienna and a lecturer in New Art Media at the University of Berlin, her critical essays focus on such issues as feminism, militarism and, above all, the proliferation and diffusion of knowledge through images as a consequence of digital technologies. As an artist and documentarian she has participated in individual exhibitions, festivals and biennales all over the world, including: Documenta 12 in 2007, the 2008 Shanghai Biennale, the 2010 Taipei Biennale, and the 2013 Venice Biennale. On the occasion of the Biennale of the Moving Image and with the support of the Goethe Institut, the publishing house Caja Negra presents Los condenados de la pantalla (The Wretched of the Screen), her first book translated into Spanish. . 81 catálogo BIM 2014 tas preliminares antes que en las proyecciones. How Not to be Seen: A Fucking Didactic Educational .MOV file / Cómo no ser visto: un puto instructivo didáctico .MOV file Alemania / Germany | 2013 15’ en loop | HD | Videoinstalación / Video installation Abandonados en el desierto californiano, vemos unos dispositivos que se utilizaban para testear la resolución de cámaras aéreas analógicas, antecesoras de las que se instalan en la punta de los misiles. Al estilo de un video instructivo, Cómo no ser visto comienza con explicaciones acerca de cómo permanecer invisible en la era de la proliferación de imágenes: sugerencias tales como camuflarse o hacerse más pequeño que el tamaño de un píxel llevarán a una profunda reflexión sobre un tema tan urgente como el uso masivo de las imágenes de baja resolución, que circulan de manera descontrolada y sin autorización alguna. Abandoned in the Californian desert, we see some devices that were used to test the resolution of analogue aerial cameras, forerunners to those installed in missile heads. In the style of an instructional video, How Not To Be Seen begins with explanations on how to remain invisible in the era of the proliferation of images: suggestions about how to camouflage oneself, or be smaller than the size of a pixel, quickly lead to a deep reflection on such a highly urgent subject as the mass use of low-resolution images that circulate without any controls or authorisation whatsoever. 82 . En defensa de la imagen pobre / In Defence of the Poor Image Strike / Golpe Alemania / Germany | 2010 28’’ en loop | HDV | Videoinstalación / Video installation A short, potent video. A powerful reminder that images have a physical reality like any other thing. Their limitations in the context of their production, reproduction and diffusion can fundamentally alter their impact. The title is derived from super enthusiastic, hyper productive Stalinists workers, called Strike Workers. According to Steyerl, nowadays the term can be transferred to presentday cultural factories, strike work relates to the sensual dimension of shock. Rather than painting and molding, artistic strike work consists of ripping, chatting, and posing. This accelerated form of artistic production creates punch and glitz, sensation and impact. . 83 catálogo BIM 2014 Un video breve y contundente. Un recordatorio impactante de que las imágenes tienen una realidad física como la tienen todas las cosas. Las limitaciones que sufren en el contexto de su producción, reproducción y difusión pueden alterar su impacto de manera fundamental. El título deriva de los trabajadores estalinistas hiperproductivos y súper entusiastas, denominados “trabajadores de choque”. De acuerdo con Steyerl, en nuestros días, el término puede ser transferido a las actuales fábricas culturales, el trabajo de choque se relaciona con la dimensión sensual del impacto. Antes que pintar y moldear, el trabajo artístico de choque consiste en grabar, chatear y posar. Esta forma acelerada de producción artística crea punch y ostentación, sensación e impacto. Contar el mundo / Recount the World Curado por / Curated by Gabriela Golder Lucas Bambozzi / Claudia Joskowicz / Pablo Lobato / Arthur Omar / Enrique Ramírez ¿Dónde nos colocamos para entender el mundo? De una u otra manera, cada uno de nosotros desea encontrar estrategias para ordenar el mundo, dar cuenta de sus estructuras para intervenir sobre ellas. Pero no es posible salirse del mundo para esto. Solo situarse en alguno de los infinitos lugares, puntos de vista, para asirlo, vivirlo, decirlo. Encontrar un lugar desde donde contar el mundo, construir un mejor lugar para vivir. Dos perspectivas abordan las obras reunidas en esta exposición, dos posibles modos de ordenar el mundo: desde adentro, entre cuerpos y figuras, entre el comienzo del gesto y la quietud; o desde más allá, desde la distancia, a partir de la construcción de elementos simbólicos y del protagonismo de la palabra. Entre ellas, un lugar de pasaje. 84 . Contar el mundo / Recount the World Where do we stand to understand the world? One way or another, we all want to find ways to order the world, to understand its structures in order to work on them. But it is not possible to go outside of the world to do this. One can only place oneself in one of its infinite places, points of view, to grasp it, live it, say it. To find a place where one can recount the world, build a better place to live. Two perspectives address the works in this exhibition, two possible ways of ordering the world: from within, among bodies and figures, between the beginning of the action and stillness; or from beyond, from a distance, from the construction of symbolic elements and the prominence of the word. Between them, a place of passing. ¿Existe todavía una forma posible cuando se pierde el lugar? (Virilio) Is a way still possible when the place is lost? (Virilio) Las obras que conforman esta muestra generan un diálogo entre diferentes modos de abordar la relación con el mundo. The works that make up this exhibition form a dialogue between different ways of addressing the relationship with the world. “Las imágenes, los cuerpos y las luchas forman parte de una misma dinámica”. Hito Steyerl Pensar desde la imagen. En el comienzo está el movimiento. El comienzo del movimiento y las imágenes develadoras. Es posible en estas imágenes percibir la respiración de la cámara, de aquel que mira, de aquel que es mirado. ¿Quién mira a quién? Como si fuera posible dejar de ser imagen para convertirse en cuerpo. El artista está dentro de la escena. Su cuerpo inmerso, su mirada activa. En aquel momento, todo lo ve, todo lo escucha. Y en ese atravesar horizontal y vertical de ese tiempo da a luz a la imagen instante y a la imagen memoria. Esto sucede ahora y desde siempre. Ver por primera vez, ver muchas veces. Hay animales, hay hombres. Cuerpos mojados, transpirados, urgentes, resistentes, agotados. Los cuerpos observados ocupan el espacio, son imagen, son poro, son líquido. Los cuerpos hacen la historia. De este modo, se genera el espacio de reflexión dentro de la imagen, pero también entre la imagen y su contexto, entre los unos y entre los otros. La mirada descubre intersticios y construye posibilidades. Un lugar de pasaje (En tránsito) “Allí estaban ellos, dignos, invisibles”. T. S. Eliot De urgencias, de esperas, de encuentros y despedidas. Entre un lugar y otro, ese no lugar. Una posibilidad entre luz y oscuridad, entre memoria y olvido, entre renuncia y resistencia. No existe lugar adonde ir, y sin embargo. Within the World (Record it) “The images, the bodies and the struggles are part of the same dynamic”. Hito Steyerl Think from the image. In the beginning is movement. The beginning of movement and revealing images. It is possible that these images perceive the breathing of the camera, of the thing that watches, of the thing that is watched. Who watches whom? As if it were possible to cease to be an image to become a body. The artist is within the scene. Her body immense, her gaze active. At that moment, she is all-seeing, allhearing. And that horizontal and vertical passing of that time brings to life the instant image and the memory image. This happens now, always has done. Seeing for the first time, seeing many times. There are animals, there are men. Wet bodies, sweating, urgent, resistant, exhausted. The bodies observed occupy the space, they are image, they are pores, they are liquid. The bodies make the story. In this way, the space for reflection is generated within the image but also between the image and its context, between them and between each other. The gaze uncovers interstices and constructs possibilities. A Place of Passing (In transit) “There they were, dignified, invisible.” T. S. Eliot Of urgency, of waiting, of encounters and farewells. Between one place and another, that no place. A possi. 85 catálogo BIM 2014 Dentro del mundo (Inscribirlo) Más allá, leer al mundo (Darle forma) “Es falsa la historia que nos enseñaron”. Proclama en La hora de los hornos, Grupo Cine Liberación Pensar desde el relato. Dar forma con la palabra. Hacer frente a las huellas dejadas por la historia y proponer modos de concebir un lugar desde la ficción abordando cuestiones como identidad, memoria y territorio. Hay un relato que construir. La enunciación está fuera. Una ficción, una mirada calma y memoriosa que atraviesa instantes del pasado reciente y los vuelve universales. Desplegar la historia para dar testimonio de una experiencia en el mundo haciendo hincapié en los hiatos que se producen en la narrativa cuando se toman los acontecimientos fuera de su contexto original. Lugar de encuentro entre pasado y presente. A través de lo alegórico, las obras se apoyan en momentos de tensión para explicar el mundo a través del relato y generan espacios imaginarios en los cuales se pone en evidencia la ficción. 86 . Contar el mundo / Recount the World bility between light and darkness, between remembering and forgetting, between resignation and resistance. There is no place to go, and yet. Beyond, Read the World (Give it shape) “The history they taught us is false”. Proclamation in La hora de los hornos, Grupo Cine Liberación Think from the retelling. Give shape with the word. Tackle the marks that history has left and propose ways of conceiving a place from fiction, addressing questions like identity, memory and territory. There is a story to construct. The enunciation is on the outside. A fiction, a calm perspective with a good memory that passes through instants of the recent past making them universal. Unravel the history to give evidence of an experience in the world, stressing the hiatuses that occur in the narrative when events are taken out of their original context. A meeting place between past and present. Through allegory, the works draw on moments of tension to explain the world through the story and generate spaces of imaginary in which the fiction becomes evident. Multidão / Multitud / Crowd Lucas Bambozzi Brasil / Brazil | 2013 14’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Videoinstalación / Video installation | 2 canales / 2 channels Rio de Janeiro, Favela da Maré, February 2013 Night falls on the street. Some kids, some maybe as young as five, are sitting on the pavement. Until a short time ago, they appeared to be engaged in some game or conversation. But now they seem to have taken an interest in what is behind them: the camera filming them. People pass by, street workers. They’re the locals from the barrio, comfortable in this environment. The kids’ reaction attracts their attention and they head over to them. Their curiosity aroused, they join them and also look in the direction of the camera. With some discomfort them ask around about the situation drawing people to the barrio, and more people join the group, until they form a small crowd. In under two minutes, fifty or sixty people are there, trying to figure out what is happening right in front of them. . 87 catálogo BIM 2014 Río de Janeiro, Favela da Maré, febrero de 2013 Inicio de la noche en la calle. Algunos niños, unos cinco tal vez, están sentados en la vereda. Hasta hace poco, parecían entretenidos en algún juego o conversación. Pero ahora parecen interesarse por lo que está delante de ellos (la cámara que los registra). Los transeúntes pasan, personas que trabajan en la calle. Son las personas del barrio, están a gusto en el ambiente. Les llama la atención la reacción de los niños y se aproximan a ellos. Les da curiosidad, se juntan y también empiezan a mirar en dirección a la cámara. Con cierta incomodidad, se preguntan sobre la situación que atrae a la gente del barrio, y más personas se unen al grupo hasta que forman una pequeña multitud. En menos de dos minutos, cincuenta o sesenta personas están allí e intentan entender lo que está pasando delante de ellas. Al poco tiempo, algunos se distinguen, dan medio paso al frente y encaran la cámara de forma un poco inquisitiva, como si se preguntasen ¿qué están haciendo ustedes aquí? o ¿qué quieren?, ¿qué buscan? Vemos esta indagación en sus miradas y expresiones y constatamos: están en sus dominios. Y todos nosotros (la cámara y los que estamos detrás de ella) incomodamos a los que están allí. Ellos tienen conciencia de que son un grupo, intercambian miradas, gesticulan, hablan entre sí y nos encaran de frente, de forma cada vez más interrogativa. Hay una duda sobre lo que sucede entre ellos y entre nosotros. Miran hacia el fondo, por encima de la cámara. Persiste esa mirada interrogativa, desconfiada y desafiante. Sentimos la complicidad que hay entre ellos. En un momento están serios, en otro se ríen de lo que están viendo. Percibimos estas oscilaciones. Es eso lo que vemos, aunque no sea visible. Después del algún tiempo, algunos invitan a otros a irse. Unos empujan estrechando la complicidad y lentamente se van ignorándonos, aunque lancen miradas desconfiadas hacia atrás (a nosotros y la cámara). Los grupos se deshacen, caminan hacia donde no los vemos más, hasta que todo recomienza. Contexto El complejo de La Maré, en Río de Janeiro, está formado por cerca de quince agrupamientos habitacionales o favelas. La escena fue pensada a partir de la exposición de arte contemporáneo Travesías, que tuvo lugar en el Galpón Maré, en la calle Bittencourt Sampaio, calle que nace en la Avenida Brasil y va hasta cerca del margen de la Bahía de Guanabara, en la zona norte de Río de Janeiro. Un plano síntesis que permite lecturas múltiples: la reacción de los habitantes de una favela en Río de Janeiro, el choque entre locales y visitantes, cuestiones entre lo individual y lo colectivo, el perfil oscilante de una multitud. Lucas Bambozzi es un artista e investigador de nuevos medios que produce instalaciones, videos monocanal y proyectos in88 . Contar el mundo / Recount the World It isn’t long before some of them stand out, taking half a step forward, and facing the camera somewhat inquisitively, as if asking ‘what are you doing here?’ or ‘what do you want?’ or ‘what are you looking for?’ We see this questioning in their eyes, their expressions, and we can confirm: they are in their domain. And all of us (the camera and those of us behind it) make those who are there uncomfortable. They are conscious that they are a group, they look at each other, gesticulate, speak among themselves and look straight at us, increasingly questioning. There is a doubt about what is happening, among them and between us. They look towards the back, above the camera. They persist with their questioning looks, untrusting, challenging. We sense the complicity there is among them. At one moment they are serious, then they laugh at what they are seeing. We perceive these swings. That is what we see, although it isn’t visible. After some time, some lead others away. Some push, reducing the complicity, and slowly they go away, ignoring us, although looking over their shoulders with distrust (at us and the camera). The groups break up, they walk away until we can see them no more, until it all starts again. Context The La Maré complex in Rio de Janeiro is made up of around fifteen housing clusters or favelas. The scene was conceived for the Crossings contemporary art exhibition that took place in the Maré Warehouse on Bittencourt Sampaio, a street that starts at Avenida Brasil and leads to the edge of the Bahía de Guanabara, in the north of Rio de Janeiro. A pack shot allows multiple readings: the reactions of the inhabitants of a Rio de Janeiro slum, the clash between locals and visitors, questions about the individual and the collective, the pendulous profile of a crowd. Lucas Bambozzi is an artist and new media researcher producing installations, single channel videos and interactive projects. His works have been shown in solo and collective shows in more than 40 countries, held by organizations such as Moma in USA, ZKM, Frankfurter Kunstverein and ISEA-Ruhr in Germany, Laboral and Arco’s Expanded Box in Spain, Http Gallery in London, Havana Biennale in Cuba, ŠKUC gallery in Slovenia, WRO Media Art Biennale in Poland, Centre Georges Pompidou in France, ZERO1 Biennial in the USA, Bienal de Artes Mediales in Chile and many venues in Brazil, including the São Paulo Biennale. He has participated in film and video festivals such as Sundance, Slamdance, FID Marseille, Videobrasil, It’s All True Festival, Impakt, Festival do Rio BR, Share Festival Italy, FILE, On-Off and many others. Was twice awarded prizes by the Vitae Foundation Arts Program and was acknowledged in 2012 with the prestigious Sergio Motta Prize. He is one of the initiators of the arte.mov Festival (2006-2012), the Multitude exhibition (Sesc Pompeia, São Paulo, 2014) and the Labmovel project. . 89 catálogo BIM 2014 teractivos. Sus trabajos han sido exhibidos en muestras individuales y colectivas en más de 40 países organizadas por instituciones como el MoMA y la Bienal ZERO1 en los Estados Unidos; ZKM, Frankfurter Kunstverein e ISEA-Ruhr, en Alemania; Laboral y Caja Expandida en ARCO, España; Galería http en Londres; Bienal de La Habana en Cuba; galería ŠKUC en Eslovenia; WRO Bienal de Arte Multimedia en Polonia; Centro Georges Pompidou en Francia; Bienal de Artes Mediales en Chile y diversas instituciones en Brasil, incluyendo la Bienal de San Pablo. Participó de festivales de cine y video como Sundance, Slamdance, FID Marseille, Videobrasil, It’s All True Festival, Impakt, Festival do Rio BR, Share Festival en Italia, FILE, On-Off, entre muchos otros. Recibió dos veces el premio para el programa de arte de la Fundación Vitae, y en 2012 fue galardonado con el prestigioso premio Sergio Motta. Es uno de los iniciadores del festival arte.mov (2006-2012), la muestra Multitud (Sesc Pompéia, San Pablo, 2014) y el proyecto Labmovel. Los rastreadores / The Trackers Claudia Joskowicz Bolivia | 2014 22’ 52’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Videoinstalación / Video installation | Contar el mundo / Recount the World | 2 canales / 2 channels Los rastreadores es un video basado en The Searchers (Más corazón que odio, 1956), un western emblemático de la historia del cine dirigido por John Ford y protagonizado por John Wayne. Los rastreadores no intenta recrear la película original, sino adaptar sus temas principales; las similitudes se encuentran en el uso del paisaje local y sus representaciones de tensiones raciales y de alienación. The Searchers explora los valores estadounidenses que se encuentran en el centro del género western. Comienza con el regreso de Ethan Edwards a su casa a fines de la guerra civil, seguido por una masacre y el secuestro de dos sobrinas de la familia de Edwards por los indios comanches. Luego seguimos en detalle la búsqueda implacable y amarga de las chicas que lleva adelante Edwards durante cinco años. La relevancia de The Searchers reside en la representación del paisaje estadounidense y la tensión entre sus habitantes. La acción se lleva a cabo en haciendas aisla90 . Contar el mundo / Recount the World The Trackers is a video based on one of the most iconic Westerns in the history of film, John Ford’s The Searchers (1956), starring John Wayne. The Trackers does not attempt to recreate the original film, but rather to adapt its main themes, with similarities in the use of the local landscape and its representations of racial tension and alienation. The Searchers explores the American values found at the heart of the Western genre. It begins with Ethan Edwards returning home at the end of the Civil War, followed by a massacre and the abduction of two nieces from the Edwards family by Comanche natives. We then follow in detail Edwards’ bitter, relentless fiveyear search. The importance of The Searchers lies in the representation of the American landscape and the tension among its inhabitants. The action takes place on remote farms Claudia Joskowicz (Bolivia, 1968) vive y trabaja entre Nueva York y Santa Cruz de la Sierra. Recibió su MFA de la Universi- and distant points in the Monument Valley area. The importance of The Searchers is to be found in its poetic representations of the inner and outer spaces that define civilization and nature, humanity and alienation. These representations are made with the use of doors opening onto the desert and light framed by the darkness of doorways and caves. Thematically, while physically and psychologically particular to the American landscape, the questions of race, identity and politics in The Searchers are similar to issues currently present in Bolivia. The land (and the landscape) play a major role in the existence of the Bolivian people. Coca has been a vital part of their religious cosmology from the pre-Inca era to the present, used for medicinal, cultural and religious purposes. As the base ingredient of cocaine, it has also become a major economic source, bringing millions of dollars into the informal sector of the economy and the country, and has produced several famous drug traffickers. The main protagonist of The Trackers, Ernesto Suárez, is a drug trafficker recently released from a Miami prison who returns to his home in Bolivia, only to set out immediately in search of his family, who have been abducted. The character of Ernesto is very loosely based on Roberto Suárez Gómez, a Bolivian drug trafficker nicknamed “King of Cocaine”, and the most powerful drug trafficker in Bolivian history (a hybrid of Suárez and Edwards). The Trackers takes in questions of race, social class and alienation in a minimalist narrative encapsulating the massacre of Ernesto’s family, his daughter’s kidnapping and the subsequent search. The use of silence and voiceover instead of traditional dialogue amplifies the power of mythology where the narrative operates as a displacement of political discourse in Bolivia. . 91 catálogo BIM 2014 das y puntos distanciados en las cercanías de Monument Valley. En esta obra se destacan las representaciones poéticas de los espacios interiores y exteriores que definen la civilización y la naturaleza, la humanidad y la alienación. Estas representaciones se realizan con el uso de puertas abiertas al desierto y luz enmarcada por la oscuridad de marcos de puertas o de cuevas. Temáticamente (salvando las particularidades físicas y psicológicas del paisaje estadounidense), las cuestiones de raza, identidad y política en The Searchers son similares a la actual problemática en Bolivia. La tierra (y el paisaje) juegan un rol central en las vidas de los pueblos de Bolivia. La coca ha sido una parte vital de su cosmología religiosa desde la época preincaica hasta el presente y se utiliza para fines medicinales, culturales y religiosos. Como fuente de la cocaína, también se ha convertido en un recurso muy importante que inserta millones de dólares en el sector informal de la economía del país y ha producido varios narcotraficantes famosos. El protagonista principal de Los rastreadores, Ernesto Suárez, es un narcotraficante recientemente liberado de una cárcel de Miami que regresa a su casa en Bolivia para partir inmediatamente en búsqueda de su familia, cuyos miembros han sido secuestrados. El personaje de Ernesto se basa muy ligeramente en Roberto Suárez Gómez, narcotraficante apodado “el rey de la cocaína” y el más poderoso en la historia boliviana (un híbrido de Suárez y Edwards). Los rastreadores destila cuestiones raciales, de clases sociales y de alienación en una narración minimalista que condensa la masacre de la familia de Ernesto, el secuestro de su hija y su posterior búsqueda. El silencio y la voz en off en lugar del diálogo tradicional se utilizan para amplificar el poder de la mitología, en la que la narrativa opera como un desplazamiento del discurso político en el país. dad de Nueva York en 2000. Joskowicz enseña en el Departamento de Arte Steinhardt de la Universidad de Nueva York. Sus obras de video se centran en las fallas narrativas que se forman cuando se toman los textos o eventos fuera de su contexto original, mediados a través de la tecnología. Ha recibido recientemente la beca Guggenheim en cine y video, la beca de artes de East Harlem, la beca de Urban Artists Initiative, la beca completa en fotografía de Vermont Studio Center, el Premio Fulbright Scholar y el gran premio en el Digital Arts Salon otorgado por la Fundación Simón Patiño (Cochabamba). Sus exposiciones individuales incluyen: Thierry Goldberg Projects y Momenta Art (Nueva York), Galería ACBEU (Salvador), Espacio Simón Patiño (La Paz), Museo Nacional de Arte (La Paz), Centro Cultural (Santa Cruz), Galería Kiosko (Santa Cruz) y Lawndale Art Center (Houston). Entre sus exposiciones colectivas se incluyen: Fundación Cartier (París), X Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos), la 29ª Bienal de San Pablo (Brasil), X Bienal de La Habana (Cuba), 17º Festival Videobrasil (San Pablo), LABoral Centro de Arte y Creación Industrial (Asturias), galería Asya Geisberg (Nueva York), galería Sara Meltzer (Nueva York), Center of Book Arts (Nueva York), Socrates Sculpture Park (Long Island City), Exit Art (Nueva York) y galería Dukwon (Seúl). 92 . Contar el mundo / Recount the World Claudia Joskowicz (Bolivia, 1968) lives and works between New York and Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. She received her MFA from New York University in 2000. Joskowicz teaches in the Steinhardt Department of Art of NYU. Her video artworks focus on the breaks in narratives formed when texts or events are taken out of their original context and passed through technology. Claudia Joskowicz was recently awarded a Guggenheim Film/Video Grant, an East Harlem Arts Scholarship, an Urban Artists Initiative Grant, a complete photography grant from Vermont Studio Centre, the Fulbright Scholar Award, and the Grand Prix in Digital Arts Salon awarded by the Simón I Patiño Foundation (Cochabamba). Her individual exhibitions include: Thierry Goldberg Projects and Momenta Art (Nueva York), ACBEU Gallery (Salvador), Simón Patiño Space (La Paz), National Museum of Art (La Paz), Cultural Centre (Santa Cruz), Kiosko Gallery (Santa Cruz) and Lawndale Art Center (Houston). Her collective exhibitions include: Cartier Foundation (Paris), the 10th Sharjah Biennale (United Arab Emirates), the 29th São Paulo Biennale (São Paulo), the 10th Havana Biennale (Havana), the 17th Videobrasil Festival (São Paulo), the LABoral Centre for Art and Industrial Creation (Asturias), the Asymmetries Geisberg Gallery (New York), Centre of Book Arts (New York), Socrates Sculpture Park (Long Island City), Exit Art (New York) and Dukwon Gallery (Seoul). Corda / Cuerda / Rope Pablo Lobato Mi trabajo se da más a partir de encuentros que de búsquedas. Trato de estar atento a los llamados y recibir lo que me llega. Antes de que estos presentes vuelvan al mundo, aun mínimamente modificados, es necesario encontrar una consistencia y una síntesis formal que siempre exigirán su tiempo. Los trabajos son respuestas a estos encuentros, muchas veces, accidentales. Cada respuesta es guiada por los sentidos que el material en cuestión ya informa, como un corte en lo que es dado. Sin buscar el dominio de un lenguaje, o grandes habilidades técnicas, mi involucramiento apunta a las relaciones posibles entre lenguaje y vida, en el esfuerzo de escuchar la naturaleza de la cosa con la que me relaciono. El mayor tiempo es el de la escucha, acción que no deja muchas huellas en el resultado final. La primera vez que presencié la procesión fue cuando grababa las imágenes de Corda como uno de los artistas invitados de Arte Pará 2013, aunque en algún momento My work arises more from finding than searching. I try to be alert to callings and take in what comes to me. Before these things present return to the world, even minimally modified, it is necessary to find a consistency and a formal synthesis that will always demand their time. The works are the responses to these finds, which are often accidental. Each response is guided by the senses that the material in question already informs, like a cut in which it occurs. Without seeking the command of a language, or great technical abilities, my involvement aims at possible relationships between language and life, in the effort to listen to the nature of the thing I relate to. The greatest time is that of listening, an action that doesn’t leave many marks on the final result. The first time I saw the procession was when I was recording images of Rope as one of the guests of Art Pará 2013, although at some moment in . 93 catálogo BIM 2014 Brasil / Brazil | 2014 7’15” | HD 16:9 | Color | Estéreo / Stereo | Videoinstalación monocanal / Single channel Video installation | Sonido en colaboración con / Soundtrack in collaboration with: Anderson Guerra | Posproducción / Post-production: Tauma de mi infancia recuerdo a los miles de peregrinos que sostenían la cuerda formando un solo cuerpo, como una serpiente, por las calles de Belém. Al enterarme de que la fiesta transcurriría en la misma fecha que el Salón al cual fui invitado, quise saber más al respecto: el Círio de Nuestra Señora de Nazaré, que se realiza en Belém do Pará, Brasil, desde 1793, es una de las procesiones católicas más grandes del mundo. Cada año millones de peregrinos acompañan el trayecto de la virgen y disputan el privilegio de agarrar la larga soga de sisal que conduce la berlina por las calles de la ciudad. Sin embargo, encontré un texto en las calles que anunciaba una campaña llamada “No corte de la cuerda”. Descubrí que, alterando las reglas de la fiesta, para defender sus reliquias, algunos devotos cortan la cuerda en medio del ritual. La voluntad de realizar algo partió de allí. El video acerca dos flujos diferentes, uno lineal, regido por la entereza de la soga, y otro caótico, que responde al corte. Pablo Lobato (Bom Despacho, Brasil, 1976). Vive y trabaja en Belo Horizonte, Brasil. Se tituló en Bellas Artes por la Pontifica Universidad Católica de Minas Gerais, Brasil (1999). Trabaja con diferentes medios como ser el cine, la fotografía, obras site specific, escultura y objetos. Fue uno de los creadores de Teia –un centro para investigación y producción audiovisual con base en Belo Horizonte (2002-2014)–. Su largometraje Acidente recibió el premio a mejor documental Iberoamericano en Guadalajara, México (2007). En 2009 recibió una beca de la Fundación Guggenheim. Lobato ha exhibido sus trabajos internacionalmente en festivales como Sundance, Locarno y Rotterdam, así como en exposiciones en el New Museum de Nueva York, el Museo Tamayo de Arte Contemporáneo en México, el Museo de Arte Moderno de San Pablo y la Akademie der Kunst en Berlín. Actualmente su trabajo se puede encontrar en las colecciones del Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Sharjah Art Foundation en los Emiratos Árabes Unidos y el museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, entre otras. 94 . Contar el mundo / Recount the World my childhood I recall the thousands of pilgrims holding the rope, forming a single body, like a snake, through the streets of Belém. When I found out that the fiesta took place on the same date as the show to which I was invited, I wanted to find out more about it: the Círio of Our Lady of Nazareth, held in Belém de Paré, Brazil, since 1793, is one of the largest Catholic processions in the world. Every year millions of pilgrims accompany the virgin’s journey and contest the privilege to hold the long sisal rope that the float leads through the streets of the city. However, I found a text in the streets for a campaign called “Don't cut the rope”. I found out that some worshippers cut the rope in the middle of the ritual, altering the rules of the fiesta to defend their relics. The wish to make something arose from that. The video addresses two different flows, one linear, governed by the integrity of the rope, and another chaotic, in response to the cutting. Pablo Lobato (Bom Despacho, Brazil, 1976). Lives and works in Belo Horizonte, Brazil. He received a BFA from the Pontifical Catholic University of Minas Gerais, Brazil (1999). The artist works with different media such as cinema, photography, sitespecific, sculpture and objects. He was one of the creators of Teia –a center for audiovisual research and production (Belo Horizonte, 20022014). In 2009 he was awarded a fellowship by the Guggenheim Foundation. Lobato has exhibited his work internationally at film festivals such as Sundance, Locarno, Rotterdam, and group shows at New Museum (New York), Tamayo Museum of Contemporary Art (Mexico), Museum of Modern Art (Sao Paulo), and Akademie der Kunst (Berlin). His work can be found in the collections of the Museu d’Art Contemporani (Barcelona), Sharjah Art Foundation (United Arab Emirates), Museum of Modern Art (Rio de Janeiro), among others. Os cavalos de Goethe, ou alquimia da velocidade / Los caballos de Goethe, o alquimia de la velocidad / Goethe’s Horses, or the Alchemy of Speed Arthur Omar Filmada en Kabul, Afganistán, en 2002, durante un viaje de Arthur Omar por la zona de guerra, la película cuenta con escenas del violento juego de Buskashi en el que los jinetes luchan entre sí por los restos de una cabra decapitada. Imágenes de caballos y de hombres surgen casi suspendidas en el tiempo, a través de efectos especiales, con los que se recrea la eterna batalla entre luz y oscuridad, historia y olvido, horror y éxtasis. El cambio de velocidad de las imágenes originales (su “alquimia”) revela un nuevo significado para una vieja guerra. Capturadas con una cámara de baja resolución, las imágenes tuvieron su tiempo expandido hasta el límite de la inmovilidad total, en el que el instante presente de los cuerpos en lucha revela la eternidad de su repetición. El efecto global de esta película, que yo llamo “alta indefinición”, concuerda con las teorías cromáticas de Goethe, en las que la luz y la oscuridad libran una lucha a muerte que generará el espectro visible de los colores. El cuarteto de cuerda número dos de Morton Feldman, fragmentos del poema “Four Shot in Kabul, Afghanistan in 2002, during Arthur Omar’s journey through the war zone, the film includes scenes of the violent Buskashi game in which horse riders fight each other for the remains of a decapitated goat. Images of horses and men appear almost suspended in time, special effects recreating the eternal battle between light and darkness, history and forgetting, horror and ecstasy. The change in speed of the original images (their ‘alchemy’) reveals a new meaning for an old war. Captured on a low-resolution camera, the time of the images was expanded up to a limit of total immobility, in which the present instant of the fighting bodies reveals their eternal repetition. The overall effect of this film, which I call ‘high indefinition’, follows Goethe’s Theory of Colours, in which light and darkness fight to the death to generate the visible spectrum of colours. Morton Feldman’s String Quartet II, fragments of TS Eliot’s poem “Four . 95 catálogo BIM 2014 Brasil / Brazil | 2011 65’ en loop | Color - ByN / B&W | Estéreo / Stereo | Videoinstalación / Video installation | 2 canales / 2 channels Quartets” de TS Eliot, la teoría de los colores de Goethe y un enigmático poema en dari, la lengua hablada en Afganistán, se reúnen para una meditación sobre el tiempo y la naturaleza política de la percepción. Película antropológica experimental con efectos especiales como los humanos ya no saben hacer. Nuestra esperanza ahora va a los caballos; después de todo, El Apocalipsis viene montado sobre ellos. El proyecto de esta película recibió un premio especial en Rumbos 2009 de Itaú Cultural. Quartets”, Goethe’s Colour Theory and an enigmatic poem in Dari, the language spoken in Afghanistan, are brought together for a meditation on time and the poetic nature of perception. An experimental anthropological film with the kind of special effects that humans no longer know how to make. Our hope is now in the horses; after all, the Apocalypse will come riding in on them. This film project received a special prize at Rumbos 2009 Itaú Cultural. Arthur Omar es cineasta, fotógrafo, artista plástico y escritor. Hizo contribuciones significativas en cada una de las áreas en las que se desenvuelve reuniendo la innovación tecnológica con una gran intensidad dramática. Participó en dos ediciones de la Bienal de San Pablo, en una con la serie fotográfica Antropología del rostro glorioso, de la cual se editó un libro homónimo. En la otra, con imágenes tomadas en Afganistán central, en la zona de catástrofe entre Kabul y Bamiyan, que motivó su libro más reciente, Viaje a Afganistán, con prefacio del filósofo italiano Antonio Negri. Otros de sus libros son El zen y el glorioso arte de la fotografía, Esplendor de los contrarios y Lógica del éxtasis. Se presentó una retrospectiva de sus películas y videos en el MoMA de Nueva York. Realizó exposiciones individuales en el Centro Cultural Banco do Brasil, de Río de Janeiro y de San Pablo, como Esplendor de los contrarios, con imágenes en 3D. Otras exposiciones: Fracciones de luz, Demonios, espejos y máscaras celestiales, y Una mirada y siete velos. En el Instituto Oi Futuro de Río de Janeiro presentó Zooprismas, un conjunto de 12 videoinstalaciones, destacado por el diario O Globo como la mejor exposición del año. En el festival VideoBrasil presentó Dervixxx y la Trilogía cognitiva en proyecciones circulares. Su largometraje Triste trópico es considerado un clásico del cine brasileño. Dirigió y produjo varios filmes para Channel Four y ZDF Arte. En el Oi Futuro de Belo Horizonte presentó Las puertas de la percepción, con fotografías e instalaciones. Arthur Omar is a filmmaker, photographer, plastic artist and writer. He has made significant contributions in all of the areas he has worked in, combining technological innovation with great dramatic intensity. He has participated in two editions of the São Paulo Biennale, one with the photography series Anthropology of the Glorious Face, from which a book with the same name was published; and at the other with images taken in central Afghanistan, in the disaster area between Kabul and Bamiyan, which led to his most recent book Journey to Afghanistan, with a foreword by the Italian philosopher Antonio Negri. His other books include Zen and the Glorious Art of Photography, Splendor of Opposites, with 3D images. Other exhibitions include: Fractions of Light, Demons, Mirrors and Heavenly Masks, and One Gaze and Seven Veils. At the Oi Futuro Institute in Rio de Janeiro he presented Zooprisms, a set of 12 video installations, selected by the O Globo daily as the best exhibition of the year. At the VideoBrasil Festival he presented Dervixxx and The Cognitive Trilogy in circular screenings. His feature film Sad Tropic is considered a classic of Brazilian film. He has directed and produced various films for Channel Four and ZDF Arte. AtOi Futuro in Belo Horizonte he presented The Doors of Perception, with photographs and installations. 96 . Contar el mundo / Recount the World Cruzar un muro / Crossing a Wall Enrique Ramírez “Toda persona tiene derecho a salir de cualquier país, incluso del propio, y a regresar a su país”. Así reza el artículo número 13 de la Declaración Universal de los Derechos Humanos que Enrique Ramírez utiliza como punto de partida para su trabajo Cruzar un muro. El film realizado en 2012 nos muestra la sala de espera de lo que podría ser una oficina de inmigración de cualquier estado. En ella tres personas de diferente aspecto étnico aguardan en silencio, resignadas al sopor de la espera, sosteniendo entre sus manos, o guardando en un maletín, las carpetas con expedientes y certificados ya gastados por su peregrinaje de oficina en oficina y por el tatuaje de sellos y timbres administrativos que los designa como cómplices frágiles de la filosa maquinaria burocrática que solo la esperanza humecta. Los que esperan están callados, pero escuchamos sus voces en off que nos susurran sus imágenes mentales, espectros de la rutina diaria; el eco de una voz ya lejana –las palabras del jefe indio Seattle, gran jefe de los Duwamish, al “Everyone has the right to leave any country, including his own, and return to his country”. So says Article 13 of the Universal Declaration of Human Rights that Enrique Ramírez uses as a starting point for his work Crossing a Wall. The 2012 film shows the waiting room in what could be an immigration office in any country. In it, three people of different ethnic appearance wait in silence, resigned to the torpor of the wait, holding in their hands or in a briefcase the folders of files and certificates dog-eared from their pilgrimage from office to office, worn down by the tattoos of seals and administrative stamps that designate them as fragile accomplices of the sharp bureaucratic machinery that only hope can blunt. Those who wait are silent, but we hear their voices off screen, whispering to us their mental images, the range of the daily routine, the echo of a now faraway voice –the words of the Indian chief Seattle, Great Chief of . 97 catálogo BIM 2014 Chile | 2013 5’ 15’’ en loop | HD | Color | Estéreo / Stereo | Videoinstalación monocanal / Single channel Video installation presidente de Estados Unidos en 1855–, o sus sueños mínimos, que luchan por no convertirse solo en fantasías. Lo único que los une es un deseo: obtener el resbaladizo permiso de residir, de habitar tranquilos un lugar en el que no nacieron. En la pared, un calendario agita sus hojas, como si también temiera ser arrebatado por el tiempo, y un cuadro que enmarca la pintura de un barco de vela nos anuncia el viaje, ese viaje arquetípico que cada vida representa. Como en otras piezas, Ramírez apela al agua, al viaje, al tránsito, a las voces de los ciudadanos anónimos, de la gente común, para contarnos, a través de imágenes en movimiento y de sonido, las historias que se deslizan por nuestro tiempo desnaturalizando esa textura prosaica de la vida diaria y de las historias mínimas que son las que contienen y soportan el relato épico, estético y político. Al final del film, esta oficina se nos revela como una vulnerable embarcación entregada a las ondulaciones de las aguas. Pero la embarcación, sin la carga trágica y solemne de La balsa de la Medusa de Géricault y sin el absurdo escatológico de La nave de los locos de Hieronymus Bosch, no avanza; parece suspendida en un presente continuo, flotando endeble y frágil, errática y aséptica a la vez; y lo que era una pared blanca se nos revela a su vez solo como una maqueta precaria: los restos de una escenografía en la que lo cotidiano es el teatro donde repetir, cual Sísifo, un guion que no elegimos porque ¿desde cuándo es que los seres humanos debemos pedir permiso para soñar, para caminar por la tierra, para navegar, para elegir dónde descansar, para elegir dónde ir a morir? Valentina Montero Enrique Ramírez nació en Santiago de Chile en 1979. Es comunicador audiovisual con mención en cine, Instituto Arcos, Santiago, Chile, y master en Arte Contemporáneo y Nuevos Medios del Studio National des Arts Contemporains, Le Fresnoy, Francia. En el año 2014 ganó el Prix à la Découverte del Palais de Tokyo y el primer 98 . Contar el mundo / Recount the World the Duwamish, to the US president in 1855–, or their minimal dreams, struggling not to become mere fantasies. The only thing that unites them is one wish: to get that elusive permission to stay, to inhabit peacefully a place where they weren’t born. On the wall a calendar shakes its pages, as if it too feared being swept away by time, and a frame around a painting of a sail boat announces to us the journey, that archetypical journey that every life represents. As in other pieces, Ramírez appeals to the water, the journey, the traffic, and the voices of anonymous citizens, the common people, to tell us through images in movement and sound the histories that slip through our time; distorting the prosaic texture of daily life and of minimal stories that are those which contain and support the epic, aesthetic, political account. At the end of the film, this office is revealed to us as a vulnerable vessel surrendered to the waves. But the vessel, without the tragic, solemn load of The Raft of the Medusa by Géricault, and without the eschatological absurdity of Hieronymus Bosch's Ship of Fools, does not advance, seeming suspended in a continuous present, floating flimsily and fragile, at once erratic and aseptic; what was a white wall is revealed to us in turn as a precarious model: the remains of a scenography where the everyday is the theatre where, like Sisyphus, we repeat a script we did not choose, because since when did we human beings have to ask permission to dream, to walk on the Earth, to sail, to choose where to rest, to choose where to go and die? Valentina Montero Enrique Ramírez Born in Santiago de Chile in 1979. Graduate in Audiovisual Communication and Film from Instituto Arcos, Santiago, Chile, and holds a Master’s in Contemporary Art and New Media from the Na- tional Studio of Contemporary Arts, Le Fresnoy, France. In 2014 he won the Prix á la Découverte from the Palais de Tokyo, and took first prize at LOOP Fair Barcelona. Enrique Ramírez’s work could be described as poetic incursions. His films, photography and installations work with the politics of exodus, exile, and the discontinuity of memory, but to Ramírez this is always a matter of an arduous search in the subjective imaginary. The vast landscapes that often appear in his work are conceived as geo-political spaces of the imagination, territories open for seeing and wandering in. The mood of the images is one of a contemplative state: the landscape, the breeze, the water, the sand, all seem to work together in an effort to give a subjective view. . 99 catálogo BIM 2014 premio de Loop Fair Barcelona. La obra de Enrique Ramírez podría ser descripta como incursiones poéticas. Sus películas, fotografías e instalaciones trabajan con la política del éxodo, del exilio y de la discontinuidad de la memoria, pero para Ramírez se trata siempre de una ardua búsqueda en el imaginario subjetivo. Los vastos paisajes que a menudo aparecen en su trabajo son concebidos como espacios geopoéticos de la imaginación, territorios abiertos para la visión y para deambular. El ánimo de las imágenes es de estado contemplativo: los paisajes, la brisa, el agua, la arena parecen trabajar juntos en un esfuerzo por dar una visión subjetiva. Nadia Seboussi Les déplacés / Los desplazados / The Displaced Canadá / Canada | 2013-2014 HD | Color | Videoinstalación monocanal / Single channel Video installation Los desplazados es una videoinstalación que abarca las visiones de los inmigrantes sin importar sus nacionalidades o diferencias de edad. Esta obra se focaliza en los flujos migratorios, el exilio, el “desarraigo” y el fenómeno del desplazamiento global, que actualmente son preocupaciones en casi todos los países. Desafortunadamente, dicho desplazamiento humano se debe mayoritariamente a razones políticas, a veces económicas. Sin importar su origen ni religión, esta videoinstalación se establece como un “monumento viviente” a todos los desplazados en el curso de la historia de la humanidad. También apunta a derribar estereotipos y prejuicios alrededor de la imagen del inmigrante. Fueron capturadas miradas multiétnicas de diferentes continentes para poner en escena hasta qué punto el desplazamiento es diverso y sin fronteras. Diseñado para proyectarse en varias pantallas, se presenta para la BIM en un formato de videoinstalación monocanal. The Displaced is a video installation covering immigrants’ views, regardless of nationality and age. This piece of art addresses migration flows, exile, “uprooting” and the global displacement phenomena concerning almost every country today. Unfortunately, such human displacement is mostly due to political and sometimes economic reasons. Regardless of their origins and religions, this video installation is established as a “living monument” to pay tribute to all displaced people over the course of human history. It also aims to dismantle stereotypes and judgments of the image of the immigrant. It is also worth mentioning that multi-ethnic perspectives from different continents were captured to show the extent to which displacement is diverse and without frontiers. Designed to be displayed on several screens, for BIM the video set-up is presented in a single channel video installation. 100 . Les déplacés / Los desplazados / The Displaced Nadia Seboussi es originaria de Argelia. Obtuvo su título en estudios aplicados a las comunicaciones y un título en ingeniería electrónica en la Universidad de Argel. Luego de sus estudios, trabajó como periodista en la prensa francófona hasta 2001. En 2002 emigró a Canadá, donde realizó estudios de artes visuales y multimediales. Ha recibido varias becas y destacados premios: el premio Pierre Ayot en 2010, Premio al referente Femenino del Consejo de las Artes, premios de Excelencia Autodesk y Jacques en 2008 y 2009, respectivamente. En 2010-2011, obtuvo la beca de excelencia otorgada por el Consejo de Investigaciones en Ciencias Sociales y Humanidades de Canadá. Actualmente es becaria del programa Claudine and Stephen Brofman en arte contemporáneo (20132015). Project roots Since 2008, I have been interested in matters related to frontiers and refugees’ status. Since my earliest work on refugees I have understood that this matter is not unique to my community. So I decided to explore it from a different angle and ended up “surfing” globally. I have researched extensively to comprehend the phenomenon of immigration flows and the related politics as applied to frontiers. The Displaced is the result of this long-term effort. Nadia Seboussi is originally from Algeria. She holds a degree in Applied Communications Studies and a bachelor’s degree in Electrical Engineering from the University of Algiers. After graduating, she worked as a journalist in the French-speaking press until 2001. In 2002, she emigrated to Canada where in 2013 she earned a degree and Master’s in visual and multi-media art. Nadia has been granted several scholarships and excellence awards: Pierre Ayot award in 2010, Prix Féminin de la relève, Autodesk and Jacques Excellence Prizes in 2008 and 2009 respectively. In 20102011, she received the excellence scholarship from the Social Sciences and Humanities Research Council of Canada. Nadia is currently a Claudine and Stephen Brofman scholar in contemporary art 2013-2015. . 101 catálogo BIM 2014 Raíces del proyecto Desde 2008 me intereso por asuntos relacionados con las fronteras y el estatus de los refugiados. Desde los primeros trabajos que realicé sobre refugiados, entendí que el tema no es exclusivo de mi comunidad. Entonces, decidí explorarlo desde un ángulo diferente para terminar “surfeando” globalmente. He realizado numerosas investigaciones para comprender el fenómeno de los flujos migratorios y las políticas relacionadas, así como su aplicación en las fronteras. Los desplazados no es otra cosa que el fruto de un esfuerzo a muy largo plazo. Raquel Ponce y Gregorio Viera … En la punta de la lengua / …On the Tip of your Tongue Bajo el título común En la punta de la lengua, los artistas Raquel Ponce y Gregorio Viera muestran sus respectivas propuestas Back y Camisetas, pistolas de plástico, trompeta y algunas cosas más. Todas las obras que integran este proyecto, producido por el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) y curado por Gopi Saradarangani, fueron creadas específicamente para esta exposición bipersonal. El proyecto nació como un encargo del director artístico del CAAM, Omar-Pascual Castillo, a la curadora Gopi Saradarangani con el propósito de poner en marcha el ciclo expositivo Ficción documental en el que se abordan los nuevos caminos de investigación estética en torno al documento videográfico y fotográfico y la ficción de la performance. Ambas obras investigan los residuos procesuales de cómo se crea una obra de arte mediante documentación videofotográfica, a partir de un imaginario en el que se ahonda en la experiencia del sujeto. Raquel Under the shared title …On the Tip of your Tongue the artists Raquel Ponce and Gregorio Viera show their respective proposals Back and T-shirts, plastic guns, trumpet and other stuff. All the works that make up this project, produced by the Atlantic Centre of Modern Art (CAAM) and curated by Gopi Saradarangani, were created specifically for this two-person exhibition. The project came about when CAAM artistic director Omar-Pascual Castillo commissioned it to curator Gopi Saradarangani, with a view to starting up the exhibition cycle Documentary Fiction tackling the new paths of aesthetic research into the videographic and photographic document and the fiction of performance. Both Raquel Ponce and Gregorio Viera research into the procedural waste of how a work of art is created through videophotographic docu- 102 . …En la punta de la lengua / …On the Tip of your Tongue Raquel Ponce (Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias, 1972) Licenciada en Historia del Arte, se forma y trabaja como bailarina, actriz y directora escénica. Fue intérprete de numerosos espectáculos de danza y performance entre los que se destacan los realizados con Gary Stevens (And), Xavier Le Roy (Extensions, Proyect) y Tino Seghal, presentados en varias ciudades europeas. Ha llevado a cabo proyectos de carácter expositivo que pudieron verse en distintos festivales internacionales: Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Display (Berlín), performance Cuerpo a Cuerpo (Centro de Arte La Regenta), Cinemadamare (Italia), Bienal de Arte de Dakar, BONE (Suiza), espacio Área 60 en el TEA (Santa Cruz de Tenerife). Gregorio Viera (Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias, 1971) desarrolla sus trabajos artísticos esencialmente en los terrenos del video y la performance, ocasionalmente realiza proyectos en otras áreas, como el dibujo o la interactividad multimedia. Se formó y trabajó durante varios años en Madrid y Alemania, tanto en disciplinas artísticas y escénicas como en diseño, video y derivados. Expuso su trabajo en eventos y espacios del ámbito nacional e internacional. mentation, starting from an imaginary in which the experience of the subject is explored. One (Raquel Ponce) probing the idea of the void, the mark the subject leaves in the space, understood as the work space, be it the modern art workshop or atelier, and the other (Gregorio Viera) “tracking the idea of the narrative relationship that we have with objects and ourselves”. The CAAM artistic director explains: “On the Tip of your Tongue speaks of when the artistic experience has not yet materialized. It is a project that goes from that interval of creation in which we are yet to find ourselves before a pure image, not as a thing or object but a mark, a process or register; when you reach that instant of uncertainty in which the spectator might say: ‘it’s on the tip of my tongue’, but cannot yet name it”. Raquel Ponce (Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias, 1972) is a History of Art graduate and has trained and worked as a dancer, actress and stage manager in the Canary Islands and Madrid. She has performed in various dance and performance shows, including shows directed by Gary Stevens (And), Xavier Le Roy (Extensions, Proyect), and Tino Seghal, presented in different European cities. She has carried out exhibition projects in several festivals and performance events internationally. Gregorio Viera ((Santa Cruz de Tenerife, Canary Islands, 1971) develops his artistic work essentially within the terrain of video and performance, occasionally carrying out projects in other areas such as drawing and multimedia interactivity. He was trained and worked for several years in Madrid and Germany, both in artistic and scenery disciplines such as design, video, and related areas, and has put on projects at national and international events and spaces. . 103 catálogo BIM 2014 Ponce tantea la idea del vacío, la huella del sujeto en el espacio, entendido como espacio de trabajo: léase taller o atelier del arte actual. Gregorio Viera “rastrea la idea de la relación narrativa que tenemos con los objetos y nosotros mismos”. En la punta de la lengua, explica el director artístico del CAAM, problematiza el momento en el que la experiencia artística no se ha materializado aún. Desarrolla ese intervalo de la creación en el que aún no nos encontramos ante una imagen pura, como cosa u objeto, sino como huella; un proceso o un registro. Cuando el espectador alcanza ese instante de incertidumbre en el que llega a afirmar: “lo tengo en la punta de la lengua”, pero aún no lo puede nombrar”. Back Raquel Ponce Los cinco videos que conforman la muestra Back funcionan como una única e indivisible instalación videográfica. El trabajo reflexiona sobre la parte invisible y oculta de la obra, sobre el reverso de la obra, sobre lo que sucede antes y después de la acción, pero también sobre los tiempos muertos, sobre los tiempos de espera, sobre los entretiempos, sobre los tiempos de preparación y contratiempos habituales del espacio oculto del backstage. El back como tema, al mismo tiempo que como dispositivo y mecanismo para accionar, busca el descentramiento, el fragmento, el intervalo, el intermedio, el entretiempo, el fuera de campo espacial al mismo tiempo que el temporal. De esta forma, pretende ocultar, arrebatar a la vista del espectador lo que hay para ver, haciéndolo pensar sobre lo que está viendo, o más bien sobre lo que no está viendo, al mostrar no la tachadura, sino el resultado tachado. Back es solo causa sin su efecto. Mostrando solo su causa y ocultando o difuminando su efecto, trata de intensificar el error, lo inútil, los desechos como memoria del The five videos that make up the Back exhibition function as a single and indivisible graphic video installation. The work reflects on the invisible, hidden part of the work, on the back of the work, on what happens before and after the action, but also on dead time, on waiting times, in between times, preparation times and habitual setbacks in the hidden backstage space. The backstage as a subject, at the same time as a device and mechanism to activate, seeks the off-centring, the fragment, the interval, the middle point, the between time, what is outside of both the spatial field and the temporal field. In this way it seeks to hide what there is to see, snatch it away from the spectators’ sight, making them think about what they are seeing, or rather about what they aren’t seeing, in showing not the crossing-out, but the crossedout result. Back is just cause without its effect. Showing just its cause and hiding or blurring its effect is about intensifying the error, the futile, waste as 104 . …En la punta de la lengua / …On the Tip of your Tongue resultado, como el esqueleto del proceso, oscilando entre el documento y el residuo. Back juega con lo no dicho, con lo no visto, con los espacios ciegos, con el punto muerto de la mirada; reduce al máximo los anclajes narrativos, oculta hasta donde se puede sin caer en la inanición, hasta el límite en el que menos deja de ser más y ya es simplemente menos. memory of the result, like the skeleton of the process, oscillating between the document and the waste. Back plays with the unspoken, with the unseen, with the blind spaces, with the blind spot of the line of sight; reducing as much as possible the narrative bearings, hiding how far one can go without falling into starvation, to the limit where less ceases to be more and is simply less. Entre tiempos / Between Times España / Spain | 2012 3’ | Videoinstalación / Video installation Contra tiempos / Counter Times España / Spain | 2012 4’ | Videoinstalación / Video installation Tiempos muertos / Dead Times España / Spain | 2012 4’ | Videoinstalación / Video installation Pasando el tiempo / Passing the Time España / Spain | 2012 5’ | Videoinstalación / Video installation Al mismo tiempo / At the Same Time . 105 catálogo BIM 2014 España / Spain | 2012 Circuito cerrado de video / Video closed circuit Camisetas, pistolas de plástico, trompeta y algunas cosas más / T-shirts, plastic guns, trumpet and other stuff Gregorio Viera Algunas cosas (sistemas 1 & 2) / Some things (systems 1 & 2) España / Spain | 2012 Videoproyección sobre objetos / Video projection onto objects El objeto es una forma de arte sin sustancia, lo que tomamos son las cualidades que surgen de las cosas al colisionar con ellas, y poseerlas pasa por habitarlas Las cosas no son más que el rastro matérico de todos estos gestos; sencillamente, se trata de síntomas del transcurso, pues recomponemos a través de ellos todo el resplandor y el peso del mundo. Viera se ha establecido en un territorio crítico con la representación y ha determinado con las imágenes una relación deconstructiva aplicando un humor iconoclasta como vehículo apropiado para plantear las contradicciones que se generan en la acumulación de imágenes y simultaneidad de lenguajes en la realidad visual cotidiana. Este entrecruzamiento de niveles que generan las imágenes desemboca en un placer de la experiencia corporal cuando se proyecta en la imagen. Movimientos performativos que han rebasado su marco físico aparecen fragmentados proyectando al artista como sujeto-objeto, e intervinien- The object is an art form without substance, what we take are the qualities that emerge from the things when they collide with them, and we possess them as we inhabit them… Things are no more than the material trace of all these gestures. They are simply symptoms of passing, we recompose through them all the brilliance and weight of the world. Viera has established himself in a critical terrain with representation, and has determined with the images a deconstructing relationship, applying an iconoclastic sense of humour as a fitting vehicle for suggesting the contradictions that are generated in the accumulation of images and simultaneity of languages in the everyday visual reality. This overlap of levels that the images generate leads to pleasure of the bodily experience when performance movements are projected on the image that have surpassed their physical framework 106 . …En la punta de la lengua / …On the Tip of your Tongue do sobre las formas con una narración mínima. (Gopi Sadarangani) and appear fragmented, projecting the artist as a subject-object and intervening on the forms with a minimal narrative. (Gopi Sadarangani) Camisetas / T-shirts España / Spain | 2012 Videoproyección sobre camisetas / Video projection on t-shirts En Camisetas, un conjunto de prendas exhibe personajes, rostros e íconos gastados por el merchandising con una frase que los unifica: “I am a thing. I am successful” [Soy una cosa. Soy exitoso/a]. Evidentemente, en una sociedad mercantil no puede haber mayor logro que el de transformarse en un producto y estar listo para ser consumido. Pero esa sociedad es por completo indiferente a su objeto del deseo. La sucesión ininterrumpida de las imágenes, perfectamente intercambiables, nos dice más bien que es la economía del consumo la que ha triunfado al reemplazar la realidad con una batería de seres sin espesor que alimenta la necesidad permanente de victorias artificiales. (Rodrigo Alonso) In T-shirts, a set of garments show characters, faces and icons overused by merchandising with a phrase that unifies them: I am a thing. I am successful. Clearly, in a commercial society there can be no greater achievement than becoming a product, ready for consumption. But this society is completely indifferent to its object of desire. The uninterrupted sequence of images, perfectly interchangeable, tells us rather that it is the consumer economy that has triumphed in replacing reality with a battery of beings without depth that feeds the permanent need for artificial victories. (Rodrigo Alonso) No se crea, no se destruye, se transforma / Not created, not destroyed, transformed Serie de fotografías-dibujos-escrituras, cimentados en un bucle-frase que proviene de una de las primeras performances junto con el artista Juan José de la Jara en Madrid. Esta decía exactamente: “trabajo mucho, para ganar dinero, para poder comprarme cosas que luego no puedo disfrutar porque trabajo mucho, para ganar dinero, para poder comprarme cosas que luego no puedo disfrutar porque trabajo mucho...”. Un sentido cíclico del lenguaje en cuanto narración continua, sin principio ni fin y que ejemplifica la idea de permanencia en un eterno presente. Como en un movimiento continuo con vuelta siempre al inicio: no se crea, no se destruye, se transforma. Series of photographs-drawings-writing, based in a phrase loop originating from one of Viera’s first performances, alongside artist Juan José de la Jara in Madrid. This said exactly: “I work a lot, to earn money, to be able to buy myself things that I can’t then enjoy because I work a lot, to earn money, to be able to buy myself things that I can’t then enjoy because I work a lot”. A cyclical sense of language in terms of continuous narrative, without beginning or end, and which exemplifies the idea of permanence in an eternal present. Like in a continuous movement always returning to the start. . 107 catálogo BIM 2014 España / Spain | 2012 Dibujo-escritura sobre reverso de polaroids / Drawing-writing on back of Polaroids S c r e e n i n g s proyecciones Rosa Barba Subconscious Society / Sociedad subconsciente Curado por / Curated by “En una concentración particular de tiempo, En un tiempo social donde la resistencia de la piedra sobre el tiempo, y a través del tiempo, es a la vez paisaje e historia a la misma vez”. Rosa Barba “In a particular concentration of time, In a social time where the resistance of stone over time, and through time, is at once landscape and history, at the same time”. Rosa Barba Subconscious Society (2013) presenta un mundo en el que las cosas materiales guardan un valor ajeno al mecanismo social y político que simboliza el modo de progreso y producción capitalista. Utilizando espacios derruidos y banalizando la razón de ser de los objetos en el mundo material, las personas que habitan estos espacios generan situaciones que parecen incoherentes y que son propias de una pérdida de la función institucional. Son un colectivo humano que guarda una relación diferente con el mundo material evidenciando una futura “crisis de los objetos” y su latente inmaterialidad signada drásticamente por la tecnología que hace del mundo físico un espacio vacuo y profano como los referentes culturales construidos socialmente. El film presenta escenarios desoladores en los que el poder silencioso de la naturaleza destruye las cosas y objetos producidos por el hombre; los desmaterializa y los torna en artefactos inservibles, extraños y arcaicos. Antiguas estructuras levantadas como símbolos del progreso resultan inservibles y ponen de manifiesto la transformación tecnológica como un breve evento en la imponente historia planetaria. Estructuras y objetos que un día tuvieron una función acaban como desechos inservibles Subconscious Society (2013) presents a world in which material things have a value outside of the social and political mechanism that symbolizes the capitalist way of progress and production. Using derelict spaces and trivializing the purpose of objects in the material world, the people who inhabit these spaces generate situations that appear incoherent and that arise from a loss of institutional function. They are a human collective that has a different relation to the material world, indicating a future “crisis of objects” and their latent immateriality drastically marked by the technology that makes the physical world a vacuous and profane space, like socially-constructed cultural references. The film presents devastating scenes in which the silent power of nature destroys the things and objects produced by man, dematerializing them and turning them into useless, strange, archaic artifacts. Old structures raised as symbols of progress end up useless and clearly show technological transformation as a brief event in the imposing history of the planet. Structures and objects . 109 catálogo BIM 2014 José Carlos Mariátegui del conocimiento humano pues el paso galopante de la naturaleza se encarga de engullirlos y degenerarlos. El registro aéreo del sur de Inglaterra presenta una compleja geografía de grietas y riachuelos, que se asemeja a los aspectos orgánicos más inherentes a la biología del ser humano. La naturaleza, vista desde esa perspectiva, se presenta como un espacio tan desolador y desconocido como la vida misma. La película traduce la neurosis de una sociedad que vive transformando su hábitat natural mediante objetos que terminan acabando inexorablemente en desuso. Subconscious Society resume así la constante indagación en la obra de Rosa Barba a partir del registro de espacios reales y su intento de darles una nueva interpretación o, como menciona, reinventar la utopía suspendiendo el tiempo y descifrando aspectos de este que resultan velados de la realidad. José Carlos Mariátegui that one day had a function end up as useless waste products of human knowledge, as the rapid pace of nature swallows them up and erodes them. The aerial recording of southern England shows a complex geography of crevices and streams, resembling the most inherent organic aspects of human biology. Seen from this perspective, nature is presented as a space as devastating and unknown as life itself. The film puts across the neurosis of a society that constantly transforms its natural habitat with objects that inevitably end up in disuse. Subconscious Society thus sums up the constant inquiry in Rosa Barba’s work, starting from the recording of real spaces and her attempt to give them a new interpretation or, as she says, reinvent utopia by suspending time and deciphering aspects of it that are hidden from reality. José Carlos Mariátegui Subconscious Society / Sociedad subconsciente Rosa Barba Reino Unido - Estados Unidos / UK- USA | 2014 40’ | 35 mm | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file En la película Sociedad subconsciente – como en el subconsciente en sí– se pueden hacer asociaciones nuevas y no racionales entre los objetos del mundo “real”. Los personajes de la película parecen existir en un estado liminal entre los reinos mentales y físicos. Las escenas interiores, con sus protagonistas, se yuxtaponen con diversas estructuras evocadoras de zonas geográficas muy dispares. Parte de la película fue filmada en un edificio abandonado en Manchester, con personajes que han experimentado el espacio de diferentes formas a través del siglo pasado –como catedral, como edificio del parlamento, como teatro y como cine–. Ahora está abandonado, una casa de fantasmas. Los protagonistas nunca han salido de In- In the film Subconscious Society – as in the subconscious itself – new and non-rational associations can be made between objects from the ‘real’ world. The characters in the film seem to exist in a liminal state between the mental and physical realms. The interior scenes, with their protagonists, are juxtaposed with various evocative structures from widely disparate geographical areas. Some of the film was shot in an abandoned building in Manchester, with characters who have experienced the location in different guises through the last century – as a cathedral, a parliament building, a theatre and a cinema. Now it is abandoned, a house of ghosts. 110 . Subconscious Society / Sociedad subconsciente The protagonists have never left England, have never been on a plane. Together they are attempting to form a new group, a society founded on the discarding of physical objects. In stark contrast, the artist flies over landscapes – southern England’s coast at low tide (when its geological structure is revealed) and the US desert (seeing a prison, a field of solar panels, a quarry and a dry river bed). Seen from the air, the real scale of these features is lost, and they assume a perspective which depicts them as a kind of drawing or symbols in the landscape. The desert shots function like chapter titles within the film, and we are invited to enter the narrative via an initial postcard-like title. The piece is presented as a feature film that incorporates images evolved as part of a live performance at the Anthology Film Archives, New York, over three evenings in November 2013, and also makes use of the performance’s live soundtrack. . 111 catálogo BIM 2014 glaterra, nunca han estado en un avión. Juntos están tratando de formar un nuevo grupo, una sociedad fundada en el descarte de los objetos físicos. En marcado contraste, la artista sobrevuela paisajes –la costa sur de Inglaterra durante la marea baja (cuando se revela su estructura geológica) y el desierto de Estados Unidos (se ven una prisión, un campo de paneles solares, una cantera y un lecho de río seco)–. Vistos desde el aire, la escala real de estos lugares se pierde y se asume una perspectiva que los representa como un tipo de dibujo o símbolos en el paisaje. Las tomas en el desierto funcionan como títulos de los capítulos en la película, y se nos invita a entrar en la narración a través de un título tipo postal. La pieza se presenta como una película que incorpora imágenes que evolucionaron como parte de una presentación en vivo en el Anthology Film Archives (Nueva York), de tres noches, en noviembre de 2013, y también hace uso de la banda sonora en vivo de aquellas actuaciones. Programa de películas de Jack Chambers / Jack Chambers film program Curado por / Curated by Lauren Howes Canadian Filmmakers Distribution Centre “El hecho ES que los cuatro films de Jack Chambers han cambiado toda la historia del cine, a pesar de su descuido, de una manera que ni siquiera sería posible en el campo de la pintura. No hay ‘maestros’del film en un sentido significativo cualquiera que fuese. Solo hay ‘creadores’ en el sentido original, o al menos medieval, de la palabra. Jack Chambers es un verdadero ‘creador’ de films. Él no necesita ninguna postura, o posición, para asistir al surgimiento de algo claramente NUEVO” (Stan Brakhage). Es indudable que los films de Jack Chambers fueron innovadores e influyentes entre sus contemporáneos. Aún se lo celebra con una reputación internacional consagratoria por su sorprendente corpus de films y mucho se ha escrito sobre su singular estilo. Su prestigiosa carrera como pintor y su práctica artística, que fue descrita como “realismo perceptivo”, se ubican en contrapunto con los estilos abstractos dominantes de su tiempo. Sus films se destacan en particular por sus investigaciones formales de las propiedades de la luz y por sus investigaciones temáticas sobre el ciclo de la vida y la muerte. Su trabajado empleo del montaje, de noticieros y documentos fotográficos, recrea a través de sus films estos temas recurrentes de mortalidad y renacimiento. Su primer film, Mosaic (1965), instaura este modelo de manera audaz, algo que volvió a aparecer en Hybrid (1966) con el empleo de las brutales imágenes fotográficas de los estragos de la guerra intercaladas con la plantación y el brote de “The fact IS that the four films of Jack Chambers have changed the whole history of film, despite their neglect, in a way that isn’t even possible within the field of painting. There are no ‘masters’ of film in any significant sense whatsoever. There are only ‘makers’ in the original, or at least medieval, sense of the word. Jack Chambers is a true ‘maker’ of films. He needs no stance, or standing, for he dances attendance upon the coming-into-being of something recognizably NEW” (Stan Brakhage). There is no question that the films of Jack Chambers were influential and groundbreaking among his contemporaries. He continues to be celebrated with an acclaimed international reputation for his impressive body of films and much has been written on his unique style. His celebrated career as a painter and his artistic practice that was described as “perceptual realism” stood in counterpoint to the dominant abstract styles of his day. His films are particularly noted for their formal investigations of the properties of light and for their thematic examinations of the cycle of life and death. His crafted employment of montage, newsreel footage and photo documents create these recurring themes of mortality and rebirth throughout his films. His first film Mosaic (1965) boldy establishes this pattern that would recur in Hybrid (1966) with his use of brutal photo imagery of the ravages of war, 112 . Programa de películas de Jack Chambers / Jack Chambers film program John Jack Chambers (1931-1978). Nacido en London, Ontario, Chambers es considerado uno de los artistas más importantes de Canadá. Trabajó y estudió durante ocho años en Europa (1953-1961), después de formarse en la Universidad de Western Ontario. Con una carrera consolidada como pintor, se embarcó en una breve pero significativa carrera como realizador cinematográfico a mediados de los años sesenta. En su vida realizó cinco films: Mosaic (1965), Hybrid (1966), R-34 (1967), Circle (1969) y The Hart of London (1970). Después de batallar diez años contra la leucemia, Jack Chambers falleció en 1978 a los 47 años. Su obra se encuentra en las colecciones de la National Gallery of Canada, Art Gallery of Ontario y Museum London. Una escuela primaria, la Escuela Pública Jack Chambers (y las calles que la rodean), llevan su nombre en London, Ontario. Lauren Howes trabaja como directora ejecutiva del Canadian Filmmakers Distribution Centre desde 2006. Antes de instalarse en Toronto, trabajó como ejecutiva de distribución en la sección Video Out Distribution de VIVO Media Arts en Vancouver. Debido a su trabajo como distribuidora, intercut with the planting of floral blooms. Chambers turned his camera on his friend, collaborator, and fellow London artist Greg Curnoe in R34 (1967) and his creative documentary work continued with Circle (1969) with his portrait of the family landscape in his backyard, shot everyday for a year from the same perspective. Chambers’ oeuvre culminates in his most seminal 79-minute film The Hart of London. This film marries newsreel and found footage with images he creates to construct a most surreal document. The iconic footage of a lamb to slaughter, a hart hunted, abstraction to fully saturated images of time, and place, life and loss. A searing, creative narrative made while battling leukemia, this was Chambers last film. John Jack Chambers (1931-1978) Born in London, Ontario, Chambers is regarded as one of Canada’s most important artists. He spent eight years (1953-1961) studying and working in Europe after his postsecondary education at the University of Western Ontario. With a wellestablished career as a painter, he embarked on a short-lived but significant career as a filmmaker in the mid-1960s. He completed five films for distribution in his lifetime: Mosaic (1965), Hybrid (1966), R-34 (1967), Circle (1969), and The Hart of London (1970). After a ten-year battle with leukemia, Jack Chambers died in 1978 at the age of 47. His work is in the collections of the National Gallery of Canada, the Art Gallery of Ontario, and Museum London. An elementary school, Jack Chambers Public School, (and the streets surrounding it) are named for him in London, Ontario. Lauren Howes assumed the role of Executive Director of CFMDC in September 2006. Prior to coming to CFMDC, she was the Distribution Manager of Video Out Distribution . 113 catálogo BIM 2014 flores. Chambers luego volvió su cámara hacia su amigo, colaborador y colega, el artista de London Greg Curnoe, en R34 (1967) y su creativo trabajo documental siguió con Circle (1969), con el retrato del paisaje familiar del jardín del fondo filmado cada día durante un año desde la misma perspectiva. La obra de Chambers culmina con su film más trascendente, The Hart of London, de 79 minutos. Este film une noticieros y metraje encontrado con imágenes que crea para construir un documento más surrealista. El metraje icónico de un cordero que se sacrificará, un ciervo cazado, abstracción de imágenes completamente saturadas, de tiempo y lugar, de vida y pérdida. Una narración original y mordaz hecha mientras combatía la leucemia, este fue el último film de Chambers. asiste a numerosos festivales de cine y mercados de arte medial en el mundo entero y promueve el arte medial canadiense. Presentó curadurías en Dublín, San Pablo, Río de Janeiro, Hamburgo, París, Londres, Berlín y Seúl. Se graduó en 1996 con un BFA en Film Production en la Simon Fraser University. Howes actualmente es presidente del Board of the Media Arts Network of Ontario (MANO) y ha colaborado con el Board of Independent Media Arts Alliance entre 2008 y 2010. in Vancouver, BC from 2002-2006. Howes has programmed screenings of Canadian Media Art for events in Vancouver, Toronto, Dublin, Hamburg, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Seoul, London, UK and was selected as a Goethe Scholar to participate in the Living Archive program 2013 at Arsenal - institut für film und videokunst in Berlin. Howes currently sits on the Board of Directors at the Toronto Arts Council. She graduated from Simon Fraser University with a BFA in Film Production and endeavors to make films when possible, outside of the demands of arts administration. Programa / Programme1 The Hart of London The Hart of London Canadá / Canada | 1970 79’ | 16 mm | Color | Sonido / Sound Proyección / Screening: 16 mm “Lo extraordinario de The Hart of London es la capacidad de Jack Chambers para combinar fuentes poniendo la calidad profesional estándar de los noticieros junto a secuencias de filmaciones caseras, mal iluminadas y temblorosas, con sus ritmos torpes y su composición única. La manera experta e intrincada en que se alternan estas imágenes es típica del trabajo de Jack Chambers, de su misión de conocerse a sí mismo como humano, ni más ni menos; no un dios, y de ese modo solo como un momento dentro de un ciclo. Su aceptación de este hecho forma su percepción de los distintos elementos del film y le permite moverse más allá del estatus de un simple diario filmado al reino de la reconciliación” (Yann Beauvais, traducido al inglés por Jo-Anne Elder-Gomes, fragmento de The Films of Jack Chambers, editado por Kathryn Elder, 2002, p. 193). “What is remarkable in The Hart of London is Jack Chambers’ ability to blend sources, placing the standardized professional-quality newsreels beside shaky, underexposed home-movie sequences with their awkward rhythms and unique framing. The masterful, intricate way these are intercut is typical of Jack Chambers’ work, his quest to know himself as human, not less, not more; not a god, and thus only a moment in a cycle. His acceptance of this fact shapes his perception of the different elements of the film, and enables it to move beyond the status of a simple filmed diary into the realm of reconciliation.” (Yann Beauvais, translated by Jo-Anne Elder-Gomes (Excerpt -The Films Of Jack Chambers edited by Kathryn Elder, 2002- pg 193). 114 . Programa de películas de Jack Chambers / Jack Chambers film program Programa / Programme 2 Cortos de Jack Chambers / Short fims by Jack Chambers Mosaic / Mosaico Canadá / Canada | 1965 9’ | 16 mm | ByN / B&W | Sonido / Sound Proyección / Screening: 16 mm “Fue en el verano de 1964 cuando hice mi primera película, Mosaic. Filmé literalmente millas de film ya que también estaba aprendiendo a usar la cámara. Finalmente el film terminó teniendo 9 minutos” (Jack Chambers). “It was in the summer of 1964 that I made my first movie, Mosaic. I shot literally miles of film since I was also learning to use the camera. The film finally ended up nine minutes long.” (Jack Chambers) Hybrid / Híbrido Canadá / Canada | 1966 15’ | 16 mm | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: 16 mm “La guerra de Vietnam fue muy triste para mí: no estaba de acuerdo con la presencia de Estados Unidos en Vietnam. Pensé que una película que mostrara algunos de los aspectos trágicos de la guerra serviría como una herramienta útil para recaudar fondos” (Jack Chambers). “The Vietnam War was very upsetting to me: I did not agree with the American presence in Vietnam. I thought that a film showing some of the tragic aspects of the war would serve as a useful tool for fundraising.” (Jack Chambers) R-34 “No recuerdo mucho del rodaje de R34 salvo que me di cuenta de que Jack nos estaba filmando a mí y a mi mujer, Sheila, y que editaba esas imágenes para convertirlas en algo propio. El proceso no fue invasivo, como suele suceder. R34 era el nombre del primer aeroplano que cruzó el Atlántico sin parar. Yo lo había puesto en la pintura que se ve en el film (parte del mural encargado por el Aeropuerto Dorval de Montreal)” (Greg Curnoe). “I don’t remember much about the shooting of R34 except that I realized that Jack was taking moving images of me and my wife, Sheila, and editing them into something of his own. The process was not intrusive, as is usually the case. R34 was taken from the name of the first aircraft to fly the Atlantic nonstop. I was putting it in the painting [part of the mural commissioned for Dorval Airport, [Montreal] in the film” (Greg Curnoe). . 115 catálogo BIM 2014 Canadá / Canada |1967 26’ | 16 mm | Color | Sonido / Sound Proyección / Screening: 16 mm Circle / Círculo Canadá / Canada | 1969 28’ | 16 mm | Color | Sonido / Sound Proyección / Screening: 16 mm “Algo puede ser tan familiar que lo veo como si fuera la primera vez. O tal vez si uno no logra ver especialmente aquello que es más familiar, entonces lo alcanza y moldea una y otra vez con la esperanza de revelar eso” (Jack Chambers). “Something can be so familiar that I see it as for the first time. Or maybe it is not being able to see especially what is most familiar so you reach out and shape it again and again in the hope of revealing it” (Jack Chambers). 116 . Programa de películas de Jack Chambers / Jack Chambers film program Cráter Umbrales inasibles / Ungraspable Thresholds Luis Macías y Adriana Vila Guevara CRÁTER presenta un programa doble de CRÁTER presents a double ex- Adriana Vila y Luis Macías son los polos magnéticos de Cráter. Recicladores, interventores, expansores y contractores del cine en formato y soporte analógico; Cráter se centra en la búsqueda de experiencias audiovisuales experimentales y las posibilidades de la proyección como acontecimiento aprovechando las cualidades propias del formato analógico. La puesta en escena de sus performances implica un alto grado de improvisación valiéndose de una composición estructural y de exploraciones formales, que conjugan elementos como la intensidad lumínica, las vibraciones sónicas, la inestabilidad y la fan- The mise en scene of their performances entails a high degree of improvisation, using a structural composition and formal explorations, involving such elements as light intensity, sonic vibrations, instability and phantasmagoria. Since 2010, panded cinema program in which the physical image is substituted for incandescence, origins are opened up in a perceptive experience to overwhelm the subtle comfort of the retina. The intermittent light and sound created by the different 16mm and Super 8 projectors lead the spectator to an impalpable limit. Starting from a formal, conceptual idea of the beginnings of film, Luis Macías and Adriana Vila give the lead to the basic elements of film projection, the projector and the blocking of light, using light choreographies that recall early cinema, playing with perception systems and optical illusion, and ridiculing the mechanisms of stereoscopic vision. Adriana Vila and Luis Macías are the magnetic poles of Cráter. Recyclers, inventors, expanders and contractors of film in analogical support and format. Cráter focuses on the search for experimental audiovisual experiences and the possibilities of screening as event, harnessing the qualities of the analogical format. . 117 catálogo BIM 2014 cine expandido en el que la imagen física es sustituida por la incandescencia, los orígenes son eclosionados en una experiencia perceptiva demoledora para las sutiles comodidades de la retina. Las intermitencias lumínica y sonora provocadas por los distintos proyectores de 16 mm y Super 8 llevan al espectador a un límite impalpable. A partir de una propuesta formal y conceptual sobre los inicios del cine, Luis Macías y Adriana Vila intervienen la pantalla y el espacio otorgando protagonismo a los elementos básicos de la proyección cinematográfica. Al manipular el proyector y la obturación de la luz, se crean coreografías lumínicas que remiten al cine primitivo jugando con los sistemas de percepción e ilusión óptica e ironizando sobre los mecanismos de la visión estereoscópica. tasmagoría. Desde 2010 Cráter ha presentado sus propuestas de cine expandido en Crossroads Film Festival, Artist Television Acces (San Francisco), Millenium Film Center, Microscope Gallery (Nueva York), Echo Park (Los Ángeles), Ocho y Medio (Ecuador), Museo de Arte Moderna da Bahía (Brasil), Museo de Bellas Artes y Cinemateca Nacional (Venezuela), Festival Internacional de Video Arte de Camaguey (Cuba), S8 Mostra de Cine Periférico (La Coruña), Festival Europes, Mostra de Super 8, Festival Loop, Primavera Sound, La Virreina, Sonar y Festival De Prop (Barcelona). Luis Macías. Artista, cineasta, reciclador de imágenes e investigador fílmico. Es miembro de Cráter Collective y cofundador del laboratorio de cine artesanal Crater-Lab. Sus obras en formato fílmico 8 mm, Súper 8 y 16 mm son concebidas como proyectos de film performance o expanded cinema. Sus inquietudes artísticas se centran en dos puntos: el trabajo físico sobre la película cinematográfica, concibiendo cada pieza a partir de su formato específico videográfico o cinematográfico; así como el reciclaje y reinvención de nuevas relaciones entre las imágenes en movimiento. Estas propuestas se conciben tanto para la proyección en sala oscura como para performance o instalación en el cubo blanco. Paralelamente, desarrolla talleres teóricoprácticos especializados en distintas variantes de cine experimental: found footage, cine sin cámara, Super 8, procesos artesanales, tanto en escuelas de cine como en centros de arte y museos. Adriana Vila Guevara. Realizadora audiovisual y antropóloga venezolana dedicada a la contemplación de imaginarios y sus misceláneas representaciones, la confusión e invención de los recuerdos y la inducción de experiencias perceptivas (fugaces pero nobles). Con una investigación doctoral en antropología y autoría documental, integrante de Cráter Collective y cofundadora del laboratorio de cine artesanal CraterLab, su obra se desplaza entre fórmulas de Cráter has presented its expanded cinema ideas at Crossroads Film Festival, Artists’ Television Access (San Francisco), Millennium Film Center, Microscope Gallery (New York), Echo Park (Los Angeles), Ocho y Medio (Ecuador), Bahía Museum of Modern Art (Brazil), Museum of Fine Arts and National Film (Venezuela), International Video Art Festival of Camaguey (Cuba), S8 Peripheral Film Festival (La Coruña), Festival Europes, Mostra de Super 8, Festival Loop, Primavera Sound, La Virreina, Sonar and Festival De Prop (Barcelona). Luis Macías. Artist, filmmaker, image recycler and film researcher. He is a member of Cráter Collective and co-founder of the artisan film laboratory Crater-Lab. His works on 8mm, Super 8 and 16mm film formats are conceived as film performance or expanded cinema projects. Artistic concerns focus on two points: physical work on cinematographic film, conceiving each piece from its specific videographic or cinematographic format, as well as the recycling and reinvention of new relationships between images in movement. These proposals are conceived for both dark room screening and white cube performance or installation. In parallel, Macías holds theoreticalpractical workshops, specialising in different variants to experimental film, found footage, cameraless film, Super 8, artisan processes, both at film school and at art centres and museums. Adriana Vila Guevara. Venezuelan audiovisual designer and anthropologist, dedicated to the contemplation of imaginaries and their miscellaneous representations, the confusion and invention of memories, and the inducement of perceptive (fleeting but noble) experiences. Vila Guevara has done PhD research in documentary authorship 118 . Umbrales inasibles / Ungraspable Thresholds creación documental y la experimentación fílmica en Súper 8, Single 8 y 16 mm combinando material encontrado, filmaciones propias y la intervención artesanal del celuloide y los aparatos cinematográficos en forma de instalaciones y cine expandido. and anthropology, and is a member of Cráter Collective and co-founder of the artisan film laboratory CraterLab. Her work moves between documentary creation formulas and film experimentation in Super 8, Single 8 and 16mm, combining found footage, her own films, and the artisan intervention of celluloid and cinema equipment in the form of installations and expanded cinema. Programa / Programme Red Over the Right Eye España / Spain-Venezuela | 2012 12’ | Super 8 / 16 mm | Sonido óptico y sensores de luz / Optical sound and light sensors Proyección / Screening: 1 x Super 8 + 2 x 16 mm Red Over The Right Eye refers to the origins of 3D, in an educational display in Super 8 with an intervention in the execution of the screening space in a double and multiple in 16mm. Using a found footage film and flicker loops, the retina’s capacity to assimilate and recreate 3D are put to a flickering and anxious test. Another dimension is invoked. . 119 catálogo BIM 2014 Red Over the Right Eye remite a los orígenes del 3D en una muestra didáctica en Súper 8 intervenido por la ejecución del espacio de proyección en una doble y múltiple de 16 mm. Utilizando un film de found footage y flicker loops, se propone una parpadeante y ansiosa puesta a prueba de las capacidades de la retina para asimilar y recrear el 3D. Otra dimensión es invocada. Reels & Lights España / Spain-Venezuela | 2012 22’ | Sin película / Filmless | Sonido óptico, micros de contacto y sensores de luz / Optical sound, contact mikes and light sensors Proyección / Screening: 16 mm proyector + luz estroboscópica / 16 mm projector + strobe light Reels & Lights es un tributo al proyector de cine, la aparición y desaparición del aparato cinematográfico en su forma más elemental utilizando luz intermitente/sombras y silencio/sonido. Un proyecto que utiliza el proyector de cine de 16 mm como objeto de investigación y en el que el proyector pasa a ser el protagonista. Una performance que remite al precine, al teatro de sombras y a los mecanismos de ilusión primitivos… Reels & Lights is a homage to the film projector, the appearance and disappearance of this piece of film equipment in its most elemental form, using intermittent light/shadows and silence/sound. The project uses the 16 mm film projector as an object of research, the projector becoming the protagonist. The performance that harks back to precinema, to the theatre of shadows and the mechanisms of primitive illusions… 120 . Umbrales inasibles / Ungraspable Thresholds Ann Arbor Film Festival Curado por / Curated by El Ann Arbor Film es el festival de cine independiente y experimental de más larga data en Norteamérica. Establecido en 1963, el AAFF concluyó recientemente su edición número cincuenta y dos. Internacionalmente reconocido como un foro de estrenos para artistas y cineastas independientes, cada año presenta cuarenta programas con más de doscientos films de todas las duraciones incluyendo obras experimentales, documentales, de ficción, de animación y performances. El festival tiene lugar durante seis días cada mes de marzo en el Michigan Theater, un palacio del cine de los años veinte restaurado, y reúne a muchos realizadores, curadores e investigadores de todo el mundo junto con miembros de la comunidad local. En el AAFF han exhibido sus primeras obras miles de influyentes artistas y cineastas, entre otros Kenneth Anger, Agnes Varda, Andy Warhol, Gus Van Sant, Barbara Hammer, Les Blank, Matthew Buckingham y James Benning. Además de exhibir más de cien films nuevos cada año, en programas seleccionados por jurados, el AAFF presenta retrospectivas, instalaciones, paneles de discusión y programas tanto de ciclos históricos y temáticos como de artistas contemporáneos. Las retrospectivas recientes presentaron films de Bruce Baillie, Chick Strand, Omar Amiralay, Bruce Conner, Pavel Medvedev, Matthias Müller, Toshio Matsumoto, Suzan Pitt, Thom Andersen y Pat O’Neill. Entre los artistas que últimamente han presentado sus trabajos se encuentran Tel- The Ann Arbor Film Festival is the longest-running independent and experimental film festival in North America. Established in 1963, the AAFF recently concluded its 52nd edition. Internationally recognized as a premiere forum for independent filmmakers and artists, each year’s festival presents 40 programs with more than 200 films of all lengths including experimental, animation, documentary, fiction, and performance-based works. The festival takes place over six days each March in the Michigan Theater, a restored 1920s movie palace and brings together many filmmakers, curators, and scholars from all over the world along with members of the local community. Thousands of influential filmmakers and artists have exhibited early work at the AAFF, including Kenneth Anger, Agnes Varda, Andy Warhol, Gus Van Sant, Barbara Hammer, Les Blank, Matthew Buckingham, and James Benning. In addition to exhibiting over one hundred new films in juried programs each year, the AAFF presents filmmaker retrospectives, gallery installations, panel discussions, historic and thematic surveys and contemporary artist programs. Recent retrospectives have featured the films of Bruce Baillie, Chick Strand, Omar Amiralay, Bruce Conner, Pavel Medvedev, Matthias Müller, Toshio Matusmoto, Suzan Pitt, . 121 catálogo BIM 2014 David Dinnell cosystems, Duke & Battersby, Phil Solomon, Naomi Uman, Nicky Hamlyn y Wang Bing. El Ann Arbor Film es uno de los pocos festivales cuyo premio tiene un valor académico. Nuestro programa de premios otorga más de veinte mil dólares en efectivo además de un stock de película y suministros para los cineastas. El AAFF es pionero entre los festivales itinerantes y todos los años presenta programas de cortometrajes en más de 35 cinematecas, universidades, museos y centros de arte en Estados Unidos, Canadá y Europa. David Dinnell. Director de programación, Ann Arbor Film Festival. David Dinnell es realizador y programador, y reside en Ann Arbor, Michigan, Estados Unidos. Ha sido programador del Ann Arbor Film Festival desde 2006 y se convirtió en su director en 2010. Previamente fue programador del Union Theatre de la Universidad de Wisconsin-Milwaukee durante cinco temporadas y director de Programación del Media City Film Festival (Windsor, Canadá) en sus ediciones undécima y duodécima. Ha curado programas especiales para el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit, el California Institute for the Arts, el Wisconsin Film Festival, la School of the Art Institute of Chicago y el Etiuda & Anima Film Festival de Cracovia (Polonia), entre otros. Es coprogramador de la edición de otoño 2014 de los Flaherty NYC Series en Anthology Film Archives, Nueva York. Su obra se exhibió en distintas partes del mundo incluyendo el International Film Festival Rotterdam, EXIS (Experimental Film & Video Festival, Seúl), Jihlava International Documentary Film Festival (República Checa), Images Festival (Toronto) y el Festival de Cine de Nueva York en la sección Views from the Avant Garde. 122 . Ann Arbor Film Festival Thom Andersen, and Pat O’ Neill. Artists recently presenting their works at the AAFF have included Telcosystems, Duke & Battersby, Phil Solomon, Naomi Uman, Nicky Hamlyn and Wang Bing. The Ann Arbor Film Festival serves as one of a handful of Academy Award-qualifying festivals in the United States. Our awards program presents more than $20,000 USD in cash and film stock/services to filmmakers. The AAFF is a pioneer of the traveling film festival tour and each year presents short film programs at more than 35 cinematheques, universities, museums and artist-run centers in the US, Canada and Europe. David Dinnell. Program Director, Ann Arbor Film Festival. David Dinnell is a filmmaker and programmer based in Ann Arbor, Michigan, USA. He has programmed for the Ann Arbor Film Festival since 2006, becoming Program Director in 2010. Previously he was the Film Programmer for the University of Wisconsin-Milwaukee Union Theatre for five seasons and was Program Director of the Media City Film Festival (Windsor, Canada) for its 11th and 12th editions. He has curated special programs for the Museum of Contemporary Art Detroit, California Institute for the Arts, the Wisconsin Film Festival, the School of the Art Institute of Chicago and the Etiuda & Anima Film Festival in Krakow, among other venues. He is the co-programmer for the 2014 fall edition of the Flaherty NYC Series at Anthology Film Archives, New York. His moving image work has been exhibited at various international venues including the International Film Festival Rotterdam, EXiS (Experimental Film & Video Festival in Seoul), Jihlava International Documentary Film Festival (Czech Republic), Images Festival (Toronto) and the New York Film Festival’s Views from the Avant Garde. Programa / Programme 1 Las estaciones al revés / The Seasons Reverse Trabajos recientes del Ann Arbor Film Festival / Recent work from the Ann Arbor Film Festival bbrraattss / Mmooccossooss Ian Cheng Estados Unidos / USA | 2013 3’| Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Coreografía simulada con captura de movimiento contra coreografía con captura de movimiento. Motion capture choreography simulated against motion capture choreography. Ian Cheng (Los Ángeles, 1984) se formó en UC Berkeley Columbia University. Su obra ha sido exhibida en el New Museum (Nueva York), la 12ª Bienal de Lyon, el Museum of Contemporary Art North Miami, la Greene Naftali Gallery (Nueva York), PS1 MoMA y Sculpture Center (Nueva York), Formalista Sidewalk Poetry Club (Miami Beach), el Festival Internacional de Rotterdam y Migrating Forms (Nueva York). Recientemente realizó muestras individuales en La Triennale di Milano, Standard (Oslo), Frieze London, Off Vendome (Dusseldorf) y Vanity (Los Ángeles). Ian Cheng (B. 1984, Los Angeles) received his education from UC Berkeley and Columbia University. His work has been exhibited at the New Museum, New York; The 12th Lyon Biennial, Lyon; Museum of Contemporary Art North Miami; Greene Naftali Gallery, New York; PS1 MoMA, New York; Sculpture Center, New York; Formalist Sidewalk Poetry Club, Miami Beach; International Film Festival Rotterdam; and Migrating Forms, New York; with recent solo exhibitions at La Triennale di Milano, Milan; Standard (Oslo), Oslo; Frieze London; Off Vendome, Dusseldorf; and Vanity, Los Angeles. A Return to The Return to Reason / Un retorno a El retorno a la razón Sabine Gruffat Film del siglo xxi en el que el negativo en 35 mm es grabado meticulosamente cuadro por cuadro empleando un cúter láser (una máquina diseñada para carpintería de precisión), Un retorno a El retorno a la razón es un tributo conceptual y materialista al film de Man Ray de 1923, Le Retour à la Raison (Retorno a la razón), el primer film que utilizó la técnica de rayografía mediante la cual Man Ray expuso objetos encontrados en el negativo del film. A scratch film for the 21st Century where 35mm black leader is meticulously etched frame by frame using a digital laser cutter (a machine designed for precision carpentry). A Return to The Return to Reason is a conceptual and materialist tribute to Man Ray’s 1923 film Le Retour à La Raison (A Return to Reason), the first film to use the ‘Rayograph’ technique in which Man Ray exposed found objects onto film negative. . 123 catálogo BIM 2014 Estados Unidos / USA | 2014 3’ | 35 mm | Mudo / Silent Proyección / Screening: 35 mm Sabine Gruffat es una artista de medios digitales y cineasta que vive y trabaja en North Carolina. Actualmente es profesora auxiliar de arte en la University of North Carolina, Chapel Hill. Los films y videos de Sabine se han exhibido en festivales de todo el mundo; el Image Forum Festival en Japón, Migrating Forms en Nueva York, varias ediciones del Ann Arbor Film Festival, entre otros, y su largometraje I Have Always Been a Dreamer se mostró internacionalmente en la Viennale, MoMA, Cinéma du Réel en el Centro Pompidou y en The Copenhagen International Documentary Film Festival. También ha producido obras para medios digitales en espacios públicos como así también instalaciones interactivas en Zolla Lieberman Gallery (Chicago), Art in General, Devotion Gallery, PS1 Contemporary Art Museum, y Hudson Franklin en Nueva York. Actualmente produce un largometraje documental junto con Bill Brown sobre la crisis inmobiliaria en España. Sabine Gruffat is a digital media artist and filmmaker living and working in North Carolina. Currently she is Assistant Professor of Art at the University of North Carolina, Chapel Hill. Sabine’s films and videos have screened at festivals worldwide including the Image Forum Festival in Japan, Migrating Forms in New York, several editions of the Ann Arbor Film Festival among others and her feature film I Have Always Been A Dreamer has screened internationally including at the Viennale, MoMA, Cinéma du Réel at the Centre Pompidou, and The Copenhagen International Documentary Film Festival. She has also produced digital media works for public spaces as well as interactive installations that have been shown at the Zolla Lieberman Gallery in Chicago, Art In General, Devotion Gallery, PS1 Contemporary Art Museum, and Hudson Franklin in New York. She is currently producing a feature documentary with Bill Brown about the housing crisis in Spain. The Sea [is still] Around Us / El mar [todavía está] alrededor nuestro Hope Tucker Estados Unidos / USA | 2012 4” | Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Normalmente, una postal mejora la realidad. El contraste es más agudo en Corinna, Maine, un pueblo productor de lana a orillas del lago Sebasticook, en el que años de desechos industriales contaminaron el suministro de agua. En 1964, E. B. White se lamentó por su compañera Rachel Carson y por la alteración de la ecología de Sebasticook. Rachel Carson falleció, pero el mar aún nos rodea. Este pequeño lago es un triste recordatorio de lo que tiene lugar, en cierta medida, en todo el país a causa del descuido, la falta de previsión y la arrogancia. Esta es nuestra inmensa vergüenza, “nuestro particular instante de tiempo”. 124 . Ann Arbor Film Festival A postcard usually enhances the reality. The contrast is more stark in Corinna, Maine, a former woolen mill town on the shores of Lake Sebasticook, where years of dumping of industrial waste contaminated the water supply. In 1964, E.B. White mourned his fellow Mainer Rachel Carson and the altered ecology of Sebasticook. Rachel Carson is dead, but the sea is still around us. This small lake is a sad reminder of what is taking place, to some degree, all over the land, from carelessness, shortsightedness, and arrogance. It is our pool of shame in this, “our particular instant of time.” Hope Tucker transforma lo que conocemos como una narración en forma de diario en The Obituary Project, un compendio de etnografía de rescate contemporáneo que documenta el deceso de marcadores culturales y maneras de ser. Ha animado cianotipos de poblaciones estadounidenses expuestas a contaminación radiactiva; grabó con su celular las últimas cabinas de teléfonos públicos en Finlandia; recorrió el camino de la protesta que cerró la única planta de energía nuclear en Austria y escribió el texto de un video sobre los clips, un símbolo noruego de resistencia no violenta. Las proyecciones y exhibiciones de su trabajo incluyen 21º Haus (Viena); ar/ge kunst Galería Museo (Bolzano); Gene Siskel Film Center (Chicago); el Festival Internacional de Rotterdam; el Festival de Cine de Nueva York, Views from the Avant-Garde; Punto de Vista, Festival Internacional de Cine Documental de Navarra; Vox Populi Gallery (Filadelfia); Zagreb Dox y cinco ediciones del Ann Arbor Film Festival. Carson’s work mobilized the public and led to the formation of the US Environmental Protection Agency. Yet local people continued to seek regulation and revival of Sebasticook for twenty more years before the EPA began cleaning up Corinna. Hope Tucker transforms what we know as a daily form of narrative through THE OBITUARY PROJECT, a compendium of contemporary salvage ethnography that documents the passing of cultural markers and ways of being. She has animated cyanotypes of American downwinders; recorded mobile phone footage of the last public phone booths in Finland; retraced the path of protest that closed the only nuclear power plant in Austria; and written the text of a video out of paper clips, a Norwegian symbol of nonviolent resistance. Screenings and exhibitions include the 21er Haus, Vienna; ar/ ge kunst Galeria Museo, Bolzano; Gene Siskel Film Center, Chicago; International Film Festival Rotterdam; New York Film Festival’s Views from the Avant-Garde; Punto de Vista, Festival Internacional de Cine Documental de Navarra; Vox Populi Gallery, Philadelphia; Zagreb Dox; and five editions of the Ann Arbor Film Festival. . 125 catálogo BIM 2014 El trabajo de Carson movilizó al público y llevó a la formación de la Environmental Protection Agency (EPA, agencia estadounidense de protección del medio ambiente). Sin embargo, la gente del lugar siguió bregando por la regulación y recuperación de Sebasticook durante veinte años antes de que la EPA comenzara finalmente a limpiar Corinna. Verses / Versos James Sansing Estados Unidos / USA | 2012 6’ | 35 mm | Mudo / Silent Proyección / Screening: 35 mm Verses es un film que anima los registros de consejeros, que fueron encontrados en un centro de detención juvenil abandonado. Las manchas de tinta y el moho en el papel forman modelos de Rorschach. Este fenómeno natural ilustra el aspecto psicológico de la influencia de esta institución en los jóvenes que estuvieron allí detenidos. James Sansing es un artista de la bahía de San Francisco, California, cuyo trabajo abarca la escultura, la fotografía, la pintura y el cine experimental. Sus films se han exhibido en el Festival Internacional de Rotterdam, Pacific Film Archive, Festival de Cine de Nueva York, Anthology Film Archives, Media City Film Festival y en Images Festival, además de Ann Arbor Film Festival, en el que Verses recibió el premio del público del 50º AAFF. Sansing ha exhibido en Yerba Buena Center for the Arts en San Francisco y en Headlands Center for the Arts en Sausalito (California), además de en muestras individuales en Ampersand International Arts y Mark Wolfe Contemporary en San Francisco. También obtuvo varias becas y residencias de arte. Verses is a film that animates counselors’ logs that were found in an abandoned juvenile detention center. The ink stains and mold growth thread their way through the veins of the paper, making Rorschach patterns. This natural phenomenon illustrates the psychological aspect of this institution’s affect on the youth who were detained there. James Sansing is a San Francisco Bay Area artist, working in sculpture, photography, painting and experimental film. His films have screened at International Film Festival Rotterdam, Pacific Film Archive, New York Film Festival, Anthology Film Archives, Media City Film Festival, and Images Festival in addition to the Ann Arbor Film Festival, where Verses received the 50th AAFF Audience Award. Sansing has exhibited at Yerba Buena Center for the Arts in San Francisco and Headlands Center for the Arts in Sausalito, California and has had solo shows at Ampersand International Arts and Mark Wolfe Contemporary in San Francisco and is the recipient of several art residencies and fellowships. Arbor / Glorieta Janie Geiser Estados Unidos / USA | 2012 7’ | 16 mm | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file A partir de un grupo de fotografías halladas en una tienda de artículos usados, Geiser crea un espacio liminal entre representación y abstracción, figura y paisaje, ficción y memoria. Arbor sugiere la fragilidad y lo 126 . Ann Arbor Film Festival From a set of photographs found in a thrift store, Geiser creates a liminal space between representation and abstraction, figure and landscape, fiction and memory. Arbor suggests the fragility and ephemerality of memory and its artifacts through subtle manipulations of the photographs: reframings, layerings, inversions, and the introduction of dimensional elements, including flowers and leaves. The photographs’ subjects rarely engage the camera; they are glimpsed, rather than seen. They look elsewhere, and wait for something inevitable. Gathering on a hillside, lounging on the grass beyond now-lost trees, the inhabitants of Arbor cycle through their one elusive afternoon, gradually succumbing to time or dissolving into landscape, reserving for themselves what we can’t know – and becoming shadows in their own stories. Janie Geiser es una cineasta experimental y artista visual y teatral reconocida internacionalmente; su obra es conocida por su sentido del misterio, su evocación detallada de mundos autónomos y por la solidez de su creación. Sus films se exhibieron en Redcat, Whitney Museum of American Art, Guggenheim Museum, The Museum of Modern Art, Pacific Film Archives, Wexner Center for the Arts, San Francisco Cinematheque, Los Angeles Filmforum, y en numerosos festivales internacionales de cine. Su film The Red Book fue seleccionado para el U.S. National Film Registry de la Biblioteca del Congreso, y su película The Fourth Watch fue seleccionada por Film Comment como una de las diez mejores películas experimentales de la última década. Además de haber obtenido una beca Guggenheim, Geiser también ganó como directora un premio Obie y es pionera en el renacimiento del teatro experimental con marionetas en Estados Unidos. En este sentido, crea obras hipnóticas e innovadoras, que integran marionetas y objetos escénicos con intérpretes en vivo y cine. Janie Geiser is an internationally recognized experimental filmmaker and visual/theater artist, whose work is known for its sense of mystery, its detailed evocation of self-contained worlds, and its strength of design. Her films have been screened at Redcat, the Whitney Museum of American Art, the Guggenheim Museum, the Museum of Modern Art, Pacific Film Archives, the Wexner Center for the Arts, the San Francisco Cinematheque, Los Angeles Filmforum, and at numerous film international film festivals. Her film The Red Book was selected for the U.S. National Film Registry of the Library of Congress, and her film The Fourth Watch was selected by Film Comment as one of the top ten experimental films of the last decade. A Guggenheim fellow, Geiser is also an Obie Award-winning director, and a pioneer in the renaissance of American experimental puppet theater. She creates innovative, hypnotic works that integrate puppets and performing objects with live performers and film. . 127 catálogo BIM 2014 efímero de la memoria y sus artefactos a través de manipulaciones sutiles de las fotografías: nuevos encuadres, superposición de capas, inversiones y la introducción de elementos dimensionales, que incluyen flores y hojas. Los sujetos de las fotografías raramente se enfrentan a la cámara; más que vistos, son vislumbrados. Miran para otro lado y esperan algo inevitable. Reunidos en una ladera, recostados en el césped más allá de árboles que ya no existen, los habitantes de Arbor se desplazan por su única tarde que huye, sucumbiendo gradualmente al tiempo o disolviéndose en el paisaje, y guardan para sí mismos lo que no podemos saber –y se convierten en sombras en sus propias historias. Distance / Distancia Julie Murray Irlanda - Estados Unidos / Ireland - USA | 2010 12’ | 16 mm | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: 16 mm Tiempo agotado en dos costas, una apenas poblada, la otra un páramo, unidas por el fluir de varios caminos, cada uno de ellos bastante real, aunque se indiquen sus medidas exactas de manera críptica. Las ideas de hogar y su anhelo son, para tomar prestada una frase, “imposibles de ser dichas excepto a través de pistas distantes y esbozos”. Julie Murray estudió Bellas Artes en Dublín, Irlanda, y se mudó a los Estados Unidos en 1985. Ha hecho más de veinticinco films y obras digitales desde 1986 y exhibió sus trabajos en numerosos encuentros internacionales, incluyendo el Festival de Cine de Nueva York, el Festival Internacional de Hong Kong, el Festival de Rotterdam, el Centro George Pompidou y el Festival de Cine de Londres. Su obra se presentó en la edición 2004 de Whitney Biennial y sus films forman parte de las colecciones permanentes del Museum of Modern Art y del Whitney Museum of American Art. Murray ha tenido retrospectivas en distintas partes del mundo, que incluyen Redcat, Los Ángeles, Anthology Film Archives, Media City Film Festival, Pacific Film Archives, Los Angeles Filmforum, las cinematecas de San Francisco y de Ontario (Toronto). Sus films participaron en muchas ediciones del Ann Arbor Film Festival; en la 47ª edición, su film Elements (2008) recibió el premio a mejor dirección de fotografía. 128 . Ann Arbor Film Festival Time spent at two shores, one thinly populated, the other a wasteland, joined by the interluency of various paths taken, each bit real enough, though exact measures being obscurely indicated. Notions of home and its ache are, to borrow a phrase, “not capable of being told unless by far-off hints and adumbrations”. Julie Murray studied Fine Art in Dublin, Ireland and moved to the US in 1985. She has made more than twenty-five films and digital artworks since 1986 which have been exhibited at numerous international venues including the New York Film Festival, the Hong Kong International Film Festival, the International Film Festival Rotterdam, Centre George Pompidou (Paris), and the London Film Festival. Her work was featured in the 2004 edition of the Whitney Biennial and her films are part of the permanent collections of the Museum of Modern Art and the Whitney Museum of American Art. Murray has had numerous solo screenings at venues around the world including REDCAT (Los Angeles), Anthology Film Archives, Media City Film Festival, Pacific Film Archives, Los Angeles Filmforum, the San Francisco Cinematheque and Cinematheque Ontario (Toronto). Her films have been included in many editions of the Ann Arbor Film Festival including the 47th AAFF where her film Elements (2008) received the Best Cinematography award. Sun Song / Canción del sol Joel Wanek Estados Unidos / USA | 2014 14’ | Digital | Mudo / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Un viaje poético de la oscuridad del comienzo del amanecer al resplandor del sol del mediodía en el sur norteamericano. Filmado enteramente en el trayecto del bus 16 en Durham, North Carolina, a lo largo de seis meses, Canción del sol es una celebración de la luz y una meditación sobre la partida. A poetic journey from the darkness of early dawn into the brightness of the midday sun in the American South. Filmed entirely on the number 16 bus route in Durham, North Carolina over the course of six months, Sun Song is a celebration of light and a meditation on leaving. Joel Wanek es cineasta y fotógrafo, y reside en Oakland. Su trabajo ha sido exhibido en muchos festivales de cine, galerías y publicaciones de Norteamérica y Europa. Durante años desarrolló una práctica creativa del documental, que a menudo borra la línea entre sujeto y creador mezclando técnicas de relato y formas del cine realista y utilizando espacios públicos para comprometer la participación. Entre las muestras recientes se incluyen Rencontres Internationales (París), BFI London Film Festival, La Nuit de l’Instant, Images Festival y el 52º Ann Arbor Film Festival, en el que Canción del sol recibió el premio a mejor fotografía. Joel tiene un master en Artes Documentales y Experimentales de la Duke University y una licenciatura en fotografía y realización de Webster University. Joel Wanek is a filmmaker and photographer based in Oakland. His work has been shown in many film festivals, galleries and publications throughout North America and Europe. Over the years he has developed a creative documentary practice that often blurs the line between subject and maker, mixes techniques of narrative and vérité modes and utilizes public spaces for collaborative engagement. Recent shows include the Rencontres Internationales Paris, International Film Festival Rotterdam, BFI London Film Festival, La Nuit De L’Instant ,Images Festival and the 52nd Ann Arbor Film Festival where Sun Song received the Best Cinematography Award. Joel holds a MFA in Experimental and Documentary Arts from Duke University and a BA in Photography and Filmmaking from Webster University. Undergrowth / Sotobosque Rob Todd Un depredador ciego sueña a través de los ojos de su presa. El depredador obvio es un cárabo norteamericano, pero el film usa esto como un medio A blind predator dreams through its prey’s eyes. The obvious predator is a barred owl, but the film uses this as a ve. 129 catálogo BIM 2014 Estados Unidos / USA | 2011 12’ | 16 mm | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: 16 mm para considerar el rol activo de la cámara en “captura” de imágenes. La presa es indefinida, pero se la insinúa como un compendio de figuras naturales que la cámara “captura”. hicle to consider the active role of the camera in image “capture”. The prey is undefined, but suggested as a compendium of natural figures that the camera “captures”. Cineasta lírico así como artista del sonido y la imagen, Robert Todd produce continuamente cortometrajes que se resisten a una categorización. En los pasados 16 años ha producido un gran número de films de formato corto y medio que se exhibieron internacionalmente en una amplia variedad de lugares y festivales que incluyen trece ediciones del Ann Arbor Film Festival, Toronto International Film Festival, Media City Festival, San Francisco International Film Festival, Rotterdam International Film Festival, New York Film Festival, Rencontres Internationales, Black Maria Film Festival, Nouveau Cinema en Montréal, Cinematheque Ontario, The Harvard Film Archive, Pacific Film Archive y la Bienal de París. Sus films obtuvieron numerosos premios, becas y distinciones para artistas. Enseñó producción cinematográfica en Boston College, School of the Museum of Fine Arts, Art Institute of Boston, University of Massachusetts, y en la Boston Film and Video Foundation. También ha trabajado como editor, diseñador y editor de sonido, postsupervisor o productor musical de varios programas premiados en radio y televisión. A lyrical filmmaker as well as a sound and visual artist, Robert Todd continually produces short works that resist categorization. In the past sixteen years he has produced a large body of short-to-medium format films that have been exhibited internationally at a wide variety of venues and festivals including thirteen editions of the Ann Arbor Film Festival, Toronto International Film Festival, Media City Festival, San Francisco International Film Festival, Rotterdam International Film Festival, New York Film Festival, Les Rencontres Internationales, Black Maria Film Festival, Nouveau Cinema in Montreal, Cinematheque Ontario, the Harvard Film Archive, Pacific Film Archive, and the Paris Biennale. His films have won numerous festival prizes, grants, and artist’s awards. He has taught film production at Boston College, the School of the Museum of Fine Arts, Boston, Art Institute of Boston, University of Massachusetts, and the Boston Film and Video Foundation. He has also worked as editor, sound designer/editor, post-supervisor or music producer on various awardwinning broadcast and theatricallyreleased media programs. The Deep Dark / La oscuridad profunda Laura Heit Estados Unidos / USA | 2011 7’ | Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Un elíptico ciclo de canciones cinematográficas, La oscuridad profunda viaja al interior de la mente con animación, proyección de sombras y ensalmos vocales etéreos. 130 . Ann Arbor Film Festival An elliptical cinematic song cycle, The Deep Dark journeys into the psyche with animation, projected shadows, and ethereal vocal incantations. Laura Heit es una artista que trabaja en arte de animación y performances. En sus cortometrajes emplea stop motion, marionetas, dibujos y animación por computadora. Su obra se ha exhibido ampliamente en museos y festivales de cine en todo el mundo entre los que se incluyen Walker Arts Center, MoMA, Guggenheim, Anthology Film Archives, Millennium Film Workshop, Annecy, los festivales de Rotterdam, Taiwán, Ann Arbor y Londres, Black Maria, PBS y otros. También trabaja con marionetas, teatro experimental y performances en vivo. Su aclamado espectáculo de marionetas en miniatura, The Matchbox Shows, en el cual Heit hace de maestro de ceremonias de un pequeño cabaret, se representó en varios lugares durante más de diez años; entre otros, en Dordrecht (Holanda, verano de 2010), REDCAT y Walt Disney Concert Hall (primavera de 2008). Heit ha recibido premios y becas de Mac Dowell Colony (2007 y 2009), Channel Four Television London, British Film Council, Durfee Foundation, ARC grant, Jim Henson Foundation, Thames and Hudson, Puppeteers of America y MTV. Obtuvo una Licenciatura en Cine en la School of the Art Institute of Chicago y un Master en Bellas Artes en el Royal College of Art (Londres). Codirigió el programa de animación experimental en Cal Arts en Valencia (California) entre 2007 y 2011. Actualmente vive y trabaja en Portland, Oregon. Laura Heit is an artist who works in animated art and performance. She employs stop-motion, live-action puppetry, hand drawing, and computer animation in her short films. Her work has screened extensively at museums and film festivals around the world including; Walker Arts Center, Moma, Guggenheim, Anthology Film Archives, Millennium Film Workshop, Annecy, Rotterdam, Taiwan, Ann Arbor, and London International Film Festivals, Black Maria, PBS, and others. She also works in puppetry, experimental theater, and live performance. Her acclaimed puppetshow-in miniature, The Matchbox Shows, in which Heit plays ringmaster to a tiny cabaret, has been touring for over ten years, including Dordrecht, Netherlands summer 2010, REDCAT and Walt Disney Concert Hall Spring 2008. She has been the recipient of awards and grants from; Mac Dowell Colony (2007, and 2009), Channel Four Television London, British Film Council, Durfee Foundation, ARC grant, Jim Henson Foundation, Thames and Hudson, Puppeteers of America, and MTV. She has a BFA in Film from The School of the Art Institute of Chicago, and an MFA from Royal College of Art, London. Laura was co-director of the Experimental Animation Program at Cal Arts in Valencia California from 2007-2011. She currently lives and works in Portland Oregon. A Study in Natural Magic / Un estudio en magia natural Charlotte Pryce Presenciar la magia de un alquimista: la transmutación de luz en materia. Un destello de oro. Witness an alchemist’s spell: the transmutation of light into substance. A glimpse of gold. . 131 catálogo BIM 2014 Estados Unidos / USA | 2013 3’ | 16 mm | Color | Mudo / Silent Proyección / Screening: 16 mm Charlotte Pryce realiza films y objetos ópticos desde 1986 y sus obras se han exhibido en el mundo entero. Enseñó cine experimental en School of the Art Institute of Chicago, San Francisco Art Institute, Academy of Art (San Francisco), Kent Institute of Design (Canterbury, Inglaterra) y actualmente es miembro de la facultad del California Institute of the Arts (Los Ángeles). Se graduó en la Slade School of Art, University College London y realizó un Master en Bellas Artes en la School of the Art Institute of Chicago. En 2013, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles le otorgó el Premio Douglass Edwards al mejor film experimental. Pryce recibió el premio Stan Brakhage Film at Wit’s End en el 52º AAFF por su obra cinematográfica. Charlotte Pryce has been making films and optical objects since 1986 and her works have screened throughout the world. She has taught experimental film at the School of the Art Institute of Chicago, the San Francisco Art Institute, the Academy of Art (San Francisco), Kent Institute of Design (Canterbury, England), and is currently a faculty member at the California Institute of the Arts (Los Angeles). She is a graduate of the Slade School of Art, University College London (BFA) and the School of the Art Institute of Chicago (MFA). In 2013 the Los Angeles Film Critics Association honored her with the Douglas Edwards Award for best experimental cinema achievement and Pryce received the 52nd AAFF Stan Brakhage Film at Wit’s End Award for her film work. Rating Dogs / Evaluando perros Mark Toscano Estados Unidos / USA | 2012 2’3’’ | 16 mm | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: 16 mm La verdad como algo evidente, no importa que sea ridículamente subjetiva o intrascendente. La verdad que no es materia de opinión. Un juego sin sentido de fallos arbitrarios que espera sugerir otros contextos en los cuales juegos similares son mucho más insidiosos, aun cuando haga pasar un buen momento a los espectadores. Aunque finalmente, un film que probablemente sea demasiado encantador para ser de todo menos lindo. Truth as held to be self-evident, however inconsequential or ludicrously subjective. Truth as not a matter of opinion. A meaningless game of arbitrary pronouncements that hopes to suggest other contexts in which similar games are far more insidious, while still giving viewers a good time. Ultimately though, a film that is probably too delightful to be anything but cute. Mark Toscano es cineasta, curador y archivista especializado en preservación de films independientes y experimentales. Mark Toscano is a filmmaker, curator and an archivist specializing in the preservation of independent and experimental films. 132 . Ann Arbor Film Festival Century / Siglo Kevin Jerome Everson Estados Unidos / USA / 2012 7’ | 16 mm | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: 16 mm Nacido en Mansfield, Ohio, Kevin Jerome Everson vive actualmente en Charlottesville, Virginia, donde es profesor en la University of Virginia. Everson estudió en University of Akron y en Ohio University. Realizó siete largometrajes y más de setenta cortos además de pinturas, esculturas, instalaciones y fotografías. Su obra fue presentada en 2008 y 2012 en Whitney Biennials y fue tema de una gran retrospectiva en el Whitney Museum of American Art en 2011. Everson ha recibido numerosas becas, premios, residencias y subsidios de Guggenheim, NEA, Creative Capital, Yaddo, MacDowell Colony, American Academy Rome Prize y el Alpert Award, entre otros. Sus films y sus trabajos artísticos han sido exhibidos internacionalmente en museos e instituciones de arte, entre los que se incluyen el Centro Pompidou, MoMA, REDCAT, Cleveland Museum of Art, Studio Museum in Harlem, Armand Hammer Museum, Wexner Center of the Arts y Whitechapel Gallery. Sus films se proyectaron en festivales internacionales como AFI, Sundance, Berlín, Oberhausen, Rotterdam, Courtisane, CPH:DOX, Media City y varias ediciones de Ann Arbor Film Festival entre muchos otros. Century consists of a General Motors’ automobile, a Buick Century, meeting its fate. General Motors’ doors, quarter panels, trunks, hoods and roofs were created at the defunct stamping plant in my hometown of Mansfield, Ohio. Originally from Mansfield, Ohio, Kevin Jerome Everson currently lives in Charlottesville, Virginia where he is a Professor at the University of Virginia. Everson studied at the University of Akron and at Ohio University. He has completed seven feature films and more than seventy short films in addition to paintings, sculpture, site-specific installations and photographs. Everson’s work was featured in the 2008 and 2012 Whitney Biennials and was the subject of a major retrospective exhibition at the Whitney Museum of American Art in 2011. Everson has received numerous fellowships, awards, residencies and grants from the Guggenheim, NEA, Creative Capital, Yaddo, MacDowell Colony, American Academy Rome Prize, and the Alpert Award among many others. His artwork and films have been exhibited internationally at museums and art institutions including the Centre Pompidou, MoMA, REDCAT, Cleveland Museum of Art, the Studio Museum in Harlem, Armand Hammer Museum, the Wexner Center of the Arts, and the Whitechapel Gallery. Everson’s films have screened at many international film festivals including AFI, Sundance, Berlin, Oberhausen, Rotterdam, Courtisane, CPH:DOX, Media City and several editions of the Ann Arbor Film Festival, among many others. . 133 catálogo BIM 2014 Century consiste en el destino final de un Buick Century, automóvil fabricado por la General Motors. Puertas de GM, guardabarros, baúles, capós y techos se fabricaban en la extinta planta que había en mi pueblo; Mansfield, Ohio. Programa / Programme 2 El presente solo es nuestra felicidad / The present alone is our happiness Trabajos recientes del Ann Arbor Film Festival / Recent work from the Ann Arbor Film Festival Entre Temps / Mientras tanto / Meanwhile Ana Vaz Brasil - Francia / Brazil - France | 2013 11’ | Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Meditación y ensueño sobre una ciudad a la vez real e imaginada. Film concebido como un documental sobre una moderna urbanización en Francia, en lugar de eso cobró la forma de una confrontación amplia y poética con la psicogeografía de una Europa contemporánea en crisis. Un réquiem para una ciudad soñada entre su pasado y el presente. Ana Vaz es una artista y cineasta brasileña cuyas obras, textos y performances apuntan a las relaciones entre cine y lenguaje a través de una antropología de espacios construidos, utopías y relaciones de clase. Graduada en el Royal Melbourne Institute of Technology y en Le Fresnoy Studio National, actualmente Ana participa de un grupo de investigación experimental en arte y política dirigido por el filósofo francés Bruno Latour. Sus films se mostraron en festivales internacionales como the New York Film Festival, Visions du Réel, Ann Arbor, Images, Premiers Plans d'Angers, Femina International Film Festival (premio especial del jurado) y Melbourne International Film Festival, así como en muestras individuales y grupales en FRAC/Le Plateau (París), Museo de la República (Brasilia), Salon Jeune Création (París), Temporary Gallery (Colonia), entre otros. Recientemente se exhibieron retrospectivas de sus películas en Melbourne Cinémathèque (Australia) y Void Gallery (Irlanda). 134 . Ann Arbor Film Festival A meditation and a reverie upon a city at once real and imagined. Conceptualized as a documentary on a modernist housing estate in France, the film has instead found form as poetic & expansive confrontation with the psychogeography of a contemporary Europe in crisis. A requiem for a city dreamt between its past and present. Ana Vaz is a Brazilian artist and filmmaker whose films, writing and performances look into the relationships between cinema and language through an anthropology of constructed spaces, utopias and class relations. A graduate from the Royal Melbourne Institute of Technology and Le Fresnoy Studio National, Ana is presently engaged in an experimental research group in art and politics directed by French philosopher Bruno Latour. Her films have been shown at a number of international film festivals including the New York Film Festival, Visions du Réel, Ann Arbor, Images, Premiers Plans d'Angers, Femina International Film Festival (Special Jury Prize), Melbourne International Film Festival as well as solo and group shows at FRAC/Le Plateau (Paris), Museum of the Republic (Brasilia), Salon Jeune Création (Paris),Temporary Gallery (Cologne), among others. Recently, her films have been shown retrospectively at the Melbourne Cinémathèque (Australia) and Void Gallery (Ireland). Suchy Pion / Tubería seca / Dry Standpipe Wojciech Bakowski Un relato crudo, personal, confesional, mina las imágenes abstractas que el artista, músico y poeta polaco Wojciech Bakowski intercaló en su video collage Suchy Pion. Condensando videos hogareños en bloques de abstracción, Bakowski crea un sorprendente recuento de depresión, atontamiento y paradójica lucidez. A raw, personal, confessional narration undercuts the abstract images in Polish artist, musician and poet Wojciech Bakowski’s interlaced video collage Suchy Pion. Condensing home videos into blocks of abstraction, Bąkowski creates a startling account of depression, numbness and paradoxical lucidity. Wojciech Bakowski (Poznan, Polonia, 1979) es un artista que trabaja en cine de animación, video, instalación sonora y performance. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Poznan y actualmente reside en Varsovia. Bakowski integra las bandas KOT y NIWEA y fue uno de los fundadores del grupo artístico PENERSTWO en 2007. Su obra ha sido exhibida internacionalmente, entre otros, en el Museo de Arte Moderno de Varsovia, The New Museum (Nueva York), Kunstsammlung Nordrhein Westfalen (Dusseldorf), Galerie Martin Van Zorneren (Ámsterdam), Wroclaw Contemporary Museum (Polonia), Casino Luxembourg (Luxemburgo) y BOZAR (Bruselas). Realizó muestras individuales en Galería Stereo (Poznan), LISTE 17 (Basilea, Suiza) y PGS Sopot (Polonia). Una retrospectiva de su trabajo en cine y video tuvo lugar en el 60º International Short Film Festival Oberhausen. Wojciech Bakowski (b.1979, Poznan, Poland) is an artist working in animated film, video, sound installation, and performance. He is a graduate of the Academy of Fine Arts in Poznan and currently resides in Warsaw. Bakowski is a member of music bands KOT and NIWEA and he co-founded the artistic group PENERSTWO in 2007. His work has been exhibited internationally including The Museum of Modern Art, Warsaw; the New Museum, New York; Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf; Galerie Martin Van Zomeren, Amsterdam; Wroclaw Contemporary Museum, Poland; Casino Luxembourg, Luxembourg; and BOZAR, Brussels; with solo exhibitions at Galeria Stereo, Poznań; LISTE 17, Basel, Switzerland; PGS Sopot, Poland. His film and video work was the subject of a retrospective program at the 60th International Short Film Festival Oberhausen. . 135 catálogo BIM 2014 Polonia / Poland | 2012 12’ | Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Someone behind the door knocks at irregular intervals / Alguien detrás de la puerta golpea a intervalos irregulares James Lowne Reino Unido / UK | 2010 5’ | Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Julia se pasa el día en el club, en el que se desliza en un ensueño sombrío. Como sus pensamientos continúan, toma conciencia de la posibilidad de que quizás nunca vuelva a este lugar. Afuera al sol, la quietud cambia el camino, su noción de velocidad se ha disipado y le permite sentir la superficie. El film sugiere ideas de inactividad y meditación, recuerdo y percepción. Explora la relación entre la contemplación y el acto de mirar. James Lowne es un artista que vive y trabaja en Londres. Se graduó en Central Saint Martins en 2000 con una Licenciatura en Bellas Artes. Su obra incorpora imágenes generadas por computadora, dibujos y sonido para crear figuras, objetos y textos dentro de un espacio compartido, que explora temas de relaciones sociales en la red en un ambiente de servicios corporativos, publicidad y consumismo. Sus films se presentaron en el Reino Unido y a nivel internacional incluyendo el British Film Institute, Museo de la Universidad Popular (México DF), Reading Experimental Film Festival, Wimbledon College of Art, Monash University (Melbourne) y en el Tate Modern. 136 . Ann Arbor Film Festival Julia spends the day at the leisure center where she slips into a somber reverie. As her thoughts continue she becomes aware of the possibility that perhaps she never came here at all. Outside in the sun, the stillness changes the road, its inherent notion of speed has dissipated, allowing the surface to be felt. The film suggests ideas of non-activity and meditation, memory and perception. It explores the relationship between contemplation and the act of looking. James Lowne is an artist who lives and works in London. He graduated from the Central Saint Martins in 2000 with a BA in fine art. His work incorporates computer generated imagery, drawing and sound to create figures, objects and text within a shared space, which explore themes of networked social relations in an environment of corporate services, advertising and consumerism. His films have been screened in the UK and Internationally including the British Film Institute, Poplar University Museum, Mexico City, Reading Experimental Film Festival, Wimbledon College of Art, Monash University, Melbourne and the Tate Modern. Division / División Johan Rijpma Holanda / Netherlands | 2012 1’ | Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Una mano divide una hoja de papel y la mezcla con un número par de hojas para luego volver a unirlas. Una fotografía de esta composición final se imprime y se vuelve a dividir. Esto hace posible lo imposible desgarrando los espacios vacíos que forman ahora las rasgaduras en el papel. El proceso de división se repite mientras el número impreciso de divisiones manuales aumenta. Johan Rijpma (Holanda, 1984) obtuvo su Master en Artes en la escuela de Artes de Utrecht (Facultad de Arte, Medios y Tecnología). Sus films, animaciones, videos musicales y otras obras son a menudo el resultado de su fascinación por el proceso de diseño creativo y la exploración que hace de él y de su elemento de imprevisibilidad. Por Division recibió el premio Barbara Aronofsky Latham Award para artistas emergentes en Video Experimental en el 52º Ann Arbor Film Festival. A piece of paper is divided by hand into an even number of pieces and then reassembled. A photograph of this finished composition is then printed and divided again. This makes the impossible possible, tearing the now included empty spaces that make up the tears in the paper. The feedback division process is repeated while the number of imprecise manual divisions gradually increase. Johan Rijpma (1984, Netherlands) obtained his Master of Arts degree at the Utrecht School of the Arts (Faculty of Art, Media & Technology). His films, animations, music videos and other artworks are often the result of his fascination with and exploration of the creative design process and the element of unpredictability. Rijpma received the Barbara Aronofsky Latham Award for Emerging Experimental Video Artist at the 52nd Ann Arbor Film Festival for Division. Point Line Plane (for PP) / Punto Línea Plano (para PP) Simon Payne Una red se desplaza en blanco, negro creando parcelas de gris y continuamente redefine el espacio de la pantalla. La matriz de capas crecientemente compleja produce una ilusión de profundidad más allá de la superficie de la pantalla, pero con cambios positivos y negativos, la pieza también ilumina al espectador. Shifting grids in black, white and shades of grey plot and continuously reframe screen space. The increasingly complex matrix of layers produces an illusion of depth, beyond the surface of the screen, but with positive and negative switching, the piece also illuminates the viewer. . 137 catálogo BIM 2014 Reino Unido / UK | 2010 8’ | Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Simon Payne estudió medios basados en el tiempo en el Kent Institute of Art and Design (Maidstone) e Imagen digital en Duncan of Jordanstone (Dundee). Obtuvo su PhD en el Royal College of Art en 2008. Su obra ha sido exhibida en numerosos festivales: Ann Arbor Film Festival, Anthology Film Archives; International Film Festival Rotterdam; el European Media Arts Festival, Osnabrück; Pacific Film Archives; Media City Film Festival; Festival de Edimburgo; Serpentine y Whitechapel Galleries en Londres, y en Tate Modern para el cual también organizó una serie de programas, titulada Videos y Films de Colour Field, en 2008. Sus videos fueron distribuidos por la organización de artistas de cine y video LUX; también se encuentran en la colección de estudio de artistas británicos de cine y video en la Central St. Martins College of Art. Es profesor de Estudios de Film y Medios en Anglia Ruskin University y vive en Londres. Simon Payne también es editor de Sequence, publicada por no.w.here. Simon Payne studied Time Based Media at the Kent Institute of Art and Design, Maidstone and Electronic Imaging at Duncan of Jordanstone, Dundee. He received a PhD from the Royal College of Art in 2008. His work has been shown in numerous festivals and venues including: the Ann Arbor Film Festival, Anthology Film Archives; the Rotterdam International Film Festival; the European Media Arts Festival, Osnabrück; Pacific Film Archives; Media City Film Festival; the Edinburgh Film Festival; the Serpentine and Whitechapel Galleries in London; and at Tate Modern for whom he also curated a series of programs, entitled Colour Field Films and Videos, in 2008. His videos are distributed by the artists’ film and video organisation LUX, and they are also kept at the British Artists’ Film and Video Study Collection at Central St. Martins College of Art. He is Senior Lecturer in Film and Media Studies at Anglia Ruskin University, and lives in London. Simon Payne is also editor of Sequence published by no.w.here Lunar Almanac / Calendario lunar Malena Szlam Canadá / Canada | 2013 4’ | 16 mm | Mudo / Silent Proyección / Screening: 16 mm Lunas en un viaje a través de esferas magnéticas que influyen con sus sutiles energías sobre la Tierra. Moons in a journey through magnetic spheres, influencing subtle energies on Earth. Malena Szlam nació en Chile y actualmente vive y trabaja en Montreal. Estudió en la Universidad de Artes y Ciencias Sociales y en Concordia University, Montreal. Desde 2000 ha realizado quince films e instalaciones de medios. Szlam es miembro de Double Negative Collective y su obra se presentó en el Festival du Nouveau Cinéma, Images Festival, Jihlava International Documentary Film Festival, [S8] Mostra de Malena Szlam is originally from Chile and currently lives and works in Montreal. She studied at the Universidad de Artes y Ciencias Sociales and Concordia University. Since 2000, she has created 15 films and media installations. Szlam is a member of the Double Negative Collective, and her work has been presented at the Festival du nouveau cinéma, Images Festival, Jihlava In- 138 . Ann Arbor Film Festival Cinema Periférico (La Coruña, España), Viennale (Austria), el NYFF Views from the Avant-Garde y el Ann Arbor Film Festival, entre otros. ternational Documentary Film Festival, [S8] Mostra de Cinema Periférico (La Coruña, Spain), Viennale (Austria), the NYFF’s Views from the Avant-Garde and the Ann Arbor Film Festival, among others. The Mutability Of All Things And The Possibility Of Changing Some / La mutabilidad de todas las cosas y la posibilidad de cambiar algunas Anna Marziano El viaje hacia la mutabilidad tiene lugar en los Abruzos, Italia, en un territorio que fue sacudido por el terremoto de 2009. Por medio de fragmentos de conversaciones, material de archivo y lecturas en espacios públicos, el film explora la transformación de cuerpos individuales y sociales. ¿Cómo debería uno adaptarse al perpetuo volver a empezar de las cosas y a la participación continua en la transformación de una comunidad? This journey into mutability takes place in Abruzzi, Italy, in a territory that was damaged by the earthquake in 2009. By way of fragments of conversations, archive material and readings in public spaces, the film explores the becoming of individual and social bodies. How should one accommodate the perpetual new beginning of things and continue participating in the transformation of a community? Ana Marziano nació en Italia. Luego de licenciarse en ciencias políticas, estudió cine en el Centro Sperimentale di Cinematografia en Roma y trabajó en el área de cámara de muchas producciones cinematográficas. En 2009 se mudó a París y se formó en realización de documentales con Marie-Claude Treilhou e Yves de Peretti en los Ateliers Varan. En 2010-2012, participó en Le Fresnoy-Studio National des Arts Contemporaines (Francia). Sus obras fueron exhibidas en importantes festivales de todo el mundo, entre los que se incluyen Ann Arbor Film Festival, Oberhausen, Toronto International Film Festival, Media City Film Festival, Torino International Film Festival y LIDF London. Actualmente vive en Berlín. Anna Marziano grew up in Italy. After a degree in Political Sciences, she studied cinematography at Centro Sperimentale di Cinematografia in Rome and worked in the camera department of many film productions. In 2009 she moved to Paris (France) and trained in documentary filmmaking with Marie-Claude Treilhou and Yves de Peretti at Ateliers Varan. In 2010-2012, she took part at Le Fresnoy - Studio National des Arts Contemporaines (France). Her works have screened at preeminent festivals throughout the world including the Ann Arbor Film Festival, Oberhausen, Toronto International Film Festival, Media City Film Festival, Torino International Film Festival, and LIDF London, among others. She currently lives in Berlin. . 139 catálogo BIM 2014 Italia - Francia / Italy - France | 2011 16’ | 16 mm - Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Lagos Island / Isla de Lagos Karimah Ashadu Nigeria - Reino Unido / UK | 2012 5’ | Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Ashadu ha construido un mecanismo de “carro de cámara” con restos de materiales encontrados en la costa de la isla de Lagos, inspirada por los vendedores ambulantes de la región y los trabajadores con sus carretillas caseras siempre sobrecargadas y ubicuas. Una cámara encerrada en el mecanismo representa una perspectiva de la costa que cambia de manera constante y crea una atmósfera tan alegre como tensa. Las casas construidas por migrantes en la costa pronto serán destruidas por el gobierno de Lagos en una campaña para reformar la ciudad. Ashadu has constructed a “Camera Wheel Mechanism” from scrap materials found on the Lagos Island coast, inspired by the region’s hawkers and labourers and their ubiquitous, overburdened, handmade carts. A camera encased inside the mechanism depicts a constantly shifting perspective of the coastline, creating an atmosphere both playful and tense. Homes built by the migrants on the coast will soon be destroyed by the Lagos government in a bid to clean up the city. Karimah Ashadu (Londres, 1985) es una artista multidisciplinaria británica y nigeriana. Inicialmente se formó como pintora, antes de volcarse a la performance y a la imagen en movimiento mientras comenzaba una Maestría en Diseño Espacial en Chelsea College of Art and Design (Londres). Su obra ha sido exhibida internacionalmente, entre otros, en el Festival de cine de Split (Croacia), ICA Artists’ Film Biennial, Institute of Contemporary Arts (Londres); el Festival Europeo de Artes Mediales de Osnabrück y el Ann Arbor Film Festival, en el que recibió el premio al mejor film del 25º AAFF. Karimah Ashadu (London, 1985) is a British/Nigerian multi-disciplinary artist. She initially trained as a painter, before turning to performance and the moving image while undertaking a Masters in Spatial Design at the Chelsea College of Art and Design, London. Her work has been screened at several international venues including the Split Film Festival (Croatia); ICA Artists’ Film Biennial, Institute of Contemporary Arts, London; the European Media Arts Festival, Osnabrück; and the Ann Arbor Film Festival where she received the 52nd AAFF Best of the Festival Award. Main Hall / Sala principal Phillip Fleischmann Austria | 2013 5’ | 35 mm | Color | Mudo / Silent Proyección / Screening: 35 mm Diseñada por Josef Maria Olbrich en 1898, la principal sala de exhibiciones de la Vienna Secession es considerada como uno de los primeros espacios de cu140 . Ann Arbor Film Festival Designed by Josef Maria Olbrich in 1898, the main exhibition hall of the Vienna Secession is generally regarded as one of the first White bo blanco de la historia del arte. El mito del espacio neutro tiene una larga tradición de ser examinado críticamente por la misma institución. Usando 19 cámaras especialmente diseñadas, Main Hall suma un gesto puramente cinematográfico a la historia de este espacio al observarlo en su propia arquitectura. Cube Spaces of art history. The myth of the neutral space has a long tradition of being critically examined by the institution itself. Using 19 specially designed cameras, Main Hall adds a purely cinematographic gesture to the space’s history by having it look at its own architecture. Philipp Fleischmann nació en Baja Austria y estudió en la Escuela de Fotografía Artística Friedl Kubelka y en la Academia de Bellas Artes de Viena. Su obra se ha exhibido internacionalmente en Ann Arbor Film Festival, Vienna Secession, Anthology Film Archives, el Festival Internacional de Toronto y en la Berlinale, entre otros. Ha realizado Flower Bouquet (2008), Who’s that Girl? (2008), Cinematographie (2009), According the Script (2010) y Main Hall (2013), que recibió el premio Peter Wilde al film de técnica más innovadora en el 52º Ann Arbor Film Festival. Philipp Fleischmann was born in Lower Austria and studied at the School of Artistic Photography Friedl Kubelka and the Academy of Fine Arts Vienna. His work has been exhibited at venues including the Ann Arbor Film Festival, Vienna Secession, Anthology Film Archives, Toronto International Film Festival and the Berlinale. His filmic works include Flower Bouquet (2008), Who’s that Girl? (2008), Cinematographie (2009), according the script (2010) and Main Hall (2013) which received the 52nd Ann Arbor Film Festival Peter Wilde Award for Most Technically Innovative Film. Flower / Flor Naoko Tasaka “Ha sido un largo invierno El oso se despertó hambriento a medianoche”. Una historia sobre un oso que comió a toda su familia durante el período de hibernación. Enigmática como una esfinge, Flower de Naoko Tasaka se desarrolla como una historia para chicos antes de sondear en las profundidades de una superficie tanto física como metafórica; como narración sencilla cede el paso a una abstracción sublimada. Empleando un número de técnicas de múltiples formatos, Flower desarrolla un impulso imperioso y contrapuesto, que vacila entre una red y una cascada. “It’s been a long winter. ... The bear woke up at midnight from hunger...” A story about a bear who ate his entire family during the winter hibernation. Naoko Tasaka’s sphinxlike Flower unfolds like a children’s story before it plumbs the depths of both a physical and metaphorical surface, as straightforward narration gives way to sublimated abstraction. Employing a number of multi-format techniques, Flower displays a compelling, duelling impulse that hovers between a grid and a waterfall. . 141 catálogo BIM 2014 Japón / Japan | 2013 20’ | 16mm | Digital | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Naoko Tasaka es una artista que nació y creció en Japón, donde estudió arquitectura y programación de Internet. Tasaka comenzó su trabajo en realización experimental en el Instituto de Artes de California (CalArts) en 2006 y se graduó con una Maestría de Artes en Film/Video en 2011. Principalmente, se centra en video instalación y cine experimental. Recibió el premio George Manupelli Founders Spirit en el 51º Ann Arbor Film Festival por Flower. 142 . Ann Arbor Film Festival Naoko Tasaka was born and raised in Japan where she studied architecture and web programming. Tasaka began her work in experimental filmmaking at California Institute of the Arts (CalArts) in 2006 and graduated with an MFA degree in Film/Video in 2011. Tasaka’s primary focus is in experimental film and video installation. Tasaka received the George Manupelli Founders Spirit Award at the 51st Ann Arbor Film Festival for Flower. Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen / International Short Film Festival Oberhausen Curado por / Curated by El Festival de Cortometrajes de Oberhausen, fundado en 1954, es el más antiguo de su estilo y una de las más destacadas e importantes plataformas para cortos a nivel mundial. Durante más de 60 años, Oberhausen ha sido una muestra y catalizador de desarrollos contemporáneos, un foro de discusiones frecuentemente acaloradas, un descubridor de nuevas tendencias y talentos. El cortometraje sigue siendo la principal fuente de innovación en el arte del cine, “el campo experimental en el que se cristalizan primero los futuros lenguajes cinematográficos”. Actualmente, su diversidad de formas, tópicos y enfoques en todo el mundo es la mayor de la historia. Cada año, llegan a Oberhausen alrededor de 6000 postulaciones, de las cuales 150 son programadas en sus cinco competencias. En todos los programas del festival es exhibido un total de 500 films. Además del festival en sí, Oberhausen aloja uno de los nodos de archivo y distribución de cortometrajes más importantes y está, por lo tanto, presente a nivel mundial durante todo el año. Desde su inicio a fines de la década de 1950, el archivo ha crecido rápidamente y hoy en día cuenta con más de 1800 títulos, que comprenden más de 2600 copias. El archivo y la distribución consisten en films galardonados y films seleccionados de las competencias, que han sido donados al festival para salvaguardarlos. El programa Traces (Rastros) incluye seis films de este archivo de distribución. Es The International Short Film Festival Oberhausen, founded in 1954, is the oldest of its kind and one of the biggest and most important platforms of the short form worldwide. For over 60 years now, Oberhausen has been a catalyst and a showcase for contemporary developments, a forum for what are often heated discussions, a discoverer of new trends and talent. Short film is still the prime source of innovation for the art of film - the experimental field in which future cinematic vocabularies first crystallize. Today its diversity of forms, themes and approaches across the globe is greater than ever. Every year around 6000 submissions reach Oberhausen out of which around 150 films are screened in its five competitions. A total of 500 films are shown in all festival programmes. Apart from the festival itself Oberhausen hosts one of the most important short film archives/distributions and thus is active and present worldwide all year round. From its beginnings at the end of the 1950’s, the archive has grown at a rapid pace and now amounts to more than 1,800 titles, encompassing over 2,600 prints. The archive and distribution consist of award-winning films, films that have been given to the festival to keep them safe and selected films from the competitions. The Traces program consists of six films out of this distribution. It is a . 143 catálogo BIM 2014 Hilke Doering una compilación de cortometrajes recientes de las competencias alemana e internacional. Todos lidian, de una forma u otra, con la búsqueda de rastros. Algunos de ellos han recibido premios, otros han sido incluidos en el programa de distribución y en la presente selección debido a su potente lenguaje audiovisual y notables contenidos. Hilke Doering. Nacida en 1966 y criada entre Alemania y Suiza, estudió sociología en Bielefeld y París, y realizó investigaciones en sociología y etnografía visual. Vive con su pareja y su hijo en Bielefeld. Ha trabajado con el festival desde 1995 como jefa de la Competencia Internacional, la sección para niños y jóvenes y el Mercado. Ha sido miembro activa de la junta para la Coordinación Europea de Festivales de Cine entre 1996 y 2000 y ha sido asimismo presidente de la Conferencia Internacional del Cortometraje entre 1998 y 2003. Desde 1996 ha sido jurado y curadora de programas para numerosos festivales internacionales de cine, incluyendo Split, Venecia, Cork, Grimstad, Bucharest, Berwick, entre otros. compilation of recent films from the International and German Competition that all deal in one way or another with the search for traces. Some of the films are award winners, while others have been included in the distribution and in this programme due to their powerful image language and striking content. Hilke Doering. Born in 1966, raised in Germany and Switzerland. She studied sociology in Bielefeld and Paris and did research on visual sociology and ethnography. She lives with her partner and son in Bielefeld. She has been with the Festival since 1995 in the capacity of head of the International Competition, the Children’s and Youth Cinema and the Market. She has been a member of the board of the European Coordination of Film Festivals from 1996 to 2000 and has been president of the International Short Film Conference from 1998 to 2003. Since 1996 she has been jury member and presenting film programmes at numerous international film festivals, including Split, Venice, Cork, Grimstad, Bucharest, Berwick etc. Programa / Programme Traces / Rastros Off-White Tulips / Tulipanes blancuzcos Aykan Safoglu Alemania - Turquía | Germany - Turkey | 2013 24’ | DCP | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Concentrado en las extensas estadías de James Baldwin en Estambul, el video explora los límites de la autobiografía recurriendo principalmente a materiales hallados, como las fotografías de Sedat Pakay. Concentrating on James Baldwin’s extended stays in Istanbul, the video explores the limits of autobiography mostly relying on found materials such as Sedat Pakay’s photography. 144 . FESTIVAL DE CORTOS DE OBERHAUSEN / SHORT FILM FESTIVAL OBERHAUSEN Aykan Safoglu nació en 1984. Después de sus estudios de cine y TV en Estambul recibió su maestría en Arte en Contexto en 2010 en la Universidad de Artes de Berlín. Desde 2011 estudia fotografía en el Bard College en Nueva York. Ha integrado muchas exhibiciones colectivas internacionales. Safoglu vive y trabaja en Berlin. Aykan Safoglu was born in Istanbul in 1984. After his BA in Film & TV in Istanbul he received his MA in Art in Context in 2010 at The Berlin University of the Arts. Since 2011 he has been studying photography at the Bard College in New York. He has taken part in many international group shows. Safoglu lives and works in Berlin. Dad’s Stick / El palo de papá John Smith Reino Unido / UK | 2012 5’ | HD Cam | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Un oblicuo retrato del padre del realizador, basado en tres objetos que le mostró poco antes de morir. John Smith nació en Walthamstow, Londres, en 1952. Vive y trabaja en Londres. Estudió cine en la Royal College of Art. Desde 1972 ha realizado más de cincuenta obras en fílmico, video e instalaciones que han sido exhibidos en cines independientes y galerías de arte alrededor del mundo. Su trabajo se ha presentado como retrospectiva mundialmente, incluyendo Oberhausen 2002. An oblique portrait of the filmmaker’s father based upon three objects that he showed him shortly before he died. John Smith was born in Walthamstow, London in 1952. He lives and works in London. He studied film at the Royal College of Art. Since 1972 he has made over fifty film, video and installation works that have been shown in independent cinemas and art galleries around the world. His work has been profiled through retrospective programmes all over the world, including Oberhausen 2002. Sounding Glass / Vidrio que resuena Sylvia Schedelbauer Un hombre en el bosque: mundos internos y externos de imágenes se superponen. A man in the forest: inner and outer worlds of images overlay each other. Sylvia Schedelbauer nació en Tokio. Obtuvo un título de Maestría en la clase de Katharina Sieverding en la Universidad de Artes de Berlín. Ganadora del premio Bild- Sylvia Schedelbauer was born in Tokyo. She obtained a Meisterschülerin degree in the master class of Katharina Sieverding at the Berlin . 145 catálogo BIM 2014 Alemania / Germany | 2011 10’ | Digi Beta | ByN / B&W | Estéreo / Stereo | Sin diálogo / No dialogue Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Kunst Förderpreis a films experimentales y el premio de la crítica alemana de cine al mejor film experimental. Schedelbauer ha vivido mayormente en Berlín desde 1993. University of Arts. Winner of the BildKunst Förderpreis for experimental film and the Preis der deutschen Filmkritik for the best experimental film. Schedelbauer has mostly been living in Berlin since 1993. La Estancia / The Estate Federico Adorno Paraguay | 2014 14’ | DCP | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Sin diálogo / No dialogue Un grupo de campesinos entra a La Estancia en búsqueda de sus parientes perdidos. ¿Están muertos? ¿Están vivos? Nadie lo sabe. Algunos supervivientes de la masacre se esconden en la selva y deambulan conmocionados. A group of peasants enters The Estate in search of their missing relatives. Are they dead? Are they alive? Nobody knows. Some survivors of the massacre hide in the forest wandering around in shock. Federico Adorno nació en Paraguay en 1982. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional de Asunción y tomó cursos de actuación y dirección teatral. Actualmente está desarrollando su primer largometraje. Isla Alta ganó el Gran Premio de la Competencia Internacional del Festival de Cortometrajes de Winterthur en Suiza. Federico Adorno was born in Paraguay in 1982. Studied Communication Sciences at the Universidad Nacional de Asunción and attended courses in acting and theatre direction. Currently developing his first feature. Isla Alta won the Grand Prix of the 2012 International Competition at the International Short Film Festival Winterthur in Switzerland. Ohne Titel / Sin título / Untitled Neïl Beloufa Francia / France | 2010 15’ | HD Cam | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file La luna llena que brilla por la ventana ha quemado las cortinas de seda. ¿Saben que los rayos lunares son más intensos que los solares? The full moon shining through the window has burnt the silk curtains. Did you know that lunar rays are more intense than those of the sun? Neïl Beloufa nació en 1985 en París. Estudió artes visuales en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts y la École Nationa- Neïl Beloufa was born in 1985 in Paris. He studied visual arts at École Nationale Supérieure des Beaux- 146 . FESTIVAL DE CORTOS DE OBERHAUSEN / SHORT FILM FESTIVAL OBERHAUSEN le Supérieure des Arts Décoratifs en París, en Cooper Union en Nueva York y en CalArts en Valencia. Escultor, artista de video y de performance, ha mostrado sus obras en exposiciones y festivales en todo el mundo. Obras seleccionadas: 2006-2008 L’Hôtel; 2007 Segundo de abril; 2008 El cpe; Kempinski (Premio ARTE en Oberhausen 2008). Arts and École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs in Paris, at Cooper Union in New York and at CalArts in Valencia. Sculptor, video and performance artist, his works has been displayed at exhibitions and festivals all over the world. Selected works: 2006-2008 L’Hôtel; 2007 April the Second; 2008 The cpe; Kempinski (ARTE Award in Oberhausen 2008). Returning to Aeolus Street / Volver a la calle Aeolus Maria Kourkouta Francia - Grecia / France - Greece | 2013 14’ | DCP | ByN / B&W | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Maria Kourkouta nació en Grecia en 1982. Estudió Antropología en Grecia. Realizó estudios de posgrado en París. Trabaja en investigaciones teóricas y en los últimos siete años ha sido miembro de asociaciones relacionadas con el cine experimental como L’Etna y L’Abominable. A found footage film, an audio-visual collage of a journey through modern Greece and through downtown Athens. Maria Kourkouta was born in Greece in 1982. Studied Anthropology in Greece. Attended post-graduate studies in Paris. Works on theoretical studies and has been a member of associations relating to experimental cinema like L’Etna and L’Abominable for the past seven years. . 147 catálogo BIM 2014 Un film de found footage, un collage audiovisual de un viaje por la Grecia moderna y el centro de Atenas. Paz Encina El claro / The Clearing Mi primer acercamiento a alguna disciplina artística fue a partir de la música. Tenía cuatro años cuando mi madre me llevó a un conservatorio de guitarra clásica, y entonces aprendí a leer y a escribir. Por este azar del destino, aprendí primero a leer notas musicales antes que a leer letras, a leer palabras, y creo que esto creó en mí una relación natural con la convivencia de distintos tiempos en uno solo. Una negra podía convivir perfectamente con una blanca y creo que es por eso que me interesa tanto el tiempo Y en medio de aquella infancia, de notas musicales, transcurre también una dictadura. Transcurren también ausencias. El tiempo entonces… El tiempo y las ausencias… ¿Y el hombre? El tiempo, el hombre y su relación con las ausencias El tiempo, el hombre, su relación con las ausencias y la imagen El tiempo, el hombre, su relación con las ausencias y la imagen movimiento Es mi único consuelo My first attempt at an artistic discipline was music. I was four when my mother took me to a conservatoire to learn classical guitar, and it was there that I learnt to read and write. Because of this twist of fate, I learnt to read music before I learnt to read letters, to read words, and I think that this created in me a natural relationship for living in different times at the same time. Black could live perfectly well with white, and I think that’s why I’m so interested in time… And in the middle of that childhood, those musical notes, there was also a dictatorship. There were also absences. Time then… Time and absences… And man? Time, man, and his relationship with absences… Time, man, his relationship with absences and the image… Time, man, his relationship with absences and the moving image… It’s my only comfort… Paz Encina nació en Asunción, Paraguay, en 1971. Cursó la Licenciatura en Cinematografía en la Universidad del Cine, que concluyó en el año 2001. Realizó videoinstalaciones y cortometrajes en cine y video ganadores de varios premios. Entre los años 2002 y 2004 se desempeñó como docente en distintas universidades. En el año 2006 estrenó su primer largometraje, Hamaca paraguaya, ganador de varios Paz Encina was born in Asunción, Paraguay, in 1971. She studied Cinematography at the Universidad del Cine, graduating in 2001. She has created award-winning video installations and film and video shorts. Between 2002 and 2004 she taught at various universities. In 2006 she released her first feature film Paraguayan Hammock, winning various awards, such as the Fipresci at 148 . El claro / The Clearing premios, como el Fipresci en el Festival de Cannes 2006 y el Premio Luis Buñuel a la mejor película iberoamericana. En el año 2011, a pedido del Canal Encuentro, realizó los cortometrajes Río Paraguay y 3 movimientos y, a pedido de la Fundación Gulbenkian, el cortometraje Viento sur, ganador de varios premios. En diciembre del año 2012 realizó la instalación Notas de memoria por los veinte años del hallazgo del Archivo del Terror. Actualmente, se encuentra trabajando en su próximo largometraje de nombre Ejercicios de memoria. Cannes 2006, and the Luis Buñuel Prize for the best Ibero-American film. In 2011, commissioned by Canal Encuentro, she made the short films River Paraguay/3 Movements and for the Gulbenkian Foundation she made the award-winning short Southern Wind. In December 2012 she exhibited the installation Memory Notes for the 20th anniversary of the discovery of the Archive of Terror. She is currently working on her next feature film, Memory Exercises. Programa / Programme Hamaca paraguaya / Paraguayan Hammock Paraguay | 2000 8’ | Video | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Una pareja de campesinos, Ramón y Cándida, espera al hijo que no llega. A peasant couple, Ramón and Cándida, await a son who never comes. Río Paraguay (3 movimientos) / River Paraguay (3 movements) Paraguay | 2010 12’ | Video | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file De niños, siempre nos enseñaron que el agua era la vida. Crecemos y descubrimos que también contenía a la muerte. Llegar a la vida, a pesar de la muerte, es el sueño. As children, we were always taught that water was life. We grew up, and we discovered that it also contained death. Reaching life, despite death, is the dream… Argentina - Paraguay | 2000 3’ | 35mm | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Un hombre recuerda una conversación con su padre. A man remembers a conversation with his father. . 149 catálogo BIM 2014 Supe que estabas triste / I Heard You Were Sad Viento sur / Southern Wind Paraguay-Portugal | 2011 20’ | Super 8 | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Justino y Domingo, dos hermanos pescadores, tienen que decidir desde dónde enfrentar a la dictadura. Cruzar el río o no cruzar. Ir o permanecer. Juntos o separados. Justino and Domingo, fishermen and brothers, have to decide where they will face the dictatorship. To cross the river or not. To go or to stay. Together or apart… Familiar Paraguay | 2014 9’ | Super 8 y material de archivo fotográfico y fichaje / Super 8 and archive photography and recordings | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file La dictadura / las fiestas / la delación / los cumpleaños / los apresamientos / los bailes / la tortura / los festivales / las desapariciones / la infancia / la injusticia / la otra infancia Y lo familiar… lo familiar… 150 . El claro / The Clearing The dictatorship/the parties/the denunciation/the birthdays/the captures/ the dances/the torture/the festivals/ the disappearances/the childhood/ the injustice/the other childhood… And all that is familiar… familiar... Animaciones & Cuerpos performáticos / Animations & Performing Bodies Curado por / Curated by Este programa presenta once films animados realizados entre 2004 y 2014. Cuatro realizadoras mujeres presentan su visión de imágenes dibujadas y animadas, impresas en papel o en film. Sus imaginarios se despliegan y fluyen con gracia ante nuestros ojos. Los tres cortometrajes de Asa Mori revelan el grado en el cual su imaginación está alimentada por situaciones y personajes de ensoñación (criaturas mitad humanas, mitad animales). Aquí, su limpio estilo de dibujo se combina con una narración desenfrenada. Los seis cortos animados de Julie Doucet afirman su apego por las imágenes animadas; utiliza su estilo único y original en el cual las palabras y las imágenes se entrelazan. Anne-François Jacques, una artista que trabaja con el sonido, crea la banda sonora para los films de Doucet desde 2009. Los films de Diane Obomsawin han recibido prestigiosos premios y distinciones en numerosos festivales. Sus comics son publicados por L’Oie de Cravan y Drawn & Quarterly. This program presents eleven animated films made between 2004 and 2014. Four women filmmakers present their vision of drawn animated images, printed on paper or on film. Their imaginings unfurl and flow gracefully before our eyes. Asa Mori’s three short films reveal the degree to which her imagination is fuelled by dreamlike characters (half-human, half-animal creatures) and situations. Here, her clean drawing style is combined with unbridled narration. Julie Doucet’s six animated films affirm her fondness for animated images, using her highly original signature approach in which words and images intermingle. Anne-Françoise Jacques, an artist who works with sound, has created the soundtracks for Doucet’s films since 2009. Diane Obomsawin’s films have received prestigious awards and honours at numerous festivals. Her comic books are published by L’Oie de Cravan and Drawn & Quarterly. Nicole Gingras. Residente en Montreal, Nicole es investigadora, curadora independiente y autora. Se interesa particularmente por la imagen, sea visual, auditiva o textual. Las muestras y programas que ha curado y las publicaciones que ha dirigido, sus textos así como los seminarios, lidian con las nociones de tiempo, proceso creativo, movimientos de rastros de pensamien- Nicole Gingras. Based in Montreal, Nicole is a researcher, independent curator and author. She is particularly interested in the image, be it visual, audio or textual. The exhibitions and programs she has curated and the publications under her direction, her texts as well as the seminars she has led, deal with such notions as time, the creative process, the movements . 151 catálogo BIM 2014 Nicole Gingras to y memoria. Ha colaborado con numerosos museos, galerías, centros dirigidos por artistas y festivales en Canadá y el exterior. En 2012 recibió el premio de la Fundación Hnatyshyn a la Excelencia en Curaduría en Arte Contemporáneo. Sus proyectos curatoriales más recientes incluyen Raymond Gervais 3 x 1 (Montreal, 2011-2012), una muestra de dos partes con una publicación, focalizada en el pionero del arte conceptual canadiense, Machines - The Shapes of Movement / Máquinas - Las formas del movimiento (Quebec, 2012), una serie de 14 muestras para el Manif d’art biennial; y Karen Trask - L’ombre et la forme / Karen Trask-La sombra y la forma (Laval, 2014). of thought, traces and memory. She has collaborated with various museums, galleries, artist-run centers and festivals in Canada and abroad. In 2012, she received the Hnatyshyn Foundation Award for Curatorial Excellence in Contemporary Art. Her most recent curatorial projects include Raymond Gervais 3 x 1 (Montreal, 2011-2012), a two-part exhibition and publication focusing on a pioneer of conceptual art in Canada; Machines - The Shapes of Movement (Quebec City, 2012), a series of 14 exhibitions for the Manif d’art biennial; and Karen Trask - L’ombre et la forme (Karen Trask - Shadow and Form) (Laval, 2014). Programa / Programme 1 Animations / Animaciones Two Weeks-Two Minutes / Dos semanas-Dos minutos Judith Poirier Canadá / Canada | 2013 2’ 35’’ | 35 mm | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Two Weeks -Two Minutes (Dos semanas Dos minutos), un libro y un film, explora el formato doble página y la noción del tiempo en ambos medios. Durante una residencia de dos semanas en el Centro del Libro y las Artes del Papel (CBPA) en Chicago, Poirier imprimió simultáneamente en papel y en 35 mm usando impresión tipográfica. Las tipografías en madera y en metal, clichés y ornamentos impresos en celuloide generan la animación así como el ambiente sonoro del film, realizado sin cámara. Two Weeks - Two Minutes, a film and a book, explores the doublepage format and the notion of time in both media. During a two-week residency at the Center for Book and Paper Arts (CBPA) in Chicago, Poirier printed simultaneously on paper and 35mm film stock using letterpress. The wood and metal type, clichés and ornaments printed on celluloid generate the animation as well as the soundtrack for this film, made without a camera. Judith Poirier (titulada por el Royal College of Art) es diseñadora gráfica y profesora en la Escuela de Diseño de la Universidad de Québec en Montreal (UQAM). Está interesada en tipografías experimentales y en indagar la relación entre la página impresa y la pantalla de cine. Judith Poirier (MA, Royal College of Art) is a graphic designer and professor with the school of design at the Université du Québec à Montréal (UQAM). She is interested in experimental typography and in exploring the relationship between the printed page and the film screen. 152 . Animaciones & Cuerpos performáticos / Animations & Performing Bodies Letraset Julie Doucet Canadá / Canada | 2009 2’ 45’’ | 35 mm | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Grupos de letras se retuercen y son encajadas por palos en formas geométricas. Dibujo y Letraset. Bundles of letters wriggle and are fitted together by sticks into geometric shapes. Drawing and Letraset Help / Ayuda Julie Doucet Canadá / Canada | 2011 1’ 20’’ | 35 mm | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Una criatura abstracta que se parece a un fideo sin fin parece querer escapar de sí misma sin mucho éxito. Dibujos y sellos de goma. An abstract creature resembling an endless noodle seems to want to escape itself-without much success. Drawings and rubber stamps. Essai no. 1 / Ensayo no. 1 / Essay no. 1 Julie Doucet Canadá / Canada | 2013 1’ 6’’ | 35 mm | ByN / B&W | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Un chorrito de tinta negra trata de correr una carrera contra el espectador hacia el fin del film. Tinta china y Letraset® en film velado de 35 mm. A trickle of black ink tries to race the viewer to the end of the film. India ink and Letraset® on 35mm blank film. Essai no. 2 / Ensayo no. 2 / Essay no. 2 Julie Doucet Una consideración de la vida y velocidad realizada en Letraset transferida a film 35 mm velado. A consideration of life and speed rendered in Letraset transferred onto blank 35 mm film. . 153 catálogo BIM 2014 Canadá / Canada | 2013 1’ 6’’ | 35 mm | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Essai no. 3 / Ensayo no. 3 / Essay no. 3 Julie Doucet Canadá / Canada | 2013 1’ 32’’ | super 8, 35 mm | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file El año es 1987. Aquellos que estaban allí sin dudas lo recuerdan. Letraset y Super 8 sobre film de 35 mm velado. The year is 1987. Those who were there undoubtedly remember it. Letraset and Super 8 film on blank 35 mm. Essai no. 4 / Ensayo no. 4 / Essay no. 4 Julie Doucet Canadá / Canada | 2013 1’ 32’’ | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Textos en francés / Text in French on the screen Los imprevistos de la vida profesional y sus consecuencias. Letraset en film velado de 35 mm. The unforeseen aspects of professional life and their consequences. Letraset on blank 35 mm film. Julie Doucet vive en Montreal. Después de realizar estudios de tipografía en la UQAM, se focalizó en la creación de cómics y libros de artista, que han sido traducidos a diversos idiomas, incluyendo el japonés. En 2009 se aventuró en el campo de la animación, nuevamente usando palabras e imágenes. En 2013 fundó su propia editora: Le Pantalitaire. Julie Doucet lives in Montreal. After studying printmaking at UQAM, she focused on creating comic books, which have been translated into several languages, including Japanese, as well as artist’s books. In 2009, she ventured into animated film, again using words and images. In 2013, she started her own publishing house, Le Pantalitaire. Usagi Asa Mori Canadá / Canada | 2004 3’ 50’’ | Super 8 | ByN / B&W | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Distribution: Video Out El video consiste en cuatro cortos de animación mudos, filmados originalmente en Super 8, que muestran las navegaciones de una criatura simil-conejo en su entorno. The video consists of four silent animation shorts, originally shot in Super 8 format, showing the navigations of a rabbit-like creature in its environment. 154 . Animaciones & Cuerpos performáticos / Animations & Performing Bodies The Tea Party / El té Asa Mori Canadá / Canada | 2006 1’ 45’’ | ByN / B&W | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Distribution: Video Out Una animación de una fiesta de naipes con alguito especial en el té. An animation of a card party with a little something special in the tea. Up the Rabbit Hole / Por la madriguera del conejo Asa Mori Canadá / Canada | 2008 5’’ | ByN / B&W | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Distribution: Video Out Una secuencia surreal de sueños en Super 8 que se desata cuando una criatura de seis pezones se encuentra atrapada en una cápsula con un conejo de la muerte y un agujero sangriento. Con confiables orejas de conejo, ella busca su camino a través de escenas bizarras de TV: hombres japoneses en calesitas, gente en trajes de monstruos con globos y perturbadoras bolsas de residuos en bañeras. A surreal Super 8 dream sequence unravels as a six-nippled creature finds herself trapped in a capsule with a dead rabbit and a bloody hole. With trusty rabbit ears, she taps her way through bizarre TV scenes: Japanese men on carousels, people in monster suits with balloons, and disturbing garbage bags in bathtubs. [Source: Video Out] Asa Mori nació en Nagano, Japón, y actualmente vive en Vancouver. Ha completado sus estudios universitarios en la Nova Scotia College of Art and Design (Halifax) y trabaja principalmente con instalaciones multimedia y animación. Asa Mori was born in Nagano, Japan, and currently lives in Vancouver. She has a BFA from the Nova Scotia College of Art and Design (Halifax), primarily working with media installation and animation. La Forêt / El bosque / The Forest Diane Obomsawin Un bosque habitado por almas y bestias originarias de mitos y leyendas, y de los sueños de la artista. A forest inhabited by souls and beasts originating in myths and legends, and in the artist’s dreams. . 155 catálogo BIM 2014 Canadá / Canada | 2014 3’ 40’’ | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Diane Obomsawin. Realizadora de animación y artista de cómics, Diane Obomsawin ha realizado numerosos cortometrajes, incluyendo Ici par ici (Aquí por aquí), un relato autobiográfico de su infancia nómada, y Kaspar, una historia basada en la enigmática vida de Kaspar Hauser. Diane Obomsawin. Animated filmmaker and comic book artist Diane Obomsawin has made several short films, including Here and There, an autobiographical account of her nomadic childhood, and Kaspar, a story based on the enigmatic life of Kaspar Hauser. Programa / Programme 2 Performing Bodies / Cuerpos performáticos El programa está relacionado con la idea de un Yo-cámara, una cámara en primera persona en la cual la autobiografía, la autorrepresentación y la ficción parecen intersectarse. Estos ocho trabajos creados entre 2002 y 2014 enfatizan la cercana, la íntima y cómplice relación que cada artista tiene con la cámara de video. Aunque el cuerpo es la materia prima de todos estos trabajos, la cámara se impone como un cómplice formal o conceptual, una extensión del cuerpo, un observador despiadado, un relevo entre los artistas y el espacio en el cual evolucionan, un instrumento que ofrece la posibilidad de reescribir el pasado o revivir una experiencia en un tiempo futuro. Desde su invención, el video les ha ofrecido a los artistas la posibilidad de crear un doble en tiempo real. Ha habido numerosas performances por circuito cerrado de artistas de los campos del video y la performance, algunas de las cuales son hitos en la historia del video. La edición permite otros efectos caleidoscópicos igual de fascinantes. Ya sea que seamos testigos de una confesión, una observación, una ficción o una experiencia que sea entretenida, desconcertante, traumática o disidente, no podemos sino notar la intensa presencia de estos cuerpos en la performance. En Cuerpos performáticos, una idea o un pensamiento pueden aparecer de forma oblicua, directa, casual o repentina, engen- The entire program relates to the idea of an I-camera, a first-person camera in which autobiography, self-representation and fiction appear to intersect. These eight works created between 2002 and 2014 underscore the close, intimate and complicitous relationship that each artist has with the video camera. Although the body is the raw material in all of these works, the camera imposes itself as a formal or conceptual accomplice, an extension of the body, a merciless observer, a relay between the artists and the space in which they evolve, an instrument offering the possibility of re-writing the past or reliving an experience at a future time. Since its invention, video has offered artists the possibility of creating a double in real time. There have been numerous close-circuit performances by video and performance artists, some of which are milestones in the history of video. Editing allows other, equally fascinating splintering or kaleidoscopic effects. Whether we are witnesses to a confession, an observation, a fiction or an experience that is amusing, perplexing, traumatic or deviant, we cannot help but notice the intense presence of these bodies in performance. In Performing Bodies, an idea or thought can appear obliquely, directly, casually or 156 . Animaciones & Cuerpos performáticos / Animations & Performing Bodies drando obras en las cuales el cuerpo es filmado en un estado de anticipación, acción, ejercicio, creación –y está siempre salvajemente presente. bluntly, engendering works in which the body is filmed in a state of anticipation, action, exercise, creation— and is always fiercely present. Heisenberg’s Cat / El gato de Heisenberg Daniel Olson Canadá / Canada | 2013 1’ | SD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file En la serie de televisión Breaking Bad (2008 - 2013), el apacible profesor de química de secundaria Walter White recurre a cocinar cristal meth para financiar su tratamiento del cáncer. Con el transcurrir de la historia, se afeita la cabeza, se deja una barba candado y adopta el nombre de guerra Heisenberg, del físico que obtuviera en 1932 el premio Nobel, Werner Heisenberg (1901-1976), mejor conocido por el principio de incertidumbre. Mientras me preparaba para someterme a tratamiento contra el cáncer en el invierno de 2013, surgieron muchos chistes sobre mi proyección como cocinero de cristales. Un día me dejé una barba candado, me puse un sombrero al estilo Walter White y miré fijo a cámara mientras escuchaba la banda sonora de Breaking Bad. In the television series Breaking Bad (2008 - 2013), mild-mannered high school chemistry teacher Walter White turns to cooking crystal meth in order to finance his cancer treatments. As the story unfolds he shaves his head, grows a Van Dyke beard and adopts the nom de guerre Heisenberg, after the 1932 Nobel Prize winning physicist Werner Heisenberg (1901 - 1976), best known for the Heisenberg Uncertainty Principle. While preparing to undergo cancer treatment in the winter of 2013, many jokes were made about my prospects as a meth cooker. One day I adopted a Van Dyke, put on a Pork Pie hat reminiscent of Walter White’s, and stared into the camera while listening to the theme music to Breaking Bad. Elephantile / Elefantino Daniel Olson Una nariz de elefante de juguete colocada sobre el pene del artista es filmada en primer plano mientras este sopla vigorosamente una armónica fuera de campo. A toy elephant nose, worn over the artist’s penis, is shot in close-up as he blows vigorously through a plastic harmonica off-screen. Nacido en California de padres canadienses, Daniel Olson estudió matemática y ar- Born in California to Canadian parents, Daniel Olson studied mathe. 157 catálogo BIM 2014 Canadá / Canada | 2002 3’ | SD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file quitectura antes de obtener su titulación en el Nova Scotia College of Art and Design (Halifax) en 1986 y un máster de la Universidad York (Toronto) en 1995. Olson ha exhibido en Canadá y en el exterior. Desde 1992, ha publicado numerosos libros artísticos. Vive y trabaja en Montreal desde 2001. matics and architecture before obtaining a BFA from the Nova Scotia College of Art and Design (Halifax) in 1986 and a MFA from York University (Toronto) in 1995. Olson has exhibited in Canada and abroad. Since 1992, Olson has published numerous artist books. Since 2001, Daniel Olson has lived and worked in Montreal. Hyperventilation 2011 / Hiperventilación 2011 Tom Sherman Canadá - Estados Unidos / Canada - USA | 2011 8’ 30’’ | SD | ByN / B&W | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Distribution: VTape En 1970 Tom Sherman hizo su primer trabajo en video. Se hiperventilaba hasta el desmayo en una videoperformance. Realizó esta performance tres veces a comienzos de los años setenta; la tercera fue documentada en un film en 16 mm realizado por Andrew Lugg (estrenado por Lugg como Trace en 1972). El video original de la performance de 1970 desapareció en 1972 o 1973. Habiendo descripto la grabación original y frustrado por la documentación perdida, Sherman decidió rehacer la videoperformance en su medio original. El 11 de enero de 2011, cuarenta años después de la performance original, Sherman una vez más se hiperventiló hasta el desmayo para una grabación de video. Hyperventilation 2011 presenta la conclusión de las dos performances de hiperventilación realizadas por el artista con cuatro décadas de diferencia. Artista y escritor, Tom Sherman trabaja en video, radio y performance en vivo, y escribe toda suerte de textos. Su trabajo interdisciplinario ha sido exhibido internacionalmente. Es profesor en el Departamento de Transmedia en la Universidad Syracuse en Nueva York, pero considera que su hogar es la costa sur de Nova Scotia. In 1970 Tom Sherman made his first video work. He hyperventilated until he passed out in a video performance. He did this performance three times in the early 1970s, the third documented in a 16mm film by Andrew Lugg (released as Trace by Lugg in 1972). The original 1970 video performance recording disappeared in 1972-73. Having described the original video recording many times and being frustrated by the missing documentation, Sherman decided to remake the video performance in its original medium. On January 11, 2011, forty years after the initial performance, Sherman once again hyperventilated until he passed out for a video recording. Hyperventilation 2011 features the conclusion of the two hyperventilation performances conducted by the artist four decades apart. An artist and writer, Tom Sherman works in video, radio and live performance, and writes all manner of texts. His interdisciplinary work has been exhibited internationally. He is a professor in the Dept. of Transmedia at Syracuse University, New York. 158 . Animaciones & Cuerpos performáticos / Animations & Performing Bodies Dogs and Boats and Airplanes Children’s Choir Video Sessions / Sesiones de video del Coro Infantil Perros, Barcos y Aviones Bill Burns Canadá / Canada | 2011-2012 5’ 18’’ | SD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Sesiones de video del Coro Infantil Perros, Barcos y Aviones consta de viñetas de miembros de este coro itinerante que cuenta con entre 32 y 100 voces. Estas breves sesiones demuestran el rigor y amplitud de los coristas cuyo único repertorio consiste en imitar los sonidos de aviones, barcos y perros. Director Coral: Alan Gasser. Coristas: Jessica, Daine, Ousema, Emma, Maddy, Emily, Lochlann (fuera de cámara). Recientemente se ha lanzado un LP en vinilo. Bill Burns es director artístico del coro Perros, Barcos y Aviones en Toronto. El trabajo de Burns sobre la naturaleza y la sociedad civil ha sido exhibido en el MoMA, Nueva York; el Museo de Arte de Seúl, Corea, y el Instituto de Arte Contemporáneo, Londres. The Dogs and Boats and Airplanes Children’s Choir Video Sessions are vignettes of members of the Dogs and Boats and Airplanes Children’s Choir. The choir is itinerant, numbering between 32 and 100 voices. These short sessions demonstrate the rigour and range of the choristers whose entire repertory consists of imitating the sound of dogs, boats and airplanes. Choral director: Alan Gasser. Choristers: Jessica, Daine, Ousema, Emma, Maddy, Emily, Lochlann (off camera). A vinyl LP has recently been launched. Bill Burns is Artistic Director of the Dogs and Boats and Airplanes Choir in Toronto. Mr. Burns’ work about nature and civil society has been shown at the Museum of Modern Art, New York, the Seoul Museum of Art, Korea and the Institute of Contemporary Arts, London. Belated Eulogy for my Father / Panegírico tardío para mi padre Brian MacDonald Con este video, Brian MacDonald continúa su exploración de imágenes como máquinas del tiempo. Su performance, de profunda melancolía, evoca la pérdida de un ser amado y le permite al artista dar su saludo final (virtual). “Este video usa imágenes que me dio el director del funeral de mi padre. Usando video compuesto con un crudo chroma, me inserté en el video, detrás With this video, Brian MacDonald continues his exploration of images as time machines. His performance, steeped in melancholy, evokes the loss of a loved one, allowing the artist to make a final (virtual) goodbye. “This video uses footage given to me from the funeral director at my father’s memorial service. By using a . 159 catálogo BIM 2014 Canadá / Canada | 2013 2’ 24’’ | SD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file del atril, declamando mi elegía a mi padre para la cual no estaba listo en el momento en que falleció, hace tres años”. Brian MacDonald vive en Victoria, Columbia Británica, Canadá. Lenguaje, narrativa, convenciones fílmicas y performance en vivo son conceptos que explora a través del video. Sus proyectos de video: Sex and Sadness (Sexo y tristeza) (2001), Memories of Earth (Recuerdos de la Tierra) (2004), Murder and UFOs (Asesinatos y ovnis) (2005), Please Talk To Me (Por favor, hablame) (2006) y Video Art Therapy #1 (Terapia Videoarte #1) (2007) se ocupan de la temática de la intimidad y el aislamiento. Han sido proyectados en festivales de cine y video así como en galerías de arte en su país de origen e internacionalmente. crude chroma key compositing, I inserted myself into the video behind the podium, delivering the eulogy for my father that I wasn’t ready for at the time of his passing, three years ago.” [B.M.] Brian MacDonald lives in Victoria, B.C. Language, narrative, film con- ventions, and live performance are concepts that he explores through video. His video projects: Sex and Sadness (2001), Memories of Earth (2004), Murder and UFOs (2005), Please Talk To Me (2006), and Video Art Therapy #1 (2007) are thematically concerned with intimacy and isolation, and have been screened at film and video festivals and art galleries nationally and internationally. Cecilia (Train to Illinois) / Cecilia (tren a Illinois) Kim Kielhofner Canadá / Canada | 2014 5’ 27’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Construido con colecciones públicas y privadas, este video es un movimiento pendulante en la memoria. Constructed from personal and public collections, this video is a moving back and forth in memory. Kim Kielhofner es un artista que vive en Montreal. Crea videos, libros y dibujos. Su trabajo se ha presentado en muestras y festivales en América del Norte, Europa y Asia. Se tituló en la Concordia University y luego obtuvo su máster en Central Saint Martins College of Art and Design (Londres) en 2010. Kim Kielhofner is an artist living in Montreal. She creates videos, books, and drawings. Her work has been presented in exhibitions and festivals in North America, Europe and Asia. She received a BFA from Concordia University, and an MA from Central Saint Martins College of Art and Design (London) in 2010. 160 . Animaciones & Cuerpos performáticos / Animations & Performing Bodies Flip Bend, Part 1 / Voltereta curvada, parte 1 Nikki Forrest Canadá / Canada | 2012 8’ 30’’ | HD | ByN / B&W | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Parte de una serie de estudios experimentales performáticos realizados en colaboración con la bailarina Sarah Williams. “Utilizando un set simple construido en el estudio, realizamos acciones improvisando para explorar los cambios perceptuales y la confusión. Las secuencias elegidas de muchas horas de crudo son momentos en los que parecería que las dos performers no están exactamente en la misma realidad espacial o gravitacional”. Part of a series of studio performance experiments made in collaboration with dancer Sarah Williams. “Using a simple set constructed in the studio, we performed improvised actions to explore perceptual shifts and confusion. The sequences selected from several hours of footage are moments where it feels like the two performers are not exactly in the same gravitational or spatial reality.” Niki Forrest es una artista visual y medial que vive en Montreal. Es mejor conocida por sus cortos experimentales, que han sido mostrados a lo largo de América del Norte y Europa en festivales, galerías y otras instituciones dirigidas por artistas. Nikki Forrest is a visual and media artist based in Montreal. She is best known for her short experimental videos, which have been shown at festivals, galleries and artist-run venues throughout North America and Europe. Después de bailar para muchos coreógrafos líderes en Vancouver, Sarah Williams se mudó a Montreal para unirse a La La La Human Steps. Desde entonces ha sido artista invitada en los trabajos de reconocidos directores y coreógrafos canadienses. Más recientemente, ha colaborado con videos, performances, músicos y fotógrafos en Canadá y Europa. After dancing for several leading choreographers in Vancouver, Sarah Williams moved to Montreal to join La La La Human Steps. Since then she has been a guest artist in the works of prominent Canadian directors and choreographers. More recently, she has been collaborating with video, performance, music and photo artists in Canada and Europe. Breakaway / Autodestructible Daniel Olson Una imitación barata del trabajo de Joseph Kosuth de 1965 titulado One and Three Chairs (Una y tres sillas) –que en lugar de la definición inglesa del diccionario de la palabra “silla” usa la francesa (que quie- A cheap imitation of Joseph Kosuth’s 1965 work One and Three Chairs—which instead of the dictionary definition of the English word “chair” uses the French (meaning . 161 catálogo BIM 2014 Canadá / Canada | 2012 1’ 18’’ | SD Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file re decir ‘carne viva’)– sirve como contexto para un evento inspirado en las comedias slapstick: un hombre de traje y sombrero entra, ve el trabajo, luego intenta sentarse. Ya que la silla ha sido construida para caerse a pedazos –en la industria del cine, un elemento de utilería concebido de tal manera se conoce como un breakaway, un autodestructible– él cae al piso, luego se levanta y se va. “flesh”)—serves as the setting for a slapstick-inspired event: a man in a suit and hat enters, looks at the work, then attempts to sit down. Since the chair has been contrived to fall to pieces—in the film business such a prepared prop is known as a “breakaway”—he falls to the floor, then gets up and leaves. 162 . Animaciones & Cuerpos performáticos / Animations & Performing Bodies Planisferio / World Map Curado por / Curated by Carol Illanes y Matías Allende Territorio El concepto de “territorio” reúne los trabajos de Gonzalo Aguirre, Video Atlas, y Gabriel del Favero, Mundus Alter et Idem. Video Atlas corresponde a la performatividad de una construcción fragmentaria; diversos motivos aislados componen un ensayo de lo local. La parodia continúa con el trabajo de Del Favero, un encargo sobre el territorio dio origen a este microdocumental-ficción; entrevistas a diferentes lugareños de la Antártica fueron traducidas a una ficción del pasado y de lo posible. Imaginarios El apartado “imaginarios” relaciona dos trabajos de montaje archivístico con imágenes casi canónicas del compendio nacional. En el trabajo 32o sur/73o oeste, de Daniela Contreras, vemos el rescate de un lugar imposible, surgido de la literatura del escritor Juan Emar. Con la representación del boxeador, un motivo fijado en la retórica local que continúa hasta la actualidad, aparece Una canción incoherente de Ernesto Gougain, una pieza de montaje de archivos Six videos placed under the concepts of ‘territory’, ‘imaginaries’ and ‘modernization’ are connected by this title, whose cartographical taxonomy also functions as an allegory of the support: a geographic representation projected on a flat surface. Each of the works targets the characterization of a place aesthetically and iconographically, in the form of documents, registers, fictions and parodies of that which once formed their identity. Territory The concept of ‘territory’ brings together the works of Gonzalo Aguirre Video Atlas and Gabriel del Favero Mundus Alter et Idem. Video Atlas corresponds to the performativity of a fragmentary construction; diverse isolated motifs make up an essay of that which is local. The parody continues with Del Favero’s work, a commission on territory that led to this micro-documentary-fiction; interviews with different inhabitants of Antarctica were translated into a fiction of the past and of what is possible. Imaginaries The ‘Imaginaries’ section brings together two works of archive editing with near-canonical images of the national compendium. In Daniela Contreras’s work 32º south/ 73º west we see the recovery of an impossible place, based on the literature of the writer Juan Emar. With the . 163 catálogo BIM 2014 Seis videos situados bajo los conceptos de “territorio”, “imaginarios” y “modernización” son articulados por este título cuya taxonomía cartográfica opera también como alegoría del soporte; la representación geográfica proyectada en la planitud. Cada uno de los trabajos apunta estética e iconográficamente a la caracterización de un lugar en forma de documentos, registros, ficciones y parodias de lo que alguna vez conformó su identidad. que fragmenta peleadores mediante un experimento sobre el soporte. Modernización “Modernización” sigue entramando patrones de tradición sobre este mapa tejido de imágenes. En El hueco, Carlos Silva interpreta la modernización a modo de sustanciación, la alteración ladina de un paisaje que debería estar normalizado, pero que se modifica para aprovechar los rincones topográficos que aún nos ofrece el puerto de Valparaíso. Por otro lado, Papá viejo mamá vieja, de Rafael Guendelman, liga el problema de la modernización con el relato autobiográfico. Una narración fluctuante, poco fidedigna, sobre una memoria que se desplaza cada día sobre el mismo objeto, la misma familia que, una y otra vez, es modificada; como si fuese otra. Matías Allende y Carol Illanes conforman desde hace tres años una dupla curatorial y dirigen proyectos que vinculan la historia de las imágenes de lo local con la producción artística contemporánea. En su grupo de exposiciones: Historia forzada: bifurcaciones del arte joven en Chile (Sala Juan Egenau, UCH), Trabajo en utopía: óxidos de la UNCTAD III (Galería Macchina, UC), Al interior. Andrés Denegri (Galería Video Concreta, M100) y Ciudad Sísifo (Museo de Arte Contemporáneo), esta relación se ha trazado mediante la construcción de un relato que hace dialogar obras sobre la ciudad, la arquitectura y la identidad, principalmente desde los soportes del video y la instalación. Ambos se formaron en teoría del arte en la Universidad de Chile y actualmente pertenecen al grupo Archivos (Proyecto Bicentenario de la UCH). Juntos publicaron recientemente el libro Trabajo en utopía: modernidad arquitectónica en el Chile de la Unidad Popular. Matías Allende ha desarrollado una investigación en torno a la relación entre arte y arquitectura local. Actualmente es investigador para el Catálogo Razonado del MAC y redactor permanente en arteycritica.org. 164 . Planisferio / World Map representation of the boxer, a fixed motif in local rhetoric that continues today, Ernesto Gougain’s ‘An Incoherent Song’ appears, an archive montage piece that fragments boxers via an experiment in the support. Modernization ‘Modernization’ continues to connect patterns of tradition over this woven map of images. In The Gap Carlos Silva interprets modernization by way of substantiation, the shrewd alteration of a landscape that has to be normalised, but which is modified to harness the topographical places that the port of Valparaíso still offers. Elsewhere, Rafael Guendelman’s Old Dad Old Mum ties the problem of modernization to the autobiographical account. A fluctuating, unreliable narrative about a memory that moves every day over the same object, the same family that is modified time and again, as if it were another. She is codirector of arteycritica.org. Matías Allende and Carol Illanes have for the last three years made up a curatorial duo, directing projects that tie the history of local images with contemporary artistic production. In their exhibitions Forced History: Branches of Young Art in Chile (Sala Juan Egenau, UCH), Work in Utopia: UNCTAD III Rust (Galería Macchina, UC), Inside. Andrés Denegri (Galería Video Concreta, M100) and Sisyphus City (Museum of Contemporary Art) this relationship has been drawn through the construction of an account that engages in dialogue different works on the city, architecture and identity, mainly with video supports and installations. Both artists studied Art Theory at the University of Chile and currently belong to the Archivos group (UCH Bicentenary Project). Together they recently published the book Work in Utopia: Architectural Modernity in the Chile of the Unidad Popular. Carol Illanes ha desarrollado una investigación sobre arte, política y espacio público. Actualmente ejecuta tres proyectos relacionados con arte y ciudad. Es codirectora de arteycritica.org. Matías Allende has researched into the relationship between art and local architecture. He is currently researching for the MAC Catalogue Raisonée, and is on the permanent writing staff at arteycritica.org. Carol Illanes has researched into art, politics and the public space, and currently has three projects underway related to art and the city. She is co-director of arteycritica.org. Programa / Programme El hueco / The Gap Carlos Silva Tres personas en un pequeño vacío de la ciudad tensionan la noción de paisaje urbano con el territorio de la ideología, el diseño y las formas de economía para su sobrevivencia. Three people in a little space in the city strain the notion of urban landscape, with the territory of ideology, design and forms of economy for its survival. Carlos Silva (1979) es artista visual, con formación en diseño, arquitectura y artes visuales. Concibe la producción visual desde una noción territorial, en la observación de la ciudad contemporánea como paradoja de lo moderno, en la revisión de sus objetos y paisajes como formas apropiación, resistencia y desvío. Esto en operaciones de visualización que van del uso de medios fotográficos y video a la intervención de espacios públicos. Ha expuesto en el Museo de Artes Visuales MAVI y en el Museo de Arte Contemporáneo, entre otros espacios locales en Chile, y en la Fototeca de Cuba, en La Habana, y la galería Montezuma Arts en Santa Fe, Estados Unidos, entre otros espacios en el extranjero. Además, es miembro del colectivo Nekoe y director del espacio expositivo CasaNekoe en Valparaíso. Carlos Silva (1979). Visual artist trained in design, architecture and visual arts. Silva conceives visual production from a territorial notion, in the observation of the contemporary city as a paradox of the modern, in the review of its objects and landscapes as forms of appropriation, resistance and diversion. This is done in visualization operations that take in the use of photographic media, video, and intervention of public spaces. He has exhibited in local spaces in Chile including the MAVI Museum of Visual Arts and the Museum of Contemporary Art, at the Fototeca de Cuba in Havana, and at Montezuma Arts Gallery in Santa Fe, USA, as well as other spaces abroad. He is also a member of the Nekoe collective and director of the exhibition space CasaNekoe in Valparaíso. . 165 catálogo BIM 2014 Chile | 2013 8’ 30’’ | Video Digital / Digital video file | Color | Mono Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file 32º sur/ 73º oeste / 32º south/ 73º west Daniela Contreras Rojas y José M. Santa Cruz Chile | 2013 16’ 41’’ | Super 8 | Color | Estéreo / Stéreo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Este video es un ejercicio imaginario sobre el presente en el paralelo 32º sur / 73º oeste (en pleno océano Pacífico). Este espacio fue creado por el escritor y crítico de arte chileno Juan Emar en 1935. Se recupera el gesto emariano para construir un dispositivo archivístico de lo imaginario sobre un presente anacrónico. Daniela Contreras Rojas (1986). Fotógrafa profesional del Instituto ARCOS y licenciada en Cine Documental de la Escuela de Cine de Chile. En el año 2013 fue seleccionada en la Segunda Antología de la Fotografía Joven Chilena con su obra Classe Touriste exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo de Chile. En el año 2012 recibió una beca de creación del Fondo de la Cultura y las Artes de Chile para realizar el videoarte 32º sur/ 73º oeste, seleccionado en la Galería Concreta-M100 (Chile) y en el Festival de Creación Contemporánea EMBARRAT (España). Durante el año 2011 codirigió el documental Mi Sangre Plebeya también tiñe de rojo, premiado en DIVA FESTIVAL y en FEM FESTIVAL. Actualmente, estudia con la beca del Fondo Audiovisual de Chile el Master en Antropología Visual en la Universidad de Barcelona. http:// www.danielacontreras.com/ José M. Santa Cruz G. (1983). Licenciado en Cine de la Universidad ARCIS y magíster en Historia y Teoría del Arte de la Universidad de Chile. Es autor de Imagen-simulacro: estudios de cine contemporáneo (1) (2010) e Imagen-sintética: estudios de cine contemporáneo (2) (2013); además, es coeditor de El cine que fue: 100 años de cine chileno (2011) y Audiovisual y política en Chile (2014). Algunos de sus trabajos audiovisuales han sido exhibidos en el Festival de Cine de Valdivia y el Festival 166 . Planisferio / World Map This video is an imaginary exercise on the present at parallel 32º south/73º west (in the middle of the Pacific Ocean). This space was created by the Chilean writer and art critic Juan Emar in 1935. The Emarian gesture is taken up again to construct an archive device of the imaginary on an anachronistic present. Daniela Contreras Rojas (1986). Professional photographer of the ARCOS Institute and a graduate in Documentary Film from the Escuela de Cine de Chile. In 2013 she was selected in the Second Anthology of Young Chilean Photography for her work Classe Tourist exhibited at the Museum of Contemporary Art in Chile. In 2012 she was awarded a creation grant by the Chilean Culture and Arts Fund to make the video art 32º south/ 73º west, selected by the Concreta M-100 Gallery (Chile) and the EMBARRAT Contemporary Creation Festival (Spain). In 2011 she co-directed the documentary My Plebeian Blood Also Stains Red, which won awards at the DIVA Film Festival and the Femcine Festival. She is currently studying for a Master’s in Visual Anthropology at the University of Barcelona with a scholarship from the Chile Audiovisual Fund. José M. Santa Cruz G. (1983). A film graduate from the ARCIS University with a Master’s in History and Art Theory from the University of Chile. He is the author of ImageSimulacrum: Studies of Contemporary Film (1) (2010) and ImageSynthetic: Studies of Contemporary Film (2) (2013), and co-editor of de Cine Digital de Viña del Mar, entre otros. Actualmente, es investigador doctoral del grupo de investigación Arte, Globalización e Interculturalidad-AGI de la Universidad de Barcelona, dirigido por la doctora Anna Maria Guasch. The Cinema That Was: 100 Years of Chilean Film (2011) and Audiovisual and Politics in Chile (2014). Some of his audiovisual work has been exhibited at the Valdivia Film Festival, the Viña del Mar Digital Film Festival, among others. He is currently a PhD researcher with the research group Art, Globalization and Interculturality-AGI at the University of Barcelona, directed by Dr. Anna María Guasch. Una canción incoherente / An Incoherent Song Ernesto Gougain Material de archivo de peleas de box de los años cincuenta en adelante es incluido en una cinta VHS que el realizador somete a una serie de traspasos en video en búsqueda de una nueva imagen. La imagen silenciosa busca develar gestos en los intervalos que hay entre golpe y golpe de los adversarios. Archive footage of boxing matches from the 1950s onwards, contained in a VHS tape which the director subjects to a number of transfers onto video in search of a new image. The silent image seeks to reveal gestures in the intervals between the adversaries’ punches. Ernesto Gougain. Nació en Valdivia, Chile, en 1983. Cursó Artes Visuales en Uniacc y se formó en dirección cinematográfica en la Universidad del Cine (FUC), Buenos Aires. Es realizador de los cortometrajes Los años siguientes, La conducta debida y Una canción incoherente, exhibidos en festivales como Karlovy Vary, FICValdivia, y Curta Cinema. En Buenos Aires, integró el colectivo En-Transe como coorganizador y curador de la muestra itinerante homónima realizada en diversas ciudades de América, que exhibió obras en cine y video de artistas latinoamericanos durante los años 2008 y 2010. Se radicó cinco años en Río de Janeiro, donde se desempeñó como montajista de documentales y cortometrajes de ficción. Actualmente vive en Santiago de Chile y escribe su primer largometraje de ficción. Ernesto Gougain. Born in Valdivia, Chile, 1983. He studied Visual Arts at Uniacc and Film Direction at the University of Chile (FUC), Buenos Aires. Director of the shorts The Following Years, Due Conduct and An Incoherent Song, exhibited at such festivals as Karlovy Vary, Valdivia Film Festival, and Curta Cinema. In Buenos Aires he was part of the EnTranse collective as co-organiser and curator of touring exhibition of the same name in various cities of the Americas, which exhibited film and video work by Latin American artists between 2008 and 2010. He lived in Rio de Janeiro for five years, where he edited documentaries and fiction shorts. He currently lives in Santiago de Chile, where he is writing his first fiction feature film. . 167 catálogo BIM 2014 Brasil / Brazil - Chile | 2009 8’ 23’’ | VHS | Color | Muda / Silent Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Mundus alter et idem Gabriel Del Favero Chile | 2013 13’ | HD | Color | Estéreo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Es un microdocumental-ficción que se presenta a modo de video proyección. Se trata de una crónica narrada por una voz en off construida a partir de una serie de entrevistas realizadas a científicos, militares, técnicos y familias chilenas que viven en la Antártida. Se aborda la realidad que se vive en el lugar, pero también se lleva a cabo un ejercicio especulativo de cómo podría ser el futuro en dicho territorio. El título hace alusión a un libro de ficción escrito por Joseph Hall (1605) en el que describe un continente austral, una tierra incógnita, cuando para los cosmógrafos de la época el continente antártico era más una especulación que una realidad. Gabriel Del Favero (1980). Artista visual, trabaja en el campo del video y la instalación. ¿Hacia dónde vamos? y ¿para qué? son preguntas que suelen aparecer en el trabajo de Gabriel Del Favero. Esto es porque los videos (su principal fuente de producción) colocan la especulación del futuro, la ciencia ficción y lo que dejó de ser ficción en el centro de la narrativa. Utiliza tanto el lenguaje del documental como el de la ficción para construir relatos que recorren temas como la herencia de la guerra fría en la exploración espacial, el territorio y el agotamiento de los descubrimientos o la arquitectura en zonas extremas. Realizó estudios de artes visuales en la Universidad Finis Terrae, Santiago de Chile, y un diplomado en teoría del cine en la Universidad Católica de Chile. En el año 2012 recibió el premio Juan Downey en el contexto de la Bienal de Video y Nuevos Medios. Realizó una residencia en la Fundación AAVC Hangar, Barcelona, España (2012) y una en el continente antártico como parte del proyecto A del Consejo Nacional de la Cultura y las artes (2013). Sus trabajos han 168 . Planisferio / World Map A micro-documentary-fiction, presented as a video projection. A chronicle narrated by a voiceover constructed from a series of interviews with Chilean scientists, members of the armed forces, technicians and families living in the Antarctic. The reality of living in this place is addressed, along with a speculative exercise into what the future of this territory might look like. The title alludes to a science fiction book by Joseph Hall (1605) in which he describes a southern continent, an undiscovered land when for the cosmographers of the time the Antarctic continent was more speculation than reality. Gabriel Del Favero (1980). Visual Artist, working in the field of video and installation. “Where are we going?” and “What for?” are questions that tend to appear in Del Favero’s work. This is because videos (his main source of production) place speculation on the future, science fiction and what has ceased to be fiction at the centre of the narrative. He uses both the language of the documentary and fiction to construct stories that run through subjects such as the Cold War legacy in space exploration, the territory and the depletion of discoveries, and the architecture of extreme areas. He studied visual arts at the Finis Terrae University in Santiago de Chile and gained a diploma in film theory from the Catholic University of Chile. In 2012 he received the Juan Downey Award at the Biennale of Video and New Media. He undertook one residency at the AAVC Foundation Hangar, Barcelona (2012) and another in Antarctica as part of the Project sido exhibidos en Chile, Argentina, Bolivia, España e Inglaterra. A of the National Culture and Arts Council (2013). His works have been exhibited in Chile, Argentina, Bolivia, Spain and England. Video Atlas: Recortes + Sin Rebelión / Video Atlas: Cuttings + No Rebellion Gonzalo Aguirre Chile | 2012 15’ 53’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Gonzalo Aguirre (1980). Artista visual. Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad de Chile. Magíster en Artes Visuales por la UNAM (México) con la tesis El mundo y la mano: prácticas y estrategias archivísticas. Trabaja principalmente con medios audiovisuales y desarrolla proyectos de carácter transdisciplinario en los que se integran sonido, literatura y video. Sus estrategias creativas se vinculan a la construcción fragmentaria de relatos y giran en torno al cruce entre archivo, apropiación y montaje. Entre sus principales proyectos se encuentran Archivo zonaglo: puesta en escena audiovisual de la poesía plástica de Gonzalo Millán (2007), Video Atlas (2010) y Video papel: subversión de archivos audiovisuales de dominio público (2014). Video Atlas is a work space bringing together and manipulating a variety of information. This project alludes to atlases in their editorial dimension: spaces of collection, presentation and synoptic understanding of a whole, compendia of visual knowledge constructed through fragments. Somehow resembling nature, culture and travel television programs –today’s atlases– Video Atlas is a montage of images, audio and texts from the world, twisted by a personal perspective. Gonzalo Aguirre (1980). Visual artist. Graduate in Plastic Arts from the University of Chile. Master’s in Visual Arts UNAM (Mexico) with the thesis The World and the Hand: Archive Practices and Strategies. Aguirre works mainly with audiovisual media and undertakes transdisciplinary projects involving sound, literature and video. His creative strategies are related to the fragmentary construction of stories, and revolve around the crossover between archive, appropriation and montage. His main projects include Zonaglo Archive: audiovisual mise en scene of Gonzalo Millán’s plastic poetry (2007), Video Atlas (2010) and Video Paper: subversion of public domain audiovisual archives (2014). . 169 catálogo BIM 2014 Video Atlas es un espacio de trabajo en el que se reúne y manipula información variada. Este proyecto alude a los atlas en su dimensión editorial: espacios de colección, presentación y comprensión sinóptica de una totalidad, compendios de conocimiento visual que se construyen mediante fragmentos. Cercano de alguna forma a los programas televisivos de naturaleza, cultura y viajes –a los atlas actuales–, en Video Atlas se montan imágenes, audios y textos del mundo tergiversados por una mirada personal. El papá viejo y la mamá vieja / The Old Dad and the Old Mum Rafael Guendelman Chile | 2014 6’ 56’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file El video trata de la repetición y variación de una historia por parte de mi abuela, que padece demencia senil. Ella relata, a partir de un recuerdo, a la familia de fotógrafos vecina, por la cual fue fotografiada varias veces. Esta historia surge espontáneamente en relación con la acción misma de retratarla. A través de la documentación de este discurso cíclico, se busca explorar problemáticas relacionadas con la narrativa, el lenguaje, la lógica, la historia personal y la enfermedad mental, así como la propia incidencia de la documentación audiovisual en la articulación del propio documento. The video consists of the repetition and variation on a story by my grandmother, who has senile dementia. Starting from one memory, she tells her story to the neighbouring family of photographers, by whom she has been photographed several times. This story comes out spontaneously in the very act of portraying her. Documenting this cyclical discourse is an attempt to explore problems related to narrative, language, logic, personal history and mental illness, as well as the impact of the audiovisual documentation on the enunciation of the document itself. Rafael Guendelman. Es licenciado en Arte por la Universidad Católica de Chile, donde realiza el Diplomado en Teoría del Cine: Estudios Avanzados. Actualmente se desarrolla como artista visual y realizador audiovisual. Ha participado en diferentes muestras y festivales, tanto en Chile como en el extranjero, entre los que se destacan: Rencontres Internationales París/Berlín/Madrid (Palais de Tokyo, París); Not Finished Works –In between travel and Residency– (ZK/U, Berlín); Entre Iloca y Dichato (Galería Macchina, Santiago) y Annexation Wall: 10 Years Too Long (Al-Ma’al Lab of Arts, Jerusalén). Su producción de obra se ha centrado en la exploración de territorios específicos, tanto urbanos como rurales, con énfasis en la relación dinámica entre estos y el hombre que los habita. www.vimeo.com/rafaelguendelman Rafael Guendelman. Art graduate from the Catholic University of Chile, where he also received the Diploma in Film Theory: Advanced Studies. Currently works as a visual artist and audiovisual director. He has participated in different exhibitions and festivals in Chile and further afield, including: Rencontres Internationales Paris/Berlín/Madrid (Palais de Tokyo, Paris); Not Finished Works –In Between Travel and Residency(ZK/U, Berlin); Between Iloca and Dichato (Galería Macchina, Santiago) and Annexation Wall: 10 Years Too Long (Al-Ma’al Laboratory of Arts, Jerusalem). His output has focused on exploring specific territories, both urban and rural, with an emphasis on the dynamic relationship between these and the people who inhabit them. 170 . Planisferio / World Map 13 de octubre de 1966 Sobre la suprema maestría de Peter Kubelka 13 October 1966 On the Supreme mastery of Peter Kubelka Unsere Afrikareise (1966) es la cinta más rica, más compacta y más articulada que he visto nunca. La he visto cuatro veces y volveré a verla muchas veces más, y cuanto más la veo, más cosas descubro en ella. La película de Kubelka es una de las pocas obras maestras del cine y un trabajo de la perfección que nos obliga a reevaluar todo lo que sabíamos sobre el cine. El increíble don artístico de este hombre, su increíble paciencia (empleó cinco años para filmar Unsere Afrikareise; la película tiene doce minutos de duración), sus métodos de aprendizaje (aprendió de memoria dieciocho horas de cinta magnetofónica y tres horas de película, fotograma por fotograma) y la belleza de su creación hacen que el resto de nosotros parezcamos aficionados, o quizá niños que nunca podrán separarse de sus propias emociones. Todo el cine es tan emocional. El cine de Kubelka es como un fragmento de cristal, o algún otro objeto de la naturaleza: no parece que hubiera sido producido por el hombre; podría fácilmente concebirse que hubiera sido recogido entre los tesoros orgánicos de la naturaleza. Unsere Afrikareise (1966), is the richest, most compact and best articulated film I have ever seen. I’ve seen it four times, and I will see it again many more times, and the more I see it, the more things I discover in it. Kubelka’s film is one of the few masterpieces of cinema and a work of perfection that obliges us to reevaluate everything we knew about cinema. This man’s incredible artistic gift, his incredible patience (he took five years to film Unsere Afrikareise; the film is twelve minutes long), his learning methods (he learnt by heart eighteen hours of recording tape and three hours of film, frame by frame), and the beauty of his creation makes the rest of us look like amateurs, or maybe children who will never be able to detach themselves from their own emotions. All cinema is so emotional. Kubelka’s cinema is like a fragment of glass, or some other object of nature: it doesn’t look like it could have been produced by man; one could easily conceive that it had been gathered among nature’s organic treasures. Peter Kubelka: Cuando escribas esta entrevista debes explicar que lo que digo no tiene nada que ver con mis películas. Tengo una necesidad inmensa de comunicarme. Trabajo durante cientos y cientos de horas para un minuto de mi película, y ha- Peter Kubelka: When you write up this interview you should explain that what I say has nothing to do with my films. I have an immense need to communicate. I work for hundreds and hundreds of hours for one minute . 171 catálogo BIM 2014 Películas de Peter Kubelka / Films by Peter Kubelka blando nunca podría producir un minuto como ese. La verdadera declaración que quiero hacer al mundo son mis películas. Todo lo demás es irrelevante. of my film, and I could never produce a minute like that from speaking. My films are the real statement I want to make. Everything else is irrelevant. Trabajo para la generación presente. Quiero ayudar al crecimiento de la humanidad, a que la humanidad se aleje de la Edad de Piedra, se haga adulta. Pienso que la edad que tiene ahora la humanidad es la edad de un niño muy pequeño. Por ejemplo, solo ahora está aprendiendo a articularse. En Afrikareise juego con las emociones e intento liberarlas para que exista una distancia entre el espectador y sus propias emociones, sus propios sentimientos. Esta es una de mis tareas principales: crear una distancia entre nosotros y nuestra existencia… En Unsere Afrikareise pongo en movimiento al mismo tiempo una serie de mecanismos, creo simultáneamente sentimientos cómicos y sentimientos tristes, y… I work for the present generation. I want to help humanity to grow, to move away from the Stone Age. I think that the age humanity has now is the age of a very small child. For example, it’s only now learning to articulate itself. In Afrikareise, I play with emotions and try to free them, so that there is a distance between the spectator and his own emotions, his own feelings. That is one of my main tasks: to create a distance between us and our existence… In Unsere Afrikareise, I put a series of mechanisms in movement at the same time, I create simultaneously comic and sad feelings, and… Como la muerte del león, cuando lo arrastran al camión. Creo que es una de las escenas más tristes que he visto nunca. Arrastran al pobre león, que ya está muerto, y es difícil levantarlo; es una escena muy trágica. Pero el sonido es cómico. Y la cebra alcanzada por un tiro, que cae hacia un costado, y en el sonido se oye este ruidillo cómico, como si la cebra cayera de costado riéndose… Es muy triste. Esto está conseguido a través de una perfecta sincronización musical, ¿te has dado cuenta? Sí. Todos se mueven a un ritmo. Hay muchas cosas que no se notan al ver la película por primera vez. O el ojo, cuando el león moribundo levanta los ojos y mira directamente hacia la cámara, como acusando y perdonando, y luego muere. Si hubo alguna vez un gran momento en el cine, este es uno de ellos. Cuando uno quiere realmente comunicarse, ¡es preciso ser tan económico con cada parte de la película, con cada segundo! Para mí, la película es la proyección Like the death of the lion, when they drag him to the lorry. I think that’s one of the saddest scenes I’ve ever seen. They drag the poor lion, which is already dead, and it’s hard to lift it; it’s a very tragic scene. But the sound is comical. And the zebra that’s shot down, that lies on its side, and in the sound you hear this comical little noise, as if the zebra fell over laughing… It’s very sad. That’s achieved through a perfect musical synchronization, have you noticed? Yes. They all move to a rhythm. There are many things you don’t notice when you watch the film for the first time. Or the eye, when the moribund lion looks up and looks straight into the camera, as if accusing and forgiving, and then dies. If ever there was a great moment in cinema, this is one of them. When one really wants to communicate, one has to be as economical with each part of the film, with every second! To me, the film is the projection of immobile frames. My economy is a single frame, and every particle 172 . Películas de Peter Kubelka / Films by Peter Kubelka ¿Cuánto dura la totalidad de tu obra?, ¿cuántos minutos? Treinta y nueve minutos. Eso hace dos minutos al año, ¿no? Durante los últimos dieciséis años me he concentrado totalmente en el cine. Empecé en 1952. Sí, dos minutos al año. ¿Cuántos fotogramas?, ¿2.880 fotogramas al año? Esto significa, aproximadamente, ocho fotogramas por día. Eso es mucho. of the screen. I think that if a frame is projected too much it makes the whole less articulated. That’s why I always work for the frames. I have twenty-four chances per second to communicate and I don’t want to waste a single one. That is economy. And the same goes for sound. You have to have the same economy with sound as with image. How long is the whole of your work? How many minutes? Thirty-nine minutes. That works out at two minutes a year, right? In the last sixteen years I’ve concentrated entirely on cinema. I started in 1952. Yes, two minutes a year. How many frames, 2,880 frames a year? That means, approximately, eight frames a day. That’s a lot. One is enough. When you’re really talking, when you’re really articulate, you shouldn’t have to do so much. Eggeling spoke, and he only made five minutes in his whole life. Uno es suficiente. Cuando se habla realmente, cuando verdaderamente se articula, no se debe hacer tanto. Eggeling habló y solo hizo cinco minutos en toda su vida. Yo me tomo mi tiempo. Dicen: si la cinta no está terminada al cabo de dos años, entonces es demasiado tarde, o algo parecido. Pero yo creo que cuando se trabaja toda la vida, cuando realmente se quiere ver, sentir y comunicar, y se produce algo que logra esto, entonces no hay límites de tiempo y un minuto de película es suficiente. Cuando lo empecé, creí que la cinta africana estaría terminada en tres meses. Y tardé cinco años. Por supuesto, no trabajé en ella todos los días de mi vida; no podía, porque no tenía dinero; pero lo que es verdad es que durante estos cinco años viví con esas imágenes todos los días. No hubo un día en que no lo hiciera; viví constantemente en el trabajo durante cinco años. I take my time. They say that if the film isn’t finished after two years, then it’s too late or something like that. But I think that when you work all your life, when you really want to see, feel and communicate, and you produce something that achieves this, then there are no time limits and a minute of film is enough. When I started, I thought that the African tape would be finished in three months. And I took five years. Of course, I didn’t work on it every day of my life; I couldn’t, because I didn’t have any money. But it’s true that for those five years I lived with those images every day. There wasn’t a day when I didn’t; I lived constantly in the work for five years. Extracto de los Diarios de cine de Jonas Mekas Extract from Jonas Mekas: The Diary Film . 173 catálogo BIM 2014 de fotogramas inmóviles. Mi economía es un fotograma único y cada partícula de la pantalla. Creo que cada fotograma que se proyecta demasiado hace que la totalidad sea menos articulada. Por eso siempre trabajo por los fotogramas. Tengo veinticuatro posibilidades de comunicación por segundo y no quiero desperdiciar ninguna. Esta es la economía. Y lo mismo ocurre con el sonido. Es necesario tener la misma economía con el sonido que con la imagen. Peter Kubelka es un cineasta austríaco nacido en Viena en 1934. Es además el cofundador del Osterreichisches Filmmuseum (Viena) y de los Anthology Film Archives (Nueva York). Curador, archivista, profesor, arquitecto, músico, coleccionista y cocinero; de hecho esta última actividad ocupa un papel tan central en su filosofía fílmica que una vez agregó “y Cocina” al título formal de su puesto de Profesor de Cine en la Escuela de Bellas Artes de Frankfurt. Peter Kubelka es influyente como pocas personas en la historia del cine y su tradición ligada a las vanguardias. Sus películas marcan un nuevo modo de entender los efectos del cine en la historia. Kubelka realizó su primera película, Mosaik im Vertrauen, en 1955, y se consagró unos años más tarde con las “películas métricas” Adebar (1957) y Schwechater (1958). En casi seis décadas ha producido poco más de una hora de cine en total: “Uno es suficiente, cuando se habla realmente, cuando verdaderamente se articula, no se debe hacer tanto”, indicaba Kubelka en una entrevista con Jonas Mekas en 1966. En los años setenta instaló en Nueva York su Cine Invisible, la sala de proyección del Anthology Film Archives. Un cine en el que los espectadores se ubican en cubículos aislados, “un espacio negro en el cual uno no siente que está en un espacio; solamente se siente que es negro y el único elemento de referencia es la pantalla y lo que sucede en la pantalla”. Peter Kubelka is an Austrian filmmaker born in Vienna in 1934. He is the co-founder of the Osterreichisches Filmmuseum (Vienna) and the Anthology Film Archives (New York). Curator, archivist, lecturer, architect, musician, collector and cook – the last playing such a central role in his filmic philosophy that he once added “and Cuisine” to his formal job title of Professor of Film at the Frankfurt School of Fine Arts. Peter Kubelka is influential like few people in the history of cinema and its avant-garde tradition. His films mark a new way of understanding the effects of film on history. Kubelka made his first film Mosaik im Vertrauen in 1955, and made his reputation a few years later with the ‘metric films’ Adebar (1957) and Schwechater (1958). In almost six decades he has produced little more than an hour of cinema in total. “One is enough, when one really speaks, when one truly articulates, it isn’t necessarily to do so much”, Kubelka said in an interview with Jonas Mekas in 1966. In the 1970s he installed in New York his Invisible Cinema, the screening room at the Anthology Film Archives. A cinema where the spectators sit in isolated cubicles, “a black space in which one doesn’t feel that one is in a space; one only feels that it is black and the only point of reference is the screen and what happens on it.” 174 . Películas de Peter Kubelka / Films by Peter Kubelka Programa / Programme Adebar 1957 | Austria 2’ | 16 mm | ByN / B&W | Sonido óptico / Optical sound Proyección / Screnning: 16 mm Adebar es la primera película métrica de Peter Kubelka; en ella ordena con precisión todos los elementos de la composición. La película trabaja con unidades individuales de 13, 26 y 52 fotogramas, sometidos a un sistema de reglas rítmicas que incluyen un uso estricto del espacio positivo y negativo, que determina su estructura dentro de la película. Adebar, realizada por encargo para una publicidad de una discoteca vienesa, presenta repeticiones rigurosas de una escena de baile en silueta alternando rápidamente entre positivo y negativo, con un fragmento de música antigua de África central. Al utilizar loops hipnóticos y variaciones sincopadas en movimiento, la película resultó demasiado avanzada para sus patrocinadores. Adebar was Peter Kubelka’s first metric film, in which he precisely ordered all the elements of composition. The film works with individual units of 13, 26 and 52 frames, following a system of rhythmic rules that include the strict use of the positive and negative space, which determines their structure within the film. Adebar was made on commission as an advertisement for a Viennese discotheque, and showing rigorous repetitions of a dance scene in silhouette, alternating rapidly between positive and negative, with a fragment of ancient music from central Africa. In its use of hypnotic loops and syncopated variations in movement, the film turned out to be too advanced for its sponsors. Schwechater En 1957, Peter Kubelka fue contratado para producir un comercial corto para la cerveza Schwechater. La empresa cervecera seguramente pensaba que estaba encargando un filme que le ayudaría a vender cerveza; Kubelka tenía otras ideas. Rodó su película con una cámara que ni siquiera tenía visor, simplemente apuntándola en la dirección general de la acción. Luego se tomó varios meses para editar su material, mientras la empresa echaba humo y exigía el producto terminado. Finalmente entregó una película de 90 segundos que incluía cortes extremadamente rápidos (en los límites de la percepción In 1957, Peter Kubelka was hired to make a short commercial for Scwechater beer. The beer company undoubtedly thought they were commissioning a film that would help them sell their beers; Kubelka had other ideas. He shot his film with a camera that did not even have a viewer, simply pointing it in the general direction of the action. He then took many months to edit his footage, while the company fumed and demanded a finished product. Finally he submitted a film, 90 seconds long, that featured extremely rapid cutting (cutting at the limits of most . 175 catálogo BIM 2014 1958 | Austria 1’ | 16 mm | Color | Sonido óptico / Optical sound Proyección / Screnning: 16 mm de la mayoría de los espectadores) entre imágenes desgastadas casi al punto de la abstracción –en positivo y negativo, en blanco y negro y con tinte rojo– de unas personas apenas visibles que tomaban cerveza y de la espuma de la cerveza vista en un patrón completamente abstracto (Fred Camper). viewers’ perception) between images washed out almost to the point of abstraction — in black-and-white positive and negative and with red tint — of dimly visible people drinking beer and of the froth of beer seen in a fully abstract pattern (Fred Camper). Arnulf Rainer 1960 | Austria 6’ 24’’ | 35 mm | Color | Sonido óptico / Optical sound Proyección / Screnning: 16 mm Las imágenes de Arnulf Rainer son las más reducidas de todas; es una película compuesta completamente de fotogramas de negro sólido y blanco sólido, que Kubelka junta en duraciones tan largas como 24 segundos o tan cortas como un solo fotograma. Cuando alterna entre fotogramas únicos blancos y negros, se produce un efecto rápido de parpadeo que se aproxima al parpadeo, bastante más rápido, de la proyección cinematográfica; durante las largas secciones de oscuridad uno espera con anticipación nerviosa que vuelva el parpadeo sin saber exactamente qué forma tomará. Pero Arnulf Rainer no es solamente un estudio del ritmo y del parpadeo fílmico. Al reducir el cine a sus elementos esenciales, Kubelka no solamente lo despoja de su sentido, también crea un objeto que tiene cualidades tan generales que sugieren una variedad de significados posibles y cada uno toca algún aspecto esencial de la existencia (Fred Camper). Arnulf Rainer’s images are the most “reduced” of all — this is a film composed entirely of frames of solid black and solid white which Kubelka strings together in lengths as long as 24 seconds and as short as a single frame. When he alternates between single black and white frames, a rapid flicker effect is produced, which is as close as Kubelka can come to the somewhat more rapid flicker of motion-picture projection; during the long sections of darkness one waits in nervous anticipation for the flicker to return, without knowing precisely which form it will take. But Arnulf Rainer is not merely a study of film rhythm and flicker. In reducing the cinema to its essentials, Kubelka has not stripped it of meaning, but rather made an object which has qualities so general as to suggest a variety of possible meanings, each touching on some essential aspect of existence. (Fred Camper) 176 . Películas de Peter Kubelka / Films by Peter Kubelka Unsere Afrikareise / Nuestro viaje a África / Our trip to Africa 1966 | Austria 13’ | 16 mm | byn / B&W | Sonido óptico / Optical sound Proyección / Screnning: 16 mm Kubelka’s most recent film before Pause! is Unsere Afrikareise, whose images are relatively conventional ‘records’ of a hunting-trip in Africa. The shooting records multiple ‘systems’ — white hunters, natives, animals, natural objects, buildings — in a manner that preserves the individuality of each. At the same time, the editing of sound and image brings these systems into comparison and collision, producing a complex of multiple meanings, statements, ironies… I know of no other cinema like this. The ultimate precision, even fixity, that Kubelka’s films achieve frees them to become objects that have some of the complexity of nature itself — but they are films of a nature refined and defined, remade into a series of relationships. Those rare and miraculous moments in nature when the sun’s rays align themselves precisely with the edge of a rock or the space between two buildings, or when a pattern on sand or in clouds suddenly seems to take on some other aspect, animal or human, are parallelled in single events of a Kubelka film. The whole film is forged out of so many such precisions with an ecstatic compression possible only in cinema (Fred Camper). 177 . Películas de Peter Kubelka / Films by Peter Kubelka . 177 catálogo BIM 2014 La película más reciente de Kubelka antes de ¡Pausa! es Unsere Afrikareise, cuyas imágenes son “registros” relativamente convencionales de un viaje de caza en África. El rodaje graba múltiples “sistemas” –cazadores blancos, nativos, animales, objetos naturales, edificios– de una manera que preserva la individualidad de cada uno. A la vez, la edición del sonido e imagen hace que estos sistemas se comparen y colisionen produciendo una complejidad de varios significados, declaraciones, ironías… No conozco ningún otro cine como este. La precisión final, incluso la fijeza, que las películas de Kubelka logran, las libera para que se transformen en objetos que contienen algo de la complejidad de la naturaleza misma –pero son películas de una naturaleza refinada y definida, transformadas en una serie de relaciones–. Aquellos momentos raros y milagrosos de la naturaleza, cuando los rayos del sol se alinean precisamente con el borde de una roca o el espacio entre dos edificios, o cuando un patrón en la arena o en las nubes de repente parece asumir algún otro aspecto, animal o humano, encuentran su paralelo en los eventos únicos de una película de Kubelka. Todo el film está forjado de sutiles precisiones y de una compresión estática que solamente es posible en el cine (Fred Camper). Peter Kubelka Monument Film “La cinta de luz blanca de Kubelka me proporcionó una de las experiencias visuales más profundas que he tenido en cine”. “Kubelka’s white light film gave me one of the most profound visual experiences I’ve had in cinema”. Jonas Mekas Jonas Mekas En 1960, cuando hice mi película Arnulf Rainer, usé mis manos, mis ojos, tiras de película, tijera y pegamento. No usé ningún proyector, ninguna isla de edición, ninguna cámara. Construí la estructura de los cuatro elementos básicos del cine: luz, oscuridad, sonido, silencio. El átomo indivisible del cine es un fotograma que equivale a la vigésima cuarta parte de un segundo. El cine puede experimentarse como estructura temporal cuando la tira pasa por el proyector, y como estructura espacial cuando se exhibe la tira como objeto estático y tridimensional. El contenido que lleva la película está inseparablemente vinculado con el objeto material. Este es el dilema digital: todos estos números supuestamente eternos (los datos) aún deben residir en la materia, en las máquinas. Todas esas máquinas son de vida corta, mucho más ahora que antes. Hay un núcleo duro del arte fotográfico que activa las ideas y los pensamientos al cual ningún otro medio ni siquiera se acerca. El 2012 es el año más oscuro del cine. Se completó la toma de poder hostil del digital; aunque todos saben la corta vida que tiene el almacenamiento digital. Pero la ganancia a corto plazo es más importante. Las productoras europeas han empezado a obligar a los exhibidores a destruir sus In 1960, when I made my film Arnulf Rainer, I used my hands, my eyes, filmstrips, scissors and glue. No projector, no editing table, no camera was involved. I built a structure of the four basic elements of cinema: light, darkness, sound, silence. The indivisible atom of cinema is one frame which equals one twenty-fourth of a second. Film can be experienced as a temporal structure when the strip moves through the projector, and as a spatial structure when the strip is exhibited as a static, three-dimensional object. The content carried by film is linked inseparably to the material object. This is the digital dilemma: all these so-called eternal numbers [in data] still have to reside in matter, in machines. And those machines are short-lived—more so than ever, in fact. There is a hard core to the photographic art that activates ideas and thoughts that no other medium can even remotely touch. 2012 is film history’s darkest year. The hostile takeover by digital imagery is finally complete, even though everybody knows how short-lived digital archiving is. But short-term profit is more important. European film companies have even begun to 178 . Películas de Peter Kubelka / Films by Peter Kubelka force exhibitors to destroy their old projectors; in order to get digital projection equipment, they have to show proof that they have destroyed the old machinery. The industry wants to kill off the old medium, by any means. I see my Monument Film as a call for patient defiance. When you project Antiphon after Arnulf Rainer, after some time into Antiphon, you start thinking of Arnulf Rainer; you start feeling that Antiphon is very intimate with Arnulf Rainer. If you project them both side by side – at the same time – you will always have one side dark and the other side light. So, in a way, there is light all the time in each film. In Monument Film, they are projected one on top of the other, and theoretically, there will be a continuous white light. But in practice it’s not, because in analogue cinema there aren’t two projectors alike, nor two sound speakers, so in its imperfection it expresses the materiality of the medium. With Monument Film, I wanted to create a memorial to cinema that explains the materiality of film. There is a new global avant-garde working exclusively with photographic film, there is a growing international lab movement backed by thousands of young film artists. The phoenix will rise from the ashes. I do not doubt that in the least. . 179 catálogo BIM 2014 antiguos proyectores; para conseguir los aparatos de proyección digital, deben demostrar pruebas de que han destruido la maquinaria vieja. La industria quiere extinguir el viejo medio, de cualquier manera. Veo en Monument Film una llamada de resistencia paciente. Cuando se proyecta Antiphon luego de Arnulf Rainer, después de un tiempo adentro de Antiphon, se empieza a pensar en Arnulf Rainer, a sentir que Antiphon y Arnulf Rainer son completamente íntimas. Cuando se proyectan una al lado de la otra y al mismo tiempo, siempre habrá un lado oscuro y otro iluminado, entonces, de alguna manera, todo el tiempo habrá luz en cada film. En Monument Film se proyecta uno encima del otro, por lo tanto, en teoría se proyectará una luz blanca continua. Pero en la práctica esto no sucede, porque en el cine analógico no hay dos proyectores iguales, ni dos parlantes iguales; entonces, en esta imperfección se expresa la materialidad del medio. Con Monument Film quiero crear una memoria del cine que explique la materialidad de la película. Hay una nueva vanguardia mundial que trabaja exclusivamente con la película fotográfica, hay un creciente movimiento internacional de laboratorios con el apoyo de miles de cineastas. El fénix surgirá de las cenizas. No lo dudo en absoluto. Programa / Programme Monument Film Austria | 2012 12’ 48’’ | 35 mm | ByN / B&N | Sonido óptico / Optical sound Proyección / Screening: 35 mm Arnulf Rainer Austria | 1960 | 6’24” | 35mm | ByN / B&W Antiphon Austria | 2012 | 6'24" | 35mm | ByN / B&W Dos películas constituyen Monument Film: Arnulf Rainer y Antiphon, que contienen los cuatro elementos esenciales del cine: luz y oscuridad, sonido y silencio. Ambas películas son de la misma duración y se complementan entre ellas. Las proyecciones tienen lugar en un espacio oscuro y silencioso con una pantalla, dos proyectores analógicos y dos altoparlantes. Los aparatos y los dos proyeccionistas, que manipulan la película, enfocan y controlan el nivel del sonido, comparten el espacio con el público. La presencia de todos los procesos físicos que crean un evento de cine es parte de esta obra. Monument Film saluda a la disciplina clásica del cine material. Su contenido no puede ser contado por ningún otro medio. Two films make up Monument Film: Arnulf Rainer and Antiphon, which contain the four essential elements of film: light and darkness, sound and silence. Both films are of the same duration and complement each other. The screenings take place in a dark, silent space with a screen, two analogue projectors and two loudspeakers. The machinery and the two projectionists, who manipulate the film, focus and control the sound level, share the space with the public. The presence of all the physical processes that create a film event is part of this work. Monument Film doffs its cap at the classical discipline of the film material. Its content cannot be broadcast by any other medium. 180 . Películas de Peter Kubelka / Films by Peter Kubelka Videoarte peruano del último quinquenio / The last five years of Peruvian video art Una mirada desde las artes visuales / A visual arts perspective Curado por / Curated by A finales de los años noventa, el video en el Perú no se consideraba aún parte de las artes visuales establecidas; se mantenía al margen, lo que le permitía un nivel de independencia que favorecía las indagaciones visuales más audaces. Aquella amplitud no solo se evidenciaba por la variedad y el grado de experimentación en los trabajos realizados, sino también por la formación multidisciplinar de las personas vinculadas a su producción, que en muchos casos no tenían estudios artísticos formales. En la segunda década del siglo xxi, el video peruano ha girado significativamente y una parte de su creciente producción está plenamente integrada al contexto de las artes visuales, con todo el compromiso institucional que esto conlleva. Muchos de estos artistas producen video como parte de un repertorio mayor de formatos, como la fotografía, la instalación o la escultura. Tratar de enmarcar a estos creadores como artistas de video exclusivamente puede ser complicado ya que, en muchos casos, su obra audiovisual se complementa e influencia con otros medios y viceversa. Esta selección intenta presentar a algunos de los artistas de este nuevo panorama. Ricardo Yui proviene de la fotografía y ha venido experimentando con el video como una forma de documentar con mayor riqueza y detalle algunos procesos socioculturales urbanos que son parte de la realidad en la que vivimos, pero permanecen invisibles, por lo que, cuando se presentan, parecen extraídos de la ficción. Desde otro ángulo, Katherine Fiedler produce breves videos que In the late 1990s, video art in Peru was not considered part of the established visual arts. It remained on the sidelines, which gave it a level of independence that contributed to the most daring visual investigations. That breadth was seen not only in the variety and degree of experimentation in the work produced, but also in the multidisciplinary backgrounds of those people involved in this output, who in many cases had no formal artistic training. In the second decade of the 21st century, Peruvian video art has changed significantly, and part of its growing output is fully integrated to the context of the visual arts, with all the institutional engagement that this often entails. Many of these artists produce video as part of a greater repertoire of formats, such as photography, installation and sculpture. It can be complicated to attempt to brand these creators as exclusively video artists, as in many cases their audiovisual work is complemented and influenced by other media, and vice versa. This selection is an attempt to present some of the artists in this new scene. Ricardo Yui comes from the world of photography and has been experimenting with video as a way of documenting more richly and in greater detail certain urban socio-cultural processes that are part of the reality we live in but permanently invisible, to the extent that when they are presented, they . 181 catálogo BIM 2014 José Carlos Mariátegui juegan con el hiperrealismo fotográfico, que, como si fuesen argumentos de cuentos de hadas, incrementan la dosis de narrativa de sus historias. Maya Watanabe es una artista que ha venido produciendo consistentemente, desde hace casi una década, obra exclusivamente en video. Escenarios es su primer conjunto de obras con imágenes filmadas de forma panorámica en 360 grados; los espacios que captura dan la percepción de grandes panópticos casi inertes en los que el lente de Watanabe, mediante sutiles y prolongados movimientos, permite escenificar la realidad existente. Mediante una técnica de animación artesanal, Marco Pando viene produciendo lienzos de novo a partir de conjuntos de películas de cine pegadas entre sí. Esto resulta en animaciones en las que los personajes dibujados pasan por situaciones fantásticas en el marco de problemáticas sociales que forman parte de nuestras alucinaciones cotidianas. Desde sus inicios como autor, David Zink Yi ha venido desarrollando obras en video y videoinstalación dentro de un imaginario de composición visual y sonora. El ritmo de sus imágenes se relaciona de forma sustancial con el sonido y genera potentes composiciones audiovisuales. Ximena Garrido-Lecca es una artista multidisciplinaria y utiliza el video en sus proyectos de instalación complementando el proceso de investigación que demanda la producción de su obra. Sus videos se convierten así en un recurso etnográfico-visual de documentación. La selección concluye con la obra de Elena Damiani, quien viene trabajando alrededor de la persistencia de la memoria mediante la transformación de material encontrado; Intersticio reflexiona sobre los espacios como objetos culturales y la lógica del foto-collage se ha incorporado a un montaje audiovisual. Como reflexión final, es interesante advertir que muchos de estos videos pueden verse también como una expansión de la imagen fotográfica, sobre todo a partir del uso del video en alta definición, que permite nuevas exploraciones en torno a la imagen, tanto en calidad como en profundidad. Obras como las de Yui, Watanabe, come across as something from the realms of fiction. From another angle, Katherinne Fiedler produces short videos that play with photographic hyperrealism that increase the dose of narrative in her stories, as if they were plots from fairy tales. Maya Watanabe is an artist who for nearly a decade has been constantly producing work exclusively on video. Scenarios is her first set of work with images filmed panoramically in 360 degrees. The spaces she captures give the perception of great, near-inert panoptics, where Watanabe’s lens, using subtle, prolonged movements, can reproduce existing reality. Marco Pando has been using an artisanal animation technique to produce fresh canvases from sets of cinema films stuck together. This results in animations in which his drawn characters experience fantastic situations within social issues that form part of our everyday hallucinations. Since his beginnings as an author, David Zink Yi has been creating works on video and as video installations within an imaginary of visual and sound composition. The rhythm of his images is related substantially to sound, generating potent audiovisual compositions. Ximena Garrido-Lecca is a multidisciplinary artist using video in her installation projects to complement the research process demanded by her work. Her videos thus become an ethnographic-visual documentation resource. The selection concludes with the work of Elena Damiani, who works around the persistence of memory through the transformation of found material; Interstice reflects on spaces as cultural objects, where the logic of photocollage has been incorporated into an audiovisual montage. By way of a final reflection, it is interesting to note that many of these videos can also be seen as an expansion of the photographic image, especially from the use of high-definition video that allows new explo- 182 . Videoarte peruano del último quinquenio / The last five years of Peruvian video art José Carlos Mariátegui (Lima, 1975). Escritor, curador y emprendedor en cultura, nuevos medios y tecnología. Estudió biología y es bachiller en Matemáticas Aplicadas por la Universidad Peruana Cayetano Heredia (Lima). Tiene una Maestría (MSc) y un Doctorado (PhD) en Sistemas de Información e Innovación de la London School of Economics and Political Science (LSE). Es fundador de Alta Tecnología Andina (ATA), dedicada al desarrollo de proyectos en arte, ciencia y tecnología en América Latina y fue director-fundador de la Casa Museo José Carlos Mariátegui del Ministerio de Cultura (1995-2005). Ha sido curador de exhibiciones de arte y tecnología a nivel internacional, como: Videografías In(visibles), Emergentes y VideoXXI Lemaitre Collection, entre otras. Ha sido miembro de la Comisión Nacional de Cultura del Gobierno del Perú (2001-2002) y del Comité Consultivo del Ministerio de Cultura (2010, 2012- 2013). Es miembro del Network Committee de la Prince Claus Fund (Holanda) y del Comité Editorial de la Serie Leonardo, libros sobre arte, ciencia y tecnología publicados por MIT Press (Estados Unidos). rations of the image, both in quality and depth. Works such as those of Yui, Watanabe, Zink Yi and Damiani thus incorporate a dialogue between video and photography, without leaving aside the reference to the socio-cultural environment that makes these works endure rather more than simply the production of sophisticated images. José Carlos Mariátegui (Lima, 1975). Writer, curator and culture, new media and technology entrepreneur. Studied Biology and graduated in Applied Mathematics from the Cayetano Heredia Peruvian University (Lima). He has a Master’s and PhD in Information and Innovation Systems from the London School of Economics and Political Science-LSE (London). Founder of Alta Tecnología Andina-ATA, dedicated to developing art, science and technology projects in Latin America. Founding Director of the José Carlos Mariátegui House Museum of the Ministry of Culture (19952005). He has curated international art and technology exhibitions, including In(visible) Videographies, Emergent; 21st Video - Lemaitre Collection. He has been a member of the National Commission for Culture of the Peruvian Government (2001-2002) and of the Consultative Committee of the Ministry of Culture (2010/2012-2013). He is a member of the Network Committee of the Prince Claus Fund (Netherlands) and of the Editorial Committee of the Leonardo Book Series, art, science and technology books published by MIT Press (USA). . 183 catálogo BIM 2014 Zink Yi y Damiani incorporan así un diálogo entre el video y la fotografía sin dejar de lado la referencia al ámbito sociocultural que hace que estas obras persigan algo más que simplemente la producción de imágenes sofisticadas. Programa / Programme Entropía limeña, la ciudad y el mar son vasos comunicantes / Lima entropy, the city and the sea are communicating vessels Ricardo Yui Perú / Peru | 2014 23’ 22’’ | HDV / 16:9 | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Aquello que hoy llamamos modernidad es una ruina futura. Es, principalmente, a la luz de esta idea que la figura de ruina es evocada para sugerir que las estructuras que construimos en el presente van a terminar inevitablemente en el fondo del mar. Bajo la forma de ensayo visual, Entropía limeña proyecta diferentes tensiones que evocan el flujo de contradicciones de la modernidad, en la que la ciudad y el paisaje son espacios en transformación constante, en devenir permanente. Así, el territorio es definido como un teatro de coreografías que se alimenta del esfuerzo y, presentándolo de esa manera, el gesto resulta ser la materia prima del cambio, de la transformación del mundo. What we today call modernity is a future ruin. It is mainly in light of this idea that the figure of ruin is evoked to suggest that the structures we consume in the present will inevitably end up at the bottom of the sea. In the form of a visual essay, Lima Entropy projects different tensions that evoke the flow of the contradictions of Modernity, where the city and the landscape are spaces in constant transformation, of permanent becoming. So it is that the territory is defined as a theatre of choreographies which feeds on labour and, presenting it in this manner, the gesture turns out to be the raw material of change, of the transformation of the world. Ricardo Yui es un artista que trabaja principalmente con fotografía y video. La noción de cambio es el eje temporal y conceptual de su obra. En 2013, Ricardo obtuvo el Diplôme - Master II de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles, Francia. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones individuales y colectivas, entre las cuales destacan: Crossing by a New Time, Lishui Photo Festival, China (2013); Lima 130K, Instituto Cervantes, New York (2013); NEU/NOW, De Brakke Grond, Amsterdam (2013); Collection Jan Mulder, Les Rencontres d’Arles, Francia (2012); así como Histórias de mapas, piratas e tesouros, Itaú Cultural, San Pablo (2010). Ricardo nació en Lima en 1983. Vive y trabaja en Ámsterdam. Ricardo Yui is an artist working mainly with photography and video. The temporal and conceptual focus of his work is the notion of change. In 2013, Ricardo obtained the Diplôme - Master II from l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles, France. His work has been shown at individual and collective exhibitions, including Crossing by a New Time, Lishui Photo Festival, China (2013); Lima 130K, Instituto Cervantes, New York (2013); NEU/NOW, De Brakke Grond, Amsterdam (2013); Collection Jan Mulder, Les Rencontres d’Arles, Francia (2012); Histórias de mapas, piratas e tesouros, Itaú Cultural, São Paulo (2010). Ricardo was born in Lima in 1983, and he lives and works in Amsterdam. 184 . Videoarte peruano del último quinquenio / The last five years of Peruvian video art Play Dead / Hacerse el muerto Katherinne Fiedler Perú / Peru | 2012 1’ 08’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file Hacerse el muerto es un acercamiento a la muerte y a nuestra naturaleza a través de un acto simple pero contundente como es el juego de cerrar los ojos y solo flotar, abstrayéndonos, acercándonos a la muerte y a nuestra naturaleza de una manera dócil y natural con una innegable atracción y miedo a ella, siendo conscientes de nuestra propia fragilidad. Conceptos como vida, muerte, naturaleza y mortalidad aparecen y se mezclan entre sí. Play Dead addresses death and our nature, through a simple but effective act, the game of closing our eyes and just floating, lost in thought, approaching death and our nature in a docile, natural way, with an undeniable attraction and fear of it, being conscious of our own fragility. Concepts such as life/death/ nature and mortality appear and intermingle. Katherinne Fiedler (Lima, 1982). Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha realizado tres exposiciones individuales Projecciones (Barcelona), Tiempo de Caza (Lima) y Been Here and Gone (Buenos Aires). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en España, Perú, Italia y Alemania. Su obra ha sido expuesta en centros y galerías de arte, como el Centro Rey Juan Carlos I de España, Sala Parés, Valid Foto, Tecla Sala, entre otros. Ha sido finalista y seleccionada en diversas convocatorias de importantes premios y festivales, como Región 0 Latino Video Art Festival (Nueva York), V Semana de Video Iberoamericano dentro del marco de Loop (España) y FIVAC V Festival de Videoarte de Camaguey (Cuba), entre otros. Katherine Fielder (Lima 1982). A Fine Arts graduate from the University of Barcelona, Katherine has held three individual exhibitions: Projecciones (Barcelona), Tiempo de Caza (Lima) and Been Here and Gone (Buenos Aires). She has participated in numerous collective exhibitions in Spain, Peru, Italy and Germany. Her work has been exhibited at art centres and galleries, including Centro Rey Juan Carlos I de España, Sala Parés, Valid Foto and Tecla Sala. She has been a finalist and selected for various prizes and festivals, including Region 0 Latino Video Art Festival (New York), 5th week of Ibero-American Video as part of Loop (Spain) and the FIVAC 5th Camaguey Video Art Festival (Cuba). El Frontón (de la serie Escenarios) / El Frontón (from the series Scenarios) Maya Watanabe A orillas de la isla El Frontón, en Lima, se levantan las ruinas de un antiguo penal bombardeado por el ejército peruano du- On the shores of El Frontón island, off Lima, the ruins rise of an old prison bombed by the Peruvian army . 185 catálogo BIM 2014 Perú / Peru | 2014 15’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file rante un motín en el año 1986. Los edificios derruidos han sido abandonados y las aves guaneras los han hecho suyos. La isla se enfrenta al mar donde se ve, en el horizonte, la ciudad de Lima. El video El Frontón es parte del proyecto Escenarios, en el que, bajo un lenguaje poético, se da forma a distintas situaciones escenificadas que aluden indirectamente a la historia reciente de Perú. Maya Watanabe. Desde 2005 se dedica principalmente al video, su trabajo ha sido mostrado en instituciones y museos en América del Sur, América del Norte, Europa y Asia. Además, ha participado en la Bienal de Beijing 2009, y en festivales como Videobrasil, LOOP, FILE , TransitioMX, Videoakt y Madrid Abierto. Entre los reconocimientos recibidos se destacan el premio Generación 2011, el primer premio de Videoakt Biennale 2011 y el primer premio de Pasaporte para un Artista 2008. Ha formado parte del programa de residencias del Instituto Sacatar (Bahía), El RanchitoMatadero (Madrid) y la Cité Internationale des Arts (París). during a riot in 1986. The destroyed buildings have been abandoned and the guano birds have made it their own. The island looks out over the sea from where the city of Lima can be seen on the horizon. The video El Frontón is part of the Scenarios project in which, using poetic language, form is given to different staged situations that indirectly allude to Peru’s recent history. Maya Watanabe. Since 2005 Maya has worked mainly in video. Her work has been shown at institutions and museums in South America, North America, Europe and Asia. She also participated at the 2009 Beijing Biennale, and at festivals including Videobrasil, LOOP, FILE, TransitioMX, Videoakt and Madrid Abierto. Her work has been recognised most notably in the form of the Generation 2011 prize, first prize at VideoAkt Biennale 2011, and first prize at Passport for an Artist 2008. She has taken part in the residences program of the Instituto Sacatar (Bahía), El Ranchito-Matadero (Madrid) and la Cité Internationale des Arts (Paris). White Lung City / Ciudad de pulmón blanco Marco Pando Perú - Holanda / Peru - Netherlands | 2009 3’ 40’’ | Animación, dibujo en película de 35 mm / Animation, drawing on 35mm film | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Ciudad de pulmón blanco es una animación que describe la historia imaginaria de “el hombre con pulmones negros” que está tratando de evitar la contaminación del medioambiente producida por el humo de las fábricas y la basura de las calles en el centro de la ciudad de Lima. Mientras camina por la ciudad, su rastro construye la forma de un pulmón de la ciudad. White lung city is an animation describing the imaginary story of ‘the man with white lungs’, who is trying to prevent the contamination of the environment produced by the smoke from the factories and the rubbish in the streets of Lima city centre. As he walks round the city, his face forms the shape of a lung for the city. Marco Pando. “En mi trabajo cuento historias en un lenguaje poético, que siguen Marco Pando. “In my work I tell stories in a poetic language, following 186 . Videoarte peruano del último quinquenio / The last five years of Peruvian video art fronteras geográficas e históricas. Al vivir entre los Países Bajos y Alemania me adapté a las diferencias culturales, en las que puedo experimentarme a mí mismo como un puente entre la cultura Europea y mis orígenes. Me considero a mí mismo como un explorador descubriendo mis propias periferias en Europa. A partir de un lugar a otro colecciono información sobre las identidades culturales, mostrando sus paralelos en diferentes contextos”. geographic and historic boundaries. Living in the Netherlands and Germany I’ve adapted to the cultural differences, in which I can experiment with myself as a bridge between European culture and my origins. I think of myself as an explorer, discovering my own peripheries in Europe. From one place to another I collect information on cultural identities, showing their parallels in different contexts.” Pulsar PG-520 David Zink Yi El video Pulsar PG-520 nos muestra un paneo por un bosque de eucaliptos. Utilizando un estabilizador de cámara y en una sola toma, el artista camina entre los árboles rodeando algunos de ellos. El video se encuentra desenfocado, como si se tratase de una caminata entre sueños. Cada vez que la imagen encuentra el foco en la textura de un arbol, se escuchan fragmentos del segundo capítulo del cuento “El Inmortal” de Jorge Luis Borges. Hay un efecto extraño que se genera de la combinación de estos trabajos. Por un lado, la referencia a un espacio urbano pero que desafía toda lógica propia de lo moderno y un espacio natural que se demuestra artificioso, equidistante, construido en perfecta simetría. Además del cuento mismo, que nos narra una ciudad de factura antiquísima que contradecía toda lógica evidente: una ciudad interminable, atroz y atemporal a la que se llega después de cruzar un laberinto de túneles oscuros, el lugar de lo “complejamente insensato”. The video Pulsar PG-520 shows us a pan through a eucalyptus forest. Using a camera stabiliser and in a single take, the artist walks through and round the trees. The video is out of focus, as if it were a walk through dreams. Whenever the image comes into focus in the texture of a tree, we hear excerpts from the second chapter of the short story “The Immortal” by Jorge Luis Borges. There is a strange effect generated in the combination of these works. On the one hand is a reference to an urban space that defies all logic of the modern, and a natural space that is seen to be artificial, equidistant, built in perfect symmetry. The story tells us of a city of antique construction that contradicted all evident logic: an interminable city, horrific and atemporal, that one reached after crossing a labyrinth of dark tunnels, a place of “complex irrationality”. (Sharon Lerner) David ZinkYi (Lima, 1973). Es un artista contemporáneo que trabaja con video, fotografía, escultura e instalación. “Sus procesos reflexionan sobre la transformación de la materia empleada y, simultáneamente, David ZinkYi 1973, Lima, Peru. David is a contemporary artist working with video, photography and installation. “His processes reflect on the transformation of the material used . 187 catálogo BIM 2014 Perú / Peru | 2012 12’ 03’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file proyectan una poética desde una conciencia conceptual de las posibilidades que estas materias ofrecen: sus propiedades físicas y procesos químicos. La suya es una mirada a la búsqueda de lógicas, que busca estructuras de significación, que aparte de la música ha tratado temas como la migración desde la culinaria” (artmotiv). and, simultaneously, project a poetics from a conceptual conscience of the possibilities that these materials offer: their physical properties and chemical processes. His is a perspective on the search for logics, seeking structures of signification, which aside from music has dealt with subjects such as immigration from a culinary point of view” (artmotiv). Contornos / Outlines Ximena Garrido-Lecca Perú / Peru | 2014 10’ 45’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Contornos observa diversas formas de demarcación del espacio y los procesos sutiles de privatización de entornos naturales. El video registra distintas vallas y barreras encontradas en la ciudad de Cerro de Pasco: algunas colocadas de forma transitoria, otras como límite entre las operaciones mineras y el espacio público, algunas fácilmente vulnerables, y otras agresivas e impenetrables. A lo largo de varios minutos, la cámara nos guía a través de un límite persistente del que permanecemos siempre fuera. El audio en el video contiene partes de una conversación con Alcibiades Cristóbal, quien creció y vive en el Santuario Nacional de Huayllay, un bosque de piedras en las afueras de la ciudad. Ximena Garrido-Lecca (Lima, 1980). Artista peruana que vive y trabaja entre Londres y Lima. Estudió Bellas Artes en la Universidad Católica del Perú y realizó un posgrado, seguido de un máster en la Escuela Byam Shaw de Central Saint Martins (Londres). Entre sus exposiciones individuales figuran: Los Suelos, Galería Casado Santapau, Madrid (España 2013); Paisaje Antrópico, Max Wigram Gallery, Londres (Inglaterra 2012); El Porvenir, Mimmo Scognmiglio, Milán (Italia 2011), The Followers, Civic Room, Londres (Inglaterra, Outlines observes different forms of demarcation of space and the subtle processes of privatisation of natural environments. The video shows different fences and barriers found in the town of Cerro de Pasco: come placed there temporarily, others as the limit between mining operations and the public space, some easily violated, others aggressive and impenetrable. Over several minutes the camera guides us along a persistent limit where we always remain outside. The audio in the video contains parts of a conversation with Alcibiades Cristóbal, who grew up and lived in the Huayllay National Sanctuary, a stone forest on the outskirts of the town. Ximena Garrido-Lecca (Lima, 1980). Peruvian artists living and working in London and Lima. Ximena studied Fine Arts at the Catholic University of Peru and completed a postgraduate degree, followed by a Master’s at the Byam Shaw School at Central Saint Martins (London). Her individual exhibitions include: Los Suelos, Galería Casado Santapau, Madrid (España 2013); Paisaje Antrópico, Max Wigram Gallery, London (UK 2012); El Porvenir, Mim- 188 . Videoarte peruano del último quinquenio / The last five years of Peruvian video art 2010); y ha participado en el sector Frame de la Feria de Arte de Frieze, Londres (Inglaterra 2011). Ha participado en diversas exposiciones colectivas y bienales como: Bienal de Cartagena de Indias, (Colombia 2014); Academia Central del Museo de Bellas Artes (CAFAM) Biennale, Beijing (China 2014); Bienal de Cuenca (Ecuador 2014); entre otras. mo Scognmiglio, Milan (Italy 2011), The Followers, Civic Room, London (UK 2010); and participated in the Frame section at Frieze, London (UK 2011). She has participated in various collective exhibitions and biennales including: The International Biennale of Contemporary Art of Cartagena de Indias (Colombia, 2014), Central Academy of Fine Arts Museum CAFAM Biennale, Beijing (China, 2014); Science Biennale (Ecuador, 2014). Intersticio / Interstice Elena Damiani Intersticio traza la topografía de un lugar no específico “una zona intermedia entre dos puntos”, pero particularmente un lugar mental de límites fracturados y de mayor amplitud que la de cualquier locación física. El video presenta, de lo general a lo específico, una visión panorámica de un terreno de carácter cambiante y sin resolver formado por eventos segmentados que aparecen como vagas intermitencias dentro del paisaje. Interstice traces the topography of a non-specific place: an intermediate area between two points, but particularly a mental place of fractured limits, broader than any physical location. Moving from general to specific, the video presents a panoramic view of a terrain of a changing, unresolved nature, formed by segmented events that appear as vague intermittences in the landscape. Elena Damiani (Lima, 1979). Estudió Arquitectura en la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas, luego se graduó en Artes Plásticas en la Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, y obtuvo la Medalla de Oro y Plata, 2005. En el 2006 ganó el segundo premio en el 9° Concurso de Artes Visuales Pasaporte para un Artista, organizado por la Embajada de Francia en el Perú, y una mención especial en la categoría de Video Creación en la 12 Edición del Festival Internacional de Artes y Culturas Digitales Canarias Media Fest en Gran Canaria, España. En el 2004 obtuvo el premio a la producción en el 2o Concurso Peruano de Video y Artes Electrónicas. Elena Damiani (Lima, 1979). Studied Architecture at the Peruvian University of Applied Sciences, to then graduate in Plastic Arts at the Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, obtaining the 2005 Gold and Silver Medal. In 2006 Elena won Second Prize at the 9th “Passport for an Artist” Visual Arts Competition organized by the French Embassy in Peru and a Special Mention in the category of Video Creation at the 12th Edition of the CanariasMediaFest International Festival of Digital Arts and Cultures in Gran Canaria, Spain. In 2014 she won the production prize at the 2nd Peruvian Video and Electronic Arts Competition. . 189 catálogo BIM 2014 Reino Unido / UK | 2012 5’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Arthur Omar Una mirada en secreto / A secret Look Con una obra que atraviesa diversos medios, como el cine, la música, la poesía, la fotografía y el diseño de libros, el artista brasileño Arthur Omar ofrece una visión sintética de su trabajo sobre la imagen. El programa contará con la proyección de la película Una mirada en secreto, en la que examina la naturaleza de la experiencia fotográfica, y de una antología con fragmentos de películas e instalaciones. Teoría del montaje, antropología y ciencias cognitivas se entrelazan en sus investigaciones deconstructivas y reconstructivas. 190 . Una Mirada en Secreto / A Secret Look Arthur Omar With work that takes in diverse media, including film, music, poetry, photography and book design, the Brazilian artist Arthur Omar offers a synthetic view of his image work. The program will include a screening of the film A Secret Look, in which he examines the nature of the photographic experience, and an anthology with clips from films and installations. Montage theory, anthropology and cognitive sciences intertwine in his deconstructive and reconstructive investigations. Sin reglas que romper / No Rules to Break Cine experimental suizo / Swiss Experimental Cinema Curado por / Curated by Como sucede en otros países, el cine experimental suizo se da a través de intermitencias en el tiempo, casi siempre realizado de forma aislada, muchas veces sin conexiones entre los cineastas y, por lo general, sin ayudas estatales. Una constante del cine experimental es la de realizar películas que van a contracorriente, es decir, contra lo “establecido” y “hegemónico”. Suiza carece de una tradición fuerte en dicho sector “como industria”, sin cineastas de renombre internacional, si dejamos de lado la figura de Jean-Luc Godard –ya que la mayor parte de su producción es de procedencia francesa–. Sin embargo, algunos nombres de otras disciplinas han logrado reconocimiento, pero sin vincularse con su nacionalidad, como Alberto Giacometti, o el recién desaparecido artista gráfico H. R. Giger, conocido por ser el diseñador de la criatura de Alien (Ridley Scott, 1979). En Austria, este esquema se repite ya que el país no es conocido por películas “comerciales” o de “narrativa” más clásica –exceptuando el caso de Michael Haneke–. Pero a diferencia de Suiza, sí cuentan con una amplia tradición en el experimental –no solo en el campo cinematográfico– y con un apoyo económico estatal importante para ello, así como con nombres destacados en el panorama internacional experimental; solo por citar algunos ejemplos: Kurt Kren, Peter Kubelka, VALIE EXPORT o Peter Tscherkassky. Podríamos añadir que en dicho país existen pautas marcadas –aunque no impuestas– en la forma de abordar una obra en el campo experimental, que lle- As in other countries, Swiss experimental cinema occurs intermittently and is almost always made in isolation, sometimes without connections among filmmakers and generally without state funding. One constant of experimental cinema is to make films that go against the mainstream, what is ‘established’ or ‘hegemonic’. Switzerland lacks a strong tradition in this sector–as an industry–, without internationally-known filmmakers, aside from the figure of Jean-Luc Godard (most of his work being of French origin.) It is also the case that some names from other disciplines are very well-known, but their nationality ignored. Here we find such examples as Alberto Giacometti, or the recently-deceased graphic artist H.R. Giger, better known as the designer of the creature from Alien (Ridley Scott, 1979). It could be said there is a similar situation in Austria, a country not renowned for ‘commercial’ or the most classical ‘narrative’ films–with the exception of Michael Haneke. But unlike Switzerland, there is a strong tradition in experimental film –not only in the cinematographic field–and there is considerable state funding for it. International names in international experimental film include Kurt Kren, Peter Kubelka, VALIE EXPORT and Peter Tscherkassky, to name just four. We could add that that in Austria there exist certain rules, suggested but not necessarily . 191 catálogo BIM 2014 Antoni Pinent va consigo toda la carga y tradición de los grandes nombres. En este contexto recala el título de este programa que hace referencia al panorama Suizo: Sin reglas que romper. Es decir, un constante (re)hacer, en el que los autores disponen de una mayor autonomía y libertad creativa por no tener que seguir normas “establecidas” ni en el campo del experimental ni contra lo estipulado por la industria. Algo que a veces hace más difícil la clasificación en movimientos y obliga a tomar a los autores como entidades o universos personales. De esta problemática surge la división del programa que se presenta en dos grandes bloques y remite a un criterio generacional más que temático, pero en el que se puede aprehender mejor el contexto de dichas piezas. Desde mediados de la década de 1960, Suiza experimentó un cierto reconocimiento fuera de sus fronteras con el llamado Nuevo Cine Suizo, y los cineastas mantuvieron encuentros y foros, como el del Ciné Circus, y conocidos festivales, como el de Solothurn; algunos de estos eventos o espacios se establecieron como plataformas para muchos de ellos que pudieron mostrar sus trabajos dentro de su país. Pero poco se sabe de la escena suiza dentro de una red internacional en los años previos al descubrimiento del Nuevo Cine Suizo y el de Europa. Los jóvenes cineastas suizos que experimentaban con el medio cinematográfico, realizaban su peregrinaje en auto hasta el Festival Internacional de Cine de Knokke-le-Zoute (Bélgica), Mannheim y Oberhausen (ambos en Alemania) para estar al día sobre lo que se hacía en el contexto internacional y para organizar sus propios eventos de cine. Algunos de estos cineastas, presentes en este programa, son ya clásicos, como Hans-Jakob Siber y HHK Schoenherr, o de nuevas generaciones, como Ricardo da Silva y Gerd Gockell. La idea de establecer este proyecto con foco en Suiza, para la segunda edición de la Bienal de la Imagen en Movimiento, parte de mi incesante inquietud por descubrir, investigar y acercarme a este tipo 192 . Sin reglas que romper / No rules to break imposed, in the way the field of experimental film is approached, bringing with it all the weight and tradition of the big names. This is where the title of the No Rules to Break program comes in to play, referring to what we find in the Swiss perspective, namely a constant (re)making in which auteurs enjoy a greater autonomy and creative freedom from not having to follow ‘established’ norms, neither in the field of experimental film nor with regard to industry stipulations. This is something which is sometimes harder to classify in movements, forcing us to treat these filmmakers as personal universes or entities. This is why the program is divided into two major blocks, based more on generational than thematic lines, but in which it is possible to better understand the context of the pieces. It was in the mid 1960s that Switzerland received some recognition outside of its borders for what was called “New Swiss Cinema”, and filmmakers held some events and forums such as the Ciné Circus, as well as such renowned festivals as Solothurn. Some of these events or spaces served as a platform for many filmmakers in which they could show their work in their country. But little is known of the Swiss scene within the international network in the years prior to the discovery of ‘New Swiss Cinema’ and new European film. Those young Swiss filmmakers who experimented with the film medium made their pilgrimage by car to international film festivals in Knokkele-Zoute (Belgium), Mannheim and Oberhausen (both Germany) to keep up with international news, and to organize their own film events. Some of these filmmakers, present in this program, are now classics, such as Hans-Jakob Siber, HHK Schoenherr, or the new generation’s Ricardo da Silva and Gerd Gockell. My interesting in outlining this project with a focus on Switzerland for the second edition of the Buenos Aires Antoni Pinent (España, 1975) es un film curator, programador, productor y realizador experimental, cuyo trabajo ha sido proyectado en diferentes cinematecas, centros culturales y museos, como el MoMA de San Francisco (2012). Algunos de sus films precedentes son: Gioconda / Film (1999), Música visual en vertical (1999-2000), entre otros, y la trilogía Film quartet, que comprende G/R/E/ A/S/E (2008-2013), Kinosturm Kubelka / 16 variaciones (2009) y Film Quartet / Polyframe (2006-2008), este último premiado en varios festivales. Ha recibido el premio de la II Bienal del Museum of Contemporary Cinema (MoCC, Nueva York-París-Madrid) en noviembre de 2008. Agradecimientos del curador para Fred Truniger y Ricardo da Silva por su enorme generosidad al descubrirme ciertas obras y el acceso a ellas. Biennale of the Moving Image (November 2014) stemmed from my incessant need to discover, investigate and know more –somehow– about this type of cinema, previously unknown to me, with the added factor that it is the place where I have lived for a little over three years. For these reasons, not just because of its geographical proximity, but because after a few discoveries and the glimmer of certain classic works, I felt like I had to share them with my peers and with a wider audience further afield, to present a small portion of the films and film heritage made in my host country. At the same time, this has allowed me during my research in putting together the program to meet first hand some of the community’s artists and better understand the context in which such works were made, whether by artists like Peter Fischli and David Weiss, creators of the celebrated Der Lauf de Dinge (The Way Things Go) (1987) included in the program; or filmmakers of greater importance on the scene, such as Peter Liechti –having passed away on April 2012– and his well known collaborations with the artist and performer Roman Signer. Antoni Pinent (Spain. 1975). Film curator, programmer, producer and experimental filmmaker whose work has been screened at film festivals, cinemateques and museums worldwide. His previous films were gioconda / film (1999), among others; and the Film quartet trilogy including Film Quartet / Polyframe (2006-2008), Kinosturm Kubelka / 16 variaciones & G/R/ E/A/S/E (2008-2013). He received the II Biennale Award from Museum of Contemporary Cinema (MoCC, New York-Paris-Madrid) in 2008. The curator is grateful to Fred Truniger and Ricardo da Silva for their enormous generosity in drawing my attention to certain works and making them available to me. . 193 catálogo BIM 2014 de cine desconocido antes por mí, con el componente añadido de ser el lugar en el que resido desde hace más de tres años. Después de algunos descubrimientos y destellos de ciertas obras clásicas, me sentí obligado por el deseo de compartirlos con otros colegas –y audiencias más amplias y lejanas–para así dar a conocer una pequeña porción de la cinematografía y patrimonio de mi país de acogida. Cosa que, a la vez, me ha permitido, durante la investigación para armar el programa, conocer de primera mano a algunos de los artífices de la comunidad así como entender mejor el contexto en el que fueron hechas las obras, ya fueran provenientes de artistas como Peter Fischli & David Weiss, autores de la célebre Der lauf de dinge (The Way Things Go) (1987) incluida en el programa; o cineastas con un calado más profundo en la escena cinematográfica como Peter Liechti –desaparecido recientemente en abril 2014– y sus conocidas colaboraciones con el artista y performer Roman Signer. Programa / Programme 1 Clásicos seleccionados / Selected Classics Hinweisaktionen / Nota acciones / Note Actions HHK Schoenherr Suiza / Switzerland | 1970 4’ | 16 mm | ByN / B&W | Muda (con intertítulos en alemán) / Silent (with German captions) Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Congregación en Oberhausen en la que se llevan a cabo una serie de acciones siempre en torno al celuloide como sujeto omnipresente. Congregation in Oberhausen, in which a series of actions are carried out, always with the celluloid as omnipresent subject. HHK Schoenherr nació el 27 de noviembre de 1936 en Nordhausen (Turingia, Alemania) y murió en marzo de 2014 en Río de Janeiro (fecha exacta desconocida). Desde 1963 vivió en Zúrich. Asistió a la Academia de Bellas Artes de Hamburgo. En 1966 comenzaron sus trabajos como cineasta independiente. Se ve a sí mismo como uno de los defensores más consistentes del cine experimental en Suiza. Fue editor asociado de Supervisuell, en la que trabajó en seis números entre 1968 y 1970. Se han hecho tres retrospectivas de su obra: Centre Georges Pompidou (1979), París; Centre Culturelle Suisse (1985), París; Anthology Film Archives, Nueva York (1991). HHK Schoenherr was born on 27th Novemeber 1936 in Nordhausen (Thuringia, Germany) and died in March 2014 in Rio de Janeiro (exact date unknown). Lived since 1963 in Zurich. He attended the Academy of Fine Arts in Hamburg. Since 1966, he is an independent filmmaker. Sees itself as one of the most consistent advocate of experimental film in Switzerland. Associate Editor of Supervisuell (from 1968 to 1970 and 6 issues published). His work had a retrospective carried on at the Centre Georges Pompidou (1979) Paris; Centre Culturelle Suisse (1985), , Paris; Anthology Film Archives, New York (1991) Allah / Alá / Allah Renzo Schraner Suiza / Switzerland | 1967 14’ | 16 mm | Color | Sonido magnético / magnetic sound Proyección / Screening: 16 mm Alá es un collage de lugares comunes de la vida cotidiana, agresiva y muy rica a nivel formal. Editada por Renzo Schraner como una rebelión personal, esta película muestra la reunión entre Kennedy y el papa; el ascenso al cielo, o más bien la puesta en órbita, y la vuelta a la Tierra. Con humor y coherencia, el autor somete a la sociedad de consumo de la década de 1960 a una crítica mordaz. 194 . Sin reglas que romper / No rules to break Allah is a collage of platitudes about everyday life, aggressive and very rich in terms of form. Edited by Renzo Schrader as a personal rebellion, this film shows the meeting between Kennedy and the Pope. The ascension to heaven, or rather in the orbit and return to Earth. With humour and coherence, the author produces a biting critique of 1960s’ consumer society. Renzo Schraner nació en 1946 y murió en 1969 (fecha exacta desconocida). Se formó en la Escuela de Zúrich como ilustrador científico, donde aprendió probablemente con Fredi Murer a realizar films en formato Super 8. Luego trabajó en el Instituto de Zoología de la Universidad de Zúrich hasta que se suicidó en 1969. Es protagonista en Les débordants 1962-1988 - Le film du cinéma suisse (1991) de Jürg Hassler. Renzo Schraner was born in 1946 and died in 1969 (unknown exact dates). He received training in the School of Zurich as a scientific illustrator, where he learned, probably with the assistance of Fredi Murer, to make Super 8 films. Afterwards, he worked in the Institute of Zoology at the University of Zurich until the moment he committed suicide in 1969. He starred in Les débordants 19621988 - Le film du cinéma suisse (1991) by Jürg Hassler. Status Symbol / Símbolo de estatus Sebastian C. Schroeder Suiza / Switzerland | 1970 2’ | 16 mm | Color | Sonido magnético / magnetic sound Proyección / Screening: 16 mm El tren de lavado de coches como espectáculo estético que le ofrece al automóvil un momento de lo irreal. Una nota sobre un símbolo de estatus burlado. The car wash installation as aesthetic spectacle, which provides the automobile with one moment of the unreal. A note on a taunted status symbol. Sebastian C. Schroeder nació en Berlín en 1939 (fecha exacta desconocida) y desde el año 1959 está asentado en Zúrich. Es arquitecto, graduado en ETH. Trabajó como cineasta autodidacta, con largas y diversas estancias en los Estados Unidos. Entre 1974 y 1977 escribió varios artículos cortos para Fernsehen DRS. Trabajó, entre otras cosas, como camarógrafo para la cineasta June Kovach (1932-2010). Sebastian C. Schroeder was born in Berlin in 1939 (exact date unknown) and from 1959 on he is settled in Zurich. He is an architect, graduated in ETH. Worked as a selftaught filmmaker, with long and diverse stays in the United States. Between 1974 and 1977 he wrote several short articles for Fernsehen DRS. He worked, among other activities, as a cameraman for filmmaker June Kovach (1932-2010). Jalousie / Persiana / Window Blind Hans-Jakob Siber Obra realizada sin cámara, de elementos abstractos con base opaca, acompañada rítmicamente por una frenética música de Mani Neumeier que marca su intensidad visual y de pura sincronía. Imagen y sonido cabalgan unidos. A piece made entirely without a camera, with abstract elements with an opaque base, accompanied rhythmically by the frenzied music of Mani Neumeier, marking visual intensity and pure synchrony. Image and sound gallop as one. . 195 catálogo BIM 2014 Suiza / Switzerland | 1967 10’ | 16 mm | Color | Sonido magnético / magnetic sound Proyección / Screening: 16 mm Hans-Jakob Siber nació en 1942 (fecha exacta desconocida). Vive en Aathal, Suiza. Fundador y director del FilmForums Jungen Schweizer Films y cofundador de Ciné Circus. Es, además, fundador y director del Museo de los Dinosaurios en Aathal en Zúrich. Comenzó la escuela y luego su diplomatura en Zúrich, pero finalmente emigró a Estados Unidos, donde terminó su carrera en teatro y cine en la Universidad Estatal de Montana. Regresó a Suiza y fundó junto con su padre y su hermano Hans Edward la empresa Siber + Siber, especializada en la negociación de minerales y fósiles. Entre 1968 y 1972 se desarrolló como director de cine experimental. Finalmente encontró su vocación en la historia del mundo de los animales de épocas pasadas, se sumergió en la literatura de los fósiles y luego comenzó sus propias excavaciones. Hans-Jakob Siber, born in 1942 (exact date unknown), lives in Aathal, Switzerland. He is founder and head of FilmForums “Jungen Schweizer Films” and co-founder of Ciné Circus. He is also founder and director of the Museum of the Dinosaurs in Aathal in Zurich. He started the school and after his graduation in Zurich he emigrated to United States where he finished a course on drama and cinema at the State University of Montana. He went back to Switzerland and founded, together with his father and his brother Hans Edward, the firm Siber + Siber, specialized in trading minerals and fossils. Between 1968 and 1972 he became an experimental filmmaker. In the last years, he found his professional calling in the history of the animal kingdom, he dived into fossil literature and started his own diggings. 1/68 Dinge / 1/68 Cosas / 1/68 Things Werner von Mutzenbecher Suiza / Switzerland | 1968 8’ | 16 mm | ByN / B&W | Muda / Silent Proyección / Screening: 16 mm Las calles, las casas, las estructuras (parches, rejillas, piezas de arquitectura, ventanas, etcétera) –interiores, puertas, ventanas, escaleras, esquinas, objetos, fragmentos de rostros, las manos, los primeros planos, etcétera–, una película sobre los objetos (tazas, muñecas, grifos, tubos de pintura, etcétera). Werner von Mutzenbecher nació en 1937 en Fráncfort del Meno (fecha exacta desconocida). Comenzó sus estudios en las escuelas de Riehen y Basilea. Entre 1956 y 1957 estudió alemán y filosofía en la Facultad de Humanidades de la Universidad de Basilea. Entre 1957 y 1960 se formó en dibujo en la clase general de pintura en la Escuela de Artes de Basilea. Estudió en la Cité Internationale des Arts, París, entre 1967 y 1968 y luego en el Instituto Suizo en Roma (1970-1971). Entre 1966 y 1978 traba196 . Sin reglas que romper / No rules to break Streets, houses, structures (pavement, grates, pieces of architecture, windows etc.) – interiors, doors, windows, stairs, corners, objects, fragments of faces, hand, close-ups, etc. – a film about objects (cups, dolls, taps, tubes of paint, etc.) Werner von Mutzenbecher was born in 1937 (exact date unknown) in Frankfurt am Main. He started his studies in several schools in Riehan and Basel. Between 1956 and 1957, he studied German and phillosophy at the Facultry of Humanities in the University of Basel. He studied in the Cité Internacional des Arts in Paris, between 1967 and 1968, and then in the Swiss Institute in Rome (1970-1971). Between 1966 and 1978 he worked during nighttimes in the post office. In 1977 he was ap- jó durante las noches en la oficina de correos. En 1977 fue nombrado comisario interino de la Kunsthalle de Basilea. De 1973 a 1987 se desempeñó como docente en la Escuela de Diseño de la misma ciudad. Entre 1987 y 2000 trabajó como Jefe de la clase para el diseño artístico libre (clase de pintura) en la Escuela de Diseño de Basilea. Vive y trabaja en Basilea. pointed temporary head of the Kunsthalle in Basel. From 1973 to 1987 he lectured in the Design School of the same city. And between 1987 and 2000 he worked as Professor in charge of the class for free artistic design (patinting lessons) in the Design School of Basel. He lives and works in Basel. Spiegelei / Frito / Fried Issa Hesse-Rabinovitch Suiza / Switzerland | 1969 7’ | 16 mm | ByN / B&W | Sonido magnético / Magnetic sound Proyección / Screening: 16 mm Juego abstracto con las reflexiones naturalistas en las lagunas de Venecia y en el lago de Zúrich. Ninguna imagen de esta película ha sido manipulada cinematográficamente. Guy Magey compuso la partitura musical especialmente para esta serie de imágenes (Catálogo del Swiss Films Center 1972). Abstract play with naturalistic reflections in the lagoons of Venice and in Lake Zurich. No pictures of this film have been manipulated filmically. Guy Magey composed the musical score especially for this series of images. (Catalogue of the Swiss Film Center 1972) Isa Hesse-Rabinovitch nació en Zúrich en 1917 y murió en el 2003 (fechas exactas desconocidas). Se formó como diseñadora gráfica e ilustradora. Realizó reportajes en Wort und Bild. Su aprendizaje se completó de manera autodidacta en la fotografía y además trabajó para la Televisión SuizoAlemana. Isa Hesse-Rabinovich was born in 1917 in Zurich and died in 2003 (exact dates unknown). She has completed training as graphic designer and illustrator. She carries on interviews for Wort un Bild. She advanced a self-taught learning in photography and also worked for the Swiss-German TV. Anamorphosis / Anamorfosis Haas Guido Película abstracta de la música de un reproductor esraj indio. Filmada en láminas en color que giran con la ayuda de un tocadiscos. Abstract film of the music of an Indian esraj player. Filmed in coloured plates that spin with the help of a record player. Guido Haas (Berna, 8 de noviembre de 1931) es pintor y cineasta. Estudió con Guido Haas was born in Berna, 8th november 1931. He is a painter and . 197 catálogo BIM 2014 Suiza / Switzerland | 1967 5’ | 16 mm | Color | Sonora / Sound Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Fernand Léger entre 1951 y 1952. Recibió la Beca Federal de las Artes en 1958, 1959 y 1961. A partir de 1958 se dedicó a la producción y dirección de cine experimental abstracto. Vive en el campo cerca de Bremgarten (Berna). a filmmaker. He studied with Fernand Léger between 1951 and 1952. He received the Federal Scholarship for the Arts in 1958, 1959 y 1961. From 1958 on he devoted himself to production and direction of experimental abstract films. He lives in the countryside close to Bremgarten (Bern). Senkrecht / Waagrecht | Vertical / Horizontal Peter Liechti Suiza / Switzerland | 1985 5’ | Super 8 (Blow Up 16 mm) | Color | Sonora / Sound Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Las performances artísticas de Roman Signer se pueden concebir como el tiempo y el espacio de modelado. Vertical / Horizontal desarrolla este contraste con la música de la voz de la grieta en su primera colaboración con Liechti. Roman Signer’s art performances can be conceived as time and space modelling. Vertical/Horizontal develops this contrast with Voice Crack’s music in their first collaboration with Liechti. Peter Liechti nació en 1951 (St. Gallen, Suiza) y murió en 2014 (4 de abril, Zúrich). Se graduó como docente de dibujo y educación artística en la Kunstgewerbeschule de Zúrich. Entre 1971 y 1979 estudió historia del arte en la Universidad de Zúrich. Se dedicó de forma independiente a la docencia de historia del arte y de dibujo. En 1985 cofundó el KinoKin en St. Gallen. Entre 1986 y el 2014 trabajó como guionista independiente, director, camarógrafo, productor y como profesor invitado en diferentes escuelas de cine en Suiza y Alemania. Sus obras se han presentado en numerosas retrospectivas alrededor del mundo. En el año 2009 recibió el Premio Europeo de Cine por The Sound Of Insects - Record Of A Mummy (2009). En el año 2010 recibió el Premio Cultural del St. Gallen y el Premio de Arte de Zúrich. En el 2014 su película Father’s Garden - The love of my parents (2013), fue condecorada con el Premio Suizo de Cine al Mejor Film Documental y Mejor Edición. Peter Liechti was born in 1951 (St. Gallen, Switzerland) and died in 2014 (April 4th, in Zurich). He attained a degree as teacher of drawing and art education from Kunstgewerbeschule Zurich. From 1971 to 1979 he studied art history at the University of Zurich. He held independent teaching positions in art history and drawing. In 1985, he became co-founder of KinoK in St. Gallen. From 1986 to 2014. he worked as independent screenwriter, director, cameraman and producer and as a guest lecturer at film schools in Switzerland and Germany. His works are presented in numerous retrospectives around the world. In 2009, he received the European Film Award for The Sound Of Insects - Record Of A Mummy (2009). In 2010 he received the St. Gallen Culture Award and the Zurich Art Award. In 2014 his film Father’s Garden - The love of my parents (2013), is honoured with the Swiss Film Award for Best Documentary Film and Best Editing. 198 . Sin reglas que romper / No rules to break Der lauf de dinge / The Way Things Go / Así van las cosas Peter Fischli & David Weiss Suiza / Switzerland | 1987 30’ | 16mm | Color | Sonora / Sound Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Peter Fischli nació el 8 de junio de 1952 y David Weiss el 21 de junio de 1946. Muchas veces se los presenta con la forma abreviada Fischli/Weiss ya que es un dúo artístico que ha estado colaborando desde 1979. Se encuentran entre de los más reconocidos artistas contemporáneos de Suiza. Su trabajo más conocido es la película Der Lauf der Dinge (The Way Things Go, 1987), descrito por el diario The Guardian como “postapocalíptica” ya que involucra reacciones en cadena y una visión sobre la forma en que los objetos fluyen, colisionan y estallan por el estudio en el que se filmó. Fischli vive y trabaja en Zúrich, Weiss falleció el 27 de abril de 2012. This experimental artistic set-up with very mundane everyday objects is a chain reaction, a controlled happening based on the laws of physics and chemistry, on the inevitability and chance inherent in a precarious situation that might also be termed an ‘order of fluctuations’. The camera itself, fascinated, observes an event ‘taking its course’ and documents a half-hour process with (practically) no edits. Fischli & Weiss’s piece was an audience favourite at the ‘Documenta 8’ in Kassel. Peter Fischli, was born 8th June in 1952 and David Weiss, born 21st in June 1946. Often shortened to Fischli/Weiss, they were an artist duo that had been collaborating since 1979. They were among the most renowned contemporary artists of Switzerland. Their best-known work is the film Der Lauf der Dinge (The Way Things Go, 1987), described by The Guardian as being “post apocalyptic”, as it concerned chain reactions and the ways in which objects flew, crashed and exploded across the studio in which it was shot. Fischli lives and works in Zurich; Weiss died on 27 April 2012. . 199 catálogo BIM 2014 Esta instalación artística experimental con objetos cotidianos muy mundanos es una reacción en cadena, un acontecimiento controlado basado en las leyes de la física y la química, en la inevitabilidad y el azar inherente a una situación de inseguridad que podría denominarse un “orden de las fluctuaciones”. La cámara en sí, fascinada, observa un evento que –sigue su curso– y documenta un proceso de media hora (casi) sin montaje. La obra de Fischli y Weiss resultó ser una de las favoritas del público en la Documenta 8 de Kassel. Programa / Programme 2 Sección Contemporáneos / Section Contemporaries 30 Sekunden Schweiz / Switzerland in 30 seconds / Suiza en 30 segundos Chris Niemeyer Suiza / Switzerland | 2005 1’ | Digital | Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Una cámara escondida filma coches que pasan y suma su valor astronómico. A hidden camera films cars driving past and adds up their astronomical value. Chris Niemeyer nació en 1973 en Zúrich. Entre 1992 y 1994 cursó en la Universidad del Cine en Buenos Aires. Entre 1994 y 1999 cursó en el Departamento de Cine y Video del HGKZ (Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich), donde se graduó en 1999. En el año 2003 se constituyó en uno de los miembros fundadores de Plan B Film GMBH. Trabaja como director y productor. Ganó el Premio de Cine Suizo Quartz 2010, al mejor Corto por Las pelotas (2009). Chris Niemeyer was born in 1973 in Zurich. Between 1992 and 1994, he attended Universidad del Cine in Buenos Aires. Between 1994 and 1999, he attended the Film and Video Department in HGKZ (Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich). In 1999, he received a degree from HGKZ. During 2003 he turned a founding member of Plan B Film GmbH. He works as director and producer. He received the Swiss Film Prize “Quartz 2010”, Best Short Film for Las Pelotas (2009). Der den Rasen mäht / Cortar el césped / Mowing the Lawn Bernhard Zitz Suiza / Switzerland | 2009 12’ | Super 8 TriX | ByN / B&W | Sonido / Sound | Sin diálogos / Without dialogue Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Exploración espacial y arquitectónica hecha a través de una edición sincopada de trabajo analítico. Mediante el uso de las posibilidades técnicas de las cámaras de Super 8, esta película captura un paseo arquitectónico inusual a través de paisajes urbanos y naturales. Spatial and architectural exploration made through syncopated editing of analytical work. Using the technical possibilities of Super 8mm cameras, this film captures an unusual architectural promenade through urban and natural landscapes. Bernhard Zitz nació en 1976 en Fribourg, Suiza. Obtuvo su título en el año 2003 en el Departamento de Cine del ECAL de Lausana. Recibió una beca del Cantón de Friburgo para realizar una residencia de seis Bernhard Zitz was born in 1976 in Fribourg, Switzerland. He received a degree in 2003 from the Film Department of ECAL Lausanne. In 2005, he got a bursary from the 200 . Sin reglas que romper / No rules to break meses en Berlín en el transcurso del 2005. En la residencia se filmó la mayor parte de Der den Razen mäht (2009). En esa época también realizó muchos videos musicales, películas experimentales, largometrajes y videoinstalaciones. Desde el año 2001 trabaja como técnico de sonido y diseñador de sonido para películas, conciertos y teatro. Hizo diferentes proyectos de música electrónica y experimental y grabaciones de campo de sonido natural como, por ejemplo, Bernardo Zitto con Roberto Splendini. Vivió y trabajó en Bruselas, Berlín y Zúrich, y en 2012 regresó a Friburgo, donde vive y trabaja. Canton Fribourg for a six-month residence in Berlin, where most of Der den Razen mäht (2009) was shot. He created here several music-videos, experimental films and feature films, and also videoinstallations. Between 2001 and 2015 he worked as sound technician and sound designer for movies, concert venues and theatre. He started making experimental and electronic music and fieldrecordings with different projects, for example as Bernardo Zitto with Roberto Splendini. He lived and worked in Bruxelles, Berlin and Zurich, and was back in Fribourg since 2012. At the moment, he is living and working in Fribourg, Switzerland Plug & Play Michael Frei Criaturas antropoides con enchufes en lugar de cabezas están haciendo travesuras. En lugar de rendirse ante los dictados del dedo levantado, pronto se someten a sí mismos. Pero los dedos también toquetean. ¿Es amor? Anthropoid creatures with plugs in place of heads are up to mischief. Instead of giving in to the dictates of the raised finger, they soon submit to themselves. But the fingers also finger around. Is it love? Michael Frei nació en 1987 en Appelzell, Suiza. Entre el año 2002 y el 2006 fue aprendiz de dibujante técnico. Entre el 2008 y el 2012 asistió al departamento de animación del instituto HSLU (Hochschule Luzern, Design & Kunst), entre el 2010 y el 2011 hizo un año de intercambio en la Academia Estonia de Arte en Tallin. Michael Frei born in 1987 in Appenzell, Switzerland. From 2002 and 2006 he was apprenticeship as draftsman. Between 2008 and 2012 he attended the Animation Department in HSLU (Hochschule Luzern, Design & Kunst). From 2010 and 2011 he went on exchange year at the Estonian Academy of Art in Tallinn. . 201 catálogo BIM 2014 Suiza / Switzerland | 2013 6’ | Digital | ByN / B&W | Sonora / Sound | Animación / Animation Proyección / Screening: Archivo digital / digital video file Restored Weekend / Fin de semana restaurado Gerd Gockell-Kirsten Winter Suiza / Switzerland | 2004 5’ | 35 mm | Color | Música de Walter Ruttmann (de 1930) / Music by Walter Ruttmann (from 1930) | Animación / Animation Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Un falso descubrimiento basado en la obra de radio Fin de semana de Walter Ruttmann de 1930 –el primer collage sonoro abstracto–. Concebido originalmente como un collage sonoro con proyección simultánea de película negra, en su versión “restaurada”, la película documenta las huellas del tiempo. La cuestión de si Walter Ruttmann pensó o no en añadir imágenes a su collage sonoro sigue abierta. Gerd Gockell nació en 1960 en Darmstadt, Alemania. Entre 1981 y 1987 estudió diseño gráfico y cine en el HBK (Hochschule für Bildende Künste) de Braunschweig. Trabajó como animador freelance para el Hessische Rundfunk de Frankfurt. En 1988 se mudó a Londres y produjo varios cortos animados. En 1990 regresó a Hanover, donde fue cofundador del Anigraf Filmproduktion. Desde 1992 enseña animación experimental en la HBK. En el 2000 obtuvo el cargo de profesor invitado en el departamento de animación en el Kunsthochschule Kassel. Entre el 2002 y el 2012 fue director del Departamento de Animación en el HGK (Hochschule für Gestaltung un Kunst) de Lucerna. Kirsten Winter nació en 1962 en Hanover, Alemania. Entre 1981 y 1987 estudió diseño gráfico en el HBK (Colegio de Bellas Artes y Diseño) de Braunschweig. Fue fotógrafa freelance y animadora mientras estaba en la universidad. En 1990 fundó la productora Anigraf Filmproduktion. Desde el 2004 es profesora en el Instituto de Artes de California en Los Ángeles (CalArts), Estados Unidos. 202 . Sin reglas que romper / No rules to break A false discovery based on Walter Ruttmann’s audio play Weekend from 1930 – the first ever abstract Sound Collage. Conceived originally as a sound collage with simultaneous projection of black film, in the “restored” version the film documents the traces of time. The question whether Walter Ruttmann ever thought about adding images to his sound collage remains open. Gerd Gockell was born in 1960 in Darmstadt, Germany. Between 1981 and 1987, he studied Graphic Design and Film at the HBK (Hochschule für Bildende Künste) Braunschweig. Worked as a freelance animator for the Hessische Rundfunk in Frankfurt. 1988 Moves to London and produces several short animation films. 1990 Back in Hanover, co-founder of Anigraf Filmproduktion. Since 1992 he teaches experimental animation at the HBK. In 2000 became a visiting professor in the animation department at the Kunsthochschule Kassel. 200212 Head of Animation Department at the HGK (Hochschule für Gestaltung und Kunst), Luzern. Kirsten Winter born in 1962 in Hanover, Germany (exact date unknown). Between 1981 and 1987 he studied graphic design at the HBK (College of Fine Arts and Design) Braunschweig. Freelance photographer and animator while at college. In 1990 he founded Anigraf Filmproduktion. Since 2004 he is lecturer at the California Institute of the Arts in Los Angeles (CalArts), USA. Optical Percussion / Percusión óptica Gerd Gockell Suiza - Alemania / Switzerland - Germany | 2008 5’ | 35 mm | Color | Sonora (sin diálogos) / Sound (without dialogue) | Animación / Animation Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file La tercera parte de una trilogía de reconstrucciones ficticias. En 1937, Oskar Fischinger y el entonces desconocido John Cage se reunieron en Los Ángeles para desarrollar un proyecto de película con una música compuesta por Cage. Debido a un accidente, este proyecto nunca se realizó, pero las ideas de Fischinger sobre el sonido tuvieron una influencia profunda en la obra posterior de Cage como compositor. Si esta reconstrucción se acerca a Fischinger y Cage, la intención sigue abierta. The third part of a trilogy of fictitious reconstructions. In 1937 Oskar Fischinger and the then unknown John Cage met in Los Angeles to develop a film project with music composed by Cage. Because of an accident this project has never been realized, but Fischinger’s ideas about sound deeply influenced Cage’s later work as a composer. Whether this reconstruction comes close to Fischinger’s and Cage’s intention remains open. Patch / Parche Gerd Gockell Suiza - Alemania / Switzerland - Germany | 2014 3’ | Digital | Color | Sonido (sin diálogos) / Sound (without dialogue) | Animación / Animation Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Un cortometraje experimental animado que utiliza pintura abstracta para explorar el campo de tensión entre la abstracción y lo reconocible. An experimental animated short film using abstract painting to explore the tension between abstraction and recognisability. The Course Of Things / El curso de las cosas Claude Piguet-Annelore Schneider El video utiliza el lenguaje de las películas para maniobrar e influir en nuestra interpretación de las imágenes e historias. Para ello, el collectif_fact ha registrado a diario a los visitantes del Museo de Historia Natural de Londres convirtiéndolos así en actores. El museo se transforma en un escenario y la vida cotidiana en un thriller llevado por la voz del maestro en este campo: Alfred Hitchcock. The video uses the language of films to manoeuvre and influence our interpretation of images and stories. To do so, the collectif_fact have recorded on a daily basis the visitors of the London Natural History Museum, turning them into actors. The museum is transformed into a stage and everyday life into a thriller, carried by the voice of the master in this field, Alfred Hitchcock. . 203 catálogo BIM 2014 Suiza / Switzerland | 2012 10’ | Digital | ByN / B&W | Sonora (v.o. inglés) / Sound (voiceover in English) Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Claude Piguet nació en 1977 en Suiza. Entre 1988 y 1999 estudió etnología, sociología y ciencias de la educación en la Universidad de Neuchâtel. Entre el 2002 y el 2005 estudió artes visuales. En el 2003 se graduó en Bellas Artes y Nuevos Medios en el HEAD (Haute École d’art et de design), en Ginebra. Entre el 2003 y el 2009 fue asistente en el Departamento de Artes/Medios en el HEAD de Ginebra. Annelore Schneider nació en 1979 en Suiza. En el 2003 se graduó en École Nationale Supérieure des Arts de París. En el 2005 obtuvo una maestría en Bellas Artes y Arte Contemporáneo en la Universidad de París. Entre el 2007 y el 2010 se desempeñó como profesor de multimedia en el EAA (École d’Art Appliqué) en Ginebra. Entre el 2007 y el 2009 fue corresponsable del curso de posgrado Immédiat en el HEAD (Haute École d’Art et de Design), de Ginebra. Entre el 2008 y el 2009 fue asistente del director de bellas artes en el ENSA-V (École Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles). Fue consejero de la maestría en Medios/Diseño y de la maestría en Arte en el HEAD de Ginebra. Desde el 2009 es profesor titular en este instituto. Claude Piguet born in 1977 in Switzerland. From 1988 to 1999 he studied ethnology, sociology and education sciences at the University of Neuchâtel. From 2002 to 2005 taught visual arts. 2003 Receives degree in fine arts, new media from HEAD (Haute école d’art et de design), Geneva. Between 2003 and 2009 he was assistant in the Art/Media department at HEAD-Genève. Since 2009 lecturer at HEAD-Genève. Annelore Schneider born in 1979 in Switzerland. In 2003 received degree from École Nationale Supérieure des Arts, in Paris. In 2005, he got the degree Master of fine arts and contemporary art from University of Paris. Between 2007 and 2010 he lectured about multimedia at the EAA (École d’Art Appliqué), Geneva. From 2007 to 2009 he was co-responsible for the postgraduate Immédiat at HEAD (Haute École d’Art et de Design), Geneva. Between 2008 and 2009 he was head assistant in fine arts at the ENSA-V (École Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles). Finally, he was advisor for the MA in Media/Design and MA in Art at HEADGenève. 27 years / 27 años Raymond Höpflinger Suiza / Switzerland | 2008 2’ | Beta SP | Color | Sonido / Sound | Sin diálogos / Without dialogue | Animación | Animation Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Retratos de una persona, tomados cada mes en máquinas de fotos públicas durante 27 años, se animan en una película. A person’s portraits taken every month at public photo machines during 27 years are animated into a film. Raymond Höpflinger nació en Zúrich en 1950. Estudió arte y cine en la Academia de las Artes de Dusseldorf, en la École des Beaux-Arts de París y en la Universidad de París VIII. Recibió un título de maestría del SAIC (School of The Art Institute de Chicago). Desde 1985 se desempeña como ar- Raymond Höpflinger born in Zurich in 1950 (exact date unknown). Studied art and film at the Academy of Arts, Düsseldorf, at the École des Beaux-Arts Paris and Université Paris VIII. Received MFA from SAIC (School of The Art Institute of Chica- 204 . Sin reglas que romper / No rules to break tista, profesor de arte y realizador cinematográfico en Suiza, Japón, Brasil y Canadá. Sus películas han sido presentadas en galerías, museos y festivales y en televisión. go). Since 1985 Artist, art teacher and filmmaker in Switzerland, Japan, Brazil and Canada. His films have been presented in galleries, museums, at festivals and on television. Ping Pong Rafael Sommerhalder Suiza / Switzerland | 2013 30’’ | Digital | Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file ¡Ping Pong! Ping Pong! Rafael Sommerhalder nació en 1974 en Zúrich, Suiza. Entre 1996 y el 2000 asistió al Departamento de Cine del ECAL (École Cantonale d’Art de Lausana). En el año 2000 recibió un título en dirección de cine del ECAL. Desde el 2000 se desempeña como director independiente. En el 2009 obtuvo una maestría del Royal College of Art de Londres. Rafael Sommerhalder born in 1974 in Zurich, Switzerland. Between 1996 and 2000 he attended the ECAL (École Cantonale d’Art de Lausanne), cinema department. In 2000 he attained a degree in direction from the ECAL. Since 2000 he works as independent director. In 2009 he attained a MA in animation from the Royal College of Art London. Microbend / Microcurvatura moju Colaboración entre el videoartista Michel Pennec y el compositor polaco y performer sonoro Zbigniew Karkowky. Viaje a través de los paisajes desolados y las industrias en descomposición. Collaboration between video artist Michel Pennec and Polish composer and sound performer Zbigniew Karkowky. Journey through desolate landscapes and derelict industries. moju. Vive y trabaja en Lausana, Suiza. El nombre artístico Moniker Moju proviene del título original de la novela del escritor japonés Edogawa Rampo Blind Beast. Participa de la escena experimental/ de ruidos naturales/ y de música under desde mediados de la década de 1980. Comenzó a realizar videos con 2 VCR a fines de la década de 1990, luego de ver mucha TV y películas bizarras, usando material de ar- moju. Living and working in Lausanne, Switzerland. Moniker Moju comes from the original title of japanese writer Edogawa Rampo’s novel Blind Beast. Follows experimental / noise / underground music scene since mid 80’s. Started videos with 2 VCRs late 90’s after watching to much TV & weird movies, using TV & movie footage. Then bought a camera and started shooting his own im. 205 catálogo BIM 2014 Suiza / Switzerland | 2005 12’ | Digital | ByN / B&W | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file chivo de televisión y cine. Posteriormente se compró una cámara y comenzó a capturar sus propias imágenes. Sin estar al tanto de las posibilidades técnicas de las computadoras, trabajó siguiendo sus propios sentimientos, con baja fidelidad (lo-fi) y tan rápido como podía, cuando se sentía inclinado a ello y dependiendo de los músicos con los que se cruzaba. No se considera a sí mismo un artista. Sus creaciones de video están conectadas 100% con la música y no contienen ningún mensaje, al menos no hay un mensaje intencionado en su creación. Cada uno tiene libertad para dar su propia interpretación. Ahora se focaliza más en grabar conciertos en vivo, pero en breve aparecerán nuevas creaciones. Para sostenerse económicamente, maneja una librería under independiente. ages. Not at all concerned with the technical possibilities of computers, works following his feelings and as lo-fi and quick as possible, when he feels like it and depending on the musicians he meets. Doesn’t consider himself as an artist. His video creations are 100% connected with the music and contain no message, at least there’s no message intended when creating. Everyone is free to give his/her own interpretation. Now focuses more on shooting live concerts, but new creations will follow sooner or later. Runs an independent underground bookstore for a living. Definitions of Art / Definiciones de arte Yuri A.-R. Mond Suiza / Switzerland | 2004 5’ | 16 mm | Color | Sonido (v.o. inglés) / Sound (voiceover in English) Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Cinco personajes emergen de globos de nieve para dialogar sobre la definición de arte: un suizo sin ninguna relación con el arte queda mudo; un físicoculturista muestra sus músculos y hace un intento de explicar el arte, y una artista ciega, finalmente, se echa a reír cuando se da cuenta de que el arte solo existe como una definición. Cinco personas del “estado de arte”: 1. suizo, 2. culturista, 3. coleccionista de arte, 4. curador, 5. artista ciega. Yuri A. nació en Suiza en 1961. Estudió arte en San Pablo, Chicago y Tokio. 206 . Sin reglas que romper / No rules to break Five characters emerge from snow globes to discourse on the definition of art: a Swiss without any relation to art is speechless; a bodybuilder shows his muscles and makes an attempt to explain art; and a blind artist finally bursts out laughing as she realizes that art only exists as a definition. Five person’s “statement of art”: 1. Swiss, 2. Bodybuilder, 3. Art Collector, 4. Curator, 5. Blind Artist. Yuri A. Born in Switzerland in 1961. Studied art in Sao Paulo, Chicago and Tokyo. Proon Sara Tocchetti Suiza / Switzerland | 2010 4’ | 35 mm | Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Un par de tráilers tallados con un cúter, imagen tras imagen; la obsesión de volver a determinar la posibilidad visual de la pornografía de la corriente principal, el cuerpo de un “hombre” con la cabeza de una “Mujer” que chupa el culo de un trozo de “mujer”, ¡¡¡quimeras desordenadas!!! A pair of trailers carved by cutter, image after image, the obsession of redetermining the visual possibility of mainstream pornography, the body of a “man” with the head of a “Woman” sucking the ass of a piece of “Woman”, disordered chimeras!!! Sara Tocchetti. En primer lugar, ser humano con una vagina, luego educada de forma ambiental en la biología evolucionista (¿conocen el origen de la vida?) para finalmente darse cuenta de que las narraciones científicas teológicas no eran suficiente para explicar la vida (¡llantos!) y necesitaba de un par de otras cosas para darle sentido al caos reinante. Como persona esquizofrénica interesada en todas las cosas y todas las personas, intentó finalmente subvertir el problema de la femineidad a través de técnicas de laboratorio de disección modular con un cutter, caóticamente colapsadas, y representaciones pornográficas en formato de 35 mm. PROON es su primer cortometraje. Sara Tocchetti. First human being with a vagina, then environmentally educated as an evolutionary biologist (you know the origin of life!?) to finally realize scientific teleological narrations were not sufficient to explain life (sob!) and needed a bunch of other stuffs to make sense of the surrounding mess. Since schizo person interested in everything and everybody she eventually attempted to subvert the feminine problem with care by chaotically collapse laboratory techniques of modular dissection with a cutter and pornographic representations on 35 mm films. PROON is her first short film. U Yuri A. - R. Mond Los seres humanos contaminan. ¡Es un hecho! Pero más allá de las emisiones de gas, la destrucción de la capa de ozono o las mareas ennegrecidas, también está todo lo que se evacua de todos los orificios de nuestro cuerpo. El niño que nos acompaña en esta descriptiva y escatológica película proporciona el toque de humor necesario para establecer el contraste entre el motivo y la manera en que se presenta. Humans pollute. It is a fact! But beyond the gas emissions, the destruction of the ozone layer, or blackened tides, there is also all that is excreted from all the orifices of our bodies. The child who accompanies us in this scatologically descriptive film provides just the touch of humour necessary in establishing the contrast between the subject and the manner in which it is presented. . 207 catálogo BIM 2014 Suiza / Switzerland | 2002 4’ | 16 mm | Color | Sonido (v.o. inglés) / Sound (English voiceover) Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Station / Estación Christina Benz Suiza / Switzerland | 2008 3’ | DigiBeta | Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Un modelo de tren suizo hace sus rondas en medio de un paisaje de chocolate. Después de un tiempo, el paisaje comienza a derretirse. Casas, árboles y montañas colapsan. El viaje en tren es acompañado por una alegre música tradicional de acordeón. A Swiss model train makes its rounds in the midst of a chocolate landscape. After a while, the landscape starts to melt. Houses, trees and mountains collapse. The train journey is accompanied by cheerful traditional accordion music. Christina Benz (Zúrich, 1972). Entre 2000 y 2001 estudió en la Fundación de Arte y Diseño, del Chelsea College of Art and Design de Londres. Entre el 2001 y el 2004 cursó estudios de Bellas Artes en el St. Martins College de Londres. En el 2004 recibió un título de grado en la Universidad de Artes de Londres. Vive y trabaja en Zúrich. Desde el 2003 ha participado en exhibiciones individuales y grupales en Londres, Barcelona, Bruselas y Hamburgo. Christina Benz(Zurich, 1972). From 2000 to 2001 studied in the Foundation Studies in Art and Design, Chelsea College of Art and Design, London. Between 2001 and 2004 she studied Fine Art at St. Martins College in London. In 2004 she received a BFA from University of the Arts, London. Lives and works in Zurich. Since 2003 he is been taking part in group and solo exhibitions. TIQQUN Ricardo da Silva Suiza / Switzerland | 2008 5’ 20” | ByN / B&W - Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file La violencia ejercida contra los fetiches de la necrotopía del capital es el mayor acto consciente posible en las metrópolis. Esto es, apropiándonos del proceso productivo vital, nuestro conocimiento y MEMORIA, ganamos control sobre las partes de lo Real. NOSOTROS rechazamos la alucinación generalizada de los regímenes de producción de seducción. NOSOTROS creamos el imaginario por el delirio de la vida real y al inscribirlo en la complejidad del proceso insurreccional metropolitano para destruir el fetiche de la representación. The violence exerted against the fetishes of the Capital’s necrotropy is the largest conscious act possible in the metropolis. It is by appropriating the vital productive process, our knowledge and MEMORY, that we gain control over the parts of the Real. WE reject the widespread hallucination of the production regimes of seduction. WE create the imaginary by the delirium of real life and in making it part of the complexity of the metropolitan insurrection process to destroy the fetish of representation. Ricardo da Silva es artista de cine, compositor de música con ruidos, activista del Ricardo da Silva is a film performer, noise artist, a film-activist and a 208 . Sin reglas que romper / No rules to break founding member of the film collec tive CINE-NOISE, “a variable geom etry project involving sound artists and experimental film performers.” He tries “to bring noise music aes thetics into cinema and cinematics into noise music.” Being also curator in an independent movie theatre where he got his hands on 50s-era projectors and learned to project film, Da Silva developed a broad interest in cinema, particularly experimental. A lack of funds and a determination to create visual expe riences with scarce means, he col lects found footage from theaters forced to liquidate old stock as well as projectors, redeems and retransforms cultural and memorial al production, scratches the shiny surface of “politically correct”, “convention”, “beauty” and “art”. . 209 catálogo BIM 2014 cine y miembro fundacional del colectivo de cine CINE-NOISE, “un proyecto de geometría variable que involucra artistas de sonido y artistas de cine experimental”. Intenta “incorporar la estética de la música con ruido al cine y la cinematografía a la música con ruidos”. Como curador en una sala de cine independiente, donde pudo acceder a proyectores de la década de 1950 y aprendió a proyectar películas, Da Silva desarrolló un amplio interés en el cine, especialmente en el experimental. En un momento con escasos fondos y determinado a crear experiencias visuales con recursos escasos, junta material de archivo de salas de cine forzadas a deshacerse de viejos equipos, como proyectores. Reivindica y retransforma la producción cultural y de memoria, esbozando la superficie brillosa de lo “políticamente correcto”, “la convención”, “lo bello” y “el arte”. José Alejandro Restrepo Religión catódica. Teología-política y medios / Cathodic Religion. Theology-politics and media A partir de la historia reciente de Colombia, a partir del manejo de archivos y montajes se configura una reescritura de la(s) historia(s) a sabiendas de que la historia pertenece a la gramática, como decían los antiguos maestros de la retórica. Contrainterpretaciones de materiales de la televisión pública con la expectativa de que, en el momento menos pensado de la narrativa oficial, “salta la liebre” del mito, de lo intempestivo… Recorrido por casi quince años de investigación en video monocanal, instalaciones y performances. Relaciones entre teología y política, entre violencia sacrificial y violencia política, entre iconofilia e iconoclasia, la religión y los medios, todos ellos son asuntos muy presentes, tanto en acontecimientos explícitos como calladamente, en las bases teológicas del Estado laico. La guerra de las imágenes es un continuo e ininterrumpido trabajo desde la suplantación del “ídolo” por la “imagen” hasta la combinación de todas las formas de lucha ideológica y política del capitalismo global. José Alejandro Restrepo (Bogotá, 1959) trabaja en videoarte desde 1987. Su campo de acción abarca videos monocanal, videoperformance y videoinstalación. Expone regularmente en el país y en el extranjero. Su actividad incluye la investigación y la docencia. Entre sus últimas participaciones están: Bienal de la Ha210 . Religión catódica / Cathodic Religion Video program and video installations with artist commentary History and histories are rewritten using archives and montages and Colombia’s recent history as a starting point, in the knowledge that history belongs to grammar, as the old rhetoric masters used to say. Counter-interpretations of state television with the expectation that when one least expects it in the narrative, the myth will appear, in untimely fashion… An overview of nearly fifteen years of research into mono-channel video, installations and performances. Relationships between theology and politics, between sacrificial violence and political violence, between iconodulism and iconoclasm, religion and the media, subjects highly present in both explicit and tacit events, in the theological bases of the secular State. The war of images is a continuous, uninterrupted work, from the supplanting of the “idol” by the “image”, to the combination of all forms of ideological and political struggle of global capitalism. José Alejandro Restrepo (Bogotá, 1959) has been working in video art since 1987. His field of work includes mono-channel videos, video performance and video installation. Restrepo exhibits regularly in Colombia and abroad. His activities in- bana (1995 y 2000); 23ª Bienal Internacional de San Pablo (1996); The Sense of Place, Centro de Arte Reina Sofía (1998); Tempo, The Museum of Modern Art, MOMA QNS, Nueva York (2002); Entrelíneas, La Casa Encendida, Caja Madrid (2002); Big Sur, The Project, Los Ángeles (2002); Botánica Política, Sala Montcada, Fundación La Caixa, Barcelona (2002); Memory Lessons, Musée du Louvre, París, (2002); We Come in Peace... Histories of the Americas, Museo de Arte Contemporáneo de Montreal (2002); The Hours, Irish Museum of Modern Art, Dublin (2005); 52ª Bienal de Venecia (2007); Bienal de Mercosul, Porto Alegre (2011); Bienal de Lyon (2011) y Museo del Quai Branly (2013). clude research and teaching. He has participated at: Havana Biennale (1995 and 2000); 23rd São Paulo International Biennale (1996); The Sense of Place, Reina Sofía Art Centre (1998); Tempo, The Museum of Modern Art, MOMA QNS, New York (2002); Between the Lines, La Casa Encendida, Caja Madrid (2002); Big Sur, The Project, Los Angeles (2002); Botánica Política, Sala Montcade, Fundación La Caixa, Barcelona (2002); Memory Lessons, Louvre Museum, Paris (2002); We Come in Peace… Histories of the Americas, Montreal Museum of Contemporary Art (2002); The Hours, Irish Museum of Modern Art, Dublin (2005); 52nd Venice Biennale (2007); MERCOSUR Biennale, Porto Alegre (2011); Lyon Biennale (2011); Quai Branly Museum (2013). Programa / Programme Iconomia / Iconomy Colombia | 2000 - 2011 VHS - DV - Hi8 | Color | Estéreo / Stereo Videoinstalación, 2 canales / 2-channel video installation Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file A partir sobre todo de imágenes de archivo, se revelan las pugnas teológico-políticas entre defensores y detractores de la imagen. Archive images are used to reveal the theological-political conflicts between defenders and detractors of the image. Nuevas consideraciones sobre las imágenes / New Considerations about Images Debate teológico sobre el uso sancto y non sancto de las imágenes en los medios. Technological debate about the sacred and profane use of images in the media . 211 catálogo BIM 2014 Colombia | 2007 18’ | VHS | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Caballero de la Fe / Knight of Faith Colombia | 2011 7’ | DV | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Durante uno de los episodios más dramáticos de la historia reciente de Colombia (toma y retoma del Palacio de Justicia, 1985), aparece un extraño personaje...¿es El Caballero de la Fe? During one of the most dramatic episodes in Colombia’s recent history (the siege and retaking of the Palace of Justice, 1985) a strange character appears… The Knight of Faith? Estilita / The Stylite Colombia | 2012 13’ | DV | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Una figura mítica de anacoreta reaparece en el espectro electromagnético contemporáneo. Mythical figures reappear in the contemporary electromagnetic spectrum. Variaciones sobre el Purgatorio / Variations on Purgatory Colombia | 2012 7’ | DV | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file ¿Es posible el perdón? Un espacio-tiempo dantesco para purgar penas… para pedir perdón. Is forgiveness possible? A spacetime to purge sins…to ask forgiveness. Dar la cara / Show your Face Colombia | 2013 3’ | DV | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file 24 rostros de paramilitares por segundo. Persistencia retiniana de los estereotipos criminalísticos. 212 . Religión catódica / Cathodic Religion 24 faces of paramilitaries per second. Persistence of vision on criminal stereotypes. Maqueta para el Dante / Model for Dante Colombia | 2014 6’ | DV | Color | Estéreo / Stereo Videoinstalación / Video installation Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file A partir de los grabados de Doré, una intervención en un espacio público. Una alegoría del infierno. From Doré prints, an intervention in a public space. An allegory of hell. Tecnología para gentiles / Technology for Gentiles Colombia | 2014 8’ | VHS | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Using archive footage, the relationships between fetish and merchandise return and play off each other. . 213 catálogo BIM 2014 A partir de un material de archivo, vuelven y juegan los parentescos y malentendidos entre fetiche y mercancía. El otro donde. Visiones del artista de lo lejano / The Other Where. Artist’s visions of Far Away Curado por / Curated by Ioannis Savvidis, Lina Theodorou y Nelja Stump “…de esta manera, todo artista parece ser un ciudadano de una patria desconocida, cuya memoria se ha desvanecido”. M. Proust A través de la pérdida y de la construcción de la memoria, ¿el artista es entonces una especie de viajero? ¿Qué tan lejos va el artista y hacia dónde? ¿Llega lejos y luego más lejos? ¿O al alejarse, el artista se acerca? ¿Va a alguna parte acaso? ¿Hay allí una lejanía? O solo hay distancia, y nada… El tema de la exhibición de Nomadics se basa en la evolución de la localización enfocando la dinámica del deambular como cruce entre nuevos lugares y viejos sistemas: las fronteras entre lo real y el espacio virtual, la interdependencia entre mundos existentes y mundos construidos, la experiencia física y la psicológica, lo visible y lo invisible. El desafío artístico aquí es capturar visiones artísticas de distancia como la imagen en movimiento. En simultáneo con un crecimiento exponencial de las poblaciones humanas, planteamos el dilema de la identidad establecida a distancia. No podemos contar más con el espacio físico como una estructura creadora de identidad. Lo que queda es la explosión inconcebible de un anhelo por lo desconocido y lo extraño. La promesa del “aquí” hecha por el movimiento romántico en la primera mitad del siglo xix no se cumplió. La transformación de lo local en una súper cultura global iró214 . El otro donde / The Other Where “...in this way, every artist appears to be a citizen of an unknown fatherland, of which his memory has faded”. M. Proust Through the loss and construction of memory, is the artist then a kind of traveler? How far does the artist go, and where? Does the artist go far, and then farther? Or by going far does the artist go near? Does the artist go anywhere at all? Is there a far? Or is there only distance, and none…. The theme of the exhibition series Nomadics is based on the evolution of locality with a focus on the dynamics of wandering as a junction between new places and old networks: the borders between real and virtual space, the interdependency between existing and constructed worlds, physical and psychological experience, the visible and the invisible. The artistic challenge here is to capture artistic visions of distance as the moving image. Synchronous with an exponential increase in human populations, we pose the quandary of identity established through the far. We can no longer count on physical space as an identity-establishing structure. What’s left behind is an inconceivable surging up from within of a longing for the unknown and strange. The promise of “here” made by the Ioannis Savvidis nació en Alemania y terminó sus estudios en arte visual en el Hochschule der Künste Berlin. Con su enfoque en las narrativas arquitectónicas y un entendimiento alternativo del urbanismo y de la planificación social, su práctica visual utiliza dibujos, video, e instalaciones sitespecific. La obra de Savvidis ha sido exhibida en el Museo Estatal del Arte Contemporáneo y el Museo del Cine en Salónica, el Museo Riso, Catania, en galerías privadas, espacios de proyectos e instituciones, como el Kunstwerke, el Roter Salon, en el II Kunstsalon y los Tacheles en Berlín, Romantic Movement in the early 19th century has been reneged on. The transformation of the local into a globally networked super-culture have ironically rendered a static central structure of identity impossible. As curators, and as artists, we search for new terms in image and language, looking to unlock new shapes and levels of reality - puzzle pieces, appropriate to the puzzle of our trans-spatial times. So, it’s not far-fetched to transform the intimate of the familiar into something far. Call it a longing-place: utopia. Call it promise, idealization, or a place of fears. The subtleties of the far, of distance, created through an inversion of the immediate transforms us into a new type of nomad. The philosopher Markus Gabriel says: “The new intellectual forays/ pushes aim for a global perspective/ worldview, in which real things will get out of our gaze, just to be re-invented.” That includes also the transformation of the intimate and familiar into fantastic places, as is arguably the quest and domain of every artist. The distance between here and an unscathed and undisguised “where?” –this assumption of an open path into the unknown and the subconscious, or even the unobtainable, serves a playground for new terms and languages. It sharpens an awareness and effort to find self-reflective ways out from an indolence of the “here.” Ioannis Savvidis was born in Germany and completed his studies in visual art at the Hochschule der Künste Berlin. With a focus on architectural narrations and an alternative understanding of urban and social planning, his visual practice utilizes drawing, video and site-specific installation. Savvidis’s work has been exhibited among others at the State Museum of Contemporary Art and the Film Museum in Thessaloniki, the Museo Riso, Catania, in private . 215 catálogo BIM 2014 nicamente ha dejado una estructura central estática de identidad imposible. Como curadores, y como artistas, buscamos nuevos términos en imagen y lenguaje tratando de liberar nuevas formas y niveles de realidad, piezas adecuadas para el rompecabezas de nuestros tiempos transespaciales. De manera que no hay que ir a buscar muy lejos para transformar lo íntimo de lo familiar en algo distante. Llamemos a esto un lugar-anhelado: Utopía. Llamémosle promesa, idealización, o un lugar de temores. Las sutilezas de lo lejano, de la distancia, creadas a través de una inversión de lo más próximo, nos transforman en un nuevo tipo de nómades. El filósofo Markus Gabriel dice: “Los nuevos impulsos/incursiones intelectuales tienen por objetivo una perspectiva global/visión del mundo, en la cual las cosas reales escaparán de nuestra mirada, simplemente para ser reinventadas”. Eso incluye también la transformación de lo íntimo y familiar en lugares fantásticos, como se puede decir que es la misión y la competencia de todo artista. La distancia entre el aquí y un indemne y manifiesto “¿dónde?” “esta conjetura de un camino abierto en lo desconocido y lo inconsciente, o incluso en lo inalcanzable” sirve de paraíso para nuevos términos y lenguajes. Esto agudiza una conciencia y un esfuerzo para encontrar formas de introspección por fuera de una indolencia del “aquí”. la Feria Art-Athina y el Centro Cultural Municipal y el centro de arte About en Atenas, la galería CWS en Varsovia, el Proyecto Pedestrian II Instambul, y en festivales de cine en Alburquerque y Belgrado. Es colaborador y miembro de la Eve Sussmans Rufus Corporation (Estados Unidos) y del LoAndBehold Artists’ Group (Reino Unido). Nelja Stump nació en Kazajistán y desde 1986 vive y trabaja en Berlín. Entre 1989 y 1992 estudió escenografía y diseño de vestuario con Andrje Woron. Después de algunos proyectos teatrales, trabajó en el diseño de producción en el área de largometrajes y publicidad. Entre 1992 y 2000 organizó varios cursos en el UdK, Berlín, proyectos de estudio de género con Sabeth Buchmann, Katja Dieffenbach y Jutta Köther. En 2000 realizó su maestría en la Universität der Künste, Berlín, y se graduó en fotografía con Katharina Sieverding. Desde 2000 escribe y dirige varios videoclips y cortos. En 2003 desarrolló el concepto del espacio de diseño Tristesse Deluxe en Berlín, donde experimentó con todo tipo de medios artísticos. Nelja Stump sigue trabajando como artista de medios mezclados, curadora y VJ. Lina Theodorou es una artista de video e instalaciones que vive y trabaja en Berlín y Atenas. Estudió en la Escuela de Artes Gráficas y Estudios Creativos, Atenas; en la Escuela de Bellas Artes de Atenas (escultura) y en la Escuela de Bellas Artes, Escultura y Multimedios en La Haya. Ha participado en muestras en el Centro de Bellas Artes Bozar, Bruselas; el Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Atenas; el Festival Europeo de Artes de los Medios, Osnabrück; Fundación Deste, Atenas; Neue Galerie am Landesmuseum Johanneum, Graz; Museum Fridericianum, Kassel; Museo Macedonio de Arte Contemporáneo, Salónica; VIII Bienal de Estambul; VI ev+a Bienal de Limerick; LIII Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen; XI Bienal Internacional de Arquitectura, Venecia; Impakt Festival, Utrecht; 216 . El otro donde / The Other Where galleries, project spaces and institutions like the Kunstwerke, the Roter Salon, the 2nd Kunstsalon and the Tacheles in Berlin, the Art-Athina Art fair and the Municipal Cultural Center and the Art centre About in Athens, the CWS gallery in Warsaw, the Pedestrian II Project Istanbul, and at film festivals in Albuquerque and Belgrade. He is a collaborator and member of Eve Sussmans Rufus Corporation (USA), and the LoAndBehold Artists’ Group (UK). Nelja Stump was born in Kazakhstan and has lived and worked in Berlin since 1986. Between 1989 and 1992 she studied stage and costume design with Andrje Woron. After some theatre projects she worked on production design within the area of feature films and advertisement. Between 1992 and 2000 she organised different classes at the UdK, Berlin, gender studies projects with Sabeth Buchmann, Katja Dieffenbach and Jutta Köther. In 2000 she did her Master’s degree at the Universität der Künste, Berlin, and graduated in photography under Katharina Sieverding. Since 2000 she has written and directed several music videos and short films. In 2003 she developed the concept of the project space Tristesse Deluxe in Berlin, where she experimented with all interfaces of arts. Nelja Stump continues to work as a mixed media artist, a curator and VJ. Lina Theodorou is a video and installation artist living and working in Berlin and Athens. She studied at the School of Graphic Arts and Creative Studies, Athens; at the School of Fine Arts of Athens (sculpture); and at the School of Fine Arts, Sculpture and Multimedia in The Hague. She has participated in shows at Bozar Centre for Fine Arts, Brussels; National Museum of Contemporary Art, Ath- Museo Estatal de Arte Contemporáneo, Salónica; Museo Benaki, Atenas, y el Centro Cultural Fundación Alexander S. Onassis, Atenas. ens; European Media Art Festival, Osnabrück; Deste Foundation, Athens; Neue Galerie am Landesmuseum Johanneum, Graz; Museum Fridericianum, Kassel; Macedonian Museum Of Contemporary Art, Thessaloniki; 8th Istanbul Biennial; 6th ev+a Limerick Biennial; 53rd International Short Film Festival Oberhausen; 11th International Architecture Biennial, Venice; Impakt Festival, Utrecht; State Museum Of Contemporary Art, Thessaloniki; Benaki Museum, Athens; and the Alexander S. Onassis Foundation Cultural Center, Athens. Programa / Programme Nocturne Arabesque / Arabesco nocturno Pola Sieverding Un retrato de imágenes múltiples de virilidad. Escondite en un laberinto nocturno de cuerpos, rostros, tangentes, telas, luces y sombras. El film es a la vez un documental y un espectáculo mágico de resonancias hipnóticas y oníricas reflejado en la idea de belleza. Un estudio de la intimidad de la danza y del éxtasis, desacelerado para contemplar. A portrait of the multiple images of manhood. Hide and seek in a nighttime labyrinth of bodies, faces, tangents, textiles, lights and shadows. The film is at once documentary and a magical spectacle of hypnotic, dreamlike resonance, reflected in the idea of beauty. A study on the intimacy of dance and ecstasy, slowed down to contemplate it. Pola Sieverding vive y trabaja en Berlín. Sus obras rondan las cuestiones de la representación y producción de imágenes dentro de formaciones culturales que se definen por varios conceptos de deseo y por procesos de identificación. La idea del arte del retrato en términos de una lectura interpretativa de las inscripciones de la cultura en el cuerpo humano es recurrente en su trabajo. Estudió en la Carnegie Me- Pola Sieverding lives and works in Berlin. Her works address questions of representation and image production within cultural formations defined by various concepts of desire and identification processes. The idea of portraiture in terms of an interpretive reading of the inscriptions of culture in the human body is recurrent in her work. She studied . 217 catálogo BIM 2014 Alemania / Germany | 2009 3’ 44’’ | DV PAL | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file llon University de Pittsburgh y el Instituto Surikov de Moscú, y obtuvo su máster en Bellas Artes en la Universidad de Artes de Berlín en 2007. Ha exhibido en Aram Art Gallery (Seúl), Tate Modern (Londres), Art in General (Nueva York), Hamburger Bahnhof (Berlín), Lumiar Cité (Lisboa), Neue Gesellschaft für bildende Kunst (Berlín), Anat Ebgi Gallery (Los Ángeles) y Lena Brüning Galerie (Berlín), entre otros. Ha sido invitada a residencias de artista en Ramallah (Palestina), Praga y Lisboa y como profesora visitante en la Academia Internacional de Arte de Palestina. at Carnegie Mellon University Pittsburgh, Surikov Institute Moscow and attained her MFA at the University of the Arts Berlin in 2007. She has exhibited internationally at Aram Art Gallery, Seoul (Korea); Tate Modern, London (UK); Art in General, New York (USA); Hamburger Bahnhof, Berlin (Germany); Lumiar Cité, Lisbon (Portugal); Neue Gesellschaft für bildende Kunst, Berlin (Germany); Anat Ebgi Gallery, Los Angeles (USA); Lena Brüning Galerie, Berlin (Germany), among others. She has been invited as an Artist in Residence to Ramallah (Palestine), Prague (Czech Republic) and Lisbon (Portugal) and as a visiting lecturer to the International Academy of Art Palestine. Apofenia / Apophenia Lena Szankay - Eva Shin Argentina | 2013 2’ 46’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file La apofenia es la experiencia de ver modelos o conexiones en hechos aleatorios o datos sin sentido. No hay razones para tales conexiones, que ofrecen un claro contraste con el amor. Esto se sitúa entre la psicosis y la creatividad. Nuestras imágenes convergerán bajo la tiranía de modelos al azar construyendo algo así como una historia. Apophenia is the experience of seeing patterns or connections in random facts or meaningless data.There are no reasons for such connections, offering a clear contrast with love. It lies in between psychosis and creativity. Our images will converge under the tyranny of random patterns, building something like a story Lena Szankay nació en Buenos Aires en 1965 y vivió en Berlín entre 1989 y 2008. Estudió fotografía en Lette Verein Berlín y management cultural en el Instituto de Altos Estudios Sociales, Universidad de San Martín, Argentina. Recibió el Premio Adquisición en la II Bienal de Fotografía Arte x Arte, Buenos Aires, el Premio Adquisición de la Asociación Argentina de Galerías de Arte, el premio FELIFA y la publicación del libro Mímesis. Lena obtuvo la beca para Lena Szankay was born in Buenos Aires in 1965. She lived in Berlin from 1989 to 2008. She studied photography in Lette Verein Berlin and Cultural Management at the Institute of Higher Social Studies, San Martín University in Argentina. She was awarded the Acquisition Prize, II Bienal de Fotografía Arte x Arte, Buenos Aires (Argentina); the Acquisition Prize, Asociación Argentina de Galerías de Arte 218 . El otro donde / The Other Where Eva Shin es una artista residente en Buenos Aires. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (IUNA). En 2002 participó en el taller del Teatro Colón sobre escenografía, de la Escuela Saulo Benavente. Realizó numerosos talleres, por ejemplo, con Tulio de Sagastizábal, Escuelas Da Vinci, Diana Aisenberg y Marcos López. Sus últimas exposiciones han sido: intervención en vivo en Performaton, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Apofenia, video en colaboración con Lena Szankay; Invisible, Buenos Aires Foto 2013; AMHO, performance audiovisual en vivo, Salón Pueyrredón, Buenos Aires; Performance audiovisual, Ekoparty Security Conference, Centro Cultural Konex, Buenos Aires; Instalación Ecodang para TMDG 12, trimarchidg.net, Mar del Plata; AMHO con Lux Lindner, La Cigalle, Buenos Aires; AMHO, Munguau Project, Feria del Libro de Buenos Aires. El actual proyecto AMHO de Eva Shins es un proyecto audiovisual que fusiona música, video, mapping y performance. (Argentina); the Publication Book Mímesis; and the FELIFA Award. Szankay was awarded the group project scholarship by the Argentine National Arts Fund, the Petrobrás 5th and 7th Edition Prizes, and the AMEC Contemporary Photography Prize, Caraffa Museum, Córdoba. Her works have been shown in Argentina, Chile, Uruguay, Brazil, Peru, Colombia, Germany (Berlin, Hamburg), Austria, Israel and Palestine. She lives and works in Buenos Aires. Eva Shin is an artist based in Buenos Aires. She studied at the Prilidiano Pueyrredon National School of Arts (IUNA). In 2002 she participated in a Escuela Saulo Benavente set design workshop at the Colón Theatre. Many other workshops e.g. with Tulio de Sagastizabal, Escuelas Davinci, Diana Aisenberg and and Marcos Lopez followed. Her most recent exhibitions have been a live drawing interventions in Performaton, Modern Art Museum of Buenos Aires; Apophenia a video collaboration with Lena Szankay, Invisible, Buenos Aires Foto 2013; AMHO live audio visual performance, Salon Pueyrredón, Buenos Aires; Audio visual performance, Ekoparty Security Conference, Centro Cultural Konex, Buenos Aires; Installation Ecodang for TMDG 12, trimarchidg.net, Mar del Plata (Argentina); AMHO with Lux Lindner, La Cigalle, Buenos Aires; AMHO, Munguau project, Buenos Aires Book Fair; Eva Shins current project AMHO is an audiovisual project merging music, video, mapping and performance. . 219 catálogo BIM 2014 proyectos grupales del Fondo Nacional de las Artes, los premios Petrobras ediciones V y VII, Selección, y el premio AMEC de Fotografía Contemporánea, Museo Caraffa, Córdoba. Sus obras han sido exhibidas en la Argentina, Chile, Uruguay, Brasil, Perú, Colombia, Alemania (Berlín y Hamburgo), Austria, Israel y Palestina. Trabaja y vive en Buenos Aires. Kazakhstan Nelja Stump Alemania / Germany | 2014 4’ 24’’ | SD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Subtítulos en inglés / English subtitles Kazakhstan cuenta la historia de una mujer y su imaginación del país donde nació. Ella no tiene recuerdos. Imágenes técnicas, como películas, la ayudan a “reconstruir” las imágenes de su pasado. ¿Qué relación tienen esas imágenes con sus recuerdos? Kazakhstan tells a story of a woman and her imagination of the country where she was born. She has no memories. Technical images like film footage help her to ‘rebuild“ the images of her past. What relation do these pictures have to memories? Three Externalized Memories of a Day in my Life / Tres memorias externalizadas de un día en mi vida Sebastian Purfürst Alemania / Germany | 2014 2’ 48’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file La obra se basa en un experimento cinematográfico con una cámara estereoscópica desarrollada por el Centro Alemán Aeroespacial. A diferencia de los medios ópticos tradicionales, esta cámara, utilizando un algoritmo, produce un conjunto de datos en 3D del plano secuencia. Estos datos pueden ser vistos desde diferentes ángulos. Por consiguiente, la perspectiva del que filma ya no es necesariamente la perspectiva del visor. El momento filmado se realza y se convierte en un espacio de rememoración digital, en los límites en que los algoritmos digitales se hacen perceptibles. The work is based on a cinematic experiment with a stereoscopic camera developed by the German Aerospace Centre. Unlike traditional optical media, this camera uses an algorithm to produce a 3D data set of the shot sequence. The cinematic 3D data set can be viewed from different angles. The filmer’s perspective is thus not necessarily the viewer’s perspective anymore. The filmed moment is enhanced, becoming a digital remembrance space, on the borders of which the digital algorithms become perceptible. Sebastian Purfürst (1976) es un realizador y músico residente en Berlín. Trabaja en arreglos comerciales, artísticos y académicos para medios basados en el tiempo. Se ha centrado en particular en la intersección entre las percepciones auditiva y visual con mucha preocupación por construir una fuerte conexión entre las dos: “Nunca vemos la misma cosa cuando también es- Sebastian Purfürst (1976) is a Berlin-based filmmaker and musician. He works in commercial, artistic and academic settings for time-based media. He is particularly focused on the intersection between audio and visual perception, and takes great pride in engineering a strong connection between the two: “We never see the 220 . El otro donde / The Other Where cuchamos, no escuchamos la misma cosa cuando también vemos” (Michel Chion). same thing when we also hear; we don’t hear the same thing when we see as well.” (Michel Chion) Car Wash Incident - Take 7 / Incidente del lavaautos - Toma 7 Jack+Leigh Ruby CWI-Take 7 es una única toma sin cortes CWI - Take 7, is a single uncut take de la instalación más larga Car Wash Incident. Inspirado por una fotografía que Jack y Leigh Ruby hicieron en un lavadero de autos en 1975 “para apoyar un fraude de un seguro”, el film de los hermanos representa una narración circular que implica una valija de plástico, una madre, su hijo y una mujer de blusa roja, rastreados por un hombre ominoso, todo lo cual es confundido por doppelgängers (dobles). from the larger Car Wash Incident installation. Inspired by a photograph Jack+Leigh Ruby took at a car wash in 1975 – in support of an insurance scam– the siblings' film enacts a circular narrative, involving a plastic bag, a mother, her son and a woman in a red shirt, trailed by an ominous man, all of which is confounded by doppelgängers. Jack + Leigh Ruby pasaron sus primeros años de carrera como artistas secretos en América y Australia desde los años setenta hasta los años noventa. Se especializaron en facilitar fraudes en seguros fabricando sofisticados portfolios de evidencias falsas, que a menudo incluían registros de videos y películas de vigilancia. Finalmente fueron arrestados en 1998 por un fraude en el cual robaron su propia casa y estuvieron detenidos más de una década, durante la cual desarrollaron un interés por el arte contemporáneo. Posteriormente, revaluaron sus trabajos anteriores con una nueva apreciación estética y resolvieron reinventar los más interesantes de sus films y fotografías de los setenta y los ochenta. Cuando preparaban su salida de prisión en 2012, los Ruby comenzaron la primera de las series, Car Wash Incident. Jack + Leigh Ruby spent their early career as confidence artists in America and Australia from the 1970s to the 1990s. They specialized in facilitating insurance fraud, fabricating sophisticated portfolios of false evidence, often including film and video surveillance footage. Ultimately they were arrested in 1998 for a scam in which they robbed their own house, and were incarcerated for more than a decade, during which they developed an interest in contemporary art. Subsequently they came to re-evaluate their early work with a new aesthetic appreciation and resolved to re-invent the most intriguing of their films and photographs from the 70s and 80s. In preparing for their prison release date in 2012 the Rubys set about planning Car Wash Incident, the first of the series. . 221 catálogo BIM 2014 Estados Unidos / USA | 2013 5’ 58’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file [commercial wallpaper], bauernmild Matthias Fitz Alemania / Germany | 2010 43’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file La serie [wallpaper comercial] explora las formas y los flujos de la información de los medios de comunicación y de entretenimiento electrónicos. Esos flujos se usan como material, sacado de su contexto y de los sistemas que los determinan, para ser empleados en sistemas e interpretaciones alternativos. El material comienza como un comercial de televisión. De la imagen original se seleccionó un pixel en cada caso, en una línea horizontal que se extiende verticalmente lo suficiente como para formar una franja. El sonido del clip original no tiene alteraciones. [wallpaper comercial] bauernmild es un comercial sin editar para pan de centeno (Roggenbrot). Matthias Fitz nació en Bad Steben, Alemania. En 1987 completó su formación como técnico electrónico. En 1988 se mudó a Berlín occidental. A partir de 1995 estudió comunicación visual y arte multimedia experimental en la Universidad de Artes de Berlín. En 2003, la profesora Maria Vedder le entregó el título de Meisterschüler. Desde 1997 sus instalaciones de video y sonido, obras de video monocanal y fotografías fueron exhibidas en festivales internacionales y muestras en las que recibió diversos premios y becas para artistas. The series [commercial wallpaper] explores the information flows and forms of electronic entertainment and communication media. These flows are used as raw material, removed from their context and deterministic systems to use for alternative systems and interpretations. The material begins as a television commercial. From the original image, a pixel is selected in each case on a horizontal line that is vertically extended so far that a vertical stripe is formed. The sound is unchanged from the original clip. [commercial wallpaper] bauernmild is an unedited commercial for rye bread. Matthias Fitz was born in Bad Steben, Germany. In 1987 he completed training as an electronics technician. In 1988 he moved to West Berlin. Starting in 1995 he studied Visual Communication and Experimental Media Art at the University of Arts, Berlin. In 2003 he received the title “Meisterschüler” from Maria Vedder. Since 1997 his video and sound installations, single-channel video works and photography have been shown at international festivals and exhibitions where he has received various art grants and prizes. Silver Patrol / Patrulla plateada Ioannis Savvidis - Lina Theodorou Grecia - Alemania / Greece - Germany | 2014 4’ 26’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Silver Patrol es un video que se apropia de la estética del reportaje de guerra televisi222 . El otro donde / The Other Where Silver Patrol is a video work which appropriates the aesthetics of war- vo. Un soldado de las Naciones Unidas es filmado mientras patrulla las calles de Berlín en la víspera de año nuevo. La impresionante cantidad de normas de celebración implementadas de punta a punta de la ciudad pone en duda la diferencia entre espacio civil y zona de batalla, historia y espectáculo. zone television reportage. A UN Soldier is filmed on his New Year’s Eve patrol ride through the streets of Berlin. The impressive amount of celebratory ordinance deployed throughout the city calls into question the distinction between civic space and battle zone; history and spectacle. Vienna in the Desert / Viena en el desierto Wago Kreider Estados Unidos / USA | 2005 4’ 29’’ | DV PAL | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Wago Kreider es un artista multimedial cuya obra investiga el legado histórico del cine clásico de Hollywood y su relación con las cuestiones de lugar, paisaje y autoría. A través de films, videos, instalaciones y performances mediáticas en vivo, interactúa con estrategias contemporáneas de re-representación, la reconstrucción de la historia cinematográfica y los cruces de autobiografía y cine. Su obra fue proyectada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Festival de Cine de Rotterdam, el Festival de Cine de Londres, la Corcoran Gallery of Art de Washington D.C., Views from the Avant-Garde, New York Film Festival y el Festival Internacional de Cine de Viena. Es profesor asociado de artes de los nuevos medios en Southern Illinois University Carbondale. Memories of a lost passion are glimpsed in a deserted landscape. A man and a woman argue about their love for one another: Is it true? Did it really happen? The vast sea of their desire responds, and catastrophe is redeemed. Audio quotations are appropriated from Nicholas Ray’s Johnny Guitar. Wago Kreider is a media artist whose work investigates the legacy of classical Hollywood film history, and its relation to issues of place, landscape, and authorship. Through films, videos, installations, and live media performance, he engages with contemporary strategies of reenactment, the reconstruction of cinematic history, and the intersections of personal autobiography with film. His work has screened at the Museum of Modern Art in New York, the Rotterdam Film Festival, the London Film Festival, the Corcoran Gallery of Art in Washington DC, Views From the Avant-Garde/New York Film Festival, and at the Vienna International Film Festival. He is Associate Professor of Media Arts at Southern Illinois University Carbondale. . 223 catálogo BIM 2014 Los recuerdos de una pasión perdida se entrevén en un paisaje abandonado. Un hombre y una mujer discuten sobre su amor: ¿es verdad?, ¿sucedió realmente? El vasto mar de sus deseos responde y se redime la catástrofe. Las citas de audio pertenecen a Johnny Guitar de Nicholas Ray. Walking the Line / Por el buen camino Thomas Völker Alemania / Germany | 2010 4’ 26’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Por el buen camino fue filmado en la villa olímpica abandonada en Berlín y se mostró como parte de una representación teatral llamada Again the Room Was Plunged into Silence. El evento tuvo lugar en el Pit Theatre (Barbican Centre London) en el marco de la exhibición The Surreal House el 10 de junio de 2010. Se puede encontrar más información en el sitio web de Barbican Centre. Walking the Line was filmed at the deserted Olympic Village in Berlin and was shown as part of a theatrical performance called Again The Room Was Plunged Into Silence. The event took place at the Pit Theatre (Barbican Centre London) as part of the The Surreal House’ exhibition on 10 June 2010. More information can be found at the Barbican Centre`s website. Thomas Völker es un artista y cineasta independiente que ha vivido y trabajado en Alemania (Hamburgo y Berlín), España (Andalucía) y Londres. Proveniente de una ecléctica carrera profesional y artística, su trabajo abarca desde la pintura, la performance y la instalación hasta las imágenes en movimiento y el sonido. Buena parte de la obra de Völker se ocupa del fenómeno del voyeurismo, la curiosidad humana –a menudo en su manifestación morbosa– y cuestiones de transgresión más allá de lo visible o de los límites físicos. Después de varios años de trabajar como músico (percusionista, baterista) con distintos conjuntos de cámara y bandas de rock experimental, como los grupos de Hamburgo PHON y Passierzettel –un colectivo de músicos y artistas que colaboraron con miembros de Faust, Amon Düül y Damo Suzuki de Can–, Völker pasó a interesarse en Internet y los medios digitales. Como resultado de esto, se expandió a otra disciplina y empezó como diseñador web, pero acercándose gradualmente a medios análogos y disciplinas artísticas tradicionales como la pintura y el dibujo. Estas se han convertido de manera progresiva en una parte importante de su trabajo. En años recientes, Völker ha desarrollado un fuerte interés por el cine, el video y su relación con el sonido. Durante su estadía en Londres, Völker organizó y se ocupó del espacio Viewing / Thomas Völker is an artist and independent filmmaker who has lived and worked in Germany (Hamburg/ Berlin), Spain (Andalucía) and London. Coming from an eclectic professional and artistic background his work ranges from painting, performance and installation to moving images and sound. Much of Völker`s work is concerned with the phenomenon of voyeurism, human curiosity –often in its morbid manifestation– and issues of transgression beyond visible or physical boundaries. After several years of working as a musician (drummer/percussionist) with various chamber ensembles and experimental rock bands such as Hamburg-based groups PHON and Passierzettel –a collective of musicians and artists who collaborated with members of Faust, Amon Düül and Damo Suzuki of Can– Völker became interested in digital media and the internet. As a result he branched out into another discipline, starting out as a web designer, but was gradually drawn towards analogue media and traditional artistic disciplines such as painting and drawing. These have progressively become an important part of his work. In recent years Völker has developed a strong interest in film, video and their rela- 224 . El otro donde / The Other Where Listening junto con el cineasta Akhila Krishnan –un evento que se realiza regularmente, dedicado a exhibir la obra de cineastas experimentales y artistas de sonido, que se ha transformado en un foro permanente–, un tiempo y un lugar para la discusión y el análisis. Thomas Völker estudió en el Royal College of Art en Londres. Actualmente vive y trabaja en Berlín. tionship to sound. During his time in London, Völker organized and curated the Viewing/Listening Space with filmmaker Akhila Krishnan, a regular event that is dedicated to showcasing the work of experimental filmmakers and sound artists, which has become a permanent forum, a time and place for discussion and analysis. Thomas Völker studied at the Royal College of Art in London. He now lives and works in Berlin. [commercial wallpaper] Silence / Matthias Fitz Alemania / Germany | 2010 1’ 11’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file [wallpaper comercial] Silencio es el silencio acumulado de 148 minutos de televisión. [commercial wallpaper] Silence is the collected silence of 148 minutes of television. Where is the Black Beast? / ¿Dónde está la bestia negra? Simon Lee-Algis Kizys ¿Dónde está la bestia negra? es un film de 34 minutos basado en Crow, The Life and Songs of the Crow del poeta Ted Hughes. ¿Dónde está la bestia negra? comienza con “Linaje”, un poema que sintetiza el Libro del Génesis en 21 versos y del cual emerge Crow, el protagonista. Comienza entonces un viaje que nos lleva desde la catástrofe familiar de Edipo hasta la desesperada batalla de Crow con el sol. Sordo a todo excepto a sus propios gritos, finalmente Crow (el Cuervo) vuelve a sus raíces. Desplumado y tembloroso se abre paso en la suciedad del nido. Simon Lee trabaja en fotografía, video e instalaciones y exhibe sus obras y parti- Where is the Black Beast? is a 34 minute film based on Crow – The Life and Songs of the Crow by the poet Ted Hughes. Where is the Black Beast? begins with “Lineage”, a poem that abridges The Book of Genesis into 21 lines and from which the protagonist Crow emerges. A journey begins that takes us from Oedipus’s family catastrophe to Crow’s mad battle with the sun. Deaf to all but his own cries of importance the film finally returns Crow to his roots as, trembling and featherless he makes his way through the nest’s filth. . 225 catálogo BIM 2014 Estados Unidos / USA | 2010 5’40’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file cipa de residencias en diferentes países. Su proyecto más reciente, Mother is Passing. Come at Once, una instalación cinética de pantallas múltiples, fue presentada en la Cristin Tierney Gallery en Nueva York en 2013. Ha realizado muestras en el Musée d’Art Contemporain de Montreal, el Tinguely Museum en Basel, el Festival de Cine de Rotterdam, el Festival Internacional de Cine de Moscú y la Bienal de Poznan (Polonia). Su proyecto de arte público, Bus Obscura, se inauguró en Miami Basel (Estados Unidos) en 2004 y desde entonces recorrió diez ciudades alrededor del mundo. Su serie de fotografías Shadow over the Land fue presentada en exhibiciones en Moscú, Copenhague y Londres. Algis Kizys es artista y director de sonido, compositor y músico, residente en Brooklyn, Nueva York. Ha tocado con bandas como Swans, Foetus, Teenage Jesus and the Jerks, Lydia Lunch/Retrovirus, Glenn Branca, Of Cabbages and Kings, Pigface, en dúo en la radio con The Hallicrafters, así como con los músicos Nels Cline, Carla Bozulich, Alex Hacke, Jim White y Jim Sclavunos. Trabajó con artistas visuales como Eve Sussman, Simon Lee y Matthew Barney y Jonathan Bepler. También figura en los créditos de films como Finding Forrester de Gus Van Sant, The Rape of the Sabine Women y whiteonwhite: algorithmicnoir de Eve Sussman, Tomorrow You’re Gone de David Jacobson y River of Fundament de Matthew Barney y Jonathan Bepler. En teatro dirigió Krapp’s Last Tape de Samuel Beckett y Hughie de Eugene O’Neill en el Wallabout Oyster Theatre, Brooklyn (Estados Unidos). Actualmente forma parte de un trío del instrumento griego bouzouki y participa en la instalación colectiva The Triangles. 226 . El otro donde / The Other Where Simon Lee works in photography, video and installation making exhibitions and participating in residencies internationally. Lee’s most recent project Mother is Passing. Come at Once, a multi-screen, kinetic installation was on view at Cristin Tierney Gallery in New York in 2013. He has shown work at the Musée d'Art Contemporain de Montreal, the Tinguely Museum in Basel, the Rotterdam Film Festival, the Moscow International Film Festival and the Poznan Biennale, Poland. His public arts project, Bus Obscura premiered at Miami Basel (USA) in 2004 and has since toured to over ten cities around the world. His series of photographs Shadow over the Land has been presented in exhibitions in Moscow, Copenhagen and London. Algis Kizys is sound artist / composer / musician / director residing in Brooklyn, NY. He has performed with bands such as Swans, Foetus, Teenage Jesus and the Jerks, Lydia Lunch/Retrovirus, Glenn Branca, Of Cabbages And Kings, Pigface, a short wave radio duet The Hallicrafters, as well as with musicians Nels Cline, Carla Bozulich, Alex Hacke, Jim White, Jim Sclavunos. He has worked with visual artists such as Eve Sussman, Simon Lee, and Matthew Barney with Jonathan Bepler. His film credits include Gus Van Sant’s Finding Forrester, Eve Sussman’s The Rape of the Sabine Women and whiteonwhite: algorithmicnoir, David Jacobson’s Tomorrow You’re Gone, and Matthew Barney/Jonathan Bepler’s River of Fundament. He has directed, for stage, Samuel Beckett’s Krapp’s Last Tape and Eugene O’Neill’s Hughie at the Wallabout Oyster Theatre, Brooklyn. He is currently involved in a Bouzouki trio and the installation collective The Triangles. Buscam No. 2 Matthias Fritsch Este film experimental, hecho inicialmente en Cuba, es un corto estudio de formación y percepción de realidad virtual. Estamos sentados en la parada de autobús en algún lugar del trópico. De vez en cuando pasan rectángulos negros que hacen el mismo sonido que los vehículos. ¿Acaso son reales o solo interpretaciones? ¿Al final toda la situación que veo es real? This experimental film, initially made in Cuba, is a short study of formation and perception of virtual reality: We are sitting at a bus stop somewhere in the tropics. Occasionally black rectangles pass, making the same sounds as vehicles. Are they real or just interpretations? Is finally the whole scene I see a real one? Matthias Fritsch vive y trabaja en Berlín. Estudió arte medial en la Universidad de Artes y Diseño de Karlsruhe (HfG) (Alemania) y film, bellas artes y curaduría en Bard College, Center for Curatorial Studies (CCS) (Nueva York, Estados Unidos). Tiene hechos varios cortos y largometrajes, además de instalaciones basadas en medios. En los últimos años, Fritsch se centra en las comunidades digitales formadas en las plataformas de video en Internet y examina su importancia en la formación de la producción cultural contemporánea. Fritsch traza el potencial y los límites de las prácticas culturales relacionadas a través de la participación. En la misma medida, sus obras no solo se muestran en ámbitos artísticos, sino también en otras plataformas y canales de distribución. Desde 2010 es el director artístico de la muestra anual Moving Silence en los festivales de Berlín y de Atenas (fundada en 2009 por Marco Brosolo y Matthias Fritsch) y organiza otros eventos internacionales en esta plataforma para cine mudo contemporáneo. Matthias Fritsch lives and works in Berlin.He studied Media Art at the University of Arts and Design Karlsruhe (HfG) in Germany and Film, Fine Art and Curating at Bard College, Center for Curatorial Studies (CCS), New York State. He Hhs made several short and featurelength movies, and media-based installations. In recent years Fritsch has focused on the digital communities formed on internet video platforms, examining their importance in the formation of contemporary cultural production. Fritsch traces the potential and boundaries of related cultural practices by way of participation. Correspondingly, his works are not only shown in an art context, but he also uses other platforms and distribution channels. Since 2010 Fritsch is the artistic director of the annual Moving Silence Festival in Berlin and Athens (founded in 2009 by Marco Brosolo and Matthias Fritsch) and organizes other international events within this platform for contemporary silent films. . 227 catálogo BIM 2014 Alemania / Germany - Cuba | 2001 3’ 17’’ | DV Cam | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital Video File Welcome to Peking / Bienvenido a Pekín Angela Christlieb Alemania-Estados Unidos / Germany-USA | 2014 5’ 21’’ | HD | Color | Sonido / Sound Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Subtítulos en inglés / Subtitles in English Berlín Superhero (BS) aparece en una ciudad en la que nunca estuvo antes. A primera vista, piensa que está en Pekín. Hablando en su lengua materna (alemán), trata de orientarse preguntando a la gente en la calle. Pero nadie entiende una palabra, tampoco después de sincronizar cada línea en chino. Su desorientación crece. ¡Bienvenido a Pekín! Tres simples maneras de cómo extraviarse. Angela Christlieb vive y trabaja en Viena. Estudió videoarte y realización de cine experimental en la Academia de Bellas Artes de Berlín con Valie Export y Heinz Emigholz. En 1997 se mudó a Nueva York gracias a una beca para artistas emergentes y comenzó a trabajar como realizadora independiente produciendo varios cortos. Luego trabajó como manager de teatro y asistente de investigación para Anthology Film Archives (Estados Unidos) y Filmmakers Coop New York. En 1999 recibió una beca del DAAD para estudiar producción cinematográfica en la universidad New School de Nueva York y escribir y producir su primer documental, Cinemania. Desde 2001 ha colaborado con Eve Sussman y Rufus Corporation (NYC); entre estos trabajos se incluye The Rape of Sabine Women y whiteonwhite: algorithmicnoir. En 2007 trabajó como artista visual en African Twintowers de Christoph Schlingensief. En 2009 estrenó su segundo documental, Urville. Desde 2010 trabaja en el guion de Electric Girl y Whatever Happened to Gelitin. Su nuevo documental Naked Opera fue estrenado en el Festival de Berlín de 2013 y obtuvo el premio Heiner Carow. 228 . El otro donde / The Other Where Berlin Superhero (BS) appears in a city he’s never been before. At first sight he thinks he’s in Beijing. Speaking his mother tongue (German), he tries to get oriented while talking to people on the street. But nobody understands a word, even after synching every line into Chinese. His disorientation grows.. Welcome to Peking! Three simple ways to get disoriented. Angela Christlieb lives and works in Vienna. Studied Video Art and Experimental Filmmaking at the Academy of Fine Arts of Berlin under Valie Export and Heinz Emigholz. In 1997, she moved to New York with an emerging artist grant and began working as an independent filmmaker, producing several shorts, followed by freelance work as theater manager and research assistant for Anthology Film Archives (USA) and Filmmakers Coop New York (USA). In 1999 she received a DAAD Grant to study film production at the New School and to write and produce her first feature documentary Cinemania. Since 2001 she has collaborated with Eve Sussman & the Rufus Corporation (New York), including The Rape of Sabine Women and whiteonwhite: algorithmicnoir. In 2007 she worked as visual artist for Christoph Schlingensief’s African Twintowers. In 2009 she premiered her second feature documentary Urville. Since 2010, she has been working on the screenplay development of Electric Girl and Whatever Happened to Gelitin. Her new feature documentary Naked Opera was premiered at Berlinale 2013 and won the first Heiner Carow Award. Discontents / Descontentos Abraham Hurtado España / Spain | 2014 2’ 08’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Abraham Hurtado. Performer, coreógrafo y artista visual de Murcia que vivió en Berlín entre 2005 y 2014. Ha colaborado con numerosos artistas visuales y compañías de teatro y danza en España y otros países. Junto con otros berlineses, lleva adelante la plataforma y red artística AADK, un proyecto curatorial con miembros y artistas invitados que se dedican a actividades en los campos de la performance, la instalación, la música, la literatura, el video, etcétera. El arte que producen es específico de cada miembro del grupo, pero la configuración y las estrategias que adoptan para sus presentaciones son desarrolladas en común junto con artistas invitados. Desde 2012 es director artístico de Centro Negra, espacio para la investigación y creación contemporánea en Blanca, Murcia (España). Discontents is a video taken from the FAKEless App project , a distinctive way to approach the architectural reality of the Murcia Region in southern Spain. Most of the construction sites and buildings appear like a plague given to the local community as “The Promise land”. This is the consequence of the speculation boom up until 2008. The surrounding landscape of this area is dominated by buildings, golf resorts and residential houses unfinished because of the economic crisis. Now they look like ghost towns or monuments in the middle of arid, desolate landscapes. Through this journey the emotional body becomes the contrast to the surrounding utopia. This journey was made with the intention of sharing a perception of isolation, individuality, abandoned places, fears, and death –and a perception of how to deal with these emotions in modern society. Abraham Hurtado. Performer/choreographer/visual artist from Murcia who lived in Berlin from 2005 to 2014. He has collaborated with numerous visual artists and dance and theatre companies in Spain and internationally. Together with other Berliners he runs the AADK art platform and network, a curatorial project with members and invited artists pursuing activities in the fields of performance, installation, music, literature, video, etc. The art they produce is specific to each member but the configuration and strategies they adopt for their presentations are developed in common with the invited artists. Since 2012 he is the Artistic Director of Centro Negra research and contemporary creation space in Blanca, Murcia. . 229 catálogo BIM 2014 Descontentos es un video extraído del proyecto FAKEless App, una manera peculiar de acercarse a la realidad arquitectónica de la región de Murcia, en el sur de España. La mayoría de las obras en construcción y edificios aparecen como una plaga dada a la comunidad local como “La tierra prometida”. Esto es consecuencia del boom especulativo que tuvo lugar allí hasta 2008. El panorama de alrededor está dominado por edificios, campos de golf y casas residenciales sin terminar debido a la crisis económica. Esto ahora tiene la apariencia de ciudades fantasmas o monumentos en medio de paisajes áridos y desolados. A través de este viaje, la emoción contrasta con la utopía circundante. Este viaje fue hecho con la intención de compartir una percepción de aislamiento, individualidad, lugares abandonados, miedos y muerte –y una percepción de cómo lidiar con estas emociones en la sociedad moderna. Look Both Ways / Mira hacia ambos lados Eva Vuillemin Suiza / Switzerland | 2013 6’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening:Archivo digital / Digital Video File Durante la grabación del video, la artista se fue desplazando hacia atrás a través de Grand Central Station de Nueva York. Un lugar que ha sido inscripto en la conciencia colectiva por incontables películas. El video es puesto en reversa; sin embargo, parecería que la artista es la única persona que se desplaza hacia adelante a través de la agitada estación. Solitaria y silenciosa, hace su camino en medio de la agitación y el bullicio. En esta obra –que fue hecha entre el tráfico sin permiso para filmar monitoreada y vigilada por policía y militares–, la percepción de la realidad es reescrita por el método cinematográfico de inversión. Eva Vuillemin nació en Zúrich en 1987; vive y trabaja en Berlín. Estudió en la Universidad de Artes de Berlín y en el Hunter College de Nueva York. Ha exhibido su obra en varias muestras, por ejemplo, en el Museum für Fotografie (Berlín), Frappant (Hamburgo), KunstBuero (Berlín), Substitut (Berlín), Kunstverein (Weiden), Kantonsschule Stadelhofen (Zúrich), Message Salon (Zúrich), Projektraum Bethanien (Berlín), Eca Scotland (Edimburgo) y 4D (Berlín). Obtuvo un premio en Sasif y fue invitada para una residencia de artistas en air, Substitut (Berlín). 230 . El otro donde / The Other Where During the recording of the video work, the artist was moving backwards through the New York Grand Central Station. A place that has been etched into the collective consciousness by countless movies. The video is played reversed, however, so it seems as if the artist is the only person who is moving forward through the restless station. She makes her way, along and silent, through the hustle and bustle. In this work, which was made at the traffic hub without shooting permission, monitored and watched by police and military, the perception of reality is rewritten by the cinematic method of inversion Eva Vuillemin was born in Zurich in 1987 and lives and works in Berlin. She studied at the Universitaet der Kuenste, Berlin and Hunter College, New York. Eva Vuillemin has shown her work in various shows, including Museum fuer Fotografie, Berlin; Frappant, Hamburg; Kunst Buero, Berlin; Substitut, Berin; Kunstverein Weiden, Kantonsschule Stadelhofen, Zurich; Message Salon Zurich; Projektraum Bethanien, Berlin; ECA Scotland, Edinburgh and 4D Berlin. She received a award at Sasif and was invited to an artists residency at AIR, Substitut, Berlin. [commercial wallpaper] Hit Swish Whoosh Matthias Fitz Alemania / Germany | 2010 35’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file [wallpaper comercial] Hit swish whoosh recoge las secuencias de las amplitudes de audio más agudas de 35 publicidades. [commercial wallpaper] hit swish whoosh gathers the sequences of the most high-pitched audio amplitudes of 35 commercials. ARCHIO Jeff Wood Estados Unidos / USA | 2014 7’ 10’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital Video File Subtítulos en inglés / English subtitles ARCHIO is a pilgrimage to the mo- sula monástica del Monte Athos, en Grecia. El antiguo y arcádico paisaje sirve tanto de complemento como de contraste a los mecanismos de relojería medievales y secretos del ascetismo ortodoxo. Una mitología de ciencia ficción nos conduce, más allá del entendimiento común de la teleología monoteísta y la naturaleza del logos –o “palabra de Dios”–, a lo profundo del espacio y el significado de la evolución tecnológica. La música original, Yawning of the River del compositor y naturalista Stephen Wood, se entrelaza con las grabaciones tomadas de los monjes del Athos y un relato litúrgico evocador de las letanías bíblicas de los monjes. nastic peninsula of Mount Athos in Greece. The primeval, Arcadian landscape is both a complement and contrast to the arcane, medieval clockworks of Orthodox monasticism. A science-fiction mythology leads us beyond the common understanding of monotheistic teleology and the nature of the Logos –or “word of God”– into deep space and the meaning of technological evolution. An original score, Yawning of the River by composer and naturalist Stephen Wood is interwoven with field recordings of Athos monks and a liturgical narration reminiscent of the monks’ scriptural incantations. jeff Wood es actor, escritor y videasta residente en Brooklyn (Nueva York) y Berlín. Es miembro fundador del grupo de cine y arte experimental Rufus Corporation y del Wallabout Oyster Theatre Brooklyn. Jeff ha representado obras teatrales de Sam Shepard, Cormac McCarthy, Bertolt Brecht y Eugene O'Neill. Ha colaborado con videoartistas a nivel internacional: Eve Sussman (Estados Unidos), Julian Rosefeldt (Alemania), Nuno Cera (Portugal) y Ioannis Savvidis (Grecia). Jeff Wood is an actor, writer and video-maker based in Brooklyn and Berlin. He is a founding member of the experimental film/art group Rufus Corporation and the Wallabout Oyster Theatre Brooklyn. Jeff has performed theatrical works by Sam Shepard, Cormac McCarthy, Bertolt Brecht, and Eugene O’Neill. He has collaborated internationally with video-artists Eve Sussman, Ju. 231 catálogo BIM 2014 ARCHIO es una peregrinación a la penín- Sus diez años de trabajo junto a Eve Sussman y Rufus Corporation dieron como resultado las obras 89 Seconds at Alcazar, The Rape of the Sabine Women; whiteonwhite: algorithmicnoir; Car Wash Incident y numerosas proyecciones en todo el mundo. Sus colaboraciones en danza-teatro incluyen Edgar (2008), Natural Habitat (2011) y Cleavage (2012). Entre sus obras en video se cuentan Frontier (2013), Collapsible City: A Web Series (2013), Dustbowl Burnpile (2013) y ARCHIO (2014). Jeff ha viajado a través de regiones vírgenes y remotas de Estados Unidos, Canadá, México, Kazajstán y Tibet. Su ensayo-diario de viaje Monuments of Fire fue publicado recientemente por el Musée d'Art Contemporain de Montreal, Canadá. En 2014 es becario de escritura de guion en la New York Foundation of the Arts (Estados Unidos). 232 . El otro donde / The Other Where lian Rosefeldt, Nuno Cera, and Ioannis Savvidis. His ten-year collaboration with Eve Sussman and Rufus Corporation has resulted in the works 89 Seconds at Alcazar; The Rape of the Sabine Women; whiteonwhite: algorithmicnoir; Car Wash Incident; and numerous screenings worldwide. Dance-theatre collaborations include Edgar (2008), Natural Habitat (2011), and Cleavage (2012). Video-works include Frontier (2013), Collapsible City: A Web Series (2013), Dustbowl Burnpile (2013), and ARCHIO (2014). Jeff has traveled through remote and wilderness regions of the United States, Canada, Mexico, Kazakhstan and Tibet. His essay/travelogue Monuments of Fire was recently published by Musée d'Art Contemporain de Montréal. He is a 2014 Screenwriting Fellow for the New York Foundation of the Arts. Recuerdos futuros / Future Memories Una propuesta de / An idea by Gabriel Soucheyre Las artes digitales han aumentado nuestro mundo al invadir todas las dimensiones de la vida: afectiva, social, económica, médica, intelectual... Internet y los espacios virtuales han expandido nuestros horizontes, empujado las fronteras de lo real y abierto nuevos territorios. Los artistas, como vigilantes intuitivos o advertidos, nos dirigen mensajes más o menos subliminales constitutivos de una conciencia y una memoria colectivas muchas veces dotadas de predicciones. Las creaciones de Mihai Grecu exploran la brecha, los intersticios que la naturaleza acepta allí donde la ciencia busca la precisión, la certeza. Reynold Reynolds se sitúa en la confrontación justamente entre la ciencia y la vivencia, la definición y lo borroso. Jacques Perconte va aún más lejos al desestructurar la escritura digital a través de una utilización siempre regenerada del píxel para volver a las fuentes de la pintura. José ManLius y Gabriel Mascaro se cuestionan la identidad del hombre del siglo xxi y las relaciones que mantiene con su entorno y la imagen, las imágenes. Así, numerosos artistas, como Pierre-Jean Giloux, François Vogel o Hugo Arcier han recurrido a todas las posibilidades ofrecidas por el digital para desarrollar su poesía o su sensibilidad; resaltamos, a fin de cuentas, que se trata para todos y ante todo de una mirada sensible como lo prueba con toda su simplicidad La descente, de Robert Croma. The digital arts have expanded our world by invading all dimensions of life: personal, social, economic, medical, intellectual… The internet and virtual spaces have stretched our horizons, pushed the frontiers of what is real and opened new territories. Artists as intuitive or in-theknow lookouts send us more or less subliminal messages made up of a collective memory and conscience often including predictions. Mihai Grecu’s creations explore the gaps, the interstices that nature accepts while science seeks precision, certainty. Reynold Reynolds places himself precisely at the confrontation between science and experience, definition and blur. Jacques Perconte goes even further in destructuring digital writing through an ever-regenerated use of the pixel to return to the sources of painting. José ManLius and Gabriel Mascaro question the identity of 21st-century man and his relationship with his surroundings and image, and with images. So it is that numerous artists, such as Pierre-Jean Giloux, François Vogel and Hugo Arcier have turned to all the possibilities that digital offers to develop their poetry and sensibility; ultimately we highlight that this is about everyone and above all a sensitive perspective, as Robert Croma’s The Descent proves in all its simplicity. . 233 catálogo BIM 2014 Videoformes Todas estas creaciones digitales tienen en común la utilización de herramientas que les permiten representar una realidad imaginada, darle forma a una poesía, cuestionar ciertas bases de nuestras sociedades en este mundo devenido en global, casi sin límites. La singularidad de estas obras se relaciona con la personalidad de cada artista, su estilo, su recorrido, su experiencia de vida y sus búsquedas. Estos “videos de artistas” participan todos de una evolución considerable de un cine que se aleja del entretenimiento y al mismo tiempo del cine arte y de ensayo, en el cual la vocación no es ya la sala oscura que hemos tenido en cada ciudad y pueblo, sino que se inscribe en un enfoque de investigación y de presentación tal que es practicada en los centros de arte y los museos, a falta de encontrar su propio e improbable “cine”. Estas creaciones implican un espectador y ya no un público, ofrecen otra relación, singular, más libre y más responsable: entramos en las obras... o salimos. What all these digital creations have in common is the use of tools that allow them to represent an imagined reality, give form to a poem, question certain bases of our societies in this globalised, almost limitless world. The singularity of these works is tied to each artist’s personality, style, trajectory, life experience and searches. These ‘artists’ videos’ are all part of a considerable evolution of a cinema that moves away from entertainment and at the same time art cinema and experimental cinema, in which the vocation is no longer the cinema theatre that we have seen in every city and town, but rather part of a focus on research and presentation at art centres and museums, in the absence of its own, unlikely ‘cinema’. These creations imply a spectator and no longer an audience, offering another kind of relationship, singular, freer, and more responsible: we enter the works… or we leave. Gabriel Soucheyre Director del Festival Internacional de Artes Digitales VIDEOFORMES de Clermont-Ferrand desde 1986 y del Archivo Digital VIDEOFORMES. Editor de Turbulences Video (revista trimestral de videoarte y cultura digital), curador de la Galerie de l’Art du Temps (galería de arte basado en el tiempo). Participa en varios eventos tanto nacionales como internacionales como curador y jurado. Profesor de la Université Blaise Pascal, Clermont-Ferrand. Vlogger y realizador de videos. Gabriel Soucheyre Director of VIDInternational Digital Arts Festival in Clermont-Ferrand since 1986, and the VIDEOFORMES Digital Archive. Editor of Turbulences Video (video art and digital culture quarterly magazine), curator for the Galerie de l’Art du Temps (Time based arts gallery). Participates in many national and international events as curator or jury member. Teaches at ‘Université Blaise Pascal’, Clermont-Ferrand. Vlogger and videomaker. 234 . Recuerdos futuros / Future Memories EOFORMES, Programa / Programme Centipede Sun / Sol de ciempiés Mihai Grecu Francia / France | 2009 10’ 30” | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Mihai Grecu (Rumania, 1981). Estudio arte y diseño en Rumania y Francia, prosiguió su investigación artística en el Estudio de Arte Contemporáneo de Fresnoy. Temas recurrentes, como la angustia, la clonación, la alucinación, la vida urbana y la guerra, articulan el conjunto de su exploración de los subconscientes orígenes. Estos viajes visuales y poéticos combinan técnicas y estilos, y pueden ser vistos como proposiciones para una nueva tecnología aplicada al campo de los sueños. Sus trabajos han sido exhibidos en numerosos festivales (Locarno, Rotterdam, Festival de Nuevo Cine de Montreal) y exposiciones: En la noche, las imágenes, en el Grand Palais, El laberinto de mi mente en el Cube, Video shortlist: the Dream Machine en el Passage du Retz y Studio en la galería Les Filles du Calvaire. This project is the portrait of a no man’s land. Burnt and sterile, it contains the traces of an invisible war. While still fresh in these places of memory, this unknown war is like a demon from the past that has left its mark everywhere, creating postdestruction sculptures. There are no human combatants, only machinery: some of it lying dead, like a scar on the landscape; and some caught in a mysterious choreography. The theater of post-destruction takes place in an almost unearthly landscape, beautiful and barren. Mountains, desert, lakes, lie as a glimpse of infinity. But while in the outrage of destructive fire, they are left with scars, mutilated and broken, the geography changes, blending with an artificial post-traumatic topography. Mihai Grecu. (Romania, 1981). He studied art and design in Romania and France, and at the Fresnoy Studio of Contemporary Arts. Recurring topics such as distress, cloning, hallucination, city life and war articulate the whole of his exploration of subconscious beginnings. These visual and poetic trips, mix several techniques and styles and may be seen as propositions for a new dream-oriented technology. His work has been shown in numerous film festivals: Locarno, Rotterdam, Festival of New Cinema in Montreal; and exhibitions Dans la nuit, des images at the Grand Palais, Labyrinth of my mind at the Cube Video Short list: the Dream Machine at the Passage du Retz, Studio at Les Filles du Calvaire Gallery. . 235 catálogo BIM 2014 Este proyecto es el retrato de una tierra de nadie. Quemada y estéril, contiene los restos de una guerra invisible. Si bien aún está fresca en estos lugares de memoria, esta guerra desconocida es como un demonio del pasado que dejó sus marcas en todo el lugar creando esculturas posdestrucción. No hay combatientes humanos, solo maquinaria: parte de ella yace muerta, como una cicatriz del paisaje; y parte, atrapada en una coreografía misteriosa. El teatro de la posdestrucción se lleva a cabo en un paisaje casi sobrenatural, hermoso y estéril. Montañas, desierto, lagos yacen como un destello de infinito. Pero mientras en la furia del fuego destructivo quedan con cicatrices, mutiladas y rotas, la geografía cambia, se mezcla con una topografía postraumática y artificial. One Part Seven / Uno parte siete Reynold Reynolds Estados Unidos - Italia / USA - Italy | 2014 6’ | HD, 16 mm y fotografía digital / HD, 16 mm & digital stills | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file “Los verdaderos contornos de los cuerpos opacos nunca se ven con extrema precisión”. Leonardo da Vinci One Part Seven toma como punto de partida una imagen renacentista de Leonardo da Vinci que pretende demostrar las reglas de la perspectiva matemática lineal para retomar las cuestiones históricamente similares de la experiencia y del yo. La obra conecta su propia exploración de las frecuentemente problemáticas relaciones entre puntos de vista, tecnologías visuales y las nociones de modernidad, “volver a un período muy anterior, cuando la idea misma de una ‘tecnología de visualización’ se forjaba por primera vez”. Ofrece el choque simultáneo de la perspectiva lineal, la anamorfosis y el sfumato, junto con otros modos y sistemas visuales, comparando implícitamente revisiones tempranas del renacimiento de la perspectiva con aquellos que fueron realizados a través de la tecnología digital. Esto plantea cuestiones relacionadas con la posibilidad de fronteras permeables entre objetos y entre mundos físicos y virtuales, y revisiones radicales de las nociones de espacio y escala. Las posibilidades resultantes ofrecen nuevas concepciones del espacio y la representación que desafían a los que sugieren que el mundo digital va a subvertir los físicos. One Part Seven incorpora animación stop motion conjugando instalaciones murales, modelos y objetos construidos y performers para investigar las ideas de espacio, tiempo, escala y percepción. Reynold Reynolds nació en 1966 en Alaska central. Recibió un título en Física de la Universidad de Colorado en Boulder y un título en Bellas Artes de la School of Visual Arts de Nueva York. Es becario del programa de la Fundación John Simon Guggen236 . Recuerdos futuros / Future Memories “The true outlines of opaque bodies are never seen with sharp precision”. Leonardo da Vinci One Part Seven takes as its point of departure a Renaissance image that purports to demonstrate the rules of linear mathematical perspective, to take up historically similar questions of experience and of self. The work connects its own exploration of often-troubled relationships between viewing positions, visual technologies, and notions of modernity, “back to a far earlier period, when the very notion of a ‘technology of viewing’ was first being forged.” It offers a simultaneous crashing together of linear perspective, anamorphosis, and sfumato, together with other visual modes and systems, implicitly comparing early Renaissance revisions to perspective to those realized through digital technology. This raises issues of the possibility of permeable boundaries among objects and between physical and virtual worlds, and radical revisions of notions of space and scale. The resultant possibilities offer new conceptions of space and representation that challenge those who suggest the digital world will subvert the physical. One Part Seven incorporates stop motion animation, bringing together mural installations, constructed models and objects, and performers to investigate ideas of Space, Time, Scale and Perception. Reynold Reynolds was born in 1966 in Central Alaska. He received a BA in Physics from the University of Colorado at Boulder and an MFA from the School of Visual Arts, New heim Memorial. Su obra ha sido expuesta en numerosas bienales, como la 4ª Bienal de Berlín y la 3ª Bienal de Moscú, y es parte de colecciones como la del MoMA de Nueva York y n.b.k. de Berlín. Ha proyectado sus trabajos y ha sido distinguido en numerosos festivales, incluyendo una Mención Honorífica por The Drowning Room en el Festival de Cine de Sundance. Entre las residencias realizadas se cuentan la Akademie Schloss Solitude en Stuttgart y la Academia Americana en Berlín. York. He is a recipient of the John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship. His work has been shown in numerous biennales including the 4th Berlin Biennale and the 3rd Moscow Biennale and is included in collections such as the MoMA, New York and n.b.k. Berlin. He has shown and received recognition at numerous festivals including an Honorable Mention for The Drowning Room at the Sundance Film Festival. His residencies include Akademie Schloss Solitude in Stuttgart and the American Academy in Berlin. Puys Jacques Perconte Decenas de miles de años atrás, los poderes telúricos formaron las tierras de Auvernia. Una energía distintiva emana de los “puys”. Las tierras se abren en abanico. El tiempo es diferente, suspendido. Es un punto de datos relativo. Esta serie de películas generativas explora las posibles modulaciones de estas imágenes mágicas. Y a partir de los colores capturados, emergen cantidad de tonalidades que traen sucesivamente todas las estaciones de estos paisajes. Tens of thousands of years ago, telluric powers formed the lands of Auvergne. A distinctive energy emanates from the “puys”. The land fans out. Time is different, suspended. It’s a relative data point. This series of generative films explores the possible modulations of these magical images. And from the captured colours there emerges a number of tonalities that bring forth all the seasons of these landscapes. Jacques Perconte. Nacido en 1974 en Grenoble (Francia), vive y trabaja en París. Reconocido como uno de los pioneros del web-art en Francia, es uno de los primeros artistas en trabajar con los códecs de compresión. Jacques hizo su debut con web y video arte. Sus primeras películas datan de 1995 y su primeras obras de webart de 1996. La página web technart.net es el núcleo de su trabajo y allí muestra todas sus actividades (notas, artículos, actuaciones... la Web es interminable). Trabaja con frecuencia con otros artistas, entre ellos Michel Herreria (pintor), Didier Arnaudet (poeta), Marc Em (músico), Hugo Verlinde (cineasta), Leos Carax en Holy Motors, Jacques Perconte. Born in 1974 in Grenoble, lives and works in Paris. He is well known as one of the pioneers of French internet art. He is among the first artists to have worked on compression codecs. Jacques made his debut with internet and video art. His first films date from 1995 and his first internet artworks from 1996. The website technart.net is the core of his work, showcasing all his activities (notes, articles, performances... the web is endless). He frequently works with other artists, including Michel Herreria (painter), Didier Arnaudet (poet), Marc Em (musician), Hugo Ver. 237 catálogo BIM 2014 Francia / France | 2014 5’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Jean-Benoit Dunckel, Julie Rousse, Eddie Ladoire, Simonluca Laitempergher, Hélène Breschand, Jean-Jacques Birgé, Vincent Segal, Antonin-Tri Huang y Jeff Mills. A pesar de que sus obras se vuelven menos y menos teóricas, la relación entre la forma y el fondo sigue siendo crucial. Jacques Perconte trabaja en las formas de la ficción en diversos medios, así como realiza investigación formal, centrada en el cuerpo y el paisaje. Jacques Perconte aparentemente tiene un buen conocimiento de la tecnología, lo que le sirve al tratar con el marco y el color. Trata de transformar la tecnología digital en un nuevo medio, que puede ser estéticamente tan rico como cualquier otro arte clásico. linde (filmmaker), Léos Carax in Holy Motors, Jean-Benoit Dunckel, Julie Rousse, Eddie Ladoire, Simonluca Laitempergher, Hélène Breschand, Jean-Jacques Birgé, Vincent Segal, Antonin-Tri Huang and Jeff Mills. Even though his works are becoming less and less theoretical, the relation between form and substance remains crucial. Jacques Perconte works in forms of fiction in various media as well as formal research focused on the body and the landscape. Jacques Perconte apparently has good knowledge of his technology, which helps when dealing with frame and colour. He seeks to transform digital technology into a new media, which can be esthetically as rich as any other classical art. Homme bleu / Hombre azul / Blue Man Jose Man Lius Francia / France | 2011 5’ 30” | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file La silueta de un hombre misterioso aparece en la parte superior del húmedo volcán Soufriere en Guadalupe. Este personaje se distingue por un color azul profundo y por la emanación de partículas generativas multicolores para cuestionar la percepción pública de lo “nativo”, lo otro, lo extranjero... Este personaje se refiere a varios episodios en la historia en que la humanidad enfrenta el descubrimiento de población en territorios desconocidos. Es la reunión de estos “diferentes” grupos étnicos de prácticas, valores, creencias y lenguajes que se alejan de nuestra moral. The silhouette of a mysterious man appears at the top of the wet Soufriere volcano in Guadeloupe. This character is distinguished by a deep blue colour and emanation of multicolored generative particles to question the public perception about the “native”, the other, the alien… This character refers to various episodes in history when humanity faced the discovery of populations of unknown territories. It is the meeting of these ethnically “different” groups of practices, values, beliefs and language that move away from our morals. Jose Man Lius. Nacido en las Antillas francesas, es un artista visual que utiliza la experiencia, instalación efímera, el video y la fotografía para brindar eventos en vivo tan inusuales como estéticos. Surge de su trabajo una paradoja poética en la que el arte digital y los nuevos medios se mezclan con Jose Man Lius. Born in the French West Indies, he is a visual artist who uses experience, ephemeral installation, video and photography to create unusual and aesthetic events live. A poetic paradox emerges from his work in which digital art and new 238 . Recuerdos futuros / Future Memories sensaciones telúricas; una investigación que permite experimentar lo que puede ser la mezcla cultural constitutiva de una identidad. media blend with telluric sensations; research that allows to experiment in what may be the constitutive cultural mix of an identity. Shrinking Cities / Ciudades encogidas Pierre-Jean Giloux Este viaje se inicia en Tokio y va hacia zonas suburbanas. La hibridación será central para este video ya que mezclará infinitamente la realidad y lo virtual recreando, mediante técnicas digitales, nuevas formas urbanas. This journey starts in Tokyo, going out to the suburban areas.The hybridization will be central to this video as reality and the virtual will mix endlessly, using digital techniques to recreate new urban forms. Pierre-Jean Giloux. Artista y cineasta francés nacido en 1965. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lyon (Francia) entre 1985 y 1990; en Inglaterra, en la Escuela de Bellas Artes de Cheltenham y a nivel de maestría en la Escuela Luminy de Bellas Artes, de Marsella (Francia). Después de haber trabajado con fotografía e instalación, Pierre-Jean Giloux comenzó a abordar la imagen en movimiento, principalmente a través del video. El trabajo sobre la hibridación de imágenes ha crecido orgánicamente. Podríamos llamarlo un arte de arreglo basado en los principios de asociación, tanto a nivel de materiales como semánticos. Trabajando con imágenes compuestas, elabora escenarios, dibuja y hace sus películas en video y con imágenes generadas por computadora. Sus proyectos multimedia integran la creación de imágenes por computadora con poéticas y narrativas en el formato de video digital. Una exigencia en su búsqueda de la puesta en escena da a sus imágenes una rareza singular. Escritura hecha de acontecimientos, rebotes y giros, teje una analogía ambigua con los videojuegos, los cómics y otras artes electrónicas. Referencias a videojuegos y al pensamiento crítico son recurrentes en la obra de Pierre Jean Giloux. Los proyectos en cur- Pierre-Jean Giloux. French artist and filmmaker, born in 1965, studied at the Lyon School of Fine Art, France 1985-1990, in England at the Cheltenham School of Fine Art and at Masters level at the Marseille Luminy School of Fine Art, France. After working in photography and installation, Pierre-Jean Giloux began to address the moving image mainly through video. His work on the hybridization of images has grown organically. We could call it an art of arrangement based on the principles of association, both at material and semantic levels. Working with composite images, he elaborates scenarios, draws and makes his films in video and computer graphics. His multimedia projects integrate the the creation of poetic computer graphics and narratives in the format of digital video. A demand in his search for the mise en scène gives his images a singular strangeness. Writing made from events rebounds and twists, weaves an ambiguous analogy with video games, comics and other electronic arts. Reference games and critical thinking are recurrent in the work of Pierre Jean Giloux. Ongoing proj. 239 catálogo BIM 2014 Francia / France | 2013 5’ 55” | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file so se vuelven a conectar con la videoinstalación, el papel de la composición sigue siendo central en la mayoría de sus obras. ects reconnect with the video installation, the role of the composition remains central in most of his works. Marchant grenu / Caminando granulado / Walking Grainy François Vogel Francia / France | 2013 2’ 21” | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Una ilustración caprichosa del poema “Marchant grenu” de Henri Michaux. Al recitar el poema, Francois Vogel “camina granulado” en las escaleras de Montmartre, en París. A whimsical illustration of the poem “Marchant grenu” by Henri Michaux. While reciting the poem, Francois Vogel “walks grainy” on the stairs of Montmartre, in Paris. François Vogel nació y se crio en Meudon, un suburbio de París. Comenzó estudios científicos al mismo tiempo que realizaba obras de dibujo, pintura y animación. Después de los estudios de arte, viajó al Pacífico para cumplir el servicio militar como tamborilero en Nueva Caledonia. De vuelta en París, dividió su tiempo entre la fotografía (experimentos con cámara estenopeica, fabricación de cámaras) y el video (asistente de la videoartista Dominik Barbier y trabajo como artista de computadora en Mikros Image). Durante veinte años, combinó su su trabajo para vivir (publicidad) con su trabajo como autor (cortometrajes). Sus cortometrajes han recibido numerosos premios y han sido programados en muchos festivales (Clermont-Ferrand, Dubai, Sofía, Sapproro, Milán, Vendôme y Valence). Al ser un inventor de cámaras, así como un fabricante de cámaras virtual, François Vogel es a la vez un artista y un científico. Desde sus experimentos fotográficos hasta sus films, juega con nuestra visión, manipula nuestra percepción de la realidad y nos sumerge en un universo único, distorsionado como la arcilla (Cuisine, Tournis, Trois petits chats) o fragmentado como el cristal (Rue Francis, Faux plafond, Les crabs). François Vogel was born and raised in Meudon in the Parisian suburbs. He began scientific studies while practicing drawing, painting and animation. After art studies, he travelled to the Pacific to do his military service as a drummer in New Caledonia. Back in Paris he divided his time between photography (experiments with pinhole, manufacture of cameras) and video (Assisting the video artist Dominik Barbier, working as a computer artist at Mikros image). For twenty years, he has combined his work for living (advertising) and his work as an author (shorts). His short films have received many awards in festivals and have been shown at festivals including Clermont-Ferrand, Dubai, Sofia, Sapproro, Milan, Vendôme and Valence. Being a camera inventor as well as a virtual camera maker, François Vogel is both an artist and a scientist. In his photographic experiments and film creations, he plays with our vision, manipulates our perception of reality and immerses us in a unique universe, distorted as clay (Cuisine, Tournis, Trois petits chats), or fragmented as crystal (Rue Francis, Faux plafond, Les crabs). 240 . Recuerdos futuros / Future Memories Hotel Episode Un / Hotel Episodio Uno / Hotel Episode One Benjamin Nuel Francia / France | 2009 10’ 21” | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Terrorista y antiterrorista –esas figuras arquetípicas de la partida actual del videojuego de guerra– son a la vez segregados en el bucólico y relajante contexto de un magnífico hotel. Ellos están de pie, más o menos inactivos. Pasan el tiempo. Terrorist and anti-terrorist, archetypal figures of the current video war game, are both segregated in the bucolic and relaxing backdrop of a magnificent hotel. There they stand, more or less idle. They pass the time. Benjamin Nuel. Nacido en 1981, se graduó en la Escuela de Bellas Artes de Estrasburgo y en la escuela de Fresnoy. Ha desarrollado su trabajo artístico en el campo del video y el cine. Fue distribuido y exhibido en eventos como el Festival de Cine de Locarno, el festival de cine nuevo de Montreal y los Rencontres Internationales Paris / Berlin / Madrid. Su pensamiento está actualmente orientado hacia formas de narrativa no lineal y utiliza imágenes 3D en tiempo real y códigos de videojuego. Acaba de terminar una obra digital, Hotel. Inspirado por la mecánica y la estética de la guerra en videojuegos, se apoya en recursos del orden de la fascinación, la curiosidad y la frustración en una forma antiespectacular. Están, como en el resto de su producción artística, las cuestiones de la utopía y la supervivencia, un cierto gusto por la deriva y el deseo de explorar áreas de fricción entre los códigos y los géneros. Delimitar un área, construir un mundo imposible, deslizarse entre diferentes tiempos. Benjamin Nuel. Born in 1981, graduated of the School of Fine Art of Strasbourg and Fresnoy, has developed his artistic work in the field of video and film, which has been distributed and exhibited at events like the Locarno Film Festival, the New Cinema Festival of Montreal and the Rencontres Internationales Paris/ Berlin/Madrid. His thinking is currently geared towards forms of nonlinear narrative, using real-time 3D and video game code. He has recently completed a digital work, Hotel. Inspired by the mechanics and aesthetics of war in video games, it is based on the resources of fascination, curiosity and frustration in an anti-spectacular way. There are, as in the rest of his artistic production, issues of utopia and survival, a certain taste for drifting and the desire to explore areas of friction between codes and genres. Delineate an area, build an impossible world, sliding between different times. La descente / El descenso / The Descent Robert Croma Descenso (sustantivo): el acto de moverse hacia abajo cayendo o dejándose caer de una pendiente descendente, o bien el de- Descent (noun): an act of moving downwards, dropping, or falling, a downward slope, a moral, social, or . 241 catálogo BIM 2014 Inglaterra / England | 2010 8’ 21” | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file clive moral, social o psicológico (traducido del Oxford English Dictionary). psychological decline - Oxford English Dictionary. Robert Croma es un artista visual con base en Londres. Durante varios años fue un galardonado fotoperiodista que trabajaba en Londres para periódicos y revistas británicos. Ha trabajado en producción de cine y teatro y ha escrito poesía, ficción y teatro. A principios de los años noventa, comenzó a hacer películas experimentales en la London Filmmakers Co-operative usando Super 8 y 16 mm. Una experimentación continua a mediados de los años noventa lo llevó a la creación de una serie de instalaciones de video que exhibió en varios espacios públicos en el Reino Unido. En el nuevo milenio se interesó por hacer videos digitales y experimentales usando Internet como el espacio de una galería virtual y perpetua. Su trabajo con el video digital abarca aspectos de la memoria y el tiempo y persigue a los caprichos y las revelaciones del sueño y la casualidad. Alude a las ficciones y verdades en lo cotidiano y busca la poesía de la posibilidad. Está interesado en descubrir la historia y la narrativa poética que residen elusivamente en todos los momentos de la experiencia. Todo es mucho más de lo que parece. Su práctica es revelar de nuevas maneras lo que está oculto. http://robertcroma.com Robert Croma is a visual artist based in London. For a number of years he was an award-winning photo-journalist working in London for British newspapers and magazines. He has worked in film production and theatre and has written poetry, fiction and for the stage. In the early 1990s, he began making experimental films at the London Filmmakers Co-operative using Super 8 and 16mm film. Continuing experimentation in the mid-1990s led to the creation of a number of video installations which were exhibited in several public spaces in the UK. In the new millennium he became interested in making short, experimental digital videos using the internet as virtual and perpetual gallery space. His work with digital video embraces aspects of memory and time and pursues the vagaries and revelations of dream and happenstance. It alludes to fictions and truths in the everyday and seeks out the poetry of possibility. He is interested in discovering the story and poetic narrative that resides elusively within all moments of experience. Everything is much more than it seems. His practice is to reveal in new ways that which is hidden. Fiction 1 / Ficción 1 Hugo Arcier Francia / France | 2011 1’ 22” | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Esta película de síntesis digital tiene su punto de partida en los hechos que afectaron Japón en marzo de 2011. Reconstruye una imagen del tsunami para devolverle a este evento toda su veracidad, dada la profusión de imágenes tomadas de la realidad. Una imagen limpia y sin palabras, sin expresiones, una evocación meditativa del tsunami: una quintaesencia de lo real. 242 . Recuerdos futuros / Future Memories This digital synthesis film is based on events in Japan in March 2011. It reconstructs an image of the tsunami to return all the veracity to this event, given the profusion of images taken from reality. A clean image, without words, without expression, a meditative evocation of the tsunami: a quintessence of reality. Film realizado en CGI en 3D. Se basa en los acontecimientos que afectaron a Japón en marzo de 2011. Hugo Arcier es un artista digital francés (en realidad es un artista de “la era digital”) que utiliza imágenes generadas por computadora en 3D de varias maneras: videos, imágenes y esculturas. Dedicado en primer lugar a los efectos especiales para películas, ha trabajado en numerosos proyectos con directores reconocidos, como Roman Polanski, Alain Resnais, Jean-Pierre Jeunet y François Ozon. Esta profesión le ha permitido obtener un profundo conocimiento de las herramientas digitales –en particular, las imágenes gráficas en 3D–, lo que es esencial para el nacimiento de sus proyectos. En paralelo con el trabajo comercial, desarrolla obras plásticas y reflexivas que diseccionan meticulosamente las particularidades de este nuevo medio, el de las imágenes 3D generadas por computadora. Sus obras artísticas se han presentado en numerosos festivales (Videoformes, Nemo, Darklight, Bitfilms, etcétera), galerías (Magda Danysz, Artcore, ADN, Celal, etcétera), salones de arte (Museo de Nueva York, Le Cube, Okayama Art Center, Plateforme, etcétera) y ferias de arte contemporáneo (Slick, Show off) en todo el mundo; y se convirtió en una figura reconocible en el mundo del arte digital. Film made in CGI in 3D. Based on the events in Japan in March 2011. Hugo Arcier is a French digital artist (actually he is an artist of “the digital age”) who uses 3D computer graphics in various ways: videos, prints and sculptures. Devoted first to special effects for feature films, he has worked on numerous projects with prestigious directors such as Roman Polanski, Alain Resnais, JeanPierre Jeunet or François Ozon. This profession has allowed him to gain a deep understanding of digital tools –in particular 3D graphic imageswhich is essential to the creation of his projects. Along with commercial work, he develops plastic and reflective works that meticulously dissect the specificities of this new medium, 3D computer graphics. His artistic works have been featured in numerous festivals (Videoformes, Némo, Darklight, Bitfilms, etc.), galleries (Magda Danysz, Artcore, ADN, Celal, etc.), art venues (New Museum NY, Le Cube, Okayama Art Center, Plateforme, etc.) and contemporary art fairs (Slick, Show off) around the world, making him a recognizable figure in the world of digital art. Souvenirs de mon passage sur Mars / Recuerdos de mi paso por Marte / Memories of my Passing on Mars Gabriel Mascaro “Este video fue editado utilizando material grabado por soldados durante la guerra de Afganistán. Los videos fueron encontrados en una red social frecuentada por soldados, sus familiares y curiosos. En 2012, cerca de lo que creí sería el fin de la ocupación militar de Afganistán y con “This video was edited using footage recorded by soldiers during the Afghanistan War. The videos were found on a social networking site frequented by soldiers, their families and the simply curious. In 2012, near what I thought would be . 243 catálogo BIM 2014 Brasil / Brazil | 2014 15’ 58” | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file el conflicto inminente en Siria, contacté a algunos soldados estadounidenses a través de las redes sociales en un intento de investigar los recuerdos y las imágenes registradas durante el combate. Fue entonces cuando me encontré con el material grabado por el casco-cámara, que da la perspectiva de un soldado del entorno, con la cámara colocada muy cerca de la línea de visión. Cada mes seleccionan su mejor material y lo cuelgan online. Al reorganizar las imágenes, propongo un viaje a través de una guerra simbólica en la que el enemigo es invisible y el objetivo incierto. Lo que más me interesa de esta investigación es la experiencia de un presente latente, en el cual el conflicto ya no tiene lugar entre el soldado y el enemigo, sino en el espacio-tiempo rarificado entre la cámara y el casco” (Gabriel Mascaro). Gabriel Mascaro (1983) vive y trabaja en Recife (Brasil). Su trabajo explora la negociación de las relaciones de poder en sus más diversas formas. Abarcando el cine y las artes visuales, su obra ha sido expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, la Quincena Documental del MoMA (Nueva York), La Casa Encendida (Madrid), AB4 Athens Biennale, 32ª Panorama del Arte Brasileño en el MAM-SP, Videobrasil y en festivales de cine importantes, como Rotterdam, Oberhausen, Visions du Réel, IDFA, Múnich, Jihlava, BAFICI, Los Ángeles, Miami, IndieLisbon, Bratislava, Bangkok. Su trabajo ha sido revisado en varias revistas, incluyendo Variety (Estados Unidos) y Cahiers du Cinema (Francia). Mascaro participó en el Programa de Residencias Artísticas Videobrasil / Videoformes (Francia) y ha sido premiado en Videobrasil con otra residencia, esta vez en el Wexner Center for Art, Ohio (Estados Unidos). 244 . Recuerdos futuros / Future Memories the end of military occupation in Afghanistan and with the conflict in Syria impending, I contacted some American soldiers through social networks in an attempt to research their memories and imagery that they recorded during combat. That was when I came across the helmet-cam footage, which gives a soldier’s-eye view of the surroundings, where the camera is located very close to the true line of vision. Every month they pick out their best footage and post it online. In reorganizing the images, I propose a journey through a symbolic war in which the enemy is invisible and the target uncertain. What interests me most about this research is the experience of a latent present, in which the conflict no longer takes place between the soldier and the enemy, but in the rarefied space and time between the camera and the helmet.” Gabriel Mascaro Gabriel Mascaro (1983) lives and works in Recife (Brazil). His work explores the negotiation of power relationships in their most diverse forms. Spanning cinema and the visual arts, his work has been shown at the Contemporary Art Museums of Barcelona, MoMA Documentary Fortnight, New York, La Casa Encendida, Madrid, AB4 Athens Biennale, 32nd Panorama of Brazilian Art at MAMSP, Videobrasil and at important film festivals, such as Rotterdam, Oberhausen, Visions du Rèel, IDFA, Munich, Jihlava, BAFICI, Los Angeles, Miami, IndieLisbon, Bratislava, Bangkok. His work has been reviewed in various magazines, including Variety (USA) and Cahiers du Cinema. Mascaro participated in the Videobrasil/ Videoformes Artist in Residence Program in France and at Videobrasil was awarded another residency at Wexner Center for Art, Ohio. Cage Suite (14’ demo) Todo el mundo sabe cuán grande e influyente fue John Cage para sus colegas compositores. Sin embargo, su contribución a las artes escénicas y visuales es menos conocida. En 2013, abrimos nuevos caminos siguiendo sus huellas. Sesenta años más tarde, su creación de 1952, 4’33” (273”) ha sido concebida como el punto de partida de una aventura colaborativa aleatoria con el fin de darnos una gran zambullida intergeneracional en nuestro mundo digital. Cage Suite es un video generativo que se hará en vivo. Su duración es de unos 10 a 15 minutos, dependiendo del público presente. Everyone knows how big and influential on his fellow composers John Cage is. However, his contribution on performing and visual arts is less acknowledged. In 2013, we opened new ways by following in his footsteps. Sixty years on, his 1952 creation, 4’33” (273”) has been conceived as the starting point of a random and collaborative adventure in order to take a big intergenerational dive into our digital world. Cage Suite is a generative video that it will be done live. Its duration is about 10-15 minutes depending on the audience present. Video: Thomas Israel, Giney Ayme, Annie Dissaux, Agathe Heron, Dale Hoyt, Sofi Hemon-Pavelka, Lucas Bambozzi, Jose Man Lius, Sigrid Coggins, Pierre Lobstein, Teresa Wenberg, Victor De Fix, Alexandre Callay, Parya Vatankhah. . 245 catálogo BIM 2014 Sonido / Sound: Ramiro Murillo, Julie Rousse, Gauthier Keyaerts, Theresa Wong, Catherine Radosa, Slikk Tim, Falter Bramnik, Pierce Warnecke, Phil Fontes, Anik Coggins, Hugo Vermandel, Julien PiedpremierI. Hito Steyerl Arte, control y dominación / Art, Control and Domination Curado por / Curated by Inge Stache ©Copyright Hito Steyerl, cortesía Wilfried Lentz, Rotterdam. Completando la instalación How not to be seen. A fucking didactic educational .MOV file, se muestra por primera vez en América Latina una selección de la creación cinematográfica de Hito Steyerl, invitada por el Goethe-Institut en el marco de la BIM. Las películas presentadas abordan, cada una con un estilo propio, temáticas que obsesionan a la cineasta alemana: el feminismo, el militarismo, la influencia del poder económico sobre el mundo del arte y, sobre todo, la difusión masiva y global de las imágenes digitales. En Lovely Andrea (Adorable Andrea, 2007), una foto perdida es el disparador para un viaje al mundo del bondage, el arte de atar a alguien y ser atado. La traductora japonesa se revela como protagonista que da respuestas a la pregunta por la libertad en el contexto del erotismo de la dominación. Un cementerio de aeronaves en pleno desierto californiano es el fascinante escenario de In free fall (En caída libre, 2010), del que surgen metáforas de la crisis económica y de los mercados financieros que se reinventan continuamente a través de la crisis. Finalmente, en Guards (Guardias, 2012), una mezcla de performance y entrevista con guardias de un museo de Chicago, vemos cómo ellos, veteranos militares, aplican las estrategias de defensa de su entrenamiento militar a la protección de valiosas obras de arte. En su conjunto, los trabajos de Steyerl ac- Completing the installation How Not To Be Seen. A Fucking Didactic Educational .MOV File, this marks the first screening in Latin America of a selection of the film creation of Hito Steyerl, invited by the GoetheInstitut as part of the BIM. The films presented show, in their own way, the different subjects that obsess this German filmmaker: feminism, militarism, the influence of economic power on the art world, and above all, the mass global diffusion of digital images. In Lovely Andrea (2007), a lost photo triggers a journey into the world of bondage, the art of tying and being tied. The Japanese translator is the protagonist who answers the question of freedom in the context of the eroticism of domination. An aircraft boneyard in the middle of the Californian desert is the fascinating setting for In Free Fall (2010), throwing up metaphors of economic crisis and financial markets that continuously reinvent themselves through crisis. Lastly in Guards (2012), a combination of performance and interview with guards at a museum in Chicago, we see how these military veterans apply defence strategies from their military training to the protection of valuable works of art. As a whole, Steyerl’s works bring up to date the critical analysis of the 246 . Arte, control y dominación / Art, Control and Domination Inge Stache Hito Steyerl nació en 1966 en Múnich, Alemania. Es cineasta y trabaja como realizadora y autora en el campo del cine y video documental de ensayo, media art y videoinstalación. Se dedica desde hace años a los medios de comunicación y al análisis de la circulación masiva y global de imágenes. Doctora en Filosofía por la Universidad de Viena y profesora de New Art Media en la Universidad de Berlín, sus ensayos críticos se centran en temas como el feminismo, el militarismo y, sobre todo, la proliferación y difusión del conocimiento a través de las imágenes como consecuencia de las tecnologías digitales. Como artista y documentalista participó en distintas muestras individuales, festivales y bienales de todo el mundo, entre otras, Documenta 12 en 2007, Bienal de Shanghai 2008, Bienal de Taipei 2010 y Bienal de Venecia 2013. En ocasión de la Bienal de la Imagen en Movimiento y con apoyo del Goethe-Institut, la editorial Caja Negra presenta Los condenados de la pantalla, su primer libro traducido al español. Inge Stache. Directora del archivo de cine y curadora de programación de cine en el Goethe-Institut de Buenos Aires. Curadora de proyectos como: retrospectiva Werner Schroeter: superar la insoportable realidad (2013); Harun Farocki: cuando la imagen se revela, muestra de videoinstalaciones y cine (2013) y de muestras de Alexander Kluge, Ulrike Ottinger, Thomas Heise, Hartmut Bitomsky, H. J. Syberberg y otros. Desarrollo y coordinación de diversos formatos: Contraseña Verde, coproducción language of image from the point of view of a generation connected via digital networks: picking up the dominant language of the mass media and taking it apart with their own contradictions and with a refined sense of humour, to then complement it with reflections that encourage the spectator to make new, revealing readings. Inge Stache Hito Steyerl (1966, Munich, Germany) is a filmmaker who works as a director and author in the field of documentary essay film and video, media art and video installation. For several years her work has focused on the media and the analysis of the mass global circulation of images. A PhD from the University of Vienna and a lecturer in New Art Media at the University of Berlin, her critical essays focus on such issues as feminism, militarism and, above all, the proliferation and diffusion of knowledge through images as a consequence of digital technologies. As an artist and documentarian she has participated in individual exhibitions, festivals and biennales all over the world, including: Documenta 12 in 2007, the 2008 Shanghai Biennale, the 2010 Taipei Biennale, and the 2013 Venice Biennale. On the occasion of the Biennale of the Moving Image and with the support of the Goethe Institut, the publishing house Caja Negra presents The Wretched of the Screen, her first book translated into Spanish. Inge Stache. Film archive director and curator of the film program at the Goethe-Institut Buenos Aires. Her curated projects include: Werner Schroeter Retrospective: Overcoming Unbearable Reality (2013); Harun Farocki: When the Image is Revealed, exhibition of video installations and film (2013). Exhibitions of Alexander Kluge, Ulrike Ottinger, . 247 catálogo BIM 2014 tualizan el análisis crítico del lenguaje de la imagen desde el punto de vista de una generación conectada a través de las redes digitales: retoman el lenguaje dominante de los medios masivos y lo desarman a partir de sus propias contradicciones y con un humor refinado para, luego, complementarlo con reflexiones que impulsan al espectador a nuevas lecturas reveladoras. latinoamericana de serie infantil de TV (2011-2013); formación docente y formación de espectadores: Aprender a ver. El cine alemán va a la escuela (2011-2013); seminarios online: Historia y teoría del cine alemán, francés y argentino (2002-2006). Compilación de textos sobre cine: Crítica de la mirada, Harun Farocki (2003), Fotografía y más allá, Heinz Emigholz (2006), Desconfiar de las imágenes, Harun Farocki (2013). Ha participado como jurado en festivales internacionales de cortometrajes y documentales. Thomas Heise, Hartmut Bitomsky, H. J. Syberberg and others. Development and coordination of various formats: Password Green -Latin American co-production of children’s TV series (2011-2013); Teacher training/ spectator training Learn to See. German Cinema goes to School (20112013); Online Seminars in History and Theory of German, French and Argentine Cinema (2002-2006). Compilation of texts on film: Critique of Perspective - Harun Farocki (2003), Photography and Beyond Heinz Emigholz (2006), Distrusting Images - Harun Farocki (2013). She has sat on the jury at international short and documentary festivals. Programa / Programme Guards / Guardias Alemania - Estados Unidos / Germany - USA | 2012 19’ 30’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file Guards intercala material de archivo con entrevistas hechas al personal de vigilancia del Art Institute of Chicago y explora las experiencias de estos oficiales con formación militar en su rol de protectores del arte y de la nación. Desde que la industria de la seguridad privada incorpora a los veteranos militares, estos pueden aplicar su entrenamiento de combate a tareas institucionales más dóciles. En una época en que la inteligencia, la vigilancia, las prisiones y las fuerzas de seguridad suelen estar a cargo de contratistas privados, surge la pregunta por la incidencia de la militarización y la privatización en el ámbito de intercambio simbólico propio del mundo de las artes. Guards combines archive footage with interviews with security staff at the Art Institute of Chicago, exploring the experiences of these officers with military training in their role as protectors of art and of the nation. As the private security industry takes on military veterans, these can apply their combat training to gentler institutional work. In an age when intelligence, surveillance, prisons and security forces tend to be the responsibility of private contractors, the question arises of the incidence of militarization and privatization in the art world’s own sphere of symbolic exchange. 248 . Arte, control y dominación / Art, Control and Domination In Free Fall / En caída libre Alemania - Reino Unido / Germany - United Kingdom | 2010 32’ | HDV | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file En En caída libre, un cementerio de aviones en el desierto de California es el punto de partida para contar la historia del clima económico actual. Distintas narrativas de desastres aéreos dan lugar a metáforas de la debacle económica de octubre de 2008. Investigando la biografía de los aviones en desuso durante la crisis económica, Steyerl revela inesperadas conexiones entre la economía, la violencia y el espectáculo, al tiempo que recuerda la adaptación permanente del capitalismo a la condición cambiante de los commodities y no se priva de señalar un horizonte más allá de esta repetición interminable. In In Free Fall, an aircraft boneyard in the Californian desert is the starting point for the story of the current economic climate. Different narratives of air disasters provide metaphors for the economic debacle of October 2008. Researching the past of aeroplanes in disuse during the economic crisis, Steyerl reveals unexpected connections between the economy, violence and entertainment, while remembering capitalism’s permanent adaptation to the changing condition of commodities, without missing the chance to indicate a future beyond this interminable repetition. Lovely Andrea / Adorable Andrea Alemania - Japón / Germany - Japan | 2007 30’ | Beta SP | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file While studying film in Tokyo in 1987, Hito Steyerl posed on one occasion for a series of bondage photos, a part of the pornography industry involving tying people up with ropes. In 2007, commissioned by documenta 12, Steyerl went in search of those photos, visiting studios, speaking to bondage experts and artists. In connecting desire with being tied up, the voluntary submission to captivity, dependence, networks and complicity, questions arise such as: Who is pulling the strings? Who are the puppets? How do objects support images? . 249 catálogo BIM 2014 En 1987, mientras estudiaba cine en Tokio, Hito Steyerl posó en una ocasión para una serie de fotos bondage, una técnica de ataduras con sogas, conocida como parte de la industria porno. En 2007 y por encargo de Documenta 12, la cineasta va en búsqueda de esas fotos recorriendo estudios, hablando con expertos y artistas bondage. Al vincular el deseo con la atadura, la sujeción voluntaria con el cautiverio, las dependencias, las redes y la complicidad, surgen preguntas como: ¿quién maneja los hilos?, ¿quiénes son las marionetas?, ¿de qué manera los objetos sostienen las imágenes? Salla Tykkä Desaparición / Disappearance Filmes de 2000-2014 Film works 2000/2014 Comencé a trabajar con la imagen en movimiento mientras estudiaba, a mediados de los noventa. En esa época estaba interesada especialmente en cómo las imágenes en movimiento podían incorporar mis recuerdos y mis sueños y convertirse en parte de mi realidad. Muchos de mis trabajos fílmicos, incluyendo Cave –trilogía (20012003)–, describen pasajes en los que tienen lugar acciones de observación introduciendo el poder de la mirada. Mi interés por el cine crece a partir de su historia, su inmaterialidad y la relación compleja con la psicología humana, como la capacidad de sumergir y aislar al espectador. Trabajar con imágenes en movimiento me permite ubicarme a mí misma, por un lado, en el contexto del film además de las artes plásticas, área en la que comencé. Siento que filmar es mi medio natural para describir el espacio entre las ideas y el mundo material. En mis obras me centré en la imagen y su conexión con el sonido, sin usar palabras habladas. En contraste con esto, en mi último film, Giant (2013-2014), el audio de las entrevistas conforma el núcleo del film y después de quince años el lenguaje entra en mi trabajo. El trabajo que desarrollo en la actualidad seguirá explorando los huecos entre lenguaje, imagen y ciencia. I started working with the moving image during my studies in the mid 90’s. During that time I was especially interested in how moving images could merge with my memories and dreams and become part of my reality. Many of my film works, including Cave – trilogy (2001-2003), describe passages where actions of looking take place, introducing the power of the gaze. My interest in film lies in its history, its immateriality and the complex relationship with human psychology, like the ability to immerse and alienate the viewer. Working with the moving image allows me to place myself partly in the film context besides fine arts, where my background is. I feel that film is the natural medium for me in order to describe the space between thoughts and the material world. In my works I have focused on the image and its connection to sound, not using spoken words. In contrast to this, in my latest film Giant (20132014) audio interviews form the core of the film and after fifteen years language enters my work. My current work in progress will continue exploring the gaps between language, image and science. Salla Tykkä es una artista visual que trabaja con cine y video desde 1996. Partici250 . Desaparición / Disappearance Salla Tykkä is a visual artist working with film and video since 1996. She participated in the Venice Biennale pó en la Bienal de Venecia de 2001. Sus últimas exhibiciones individuales incluyen: BALTIC, Centro de Arte Contemporáneo, Newcastle (2013); Drimart Garibadi, Estambul (2012); EX3 y Hayward Gallery Project Space, Londres (2010). Ha participado en numerosas muestras grupales en museos e instituciones públicas, entre otras: Musée Cantonal des Beaux-Arts, Lausana (2013); Istanbul Museum of Modern Art, Estambul (2012); Turner Contemporary, Margate (2011); 17ª Sydney Biennale, Museum of Contemporary Art, Sydney (2010); Tropico-Végétal, Palais de Tokyo, París, 2006. Sus films han sido exhibidos ampliamente en festivales internacionales de cine. 2001. Her latest solo exhibitions include: BALTIC Centre for Contemporary Art, Newcastle, 2013; Drimart Garibadi, Istanbul, 2012; EX3 and Hayward Gallery Project Space, London, 2010. She has participated in numerous group shows in museums and public institutions, including: Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, 2013; Istanbul Museum of Modern Art, Istanbul, 2012; Turner Contemporary, Margate, 2011, 17th Sydney Biennale, Museum of Contemporary Art, Sydney, 2010; Tropico-Végétal, Palais de Tokyo, Paris, 2006. Her films have been shown widely at International Film Festivals. Programa / Programme Giant / Gigante Finlandia / Finland | 2013-2014 12’ 47” | HD | Color | Estéreo / Stereo Formato de proyección / Screening format: Archivo digital / Digital video file Giant presenta a importantes gimnastas del equipo juvenil de Rumania. Fue filmado en dos institutos de gimnasia artística en Onesti y Deva. Una banda de sonido de las entrevistas con los gimnastas acompaña las estructuras de su grabación. Giant features leading gymnasts of the Romanian youth team. The film is shot in two boarding schools for artistic gymnastics in Onesti and Deva. A soundtrack of interviews with the gymnasts accompanies and structures the recording. Airs Above the Ground / Aires sobre la tierra El film se centra en el caballo Lipizzano, cuya raza es la más antigua que existe en Europa. Desarrollada en el siglo xvi con el apoyo de la monarquía Habsburgo, la raza es bien conocida por su capacidad para los ejercicios conocidos como “aires sobre la tierra”. La obra explora la línea incierta entre naturaleza y cultura. The film focuses on the Lipizzaner horse, the oldest extant pedigree breed in Europe. Bred in the 16th century with the support of the Habsburg monarchy, the breed is well known for its ability for performing exercises known as “airs above the ground”. This piece explores the uncertain line between nature and culture. . 251 catálogo BIM 2014 Finlandia / Finland | 2010 8’ 43” | HD | Color | Estéreo / Stereo Formato de proyección / Screening format: Archivo digital / Digital video file Victoria Finlandia / Finland | 2008 10’ 44” | HD | Color | Estéreo / Stereo Formato de proyección / Screening format: Archivo digital / Digital video file En el corto Victoria se representa un florecimiento nocturno del nenúfar gigante. La planta cuenta la historia del colonialismo europeo en el siglo xix y esconde en su belleza la humana necesidad de poder y dominio. The short film Victoria depicts the nocturnal blossoming of the giant water lily. The plant tells the story of European colonialism in the 19th century and hides within its beauty the human need for power and domination. Zoo Finlandia / Finland | 2006 2’ 26” | HD | Color | Dolby Formato de proyección / Screening format: 35 mm Una mujer fotografía las jaulas de un zoológico. Los animales voltean la vista hacia ella siguiéndola con sus ojos. El voyeur y el objeto intercambian roles. La mujer se zambulle en el agua profunda y tiene lugar un violento juego de rugby bajo el agua. Ella vuelve a la superficie para respirar, pero las miradas y el visor de la cámara bloquean su ruta de escape. Desesperada, toma una decisión extrema. A woman photographs zoo cages. The animals stare back, following her with their eyes. The voyeur and the object change places. The woman plunges into deep water where a game of violent underwater rugby is taking place. She returns to the surface to breathe, but the stares and the camera’s viewfinder block her escape route. In desperation, she makes an extreme decision. Cave / Cueva Finlandia / Finland | 2003 9’ 58’” | 35 mm | Color | Dolby Formato de proyección / Screening format: 35 mm La mujer no tiene éxito en su trabajo. Su pala no consigue romper la dureza de la tierra. La realidad, en la que uno debe existir, se deja atrás cuando el camino de la mujer conduce a la cueva. Dentro de la cueva, en la oscuridad, sus manos se hunden en la blandura del suelo. Los mineros, que son capaces de trabajar fácilmente la dureza de la roca, temen a la mujer. Ella retrocede y se oculta en la oscuridad. Tiene que enfrentar una luz vasta y cegadora antes ser capaz de entrar en el nuevo paisaje exterior. 252 . Desaparición / Disappearance The woman doesn’t succeed in her work. Her shovel fails to break the hard ground. The reality, where one must exist, is left behind as the woman’s path leads to the cave. Inside the cave, in the darkness, her hands sink into the soft ground. The miners, who are able to work on the hard rock effortlessly, fear the woman. She draws back, and hides in the darkness. She has to face a vast, blinding light before being able to enter the new landscape outside. Thriller Finlandia / Finland | 2001 8’ | 35mm | Color | Dolby Formato de proyección / Screening format: 35 mm Una chica que vive en el gris del campo otoñal pone a prueba los límites de la feminidad y de la masculinidad en sí misma. La sensualidad que produce responsabilidad y empatía se transforma en un acto crudo y agresivo que sacude los bordes de la infancia. A young girl who lives in the greyness of the autumn countryside tests the boundaries of femininity and masculinity within herself. The sensuality that produces responsibility and empathy turn into a raw, aggressive act that shakes the edges of childhood. Lasso Finlandia / Finland | 2000 3’ 48” | 35 mm | Color | Dolby Formato de proyección / Screening format: 35 mm Lasso exposes a moment in a young woman’s life, the moment when one’s inability to face the other –or even oneself– somehow becomes a powerful sensation somewhere on the edge of the unreal. . 253 catálogo BIM 2014 Lasso expone un momento en la vida de una mujer joven, momento en el cual la incapacidad para enfrentar al otro –o a sí misma, incluso– logra convertirse en una poderosa sensación en algún lugar en el borde de lo irreal. Luciano Zubillaga Cosas por venir / Things to Come Cine documental. Nunca ficción. Siempre vulnerable y subcortical. Video comunitario como movimiento social. De la Universidad Central de Venezuela a Buenos Aires (tres universidades, muchas disciplinas académicas) a Londres (Universidad de Londres). Padres artistas y militantes políticos. Cine documental + contracultura. Su trabajo aglutinado bajo el título Cartografías alienígenas juega con la tensión y la relajación, con sonido e imagen, lo humano, memorias ajenas y la complejidad. Ambigüedad narrativa y visual, fragmentación, memoria y materia oscura. La política cruza hacia la astrofísica, al multiverso del lenguaje. Su dirección refleja un interés por abandonar los espacios o límites del control dentro del proceso de creación: celebra el choque entre representación, participación y abstracción. Otra lógica, en la que performers, sonidos y voces navegan el tiempo y el espacio como una escultura (aunque una ambigua e indeterminada). La captura digital se funde con aparatos analógicos y viceversa. Fuelles de fotografia, lentes de formato medio con captura digital. Un cine de montaje y al mismo tiempo modular, intercambiable, nunca fijo por la edición. Luciano Zubillaga es un artista argentino residente en Londres desde 1992. Recibió el London Artist Film and Video Awards (LAFVA) en 2008, otorgado por Arts Council England y Film London. Recientemente ha mostrado obra en Ann Arbor Film Fes254 . Cosas por venir / Things to Come Documentary film. Never fiction. Always vulnerable and subcortical. Community video as social movement. From Universidad Central de Venezuela to Buenos Aires (three universities, several academic disciplines) to London (University of London). Both parents artists and political militants. Documentary film + counterculture. His work under the generic title Alien Cartography plays with tension and relaxation, sound and image, the human, alien memories and complexity. Visual and narrative ambiguity, fragmentation, memory and dark matter. Politics crossing in to astrophysics, to the multiverse of language. The direction reflects an interest in relinquishing the boundaries of control within the process of filmmaking: celebrating the collision of representation, participation and abstraction. Another logic, where performers, sounds and voices navigate time and space as a sculpture (albeit an ambiguous and indefinite one). Digital recording blends with analogue equipment, and viceversa. Photographic bellows, medium format lenses with 5K recording and mobile phones. A cinema of montage and at the same time modular, interchangeable, never fixed by the edit. Luciano Zubillaga is an Argentine artist based in London. He grew up in Tucuman, Buenos Aires and Ca- tival; Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba; Armory Show, Nueva York; BFI Southbank, Whitechapel Art Gallery, Frieze Art Fair, Londres. Es profesor titular de la materia Cine y Video Experimental en Ealing School of Art, Design and Media, University of West London. racas, where he studied philosophy and arts. In 1993 he moved to London to study photography and filmmaking at Goldsmiths College, University of London. In 2008, Zubillaga received the London Artists’ Film and Video Awards (LAFVA). His films have been exhibited internationally in festivals and museums including Habana Film Festival, Ann Arbor Film Festival, Armory Show, BFI Southbank, Frieze Art Fair and Whitechapel Art Gallery. Zubillaga is subject leader of Experimental Film and Video at Ealing School of Art, Design and Media, University of West London. Programa / Programme Cosas por venir / Things to Come Performance: Hannah Schygulla, Dorothea Malik, Pablo Clerici, Ana Minujin, Ramiro Birriel, Emanuel Carrizo, Wanja Malik, Luis Mijovilcevic Hannah Schygulla actúa como narradora en Cosas por venir, un extraño ensayo audiovisual sobre lo mágico, la represión y el idealismo juvenil. En un viaje entre Buenos Aires y Berlín, la secuencia del tiempo es marcada por una partitura experimental escrita en Tucumán en 1968 y recién estrenada en el 2012. La música explora un teatro más allá de lo narrativo, en el que los soportes se funden y cofunden, al igual que lugares y personajes. Cosas por venir es parte de una serie de tres películas-homenaje a los revolucionarios del futuro, que todavía no han nacido, y abre una serie de preguntas sobre la condición posthumana. In a rare appearance, Hannah Schygulla acts as narrator in Things to Come, a powerful film essay about magic, youth and the politics of idealism. A former Argentine military unit and detention camp serves as the location to memorialise ghosts from the past, revolutionaries yet to come and lovers yet to meet. A cross-continental journey ensues between Buenos Aires and Berlin, set against a symphonic musical composition scored by the artist’s father, composer Luis Zubillaga, in 1968. The music explores a theatre beyond linear narrative, a kind of fourth dimensional participation of performers and places which continually merge into one another. Things to Come is part of Alien Cartographies, a series of three films that celebrate idealism and militancy and at the same time form an eclectic philosophical tour-de-force through posthuman spheres. . 255 catálogo BIM 2014 Argentina - Alemania - Reino Unido / Argentina - Germany - UK | 2014 (estreno) 64’ | 5K - 16 mm - HD - DV | Color | Estéreo / Stereo Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file 256 . S p e c i a l A c t i v i t i e s actividades especiales Clase magistral / Masterclass Hito Steyerl En los años setenta el cine combativo se proyectaba en sindicatos y fábricas. No se proponía ser un film ni un espectáculo sino un pre-texto para la acción (G. Taquini). En toda proyección de La hora de los hornos un cartel con la frase de Frantz Fanon: “Cada espectador es un cobarde o un traidor” llamaba a demoler la separación entre cineasta y público, entre autor y productor apuntando a crear un espacio para la acción política. En la actualidad las películas o el videoarte más audaces se hallan en los museos, galerías y espacios de arte en general. Se proyectan en cubos blancos y el espectador circula por ellos independientemente del comienzo o final del film. ¿A qué se debe esta mutación? ¿Qué ha pasado con la percepción de la película? ¿Con la apelación al espectador a través de las imágenes? ¿Cuál es la relación cineasta-público en este contexto? Hito Steyerl indaga los cambios acontecidos en los últimos cincuenta años en cuanto a las formas de presentación y recepción de un cine o videoarte dispuesto a correr riesgos y señala un nuevo desafío para la política cinematográfica. En primer lugar analiza la desaparición de la fábrica fordista de producción. Traza un paralelismo entre la mutación de la producción en cadena a los puestos de teletrabajo y el desarrollo vertiginoso de la industria del cine con el resultante predominio y concentración de la oferta mainstream en un sinnúmero de salas multiplex. Resalta el concepto implícito en la instalación de Harun Farocki Trabajadores saliendo de la fábrica: los obreros y las obreras de la fábrica han acabado en otra: el museo, para luego profundizar que el despla- In the 1970s, revolutionary activist cinema was screened at trade unions and factories. It was not intended as a film or a spectacle, but rather a pretext for action (G. Taquini). At every screening of The Hour of the Furnaces, a caption with Frantz Fanon’s adage “every spectator is either a coward or a traitor” called for the demolition of the separation between filmmaker and audience, between author and producer, in a bid to create a space for political action. Today, the most daring films and video art is to be found in museums, galleries and art venues in general. They are screened on white cubes and the spectator works among them regardless of the film’s start or end. How has this mutation come about? What has happened to the perception of film, to appealing to the spectator through images? What is the filmmaker-audience relationship in this context? Hito Steyerl explores the changes that have occurred in the last fifty years in terms of forms of presenting and receiving a cinema or video art willing to take risks, and indicates a new challenge for political film. Firstly, she analyses the disappearance of the Fordist production-style factory. She draws a parallel between the mutation from mass production to telecommuting posts and the vertiginous development of the film industry with the resultant predominance and concentration of mainstream films in innumerable multiplexes. Steyerl highlights the concept implicit in Harún Farocki's installation . 257 catálogo BIM 2014 ¿Es el museo una fábrica? / Is the Museum a Factory? zamiento del cine político de la fábrica al museo en realidad nunca tuvo lugar. Las películas nunca se fueron de las fábricas, sino que se muestran en los mismos lugares donde estuvieron siempre: en antiguas fábricas transformadas en espacios de arte. Aunque haya cambiado su aspecto, estos espacios continúan siendo espacios de producción y explotación. El personal de mantenimiento, el videoblogger de smartphone, la mujer de limpieza y el guardia de seguridad dan sobrada cuenta de ello. La nueva fábrica social excede los límites tradicionales y se desborda hacia todos los ámbitos. En este giro productivo incluso el espectador es transformado en obrero pues “mirar es trabajar”. Las esferas pública y privada se entremezclan en una zona difusa de hiperproducción. Aclara su diferencia con Jürgen Habermas en cuanto a la apreciación de la esfera pública argumentando que el museo contemporáneo no facilita el intercambio y que, por lo tanto, no cumple la expectativa de una esfera pública burguesa. Establece una clara diferenciación entre el cine clásico y el museo en cuanto a su uso espacial y temporal y señala que la mutación de formato de las obras cinematográficas más nuevas se interrelaciona con este nuevo uso que se distancia de la perspectiva central clásica creando espacios multifocales. Partiendo de las observaciones de Boris Groys acerca del artista como fundador soberano de la esfera pública de la exposición, Steyerl amplía el concepto a curadores, espectadores, artistas y críticos como soberanos en competencia. Y concluye que el papel de las partes implicadas se reduce al de obreros, imposibilitados de lograr una visión de conjunto de todo el proceso de producción. En lugar del sujeto-espectador-como-soberano se impone el sujeto-espectador-como-trabajador. Con la multiplicación de los dispositivos y las impresiones parciales, la transparencia, la visión de conjunto y la mirada soberana ya no están disponibles. La mirada del espectador ya no es colectiva, es distraída y singular, siempre incompleta y en proceso. Workers Leaving the Factory: the factory workers have ended up in another factory, the museum. She then goes on to say that the displacement of political film from the factory to the museum never in fact happened. Films never left the factories but are screened at the same places where they always were: in former factories converted into art spaces. Although their appearance may have changed, these venues continue to be spaces of production and exploitation. The maintenance staff, the videoblogger with his smartphone, the cleaning woman and the security guard are all clear evidence of this. The new social factory goes beyond the traditional boundaries and into every realm. In this production twist even the spectator becomes a worker as “watching is working”. The public and private realms are intermixed in a diffuse area of hyperproduction. Steyerl clarifies how she differs from Jürgen Habermas in terms of the appreciation of the public sphere, arguing that the contemporary museum does not facilitate an exchange, and therefore does not meet the expectations of a bourgeois public sphere. Steyerl differentiates clearly between classic cinema and the museum in terms of its spatial and temporal use, indicating that the mutation of the format of newer cinematographic works is interrelated with this new use that distances itself from the classic central perspective, creating spaces with multiple focuses. Starting from Boris Groys’s observations on the artist as sovereign founder of the public sphere of the exhibition, Steyerl broadens the concept to include curators, spectators, artists and critics as competing sovereigns, concluding that the role of these implied parts is reduced to that of workers, prevented from gaining a comprehensive view of the whole production process. In place of the subject-spectator-as-sovereign the subject-spectator-as-worker imposes itself. 258 . ¿Es el museo una fábrica? / Is the Museum a Factory? With the multiplication of mechanisms and partial prints, transparency, the comprehensive view and the sovereign perspective are no longer available. The spectator’s perspective is no longer collective, it is distracted and singular, always incomplete and in progress. Steyerl trusts that in staging this absence, the desire to be a sovereign subject will be aroused. If the factory is everywhere, then there is no longer a way out. It is precisely there where the new challenge of political cinema lies: to make the screen through which one can leave the museum-as-social-factory. . 259 catálogo BIM 2014 Steyerl confía en que, a través de esta escenificación de la carencia, se active el deseo por ser sujeto soberano. Si la fábrica está en todas partes, entonces ya no hay puerta por donde salir. Es justamente allí donde radica el nuevo desafío del cine político: constituir la pantalla a través de la cual se puede salir del museocomo-fábrica-social. Taller / Workshop Lucas Bambozzi [+ invitados / guests] La imagen alrededor: contexto social, arquitectura y tecnología móvil / The Image Around: social context, architecture and mobile technology Recorridos y mapeos afectivos para una propuesta de intervención audiovisual de sitio específico / Affectivemapping and routesfor a site-specific audiovisual intervention proposal El objetivo del taller es buscar maneras entender las especificidades de un contexto en la ciudad, conectando prácticas asociadas al arte, la comunicación y la arquitectura. La propuesta prevé el planeamiento de formas de interacción con la ciudad a través de procedimientos audiovisuales que se valen de recursos multidisciplinarios. Desde la emergencia de los dispositivos móviles asociados al GPS y el acceso permanente a Internet pasaron más de diez años. A través de obras, textos, disertaciones, proyectos, manifiestos, eventos o debates, pasamos a convivir con experiencias y prácticas que regresan y separan la noción de lugar. De a poco observamos cambios en la forma de pensar la trama urbana, la topografía y las redes construidas en estos espacios, como presuposición poética y como posibilidad para la creación artística. Prácticas que envuelven cartografías experimentales, mapeos afectivos o simples recursos de geolocalización estimulan formas en las que tomar las calles, como estrategia política o para el ejercicio de una colectividad ciudadana. A través del acceso a medios de comunicación, las tensiones en las grandes ciudades vienen convirtiéndose en el foco del abordaje no solamente por parte de profesionales del urbanismo, sino también por proyectos artísticos autónomos que incorporan la ciudad y sus cuestiones en sus procesos. El lema punk “hacelo vos mismo” parece encajar perfectamente en los sistemas digitales asociados a recursos de movilidad. Hoy se pueden pensar los modos de circu260 . La imagen alrededor / The Image Around The aim of the workshop is to search for forms and understandings of thespecificities of a city context. Connecting practices associated with art, communication and architecture, the proposal includes planning ways of interacting with the city through audiovisual procedures that make use of multidisciplinary resources. Ten years have passed since the emergence of GPS-linkedmobiledeviceswithpermanent Internet access. Through works, texts, dissertations, projects, manifestos, events and debates, wehave come to live with experiences and practices that revisit and separatethenotion of place. Little by little, wehaveseenchanges in the way we conceive of theurbanspace, thetopography and thenetworksbuiltintothesespaces, also as a poeticprinciple, as a possibility for artistic creation. Practices that take in experimental cartographies, affectivemappingsor simple geolocalizationresourceshavestimulatedtheretaking of thestreets, whether as a politicalstrategy, or for the purposes of citizen collectivity. Through access to the media, tensions in majorcities are gradually becoming the focus of the approach, not only by urban planning professionals, but also by autonomous artistic projects that incorporate the city and its issues in their processes. The punk slogan ‘do it yourself’ seems to fit perfectly in the digital systems associated with mobility resources. Lucas Bambozzi es artista e investigador en nuevos medios con trabajos en video, filme, instalaciones site-specific y proyectos interactivos. Sus obras fueron exhibidas en más de 40 países, en organizaciones como el MoMA, ZKM, FrankfurterKunstverein, Arco Expanded Box (España), ŠKUC gallery (Eslovenia), Museum of Modern and Contemporary Art (Rijeka, Croacia), WRO Media Art Biennale (Polonia), Centro Georges Pompidou, Bienal de La Habana, ISEA Ruhr (Alemania), ZERO1 Biennial (EEUU), Ars Eletrônica (Austria - con mención de honor en 2010 y 2013), XXV Bienal de San Pablo, entre otros. Participó en festivales como el Videobrasil, É TudoVerdade, FILE, Festival do Rio BR, Sundance y Slamdance (Estados Unidos), Impakt (Holanda), FID Marseille, Share (Italia), XX Videoformes (Francia), BIM (Argentina), Emoção Art.Ficial, On_OFF y varios otros. Es uno de los curadores y creadores del Festival arte.mov (2006-2012), del Projeto Multitude (2014) y del Labmovel (2012-2014). Today it is possible to conceive of the ways of moving around and inhabiting large cities in a way that includesmeasuredsociabilityexperiences (and even their immaterial flows) that result in those temporary, provisional, ephemeralmaps. This new model of thecity, theresult of theoverlapping of physical and virtual structures, to a certaindegree confersmalleability to urban designs, in anappropriation of the city for artistic thought. The idea is to stimulate the creation of embryonic projects, which could happen in stages, in the nearfuture, and which may expand the ways of understanding the region where the project stake place, promoting new forms of convergence, beyondthefield of action of thecorporations. Lucas Bambozzi is a new media artist and researcher with work in video, film site-specific installations and interactive projects. His works have been exhibited in over 40 countries, in organizations such as MOMA, ZKM, Frankfurter Kunstverein, Arco Expanded Box (Spain), ŠKUC gallery (Slovenia), Museum of Modern and Contemporary Art (Rijeka, Croatia), WRO Media Art Biennale (Poland), Centre Georges Pompidou, Bienal de La Habana, ISEA Ruhr (Germany), ZERO1 Biennial (USA), Ars Eletrônica (Austria - with honourable mention in 2010 and 2013), 25th Bienal de São Paulo, among others. Participated in festivals including Videobrasil, É Tudo Verdade, FILE, Festival do Rio BR, Sundance and Slamdance (USA), Impakt (Netherlands), FID Marseille, Share (Italy), XX Videoformes (France), BIM (Argentina), Emoção Art.Ficial, On_OFF and various others. He is one of the curators and creators of the Festival arte. mov (2006-2012), Projeto Multitude (2014) and Labmovel (2012-2014). . 261 catálogo BIM 2014 lar y habitar grandes ciudades de una manera que envuelve experiencias de sociabilidad mediadas (y sus flujos inmateriales, inclusive) que tienen como resultado aquellas cartografías temporarias, provisorias, efímeras. Este nuevo modelo de la ciudad, resultante de la superposición entre estructuras físicas y virtuales, confiere maleabilidad, en cierta medida, a los diseños urbanos, en una apropiación de la ciudad para un pensamiento artístico. La propuesta es estimular la creación de proyectos embrionarios, que podrán desarrollarse en etapas, en un futuro próximo, y que puedan expandir las formas de entendimiento del área en la que los proyectos ocurren y promover nuevas formas de convergencia, más allá del campo de acción de las corporaciones. Taller de revelado fílmico artesanal / Artisanal film developing workshop Luis Macías (Crater-Lab) En la creación cinematográfica, todos los procesos son controlados por los cineastas exceptuando el revelado de la película, lo que desactiva la posibilidad de experimentar e intervenir las cualidades estéticas del tratamiento de la emulsión fílmica. Las técnicas artesanales permiten la exploración sobre la respuesta de la luz y sus efectos sobre los haluros de plata, en un ejercicio de ensayo y error, que se produce en la alquimia fílmica anterior a la aparición de la imagen, así como la relación íntima que mantiene el artista con la película. Esta posibilidad de control total sobre la obra, y otras cuestiones, ha motivado desde hace años el nacimiento de los laboratorios independientes autogestionados por artistas y cineastas, así como la creación de laboratorios caseros. En este taller de revelados artesanales se indagará en la respuesta de la película blanco y negro en 16 mm poniendo en práctica varios procesos de revelado de película: el desarrollado en negativo, el reversible/inversible, alternativos con productos naturales, y alteraciones de la emulsión para búsquedas estéticas experimentales. Se realizará una filmación colectiva en 16 mm en blanco y negro para experimentar con las imágenes filmadas. El taller se divide en tres sesiones; una primera, de introducción y teoría y las dos restantes, de prácticas en un laboratorio improvisado. Está dirigido a artistas, cineastas, estudiantes y cualquier persona interesada en la creación audiovisual, la materialidad fílmica y los procesos artesanales de creación y experimentación cinematográfica. In film creation, all the processes are controlled by the filmmakers, with the exception of developing the film, removing the possibility of experimenting with and influencing the aesthetic qualities of film emulsion treatment Artisanal techniques make it possible to explore the response of light and its effects on silver halides, in an exercise of trial and error, which occurs in the film alchemy prior to the appearance of the image, as well as the intimate relationship that the artist has with the film. The possibility of total control over the work, and other questions, has for years given rise to the birth of independent laboratories, self-managed by artists and filmmakers, as well as the creation of home laboratories. In this artisanal developing workshop, we will investigate the response of black and white film in 16 mm., putting into practice various film developing processes: developing in negative, the reversible/inversible, alternatives with natural products, and altering the emulsion in search of experimental aesthetics. There will be a collective 16 mm filming in black and white to experiment with the images filmed. The workshop is divided into three sessions, the first for introduction and theory, and the other two practical sessions in an improvised laboratory. Aimed at artists, filmmakers, students and anyone interested in audiovisual creation, film materiality, and the artisanal processes of cinematographic creation and experimentation. 262 . Revelado fílmico artesanal / Artisanal film developing Luis Macías. Artist, filmmaker, image recycler and film researcher. He is a member of Cráter Collective and co-founder of the artisan film laboratory Crater-Lab. His works on 8mm, Super 8 and 16mm film formats are conceived as film performance or expanded cinema projects. Artistic concerns focus on two points: physical work on cinematographic film, conceiving each piece from its specific videographic or cinematographic format, as well as the recycling and reinvention of new relationships between images in movement. These proposals are conceived for both dark room screening and white cube performance or installation. In parallel, Macías holds theoreticalpractical workshops, specialising in different variants to experimental film, found footage, cameraless film, Super 8, artisan processes, both at film school and at art centres and museums. His works in the expanded cinema and performative cinema formats have been seen at festivals and art centres in Barcelona (Loop, Europes, Primavera Sound, Sonar, Mostra Súper 8), La Coruña (S8), Bilbao (MEM), Salvador de Bahía (Museum of Modern Art), Caracas (National Film Archive, Museum of Fine Arts), Quito (Cine OchoyMedio), New York (Millenium, Microscope Gallery), Los Ángeles (Echo Park Film Center), San Francisco (ATA Site, Crossroads Film Festival, Cinemateque SF). . 263 catálogo BIM 2014 Luis Macías. Artista, cineasta, reciclador de imágenes e investigador fílmico. Es miembro de Cráter Collective y cofundador del laboratorio de cine artesanal Crater-Lab, lugar en el que filma, revela y edita su películas. Sus obras en formato fílmico 8 mm, Super 8 y 16 mm son concebidas como proyectos de film performance o expanded cinema. Las inquietudes artísticas se centran en dos puntos: el trabajo físico sobre película cinematográfica concibiendo cada pieza a partir de su formato específico videográfico o cinematográfico, así como el reciclaje y reinvención de nuevas relaciones entre las imágenes en movimiento. Estas propuestas se conciben tanto para proyección en sala oscura como para performance o instalación en el cubo blanco. Paralelamente, desarrolla talleres teórico-prácticos especializados en distintas vertientes del cine experimental, found footage, cine sin cámara, Super 8, procesos artesanales, etcétera, tanto en escuelas de cine como en centros de arte y museos. Sus obras en formato de cine expandido y cine performático se han visto en festivales y centros de arte en Barcelona (Loop, Europes, Primavera Sound, Sonar, Mostra Súper 8), A Coruña (S8), Bilbao (MEM), Salvador de Bahía (Museo de Arte Moderna), Caracas (Cinemateca Nacional, Museo Bellas Artes), Quito (Cine OchoyMedio), Nueva York (Millenium, Microscope Gallery), Los Ángeles (Echo Park Film Center), San Francisco (ATA Site, Crossroads Film Festival, Cinemateque SF). SEMINARIO / Seminar Emilio Bernini Una teoría del cine experimental. A propósito de Cine expandido, de Gene Youngblood / An experimental film theory. On Gene Youngblood’s Expanded Cinema En el libro Cine expandido, publicado en 1970, Gene Youngblood elabora una teoría del cine experimental, principalmente estadounidense. Si bien esa teoría se alimenta de las teorías contemporáneas en un sincretismo singular e históricamente irrepetible, y si bien el libro mismo es parte de una militancia estética y política para la producción de un cine “expandido” que impacte sobre la conciencia, tiene el mérito de contribuir a una definición conceptual de lo experimental en el cine. El objetivo del seminario es glosar esa teoría, con una visión crítica de fragmentos de algunos de los filmes en los que se fundamenta. El proyecto del seminario es hallar, en esa glosa y en esas visiones críticas, la elaboración de una noción de cine experimental. Resulta de especial interés diferenciar las siguientes nociones, que suelen intercambiarse algo indistintamente: 1. por un lado, la noción de lo experimental (mayormente estadounidense) como una estética audiovisual que quiere actuar sobre la conciencia individual y busca suturar la escisión del sujeto y el mundo; 2. por otro, la noción de “cine de vanguardia” (mayormente europea y latinoamericana) como una estética cinematográfica que busca influir sobre la praxis política, e incluso adelantarse a ella, para promover procesos de liberación colectivos y de clase social; 3. por último, la noción de cine “moderno” (particularmente francesa), que se opone a un cine “clásico” de narración “transparente”, e ideológicamente dominante, y se afirma en cambio en cierto trabajo sobre la negatividad de la forma para promover 264 . Cine expandido / Expanded Cinema In his 1970 book Expanded Cinema, Gene Youngblood develops a theory on experimental film, most of it American. Although this theory fed on contemporary theories of a singular and historically unrepeatable syncretism, and while the book itself is part of an aesthetic and political militancy for the production of an ‘expanded’ cinema that would have an impact on awareness, it has the merit of contributing a conceptual definition of what experimental means in film. The aim of this seminar is to summarise this theory, with a critical viewing of clips from some of the films on which the theory is founded. The project of the seminar is to find in that summary and in those critical viewings the development of a notion of experimental film. It will be of particular interest to differentiate between the following notions, which tend to be tossed about rather indistinctly: 1. Firstly, the notion of the experimental (mostly American), as an audiovisual aesthetic that seeks to act on the individual consciousness and try to sew up the split between the subject and the world; 2. Secondly, the notion of ‘avantgarde film’ (mostly European and Latin American) as a cinematographic aesthetic that seeks to influence political praxis and even get ahead of it, to promote collective, social class liberation processes; 3. Lastly, the notion of ‘modern’ film (particular French), opposed to a Emilio Bernini dirige la Maestría en Cine Documental de la Universidad del Cine. Prologó Cine expandido, de Gene Youngblood, editado por la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Publicó un estudio crítico sobre la obra experimental de Narcisa Hirsch, en la edición en DVD de MQ2, y algunos ensayos sobre found footage en el cine experimental y en el cine documental. Dirige la revista Kilómetro 111. Ensayos sobre Cine. ‘classic’ cinema of ‘transparent’ and ideologically dominant narrative, instead asserting itself in certain work on the negativity of the form, to promote a liberation that is primarily aesthetic and, subsequently, ideological. Emilio Bernini is director of the Master’s in Documentary Film at the Universidad del Cine. He wrote the prologue for the Universidad Tres de Febrero’s edition of Gene Youngblood’s Expanded Cinema. He has published a critical study on the experimental work of Narcisa Hirsch, on the DVD edition of MQ2, and some essays on found footage in experimental film and documentary film. He is director of the journal Kilómetro 111. Ensayos sobre cine. . 265 catálogo BIM 2014 una liberación primero estética y, a posteriori, ideológica. Presentación de libro / Book presentation Stan Brakhage Por un arte de la visión. Escritos esenciales / For an Art of Vision. Essential writings Eduntref, 2014. Considerado globalmente como uno de los cineastas más importantes e influyentes de la historia, el estadounidense Stan Brakhage completó más de 350 películas que van desde el psicodrama de principios de los cincuenta hasta el lirismo autobiográfico, la épica mitológica, el “documento” y el poema cinematográfico metafórico, hasta su muerte a comienzos del siglo xxi. Para gran parte de ellas empleó técnicas propias de cámara en mano y montaje veloz, sobreimpresiones múltiples, collages, abstracciones fotográficas y elaboradas pinturas directas sobre la superficie de la película. Cineasta profundamente personal, el gran proyecto de Brakhage fue explorar la naturaleza de la luz y todas las formas de visión abarcando al mismo tiempo un enorme rango temático. A menudo se refería a su trabajo como “música visual” o como documentos de “pensamiento visual en movimiento”. A su vez, más que ningún otro cineasta de su tiempo, Brakhage dedicó una gran parte de su obra a la escritura. La monumentalidad de su corpus cinematográfico está acompañada por una decena de publicaciones que Brakhage dejó a lo largo del camino como puntos de referencia a su práctica y que terminarían siendo de referencia ineludible en relación con el estudio de las posibilidades del cine como acto creativo personal. Alejada de la idea de una compilación representativa del rango temático de dicha producción bibliográfica, la selección de textos que compone Por un arte de la visión: escritos esenciales de Stan Brakhage –el primer volumen en español de sus escritos jamás publicado– ha sido construida alrededor de la idea precisa del cine como un arte completamente visual que atraviesa toda su producción, la mayoría de las veces de manera dominante y otras 266 . Por un arte de la visión / For an Art of Vision Globally considered one of the most important and influential filmmakers of all time, the American Stan Brakhage completed over 350 films, taking in everything from psychodrama in the early 1950s to autobiographical lyricism, mythological epic, “document” and metaphorical cinematographic poem before his death at the start of the 21st century. For many of his films he used his own techniques of hand-held camerawork and fast cutting, multiple overprints, collages, photographic abstractions and elaborate direct paintings on the film surface. A deeply personal filmmaker, Brakhage’s great project was to explore the nature of light and all forms of vision, taking in at the same time an enormous thematic range. He often referred to his work as “visual music” or as documents of “visual thought in movement”. In turn, more than any other filmmaker of his time, Brakhage dedicated much of his work to writing. The monumentality of his film corpus is accompanied by a dozen publications that Brakhage produced along the way as reference points to his practice, and that would end up being of inevitable reference in the study of the possibilities of cinema as a personal, creative act. Far-removed from the idea of a representative compilation of the thematic range of this bibliographical output, the selection of texts that make up Por un arte de la visión: escritos esenciales de Stan Brakhage –the first volume of his writing ever published in Spanish– has been constructed around the precise idea of film as a completely visual art run- Stan Brakhage. Nacido en Kansas City, Missouri, en 1933, se mudó a Denver, Colorado, a los seis años de edad. De niño fue soprano solista, soñó con ser poeta y se graduó de la secundaria South High School en 1951 con una beca para la universidad de Dartmouth. Luego de un semestre, abandonó las clases para dedicarse al arte; regresó a Denver y realizó su primera película en 1952. Durante el comienzo de su vida adulta, Brakhage vivió en San Francisco y Nueva York, donde se relacionó con otros poetas, músicos, pintores y cineastas, como Robert Duncan, Kenneth Rexroth, John Cage, Edgard Varese, Joseph Cornell, Maya Deren y Marie Menken. Joven “poeta-con-una-cámara”, Brakhage no tardó en abrirse camino como un artista cinematográfico significativo desarrollando una forma de cine personal y lírico completamente novedosa. Brakhage se casó con Jane Collom en 1957; desde principios de los sesenta vivieron en Rollinsville, Colorado, realizando películas y criando a sus cinco hijos. Brakhage continuó con sus viajes alrededor de Estados Unidos y el mundo y se transformó en una figura central del movimiento de cine de vanguardia norteamericano. Desde 1986 vivió en Boulder, Colorado, y en 2002 se mudó a Canadá con su segunda esposa, Marilyn, y sus dos hijos. Brakhage dio clases en la School of the Art Institute de Chicago y fue profesor distinguido de Estudios Cinematográficos en la Universidad de Colorado en Boulder. Condecorado con tres títulos honorarios y numerosos premios, dictó numerosas conferencias sobre cine y arte. Escribió once libros, incluyendo su volumen seminal de 1963, Metaphors on Vision. ning throughout his production, most of the time dominantly, and at other times popping up in the least expected contexts. The twenty-one texts that make up this anthology were taken from the books Metaphors on Vision, Brakhage Scrapbook: Collected Writings 1964-1980, Essential Brakhage: Selected Writings on Filmmaking and Telling Time: Essays of a Visionary Filmmaker. Stan Brakhage. Born in Kansas City, Missouri, in 1933, moved to Denver, Colorado at the age of six. As a child he was a soprano soloist, dreamed of being a poet, and graduated from South High School in 1951 with a scholarship for the University of Dartmouth. He dropped out after one semester to dedicate himself to art; he returned to Denver and made his first film in 1952. In his early adult life, Brakhage lived in San Francisco and New York, where he knew other poets, musicians, painters and filmmakers, including John Cage, Edgard Varese, Joseph Cornell, Maya Deren and Marie Menken. A young “poet-with-a-camera”, Brakhage didn’t take long in making his way as a significant film artist, developing an entirely new personal and lyric form of cinema. From the early 1960s he lived with Jane Collom in Rollinsville, Colorado, making films and raising their five children. Brakhage continued his journeys around the world, becoming a central figure in the American avant-garde film movement. From 1986 he lived in Boulder, Colorado, and in 2002 moved to Canada with his second wife Marilyn and their two children. Brakhage taught classes at the School of the Art Institute in Chicago and was a distinguished professor of Film Studies at the University of Colorado in Boulder. Awarded three honorary degrees and numerous prizes, he gave lectures and wrote eleven books, including his seminal 1963 volume, Metaphors on Vision. . 267 catálogo BIM 2014 irrumpiendo sorpresivamente en los contextos menos esperados. Los veintiún textos que integran esta antología fueron tomados de los libros Metaphors on Vision, Brakhage Scrapbook: Collected Writings 1964-1980, Essential Brakhage: Selected Writings on Filmmaking y Telling Time: Essays of a Visionary Filmmaker. Presentación de libro / Book presentation Hito Steyerl Los condenados de la pantalla / The Wretched of the Screen Caja Negra, Colección Futuros Próximos, 2014. Los condenados de la pantalla recoge una serie de ensayos de la artista y crítica alemana Hito Steyerl escritos durante los últimos años y publicados en la revista de arte e-flux. En ellos, Steyerl interroga el tipo de política representacional que se esconde tras los formatos de baja resolución de la imagen digital y la imagen spam; toma el fenómeno de las fábricas que se vuelven museos como punto de partida para pensar cómo es que el arte contemporáneo se convirtió en una vasta mina de explotación basada en la mano de obra precarizada; y traza un paralelo entre el ámbito del cine y el de la economía a partir de la asimilación que se ha dado en los últimos años de los procesos de producción por los de posproducción, entre otros tópicos. Discípula del realizador Harun Farocki, la obra de Steyerl disecciona el rol que la tecnología asume en las mutaciones de nuestra vida cotidiana y analiza cómo ciertos proyectos artísticos colectivos trasladaron sus esperanzas y deseos a las imágenes y las pantallas profundizando el pasaje de una política de la representación a una representación de la política en el siglo xxi. The Wretched of the Screen compiles a series of essays by the German artist and critic Hito Steyerl written in recent years and published in the art journal e-flux. In them, Steyerl questions the type of representational politics that hides behind the formats of low resolution digital image and spam images. Steyerl takes the phenomenon of factories that become museums as a starting point for thinking on how it is that contemporary art became a vast mine of exploitation based on unskilled labour, and draws a parallel between the sphere of cinema and that of the economy, from the assimilation of production processes by postproduction that has occurred in recent years, among other topics. A disciple of the director Harun Farocki, Styerl’s work dissects the role of technology in the mutations of our everyday life and analyses how certain collective artistic projects transferred their hopes and desires onto images and screens, broadening the passage of a politics of representation and a representation of politics in the 21st century. 268 . Los condenados de la pantalla / The Wretched of the Screen Presentación de libro / Book presentation Clara Garavelli Video experimental argentino contemporáneo. Una cartografía crítica / Contemporary Argentine experimental video. A critical cartography Desde comienzos del nuevo milenio, el video experimental en la Argentina se ha propagado a gran velocidad. Lejos de ser una producción de culto realizada por unos pocos, como ocurría en las décadas precedentes, se ha ido popularizando y adquiriendo múltiples características. La disparidad de estéticas y de procesos de elaboración, de referentes conceptuales, de espacios y formas de exhibición, así como la propia mutación del video en cuanto soporte y medio, han ido problematizando las categorías de análisis y relegando los denominados “videos experimentales” a una zona de difícil aprehensión desde áreas de conocimiento tradicionales. Por ello, el presente libro se ha propuesto el estudio sistemático, a partir de una pluralidad de miradas, de este tipo de producciones que se han ido incrementando de forma exponencial y que dan cuenta, entre otros, de los cambios operados tanto en el campo de producción audiovisual como en el escenario sociopolítico local. Se traza así una cartografía crítica de la producción de video experimental argentino contemporáneo considerando que tal producción se encuentra atravesada por una realidad nacional signada por la posdictadura y por las consecuencias políticas, sociales y económicas de la aplicación desenfrenada de medidas neoliberales; se acota de esta manera el corpus a aquellos trabajos que beben del entorno y gozan de una sensibilidad política y social particular. Una investigación de gran envergadura que pretende llenar un vacío en el campo teórico de la videocreación argentina. Since the beginning of the new millennium, experimental video in Argentina has spread at great speed. Far from being a cult product created by only a few, as was the case in previous decades, it has become popular and has acquired a wide range of characteristics. The disparity of aesthetics and creative processes, of conceptual models, of spaces and forms of exhibition, as well as the mutation of video in terms of its format and artistic medium, have continued to make the analytical categories of experimental video problematic, rendering traditional modes of inquiry/fields of knowledge insufficient in the study of these types of works. Accordingly, this book aims to systematically study, from a plurality of perspectives, these kinds of productions that have been increased exponentially and that illustrate, among other things, the changes not only in the field of audiovisual production but also in the national socio-political context. Hence, a critical cartography of contemporary experimental Argentine video productions is outlined, bearing in mind that such productions are influenced by a national reality marked by the post-dictatorship period and by the political, social and economic consequences of the rampant implementation of neoliberal policies. Thus, the corpus is limited to those works directly connected to this context and which have a particular social and political sensibility. This is a significant research project that aims to fill a gap in the theoretical field of Argentine video creation. . 269 catálogo BIM 2014 Eduntref, 2014. Clara Garavelli. Es profesora de Estudios Latinoamericanos en la University of Leicester (Reino Unido). Miembro del comité editorial de Secuencias. Revista de Historia del Cine. Ha coeditado el libro Reflexiones fragmentadas: pensar los Estudios Culturales desde España (2012) y el dossier especial sobre cine y video experimental argentino de Imagofagia (2014). Coautora de obras colectivas como The Cinema of the Swimming Pool (2014) y Directory of World Cinema: Argentina (2014), entre otras. Cuenta con varias publicaciones sobre cine y cultura visual. Fue jurado del Festival Internacional de Video Arte (FIVA 2012 y 2013, Argentina). Clara Garavelli. Lecturer in Latin American Studies at the University of Leicester (UK). She is an editorial board member of the journal Secuencias. Revista de Historia del Cine. She has co-edited the book Reflexiones fragmentadas: pensar los Estudios Culturales desde España (2012) and the special dossier on experimental film and video of the journal Imagofagia (2014). She is co-author of collective works such as The Cinema of the Swimming Pool (2014) and Directory of World Cinema: Argentina (2014), among others. She has published extensively on film and visual culture and was a Jury member of the International Festival in Video Art (FIVA, 2012 and 2013, Argentina). 270 . Video experimental argentino / Argentine Experimental Video Presentación de proyectos colectivos / Presentation collective projects El cine es diverso, mucho más de lo que se comprende cuando se pronuncia rápidamente esta misma afirmación. El cine es infinito, polimorfo, inasible. Por eso, a pesar de la ordenada hegemonía que presenta la idea del cine como mercancía en la industria del entretenimiento, existe un universo definido por la heterogeneidad que subyace en condiciones confusas, desordenadas, sin un sistema que pueda definirlo. El desarrollo de este universo es vertiginoso, su trama se compone con una dinámica tan acelerada y compleja que las instituciones clásicas no logran acompañarla. Como respuesta a esta realidad, surge la necesidad de espacios alternativos, con composiciones innovadoras, que puedan echar luz –en el sentido de dar visibilidad, proponer un orden, confrontar con la razón y formular sentidos– para darle formas de existencia a este cosmos visionario. No es algo nuevo, la historia del cine independiente y experimental está plagada de emprendimientos que resultaron de la asociación entre personas que se preguntan cómo pensar, exhibir, preservar o producir cine en su sentido más amplio. Lo singular es la proliferación que estos espacios han tenido en nuestro país durante los últimos años, sobre todo en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, y en la provincia de Buenos Aires. Artistas, investigadores, técnicos y productores culturales conforman grupos de trabajo para acercar sus miradas y generar los espacios en los que compartirlas con el resto de la comunidad. Film is diverse, even more so than what we understand when we say that film is diverse. Film is infinite, polymorphous, impossible to grasp. Therefore, despite the ordered hegemony of the idea of film as a product of the entertainment industry, there is a universe defined by the heterogeneity that underlies it in confused, disorderly conditions, without a system to define it. This universe grows vertiginously, it is made up of such an accelerated and complex dynamic that traditional institutions cannot keep pace with it. In response to this reality the need for alternative spaces arises, with innovative compositions, shedding some light –in the sense of making visible, suggesting an order, confronting with reason and formulating meanings- to give forms of existence to this visionary cosmos. This is nothing new, the history of independent and experimental cinema is full of ventures that came about from the association between people who wonder how to conceive, exhibit, preserve or produce cinema in its broadest sense. What is surprising is the proliferation of these spaces in Argentina in recent years, especially in the City of Buenos Aires, and in the Province of Buenos Aires. Artists, researchers, technicians and cultural producers form work groups in which they can express their perspectives and create the space to share them with the rest of the community. . 271 catálogo BIM 2014 ARCA / ARKHÉ / HAMBRE proyectos colectivos / collective projects Arca Video Archivo y Base de datos de Video Arte Argentino / Argentine Video Art Archive and Database www.arcavideoargentino.com.ar Idea, Dirección e Investigación / Idea, Direction and Research: Mariela Cantú Colaboradoras e Investigación / Collaborators and Researchers: Laura Albañir, Fabiana Gallegos, Maia Navas Diseño de interfaz gráfica y plataforma / Graphic Interface and Platform Design: Francisco Álvarez Lojo, Paula Castillo, Sebastián González Botasi y Ezequiel Rivero Este proyecto sin fines de lucro procura accionar una práctica de conservación, difusión y exhibición del videoarte argentino, facilitando el acceso público a un corpus de producción artística valiosa y sostenida, que constituye una práctica fundamental dentro de la historia del arte argentino. Iniciado en el año 2008 y materializado en un sitio web, Arca Video alberga más de 700 obras relevadas y más de 190 videos disponibles en línea, que pueden ser visionados gratuitamente. Asimismo, hemos llevado adelante diversos proyectos curatoriales, presentaciones, publicaciones y conferencias nacionales e internacionales procurando el intercambio y colaboración con otros archivos y proyectos de conservación y restauración audiovisuales. A partir de la plataforma de Arca Video, procuramos la puesta en valor y el reconocimiento del trabajo de artistas reconocidos, así como el impulso a la experimentación de nuevos realizadores y focos de producción, posibilitando el análisis, la investigación y la historización del video arte, dentro y fuera de la Argentina. 272 . Proyectos colectivos / Collective Projects This non-profit project seeks to put into practice the preservation, sharing and exhibition of Argentine video art, facilitating access to a valuable, sustained body of artistic production, which is a fundamental practice in the history of Argentine art. Arca Video started out as a website in 2008, storing over 700 developed works and over 190 videos available online, that can be viewed free of charge. In addition, we have produced various curatorial projects, presentations, publications and national and international conferences, bringing about exchanges and collaboration with other audiovisual preservation and restoration archives and projects. Through the Arca Video platform we seek the restoration and recognition of renowned artists’ work, as well as encouraging experimentation by new directors and production centres, enabling the analysis, research and historization of video art both in Argentina and abroad. proyectos colectivos / collective projects Colectivo Arkhé www.colectivoarkhe.com.ar Ver, conversar, producir un gesto, tener una experiencia. Las imágenes forman parte integral de nuestras prácticas cotidianas. Los cuerpos se han hecho imagen, se han imbricado. Las imágenes y los sonidos atraviesan nuestra experiencia con el mundo y estos problemas deben ponerse en discusión. Arkhé, término que da nombre a este colectivo, remite en su raíz griega (arché) a la idea de origen. De acuerdo con las distintas edades y nombres de la tradición, el origen es pensado en su condición dinámica, como movimiento de lo vivo que se da entre el límite y lo ilimitado. Arkhé intenta producir un movimiento en el encuentro entre el acto de ver y la puesta en palabra. Salir del cine es, entonces, entrar de otro modo, a través del gesto performativo que produce la palabra, en la que la imagen en movimiento se encuentra con la posibilidad de ser habitada de otro modo. Ya no es solamente la experiencia de la proyección, sino la posibilidad de pensar y reconstruir las imágenes, la experiencia de ver, en otro tiempo. Volver al origen, pensar sus límites y sus aperturas. No se trata de enseñar a ver o de educar la mirada, sino de poner el foco en la experiencia que las imágenes y los sonidos producen y encontrar en las palabras la posibilidad de pensar las lógicas de la sensación como ese bascular ilimitado del sentido. Integrar las imágenes y el pensamiento en un mundo que está por venir y que es necesario construir interminablemente. Nuestro objetivo es crear espacios de encuentro que promuevan nuevos ritmos y nuevos cuerpos. Watching, exchanging ideas, making a gesture, having an experience. Images are an integral part of our daily life. Bodies have turned into image, they have interwoven with them. Images and sounds go across our experience in the world and these questions must be discussed. Arkhé, term after which this collective is named, points in its Greek root (arché) at the idea of origins. According to the different ages and names of the tradition, the origin is thought in its dynamic condition, as a movement of what is alive placed between the boundaries and the unlimited. Arkhé attempts at producing a movement in the meeting between the act of seeing and the translation into words. Coming out of the cinema is getting into it otherwise, by means of the performative gesture that language makes. Here the moving image gathers with the possibility of it being lived otherwise. It is not only the experience of screening, but the possibility of thinking and reconstructing images, the experience of seeing, in another time. Going back to the origins, thinking its boundaries and its opportunities. It is not about teaching how to watch or trained the view, but focusing on the experience that images and sounds produce and finding in the language the possibility of thinking the logics of feeling as an unlimited swing of the senses. It is about integrating images and thoughts in a world to be, which needs endless building. Our aim is creating spaces of gathering that foster new rhythms and new bodies. . 273 catálogo BIM 2014 Ivana Castagnetti, Gonzalo Egurza, Fabiana Gallegos, Ariel Nahón proyectos colectivos / collective projects Hambre www.hambrecine.com Florencia Incarbone, Geraldine Salles Kobilanski, Sebastián Wiedemann Somos un observatorio y laboratorio dedicado a la investigación, diálogo y producción de pensamiento crítico y sensible por contagio y puesta en relación con los cines experimentales. Hacemos hincapié, con fuerte énfasis, en las expresiones latinoamericanas. Sin jerarquías y en estado abierto, desconociendo completud alguna, el cine que nos convoca se dice fértil a la vez que precario, como lo son los cangrejos que habitan el manglar. Sentimos que nuestra originalidad es nuestro hambre. Un hambre que desestabiliza las estructuras y formas, mina los lugares comunes y destierra los puntos de vista unívocos, porque su manifestación es la violencia. Un hambre, fuerza incontenible y violenta, que se margina de las normas de la industria, porque lucha contra los condicionamientos y las mentiras del mercado y contra la explotación del “exotismo” en geografías supuestamente “subdesarrolladas”. Este cine, como condición irrefutable, le otorga un lugar ético y político a aquello a lo que se enfrenta. Un hambre que se experimenta, que se dice cine experimental. Se trata de un campo expresivo que entendemos en su dimensión más abarcativa. Y eso es lo que nos interesa: la expresión, más allá de cualquier categoría o discusión por la técnica y el dispositivo por sí mismos. Un artista/ cineasta cuya radicalidad se expresa tanto formal como éticamente, sin poder emanciparse entre sí. Un artista/cineasta siempre honesto e inconforme que expresa su hambre, su estado famélico y deseo de nomadismo. Abraza su hambre y su precariedad con amor, con tal de resguardar su libertad. 274 . Proyectos colectivos / Collective Projects We are an observatory and a laboratory dedicated to research, dialogue and production of critical and sensitive thought by contagion and connection to experimental cinema(s). We have a strong emphasis on Latin American expression. Without hierarchies and with an open state of mind, disregarding any kind of completeness, the cinema that impels us is fertile and precarious, like the crabs that inhabit the mangrove swamp. We feel that our originality is our hunger. A hunger that destabilizes structures and forms and banishes univocal points of view because its manifestation is violence. A hunger, an overwhelming force that excludes itself from industry norms, fighting market restrictions and lies, against the exploitation of the “exoticism” in supposedly “underdeveloped” geographies. An irrefutable condition of this cinema is to give an ethical and political place to what it faces. A hunger that has to be experienced, that calls itself experimental cinema. It is an expressive field that we understand in its more inclusive dimension. And that is what we are interested in: expression, regardless of any category or discussion about techniques themselves. An artist/ filmmaker whose radicalism expresses itself formally and ethically, without being capable of emancipation between one another. Artists and film-makers always honest and dissatisfied who express their hunger, their famished state and nomadic desire. Artists who embrace their hunger and precariousness with love to preserve their liberty. artistas contemporáneos chilenos / contemporary Chilean artists Matías Allende Contador | Carol Illanes El soporte audiovisual fue ingresando al contexto artístico chileno, desde la década de los sesenta, con piezas realizadas por artistas chilenos que pudieron acceder a las tecnologías en dicha época. Pero este tipo de soporte se presentó escaso: con una producción fundamentalmente académica, la producción artística chilena se desenvolvía en los medios tradicionales de realización. Ahora bien, el uso de los medios audiovisuales en Chile tuvo una explosión durante la década de los noventa. La masificación de los aparatos técnicos y la reconversión de las academias frente a la apertura de un lenguaje, ahora, más globalizado, se juntaban con el regreso a la democracia, cuestiones que cambiaron profundamente los paradigmas de producción de obra. Sin embargo, la escena artística local actual ha explorado desde el cambio de milenio los medios audiovisuales con mayor soltura y recepción. El interés de una nueva generación que utiliza este soporte radica en su masificación y accesibilidad, pero también, en los altos niveles de circulación que alcanzan, una cuestión decisiva para escenarios artísticos como el chileno, y hoy es un medio casi obligado de producción de obra. Sin embargo, ¿cómo conviven estos medios con una academia que todavía privilegia los medios tradicionales, y su enseñanza, para la reflexión de los procedimientos de producción de obra? Con esta pregunta se iniciará un recorrido por algunos referentes de la producción de videoarte en la escena chilena contemporánea, a partir de los cuales puede leerse una reinstalación de problemas como la identidad y el territorio en Latinoamérica desde el soporte audiovisual. Audiovisual support entered the Chilean artistic context in the 1960s, with works created by those Chilean artists with access to such technologies at this time. But this kind of support was scarce: with a fundamentally academic output, Chilean artistic production used traditional means. The use of audiovisual media in Chile witnessed a boom in the 1990s. The massification of technological equipment and academia’s reconversion with the opening-up of a more globalised language, together with the return of democracy, raised questions that profoundly changed the models of art production. However, the local art scene has in the new millennium explored audiovisual media with greater fluency and receptiveness. A new generation’s interest in using this support lies in its massification and accessibility, but also in the high levels of circulation that they attain, a decisive question for art scenes such as in Chile, since today it is virtually an obligatory means of production. Nonetheless, how do these media co-exist with an academia that still favours traditional media and the teaching of these, for the reflection of work production procedures? To answer this question we will look at some leading figures in video art production on the Chilean scene today, from which it is possible to read a re-emergence of problems such as identity and territory in Latin America from the audiovisual support. . 275 catálogo BIM 2014 Filmando desde el valle / Filming from the valley SEDES MUNTREF CAC Centro de Arte Contemporáneo. Sede: Hotel de Inmigrantes Av. Antártida Argentina 1355 (entre Ing. José Quartino y Cecilia Grierson), Retiro. Entrada por la Escuela de Ciencias del Mar-Apostadero Naval, Dársena Norte http://untref.edu.ar/muntref/ XIRGU ESPACIO UNTREF Teatro Margarita Xirgu Chacabuco 875 (1069), Buenos Aires http://www.espaciountref-xirgu.com.ar/ Alianza Francesa de Buenos Aires Av. Córdoba 936/946 (1054), Buenos Aires www.alianzafrancesa.org.ar/afba/ CCEBA Centro Cultural de España en Buenos Aires Paraná 1159, Buenos Aires www.cceba.org.ar MAMbA Museo de Arte Moderno de Buenos Aires Av. San Juan 350, San Telmo, Buenos Aires http://www.museodeartemoderno.buenosaires.gob.ar/ Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) Rector Aníbal Y. Jozami Vicerrector Martín Kaufmann Directora del Departamento de Arte y Cultura Diana B. Wechsler Secretario de Extensión Gabriel Asprela MUNTREF (Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero) Director Aníbal Y. Jozami Subdirectora de investigación y curaduría Diana B. Wechsler Coordinación logística (ad honorem) Marlise Ilhesca Jozami Coordinación de producción Sebastián Vidal Mackinson Asociación Civil Universidad Nacional de Tres de Febrero (ACUNTREF) Presidente Mauricio de Nuñez Vicepresidente Jerónimo Juan Carrillo Equipo BIM Dirección Andrés Denegri Gabriela Golder Equipo MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo Coordinación de producción Sebastián Vidal Mackinson Coordinación técnica Javier Plano Coordinación técnica Juan Manuel Quesada Asistencia de dirección Ariel Nahón Asistente de registro de obras Laura Verónica La Rocca Producción Jésica Rojo Asistentes de producción Eva Bongiovanni María Sol Marcelloni Producción técnica Gonzalo Egurza Juan Sebastián Faccio Auxiliar Sebastián Díaz Coordinación de contenidos Florencia Incarbone Dirección de arquitectura y montaje Gonzalo Garay Asistencia de producción Gabriela López Equipo de arquitectura Verónica Hachmann Nadia Cox Asistentes generales Lucila Correa Cristian Cutró Vera Grimmer Asistentes de montaje Francisco Galán Kevin Kripper Diseño editorial Marina Rainis Diseñadoras Tamara Ferechian Cristina Torres Valeria Torres Traducciones Daniel Tunnard Gustavo Zappa Alejo Magariños Gabriela López Corrección Gabriela Laster Diseño web y piezas de comunicación Nicolás Gallo Desarrollo web José Casanova Diseño de logo y web original Siksi™ Coordinación de actividades de educación Valeria Traversa Becarios Soledad Almaraz, Alan Bini, Emanuel Carrizo, René Cavaliere, Julieta Cejas Sabaris, Maximiliano Cortés, Jésica Davis, Verónica Díaz, Daiana Fernández, Carolina Fontana, Miguela García Pannelli, Julieta Gómez Blumencwejg, María Florencia Hermida, Evelyn Higa, Gabriela Landini, Graciana Luna, Moira Mazzotta, M. Ángeles Sabljak, Luciana Tripodi Agradecimientos Verónica Aftalión, Diego Aguilar, Martín Aranda, Gonzalo Arias, Ramón Avellana Vila, Ana Beiza, Mateo Bendesky, Gonzalo Berdes, Emanuel Bernardello, Daniel Bicino, Fabiano Burkhard, Javier Cánepa, Natalia Carlomagno, Abel Cassanelli, Emiliano Cavalieri, Anabella Ciana, Marcela Continanza, Carlos Darvique, Tomás Discovskiy, Mariano Dobrysz, Juan Duarte Cuadrado, Jésica Garrido, Osmar Gonzáles, Luciana González, Reina Jara, María José Jerónimo, Iael Korin, Jorge López, Micol Maguna, Isabella Maidanik, José Carlos Mariátegui, Isabelle Mauhourat, María Mazza, Tamara Mesa, Tiphanie Minquet-Villarino, Lisa Naudin, Victoria Noorthoorn, Valeria Orsi, Jesús Oyamburu, Emiliano Páez, José Pagés, María Pardillo Álvarez, Dora Pentimalli, Maru Prenafeta, Josep Carles Puig Bóo, Paula Ramos, Bita Rasoulian, Leticia Rebottaro, Solen Rouillard, Omar Sánchez, Maren Schiefelbein, Fanny Shaefers, Bruno Simonín, Sergio Smiroldo, Inge Stache, Eduardo Suárez, Alicia Todesca, Beatriz Ventura, Emanuel Villamayor, Mercedes Viviani, Ana Zagha.