4,2 MB - Festival Internacional de Cine de Gijón
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FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJÓN JUEVES 24 DE NOVIEMBRE DE 2011 Nº 7 COLABORA: PATROCINA: ORGANIZA: Foto: Isabel Permuy y Helena Exquis LOS MUERTOS NO SE TOCAN, NENE Página 2 | 49FICXixón SECCIóN OFICIAL VOL SPÉCIAL MICHAEL ///Por Elena Duque Por Elena Duque Fernand Melgar, Suiza, 2011, 103 min. Hay ciertas cosas incómodas de contemplar. El “primer mundo” evita mirarse según en qué espejos, motivo que quizás puede explicar el revuelo que la película de Fernand Melgar (hijo de inmigrantes españoles, por cierto) causó a su paso por Locarno, donde Paulo Branco, director del jurado, la tachó de “fascista” sembrando el escándalo mediático. También se ha prohibido su exhibición en los colegios de Suiza, lo cual da qué pensar. Vol spécial hace referencia en su título a una realidad categorizada de manera eufemística, que es, al final, ni más ni menos que la última medida para aquellos que rehúsan abandonar Suiza después de pasar todos los meses estipulados en los centros de retención ad hoc. Lo que se esconde detrás del término es un vuelo en el que los deportados suben encadenados, y viajan atados a la silla (con pañales), y que puede durar hasta 40 horas porque el avión hace parada en varios países. Una realidad chocante, en especial si se contrapone a la asepsia y a la corrección del proverbial país neutral. Melgar se centra, entonces, en el “mientras tanto”. Esto es, los centros en los que se retiene a todos los “sin papeles” hasta que su situación se resuelve. Un lugar, entre cárcel e internado, en el que deshojan la margarita, bien alimentados y con relativo confort, los que van estirando el tiempo hasta que puedan salir de allí (los menos) y lo que se ven abocados a tomar el “vuelo especial”. Es, así, como Melgar describe la geografía humana que habita el centro, y examina de manera cercana los casos de algunos de los detenidos. Muchos de ellos, además, con una familia constituida en Suiza, personas que trabajan y pagan impuestos desde hace años pero que no han podido regularizar su situación. Seguimos la rutina del centro y de quienes allí trabajan, algo que, además, termina por poner el dedo en una llaga que quizás sea la cara más siniestra de este mecanismo: las formas funcionariales con las que se despacha el destino y la dignidad de seres humanos como si se tratase de mercancía. Melgar muestra la realidad sin emitir juicios usando la observación pura. Ya hay bastante elocuencia en el contenido recolectado y montado, en la elección del tema y en el punto de vista. Y eso ya lo saben de sobra quienes se han escandalizado por el film y han visto en él algo así como lo que Dorian Gray vio al contemplar su retrato. Hoy, a las 9.30 horas, en Cines Centro Sala 5 (Prensa y acreditados), y a las 20.00 horas, en Teatro Jovellanos (ambientación musical Patri Chiquita). Repite mañana, a las 17.00 horas, en Cines Centro Sala 3. Markus Schleinzer, Austria, 2011, 96 min. Hay algo podrido, escondido bajo la alfombra del primer mundo. Bajo una superficie de orden escrupuloso y civilización supina, la deformidad de la neurosis. Sentimientos desordenados que crecen sin control, como un monstruo bajo la calma de unas aguas pacíficas. Michael, el protagonista de esta historia, es un hombre al que hemos visto mil veces y ninguna. Uno de esos tipos anodinos que acuden cada día a trabajar encorbatados a una oficina para desempeñar alguna actividad impersonal. Sólo que Michael tiene encerrado en el sótano de su casa a un niño de diez años, al que cuida y mantiene como quien engrasa una máquina de la que se sirve a diario. Pues Michael, de puertas adentro, y con las persianas bajadas, es pederasta. Michael, la película, guarda en todo momento un aspecto seco y glacial, haciendo desfilar por la pantalla una serie de actividades calladas y rutinarias. Porque lo que realmente cuenta en Michael es lo que no se ve. Schleinzer maneja el fuera de campo de una manera pasmosa, dosificando lo que muestra y lo que no, dotando de una tensión sobrecogedora a acciones que, fuera del contexto del film, no producirían ningún sentimiento en quien las contempla. Probando, además, que el experimento de Pavlov, con aquellos perros que salivaban al tocar la campana que anunciaba la comida, se puede aplicar también al espectador, produciendo una desazón difícil de explicar con la simple visión de un hombre que se cepilla los dientes. Pero hay aquí muchas pinceladas más. Como por ejemplo, cómo Schleinzer consigue generar inquietud por el estado de salud de Michael pues, a pesar de ser el secuestrador, es el único medio de vida y conexión con el mundo del niño. O la tensión difícil de soportar que hay en el hermetismo del sumiso comportamiento del niño. O cómo las interacciones sociales de Michael se tiñen para el espectador de un color muy particular al ser partícipes de su secreto. Scheleinzer ha sido director de casting de Haneke, Seidl, Heisenberg o Glawogger. Y se nota, en este sólido debut como director, que Schleinzer pertenece a la misma estirpe de directores, todos austríacos, por cierto. Algo que da qué pensar sobre qué hay detrás de los trajes tiroleses y los valses de Strauss, en un país que ha dado al mundo celebridades tan dispares como Freud, Hitler, Mozart o Schwarzenegger. Hoy, a las 12.30 horas, en Cines Centro Sala 3 (Prensa y acreditados). Repite mañana, a las 22.30 horas, en Teatro Jovellanos (ambientación musical Patri Chiquita) y el sábado, a las 17.00 horas, en Cines Centro Sala 3. Página 3 | 49FICXixón WALK AWAY RENÉE Jonathan Caouette, Francia/Reino Unido, 2011, 90 min. (Artículo de Howard Feinstein extraído de Screen Daily) La artística fragmentación de viejas películas domésticas de su propia e inusual familia que habita en Tarnation (2004) puso a Caouette en la mira de todos los cazadores de talento. Walk away Renée es un gigantesco paso adelante: un equipo de rodaje y un metraje más refinado, pero con una estructura más accesible, en una pseudo road movie con muchas más escenas naturalistas en la que Caouette lleva a su madre, enferma mental, en coche desde su domicilio asistido en su ciudad de origen en Houston, Texas, hasta su actual residencia en Nueva York. La madre de Caouette, Renée Leblanc, de 58 años, sufre de un agudo desorden bipolar y esquizofrenia. A los 12 años se le diagnosticó depresión, edad a la que recibió el primero de los numerosos tratamientos de electroshock por los que ha pasado. La vida de esta mujer, otrora bella y alegre, ha ido cuesta abajo desde entonces: con la reclusión en cientos de instalaciones, y un enorme régimen diario de fármacos para frenar la conducta maniaca, pasiva-agresiva que le domina. Cambiando los papeles, su hijo ha tomado el rol de padre, ahora aquejada de daños cerebrales. A través de cambios de época en los que muestra a Leblanc a varias edades y en estados diversos, así como de metraje de su propia interacción en diferentes fases de sus vidas, llegamos a entender el fuerte vínculo que le une a ella de forma tan intensa que sitúa sus propias necesidades a un lado para asegurarse que no es maltratada por el sistema médico. Entreverando las secuencias que documentan el duro trayecto (en el que la madre pierde sus pastillas), con hermosos planos de nubes pasajeras que ayudan a estructurar el film, y que hacen un guiño a un culto llamado Cloudbusters (que pretende legitimar la existencia de una cuarta dimensión y que sostiene que las nubes son reservas de energía), que ha encargado a Caouette un vídeo de divulgación que éste trata en la película con refrescante sentido del humor. Pocos cineastas en activo a día de hoy pueden unir la magia formal con una sólida explicación de un tema personal serio. Con una banda sonora de suaves melodías populares (Under the Boardwalk y la nostálgica canción que da título al film, popularizada por los Left Bank en los 60, entre otras) que acompaña a abstracciones apocalípticas extremadamente imaginativas, Caouette ha conseguido un acto de coherencia que bordea la genialidad. Hoy, a las 17.00 horas, en Cines Centro Sala 5 (Prensa y acreditados), y a las 22.30, en Teatro Jovellanos (ambientación musical Patri Chiquita). Repite, mañana, a las 17.00 horas, Cines Centro Sala 5. MAñANA THE FORGIVENESS OF BLOOD TERRI Página 4 | 49FICXixón filMO NOChE DEL CORTO ESpAñOL FESTIVAL DE CINE DE BOLSILLO GANADORES THE ASTRONAUT ON THE ROOF LA HUIDA Sergi Portabella, Alemania, 2010, 12 min. Víctor Carrey, España, 2010, 11 min. El juego metalingüistico es la clave de este cortometraje de Sergi Portabella finalista del Today Award de la Berlinale. Pues los “protagonistas” son dos guionistas, 1 y 2, que partiendo de los elementos básicos que según Godard debe tener una película –un héroe, una mujer y una pistola- van jugando sobre la marcha con la narración. Una pócima, la que confeccionan estos guionistas sedientos de fama, que irán aderezando con robos, dedos amputados, una habitación de hotel, personajes variopintos e incluso, si les apuran, hasta un astronauta. Muchas alegrías le ha dado a Víctor Carrey este corto, merecedor de un buen número de premios, y es que con un chicle, con una correa para perros, con una mancha en la pared con la forma de Australia y con un semáforo torcido, Carrey filma una historia en la que cada uno de estos elementos tiene su propia entidad, pero la unión entre sí de ellos forman otra diferente. filMO, Festival de Cine de Bolsillo organizado por LABoral con la colaboración del Festival de Cine de Gijón, ha dado a conocer ayer el nombre de los ganadores de este año, elegidos entre un total de más de 90 piezas. En la categoría filMO cine amateur, resultó ganadora del Premio del Jurado la pieza Swamp Angels Redemption (Part I), de Luzartica, y La puerta del laberinto, de Ángel Méndez & Astor Castro se hizo con el Premio del Público. En Minuto secuencia, el Premio del Jurado recayó sobre Álex Agustí con Fly over fear, y el del Público fue para Patos Calvos regresa a lo esencial con su Mujer leyendo en el suelo. Para finalizar, en el apartado de Firmas Invitadas Chus Domínguez obtuvo el Premio del Jurado con su pieza pixelación laboral, y Pablo García Canga fue el ganador del Premio del Público con su obra Para Laika. DESANIMADO LIBRE DIRECTO Bernabé Rico, España, 2011, 12 min. Emilio Martí, España, 2011, 7 min. Patos Calvos, ganador del premio del público, en Minuto Secuencia. El humor y la verborrea guían este refrescante cortometraje que emplea un recurso de lo más peculiar para enfatizar de qué hablamos cuando hablamos de neurosis, y de lo que significa saberse diferente en un mundo muy poco receptivo a las disonancias. Desde Woody Allen hasta ¿Quién engañó a Roger Rabbit? caben en esta historia de un hombre que se siente mal mirado por ser un dibujo animado. Empleando la acción real matizada por su interacción con una animación vibrante, expresiva y francamente divertida, Martí habla de los prejuicios con sana ironía. A sus 60 años, Adela vive la vida que nunca quiso tener: sin hijos, con un marido que la anula y, lo peor de todo, sin nada por lo que ilusionarse. Hasta que un día le ofrecen la oportunidad de ganar 300.000 euros y dejar su antigua vida atrás… OZ Adrián López, España, 2011, 19 min. DINERO FÁCIL Carlos Montero, España, 2011, 11 min. Luzartica, ganador del premio del jurado en filMO cine amateur. Pablo García Canga, ganador del premio del público de Firmas Invitadas Un casting sólido y una narración bien cimentada son los pilares sobre los que se sostiene la solvencia de Dinero fácil, de Carlos Montero (guionista de series como Física o Química). La buena mano con el género que maneja, los giros y la dirección de actores son las claves de esta historia protagonizada por Mario Casas en la que un joven seductor es contratado para hacer un servicio sexual a domicilio, para terminasr más bien implicado en una trama de cine negro. El catalán Adrián López se aleja de sus registros iniciales vinculados a la publicidad y el mundo del videoclip para contar una historia de adolescentes con problemas. Nicolás se reencuentra con Leo. Son dos adolescentes solitarios, sufren la misma extraña enfermedad: su piel es extremadamente delicada, como la de las alas de una mariposa. Está escrito que iban a encontrarse. Hoy a las 22.15 horas, en Cines Centro Sala 4. Repite mañana, a las 20.00 horas, en Gijón Sur. Página 5 | 49FICXixón LLENDES MÚSICA CAMPESINA Alberto Fuguet, Estados Unidos/Chile, 2011, 100 min. ENTREVISTA ALBERTO FUGUET, DIRECTOR Y MIEMBRO DEL JURADO INTERNACIONAL RELLUMES PUNK’S NOT DEAD Vladimir Blazevski, Macedonia/Serbia, 2011, 104 min. ///Por Elena Duque Es interesante ver el papel del idioma en la película… ///Por Marcelo Panozzo Alberto Fuguet es escritor y es cinéfilo y camina hace años por unos caminos que algún día se iban a cruzar, no había modo de que no sucediera, y es justo decir que la hermosa película llamada Música campesina constituye una cumbre tanto de su escritura (en el papel o en la pantalla) como de su pasión cinéfila. Con una historia pequeña, Fuguet se consagra como narrador grande, porque así tiene que suceder cuando un director se centra en su criatura con sensatez y sentimientos. En este caso se trata de un joven chileno que deja su país por cuestiones del corazón y aterriza en Nashville, Estados Unidos, para saber de verdad cómo es la soledad. Música campesina es una película que tiene puntos de contacto con el género musical que le da título, lleva impresa esa mezcla de luminosidad y tristeza del country, una transparencia oscura que aparece en las mejores canciones y que, naturalmente, es la que marca el paso por Nashville del treintañero Alejandro, perdido en la traducción pero perdido también en su propio idioma. “Me interesaba en esta película llevar la crisis de identidad al límite. Creo que una de las experiencias más duras y atroces es emigrar. Va en contra de toda salud mental”, explica Fuguet, chileno con su propia historia de desarraigo a cuestas, un director que cuenta a su personaje con delicadeza y revela su entorno con la dosis justa de sorpresa, registrando, con gracia y respeto, ese punto en que las culturas chocan y el viaje exterior es ensombrecido por un interior que no atina a moverse. Hoy, a las 19.45 horas, en Cines Centro Sala 1, con encuentro con el público. Repite el sábado, a la misma hora, en Antiguo Instituto. La cinta es -para mí- acerca del lenguaje. No es una cinta acerca de la inmigración, pues Tazo -el protagonista- no inmigra sino que se desplaza. Creo que la patria de uno es su idioma. El lenguaje es tan clave que uno deja de ser quien es, y cuando aprende otra lengua uno, de alguna manera, es otro: parecido, pero otro. Música campesina no es tanto sobre la imposibilidad de comunicarse sino las ganas de hacerlo pero no poder. De ahí que en un momento se larga no más a hablar o confesarse en castellano. O cuando se topa con alguien que habla argentino, arma una intimidad instantánea. En Música campesina eliges un estilo que la hace parecer casi un documental, ¿por qué esa elección? Por falta de dinero y por opción. Y porque soy fan del cine americano de los 70. La nueva ola también fue así. Para mí, el gran cine es aquél que además de ser ficción también es documental en el sentido de que documenta una época, un momento. En este caso, todo fue rigurosamente planeado porque no teníamos permisos ni tiempo ni dinero. Rodamos seis días, por lo que estaba todo escrito y ensayado y yo conocí antes todas las localizaciones. Háblenos un poco de música: en realidad, ¿qué relación tiene el protagonista con la música country? Cero. O casi cero. Cuando me invitaron a filmar a Nashville, capté que algo sabía pero, a la vez, nada: sólo clichés. Aparte del Johnny Cash más intelectual (que no es el Johnny Cash netamente country) o Dolly Parton o Jack Daniels, capté que Nashville tenía una cultura global pero netamente local. Que uno pensaba que sabía mucho de ella pero, a la vez, no. Y usé eso a mi favor. Lo que sí sabía de ciertas películas sobre el mundo country es que las canciones cuentan historias. De ahí surgió la idea de la historia y del final: usar un tema de nuestro folclor (que es en el fondo la música country que cada país tiene). La canción del final es la típica canción que, estando en tu país, te parece hasta cutre, un cliché acaso. Es parte de tu inconsciente colectivo pero al escucharla o cantarla afuera, captas que dices verdades y que eres parte de esa cultura que representa, lo quieras o no. ///Por Alejandro Díaz Castaño Tras realizar películas de gran éxito en Yugoslavia hace casi dos décadas, el cineasta macedonio Vladimir Blazevski vuelve con esta oscura comedia, que retrata las tribulaciones de un grupo de música que, como él, retorna al ruedo tras un largo periodo de inactividad. El bajo presupuesto con el que fue rodada, lejos de perjudicar al resultado final, dota a la propuesta de un auténtico sabor underground, al que también ayuda el degradado paisaje de la ciudad de Skopje. “Alcancé la madurez en una época en la que la estética feísta de Baudelaire era una aproximación artística legítima. Para mí, los lugares feos son hermosos”, ha declarado el cineasta, quien cita entre sus referentes cinematográficos a Michelangelo Antonioni. Mirsa fue el carismático líder de una banda punk, pero sus tiempos de gloria destructiva parecen ya lejanos, pues hace lustros que sobrevive en un agujero de la capital de Macedonia. Hasta que el destino quiere que le llueva la oferta de resucitar a su antigua formación para un concierto filantrópico en tierras albanesas. A partir de ahí, Mirsa emprende dos viajes: el primero, para recuperar el contacto con los ex-miembros del grupo, sumidos en situaciones personales de lo más variopinto. El segundo, para dirigirse al bolo en el que están dispuestos a dejar claro que, pese al tiempo transcurrido, mantienen intacta su dignidad y, sobre todo, su actitud fuertemente iconoclasta frente a las fachadas de corrección política que caracterizan a los nuevos tiempos. Hoy, a las 22.45 horas, en Cines Centro Sala 2, encuentro con el público. Repite mañana, a las 12.30 horas, en Cines Centro Sala 3 (Prensa y acreditados), y a las 20.00 horas, en la misma sala. Página 6 | 49FICXixón ENFANTS TERRIBLES PAPÁ, SOY UNA ZOMBIE Daniel Torres, España, 2011, 80 min. 17 FILLES Delphine y Muriel Coulin, Francia, 2011, 90 min. LA PERMISSION DE MINUIT Delphine Gleize, Francia, 2011, 110 min. ///Por Elena Duque ///Por Alejandro Díaz Castaño ///Por Marcelo Panozzo Cualquiera que visite hoy una tienda de libros lo sabe perfectamente: los zombies son lo más cool del mundo. Desde el comic The Walking Dead, devenido en exitosa serie de TV, hasta la relectura carnívora de todo aquello que hay entre Jane Austen y Star Trek, la amenaza de un mundo (el del entretenimiento) dominado por zombies está haciéndose realidad. Una clave del asunto es traicionar el legado del maestro George A. Romero y apostar a la impureza o, en todo caso, a la superposición de legados. Por ese camino parecen internarse Ricardo Ramón y Joan Espinach con Papá, soy una zombie, una cuento delicioso de terror animado en el que pueden detectarse pizcas de la familia Addams, algo de Seis metros bajo tierra, un poco del orgullo gótico a lo Emily The Strange y la siempre vital influencia del cine de Henry Selick. Y el componente zombie, claro... Porque la encantadora Dixie, protagonista de la película, ya tiene bastantes problemas cuando, literalmente de la noche a la mañana, despierta convertida en zombie. Y su vida, claro, cambia sin remedio. Hoy, a las 11.45 hors, en La Laboral. Repite mañana, a las 11.30 horas, en Cines Centro Sala 5. A vegaes la frase “basáu en fechos reales” nun ye sinónimu d’un tratamientu fílmicu ramplón nin de la busca del sensacionalismu. A vegaes ye necesario pa esclariar que nun se ta faciendo’l film a partir d’una tesis, sinon que ye la pura realidá quien manda daveres nel desendolcu de los acontecimientos contaos. La opera prima de les hermanes Coulin, presentada na Selmana de la Crítica del Festival de Cannes, parte d’un asocedíu d’un institutu de secundaria de Gloucester, Massachusetts, onde’l númberu d’embaranzos de les alumnes cuatriplicó en 2008, barruntando qu’había una pautu secretu ente les estudiantes. Dalgo que, d’otra miente, lo negó dalguna de les implicaes, pero sí almitió que teníen intención d’ayudase ente elles pa curiar a los sos futuros fíos. La adolescencia marca el comienzo de la prisa por querer experimentarlo todo, de querer comerse el mundo de un bocado. Algo que experimenta el protagonista de La permission de minuit convirtiéndolo en un film vital aún cuando trata de alguien que tiene una rara enfermedad sin cura. Un adolescente (casi niño) que no puede ver la luz del sol por una enfermedad de la piel, que lleva lidiando con la idea de la muerte prácticamente desde que nació, con lo que la da por supuesta, y que concentra toda su rabiosa energía en extraer todo lo que puede de la vida. No es casual el parecido de Romain con el pequeño salvaje de Truffaut, pues su visceralidad y carácter poco tienen que ver con el de un enfermo, algo que sólo se matiza con la compañía de su dermatólogo de toda la vida (un muy humano Vincent Lindon), con el que forma un tandem de postizos padre/hijo, compuesto a partir de elementos desparejados. El film méntese nes reaiciones de les sos families pa cola situación, que van dende la más absoluta incompresión y les rabietes de violencia, hasta la identificación cola revesosa decisión de les adolescentes. Les direutores trabayen la estética del film con unos moldos que puen facer pensar nel cine independiente americanu y tamién pola so forma de tratar un rellatu de rebeldía xuvenil. Gleize elabora con este material un film que rehuye la previsibilidad y que atraviesa los avatares de la vida de ambos cuando se precipita el momento de la separación, y en gran medida el paso a la madurez del adolescente. Más que ofrecer un relato cerrado, con respuestas, Gleize recorre en momentos, a veces poéticos, a veces vibrantes y a veces íntimos, un trozo que marca una ruptura, sutil y determinante, en la vida de médico y paciente. Y que se permite jugar en ocasiones con un aspecto lunar y una irrealidad (propiciadas por los trajes como de ciencia ficción que deben usar los “niños de luna”) para crear una particular atmósfera, en un film que más que un drama sobre enfermedades, es una historia que maneja con delicadeza los azares del crecimiento emocional. Güei, a les 9:30 horas, en Llaboral. Otra vuelta güei a les 20.30 horas, en Cines Centro Sala 2, con encuentro con el público. Hoy, a las 22.30 horas, en Cines Centro Sala 3, con encuentro con el público. Repite mañana, a las 9.30 horas, en La Laboral. Dempués de l’anuncia del embaranzu de Camiller, una de les moces más populares del institutu, delles compañeres deciden de sópitu facer un plan que va escontra les normes, que nesti casu ye’l suañu d’entamar una maternidá en comuña. Página 7 | 49FICXixón RUEDAS DE pRENSA MIA HANSEN-LØVE, DIRECTORA DE UN AMOUR DE JEUNESSE siempre ha tenido un lenguaje claro, aunque cuando escribo no tengo su escritura presente. Intento encontrar mi vía, y cierro las puertas a todas las influencias. Aún así, algo de eso queda. Nos diferencia el hecho de que su cine transita a través de la palabra, y el mío alterna bloques de palabra y silencio”. Un amour de jeunesse es un film que habla, de algún modo, de sentimientos universales, de la manera irrepetible en la que se experimenta el amor a los 15 años. Mia Hansen-Løve, su directora, explicó cómo se llega de lo personal a lo universal: “cuando empecé esta película fue por una necesidad íntima de hacer balance de mi vida. Este deseo me abrió a lo universal; no partí queriendo hacer una película en la que todo el mundo se pueda reconocer”. Hansen-Løve habló también de su opción de elegir una actriz muy joven para interpretar un personaje que tiene 15 años en pantalla y luego 23, algo que explicó diciendo que “a los 15 se es más ingenuo y sensible. El erotismo de los personajes viene ligado a esta ingenuidad de los 15 años. Lo que se expresa con esa edad es algo tan efímero que tres años después, a los 18, ya no está. Lola (la actriz) supo plasmar en su cara las heridas del tiempo cuando su personaje es mayor, cosa a la que ella llegó sola, es muy intuitiva”. ///Por Elena Duque Algo que, sin duda, logra su cine, es que no duda en indagar sobre cómo “dos personas que se encuentran en el amor empiezan a darse cuenta de todo lo que les separa”, en un film en el que la autora ha puesto mucho de sí misma y de su relación con la naturaleza. “Nací en París, en un apartamento pequeño y sombrío, y los veranos iba a casa de mi abuelo en las montañas. Hay una sorpresa casi intacta en llegar allí, un espacio abierto en el que éramos libres: sin escuela, y en medio de un paisaje salvaje, con mucha relación con el agua. Eso me ha hecho como soy. Volver allí para hacer la película es como volver a mis orígenes”. La ligazón con el modo de examinar los sentimientos de Rohmer es patente. “Rohmer es uno de mis directores favoritos. Descubrí su obra a los 18. Rohmer TEATRO / MÚSICA / CINE / EXPOSICIONES / CURSOS / CONFERENCIAS MICHAEL GLAWOGGER DURECTOR HOMENAJEADO ///Por Elena Duque La rueda de prensa con uno de los directores homenajeados en esta edición, Michael Glawogger, estuvo casi por entero tomada por sus documentales y, en especial, por su último trabajo, Whore’s Glory, que aborda el mundo de la prostitución. Glawogger habló, en este sentido, sobre el posicionamiento político de su cine: “Simplemente encuentro un lugar o una cosa que puedo mostrar, y no me planteo muchas cosas. Por ejemplo, estoy muy orgulloso de la parte del matadero de Workingman’s Death. Se enfrenta al espectador con la muerte, pero la muerte también tiene cierta belleza. Eso es lo que hace que tu cabeza haga un “clic” y empieces a pensar en todo ello. Si tuviera un posicionamiento claro no sería un director de cine, sería un político o un trabajador social. El moralismo es el enemigo del artista”. En lo tocante a su película Whore’s Glory, Glawogger expresó: “mi opinión está en la película, no hay una conclusión concreta. Hay muchos prejuicios, por lo que al filmar debes bloquear tus opiniones para ir a ver la realidad. Aunque si quieren mi opinión sobre la prostitución, pienso que deberíamos llegar a una prostitución como de “comercio justo”, pues es la ilegalidad lo que provoca el crimen”. Reiteró, además: “lo que quiero ver no es el aspecto político, sino saber qué piensa la gente que se dedica a eso y descubrir a través de eso qué clase de animales somos”. Sobre la presentación del sexo en el film, Glawogger comentó que lo que quiere mostrar con “la atmósfera y las estructuras de poder cliente-prostituta no tiene tanto que ver con el sexo, sino con el sufrimiento, a dónde va a parar ese dinero. No es el sexo sino cómo se gestiona el sexo”. Habló, además, de hasta qué punto “el tema es un enemigo de los documentales. Me gustaría que mi próximo proyecto fuese un documental sobre la nada, que se llamase “Sin título”, lo que me gustaría es viajar por el mundo y rodar lo que me vaya encontrando”. EXTENSIÓN UNIVERSITARIA El compromiso cultural de la Universidad con la sociedad asturiana Página 8 | 49FICXixón ESBILLA CAFé CON… pATROCINADO pOR: ARRUGAS JESSICA KRUMACHER, DIRECTORA DE TOTEM Ignacio Ferreras, España, 2011, 80 min. Arrugas es un largometraje de animación 2D para un público adulto basado en el aclamado cómic del mismo título de Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008). Narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer, será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos que es como llaman allí a los desahuciados. Su alocado plan tiñe de comedia y ternura el tedioso día a día de la residencia porque aunque para muchos sus vidas habían acabado, ellos acababan de empezar una nueva. Arrugas surge de la necesidad de hablar de la vejez, un tema escasamente tratado tanto en el cine como en la literatura. El actor Michael Caine se quejaba precisamente de ello cuando le entregaron un Oscar al mejor actor secundario. Decía que llegado a su edad ya no había papeles protagonistas. “En nuestra sociedad la vejez es como ser un actor secundario y Arrugas trata sobre lo que sienten estas personas mayores alejadas en la vida de los papeles principales”, ha señalado Paco Roca, autor del cómic, coguionista y diseñador. Ignacio Ferreras es el director y coguionista de la cinta, y ha declarado que “me viene a la memoria una conversación con un amigo, director de cine de animación que me decía: Te pasas cinco o seis años trabajando en un largo de animación y luego lo ves y piensas, para esto te has gastado cinco años de tu vida. Me bastaría con hacer al menos una sola película que de verdad sea buena, que merezca la pena. Yo confío en que Arrugas sea mi película que merezca la pena”. Hoy, a las 20.00 horas, en Cines Centro Sala 5, con encuentro con el público. Pase único. FLAMINGO PRIDE Tomer Eshed, Alemania, 2011, 6 min. Curtiumetraxe d’animación, ensin diálogos, onde la música se fai protagonista dafechu. Porque, magar que la película namás dura seis minutos, la música trata dellos estilos diferentes, caún con una formación distinta. Como curiosidá, pa esta película emplegáronse dos orquestes con formaciones diferentes. Pal direutor lo más importante foi que la música diexética Tecno/House que s’usó na película fuere dafechu auténtica y creiyible como pa sintise nuna fiesta multitudinaria gai (la película ambiéntase nel “Flamingo Christopher Street Day” o “Flamingo Pride”, por eso’l títulu). ///Por Elena Duque La tarde del miércoles la lluvia dejó paso al sol para la hora del café, que congregó en el Patio de la Favorita a quienes querían saber más sobre Totem, la ópera prima de Jessica Krumacher, que forma parte de la sección Rellumes. Una obra, que según su directora contó, “no tenía claro desde el principio cómo acabaría. Como primera idea, partí de querer abordar el tema de una mujer entrando como sirvienta en una casa. Había hecho con anterioridad un documental del que surgió lo demás. Lo que quería hacer en la película, y en un libro que escribí antes, era contar la vida de una persona”. Krumacher utiliza el título Totem como una alegoría, como explicó “hay varios conceptos de los que partí. Para empezar, la misma definición de la palabra tótem. En la película aparecen varios animales que se pueden relacionar con los miembros de la familia, y con el tótem que estos componen. También en alemán “tot” significa muerto, y es una sílaba que forma parte de la palabra tótem. Otra cosa que quería es que el título fuese una palabra universal, que fuese igual en todos los idiomas”. La visión perturbadora de los oscuros recovecos de una familia, que puede recordar al tema sobre el que se arma Teorema, de Pasolini, hace pensar en una crítica a la sociedad. Algo que Krumacher matizó diciendo que la película es “una crítica social, pero también una crítica a la vida. No se puede situar la película en una época o lugar concreto, y de este modo, cualquiera puede identificarse con ello, lo que la hace más universal”. Un trabajo, el de Krumacher, cuyo brillo se descubrió en Venecia, y que según su autora ha salido adelante con éxito gracias al trabajo invertido en ella. Güei, a les 22.15 horas, en Cines Centro Sala 1. Repite, mañana, a les 20.30 horas, en Cines Centro Sala 2. TARJETA REGALO CAJASTUR El regalo perfecto para cada ocasión Un cumpleaños, un aniversario, una boda, porque sí... Una tarjeta cargada con la cantidad de dinero que usted desee, especialmente pensada para que quien la reciba, sea o no cliente de Cajastur, pueda comprar lo que quiera, donde quiera y cuando quiera. Página 9 | 49FICXixón FALTAN DOS DÍAS pARA COpITO DE NIEVE ENTREVISTA JULIO FERNÁNDEZ Presidente de Filmax y Productor ///Por Susana Tejedor Copito de nieve rescata a un personaje muy querido y apegado a Barcelona, con una historia muy peculiar. Me gustaría que me comentara el proceso de elección de este personaje y esta historia. Su interés en ella. Copito de Nieve fue un animal muy querido en Barcelona pero también en el resto de España. Cuando yo llegué a Barcelona, Copito ya vivía en el Zoo de la ciudad. Ha sido todo un emblema y continúa siéndolo. La idea de hacer esta película surgió a raíz de un sueño que tuve. Soñé que Copito de Nieve daba suerte a todo el que lo veía y que además era un éxito mundial. Expuse la idea al departamento de desarrollo que tenemos en Filmax y enseguida se pusieron a trabajar en ella. Precisamente los guionistas de la película, Albert Val y Amèlia Mora, dirigían el departamento de desarrollo. Es una película de la que me siento muy orgulloso porque prácticamente todo el equipo es de la casa; se puede decir que ha sido hecha con la cantera de Filmax. Con Copito de Nieve he cumplido un sueño. Además, es la única película que hasta el momento se ha hecho sobre este animal increíble, por lo que aún tiene mucho más valor. Estamos recuperando por primera vez la memoria de Copito de Nieve tras su muerte y creo que le hemos hecho un gran homenaje. Quisiera que me comentara también el proceso de rodaje, centrándose en la mezcla de imagen real y animación. Las dificultades que esto supone. Rodar una película de animación es muy difícil, es un proceso muy complicado, largo y muy costoso. Si a eso le añades un rodaje normal, la cosa se complica aún más. Para llevar a cabo la película primero tienes que rodarla utilizando los personajes que serán de referencia. Nosotros hemos hecho a Copito de Nieve y el resto de personajes a escala, tal y como después saldrán en la película. Primero se rueda con ellos para que los actores sepan a quién tienen delante y adónde tienen que mirar para darles la réplica. A continuación, se graba todo con los actores y sin los peluches o los puntos de referencia que hayas utilizado. También has de rodar los fondos vacíos para poder colocar después a los personajes animados. Así que, imagínate, la de tomas que has de hacer para rodar una película. Después llega lo más complicado, que es integrar los personajes animados en los fondos reales, y si lo has hecho bien, tiene que coincidir. Es muy difícil, pero Andrés G. Schaer es uno de los mayores especialistas que existen en esta técnica y ha hecho un trabajo fantástico, tanto en el rodaje como en la dirección de actores. Todos dan la réplica a Copito y al resto de personajes animados como si estuviesen realmente hablando con ellos. No es nada fácil. ¿Cómo ha sido la experiencia de contar con actores de la talla del veterano Pere Ponce, haciendo de malo, y Elsa Pataky, como bruja? Ha sido un lujo poder contar con ambos. Pere Ponce es un gran actor, es muy versátil. Lo hemos visto haciendo de todo; aquí borda el papel del villano. Está increíble. Con Elsa Pataky ya habíamos trabajado en otras películas por lo que su elección ha sido muy fácil y, nuevamente, ha sido un placer trabajar con ella. Además en esta película la veremos como nunca antes se ha visto a Elsa Pataky, que es muy pero que muy fea. Aunque hay sorpresas. Se ha rodado en el Zoo de Barcelona y en localizaciones de Barcelona. Eso da más credibilidad y fuerza a la historia. Colocar al personaje en el que fue su hábitat durante muchos años. Por supuesto. Copito de Nieve está muy ligado a Barcelona. Todo el mundo sabe que vivió aquí pero eso no impide que esté en el corazón de todos. La historia que se cuenta en la película tiene mucha similitud con la historia real de Copito de Nieve y por eso no se podía explicar en otro contexto. Además, el hecho de utilizar escenarios reales reclamaba hacerlo en Barcelona. Pero la historia que se cuenta en la película es universal porque se habla de valores universales. ¿Cómo fue la elección de las voces de Manel Fuentes y Constantino Romero?, ¿se habían barajado otros nombres o las voces estaban perfectamente claras e identificadas con sus personajes desde el primer momento? Digamos que veíamos al personaje y escuchábamos sus voces. Constantino Romero interpreta a Ron, el gorila adulto. Es un gorila con mucho carácter, mucho genio, es un padre muy autoritario y merecía una voz con mucho peso en la pantalla, que la llenase completamente. Y ése sólo podía ser Constantino Romero. Que, por cierto, es quien dice en todas nuestras películas aquello de: Filmax presenta… Con Manel Fuentes habíamos trabajado en otra película, le había puesto voz a El Cid, por lo que también lo conocíamos y sabíamos de su gran facilidad para crear voces. Ha trabajado en varios doblajes de películas de animación y sabíamos que se podía meter perfectamente en la piel de Ailur, un panda rojo budista muy gruñón, que es el personaje que interpreta en la película. ¿Qué mensaje pretende transmitir esta historia? Las producciones familiares de Filmax siempre han querido transmitir una serie de valores positivos para todos los públicos y, en especial, para los más pequeños. Todas nuestras producciones de animación y también nuestro reciente éxito en televisión, Polseres Vermelles han seguido esta premisa. Copito de Nieve quiere reivindicar el valor de la diferencia; dar a entender que todos somos diferentes y únicos, que todos tenemos nuestras rarezas y nuestros puntos en común. Y que, precisamente, por eso todos tenemos que aceptarnos y convivir en armonía. Si todos fuésemos iguales este mundo sería muy aburrido. Supongo que para quienes conocieron a Copito de nieve ver su historia plasmada en la pantalla sea una experiencia increíble. Para los que conocieron a Copito será revivir un momento histórico y entrañable. Para los que no lo han conocido, sobre todo para los más pequeños, será una aventura increíble. Alucinarán con él. Sus padres tendrán que explicarles que realmente existió, que fue un animal único en todo el mundo. ¿Cree que el cine de animación está en su mejor momento? y, concretamente en España, ¿cómo ve a los profesionales?, ¿muy interesados en este cine? Yo creo que el cine de animación atraviesa un gran momento en nuestro país. En España es impensable producir una película de animación de 60 ó 70 millones de euros como hacen los americanos. No es viable, pero con nuestros medios somos capaces de hacer películas tan dignas como Copito de Nieve. La animación es un género que está yendo a más, cada vez son más las productoras que cuentan historias a través del dibujo y eso nos permite tener un lugar en Europa y en el mundo. El resto del mundo empieza a ser consciente de que aquí también se hace cine de animación. Para Filmax ésta es la décima película de animación, que se dice pronto. Además es que contamos con grandes profesionales, muchos de ellos nos los “roban” desde los grandes estudios de Hollywood porque son muy buenos. Espero que podamos seguir mejorando y demostrando que en España existe un hueco para la animación. Página 10 | 49FICXixón EL pIME CON FICxIxóN El PIME nace con vocación de trabajar por la mejora de la empleabilidad y facilitar la inserción laboral de personas desempleadas que tienen dificultad de acceso al empleo. Este trabajo se consigue mediante la articulación de itinerarios personalizados de inserción laboral que incluyen formación especializada y experiencia laboral en diferentes sectores y especialidades, entre ellos el de audiovisuales. Desde hace tres años los trabajadores del sector audiovisual colaboran de forma activa con la organización del Festival Internacional de Cine de Gijón. Desde que el FICXixón se pone en marcha, los trabajadores cubren cada rueda de prensa en la que se adelantan los contenidos y la programación de la próxima edición. De estas ruedas de prensa se elaboran unos vídeos en formato noticia que, posteriormente, se utilizan en la página web del Festival para que la información recogida en las ruedas de prensa sea accesible a todo el mundo. NIñOS EN 3 D Además, los dos últimos años, el equipo del PIME Audiovisual, bajo la coordinación técnica del equipo del FICXixón, ha elaborado entrevistas, previas a la inauguración del festival, con su director José Luis Cienfuegos. Dicha entrevista se pone a disposición de los medios de comunicación para que puedan hacer uso tanto de su contenido como de las imágenes y audio de la propia entrevista. Iniciado el Festival, todos los días se celebran varias ruedas de prensa y encuentros con el público en las que los trabajadores del Sector Audiovisual centran sus tareas en tres aspectos fundamentales: cámara, realizador y mezclador. Los actos se cubren con una grabación multicámara en la que, a la vez, se realiza el evento y cuyas imágenes se utilizan a posteriori. Por otro lado, las imágenes se archivan de manera que el Servicio de Documentación del FICXixón puede utilizar a posteri dicho material para la promoción y difusión del mismo. En estas ruedas de prensa y encuentros con el público también colaboran alumnos y profesores del CIFP Comunicación, Imagen y Sonido de Langreo (CISLAN) y de la Escuela Taller Comunica de Avilés. Este programa se enmarca dentro del Acuerdo para la Competitividad, el Empleo y el Bienestar de Asturias (ACEBA) 2008-2011 y del Acuerdo por la Innovación, el desarrollo Económico y el Empleo “Gijón Innova” 2008-2011. Coca-Cola con el Festival de Cine de Gijón En la XV edición de Enfants Terribles concursan trece largometrajes procedentes de Francia, España, Alemania, Dinamarca, Bélgica, Reino Unido y Estados Unidos. Todos ellos son estrenos en nuestro país y los asuntos que se tratan este año son de máxima actualidad, como la violencia de género, el acoso escolar, la diversidad racial y social, los embarazos prematuros, la influencia de la droga sobre la conducta o la recuperación del amor a la naturaleza. Y todas se proyectarán en versión original con subtítulos en castellano. Ayer una de las salas se llenó de gafas en 3 D. Página 11 | 49FICXixón ExTENSIONES DEL FICxIxóN CONCIERTOS RUEDAS HOY 11.30 h. Vol Spécial, con el director Fernand Melgar. HOY 12.00 h. Los muertos no se tocan, nene, con el director José Luis García Sánchez, Carlos Iglesias, Silvia Marsó, Mariola Fuentes, Tina Sainz y Blanca Romero. 19.00 h.: Proyección: Workingman’s Death (122’). A continuación de la proyección tendrá lugar un diálogo con Michael Glawogger (director homenajeado en el FICXixón) Introduce y conversa con Margarita Blanco Holscher, profesora de Lengua y Literatura Alemana del Departamento de Filología Anglogermánica y Francesa de la Universidad de Oviedo. Lugar: CCAI. MAÑANA Lugar: Centro Cultural de Extensión Universitaria LAUDEO (Antigua Universidad de Oviedo), Edificio Histórico, C/ San Francisco 1, Oviedo. 11.30 h. Terri, con el director Azazel Jacobs. 12.00 h.: Michael, con el director Markus Schleinzer. HOY TIKI PHANTOMS Y BUBBLEGUM AYER FERNANDO MELGAR EN LA UNIVERSIDAD El realizador Fernand Melgar explicó ayer en los encuentros de la Universidad que su película La Forteresse, que se proyectó ayer, es “la primera parte de un proyecto que incluye también a Vol Spécial”, cinta que hoy se proyecta dentro de la Sección Oficial. Melgar recordó sus raíces españolas por parte de padre, lo que le sirvió para justificar “mi buen español”. El acto, que contó con numeroso público que visionó la película y participó, posteriormente, en un coloquio con Melgar, fue preentado por Vicente Domínguez García, Vicerrector de la Universidad de Oviedo. Domínguez destacó que “es un lujo contar con la presencia de alguien como Melgar que tiene una obra poderosa”, y aprovechó para “recomendar” su filmografía. El concierto de esta noche propone un fantástico viaje del power pop al surf de ultratumba. Bubblegum, cuarteto ovetense encabezado por Ángel Kaplan (Doctor Explosion, The Cynics) vuelve a pisar los escenarios para el solaz de nuestros oídos. Power pop sólido, enérgico y depurado durante sus diez años de andadura hasta alcanzar el punto perfecto. Los exquisitos cadáveres llamados Tiki Phantoms, cuatro guerreros de una ancestral corte hawaiana poseedores de extraños poderes, vendrán armados de guitarras con un reverb satánico para embrujarnos con su surf entre Link Wray y Man or Astroman?, con un disco bajo el brazo cuyo título ya lo dice todo: Los Tiki Phantoms Mueven el Esqueleto (Bcore, 2011). Lugar: CCAI. CAFéS HOY 16.00 h.: Punk’s not Dead, con el director Vladimir Blazevski. Lugar: Patio de La Favorita. MAÑANA MAÑANA 16.00 h.: RUEDA DE PRENSA: Walk Away Renée, con el director Jonathan Caouette. LÜGER Y ZA! Lugar: CCAI. Sala Acapulco Sala Acapulco HOY MAÑANA TEATRO JOVELLANOS TEATRO JOVELLANOS 20:00 OFICIAL COMPETICIÓN “Vol Spécial”103’ 11:30 SOLO ESCOLARES / ENFANTS TERRIBLES “No et moi” 105’ 22:30 OFICIAL COMPETICIÓN “Walk Away Renée”90’ 17:00 PASE DE PRENSA / ACREDITADOS Y PÚBLICO OFICIAL COMPETICIÓN “The Forgiveness of Blood” 109’ 20:00 OFICIAL COMPETICIÓN “Terri” 105’ 22:30 OFICIAL COMPETICIÓN “Michael” 96’ ANTIGUO INSTITUTO 17:00 MARIE LOSIER Programa 2 52’ 19:45 RELLUMES “Toomelah” 106’ 22:15 ENTRADA LIBRE / ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / LLENDES “Vikingland” 99’ GIJÓN SUR 20:00 ESBILLA “Las Olas” 94’ ANTIGUO INSTITUTO 17:00 LLENDES “Accidentes gloriosos” 58’ “Mantis estroboscópica” 3’ 19:45 ENTRADA LIBRE NO NOS CUENTES PELÍCULAS ¡HÁZLAS! 22:15 GÉNEROS MUTANTES “Road to Nowhere” 121’ LABORAL 09:30 ENFANTS TERRIBLES “17 Filles” 90’ 11:45 ENFANTS TERRIBLES “Papá, soy una zombi” 80’ CINES CENTRO SALA 1 17:00 OFICIAL CORTOS PROGRAMA 2 19:45 ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / LLENDES “Música Campesina (Country Music)” 100’ 22:15 ESBILLA “Flamingo Pride” 6’ “The Black Power Mixtape” 100’ GIJÓN SUR 20:00 LABORAL 09:30 ENFANTS TERRIBLES “La permission de minuit” 110’ 12:15 ENFANTS TERRIBLES “Go for It!” 105’ 16:00 18:15 BERTRAND BONELLO “Tiresia” 115’ 20:30 ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / ENFANTS TERRIBLES “17 Filles” 90’ 22:45 ENCUENTRO CON EL PÚBLICO /RELLUMES “Punk’s not Dead” 104’ CINES CENTRO SALA 3 12:30 PRENSA Y ACREDITADOS / OFICIAL COMPETICIÓN “Michael” 96’ 17:00 GÉNEROS MUTANTES “Aquele querido mês de Agosto” 147’ 20:00 22:30 OFICIAL NO COMPETICIÓN / MICHAEL GLAWOGGER “Whores’ Glory” 119’ ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / ENFANTS TERRIBLES “La permission de minuit” 110’ CINES CENTRO SALA 4 17:00 ENTRADA LIBRE / ESBILLA ASTURIANA “El sueño de Luis Moya” 45’ “Filandón Fornello” 41’ 19:45 OFICIAL COMPETICIÓN “Faust” 134’ 22:15 NOCHE DEL CORTO ESPAÑOL 86’ A partir de las 12.00 horas de HOY pueden adquirirse las entradas para la Gala de clausura, que tendrá lugar el sábado 26, a las 20.30 horas en el Teatro de La Laboral Ciudad de la Cultura. La entradas pueden comprarse en las taquillas del Teatro Jovellanos en horario: de 12.00 a 14.00 horas, y de 17.30 horas a 20.00 horas. El día en imÁgenes CINES CENTRO SALA 1 17:00 RELLUMES “Totem”86’ 19:45 ENCUENTRO CON EL PÚBLICO Studio Film Bilder 77’ 22:15 LLENDES “Stereo” 39’ “Palacios de Pena” 58’ CINES CENTRO SALA 2 BERTRAND BONELLO “Where the Boys Are” 22’ “Quelque chose d’organique” 90’ NOCHE DEL CORTO ESPAÑOL 86’ ENTRADAS PARA LA GALA DE CLASURA CINES CENTRO SALA 2 16:00 ENTRADA LIBRE MICHAEL GLAWOGGER “Megacities” 90’ SUBTITULADO ASTURIANO 18:15 GÉNEROS MUTANTES “Essential Killing” 83’ 20:30 ESBILLA “Flamingo Pride”6’ “Life Without Principle” 107’ 22:45 RELLUMES “The Stoker” 87’ CINES CENTRO SALA 3 Redacción: Susana Tejedor, Elena Duque, Marcos Gutiérrez, Alejandro Díaz Fotografía: Isabel Permuy , Helena Exquis Diseño: www.marcorecuero.es 12:30 PRENSA Y ACREDITADOS / RELLUMES “Punk’s not Dead” 104’ 17:00 OFICIAL COMPETICIÓN “Vol Spécial” 103’ Traducciones: María Xosé Rodríguez 20:00 RELLUMES “Punk’s not Dead” 104’ Imprime: El Comercio 22:30 OFICIAL COMPETICIÓN “Hors Satan” 110’ PARA AYUDARLES CINES CENTRO SALA 4 19:45 GÉNEROS MUTANTES “Los pasos dobles”90’ 22:15 ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / ESBILLA ASTURIANA “First We Take Milán” 60’ CINES CENTRO SALA 5 CINES CENTRO SALA 5 09:30 PRENSA Y ACREDITADOS / OFICIAL COMPETICIÓN “Vol Spécial” 103’ 09:30 PRENSA Y ACREDITADOS / OFICIAL COMPETICIÓN “Terri” 105’ 11:30 ENFANTS TERRIBLES “A pas de loup” 77’ DOBLAJE ASTURIANO 11:30 ENFANTS TERRIBLES “Papá, soy una zombi” 80’ 17:00 PRENSA Y ACREDITADOS / OFICIAL COMPETICIÓN “Walk Away Renée” 90’ 17:00 OFICIAL COMPETICIÓN “Walk Away Renée”90’ 20:00 ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / ESBILLA “Arrugas” 80’ 20:00 OFICIAL CORTOS PROGRAMA 3 22:30 ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / OFICIAL COMPETICIÓN “Un amour de jeunesse” 110’ 22:30 ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / LLENDES “Mezzanine Films” 99’ En persona Festival Internacional de Cine de Gijón Cabrales, 82. 33201 - Gijón, Spain Tel. (34) 985 18 29 40. Fax. (34) 985 18 29 44. E-mail: [email protected] En la red Facebook: es-la.facebook.com/group. php?gid=157208622482 flickr: www.flickr.com/gijonfilmfestival Youtube: www.youtube.com/gijonfilmfestival Web: www.gijonfilmfestival.com Twitter: twitter.com/Gijonfilmfest