radicals lliure

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radicals lliure
RADICALS LLIURE
ciclo de nueva creación escénica
del 13 de Mayo al 5 de Junio 2010
RADICALS WEEKEND
muestra para profesionales
28, 29 y 30 de Mayo
con el apoyo del
información y reservas
tf. (0034) 932 892 770
www.teatrelliure.com/radicals
[email protected]
Teatre Lliure 2009-2010 – Radicals Lliure
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Teatre Lliure 2009-2010 – Radicals Lliure
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COPRODUCCIONES
PULGASARI
Albert Serra
Platea 1 – Sala Fabià Puigserver
13 y 30 de Mayo
20:30h.
14, 15 y 21 de Mayo
22:30h.
coproducción Teatre Lliure y Andergraun Industry
intérpretes Xavi Gratacós / Albert Serra / Montse Triola
escenografía e iluminación Jimmy Gimferrer / vestuario Marta Juanola /
sonido Joan Pons, Jordi Ribas / puesta en escena Albert Serra, Montse
Triola
Inspirada en hechos reales, un retrato poético del régimen dictatorial de Corea
del Norte, el mundo de cine, el amor, etc., a partir del secuestro del realizador
coreano Shin Sang-ok i de la actriz Choi Eun-hee.
información y distribución:
Montse Triola [email protected] / www.andergraun.com
Teatre Lliure 2009-2010 – Radicals Lliure
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Albert Serra (Figueres, 1975) licenciado en Filología Hispánica y Teoría de
la Literatura Comparada por la Universitat de Barcelona, en la que ha cursado
también el primer ciclo de Historia del Arte. Ha sido colaborador de la
desapareciuda revista Scope i del suplemento Culturas de La Vanguardia, a
parte de participar en le edició de varios volúmenes cinematográficos. Ha sido
seleccionado por Cahiers du Cinéma y Fil Comment como uno dels quince
nuevos directores cinematográficos más importantes de la última década en el
panorama internacional. En 2009 fue elegido para ser el icono del nuevo cine
de vanguardia de la Quinzaine des Réalisateurs del Festival de Cannes, en la
que ha estrenado sus dos últimos filmes. La colección francesa Cinéma de
notre temps le ha encargado para 2010 un documental sobre Hong Sang-Soo
que formará parte de una retrospectiva sobre la mítica colección que se
celebrará en abril de 2011 en el Centro Pompidou de París. Actualmente
prepara un volumen en colaboración con Cyril Neyrat prologado por Pere
Gimferrer sobre Honor de cavalleria, que acompañará la edición del film en
DVD, y que también se editará en castellano en un cofre junto a El cant dels
ocells y al documental Waiting for Sancho de Mark Peranson. Este mes de
mayo, el Centre d’Art Santa Mònica ofrece una exposición sobre su obra y,
paralelamente, se proyectará toda su filmografía en la Filmoteca de Catalunya.
Para noviembre prepara Cardenal de Retz, una pieza de vídeo para la
exposición Esteu a punt per a la televisió? del MACBA, y El trencadís de
Gaudí, otro vídeo para la consagración del templo de la Sagrada Família de
Barcelona. En marzo del 2011 está previsto que se estrene su último
largometraje, El Senyor ha fet en mi meravelles.
2008 El cant dels ocells. Fiasco / 2006 Honor de cavalleria (7º Mejor Film del
año según Cahiers de Cinéma). Alto Arrigo / 2007 Rússia. 2003 Crespià, the
film not the village.
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C60
Sergi Fäustino
Platea 2 – Sala Fabià Puigserver
14 y 27 de Mayo
20:30h.
16 de Mayo
22:30h.
30 de Mayo
18:30h.
coproducción Teatre Lliure, M.O.M./El Vivero y Sergi Fäustino
músicos Cristina Checa / Aleix Clavera Ibáñez / Pablo Díaz-Reixa / Adriàn
de Alfonso Prieto-Puga
dirección Sergi Fäustino / texto Kiko Amat / coordinador musical Adriàn de
Alfonso Prieto-Puga
“Our band could be your life
Real names will be proof:
me and Mike Watt played for years
punk rock changed our lives”
(History lesson Pt.II, Minutemen)
El espectáculo C60 es un panegírico musicado dedicado a las 11 canciones de una
cinta de casete imaginaria. Una mixtape viviente hecha de palabra y guitarras y
congas y bajos. La música ilustra el texto que explica la música. El ritmo de la palabra
hablada resuena junto al beat de los tambores, y se baila soul entre les butacas y se
hace pogo en los pasillos mietras en las conversaciones se habla de nombres
propios, cosas sólidas, batallas ocurridas y grupos reales que transformaron vidas.
LA CINTA DE C60 Mose Allison I’m
smashed
/
Vic
Godard
T.R.O.U.B.L.E. / Joyce Clareana /
The Soft Boys Only the stones
remain / Thee Headcoats Girl of 62
/ The Jam Ghosts / Smokey
Robinson & The Miracles The
tracks of my tears / Generation X
Kiss me deadly / Minutemen
History lesson Pt.II / The Eyes
When the night falls / Tim Hardin If
I were a carpenter / Laura Nyro
American dreamer
información y distribución: Marta Oliveres Management - M.O.M
[email protected] / www.martaoliveres.com
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Sergi Fäustino (Barcelona, 1972), es intérprete y creador escénico. Ha
estudiado en la School for New Dance Development de Amsterdam (Holanda)
y ha trabajado con La Fura dels Baus, Sol Picó, Carles Santos, Carmelo
Salazar y Rosa Muñoz, entre otras.
2009 Zombi. “Z” / 2008 Duques de Bergara unplugged / 2007 De los
condenados / 2006 f.r.a.n.z.p.e.t.e.r. / 2005 El Cremaster de los Cojones (el
proyecto de este espectáculo ganó el 5º premio de Artes Escénicas Lleida
2004) / 2004 La historia de Mª Engracia Morales / 2003 Nutritivo.
C60, que dirige Sergi Faüstino, une los ensayos entusiastas y emocionales
de Kiko Amat sobre algunas de sus canciones favoritas con la música de
estas mistmas canciones, tocadas por Adrián de Alfonso (Veracruz, Bèstia
Ferida, Don The Tiger, Homenatges), Aleix Clavera (Extraperlo, Albaialeix) y
Pablo Díaz Reixa-Díaz, alias El Guincho.
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LA CONSAGRACIÓ DE LA PRIMAVERA
Roger Bernat / FFF
Espai Lliure
21 y 29 de Mayo
22 de Mayo
23 de Mayo
26 de Mayo
20:30h.
18:30h. / 19:30h.
20:30h. / 21:30h.
21:30h. / 22:30h.
coproducción Teatre Lliure y Elèctrica Produccions (Barcelona), Festival
Translaccions (Cambrils) y Festival Transversales (México) con el apoyo del
programa del Fondos de la Unión Europea en México
música Igor Stravinsky / creación escénica Roger Bernat / FFF a partir de la
coreografía de Pina Bausch / con la colaboración de Txalo Toloza, María
Villalonga, Ray Garduño, Gabino Rodriguez, José-Manuel López Velarde,
Tomás Alzogaray, Araceli Flores, Brenda Vargas, Diana Cardona, Katia
Urzúa y Viani Salinas / dirección técnica Txalo Toloza / sonido Rodrigo
Espinosa / edición Juan Cristóbal Saavedra Vial / imagen Marie-Klara
González / coordinación Helena Febrés / producción ejecutiva en México
Alicia Laguna / ayudante de producción en México Antígona González /
conductor Don Moisés
Se dan al público unos auriculares inalámbricos con
3 canales. Se le invita a entrar en la sala. Suena La
consagración de la primavera de Igor Stravinsky, uno
de los ballets más importantes del siglo pasado, del
que Pina Bausch hico en 1975 una versión histórica.
Se escuchan diversas voces. En cada canal algo
diferente. Voces en paralelo que divergen y se
entrecruzan. Los espectadores son protagonistas del
espectáculo que es a la vez un juego y una
coreografía.
información y distribución:
Helena Febrés [email protected] / www.rogerbernat.org
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Roger Bernat (Barcelona 1968) inicia su formación en el ámbito de la
arquitectura, y a partir de ésta se interesa por el teatro. Estudia dirección y
dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona, donde se gradúa con el
Premio Extraordinario 1996. En 1997 funda General Elèctrica junto a Tomàs
Aragay, un Centro de Creación para el Teatro y la Danza que cierra en el año
2001. Es autor y ha dirigido, entre otros, los espectáculos siguientes: 10.000
Kg (Premio Especial de la Crítica 96/97); Confort Domèstic (Premio de la
Crítica al Texto Dramático 97/98), Trilogia 70 que incluye los títulos: Joventut
EUROPEA, Flors (Jordi Vilches: Premio de la Crítica al Actor Revelación
99/00) y Que algú em tapi la boca; Bona Gent (2003) y Amnèsia de Fuga
(2004). De la colaboración regular con el dramaturgo Ignasi Duarte destaca
Rimuski, un proyecto teatral a partir de la experiencia de taxistas de varias
capitales del mundo. Desde 2005 colabora regularmente en el periódico El
Mundo. En el Teatre Lliure ha estrenado Àlbum (1998), Bones Intencions
(2003), LA LA LA LA LA (2004), Tot és perfecte (2005) y Das Paradies
Experiment, un espectáculo resultado de un proyecto presentado en el Centre
d’Art La Panera de Lleida, en el Festival Loop’05 de Barcelona y en la Galerie
Anita Beckers de Frankfurt. Domini públic, estrenado en el ciclo Radicals Lliure
en 2008, abre una nueva línea de trabajos con el público como protagonista,
formada por el espectáculo Pura coincidència, la instalación Vosotros, el
volumen Querido público y las conferencias Metástasis del público y El deseo
en el espectador. Últimamente ha participado en el espectáculo DictaduraTransició-Democràcia, estrenado en el Lliure en esta misma temporada.
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CLUB FERNANDO PESSOA
Tomàs Aragay / Societat Doctor Alonso
Platea 1 - Sala Fabià Puigserver
20 de Mayo
20:30h.
23 de Mayo
18:30h.
27 y 28 de Mayo
22:30h.
coproducción Teatre Lliure, Societat Doctor Alonso y Concello de Cultura de
Ferrol la SDA recibe el apoyo del CoNCA – Departament de Cultura de la
Generalitat de Catalunya y del INAEM – Ministeri de Cultura
intérpretes Sofia Asencio / Mia Esteve / Ramon Giró / Luis Carlos Viejo
espacio escénico e iluminación CUBE.bz / espacio sonoro Nilo Gallego
producción ejecutiva Sònia Isart
“Cuántas veces yo mismo,
que me río de semejantes
seducciones
de
la
distracción, me encuentro
suponiendo que sería bueno
ser célebre, que sería
agradable ser mimado, que
seria brillante ser triunfal.”
Fernando Pessoa
información y distribución:
Sònia Isart [email protected] / www.doctoralonso.org Marta Oliveres
Management - M.O.M [email protected] / www.martaoliveres.com
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Societat Doctor Alonso Compañía co-dirigida por Tomàs Aragay,
director escénico, y Sofia Asencio, bailarina y dramaturga. Se plantean cada
espectáculo o proyecto desde el punto O, para volver a replantearse su
lenguaje artístico cada vez. Mezclan géneros, formas escénicas y tipos
diferentes de gente, creando su propia manera de habitar el escenario. Les
gusta plantear la escena como un lugar donde colocar, allí donde debería
haber espectacularidad, lo menos espectacular posible, creando así una
poética de lo patético. Tomás Aragay funda el 1996, juntamente con Roger
Bernat, el centro de Creación General Elèctrica, en Barcelona, donde
desarrolla su actividad artística en colaboración con otros artistas, entre ellos,
Sofía Asencio. A finales del año 2001 General Elèctrica cierra sus puertas por
una decisión unánime de sus miembros, atendiendo a razones tanto
económicas y del entorno cultural, como a razones personales. Es a partir de
este momento cuando Tomás Aragay y Sofia Asencio se plantean una nueva
etapa en su desarrollo artístico y crean Societat Doctor Alonso como un núcleo
abierto y mutante de artistas, como un espacio para la creación, la formación y
la reflexión alrededor del hecho escénico. Societat Doctor Alonso se establece
físicamente en una zona rural, en Ventalló (Girona), para alejarse del “ruido” y
la “uniformidad” que rodea la creación contemporánea y el mundo artístico en
una gran ciudad como Barcelona. Una forma de replegar la mirada hacia
nuestro interior para buscar la voz propia.
Crear en un entorno rural y local, anclando los pies en nuestra propia tradición
cultural para, desde este observatorio periférico, construir un discurso
universal fuerte. Del mismo modo la Societat Doctor Alonso nace con una
clara vocación de intercambio permanente con el exterior; vocación que se
apoya en un doble convencimiento: por un lado la necesidad de mantener un
escucha permanente de los caminos creativos que se desarrollan al otro lado
de nuestras fronteras, y del otro, la imperiosa necesidad de mostrar nuestro
trabajo a público de procedencia cultural diversa para situarlo en un marco de
recepción plural, que nos permita recibir un feedback artísticamente
enriquecedor. En su anterior etapa Tomás Aragay y Sofía Asencio colaboraron
en diversas estructuras de producción europeas. Societat Doctor Alonso
pretende consolidar y en lo posible ampliar, estas colaboraciones en el futuro.
Actualmente la compañía forma parte de Cèl·lula lula, Centro de Creación y
Residencia, donde además de su propio trabajo de creación, organizan
diversas actividades de investigación y laboratorio, el Festival MAPA, y acogen
en residencia otros artistas y compañías nacionales y extranjeras.
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ESPECTÁCULOS INVITADOS
TE HARÉ INVENCIBLE CON MI DERROTA
Angélica Liddell
Escenario – Sala Fabià Puigserver
15 y 16 de Mayo
20:30h.
coproducción Citemor, Iaquinandi S.L. y Altra Bilis
dirección e intérprete Angélica Liddell
iluminación Carlos Marquerie / sonido Félix Magalhaes / música Concierto
para violonchelo de Edward Elgar interpretado por Jacqueline Du Pré y 13º.
Concierto para dos instrumentos al unísono de François Couperin
interpretado por Jacqueline Du Pré y William Pleeth
producción ejecutiva Gumersindo Puche
Jacqueline Du Pré murió a los 42 años. La edad que tengo ahora. La tristeza me
llevó a buscar la complicidad con los muertos, el miedo a envejecer me llevó a
buscar la complicidad con los muertos, el miedo a la exclusión y el dolor me llevó
y obligó a buscar la complicidad con los muertos. Hubo un instante en que sentí la
necesidad de comunicarme con Jacqueline, de hablar con ella, quería que me
explicara el pavoroso conflicto, encarnado en su cuerpo, entre materia y espíritu.
No quería hablar con los vivos. Los vivos me habían defraudado, decepcionado
inmensamente. Recordé Opening Night de Cassavettes, cuando Gena Rowlands
va a una sesión de espiritismo buscando esperanza, una respuesta, un poco de
esa piedad que carecen los
vivos. Eso es lo que busco
entre los muertos, entender
por qué yo (que poco a poco
me he convertido en una bulto
de angustia, de terror, de
soledad y de desconfianza)
per qué yo (que no deseo
abandonar la vida pero deseo
morir) por qué yo sigo viva y
Jacqueline no.
información y distribución:
Sindo Puche [email protected]
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Angélica Liddell (Figueres, 1966). Es licenciada en Psicología y en Arte
Dramático. Su obra está formada por narrativa, poesía y acciones, además de
textos teatrales, trece de ellos ya estrenados en España, Brasil, Colombia,
Bolivia, Portugal, Francia, Alemania, Chile y la República Checa. Dirige la
compañía Atra Bilis Teatro desde 1993. Ha recibido los siguientes galardones:
Premio de Dramaturgia Innovadora Casa de América 2003, Premio SGAE de
Teatro 2004, Premio Ojo Crítico Segundo Milenio 2005. Ha sido finalista del
Premio de Teatro Caja España 2005 y accésit del Premio Lope de Vega 2007.
Ha sido nominada a los Premios Max 2003 al Mejor Espectáculo Revelación
con El tríptico de la aflicción, a los Premios Mayte de Teatre 2003 y al Premio
Valle-Inclán de Teatro 2008. En 2008 estrena Perro muerto en tintorería: los
fuertes en el Centro Dramático Nacional y presenta El año de Ricardo en la
segunda edición de Radicals Lliure 2008, y Anfaegtelse. En 2009 estrenó La
casa de la fuerza.
textos publicados
Y los peces salieron a combatir contra los hombres. Y como no se pudrió...
Blancanieves. El año de Ricardo. Editorial Artezblay.
Mi relación con la comida. SGAE.
La desobediencia, hágase en mi vientre. Pliegos de teatro y danza nº 26. Editorial
Aflera.
Los deseos en Amherst. (poesía). Ediciones Trashumantes.
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THAT’S THE STORY OF MY LIFE
Macarena Recuerda Shepherd
Platea 1 – Sala Fabià Puigserver
19 de Mayo
20:30h.
29 de Mayo
18:30h.
producción MiCarteraPatrocina con la colaboración de Bilbao Escena, Bilbao Arte,
Adriantic y Teatre Lliure
una pieza de Macarena Recuerda Shepherd dedicada al Sr. Polissó con la
colaboración del artista Manu Morales y con la participación de Lorena
Uresberueta y Mónica del Castillo
vídeo y edición Gorka Bilbao / zoótropos Alberto Pastore
agradecimientos Gerard Casas, Mari Luz Vidal, Cesc Casanovas y Amanda DíazUbierna, Kun, Natalia y Angel
información y distribución:
Macarena Recuerda [email protected]
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Macarena Recuerda Shepherd (Sevilla, 1978) Licenciada en Bellas
Artes por la universidad de Sevilla y titulada por el Conservatorio Profesional
de danza Antonio Ruiz Soler en la especialidad de Flamenco. Ha participado
en numerosos work-shops de danza y artes plásticas con Jan Fabre, Santiago
Cirugeda, Pina Bausch, Gilles Jobin, Farruquito, entre otros. En 2005 se
traslada a Marsella para realizar la FAIAR, primera formación europea sobre
arte en espacio público. Desde entonces combina su trabajo entre Francia,
Sevilla y Barcelona. Ha colaborado con diferentes compañías en Francia en
los espectáculos Le cor de la Cie. La déchirure y Waltser Collection de la Cie.
Amanda Pola. Desde 2008 trabaja en sus propios proyectos: 2007 What’s your
name?, pieza para el salón de su hogar; 2008 The Shepherd intervención
urbana. Desde 2008 es fundadora e integrante del Colectivo Estraperlo
plataforma de nuevos creadores difícilmente etiquetables
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MI VIDA DESPUÉS
Lola Arias
Escenario – Sala Fabià Puigserver
22 de Mayo
20:30h.
23 de Mayo
22:30h.
coproducción Complejo Teatral de Buenos Aires, Steirischer Herbst Festival,
Zurich Theater Spektakel, International Summer Festival Kampnagel Hamburg,
Noorderzon Performing Arts Festival y Grand Theatre Groningen con el apoyo
especial de BIT Theatergarasjen, Speilart Festival y Goethe Institut
intérpretes Blas Arresse Igor / Liza Casullo / Carla Crespo / Vanina Falco / Pablo
Lugones / Mariano Speratti / Moreno Speratti da Cunha
dramaturgia Lola Arias a partir de los materiales originales aportados por los actores
/ dramatugista Sofía Medici / música Ulises Conti (con la colaboración de Liza
Casullo y Lola Arias) / escenografía Ariel Vaccaro / vestuario Jazmín Berakha /
iluminación Gonzalo Córdova / vídeo Marcos Medici / coreografía Luciana Acuña /
asesor de investigación Gonzalo Aguilar / ayudante de dirección Sofía Medici /
producción ejecutiva Gustavo Kotik
En Mi vida después seis actores nacidos en la década del setenta y principios del
ochenta reconstruyen la juventud de sus padres a partir de fotos, cartas, cintas, ropa
usada, relatos, recuerdos borrados. ¿Quiénes eran mis padres cuando yo nací?
¿Cómo era la Argentina cuando yo no sabía hablar? ¿Cuántas versiones existen
sobre lo que pasó cuando yo aún no existía o era tan chico que ni recuerdo? Cada
actor hace una remake de escenas del pasado para entender algo del futuro. Como
dobles de riesgo de sus padres, los hijos se ponen su ropa y tratan de representar su
historia familiar. Carla reconstruye las versiones sobre la muerte de su padre que era
guerrillero del Ejército Revolucionario del Pueblo. Vanina vuelve a mirar sus fotos de
infancia tratando de entender qué hacía su padre como oficial de inteligencia. Blas se
pone la sotana de su padre cura para representar la vida en el seminario. Mariano
vuelve a escuchar las cintas que dejó su padre cuando era periodista automovilístico y
militaba en la Juventud Peronista. Pablo revive la vida de su padre como empleado de
un banco intervenido por militares. Liza
actúa las circunstancias en que sus
padres se exiliaron de Argentina. Mi
vida después transita en los bordes
entre lo real y la ficción, el encuentro
entre dos generaciones, la remake
como forma de revivir el pasado y
modificar el futuro, el cruce entre la
historia del país y la historia privada.
información y distribución:
Lola Arias www.lolaarias.com.ar
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Lola Arias (Buenos Aires, 1976) Escritora, directora de teatro, actriz y
música. Estudió Literatura en la UBA, Teatro y Dramaturgia en la Escuela de
Arte Dramático de Buenos Aires. Participó de Residencias para artistas en el
Royal Court Theater, Casa de América de Madrid y obtuvo becas en Marsella
y Varsovia. Fundó la Compañía Posnuclear, un colectivo interdisciplinario de
artistas con el que desarrolla diversos proyectos de teatro, literatura, música y
artes visuales. Sus obras transitan la frontera entre la ficción y lo real. En
Striptease un bebé de un año ocupa el centro del escenario mientras sus
padres se baten en un duelo telefónico, en El amor es un francotirador los
actores juegan a la ruleta rusa mientras toca una banda de rock en vivo, en Mi
vida después seis actores reconstruyen la juventud de sus padres en los 70’s
a partir de fotos, cartas, casetes, ropa usada. En sus obras trabaja con
actores, no actores, bailarines, músicos, niños, bebés y animales. En teatro
escribió y dirigió: La escuálida familia, Estudios de la memoria amorosa, Poses
para dormir, la trilogía: Striptease, Sueño con revólver, El amor es un
francotirador, Mi vida después y Familienbande. En colaboración con el artista
suizo Stefan Kaegi, dirigió Chácara Paraíso (una instalación biográfica con
policías brasileños) y Airport Kids (un proyecto sobre niños internacionales en
suiza). Además, junto con Ulises Conti, compone música y toca en vivo.
Juntos editaron el disco El amor es un francotirador. Sus textos fueron
publicados, traducidos al inglés, francés y alemán, y representados en varios
festivales internacionales como Festival de Avignon, Theater Spektakel,
Steirischer Herbst Festival Graz, In Transit Festival Berlin, Spielart Festival
Munich, Alkantara Festival Lisboa.
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PROMETEU NO RES
Diego Anido + Silvia Delagneau + Jordi Oriol / Indi Gest
Platea 1 - Sala Fabià Puigserver
26 de Mayo
20:30h.
30 de Mayo
12:30h.
producción Indi Gest y Festival Temporada Alta 2009 con el apoyo del CoNCA Consell de les Arts Escèniques de la Generalitat de Catalunya, Can Felipa de
Barcelona y l’Estruch de Sabadell
dramaturgia, dirección e intérpretes Diego Anido / Silvia Delagneau / Jordi Oriol
escenografía y vestuario Silvia Delagneau / iluminación Àlex Aviñoa / sonido y
ayudante de dirección Carles Pedragosa / ayudante de escenografía y vestuario y
confección de vestuario Laura García / construcción de la escenografía Dani Poy /
producción ejecutiva Virginie Gorzerino (Marató de l’Espectacle) / ayudante de
producción Pau Bachero / agradecimientos Víctor Molina
De la nada surge el todo. Desde que la humanidad recibió el divino fuego de
manos del mítico Prometeo, el hombre llena –de forma extraordinaria– todos y
cada uno de los espacios que la historia ha dejado en blanco, hasta el punto
de perder el norte. Pero del todo se llega a la nada. Teo y Epi son dos
hermanos que –atrapados en sus convicciones– se disponen a recuperar el
norte y desencadenan el mito de Prometeo. Ellos se creen los mediadores
entre los de arriba y el resto de mortales, entre los cuatro privilegiados y los
demás desgraciados. Prometen liberarnos de la trampa en la que perduramos
esclavizados.
Prometeu no res es un
nuevo espectáculo de Indi
Gest que intenta mezclar
diferentes
lenguajes
y
convenciones teatrales, y
pretende explorar la idea de
cómo el hombre, desde que
cree tener razón, no se da
cuenta del verdadero animal
que puede llegar a ser.
información y distribución:
Indi Gest [email protected] / www.indigest.org
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Indi Gest / Espectáculos de teatro: OB-sessions creación y dirección Jordi
Oriol. Premio Injuve 2007. Sala Beckett (septiembre-octubre 2008). La caiguda
d’Amlet de Jordi Oriol, dir. Xavier Albertí, Temporada Alta 2007, Sala Beckett
2008. Puputyttö de Saara Turunen, dir. Alícia Gorina. Premio a la mejor actriz
en La Mostra de Teatre de Barcelona 2008. Ara estem d’acord estem d’acord
creación y dirección Jordi Oriol, Assaig Obert,Teatre Lliure (2008). El títol no
mata de Jordi Oriol y Pere Riera, dir. Jordi Oriol. La Cuina, Festival de
Barcelona Grec 2008. The Little Jesus de Saara Turunen, dir. Alícia Gorina,
Assaig Obert, Teatre Lliure (2009). Un tal ímpetu vital creación y dirección
Jordi Oriol. Teatre Lliure (2009). Prometeu no res de Diego Anido, Silvia
Delagneau y Jordi Oriol. Festival Temporada Alta 2009. Instalaciones
perfomáticas: 1948 de Silvia Delagneau. ÀREAtangent (2007) y Teatre de
l’Escorxador (2008). Muda de Silvia Delagneau. Plaça del Vi, Girona. Festival
Temporada Alta (2007). Un present de Silvia Delagneau. Institut del Teatre de
Barcelona. Festival NEO‘06.
Indi Gest también ha sido finalista del 9º Premio de Artes Escénicas de Lleida
(2008) con el espectáculo Saalt, un proyecto de Silvia Delagneau.
Actualmente prepara la integral indi gest, un ciclo que propone la Sala Beckett
y que permitirá mostrar de forma inédita, durante el próximo mes de Mayo, un
breve recorrido por la trayectoria productiva de la compañía, con espectáculos
antiguos y nuevos. Simultáneamente, también durante el mes de Mayo, la
compañía estará presente en el XXVI Festival Internacional de Poesía de
Barcelona.
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VERSUS
Rodrigo García
Escenario – Sala Fabià Puigserver
28 de Mayo
18:30h.
29 de Mayo
22:30h.
producción Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) con la
colaboración de Laboral Teatro, Gobierno del Principado de Asturias
intérpretes Patricia Álvarez / David Carpio / Amelia Díaz / Rubén Escamilla / Juan
Loriente / Nuria Lloansi / David Pino / Daniel Romero / Víctor Vallejo / Isabel
Ojeda / idea y dirección Rodrigo García / iluminación Carlos Marquerie / animación
Cristina Busto / vídeos Ramón Diago / música Tape, Chiquita y Chatarra, David
Pino y David Carpio / fotos Christian Berthelot
No molestar, decía, colgaba el cartel de no molestar y
coronaba así su particular forma de vivir a la desesperada,
quería tragarse la arena, la tierra roja y una salina entera y
quería lavarse el culo con el océano Índico, eso decía
Decía que el sosiego no era una herramienta que facilitara la
percepción de las cosas, decía que las cosas llegaban
envueltas en acontecimientos y que la percepción, era
distorsión o no era
Así creía en la mente inestable de los hombres y no en los
Hombres
No fue tan tonto como para confundir velocidad con vértigo,
estaba a favor de todo lo inestable, ya fuera a paso de tortuga
o a 250 por hora
También supo trazar una línea divisoria entre arrebato e
intensidad, porque despreciaba el arrebato y confiaba en la
verdadera locura
Amaba quedarse dormido, amaba no ir, no estar, no aparecer,
no presentarse, no salir en fotos
Estoy en el quirófano ahora por favor no molestar solía decir,
estoy bajo los hierros retorcidos de mi coche ahora y me
acaricia el calor del fuego y me embriaga el tufo de la
gasolina derramada
Por favor no molestar, estoy viviendo, decía
Estoy saltando por la ventana de la planta baja de la casa.
Rodrigo García. Fragmento de la obra que no aparece en el montaje teatral.
información y distribución:
Rodrigo García http://rodrigogarcia.es
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Rodrigo García vive y trabaja entre Madrid y París desde 1986. Es autor,
escenógrafo y director de escena. Empieza a trabajar como ayudante de
carnicero en una tienda de su familia, y en 1989 crea la compañía La
Carnicería Teatro, con la que lleva a cabo sus creaciones escénicas. Sigue
siempre una línea de experimentación en busca de un lenguaje personal
alejado del teatro convencional, y su actividad comprende desde la autoría
teatral y la dirección escénica al vídeo-arte, las instalaciones plásticas y la
escenografía.
Como autor teatral, en una primera etapa recibe la influencia de Samuel
Beckett, Harold Pinter, Eduardo Pavolvsky, Fernando Arrabal y Tadeusz
Kantor. Más adelante, la escritura de García se somete al influjo de Heiner
Müller, Thomas Bernhard, Louis Ferdinand Céline y Peter Handke. En la
actualidad, tanto sus textos como los espacios escénicos creados por Rodrigo
García se relacionan con la obra de artistas plásticos como Jenny Holzer,
Bruce Nauman, Gary Hill, Bill Viola o Sol Lewitt.
Ha sido premiado por los textos Reloj y Macbeth imágenes y por la dirección
de El dinero, Notas de cocina y El Pare, de Heiner Müller.
Algunos de sus trabajos de creación y dirección más destacados son Borges
(1999), Haberos quedado en casa, capullos y After Sun (2000), De vegades
em sento tan cansat que faig aquestes coses y Compré una pala en Ikea para
cavar mi tumba (2001), La historia de Ronald el payaso de MacDonal’s (2002),
Creo que no me habéis entendido bien (2002), Agamennone (2003), La
jardinería humana (2004), Borges + Goya (2005), Accidens: matar para comer
(2006), Arrojad mis cenizas sobre Mickey (2006), Aproximación a la idea de la
desconfianza (2006), 2186 (2007), Cruda, vuelta y vuelta, al punto,
chamuscada (2007) y En algún momento de la vida deberías plantearte
seriamente dejar de hacer el ridículo (2007).
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BONANZA
Bart Baele + Yves Degryse + Caroline Rochlitz / Berlin
Platea 2 – Sala Fabià Puigserver
28 de Mayo
20:30h. / 24:00h.
29 de Mayo
12:30h. / 20:30h.
coproducción Berlin, STUK (Lovaina), KVS (Bruselas) y Vooruit (Gant) con el apoyo
de Flanders Audiovisual Fund, el Ayuntamiento de Amberes y Flanders Image
fotografía Bart Baele y Nico Leunen / sonido Tom De With / edición Bart Baele /
banda sonora y mezclas Peter Van Laerhoven / investigación Berlin y Nico Leunen
/ gráfica Gerjo Van Dam / maquetas Koen De Ceuleneer / ayudante de escenografía
Tom Van de Oudeweetering / cátering Kim Troubleyn y Veronique Batens /
sobretítulos Sofie Benoot / software Frank Lanssens / electrónica Dadaelectronics
/ fotos de escenario Kim Troubleyn / fotos aéreas Saguache Ranger District
Había una vez una aldea, la más pequeña de Colorado (EUA), de cinco
confortables casas y con las Montañas Rocosas tendidas a sus pies. La nieve
cubría sus calles en invierno, el Kerber Creek cruzaba la aldea y si mirabas lo
bastante lejos podías incluso ver sus angulas.
Holocene 3 - Bonanza es un retrato cinemático único de una desolada aldea
minera. Llegó a tener 6000 habitantes encargados de 36 bares, 7 salas de
baile y un número inmenso de prostitutas para los mineros. Su lema era: “ven,
hazte rico y vete”. Ahora sólo tiene 7 residentes permanentes, inmersos en su
propia espiritualidad, viviendo en un semillero de acusaciones, cotilleos,
asesinato y miedo.
Bonanza es un microcosmos
del mundo, afirman sus
residentes.
Berlin retrata este mundo en
miniatura con una maqueta
de la aldea y varias pantallas
de cine.
© Berlin
información y distribución:
Berlin [email protected] / www.berlinberlin.be
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Berlin se caracteriza por la interdisciplinariedad de métodos de trabajo.
Centrándose en la búsqueda específica de algún aspecto, pone en juego
varios medios según el contexto del proyecto. Berlin colabora con varios
artistas y con el ámbito académico. Intenta presentar sus trabajos en un
circuito de espacios variados: teatros, museos, festivales, espacios exteriores...
Las bases de los proyectos futuros son seguir trabajando sobre una ciudad o
región de algún lugar del mundo. Berlin está formado por Bart Baele, Yves
Degryse y Caroline Rochlitz.
En 2003, Berlin comenzó la serie Holocene (en referencia al periodo
geológico), cuya primera parte fue Jerusalem. En tres pantallas se podía ver
una representación penetrante de una de las ciudades más complejas del
mundo. La segunda, Iqaluit , se convirtió en una instalación con 7 pantallas.
Un retrato de la capital de los Inuits en el Norte de Canadá. La tercera es
Bonanza. La cuarta, Moscow. Una tienda, Seis pantallas móviles, un cuarteto
de viento y un pianista. Un retrato penetrante de Moscú.
Berlin trabaja ahora en Tagfish, el primer espectáculo de la nueva serie Horror
Vacui.
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ARTEFACTE
Àlex Serrano + Martí Sánchez Fibla + Pau Palacios /
Agrupación Señor Serrano
Espai Lliure
28 de Mayo
29 de Mayo
20:30h.
22:30h.
producción Agrupación Señor Serrano con la colaboración del Departament de
Cultura i Mitjans de Comunicació EADC - Generalitat de Catalunya, el Festival
PNRM d'Olot y l'Estruch de Sabadell con el apoyo de III Encuentros Magalia
performers y colaboradores en la creación Ester Forment y Diego Anido
dirección Àlex Serrano / dramaturgia Pau Palacios y Àlex Serrano / iluminación y
vestuario Isabel Franco / aplicación interactiva de vídeo Martí Sánchez Fibla /
realización de vídeos Josep Maria Marimon / creación musical Sebastián García
Ferro / asesores del proyecto Víctor Molina y Roberto Fratini / ayudante de
dirección y producción ejecutiva Barbara Bloin
agradecimientos Heroinas de la Cultura y Centro Párraga de Múrcia
Premio de Proyectos de Artes Escénicas Lleida 2007
El paisaje no existe ahí fuera. Ahí fuera, lo que hay es Naturaleza. Es sólo nuestra
presencia lo que transforma la Naturaleza en paisaje, es nuestro ojo lo que construye
el paisaje. Por tanto, si nosotros no estamos, entonces no habrá paisaje, sólo habrá
Naturaleza. De este modo, un día, cadáveres de signos surcaran el mundo que ya no
será mundo, los ciervos deambularán por las frondosas avenidas y en las cloacas
reventadas vivirán los lobos. Y nuestros signos ya no lo serán. Pero mientras tanto,
¿qué tenemos? Tenemos a un hombre cabreado porque tiene frío o suda y un
entorno indiferente que sigue su curso impasible. Tenemos a un hombre soberbio que
no puede soportar que lo que le rodea no esté
aquí por o para él. Tenemos miedo y tenemos
rabia.
información y distribución:
Barbara Bloin [email protected] / www.srserrano.com
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Agrupación Señor Serrano / Àlex Serrano Tarragó es licenciado en
Diseño Industrial por la ESDI y en Dirección por el Institut del Teatre. En 1998
funda la empresa Tangent Audiovisual, proveedora de servicios audiovisuales
y multimedia. Partiendo de la estructura de la empresa y para satisfacer sus
inquietudes artísticas, en el año 2002, crea AREAtangent, una plataforma de
creación contemporánea que desde su sede en el Raval da a luz multitud de
proyectos, iniciativas y personalidades en diferentes expresiones artísticas. En
2006 da el paso de dejar la empresa y promueve la independencia de
AREAtangent, para crear la Agrupación Señor Serrano, una estructura voluble
de creación que le permite afrontar proyectos más personales y
multidisciplinarios.
Agrupación Señor Serrano es una compañía que apuesta por la innovación
en sus creaciones escénicas. En sus piezas aparecen con regularidad la
danza, el teatro visual, el vídeo y las herramientas interactivas, expresadas a
través de dramaturgias que se apoyan en la experimentación y la mezcla de
lenguajes.
2009 Immut (Adriantic). Nada (Festival Escena Poblenou.
2008 Contra.Natura (L’Estruch de Sabadell / L’Escorxador de Lleida).
Artefacte (Festival PNRM Olot).
2007 Europa (Autopsia 3ª parte): Work In Progress (Festival Grec BCN –
Festival Temporada Alta Girona).
2006 Mil Tristes Tigres (Autopsia 2ª parte), Work In Progress (Festival PNRM
Olot - Neo Festival Barcelona).
Back (Certamen Coreográfico Madrid).
Autopsia 1ª Parte (Naumón, La fura dels Baus).
2004 RUN. (Festival PNRM Olot / Festival Internacional de Teatre Visual y de
Titelles de Barcelona)
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FELICIDAD.ES
David Espinosa + África Navarro
Espai Lliure
29 y 30 de Mayo
16:30h.
coproducción El Local Espacio de Creación y el Festival Escena Abierta de
Burgos 2010 con el apoyo del Institut de Cultura de Barcelona, el Consell
Nacional de les Arts de la Generalitat de Catalunya y el Ajuntament de
l’Hospitalet del Llobregat.
creación, dirección e interpretación David Espinosa / Africa Navarro
con la colaboración de Santos Martínez, Diego Dorado, Sergi Fäustino, Vicente
Arlandis y otros amigos o insensatos
Continuando con la búsqueda que se abrió en el anterior proyecto
[email protected], un trabajo en el que se utilizaban las herramientas
informáticas para desarrollar una acción escénica que hablaba del triunfo y del
fracaso, queremos darle la vuelta al planteamiento y utilizar ahora un lenguaje
escénico en una emisión a través de la red.
Manipular la realidad a través de una mirada irónica, que intenta cuestionarse todo
aquello que establecemos como norma, como novedad o como alternativa, que
pretende observar las paradojas y contradicciones del ser humano, y por tanto de lo
que planteamos como arte y cultura...
Se supone que la cultura nos sirve
para acercarnos a la verdad, a la
existencia, al mundo, pero cuanto
más me alejo de los teatros, del
público, más cerca me siento de mi
mismo. La felicidad es una excusa
para observar cómo vivo, para
mirar atrás y entender lo que he
realizado los últimos años, para
darme cuenta de quién soy, de lo
que sueño, de lo que digo... y no
tomármelo muy en serio…
información y distribución:
M.O.M.-El Vivero Coaching
http://www.martaoliveres.com / [email protected]
www.myspace.com/ellocalespaciodecreacion
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David Espinosa Licenciado en Interpretación Textual por la ESAD de
Valencia en 1998. Desde 1994 estudia Danza Contemporánea, Improvisación,
CI y Capoeira en Valencia, Bruselas y Barcelona.
Como actor, trabaja en Z, Duques de Bergara Unplugged y De los
Condenados, dirigidas por Sergi Fäustino; El enemigo de la clase, dirigida por
Paul Weibel, y Joan el cendrós, de Carles Alberola, entre otras. Intérprete en
diferentes compañías de danza: Mal Pelo, Las Malqueridas, Osmosis cie.
(Francia), Lapsus-Alexis Eupierre y Sònia Gómez/General Elèctrica.
Paralelamente, crea y organiza, junto a diferentes artistas, piezas y diversos
proyectos de improvisación (Pompeia, La Pajarera, Enterrats en viu, A trizas
feliz, De pan y cebolla, Obertura, Me debes un beso y la pieza de vídeo danza
La ventana), formando en 2006 con África Navarro la Asociación El Local E.C.,
con la que han creado los espectáculos [email protected],
Summertime, Desaladas Club, Agonías de lo imposible y Propiedad Privada.
De 2006 a 2008 colabora con el colectivo Bipol·art, en la gestión del Festival
d'Art al Carrer de l'Hospitalet y dirigiendo el Programa de Creadors en
Residència de la Generalitat de Catalunya en el Centre Cultural la Bòbila.
Desde 2002 imparte clases de improvisación y movimiento en distintos centros
de Barcelona, y talleres de creación para diversos proyectos.
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STIFTERS DINGE
Heiner Goebbels
Escenario – Sala Fabià Puigserver
3 de Junio
20:30h.
4 y 5 de Junio 19:30h. / 22:00h.
coproducción Théâtre Vidy-Lausanne, spielzeit'europa - Berliner Festspiele,
Grand Theatre de la Ville de Luxembourg, schauspielfrankfurt, T&M - Théâtre de
Genevilliers/Centre Dramatique National de Création Contemporaine y Pourcent culturel Migros con la colaboración de Artangel London con el apoyo de Pro
Helvetia - Fundación Suiza por la Cultura.
creación, música y dirección Heiner Goebbels / escenografía, iluminación y vídeo
Klaus Grünberg / espacio sonoro Willi Bopp / colaboración musical y programación
Hubert Machnik / con la colaboración artística y técnica de los equipos del Théâtre
de Vidy
ayudante de dirección Matthias Mohr / regidor de escena Marc Moureaux /
ayudantes del regidor Fabio Gaggetta y Jean-Daniel Buri / regidor musical Matthias
Mohr / jefe técnico Michel Beuchat / robótica Thierry Kaltenrieder / técnico de luces
Mattias Bovard / técnico de vídeo Jerôme Vernez / técnico de sonido Holger
Stenschke / producción en gira Sylvain Didry
Una composición para cinco pianos sin pianista. Una obra de teatro sin actores.
Un espectáculo sin intérpretes. La inmensidad del escenario vacío. La presencia
de las cosas llenando los huecos del aire. La luz, las pinturas, los sonidos, las
voces, el viento, los instrumentos apilados, la niebla, el agua, el hielo. La pieza –
inspirada en textos del autor romántico del siglo XIX, Adalbert Stifter– nos acerca a
un montaje escenográfico desafiante, que obliga a mirar y a escuchar. Bach,
William S. Burroughs, Claude
Lévi-Strauss,
Malcom
X,
Paolo Ucello y Ruisdael son
los anfitriones de, en palabras
del propio Goebbels, “un
espectáculo que cree en su
propia realidad”. Un homenaje
a los objetos que se convierte
en una experiencia de los
sentidos,
enfrentados
al
universo de lo inanimado.
© Mario del Curto
información y distribución:
Heiner Goebbels [email protected] / www.heinergoebbels.com
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Heiner Goebbels Compositor y director considerado uno de los
exponentes más importantes de la música contemporánea y de la escena
teatral. Sus composiciones para grupos y grandes orquestas publicadas por
Ricordi Munich forman parte habitual del repertorio en todo el mundo, así
como varias de sus obras musicales para el teatro y conciertos de escenario,
en su mayor parte producidas por el Théâtre Vidy Lausanne y el Ensemble
Modern. Goebbels trabaja como profesor en el Institute for Applied Theatre
Studies de la Justus Liebig University en Giessen (Alemania) y es presidente
de la Theatre Academy Hessen.
Las producciones teatrales Max Black, Hashirigaki, Eraritjaritjaka, Stifters
Dinge y I went to the house but did not enter forman parte del repertorio del
Théâtre Vidy. Schwarz auf Weiss, Eislermaterial, Landschaft mit entfernten
Verwandten forman parte del Ensemble Modern. La London Sinfonietta y la
Orchestra in the Age of Enlightenment interpretan Songs of Wars I have seen
y el Ensemble Klang (N) una versión de Walden.
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bibliografía
general del ciclo Radicals Lliure
SÁNCHEZ, José Antonio: Artes de la escena y de la acción en España 19782002. Ediciones de la Universidad de Castilla-La Mancha.
SÁNCHEZ, José Antonio: Dramaturgias de la imagen. Ediciones de la
Universidad de Castilla-La Mancha.
SÁNCHEZ, José Antonio: Prácticas de lo real en la escena. Visor Libros.
SAUMELL, Mercè: Teatre contemporani. Universitat Oberta de Catalunya.
L’escena del futur. Memòria de les arts escèniques als Països Catalans (19752005). Edicions El Cep i La Nansa.
actividad relacionada
CORO Y MÁSCARA
Una charla con el gramático, poeta, dramaturgo y filósofo Agustín García
Calvo sobre el concepto de lo político y todo lo que quedó por el camino hacia
las nuevas dramaturgias escénicas.
jueves 20 de Mayo a las 19h.
sala de prensa
entrada gratis
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