Odisea - Oscar en Fotos

Revista de reflexiones e ideas en torno a la fotografía.
AÑO 1 / NÚMERO 1 / oscarenfotos.com
EL OFICIO DEL FOTÓGRAFO
Fotografía:
Informe especial
Insensata
Odisea
D ESDE LA L IB RE RÍA
Fotografía
callejera
El vidente
hoy
H I S TO R I A
Fox Talbot
CÁMARAS LEGENDARIAS
Kodak
Retina IIa
y los otros
padres de la
fotografía
CARTIER-BRESSON:
F OTÓG RA F OS CONTEMPO RÁNEO S
Joel Meyerowitz
Sobre el
buen uso
de la cámara
Revista de reflexiones e ideas
en torno a la fotografía.
Año 1 / No. 1 / oscarenfotos.com
Contenido
GALERÍA
Clarence H. White
INFORME ESPECIAL
Un muestrario de imágenes realizadas
por el pictorialista maestro de Margaret
Bourke-White y Dorothea Lange.
F OTÓG R AFOS DE H OY
Joel Meyerowitz:
Ground Zero
El vidente
El fotógrafo mexicano más destacado de la historia marcó con
sus 100 años de vida el imaginario nacional.
Además...
Editorial
HISTORIA
Desde la librería
Henry Fox Talbot
y los otros padres
de la fotografía
Aforismos
Del buen uso de la cámara
Kodak Retina IIa
En 1839 Louis Daguerre y Joseph Nicéphore Niépce no fueron los únicos
en desarrollar un método fotográfico.
OscarEnFotos. Revista electrónica de crítica cultural y artística e investigación científica de la imagen fotográfica.
Publicación electrónica mensual realizada por Óscar Colorado Nates, profesor/Investigador titular de la Cátedra de Fotografía
Avanzada en la Universidad Panamericana (Ciudad de México). El profr. Colorado es autor de los libros El Mejor Fotógrafo del Mundo, Fotografía de Documentalismo Social y Fotografía Artística Contemporánea. Miembro fundador de la Sociedad Mexicana de Daguerrotipia. Las opiniones vertidas en los artículos son personales y no reflejan necesariamente las posturas de la Universidad
Panamericana.
© 2011, 2012, 2012, 2013, 2014 by Óscar Colorado Nates / OscarEnFotos Networks / Textos y diseño © by Óscar Colorado.
Fotografías © los autores indicados. Fecha de publicación de este número: Diciembre de 2013
E L O F I C I O D E L F OTÓGRA F O
La reproducción que se realiza en esta publicación de las fotografías, pinturas, cualquier otro tipo de imágenes fijas y en movimiento, piezas audiovisuales así como audio se realizan con fines de crítica y/o investigación científica, literaria y/o artística tal como
está previsto en los artículos 148 fracción III, 150 fracción III y 151 fracción III y los demás artículos aplicables de la Ley Federal
del Derecho de Autor así como el artículo 38 fracción I del Reglamento de la Ley Federal del Derecho de Autor vigentes en los Estados Unidos Mexicanos. Asimismo, dentro del mismo espíritu de crítica,enseñanza e investigación científica, literaria y/o artística,
se respeta plenamente para fines de derecho de autor a nivel internacional lo previsto en la convención de Berna para cualquier
Estado miembro de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual, Convención Universal de los Derechos de Autor del 24 de
julio de 1971 así como los tratados firmados por los Estados Unidos Mexicanos con los estados de Venezuela, Colombia, Costa Rica,
Bolivia y Nicaragua, Estados Unidos y Canadá. En el mismo tenor, se acatan absolutamente las disposiciones del capítulo relativo
a la propiedad intelectual del Tratado de Libre Comercio para América del Norte, las del Convenio de Berna para la Protección de
las Obras Literarias y Artísticas de París, las de la Convención Universal sobre los Derechos de Autor de París, las de la Convención
Internacional para la Protección de Los Artistas, Intérpretes y Ejecutantes, Productores de Fonogramas y Organismo de Radiodifusión de Roma y las de la Convención Internacional para la Protección de los Productores de Fonogramas contra la Reproducción
No Autorizada de Sus Fonogramas de Ginebra.
Fotografía, insensata
odisea
Azriel Bibliowitz revela algunas claves
del oficio fotográfico.
Legal Notice regarding Copyright
The reproduction of paintings, photographs, still images, movies and audio in this publication are used for the purposes of teaching, education and scientific research, as foreseen in the Berne Convention for any Member State of the World Intellectual Property Organization Convention of the Rights of Author (24 July, 1971) and the treaties signed by the United Mexican States with the states of Venezuela, Colombia,
Costa Rica, Bolivia, Nicaragua, the United States of America and Canada. In the same spirit, fully respecting the provisions of the chapter
on intellectual property of the North America Free Trade Agreement (NAFTA), the Berne Convention for the Protection of Literary and
Artistic Works of Paris, the Universal Copyright Convention Copyrights in Paris, the International Convention for the Protection of Artists,
Performers, Producers of Phonograms and Broadcasting Agency of Rome and the International Convention for the Protection of Producers
of Phonograms against Unauthorized Duplication of their Phonograms, Geneva.
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3
Del
Editor
Estaba en el supermercado
cuando se me ocurrió...
Estaba en el supermercado, a punto de pa-
ser, fundamentalmente, una fuente de re-
gar en la caja, cuando busqué una revista
flexión e inspiración en torno a la fotogra-
que me resultara atrayente. Nada me inte-
fía.
resó. Es hora de prepararse un café o un
chocolate, apoltronarse en el sillón más
Busqué algo relacionado con mi pa-
sión, la fotografía, pero no quería leer so-
cercano, conectar los audífonos a la tablet,
bre la nueva cámara que quedará obsoleta
elegir la música preferida, y disfrutar con
en 18 meses, ni cómo usar la regla de los
paz y tranquilidad estas líneas fotográficas.
tercios “igual que un profesional.”
¿Preguntas? ¿Ideas? ¿Opiniones?
¡Bienvenidas!
No encontré alguna revista que en
verdad llenara mis gustos y necesidades.
Twitter/oscarenfotos
Entonces llegó la idea: ¿Por qué no editar
una revista que a mí me gustaría leer real-
Facebook/oscarenfotos
mente?
Óscar Colorado Nates
Editor
Desde hace más de dos años escribo
para mi blog oscarenfotos.com así que...
¿Por qué no hacer una antología con artículos que ya he escrito previamente y reunirlos con otros materiales nuevos en un
Óscar Colorado es profesor/Investigador titular de
la Cátedra de Fotografía Avanzada en la Universidad
Panamericana (Ciudad de México). El profr. Colorado
es autor de los libros El Mejor Fotógrafo del Mundo, Fotografía de Documentalismo Social y Fotografía Artística Contemporánea. Miembro fundador de la Sociedad
Mexicana de Daguerrotipia.
formato de revista electrónica disponible
en todo el mundo?
El resultado está aquí: una publicación
periódica en formato electrónico que busca
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5
Clarence
H. White
Galería on-line
Clarence H. White
(Estados Unidos, 1871-1925)
Pictorialista cofundador del movimiento
de la Photo-Secession. Fue maestro de Paul
Outerbridge, Margert Bourke-White, Ralph
Steiner y Dorothea Lange.
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Fotógrafo vanguardista,
testigo y actor del llamado
“Renacimiento mexicano”, en
100 años de fructífera vida
marcó la fotografía mexicana
y mundial.
Por Óscar Colorado Nates
El vidente
8
N
issan Pérez dice que “[Álvarez Bravo] …es uno de los
gigantes de la fotografía del
siglo XX, y representa no sólo a un
país entero, sino todo un estilo y una
escuela de hacer imágenes. En las
fotografías inimitables de Álvarez
Bravo, cada imagen es un mundo en
sí mismo, gobernado por su propia
lógica, y en el que lo inusual se vuelve ordinario.”[i]
par del estereotipo y el tipismo que
aquejó a buena parte del arte de los
países de la zona.”[ii]
Álvarez Bravo libró a la mexicanidad del pintoresquismo al tiempo
que afrontaba una gran variedad
temática: la cotidianidad a través
de los objetos comunes y la vida en
la calle, el surrealismo (voluntario e
involuntario), las marcas textuales, la
muerte… Deseamos hacer, en el 112
aniversario del nacimiento de Manuel Álvarez Bravo, un breve –aunque por supuesto incompleto- recorrido por su vida y obra.
Y Ánxel Grove declara: “La prolongada carrera de Manuel Álvarez
Bravo, quizá el mejor fotógrafo hispanoamericano del siglo XX, puede
resumirse en una característica que
acaso peque de generalista pero
no de errónea: el intento por esca-
9
Inicios
Manuel, nacido el 4 de febrero de
1902 en la ciudad de México, tenía
apenas trece años cuando se vio
obligado a suspender sus estudios
para ayudar a obtener ingresos tras
la muerte de su padre, maestro de
educación primaria. Era el quinto
de ocho hijos procreados durante
el matrimonio de Soledad Bravo y
Manuel Álvarez García, hijo a su vez
de Manuel Álvarez Rivas, pintor con
gran admiración por la fotografía.
El joven Manuel tenía una peculiar facilidad para los números, lo que
le ganó el sustento como contador
durante un buen tiempo. Fernando
Ferrari Pérez regala al muchacho
una cámara. Para 1917 la asistencia
a clases nocturnas de literatura y
música en la Academia de San Carlos
marcarían las dos pasiones de Manuel adicionales a la fotografía.
También estudió pintura con Antonio
Garduño.
A pesar de sus intereses artísticos, la fuente familiar de ingresos
permanecía en los terrenos de las
finanzas y la administración tanto en
empresas privadas como organismos
públicos. Un año crucial fue 1923,
cuando el contador -que se consideró a sí mismo como fotógrafo de
domingo- conoce a Hugo Brehme.
Al poco tiempo compra una cámara
Century Master 25 e inicia una nueva etapa.
10
Un par de años después se casa con Lola
Martínez de Anda y se mudan a Oaxaca donde
Manuel trabaja como burócrata en el ministerio de Hacienda.
En el hogar de los Álvarez Bravo se monta
un laboratorio improvisado en la cocina. El reconocimiento llega pronto y recibe su primer
premio en un concurso local.
De regreso a la Cd. de México
En el número 1004 de la calle Gómez Pedraza
en el Distrito Federal, el matrimonio convierte una parte de su casa en galería. Ahí expondrían Rufino Tamayo, José Clemente Orozco,
Frida Kahlo y Diego Rivera. Por aquel entonces el muralista Pablo O’Higgins se convierte
en intermediario para que Manuel conozca a
Tina Modotti.
En 1928 Álvarez Bravo participa en el Primer salón mexicano de fotografía. Para entonces explora el modernismo inspirándose en artistas como Albert Renger-Patzch y comienza
a trabajar en platino bajo la tutela de Modotti.
Álvarez Bravo le envía a Edward Weston, uno
de los fotógrafos modernistas más importantes, algunas de sus fotografías y el estadounidense lo elogia.
Los trabajos del mexicano forman parte
de una exposción colectiva en el Berkeley Art
Museum en California donde comparte espacios con artistas de la talla de Dorothea Lange, Imogen Cunnihngham y el propio Weston,
11
entre otros. Tina Modotti presenta
a Álvarez Bravo a Diego Rivera y
también a Frances Toor de la revista
Mexican Folkways.
dorada con los notabilísimos muralistas Clemente Orozco, Siqueiros y,
por supuesto, Rivera.
Eran los tiempos de artistas
enormes, y Don Manuel figuraba entre ellos. Aunque, como indica Carlos
Monsiváis, “Ante la gigantomaquia
de los murales, la fotografía parece
entonces expresión minúscula, pero
tal menosprecio no afecta a los propósitos de Álvarez Bravo, en pos de
una expresión autónoma y profética
de la técnica rigurosa y de las ideas
visuales carentes de inhibición.”[iii]
Tras la accidentada salida de
Modotti a territorio extranjero, el
treintañero Manuel heredaría el trabajo en Mexican Folkways y la cámara Graflex de la controvertida fotógrafa.
Álvarez Bravo en el
renacimiento mexicano
José Vasconcelos encabezaba la vida
intelectual en el México postrevolucionario. Estaba por iniciar una etapa
En el México de las décadas de
1920 y 1930 las posturas artísticas y
Muchacha viendo pájaros. 1931
12
ra un camino artístico con la fotrografía. Esta actitud de crítica que
solamente daba por bueno al fotoperiodismo retrasó por décadas la
evolución de la fotografía artística en
México.
Manuel Álvarez Bravo trabajaba
con soltura los elementos formales
de la fotografía, la abstracción y la
composición. Pero, además, su ojo
era peculiarmente sofisticado. Sus
imágenes habían sido elogiadas por
André Bretón quien vio una faceta
surrealista en la obra del fotógrafo
mexicano.
políticas se entreveraban. Si la fotografía no acababa de ser cabalmente aceptada como arte en México,
menos aún las búsquedas estéticas
propias del modernismo para un fotógrafo.
Sin embargo ambos hechos (la
correlación voluntaria o involuntaria
con el surrealismo y la búsqueda de
una fotografía autoral) fueron severamente criticados por el propio David Alfaro Siqueiros quien escribió
de Álvarez Bravo que “…al adaptar
parcialmente su obra al esteticismo
de los asociales, de los seudo-apolíticos, de los partidarios del arte-placer
íntimo, el llamado ‘arte puro’, se alejó de la funcionalidad del fenómeno
estético… para sumarse a los partidarios técnicos del llamado ‘factor
poético’, ‘del subconciente’, ‘de lo fantasmal’, ‘de lo orféico’, que conforman
la doctrina ramplona del surrealismo
‘rotondiano’ generado en el París de
la preguerra.”[iv]
Aunque la fotografía era considerada en México más en el ámbito
de los oficios que del arte, el fotoperiodismo era ya una práctica razonablemente aceptada y respetada.
En contraparte, la fotografía de
autor era vista con sospecha y hasta
con censura como si de un onanismo
artístico se tratara. Un acercamiento al modernismo era visto, por si lo
anterior era poco, como una forma
de yanquismo que se divorciaba peligrosamente de los exacerbados ánimos nacionalistas.
Don Manuel siguió su camino, a
pesar de las críticas que se le hacían
a él y a cualquiera que emprendie13
hasta edad muy avanzada, es durante la primera mitad del siglo XX
cuando se daría su propia época de
oro con la producción de algunas
de sus fotografías más conocidas:
Obrero en huelga, asesinado (1934),
El ensueño (1931), Retrato de lo eterno (1935), Parábola óptica (1931), La
hija de los danzantes (1933), Muchacha viendo pájaros (1931), Sed pública
(1933), Paisaje y galope (1932), Señor
de Papantla (1934-35), Calabaza y
caracol (1928-29) o Los agachados
(1932-34), entre otras.
Instrumental. 1931
Las posturas del fotógrafo estaban muy lejos de ser asociales, pues
el mismo Álvarez Bravo declaró que
“Todo tiene un contenido social.”[v]
Agregaba, además que “Mi obra es
de encargo, no es un encargo explícito, sino implícito de la sociedad en
la que estoy viviendo.”[vi] John Mraz
abunda: “…la política de Álvarez Bravo –y su búsqueda de la mexicanidad- se puede encontrar mejor en su
acercamiento a la vida cotidiana de
los humildes que en comentarios sociales explícitos.”[vii] El más grande
de los muralistas mexicanos, Diego
Rivera, declara a favor que “Álvarez
Bravo ha preferido la fotografía a
la pintura. Es posible que tenga razón.”[viii]
Vanguardias: abstracción y
surrealismo
Las vanguardias impactaron de forma decisiva a la fotografía de Manuel
Álvarez Bravo. Realizó imágenes con
un cuidado extremo en lo formal,
poniendo gran énfasis en la pericia
técnica-compositiva. Algunas fotografías cruciales de corte modernista
en Álvarez Bravo son Instrumental o
La Tolteca (ambas de 1931).
Incluso en numerosas imágenes
producidas a lo largo de su vida podrá encontrarse el empleo de picados y contrapicados tan típicos del
constructivismo de Alexander Rodchenko.
Entre las décadas de 1920 y
1930 se daría uno de los períodos
más fecundos del fotógrafo, pues
aunque trabajaría incansablemente
14
(1976-77). Don Manuel también realizó fotografía voluntariamente surrealista por encargo del propio André Bretón para la revista Minotaure.
De sus obras consideradas surrealistas, una de las más importantes es Parábola óptica (1931) “una
obra maestra que resume cómo Álvarez Bravo ha asimilado a Atget. Se
trata de un juego de sentidos, incluso
literarios, pues «E. Spirito. La óptica
moderna», el rótulo tipográfico que
ahí se meustra, bien podría observarse como un manifiesto sutil de la
aparición de la vanguardia: el espíritu de la fotografía moderna en la
estética mexicana. Sin embargo, la
Don Manuel abordó el surrealismo en forma voluntaria e involuntaria. André Bretón encontró en la
obra del mexicano una realidad alterna en serafines viajeros entre redilas (Ángeles en camión, 1930) y ojos
en un mundo paralelo lleno de reflejos (Parábola óptica, 1931). Sus Maniquís riendo (1930) serían otra muestra importante de esta
época. Estos meta-mundos seguirían
formando parte de la obra del fotógrafo como se podrá notar en Caja de
visiones (1938) o Caminata múltiple
Parábola óptica. 1931
15
Algunas imágenes como Pianola
(1932) anticiparían estilos posteriores como las fotografías científicas
de Berenice Abbott o las cortinas
(temas abordados en 1936 o de la
serie Jardín Interior, 60 años después)
que encuentran un claro diálogo con
algunas imágenes de Uta Barth.
dirección de las miradas (el ojo, icono
esencial del surrealismo) se vuelve
múltiple, todo abarcador, acechante,
como un narrador omnisciente que
todo lo ve y todo lo sabe de un paisaje etéreo de esa ciudad que se refleja
en el aparador.” [viii b]
El fotógrafo exploraría la abstracción a lo largo de su vida en fotografías como Colchón (1927), Juego
de papel (1926-27), Libros (1930),
Ondas de papel (1926-27), Plátano,
Planta (1974).
Obrero asesinado. 1930
En los setentas realizó diferentes
fotografías de plátanos donde sus
exploraciones abstractas son tan poderosas como las que realizó en sus
primeras décadas.
Retratista de la mexicanidad
Al explorar la obra de don Manuel
hay elementos que parecen indicar
que no tenía intenciones de crear
imágenes de corte mexicano sino
que cuando hacía fotografías sus
temas eran mexicanos y aparecía
en ellos una indisociable mexicanidad. Claro está que Álvarez Bravo
Ángeles en camión. 1930
16
sí realizó fotografías para Mexican
Folkways donde la temática rondaba
lo mexicano. Sin embargo, la mexicanidad en la obra de Don Manuel
pareciera ser más una externalidad
positiva. Él trabajaba por las calles
de México y hacía fotografías. Como
lo explica Guillermo Sheridan: “Su
experiencia de lo mexicano le resultaba a tal grado natural, que convertirla en una estética o en una tarea le
habría parecido una impostura, una
subordinación de su libertad a estreches de tema, estilo o ideología dictadas por una retórica ajena.”[ix]
Si la mexicanidad está necesariamente ligada a un imaginario
compartido (llamémosle nacional),
Ruy Sánchez acierta al explicar que
“Muchas de las imágenes creadas
por Manuel Álvarez Bravo forman,
desde hace varias décadas, parte de
nuestra piel cultural. Hemos crecido
con ellas y hemos aprendido a sentir
y observar las cosas de otra manera
a través de sus fotografías. No son
parte de nuestro patrimonio (algo
que se tiene) sino mucho más: son
parte de nuestro cuerpo (algo que se
es).”[x]
Don Manuel Álvarez Bravo por Graciela Iturbide.
Así como no se sabe sin Walker
Evans capturó la Americana o la
creó, en muchos sentidos es difícil
17
decir si don Manuel captó la mexicanidad o si contribuyó decisiva y
activamente en la construcción del
imaginario nacional. Incluso se ha
llegado a decir que los afanes sobre
el mexicanismo de Álvarez Bravo le
llevaron a una reconfiguración de los
símbolos nacionales.[xi]
El propio André Bretón se asombraba de que alguien pudiese con la
fotografía “penetrar por semejante
medio el alma [de México].”[xii]
Como ya se dijo, Manuel abandona el pintoresquismo tan propio
de su tiempo, que podía verse cla-
ramente en algunas fotografías de
Walter Reuter. Álvarez Bravo trabaja facetas de la iconografía nacional
con soltura y naturalidad. Ejemplos
de los temas mexicanos en su obra
pueden apreciarse en Castillo en el
Barrio del Niño (1990), Señor de Papantla (1934-35), Señor Presidente
Municipal (1947), Como todos los días
(1964), El perro veinte (1958) o Magueyes acostados y montaña (1970).
Sin embargo en muchos sentidos
toda la obra de don Manuel “es mexicana por causa, forma y contenido”[xiii] como bien dijo Diego Rivera.
Rafael Tovar agrega que Álvarez
Bravo es “…un poeta y un intérprete
de la imagen del tiempo y el espacio
Caballo de madera. 1928
18
El México surrealista:
muerte y magia
mexicanos”[xiv].
Es casi imposible delimitar con
claridad donde termina Manuel y
dónde inicia México. Sin embargo,
este fotógrafo está muy lejos de ser
un personaje de mero alcance e interés locales: “No cabe ninguna duda
de que Álvarez Bravo se sentía profundamente mexicano, pero
La Muerte
Uno de los temas que más intriga
de los mexicanos es nuestra peculiar relación/percepción con/sobre
la muerte. Don Manuel captura
este motivo en muchas fotografías.
Si bien Obrero en Huelga, asesinado
(1934) es una de las obras donde la
muerte aparece de forma evidentísima, antes ya había explorado esta
materia en imágenes como El espíritu
de las Personas (1927).
también era, al igual que su amigo
y compañero Cartier-Bresson, un
hombre internacional, un ciudadano
del mundo.”[xv] El francés Jean-Claude Lemagny escribe: “Álvarez Bravo
amaba México a través de sus gentes
y a través de sus gentes amaba su
tierra.”[xvi]
También existe una singular mixtura de escaleras y ataúdes (tan clásica de la iconografía de don Manuel)
en Escala de escalas (1931-32).
Podemos ver el pasaje de la
muerte entre los vivos en Enterramiento en Metepec (1932), el binomio
vida-juventud y muerte en la chica
que tiene en sus manos una calavera de azúcar que ostenta el texto
“amor” en Día de todos los muertos
(1933) y por supuesto la clásica y
famosa fotografía Retrato póstumo
(1934-39).
Posteriormente don Manuel
siguió explorando el asunto de
la muerte en Sepulcro traspasado
Los leones de Coyoacán. 1930
19
(1937), la muerte presente en la
marca textual en Señal, Teotihuacán
(1956). Aún en tierras lejanas sigue
trabajando el mexicanísimo tema de
la muerte como en antiguo osario,
Rouen (1960) o Tumba de Joseph Nicephore Niepce (1984). Muertes apenas insinuadas, casi en plano de fondo en fotos como Panteón en ruinas
(1981) o Los adioses (1984).
Señal Teotihuacán. 1956
hacia el progreso de la civilización
occidental.”[xvii] El adjetivo “mágico” estará constantemente ligado
a la mexicanidad y a las fotografías
de don Manuel. Ánxel Grove anota:
“Años antes de que la literatura cultivase el llamado realismo mágico
—que entiende lo real como maravilloso—, Álvarez Bravo ya hacía fotos
donde el misterio estaba encajado en
Qué chiquito es el mundo. 1942
México ¿Mágico?
La muerte es un puente huidizo a
una realidad alterna, misteriosa y
atemorizante; y un pasadizo entre
el mundo prehispánico y la cultura europea. En palabras de Patricia
Mendoza, “Ya desde sus primeras
imágenes, don Manuel consignaba
el extraño e inexorable maridaje entre el mágico mundo ancestral de los
indígenas y la avasallante marcha
El payasito. 1929
20
lo cotidiano y lo aparentemente milagroso se hacía carne.”[xviii]
momentos de cierto acercamiento
poético que no tienen otras circunstancias cotidianas.”[xxi]
Mercedes Iturbe acierta cuando explica que don Manuel “Es un creador
de poemas visuales que unen lo real
con lo metafísico.”[xix] Y agrega: “En
el marco de una atmósfera excitante y sugerente conviven lo exótico,
lo revolucionario, lo moderno y lo
primitivo, circunstancia que fascina
por igual a ojos extranjeros y nacionales.”[xx] André Bretón esgrimió
sobre don Manuel que “todo lo poético mexicano lo ha sido puesto por
él a nuestro alcance.”[xxiii]Pero el
propio artista replica: “Dicen que
mi fotografía es poética. Yo siento
que en la expresión uno puede tener
La cotidianidad o el mundo
invisible
Manuel alcanza lo inaudito: mostrar
lo invisible. Como dijo Xavier Villaurrutia “[Álvarez Bravo]…hace posible
que ante sus mejores fotografías nos
encontremos frente a verdaderas
representaciones de lo irrepresentable, frente a verdaderas evidencia de
lo invisible.”[xxii]
Álvarez Bravo logra ver en una escena aparentemente insulsa un
algo que punza, el famoso punctum
barthesiano. “En las fotografías de
don Manuel, la realidad no se fija,
reverbera; no se multiplica, corresponde; no es documentada, sino
trascendida. No atrapa la realidad,
ni la denuncia, ni la decora: busca
algo superior. Sabe que, al revelarla,
pone en evidencia su poder de revelación.”[xxiv] El objeto de uso común,
la herramienta encuentran un giro
peculiar con la fotografía que “…no
transforma el objeto pero lo distingue, le da nombre con su lenguaje
particular.”[xxv]
21
sencilla utilización de sus días y de
sus materiales; simplificado todo el
torbellino de teorías de aquel París,
en el encanto de trabajar y de vivir:
éste fué su secreto a voces.”[xxvi]
Paul Strand agrega sobre Álvarez
Bravo en relación con Atget: “[Manuel] Es un hombre que ha dominado
un medio que respeta meticulosamente y que emplea para hablar con
calidez sobre México igual que Atget
hablaba de París.”[xxvii] Álvarez Bravo descubrió a su colega Atget en los
treintas y muchas de sus fotografías
de aparadores y maniquíes remiten
al documentador galo. Sin embargo
El pez grande se come a los chicos. 1932
Diálogo íntertextual: Álvarez
Bravo, Evans y Atget
Existen otros dos autores fundamentales que compartieron con el
mexicano el rescate de lo ordinario,
que no la ordinariez: Eugène Atget y
Walker Evans. Don Manuel era admirador de Atget y logró conseguir
para la Fundación Cultural Televisa
una impresión del clásico retrato de
perfil que realizó Berenice Abbott del
documentador francés convertido en
artista.
Álvarez Bravo escribió de Atget:
“…una gran lección de vida: simple,
Las lavanderas sobreentendidas. 1932
22
Los leones de Coyoacán (1930) constituye un homenaje difícil de pasar por
alto.
El segundo caso de ínter-textualidad se da con Walker Evans.
“Álvarez Bravo nos ayuda extraordinariamente a entrever, mirar, intuir,
complementar, aislar lo significativo
en el cúmulo de lo cotidiano.”[xxviii]
Precisamente esta capacidad de encontrar lo extraordinario en las minucias de la vida diaria dificultaron
al observador la profundidad del trabajo de don Manuel quien dijo “No
se sabe ver la fotografía porque el
veedor (sic) se queda en la superficie
por falta de cultura general.”[xxix]
Como declara Francisco Toledo
“Manuel Álvarez Bravo encarna una
lección de cómo mirar y de qué mirar.”[xxx]
¿Don Manuel encontraba lo mágico en la vida cotidiana o proveía de
magia a lo ordinario? “El fotógrafo
mezcla sus pasos (y su mirada) con el
ritmo de la vida. Luego nos trae, con
su cámara, el testimonio asombrado
de ese paseo rítmico, de esa danza
sencilla que, como la de un chamán
lleno de visiones, nos recuerda la
dimensión mágica que hay en la vida.”[xxxi] Y es que “don Manuel sabe
trasladar su magia y su poesía a las
imágenes que brotan de su mirada
sabia y lúdica.”[xxxii]
Nuestro artista comprende que
la clave está en el propio fotógrafo:
“La trascendencia que cualquier hecho pueda tener a través de la fotografía, se la da el fotógrafo.”[xxxiii]
Y se comprende cómo su mirada logra desvelar temas donde parecen
no existir. “Me parece que todo es
23
retratable, depende de cómo se le
ve.”[xxxiv] Del espacio habitual, cotidiano, Don Manuel rescata numerosos momentos (genuinos instantes
decisivos a lo Cartier-Bresson) como
en Sed Pública (1933), Los agachados
(1932-34), Qué chiquito es el mundo (1942) o La hija de los danzantes
(1933).
de Manuel Álvarez Bravo reside en
las asociaciones inauditas en las relaciones que establece entre los objetos y los seres más distintos, más
imposibles, el uno con el otro y que
ya juntos constituyen constelaciones
poéticas.”[xxxv]
De la relación entre realidad,
misterio y poesía don Manuel dice
que “Cuando se busca la simbología
y el misterio, se contacta con una
enorme sorpresa: la realidad.”[xxxvi]
Álvarez Bravo y el texto
escrito
Retornando a los diálogos temáticos
entre Álvarez Bravo y Walker Evans,
además de la captura de lo convencional, resulta peculiar la inclusión
de textos escritos (palabras, letras,
frases) en las fotografías de ambos.
No es de extrañar, pues el mexicano
y el estadounidense compartían el
interés por las literatura, y de manera más específica por los textos incluidos en la fotografía.
Y profundiza: “Mire, yo no persigo la poesía. La poesía está en la
realidad”.[xxxvii] Vienen a cuento las
palabras de Xavier Villaurrutia: “el
fotógrafo poeta lo es ‘a pesar de su
cámara y no gracias a ella.’”[xxxviii]
Resulta interesante que una de las
fotografías más icónicas de Álvarez
Fotografías como Señal, Teotihuacán (1956), Nutre y fortifica (1920),
Sistema nervioso del gran simpático
(1929) o El Payasito (1929) entremezclan el texto con la imagen. Don
Manuel encuentra en la yuxtaposición y las posibilidades de juego intelecto-conceptual una oportunidad
lúdica. Luis Cardoza y Aragón refiere
que “Uno de los valores principales
Copia de la fotografía “Detrás de la estación Gare
Saint-Lazare, Henri Cartier-Bresson, 1932″ dedicada
por Henri a su amigo Manuel Álvarez Bravo
24
Bravo, la reconocida Parábola Óptica
(1931) sinteticen los aparadores de
Atget, los textos de Evans y el surrealismo de Bretón.
Un hombre con muchos y
muy notables títulos
Profundizando en la correspondencia entre imagen y marcas textuales,
no podemos pasar desapercibida la
concomitancia entre las fotografías y
los títulos con los que las bautiza don
Manuel. Algunos fotógrafos optan
por no dar título a sus imágenes por
temor a dirigir la interpretación del
espectador y
prefieren que
la fotografía
hable por sí
misma. Sin embargo, “Al titular sus fotos,
Álvarez Bravo
indica no la
obligación interpretativa
sino una de las
vías de acercamiento.”[xxxix]
Así como Walker Evans era un
apasionado de la literatura, Colette Urbajtel recuerda que su esposo
“Amaba los juegos de palabras, los
refranes, las citas literarias, la poesía barroca.”[xl]
Para Álvarez Bravo la fotografía
forma parte de un hecho artístico
donde títulos e imagen juegan pape-
Don Manuel Álvarez Bravo y la peculiar manera de operar la máquina fotográfica descrita por Sheridan. Foto
atribuida a Colette Urbajtel.
25
les complementarios. Tan importante es la ligazón artística y conceptual
entre las fotos y sus títulos en la obra
de Álvarez Bravo que el propio Octavio Paz escribió:
“Los títulos de Manuel no son
cabos sueltos son flechas verbales
señales encendidas.”[xli] El fotógrafo mexicano explica también otras
razones bastante pragmáticas respecto sobre la forma de nombrar
su propio trabajo: ”Esto es debido
a mi afición desde siempre a la lectura. Los títulos de las fotografías
salen de repente. Cuando me pedían
exhibiciones, querían fecha de mis
fotografías y querían títulos. Sigo la
costumbre. Mi mujer me ayuda mucho. Para ponernos de acuerdo, para
entendernos, la fotografía necesita
un título. Pero no crea, con el tiempo
cambian de título. Hoy existe la costumbre de poner en algunas fotografías sin título, que yo creo que es el
peor título.”[xlii]
tal: la frase provoca el disparo y hace
saltar la imagen explícita para que
aparezca la otra imagen, la implícita,
hasta entonces invisible.”[xliii]
Sobre el tema Belén Ginart comenta
que “Los títulos de sus fotografías y
los temas de éstos están cargados
de guiños: sean dos esculturas de
ángeles que en lugar de utilizar sus
alas para volar prefieren mantenerlas en reposo y dejarse transportar
en camión, sea una óptica cuyo escaparate aparece decorado con ojos,
mientras no se ven gafas por ninguna
parte.”[xliv]
Octavio Paz en su ensayo “Instante y revelación: Manuel Álvarez
Bravo” escribió: “A veces la imagen
fotográfica se basta a sí misma; otras
se sirve del título como de un puente
que nos ayuda a pasar de una realidad a otra. Los títulos de Álvarez
Bravo operan como un gatillo men-
Algunos ejemplos interesantes
de los múltiples giros que ofrece don
Manuel a la apreciación de su obra a
partir de los títulos podrían citarse
trabajos como Un poco alegre y graciosa (1942), Carnaval (1984), El gran
26
había lanzado al artista en busca de
la imagen que lo mereciese.”[xlv]
Caballito de carro de helados. 1927
penitente (1954), El niño de los cuentos (1964), El pez grande se come a los
chicos (1932), Sol frío (1939) o Las
lavanderas sobreentendidas (1932).
“Su creatividad plástica era simultánea al hallazgo de ese nombre que
era instantáneamente necesario e
imprescindible. Bautizar una fotografía, para él, no significaba sólo
remitirla a un contexto, fecha o circunstancia; equivalía a tomarle una
fotografía verbal al momento plástico. Si el enigma fotografiado era bueno, se imponía completarlo con el
nombre exacto, ingenioso o enigmático, que ese enigma reclamaba para
ahondarse.”[xlvi]
Retornando a Guillermo Sheridan
vale la pena recordar que en Álvarez
Bravo “El nombre dotaba a la imagen
de una existencia completa: en la
hoja de la fotografía, un envés verbal
para un haz visual. La armonía era a
tal grado precisa que no se preguntaba qué habría sido primero, si el
nombre o la imagen, o si el título no
27
De influencias y
confluencias
solo del talento de Álvarez Bravo,
sino también de las posibilidades de
diálogo icónico.
La obra de un artista es producto de
un proceso en el que confluye el trabajo de otros creadores. Ya habíamos comentado que en sus primeras
etapas aparecen las influencias de
Hugo Brehme y Tina Modotti. El propio maestro de la fotógrafa, Edward
Weston es una figura que contribuye
al estilo de don Manuel.
Es pertinente un brevísimo
paréntesis para referir que Manuel trabó amistad con Henri Cartier-Bresson e incluso Clément Chéroux afirma que en las fotografías del
artista galo “…evocan las de Manuel
Álvarez Bravo y cuesta decir si el
parecido se debe a la intensidad del
lugar o la influencia recíproca entre
ambos…” [xlvi bis] El mexicano y el
francés expusieron en el máximo
foro del arte en México, el célebre
Palacio de Bellas Artes y posteriormente se montaron estas fotografías en la Galería Julien Levy donde
se agregaron los trabajos de Walker
Evans. Este fue un hecho de gran
importancia porque “El prestigio de
su galería [Julien Levy] fue esencial
para la obra de Álvarez Bravo, a partir de esa exhibición, comenzara a
ser reconocida fuera de México”[xlvii]
En sus primeros años el mexicano es afín a la Nueva Objetividad y
encuentra en Albert Renger-Patzsch
fuente de inspiración. La amistad
que trabó con los míticos Paul Strand
y Henri Cartier-Bresson habla no
Las fotografías de don Manuel
también fueron reconocidas por Edward Weston: “Debo decirle cuánto
estoy disfrutando de ellas. Sinceramente, son importantes, y si usted es
nuevo en el oficio, la fotografía está
de suerte por contar con alguien con
28
su punto de vista.”[xlviii] Por su parte
Paul Strand le escribió a don Manuel:
“…en su sensible acercamiento a los
problemas tanto de la cámara como
de la vida a su alrededor se ha convertido en el más grande fotógrafo
de México y en uno de los fotógrafos más sobresalientes de su tiempo.”[xlix]
Manuel Álvarez Bravo nos explica
que “Aunque la primera influencia de
visión se la debo a Hugo Brehme, Picasso y su cubismo me enfrentaron a
otro tipo de realidad. Brehme desencadena las fotografías pintorescas;
Picasso el rarismo, las fotografías
raras. La seguridad la alcancé más
tarde cuando Tina Modotti me enseñó las fotos de Edward Weston.”[l]
De la serie “Jardín interior”. 1995
A propósito de la influencia que
Weston tuvo en don Manuel y un
posible paralelismo, las palabras de
Henri Cartier-Bresson son contundentes: “No los compares, Manuel
es el verdadero artista.”[li] Este fotógrafo formó parte de un estilo en
el que confluyeron los talentos de la
propia Lola Álvarez Bravo, Agustín
Jiménez y Aurora Eugenia Latapí.
Manuel Álvarez Bravo tuvo ascendiente en fotógrafos como Nacho
López, Héctor García, Jesús Sánchez
Uribe, José Ángel Rodríguez, Flor
Garduño, Rafael Doniz y sobresale
especialmente su discípula Graciela
Iturbide.
En relación con otros pintores también pueden encontrarse ecos de
Caravaggio en Sed Pública (1933)
o un extraño híbrido Max-Ernst/
Edvard Munch en Y por las noches
gemía (1945). Sobre la influencia de
Manuel, Gabriela Galindo refiere
que “En cierto modo, Álvarez Bravo ha influido a todos los fotógrafos
mexicanos, su trabajo permanece
en la memoria de imágenes y cons29
tituye una forma particular de ver al
mundo. Al mismo tiempo, nos hace
conscientes, de manera sutil, de la
vida, Álvarez Bravo nos enseña en
cada una de sus imágenes que hay
que atreverse a mirar para capturar
lo grandioso en lo pequeño y lo fugaz.”[lii]
su rescate de la gente común y su
substancia cotidiana ha marcado un
camino de altas exigencias para los
fotógrafos de América Latina.”[liii]
Hay tiempo...
Existen muchas indicaciones de la
tranquilidad del maestro en su mirar
y su obrar. Su más notable discípula,
Graciela Iturbide recuerda: “Álvarez
Bravo tenía colgado en su laboratorio un papelito con un recordatorio
«Hay tiempo, hay tiempo». Su función era recordarse a sí mismo que
Por su parte Mraz declara que “Manuel Álvarez Bravo ha sido una influencia definitiva sobre la fotografía mexicana y Latinoamericana. Su
rechazo al pintoresquismo fácil, su
ironía insistentemente ambigua, y
Coatlicue. 1987-89
30
guna ocasión lo miré pedir una Leica,
que asió de manera curiosa: formó
un rectángulo con sus largos dedos
vidriosos rodeando el aparato, como
un director de cine que calcula una
toma, y oprimió el obturador con el
índice izquierdo.”[lv]
Don Manuel detiene el tiempo, tanto
fotográfico como el del fluir vital. En
palabras de Carlos Fuentes: “El genio
de Álvarez Bravo consiste precisamente en darle un instante de reposo al fluir del mundo, sólo para pedirnos que seamos nosotros mismos,
los espectadores, quienes le restituyamos el movimiento.”[lvi]
De las maneras de dormir. 1940
las cosas, para que salgan bien, deben hacerse con calma.”[liv]
De muchas de sus fotografías pueden encontrarse tomas múltiples
como en Payasito (1929), Los novios
de la falsa luna (1972-74) o Peregrino en las cosas desta vida (1942) que
indican cómo don Manuel trabajaba
su cuadro, elegía la composición y
esperaba hasta que algo ocurría. Una
práctica peculiar que requiere, forzosamente, de tiempo y mesura.
Al respecto la siguiente anécdota
narrada por Guillermo Sheridan indica una práctica poco ortodoxa del
maestro que implica, necesariamente, una cierta ralentización: “En al-
Ensayo para la cámara bien afocado. 1940
31
El vidente
Álvarez Bravo examina, considera, advierte, reflexiona, conoce,
juzga y, tras una larga ponderación,
captura. Su fotografía es un asunto
de visión que trasciende a la mera
contemplación inmediata y directa.
Hay un momento en el que prescinde
de la percepción sensible para lograr
tener un punto de vista intelectual
sobre su tema fotográfico.
La persona que presenta una destacada cualidad para ver cosas se conoce como vidente. Don Manuel es
vidente porque esclarece lo que está
oculto. Si en un primer momento es
un vidente al percibir por los ojos los
objetos a través de la acción de la luz,
es realmente mediante el entendimiento con el que logra ver al encontrar sentido a lo que observa con la
inteligencia.
Su visión de la literalidad pronto
se transforma en una creación fantástica, una imaginación. Ya lo dice
Magueyes heridos. 1950
32
Maniquís riendo. 1950
Carlos Fuentes: “[Álvarez Bravo] Es
un gran fotógrafo y es natural que
privilegie a la mirada. Pero es un
gran artista que nos está invitando
no sólo a mirar sino a imaginar.”[lvii]
La imaginación es la mutada realidad
convertida en representación viva y
eficaz de la intuición manueliana, en
su caso, una visión poética.
inmediato para el autor; una genuina
iluminación intelectual infusa. Don
Manuel es mucho más que un observador, se metamorfosea en clarividente. Primero porque es un mediador (médium) entre una realidad
presente pero invisible para el sujeto
de a pie. Segundo porque cuenta con
esa facultad para discernir las cosas
claramente.
Cuando Álvarez Bravo realiza una
fotografía nos enfrenta a su propia
visión mental del sujeto, un conocimiento sin raciocino que es claro e
“Como todo verdadero artista,
Manuel Álvarez Bravo logró extraer
de la imperturbable superficie de las
33
cosas algo de su auténtica e inefable
esencia, desconcertando con ello a
los filósofos y convirtiéndose él mismo en una especie de pensador.”[lviii] Sus fotografías son una clarividencia de cuanto sujeto afronta; una
penetración singular construida por
su facultad de advertir lo imperceptible.
perfectamente acabada como inconclusa.”[lix]
En octubre de 2002 falleció don
Manuel Álvarez Bravo a los cien
años. “Quizás murió prematuramente: su trabajo sufre la paradoja de
esos artistas cenitales que, a pesar
de su longevidad, dejan una obra tan
Cátedra de Fotografía Avanzada en la Universidad Panamericana
De vidente Don Manuel se
transfigura en iluminado, que alumbra -porque da a luz pero también
porque irradia- la fotografía artística
en México.*
Por Óscar Colorado Nates, profesor/Investigador titular de la
(Ciudad de México).
______
*Notas y fuentes de investigación disponibles al final
de la revista
34
35
Desde la librería
Reseña
cinco continentes. Se puede hallar el
trabajo de algunos autores recientes
conocidos, como Markus Hartel u
Osamu Kanemura, sin embargo hay
sorpresas muy bienvenidas como
las fotografías de Christophe Agou.
Sus imágenes en el tren subterráneo
(el mismo tema que afrontó Walker
Evans en su momento) le brindan al
tema una perspectiva renovada.
Street Photography
Now
Sophie Howart. Thames & Hudson,
2012
Street Photography Now ofrece
nuevo aire a un género que ya parecía un tanto cansado. El mismísimo
Martin Parr dice que este libro se
convertirá en la nueva guía definitoria de la fotografía de calle. Al darle
un vistazo este libro encanta.
También resulta de interés el trabajo
del polaco Maciej Dakowicz. ¿Y qué
decir de las sorpresas que nos guardan las locuras en el Nueva York de
Melanie Einzig? El libro es una fuente de inspiración para coger la cámara y asaltar la calle.
Incluye el trabajo de más de
140 fotógrafos contemporáneos
con fotografías de ciudades en los
36
37
HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA
Henry Fox Talbot
y los otros padres
de la fotografía
Ya desde 1729 existían todos los desarrollos necesarios para hacer posible la fotografía pero nadie combinó
las tecnologías existentes de la cámara oscura, la óptica y la química.
Extrañamente 1839 pareció ser
un año en el que aparecieron numersos inventores que presentaron la
posibilidad de fijar imágenes obtenidas mediante una cámara oscura.
Históricamente se han considerado
a Nicephóre Niépce y Louis-Jacques-Mandé Daguerre los padres
de la fotografía, ya hemos publicado
previamente un infográfico comple-
William Henry Fox Talbot. 1800-1877
to sobre el tema. Sin embargo no son
los únicos inventores.
De todos los que posteriormente reclamaron el título de padre de
la fotografía, quien probablemente
lo merece más es William Henry Fox
Talbot, inglés nacido en 1800 graduado del Trinity College en Cambridge. Miembro del Parlamento, el
intelectual publicó para 1839 más de
25 papers sobre temas como matemáticas, iluminación, óptica y cristales y cuatro títulos de materias literarias e históricas.
The Haystack. Abril de 1844.
38
Durante su luna de miel, Talbot busca realizar algunos dibujos sin mayor
éxito. Su frustración le llevó a pensar
en la posibilidad de fijar las imágenes
de la cámara oscura.
Comenzó a realizar estudios en relación con las posibilidades químicas y
experimentos con la fijación de imágenes por contacto en 1834 siguiendo las huellas de Jacques-Alexandre-César Charles y en la línea de
los procedimientos heliográficos de
Thomas Wedgewood.
Finalmente tuvo éxito cuando trató
papel con nitrato de plata y sal; se
lograba una imagen latente que posteriormente era revelada.
Cuando se anuncia en 1839 el invento de Daguerre en París, Fox Talbot
se apresura a presentar los estudios
que venía realizando desde cinco
años antes ante la Royal Institution
(7 de enero, 1839) y la Royal Society (31 de enero del mismo año). Su
proceso de papel y sal permite la posibilidad de reproducir una imagen
mediante un sistema de negativo y
positivo.
Para 1841 su experimentos están
totalmente maduros y obtiene la
patente para un proceso que inicialmente llamó Talbotipo pero terminó
39
Daguerre cuyo procedimiento acabó
desapareciendo a pesar del furor inicial de la daguerrotipia.
A pesar de la crítica francesa,
para 1844 Fox Talbot ya había logrado notables avances en la nitidez.
Los ingleses recibieron asombrados
The Haystack, calotipo realizado en
abril de 1844. Talbot mismo explicaba “Una de las ventajas del arte fotográfico es que permite introducir
en nuestras imágenes una multitud
de detalles que suman a la veraciadd y realidad de la representación;
ningún artista tendrá que tomarse la
molestia de copiar fielmente a la naturaleza… ” [1]
Encaje. ca. 1839
en la oficina de patentes como Calotipo (kalos= belleza en griego). Fox
Talbot se aferró a su patente, hecho
que paradójicamente obstaculizó el
auge y desarrollo adicional de la fotografía en Inglaterra; el hecho provocó una clara ventaja de los franceses.
The Pencil of Nature incluye 24
calotipos. El libro fue un todo un
best seller: se imprimieron 30,000
ejemplares, cifra abultada aún hoy.
Posteriormente se publicó Sun Pic-
Talbot viaja en 1843 a Francia
para presentar el Calotipo pero no
es bien recibido: ciertamente que
el daguerrotipo ofrecía una calidad
de imagen incomparable y el previamente llamado Talbotipo era mucho
menos nítido. A la larga el uso del
papel en lugar de las engorrosas placas de cobre o incluso vidrio acabaron por imponerse como la técnica
fotográfica dominante durante más
de 150 años. En tal sentido Fox Talbot podría llamarse “padre de la fotografía” aún con mayor justicia que
Open Door. 1844
40
tures in Scotland (1845) e ilustró un
breve panfleto titulado The Talbotype Applied to Hieroglyphics (1846)
donde combinó su interés por los
dibujos fotogénicos y la escritura.
Entre 1866 y 1877 Fox Talbot publicó casi 50 papers en materias tan
diversas como las matemáticas o la
escritura cuneiforme.
William Henry Fox Talbot falleció en
Lacock Abbey en 1877.
[1] Batchen, Geoffrey, William Henry Fox Talbot, Edit.
Phaidon, Londres, 2008
Bibliografía
Bajac, Quentin, La invención de la fotografía: La imagen
revelada, Edit. Blume, Barcelona, 2011
Batchen, Geoffrey, William Henry Fox Talbot. Edit. Phaidon, Londres, 2008
Jeffrey, Ian, Cómo leer la fotografía. Edit. Electa,
Barcelona, 2009
41
Fotografía:
insensata odisea
Texto original de Azriel Bibliowicz (1), adaptado y editado por Óscar Colorado (2)
Sin lugar a dudas, fotografiar es un
oficio arcano, difícil, arriesgado y, tal
vez por ello, fascinante. Y sólo quienes se aventuran en él con pasión y
saben bajar al Hades, amarrarse al
mástil y correr los riesgos y peligros
que demanda esta insensata odisea, logran acariciar
los laureles que confiere
su destino.
En el fotógrafo debe persistir la
actitud de desarrollar con ahínco y
todas sus energías el arte de fotografiar. Además, no se hacen fotografías
como se quiere, sino como se puede,
y por ello la intuición es fundamental. Hay que aprender a dejarse llevar. En el baile fotográfico, sólo el que siente la
necesidad, aquel cuyos pies
(en este caso serían los ojos)
no aguantan la tentación de
la música interna, el que se
suelta, es quien termina por
ser fotógrafo. Cuanto más se
fotografía, más gracia se adquiere. En la medida que uno
se familiariza con el oficio,
éste se vuelve natural y se
abren nuevos retos. Se empiezan a distinguir los pasos,
y se le permite a la intuición
que los marque. La intuición
es una brújula que por lo general no
se equivoca y puede resultar superior a la propia reflexión. Pero ante
Pero para lanzarse a la
aventura se necesita estar
preñado, preñado de obsesiones, memorias y fobias,
y tener ganas de mostrarlas. Incluso, se debe sentir
que si no se convierten en
una foto, se le pudren por
dentro. Sólo quien vive con
dicha sensación irremediable, cultiva la fotografía. Y
para ser fotógrafo se necesita, de manera ineludible,
fotografiar. Y de afán. El afán resulta
necesario y un acicate.
42
todo hay que tener ganas de hacer
fotos. Las ganas lo son todo. El encanto y la gracia, si bien son regalos
de los dioses, sin disciplina y rigor
nunca florecen. Lo importante es fotografiar y lanzarse a esta fabulosa
aventura de develar la poesía, porque si se cultiva con vehemencia y se
tiene gracia, ella aflora.
elegancia en el buen manejo de la
imagen, la etiqueta siempre puede
resultar ceremoniosa, plana y presuntuosa. Lo importante no es tanto
si fotografiamos correcta o incorrectamente, sino si lo hacemos con inteligencia e intuición. La pureza, como
cualidad única de las fotografías termina por ser desdeñable.
Así como se aprende a apreciar la
música, también se aprende a apreciar el lenguaje visual. El fotógrafo
que se asume como
artista y
que cultiva
la conciencia del vocabulario
visual, la confianza que le tiene y el
amor hacia él, necesariamente termina por comprender la responsabilidad que le confieren.
La paciencia es fundamental para ser
fotógrafo. Odiseo llega a Ítaca por su
tesón y paciencia, y ésa es la lección
que trata de
enseñarle a
su hijo Telémaco. La
paciencia es
el gran complemento del
brío y la pasión.
Una de las característica más
sorprendentes de la fotografía es la
forma en que quiebra el sentido del
tiempo y el espacio y cómo establece un diálogo que infringe todas las
barreras. La fotografía es una conversación entre fotógrafos, y por ello
encontramos a Winogrand reescribiendo, reinterpretando y desentrañando significados recónditos de la
obra de Cartier-Bresson. La fotografía es el gran juego intertexutal de
todas las fotografías, una gran apro-
Así como el fotógrafo debe concentrarse en el lenguaje visual y en
sus significados, tal vez deba obviar
o, mejor, olvidar a ratos la gramática
de la imagen. Cuando se comienza
a fotografiar no se le debe prestar
demasiada atención a las reglas. Lo
importante es fotografiar. En verdad,
lo concerniente a la técnica es difícil
y complejo, porque si bien hay una
43
Borges solía decir que una de las
gracias de las historias de detectives
era que nos obligaban a hacerle, por
lo menos, una pregunta al texto, al
iniciar su lectura: ¿quién fue el asesino? Ahora bien, cuantas más preguntas sepamos hacerle a la foto, más
ofrece y más secretos termina por
revelarnos. El buen fotógrafo será el
que le hace preguntas a las fotografías, a las escenas.
piación. El juego y el diálogo visual
vencen, como sólo puede hacer la
fotografía, todas las cercas del tiempo y el espacio.
Por lo general, los buenos fotógrafos
tienden a ser grandes observadores. Pero como también anota Susan
Sontag, si leer genera seguridades,
fotografiar genera inseguridades.
Son dos caras de una misma moneda.
Indiscutiblemente para fotografiar
es importante tener modelos claros
y dignos de ser imitados. Los clásicos
son, ante todo, modelos imitables.
Las imágenes van a alimentar
la fotografía, y sin buenos modelos
claros que sean dignos y merezcan
ser imitados, no es posible hacer
fotografía. Fotografiar es un placer
que va de la mano de la observación,
ya que si no fuera por el placer que
produce ver una imagen, sería difícil
comprender el deseo de fotografiar.
Por ello, cuando hablamos de la fotografía tendemos siempre a referirnos a las lecturas y la forma en que
observamos una foto o una escena.
El cómo se lee una imagen es reflejo
de cómo se hace una fotografía. Si
se observa atentamente, haciéndole
preguntas a las imágenes, buscando
la agenda escondida, las múltiples
posibilidades y se regresa a la geometría para encontrar modus operandi, la observación fotográfica se
transforma en acto creativo.
El único hombre que puede sustituir
a todos los demás es mi viejo Henri,
a quien voy a observar y releer de
cabo a rabo, y al que no soltaré hasta
que sus fotos se me peguen a los dedos. Cuando observo a Cartier-Bresson me encuentro más grande, más
inteligente y más puro. Llegando a
la cumbre de una de sus obras, me
parece como si me hallara en una
elevada montaña. Todo desaparece y
todo aparece. Uno ya no es un fotó44
Fotografía:
insensata odisea
grafo, uno es un ojo.
Cuando se escogen modelos claros,
cuando nos basamos en los clásicos,
como afirmaba Isaac Newton, se tiene la sensación de ver más lejos porque evidentemente uno se ha parado
sobre los hombros de gigantes.
tener miedo de usar, copiar o dejarse
influir por los clásicos. Se aprende de
modelos que se imitan.
Picasso decía que no le daba miedo
copiar a nadie, su único temor era
copiarse a sí mismo. Resulta cómico
ver cómo algunos críticos buscan
demeritar la obra de grandes fotógrafos acusándolos de estar basados
en otros autores.
Los modelos, los fotógrafos que uno
escoge para imitar y crecer al lado de
ellos, sirven de baranda para subir la
empinada escalera de la fotografía, y
ascender paso a paso con la firmeza
hacia el encuentro de nuevos diálogos y posibilidades estéticas. Ver fotografías crea una columna vertebral
que da firmeza y valor. No se debe
No estamos en el paraíso terrenal,
y como bien ya lo decía Qohelet o el
predicador del Eclesiastés: no hay
nada nuevo bajo el sol. Nada surge
del vacío y pocas cosas pueden ser
tan cuestionadas como aquellas que
se denominan originales. Original,
como la palabra bien lo indica, señala un origen. La imaginación del
fotógrafo está en su capacidad de
relacionar disciplinas, temas e historias que no se habían relacionado
antes. La imaginación radica en la
capacidad de juego y relación, en
la cualidad que posee un fotógrafo
para recontar con nuevas imágenes
y redescubrir con nuevos elementos
los espacios de siempre, que siempre
nos sorprenderán y por ello serán
novedosos.
45
Fotografía:
insensata odisea
Mi impresión es que a veces se piensa con los ojos, y que las ideas brotan
del trabajo mismo. El trabajo es la
musa y en cuanto uno se deja llevar
por él, surge la inspiración, y no viceversa. A medida que hago fotografía
se abren los temas, aparecen inquietudes y por ello tal vez en mi caso la
palabra anudar se acerca más a la
idea de cómo lograr hacer la foto. En
el transcurso del proceso aparecen
muchos cabos sueltos que intento
reunir, relacionar y redondear. Pero
al final, así mismo, termina por ser un
descubrimiento.
la Universidad Nacional de Colombia y terminó su licenciatura en 1973. Continuó estudios de postgrado en la
Universidad de Cornell, Estados Unidos, dónde obtuvo
un Ph.D. en sociología y comunicaciones en el año de
1979. Ha sido profesor de sociología, comunicaciones y
literatura en las universidades: Nacional, Andes, Javeriana, Valle, Externado de Colombia y Cornell. Su novela
El rumor del astracán fue publicada en 1991 y tuvo tres
ediciones. En la actualidad es Profesor Asociado de la
Escuela de Cine y Televisión en Facultad de Artes de la
Universidad Nacional, donde enseña clásicos.
(2) Mea culpa. El presente ensayo forma parte de una
colección de textos referidos al arte de escribir que,
cuando los leí, de inmediato pensé en la fotografía. Quise
hacer esta adaptación para poder reflexionar con mayor
transparencia sobre el oficio fotográfico. Sé que muchos
de los dilemas del fotógrafo son similares a los que plan-
(1) Bibliowicz, Azriel, “Pidiendo peras al olmo” en Gómez
tean algunos escritores. Espero que Azriel me perdone la
Buendía, Blanca Inés y Henao de Briard, Luis Carlos,
transgresión de alterar y recortar su texto para que los
Artesanías de la palabra, experiencias de quince escrito-
fotógrafos también podamos disfrutar de estas enseñan-
res colombianos, Edit. Panamericana Editorial, Bogotá,
zas. Los escritores expresan con precisión y belleza un
2003, pág. 13
conjunto de aprendizajes que pueden ser de aplicación
Azriel Bibliowicz (Bogotá, 1949). Estudió sociología en
y de gran provecho para cualquier fotógrafo, pero muy
especialmente al que comienza. Con la intención de
compartir estas enseñanzas con la comunidad fotográfica de manera mucho más directa me he atrevido a estas
versiones. Sin embargo no le pongo noticias de Copyright
a estas palabras porque no son mías, ni tampoco ahora
del autor original pues el texto ha sido alterado, sin embargo el crédito pertenece al autor originalmente citado,
por supuesto.
46
47
FOTÓGRAFOS CONTEMPORÁNEOS
Joel Meyerowitz:
Ground Zero
Un poco después del atentado del 11
de septiembre en Nueva York, Joel
Meyerowitz (Estados Unidos, 1938)
quiso hacer unas fotografías del lugar pero una policía se lo impidió: “es
una escena del crimen”, esgrimió la
mujer. Meyerowitz consiguió el permiso para hacer las fotografía y decidió hacer un ensayo con cámara de
gran formato que tituló: Ground Zero
y se publicó en Aftermath de 2011.
48
49
Joel Meyerowitz:
Ground Zero
50
51
Sobre el buen uso de
la cámara
Henri Cartier-Bresson
tener que recargarla constantemente, como si se le acabara el aliento
durante el transcurso de un acontecimiento interesante y algo largo.
Del artículo «Du bon usage d’un appareil». Revistas Point de
Vue – Images du monde, No 235, 4 de diciembre de 1952
¿Escribir unas palabras sobre la cámara fotográfica?… Uno se siente
inmediatamente como aquellos personajes que, en las páginas de publicidad, intentan demostrar con una
copa en la mano que si se bebe determinado whisky se es un perfecto
caballero; pero, en el fondo, siempre
he temido que, en privado, beben
cualquier cosa o incluso que tienen
la templanza de un vegetariano.
Su gama de objetivos intercambiables permite captar un sujeto en su
integridad, justo como nuestro ojo
lo aísla de todo aquello que hay a su
alrededor.
En fin, aquí no se trata de esto, sino
de explicar por qué, desde hace veintiún años, trabajo única y exclusivamente con el mismo tipo de cámara,
el pequeño formato 24×36. Debo
hablar de mi fidelidad a esta herramienta, y no puedo hacerlo de forma
neutra, ya que se ha convertido en
la prolongación de mi ojo, y no me
abandona.
La cámara de pequeño formato 24 x
36 es más discreta y manejable que
las demás. Sus 36 imágenes evitan
Calle Cuauhtemocztin, Ciudad de México.
Henri Cartier-Bresson
52
ciones geomértricas que existían en
el interio del encuadre serán débiles,
incluso si retiramos un poco de aquí
y de allí. En fin, cuando estamos ante
la realidad es necesario rigor entre el
vistazo y la simplicidad.
Los aparatos de pequeño formato
poseen objetivos infinitamente más
luminosos que los de formato mayor,
y permiten captar un sujeto en vivo y
en directo en las condiciones de iluminación más adversas.
Alicante España 1933. Henri Cartier-Bresson
Otro aspecto importante es la visualización, que se hace a la altura del
ojo de una forma tan directa como la
visión, y esto es, sin duda alguna, más
normal que buscar el sujeto al fondo
del fuelle de una cámara sostenida
contra la cintura: ¿desde cuando tenemos el ojo en el ombligo?
Con emulsiones de películas tan rápidas como las que existen hoy en
día, y las que se desarrollarán, ya no
es necesario entregarse, con contadas excepciones, a esta horrible
masacre que es el empleo del «flash
». ¿Cómo un país que se jacta de su
finura, buen gusto y dominio de la
pintura puede cometer aún semejante acto de barbarie?
Centrémonos ahora en el monótono
formato cuadrado. El formato rectangular ofrece un juego de proporciones entre la largura y la anchura
que enriquece la composición.
A aquellos que afirman reencuadrar
sus negativos bajo la ampliadora,
podríamos responderles que la integridad de su visión en el momento
en que han captado la escena es destruida, y apenas queda un compromiso de laboratorio.
Fuente: Chéroux Clément, Henri Cartier-Bresson. El disparo
fotográfico. Edit. Blume, Barcelona, 2012, Pág. 137 160 pp.
Debo decir que, personalmente,
sólo en contadísimas ocasiones he
podido cortar una foto y mejorarla
recuadrándola: si era mala, las rela53
CÁMARAS HISTÓRICAS
Retina IIa ¿La mejor Kodak
de la historia?
eventualmente se abandonó la idea de crear
cámara de alta gama.
Desde la presentación de su modelo Brownie la legendaria Kodak, fundada por George
Eastman, se caracterizó por vender cámaras
baratas. Nunca se distinguieron por su calidad
óptica: Eran productos de consumo en masa.
Las Retina son cámaras pequeñas, de
fuelle, con óptica Schneider-Kreuznach Xenon
o Heligon, distancia focal de 50mm y apertura
máxima de f/2.0; se produjeron entre 1951 y
1954.
Kodak decidió competir con las cámaras
alemanas de alta calidad como las Leica o las
Contax mediante la compra, en 1931, de la
compañía Nagel Kamerawerk en Stuttgart. Así
nació la división germana Kodak AG, aunque
Las Retina son, probablemente, las mejores cámaras jamás construidas por Kodak.
54
En nuestro próximo número...
La revolución
ELEGANTE
RESEÑAS
La maleta mexicana
¿Fotografía
buena o mala?
FOTÓGRAFOS CONTEMPORÁNEOS
Larry Sultan
55
Manuel Álvarez Bravo, el vidente
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[iv] Rodríguez, José Antonio (textos) Manuel Álvarez Bravo:
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[v] Rodríguez, José Antonio (textos) Op. Cit., pág. 17
[vi] Ibídem
[vii] Mraz, John, Manuel Álvarez Bravo: Ironizar a México,
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[viii] Alquimia (Sistema Nacional de Fototecas), septiembre-diciembre 2003, año 7 núm. 19, pág. 7
[viii b] Rodríguez José Antonio, El sabotaje de lo real. Fotografía surrealista y de vanguardia. Visiosnes cruzadas entre
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[ix] Shoshana Rose, Manuel Alvarez Bravo: Ojos en los ojos |
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[x] Álvarez Bravo, Manuel, Variaciones 1995-1997, Edit. Conaculta/Centro de la Imagen, México, 1997, pág. 16
[xi] Mraz, John, Op. Cit.
[xii] Shoshana Rose, Op. Cit. pág. 168
[xiii] Ibídem
58
[xiv] Álvarez Bravo, Manuel, Op. Cit. , pág. 5
[xxxii] Álvarez Bravo, Manuel, Op. Cit. pág. 7
[xv] Banville, John, Manuel Álvarez Bravo, Edit. Lunwerg Edi-
[xxxiii] Rodríguez, José Antonio (textos), Op. Cit., pág. 17
tores, España, 2008, pág. 11
[xxxiv] Ibídem
[xvi] Banville, John, Op. Cit., pág. 106
[xxxv] Alquimia Op. Cit. Pág. 27
[xvii] Álvarez Bravo, Manuel, Op. Cit., pág. 9
[xxxvi] Castevany, Juan, El MOMA expone la obra de Álvarez
[xviii] Grove, Ánxel, Op. Cit.
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[xxxvii] Revenga, Luis, Manuel Álvarez Bravo: “Uno siempre
se autorretrata” http://elpais.com/diario/1985/04/30/cultu-
[xx] Iturbe, Mercedes, Op. Cit. , pág. 6
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[xxi] Manuel Álvarez Bravo, http://www.cadadiaunfotografo.
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[xxxviii] Shoshana Rose, Op. Cit. pág. 158
de diciembre de 2012
[xxxix] Álvarez Bravo, Manuel, Cien años, cien días, Op. Cti.,
[xxii] Alquimia, Op. Cit., pág. 36
pág. 16
[xxiii] Álvarez Bravo, Manuel, Cien años, cien días, Op. Cit.,
[xl] Banville, John, Op. Cit., pág. 6
pág. 13
[xli] Álvarez Bravo, Manuel, Op. Cit., pág. 220
[xxiv] Shoshana Rose, Op. Cit., pág. 164
[xlii] Revenga, Luis, Op. Cit.
[xxv] Alquimia, Op. Cit., pág. 24
[xliii] Shoshana Rose, Op. Cit., pág. 158
[xxvi] Alquimia, Op. Cit., pág. 23
[xliv] Ginart, Belén, Álvarez Bravo, un siglo de imáge-
[xxvii] Manuel Álvarez Bravo por otros. http://www.manuelal-
nes, http://elpais.com/diario/2002/05/16/catalun-
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[xxviii] Álvarez Bravo, Manuel, Op. Cit., pág. 17
[xlv] Shoshana Rose, Op. Cit. , pág. 156
[xxix] Rodríguez, José Antonio (textos) Op. Cit., pág. 14
[xlvi] Ibídem
[xxx] Álvarez Bravo, Manuel, Op. Cit. pág. 239
[xlvi bis] Chéroux, Clément, Henri Cartier-Bresson. El dispa[xxxi] Álvarez Bravo, Manuel, Variaciones 1995-1997,Op. Cit.
ro fotográfico. Edit. Blume, Barcelona, 2012, pág. 36
pág. 12
[xlvii] Iturbe, Mercedes, Op. Cit. , pág. 8
59
[xlviii] Álvarez Bravo, Manuel, Op. Cit. pág. 223
[xlix] Álvarez Bravo, Manuel, Op. Cit. pág. 227
[l] Rodríguez, José Antonio (textos) Op. Cit., pág. 13
[li] Mraz, John, Manuel Álvarez Bravo: Ironizar a México, Op.
Cit.
[lii] Galindo, Gabriela. Manuel Álvarez Bravo: El atrevimiento
de ver, http://www.replica21.com/archivo/articulos/g_h/146_
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[liii] Mraz, John,Op. Cit.
[liv] Carreras Claudi, Conversaciones con fotógrafos mexicanos, Ed. Gustavo Gili, Barcelona 2007, p. 127
[lv] Shoshana Rose, Op. Cit. pág. 176
[lvi] Banville, John, Op. Cit. pág. 190
[lvii] Banville, John, Op. Cit. pág. 192
[lviii] Banville, John, Op. Cit. pág. 11
[lix] Shoshana Rose, Op. Cit. pág. 161
Caricatura de don Manuel Álvarez Bravo
por Rogelio Naranjo
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