1 - Construyendo y Creciendo

CONSTRUYENDO Y CRECIENDO
Patronato:
José Shabot Cherem
Lydia Álvarez Marina
Sara Topelson de Grinberg
Cynthia Aguirre
Isaac Metta Cohen
Norma Márquez González
Salomón Shabot Cherem
Jaime Rocha Font
Horacio Urbano
Roxana Fabris
Juan Manuel Rosas
Giulia Salieri
José Ignacio Rodríguez
Jaime Martínez del Campo
Nathan Shabot
Zevy Schatz
Consejo:
Silvia Cherem S.
Raquel Shabot Cherem
Moisés Shabot Zonana
Sergio Autrey Maza
José Morales Orozco
Marcella Lembert
Moisés Sheinberg
Maria Reyes Esparza
Gracias a los maestros que imparten las clases. A los ingenieros residentes y maestros de obra de los desarrollos.
A empresas como ION y ENKONTROL. A los constructores que tienen o han tenido aulas en sus obras en construcción:
A&L, ALHEL, Carso, Cementos Fortaleza, Desarrollo de la Comunidad A.C., Elementia, Fundación Gigante, Fundación Hogares,
Fundación Kaluz, Fundación Ver Bien, para aprender mejor, GIA, GIM-Hogares Unión, Grupo Danhos, Grupo Inmobiliario
Gigante, Grupo Procsa, INEA, Inversa Instalaciones, Metra Desarrolladora, OPERA, Promotora Golán, Quiero Casa, Simetric,
Tecnológico de Monterrey, Truper.
Ciudad de México, martes 3 de mayo de 2016
Construyendo y Creciendo:
Educación para albañiles y otros
trabajadores de la construcción
En 2004, siendo aún estudiante universitario de Ingeniería Civil, comencé a trabajar en la
construcción y me percaté de que los trabajadores eran injustamente explotados por algunos maestros de obra quienes, ventajosos, se quedaban con parte de su salario. Indignado,
quise cambiar esta realidad.
Puse letreros con los sueldos de lo que debía percibir un segundero, un cabo, un oficial
albañil o su chalán, y bastó un día para darme cuenta de una dolorosa realidad: 80% de
los albañiles tiene rezago educativo y entre el 20 y el 30% de ellos ni siquiera sabe leer ni
escribir. Es un modelo que se repite en casi todas las construcciones de la capital y zonas
conurbadas.
Ese suceso fue el inicio de Construyendo y Creciendo, una asociación civil que imparte cursos de alfabetización, primaria y secundaria en las obras en construcción, bajo el
auspicio del INEA, preparatoria con el apoyo del Ceneval, talleres tecnológicos con el Tec de
Monterrey y cursos de Desarrollo Humano con la Universidad Iberoamericana. Así, Construyendo y Creciendo educa y brinda oportunidades a jóvenes y adultos trabajadores de
la construcción, algunos de los cuales no hablan español, otros ni siquiera conocen las
letras, y que salieron de sus pueblos en aras de obtener un mayor salario para mantener a
sus familias.
De 2006 a la fecha, a más de once mil albañiles les ha cambiado la vida. Este programa se
ha multiplicado en numerosas constructoras que han aceptado sumarse a la iniciativa. Educar es construir, construir un mejor país. Construyendo y Creciendo ha mostrado ser una
iniciativa eficaz para transformar la vida de seres marginados al ofrecerles la oportunidad de
alcanzar un mejor mañana. Gracias por sumarte a nosotros, gracias por permitirnos dar.
José Shabot Cherem
Seguimos dando en el clavo
DAR EN EL CLAVO, subasta de cucharas de albañil intervenidas por artistas plásticos y grandes personalidades del país —iniciativa de CONSTRUYENDO Y CRECIENDO—, superó en
2014 todas las expectativas que nos planteamos y, en esta segunda edición, estamos seguros que, con tu apoyo, nuevamente daremos en el clavo.
En aquella inolvidable velada, con una asistencia de más de mil personas solidarias, logramos subastar en su totalidad la centena de cucharas artísticas que ofertamos y los albañiles
descubrieron con sorpresivo gozo que sus instrumentos de trabajo podían inspirar nuevas
miradas. Como resultado del esfuerzo, el nombre de nuestra fundación suscitó amplio reconocimiento, reverberó en los medios de comunicación y generó nuevas alianzas que
nos han permitido obtener fondos para continuar con nuestra labor educativa de albañiles
y trabajadores de la construcción, quizá el sector más olvidado de todos.
Hoy 3 de mayo de 2016, día de la Santa Cruz, día de los albañiles, subastaremos otra centena de cucharas convertidas en piezas artísticas, apostando a superar lo recaudado en el
esfuerzo anterior. Agradecemos, por supuesto, tu generosa presencia y apoyo. Y, especialmente, agradecemos el respaldo de los artistas plásticos, escritores, arquitectos, músicos,
diseñadores y connotadas personalidades que, con magnánimo altruismo, intervinieron
una o varias cucharas de albañil con el objetivo de abrir más aulas a fin de que los trabajadores de la construcción puedan gozar de estudios de calidad en sus sitios de trabajo.
Para esta edición de DAR EN EL CLAVO tenemos varias novedades. En primer término, renovando su compromiso con la causa de CONSTRUYENDO Y CRECIENDO, el artista Fernando
González Gortázar generosamente diseñó seis espléndidas esculturas para conformar una
serie. En el taller de Juan Álvarez del Castillo, que también se sumó al esfuerzo, González
Gortázar produjo siete series firmadas y numeradas de estas cucharas, cereza del pastel en
nuestra estrategia de recaudación de fondos. Una de éstas, por única ocasión, la abriremos
esta noche para vender las cucharas de manera individual.
En segundo lugar, a un grupo de albañiles que estudian en las aulas de CONSTRUYENDO Y
CRECIENDO se le invitó a participar en un taller piloto de grabado en linóleo. De entre ellos,
nueve trabajadores lograron crear grabados de calidad que se han usado en artículos promocionales de la fundación. Si bien la mayoría de los linóleos se ha desgastado con el uso,
tres de ellos permitieron aún ser impresos con calidad para incluirlos esta noche en la subasta cerrada. El 50% de lo que se recaude con esos grabados será para los autores, es decir
para el propio albañil-artista, y el 50% restante se distribuirá entre los participantes del
taller como un gesto de apoyo que promueva su creatividad y motive la creación artística.
Inicialmente su iniciativa motivó que nos volcáramos como familia a dar unas horas de
nuestro tiempo para alfabetizarlos, pero pronto constatamos que había que institucionalizar el esfuerzo para tornarlo efectivo, hecho que se logró sumando al Instituto Nacional
para la Educación de los Adultos (INEA), dependiente de la Secretaría de Educación Pública.
Hoy, después de doce años de trabajo, en alianza con el INEA y con el apoyo de la Universidad Iberoamericana y el Tec de Monterrey, CONSTRUYENDO Y CRECIENDO se ha consolidado ofreciendo programas de alfabetización, educación primaria, secundaria, preparatoria y cursos de educación técnica y desarrollo humano a albañiles que laboran en la
Ciudad de México y el área conurbada. Desde su fundación a la fecha, superamos la cifra
de once mil trabajadores atendidos. Poco más de setecientos cincuenta se han graduado
de primaria y secundaria, más de quinientos han aprendido a utilizar la computadora (alfabetización tecnológica), decenas han terminado la prepa y hay, inclusive, quienes han
obtenido título de programadores web.
Lorenzo Servitje
En tercer término, Emilio Payán realizó la pieza titulada “Cajonera gráfica”, un mueble de
grabador que incluye en sus cajones las placas de acero intervenidas y un buen número
de impresiones en papel de las mismas. Con enorme generosidad, Payán autorizó que algunos de los grabados que resguardó en la cajonera se separen de la obra y se incluyan
en la subasta cerrada a fin de que más compradores puedan apoyar a CONSTRUYENDO Y
CRECIENDO.
Por otra parte, gracias a la vocación altruista de Nezly Cohen ofrecemos en la subasta cerrada dos obras gráficas de Miguel Ángel Alamilla que, aunque no son cucharas de albañil,
suman a nuestra causa.
Por último, en esta ocasión contamos con una participación especial que nos motiva a seguir adelante. Siena Parodi Camarena, una pequeñita de ocho años, una niña que ya lee a
Shakespeare y a Cervantes, al ver a su padre pintando su cuchara, decidió diseñar un libro
en forma de cuchara de albañil para recabar, así se lo propuso, cuando menos mil pesos
para contribuir a que los trabajadores de la construcción puedan, como ella, leer y escribir.
Su cuchara-libro se incluye en la subasta cerrada y es un aliciente porque, si esta conciencia
social pudiéramos contagiársela a más niños, a más jóvenes, a muchos más mexicanos,
nuestra realidad como país sería otra.
CONSTRUYENDO Y CRECIENDO, asociación reconocida por la Junta de Asistencia Privada,
también nació, como sabemos, de la iniciativa de un joven. En 2004, José Shabot Cherem,
aún estudiante universitario de Ingeniería Civil, empezó a trabajar de residente en una
construcción que dirigía el ingeniero Moisés Shabot, su papá, y muy pronto se dio cuenta
que una gran cantidad de los trabajadores no sabían leer ni escribir. Indignado, decidió
buscar los medios para ofrecerles una oportunidad a quienes por carencias, marginación,
falta de estímulo, pobreza o cualquier otro motivo interrumpieron, o bien nunca tuvieron,
un proceso escolar.
Recientemente comenzamos una nueva etapa poniendo aulas móviles en explanadas delegacionales a fin de que, quienes comienzan sus estudios, no se vean impedidos a terminarlos si la obra en construcción llega a su fin. Este programa que aún es piloto pretendemos extenderlo a más delegaciones. De hecho, gran parte de lo recaudado esta noche será
para habilitar más aulas móviles, así como para acrecentar y optimizar los salones de clase
en las obras en construcción.
Queremos seguir cambiando la vida de más trabajadores de la construcción y de sus familias, estos albañiles que, entre cosechas, vienen por temporadas cortas a la Ciudad de México y regresan a sus lugares de origen. Como han dicho algunos graduados en las ceremonias de conclusión de estudios, la oportunidad de abrir su mente, de estudiar, de crecer, no
sólo les ha permitido cambiar su visión de mundo, sino la de sus mujeres e hijos, la de sus
pueblos porque, con educación y ejemplo, pueden gozar de un mañana más optimista.
Con esta segunda edición de la subasta DAR EN EL CLAVO que hoy nos convoca, dirigida en esta ocasión por Cynthia Aguirre y María Elena Blanco, con el apoyo de nuestros
patrocinadores, aliados, familiares y amigos, CONSTRUYENDO Y CRECIENDO podrá seguir
sembrando futuro.
Con la sensibilización a esta noble causa, con la compra de cucharas de albañil de esta
subasta y con las generosas aportaciones que te invitamos a brindar a CONSTRUYENDO Y
CRECIENDO, podemos tender la mano, ofrecer esperanza a quienes han sido privados de
oportunidades de crecimiento y desarrollo.
Con CONSTRUYENDO Y CRECIENDO podemos dar a seres olvidados que construyen nuestro México. Podemos llegar a más constructores deseosos de dar. A más trabajadores. Podemos ganar-ganar. Brindar alternativas. DAR EN EL CLAVO.
Gracias por estar hoy aquí, por la posibilidad de tejer juntos sueños y futuro.
Silvia Cherem S.
SUBASTA DE CUCHARAS DE ALBAÑIL: DAR EN EL CLAVO
Dirección General: Silvia Cherem S.
Dirección Ejecutiva: Cynthia Aguirre y María Elena Blanco
Colaboradores: Gonzalo Esteva, Alejandra Navarro, Sandra Díaz Rojas, Christian Valenzuela
Logotipo: Vicente Rojo Cama
Fotografía y diseño del catálogo: Agustín Estrada y Araceli Limón
Página Web: José Luis Mundo
Sistemas: Arturo García
Norma Aiza • Miguel Ángel Alamilla • Javier Almanza • Maribel Avilés • Oscar Bachtold
Adrián Barrera • Tatiana Bilbao • Arturo Buitrón • Elvira Caín • Rosi Calderón • Agustín Castro
Alberto Castro Leñero • Francisco Castro Leñero • José Castro Leñero • Martha Chapa
Agradecemos especialmente la colaboración de:
Jorge Paoli Díaz
Miguel Mestas
Luis López Morton
Adriana Ochoa
Juan Domingo Beckmann
Rodrigo Braun de Lavenne de Choulot
Chume Balas
Benjamín Speckman
Eduardo Delezé
Dionisio de Martí
Sandybelle Escudero
Eva Lijtzsain
Ari Jusidman
Moisés Scheinberg
Ana Cecilia Campillo
Marissa Russell
Janet Tawil
Aarón Yedid
Agustín Estrada
Araceli Limón
Marco Hop
Kipi Turok
Vicente Rojo Cama
Fernando Lasky
Maribel Bautista
Julián Rosas
José Luis Barriga Cano
Mara Suero
Jessica Barquet
Jesús Crispín
Yonat Fastag
Giovana Edid
Sharon Yedid
Raquel Charabati • Moisés Cohen • Rogelio Cuéllar • Marianela de la Hoz • Lila Dipp
Mónica Dower • Felipe Ehrenberg • Flor Essés • Reneé Farca • Horacio Franco • Pedro Friedeberg
Vanessa García Lembo • Verónica García Goitia • Manuela Generali • Bela Gold • Tomás Gómez
Robledo • Teodoro González de León • Fernando González Gortázar • Ilse Gradwohl
José Grinberg • Becky Guttin • Ariel Guzik • Noé Katz • Carolina Kerlow • Lenka Klobasova
Eugenia León • Águeda Lozano • Antonio Luquín • Gabriel Macotela • Jorge Marín • Miriam Medrez
Alfonso Mena • Tere Metta • Erick Meyenberg • Flor Minor • Helio Montiel • Alejandro Montoya
Gustavo Monroy • Yolanda Mora • Rowena Morales • Leonardo Nierman • Jorge Obregón
Irma Palacios • Sandra Pani • Roberto Parodi • Siena Parodi Camarena • Carmen Parra
Emilio Payán • Elena Poniatowska • Cecilia Preciado • Gina Rimoch • Víctor Rodríguez
Ariel Rojo • Vicente Rojo • Vicente Rojo Cama • Betsabeé Romero • Ma. Isabel Rovalo
Jeanne Saade • Pablo Esteban Sánchez • Nunik Sauret • Raymundo Sesma • Luciano Spanó
Fernando Tamés • Eloy Tarcisio • Paloma Torres • Roberto Turnbull • Ismael Vargas • Boris Viskin
Roger Von Gunten • Jorge Yazpik • Moisés Zabludovsky
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Ideas
Técnica mixta: madera, lápices,
goma resistol y sacapuntas.
NORMA AIZA
(Ciudad de México, 1961) estudió Ciencias de la Comunicación. Comenzó su desempeño artístico pintando cerámica, porcelana, vidrio, metal y madera. Ello la
condujo a incursionar en el área textil. Fundadora de
Bariolés y Bariolés Casa, en los últimos 20 años, con su
mantelería, accesorios y toque creativo, ha participado en las celebraciones de la sociedad mexicana.
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Mezcla de Mezclas I
Acrílico y madera con
cucharas de albañil pintadas.
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MIGUEL ÁNGEL ALAMILLA
(Ciudad de México, 1955), pintor y dibujante, es egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y
Grabado “La Esmeralda”. En 1982 obtuvo la beca de
Producción de Dibujo y Gráfica del INBA, y es miembro del Sistema Nacional de Creadores desde 1993.
Entre sus exposiciones individuales resaltan: Poe (dibujos), en la Galería Juan Martín (2009) y en el Museo
de la SHCP (2008); Punto y línea (pintura, dibujo, acuarela y escultura), Centro Cultural Estación Indianilla y
Galería Libertad, Querétaro (2007); Pintura y dibujo de
Miguel Ángel Alamilla, obra reciente, Galería Casa Terán, Aguascalientes; y Entelequia, un elogio a Willem de
Kooning, Museo de Arte Moderno (1996).
Mezcla de Mezclas II
Acrílico y madera con
cucharas de albañil pintadas.
MIGUEL ÁNGEL ALAMILLA
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Construyendo luces y sombras
Óleo sobre cuchara de metal y madera.
MARIBEL AVILÉS
Croquis de la Acrópolis
de Atenas, Grecia.
Dibujado en 1994,
Acuarela sobre papel.
JAVIER ALMANZA
(Ciudad de México, 1937) es egresado de
la Facultad de Arquitectura de la UNAM.
Fue profesor adjunto del curso de Construcción en el taller de los arquitectos Enrique Landa y Fernando López Carmona. Se
ha especializado en diseño y construcción
de casas residenciales, así como en interiorismo. Es director del despacho JX Almanza arquitectos. Aprovechando sus viajes
al extranjero, dibuja acuarelas de obras
arquitectónicas e históricas.
(Ciudad de México, 1964) es egresada de la Escuela
Nacional de Artes Plásticas. En 2008 recibe la beca de
la Fundación Carolina y Fundación José Félix Llopiz
con el Taller- Seminario Internacional de Artes Plásticas
Efecto collage y la práctica artística Contemporánea,
Contadora, Panamá. En 2001 obtiene una Residencia
Artística por dos meses en Austria. Participa como
miembro en cuatro becas de Fomento a Proyectos
y Coinversiones Culturales del FONCA (2000, 2002,
2004 y 2006) y en 2001 obtiene un reconocimiento
en pintura en la Tercera Bienal de Pintura y Grabado
Alfredo Zalce. Su obra ha sido seleccionada en el VI
y VII Encuentro Internacional de Mujeres en el Arte México-España, en Alas y Raíces Embajada de México en
Berlín, en la III Bienal de Pintura Pedro Coronel, en la III
Bienal de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, en La Línea
del Arte, en la I y II Bienal de Pintura Instituto Nacional
de la Nutrición Salvador Zubirán, en El Enano al Fin de
Milenio, en Pasión al Rojo Vivo, en la III Bienal de Monterrey, en el VI Concurso de Estampa Museo Iconográfico del Quijote, en la II Bienal Nacional José Clemente
Orozco, en Retratos de Sor Juana y en el Salón Anual
de Mini estampa Museo de la Estampa. Ha presentado
20 exposiciones individuales y 57 colectivas en diferentes lugares del país, así como en Alemania, Austria,
Estados Unidos, Francia y Panamá.
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Albañil monarca
Óleo sobre metal, madera y cemento.
OSCAR BÄCHTOLD
(Ciudad de México, 1962) es egresado de la Escuela
Nacional de Conservación, Restauración y Museografía Manuel del Castillo Negrete. De 1985 a 1990 estudia dibujo y pintura en la Escuela Nacional de Artes
Plásticas. Pertenece al Sistema Nacional de Creadores,
obtuvo Mención Honorífica en la Primera Bienal de
Pintura German Gedovius San Luís Potosí, una beca de
Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del
Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y participa
como miembro en 4 becas de Fomento a Proyectos y
Coinversiones Culturales. Su obra ha sido seleccionada en la II, III, IV y IX Bienal de Monterrey FEMSA, en La
Línea del Arte, en la II Bienal Nacional Pintura y Grabado Alfredo Zalce, en la IX Bienal de Pintura Rufino Tamayo, en la I y II Bienal de Pintura del Instituto Nacional de
la Nutrición, en Pasión al Rojo Vivo, en el VI Concurso
de Estampa sobre una interpretación Moderna de Don
Quijote de la Mancha, en el Concurso Nacional Indarte,
en Pinturerías El Arte del Arte Taurino, en la II Bienal de
Dibujo y Pintura José Clemente Orozco y en el IV Concurso de Estampa. Ha presentado 53 exposiciones individuales y 98 colectivas en diferentes lugares del país
y en el extranjero en España, Perú, Austria, Estados
Unidos, Francia y Alemania.
Metáfora
Oro 23 kilates y metal.
ADRIÁN BARRERA
(Ciudad de México, 1962) estudió Artes Plásticas en la
Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Realizó
estudios de cerámica, pintura y dibujo en Nueva York
y, posteriormente, en la Fine Art and Digital Art de
Toronto, Canadá. Sus esculturas, grabados, pinturas,
videos y arte-objeto forman parte de colecciones en
Italia, Francia, Estados Unidos, Canadá, México y Colombia. Ha participado en exposiciones individuales y
colectivas y ha colaborado en proyectos internacionales con artistas de la talla de Miquel Barceló, Eduardo
Arrollo, Armando Morales y Alberto Gironella.
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Alhaja
Cobrizado.
TATIANA BILBAO
(Ciudad de México, 1972) ha buscado, con su trabajo multicultural y multidisciplinario, comprender en un solo espacio, muchos otros, humanizados y abiertos a nichos para el desarrollo cultural y económico. Su trabajo incluye el Jardín Botánico de Culiacán, la Capilla de la Gratitud de la
Ruta del Peregrino en Jalisco, en colaboración con Derek Dellekamp, el Parque Biotecnológico del TEC de Culiacán y la Funeraria Tangassi en San
Luis Potosí. En 2009 fue nombrada una de las voces emergentes (Emerging Voices) por la Architectural League de Nueva York. Un año después,
tres de sus proyectos fueron seleccionados para formar parte del acervo de la Colección de Arquitectura del Centro Georges Pompidou en París.
Recibió en 2012 el Kunstpries Berlin de la Akademie der Kunste por su trayectoria profesional y en 2014 el Global Award for Sustainable Architecture otorgado por la Fundación LOCUS, la Ciudad de la Arquitectura de París y el patrocinio de la UNESCO. Su trabajo ha sido publicado en A+U,
GA Houses, Domus y The New York Times, entre otros.
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Cuchara Santa Cruz
Placa de plomo, óleo, soldadura de
estaño, papel y madera sobre acero
y concreto.
ARTURO BUITRÓN
(Ciudad de México, 1961) estudió en la Escuela Nacional
de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma
de México. Ha realizado más de cuarenta exposiciones
individuales, entre las que destacan Impredecible (Museo de Arte Moderno del Estado de México, 2014) y Paisaje rizoma (Fundación Sebastián A.C., 2013). Asimismo,
ha participado en aproximadamente cincuenta exposiciones colectivas tanto en México como en el extranjero: en Colombia, Chile, Portugal y España, por mencionar algunos países. En 1996 obtuvo la beca Jóvenes
Creadores del Fonca. En 2000 fue becario del Programa
de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del
Fonca y la Fundación Cultural Bancomer. En 2002 obtuvo una beca del programa Arte por todas partes de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. Es miembro
del Sistema Nacional de Creadores de Arte.
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Entre Cucharas y Plomos
Técnica mixta.
ELVIRA CAÍN
(Ciudad de México, 1960) pinta desde que tiene memoria. Estudió pintura con Evangelina Elizondo, Teresa Olabuenaga y Martha Ramírez. Cursó también un
diplomado en pintura y sensibilización artística en
la Universidad Iberoamericana. Ha expuesto a nivel
individual en la Casa de la Cultura de Puebla, en las
galerías La Soterraña de Morelia y La Aurora de San
Miguel Allende; en la Ciudad de México: en la Casa
Universitaria del Libro, en la Casa de Bolsa Inverlat
y las galerías Nadia Montefiore y la del Club de Golf
Bellavista. Asimismo, ha expuesto en exposiciones colectivas en México, Estados Unidos, Canadá, España,
Italia y Dubai (Emiratos Árabes Unidos).
Listones
Técnica mixta sobre
impresión fotográfica,
sobre aluminio y
pintura metálica.
ROSI CALDERÓN
(Ciudad de México, 1965) estudió la carrera de Químico Farmacéutico Biólogo, en la UNAM. No pudiendo dejar el
arte atrás, estudió dibujo y pintura en el taller del maestro Gilberto Aceves Navarro, aprendió fotografía con Paulina
Lavista, en la Escuela de Arte Fotográfico Bosques y en Santa Fe Photographic Workshops. Ha participado en talleres
internacionales y ha expuesto tanto en México como en el extranjero; en Palm Beach Photographic Center, en Verve
Gallery of Photography y en Spectrum Miami. Ha recibido cinco menciones honoríficas por la revista Black and White,
segundo lugar en la Categoría de Artes Escénicas en The World Photography Gala Awards y en Infocus 15th Annual
Juried Exhibition, así como finalista en la Octava edición de The Julia Margaret Cameron Award for Women Photographers, y en la Octava edición de The Pollux Awards (Inglaterra). Fue invitada a participar en la 4th Biennial of Fine Art
& Documentary Photography, Berlin 2016. Sus fotografías se han publicado en libros como El bosque de Chapultepec
e Iconos Mexicanos.
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Trabajador 1
Acrílico sobre cuchara de metal.
AGUSTÍN CASTRO
Pincelada
Técnica mixta sobre impresión fotográfica,
sobre aluminio y
pintura metálica.
ROSI CALDERÓN
(Ciudad de México, 1958) Realizó sus estudios en la
Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La
Esmeralda” (INBA). Fue becario de Jóvenes Creadores (FONCA) y del Programa de Intercambio de Residencias Artísticas en el Extranjero y actualmente es
miembro del Sistema Nacional de Creadores Artísticos (FONCA) . Con más de 30 años de trayectoria ha
participado en 37 exposiciones individuales y más de
100 colectivas tanto en México como en el extranjero.
Ha sido premiado en el Salón Nacional de Artes Plásticas, en la Bienal Pascual de Pintura, en la Bienal Rufino
Tamayo y en el Salón Nacional de Pintura.
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Trabajador 2
Acrílico sobre cuchara de metal.
15
AGUSTÍN CASTRO
Trabajador 3
Acrílico sobre cuchara de metal.
AGUSTÍN CASTRO
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Construcción
Placa, redondo de acero y barniz poliuretano.
ALBERTO CASTRO LEÑERO
(Ciudad de México, 1951) estudió pintura y grabado
en la Academia de San Carlos de la UNAM y en la Accademia delle Belle Arti en Bolonia, Italia. Desde la
década de 1970, ha mostrado su trabajo plástico en
museos, galerías y espacios culturales en México y
fuera de nuestro país. Fue maestro de experimentación visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas
de la UNAM y ha impartido talleres y cursos de pintura en escuelas y diferentes espacios culturales. Su
obra está situada en un cruce de corrientes: la nueva
figuración, el arte pop y el expresionismo abstracto;
igualmente, ha experimentado diferentes técnicas y
disciplinas: dibujo, pintura, escultura y grabado. Ha
realizado murales permanentes en espacios públicos, como el metro de la Ciudad de México. Actualmente se desempeña en la gráfica digital, el video y
la instalación. Su exposición más reciente, en 2016,
es Sistemas Transitables en el Museo de Ciencias y
Arte (MUCA), en Ciudad Universitaria, UNAM.
Sin título
Acuarela y lápiz.
FRANCISCO CASTRO LEÑERO
(Ciudad de México, 1954) estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”
(INBA). Desde 1982 es maestro de Dibujo en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. En 2006
recibió el Premio Alas de Plata como artista plástico
del año. Entre sus exposiciones individuales más recientes destacan: Duets (Diaz Contemporary, Toronto, Canadá, 2010); The Red, the Black and the White
(Howard Scott Gallery, Nueva York, 2009); y Duet (Gebert Contemporary Santa Fe, Nuevo México, 2008). En
colectivo ha presentado: Cimbra, Abstracción Contemporánea, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de
México, y AKASO, Museo de Arte de Sonora, Hermosillo, en 2010.
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La angular
Laca acrílica y acrílico sobre
cuchara de albañil.
JOSÉ CASTRO LEÑERO
Sin título
Acuarela y lápiz.
FRANCISCO CASTRO LEÑERO
(Ciudad de México, 1953) estudió Comunicación Gráfica y Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes
Plásticas de la UNAM. Desde 1976 ha tenido más de
30 exposiciones individuales, entre las que destacan:
Trayecto, Museo de Arte Carrillo Gil, 1982; La imagen
encontrada, Museo de Arte Moderno, 1992; Imágenes
en tránsito, Centro Nacional de las Artes, 2001; e Impresiones, Museo Nacional de la Estampa, 2009. Su obra
ha sido reconocida en una centena de exposiciones colectivas en México y el extranjero. Entre sus principales
premios figuran: IV Encuentro Nacional de Arte Joven,
Aguascalientes, 1984; VI y VIII Bienal de Pintura Rufino
Tamayo, 1992 y 1996. Es miembro del Sistema Nacional
de Creadores (FONCA).
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El peso del saber
Cerámica de alta temperatura
montada en cuchara.
Construyendo el paraíso
Acrílico.
MARTHA CHAPA
(Monterrey, 1946) es una de las más destacadas artistas de la plástica contemporánea de nuestro país, con
300 exposiciones montadas en importantes ciudades
del mundo, merecedora de diversos premios y reconocimientos. Ha incursionado, además, en la investigación gastronómica y es autora de más de treinta libros,
especialmente sobre temas de cocina mexicana. Ha
impartido conferencias en Estados Unidos, Europa y
México, con tópicos tan variados que abarcan lo mismo arte, que cultura y gastronomía. Desde hace ocho
años conduce El sabor del saber, junto con Alejandro
Ordorica, una serie de televisión original que se trasmite en Mexiquense T.V., cuyo contenido se orienta a las
diferentes expresiones artísticas y la cultura popular,
así como a la gastronomía. A estas tareas suma su activismo y lucha solidaria por los derechos de la mujer.
RAQUEL CHARABATI
(Ciudad de México) tiene 25 años trabajando la cerámica. Estudió en MOA, una escuela japonesa de cerámica radicada en Toluca. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales y ha sido seleccionada
varias veces en la Bienal de Cerámica del Museo Franz
Mayer. Actualmente trabaja con Mónica Bizzarri en
un proyecto llamado Cosiendo el Barro, con el cual
han presentado exposiciones en el Showroom Martínez-Sordo, en el Centro Comunitario Maguén David,
en la Galería Oscar Román, en el Museo de Arte Popular y en el proyecto Arte-Sano, entre otros sitios. También participó en el año dual United Kingdom-México
2015, exponiendo sus piezas en el Tobacco Dock en
Londres y en el George Hall en Liverpool. Tiene obra
pública en Israel, Argentina y México.
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JAI (Vida)
Técnica mixta.
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MOISÉS COHEN
(Ciudad de México, 1955) realizó sus primeros estudios de arte con los maestros Isaac Stavans, Eduardo
Cohen, Robin Bond y Adrián Barrera en México, así
como con Brian Bomesisler en Nueva York. Ha participado en muestras colectivas como Nopal urbano y
Diálogo de bancas, exhibidas en Paseo de la Reforma.
En 2004, el Festival del Centro Histórico le solicitó una
obra para el libro Maimónides-Águila Magna, editado
dos años más tarde con textos de intelectuales mexicanos. Desde 2006 ha incursionado en la escultura de
gran formato en acero. Sus obras se exhiben en la ciudad de México y en Estados Unidos.
Trabajamos los mismos caminos
Fotografía plata sobre gelatina,
charola de plástico para revelar,
cuchara de acero y madera y resina
acrílica transparente.
ROGELIO CUÉLLAR
Rogelio Cuéllar (Ciudad de México, 1950) es uno de los artistas con mayor reconocimiento y prestigio en el circuito internacional de la fotografía.
Su carrera como fotógrafo inició en 1967, desde esa fecha ha desarrollado su oficio dentro del fotoperiodismo y la fotografía de autor en tres
vertientes: el paisaje rural y urbano, el desnudo fotográfico y el retrato de creadores. En este último, ha trabajado con muchos autores haciendo
un seguimiento histórico-personal y de su proceso creativo. Su fotografía es un referente obligado para reconstruir una época de la vida cultural
de México. Ha presentado su obra en Alemania, Argentina, Bélgica, Brasil, Colombia, Cuba, China, Dinamarca, Ecuador, Estados Unidos, Francia,
Guatemala, Inglaterra, Israel, Italia, México, Perú, Portugal, Rusia, Suiza, Uruguay y Yugoslavia, entre muchos otros países. Sus imágenes forman
parte de más de treinta acervos de instituciones nacionales e internacionales. Ha publicado una decena de libros. En 2012 recibió el Homenaje
Nacional de Periodismo Cultural Fernando Benítez (FIL Guadalajara, 2012).
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Proyección
Técnica mixta.
Através
Arte Objeto
MARIANELA DE LA HOZ
LILA DIPP
(Ciudad de México, 1956), artista plástica mexicana
con larga trayectoria, ha cobrado distinción por sus
temples al huevo pintados sobre madera, obras de
pequeñísimo formato pintadas con pinceles de escasos cabellos que requieren ser vistas con lupa para
poder descifrar su mundo tórrido, descarnadamente
realista, que se nutre de humor negro y ácido misterio.
Desde 2001 reside en San Diego, California. Ha exhibido su obra en diferentes museos y galerías en México,
Estados Unidos, Canadá, Sudamérica y Alemania. Sus
piezas forman parte de colecciones públicas y privadas, y ha sido honrada con premios y distinciones a
nivel nacional e internacional.
(Guadalajara, Jalisco, 1957), bióloga de profesión,
artista por convicción, está dedicada al arte objeto
desde 1988. Escoge, manipula y monta objetos para
obtener resultados poéticos, sugerentes y explosivos
a partir de la reunión inesperada de las piezas. Su lenguaje provoca, desafía. Fue seleccionada en la I Bienal del Juguete Arte Objeto del Museo de Arte José
Luis Cuevas. Ha expuesto en muestras individuales y
colectivas en la ciudad de México, así como en Santa
Fe, Miami, Arizona. Se le conoce en Europa, principalmente en Bélgica y Francia.
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Solaris de Tarkovski
(Es una traducción pictórica de una de
las escenas de la película de Tarkovsky)
Acrílico con una imprimátur de Gesso.
MÓNICA DOWER
(Southampton, Gran Bretaña, 1966) realizó la carrera de Artes Visuales
en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Radicó en París durante
tres años, donde llevó a cabo estudios en la Universidad Sorbona y con
el maestro Luis Ansa de la Escuela del Louvre. Ha realizado múltiples
exposiciones individuales y colectivas en México, Alemania, Argentina,
Croacia, Cuba, España, EUA, Francia, Portugal y Suiza, entre otros países. En el 2003 la Unidad de Proyectos Especiales de Conaculta premió
su video instalación La Llamada. La sopa una historia privada. Ha participado en múltiples bienales y ganó mención honorífica en la XII Bienal
Rufino Tamayo en 2004. Participó en la exposición itinerante Imágenes
multimedia de un mundo complejo, que se presentó en La Habana, Sevilla, Ciudad de México y Buenos Aires (2008). Realizó una instalación
de dibujos de gran formato en el Museo del Chopo (Quién me habita, 2004). De igual forma, participó con una obra de 230 x 120 cm, en
Buscar lo real, Museo de San Carlos, 2012. Desde 2014 es profesora de
Bidimensión en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La
Esmeralda. Su próxima exposición individual iniciará el 9 de junio de
2016 en el Laboratorio de Arte Alameda.
El Peón
Cuchara metálica de albañil
con mango de madera, bases
de madera, esqueleto de
cactus, concha de caracol,
figuras en MDF, plastilina
epóxica, cordel de sisal,
pintura acrílica.
FELIPE EHRENBERG
(Ciudad de México, 1943) ha exhibido su producción —que va desde el dibujo hasta el performance, pasando
por la pintura, la instalación y la estampa— en museos de las principales ciudades de Occidente. Vivió en Inglaterra de 1968 a 1974, donde, entre otras actividades, fundó la editorial Beau Geste Press, que publicó obra de
conceptualistas del más alto calibre, en especial los del movimiento Fluxus. Es miembro fundador del Grupo Proceso Pentágono y uno de los principales protagonistas del Movimiento Grupal que sacudió la plástica mexicana
en las décadas de 1970 y 1980. Teórico, ensayista y columnista especializado, una determinante antología de sus
textos fue publicada por el CNCA con el título Vidrios rotos y el ojo que los ve (1995). También es autor de El arte
de vivir del arte, donde recopila sus experiencias de más de veinte años impartiendo un seminario con el mismo
nombre. Actualmente es representado por la Galería Baró (São Paulo), la Galería Enrique Guerrero (Ciudad de
México) y la Galería Freijo (Madrid).
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Posibilidad en movimiento
Cromo.
FLOR ESSÉS
(Ciudad de México, 1964) es licenciada en Ciencias
y Técnicas de la Información. Estudió Pintura con los
maestros Gilberto Aceves Navarro, Eduardo Cohen,
Martha Ramírez y Oscar Gutman, y en diferentes talleres en México e Israel. Pintora, escultora y vitralista, su
obra está presente en ciudades como México, Cuernavaca, Miami y Houston. Realizó el mural Rayo de luz,
Museo Memoria y Tolerancia, y una de las esculturas
del Centro de Arquitectura y Diseño (CAD), en la ciudad de México. Ha presentado ocho exposiciones individuales en galerías y museos de nuestro país, y participado en una veintena de exposiciones colectivas.
Todo por la educación
Tinta y collage sobre papel
de algodón.
RENÉE FARCA
(Ciudad de México, 1961) es una artista plástica que
domina y trabaja diferentes técnicas de pintura, dibujo, grabado y litografía, además de hacer libros de
artista. Ha participado en más de catorce exposiciones individuales y varias colectivas en México, Estados
Unidos, Canadá e Israel. En su obra, la luz es uno de los
principales protagonistas, que convive en diálogos
secretos con otros elementos, para crear espacios de
misterio intensamente vivo.
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El Fauno
Técnica mixta.
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FRANCO HORACIO
(Ciudad de México, 1963) es uno de los artistas mexicanos
más reconocidos, con 38 años de trayectoria. Estudió en el
Conservatorio Nacional y posteriormente en el Conservatorio de Ámsterdam, donde obtuvo el grado Solista Cum Laude. Aclamado por la crítica internacional como uno de los
más importantes flautistas de pico y directores a nivel mundial, impulsor del movimiento de música antigua y fundador
de la primera orquesta barroca de México, ofrece alrededor
de 150 conciertos anuales. Su repertorio incluye música medieval, renacentista, barroca y contemporánea, incluyendo
música colonial latinoamericana, tradicional y popular.
Puesta de sol
Cuchara de albañil, madera
y hoja de oro.
PEDRO FRIEDEBERG
(Florencia, Italia, 1936) artista, diseñador y arquitecto de formación; excéntrico cuya obra rompe con cánones, ha mantenido un
estilo único, identificable y auténtico. Obtuvo el primer lugar en
la Exhibición Solar de México (1967), el premio especial en la XI
Bienal de Artes Gráficas de Tokio (1984) y fue condecorado con la
Medalla de Bellas Artes (2011). Su obra ha sido exhibida en el Museo de Arte Moderno y el Palacio de las Bellas Artes de la ciudad
de México, y también en el extranjero. Sus piezas están en colecciones en el Museum of Modern Art de Nueva York, el Museum
of Contemporary Art de Chicago y el Musée du Louvre en París.
Recientemente publicó sus memorias: De vacaciones por la vida.
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Construcción
Técnica mixta sobre madera.
VANESSA GARCÍA LEMBO
(Ciudad de México, 1969) estudió Artes Plásticas en
“La Esmeralda”, y continuó su preparación en Hamburgo, Alemania, y en el Atelier Pulley-Beuys. Obtuvo
la beca Informal Architecture, en Banff, Canadá (2004),
la de la Isla de Gölyazi, Turquía (2006), la PADID, la de
Jóvenes Creadores y la de la Secretaría de Cultura del
Distrito Federal. Recibió el premio de adquisición en la
III Bienal Alfredo Zalce, una mención honorífica en la
IV Bienal de Monterrey, y en 2007 y 2010 fue miembro
del Sistema Nacional de Creadores. El Canal 22 realizó
un programa de televisión sobre su obra: En el fondo
somos así, y TV UNAM grabó otro. Ha expuesto en México y el extranjero, e impartido clases de Dibujo en
“La Esmeralda”.
Renovación
Acrílico, grabado y chine
Colle sobre tela.
VERÓNICA GARCÍA GOITIA
(Estado de México, 1966) es una artista visual con especialidad en gráfica y pintura. Ha labrado su formación en
diferentes talleres y cursos entre ellos: dibujo con el maestro Gilberto Aceves Navarro, técnicas de pintura con José
Luis Velázquez, grabado japonés con Nunik Sauret, técnica veneciana con Pedro Diego Alvarado, grabado con Pilar
Bordes y litografía en La Ceiba Gráfica. Ha sido seleccionada en diferentes convocatorias, tales como: 2ª Muestra de
libros de artista en el MUAC, 2015; Bienal de grabado Miniprint de Cadaques, España, 2015; 10th Biennial International Miniature Print Exhibition Center for Contemporary Printmakings, EUA, 2015; International Exhibition of Art in
Miniature, Majdanpek, Serbia, 2015; Colectiva en pintura Museo de Tlalpan, Ciudad de México, 2012; y en la segunda
muestra de Arte Reforma, en el Polyforum Siqueiros, Ciudad de México, 2009. Ha participado en diferentes exposiciones como: Máscaras de aliento, Museo José Luis Cuevas, 2012; Libros de Artista LIA, Guadalajara, 2014; Exposición de
pintura en la galería Nesqui, Puebla, 2003, y en Capturarte tus sentidos, Puebla.
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Transatlánticos
Técnica mixta sobre madera.
MANUELA GENERALI
(Lugano, Suiza, 1948) estudió pintura en Londres. En
1978 escogió a México como su patria adoptiva tras
vivir en diferentes países de Europa y América. Aquí
continuó su formación en la Escuela Nacional de Artes
Plásticas de la UNAM. Durante la década de 1970 integró el Colectivo Cine Tercer Mundo, con el cual realizó
documentales en Asia, África y América Latina. Cuenta
con 18 exposiciones individuales y más de 150 colectivas presentadas en México y el extranjero. Es becaria
del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.
En casi 30 años de quehacer creativo ha producido
numerosas series pictóricas, ciclos visuales que dejan
en el espectador la sensación de ser testigo de acontecimientos elusivos.
Dime y lo Olvido...
Benjamin Franklin
Grabado intervenido-Sand Blast
sobre piedra cantera, montado
sobre cuchara de albañil.
BELA GOLD
(Argentina, 1955) es doctora en Diseño y Artes Visuales por la UAM. Actualmente cursa un post doctorado
en 17, Instituto de Estudios Críticos (México). Desde 1979 es profesora-investigadora en la UAM unidad Azcapotzalco en el área de Diseño. Durante varios periodos ha sido beneficiaria de becas del FONCA y el SNCA.
Ha sido distinguida como artista honoraria del Taller de Gráfica Digital del Centro Multimedia en el CNA, y
con el reconocimiento al perfil y la trayectoria por el PROMEP-SEP. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Sus obras se encuentran en colecciones y museos de México y el extranjero. Cuenta con más
de 100 exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo. Es autora de varios libros como: Una visión
artística posible, Palabra y silencio, El dibujo como proceso de configuración para la enseñanza del diseño
(versiones digital e impresa), entre otros.
Dra. Bela Gold, Académica Investigadora de la Universidad Autónoma Metropolitana-División de Ciencias y
Artes para el Diseño, Departamento de Procesos y Técnicas de Realización.
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Pez
Esmalte.
TOMÁS GÓMEZ ROBLEDO
Nunca consideres…
Albert Einstein
Grabado intervenido-Sand Blast sobre
piedra cantera, montado sobre cuchara
de albañil.
BELA GOLD
(Washington D.C., E.U.A., 1952) realizó estudios de
pintura y dibujo con Vicente Gandía y Roger von Gunten. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y en la Academia de San
Carlos, donde comenzó una estrecha colaboración
con Gilberto Aceves Navarro. La docencia y el trabajo
pictórico son dos vetas de su labor creativa. Cuenta
con más de 40 exposiciones individuales en México,
Estados Unidos, París y Londres. Su obra se exhibe en
colecciones públicas y privadas, en la UNAM, la Universidad Veracruzana, el Colegio Nacional y el Museo
de Hacienda y Crédito Público. Ha recibido varios premios y distinciones.
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Cubo virtual de 4 x 4 con tres
triángulos 3-4-5 conectados
Cuchara de acero y madera
Escultura y base de aluminio
Pintura de laca automotiva.
TEODORO GONZÁLEZ DE LEÓN
(Ciudad de México, 1926) es una figura emblemática
en el mundo de la arquitectura mexicana contemporánea. Heredero de la tradición de Le Corbusier, en
cuyo taller trabajó en Francia, ha desarrollado obras
monumentales de gran escala y líneas simples con
materiales como el concreto cincelado, que son símbolo y referente en la ciudad de México. Entre ellas
figuran: El Colegio de México, el Museo Tamayo y la
remodelación del Auditorio Nacional, proyectos realizados con Abraham Zabludovsky; el Centro Cultural
Bella Época, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Reforma 222 y el complejo Arcos Bosques.
Asimismo, son de su creación las embajadas de México en Berlín y en Brasilia, que concibió con Francisco
Serrano. Aunada a su labor como arquitecto, pinta,
hace grabados, ensamblajes y esculturas.
Sin título
Óleo, acrílico y arena sobre
cuchara de albañil.
ILSE GRADWOHL
(Austria, 1943) vive en México desde 1973. Estudió
Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda del INBA, así como en la ENAP
de la UNAM. Desde 1980 ha expuesto su trabajo tanto
en México como en el extranjero. Individualmente,
exhibió su pintura en el la Galería DIDA, en Austria; en
el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México;
en Galerías de la Universidad Autónoma Metropolitana; en Old Arts Gallery, University of Pretoria, Sudáfrica; Paa ya Paa Arts Center, Nairobi, Kenia; Alliance
Ethio-Francaise, Etiopía; Drexel Galería, Nuevo León;
el Museo de Arte Contemporáneo de Mérida; Díaz
Contemporary, Toronto, Canadá, y en la Galería López
Quiroga, Ciudad de México. Es miembro del Sistema
Nacional de Creadores de Arte.
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Homenaje al Albañil I, II,
III, IV, V y VI (Series de 6
piezas cada una)
Madera y acero pintado.
FERNANDO GONZÁLEZ GORTÁZAR
(Ciudad de México, 1942) es arquitecto por la Universidad de Guadalajara y estudió escultura en la Escuela de Artes
Plásticas, en la cátedra de Olivier Seguin. Si bien la arquitectura, incluida la de paisaje y el urbanismo, y la escultura
urbana han sido las vertientes principales de su actividad profesional, en las dos últimas décadas se ha dedicado
también a crear esculturas de pequeño formato. En 1989 recibió el Gran Premio Henry Moore del Hakone Open-Air
Museum y el Premio Jalisco de Artes Plásticas; en 2009 obtuvo el Premio América de Arquitectura. En 2012 se le
concedió el Premio Nacional de Ciencias y Artes y es creador emérito de Conaculta. Ha expuesto en forma individual y colectiva durante toda su carrera en diferentes partes del mundo. Su obra ha sido objeto de siete libros
monográficos.
Homenaje al Albañil I-5
Madera y acero pintado.
FERNANDO GONZÁLEZ GORTÁZAR
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Creciendo y Construyendo
Fierro, madera, piedra y bronce.
BECKY GUTTIN
Becky Guttin (Ciudad de México, 1954) es una artista
plástica con larga trayectoria profesional. Su obra es
distintiva por la multiplicidad de materiales con los
que la ejecuta, y por la variedad de expresiones plásticas que domina: la escultura (tanto a gran escala
como en pequeños formatos), la caligrafía, los relieves, las instalaciones, el video, la fotografía y la joyería. Ha expuesto en diferentes partes del mundo, en
museos, galerías y diversos espacios culturales. Sus
obras forman parte de importantes colecciones, tanto
públicas como privadas en México, EUA, India, Israel,
Corea, Francia, Luxemburgo, Macedonia, Italia, Japón
y Austria. Ha obtenido premios y distinciones a nivel
nacional e internacional. Actualmente reside y trabaja
en San Diego, California.
Andamio al infinito
Instalación escultura.
Técnica mixta.
JOSÉ GRINBERG
(Ciudad de México, 1942), arquitecto de profesión y
artista de corazón. Es fundador del despacho Grinberg & Topelson Arquitectos, merecedor de reconocimientos nacionales e internacionales, tales como el
primer lugar en el concurso La Casa de Francia y el de
la Biblioteca de la Universidad de Guadalajara, entre
otros. Su trayectoria pictórica incluye exposiciones en
la Galería El Eje, la Fundación Sebastián, el Instituto
Politécnico Nacional, la Galería Michael Mosko Fine
Arts, en Denver, Colorado, la Galería Forre, en Vail, Aspen y en Miami.
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NOÉ KATZ
Energía, Tierra y Agua,
nomenclatura cetácea
Metal y madera.
ARIEL GUZIK
(Ciudad de México, 1960) es músico, investigador, dibujante e inventor. Fundó el Laboratorio de Investigación en Resonancia y Expresión de la Naturaleza, espacio cuyo trabajo se inspira en la ciencia ficción y se fundamenta en la física
clásica. Explora de manera libre, desde hace más de 25 años, los fenómenos de la resonancia, la mecánica, la electricidad y el magnetismo como cimientos para los mecanismos que dan voz a la naturaleza a través de la música. Sus
investigaciones reflejan una íntima necesidad de propiciar el encantamiento del mundo, intentan preservar misterios
en lugar de esclarecerlos y privilegian la percepción de los acontecimientos naturales desde los sentidos, la fascinación
y la fantasía. Ha participado en múltiples exhibiciones individuales a nivel nacional e internacional. Fue comisionado
para representar a México en la 55ª Bienal de Venecia en 2013.
Caminos Insensibles (Ciudad de México, 1953) estudió en la Escuela de DiÓleo sobre tela y metal. seño y Arte del INBA y en la Escuela delle belle Arti,
en Florencia, Italia, en donde vivió tres años. Tras su
regreso a México presentó en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México la exposición Del concreto a lo concreto. Entre sus obras más reconocidas
están las puertas de entrada del Museo Tokoro en
Japón, el mural en el lobby del edificio Forum (ciudad de México) y una serie de murales en aluminio
que recubren la fachada del Hotel Fiesta Americana
en la ciudad de México. Ha participado en numerosas
exposiciones colectivas e individuales. Sobre su obra
han escrito Raquel Tibol, Teresa del Conde y Luis Rius
Caso, entre otros.
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Oficio de riesgo
Técnica mixta y collage
sobre bastidor rígido.
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CAROLINA KERLOW
Empieza a pintar en 1979 de manera autodidacta bajo la influencia del pintor Luis Jaso. Entre sus temas destaca su
obra en torno al cine, alrededor del cual ha montado varias exposiciones en recintos como El Museo de la Ciudad de
México, el Museo Casa del Risco, la Cineteca Nacional, y en el marco del Festival Internacional de Cine de Guadalajara
y el Festival Zacatecas. Ha realizado más de 20 exposiciones individuales y otras tantas colectivas entre ellas la Primera
Bienal Nacional de Pintura y la Primera y Segunda Bienal Internacional de Juguete Arte Objeto. Ilustradora de libros
infantiles ha colaborado para revistas y ha diseñado carteles como el de la película Ángel de Fuego. Como realizadora
y productora ha dirigido documentales para televisión entre ellos, Una Mujer Blanca, muy blanca...Lonka Becker, Pedro
Miret, puntos suspensivos, A escena...Brígida Alexander y Entre desnuditas, gatos y flores, Luis Jaso, entre otros. Recientemente dirigió el documental Cada cosa tiene su historia, sobre la vida de Max Kerlow, (con el apoyo del FONCA) ganando primer lugar en mediometraje en el Festival Internacional de Documentales de Santiago de Cuba. Actualmente
produce y co-realiza la serie de televisión de artes plásticas Naturaleza Quieta para TV UNAM.
Exvoto
Óleo sobre metal.
CAROLINA KERLOW
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Un ramito para Tita
Bordado pegado y con amarres.
Samizdat
Tecnica mixta.
LENKA KOBLASOVA
(República Checa, 1977) incursionó en las artes desde temprana edad en la Academia LSU de Brno, donde estudió dibujo,
pintura, cerámica, escultura, grabado y litografía con el maestro Emanuel Holek. Llegó a México en 1999 y comenzó a colaborar con los pintores Manuel Guillén y Arturo Rivera. Se especializó en escultura y dibujo de la figura humana en la Academia
de San Carlos, y posteriormente acuarela con el maestro José Rodríguez. Su obra ha sido expuesta de manera individual y
colectiva en México, República Checa, Estados Unidos y Alemania. De igual manera, ha participado en los libros Los artistas
responsables en defensa de la fauna y Vuela Arte (Instituto Mexiquense de Cultura). Prepara una exposición individual para la
Universidad Autónoma Metropolitana en el mes de abril de 2016.
EUGENIA LÉON
(Tlalnepantla, Estado de México), cumple 40 años de
trabajo musical. Cantante universal de raíces mexicanas, inició su carrera en la década de 1970 con los
grupos de jóvenes estudiantes que buscaban en la
música latinoamericana y en las canciones de protesta un espacio para externar su rebeldía. En 1985 ganó
el Festival OTI en Sevilla, España, con la canción “El
fandango aquí”, de Marcial Alejandro. Se ha presentado en Omán, China, Japón, Marruecos, Egipto, Francia,
España, Alemania, Portugal, Bruselas, Estados Unidos,
Argentina, Colombia, Chile, Cuba, entre otros países,
y en los teatros más importantes de México, incluidos
el Palacio de Bellas Artes y el Auditorio Nacional. Conductora de Acústico y Tocando Tierra para Canal 22. Ha
grabado 27 discos y es considerada por Forbes una de
las 50 mujeres más influyentes del 2015.
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Viaje onírico del alarife
Acrílico sobre acero laminado
en frío, metal intervenido.
ÁGUEDA LOZANO
(Chihuahua, 1944) es una pintora y escultora mexicana, radicada en París desde hace 45 años. Ha
expuesto en los principales museos y galerías de
Francia y el resto de Europa. Cuenta con más de cien
exposiciones individuales y colectivas. En nuestro
país, ha expuesto en recintos tan relevantes como
el Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de
Antropología. Su escultura Tierra de México en tierra
francesa está expuesta en el barrio 16 de París desde
2006. Su obra ha sido objeto de una dilatada crítica
en libros y catálogos a ambos lados del Atlántico. En
2013 recibió el importante galardón galo Haute Assamblé por sus contribuciones a la cultura de aquel
país. Fundó en Ciudad Cuauhtémoc, Chihuahua, el
Centro Cultural que lleva su nombre y realizó una
importante donación de arte contemporáneo a la
Universidad Autónoma de Chihuahua.
El Rey y su Halcón
Óleo sobre metal.
ANTONIO LUQUÍN
(Guadalajara, Jalisco, 1959) dedicó su talento a la música y a la arquitectura. Su padre, señala, le enseñó a entender el mundo, y su madre, a relacionarse con el cielo. Compositor prolífico y ejecutante mediocre, como se describe, ha llevado sus
composiciones a múltiples escenarios. En 1990, motivado por el pulso creativo y por una nueva visión, se aventuró en el
rubro de la pintura. Su voz como artista urbano resuena con la responsabilidad que él siente hacia su entorno. Se describe
a sí mismo como un alma comprometida con el resto de los hombres y con el paisaje de la creación. Ha participado en
múltiples exposiciones y bienales, incluyendo los proyectos de mural colectivo AKASO, en 2010 y el de Soledad (cuadros de
gran formato) para la Fundación Sebastián, en exhibición, en 2016, en el convento de San Agustín en Zacatecas.
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Nostalgia
Tela impresa.
Pala-Mar
Óleo sobre pala.
GABRIEL MACOTELA
(Guadalajara, Jalisco, 1954) estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”
(INBA) y en la Academia Nacional de Artes Plásticas de
San Carlos, en donde fue alumno del maestro Gilberto
Aceves Navarro. Ha sido tres veces becario del Sistema
Nacional de Creadores, acreedor del Premio Nacional
de Arte Joven y del Premio del Salón Nacional para Estudiantes de Pintura y Escultura (Aguascalientes, México). En 2007 realizó la escultura La Cruz, en Los Cabos,
Baja California, y en 2006, Mujer chimenea, proyecto
monumental en lo que fuera la fábrica de Cemento Tolteca en la ciudad de México. Sus obras forman parte de
reconocidas colecciones públicas y privadas.
MIRIAM MEDREZ
(Ciudad de México, 1958) vive en Monterrey desde
1985, donde se dedica a esculpir. Unos cuantos años
antes de migrar comenzó a trabajar el barro. En una
afanosa búsqueda, ha experimentado con otros elementos y con variadas técnicas. Expone a menudo
y ha sido reconocida con premios en México y el extranjero. En la actualidad experimenta con materiales
textiles. Dice al respecto: “Aprovecho las similitudes
existentes entre la cerámica y el zurcir; ambos requieren del trabajo con las manos, se construyen desde la
fragilidad y el vacío. El barro se hornea al fuego, la tela
requiere ser cosida con hilos. En ambos procesos, sólo
al final se alcanza la fortaleza”.
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Plano de ciudad
Óleo, metal y madera
sobre madera
cerámica.
ALFONSO MENA
(Ciudad de México, 1961), sobresaliente por la originalidad filosófica de su vocabulario abstracto, ha desarrollado una
propuesta que se basa en la construcción de una dimensión ontológica para la pintura. Observador de la esencia humana e investigador analítico de los elementos formales que componen al objeto pictórico, ha logrado extraer soportes,
espacios, planos, texturas y cromatismos para convertirlos en los sujetos protagónicos de cada una de sus obras. Creador
de entes pictóricos que se imponen tanto por su autonomía como por la relación que adquieren con otros elementos,
Mena se ha convertido en uno de los principales y más interesantes artistas contemporáneos de México. Ha sido reconocido con becas, premios y exposiciones nacionales e internacionales.
TERE METTA
Retos a Ratos (Ciudad de México, 1947), pintora y escultora, fue destacada alumna de Eduardo Cohen, Enrique Jolly, Luis Gutiérrez, Gilberto
Técnica mixta. Aceves Navarro y el cubano Luis Miguel Valdés. En 1978 presentó su primera exposición en el Centro Deportivo Israelita, y de
entonces a la fecha ha presentado 65 exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías de México, Estados Unidos y
Sudamérica. Su obra, catalogada como expresionista gestual, forma parte de colecciones públicas y privadas. En sus cuadros es
constante la manifestación del rostro descarnado de las pasiones humanas y, apunta ella, se filtra también la veta luminosa de
la redención y de la esperanza. Ha sido reconocida con varios premios y distinciones.
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Entorpeciendo el sábado
(para Chico Buarque).
Escultura
Cucharas de construcción,
tubo fluorescente rojo, cables y
balastro eléctrico.
ERICK MEYENBERG
(Ciudad de México, 1980) es un artista multimedia, egresado de la Escuela
Nacional de Artes Plásticas, cuyo trabajo profundiza en las ciencias naturales y sociales, con la intención de desenterrar y descubrir capas ocultas de
significado entre ideas culturalmente preconcebidas. Realizó una estancia
en Berlín con la artista alemana Rebecca Horn. Su trabajo contrapone el uso
de datos cuantificables con experiencias estéticas, creando tensiones inevitables que se materializan bajo sorprendentes emplazamientos espaciales y
patrones audio-visuales. Ha realizado exposiciones en Alemania, España, Japón, Canadá, Estados Unidos y México. Actualmente cumple una residencia
en Casa Wabi (Oaxaca) y es comisionado por la Fundación Alumnos 47 para
desarrollar un proyecto durante este año, con el cual tendrá una exposición
individual en el Laboratorio de Arte Alameda.
Ilimitado
(entre más Humano
más Divino)
Acrílico sobre metal.
FLOR MINOR
(Querétaro, 1961) realizó estudios de pintura, escultura y grabado en La Esmeralda, y posteriormente en el Centro de
Investigación y Experimentación Plástica del Instituto Nacional de Bellas Artes. En este último, efectuó una investigación
acerca de la utilización de soportes no convencionales en la creación plástica, lo que la llevó a ser miembro fundador del
taller de Neográfica conducido por el maestro Oliverio Hinojosa. Ha sido becaria del FONCA en tres ocasiones. De igual
manera, ha recibido diversos premios y distinciones en gráfica, pintura, dibujo; la medalla de plata en la XI Bienal de Artes
Visuales de Yucatán y el tercer premio en la I Bienal de Dibujo Rafael Cauduro de Tijuana.
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Figuras en un espacio
Técnica mixta.
3 Mayo
Cuchara de albañil
intervenida. Madera, plomo.
GUSTAVO MONROY
(Ciudad de México, 1959) es pintor, grabador y dibujante. Ha obtenido reconocimientos como el Premio
de Adquisición del VI Encuentro Nacional de Arte Joven
(Aguascalientes), una mención honorífica en la III Bienal
de Estampa Diego Rivera (Guanajuato) y el Premio de
Adquisición de la IX Bienal Rufino Tamayo. Es miembro
del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA). Su
obra está presente en acervos de importantes museos
y colecciones de México y en Estados Unidos: en el Museum of Art-University of Arizona y en el Latin American
Art Museum de Long Beach, California.
HELIO MONTIEL
(Ciudad de México, 1955) estudió Arquitectura en la
UNAM, y Artes Visuales en la ENAP, la ENEP Acatlán y
en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado
“La Esmeralda” (INBA). Entre sus exposiciones individuales figuran: El iluminado, Helio Montiel, Centro Cultural del México Contemporáneo, ciudad de México,
2009; Helio Montiel 15.2 m2, Centro Cultural El Nigromante, San Miguel de Allende, Guanajuato, 2008; Cien
cuadros sobre cuadros, Galería OMR, ciudad de México,
2002; y Helio Montiel Pintura reciente, Galería de Arte
Contemporáneo, ciudad de México, 1998. Formó parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA)
y en 1979 recibió la mención especial en Escultura en
el XV Concurso Nacional para Estudiantes de Artes
Plásticas, Aguascalientes, México.
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Cuchara con asa
Fragmentos prehispánicos
con madera y cal.
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YOLANDA MORA
De nacionalidad mexicana, estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Ha sido
reconocida con una mención honorífica en la Bienal FEMSA 2009; el Premio de Adquisición, en la categoría de
Dibujo, en la Segunda Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán, en 2004; la beca para Jóvenes Creadores, y la
beca de Creadores del FONCA. Ha sido parte de más de 40 muestras colectivas y cuenta con una decena de exposiciones individuales, entre las que cabe mencionar: Sobre paisajes, Museo Carrillo Gil, INBA (1991); Obra reciente,
Zona, Espacio de Artistas, Ciudad de México (1994), y Obra reciente, Galería Manolo Rivero, Mérida (2004). En 2010
realizó un cuadro mural para el proyecto AKASO. Recientemente inauguró en la Galería Metropolitana de la UAM
la exposición P.I.N.T.U.R.A.
Cuchareo garabatos
Esmalte y crayón sobre
lámina y ónix.
ROWENA MORALES
(Ciudad Obregón, México) es diseñadora de joyería y artista visual, egresada de la Central School of Art and Design de
Londres, Inglaterra. Desde 1978 ha forjado una larga trayectoria como diseñadora. Colaboró en la colección Diamantes para Siempre de De Beers, el Consejo Mundial del Oro y el Encuentro Internacional de Diseñadores Interdesign.
Para la Galería Mexicana de Diseño elaboró la medalla al mérito Benito Juárez que otorga la Secretaría de Relaciones
Exteriores de México; para la Casa Pedro Domecq, el trofeo a la moda Blanc de Blancs XA; y para AUDA, una colección
de joyería de plata. Ha mostrado su trabajo en más de 50 exposiciones a nivel nacional e internacional. Artista residente y profesora huésped en México y Estados Unidos, sus obras han sido publicadas en numerosos libros y revistas.
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Los primeros pasos para la
cristalización de un sueño
Acrílico sobre tela.
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LEONARDO NIERMAN
(Ciudad de México, 1932) es un pintor y escultor mexicano. Inició su producción en la década de 1950, tras abandonar la carrera de violinista, no obstante, la música ha permeado su obra. Llamado “Paisajista de los sueños”, ha
expuesto individual y colectivamente en galerías y museos alrededor del mundo, como el Museo Nacional de
Arte Moderno de París, el Museo de Arte Moderno en Haifa, Israel, el Museo Metropolitano en Tokio, el Palacio de
Bellas Artes de la Ciudad de México, el Palacio Barberini en Roma, el Palacio de la Virreina en Barcelona, el Museo
de Ciencia e Industria de Chicago, entre muchos otros. Sus obras se distinguen por el uso de colores vibrantes,
actualmente su trabajo ha sido moldeado por la interpretación de la naturaleza y la búsqueda de la relación entre
el arte abstracto y el cosmos.
Los tres grandes, Pico de Orizaba,
Popocatépetl e Iztaccíhuatl
Óleo sobre metal.
JORGE OBREGÓN
(Ciudad de México, 1972) cursó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde fue distinguido con la medalla Gabino Barreda al Mérito Universitario y obtuvo mención honorífica en su
título de grado. Colaboró con el maestro Luis Nishizawa en diversos cursos de técnicas de los materiales. Ha
llevado a cabo tres residencias artísticas: en el Centre d’Art i Natura, en Farrera de Pallars, España (1997), en
el Vermont Studio Center, EUA (2002) y en el Montserrat College of Arts, con el maestro George Nick, en EUA
(2014). Ha realizado más de 18 exposiciones individuales, en diversos museos y galerías como: el Museo Regional de Historia de Colima, el Museo Taller Luis Nishizawa, el Museo de Arte Moderno del Estado de México,
el Museo Casa del Risco, el Museo del Pueblo de Guanajuato, la Casa de la primera imprenta de América, en
Casa Lamm y en la embajada de México en Tokio. Desde 1991 ha participado en más de sesenta exposiciones
colectivas en España, Estados Unidos, Italia, Puerto Rico, Ecuador, Japón y México. Ha sido acreedor de varios
premios, distinciones y menciones honoríficas.
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Sin título
Óleo sobre metal.
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IRMA PALACIOS
(Iguala, Guerrero, 1943), cuya obra ha sido clasificada como abstraccionismo lírico, realizó estudios en la Escuela Nacional
de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Ha participado en más de una centena de muestras colectivas en México y el
extranjero. Entre sus exposiciones individuales destacan la de la Galería de Arte Mexicano; Horizontes de arena, Museo José
Luis Cuevas; Cifra y Signo, Galería Quetzali de Oaxaca y Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán; Cambios de piel, Galería
López Quiroga; Vuelo de semillas, Chac Mool Gallery, Los Ángeles, California; Naturalezas, Museo de Arte Contemporáneo de
Oaxaca; y Espejismo mineral, Museo de Arte Moderno, ciudad de México. Ha sido distinguida con las becas Simon Guggenheim y la del Sistema Nacional de Creadores, y con una decena de premios nacionales e internacionales.
Sin título
Óleo sobre metal.
IRMA PALACIOS
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De construirse
Paleta grabada y
tinta sobre tela.
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SANDRA PANI
(Ciudad de México, 1964) estudió Artes Plásticas en SACI, en Florencia, Italia; en la Chelsea School of Art de Londres y en la
ENAP en la ciudad de México. Entre sus exposiciones individuales resaltan: My intangible self, en la Galería Octavio Paz del
Instituto de México en Nueva York; De ser árbol, que se inauguró en el Museo IAGO en Oaxaca, se exhibió en variadas sedes
del país y luego viajó a la Newcomb Gallery y la Universidad de Tulane en Nueva Orleans; y Dualidad y transformación, en el
Museo Anahuacalli. Escritores de la talla de Salvador Elizondo, Alberto Blanco y Karen Cordero han escrito sobre su trabajo.
Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.
Mujer obrera
Óleo sobre metal y ensamble.
ROBERTO PARODI
(Ciudad de México, 1957) estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del
INBA y en la Academia Nacional de Artes Plásticas de San Carlos. Ha participado en más de 20 exposiciones
individuales y 100 colectivas en México y el extranjero. Merecedor de varios premios y reconocimientos, forma
parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA). Ha dictado decenas de conferencias y ha impartido
alrededor de una veintena de cursos de arte. Entre los museos que poseen y exhiben su obra están el Museo de
Arte Moderno de México y el Metropolitano de Nueva York.
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La Paleta de la Creación
Técnica mixta - objeto, cuchara
de metal, pincel y óleo.
Libro cuchara
Cuaderno hecho a mano,
pasta dura con forro rojo, un
cuento de 9 páginas escrito
con plumón en hojas blancas.
SIENA PARODI CAMARENA
(Ciudad de México, 2008) mostró desde muy pequeña interés en los libros. En cuanto aprendió a leer, se interesó
en las fábulas de Esopo y en la obra de Shakespeare, libros que leyó en ediciones hechas para niños. Shakespeare, Juan Villoro y Francisco Hinojosa son sus autores favoritos. Actualmente cursa segundo grado de primaria
dentro del sistema Montessori y su materia favorita son las matemáticas. Le gusta mucho brincar la cuerda y jugar con sus amigas. De grande le gustaría estudiar cocina para convertirse en chef y tener su propio restaurante.
Siena vio que su papá trabajaba en una cuchara para DAR EN EL CLAVO y se interesó en saber más. Por iniciativa
propia, realizó su proyecto: un libro en forma de cuchara, con una historia que ella misma escribió.
CARMEN PARRA
(Ciudad de México, 1944) tiene una larga trayectoria
en temas relacionados con el patrimonio cultural y natural de México. Ha realizado más de 20 exposiciones
sobre el arte virreinal mexicano, y ha diseñado escenografías y exhibido su trabajo en museos y galerías
de nuestro país, América Latina y Europa. Su preocupación por la memoria cultural ha sido el motor de su
aventura existencial. En 1997 creó El Aire Centro de
Arte, espacio alternativo e independiente cuyo objetivo es la promoción, difusión y gestión de proyectos
artísticos y educativos.
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Cajonera gráfica
Cajonera objeto con 3 placas en forma de
cuchara y ediciones de cinco grabados al
Agua fuerte, Agua tinta y Azúcar, a color.
EMILIO PAYÁN (Ciudad de México, 1964) fue reportero para prensa y
televisión en diferentes medios durante la década de
1980. En 1990 fundó el taller editorial Tiempo Extra
Editores, en donde ha realizado cerca de 300 ediciones
de obra gráfica de autores como Joy Laville, Manuel
Felguérez, Vicente Rojo, Federico Silva, Irma Palacios,
Francisco y Alberto Castro Leñero, Magali Lara, Carla
Rippey y Francis Alys. De igual forma, ha presentado
exposiciones individuales en instituciones de la ciudad de México y en Rabat, Marruecos. En 1997 realizó
un grabado colectivo con 80 artistas, impreso como
monotipia sobre una tela de 120 metros de largo.
De la tierra al cielo
Pintura blanca Comex, cristal y
pegamento Kola loka.
ELENA PONIATOWSKA
(París, Francia, 1932) fue la primera mujer en recibir el
Premio Nacional de Periodismo. Es una de las escritoras mexicanas más prolíficas y destacadas. Entre sus
obras se cuentan: La noche de Tlatelolco (Premio Xavier Villaurrutia), La flor de lis, De noche vienes, Tlapalería, Paseo de la Reforma, Hasta no verte Jesús mío, Querido Diego, te abraza Quiela, La piel del cielo (Premio
Alfaguara de novela 2001), Tinísima (Premio Mazatlán)
y El tren pasa primero (Premio Internacional de Novela
Rómulo Gallegos en 2007). En 2011 obtuvo el Premio
Biblioteca Breve Seix Barral por su novela Leonora, y
en 2013 el Premio de Literatura en Lengua Castellana Miguel de Cervantes. Ha sido honrada con varios
doctorados Honoris Causa en México, Estados Unidos
y Francia, y su obra ha sido traducida a 27 idiomas.
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La Dolce Vita
Técnica mixta
sobre cuchara
de metal.
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CECILIA PRECIADO
(Colima, 1969) se inició en el arte de forma autodidacta hasta convertirse en artista visual. Formó parte
del Taller de Pintura de la Isla del Río Cuale en Puerto Vallarta, Jalisco, donde estudió Historia del Arte, y
cursos de dibujo, acuarela, óleo y grabado. Pertenece
al colectivo La Mujer y sus Pinceles. Ha donado obra
para las subastas anuales de la Biblioteca Los Mangos
y ha expuesto en muestras colectivas en el Museo Naval, la Galería Córsica y en los hoteles Regina y Fiesta
Americana.
Cabaret
Técnica mixta
sobre cuchara
de metal.
CECILIA PRECIADO
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El Inicio
Técnica mixta.
GINA RIMOCH
(Ciudad de México, 1952) es una pintora, restauradora y
artista mexicana. Realizó estudios en el Centro de Estudios Tecnológicos de Coyoacán y desde la década de 1970
cuenta con su propio taller. Trabaja con niños y adultos,
contribuyendo a la sanación a través del arte. Su técnica es
una mixtura de fotografía y pintura, en apariencia técnicas
opuestas, que la artista logra conjuntar para propiciar la
perduración de un recuerdo en el tiempo. Ha exhibido su
trabajo en galerías de México, Italia y Estados Unidos. Asimismo, ha contribuido con instituciones sin ánimo de lucro
para beneficio de la educación de niños mexicanos.
Marilyn
Técnica mixta
sobre cuchara
de metal.
CECILIA PRECIADO
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Sin título
Acrílico sobre papel.
VÍCTOR RODRÍGUEZ
Disparo de letras
Técnica mixta.
BEATRIZ RIVAS
(ciudad de México, 1965) cursó estudios de Derecho,
Periodismo y una maestría en Letras Modernas, además de varios diplomados de Literatura. Es autora de
las novelas: La hora sin diosas, Viento amargo, Todas
mis vidas posibles, Amores adúlteros… el final, Lo que
no mata, enamora, y Distancia. Se ha desempeñado
como periodista en diferentes medios e imparte talleres literarios para formar escritores. Publica una columna en el blog Cuadernos Doble Raya y trabaja en
su próxima novela: Dios se fue de viaje.
(Ciudad de México, 1970), fundamentalmente autodidacta, se dedicó a pintar, enfrentando a contracorriente a sus contemporáneos que se entregaban
a las complejidades retóricas del conceptualismo y
la posmodernidad insistiendo que “la pintura había
muerto”. Experimentó disciplinadamente las posibilidades de la representación pictórica, convencido de
que la búsqueda estética se da en el lienzo y no en las
teorías. Cada una de sus pinturas es un experimento
con el que trata de demostrar hipótesis formuladas
en términos estéticos, en función de formas y colores.
Ha expuesto tanto individual como colectivamente
en México, Estados Unidos, España, Francia y Japón,
entre otros sitios.
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Pala escolar
Técnica mixta.
Construction
Impresión 3D.
ARIEL ROJO
(Ciudad de México, 1976), considerado hoy uno de los
grandes diseñadores del mundo, a los 21 años formó
parte del equipo ganador del proyecto para remodelar el Zócalo de la ciudad de México. El diseño del
mobiliario urbano que él concibió recibió, además,
una mención especial. Nieto del primer fabricante de
circuitos impresos del país, creció entre guillotinas, troqueladoras y taladros, y desde adolescente se apasionó
con el grabado al ácido y el diseño de circuitos para plataformas petroleras. Su trabajo, combinación de arte e
ingeniería, ha rebasado fronteras y lo ha convertido en
merecedor de premios en concursos internacionales.
Ha expuesto en la tienda de diseño del MoMA de Nueva
York y de Japón, y ha participado en el London Festival of
Architecture 2008, en las Olimpiadas de Diseño del 2010
y en el London Design Festival en el 2012.
VICENTE ROJO
(Barcelona, España, 1932) llegó a México en 1949 huyendo del gobierno franquista español. Establecido
en nuestro país, se involucró en el medio cultural, tanto en las artes plásticas como en la literatura. Colaboró
en la fundación de Ediciones Era, en la gestación de
importantes suplementos culturales y de un sinfín de
publicaciones. Su obra (pintura, escultura, grabado)
está compuesta por series como Señales, Negaciones,
Recuerdos, México bajo la lluvia, Escenarios, con motivos como pirámides, códices, estelas, visiones urbanas y volcanes. Escrituras, su serie actual, está formada
por frases, correspondencias y alfabetos, primitivos
o secretos. Ha acompañado con imágenes a los más
importantes poetas y narradores de nuestro tiempo.
Recibió el Premio Nacional de Arte y el doctorado Honoris Causa por la Universidad Nacional Autónoma de
México. En 2010 publicó la monografía Puntos suspensivos. Escenas de un autorretrato, y en 2013, su libro de
testimonios Diario abierto. 79
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Cicatrizada por la construcción
Tatuaje en látex sobre cuchara.
Palapilamide
Acero y madera.
VICENTE ROJO CAMA
(Ciudad de México, 1960) es compositor, diseñador gráfico y artista visual. En 1993 fundó su estudio de diseño gráfico
La Pleca, donde concibe libros de arte y catálogos para múltiples editoriales e instituciones públicas y privadas. Su
obra musical y plástica se ha presentado en México y el extranjero. Ha obtenido numerosos premios, becas y reconocimientos. Formo parte del Sistema Nacional de Creadores en 2010.
BETSABEÉ ROMERO
(ciudad de México, 1963) es una transgresora que redefine el arte contemporáneo dando nuevos significados a una llanta, un chicle, un volante, un tatuaje o un motivo prehispánico. Su discurso crítico aporta nuevos
significados a lo local y a lo cotidiano, a los símbolos y ritos de la cultura de consumo. Ha realizado más de 30
exposiciones individuales en México, Estados Unidos y Europa, entre las que destacan las del Museo Amparo
en Puebla, MARCO de Monterrey, Museo de San Ildefonso, Canberra University Museum, Museo Carrillo Gil,
Tropenmuseum en Ámsterdam, Kennedy Center en Washington y el Museo de La Recoleta en Buenos Aires. Sus
coleccionistas se multiplican alrededor del mundo.
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Koi
Gesso sobre metal.
MARÍA ISABEL ROVALO
Estudió Diseño Textil en la Universidad
Iberoamericana. Por más de diez años,
hizo diseño de alta moda para Macario
Jiménez. Realizó diplomados en dibujo
y pintura abstracta, talleres de pintura y
dibujo con Begoña Zorrilla, Javier Areán,
Francisco Messeguer y Carlos García de la
Nuez. En la Academia de San Carlos, ahondó en las materias de dibujo y esmalte
vítreo; de igual manera, formó parte del
taller de retrato con Alfredo Nieto, el taller
de cerámica con Magda Alazraki y el taller
de grabado. Ha participado en exposiciones grupales en la Universidad Iberoamericana y en la UNAM. Algunas de sus piezas
se encuentran en áreas públicas del hotel
JW Marriott Santa Fe, así como en las 300
habitaciones y en cuatro de los salones del
hotel JW Marriott Los Cabos, además de
colecciones particulares.
TIX TIX (Camaleón)
Mixta sobre metal.
PABLO ESTEBAN SÁNCHEZ
(Ciudad de México, 1988) tuvo su primera experiencia con el arte mirando a su padre pintar. Se mudó con su familia a
Leiden, Holanda, donde conoció las obras de los maestros holandeses: Rembrandt, Van Gogh, Piet Mondrian y Karel Appel,
mismas que determinaron su visión y lo motivaron a pensar de manera diferente. En 2011 se mudó a Oaxaca, ciudad natal
de su padre, ahí, dice él, entró en contacto con su otra mitad: completó su círculo con un estilo definido que le ha permitido
“vivir” el arte y no sólo crearlo. Se refiere a esta transformación como la investigación del “lenguaje de la naturaleza’’. Con un
gran curriculum de exposiciones nacionales e internacionales, Pablo Esteban es uno de los jóvenes creadores más prolíficos de su estado. Ha expuesto en Estados Unidos, Singapur, China, Rusia, Holanda entre otros y sus trabajos se encuentran
en colecciones privadas y públicas alrededor del mundo.
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Trulla / argamasa
Caja de madera , acrílico,
pintura de aceite y chine collé.
Como es arriba
es abajo
Cuchara, "tortilla" de papel, tinta
china, carbón, acuarela y aluminio,
dentro de caja de acrílico.
JEANNE SAADE
(Ciudad de México, 1964) ha recibido su formación
en diferentes talleres de dibujo, pintura y acuarela,
con maestros como Eduardo Cohen, Gilberto Aceves Navarro, Oscar Guttman, Guati Rojo, Luz García
Ordóñez y Gustavo Jaimes, entre algunos otros. Ha
participado en exposiciones colectivas en San Miguel de Allende, Atlanta, la Universidad Iberoamericana, el Claustro de Sor Juana, el Museo Universitario del Chopo y el Museo Nacional de Historia del
Castillo de Chapultepec, por mencionar algunos. En
colectivo, ha participado en muestras en la Ciudad
de México, Guadalajara, Zacatecas, Puebla, Monterrey, Miami, Los Ángeles y Chicago, entre varias más.
También ha participado en importantes publicaciones periódicas como la revista Proceso o las revistas
universitarias Casa del Tiempo y Revista de la Universidad de México.
NUNIK SAURET
(Ciudad de México, 1951) realizó estudios en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda. Ha trabajado
pintura y escultura, pero es reconocida por sus grabados de
gran calidad técnica y temática. Se especializó en la técnica
japonesa bajo la tutela de grandes maestros como Keisei
Kobayashi, Tatsuma Watanabe, Kuniko Satake, Iwakiri Yuko.
Ha participado en más de cincuenta bienales y trienales en
todo el mundo. Su obra se encuentra en 26 museos, universidades e instituciones culturales en México, Colombia, Bulgaria, Puerto Rico, Estados Unidos, Japón, Eslovaquia, entre
otros países. Ha participado en más de 500 exposiciones
colectivas y más de 160 individuales por todo el orbe. En
diversos países como México, Yugoslavia, Canadá y Estados
Unidos, su obra ha recibido premios y reconocimientos. Forma parte del Consejo de la Academia de Artes y del Sistema
Nacional de Creadores de Arte.
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Constructio
Lámina de acero cortada a láser.
RAYMUNDO SESMA
(San Cristóbal de las Casas, Chiapas, 1954), artista
mexicano multidisciplinario, vive y trabaja entre Milán y México. Ha impartido numerosos talleres artísticos, ha sido becario de convocatorias nacionales y
extranjeras, y ha realizado un centenar de exposiciones individuales y colectivas, entre ellas: 11ª Bienal de
la Habana, Cuba, (2012); Campo expandido XXVII, en
Détournement Venice (2010); 2ª edición, Isole della
Certosa, Venecia; Campo Expandido XXIX, Bienale di
Architettura, Venecia; Campo Expandido XXXII, Puebla,
México (2011); Campo expandido XXII, en la Galería
Nina Menocal de la ciudad de México (2009). En 1995
creó Advento A.C., asociación civil cuyo fin es desarrollar acciones de arquitectura social para vincular a la
sociedad con el arte contemporáneo y el diseño.
Construcción Acrílico sobre cuchara.
LUCIANO SPANÓ
(Saluzzo, Italia, 1959) llegó a la Ciudad de México en
1974 y tuvo la oportunidad de estudiar con los maestros Marysole Wörner Baz, Benito Messeger, Luis Nishizawa y Gilberto Aceves Navarro, en la ENAP y “La
Esmeralda”. Fue premiado en el Encuentro Nacional
de Arte Joven, en el Salón Nacional de Pintura y en el
Salón Nacional de Dibujo. Entre sus temas principales
se encuentran la exploración de la figura humana, las
catedrales y el color como acción pictórica y expresión
gestual. Entre sus exposiciones cabe mencionar AKASO, Biografía y su reciente serie Noesis, de más de 50
piezas de gran formato.
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RED
Laca, metal y madera.
Llana Nodriza
Mixta (acrílico y madera).
FERNANDO TAMÉS
(Tijuana, 1948), pintor autodidacta, aprendió el oficio
de grandes maestros como Manuel Guillén, Antonio
Rodríguez Luna y Héctor Cruz quienes le legaron diversas técnicas plásticas y sus aplicaciones. Su carrera
artística inició en 1972 con su primera exposición individual, desde entonces ha realizado más de cuarenta
exhibiciones, entre las que destacan las presentadas
en la Galería Carlos Olachea de La Paz, en el Museo de
la Isla de Cozumel, en el Centro Cultural México-Japón
de la Ciudad de México y en el Auditorio de Medicina
de la UNAM.
ELOY TARCISIO
(Ciudad de México, 1955) se ha dedicado a la creación
de su obra artística, a la educación y promoción del
arte. Su trabajo se caracteriza por la búsqueda de medios expresivos intensos con raíz en la cultura mexicana a través de géneros tradicionales y de otros de
origen contemporáneo. Fundó EX-Teresa Arte Alternativo en la Ciudad de México. Es becario en Medios
Alternativos de Artes Visuales del Sistema Nacional
de Creadores (FONCA). Ex-director de “La Esmeralda”
(INBA). Actualmente es profesor de Arte Urbano y Entorno de Postgrado en la Maestría de la Facultad de
Arte y Diseño de la UNAM. Funda Arte Hoy A. C., organización donataria sin fines de lucro, en apoyo del
arte ínter, multi y trans disciplinar, en donde coordina
el proyecto Salón Abierto.
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El pan de cada día
Técnica mixta.
ROBERTO TURNBULL
Con las manos en la masa
Concreto.
PALOMA TORRES
(Ciudad de México, 1960) cursó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ahora
Facultad de Arte y Diseño) de la UNAM, y la maestría en Grabado en color en la Academia de San Carlos. Asistió al
curso de Huecograbado en color, en el Atelier 17 de S. W. Hayter, en París, también efectuó residencias en la Universidad Visva Bharati, Shantiniketan Bengala, Calcuta (2012), con el maestro René Derouin, en Val-David, Canadá, en la
Ciudad Internacional de las Artes de París (2000) y en el Museo de Arte de Cerámica Mexicana (Fuping, China). Fue
profesora en la Universidad Iberoamericana y en La Esmeralda; en la actualidad es tutora en el programa Jóvenes
Creadores del FONCA. Es miembro de la Academia Internacional de Cerámica desde 2015. Su exposición Urban
Weavings se encuentra en exhibición en el Katara Center de Doha, Qatar.
(Ciudad de México, 1959), miembro de la llamada
generación de 1980, es una figura solitaria que más
que definirse con un estilo propi, continuamente hace
tabula rasa de su trayectoria y se reinventa con libertad rebelde y amplio repertorio de recursos estéticos.
Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y
Grabado “La Esmeralda”. Desde la década de 1980 ha
recibido reconocimientos y premios en bienales de
pintura y ha realizado numerosas exposiciones individuales, entre ellas: en los museos El Eco y de la Estampa, en 2009; en el de Arte Moderno, en 2000 y 2008; y
en el Carrillo Gil, en 1985. También ha colaborado en
exposiciones colectivas en México, Colombia, Cuba,
Bélgica y Estados Unidos, entre otros países. Vive y trabaja en México.
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El trabajo nos hace volar
Collage.
ISMAEL VARGAS
(Guadalajara, Jalisco, 1947) abandonó sus estudios de
secundaria para asistir como oyente a la Escuela de
Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara. Presentó su primera exposición en 1968 en una galería de
la capital del país, y al año siguiente en el Patio de los
Ángeles, en Guadalajara, Jalisco. En 1972 se instaló en
Tepoztlán, Morelos, junto con su esposa, la también
pintora Judith Gutiérrez. Ha expuesto en diversas ciudades, así como en el extranjero, y sus obras están en
importantes colecciones nacionales e internacionales.
Reside en Guadalajara.
Father and son
(Padre e hijo).
Cuchara de albañil, espátula
de pintor y canción de Cat
Stevens sobre madera.
BORIS VISKIN
(Ciudad de México, 1952) vivió su juventud en Israel
—en Tel Aviv, en Jerusalem y en el Kibutz Galed—, y
en Florencia, Italia, lugares que despertaron su interés por la pintura y alimentaron su sensación de desarraigo y vulnerabilidad frente al sinsentido existencial. Incómodo con las palabras —a ratos dice que se
siente un “cavernícola intuitivo”, y en otros, un “artista
conceptual”—, encuentra más sólidez y seguridad en
el mundo de las imágenes. La pintura ha sido desde
muy temprana edad su posibilidad de hilar lo que él
llama sus “múltiples y contradictoras personalidades”.
Ha expuesto individualmente en México y en el extranjero: Los Ángeles, Zurich, Buenos Aires, Florencia
y Jerusalén. Recientemente elaboró el diseño de la
explanada Arena Teques, tapete mural de ocho mil
metros cuadrados.
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Sin título
Técnica mixta.
Tres cucharadas de té
Madera pintada.
ROGER VON GUNTEN
(Zurich, Suiza, 1933) realizó estudios de pintura y arte
en su natal Suiza y llegó a México en 1957. Deslumbrado por este país, lo asumió como su patria y se
unió a la que se conocería como la Generación de la
Ruptura. Es un apasionado de la botánica, la música y
la astronomía, que se perciben en su obra a través del
uso vívido del color. Ha participado en numerosas exposiciones individuales, entre ellas: Roger von Gunten.
Toma de conciencia, Arte Hoy Galería (2013); Antológica, Casa de la Cultura Alí Chumacero, Nayarit (2012);
Agononiris, Galería Juan Martín (2011); Mitos Mares
Mil, Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí (2009); Paraísos inventados, Museo de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado (2008); y Mirador, Museo
José Luis Cuevas (2003). Realizó la escenografía para
La hija de Rapaccini, ópera de Daniel Catán, puesta en
escena en el Palacio de Bellas Artes. JORGE YÁZPIK
(Ciudad de México, 1955), incansable buscador de
materiales —piedras, maderas, concreto, varillas o
cartones—, es reconocido por su lenguaje escultórico con el que crea grietas, ranuras y huecos para dar
volumen y abrir pasos de luz. Realizó estudios en la
Escuela Nacional de San Carlos y ha expuesto, entre
otros, en los museos: de Arte Moderno, Tamayo, Nacional de Antropología, MACO (Oaxaca), Pape (Coahuila), Federico Silva (San Luis Potosí), MACAY (Mérida) y
Nacional de Bellas Artes de Montevideo. Algunas de
sus piezas se encuentran en Santo Domingo, en Oaxaca, y en los jardines de la UNAM. En la Expo de Hannover, en 2000, representó a México con dos esculturas
monumentales.
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Obra Gráfica
Subasta cerrada
Cuchara hecha en colaboración
con el Maestro albañil Israel Torres
Varilla, alambre y concreto.
MOISÉS ZABLUDOVSKY
(Ciudad de México, 1959) comenzó sus estudios artísticos a los diez años con Silvia H. González, y los
continuó en el Atelier Arcai, en París. Inicialmente se
concentró en el dibujo y la pintura. Expuso de manera individual y colectiva en la década de 1970, en la
Galería Mer-Kup, cuya directora era su abuela materna Merl de Kuper. Ingresó a la Universidad Autónoma
Metropolitana, en 1978. Después vivió en Nueva York,
de 1979 a 1984, donde estudió diseño para comunicación gráfica en la Parsons School of Design. Incursionó
en la escultura y, sobre todo, en el arte objeto, a partir
del año 2000. Esta última disciplina lo llevó a concebir
la Conferencia Heterogénea sobre Objetos Utilitarios
(CHOU), que ha presentado en el Museo de Arte Moderno, el Museo Tamayo, el Museo de Arte Experimental El Eco, el Centro Nacional de Las Artes, el Lunario
del Auditorio Nacional, y recientemente en el Museo
Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM.
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Litografía 58/100
Realizada en el taller Mourlet.
78 x 110 cm.
MIGUEL ÁNGEL ALAMILLA
Mixografía 13/100
84 x 84 cm.
MIGUEL ÁNGEL ALAMILLA
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100
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98
Los altos índices
Litografía PA II/IV, 26 x 34.4 cm.
JORGE MARÍN
Sin título I
Grabados al Agua fuerte, Agua tinta y
Azúcar, 41.5 x 25 cm.
EMILIO PAYÁN
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106
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Sin título II
Grabados al Agua fuerte, Agua tinta y
Azúcar, 41.5 x 25 cm.
EMILIO PAYÁN
Sin título III
Grabados al Agua fuerte, Agua tinta y
Azúcar, 41.5 x 25 cm.
EMILIO PAYÁN
108
Paisaje
Albañil, secundaria.
109
MANUEL ÁLVARO MELCHOR JIMÉNEZ
110
Fuentes del sur
Electricista, preparatoria.
GONZALO PÉREZ SÁNCHEZ
Al fin terminadas
Hebelero, preparatoria.
DAVID FUENTES ZEFERINO
Granitos • Cuarzos • Mármoles • Calizas • Slates
Marquetería • Porcelanatos • Materiales exóticos
Maderas • Ónix • Pisos laminados
Si no es MyM
no es muebles y mudanzas
Naucalpan: 5576-0906
División del Norte: 5605-7504
Coyoacán: 5534-3046
www.pisosmarmex.com.mx
5577-5122 / 5577-5866
[email protected]
Aydándole a capacitar al personal de su empresa
5533-6616 / 5207-3383 / 5207-2903
Dar en el clavo. Subasta de cucharas de albañil
Se imprimió en los talleres de Offset Santiago, S.A. de C.V.
Av. Río San Joaquín 436, Colonia Ampliación Granada.
En el mes de abril de 2016
Con un tiraje de 1300 ejemplares