APROPIACIONISMO.

APROPIACIONISMO.
El apropiacionismo es un movimiento artístico que sigue el procedimiento de la apropiación. En las
artes visuales, el término apropiación se refiere, a menudo, al uso de elementos tomados para la
creación de una nueva obra, sea pintura, escultura o incluso poesía.
Estos elementos tomados pueden ser imágenes, formas o estilos de la historia del arte o de la
cultura popular, o bien materiales o técnicas obtenidas de un contexto no artístico. Desde la
década de 1980 el término también se refiere más específicamente al hecho de citar la obra de
otro artista para crear una nueva obra. La obra puede alterar o no la obra original. Aunque los
seguidores de Walter Benjamin y él mismo clarificarán que la reproducción de una obra de arte
implica la pérdida de su aura más primitiva, pero sin embargo, la apropiación y la derivación de la
obra original va a producir una nueva aura y eso es lo realmente destacable.
Historia.
La apropiación, de una manera u otra, siempre ha formado parte de la historia de la humanidad.
La historia del arte tiene una larga tradición de los préstamos y el uso de estilos y formas ya
existentes anteriormente. Los estudiantes de arte siempre han aprendido de artistas establecidos
y han progresado mediante la copia. El arte y la cultura visual comenzaron con la apropiación,
tomando imágenes, sonidos y conceptos del mundo e interpretándolos de una manera artística.
De hecho, el apropiacionismo, ya se utilizaba en la Edad Media incluso en la música donde se
componía a través de la copia, con pequeñas variaciones, de otras obras musicales ya existentes.
Leonardo da Vinci usó el apropiacionismo, utilizando diversas fuentes dentro del campo de la
biología, las matemáticas, la ingeniería y el arte, para sintetizarlas todas en las invenciones y obras
de arte.Charles Darwin examinó, recontextualizó y difundió grabados científicos y biológicos ya
existentes para demostrar su teoría de la evolución.
A principios del siglo XX Pablo Picasso y Georges Braque incorporaron objetos no artísticos dentro
de sus obras. En 1912, Picasso pegó un trozo de hule sobre un lienzo. Obras posteriores como
Guitarra, diario, vidrio y botella de 1913 están hechas con recortes de periódicos, que van creando
formas convirtiéndose en los preliminares del cubismo sintético. Ambos artistas incorporaron
aspectos del mundo real en sus obras, dando lugar a la discusión entre la significación y la
representación artística.
Cinco años más tarde, en 1917, Marcel Duchamp introdujo la idea del ready made, poniendo un
urinario sobre una peana, con la firma "R. Mutt". El urinario no era ni original ni único, Duchamp
defendía su proceso creativo en el hecho de seleccionar el urinario como obra de arte y mostrarlo
en un contexto artístico. Incluso llegó a utilizar una copia de la Mona Lisa en su obra L.H.O.O.Q.,
con estos ready made, se trataba de hacer partícipe al espectador y por lo tanto con su
observación se le implica en que el objeto expuesto sea considerado una obra de arte. El
movimiento Dada, —Duchamp era uno de los miembros— continuó con la apropiación de objetos
cotidianos, pero sin intentar elevar el estatus de objetos cotidianos a objetos artísticos. Se basaba
más en un tipo de arte donde el azar y la aleatoriedad constituían la base del proceso creativo.
Artistas como Hugo Ball, Jean Arp,Hans Richter, Richard Huelsenbeck, André Breton, Tristan Tzara
y Francis Picabiaformaron parte del movimiento dadá, apoyando a la irracionalidad y rechazando
deliberadamente las normas del arte vigentes hasta el momento.
Los surrealistas, también incorporaron el uso de objetos encontrados, un ejemplo es la obra de
Meret Oppenheim Objecto (Luncheon in Fur) (1936). Los objetos tomaban un nuevo significado
cuando se combinaban con otros objetos inverosímiles.
En 1938 Joseph Cornell produjo el que podría considerarse el primer trabajo de apropiación del
cine. Cortó y reconstruyó aleatoriamente la película Rose Hobart. Este trabajo inspiraría
posteriormente a varios video artistas.
En la década de 1950 Robert Rauschenberg utilizó lo que denominó combines (combinaciones),
literalmente, la combinación de objetos ready made, tales como neumáticos, camas, pintura,
serigrafías, collages y fotografías. Del mismo modo, Jasper Johns, trabajó al mismo tiempo que
Rauschenberg, incorporó objetos encontrados en su trabajo. Johns también consignó las imágenes
simbólicas, como la bandera de Estados Unidos.
El movimiento Fluxus también usó el apropiacionismo: sus miembros mezclaban diferentes
disciplinas artísticas, incluidas las artes visuales, música y literatura. A lo largo de los años 1960 y
1970 organizaron acciones, pequeños eventos artísticos y produjeron esculturas con materiales no
convencionales. El grupo incluso se apropió del sistema postal en el desarrollo del mail art, o arte
postal. Sus actuaciones intentaban elevar la banalidad, apropiándose como elemento artístico y
separándola de la alta cultura.
Junto con artistas como Roy Lichtenstein y Claes Oldenburg, Andy Warhol se apropió de imágenes
de arte comercial y de la cultura popular, así como de las técnicas de estas industrias. A menudo
llamados artistas pop, vieron la cultura popular de masas como la cultura vernácula principal,
compartida por todos, independientemente de la educación de las personas. Estos artistas
captaron el concepto de efímero producido a partir de la cultura producida en masa.
En 1958 Bruce Conner produce la influyente A movie una película en que se recombinan
diferentes clips de otras películas para producir un nuevo trabajo donde se analiza la propensión
de la humanidad hacia la violencia. Al mismo tiempo, Raphael Montañez Ortiz participó en el
Destructionisme movimiento en el que los objetos y las películas se cortaban, desmontaban,
quemaban y destruían parcialmente para dar lugar a nuevas obras de arte. En 1958 Ortiz produjo
Cowboy and Indian Film, una película basada íntegramente en el apropiacionismo.
A finales de 1970 Dara Birnbaum trabajó con el apropiacionismo para producir obras de arte
feministas. Entre 1978 y 1979 produjo una de las primeras apropiaciones en vídeo. Technology,
Transformation: Wonder Woman, en la que se apropiaba de escenas de las series de televisión
Wonder Woman para producir un nuevo trabajo.
El término apropiacionismo se utilizó durante los años 80 del siglo XX, por artistas como Sherrie
Levine, quien se dirigió enn el acto de apropiarse como el tema central de su trabajo artístico.
Levine cita a menudo obras enteras en sus trabajos, por ejemplo, fotografiando las imágenes de
Walker Evans. Levine desafió las ideas de originalidad, llamando la atención en las relaciones entre
el poder, el género, la creatividad, el consumismo y el valor de los productos básicos, las fuentes y
usos sociales del arte. Levine juega con el concepto de «casi igual». Durante los años 1970 y 1980
Richard Prince volvió a fotografiar anuncios, como el de los cigarrillos Marlboro, u obras de
fotoperiodismo. Prince quería hablar de temas relacionados con el materialismo y la idea del
espectáculo referenciada en la propia experiencia.
Los apropiacionistas comentan sobre todos los aspectos de la cultura y la sociedad del siglo XX.
Joseph Kosuth se apropió de imágenes para analizar temas de filosofía y epistemología. Otros
artistas como Jeff Koons, Barbara Kruger, Greg Colson y Malcolm Morley también trataron el tema
del apropiacionismo en sus trabajos.
En la década de 1990 los artistas continuaron usando el apropiacionismo, utilizándolo como medio
para hacer frente a las teorías y las cuestiones sociales, en lugar de centrarse en las propias obras.
Damian Loeb utilizó el cine para analizar la diferencia entre simulacro y realidad. Otros artistas de
la década de 1990 como Christian Marclay, Deborah Kass y Damien Hirst también usaron esta
técnica. Hay artistas que incorporan y utilizan objetos tanto artísticos como no artísticos. Por
ejemplo, Cory Arcangel incorpora aspectos nostálgicos de la cultura de masas a través de la reelaboración de videojuegos y programas de ordenador antiguos. Otros artistas contemporáneos
como los Chapman Brothers, Benjamin Edwards, Joy Garnett, Paul Pfeiffer o Pierre Huyghe
continúan investigando los límites del apropiacionismo.
Apropiacionismo y derechos de autor.
Esta práctica artística a menudo ha generado problemas o discusiones en cuanto a la gestión del
copyright. En Estados Unidos es el país donde se han generado más denuncias y juicios al respecto.
La jurisprudencia está empezando a investigar la división entre las obras de transformación y las
obras derivadas. Muchos países están siguiendo el ejemplo de EEUU, hacia unos derechos de
autor más restrictivos.
La serie de Latas de sopa Campbell, también conocida como 32 latas de sopa Campbell, fue
producida por Warhol en 1962 y es uno de sus trabajos más conocidos.
Ya en los años 50 y 60 del siglo XX, Andy Warhol se enfrentó a una serie de demandas judiciales
por las fototografías que utilizaba en sus serigrafías. Patricia Caulfield, fotógrafa, había hecho unas
fotos a unas flores para una revista, y en 1964 Warhol forró las paredes de la galería de arte de
Leo Castelli en Nueva York con reproducciones serigrafiadas de la fotografía de Caulfield. Después
de ver un cartel de su trabajo en una librería, Caulfield reclamó la propiedad de la imagen. Warhol
consiguió llegar a un acuerdo fuera de los juzgados, dando a Caulfield un canon para el uso futuro
de la imagen, así como dos pinturas.
Por otro lado, la famosa pintura Latas de sopa Campbell de Warhol, por lo general no es
considerada como una infracción de los derechos de autor, a pesar de verse claramente la lata,
porque obras de arte y latas de sopa no son competencia directa, según el abogado Jeroni Gibson,
experto en marcas.
Jeff Koons también se ha enfrentado a cuestiones de derecho de autor debido a su trabajo. El
fotógrafo Art Rogers presentó una demanda en contra de Koons por infracción de derechos de
autor en 1989. La obra de Koons, Cadena de cachorros era una reproducción en tres dimensiones
de una fotografía en blanco y negro de Rogers que Koons había visto en una tarjeta de felicitación
comprada en un aeropuerto. El artista alegó fair use y parodia en su defensa, pero Koons perdió el
caso. En octubre de 2006 Koons ganó otro juicio utilizando el argumento del fair use. Por una
comisión formada por siete expertos en pintura del Museo Guggenheim de Berlín, Koons se basó
en parte de una fotografía tomada por Andrea Blanch llamadaSilk Sandals by Gucci y publicada en
agosto de 2000 en la revista Allure. Koons tomó la imagen de las piernas y sandalias de diamantes
de la foto (omitiendo otros detalles de fondo) y la utilizó en su pintura Niágara, que también
incluye otros tres pares de piernas de mujer colgando sobre un paisaje surrealista. En su
presentación ante la corte, el abogado de Koons, John Koegel, dijo que Niágara era una obra de
arte completamente nueva. El juez encontró que esta obra hacía un «uso transformador» de la
fotografía de Blanch, por lo que no sustituía o duplicaba el objetivo de la original, escribió el juez,
«pero lo utiliza como materia prima en una nueva manera de crear nueva información, nuevas
estéticas y nuevas ideas.»
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