Zirkolika nº 16 Castellano

editorial
Que el circo es un arte del movimiento está clarísimo; es eso y más. Por eso no es difícil ver que, en la historia
de este arte, muy a menudo ha provocado movimientos, actitudes y posicionamientos ante la propia vida. Lo
que sí cuesta es encontrar un momento como el actual, en el que el circo está a un paso de superar el histórico estado de marginación al que se ha visto relegado y en el que se ha acostumbrado a vivir. No hay que
confundirlo con institucionalización y pérdida de la fresca popularidad; es simplemente llegar a un estado de
madurez que permita situarlo oficialmente al mismo nivel que el teatro y la danza. Eso quiere decir con los
mismos derechos y los mismos recursos.
El reciente Plan Integral del Circo tiene como propósito alcanzar este estado, pero en todas partes proliferan
experiencias que están devolviendo al circo la entidad que se merece. Varios son los modelos: la primera
edición del Festival Internacional de Albacete, siguiendo el estilo del de Montecarlo, denota la importancia
que dan al circo en La Mancha; las producciones del Price de Madrid, el segundo circo estable actual del Estado, demuestran una vitalidad fruto de un movimiento más amplio, y solo hay que lamentar que en Granada
se haya perdido esta oportunidad. Así pues, hay que aprovechar el momento y saber transformar todos los
apoyos institucionales en movimiento creativo.
Zirkolika n.16
Primavera 2008
Portada: Leosvel & Diosmani
Festival Internacional de Albacete
Foto: Ivon Kervinio
Equipo
Director: Vicente Llorca
Redacción: Cesc Martínez, Oriol Raventós,
Miquel Moreno, Marcel Barrera, Quim Elias,
Ramon Bech, Laia Gilabert, Víctor López, Javier
Gamonal, Jordi Jané, Martí Franch.
Disseño y maquetación: Mònica Gómez
Fotografía: Manel Sala “Ulls”, Payaso Enrico,
Marta Silva, Laia Gilabert
Coordinador de contenidos y traducción:
Cesc Martínez
Asesoramiento terminológico: Jordi Jané
Han colaborado en este número: Barbara
Berini, Joan Ramon Graell
Zirkólika nº 16
Primavera 2008
Edita: Zirkolika
Ap. de correos 2008
08080 Barcelona
Tel.: 93 310 67 93
Fax.: 93 350 30 00
Sumario
Panorama
2
Festivales
6
Montecarlo
6
Cirque du Demain de París
7
Festival Internazionale di Latina
8
Budapest Circus Festival
9
Albacete
10
Estrenas
12
Agenda
13
Reportajes y entrevistas
Circoxidado
14
Circus Krone
16
una entrevista: Alessandro Serena y Marcello Chiarenza
18
Kristian Krisof
20
Las malabaristas más en forma
22
Escuelas de Clown de Barcelona
24
Crónicas
Cavalia
26
web: http://www.zirkolika.com
Mail: [email protected]
Dep. Legal: B-29.661-2004
Circ d’Hivern de Nou Barris: Click!
27
Circ Raluy
28
Imprime: Indice, S.L.
Zirkoteca
Libros, música y arte
29
Zirkolikos
32
panorama [actualidad]
Presentado el Plan Integral del Circo
Mientras en la sede del departamento de
Cultura i Mitjans de Comunicació, el pasado 12 de marzo, se firmaba el documento
del Plan Integral del Circo, justo delante,
en la Rambla de Santa Mònica, un grupo
de acróbatas distraían a los transeúntes
haciendo saltos mortales, saltos árabes y
bailando hip-hop.
Jordi Juanet “Boni”, presidente de la
APCC, y el conseller Tresserras se dan la
mano después de firmar el documento.
Foto: Ulls.
Ellos calentaban y empezaban a atraer al público heterogéneo que a esa hora paseaba por
Las Ramblas, y dentro quedaba establecido que
precisamente lo que ellos hacían tendrá el mismo rango que otras actividades artísticas como
el teatro, la danza o la música. Y con eso, el circo
ha dado un salto decisivo para consolidarse como
una actividad cultural normal.
La APCC y la Generalitat fijan siete prioridades
El documento fue presentado por el propio consejero de Cultura i
Mitjans de Comunicació, Joan Manuel Tresserras, y los responsables
de su equipo: Eduard Voltas, secretario de Cultura, y Berta Sureda,
directora de la Entitat Autònoma de Difusió Cultural, de donde ha
salido la redacción de este Plan. La mesa se completaba con dos representantes de la Associació de Professionals de Circ de Catalunya
(APCC): Jordi Juanet “Boni”, presidente, y Jordi Jané. Precisamente,
uno de los aspectos que quiso destacar el consejero fue el apoyo
que ha recibido de la APCC, que ha hecho posible ordenar las reivindicaciones del sector.
Entre los asistentes, aparte de una abundante presencia de la prensa, estaban algunos de los principales interesados en este Plan —aunque no todos—:
miembros de la APCC, bastantes artistas, miembros de la escuela Rogelio Rivel
y también alumnos. Jordi Juanet calificó la jornada de histórica y destacó: “Este
Plan mira hacia el futuro del sector, es para los que empiezan, para que encuentren una mejor situación de público, de espacios, de formación, que la que
encontramos nosotros cuando empezamos a hacer circo hace treinta años.” En
el mismo sentido, Jordi Jané calificó la tarea de los artistas que comenzaron a
trabajar hace tres décadas como una “resistencia heroica que ha propiciado la
situación actual”.
Las líneas del Plan Integral no difieren de las que ya se presentaron un año
atrás, solo que ahora están fundamentadas en el conocimiento que la Consejería
ha acumulado durante este tiempo, con la ayuda firme de la APCC: 1) impulsar
la creación y producción, 2) crear espacios de trabajo, 3) regular la formación,
4) establecer circuitos (un circuito estable, conseguir figurar en las programa-
ciones de los espacios públicos y privados y abrir nuevos mercados), 5) dotar la
profesión de un marco legal, 6) dignificar y difundir la actividad y 7) dotarla de
una financiación apropiada.
Cada uno de estos puntos está perfectamente estructurado en objetivos
y acciones concretas para materializarlos; así, cuando se habla de impulsar la
creación y la producción, el documento especifica que la Generalitat dará ayudas a la búsqueda artística, a las empresas productoras de espectáculos y a las
infraestructuras en las que se haga circo, e incluso firmará convenios trienales
con compañías estables para que puedan planificar el trabajo a medio plazo,
una práctica ya habitual en teatro.
Trabajo avanzado
No se puede decir que el proceso empiece a partir de ahora. Algunas de las
acciones que señala el Plan Integral ya están encaminadas, como por ejemplo
el centro de creación en Barcelona —impulsado por el Ayuntamiento— que
dé salida a la necesidad que hay desde hace tiempo y se incorpore a la red
de los que ya están funcionando. Este nuevo centro, que en principio estará
instalado en el Fòrum en unas carpas provisionales que ya estaban encargadas
antes de presentar el Plan, empezará a funcionar en julio. Jordi Jané, durante la
conferencia de prensa, comparó lo que en arte es creación con lo que en otros
ámbitos es investigación.
Otro campo que tiene una base de trabajo hecho es la formación. Después
de las Jornadas de Formación que organizó la APCC (ver Zirkólika 14 y 15), se
constituyó la mesa que ya está trabajando en la elaboración del mapa de formación de circo, que comprende todos los niveles, desde la base, en las escuelas,
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panorama
hasta la educación superior circense, pasando por los niveles secundarios, el
ocio, la formación en centros deportivos, etc. De momento, junto a la APCC
y el departamento de Cultura, trabajan la consejería de Educación, la escuela
Rogelio Rivel, el INEFC, el Institut del Teatre y el Ateneu de Nou Barris.
¿Dónde vamos a ir para ver circo?
Una de las acciones estrella de este Plan, la constitución de un grupo de ciudades circenses, las llamdas Ciutats Amigues, también está en fase avanzada. En
el momento de presentar el Plan Integral, ya había unas quince ciudades prácticamente adheridas, y aunque en la rueda de prensa no se dijo cuáles eran para
poder completar el trabajo, en Zirkólika hemos podido saber que efectivamente
se está trabajando con toda intensidad. Las Ciudades Amigas serán municipios
que se comprometerán por cuatro años a dar apoyo al circo desde vertientes
distintas, no exclusivamente la exhibición.
El otro punto fuerte del programa, la creación de un circo estable en la
capital catalana, también figura en la lista de objetivos que se propone el Plan
Integral, pero por ahora parece que no es una prioridad inmediata. El conseller
Tresserras se remitió al anuncio hecho por el Ayuntamiento de que estaba estudiando varios emplazamientos y no dio más detalles, ni sobre el tipo de gestión
de esta infraestructura ni nada. Queda muy claro que ahora no se está trabajando para llegar a tener un circo estable sino para tejer una realidad circense de
calidad y que dure más allá de lo que parece que es un momento óptimo.
Pero el circuito de difusión del arte del circo no termina con las Ciutats
Amigues y la construcción de un circo estable. A partir de ahora, los espectáculos de circo también los podremos encontrar en los teatros municipales y,
en general, en los de titularidad pública, mientras que los privados se supone
que irán incorporando el circo a sus programaciones a medida que aumente la
consideración por este arte escénico. Por lo que respecta a la difusión y, en consecuencia, a la creación de nuevos mercados, el Plan Integral prevé exportar el
circo hecho en Cataluña en colaboración con el Institut Ramon Llull. La primera
acción concreta del Departament será montar un stand al Salón del Circo de
París, bajo el sello Catalan!Circus.
En cuanto a las giras de los circo itinerantes con carpa, la situación ya
empezó a aclararse hace unos meses, cuando los representantes de las dos
asociaciones que agrupan los municipios de Cataluña firmaron un protocolo con
la APCC, el Circ Raluy, el Circ Cric y el departamento de Cultura para regular
las necesidades de este tipo de empresas. A pesar de eso, la parte de crear
un marco legal específico para el circo requiere aún mucho tiempo de trabajo.
Entre otras cosas, porque los sectores implicados son muchos: la situación
legal de los artistas pide un marco legal general; las instalaciones, vehículos y
los aparatos técnicos deben ser homologados y hay que hacer una normativa
específica, lo que correspondería a otro departamento de la Generalitat, igual
como el cumplimiento de la normativa sobre animales corresponde al departamento de Medi Ambient i Habitatge. /Cesc Martínez
2,44 millones de euros
Como dijo el propio conseller, “a menudo la credibilidad de la palabra dada por
los políticos se mide por la cantidad de dinero que destinan a los proyectos”. En
este sentido, el Plan Integral tiene atribuido un presupuesto global para el 2008
de 2,44 millones, un 50% más que la cantidad destinada al circo el 2007. Si lo
comparamos con el 2006, la cifra es el doble.
Este dinero se destinará al circo siguiendo el orden de prioridades que marcan los estudios hechos sobre el sector. Un ejemplo claro es la inyección que
recibirá el centro de creación La Vela de Vilanova i la Geltrú, que, después de comprobar que necesitaba una intervención de urgencia para mejorar y acondicionar
sus instalaciones, le ha sido asignado un presupuesto de 520.000 euros, a repartir
entre Generalitat y Ayuntamiento (el año pasado recibió 52.000). Más adelante, el
dinero que recibirá estará en función de los que necesite para su mantenimiento.
Por si fuera poco, el cumplimiento del Plan Integral, según afirmó Tresserras,
dependerá exclusivamente de la consejería de Cultura i Mitjans de Comunicació,
independientemente que más adelante los recursos se puedan conseguir a
través del futuro Consell de les Arts o de otras instituciones.
Es evidente que llegar a firmar un Plan tan ambicioso como este y dotarlo
de recursos no ha sido fácil, pero también lo es que en los últimos años la
rapidez del proceso ha sido considerable. Es una buena garantía para el futuro
del circo.
Foto de familia de la APCC con el conseller Tresserras y varios miembros de su
equipo, y alumnos de la escuela Rogelio
Rivel. Foto: Ulls.
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panorama [actualidad]
Un año en el Almazén
Jango Edwards y Màgic Andreu. Foto: Ulls.
Jango Edwards lleva un año instalado en
el Raval, comprometido con el proyecto de
la asociación La Ciutat de les Paraules, de
la mano de Macarena González de Vega.
Allí está el Almazén, donde se exhiben las
propuestas de esta singular entidad y sirve
como espacio de interacción cultural con
tres apuestas fundamentales: galería de
arte, cuna de proyectos con marca de la
casa y programación estable.
Serial artist da nombre a la galería. En ella, artistas conocidos exponen su obra bajo pseudónimo, algo que hace más asequible la adquisición de
obras y democratiza, dicen, el mercado del arte.
Los proyectos del Almazén, muchos y diversos,
con frecuencia tienen vinculación con el barrio. En el
centro se idean propuestas, crecen, evolucionan y
se integran en el espacio y el tiempo; se mimetizan,
se ramifican y de ellos siempre queda algo para
enlazar con un proyecto posterior.
presentar sus propios trabajos, han sido Loco Brusca, Laura Herts y Los Románticos Empedernidos.
Edwards se ocupa de la programación estable.
Ejerce como director escénico del espacio que tiene
como principal pilar al payaso. Junto con The Fools
Militia inició su aventura en el Almazén a principios
de 2007, y desde septiembre los ciclos Global Clown Theatre y Cabaret Cabrón nutren la programación del espacio. Los jueves y viernes, Global Clown
Theatre propone un espectáculo de compañías o
artistas invitados, y dentro de este mismo ciclo, una
vez al mes, Jango actúa junto a otro/s payaso/s
reconocido/s. Los sábados, en el Cabaret Cabrón,
Jango dirige y/o participa en un espectáculo plural
con la colaboración de profesionales.
Todos los sábados, Jango
Edwards dirige un espectáculo o
participa en él
Solo durante dos días de febrero, se unieron
en el Global Clown Theatre Màgic Andreu y Jango
Edwards con M*A*G*I*C*O Fantástico: la increíble
historia de Dr. Andreu y Mister DODO. Ambos artistas hace mucho que se conocen y, aun ejerciendo
disciplinas distintas, tienen almas muy parecidas y la
vinculación con su arte es igual de auténtica. Otros
artistas que han actuado junto con él, además de
En el Almazén, además de Macarena, también
están Ana, Daniela, Erica, Carlos, Ingrid y Vicky. Mu-
chas mujeres, sí; quizá por esto en febrero iniciaron
el ciclo VIW (Very Important Women), ciclo de espectáculos de mujeres payasas que comenzó a andar con Las gallegas, de la compañía Lolita Corina.
Así pues, el Almazén se presenta como una
buena propuesta dentro del panorama cultural catalán que apuesta por una de las disciplinas típicas
del circo y abraza así un arte todavía muy desfavorecido en nuestra tierra pero que lenta, firme y
paulatinamente va ganando terreno.
Almazén c/ Guifré, 9 baixos / www.almazen.net
/Barbara Berini
De Cervantes al Price
Rocinante es el título de la nueva producción
del Teatro Circo Price de Madrid. El punto de
partida del espectáculo es, efectivamente,
una aventura quijotesca: un tal Saturnino
Quijano emprende un viaje para ir al Price a
enseñar su número de doma, y le acompaña
su amigo Paco Sánchez.
Los encargados de dar vida a estos dos personajes son dos cómicos famosos de la televisión:
Juan Muñoz, del dúo Cruz y Raya, y Pedro Reyes.
Y con toda la intención de enmarcar el show en
un contexto cultural definido, el programa está
compuesto solo por artistas españoles, excepto
los ganadores de un Clown de oro en el festival
de Montecarlo de este año, los hermanos Pellegrini, acróbatas mano a mano (ver pág. 6). Los
artistas que conforman el elenco de esta producción tienen todos una solvencia demostrada (los
Gotys, los Tonitos, Niedziela Raluy, Ivano Jarz, en-
tre otros), y eso hace que el montaje
tenga algo único.
Con dramaturgia de José Luis Alonso de Santos y puesta en escena de
Raffaele de Ritis, el programa también
incluye la magia de grandes ilusiones
de Magic Jarz y un número de alta
escuela a cargo de Patricia Romero y
José Pardo. Este último podría ser un
número más del espectáculo, pero
evoca al Rocinante del título, que es
más interesante que el Quijano-Quijote. No está mal para recordar que el
origen del viaje del circo moderno son
los número ecuestres y, de paso, para
reivindicarlos.
En definitiva, un espectáculo de calidad muy bien fundamentado. /ZRK
4 zirkolika16
Los Gotys. Foto: Payaso Enrico.
panorama [ha sido noticia]
Foro de Sevilla
El pasado mes de diciembre se celebró el
Foro de Sevilla para promover la creación
del Consejo Estatal de las Artes Escénicas
y de la Música.
Este nuevo organismo, impulsado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música
(INAEM), deberá servir para canalizar las relaciones
entre la administración central del Estado y un con-
junto de sectores diversos como el teatro, la danza,
la música y el circo.
En lo que respecta al circo, los representantes
del sector (Rafael Pla, Circo Gran Fele; Genís Matabosch, María Palomar y Montserrat Trias, del Consejo Asesor de Circo del INAEM; José Maestro, de
Extremadura Teatral; José Palacios, de la Asociación
de Artistas y Amigos del Circo, y Laia Alzueta, de la
APCC) reclamaron la creación de una Subdirección
de Circo separada de la de teatro. Asimismo, se
pedía hacer una campaña que prestigiase el circo
como cultura, regularizar la formación profesional
del sector, fomentar la creación de redes de distribución de los espectáculos y festivales que permitan intercambios internacionales. /ZRK
Premio a Solomanolo
por la innovación
Uno de los Premios Sebastià Gasch de Artes Parateatrales 2007, concedidos por el FAD, fue a parar Manolo Alcántara por su espectáculo
Locomotivo. Alcántara recibió este premio por haber profundizado
en sus habilidades como funambulista, malabarista e intérprete, y
en especial por su “interesante e innovador trabajo de investigación
del espacio escénico sobre una estructura de cable autónomo en
movimiento bidireccional” (ver Zirkólika nº 9).
Solomanolo y su Locomotivo, en Reus. Foto: Ulls.
El espectáculo de Solomanolo —el personaje— crea un continuo a base
de recortes, números circenses sacados de la misma carrera de Alcántara, que
encajan con la máquina-escenario. La construcción de este aparato era una
vieja idea que le llevó mucho tiempo de trabajo. El espectáculo se estrenó en
2006. /ZRK
La plaza de Catalunya, un circo magnífico
El Instituto Francés de Barcelona hizo un regalo de Navidad muy especial a la ciudad: la
actuación de Transe Express, con el montaje
Maudits sonants. Este mismo espectáculo, monumental, musical, casi ritual, ya se
había visto antes en nuestro país, en la inauguración, hace años, de la feria Trapezi
de Reus.
Dejando a un lado la belleza plástica de esta
propuesta, que culmina con una estructura circular colgada de una grúa a unos veinte metros del
suelo manteniendo en suspensión a un conjunto de
músicos —músicos de una música de campanas,
rítmica, perpetua—, tres acróbatas, dos al trapecio
fijo y una con cuerda volante, fue la propia plaza
la que aportó singularidad al espectáculo. Posiblemente, Plaça de Catalunya es el lugar más conocido
de Barcelona, uno de los más transitados y puede
parecer que también es una especie de territorio
neutral; pero con una actuación de este tipo quedó
demostrado que es un espacio ideal para el teatro
de calle y el circo. Primero, precisamente porque se
Este puede ser tu
espacio publicitario
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encuentra justo en el centro de la ciudad y tiene, por
eso mismo, un magnetismo que atrae a un público
casual, transeúntes de todo tipo que no necesariamente tienen que ser conscientes de que van a ver
un espectáculo. Segundo, porque el fondo urbano
de edificios con carácter, la amplitud y el espacio
central circular le dan una dimensión única. Lo que
se hace difícil es entender por qué no se usa más
a menudo para eventos así. Quizá habría que reclamarlo. /ZRK
Montecarlo
R E P O R TA J E
Familia Casselly (arriba) y
Trio Martini (abajo)
Li Wei.
32º Festival Internacional
de Circo de Montecarlo
Treinta compañías y artistas de circo competían este año (a finales de enero, del 17 al 27) por los
prestigiosos Clowns del Festival de Circo de Montecarlo. Unos premios que reconocen el trabajo de
los mejores números de circo del mundo. Se otorgaron tres Clowns de oro: a los hermanos Pelligrini
(equilibrios), a la troupe húngara Florian Richter (acrobacias y saltos a caballo) y a Li Wei (equilibrio
sobre cable).
Los Clowns de plata fueron para: la Troupe de Shenyang (combinación de
aéreos), la familia Casselly (doma de elefantes y caballos), la Troupe Catana
(acrobacias con báscula), Crazy Wilson (rueda de la muerte) y Vertical Tango
(mástil chino). Y los Clowns de bronce fueron para: Elayne Kramer (equilibrista),
Marina & Svetlana (antipodistas) y Akimov (cinchas).
Gran parte de los espectadores que asisten al festival son artistas y profesionales de circo de todo el mundo, un exigente público al que no es fácil
contentar. A más de uno le supo a poco el programa de esta edición, pues
consideró que algunos números no estaban a la altura del nivel que se acostumbra a ver todos los años en Montecarlo. No obstante, algunos números
fueron excepcionales.
El joven chino Li Wei asombró enormemente al público con unos increíbles
ejercicios de equilibrio sobre cable flojo. Se paseaba haciendo la vertical por
el cable y así se mantuvo durante casi dos minutos, en equilibrio, mientras el
cable subía y bajaba. Buscando el más difícil todavía, aún fue capaz de montar
en monociclo también sobre el cable pero impulsándose con sus manos en
posición vertical y recorriendo el fino acero de lado a lado. Una técnica extraordinaria, como la de los cuatro hermanos italianos Pelligrini. Éstos realizan
figuras imposibles en equilibrio, aumentando cada vez el grado de dificultad. A
los Pelligrini los podemos volver a ver ahora en el Circo Price de Madrid en la
primera producción de este año. Con equilibrios y contorsiones también destacó
la joven Elayne Kramer, que acaba su número con un espectacular tiro con arco
haciendo diana en un globo. La dificultad del ejercicio se debe a que el tiro lo
realiza con los pies, mientras hace la vertical.
Las exhibiciones de doma de animales destacaron por su buena presentación y originalidad. La familia Casselly presentó dos números combinados de
elefantes africanos y caballos que bien les valió un merecido Clown de plata. Y
aunque sin Clown, también destacó el domador de leones y tigres Kid Bauer,
que hacía jugar y caminar en equilibrio sobre un fino palo suspendido a dos
metros del suelo a una leona y a un tigre medio enamorados. John Burke hizo
a ritmo de blues un excelente y original número cómico con sus dos leones
marinos amaestrados.
En la parte cómica, el gran payaso inglés Donimo no acabó de conectar con el
público. En cambio, el veterano estadounidense Grandma consiguió arrancar muchas
más risas con sus tiernas y cómicas reprises. Pero tal vez nuestros payasos españoles el Trio Martini fueron los que, con sus dos entradas clásicas musicales, gustaron
más y tuvieron más éxito; se les otorgó el premio especial Jérome Medrano.
Uno de los momentos de mayor emoción y riesgo lo protagonizaron los hermanos Fuentes Gasca. El grupo de trapecistas de este circo mexicano pretendía
realizar un cuádruple salto mortal que sólo llegaron a conseguir en uno de los
espectáculos, tras intentarlo cuatro veces seguidas, y por el que obtuvieron un
premio especial de la Presidenta del Festival, la princesa Estefanía.
Un año más, el Festival de Montecarlo volvió a salir a la calle y presentó gran
parte de los números en un espectáculo de casi dos horas, a mediodía y al aire
libre en la zona del puerto, con la música de la orquesta del festival en directo.
Un motivo más para intentar acercarse cada año a esta imprescindible cita
circense. /Vicente Llorca
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Cirque du Demain
R E P O R TA J E
Medallistas en París
Un análisis de la 29ª edición del
Cirque du Demain
París es siempre París, una ciudad donde presentar la vanguardia. Como es ya tradicional, el Cirque
Phenix hospedó nuevamente el festival Cirque de Demain, que, fiel a su cita invernal, celebró su vigésimo novena edición con una cuidadosa selección de veinticuatro números, ejecutados por jóvenes
artistas procedentes de: África (Tanzania), Asia (Armenia, China, Rusia y Taiwán-RPC), América (Argentina, Canadá, Colombia y EEUU) y, por supuesto, Europa (España, Francia, Gran Bretaña, Holanda,
Suiza y Ucrania).
En París, destaca el nivel
técnico.
producción al estilo “película de piratas” por parte de los rusos, que volaron
por los aires sobre la red y un barco de aplausos. Merecido bronce, pues, para
estos últimos.
29º Festival Mondial
du Cirque de Demain
Medallas principales
Son tan importantes la técnica y la originalidad como el contacto con el
público. Así, las actuaciones cándidas del representante taiwanés o del local
Morgan, obtuvieron medalla como recompensa a un trabajo bien hecho sin
perder la sonrisa y la mirada cómplice.
Oro
Alexandre Kulakov, malabares
Troupe de Suining, equilibrios
Sergio Tymofieiev, equilibrios
Wei-Liang Lin, diábolo
Durante los tres días del festival, la nutrida representación de prensa internacional especializada, la asistencia de un público francés que cada vez muestra
mejor criterio, los autobuses de distintas escuelas europeas de circo y un jurado
a la altura del evento, acabaron por conformar la atmósfera propia de las ocasiones importantes.
Plata
Morgan, malabares
Troupe d’Hebei, antipodistas
Garamovs, trapecio volante
Bronce
Arevik Seyranyan, equilibrios
Duo Morosof, cuadrante coreano
Entre las disciplinas exhibidas, se recogen los equilibrios (predominando los
ejercicios de verticales, algo que podemos considerar ya una tendencia consolidada, quizás desde el éxito de Encho Keryazov), malabares (clásicos en esta
ocasión: pelotas, mazas y aros), diábolo, paraguas chinos, acrobacia cómica,
payaso, cuadrante coreano, trapecio volante y fijo, mano a mano, contorsionismo… Dos fueron los payasos que se encargaron de encajar los números con
sus reprises: el español Rubén (formado entre España y Canadá y nuestra única
representación nacional este año en París) y Goos, de Holanda.
Asimismo, durante esta edición, se realizó una gala de homenaje a Francia
en la que belgas, suizos y canadienses acompañaron a los artistas franceses
—presentados por un número de entrada a cargo de los alumnos de la escuela
Rosny-sous-Bois—. De hecho, Francia sigue demostrando que el circo es uno
de sus platos favoritos, con una competente federación nacional de escuelas
y una guinda que se guardan para dentro de muy poco: la celebración de la
primera feria especializada en el mundo del circo, el Salon Mundial du Cirque,
proyectada para el 11-13 de abril en la propia ciudad de París. Como no podía
ser de otra forma, Zirkolika estará por allí, así que atentos a las noticias…
/Víctor López Saavedra
Países inéditos en este festival, como Armenia o Colombia, presentaron
sólidas credenciales; en el primer caso, con un impresionante número de Seyranyan, que dislocó a su antojo ambos hombros en un imposible ejercicio de
equilibrios verticales y contorsionismo (medalla de bronce); en el caso de Colombia, con un estupendo José Henry Caycedo-Casiera, quien sobre la cuerda
de rebote y embutido en un vestuario y maquillaje de impresión, se hizo acreedor del premio Cirque du Soleil.
En cuanto a la originalidad de las actuaciones, pudimos disfrutar de un bello cuadrante coreano ejecutado por el Duo Morosof (una prometedora pareja
euroamericana), así como de performances novedosas, pero muy equilibradas,
como es el caso de la Troupe de Suining o el del ruso Kulakov, que resultó
ganador de la medalla de oro en París y de plata en Latina (Italia). EEUU y Rusia
mantuvieron, por su parte, una peculiar lucha en los trapecios: una coreografía
casi de baile en el caso de los americanos sobre un trapecio fijo, y toda una
7 zirkolika16
La originalidad también es
muy importante.
Città di Latina
R E P O R TA J E
IX Festival Internazionale
Città di Latina
Un encuentro anual en Italia de jóvenes talentos
Entre los días 18 y 22 del pasado mes de octubre, tuvo lugar en la ciudad de Latina la novena edición
del festival internacional de circo con más repercusión de Italia. Este encuentro de jóvenes talentos
viene suponiendo en los últimos años una piedra de toque significativa a la hora de conocer nuevos
nombres en el panorama circense internacional, lo que se refleja con una sustanciosa actividad de
contrataciones in situ.
Los jóvenes artistas acudieron en
representación de los siguientes países: Alemania, China, EEUU, España,
Finlandia, Italia, México, Mongolia,
Mozambique, Nigeria, Kenya, Rusia
y Ucrania. Asimismo, tanto la prensa
como, sobre todo, el jurado, representaron igualmente un espectro variado
de banderas. Entre los nombres más
llamativos estaban Emilien Bouglione
(Cirque d’Hiver de París), Frank Keller
(Circo Krone, Alemania), Maxim Nikulin
(Nikulin Moscow Circus), Istvan Kristof
(Circo Estable de Budapest y director
del festival internacional de la misma ciudad) o, como no, nuestro José María
González (Gran Circo Mundial). Por último, cabría reseñar la significativa presencia del equipo de casting de Cirque du Soleil.
En lo que se refiere al desarrollo del festival, éste siguió la estructura tradicional propia de estas ocasiones, con dos programas a concurso y una serie de
artistas exhibiendo sus espectáculos fuera del programa (particularmente con
números de animales). La catalana Niedziela Raluy (14 años), heredera de una
de las familias de circo más reconocidas de España, abrió uno de los programas
con un impecable número sobre su compañero de escena, un monociclo que
le acompaña desde su debut, hace
más de cuatro años. La actuación de
Raluy, cuidada en la estética, clásica
en la puesta en escena y precisa en
la ejecución, supuso una tarjeta de
presentación estupenda (ver también
pág. 28).
Como dato significativo, en esta
novena edición del festival, se confirmó la preferencia por números con
una coreografía muy cuidada, como
como quedó demostrado con el oro
en verticales para ucraniano Dima Shine (ejecutado íntegramente sobre una
barra rusa vertical y dirigido por Viktor
Kee) o la plata para el representante
del Bolshoi Circus de Moscú, Kulakov, con un ejercicio de malabares
con aros y danza. En cualquier caso,
también tuvieron su reconocimiento
ejercicios más tradicionales en disciplinas clásicas (trapecio o malabares).
/Víctor López Saavedra
IX Festival internazionale
Città di Latina Artistas premiados
Oro
Dima Shine, verticales
Plata
Hebei Acrobatic Troupe, meteoros
Jin Ying, verticales
Alexandre Kulakov, malabares
Bronce
Tyron Colombaioni, malabares
Troup Gallea, estructura sostenida
Stephanie Hones, trapecio
Premio de la crítica
Troupe Gallea, estructura sostenida
Para los que estén interesados en participar en la próxima edición, les aconsejamos visitar www.
festivalcircolatina.it, donde se recoge toda la información necesaria. El décimo cumpleaños promete
mejoras y sorpresas. Para empezar, se ha ampliado el límite de edad de los 21 a los 25 años. Desde el
30 de abril de 2008, podéis enviar vuestros videos al European Youth Circus de Wiesbaden, Alemania,
hasta noviembre de 2008. Buena suerte, ¡nos vemos bajo la carpa!
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Circus Festival of Budapest
R E P O R TA J E
7th International
Circus Festival of Budapest
Casi sin tener tiempo para reponernos de las emociones vividas en Montecarlo, nos trasladamos a
Budapest, para poder ser testimonios de excepción del séptimo Festival Internacional de circo de dicha
ciudad, que tuvo lugar en el entrañable Fövárosi Circusz.
La Beijing Acrobatic Troupe ganó con todo merecimiento la medalla de oro del Festival con su
espectacular número de rola-rola. En su primer ejercicio ya dejaban entrever la excepcionalidad
de sus habilidades, con un salto de espaldas, con la tabla en las manos, para quedar en equilibrio
vertical sobre el rulo. Más adelante nos ofrecerían otro complicado ejercicio: mortal hacia atrás en
dos tiempos para quedar otra vez en pie. La complicación se aumentaba al trabajar por parejas,
con el portor en equilibrio sobre la tabla, oscilando sobre el rulo, mientras el ágil asumía distintas
posiciones partiendo de un equilibrio de mano sobre cabeza, primero vertical para ir enlazando
distintas posturas laterales y frontales con apertura de piernas y volver a la posición inicial y finalizar
el ejercicio con un equilibrio de brazos en cruz, nuca contra nuca. Pero lo mejor lo reservaban para
el final: el portor en equilibrio sobre tres rulos y una tabla, aguantando con los brazos levantados
una segunda tabla en la que el ágil se encontraba en equilibrio vertical con apertura de piernas,
sobre tres rulos y una tercera tabla. No contentos con el prodigio, giraron 360º para que todos los
espectadores pudieran contemplar el equilibrio desde todos los ángulos.
Las dos medallas de plata del Festival fueron para números ya conocidos de otros eventos,
como la barra rusa de White Crow o el equilibrista Dima Shine. Este último brilla con luz propia en
sus equilibrios sobre un mástil, combinando espectacularmente distintas posiciones en bandera
con la barra en rotación con equilibrios más clásicos encima del mismo y finalizando con un equilibrio en vertical con torsión completa hacia delante.
Beijing Acrobatic Troupe.
Dos de las medallas de bronce fueron para números cómicos: el americano Rob Torres y los
húngaros Mr. & Mrs. Dittmar. El primero, pese a su juventud posee el carisma que sólo tienen los
grandes, ya que al poco rato de entrar en la pista establece una complicidad con el público que sólo
está al alcance de los mejores. Esto, unido a la sencillez de sus planteamientos, nos hace presagiar
que dentro de pocos años será un artista cotizado y disputado por los mejores circos del mundo.
Los segundos sorprendían por la diferencia de altura entre ambos, ya que la mujer sobrepasaba
los dos metros y el hombre apenas llegaba al metro setenta. Cuando empezaron a bailar, con ella
llevando el ritmo, casi arrastrando a su pareja, nos pareció ver de nuevo a nuestra Mary Sampere.
Las otras dos medallas de bronce fueron a parar a la báscula de los Narkevich y al equilibrista
Glenn Nicolodi. Los primeros, además de por la calidad de sus ejercicios, destacan por darle un
aire desenfadado al clásico número de báscula; mientras que el segundo basa gran parte de su
trabajo en los mismos ejercicios que hicieron famosos hace años a los míticos Elwardos: impulsos
sobre una mano en vertical, subir y bajar en la misma posición por una escalera y un brillante
salto mortal hacia atrás para caer en una mano y efectuar a continuación varias vueltas en esta
disposición. Su originalidad reside en que en algunos de sus ejercicios cuenta con la ayuda de
un perrito acróbata.
Entre los números no premiados, podríamos destacar tres. Los Flying Spiders, que emulan
a sus predecesores de Pyongyang, tienen su mejor aval en un trabajo de trapecios volantes con
distintos portores a varios niveles, haciendo un complicadísimo triple mortal girando en horizontal
(triple pirueta) y un cruce de dos ágiles pasando muy cerca uno de otro. Anastasia Fedotova, con
su poético número de alta escuela, alcanza una sincronización perfecta con su caballo. La francesa
Françoise Rochais (ver págs. 22-23), con sus malabares con elementos asimétricos, llega al número de cinco con una raqueta de tenis, un palo, una maza, una pelota y un aro.
El Festival Internacional de Circo de Budapest no tiene nada que envidiar a los mejores festivales que existen actualmente en Europa, tanto por la profesionalidad de su organización como por
la calidad de los artistas que forman parte del mismo. /Ramon Bech
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R E P O R TA J E
Albacete,
un festival con futuro
Dicen que los pequeños detalles son poderosos. En la ciudad de Albacete, donde se celebró el primer
festival internacional de circo entre el 28 de febrero y el 2 de marzo, la orquesta de once músicos
del director francés Carmino d’Angelo no terminaba su trabajo al cerrarse las cortinas después de
cada función, sino que la banda tenía pila para tocar pasodobles o Cantando bajo la lluvia mientras el
público desfilaba poco a poco y entre aglomeraciones (se agotaron todas las localidades y el balance
fue de 10.000 espectadores) hacia el exterior de circo. Este pequeño detalle, para algunos puede ser
ínfimo: no es habitual verlo actualmente en otros festivales y menos aún en funciones de circo ordinarias; pero aunque sea eso, un pequeño detalle, da grandeza a un festival que, siendo ésta su primera
edición, llevó números de buen nivel nunca vistos en Europa.
Aunque no sea una sorpresa, las compañías chinas y los artistas de la Europa del Este fueron las más relevantes. De China llegaron dos números originales
y de una extraordinaria dificultad técnica. La Jining Acrobatic Troupe salió con
unos grandes mástiles que poco más o menos tendrían más de tres metros
de altura, y aguantándolos en equilibrio con una sola mano hacían grandes
acrobacias, saltos mortales, juegos icarios y torres humanas de tres. En una
de las funciones de competición, uno de los artistas de la compañía perdió
el control de uno de los mástiles, que fue a caer sobre uno de los palcos del
circo sin provocar daños. Todo quedó en un susto. Este gran número, seguido
por un extraordinario acompañamiento por parte de la orquesta, ganó uno de
los dos premios Equilibrista de Plata que concedió el jurado. La compañía que
se marchó con las manos vacías fue la Hebei Wuquiao Acrobatic Troupe, que
merecía algo más por su número de lazos. Con largas cuerdas en movimiento
circular, los artistas hacían saltos mortales en el aire dentro de los lazos y flicflacs en el suelo, con la dificultad de que el voltear de la cuerda es siempre
completamente imprevisible.
Oro para Vavilovs y Phantasmal
Uno de los oros recayó en una compañía rusa, The Vavilovs, procedente del circo estatal de Moscú y formada por seis artistas, por su número “Hand Voltige”.
Vestidos y gesticulando como si fueran agentes de seguridad, hicieron saltos
de banquina espectaculares, cruzamientos, piruetas y un triple salto mortal que
acabó con una gran llamarada de fuego. La puesta en escena estaba inspirada
en la película Men in black, protagonizada por Tommy Lee Jones. Otra de las
imágenes que sin duda permanecerán de esta primera edición del festival es la
de la pareja cubana al mástil chino Leosvel y Diosmani. Uno de ellos en bandera
(en equilibrio horizontal en el mástil) y el otro de pie sobre el estómago de su
compañero. Este número ganó el premio del público y una estatuilla Acróbata de
Bronce. Otra pareja que también salió triunfadora fue la de las ucranianas Yulia
Poddybnaya & Natalia Panasenko, que con solo 21 y 19 años, respectivamente,
consiguieron el premio de la crítica especializada con un original y meritorio
número de mano a mano y contorsiones en el que estaban magníficamente
conjuntadas. Parecía un único cuerpo humano si no fuera porque se contaban
cuatro piernas y cuatro brazos. Ejercicios sorprendentes, los que presentaban
estas dos jovencísimas y prometedoras artistas, que arrancaban los aplausos
del público en cada función con su beso en la boca. Este número, por cierto, se
podrá ver en junio en Barcelona, en el estreno del Gay Circus.
La Jining Acrobatic Troupe.
Foto: François Dehurtevent
En este estallido de parejas circenses que el festival ha permitido descubrir
en Europa, también están las trapecistas mellizas norteamericanas Gemini Twins,
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Festival Albacete
Gensi (clown) y David Larible (augusto). Foto: Manuel Podio.
que por tres años estuvieron enroladas, entre 1998 y 2001, en la gira que el
Cirque du Soleil hizo con el espectáculo Saltimbanco por Asia y a quien el jurado
concedió uno de los primeros premios.
Sin desmerecer el trabajo que hicieron los payasos, una vez más este género salió el peor parado de todos, con actuaciones loables pero poco convincentes. Por ejemplo, la del payaso venezolano Gordiny, con una entrada de un
maniquí. El peruano Pitillo tuvo más adeptos gracias a sus habilidades con los
instrumentos musicales y un número con un perro que, de una forma bastante
sorprendente se hacía el muerto por un disparo. Incluso obtuvo el premio de la
imagen que concedió un jurado formato por fotógrafos especializados en circo,
entre los que estaba el catalán Enrico. El payaso Kirk Marsh, de Estados Unidos,
consiguió provocar risas con sus dos entradas de ”El plátano” y “El sombrero”.
En el capítulo de los números individuales, destaca el de Cho Chia-Hung, un
artista de Taiwan de 28 años que, con el nombre artístico de Phantasmal, ganó
un oro gracias a un buenísimo número de diábolos. Jugó con un diábolo, con
dos diábolo, con tres diábolos... Y un ejercicio insólito: con medio diábolo! Quien
también se llevó un premio fue el trío de pulsadores colombianos Rialcris.
Cumple las expectativas
El festival internacional de circo de Albacete, que intenta trasladar al Estado
español la fórmula de éxito que desde 1974 funciona en Montecarlo (con los
artistas en competición y dos programas diferentes), nace en medio del boom
que esta fórmula está teniendo en Francia, donde en los últimos años ha au-
mentado como setas el número de festivales. Hay una diferencia importante,
de momento, entre Montecarlo y Albacete, y es que en la ciudad de CastillaLa Mancha no se vieron números de animales en esta primera edición. Otra
diferencia es el presupuesto. Dirigido por Genís Matabosch, ha cumplido una
máxima que se dice en Cataluña: los catalanes, de las piedras hacen panes.
Financiado por muchas instituciones que hay en Albacete, la primera edición ha
cumplido de sobras en el ámbito artístico todas las expectativas generadas, y
seguro que habrá servido para descubrir nuevos talentos de China, Europa del
Este y Sudamérica e introducir muchos artistas al mercado de circo europeo.
Larible hace historia
Fuera de la competición, que se hizo en una carpa instalada en el interior de
la plaza de toros con un decorado que recordaba el origen musulmán de la
ciudad, el payaso David Larible y el catalán Fulgenci Mestres, que se conocieron hace pocas temporadas en el circo alemán Roncalli, introdujeron muchas
novedades a un espectáculo delirante que tiene pocos meses de vida y que
se presentó en el circo estable bajo la firma del director de escena Raffaele de
Ritis. El momento fue histórico. Era la primera vez que Larible, de 50 años de
edad, actuaba en el Estado español. Y el resultado también fue para recordar.
Larible, al final de la función y fuera del guión, recordó la primera vez que visitó
España, con diez años, y que su objetivo estaba muy lejos de los circos. “Quería
ser torero, y gracias a Dios no lo fui.” La noche del 1 de marzo mucha gente lo
agradeció. /Marcel Barrera
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ESTRENOS
Rococó Bananas (Los Excéntricos)
peu de foto
El nuevo espectáculo de Los Excéntricos es fiel al estilo de esta singular troupe de músicos payasos. Sylvestre sigue siendo el músico clásico propenso al ataque de nervios,
Marceline es para siempre la diva enfrentada continuamente al desastre y Zaza, con su
risotada contagiosa, continúa desconcertando con cada gesto.
Rococó Bananas (como el nombre indica) es una serie de situaciones absurdas, conducidas magistralmente por los tres excéntricos. Especialmente divertida es la escena del “concerto classico” de música clásica, recuperada de su espectáculo Música Maestro, que termina con un número de levitación con
acompañamiento de sierra musical. También destacable es el número de los platos giratorios, siempre a
punto de hacerse añicos, en el que saben transmitir al público la necesaria tensión.
Foto: Ulls.
La escenografía se reduce prácticamente a los instrumentos musicales que utilizan y es que la
música es el alma del espectáculo. Aparece de forma espontánea y siempre sorprendente. Sale de unas
campanillas, de unos guantes silbadores o de una concertina larguísima, pero siempre con el encanto y
la belleza que dan la simplicidad y el buen gusto. /Oriol Raventós
Podréis ver a Los Excéntricos el 9 de mayo en el Teatre de la Unió de Sant Cugat o del 20 al 25 de junio a la Expo Universal de Zaragoza.
Los Herrerita en la Fundació Miró
The Flamingos vuelven a casa después de una gira internacional
para actuar en el pequeño teatro de la Fundació Miró. Con unas camisas de unos colores que no pueden ser más horteras y a ritmo de
música italiana de los 70, los dos artistas y el Nano de las maletas
descargan el equipaje en medio de la pista. Las maletas se convierten, en un santiamén, en la pista ideal para empezar a pasarse
pelotas de rebote de las maneras más inverosímiles.
de las maletas cada vez que se interpone en medio de un número. Como con
el de los tres monociclos, en el que acaban haciendo filigranas en un espacio
realmente pequeño.
The Flamingos es la última puesta en escena de Los Herrerita (David Herrera, Marcel Aguilar y Skate), esta troupe de malabaristas y monociclistas formados en el ambiente circense del Ateneu Popular de Nou Barris, al que continúan
vinculados como profesores de la escuela de circo infantil.
El espectáculo The Flamingos es el resultado de una mejora constando de
rutinas que los Herrerita llevan haciendo, por lo menos, desde 2005. Y eso se
nota en la seguridad que demuestran con los pases de pelotas y mazas, que
han ido complicando y mejorando año tras año. Actualmente, hacen cosas realmente originales, pasándose cuatro y cinco pelotas de lado o uno sobre el otro
y haciendo pases de mazas los tres a la vez. Además, últimamente, también han
mejorado la puesta en escena con la ayuda en la dirección de Miner Montell.
/Oriol Raventós
Se trata de un espectáculo para todos los públicos, pero los niños se divierten especialmente con él, sobre todo con los enredos que provoca el Nano
Tendréis una nueva oportunidad de ver The Flamingos el 4 de mayo en el
Caixafòrum.
Gala de Circo en la Vela de Vilanova
La programación navideña de circo en la Vela de Vilanova se consolida con dos propuestas de calidad. Primero, la
revisión con música en directo de Circo de la Sombra y, después, la Gala de Circo, con la presencia de varios artistas
del país.
Con respecto a Circo de la Sombra, significaba el final de una residencia en la Vela que les permitió ensayar con una banda de músicos
italianos con los cuales pronto van a empezar una gira. La música en directo añade un punto de calidad y calidez a un espectáculo ya
de por sí excelente.
La Gala de Circo tuvo un gran nivel y supo crear el ambiente idóneo para que todos los números encajaran entre si. Hubo incluso un
singular servicio de bar a cargo de los Galindos.
La Gala empezó de la mejor manera, con un sorprendente número de patines acrobáticos en el que cuatro patinadores hacían varias
figuras girando en un pequeño espacio circular. Eran la compañía Plot, con Sílvia de los Gingers y Kike de Zahir Circo. Después intervinieron
Txupi, de KdCirc, manipulando sombreros; Camille en el trapecio fijo, y Mimo con un perro adiestrado. En la segunda parte, pudimos ver la
Zahir Circo arriesgada mástil portado de Zahir Circo y el número cómico de barra fija de Guga de los Gingers. La música fue a cargo de los infatigables
Mortimers y Boni hizo de presentador, cerrando la gala con un trozo de su In Situ. /Oriol Raventós
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Agenda
Festivales
Circada
Festival de circo de Sevilla
Sevilla
Del 3 al 6 de abril
Fira Modernista
Terrassa
Del 9 al 11 de mayo
www.firamodernista.org
Magiclown 2008
Trobada Internacional de
Màgia i Clown
Cala de Bou, Sant Josep, Ibiza
Del 14 al 18 de mayo
www.magiclown.org
Trapezi – Reus
La Fira del Circ de Catalunya
Reus
Del 14 al 18 de mayo
www.trapezi.org
La mostra d’Igualada
Fira de Teatre Infantil i Juvenil
Del 14 al 18 de mayo
Igualada
www.lamostraigualada.cat
Festival Internacional de Teatre
de Carrer de Vila-real
Villareal
Fechas por confirmar.
www.vila-real.es/teatredecarrer
Espartinas
Fechas por confirmar.
www.ferialateatral.com
Umore Azoka
Feria de Artistas Callejeros del
Humor
Leioa
Del 22 al 25 de mayo
www.umoreazoka.org
Convenció de circ de
Cervera
Fechas por confirmar.
www.fadunito.com
Trapezi – Vilanova
Festival Internacional de Circ
Vilanova i la Geltrú
Del 30 de mayo al 1 de junio
www.vilanova.cat/trapezi
Locales, teatros…
TAC
Festival Internacional de Teatro
y Artes de Calle
Valladolid
Del 28 de mayo al 1 de junio
www.tacva.org
Festival de Circ Curtcirkit
Montgat (Barcelona)
Del 6 al 8 de junio
La Marató de l’Espectacle
Barcelona
Fechas por confirmar.
www.marato.com
LaTeatral
Feria de Teatro de la Calle
Barcelona
Almazén
Cabaret cabrón
Cada sábado.
www.almazen.net
CaixaForum
Los Herrerita.
4 de mayo, 13 h.
Teatre Nacional de Catalunya
TIR, de Deambulants
11, 18 i 25 de mayo i 1 de junio
www.tnc.cat
Madrid
Teatro Circo Price
Rocinante
Hasta el 27 de abril
http://www.esmadrid.com/circoprice
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Nudo de Manoteras, Sanchinarro
(Final de Arturo Soria)
Cavalia
1-13 de abril
www.cavalia.net
Bilbao
Explanada de Zorrozaurre
(Botica Vieja)
Cavalia
Del 27 de mayo al 8 de junio
www.cavalia.net
Exposiciones
Barcelona
Chaplin en imágenes
CaixaForum Barcelona
Hasta el 27 de abril
Segovia
El circo en el arte español
Museo Esteban Vicente
Hasta el 18 de mayo. Las actividades paralelas están programadas en días concretas.
En estas fechas también cae el
festival Titirimundi. Consultar
el web.
www.museoestebanvicente.es
R E P O R TA J E
Circoxidado
Lentamente, como en un rincón perdido en las afueras, entre los desperdicios de la metrópoli, cuatro artesanos (un músico y tres acróbatas) sueltan arte como la vida misma. Circoxidado nos dio una
lección de perseverancia el pasado noviembre con el espectáculo Concuerda. Aún nos queda en la
retina (y en el tímpano) el número de verticales de Manuela, el mástil de Xavi, las mazas de Cristian y
el hombre-orquesta Xavi. En los últimos años, estos enamorados del circo han estado trabajando sin
prisa pero sin pausa en este espectáculo, cuando Cristian se lesionó la rodilla y ya no pudo portar de
pie al ágil. Fue cuando prepararon el número de los portores sentados en el que, junto al de equilibrios de pie, demuestran su técnica artesanal y brillante.
Meses después del estreno (en carpa y con música en directo!), me reencuentro
con Xavi, uno de los miembros de Circoxidado, una nueva oportunidad para
saber más cosas de esta original compañía.
profesor súper ruso, súper técnico, que nos dio el empujón final que necesitábamos. Técnicamente, conseguimos bastante buen nivel gracias a lo que nos
acabaron de enseñar allá arriba.
Formásteis la compañía en Suiza, pero también habéis estado en
Rusia. ¿Qué podéis decir de estas dos escuelas?
Compañía catalano-argentina? Es el resultado de la llegada de artistas argentinos a Cataluña?
Son súper diferentes. La escuela de Suiza es muy familiar y allá hemos aprendido a convivir con la gente, a hacer cosas más colectivas y también más personales, más entre nosotros. Una escuela en la que realmente, si tienes ganas de
trabajar y montar cosas, lo puedes hacer, es así. Hemos aprendido a trabajar con
mucha gente distinta y también a currar un poco por nosotros mismos, porque
si querías conseguir hacer algo, tenías que forzarlo tú mismo, no tenías a nadie
detrás que te estuviera diciendo: ahora haz eso ahora haz aquello.
De hecho, nosotros no nos conocimos aquí sino en Suiza, en la escuela de
circo. Allá empezamos a trabajar juntos y hemos continuado desde entonces.
Fuimos a Rusia y, al volver, seguimos trabajando juntos.
Y entonces fuimos a Rusia, que es todo lo contrario. Allá fuimos a buscar
justamente la técnica de circo, concretamente los equilibrios que hacemos nosotros y los malabares de Cristian, y lo encontramos. Nos encontramos con un
Vuestro espectáculo Concuerda huye de los lujos y la espectacularidad. ¿Qué queréis decir con este espectáculo?
Es más o menos un reflejo de nuestra vida. Se podría decir que nosotros estamos acostumbrados a vivir con muy poca cosa: con lo que vamos encontrando,
lo que vamos reciclando (esta palabra que se ha puesto de moda) y lo hemos
transmitido al espectáculo. Estuvimos un tiempo viviendo en Vilafranca en un te-
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Circoxidado
rreno agrícola y hemos querido introducir este aspecto en nuestro espectáculo,
cuando aparece un silo de grano que viene de allá, del lugar donde estuvimos
viviendo. De allá también sale la madera y el metal y las cosas con las que
trabajamos y que tenemos al nuestro alcance. Éstos son de alguna forma los recursos que nosotros tenemos, que los hemos ido transformando. Es una forma
de dar valor a este tipo de cosas; se trataría de eso, de dar un valor artístico a lo
que es nuestra vida, lo que vamos encontrando en el día a día.
¿Qué podéis decirnos de vuestro estilo actoral, qué inspiraciones
habéis tenido?
Tranquilidad. Es un poco nuestra forma de hacer las cosas. Dirección artística,
en el espectáculo, por el momento no la hay. Ningún ojo exterior, lo hemos
hecho nosotros solos. Nos estamos planteando que alguien nos dirija, pero
quizá más adelante. La inspiración viene de cosas que hemos ido viendo, de
haber estado en Suiza y en Francia, de haber visto cosas que nos han gustado,
que nos han llamado más la atención que otras. Estéticamente, a todos tres nos
“Queríamos un universo de intimidad, encontrarnos
en un espacio interior. Se puede hacer en un teatro si
cumple ciertas condiciones, pero en circo las mejores
condiciones las tienes en una carpa.”
gusta Tim Burton, nos inspira bastante. Nuestra dirección son un poco las ideas
que hemos ido recogiendo a lo largo de los años. Hemos entrado en fábricas
antiguas y en otros lugares que nos han inspirado. Un par de elementos que
salen en el espectáculo son de una antigua fabrica de trenes que estaba llena de
maquinaria. ¡Nos pareció magnífico! Quisimos llevar todo eso al escenario, mostrar
a la gente por qué a nosotros nos gusta, lo queríamos enseñar a todo el mundo.
¿Por qué con carpa?
se tiene que hacer en carpa. Queríamos crear un universo de intimidad, una
cosa más bien reducida: huir de lo que es el aire libre o la calle para llevarlo a
un espacio interior.
También se puede adaptar a un teatro siempre que cumpla unas condiciones. Pero en el circo, las mejores condiciones las encuentras en una carpa,
y hemos tenido la oportunidad que nos ha dado la escuela de Suiza, que nos
ofrece esta carpa, que es suya y nos la ceden para hacer uso de ella. Hemos querido aprovecharlo, aunque eso significa mucho jaleo. No es nada fácil hacer circo
con carpa, pero nos gusta la idea. ¿Qué mejor que una carpa para hacer circo?
¿Qué planes tenéis para el futuro? ¿Dónde podremos veros?
El espectáculo es muy reciente y consideramos que aún no está terminado.
Ahora nos reencontraremos los artistas y queremos cambiar cosas y volver a
hacerlas. Hicimos el estreno, queríamos enseñar lo que estamos preparando,
y ahora lo que queremos es intentar vender: darnos a conocer, hacer promoción, vídeos… Ahora de lo que se trata es de esperar respuestas a ver si eso
interesa a alguien, tanto para teatros y festivales como, por qué no, agencias,
promotores… Intentar movernos. ¡Es muy difícil! Es un espectáculo complicado,
lo sabemos: por las condiciones, porque llevamos una carpa, porque tiene un
precio... No es un espectáculo común, se sale de lo convencional, sabemos
que es complicado, pero nos gusta eso y lo queremos llevar adelante, justamente porque nos gusta.
Fuísteis unos de los fundadores de la Macabra, que dejásteis para
ir a plantar la carpa a Vilafranca y ¡voló en una tormenta! Con la segunda carpa seguís con el proyecto. ¿De donde sacáis tanta fuerza
de voluntad?
Nos gusta lo que hacemos y de aquí sacamos la fuerza. Lo disfrutamos, vivimos
de eso y nos gusta, y me parece que es la mejor forma de sacar energía, de
sacar ganas de continuar adelante, de hacer cosas. ¡Creemos que hay que
promover el circo!, que se está poniendo de moda, que cada día gusta más y
que se acabará programando en todas partes. De aquí sale la energía: ¡de que
nosotros creemos en eso! /Joan Ramon Graell
Por el tipo de espectáculo. Necesita un espacio íntimo y creemos que el circo
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La carpa de Circoxidado.
R E P O R TA J E
Martin Lacey Jr. Foto: Marta Silva
El Circus Krone
El circo Krone ambulante fue fundado en 1905. Como en invierno las duras condiciones climáticas
obligaban a detener la temporada, decidieron construir un edificio estable en Munich, que fue inaugurado en 1919. Después de la Segunda Guerra Mundial tuvo que ser reconstruido. La directora actual
es la señora Christel Sembach-Krone, persona que vive entregada por completo a la gestión de su circo.
El circo Krone es una auténtica ciudad ambulante que da trabajo a 68 artistas, incluyendo entre estos el ballet, siendo en total 400 las personas que viven
en él. Sus dimensiones son colosales, con un chapitó para 5.000 espectadores,
con tres tiendas que cobijan a los elefantes (de 60 x 40 m), a los sesenta caballos y a los animales exóticos. El circo tiene 310 caravanas (numeradas todas
ellas) y 22 camiones. Es el único circo del mundo que posee un lavabo para
minusválidos, con una rampa hidráulica incorporada.
El circo ambulante funciona nueve meses al año y luego da paso a tres
programas distintos en las instalaciones estables de Munich. El primero empieza
el día de Navidad y dura hasta final de enero, el segundo ocupa todo el mes
de febrero y el tercero el de marzo. Además, presentan un programa benéfico
(Stars in the manage) en el que estrellas del mundo de la televisión, del cine o
del deporte, actúan como artistas de circo. Este programa es grabado y emitido
por televisión.
Cuando cambian de ciudad, los camiones deben hacer muchos viajes de
ida y vuelta a lo largo del día para poder transportar todo el material. El circo
conlleva unos gastos diarios de 25.000 €, de los cuales tres mil son para la
alimentación de los animales y las personas. Cada día necesitan 1.200 litros de
gasolina, que en gran parte se transforma en electricidad gracias a su estación
eléctrica, que genera 1.000 kilowatios por día.
Principalmente, su gira es por Alemania, aunque a veces también viaja a
Austria, Holanda, Bélgica y Luxemburgo. El año pasado, su espectáculo ambulante fue contemplado por 1.600.000 espectadores.
La gran inversión para hacer realidad este programa hace que, para que
sea rentable, tengan que hacer su gira con el mismo espectáculo durante
cinco años. Sólo la puesta en escena, decorados y vestuarios han costado
500.000 €.
La música es pre-grabada, ya que sería complicado que una orquesta pudiera tocar dos veces al día por espacio de tres horas, que es lo que dura cada
función.
Empieza el espectáculo
El show empieza con un número excepcional: la báscula de la Troupe Catana.
En su mejor ejercicio, una ágil es impulsada a la altura de una columna de cinco
para caer sobre un pie encima del último portor.
Los Atlantis muestran una buena simbiosis de técnica y coreografía, combinando saltos mortales con equilibrios en grupo. Así presentan un doble salto
mortal hacia adelante para caer en vertical sobre las manos entrelazadas de
los portores, y una excepcional pirámide, con dos portores en su base, un ágil
aguantándose en equilibrio horizontal, con sus dos manos encima de las ca-
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Circus Krone
bezas de sus compañeros y un segundo ágil encima del primero también en
equilibrio horizontal, con una mano sobre la cabeza.
Uno de los puntos fuertes del programa lo constituyen los números de animales. Mr. Dalmatine con sus perros y poneys presenta un brillante trabajo en el
que la comicidad está siempre presente. En varios momentos del programa hay
participación de los caballos: Jana Mandana y Sylvia Schickler presentan por
separado su número de alta escuela; Jana también nos presenta un trabajo de
caballos en libertad y otro en el que encima de su caballo dirige a cuatro cebras.
Pero, sin ninguna duda, el mejor momento es el de la troupe de cosacos, los
Iriston. Ya de inicio sorprende la velocidad con la que estos entran y salen de
la pista. Su variedad de ejercicios satisface al aficionado más exigente: tirar un
sombrero hacia arriba y recogerlo después de recorrer media circunferencia;
cambiar de lado, pasando por debajo de la cabeza del caballo, acción que
complican al realizarla por debajo de la panza, y sobretodo una difícil pirámide
a dos, con el ágil saltando desde el suelo para subir así a las espaldas de su
compañero.
La gran inversión para hacer realidad este programa hace
que, para que sea rentable, tengan que hacer su gira con
el mismo espectáculo durante cinco años.
Krone se enorgullece de poder presentar al Coronel Jo, el elefante más
grande del mundo. Tiene 32 años de edad, pesa siete toneladas, mide 3,50 m.
de altura y posee unos colmillos de 1,80 m. de largo. Su domador, James Puydebois, consigue hacerle trabajar con maestría junto con cuatro paquidermos
más. Su número es de corte clásico: giros 360º de los cinco elefantes a la vez;
paso por encima de una chica estirada en el suelo sin tocarla; pirámide final con
los cinco elefantes encima de un taburete…
Martin Lacey Jr. es, sin ningún tipo de dudas y pese a su juventud, el mejor
domador actual. Su número es precedido por una presentación de su vida
en las cuatro grandes pantallas alzadas encima de la jaula mientras las fieras
van entrando en pista. Después, todo se desarrollará a una inusitada rapidez y
con una buena combinación de ferocidad y suavidad, provocando los ataques,
siendo también capaz de besar a su león y que este finja un desmayo. Después,
él mismo, presenta a King Tonga, el león blanco, con el cual se exhibe encima
de una esfera luminosa.
Crazy Wilson demuestra rápidamente por qué su número es considerado
como el mejor en rueda de la muerte en solitario. Su trabajo se desarrolla a gran
velocidad, destacando por su salto mortal en el interior y en el exterior de la
rueda, y un mortal hacia atrás dentro de la rueda mientras se quita la chaqueta.
Es capaz de caminar por el exterior y por las barras, desde el péndulo hasta la
rueda cuando ésta se halla en posición horizontal.
Con los icarios Errani, el riesgo está siempre presente: equilibrio de pie
sobre cabeza; giros a toda velocidad en horizontal, como si el ágil fuera el tubo
de un antipodista; salto mortal hacia atrás para caer sobre un pie del portor, un
ejercicio que repiten cayendo sobre los dos pies; tres series alternativas y consecutivas de un giro hacia atrás, alternado con un doble salto mortal…
Tony Alexis presenta dos entradas. Junto con su mujer, representa la clásica
del restaurante, bordando su papel de camarero bebido. En su segunda intervención, aparece con toda su familia. Su hijo Toti brilla con luz propias cada vez
que actúa como augusto de soirée en las pausas, sobretodo en la que se pone
a “hacer música” con burbujas de jabón.
Los monjes de Shao Lin exhiben distintas habilidades: luchas con espadas;
romper tablones de madera de un solo golpe contra la espalda y la entrepierna;
doblar una barra de hierro girando uno sobre sí mismo hasta hacer un collarín
y deshacerlo después; salto entre tres círculos ardiendo y llenos de espadas,
primero estático y después con el círculo en movimiento y con los ojos vendados…
El programa finaliza con los trapecios volantes de la Troupe Borzovi, con tres
portores situados a tres distintos niveles, en la que las ágiles pasan por varias
manos. En uno de sus vuelos, una ágil es recogida según los patrones clásicos
por un portor y a continuación él la sube a su pequeña base. Pero luego la deja
pasar delante para poderla proyectar a gran altura y velocidad como si fuera un
número de trampolín, para caer en las manos de otro portor. /Ramon Bech
Izquierda: el Coronel Jo. Derecha: Crazy
Wilson. Fotos: Marta Silva.
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una entrevista
Perfil
Un experto circense y un poeta visual han renovado el panorama del circo italiano con los espectáculos
Visioni (titulado después Ombra di luna), Creature y Tesoro (los dos últimos vistos en 2006 en el festival
Trapezi y la Fira de Tàrrega, respectivamente). El pasado 13 de febrero, ambos creadores ofrecieron en el
Instituto Italiano de Cultura en Barcelona la conferencia “Artistas bajo la carpa del circo: perplejos”.
Alessandro Serena
y Marcello Chiarenza,
el circo simbolista
¿El circo contemporáneo ha arraigado en Italia?
AS.- Es pronto para hablar de un movimiento consolidado porque tenemos
muy pocas compañías. Por otra parte, el Ministero per i Beni e le Attività Culturali ignora el nuevo circo. El caso catalán es diferente: tenéis ya treinta años
de historia y estáis coordinados con vuestro Departament de Cultura. Los de
Arcipelago Circo Teatro empezamos con la compañía veneciana de commedia
dell’arte Pantakin y no nos definimos como circo contemporáneo, sino como
una compañía de teatro acrobático.
MC.- Nuestro objetivo no es la investigación, sino crear espectáculos con un
sello de belleza y poesía. Nuestro teatro acrobático aprovecha el impacto emocional producido por una proeza para inyectar al espectador una emoción más
profunda. Para nosotros lo importante no es el espectáculo en si, sino la comunión con el público. El espectáculo es sólo un puente de comunicación entre
creador y espectador.
AS.- Coincidimos totalmente con el director teatral Maurizio Scaparro, con quien
hemos hablado y discutido mucho sobre el sentido y la finalidad del espectáculo.
MC.- Contrariamente a la actitud de algunos creadores franceses de nouveau
cirque, nuestro objetivo principal es el público. El escultor futurista italiano Arturo
Martini propagaba la teoría de que l’obra no es un valor del artista. Sostenía
que la obra sólo adquiere sentido en el momento en que un espectador se
reconoce en ella.
Tesoro, con artistas cubanos, una metáfora
del viaje. Foto: Ulls.
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Alessandro Serena
Marcello Chiarenza
Alessandro Serena (izquierda) y Marcello Chiarenza en el Instituto Italiano de Barcelona.
Foto: Ulls.
más el circo de Moira Orfei que el Cirque du Soleil. Me aporta muchos más
valores el circo clásico que el neoclásico.
AS.- En Europa, mucha gente del circo contemporáneo reniega del circo tradicional. Es una reacción que se ha producido en casi todas las artes a lo
largo de la historia. Han existido y existen movimientos artísticos excluyentes,
casi totalitarios. Yo soy sobrino de Moira Orfei, pero me siento abierto a todas
las tendencias. En mi formación personal tienen tanto peso la Biblia como los
textos de Homero, los comics o este libro de Javier Marías que me acompaña
en este viaje a Barcelona. Me gustan mucho las comedias banales italianas,
pero hay que saber distinguir la diferencia entre su mensaje y el de la obra de
creadores como Federico Fellini o Cesare Zavattini. A mí me alimentan tanto las
colaboraciones con Marcello Chiarenza como las que suelo hacer con mi primo
Stefano Nones, a quien –por ejemplo– ayudé a montar el número de tigres que
en el 2004 le valió un Clown de Plata en Montecarlo.
AS.- Lo cual no significa que construyamos espectáculos para complacer al público.
¿Por qué un artista plástico se involucra tanto en la creación circense?
MC.- Es una cuestión de conexiones: del circo me interesa sobretodo la concepción circular. El círculo es una dimensión mágica muy anterior al nacimiento
del circo: para las antiguas civilizaciones, el círculo era un símbolo iniciático. Y,
través del círculo, el hombre de hoy también se puede reencontrar a si mismo
y reencontrarse con el Cosmos. El círculo es una disposición druídica, ancestral.
Y el circo, aunque no lo parezca a primera vista, refleja muchos aspectos ancestrales del ser humano.
AS.- En el circo hay tres elementos cuya gran simbología no debemos olvidar:
la acrobacia (como confirma el arqueólogo suizo Waldemar Deonna en su magnífico estudio El simbolismo de la acrobacia antigua), el payaso (paradójicamente, una figura muy relacionada con la muerte) y los animales (la presencia de
animales en el circo refleja una parte fundamental de la historia de la humanidad
y es, aún en nuestros días, también altamente simbólica).
MC.- Visioni/Ombra di luna, nuestro primer espectáculo, se basaba en la epopeya mesopotámica de Gilgamesh, el dios de la vida. Después de la Creación,
Gilgamesh da con su antagonista, el rey de los animales. Pero pactan y traban
amistad. Date cuenta de cómo la relación entre el hombre y los animales está
ya en la base de nuestra cultura: hablábamos con ellos y les considerábamos
un oráculo. El cristianismo conserva este aspecto mediante la figura de San
Francisco de Asís, y el circo con animales no es sino un reflejo de esa relación
ancestral.
Volviendo a tu pregunta: en nuestros espectáculos, Alessandro y yo complementamos perfectamente nuestros recorridos y aportaciones. Yo imprimo
movimiento a mis creaciones plásticas como un servicio a las artes del circo. Mi
aportación es de orden figurativo, tanto en la escenografía como en el vestuario,
que considero y trato como elementos compositivos. Dramatúrgicamente, la escenografía tiene un componente metatextual: en Ombra di luna, la red de pescar
estrellas o la máquina que salva a un hombre del corazón de las olas dialogaban
con los artistas para provocar sentimientos al espectador. El mismo tratamiento
aplicamos a la música, que también consideramos un elemento dramatúrgico
fundamental. Podríamos decir que planteamos nuestros espectáculos como un
teatro sinfónico, porque orquestamos todos los elementos en juego para conseguir un resultado armónico y sin fisuras.
¿Creéis que el circo contemporáneo conserva toda esa simbología
de que hablabais?
En vuestra conferencia avanzasteis que en el próximo espectáculo
sería esencial la simbología del espejo. ¿Cómo?
MC.- No nos planteamos un montaje a partir de los artistas que tenemos a
mano (que casi nunca son italianos, pero ése es otro asunto), ni de una idea
preconcebida, ni tampoco de lo que pide el mercado. Partimos de conceptos
inicialmente abstractos, de motivaciones nacidas de lo que vivimos en cada momento. No diseñamos una arquitectura previa, sino que nos dejamos llevar por
lo que nos rodea, porque en este mundo todo habla. Todo habla: no sé si estás
al corriente de que, debido a una huelga de basureros, en las últimas semanas
la ciudad de Nápoles se ha convertido en un inmenso estercolero. Pues bien,
el próximo espectáculo significará un cambio de rumbo en nuestra singladura,
porque si hasta el momento hemos trabajado con elementos naturales (ramas
de avellano, semillas, trapos, cuerdas, madera, etc.), ahora situaremos la acción
en un vertedero de basura y el material escénico serán residuos urbanos, elementos recuperados de los contenedores. Sí, trabajaremos a partir de la simbología del espejo, pero es pronto para saber si el espejo será la figura central del
espectáculo, un leitmotiv recurrente o un recurso secundario.
AS.- Y eso coincide con la profunda impresión de caos que me ha producido
un reciente viaje a Bucarest. Los Balcanes son actualmente (en realidad lo
han sido siempre) una zona en perpetuo desorden, con fronteras que aparecen y desaparecen constantemente. Al cabo, un reflejo del ser humano, de
las sociedades humanas. Pero, al mismo tiempo, los países balcánicos y su
entorno tienen una enorme vitalidad.
Los acróbatas húngaros, por ejemplo, son muy fuertes físicamente y
poseen una técnica muy depurada.
Complementariamente, en Rumania
existen excelentes malabaristas y
contorsionistas, una gente, además,
dotada de una profundidad espiritual muy especial. Trabajaremos con
artistas de estos países La música
será, como siempre, de nuestro
compatriota Cialdo Capelli, tocada
en directo por un violinista albanés.
¿Para cuando el estreno?
MC.- No tenemos prisa
/Jordi Jané
MC.- En arte, como en la vida, para avanzar no se puede no mirar hacia atrás.
Aunque suene un poco fuerte dicho por mí, en estos momentos me interesa
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Red para pescar estrellas
de Visioni/Ombra di luna
Foto: Marcello Chiarenza
Kristian Kristof
E N T R E V I S TA
Director de producción
del Festival de Budapest...
Krisrian Kristof.
Kristian Kristof
El modelo húngaro de circo presenta puntos interesantes que
tendrían que ser estudiados por nuestros profesionales y ser
tomados en cuenta por nuestras instituciones, cuando decidan
implicarse un poco más para ayudar al crecimiento y desarrollo
del circo en nuestro país. Sin ninguna duda, tenemos mucho
que aprender de personas como Kristian Kristof.
Kristof nació en Budapest el 28 de junio de 1969. Compagina su cargo de director de producción del
Festival Internacional de Circo de Budapest con su trabajo como malabarista. En los últimos ocho años
ha trabajado con su espectáculo en los barcos americanos de la empresa Royal Caribbean.
Aunque en los últimos diez días había trabajado una media de dieciséis horas, no le importó hacer
una pausa para atendernos amablemente en el interior del Fövárosi Circusz, después de las pruebas
de iluminación. Nos facilitó el trabajo el hecho que pudiéramos conversar en castellano, idioma que
aprendió cuando vino a trabajar a España como malabarista en distintas salas de espectáculos, como
la Scala de Madrid y el Benidorm Palace.
¿Cómo funciona el circo en Hungría?
Durante el comunismo, los países miembros del bloque tenían la forma de
funcionamiento de los rusos. Ellos eran un modelo, ya que contaban con más
de cien circos estables en su territorio. El circo funcionaba gracias a las subvenciones estatales y no interesaba mucho si la gente iba o no a verlo. Salieron
grandes artistas, porque deseaban poder ir a trabajar a los países occidentales y
por esta razón se esforzaban para hacer su número mejor. Pero con la caída del
bloque del Este, las ayudas estatales disminuyeron y entonces en nuestro país
tuvimos que empezar a hacer marketing para que el circo se pudiera mantener
por sí mismo.
El funcionamiento del circo en Hungría está controlado por la organización
MACIVA, cuyo director es Laszló Varjási. Además del circo estable, cuenta con
una escuela de circo en la que cerca de cien jóvenes (entre nueve y diecinueve
años) compaginan sus estudios con el aprendizaje de las habilidades circenses.
También tienen tres salas de ensayo y residencia para artistas y para gente que
quiera aprender circo. La escuela y las salas se encuentran detrás del circo
estable. Este, curiosamente, no se llama circo nacional, ya que los Richter, propietarios del mejor circo ambulante del país y premiados recientemente con el
Clown de oro en el Festival Internacional de Circo de Montecarlo, registraron esa
marca y por este motivo se llama Fövárosi Circusz, que significa “gran circo de la
capital”. Para poder mantener toda esta estructura necesitamos que el circo trabaje durante diez meses al año, en una ciudad de dos millones de habitantes. Al
no tener la suficiente demanda, hemos de promocionar el circo por todo el país.
Programamos entre ocho y diez funciones por semana y hacemos tres programas a lo largo del año, con uno de verano que abarca cinco meses. El edificio
está construido en el mismo lugar en el que en 1889 se creó el primer circo
estable, el cual después de varias reformas fue demolido en 1965. El actual se
inauguró el 14 de enero de 1971 y está proyectado construir uno nuevo, cuya
maqueta exponemos en el vestíbulo del primer piso del Fövárosi Circusz.
¿Cuándo se creó el Festival Internacional de Circo de Budapest y
cuál es vuestro modelo?
El Festival Internacional de Circo de Budapest se creó en 1996 con la ayuda del
Ministerio de Cultura y de Educación, conjuntamente con la ciudad de Budapest. Sin su apoyo, el Festival no es rentable, porque los precios de las entradas
son baratos, están puestos a un nivel social para promocionar el circo. Este es
el único Festival de circo que existe en Hungría y tiene un carácter bianual, con
un presupuesto bajo, de unos 200.000 €, ya que los artistas tienen los gastos
pagados pero no cobran nada por participar en él. Aún así tenemos un déficit
aproximado de 50.000 €. Los artistas saben que aquí encontrarán un buen
lugar para promocionarse, ya que muchos agentes y directores acuden a ver
el Festival. Nosotros les facilitamos todo el soporte técnico necesario para que
puedan presentar bien su número y además tienen la garantía de un jurado
justo. Para esta última edición recibí más de cuatrocientos vídeos de artistas que
estaban interesados en participar.
En el Estado español, muchos circos encuentran grandes dificultades para poder trabajar en determinadas ciudades con sus números
de animales. ¿Cómo está este tema en vuestro país?
El tema de los animales está complicado, sobretodo desde 2004, cuando
Hungría pasó a formar parte de la Unión Europea. Hay animales, como los
chimpancés o los osos, que no pueden trabajar en los circos y otros, como los
elefantes, las fieras y los exóticos, sí pueden hacerlo pero están más regulados.
/Ramon Bech
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R E P O R TA J E
Katy Ylä-Hokkala.
M u e r es
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Las más en forma
Hacemos un repaso a algunas de las malabaristas más interesantes de la actualidad a nivel mundial.
Aunque será difícil verlas actuar en nuestro país, merece la pena conocerlas.
Cindy Marvell http://www.lazervaudeville.com
Nacida en Nueva York, fue
la primera mujer en ganar la
medalla de oro del IJC (International Jugglers’ Association
Championship), en 1989, y es
muy popular en Estados Unidos. Empezó trabajando con el
Pickle Family Circus y después
perfeccionó su técnica aprendiendo danza contemporánea
en el Limon Institut de Nova
York. Ha colaborado con el Big
Apple Circus, el Cirque Eloize e
incluso ha salido en el programa Barrio Sésamo. También
colabora como crítica de circo en el New York Times.
Es una malabarista muy técnica, pero prioriza la puesta en escena, que
suele ir destinada a un público familiar. Actualmente, forma parte de la troupe
Lazer Vaudeville, con los malabaristas Carter Brown y Nicholas Flair haciendo
espectáculos muy visuales con malabares fluorescentes. Por último, también
obtuvo el premio a la mejor rutina con 3 mazas en el IJC del 2007.
Françoise Rochais http://www.francoiserochais.com/
Aparece en el escenario con un llargo vestido lleno de volantes estilo siglo XIX
y hace malabares con paraguas (hasta cinco), bastones de majorette (con los
que obtuvo un record Guiness en el 2000 usando siete a la vez) y también
combina una maza, una pelota, una raqueta de tenis, una anilla y un bastón
todo a un mismo tiempo. Su estilo es elegante y preciso, por este motivo suele
ser una invitada habitual en las galas de los diferentes festivales europeos y
norteamericanos.
Empezó a hacer malabares con diez años y al poco tiempo ya actuó en
Australia, China, Rusia, Japón y Francia, su país de nacimiento, donde ganó una
medalla de plata en el Festival Mondial du Cirque de l’Avenir de París en 1989
y, más adelante, la medalla de oro del IJC de 1997 (por delante de mismo Jay
Gilligan), siendo la segunda mujer en conseguirlo. Desde entonces, no ha dejado
de perfeccionarse, con la ayuda puntual de Anthony Gatto, quien, por cierto, le
ha hecho la página web.
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Françoise Rochais.
con música clásica y malabares luminosos. De hecho, el núcleo de los Gandini
son cuatro: Kati, Sean, Iñaqui Fernández y Owen Reynolds, pero no dudan en
ampliar el grupo según la necesidad de la coreografía. También tienen un dúo
de danza contemporánea en el que actúan desnudos y haciendo malabares.
Los Gandini han actuado en varías ocasiones en el Caixafòrum (pasando un
poco desapercibidos por el público circense) y harán un curso intensivo a partir
del 14 de abril en Fuenlabrada.
Gena Shvartsman
Nacida en 1983 en Grozni es la cuarta generación de su familia dedicada al
circo. De niña se trasladó a Estados Unidos y con trece años ya hacía su rutina
de malabares en una de las pistas del Ringling Brothers Barnum & Bailey Circus.
Su rutina incluye números de malabares mientras mantiene una pelota botando
sobre la cabeza y utilizando hula-hoops. También hace números muy técnicos
en escena, como las ocho pelotas de rebote, las ocho pelotas en múltiplex hacia
arriba y cinco mazas con lanzamientos por debajo de las piernas. Actualmente
practica las siete mazas (partiendo de cinco y con dos en equilibrio sobre la
cabeza) y las cinco mazas por detrás de la espalda.
Ganó la medalla de plata en el Cirque du Demain de 1998 y fue la mejor malabarista femenina de la primera convención de la WJF (World Juggling
Federation) del 2004. Actualmente, trabaja bajo el nombre de “Miss Gena” en
el circo de los Hermanos Vazquez en los Estados Unidos con un número de
malabares tradicional y espectacular con música de baile.
Olga Galchenko http://www.galchenko.com/
Actualmente trabaja en Europa actuando en teatros en solitario y colaborando con circos como el Roncalli.
Kristina Kokorina http://www.koko-show.sitecity.ru/
Descendiente de una larga familia de artistas de circo, ya hacía reprises de
payasa a los cuatro años y con nueve hacía su espectáculo de malabares en
solitario en la pista. En 1998 obtuvo la medalla de plata en el festival internacional Young Circus Stars y desde entonces no ha dejado de recibir premios, como
el Clown de plata del Festival Internacional de Circo de Budapest o la medalla
de bronce del Festival Intenacional de Circo de Moscú del 2005, donde la
coronaron Princesa del Circo Ruso.
Es una malabarista de circo tradicional y pista grande, no en vano ha actuado en circos como el Krone, el Knie, el Benneweis y el Gran Circo de Budapest.
Sus rutinas son muy dinámicas, con música de baile y trucos espectaculares y
difíciles, como las ocho pelotas en múltiplex o las seis mazas.
Actualmente trabaja en el circo de su familia en un espectáculo llamado
Koko-Show, donde hace una rutina con mazas y pelotas.
Kati Ylä-Hokkala http://www.gandinijuggling.com
Esta ex-gimnasta rítmica fundó, con Sean Gandini, la troupe Gandini en 1992
con la idea de experimentar y difundir distintas técnicas de malabares como la
notación de patrones siteswap. Son famosas sus cartas con trucos siteswap
(sobre todo las Popcorn, que sirven para hacer patrones de pases con dos o
más malabaristas y hasta catorce mazas).
Con su hermano mayor,
Vova, se convirtieron en
los niños prodigio de los
malabares, pasando por
programas de televisión
tan populares como el
de Oprah Winfrey. Empezaron a actuar en 2001
con doce y quince años
haciendo un espectáculo
en el que tocaban el piano haciendo malabares.
Nacieron en Penza,
Rusia, y empezaron a
entrenar con su padre, pero debido a su popularidad se trasladaron a Estados
Unidos, donde se pusieron en manos de Jason Garfield. En 2004 ganaron en
numerosas categorías de la convención de la WJF y batieron los récords de
pases con nueve, diez, once y doce mazas. También conseguieron la medalla
de plata en el IJC en la competición por parejas en el 2003 y la de oro en el
2004. Después de esto, decidieron actuar por separado.
Son malabaristas técnicos y defensores de los malabares como deporte. Se
dedican sobre todo a actuar en convenciones con rutinas de malabares muy
difíciles, sin pensar mucho en la estética. /Oriol Raventós
En sus espectáculos, exhiben una gran variedad de trucos de siteswap con
pelotas, mazas y anillas. También han popularizado lo que podríamos llamar
“malabarismo coral”, con muchos malabaristas y muchos objetos que van variando de patrones con la precisión de un reloj suizo. Destacan sus coreografías
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R E P O R TA J E
La primera escuela
de payasos en Barcelona
En Barcelona hay pocos espacios en los que se vean regularmente espectáculos de payasos y, menos
aún, una escuela donde aprender este oficio en exclusiva, aunque se impartan cursos en escuelas
de circo o de interpretación. La Escola de Clown de Barcelona existe desde 2006, fundada y dirigida
por la payasa Clara Cenoz. Como comenta Cenoz, “ésta no solo es la primera escuela de este tipo de
Cataluña, sino también de España, sin contar la de Eric de Bont en Ibiza”.
do por Jango Edwards, Pepe Jiménez, Pedro Herreros, Cris Simon y Sara
Pons. Cada uno de ellos enseña su versión del payaso, pero quien marca el
programa es la directora. “La idea no es enseñar teoría pura y dura, ni que
cada profesor enseñe una técnica concreta o una especialidad, porque todos
estamos especializados en lo mismo; la idea es traspasar el conocimiento
de cada uno”.
La Escola de Clown ofrece varios tipos de cursos según el nivel y la
disponibilidad de tiempo de los alumnos. Por un lado, hay un curso intensivo
de tres meses, cuatro horas diarias, dirigido a gente muy interesada en esta
especialidad circense y que realmente se quiere dedicar a esto. Ha tenido
tanto éxito este curso que se están planteando alargarlo hasta seis meses.
Para toda aquella gente que no tiene tanto tiempo, la escuela también ofrece
cursos de dos días por semana. Dentro de este curso hay dos niveles: para
los que empiezan y para los que ya saben algo. Además, se ofrecen cursos
de iniciación y de especialización los fines de semana, como payaso de
hospital, magia, etc. En el próximo año se ampliará la oferta de fin de semana
y también habrá un curso intensivo que se hará en una masía.
En el otoño pasado, un grupo de payasos de la escuela que hacía su actividad
en la calle fue detenido por la Guardia Urbana de Barcelona.
Más allá de abrir este centro, también se pretende que sea un espacio en
el que la gente encuentre todo lo que le interese de este arte. Según lo define
la directora de la escuela, “crear un foco de intercambio” y poner al alcance de
todo el mundo un espacio para producir y representar espectáculos que luego
se puedan difundir en otros espacios. Así, también se hace un paso más para el
reconocimiento profesional del payaso. Cenoz afirma que “nosotros no somos
un Institut del Teatre de esta disciplina, porque no tenemos ni las ayudas ni las
subvenciones que tienen ellos. El payaso no será nunca tratado como es debido
si antes no se legaliza su situación.”
Profesores internacionales y variedad de cursos
Hasta este año, Clara Cenoz tenía la colaboración de varios profesionales para
dar clases o algún curso puntual. Sin embargo, a partir de ahora, Clara también
ha creado un equipo estable de profesores, un grupo muy internacional, forma-
Los motivos y las aportaciones del payaso
Entre los alumnos de la escuela hay todo tipo de gente. Hay gente joven,
personas inquietas a quienes les gusta aprender y probar cosas nuevas, pero
también hay gente que quiere dar un giro a su vida. Por ejemplo personas
que están haciendo el mismo trabajo desde hace años, no les gusta y lo dejan
para dedicarse a lo que les interesa.
Como comenta Cenoz, “el payaso es un catalizador muy potente, te remueve por dentro y hace que te centres en tú mismo y te autoanalices. En
este proceso hay mucha gente que se da cuenta de que hay cosas de su
vida que no la llenan o que la molestan, y que si no rompe con eso no puede
ser feliz. El payaso hace de todo menos engañarte.” El proceso de encontrar
y pasar a ser un payaso es más o menos rápido según la persona. El alumno “desaprende todas aquellas cosas mal aprendidas o innecesarias que le
condicionan y, a partir de aquí, aprende a ser payaso y a saber reconocerse
como tal”. /Mar Domènech
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Cavalia
CRÓNICAS
Una convivencia
milenaria
Durante varios días de enero a marzo, en Barcelona se presentó Cavalia, que
ahora va a estar en Madrid durante las dos primeras semanas de abril y luego
en Bilbao (ver pág. 13). Antes de ver el espectáculo, es fácil enterarse de que
Cavalia es un montaje de arquitectura imponente que mueve cifras de gran
empresa: ciento veinte trabajadores fijos para la gira, doscientos temporales en
cada ciudad que visita, ciento cincuenta personas para montar sus siete carpas
en doce días, un aforo de 2.004 asientos, etcétera, etcétera. Y también, para el
público en general, unos precios de las entradas exorbitados.
Pero detrás de tanta cifra monumental, está el argumento pelado, austero,
de la relación de los hombres con los caballos. Esta relación ha sido puesta en
escena, esencialmente en pista, millones de veces. Unas proyecciones de Erick
Villeneuve (sobre una pantalla de 62 metros) contextualizan las evoluciones del
espectáculo en todo momento: se ven representaciones de la historia común
de hombres y caballos, desde las pinturas prehistóricas al far-west pasando
por los griegos clásicos, la época romántica y los militares chinos de dinastías
pasadas. El espectáculo en sí es más que eso, es la propia relación entre el
hombre y el animal.
De tú a tú
Frédéric Pignon, codirector ecuestre de Cavalia junto con Magali Delgado, dice
que “la tarea consiste en que nosotros entendamos al caballo, y no al revés”.
La doma natural, o etológica, que ya existía a la antigüedad y que actualmente
está tomando fuerza, se basa en la observación del comportamiento del caballo. Nunca hay coacción; es la expresividad del rostro, el lenguaje corporal, la
cooperación con el animal y el juego lo que adquiere una importancia total. El
montaje se hincha con esta complicidad. En Cavalia hay varios momentos en
los que la acción es mínima, centrada en eso que Pignon llama “el susurro a los
caballos”, con un poder de seducción innegable.
A la izquierda, galope al estilo de Roma, con Estelle Delgado, Enrique Suárez
y Philippe Tezenas. A la derecha, la escena del espejo, con Estelle Delgado y
Magali Delgado. Fotos: Ulls.
En Cavalia, lo más espectacular es la
relación que logran establecer entre el
ser humano y los caballos
En otros momentos, dan rienda suelta a la parte más enérgica del temperamento de los sementales, como en los números del galope al estilo romano,
al final de la primera parte, y la equitación acrobática que se puede ver antes
de terminar el espectáculo. Para armonizar las diferencias de ritmo, se explotan
dos tipos de recursos: por un lado, el apoyo de varios números acrobáticos y,
por otro, un espacio escénico versátil, que puede ser tanto una larga calle para
coger velocidad como un circuito vagamente elíptico o una pista circular. Y en
eso radica otro de los aspectos por los que Cavalia es un gran show: la inteligencia con la que Normand Natourelle y su equipo han proyectado un espacio
modificable, a través de telones y vallas bajas móviles que permiten desarrollar
todo tipo de ejercicios y subrayar, en todo momento, el carácter y la belleza de
los caballos. /Cesc Martínez
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Click!
CRÓNICAS
Izqda.: Roser Tarrida y Míriam Edo, “Rus i Miri”, en su número en la araña. Arriba: Ignasi Gil. Fotos: Ulls.
12o Circ
d’Hivern: Click!
Este año el director Hansel Cereza ha hecho un planteamiento muy teatral en el que la escenografía y las excelentes coreografías de Susana Goulard toman todo el protagonismo. Sobre todo porque
rompen el realismo con el que se podría haber enfocado la historia y transmiten ritmo y un cierto aire
abstracto al espectáculo.
Esto hace destacar, por contraste, la escena de break dance de B-girl Jess y
la gimnasia con contorsión de Sofia Cortesao, que también están realzadas por
la interesante combinación de música de ópera y música electrónica a cargo de
DJ Mau pinchando en directo.
También desaprovechado está el potencial cómico de Miner Montell, quien,
después de mantener a un personaje plano y de una innecesaria seriedad a lo
largo de toda la obra, en el interesante número cómico final no consigue levantar los ánimos de los espectadores ni a toque de apertura rossiniana.
La historia es simple: un hombre, interpretado por el payaso Miner Montell,
vive solo y amargado dentro de un viejo teatro. Una noche, unos desconocidos
entran inesperadamente para refugiarse de la lluvia y le cambian la vida, devolviéndole la ilusión de vivir.
La vanguardia tiene siempre su riesgo y Click!, como intento de acercamiento entre el teatro coreográfico y el circo, desaprovecha la emotividad dramática del primero y la complicidad con el público del segundo y se pierde en
iluminaciones tenebrosas y grandes artefactos que desplazan a algunos artistas
a planos secundarios. Esto quizás le funcionó al director en espectáculos de
gran formato como Moure el Món en el Fòrum 2004, pero dentro del Ateneu de
Nou Barris, con un público (de circo) fiel, esta propuesta ha resultado un poco
desconcertante. El reto no era fácil, ya que en el teatro los personajes tienen que
ser creíbles, pero en el circo tienen que ser increíbles. /Oriol Raventós
Sin embargo, el circo propiamente dicho se echa en falta. Apenas si hay tres
números: el sensual ejercicio de tela de Natalie Ravlich, el elegantísimo número
de mástil de Ignasi Gil y los pocos (y demasiado secundarios) ejercicios aéreos
de Míriam Edo y Roser Tarrida, que no exhiben todo su potencial en el lento y
aparatoso número de la gran lámpara, en el que interviene toda la compañía.
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Circ Raluy
CRÓNICAS
Circ Raluy,
toda una
tradición
Hace diez años, paseando por el puerto de Barcelona, de repente me encontré frente a mi con
unos carromatos muy antiguos, a la vez que bien
conservados, llenos de encanto y con un aire
especial. A los pocos segundos descubrí que se
trataba de un circo que yo desconocía, el de la
familia Raluy.
Hace ya una década que los hermanos Raluy transportan al público barcelonés, a bordo de su particular máquina del tiempo, al mundo del circo de antaño
—muy antaño—, una fórmula que ha conseguido hacerse con unos seguidores fieles que año tras año acuden a la cita durante las fechas navideñas.
Dancing Circus ha sido el nombre elegido para el nuevo programa, en el
que han intentado fusionar el circo con la danza. Digo lo de intentar ya que bajo
mi punto de vista no se ha acabado de sacar provecho de las posibilidades
que tenían y, más que fusión, se ha quedado en añadir algún pequeño número
de baile entre actuaciones. Pero dejémonos de palabrería y que empiece el
espectáculo.
Carles Raluy, elegante y distinguido Monsieur Loyal, se encarga de dar paso
al ballet de Katherine Jane Smyth, presente durante toda la función. Lou Rastall
nos acompaña al mundo de la magia y las grandes ilusiones con apariciones
y desapariciones incomprensibles de sus ayudantes y de un gran gorila que
cualquiera diría que es de verdad. Tania hace que la mirada se dirija a lo más
alto del circo para disfrutar de sus telas aéreas, y Carmen nos deleita con sus
acrobacias. Bill and Rose, en un abrir y cerrar de ojos, son capaces de cambiarse completamente de vestuario (“Cambio rápido”) dejando con la boca abierta
a todo el público, al igual que lo hicieron Pat Bradford and Kate con su elegante
número de claqué, destacando a Pat descendiendo y subiendo los peldaños de
la escalera en equilibrio de manos haciendo claqué con los dedos.
Niedziela, la más joven de los participantes, y sus equilibrios en múltiples
monociclos cada vez más altos obtuvieron el premio especial en el último Festival di Latina. Muchos momentos de comicidad con los Paco Boys, los forzudos
de otro tiempo; el payaso Edeck y su trepidante diávolo; Diamond and Pearl,
una pareja de bailadores algo peculiares a la vez que torpes, y Lluís Raluy junto
a Jonny Bogino, antiguo conocido de la casa, payasos polifacéticos que igual te
hacen pasar un pañuelo de un lugar a otro como te presentan a la única gallina
astronauta del mundo.
Durante el descanso se presentó a los motoristas en la esfera de la
muerte.
Esperaremos la próxima visita de los Raluy para volver al pasado y de paso
tomarnos un café en el precioso carromato del London Bar rodeados de fotos
de grandes artistas de la pista. /Miquel Moreno
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MINGUET BATLLORI,
Joan M. Buster Keaton. Madrid: Cátedra,
2008.
“Buster Keaton fue un
payaso; un gran payaso.” Así empieza el repaso que el crítico de arte
Joan M. Minguet hace a
la figura y la carrera de
uno de los artistas más
famosos que jamás han
salido de Hollywood.
Es un posicionamiento
claro, pero va más lejos
que eso: a lo largo del primer capítulo, Minguet detalla los aspectos que definen a Keaton como uno de
los grandes payasos de la historia, no solo en comparación con Charles Chaplin o Laurel y Hardy, sino
también al lado de artistas como Charlie Rivel o Grock. La descripción de la construcción del personaje
—el payaso— está muy cuidada, tanto en los análisis
como en las referencias que se citan en el texto, y por
lo tanto supone un documento especialmente interesante. Se abordan aspectos como la evolución del
vestuario, de los zapatos largos típicos de augusto
al sombrero indisociable del personaje de Keaton, y
el hallazgo del gesto que lo define, en este caso la
impasibilidad de su rostro, acompañada por un gran
dominio de la mímica y la acrobacia. En los capítulos
sucesivos, en el libro se van tratando otros aspectos
de la biografía artística de ese gran actor, empezando
por la influencia que ejerció en la cultura occidental a
través de artistas como Dalí, Buñuel y García Lorca,
y críticos como Sebastià Gasch y Lluís Montanyà. El
capítulo central, “El cine de Buster Keaton”, es especialmente remarcable. Minguet repasa una por una
las películas de la época dorada de Keaton, las de la
década de 1920, la mayoría dirigidas por él mismo;
hay una profusa descripción de escenas cómicas,
auténticas entradas de payaso.
Martí Franch
COMES, Thierry. American Circus Togni.
Editions de la gardine,
2007.
Excelente libro, escrito en
francés, con más de 300
páginas dedicadas a uno
de los circos europeos
más grandes: el American
Circus de la familia italiana
Togni. Desde sus orígenes
hasta nuestros días se detallan las ciudades y países donde trabajaron cada temporada, los artistas que formaron
parte en los respectivos programas y la historia del circo,
así como anécdotas y otros datos interesantes. El texto
está acompañado con muchas fotografías.
Miquel Moreno
Varios autores. El circ i la
poètica del risc. Barcelona: KRTU, 2008.
De la exposición sobre el
circo contemporáneo catalán que se hizo hace dos
años en el CCCB, quedan
algunos testimonios de
consideración. El catálogo
que se editó cuando se inauguró la muestra es, pasados dos años, un libro de
referencia para estudiar un
período histórico y la actualización de un arte que condensa una cultura. Ahora, el
mismo KRTU, que la organizó, edita las ponencias y las intervenciones del seminario “El circo y la poética del riesgo”
que se hizo entonces, coincidiendo con la exposición. En
el libro se encuentran muchas ideas, influencias, matices y
reflexiones alrededor de un tema tan complejo y rico como
el circo a comienzos de s. XXI. /Martí Franch
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zirkoteca
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PÉREZ DE OLAGUER,
Gonzalo. Els anys difícicils del teatre català. Memòria crítica. Tarragona:
Arola Editors, 2008.
En este volumen se recogen los artículos que el crítico Gonzalo Pérez de Olaguer ha ido publicando en
la revista TeatreBCN desde
2003. Sin dejar de hablar
de teatro, cada capítulo va
dibujando el contexto en el
que también se formó el circo contemporáneo en Cataluña: la búsqueda de nuevos lenguajes escénicos, la lucha
contra la censura y las experiencias que conformaron nuevos códigos de expresión teatral y parateatral entre las décadas de los 60, 70 y mitad de los 80. El lector que quiera
leer la historia del circo, echará de menos capítulos como
la eclosión de las artes de calle (aunque sí hay reseñas
sobre Comediants y la Fira de Tàrrega), el primer Circ Cric,
el Col•lectiu d’Animacions, los primeros Excéntricos o el
impacto que tuvieron las funciones del Cirque Aligre. En
cambio, sí tendrá noticia de episodios importantes como
las funciones del Grand Magic Circus et ses Animaux Tristes, de Jérôme Savary; el éxito de un espectáculo que hoy
llamaríamos multidisciplinar como Mori el Merma, de Teatre de la Claca, y la creación de un circuito alternativo al
de los teatros tradicionales que iba de la renovación del
Institut del Teatre a finales del franquismo a la creación de
festivales periféricos como La Marató de l’Espectacle, pasando por salas y locales hoy desaparecidos y en los que
se hacían cabarets y actuaban todo tipo de artistas. Entre
estos locales: la Bodega Bohemia, L’angelot y la Cúpula
Venus, por donde habían pasado artistas como Pep Toro,
Tortell Poltrona, I Colombaioni y Christa Leem (a quien el
autor dedica otro capítulo), entre muchos otros.
Cesc Martínez
Moncasi, David. La muñeca del espacio. Cameo
media S.L. 2007
Documental centrado en la
figura de Carmen Sánchez,
esposa del desaparecido augusto español Pepi Ruiz Díaz,
de los payasos Rudi Llata. En
primera persona, nos cuenta
su día a día tras abandonar
las pistas despues de sufrir
un percance en el que perdió
la vista hace casi cincuenta años.
Miquel Moreno
Libros de la Biblioteca de Nou Barris
SHERMAN, Cindy. Clowns. Hannover: Shirmer/Mosel, 2004
Sin lugar a dudas, Cindy
Sherman es una de las
grandes fotógrafas de
fama internacional. Desde
sus inicios a finales de la
década de los setenta, su
obra ha supuesto la reanimación de la fotografía
escenificada. A lo largo de
las tres últimas décadas la
artista ha desarrollado un juego de roles de inquietante intensidad con el que plantea, en varios contextos, la fijación
de la identidad femenina en la sociedad.
Cindy Sherman se utiliza a sí misma como modelo caracterizándose de payaso para estas instantáneas, dando lugar a una serie de autorretratos en los que se pone en tela
de juicio el papel del artista en la sociedad del espectáculo.
El catálogo de esta serie titulada Untitled/Clowns muestra
18 fotografías retocadas digitalmente, en las que ha explorado el potencial terrorífico del payaso como símbolo del
descontrol, de la histeria, de los colores subidos de tono y
de la incertidumbre que se esconde detrás del maquillaje.
GONZÁLEZ, Simón. Una
Vida apasionante en la
barra del trapecio. Madrid: García Verdugo,
1999
Maria del Pino Papadopoulos, “Miss Mara” en el
ámbito circense, ha sido
una trapecista extraordinaria. Perteneciente a una de
las grandes sagas del circo
español, en 1951 viaja a los
Estados Unidos contratada
por el Ringling Bros. and Barnum & Bailey, el mayor circo
del mundo. Y fue América el país que marcó la vida de
la artista y donde encontró el estrellato internacional y la
consagración como reina del trapecio.
Fue la primera española que actuó en la Unión Soviética y
la primera también a la que se le concedió el Oscar Mundial del Circo, el año 1962, por su brillante historial y sobre
todo por haber creado unos ejercicios y un estilo propios.
Tal y como su título indica, estas páginas nos asoman a la
apasionante biografía de “Miss Mara”.
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libros / arte
VÁZQUEZ, Gerard.
Barcelona: Proa.
Uuuuh!
Uuuuh! no es, aunque a primera
vista lo parezca, una obra sobre
payasos. Su protagonista, Charlie
Rivel, el gran augusto catalán de
proyección internacional, sirve al
autor como punto de partida para
reflexionar sobre las relaciones
entre el arte y la política de este
inmenso circo que es la vida humana. La obra conjuga perfectamente la comicidad de las situaciones (las que provocan los
payasos) con una de las tragedias más salvajes y atroces
de la historia de la humanidad: el holocausto judío.
El comienzo de Uuuuh! es un supuesto encargo a Charlie
Rivel mientras éste actúa en el Teatro Scala de Berlín a
principios de los años 40 del siglo pasado, en plena Guerra
Mundial. Se trata de representar un espectáculo para celebrar el cumpleaños del Führer, Adolf Hitler. Ante el estupor
de Rivel y la imposibilidad de negarse a la propuesta, el
artista acepta y de esta manera empieza un viaje personal
y artístico que acabará sacudiendo su conciencia.
Infantiles
PRINCE, April Jones.
Vint-i-un elefants: al pont
de Brooklyn. Barcelona:
Joventut, 2007
Tras catorce años de obras,
se terminó el puente de
Brooklyn para regocijo de
las ciudades hermanas a las
que conectaba: Nueva York
y Brooklyn. La mayor parte
de la gente lo consideró un
triunfo de la tecnología moderna, pero muchos dudaban de su resistencia. Phineas T. Barnum, el célebre director de circo y creador del “mayor espectáculo del mundo”,
se lo tomó como un desafío personal: demostraría que
aquel monstruo de madera y acero era lo suficientemente
resistente para soportar a los transeúntes más pesados,
y presentaría un espectáculo demasiado grande para una
carpa de circo y demasiado maravilloso para que pudiera
ser olvidado.
La autora del libro, April Jones Prince, narra la extraordinaria historia de un suceso verídico que ocurrió poco después de la inauguración del puente de Brooklyn. Las ilustraciones de François Roca hacen retroceder en el tiempo
y sitúan al lector en las brumosas calles de la ciudad de los
rascacielos a finales del siglo XIX.
Exposición
Museo Esteban Vicente,
Segovia.
El circo en el arte español
La muestra comprende pinturas de los tres últimos siglos y algunas fotografías. En el arco de ese tiempo, el circo es tema y fuente de inspiración
de un arte en movimiento que nace de una sociedad en cambio continuo.
Por su carácter nómada, popular y ajeno a la nueva economía productiva,
el circo es visto como uno de los últimos reductos de libertad, que pintores
y escritores modernos integran en sus obras como espejo de ellos mismos.
El elenco de personajes estrafalarios, la transgresión de las leyes de la vida
en unos casos o, en otros, el choque entre la vida real y el ensoñamiento del
circo, lo que el hombre quiere y que normalmente no es, son argumentos
que definen el arte moderno.
De esta forma, la exposición está organizada siguiendo varios aspectos
del circo que han despertado el interés de los artistas: desde temas plásticos,
como el color y la composición, puramente, hasta los temas de carácter metafísico o poético. Temáticamente, está el tratamiento del espacio circense,
la carpa y la pista, desde la figuración mágica a la abstracción; los animales,
tanto domésticos como salvajes; el movimiento y el equilibrio, simbolizados
por trapecios, cuerdas y malabarismos; los monstruos y las maravillas; la
soledad y la nostalgia.
Las piezas más antiguas se remontan a Goya, uno de los artistas iniciadores de una modernidad que enlaza con nuestros días. Desde él, El circo
en el arte español recorre la obra de unos sesenta artistas, algunos de los
cuales son contemporáneos, y se exponen unas ochenta piezas. Entre los
más significativos, se pueden ver Picasso, Juan Gris y algunos del grupo de
Dau al Set: Modest Cuixart, Joan Ponç, Joan Brossa.
El circo y sus metáforas
En paralelo a la exposición, comisariada por Raúl Eguizábal, catedrático de
Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, hay
una programación de actividades relacionadas con la influencia del circo más
allá de las artes plásticas. Bajo el título genérico de “Metáforas del circo”,
se han programado conferencias, presentaciones de libros sobre el tema,
audiciones de música circense, espectáculos de magia y de títeres y pases
de películas tan diversas como La strada, de F. Fellini; El mayor espectáculo
del mundo, de Cecil B. DeMille, y El hombre elefante, de David Lynch.
La exposición se cerrará el 18 de mayo (ver. pág. 13).
Martí Franch
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zirkoteca
Circ’n Roll
Cara y cruz de Delirium, de Cirque du Soleil
1. Con el montaje Delirium, el Soleil dejó desconcertados a varios aficionados al circo. A la salida del Palau Sant Jordi de Barcelona, era fácil oir comentarios de espectadores
desorientados. Bajo la dirección de Michel Lemieux y Victor Pilon, el espectáculo tenía como eje la música; no la acrobacia ni un argumento dramatúrgico, sino la interpretación
de un concierto basado en los grandes éxitos de Cirque du Soleil y una mezcla de músicas populares y del mundo ideal para cócteles.
Delirium fue creado para ir de gira a muchas ciudades, al estilo de las giras de los dinosaurios del rock, principalmente por Estados Unidos. Así, seguía aquella máxima que
dice que bigger is better, o cuanto más grande, mejor. Nada es imposible, pero cuesta imaginarse, para hacer un símil justo, a los Rolling Stones tocando en un local para unos
pocos aficionados, solo con sus amplificadores y sin demasiadas filigranas de luz. Con Delirium pasa más o menos lo mismo: se ha renunciado a la proximidad con el público,
que es la esencia de lo popular, como el circo, o la música rock, en beneficio de los grandes efectos visuales.
Es una opción, pero costaba digerir que hubiese interferencias que continuamente distraían al espectador. Por ejemplo: en muchos momentos, se podía ver a un artista de
circo que empezaba su ejercicio y que acto seguido quedaba en un rincón, sin dejar de trabajar y esforzarse, en el fondo del gigantesco escenario, mientras la iluminación y
el centro de la acción se dirigían, por ejemplo, a un guitarrista o una cantante. Como contrapartida, a lo largo del concierto-espectáculo había varios momentos en los que los
creadores habían conseguido resultados plásticos más que interesantes: bonitos, impresionantes, momentos los que más que nada evocaban el circo.
Karen Bernal. Foto: Lorant Voros
zirkólikos
2. Pocos días en cada ciudad, música, espectáculo y carretera. Desde dentro, Karen Bernal, bailarina aérea, acróbata a las
telas y al aro y, entre muchas otras cosas, una de las fundadoras de la revista Zirkòlika, hablaba sobretodo de la experiencia
del viaje. Sus palabras podrían ser, al fin y al cabo, la letra de la auténtica balada de Delirium. “Para mí, estar en el show ha
sido una gran experiencia. El show puede ser atractivo para muchos y para otros demasiado grande y una mezcla rara de
ser concierto, multimedia y circo. Pero lo más increíble es realmente llevar vida de circo, vivir con esa gente, tan distintos,
tan locuaces, viajar y viajar, mirar como por la ventanilla cambia el paisaje a gran velocidad, llenarse de color el rostro aun
cuando se estaba triste y no se puede más llorar... Y te hace reír otra vez, y tu casa es ese pequeño espacio de tu espejo.
Por eso el día de cumpleaños te lo decoran con flores y dulces y cartas. Aprendimos a sobrellevar la distancia de nuestras
casas volviéndonos una familia. Esa es la parte mas bonita del show, lástima que no se pueda ver... Pero me lo llevo puesto
a donde quiera vaya.”
Cesc Martínez
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Sobre la entrevista a Alba Sarraute
Con motivo de la entrevista que me hicieron, publicada en el número de invierno de este año, quería clarificar algunos puntos. Por la necesaria reducción de lo que
fue una larga conversación, hay frases referentes a las escuelas de circo de Francia y de Cataluña que aparecen fuera del contexto en el que las dije. Me veo en la
necesidad de expresar lo que realmente siento con respeto a esas escuelas, como ex alumna de la Rogelio Rivel y de la Academie Fratellini.
Primero, yo no puedo haber adjudicado nada negativo a ninguna de ellas, ya que siempre intento hablar de forma constructiva y sin faltar al respeto a los compañeros que trabajan por la mejora del circo y todos sus medios. De Tolosa, tampoco puedo clarificarlo exactamente, ya que nunca he ido y hablo sólo de lo que
oigo, y de Chalon lo mismo. Nunca he ido en persona y considero de allá han salido grandes artistas, y yo he tenido la suerte de compartir profesorado con un nivel
profesional difícil de encontrar en las escuelas públicas.
Puede que cuando el periodista me hizo la entrevista yo estuviera muy cansada y un poco negativa, ya que acababa de llegar de Haití, el segundo país más pobre
del mundo, donde intenté estar durante dos semanas dando mucho y mirándome el lado más positivo de la miseria. Así, como todo se equilibra, me sentía vacía
para poder llenar una entrevista como me hubiese gustado para Zirkólika.
Para terminar, me gustaría pedir grandes disculpas al profesorado de la Rogelio Rivel porque espero que aquellas palabras nunca salieran de mí, porque yo antes
de tener alguna queja de alguien me gusta hablarlo personalmente, y tiene que ser algo muy fuerte. Yo, de mi paso por 9 Barris, no sólo conocí a Joan Armengol,
también conocí muchas otras cosas que no eran ajenas a la escuela; no solo la luz que se infiltraba o el juego. Conocí la rectificación de mi postura del cuerpo, mis
primeras acrobacias, que después me llevarían al campo profesional y, sobre todo, recibí un aprendizaje como persona bastante duro por el hecho de encararte con
la disciplina del circo. Y todo eso acompañado por su profesorado. No estoy diciendo lo contrario que en la entrevista, pero fueron unos años majos y felices y, si
puedo hablar de la escuela de circo Rogelio Rivel, sólo lo puedo hacer de la que yo conocí de 2000 a 2002. Ahora posiblemente haya cambiado, tanto en cosas
buenas como en malas, ya que son pioneros y van a un lugar en el que nadie ha escrito nada.
Espero no haber causado ninguna opinión errónea sobre la escuela ni sobre nadie. Realmente lo he sentido mucho y me he visto impotente ante el peligro de
darse a conocer...
Alba Sarraute Pons
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