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STAFF 57 Dirección: Rubén Vidal. Diseño gráfico: Grafikproject. Moda: Anna Arroyo, Agustín Velasco. Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis, Sara Morales. Contenidos de diseño y arte: Tactelgraphics. Redacción: Rosario Muñoz. Arquitectura: Ester Giménez. Web: Domihost. Corrección: Communico. Distribución: Walk & Paste. Street y eventos: Fátima Sancho, Antonio Orlandi, Nerea Coll. Marketing: Paula Ortega: [email protected], Beatriz Acosta: [email protected], Javier Morán: [email protected] Colaboradores: Jacobo Sánchez, Aída García, Subterfuge, Guillermo Galguera, Gustavo López Mañas, Lola Martínez, Eme Bribon, Laura de Benito, Isabel Martínez, Marlene Agency, 5th Models. Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008. - OCIMAG #57 / edición trimestral de mayo, junio y julio del 2013. OCIMAG no se hace responsable de las opiniones o comentarios de nuestros colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director. Publicidad: [email protected].. Información: [email protected]. Tel.: 962 971 002 www.ocimag.com #57 Fotografía: Gustavo López Mañas - www.glm-studio.com Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es Modelo: Yulia - 5th Models - www.5thmodels.com Vestido Pablo Erroz, zapatillas Vans BASICS 4. Cajón desastre. 68. Local-in: guía de locales. MODA 8. News moda. 54. All my life. Editorial por Gustavo López Mañas. 62. Entertainment. Editorial por Laura de Benito. DISEÑO 10. News diseño y proyectos. 12. Vondom. Vanguardia mediterránea. 14. Antonio Fernández Alvira. Pop-ups posmodernos. 16. Milán Design Week 2013. 22. Lo más de lo más. 40. Mondo Camo. MÚSICA 24. News música. 26. Miss Kittin. 28. Lasers. 30. Idealipsticks. 32. Joe Crepúsculo. 34. Dorian (crónica). 36. Cyan (crónica). 38. De analógico a digital. ARTE 46. Crowds Genovés. 48. Arte y expos. cajón desastre - por Guillermo Galguera Y AHORA, COMPÓN UN DISCO EL VALLISOLETANO GUILLERMO GALGUERA ALIAS BRAVO FISHER! SIEMPRE QUISO HACER MÚSICA. EN EL INSTITUTO YA EMPEZÓ A INTENTARLO EN SOLITARIO PERO NO FUE HASTA 2011 CUANDO COMENZÓ SU CARRERA GANÁNDOLO TODO CON SU PRIMERA MAQUETA: N.º 1 DE LA REVISTA MONDO SONORO, N.º 1 EN EL CONCURSO 43 MUSIC Y N.º 1 EN EL CONCURSO DEL ARENAL SOUND FESTIVAL GRACIAS AL CUAL TOCÓ ANTE 50.000 PERSONAS. TRAS LA PUBLICACIÓN DE SU PRIMER ÁLBUM, WE WERE OVERNIGHTERS, FICHA POR SUBTERFUGE RECORDS EN 2012. BRAVO FISHER! NOS PRESENTA SU SEGUNDO ÁLBUM, EL VALLE INVISIBLE, QUE ÉL SIENTE COMO SI FUERA EL PRIMERO Y, QUE CONTIENE LA BÚSQUEDA DEL POP PERFECTO A TRAVÉS DE LETRAS CANTADAS EN CASTELLANO. La labor de composición de un álbum es complicada. Me explico; muchos de los discos se componen en el local, entre todos los miembros de una banda. Otros se hacen en medio de giras interminables, entre bolo y bolo, en un rincón de la furgoneta. Otros, guitarra en mano, en la soledad de tu cuarto. Mi caso es un poco más complejo que todo eso porque se trata de música electrónica (principalmente hecha a base de beats con un ordenador, sentado en tu estudio) pero ahora con letras en español y desde un punto de vista de canción pop. Es decir, como si fuera una banda, pero sin serlo. Son muchos los elementos que se han de tener en cuenta, y una sola cabeza pensante. Pues bien, cuando por fin te pones a crear te planteas la gran pregunta: ¿qué quiero contar? Desde el minuto uno me surge una y otra vez la misma idea obsesiva. Quiero que mi disco sea una película. Me explico; si algo me parecía interesante desde el principio era intentar llevar a música lo que veo en la pantalla. El hecho de que mi propio nombre artístico Bravo Fisher! sea fruto de una mezcla de elementos sacados de la película Aacademia Rushmore, de Wes Andreson, no es casual. Muchas veces, en entrevistas, me descubro siendo capaz de decir con soltura las últimas diez películas que he visto, pero no así los diez últimos discos que he escuchado. No es que no escuche música, para nada, pero creo que sin duda el cine me ha influido mucho más en los últimos años que la música que escucho. Las dos o tres primeras semanas no cogí una guitarra, o un teclado, ni siquiera compuse letras. Pasé días enteros llenando cuadernos con esquemas sobre la historia que quería contar. Como si se tratara de un guion de cine: personajes, historias, lugares, anécdotas, flechas conectándolo todo. Caos, en definitiva. Yo quería contar algo, pero ¿qué contar si todo está contado ya? Pues si todo está contado ya, vayamos a lo más universal, y contémoslo desde una perspectiva más moderna. Aquí viene a colación una película que tomo como ejemplo para explicarlo todo. ¿Por qué Drive ha gustado tanto? No es más que una historia mil veces contada con anterio- ridad: el antihéroe y su búsqueda de la felicidad: el viaje iniciático. Es obvio que Drive es realmente una Odisea, un Quijote, un Jonás en el vientre de la ballena. Pero la gracia es que Drive lo cuenta de una manera distinta; es decir, no es tanto el contenido, como el continente. Una “triquiñuela” para hacernos adorar algo que ya hemos oído mil veces. Bien. Pues yo cojo esta idea, y la llevo a mi terreno. El viaje iniciático, la búsqueda del “yo”. Voy a hablar de un antihéroe, y se las voy a hacer pasar canutas. Un soñador, un luchador, que no se va a rendir, aunque por el camino tropiece bastantes veces. ¿Y mi “triquiñuela”? ¿Cómo hago para que sea diferente? Pues voy a hacer que no suceda ahora, voy a situar su historia en la España de 1936, y de ahí, en adelante. Que sea un soldado republicano en la Guerra Civil, que sea un pobre que se enamore de un rica, o un emigrante de los que se fueron a buscar fortuna a las Américas y volvieron con una mano delante y otra detrás. Que sea un loco recluido en un psiquiátrico. Que se sienta perdido. Que se encuentre. Que cree un nuevo hogar donde por fin sentirse feliz. Y, por supuesto, voy a hacer que su final sea épico. Electrónica con una historia situada en la España más deprimida. A mí me vale. Otro factor que, quieras o no, ocurrirá en la composición de un disco es volcar tu personalidad en esas canciones. Si estás hablando de otra persona, si has creado un personaje, inevitablemente parte de ti irá impregnado en dicho personaje. Muchos amigos que ya han escuchado el disco me preguntan si me siento identificado con este personaje (a pesar de que, como digo, es otra época). Pero ¿cómo no? Creo que es importantísimo hablar de lo que uno conoce. Por lo tanto, mucho de lo que ocurre en esos discos que escuchamos realmente le ha pasado al que lo ha compuesto. Pero yo siempre oí decir a mi padre, novelista desde hace largo, que el buen escritor es aquel que sabe mentir muy bien. Por eso, lo divertido de todo esto es que nunca sabremos con absoluta certeza cuánto hay de verdad y de mentira en las canciones que amamos. Ficción frente a realidad. De eso se trata ¿no? REEBOK CLASSIC LEATHER Las míticas zapatillas de Reebok cumplen 30 años Reebok celebra este año 2013 el XXX aniversario del lanzamiento al mercado de unas zapatillas icónicas, Classic Leather, el primer calzado deportivo que se convirtió en un fenómeno de moda y estilo en los 80, y que desde entonces se instaló en el subconsciente colectivo juvenil de varias generaciones. El origen de las Classic Leather está en Nueva York, cuando en abril de ese año, todos los servicios de transporte de la ciudad permanecieron parados durante once días por la huelga de transportes, lo que obligó a muchos viajeros a ir a pie a sus trabajos, e hizo que apareciese por primera vez en las calles la imagen de mujeres trabajadoras en zapatillas de deporte. En el año 1983, partiendo de un modelo preexistente en nylon, los diseñadores de Reebok decidieron construir una zapatilla de deporte usando piel en el cuerpo de la zapatilla, de tal forma que la gente la podría vestir de manera informal. El modelo Classic Leather es el primer calzado que juega la carta de la moda casual a partir de un modelo de deporte, y que rápidamente se convirtió en un clásico en las calles, llegando a ser el modelo de Reebok más vendido de toda su historia. En este 2013, Reebok aprovecha la celebración del XXX aniversario de Classic Leather para recuperar un espíritu que va más allá del deporte, y que está muy conectado con la cultura, la música y el arte como parte de su ADN. Vestir en aquellos 80 unas Reebok era casi una actitud, algo que era muy evidente en el Nueva York efervescente de Keith Haring y Basquiat (con cuyas fundaciones la marca colabora en la actualidad). Reebok potencia ese espíritu en su línea Classic, apoyando y aliándose con todos aquellos que, desde el punto de vista creativo, tienen algo que aportar. Aquellos que hacen cosas, que lo intentan, que viven la vida con intensidad y tienen un espíritu LIVE WITH FIRE, el lema de Reebok para este año. www.reebok.es news moda / por Anna Arroyo QUIKSILVER BOARDSHORD COMPANY Quiksilver ha preparado una colección para el verano 2013 en la que predominan los boardshorts de material diamond dobby, un tejido muy técnico que evita rozaduras en las costuras, con fit superstrech y de secado rápido además de traspirable. Este año la firma apostará, además de por los clásicos boardshorts perfectos para los surfers, por bañadores cortitos estilo retrosurf, estampados de palmeras y flores hawaianas y formas geométricas. Destacan también los modelos Amphibiox, bañadores con aspecto similar a una bermuda que se pueden utilizar directamente en la playa, y las signatures series (modelos en los que han colaborado en su fabricación y diseño prosurfers como Kelly Slater, Dane Reynolds o Aritz Aranburu). Good vibes! www.quiksilver.es EASTPAK AUTHENTIC LITTLE PRAIRE EASTPAK nos presenta la colección Authentic Little Praire, en la que los estampados florales son los auténticos protagonistas. EASTPAK ha vuelto a mezclar todos los ingredientes necesarios para crear una auténtica combinación de funcionalidad y sofisticación para el insider urbano. Los materiales naturales, colores brillantes y ricas texturas son elementos que recorren toda una colección para vivir intensamente la ciudad. Tendrás que mantener lejos a los pájaros y las abejas con estos ensoñadores y fotográficos estampados. ¡El flower-power llega a la ciudad! www.eastpak.com MYTHE CLOTHING Mythe Clothing, tu nueva marca de moda online. Diseñada y producida íntegramente en Barcelona, esta firma apuesta por un estilo fresco, único y especial, para que te expreses a tu manera, dentro del mundo street style. Esta joven marca tiene muy claro que la moda no es solo una cuestión de estilo, sino también de detalles. Por ello, sus colecciones son pequeñas series casi limitadas con el fin de mantener la exclusividad del producto. El hecho de ser online también le permite convertirse en una marca aliada de los críticos tiempos en los que vivimos. Ya sabes, ¡Mythe Clothing, del pc a tu casa en un solo clic! www.mytheclothing.com DIESEL Light exposure CONVERSE Diesel avanza un paso más, explorando nuevas tecnologías y añadiendo nuevos tonos de azul claro y blanqueado a su nuevo ADN Light Exposure. La técnica de doble foaming o con láser all-over aporta el contraste, así como la textura y los gráficos tropicales, consiguiendo así un resultado veraniego y un denim fresco. Además, la colección five pocket aporta denim en color y en 3D, por ejemplo en el denim 111D stretch disponible en naranja o en royal blue. Por otro lado, suave al tacto y muy ligero, tal y como nos gusta ir en verano, podemos encontrar el 810W en colores empolvados y pastel. ¡Y no olvides completar tu look con los accesorios Diesel! www.diesel.com En los años 70, Converse se convirtió en un icono entre legendarios jugadores del baloncesto, figuras del Rock&Roll y skaters. Rememorando esta época y recuperando detalles de las zapatillas originales, Converse lanza esta temporada su línea First String Standards con la colección 1970’s Chuck Taylor All Star, que presenta ligeras diferencias solo reconocibles por coleccionistas y fans. Además, se han añadido detalles como una puntera más sustancial y una suela de caucho ligeramente más ancha, una placa de goma conmemorativa en el talón, una loneta más gruesa y toques vintage en las costuras laterales. ¡Viste tus pies al ritmo de los 70 y siéntete una rock star con tus nuevas Converse! www.converse.es BOARDSHORD COMPANY ROXY SUMMER 2013 La chica Roxy es una mujer viajera, de espíritu libre y que demanda la belleza natural. Es divertida, segura y le gusta seguir las tendencias de la moda mientras viaja por el mundo, las playas y vive nuevas experiencias. Las prendas claves de la temporada son muy variadas y predominan los estampados coloridos que contrastan con bikinis en blanco y negro. Las flores hawaianas de estilo vintage están muy presentes en bikinis con diferentes formas para adaptarse a cada estilo, con volantes o cierre de lazo. Bikinis de croché en tonos fresa y marino, flores liberty y bañadores que estilizan la figura. Roxy adapta su estilo a cada mujer con una amplia selección de prendas de baño de diferentes estilos y formas: bandeau, lazos, triángulos, copa, brasileño... ¿Preparada para un verano sin fin? www.roxy.es news diseño y proyectos / por Tactelgraphics PLEIX Pleix es una comunidad de artistas digitales con sede en París. Esta asociación no ha dejado de sorprendernos desde que en 2002 se juntasen con el fantástico dúo Plaid y nos regalasen ese despropósito audiovisual que fue Itsu. Luego llegó Cish Cash en 2004 (Siouxsie electrizada por unos Basement Jaxx más que sobresalientes) y un Matthew Barney del primer Cremaster como referencia directa; para que definitivamente los adorásemos por su pieza más artística: Birds (2006) para Vitalic. Pues bien, han pasado unos cuantos años -siete para ser exactos- y sí, lo han vuelto a hacer. El nuevo vídeo de Discodeine, Aydin, es una auténtica obra de videoarte muy vinculada al Seapunk. Una maravilla que muchos no acabarán de comprender pero que vuelve a marcar un antes y un después en la forma de entender la imagen vinculada a la música revienta pista. www.pleix.net DESIGN SPEAKING Design Speaking (revista de diseño afincada en Milán) tuvo una enorme presencia en el Salone del Mobile de Milano este año con la muestra Talent´s Manifestó donde jóvenes talentos y start-ups fueron convocados para que juntos representasen la filosofía de Design Speaking. Por ejemplo, desde Bélgica Thien Vo presentó su perchero o la marca Avalon desde Verona mostró su trabajo con un enfoque muy pop. Cabe destacar el acierto por parte de los organizadores de la localización de la muestra: la incomparable Ventura Lambrate, la zona más trendy de toda la Feria. También cabe tener en cuenta su primera edición impresa de la cual nosotros (Tactelgraphics) fuimos partícipes en la creación de la portada. Si eres diseñador y no te desplazas en estas fechas a Milán, mejor dedícate a sexar pollos. www.designspeaking.com Adiós Valle Ortí No todas las noticias son siempre maravillosas y buenas. Valencia es una ciudad increíble, pero en algunos casos puede llegar a ser agotadora y nociva. La galería Valle Ortí de Valencia cierra sus puertas tras casi cuarenta años. Nacho Valle ha estado al frente los últimos doce años, cuando tomó el relevo de su padre, creando una apuesta con carácter propio que ha servido para proyectar a nuevos valores artísticos valencianos y abrir un camino de internacionalización. Conforme se ha ido deteriorando la política cultural en la Comunitat Valenciana, las galerías han mostrado una mayor voluntad de asumir en sus programaciones los riesgos y el apoyo a los creadores que las instituciones públicas han desatendido. Una situación que tiene su origen en decisiones políticas anteriores a la llegada de la crisis económica, pero que, como cualquier veneno administrado progresivamente, va mostrando sus efectos irreversibles. www.valleorti.com This is it This is it son un grupo de personas que dirigen, escriben y producen películas, así de claro. Vienen posiblemente del underground del diseño y de la animación contemporánea, y a lo largo de los últimos cuatro años han ido desarrollando proyectos colectivos de lo más variopintos. El colectivo ya ha creado un nicho de mercado bastante amplio con sus cortometrajes y sus dos películas de éxito, las cuales han participado y ganado premios en festivales de todo el mundo. Con más de un millón de espectadores viendo estas películas en el canal 4 y más de 2,5 millones de visitas en línea, el colectivo ha generado un fuerte seguimiento internacional, logrando un gran éxito a partir de proyectos autofinanciados. This is it son Andy Baker, Laura Bird, Rose Blake, Thomas Bolwell, Daniel Britt, Hugo Donkin, Chan An Gee, Michael Knight, Nicos Livesey, Tom McCaughan, Azusa Nakagawa, Joseph Pelling y Becky Sloan. www.thisisitcollective.com A3 STUDIO A3 es un estudio de diseño con sede en Lausanne, Suiza. Se compone de Yvo Hählen, diseñador gráfico, y Priscilla Balmer, especialista en comunicación visual. Están especializados en identidad corporativa, ilustración, promoción cultural y comunicación de eventos; su trabajo también incluye creación institucional y los medios de comunicación, el diseño de catálogos y libros, la creación de portadas de discos, así como el mundo de la señalética y las websites. Yvo Hählen, de 2006 a 2011, fue director artístico en una agencia de comunicación de prestigio en Lausanne antes de asociarse con Priscilla Balmer para fundar A3 studio. Es increíble cómo en países como Suiza los jóvenes pueden cumplir sus sueños de montar empresas y no estar supeditados a grandes tiburones opresores y cómo nuestro país obliga indudablemente a la fuga de cerebros. www.a3studio.ch M/M Paris Book M/M (Paris) -probablemente el estudio de diseño más prestigioso del mundo- fue creado en 1992 por Michael Amzalag y Mathias Augustyniak. Este libro, publicado con motivo de su vigésimo aniversario, es una monografía sobre su trabajo. Recoge proyectos clasificados en un orden alfabético en particular: M, como Michael, a M, de Mathias. “El propósito de nuestro trabajo es el de expresar el diálogo. Nos gusta incorporar elementos de la moda, la música y el arte“. Sus colaboraciones con los principales protagonistas de los campos antes citados van desde Balenciaga, Calvin Klein, Givenchy, Marc Jacobs o Yohji Yamamoto en moda; Benjamin Biolay, Björk, Kanye West o Madonna en música; Vogue París, Arena Homme + e Interview en cuanto a publicaciones o proyectos de arte y exposiciones en el Centro Pompidou, la Tate Modern o el museo Guggenheim. Este monográfico es un documento único, una puerta de entrada en el alma de los creadores más influyentes en el mundo. www.mmparis.com VONDOM 2 Vanguardia mediterránea Texto: Tactegraphics Una nueva forma de entender el mundo de la decoración y el diseño, esta podría ser la perfecta definición de Vondom. Joven, innovadora, emprendedora y dinámica, así es Vondom, una firma líder en diseño de mobiliario de vanguardia. La alta tecnología y los materiales ecológicos empleados en sus procesos de fabricación, junto con un diseño aparentemente simple, son factores diferenciadores de la marca valenciana. Las últimas novedades que pudimos ver en el Salone Internazionale del Mobile Milán 2013 no dejan lugar a duda de que la firma sigue apostando por un diseño de vanguardia que ofrece y crea ambientes únicos y exclusivos al más puro estilo mediterráneo. F3 Collection de Fabio Novembre es una colección basada en superficies matemáticas que fluyen de forma libre hasta conseguir la función perfecta de cada elemento. A través de las distintas piezas de la colección se consigue aunar sus funciones estética y funcional. Líneas de belleza escultural que nos ayudan a fluir a partir de su forma. Ciencia matemática convertida en diseño. Ufo por Ora Ito es el resultado de "experimentos de mutación genética" entre los lenguajes icónicos de pagodas y ovnis. Se trata de una butaca, mesa y sofá que permiten crear distintas composiciones altamente adaptables a espacios de exterior gracias a su forma elegante y su material resistente a la intemperie y adversidades. Biophilia Collection de Ross Lovegrove explora el lenguaje de un nuevo diseño que constituye un diálogo entre tiempo, forma y espacio y que combina el diseño de vanguardia orgánica de la Sagrada Famila de Antonio Gaudí, los conocimientos avanzados de Vondom en la técnica del rotomoldeo y los estudios de investigación sobre el proceso de transferencia digital en el diseño contemporáneo. Y, por último, el nuevo concepto Outdoor Rugs traslada el confort propio del interior de un hogar al espacio exterior; así surge una colección de alfombras, duraderas y resistentes a las condiciones adversas, un complemento nuevo en el universo del mobiliario exterior. 1 3 4 1. Outdoor Rugs. Alfombra de exterior F3 diseño de Fabio Novembre. 2. Asiento Ufo diseño de Ora Ito. 3. Silla Biophilia diseño de Ross Lovegrove. 4. Silla F3 diseño de Fabio Novembre. www.vondom.com ANTONIO FERNÁNDEZ ALVIRA POP-UPS POSMODERNOS EN LA FASCINANTE OBRA DE ANTONIO FERNÁNDEZ ALVIRA (NACIDO EN HUESCA EN 1977 Y LICENCIADO EN BELLAS ARTES POR LA UNIVERSIDAD DEL PAÍS VASCO), ENCONTRAMOS TANTO LA EXPERIMENTACIÓN COMO LA TÉCNICA QUE HACE QUE SE DIFERENCIE DE LOS ARTISTAS DE SU GENERACIÓN. POR UN LADO, LOS DIBUJOS REALIZADOS CON TÉCNICAS MÁS TRADICIONALES DEL DIBUJO COMO LA ACUARELA, GOUACHE O TINTA Y, POR OTRO LADO, LOS REALIZADOS CON HILO BORDADO A MANO SOBRE PAPEL: TODOS ELLOS CONVERTIDOS EN COMPLEJOS POP-UPS POSMODERNOS. HA PARTICIPADO EN NUMEROSAS COLECTIVAS Y FERIAS COMO JUSTMAD, SWAB, ARTJAÉN O ROOM ART FAIR, Y EN DIVERSAS GALERÍAS E INSTITUCIONES NACIONALES E INTERNACIONALES COMO GALERÍA CASA CUADRADA DE BOGOTÁ (COLOMBIA), OPEN GALERIE DE BERLÍN, GALERÍA PARADA 54 DE MÉXICO, ARTHAUS66 DE ESTADO O ESPAI TACTEL EN VALENCIA. Entrevista: Tactelgraphics / Foto: Antonio Fernández Alvira Cuéntanos cómo fueron tus comienzos en el mundo de la producción artística. Desde que terminé la Facultad de Bellas Artes y me fuí a vivir a Madrid he realizado diversos proyectos y he experimentado con técnicas y medios expresivos, pero desde siempre mi medio artístico de expresión ha sido el dibujo y su experimentación, ligado a la instalación y a la inclusión de diferentes técnicas y materiales como el bordado a mano sobre papel, de hecho hay gente que considera mi trabajo como un dibujo escultórico, ya que cada vez me salgo más del típico soporte y mis dibujos tienden a expandirse y elevarse tendiendo cada vez más a una tridimensionalidad. En tu obra nos encontramos principalmente con el dibujo. Parece que es donde mejor te desenvuelves, ¿me equivoco? Así es. De hecho, el dibujo es lo que siempre me llama más la atención y en lo que más me fijo e investigo cuando voy a ver exposiciones o museos. Hace pocos años hubo en España un redescubrimiento del dibujo, ya que este parecía que había quedado relegado como una modalidad menor, sin embargo el boom que hubo ha hecho que redescubramos las posibilidades de este y la gran carga expresiva que posee. Háblanos sobre tu obra. ¿Te consideras más esteta que político? Considero que mi trabajo posee una carga de significación y mensaje social, unida a lo estético, evidentemente, ya que nos movemos en territorios artísticos. Pero todo en mi trabajo está por algo, todos los elementos, incluido el bordado, poseen una significación y razón de ser. La combina - ción del bordado y el recorte simulando Pop-ups es muy característica en tu obra. No te limitas al dibujo puro y duro. Mucha gente se sorprende por el bordado y me pregunta si es a máquina o se lo encargo hacer a alguien, pero no, lo hago yo mismo a mano. De hecho, cuando la gente contempla las piezas siempre surgen conversaciones y comentarios en torno al hecho de bordarlo a mano sobre papel. Para mí, si se lo encargara a alguien o lo hiciera con máquina no tendría significado dentro de mi obra. El hecho de elegir el bordado no es algo dejado a lo meramente estético. A través de este hago referencia al hecho de la autoconstrucción, de ir construyendo la personalidad día a día, vivencia a vivencia, siguiendo un dibujo preestablecido, sin salirte de él. Al igual que en la vida real, donde uno tiene que seguir unos roles, comportamientos y asimilando los clichés que se presuponen para no ser descalificado, y de ese modo construir con ese hilo los patrones que conforman ese traje que se llama masculinidad. El bordado, típicamente asociado a lo femenino, adopta en mi trabajo una connotación irónica al referirse a lo masculino. Aun así, el bordado resalta mucho. ¿Lo consideras un elemento primordial? En mis proyectos anteriores el bordado era el elemento primordial. Debido a que estaban más centrados en la construcción de la identidad masculina, los roles y clichés que se presuponen al hombre. Precisamente con Constructing my identity, me concedieron la beca Ramón Acín de Artes Plásticas, una experiencia satisfactoria. El cuándo empecé a investigar e incluir el bordado en mi trabajo, pues fue durante el tiempo que viví en Italia, allá por el año 2007, que aunque no fue muy largo sí creo que me influyó a nivel estético. Tanto por cierto tipo de composiciones clásicas, como por el uso de ciertos materiales y sobre todo por decantarme de un modo definitivo hacia el dibujo y sus posibilidades. La violencia parece una temática que te interesa bastante. Pero no es la única que percibimos en el conjunto de tus obras. Actualmente estoy centrado en temáticas relacionadas con la violencia, no solo física, y la familiarización actual con esta, como medio auspiciado para conseguir destacar, tener poder, honor, reconocimiento… a costa de lo que sea, sin importar los efectos o a quién perjudique. En este tipo de proyecto la ironía, la sutileza y el preciosismo es el elemento que destacar. Para ello estoy realizando composiciones e imágenes preciosistas mediante la acuarela y la técnica de los Popups, en los cuales también incluyo imágenes bordadas, que visualmente son agradables, con colores pasteles, armoniosas... pero que realmente están representando imágenes con una carga elevada de violencia, y de la cual solo nos damos cuenta una vez que contemplamos la pieza con calma, de este modo esta violencia se está introduciendo en nosotros sin daros cuenta. Al igual que en nuestros días, donde estamos familiarizados con una gran carga de violencia, de la cual no nos percatamos, e incluso consideramos normal. ¿La minuciosaidad y el barroquismo de tu trabajo a qué se deben? El hecho de que mis dibujos sean tan minuciosos creo que aporta una personalidad al trabajo, ya que precisamente me interesa mucho esa contraposición entre la técnica sutil, delicada, y la dureza de la imagen representada, esa figuras recortadas, delicadas, que dan sensación de fragilidad al estar realizadas en papel, pero que, por otro lado representan imágenes duras, personajes con cabeza de pistola, de guante de boxeo, girnaldas de balas, medallas y condecoraciones de guerra... ¿En qué andas meti do ahora mismo? Actualmente estoy inmerso en varios proyectos, como dos exposiciones colectivas en las que participaré en el centro de arte contemporáneo La Térmica, en Malaga, y el pasado 26 de abril inauguré Nobody Said it Was Easy en la galería Espai tactel de Valencia. MILÁN DESIGN WEEK 2013 El necesario buen diseño QUE ESTAMOS EN CRISIS ES HARTO SABIDO POR TODOS. ES UN TEMA RECURRENTE DONDE LOS HAYA Y A SU VEZ ES LO MÁS CANSINO QUE ME HA PASADO EN LA VIDA. LA DICHOSA CRISIS HA HECHO ESTRAGOS EN EL MUNDO DEL DISEÑO: ESTUDIOS QUE CIERRAN, AMIGOS EN EL PARO, FUGA DE CEREBROS A TODOS LOS PUNTOS POSIBLES DEL GLOBO… ¡BUENO, YA VALE! QUE ES UN MOMENTO HORRIBLE ESTÁ CLARO, PERO ESO NO TIENE QUE SER EXCUSA PARA LA PRODUCTIVIDAD Y EL TALENTO, Y ESO ES LA FERIA DE MILÁN: LA ESPERANZA DE UN MUNDO MEJOR EN EL QUE EL BUEN DISEÑO ES ABSOLUTAMENTE NECESARIO Y LOS ESTUDIOS Y DISEÑADORES BRILLAN POR SU EXCELENCIA. SERÍA IMPOSIBLE MOSTRAR EN SOLO SEIS PÁGINAS TODO LO QUE NOS GUSTÓ DE LA SUSODICHA FERIA, PERO SÍ PODEMOS HACER UN PEQUEÑO RESUMEN DE ALGUNAS DE LAS (POR LO MENOS PARA NOSOTROS) PROPUESTAS MÁS INTERESANTES; TANTO DE LA FERIA EN SÍ MISMA COMO DE LA NUEVA ZONA DONDE EL DISEÑO, EL ARTE Y LA VANGUARDIA MÁS CORROSIVA SE DAN CITA: VENTURA LAMBRATE. Texto y selección: Tactelgraphics y Rubén Vidal Estuvimos desde el martes en la apertura y nos fuimos el sábado a medio día. Como siempre, esta feria es espectacular y sobre todo muy vanguardista, así que aprovechamos para hacer algunas fotos y observar las tendencias e ideas que puedan servirnos para nuestro trabajo. La verdad es que la feria es enorme y llega a ser agobiante hasta decir basta: es la más importante del mundo, se compone de veinte pabellones, más cuatro de iluminación y el Salón Satélite, donde pueden verse los prototipos de jóvenes diseñadores y las propuestas más radicales de algunas de las mejores escuelas del planeta. En la feria destacaría el estand de Moroso, con mención especial a todo lo que producen con Diesel, que por enésima vez demuestra estar a la última no solo en tendencias de vestir; el de Vitra, cómo no, que presentó no solo los nuevos productos de Hella Jongerius y de Ronan y Erwan Bouroullec. También muchos de sus clásicos han sido rediseñados en sus materiales, colores y variantes. Además, todo el estand de la feria se creó con combinaciones armónicas de colores de la novedosa biblioteca cromática de Vitra. El de Kartell atrajo a miles de personas aunque técnicamente (hablando principalmente de las ilustraciones que lo envolvían) dejaba mucho que desear. La empresa murciana Sancal presentó su colección Tierra, que recreaba las tradicionales paredes blancas, seca tierra y persianas verde oliva del sudeste de España. En este caso consiguió crear espacios alejados de las modas pasajeras. Fuera de la feria y sus pabellones, en Via Savona 56, el estand de Moooi lucía unos ploteados con la obra fotográfica de uno de los mejores fotógrafos del mundo: Erwin Olaf. Queda decir que solo por eso valía la pena pasearse por él. 1 1. Bucket Lamp Floor. Diseño de Studio Job para Moooi. www.moooi.com 2. Mafalda. Diseño de Patricia Urquiola para Moroso. www.moroso.it 3. Clarisa Hood. Diseño de Patricia Urquiola para Moroso. www.moroso.it 4 y 5. Float. Diseño de Karim Rashid para Sancal. www.sancal.com 2 Que los estands de Moroso son increíbles es sabido por todos. Que sus colaboraciones con Diesel sientan precedentes también… Pero su trabajo con la actual "Señora Todopoderosa y Omnipresente" del diseño (con permiso de Jaime Hayón, que ostenta el título en su versión masculina, claro está) es otro tema. La diseñadora española presentó una colección de sillones con estructura de madera y minisillones con respaldo en tejido termoconformado para la marca italiana. Esta nueva colaboración tiene por nombre Mafalda, comprende asientos de dos tamaños fabricados en madera de haya y con respaldos curvos profundamente moldeados y creados a partir de fibras de poliéster reciclado. Un maravilla, pero de ella qué menos cabría esperar. Tenemos Patricia Urquiola para rato, gracias Moroso. 3 4 Karim Rashid, el enfant terrible del diseño industrial, nos propone con Float un asiento para espacios de uso colectivo. Este ligero asiento flotante, con pared incorporada que hace las funciones de biombo, concede total privacidad en entornos abiertos. Una de las principales características de los diseños de Karim son sus, a priori imposibles, coloridas combinaciones. Los productos Sancal son, en cambio, menos estridentes. Con Float han conseguido encontrar un equilibrio perfecto, puesto que se le concede mayor protagonismo a las texturas y se reservan las notas de color para pequeños detalles, como los reposacabezas o los cojines. Para cojines y reposacabezas Karim también ha diseñado una serie de estampados denominados Cairo. La colección está inspirada en su Egipto natal. 5 1 1. Longwave. Successful Living From Diesel para Moroso. www.moroso.it / 2. Dozequince. Diseño de Francesco Sillitti para Gandía Blasco. www.gandiablasco.com / 3. Textile. Diseño de Ana Llobet para Gandía Blasco. www.gandiablasco.com / 4. Galaxy Tables. Successful Living From Diesel para Moroso. www.moroso.it 2 3 4 La empresa valenciana de mobiliario y complementos Gandía Blasco participó también en la feria, como cada año, vamos. Cabe destacar la apuesta por los diseñadores jóvenes establecida por su propuesta Young Talents, con Textile, de Ana Llobet, Arumi, creación de Emmanuel Gardin o DozeQuinze, de Francesco Sillitti. En cuanto a Gan, la división de textil de la firma, destaca la aportación de Mangas, la creación de Patricia Urquiola y Sail, obra del diseñador Héctor Serrano. Además, y por si fuera poco, presentaron la colección Tropez de Stefan Diez, que acaba de obtener el premio Wallpaper* Design Awards 2013, y en sus propias palabras: “se presenta en el mundo del mueble de exterior sin pretensiones y con sutileza, como lo haría una crisopa que se posa en un jardín con una línea muy bien definida por un aspecto informal y flexible, inspirada en el mundo de los deportes de los años 20 y 30. Tropez utiliza un lenguaje elegante de barcos de vela y bastidores de tenis, y aporta el confort del mueble doméstico al exterior. Gracias a su plataforma construida sobre una base de perfil de aluminio extrudido en la que se pueden fijar varios elementos, la pieza ofrece un gran nivel de flexibilidad. Este carácter “léger” le imprime una identidad especial en paisajes arquitecturales y paisajes que no lo son”. Gandía Blasco volvieron a pasar de todo menos desapercibidos. En cuanto a las piezas (o debería decir piezones) de Successful Living From Diesel with Moroso me quedo con el sofá Longwave, con esa reminiscencia tan sixties y motera; hay que tener en cuenta el "trato de lujo" que le dan a materiales como el cuero, o las Galaxy Tables que, al igual que las superficies de los planetas y mediante sus tres acabados combinan mármol y cristal en espejo dándole un efecto de película de serie B enfocada a la ciencia ficción. ¡Space disco never die! 1 2 3 4 1. Masa Miina de Kaamos. www.kaamosgroup.fi / 2. P.O.V. Cookie jar. Diseño de Nightshop para Dhph. dhph.com / 3. Avalon Designers. www.avalondesigners.com / 4. Tipi. Diseño de Laure Kasiers. www.tipikit.com / 5. Masks. Diseño de Kosmos Project. www.kosmosproject.com / 6. Oma Floor Lamp. Diseño de Katrina Nuutinen para Kaamos. www.kaamosgroup.fi 5 ¿Quién ha dicho que la gente joven está amuermada? Este año la creatividad va de la mano de los diseñadores más jóvenes: en el Salone Satellite me dejaron alucinado los finlandeses Kaamos Group con piezas como Oma Floorlamp, pero lo que realmente impresionaba eran los diferentes proyectos en determinadas zonas de la ciudad, como Tortona, que después de más de una década se ha quedado en gran parte obsoleta, y, cómo no, Ventura Lambrate. Me llamó sobre todo la atención y el entusiasmo de estos jóvenes diseñadores, muy educados y atentos con los visitantes, que con pocos medios y mucha imaginación llevan a cabo sus proyectos en el tan competitivo (y muchas veces cruel) mundo del diseño. En Ventura Lambrate se presentó la revista Design Speaking, apoyada por el showroom en Daal Gallery, 6 con gente como Avalon Designers, o la zona esponsorizada por Diesel y el festival Elita, con gente como Nightshop y sus productos para DHPH o las máscaras y cabezas de animales de Collective Unconscious by Kosmos Project, una auténtica maravilla. Para terminar, la única conclusión posible que se me ocurre en torno a la Feria de Milán 2013 es que un diseñador que se precie no puede faltar a la cita más internacional del diseño industrial del mundo. Digo industrial porque el gráfico no parece acabar de encontrar su sitio, aunque poco a poco empieza a abrirse paso, porque hay que recordarle a todos los diseñadores industriales que si son capaces de crear buenos muebles en general, también deberían ser capaces de delegar en buenos gráficos para sus imágenes corporativas y colaboraciones. lo más de lo más / por Jacobo Sánchez 2 1 4 3 1. Nudie Jeans, alfombras recicladas. Nudie Jeans defiende la posibilidad de trabajar con la moda y la buena calidad, y a la vez tiene como objetivo un consumo más sostenible. La firma cree en la larga vida de sus prendas y esta temporada ha ido más allá, creando alfombras con denim reciclado. Ha creado una manera de darle una nueva y larga vida a los jeans viejos: triturarlos y convertirlos en preciosas alfombras. Alfombras disponibles en Nudie Jeans concept Store Barcelona. www.nudiejeans.com 2. Cereal Magazine. Cereal Magazine llega a España en su segundo número y cosechando un gran éxito. Cereal es una revista hecha con pasión por la comida, por los viajes y por los libros. Concebida como un libro, en cada edición trimestral encontraremos reportajes sobre diferentes destinos, lugares, experiencias y alimentos. Destaca por su diseño sencillo y limpio, una auténtica delicia para todos los sentidos. Hasta la fecha solo se vende en la librería Dadá de Valencia. readcereal.com, www.libreriadada.com 3. Camp Daybed. La diseñadora Stephanie Hornig ha diseñado Camp Daybed, un sofá-cama inspirado en el estilo campamento de verano. Se trata de un cojín acolchado doble que va atado sobre una estructura de acero desmontable. La funda nórdica también es desmontable y lavable. De momento solo es un prototipo, pero esperemos que no se quede en eso. www.stephaniehornig.com 5 4. Únic Daily Goodness. Únic se presenta como un lugar de referencia en la ciudad de Valencia. Basado en la fusión de tendencias, arte, diseño y música. Un vanguardista y original concepto hecho por y para un público joven, urbanita e interesado por un mismo lifestyle. Situado en pleno centro histórico y en una de las zonas más efervescentes del barrio del Carmen, se encuentran las dos plantas recién reformadas de Únic, con una decoración muy cuidada y cosmopolita que se integra a la perfección dentro del marco de esencia donde se encuentra. www.unicdailygoodness.com 5. Tattoonie. Tattoonie son tatuajes temporales poco convencionales. No solo tienen una base de diseños propios, sino que han reunido a influencers, diseñadores y artistas. Ya hemos podido ver las colaboraciones de los ilustradores Ricardo Cavolo o Agustín Esteso, la diseñadora Miranda Makkaroff, o el dúo de humoristas Venga Monjas. Pero todavía tienen más de 20 guardados en la recámara. Además, los tattoos son resistentes y elaborados con tinta a base de soja. www.tattooniedesign.com news música - por Fernando Fuentes Bravo Fisher! y El valle invisible Bravo Fisher! presenta ahora, a través de Subterfuge, El valle Invisible, un segundo álbum que él siente como si fuera el primero, que contiene diez hits que buscan aproximarse al pop perfecto a través de bellas melodías, estructuras clásicas, ritmos bailables y trabajadas letras en castellano. Hombre orquesta posmoderno, Bravo Fisher! toca sintetizadores, guitarras, bajos y ukelele consiguiendo canciones emocionantes sustentadas por una voz personal e inconfundible. Su música se mueve con fuerza y vitalidad entre el electro, el indie y el pop más fresco. Bravo Fisher!: el do it yourself que termina en aplauso general. www.subterfuge.com ¿SOLO SEIS GRADOS...? Solo seis niveles nos separan de cualquier persona del planeta. Da igual que sea de un famoso dj, de una bailarina hawaiana o del presidente de Corea del Norte. Seis pasos. Seis grados. Seis, solo. Sixdegrees pretende ser un punto de encuentro de amigos llegados de todo el planeta para disfrutar juntos de la buena vida y la soleada libertad de una siempre apasionante Ibiza. Encontrarás todo tipo de tendencias y placeres en un evento alternativo -y exclusivo- que conectará el mundo en menos de seis pasos, seis grados, seis beats. La inauguración de Sixdegrees se celebrará el próximo 19 de mayo, a partir de las 17.00 de la tarde, en el nuevo Hotel Santos, con las actuaciones de SIS y Bushwacka; con el warm-up de Francisco Allendes y Paola Poletto. Además, Hugo M2M D-Day pinchará en el Special Lounge Area. www.sixdegreesibiza.com MyLittleDog MyLittleDog es un sello español, capitaneado por los veteranos Sergio Parrado y Óscar Barila, con base en Valencia y Santiago de Chile. A lo largo de sus cuatro años de vida han publicado referencias de artistas internacionales de la talla de Edu Imbernón, SIS, Pablo Bolívar, Marco Effe, Aldo Cádiz, David Herrero, Arnaud Le Texier o Tony Dee. Tras un año cargado de éxitos, han decidido dar la bienvenida a la primavera de 2013 con una web totalmente renovada: en la página podréis enteraros de todas las noticias del sello, disfrutar viendo los vídeos y fotos de la sección multimedia o bailar al ritmo de los podcasts de los djs de la familia MyLittleDog. Paralelamente nos presentan su nuevo servicio de booking. La agencia cuenta con la exclusiva para España y Europa de artistas como Martin Eyerer, Aldo Cádiz, Ronan Portela, Arnaud Le Texier, Tony Dee o Pawas. www.mylittledog.org FIB 2013, SUMA Y SIGUE La penúltima tanda de incorporaciones para el FIB 2013 -el festival indie nacional por antonomasia- vino encabezada por Beach House, los chicos de negro de Black Rebel Motorcycle Club y el electropop emocional de Dorian. Además, Bigott, Rudimental, And So I Watch You From Afar, Smile, Grupo Salvaje, Attic Lights, The Child of Lov, Soledad Vélez, Alba Lua y Pleasant Dreams se unen a los ya anunciados Beady Eye, Johnny Marr, The Killers, Arctic Monkeys, Queens of the Stone Age, Primal Scream, Dizzee Rascal, Miles Kane, La Roux, Kaiser Chiefs, Hurts, Jake Bugg y Azealia Banks, entre otros. El FIB 2013 se celebrará, como siempre, en el recinto de conciertos de Benicàssim y este año cumple su XIX edición. www.fiberfib.com ARENAL SOUND & OCIMAG La cuarta edición de Arenal Sound tendrá lugar, del 1 al 4 de agosto, en la playa El Arenal de Burriana y volverá a contar con dos fiestas de bienvenida previas (30 y 31 de julio). Más de 100 artistas, seis días de acampada frente al mar, fiestas en barco, piscina y muchas sorpresas más que lo convertirán en una experiencia inolvidable. En el line-up confirmado destaca la presencia de The Kooks, Editors, Kakkmaddafakka, The Fratellis, The Drums, Chase & Status (live), Steve Aoki, The Bloody Beetroots (live), Dorian, The Zombie Kids, We Are Standard, The Suicide of Western Culture, etc. OCIMAG será, un año más, medio oficial de este festival que cada año se va consolidando como una de las mejores apuestas sonoras a orillas del Mediterráneo. www.arenalsound.com 19 años bailando por el desierto La organización de Monegros ha anunciado los primeros nombres para su 19.ª edición, que se celebrará el próximo 20 de julio, como siempre, en el desierto de Los Monegros, en Fraga (Huesca). El line-up está compuesto por Underworld, que actuará en directo, Public Enemy, en su 25.º aniversario, Richie Hawtin con un dj set y visuales de Ali Demirel, Vitalic y su Rave Age Tour, el live de Feed Me, The Bloody Beetrots, Marco Carola, Loco Dice, Joris Vorn, Paco Osuna cerrando el festival, etc. Pero esto es solo el principio, aún quedan muchos artistas por confirmar y un cabeza de cartel que será anunciado en junio, los cuales completarán las 20 horas ininterrumpidas de música. El desierto te llama y te pone a bailar. www.mongrosfestival.es MISS KITTIN Más allá del electro-clash LA GATITA HA MADURADO Y -YA SIN THE HACKER- SE MARCA UN ÁLBUM DOBLE EN EL QUE, ADEMÁS DE SU HABITUAL REGUSTO POR EL ELECTROTECH CLUBBY, DEMUESTRA QUE SUS CONOCIMIENTOS Y SENSIBILIDADES SOBRE EL AMBIENT Y LA IDM SON MÁS QUE SUFICIENTES COMO PARA ATREVERSE CON ELLAS PERGEÑANDO SUS PROPIOS TEMAS… EN FIN, QUE ESTO SE LLAMA CALLING FROM THE STARS (WSPHERE, 2013) Y ES EL NUEVO DISCO, EN RIGUROSA SOLEDAD, DE MISS KITTIN. Entrevista: Fernando Fuentes Caroline, si calificamos este disco como electrónica, sin más etiquetas ni rollos, ¿estaríamos en lo cierto? Aquí es donde uno se da cuenta de las mentalidades: cuando uno es dj y produce música, esta es forzosamente electrónica. Hay música electrónica allá donde mires, pero si una estrella del R'n'B canta con música electrónica, se dice que hace “dance”. Yo siempre he hecho pop, desde Frank Sinatra. La gente apenas ha empezado a asumir que se pueden componer canciones con un ordenador como un cantante folk lo hace con un piano o una guitarra. ¿Por qué has querido escribir y componer tú sola los temas de este disco, sin apenas ayudas? ¿Qué has querido demostrar con ello? Se trataba de demos sobre las que he vuelto a trabajar. Ni siquiera yo sabía que iban a dar buen resultado. No tengo ningún problema en trabajar con otros, lo he hecho durante toda mi carrera. No tengo que demostrar nada; el objetivo es hacer buenos temas. Por supuesto, da mucha satisfacción descubrir que uno lo puede hacer bien solo, pero no es un fin en sí mismo. Tu tercer álbum está dividido en dos partes; la primera dedicada al baile, en la línea de tus anteriores trabajos. En la otra mitad sorprendes con composiciones de ambient e IDM… ¿son las dos caras de la misma moneda sonora? Por supuesto, porque ambas parten de la misma persona con el mismo pasado musical. La electrónica de principios de los noventa es parte de mi entorno musical desde siempre. Ya pinchaba a Autechre y a Aphex Twin en mis sets desde el principio. Nunca pensé en componer cosas del mismo género, pero me divertía intentándolo. Estos son fragmentos que compuse en una habitación de hotel en vacaciones. Tienen la misma textura sonora. Amo esos sonidos, ya sea para componer canciones pop o más atmosféricas. He utilizado los mismos instrumentos. ¿Y con qué máquinas y software has trabajado en estudio para pergeñar este disco? Un Mac, Cubase, algunos sintetizadores, una caja de ritmos, plugins y un micro. Una de las cosas curiosas de este álbum es ver cómo ha evolucionado tu voz en estos diez años… La voz es un instrumento como cualquier otro. Nunca he ido a clase de canto, excepto una vez para ver si estaba tratando bien mi voz. Cuando uno sabe que la voz es el reflejo del alma, aprende a utilizarla de otra manera, no cantando, sino interpretando. ¿Qué queda en la actual Miss Kittin de aquella de los tiempos del súper hitazo Frank Sinatra? ¿Qué piensas cuando escuchas aquellas letras frivolotas y chisposas que hablaban solo acerca de la fama? Pienso en la ironía de todo aquello. Reírse de un ideal de masas desde un pequeño pueblo de provincias y adentrarse en la selva de la música salvaje para que una canción nos propulse adentro de nosotros mismos… Pienso en que Kurt Cobain se suicidó porque no soportaba aquello a lo que el éxito le había llevado. ¿Te gusta que la gente te siga considerando como la reina del electro-clash? ¿Es una etiqueta que te acompañará de por vida? Por entonces eso me parecía ridículo. Hacía electro puro, del de Detroit, el de Kraftwerk. La palabra clash no existía. La electrónica hoy en día ha adquirido otro sentido, ha reemplazado a la palabra techno. Eso le da más clase, pero es absurdo. ¿Te consideras una artista del pasado que todavía tiene mucho que decir en la actualidad? Nunca lo he pensado. Yo me dedico a actuar y no a mirarme el ombligo. Estoy demasiado ocupada para eso. Los temas más propiamente clubbys -caso de Flash Forward, Come into my House o Bassline- son cla ros ejemplos de un bello electro-techno evolucionado y bien pergeñado, sofisticado y canalla… pero sin mucho riesgo… ¿es mejor asegurar que jugársela cuando ya lo tienes todo ganado? En mi opinión ha sido justo al contrario. Creo que arriesgarse es tratar de hacer música pop que no se encuadra en nada, con sonidos más experimentales que el pop clásico. Pero cuando compongo, afortunadamente no me pregunto si esto “es muy o poco experimental, si me he arriesgado mucho o poco”. Me gusta un sonido, creo una melodía. Punto final. Si alguien se ha arriesgado en los últimos veinte años, esa soy yo. No conozco a ningún dj de mi entorno que haga la música pop que yo hago. Para el mundillo de DJing puede sonar muy comercial, pero nadie se atreve a hacerla por miedo a las críticas del mundo underground, cuando en realidad ya no queda nada de underground den- tro del mundo dj. Dinos la verdad, ¿cuánto has echado en falta a The Hacker en este disco? ¿Qué tipo de relación mantienes -laboral y personal- ahora con él? Tras un álbum juntos, cada uno ha hecho sus propios proyectos. No somos un grupo al uso, nunca hemos estado juntos; tenemos una relación fraternal y familiar, y por eso es duradera. Nos vemos a menudo y volvemos a trabajar juntos en lo musical cuando empezamos a echarnos de menos. ¿Cómo es el live que has preparado para presentar los temas del disco? Es un live con un gran megamix de todo lo que he hecho. No diré nada más, hay que verlo. Para terminar, Caroline, hagamos un poco de feliz memoria, ¿qué recuerdas de aquellos tiempos maravillosos y salvajes de actuaciones en el Sónar Noche que terminaban en la playa de la Mar Bella a altas horas de la tarde del día siguiente? Un golpe de calor enorme… Cogí una insolación y no pude ni ponerme la gorra: tenía las orejas quemadas… Estuve enferma durante una semana. ¡Pero valió la pena! Desde entonces no voy a la playa sin crema y gorro. De hecho, ¡ya no voy ni de after! LASERS SIMPLE Y PURO SOSIEGO EN MEDIO DE LA TORMENTA, EVASIÓN MEDIANTE EL BAILE, ESCAPISMO HACIA ESTANCIAS MÁS FELICES PERO DENTRO DE LO COTIDIANO, LUZ SINTÉTICA QUE CALIENTA COMO EL SOL… ESTAS SON ALGUNAS DE LAS SENSACIONES QUE PRODUCE LA ESCUCHA DE ESTE NUEVO EXCHANGE LEVELS (2013, IRREGULAR) DE LOS CATALANES LASERS. REINTERPRETAR Y CONTEMPORANEIZAR EL HOUSE, DESDE EL POP Y ALEDAÑOS, LES SALE DE MARAVILLA A ESTOS TIPOS, OIGA. Entrevista: Fernando Fuentes / Foro: Jordi Castells Aló Lasers, en este Exchange levels giráis hacia una electrónica más terrenal, urbana y carnal y eso os ha sentado de maravilla… ¿era necesario bajar de aquella bella nube sintética que supuso ser Juno y enfrentaros a la realidad pura y dura? No sabemos si era necesario bajar o no, pero es algo que nos apetecía hacer, hacer las cosas más simples y con un sonido más puro, sin tanta capa… Era algo premeditado el sonido de este disco. Teníamos ganas de ver las cosas claras y pulir la producción. Sosiego en medio de la tormenta, evasión mediante el baile, escapismo hacia estancias más felices pero dentro de lo cotidiano, luz sintética que calienta como el sol… Estas son algunas de las sensaciones que me produce la escucha global de este Exchange levels… ¿qué os parecen? ¡Son buenas sensaciones! Sí que puede haber temas que transmitan diferentes estados de ánimo o sensaciones, aunque no es algo premeditado, sino más relacionado con cosas que nos apetecía hacer o con nuestra situación personal. Si realmente conseguimos transmitir todo eso a la gente que escuche el disco, nosotros estamos más que contentos. Antes de nada, lo que salta, a la primera escucha, es que pergeñando este álbum os lo habéis pasado pipa… ¿estamos en lo cierto? La verdad es que sí. Hemos hecho muy relajadamente todo aquello que queríamos hacer, sin ninguna prisa ya que ahora tenemos nuestro propio estudio y funcionamos sin la presión económica que supone normalmente grabar un disco con un límite de horas y días, etc. Eso ha hecho que, a pesar del calor del verano, nos lo hayamos pasado muy bien haciéndolo. Además lo hemos grabado y producido nosotros mismos, así que la diversión ha sido doble. Pianitos, arpergios por doquier, ramalazos funkoides, sintes mayús culos… aquí hay mucho años noventa, ¿verdad? Nos hemos fijado en discos de esa época, pero también en cosas de ahora, actuales. El house siempre está presente, aunque adaptándolo a nuestra forma de ver las cosas, o lo que podemos hacer dentro de nuestras posibilidades. Hay muchas cosas de esa época increíbles. Pero algo de años ochenta también tiene, ¿no? Si decimos que ese disco es, sobre todo, una reinterpretación y contempora neización del house… ¿nos habríamos vuelto tarumbas? Uf, igual son palabras mayores... Sí que lo hemos hecho a nuestro modo... pero desde luego no pretendemos tampoco reinterpretarlo, igual sí que es un poco locura decirlo… Una de las características y constantes de este disco es su perma nente groove… ¿cómo se logra mantenerlo durante todo el disco sea cual fuere el tema y su naturaleza? Quizás es algo a lo que hemos dado más importancia en este disco, sí pretendíamos que los bajos o las bases fueran claras y entendibles... Simplificar las cosas nos ha ayudado. Comenzar con ese house primigenio y subterráneo de … Roof down es toda una declara ción de intenciones, ¿es por eso que con este tema abrís el disco para dejar las cosas claras desde el principio? Fue hecha con la intención de que fuera una intro, y aunque es muy cruda, nos parecía muy representativa del disco. Desde el principio te das cuenta de cómo va a ir todo, y tienes tiempo de ir metiéndote en el rollo. Además nos encajaba con el disco. No contentos con ello recibimos entre pecho y espalda Come over -quizá el mejor tema del álbum- se trata de un hitazo houssie-dream-pop juguetón y muy pinchable, al más puro estilo bRUNA o Shelby Grey… ¿parece evidente que la conexión catalana entre artistas que compartís prácticamente los mismos gustos, e influencias, es clara, verdad? Es curioso. Sí que hay una serie de artistas que hacen este tipo de música que puede guardar cierta relación, y con los que compartimos influencias y tal, pero si te somos sinceros no tenemos contacto con prácticamente ninguno de ellos... al menos directo. Respecto a Come over podría ser quizás el tema más directo, es más clásico que los demás y más reconocible. ¡Lo tocamos desde hace tiempo en nuestros directos y nos divertimos mucho con él! Finalmente, Lasers, a final de este año va a haber tortas para disputarse el título de “mejor disco del año”… ¿no es curioso que todos los candidatos a ello, y de momento, viváis tan cerca y os conozcáis tan bien que parece que os habéis conjurado, al frescor de unas cañas, para hacernos sufrir a los periodistas con una serie de discazos de primer orden y máximo top? Nos hace ilusión que nos digas esto y te lo agradecemos, no contábamos con nada de eso, si a alguien le gusta el disco, nosotros ya estamos más que contentos y agradecidos, en serio. Estamos en una época de mucha creatividad, no sé por qué, donde no paran de aparecer discazos por doquier... ¡¡y los que quedan!! IDEALIPSTICKS Rock & Roll bipolar NO SOLO NO OCULTAN SU LADO MÁS SALVAJE, SINO QUE ALARDEAN DE ÉL EN UN DOMINIO PERFECTO DEL INSTINTO PRIMARIO. SUMERGIDOS EN EL CAOS CREATIVO, AUNQUE CON LAS IDEAS MUY CLARAS, SON AMANTES DE LA IMPROVISACIÓN VITAL Y SÓNICA. MITAD HUMANOS, MITAD ANIMALES BEBEN DE LA MOTOWN Y HACEN DE LO RETRO UNA NECESIDAD. ACTITUD PUNK, BRILLANTINA Y SENSUALIDAD. CON HUMANIMAL, SU DISCO MÁS ROTUNDO, EL DÚO DE GUADALAJARA REGRESA PROVOCADOR A LA ESCENA EN LA QUE LLEVAN QUINCE AÑOS CONVIVIENDO CON LAS LUCES Y LAS SOMBRAS. INTIMIDAD VISIBLE. ENTROPÍA QUE VA VESTIDA DE CUERO Y SUENA A ROCK & ROLL. Entrevista: Sara Morales / Foto: Catws ¿Quiénes son Idealipsticks, de dónde habéis salido? Nosotros veníamos de otra banda llamada Suitcase y acabamos un poco asqueados del mundillo. Nos largamos y nos fuimos a vivir a Londres y allí empezó a tomar forma la idea de montar una banda los dos. Hacerlo para nosotros, sin salir a la carretera ni dar conciertos. De aquella etapa salieron tres o cuatro canciones que luego han ido incluyéndose en nuestros discos. ¿Qué conserváis de aquellos inicios? Esto es como cuando un partido político asienta unas bases y unos principios antes de empezar. Y eso sigue ahí. Vamos a tocar para divertirnos. Vamos a tocar lo que nos dé la gana en cada momento, sin hacer caso a nadie, sin dejarnos deslumbrar por nadie, ni discográficas, ni mánagers ni gente que te encumbre ni que te chafe. Queríamos manejar esto nosotros. ¿Os autoproducís vosotros entonces? Sí, sí, desde el primer disco. Vamos teniendo colaboradores, pero estamos siendo dictadores nosotros. Doble esfuerzo, pero doble recompensa también, ¿no? Es más curro porque tienes que organizarlo tú, moverlo tú… Y eso es más trabajo, más curro. Pero cuando funciona es doblemente gratificante. Me sonáis a grupos como The Ettes, The Long Blondes o incluso Hole… ¿Vuestras influencias musicales parten de la new wave? Algo hay, sí. Tiramos mucho de los clásicos. Ten en cuenta que musicalmente nacimos en los 90, Nirvana y todo este rollo de Seattle es lo que escuchábamos con 14 y 15 años y de ahí hemos ido tirando para atrás. Sin embargo, a veces se notan ciertos dejes setenteros… Me vienen a la cabeza grupos como The Runaways o el propio Johnny Cash… Claro que sí. Un rollito country americano en algunos temas. Incluso cincuenteros. Con tantos palos como tocáis finalmente cómo definiríais vuestro sonido? Rock & roll. Es verdad que nos gusta jugar y explorar con todo. A veces sonamos swing, blues, punk, pop… No nos cerramos. Pero lo nues- tro es el rock & roll. El tiempo que estuvimos en Londres nos abrió mucho la mente, abrimos las puertas a mucha música. Cuando surge Idealipsticks, en España se mueve una escena que apuesta por la indie electrónica con gru pos con una actitud muy parecida a la vuestra como Cycle, Krakovia… ¿cómo convivisteis con ello? Siempre nos hemos visto más cerca de grupos de rock, como pueden ser Cápsula. Nunca quisimos ni queremos ocupar el nicho electro. Centrémonos en Humanimal, vuestro nuevo disco… Un concepto con dualidad, bipolaridad… ¿quién es el animal y quién el humano de los dos? De humano tenemos poco los dos (risas). Y cada vez que conoces más al humano, menos quieres tener parecidos con él. Nos gusta la parte animal en el sentido de la intuición, la naturalidad con la que surge todo, más improvisado, menos pensado todo. Tenemos una melodía en la cabeza y ya empezamos a darle forma. A partir de ahí es cuando empieza nuestra parte humana. El productor te coge por banda y te dice que hay que hacer las cosas bien y más ordenadas, con un sentido. Nosotros somos más caóticos. Qué prima en vosotros, ¿letras o música? Normalmente la música. Trabajamos con ello por separado y luego lo unimos. La música nos suele decir lo que tienes que contar. Humanimal se ve que es un álbum más tra bajado, con respecto a los dos anteriores. Hecho más a conciencia. Sí. Nos hemos desmarcado un poco del lo-fi y ahora presentamos un sonido más complejo. Es un poco lo que buscaba también Paul Grau, nuestro productor. Queríamos más estudio y menos carretera. Trabajarlo todo más tranquilamente y salirnos un poco del sonido garage. ¿Esto significa que difiere mucho el sonido del estudio del directo? Esto precisamente es lo que nos dice Paul Grau. Que una cosa es el disco y otra el directo. Nos gusta ser muy fieles al disco cuando estamos en el escenario. Evidentemente la actitud en directo es mucho más potente. Pero en este disco sí que tuvimos un poco más de miedo porque tiene mucho detalle, y siempre entran las dudas sobre cómo llevar esos matices al directo. Y al final lo estamos llevando muy bien. De hecho estamos metiendo más texturas en el directo que en el propio disco. Nos sentimos cómodos e incluso improvisamos. From the Pavement, el primer single… Susurros, suspiros, silencios bien escogidos, seducción… ¿es el tema que mejor os define en esta nueva etapa? Quizás no es el que mejor nos defina en general, creemos que ese es Very Very que es más nuestro rollo. Pero sí uno de los temas que más nos ha gustado cómo ha quedado. Es un tema que salió en el estudio, sin maqueta previa… Solo teníamos una melodía en la cabeza. Empezamos a tocarla, a darle forma y salió. El disco empieza con Very Very, el segundo single, pero sin embargo Front the Pavement es el último track. Sí, nos dio la gana situarlo justo al final. Es una manera de acabar el disco por todo lo alto, a lo grande, empiezas arriba y acabas arriba también. Luego volvéis a vuestras raíces punk con Why Don't You Leave Me… ¿Con qué sonido os sentís más cómodos? Con esta canción hubo dudas. Al principio a la gente que le enseñamos este tema le parecía demasiado punk, como que se salía un poco del tiesto en comparación con el resto del disco. Pero nos flipaba precisamente por eso. ¡Así que para dentro también! Este tema es como un resumen punk, y para el directo es bestial. Es un tema muy del estilo de nuestro primer disco. Y, Jave, tú en Walking te atreves a cantar… ¿cómo te sientes ante el micro?, ¿por qué no lo haces más? Está bien cantar alguna, pero como las comparaciones son odiosas se lo dejo a ella que es lo suyo. La seducción, la provocación y ciertas connotaciones sexuales, patentes en vuestra imagen y vídeos… ¿teméis que se os tache de grupo de pose y no paren a analizar vuestra música? A nosotros a estas alturas de la película nos da igual. Con el primer disco sí se nos tachó un poco de prefabricados. Parecía que con nuestra estética y venidos de ningún sitio no podíamos hacer esta música. Así que ahora no nos preocupa en absoluto. Creemos que quien opina eso es porque no nos ha visto en directo. Idealipsticks no tiene trampa ni cartón. Que nos gusta hacer el chorra y la pose, sí. Creemos que es espectáculo y que hay que salir elegante al escenario, como hacían en los 50. Hay que prepararse, pero eso no está reñido con hacer buena música. Darlo todo es darlo todo y estamos hablando de rock & roll. Definidme con una palabra vuestros discos. Radio Days: animal, Sins & Songs: humano y Humanimal: humanimal. ¿Cuáles son vuestras influencias no musicales? Somos super fans de Woody Allen. Coffee & Cigarettes nos encanta y nos inspira, y también la física. Leemos muchos libros de ello. JOE CREPÚSCULO Bestia ibérica baila PERGEÑADO ÍNTEGRAMENTE DESDE TIERRAS MALLORQUINAS, ESTE BAILE DE MAGOS DE JOE CREPÚSCULO REIVINDICA LA MAJESTUOSIDAD DE LA ESCENA DANCE DE LOS 80 EN MALLORCA FRENTE AL HORTERISMO IMPERANTE IBICENCO. Y ADEMÁS CONTIENE UN HITAZO QUE PASARÁ A LA HISTORIA… Y ES QUE “MI FÁBRICA DE BAILE” ES EL MEJOR QUEMAZAPATILLAS NACIONAL DE LO QUE VA DE NUEVO SIGLO, OIGA. Entrevista: Fernando Fuentes En este adelanto de Baile de magos que es Mi fábrica de baile te muestras más bailongo, electrónico y disco-popero que nunca… ¿se puede conside rar más que como una evolución propia de tu sonido como una salida de armario, o de madre, puramente eurohousera? Ni una cosa ni la otra. Simplemente he desarrollado una vertiente dance que en ocasiones despuntaba en los discos anteriores pero que nunca fue la columna central como lo es aquí. ¿El dance español es uno de los géneros más vituperados vs. más a reivindicar a través de trabajos como este? Cuando era más joven iba por Chasis, Pont Aeri y Orbital y escuchábamos mucho este tipo de música bacalao. Luego vino el house soft y esas cosas nos hicieron ver que siempre habíamos sido muy puros y con mucho switch, pero dentro de nosotros aún se esconde la bestia ibérica. ¿Es cierto que para el disco has utilizado vieja maquinaria sintética, propia del dance noventero, para que todo fuera lo más similar y puro posible? ¿El dance retro, para serlo de veras, tiene que estar obligatoriamente hecho con cuatro duros? Hemos utilizado muchos sintetizadores arcaicos y analógicos, también es verdad que podríamos haberlo hecho con plugins pero en este caso no ha sido así. ¿Dónde radica la brutal independencia del sonido de Joe Crepúsculo? He sacado lo que me apetecía hacer sin fijarme en lo que cae o lo que se lleva o deja de llevar. Reza tu web que la temática central es la pérdida de valores de la juventud en una sociedad en declive, así como la dicotomía entre el poder y el que rer, y sobre todo el cada vez más intenso desarraigo de un conjunto de la comunidad consigo misma… ¿y todo eso qué tiene que ver con el bailon go, el caderazo y el frenesí que destila este disco? Me hacía gracia e ilusión juntar dos asuntos que creemos debieran ser opuestos, como la música de baile y la canción protesta, hablar sobre todo de la juventud en sus distintas vertientes y chaladurías. El disco cuenta con dos únicas colaboraciones de lujo, Russian Red por un lado, que canta en Leyenda y Luis Troquel, perio dista y compositor, autor de la letra de Uno de los dos… ¿por qué ellos y por qué no? Había muchas ganas de hacer cosas con ellos, se lo propuse y me dijeron que vale. Es evidente, salta a la primera escucha, que Mi fábrica de baile es un hitazo instantáneo… ¿hasta cuándo en España habrá que pedir perdón por facturar clásicos populares imperecederos de esta talla? Yo aún no he pedido perdón a nadie. ¿Qué remixeros -oriundos y foráneos- te gustaría que pusieran las zarpas sobre los temas de este nuevo trabajo? Me haría mucha ilusión oír remixes de Hidrogenesse, Skrillex, Cassius, The Prophet y Zedd. ¿Y para cuándo un DJ Crepus dándolo todo en el Sónar? Ya he pinchado varias veces en la isla, ahora espero dar el salto a la península. Para terminar, Joe, ¿es cierto que darías dos dedos de tu mano izquier da por haber firmado el Magic de Chucho, léase tu colega Fernando Alfaro? ¿Ha tenido algo que ver Alfacrepus en todo este descacharre eurohoussie? Me encanta Magic de Chucho, es verdad; Alfacrepus estamos trabajando en nuestro segundo ep y, aunque va por otros caminos, me imagino que al final la música es como una red a la que todo escapa y se agarra a la vez. DORIAN Madrid tiembla con La velocidad del vacío Crónica y foto: Sara Morales - 25/04/2013, Joy Eslava. Madrid El llenazo estaba garantizado. Dos fechas consecutivas para satisfacer al público madrileño, en una Joy Eslava abarrotada, con unos Dorian abrazados por el éxito y alzados ya a la categoría de imperecederos. La cita estuvo precedida por BB Brunes, grupo francés de garage rock, elegidos para telonear esta gira en la que, precisamente, los de Barcelona han hecho su primera incursión seria en el país galo. Gran descubrimiento el de estos new elegants parisinos que, por momentos, recordaban a The Bravery. Pero lo que allí nos reunía era comprobar que, La velocidad del vacío, el disco menos eléctrico de Dorian hasta la fecha, no perdía fuelle sobre el escenario. Por parte del público los deberes estaban hechos. Las canciones bien aprendidas, expectación y ganas. Por parte de Marc y los suyos, definitivamente, potencia, actitud y entrega. Pero empecemos por el principio. La génesis tuvo lugar con la instrumental Los placeres efímeros. Atmósferas sónicas de color rojo, mientras los cinco de negro se acomodaban para comenzar Ningún mar. Con la desgarradora Tristeza el líder, en un baile espídico, puso a prueba su voz. Y para romper el ritmo de la novedad, Verte amanecer. Estallido general en la Joy Eslava que continuó con dos joyas de La velocidad del vacío, Soda Stereo y El temblor. El ritmo alcanzado era imparable. Y ahí arriba, en ese clímax, un regalo para los fans veteranos, Más problemas. Gracias. Horas bajas, La mañana herida, Cualquier otra parte y Paraísos artificiales. Acertado recorrido por su discografía que remataron con Arde sobre Mojado, otra perla del nuevo disco, defendida por Marc entre el público, guitarra en mano. La letra de Las palabras recitada a modo de poesía fue uno de los momentos más emotivos de la noche. Con La tormenta de Arena enloqueció la sala. Y mientras caían globos blancos y pompas de jabón hicieron sonar enérgico el single Los amigos que perdí. El inevitable adiós fue sorprendente. Un escenario vacío y cinco almas más entre la masa, interpretando sin cables Tan lejos de ti, tema de su segundo disco, con el que comulgaron con sus incondicionales y nuevos adeptos. CYAN El color de una energía oculta Crónica y foto: Sara Morales - 11/04/2013, El Sol, Madrid La llegada de Delapso, la tercera referencia discográfica de Cyan publicada hace tres meses, alteró el orden mental de muchos. El considerable cambio de tercio en su sonido, mucho más eléctrico y complejo si lo comparamos con su primer y segundo álbum, Cyan e Historias para no romperse respectivamente, ha supuesto en el grupo barcelonés un punto de inflexión en su trayectoria. Con él, por fin ponen de manifiesto su potencia; esa que se dejaba entrever en temas pretéritos como En mi nave, pero que ahora pisa arrolladora con creaciones como Ballet mental. Si su directo siempre ganó con respecto al estudio, ahora, con Delapso se comen el escenario; este se les queda pequeño, les sobra energía y les falta tiempo para seguir merendándose su propio producto bocado a bocado, canción a canción. Y así ocurrió en la madrileña sala El Sol, con un sold out de antemano que auguraba una noche vibrante y épica que no decepcionó. El concierto comenzó con Aquitania, tema del nuevo disco a medio camino entre lo que fueron y lo que son. Toda una declaración de intenciones. Javi Fernández, alma y líder de estas microhistorias, a veces sentado al piano, a veces devorando el espa- cio, entregado siempre. Respaldándole, los otros tres de Cyan: aceleradas guitarras de Jordi y Gorka, y una fuerza inagotable que venía desde atrás a manos de Sebas, imparable drummer. También José Tejedor que, al bajo, los acompaña en esta gira. El tránsito del pop melódico al rock alternativo trascendental y poliédrico de ahora quedó claro con temas como Frovocador, Belva y las rescatadas Volando eléctrico y Mecanismos nocivos. Ese híbrido, compuesto por un melancólico e intenso discurso y los apoteósicos golpes de baqueta y riffs, tomó forma con Philippe Petit, Enfilando tu hoguera y Un colectivo de raro propósito, las grandes apuestas de Delapso. No faltaron En mi nave y Turistas heridos, tesoros de su segundo disco. Así como Salitre, versión del original de Quique González, que lejos de sosegar el ambiente lo arrasó. Los medios tiempos de Calma fueron la representación de su obra más remota. Un pasado que arrastran con honestidad y elegancia, al que han sabido darle forma hasta llegar a la rotundidad del espectro azul que son hoy. Transparentes pero sólidos, como el color que los define. de analógico a digital CRIMEA / ANOTHER (HELL YEAH RECORDINGS) Lo de amalgamar post-rock y cosmic-disco está muy de moda, pero estos dos italianos, además de hacerlo especialmente bien, ya lo pergeñaban antes de convertirse en una especie de peste que atufa oídos desprevenidos, oriundos y foráneos. El caso es que este Another supone el segundo disco de Crimea y a través de este siguen explorando la mejor forma de meter en el mismo saco guitarrazos intergalácticos, pianitos sintetizados, retro marcianadas varias y demás parafernalia disco-rock y la cosa les sigue dando para ir comiendo, vaya. El mejor ejemplo de ello son los temas Essential, Yev y Floordance track, en los que el italiano marida sin colisión con el house-disco y hasta con el dream-pop. En fin, que nunca harás dos horas de cola en la puerta del Nitsa para verlos, pero su apuesta retrofuturista es chula, pintona y hasta atrevida por naif. (Fernando Fuentes) THE ASPHODELLS / RULED BY PASSION, DESTROYED BY LUST (ROTTERS GOLF CLUB) Algo en lo que esté implicado Andrew Weatherall es, como mínimo, brillante. Puede que se trate de uno de los productores más influyentes de la música actual. Quiero decir, este es el tipo que promocionó a Paul Oakenfold de chaval; el productor del disco más famoso de Primal Scream, creador de las remezclas más conocidas de New Order o Björk. Un inglesito cualquiera, vaya. En The Asphodells, Weatherall se ha unido a Timothy J. Fairplay, al que conoció por Battant, y ambos se han marcado un álbum debut inspirado en la literatura, titulado Ruled by Passion, Destroyed by Lust. Se reconoce la extraña necesidad de Weatherall por una línea de bajo que navega como un timón cada tema, cosa que le acompaña en casi cada proyecto. Pero a él se añaden gamberros toques de sintetizadores, guitarras que se lamentan sobre algunos temas donde las voces, a veces, aparecen canturreando de forma grave y lánguida. Un sonido retro, repetitivo, crudo, oscuro e hipnótico para dejarse llevar por la pasión. (Catalina Isis) EKKOHAUS / NO SCHOOL (MOON HARBOUR) El griego Ekkohaus debuta en larga duración con este digno No School, en la disquera Moon Harbour, en la que viene desde 2008 dándose unas cuantas alegrías sintéticas en forma de EP. Esta nueva colección de temas, jugando con maquinitas analógicas, plug-ins y sintetizadores, logra sumergirnos en una nebulosa house -más bien deepera y vespertina- en la que no faltan líneas de saxo, pianos rhodes y todo eso que tan bien le sienta al género de Chicago, aquí diestramente revisitado. El disco en sí es fino y de agradable escucha, a eso de la hora del café tras la cena, pero no suma nada nuevo al asunto y se queda en una nueva apuesta de 4/4 en el que se suceden el jazz, el funk, el dub, el disco, etc. En fin, que te alegrará esos ratos clubbys en los que “ni chicha, ni limoná” pero no será nunca uno de tus álbumes favoritos del año. No es mal comienzo, pero de momento de este Ekkohaus lo que más nos mola es el nombre. (Fernando Fuentes) LITTLE BOOTS / NOCTURNE (ON REPEAT) ¿A quién intentamos engañar? Esta chica quiere éxito. Coge ingredientes de Kylie Minogue, Madonna y Lady Gaga, añade un poquito de ABBA y busca un sonido gay friendly diva-disco consiguiendo un trabajo que es incluso resultón. A ratos. Y es que Victoria Christina Hesketh lleva unos cuantos años haciendo música. Desde un inicio con su grupo de chicas electro-punk, Dead Disco; la vocalista más conocida como Little Boots ha decidido hacer un plan de ataque a discotecas y pretende subirse al carro que capitanean La Roux o Ladyhawke. Para ello, cuenta con productores como Andy Butler de Hercules and Love Affair, Pascal Gabriel de Bomb the Bass y James Ford de Simian Mobile Disco. Todo ello bajo el mando de Tim Goldsworthy de DFA. ¿El resultado? Un disco al que le faltan happy-hits como Headphones y tiene demasiado medio-tiempo. O vas de serio, o vas de bailongo. Ese lugar intermedio es confuso… Pero me da un placer enfermizo escuchar la combinación cencerro/láseres de Confusion. (Catalina Isis) MAJICAL CLOUDZ / IMPERSONATOR (MATADOR) Es inevitable. El lugar donde estás tiene que afectar a quien eres. Sobre todo si es un sitio frío, vacío, donde el viento agita los árboles desnudos mientras la nieve serpentea hacia el suelo. Ahí es donde vive Devon Welsch, un pequeño lugar entre Montreal y Ontario, donde las primaveras estallan y los inviernos se hinchan entre las hojas de arce caídas. Y ahí es donde Devon creó su primer trabajo II, editado online, que atrapó la atención de Merok Records, sello desde el que ha saltado a Matador para su segundo largo. Ahora, junto a Matthew Otto, han lanzado Impersonator, donde pulen incluso más, si es posible, los sonidos fantasmagóricos de II, rebajando su intensidad, dando más protagonismo a la línea vocal y hurgando en los sonidos, sus sombras y sus significados. Con letras que versan sobre la muerte, la soledad y el miedo, Majical Cloudz se adentran en la oscuridad y la melancolía, acompañados de ligeros sintetizadores y vagas melodías. Déjate llevar de la mano hacia el frío. (Catalina Isis) SANDWELL DISTRICT / FABRIC 69 (FABRIC RECORDS) ¡Oh, dos bestias pardas del technazo europeo Regis & Function -bajo su alias común de Sandwell District- se marcan un Fabric juntos! Pues ineludiblemente algo bueno, camaradas. Y así es, en esta sesión enlatada para la famosa discoteca y sello londinense estos dos tipos demuestran que tras esas corazas technoides hay corazoncito y una gran sensibilidad que les permite introducir en un mismo set pasajes profundos, rarunos y experimentales para ir avanzando hasta un final en el que ya muestran, sin tapujos, su regusto por el techno de pelo en pecho y amplio regusto a Birmingham, Berlín… y Detroit, claro. Y es que si uno tira en el track-list de gente como Carl Craig, Plastikman, Surgeon, James Ruskin o Laurent Garnier es casi imposible que la cabra no tire al monte… En definitiva: un estupendo e inquietante mix de techno con menos contemplaciones que Rajoy pegándole tijeretazos al estado del bienestar patrio. (Fernando Fuentes) SMALL BLACK / LIMITS OF DESIRE (JAGJAGUWAR) No lo entiendo. De verdad. Este grupo era interesante, curioso. Les picaba mezclar géneros, darle al electro pop un toque de bases rotas del hip hop, un poco de punk, algo de oscuridad vaporosa. Compré Small Black y Chains hasta en vinilo, solo porque sí. Y ahora lanzan un disco como Limits of Desire. ¿Qué les ha pasado? ¿Les ha dado mucho el sol? ¿Nueva York ha derretido su creatividad? Es como si a Small Black les hubieran pasado por un verano hippy playero y una compañía de ascensores les hubiera pagado para hacer su nueva banda sonora. Limits of Desire es electro pop ambiental, bailable y bonito. Tiene baladitas monas como Sophie, Canoe o Shook Loves y un puñado de cortes pisteros. Pero es como si escucharas todo el rato la misma canción. El problema es que no me parece malo el disco, me parece aburrido. Y eso me da penita. Voy a ponerme otra vez el disco de The Asphodells para alegrarme el día. (Catalina Isis) NICOLE MOUDABER / BELIEVE (DRUMCODE) Esta emergente productora londinense -de nariz aguileña y pelo rizado azabache- se ha propuesto hacerse un hueco en la escena techno europea por méritos propios y con este Believe -que le edita la prestigiosa disquera technoide Drumcode- ha escarbado muchos centímetros en esa pared de dura piedra de la cueva tech. Este disco destila pista y baile por los cuatro costados; en todas las pistas hay bombo, oscuridad, sensualidad maquinal y los suficientes gramos de underground para que haya llamado nuestra atención. Temas como Come and Lady -industrial y metálico hasta la médula- o Movin On con ese bajo tremendo y pesado son armas de baile masivo en cualquier dancefloor que se precie. En fin, que la gente de Drumcode sabe muy bien, siempre, con quién se juega los cuartos… qué duda cabe tras escuchar este disco. (Fernando Fuentes) MONDO CAMO Texto y selección: Rosario Muñoz y Rubén Vidal 01 EL ARTE DEL CAMUFLAJE ES UNA DISCIPLINA QUE HA TRASPASADO LOS LÍMITES DE LA ESTRATEGIA MILITAR PARA CONVERTIRSE EN UN IMPRESCINDIBLE EN EL CAMPO DEL DISEÑO. NO PODEMOS CERRAR FILAS EN TORNO A LA INDUSTRIA DE LA MODA PORQUE EL CAMO VA MÁS ALLÁ DEL STREET WEAR, DE LAS PASARELAS DE PRÊT-À-PORTER Y DE LA ALTA COSTURA, ESTA TENDENCIA SE HA COLADO EN NUESTROS ESPACIOS PRIVADOS PARA ARROPARNOS CON SUS AIRES REBELDES Y BELIGERANTES. LA TRANSFORMACIÓN DEL CONCEPTO CAMUFLAJE Y SU CORRESPONDIENTE LÉXICO TAMBIÉN SE HA DADO EN LAS BASES MISMAS DE SU APARIENCIA PRIMITIVA. AHORA, ENCONTRAMOS PATRONES Y TEXTURAS REPETITIVAS, ALEJADAS DE LOS MICROPATTERNS UTILIZADOS POR EL EJÉRCITO, QUE IMITAN LAS TEXTURAS MOTEADAS Y LOS LÍMITES APROXIMADOS QUE SE ENCUENTRAN EN ENTORNOS NATURALES. LA TENDENCIA CAMO VA MÁS ALLÁ DE LOS TRADICIONALES TONOS PARA OFRECERNOS TODO UN MUNDO DE POSIBILIDADES CROMÁTICAS Y DE NUEVOS PATRONES, BASADOS EN EL PRINCIPIO DE REPETICIÓN, QUE NECESITAN SER APLICADOS MÁS ALLÁ DE LAS LINDES DEL GUARDARROPA, YA SEA MILITAR, CIVIL O FASHION. HOY EN DÍA PODEMOS ENCONTRAR TODA UNA GAMA DE MENAJE PARA EL HOGAR CON DISEÑOS “CAMUFLAJE” MUY COOL, ADEMÁS DE PRENDAS DE ROPA DE MARCAS DE TODOS LOS NIVELES, E INCLUSO SE VA MÁS ALLÁ Y SE TRASPASA EL DINTEL DEL ARTE PARA APROPIARSE DE LA SORPRENDENTE TÉCNICA DEL “TRAMPANTOJO”, “ROMPE-L'OIL” PARA LOS MÁS RESABIDOS Y POLÍGLOTAS, DONDE UNO CREE VER LO QUE NO EXISTE. EL ARTE DEL CAMUFLAJE, COMO VEMOS, YA NO ES SOLO CUESTIÓN DE LA SUPERVIVENCIA EN UN MEDIO HOSTIL, SINO UN ELEMENTO MÁS DE NUESTRA IMAGINERÍA CONTEMPORÁNEA. 02 03 04 01. Adidas Originals Camouflage Pack spring summer 2013. www.adidas.es/originals / 02. Skull Style: Skulls In Contemporary Art And Design - Neon camouflage cover. Autor: Farameh Patrice. / 03. Carhartt Wip. Colección primavera verano 2013. Foto: Alexander Basile. www.carhartt-wip.com / 04. Camouflage 800, diseño de Front Design para Zero. www.zerolighting.com 01 02 03 04 01. Photoperformance Warrior II (2011) por Cecilia Paredes. ceciliaparedes.net / 02. y 04. Diesel. Primavera verano 2013. www.diesel.com / 03. Lámpara Camouflage. www.rewashlamp.com 01 03 02 04 05 06 01. Sillón Camouflage, diseño de Emiliano Godoy para Pirwi. www.pirwi.com / 02. Vans Old School Carhartt Wip x Vans Syndicate pro skateboarding. www.vans.com / 03 Transformatie Huisje (2009). Instalación por Roeland Otten. Foto de Bas Helbers. www.roelandotten.com / 04. Genital Panik. Desiree Palmen 2011. www.desireepalmen.nl / 05. A Bathing Ape x Cover-it-all. Bape Camouflage Fiberglass Shell Chair. www.cover-it-all.com / 06. Eastpak Padded Pak’r Camo. Colección primavera verano 2013. www.eastpak.com arte y expos / por Tactelgraphics CROWDS: GENOVÉS La exposición del artista valenciano Juan Genovés, Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat (2002), ofrece una selección de 55 óleos y 2 esculturas que abarcan desde sus primeros años, en la década de los sesenta, hasta obras de reciente creación. Enmarcada dentro del ciclo La habitación de las musas y con la colaboración de la galería Marlborough, la exposición revela algunas de las obras nunca expuestas al público pertenecientes a los fondos del artista. El Consorcio de Museos inicia con esta exposición un nuevo conjunto de muestras en las que se pretende dar a conocer la faceta más íntima de artistas consolidados del panorama contemporáneo español. La exposición se centra en las multitudes, motivación que ha marcado la pintura de Genovés a lo largo de su carrera. Más que como objeto de denuncia de un momento político concreto revelan su preocupación por el individuo y la sociedad de masas, que sigue vigente hoy en día. En palabras de Martin Coomer, autor del texto introductorio del catálogo, “cuando uno contempla las obras tempranas de esta exposición, muchas de las cuales datan de mediados de los sesenta, lo primero que le llama la atención es el modo en que estas escenas de Genovés, sin perder su contemporaneidad, de alguna manera, parecen trascender su propio marco espacio-temporal. Objetivo (1968), realizado en un tono gris verdoso con una capa superpuesta de un viridián más oscuro que crea un círculo central a modo de mira telescópica, desde donde se observa una corriente de figuras que parecen huir de un adversario Centro del Carmen, Valencia - Hasta el 30 de junio del 2013 desconocido, indudablemente, nos está hablando de la agitación de aquella época pero sin centrarse en una historia concreta. De igual manera, su Estudio de la calle (1969), como si de una película fotográfica se tratase, con sus divisiones horizontales que ilustran un relato de protesta y represión violenta, captura tan vívidamente la expresión de aquella turbación que aún hoy día nos sigue invitando a la reflexión”. Siguiendo el carácter intimista de la exposición, el catálogo revisa la trayectoria de Genovés a través también de las reflexiones del director del Consorcio de Museos, Felipe Garín, e incluye una entrevista al artista. Formado en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, desde el inicio de su trayectoria profesional fue un pintor inquieto y preocupado tanto por la necesidad de renovar el arte español como por la función del arte y el artista en la sociedad. Su firme convicción sobre el arte transformador y comprometido con el entorno le llevó a formar parte de colectivos muy significativos en el panorama español de posguerra: Los Siete (1949), Parpalló (1956) y Hondo (1960). En este último grupo, que supuso nuevos planteamientos figurativos frente al informalismo dentro del arte pop español, Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y provocador. Ha sido galardonado con la Mención de Honor (XXXIII Biennale de Venecia, 1966), la Medalla de Oro (VI Biennale Internazionale de San Marino, 1967), el Premio Marzotto (1968), el Premio Nacional de Artes Plásticas (1984), el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2002) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2005). arte y expos YOSOYTUERESELESELLA Juan Pablo Echeverri INÉDITOS Ana Ara, Juan Canela y Luisa Espino Juan Pablo Echeverri (Bogotá, Colombia, 1978) estudió Artes Visuales en la Universidad Javeriana y se especializó en fotografía. Desde 1998 se ha dedicado a autorretratarse en cabinas fotográficas de un laboratorio fotográfico que se encuentra por todo Colombia llamado Foto Japon. Al principio lo hacía ocasionalmente, hasta que en julio de 2000 comenzó a hacerlo a diario hasta el día de hoy. Estas fotografías componen la serie “miss fotojapón”, que se ha convertido en el hilo conductor de su obra, que consiste en su totalidad de autorretratos. Yosoytuereselesella, primera exposición individual de Echeverri, funciona como una pequeña gran instantánea en la que convergen todos los soportes y estrategias que el autor ha ido abordando en su trayectoria. Un representativo escaparate sobre la identidad contemporánea que suponen los ejercicios de autorrepresentación fotográfica y videográfica del artista. Estilo, género, estatus, consumo, star-system o subculturas establecen un amplio juego de resonancias donde estereotipos sociales, sentido del humor, estética e ideología detonan los límites entre alta y baja cultura, tradición y vanguardia, mainstream y underground, masculino y femenino, público y privado. Un vasto catálogo visual que opera como relato de condición atomizada de la identidad en nuestros tiempos. La Casa Encendida acoge un año más el certamen Inéditos, convocatoria de ayudas a proyectos expositivos de arte actual. Un programa dirigido a jóvenes comisarios para la realización de proyectos expositivos inéditos, que destaquen por la innovación, la calidad y la adecuación del proyecto a los recursos disponibles. De entre los más de 50 proyectos presentados, se han seleccionado los siguientes: Vergüenza, de Ana Ara, es un proyecto expositivo que analiza, por medio del arte y desde un enfoque filosófico, el concepto de la vergüenza entendido como uno de los sentimientos fundamentales de ser un sujeto. Lanza una roca y a ver qué pasa, de Juan Canela, nos propone reunir a un grupo de artistas cuyos trabajos pivotan entre la trascendencia del material utilizado, su relación con el tiempo, o una línea performativa que pone el cuerpo en diálogo con el objeto, y que abordan temas de calado político, social, o histórico. People Have the Power, de Luisa Espino. A través del testimonio de artistas y colectivos procedentes de distintas disciplinas, este proyecto disecciona los contenidos de una manifestación. Nos habla de sus protagonistas, los elementos en los que se apoyan y el escenario en el que actúan, haciendo hincapié en el valor del espacio público como lugar de intercambio donde estas acciones se hacen visibles. La Fresh Gallery, Madrid - Del 12 de junio al 20 de julio de 2013. www.lafreshgallery.com La Casa Encendida, Madrid - Del 24 de mayo al 8 de septiembre de 2013. www.lacasaencendida.com INVERTIDOS Isidro López Aparicio TOTS ELS OCELLS DEL MÓN Xavi Déu Invertidos, aprendiendo a relacionarse es una metáfora que pretende que miremos y sintamos las cosas desde un ángulo distinto. La muestra habla del cuerpo, de la propia consciencia que cada uno tiene de sí mismo y de cómo se relaciona con su entorno. Invertidos versa sobre el individuo como ser que se relaciona, como centro subjetivo que ve y es visto. Analiza las relaciones entre las personas, las redes sociales y cómo el individuo y estas reinterpretan el mundo. Es un diálogo de convivencia de personas que no se conocen, de diferentes procedencias, entornos y edades. El espacio expositivo se construirá a partir de fotografías en gran formato, cajas de luz o collages que junto a vinilos intervendrán en las paredes y techos aprovechando las comisuras de la sala, y a partir de aparatos reciclados desarrollará holografías e instalaciones en movimiento. La exhibición tendrá continuidad fuera del espacio expositivo. Para la realización del proyecto se llevaron a cabo acciones colectivas con la congregación de unas 200 personas, colgadas cabeza abajo desde una grúa en racimos en diferentes grupos, con la intención de que permanecieran juntas y mirando la realidad desde otro punto de vista, abandonando así cualquier rastro de intolerancia. Por tanto, más que la creación de una obra, este proyecto es la construcción de un lugar de reflexión. Xavi Déu reflexiona y agita los conceptos de agresividad y violencia en el ámbito de la naturaleza. Fondre, Plom/Ploma son algunas de las instalaciones de Tots els ocells del món, un viaje auditivo y visual en torno a la ornitología. Un refugio que en horas de oscuridad, cuando la privacidad se revela brutalmente, da paso a lenguajes musicales -clásico, exótico, antiguo, moderno y de vanguardia-. Un proyecto que encuentra su verdadero rostro olvidado, entre el bosque, el campo, la montaña, al borde del mar, entre las aves, ahí es donde reside la música para Xavi Déu. La música libre, anónima, improvisada por el placer, para saludar al sol naciente, para seducir a la persona amada, para gritar por todo el prado o para detener cualquier disputa, desacuerdo, rivalidad, para agotar el desbordamiento de energía que rebosa de amor y alegría de vivir. Tots els ocells del món, la muestra es una continuación de la expo individual de Xavi Déu en el Art Santa Mónica de Barcelona. Se divide en tres partes: dos instalaciones y varios dibujos en tinta sobre acetato. Como avance, una de las instalaciones: la cúpula de vidrio de 3 mm de grosor que hace resonar las balas de plomo convirtiendo la agitación de ellas mismas en sonido. Todas las obras que componen el universo del catalán podrán verse hasta el 10 de agosto. Sin lugar a dudas, una delicia. Twin Studio & Gallery, Madrid - Del 5 de junio al 5 de julio de 2013. Espai Tactel, Valencia - Del 21 de junio al 10 de agosto de 2013. www.espaitactel.com www.twinstudio.es arte y expos TABLEAU VIVANT Azucena Vieites L’ART EN GUERRE. FRANCIA, 1938-1947 De Picasso a Dubuffet El nuevo proyecto de la artista Azucena Vieites (Hernani, 1967), Tableau vivant, se enmarca dentro del Programa Fisuras, un espacio abierto a la creación por el que el Museo Reina Sofía apuesta de manera permanente. Esta muestra coincide en sus fechas finales con la celebración de PhotoEspaña 2013. Este trabajo de Vieites, realizado ex profeso para la ocasión, está compuesto por un conjunto de doce serigrafías (76 x 112 cm cada una), realizadas a partir de collages, y una serie de dibujos de la artista que han sido coloreados por los participantes del taller infantil Coloring Book, realizado con anterioridad a la inauguración de la exposición. A ello se une una pieza de vídeo y una proyección de imágenes que, en diálogo con las anteriores, representan la primera incursión de la artista en este campo. Tableau vivant es una aproximación a la cultura visual contemporánea a través de recursos como el collage o el dibujo. La noción de entretenimiento, la mezcla y la construcción de una iconografía visual donde el placer, el exceso y la fantasía están implícitos, también forman parte de este proyecto. A partir de la idea de “tableau vivant”, Azucena Vieites ahonda en las diferentes vertientes de este término francófono hasta adoptarlo como título para este proyecto, por su conexión con lo pictórico, con el teatro, y con algunas formas de baile. Organizada por el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, ParisMusées y el Museo Guggenheim Bilbao, L’Art en guerre. Francia, 19381947 muestra cómo, ante el amenazador contexto de opresión vivido en Francia durante la II Guerra Mundial y la ocupación nazi, los artistas de la época se rebelaron frente a las consignas oficiales mediante novedosas respuestas estéticas que modificaron el contenido del arte. Más de 500 obras de un centenar de artistas, incluyendo documentos, fotografías y películas inéditas, se reúnen en esta exposición única que evidencia la forma en la que estos creadores resistieron y reaccionaron, haciendo la guerra a la guerra con formas y materiales casuales impuestos por la penuria, incluso en los lugares más hostiles a toda expresión de libertad. Trabajos de grandes artistas como Pierre Bonnard, Victor Brauner, Alexander Calder, Salvador Dalí, Óscar Domínguez, Jean Dubuffet, Max Ernst, Jean Fautrier, Alberto Giacometti, Julio González, Vasily Kandinsky, Paul Klee, Fernand Léger, André Masson, Henri Matisse, Henri Michaux, Joan Miró, Francis Picabia, Pablo Picasso, Pierre Soulages o Yves Tanguy entre muchos otros se exponen junto a obras de supervivencia que transmiten la energía desesperada de autores en un recorrido a lo largo de la segunda planta del museo. Reina Sofía, Madrid - Hasta el 22 de julio de 2013. www.museoreinasofia.es Guggenheim, Bilbao - Hasta el 8 de septiembre de 2013. www.guggenheim-bilbao.es ESCRITO EN EL VIENTO Lawrence Weiner NÚMERO FINITO DE ACCIONES Itziar Okariz En primicia mundial el MACBA acoge la primera exposición monográfica de uno de los artistas más emblemáticos de la segunda mitad del siglo XX, Lawrence Weiner (Nueva York, 1942). Escrito en el viento es un recorrido exhaustivo por la trayectoria de Weiner a través de casi trescientos dibujos realizados a lo largo de cincuenta años. La exposición se plantea como un dibujo en sí misma y ha sido el propio Weiner el artífice de la imagen gráfica. Los diversos soportes diseñados por el artista, como posters y banderolas, se distribuirán por toda Barcelona, ocupando el espacio público de la ciudad. La muestra presenta por vez primera los apuntes, dibujos y cuadernos de notas del artista, que conforman el origen y son la base de toda su producción. Estos dibujos contienen los pensamientos iniciales, las primeras ideas que se van transformando hasta convertirse en nota y, a menudo, en obra. Dibujos realizados en mapas de ciudades, en envoltorios de tabaco o en madera, entre otros soportes diversos. Sus dibujos denotan una gran libertad creativa. El dibujo es lo más cercano, inmediato y sincero que hace el artista. En este sentido, pone de manifiesto la subjetividad de Weiner, algo que siempre ha evitado mostrar. Los dibujos representan sus obsesiones, pero también el contexto y el proceso de creación. Un número finito de acciones determinadas es el proyecto específico de Itziar Okariz (San Sebastián, 1965) para la Sala 1 de MUSAC, que parte de la idea de cuestionar y redefinir los límites de la práctica performativa, sus convenciones, así como la posibilidad de pensarla dentro del espacio expositivo. El proyecto se articula a partir de tres ejes que buscan ir más allá de lo meramente expositivo para involucrar al público y a la comunidad artística en la reflexión sobre el ejercicio performativo como construcción cultural, planteado como herramienta para la producción de signos, la transgresión y la transformación de códigos. Estos tres ejes son la propia exposición, el desarrollo de performances durante la duración del proyecto y un taller, ambos inscritos en el propio espacio expositivo. El trabajo de Itziar Okariz abarca la práctica performativa, el vídeo, la fotografía y la instalación. Sus intereses se centran en la construcción de la identidad y la subversión de las estructuras de representación existentes así como de las relaciones cuerpo/espacio, ya sean públicas o privadas. La inmediatez de sus acciones entabla un diálogo constante con los lugares donde estas se llevan a cabo. La repetición de las acciones en diferentes sitios y en distintos momentos también constituye un elemento esencial de su trabajo. MACBA, Barcelona - Hasta el 24 de junio de 2013. www.macba.cat MUSAC, León - Del 22 de junio de 2013 al 5 de enero de 2014. www.musac.es arte y expos MEMORIAS IMAGINADAS Mitsuo Miura Mitsuo Miura (Iwate, Japón, 1946) presenta en el Palacio de Cristal del Retiro Memorias imaginadas, una instalación realizada específicamente para este espacio cuyos protagonistas esenciales son las formas geométricas y los colores puros; dos elementos que se han convertido en los principales componentes del vocabulario artístico de Miura en los últimos años. Con ellos, una vez más, el espacio del Retiro se convierte en parte sustancial e integrante de la obra del artista. Memorias imaginadas es una instalación compuesta por dieciocho objetos de madera en forma de discos de distintos tamaños y colores dispuestos en el suelo, que poseen su correlato formal y cromático en otros que se hallan suspendidos del techo, a distintas alturas. Entre ambos elementos se crea un nuevo espacio arquitectónico imaginario que Mitsuo ha denominado “columna invisible”. Este bosque de columnas que conforma la instalación alude directamente a los recuerdos que el artista ha ido teniendo de las distintas exposiciones realizadas en el Palacio a lo largo de los años. Además, Miura ha intervenido en el espacio distribuyendo franjas azules en el zócalo del edificio, que sugieren el dibujo esbozado de un plano no definido. La instalación recuerda que la arquitectura no es más que la delimitación física de un espacio ya existentee Palacio de Cristal, Madrid - Hasta el 2 de septiembre de 2013. www.museoreinasofia.es THE END OF CATHEDRALS Jorge Fuembuena La New Gallery presenta con motivo de su participación en Photo España 2013 al fotógrafo Jorge Fuembuena. El proyecto The End of Cathedrals explora territorios intermedios, inhóspitos y se articula a través del seguimiento abierto de una manera ordenada y sistemática, registrando datos de altitud, latitud, longitud y hora de una masa glaciar en Groenlandia: Sermeq Kujalleq, la más activa y productiva del Hemisferio Norte, con esa idea del movimiento como lectura del paisaje. La universalidad del mensaje, que nos remite directamente a las grandes problemáticas contemporáneas vinculadas con el deterioro medioambiental, nos hace pensar en la idea del pasado como futuro, la idea de destrucción de ruinas como sugiere Smithson. Un paisaje donde observamos un sentido trascendental del ciclo de la vida y la muerte. Existe una visión basada en el silencio, con un diálogo sobre otras disciplinas como la percepción, el cambio de escala y el lugar que el sujeto tiene en la naturaleza y en la contemplación. Son fotografías silenciosas. Como decía Roland Barthes, “no es cuestión de discrección sino de música”. Hay que escuchar las fotografías más que mirarlas. Para que haya un diálogo entre los elementos conscientes e inconscientes, entre lo racional y lo intuitivo. La New Gallery, Madrid - Del 5 de junio al 20 de julio de 2013. www.lanewgallery.com DON'T BELIEVE A WORD I SAY! Boris Hoppek ART & LANGUAGE PAINTS A PICTURE Art & Language El espacio expositivo SC Gallery cumple su quinto aniversario y presenta la obra más reciente de Boris Hoppek (Kreuztal, Alemania, 1970), uno de los artistas urbanos más reconocidos internacionalmente. En la exposición titulada Don't believe a word i say!, el artista muestra una selección de trabajos individuales como fotografías, dibujos e instalaciones. Lenguaje visual muy específico y a menudo drástico. El aspecto achuchable de su personaje Bimbo, llevado al extremo en sus muñecos, plantea un fuerte contraste con lo radical de los temas que el artista aborda: violencia, sexualidad, racismo y opresión. Hoppek ni se preocupa por ser políticamente correcto ni intenta provocar: sencillamente muestra lo que ve y lo que quiere que veamos en pinturas, fotografías, esculturas e instalaciones que se caracterizan por su franqueza, su frescura y su agilidad. La mayoría de sus obras parecen accesibles a primera vista, pero una segunda mirada suele tirar por tierra esta primera impresión. Hoppek, quien por principios nunca explica sus obras más allá de lo visible, desafía al observador a realizar su propio análisis o interpretación individual. El artista descontextualiza continuamente figuras iconográficas y las lleva a un nivel de abstracción que le permite abordar temas políticos explícitos, como la inmigración, la violencia y la sexualidad. El grupo Art & Language se fundó a finales de los sesenta en el Reino Unido para designar el trabajo conjunto de los artistas ingleses Terry Atkinson, David Bainbridge, Michael Baldwin y Harold Hurrell. El nombre del colectivo proviene del magazine Art-Language, el primero que reconocía y analizaba el llamado arte conceptual. Entre 1969 y 1970 ingresan en el grupo Mel Ramsden, Joseph Kosuth y Charles Harrison. Aunque el grupo llegó a tener hasta una treintena de integrantes, el nombre siempre los protegió con cierto grado de anonimato. Desde 1977 el colectivo está integrado únicamente por los artistas Michael Baldwin y Mel Ramsden, así como por el historiador del arte Charles Harrison. El colectivo Art & Language desempeñó un papel fundamental en el nacimiento del arte conceptual, planteando una nueva manera de entender la obra de arte, al primar la idea sobre su materialización plástica. Art & Language jugó un papel clave en el nacimiento del arte conceptual, tanto en el aspecto teórico como en cuanto a la obra producida. La exposición Art & Language Paints a Picture, en la galería Juana de Aizpuru de Madrid, presenta algunos trabajos de este colectivo, realizados entre 2002 y 2012. Ninguna de estas obras se ha visto antes en España, una gran oportunidad para acceder a la obra de estos artistas. Sc Gallery, Bilbao - Hasta el 5 julio de 2013. Juana de Aizpuru, Madrid - Del 25 de mayo al 30 de julio de 2013. www.juanadeaizpuru.es www.scgallery.es Fotografía: Gustavo López Mañas - www.glm-studio.com Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es Hair & Make Up: Lola Martínez para Sensilis - www.cargoclecitve.com/lolamartinezmakeup Asistente de estilismo: Eme Bribon Modelo: Yulia - 5th Models - www.5thmodels.com body ZAZO&BRULL / leggin VOLCOM total look ZAZO&BRULL / zapatillas ADIDAS ORIGINALS BY JEREMY SCOTT camiseta VOLVOM / pantalón MARTIN LAMOTHE / gorra ADIDAS camiseta VOLCOM / falda PABLO ERROZ / zapatillas REEBOK camiseta VOLCOM camiseta VOLCOM / chaleco PABLO ERROZ Fotografía: Laura de Benito - www.lauradebenito.com Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es Hair&Mua: Isabel Martínez by RedLips MakeUp Studio Modelo: KrautrockMan - Marlene Agency chaqueta EL GANSO / camiseta ELEVEN PARIS / bermuda PROTEST camiseta VOLCOM / camisa EL GANSO / pantalón ELEVEN PARIS camiseta UNDIZ / chaqueta y pantalón GUESS BY MARCIANO / zapatillas ASH jerséi SANDRO / pantalón BERNHARD WILLHEM camiseta VOLCOM / camisa SANDRO / jerséis y jeans NUDIE JEANS local-in BOARDRIDERS BY QUIKSILVER Enjoy the waves! Después de Capbreton, Bercy, Ericeira y Chamonix, Quiksilver abrirá su nuevo concepto de tienda Boardriders frente a la playa de la Barceloneta, en junio de 2013. Los Boardriders son entornos únicos, con diseños exclusivos y situados en lugares cuidadosamente seleccionados. Quiksilver propone con las Boardriders un nuevo espacio donde se respira un estilo de vida, el respeto por el medio ambiente dedicado al surf, el skate, el snowboard, el arte y la moda, un lugar original, auténtico y acogedor. Ha sido creado como un espacio donde los amantes de los deportes de tabla pueden reunirse y pasar el rato cerca del mar, con servicios exclusivos y lo más actual en productos de Quiksilver, Roxy, DC, Moskova. Más que una tienda, esta nueva Boardriders es una ventana abierta al mundo Quiksilver. ¡Good vibes! Carrer de la Drasana, 10 - Barcelona - www.quiksilver.com / www.roxy.com / www.dcshoes.com / www.moskova.com LIBRERÍA DADÁ STRAP Dadá está ubicada dentro del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad. Sus estanterías están repletas de joyas editoriales que convierten este espacio en un centro imprescindible para los amantes de las últimas tendencias en cualquier disciplina: arte, arquitectura, diseño, publicidad, moda, interiorismo… También encontraremos artículos de regalo y camisetas de firmas como Das Büffet. www.libreriadada.com Si presumes de conocer lo último en streetwear, memoriza el nombre de esta tienda. La mejor oferta de ropa street y zapas del momento en dos puntos con personalidad propia, en los que encontrarás marcas como Stüssy, Crooks & Castles, New Era, Nike, Adidas Originals, Fred Perry, Le Coq Sportif, Vans o Lacoste Live entre otras. www.strapnews.com Mu VIM - Calle Guillem de Castro, 8 - Valencia - Tel. 963 515 138 STRAP#6. Calle Gascó Oliag, 6, bajo - Valencia - Tel. 963 694 963 STRAP#21. Calle Ramon Llull, 21 - Valencia - Tel. 961 144 164 TRENDY ROOM VANS SHOP MADRID Espacio en el barrio de Ruzafa de Valencia con una exquisita selección de productos que no te dejará indiferente. Sneakers y accesorios como relojes, gafas de sol, bolsos o mochilas y firmas como New Balance, Adidas Originals, Reebok, Eastpak o Sperry entre otras. No te pierdas sus pajaritas de producción propia. Un espacio con personalidad y de visita obligada. www.facebook.com/Trendy-Room-Valencia Flagship store de la marca californiana en la capital. Situada en pleno centro, la tienda ofrece las últimas propuestas en zapas tanto en líneas clásicas de skate como en líneas de street wear, además de las últimas novedades en ropa y complementos. Accesorios para tablas de skate, cascos Protec y tablas Santa Cruz de skate y longboard, así como bicis fixed de la marca Create. www.facebook.com/Vans.Shop.Madrid Calle Doctor Sumsi, 4 (Ruzafa) - Valencia Calle de la Montera, 47 - Madrid - Tel. 915 227 922 33/45 BAR & GALLERY KAUF VINTAGE Multiespacio donde se puede desayunar, comer, cenar, tomar café o copas a cualquier hora del día. Dos espacios y diferentes ambientes decorados entre lo industrial, el diseño actual y la moda vintage. Sin duda alguna, el local de moda en la ciudad condal y también de los más concurridos. Recomendamos sus crêpes, sus gin-tonics de sabores y su carta de cócteles con tequila. De visita obligada. 3345.struments.com Kauf Vintage es un espacio donde encontrar ropa, café y arte. Un lugar del barrio de Ruzafa en Valencia dinámico, y donde no solamente puedes comprar tesoros vintage, sino vivir una pequeña experiencia. Adquirir una prenda única, disfrutar de un café sostenible, apreciar una exposición, conciertos e inspiración. No dejes de visitar su web ya que en breve inauguran su tienda online. www.kaufvintage.com Calle Joaquin Costa, 4 - Barcelona - Tel. 931 874 138 Calle Cádiz, 38 - Valencia - Tel. 963 817 901 ENRIC ROSICH RUFUS SKATESHOP No sabemos si es por el colorido tan apetecible de sus macarons, por la amabilidad de sus creadores o por el diseño de la tienda pero ¡Enric Rosich engancha! La gente que ha probado estos pequeños pedacitos de placer sabe de lo que hablamos. Ha sido la primera tienda en España en dedicarse exclusivamente a los macarons. El secreto: los procesos, la técnica y los ingredientes, de primerísima calidad. www.enricrosich.es Rufus es la tienda de referencia para los skaters en la ciudad de Barcelona. En pocos años se ha instaurado al lado del mítico MACBA y ya tiene un equipo de skaters de gran nivel. Disponen de un half para poder probar in situ tu skate antes de comprarlo. Si amas el skate amarás Rufus: tablas, ruedas, ejes, rodamientos, zapas... Rufus es 100% skateboarding. www.rufus.es Gran Vía de les Corts Catalanes 373-385 - Barcelona - Tel. 933 279 872 Calle Ferlandina, 33 - Barcelona - Tel. 935 186 593 ZOMBIE BAR FREE SKATE SHOP Zombie Bar supone un cambio en la concepción de lo que entendemos por dinner. Este local de Malasaña se concibe no solo como un lugar único donde el paladar juzga y valora la exquisitez de sus platos, sino también como un lugar de encuentro de músicos, diseñadores, dj, fotógrafos, modelos o artistas. Una amplia variedad de opciones en una atmósfera tan acogedora como atípica. www.zombiestudio.es Tienda fundada en 1986 especializada en skate, longboard, snowboard y surf. Free es una tienda en la que los riders no solo van a comprar, van a sentirse cómodos con gente que tiene sus mismas inquietudes. No dejes de visitar esta tienda, es posible que no solo vayas a comprar, que vayas a pasar el rato, hablar de skate, de competiciones o de vídeos. Ni Free es solo una tienda ni el skate es solo un deporte. www.freeskateshop.com Calle Pez, 7 - Madrid - Tel. 910 111 952 Avenida Diagonal, 503 - Barcelona - Tel. 933 217 290 L’APPARTEMENT MUNICH L’Appartement es una experiencia global, donde el diseño y el arte son una prioridad. Un lugar que se transforma para dar paso a nuevas ideas, donde diseñadores emergentes de toda Europa juntan sus diversos universos. Ubicado en uno de los barrios más dinámicos de Barcelona, donde el diseño, la tendencia, el arte y el comercio forman parte continua de la evolución modernista de la ciudad. www.lappartement.es Flagship stores de la icónica marca MUNICH en la capital valenciana. Podrás encontrar sus colecciones completas: modelos clásicos con nuevos acabados y nuevas familias de zapas con diseños muy potentes. Descubre también sus nuevas colecciones de bolsos y mochilas, que sin duda se han convertido en el must del verano. www.munich.es Calle Enric Granados, 44 - Barcelona - Tel. 934 522 904 Calle Jorge Juan, 10 - Valencia - Tel. 963 523 128 Centro comercial Aqua, Av. Menorca, 10 - Valencia - Tel. 963 304 458 SUSCRIPTION PROTEST La temporada Spring Summer 2013 de PROTEST presenta una colección separada en temáticas. Mermaids y Fishermen, American Desert y Origami son los nombres con los que la firma bautiza sus refrescantes propuestas para el verano. Inspiraciones diversas para una paleta de colores infinita y gran innovación en tejidos y patrones en los que se aprecia un cambio de actitud hacia un nuevo uso de los prints, en pro de la simplicidad y la sofisticación. Es verano. Es Protest. En nuestra edición #57 los primeros en suscribirse se llevan una prenda de lo nuevo de PROTEST. Consulta condiciones y suscríbete online: www.ocimag.com