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STAFF 56
Dirección: Rubén Vidal. Diseño gráfico: Grafikproject. Moda: Anna Arroyo, Agustín Velasco. Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis, Sara Morales.
Contenidos de diseño y arte: Tactelgraphics. Redacción: Rosario Muñoz. Arquitectura: Ester Giménez. Web: Domihost.
Corrección: Communico. Distribución: Walk & Paste. Street y eventos: Fátima Sancho, Antonio Orlandi.
Marketing: Aída García: [email protected], Paula Ortega: [email protected], Bea Acosta: [email protected], Javier Morán: [email protected]
Colaboradores: Jacobo Sánchez, Nacho Vaquero, Isabel Martínez, Bibi Rhoberg, Laura de Benito, Vanessa Payán, Francina Models y Traffic Models.
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008. - OCIMAG #56 / edición bimestral de marzo y abril del 2013.
OCIMAG no se hace responsable de las opiniones o comentarios de nuestros colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director.
Publicidad: [email protected].. Información: [email protected]. Tel.: 962 971 002
www.ocimag.com
#56
Fotografía: Nacho Vaquero - www.nachovaquero.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Modelo: Igor Buriak - Francina Models
Americana, jeans y zapatos Diesel, camiseta Wesc
BASICS 6. Cajón desastre. 68. Local-in: guía de locales. MODA 8. News moda. 10. Carhartt WIP. 56. Kris Menace. Editorial
por Nacho Vaquero. 62. Kavinsky. Editorial por Laura de Benito. DISEÑO 12. News diseño y proyectos. 14. Kaky side tables.
16. Wiglius de Bie. 18. Your Text Here. 20. Bazar deco: Naïf House. 22. Lo más de lo más. 42. Mondo Skate. MÚSICA 24.
News música. 36. Veronica Falls. 28. Fairmont. 30. Dorian. 32. Begun. 34. Extraperlo. 36. Crystal Casteles. 38. Sónar 2013.
40. De analógico a digital.
ARTE 48. Pop-up. 50. Arte y expos.
cajón desastre - por Fernando Fuentes
LOS DJ’s
EL PERIODISTA FERNANDO FUENTES Y DJ -EFE+EFE- LLEVA
TODA SU VIDA ESCUCHANDO, BAILANDO Y ESCRIBIENDO
SOBRE DJS QUE PINCHAN DISCOS Y OTROS COMEN FRITILLAS.
DE ENTRE TODAS ESAS CIENTOS DE OCASIONES -¿O SERÁN
MILES?- AFIRMA QUE SOLO SALVARÍA “A UNA DOCENA DE
PINCHADISCOS Y A SUS CORRESPONDIENTES SESIONES”…
ESO SIENDO MUY OPTIMISTA Y BENÉVOLO. A LOS DEMÁS LOS
CALIFICA “ENTRE MALOS, MUY MALOS Y PEORES”. AQUÍ NOS
OFRECE UNA VISIÓN DESCARNADA, SESGADA Y ÁCIDA DEL
ACTUAL FENÓMENO DJ Y SUS CONSECUENCIAS SOCIALES,
FINANCIERAS Y, SOBRE TODO, DEMOGRÁFICAS.
En estos albores del siglo XXI la Humanidad se divide inexorablemente entre
los que son DJ’s y los que no. A ojo de buen cubero ya ganan por goleada
los primeros. Por ello, en este 2013, hay que sumar una nueva raza a las ya
conocidas. A la de blancos, negros, amarillos y cobrizos hay que añadir la
novedosa estirpe de DJ. Lo bueno que tiene esta emergente especie es que
puede aglutinar a todas las demás, sin problemas. Es decir, se puede ser DJ
y blanco, negro, amarillo o cobrizo. Incluso se puede ser a la vez de todas
las razas, de derechas y de izquierdas, de Messi y de Cristiano, siendo DJ…
tan inaudito como fascinante. La progresión aritmética y demográfica del
fenómeno DJ se puede perfectamente nominar como plaga -sería la decimoprimera según la Biblia- pero esta no recae solo sobre Israel, afecta a toda
la superficie del planeta sin excepción. En cualquier latitud de la Tierra -en
la que haya un club o se celebre un festival electrónico- ya hay más DJ’s que
público civil. Incluso se ha dado el caso de que el respetable allí congregado -cientos o quizá miles- sean todos DJ’s y que en un momento dado, y
como es natural, todos quieran pinchar sus temillas y subirse en tropel al
escenario -en vez de bailar y tararear las tonadillas allí seleccionadas y mezcladas- y el colapso suele ser de traca. En cualquier núcleo de población, de
aquí o de allá, es complicado encontrar una panadería, un taller o un Ikea
en los que no haya un buen puñado de DJ’s por metro cuadrado. Realmente
ellos son DJ’s de nacimiento -pura vocación genética- y lo de currar haciendo bollos, arreglando bugas ajenos, encofrando chalets ajenos o colocando
preferentes a los incautos es algo circunstancial… ellos realmente lo que son
es DJ’s. Muchos de estos DJ’s, además, se autotitulan precisamente así, lo
dicen en plural: son solo un DJ pero dicen “Yo soy DJ’s”, qué cosas. De entre
toda esta neopléyade hay varios extremos de su aspecto general que llaman
poderosamente la atención del profano. La primera es que para ir a hacer
de DJ’s sea donde fuere -clubs, festivales, raves polvorientas o la boda de su
prima- suelen ir con la capucha de la sudadera puesta. Así, es realmente
complicado escuchar nada ya que los cascos quedan por encima de la tela
que les tapa los apéndices auditivos. Claro que con las nuevas maquinitas
syncronizadoras tampoco hace mucha falta afinar la preescucha, ¿verdad
DJ’s? Algunos, los más valientes, ciclados y depilados, incluso se atreven a
quitarle a sus novias sus camisetas más escotadas, y descocadas, para así,
mientras hacen de DJ’s, darle un toque erótico, festivo, gayerón al asunto.
Que todo es espectáculo, no solo va a ser música, ¿no, tetes? Otra de las
extrañas cuestiones que afectan al DJ modernito con ínfulas es esa rara
manía de quitarse los acentos de sus nombres, apellidos y hasta motes de
batalla cabinera. Si alguien sabe la razón -eso sí, bien fundamentada- se le
agradecerá enormemente que ponga los puntos sobre las íes, nunca mejor
dicho, en este raruno asunto ortográfico y diyeístico. En la nueva raza DJ
solo cabe una distinción entre sus cientos de millones de acólitos y es la que
afecta al caché que cobran unos y otros por desarrollar sus sets sea con vinilo, cd o files. Tenemos a los que se llevan un pastón inimaginable por un par
de horas de sesión y los que cobran una auténtica mierda por lo mismo o
similar. El abismo económico que hay entre ambos es absolutamente espeluznante. El que cobra 70.000 euros debería quitar, probablemente, un par
de ceros a su factura -si es que la hubiere o hubiese, ejem- y el que cobra
70 tristes pavos por pinchar 200 temas beatporteros debería, en infinitos
casos, pagar por poder destripar los tímpanos del personal -DJ y no DJ- con
esa selección sonora hecha desde el más profundo odio al prójimo y demás
especies animales. Finalmente os ofrecemos -en rigurosa exclusiva- una noticia bombástica que redunda en la verdad reluciente que exhala este artículo de denuncia y alto interés social. Ya sabemos, de muy buena tinta -ya que
nos lo ha chivado un arquitecto que también es DJ, claro- que varias súper
discotecas de Ibiza están remodelando, de arriba abajo, sus lujosas instalaciones de cara a la nueva temporada estival. Este inminente verano sus flamantes cabinas podrán albergar a cerca de 3.000 personas, bailando a tope
y ahogándose en litros de Moet, mientras que las pistas de baile tendrán un
aforo para no más de una docena de almas; y es que, como rapea Dylan,
los tiempos están cambiando, camaradas. (Por cierto, el viejo Bob también
es ya DJ… ¿o es DJ’s? Venga, DJ, ponme la última copa que nos vamos.
news moda / por Anna Arroyo
WRANGLER
SPA TERAPIA
Wrangler lanza esta primavera/verano 2013
el Denim Spa, pantalones vaqueros
impregnados con productos hidratantes
para mantener una sensación suave y tersa
en las piernas. Para que, además de ir
enfundada en tus clásicos tejanos de
Wrangler, mimes tus piernas con las nuevas
y revolucionarias innovaciones terapéuticas
y de belleza añadidas. Los ingredientes
tonificantes son liberados con la fricción
mientras usas los pantalones vaqueros, por
lo que ejercen el cuidado de las piernas en
movimiento, protegiéndolas de los efectos
deshidratantes del denim y ayudándote a
retener la suavidad natural de la piel,
esencial para la mujer moderna, tratando
de encajar un régimen de belleza eficaz en
tu ajetreada vida. ¿Puedes pedirle algo más
a tus tejanos? www.wrangler-europe.com
ADIDAS ORIGINALS
BY JEREMY SCOTT
Adidas Originals presenta la nueva colección de
Jeremy Scott para esta primavera/verano 2013. Una
temporada más, Jeremy nos ofrece su particular
visión de la moda, inspirándose en la cultura pop
norteamericana del pasado y del presente, para
crear el futuro. La primavera Scott nos ofrece una
colección unisex de textil y calzado con grandes
dosis de creatividad y energía. Prendas divertidas y
coloridas, a las que ya nos tiene acostumbrados, en
las que juega con prints brillantes y diseños
inesperados, divertidas formas geométricas como
bolas de billar o su tan característico print animal.
La base de su diseño, como en temporadas
anteriores, siguen siendo los modelos icónicos de
Adidas. www.adidas.com/originals
CELESTIAL
BRILLO EN FEMENINO
Femenina, original, atrevida, llena de color,
energía y glamour, es la definición del espíritu
de la marca mexicana Celestial. Sus tres líneas
de ropa, night out collection, prendas únicas y
con sentimiento; prêt a porter, elaboradas a
partir de una fina selección de materiales, y
basics line, los indispensables, hacen de ella
una marca completa y a la vez atrevida. Esta
temporada, los cortes militares se unen a sus
fantasiosas lentejuelas, para brillar en todo
momento. El color negro juega un papel muy
importante en Celestial, el negro es la mezcla
de todos los colores, así que en realidad ese
toque oscuro resulta ser muy colorido. Brilla,
juega y sé la heroína de tus sueños con el
toque Celestial. www.celestialcxcstore.com
DIESEL
Fit your attitude
EASTPAK
BY KRIS VAN ASSCHE
Eastpak y el diseñador francés Kris Van Assche han unido
esfuerzos por cuarta vez consecutiva, para crear una nueva
colección cápsula compuesta de siete modelos diferentes y
realizada en cuatro colores distintos: blanco, azul, negro y
crema. De la unión conceptual, que define a cada uno de
ellos, de la ciudad y el campo ha surgido una atractiva
colección que combina a la perfección las líneas clásicas
urbanitas con las técnicas deportivas. El resultado de ello,
piezas únicas, transformables, y a la vez funcionales para
adaptarse a la persona que las lleva, asociando como nunca
la vida en la ciudad con la deportiva. ¡Coge tu nueva Eastpak
y sé tú mismo! www.eastpak.com
Fit your attitude es el tema central de la
colección denim para esta primavera/verano
de Diesel. La captura de diversas y variadas
actitudes que caracterizan a la mujer Diesel,
a través de sus estilos más icónicos y con
los tratamientos distintivos de la marca, es
la base para crear lo más nuevo para ellas,
el estilo Skinzee, la comodidad de los
jeggings y el jeans gracias a la tela elástica
del Skinzee, adaptación perfecta al cuerpo y
con la cualidad de volver a su forma original
después de su uso. Los prints vanguardistas
dan un toque moderno a la apariencia
vintage del denim, sus acabados de brillos
y, cómo no, el color, hacen que lo nuevo de
Diesel te convierta en la femme fatale del
urban style vaquero. www.diesel.com
ONITSUKA TIGER
CRAFT OF MOVMENT
El hiperrealismo es la base creativa de la nueva campaña de Onitsuka Tiger
para dar paso a la presentación de la nueva colección primavera/verano
2013, donde la combinación del Japón clásico con el Japón moderno da
pie a la creación de tres escenarios distintos donde exhibir cada uno de sus
nuevos modelos. Las espectaculares instalaciones han sido diseñadas por
el vanguardista colectivo NAM de Tokio y la agencia de networking Blast
Radius. La volatilidad, la fluidez así como la suspensión de objetos en el
aire muestran los tres hits de la temporada: los modelos Rio Runner, el
Golden Spark y el Tiger Corsair, con los que la marca te invita, cómo no, a
¡surcar los aires con movimiento! www.onitsukatiger.com
CARHARTT WORK IN PROGRESS
Sofisticación street wear
Texto: Rosario Muñoz / Foto: Alexander Basile
Carhartt WIP tiene el don de otorgarle al street wear el punto de sofisticación necesario
para los urbanitas más exigentes. La marca se fundó en los States hacia 1900 para
cubrir las necesidades de ropa de trabajo específica. Casi cien años después Carhartt
WIP irrumpía en el mercado europeo, conservando la herencia de sus orígenes en la
calidad de los tejidos y los patrones base adaptando las prendas a la incipiente cultura
urbana que empezaba a desarrollarse en esos momentos. A día de hoy nadie discute
que Carhartt WIP se ha convertido en una de las marcas estandarte del street wear.
Vinculada a los movimientos más representativos de la cultura urbana, la firma sigue
ocupando el podio entre las más buscadas, por lo que representa por la calidad de sus
prendas y la exclusividad y patentes de algunos de los tejidos y patrones que forman
parte de la tradición Carhartt. La evolución de la marca ha sido notable; posee varias
líneas con detalles muy concretos que se ajustan a las preferencias de un público
objetivo que ha crecido con ella, y hoy sigue teniendo un estilo street, con el grado de
madurez que da el tener que hacerse mayor. Las colecciones de esta primavera-verano
vuelven a sorprendernos, recorriendo un amplio espectro de
colores y tonos, estampados y prendas especiales, con el sello
inconfundible de la marca. Propuestas de básicas, iconos de la
casa e incorporaciones como las blazers, los estampados estilo
Liberty y esos total looks de un camo bastante potente, son
apreciados regalos que nos hace Carhartt WIP para presumir de
un armario muy cool y rebosante de estilo. El lookbook es obra
de Alexander Basile, que nos tiene acostumbrados a imágenes
inquietantemente bonitas, de una sencillez casi contradictoria,
muy alejada de lo que las marcas de street suelen hacer, y lo
agradecemos. Estamos algo cansados de que nos vendan sexo y
lujuria en las campañas de moda, solo queremos ser fieles a
nuestro estilo, vestir bien y estar cómodos y, para Carhartt WIP,
no es pedir demasiado... www.carhartt-wip.com
news diseño y proyectos / por Tactelgraphics
KITSCH NITSCH
Kitsch Nitsch es un equipo multidisciplinar cuyos
miembros creen en el estilo, en las conversaciones
sin sentido, en la moda, en la decoración y en la
ciencia ficción analógica. Están hartos de que el
diseño se tome demasiado en serio, la vida ya de
por sí es muy dura y el estilo/buen gusto, sin
embargo, no se toma suficientemente en serio.
Tras proyectos que obtuvieron tanto éxito como
YMS Hairstyle Salon y el nuevo diseño con
homenaje a Roy Liechtenstein de la revista
Modna, llevaban varios meses en silencio. Ahora
nos muestran un adelanto de su nueva serie de
obras de arte, un proyecto personal titulado Three
Dimensional Wet Dream. www.kitsch-nitsch.com
HELLOME
HelloMe es un estudio asentado en Berlín
compuesto por varios directores artísticos,
algunos diseñadores gráficos y unos
cuantos tipógrafos. Creen en el diseño
experimental, dinámico y útil, pero sobre
todo que sea divertido. Videoclub Delta
Amacuro es un proyecto que se lanzó en
el 2011. El objetivo era eliminar la forma
fría y geométrica, reinterpretarla con un
lenguaje visual que refleje su sonido
eléctrico y vibrante. Varios de sus trabajos
fueron seleccionados en el fantástico libro
de Gestalten Pretty Ugly, un brutal ensayo
sobre la nueva estética fiesta que nos
inunda. Una auténtica delicatessen visual
no apta para todos los paladares.
www.tillwiedeck.com
Design Republik
Design Republik es una plataforma digital de venta online para los enamorados del diseño
donde encontrarán una selección exclusiva de productos de diseñadores emergentes,
regalos únicos y originales de marcas reconocidas, artículos de decoración vintage y vinilos,
sin olvidar los clásicos del diseño de muebles e iluminación. Su objetivo es claro: hacer
llegar a todos los hogares de España y de Europa, el diseño más original ofreciendo la
mejor relación calidad-precio. Mugs y platos vintage, banco-silla, lámparas inspiradas en el
origami japonés, cámaras Polaroid reacondicionadas, paraguas especialmente diseñados
para resistir a vientos de hasta 80 km por hora o gafas con leds incorporados. No sabrás
ni por dónde empezar... www.designrepublik.com
Punzón. Brillante oscuridad
Jose Punzón nació en la tierra de Walt Disney, Almería, pero es
madrileño de adopción. Ha expuesto internacionalmente en EE. UU.
y Europa sus obras bajo su anterior seudónimo, 3501, el cual enterró
en el 2012. Su trabajo ha sido publicado en revistas, portadas,
carteles y merchandising de bandas nacionales e internacionales. Sus
trabajos son generalmente hechos a base de lápiz y tinta china. En la
actualidad reside en Madrid con sus anacondas y su colección de
motos antiguas. Ahora ha montado una galería online para dar
salida a las obras de amigos que hacen cosas alucinantes y a las suyas
propias con tiradas limitadas de alta calidad numeradas y seriadas
bajo el nombre de Kopi Luwak Prints. Entre los artistas figuran David
Sánchez, Joan Cornellá, Néstor F. y Bakea. www.josepunzon.com
RICHARD COLMAN
Nacido en 1976 en Bethesda (Maryland), Richard Colman
actualmente vive y reside en San Francisco. Este joven artista ha
expuesto en todo el mundo tanto en muestras colectivas como
individuales. Además de haber colaborado en distintas
publicaciones, Colman consiguió en su corta carrera que Gigko
Press publicara en el 2006 un libro-catálogo de su obra titulado I
Was Just Leaving. Su interés por la pintura viene dado por su etapa
como grafitero en la adolescencia, pintando en las calles de su
ciudad natal. Su trabajo ha ido evolucionando hasta conseguir un
perfil muy característico que guarda ciertas reminiscencias del arte
bizantino con toques del imaginario cultural mexicano. Sus obras
suelen centrarse en las pasiones humanas y ofrecen imágenes
reflexivas en las que enganchan al espectador en una especie de
atracción fatal. www.richardcolmanart.com
FABRICA FEATURES
Fabrica Features es la marca de comunicación de los ideales y la producción creativa
del estudio de diseño de Fabrica. Se define por las actitudes y las creaciones de los
jóvenes de todas partes del planeta que allí trabajan, un fluido intercambio
refrescado por el tránsito de los miembros del estudio. Su atención se centra en los
objetos conceptuales, las colecciones limitadas y los prototipos. Tales encuentros
pueden llegar a suceder en galerías, museos, internet y en diferentes espacios
facilitados por Fabrica Features a lo largo y ancho del mundo. En febrero de este
año 2013 fueron invitados en la galería Liveromorrow de Hong Kong con el
proyecto Mobile Museum. www.fabricafeatures.com
Kaky side tables
Poder asiático
Texto: Tactegraphics
Que gran parte de Asia ha dejado de ser tercer mundo para convertirse no solo en exportador de productos baratos es harto sabido por todos. El gigante asiático se expande por
segundos y de él despuntan miles de talentosos diseñadores, artistas, arquitectos y demás
profesionales formados en las mejores escuelas tanto europeas como autóctonas. El diseñador taiwanés Kenyon Yeh nos presenta esta original y divertida mesita de apoyo que con sus
dos patas y su pequeño lateral pegado nos permite usarla con cualquier pared que se precie. Los noventa grados del plegado cumplen una función práctica de puntal permitiendo
apuntalar la tabla sobre superficies verticales. Los colores pastel de la serie Kaki sides tables
son muy acorde con las actuales tendencias naïf que tan fuerte están pegando en estos últimos meses, y por decirlo de algún modo no solo sus colores son los que emulan los juegos
infantiles, su estructura simple es lo más parecido a una trona. En palabras del diseñador:
"Kaki es apto para ser puesto en todas partes como un lugar de descanso y almacenamiento para libros, revistas, macetas, lámparas de mesa o bien objetos pequeños". Nacido en
1983, Kenyon Yeh estudió Diseño en la Universidad de Kingston, Londres, con Colin Holden
y Simon Hasan; se graduó en el 2009. De su pasión por el diseño de mobiliario, iluminación
y productos, nació su estudio en el 2010-11 en Londres aunque actualmente la sede se
encuentra en Taipei, en su país de origen, Taiwan. Hoy en día Kenyon continúa produciendo
sus propios proyectos, que incluyen colaboraciones con los mejores estudios a lo largo y
ancho de Europa y Asia. Muchos de sus trabajos han sido publicados en multitud de medios
y exposiciones internacionales. Un personaje a seguir… www.kenyonyeh.com
WIGLIUS DE BIE
From Groningen to Valencia
NACIDO EN GRONINGEN, MEDIO HOLANDÉS Y MEDIO BELGA, ESTE FOTÓGRAFO HA VIAJADO POR MEDIO MUNDO
Y TRABAJADO PARA ALGUNOS DE LOS NOMBRES MÁS EMBLEMÁTICOS DE LA FOTOGRAFÍA DE MODA
CONTEMPORÁNEA, TALES COMO MARIO TESTINO, LOWIT ROXANNE Y ERIC TRAORÉ. EN LA FACULTAD YA EMPEZÓ
A DESPUNTAR Y ACABÓ JUNTÁNDOSE CON GENTE QUE A SU VEZ DESPUNTARÍA HASTA NIVELES INSOSPECHADOS,
TALES COMO KRIS VAN ASSHE (DISEÑADOR DE LA CASA DIOR Y SU PROPIA MARCA) Y LA A POLIFACÉTICA ARTISTA
NIENKE KLUNDER… ASENTADO EN VALENCIA DESDE HACE POCO MENOS DE UN AÑO Y DE FORMA BASTANTE
CASUAL, AHORA MISMO SU PROYECTO KLUNDERBIE (EVIDENTEMENTE CON NIENKE KLUNDER) PARECE TOMAR
FORMA A LA LUZ DE LA CAPITAL DEL LEVANTE. TIEMPO AL TIEMPO…
Entrevista: Tactelgraphics / Foto: Wiglius de Bie
Mitad belga y mitad holandés, terminaste tus estudios de Bellas Artes en
Amberes... Cuéntanos algo acerca de aquella época. Crecí en Groningen y
a los 19 años de edad fui a la Escuela de Bellas Artes de Sint Joost en Breda,
al sur de Holanda, cerca de Amberes, para estudiar fotografía. Después de
mi primer año me pareció que tenía más sentido vivir en Amberes, ya que
estaba a solo 45 minutos de Breda y por lo tanto pude continuar mis estudios en la misma escuela. Amberes resultaba mucho más fotogénica e internacional que Breda; además mi abuela y el resto de mi familia paterna se
encontraban allí, y evidentemente conocía la ciudad desde pequeño.
Encima, mi abuela era una modelo excelente. Resultaba imposible fallar un
shooting con ella, todas las fotos eran hermosas o interesantes. Era una
garantía para sacar buenas notas y sobre todo para mi portfolio. Murió
hace 11 años, y creo que el mejor retrato que he hecho en mi vida fue uno
suyo, por eso lo tengo en la web, para no olvidarla jamás. Has trabajado
para fotógrafos de la talla de Mario Testino. ¿Cómo fue tu experiencia?
Durante mis estudios tuve una beca en Vogue París. Yo quería trabajar con
Richard Avedon o alguien por el estilo, pero también era consciente de que
estaba haciendo Bellas Artes y que estaba apuntando muy alto: debía tener
un gran conocimiento técnico y que el "concepto", tal y como nos lo daban
en Breda, no me serviría para obtener este tipo de formación. No fue hasta
un día al abrir una Vogue París que me di cuenta de que ese era el lugar
para el cual tenía que pedir mi beca. Lo recuerdo como una experiencia fantástica y fue en Vogue París donde conocí a Mario Testino, Lowit Roxanne
y Eric Traoré. Todos estos fotógrafos eran muy diferentes entre sí y cada uno
me enseñó algunas de las cosas más importantes que puede necesitar un
fotógrafo. Testino me enseñó que lo más importante es disfrutar de tu trabajo, que la fotografía es una pasión y no un simple trabajo. Traoré (fotógrafo de marcas de belleza como L'Oreal) me enseñó a ser consciente de la
belleza del modelo, a encontrar el mejor ángulo y también a sentar las
bases técnicas de lo que es la fotografía de moda. Lowit cambió mi visión
sobre la fotografía: para ella la energía y el magnetismo de la imagen eran
más importantes que la belleza o la propia composición. Sus instantáneas
son naturales y no tiene reparo en disparar a grandes estrellas de fiesta o a
modelos entre bastidores; sus fotos sacan el lado más personal y privado al
que muchos otros no llegan. En tu web podemos ver varios trabajos para
Kris Van Assche… Lo conoces bien, ¿me equivoco? A Kris lo conocí en
Amberes mientras estudiaba. Nos fuimos a París para hacer nuestras prácticas de empresa juntos. Kris se fue con Hedi Slimane, que en aquel
momento trabajaba para YSL, y yo me fui con Vogue. Somos amigos de
siempre y por ello hemos trabajado junto varias veces. Kris es una de esas
personas honestas y fieles. Mi primer encargo fue hacer las fotos de su trabajo de fin de carrera para la escuela de Amberes junto a Nienke Klunder.
Los amigos con los que compartes una pasión por un mismo trabajo son
con los que más disfrutas. Somos conscientes de que eres una persona
inquieta y que has vivido en muchos lugares: Nueva York, Ámsterdam,
Barcelona y ahora Valencia. Explícanos este recorrido. Una de mis pasiones
es viajar y conocer gente, soy una persona muy curiosa. El universo de la
moda, el del fútbol o cualquier otro. Me fascina el comportamiento, la
mentalidad de las personas y las diferencias abismales que pueden existir
entre ellas. Con esto no quiero decir que me arrepienta de nada. No quiero verme al final de mis días pensando: “si hubiera intentado esto o aquello, qué podría haber pasado… o quizá debería haber hecho esto en lugar
de aquello”. Cuando hablo de Londres sé de lo que estoy hablando y lo
mismo ocurre con los demás sitios donde he vivido. Si algún día quiero volver para asentarme, sabré lo que me espera, ya que ya habré vivido allí.
Valencia se presentó como algo inesperado. Estaba en un momento de
transición entre Ámsterdam y Londres. Se lo comenté a Nienke, y fue ella
quien propuso venir a Valencia para concentrarnos más en nuestro trabajo.
España está en crisis. ¿Piensas quedarte de todas formas? ¿Es posible trabajar para el extranjero desde un país que se está, supuestamente, viniendo
abajo? Hoy por hoy, con internet y los vuelos low cost, el mundo es tan
accesible que me parece que sí que es posible. Nienke y yo tenemos ya un
historial de trabajo en solitario (hemos vivido y trabajado en lugares y para
clientes diferentes) y hemos obtenido nuestros contactos durante los años
en los que estábamos alejados el uno del otro. Solamente continuamos
nuestro trabajo desde esta ciudad. Habría sido todo diferente si hubiéramos
tenido que empezar desde aquí. ¿Nienke y tú tenéis otros proyectos aparte
de Klunderbie? ¿Podrías desvelarnos alguna cosa? Trabajamos juntos bajo el
seudónimo de KlunderBie para los clientes y guardamos nuestros proyectos
personales para otras cosas… Me parece una pregunta difícil de contestar…
jejeje ¿Qué es lo que te atrae realmente de España? Y sobre todo de
Valencia… Vine a Valencia ya que Nienke vive aquí y su familia también esta
aquí. Para mí es más fácil moverme que para ella a la hora de construir nuestro trabajo. No conocía Valencia, conocía Barcelona y un poco de Madrid,
nada más. Valencia no la tenía prevista como destino. Pero la verdad es que
me siento cómodo, me recuerda en cierto modo a Groningen, la ciudad
donde nací. No es demasiado grande y la gente es simpática y accesible. No
resulta agobiante como otras ciudades. Es tranquila y la calidad de vida, que
ahora mismo es una prioridad para mí, es estupenda… Además la comida
es buena y tiene un clima estupendo. Y está Nienke, que para mí es como
mi familia. La conclusión es que Valencia llegó a mí sin tan siquiera buscarla. ¿Quieres añadir alguna cosa? Sí, Nienke y yo nos conocemos desde que
éramos estudiantes, es decir, a finales de los noventa. Llevamos juntos desde
tercero de Bellas Artes y acabamos estudiando fotografía juntos. Nienke se
ha movido un poco por todas partes, como yo. Nos hemos ido reencontrando no solo en Holanda, sino en Barcelona, Londres y París. Adoro a Nienke,
su trabajo personal es una pasada. Cuando estaba embarazada de su primer hijo, me llamó para pedirme ayuda para un trabajo en el campo de la
publicidad; lo que me propuso fue trabajar en equipo. Me encantó, fueron
tres días intensos y divertidos. Así es como nació Klunderbie…
YOUR TEXT HERE
Mensajes luminosos en la ciudad
EL ESTUDIO DE ARQUITECTURA UNESTABLE, DIRIGIDO POR MARCOS
ZOTES, DESARROLLA UNA LÍNEA DE REFLEXIÓN SOBRE EL USO DE LA
CIUDAD CONTEMPORÁNEA A TRAVÉS DE INSTALACIONES EN EL
ESPACIO PÚBLICO COMO YOUR TEXT HERE, UNA LLAMADA A LA
ACTIVACIÓN, ESTA VEZ DESDE LA FACHADA.
Texto: Ester Giménez / Fotos: Marcos Zotes
Asistimos a un resurgir de la reflexión sobre el papel y uso del espacio público en nuestras ciudades. Parece que, frente a una hiperregularización del
espacio público, pocas fisuras quedan por explorar donde el usuario pueda
apropiarse, en mayor o menor medida, del espacio que le rodea, y que tiene
derecho a disfrutar y compartir. Es cada vez más difícil encontrar mecanismos que nos acerquen al uso directo de la ciudad. La cantidad de mensajes, prohibiciones y publicidad que nos rodea ha consolidado un imaginario
urbano común a la mayoría de las ciudades occidentales, fundado en la vigilancia y el consumo. Las intervenciones del equipo Unestable reivindican esa
parcela de libertad que parece quedar todavía intacta en la ciudad. Con sus
proyecciones lumínicas sobre diferentes superficies de la ciudad nos alertan:
la ciudad es tuya, reivindícala. Uno de los proyectos más interesantes de
este equipo es el que tiene por título Your text here, desarollado en Detroit
con motivo del festival DLECTRICITY celebrado en Octubre del 2012. No es
casual que este tipo de intervenciones se fomenten precisamente desde una
ciudad como Detroit, punto de mira para muchos urbanistas, paradigma del
devenir de la ciudad contemporánea. En esta ocasión, la instalación proponía un sencillo sistema con una intensa repercusión visual y con un objetivo
muy claro, la interacción social con el espacio construido. La propuesta se
basaba en una proyección lumínica cambiante sobre una fachada de una
fábrica cedida para la intervención. A través de un programa informático los
participantes podían cambiar la apariencia de la fachada, casi de forma instantánea. Lo único que tenían que hacer era escoger un mensaje que proyectar, siempre anónimo, y esperar a que este apareciera a gran escala sobre
la fachada. Cada participante hacía hablar a la fachada de forma distinta,
mensajes de amor, críticas sociales y alguna pregunta trascendental se mez-
claban en esa nueva fachada de luz, un poco más cerca del usuario. Con
este proyecto, el equipo de Unestable vuelve a plantearse el papel del usuario frente a la ciudad, alejándolo de su pasividad en el espacio público. Los
papeles cambian cuando se interactúa con este tipo de propuestas, pasas
de contemplar una fachada a transformarla. Con un despliegue de medios
limitados, el efecto es revelador. Marcos Zotes y su equipo han intervenido
en el espacio público con propuestas como (e)mission o creative control;
ambas ponen de manifiesto, con una fuerte dosis de teatralidad, los perversos mecanismos de vigilancia que existen en la ciudad y cómo permanecen
instaurados en nuestra cotidianeidad, casi pasando desapercibidos. Quizá el
interés que suscita Your text here frente a otras propuestas es esa participación directa del usuario. La utilización de las proyecciones lumínicas en las
fachadas de la ciudad nos recuerda a colectivos como EXYZT o el actual
1024 Architectes y a artistas como Pablo Valbuena, cuyas intervenciones en
edificios redibujan el paisaje urbano. Como acción participativa en relación
con la opinión sobre la ciudad podemos también referirnos al trabajo de la
artista Candy Chang, que promueve en diferentes localizaciones la participación colectiva para dejar mensajes escritos sobre pizarras gigantes. Al
final lo importante es volver a cargar de significado el lugar, y usando mecanismos sencillos. Unstable demuestra que es posible, a pesar de topar con
la indisposición de las autoridades para llevar a cabo este tipo de prácticas.
Esperemos que el equipo nos sorprenda pronto con una nueva intervencion.
Se trata de ir encontrando el contexto adecuado donde se pueda dar.
Apoyados en una fuerte carga teórica, la proyección como activador urbano, este equipo demuestra que con un gesto se puede reconocer la ciudad
vivida, y nos vuelve a asaltar la pregunta: ¿Qué ciudad queremos habitar?
bazar deco / por Rosario Muñoz
NAÏF HOUSE
Le abrimos la puerta al estilo Naïf para dejar entrar en casa dosis de
espontaneidad y frescura. El minimalismo cromático y conceptual es tan
predecible que cansa. Ahora queremos aventura y emociones fuertes...
queremos que en casa entren el color y la originalidad, sorprendernos con
nuevos materiales, texturas y conceptos que den a nuestra rutina ese toque
de locura necesario que recupera el buen rollo cuando estamos en casa.
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Watch Me. Rasmus Gottliebsen para Normann Copenhagen. www.normann-copenhagen.com
Altdeutsche Cabinet. Studio Job para Moooi. www.moooi.com
Multicolor Rive Droite. Patrick Norguet para Capellini. www.capellini.it
Mangas Space. Patricia Urquiola para Gan by Gandia Blasco. www.gan-rugs.com
Float. Karim Rashid para Sancal. www.sancal.com
Lolita. Nika Zupanc para para Moooi. www.moooi.com
Superheroes. Glimpt Studio para Capellini. www.capellini.it
Float. Karim Rashid para Sancal. www.sancal.com
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lo más de lo más / por Jacobo Sánchez
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1. Sheriff & Cherry en StudioStore. Un futuro brillante y soleado es lo que
ha preparado Sheriff & Cherry con su nueva colección de gafas de sol para
esta primavera/verano 2013. Estamos ante el segundo nacimiento de varios
modelos que van de los años sesenta hasta finales de los ochenta,
resurgidos gracias a imágenes de archivo de la época, dándoles un toque
fresco. Esta colección parte de cuatro modelos diferentes pero con 36
combinaciones de colores. Puedes encontrarlos en exclusiva en StudioStore
en Barcelona. www.sheriffandcherry.com y www.studiostore.es
2. All Gone 2012. El colectivo creativo parisino La MJC, encabezado por
Michael Dupouy, acaba de presentarnos el nuevo anuario de la cultura
“Street”, All Gone 2012. Con un diseño tipo “Paisley” diseñado por el
también parisino estudio de diseño Ill-Studio, tiene 256 páginas y cuenta
con más de 200 perfiles de productos. Todas las fotografías están hechas
por respetados fotógrafos mundiales. Colette fue la afortunada en recibir
dicha biblia el pasado 19 de enero. www.allgonebook.com
4. Jun Watanabe x Reebok: Insta Pump Fury. El artista, diseñador y director
creativo de Zozotown, Jun Watanabe, sigue con su colaboración con
Reebok con la presentación del nuevo modelo Insta Pump Fury. Este
modelo cuenta con un pattern de lunares más grandes y unos colores muy
enérgicos. Habrá que esperar hasta julio para poder conseguir este modelo
exclusivo. Puedes hacer tu prepedido a través de la tienda online de zozo.jp
Info brand: www.reebok.com
3. Volcom ficha a ZOËTRØPE. ZOËTRØPE es una banda de rock formada por
tres chicas del este de Londres a quienes les gusta el ruido, echarse unas
risas y beber cerveza. Amy Smith, Zoe Grusedale-Sherry y Hannah Lógica
tienen personalidades y estilos muy diferentes, pero juntas son la bomba
para un grupo de rock. Volcom las acaba de hacer embajadoras de la
colección otoño/invierno 2013 de la línea Volcomunity (Volcom Premium) y
prometen no dejarnos indiferentes. www.volcomunity.com
5. Kenzo x New Era. La firma parisina Kenzo sigue con sus colaboraciones
versátiles, esta vez viene de la mano de New Era. Las dos marcas se unieron
para una colección de gorras para la colección primavera/verano 2013. La
estética de las gorras va precedida de unos estampados africanos y de
animales, incluyendo tejido Bogolan (típico de la cultura de Mali). Esta
colección Kenzo x New Era está disponible en tiendas seleccionadas y por
supuesto en la tienda online de Kenzo. www.neweracap.com
news música - por Fernando Fuentes
LA3 en marzo
En marzo La3 (Valencia) presenta una programación de alta tensión,
mayúscula calidad y un bizarro eclecticismo digno de encomio y
admiración. Además de los esperados conciertos de Lírico y Josh
Rouse, los habituales a esta sala valenciana podrán disfrutar, en sus
diferentes salas y escenarios, de gente de la talla sonora electrónica
y popera de Colin Peters, Sicarius DJ, Ley Dj (Rock Nights), Affkt,
Sergio Máñez, Edu Imbernon, Dirty & Homeless, Space Elephants,
Soak, Song of Kick, Plan B, Chacho Brodas, Elyella Djs, Gato TV, etc.
Durante las fiestas falleras recibirán la visita de Mario Vaquerizo -en
formato dj- y de los apabullantes The Zombie Kids. Para terminar el
mes una cita de altura electrosa con Digitalism. ¿Quién da más? Solo
La3, por supuesto. www.la3club.es
Budweiser & Low Cost festival
Budweiser será el patrocinador principal del 5.º aniversario de Low
Cost festival. La cerveza más musical celebrará con Low Cost festival
su quinto aniversario con miles de lowers, una relación que dura ya
cinco años dando nombre al escenario principal del festival que, además, acaba de confirmar nombres internacionales de la talla y el tirón
de Chk Chk Chk, Veronica Falls y Digitalism. Recordemos que el Low
Cost festival se celebrará los días 26, 27 y 28 de julio del 2013 en el
recinto ubicado en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm.
Hasta la fecha son veinte los nombres confirmados, entre los que destacamos, además de los antes mencionados, a Belle and Sebastian,
Two Door Cinema Club, Crystal Castles, Lori Meyers, Fangoria, Los
Enemigos, Love of Lesbian, Dorian, Monarchy o Toy. ¿Te lo vas a perder? Un disparate sería, oiga. www.lowcostfestival.es
ZOOLÓGICO CLUB & OCIMAG
La noche madrileña tiene en Zoológico Club un lugar en el que el disloque electrónico más
efervescente, revolucionario y desobediente tiene cabida en cada una de sus trepidantes
noches. Situado en la céntrica sala Marco Aldany es un club de referencia en la noche
capitalina y, por ende, nacional. Su escenario, y cabina, alberga cada weekend a los
artistas oriundos y foráneos más atractivos y apabullantes de la electrónica emergente y
bastarda. Miles de amigos de Zoológico se dan dita cada sábado para vivir un auténtico
festival aliñado por ritmos épicos y el colorazo que le procura un público entregado que
tiene como único objetivo pasarlo pipa en un lugar pleno de bellos animales de dos patas.
En breve os confirmaremos la fecha de la primera fiesta que OCIMAG celebrará en
Zoológico Club de Madrid, atentos todos... animales y humanos. www.zoologicoclub.com
Sónar Día se translada a la Fira
Arenal Sound suma y sigue
Arenal Sound 2013 suma y sigue. Acaban de confirmar una nueva
tanda de apasionantes artistas entre los que destaca la presencia de
The Drums. Junto a los de Nueva York, estarán también en lo más
alto del cartel los escoceses The Fratellis, The Bloody Beetroots en formato live, los británicos The Maccabees y Klaxons, que vuelven a los
escenarios después de un largo parón, y los emergentes Alphabeat.
También disfrutaremos de los nacionales The New Raemon y Los
Punsetes. Junto a ellos os recordamos que ya están confirmados
Editors, Steve Aoki, Lori Meyers, White Lies, Totally Enormous Extinct
Dinosaurs y Eme Dj, a falta de terminar de alicatar más de la mitad
del cartel. Las entradas todavía se pueden adquirir a un precio reducido a través de ticketea. OCIMAG será, por segundo año consecutivo, medio oficial del Arenal Sound, así que id calentando, sounders...
www.arenalsound.com
La nueva sede de Sónar de Día es, sobre todo, una apuesta de futuro.
Tras 19 años en las instalaciones del CCCB, el MACBA y sus aledaños, el
festival traslada su sede diurna a los recintos de la Fira Montjuic en la
Plaza de España, un emplazamiento emblemático de la ciudad. Con este
cambio, el festival reafirma su carácter pionero en la reinvención del uso
de los espacios públicos. El nuevo emplazamiento permitirá presentar
Sónar de Día de una forma renovada, con espacios muy amplios que
facilitarán una óptima circulación del público y los profesionales. Sónar
de Día mantiene sus cuatro escenarios (SonarVillage by Estrella Damm,
SonarHall, SonarDôme y SonarComplex), todos ellos con aforos ampliados en sus nuevas ubicaciones. El nuevo Sónar de Día acorta notablemente la distancia con Sónar de Noche, ubicado en su sede habitual de
Fira Gran Vía, en L’Hospitalet del Llobregat, y que consolida su formato
de cuatro escenarios (SonarClub, SonarLab, SonarPub y SonarCar, situado al lado de los autos de choque). Con los autobuses lanzadera del festival la distancia entre ambas sedes es ahora de solo diez minutos. Día y
noche, ahora mucho más cerca. www.sonar.es
DESEMPOLVA TU FLOW...
¡VUELVE LA BATALLA!
Han pasado tres años desde que aquella memorable batalla en una noche de septiembre reuniera a más de 20.000 amantes del hip hop en la Plaza de España de Madrid,
poniendo un punto y aparte a la competición más prestigiosa de hip hop freestyle en
habla hispana. La espera no ha sido en vano, ya que la Red Bull Batalla de los Gallos vuelve este año más fuerte que nunca, preparada para encontrar a los MCs más descarados
y con el ingenio más afilado. Inteligencia, improvisación y pocos pelos en la lengua serán
los elementos necesarios para combatir sobre el escenario en duelos de rimas que volverán a hacer historia. El 4 de marzo se abre el plazo de inscripción. Para participar tienes
que entrar en la web y subir un vídeo en el que demuestres lo que eres capaz de hacer.
¿Tienes ingenio, estilo, capacidad de improvisación y mucha actitud? ¿Eres un gallo duro
de pelar? Te esperamos con los espolones afilados... www.redbullbatalladelosgallos.es
VERONICA FALLS
A tumba abierta
NO MARCARÁN UNA ÉPOCA PERO SON LA BANDA DEL MOMENTO. DESDE LONDRES
RECIBIMOS LA VISITA DE ESTOS ESCOCESES QUE CON SU POP DARKY, FUERTEMENTE
INFLUENCIADO POR EL SONIDO SETENTERO Y EL SHOEGAZER, HAN SACUDIDO EL POLVO
A LOS TOPS INDIE DE TODO EL MUNDO. ACABAN DE PUBLICAR SU SEGUNDO DISCO Y
AMENAZAN CON VOLVER A TOCAR EN EL PRIMAVERA SOUND TRAS EL ÉXITO DEL 2012.
“¿SE PODRÁ REPETIR?”, PREGUNTAN. MIENTRAS HAY VIDA HABRÁ ESPERANZA…
Entrevista: Fernando Fuentes / Foto: Robin Christian
Aló camaradas, ¿qué influencia sonora, de las tantas que se dicen, creéis
que es la más evidente en Veronica Falls? Quizá sobresale sobre las demás
la influencia setentera... ¿Os gusta que os etiqueten como power-pop adictivo con tintes macabros? Es difícil ponerse etiquetas, porque al ponerte una
eliminas muchas otras cosas que posiblemente sí tienes. Hacemos música
más simple y sencilla que todo esto de las etiquetas, aunque los componentes de la banda tenemos tantas influencias que es muy difícil definir nuestro
sonido con tres o cuatro adjetivos. ¿Hay que seguir emigrando a Londres,
desde cualquier rincón de UK, para que a una banda le empiecen a hacer
algo de caso? Por lo menos estar allí te pone las cosas más fáciles: hay más
sellos, más movimiento, más posibilidades de tocar... ¿Y miráis mucho esos
tops en los que tan alto os sitúan ahora en medio planeta? No pensamos
demasiado en eso, simplemente somos felices con lo que hacemos. Creo
que lo mejor es no preocuparte demasiado por tu posición en el ranking.
¿Entonces, en qué pensáis para motivaros? Simplemente tratamos de hacer
música como si fuera el primer día. Uno de vuestros sueños como banda era
tocar en el Primavera Sound… Nos encantó: un entorno maravilloso, un
gran cartel… creo que esa selección de bandas se hizo con mucho gusto y
con las bandas adecuadas. Es exactamente el entorno en el que nos gusta
tocar; pudimos hablar con gente de otras bandas que nos gustan, algunas
de ellas similares… ¿Os gustaría volver a hacerlo en este 2013? No sé si
podremos tocar allí dos años consecutivos, pero nos gustaría repetir la experiencia. ¿Sois personalmente tan dramáticos y tenebrosos como en vuestras
letras? ¿Hay que darles tanta importancia como parece o todo hay que
mirarlo desde una fina ironía que no todo el mundo está preparado para
detectar y degustar? No hay que tomarse las letras muy en serio. Soy consciente de que en el primer disco parecemos gente sombría, pesimista, pero
no somos así, no nos pasamos el día pensando en tragedias ni en malos
rollos… A pesar de que todo el mundo os compara con Galaxy 500 y The
Velvet Underground a mí me recordáis mucho también a The Cramps… Nos
gustan The Cramps. No diría que son una influencia directa, pero sí que
tenemos cierto parecido. ¿Qué nos podéis contar de vuestro nuevo disco
Waiting for Something to Happen (Bella Union - Music As Usual, 2013), que
ha salido a la venta en febrero? Es diferente al primero. No hemos tenido
tanto tiempo para terminarlo, hemos estado en medio de una gira… en
muchos aspectos hemos tenido que ir directos al grano, y en otros, simplemente escribir de una forma diferente. Pero las ideas nos llegaron rápidamente. ¿Es tan jodidamente darky como el primero? Las melodías son más
pegadizas y las letras, pese a ser más introspectivas, tienen menos de ese
“lado oscuro” que comentábamos antes… Por último, Veronica Falls, ¿no
hay nada más divertido y emocionante que bailar sobre una tumba, verdad?
¡Claro! Siempre y cuando no te pillen…
FAIRMONT
EXTRAÑO TALENTO
JACOB HA PASADO DE SER “L’ENFANT TERRIBLE” DE LA ELECTRÓNICA A UNA DE SUS JOYAS MÁS PRECIADAS. MACARRA,
REBELDE Y DIFERENTE, EL CANADIENSE HA PASEADO SU DIRECTO POR MEDIO MUNDO, ABANDERADO DE SELLOS COMO
KOMPAKT, SENDER, TRAUM O BORDER COMUNITY, ÚLTIMAMENTE EL TECHNO DE SU ALIAS, JAKE FAIRLEY, DESCANSA, MIENTRAS
EL POP ELECTRÓNICO DE FAIRMONT DESPEGA. AUTOMATON ES SU ÚLTIMO TRABAJO, ACÉRCATE A SU EXTRAÑO TALENTO.
Entrevista: Catalina Isis / Foto: Lars Borges
¿Has perdido tu sombrero de copa? Ja, ja, ja… si te refieres a las fotos de
promoción antiguas, la verdad es que me gustan mucho. Pensé que eran
divertidas y sugerentes, ¡pero había un montón de gente que las odiaba!
Incluso hubo revistas que acortaban sus artículos por la pinta que llevaba.
Las fotos que me saqué después de esas, en un campo de girasoles, también fueron problemáticas. Lo cierto es que siempre he intentado sacar fotos
algo raras o graciosas. Pero creo que mi visión de lo que es divertido suele
chocar con las visiones del mundo techno. Estoy disfrutando tu voz sobre
Automaton, ¿por qué la decisión de cantar sobre todos los temas de este
álbum? Automaton ha tenido muchas caras durante los dos años de producción. A mitad, más o menos, tenía un disco que era una mezcla de temas
instrumentales y vocales. Era un buen disco, pero me recordaba demasiado
al anterior Coloured In Memory. Me di cuenta de que había un puñado de
canciones que tiraban de mí hacia una nueva dirección más pop. Todos los
discos que he hecho anteriormente han combinado temas instrumentales
con vocales, así que pensé “voy a hacer algo diferente” y me decanté por
los vocales. Y me salió un álbum más popero. Recorté todos los temas que
tenían el formato antiguo y los lancé como una tanda de EPs (3 Cities,
Velora and Bercy/Emax). Nunca da la sensación de que te importe ser piste ro o no. ¿Verdad o atrevimiento? Todo depende de qué consideres pistero.
Llevo muchos años rodeado de temas que chillan “soy un tema de baile, tienes que bailar este subidón ahora mismo”, y me dan más ganas de bostezar que de bailar. Automaton tiene muchos temas que son pisteros. Lo toco
en directo y la gente baila. Creo que sigo haciendo música de discoteca,
pero solo desde una cierta perspectiva, y solo para algunas discotecas.
Fairmont camina la fina línea entre la electrónica y el pop alternativo. ¿Ves
fronteras o las atraviesas de forma natural? Creo que sí hay una fina línea
ahí, una frontera. Cuando se mezclan ambos mundos, muchas veces el
resultado es terrible, pero no siempre. Me gusta pensar que soy uno de los
que hacen bien esta mezcla. Es lo que me sale de forma natural. Canté
sobre mis temas de techno desde el primer día. Es lo que yo hago. ¿Cómo
diferencias si trabajas para Jake Fairley o Fairmont? Al principio tenía una
fórmula: Jake Fairley era duro y Fairmont blando. Pero, con el tiempo,
Fairmont ha empezado a abarcar muchos tipos de cosas. Por esto empecé a
centrarme en solo un nombre, no quería tener que dividirlo todo. Y, de
todos modos, el negocio musical ha cambiado, así que dejó de tener sentido intentar promocionar los dos proyectos. Has editado trabajos de
Fairmont en Border Community y Traum, ¿cómo es la relación con My
Favorite Robot? He trabajado con muchos sellos a lo largo de los años, todo
depende del momento. Cuando conocí MFR conectamos de modo inmediato. Es una combinación perfecta de gente extremadamente profesional de
la que, además, disfruto. Es algo realmente especial. Son mis colegas, nos
los pasamos muy bien juntos, pero además son trabajadores muy metódicos. De todos modos, nunca he dejado un sello. Tengo la libertad de ir y
venir, depende del momento. Eres sorprendentemente honesto en directo.
¿Alguna vez has pensado en dejarte tentar por el lado oscuro e ir a un con cierto solo con un portátil? Es gracioso, porque ya han usado la palabra
honesto antes. Me gusta, muchas gracias. Creo que se piensa eso porque
me lo pongo difícil y eso significa que es también más probable que algo
salga mal. Siempre intento mejorar; es sorprendente lo que puedes conseguir con experiencia y práctica. ¿Empezaré a usar un portátil?
Probablemente no. No tengo nada en contra, pero no podría hacer lo que
hago ahora solo con un portátil. Además, creo que no quiero llevármelo al
club. Me paso la semana entera enfrente de un portátil, produciendo, mandando e-mails… cuando llega el fin de semana, toca dejarlo en casa.
Siempre me han intrigado los principios de las cosas. ¿Cómo empezó tu
aventura musical? Siempre me interesó crear cosas. Me gustaba pintar y
dibujar de pequeño, pero también construir cosas y destriparlas. Como casi
todos los demás chicos, quería estar en una banda de música, pero no me
interesaba aprender a tocar un instrumento típico y prefería trabajar solo.
Así que hacer música electrónica era el plan perfecto. Un amigo tenía un
ordenador que podía importar y exportar sonidos y allí empecé a jugar con
la música, en 1993. Todos mis amigos tenían bandas y nada que ver con la
electrónica, pero me apoyaban igualmente. Lo importante en la escena
musical alternativa no es lo mismo que en la escena electrónica. Creo que
eso ha afectado al modo en que actúo. Además, ser el rarito ha surtido
efecto. Tuve que aprender a producir solo. Siempre deseé amigos a los que
le gustara la electrónica, pero mi experiencia me ha convertido en quien soy.
DORIAN
Electropop a conciencia
SE ASOMARON AL MUNDO EN EL AÑO 2004 CON 10.000 METRÓPOLIS, UN OSCURO Y ELÉCTRICO
DEBUT. DOS AÑOS MÁS TARDE EL FUTURO NO ES DE NADIE LES SIRVIÓ PARA DENUNCIAR, A BASE DE
POP, LOS PROBLEMAS SOCIALES DE UNA ÉPOCA BUSCANDO LA EVASIÓN DEL INDIVIDUO FRENTE A
ELLOS. CON LA CIUDAD SUBTERRÁNEA (2009) CANTARON AL AMOR Y NOS LLEVARON DE LA MANO
A LA INTROSPECCIÓN. AHORA, EN MARZO DEL 2013, ESTOS CUATRO URBANITAS VESTIDOS DE
NEGRO NOS PRESENTAN LA VELOCIDAD DEL VACÍO, UN DISCO CON EL QUE YA NO QUEDA NINGUNA
DUDA DE POR QUÉ UN DÍA SE LES EMPEZÓ A CONSIDERAR LOS PADRES DEL ELECTROPOP ESPAÑOL.
¿PREPARADOS PARA REMOVER LA CONCIENCIA?
Entrevista: Sara Morales / Foto: Sergi Margalef
Es inevitable empezar esta entrevista dándoos la enhorabuena por este cuar to disco y, sin duda, cuarto éxito. ¿Sois conscientes de la expectación que
hay puesta en él? Sabemos que nunca se había esperado un disco de Dorian
con tantas ganas y la verdad es que resulta muy emocionante. Sin embargo,
te tengo que decir que a la hora de componer las canciones de La velocidad
del vacío los únicos criterios que seguimos fueron los púramente creativos.
Cuando te pones a componer un disco te tienes que dejar llevar, ahí es cuando las buenas ideas empiezan a fluir. Si te pones a pensar en el público y en
lo que le va a gustar a la gente cometes un error. El nombre de vuestro
nuevo trabajo denota intensidad, profundidad e incluso vértigo, ¿qué os ha
llevado a sintetizar el álbum bajo este título? La telebasura, la banalización
de la política, la sociedad de consumo, las presiones sociales, son casi siempre generadoras de ansiedad y de vacío. El vacío, como el universo, se
expande a gran velocidad, pero se puede combatir, y creo que los personajes que pueblan estas canciones tratan de combatirlo, unas veces con éxito,
otras no. Son personajes valientes, que no se tragan lo que les venden por
ahí, y al mismo tiempo son tremendamente vulnerables. ¿Estáis satisfechos
con el resultado? Contar con Phil Vinall (Placebo, Elastica) a los mandos de
la producción es sinónimo de excelencia… Phil nos enseñó a darle tridimensionalidad al sonido, a crear capas de arreglos en planos yuxtapuestos, y a
usar mejor el material analógico. La baterías, por ejemplo, suenan muy interesantes, y si las escuchas con cascos te darás cuenta de todos los detalles
que hay. Nos hemos pasado un año y medio trabajando en este álbum,
viviendo literalmente (mentalmente) dentro de él, y ahora que ya empiezo a
verlo con perspectiva, me doy cuenta de que es el disco más dinámico y
mejor acabado de todos los que hemos hecho. Por lo menos a priori, el soni-
do parece aproximarse más al dream pop. Quizá menos eléctrico y algo más
suave que trabajos anteriores. ¿Os estáis moderando con los años? Hay de
todo. Temas con los que flotas, que tienen capas de guitarras, sintes, cuerdas, un poco dream pop y psicodélicos, y otros, como Tristeza o Ningún
mar, que son lo más contundente que hemos hecho jamás. Por eso te decía
que estoy muy contento porque es un disco dinámico, que no aburre, y que
reserva sopresas hasta la última canción, que lleva por título Las palabras y
de la que estamos muy orgullosos. Los amigos que perdí, single de este
nuevo LP, ¿podría ser la continuación de Te echamos de menos -uno de
vuestros mejores temas- perteneciente a vuestro álbum debut 10.000
Metrópolis? Tienes razón, es un medio tiempo muy emotivo, que bien
podría entroncar con Te echamos de menos, aunque Los amigos que perdí
suena más contundente. Supongo que al final la esencia de una banda
nunca se pierde. Vuelven los estribillos pegadizos, prevéis algún tema eter no en este álbum, como os ocurrió con Cualquier otra parte o La Tormenta
de Arena? Afortunadamente no hay nada eterno en esta vida, llamémoslo
duradero. La verdad, es pronto para decirlo, pero creo que Los amigos que
perdí, Tristeza, Soda Stereo y El temblor nos acompañarán durante mucho
tiempo. Marc, ¿vuelves a estar detrás de todas las letras que componen La
velocidad del vacío? Sí. Escribir letras me encanta pero es una tarea muy
dura, sobre todo en español, que es un idioma en el que todas las palabras
que se escriben se pronuncian (no hay contracciones) y eso hace muy difícil
encajar según qué versos en según qué espacios, cosa que te obliga a buscar otra idea y así te tiras días y días y meses y meses. He hablado de esto
con otros letristas y todos coinciden. También me gusta mucho leer las letras
de mis artistas favoritos, desde Lou Reed a Serrat, Magazine, Georges
Brassens... Frases como “me buscarás en el infierno porque soy igual que
tú” o “para qué creer en Dios si él no cree en nosotros” han quedado para
la posteridad del indie español. ¿Cuál es, a vuestro juicio, la frase de este
disco que retumbará en nuestras cabezas? Te puedo decir algunos de mis
versos favoritos del disco: "De donde nadie vuelve, yo te vi regresar / Con
un sol en los labios / Que te puso el mezcal" (El temblor), "Ya no discuto
con gente sin alma / Ya no trabajo para Satanás / Ya no frecuento a la secta
del dogma / Y veo las copas que llevo de más / Ya no arde sobre mojado
cuando llegan las derrotas / Ya no me moja la lluvia que apaga la voz" (Arde
sobre mojado). Como padres del pop electrónico en España, ¿cómo veis que
últimamente multitud de grupos que abanderaban otro estilo se sumen
ahora a las filas electrónicas? Es verdad que muchas bandas que antes eran
de guitarras ahora han incorporado sintes y otros elementos de electrónica
en sus sets. Me parece bien, todo el mundo tiene derecho a experimentar
con su sonido. ¿Alguna vez seréis vosotros los que cambiéis de tendencia?
Creo que con este disco ya lo hemos hecho. La velocidad del vacío ha enriquecido mucho la paleta de sonidos de Dorian, y las espectativas creativas
de la banda son ahora más abiertas que nunca. Ya sabemos que en México
os adoran y en Francia estáis sembrando buenas semillas. ¿Pero por qué
habéis decidido arrancar la gira de este disco allí, en lugar de en España?
Bueno, las fechas llegan como llegan. En este caso estaremos girando por
Francia con una banda excelente que se llama BB Brunes, y ellos tenían esas
fechas. Volveremos a Francia en noviembre. Ahí estamos picando piedra,
pero con toda la ilusión del mundo, que es como siempre hemos trabajado.
A México vamos dentro de unas semanas para hacer las primeras fechas con
este disco, y en abril y mayo estaremos por España en Valencia, Zaragoza,
Madrid, Barcelona, Valladolid, Granada, Málaga, Huesca... Cada vez os
resultará más complicado decidir el set list de un concierto con tantos hits
como tenéis. ¿Cuál de todos es imprescindible para vosotros y por qué? En
ocasiones ocurre que una canción que no estaba destinada a ser single se
convierte en un hit de forma inesperada. A nosotros nos pasó con Verte
amanecer, que acabó siendo el cuarto single de La ciudad subterránea porque el público así lo quiso, y lo mismo ha pasado en México, donde esta
canción tiene que sonar sí o sí en todos nuestros conciertos, cosa que nos
encanta. ¿Qué queda de los chicos de Solar? La ilusión sigue intacta. Ilusión
por seguir haciendo canciones y por seguir descubriendo países, conocer a
gente nueva, tener nuevas aventuras. Pero los chicos de ese Solar apenas
sabían tocar, aunque sí tenían una frescura y un arrojo que visto con perspectiva me parecen entrañables. Nuestro objetivo es ser mejores músicos
cada año, grabar mejores discos, hacer mejores conciertos. No hay que
estancarse en la autocomplacencia, porque eso es el fin, y en este sentido
la banda sigue siendo tan inquieta como al principio.
BEGUN
Bruma feliz y sintética
DESDE LA BARCELONESA CALLE MUNTANER RECIBIMOS A BEGUN CON SU EP
SAN FRANCISCO (SUBTERFUGE, 2013) BAJO EL BRAZO. POP PARA SOÑAR REVESTIDO
DE DUB, DE BASS EXPERIMENTAL, DE FUTURE GARAGE Y DE LUMINOSO HOUSE
NOVENTERO ES LO QUE NOS PROPONE GUNSAL. ¿QUIÉN SABE SI A LOS NOMBRES
DE BRUNA, KRESY, PIONAL O EL MISMO JOHN TALABOT HABRÁ QUE AÑADIR EL DE
ESTE AMANTE DE TODO LO QUE CREA, CUECE O ENRIQUECE THOM YORKE?
Entrevista: Fernando Fuentes / Foto: Eskenaziencursiva
Aló Gunsal, escuchado los temas de este EP San Francisco es casi obligado
retrotraerse al sonido de artistas como Burial, Kode9, Gold Panda o Joy
Orbison… ¿son algunos de tus referentes más confesables? Sin duda todos
ellos lo son, confesables y confesados. Añadiría Mount Kimbie, Nosaj Thing,
Shlohmo y el mismo Giraffage. Aunque bajo mi punto de vista, el mejor productor del panorama internacional desde hace ya más de una década es
Thom E. Yorke. Pop para soñar revestido de dub, de bass experimental, de
future garage y de luminoso house noventero, ¿es una buena forma de definir tu actual sonido? Es una buena manera de definir lo que quiere ser
beGun y quizá por eso cuesta encontrar un solo género donde encasillar el
proyecto. La chillwave y el dreampop tienen en España a una pléyade de
artistas realmente impresionantes, como pueden ser bRUNA, Kresy o el
mismo John Talabot… ¿qué opinión te merecen dichos talentos? Son referentes absolutos y una clara demostración de que si nos ponemos todos las
pilas, podemos colocar nuestro país en el mapa de la electrónica internacional. En el caso particular de John Talabot, es difícil encontrar un precedente
similar en España. Más allá de su enorme talento y su exquisito gusto musical, Ori ha hecho un gran trabajo de exportación de la marca Barcelona,
consciente o inconscientemente. El dub-step que recibimos desde EE. UU. es
mucho más agresivo y comercial que el que viene de Reino Unido.
Claramente tú te sitúas en una onda mucho más cercana a la luminosidad
en las sombras del bass británico, ¿verdad? Completamente. Si bien la oleada dubstep made in EE. UU. y el movimiento UK bass tienen en su origen
un denominador común, a día de hoy poco tienen que ver. El género dubs-
tep post-skrillex se ha convertido en una caricatura de sí mismo. Tengo que
confesar que cuando empezó el goteo de temas a 140 bpm con bajos densos, patterns rítmicos de influencia 2-step y armonías casi sinfónicas me
sentí algo atraído, más por su valor puramente técnico que por su valor
emocional. Ahora todo me suena igual, es una fórmula muy quemada ya.
En cambio, la evolución dubstep inglesa me sigue fascinando. Hay infinidad
de proyectos con mucha clase y la mayoría lejos de la electrónica clubber
más evidente, lo que tiene aun más mérito. Melancolía sintética, tristeza sostenida y ese aroma callejero permanente… ¿es Barcelona una ciudad lo suficientemente humeante y taciturna para que este sonido salga de sus tripas
de forma tan natural? Pienso que la manera de componer de cada uno tiene
que ver más con su estado de ánimo que con el entorno en el que vive. La
música que hago yo es en mayor o menor medida un reflejo de mi manera
de ser, de mi personalidad. En el caso de Barcelona, siendo una ciudad con
tantos contrastes, es difícil captar la influencia que puede generar en la
música que sale de aquí. En realidad, si saliera a la calle a inspirarme por el
sonido envolvente de la ciudad, todo lo que sacaría de mis tripas serían
temas sucios, oscuros y ruidosos… sería el sonido “carrer Muntaner”. Tú te
lo guisas y tú te lo comes, desde un estudio ubicado en tu propia habitación, ¿eres completamente autodidacta? Bueno, lo de la habitación no es
“literal”… si tuviera el equipo al lado de la cama, ahora estaría ingresado en
el hospital con esquizofrenia paranoide. Hace tiempo improvisé un pequeño
estudio en casa, a modo de zulo… básicamente para poder dormir tranquilo sin aparatos a la vista. Y sí, siempre he sido autodidacta a nivel de pro-
ducción musical. Empecé hace 12 años batallando con el Cubase, pasé a
Reason, más adelante Pro Tools y, finalmente, Ableton Live… y aquí me he
quedado. Lo que valoro mucho son los diecisiete años de conservatorio…
en realidad soy un pseudomúsico frustrado intentando recuperar el tiempo
perdido. Creo que la escena electrónica recibirá muy a bien a beGun, es lo
lógico por su calidad y riesgo, ¿pero y los indies más recalcitrantes, crees que
entenderán esta nueva propuesta? Quizá hace unos años, la frontera entre
indie y electrónica estaba muy clara. Ahora es diferente, el indie a veces
suena electrónico y viceversa. Yo creo que vivo justo en esa frontera, o al
menos ese es mi objetivo, siendo consciente del peligro que tiene descolgarte de un mundo u otro. Al indie recalcitrante le animaría a escuchar la música de beGun sin entrar en estereotipos, ni tags, ni géneros. Más allá de si
suena a electrónica o no, el objetivo es que suene bien, y evidentemente no
aspiro a que le guste a todo el mundo. ¿Cuánto tiempo te puede llevar
crear, y alicatar, un tema como San Francisco? ¿Qué parte del proceso creativo te gusta más y en cuál disfrutas menos? San Francisco se cocinó en no
más de una semana. Tardé cinco días en hacer el 95% del tema y otros dos
meses en pulir el 5% restante. A nivel del proceso creativo, lo que más disfruto es el principio: piano simple, teclado midi y a repetir el loop dos millo-
nes de veces hasta que la melodía y la combinación de acordes sea atractiva y tenga un qué. Y la parte que menos me gusta, una vez mezclados todos
los elementos, es escuchar una vez tras otra previews del tema para ir ajustando detalles. ¿Y cómo es el live de beGun? A nivel de directo, el planteamiento es siempre el mismo aunque la propuesta musical no lo es. Tal como
está el panorama nacional, pienso que es fundamental ofrecer cierta versatilidad a nivel de estilo una vez acotada una manera de trabajar. A la hora
de plantear el live de beGun y teniendo en cuenta que a nivel musical estoy
yo solo en esto, pensé que lo mejor y más práctico era hacérselo fácil a uno
mismo para poder disfrutar del directo y hacer disfrutar a la gente. Por últi mo, ¿qué significa en tu carrera el fichaje por Subterfuge? Subterfuge significa una oportunidad inmejorable para dar a conocer el proyecto en el
panorama nacional. Les estoy enormemente agradecido por el soporte que
me han dado hasta ahora y espero y confío en que la relación siga siendo
igual de buena en el futuro. Creo que en Subterfuge se ha afianzando un
buen rooster de artistas y si bien el sello tiene una tradición más indie que
electrónica, sus nuevas incorporaciones son una apuesta por esa frontera
entre lo analógico y lo digital. Al final, Subterfuge es un paso más en mi proyecto pero el curro sigue y seguirá estando en mi zulo de la calle Muntaner.
EXTRAPERLO
Identidad transversal
EL CUARTETO BARCELONÉS REGRESA A LA ACTUALIDAD CON SU SEGUNDO LARGO, DELIRIO ESPECÍFICO
(CANADA, 2012), Y SU PARTICULAR MODO DE CONVERTIR MELODÍAS SÓNICAS EN AUTÉNTICAS
ATMÓSFERAS ONÍRICAS CARGADAS DE MENSAJES. SURREALISMO POP EL DE ESTOS CHICOS, QUE SE HAN
PUESTO EN MANOS DE EL GUINCHO PARA DAR FORMA AL TRABAJO QUE LOS TERMINARÁ DE POSICIONAR
EN LA ESCENA INDIE DE NUESTRO PAÍS. SONIDOS QUE EVOCAN AL SYNTH POP DE LOS OCHENTA,
TROPICALISMO Y PERSPICACIA VERBAL. LAS TRES ARMAS INFALIBLES QUE EXTRAPERLO PONE DE
MANIFIESTO, PARA ABRIR UNA NUEVA VEDA EN EL ENTENDIMIENTO MUSICAL DE LA ERA POSMODERNA.
Entrevista: Sara Morales / Foto: Adrià Cañameras
Debutasteis en el año 2009 con Desayuno continental (Mushroom Pillow) y
hasta el 2012 no llegó vuestro siguiente trabajo, Delirio específico (Canada,
2012) ¿por qué este silencio de tres años? Necesitábamos tiempo para pensar en una idea para este segundo disco y llevarla a cabo. Por otra parte,
Aleix y yo estuvimos de gira con El Guincho durante dos años y Alba y Cacho
estaban también metidos en sus proyectos (Granit y Capitán). No sentíamos
la presión de editar un disco, simplemente la necesidad de trabajar con tranquilidad y disfrutar con cada parte del proceso. Si con vuestro primer disco
conseguisteis adentraros entre lo más destacado del panorama indie nacional, ¿qué expectativas tenéis para este segundo LP? Nuestras expectativas
pasan por seguir teniendo ganas de hacer música, de enseñar algo que es
nuestro y que creemos que tiene una identidad reconocible. Nos encantaría
también poder dar el salto a Sudamérica. México, Chile y Brasil están en un
muy buen momento para la música, muy sensibles a ideas nuevas. Con
Delirio específico retomáis vuestra particular interpretación del mundo, en el
punto donde la dejasteis hace tres años. ¿Pero qué ha cambiado en vosotros
durante este tiempo? No pienso que lo retomásemos desde el mismo punto
aunque sí con una sensibilidad parecida. Hemos cambiado en la manera de
afrontar una producción y de interpretarse cada uno dentro del grupo. Dejar
de hacer cosas para que todo funcione. En nuestro primer disco, los cuatro
estábamos enseñando en todo momento el arreglo que teníamos en mente
porque esa es nuestra naturaleza instintiva, pero en este disco queríamos llegar a la idea de generar un espacio vital para cada arreglo. Se ve claramente la mano de Pablo Díaz-Reixa -El Guincho-, que ha tomado las riendas de
la producción en este trabajo, ¿qué tal la experiencia? Pablo es nuestro
amigo desde hace muchos años, hemos trabajado con él en El Guincho y
nos entendemos a la perfección. Sabíamos lo que esperaba de nosotros y él
sabía lo que esperábamos de él. Aportó una barbaridad a nivel rítmico y nos
ayudó a buscar esa sensación que queríamos. ¿Os asusta estar alejándoos
del sonido que consiguió posicionaros en la escena hace tres años o es fruto
de estar madurando? Nos asustaría haber hecho un disco igual que el que
hicimos hace tres años. Todos los grupos que nos impresionan son grupos
que han tenido una evolución apasionante. Ver las diferencias y los puntos
en común que existen entre Tusk y Tango In The Night de Fleetwood Mac o
Flesh and Blood y Avalon de Roxy Music es muy inspirador. Destacan ahora
las bases y programaciones cálidas que te sumergen en pasajes oníricos,
claro ejemplo de ello es Ardiente figura, uno de los singles de este disco,
¿está la música por encima de las letras en vuestro caso? Creo que las letras
cada vez están tomando más importancia dentro de nuestra música pero sí,
hasta el momento siempre hemos partido de una idea musical a la que
adaptamos una letra a posteriori. Seguís manteniendo esos tintes tropicales que, aunque ya no se acercan tanto al funk como antes, continúan pre sentes. ¿Es la percusión el punto fuerte de Extraperlo? Somos un grupo en
el que las canciones nacen y se construyen a partir de la guitarra e intentamos que esta cumpla una función rítmica a la par que melódica, esa es la
parte que nunca cambia y que define al grupo. El tratamiento del ritmo y las
percusiones es un aspecto en el que investigamos y que también es definitorio de nuestra música, porque nos gusta despertar algo por ese lado.
Nuevo disco bajo nuevo sello discográfico, ¿qué tal el cambio de Mushroom
Pillow a Canada? Pues estamos contentos en nuestro nuevo sello y tenemos
ganas de crecer con ellos. ¿Cuál es para vosotros la canción de este álbum
y por qué? Es una pregunta complicada, pero ahora mismo quizá Saxo azul
es la canción que más nos gusta tocar en directo. La letra tiene algo como
de Lobo hombre en París que nos mola y la intensidad que genera es muy
especial. Por otra parte, escogimos Ardiente figura como single porque nos
parecía la mejor canción del disco, quizá la más transversal. De momento las
críticas de Delirio específico por parte de la prensa especializada están siendo muy positivas, pero ¿cómo está respondiendo el público ante él? Pues lo
veremos en estos próximos meses en los que empezamos a girar. Sabemos
que contamos con gente a la que le gusta la música que hacemos y que
también tenemos detractores, pero eso es algo a lo que te acostumbras.
Cuando sacamos nuestro primer disco, nos afectaban las cosas de mal gusto
que decían algunos seres anónimos en los foros y a la vez nos hacía mucha
ilusión cuando alguien nos decía algo bonito. Tres años después somos un
poco más inteligentes, capaces de dar el valor apropiado a los elogios y las
críticas. Os vimos en la gala del Primavera Sound 2013 presentando el
segundo single de este álbum, Fina vanidad. ¿Cómo os sentís defendiendo
el disco en directo? Nos costó mucho llevar las nuevas canciones al local de
ensayo pero cada vez nos sentimos más a gusto. Llegaremos a la época de
festivales en plena forma. Hablando de festivales, ya habéis confirmado
vuestra presencia en esta nueva edición del Primavera y también en el mur ciano SOS 4.8. ¿Dónde más podremos veros este verano? Pues esperamos
que en bastantes sitios, ojalá. Se está trabajando en ello y algunas cosas por
ahí que no se pueden contar todavía. Vuestros vídeos, cargados de secuencias que rozan lo imaginario, a base de tempos lentos y surrealismo, com plementan la textura de vuestras melodías y atmósferas, ¿qué importancia
le dais a la estética y a la imagen? Siempre hemos sido un grupo que ha
puesto la música por delante de todo. Nuestro interés vocacional es ese y en
las otras disciplinas nos gusta colaborar con gente cuyo estilo nos atrae para
que explique su propia versión del grupo. Esa fue la intención desde el principio con Oriol Barberá en Bañadores y ha sido también con Luis Cerveró en
Ardiente figura. Las máscaras y los disfraces son protagonistas de muchos
de vuestros clips, pero ¿qué no puede faltar nunca en un directo de
Extraperlo? Los cinco integrantes del grupo en directo con nuestro ingeniero de sonido. Llevamos también algún componente escénico que no desvelamos para ver si soprendemos.
Crystal Castles
Pasadizo electrónico hacia el nihilismo
Crónica y foto: Sara Morales - 19/02/2013, La Riviera. Madrid
Y la oscuridad se cernió sobre Madrid. Como si la ciudad entera se hubiera
vestido de negro y niebla para recibir apropiadamente a los anfitriones de la
noche del pasado 19 de febrero; fecha elegida por el dúo canadiense para
presentar en la capital su tercer y último disco, el homónimo III. La lluvia y el
frío en la calle no fueron nada comparados con la tormenta eléctrica que se
vivió en el interior de La Riviera. Y solo el tenebrismo de Bauhaus y la enigmática decadencia de Joy Division fueron dignos preámbulos de lo que nos
esperaba. Así, David Kano Dj -alma de Cycle y Krakovia- se encargó de recibir a los invitados que comenzaban a agolparse en las primeras filas, a ritmo
de The passion of lovers y Love will tear us apart. Tras una versión del
Isolation de Ian Curtis, la luz desapareció sobre nosotros para encaminarnos
hacia un oscuro túnel, en cuyo extremo nos esperaban las siluetas de Ethan
Kath (productor) y Alice Glass (vocalista), que rompieron las tinieblas con
Plague. Primer single del nuevo álbum, elegido para abrir la noche con una
Alice que, cigarro en mano, teñida de rubio y con estética militar pese a su
camiseta infantil, fue víctima de una posesión que la lanzó por el suelo del
escenario como ocurre con la protagonista del videoclip. Ethan, escondido
tras su mesa, enlazó enseguida con Baptism, hit del segundo álbum con el
que, en el 2010, mostraron al mundo su faceta más pop y sosegada, si es
que la hay. Prueba de ello Celestica; con la que consiguieron levantar a un
público que buscaba ansioso los temazos y quizá menos la novedad. Cerca
de 2.000 asistentes, según la promotora Mercury Wheels, que parecían
estallar con el inicio de cada tema, para flojear instantes después. Los sonidos orgánicos y humanizados de aquel disco -del que también rescataron la
popular Not in love, pero sin Robert Smith- apaciguaban la fuerza del noise
digital que caracteriza al dúo, con emblemas como Doe Deer o Alice
Practice; canción que, en su día, él creó para ella y con la que se gestó este
proyecto de electro-punk que hoy conocemos como Crystal Castles.
Crimewave sonó perfecta, y los samples de Health sirvieron para dar paso a
los minutos más tecno y brutales del concierto: una mezcla ininterrumpida
de Vanished, Untrust us y Transgender: Impactante. Con III fijan la mirada
en el escepticismo social y la frustración individual ante el mundo. De ahí
Sad Eyes, Kerosene o la pseudo nana Child I will hurt you. Y mientras perdíamos a Ethan entre el humo con Yes No -tema que solo puede escucharse en sus directos- Alice se lanzó al público para rematar, con su actitud
sucia, el acuerdo que firmamos todos esa noche sobre la negación del todo.
SÓNAR 2013
De Día en Montjuïc; de Noche entre Skrillex y Kraftwerk
Texto y fotos: Fernando Fuentes
Si hay una noticia que ha causado revuelo, cierta polémica y cientos de
rumores en los últimos meses, esa ha sido la del -ahora ya confirmado oficialmente- cambio de localización de Sónar de Día y parte del line-up -ya
confirmado para el 20.º aniversario del festival- que se celebrará, en
Barcelona, los días 13, 14 y 15 de junio. Si hace apenas unos días Sónar nos
dejaba boquiabiertos, y a otros estupefactos, con la incorporación del superstar-dubstepero norteamericano Skrillex a su edición del 2013, ahora la
organización ha anunciado lo que supone una de las novedades más destacables -e históricas- del inminente evento: Sónar de Día abandona el CCCB
y se traslada a la Fira de Barcelona. El caso es que tras diecinueve años en
las instalaciones del CCCB, el MACBA y sus aledaños, el festival traslada su
parte diurna a los recintos de Fira Montjuïc. De este modo, Sónar busca reafirmar su filosofía pionera en la reivindicación de espacios públicos pudiendo presentar Sónar de Día de una forma renovada, con mejores y más
amplios espacios para la comodidad de los asistentes, y que además reducirá notablemente la distancia con Sónar de Noche. En cuanto a sus características, Sónar de Día mantendrá sus cuatro escenarios -Sónar Village by
Estrella Damm, SónarHall, SónarDôme y SónarComplex, todos ellos con aforos ampliados en sus nuevas ubicaciones- y aumentará sus aforos en todos
ellos. Por su parte, Sónar de Noche se ubicará en su sede habitual de Fira
Gran Vía, continuando también con su formato de cuatro escenarios:
SónarClub, SónarLab, SónarPub y SónarCar, situado al lado de los autos de
choque. Con los autobuses lanzadera del festival la distancia entre ambas
sedes es ahora de solo 10 minutos. Para qué nos vamos a engañar, posiblemente echaremos de menos esas mañanitas y tardes en un espacio tan
emblemático y céntrico -para lo que hasta el momento ha sido el Sónar de
Día- y los miles de acólitos y profesionales que allí, en el olivo, nos hemos
ido dando cita durante tantos años para disfrutar del mejor festival de música avanzada del mundo. Pero también está claro que el CCCB -situado en
el centro de Barcelona- se había convertido, dada la masiva afluencia de
público diurno, en un espacio incómodo para disfrutar y trabajar. Por ello,
su traslado a la Fira de Montjuïc le suma muchos miles de metros cuadrados
a un Sónar de Día que precisaba de un cambio de la envergadura del realizado. Al recientemente confirmado Skrillex le acompañará una programación en clave de celebración del 20.º aniversario con una gran fiesta de cumpleaños y una programación basada en tres pilares básicos. Por un lado,
referentes esenciales como Kraftwerk (presentando su show en 3D), Pet
Shop Boys, Derrick May, Matthew Herbert o Laurent Garnier. Artistas que
son los invitados perfectos a una fiesta que tiene la música de baile como
protagonista: Lindstrom & Terje, Skrillex, Diplo, Paul Kalkbrenner, Justice djs,
Modeselektor djs, Major Lazer, Soulwax, TNGHT o Seth Troxler, entre
muchos otros. Y nombres con un discurso propio, muchos de ellos a su vez
renovadores de los esquemas establecidos: AlunaGeorge, Karenn, Jamie
Lidell, Liars, Francesco Tristano, Fatima Al Qadiri, Delorean o Mykki Blanco.
De entre la representación española ya confirmada destacaremos a Bruna,
BeGUN, Delorean, La Bien Querida y Nacho Marco. En estas dos décadas el
festival ha presentado en Barcelona a más de siete mil artistas, entre grupos,
solistas, DJ’s y creadores del mundo de la música y de disciplinas como el
audiovisual, la creación digital o el arte multimedia, siempre rastreando
entre lo más estimulante y relevante del panorama nacional e internacional,
sin olvidar a los referentes históricos que abrieron el camino para las posteriores generaciones. www.sonar.es
de analógico a digital
VVAA / BODY LANGUAGE 12 MIXED BY CATZ’N DOGZ (GET PHYSICAL)
La duodécima entrega de la serie Body Language del
sello Get Physical viene rubricada por el dúo polaco
Catz’n Dogz. Su éxito en la escena techno berlinesa les
ha procurado un relieve, calado y una gran difusión,
como queda patente al ser reclamados para formar
parte de esta prestigiosa serie por la que ya han
pasado otros preclaros talentos sintéticos. En su
selección hay ricas cositas inéditas -como son los temas
de los emergentes Squarehead, Trikk, Chmara Winter
o Eats Everything- y otros tracks de artistas ya
consagrados de la talla de Soul Clap, Desolate, Justin
Martin y uno de los productores españoles más
pintones: El Txef_A. Tampoco faltan los productos de
la casa perruna y gatuna y así los polacos se presentan
en varias entregas entre las que destacaremos el remix
que se marcan del houssie Get Up Everybody de Zack
Toms’ Parade. Por lo demás bien: acertada y arriesgada
selección, buen ritmo soul-house y una producción
-como siempre en Get Physical- fina como el coral.
Dale volumen y ponte bambas. (Fernando Fuentes)
THE KVB / IMMATERIAL VISIONS (CITITRAX)
El que no sepa que las cintas son el nuevo vinilo se ha
quedado atrás. Puedes verlo en la cantidad de
lanzamientos en cinta de grupos de sellos minoritarios,
especialmente entre los más oscuros y macarras.
¿Tiraste tu pletina de casete? ¡Qué moderno! Por lo
menos el nuevo disco de The KVB será editado en
vinilo y en versión descargable, porque ya hay alguno
de sus discos anteriores que te has perdido. Immaterial
visions es la última incursión musical del dúo inglés
formado por Klaus Von Barrel y Kat Day. Apaga la luz,
enciende el strobo, saca las botas y píntate una gruesa
raya del ojo porque The KVB siguen sacando punta a
lo que hacen mejor. Si te gustaban sus inicios, aquí hay
voces fantasmagóricas sobre cajas de ritmos
repetitivos, situaciones trepidantes y momentos
lánguidos, sintetizadores huérfanos y melodías
errantes. Demuestran, una vez más, que saben coger
lo mejor de coldwave y la electrónica oscura para crear
neblina y drama… pero que quizá estén un pelín
demasiado cómodos entre las sombras. (Catalina Isis)
PRINS THOMAS / PRINS THOMAS II (FULL PUPP)
Si el guaperas de Lindstrom hubiera sabido de la misa
la mitad probablemente no hubiese apadrinado a este
noruego que no es que le mueva la silla, es que ya le
hace más sombra que un pino en agosto. En las lides
del cosmic-disko el barbudo y greñoso Prins Thomas ya
es un maestro indiscutible, mágico y juguetón que, a
través de este feliz mix de más de una hora que
sustancia su segundo disco, deja patente su fascinante
forma de entender, pergeñar y tratar ese fenómeno
sonoro tan feliz, atemporal, ensoñador y que bebe del
italo, del disco, del balearic y de todo lo que sea
susceptible de ser bailado. El resultado final es un viaje
naif, luminoso y tal por unas estancias abiertas,
soleadas y bien diseñadas. La única pega es el
monotono imperante del set y que tras su atenta
escucha podemos prometer, y lo hacemos, que Prins
Thomas a solas -sin el gigante Lindstrom cubriéndole
las espaldas- es bastante menos asombroso de lo
presuntamente esperado. (Fernando Fuentes)
TONE OF ARC / THE TIME WAS RIGHT (NO. 19 MUSIC)
Derrick Boyd parecería Shannon Hoon si hubiera
llegado a convertirse en amante de la electrónica.
Multiinstrumentista, toca nada menos que la guitarra,
el bajo, el piano y la batería, además de ser productory nativo de San Francisco, con pinta de un hippie
venido a más, Derrick es el alma máter del proyecto
Tone of Arc; uno de los nuevos vientos frescos que
suenan en la electrónica más crossover. Derrick y su
novia -y a veces vocalista- Zoe Presnick formaron Tone
of Arc en el 2012, siendo inmediatamente acogidos
por el sello de Art Department, No. 19. En The time
was right se materializa justamente eso, la colección
perfecta para lanzar un álbum debut. Sobre una base
de disco y house, en The time was right cabe de todo:
atmósferas espaciales, Tiga, psicodelia, voces macarras,
Caribou, momentos orientales, ochentas y guiños a los
artistas que los acogen en su sello. Temas
experimentales y canciones pisteras redondean un
disco complejo y entretenido que, sin grandes
sorpresas, resulta seductor. (Catalina Isis)
JOHN BELTRÁN / AMAZING THINGS (DELSIN RECORDS)
El año 2013 se celebrará el vigésimo aniversario del
primer lanzamiento oficial de John Beltrán, y habrán
pasado ya dos años desde el lanzamiento de su
recopilatorio Ambient Selections. Habiendo editado en
sellos como Peacefrog o Planet E, el artista de
Michigan es una institución entre los amantes de la
música electrónica y lleva años trabajando su particular
sonido donde combina techno, house y ambient para
construir temas llenos de panoramas y fábulas sonoras.
Sobre su nuevo disco Amazing Things, el mismo John,
comenta: “sonará diferente a mis discos anteriores,
porque usé equipos y sintetizadores virtuales que no
conocía”; y es cierto. Amazing Things es un disco
realmente orgánico, de melodías cercanas, que
desarrolla sus sonidos lentamente. Con canciones que
parecen casi pequeñas bandas sonoras, que van desde
lo grandioso hasta los pequeños detalles, Amazing
Things es el disco perfecto para ver pasar las
estaciones sobre la ciudad, levantar lentamente la vista
al cielo e imaginar el universo. (Catalina Isis)
VITALIC / RAVE AGE (DIFFERENT/PIAS)
Antes de nada, y para que nadie se lleve a engaño,
conviene que se sepa que para los amantes del sonido
serruchero y rockista habitual de Vitalic esta nueva
colección de temitas supondrán una indigna y clara
bajada de pantalones ante los nuevos ritmos
imperantes -y que vienen impuestos por gente como
Aoki y sus compinches- un tanto ajenos a esa fórmula
electro-tech-rockera de la que nuestro protagonista fue
gran líder e indiscutible pionero. El caso es que aquí lo
que campa, casi sin excepción, es un electro
machacón, facilón y efectista que solo parece buscar
reivindicarse en un panorama sonoro enmarañado y
bastardo en el que él siempre fue el mejor. Solo Fade
Away y The Legend Of Kaspar Hauser retrotraen a
aquel gran Vitalic que a buen seguro sabrá recuperar
aquel excelente compendio sonoro que dominó y que
tantas suelas de zapatillas quemó, y conciencias
removió, en mejores anteriores entregas. En fin, habrá
que confiar en eso de que "quien tuvo retuvo",
¿verdad Pascal? (Fernando Fuentes)
PHOENIX / BANKRUPT! (LOYAUTE/GLASSNOTE)
Quinto álbum de estudio para la banda formada por
Thomas Mars, Deck D'Arcy, Christian Mazzalai y su
hermano Bruno. En quince años, ninguno de sus
álbumes ha tenido la repercusión de Wolfgang
Amadeus Phoenix, del 2009, que consiguió que su
particular sonido pop sinfónico y progresivo se
convirtiera en rey de las pistas alternativas. Con
Lisztomania y 1901 todavía sonando en las discotecas,
los franceses preparan un lanzamiento inminente. La
promoción está hecha: las revistas de tendencias y
blogs musicales rebosantes de anticipación. ¿Estará
Bankrupt! a la altura… de las circunstancias?, seguro.
Con un nombre más que adecuado para la Europa que
los acompaña, se trata de un álbum con temas
pegadizos, meloso y mucho más predecible que WAP,
aun con algún ligero toque de locura. La lírica The Real
Thing, la veloz SOS in Bel Air, el techno pop que grita
¡remezclas! de Trying to be cool o el happy pop de
Drakkar Noir funcionan, pero no impresionan. Será
que falta el talento mozartiano. (Catalina Isis)
MY BLOODY VALENTINE / M B V (MBV)
Las sensaciones que desprende este esperadísimo mbv
son prácticamente las mismas que escuchando su gran
obra maestra Loveless. Lo nuevo de My Bloody
Valentine ofrece esos cientos de capas de guitarras,
efectos y voces fantasmales que elevan su escucha a
cosa mística, a goce tóxico y que encantará a los muy
fans y, debe, también hacerlo a todos los demás si aún
conservan un ápice de juicio sonoro. Aunque siempre
hay interesantes voces discordantes que hasta se
atreven a cuestionar lo glorioso de sus momentos más
excelsos y a tildarlos de coñazo, qué cosas. El caso es
que este mbv aunque no contiene temas tan redondos
y mágicos como sus predecesores, disfruta de pasajes
de la talla shoegazer de Wonder 2, In another way,
She Founds Now, Is This And Yes, If I Am y hasta nos
regala un pasaje pop: New You. Lo más curioso es que
la mayoría de los grandes grupos actuales -sobre todo
del indie de postín: desde Beach House a Fuck
Bottons- suenan que apestan a MBV… y es que
siempre han habido clases. (Fernando Fuentes)
MONDO SKATE
Texto y selección: Rosario Muñoz y Rubén Vidal
EL ESTILO SKATER ESTÁ DE MODA. LO QUE ERA UN PASATIEMPO PARA OUTSIDERS Y RARITOS ES, DESDE
HACE UNOS AÑOS, LO MÁS DE LO MÁS, PERO SIN NECESIDAD DE POSEER LAS HABILIDADES NECESARIAS
PARA SER UN SKATER DE VERDAD. AHORA ESE AURA DE ORIGINALIDAD Y REBELDÍA LLEGA AL RESTO DE LOS
MORTALES CON UN MOVIMIENTO QUE SE SALE DE LOS SPOTS Y LOS SKATE PARKS PARA COLARSE EN
NUESTROS ARMARIOS, EN NUESTRAS CASAS, EN NUESTRA IMAGINERÍA... LAS JÓVENES GENERACIONES QUE
ANTES SE TIRABAN HORAS PATINANDO, DESTROZANDO TABLAS Y REVENTANDO BAMBAS, SON HOY
ADULTOS CON RESPONSABILIDADES, PERO CON EL MISMO ESPÍRITU INCONFORMISTA Y UN POCO MÁS DE
PASTA PARA GASTAR. HAN CONVERTIDO SU PASIÓN JUVENIL EN UN ESTILO DE VIDA A JUEGO CON SU
REALIDAD ADULTA. ALGUNOS DE ELLOS, HOY DEDICADOS AL MUNDO DEL DISEÑO, EL ARTE Y LA MODA,
HAN DESARROLLADO SU TRABAJO CREANDO LOS ELEMENTOS NECESARIOS PARA TRANSFORMAR SU FORMA
DE VER Y VIVIR LA VIDA EN UN MERCADO PROPIO QUE SE HA CONVERTIDO EN TENDENCIA Y QUE INSPIRA
A TODAS LAS GENERACIONES SUSCEPTIBLES DE GUSTAR DE NUEVAS PROPUESTAS, ÚNICAS Y ORIGINALES.
AHORA ENCONTRAMOS VESTIGIOS DE LA CULTURA DEL PATÍN EN EL DISEÑO DE MUEBLES Y OTROS OBJETOS
PARA LA VIDA COTIDIANA, RECICLANDO Y/O UTILIZANDO TABLAS DE SKATE, ROPA Y COMPLEMENTOS
DISEÑADOS POR Y PARA SKATERS Y TAMBIÉN PARA LOS AMANTES DEL STREET WEAR, Y ARTE INSPIRADO EN
LOS ICONOS CLÁSICOS DE LA CULTURA, COMO LA SCREAMING HAND DEL MÍTICO JIM PHILLIPS,
REINTERPRETADA Y REVISITADA HASTA EL INFINITO Y MÁS ALLÁ. UN ESTILO DE VIDA QUE NO ENTIENDE DE
FRONTERAS, NI DE BARRERAS, NI DE LÍMITES. YA SE SABE, SK8 OR DIE.
02
01
01. Screaming my hand de Haroshi. Escultura fabricada a partir de tabalas de skate recicladas. www.haroshi.com / 02. Astro Clock de Skate Studi House. www.skatestudihouse / 3.
Road Rash Skate Deck de Marc Jacobs. www.marcjacobs.com / 04. Vans Era Van Doren
SS13. www.vans.com / 05. Griffin Vuerich de Vuerich B. Gafas de sol fabricadas a partir de
tabalas de skate recibladas. www.quiksilver.com / 06. Pas House (Malibu). Casa skatepark.
Diseño de Pierre André y Gil Le Bon Delapointe. Arquitecto Francois Perrin. francoisperrin.com
04
03
05
06
02
03
01
04
05
01. Levi’s Streetwear Collection SS13. www.levi.com / 2 y 3. God Father Lounge Chair de Skate Studi House. www.skatestudihouse.com / 4. Tokyo Lounge Table de Skate Studi House.
www.skatestudihouse.com / 5. Deckbench recycled skateboard bench de Deckstool. www.deckstool.com
02
01
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06
07
01. Topman SS13. Foto: Imaxtree. www.topman.co / 02. Skate Fails. Decoración de cerámica. Diseño de Alex Trochut y Xavier Mañosa. www.apparatu.com / 03. Nova Lamp de Skate Studi
House. www.skatestudihouse.com / 04. Indy de Skate Home. www.skate-home.com / 05. Skate Fails. Decoración de cerámica. Diseño de Alex Trochut y Xavier Mañosa. www.apparatu.com /
06. Skate Park House (Tokyo) de Level architects. www.level-architects.com / 07. The DC Embassy (Barcelona). Skatepark 1200 m2. www.thedcembassy.com
arte y expos / por Tactelgraphics
POP-Up
Diseño entre dimensiones
Texto: Tactelgraphics / Fotos: Mudac
El Mudac presentó el pasado noviembre del 2012 la exposición Pop-Up y
han mantenido la muestra hasta este mismo mes de marzo. La exposición
comisariada por Lidewij Edelkoort navega a través de las múltiples
transformaciones del siglo XXI que han dado pie a un sinfín de movimientos
emergentes en el arte, el diseño, la sociedad, las prácticas temporales,
móviles y reciclables. El fenómeno Pop-Up se caracteriza por el tránsito
fluido de corrientes estéticas, de hecho cada vez más revueltas, entre la
segunda y la tercera dimensión. Como ejemplos cabría destacar las prendas
compuestas por origamis modulares de la colección 132 5 dIssey Miyake
muebles o el mobiliario de papel Molo que se despliega con el gesto más
simple para acto seguido dejar emerger un mueble. Este circuito es
exactamente el mismo que tiene lugar entre el paso de lo analógico a lo
MUDAC, Suiza - Hasta finales de abril del 2013 - www.mudac.ch
digital, debido al desarrollo de las nuevas tecnologías que se han extendido
de una forma absoluta a lo largo y ancho del planeta. Como dice Lidewij
Edelkoort: “Las jóvenes generaciones que han nacido bajo el mundo
informático viven bajo un mundo de sombras, un No Man´s Land entre la
segunda y la tercera dimensión, que de algún modo parecen querer
conectar la una con la otra. Esta generación pop-up efectúa incesantes
vaivenes entre el 2D y el 3D, sin apenas darse cuenta de las diferencias entre
un mundo y el otro.” Entre los artistas, nombres como Borre Akkersdijk;
Atelier Oï; Maarten Baas; Big; Jaime Hayon; Niels Hoebers; Rei Kawakubo;
Anthony Kleinepier; Eric Ku; Laurens Manders entre otros… El concepto y la
realización de la exposición vienen de la mano del museo: Moti, Museum Of
The Image, Holanda. www.mudac.ch
arte y expos
SOME ASSEMBLY REQUIRED
Jeff Carter
UN LUGAR PARA UN ÚNICO INDIVIDUO
Rosa Barba
Some Assembly Required es una serie de cinco esculturas hechas a partir de alterar productos de IKEA. Esta serie está inspirada en las formas
espaciales de los constructivistas rusos Georgii y Vladimir Stenberg. Con
este proyecto, Jeff Carter continúa y expande su investigación dentro de
la compleja relación entre los primeros años de las vanguardias modernas del siglo XX y el contemporáneo "Consumimo del modernismo". El
marketing global de IKEA, de nociones idealistas modernas de la democratización, vivir rodeado de diseño, y el uso de materiales baratos de
duración limitada, son ideas que abrazan y rechazan los principios fundamentales de la ideología modernista, como imaginó el fundador de la
Bauhaus, Walter Gropius. Jeff Carter está interesado en la tensión entre
lo filosófico y lo práctico, manifestada en la fabricación y el consumo de
los diseños de IKEA. En sus trabajos transforma estos productos banales
del día a día en esculturas con trasfondo histórico, valor estético e ironía.
Las construcciones de los hermanos Stenberg que fueron expuestas en
Moscú en enero de 1922 se perdieron, y se presume que se destruyeron,
solo quedan documentadas en fotografías tomadas en la exposición.
Esas fotografías son las que Jeff Carter utilizó como referente para la
construcción de las piezas que presenta en Some Assembly Required.
Un lugar para un único individuo es un proyecto de Rosa Barba (talia
1975) para el MUSAC que desafía las convenciones y nociones preconcebidas en torno al lenguaje cinematográfico en su particular uso de la
luz, el sonido y el texto. La exposición se relaciona, por una parte, con el
espacio físico de la arquitectura del museo -de diseño a base de rectángulos y diamantes con un dinámico y complicado juego de exteriores e
interiores-, pero en cierto modo también alude a la topografía de la
región en la que el museo se encuentra. Este último aspecto no se hace
presente en el proyecto de una forma literal, sino a través de las capacidades de transmisión histórica, poética y oral del territorio. La exposición
ocupa la sala 1 del museo -que sirve de acceso al resto de sus espacios
expositivos-, incorporando también los tres patios que la rodean. La obra
principal, que a su vez da título al resto de la exposición, es un diálogo
orquestado entre dos proyecciones de 35 mm y una tercera de 16 mm,
todas ellas sobre una gran pantalla. Cine, sonido y texto son las tres esferas principales en torno a las cuales se desarrolla el trabajo de la artista.
Para ella, el cine es una extensión del lenguaje, y su trabajo se conforma
a través del uso de palabras, sonido/música, imágenes, flujos de luz y del
proyector como objeto puramente escultural.
Valleortí, Valencia - Hasta el 5 abril del 2013.
www.valleorti.com
MUSAC, León - Hasta el 9 de junio del 2013.
www.musac.es
ESTRATEGIAS EXPEDICIONARIAS
Carlos Forns Bada
GENERACIÓN 2013
Colectiva
Las expediciones de correcta apariencia científica en las que el artista ha
participado durante el transcurso de las últimas décadas pueden distribuirse en tres apartados sucesivos. Primero tienen lugar aquellos viajes
cuyos objetivos son la recuperación, la apropiación y la descripción natural de los paraísos selváticos de la infancia vivida, empresa en la que la
memoria constituye el instrumento de investigación idóneo; tanto la
memoria del estado de vigilia como aquella que a través de los sueños
aporta una especial carga simbólica y emotiva a los recuerdos, activándolos como mecanismos de vibración perpetua. Resultado de la participación en los tres posibles tipos de expedición enumerados es el poder
acceder a una visión singular de las imágenes naturales de nuestro
mundo, capaz de conectarlas tanto con las de nuestra infancia como con
las que nos llegan de los paraísos supracelestes. Este entretejer de datos
conforma un motivo final en el que cada espécimen recolectado parece
entrar en resonancia con otros de muy lejana procedencia. La pintura de
Carlos Forns, asociada en sus inicios con la figuración madrileña, se
caracteriza por una fuerte plasticidad, próxima a la poética de los valori
plastici italianos y de las vanguardias españolas de principios del siglo XX
y por su creciente interés por la ilustración científica.
Generación 2013, programa concebido por Obra Social Caja Madrid
para descubrir e impulsar el trabajo de artistas jóvenes ante el público
general, la crítica especializada y los profesionales del sector artístico. El
programa ha contado con la participación de más de un millar de jóvenes artistas de los cuales diez han resultado seleccionados: Elena Alonso,
La tapadera; Irene de Andrés, Festival Club. Donde nada ocurre; Manuel
Eirís, Plaça dels Àngels; Santiago Giralda, Rendering Landscapes; Juan
López, Castiga el pladur; Asunción Molinos, El Matam, El Mish-Masry (El
restaurante no-egipcio); Guillermo Mora, Penta Pack; Teresa Solar, Doble
Mordido; Julia Spínola, Frase (objeto), y Martin Vitaliti, #17. La exposición, de carácter multidisciplinar, presenta una amplia panorámica de la
creación joven española. Sus obras transmiten al público las inquietudes
que mueven a los artistas y que son el reflejo del mundo actual. A través
del empleo de diversos soportes y técnicas como pintura, dibujo, fotografía, cómic, videoinstalación, instalación sonora o sencillamente instalación, coinciden en señalar conceptos como el vacío, la ruina, la pérdida o la desaparición; un enfoque que, desde la sintonía con lo que acontece en el mundo actual, dejan abierto al enriquecimiento mediante las
múltiples interpretaciones por parte de los espectadores.
Espai Tactel, Valencia - Hasta el 20 de abril del 2013.
La Casa Encendida, Madrid - Hasta el 5 de mayo del 2013.
www.espaitactel.com
www.lacasaencendida.es
arte y expos
OBRA-COLECCIÓN
Colectiva
LANDESCAPE
Bayrol Jiménez
Obra-Colección es un proyecto de producción propia que se presenta
por primera vez en la Fundació Foto Colectania y que documenta una
situación actual en auge: el tránsito del coleccionismo de creación a la
creación como coleccionismo. A través de la obra de diez artistas: Ève
Cadieux, Emilio Chapela Pérez, Hans Eijkelboom, Erik Kessels, Martin
Parr, Jean-Gabriel Périot, Joachim Schmid, Richard Simpkin, Eric Tabuchi
y Penelope Umbrico, la muestra propone un análisis de la fotografía contemporánea, una de las líneas de programación de Foto Colectania. La
exposición propone un recorrido a través de la obra de autores contemporáneos que trabajan con el medio fotográfico, la imagen digital y el
vídeo ilustrando de una forma pedagógica. A través de sus trabajos, la
mayoría de ellos inéditos en España, los autores muestran una idea
común: renunciar a seguir tomando fotos y no contribuir a la sobresaturación icónica presente en la actualidad. La exposición muestra también
la figura del fotógrafo que amasa fotografías que constituyen su material de trabajo y cuya obra consiste en la elección de un criterio de búsqueda, en la ordenación de los hallazgos según categorías conceptuales
y en su disposición para su exposición. Una línea de programación centrada en la divulgación y el análisis de la fotografía contemporánea.
Muestra del artista mexicano Bayrol Jiménez (Oaxaca, México 1984) titulada LandEscape, un juego de palabras que conjuga la idea de paisaje y
de fuga, apuntando así los dos conceptos claves de la exposición. El proyecto busca generar tangentes que muestren un paisaje híbrido en el
que las referencias culturales, los viajes del propio artista y su imaginario
se mezclan con el interés por un paisaje social y urbano, con los que
construir o reconstruir realidades más amplias. Para Jiménez, el dibujo,
de donde surge toda su obra, no tiene límites espaciales. No es un papel
acotado, es la concatenación de varias secuencias, la superposición, la
explosión que contamina paredes y suelos y que, en última instancia,
genera una instalación global en la que la presencia de objetos tridimensionales participa a su vez de esa idea de assemblage contemporáneo.
Gran cantidad de imágenes y estímulos que junta y entremezcla creando un nuevo y alucinado mundo que se percibe como precario pero a la
vez extremadamente hiperreal. En una misma obra podemos encontrar
referencias a la cultura popular, al arte povera, al ready-made, pero también a los slogans publicitarios, la imaginería underground, el universo
del cómic y de los mass-media… Todo lo recolectado, ideas, imágenes y
objetos físicos, convive en un verdadero collage tridimensional.
Fundació Foto Colectania, Barcelona - Hasta el 25 de mayo del 2013.
www.colectania.es
Luis Adelantando, Valencia - Hasta el 22 de marzo del 2013.
www.luisadelantadovalencia.com
JUEGOS DE LENGUAJE
Colectiva
SUPERHÉROES Y GANAS DE VOMITAR
Yani Alonso
La muestra Juegos de lenguaje plantea que en el arte de nuestro tiempo
ya no se busca reproducir en las obras las apariencias de la realidad exterior, sino interrogar críticamente esa realidad. En la época de la imagen
global, cada artista elabora los criterios de significación de sus obras, elabora un juego de lenguaje, cuyas claves deben ser desentrañadas para
poder interpretar sus intenciones. Esa diversidad, compleja y plural, de
Juegos de lenguaje, que deben ser entendidos como representaciones
de formas de vida, constituye el núcleo del arte de nuestro tiempo, tan
variado y complejo como el mundo en el que vivimos. Siguiendo esos criterios, la exposición se articula en cinco secciones, cuyos títulos son claves abiertas para facilitar su comprensión. El mundo es un texto: juega
con las diversas formas de inscripción de la palabra en la imagen. Las
letras son una imagen: la dialéctica entre palabra e imagen es de doble
sentido y reversible para jugar plásticamente. Los idiomas de los colores:
en el espacio de la representación los colores no tienen una existencia
física, pero juegan por sí mismos. La traición de las imágenes: llama la
atención sobre el carácter abierto de las imágenes, nada es solo lo que
parece. Por último, Espejos de Babel: alude no solo a la diversidad de lenguas intraducibles entre sí, sino también a los reflejos en lo desconocido.
Yani Alonso inaugura en Twin Gallery la exposición individual Héroes,
superhéroes y ganas de vomitar, que cuenta con pinturas, esculturas y
objetos varios. Esta primera serie de superhéroes es la evolución de un
concepto que el artista almeriense lleva desarrollando los últimos ocho
años: Game Over. La idea de que “el juego ha acabado” es una reflexión sobre la vida, de cómo desde pequeños nos vemos influenciados de
una forma subliminal o intencionada y de cómo cuando crecemos vemos
que formamos parte de ese juego. Un ejemplo que propone son las marcas, que irrumpen en nuestra vida con su presencia en nuestros momentos de felicidad, presentes en nuestros más preciados recuerdos. ¿Cómo
no vas a amar la Coca-Cola si está presente en cada fotografía de cumpleaños? ¿Y la Nocilla o el Nesquik? ¿Cómo no vamos a amar las marcas si se meten en nuestros recuerdos más bonitos? Así, Game Over
parte de esa idea, del antagonismo amor/odio: creces, maduras y con el
tiempo te enteras de que muchas de las cosas que amabas son una basura: tu familia, antes una fortaleza inexpugnable, se convierte en un castillo de naipes, y Coca-Cola, Nestlé, etc., son multinacionales que arrasan el planeta. Pero lo peor de todo es que dentro de ti hay una parte
que las sigue queriendo. Estética bizarra en estado puro.
Helga de Alvear, Cáceres - Hasta el 5 de mayo del 2013.
Twin Gallery, Madrid - Del 5 de abril al 3 de mayo del 2013.
www.fundacionhelgadealvear.es
www.twinstudio.es
arte y expos
METONIMIA
Cristina Iglesias
HAPPINESS, DARKNESS AND HOPE
José Plá
El Museo Reina Sofía presenta la mayor retrospectiva que se ha realizado hasta la fecha, dentro y fuera de España, sobre Cristina Iglesias (San
Sebastián, 1956). Esta antológica cuenta con más de cincuenta piezas y
examina la amplia producción de la artista desde los inicios de su carrera, a mediados de los años ochenta, hasta la actualidad. Cristina Iglesias:
Metonimia es una ocasión única para adentrarse en la obra de una de
las creadoras españolas con mayor proyección internacional y conocer la
fundamental contribución que ha hecho a la escultura, tanto pública
como privada. Algunas de estas esculturas son de más de nueve metros
de longitud y están realizadas en gran variedad de materiales (bronce,
hierro, cemento, resina, cristal, hormigón...). Una parte de la exposición
se dedicará a sus conocidas Celosías y otra a los Corredores suspendidos,
a través de los cuales el espectador podrá deambular en un recorrido
laberíntico. Además, se podrán ver dos de sus grandes pasillos vegetales,
así como sus esculturas más tempranas, realizadas en las décadas de los
ochenta y noventa. Estas piezas, de dimensiones más reducidas, se
caracterizan por la mezcla de materiales tales como alabastro, tapiz, cristal, resina o aluminio. Por último, se incluirá en el jardín la serie de obras
titulada Pozo, en las que el agua es un elemento escultórico más.
Jose Plá presenta Hapiness, Darkness and Hope en tres actos ”teatrales”
aprovechando la distribución de Mr. Pink, recorriendo tres espacios en el
tiempo y tres maneras de enfrentarse a la obra; marcados por los desequilibrios en los que vivimos y la manera en que entorno y circunstancias
afectan a la hora de enfrentarse a la pintura. En Happiness encontramos
una pequeña selección de obras, pinturas combinadas con imágenes
serigrafiadas en color. Obras muy trabajadas: serigrafías, grandes manchas de color, tramas… piezas vibrantes que son la consecuente evolución de un trabajo de investigación entre la imagen y la pintura que centra la preocupación pictórica de Jose Plá desde hace años. Darkness
ocupa la parte central de la sala. En ella las pinturas de gran formato han
perdido el color, se vuelven monocromas, el negro y el blanco dominan
la sala y una especie de dramatismo espiritual, no falto de ironía, se apodera del espacio. Una serie negra al estilo black paintings, utilizando serigrafía e imágenes, para casi destruirlas cubriéndolas de grandes manchas negras. La muestra finaliza con Hope, una vídeo-instalación de
contenido onírico. La pieza es una superposición de imágenes en movimiento que se parecen a las obras, teniendo algo en común y cerrando
la exposición de una forma lógica.
Reina Sofía, Madrid (Edificio Sabatini) - Hasta el 13 de mayo del 2013.
Mister Pink, Valencia - Del 12 de abril al 3 del mayo del 2013.
www.misterpink.net
www.museoreinasofia.es
NEOFAUVISMO
Zosen y Mina Hamada
MAD WORLD
Krzysztof Powalka
Zosen y Mina Hamada, dos ciudadanos del mundo y pareja de artistas
residentes en Barcelona. Zosen nació en Argentina y Mina en Estados
Unidos, aunque creció en Japón. Los dos se conocieron en una de sus
características intervenciones murales y su común pasión por el color los
unió como equipo. Han recorrido Europa juntos plasmando sus representativas obras llenas de color en muros y galerías. Su obra conjunta resulta un puzle creativo en forma de explosión de colores, un hórror vacui
de figuras, símbolos y elementos de todo tipo, en el que se mezclan diferentes visiones que se fusionan las unas con las otras en interminables
composiciones llenas de energía y fuerza expresiva. Sorprenden con los
colores y las formas que les salen de la inconsciencia y la improvisación
y se inspiran en investigar los campos desconocidos de la pintura. Un
juego de formas buscadas en la inconsciencia. En esta ocasión, Zosen y
Mina nos presentan Neofauvismo: al igual que los fauvistas de las vanguardias históricas, ambos creen en el poder del color para expresar sentimientos, simplificando la representación formal de estos en favor de
colores vibrantes y estridentes para dotar de un mayor énfasis expresivo
a sus obras. Su repertorio artístico abarca desde murales, pinturas sobre
tela, ilustración, serigrafía o autoedición de libros.
Krzysztof Powalka (Polonia, 1985) es licenciado en Bellas Artes por la
Academia de Bellas Artes de Katowice en el 2010. Sus pinturas han sido
expuestas en galerías de Polonia e Italia, y ahora en España aprovechando la actual residencia del artista en Barcelona. A través de la serie de
dibujos Mad World, Powalka muestra un mundo desgastado, una sociedad que no sabe en qué lugar se encuentra o hacia dónde se dirige,
sumida en su propia desgracia, pero que irónicamente se cree mejor, más
moderna y desarrollada que otras. En Mad World se muestran comportamientos que pueden resultar irracionales, contradictorios o autodestructivos, y que en su individualidad generan felicidad (efímera) y bienestar emocional (transitorio), siendo todo ello la máscara de la verdadera debilidad, la inseguridad, la incoherencia, la desidia, la corrupción o la
vileza. Cada uno de estos dibujos es una pieza que compone el rompecabezas de una sociedad que no aprende de sus errores, que avanza con
lo positivo y lo negativo cogidos de la mano, repitiendo los mismos errores una y otra vez. Todo ello visto desde una perspectiva crítica pero optimista a la vez, situaciones tristes, injustas o desagradables que se tornan
cómicas o ridículas. Tal vez Tears for Fears, en los años ochenta, veían un
Mad World no muy diferente al que ve Powalka en nuestros días.
Iam gallery, Madrid - Hasta el 23 de marzo del 2013.
Miscelanea, Barcelona - Del 3 al 21 de abril del 2013.
www.miscelanea.info
www.iamgallerymadrid.com
Foto: Nacho Vaquero - www.nachovaquero.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Hair & MUA: Isabel Martínez y Bibi Rhoberg By RedLips Makeup Studio
Modelo: Igor Buriak - Francina Models
total look DIESEL / corbata SOLO IO / zapas ADIDAS ORIGINALS BY JEREMY SCOTT
peto DIESEL / camiseta BERSHKA / calcetines HAPPY SCOKS / deportivas REEBOK / zapatillas EASTPAK
camisa ADIDAS ORIGINALS BY JEREMY SCOTT / pantalón y bandolera DIESEL / corbata SOLO IO
camiseta REEBOK / sudadera WESC / gorra ADIDAS ORIGINALS
polo CLOSED / bermuda WESC / pajarita y tirantes SOLO IO / calcetines HAPPY SOCKS / zapatillas EASTPAK
Foto: Laura de Benito - www.lauradebenito.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Hair & MUA: Vanessa Payán www.vanessapayan.com
Modelo: Irina S - Traffic Models
camiseta ADIDAS ORIGINALS BY JEREMY SCOTT / accesorios CLAIRE’S
camisa BERSHKA / chaleco y pantalón DIESEL / chaleco HERNO / zapatillas REEBOK / riñonera EASTPAK / accesorios CLAIRE’S
top DIESEL / pantalón ADIDAS BY JEREMY SCOTT / chaqueta y gorra ADIDAS ORIGINALS / zapatos DIESEL / collar BERSHKA
top REEBOK / pantalón DIESEL / chaqueta ADIDAS ORIGINALS / pañuelo SOLO IO / accesorios CLAIRE’S
top DIESEL / gorro y pantalón ADIDAS ORIGINALS BY JEREMY SCOTT
local-in
KAUF VINTAGE
No solo tesoros vintage
Kauf Vintage es una tienda de ropa de segunda mano que ha conseguido darle al concepto usado un nuevo
significado. Inspirándose en Berlín, Londres, París y Bolonia, allí han creado un espacio amplio, limpio y cuidado
al detalle, donde podrás encontrar una exclusiva selección de piezas vintage, escogidas una a una
meticulosamente. Las prendas se traen de diferentes partes de Europa, buscando siempre el equilibrio entre el
concepto vintage y la moda actual. En medio del bullicioso barrio de Ruzafa, que se ha convertido en el centro
neurálgico del arte, la moda y el diseño de la ciudad de Valencia, Kauf Vintage es también un espacio donde
disfrutar de toda una serie de actividades, como tomarte un café sostenible, disfrutar de un interesante
coloquio, admirar las obras de artistas locales e internacionales, conciertos, workshops y una cantidad de
atractivas propuestas que hacen de este coqueto espacio un lugar inspirador. Un lugar único donde adquirir
tesoros vintage, entregarse al vicio de la cafeína sin remordimientos y vivir una experiencia diferente, rodeados
de obras de arte, detalles sorprendentes y gente interesante. Kauf Vintage no es solo una tienda, es mucho más.
Calle Cádiz, 38 - Valencia - Tel: 963 817 901 - www.kaufvintage.com
LIBRERÍA DADÁ
STRAP
Dadá está ubicada dentro del Museo Valenciano de la Ilustración y la
Modernidad. Sus estanterías están repletas de joyas editoriales que
convierten este espacio en un centro imprescindible para los amantes de
las últimas tendencias en cualquier disciplina: arte, arquitectura, diseño,
publicidad, moda, interiorismo… También encontraremos artículos de
regalo y camisetas de firmas como Das Büffet. www.libreriadada.com
Si presumes de conocer lo último en streetwear, memoriza el nombre de
esta tienda. La mejor oferta de ropa street y zapas del momento en dos
puntos con personalidad propia, en los que encontrarás marcas como
Stüssy, Crooks & Castles, New Era, Nike, Adidas Originals, Fred Perry, Le
Coq Sportif, Vans o Lacoste Live entre otras. www.strapnews.com
Muvim - Calle Guillem de Castro, 8 - Valencia - Tel. 963 515 138
STRAP#6. Calle Gascó Oliag, 6, bajo - Valencia - Tel. 963 694 963
STRAP#21. Calle Ramon Llull, 21 - Valencia - Tel. 961 144 164
TRENDY ROOM
WRANGLER
Espacio en el barrio de Ruzafa de Valencia con una exquisita selección de
productos que no te dejará indiferente. Sneakers y accesorios como
relojes, gafas de sol, bolsos o mochilas y firmas como New Balence,
Puma, Adidas, Converse, Eastpak, Diesel, Sperry o Le Coq Sportif entre
otras. Descubre sus pajaritas de producción propia con telas de los años
sesenta y setenta. Un espacio con personalidad y de visita obligada.
Hablar de Wrangler es darse uno de los paseos históricos más atrayentes
en el mundo tejano. Wrangler, en su constante línea de crecimiento, ha
abierto un nuevo córner en El Corte Inglés de la calle Colón, en pleno
centro valenciano. Descubre el estilo grunge que marcó a toda una
generación al llamarla X. www.wrangler-europe.com
Calle Doctor Sumsi, 4 (Ruzafa) - Valencia
El Corte Inglés (tercera planta). Colón, 1 - Valencia
QUALITY STREET
ZOMBIE BAR
Equipo de artistas que forman un colectivo gráfico y una galería de arte,
un lugar donde compartir inquietudes creativas. Organizan workshops y
exposiciones de sus trabajos. Este estudio multidisciplinar es un proyecto
muy interesante dentro del panorama artístico barcelonés que desde
hace unos años está cambiando las antiguas fábricas de Poblenou por
talleres artísticos de gran potencial. qualitystreet.bigcartel.com
Zombie Bar supone un cambio en la concepción de lo que entendemos
por Dinner. Este local de Malasaña, se concibe no solo como un lugar
único donde el paladar juzga y valora la exquisitez de sus platos, sino
también como un lugar de encuentro de músicos, diseñadores, DJ’s,
fotógrafos, modelos o artistas. Una amplia variedad de opciones en una
atmósfera tan acogedora como atípica. www.zombiestudio.es
Calle Joan d'Austria, 95-97 - Barcelona
Calle Pez, 7 - Madrid - Tel. 910 111 952
RUFUS SKATESHOP
33/45 BAR & GALLERY
Rufus es la tienda de referencia para los skaters en la ciudad de
Barcelona. En pocos años se ha instaurado al lado del mítico Macba y ya
tiene un equipo de skaters de gran nivel. Disponen de un half para
poder probar in situ tu skate antes de comprarlo. Si amas el skate
amarás a Rufus: tablas, ruedas, ejes, rodamientos, zapas... Rufus es
100% skateboarding. www.rufus.es
Multiespacio donde se puede desayunar, comer, cenar, tomar café o
copas a cualquier hora del día. Dos espacios y diferentes ambientes
decorados entre lo industrial, el diseño actual y la moda vintage. Sin
duda alguna, el local de moda en la ciudad Condal y también de los más
concurridos. Recomendamos sus crêpes, sus gin tonics de sabores y su
carta de cócteles con tequila. De visita obligada. 3345.struments.com
Calle Ferlandina, 33 - Barcelona - 935 186 593
Calle Joaquin Costa, 4 - Barcelona - Tel: 931 874 138
EL BIGOTE DEL SEÑOR SMITH
VANS SHOP MADRID
Cultura, arte, innovación, creación y diversidad son los pilares sobre los
que se sustenta El Bigote del Señor Smith, un espacio de creación y de
interacción entre personas que quieran aprender y nutrirse de diferentes
disciplinas. Un hogar para gente con inquietudes vinculadas al arte, cine
o nuevas tecnologías, y ganas de absorber conocimientos creativos.
Gallery, workshops, shop & break. www.bigotesmith.com
Flagship store de la marca californiana en la capital. Situada en pleno
centro, la tienda ofrece las últimas propuestas en zapas tanto en líneas
clásicas de skate como en líneas de street wear, además de las últimas
novedades en ropa y complementos. Accesorios para tablas de skate,
cascos Protec y tablas Santa Cruz de skate y longboard, así como bicis
fixed de la marca Create. www.facebook.com/Vans.Shop.Madrid
Calle Joaquin Costa, 38 - Barcelona - Tel. 934 120 950
Calle de la Montera, 47 - Madrid - Tel. 915 227 922
STUDIOSTORE
MANCHESTER BAR
Studiostore es un espacio del Born barcelonés que promueve el diseño y
la creatividad. Desarrolla proyectos arquitectónicos y productos
exclusivos. Sus instalaciones posibilitan la celebración de eventos o
acciones. El cuidado por el diseño y la calidad de sus producciones lo
convierten un una referencia para los amantes del diseño. Podrás
encontrar marcas como Sheriff&Cherry o Woouf. www.studiostore.es
Dos bares de igual nombre y de similar espíritu: los Manchester's.
Destacan por su ambiente intenso y en ellos econtrarás a gente con
ganas de pasárselo bien, música con personalidad, ambiente oscuro,
cócteles y cervezas a un euro (antes de las 22:00 h). Dos locales de
referencia en la noche barcelonesa. www.manchesterbar.com
Calle Comerç 17, Born - Barcelona - Tel: 932 22 50 75
MANCHESTER GÓTICO. Calle Milans, 5 - Barcelona
MANCHESTER RAVAL. Calle Valdonzella, 40 - Barcelona
SUSCRIPTION EASTPAK
EASTPAK te da la bienvenida a la primavera 2013. Los diseñadores de la firma han vuelto a mezclar todos los ingredientes
necesarios para crear una auténtica combinación de funcionalidad y sofisticación para el insider urbano y presentarnos su nueva
colección primavera-verano 2013. Materiales naturales, colores brillantes y ricas texturas, detalles de lujo y de diseño inteligente,
son elementos que recorren toda una colección para vivir intensamente. EASTPAK se mueve y le acompañamos en la acción...
En nuestra edición #56 los primeros en suscribirse se llevan una mochila o bolsa EASTPAK. www.eastpak.com
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