atelier - CeppSelgas

selgas
atelier
CITY
S
Alabi IV, 1994 | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
S
elgas
Estimados lectores:
Ars Atelier City, revista de arte y literatura en el exilio, se complace en presentar
un número en homenaje a un gran artista cubano. Su nombre es Jesús Cepp Selgas y
tuvo que exiliarse de su país natal, Cuba, en 1980 junto a una gran cantidad de
cubanos que fueron expulsados de la isla por el puerto de Mariel.
En el momento de su partida la obra de Cepp Selgas ya había sido reconocida
en su país por un público que siempre fue amante del arte, pese a los problemas
personales de índole política que debió afrontar con los policías de la cultura. Su obra
ha seguido desarrollándose en el lugar que ha vivido durante todos estos años: Nueva
York. Y esa obra toda es esencialmente tan habanera como newyorkina, tan cubana
como norteamericana.
Artista óptico-geométrico que ha sabido incorporar, mezclar y asimilar con
gran gracia, ingenio y audacia el arte figurativo y el conceptual, así como el
Expresionismo alemán -influenciada por los artistas que representaron las dos
vertientes dedicadas a la búsqueda de una filosofía de la emoción, de la sensibilidad
musical, como lo fue Der Blaue Reiter (El jinete azul), artistas considerados
degenerados perseguidos por el nacionalsocialismo, y por el comunismo-, la obra de
Selgas nos introduce en un mundo muy personal, lírico e investigativo, que se mueve
entre lo íntimo y lo social, desenvuelto en un colectivo de ideas puras y también
cultas y un conjunto infinito de metáforas y juegos visuales, donde los orígenes de las
diversas simbologías reales y oníricas que conforman el mestizaje cultural y religioso
de la isla son expresados a través de la profundización científica y de la sabiduría y
conciencia de una poética.
En los últimos años Selgas ha trabajado con las nuevas herramientas de la
comunicación: internet y circuitos y redes sociales, acomodando nuevos elementos en
la pintura identificándolos como escudos de guerra o de paz de los nuevos
conquistadores de ese fuego que necesitamos los seres humanos para que la cultura
sea eternamente iluminada y se propague ad infinitum.
Podrán ustedes hacer el recorrido más completo que se ha hecho hasta ahora
por la obra de uno de los hombres más inquietos y afectuosos de la cultura cubana,
iberoamericana y universal. Cepp Selgas es un hombre bueno y un inmenso artista.
Zoé Valdés
Oda a Narciso, 1988 | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
Texts and quotes by the following authors:
Textos y citas de los siguientes autores:
Textes et des citations des auteurs suivants:
Diana Álvarez Amell
Armando Álvarez Bravo
Dr. Alejandro Anreus
Giulio V Blanc
Tram Combs
Samuel Feijóo
Florencio García Cisneros
Reinaldo García Ramos
Dr. Gail Gelburd
Eduardo Manet
Benjamin Ortiz
Rafael Román Martel
Roger Salas
Gustavo Valdés
Zoé Valdés
1970s
Cepp
Selgas:
"Fantasía versus
geometría"
Preceding page: Logo (Head), 1966
This page: Perforaciones, 1970
por Roger Salas
¿Debemos atenernos a lo estrictamente cronológico a la hora de evaluar o aproximarnos y emitir
análisis estéticos sobre la obra y carrera de un artista vivo? "Depende", para dar una respuesta
"protoasturiana". En Asturias están los orígenes ancestrales y familiares de Cepp Selgas, y su
humor, bien mirado, parte sanguíneo, parte con la retranca vernácula, es muy asturiano y así
aparece en su obra, donde casi nunca nada es lo que parece a primera vista, un juego de espejos
disciplinar que poco a poco se ha convertido en estilo. Hagamos distancia y pensemos que
hablamos de un corpus plástico de más de cuatro décadas, fijemos un margen que extrapola entre
1970 y 2010, atravesando la diana entre los siglos XX y XXI, acaso un momento de cruciales
aventuras en las Artes Visuales en las que Selgas, cual empecinado, sigue siendo uno de esos
artistas que han regresado (sin irse nunca), a la pintura-pintura. Este es un proceso que se ha verificado en algunas otras artes, por citar dos bastante aparentemente alejadas entre sí, la arquitectura y el ballet (dos temas o ramas que Selgas ha tratado). Tanto en la arquitectura como en el
ballet, hay un recorrido que, tras la mareante deconstrución, el minimalismo y el neoformalismo,
nos deja ver una arquitectura-arquitectura o una danza-danza, es decir, una búsqueda de indagación formal en la propia materia original, en sus medios de vocabulario originales donde, sin
despreciar la progresión tecnológica y/o cualquier otro avatar contemporáneo, interesa en firme
la obra misma, su concreción. En este caso hablamos del "cuadro". Y este es el origen de estas
propuestas de análisis, bosquejos y aproximaciones a la obra de Selgas señalando una serie de
vías que pueden ser un primer desbrozado en la "selva oscura" o mundo interior del que surge,
elocuente, la pintura.
Una primera referencia conmovedora es "Niño sobre papel" (autorretrato), donde ya las
recurrencias de las motivaciones clásicas o mitológicas, ya sean de raíz greco-latina o
afrocubana, se convierten en simbología particular y específica. Este ejemplo "autobiográfico" es
bueno. La espada de Damocles es la vela, y su referencia está en los tondos-relieve de cerámica
de Andrea della Robbia en la fachada del Ospedale degli Orfani (o degli Innocenti), que construyó Brunelleschi y al que le adicionaron los niños vendados y vidriados en 1487. Después está
"El bautizo del último indocubano" (1971), una obra llena de un tratamiento irónico de la historia. Dice el propio Selgas: "Todas estas obras de tempera sobre papel, formaron parte de un gran
grupo semi-perdido en el tiempo. Producidas todas con la muy precisa intención de hacer "obra
de cara-bonita" desde el mismísimo infierno. La falsa impresión placentera de casi todas,
hicieron posible mi primer "Solo Show" (Teatro Nacional de Guiñol en 1976). Mi interés por el
tejido de tapices artísticos y el extenso reclamo de tiempo que implica el asunto, me fue alejando
del trabajo en tempera. Ya para 1973, solamente tejía y dibujaba tintas sobre papel. En 1974
conocí la obra de M.C. Escher".
La relación entre Escher (Maurits Cornelis Escher, más conocido como M. C. Escher
(Leeuwarden, Países Bajos, 17 de junio de 1898 - Hilversum, Países Bajos, 27 de marzo de
1972) probablemente en el caso del corpus estético de la obra de Selgas precise de un estudio
particular y más preciso. Téngase en cuenta que Selgas no es un seguidor mecánico de Escher en
la escolástica de un estilo gráfico, sino que ha podido manifestar y desarrollar una evolución
paralela y a distancia de un instinto de representación ordenada, de la misma manera que en
Escher está Piranesi como un efecto de encadenado virtual de los recursos culturales que después
desembocan en resultado plástico. Datos que quiero dejar patentes para los estudiosos del futuro:
Escher también estudió y trabajó en el ámbito de las artes decorativas y el diseño gráfico, apuntando todos sus biógrafos en la importancia futura de sus dos viajes a Granada y en concreto al
Alhambra (especialmente el palacio Nazarí de Comares). Selgas repitió décadas después, inconsciente pero en un mismo faro artístico, esas ramas formativas y sin visitar físicamente Granada,
usó esas referencias geométricas desde los libros, a las que incorporó la figura antropomórfica.
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El Selgas retratista siempre ha
estado presente lo mismo que el Selgas
dual:
* Positivo-negativo
* Negro-blanco
* Simetría-axonometría
* Plano-relieve
* Convexidad-concavidad
Como también la presencia del
Selgas artesano, el constructor de tapices y
una derivación posterior en las esculturas,
básicamente en el papel manipulado
(papiroflexia), tintado y encolado (una
suerte de atrezzo). Minuciosidad de pincelada fina, retoque lineal inquisitivo sobre
las formas protagonistas de la pintura,
pueden apuntarse como características "de
oficio" relacionada con la pericia en las
manualidades.
Es-pez-jo, 1974
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Aguas mansas, 1970
En La serie Ossaín (I, II y III) hay
ya un desboque de lirismo sin faltarse a sí
mismo, es decir, a los preceptos propios, al
enmarcado o figurado cornisamento. ¿Pero
quién es Ossaín? Según la literatura tradicional, "Ossaín es un Orisha, él rige la naturaleza y es en sí la naturaleza misma. El
ser humano está en la parte izquierda del
cuerpo. Con los conocimientos de Ossaín se
salva la vida y fortalece para la guerra,
aleja la muerte. Es médico, dueño y sabio
de todos los secretos de la naturaleza. Es
conocedor de todas las plantas, animales y
minerales. Es un Orisha adivino.
Todos los Oshas y Orishas tienen
un Ossaín, como también lo tienen los
Odun del oráculo de Ifá y las circunstancias
de la vida. Hay que contar con él para
cualquier consagración, ya que en éstas
siempre hay que usar hierbas y plantas, y
sus hijos son llamados Adajunshe. Ossaín
es el dueño absoluto del monte y de la vegetación que allí se recoge, cazador célibe y
gran conocedor de las propiedades mágicas
de las hierbas, por esto es la energía de la
farmacopea. Se refugia en el medio del
monte, donde vive solo. Tiene un solo ojo,
una sola pierna, un solo brazo, una oreja
grande y una pequeña que es por la que
escucha. Su color es el verde y su múltiplo el número “7” (dos cosas que Selgas usufructúa en su
serie). Estas obras, según Selgas, están hechas mientras tejía tapices, algunos voluntariosamente
personales y otros comerciales, pero ya la geometría se hace dominante compositiva, sin alejarse
de una fuerte servidumbre temática. Años después, Selgas volverá al tema de Ossaín en gran formato cuadrado. Otros ejemplos de cornisamento geometrista:
El rombo en "Güije and Angel" (1987)
El mediopunto en "Virgen de la Caridad con tres Marielitos"
El políptico en "La Virgen de la Caridad" (1988) (donde en el plano central se ausenta la
figura o motivo, la Virgen: ese es el drama cubano implícito)
El calidoscopio (juego circular de espejos y estrellas)
En la vertiente de los elementos recurrentes, es conveniente citar tanto lo singular como
lo que se repite insistentemente en la obra de Selgas:
La estrella de cinco puntas
La mano, el pie
La barca (el barquito de papel)
La filacteria (con lectura de texto o no)
La luna
El manto (cortina, teatro)
El damero (suelo óptico)
Los números
La sangre (ofrenda substancial)
La pintura de Selgas evoluciona sobre su propio eje de un barroquismo donde hay un
cierto horror al vacío hacia un manierismo longuilineo, y aquí de nuevo entra en escena Escher,
proponiendo estos posibles desarrollos:
1.- Partición regular del plano de la obra (muchos planos)
2.- El revertido sobre patrones susceptibles de la inversión desde la que se hace óptica y
se obtiene la progresión.
3.- El ya mencionado rechazo al espacio vacío o deshabitado, pero nunca rellenado con
gratuidad.
Las Meninas. Una obra mayor: La obra de Selgas "Now You See It, Now You Don't",
acrílico en tela del año 2000, es de nuevo versionado en 2001 también como "Now You See It,
Now You Don't II". Y en "Infanta y San Rafael" donde se alude, a la vez, a la confluencia de las
calles habaneras. En el año 1988, el mismo en que recibe la ciudadanía estadounidense, Selgas
viaja a Madrid con Ernesto Briel y tiene un primer contacto directo y decisivo con las obras de
Diego Velásquez en el Museo del Prado, dando lugar a una fructífera sucesión de obras dependientes del tema velazqueño y del dibujo. La retroalimentación Selgas-Briel es solamente comparable en el arte cubano a la que existió entre Portocarrero y Milián, y esto no es exagerado, sino
la comprobación de una unión que sobrepasa sus propios márgenes de lo personal y artístico para
crear algo indisoluble y que luego permanece sutilmente en las obras de arte mismas. En "Amar
a Emilia" (1972) hay una cuadrícula extendida, el tratamiento de una imagen celular repetida "at
infinitum" con un guiño culterano y no evidente al op-art, que es el estilo motriz de la obra de
Ernesto Briel. También en Selgas hay desde temprano un tratamiento económico del color, ya sea
de gamas cálidas, pero estrechas y limitadas a tres tonos. "Aguas mansas", una de las primeras
temperas sobre papel, es la más prometedora estilísticamente de cara al futuro. Se relacionan en
este mismo estrato también obras como "Paradiso" y "Nocturno de Paradiso".
No puede dejar de resaltarse la erótica y otras sublimaciones en la pintura de Selgas,
desde la temprana "Alfiletero" a "Milk & Blood (Shangó)", acrílico en tela del año 2000 o “The
Promise (Babalú)", acrílico en tela, 2000 y sobre todo "Día de Reyes", acrílico en tela 2007. En
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“Hagamos distancia y pensemos
que hablamos de un corpus plástico
de más de cuatro décadas, fijemos un
margen que extrapola entre 1970 y
2010, atravesando la diana entre los
siglos XX y XXI, acaso un momento
de cruciales aventuras en las
Artes Visuales en las que Selgas,
cual empecinado, sigue siendo uno de
esos artistas que han regresado
(sin irse nunca),
a la pintura-pintura”.
Roger Salas
Guillotina, 1971
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Amar a Emilia, 1971
cuanto a la técnica, ha habido una constante
en los soportes desde el papel y el guoache
al lienzo, al óleo y/o acrílico, con la
inclusión ocasional del oro y la plata y en
ciertas etapas recientes, la abundancia de
las grandes superficies blanquecinas, algo
que habla de espiritualidad y evanescencia,
siempre contando una historia. La pintora
Antonia Eiríz, la reconocida artista cubana
y maestra de Selgas le dijo una vez a
nuestro artista: "La pintura no es literatura",
una sugerencia crítica que dice mucho y
bien del ojo receptor de Eiríz, que veía en
el afán descriptivo de Selgas un posible
impedimento a la solución propiamente pictórica de la motivación temática y de la
obra plástica. El enigmático cuadro "July
31, 2006" es un caso bien resuelto de síntesis narrativa a través de la materia pictórica.
Este cuadro evoca directamente a la pintura
flamenca (piénsese en "La Crucifixión" de
Roger Van der Weyden (o de La Pasture)
que está en San Lorenzo de El Escorial
(Madrid), donde el paño desdoblado del
fondo (de color rojo) conserva los dobleces.
El personaje del cuadro de Selgas está tendido y lo cubre un paño o sábana blanca
(casi sudario) con los mismos dobleces perfectamente cuadrados. Ese cuadrado vuelve
a estar presente en el "Narciso", que parte
del muy discutido de Caravaggio (Roma.
Galleria Nazionale d'Arte Antica) donde
figura real y su reflejo hacen perfecta
geometría de ángulos rectos y aún más evidente en "Fontainbleau", sobre la elipsis de
"cabezas trocadas" en un desquite al cuadro
de la escuela homónima que está en el
Louvre. Y todo ello con un secreto hilo
púrpura de distintivo humor personal.
Retrato de Ernesto, 1971
Madrid, invierno 2012
El poeta Plácido, 1971
15
Los rehiletes de tu mente, 1973
Igual-Diferente, 1973
Mama Iné, 1973
Gemelos, 1972
Maternidad, 1972
Sarita, 1971
El bautizo del último indocubano, 1971
Niño de papel, 1971
Que fuma, 1971
Hatuey, 1971
Paradiso, 1970
Nocturno de Paradiso, 1970
Series Fragmentos de Ossaín III, 1974 | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
Series Fragmentos de Ossaín I, 1974 | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
Cienfuegos Agosto 12 | 75
Amigo Selgas:
Salgo en dos días para La Habana, y
quiero verlo, pues sus dibujos
magistrales me dan vueltas por pisos,
paredes y nubes mientras no llegue la
próxima de publicárselos a gran lujo.
Le ruego le avise a Briel y a
Morales que vengan con usted a la
(X dirección)… Ellos han visto esta
casa.
Me trae un retrato suyo, en su
trabajo o no, y nuevos recientes dibujos.
Vengan el día miércoles 20. A las 8 1/2
noche. S. Feijoo. Fuán
El juego de la oca, 1975 | Published in Revista Signos, No. 18, 1976, Cuba.
Zapatero-Zapato, 1975 | Published in Revista Signos, No. 18, 1976, Cuba.
Parca y tiñosa, 1975 | Published in Revista Signos, No. 18, 1976, Cuba.
Series Hubo-Buho (clockwise: I, II, III, IV), 1979
1980s
"Selgas is a symbolist of psyche and society relatable distantly to such artists
as Edvard Munch, Aubrey Beardsley, Gustav Klimt and Egon Schiele
-explorers of European life circa 1900 (and the period of Freud's theorizing).
Selgas creates strong, graphicly designed visual conundrums. His
human figures are nude or in generalized robes or wraps suggesting some
ideal age; they remind me that 19th century artist-eclectics, selecting from the
best of everything, often depicted people in classical or medieval garb.
The artist exploits the costumes' potentials for decorative effect (compare to
Klimt). Flowing hair and bald heads both are common, consonant with his
world-view of ideal or extreme human conditions in a curious, dantesque
timelessness. Generalized flower-forms, and quarter and eighth moons
establish cosmic settings. But Selgas' main subject is
the mind-and-body polarities and dualities…"
"Selgas es un simbolista del alma y de la sociedad narrable,
remotamente en la línea de artistas como Edvard Munch, Audrey Beardsley,
Gustav Klimt y Egon Schiele, exploradores de la vida europea alrededor de 1900
(el mismo período de las teorías de Freud).
Selgas crea fuertes, gráficamente diseñados acertijos visuales. Sus figuras humanas,
bien al desnudo o cubiertas por algún tipo de vestidura o ropaje sugieren una edad
ideal; haciéndome recordar a los artistas eclécticos del siglo XIX, quienes haciendo
selección de lo mejor de todo lo conocido, frecuentemente representaban a sus
personajes con garbo clásico o medieval. El artista explota el potencial de las
vestimentas para lograr un efecto decorativo (compárese a Klimt). Ambas, cabelleras
onduladas o cabezas calvas son comunes, en consonancia con su forma de ver un
mundo de ideas o de extremas condiciones humanas en una curiosa y dantesca
ausencia de tiempo. Formas florales y lunas en crecientes y menguantes establecen
una fijación cósmica. Pero el tema principal de Selgas son las
polaridades y dualidades de la mente y el cuerpo…"
Tram Combs
Preceding pages: Selgas, New York City Subway, Winter of 1980 | Virgen del Cobre, 1987
Opposite page: Self-portrait 8-7, 1987
"Selgas es un magnífico dibujante y un
exquisito colorista que reconstruye a través del
uso de piezas la figura, su condición presente así
como nuestra percepción de ella, en un modo
completamente original. Su obra es el producto de
una vocación artística más que de carrera,
teniendo que ver con el Surrealismo y el llamado
arte primitivo. Sobre todo su obra refleja la
universalidad cultural de un artista
contemporáneo. ¿De qué trata su pintura? Vida,
muerte, sexo, trascendencia, lo que el fallecido
John Cheever llamó "los grandes esenciales".
Dr. Alejandro Anreus
8-7, 1987
A Gift to my Mother (Series Mater Gratia Plena), 1988
Series Mater Gratia Plena, 1988
La Virgen de la Caridad, 1988
Aguas mortales, 1985
Barajas, 1985
Star, 1981
Escape from Red Paradise, 1985 | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
Like a Star, 1985
Like a Star (Portrait of Ernesto Briel), 1985
Güije and Angel, 1987
Series Copper Sea, 1988
Awarded the Prize Marshall Cummings.
Collection of Canadian Imperial Bank of Commerce.
Series Fourth of July, 1988 | Photo-installation |
Fashion Institute of Technology |
New York City, NY.
Burnt Flag (Series God Bless America), 1988
God Bless America I, 1988
Tattoo, 1986
Frogs and Flies, 1982
Frogs and Flies, 1981
Klimt’s Chair, 1987
Fly, 1985
Cat-Comet, 1985
Black Birds, 1985
Series Tresjuanes, 1987
El artista reflejado en su Star in the Mirror, 1987
B
S
Ernesto Bri el
y S e l g a s en la exposición de
The Phillip Stansbury Gallery
por F l o r e n c i o G a r c í a C i s n e r o s
Una refrescante exhibición veraniega ha sido organizada por
The Phillip Stansbury Gallery, de junio a julio pasado. La muestra
conjunta fue reunida por los señores Glancy y Hightower destacándose
en la selección las obras de los pintores Ernesto Briel y Selgas, dos
artistas cubanos radicados en Nueva York donde, desde hace seis años,
han reunido un cuerpo de obras en el que ambos muestran una muy
personal unidad en la labor realizada en el período de tiempo antes
señalado.
La pintura de Selgas, que a veces resulta en apariencia "obracollage", lo es en sus últimas búsquedas, como lo evidencia la obra
ilustrada en esta misma página titulada "Star in the Mirror". En otras
obras anteriores y algunas más recientes, Selgas ha mostrado el hábil
manejo de una "estrella" o de varias "estrellas" como tema, astro bien
difícil de ubicar en una obra plástica-intelectual sin dar una falsa imagen de sobriedad: todo lo contrario, a más de ser sobria la obra de este
joven artista, él ha sabido expresar en su infinito uso de esta tradicional
forma de cinco puntas, una figuración efectista, con un gran atractivo
visual, que pone al espectador frente a una obra plástica-kinética,
óptico-visual en contacto anímico. La mente más despistada descifrará
ese realismo de rítmicas composiciones con las cuales se expresa este
artista.
En algunos de estos cuadros compuestos con una o más
estrellas, Selgas va más allá del objetivismo visual puesto que el objeto
permanece dentro de cualquiera de las dimensiones de sus pinturas. Así
la repetida imagen de la estrella queda integrada dentro del espacio
pintado. Aún cuando el artista usa imágenes, retratos u objetos, la
estrella se integra, no se hace preponderante, no domina, sino que es
dominada.
Star of Silence, 1983
El otro artista que junto a Selgas expuso en esta exhibición de
verano de The Phillip Stansbury Gallery es Ernesto Briel. Desde que
conocimos la obra de este artista, consideré que es uno de los más
serios en su estilo de plástica no objetiva, pues conocíamos su obra del
período cubano antes de emigrar a los Estados Unidos a través de
publicaciones de arte y cultura de la isla.
Briel ha demostrado tal compenetración con la obra que ha
desarrollado en estos últimos seis años desde que llegó en la "Flotilla
del Mariel", en el escape de la isla-cárcel, que actualmente se puede
deducir de sus nuevas formas geométricas que ha alcanzado la manera
de expresarse plásticamente sin abandonar el buen aprendizaje de su
anterior período lineal no objetivo, el cual llegó a dominar con total
brillantez.
"Down to the Moon", que es una obra de su nuevo estilo no
objetivo, fue expuesta junto a otras obras en las que el artista vitaliza el
espacio dividiéndolo en rectángulos que son pintados en forma patinada con una sobriedad de monasterio franciscano. Es difícil ser sobrio
en una obra geométrica: Ernesto Briel lo es como si fuera un monje. Y
es que su pintura demuestra que él se abstrae hacia la devoción de
crear una obra para la contemplación visual del espectador, que también lo que ve lo abstrae y lo transporta.
En una reciente visita al estudio de Ernesto Briel, donde pude
apreciar su nueva modalidad plástica, llegué a la conclusión de que su
obra, a más de ser una pintura lograda, tiene una fuerte personalidad,
con un perfecto acabado "métier". Franca laboriosidad creadora la
suya, en la que el oficio queda supeditado por el buen dominio
intelectual del artista que es Ernesto Briel.
Publicado en “Noticias de Arte”, New York | Septiembre de 1987
65
1990s
CEPP SE LGA S:
Rêveur, Magicien, Peintre
par Gustavo Valdés
Deux éléments se présentent immédiatement dans les tableaux de l'artiste cubain Cepp Selgas:
une passion déclarée pour la déconstruction des formes, et ce que le poète Reinaldo García
Ramos a nommé son "attitude révérencieuse."
Le premier élément témoigne, parmi d'autres choses, de la formation solide acquise
par Selgas dans son pays natal -une formation appartenant, sans aucun doute, à un héritage
artistique de longue date. Pour ce peintre né a Cienfuegos -une ville qui a formé de nombreux artistes célèbres de la culture cubaine, une image est quelque chose qui doit être
déconstruit, fracturé, et sans arrêt, recréé.
Son talent pour générer des nouvelles formes est remarquable. Nombreuses sont
celles mêlants un surréalisme intrépide avec une géometrisme qui leur donne des qualities
bien particulières. Peut-être les peintures de Selgas sont-elles le produit de ce mouvement
grandissant qui renvoi à l'incroyable, l'absurde, et le fantastique, et auquel les experts d'art
ont donné le nom de réalisme magique.
Vues à la lumière, il n'est pas difficile de comprendre la puissante attirance de ces
formes. Et pour expliquer un tel magnétisme, il faudrait Peut-être rappeler un épisode qui,
bien que apocryphe, est significatif. Certains prétendent qu' André Breton a décrit Cuba
comme un pays trop surréaliste pour y vivre. Selgas demontre à quel point l'influence des
rêves est puissante dans l'art contemporain cubain, s'étendant bien au-delà des frontières et
des idéologies.
La seconde importance caractéristique de l'art de Selgas est sa sécularisation des
choses religieuses -ce respect profond et intime qu'il ressent pour les images qui font parties
de l'iconographie religieuse populaire. Avec le tableau intitulé "My Fortune Teller" (et qui
fait parti de cette exposition), l'artiste réussit à saisir la forte croyance du peuple Caraïbe
dans le destin et le surnaturel. Le tableau est aussi un hommage bien merité à Antonia Eiríz,
une figure proéminante de l'art cubain et une femme qui, dotée d'une extraordinaire humanité, a profondément marqué la carrière artistique de Selgas.
Chez Selgas, les éléments religieux acquièrent une ambiguïté qui les transforment
en objets séculaires, les reliant à l'environnement après les avoir depouillés de leur nature
sacrée.
Selgas sait comment les transformer en objets quotidiens- en objets que nous pouvons reconnaître comme les notres.
L'art de Selgas est un puissant lyrisme, d'émotion et de sensualité, des éléments qui
sont intimément liés au rythme, au mouvement, à la cadence, et qui reflètent la manière d'agir et de penser du peuple Caraïbe. Quelques critiques et experts d'art ont commenté sur la
nature intensément narrative de son oeuvre, qui crée une atmosphère unique.
Dans l'art contemporain où la nouveauté confond trop souvent avec l'originalité,
nombreux sont les artistes qui se satisfont d'un produit à valeur éphèmere. Ceux-ci sont plus
interessés à choquer le spectateur qu'à communiquer, que nous l'aimons ou pas -reste une
preuve indiscutable de la valeur artistique d'une oeuvre.
Selgas n'a pas besoin de montrer de fausse humilité dans son oeuvre, ni n-a-t-il besoin de
suivre un folklore bon marché et à la mode pour transformer les éléments d'un héritage
culturel afro-cubain en images vibrantes et nouvelles.
Preceding pages: Selgas, New York, 1993 | Palindrome No. 2, 1990
Opposite page: El palmar a las puertas del cielo (Portrait of William Aguila), 1994 |
Collection Museo Nacional de Bellas Artes, Havana, Cuba.
La diversité et les mystères de la vie apparaissent dans l'oeuvre de Selgas avec un
candeur empruntée a l'enfance. De cette époque-là, sans doute, vient la fascination de
l'artiste cubain pour le palindrome -pour tout ce peut lire à l'envers. Dans ces "capicuas"
d'images, Selgas, comme disait Jorge Luis Borges, recherche "des labyrinthes, d'antithèse et
d'emblèmes." La vie est faite de telles contradictions.
Dans le chemin du grand écrivain argentin, les images se brisent et se courbent en
miroirs infinis, acquiérant une dimension inattendue qui est généralement perçue comme
appurtenant au royaume des enfants.
Comme García Ramos l'a si bien exprimé, l'artiste entretient l'alternative d'autres
quêtes qui s'éloignent des conventions pour créer de nouveaux chemins d'expression.
Il connait bien la loi de Borges: "L'art a besoin de symboles pour fonctionner." Pour cette
raison precise, les tableaux de Selgas sont à la fois fascinants et difficiles d'accès. Il n'est pas
à la recherche du choc mais pour la réflexion, comme dans l'univers de Borges où les êtres
se dédoublent, changent, et se transforment sans arrêt. Le but de Selgas est de nous faire
réfléchir tout en éveillant notre imagination. Les symboles de Selgas exigent un travail de
décodification que, nous, spectateurs et participants, devont entreprendre sérieusement.
Après tout, c'est la mission de l'art: émouvoir, impliquer, pousser les autres à agir, à
penser, et, pourquois pas, à créer eux-mêmes.
Dans une civilisation où penser est une activité souvent déléguée à un groupe de
"têtes-parlantes", l'art de Selgas possède un inevitable pouvoir d'attraction. Comme dans la
Cabale et les mystères du Moyen-Âge, ils fascinent ceux qui, comme nous croient encore à
la suprématie des pouvoirs intellectuels et esthétiques.
L'oeuvre de Selgas possède une force qui vient tout droit de la tradition culturelle
de l'artiste -un passé que nous portons tous en nous, c'est un simple réservoir de souvenirs
égarés. De là vient la consistance et le sens de ses tableaux -ce qui les transforment en
langage universel qui peut être compris par tous.
Le fait que nous puissons apprécier cette exposition de Selgas à la "New World
Gallery" à Dusseldorf en Allemagne est un coup du hasard -celui de l'exil cubain qui nous a
donné tant de talents. C'est précisement parce que la culture de son peuple est si forte que les
tableaux de Selgas ont réussi à transcender les frontières physiques et qu'ils sont devenus des
objets de fascination.
Ce qui revient à dire que l'oeuvre de Selgas est surtout une enquête sur la poursuite
d'une langue ideale, locale et universelle.
New York, Août, 1995
72
Opposite page: Alabi III, 1992-93
Presents from Heaven, 1994
Vuelo de quimera - A volar chiringa, 1994
Cepp Selgas :
DREAMER, MAGICIAN, PAINTER
by Gustavo Valdés
Two elements are immediately visible in the paintings of Cuban artist Cepp Selgas: the
amazing quality of his drawings, which shows a conspicuous passion for deconstructing
figures, and what poet Reinaldo García Ramos has called "his reverential attitude."
The first facet shows, among many other things, Selgas' solid formation in his
native Cuba, which no doubt belongs to a longstanding artistic heritage. For this painter born
in Cienfuegos --a city from which many distinguished personalities of Cuban culture have
emerged-- an image is something to be deconstructed, to be fractured, and constantly
re-created.
His ability to generate new forms is astounding. Many of them border a fearless
Surrealism and, at the same time, a Geometrism that gives them very peculiar features.
Perhaps Selgas' paintings are somehow the product of that growing movement which refers
to the unbelievable, the absurd, and the fantastic; which has been identified by some scholars
as Realismo Mágico (Magical Realism). Given these peculiarities, it is not hard to understand why they look so attractive.
To explain such magnetism, perhaps it would be convenient to recall an episode
that, albeit probably apocryphal, may have something to do with all that. Some claim André
Breton once said that Cuba was too surrealist a country to live in. Selgas demonstrates how
powerful the influence of dreams in contemporary Cuban art is -well beyond borders and
ideologies.
The second important characteristic in Selgas' art is his secularization of things
religious -that deep and intimate respect he seems to feel for the images that are part of common people's iconographies and devotions. In this exhibition, with his painting "My Fortune
Teller" the artist succeeds in an attempt to describe the Caribbean's people strong belief in
destiny and the supernatural. The painting is also a deserved tribute to Antonia Eiríz, a giant
of Cuban art, and a woman of extraordinary human values who marked Selgas' career as a
painter.
In his hands religious elements acquire an ambivalence that turns them into secular
things, linking themselves to the environment once they have been stripped of their sacred
nature. Selgas knows how to make them into daily artifacts, into objects we can all recognize as our own.
Selgas' art liberates a great wealth of lyricism, emotion and sensuality. These elements are well connected to the rhythm, movement, and cadence; to the way Caribbean people feel and act. Some critics and scholars have referred to the intensively narrative character
of his works -a character which generates a unique atmosphere.
Opposite page: My Fortune Teller (A la memoria de Antonia Eiríz), 1995
77
Los seres queridos, 1994
Virgin of Charity with Many Angels, 1994
In contemporary art, where there is an abundance of those who confuse innovation
with originality, there are many cases of artists who satisfy themselves with a perishable,
ephemeral "product", with no intent to endure. They are those who are less interested in
communication --which, whether we like it or not, continues to be a critical milestone of
art-- than in startling the viewer.
Selgas does not use the service door to show his work. Neither he needs to appeal
to a cheap folklorism -so much in vogue- to transform the elements of Afro-Cuban cultural
heritage into lively, new dynamic images.
Life's diversity and mysteries appear in Selgas' works with a candor that harks back
to his childhood. Perhaps from that period comes the Cuban artist's fascination for palindrome -for all that can be read backwards. In those "capicúas" of images, Selgas, as Jorge
Luis Borges used to say, looks for "labyrinths, antithesis and emblems." They are the great
contradictions of which life is made.
And just as the great Argentine writer had discovered, images break up and bend in
infinitive mirrors, acquiring those unexpected dimensions usually reserved for children.
Because, as it was so well expressed by García Ramos, the artist "keeps alive the
alternative of other quests", which deliberately separate themselves from conventionalisms
and set up their own, profound freedom of expression.
He knows that, as Borges said, "art necessarily operates with symbols." That's why
Selgas' paintings amaze and are not easy. He does not look for an immediate impact but
reflection -precisely because, as in Borges' universes, his beings constantly duplicate, change
and transform themselves.
In that process, he makes us think and awaken our imagination. Selgas' symbols
demand a decodification task that we, as spectators and participants, must undertake in
earnest.
In the end, that's art final mission -to move, to involve, to push others into action,
into thinking and, why not, into creation itself.
In a civilization that has so many frequently delegated thinking to a group of "talking heads," Selgas art inevitably attracts because, like in Cabala and mystery plays, it exerts
a powerful fascination over those who, like us, still believe in the supremacy of intellectual
and esthetic pleasures.
It has in it a strength which comes from the artist's cultural tradition -a past we all
carry in our minds but makes us much more than a mere accrual of lose anecdotes. It's what
gives consistency and meaning to his paintings -what turns them into an universal language
that can be understood even by those who are not in the same artistic meridian.
The fact that we can enjoy this exhibition of Selgas at the "New World Gallery" in
Düsseldorf, Germany, is due to a chance occurrence -that of Cuban exile, which has given so
many talents. Perhaps precisely because his people's culture is so strong, his works have
been able to transcend any contingent borders and have become a form of amazement.
Which is, hélas, like saying that Selgas' art is above all a quest in search of an ideal
universal language.
New York, August 1995
80
Opposite page: Black Moon II (Virgen de Regla), 1990 | Private Collection, New York.
Sor Juana Inés de la Cruz, 1999 | Collection Benjamin Ortiz, Ridgefield, CT.
Santa Teresa de Lisieux, 1999
EL PINTOR
y sus reverencias
por Reinaldo García Ramos
Desde hace algunos años, Cepp Selgas ha venido exponiendo diversas obras en las que
intenta, entre otras cosas, recrear las imágenes de la iconografía religiosa afrocubana.
Imágenes que él, como la mayoría de sus compatriotas, sin distinción de creencias, conserva en la memoria con la misma entrañable simpatía que provocan los retratos de los
antepasados.
En 1989 nos mostró su serie Virgin-Boat, inspirada en la figura arquetípica de
la Virgen de la Caridad, patrona de Cuba en la jerarquía católica. Las piezas de esa
serie consistían en trozos de lienzo doblados en forma de barco de papel, en el que la
deidad era el velamen mismo de la embarcación y navegaba junto a los tres pescadores
que, según la leyenda, ella estaba salvando durante una tormenta en el mar. Al volverse
un solo objeto indisoluble, los elementos de la imagen tradicional acentuaban su unidad
mítica, quizás debido a que adoptaban su aspecto más abreviado: los tres hombres (de
tres razas diferentes, pero todos llamados Juan) quedaban insinuados solamente por sus
ojos, pintados en el costado externo del casco de la nave; el pescador negro, por su
parte, era una franja vertical oscura de la que el pintor se servía para equilibrar la composición.
En esa ocasión, Selgas dio a conocer también su serie Tresjuanes, en la cual
una de las cuatro piezas trapezoidales que integran los marcos tradicionales se transformaba en el bote protegido por la Virgen, ensamblado alrededor o en el interior de un
bastidor sin tela alguna: la pintura cubría exclusivamente esa pieza de madera y se limitaba casi siempre a planos claros en los que se destacaban la misma franja negra y los
mismos ojos de los tres navegantes. Y en algunas de estas obras, el barco simbólico se
repetía: eran tres o cuatro botes que parecían escapar del marco central, ofreciendo así
una alusión a la experiencia política del artista, que salió de su país como refugiado en
1980, durante el éxodo desde el puerto de Mariel.
El procedimiento que el pintor utilizó para reelaborar la imagen y el significado
del bote de la Virgen y disponerlo de nuevo en un espacio personal le ha servido recientemente para aplicar su capacidad expresiva a temas más variados y ofrecernos ahora
una colección de poderosos íconos.
Nos encontramos hoy con una pluralidad de personajes religiosos transformados (incluso los tres santos católicos más reconocidos de Cuba: la Caridad, la Santa
Bárbara y el San Lázaro) y un conjunto de símbolos laicos casi sacralizados (como el
propio bote de Mariel y la bandera de los Estados Unidos). Al integrar estos últimos
elementos, puramente temporales, a un arte en el que los santos de su país y hasta las
entidades bíblicas parecen también modificarse sin abandonar por ello su índole trascendente, el pintor destaca que la palabra "religión" debe entenderse, en su caso, de manera
muy amplia, no excluyente, quizás ni siquiera referida a una determinada doctrina. La
etimología nos recuerda que la raíz latina religio quiere decir algo así como "volver a
vincular", o sea, establecer nuevas relaciones entre elementos que parecían alejados.
Por ello pienso que Selgas nos intenta introducir en un universo reverencial, donde las
dos vertientes semánticas de la palabra reverencia (la veneración y la salutación), se
combinan en una especie de saludo respetuoso a lo que no se había visto desde hacía
tiempo.
Opposite page: Jesus I, 1990
85
Pienso que esta actitud reverencial comenzó siendo una voluntad de preservar
los valores de la fe infantil, el entusiasmo y la fantasía que caracterizaban los juegos
recordados, sobre todo los juegos de los niños que a menudo, en países pobres y en
zonas rurales, tienen que imaginar juguetes a partir de objetos rudimentarios: dos tablas
cruzadas pueden ser una espada o un avión; un papel doblado con astucia se convierte
en sombrero de piratas o en un frágil bote.
El concepto que Selgas tiene del espacio pictórico podría originarse en esta
costumbre de disfrutar las figuras lineales, escuetas, resumidas, y disponerlas de manera
tal que contribuyan a establecer la ausencia de ciertos elementos a los que sólo la imaginación puede conceder un contorno efectivo. Por eso reduce las formas originarias a su
enunciación mínima, para dejar entre ellas un vacío que se carga entonces de significado. En la serie God Bless America, los ángeles acuden a proteger espacios azules, profundos, que al principio parecen indefinidos, pero que en realidad son estrellas, es decir,
una serena referencia a la bandera norteamericana y por ende a las circunstancias en que
ahora vive el pintor. En Santa Bárbara, los ángeles de alas rojas perfilan espacios blancos que son caballos de la virgen guerrera.
Este sistema expresivo se irá volviendo más sutil. En varios de estos cuadros,
determinados elementos figurativos adquieren la facultad de invocar otras entidades
menos sospechadas. Así, en los cuadros sobre la Virgen de la Caridad los dos temas primarios (la santa y la embarcación que ella protege) llevan implícita la presencia impalpable, pero ubicua y promisoria, del espacio abierto, es decir, de la libertad. La cinta
que adorna las litografías tradicionales de esta Virgen cobra una proyección inusitada:
su forma cambiante, al ondular, expresa el espacio que la rodea; la cinta está suelta en el
viento, recalcando que el espacio es la libertad objetivada. En otras obras, el espacio
como vía disponible aparece de manera menos disimulada: en Open Sky, los ángeles
soplan para despejar las nubes que los ocultaban y permitir así que nosotros los contemplemos.
Si la salida del marco en los Tresjuanes era una tentativa de escapar para existir
e imaginar, el pintor sentirá ahora que, gracias a la libertad obtenida, las imágenes conocidas pueden fragmentarse, ponerse derechas o invertidas, repetirse como módulos en un
espacio exterior que nunca se acaba. De este modo, Selgas nos entrega sus vírgenes
convertidas en triángulos, integradas a cenefas extrañas, en cuadros que nunca podrán
reingresar a un rectángulo convencional. Y en Alabi, la cabeza coronada de la Virgen de
la Caridad descuella por encima del espacio cuadrado, tal vez para enfatizar que sus
poderes son mucho mayores, y no sólo los que ha demostrado al proteger la apoteosis
narrativa cubierta por su manto.
En ese espacio sometido a las potencias afrocubanas, y a la bandera que los
ángeles custodian, el bote mítico está siempre presente, sugerido por un óvalo y un
rombo, o por un espejo que podría ser agua para huir. Sin permitirse aceptar pasivamente la configuración establecida de las imágenes protectoras, el artista se sigue reservando la alternativa de otras búsquedas. Como si recalcara que toda imagen solidificada, establecida, constituye un estatismo parecido a la carencia de libertad, mientras que
en el espacio invisible están siempre las posibilidades de renovación y escapatoria, los
fragmentos que faltan al paisaje demasiado conocido.
En momentos en que ciertas escuelas destacadas del arte actual parecen orientarse hacia la "fealdad" expresionista, hacia una especie de mitología agresiva, donde los
únicos gestos significativos son los de la crueldad, la incredulidad y la venganza, el universo que Selgas nos propone contiene en cambio acercamientos posibles a una expansión interior, con su carga de angustia y desamparo, pero sin corrosivos recelos o soberbias.
Al insertar en su obra un conjunto de entidades que apelan a las posibilidades constructivas
del espíritu (espíritu en el que, sabemos, coexisten tanto símbolos laicos como sagra-
86
Jesus II, 1990
Jesus III, 1990
Jesus IV, 1990
dos), el pintor se pone del lado de quienes confiesan tener algunas esperanzas y ansían
que la criatura humana se despoje de la alienación y la violencia innecesarias.
Y es fácil ver que esta obra no está desprovista de temeridad o dramatismo. En
la serie de cuatro crucifixiones (Jesus, I al IV), Selgas abandona la obvia seguridad que
le daba el manejo de sus propios mecanismos conocidos y traspone el umbral que lo
coloca ante las imprecisiones esenciales de la más informada pintura contemporánea.
Estos cuatro cuadros de factura prodigiosa constituyen, a mi juicio, las realizaciones
más deslumbrantes de este pintor. Aquí están todos los procedimientos conquistados en
sus obras anteriores, pero también el salto al vacío, el despojamiento desde el cual, al
evocar a Jesucristo, asume a plenitud su propia necesidad de amparo existencial y de
consumación estética.
Bajo pátinas oscuras, cuarteadas, rayadas, que evocan láminas antiguas de
metal oxidado, abandonadas a la intemperie, transcurre la escena del sacrificio, de la
cual sólo alcanzamos a vislumbrar mínimos detalles. Los espacios vacíos completan la
cruz, al tiempo que la ocultan. Dos manos confluyentes podrían ser las de los dos
ladrones, que buscan a ciegas el cuerpo del inocente para completar la imagen dolorosa.
Más allá, desde dos marcos huecos escapa el brazo sangrante del martirizado, que pronto vuelve a quedar oprimido bajo otra capa monstruosa de herrumbre, de asfixia, de
delirio. Ese aplastante espacio degradado ha crecido sobre la voluntad de redención,
está a punto de convertirse en la totalidad del cuadro; busca ocultar, pero de algún modo
perpetúa, el gesto supremo del fundador del cristianismo, cuyo rostro inflexible nos
observa aún con pesadumbre.
Decía Thomas Merton que hay ateos que luchan contra Dios y ateos que
proclaman creer en él, y que ambos tienen en común el odio a la vida, el miedo a lo
impredecible. Con lo cual sugería, sospecho, que debe de haber personas cuya fe sea
tan amplia, tan arrolladora, que incluya cierta inusitada forma de ateísmo, con la que el
creyente pueda descubrir sin cesar nuevos aspectos de la Divinidad. Si existe ese ateísmo, tiene que ser muy similar al amor que todo artista siente por la vida en permanente
transfiguración.
Al contemplar las crucifixiones de Selgas, donde parece plasmarse esta interpretación mía de lo dicho por el gran poeta norteamericano, los segmentos que faltan en
la figura de la víctima nos fuerzan a pedir que todo el cuerpo vuelva a estar presente, es
decir, que ninguna forma posible de la fe se nos escape, mutilada por limitaciones dogmáticas, para que podamos ir por fin a una era de creadora hermandad, en la que artistas
como nuestro Selgas sigan pintando.
Mayo de 1990
90
Opposite page: Babalú, 1990 | Private Collection, Dallas, Texas.
SAINTS MADE OF PAPER;
SELGAS' RESPECTFUL GAME
by Reinaldo García Ramos
When Cepp Selgas was a two-year old child in the town of Cienfuegos (Cuba), his brotherin-law made for him a wooden sailboat that became, in the artist's words, "the dearest toy I
have ever had" . It was just a toy, much larger than the little boy who owned it and who
was maybe unable to carry it by himself, but Selgas received with that toy the magic clues
that were going to lead to his magnificent art many years later. In a picture taken at that
time (1953), the boy sits quietly on the prow and looks at the camera with an expression of
defensive ownership, which seems to mean: "This boat is mine, it's the most beautiful one
in the world, and don't you dare to take it away from me!" Two years later, however, the
boat was lost in a flood and Selgas never saw his favorite toy again. That episode, firmly
rooted in Selgas' mind, was going to give him some of the basic components of his work as
an adult artist.
Since his Virgin Boat series of the late 80's, in which the Virgin of Charity became a
paper boat without losing her mysterious powers as a religious icon, Selgas (who has been
living in the United States since 1980) has continued exploring the relationships between a
variety of sacred images and the changing world of his own fears and dreams. Most of the
holy images used by him come from the Afro-Cuban mythology (in which Yoruba gods
interact with Catholic saints); the fears and dreams come from his childhood and early
years (including the loss of his cherished boat) and from his experiences in exile. But he
does not revisit those symbols, saints and dreams directly or to express an obvious nostalgia; his attitude is closer to the amused guessing of a child who, in a respectful way, tries to
find variations to the rules of an old game.
In recent years, that exploration of sacred orders and profane disorders has been
becoming the main focus of Selgas' work. His art seems now to embrace and reunite, more
than ever before, a selected group of religious images or sacred characters, on one side, and
the non-dramatic transformation of their values and meanings, on the other. The Virgin
Boat series had made it clear already: the author wanted primarily to establish a link
between the mythic character of the Virgin, a permanent identity in a universe of faith (she
rules over the rivers and seas), and the perishable boats that many Cuban children build out
of a simple sheet of paper with the only purpose of playing for a while. Needless to say that
the boat in itself, as a navigational concept, acquires also a down-to-earth and very practical
prestige for all those who leave or have left Cuba on a raft or by sea in general.
That basic interaction between the religious identities of some venerated images and
their respectful redefinition is present, with splendid strength, in a new series of pieces that
Selgas recently unveiled: a group of some 10 or 12 sculptures of saints taken from the
Catholic tradition. Exhibited together with a group of bi-dimensional paintings made in the
traditional way, the sculptures are masterfully crafted in a single sheet of paper which has
been folded and painted. The paper thus gains the delicate firmness of clay, and the saints
become cherished "toys", respected characters of a legend; they irradiate timeless power,
but also temporary weakness. They come from the same universe that the Virgin Boat
series had announced ten years earlier.
Opposite page: San Sebastián, 1999
93
Virgencita, 1999
Virgencita del Cobre, 1999
Series Babalú, 1999
Santa Bárbara Bendita V, 1999
Some of the catholic icons that Selgas had included in his previous paintings
are now revisited. Thanks to the new medium, they seem to absorb in the artist's hands
a redefined body that is at once invincible and very fragile. On the other hand, the
fact that these images are tridimensional allows us to look closer at their other attributes and secrets. Santa Bárbara, for example, does not surrounds herself with horses
and a castle tower, emblems of her force, but is seen barely able to stand, almost
frightened, on a pair of minuscule feet that remain covered by her red cloak (Santa
Bárbara Bendita V, acrylic on folded paper). And San Lázaro, who was a strong and
charming old man in a 1990 dyptic (Babalú, oil on muslin), becomes a doubtful and
weakened punisher who now warns us in silence.
Selgas invites also to this game of faith other entities that he had not explored
before: we find a San Sebastián who accepts his destiny and enjoys his arrows with
classical stoicism, but keeps in his face an expression of deep fear. Also, Santa Teresa
is presented under a gracefully folded cloak, covered with white roses: her open arms
and her inclined head create an empty space full of maternal love that attracts viewers
in need of spiritual support; but again, the weakness of the paper reminds us that she
could not sustain all our pains.
The pieces on canvas included in the show of April 1999 respond to the same
rule: the objects of faith interact with our immediate world in a system of spiritual
search and playful disbelief which has become the imprint of Selgas' work. In one of
those paintings, a piece on paper entitled La virgen de la cueva, Selgas brings back the
Virgin of Charity and places her in a revealing attitude. The feet of the Virgin are
caught, as in an instant photo, in the very moment in which they are going to touch the
waters. She will be soon the goddess of those waters, but not yet. We still can look at
her as a secular image: she is not yet the eternal Mother who, in theological terms,
could save us with her love or doom us to hell forever. She is in herself, in that specific moment, a combination of holy proposals and human incapacities, and the very
instant of her indecision is captured splendidly.
In a similar way, the saints made of paper which were included in that show
seem to be familiar gods in transition. They have a kind of unresolved ambiguity: as if
they were about to become a powerful deity, but were looking also for something else.
That inner lack of definition seems to fit well all Selgas' images, but the special instability of these sculptures comes mainly from the material that the artist used: simple
paper.
Only paper is needed to evoke you, seems to say Selgas to his old-time saints
(which means, ultimately, his transformed toys); only this sheet of paper, lovingly
folded and patiently painted by me, the artist seems to add, is enough to express a true
feeling of veneration and, at the same time, to stress the uncertainty in which human
beliefs are immersed. In the realm of transitions and brief gestures where we live,
under which all things owned or preferred are destined to vanish, the weightless saints
brought to us by Selgas have the most solid presence that we could possibly imagine.
New York, January 2000
96
Santa Teresa de Lisieux, 1999
primera parte
GV: ¿Siempre quisiste ser pintor?
1992
CS: Aunque la opción por una carrera artística se miraba con recelo en las familias comunes
de mi época infantil, el rostro de mi madre se iluminada cuando se enteraba que mis dibujos
eran seleccionados para ser llevados a grandes proporciones en la pizarra de la escuela a la que
asistía. (Creo que esta actividad fue la que más me acercó a la especialidad del muralismo, manifestación que detesto hasta las nauseas, ya que detesto el muralismo mejicano porque está ahí
para recordarme el arte dominado por la mentalidad comunista rusa). Bueno, de vuelta a mi
madre, pienso que esto tiene un poquito más de raíz. Por alguna extraña razón, mis primeros
pensamientos (que yo recuerdo), iban y venían en torno a una canción infantil de moda en esa
época que insólitamente se repetía una y otra vez con "…y si esta historia no te parece larga, y
si esta historia no te parece larga…la volveremos, la volveremos a empezar…había una vez un
barquito chiquitico…" Bueno, como magia, la letanía de esta canción hacía a mi mamá coger
lápices y papeles e invitarme a dibujar juntos. Así ella me dibujaba palmas, montañas y mujeres
hermosas sentadas en taburetes, quizás con la intención de destrabarme de la cadena mental en
la que me tenía la "dichosa canción". Aún conmigo conservo uno de sus dibujos, una niña cabalgando una chiva, del año 1959. Así que dibujar se convirtió en mi favorita y más importante
actividad, hasta el punto que desde tan temprana edad ya todos en la familia y en la escuela
aseguraban que yo iba a ser pintor.
GV: Tus artistas favoritos de siempre, tus influencias…
CS: Mi primer favorito fue Giorgio de Chirico. Me pasaba horas en la Biblioteca de
Cienfuegos mirando sus libros, fascinado por lo metafísico en su pintura. Magritte es mi favorito
surrealista, siempre me ha parecido que sus ideas son mejores para el surrealismo que las de
Dalí. Cuando tenía alrededor de 25 años de edad conocí la pintura de Gustav Klimt, y es hasta
ahora mi mas genuina inspiración. Considero que en Klimt el juego con lo "bello" va más allá
de lo preconcebido como agradable a la vista. En su pintura lo tremendo y dramático convive
con lo aparentemente decorativo. Indiscutiblemente fue un gran pintor. Su pintura ha trascendido
su época, y llegado a nuestros tiempos con la aprobación y el deleite del público y de los
grandes museos que codician la rentabilidad de una exposición del austriaco. También en mi trabajo, y en especial en mis dibujos, sigo el juego visual y la ingeniosidad modular de M. C.
Escher, alguien que cuesta mucho trabajo tenerlo como inspiración sin llegar a copiarlo. Yo
cuido mucho de encontrar mis propias soluciones en una tendencia prácticamente cerrada de
inmediato, ya que es muy difícil ser un adepto. Mis especulaciones en su campo son mi mayor
reto y orgullo. (Esto nunca pensé decirlo, qué horror, no puedo mantener secretos). Una última y
controversial favorita es Frida Khalo, que a pesar de mi aversión por su pasión: el comunismo,
me ha entrado por los ojos directo al corazón. Nadie es perfecto.
GV: No sólo te has dedicado al dibujo y la pintura sino que al principio de tu carrera realizaste
tapices artísticos, y he advertido en tus catálogos varias esculturas, en especial tu Virgen-Bote y
una serie de ensamblajes, la mayoría de estos pertenecientes a las series Tresjuanes y God Bless
America, ¿debo pensar entonces en Selgas, el escultor?
Preceding and opposite pages: Sleeping Gipsy, 1991
101
“Cuando tenía alrededor de 25 años de edad descubrí
la pintura de Gustav Klimt, y es hasta ahora mi más
genuina inspiración. Considero que en Klimt el juego
con lo "bello" va más allá de lo preconcebido como
“agradable” a la vista. En su pintura lo tremendo y
dramático convive con lo aparentemente decorativo.
Indiscutiblemente, fue un gran pintor. Su pintura ha
trascendido su época, y llegado a nuestros tiempos con
la aprobación y el deleite del público y de los grandes
museos que codician la rentabilidad de una exposición
del austriaco”.
Cepp Selgas
The Kiss, 1992
“Selgas has conjured images throughout his
checkered artistic life where the leitmotif is
the conundrum of the baffling evanescence
of the sense of permanence that is subjected
perilously to change. Cultural references,
the presence of an absent homeland,
became recurrent in his work after his
abrupt departure from Cuba in the 1980
Mariel exodus. An exile is a person
generally bereft of personal belongings. In
his splendid Ofelia: Mapa sentimental de
una isla (mix media on paper and plexiglas,
1992) he shows the tenacity of the past
through a scavenger hunt of words and
images, an exile's scant mementos. The
Island's geography has for markers the
childhood photographs he asked his friends
to contribute alongside verses of Cuban
writers inserted as graffiti. The Island's
outline that mimics a tied foot is a rueful
evocation of the country's plight.”
Diana Álvarez Amell
January 2012
Ophelia as
an Island:
A Sentimental
Map
Ophelia as an Island: A Sentimental Map (Palindrome XXIII), 1992 |
Private Collection, Dallas, Texas.
CS: Creo que no, nunca me he considerado un escultor. Mi obra en esta área la considero pinturas
corpóreas o tridimensionales, fíjate que en todas estas piezas utilizo pintura. Son en su mayoría imágenes pictoriales, como un grupo de ángeles, o algún tipo de figuración. Incluso un buen número de
mis ensamblajes son pequeños bastidores cubiertos por lienzo y luego pintados. En el específico
caso de mis Vírgenes-Botes, te darás cuenta que son estructuras realizadas con lienzo doblado, y
luego pintadas. Con esta obra sucedió algo muy interesante y es que el Housatonic Museum of Art
de la ciudad de Bridgeport, en Connecticut, la adquirió para formar parte de su colección permanente de escultura. El pasado año, durante una muestra titulada "Escultura del Siglo XX:
Selecciones de la Colección Permanente" tuve la satisfacción de ver mi Virgen-Bote (No. 17)
expuesta junto a obras de muy importantes artistas como Zúñiga, Vassarely, Archipenko, Christo,
Marisol Escobar, Noguchi, Soto, Renoir, y Picasso, entre muchos otros. Creo que a través de la historia del arte, los artistas con mayores inquietudes no se han limitado al lienzo sobre el bastidor. En
mi caso, algunas ideas me vienen tridimensionalmente. Aunque no me considero un escultor, no
descarto la posibilidad de trabajar en esta área. En mi última exhibición personal, en la pasada primavera, en Chuck Levitan Gallery en SoHo, ciudad de Nueva York, incluí una instalación: una
especie de mapa de Cuba en forma de mujer, montado sobre cuatro plataformas que descansaban
sobre el piso de la galería. Esto no significa que mi obra se esté moviendo hacia el área de las instalaciones, tan de moda actualmente, sino que no pretendo limitarme por el simple hecho de considerarme un pintor. Si las ideas se resisten al plano, y se escapan de éste; entonces, sí que verás esculturas, ensamblajes, y hasta instalaciones.
Recepción de apertura en Waterfront Gallery, Gantes, Bélgica, 1993
GV: Comenzando en 1988 la Galería Génesis, en Chicago, representa tu obra de carácter religioso,
¿te consideras un pintor religioso?
CS: No, algo así como un individuo espiritual que pinta temas religiosos con respeto aunque a
veces con un poco de sátira, pero muy sutil. Yo tengo mis problemas con la institucionalización de
la religión, con el evento concebido como organización, como negocio. Pero creo que la espiritualidad se debe dirigir simbólicamente a iconos específicos, quizás porque yo soy muy visual, o porque
desde muy pequeño me han fascinado las imágenes de santos. De esto podríamos seguir hablando
hasta el hastío...
Drowning-Drawing, 1990
En la noche inaugural de The 13th Sign,
Jadite Galleries, New York, 2010
y 20 años después... segunda parte
2012
GV: A finales de los 80 introduces a tu obra la imaginería religiosa y haces uso del retrato en obras
como Like a Star (Retrato de Ernesto Briel) o tu propio Self-Portrait; dos décadas después estas dos
intenciones tuyas confluyen en la serie y exposición "Los hijos de los dioses"…
CS: En mi familia, el religioso, rayando con supersticioso fue mi padre. Siempre hubo un San
Roque (protector de panaderos) del lado interior de la puerta de entrada de mi casa; generalmente
con mundanas ofrendas de tabaco y ron. Mi madre, que nunca iba a la iglesia favorecía y cuidaba
con celo una bonita litografía (la clásica) de la Virgen de la Caridad; creo que por bonita y maternal,
más que por devoción católica. Lo digo porque su personalidad estaba conformada por una especie
de armonía y justeza, que le eran muy propias y ajenas a ser un simple producto de específica
denominación religiosa alguna.
Diversas, muchas otras imágenes religiosas pasaron por casas, paredes y mudadas. Pero
todas fueron desapareciendo, una por una después de 1959. Ya todos sabemos porqué.
Aunque el (otrora) abundante fluir de estampitas religiosas, perecía a causa del manotazo
rojo post 59; en mi formación artística reaparecían victoriosas de las manos de grandes artistas universales a través de la historia del arte.
Mira, no es la primera vez que respondo a esta pregunta. Pero si es la primera vez que
ahondo en una respuesta de más claridad sobre la intención sentimental, que le atañe.
En varias ocasiones he dicho antes, que mi condición de Marielito impidió en 1987, desde
USA, poder visitar en Cuba a mi madre enferma en sus días finales. Y que debido a esta triste frustración pinté mi primera virgen de la Caridad con la cara de mi madre. Un ensamblaje a partir de un
pedazo semicircular de una mesa tirada en la calle, al cual atornillé un barquito-juguete de madera,
pegándole tres fotos recortadas; la mía, la de los artistas Ernesto Briel, y Juan Bosa, como los
Tresjuanes. La pieza (Virgen de la Caridad con tres Marielitos), llamó la atención del crítico de
arte, Giulio V Blanc y fue donada por este al Museo Cubano de Arte en Miami, el de la época y la
bomba.
En general, tuve una peculiar formación religiosa en mis años pre-escolares de parte de una
señora vecina Susana Miranda, espiritista y muy amiga de mi madre, que voluntariamente me cuidaba junto a mis hermanos en varias ocasiones que mi madre enfermó. Aprendimos el Padre
Nuestro, el Ave María y la Plegaria a Dios del poeta Plácido. A veces me he referido a ella como
'mi nana negra', con cariño.
Años después, ya como estudiante de la Escuela Nacional de Artes-Cubanacán, aprendí
sobre la religión afro-cubana por parte de amigos estudiantes de danza moderna. Y a mediado de los
70, cuando trabajaba para los Medios Audiovisuales del Ministerio de Educación, conversando con
una compañera de trabajo, supe de la existencia de una deidad afrocubana, llamado Ossaín de un
pie, representado con el color verde de la vegetación, por ser dueño de la flora. Mi fascinación con
esta especie de 'medio pollito-santo', resultó en mi serie Fragmentos de Ossaín de 1974.
Lógicamente el no haber sido un practicante católico ni iniciado en la santería tampoco;
hizo de mi al ambivalente respetuoso de sus misterios que trato de reflejar en mi producción artística sobre el tema. Por esa razón; al retomar los temas afrocubanos en mi serie "Los hijos de los dioses", escojo una aproximación sincrética como lenguaje formal, evitando recurrir al manido recurso
de simbología afro-cubana a partir del original y tan valioso arte africano. Mi propuesta (retratos)
para esta serie de dioses del Panteón Yoruba estuvo basada en individuales acuerdos con diferentes
amigos: producir cuadros donde los atributos simbólicos como 'hijos de determinada deidad' iban a
conformar una obra más allá de sus retratos. Por eso, Zoé, hija de Oshún; Domingo de Montejo,
hijo de Obbatalá, etc.
109
En su estudio, junto a Now You See It, Now You Don’t, Union City, New Jersey, 2000
Tres exposiciones personales:
Chuck Levitan Gallery, SoHo, New York, 1992
Agustin Rivero-Mayo Navarro Gallery, Coral Gables, Florida, 2000
Ars Atelier, Paris, 2010
GV: Con algunas excepciones, trabajas en series, ¿qué te lleva a esto?
CS: Desde hace poco más de dos años, mantengo un discurso a manera de fragmentados monólogos en mi selgasart.blogspot.com (portafolio), donde he tratado de explicar mi arte desde sus estructuras formales. Usando el termino Dilogía (Figura de repetición basada en la ambigüedad o doble
sentido), pude conectar el arte que estaba haciendo como preámbulo orgánico a la obvia influencia
desde mi encuentro con M.C. Escher, como fenómeno consiguiente. Sé que soy producto del niño
que fui; embelesado con las insinuante formas en las nubes, descubriendo monstruos en manchas de
viejas paredes o auto-hipnotizado con el juego de fondo-figura de las losas del piso de la casa de mi
abuela materna. Los intrincados diseños geométricos, arábigos, de las losas granadinas, que inspiraron a Escher en su 'humanizada' interpretación figurativa (de lo que era prácticamente abstracto),
son las mismas de muchos pisos y cenefas en la arquitectura colonial cubana. La denominación
tessellation, nos sintetiza el fenómeno del juego visual dado por múltiples formas o la misma en
repetición; compartiendo contornos comunes hasta el infinito, en una danza visual de fondo y figura
con progreso simultáneo
El colmo del juego-engaño dentro de mi obra ha sido el hecho de dar una apariencia disparatada como cuerpo total, al ojo desprevenido. Doy gracias a las observaciones de Roger Salas y
Eduardo Manet en las que alertan sobre un sostenido eje conductor.
En mis primeros dibujos, Bloque motociclo, Zapatero-Zapato y Don Quijote infinito; publicados en la revista Signos (internacional), practiqué la osadía y regocijo del artista de 23 años emulando con un reconocido y universal genio de las artes visuales. La digestión posterior de las reglas
de ese juego, las he aplicado con mayor o menor obviedad dentro del contexto de lo que podría llamar 'mi obra'. Junto a los dibujos ya mencionados con solución de atractivo tablero tessellation,
fueron publicados también otros donde a primer golpe de vista aparecen formas de índole figurativa
pero que realmente están subrogadas a la forma geométrica de la estrella pentagonal. Esa estrella
invisible y visible a la vez, aparece en casi todo el grupo que conformó mi obra de los 80.
La posibilidad geométrica que da el manto de nuestra Virgen de la Caridad, colmó de triángulos a muchas de mis piezas de esa serie, dándome también la oportunidad de volver a los planos
tableros de mis dibujos de los 70. Partiendo de la forma de los palos de bastidores prefabricados
(como perfiles de barquitos), me inventé la serie de ensamblaje Tresjuanes; que dio lugar a mi
extensa obra de óleo en papel denominada Cooper Sea.
Dos triángulos encontrados en forma Z, son el centro base de las bocas abierta de una
cabeza bifurcada con un doble grito imposible, en mi serie Palíndromes de los 90, y reflejan el
drama de la muerte en crescendo de tantos seres queridos en época.
Mis aventuras cubanizando las infantas españolas, justificada por nuestra habanera calle
Infanta, quedan compactadas por sus contornos como de reloj de arena, en un embotellamiento Ying
& Yan. Lo que me ha servido para enfatizar el lamentable deterioro de esta famosa calle habanera
en particular, pero como símbolo general de los estragos del comunismo en toda la desdichada isla
de Cuba. También, dentro del tema Infantas realicé un grupo titulado The Eye of the Beholder para
una exposición con el mismo nombre, donde a través de una comunión póstuma, con reconocidos
elementos tomados de la obra geométrica de Ernesto Briel; asumo el gran formato y mi mayor rigor
técnico con piezas como Now You See It, Now You Don't (la primera de las dos obras, un tríptico
tamaño mural) y Now You See It, Now You Don't II. Una tercera obra, Clepsydra, completa esta
serie de formato 'mayúsculo'.
Nature Actually es un grupo de piezas, donde intento adentrarme en un anti-paisaje de elementos paisajísticos. Con fuerte presencia geométrica.
En cuanto a los zapatos y números, son una especie de vuelta al tablero tessellation, donde
cada vez que termino una pieza, me digo en voz secreta…Escher nunca hizo zapatos o números.
Todo un divertimiento privado.
112
GV: "La pintura no es literatura" te dice Antonia Eiríz en la época en que eres su alumno…
CS: La insistencia de separar las artes visuales de la literatura con la intención de preservar la
intrínseca mudez de lo pictórico fue batalla semi-perdida desde el Romanticismo. Quizás y con el
arte alegórico en general, rematado por el Surrealismo de las vanguardias artísticas del siglo XX, y
ahora con el actualísimo y fundamentalista 'anti-arte' de lo conceptual en boga. El concepto como
extremismo impuesto por los propios artistas, que a su vez, fueron formados por instituciones artísticas, por talento y habilidades manuales, pero que reniegan de su arte, pero no del privilegio de ser
considerados artistas. Es un acertijo o trabalenguas casi ridículo de concebir. Pero ahí estamos.
Yo creo en el respeto a todas las libertades imaginadas dentro del arte (pose anti-arte incluida),
siempre que ninguna trate de ser impuesta como verdad absoluta.
Por ejemplo (contestándote ahora), mi antigua profesora Antonia Eiríz reconocida como una
de nuestras artistas más destacada dentro del vísceral arte expresionista, me alertaba sobre el peligro
de distraerme dentro de una específica tendencia artística durante el momento crucial de mi formación total como artista plástico. Una fuerte base de diseño, el estudio de la relación entre forma y
fondo, y todos los fundamentos que conformarían el completo desarrollo de mi potencial artístico
antes que caritas boquitas y manitas. Ella jamás impuso su preferencia de estilo a ninguno de sus
alumnos.
Night Angel, 1990
"This painting is yet another marvel of Selgas' style which,
step by step, in an exemplary process of plastic maturity,
it has crystalized in a particular, very personal manner of
painting and of seeing the world through his paintings.
When a few years back he did the poster for the
Miami Ballet Festival, I was able to confirm that Selgas
had already arrived to artistic maturity. Furthermore, the
elegance and subtlety in his allegories and symbolism,
place him at the forefront of contemporary Cuban art. His
humor cannot be overlooked nor can we ignore how he
manages to include it in all of his work without resulting
in stridence. It should be obvious that aside from liking his
work I think he is a Cuban artist to take into serious
consideration. I always encourage him to pursue the line of
portraiture, which he conceives with enormous
complexity; the ultimate test for a figurative painter.
Portraits that rather than being painted are embroidered by
the artist's hands (Mrs. Helen Canning's portrait
is one of these examples)".
Roger Salas
Portrait of Mrs. Helen Canning, 2000 | Collection of Dr. Mark A. Canning, Guttenberg, New Jersey.
"…en Selgas el doblez de la imagen
llega a ser enigma igualmente filosófico
y llevado a la ejecución del arte
con la seguridad de no haber dejado
ángulos a las pupilas mal intencionadas".
Rafael Román Martel
Bill fumando, 2012 | Collection of the artist, New York City, New York.
2000s
La casa de Agayú Solá, 1998 | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
Preceding page: Yo, Obbatalá, 2000 | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
Children
os
Lof the
Gods
hijos
Children
de los
of
the
ioses
Gods
d
SELGAS:
LA ARMONÍA DE LA EMOCIÓN
por Zoé Valdés
Resulta curioso abrir un álbum familiar y contemplar a esos seres arrebatados
del olvido, en sus rostros reflejan el enigma de la identidad subterránea. La
esencia que conocimos de ellos es menos seductora que la sustancia que imaginamos fluyendo de sus recuerdos. Sin embargo, si las sienes laten afiebradas
ante las imágenes de la locomotora de la vida, más impresionante es enfrentar
rasgos sanguíneos, hieráticos o lujuriosos, en la profundidad del óleo. En varias
ocasiones de tanto observar un cuadro el espectador puede llegar a parecérsele.
Por deseo enfático, por extraña impulsión intuitiva, por enervamiento de los
sentidos, recalando siempre en la sabiduría.
Selgas es el Fayum cubano, pero extendido al cuerpo, lo que diferencia
a aquel ignoto pintor del Egipto Medio, posible autor de los bellos retratos
greco-egipcios; de Selgas es el origen del calor y de la luz, también el espesor
de la arena. En Selgas advertimos una luminosidad sudorosa, arena fina como
polvo de arroz maquillando las facciones, fuego aristocrático, leche tibia y
natosa en el manto de "El origen de todos los enigmas", Obbatalá, gasa de ternura a través de cuya tela se filtran sus misterios.
Desde luego, la obra de Selgas es barroca, surgida de aquel altar, desde
donde se fundan y se fugan las sensaciones, que es el inmenso Malecón
habanero, donde Yemayá, "Notre Dame de l'Eau", andrógina, encandila a los
paseantes recostada a una concha marina con el cráneo rapado y el indigo jaspeando en posición de configurar la protección maternal moldeando el ombligo
de la inteligencia en la licuada irrealidad del océano. Fayum retrataba la realidad
de una expression encerrada en sarcófagos, sus personajes probablemente cotidianos devinieron en semi-dioses gracias al peso enterrado de los siglos. Selgas
retoca perfiles a las deidades, se atreve a identificarlos con la gestualidad irrelevante de los mortales, e involucra la carne rodeada de artificios.
Y ya son antiguos sus retratos, en una parodia elegante del clasicismo,
de los retablos laberínticos donde bulle el color amarillo. Allí donde cierta
dama, desnuda de torso envuelta en un manto perpetrado en orégano, es acunada encima de una media luna muy fina, cual sonrisa plateada, desde donde
asciende el trono del latido, la metáfora telúrica del pubis. Ella hunde sus dedos
en el espejo ondulante, como si intentara atravesar el azogue a la velocidad de
las alas de la mariposa. Estamos ante "Los juegos prohibidos de Oshún", y el
guiño sensual es nada más y nada menos que el equilibrio esculpido entre identidad e imagen, suspendida su gracia en la cuerda floja de la eternidad.
Hace algunos años entré en el templo de Selgas, es decir, en su casa, o
en aquel apartamento en Manhattan que compartía con el espiritual Ernesto
Briel, también pintor cubano. Yo iba de la mano de mi hermano. Ir de la mano
de un hermano es aproximarse a Ynaca Eco, el personaje de Oppiano Licario, la
segunda novela de José Lezama Lima. Recuerdo lo que bebí en aquel mediodía
caluroso, una cerveza espumosa en un vaso floreado, igual a aquellos vasos que
Opposite page: El origen de todos los enigmas, 1999 | Private Collection, Dallas, Texas.
123
abundaban antes en la isla y en los que las abuelas brindaban limonada con
hielo picado. Briel, el mental, hacía preguntas bamboleando la pierna cruzada,
la vista clavada en un punto que era yo en apariencia, pero no era yo en presencia. Selgas bailaba en su mutismo con aquella serenidad de sus ojos achinados,
o risueños. El silencio es su vals. Me parece que atravesé un pasillo, y hasta una
cocina, en realidad yo iba levitando montada en la emoción de la intriga, y al
final había una cama empotrada en un espacio alto y nacarado. Aquellos hombres se habían construido un altar, o un nido, o un nicho para amar y dormir.
Amar y dormir constituía un acto sagrado para ambos. El eros-sueño. Yo siempre busco en cada artista su detalle íntimo, supongo que el de Selgas sea fijar
los párpados leteicos del prójimo en la almohada mullida por la mascarilla de
muerto viviente, después de la caricia en la ingle. Aquella casa era un anticipo
del pulposo caimito morado a que hace referencia, en color y forma, en la otra
casa de su cuadro, "La casa de Agayú Solá"; donde, preciso, las manos del hermano conforman el soporte del inicio del pene, vellos pudorosos cual cresta
erizada de plumas en la cabeza del gallo. La capa ajustada al cuelo del icono
representa la sedosa aspereza de la fruta aterciopelada en su acentuación vaticana.
La desnudez púdica y a la vez encendida del diablillo aparecido en el
oleo "Sobre el bien, el mal… y una isla", autorretrato audaz debido a la sinfonía
malévola de su ambiente, el candado encerrando la mueca del mentón, los cuernos de sátiro, o de cabra que tira al monte, el tapíz bordado de sexos masculinos
como cruces cristianas. Y ese peso sobre las espaldas, reteniendo con la fuerza
que sólo el hombre es capaz de sostener, la tragedia que no conseguimos
averiguar si es fiera o isla, aunque siempre símbolo del sacrificio. Un cuerpo
perfecto que se da, gozoso, pero maltratado, pareciera que danza, ya no un vals,
si no al compás de la ceremonia de una tribu remota, extinguida en la memoria.
Vigilado por la cabeza esquinada, luciendo un tocado blanco y la sádica ironía
del voyeur en el rictus del labio inferior. Aunque ahí también adivino a una
autoridad eclesiástica acuclillada ante Santa Bárbara, o al babaloche, cura santero, bufando buches de aguardiente encima de la túnica de Changó.
Aparte de Fayum, muy en la distancia poética, y aquí apelo al azar concurrente lezamiano, Selgas es un pintor sin parecidos, sin dobles, porque él es su
propio doble. Su obra es un hummus y un summum. Un exceso que nos invade
el recuerdo con el jugo erótico y la mordida onírica. Es la esencia que asciende
como el humo del volcán al rato del aguacero. Mirar intenso a las paredes blancas es profundizar en los espejos. Y de ellos emana una reminiscencia a lirios, a
gladiolos, a rosa pálida, a girasol, a todo eso que somos: Espíritus arrullados por
aromáticas ilusiones en la vasta y armoniosa naturaleza.
París, 30 de Julio de 1999
126
Notre Dame de l’Eau, 1998
"And his portraits seem to come from another time. In an
elegant parody of the classic, his labyrinth-like portraits swirl in
yellow. There, where an oregano infused mantle envelops a
certain lady, her torso nude, a crescent moon as fine as a silvery
smile cradles her, as a mighty throb ascends enthroned, a telluric
metaphor of her pubis. Her fingers sink in the undulating mirror
as if trying to cut through quicksilver at the speed
of a butterfly's wings.
Before us is Oshun's Forbidden Games. Its sensual wink is
nothing short of a balance struck between identity and image,
its grace suspended on the tightrope of eternity.
Aside from the Fayum portraits, and here, with due respect, I
evoke José Lezama Lima's random concurrent, Selgas's
paintings are not similar to any other. He has no double, because
he is his own double. His work is a hummus and a summum.
The excess overwhelms our body in its erotic game and its
oneiric bite. The essence rises, as does smoke from a volcano
just after a heavy rain. To look intensely at the white walls
deepens the mirrors from which emanate the memory of irises,
gladiolus, sunflowers and the pale rose, and all that we are:
souls lulled to sleep by aromatic illusions in a vast
and harmonious nature ".
Zoé Valdés
Los juegos prohibidos de Oshún, 1998
Narciso, 2008
CEPP SELGAS:
pintor de aguas profundas
por Eduardo Manet
Al inicio de mi segundo exilio en París, allá por los años 1970, trabajé con un grupo de teatro
francés. Gente muy simpática, muy amable, muy generosa. Las comilonas eran frecuentes y el buen
vino llenaba sin cesar todos los vasos. Un sólo problema: el grupo estaba unido por un ateismo militante que se manifestaba cuando el alcohol subía a la cabeza.
La Trinidad, las once mil vírgenes, el Papa de turno…Todo servía de pretexto a bromas, a veces brillantes, a menudo, groseras.
Mi obra Les Nonnes (Las Monjas) se presentaba aún en el pequeño teatro Poche Montparnasse.
El grupo estaba convencido que yo debía ser un admirador sino de Satán, por lo menos del
"Anticristo".
Ahora bien, siempre he detestado los extremismos y los integrismos de todo tipo: político, religioso,
literario…
¿Mi arma para luchar contra las exageraciones de mis amigos ? Una frase. Una sola frase.
"Dios existe"
¿El vino era más bueno que de costumbre?
"Dios existe"
¿La jornada de trabajo había sido ejemplar?
"Dios existe"
¿La temperatura era tan acogedora que se podía cenar al aire libre?
"Dios existe".
Al principio, aquellos que no se daban cuenta del "humor cubano" de la frase utilizaban el método
francés de la lógica cartesiana para demostrar todo lo contrario. Es decir: la no existencia de Dios.
Al final, todo el mundo comprendió un poco el "relajo tropical" y se pensaba, inclusive, hacer una
obra colectiva titulada…
"Dios existe".
El tiempo pasó. La broma quedó atrás. Y, sin embargo, el subconsciente se manifestaba de vez en
cuando.
¿Un buen filme? ¿Un buen espectáculo de teatro? ¿Una conversación agradable? ¿Un día de verano
ideal?
"Dios existe"
Frase secreta que sonaba en mi cabeza, pero no llegaba a mi boca.
Marzo 2010. La pequeña, la muy exquisita galería Ars Atelier de la rue Quincampoix presenta la
exposición de un artista que no conocía: Cepp Selgas.
ARS es una galería de poche. Lo cual produce un tono particular a cada nueva exposición. Se crea
un va y viene entre el interior y el exterior. Sin olvidar, la excelente idea de Ricardo Vega: proyectar
un documental a través de la vitrina de entrada.
En la salita del interior se ven los cuadros. En la acera de enfrente (la calle es muy estrecha) está
buena parte de los invitados, copas de champán en la mano.
El artista de turno va y viene entre el interior y el exterior. Extraña relación entre el personaje del
documental al que vemos trabajar, mezclar colores, colgar cuadros y el artista (masculino o femenino) que toma una copa, habla con amigos y admiradores.
Yo había recibido por mensaje electrónico, la invitación para la nueva exposición de Ars Atelier. No
conocía nada de la obra ni del artista.
Recuerdo que entré en la galería y tuve el primer contacto con el primer cuadro colgado en la pared
a la derecha de la entrada. Seguí hasta la pequeña pared del fondo, donde se encuentra una puerta
conduciendo al buró de trabajo de Ricardo Vega.
Seguí por la pared izquierda desde el fondo hasta la entrada.
No sé si explico bien mi recorrido. Vi un cuadro y seguí las huellas de los otros. Cuadro tras cuadro.
Y no pude evitar de murmurar para mi, en francés.
"Dieu existe"
¿Coincidencia? La exposición de Cepp Selgas se presentaba bajo el titulo de Les dieux interdits.
137
Infanta, 2009
Fountainbleu, 2008
("Los dioses prohibidos")
La magia de las técnicas actuales nos permite seguir los pasos de un artista a través del ordenador.
Basta teclear sobre la buena dirección.
Es así que me lancé a la busqueda del artista que tanto me había impresionado.
Lo esencial.
Jesús Selgas nació en Cienfuegos hace algo más de un medio siglo. Primer signo: 100 Fuegos.
Segundo signo: Jesús. ¿Intuición de aquellos que escogieron el nombre? Alguien vió (¿una hada
madrina?) que el niño traía un mensaje en su cuerpo.
Ese mensaje se desarrolló poco a poco a través de la pintura.
La larga ruta comenzó en 1974 con Bloque motociclo.
1975: Zapatero-zapato 1977: Buitres-buitres 1979: Isabelita
1980: Salida por el puerto del Mariel.
Ese mismo año la ruta continúa. Carrera, 3-4-6-9.
No voy a cansar siguiendo (aunque la tentación es grande) paso a paso la trayectoria de Jesús
Salgas.
Espero, con toda humildad, estimular lectores y lectoras a visitar el blog del artista para tener el
placer de ver los cuadros.
Baste decir que año tras año, el pintor ofrecía al público sus nuevos cuadros. Y que muy pronto
empezó a obtener exposiciones sobre su obra en New York, Chicago, Miami, Bélgica, Alemania y
finalmente, París.
Entre tanto Jesús se transformó en Cepp.
¿El pintor es también un poco músico? Hagamos un juego. Digamos en voz alta:
Jesus Salgas. Y después… Cepp Salgas.
Por supuesto, Cepp-Sal es una nota musical que permite todas las variaciones harmónicas.
Y no es una "casualidad". Ese sentido musical se repite en muchos de los títulos que anuncian las
exposiciones:
Requiem, Remembrances, Faith, Los hijos de los dioses, Nature Actually, Selgas on Lorca,
Caprices, The 13th Sign, Los dioses prohibidos (Les dieux interdits)
No sé lo que dirá el artista de lo que me atrevo a escribir, pero, gracias a los documentales de
Ricardo Vega (pero también en la vida real, cuando nos encontramos en París) creo descubrir la imagen de Paul Gauguin en Cepp Salgas. Intensidad de la mirada, fuerza muscular, resistencia física.
¿La prueba? El pintor colgando un cuadro de largas dimensiones o transportándolo por las calles de
New York o París.
El recorrido va del 1974 (según el primer cuadro mostrado en su blog por el artista) hasta 2010,
fecha de la exposición en París. 36 años de trabajo disciplinado, de busquedas constantes, de juegos
y rejuegos no sólo al interior de un cuadro.
Salgas cambia de marcos, cuadrados, rectangulos, duos, piezas gemelas…
El formato. La forma. Las formas.
El mundo es ancho y ajeno, decía un gran escritor latinoamericano que tuvo un enorme éxito en su
época. Corrían los años 1940. ¿Quién se acuerda de Ciro Alegría?
El arte es ancho y ajeno.
Parece decir Cepp Salgas que va de lo figurado a lo abstracto, de lo concreto (Carrera, Frogs and
flies, Eve, Barbara's Portrait…) a lo idealizado: Tattoo, A Gift to my Mother, Cuban Flag…
Cepp Salgas, un poco el físico de Gauguin, recuerda también el boxeador en medio de un ring. Un
boxeador solitario que da golpes en el aire. Y cada golpe se convierte en cuadro de una fuerza y de
una personalidad particulares o más bien, espectaculares.
Empleo estas imágenes para decir, que la pintura de Cepp Salgas no se parece a la pintura de nadie.
Que su enemigo mayor (si lo tiene) trate de probarme lo contrario.
Gracias al cielo (Dios existe) ningún crítico, bueno o malo, podrá ocurrírsele de tratar a Salgas de
pintor folklórico.
140
Ciel cubain, 2009
Alabi, 2008
sorJuana, 2009
Si Cepp se quitó de encima su "Jesús", pienso que Salgas dejo su piel de "cubano" al salir por el
Mariel.
El artista que expone en el Big Apple en 1980 es un pintor internacional que busca sus centros de
inspiración por todos los lares.
La cubanidad en Salgas es muchísimo más profunda. Y se manifiesta (en mi humilde opinión) a
través del color, los colores.
Del blanco al negro, del rojo al azul, a todos los matices del azul. Desde niño he creido que no hay
un color azul (mi preferido) sino múltiples azules. De ahí mi emoción (y mi incredibilidad) cuando
descubrí en Italia los azules de Fray Angelico.
Y de nuevo la emoción (muchos años más tarde) al descubrir los azules de Cepp Salgas.
Y la certeza: este artista viene del mar. ¡Y sí! El posee un patriotismo auténtico: aquel del mar
cubano.
Un recuerdo de mi infancia. La escuela. La clase.
"Cuba es una isla rodeada de agua por todas partes".
¿Rodeada de agua? ¡Que no! Rodeada de aguas.
Estrecho de la Florida. Golfo de México.
Aguas que vienen de lejos. Océanos que se mezclan en un fabuloso congrí cubano acuático.
Los hijos de los dioses dan la mano a los dioses prohibidos.
Y comprendo, al fin, más de un año más tarde, lo que me sucedió una noche de marzo de 2010 en la
galería Ars Atelier de la rue Quincampoix.
Entré en la sala, miré un cuadro. Y el pintor me hizo navegar, de la entrada al fondo, de izquierda a
derecha…
Sor Juana Inés de la Cruz como símbolo de enlace. Vela mayor abierta a todos los vuelos.
Cepp Salgas, pintor de mares y de cielos, de ángeles y de dioses, de signos y de números que permiten a cada espectador, a cada persona que se encuentre delante de uno de sus cuadros, de poder
quitar, por algunos instantes al menos, el mundanal ruido.
Eso me sucedió. Eso lo sentí en mí mismo.
Una salita exigua, cubanos (que han bebido un poco) que hablan con voces altas, autos que pasan
por la calle, una moto que se dispara de un punto a otro de la rue Quincampoix.
Et pourtant… Y sin embargo…
Paz íntima. Comunión espiritual entre el artista y el visitante, entre la pintura y la mirada de alguien
que descubre un mundo particular, una obra que crece a cada paso.
El immenso pintor, escultor y dibujante Edgar Degas escribió a la edad de setenta años: "Hay que
tener una alta idea no de aquello que hacemos pero de lo que podremos hacer un día. Sin esa determinación, no vale la pena trabajar".
Cepp Salgas tiene esa alta idea de lo que hace. Y pienso que él confia también en lo que podrá hacer
un día. En los años próximos, en los muchos años próximos de trabajo y de arte que forman parte de
su futuro de su por-venir.
Y mi vieja frase se impone esta vez con toda sinceridad.
Contemplando la pintura de Cepp Salgas, puedo escribir…
¡Sí!
¡Dios existe!
París, octubre de 2011
144
Zoé, 2009
Escape, 2009
Ossaín de un pie, 1995-2011
Lyman Allyn Art Museum | New London, Connecticut | 9.12.2009 - 2.21.2010
Ajiaco:
Stirrings of the
Cuban Soul
Paul and Lulu Hilliard University Art Museum | Lafayette, LA | 9.9.2010 - 12.18.2010
Newark Museum | Newark, New Jersey | 6.8.2011 - 8.14.2011
Like artists in Cuba, expatriates who emigrated to the United States carry the
Orishas with them. Having been artistically trained in Cuba during his formative years,
the bond that unites them is evidenced in their art. Cepp Selgas, who came to the United
States on the Mariel boatlift in 1980, interprets the Orishas in paintings that capture a
variety of symbols and the meanings of each deity. His Obbatalá is androgynous, with a
face that looks both ways. This Orisha is sometimes portrayed as Father and Mother of
Humanity, as well as Bringer of Peace and Harmony. The eldest, his power and energy
can be found in his head. In Santería,
Obbatalá is syncretized with Our Lady of
Mercy. Granted authority to create the earth,
Obbatalá is the father figure of the other
Orishas and is, for that reason, known as the
parent of the Orishas and all humankind. In
Children of Obbatalá, Selgas portrays the
nourishing qualities of this Orisha. This
powerful graphic image shows the children of
the world suckling at the breast of the deity,
who can be both male and female. The stories
recount that when Obbatalá was young he
witnessed brutal deaths on a battlefield and
this transformed him into an Orisha who
works for peace. Obbbatalá is therefore considered to be wise and compassionate.
Obbatalá is married to Yemayá, the ocean
goddess and mother figure of the Orishas.
Selgas worked in graphic and textile
design before studying in Cuba with Antonia
Eiríz and Roberto Matta. The patterning in his
paintings and their formal qualities tell of his
artistic background, but it is the underlying
spirituality that gives the intrincate forms
meaning. As in the work of Eiríz and of his
fellow student Tomás Sánchez, the meaning is
beneath the superficial image. In Selgas’ work
positive space is as important as negative
space: individual elements are complemented
by the complementary space to create a resolution of the forms. This duality of forms and
content, resolved in the totality of the image,
conveys a syncretist spirit. In Family Ties the
figures (white lines, or string ties) and black
ground come together into a single entity, symbolizing ancestral connections to the
artist’s complex cultural heritage. His own ancestral mix includes African, Spanish, and
Filipino blood; here, he highlights black suffering and the destiny of the mix.
Children of Obbatalá,
1992-2002
Excerpt from Ajiaco: Stirrings of the Cuban Soul (Chapter: The Ingredients: Ashé of Africa through Santería
and Abakuá), published in 2009 on the occasion of the traveling exhibition with the same title. [Used with
permission by the author].
Los artistas cubanos, y sus compatriotas artistas que emigraron a los Estados
Unidos llevan consigo los mismos Orishas. Teniendo en cuenta que muchos de ellos
fueron entrenados en Cuba durante sus años de formación artística, no sorprende que el
lazo que les une se evidencie en su arte. Cepp Selgas, quien vino a través del éxodo de
Mariel hace casi treinta años, interpreta a los Orishas mediante una variedad de pinturas
que recogen los símbolos y significados de cada deidad. Su Obbatalá es andrógena, e
incluye un rostro que se bifurca. Padre-Madre de la Humanidad. Portador de Paz y
Armonía, Obbatalá es el dueño de todo ori o cabeza, donde se cree que reside el alma.
En Santería, Obbatalá ha sido sincretizado con Nuestra Señora de la Merced. Según historias mitológicas, Obbatalá es el más viejo
entre todos los Orishas. Habiéndosele dado la
autoridad para crear la Tierra, Obbatalá es la
figura paternal de los otros Orishas y es, por
esa razón, que se le conoce como el padre de
los Orishas y de la humanidad. En Los hijos de
Obbatalá Selgas nos ofrece el aspecto fomentador del Orisha. Varón y hembra, esta vigorosa
imagen gráfica muestra a los hijos del mundo
mamando del pecho de la deidad. Los patakíes
o historias de Obbatalá relatan que de joven,
Obbatalá vió la angustia de la muerte en el
campo de batalla y esto le transformó en un
Orisha que trabaja por la paz. Obbatalá, por
ende, se le considera jefe y juez, sabio y compasivo. Obbatalá está casado con Yemayá,
diosa del océano y figura maternal de los
Orishas, y tienen muchos hijos.
Cepp Selgas trabajó en diseño gráfico
y diseño textil antes de estudiar en Cuba con
los afamados artistas y maestros, Antonia Eiríz
y Roberto Matta. El diseño modular en sus pinturas y sus cualidades formales revelan su
antecedente artístico, pero es la espiritualidad
implícita lo que aporta a las intrincadas formas,
contenido y significado. Como en la obra de su
maestra Eiríz y su compañero de estudios
Tomás Sánchez, el significado reposa debajo
de la superficie de las formas. Unico en Selgas
es que, deliberadamente, juega con las formas
de manera que el espacio positivo es tan
importante como el espacio negativo. Los elementos individuales son completados por el espacio complementario a fin de crear una
resolución de las formas. Hay dualidad en las formas y el contenido, la cual queda
resuelta en la totalidad de la imagen. Selgas transmite este sentido sincrético en muchas
obras. Por ejemplo, en Los lazos familiares vemos la unión de las figuras, y la conexión
ancestral con el patrimonio cultural. Su personal mezcla ancestral incluye lo africano, lo
español y lo filipino, aunque aquí destaque el sufrimiento negro y el destino del mestizaje.
Gail Gelburd, PhD. ©
Los lazos familiares |
(Family Ties), 1995
Obbatalá, los misterios, 2009 | Private Collection, The Berkshires, Massachusetts.
Elegguá, 2000 | Private Collection, Havana, Cuba.
Oyá, 2000
Selgas
A film by
Ricardo Vega
SELGAS
10 min | formato video digital
produced by | producido por:
Gustavo V A L D É S y Zoé V A L D É S
music | música:
Ricardo V E G A
camera and edition | cámara y edición:
Ricardo V E G A
director:
Ricardo V E G A
L u n á ti c as P ro d u c ti o n s
Paris | New York
2003
www.telebemba.com | selgasart.blogspot.com | www.YouTube.com
Opposite page: El beso de Obbatalá, 2003
Collection of Kory Sorenson, Paris, France.
Stella, 1992
Opposite page: Sea-Monster, 1990
Selgas
series
Palindrome Series
Outside Myself, 1992
Poeta bilingüe, 1991
My Two Selves, 1992 | Private Collection, Miami, Florida.
Kevin, 1993
Sadeness I, 1992
Sadeness II, 1992
N
C
La noche de anoche, 1995
Opposite page: Like a tear, 1996
Nights
Caribbean
Nights
Caribbean
Caribbean
Nights
Caribbean
Nights
Series
Santería Dolls, 1996
Desde mi bote, 1996
Clepsydra, 2000
The
Eyeof the
Beholder
Series
Homage to
Homenaje a
ERNESTO BRIEL
Diego on my mind, 2000 | Private Collection of Her Majesty, Queen Sofia of Spain, Palacio de la Zarzuela, Madrid, Spain.
Di-ego, 2000 | Private Collection, Barcelona, Spain.
La Habana para una infanta difunta I, 2002 | Collection of Dr. & Mrs José Noy, Coral Gables, Florida.
La Habana para una infanta difunta II, 2002
La Habana para una infanta difunta III, 2002
La Habana para una infanta difunta IV, 2002
"Selgas' Infantas series, while an
ostensive homage to Velazquez,
sets in motion a multidimensional
optical interplay of referential
forms. His whimsical visual leiv
motiv alludes to the word play in
the original title in Spanish of
Cuban writer Guillermo Cabrera
Infantes' fictional tales from the
city. Literally Havana for a dead
Infante is in turn a parody of
Ravel's Pavane for a Dead Princess.
The Infantas reclaims as well the
Hispanic foundations of the Havana
streets, with its other allusion to
one of the city's important avenues
named Infanta. The reassertion of
this cultural progeny poses an
oblique challenge, as the swirling
outlines of Selgas' strictly
assembled forms constitute a dirge
for the defunct princess/city."
Diana Álvarez Amell
Linden Lane Magazine, 2002
Infanta, Havana, Cuba I | II | III, 2008
"Hieratic, sensual, and
expressive in the deliberately
treatment of the topic as well
as obvious and enigmatic,
La Habana para una
infanta difunta reaffirms the
Infanta, Havana, Cuba IV | V | VI, 2008
skillfulness of an artist who,
in the unstoppable ascend of
his career, owns a singular
language that enriches the
essence of Cuban art, its
singularity and its force.
Through his images and
transcendence: one city,
Havana, and its
graciousness."
Armando Álvarez Bravo
El Nuevo Herald, Miami, 2002
di
Pa
ra
so
rd
Pe
4
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20
0
ut
N
treu
Actually
a
On-going Series
Preceding page: A Volina I, 2004
Above: A Volina II, 2004
Mare Nostrum, 2004
Postcard from Havana, 2004 | Private Collection, Miami, Florida.
Confluencia, 2004 | Collection of Mr. & Mrs. Larrea, Miami, Florida.
Above: X-17 (1, 3, 4, 8), 2006 | Opposite page: X-23 (1, 2, 3, 4, 5, 6), 2006
Lucky Numbers...
...and
other
Vanidades
Series
X-21 (1, 2, 6, 9), 2006
X-20 (1, 2, 6, 9), 2006
Sophie, 2006
Grey Matter, 2006
X-19 (1, 2, 6, 9), 2006
X-8 (1, 3, 4, 8), 2006
Danzón, 2006
Because...III, 2006
Witty, 2006
Día de Reyes, 2007 | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
Selgas
The 13th Sign
Preceding page: Virgo I, 2009
Above: Virgo II, 2009
All works on opposite page from 2009
Taurus
Gemini
Cancer
Leo
Virgo
Libra
Scorpio
Sagittarius
Aquarius
Pisces
Capricorn
Aries
Selgas lifeline
selgasart.blogspot.com
"Lifeline" is the portal of a work conceived
for nearly five decades with personal
photos as a resource to document the course
"Línea de vida" es el portal de una obra
of my existence in a hostile social system.
concebida por cerca de cinco décadas con
My personal experience becoming
fotografías personales como recurso para
my own oeuvre.
documentar el transcurso de mi existencia
The summum, a backdrop measuring
en un sistema social hostil. Mi experiencia
75 x 56 inches is just a keyboard
deviniendo mi propia obra de arte.
in my selgasart.blogspot.com
El summum, un telón de 75 x 56 pulgadas
After its publication in this special edition
no es más que un teclado [keyboard] en
of Ars Atelier City, it will remain at the
mi selgasart.blogspot.com
beginning of my blog. By clicking on the
A partir de su publicación en esta edición
'heads-keys', the visitor will find more
especial de Ars Atelier City, encabezará
details about this project-artwork, from the
mi blog. Al pinchar sobre las 'cabezasperspective of my own testimony and
teclas', el visitante encontrará detalles
the testimonies of other artists of my
sobre este proyecto-obra desde mi propio
generation, who have been or will be
testimonio y el de otros artistas de mi
invited to participate in this project.
generación, invitados a participar en este
My incursion (through a retrospective look)
proyecto. Mi incursión (a través de una
in a conceptual project with a proposal
mirada retrospectiva) en un proyecto de
for the future.
empaque conceptual con una propuesta
al futuro.
Cepp Selgas
January 2012
Selgas
SOLO-EXHIBITIONS | EXPOSICIONES PERSONALES
2010
Les dieux interdits (catalogue), Ars Atelier, Paris, France.
2009
Caprices (two-man show), Agustín Gaínza Arts, Miami, FL, USA.
2010
2007
The 13th Sign, (catalogue), Jadite Galleries, New York NY, USA.
Lucky Numbers and other Vanities, Jadite Galleries, New York NY, USA.
2007
Solo Show, Gallery 21, Newark, New Jersey, USA.
2005
Ballet series (and Festival poster), International Ballet Festival of Miami, Miami, FL, USA.
2006
2004
2003
2002
2001
2001
2000
1999
1999
1996
1996
1995
1994
1993
1993
1992
1990
1989
1988
1988
1982
1976
Blood Wedding series (and production poster), Teatro 8, Miami, FL, USA.
Nature Actually, Agustín Gaínza Arts, Miami, FL, USA.
Trespassing (Three-man show), Ars Atelier, Union City, NJ, USA.
La Habana para una infanta difunta (catalogue), Agustín Gaínza Arts, Miami, FL, USA.
North & South-New York & Miami: Three Cuban Artists (Three-man show), Agustín Gaínza Arts,
Miami, FL, USA.
The Eye of the Beholder: The Art of Ernesto Briel and Jesús Selgas (catalogue), Ars Atelier,
Union City, NJ, USA.
Los Hijos de los Dioses - Children of the Gods (catalogue), Agustín Rivero-Mayo Navarro Gallery,
Coral Gables, FL, USA.
Los Hijos de los Dioses - Children of the Gods (catalogue), Ars Atelier, Union City, NJ, USA.
Faith (catalogue), Jadite Galleries, New York, NY, USA.
Solo Show, Cuban Collection Fine Art, Coral Gables, FL, USA.
Solo Show (catalogue), Galería Vanidades, Miami, FL, USA.
Remembrances (catalogue), Gallery New World, Düsseldorf, Germany.
Mostly Angels (catalogue), Jadite Galleries, New York, NY, USA.
Palindromes (catalogue), Waterfront Gallery, Ghent, Belgium.
Requiem (catalogue), Jadite Galleries, New York, NY, USA.
Recent Works (catalogue), Chuck Levitan Gallery, New York, NY, USA.
Icons (catalogue), Gallery Genesis, Chicago, IL, USA.
Boat Ages (catalogue), Harlem Library, New York, NY, USA.
The Geometric Eye, West Dade Regional Library, Miami, FL, USA.
Selgas Paintings (catalogue), Riverón Art Center, West New York, NJ, USA.
Three Cuban Painters. Middlesex County College, Edison, New Jersey, USA.
Gouaches y Tapices. Teatro Nacional de Guiñol, Havana, Cuba.
Opposite page: Diego on my mind II, 2001 | Collection of Jorge Hernández & Luis Goicochea, Surfside, Miami Beach, Florida.
213
Drawing by Blanca Cepero,
the artist’s mother, circa 1959
Selgas next to one of his tapestries, awarded First Prize by the
National Museum of Decorative Arts, Havana, 1977...
In his New York studio with
“Crucifixión”, 1989
The artist as a child, 1953
Selgas, first Solo Show, Havana, 1976
...and with another piece from the same group of tapestries which
made it to New York in the early 1980s
At Juan Boza’s opening reception, INTAR Gallery,
New York with Frank Zeta, Ernesto Briel and
Inverna Lockpez, early 1980s
Next to his “Self-Portrait”, 1983
Opera singers Nelson Toledo, Linda Mirabal,
Guignol Theater Director Pepe Camejo and Selgas,
Havana, ca. 1977
Ernesto Briel and Selgas, Statue of Liberty, New York.
Celebrating their first anniversary of freedom, 1981
Berlin Wall, 1990
Havana, 1976
At the Havana studio, 1975
Ernesto Briel and Selgas, photo booth, New York, Fall of 1980
With Briel, The Louvre Museum, Paris, 1990
Selgas
SELECTED COLLECTIVE EXHIBITIONS | PRINCIPALES EXPOSICIONES COLECTIVAS
2011
2008
2007
2006
2005
2005
2003
2002
2001
2001
2000
1999
1998
1998
1998
1997
1995
1994
1994
1994
1993
1992
1991
1991
1990
1990
1990
1989
1988
1985
1983
1980
1979
1978
1977
Ajiaco: Stirrings of the Cuban Soul (catalogue), Newark Museum, Newark, NJ, USA | Paul and Lulu
Hilliard University Art Museum, Lafayette, LA, USA. | [2009] Lyman Allyn Art Museum,
New London, CT, USA.
Reflections: Contemporary Cuban Art (cat.), Silvermine Arts Guild Center, New Canaan, CT, USA.
Expressions/Expresiones: Caribbean and Latin American Art from the Benjamin Ortiz Art Collection
(catalogue), Lyman Allyn Art Museum, New London, CT, USA.
Artistas Cubanos al Auxilio (exhibit and auction | catalogue), Miami, FL, USA.
The Mariel Generation: 25 Years Later (catalogue), Florida International University, Miami, FL, USA.
Mariel Always Had Color (catalogue), San Carlos Institute, Key West, FL, USA.
Salida de Emergencia (catalogue), Universidad de Cádiz, Cádiz, Spain.
Cuban Fusion, Bendheim Gallery, Greenwich Arts Center, Greenwich, CT, USA.
Despertar, Agustín Gaínza Arts, Miami, FL, USA.
The Connection (catalogue), SONO Gallery, New York, NY, USA.
Contemporary Mexican and Cuban Art (catalogue), The Rye Art Center, Rye, NY, USA.
Angels, Ars Atelier, Union City, NJ, USA.
Caribbean Connections, Discovery Museum, Bridgeport, CT, USA.
Cuba: Ambos Mundos, Sumei Multidisciplinary Arts Center, Newark, NJ, USA.
Hispanic Artists Fight AIDS, American Red Cross-Bergen Chapter, Englewood, NJ, USA.
Hispanic Hearts, New Community Corporation, Newark, NJ, USA.
Art-Angels Against AIDS, The Mint Museum of Art, Metroliner AIDS Project, Charlotte, NC, USA.
Cuban Presence, Vista Gallery, New York, NY, USA.
For Art's Sake: Latin American Artists, Jadite Galleries, New York, NY, USA.
Cuban Artists: Expressions in Graphics (The Collection of Miami Press Publishers & Distributors,
Inc.) New York, NY, USA.
Four From Cuba, Times Square Studios, New York, NY, USA.
Twenty Century Sculpture from the Permanent Collection (catalogue), Housatonic Museum of Art,
Bridgeport, CT, USA.
Contemporary Caribbean Artists (catalogue), Creative Arts Workshop Gallery, New Haven, CT, USA.
Day Without Art, Longwood Arts Project Gallery, New York, NY, USA.
Childhood Memories, The Museum of Contemporary Hispanic Art (MoCHA), Loan Exhibition at
Holman Hall Art Gallery, Trenton, NJ, USA.
Paper Visions II | (Invitational) Biennial of Latin American Artists (catalogue), Housatonic Museum
of Art, Bridgeport, CT, USA.
Mariel: A Decade After, 1990, Cuban Museum of Art and Culture, Miami, FL, USA.
New York's Up & Coming Artists, Canadian Imperial Bank Collection Exhibition, New York, NY,
USA.
Small Wall Works (Invitational), Amos Eno Gallery, New York, NY, USA.
Casita Maria (catalogue), Sotheby's, New York, NY, USA.
Fine Arts Exhibition for the Festival de Las Artes, Tamiami Park, Dade County, Miami, Florida, USA.
18 After Three, Consolidated Bank, Hialeah, Florida, USA.
Abdala Gallery, Union City, New Jersey, USA.
Concurso "La Literatura en la Plástica," Homenaje a Onelio Jorge Cardoso, Teatro Nacional de Cuba,
Havana, Cuba.
Arte y Artesanía, Universidad de La Habana, Havana, Cuba.
1 Bienal de Artesanía Amelia Peláez, Galería Amelia Peláez, Havana, Cuba.
Arte y Artesanía, Galería de La Habana, Havana, Cuba.
Trabajos en fibra, Museo de Artes Decorativas, Havana, Cuba.
Opposite page: July 31, 2006 (2006) | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
217
Selgas, Gustavo Valdés and architect
Scott W. Stelling, at the artist’s Solo Show
in SoHo, New York, 1992
With master sculptor Roberto Estopiñán at the
opening night of Selgas’ “The Eye of the
Beholder”, Ars Atelier, New Jersey, 2000
The Hermitage, St. Petersburg,
Russia, 2010
At Creative Arts Workshop
Gallery, New Haven,
Connecticut, 1991
With renown Cuban artist,
Carmen Herrera at her NY studio.
Photographed by
Alexis Rodriguez-Duarte
in New York City, 2009
With Jadite Gallery Director,
Roland Sainz
With fellow Cuban artist, Sita Gómez at her
Miami exhibition, Agustin Gainza Arts,
Miami, Florida.
St. Petersburg, Russia, 2010
Michel Blásquez, Zoé Valdés, Geandy Pavón,
Iván Arocha, Gustavo Valdés, Selgas and
Ben Jones, Ars Atelier, New Jersey, 2000
William Aguila, Selgas, Gustavo Valdés and
Dr. Mark A. Canning, Ars Atelier,
New Jersey, 2000
With curator Ben Ortiz and fellow artist
Gladys Triana, Silvermine Gallery,
New Canaan, Connecticut.
At the signing of Ajiaco’s book: Valdés, Selgas,
Alejandro Aguilera, Sandra Ramos, Laura Luna,
Clara Morera and Dr. Gail Gelburd, New London.
Promo photo shoot: Artists Clara Morera, Elio
Beltrán and Selgas with Gustavo Valdés,
Ars Atelier, New Jersey, 2000
With Dr. Alejandro Anreus, Newark Museum,
New Jersey, Summer of 2011
Selgas, Agustín Fernández, Gustavo Valdés,
Zoé Valdés & Ricardo Vega,
Anthology Film Archives, NY, 2003
Selgas with longtime friend,
renown author and critic Roger Salas.
With Cuban sculptor Gay García,
Miami, Spring of 2011
The artist’s hand, 1988 | Photogram |
Fashion Institute of Technology |
New York City, NY.
Collaborations
with distinguished
authors and
publications
Colaboraciones con
distinguidos autores
y publicaciones
CITY
ARS ATELIER
E D I C I O N
E S P E C I A L
número - issue 5 | invierno - winter 2012
Editor in Chief: Zoé Valdés
Director creativo y de diseño:
Gustavo Valdés
Director Ejecutivo: Ricardo Vega
Asesoría de diseño: Cepp Selgas
Marketing: Enaida Unzueta
Digitalización gráfica:
Janice Weiss | Typeworks, Inc.
[email protected]
Ars Atelier City desea agradecer las
valiosas contribuciones de todos los
autores y las colecciones públicas y privadas.
Sin su apoyo, dedicación y generosidad no
hubiese sido posible la publicación de esta
edición especial de Ars Atelier City.
Los artículos publicados en Ars Atelier
City son responsabilidad exclusiva de sus
respectivos autores. El artista Cepp
Selgas facilitó material indispensable
de sus archivos personales para la
realización de esta edición especial.
222
ARS ATELIER CITY
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84, rue Quincampoix
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Guttenberg, NJ 07093 USA
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ARS ATELIER CITY is published with the generous
sponsorship and support of Ars Atelier, Paris.
ARS ATELIER CITY es publicada con el generoso apoyo y
patrocinio de Ars Atelier, París.
"Selgas' artistic ability
springs from his
interpretation of the
disciplined tradition of
the abstract qualities of
color, shape and his use
of positive and negatives
spaces as opposites that
attract each other. His use
of these elements and
their symbols manifest
his intellectual capacity.
His seriousness of
purpose is conveyed in
the measure he is able
to meld his experiences,
emotions, and his
own cultural values with
those common to
all humanity."
Benjamin Ortiz
Infanta y San Lázaro, 2001 |
Collection of Tania Assaf, Paris, France.
Mr. Selgas wishes to thank the many and very distinguished
authors and critics, curators and public and private collections
who through the years have supported his art.
All images of works reproduced in this special issue of Ars
Atelier City have been provided by the artist. Mr. Selgas’ art
remains his intelectual property and; therefore, he retains all
rights of reproduction and publication.
El artista desea agradecer a los muchos y muy distinguidos
autores y críticos, curadores y coleciones públicas y privadas
que a través de los años han considerado y apoyado su arte.
Todas las imágenes de obras en esta edición especial de Ars
Atelier City han sido proporcionadas por el artista. El arte
de Selgas es de su propia propiedad intelectual y; por lo tanto,
él posee todos los derechos de reproducción y publicación.
© Foto de Ricardo Vega
artcontemporain
84, rue Quincampoix
75003 Paris France
Mo Rambuteau
[email protected]
0144789063 ou 0619581957
Selgas is both a superb draftsman and an
"S
exquisite colorist, he reconstructs through his
pieces the figure, its present condition as well
as our perception of it, in a wholly original way.
His work is the product of an artistic vocation,
rather than career, it has commonalities with
Surrealism as well as so called primitive art.
Above all it reflects the cultural diversity of a
contemporary artist. What is his painting about?
Life, death, sex, transcendence, what the late
John Cheever called "the great essentials".
Alejandro Anreus, PhD.
Don Quijote infinito, 1975 | Published in Revista Signos, No. 18, 1976,
Virgen de la Caridad con tres Marielitos
(Selgas, Juan Boza, Ernesto Briel), 1987
"…Often utilizing pseudo-naive elements, the artist
explores the possibilities inherent in the star…
creating numerous startling, unexpected images,
many of which are autobiographical.
Selgas prefers the stark contrast between black and
white to most colors and is innovative in his
manipulation of surface texture. While in the past
he has been especially comfortable with drawings,
and has also excelled in tapestry design and
weaving, he is showing ever-increasing mastery
as a painter and a maker of assemblages".
Giulio V Blanc
Virgin-Boat (No. 17), 1987
Collection Housatonic Museum of Art |
Bridgeport, Connecticut.
Gitano dormido, 1989 | Private Collection, Guttenberg, New Jersey.
Selgas
ENTREVISTA
de Gustavo Valdés
Blood and Milk, 1999
Sobre el bien, el mal... y una isla, 1999
Les dieux interdits
Ophelia, 2008
Ars Atelier | Paris
Now You See It,
Now You Don’t II, 2000
Now You See It, Now You Don’t, 2000
Homenaje a Guillermo Cabrera Infante
La Habana
para una infanta difunta
La Habana para una infanta difunta V, 2002
Infanta y Monte con Hoola Hoop, 2003-09 | Collection of Mari-Claudia Jiménez, New York.
Virgen de la Caridad con tres Marielitos
(Selgas, Juan Boza, Ernesto Briel), 1987