Periódico Arteria - Banco de experiencias significativas en cultura

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Periódico
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Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
“El arte no es lo que ves, sino lo que haces que otros vean”. Edgar Degas.
Año 9 # 42. Febrero - Marzo 2014.
Versión descargable en PDF www.periodicoarteria.com
Maite Ibarreche. ‘Conclusiones’ (2013). De la serie ‘Libros Intervenidos’.
Maite Ibarreche, una ‘cuchilla’ en la plástica nacional
Cave Nick. ‘Drive-By’. Video (fragmento editado). Cortesía de Cave Nick y Jack Shainman Gallery, Nueva York.
El arte está de temporada con la primera Bienal Internacional de Cartagena
La agenda se adelantó en 2014 en Cartagena, que durante dos meses será el epicentro de las artes plásticas del país
y del Caribe. Una curaduría conformada por expertos de Colombia y del exterior escogió más de 170 obras, que
serán exhibidas en sitios públicos y privados. El evento, además, abrió un espacio específico para artistas colombiaARTBO
REVISTA
ARTERIA 27 ENERO
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nos. Tras laAVISO
pasada
feria
ART/Cartagena,
la ciudad
sigue
apostandole
a las artes.
Páginas
4 y 5.
William Kentridge. Dibujo para el filme Stereoscope (1999). Carbón y pastel sobre papel.
Con la paciencia de un cirugano, la artista bogotana de 24 años, egresada en el
2012 de la Universidad Nacional, corta hoja por hoja de libros y revistas, para
aludir a asuntos como la muerte, la sexualidad y la imagen. Página 11.
Lo que traen los museos este año
Exposiciones de grabados de Alberto Durero y de William Kentridge, y homenajes a los artistas Juan Antonio Roda y Manolo Vellojín son algunos de los
eventos programados para el 2014. Páginas 8 y 9.
ARTERIA Ed. 42
2
Febrero - Marzo 2014
EDITORIAL
LIBROS
Por: Nelly Peñaranda
H
asta hace poco era casi imposible que a
comienzos de año existiera una oferta
artística gestionada por empresas privadas. Las fiestas de Navidad y año
nuevo, unidas a las vacaciones, programaciones,
proyecciones e inventarios se fueron convirtíendo
en una tradición en medio de la cual, el inicio de
actividades expositivas se daba solo entre final de
febrero y comienzos de marzo.
Pero 2014 comenzó diferente. Menos mal que los
tiempos cambian, y que no es cierto lo que reza el
dicho. Pues no “todo tiempo pasado fue mejor”.
Parte de la tradición decembrina colombiana ha
convertido a Cartagena en punto de encuentro
de gran cantidad de visitantes; razón por la que
en la última década se han ido creando eventos
culturales para el público que pasa allí sus fiestas
de fin y comienzos de año: al Festival de Música, al
Summerland, lo que fue Ultramar y lo que a final
de enero es el Hay Festival, se unieron a partir de
este comienzo de año dos nuevos certámenes.
Del 9 al 12 de enero se llevó a cabo la primera
versión de ART/Cartagena, una apuesta hacia la
creación de otra plataforma comercial de las artes,
mientras que el 7 de febrero y hasta el 7 de abril
llega la primera versión de la Bienal Internacional
de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias,
BIACI 2014; reunión de 120 artistas procedentes
de 50 países.
Junto a estas iniciativas de empresa privada, el
año promete una agenda de eventos y exhibiciones que apunta a la conquista de nuevos públicos
y, mejor aún, a la activación de otros centros para
las artes. Motivo de más para que esta entrega de
ARTERIA sirva como herramienta para conocer
parte de la programación de lo que vendrá en mu-
seos del país; un abrebocas de lo que viene para
2014 y sobre lo cual estaremos informando.
Como el espacio en el impreso es limitado y de
ARTERIA se imprimen cinco ediciones al año,
entérese también semanalmente a través de las
actualizaciones que se realizan en el portal www.
periodicoarteria.com o síganos en redes porque el
año, apenas comienza.
Un total de 45 dibujos en papel de cuaderno y a lápiz
hechos por el maestro fallecido en el 2004. Divididos
en tres apartados, el libro busca descubrir los intereses
más íntimos con respecto a su vida e insinúa aspectos
sobre el devenir de su obra escultórica.
Imagen tomada del libro Óbras de la Colección Sandretto Re Rebaudengo´.
Kcho, ‘A los ojos de la historia’, 1992-95. Ramas, cuerda, alambre, tela y filtro de café. 136 x 280 cm. Sección quinientas palabras.
Sus sugerencias y comentarios son importantes
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Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
Directora
Nelly Peñaranda R.
[email protected]
Editor
Diego Guerrero.
[email protected]
Consejo Editorial
Juan Fernando Herrán, Humberto Junca,
José Ignacio Roca, María Belén Sáez de
Ibarra, Luisa Ungar.
Asistencia Editorial
Daniel Correa, Jairo Obando.
Colaboran en esta Edición
Nicolás Gómez Echeverri, Efrén Giraldo,
Javier Mejía, Paula Pinzón, Eduardo Serrano,
Guillermo Vanegas, Ricardo Villegas.
Fotografía
Óscar Monsalve.
[email protected]
Suscripciones
$25.000 Bogotá.
$37.500 resto del país.
1 año (5 ejemplares)
Eduardo Ramírez Villamizar
−dibujos inéditos−
Editado por Rojo Galería
Texto de la edición: Andrés Gaitán
65 pp.
Contactos
[email protected]
[email protected]
[email protected]
www.facebook.com/pages/ARTERIA/
twitter: @arteria_
Concepto Editorial
Paulo Ramírez, Manuela Calle L.
La primera parte se titula ‘Paraíso’ y es una recopilación
de sus dibujos más místicos, bosquejos de siluetas y
figuras de criaturas y animales fantásticos, en los que
la geometría y precisión de las formas y figuras no son
tan rigurosas. El segundo apartado es ‘Caracoles y
laberintos’, que establece un paralelo entre el manejo
de las líneas curvas y el empleo de las líneas rectas del
artista. En una página se ven círculos concéntricos y
espirales, y en otra, grandes rectángulos y laberintos,
lo que permite vislumbrar poco a poco la evolución
de Villamizar hacia una técnica de dibujo que mezcla
los dos tipos de línea.
La última parte se trata de sus ‘Proyectos y
abstracciones’, en los que ya se ve la complejidad
de las líneas y formas, que evocan el misticismo
de las figuras precolombinas. Rojo Galería hizo el
lanzamiento del libro junto a la exposición de una
serie de estos dibujos poco vistos, que cerró el pasado
13 de noviembre.
Nadín Ospina, la Suerte de Color
Ediciones El Museo
Dirección editorial: Luis Fernando Pradilla
260 pp.
Las opiniones consignadas en los artículos
y correos en la presente edición son
responsabilidad de cada uno de los autores
y no necesariamente expresan el punto de
vista del Periódico ARTERIA.
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El papel utilizado para la impresión
de este periódico es 100 % reciclable.
Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts SAS y Fundación Arteria.
Proyecto apoyado por el Programa Nacional de Concertación Cultural
En ‘La Suerte del Color’, el artista Nadín Ospina
hace un compendio de su carrera profesional
mediante textos escritos por él mismo, en los que
explica su forma de abordar el arte y su relación
estrecha con el color.
El libro comienza con un breve relato sobre la
infancia de Ospina, en la década de los 60, en el
antiguo barrio Sears, de Bogotá −actualmente
Galerías− donde tuvo una infancia tranquila.
En esos años, Colombia se abría a un panorama
internacional, con el cine a color y los cómics
que explotaban al máximo sus historias en
policromía, asombrando a las audiencias que
estaban acostumbradas a la escala de grises.
Durante las décadas siguientes, el retro futurismo
kitsch, el rock, la psicodelia y el movimiento hippie,
influyeron en Ospina, quién inició su carrera
artística en 1981.
El libro cuenta cómo Ospina trabajó en sus
más grandes proyectos, dando cuenta del
universo icónico y colorido que maneja en sus
pinturas y esculturas. Muestra porqué las orejas
al estilo del ratón Mickey son consideradas el
emblema de Ospina, quién hace una crítica al
sueño americano, dándole atributos de obras
precolombinas a los personajes de Walt Disney.
Explica cómo pasa de ‘precolombinizar’ íconos
de la televisión occidental, como Bart Simpson,
en ‘Pop-colonialismo’, a representar la violencia
en los medios de comunicación con juguetes y
figuras de acción de Lego, en ‘Colombialand’. El
libro reúne toda su vida y obra hasta su más
reciente exposición, ‘Oniria’.
Colección de Arte Contemporáneo
María Fernanda Cardoso, Oscar Muñoz
y Luis Fernando Roldán
Dirección editorial: José Roca y
Alejandro Martín
La vida y obra de tres artistas colombianos,
reconocidos internacionalmente hacen parte
de la nueva entrega de tres volúmenes que
Seguros Bolívar agrega a su Colección de Arte
Contemporáneo.
Cada volumen corresponde a uno de los artistas,
que se desenvuelven en diferentes disciplinas:
María Fernanda Cardoso, que trabaja con
escultura; Oscar Muñoz, que emplea el dibujo, y
Luis Roldán, que trabaja con la pintura. Su empeño
por elaborar nuevas formas de pensar y crear les
da un matiz particular a sus visiones críticas y a
sus propuestas reflexivas, contribuyendo por
separado al repertorio de creación artística del
país, dice en la presentación de los volúmenes
Miguel Cortés Kotal, Presidente de Sociedades
Bolívar.
La vocación natural de María Fernanda Cardoso
por los animales, en especial los insectos, reptiles
y anfibios, se evidencia en el contenido del primer
libro de la entrega: Animalario. El libro se enfoca
en el periodo en el que Cardoso trabajó con
animales o partes de animales disecados. Luego
dedica un aparte a la exploración que realizó de
las capacidades estéticas de las pieles y plumajes
de algunos animales, para culminar con una etapa
más reciente, la de la escultura, que utiliza para
transmitir los resultados de sus investigaciones
morfológicas, lo que le da un carácter más
científico a su obra.
Por otro lado, el libro Entre contrarios, retrata las
múltiples confrontaciones existenciales que ha
propuesto el artista Óscar Muñoz. Los títulos
ARTERIA Ed. 42
3
NOTICIAS
Por último, todo el estilo y la inusitada metodología
del caleño Luis Roldán se examinan en Sueños
y vigilias. La abstracción y la transformación de
espacios son señaladas como las características
primordiales en la obra de Roldán, con sus “obras
expandidas”, que además de pinturas y dibujos
incluyen maquetas, objetos, plantas, agua, sonido
y, en ocasiones, hasta animales vivos. El texto
muestra los diversos momentos de su carrera
mostrando su multidisciplinariedad al apropiarse
de elementos rústicos y desechados para dar el
enfoque que desea.
Los tres libros no sólo explican los procesos de
producción de las obras de los tres artistas, sino
que también las complementan con entrevistas
o textos y los confrontan con interesantes citas
literarias que el artista estaba leyendo en los
momentos en que producían la obra.
CONVOCATORIAS
Abierta convocatoria del
‘Future Generation Art Prize’
Victor Pinchuk Foundation abrió la convocatoria
para participar en la tercera edición del ‘Future Generation Art Prize’, un premio internacional que
busca apoyar a los artistas jóvenes.
Las solicitudes de aplicación podrán enviarse hasta el 12 de abril, a través de la página web oficial
del ‘Future Generation Art Prize’. En esta tercera
edición, para ampliar su cobertura de aspirantes,
la fundación permite la presentación de solicitudes en 10 idiomas, incluido español. En junio se
publicará una lista de 21 artistas nominados, junto con los nombres de los miembros del jurado
internacional del premio, entre los cuales estarán
destacados curadores, directores de museos, artistas y peritos.
Los nominados formarán parte de una exposición
en PinchukArtCentre, en Kiev, la capital de Ucrania; desde octubre hasta enero del 2015. Entre
estos, la ucraniana Zhanna Kadyrova, ganadora
del ‘Gran Premio Nacional de PinchukArtCentre
2013’, tiene asegurado su puesto como la 21 participante de la exposición y competirá con el resto
de los nominados para obtener el Gran Premio del
‘Future Generation’.
El ganador se hace acreedor del premio por un
monto de cien mil dólares, de los cuales se en-
tregan sesenta mil en efectivo y cuarenta mil son
destinados a la producción de nuevas obras. Su
nombre será revelado en diciembre de este año.
Instituido en el 2009 por Victor Pinchuk Foundation, en el ‘Future Generation Art Prize’ han participado más de 10.000 personas de 134 países.
Solicitud de aplicación y más información en: futuregenerationartprize.org
Se buscan nuevos agentes para la CIA
Hasta el 14 de febrero estará abierta la ‘VI Convocatoria para Agentes 2014’, del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA), de Argentina, que
durante cinco años ha vinculado a artistas y pensadores del mundo, promoviendo los espacios de
encuentro y debate.
facilitar su movilidad internacional y fortalecer la
gestión cultural. Por lo tanto, la beca consiste en
un pasaje aéreo “punto a punto”, para el traslado
internacional, gastos de alojamiento y estancia
durante los días que dura la movilidad en el país
de destino.
el Museo de Arte Moderno de Medellín (Mamm),
en alianza con la empresa Celsia.
Los países participantes son Bolivia, Costa Rica,
Cuba, Chile, El Salvador, Ecuador, Guatemala,
Honduras, Nicaragua, Panamá, Paraguay, Portugal, República Dominicana, Uruguay y Venezuela,
quienes cuentan con un cupo 8 becas cada uno;
Argentina, Colombia, Perú y España, con 12 becas; y Brasil y México con 16 becas cada uno.
La Sala de Proyectos Especiales del Mamm será
el lugar destinado para realizar las exposiciones,
que comenzaran abril y se extenderá hasta junio
de 2014. La segunda exposición está programada
entre octubre y enero, y la tercera exposición entre
febrero y abril del siguiente año.
El Programa C consistirá en tres experiencias al
año que tendrán como objetivo generar más visibilidad de la producción artística de la región.
El proyecto contará con la presencia de artistas y
curadores nacionales y del exterior, y las exposiciones estarán acompañadas de distintas actividades académicas.
Las piezas del 2013
Acuarelistas samarios, en Bienal de Toluca
Sin importar su nacionalidad o afinidad artística,
CIA ofrece de manera gratuita a los agentes seleccionados programas independientes de formación teórica y realización práctica.
Los artistas Zarita Abelló y Hubert Guardiola,
están invitados al Bienal Internacional de Toluca,
donde participan con obras en pequeño formato.
Además, este año CIA ha innovado para la producción y difusión de material artístico, apostando
por convertirse en un canal de comunicación: una
plataforma mediática para la experimentación y la
visibilidad nacional e internacional de sus agentes.
Estos estarán involucrados en la práctica creativa
del diseño y producción del canal web e interactivo, que difundirá los cursos, seminarios, conferencias, performances, audiciones, muestras, textos,
videos, y otros proyectos propuestos en CIA.
Por esto, la convocatoria se abre también hacia
personas con experiencia en manejo de cámara,
sonido, guión, iluminación, edición, diseño gráfico y web, redes sociales y otras calificaciones afines. No hay limitaciones de edad para presentarse
pero se requiere que los postulantes tengan experiencias de realización en su actividad.
Doscientas becas para la
promoción cultural internacional
A través del Programa Iberoamericano de Movilidad
de Artistas y Gestores Culturales, la Organización de
Estados Iberoamericanos (OEI) ofrecerá 200 becas
dirigidas a profesionales del ámbito de la cultura.
Ya se encuentra abierta la convocatoria en la que
artistas y gestores de casi cualquier disciplina
cultural, tendrán plazo hasta el 30 de abril para
presentar sus solicitudes. Esta admite a profesionales que trabajen en artes escénicas y música, en
artes plásticas y visuales, en museos, bibliotecas y
archivos, en edición y literatura y en cine, comunicación y medios, entre otras áreas de campo, sin
importar si es a nivel individual o en representación de organizaciones.
El objetivo de la OEI es identificar a diversos artistas, instituciones culturales y grupos de trabajo que propongan experiencias innovadoras,
que quieran darse a conocer en otros países para
Cortesía: Nueveochenta.
bajo los cuales está comprendida su obra siempre
sopesan entre dos cuestiones contrarias, derivadas
la una de la otra, o bien, dos cuestiones similares
pero no del todo iguales. Los capítulos navegan
entre lo violento y lo tierno, entre la ilusión y la
desilusión, entre el interior y el exterior, y hasta
entre la memoria y el olvido. El libro presenta la
destreza de Muñoz para jugar con los códigos de
prensa, de video y de cine mediante el dibujo e
imágenes en movimiento y fotomontajes.
Jaime Ávila, ‘Talento pirata’.
Con la llegada del nuevo año 2014, el Periódico
ARTERIA indagó entre varios especialistas colombianos en arte sobre cuáles obras les habían
llamado la atención en el 2013, de las presentadas
en Colombia. Jaime Cerón, Ana María Lozano,
Humberto Junca, Gustavo Ortiz, Javier Mejía,
Oscar Roldán-Alzate, Andrea Walker, Ricardo
Arcos-Palma, Carolina Ponce de León, Alejandro
Castaño y María Elvira Ardila dieron sus opiniones y escogieron 25 obras.
Los resultados y las obras, junto con una breve
opinión de los que las eligieron fueron publicados
en un especial en el sitio de ARTERIA, y allí las
personas podían también elegir su favorito de entre los publicados. Pirata, de Jaime Ávila; El agua
que tocas es la última que ha pasado y la primera que
viene, de Nicolás Consuegra, y Espejismo, de Mario Opazo, estuvieron entre las más señaladas por
los lectores. El recuento todavía puede consultarse
en el nuevo sitio del periódico ARTERIA, www.periódicoarteria.com.
Promueven experiencias artísticas
Un nuevo espacio artístico y cultural abrirá en
Medellín, destinado a la promoción de artistas
jóvenes. Se trata del ‘Programa C’, organizado por
Bajo el nombre ‘El color se mueve, arte correomail art’, la bienal invita a acuarelistas del continente con una obra destacada en tamaño postal
y es organizada por el Museo de la Acuarela de
Toluca. Zarita Abelló participa con su obra Platanillos de la sierra, mientras que Guardiola participa
con Vendedora de ilusiones, obras que pasarán a la
colección del Museo. Los dos artistas, oriundos de
Santa Marta, se destacan por la constante producción y sobresalen por su estilo y sus temáticas.
Antonio Caro, en el 89plus, un
proyecto de investigación internacional
El 89plus Maratón de las Américas, evento cultural multidisciplinar que se llevara a cabo en el Museo Jumex contará con la presencia del colombiano Antonio Caro, quien realizará un trabajo con
achiote y será uno de los panelistas. El proyecto
está dirigido a artistas nacidos desde 1989. Caro
fue invitado por su la influencia en esa generación.
Nueva Gerente de Artes
Plásticas y Visuales en el IDARTES.
Maestra en Artes Plásticas de la Universidad de
los Andes y Magister en Screen and Film Studies,
de Goldsmiths College, Universidad de Londres,
Catalina Rodríguez es la nueva Gerente de Artes
Plásticas y Visuales del IDARTES. Con 14 años de
experiencia, ha trabajado en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, la Orquesta Filarmónica de
Bogotá y el Ministerio de Cultura
Como artista ha recibido reconocimientos tales
como el primer premio en el Concurso Nacional
de Filminutos de la Dirección de Cinematografía
del Ministerio de Cultura (1999) y la Residencia
en Cine y Nuevos Medios Schloss Solitude Akademie, en Alemania (2002-2003). Viene de trabajar
en el área de Artes Visuales del Mincultura.
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ARTERIA Ed. 42
Más de 170 obras de artistas de 50 países serán exhibidas durante dos meses
La bienal de Cartagena, una apuesta a
La primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias (BIACI 2014) trae pintura,
escultura, fotografía, medios audiovisuales y ‘performances’ en espacios públicos y privados, todos con entrada gratuita.
Fotos: cortesía BIACI.
Los artistas plásticos y visuales colombianos tendrán un espacio especial en la BIACI 2014. En la foto, la instalación ‘Gulgolet’ (2013), de Elías Heim.
Por esta razón el evento ofrece charlas,
conferencias y encuentros con artistas, curadores
e investigadores; talleres con creadores locales,
y debates con el arte contemporáneo como
tema central. Entre las actividades académicas
hay eventos para la formación de estudiantes y
docentes, y visitas guiadas a las exposiciones, con
énfasis en profundización artística. Dentro de
estas visitas, según dijeron los organizadores, hay
algunas especiales para las familias.
Durante los dos meses, la bienal contará con el
Aula de Formación BIACI, un espacio en el Museo
de la Presentación en el que ocho formadores
tendrán a su cargo guías y talleres.
La entidad organizadora es la Fundación Bienal
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Según recuerda González, en Colombia se
habían realizado las bienales de Arquitectura
y Urbanismo, y de Danza, en Medellín y Cali
respectivamente, y ellas fueron un factor vital
para llevar acabo la Bienal de Arte de Cartagena.
“Se restituye la tradición de las bienales en
Colombia, como la bienal de Medellín y Cali.
“Además se invitaron importantes artistas
contemporáneos para que los distintos gremios:
artistas, coleccionistas, museos y público en
general tengan la posibilidad de ver obras de
importancia, de primera mano. Otra razón para
realizar la bienal es que a Cartagena le hacía falta
un evento de artes plásticas, pues ya tiene de cine,
música y literatura”, dice González.
Respecto a la relación de la obra con el público,
el curador colombiano cita a Walter Benjamin:
“La presencia de la obra real permite ver el aura
Lorraine O’Grady. ‘The Fir Palm’ (1991-2012). Fotomontaje impreso en gelatina de plata.
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de Cartagena, J. Alfonso Díaz Gutiérrez de
Piñeres, esta propuesta promueve el desarrollo
de la ciudad en distintos ámbitos. “La Bienal
Internacional de Arte Contemporáneo
constituye una excelente oportunidad para
fortalecer la agenda cultural de Cartagena, atraer
la mirada de artistas, curadores, galeristas y todos
los amantes de las artes plásticas y visuales. De
igual manera, se presenta como una coyuntura
que continuará dinaminazando el desarrollo
económico y social, y consolidando los circuitos
culturales, las industrias creativas y el turismo de
nuestra ciudad”.
La bienal dedica un segmento para los artistas
nacionales denominado ‘Colombia hoy’. Esta
sección fue curada por la venezolana Gabriela
Rangel; la alemana Stephanie Rosenthal; y el
crítico y curador colombiano Miguel González.
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Pro g r A
Para el presidente de la Cámara de Comercio
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El propósito de BIACI es promover las artes
plásticas contemporáneas, ampliar los escenarios
artísticos y culturales de Cartagena e integrar a la
comunidad con las artes plásticas y visuales.
Los curadores asociados son Bisi Silva, Paul
Willemsen, Barbara S. Krulik, Mariano
Salvador. Todos ellos, junto con la directora
artística, escogieron a los participantes de la
sección internacional de la Bienal. La asistente de
curaduría es Eva Rick.
de las obras”. Esto en el sentido que Benjamin da
a entender en su libro La obra de arte en la época
de su reproductibilidad técnica: “Incluso en la mejor
de las reproducciones falta algo: el aquí y el ahora
de la obra de arte, su existencia irrepetible en el
lugar que se encuentra”. González agrega que en
Cartagena “existe una coyuntura cultural y hay
que apostar a la institucionalidad en la ciudad”,
señala que debido a la BIACI, se pudo “hacer una
inversión para que el Museo de Arte Moderno de
Cartagena se recuperará”.
E LoS A
Algunos de los lugares que sirven como espacios
de exposición son: el Museo Naval, el Baluarte
San Lucas, la Casa Museo de La Presentación,
el Museo de Arte Moderno, la Alianza Colombo
Francesa, la Casa del Reloj, la Plazoleta Joe Arroyo
y la Casa de la Calle Soledad. También hay obras
en plazas y calles.
Internacional de Arte Contemporáneo de
Cartagena de Indias, dirigida por Natalia Bonilla.
La dirección artística está a cargo de Berta Sichel
Sichel, quien ha sido directora del departamento
de Cine y Video del Museo Reina Sofía de Madrid,
y quien ha participado en las bienales de Venecia
y Sao Pablo (Brasil).
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ás de 120 artistas contemporáneos nacionales y del exterior
presentan sus propuestas en 14
puntos de Cartagena desde el 7
de febrero al 7 de abril. La Primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de
Indias (BIACI, 2014) se presenta en museos, espacios públicos, colegios y universidades. Son cerca
de 170 obras, algunas hechas especialmente para
esta bienal. Todos los eventos, con entrada gratis.
ARTERIA Ed. 42
5
las artes plásticas y a la ciudad
Instalaciones y ‘performances’
Una mirada a ‘Colombia hoy’
Se presentaron más de cuatrocientas personas.
González, Rangel y Rosenthal visitaron estudios
de artistas y galerías en ciudades como Bogotá,
Cali, Medellín, Cartagena y Barranquilla. Los jurados también escogieron participantes por fuera de
la convocatoria.
con el espectador. Este artista holandés estará en
la Plaza de los Estudiantes.
En la noche de inauguración, por ejemplo, el artista Perry Bard realizará el performance Hotel,
realizado en colaboración con bailarines del Colegio del Cuerpo. Tomarán como punto de partida
los gestos de los trabajadores del hotel Almirante,
de Cartagena, como una alusión a que son posturas comunes en todas las partes del mundo.
Anna Boghiguian, de Egipto, preparó un proyecto acerca de la idea de la expulsión del Paraíso.
Con su instalación y mediante dibujo, collage y
pintura, alude al padecimiento de los seres humanos. Se presentará en la capilla de la Iglesia de
la Santísima Trinidad.
Además estarán los artistas Anton Vidokle y
Julieta Aranda quienes mostraran una nueva
edición de su obra Geometría popular. La obra fue
realizada por primera vez en el 2003 y en ella ambos artistas publicaron un tabloide de circulación
gratuita, en el que reimprimieron críticas acerca
de la escultura pública abstracta. El proyecto es
adaptado a las circunstancias de cada sitio en
donde es presentado.
Bill Viola. ‘Walking on the Edge’ (2012). Video HD.
Las obras para esta sección dedicada a los artistas
colombianos se presentan bajo el tema ‘El ocio imperfecto o cuando las cosas desaparecen’. Fue-ron
seleccionadas mediante una convocatoria abierta,
desde el 13 de junio hasta el 13 de agosto de 2013.
Varias instalaciones y performances se presentarán en la BIACI 2014.
torno a la vida política y social. Estos dos artistas y
otros doce estarán presentes en el Museo de Arte
Moderno de Cartagena.
Gijs van Bon escribirá con arena sueños y poemas provenientes de diarios de los propios habitantes de la ciudad. Van Bon considera que sus
máquinas de escribir con arena son objetos teatrales independientes, que deben comunicarse
Carlos Schwartz, fotógrafo y pintor, utilizará la
luz como señal de identidad. Su obra recreará
una metáfora en torno a las murallas de la ciudad. Schwartz estará en la Playa del Triunfo.
La española Elena del Rivero realizará en el
Museo Histórico de Cartagena de Indias (Palacio
de la Inquisición) la obra Y tan alta vida espero,
en la que utiliza las ventanas enrejadas de los
patios para recrear barrotes de los conventos de
las ciudades del sur de España, como Sevilla, y las
ventanas de las viviendas donde las mujeres esperaban poder ser cortejadas. A través de las rejas del museo se podrán observar agujas, alfileres
y perlas. La artista busca un contraste entre las
prácticas de la Inquisición y la vida cotidiana.
En la Plazoleta Joe Arroyo habrá once obras de artistas como: Verónica Lehner, es colombiana pero
vive actualmente en Berlín. En su propuesta se expresa por medio de la pintura, el video, la fotografía
y el performance.
Algunos de los artistas que fueron elegidos son: Julián Dupont, nacido en Popayán. Es un artista multidisciplinar. En su obra usa el dibujo, la fotografía, la
escultura, el video, el performance y la instalación.
Juan Obando. Bogotá. Desde 2005 trabaja proyectos que se basan en los diversos medios de comunicación. Actualmente centra su trabajo en el uso
de estéticas como el hip-hop y videos musicales.
Algunos de los temas que toca son la participación
democrática, identidades políticas y la exclusión e
inclusión cultural.
Clemencia Echeverri. Vive en Bogotá. Trabaja la
pintura y la escultura, desde mediados de los noventa. Actualmente utiliza instalaciones que mezclan video, sonido e interactividad, todo esto en
En la Casa de la Calle Soledad estará Óscar Murillo. Este colombiano vive en Londres desde los 10
años. Pinta obras a gran escala a las cuales añade
fragmentos de textos o palabras.
Artistas del exterior en la BIACI 2014
Terry Berkowitz es un artista estadounidense
que desde los años 70 trabaja con instalaciones
artísticas. En sus obras combina elementos esculturales, audio, video y fotografía. Berkowitz
toca temas políticos y sociales mundiales, tales
como la violación de los derechos de las mujeres
y las expulsiones forzosas alrededor del mundo.
pintor y escultor. En su obra hace una confrontación social del contexto en el que vive. Utiliza
desechos, reciclables y basura, con los que hace
un juego de estereotipos del continente africano
y el arte de esta parte del mundo. Ambos estarán
en Museo Histórico de Cartagena de Indias (Palacio de la Inquisición).
Romuald Hazoumè nació en Benín (África). Es
En el Museo Naval del Caribe estarán presentes
Yinka Shonibare. ‘La Méduse’ (2008). C-print montada en aluminio.
21 artistas. Algunos de ellos son: la estadounidense Sheila Hicks. Es una especialista en el uso
de materiales no tradicionales dentro del arte, que
utiliza fibras y otros materiales textiles en sus obras, las cuales considera una experiencia a medio
camino entre la escultura y el performance.
El argentino Sergio Vega está en la Casa Museo
Arte y Cultura La Presentación. Su propuesta in-
daga en la formación de la cultura y las condiciones sociales del mundo a través de los esquemas
de actuación del colonialismo.
En el mismo lugar está Helena Almeida. Esta
portuguesa presenta situaciones coreografiadas
e interviene con videos y dibujos para crear composiciones visuales complejas que reflexionan
sobre el espacio y el tiempo.
ARTERIA Ed. 42
6
Homenaje
Armando Villegas: mi padre, mi maestro, mi colega
El reconocido pintor de la ‘Generación de los Maestros’ falleció el pasado 29 de diciembre. Su hijo, artista dedicado a
la escultura, escribió para ARTERIA una semblanza en la que cuenta aspectos personales y de su relación con el maestro.
Ricardo Villegas
R
ecuerdo que los tarros metálicos
donde venían las galletas Saltinas y
Macarenas que llegaban a la casa en
poco tiempo iban disminuyendo su
peso por el impulso glotón de la infancia.
Tarros de galletas, láminas de cobre y bronce,
tijeras para cortar metal, cinceles, martillos,
cizallas, un equipo de soldadura autógena, etc…
componían el mundo que rodeaba a unos magos
que con sus manos transformaban rápidamente
los metales en lámparas, en cofres, anillos, pájaros, palomas, lagartijas, botones exclusivos para
indumentarias de desfiles, collares, gargantillas,
candelabros etc… Todos estos objetos, con tocados de soldadura de bronce acabado y lustrado;
piezas que destacaban el carácter de un gran
oficio y una disciplina implacable, en la que los
ancestros siempre estaban presentes.
Desde un gran ventanal del segundo piso, con
vista a los cerros orientales, a espaldas de la casa,
se podía ver el techo y se sentía el rugir del taller
familiar en el que mi padre pasaba parte de su
tiempo trabajando en arte aplicado, para mantener surtida La Gruta del Arte, galería que tenía
con mi madre.
Ahí crecí y me formé, desde ahí vi crecer a mi
padre, en su sitio sagrado, su guarida. Yo no
alcanzaba a llegar a la mesita donde tenía sus
pinceles, era demasiado pequeño. Solo recuerdo
ver un florero con anturios sobre una mesa y en
su caballete, un lienzo donde imprimía, con mucha destreza, el ramo que fue el símbolo de un
día de las madres y que hoy permanece inmortalizado en lo que fue su espacio sagrado.
Su carácter fuerte y disciplina se evidenciaban
en cada rincón que se iba llenando de cuadros
grandes, medianos y pequeños; con texturas,
con metales, hechos con una diversidad de técnicas, que mostraban lo recursivo del albañil, del
artesano y del maestro. Un trabajo que hacía sin
dejar sus obligaciones como profesor en las universidades, sus exposiciones y eventos sociales.
La docencia fue su pasión. Se había formado
como profesor y en sus entrañas llevaba el carisma de ser catedrático. Tanto, que luego de pen-
sionado aún seguía dictando cátedra. Mientras,
yo, en algunas oportunidades, me mimetizaba
entre sus alumnos con la excusa de hacerle una
visita. Era un adolecente precoz y mi padre intuía, que venía otro artista en camino.
Creo que el círculo cromático formaba parte de
sus ojos y el arco iris corría por sus venas. Sus
dibujos de la escuela, sus obras abstractas, sus
témperas, sus collages, sus guerreros y todos
sus objetos que fueron sus custodios, son testigos del pincel que imprimía con tanta fuerza y
sutileza la variedad de colores impecables de su
sólida paleta, cuyos colores quedaban inmortalizados sobre cualquier superficie que se le cruzara y que dejaban la impronta de un maestro
del color.
El maestro reciclador, selectivo y celoso con sus
cosas, tenía secretos que muchas veces tuve la
fortuna de escuchar, como si estuviera en un
confesionario. Amante de la naturaleza, compartimos juntos el hobby del bonsái. Él se paseaba por el jardín de mi estudio maravillándose
con el grosor de los troncos. Amaba sus gatos
como amigos y compañeros inseparables, y los
llevaba por su jardín con collar y correa, presumiendo un paseo por un bulevar.
Nunca dudó al llamado de un pupilo para entregarle sus consejos sin misterios ni secretos,
para luego compartir un pollo asado, salir a
Teusaquillo o al barrio Santafé o tomarse un
tinto en la cuarenta y tres con veinticinco. No
escatimó en ayudar, siempre tenía el cuadrito o
la serigrafía para sacar de apuros a alguien.
Con el alma de un soñador proveniente de ese
ancestro inca y conquistador español, levantó su
templo como un patriarca, construyendo su casa
colonial en muros de piedra, nichos en las paredes,
puertas talladas en madera y diseñadas por él.
Al llegar allí, me recibía un portón en madera
de cedro macho muy elaborado, con dos hojas
divididas en cuatro espacios. Las dos superiores
en forja, diestramente elaboradas, y las partes
inferiores en madera. En el centro del arco de la
puerta, una piedra tallada por él con las letras
AV, una sobre la otra, como un símbolo: la piedra angular de su templo.
Yo ingresaba con cautela, como si pasara a un
lugar mágico y sagrado. Al fondo, después de seguir por un espacio adoquinado, rodeado de un
gran jardín lleno de colores, pasar por un falso
pimiento enorme y acacias que mostraban el
paso de los años, se abría una puerta, aparecía
Fotografía: Óscar Monsalve.
Armando Villegas construyó su inmenso taller que constantemente era visitado por estudiantes e intelectuales.
impecable y me recibía con una sonrisa, un beso
y un abrazo, como si me hubiera dejado de ver
por años.
Nunca le negó a nadie la entrada a su mundo
mágico, un lugar de contemplación donde
transmitía conocimiento y sabiduría como
un libro abierto. No vacilaba en dar respuestas
confrontadas con su inmensa biblioteca; tertuliadero cotidiano donde los libros se abrían para
debatir temas filosóficos, de composición, de
color, de texturas, de expresionismo, fauvismo,
impresionismo, del arte informal, lógica simbólica, estética cibernética…
Eran tantos los temas, que uno podía conocer el
mundo, desde el más recóndito lugar del Perú −
su país de origen− hasta el más mínimo detalle
de viajes imaginarios, sin necesidad de levantarse de las sillas que rodeaban su majestuoso
caballete, que siempre sostenía una obra nueva
e inconclusa.
Después de mis exposiciones, las compartíamos en su estudio. Me desnudaba con críticas
constructivas, análisis y confrontaciones implacables. Me sentía pleno, mi espíritu se colmaba y
el gran chamán me impulsaba a seguir adelante:
“No hay que dejar de trabajar, hay que hacer algo
todos los días, así sea cualquier cosa que se te
ocurra”. Mientras conversaba, no dejaba sus manos tranquilas. Podía terminar sus obras sin que
la presencia de nadie le molestara. Eso permitía
que enseñara y transmitiera parte de su oficio.
Recibía a muchos recién egresados inquietos que
compartieron con él en las aulas y que llegaban
con la necesidad de un buen consejo. Fotógrafos, publicistas, abogados, médicos, políticos y
grandes intelectuales pasaban por su estudio.
Con frecuencia lo encontraba rodeado de mucha
gente, como si siempre hubiera un evento importante alrededor de su caballete.
Palabras sobre valores como “identidad”, “esencia”, “sensibilidad”, indispensables en la construcción de un trabajo honesto, con “estudio”,
e “investigación” siempre resonaran en mis oídos como temas cruciales de conversación con
mi padre, a raíz de la pérdida del oficio, donde
no hay trabajo de taller, no hay paleta ni manos
fuertes y callosas, como las que uno solía apretar
en otros tiempos.
Recuerdo que después de una exposición de escultura agotadora y satisfactoria a la cual él no me
pudo acompañar, recibí su llamada a las 11 de la
mañana del día siguiente y me dijo: “Te felicito”.
Fue impresionante. Su voz se quebró y creí que
estaba mal, al escucharlo llorar por primera vez.
Después de tantas tertulias conversaciones y
consejos, me decía “maestro te felicito”. Entonces recordé al adolecente que llegaba a las aulas
de la universidad para escudriñar los misterios
de mi padre, y que ahora, años más tarde era
tratado por él como un colega.
ARTERIA Ed. 42
Alerta por la situación
en las playas samarias
Creadores hablarán
de los ‘nuevos medios’
Cortesía del artista.
Alberto Lezaca. ‘Escultura involuntaria constante’ (2014). Video instalación.
La instalación ‘Sala de espera’ presenta 1.200 sillas en miniatura que rodean cinco toneladas de carbón.
‘A
uto-geografías’ es el título de la
exposición del artista bogotano Luis
Carlos Tovar con la que se celebrarán
los diez años del Museo de Arte de la
Universidad del Magdalena, en Santa Marta.
Se trata de cerca de 60 fotografías de gran formato
hechos a personas que viven del mar, resultado de
un extenso recorrido de Tovar por las playas del
departamento del Magdalena.
Julio César Díaz. De la serie ‘Retratos al carbón’.
El artista utilizó la silla ‘Rimax’ como eje de su
trabajo, entre las cuales hay reparadas, amputadas
y remendadas que iba recibiendo como regalo a lo
largo de su recorrido y que, según comenta, tienen
su propia historia. ‘Auto-geografías’ está bajo la
curaduría de Lucía Arango. Esta colombiana, que
reside en Francia, dirige su trabajo hacia la difusión
del conocimiento científico en el país, además de
enfocarse en la diversidad de los derechos culturales
como parte fundamental para el desarrollo.
La muestra es el resultado de un periplo que
inició hace cinco años. Tovar recorrió parte de la
costa Atlántica del país para ver cómo se vive en
la región, buscando historias susceptibles de ser
contadas, observando el estado de las playas y todo
el contexto de los habitantes de esta parte del país.
Este viaje lo enfocó como parte de un proceso
7
subjetivo y una experiencia estética. Durante este
trayecto y la toma de fotografías, Tovar muestra
testimonios de un territorio que hoy parece estar
lejos de la belleza que poseía al momento de
ser descubierto. Su investigación incluye la vida
cotidiana de los habitantes que viven del mar y que
son parte del lugar.
‘A
nalogía digital: pioneros de
nuevos medios’, una exposición
que aborda las prácticas artísticas
que han influenciado la creación e
interacción en el New Media Art, se presentará
del 8 al 28 de febrero en el Museo de Arte
Contemporáneo, en Bogotá.
Michael Kargl. ‘On traslation’ (2008-2010).
Jorn Ebner. ‘Internetscape 06’ (2006).
La exhibición –que ya fue presentada en Londres–
explora los discursos artísticos que fusionan el
saber científico y el rol de la informática desde
Blanca Chávez Ávila. De la serie ‘Retratos al carbón’.
‘Auto-geografías’ estará en el Museo de Arte de
Universidad del Magdalena hasta el 13 de marzo.
una plataforma filosófica, y se caracteriza por
presentar video-instalaciones, mapeos y obras de
intervención del espacio arquitectónico.
Para John Ángel Rodríguez, curador de la
exposición, los artistas que hacen parte de ella
han sido pioneros de algunos de los discursos e
innovaciones en este campo de la creatividad,
con investigaciones que pueden ser consideradas
referenciales en el arte electrónico digital.
El apelativo ‘La perla de América’ se atribuye al
sacerdote Antonio Julián, (1722-1790) quién llegó
al Nuevo Reino de Granada en 1749 para iniciar
una misión y convertir a los guajiros. Sin embargo
la exposición parece señalar que quizás ese nombre
que hizo alarde de los vastos recursos naturales que
poseía esta parte del país no sea muestra su realidad
actual. La exposición deja ver cómo la explotación
cultural, comercial y minera ha dejado de la lado los
intereses ecológicos y de conservación, relegando a
los distintos grupos humanos que habitan allí.
Aunque pese a las distintas explotaciones las
costas colombianas y, en este caso, las samarias,
siguen siendo un atractivo turístico, la belleza
natural se ve interrumpida por la maquinaría de la
minería moderna. Así, el artista plantea mediante
‘Auto-geografías’ toda una reflexión acerca de la
explotación en las costas.
Cortesía: John Ángel Rodríguez.
Roy Ascot. ‘Tablero de notas’ (1968). Madera y tiza.
En la muestra estarán el británico Roy Ascot,
artista dedicado a la cibernética y la telemática
desde 1960; el alemán Jorn Ebner, que trabaja
con video, audio e imágenes interactivas, entre
otras técnicas, y el austríaco Michael Kargl, que
utiliza la Internet, los computadores y el video.
Este ha expuesto en Portugal, Dinamarca, Austria,
Rusia, Estados Unidos, entre otros países. Junto a
ellos estarán los artistas colombianos David Peña,
Alberto Lezaca, y Carlos Franklin.
‘Analogía digital’ según el curador, “permite
observar de cerca las estructuras conceptuales de
estas obras”. Para ello el programa académico de
la exhibición aborda las investigaciones teóricas
de estos creadores de una forma participativa
involucrando al público a través de charlas y
talleres, ejecutados por los artistas internacionales
invitados.
Además de los trabajos de los invitados, la
exposición tendrá una sección denominada
s[edition], que presentará videos con obras de
Jake & Dinos Chapman, Mat Collishaw, Damien
Hisrt, Doug Foster y Tim Noble & Sue Webster
(Reino Unido); AES+F (Rusia); Jenny Holzer,
Matt Pyke, Bill Viola, Casey Reas y Aaron Koblin
(Estados Unidos) y Ryoji Ikeda (Japón).
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ARTERIA Ed. 42
Un vistazo a las exposiciones
Recorrido por varias de las muestras que se verán en museos de Colombia durante el 2014.
Fotomuseo, Bogotá
Fotogramas del Neorrealismo italiano
Muestra de fotogramas pertenecientes a películas de la corriente cinematográfica del
Neorrealismo Italiano. Serán exhibidas en las calles de Bogotá, con al apoyo del Instituto
Italiano de Cultura. En esta exhibición, se contemplarán las condiciones sociales y políticas de Italia durante los años de la posguerra (después de la Segunda Guerra Mundial).
Cortesía: Museo de Arte del Banco de la República.
Museo Nacional de
Colombia, Bogotá
Alberto Durero. ‘Melancolía’ (1514).
Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá
Durero
Julio - noviembre
Destacará la faceta como grabador del alemán Alberto Durero (Núremberg,
1471-1528). Presentará obras icónicas como Melancolía, La muerte y el diablo,
y el Gran carro triunfal de Maximiliano I, esta última excepcional por su origen,
sus características formales y gran tamaño (más de 2,5 metros de ancho). En
total serán 113 obras, divididas en seis secciones temáticas.
William Kentridge
‘Fortuna’
Abril - julio
Con 31 esculturas, 32 dibujos, 26 películas y animaciones, 115 grabados y
dos videoinstalaciones, la exposición destacará las técnicas poco convencionales de Kentridge (Johannesburgo, 1955), que fusionan el dibujo al carbón, la animación, el cine y el teatro. Llegará al país después de un recorrido
por varias ciudades brasileñas. Su nombre adquirió fama luego de participar
en distintos eventos como la Bienal de La Habana y Documenta. En su obra
confronta historias personales y políticas de su vida en Sudáfrica después
del Apartheid.
‘Juan Antonio Roda,
Homenaje Nacional’
Desde abril 10
La exposición presentará un
recorrido por la obra del maestro
colomboespañol Juan Antonio
Roda, en su proceso de transición del arte figurativo a la abstracción.
Museo Zenú de Arte
Contemporáneo, Montería
‘Santos de palo: ni mucho que
queme al Santo, ni tan poco que
no lo alumbre’
Marzo - abril
Busca exaltar la espiritualidad y
el fervor religioso en el oficio de la
talla en madera durante los siglos
IXX y XX, en la región del Sinú (Córdoba) y las sabanas.
In-sinú-arte 2014
Octubre - noviembre
Un espacio para las creaciones
estéticas locales bajo la curaduría
del Museo Zenú de Arte Contemporáneo (Montería). Se recibirán
propuestas de artistas reconocidos
o poco vistos de la ciudad y del departamento, que serán revisadas y
organizadas por el curador Néstor
Martínez Celis.
Cortesía: Fotomuseo.
Cecilia Paredes
‘Foto-performances’
Una selección de las más recientes obras, en las que se pinta cada parte de su cuerpo y
se fusiona con el escenario. La exposición se realizará en las calles y algunos espacios
públicos de Bogotá.
Cecilia Paredes. Fotografía.
Museo Rayo, Roldanillo
Leo Matiz (1917-1998).
Mayo
El Museo Rayo expondrá en sus instalaciones la colección proveniente del Museo Nacional, en la cual se
muestran varias obras reconocidas de este destacado
fotógrafo colombiano.
Ruvén Afanador
Septiembre
Fotografías pertenecientes a la Colección de retratos del
Museo de Arte Moderno de Bogotá.
Matthew Barney
‘The Cremaster Cycle’
Segundo semestre del año
‘The Cremaster Cycle’ es un proyecto fílmico el cual Barney no sólo crea, dirige e interpreta, sino que también
complementa con esculturas, fotografías y dibujos. Se
inició en 1994 y terminó en el 2002 con cinco películas,
que le han llevado a merecer numerosos premios. Su
nombre hace referencia al músculo cremáster, que mediante un sistema de ascender y descender ayuda a regular la temperatura de los testículos. Es considerada una
metáfora de la narrativa ascendente y descendente que
tienen las películas que componen el controversial ciclo.
Alberto De Michelle
Segundo semestre del año
Alberto De Michelle es un artista italoholandés nacido
en 1980, que encuentra su pasión en los videos y en el
juego con las fronteras difusas entre la ficción y la realidad, que le dan sentido a su obra.
Sala primer piso
Fototropismos
Elías Heim
Curaduría: Miguel González
Cr. 5 No. 26B - 76 Bogotá
Tel. (571) 2821474 / 0973
[email protected]
www.nc-arte.org
Museo de Arte Moderno de Barranquilla
ARTERIA Ed. 42
que se verán en este año
Museo de Arte del Tolima, Ibagué
Tomás Welss. ‘Paraíso Terrenal’, (2011). Video.
Museo de Arte Moderno de Medellín
‘Reserva expuesta’ (Colección Mamm)
Abril 2 – julio 6
Obras de la colección del Mamm servirán para la apertura de las salas permanentes .
William Kentridge: ‘Fortuna’. En alianza con el Banco de la República
Julio 30 – octubre 26
William Kentridge es una artista sudafricano, con influencia de las artes escénicas y de la
actuación, dibujante y grabador. Dentro de su obra, las piezas más impactantes que realiza
son sus películas animadas en carboncillo. Su obra parte de los problemas que se viven en
su país, en su identidad como sudafricano, en la política del país, la dualidad del individuo
y la opresión hacia la gente de color.
Cortesía: Museo de Arte Moderno de Barranquilla.
‘Segundo salón internacional de grabado’
Mayo
Busca rescatar el valor del grabado. La convocatoria ya está abierta y admite que los
participantes presenten cualquier técnica
de grabado, como calcografías, serigrafías,
monotipos, punta seca, linóleo, mesotinta,
aguafuerte, xilografía, fotograbado, grabado
en cerámica y colografía.
Cortesía: Museo de Arte del Tolima.
Tomás Welss
Muestra de filmes
Febrero
Una exposición sobre la vida y trabajo del
dibujante, guionista y director chileno de
cine animado Tomás Welss. Reconocido por
filmes como Manos libres y Verde que te quiero, la exposición es una antología de quien
ha sido galardonado con premios en Chile,
Brasil, Cuba, Colombia y Egipto, entre otros
países.
Clemencia Echeverri. ´Juegos de herencia´. Fotografía digital.
Clemencia Echeverri
‘Juegos de Herencia’
Abril 24 – mayo 31
Esta exposición consiste en una video-instalación que explora la herencia del festejo
llevada por inmigrantes españoles a las comunidades del Pacífico. Desde mediados de los
90, Echeverri desarrolla obras en instalación, video, sonido e interactividad a partir de las
condiciones políticas y sociales dominantes.
Homenaje al artista barranquillero Manolo Vellojín.
Julio 24 - septiembre 7
Vellojín (Barranquilla, 1943) falleció en junio del año pasado, en Bogotá, ciudad donde
vivió la mayor parte de su vida. La exposición destacará su obsesión por los temas religiosos y su geometría precisa y abstracta. Curador: Alvaro Barrios.
Museo Bolivariano de Arte
Contemporáneo, Santa Marta
‘Alfonso Ariza, vida y obra’
Mayo 14 – julio 21
Muestra sobre el escultor cordobés fallecido
en 1989 y que aún es recordado por su polifacética obra, sustentada principalmente en
la abstracción y el expresionismo.
‘Jorge Riveros, vida y obra’
Agosto 14 – octubre 9
Como celebración al aniversario 28 del
Museo Bolivariano, se realizará una exposición itinerante del artista, miembro fundador de este museo en 1986. Después de
pasar por varias etapas y tendencias artísticas, como el constructivismo, el expresionismo y la abstracción geométrica, Riveros se
ha inclinado por un tipo de abstracción libre.
La selección será realizada por su hijo, Sebastián Riveros, con la ayuda de la curadora
barranquillera María del Pilar Rodríguez.
Museo de Antioquia, Medellín
‘Contraexpediciones’
Abril 9 – junio 23
Desde un pensamiento científico, esta
exposición contempla cómo ve el arte a la
sociedad en relación con el territorio y los
recursos naturales. Es un proyecto en asocio con la Galería de Arte Contemporáneo
Paul Bardwell, del Colombo Americano,
sede Medellín, Corantioquia y el Instituto
de Investigaciones Científicas Von Humboldt, que se abrirá en el marco del séptimo Foro Urbano Mundial 2014 (WUF).
‘Antología de José Antonio Suárez’
Agosto-septiembre 2014
Exposición sobre la obra de José Antonio
Suárez, que recoge sus dibujos y grabados
de quien es uno de los dibujantes más emblemáticos del arte colombiano contemporáneo. Se realizará en la Sala Temporal
Norte del Museo de Antioquia.
John Wood and Paul Harrison
‘Video británico contemporáneo’
Agosto – septiembre
Selección del trabajo del reconocido colectivo de artistas británicos: Harrison
and Wood, que proponen una revisión a
grandes paradigmas del arte de la modernidad, en un lenguaje atractivo y divertid. Sala Temporal Sur del Museo de Antioquia.
Colección SURA
Octubre 2014 – enero 2015
Obras de grandes artistas colombianos y
mexicanos que han marcado la historia
del arte latinoamericano del siglo XX y que
hacen parte de la colección SURA. Esta
muestra tendrá lugar en las Salas Temporales del Museo de Antioquia.
Sala segundo piso
URUMU
Monika Bravo
Febrero
Febrero 1
1 -- Marzo
Marzo 29
29
Curaduría: Beatriz López
9
10
ARTERIA Ed. 42
‘Todo el arte debería ser
El crítico e historiador del arte colombiano plantea su punto de vista sobre el valor del llamado ‘arte popular’ en el contexto actual.
renovaciones y ajustes del pasado clásico. El arte
pasó a ser asunto de pequeñas minorías, de los
sectores más pudientes, dueños del poder. Eran
los patronos de un arte que no sólo había hecho
aún más visible su identificación con los propósitos de príncipes y reyes y el acatamiento a sus designios y valores, sino que fomentaba el culto a la
personalidad del artista, que empezó a ser considerado “maestro” y a gozar de las ventajas que este
estatus les significaba.
César Augusto Agudelo Martínez. ‘Hilos invisibles miserables’. Acrílico sobre lienzo.
Eduardo Serrano*
E
l arte popular es un concepto muy ambiguo compuesto por dos vocablos
igualmente variables e indeterminados.
El vocablo arte se refiere a las creaciones que expresan la visión sensible del hombre
acerca del mundo y de la vida, en tanto que el
vocablo popular es un adjetivo que indica lo
perteneciente o relativo al pueblo. Pero dentro
de esos lineamientos generales ambos tienen muy
distintas acepciones, de acuerdo con las culturas y
el momento histórico.
En Occidente el concepto arte ha estado relacionado con ritos y ceremonias litúrgicas, con consideraciones estéticas y con posiciones y doctrinas
de la más diversa índole, y algo similar sucede con
el término popular, el cual se ha identificado en
unas ocasiones con lo primitivo e, inclusive, lo vulgar, y en otras con lo que satisface a mucha gente.
No es extraño, por consiguiente que una indefinición aún más acentuada se produzca con la
unión de los dos términos, arte popular, cuyo significado no sólo ha variado a través de la historia,
sino que en la actualidad se entiende de manera
diferente en cada pueblo o cultura. Mientras en
Norteamérica y Europa se refiere a expresiones
masivas que atraen a un público numeroso inscrito
en la clase media que sigue manifestaciones como
el rock, el cine made in Hollywood y la literatura
tipo best seller, en África se adjudica a manifestaciones de carácter etnológico y en América Latina está
relacionado con lo artesanal, con el folclor.
De acuerdo con la teoría marxista la creatividad
popular empezó a ser coartada cuando en los
pueblos preagrícolas se creó la división del trabajo
en cazadores, recolectores o pescadores, surgiendo la especialización y la consiguiente articulación
de formas preestablecidas (como los códigos para
el lenguaje simbólico) que requieren de una clave
para su comprensión o funcionamiento. Esta era
del dominio de brujo, quien organizaba la vida
tribal, por lo cual se le considera el creador del trabajo especializado y se le atribuye el origen de la
separación de la sociedad en clases.
Con la división del trabajo apareció la especialización en arte (que convirtió al brujo en una especie de crítico o curador de entonces), lo que trajo
un alejamiento entre la mayoría de la población y
las posibilidades artísticas. La ejecución y el disfrute del arte se reservaron cada vez más para los
iniciados y el símbolo y la viabilidad de descifrarlo
pasaron al dominio de una élite.
Es este, el origen de los artistas “profesionales”,
que estudian una profesión, se someten a un
aprendizaje de parámetros predeterminados
y practican el arte como una especialidad en la
que adquieren virtuosismo y reconocimiento, la
cual les permite una manera económica de vida.
Así, el arte, que había sido una actividad creadora
libre, popular, empezó a convertirse en una
ocupación excluyente reservada para un cenáculo
privilegiado, y en instrumento para conseguir
fines extraartísticos.
No es necesario detenerse en cada época histórica
para comprender que el arte ha sido utilizado
para transmitir e imponer ideologías ni de que así
como en los pueblos preagrícolas se usó con fines
mágicos, ya en las sociedades sedentarias se convirtió en instrumento de la religión, de la moral,
de la política y, a través de todo ello, de la dominación económica. Desde la antigua Grecia donde
(de acuerdo con Arnold Hauser) se dio el paso de
un arte comunitario anónimo a una producción
aislada de individuos que cantaban las hazañas
de sus líderes y la rivalidad entre los paladines de
las diferentes polis, pasando por la antigua Roma,
donde el surgimiento del mecenazgo privado incrementó la utilización del arte de acuerdo con los
intereses de los patronos. El arte culto, el de los
especialistas, ha constituido casi invariablemente
y, en muchos casos de manera inconsciente, una
refrendación de la ideología dominante.
Fotos cortesía: Fundación BAT.
En la Edad Media cuando, a pesar de que el primer
arte cristiano fue producido por el pueblo, al convertirse el cristianismo en la religión oficial, el arte
se puso al servicio de la suma autoridad de los poderes temporal y espiritual, cuyos intereses interpretaba el artista siguiendo normas establecidas.
Para otros, el origen del arte popular puede
situarse en Europa, en el Renacimiento, cuando
el artista se individualizó y produjo obras de
arte para la adquisición de clientes. Antes del
Renacimiento (de acuerdo con Lewis Mundford)
la comunidad participaba del trabajo creativo,
tomaba parte en representaciones religiosas y
opinaba acerca de la decoración de las grandes
obras. Pero al desaparecer la unidad de cultura,
de ideas y de sentimientos que reinó en la Edad
Media, la palabra “artista” vino a calificar a un
grupo selecto de practicantes de las artes, en
oposición a la palabra artesano, utilizada hasta ese
momento.
Anhelando una Roma ideal que restituyera las glorias de la llamada “pax romana”, las clases dominantes de Italia de los siglos XIV y XV se propusieron embellecer su mundo con restauraciones,
Para que este nuevo orden y nueva visión de la
estética tuviera éxito fue imperativo (otra vez de
acuerdo con Mumford), infamar la cultura popular, degradar sus valores y calificar de fáciles o toscos sus más preciados logros; denigración que se
produjo al tiempo que se transfería la autoridad
en materia artística, de los trabajadores del arte,
a un déspota estético, el nuevo brujo, el hombre
de buen gusto, conocedor de los textos antiguos y
que sabía de memoria las normas del arte clásico.
Lo popular empezó a ser considerado como
hechura de una clase por naturaleza inferior,
inconsciente, irreflexiva, infantil, primitiva, por
lo que sus producciones no podían equipararse
con los de las clases hegemónicas, con las de los
hombres excepcionales, ilustres, bendecidos con
dones que los elevaban por encima del común de
la población.
Para otros autores, la llegada del capitalismo y de
la Revolución Industrial, en el siglo XVIII acentuó la escisión entre el arte culto, ya influido por
la enseñanza académica, y el arte popular. Con la
producción masificada, la diferencia entre el arte
profesional y el de las mayorías se incrementó
notoriamente puesto que la sociedad de consumo
propició el florecimiento del arte popular, alentando la adquisición de imágenes de estilos y características mecánicas producidas en serie.
Es por esa época, cuando, en relación con los objetos e imágenes producidos industrialmente para
el consumo, “del vulgo”, o de “las masas”, como
llamaba la clase hegemónica al pueblo, apareció
el concepto del kistch, término alemán que no
tiene una traducción exacta al español, pero que
se acerca a lo vulgar o a lo cursi y que se utiliza con
referencia al gusto de las clases populares.
No sobra precisar que “el gusto” no puede clasificarse científicamente pues es una construcción
social sujeta a ideologías y, como tal, aunque
pueda parecer un atributo individual o entenderse como un ejercicio de subjetividad, la
verdad es que puede ser modificado o inducido
por la promoción y el proselitismo, siendo la clase
dominante la que ha impuesto y sigue imponiendo sus propios gustos.
Inclusive cuando artistas de la élite han denunciado injusticias o abusos de poder, al hacerlo con
las reglas establecidas del arte, en concordancia
con la concepción artística estimulada por los
gobernantes, están, de todos modos, reforzando
el statu quo y reproduciendo las nociones de la vida
propugnadas por la clase dominante.
Segundo Miguel Tirado de Ávila. ‘Todos somos
de la misma región’. Grafito, papel opalina, madera.
De ahí el gran escepticismo, desinterés, e, inclusive, rechazo de las clases populares cuando los
“maestros” y sus instituciones pretenden inter-
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11
popular’: Eduardo Serrano
pretar sus sentimientos, tragedias y padecimientos, puesto que lo hacen de total conformidad con
la vías y parámetros artísticos instaurados por la
clase hegemónica y blindados por el grueso cristal
de su comodidad económica y sus prerrogativas
de círculo de “virtuosos”. Sin embargo, a pesar de
la larga hegemonía del arte culto, ese otro arte, libre, no especializado, espontáneo e incluyente no
ha desaparecido de la faz de la tierra y, aunque no
se le ha permitido aflorar como expresión legítima de clase o de individuos, sigue practicándose y
transmitiendo ideas y pensamientos a un número
considerable de personas.
guardista, con contenidos de locales o globales,
que pueden o no consagrase a un estilo o una técnica, derivarse o no del arte culto y ser analizadas
desde distintos criterios estéticos, sociales, políticos e ideológicos.
Podría decirse que en el país el término arte
popular es equivalente a “arte empírico contemporáneo”, pero coincidiendo con Hauser en que
su existencia se debe a una élite que proclama su
opuesto: un arte superior, profesional, aprendido,
que ha implantado un sistema excluyente de producción, circulación y consumo, apoyado en una
definición que le niega su naturaleza de expresión
visual para convertirlo en un cúmulo de saberes,
estilos o prácticas cuya vigencia ella misma se encarga de certificar.
El propósito de Beuys fue acabar con esa noción
del arte como producto exclusivo de una élite. Su
objetivo fue extender los ámbitos artísticos más
allá de los guetos (escuelas, galerías, museos) en
los que, en lo relativo a las artes visuales, se ha
confinado la creatividad; devolverle al arte su
función primigenia, imbricándolo con las necesidades del hombre, e involucrando a la sociedad
en un concepto en el que cualquiera puede ser artista. “Cada hombre un artista”, repitió mil veces,
convencido de que en toda persona existe una facultad creadora latente que debe ser reconocida y
perfeccionada.
Santiago Cifuentes Mejía. ‘Arauca saudita’. Resina, PVC.
Las posibilidades de expresión que proporciona el
arte, su viabilidad como medio de comunicación
social, su tarea como actividad orientada a la afirmación y el conocimiento de los impulsos esenciales de los seres humanos, sus recursos como
estímulo para la reflexión y su atractivo como
dispositivo lúdico no han podido ser abolidos ni
siquiera por el prejuiciado y excluyente sistema
actual de difusión y circulación artística.
Cada aldea, vereda y barrio tiene sus artistas.
Cada persona del pueblo es potencialmente un
artista, y el arte popular es la más clara indicación
de que la necesidad de evidenciar esa pulsión creativa, libre y esencial del hombre, ha derrotado
al sometimiento ideológico que han intentado
imponer el brujo, el sacerdote, el jefe político, el
crítico, el curador, el profesor, y las leyes del mercado al artista.
En este punto la idea de que “todo hombres es un
artista”, proclamada por el artista alemán del siglo XX Joseph Beuys, entra en contacto con el arte
popular en Colombia, puesto que se ha convertido en el argumento central para su incipiente
reconocimiento.
En el país, hoy, la expresión arte popular es un término incluyente que abarca el arte como fenómeno de masas, como referencia etnológica y como lo
autóctono y artesanal, y da cabida a todo tipo de
arte autodidacta, no especializado y, en particular,
a las obras que están al alcance del pueblo, tanto en
su producción como en su difusión y circulación.
Obras independientes de las camisas de fuerza
importadas del arte erudito y que pueden concretarse libremente de manera tradicional o van-
Para Beuys no sólo el arte no puede separarse de
la vida, sino que todo conocimiento tiene su origen en el arte, toda capacidad procede de la creatividad del ser humano, y esa fuerza universal se
revela claramente en el trabajo, razón por la cual
la tarea del artista es igual a la de los demás. Así,
si un albañil, médico, agricultor o panadero confronta su trabajo creativamente, sus obras tienen
el mismo valor que las del artista culto, a quien se
le han aportado en la academia conocimientos
para llevar a cabo su especialización.
“Cada aldea, vereda y barrio tiene
sus artistas. Cada persona del pueblo
es potencialmente un artista...”.
Es decir, no hay tal de que el artista culto sea un
individuo que posee una fuerza excepcional, una
genialidad individual, sino que es un ser común
como cualquier persona, capaz de hacer bien
su trabajo y de expresar lo que piensa o siente a
través de acciones artísticas.
No se trata de que para Beuys todo hombre deba
ser pintor o escultor. Tampoco es esa la idea del
Salón BAT dentro de cuyos parámetros, si alguien
piensa que se puede expresar a través del óleo y
los buriles, tiene todo el derecho a hacerlo, al igual
que si piensa que lo puede hacer mediante las más
recientes prácticas artísticas, o de alguna desconocida e, inclusive, con la tecnología; o si cree que puede hacerlo a través de la confrontación creativa
de sus labores cotidianas. Cada acto de un ser humano es susceptible de convertirse en obra de arte
y si alguien piensa que algo es arte, pues es arte,
Fredy Guillermo Recalde Guerrero. ‘Soñarte carnaval’. Madera, alambre, jabón, colbón, papel, estuco, vinilo.
puesto que no existen estándares objetivos para
determinar cuáles obras son arte y cuáles no.
De acuerdo con John Carey, profesor emérito
de Oxford, “las obras de arte tienen valor porque
alguien les da valor. Que mucha gente piense
que la Mona Lisa es valiosa y que signifique algo
para ellos es obviamente importante, pero eso
no quiere decir que aquel que prefiera la pintura
de su barrio esté errado de la misma manera que
estaría errado si hubiera hecho una suma mal o
deletreado mal una palabra”.
Teniendo en cuenta lo anterior, resulta insostenible la idea de que el arte culto es superior
al popular, menos en esta época en que ya no
sólo Beuys sino, antes que él, Marcel Duchamp
y, contemporáneamente con él, Andy Warhol,
dieron pie a movimientos que surgieron como un
rechazo al arte institucionalizado.
Paradójicamente, estos movimientos acabaron
por ser admitidos como arte culto, comercializados y aceptados en los ámbitos académico e
institucional, pero esta estrategia de los brujos
y el mercado no ha debilitado el sentido que tuvieron las apuestas de Beuys, Duchamp y Warhol
en relación con la desmitificación del arte culto.
Si la superioridad artística no puede determinarse,
lo que diferencia al arte académico del arte popular es cuestión de convenciones. Y para refrendar
la no superioridad del arte culto sobre el popular,
basta detenerse en algunos cuestionamientos
que se le hacen cada vez con más asiduidad y más
fuerza a la academia artística.
arte popular no evoluciona no pasa de ser, como
afirma Ticio Escobar, un mito, puesto que “si se
asume que la cultura constituye un proceso vivo
de respuestas simbólicas a sus propias circunstancias, entonces cabe admitir que sus formas
deben cambiar ante los requerimientos siempre
diferentes de situaciones nuevas”. Esta adaptación del arte popular a su contexto temporal ha
sido evidente en los salones BAT en los cuales se
han presentado numerosas obras que involucran
recientes adelantos tecnológicos.
Otro prejuicio deriva de la confusión del arte
popular con la artesanía ya que es evidente que
esta es producida en serie en tanto que, en el arte
popular, como se ha definido en este texto y en
los salones BAT, son obras no sólo únicas sino
con frecuencia imbuidas con contenidos relativos a las tradiciones y la vida del pueblo. Otra
prevención es su supuesta dependencia tardía
del arte culto.
Lo mismo podría decirse del arte culto con referencia al arte popular, ya que los muy numerosos artistas académicos que se han apoyado en
el arte popular lo han hecho, por supuesto,
mucho después de que los artistas populares
habían hecho sus respectivas contribuciones.
Así mismo, resulta útil aclarar que el arte popular también es arte “culto” puesto que el término
implica que deviene de una cultura, a menos que
se niegue la existencia de una o varias culturas
populares.
Que es un fraude, claman algunos de sus miembros más destacados, como Luis Camnitzer quien
sostiene que las facultades de arte han colaborado
en que el arte haya pasado de ser una actitud, a
convertirse en una disciplina, en una actividad
orientada a producir objetos sensibles para alimentar el mercado del arte.
Pero no se trata en este texto de declarar la superioridad del arte popular sobre el culto, sino
de dejar claro que en arte, por su naturaleza, no
pueden existir superioridades de ninguna índole.
Aunque también es cierto que, no sólo el arte
popular debería empezar a mirarse desde unas
categorías que superen la condición peyorativa
desde la cual es visto por parte de las elites ideológicas entronizadas en la academia, sino que
todo el arte debería ser popular.
Finalmente, es conveniente revisar algunos de
los prejuicios más expandidos con referencia al
arte popular, para que se pueda evaluar con alguna objetividad la situación. La idea, de que el
*El texto original fue publicado en el catálogo del IV Salón
BAT de Arte Popular y cedido por el autor para su publicación (editado) en ARTERIA. Se puede leer completo en:
www.periodicoarteria.com.
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El espacio de todos: Ćoordenadas. Historia de la instalación en Antioquia´
Un análisis de la investigación y exposición colectiva exhibida en el Museo de Arte Moderno de Medellín.
tura. La instalación permitió pensar el contenedor
que alojaba la obra de arte y acabó siendo la estrategia para comentar o criticar política y socialmente el discurso arquitectónico y pronunciarse
sobre la construcción del espacio social.
E
l Museo de Arte Moderno de Medellín,
con curaduría del artista e investigador
Armando Montoya y el curador de la
institución Oscar Rolán-Alzate, expone
varios trabajos de arte antioqueño vinculados con
la instalación, en un gesto que hace una narración
histórica específica y muestra el papel que la investigación sobre el espacio tuvo en el arte contemporáneo de la región. El adjetivo “vinculados”
no es gratuito, pues la exhibición muestra, no la
afirmación de un género artístico, sino la configuración de un campo amplio de problemas.
Lo primero que debería señalarse es la centralidad
de esta forma de producción en el contexto contemporáneo y su influencia en la cultura en Antioquia, sobre todo en la primera década del siglo
XXI, cuando la pregunta por el urbanismo social
−ya vislumbrado por los artistas− pasó al discurso
de la administración pública y la política.
Dentro del campo del arte, la instalación llegó a
ser la forma más visible de los procesos de manifestación de la contemporaneidad. Por tanto, su
influencia “interna” se vio de esta manera en la
aparición y consolidación de un lenguaje y en una
transformación de todo el campo del arte, quizás
tan grande como la ocurrida cuando los paradigmas académico y realista fueron reemplazados
por las corrientes renovadoras del modernismo
internacional en la década del sesenta.
La instalación fue, si se quiere, el idioma exploratorio de la alta modernidad, la gramática y la
pragmática que definieron la manera de ubicarse
frente a la historia de los lenguajes artísticos.
Una suerte de transformación que influyó en la
producción, en la enseñanza del arte, en la intermediación, en la comprensión y en el análisis de
historiadores y críticos.
La arquitectura subyace como discurso de referencia en dos direcciones: una pragmática y otra
ideológica. Primero, con la incidencia de la arquitectura en la formalización de la enseñanza del
arte en la Universidad Nacional, sede Medellín,
institución que influyó en buena parte de los artistas dedicados a la instalación. Segundo, con la
entronización de la arquitectura como el discurso
sobre el espacio por excelencia.
Por esta razón, resulta significativo que Ćoordenadas´ tenga lugar en el MAMM, sitio que
encarna como ningún otro el diálogo entre arte
y arquitectura, un espacio de anterior uso industrial restaurado por el grupo Utopía, algo que es
ilustrativo. Esto pone de presente la centralidad
que el discurso arquitectónico ha tenido −y sigue
teniendo− en el arte contemporáneo en Antioquia. Ahora bien, aunque se puede pensar que al
lenguaje de la instalación subyace un mero problema de ampliación de fronteras formales, en los
artistas hay líneas operativas más complejas.
Si bien atribuir a la instalación un origen en la
escultura y la pintura es válido, cabría otra interpretación según la cual la instalación es el medio
interdisciplinario por excelencia, no un mero escape de los medios tradicionales.
Lo horizontal aparece, entonces, desde una
perspectiva integral, como metáfora del eclecticismo contemporáneo, frente al plano pictórico
y la escultura que dominan con su verticalidad
en el modernismo.
Si bien el problema característico de la instalación es
el espacio, este no parece siempre entenderse como
un problema de formato. En ocasiones, la instalación introduce reflexiones sobre la temporalidad,
los tránsitos y las duraciones o sobre el territorio y
la cultura. En otros casos, la instalación suscita re-
Otro aspecto que vale la pena tener en cuenta es la
intertextualidad aparecida de manera recurrente
en las instalaciones antioqueñas: la de la arquitec-
Carlos Uribe. ‘Paisaje producido (Torre y Maíz)’, (1994-2013). Instalación. Panela, maíz, metal y MDF.
flexiones sobre poder y representaciones sociales
que escapan a la pregunta, ya superada, sobre si
algo es pintura o escultura. Se activa, entonces, una
mirada política que contradice la tesis que explicaría
la instalación como transgresión de formatos precedentes o discurso artístico autorreferente.
Por ello, algunas obras derivan su fuerza al pasar
de lo ambiental al universo del discurso y la cultura. Esta tesis sostiene que el modelamiento social y comunicativo visto en prácticas recientes se
deriva de la formalización del espacio y el tiempo
del arte de la segunda vanguardia, es decir, cuando
se consolidó la destrucción del espacio escultórico
y pictórico moderno y el diálogo artístico se vio expuesto al problema de las duraciones experimentadas, a los tránsitos en ambientes que remiten al
mundo social y sus debates. El espacio, en el caso
de la instalación, se empezó a entender entonces
de manera metafórica, una consecuencia previsible de haber empezado a comprender el arte en
términos discursivos.
Este fenómeno va creciendo a medida que la
instalación avanza históricamente y revela el
interés que los artistas tienen en la respuesta,
primero perceptiva y luego política, del espectador. En este contexto, el lenguaje de la instalación
adquiere una potencia especial, ya que nos ofrece
obras que hacen cuestionamientos importantes
y apelan a la conciencia crítica, no tanto a sensaciones, como haría creer la dependencia con la
superación del marco y el pedestal. La instalación
pasaría a ser una posibilidad para la activación del
mismo contexto que la aloja.
Pese a que la exposición es ambivalente entre la
narración histórica y el intento de contemporaneizar y a que las explicaciones sobre la evolución
de la instalación se fundan en exceso en la superación de los formatos modernistas, es mérito de
Ćoordenadas. Historias de la instalación en Antioquia´ llamar la atención sobre un conjunto de
posibilidades creativas poco estudiadas y mucho
menos analizadas en conjunto.
La instalación permitió a los artistas regionales
vincularse con la contemporaneidad, afirmándose
en lo identitario y lo ancestral. Recuperaron lenguajes de la segunda vanguardia y los pervirtieron,
como planteó, después, Gerardo Mosquera en una
exposición que mostró el modo cómo un lenguaje
internacional se puso al servicio de la “impureza”
introducida por demandas del entorno periférico.
Así, en Antioquia se dio un fenómeno que
trascendió la mera reflexividad formal y superó
las aspiraciones de autenticidad y atemporalidad
del modernismo. Para tal fin, los artistas usaron el
vocabulario derivado de una poderosa conciencia
del contexto. Un movimiento a la vez creativo y
reflexivo con el que hoy podemos entender el paso
de lo moderno a lo contemporáneo y remontarnos
a las fuentes del arte reciente. “Construir”, “edificar”, “instalar”, “ocupar”, “intervenir” se volvieron
verbos habituales del discurso crítico en Antioquia
y, a la vez, maneras de nombrar acciones estratégicas del artista.
Fotos: Alfonso Posada. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín.
Efrén Giraldo*
John Mario Ortiz.
‘Trepamiento’ (2005)
’Trepadora’ (2013).
Instalación.
Hierro forjado y
galvanizado, video.
Además del trabajo de reconstrucción histórica
y del notable esfuerzo por comisionar la reelaboración de piezas sólo existentes en malas reproducciones fotográficas −e, incluso, en el recuerdo
de unos pocos entendidos− se consiguen dos
propósitos fundamentales: se da visibilidad a artistas importantes, opacados por el centralismo
cultural colombiano y actualiza la pregunta acerca
de la construcción del espacio individual y colectivo en la cultura antioqueña, de la cual las instalaciones son sus mejores testigos. Conviene, por
ello, suponer que la instalación en Antioquia no
solo piensa el espacio de la escultura y la pintura,
sino el espacio de todos.
*Ensayista, crítico e investigador.
Profesor titular de la Universidad Eafit.
ARTERIA Ed. 42
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Maite Ibarreche hunde el bisturí en temas complejos
Egresada en el 2012 de la Universidad Nacional, aborda una exploración que incluye tanto
dedicación a la técnica como la mirada a temas que, en ocasiones, tienen que ver con la sexualidad y la muerte.
drá las vocales que considere), comenta como “las
hojas de parra que han sido usadas para tapar los
genitales, terminan por exaltar lo que ocultan”.
Diego Guerrero / ARTERIA.
Lo del porno –tema ineludible pues lo ha trabajado desde su graduación en el 2012- le llegó,
precisamente, en su tesis. “Hice una investigación
sobre la narrativa de la pornografía. Al final tenía
montones de papel recortados con diferentes
momentos de secuencias, montados unos sobre
otros, y usé unas cajas grandes en las que las personas miraban por un huequito”.
Maite Ibarreche utiliza libros y revistas que modifica para alterar el significado de sus contenidos.
Maite (en euskera, “amada”), una bogotana de 24
años que parece de mucho menos, realiza con la paciencia de un cirujano incisiones a cada una de las
hojas de estas publicaciones que consigue y así les
cambia su destino: los convierte en obras de arte.
Egresada de la Universidad Nacional en el 2012,
ha desarrollado la habilidad de hacer hendiduras
con tal precisión que en una de sus obras, Revólver
(2013) hizo que centenares de páginas de un diccionario enciclopédico tomaran, una por una, la
forma de un arma de tamaño natural.
En términos numéricos y prácticos, ‘dibujó’ un
revólver con tiras de papel de un diccionario, conservando la hoja en el libro, página tras página,
centenares de veces. Calcula que ha llegado a hacerlo en más de mil páginas para una obra.
Lo mismo ha hecho con otras publicaciones aparentemente más prosaicas: las famosas revistas
pornográficas Private. En Follaje (2013), la artista corta en forma de hojas de parra segmentos
de piel de quienes aparecen en la publicación. El
bisturí ‘dibuja’ en cada página, hasta que al fi-
nal la publicación es una suma de hojas de parra
color piel, en la que se distinguen bocas, ojos o,
simplemente, texturas.
Sobre Follaje, exhibida el año pasado en el Museo
de Arte Contemporáneo de Bogotá (MAC), el artista plástico y docente Humberto Junca opina:
“Follaje se veía magnífica, perversa y fortalecida
en el MAC (tentando a los visitantes del Museo
del barrio fundado por el Padre García Herreros),
generando tensiones entre lo bidimensional y lo
tridimensional, pecado y virtud (el dominio técnico del material y la belleza resultante), entre el
elogio al sexo y su censura, entre “lo real” y la puesta en escena (¿qué tan “natural” es el sexo en una
fotografía porno?). Revitalizante”.
Cortar es una parte pero, claro, no lo es todo.
Para sus obras Maite usa distintas técnicas, como
grabado, por ejemplo. “Me planteo formas de hacer que impliquen disciplina, que sean exigentes,
no una técnica en particular”, dice.
Por eso lo que consigue no siempre le gusta y para
en la caneca, incluso si es bello pero no está acorde
con su idea: “El objeto es un resultado. Trato de
no ser ‘chambona’, pero no busco algo que sea estéticamente correcto sino que sea coherente en el
substrato conceptual”, aclara.
Por eso al pensar en Follaje y en la exposición del
MAC que tituló ‘H_jas de p_rra’ (cada quién pon-
Después apareció el revolver de papel “oculto”
en el libro. “Me encantan las palabras. Los libros
son una forma de pensamiento, pero uno también ‘encaleta’ cosas en los libros. Con esta obra
el libro cambia de funcionalidad y se vuelve otra
cosa”, dice.
Cortesía de la artista.
E
n El Dinosaurio, una librería bogotana
donde se consiguen usados, saben que
Maite Ibarreche no lee los libros que
compra. Porque las páginas de diccionarios enciclopédicos y enciclopedias que ella consigue, literalmente, dan su vida por el arte.
Escoger ese tema partió también de razones distintas a la investigación, según reconoce: “Creo
que también es un tema ‘alzado’ y al meterse con
eso había cierta fascinación. Todos aceptamos
que vemos porno, pero nadie lo pone en la sala de
su casa. Se supone que por ser artista uno debe
ser culto, pero el porno no está basado en el talento y es machista. Siento que hay dos maneras de
formar textos culturales: desde el alto nivel y desde la cultura pop. El porno es interesante porque
hay muchos lugares de dónde cogerlo. Ahora veo
que no hay gran arte ni arte popular solamente,
sino que hay mucho en la mitad”.
maleza que deja ver una calavera y que será parte
de una colectiva, en la galería El Museo.
La serie se llama ‘Malas hierbas’ y es, en parte
una alusión a la vida y la muerte, por medio
de esas plantas que son consideradas malezas,
porque destruyen la vida de otras, pero que, a la
vez, son muestra de la fuerza de la vida.
“El arte no es hacer lo que
otro no pueda hacer.
Es hacer y punto”.
Para llevar menos de un par de años como profesional, no puede quejarse, pues ya ha tenido exposiciones en el MAC y en 12:00 Galería, que la
representa. “Creo que la universidad me sirvió
mucho porque vi que hay muchas maneras de
hacer las cosas. Ahora, el mundo genera mucha
angustia. Creo que el reconocimiento está bien,
pero es un efecto colateral de hacer mis cosas,
aunque lo aprecio mucho. Ser reconocido o que
compren obras no habla necesariamente de que
uno sea buen artista o no”.
Parece mirar el arte más desde su día a día,
desde las preguntas que se hace, que desde sus
respuestas. “No me siento con autoridad moral
para decir cómo son las cosas. Tengo 24 años,
no me las sé todas… A mí el arte me sirve para
entenderme y luego uno socializa y comparte. Es un acto de
generosidad inútil porque, probablemente, a nadie le importa
lo que pienso, pero me lanzo al
agua para ver si alguien conecta.
El arte es egoísta”, opina Maite.
A lo mejor, es un punto de vista
acorde con el tiempo que le toca
vivir, en el que el mundo se hizo
chico y los artistas se dieron
cuenta, ya no por teoría sino por
la realidad, de que muchos pre‘Argumento’. Maite Ibarreche recorta con bisturí página por página.
supuestos como la originalidad y
Por estos días Maite anda ‘destrozando’ un atlas hasta la función del arte habían muerto o están
que compró en una librería de la calle 45, sobre la por ser redescubiertos.
mesa de luz de su estudio. Se pasa concentrada
con su bisturí mientras de un cenicero puesto a “Yo espero que lo que tiene efecto en mí, resu lado se eleva el humo del cigarrillo. Con cuida- suene en otro. El arte no es hacer lo que otro no
do, le saca toda la tierra firme a los mapas y solo pueda hacer. Es hacer y punto. Esos mitos de
deja los mares. A veces elimina una página que no ser artista: miren cómo sufro o miren cómo no
muestra océanos.
sufrimos no funcionan para mí. Creo que para
un artista hacer arte no define su valor en la soAl lado de su mesa de luz hay un cuadro en for- ciedad sino con él mismo, pero compartir lo que
mato mediano de papel cortado en forma de uno hace es un acto generoso”, concluye.
Estrella en la memoria
Hernando González Arrázola
12 febrero - 28 marzo 2014
Galería Espacio Alterno
Sede Nacional - Cll 92 Nº 16 - 11
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ARTERIA Ed. 42
Marta Traba, a través del tiempo
El pasado 17 de noviembre se cumplieron 30 años de la muerte de la crítica, cuya labor marcó el devenir del arte colombiano. Dos miradas a su obra.
Leyendo a la especialista
M
arta Traba llegó a Colombia en septiembre de 1954, luego de estudiar
filosofía y letras en Buenos Aires e
historia del arte en París y Roma.
Desde entonces, se integró a un prestigioso círculo social del cual hacía parte la intelectualidad progresista.
A lo largo de treinta años, hasta su muerte, fue prolífica como escritora y desarrolló visionarias estrategias pedagógicas y editoriales para la comunicación,
interpretación y análisis del arte. Su legado incluye:
siete novelas de ficción, un libro de poesía, dos de
cuento, 22 de historia y teoría, y más de 1.200 artículos en periódicos y revistas. Presentó siete programas
de televisión y dos de radio, dictó cursos y conferencias en cerca de 25 universidades, dirigió una galería,
una librería, una revista y fundó un museo .
producción receptiva de técnicas y conceptos de los
movimientos estadounidenses y europeos, para
enaltecer aquella que explorara elementos geográficos, emotivos o míticos determinantes de una
visualidad auténtica.
En su momento de publicación, esta segunda etapa fue conocida mayormente en ámbitos académicos (ampliamente discutida en el Simposio de Austin de 1975) y no tuvo injerencia determinante en
el contexto colombiano debido a que Marta Traba
vivió en otros lugares como Montevideo, San Juan
de Puerto Rico y Caracas, luego de su expulsión de
Colombia en 1969.
La proyección del discurso de Marta Traba promovió la recepción de artistas latinoamericanos en
el mercado internacional y el reconocimiento de
ciertas individualidades, poniendo en riesgo una
comprensión global de contextos y sensibilidades.
La perspectiva crítica de Marta Traba divulgada
en los medios colombianos en las décadas de
1950 y 1960 se basaba en argumentos inexorables que reivindicaban la autonomía de la obra de
arte del mundo físico y desde la cual la producción
local debía ser aprehendida. Este programa crítico
y teórico tornó hacia otros matices en la década
de 1970, debido a la injerencia de las referencias
postestructuralistas y la radicalización del pensamiento izquierdista que permeaba la intelectualidad latinoamericana.
Marta Traba era, ante todo, escritora y se apoyó
en la emoción del lenguaje. Los más académicos
objetan sus contradicciones y lamentan su dureza hacia los artistas de la generación americanista
de los años 30 y 40. Pero ella solo encontró en las
obras de arte motivos para explotar la medialidad del lenguaje y sus formas de circulación. Su
obra crítica es más interpretativa que discursiva
y sus contradicciones responden a un necesario
movimiento del pensamiento (inevitablemente
tocado por las corrientes filosóficas dominantes
de cada tiempo).
De un discurso que invitaba a la adaptación de los
lenguajes de la vanguardia europea, luego —en su
teoría de la resistencia— rechazó la intervención
de la industria cultural y juzgó negativamente toda
Marta Traba se tomó el derecho de defender lo
que le gustaba y valorarlo en contraste con lo que
no le gustaba. El público académico se lo tomó
demasiado en serio y ha preferido catalogar su
Cortesía: Fernando Zalamea.
Nicolás Gómez Echeverri*
Marta Traba habla en la apertura de la actual sede del Museo de Arte Moderno de Bogotá. Octubre de 1963.
herencia con el adjetivo peyorativo “moderno”, en
defensa de unos supuestos de contemporaneidad
“posmodernos” que prefieren ignorar la historia y
sus fundamentos.
Sí, opacó cierto grupo de artistas, pero sus detractores contemporáneos parecieran perpetuar la
polarización histórica rivalizando las tendencias
formalistas y las posiciones inclinadas por el compromiso político de la obra de arte. La oposición
de estas nociones delimita definiciones retóricas
intransigentes que no corresponden a la naturaleza misma del acto creativo y su potencial poético,
que era lo que ella buscaba.
Después de leer sus libros y artículos, pareciera
que trataran de aplacar la ansiedad de lograr hacer
legible eso que se escapa de las palabras. Sencillamente, Marta Traba logró conformar un lenguaje
que permitió gozar la acción de ver.
*Artista, curador e historiador del arte.
Humildad
Guillermo Vanegas*
“La crítica de arte no empezó ni terminó conmigo:
yo sólo me aboqué a ejercerla a fondo,
profesionalmente, como un trabajo tan alejado
de la frivolidad como del panfleto.”
Marta Traba.
M
arta Traba. Una personalidad extraña en el contexto intelectual
colombiano, sobre todo por haber
consolidado su carrera en un país
caracterizado por cultivar la saña contra sus intelectuales. Su carrera fue velocísima, brillantísima y
tragiquísima. Creció, ejerció dominio y se la expulsó de Colombia.
Pero nunca dejó de ejercer influencia. Para mal.
Como casi todos los intelectuales que se asociaron
con las revistas Eco y Mito o estuvieron cerca de
la generación de ‘Los nuevos’, aún hoy se la sigue
considerando infalible en su área de desempeño.
Este raro nivel de poder en un campo artístico tan
desagradecido como el nuestro tiene que ver con
varios factores: su cerrada defensa de un criterio
estético emparentado con la equívoca modernización colombiana de mediados del XX (más infraestructura que cultura); la inteligente administración
de su rol mediático (donde sumó la omnipresencia pública a la exigencia de autonomía para toda
expresión artística), y la genealogía de su capital
cultural (dice la investigadora Florencia BazzanoNelson, “sus amigos y parientes, a menudo en
roles directivos en distintas publicaciones en instituciones culturales, no solamente le abrieron
muchas puertas, sino que también la ayudaron a
entender los procesos culturales que estaban teniendo lugar en nuestro país”).
Entonces, trabajó sobre la marcha de un aparato
mediático dispuesto a transmitir la imagen de un
país que despertaba al liberalismo del siglo XX, homogenizando el punto de vista de la realidad que
le presentaba.
Habló de una modernidad que había triunfado en
el exterior (Europa y EE. UU.) por sus puntos de
contacto con el arte clásico, y que lo había hecho
en el país no por lo que debía al pasado reciente
sino por decirse de generación espontánea: Traba
enfrentó los excesos del figurativismo nacionalista
de la década de 1930 con esa suerte de abstracción apolítica posterior a 1950 y ganó la apues-
ta. Aún tratamos de recuperarnos de ese canon.
les quisieran hablar por televisión o prensa.
Le fue muy bien hasta que cambió de opinión. La
revisión sobre su obra de Bazzano-Nelson destaca
que “mientras su imagen pública reafirmó, en vez
de apoyar, la neutralidad política del arte, se le permitió a Traba adquirir poder. Una vez cambió esta
orientación, la reacción contra ella no se hizo esperar”. Lo perdió todo a cambio de la inmortalidad.
Otra medida de su poder puede verse en su relación con las generaciones más jóvenes. Evitó –a
pesar de que alguna vez lo lamentara– formar autores que pudieran oponérsele. Va un ejemplo: la
revista que fundó con algunos de sus estudiantes
en 1956 (Bazzano-Nelson: “[allí] ninguno de sus
colaboradores hizo crítica de las exhibiciones presentadas en esos meses, quizás porque Traba pensó que no tenían la suficiente experiencia, o para
evitar que Prisma compitiese con su propia columna de crítica de arte en el diario Intermedio”.).
No dejó de saberlo ni de expresar que lo sabía. Siete
años después de salir del país y sin dejar de asumir
el tono paternalista de la pedagogía liberal, introducía la recopilación de los artículos que publicó
en La Nueva Prensa, reconociendo hasta dónde
alteró el semblante estético y garantizó un respeto
irrestricto hacia la alta cultura colombiana: “… en
el aspecto referido al destinatario de la crítica no
teorizo, sino que trabajo sobre la marcha y con la
realidad. Informo a un público que carece de información: propongo axiologías a un público sin puntos de referencia cultural. Trabajo como si viviera
en una sociedad primitiva, sobre el carisma que
logro acumular y la confianza que se me dispensa”.
Sin concesiones a lo políticamente correcto
veía a su audiencia como un atado de analfabetas visuales dispuestos a adorar a quienes
Va una sonrisa de advertencia: su saludo a los
críticos-gestores que aparecieron tras su exilio (tras
citar a Eduardo Serrano, Galaor Carbonell, Germán Rubiano, Álvaro Medina y Darío Ruiz, sentenciaba: “Los menciono expresamente porque los
considero serios y capaces de equivocarse, como yo
fui seria y capaz de equivocarme”.) Escalofriante
y duradera medida de modestia. ¿Habrá alguna
vez quien entre nosotros someta su trabajo a una
evaluación que supere el enamoramiento intelectual y muestre las equivocaciones de que fue capaz? No aún. Quizá en esta década.
*Psicólogo, curador semiindependiente, contratista.
ARTERIA Ed. 42
15
Entrevista con un vampiro
El performista Hermann De La Parra presentará su propio funeral y se volverá un no muerto, en un acto que –según dice– será el último en público.
y varios objetos, fotos del proceso y dibujos.
−En estos tiempos cuando los vampiros serios
como Nosferatu y el interpretado por Bela Lugosi, por ejemplo, fueron reemplazados por los
casi adolescentes y medio jartos de Crepúsculo,
¿cómo ve eso de ser vampiro?, pregunto.
−El vampirismo es una adicción consumista. Una
necesidad de llenar el vacío que hay en cada uno.
Estoy rodeado de personas que tienen el mismo
vacío, que no se puede llenar –responde.
Su voz suena segura, contundente, pero no
dramática, aunque detecto algo de casi resignación y compasión en su voz.
−¿Cómo es eso?
−Todos nos hemos vuelto vampiros con una
obsesión compulsiva para chupar de los demás
lo que podamos. Más que intercambiar, somos
victimarios que chupamos a nuestra víctima lo
que más podemos y esa víctima se vuelve victimaria. En la posmodernidad, los humanos nos
chupamos los unos a los otros, pero hay una gran
frustración de no poder llenar ese vacío, que es un
barril sin fondo y no se llena con nada.
profunda, por eso se llena con cosas espirituales.
El arte es un acto espiritual.
Me pregunto si se refiere a él personalmente o sí
se está utilizando como una metáfora de las personas, en general. Pero no me da tiempo para preguntar, pues sigue:
−En la muerte no hay nada. Vivo en esta vida que
es un sueño. Este corto sueño es para lograr mi
felicidad, que no es succionar a los demás.
−Plantea convertirse en vampiro como una
manera de evadir la propia muerte, pero para eso
hay que morir primero…
−Yo decido morirme e invitar a mi audiencia a mi
sepelio. Presenciarán una reflexión de Hermann
De La Parra desde la muerte y cómo el muerto
ve al Hermann en la vida. Hablar de la muerte es
un tabú que lleva a pensar qué estás haciendo con
tu vida. También sobre la validación que necesitamos de los demás. ¿Por qué validarme como ser
humano si voy a morirme?
Ahora suena más enfático. Como quién ha pensado mucho en el tema. La tez pálida sin duda le
ayudará a interpretar el personaje y el pelo ensortijado hará de él un vampiro muy particular.
Hermann De La Parra
también diseñó el vestuario
que utilizará en ‘Hommo
vampirus’, su último
‘performance’.
Fotos: Jorge Pizarro. Cortesía del artista.
Diego Guerrero
H
ermann De La Parra está próximo a
morir y, según está escrito, resucitará
unos veinte minutos después. Luego,
es probable que atraviese una puerta
en el escenario y se convertirá, oficialmente, en
vampiro. Todo esto sucederá el 13, 14, 15 y 16 de
marzo, en el auditorio de la Fundación Universitaria del Área Andina, en Bogotá.
Ahora que está entrenándose en el extraño arte
de unirse a las legiones de Nosferatu, se sentó por
un rato para hablar del tema. A quienes no lo conocen, la decisión de abandonar el mundo de los
mortales de esta manera puede parecerles rara.
Pero para quienes han visto sus múltiples performances, durante 20 años, el asunto de interpretar
Homo vampirus, si bien no es predecible, puede
parecerles acorde con el artista.
Es casi mediodía y De La Parra está en un sil-
lón en su apartamento al norte de Bogotá. No
hay cortinas negras ni catafalcos a la vista. Toda
su parafernalia de vampiro está en el sótano del
lugar. Pienso que hay que tener buenos vecinos
para que le permitan ensayar allí y poner un sarcófago.
Lo que sí veo es un cuadro del pintor Franklin
Aguirre que pintó a De La Parra con un gran
hoyo en la mitad del cuerpo. El lugar no es nada
barroco ni medieval y el artista ofrece té en vez
de vino tinto, algo que, probablemente, sería más
acorde con un vampiro. Eso sí, en una mesa un
cartapacio con dibujos, pinturas y estudios para
esculturas acerca del tema.
Eso reafirma que estoy ante un artista que,
atrave-sando la década de los cuarenta, se toma
su muerte en serio. Tanto como su obra, pues si
bien ha dedicado su vida al performance, alrededor
de este suele crear pinturas, esculturas y dibujos.
En esta ocasión, por ejemplo, presentará 14 pinturas en pequeño formato, 16 en formato grande
−¿Ese vacío no tiene solución? ¿Todos estamos
condenados?
−El vampiro subsiste porque ingiere sangre. Para
nosotros se trata de ingerir intereses. Hay una
adicción en la extracción energética, intelectual
y material del otro. Ese vacío es por defectos de
carácter que no queremos reconocer. Solo si
aceptamos esos vacíos, podremos llenarlos y cambiar. Pero esto es una cadena alimenticia; hay una
obsesión por cal-mar la ambición.
El té se acabó y sirve un poco más de la tetera. Dos
gatos se sientan a escuchar la charla. Me acuerdo
que los vampiros –cuenta la mitología popular−
se pueden convertir en animales y hasta en humo,
pero no creo que estos dos ni el vapor de la tetera
sean consultores en la obra de De La Parra.
−Pero si ya somos vampiros, ¿para qué convertirse en uno mediante un performance?
−Mi disculpa es hablar del vampirismo, pero, finalmente, quiero evadir la realidad de mi muerte.
Me paso mi corta vida alimentándome de los
demás, olvidándome que debo llenar mi propio
vacío para llegar liviano a la última puerta, que es
la muerte. Porque a la muerte solo puedo entrar
desnudo.
−¿Y cómo se llena semejante hoyo?
−El vacío que tengo es una enfermedad espiritual
Una serie de fotografías ilustran el proceso.
−Para algunos la muerte es un paso…
−Después de la última puerta no hay túnel, no
hay luz después del túnel, ni oscuridad ni cielo,
porque no hay nada. La muerte es ese día maravilloso en el que, estoy seguro, yo descanso de
todo lo que me impuse como artista: ser exitoso,
vivir para los demás y de los demás. Es una pérdida de tiempo enorme. A mí no me toca nada en
la vida. Solo agradecer lo que tengo hoy.
−En ese sentido entiendo el sepelio, ¿pero para
que volverse vampiro?
−En realidad, no sabemos si la vida es muerte o la
muerte es vida. No queda claro si esto es la vida,
la muerte o es un sueño. El muerto es Hermann
De La Parra, el vampiro es el no muerto. Hay otro
sentido: tras 20 años de performance en la ciudad,
Hermann se muere, porque quiere hacer performance en cine y pienso es que esta es la última vez
que presento en público una pieza en vivo.
Me quedo pensando si el término “en vivo” es
el más apropiado o sería mejor algo como “en
no muerto”.
EXHIBICIONES INSTITUCIONALES
BOGOTÁ
Museo del Oro del Banco de la República
‘Historias de ofrendas muiscas’
Hasta febrero 23
Esta exposición reúne 14 ofrendas sagradas muiscas. Propone reconstruir las historias de los orfebres muiscas que las fabricaron
hace más de 500 años. Por medio de joyas y adornos de oro y de Cortesía: Museo del Oro del Banco de la República.
los implementos que fueron usados para su fabricación, el Museo del Oro expone el resultado de una
compleja investigación realizada en conjunto con el University College de Londres.
BOGOTÁ
Oficina de Asuntos Extraterrestres
Exposición colectiva: ‘Vestigios de
la exploración sideral’
Hasta marzo 20
Cortesía: Oficina de Asuntos Extraterrestres.
Dibujos, pinturas, fotografías y grabados de modelos y prototipos
de naves espaciales, piedras lunares, fósiles y hasta objetos mágicos
y de poder conforman esta exposición, que hace referencia a elementos de estudio de los viajes por el espacio exterior. La exposición
concluirá con el video-performance Música de otro planeta.
BARRANQUILLA
La Usurpadora
Exposición colectiva:
‘Quieren dinero’
Febrero 13 - marzo 13
‘El arte como idea’ es una muestra de los
aportes artísticos y estéticos del colombiaCortesía: Museo de Arte Moderno de Barranquilla.
no Antonio Caro al arte contemporáneo.
Considerado uno de los artistas pioneros del arte conceptual en América Latina, la exhibición recopila sus obras más importantes obras desde 1974 hasta 2008.
PEREIRA
Museo de Arte de Pereira
Nicolás Gómez: ‘El fuete’
Hasta febrero 28
La exposición ‘El fuete’ es la representación artística del semanario que
lleva el mismo nombre, que circula en Pereira desde 1942. Los numerosos
personajes de la esfera pública que han escrito textos y dibujado caricaturas
en sus páginas reflejan tanto la fuerte crítica, como la hilaridad e irreverencia
con la que el medio trabaja.
BARRANQUILLA
‘Conceptos y palabras’
Hasta marzo 13
Esta exhibición es una recopilación de obras de reconocidos artistas conceptuales, que alcanzaron sus días de
gloria durante las décadas 70 y 80. La experimentación
con tendencias como el Arte Povera, el Land Art y la documentación de performances, hacen parte de ‘Conceptos y
palabras’, que cuanta con trabajos de artistas como Álvaro Herazo, Delfina Bernal, Eduardo Hernández, Álvaro Barrios, Gustavo Turizo, Carlos Restrepo, Efraín Arrieta y El Sindicato.
MONTERÍA
Museo Zenú de
Arte Contemporáneo MUZAC
‘Santos de palo; ni mucho que queme al
santo, ni tan poco que no lo alumbre’
Desde marzo 20
MEDELLÍN
Casa Museo Pedro Nel Gómez
‘Pedro Nel Gómez, vida y obra’
Hasta mayo 31
Cortesía: Museo Zenú de Arte Contemporáneo - MUZAC.
LONDRES
Consulado de Colombia
Omar Castañeda: ‘The Golden One’
Hasta febrero 15
Cortesía: Omar Castañeda.
Cortesía: Casa Museo Pedro Nel Gòmez.
La exposición busca plantear una confronCortesía: La Usurpadora.
tación de los estereotipos y clichés que pesan sobre los artistas contemporáneos y sus intereses. Ésta
es una recopilación de videos, dibujos, pinturas y esculturas de 10 artistas que muestran las diferentes interpretaciones y perspectivas que constantemente reciben y la relación que tienen con el factor
comercial del mundo del arte.
Fotografías, documentos y obras originales dan cuenta del universo
artístico, social y político del pintor Pedro Nel Gómez que, en su
larga trayectoria, mezcló la pintura y la escultura junto con sus conocimientos de ingeniería y arquitectura.
Cortesía: Centro Cultural Colombo Americano.
Una serie de esculturas y piezas hechas de panela y oro
presenta este artista colombiano en la capital de Inglaterra. Castañeda utiliza la panela para acercarse a la historia
de algunos pueblos productores y sectores campesinos de Colombia y los relaciona con el conflicto
armado, planteando una crítica directa a la globalización y al consumismo occidental. Junto con la
exposición los visitantes podrán degustar la tradicional aguapanela.
CALI
Centro Cultural Colombo Americano
Yeison Estiben Riascos: ‘Buenaventura: una visión
sagrada desde el Pacífico’
Riascos plantea una reconstrucción de la identidad y de la conciencia de los
habitantes de su natal Buenaventura, en el Valle del Cauca. Por medio de
retratos de personas de su comunidad, cargados de simbolismos y de la estética particular de los grupos étnicos de la región, propone un rescate de la
esencia cultural y tradicional del Pacífico.
Cortesía: Museo de Arte Moderno de Barranquilla.
Circular
BARRANQUILLA
Museo de Arte Moderno
de Barranquilla
Antonio Caro: ‘El arte como idea’
Hasta marzo 13
‘Santos de Palo’ es una muestra de piezas anónimas e íconos tallados en varios tipos de madera, hechas por talladores pertenecientes a culturas antiguas de las tierras del
Sinú. La exposición es un recorrido por diversos elementos culturales primitivos y arte popular que nutrieron el
arte moderno y contemporáneo.
MEDELLÍN
Galería del
Colombo Americano
‘ENredARTE’
Hasta febrero 21
La Galería del Colombo Americano
exhibirá los resultados del Festival
de Arte Joven 2013 ‘ENredARTE’,
realizado en el marco del programa ‘Desearte paz, arte y escuela’.
Fotografía macro y de paisajes, serigrafía, mapping, diseño y robótica
hacen parte de esta exposición que
busca unir el arte con la cotidianidad, además de desarrollar otras metodologías de enseñanza.
I.E Vida y Paz Rodrigo Arenas Betancour. Cort: Colombo Americano.
ARTERIA Ed. 42
Cortesía: Museo de Arte de Pereira.
16
BOGOTÁ
Museo de Bogotá
Exposición colectiva: ‘La ciudad silenciada’
Hasta marzo 16
El silenciamiento de conflictos de dimensiones territoriales y sociales en Bogotá se ven documentados en esta
exposición que, además, cuenta con una serie de actividades educativas como visitas especializadas, talleres y
Cortesía: Museo de Bogotá.
conferencias. Los autores Marta Rodríguez y Jorge Silva, fueron reconocidos por sus trabajos sobre
las luchas indígenas y campesinas de la segunda mitad del siglo XX.
ARTERIA Ed. 42
PEREIRA
‘El prodigio’
Hasta febrero 28
(Detalle). Cortesía: Museo de Ciudad.
MEDELLÍN
Museo de Ciudad
Juan Fernando Ospina:
‘El centro de Medellín’.
Hasta marzo 31
Una selección de trabajos del fotógrafo Juan Fernando
Ospina, con la que pretende aproximarse a un panorama general de las costumbres y tradiciones que se ven
en el centro de Medellín. Distintas personas de la capital antioqueña en medio de sus espacios públicos.
NUEVA YORK
Art Currents Institute
Jessica Angel: ‘As above, as below’
Hasta febrero 22
Este es un proyecto individual de la bogotana
Jessica Angel, compuesto por una serie de
maquetas que proponen realidades paralelas,
(Detalle). Cortesía: Jessica Angel.
entre pequeños espacios y grandes escenarios.
El público podrá contemplar la semejanza de los espacios y fenómenos en dos analogías específicas:
la relación entre el espacio exterior y el ciberespacio, y entre el ordenamiento y funcionamiento
de las grandes ciudades con el sistema de circuitos de una computadora. La exposición
será complementada con seis secciones en la que se llevaran a cabo lecturas, performances e
intervenciones en torno a la idea del proyecto.
Cortesía: Sala de exposiciones Artecámara.
Una mirada de cerca a la relación de los
habitantes con su territorio, en un proyecto
urbano de desarrollo turístico y económico
que se llevó a cabo en zonas contiguas a los
Cortesía: Musseo de Arte de Pereira.
ríos Otún y Consotá. Tres artistas que han
explorado los ríos a través de diferentes medios artísticos abordan temas como los habitantes a sus
a orillas, el paso de este por la extensión del territorio y la mística de las fuentes fluviales.
Cortesía: CC Gabriel García Marquez.
BOGOTÁ
Centro Cultural Gabriel García Marquez
Teyé: ‘Paisajes’
Hasta marzo 2
En su más reciente colección, la artista Teresa Cuellar, mejor
conocida como ‘Teyé’, se dedica a los paisajes y al color.
Con más de 50 años de experiencia, la bogotana exhibe su
trabajo en la sala de exposiciones Débora Arango.
SANTA MARTA
Contemporáneo
Josefina Jackin:
‘Noviembre de 1985’
Desde marzo 26
‘Noviembre de 1985’ es una visión
alternativa de diversos sucesos ocurridos
en Colombia durante ese mes, como la
toma del Palacio de Justicia y la tragedia de
Cortesía: Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo.
Armero. Inspirada en la tendencia artística
del Pop Art, la artista samaria propone una visión reflexiva y, a la vez, muy colorida de estos hechos,
que se expondrán en la Sala Galería Espacio Abierto del Museo Bolivariano. Los retratados no son
celebridades, sino personajes y protagonistas, de los que, según ella “nadie quiere hablar”.
Cortesía: Museo de Arte del Banco de la República.
Cortesía: Museo de Arte de Pereira.
‘El Bucle’ es un proyecto pedagógico del estudio de diseño La
Silueta, que abre un taller de serigrafía donde ocho artistas
Cortesía: Sala de exposiciones Artecámara.
gráficos colombianos muestran el proceso de producción. El
público tiene la oportunidad de interactuar con una exposición que cambia constantemente. Los
artistas participantes son: Herikita con K, Inti Guevara, Jim Pluk, Mateo Rivano, Powerpaola,
Typozon y Stink Fish.
17
PEREIRA
‘Río arriba, río abajo’
Hasta febrero 28
Está es la última exposición de una serie de cuatro que dividió en bloques
su mirada historia a Pereira. ‘El prodigio’ corresponde al periodo 19051963, que da cuenta de la transformación de la aldea en ciudad, a partir de
su ingreso al departamento de Caldas, hasta que se consolida como centro
cafetero, comercial e industrial. Algunos de los hitos históricos que se pueden
apreciar en la exposición son el impulso del café, la llegada del tren y del
tranvía, y la entrada de elementos culturales como el cine, la prensa y la radio.
BOGOTÁ
Sala de exposiciones Artecámara
Cámara de Comercio de Bogotá, Sede Salitre
Exposición colectiva: ‘El bucle’
Hasta febrero 22
BOGOTÁ
Museo de Arte del Banco de la República
Álvaro Barrios: ‘La leyenda del sueño’
Hasta marzo 3
La exposición abarca los 50 años de trabajo de Álvaro Barrios con
cerca de 90 obras, entre las cuales hay dibujos, pinturas, grabados,
fotografías e instalaciones. En esta exposición se resalta la faceta de
instalador de Barrios. María Belén Sáez de Ibarra, curadora de esta
muestra, toma varios aspectos que considera de importancia para
entender la obra: la investigación esotérica y las prácticas espiritistas, así como la dimensión instalativa y conceptual de su obra son
algunos de ellos.
BOGOTÁ
Sala de exposiciones Artecámara
Cámara de Comercio de Bogotá,
Sede Chapinero
‘Plataforma 2’
Desde marzo 6
SANTA MARTA
Contemporáneo
Mónica Meira: ‘Figuración geográfica’
Desde febrero 26
Una selección de obras de los artistas participantes de la segunda promoción de ‘Artecámara tutor: programa de formación y visibilización de productores del sur de Bogotá’.
La selección fue realizada por el curador Franklin Aguirre.
Mónica Meira presenta pinturas de pequeñas figuras
humanas en paisajes poco comunes. Acrílico y carboncillos presentan una serie en la que, para algunos, hay
connotaciones sociales y ecológicas.
BOGOTÁ
Alianza Francesa, sede Chicó
Gilbert Garcin: ‘Un joven
fotógrafo de 84 años’
Desde febrero 7
BOGOTÁ
Museo de Arte y Cultura Colsubsidio
‘Fiestas y carnavales en
Colombia’
Hasta marzo 31
Una exhibición de más de 400 fotos a blanco y
negro en las que el francés Gilbert Garcin expone
sus “Pequeñas Filosofías del día a día”. Hace 20
Cortesía: Alianza Francesa de Bogotá.
años, Garcin decidió retirarse de su negocio de
lámparas para tomar talleres de fotografía y aprendió la técnica del fotomontaje. Hoy, es traído a
Colombia por la unión de la Alianza Francesa con la galería Les filles du Calvaire, de París.
El Carnaval de Barranquilla, el carnaval de Blancos y Negros, en Pasto; el carnaval de Riosucio (Caldas) y las fiestas
de San Pacho, en Quibdó, son los festejos protagonistas de esta exhibición de fotografías. El Museo
de Arte y Cultura de Colsubsidio busca difundir la riqueza y diversidad cultural de estas fiestas, reconocidas como patrimonios inmateriales de la humanidad por la UNESCO.
Cortesía: Museo de Arte y Cultura de Colsubsidio.
Cortesía: Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo.
ARTERIA Ed. 42
Sección conducida por Humberto Junca Casas.
OTROS SALONES
18
ÍCARO
ZORBAR
Artista visual, cineasta
Cortesía de Ícaro Zorbar.
Pocas veces se les pregunta a las personas que trabajan en el mundo del arte su formación, sus maestros, sus compañeros de clase o su relación y posición frente a las instituciones
educativas; como si los artistas hubiesen aprendido solos y sus reacciones frente a estos edificios de poder fueran algo circunstancial. Aquí se demuestra lo contrario.
Ícaro Zorbar: ¿Puedo hablarle de las malas clases
y de las malas experiencias educativas que tuve?
H.J.: Claro que sí.
Í.Z.: Una muy mala experiencia la tuve en el Conservatorio de la Nacional. Tenía 9 o 10 años y a esa
edad ponerme de pie y hacer solfeo frente a la clase
me volvía un ocho, quedaba bloqueado, y mi profesor de solfeo fue un desgraciado. Mi mamá me
acompañó a la última clase y cuando le preguntó
al profesor Mojica (no me acuerdo del nombre):
“¿Cuándo sabemos las calificaciones y el comienzo
del próximo nivel?”, el tipo le dijo: “No pierda su
tiempo, señora. Su hijo no sirve para la música”.
Si alguien me afectó durante mi infancia fue él.
Muchos años más tarde regreso a la Nacional a
estudiar antropología, porque fue lo único que encontré que me sonara y que no tuviera matemáticas, y allí estuve hasta que un profesor que dictaba
arqueología me agarró y me dijo: “¿Usted qué diablos está haciendo acá? Usted va a pasar y se va a
graduar, pero a usted no le gusta esto, ¿o sí?”.
Yo quedé como patinando y, finalmente, le di la
razón. Ese tipo me puso a pensar y recordé que,
en el fondo, cuando era niño, quería ser músico.
Entonces tomé una decisión muy adolescente: en
esa época había como un movimiento de rock bogotano muy fuerte y yo sentía que giraba en torno
a la carrera de Cine y Televisión de la Nacional.
H.J.: Allá estaban Las 1280 Almas.
Í.Z.: Sí. Quizás por eso me pareció chévere. Obviamente, esa gente no estaba haciendo cine, yo tenía
eso claro, pero estaban haciendo lo que querían.
Como tocaba el bajo en un grupo que se llamaba
Corporación Macondo, me pareció perfecto pasarme a Cine y Televisión. Además, tenía en la cabeza que allá me iban a enseñar a hacer como flipbooks y kinetoscopios, y eso me parecía bonito. Sí
tenía claro que ya era como grande: tenía 21 años,
ya había cursado seis semestres de antropología e
incluso había prestado el servicio militar.
H.J.: ¿Eso cómo fue?
Í.Z.: Salí del colegio de 16 años y me vi tan perdido
que me metí al Ejército. Mi mamá me quiso comprar la libreta militar, pero la convencí de que no se
endeudara y que mejor me comprara un bajo. Y así
fue. Y estuvo bien, porque como era bachiller me
trataron como a una reina y, como era tan chiquito
y no tenía fuerza, fui como la mascota.
H.J.: ¿En Cine y Televisión tuvo un profesor o una
clase memorable?
H.J.: Muchos dicen que el servicio les deformó
la personalidad o que fue una pérdida de tiempo.
Otros dicen que los hizo madurar. ¿Qué piensa?
H.J.: Entonces, ¿dónde están las raíces de lo que
hace como artista?
Í.Z.: Si tuviera un hijo haría lo posible para que
no lo prestara; porque lo veo innecesario. Para mí
fue un destete muy radical. Llegar allá tan niño
fue muy loco. En el colegio nunca jugué fútbol y
en los recreos me la pasaba solo por los corredores
hablando como con nadie. A mí me gustaba era
curiosear una esquinita o perderme viendo un
reflejo… como un autista. Y luego, por mi propia decisión resulto en el Ejército. Como me tocó
prestar servicio en Puente Aranda, pude tratar
gente que nunca había tratado. Éramos sesenta
en el batallón y el primer día a la mayoría les tenía
miedo, porque los veía como ‘ñeros’, como atracadores; y cuando nos rapan a todos y nos ponen el
uniforme, ¡quedamos iguales! ¡Eso me encantó! Y
al final hice muy buenos amigos.
“Siendo profesor vi la
oportunidad de ser becado
para estudiar la misma
maestría y apliqué y gané”.
H.J.: ¿Qué referentes tenía en la cabeza cuando
empezó a tocar el bajo?
Í.Z.: Al principio sólo escuchaba punk y esa onda
darkie, depresiva. Creo que empecé a tocar el bajo con
The Cure. Pero no quería tocar el bajo bien, así que lo
que hacía era como unas atmósferas, ahí, todas raras.
Me encantaba escuchar las soluciones de mi abuelo. Él venía del campo. Se fue de su casa a los 12
años y se vino a Bogotá y terminó haciendo empaques para Ford, en una máquina que él mismo
construyó. Yo lo admiro mucho. Mi relación con la
radio también se la debo a él. Era comunista y ateo
y tenía un radio de onda corta de esos que se calientan, de tubos. Él lo prendía y escuchábamos Radio
Habana, China Hoy, un resto de emisoras clandestinas, revolucionarias. Sí, yo creo que mi familia ,
en general, fue la que sembró en mí esa curiosidad,
y mi interés por los aparatos tanto eléctricos, como
mecánicos, ese impulso empírico por hacer cosas
con las manos a punta de prueba y error.
Í.Z.: La verdad, no.
Í.Z.: Para contestar me toca irme bien atrás. Creo
que fue mi abuelo, Pedro Laverde, y mi papá,
Sergio Sánchez y, en general, mi familia. Ellos me
enseñaron a ser “todero”, a desbaratar aparatos, a
pensar que las cosas se arreglan en casa. Tengo un
recuerdo muy bonito, un recuerdo de un fracaso
constante: mi abuelo intentando arreglar el reloj
de péndulo de la familia, de esos viejos, de pared.
El cuestionamiento trascendental u ontológico
de las cosas se lo debo a mi mamá, Lola Laverde.
Ella, según los médicos, duró dos minutos clínicamente muerta cuando tuvo a mi hermana. Mi
mamá cuenta lo mismo que cualquier persona que
ha tenido esa experiencia. Dijo estar en un túnel
con una luz al fondo, un lugar hermoso donde no
sentía frío, ni hambre y veía muchas siluetas, siluetas como de luz… y se acercó una y le dijo: “¿Lolita:
te quieres quedar?”
Se había dañado hacía tiempo y él siempre intentaba arreglarlo. Lo abría, lo estudiaba, le sacaba partes, se las cambiaba y el reloj duraba unos días funcionando y otra vez se dañaba. Él otra vez volvía a
intentarlo y de nuevo funcionaba un poquito y se
volvía a parar. Más grande, mi papá se fue a Estados Unidos pasándose por ‘el hueco’ y allá trabajó
de ilegal. Estando en esas me compró unos aviones
a control remoto y me los mandó.
Ella asegura que iba a decir que sí porque eso era
maravilloso, pero miró hacia arriba y se vio en la
clínica y se dio cuenta de que había dado a luz, y escuchó a su hermana al lado de la camilla diciéndole:
“Sí, nació una niña y tienes que venir a cuidarla.”
Y ella, “fuuum”, ahí mismo volvió a la vida. Que
suceda lo que le pasó a mi mamá en medio de una
familia atea, donde hablar de milagros es difícil, me
marcó. Creo que lo que trato de hacer en mi trabajo es encontrar milagros, encontrar la magia en
los aparatos, en los rincones, en las cosas de todos
los días. Por eso me dejo sorprender por cosas tan
pequeñas como la luz de un bombillito.
Eso fue una ‘chanda’ porque eran usados, estaban
desarmados, no tenían instrucciones y aquí nadie
daba con la manera de armarlos. Un día mi abuelo
me dijo: “No necesitamos los motores a gasolina de
esos aviones, podemos ponerles, mejor, un motor
de cuerda.” Y yo le dije: Pero, ¿cómo se te ocurre?
Entonces, me mostró el dichoso reloj de pared y me
dijo: “Yo le doy cuerda y con unas cuantas vueltas,
cuando está bueno, dura días funcionando. ¿Qué
pasa si toda esa fuerza que dura días, la reducimos a
quince minutos? ¡Vamos a tener muchísima fuerza!
La necesaria para que ese avión vuele.”
H.J.: ¿Su padre también era “todero”?
Í.Z.: Claro. Recuerdo cuando me enseñó a remendar y a templar los casetes de audio. Una vez a uno
se le destempló la cinta y el tipo llegó y la apretó
girando con los dedos las rueditas del casete. Así
entendí que el sonido era algo físico que se podía
apretar o aflojar. Eso fue revelador. La otra era cuando la cinta se enredaba.
H.J.: Y ¿cómo descubrió a The Cure?
Í.Z.: Por Sergio, mi hermano mayor, que iba a T.V.G., a
Barbarie (bares) y me pasaba música de esas banditas.
H.J.: ¿No iba de rumba con él?
Í.Z.: No, porque era muy chiquito. Empecé a ir
a bares como a los 15 años, por los tiempos de
Membrana, Bol&Bar y Transilvania, la siguiente
generación de bares. Igual, era una guerra para que
me dejaran entrar y por eso la rumba se reducía a
caminarse toda la Séptima con media de brandy,
tramando a todos de que sabía fumar.
Archivo ARTERIA.
Humberto Junca: ¿Recuerda un profesor, una
clase, una experiencia en la academia, en la universidad o fuera de ella, que haya sido fundamental ?
Obra de la colección del Banco de la República.
Uno sacaba el casete de la grabadora y quedaban
todas sus tripas por fuera, vueltas un nudo. Una
vez pasó y creí que ya no tenía arreglo y él dijo: “No,
esto se puede arreglar” y sacó unas tijeras y cortó
en diagonal la cinta antes y después del enredo, y
luego unió los extremos con un pedacito de cinta
ARTERIA Ed. 42
19
y a darse cuenta de que era el mismo manipulador
de la manivela grabado en tiempo real con una cámara… y así, uno quedaba ahí, metido en la obra.
Cuando estaba haciendo mi tesis, me di cuenta de
que esa vaina no era cine. Entonces, de una manera súper estratégica me conseguí un salón en el edificio de Artes, hice flyers y me colé en su muestra de
tesis. Ahí conocí a Pedro (Gómez-Egaña) porque
Trixi (Alina), quien era la directora de la Maestría
en Artes, le dijo que fuera a ver mi trabajo.
Cuando la cabeza borradora está muy vieja, muy
usada, el aparato graba cosas nuevas sobre lo grabado antes, sin borrarlo, y así uno puede hacer como
sánduches de sonido, grabar una cosa encima de
otra. De tal manera, yo hacía como radionovelas,
como escenas sonoras mezclando en vivo capas
de sonido. Por ejemplo, estrellaba mis carritos de
juguete en cámara lenta haciendo ruidos y comentarios, cosa que me divertía cantidades, y luego, a
esa grabación le ponía música encima. Todo eso
fue fundamental para mí.
Ahí me visibilicé y me invitaron, recién salido, a
dictar talleres de video en la Maestría de Artes.
Siendo profesor vi la oportunidad de ser becado
para estudiar la misma maestría y apliqué y gané
la beca. Me tocó dificilísimo porque debía tener un
promedio de 4.5 todos los semestres, pero igual,
disfruté mucho. Esa maestría fue como mi pregrado en Artes.
Ah, y otra vaina que pasa allá en la casa de Chía, es
que fue construida, literalmente, por mi abuelo, mi
papá y mis tíos, y por eso la electricidad es un problema: no sé qué hicieron pero nunca han llegado
los 110 o los 120 voltios normales; llegan como
80. Por eso allá se funden las cosas y de noche los
bombillos titilan, se sube y se baja su luz como en
una película de terror. Quizás por eso para mí la
electricidad es una vaina tan especial.
Otro ejemplo: si va ahorita a la casa de mi mamá,
se va a dar cuenta de que el tanque de agua es el
tanque de gasolina de un avión; porque mi abuelo,
según cuenta la historia, iba pasando por un desguazadero y vio un avión y pensó: “Los tanques de
gasolina de estos aparatos son enormes y si aguantan la gasolina tienen que aguantar el agua”. Se lo
compró y está puesto sobre el techo de la casa. Ya
con eso, ¿qué más puedo pedir?
H.J.: ¿Y Cómo termina siendo artista plástico?
Í.Z.: Tuve una novia, Karen Ramírez, con quien
entré a la Nacional. Ella entró a Psicología y yo a
Antropología. Cuando me paso a Cine, a ella se le
mueve también el piso y se pasa a Artes. Eso me
brindó la posibilidad de acercarme a la carrera,
pues me la pasaba almorzando allá y sabía las materias que veía y me daba cuenta de los trabajos
que le ponían.
Cortesía de Ícaro Zorbar.
pegante y volvió a poner el casete. Y funcionó. Solo
que la canción quedó un ‘trisitico’ más corta. Otra
cosa que aprendí es que cuando la grabadora ya está
muy cascada la cabeza borradora comienza a funcionar mal, a borrar a medias y a mezclar lo grabado
antes con lo grabado después. Cuando uno graba,
siempre se ponen en acción dos cabezas, la cabeza
grabadora y la cabeza borradora. La cabeza borradora ya ha pasado por la cinta borrando, desordenando las partículas de metal de la cinta.
Obra presentada por Ícaro Zorbar en su tesis de grado de cine y televisión en la Universidad Nacional.
Í.Z.: Primero hay que cursar unas materias básicas y al final de la carrera uno tiene que hacer dos
semestres donde todas las materias hacen parte
de una “profundización”. En aquel entonces, uno
podía escoger entre Argumental, Documental y
esa otra que se inventó Gilles que se llamaba Artes
y Nuevas Tecnologías… nombre chistoso, porque
lo que uno veía con él ya era viejo, pero diferente.
Dentro de esa “profundización” me junto con Roberto García y poco después, con Mauricio Bejarano. Ellos diseñan, más adelante, otra “profundización” en Creación Sonora. Cuando la abren,
“El tipo llegó y la apretó (la cinta),
girando con los dedos las rueditas
del casete. Así entendí que el
sonido era algo físico que se podía
apretar o aflojar”.
me cuentan que necesitan inscritos y yo, que ya
me iba a graduar, pues estaba acabando con todas
las materias de mi “profundización”, digo: no me
importa, me echo otro año. Y así me meto a Creación Sonora y eso fue delicioso. Tomar clases con
Mauricio y con Roberto fue muy importante. Al
final, Mauricio fue mi director de tesis y Roberto
uno de mis jurados.
H.J.: Lo primero que estudió en la Nacional fue
música y al final regresó al trabajo con sonido...
Estando con ella estudié de carambola artes. Por
ejemplo, a Karen le mostraban un video-clip o una
película que a mí ni por las curvas me la mostrarían
en Cine, pero ella me la mostraba y me hablaba de
la clase donde la vio. Eso me alimentó un montón.
Después, al final de Cine tuve la oportunidad de
hacer “la profundización” con Gilles (Charalambos), lo que me abrió bastante el panorama.
Í.Z.: Sí. Vuelvo al Conservatorio porque todas las
clases de esta “profundización” se dictaban en él.
Ese edificio está cargado de sensaciones y recuerdos, desde aquel trauma de mi infancia hasta los
conciertos, las grabaciones, las cosas que hicimos
con Mauricio y con Roberto.
H.J.: ¿Cómo es lo de la profundización?
Í.Z.: En ese momento, año 2002 o 2003, muchos
H.J.: ¿Cómo fue su tesis?
se volcaron a hacer cosas en Internet o en la web y
era un poco triste. Como que vimos a Dios y nos
fuimos todos de culo, nos dejamos sorprender. Por
eso mismo, decidí hacer una video- instalación, decidí trabajar con programación y con la idea de “interfase” e “interactividad”, pero dándole la vuelta
un poco, porque en ese momento lo chévere era
ser hípertecnológico, hi-tech, todo eso; pero yo no
tenía plata y, la verdad, quería hacer algo más tranquilo, evitar que el efecto aplastara al afecto.
Buscando las máquinas más básicas encontré la
manivela. Siempre me han gustado las cajitas de
música; pero en esa época empecé a observarlas con cuidado. Me gustan porque son una cosa
muy básica, funcionan con impulso o cuerda y no
tienen nada de Internet. ¡Son fantásticas! Y creo
que a cualquier persona la puede cautivar una
cajita de música sonando. Entonces, diseñé un
espacio donde puse un pedestal con una cajita de
madera con una manivela. En ese mismo espacio,
al frente, había una proyección de un close-up del
mecanismo de una caja de música, del rodillito con
sus dientes y no más.
El video iba andando, iba sonando y, si usted
quería, le podía meter mano a la manivela y la
proyección comenzaba a responder a la velocidad
de rotación y a la dirección que usted le diera, pues
se sincronizaban. Después se pasaba a otro nivel.
El primer paso era romper el hielo, tocar la manivela y empezar a manipularla. En el paso siguiente se
podía afectar el tamaño de la imagen; de acuerdo
a la dirección del giro de la manivela la imagen del
mecanismo de la cajita se alejaba o se acercaba.
De pronto, si usted se alejaba demasiado la imagen se iba a negro y se quedaba oscura toda la
sala y lo que empezaba a cambiar era el sonido de
la cajita de música, su volumen (su cercanía) y su
reverberación. De repente, uno veía que en medio
de la oscuridad aparecía un tipo allá, al fondo, entonces uno empezaba a acercarlo para verlo mejor
H.J.: ¿En esa maestría tuvo alguna experiencia
memorable?
Í.Z.: ¡Yo me gocé tanto esa maestría! No le podría
hablar de una clase en particular, porque fue todo.
H.J.: Hábleme un poco de su experiencia como
profesor.
Í.Z.: Después de mi primer aventón en el taller de
video en la Maestría de Artes dicté un taller llamado ‘Del Cut al Paste’, con Felipe Cortés, en las
clases de Educación Continua de la Javeriana, que
son cursos que cualquier persona puede tomar.
Después, junto a Juan Mejía, dicté durante un año
un taller avanzado en artes, en Los Andes.
H.J.: ¿Le gustó ser profesor?
Í.Z.: Encantador porque… ¡hay tan malos profesores! Y pues ya es suficientemente jodido haber
decidido ser artista; como para que le anden haciendo zancadilla a uno. ¡Es tan insano! Ahora, yo
no soy “madre”; yo soy bien “cuchilla”… pero yo
boto en clase todos los datos que tengo, no me
guardo el conocimiento. Y me gusta muchísimo
dar tutorías. Me encanta intentar abrir panoramas y decir: venga, pero ¿porque no mira esto,
o porqué no piensa esto desde el otro lado? Es
como tratar de armar entre dos un jeroglífico…
me encanta.
H.J.: ¿Cree que el arte se puede enseñar?
Í.Z.: No creo. Cuando doy tutorías, siempre digo a
los estudiantes: mire, usted tiene que verme como
a un igual; de lo contrario la cosa no funciona. Piense que va a tener una pelea de boxeo y este es
su entrenamiento básico. Aquí nos vamos a dar
duro. Por tanto, creo que uno sí puede entrenar a la
gente para que se pueda defender; pero no puede
enseñarle a nadie a ser artista. Y sí, me parece sano
que a uno le den un par de consejos de cómo defenderse… porque esta pelea es larga y dura.
20
ARTERIA Ed. 42
Galerías
Cortesía: Galería La Cometa.
BOGOTÁ
Galería La Cometa
Luis Luna: ‘Homenaje al Bosco o
a ‘La variedad del mundo’’
Cortesía: La Localidad Galería.
Cortesía: Cero Galería.
BOGOTÁ
La Localidad Galería
Adriana Margalef:
‘Observadores del infinito’
Febrero 17- marzo 19
Cortesía: La Galería-Arte Contemporáneo.
BOGOTÁ
Cero Galería
Mauricio Zequeda: ‘Juego de dioses’
Hasta febrero 28
BOGOTÁ
LA Galería-Arte Contemporáneo
Luz Forero: ‘Los colores del dinero’
Marzo 6 - abril 19
Una reflexión sobre la memoria y el olvido en relación con el cambio de la niñez a la madurez, es
la propuesta de esta exposición. El artista pinta en
acrílico sobre lienzo juegos de niños que evocan
memorias y que hacen del mundo algo fantasioso,
lleno de héroes y lugares mágicos. Son mundos
donde las reglas son dictadas por el instinto infantil. Con ello el autor busca que el público no olvide
que aún en la adultez, existe una parte de la niñez
en cada uno.
Para esta exposición la artista colombofrancesa
Luz Forero trabaja con monedas, con las que simboliza la parte mínima de la sociedad, como los
átomos que lo constituyen todo. De esta manera,
Forero invita a una reflexión sobre la acumulación
del dinero.
Figuras geométricas, colores y sombras son los
componentes esenciales de esta nueva exposición
de la artista argentina Adriana Margalef. Con acrílico sobre lienzo, crea espacios imaginarios, donde
las formas reales trascienden a las irreales. Su obra
busca un ambiente tenso y misterioso, llena de
líneas rectas, aristas marcadas y perspectivas.
Después de homenajear al pintor alemán Kurt
Schwitters (1887-1948) con una exposición de la
obra ‘La catedral de las miserias eróticas’, en el 2013,
Luis Luna se inspira en el tríptico ‘El Jardín de las
Delicias’ para homenajear a su creador, el pintor
holandés Hyeronymus Bosch ‘El Bosco’. Así, realiza un collage que incluye fragmentos de personajes del ‘Bosco’ recortados en metal, ensamblados
con escritos y tallados de frases alegóricas. La exposición también cuenta con una serie de videos
de 18 a 20 segundos, en el que se recitan poemas
de García Lorca y tangos.
Cortesía: Cero Galería.
BOGOTÁ
Cero Galería
Raquel Glottman:
‘Participación mistique’
Desde marzo 12
Cortesía: Galería Neebex.
BOGOTÁ
NC-arte
Elías Heim: ‘Fototropismos’
Hasta marzo 29
Cortesía: NC-arte.
‘Fototropismos’ es una instalación de tres piezas
en las que Elías Heim propone, según el texto curatorial, una disyuntiva de la luz como catalizador
de vida y de muerte, del bien y del mal. Constituida
por obras mecánicas, anaqueles con plantas y rayos láser, la exposición reúne varios aspectos que el
artista ha trabajado desde 1990, demostrando su
interés por los juegos de iluminación.
BOGOTÁ
Galería Neebex
Nodo Duitama: ‘De-foliar’
Hasta marzo 21
Una recopilación de documentos de los proyectos
activistas de Nodo Duitama, durante los últimos
tres años, realizada por Laura Melo, Boris Teran,
José Manco y Laura López.
Cortesía: Galería Espacio Alterno.
BOGOTÁ
Galería Espacio Alterno
Hernando González Arrazola:
‘Estrella en la memoria’
En esta colección, el pintor Hernando González
trata de capturar la esencia de los lugares por los
que ha transitado y, a su vez, trata de reflejar en
la obra su versión interna de estos. ‘Estrella en la
memoria’ rinde un homenaje a las reminiscencias
que tiene el hombre de su lugar de nacimiento,
ese terruño amado que llama el artista, y pretende
cautivar al espectador para que recuerde el vínculo
con los lugares donde vivió en el pasado.
La artista se enfoca en el agua como un elemento
primordial y fundamental, dador de vida y símbolo
del inconsciente, donde los sueños, ideas, deseos y
emociones surgen y siempre existen. En ‘Participación mistique’, se evidencia la inclinación de esta
artista por la fotografía, con una serie de capturas
subacuáticas, con la que busca trascender del objeto visual y encontrar el límite entre lo mundano y
la realidad interna.
Cortesía: La Galería-Arte Contemporáneo.
Cortesía: Beatriz Esguerra Arte.
(Detalle). Cortesía: Otra Zona-Galería de Arte.
Cortesía: Otros 360 Grados.
BOGOTÁ
Otros 360 Grados
Exhibición de obras de Álvaro Barrios
Hasta marzo 8
Obras del reconocido artista barranquillero.
RIONEGRO (ANTIOQUIA)
Otra Zona-Galería de Arte
Douglas Gaviria:
‘Incertidumbre cartesiana’
Desde febrero 22
En ‘Incertidumbre cartesiana’, el autor presenta
vistas aéreas de espacios imaginarios, producto del
despliegue de técnicas mixtas, para generar incertidumbre en el espectador.
BOGOTÁ
Beatriz Esguerra Arte
Aníbal Gomescasseres:
‘Naturaleza artificial’
Hasta febrero 20
Por medio de distintos usos de la luz y el color en la
fotografía, el artista quiere establecer una relación
entre el efecto de los juegos de luces y el paisaje en
una obra. La exposición está compuesta por obras
en mediano y gran formato, con la intención de
demostrar las grandes diferencias que implica un
cambio de luz en un paisaje.
BOGOTÁ
LA Galería-Arte Contemporáneo
‘Cuerpo/identidad/tiempo’
Hasta marzo 1
‘Cuerpo/identidad/tiempo’ es una exhibición de
fotografías donde convergen las interpretaciones
e ideas en torno a cómo se entiende el rostro en el
occidente. Por medio de retratos, los artistas María
Paula Durán, Camilo Heredia, Gabriel Leaño y
Alejandra Sarria proponen una reflexión sobre
el valor significativo que tiene una fotografía del
rostro, respecto a la esencia del sujeto. La muestra
está curada por Ana María Lozano.
ARTERIA Ed. 42
21
Cortesía: Galería Neebex.
BOGOTÁ
Galería Neebex
Yuyu Gil Caballero: ‘Ellas’
Hasta febrero 21
A modo de catarsis y haciendo uso de la pintura, la
escultura, la fotografía y el video, Yuyu Gil Caballero, hace una introspección sobre su trayectoria
como mujer y artista. En su obra representa cada
una de sus etapas, sus reflexiones y múltiples cuestiones existenciales que atañen a una mujer en la
actualidad.
Cortesía: Scketch.
Camilo Garzón. (detalle). Cortesía: Galería 12:00.
BOGOTÁ
Galería Doce Cero Cero 12:00
León Trujillo: ‘Geometría del silencio’
Camilo Garzón: ‘Lozacream’
Hasta febrero 22
BOGOTÁ
Sketch
Juan de Dios Vargas:
‘Setenta veces siete’
Fernando Zuluaga:
‘Bajo una nube negra’
Hasta marzo12
En ‘Setenta veces siete’ Juan de Dios Vargas presenta 490 dibujos con los que pretende invitar al
observador a vivir la experiencia del perdón.
‘Bajo una nube negra’, de Fernando Zuluaga plantea la relación existente entre el paisaje y el dibujo,
a partir de la representación del mal clima como un
pronóstico constante de los cambios climáticos. En
una serie de dibujos y videos animados, construye
paisajes imaginarios.
En ‘Geometría del silencio’, Trujillo expone una
serie de esculturas de pared y de repisa y relieves de
madera abstractos.
Mientras tanto, Garzón en ‘Lozacream’ expone
una selección de linóleos, dibujos de gran formato,
esculturas y videos que componen su proyecto
artístico sobre esta marca de jabón para cocina.
Angélica Jaramillo. Cortesía: Galería Jenny Vilá.
CALI
Galería Jenny Vilá
Catalina Jaramillo y Angélica
Zorrilla: ‘De perros y de noches’
Estas dos artistas se unen para retratar en dibujos
sus reflexiones respecto a dos temas particulares.
Angélica Zorrilla se centra en el mejor amigo del
hombre, el perro, animal que ella identifica como
un ser solitario y valioso.
Mientras tanto, Jaramillo retrata figuras y escenas
que remiten a una sensación onírica, aludiendo a
esas noches en que el sueño se hace cada vez más
difícil de alcanzar.
(Detalle). Cortesía: NC-arte.
BOGOTÁ
NC-arte
Monika Bravo: ‘Urumu’
Hasta marzo 29
Alex Rodríguez. Cortesía: Casa Riegner.
En esta muestra que mezcla video y dibujo,
Monika Bravo busca ofrecer un relato místico
sobre la producción de las mochilas arhuacas.
Urumu es un vocablo arhuaco que significa
caracol, que con su forma en espiral simboliza
el universo y el movimiento de la aguja al tejer
una de estas mochilas. La artista llama a esto un
‘tejido de memorias’ con el que busca involucrar
al espectador con la cosmogonía de los indígenas de la Sierra Nevada de Santa Marta.
Maribel Tuta. Cortesía: Galería El Museo.
Cortesía: Nueveochenta.
BOGOTÁ
Nueveochenta
Ana Mercedes Hoyos:
‘Ana Mercedes Hoyos 3D’
Un resumen del recorrido de esta artista clave en
el arte del país para tratar de aportar una visión
más amplia de su trabajo, en una carrera de casi 50
años. Esta es una colección conformada por pinturas de décadas anteriores y una selección de sus
más recientes trabajos.
BOGOTÁ
Galería El Museo
‘Lenguajes de papel’
Febrero 6 - marzo 8
Un colectivo de más de 30 artistas nacionales y del
exterior participa en esta exposición que se lleva a
cabo desde hace cinco años en la galería El Museo.
Con dibujos, pinturas, calados y hasta piezas en
origami, esta muestra busca rescatar al papel como
medio fundamental de expresión y no como simple soporte o herramienta de trabajo.
BOGOTÁ
Casas Riegner
Leyla Cárdenas:
‘El tiempo lo aguanta todo’
Alex Rodríguez:
‘Ciudad de las Américas’
Febrero 13 - abril 12
La artista Leyla Cárdenas propone una reflexión
en torno al tiempo y al espacio urbano en su más
reciente exposición. Por otra parte, Alex Rodríguez realiza la exposición ‘Ciudad de las Américas’
sobre su libro, con una serie de fotografías y un
video, que tratan sobre las consecuencias negativas que se ven en Cali, por los numerosos cambios
urbanísticos que se dieron en la ciudad para los
Juegos Panamericanos de 1971.
Cortesía: Espacio Odeón.
Alejandro Sánchez (detalle). Cortesía: Galería El Garaje.
Cortesía: Estuario Galería.
BOGOTÁ
Estuario Galería
‘Marco Pinto, 30 años’
Marco Pinto celebra sus 30 años como artista con
su nueva exhibición de dibujos e ilustraciones. En
esta reúne algunos de los trabajos que ha realizado
a lo largo de su carrera, por medio del manejo de
lápices de colores.
BOGOTÁ
Galería El Garaje
Exposición colectiva: ‘Miti-miti 3’
Es la tercera vez que la galería El Garaje organiza
la exposición ‘Miti-miti’, que une a dos artistas en
una misma muestra. Este año contarán con la participación de los pintores Felipe Zapata, egresado
de la Universidad de los Andes y Alejandro Sánchez, egresado de la ASAB, quienes exhibirán una
selección de cuadros en óleo.
BOGOTÁ
Espacio Odeón
‘Rastros del paisaje:
apuntes para sótanos y jardín’
Desde febrero 15
Esta muestra explora las formas de apropiación
de la naturaleza en la ciudad y reflexiona sobre su
transformación en el tiempo. Los artistas Nicolás
Gómez, Alexandra McCormick y Camilo Bojaca proponen cada uno una visión particular del
tema, elaborada especialmente para instalarse en
lugares específicos del Espacio Odeón y demostrar
como hoy el paisaje está atravesado por una serie
de elementos industriales y urbanos.
Cortesía: Casa Cano.
BOGOTÁ
Casa Cano
Rafael Vanegas
El artista colombiano Rafael Vanegas expone
por primera vez en Colombia su obra pictórica,
aunque ya lo había hecho en Europa. Vanegas
presenta su más reciente obra elaborada en papel
de arroz que él mismo fabrica. También usa latas,
que interviene con técnica mixta.
ARTERIA Ed. 42
22
Artistas señalan desequilibrios sociales
La exposición abarca intervenciones artísticas en
el espacio público en Colombia del 2000 al 2011 y
fue presentada en Galerie
Ratskeller, de Berlín, en
septiembre y octubre del
año pasado. Allí contó con el
acompañamiento de la Oficina para Arte en el Espacio
Público. En Bogotá, la exhibición estará abierta hasta el
Cortesía del artista.
Miler Lagos. Ínmersos (Nieto Caballero)´, 2004, intervención.
28 de febrero en la FUGA,
con una variopinta muestra
na visión sobre la incidencia de de instalaciones y una fotográfica de varias obras y
las artes visuales en la consolida- videos de performances.
ción de un discurso contemporáneo sobre la memoria en Colombia Ardila reunió obras de 13 artistas colombianos
es lo que promete la exposición ‘Campos de que para él, han tomado el rol de mediadores de
memoria’/‘Erinnerungsfelder’, del curador Óscar acontecimientos históricos al lanzar propuestas
Ardila, residente en Berlín. La muestra es fruto frente a la historia oficial. Con un interés docudel concurso ‘Proyecto curatorial sobre la pro- mental, estos artistas se insertaron en el espacio
público de una manera poco convencional, señalaron lugares en los que han ocurrido hechos
memorables para la sociedad y desarrollaron proyectos de arte participativo.
Por ejemplo, en el 2007, Jaime Iregui en su obra
Museo fuera de lugar, se ubicó en algunos puntos
donde en 1948 se dieron sucesos en ‘El bogotazo’, y confrontó a los transeúntes del centro de
la ciudad, para reflexionar sobre los cambios ar-
Foto: Rodrigo Grajales. Cortesía Fundación Gilberto Alzate Avendaño.
ducción artística de Bogotá
para su circulación internacional’. Se trata de una
convocatoria realizada por
la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, de Bogotá
(FUGA), en el 2012, con la
idea de contribuir a la difusión del arte colombiano en
otros países.
U
Gabriel Posada. ‘Magdalenas por el Cauca’, 2008.
quitectónicos y de infraestructura que ha tenido
Bogotá desde la Colonia. En Sechs akte: Ein experiment von erzähljustiz (Seis actos: un experimento de
justicia narrativa) Carlos Motta organizó lecturas de
discursos de paz hechos por candidatos presidenciales asesinados en el siglo XX. Las hizó en seis sitios,
por seis personas de diferente origen étnico, durante
las elecciones presidenciales del 2010.
‘Campos de memoria’se divide en tres secciones,
que se complementan: la primera, ‘Entre ‘El bogotazo’ y el Bogotá change’, que cuestiona los
sucesos en la Capital entre 1948 y el 2008, con
‘El bogotazo como punto de quiebre de la historia
colombiana, hasta el proceso de transformación
del espacio urbano y de las prácticas ciudadanas,
que se inició a mediados de los 90. La segunda
sección es‘Territorios fluviales: el río como lugar
de memoria’, que examina la situación de algunas
poblaciones aledañas a importantes vías fluviales
y, la tercera, es ‘Memoria y democracia’, que busca
una reflexión sobre la persistencia de problemáticas ligadas a la participación ciudadana.
Insurgencia, desplazamiento, historias urbanas
marginales, situación de territorios fluviales, crisis de gobernabilidad y testimonios de violencia
son algunos de los temas de la exposición que
retoma propuestas de los artistas Felipe Arturo,
Alberto Baraya, María Buenaventura, Elkin Calderón, Wilson Díaz, Miler Lagos, María Linares,
Gabriel Posada, Fernando Pertuz, Edwin Sánchez y el colectivo Mapa Teatro.
quinientaspalabras
Una imagen vale más que mil palabras; ¿será que la mitad consiguen
evocarla? En esta sección un invitado hablará en 500 palabras de
una obra que le parezca especialmente significativa.
A finales de 1999 tuve la oportunidad de participar como becario en la exposición “La
Columna Infinita”, del artista cubano Kcho, en el Palacio de Cristal, una de las salas de
exposiciones temporales del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid. El
Palacio de Cristal es una estructura de metal y cristal situada en los Jardines del Retiro,
de Madrid, construido en 1887 con
motivo de la Exposición de las Islas
Filipinas, celebrada ese mismo año.
En este esplendido escenario, el
artista Kcho (Alexis Leyva, Isla de
la Juventud, Cuba, 1970) presentó
su exposición ‘La columna Infinita’.
En ella recopilaba varias de sus
obras más emblemáticas: una era
La columna infinita (1996), una
columna de neumáticos de ruedas
de camión, remos y soga; una
alegoría directa a la columna de
Brancusi (escultor rumano que en
1938 levantó la Columna infinita)
y que daba el título a la exposición
en la que exhibió Archipiélago de mi
pensamiento (1997). La muestra
contenía una gran instalación de
botes, elementos varios y desechos
de la vida y el trabajo del artista,
que se levantan casi ocho metros.
Estaba también quizás la obra
más reconocida del artista: A los
ojos de la historia (1992/95), una
estructura en ramas, cuerda, alambre, tela y café que evocaba la famosa columna de Tatlin,
monumento diseñado para la III Internacional por Vladimir Tatlin (1895-1956), que
hubiera podido ser una de las maravillas arquitectónicas del mundo con sus 395 metros
de altura, si hubiese llegado a construirse.
A través de esta obra el artista reimagina esa pieza de arquitectura monumental en
un objeto utilitario, resignificando su uso al colocar un filtro de café en su parte superior,
convirtiendo lo que él denominaba como el símbolo de la utopía socialista, que no funcionó, en
un objeto cotidiano. “Brancusi es la verticalidad y Tatlin la utopia, a mí me gusta darle función
a esas obras convertir la espiral de Tatlin en un colador de café, en una cafetera”, comentaba
el artista en la entrevista realizada
para el catálogo de la muestra.
La escultura de escasos 1.36 x
2.80 metros, comparada con la
idea de la columna original, fue
hecha por el artista en la época
del llamado “Periodo Especial”, en
Cuba (1990-1993), cuando la isla
sufrió una crisis como resultado
del colapso de la Unión Soviética,
y el recrudecimiento del bloqueo
norteamericano. Esta austeridad
generada por la crisis política y
económica volcó a los artistas
cubanos a mirar posibilidades
artísticas en cualquier material.
Siguiendo, quizás, las ideas de
los artistas italianos del Arte
Povera, la isla se convirtió en un
laboratorio vivo de creación donde
cualquier objeto era viable para la
expresión artística. Kcho asumió
sus principios creativos desde
esta posición y su obra recopila
restos de su vida y de su trabajo,
desechos, su basura pero llena de fragmentos de la historia personal del artista.
La obra A los ojos de la historia, hace parte de la colección de la Fundación Sandretto Re
Rebaudengo per l’Arte de Turín, Italia.
A los ojos de
la historia
Javier Mejía. Docente y curador independiente.
ARTERIA Ed. 42
23
GUÍA NACIONAL
BARRANQUILLA
MUSEO DE ARTE MODERNO DE
BARRANQUILLA
Carrera 56 Nº 74-22
Tel: (5) 3690101 - 3609952
[email protected]
www.mambq.org
- Hasta marzo 13.
‘El arte como idea’: Antonio Caro.
‘Conceptos y palabras’: Álvaro Herazo,
Delfina Bernal, Eduardo Hernández, Álvaro
Barrios, Gustavo Turizo, Carlos Restrepo,
Efraín Arrieta, Antonio Inginio Caro y El
Sindicato.
CENTRO CULTURAL MUSEO
ATLÁNTICO
Carrera 39 Calle 35 (Esquina) Primer piso.
Tel: (5) 3307013 - 3307014 - 3307022
www.fundacionbat.com.co
- Febrero 26 - Marzo 26. ‘IV Salón BAT de
Arte Popular: Identidad Regional’.
BOGOTÁ
ALONSO GARCÉS GALERÍA EU
Carrera 5 Nº 26B - 92
Tel: (1) 337 5832 - 337 5827
[email protected]
EC - ARTE GALERÍA
Calle 107 A Nº 54 - 45
Tel: (1) 253 9997 - (310) 7765788
[email protected]
FUNDACION GILBERTO ALZATE
AVENDAÑO, FUGA
Calle 10 Nº 3 - 16 Tel: (1) 2829491
[email protected]
www.fgaa.gov.co
- Hasta febrero 28. ‘Erinnerungsfelder/
Campos de memoria’: Exposición colectiva.
- Desde Marzo 11. ‘El Dorado’: Alberto
Baraya y Johnathan Hernández, Erick Beltrán,
Diego Benavides, Francois Bucher, Elkin
Calderón, William Contreras, María Elvira
Escallón, Lina Espinosa, Juan Fernando
Herrán, María Margarita Jiménez y Andrés
Rosero, Ana María Millán, Luis Ospina,
Gabriela Pinilla, José Alejandro Restrepo,
Miguel Ángel Rojas, Edwin Sánchez y Liliana
Sánchez.
FLORA ARS+NATURA
Calle 77 Nº 20C - 48
www.arteflora.org
GALERÍA EL MUSEO
Calle 81 Nº 11 - 41
Tel: (1) 744 7588 / 89 / 95
[email protected]
www.galeriaelmuseo.com
- Febrero 6 - Marzo 8: ‘Lenguajes en
Papel’: Adrián Gaitán, Alfonso Beleño,
Aurora Lario, Camilo Bojacá, Luz Helena
Caballero, Claudia Ruíz, Cynthia López,
Diana Gamboa, Diego Mendoza, Eduard
Moreno, Edwin Monsalve, Esteban Peña,
Evelyn Tovar, Huanchaco, Gustavo Villa, Iván
Rickenmann, Jaime Franco, Jaime Gamboa,
Jansel Figueroa, José Horacio Martínez,
Juan Francisco Casas, Laura Montoya, Luz
Helena Caballero, Maite Ibarreche, Maribel
Tuta, Marco Mojíca, Mariana Murcia, Mauro
Piva, Miler Lagos, Otoniel Borda, Priscila
González, Rodrigo Echeverri, Santiago Leal,
Sebastián Camacho, Sebastián Fierro, Starsky
Brines, Teresa Currea, Voluspa Jarpa y
Yennifer Cano.
NC-ARTE
Carrera 5 Nº 26B - 76
Tel: (1) 2821474 - 2820973
[email protected]
www.nc-arte.org
- Hasta Marzo 29. ´Fototropismos´: Elías
Heim. Curaduría: Miguel Gonzlález.
Úrumuru´: Monika Bravo.
Curaduría: Beatriz López.
GALERÍA ESPACIO ALTERNO,
ASOCIACIÓN DE EGRESADOS DE LA
UNIVERSIDAD DE LOS ANDES
Calle 92 Nº 16 - 11
Tel: (1) 616 2211 ext 107 - 135
[email protected]
www.uniandinos.org.co
- Febrero 12 - Marzo 28 : ‘Estrella en la
memoria’: Hernando González Arrazola.
SKLN ESPACIO
www.sklnespacio.com
LA GALERÍA - ARTE CONTEMPORÁNEO
Calle 77 Nº 12 - 03, local 101
Tel: (1) 467 3348 - 601 9494 - 467 3346
[email protected]
www.la-galeria.com.co
- Hasta 1 Marzo. ‘Cuerpo / Identidad
/ Tiempo’: María Paula Durán, Camilo
Heredia, Gabriel Leaño, Alejandra Sarria.
Curaduría: Ana María Lozano
- Desde 6 Marzo. ‘Los colores del dinero’: Luz
Forero. Curaduría: Francine Birbragher.
GALERÍA NEEBEX
Carrera 3 Nº 12 - 42
Tel: (1) 284 9490
[email protected]
www.neebex.com
- Febrero 6 - 21. ‘Ellas’: Yuyu Gil Caballero
- Marzo 6 - 21. ‘De-foliar’: Nodo Duitama:
Laura Melo, Boris Terán, José Manco, Laura
Lopez.
GALERÍA BAOBAB
Calle 79 B Nº 8 - 21
Tel: (1) 322 0913 - 255 1833
[email protected]
www.galeriabaobab.com
MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
DE BOGOTÁ
Carrera 74 Nº 82A - 81
Tel: (1) 2916520 Ext. 6160, 6161
[email protected]
www.mac.org.co
-Febrero 8 – 28. Ánalogía digital, pioneros
de los nuevos medios´: David Peña, Alberto
Lezaca, Carlos Franklin, Roy Ascot, Jorn
Ebner y Michael Kargl, entre otros.
CARTAGENA
CÁMARA DE COMERCIO DE
CARTAGENA
Centro, Calle Santa Teresa Nº 32-41
Tel: (1) 6501110 - 6501118 Ext. 202
[email protected]
www.cccartagena.org.co
MEDELLÍN
MUSEO DE ARTE MODERNO DE
MEDELLÍN
Carrera 44 Nº 19A - 100 Av. Las Vegas
Tel: (4) 444 2622
[email protected]
www.elmamm.org
-Hasta Marzo de 2014
‘Coordenadas. Historias de la instalación
en Antioquia’: Adolfo Bernal, Alberto Uribe,
Ana Claudia Múnera, Beatriz Olano, Carlos
Uribe, Clemencia Echeverri, Edith Arbeláez,
Feliza Bursztyn, Fredy Alzate, Germán Botero,
Gloria Posada, Jean Gabriel Thénot, John
Castles, John Mario Ortiz, Jonier Marín,
Jorge Jaramillo, Jorge Ortiz, Juan Camilo
Uribe, Juan José Rendón, Juan Luis Mesa,
Juan Manuel Montoya, Leonel Estrada, Libia
Posada, Luis Fernando Peláez, María Teresa
Cano, Mauricio Carmoma.
MUSEO DE ANTIOQUIA
Carrera 52 Nº 52 - 43
Tel: (4) 2513636
[email protected]
www.museodeantioquia.org.co
ROLDANILLO
MUSEO RAYO DE DIBUJO Y
GRABADO LATINOAMERICANO
Calle 8 Nº 8 - 53
Tel: (2) 229 8623 - 229 72 90
[email protected]
www.museorayo.co
‘XXXIII Aniversario del Museo Rayo’: Carteles
maoístas de la República Popular China.
Grabados y dibujos japoneses del siglo
XIX. Takashi Murakami: Gráficas y objetos.
Estampas populares de la India. Jardines de
esculturas: Edgar Negret, Eduardo Ramírez
Villamizar, Carlos Rojas, Rodrigo Arenas
Betancourt, Ana Mercedes Hoyos, Lidya
Azout, Antonio Caro, John Castles, Clever
Machado, Claudia Hakim, Pablo Bartelsman,
Jaime Gutiérrez Lega, Manuel Hernández.
RIONEGRO
OTRA ZONA GALERÍA DE ARTE
Complex Llanogrande local 35,
Llanogrande Antioquia
Tel: (4) 5317880 - (310) 8220233
[email protected]
www.otrazonagaleriadearte.com
- Desde febrero 22. ‘Incertidumbre
Cartesiana’: Douglas Gaviria.
SANTA MARTA
MUSEO BOLIVARIANO DE ARTE
CONTEMPORÁNEO
Quinta de San Pedro Alejandrino, Avenida
del Libertador, sin número, Mamatoco
Tel: (5) 4332994 - 4331021 - 4332994
[email protected]
[email protected]
www.museobolivariano.org.co
- Desde febrero 26
Sala Hernando del Villar: ‘Figuración
geográfica’: Mónica Meira.
- Desde marzo 26
Galería Espacio Abierto: ‘Noviembre de
1985’: Josefina Jackin
Sala Armando Villegas:
‘Colectivo de fotografía’: Mabel Castro,
Luis Fernando Jaramillo.
24
ARTERIA Ed. 42
L ib erta
Compañía
de
danza
Periferia,
fotografía
Fabián
Ricardo
Álvarez
Compañía
dede
danza
Periferia,
fotografía
Fabián
Ricardo
Álvarez
Compañía
danza
Periferia,
fotografía
Fabián
Ricardo
Álvarez
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