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LA ESCULTURA Y
AUGUSTE RODIN
ÍNDICE
1.- Introducción
2.- Contexto
2.1.- Contexto artístico
2.2.- Contexto sociocultural
3.- Impresionismo escultórico
3.1.- Características
3.2.- Diferencias
3.3.- Autores
4.- Auguste Rodin
4.1.- Vida y obra
4.2.- Caracteristicas
4.3.- Comentario obra
5.- Conclusión
6.- Bibliografía
INTRODUCCIÓN
Este trabajo consistirá en un recorrido a traves de la escultura impresionista, revisando sus principales
características y autores, asi como sus obras, destacando entre todos estos a Auguste Rodin, como maximo
exponente de esta tipologia escultorica.
Así pues, tambien revisaremos el termino impresinismo, y veremos que en los otros campos como en
la pintura, las caracteristicas no eran tan similares con la escultura y que en este ambito fue donde mas fue
desarrollado el impresionismo; el campo de autores que trabajaron la pintura en ese movimiento es bastante
amplio e interesante.
Al margen de otras muchas obras y autores, destacaremos a Rodin, que produjo una obra inmensa y
que sirvió como referente a los movimientos escultóricos venideros y fue y es considerado uno de los genios
de la escultura y como la historia del arte catalogará y sera considerado como el primer escultor moderno de la
historia del arte.
CONTEXTO
Paralelamente al Romanticismo, ya surgen corrientes que quieren alejarse de sus ideas. Una de ellas
será el Impresionismo, surgido en las artes plásticas y utilizado después en música. Lo que intenta el impresionismo es expresar el impacto y la impresión que nos produce un objeto o imagen, y no su representación realista. Trata de recrear atmósferas, sensaciones. Este movimiento supone el comienzo del arte contemporáneo.
En un principio, la sociedad rechazó este arte, y se rechazaron o fueron declaradas nulas también la mayoría de sus obras, pero movimientos despues todos estos autores de esa epoca fueron estudiados con interes y
admiración por su asomborsa comprension de la realidad.
El siglo XIX vino marcado por fuertes canvios científicos, sociales, economicos, artisiticos y filosoficos
que afectaron a la población y se vieron reflejadas en el arte.
Durante ese siglo aparece la camara fotografica que hara que los pintores jueguen un papel secundario
y donde, un publico acostumbrandose a la espontaneidad de las camaras, el tipo de arte que surgira tendra
como fin darle un acabado de impresion instntanea de un momento determinado y capatar ese movimiento
latente que caracteriza a algo instantaneo, de ahi por ejemplo al escultura de Rodin, que tiene esa sensación de
“inacabada”.
El historicismo marca a la nueva arquitectura, que se deja influir por la añoranza al pasado, que encuentra su originalidad en el estudio del pasado origen. Concentraba todos sus esfuerzos en recuperar la arquitectura de tiempos pasados. Al neoclasicismo del pasado siglo le continuó el neogótico, asociada a los ideales
románticos nacionalistas. La arquitectura ecléctica, en hace evolucionar a la historicista, combinando variedad
de estilos arquitectónicos en una nueva estructura.
El movimiento Arts & Crafts contempló la idea de aprovechar el desarrollo industrial y tecnológico, viendo en
el artesano una figura destacable. Con la disolución de sus ideales y la dispersión de sus defensores, las ideas
del movimiento evolucionaron, en el contexto francés, hacia la estética del Art nouveau, considerado el último
estilo del siglo XIX y el primero del siglo XX.
El romanticismo del siglo XIX fue la antítesis del neoclasicismo. La moderación, el racionalismo, la pública
inmoralidad serán tajantemente reemplazados por el exceso, el sentimentalismo, la búsqueda de crear una
moralidad cada vez más inalcanzable. Los ideales cimentados por Rousseau, el precursor ideológico del romanticismo, culminarán en la Revolución francesa, que sería el punto de partida para la creación de una nueva
época. La revolución será constantemente evocada a lo largo del siglo, junto con ideales como la libertad, la
independencia y el nacionalismo, en ese entonces perteneciente a la izquierda política. Los pilares son el individualismo burgués, que quedaría plasmado en el subjetivismo literario; la evasión de la realidad, en pro de la
creación de una nueva sociedad mejorada; la exaltación de la naturaleza, en la cual suponían que el Hombre
estuvo exento de dramas y dificultades.
Hacia el postromanticismo se gestaría la idea de que la belleza del arte se encuentra en el arte mismo: El arte
por el arte. Varias corrientes se consideran postrománticas: El parnasianismo, se caracterizaría por su ruptura
con el subjetivismo y con el exceso de sentimentalismo; el simbolismo según definió el propio Jean Moréas
es “Enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad, la descripción objetiva”, se encuentra impregnada de intenciones metafísicas, misterio y misticismo; el decadentismo surge por el acto de potenciar a
Baudelaire, que buscaba la belleza en lo repugnante, busca revelarse contra la falsa moralidad burguesa.
Otra alternativa al romanticismo fue el realismo, inspirado en los efectos sociales del nuevo capitalismo. Es
habitual el uso de la sátira, la denuncia, las temáticas de enfermedad, suciedad, locura, pobreza, vicios y prostitución. El realismo se potenciaría en el naturalismo, más influenciado por el materialismo, el positivismo o
el determinismo.
La pintura del siglo XIX no estuvo exonerada del quiebre histórico con su historia. Tampoco lo estuvo de la
multitud de corrientes de filosofía del arte. También se dejó influenciar por el fenómeno político francés, la
ruptura con el tradicional artista que muestra lo que la monarquía y su aristocracia pretende. El mundo no está
en orden, y eso pretende mostrar el nuevo arte, al mismo tiempo que propone un nuevo orden: El Romanticismo. Allí donde el neoclasicismo propone una belleza ideal, el racionalismo, la virtud, la línea, el culto a la
Antigüedad clásica y al Mediterráneo, el romanticismo se opone y promueve el corazón, la pasión, lo irracional, lo imaginario, el desorden, la exaltación, el color, la pincelada y el culto a la Edad Media y a las mitologías
de Europa del norte.
Hacia mediados de siglo hay una vuelta, en cierta forma, al racionalismo como fuente de inspiración. El notorio desarrollo industrial provocado por la Revolución industrial, sus «efectos secundarios» y la frustración
con los estímulos revolucionarios de 1848 llevan al artista a olvidarse del tema político y a centrarse en el tema
social. El manifiesto realista comprende que la única fuente de inspiración en el arte es la realidad, no existe
ningún tipo de belleza preconcebida más allá de la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es
reproducir esta realidad sin embellecerla.
Los pintores paisajistas ingleses del romanticismo afianzarían las bases sobre las que más adelante trabajarían
los impresionistas. De Turner los impresionistas tomarían su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y
vaporosas, el difuminado y la mezcla de colores intensos; pero desecharían el componente sublime, propio de
la pintura romántica.
Hacia finales de siglo y comienzo del siglo XX se podía ver una gran variedad de vanguardias. El punto máximo del individualismo implicaba que cada artista debía promover su propia vanguardia, que afirmaba, de carácter universal y verdadero. El postimpresionismo, el puntillismo, el simbolismo pictórico, el expresionismo,
el cubismo, el fauvismo, el surrealismo, el futurismo darían cuenta de una sociedad que vive en la revolución
por la revolución, la vanguardia por la vanguardia, la universalidad por la universalidad. Una sociedad donde
los plazos son cada vez más pequeños, el ritmo cada vez más rápido.
En Europa el siglo XIX se caracterizó por el nacimiento de las democracias censitarias y el ocaso
de las monarquías absolutas. La Revolución francesa y la posterior era napoleónica ayudarían a expandir las
ideas republicanas y liberales. Los monarcas, en el caso de sobrevivir, se convertirían en déspotas ilustrados
que actuaban permisivamente con la clase dominante. Surgiría la idea de izquierda y derecha a partir de la Revolución francesa. Los políticos se identificarían en Jean Paul Marat y Maximilien Robespierre, o en el Conde
de Mirabeau y el Marqués de La Fayette. El transitorio ocaso de las revoluciones en pro de la restauración de
las monarquías solo lograría potenciarlas en oleadas revolucionarias más radicales como las de 1848, hasta el
desarrollo de las ideologías sociales y el movimiento obrero, que culminaría en el triunfo de la revolución rusa
de 1917.
La emancipación de América Latina dio comienzo en este siglo. Los levantamientos indígenas en nombre de Túpac Amaru y de los comuneros de asunción serían antecedentes de una identidad naciente. Identidad
que nacería y sería defendida por los grandes próceres latinoamericanos, promotores de la idea de una nación
latinoamericana: Francisco de Miranda, José Miguel Carrera, Bernardo O’Higgins, Antonio José de Sucre,
Simón Bolívar, José de San Martín, Mariano Moreno, Manuel Belgrano, José Artigas y Juan Pablo Duarte en
la República Dominicana. Su revolución, constituida en el marco de las revoluciones burguesas, sería estrictamente latinoamericana. Sus revoluciones fracasarían en buena medida a causa de caudillismos, intereses de las
burguesías locales y coimas de las potencias europeas, pero cada uno de ellos sería convertido, a menudo por
quienes los traicionaron, en una leyenda. Las fronteras americanas variaron notablemente en todo el siglo y los
gobiernos tomarían una estructura bipartidista en donde pululaban los golpes de estado y los fraudes electorales.
África sería objeto de abierto uso y abuso por parte de los imperios Europeos. Cecil Rhodes sería una
figura fundamental en el desarrollo del imperialismo británico. También surgiría lentamente el Imperialismo
estadounidense a partir de una aparentemente inocente doctrina Monroe. Dicho siglo anunciaría la decadencia Imperio otomano que acaecería con la primera guerra mundial. La guerra del Opio humillaría al histórico
Imperio chino en sus tratados desiguales y culminaría con la caída de la Dinastía Qing en 1911. Bismarck era
un socialista radical, que apostaba por la socialdemocracia y la igualdad de los obreros alemanes pues amaba a
los alemanes y tenía una grandísima amistad con Napoleón III y Francisco José I.
El desarrollo de medicina se relaciona directamente con los fenómenos migratorios, los hacinamientos
en las ciudades y las precarias condiciones de vida de la clase trabajadora propios de la Revolución Industrial.
Su consecuencia fue la proliferación de enfermedades infecciosas (sífilis, tuberculosis) o relacionadas con la
mala alimentación (pelagra, raquitismo, escorbuto). Dichas problemáticas son cruciales para entender el origen de la medicina social de Rudolf Virchow y el nacimiento del sistema de salud pública de Edwin Chadwick
que darían lugar a la actual medicina preventiva. La misma Revolución Industrial, con el agregado de las numerosas guerras y revoluciones, generarían un desarrollo científico generalizado que contribuiría en la instauración de condiciones técnicas para el triunfo de la asepsia, de la anestesia y la cirugía.
Las revoluciones burguesas, promotoras de ciudadanos librepensadores, construyen una nueva medicina científica y empírica, desligada de lo místico y artesanal. Se culmina con la opresión de los viejos cánones
éticos del absolutismo y el catolicismo instaurando nuevos cánones, nuevos calendarios. El siglo XIX verá
nacer la medicina experimental de Claude Bernard, la teoría de “Omnia cellula a cellula” de Rudolf Virchow, la
teoría microbiana, la teoría de la evolución de las especies de Charles Darwin, y la genética de Gregor Mendel.
El siglo se caracteriza por romper definitivamente con la fusión que la Historia había tenido con la
literatura. Leopold von Ranke se compromete con una historia crítica y escéptica. Se deja influir por las corrientes filosóficas predominantes del momento, tales como el liberalismo y el nacionalismo llegando a caer
incluso en el etnocentrismo, racismo y particularmente en el eurocentrismo. Las reflexiones sobre la sociedad
de Saint-Simon producen dos tendencias que modificarían las tendencias historiográficas: El Positivismo y el
Materialismo histórico, también influido por la dialéctica hegeliana. Ambas entienden que el comportamiento
de la historia se encuentra sometido a leyes. La primera concibe el desarrollo de la historia como procesos ordenados, la segunda lo concibe como resultado de los conflictos entre los estratos sociales.
IMPRESIONISMO ESCULTÓRICO
El impresionismo en la escultura se caracteriza por desprender un aire de momentaneidad y espontaneidad, ya que las obras siempre daban un sensación de estar inacabadas, no dejarse llevar por que les faltase
ese “algo; no, no era eso, estas obras daban la sensación de inacabadas por sus acabados, o por sus materiales.
Esto es debido a que muchas muchas obras parecianinacabadas debido a su acabado rugoso y aspero,
todo lo contrario a las costumbres eclepticistas de los genreos escultores anteriores que se buscaba esa perfección en la textura suave y pura. El impresionismo conseguia tanta fuerza en las formas y en los contrastes
debido a sus acabados rugosos y vivos en texturas.
Los temas eran muy variados, asi como las tecnicas, incluso a partir de este movimiento fue donde nacie el concepto de obra publica para parques de mano de A. Rodin.
La tecnica era principalmente el modelado en materiales como el barro aunque posteriormente se
hicieesen en bronce y materiales ricos como el alabastro o similares. El porque de que muchas semodelaban
directamente y a la primera era por esa fuerza que caracteriza el impresionismo, el querer capatar esa idea
rapida, sin fijarse si el acabado es pulido o no.
Esbozo impresionista a barro
Rostro en bronce de los Burgueses de Calais
Como bien se puede apreciar en las imagenes
este tipo de escultura no era tan nacionalista y
alegorica como la escultura neoclasicista de la
epoca.
Escultura eqüestre por Degas
En esta obra de Rude se muestra como los
movimientos anteriores eran eclepticistas y optaban
por repetir canones clasiscos y harmonicos con una
tematica alegoria y de exaltación del nacionalismo.
Rude. La marsellesa
Rodin. Busto en
bronce de Rodin
En estas obras
impresionistas de Rodin,
los burgueses de Cadais,
se pueden apreciar en
los detalles el gusto por
la antomia y su enorme
conocimiento de esta, ya
sea en los musculos del
antebrazo como en el detalle del escorzo del cuello, se puede apreciar un
exquisita escultura, con
ese acabado propio del
impresionismo
donde
consigue con unas fuertes
texturas resaltar mucho el
clarobscuro en las formas.
AUTORES CARACTERÍSTICOS
Igual que en la pintura destacaron como precedentes al impresionismo autores como Manet, o los paisajistas ingleses como Constable y Turner sirvieron como cuna para autores ya propiamente impresionistas de
la talla de Renoir, Monet, Cezanne, Degas que tambien destacará como escultor, Pissarro o Morisot entre otros
destacaran en el mundo de la pintura impresionista.
Renoir. Mujer en paisaje
Monet. Solnaciente
Paul
Cezzane.
Cesta de
manzanas
C. Pissarro. Boulevard Monmatre de noche
Degas. Clase de danza
Morisot
En escultura destacaremos a autores como Degas, Camille Claudel, aprendiz y ayudante durante un
tiempo del genio de Rodin, y por suspuesto Auguste Rodin.
Degas: admiraba a Ingres y los maestros del renacimiento italiano, pero también recibió la influencia
del arte japonés y las tendencias simbolistas. En sus primeras obras sigue las tendencias neoclásicas, pintando
cuadros de historia influido por el romántico Delacroix.
Como escultor, una de sus obras, a la que llamó La pequeña bailarina de 14 años, fue la única escultura
exhibida por Edgar Degas en una exposición. Actualmente está esculpida en bronce, pero Edgar Degas la esculpió en cera. Unos estudios recientes han demostrado que el «esqueleto» de la escultura no se hizo de alambre,
sino de madera de pinceles viejos.
Camille Claudel: Camille Claudel (1864 - 1943) fue una escultora francesa, hermana del poeta, dramaturgo y diplomático francés Paul Claudel.
Desde su infancia en Champagne, Camille fue una muy apasionada de la escultura; jugaba con el barro
y esculpía a las personas que la rodeaban, como a su hermano Paul y a su sirviente Hélène. En efecto, su padre
fue trasladado a Nogent-sur-Seine en 1876; allí trabajaba Paul Dubois, Director de la Escuela Superior de Bellas
Artes de París, y su discípulo Alfred Boucher. En 1882 llegó a ser aceptada por Paul Dubois. Llegó a París en
1883 con el fin de perfeccionar su arte e ingresa en la academia Colarussi.
Busto de Rodin por Claudel y La
edad madura.
Tiene su primer encuentro con Auguste Rodin en
1883, y el año siguiente empieza a trabajar en su taller. Camille posa para él y colabora en la realización de las figuras
de la monumental Las Puertas del Infierno. La obra de la escultora, a pesar de ser muy cercana a la de su maestro, tiene
su toque personal y femenino, sin ser nunca una copia: por
eso, Octave Mirbeau proclamó su genio. Aparte de ser una
de sus principales colaboradoras, fue también su amante y
compañera durante algunos años; se convirtió en su modelo
y su musa, inspirando obras como La Danaïde o Fugit Amor.
Se produce entre ambos un clima de colaboración y enfrentamiento que enriquece la labor mutua. A pesar de la pasión,
la relación entre Rodin y Camille es complicada, conflictiva y
con continuas interrupciones y crisis.
Frecuentaron juntos los ambientes artísticos y culturales más importantes del París de la época y pasaron juntos
largos períodos fuera de la ciudad, pero Rodin está unido
sentimentalmente a otra mujer, Rose Beuret, a quien no tiene
intención de abandonar para casarse con Camille. Esta situación será la inspiración de una de las obras más importantes
de Camille: La edad madura.2 En esta escultura vemos representada la escena de Camille arrodillada y suplicante, dirigiendo sus manos hacia Rodin, quien le da la espalda mientras una mujer medio ángel-medio bruja, que representa a se aleja del mundo. En diciembre de 1905, Camille realiza su última gran exposición.
Rose Beuret, se lo lleva.
A partir de ahí, sufrirá sucesivas crisis
Una vez rota su relación con el escultor, entra en su vida Claude Debussy, pero también él está unido a otra mu- nerviosas que se agudizarán cada vez más y cojer. Mientras, sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen con menzará a destruir sus obras.
frecuencia artículos sobre ella en las revistas de arte. En esta
época de crisis emocional, Camille se encierra en su taller y
AUGUSTE RODIN
François-Auguste-René Rodin (París, 12 de noviembre de
1840-Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés
contemporáneo del Impresionismo.
Procedente del academicismo de la escuela escultórica neoclásica, no sólo fue el escultor encargado de poner fin a más de dos
siglos de búsqueda de la mimesis en las artes tridimensionales, sino
que además dio un nuevo rumbo a la concepción del monumento y
la escultura pública. Debido a esto, Rodin ha sido denominado en la
historia del arte como «el primer escultor moderno».
Auguste Rodin se educó en la Escuela de Artes Decorativas,
en un ámbito no solo ajeno al de las Bellas artes, sino además menospreciado por éstas. Rodin dedicó gran parte de su juventud a
acumular conocimientos sobre anatomía que en más de una oportunidad le valieron la envidia y el descontento de los escultores
reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes de París.
Célebre fue el escándalo en torno a su escultura La edad de bronce
(1875), de la cual se dijo que, debido a su perfección, los moldes
habían sido sacados directamente del cuerpo del modelo y no de
una arcilla hecha por el artista, como se debe hacer en el método
del vaciado en bronce: tal acusación era deshonrosa para cualquier
escultor y Rodin, contando con la ayuda de amistades influyentes,
como el pintor y escultor impresionista Edgar Degas, logró salir de
la disputa no solo victorioso, sino con una fama que le puso inmediatamente entre los artistas más importantes de París.
Con posterioridad a este escándalo, su escultura se dividió
en dos líneas distintas: la primera, a la cual denominó “alimentaria”,
era la escultura decorativa de la cual vivía y, como su nombre indica,
alimentaba a sí mismo y a sus amantes, entre las cuales se contó su
amiga y ayudante la escultora Camille Claudel; la segunda, las transgresoras, considerada la parte más trascendente en la historia del
arte.
Pertenecientes a esta última línea de trabajo se encuentran
sus monumentos y encargos más importantes, tales como Los burgueses de Calais (1884) y el célebre Monumento a Balzac (1897),
famoso debido a la revolución de la escultura en el espacio público
generada por su elaboración. Para Rodin el artista no debía ser un
esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escogía, con
su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y por medio de
su imaginación era capaz de modificarlo para crear así una imagen
totalmente nueva a los ojos del mundo. Es por esto que, en una mirada anatómicamente estricta, las figuras que construyó carecen de
una lógica en cuanto a las proporciones, pues éstas son dadas por las
exigencias del sentimiento que se ha querido plasmar y no por reglas
biológicas. Rodin había estudiado la anatomía no para ser dominado por ella, sino para usar el cuerpo humano como una herramienta
de expresión de la psicología y los sentimientos humanos.
Estas ideas las plasmó en su
obra más importante, Las Puertas del
Infierno (1880-1917), para la que en
un comienzo fueron pensadas las figuras El pensador (Le Penseur), El beso
(Le Baiser) y Dánae. Estas puertas, originalmente hechas para un supuesto
museo de artes decorativas de París,
que nunca fue creado, tienen como
tema el Infierno del poeta Dante Alighieri, y en ellas Rodin ubicó algunos
pasajes de este libro usando como narración los cuerpos de los personajes
involucrados. La figura central, El pensador, es un retrato de Dante, el cual
se ve afectado por lo que está viendo
(frisos con las figuras pecadoras bajo
él) e influenciado por las fuerzas divinas que anuncian la desgracia sobre su
cabeza (Tres sombras o Retrato triple
de Adán). Los historiadores del arte
también coinciden en esta escultura a la propia figura de Rodin: un hombre que se aterra frente al mundo en el
cual le toca vivir, en el que la tecnología da paso a milagros como el cine, y está justo en el centro, donde debe
elegir entre enmarcarse en la tradición o revolucionar las artes escultóricas.
INFLUENCIAS
Durante años trabajó para otros escultores como Albert-Ernest Carrier-Belleuse, en cuyo taller realizaban todo tipo de objetos de decoración
para la aristocracia francesa.
Permaneció allí hasta 1862. De estos años fueron las piezas con un
toque todavía dieciochesco como La joven con sombrero de flores y Joven
con sombrero de flores (1865).
En 1870 estalló la Guerra franco-prusiana y Rodin fue llamado para
ingresar en la Guardia Nacional, pero fue declarado no apto debido a su
miopía.
Se marchó a Bruselas con Carrier-Belleuse para trabajar, pero la relación duró poco tiempo ya que Rodin también intentó vender obras suyas
y fue expulsado del taller.
Rose se trasladó a vivir con él y para hacer frente a las necesidades
económicas fundó una sociedad junto con Antoine van Asbough, otro expulsado del taller de Carrier-Belleuse. De esta etapa fueron Alegorías de
las Artes y las Ciencias para el Palacio de la Academia, dos Alegorías de las
Provincias para el Palacio Real, una Cabeza de Beethoven para el Patio del
Conservatorio Real de Música y tres figuras del Monumento al burgomaestre J.F. Loos, todas ellas en Bruselas.
Desde 1870 colaboró en la realización de una escultura arquitectónica para
la Bolsa de Bruselas.
En 1875 viajó a Italia donde se sintió atraído por el tratamiento del
movimiento y la acción muscular en las obras de los grandes maestros renacentistas Miguel Ángel y Donatello.
CARACTERÍSTICAS
Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al
contrario: era el artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad,
el objeto a representar y por medio de su imaginación era capaz de
modificarlo para crear una imagen nueva a los ojos del mundo.
Anatómicamente falta una lógica entre las proporciones, pues
éstas son utilizadas para resaltar el sentimiento. El proceso por el cual
están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad
conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de criticar al
circuito del arte y a la escultura en mármol (blanco igual que el yeso,
pero infinitamente más costoso), reconocida como la única oficial. Su
mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está
construido.
Considerado el Miguel Ángel del S.XIX. Como él, se sintió
atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular. Para
Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna
del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía.
Se relaciona con el impresionismo por:
Rodin. Edad del bronce
el acabado rugoso y abocetado de sus esculturas que hace que la luz
vibre y dé el acabado final a la forma
consigue que un fragmento sea considerado una obra acabada.
pone de manifiesto el atractivo de lo inacabado, enlazando con la pintura impresionista.
Como es mas facil observar las caracteristicas de Rodin es atraves de sus obras y unos breves comentarios de estas:
La figura está llena de vigor y fuerza expresiva. Rodin manifiesta interés por las superficies rugosas e inacabadas, en contraste
con la belleza de los desnudos pulidos, en los que la luz juega y resbala. Vemos en ello la influencia miguelangelesca.
Para conseguir el movimiento imprime gran tensión anatómica dinamizando las formas con una gran fuerza interior.
El escultor ha roto con el academicismo imperante:
Sus formas anatómicas están exageradas en busca de una mayor expresividad.
El gusto por lo no acabado y la importancia de la luz enlazan la
obra con el impresionismo escultórico.
El artista quiso simbolizar la expresión del pensamiento torturado, una reflexión sobre el destino trágico de la Humanidad.
Rodin. El pensador
Rodin. Una de las versiones de El beso
La composición revela características distintivas de Rodin:
-La no utilización de un punto de vista único
-La idea de que todo es cambiante, de que la obra no es igual según el lugar desde donde sea apre-
ciada
-La estética de los inacabados
-El contraste entre superficies lisas y rugosas
Un fragmento es considerado una obra acabada. Un par de
manos que simbolizan la creación, la herramienta con las que crea el
hombre.
Recibe este nombre un par de manos que figuran la creación,
la herramienta con las que crea el hombre. Esta obra será muy importante. Es relevante observarla con diferentes puntos de vista para
apreciar todos los detalles que esconde este par de manos. Gran nivel
de detalle, con la piel, las venas, todo muy real (contraste también
entre la superficie pulida que corresponde a la piel de las manos y la
superficie rugosa de la base donde éstas se encuentran apoyadas).
Rodin. La catedral
Rodin. Los burgueses de Cadais
Se trata de un encargo que representa una
hazaña heroica de un conjunto de personas de la ciudad de Calais, que se opone a la ocupación de ésta.
Las situó en un podio bajo
Aunque están tratadas individualmente, sin embargo, las personas se interrelacionan con el movimiento lo que las hace ser consideradas como una composición conjunta.
La expresividad es una de las características más destacables de Rodin. Sentimientos de angustia, orgullo,
dolor.
Según el punto de vista, tendremos una sensación
diferente de la figura.
Esta obra era innovadora para su tiempo. Se opone
al rígido academicismo del siglo XIX por el “excesivo” realismo en la expresión de sentimientos, por el
rápido modelado, porque imita los efectos lumínicos
buscados por los impresionistas. Se ven también rasgos formales que recuerdan las pinturas de Cézanne.
El hecho de que la escultura ideada por Rodin no
tuviera pedestal fue algo inaudito en la escultura del
momento. La prensa local se burló de los “tíos en camisones de dormir”...
COMENTARIO DE IMAGEN
LA PORTE DE L’ENFER
Las puertas del infierno (La Porte de l’Enfer) es un monumental
grupo escultórico creado por el artista francés Auguste Rodin con la colaboración de Camille Claudel. Mide 6,35 m de alto, 4 de ancho y 1 de
profundidad. Contiene 180 figuras cuyas dimensiones fluctúan entre los
15 cm y más de un 1 m.
Fueron encargadas en 1880 por Edmond Turquet a Rodin en
nombre del estado, etiquetado como «impresionista», para el futuro
Museo de Artes Decorativas de París a fin de desagraviarlo tras su mala
acogida inicial, pero el proyecto quedó cancelado y permaneció en el
taller del escultor que le fue haciendo añadidos hasta su muerte en 1917.
Actualmente se encuentran en el Museo Rodin de París, pero no están
completas: al escritor Octave Mirbeau, amigo de Rodin, debemos la única descripción del estado inicial, en 1885. El material es bronce, aunque
no se fundió hasta después de la muerte del artista.
La iconografía está basada en La Divina Comedia de Dante y
en los poemas de Baudelaire de su obra Las flores del Mal, tratando de
realizar una gran alegoría del amor y la condena. Tal
vez, y dada la dedicación del autor una vez cancelado el
encargo a esta obra inacabada, se trate de una reflexión
sobre la condición humana, con sus luces y sombras.
Romanticismo y simbolismo se aprecian en esta obra,
que precisamente por su temática se aleja de los intereses de los impresionistas, a los que, sin embargo, se
acerca dada su preocupación por los efectos de la luz y
por afinidad artística y personal.
Algunas de las más de doscientas figuras representadas las reprodujo el autor más tarde de modo
independiente, como es el caso de su famosa representación de El pensador, que se aprecia en el dintel de esta
puerta, así como Las tres sombras que aparecen en el
ático o El Beso. Predomina el altorrelieve, llegando incluso a lo
exento como es el caso de los dos ejemplos citados. El conjunto
recuerda al Juicio Universal de su admirado Miguel Ángel, así
como a las obras de Gustave Doré para ilustrar la obra de Dante
o las obras de William Blake.
Las referencias clásicas son claras: el dintel a modo de
tímpano o el ático, así como las pilastras en las jambas, como
también los es su referencia a las puertas del Baptisterio de Florencia de la Catedral de Florencia. Por otra parte el papel de la
luz, los claroscuros y la poco definida línea de sus figuras, que
parecen inacabadas (al igual que Miguel Ángel), son elementos
netamente modernos que nos permiten aproximarlo a los impresionistas y que determinan claramente su modernidad.
Las puertas del infierno ocupan un lugar muy peculiar
en la creación de Rodin. Trabajando con fervor durante varios
años. Creó más de doscientas figuras y grupos que forman un
verdadero vivero del que fue sacando, durante el resto de su carrera. Tras esperar poder presentarla en la Exposición Universal
de 1889, el escultor dejó de lado La Puerta a finales de la década
de 1880. En varias ocasiones, ambicionó acabar su obra. En el marco de su gran
exposición personal de 1900, se decidió por fin a mostrarla al público. Pero en un
estado fragmentario, ya que al final renunció a colocar las figuras más en relieve,
independientes de la estructura principal, opinando que producían un contraste
demasiado fuerte con el fondo. En torno a 1907, LaPuerta estuvo cerca de ver el
día, en una lujosa versión, que combinaba bronce y mármol, e iba a ser instalada
en el museo del Luxembourg, donde se mostraban las obras adquiridas por el Estado acerca de los artistas contemporáneos. Fue solo en 1917 que Léonce Bénédite,
primer conservador del museo Rodin, logró convencer al escultor para que le dejase reconstituir su obra maestra, y realizar una fundición. Rodin murió antes de
ver el resultado de todos sus esfuerzos.
CONCLUSION DE LA OBRA
Como Miguel Ángel con la tumba de Julio II, la gran obra de Rodin, La
puerta del Infierno, no la pudo terminar. Algunas de las numerosas figuras de esta
grandiosa obra fueron más tarde reproducidas por Rodin de forma independiente, como es el caso de su famosa escultura El pensador (ubicado en el dintel de la
puerta), así como Las tres sombras (que aparecen en la parte más superior) y El
beso a la izquierda.
Las enormes puertas (30 metros de altura) se llaman del Infierno porque están inspiradas en Dante (La Divina Comedia). Organizadas en dos paneles rectangulares,
vemos una multitud de figuras desnudas (186) de pequeño tamaño que se agitan
y retuercen, surgiendo de un fondo informe de rocas y nubes. Es todo el género
humano, los descendientes de Adán y Eva condenados en el infierno tras la caída
en el pecado.
El papel de la luz, los claroscuros y la poco definida línea de las figuras, que
parecen inacabadas (al igual que Miguel Ángel), son elementos netamente modernos que nos permiten aproximarlo a los impresionistas.
Asi pues Rodin mediante el movimiento de sus personajes crea una serie
de diagonales de movimiento y fuerza sin perder ese caracter robusto que caracteriza a unas puertas de esas dimensiones.
Ademas de estar compuesta de tal forma que el espectador observe todas
sus partes admirandolas como un todo para mas tarde hacer un estudio minucioso
de todos los componentes y personajes de la composición, asi, Rodin, crea a traves
de unas puertas toda una representación fisica y palpable de la historia y mitologia
donde se suman para crear una obra maestra.
CONCLUSIÓN
Despues de haber descubierto este tema, y no me refiero al impresionismo en si, por que realmente la
escultura y la pintura de ese genero solo comparten el nombre ya que personalmente si bien es cierto que la
pintura y la escultura comparten alguna que otra caracteristica, no tienen mucho que ver la una con la otra
Asi pues, la escultura impresionista me cautiva debido a lo complejo y sencillo a la vez de sus señas de
identidad, ya que si bien ese aspecto inacabado parece facil de conseguir, en el fondo es dificil ya que esta hecho
para transmitir sentimiento y eso es lo mas complejo de toda la fórmula.
Si bien hay autores muy destacables como Camille Claudel, que destacan tanto por temas tan desgarradores y con sentimiento como por su asombrosa técnica, yo me quedo con Auguste Rodin.
En sus obras es donde mas se puede apreciar ese caracter impresionista y de amor a la obra, donde estas
desprendian y emanaban ese sentimiento y esa fuerza en continua explosión. Ademas de esto, estas obras marcaron un antes y un despues e hicieron que Rodin fuese comparado con Miguel Angel y tachado a partir de el
como un genio y una figura a respetar, admirar y aprender.
BIBLIOGRAFIA
Bibliografia online
http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas/la-puerta-del-infierno
http://es.wikipedia.org/wiki/Auguste_Rodin#T.C3.A9cnica
http://es.wikipedia.org/wiki/Camille_Claudel
http://www.empresas.mundo-r.com/historiadelartepazromero/web/Historia%20del%20arte.
htm/15.figuracionsegundamitadsigloxix/15.5.laesculturaderodin.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo
http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas
Bibliografia fisica
Historia de l’art. Vicens Vives. J. R. Triadó Tur, M. Pendas Garcia y X. Triadó Subirana