dibujo, primera imagen del arte

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dibujo, primera imagen del arte
DIBUJO, PRIMERA
IMAGEN DEL ARTE
JULIO 2016
Gustave Doré | El emperador Napoleón III y la emperatriz Eugenia, dibujo satírico | c 1870-1871
Índice
AUTORRETRATOS COLECCIÓN MARTE R. GÓMEZ | 46
© FUNDACION JUAN SORIANO Y MAREK KELLER, A.C.
DESNUDO FEMENINO | 41
VENECIA | 66
LA VISITACIÓN | 8
JEREMÍAS | 35
MISERICORDIÆ VULTUS | 66
DIARIO DE CONCHA MIRAMÓN | 70
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Editorial
El dibujo ha tenido un papel primordial como
la expresión gráfica más antigua; las obras
rupestres de Altamira o Lascaux son quizá sólo
una muestra de la inquietud de comunicación
del hombre.
En la historia del arte, la importancia del
dibujo se encamina hacia dos vertientes
fundamentales: la de ser primera intención
y servir como estudio de una obra, y la de
ser una técnica final de expresión. Para la
primera, el dibujo preparatorio resulta ser el
medio inicial para enfrentarse directamente
a una idea y darle forma, es decir, plasmarla,
estudiarla, analizarla y con frecuencia, era la
obra mostrada al cliente.
Leonardo da Vinci y Michelangelo
Buonarroti utilizaron el dibujo no sólo para
estudiar las formas, sino para dar cuenta
del aprendizaje adquirido, al reflexionar y
analizar las situaciones que les inquietaron
en los terrenos de la ciencia, del arte y del
conocimiento en general.
La materia prima del dibujo también ha
evolucionado, aunque algunos elementos se
mantienen prácticamente sin modificaciones,
como es el caso del trabajo en carboncillo, que
se encuentra tanto en forma mineral como
vegetal.
Aquí presentamos una selección de dibujos
de la colección de Museo Soumaya.Fundación
Carlos Slim, que da cuenta de estos trazos que
dan vida a personajes en contextos religiosos,
históricos, mitológicos o algunos más inscritos
en el género del paisaje.
Técnicas y materiales del dibujo
Albayalde: Blanco de plomo; en el dibujo se
utiliza para dar luces e imprimir tonos claros.
Acuarela: Pigmentos molidos que se mezclan
con goma arábiga; es soluble al agua.
Aguatinta: Tinta diluida que logra superficies
tonales en lugar de líneas bien definidas;
permite la obtención de semitonos o infinitas
gradaciones de un mismo color.
Boceto: Estudio previo que sirve de guía o
ensayo antes de la obra final.
Carboncillo: También conocido como carbón,
es el material más antiguo para dibujar. Resulta
de la quema de alguna madera; su dureza está
en función de ésta y el tiempo de carbonización.
Cennino Cennini, en su Libro dell’arte de
1437, aconseja utilizar ramitas de madera
blanca de sauce, dejarlas secar y cortarlas
en pedacitos a la medida de un palmo. Las
ramitas, atadas en manojos, se meten en una
cacerola cerrada herméticamente y sellada
con una capa de creta, a baja temperatura,
durante una noche. Una vez cocidas con un
poco de aceite de lino, las ramitas se dejan
enfriar y después se saca punta con cuidado.
Insertas en una caña o un bastoncillo impide
ensuciarse.
Clarión: Comúnmente se le conoce como gis o
tiza; se obtiene de la mezcla de yeso o sulfato
de calcio hidratado con arcillas. Por lo general
se utiliza para dar luces a una composición.
Grafito: Variedad de carbón natural cristalizado,
de tono plomizo metálico. Se usa desde el siglo xvi
para dibujar. Anterior a ello se utilizaban lápices
de plomo, por lo que de origen recibió el nombre
de plumbago, sin embargo, en el siglo xviii se
descubrió que se trataba de otro mineral; a partir
de ahí se le denominó grafito. Cennini describe:
una piedra negra que viene del Piamonte […] se
puede afilar con el cuchillo, y es blanda y muy
negra […] dibuja todo lo que quieras. En el siglo
xix se extendió el uso del grafito dentro de un
lapicero de madera.
Gouache: También conocido como aguada,
son pigmentos mezclados en un medio de
naturaleza variable (gomas) diluidos en agua; a
diferencia de la acuarela, aquí se utiliza el color
blanco.
Lápiz de color: Material que resulta de la
mezcla de pigmentos o colorantes aglutinados
con una arcilla, resina o cera.
Papel: Soporte característico del dibujo hecho a
base de fibras vegetales. Los principales son el
de trapo y el de pulpa mecánica; el primero es
más antiguo y se hace de prendas de algodón
y lino, mientras que el segundo surgió a partir
de la Revolución Industrial; se fabrica con la
celulosa de los árboles.
Papel japonés: Elaborado a mano con materias
primas vegetales de fibras largas provenientes
del Japón: pulpa de morera, kozo, mitsumata o
gampi, aptas para producir papeles de muy alta
calidad.
Pastel: Barra de color elaborada a base de
pigmentos minerales en polvo y aglutinantes;
resultan fáciles de difuminar. Técnica inventada
en Francia en el siglo xvii. Se evita la superposición
de colores para no empastarlos.
Pastel graso: Los mismos pigmentos del pastel
se mezclan con ceras y aceites.
Sanguina: Lápiz obtenido de la mezcla de
arcilla con óxido de hierro o hematita. Recibe
ese nombre debido a su coloración similar al
rojo sangre. Aunque se incluye en el grupo de
los lápices rojos, en sentido inverso, no todos
los lápices rojos son sanguinas. Esta técnica fue
muy utilizada por los artistas del Renacimiento
y el Barroco de la talla de Rubens y Rembrandt.
Tinta: Pigmentos o colorantes en un medio
líquido; la mezcla es de naturaleza fluida.
Tinta ferrogálica: Puede ser negro de humo
y nueces de agallas de encina maceradas con
sales de hierro (ácido gálico y tanino de hierro)
o carbón.
Tinta sepia: Se obtiene de las secreciones de
la sepia (molusco), filtradas, secadas y diluidas
con agua y goma arábiga. Es muy común la
confusión de la tinta sepia con el bistre o goma
laca, sin embargo, el segundo es un pigmento
derivado del carbón alquitranado que deviene
de la madera de haya quemada; la ceniza se
amasa con agua y goma arábiga.
6
7
Giovanni Antonio Bazzi,
il Sodoma
La Virgen y el Niño con los santos
Crispín, Juan Bautista, Francisco y Roque
c 1530
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Giulio Pippi, il Romano
La Visitación
c 1530
Pintor, arquitecto y decorador, Giulio Pippi llevó una vida muy
productiva en la Roma del quinientos. Discípulo de Raffaello
Sanzio, participó en los frescos del Vaticano Incendio del Borgo
y La batalla de Constantino en el puente Milvio. Esta labor se vio
interrumpida por el obligado exilio de Roma hacia 1524, cuando
ciertas obras de su autoría fueron consideradas por los tribunales
como lascivas y peligrosas.
El artista entró entonces al servicio de Isabella d’Este, gran
mecenas de Mantua, en Lombardía. Bajo su protección, Pippi
reconstruyó la catedral y decoró la Reggia dei Gonzaga o
Palacio Ducal.
Cabe suponer que fue en esta misma época cuando realizó La
Visitación que, a pesar de su pequeño formato, no palidece ante
el resto de la producción del pintor. Hecha con tinta y albayalde
sobre papel, la obra alude a un ritmo y teatralidad propios del
Manierismo.
El pasaje retrata la visita de María a Isabel, en una ambientación
clásica, donde las figuras de Ambrosio, obispo de Milán, y san
Francisco de Asís parecerían dar testimonio de la escena que evoca
las palabras del propio san Ambrosio: Luego que María santísima
oyó del ángel Gabriel que su prima Isabel también esperaba un
hijo, sintióse iluminada por el Espíritu Santo y comprendió que
debía ir a visitar a aquella familia.
Tinta y albayalde sobre papel | 35.5 x 24.5 x 0.01 cm | Procedencia:
Colección particular
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Giulio Pippi, il Romano
Estudio de Asunción de la Virgen María
c 1520-1546
Giulio Pippi tuvo gran actividad artística y una óptima instrucción al lado de su mentor Raffaello
Sanzio (1483-1520). Entre sus obras más representativas se encuentra La sala de los gigantes del
Palacio del Té de Mantua, lugar en el que se estableció a partir de 1524, luego de dejar su natal Roma.
El artista tuvo dominio sobre el dibujo y gran conocimiento de la anatomía, del movimiento y
los efectos lumínicos sobre la forma, como lo muestra esta escena coronada por una madona. El
estudio de Asunción de la Virgen María, tal vez fue el trabajo preparatorio para un luneto, en el cual
la figura inmaculada se encuentra rodeada de personajes yuxtapuestos en serpentinata –movimiento
giratorio sobre sí mismo–, la cual se desarrolla a partir del contrapposto –postura encontrada– de las
líneas horizontales y la forma triangular de la composición.
El autor dota de majestuosidad a los diversos elementos clasicistas que forman la escena. Representa
en la imagen una estructura que utilizó en el trabajo realizado en la Catedral de Verona en 1534.
Tinta y albayalde sobre papel | 28.1 x 37.1 x 0.01 cm | Procedencia: Colección particular
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El infructuoso intento de Orfeo por recuperar a Eurídice del Hades
c 1538-1540
Del más delicado Humanismo que transita al Manierismo, Giulio Pippi, il Romano, dibujó las cuitas
del poeta Orfeo y su amada Eurídice. Se ha avanzado en los Campos Elíseos. Estamos en el averno. El
héroe intenta rescatar a su dama. Las sombras envuelven a las figuras y el desnudo Orfeo, de perfecta
anatomía, da un paso certero mientras sujeta a Eurídice con su mano izquierda. En un descuido voltea
y ella será arrastrada a las sombras perpetuas. Cancerbero –hijo de Equidna y Tifón, y hermano de
Ortro– está a punto de morder a la joven. Hades, de mirada desorbitada y como si fuera un sátiro, ya
toma sus cabellos. No hay salvación posible. La tinta sepia delinea y condena.
De sus originales propietarios no tenemos registro. Sin embargo, sabemos que este dibujo
preparatorio de herencia de Michelangelo Buonarroti aparece en el inventario (L.2445) de sir
Thomas Lawrence.
Tinta y albayalde sobre papel montado en cartulina | 19.3 x 29.7 x 0.02 cm | Inscripciones: «SR/ I R», abajo a la izquierda; «TL», «escudo
[ilegible]», «r.», abajo a la derecha | Procedencia: Colección particular; sir Thomas Lawrence, Londres, Reino Unido; lord Francis Egerton, primer conde de Ellesmere, Sutherland, Reino Unido; John Sutherland Egerton, sexto duque de Sutherland, Reino Unido; casa de
subastas Sotheby’s, Londres, Reino Unido; Alfred Gathorne-Hardy, Londres, Reino Unido; Robert Gathorne-Hardy, Londres, Reino
Unido; casa de subastas Sotheby’s, Londres, Reino Unido; colección particular; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu. 2015
Giulio Pippi, il Romano
El vuelo de Meríones
c 1538-1540
Los cantos homéricos fueron de gran inspiración para Giulio Pippi. En la escena que representa la
guerra troyana, sus personajes guardan cierta similitud con el dibujo de la colección Deering, Menelao
sostiene el cuerpo de Patroclo. Aquí, los soldados en trajes romanos, embisten a los iliones que huyen
despavoridos en busca de refugio.
Tema recurrente en la producción del artista, El vuelo de Meríones se describe en el canto xxiii de La
Ilíada: Luego Aquiles celebra unos estupendos funerales en honor a Patroclo mientras ata el cadáver de
Héctor por los pies a su carro y se lo lleva arrastrándolo por el polvo: y desde entonces todos los días, al
aparecer la aurora lo vuelve a arrastrar hasta dar tres vueltas alrededor del túmulo de Patroclo.
Tras llorar al héroe griego y ofrecer un gran banquete, comenzarían las justas para honrar al amado
difunto. Los premios fueron anunciados por Aquiles: variaban entre una hermosa mujer, una yegua
preñada, una caldera y talentos de oro.
Meríones, convocado a participar en los juegos fúnebres, fue el penúltimo en alistar a los caballos
que eran considerados de más hermoso pelaje, sin embargo, sólo resultó triunfante en la prueba de tiro
con arco al atravesar con su saeta a una paloma en vuelo.
Tinta y albayalde sobre papel | 25.3 x 37.4 x 0.01 cm | Procedencia: Colección particular
El dibujo, «padre de las tres artes nuestras,
Arquitectura, Escultura, Pintura, procedente del
intelecto, extrae de muchas cosas un juicio universal».
Giorgio Vasari, 1550
Escena de la Guerra de Troya
c 1538-1540
Antonio Campi
La alimentación de los cinco mil
c 1560
De familia de pintores y arquitectos, Antonio Campi aprendió el oficio con la instrucción de su
hermano Giulio. Sus obras de 1580, como el Centurión, tienen semejanzas con la moderna pintura
lombarda. Dicho periodo devino en el Manierismo.
En este dibujo preparatorio hace alusión al capítulo catorce del Evangelio de Mateo (14:20) y
posiblemente fue realizado para la elaboración de un fresco; se observa la sección áurea, que los
italianos del Renacimiento llamaron segni della costruzione legittima [signos de la Divina perspectiva].
El maestro logró dar exactitud y perspectiva entre el boceto y el soporte preparado al agrandar
la escala, además de generar una correspondencia en la dimensión de los personajes y elementos de la
estructura.
El curador Marco Tanzi mencionó que el dibujo pudo estar inspirado en un mural de Bernardino
Gatti (c 1495-1575), ejecutado en 1552 para la Iglesia de San Pedro en Cremona, Italia.
Gouache y carboncillo sobre papel | 41.3 x 33.9 x 0.01 cm | Procedencia: Colección particular; casa de subastas Sotheby’s, Londres, Reino
Unido; Jan Krugier, Nueva York, ee.uu.; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2015
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Giovanni Battista Naldini
Los desposorios de la Virgen
c 1585-1590
El pintor manierista trabajó desde muy joven bajo la inf luencia de importantes artistas como Andrea
del Sarto (1486/1488-1530/1531), Giorgio Vasari (1511-1574) y su maestro Jacopo Pontormo (1491-1557).
En 1562 decoró el interior del Palacio Viejo en Florencia y participó en el monumento funerario
del célebre Michelangelo Buonarroti (1475-1564).
El artista trabajó en Los desposorios de la Virgen alrededor de 1590. Es un dibujo preparatorio
que representa el enlace matrimonial de José y María. En el eje central de la pieza se identifica a la
pareja ante Simeón, la autoridad del templo. Se observan diferentes personas que son testigos del
importante acontecimiento y dan equilibrio a la composición.
El contraste de luces y sombras acentúan a las figuras principales. La arquitectura enmarca la
escena al incorporar columnas y escalinatas, así como detalles que adornan la bóveda y los arcos.
Grafito y tinta sobre papel | 31.1 x 25.4 x 0.01 cm | Inscripciones: «Gio: Batta. Naldini», en el reverso | Procedencia: Colección
particular; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido, 2014
Giovanni Maria Butteri
Jesús sana al siervo del centurión
c 1590
Este dibujo es un estudio preparatorio que Giovanni Maria Butteri realizó hacia 1590 como parte
de los trabajos que se le encomendaron para el altar de la Iglesia de Santa María del Carmine.
La escena realizada por el artista relata el pasaje del Evangelio de Lucas (7:1-10), en el que
Jesús, por su paso en Capernaúm, encontró una multitud de judíos que le solicitaron curar al
siervo predilecto del centurión romano. En la parte alta de la obra se observan unas figuras
femeninas y ángeles de impronta manierista que detallan con firmeza la musculatura y
privilegian el escorzo. El templo y los edificios en la lejanía dan cuenta del elevado conocimiento
de su autor en la perspectiva arquitectónica.
A la derecha, Jesús de pie y en postura de prédica,
levanta la diestra e indica a la multitud que le
seguía. «¿Os digo que ni aun en Israel he hallado
una fe tan grande». Y cuando los que habían sido
enviados regresaron a la casa, encontraron
sano al siervo. Entre la multitud, Butteri exhibe
su dominio pictórico entre planos.
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Pastel sobre papel | 34.5 x 21.8 x 0.01 cm | Procedencia: Colección particular; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu.; colección
particular; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido, 2014
Lazzaro Tavarone
Cristóbal Colón parte de Génova
c 1601-1625
Célebre por retratar a los personajes ilustres de su patria, Lazzaro Tavarone cultivó su oficio desde la
infancia. Invertía horas en observar los cuadros de los talleres genoveses y, una vez en casa, dibujaba
lo que había contemplado. Con la ayuda de su madre, se formó bajo la égida del pintor Luca Cambiaso
(1527-1585), quien orgulloso de que su alumno asimilara su técnica, lo eligió como ayudante para pintar
los frescos del Monasterio del Escorial en Madrid, España. Después del fallecimiento del maestro, el
artista permaneció nueve años en la capital hispana donde afinó su estilo.
De vuelta a su ciudad natal en 1594, fue muy bien acogido. Entre las numerosas comisiones que
tuvo, realizó frescos para el vestíbulo y el salón de la residencia de Francesco Ferrari (hoy palacio
Belimbau), con los temas del encuentro entre Cleopatra y Antonio, y el embarque de Cristóbal Colón.
El dibujo perteneciente a Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim refiere a esta última obra. En el
boceto es posible ver la retícula que sirve para llevar el diseño, con las mismas proporciones, a escalas
mayúsculas. Una versión anterior a la del acervo mexicano se encuentra en el departamento de artes
gráficas del Museo del Louvre en París.
La elección de este personaje se debió, con mucha probabilidad, a la popular traducción italiana,
en 1571, del libro Historie de Fernando Colombo (1488-1539). Los acontecimientos relacionados con esta
figura histórica, si por un lado fueron disimulados por la corona española, por otro, impresionaron
notablemente a la sociedad genovesa que vio en él a un hijo predilecto y al aventurero humanista.
Tinta y clarión (también conocido como gis) sobre papel | 20.4 x 34.1 x 0.01 cm | Firma: «Laz Tavarone», abajo en el centro | Procedencia:
Colección particular; K.E. Hasse; galería C.G. Boerner, Düsseldorf, Alemania; colección particular; casa de subastas Karl & Faber,
Múnich, Alemania; H.List; Fundación Ratjen, Vaduz, Liechtenstein; galería Katrin Bellinger, Londres, Reino Unido o Múnich, Alemania;
colección particular; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2015
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Taller de Peter Paul Rubens
Tránsito de san Antonio Abad
c 1630-1636
Louis de Boullogne, el Joven
Desnudo masculino apoyado sobre su rodilla derecha y
con la pierna izquierda levantada
1695
En 1690 Louis de Boullogne fue catedrático en la Real Academia
de Bellas Artes, institución que dirigiría hacia 1722. La instrucción
de la copia del modelo –con plena influencia del Neoclasicismo–
para familiarizar a los estudiantes con los volúmenes del cuerpo
y los estupendos escorzos, fueron el paradigma de los artistas
de la época.
Acaso el estudio para una divinidad alegórica, el hombre
maduro expone en complejos escorzos frontales la musculatura
del brazo derecho y las líneas acertadas del abdomen y el sartorio
de ambos muslos. El tratamiento de barbas y cabello permite que
la mirada del personaje se torne ciertamente evocadora. Boullogne
realizó este carboncillo pleno de generosidad anatómica y riqueza
descriptiva que configuraron el gusto y la estética en el cambio
de siglo.
Carboncillo y clarión (también conocido como gis) sobre papel | 46.5 x 40.9 x 0.01 cm
| Inscripciones: «Louis De Boullogne/ 1695» | Procedencia: Colección particular;
K.E. Hasse; galería C.G. Boerner, Düsseldorf, Alemania; colección particular; casa
de subastas Karl & Faber, Múnich, Alemania; H.List; Fundación Ratjen, Vaduz,
Liechtenstein; galería Katrin Bellinger, Londres, Reino Unido o Múnich, Alemania;
colección particular; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2015
Jan Josefsz van Goyen
Paisaje fluvial
c 1631-1650
Jan van Goyen fue uno de los primeros artistas holandeses
dedicados al paisajismo. Las incipientes obras en su ciudad natal
datan de 1620; su pasión por el género lo llevó a recorrer todo
el territorio neerlandés, y desde 1631 radicó en La Haya, donde
realizó una producción más numerosa.
El investigador Godfridus Johannes Hoogewerff considera
que las pinturas de Van Goyen atestiguan sus viajes en los Países
Bajos, así reunió bocetos en los que trazaba motivos. Rara vez
pintó directamente en el sitio. Los dibujos del maestro son menos
conocidos, ya que son pocos los registrados como auténticos.
Por su prestigio fue uno de los artistas más imitados.
En el carboncillo es visible el bajo horizonte sobre el que se
levanta, en el fondo, un pequeño pueblo compuesto por casas
y la iglesia, una zona boscosa y naves con altas velas. En el
primer plano acontece una singular escena en la orilla del río:
tres hombres, uno de ellos a caballo y los otros que caminan con
cayados, dirigen una fila de vacas hacia una embarcación. Otros
20 dos hombres reciben al ganado dentro de la nave que pareciera
no tener el espacio suficiente para albergarlo.
Grafito sobre papel | 15.9 x 26.1 x 0.01 cm | Firma: «J. v. Goyen», sobre el paspartú
(también conocido como marialuisa) | Procedencia: Colección particular neerlandesa;
casa de subastas Hampel, Múnich, Alemania, 2014
Andrea Locatelli
Un paisaje clásico con dos figuras en primer plano
c 1715-1725
Locatelli supo interpretar los cánones de la tradición
clásica del seiscientos, con una nueva atención a los
aspectos naturales y pintorescos asimilada de Gaspard
Dughet (1615-1675) y de Salvatore Rosa (1615-1673), así como la
aplicación del ideal austero de Nicolas Poussin (1594-1665).
Estudió con el romano Biagio Puccini (1673-1720), autor
de cuadros sacros para varias iglesias locales de los Reinos
italianos. En este momento de su formación también contribuyó
su tío Pietro Locatelli (1637-1710), pintor e instructor de San Lucas,
activo en Roma y en la Toscana.
Las obras de Andrea marcaron un canon de la campiña
romana: una estampa bucólica, en sintonía con los principios
de equilibrio entre la naturaleza y la razón, entre el intelecto y la
imaginación.
El artista se hizo célebre por sus vistas imaginarias, con
énfasis en el detalle de cada elemento que las compone, en donde
deja ver su referencia a la tradición de los entornos romanos del
siglo anterior, en correspondencia tanto con las ruinas como el
testimonio del área de Lacio.
Tinta y acuarela sobre cartulina | 43 x 56.7 x 0.02 cm | Procedencia: Colección
particular; Robert Witt, Londres, Reino Unido; colección particular; casa de subastas
Christie’s, Londres, Reino Unido; colección particular; casa de subastas Christie’s,
Nueva York, ee.uu, 2015
François Boucher
Tobías devuelve la vista a su padre
c 1740-1760
François Boucher ingresó como aprendiz en el taller del artista rococó François Lemoyne, donde
estuvo algunos meses en virtud de la invitación que le hiciera el pintor Laurent Cars para trabajar con
él y su padre.
Hacia 1725 viajó con Charles-André van Loo a Roma, donde encontró su mayor influencia artística en
Albani, Tiepolo y Baroccio. Seis años después, pudo ingresar a la Academia de Bellas Artes de Francia y
se convirtió en uno de los pintores favoritos de la corte versallesca.
A partir de una pintura del maestro boloñés Lucio Massari –como lo consigna la inscripción en
el marco de esta obra–, Boucher realizó un apunte en carboncillo del célebre pasaje de Tobías en el
momento de devolver la vista a su padre. En el Libro de Tobías (5:10) se narra cómo a las orillas del río
Tigris, en el camino a Media (hoy Irán), él, por consejo del ángel que lo acompañaba, extrajo el corazón,
hígado y hiel de las entrañas de un pescado. Luego de untar esta última en los ojos ciegos de su progenitor,
conseguiría sanarlo. De línea suave pero impecable anatomía, la obra expone el abrazo emotivo entre el
protagonista y su padre –quien ha recuperado la vista– ante la mirada complaciente del arcángel Rafael.
Clarión (también conocido como gis) sobre papel | 26.5 x 21.4 x 0.01 cm | Inscripciones: «Luc Massari», en el marco | Procedencia: Colección
particular; casa de subastas Christie’s, París, Francia, 2015
Giandomenico Tiepolo
La Institución de la Eucaristía
c 1751
Barroco es por antonomasia Wurzburgo. La casa de verano de los príncipes-obispos del bastión católico
de Baviera, actual Alemania, fue construida y decorada en el siglo xviii por un equipo internacional de
arquitectos y pintores dirigidos por Balthasar Neumann (1697-1753). Ahí se encontraba el veneciano
Giambattista Tiepolo (1696-1770), quien llevara como ayudantes a sus hijos Lorenzo y Giandomenico.
De aquella empresa viene esta delicada tinta sobre papel: Por su formato horizontal alargado, el
trazo cuidado y repasado, este dibujo es la producción más temprana del joven Tiepolo, escribió el
especialista George Knox. Se trata de un boceto para el friso de la estancia-comedor.
El delicado trabajo de Giandomenico guarda similitud con su Expulsión de los mercaderes del
templo, sito en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, así como con Cristo y la higuera estéril de
un fondo privado en Vancouver, Canadá.
Esta obra es anterior a La Institución de la Eucaristía (1752) de la Antigua Pinacoteca de Múnich,
Alemania y a la del Museo Estatal de Arte de Copenhague (1753). En todas, los discípulos se reúnen en
torno al Salvador. Para 1778 Tiepolo pintaría otra vez el pasaje en un formato vertical, que ahora exhibe
la Academia de Venecia. Un poco más tarde, volvió a representarle en su reconocida serie del Nuevo
Testamento, hoy en el Museo del Louvre.
Este dibujo fue confundido y puesto a la venta en 1986 como Cristo curando a los enfermos. Pan de
vida y salvación que transita entre el Rococó y el Neoclasicismo.
Tinta sobre papel | 14 x 24.6 x 0.01 cm | Firma: «Dom. Tiepolo», abajo a la derecha | Procedencia: Colección particular belga; casa de
subastas Sotheby’s, Londres, Reino Unido; colección particular; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2015
23
Jean-Honoré Fragonard
La limpieza de la mesa después de la Última Cena
c 1560
Epílogo de los Antiguos Maestros Europeos, Jean-Honoré
Fragonard es uno de los artistas más importantes del Antiguo
Régimen. La obra original del pintor de la Escuela veneciana,
Sebastiano Ricci (1659-1734), se encuentra en la Fundación Simon
Norton en Los Ángeles, California, ee.uu.
Este dibujo pertenece a un extenso grupo de obras dedicadas
al estudio de los grandes artistas del Humanismo, el Barroco y el
tránsito al Neoclásico en los Reinos italianos. Entre 1756 y 1761,
Jean-Pierre Richard (1727-1791) comisionó su realización al joven
Fragonard. De origen noble, a Richard –quien apenas obtuvo el
grado de subdiácono y no ejerció como tal– se le conoció como
el Abad de Saint-Non. El también grabador tomó el nombre
del Château de Saint-Nom-la-Bretèche, castillo familiar en el
departamento francés de Yvelines.
Sabemos que La limpieza de la mesa después de la Última
Cena, se encontraba en uno de los laterales del altar de la
24
Crucifixión, en el templo del Corpus Domini en Venecia,
asevera la especialista Marie-Anne Dupuy-Vachey en su texto
Fragonard. Los placeres del siglo xviii.
Bajo el patrocinio de Juan Dominici y dedicado al Santísimo
Cuerpo de Nuestro Señor Jesucristo, hacia 1394, en el punto
más oriental del lado norte del Gran Canal, se fundó el convento
femenino dominico. Disuelto en 1810, tiempo después fue
demolido para emplazar la estación de tren de Santa Lucía.
La colección salió a la venta en la segunda mitad del siglo xix y
hasta hoy sólo se ha identificado esta estampa dibujada.
Carboncillo sobre papel | 20.1 x 29.2 x 0.01 cm | Inscripciones: «Ancienne Collection
Groult», en el reverso | Procedencia: Colección particular; Camille Groult, Francia;
casa de subastas Hotel Drouot, París, Francia; Giancarlo Baroni; casa de subastas
Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2013
26
Joseph Mallord William Turner
La Torre de Constable, Castillo de Dover
1793
Preludio quizá de El caminante sobre el mar
de nubes que pintará Caspar David Friedrich
en 1818, hoy en la Sala de Arte de Hamburgo,
Turner esbozó a un individuo de pie –frente
al promontorio sobre el que se yergue la
puerta de Constable en el castillo de Dover–
en la contemplación de la inmensidad. Signo
plenamente romántico, el artista exaltó así los
grandes valores del arte moderno en el primer
tercio del siglo xix: individualidad, subjetivismo
y franca libertad plástica.
El sentimiento sobre la razón está presente
en esta acuarela que desdibuja el carboncillo,
empleado por el entonces artista de dieciocho
años para bocetar las ruinas casi fantasmales de
la fortaleza más meridional de Inglaterra. Nada
guarda relación entre el apacible Canal de la
Mancha del segundo plano con las estridentes
marinas que inmortalizaran al pintor y que hoy
se conservan en museos como la Galería Tate
de Londres y la Colección Frick de Nueva York.
Para sir John Rothenstein, director emérito
de la Galería Tate: Estas obras ref lejan […]
el gusto corriente por lo pintoresco, por los
castillos y las abadías en ruinas. De todos
modos, fueron precisamente tales obras las
que atrajeron la atención sobre él. Aquí, en una
suerte de tiempo sin tiempo, Turner ha creado
un retrato de la emotividad que presagiaba el
estruendo romántico de «tormenta y pasión» al
que habrá de adherirse toda su vida. Hombre,
ruinas, cielo y mar en un intimismo que bordea
los márgenes más oscuros y profundos de la
conciencia humana.
Procedente de un viaje a Kent que hiciera el
joven artista hacia 1793, La Torre de Constable,
Castillo de Dover pertenece al último periodo
de la era dorada en la pintura británica que
inició con William Hoghart 50 años atrás. La
obra fue parte de las colecciones de la Galería
Agnew’s de Londres y desde 2012 forma parte
de Museo Soumaya.
Grafito y acuarela sobre papel | 18.8 x 25.5 x 0.01 cm |
Inscripciones: «8704» y «TURNER», en el reverso | Procedencia:
Galería Agnew’s, Londres, Reino Unido; colección particular
europea; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2012
27
28
Giani Felice
Paisaje clásico con figuras
c 1783-1786
Giani Felice comenzó a estudiar arte en Pavía, hoy Italia, y al demostrar sus habilidades logró
instruirse en la Academia Clementina de Bolonia. En su obra utilizó como soporte principal el
papel, lo que le permitió mezclar temple y tintas con pastel seco. Con marcado estilo neoclásico,
exaltó ruinas e indumentaria grecorromanas. La historiadora de arte Anna Coccioli Mastroviti
consideró que sus numerosos dibujos dan fe de la madurez alcanzada y la formación que inició
en la cultura del Barroco tardío, unido a las lecturas que realizó de textos de J. J. Winckelmann
(1717-1768), quien exaltó los cánones griegos como única forma de alcanzar la belleza y la verdad.
En el dibujo, un paisaje de grandes árboles, montes y ríos enmarca referencias mitológicas:
un panteón griego dedicado a los dioses del Olimpo. Entre las ruinas que se confunden con la
maleza, un grupo de sabios o sacerdotes escuchan el discurso de uno de ellos, quizá la esperada
respuesta del oráculo.
Anna Ottani Cavina, quien publicó el libro Felice Giani (1758-1823) y la cultura de fin de siglo en
1999, consideró que el boceto es parte de un grupo que el artista realizó para el interior de una
casa en Montmorency, Francia, por encargo del político Antonio Aldini (1755-1826).
Tinta y grafito sobre papel | 39 x 52.2 x 0.01 cm | Firma: «F.G.», abajo a la izquierda | Inscripciones: «Giardini francese Veneziano»,
abajo a la izquierda; «1723 [ilegible] Accademia [ilegible]», abajo en el centro | Procedencia: A. Prada; colección particular; colección
particular estadounidense; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2015
29
Théodore Géricault
Pelea de caballos en un establo
c 1818
30
Estos briosos caballos, registrados con el número 1664, aparecen
en la página 69 y descritos en las páginas 216 y 217 en el quinto
volumen del catálogo razonado (1992) de Germain Bazin sobre
Théodore Géricault.
El extraordinario dibujo, que perteneciera al artista JacquesMichel Zoubaloff, puede fecharse hacia 1818 a partir de una
estampa poco usual que el célebre maestro realizara ese año,
meses después de su exilio. Dos obras más son cercanas a esta
en Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim. La primera es un ágil
boceto de los equinos; la segunda, un trabajo hoy perdido pero
que hacia 1851 copiara Charles Cournault. En ambas, los caballos
van en sentido opuesto a esta pieza, lo cual atrajo la atención del
mecenas Georges Renard, quien dudó sobre su autenticidad.
Para los especialistas Philippe Grunchec y Germain Bazin el
exquisito trazo resulta inconfundible y estamos ante la expresión
romántica del maestro. Más que dos caballos, Géricault retrata la
naturaleza humana. La indolencia de un hombre en primer plano
que mira con desprecio a los animales. Un personaje más atiende
la pelea y con una frágil escoba trata de detener a las bestias que
se muerden.
Michelangelo y Peter Paul Rubens están detrás de las
anatomías a partir del magníf ico escorzo. Cabe la posibilidad de
que este dibujo derive del lienzo monumental e inconcluso, La
carrera de los caballos Barberi, en claro homenaje a Buonarroti.
Gouache, tinta, clarión (también conocido como gis), grafito y carboncillo sobre
papel | 26.1 x 35.5 x 0.01 cm | Procedencia: Jacques-Michel Zoubaloff, Rusia; colección
Kerverau; Edouard Napoléon César Edmond Mortier, duque de Trévise, París, Francia;
Georges Renard, París, Francia; Drouot Montaigne, París, Francia; colección particular;
casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2015
31
Honoré Daumier
Hércules de feria
c 1850
32
Observador de la vida cotidiana, Honoré
Daumier señaló la sátira en la formalidad y
encontró la decadencia en lo festivo, de tal
forma que los actores tanto de ferias como
callejeros, entre los que se encontraban payasos
y fenómenos de circo, fueron de interés para él,
ya que aportaban a su trabajo caricaturesco,
una estética funcional. Sus registros de la
gente confrontan la realidad, con lo que logró
resignificar los rostros de su propio tiempo.
El Hércules de feria, protagonista de
espectáculos en los parques de diversiones,
era un hombre de fuerza extraordinaria que
impresionaba a las multitudes, al levantar
objetos de gran peso. Las calles de París
fueron el escenario al que salieron a mostrar
sus habilidades junto con los faquires, lo que
les permitía sobrevivir de la caridad de los
transeúntes que, de manera casual, se detenían
a ver sus números teatrales.
En el dibujo se muestra solitario y recargado
sobre lo que parecería es una carpa circense,
con la mirada perdida, nostálgico. Brazos en
la espalda y piernas cruzadas, que enmarcan
su inseguridad y fragilidad en contraste con la
tosquedad de su cuerpo. La imagen se completa
con las pesas en desorden alejadas de su vista.
Existe una versión parecida en acuarela
titulada Un Hércules y un mimo detrás de escena.
En esta el mismo personaje se encuentra con la
mirada dirigida al cómico encorvado sentando
en un tambor. En la obra de Museo Soumaya.
Fundación Carlos Slim logró capturar una escena
de extraordinaria melancolía al decidir colocar a
la estrella del espectáculo como un eremita.
Gouache y carboncillo sobre papel | 34 x 13.5 x 0.01 cm |
Procedencia: Arsène Alexandre, París, Francia; Galería Georges
Petit, París, Francia; G.Mühlbacher; colección particular; casa de
subastas Sotheby’s, Nueva York; ee.uu., 2015
Jean-François Millet
Una pastora con su rebaño
1860
Hijo de un campesino normando, desde muy pequeño Jean-François
Millet decoraba las paredes de su casa con dibujos al carbón.
Fascinado por las imágenes de pastoras que como Vírgenes
guiaban a su rebaño, Millet encontró el motivo más enternecedor
de sus dibujos, apunta el investigador Ingo E. Walther. En la esquina
inferior izquierda, el boceto lleva el sello del taller. El hecho de
esbozar dos veces a la pastorcita en diferentes ángulos, así como
el cordero abierto de patas en una graciosa posición frente al
abrevadero, confirman que el apunte se hizo al aire libre y desde
distintas perspectivas. La joven inclina la cabeza y observa
tiernamente el rebaño.
Junto a otro pastel también en el acervo de Museo Soumaya,
estas obras son las únicas del maestro en museos de América
Latina. Ellas evocan las palabras de Millet: El lado alegre de la vida
nunca se me ha desvelado… Lo más alegre para mí es la calma, el
silencio que es tan dulce, así como el bosque y la tierra cultivada…
Grafito sobre papel | 30.9 x 20.1 x 0.01 cm | Inscripciones: «J.F.M», sello del taller | 33
Procedencia: Colección particular; Mitsukoshi, Ltd., Tokio, Japón; colección particular;
casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2007
Jean-Baptiste Carpeaux
Sin título
c 1864
34
El bosquejo de cuerpos en poses fuera
de equiibrio, pero en perfectos escorzos,
advierte sombras, volumen y siluetas, donde
los cuerpos habrían de confundirse con la
textura de una piedra.
Para la escultura francesa de la segunda
mitad del siglo xix, los estudios preliminares
eran indispensables como referencia a la
idea primigenia de la inspiración artística.
Carpeaux solía hacer numerosos bocetos
antes de cada una de sus obras, sin embargo,
este dibujo en particular sirvió de inspiración
para Auguste Rodin, quien abrevó en él para
crear una de sus célebres esculturas: La
eterna primavera, también en el acervo de
Museo Soumaya.
Grafito sobre papel | 32.9 x 20 x 0.01 cm | Procedencia:
Taller del artista; colección particular europea; casa de
subastas Christie’s, Londres, Reino Unido, 2014
Gustave Doré
Jeremías predica ante sus seguidores
c 1866
Camille Pissarro
Campesino que ata un haz de trigo
c 1880
Pierre-Auguste Renoir
Las lavanderas
c 1900
37
Edgar Degas
Mujer desnuda de pie se seca
c 1895
Para el investigador Timm Schneiders: el mundo de Degas
mundo era la vida parisién, esa vida desbordante y chispeante
de la capital del mundo. La catástrofe, presente todavía en todas
las memorias, la vida pasada al mismo borde del precipicio,
constituían ya el pasado para toda esa gente que sólo tenía ansias
enormes de divertirse, de vivir entera pero superficialmente día
a día […].
A diferencia de muchos pintores impresionistas, Degas se
abocó a la intimidad de las lecciones de ballet y a las mujeres en
el baño. Imágenes espontáneas, como capturadas por la lente
de una cámara: esta joven sale de la toilette y, en palabras del
propio artista, se observa a través del ojo de la cerradura.
Clarión (también conocido como gis) y carboncillo sobre papel | 94 x 81.2 x 0.01 cm
| Firma: «Degas», abajo a la izquierda | Procedencia: Colección del artista; galería
Georges Petit, París, Francia; galerías Nunès et Fiquet, París, Francia; colecciones
particulares estadounidenses; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2011
Auguste Rodin
Mujer desnuda con un paño
c 1900-1910
Rodin dibujó desde
los trece años y hasta el
final de su vida. Conocemos 8
mil diseños –7 mil en el Museo Rodin
y el resto en diversas colecciones–.
Mujer desnuda con un paño está encerrada
en líneas rápidas; la mantilla violeta
contrasta sobre el cuerpo en amarillo
que descansa. En otros dibujos
del segundo periodo utilizará
rosa, fucsia o café.
La mirada de Rodin es la
de un amante que descubre
con gozo gestos así como
poses naturales y simples de
sus modelos.
Acuarela y grafito sobre papel | 33.3 x 25.2 x
0.01 cm | Firma: «A. Rodin», abajo a la derecha |
Procedencia: Colección particular
Gustav Klimt
Boceto para el retrato de Marie Henneberg
1901-1902
Figura sentada, estudio para Dánae
c 1903
41
Desnudo femenino
sentado de frente
c 1902
Gustav Klimt
Dos amigas de perfil
c 1903-1904
Hacia la primera década
del siglo xx, en pleno
apogeo de su llamada
«faceta dorada», el
pintor austríaco Gustav
Klimt concibió una serie
de obras que denominó
Wasserschlangen, [Serpientes
de agua]. Desde el Simbolismo,
la temática marina abordaría
lo insondable de la existencia
humana. También permitió al autor
la evocación de ciertos aspectos
del erotismo que limitasen el riesgo
de la censura.
Esta obra del acervo de Museo
Soumaya.Fundación Carlos Slim
es uno de los múltiples estudios
que el artista realizó para analizar la
posición de los cuerpos y la interacción
entre los personajes. Cara a cara, las
protagonistas se estrechan de manera
contenida en este primer boceto de
un tema que abordó en dos ocasiones
en donde las mujeres se abrazan con
ternura en un escenario de brillantes
dorados y azules.
Grafito sobre papel | 45.5 x 31.1 x 0.01 cm |
Procedencia: Colección particular italiana;
Luchino Visconti, conde de Lonate Pozzolo,
Lombardía, Italia; casa de subastas Dorotheum,
Viena, Austria, 2015
Mary Cassatt
Madre e hija
c 1880
43
44
Gibran Kahlil Gibran
Posible retrato de Elsie Jamis
1909
De la más fina sensibilidad, Gibran Kahlil Gibran se convertiría
en el mayor representante de la cultura de Medio Oriente en
Occidente. Ensayista, dibujante, novelista, pintor, poeta y cantor
universal de las emociones humanas: la pena, la dicha, el amor, el
dolor, la búsqueda, la soledad y la nada, aspectos todos esenciales
de la vida. Su obra tiende puentes entre la sabiduría de su tiempo
y las premisas que motivan a nuevas generaciones.
Gracias a una beca otorgada por su musa y mecenas Mary
Haskell (1873-1964), Gibran se trasladó a París donde se formaría
como artista plástico. En la renombrada Academia Julian –en
cuyas aulas habían impartido clases artistas de la talla de ÉmileAntoine Bourdelle–, el joven libanés aprendió los valores de la
pintura simbolista con Pierre-Marcel Béronneau, discípulo de
Gustave Moreau.
Una visita a Londres le permitió conocer la obra de Leonardo
da Vinci en la Galería Nacional; entonces quedó profundamente
impresionado por la calidad en el dibujo del maestro italiano. Su
célebre sfumato –difuminado gradual de contornos y figuras–
influyó el estilo de Gibran en la mayoría de sus primeros retratos.
Es el caso de la joven de estilizado cuello y rostro ovalado que
levanta la mirada en la contemplación del infinito, como apunta el
especialista Alexandre Najjar.
Tal vez sea la artista Elsie Jamis, amiga de Gibran, quien inspiró
esta obra. La mujer es omnipresente en sus letras e imágenes;
relaciones familiares, personales, afectivas y amorosas permearon
la mirada plástica del joven libanés. Las mujeres evocan –como
en este dibujo– un tiempo sin tiempo; todas ellas transitan por el
universo artístico de Gibran como causa y consecuencia. Escribió
el poeta: Fueron las mujeres quienes abrieron las ventanas de mis
ojos y las puertas de mi espíritu.
Carboncillo sobre papel | 45.6 x 30.9 x 0.01 cm | Firma, fecha y lugar: «Monograma»,
«1909» y «Paris», abajo a la derecha | Inscripciones: «Elsie Jamis», en el reverso |
Procedencia: Colección del artista, Nueva York, ee.uu.; Marianna Gibran, hermana del
artista, Boston, Massachusetts, ee.uu.; adquirido directamente a Kahlil y Jean Gibran,
sobrinos del artista, Boston, Massachusetts, ee.uu., 2007
45
David Alfaro Siqueiros | Autorretrato | 1946
“REPRODUCCIÓN AUTORIZADA POR EL INSTITUTO NACIONAL DE
BELLAS ARTES Y LITERATURA, 2016” D.R. © DAVID ALFARO
SIQUEIROS/SOMAAP/MÉXICO/2016
El 31 de mayo de 1946 un grupo de pintores, escultores,
escritores, coleccionistas y funcionarios públicos se
citaron en el Restaurante Chapultepec, de la Ciudad
de México, para homenajear al coleccionista y
mecenas Marte R. Gómez en su cincuenta aniversario.
En aquella mesa departieron los protagonistas de
la corriente artística en boga, Escuela Mexicana de
Pintura, quienes obsequiaron su autorretrato en
igual formato.
De las 40 obras que los pintores entregaron «al
conocedor del arte mexicano moderno», Museo
Soumaya conserva 38. Aquí una selección.
Juan Soriano | Autorretrato | 1946
© FUNDACION JUAN SORIANO Y MAREK KELLER, A.C.
Amedeo Modigliani
Retrato de Anna Ajmátova
1911
48
Mujer que se cubre el rostro
con las manos
c 1918
49
Pablo Picasso
Escena de circo: el caballo
vestido y el perro erudito
1918
Hijo del pintor y profesor de arte José Ruiz Blasco y de María Picasso López, Pablo nació en Málaga el 25
de octubre de 1881. El joven andaluz se trasladó a Madrid para inscribirse en la Academia de San Fernando.
Al discrepar con el arte tradicional, viajó a Barcelona, ciudad cosmopolita en la que estableció vínculos con
artistas e intelectuales que solían reunirse en el café Els Quatre Gats. En 1900 llegó a París, donde se expresó
su formación plástica. A lo largo de los siguientes seis años –etapa que corresponde, primero, al periodo azul,
y más tarde al rosa– retrató a los pobres y desheredados de la Europa de principios del siglo xx. Hacia 1904
alquiló un pequeño taller de la calle Ravignan que se convertiría en el célebre Bateau-Lavoir [Barco lavadero]
de Montmartre. Por el contacto con los fauvistas Henri Matisse y André Derain, y el patrocinio de Gertrude
Stein –su primera coleccionista–, enlazaría el arte finisecular y la Vanguardia.
Picasso siempre frecuentó los circos, tanto durante sus años en Barcelona [1895] como en París, y este
tema aparece en todas las épocas de la pintura del artista, apunta la investigadora Antoinette de Wolff. Para
1900 conoció el famoso Circo Medrano, fundado por el madrileño Jerónimo Medrano en 1897. Caballos, perros,
saltimbanquis, arlequines y un sinfín de personajes poblaron las telas del artista malagueño con un talante
más emocional que descriptivo. Atributos humanos en animales –resueltos con un solo e impecable trazo– a
manera de juego de espejo entre nuestra realidad cotidiana y los efectos ilusorios del mundo circense. La obra
proviene de una colección particular francesa, y fue exhibida antes de llegar al Soumaya en la muestra Picasso:
22 dibujos inéditos de 1918 en la Galería Jacques Matarasso de Niza, Francia. El dibujo fue estudiado por Maya
Widmaier Picasso y Claude Picasso.
Lápiz de color sobre papel | 19.6 x 25.8 x 0.01 cm | Inscripciones: «EXPOSITION PICASSO. 22 dessins inédits de 1918/ du [Exposición
Picasso. 22 dibujos inéditos de 1918]», en etiqueta en el reverso | Procedencia: Colección particular francesa; casa de subastas Sotheby’s,
París, Francia, 2011 | D.R. © PABLO PICASSO/SOMAAP/MÉXICO/2016
Tamara de Lempicka
Estudio para La ronda
1932
D.R. © TAMARA DE LEMPICKA/SOMAAP/MÉXICO/2016
Henri Matisse
Desnudo de pie | 1950
El desnudo fue uno de los géneros que
Matisse exploró con gran éxito. Todos sus
lienzos siguen un mismo patrón: un torso
alargado, senos pequeños y propensos a
la redondez y una pose bien calculada; la
modelo se muestra ante el artista. En esta
obra se pondera la sensación y el concepto.
Así, Desnudo de pie retrata a una
mujer en actitud firme. El movimiento
del carboncillo sobre el papel se percibe
seguro. Estamos ante una concepción que
enfatiza la verticalidad lograda a partir
de largos y decididos trazos. El volumen
viene de sombras creadas por diagonales
y un fino sombreado. Con delineados
rápidos, producto de un solo impulso, se
confirma la determinación. Una especie de
arrepentimiento en el esquema principal,
como eco visual en el soporte, expresa la
calidad del dibujo terminado.
52
Mujer con boa | 1944
Carboncillo sobre papel
| 61.1 x 41 x 0.01 cm |
Firma: «H Matisse/ 50»,
abajo a la derecha |
Procedencia: Propiedad
del artista; colección
particular francesa;
casa de subastas
Sotheby’s, Nueva York,
ee.uu.; Jan Krugier;
casa de subastas
Sotheby’s, Londres,
Reino Unido, 2014 | D.R.
© HENRI MATISSE/SOMAAP/
MÉXICO/2016
Aunque Matisse es reconocido como
un gran pintor, también fue escultor
y dibujante. En algunas de sus piezas
se distingue la influencia de iconos
ortodoxos y artes decorativas bizantinas
–composiciones casi abstractas de figuras
humanas que se prolongan, amén de una
simplicidad cromática–, con las que se
familiarizó en Moscú cuando se preparaba
para instalar los paneles de las pinturas La
Danza y La Música, en casa del empresario
ruso Serguéi Shchukin (1854-1936).
Mujer con boa da cabida al cuerpo
femenino a partir de formas básicas. La
sencillez del trazo logra dotar a la imagen de
un rasgo intimista, preciso y de vanguardia.
Tinta sobre papel | 36.5 x 49 x 0.01 cm
| Firma: «H Matisse 2/44», abajo a
la derecha | Procedencia: Colección
particular estadounidense; Coleman
Bancroft LLC, Nueva York, ee.uu.;
colección particular; casa de subastas
Christie’s, Londres, Reino Unido, 2015 |
D.R. © HENRI MATISSE/SOMAAP/MÉXICO/2016
53
Henri Matisse
Estudio de un monje
1948
D.R. © HENRI MATISSE/SOMAAP/MÉXICO/2016
55
Edvard Munch
La esposa y el oso
1908-1909
En 1908, Edvard Munch fue internado en una clínica en Copenhague por fuertes crisis de ansiedad; allí
creó su carpeta litográfica y de fábula Alfa y Omega, compuesta por 18 dibujos. El primer ser humano
llamado Alfa, se enamora profundamente de Omega. Ella le era infiel con todos los animales de la isla.
En la exótica fauna vivían un tigre, un avestruz, una hiena, y un oso, todos manipulados por los atributos
femeninos. El dibujo La esposa y el oso muestra el encuentro erótico entre la dama y el plantígrado.
Contrario a lo que se aprecia a simple vista, esta obra no es un dibujo sino una estampa; la incluimos en
esta selección porque la técnica contempla la intervención de un artista sobre una plancha de piedra, en la
que dibuja con un lápiz litográfico, que es de consistencia grasa. Esa placa pasa por un proceso que finaliza
con el entintado de la misma para proceder a la impresión. La técnica recibe el nombre de litografía.
Litografía sobre papel japonés | 20 x 21.5 x 0.01 cm | Firma: «E Munch», abajo a la derecha | Número de serie: «1/15» | Procedencia: Colección
particular alemana; casa de subastas Hampel, Múnich, Alemania, 2014
56
Salvador Dalí
Soliloquios de baño
1948
Tras una larga estadía en los Estados Unidos, Salvador Dalí anhelaba regresar a España. En esta obra de
reciente adquisición, el pintor abordó la reflexión interior, con un personaje que parece hablar consigo
mismo frente al atardecer en la bahía de Port Lligat, ubicada en la Costa Brava catalana.
De modo surrealista representó este diálogo íntimo por medio de una bañera en la que se vierten las
aguas del Mediterráneo, encallada en la orilla de la barraca pesquera, con unas siemprevivas atacadas
por las hormigas; la mircofobia perenne en el artista.
En 1939 Dalí conoció al escritor Billy Rose (1899-1966) durante la preparación de la Feria Mundial
en Nueva York, ee.uu. Para 1948 ilustró su libro Vino, mujeres y palabras, en el que utilizó este dibujo
para acompañar el capítulo cuarto llamado «Soliloquios de baño» y que fue publicado por la casa
Simon & Schuster.
Tinta sobre papel | 30 x 21.1 x 0.02 cm | Firma: «DALI», abajo a la derecha | Procedencia: Colección particular; Galería Theo,
Madrid, España; colección particular; casa de subastas Sotheby’s, Londres, Reino Unido, 2016 | D.R. © SALVADOR DALÍ /SOMAAP/
MÉXICO/2016
57
Diego Rivera
Calcas para el mural Pesadilla de guerra, sueño de paz | 1952
En 1952 el Instituto Nacional de Bellas Artes encomendó a Diego Rivera la creación de un mural
para la muestra Veinte siglos de arte mexicano, que viajaría por varias ciudades europeas. La obra
no se exhibió para el proyecto original debido a que Rivera lo envió como regalo al gobierno chino.
El profesor Shing Xiao-Sheng suscribe que el mural estuvo en el Peace Hotel de Beijing y luego
en el Pabellón de la Amistad, también en la capital de aquel país. De forma sorpresiva, luego de su
exhibición, la obra desapareció.
Esta calca –guía de trazo para la realización del mural– está integrada por 12 fragmentos y se
mantuvo inédita por más de medio siglo en propiedad de Rina Lazo, ayudante de Diego. Se ofreció
a la venta en los Estados Unidos y hoy repatriada forma parte del acervo de Fundación Carlos Slim.
Durante dos años, para su investigación y conservación, se llevó a cabo un estudio histórico, grafológico,
químico y físico de la obra en el que intervinieron los especialistas Hilda Trujillo, Alicia Azuela y Juan
Coronel, así como el químico Javier Vázquez y la restauradora Karla Niño de Rivera, además del equipo
de Museo Soumaya. Luego de varias controversias, en una entrevista que tuvo lugar en 2014, la propia
Raquel Tibol declaró: La obra se puede exponer sin problema alguno. Es Diego con sus ayudantes.
Sí, ayudantes porque él nunca tuvo taller… nadie inventó una imagen en un mural de Diego, jamás.
Existen algunos personajes identificados por don Guillermo Monroy, del grupo Los Fridos, entre
quienes destacan Chela Monroy y Marco Antonio Borregui, el Yucateco, ayudante de Rivera. El Eje
Central, antes San Juan de Letrán, queda flanqueado por la Torre Latinoamericana y el legendario Cine
Maya, en el extremo derecho de la obra.
Grafito y carboncillo sobre papel vegetal | 332 x 900 x 0.01 cm | Inscripciones: «Calca 4», «Calca 6» y «Calca 7», en la parte superior |
Procedencia: Colección particular; colección Rina Lazo, Ciudad de México, México, 2004 | “REPRODUCCIÓN AUTORIZADA POR EL INSTITUTO
NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA, 2016” D.R. © 2016 BANCO DE MÉXICO, FIDUCIARIO EN EL FIDEICOMISO RELATIVO A LOS MUSEOS DIEGO RIVERA
Y FRIDA KAHLO. AV. 5 DE MAYO NO. 2, COL. CENTRO, DEL. CUAUHTÉMOC 06059, CIUDAD DE MÉXICO.
Juan O’Gorman
Trazos para el mural Revolución
1910-1914, Sufragio efectivo, no
reelección
1967
Sobre la pintura de Juan O'Gorman, el artista
Roberto Berdecio escribió: El realismo de
O’Gorman es la expresión de un artista
formado por las más variadas disciplinas del
conocimiento. Su obra muestra, en esta época
de improvisaciones, el hecho poco común
de su gran capacidad técnica en el más alto
sentido artesanal. Proyecto para el retablo
maderista del ciclo de Chapultepec, esta obra
de la colección de Museo Soumaya muestra
los primeros apuntes del maestro. El boceto
se centra en la escena principal de Sufragio
efectivo, no reelección, pintado en 1969.
El 9 de febrero de 1913, Francisco I. Madero
encabeza la centenaria Marcha de la Lealtad, que
avanzó desde la Columna de la Independencia
hasta el Palacio Nacional. Dos manos sujetan
un lienzo que pende con la representativa frase
democrática. Con amplia procesión detrás,
el personaje se yergue estoico con el lábaro
patrio. Todo México está convocado, clases
sociales, niños, incluso perros se dan cita en
esta exaltación del discurso nacionalista. En
los extremos de la composición O’Gorman
ha bocetado, del lado izquierdo, al «chacal»
Victoriano Huerta, quien recibe la banda
presidencial de Pedro Lascuráin, presidente por
tan sólo 45 minutos. En el derecho, Gustavo A.
Madero está acompañado por el vicepresidente
José María Pino Suárez y Sara Pérez de Madero.
Este dibujo abreva en el constructivismo
soviético y en la composición vernácula
mexicana, y adquiere signos contundentes de
identidad.
Grafito sobre papel montado en lienzo | 58.5 x 66.1 x 0.01 cm | Inscripciones: «SUFRAGIO EFECTIVO .- NO RE-ELECION
[REELECCIÓN]», arriba | Firma y fecha: «Juan O’Gorman» y «1967.», abajo a la derecha | Procedencia: Colección particular;
casa de subastas Morton, Ciudad de México, México, 2012 | D.R. JUAN O´GORMAN/SOMAAP/MÉXICO/2016
62
Juan O’Gorman
Trazos para el mural Feudalismo
porfirista en México
1972
Juan O’Gorman, alumno de Diego Rivera, tuvo
una amplia producción como miembro de la
segunda generación de muralistas. Hasta 1941
había realizado frisos decorativos en distintas
pulquerías de la Ciudad de México, entre los que
sobresalía la del Salón Bach, así como los murales
del antiguo edificio del aeropuerto de la Ciudad
de México con el tema de La aviación metafísica.
Esta pieza, amén de la fuerza plástica del dibujo
de O’Gorman, es testimonio para el estudio de la
técnica muralista con el manejo de la perspectiva,
sus escalas y notas diversas. Es también ideal
de la gesta y la esperanza que representó en su
época, expresada así por el propio artista: Así es
como en el México actual, gracias a la Revolución,
tenemos una situación diferente del resto de
los países iberoamericanos. […] tenemos en el
México actual una clase media con un promedio
[sic] de vida mejor […].
Grafito sobre papel montado en lienzo | 57 x 72.3 x 0.01 cm | Firma:
«Juan O´Gorman» y «1972.», abajo a la derecha | Inscripciones: «El
feudalismo Porfirista en México./ Proyecto para el mural en el
Museo de Historia. 10 cm=1.00m.», abajo a la derecha | Procedencia:
Colección particular; casa de subastas Morton, Ciudad de México,
México, 2012 | D.R. JUAN O´GORMAN/SOMAAP/MÉXICO/2016
Rufino Tamayo | Sin título | c 1951-1991 | Grafito sobre papel |
16 x 22 x 0.01 cm | Procedencia: Colección particular; Ernesto
Richheimer, Ciudad de México, México, 1995
© D.R. RUFINO TAMAYO/HEREDEROS/ MÉXICO/2016/FUNDACIÓN OLGA Y
RUFINO TAMAYO, A.C.
No soy mexicanista. Yo soy
universalista. […] El arte como la
cultura son universales.
Rufino Tamayo, 1899-1991
A 25 años de su partida
Exposición temporal | Plaza Carso
Vista de la Plaza de San Marcos en dirección a San Geminiano
Héctor Archundia Ibarra | Investigación
A Francesco Guardi se le asocia con las vedute de su tierra
natal, Venecia, no obstante su producción contempla una gran
variedad de temas. El Museo del Petit Palais de París, conserva
bocetos como éste con los mismos años de factura. La pieza
hoy mexicana fue expuesta en la Galería Cailleux de la capital
francesa, como parte de la muestra Tiepolo y Guardi en 1953,
y en el Museo de la Orangerie en la exhibición Venecia en el
siglo xviii en 1971.
En Vista de una plaza veneciana con arcadas se aprecia la
pincelada rápida del estilo pictórico del autor, al igual que el
empleo de manchas en claroscuro. El paisaje arquitectónico
enaltece las edificaciones clásicas que tanto orgullo
provocaban a los artistas italianos.
Francesco Guardi | Francesco Lazzaro Guardi (Venecia, Véneto, Italia, 1712 – 1793) | Vista de la Plaza de San Marcos en
dirección a San Geminiano | c 1778 | Tinta y carboncillo sobre papel | 22.5 x 33.7 x 0.01 cm | Procedencia: Colección particular;
doctor Jean-Paul Richter, Ámsterdam, Países Bajos; casa de subastas Frederick Müller & Co, Ámsterdam, Países Bajos; Pierre
Decourcelle; casa de subastas Christie’s, París, Francia; colección particular; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2015
68
MISERICORDIÆ VULTUS
MISERICORDIA
en el JUDAÍSMO
Rabino Simantob Rafael Nigri
RABINO DE LA COMUNIDAD BETH ITZJAK, CIUDAD DE MÉXICO
Los orígenes del judaísmo se remontan —según nuestros sabios— al momento mismo de la Creación.
La Torá oral, las enseñanzas que han prevalecido a lo largo de nuestra historia y que complementan
a la Torá escrita, la que fue recibida por nuestro pueblo de manos de Moshé Rabeinu después de la
salida de Egipto, cuenta en su parte mística que efectivamente hubo un Big Bang de características
espirituales, en el que dos poderosas fuerzas colisionaron dando origen al universo, tal y como lo
conocemos en la actualidad.
De proporciones gigantescas, estas dos fuerzas —estas dos virtudes de D-os—, una llamada Jésed
o Rajamim, Bondad o Misericordia, la parte bondadosa de la Creación; y la otra llamada Guevurá, la
parte severa o rígida de la voluntad divina, luchaban (por así decirlo) para prevalecer, la una sobre la
otra, y así, cada una quería ser la más importante en la Creación.
De una manera coloquial e ilustrativa, permítanme decir que si el mundo fuese creado sólo con
Guevurá, con severidad o firmeza, una persona que se equivocara en algo o que voluntariamente
actuara mal, debería ser juzgada de inmediato y el castigo —si lo mereciese— le sería impuesto en
ese mismo instante. Por otra parte, si el mundo fuese creado con misericordia, con bondad y con
paciencia, el «castigo» tardaría en llegar, dando oportunidad a que la persona no sólo enmendara
su error, sino que se arrepintiera sinceramente y aprendiera de sus equivocaciones para no volver a
cometerlas. Es así —dicen nuestros maestros— que ambas fuerzas coincidieron en equilibrio.
En la vida, a veces es necesaria la severidad. Por ejemplo, cuando un padre ve que el niño va a
poner el dedo en la electricidad, el papá reacciona y retira la mano de la criatura. A veces hasta le da
un golpecito en la palma —un acto de severidad— para educarlo, para que entienda que eso es algo
que no debe hacer. Y sin embargo, ese acto de severidad no está exento de misericordia, de amor y
bondad para preservarle la vida, y en esto reside la belleza del orden universal.
La palabra Misericordia, según el judaísmo, conlleva una enorme carga de bondad implícita. No es
sólo caridad o amor al prójimo, es llevar la propia esencia de D-os a los actos cotidianos, a la vida misma.
La Piedad | c 1580 | Gouache y tinta sobre papel | 24 x 18.3 x 0.01 cm | Inscripciones: «Colection [Colección] Vallardi», abajo
a la derecha | Procedencia: Colección particular; G. Vallardi, Italia; colección particular; casa de subastas Christie’s, Londres,
Reino Unido, 1993
69
MISERICORDIÆ VULTUS
70
Cuando nos referimos, por ejemplo, al Diluvio,
el Midrásh —una parte de la Torá oral que
complementa nuestras enseñanzas— nos relata
que D-os esperó 120 años antes de enviar las
aguas que harían desaparecer a una humanidad
corrupta y malvada. Nuestros sabios dicen que
no se trató de un acto inmediato de represalia,
sino que por virtud de la gran Misericordia del
Creador, aún estando enojado, confía en que
sus hijos se arrepentirán de sus actos. Hasta
que es demasiado tarde, envía ese castigo y,
sin embargo, crea el arco iris como símbolo de
su Misericordia, de su Fe en la bondad de las
generaciones que habrán de poblar el planeta.
Hace poco escuché una hermosa explicación
del origen de la palabra Misericordia. En lengua
hebrea —la que hablaban nuestros antepasados,
los ivrim, los que llegaron de países lejanos—
esta palabra se pronuncia rajamim y proviene
del término réjem, que significa útero o matriz.
De manera que Misericordia equivale a la
protección que da la madre al hijo, ya que así es
la Misericordia de D-os, proteger al ser humano,
ser paciente y tardo en el enojo hasta que la
persona regresa y encuentra el buen camino.
Abraham Avinu, nuestro primer patriarca,
se caracterizaba por ser la personificación de
la bondad. D-os lo escoge para ser el padre de
una gran nación precisamente por eso, por las
bondades que hacía con las demás personas.
Lo elige para llevar la verdad escrita en su
Testamento y para enseñar el camino justo.
Uno de los momentos importantes en el
judaísmo cotidiano, en la vida religiosa, es el
Día del Perdón. Los judíos de todo el mundo,
en esa ocasión, no sólo pedimos perdón por las
transgresiones que hicimos durante el año sino
que se lo otorgamos al prójimo por lo que él
pudiera habernos hecho. Y esto, antes de obtener
el perdón de D-os. Según las costumbres, un
ser humano debe mirar en lo profundo de su
corazón para ver si guarda rencor hacia alguien.
Una vez que lo hace, la busca y, humildemente,
MISERICORDIÆ VULTUS
la indulta. De la misma manera, si sabe que
causó algún daño en la persona o los bienes
de alguien, lo busca para «saldar el asunto» y
obtener su perdón.
¿No es ésta precisamente la idea de D-os?
En ese día, el Día del Perdón, los judíos de
todo el mundo decimos una plegaria conocida
como los Trece Atributos de la Misericordia,
oración milenaria que data de los tiempos del
Gran Templo en Jerusalén cuando la gente
peregrinaba hasta ese lugar. Hoy en día, en
nuestras sinagogas, la repetimos tres veces:
(‫ וַיִּקְ ָרא‬,‫פָ ּנָיו‬-‫)וַיַּעֲב ֹר י ְהו ָה עַל‬
ַ‫ אֵל ַרחּום ו ְח‬,‫י ְהו ָה י ְהו ָה‬
.‫חֶ סֶ ד ו ֶאֱמֶ ת‬-‫ ו ְַרב‬,‫ּנּון–אֶרְך ַאפַ ּי ִם‬
ֶ
;‫ נ ֹשֵ ׂא עָֹון ו ָפֶשַ ׁע ו ְחַ טָ ָּאה‬,‫נֹצֵר חֶ סֶ ד לָאֲ לָפִים‬
ִ
‫ר ֵבּעִים‬-‫ְעַל‬
‫שִ ׁ ֵלּשִ ׁים ו‬-‫ עַל‬,‫ ְבּנֵי ָבנִים‬-‫בנִים ו ְעַל‬
ּ ָ -‫וְנַקֵ ּה (ֹלא יְנַקֶ ּה–פ ֹּקֵ ד עֲֹון ָאבֹות עַל‬
Dios misericordioso y clemente, tardo en ira y
Grande en benevolencia y fidelidad, Aquel que
prodiga Misericordia por miles de generaciones,
perdona la iniquidad, el pecado intencional y el
error y visita la iniquidad de los padres sobre
los hijos y nietos, hasta la tercera y cuarta
generación.
¿Qué son los Trece Atributos de Misericordia?
Enraizados en lo profundo del alma judía, el
Rabí Moisés Cordovero, un ilustre maestro
judío-español nacido en el siglo xvi, los enumera
a partir de un versículo del Profeta Mija (7:18-20).
Estos atributos —dice— son los que debemos
esforzarnos por alcanzar.
1. Ser tolerante;
2. Tener paciencia;
3.Perdonar;
4. Buscar el bien en los demás y
para los demás;
5. No guardar la ira;
6. Realizar actos de bondad;
7. Amar y buscar el bien para alguien
que nos ha hecho daño y ahora
8.
9.
10.
11.
12.
13.
desea rectificar ese daño (perdonarlo
no es suficiente);
Recordar las buenas acciones de
los demás y olvidar sus malas acciones;
Sentir compasión por los
demás, incluso por la gente malvada;
Actuar con honestidad;
Actuar con bondad e indulgencia;
Ayudar a los demás y no
guardar rencor;
Mostrar misericordia y compasión.
Los judíos creemos que la humanidad
depende de los actos de bondad, misericordia
y caridad que realicemos a diario en nuestro
entorno. No hay una sola persona que en algún
momento de su vida no requiera la ayuda de
otro, ya sea para encontrar trabajo, aprender
un oficio, establecer un negocio o simplemente
para vivir de manera digna y decorosa. Todos o
casi todos, en algún momento requerimos de
alguien con quien conversar, que nos consuele,
nos ayude con nuestras preocupaciones y
ansiedad, nos brinde hospitalidad y nos «eche
una mano» cuando estamos enfermos o
incapacitados.
El Talmud, nuestra Torá oral, insiste
en tres características que debemos tener
si realmente somos «personas». Dice que
debemos ser va’ishanim, humildes; rajmanim,
misericordiosos, y gomlei jasadim, el que hace
bondad. Siempre. Todo el tiempo. Todos los días.
Quizás sea esto a lo que se refieren nuestros
sabios cuando afirman que el mundo se basa
en tres cosas: el estudio de la Torá, servir a
D-os y realizar actos de Misericordia hacia
nuestro semejantes (Ahavat Jesed, cap.2), y que
la fuerza de la bondad debe ser permanente,
no sólo para obtener un lugar en el mundo
venidero, sino para hacer que éste, el nuestro,
el de hoy, sea cada día mejor.
71
Casimiro Castro | Casimiro Castro Blancas (Tepetlaoxtoc, Estado de México, México, 1826 – Ciudad de México,
México, 1889) | Los pintos de Don Juan Álvarez [1790-1867] en la calle de San Juan de Letrán | c 1850-1889 |
Grafito sobre papel | 23.5 x 31 x 0.01 cm | Procedencia: Colección particular, 1999
memorias de concha miramón
¡Que anomalias hay en la
humanidad! [...]
¡Y que dolores nos causan á vezes
los seres que mas amamos?!
Alfonso Miranda Márquez | Dirección
Atravésdepersonalísimasmisivas,elpresidenteMiguelMiramónrelatóasu
esposa, en febrero de 1860, su viaje rumbo al puerto de Veracruz:
El General Paredes siendo de principios
conserva/dores, fue el primer Presidente
de nuestra Repu/blica que tubo la idea de
llevar á Mexico un Principe estrangero y
haser de nuestro pais una monarquia. Mi
padre que en aquella época era diputado,
y pertenecia al partido liveral, se opu/so
á los proyectos del Presidente Paredes, y
esto le costó el que lo persiguieran y que
lo hubieran incomunicado en una pricion
hasta la caida del poder del Presidente
Paredes. Asi fue, que mien/tras mi tio
[José Gil de Partearroyo] vivia en
nuestra casa, y gozaba de tran/quilidad
y honores cerca del Presidente Paredes,
nuestro amado Padre, estaba preso y lejos
de su familia./ Con el trascurso de los años,
las ideas conser/vadoras se evaporaron en
el cerebro de mi tio y volvió á aparecer en
la exena politica hacien/do el triste papel
de Ministro de la Guerra con el mayor
enemigo de mi esposo don Benito Júarez.
Sus grandes conocimientos militares los
empleó con acierto en la defensa de la plaza
de Veracruz pues perteneciendo al cuerpo de
artilleria donde fue bastantes años Coronel,
es probable que mas de una bala de cañon
la halla dirijido él mismo, con/tra mi esposo
y su Ejército./ ¡Que anomalias hay en la
humanidad! ¡Que desen/gaños nos da la
politica! ¡Y que dolores nos causan á vezes
los seres que mas amamos?!
Memorias manuscritas de Concepción Lombardo de Miramón | Capítulo V: "Los primeros años de mi matrimonio" | Fondo
DCCCII-2, T. 1 | 1859-1917 | Colección del Centro de Estudios de Historia de México Carso.Fundación Carlos Slim
La paleografía es autoría de quien escribió este artículo; es literal y respeta la ortografía del documento primario. Las abreviaturas
se han desatado y para señalarlas se han subrayado. Las diagonales indican cambio de renglón.
© Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim. Fotografía de Alain Le Toquin.
Guinness World Records reconoció a Fundación Carlos Slim y a Wikimedia México por
haber establecido el récord del editatón más largo de la historia: 72 horas continuas de
edición de artículos sobre arte e historia.
El cuarto editatón de Museo Soumaya dio inicio a las 20:30 h del jueves 9 de junio y
concluyó el domingo 12 a las 20:30 h, lo que completó la meta de 72 horas ininterrumpidas,
en las que además Museo Soumaya estuvo abierto al público.
La edición de contenidos giró en torno a los museos de México, el coleccionismo, Auguste
Rodin, el acervo de Museo Soumaya, la inclusión social, la educación en museos, mujeres
en el arte y artistas mexicanos. Asimismo, se compartieron documentos e investigaciones
sobre el Centro de Estudios de Historia de México Carso.
102 editores
264 textos nuevos
2 000 ediciones
388 artículos
30 artículos en catalán y 1 en portugués
¡72 horas
de Arte e Historia en Museo
Soumaya en el Editatón más
largo a nivel mundial!
1 206 ediciones a 396 artículos
Fundación Carlos Slim donó a
Wikipedia más de 300 fotografías
de su colección en alta calidad
Alianza de Fundación Carlos Slim y
Wikimedia por el conocimiento libre.
Reflexiones en torno al
Héctor Archundia y Daniela Díaz | Investigación
Todo coleccionista es un creador.
Ana Garduño, El poder del coleccionismo de arte, 2009
La fascinación más profunda del coleccionista
consiste en encerrar el objeto individual en un
círculo mágico, congelándose éste mientras le
atraviesa un último escalofrío (el escalofrío de ser
adquirido). Todo lo recordado, pensado y sabido se
convierte en el zócalo, marco, pedestal, precinto de
su posesión, apuntó Walter Benjamin. Con estas
líneas el filósofo y coleccionista alemán describe
la pasión con que se buscan y adquieren ciertos
objetos; la prolijidad y dedicación con que
las piezas que conformarán una colección son
elegidas. A esta misma pasión aludió la maestra
Miriam Kaiser al inaugurar, con la conferencia
magistral «Historia de las galerías en México», el
Seminario de coleccionismo en México, que tuvo
lugar en Museo Soumaya, Plaza Carso, los días 8,
9 y 10 de junio de 2016.
Se trató de un encuentro sin precedentes entre
instituciones públicas y no gubernamentales,
museos, coleccionistas, galerías y casas de
subastas. La finalidad radicó en generar un diálogo
sobre la historia del galerismo, la formación de
coleccionistas y los procesos de sistematización
de los acervos, además de generar vínculos
interinstitucionales.
Fueron varios los directores que compartieron
la historia de los fondos que conforman a los
museos que dirigen, algunos de los cuales
surgieron como colecciones privadas, que más
tarde serían donadas al Estado o apoyadas por
el mismo, para convertirse en espacios como el
Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo Franz Mayer,
y aquellos beneficiados por el programa Pago en
especie de la Secretaría de Hacienda y Crédito
Público. Las experiencias y retos de difusión
dentro y fuera de sus recintos, señalan además las
tensas relaciones entre la figura del coleccionista,
patronatos, comités de adquisiciones, jurados y
curadores.
Durante el seminario se discutieron temas
como la falta de estímulo por parte del Estado y las
trabas que actualmente representa la adquisición
75
76
de obra, ya que la legislación mexicana considera
al arte como un objeto de lujo, lo que conlleva
una serie de trámites interminables para las casas
de subastas, galerías y coleccionistas, con el fin
de transparentar la procedencia de la compra.
Asimismo, se reflexionó en torno a una de las
razones principales por las que el arte mexicano
no ha repuntado en el mercado internacional: la
categoría impuesta por el Instituto Nacional de
Bellas Artes a nueve artistas clave en el panorama
nacional: José María Velasco, David Alfaro
Siqueiros, Diego Rivera, José Clemente Orozco,
Saturnino Herrán, Dr. Atl, Frida Kahlo, María
Izquierdo y Remedios Varo. Su producción,
considerada «monumento artístico», sólo
permite la exportación temporal de sus obras.
El propósito de esta clasificación es proteger
el patrimonio cultural, así como sucede con el
legado mesoamericano, sin embargo, trastoca
los intereses del mercado del arte y por ende la
difusión y mayor reconocimiento de los artistas
en el mundo. A pesar de que el 80% de cada
subasta de arte latinoamericano cuenta con un
protagonismo nacional, los valores no superan
las cifras analogables de Brasil o China. Si bien
Frida Kahlo es la única artista mexicana cuyas
obras ahora aparecen clasificadas para su venta
como «arte moderno e impresionista», y han
roto récords, en el escenario nacional esto no
beneficia al mercado interno.
Se compartieron con el público plataformas
virtuales cuya misión es sistematizar fondos
y concretar investigaciones de las piezas; tal
fue el caso de la Colección Andrés Blaisten,
FotObservatorio y Fundación Carlos Slim.
El debate en torno al coleccionismo de
arte contemporáneo ahondó en que se trata de
objetos cuya valía radica en el concepto y no en
la materialidad de las piezas, y se habló también
de la relación directa entre creadores y sus
coleccionistas sin pasar por la galería.
El acercamiento a otro coleccionismo destaca
la relación del anticuario, la numismática y la
fotografía con la llamada “alta cultura”. Se analizó
el escaso interés en la adquisición de fotografía y
escultura, pues en contraste con la tendencia en
el mercado, México es un país que colecciona
sobre todo pintura.
El ser humano es un coleccionista nato.
La pasión es el impulso, pero cada reunión
de objetos apremia su sistematización y su
conservación. Formar un acervo lleva implícitas
múltiples responsabilidades.
El primer seminario fue un esfuerzo
coordinado por la gestora y promotora cultural
Miriam Kaiser y por el equipo de Investigación y
Comunicación de Museo Soumaya. Contó con la
participación de 40 ponentes de 10 estados de la
República Mexicana y finalizó con el compromiso
de realizar una segunda emisión en 2017.
El registro audiovisual de todas las ponencias
del Seminario de coleccionismo en México
pueden consultarse de manera permanente
en museosoumaya.org, así como en la nueva
plataforma de conocimiento gratuito de
Fundación Carlos Slim aprende.org.
Por omisión, en los números anteriores de nuestra revista (mayo y junio de 2016), apareció sólo un detalle de la obra El día y la noche (1954) de Rufino Tamayo. La reproducimos aquí completa.
CONOCIMIENTO PARA TODOS
En el marco del 30 aniversario de Fundación Carlos Slim, se lanzó la aplicación
App-prende, una plataforma digital sin límite de edad y tiempo que ofrece contenidos
educativos mediante los dispositivos móviles o fijos, para beneficiar al mayor número de
personas posible. Los contenidos de esta plataforma son sin costo de navegación para
usuarios activos de Telcel e Infinitum.
Desde 1986 Fundación Carlos Slim trabaja para el desarrollo social, económico y
humano, y fomenta el potencial para tener más y mejores oportunidades. Ha implementado
programas, iniciativas y plataformas educativas que ahora se agrupan e incrementan en
este sitio.
Al acceder a aprende.org se navega sin candado a través de los contenidos creados por
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EDUCACIÓN
Khan Academy en español. Ofrece videos, ejercicios, guías temáticas y paneles de
aprendizaje para dar seguimiento al desempeño de los estudiantes. A cuatro años de su
alianza con Fundación Carlos Slim cuenta con 5 278 videoclases y 105 300 ejercicios
adaptados al español y 10 060 912 videolecciones impartidas en 209 países.
Académica. Es una comunidad digital de conocimiento que impulsa la interacción y el
intercambio de conocimiento entre estudiantes, docentes e investigadores. Cuenta con 208
846 usuarios, 448 446 contenidos digitales y 163 cursos.
Maestro innovador. Está dirigida a docentes, estudiantes y padres de familia de escuelas de
formación básica, pone a prueba los conocimientos de matemáticas, ciencias y lectura así
como habilidades docentes.
CULTURA
Museo Soumaya. Arte para todos. En la plataforma se encuentran cápsulas de diversos
temas: la Era de Rodin, Antiguos Maestros Europeos, Americanos, Virreinales, México
siglo XIX y XX e Impresionismo y Vanguardias. La colección de más de 30 siglos al
alcance de los públicos.
Centro de Estudios de Historia de México Carso
Comparte imágenes de códices, documentos, manuscritos y cartas que van desde el
siglo XVI hasta nuestros días. Conservación, rescate y difusión de nuestra historia que
permiten entender la realidad de nuestro país.
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actividades interactivas, recomendaciones y enfoques en temas de diabetes, nutrición,
enfermedades crónicas, salud materna e infantil, salud sexual y reproductiva, adicciones,
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1 millón 102 299 cursos.
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ACTIVIDADES GRATUITAS
Julio 2016 talleres | visitas mediadas | cursos
Plaza Carso
Plaza Loreto
Confidencias de Arte
Visitas mediadas
Visitas dramatizadas
Actividad familiar
Personaje: Virgilio
Escucha al poeta romano quien será tu guía
en esta experiencia a través de nuestro
Jardín Escultórico.
Sábados y domingos hasta
el 10 de julio | 11 y 13:30 h
Personaje: Breghelín
80
Un divertido ovoide con patas te contará
sus vivencias y recorrerá contigo nuestra
colección.
Sábados y domingos a partir
del 16 de julio | 11 y 13:30 h
Recorre las exposiciones de nuestra
sede al sur de la ciudad.
Calendarios mexicanos
Sábados y domingos | 11:30 h
Archivo inédito Salvador Novo.
Imagen pública, retratos privados
Foto México
Sábados y domingos | 12:30 h
Dalí. Obsesiones
Sábados y domingos | 13:30 h
50 Años Centro de Estudios de
Historia de México Carso
Fundación Carlos Slim
Sábados y domingos | 16:30 h
Plantón poético
Actividad para jóvenes y adultos
Comparte tu poema o fragmento favorito
en una experiencia reflexiva en nuestro
vestíbulo.
Sábado 30 de julio | 13 h
Informes: Comunicación
Reservaciones para personas ciegas o
débiles visuales al T. 1103 9805
Horarios de atención telefónica:
lunes a viernes 10:30 a 18 h
[email protected]
@ElMuseoSoumaya
Cupo limitado
Plaza Carso y Plaza Loreto
Actividades para jóvenes y adultos
Programa Nacional
de Verano
Un verano para ti. Museos
y comunidades.
Visítanos en nuestras sedes
en Plaza Carso y Plaza Loreto,
dirígete con tu familia y amigos
al módulo de informes y juntos
resuelvan las diferentes pistas
y talleres que los ayudarán a
conocer la colección del museo
de una manera diferente.
Del 15 de julio al 20 de agosto
Pistas para conocer la colección del
museo | 10:30 a 18:30 h
Crea tu museo | 12 a 14 y 16 a 18 h
Confidencias de arte | 13 y 15 h
81
NOCHE DE MUSEOS
27 DE JULIO
Último miércoles de cada mes
El museo permanece abierto hasta las 22:30 h
PLAZA CARSO
TEMA: TINTA Y TINTO
Exhibición de trabajos del curso
de dibujo Rodin y la figura
humana | 17:30 a 21 h
Espacio de reflexión y creación
Confidencias de Arte
Personaje: Virgilio
17 y 20:30 h
Cóctel
Charla en salas | 18 h
Imparten: Francesca Conti, Héctor
Archundia, Sergio Sandoval
Taller de dibujo y degustación de vino
19:30 a 21:30 h
Breves fueron mis palabras | 17:30 a 21 h
Intercambio de libros
/nochesdemuseos
/Noche de Museos
Av. Revolución y Río Magdalena –Eje 10 Sur– Tizapán,
San Ángel, Ciudad de México | T. 5616 3731 | Horario:
10:30 a 18:30 h. Sábados hasta las 20 h
| Martes cerrado
Miguel Ángel de Quevedo (línea 3), Barranca del
Doctor Gálvez
Muerto (línea 7),
Entrada gratuita
MUSEO SOUMAYA | PLAZA LORETO
Sala 5
ARCHIVO SALVADOR NOVO.
IMAGEN PÚBLICA.
RETRATOS PRIVADOS
Fotógrafo por identificar
Salvador Novo con su perro King, detalle
Sala 4
CALENDARIOS MEXICANOS
José Bribiesca Ruvalcaba
María del Mar, detalle
Sala 3
CALENDARIOS MEXICANOS
Anónimo mexicano
Ofrenda, detalle
Sala 2
DALÍ. OBSESIONES
Salvador Dalí
Homenaje a Terpsícore,
la musa de la danza, detalle
d.r. © salvador dalí/somaap/méxico/2016
Sala 1
50 AÑOS
Centro de Estudios de
Historia de México Carso
Antonio de León Pinelo
Cuestión moral.
Si el chocolate
quebranta el ayuno
eclesiástico, detalle
d.r. © salvador dalí/somaap/méxico/2016
MUSEO SOUMAYA | PLAZA CARSO
Miguel de Cervantes Saavedra esq. Presa
Falcón, Ampliación Granada, Ciudad de México,
11529, Delegación Miguel Hidalgo | T. 1103 9800
Horario: todos los días de 10:30 a 18:30 h
Río San Joaquín (línea 7), Polanco (línea 7)
Entrada gratuita
Sala 6
Exposición temporal La puerta del Infierno
La era de Rodin
Auguste Rodin
Albert-Ernest Carrier-Belleuse
La lectora, detalle
Tímpano de La puerta del
Infierno, detalle
© musée rodin (photo: Beatrice Hatala)
Sala 5 EXPOSICIÓN TEMPORAL:
VENECIA
COLECCIÓN MUSEO SOUMAYA
Antonio Reyna Manescau
Venecia, detalle
Sala 4
DEL IMPRESIONISMO
A LAS VANGUARDIAS
Camille Pissarro
Estatua de Enrique IV y árboles en flor, detalle
Sala 3
ANTIGUOS MAESTROS
EUROPEOS Y NOVOHISPANOS
Henri Met de Bles y Lucas Gassel
Paisaje con san Jerónimo penitente, detalle
Sala 2
ASIA EN MARFIL
Trabajo indio
Krishna y Radha, detalle
Sala 1
DE ORO Y PLATA.
Artes decorativas
Trabajo novohispano
Arqueta, detalle
Vestíbulo
Auguste Rodin
La puerta del Infierno, detalle
MUSEO SOUMAYA.FUNDACIÓN CARLOS SLIM
DIRECTORIO
Ing. Carlos Slim Helú
Presidente
Soumaya Slim de Romero
Consejo Editorial
Alfonso Miranda Márquez
Director General
@A_mirandam
Raquel Gutiérrez Morales
Curaduría Editorial
@raquetadetenis
TEXTOS
Abdul Bornio
@ABorn2490
Dania Escalona Ruiz
@DannStairs
Daniela Díaz Olvera
@calcetasmoradas
Enrique Arévalo Aristegui
@Zetta_slow
Francesca Conti
@franconti17
Héctor Archundia Ibarra
@haix16
Héctor Palhares Meza
Laura Adriana González Eguiarte
Comunicación
@Crazylaurita
Araceli Villarreal Vallín
Relaciones Institucionales
@avillarrealv
Adriana Sosa Herrera
Diseño Editorial
@bammbucha
Offset Santiago
Impresión
Publicación de distribución gratuita
10 000 ejemplares
María de Lourdes Olmos
@molmosr
Melissa Aguilar Parra
@parra_mel
Mónica López Velarde Estrada
@FuensantaLopezV
Rebeca Rosendo Corona
Sergio Sandoval Arias
@RestauracionMS
Portada: Jean-Baptiste Carpeaux | El matrimonio de JeanBaptiste Carpeaux y Clotilde de Montfort en la Madeleine
(detalle) | c 1869
Contraporda: Edgar Degas | Mujer que se peina | 1894
© Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim. Fotografía de Alain Le Toquin.
El libro que celebra la llegada de La Puerta del Infierno a México
De venta en
www.museosoumaya.org
@ElMuseoSoumaya
Museo Soumaya
Museo_Soumaya
ElMuseoSoumaya
Arte para todos
Hagamos comunidad

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