Por CARLOS VERÁSTEGUI

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Por CARLOS VERÁSTEGUI
™
www.FILTERMexico.com
/FILTERMexico
@FILTERMexico
LO MÁS RECOMENDABLE DE 2013
Hacer la típica edición en la que les decimos cuáles
fueron los mejores discos, sencillos y conciertos de
2012 según FILTER México hubiera sido una tarea
fácil, pero consideramos que es más divertido agendar conciertos y esperar lanzamientos de discos que
leer críticas. Aparte de nuestra guía de lo que viene
este año, también nos aventuramos a decirles lo que
consideramos que —si el mundo no se acaba— va
a rockear 2013, como TOY, Alt-J (Δ) y Poliça. Ya
veremos si el tiempo nos da la razón.
En esta edición también entrevistamos a Suave As
Hell, con quienes celebramos en la última FILTER
Party del año, y Turbina, banda que nos abrió las
puertas del ya muy frecuentado Caradura y que
participará en la próxima edición de SXSW. También aprovechamos las visitas de Suede, New Order
y Banda de Turistas a nuestro país, así como les
explicamos por qué Galaxie 500 y Jumbo siguen
vigentes.
No se pierdan las fotos de Austin City Limits, tal vez
se animan a lanzarse el próximo año.
- C O N T E N I D O -
EN PORTADA
/ 31 /
/ 36 /
/ 38 /
/40 /
LO MÁS RECOMENDABLE DE 2013
TOY
ALT-J (Δ)
POLIÇA
PAISAJES SONOROS
/ 8 /
AUSTIN
LES PRESENTAMOS A…
/ 14 /
THENEWNO2
YA DEBERÍAS CONOCER A…
/ 16 /
/ 18 /
SUAVE AS HELL
LOS PUNSETES
DE VISITA CON…
/ 20 /
TURBINA
PRINCIPALES
/
/
/
/
HELLO SEAHORSE!
GALAXIE 500
BANDA DE TURISTAS
JUMBO
TRIBUTO
/ 44 /
/ 46 /
Pamela Escamilla Menchaca
Editora en Jefe
22
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/
/
SUEDE
NEW ORDER
FILTER.1
™
Publishers
Breakfast Media
Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza
Director Editorial
Milton Barboza
[email protected]
Editora en Jefe
Pamela Escamilla
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Editora Web
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Colaboradores
Benjamín Espinosa, Berenice Ibarra,
Beatriz Pecero, Paola Romo, Cristina Salmerón, Luli Serrano y Anna Stephens
Corrección de Estilo
Berenice Andrade
Director de Arte
Oliver Barrón
Fotografía
Rodrigo Jardón
Gerente de Producción & Operación
Paola Palazón Seguel
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Ventas
Fernando Espinosa
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FILTER, Año 2, No. 9, (1 de diciembre de 2012 al 30 de enero 2013), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por
Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 10, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368.
Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011-083012492100-102, ISSN 20073216. Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de
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Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 28 de noviembre de 2012 con un tiraje de 25,000 ejemplares.
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FILTER.3
212 VIP MEN
Sabemos que la elección de una loción es algo importante, ya que marca el estilo y personalidad de cada quien. Sí, incluso para los hombres
es algo que resulta esencial para dar ese toque especial que a las chicas
nos enloquece.
USA
JUEGA
DISFRUTA
212 VIP MEN representa el estilo único y actitud de los hombres de
Nueva York, ya saben, ese estilo cosmopolita y siempre a la moda.
La fragancia mezcla distintos aromas y notas que van desde vodka con
menta helada, caviar de lima y las más exclusivas especias que caracterizan a un hombre carismático, sofisticado, divertido y deseado.
Por si el interior fuera poco, el frasco metálico le da un toque elegante
que sólo aquellos VIP poseen
WWW.CAROLINAHERRERA.COM
¡ME MUERO POR ESE SUÉTER MJM!
Por PAOLA ROMO
q
Llegó diciembre y junto con la quincena, la
ansiedad de no saber qué regalos comprar
para la familia, amigos o el incomodísimo
intercambio de la oficina. Por eso les preparamos algunos regalos infalibles para esta
temporada que pueden encontrar, ya sea en
tiendas de nuestro país o en línea.
q
Rayas, lana y colores brillantes parecen ser la combinación
perfecta para esta temporada otoño/invierno 2012. Si no
saben qué regalarle a su novia, hermana o amiga, seguramente con este suéter no habrá falla. Además de ser súper
calientito tiene una textura suave y es una excelente prenda
para cualquier outfit. Lo pueden encontrar en la boutique
Marc by Marc Jacobs de Antara.
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MÍ TU CALZADO COLECCIÓN EMMA
Seguramente han escuchado de los zapatos de Mí Tu. Ale y Angélika, originarias de
León, Guanajuato, son las responsables detrás de estos lindos diseños que no sólo
son únicos, sino que además son comodísimos. La última colección, Emma, presenta modelos con plataformas y agujetas en distintas tonalidades de pastel. ¡Además
brillan en la oscuridad! Pueden encontrar todos los modelos en su nuevo sitio.
WWW.MITUCALZADO.COM
4.FILTER
MAC
ORIGINAL
A LA MARILYN
PENGUIN
EN MÉXICO
Recientemente abrió en nuestro país la boutique
de Original Penguin. Chicas, les prometo que aquí
podrán encontrar el regalo perfecto para cualquiera de sus hombres. Ya sea desde una t-shirt sencilla,
hasta polos con increíbles diseños, chamarras
contra todo tipo de frío y accesorios.
La tienda se encuentra en el Centro Comercial
Santa Fe.
PARA PUÑOS…
LOS DE TARANTINO
Ahí les va una combinación insuperable:
Tarantino, Ninjas, Wu-Tang Clan, Kanye
West, John Frusciante y The Black Keys.
Sí, el soundtrack de la película escrita por
RZA y Eli Roth promete ser una joyita. La
música fue curada por RZA en conjunto
con Tarantino, basada en tracks de WuTang Clan y cuenta con la participación
de los artistas mencionados, entre muchos
otros. Lo pueden conseguir vía Amazon.
WWW.AMAZON.COM
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Si siempre han deseado tener ese look tipo Hollywood Glam
combinado con la sensualidad y labios rojos característicos de
Marilyn Monroe, ¡no busquen más! Cosméticos MAC ha lanzado una línea inspirada en la diva y sex symbol de los cincuenta.
Dentro de la línea hay pestañas postizas, sombras dramáticas,
esmaltes de uñas y por supuesto labiales en distintas tonalidades de rojo. Además de tener increíbles empaques que capturan
la esencia de MM.
WWW.MACCOSMETICS.COM.MX/
FILTER.5
z o n a
v e r d e
Por BEGOÑA ORTIZ ARIZA (Las Páginas Verdes)
Foto ELENA SCHWEITZER
Navidad es una época que muchos esperamos con ansia y en la que además de celebrar con la familia queremos enfiestar, recibir regalos, comprar el árbol, comer rico y cuidar el medio ambiente. ¡Ah, no! Mentira… Eso de “cuidar el medio ambiente” es algo en lo que pocos pensamos
durante estas fechas. Antes de acordarnos del impacto ambiental, preparamos la cena, decoramos la casa con mi:es de luces, compramos y
envolvemos todos los regalos, conseguimos platos desechables para no lavar y dejamos el árbol seco en la banqueta porque el de la basura no
quiso llevárselo.
Esta Navidad te invitamos a que hagas algo diferente y te des un tiempo para reflexionar acerca de la huella que generan todas las acciones
que realizas en esta época, y de la gran diferencia que puedes hacer tan sólo modificando algunos hábitos.
A continuación unos consejos para que tu Navidad no sea blanca, sino verde:
c En lugar de comprar un árbol en el supermercado adopta un árbol vivo. Éste llegará a tu casa
en una maceta y será recolectado al acabar la temporada navideña, con el objetivo de ser plantado
de nuevo.
c Para decorarlo puedes elegir series de iluminación LED, que permitirán que ahorres energía, y
esferas elaboradas con material reciclado. Incluso
puedes realizar tus propios adornos con desperdicios de empaques; por ejemplo, puedes decorar
tapas de plástico de colores o pintar focos fundidos
y colgarlos como esferas.
c Te sugerimos que des regalos verdes: puedes
elegir maquillaje orgánico, libretas de papel reci6.FILTER
clado, joyería ecológica, chocolates orgánicos, porta laptops de f ibras naturales o hasta
un kit de relajación con aceites orgánicos. Al
envolverlo, ten mucho cuidado porqu e una
envoltura de plástico o de papel arruinará la
intención de dar algo verde.
c Para la cena, compra ingredientes orgánicos. A todos les va a encantar el toque “eco”
en una fecha tan especial y te diferenciarás
de todas las fiestas a las que acudirán tus
invitados.
c Cuando de juguetes para los niños se
trate, elige aquellos que no tengan plástico
ni requieran pilas. Busca que estén hechos
con materiales naturales y sin ningún tipo
de químicos ni materiales tóxicos, como el
plomo. Puedes encontrar bellos juguetes
elaborados con madera certificada, cartón o
tela reciclados.
c Para descansar puedes elegir un destino
verde, acudir con varios amigos en el mismo
coche en lugar de avión y comer en los deliciosos restaurantes de la zona para ayudar a
la economía del lugar.
Para información de los productos mencionados en este artículo visita laspaginasverdes.com o ponte en contacto con nosotros a
través de Facebook.com/lpverdes o Twitter
@lpverdes. ¡Feliz verde Navidad!
FILTER.7
Paisajes sonoros/
Cobertura Especial presentada por
AUSTIN, TEXAS
El lugar POR todos tan amado…
Por MILTON BARBOZA ARRIAGA
Fotos RODRIGO JARDÓN
Enviados especiales a Austin City Limits
Ya no es necesario decir que Austin es una
ciudad increíble o que en su extensión de
casi 800 kilómetros cuadrados se transpira música, gracias a esa gran cantidad de
lugares para escuchar bandas y artistas de
todo tipo, desde los más conocidos hasta
los que apenas hacen sus pininos.
Siempre que he viajado a Austin me
encuentro con un sinfín de buenos
momentos que compartir, desde un vuelo
retrasado en la Ciudad de México para
llegar a San Antonio (que está a poco
más de una hora en autobús), hasta los
nuevos lugares para comer que resultan
una delicia en temporada de festival (el
Whole Foods Market rockea), y claro
está, el lugar por excelencia para conseguir música en sus diferentes formatos,
que sigue siendo considerado de las
mejores tiendas de música en el mundo:
Waterloo Records.
Todo eso me topé en esta ocasión, en la
que afortunadamente pude regresar para
disfrutar por segunda vez de Austin City
Limits, festival esencial de fin de año
que no sólo impone, sino que propone
desde su centro de acción en Zilker Park,
ubicado en los límites de esta magnífica
ciudad.
Y gracias a que 212 VIP decidió entrar
de lleno a la música, pudimos vivir esta
experiencia como se debe, siendo parte
de la exclusiva lista de medios acreditados en ACL. Acá el recuento de los
daños…
8.FILTER
AUSTIN CITY LIMITS
Paisajes sonoros/
Cobertura Especial presentada por
Todo arrancó el viernes 12 de octubre como se esperaba, ante un sol que no perdonaba a los melómanos que desde temprana hora se reunieron en los ocho
escenarios del Zilker Park para deleitar orejas con proyectos de todas las nacionalidades. Aquí algunos de los highlights del primer día:
J OVA N OT T I
THE AFGHAN WHIGS
El italiano cimbró el escenario Austin Ventures
con su “Penso positivo” y toda esa carga de energía hip hopera que lo ha colocado como uno de los
mejores músicos de su país y de los más respetados
en muchas latitudes. Jovanotti saltó, rapeó y bailó
todo el tiempo al igual que la gente que se reunió
en este escenario.
TEGAN AND SARA
Para los que tuvieron la oportunidad de verlas en
el Corona Capital 2012 no es necesario recordarles
que su show es bastante aceptable: sencillo, honesto
y lleno de ternura. Buena música es lo que ofrece
este dúo conformado por las hermanas de origen
canadiense. Canciones como “Nineteen” son simplemente magníficas en vivo.
La banda clásica de Cincinnati ha regresado, para
fortuna de la escena internacional, porque desde
el año pasado que volvieron a reunirse sus integrantes han dejado en claro que son un referente
del rock estadounidense; así lo demostraron en
el AMD stage, desde donde le pusieron el poder
sónico a ACL.
WEEZER
FLORENCE + THE MACHINE
THE BLACK KEYS
Los más esperados de esta jornada llegaron al Bud
Light Stage. La fuerza que ha caracterizado a
Dan Auerbach y Partick Carney no surtió el efecto
deseado, ya que se notaban cansados y el set list del
concierto era inconsistente. Pese a esto, terminaron
su set con sus éxitos, “Tighten up” y “Lonely boy”,
por lo que muchos salieron satisfechos.
Rivers Cuomo y compañía se presentaron en el
AMD Stage y tocaron las clásicas “Buddy Holly”,
“Hash pipe”, “Say it ain’t so”, “Undone”, “The
sweater song”, entre otras. Cuomo presentó a los
integrabtes de la banda en un perfecto español.
La intensa artista sigue consagrando su música en
cada lugar. Lo sucedido en el Bud Light Stage así
lo confirmó, ya que Florence Welch acompañada
de su “máquina” dio todo en el escenario. Cada
canción tenía una carga emocional increíble: eran
como piezas de un rompecabezas sonoro que fue
armado poco a poco y de forma exquisita.
FILTER.9
Paisajes sonoros/ AUSTIN, TEXAS Cobertura Especial presentada por
El sábado 13 de octubre nos dejó claro que en Austin no sólo el calor manda, sino que puede
combinarse con cielos nublados que sin avisar, dejan caer fuertes lluvias. Pero todo comenzó de
buena forma en Austin City Limits.
FATHER JOHN MISTY
MICHAEL KIWANUKA
RUFUS WAINWRIGHT
En punto de las dos de la tarde llegó al Bud Light
Stage Rufus Wainwright, quien vestido con un
elegante traje a rayas dio cátedra de su calidad
musical, montado en el piano, mientras sus músicos
lo seguían sigilosos. Incluso algunas personas se
embelesaron tanto con la música de este artista
estadounidense-canadiense que decidieron despojarse de sus prendas íntimas.
Joshua Tillman, músico que hemos conocido por
otros proyectos como Fleet Foxes, decidió lanzar su
carrera en solitario bajo el nombre de Father John
Misty, y vaya que la crítica lo ha recibido muy bien.
Es por eso que llegó a ACL directamente al Austin
Ventures Stage, en donde recibió muchas muestras
de cariño que aceptó gustoso. En vivo demuestra
que su hambre de proponer buena música tiene sus
recompensas y por eso logró un gran concierto.
BAND OF SKULLS
El artista británico refrendó que su carrera no es
nada improvisada sino que está cimentada bajo las
premisas de buenos ritmos como el soul, el jazz y el
funk; además, lo acompañan músicos de inigualable calidad. No por nada lo tuvimos en nuestro
número 7, hablando de su imponente sonido.
THE ROOTS
JACK WHITE
La banda de hip hop creada en Filadelfia retumbó en
el Bud Light Stage con toda esa historia que tienen
detrás y por la que está considerada como una de las
más importantes. Con trombón, guitarra, batería,
bajo y otros instrumentos, los integrantes de The
Roots hicieron bailar a todos los mojados asistentes,
quienes olvidaron que la lluvia estaba pegando con
tubo. Gran presentación y enorme grupo.
El proyecto británico llegó al Barton Springs Stage
junto con la lluvia que azotó el Zilker Park con gran
fuerza, tanto así que la presentación se tuvo que detener
apenas en la segunda rola. De inmediato entraron
técnicos para secar el equipo y evitar algún accidente;
después de unos diez minutos de trabajos y tras haber
cesado el chubasco, los miembros de Band of Skulls
regresaron al escenario junto con un fuerte aplauso de
los reunidos… y la lluvia los volvió a acompañar pero
ahora con más fuerza. Austin y sus sorpresas.
10 . F I L T E R
El cierre del AMD no pudo ser mejor, el músico de
Detroit que después de varios proyectos (The White
Stripes, The Raconteurs, The Dead Weather) por
fin sacó su disco solista este año e hizo un show
memorable en ACL. Acompañado de una banda
integrada por puras chicas, White embelesó y
encumbró su enorme carrera con canciones llenas
de rock clásico, fiel al estilo que siempre lo ha
caracterizado.
Paisajes sonoros/ AUSTIN, TEXAS Cobertura Especial presentada por
POLIÇA
TWO DOOR CINEMA CLUB
Esta banda nacida de otros proyectos como Bon
Iver y Gayngs, que tiene su base en Minneapolis y
es comandada por la pequeñita Channy Leaneagh,
fue uno de los mejores shows de ACL sin lugar a
dudas: poder vocal y un bajo perfecto que se acompañan de dos baterías magistralmente tocadas,
hicieron que las canciones del álbum debut de la
banda, Give You The Ghost, sonaran impresionantes.
DIE ANTWOORD
El proyecto encabezado por el sudafricano apodado Ninja se cuece aparte. El show que genera
esta especie de MC/showman junto con Yo-Landi
Vi$$er es simplemente único, lleno de fuerza,
comedia, sexualidad y, sobre todo, música ácida
que va directo a los sentidos. Llegó un punto en que
ambos cantantes terminan en ropa interior, lo que
generó euforia entre los más de 10 mil presentes en
el Honda Stage. Rotundo éxito de este par de personajes que parecen salir de algún dibujo animado.
No cabe duda que el crecimiento a pasos agigantados de la banda irlandesa ha sido inminente. El que
escribe tuvo la oportunidad de ver a Alex Trimble
y compañía en este mismo festival en 2010, cuando
tocaron en el Austin Ventures ante unas tres mil
personas. En esta ocasión, Two Door Cinema Club
logró reunir en el Bud Light (uno de los dos escenarios más importantes de ACL) a más de 20 mil fans,
quienes no se cansaron de cantar rolas como “Sleep
alone”, “Undercover Martyn”, “What you know”,
entre muchas más.
IGGY&THESTOOGES
“¡Somos los Stooges y venimos del infierno!”, gritó el maestro Iggy Pop, dando
por iniciada la fiesta punk dentro del Bud
Light Stage, en donde había más de 30
mil personas. No es necesario decir que
The Stooges es banda honoraria fundadora no sólo de un género musical, sino
de todo un estilo de vida: el punk. Fiel a
su costumbre, Iggy invitó a varios fans a
subir al escenario a bailar con él, para hacer la diversión aún más grande. “Dead
rock star”, “Rubberlegs”, “I wanna be
your dog”, fueron tan sólo algunos de los
clásicos que sonaron y muy bien, cuando
comenzaba a caer el sol en Austin.
RED HOT CHILI PEPPERS
Caía la noche y todos esperaban la
presencia de la banda californiana más
reconocida de los 90, los Red Hot Chili
Peppers, quienes llegaron como siempre,
enfundados en la energía que los caracteriza para agradar a las cerca de 80 mil
personas que sólo esperaban este momento para concluir con Austin City Limits
2012. Desde “Give it away”, pasando por
“Scar tissue”, el momento creado por los
Peppers fue simplemente único e histórico
para concluir con una etapa de este festival que debido a su éxito, para 2013 se
realizará durante dos fines de semana… y
ahí estaremos.
F I L T E R . 11
Te invitamos a ver el video de nuestra cobertura en vimeo.com/52033202, así como nuestras reseñas y albumes a través de FILTERMexico.com y facebook.com/FILTERMexico
Aunque los tenis seguían húmedos, el domingo 14 de octubre, tercer y último día de ACL no podía
ser mejor: el calor regresaba a su estado natural (apabullante), la gente abarrotaba desde temprano
el Zilker Park, y los grupos hacían un inmejorable trabajo.
Por PAMELA ESCAMILLA
Fotos RODRIGO JARDÓN
cias a rolas conocidas de hace mucho tiempo
como “El planeta sexual” o las que vienen
en su más reciente material discográfico, Tú
Quieres Ser Como Yo.
Una vez más la lluvia parecía un mal presagio
para la celebración de nuestras fiestas mensuales y, de nuevo, los lectores de FILTER
México lucharon contra las inclemencias del
tiempo para llegar al Caradura a celebrar
la novena edición de la #FILTERParty, en
esta ocasión con Los Esquizitos como banda
invitada.
Ya con la gente enfiestada, la agrupación
empezó a tocar. Una de las primeras rolas fue
la clásica “Pum, pum, bang, bang” y a partir
de ese momento el ambiente se mantuvo gra-
™
Por ESAMIPAU!
En el escenario todo era una fiesta. Nacho
Desorden nos honró con su presencia directo
desde Oaxaca; Alex, con sus chistes, de los
que el equipo de redacción de esta revista
disfrutó mientras esperaban a los invitados;
Brisa, haciendo más voces que de costumbre,
sin perder el beat preciso que la caracteriza;
y Güili, quien celebró su cumpleaños con su
siempre ganadora actitud.
El público continuó celebrando durante todo
el show. Hacia el final de éste el slam estaba
mucho más prendido y destacó “Santo y
Lunave”, así como el cover de “Esa noche”. Si
aún siguen enfiestados y/o con ganas de Los
Esquizitos, no se pierdan el octavo número de
nuestra edición impresa, ya que nos abrieron
las puertas de su lugar de ensayo.
¿A quién les gustaría ver en nuestras próximas
fiestas? ¡Ya vamos por la de aniversario!
PARTY 10
Fotos RODRIGO JARDÓN
Todas nuestras FILTERParties son especiales y
nos esforzamos porque en cada una encuentren
una razón más para regresar a las próximas. Esta
décima edición de nuestras fiestas mensuales se
juntó con la celebración del lanzamiento oficial del
LP debut de Sonido Changorama, Los Padres de la
Patria.
Poco a poco, la gente fue llegando al Caradura
listos para escuchar la cumbia de este proyecto
capitalino. A media noche el lugar ya estaba casi a
reventar y los asistentes ya empezaban a mostrarse
12 . F I Lpor
TER
ansiosos
escuchar música en vivo, además de
disfrutar unas buenas cubas cortesía de Bacardi. Entonces los integrantes de Sonido Changorama subieron al escenario y las cortinas se
abrieron para mostrar a la banda que entonaba
las primeras consignas de la noche. Con un
ritmo lento y un tanto tenebroso, Changorama
inició un set que haría levantar los puños de
varios de los presentes.
En tan sólo un par de temas, la cumbia insurgente de Sonido Changorama tomó posesión
de su público, quienes sonreían y se movían al
ritmo que dictaban las palabras de David Somellera y las melodías de Zaratustra Vázquez,
mentes detrás de la genialidad de esta banda. Por su
parte, la gente respondía bailando y expresándose en
favor de las causas con las que más se identificaran,
aunque por supuesto, hubo espacio para que una que
otra mano inquieta tomara ventaja de la cadencia en
la música para pasearse por las curvas de su acompañante, agregándole un toque de calor a la noche.
Así que, como en toda buena fiesta hubo de todo y
por eso declaramos esta FilterParty 10 como todo un
éxito. Nos vamos acercando cada vez más a la fiesta
de aniversario, entonces quédense pendientes porque
si ésta estuvo buena, no queremos imaginarnos las
que vienen.
F I L T E R . 13
Les presentamos a...
THE
new
no2
Por COLIN STUTZ
Traducción BEATRIZ PECERO
Foto NOAH ABRAMS
Una noche, mientras bajaba la velocidad en Venice Boulevard al Oeste de Los Angeles, el generador de Dhani Harrison hizo explosión y envolvió
en llamas su coche. Rápidamente perdió el control
del vehículo, todas las funciones electrónicas se
apagaron mientras el auto paraba en medio de la
calle. Viniendo de una fiesta en Beverly Hills, Harrison —parado y vestido con traje— observaba el
humo que salía del cofre de su Audi. Sin servicio
en su celular, el cantante y guitarrista inglés de 33
años estaba abandonado.
Una vez que el fuego se extinguía lentamente,
un policía bajó la velocidad y vio a lo lejos a
Harrison, pero continuó su camino sin mencionar
palabra. Empujando su auto a un lado del camino,
a Harrison se le unió un hombre corpulento que
estaba pasando, pero incluso este buen acto tuvo
sus consecuencias y la mochila del hombre fue
robada. Un deprimido Harrison caminó a lo largo
de 20 cuadras para llegar a casa a la 1 am.
“Han sido dos meses en los que he estado muy
ocupado”, dijo a la mañana siguiente con un
mejor espíritu, sentado en su oficina de Santa Monica. Había estado grabando en el estudio, yendo
al club y hace pocas semanas se había casado.
“Lanzar un disco, casarse, poner lo mejor de ti,
tocar en Lollapalooza; este ha sido mi verano”.
14 . F I L T E R
Para un hombre que tiene mucho que hacer, resulta irónico que además de ser líder de Thenewno2 tenga que darle forma al nuevo álbum de su
banda y perderle el miedo a caer en una aparente
monotonía. Pero dejando de lado la ansiedad que
produce en nuestras vidas el “si tan sólo hubiera
hecho eso o aquello”, Harrison señaló todo lo
contrario, todo está en un constante cambio “sólo
es experiencia de vida”, dice.
“Algunas veces experimentamos el miedo de ser
excluidos de algo”, Harrison continúa. “Cuando
tienes ese temor, sientes que todo lo descuidas,
cualquier otro podría tener una vida de confort,
mientras tú estás en medio de la nada, sin saber a
dónde ir. Estoy tratando de disfrutar mi vida; ir
a casa, sentarme en mi sillón favorito y dejar que
pase cada minuto, y decir estoy bien”.
Mientras las nuevas canciones del segundo álbum
iban tomando forma, Harrison dijo que por primera vez sentía que el LP era un esfuerzo de toda
una banda. En busca de más fuerza en los actos en
vivo y trasladando esa energía al disco, Harrison
incorporó a Nick Fyffe, Jonathan Sadoff, Jeremy
Faccone y Frank Zummo a la banda, no sólo para
tocar sino para convertir al proceso creativo en
una experiencia colectiva, con lo que dejó de lado
su faceta obsesiva compulsiva. Paul Hicks, tres
veces ganador del premio Grammy y amigo de
la infancia de Harrison, fue invitado a participar
en la producción. Bajo un cuidadoso proceso de
grabación en el que se mezclaron beats de dubstep
con una capa de rock instrumental se obtuvo
algo de lo mejor de Bristol. Dentro del disco hay
invitados como el rapero RZA y Ben Harper,
compañero de banda de Harrison en Fistful of
Mercy, todos guiando a los escuchas a través de
esta ansiedad común contemporánea: el miedo a
perderse de algo.
“Necesitas rodearte de gente cuya esencia no sólo
esté plasmada en el acto en vivo, sino también en
el álbum” dice Harrison. “Para mí ha sido más
fácil caminar hacia una dirección pues sé que Paul
y yo tenemos los mismos gustos musicales. Es cuestión de creer en lo que quieres y lo que te gusta. Sé
que esto va a sonar tal cual yo quería que sonara.
Y si no, incluso podría sonar mejor”.
Para Harrison, terminar el álbum ha sido totalmente terapéutico. “El disco está enfocado a las
diferentes maneras de manifestar nuestro miedo
a perdernos de algo y al mismo tiempo en cómo
puedes terminar con ello, desde los primeros acordes necesitas dejarte ir, antes de que te destruya”
dice. “Es positivo, no hay tiempo y no te importa.
Está bien”.
F I L T E R . 15
Ya deberías conocer a...
SUAVE
AS HELL
Por ESAMIPAU!
Foto SOURPOP RECORDS
Aunque muchos pegan sus oídos a las fronteras y
devoran la música que incansablemente se hace en el
extranjero (pues creen que aquí no hay nada rescatable), existen proyectos que han dotado de muy buena
salud a la escena musical nacional.
Una de las bandas que se ha encargado de esto es
Suave As Hell, que llegó a conquistar no sólo nuestros
oídos, sino nuestros ojos también. La portada de su
primer álbum, Well, Well Mr. Whale, que mostraba una
hermosa ilustración de una ballena flotando entre
nubes sicodélicas, fue la puerta perfecta que había
que abrir para entrar al mundo de Suave As Hell.
No sabíamos que necesitábamos de su mezcla de
pop, folk y sicodelia hasta que le dimos play al disco
y empezamos a escuchar. Después de eso, el segundo
álbum homónimo que reforzaba el estilo musical del
cuarteto y la temática en sus letras, también prevaleció:
una constante alternante entre la realidad y fantasía
que se logra gracias a la imaginación y las miles de
posibilidades que ver algo por primera vez implica. Si
no han escuchado a Suave As Hell, le están negando
un viaje increíble a sus mentes.
Antes de que terminara 2012 los integrantes de Suave
As Hell no permitieron que nos olvidáramos de ellos
y nos presentaron “Desvanecer”, el primer sencillo
de un EP que lleva por título Selección Natural. Sería
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normal que después de dos LPs la banda se siguiera
con el tercero; sin embargo, para Juan Pablo (voz y
guitarra) la decisión de un formato más corto fue para
hacer una especie de corte.
“Las canciones que se estaban empezando a gestar
eran temática y conceptualmente distintas a otras que
teníamos a medio arrancar, que eran más parecidas a
lo anterior. Lo que hicimos fue utilizar estas rolas que
ya teníamos, como cierre del capítulo sobre la ‘infancia
de Suave As Hell’. Los dos discos anteriores van un
poco de eso: el primero habla de la locura de la infancia; y el segundo, sobre la nostalgia de la misma. Éste
es una especie de fabulario donde están los animales y
más cosas, creímos que era el elemento que podíamos
usar para cerrar este ciclo y pasar a lo otro que es
temáticamente más maduro”, dice Juan Pablo.
Afortunadamente, para Suave As Hell es importante
seguir caminando para adelante sin perder la esencia;
llámenlo exageración o congruencia, pero su segunda
producción fue grabada con instrumentos fabricados
en los 60 y 70, y aunque conservaron esa esencia para
este EP, aumentaron un poco la tecnología.
“No nos hemos aventado al precipicio, hemos dado
brinquitos hacia lugares desconocidos, pero trayendo
el equipaje con nosotros. Este EP es muy orgánico en
el sentido musical pues tiene guitarras acústicas, bajo,
piano y coros, pero yo metí mi cuchara al mostrar mi
lado que le gustan los experimentos musicales con
cosas electrónicas. Entonces con un teclado Yamaha
sampleé muchísimas cosas de librerías de sonidos de
sintetizadores digitales a través de uno análogo, entonces metimos muchos ruidos del estilo. Y aunque no
sean instrumentos de los 60 sí son vintage de los 80. En
ese sentido es congruente, pero seguimos explorando
las posibilidades de sonido sin quedarnos en lo mismo,
que podamos ejecutar en vivo y que nos siga
representando”. Esta inquietud surgió cuando Juan
Pablo hizo el soundtrack de la película Vete Más
Lejos Alicia y comenzó a explorar sonidos que lo
acercaron a distintos objetos que hacían diferentes
ruidos, hasta que encontró el que le gustó y que
quiso desarrollar un poco más a fondo al lado de
sus compañeros de banda.
La evolución musical le sucede a todas las bandas,
aunque son pocas las que logran adaptarse para
seguir creciendo y muchas se quedan en el camino.
Sin apresurarnos a nada, nos alegra ver que este
talentoso cuarteto de músicos enfrentan nuevos
retos con pasos firmes, así que para quienes estén
dispuestos a dejar ir su mente un poco, no duden
en hacerlo y escuchen Selección Natural en el bandcamp de Suave As Hell.
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Ya deberías conocer a...
LOS PUNSETES
Por BENJAMÍN ESPINOSA
Foto RICARDO RONCERO (CORTESÍA DE TERRÍCOLAS IMBÉCILES)
La amistad surgida en la universidad y
una afición mutua por la música condujeron a Ariadna, Manu, Jorge, Chema y Gonzalo a formar Los Punsetes.
Con su técnica, que reconocen que
“no es la mejor”, sumada a los sonidos
sencillos en los instrumentos y a letras
que sacuden cualquier complejo, demuestran no tener miedo en lo que
realmente son.
Los Punsetes aparecieron en el mapa
hace ocho años en Madrid, España, y
desde sus inicios ha llamado la atención la actitud de maniquí que adopta
Ariadna —vocalista— al momento
de sus presentaciones: una especie de
irrealidad para amenizar y darle tranquilidad al momento.
A pesar de que su primer material salió en 2008, la agrupación ha logrado
consolidar su muy peculiar y sobria
personalidad tanto en sus trabajos
de estudio como sobre el escenario.
Después de dos años sin nuevo disco,
Los Punsetes regresan con un material que los hizo encontrar una manera diferente de hacer canciones… al
menos para ellos: una forma “menos
concreta”.
Así, Los Punsetes ahondan en su propio sonido y presentan Una Montaña es
una Montaña, un disco que es menos
irreverente y brusco en su contenido
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lírico, en relación con sus trabajos
anteriores, aunque cuenta con el mismo sello de la banda. “El disco suena
mucho a Los Punsetes no hay grandes
cambios. Tampoco nos vamos a poner
a hacer algo tan diferente”, comenta
Manu, guitarrista de la banda.
“Una frase muy contundente y con
mucha sonoridad” es la fórmula
indicada para darle nombre a Una
Montaña es una Montaña y el productor
elegido por los madrileños fue Pablo
Díaz-Reixa —El Guincho—. “Nos
habíamos fijado que en las entrevistas él nunca habla de las canciones
ni de las letras. Él siempre habla del
sonido, de cómo está la producción
y pensamos que podría ser el adecuado, por tener una perspectiva
diferente de las cosas y por su forma
de trabajar consideramos que era diferente a como lo habíamos hecho”,
opina Manu.
Un toque de cinismo y diversión,
mezclados con sobriedad para decir
las cosas en un panorama competitivo y prometedor para Los Punsetes. “Lo que creo es que todos estamos en gran momento, tampoco
de una manera muy consciente pero
curiosamente ha coincidido con que
hemos estado haciendo una música
menos pop”, concluye el guitarrista
con respecto a la escena musical.
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Por BENJAMÍN ESPINOSA
Fotos RODRIGO JARDÓN
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TURbina
Llegamos apenas unos minutos después de que Turbina empezara el soundcheck para su primera presentación en el bar Caradura, mientras Gabriel,
guitarrista y vocalista, subía su instrumento y algunas cajas por las escaleras. Los demás integrantes de una de las bandas mexicanas que tocará en SXSW ya
se encontraban sobre el escenario para preparar y ensamblar los demás instrumentos.
La banda estuvo poco más de una
hora sobre el escenario para afinar
todos los detalles y pormenores
junto con el ingeniero de audio del
lugar, con el objetivo de tener una
presentación perfecta. Luego de
esto, los cuatro integrantes de Turbina y Pablo—uno de los músicos
invitados— bajaron para platicar
con FILTER México sobre sus
planes y experiencias dentro de la
industria musical.
Estaban muy contentos, ya que acababan de confirmar su segunda participación en SXSW (edición 2013
del festival), logro aunado a la próxima salida de su nuevo material en
formato gramofónico y a la edición
del video de su sencillo “Cretino”,
dirigido por David Gerstein, “Estamos a punto de sacar la segunda
entrega de la trilogía Leti’ HumEek’
– Inda Jani–MishMasadi en un vinil y
contendrá seis canciones inéditas, el
material se mandó a hacer a Estados
Unidos”, nos comentó el vocalista y
guitarrista Alex. La primera entrega
de esta serie fue el año pasado en
formato de disco compacto.
Hace algún tiempo la banda tuvo
que buscar a un nuevo bajista.
“En ese momento Nick tenía la
necesidad de crear otro tipo de
propuestas que estaban vinculadas con la escena de la música
electrónica”, nos cuenta Gabriel.
Entonces lanzaron una convocatoria vía Facebook para encontrar a
su reemplazo y llegó Cheo. “Yo ya
sabía quiénes eran porque el primer
baterista tocaba con amigos míos
de Puebla, me metí a su Bandcamp
para actualizarme con las rolas e
hice la audición”, explica el ahora
bajista de la banda.
Gabriel nos platicó sobre la llegada
de algunos remixes realizados por
el productor holandés Roel Funcken
y que vendrán incluidos en el próximo lanzamiento. “Es un vinil doble,
lo encontrarás de manera física y
lo vas a poder descargar, además
de que contendrá la tercera parte
del disco (digital), más los remixes
y unos videos que grabamos en el
Foro del Tejedor donde también
colaboraron Pablo Delgado en los
alientos, e Israel Araiza, el violinista de TheSconek-T, así como Renee
Mooi en la voz. También tiene un
arte muy chido elaborado por el
reconocido fotógrafo mexicano
Gudini”, señala.
Durante nuestra visita a la prueba
de sonido también buscábamos
conocer esa parte que pocos conocen o ven, ¿qué cosas pasan antes,
durante o después de sus tocadas?
“Las buenas experiencias son
cuando tienes un buen soundcheck,
después puedes subirte con mucha
confianza, sabes que te vas a escuchar bien y no vas a tener broncas.
Aunque también hemos tenido
malas experiencias. Hace como uno
o dos meses llegamos a un concierto
que teníamos programado y no
había llegado el sonido y pues ya ni
tocamos”, dice Cheo.
Sin embargo, también hay historias
que destacan por ser cómicas para
la banda. Sobre esto Aarón, baterista, nos cuenta: “Hace poco un
señor nos quería callar en el metro
San Lázaro. Estaba muy molesto
porque estábamos tocando, se puso
a gritar ‘¡tranquilos, este lugar no es
para hacer ruido!’ y nos exigía que
nos fuéramos al jardín que estaba
afuera de la estación”. Así, entre
historias chuscas nos despedimos
de Turbina y compañía para que
pudieran ir a cenar algo y se relajaran antes de subir de nueva cuenta
al escenario.
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Luego de lanzar el disco Bestia, en 2009, Denise, Bonnz, Oro de Neta y Joe regresan con nueva producción bajo el brazo, y hablaron con FILTER México sobre cómo las nuevas vivencias y experiencias
dieron vida a Arunima, un material descrito por ellos mismos como el inicio de un nuevo camino.
Los estudios Sonic Ranch, en Texas, vieron nacer este disco bajo la producción de Camilo Froideval (El
hombre Invisible de Ely Guerra) y Manuel Calderón, quien se encargó de la mezcla. Durante su participación en el festival Corona Capital sonaron canciones nuevas como “Para ti”, “No es que no te quiera” y
“La Flotadera”. Recientemente, Hello Seahorse! terminó la gira del Rockampeonato, en la que compartió escenario con Café Tacvba.
¿Cómo surge Arunima?
Denise (voz): Es una palabra que define el
inicio de un nuevo camino. Sacar un disco es una
nueva vida.
Joe (guitarra): Las nuevas canciones representan nuevas experiencias, cosas que hemos vivido y
aprendido a través de los años con discos pasados,
y queríamos que este disco tuviera más energía y
nos funcionara mejor para tocarse en vivo.
¿Cómo fue trabajar con Camilo Froideval?
D: Camilo se ha vuelto un nuevo maestro para
nosotros, así como lo fueron Yamil Rezc en Bestia
o Money Mark y Yamil en Lejos. No Tan Lejos. Lo
tomamos, aparte de cómo un amigo y un aliado,
como un maestro.
Yo siento el disco más rockero, hay más guitarras.
A él (Camilo) lo involucramos desde el proceso
de composición, iba constantemente a visitarnos
para trabajar las canciones, después fue con nosotros a Coachella y eso nos unió mucho.
Tras un nuevo horizonte
Por BERENICE IBARRA
Fotos EMI MUSIC MÉXICO
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¿Cuál es el papel del productor cuando
ustedes están más involucrados en el proceso creativo?
Bonnz! (batería): Es una visión externa. Muchas veces tú tienes una idea fija de lo que quieres
pero lo has visto desde afuera. Alguien que lo
ve desde afuera es más objetivo y te dice que no
suena tan bien como crees. A veces alguien tiene
que bajarte el ego porque puedes creer que todo
lo que haces está increíble y que a todo el mundo
le va a gustar.
D: Tú piensas que encontraste el hilo negro
pero necesitas de alguien que te baje los pies a
la tierra y que te digan por qué no vamos por
acá.
B: Lo padre de trabajar con Camilo en Sonic
Ranch fue el acierto de los arreglos, la parte
técnica y la parte de ingeniería junto con Many
(Manuel Calderón) con quien hace mucha
mancuerna.
Es bien padre meterse en este aspecto de la
producción que muchas veces se olvida y ahora
por la onda de que cualquiera puede tener una
interfaz en su casa y grabar un disco, se olvida
que los discos de antes sonaban así por algo.
Camilo hablaba mucho de que el poder
regresara a las manos del músico y
hacer cosas más artesanales. En este
sentido, ¿en qué es diferente este disco a
los anteriores?
B: Los discos anteriores eran más digitales y
este es más análogo ya desde ese principio, lo
que cambia mucho el sonido.
D: Teníamos más claro lo que queríamos,
porque es el primer disco en el que tuvimos un
trabajo de preproducción, tomar una maqueta y
retomarla para probarle todas las figuras que tiene.
Como personas, ¿en qué momento llega
este disco?
D: Cada quien en nuestra propia vida estamos en
una situación distinta, parados en otro lado. Como
banda también, entonces quieres decir otras cosas y
contar nuevas historias; a mí me toca la parte lírica y
quiero contar nuevas anécdotas, nuevas experiencias.
¿Cómo fue el momento en el que se dieron
cuenta de que dejaban de ser una banda
amateur?
Oro de Neta (sintetizadores): Dos.
D: Esa pregunta nos la hicieron hace 5 años y nuestra
respuesta fue exactamente un par de años. De pronto
la carrera de la banda no siempre ha sido luminosa,
ha tenido muchos momentos de crisis, donde individualmente nos preguntamos si debemos hacer otra
cosa, pero curiosamente hay una necesidad de hacer
música y es la que te hace mantenerte ahí, entonces no podemos decir cuántos años vamos a estar.
Considero que durará el tiempo que tenga que durar
y, muy probablemente, si esto se termina en un punto,
vamos a seguir haciendo música de alguna forma,
pero porque lo veo en mis colegas. Para nosotros es una necesidad hacer música, es una
necesidad chingona y la disfrutas.
¿Qué esperan de este disco?
D: Es curioso, porque es lo mismo que
quieres con cualquier disco, es la misma
dinámica, lo mejor es hacerlo interesante.
Haces un disco, o lo quieres tocar mucho o
tal vez lo haces y decides no tocar, nosotros
queremos tocarlo porque hicimos un disco
para tocarse en vivo.
B: No nos hemos dado cuenta.
D: Lo que pasa es que vivimos de esto, vivimos en la
música constantemente, a eso nos dedicamos y creo
que cuando sientes la adicción de la música tocando
en ti, ya estás más para allá que para acá. Ya estás
completamente inmerso en la música. Una vez que ya
estás bien metido es la droga más intensa que hay y
no hay cosa más chingona que hacer música, tocarla
en vivo, hacer un disco, vivir la vida para hacer una
canción, es una cosa bien padre, pero te tienes que
dejar, si no te dejas o le tienes miedo, se va a quedar
como un simple proyecto.
¿Cuáles son los elementos que ustedes consideran han llevado al éxito a la banda?
B: Constancia. Yo creo que hay que ser muy constante y siempre hemos estado al pie del cañón, dándole,
y que hacemos música honesta que nos gusta. No
buscamos llegarle a las masas o hacer hits, porque no
sabemos hacerlos; hacemos canciones que nos gustan,
que nos salen y creo que eso es lo más importante,
creo que una banda debe ser honesta.
Alguna vez a Mick Jagger le preguntaron
cuántos años iba a durar su banda, y él
contestó que dos, ¿cuántos le ven a HS!?
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DEAN WAREHAM
Otro día con el eterno sonido de
GALAXIE 500
Por ALEJANDRO RUBIO
Traducción BENJAMÍN ESPINOSA
Fotos MICHAEL MACIOCE/macioce.org
En 1962, la Ford Motor Company introdujo el nuevo sedán, el Galaxie 500.
Durante más de una década conquistó las calles vendiendo millones de modelos,
hasta que se dejó de producir en 1974. A pesar de que la industria automotriz
empezó a tomar una tendencia nostálgica para rediseñar y reintroducir modelos
como el Challenger, el Camaro e incluso el Fiesta, el Galaxie 500 permaneció
en el olvido.
Pero había otro Galaxie 500. Formado en 1987 por alumnos de Harvard:
Damon Krukowsky, Naomi Yang y Dean Wareham. Este Galaxie 500 era una
banda de rock que grabó tres álbumes de estudio —Today, On Fire y This Is Our
Music— permanecieron unidos durante cuatro años antes de disolverse abruptamente en 1991. A diferencia del Ford, que arrinconó entre los recuerdos de
nuestras mentes su popular modelo, este Galaxie 500 se rehusaba a ser olvidado
y hacer disfrutar e intrigar a su legión de seguidores.
Durante 20 años, las canciones de la banda se limitaron a ser grabaciones
dispersas por todos lados. Seguido del rompimiento de la banda, Krukowski y
Yang formaron Damon & Naomi, mientras que Wareham tocaba en Luna y luego en Dean & Britta (con su esposa, Britta Phillips). Luego, en 2012, Wareham
decidió salir al ruedo y darle a las canciones de Galaxie 500 otra vida. Así, el
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cantante y guitarrista encontró la guía para prepararse y presentar “Dean
Wareham toca Galaxie 500” en el festival Culture Collide (2012) en Los Angeles, recordando su tiempo con la banda y como se siente regresar a tocar
esas canciones luego de alejarse por dos décadas.
Estoy seguro de que no fuiste
a Harvard con la esperanza
de iniciar una banda. ¿Cuáles
fueron tus primeros planes al
empezar ahí?
No tenía planes. Creo que algunas
personas sabían exactamente lo que
querían hacer a esa edad —entre
los 18 y los 21. La verdad es que yo
no. Pensé que me quedaría en la
escuela o en la política. Damon fue
a la universidad para estudiar inglés
y literatura y Naomi se inscribió en
arquitectura, pero yo no sabía lo que
estaba haciendo. No lo tenía del todo
resuelto. Si me preguntaran ahora si
volvería a hacer música, estoy seguro
de que diría que “no”. Parecía poco
probable.
¿Tocaste en otras bandas antes
que en Galaxie 500?
Cuando estábamos en Harvard,
Damon y yo estábamos en una
banda que se llamaba Speedy and
The Castanets. Éramos muy malos,
no sabíamos tocar. Tocábamos covers punk rock de canciones de The
Clash, Joy Division y The Cramps
y nuestros amigos iban a reírse de
nosotros. Luego de cinco años y
después de graduarme de la universidad me fui a Alemania por un año
con mi novia, sólo me sentaba en mi
cuarto para tocar mucho la guitarra.
Cuando regresé a Estados Unidos
empecé a armar una banda, pero no
sabía cómo hacerlo de una manera
seria. Empezamos a tocar Damon y
yo e hicimos una especie de audición
para conseguir un bajista, pero fue
hasta que Naomi entró a la banda
que todo comenzó a ir en la dirección certera. Me había dado cuenta
de que en vez de buscar a un músico
consumado debería buscar uno que
compartiera la misma sensibilidad.
Creo que eso es importante en una
banda que quiere compartir su
visión. De esa manera no terminas
tocando con alguien a quien le gusta
un tipo de música completamente
diferente a la que a ti te gusta.
¿En Galaxie 500 habían hecho
seguidores antes de grabar su
primer álbum, Today?
No, no teníamos. Sólo eran esos amigos que podíamos persuadir de ir a
vernos en un miércoles por la noche.
Ya sabes, cuando empiezas en una
banda sólo tus amigos y tu familia
van a verte, es todo. Lo hicieron un
par de veces, luego se cansaron de
nosotros. Pero había un sistema de
estaciones de radio en la universidad, en Boston, eran muy influyentes
y podías hacer un casete o alguna
grabación pequeña y mandarla a
estas estaciones. Parecía que había
algunos programas que la gente
sintonizaba y escuchaba más, así que
podías hacer algún acto en vivo, con
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seguidores locales y tocar una o dos canciones que
no habían sido lanzadas aún.
Una vez que la gente escuchó el primer álbum
que produjo Mark Kramer (cuarto integrante
de la banda, quien también trabajó con Royal
Trux y The Jon Spencer Blues Explosion) , ¿se
encontraron con una popularidad repentina?
Sabíamos que éramos un poco populares pero no nos
habíamos dado cuenta de lo mucho que lo éramos
en Boston, nos dimos cuenta en otras ciudades. Creo
que también es el caso en que una buena banda se
vuelve más popular fuera de su ciudad, pero también
es cierto que te vuelves muy famoso en tu ciudad
natal porque eres una banda que se escucha bien en
vivo, pero fuera de eso, a nadie le importa porque
tus discos no son tan buenos. Cuando sacamos el
primer disco, cualquier gira que hacíamos se trataba
de aprender del desastre, de romper cuerdas o lo que
sea. No estábamos tanto tiempo juntos, pero poco
antes de separarnos, grabamos un álbum en vivo en
Copenhague y tocábamos esas canciones muy bien.
Ahora han pasado más de 20 años desde su separación ¿Qué te inspiró a tocar esas canciones
de nuevo? Especialmente cuando te firmaron
como “Dean Wareham toca Galaxie 500”.
Bueno, acordé tocar así por la descripción exacta
de lo que es y lo que estoy haciendo. Britta y yo
empezamos a tocar en los shows con más cancio-
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nes de Galaxie 500 en nuestro set y luego tocamos
en pequeños festivales españoles donde el promotor decía, “¿Por qué no regresas el próximo año
y haces un show de Dean & Britta y tocas un set
entero de canciones de Galaxie 500?”. Lo hicimos
y sonaba muy bien. Llegué a casa de ese viaje y los
discos de Galaxie 500 estaban siendo relanzados, exactamente 20 años después. Sentí que yo
también podría hacerlo ahora y lo he disfrutado
desde entonces.
siente diferente, cantando canciones como “Don’t
let our youth go to waste” y es diferente cuando
tienes 25 años que cuando tienes 48. Creo que
estas canciones han envejecido muy bien. No sé
por qué, pero lo han hecho.
¿Cómo ha respondido la gente al verte
tocar estas canciones de nuevo?
Definitivamente hay más bandas ahora. Todo
el mundo está en una banda. Más gente se encuentra de tour y lanzando discos al mercado,
creo que hay más bandas haciendo música
parecida a la que hacíamos nosotros. Cuando
estábamos en la escena, todo era parte del
grunge. Parecía que todos estaban pensando
en eso. Había un montón de cosas ruidosas
que salían de Nueva York como Sonic Youth,
Live Skull y Swans. Así que lo que hacíamos
nosotros era un poco diferente a eso.
La gente parece contenta, echo una mirada y
sonríen sosteniendo sus encendedores. Ellos se
saben todas las letras de las canciones. Es muy
cool cuando voy a Japón y a Brasil —toco estas
canciones en mis shows en São Paulo y la gente se
sabe todas las canciones.
¿Tus sentimientos hacia estas canciones
han cambiado desde la última vez que las
tocaste con Galaxie 500?
Bueno, eso creo. Especialmente las primeras
veces que hacía estos shows se sentía como ser
transportado atrás en el tiempo, regresar a la juventud, cantando canciones acerca de la persona
que solías ser. Es extraño regresar a muchas de las
ciudades donde quizá tocamos por primera vez
hace tiempo. Hay ciertas canciones en las que se
No creo que hubiera muchas bandas tocando entonces como las hay ahora, pero la
gente todavía parece estar atraída con los
discos de Galaxie 500…
¿Qué es lo que más te enorgullece de
cuando estuviste en Galaxie 500?
Creo que estoy orgulloso de los tres. Músicos autodidactas. Fue como un sueño hecho
realidad, que fuimos capaces de reunirnos para
hacer nuestros discos y todavía sonar genial,
raros y no escucharnos de antaño. No suena
ochentero ni noventero, eso es un logro.
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BANDA
PRINCIPALES
TURISTAS
DE
Sin nada más que demostrar
Por MILTON BARBOZA
Fotos POP ART DISCOS
Ser una banda que ya es aclamada en todo un continente
y que tiene la posibilidad de
convertirse en el proyecto a
seguir, representa un verdadero
reto. Este es, tal vez, el caso de
Banda de Turistas, agrupación
argentina que con sólo tres
discos está en el proceso de
ser el punto de referencia en el
Cono Sur.
Desde un viejo hotel del DF,
entre llamadas a huéspedes
por medio de las bocinas del
lobby, tuvimos la oportunidad
de descubrir cuán maduros son
los miembros del grupo que ha
logrado con su tercer disco, Ya,
darse a conocer entre públicos
más amplios. “Es un disco muy
bien hecho y, por los escalones
que estamos subiendo, creemos
que vamos a llegar al final de la
escalera bastante bien”, apunta
Bruno Albano, uno de estos
26 . F I L T E R
turistas que ya son más que
ciudadanos en México.
“Yo creo que significa la
confirmación de la profesión
que elegimos. Esto es una
suma de experiencias, tanto
para el público como para
nosotros, una nueva forma de
tocar; con el tiempo mejoramos, cambiamos la forma de
tocar, es un ida y vuelta esto se
va cerrando, un mejor show,
más gente. Es una carrera de
ascenso que esperemos que la
gente nos acompañe en todo
momento para ir informándose
con nosotros e ir aprendiendo
con nosotros”, agrega Tomás
Putruele, vocalista y guitarrista
de la banda.
Y con nuevas canciones, llegan
las nuevas críticas, ésas que hacen a muchos flaquear e incluso
evidenciar su intolerancia ante
los comentarios malos. En el caso de
los creadores de excelsas rolas como
“Cada día”, esto no parece importar
del todo. “Amamos la crítica, nos
hace sentir más orgullosos, y a su
vez como… no sé si será la frase:
‘más chingón’, por algo nos critican,
está buenísimo, pero no respondemos. Creo que lo importante es que
hacemos cosas y desde el comienzo
tuvimos una buena crítica en realidad. Al principio a la prensa le gustó
bastante nuestra música y como te
decía antes, partía desde un punto
totalmente inconsciente de nuestra
parte. Y si le gustó a alguien, eso
ya nos ayudó bastante a estar en
donde estamos, a confiar un poco
en nuestra intuición y en lo que estábamos haciendo, que el mensaje era
correcto y que estábamos haciendo
un buen camino como banda”,
explica Putruele.
Pese a los altibajos de la escena latinoamericana, y que tiene cualquier
otra escena, con tan sólo seis años
Banda de Turistas puede darse el
lujo hoy de buscar a otros artistas
para colaborar en sus producciones.
Aunque bromearon diciendo que
invitarían a Paul McCartney y
Hendrix a participar en futuros ál-
bumes, lo que ha sucedido con ellos
es que dejaron de ser herméticos al
momento de producir y escuchar
opiniones. “Creo que si hubo un
cambio en nosotros fue a partir de
empezar a abrir nuestra música al
resto de la gente, los productores
y otros músicos. Cada vez nos
gusta más esa visión objetiva sobre
nuestra música y sobre lo que otra
mente, que no esté adentro del grupo, puede aportar. Así que para el
próximo disco vamos a considerar
varias colaboraciones, probablemente distintos productores y
bueno, no lo tenemos planeado, así
que no te puedo adelantar nada”,
confía Bruno, el bajista, al mismo
tiempo que comienza a hojear
FILTER México
Este “grupo rock-pop”, que es como
sus integrantes definen a Banda de
Turistas, tiene el privilegio de ya no
tener que demostrar nada, lo que
han logrado gracias a ese ejercicio
de hacer su música a conciencia, con
base en sus experiencias personales,
pero sobre todo, porque siguen
creyendo en que, para llegar a ser
LA banda en su país, no queda más
remedio que trabajar para encontrar su propio momento.
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PRINCIPALES
La última cena en el Restaurant
Por LULI SERRANO EGUILUZ
Fotos OCESA SEITRACK
El pasado es riesgoso de revisar. Sus cimientos, adornos, colores y tonos no siempre son como la memoria
los organiza. Cada cierto tiempo se va perdiendo el
matiz de los tapices, la forma de las cosas, el contorno
de las sombras. Por eso, a veces, sólo con ciertos
recuerdos muy especiales merece la pena desempolvar lo que sucedió dentro de ese momento específico
en que todo pareció acomodarse y propulsó el futuro
que se volvió presente. Flip Támez y Beto Ramos,
guitarrista y baterista del conjunto regiomontano
Jumbo, recuerdan con FILTER México el ahora
lejano 1997 cuando las cosas no eran fáciles y había
que buscar trascender la vorágine de sonidos novedosos que se producían en su lugar de origen.
Un día en la vida de Jumbo antes de hacer Restaurant
era la vida de músicos que lo son práctica y casi
exclusivamente de noche. Flip cuenta que los ensayos
eran a esas horas del día porque todos tenían otros
trabajos para sostenerse, cuando la música no les
permitía todavía hacerlo de ésta. El cuarto de ensayo
estaba forrado de cajas de cartón y no tenía aire
acondicionado (algo esencial en una ciudad con el
clima de Monterrey). Todos se veían más a menudo,
la química mientras trabajaban juntos era palpable.
“Nadie veía el reloj para irse”, dice Flip. Un recuerdo
fundamental es el ímpetu con que hacían cosas que
ahora parecen engorrosas. Todos cargaban con el
gear de Eddie y nadie se quejaba. Es justo ese impulso
el que no quieren perder. Ser cinco músicos sin idea
de lo que hacían realmente con una energía dirigida
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a hacer lo que más les gustaba en la vida. Si tenían
una pequeña tocada, ello implicaba cargar los fierros
y pedir prestados algunos otros. Para Beto se trató
de hacer un disco que vivió como fan, pues él llegó a
la historia del grupo después del disco. “Representa
mucha nostalgia. Tocar la obra completa me remonta
a los momentos cuando yo llegué a Monterrey. Estaba en mi cuarto escuchándolo. Me sabía el orden,
le atrasaba y le regresaba a las canciones. Todo eso
vuelve a la cabeza”, recuerda.
La camaradería entre bandas, las de la famosa
“Avanzada Regia” a la que pertenecieron cuando
Restaurant se publicó, siempre ha estado más adornada por los medios que por la realidad ocurrida.
“No es como que había un mitin y Tony de El Gran
Silencio tocaba un platillo para iniciar sesión”, bromea Flip. Ahora, cuenta Beto, todos son más amigos
que antes. En ese entonces, todos los grupos trataban
de encontrar su onda, su sonido particular. Plastilina
Mosh, los mencionados El Gran Silencio, buscaban
algo que los hiciera diferentes del resto de lo que se
oía en ese entonces. Jumbo ejecutaba un rock mucho
más clásico, eran los más normales de todos ellos.
Todos los discos tienen un soundtrack escondido
detrás de los oídos de cada integrante. En sus estéreos
y casetes sonaba The Bends de Radiohead, inspiración
marcada sobre todo en los teclados del Restaurant.
Sonaba también Billy Corgan y The Smashing
Pumpkins con el Mellon Collie and the Infinite Sadness.
Flip era el más grunge y escuchaba mucho a Pearl
Jam y Soundgarden. Charlie siempre ha sido el más
clásico y traía al ensayo sonidos esenciales del rock
como Page o The Band.
Sobre su secreto para mantenerse unidos a pesar del
tiempo (aunque en 2005 sufrieron de la partida de
Eddie y Bugs), Flip dice que la historia de cada banda
es una especie de novela. Primero fueron amigos y
compañeros de borrachera, luego socios y finalmente
una familia. Esa historia también depende de que la
gente escuche. El camino de la banda ha recorrido la
independencia, los sellos transnacionales, el retorno a
la independencia, el no tener manager y luego tener
tres, después ninguno. De alguna manera han sabido
sacarle provecho a todas las circunstancias. El mejor
momento del grupo, según Flip, ha sido cuando no
se encuentran de alguna manera en la gracia de la
‘popularidad’, volando por debajo del radar. “Somos
una banda que no ha parado desde el día uno. No
nos tomamos recesos para escribir canciones o
trabajar en discos mientras estamos de gira, que es
casi todo el tiempo. Nunca hemos parado y eso se lo
debemos a que siempre ha habido alguien dispuesto
a escuchar nuestras canciones y comprar un boleto
para nuestros shows”, remata.
Jumbo ha sido uno de los pocos grupos que ha alzado
la voz frente al problema de inseguridad y violencia
que aqueja a nuestro país, plasmando su sentir en la
canción “Alto al fuego”, que le dio nombre a su más
reciente disco de estudio, publicado en 2011. Al respecto, Flip comenta que en toda la carrera de Jumbo,
jamás habían tocado un tema de esta naturaleza
pero siempre han escrito de cosas que los afectan.
Justo cuando grababan el disco decidieron hacer un
ejercicio distinto y se encerraron a componer en un
desierto donde no hubiera señal de celular. Ahí se
dieron cuenta de que había mucho enojo en todos por
la situación de violencia que se vivía, particularmente
en la ciudad de Monterrey, y escribieron la canción
rápidamente, sin el afán de cambiar nada, sólo con
el fin de levantar la mano y provocar reflexión entre
la gente.
En las entrevistas subsecuentes se convirtieron
en una suerte de portavoces de Nuevo León. “La
música en ciertos casos debe tener un rol de cronista,
mínimo”, apunta Flip, aunque no es la intención del
grupo buscar una secuela de la misma en su nuevo
trabajo. “Aquí habría que preguntarse la función de
la música dependiendo de cada quién. Hay quienes
la hacen por aceptación social, por desmadre, por
entretenimiento. Es válido usarla también como
público a manera de válvula de escape frente a la situación difícil, en la que no quieres ir a un concierto
a recordarla sino a olvidarla y bailar y cantar”, dice
Flip.
Cumplir quince años no es cosa fácil y Jumbo ha
querido celebrar por todo lo alto este acontecimiento, no sólo con el concierto en El Plaza el pasado 25
de octubre, donde se dedicaron a ejecutar Restaurant
en su totalidad, sino con una reedición del álbum
que se compondrá de tres materiales. El primero, la
versión remasterizada del disco original. El segundo
contará con versiones de dichas canciones a cargo
de varios grupos amigos del grupo, como Siddhartha, Enjambre, Niña, Pato Machete y Mexican
Dubwiser, entre otros; y finalmente, con un DVD
que contará la historia de la creación del disco y documentará el camino del grupo hasta el día de hoy.
Los planes de Jumbo incluyen también el
lanzamiento mensual de un cóver, elegido
por ellos mismos y cuya única constante es
que incluya “man” en el título. Flip dice
que nunca han contado la historia de ese
proyecto, y que tiene sus orígenes en una
pieza de Elton John (“Rocket man”) que se
les pidió para un álbum patrocinado por
Coca-Cola, misma que se enlató, pues el
cantante inglés decidió, de último momento,
f irmar un contrato con la refresquera rival.
A partir de ello, decidieron lanzar la versión
ellos mismos y cada mes producir una nueva
a manera de ejercicio. Esperan publicar un
nuevo disco a principios de 2013, cuyo contenido es aún un misterio para ellos mismos.
Todo el trabajo alrededor de Restaurant para el
grupo ha significado cerrar una segunda etapa de
la vida del conjunto (la primera, marcada por el
antes mencionado 2005), misma que les permitirá
empezar con nuevos bríos la tercera parte de la
historia de Jumbo, que es la que más les emociona, quizá con gente nueva en el equipo.
La última cena del Restaurant ha sido servida.
Lo que resta en la vida de Jumbo es la construcción del álbum definitivo de su carrera,
mismo que no consideran que sea el ya citado
(es, de hecho, el disco menos favorito al interior
de sus filas), un álbum que conjugue todo lo
aprendido durante este largo camino y que
les permita cimentarse como uno de los más
sólidos proyectos surgidos de las entrañas del
rock mexicano.
F I L T E R . 29
30 . F I L T E R
lo mÁS RECOMENDABLE DE
SEGÚN
L
as listas de lo mejor del año suelen ser aburridas debido a su subjetividad. Es por esto que en
FILTER México preferimos organizarnos con respecto a lo que viene en cuanto a música el
próximo año y te decimos cuáles festivales consideramos que van a repuntar; te recordamos
los lanzamientos de discos y conciertos confirmados; ponemos changuitos con respecto a regresos,
reencuentros y shows en vivo; y, por qué no, hacemos nuestra cartita a Santa Claus pidiéndole volver
a escuchar a X o Y banda, aunque sepamos que probablemente nos quedaremos con las ganas.
También nos aventuramos a afirmar que 2013 será de TOY, Poliça y Alt-J (Δ), motivo por el que
contactamos a integrantes de estas tres bandas para platicar con ellos, entrevistas que disfrutarás en
las próximas páginas. También te recomendamos no perderle la pista a Café Tacvba, Azealia Banks,
Arcade Fire, Kendrick Lamar, Enjambre, Teen Daze, The Vaccines y Wild Nothing.
Esperamos que disfrutes este especial y lo aproveches para ver qué libros o discos pedirás de regalo
navideño o cumpleañero, así como a qué concierto quieres que te inviten, y cuáles serán las películas
más musicales del año (más las que se sumen).
Staff FILTER México
F I L T E R . 31
FESTIVALES
Encuentros musicales que este año serán
particularmente especiales
32 . F I L T E R
SXSW (12-17 de marzo). Alt-J, Buck 65, Turbina,
Tego Calderon y más.
VIVE LATINO (14-17 de marzo).Yeah, Yeah, Yeahs,
Morrissey y Blur estarán entre los actos principales.
Coachella de nuevo dos fines de semana (12-14 y
19-21 de abril).
Primavera SoundBlur será la banda principal en
Barcelona (22-26 de mayo) y Porto (30 de mayo-1
de junio).
Sasquatch (24-27 de mayo). Un festival sin
pretensiones ni mucho hype. Una locación natural
extraordinaria en Washington (el hermoso
anfiteatro The Gorge) y una curaduría que en el
pasado ha incluido actos como Wilco, Dinosaur
Jr., Mark Lanegan, Spiritualized, Jack White y
Beck. Cuatro días de rock, rap, música electrónica y shows cómicos que se posicionan como un
espacio donde la música y su sonido impecable
son los protagonistas.
Bonaroo (13-16 de junio). Con diez años de historia, ya es un must de los melómanos.
Glastonbury (26-30 de junio). Sin conocer el
cartel se agotaron las entradas. No olvides estar al
pendiente de los boletos que se cancelen.
Rock Werchter (Bélgica, del 4 al 7 de julio)
tendrá a Depeche Mode como una de las bandas
principales.
EL SÓNAR(13-15 de junio) y El Festival Internacional de Benicàssim (18 -21 de julio) llegan a su
vigésima edición.
Lollapalooza (20-22 de agosto) llega a Tel Aviv.
Austin City Limits (4-6 y 11-13 de octubre) durará
por primera vez dos fines de semana.
Corona Capital. Aún falta mucho por mejorar
en el festival internacional más importante del
país. A los retos logísticos por superar se le añade
la expectativa de curar un cartel tan interesante
como el de 2012. La atención de varios medios internacionales está presente. Los ojos están puestos
sobre la ciudad en octubre.
Culture Collide El mismo mes se celebrará la
cuarta edición del festival que ya es todo un referente en el mundo de la música.
DISCOS
-Lysandre-Christopher Owens
-Anything In Return-Toro y Moi
-Beta Love-Ra Ra Riot
-Heartthrob-Tegan & Sara
-Hummingbird-Local Natives
-Wolf’s Law-The Joy Formidable
-True North-Bad Religion
-Holy Fire-Foals
-Free the Universe-Major Lazer
-The Afterman: Descension-Coheed & Cambria
-No End-Daft Punk
-The messenger-johnny marr
-home-nosaj thing
-pedestrian verse-frightened rabbit
-People, hell and angels-jimmy hendrix
-imagina-madame recamier
-cinema mandril-sr. mandril
Otros
-Depeche Mode
-Yo La Tengo
-Arcade Fire
-Lily Allen
-Azealia Banks
-Kings Of Leon
-Phoenix
-Vampire Weekend
-How to Destroy Angels
-Quiero Club
-yeah, yeah, yeahs
-devendra banhart
-Queens of the Stone Age
-Rage Against The Machine
-The Black Keys
-Nine Inch Nails
-Black Sabbath
-local natives
CONCIERTOS
Para empezar el año…
25 de enero: DLD en el Auditorio Nacional
31 de enero: GRizzly Bear en el Auditorio BlackBerry
18 y 19 de febrero: NICK CAVE AND THE BAD SEEDS
en El Plaza Condesa
23 de febrero: La Gusana Ciega en el Auditorio
Nacional
25 de febrero: THE MACCABEES en El Plaza Condesa
3 de marzo: RED HOT CHILI PEPPERS (RHCP) en la
Arena VFG (Guadalajara)
Los que soñamos
Lollapalooza y Rock in Rio Hasta ahora no
hay nada concreto con respecto a ediciones mexicanas de estos festivales.
Foo FigHters Se ha rumorado tanto este concierto que ya nos lo deben, en festival o solos.
SoundgardenCon King Animal, el primer disco
de la banda después de 15 años, ¿por qué no una
breve visita?
Depeche Mode. Nuevo álbum, gira mundial…
5 de marzo: RHCP en El Palacio de los Deportes.
12 de abril: The Killers en el Estadio 3 de Marzo
(Guadalajara)
13 de abril: The Killers en el Foro Sol
Para ir ahorrando…
The Cure Robert Smith ha declarado que la
banda visitará América Latina en primavera/
verano de 2013, región en la que México es una
parada obligada.
Muse Tras el reciente lanzamiento de The 2nd
Law, una gira mundial es un hecho.
Queens of the Stone Age Con su visita a
Lollapalooza Chile los rumores sobre su visita a
México son cada vez más fuertes. Así sea.
PELÍCULAS
LIBROS
Bailando por nuestra cuenta
y Recuerdo prestado
Con motivo del XX aniversario de la carrera de
Café Tacvba.
Behind the beat: Hip Hop Studios
Una mirada al interior de los estudios caseros de
grandes productores, músicos y DJs dedicados al hip
hop y sus ramificaciones. Los espacios creativos de
los músicos detrás de los beats en Inglaterra y Estados
Unidos. Muestra los espacios de DJ Shadow, Cut
Chemist, J Dilla, Madlib, Dan the Automator, entre
otros. Se reimprime el 15 de enero e incluirá un disco
con canciones de los DJs y las compañías disqueras
involucradas en el proyecto.
All Is By My Side, de John Ridley
Andre 3000 interpreta a Jimi Hendrix antes de
ser famoso.
Sound City, de Dave Grohl
Documental sobre el estudio de grabación Sound
City, en Los Angeles, California, que comenzó a
funcionar en 1969 y que ha visto nacer Nevermind, de Nirvana; Rumors, de Fleetwood Mac;
Afther the Gold Rush, de Neil Young; el debut
homónimo de Rage Against the Machine y Damn
the Torpedos, de Tom Petty.
QUATRO, de Tim Lynch
Documental sobre Green Day.
F I L T E R . 33
Lily Allen. Que siempre no se retira de la escena
musical.
REGRESOS
(Casi) confirmados
Empire of the Sun. El dúo australiano de gira
y, probablemente, con nuevo disco bajo el brazo.
Fleetwood Mac. El grupo comandado por
Stevie Nicks está listo para emprender una gira
en 2013. Aunque se han producido rencillas en el
camino, ocasionadas por el disco solista de Stevie,
ella misma ha confirmado la reunión que, sin
embargo, no contará con algunos integrantes originales debido al deceso de los mismos. Su nombre
suena fuerte como estelar de Glastonbury.
Snoop Dogg. El rapero se ha mantenido vigente
con una serie de colaboraciones y más recientemente con el mítico concierto que ofreció junto
a Dre en Coachella. Su discografía reciente (el
álbum publicado en 2011) deja mucho que desear
y en 2013 tendremos la oportunidad de verle regresar a los escenarios de una manera totalmente
distinta. A raíz de un viaje a Jamaica, Snoop
sufrió una especie de iluminación que le hizo
abandonar el rap y su nombre (ahora se llamará
Snoop Lion) para dedicarse al reggae. Un regreso
casi en forma de fichas, como Alf.
34 . F I L T E R
The Coral. A pesar de sus proyectos solistas, se
supone que su séptimo álbum ya viene en camino
y se está desarrollando en los estudios de Peter
Gabriel.
Los que soñamos
¿Se harán realidad?
Supergrass. Gaz Coombes se rehúsa, pero a
nosotros nos encantaría.
Zurdok. ¿Qué tal estaría escuchar Hombre sintetizador o Maquillaje completitos?
Franz Ferdinand. Ya escuchamos parte de “lo
nuevo” en el Corona Capital y otros festivales.
Sólo nos falta el disco.
Kraftwerk. Un posible box set de Kraftwerk,
Kraftwerk 2 y Ralf and Florian y recientes presentaciones en el ámbito mundial nos hacen creerlo
verosímil.
Modest Mouse. En mayo se les escucharon dos
nuevas canciones, ¿será?
Portishead. Desde hace más de un año están
trabajando en algo nuevo…
The Smiths. Aunque aún suena un tanto difícil,
las recientes declaraciones de Johnny Marr
(guitarrista) sobre llevar una mejor relación con
Morrissey, avivan las esperanzas de que la nostalgia logre reunir de nuevo a esta gran e influyente
banda.
LOS QUE
ESPERAMOS
QUE SE
JUBILEN
-Muse
-Fobia
-The Killers
-Kings of Leon
-Kiss
F I L T E R . 35
Por BENJAMÍN ESPINOSA
Fotos UNIVERSAL MUSIC
36 . F I L T E R
P
sicodelia desbordada en cada una de sus canciones y videos, podrían
describir grosso modo el estilo de Toy, pero la verdad es que pocos
podríamos imaginarnos el proceso creativo que han vivido y que hace
que no pierdan la noción de innovación en el camino. La gran entrega de su
álbum debut homónimo en septiembre, material producido por el reconocido
productor Dan Carey —quien ha colaborado en trabajos con artistas como
Fatboy Slim, Hot Chip o The Kills—, así como una amistad con los integrantes de The Horrors, sin duda han ayudado al crecimiento exponencial de esta
joven banda, que ya terminó su primera gira en el Reino Unido como grupo
principal. La ovación no se hizo esperar luego de que la prensa inglesa hiciera
lo propio desde los primeros destellos de Toy con su primer sencillo, “Left
myself behind”, que cuenta con ocho intensos y coloridos minutos.
En FILTER México tuvimos la oportunidad de platicar con Alejandra Diez,
tecladista de la agrupación, para conocer un poco más a fondo sobre sus
experiencias en el estudio con Dan, así como sus expectativas y vivencias. La
historia del nombre de la agrupación, conformada por cinco grandes amigos,
se remonta a hace aproximadamente seis años en una fiesta en la que vieron
un baúl estilo victoriano en casa de un amigo mutuo que tenía la palabra
“TOY” grabada.
Un año después entablaron amistad con los integrantes de The Horrors y
Dan Carey, figuras que han ayudado bastante a impulsar a la banda. “Somos
muy amigos y nos llevamos desde antes de que empezáramos a tocar conciertos solos. Los conocimos hace varios años, luego nos invitaron a ir de gira con
ellos (The Horrors). Fue fantástico porque pudimos tocar para audiencias
muy grandes y cada vez nos la pasamos genial juntos”, indica la tecladista.
Cuando TOY decidió grabar su primer LP instintivamente buscaron a Dan
para producirlos, pero más allá de la trayectoria de este productor, sería el
“cómo” trabajaron con él lo que marcaría la pauta de su estilo psicodélico.
“Tuvimos una reunión unas tres semanas antes de grabar y hablamos de
las ideas que teníamos y cómo queríamos que el álbum sonara. Lo entendió
perfecto desde un principio; no pudo ser más fácil”, declara.
Todos los instrumentos fueron grabados en directo y lo verdaderamente
enigmático para los integrantes fue la motivación que Dan le dio a la banda.
“Lo que él hacía era ambientarnos. Tres segundos antes de que empezáramos a
grabar apagaba todas las luces y ponía lásers e incluso máquinas de humo. Una
experiencia muy psicodélica, de hecho el estudio está en el sótano de su casa.
Lo único que podías ver eran luces verdes, rojas y amarillas, fue perfecto para
no pensar en otra cosa que no fuera en lo que estábamos haciendo y empezábamos a tocar, sólo mirando nuestro instrumento y nuestras caras”, explica.
La grabación de TOY duró diez días, pero lo que preocupaba a la banda
era incluir la mayor cantidad de material posible dentro del disco. Alejandra
comenta: “sabíamos todos lo que queríamos grabar e incluso una no entró
en el disco, pero hubo algunas canciones que prácticamente terminamos
de detallar en el estudio, más que tener acabado el trabajo, sabíamos cómo
queríamos que sonara y cómo transmitirlo.”
Ese estilo psicodélico fue transmitido desde el estudio hasta sus videos, una
experiencia difícil de lograr. “Nos preocupamos bastante del tema visual: el
oído y la vista van de la mano. Queríamos que fuera un conjunto y tuviera
sentido, sería un poco raro hacer la música que hacemos y expresarlo de una
manera muy común. Entonces los efectos visuales definitivamente concuerdan con la música y lo hemos intentado”, opina la española.
Aunado a esto, la cereza del pastel fue la noticia de tener planes para venir en
fechas próximas a nuestro continente y posiblemente a nuestro país. “A principios del próximo año esperamos visitar Norteamérica y México, también
Australia, estamos muy emocionados de ir… por cierto The Horrors siempre
dicen cosas maravillosas de México”.
Sin duda alguna, TOYha tomado por sorpresa al mundo de la música y le ha
dado esa pequeña chispa de sabor a la psicodelia retomando sonidos retro para
ensamblarlos de manera perfecta, algo que seguramente seguiremos de cerca y
ansiosos durante el próximo año… claro, si no se acaba el mundo antes.
F I L T E R . 37
Por ahí dicen que las mejores sorpresas son aquellas que nadie ve venir hasta que
de repente ya están ahí, en todo su esplendor, para que las gocemos.
ALT-J
Por ESAMIPAU!
Fotos WARNER MUSIC
Después de varios años de navegar bajo el
radar con un EP que muy pocos conocieron y un LP que empezó a promocionarse
a finales del 2011, Alt-J (∆) llegó este año
para darle a nuestros inquietos oídos eso
diferente que llevábamos muchos años
buscando. Las contundentes y en ocasiones siniestras canciones de su debut An
Awesome Wave, aunadas a sus hipnóticas
presentaciones en vivo captaron la atención de medios y radios independientes
hasta que generaron la estática suficiente
para empezar a visitar algunos festivales
este año.
Además de recibir buenas reseñas, el
cuarteto ganó en noviembre el Mercury
Prize, superando a los otros nominados, entre quienes destacaban Richard
Hawley y The Maccabees. Emocionado
por todo lo sucedido este año con su banda, el bajista y guitarrista Gwil Sainsbury
platicó con FILTER México de lo que ha
sido el 2012 para ellos.
Felicidades por haber ganado el
Mercury Prize. ¿Es el primer premio que ganan?
Sí lo es. Es raro porque son los premios
de los que siempre estoy al pendiente.
Por lo menos mis amigos y yo tratamos
de ponerle mucha atención para ver qué
banda se nos pasó escuchar cada año.
La lista de nominados al Mercury Prize
es muy importante y la verdad no hemos
procesado el hecho de que ganamos.
¿Han pensado en qué van a hacer
con el dinero del premio?
No lo hemos discutido en realidad, es
muy probable que tengamos que pagar
38 . F I L T E R
impuestos de ese premio, y a nuestro
manager seguramente tendremos que
darle el 10 por ciento, así que no nos
hemos sentado a hacer cuentas, pero creo
que todo lo depositaremos en la cuenta
de la banda. El dinero del premio es
suficiente para cubrir los gastos de una
gira en Europa; dudo que nos demos unos
aguinaldos bien nutridos.
Cuando se enteraron de que formaban parte de la lista de nominados al Mercury Prize y estaban
al lado de otros actos con cierta
relevancia en el Reino Unido, ¿se
sintieron extrañados de estar en
esa lista de aquellos premios que
llevaban años viendo?
Definitivamente es algo rarísimo.
Recuerdo tener 17 años y usar algunas
de las canciones de The Maccabees para
aprender a tocar la guitarra. Lo mismo
con Richard Hawley. De repente, un
día antes de la entrega, en un descanso
del ensayo de los premios me encontré
platicando y fumando afuera con él. Es
de verdad muy extraño convivir con esta
gente que llevas admirando y conociendo
tantos años únicamente a través de su
música, es como un sueño muy extraño.
El lanzamiento de su debut este
2012 salió del Reino Unido y los
llevó a distintas partes del mundo.
¿Hubo algún momento en específico o recuerdas algo que los haya
hecho darse cuenta de que algo
estaba sucediendo?
Tocamos en un festival en Alemania
y pensamos que iba a haber muy poca
gente porque no creíamos haber vendido
discos ahí. No había nadie cuando hicimos
el soundcheck, y a la hora que salimos a tocar
había como tres mil personas esperándonos. Esos son el tipo de momentos donde
todo deja de tener sentido y no puedes
explicar en realidad cómo es que te conoce
tanta gente porque no se puede medir en
ventas de discos. En Suecia nos pasó algo
similar: creo que habíamos vendido como
veinte discos y cuando nos presentamos en
un festival también había mucho publico.
Entonces alguien ahí nos explicó que
mucha gente tiene la aplicación de Spotify
en sus celulares que les permite acceder a
un amplísimo catálogo musical sin tener
que comprar discos, y que la forma de
consumir música es a través de plataformas como esta.
Artistas como Tom Vek y Jim James
(My Morning Jacket) son sólo algunos de los nombres que han hecho
remixes de sus temas. ¿Cómo se
han ido dando este tipo de colaboraciones?
Al principio hicimos una lista larga de
artistas de los que nos gustaban mucho
algunos remixes que habían hecho, pero
también se han puesto en contacto con nosotros y nos piden las partes de las canciones para ponerse a jugar con ellas. Por otro
lado, la disquera tiene que aprobar todo lo
que lanzamos (sencillos, remixes, arte, etcétera), lo que a veces hace que tu bandeja
de entrada esté repleta de “papeleo”. En el
caso de Jim James, nos conocimos en aquel
festival en Alemania. Él nos vio tocar y se
puso en contacto con nuestro sello y pidió
las partes de “Fitzpleasure”.
Todos sus videos tienen una estética
similar y una forma de contar
historias sin realmente hacerlo,
¿qué tanto se involucran en la parte
visual de su música?
Hemos usado mucho una plataforma
llamada Radar (www.radarmusicvideos.
com) donde un artista sube el brief de su
próximo video, la canción y el presupuesto,
entre otras cosas. Entonces pones una
fecha límite y en ese tiempo uno va recibiendo diferentes propuestas de directores
a quienes les interesa tu proyecto y que
también están inscritos en la página. Así
hemos hecho todos los videos; nos sentamos a leer las propuestas que nos llegan y
las vamos seleccionando dependiendo de
lo que buscamos, tal vez para un video en
específico nos interesa alguien experto en
efectos especiales. En general tratamos
de no interferir mucho con la visión de
los directores, preferimos esperar a que
terminen la primera versión del video y
sobre eso hacemos correcciones, pero han
sido mínimas.
saber exactamente qué pasaba con
nuestra música, algo que hace varios
años tal vez nos hubieran negado. Hay
bandas a las que no les importa tanto
eso, y está bien. En Europa por ejemplo, Spotify es muy grande y tiene
miles de usuarios, sin embargo en
América aún no cobra tanta fuerza. Nadie en realidad sabe qué
rumbo va a tomar la industria
y eso tiene a diferentes
sellos intentando diversas
formas de trabajo con las
bandas y creo que eso
es algo muy sano: que
se vean obligados a
cambiar su modelo de negocios.
Ahora con plataformas como
Kickstarter y Radar, los artistas
tienen muchas más herramientas
para llevar a cabo sus proyectos.
Me hace pensar que las disqueras
cada vez son menos necesarias.
¿Cómo sientes que la industria se
ha adaptado a esto?
Creo que actualmente la industria
musical está en medio de un ataque de
pánico pues ha tenido que cambiar
minuto a minuto sus estrategias
para vender o distribuir la música
de sus artistas gracias a que
nadie sabe cuál es el futuro
de la distribución y venta de
música. Nosotros escogimos a Infectious Records
en el Reino Unido
porque sabíamos que
nos apoyaban, que
entendían nuestra
visión y sabían
que queríamos
F I L T E R . 39
P O L IÇA
Más allá de las normas de conducta
Por BERENICE IBARRA
Fotos TELL ALL YOUR FRIENDS PR
40 . F I L T E R
L
a mística sobre lo que surgirá en el universo de la música, esa
incertidumbre que hace imposible conocer todo lo que existe
y saber a dónde se dirige… es la mejor parte de la música…
descubrir lo inesperado, lo que te sorprende, te gusta y se instala en tu
memoria para revivir momentos a través de ciertas canciones.
Por esas y otras razones, los oídos de muchos se han postrado en
Poliça, sedientos y listos para saciarse de cómo mezclan los impulsos electrónicos con tintes de new wave, trip-hop, R&B, jazz y
funk; ansiosos de escuchar cómo conjugan a The Who, Etta James
y The Rapture en una propuesta llena de emociones, de amor y
desamor, de esperanza y de rabia.
Hace un año, ni ellos mismos sabían que estarían juntos y que
saldrían de los límites de Minneapolis, Minnesotta, para recorrer
el mundo y compartir su propuesta, un concepto que de pronto
comenzó a cobrar tal fuerza que atrajo los elogios, no sólo de las
audiencias y los medios, sino de personajes consagrados como JayZ, quien en repetidas ocasiones ha expresado la pasión que tiene
hacia la banda; Mike Noyce, quien colabora con ellos en “Lay your
cards out”; y el ganador del Grammy como Mejor Artista Nuevo,
Justin Vernon de Bon Iver, quien los tiene en tan alta estima que
los considera la mejor banda que ha escuchado.
La forma en que terminaron juntos podría llamarse destino o simplemente curiosidad. Channy Leaneagh (vocalista) tuvo una banda
con su esposo Alexei Luna Casselle, en el grupo de folk Roma di
Luna (2006); sin embargo, las cosas se complicaron y al terminar la
banda terminó también su matrimonio.
Tras esta ruptura, Channy encontró al músico Ryan Olson, con
quien estubo en Gayngs. De inmediato tuvieron química para
trabajar. Leaneagh tenía muchas canciones escritas que interpretó
en una sesión de grabación conjunta, y él la quería para que hiciera
coros en su grupo.
Se hicieron amigos, juntos trabajaron algunas cosas y dos meses
después tenían once temas listos. Olson, quien irónicamente no
se considera un integrante de la banda, sugirió que todo lo que
habían creado se enriquecería con bajo o batería, por lo que suman
a los bateristas Drew Christopherson y Ben Ivascu, así como al
bajista Chris Bierden, con quienes se complementaron y por fin
lanzaron Give You the Ghost, el álbum debut de Poliça, que fue
coproducido y masterizado por Jim Eno, de Spoon.
En pocos meses, este material los ha llevado a importantes
festivales como Sasquatch!, SXSW, Osheaga, Lollapalooza
y Austin City Limits. Consta de un conjunto de voces dulces
y a la vez espectrales que hablan de la desesperación y de
la nostalgia, con potentes tambores y distorsiones. La voz
de Leaneagh parece salida de una cueva, para crear una
atmósfera impersonal con tintes de lejanía y soledad pero a
la vez de esperanza.
Con la premura de la grabación y la rapidez con la que
sucedieron las cosas, los integrantes aún están en la fase
de conocerse unos a otros, lo que ha mantenido fresco al
grupo, con sus piezas listas para crecer juntos y explotar al
máximo sus capacidades creativas.
Channy Leaneagh habló con FILTER México para contarnos sus próximos planes y que la grandeza de Poliça radica
principalmente en que son una banda con ambiciones, pero
no pretenciosa, y que hacen su música desde lo más profundo de su corazón para tocar el de quienes los escuchan.
Su nombre signif ica “política” en varios idiomas,
¿qué tanta política hay en su propuesta?
La política es una condición humana, en las mujeres, la
política del amor. La gente contribuye a lidiar con personas
con sexos opuestos, alfa y omega, el macho alfa, y cómo
sorteamos las diferentes relaciones que tenemos en la vida.
¿Imaginaron que en tan poco tiempo tendrían el
éxito que tienen?
No. Todo el año fue un gran cambio. Cada día, cada semana se han presentado grandes oportunidades y sorpresas,
hemos sido muy bendecidos. Todo ha sido muy gratif icante.
Ustedes comenzaron a ensayar cuando el disco
estaba prácticamente terminado, ¿cómo fue este
proceso de hacer el disco a tocarlo en vivo?
Paso mucho tiempo sola cantando las canciones, hasta que
quedo conforme. Gracias a la dedicación de todos, disfrutamos el escenario, sentimos la música y la pasamos bien. Fue
poco el tiempo que pasamos juntos en el proceso de grabación, debíamos conocer bien las canciones y practicarlas
mucho antes de tocarlas en vivo, así como pensar en cómo
hacer que suene bien y hacerlo lo mejor que podamos.
F I L T E R . 41
¿Cuál es la diferencia de proyectos anteriores y Poliça?
En este proyecto realmente combino mis experiencias en las bandas pasadas; en la primera,
aprendiendo las bases de la música tradicional;
y en Gayngs, fue aprender lo que era estar en
una banda de giras y cómo amoldarte con las
demás personas con las que estás tocando. Uso
todas estas cosas, incluso siendo una persona
graciosa para las personas, trato de desenvolverme en las responsabilidades que tengo en
la banda.
¿Cómo responden a la expectativa que
tiene la gente en Poliça?
Trato de hacer lo mejor que puedo. Creo que
los músicos son personas que a veces tienen
altos estándares, casi imposibles, y que la gente
42 . F I L T E R
a veces puede ser especialmente cruel y crítica.
No somos la banda más grande, somos muy
pequeños pero nuestra música es sincera, es en
lo que creemos y proviene de nuestro corazón.
La gente quiere eso, tratamos de ser agradecidos con ellos.
¿Por qué decidieron no incluir guitarra en la banda?
Queríamos mantener un sonido pequeño en
vez de la complejidad. Tratamos de hacer
algo diferente, no tener guitarrista, quiere
decir que el bajista puede moverse sobre la
melodía y experimentar un poco más, eso
ofrece un sonido diferente, creo que se basa
en cómo las cosas se llevan mejor y si la
cosas se llevan bien como están, no necesitas
agregar a otra persona.
¿Cómo percibes a la banda en un futuro?
Queremos ser una banda que haga música que
nos haga felices y nos haga madurar.
¿Tienen planeado visitar México en corto o largo plazo? ¿Les gustaría?
Me encantaría tocar en México, he escuchado
muchas cosas buenas, que hay una buena escena
musical. Sí, nos encantaría ir.
¿Qué planes tienen para 2013 y qué temas
abordarán?
Grabar el siguiente disco, ya trabajo en él, y fijarme
mi nueva gran meta, eso es lo que me viene a la
mente. En las letras hablaremos un poco de lo usual,
un montón de cosas diferentes, supongo. No sé ahora
de las cosas que escribiré. De la mujer que solía ser,
supongo.
REVIEWS
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TRIBUTO
Stay Together
Por MILTON BARBOZA ARRIAGA
Fotos (Cortesía) SUEDE
Han pasado veinte años desde que Suede impactó
al Reino Unido con su sencillo “The drowners”.
Desde ese momento, la banda originaria de
Londres ya no sería la misma porque trascenderían con el paso del tiempo para convertirse en un
referente del inicio de los años 90.
Aquellos jóvenes músicos que comenzaron el
proyecto en 1989 jamás pensaron que serían,
junto con otros grandes como The Stone Roses,
una especie de estandarte del sonido británico
que buscaba hacerse notar ante la euforia del
grunge que se gestaba en Estados Unidos. “Era
una época extraña. Habíamos tocado juntos
por unos años hasta entonces y terminábamos
tocando para alrededor de cinco personas cada
noche. En el año que precedió a The drowners
vimos ese número aumentar noche tras noche
gracias a la publicidad de boca en boca. Así
que cuando el sencillo salió y estábamos en la
prensa en todos lados, se sintió como un éxito
de la noche a la mañana para todos los demás,
y el final de un largo y duro camino para nosotros”, apunta Matt Osman, bajista de la banda,
en una entrevista concedida a FILTER México
después de haber visitado nuestro país.
Y así fue como Suede, integrada en aquel momento por Brett Anderson, Bernard Butler, Simon
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Gilbert y Matt Osman, sin darse cuenta se encontraba en los cuernos de la luna de su país.
Aunque las cosas iban muy bien para esa primera
mitad de los noventa, la banda comenzaba a tener
algunos problemas internos, tal vez por la presión de
saber que cada movimiento era vigilado por la prensa
especializada, y no era para menos, ya que el disco
debut de Suede se hizo acreedor al Mercury Prize;
aunado a esto, la muerte del padre de Bernard Butler,
vocalista de la banda, trajo consigo la cancelación
del segundo tour del grupo y, tiempo después, una
serie de tensiones entre Butler y el resto del grupo —
pero sobre todo con Brett Anderson— dieron como
resultado su salida al término de las grabaciones del
segundo disco, Dog Man Star (1994).
Pese a esto, el proyecto continuaba, aunque con
resultados no tan aceptables para los miembros de
la banda. Coming Up, Head Music y A New Morning
fueron los discos que editó Suede hasta 2002, pero
lo inevitable llegaba: la separación de la banda
a principios de 2003. Al respecto, Osman dice:
“Creo que teníamos que hacerlo. Nos habíamos
quedado sin ideas y alcanzamos un punto en el
que no estábamos haciendo la clase de discos que
hubiéramos querido. Es por eso que dimos pasos
tan pequeños cuando regresamos, no teníamos
idea de si la antigua química aún estaría allí”.
Y tuvieron que pasar alrededor de siete años
para que Suede decidiera reencontrar su carrera
y volver a posicionarse entre la gente, sobre todo
entre los melómanos más jóvenes. Hubo muchos
cambios al regresar de nuevo a la escena, sobre lo
que Osman comenta: “las principales diferencias
están realmente en el negocio. Nuevas bandas
tienen que trabajar muy duro hoy en día para vivir
de la música. No sé en qué clase de banda nos habríamos convertido si hubiéramos tenido que estar
de gira tanto como las bandas de ahora”.
El Mercury Prize que ganó Suede, así como los
Grammy y otros premios, pueden ser considerados
un buen medidor de éxito, pero para Matt Osman,
parece todo lo contrario: “Para ser honesto, a las
bandas sólo les interesan esas cosas cuando ganan
uno. Lo genial acerca de la música es que realmente no se necesitan premios, hay una manera más
fácil para decir quién está moviendo a la gente; se
le llama ventas de discos”.
Tal vez los integrantes de Suede jamás pensaron
que con su desintegración hace diez años vendría
un revival que hoy agradecen propios y extraños,
todos aquellos que respetan las canas de uno de
los proyectos más importantes de la historia de la
música inglesa y que hoy sigue más vivo que nunca
en la escena internacional. Cheers, mates!
Quick Q & A
con Matt Osman…
Pese a la gran cantidad de trabajo que por
fortuna tiene Suede tras su regreso, Osman
se da el tiempo de reír, de divertirse y, sobre
todo, de gozar la música que esta banda le ha
dado al mundo.
Si tuvieras que escoger otra era diferente a la
que viviste para haber tocado en otra banda,
¿cuál sería?
Me hubiera gustado acompañar al rey Enrique VIII en
“Greensleeves”, esa melodía siempre necesitó un bajo.
¿Cuáles son sus planes para 2013? ¿Habrá un
nuevo disco?
Sí, el nuevo álbum está terminado. Pasaremos 2013
empujándolo por las gargantas a lo largo de los cinco
continentes.
¿Cuál sería tu principal recomendación para
los nuevos músicos?
Que escriban para los fans, no para los críticos. Escuchen a la gente a la que le gustaban cuando no había
nada que obtener de esto. Nada es más costoso que una
comida gratis.
Si pudieras, ¿qué cambiarías en la historia de
Suede?
Nada, es por tus imperfecciones por las que la gente te
ama.
F I L T E R . 45
TRIBUTO
SIN
New Order…
Por CARLOS VERÁSTEGUI
Fotos DANIEL ANGUIANO
¿Qué sería de nuestros afortunados oídos sin New Order? ¿Qué hubiera pasado con la escena musical si, después
de la muerte de Ian Curtis, el resto de los integrantes de Joy Division hubieran dejado de lado esta escena para
vivir de la leyenda?
Las respuestas son ambiguas, nada
es seguro y mucho menos con una
banda que logró evolucionar hasta
convertirse en leyenda por sí misma;
leyenda viviente y vigente cuya música suena hoy más actual que ayer.
La banda post punk y creadora de
sonidos electrónicos presenta un
estilo ecléctico que pocos se atreven
a definir ante la constante mutación
de un collage musical que surgió
del punk de los Sex Pistols, retomó
elementos del art rock y abrió una
nueva era de la que ellos, junto con
Depeche Mode, son creadores.
¿Ustedes, estimados lectores, se atreverían a definir este sonido? Es quizá
esta ambigüedad la que los coloca
tan alto dentro del gusto musical de
aquellos que lo logran entender, y
¿qué entienden? Es complicado, pero
esto lo resume: melancolía, oscuridad, baile, sexualidad, post rock,
post punk, pre rave, synthpop….
ustedes pongan aquí el adjetivo de su
elección.
Ahora no es fácil crear un sello
propio, y menos dos veces. Los inte46 . F I L T E R
Hasta The Killers debe su nombre
a New Order. Para la grabación
del video de su sencillo “Crystal”
la banda decidió tener a jóvenes
dobles, ya que consideraban que
su apariencia física ya no era vigente con su propia música. Estos
jóvenes aparentan ser una banda
llamada “The Killers”. A partir de
esto, Brandon Flowers y compañía
toman este nombre y lo utilizan
para su proyecto musical.
grantes de New Order lo hicieron,
fueron capaces de crear un sello
icónico con dos bandas distintas que
hoy son de culto. ¿Cuántos músicos
pueden decir que han logrado eso
siquiera con una banda? Ahí radica
su genialidad, que además permea
en la actualidad en toda la escena
musical, con bandas como Beach
House o The Weeknd, entre varias
más que deben parte de su sonido a
la base rítmica de Bernard Sumner y
compañía.
Esta herencia omnipresente no
sólo se manif iesta en la música,
sino que su inf luencia se palpa en
el cine con películas como 24 Hour
Party People o Trainspotting. ¿Cómo
podríamos imaginar la hasta hoy
pieza máxima de Danny Boyle sin
ese soundtrack con base en New
Order? Además, él mismo sirvió
como puente generacional por
donde pasamos de Lou Reed a Bedrock, cuya única banda atemporal hasta hoy es New Order.
Después de este breve vistazo la
pregunta sigue ahí, ¿Qué sería de
la música sin New Order? Hoy
algunos ya hemos tenido la oportunidad de ver a los originarios de
Manchester en el escenario, cada
uno con más de 50 años a cuestas.
Nos han hecho vibrar con la fortuna de saber lo que estamos viendo,
lo que estamos escuchando, historia musical en constante evolución,
la respuesta a la pregunta sigue
ambigua pero es afirmación más
que negativa.
Hoy más que ayer, mañana más que hoy.
TRIBUTO
Entrevista con Stephen Morris
Por PAMELA ESCAMILLA
Unas horas antes de que New Order cerrara el
escenario Corona Light durante el segundo día
del Corona Capital 2012, su baterista, Stephen
Morris, platicó con FILTER México. El alguna
vez integrante de Joy Division no quiso entrar en
detalles sobre el sonido de The Lost Sirens, posible
nombre de su más reciente material (aún no disponible) y se mostró sorprendido de la variedad
de generaciones que asisten a sus conciertos.
¿Cuál es el mejor recuerdo que tienes de
un festival de este año?
Mi favorito fue uno muy pequeño, el Festival No.
6, en donde se hizo la serie The Prisoner, es un
lugar muy agradable.
En esta etapa de New Order, ¿qué es lo que
los mantiene unidos?
Que disfrutamos haciéndolo, si no tendríamos
que dedicarnos a otra cosa. Básicamente es eso.
Hasta el momento ha sido genial, un poco más
duradero de lo que pensamos que sería, queríamos hacer dos o tres conciertos y ya llevamos
como 50. Ha sido genial.
terés y luego tienes hijos y es con ellos que vuelves
a escuchar música y redescubres por qué te gusta
tanto. Me gusta Hot Chip, con quienes llegamos a
trabajar, es fantástico; y Crystal Castles.
¿Qué es lo más loco que ha hecho un fan?
Recuerdo a un chico con un tatuaje de Joy Division a lo largo de toda la espalda, ¡eso debió doler!
Yo no lo haría.
¿Cuáles son los próximos planes de la
banda?
A nosotros nunca nos ha funcionado hacer planes,
creo que seguiremos con algunos conciertos,
escribir canciones, tocarlas en los conciertos. El
más reciente disco se ha retrasado pero tiene que
estar afuera pronto, tal vez para Navidad. Es un
álbum muy ambiental de ocho tracks, ya lo juzgarán ustedes cuando salga.
¿Cuál dirías que es una canción de New
Order que represente a la banda o a la
manera en la que te sientes con respecto a
ésta?
Eso es algo muy difícil, mejor te diré mis canciones favoritas: serían “Temptation” y “Bizarre
Love Triangle”, diría que esa es la favorita.
Con una carrera tan larga y tanta experiencia, ¿tienes nuevas inf luencias como
músico?, ¿qué estás escuchando o redescubriendo?
Es extraño porque a veces pierdes un poco el in-
¿Cómo ven la inf luencia que han ejercido
en otros? Es decir, hay una banda llamada
Thieves Like Us, como una canción de New
Order.
Sí, toda esta pasión por Ian Curtis y Joy Division,
es como si fuera sobre alguien más… no puedo
creer que haya tanta gente sobre la que inf luimos.
Es genial, raro, pero te hace sentir bien.
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NOTA FINAL Por
BAND OF HORSES
Esta foto fue tomada el 14 de
diciembre de 1969. Creighton
Barret salió a tiempo de la
cárcel para felicitarme porque
al fin mi orina, que estaba en
una botella de Powerade, era
de un color normal.
RYAN MONROE
Chris Wilson, nuestro director de arte y
mejor amigo, comenzó a tomar algunas
fotos de Ryan Monre y yo estrechando
nuestras manos en diferentes momentos
alrededor del mundo. Lo empezamos a
hacer en diferentes festivales y frente a
todos los asistentes; nos creíamos alcaldes
de una ciudad cortando el listón para
inaugurar un nuevo edificio o como parte
de un acto civil.
Ésta fue tomada mientras grabábamos
nuestro nuevo disco en L.A. El productor
Glyn Johns estaba hospedado en casa de
la hija del director de cine Rydley Scott,
que se encuentra en lo alto de una colina.
Dicha residencia fue ocupada en algún
momento por Ridley, quien después se
la dejó a su hija, Jordan. Como gran fan,
pasé gran parte de mi tiempo actuando
mi película favorita de Ridley, Alien. Me
puse unas mallas blancas y una camiseta
como la que usó Sigourney Weaver; Ryan
me persiguió alrededor de la casa como si
él fuera el alien. Me veía muy bien en mis
mallas blancas.
CREIGHTON BARRET
PORTLAND
STOCKHOLM
Durante mucho tiempo he querido perdonar a Tyler por todas
sus fechorías. Estoy feliz de
comunicar que cada día estamos
más cercanos al perdón. ¿Acaso
este apretón de manos hace que
mi trasero se vea más grande?
BEN BRIDWELL
JACKSON HOLE
En esta foto estamos Creighton Barret y yo mostrando un símbolo de unidad después de finalmente estar de acuerdo en que los amigos imaginarios
son reales y merecen derechos humanos igual que
el resto de nosotros. El hombre que está en la parte
de atrás de la foto, no estaba en el momento cuando fue tomada. Nunca imaginé que Creighton
tuviera amigos imaginarios hasta que su Polaroid
fue encontrada dentro de una apestosa maleta de
gimansio de la primavera de 2010.
RYAN MONROE
La siguiente fue tomada tras bambalinas de un show de televisión
en Sao Paulo, Brasil. Tuvimos que estar sentados por alrededor de
tres horas tamborileando con nuestros instrumentos mientras el
conductor hablaba en portugués y no teníamos un traductor. Eso
me recordó cuando tomamos un ferry en Europa que iba de un país
a otro. El viaje tomó pocas horas, así que decidimos beber algunas
cervezas para consentirnos. Al llegar a nuestro destino estábamos un
algo ebrios.
LOS ANGELES
48 . F I L T E R
Nuestro manager en aquella época, Baptiste, era un tipo pequeño y
con largo cabello rojo, razón por la cual solíamos llamarlo “Le Petite
Monsieur Rouge”. Ryan y yo estábamos bastante alcoholizados y
él corrió detrás de quien pensó que era Baptiste para darle una nalgada. Volteó y se dio cuenta de que no era él sino una mujer alemana
de edad avanzada que estaba con su familia; Ryan estaba asustado y
confundido. Recuerdo cómo mientras pedía disculpas todos corríamos para ocultarnos atrás del autobús, llorábamos de la risa. Buenos
tiempos, sin duda. Seguramente la señora tuvo marcada la mano de
Ryan en el trasero toda la semana.
CREIGHTON BARRET
SAO PAULO

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