OCIMAG 68 - MAQUETA

68
Dirección: Rubén Vidal
Dirección de arte y diseño gráfico: Ocimag
Publicidad y márketing: Javier Morán, Sandra Montosa
Redacción: Rosario Muñoz
Contenidos moda: Rosario Muñoz
Contenidos música: Sandra Montosa
Contenidos diseño y arte: Tactelgraphics
Colaboradores: Half Nelson, Vidal Romero, Agustín Velasco, Álex Braza, Chío Ruiz, Nadia Leal,
Comunica Surf, Ana Miguel, Jacobo Sánchez, Luis Costa y Bruno Garca
Portada y staff: fotografía Sebastián Troncoso, make up Patricia Mullen, estilismo Gigi D'Amico,
modelo Ann Muursepp de Uno Models. Look portada: polo Fred Perry, falda G-Star. Look staff:
sudadera Neff, gorra Brixton.
Edición: José Miguel Torrente
Web: Erika Gallo
Distribución: Ocimag
Publicidad: [email protected]
Información: [email protected]. Tel.: +34 962 971 002
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008
OCIMAG #68, edición trimestral de julio, agosto y septiembre de 2016. OCIMAG no se hace
responsable de las opiniones o comentarios de sus colaboradores. Queda terminantemente
prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en
esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director
www.ocimag.com
Sumario
MODA 6. Noticias moda. 8. Herb George / entrevista. 10. Thomas Martini / entrevista. 12. Rhythm SS16. 14. Shoop / entrevista.
38. I Know / editorial de moda por Sebastián Troncoso. MÚSICA 16. Noticias música. 18. Gnod / entrevista. 20.
Contempopránea 2016. 22. Tim Paris & Ivan Smagghe / entrevista. 24. Belize / entrevista. 26. Convenanza 2016. 28. Death in
Vegas / entrevista. 30. Dimitri Hegemann / entrevista. 32. Golden Bug / entrevista. 34. Sean Johnston / entrevista. 36. Nuevos
lanzamientos. DISEÑO 46. Noticias diseño y proyectos. 48. Dear Human. 50. Mermelada Estudio / entrevista. ARTE 4 . No Land
Tattoo. 52. Noticias arte. 54. Abierto Valencia 2016. 56. Earthworks en Sonar 2016. 58. Tim Biskup / entrevista. 60. Arte y expos.
N O LAN D TAT TO O
DESDE SIEMPRE, VALENCIA HA SIDO UNO DE LOS CENTROS CULTURALES MÁS INNOVADORES Y PROGRESISTAS DE LA
PENÍNSULA CON UNA CULTURA UNDERGROUND MUY RICA, SALVANDO LOS AÑOS DE PAREDES GRISES Y PARÓN
CULTURAL. ES AQUÍ DONDE ENCONTRAMOS UNA PRÓSPERA PARCELA DENTRO DE LA ESCENA DEL TATUAJE DE
NUESTRO PAÍS, PESE AL COMPLICADO PRESENTE QUE ESTÁ VIVIENDO EL NEGOCIO. HABLAMOS DE LA RECIENTE
INAUGURACIÓN DE NO LAND TATTOO PARLOUR, UN AMBICIOSO PROYECTO CREADO CON CARIÑO Y TESÓN POR
SENTO, UNA DE LAS FIGURAS MÁS CONOCIDAS DE LA ESCENA.
Texto: Rosario Muñoz. Foto: Miguel Comín
No Land Tattoo Parlour es el estudio de tatuajes que el veterano
tatuador valenciano Sento ha abierto en la capital del Turia. Este
nuevo local, de cuya reforma se ha encargado el propio Sento, presenta una estética ecléctica que combina elementos inspirados en la
cultura victoriana del siglo XIX con otros que parecen sacados de
una película de David Lynch, reflejo de la particular imaginería de su
propietario. Con un concepto diferente, al estilo de los tattoo parlours tradicionales, con los espacios de trabajo a la vista de todos, No
Land Tattoo Parlour dispone de un área de dibujo y alberga una sala
de exposiciones para la que se programarán muestras de ilustración
y fotografía, un incentivo extra para planear una visita en el caso de
que tu sed de tinta no sea lo suficientemente fuerte. Se trata de un
punto de encuentro atípico que ha de convertirse muy pronto en un
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referente a nivel nacional e internacional en la escena del tatuaje, por
su concepto y por el equipo de artistas residentes e invitados. Para
este nuevo proyecto Sento cuenta con tres generaciones de artistas
especializados en neotradicional, realismo, japonés, new school y dot
work, entre los que se encuentra el valenciano Xam, artista tatuador
internacionalmente reconocido. El cartelista y diseñador Milk Baro ha
sido el artífice de la imagen gráfica del estudio, fruto de la vinculación de Sento, y por extensión del No Land Tattoo, con el arte y la
cultura del rock'n'roll. De ahí que el estudio sea el encargado de programar los conciertos matutinos de la sala Rockstar de Benidorm en
la próxima edición del Funtastic Carnival Festival. No Land Tattoo
Parlour se encuentra en la calle Lepanto, número 13, de Valencia.
www.facebook.com/Nolandtattooparlour
NOTICIAS MODA
ELEMENT TRAVEL WELL F16
LEVI’S COMMUTER SS16
En Element saben que los amantes del skate gustan de ir ligeros
de equipaje y por eso han desarrollado Travel Well, prendas ligeras y plegables, fáciles de llevar, que no ocupan nada y son prácticas. Cuando el estilo se fusiona con lo práctico da como resultado prendas básicas con actitud. Así es Element Travel Well,
donde se conjugan multitud de detalles que hacen las chaquetas
de la colección perfectas para superar cualquier imprevisto climático. Máxima protección contra aire, agua y frío, pero altamente transpirables y cómodas, que pueden llevarse fácilmente gracias a su condición de plegables. Con #ElementTravelWell "viaja
bien, viaja ligero". www.elementbrand.com
La colección de verano 2016 de Levi's Commuter está diseñada
por ciclistas para ciclistas. El esfuerzo innovador realizado en el
desarrollo de los tejidos se evidencia en detalles que van desde
líneas reflectantes incorporadas entre el tejido hasta mejoras que
incrementan la impermeabilidad y la transpiración. Tejidos más
fuertes y más elásticos, y con mayor resistencia al agua, detalles
que hacen innecesario reforzar las zonas de desgaste. Cinturilla
elástica oculta, bolsillos magnéticos y novedosos materiales
impermeables como el Rain Shell. Máxima comodidad y funcionalidad en una colección de prendas técnicas para chico y chica
pensada para disfrutar pedaleando la ciudad. www.levis.com
NIKE SB JANOSKI X SKATE MENTAL
VOLCOM FALL 2016
A los skaters les encanta la pizza. Al menos es lo que viene a confirmar la nueva colaboración para las icónicas Janoski de Nike SB
-el modelo creado en 2009 en homenaje al skater Stefan
Janoski- con la firma Skate Mental. Las nuevas Nike SB Stefan
Janoski Pepperoni Pizza x Skate Mental son un homenaje a un
plato indispensable en la dieta de cualquier skater, y convierten la
pizza de pepperoni en el print que recubre toda la zapatilla, tanto
por el exterior como en las plantillas, contrastando el intenso rojo
del diseño con el blanco de las clásicas suelas de goma vulcanizada que caracteriza este modelo. Nike SB presenta una nueva
colaboración que vas a querer llevarte calentita. www.nike.com
La familia de productos Stome Made cuentan una seña de identidad única: sus materiales de alta calidad. Volcom se centra de
manera incomparable en los detalles más profundos del mercado de hoy en día, y presenta una nueva colección producida con
fibras de mayor calidad. Para esta temporada Volcom ha creado
una gama de jeans y chinos con un único objetivo: ofrecer un
producto prémium para sobrevivir a la vida en la carretera, resultado del constante feedback con su reconocido team de skate.
Una nueva colección en la que se ha estudiado al máximo cada
detalle de durabilidad, funcionalidad y fabricación. Diseñado para
el skateboarding, recomendado para la vida. www.volcom.es
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NOTICIAS MODA
FRED PERRY X BELLA FREUD SS16
ADIDAS ORIGINALS GAZELLE
Fred Perry presenta la cuarta colaboración con Bella Freud, una
colección cápsula que dibuja en el patrimonio de Fred Perry el
estilo idiosincrático que Bella Freud se ha asegurado en el patrimonio británico. La colección primavera-verano 2016 ha sido
influenciada por el archivo de Bella Freud y su amor por el vestir
masculino, en una colección inspirada en la subcultura de los
años ochenta, un estilo nacido de la música y centrado en los uniformes. La forma de vestir del 'chico inglés' es una recurrida referencia en el trabajo de Bella Freud, y la elegante versatilidad en
cómo se puede llevar el uniforme de Fred Perry se celebra en una
colección de personalidad muy marcada. www.fredperry.com
Adidas Originals celebra el relanzamiento de su silueta Gazelle
con la nueva campaña Remember the Future, una colaboración
con el artista Doug Abraham y Kate Moss. Recuperando una
fotografía icónica de 1993, Abraham abarca un nuevo medio
creativo de reapropiación de la moda y la memoria colectiva de
la cultura popular y reinventa un nuevo concepto visual. Con esta
campaña y tomando como referencia la versión de Gazelle de los
años noventa, Adidas Originals reproduce fielmente la zapatilla
en su diseño original. Se trata del esperado regreso de un clásico
inolvidable del calzado urbano, que reaparece para crear futuro.
Lo que viene ahora depende de ti. www.adidas.com
HERSCHEL STUDIO COLLECTION
ETNIA BARCELONA X BASQUIAT
Herschel Supply vuelve a hacer un ejercicio con el que revisa los
límites del diseño contemporáneo aplicados a sus productos, y
presenta Studio Collection Summer 2016, una línea de mochilas
cuya base es una estética minimalista e industrial propiciada por
el corte limpio y monocromático de sus siluetas. Las piezas que
conforman esta línea son producto de una constante evolución,
en la que se han refinado tanto acabados como prestaciones. La
impronta minimalista de estos bolsos contrasta con el cuidado
de los detalles, como cremalleras impermeables, tiradores de piel
en curtido vegetal o serigrafías. La estética no ha de ir reñida con
las máximas prestaciones. www.herschelsupply.com
Etnia Barcelona, inspirada en los movimientos culturales, presenta su colaboración con el artista Jean Michel Basquiat. Etnia
Barcelona, que ha creado su historia a través de colaboraciones
con mitos del mundo del arte y la fotografía, se acerca con esta
colección al mundo del grafiti y del street art en su máxima
expresión, y toma también como referencias el jazz, el rap, el
punk, la cultura popular o los cómics. Los traslada a una colección de sol exclusiva formada por tres modelos que contienen
patterns construidos a partir de tres obras originales del artista, y
que hacen que cada uno de los modelos que forman esta cápsula sean una pieza única. www.etniabarcelona.com
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HERB GEORGE
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DETRÁS DE CUALQUIER FIRMA DE STREETWEAR VINCULADA AL MUNDO DEL
SKATE O EL SURF SIEMPRE HAY UNA INTENSA LABOR DE SEGMENTACIÓN DEL
MERCADO, DONDE SE BUSCA AJUSTAR LO QUE LA FIRMA TIENE QUE
OFRECER A LOS GUSTOS DE SU PÚBLICO OBJETIVO, QUE ES MUY ESPECÍFICO.
PERO, POR OTRO LADO, LOS DISEÑADORES TIENEN UN COMPROMISO CON LA
ORIGINALIDAD Y LA CREACIÓN DE SEÑAS DE IDENTIDAD PROPIAS PARA LA
MARCA. HABLAMOS DE ELLO CON HERB GEORGE, DIRECTOR CREATIVO DE
GLOBE BRAND, UNA DE LAS MARCAS DE MÁS TRASCENDENCIA DEL SECTOR
EN ESTOS MOMENTOS GRACIAS A SU CONSTANTE ESFUERZO INNOVADOR.
Entrevista: Agustín Velasco
Define Globe. Globe es una marca de estilo de vida que tiene sus raíces en el skateboarding, el surf y el snowboard. Fundada en 1994 en
Melbourne, Australia, por los hermanos Peter, Stephen y Matt Hill, la
marca produce calzado, monopatines y ropa. Recientemente se ha
celebrado el trigésimo aniversario de Globe International con el lanzamiento de un libro recopilatorio de la trayectoria de la firma titulado Unemployable. A menudo etiquetados como 'incontratables' por
el mundo exterior, los hermanos Hill solo querían una vida adulta que
conectara con los valores de sus vidas de adolescentes: optimista,
innovadora y divertida. Hoy en día, Globe vive y apoya el espíritu
unemployable al máximo. ¿Qué significa streetwear para ti? Para ser
literales, es la ropa que ves a la gente por la calle. ¿Cuál es el principal reto de construir día a día una firma de lifestyle como Globe? El
verdadero desafío es conseguir un crecimiento controlado. La
autenticidad y el mantenernos fieles a nuestras raíces son lo que
impulsa y guía la marca. Apoyamos el skateboarding, el surf y el
snowboard siempre. Nuestros equipo de riders nos mantienen al día
de lo que pasa, del momento que vivimos, y trabajamos estrechamente con ellos en el desarrollo de los productos. Somos cuidadosos a la hora de expandirnos con nuevas líneas de productos en tendencia si no tenemos una verdadera pasión por ellos. ¿Cómo ha sido
el desarrollo de Globe desde su fundación? Es necesario un crecimiento orgánico, especialmente para una marca pequeña. Tratamos
de pensar como lo haría una marca más pequeña y ser ágiles y creativos con nuestros gastos. ¡Hay tantas cosas que se pueden hacer
hoy de forma gratuita que tienen un buen un impacto en el crecimiento! Desde la perspectiva del producto tratamos de sacar provecho de lo que funciona para nosotros y mantenerlo siempre fresco.
¿Es complicado mantener el espíritu de originalidad dentro de un
panorama en que emergen nuevas marcas a diario? Tratamos de
centrarnos en nosotros mismos. Siendo una marca fundada en 1994,
hemos visto muchas marcas de streetwear que van y vienen, cosa
que en realidad es estupenda. Estas marcas hacen que todo sea
excitante. La originalidad para nosotros se deriva de ser auténtico.
Nos encanta llevar las cosas más allá, pero siempre analizándolas y
manteniendo la autenticidad. ¿Ser una firma que se fundó en
Australia influye aún en el estilo de Globe? Australia siempre ha sido
y será parte del ADN de la marca, siempre será parte de nuestra inspiración. Tenemos diseñadores tanto en Estados Unidos como en
Australia, y no paran de viajar y coger influencias por todo el mundo.
¿Qué hace especiales vuestras tablas de skate? Las tablas de skate
de Globe son especiales porque no tenemos miedo a probar cosas
nuevas. Llevamos más de treinta años en la industria del monopatín.
Obtenemos nuestra inspiración de fuera de la industria... Diseño de
mobiliario, instrumentos musicales, el arte, etc. Esto, sumado a que
tenemos nuestra propia fábrica, nos permite hacer cosas que otros
no pueden. Estamos orgullosos de la calidad y el acabado de nuestros productos, y lo respaldamos con una garantía. Hacemos skateboards con pasión para todo tipo de skate. Siempre tratamos de
mantener la mente abierta y esforzarnos para preguntarnos "¿qué
es lo siguiente?". ¿Cómo de importante es la línea de calzado en el
desarrollo de una firma de streetwear como la vuestra? Nosotros
empezamos como una marca de calzado en 1994, y luego se añadieron las prendas de vestir y más tarde se introdujeron las tablas de
skate, así que para nosotros el calzado era lo primero. La identidad
de nuestro calzado es intensamente potenciada por nuestros equipo de riders y lo que desean llevar. Hacemos calzado en el que
resuena nuestra personalidad como marca y se sincroniza con nuestra naturaleza de firma de lifestyle de skate, snow y surf. Iniciar una
marca de calzado hoy en día es todo un reto. Los costes son mucho
mayores que los de fabricar monopatines o ropa. Si eres una nueva
marca, puedes permitírtelo y aportas algo nuevo al mercado, auténtico y, por supuesto, coherente con la identidad de tu firma, esto proporcionará un gran impacto. Las colaboraciones son un pilar básico
de Globe. Hemos tenido la suerte de trabajar en grandes colaboraciones. Thrasher, The Clash, Desillusion, VB Beer, Misfit Shapes, Stab
Magazine, Yes Snowboards, G-Shock, Monster Children, The
Adventure Handbook y nuestras colaboraciones actuales con DrizaBone y China Heights, la galería de arte con base en Sídney. Las colaboraciones funcionan mejor cuando todas las partes obtienen algo
positivo de ellas. Es un proceso de ida y vuelta repleto de comunicación positiva y creatividad, todo enfocado a lograr un objetivo.
Nos esforzamos para conseguir colaboradores realmente creativos
que acerquen nuestra marca a nuevos públicos. ¿Qué pueden esperar los fans de Globe en un futuro cercano? Tenemos algunas cosas
interesantes en marcha. Actualmente estamos trabajando en nuestra película de surf con el director Joe G. Estamos a punto de lanzar
nuestra colaboración cápsula realizada entre Globe y Monster
Children, Van Dienman's Land. Y estamos trabajando intensamente
para afinar el rendimiento de nuestras zapatillas de skate.
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T H O M AS
M A R T I N I
AÚN CON LA RESACA DE LA ÚLTIMA EDICIÓN DE LA FERIA A FLOR DE PIEL, CHARLAMOS CON
THOMAS MARTINI, UNO DE LOS COFUNDADORES, JUNTO A MARCO ASLIM, DE BRIGHT, LA FERIA
EUROPEA DE STREETWEAR DE REFERENCIA INTERNACIONAL. UNA LARGA TRAYECTORIA
PROFESIONAL EN EL SECTOR TRABAJANDO CON SU AGENCIA PARA GRANDES MARCAS COMO
ASICS, LAKAI, DVS O QUIET LIFE LE PERMITIÓ DETECTAR EN EUROPA LA FALTA DE UN EVENTO
CENTRADO EN EL SKATEBOARDING, EL STREETWEAR Y LAS SNEAKERS. ASÍ, CON LA IDEA DE CREAR
UN ESPACIO SINGULAR, SUMANDO ADEMÁS ARTE Y MÚSICA, EN EL QUE PODER EXPONER NO SOLO
LAS MARCAS DE SU AGENCIA DE REPRESENTACIÓN SINO TAMBIÉN TODAS LAS DEL MERCADO,
NACIÓ BRIGHT, UN PROYECTO QUE COMENZÓ EN FRÁNKFORT HACE ONCE AÑOS CON APENAS
CUARENTA PARTICIPANTES Y QUE HOY SE HA CONVERTIDO EN LA CITA INELUDIBLE DE LA ESCENA
DEL STREETWEAR. AHORA CON SEDE EN BERLÍN, BRIGHT CONTINÚA CRECIENDO GRACIAS A LA
COMUNIDAD DEL SKATEBOARD, UNA GRAN FAMILIA INTERNACIONAL QUE HA CONVERTIDO SU
PASIÓN POR EL SKATE EN UN ESTILO DE VIDA BIEN RENTABLE, TANTO A NIVEL ECONÓMICO COMO
A NIVEL AFECTIVO. COMO DICE THOMAS, AL FINAL ESTO ES UN NEGOCIO, PERO LA ESENCIA DE
LA COMUNIDAD ES Y SERÁ SIEMPRE LA AMISTAD.
Entrevista: Rosario Muñoz. Foto: Kyra Wilhelmseder
¿Cómo definirías Bright Trade Show? Podemos empezar con la nota
de prensa habitual... En la última década, Bright se ha consolidado
como la feria líder europea de streetwear, zapatillas, skateboarding y
los deportes de tabla relacionados. Es el principal punto de encuentro para marcas, tiendas, compradores, medios de comunicación y
líderes de opinión. Se trata de una original plataforma conocida por
sus impresionantes localizaciones y un gran ambiente, el único lugar
donde se conciben y presentan las tendencias en moda y lifestyle.
Hoy Bright atrae a más de 15.000 visitantes de 54 países, pero el
hecho más relevante es aquello que decían los Bad Brains: "I am a
member of the B(right) Brigade". Bright tiene que ver mucho más
con la hermandad, lo auténtico y el esfuerzo por mostrar la influencia cultural de la música, el arte y el skateboarding en la industria de
la moda de hoy. ¿Cuando nació Bright? ¿Cuál ha sido su evolución
desde sus primeras ediciones? Comenzamos en 2005 en una antigua estación de policía en el centro de Fráncfort con apenas 40 marcas y 500 visitantes. Después de cinco años cambiamos a la antigua
sede del Servicio Secreto de la República Democrática Alemana en
Berlín. Allí el primer evento atrajo el doble de visitantes que en todas
las ediciones de Fráncfort. Después de dos años cambiamos a otros
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dos lugares, hasta que finalmente nos mudamos a nuestra actual
sede, el Arena, en Kreuzberg, que compartimos con nuestros socios
de SEEK. ¿Cuál es el principal reto en la organización de una feria
como Bright, ¿los BESA y todos los eventos extras, las fiestas y las
colaboraciones como el Volcom Skate Happening o el Longest Ollie
Competition? El principal desafío es mantener un montón de cosas
en mente: incluso cuando piensas que muchas de ellas ya están
hechas, no lo están... Bromas aparte, es realmente genial tener tantos desafíos, porque lo hacen todo más interesante y entretenido,
aunque la presión, especialmente en las últimas semanas antes de la
feria, es bastante fuerte. ¿Por qué es Berlín la ciudad perfecta para
celebrar la feria? El contenido del Bright se ve a diario en las calles
de Berlín. Esta ciudad es muy relevante para el estilo de vida cultural
en el que se basa nuestra cartera de marcas. Sigue siendo un placer
ver toda la creatividad que pasa por Berlín. Tanta gente de todas partes, tantas influencias y todavía existen muchos espacios para que
pase casi todo. Todo esto hace de Berlín un lugar único. ¿Cuáles son
las principales tendencias que se han visto en la vigesimotercera edición de Bright? Después de varias temporadas de navy, gris o blanco y negro, vuelve el color. Se ha visto mucho rosa, verde y azul.
La cultura del skateboard es el eje del Bright. ¿Cómo afecta la moda
a esta cultura hoy en día?, ¿cómo ha influido el skateboarding en el
streetwear de hoy? Es realmente interesante ver la gran influencia
que el skate tiene en el streetwear y en la moda de hoy, y también
pasa justo al revés. Puedes encontrar un slip-on en casi todos los rangos de marcas y una gorra de Polo Lauren en el armario de la mayoría de skaters. Alex Olsen posa para Louis Vuitton, Emilio Pucci está
haciendo tablas de skate y la revista Jenkem Magazine probó la
capacidad de los mocasines Gucci para patinar. Creo que el skate es
una gran inspiración para muchos creativos en muchos segmentos
diferentes. Y la cultura del skateboard es lo suficientemente inteligente como para elegir lo mejor de todas partes. La cultura sneaker también ha entrado fuerte en la escena de la moda. ¿Cómo ves esta evolución de la tendencia en Bright? Uno de nuestros expositores de
esta edición de verano es un buen ejemplo: ER Skates. Eugene
Riconneau es un diseñador de calzado de alta moda para mujeres y
comenzó una marca de calzado de skate. Os recomiendo que le
echéis un vistazo en www.erskate.com. ¡Es increíble! ¿Cómo contribuyen las grandes marcas como Levi's o Nike a la moda en la actual
escena skate? Nike está en todos lados. Contribuyen con muchas
clases de calzado, como las siluetas del fútbol o el running, a la escena de moda skate. Los jeans por lo general no tienen una fuerte visibilidad: no es fácil adivinar qué marca llevas, pero por ejemplo el
Odog de Dickies es un estilo que tiene hoy una fuerte visibilidad en
la escena de la moda skate. Una de las cosas que nos encantan del
BRIGHT es descubrir pequeñas marcas. Nos hacen pensar en lo
entusiastas que son las personas involucradas en la cultura skate y
lo global que es. ¿Recibís muchas solicitudes de participación de
pequeñas marcas internacionales?, ¿cómo ayudáis a estas pequeñas
empresas? Hay muchas microbrands con una fuerte identidad en el
mercado, y muchas de ellas encajan en el ADN de Bright. Para crear
una auténtica plataforma es muy importante presentar este tipo de
marcas, y hacerlo de forma que sea asequible y cómodo para ellas
dentro de lo posible. Siempre depende de la marca: algunas hacen
producciones de vídeo o una obra de arte que podamos utilizar,
otras organizan concursos a cambio de un stand, las hay que han
puesto en marcha una competición, un patín para nosotros o para un
medio colaborador... Hay muchas opciones para mantener un presupuesto asequible. ¿Cuáles son tus impresiones acerca de la escena
una vez terminada la última edición? Es sorprendente ver lo importante que es el aspecto de amistad y trabajo con personas afines. No
estoy seguro de si solo es tan especial en nuestra comunidad o si
también es lo normal en otras industrias, pero siempre es un gran
placer trabajar en una plataforma para una gran familia. ¿Cuáles son
tus principales expectativas para el futuro de Bright? El objetivo principal es mantener el equilibrio entre la autenticidad y los negocios, el
bagaje cultural y la industria impulsada por la feria. Al final del día
cada uno tiene que hacer negocio en una feria, pero si perdemos el
sentimiento de comunidad, perdemos aquello sobre lo que va todo
esto: la amistad. www.brighttradeshow.com
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RHYTHM SS16
AÚN QUEDA MUCHO VERANO
POR DELANTE, Y QUEREMOS
QUE LO DISFRUTES. SOL, MAR Y
OLAS. NO NECESITAS MUCHO
MÁS PARA ZAMBULLIRTE EN EL
ESTADO DE PLACIDEZ QUE TE
PROPONE RHYTHM CON SU
FILOSOFÍA DE VIDA: HAZ LO
QUE AMAS Y ALÉJATE DE LO
QUE TE NO TE HACE BIEN.
NOSOTROS AÑADIMOS: HAZLO,
ADEMÁS, CON MUCHO ESTILO.
POR ESO TE TRAEMOS SU
COLECCIÓN DE VERANO, PARA
QUE NO TENGAS EXCUSAS Y
EMPIECES YA TU AVENTURA DE
VERANO SIGUIENDO AL SOL.
Texto: Rosario Muñoz
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La filosofía slow life adquiere un valor añadido de pasión y aventura cuando hablamos
de Rhythm. La marca australiana, surgida del
surf y su estilo de vida, nos invita a vivir lejos
del frenesí de la globalización escuchando el
sonido del cambio, ese que comienza con el
murmullo del agua del mar y acaba rugiendo como una gran ola, la que todos deberíamos coger para disfrutar de la vida según
nuestras propias convicciones y principios.
Es tan simple como hacer lo que uno ama y
alejarse de aquello que no le hace bien. La
simplicidad de esta tesis se aplica a las
colecciones de Rhythm temporada tras
temporada. Las propuestas de este verano
vienen acompañadas de una nueva y sencilla sugerencia: Follow the Sun. El recorrido
del astro rey nos marca la pauta en las aventuras que vamos a vivir este verano, desde
que sale para acompañarnos durante el día
hasta su puesta al atardecer, dando paso a
largas y agradables noches con la mejor
compañía. La colección de mujer viene cargada de diseños sencillos pero muy femeninos, buscando la armonía entre la comodidad y la estética cuidada a través de patrones favorecedores y tres estilos: estampados
étnicos inspirados en la cultura persa, dibujos arabescos de cachemir y aplicaciones
trenzadas, y estampados tropicales vintage.
El mix de siluetas lo componen desde vesti-
dos livianos y tops con cortes bien marcados hasta jerséis de punto y chaquetas con
aplicaciones en detalle. Un amplio rango de
formas construidas con algodones suaves,
mezclas de algodón y gasas con una paleta
de color inspirada en los tonos del amanecer
y el azul índigo. La colección de hombre
continúa con la premisa de la sencillez y el
confort a través de prendas básicas con
detalles rigurosos y finos estampados.
Camisas, camisetas, pantalones, bermudas,
jerséis y chaquetas conforman las propuestas masculinas a través de una paleta de
color protagonizada por azules y tierras.
Rhythm también tiene una línea de baño
completa que se compone de diseños inspirados en la tendencia de los años dorados
del surf en California para las propuestas de
hombre y una gran variedad de diseños versátiles en bañadores y bikinis para mujer, con
colores y detalles conectados con la inspiración de la colección, al igual que todos los
accesorios. Rhythm continúa construyendo
a su alrededor una comunidad de entusiastas de la vida que comulgan con la cultura
del surf y su lifestyle, y sus colecciones están
pensadas para proporcionarles a todos ellos
la posibilidad de disfrutar de sus pasiones
con prendas bonitas, sencillas y diferentes.
www.rhythmlivin.com
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SHOOP
ESTA MARCA, MITAD ESPAÑOLA Y MITAD JAPONESA, FUE FUNDADA EN EL AÑO 2011 POR MIRIAM SANZ
Y YOHEI OKI, QUE SON LAS MENTES CREATIVAS (Y ACTIVAS) DE ESTA INTERESANTE FIRMA. HA VESTIDO
A RAPEROS COMO DRAKE, QUE INCLUSO CONTÓ CON ELLOS PARA REALIZAR EL VESTUARIO DEL
FESTIVAL DE SU SELLO, OVO FEST. ADEMÁS DE LA MÚSICA, TAMBIÉN HA COLABORADO CON ARTISTAS
DEL MUNDO DEL ARTE COMO MICHAEL WILLIS, QUE HA TRABAJADO PARA FIRMAS COMO NIKE, KENZO O
WARP RECORDS. SI TODO ESTO OS PARECE POCO PARA PRESTAR ATENCIÓN A SHOOP, MTV STYLE
GERMANY DIJO QUE ERA UNA DE LAS MEJORES MARCAS UNISEX DE ESTOS MOMENTOS.
Texto: Nadia Leal. Foto: Adriana Roslin
¿De dónde viene el nombre de SHOOP? El nombre SHOOP viene de
una canción de Salt-N-Pepa de los noventa. ¿Cómo os conocisteis?
En Marula, viendo pinchar a un amigo común. ¿Cómo fundasteis la
marca? Tras estudiar estilismo de indumentaria y diseño de moda y
trabajar varios años en el mundo de la moda, Miriam decidió crear la
marca. Yohei ayudaba en la parte gráfica desde el principio y finalmente se convirtieron en un equipo. ¿Cómo nació el concepto? La
idea inicial era hacer colecciones unisex sin temporada. También
desde el principio establecimos un vínculo entre la marca y la música, el cual mantenemos en la actualidad a través de colaboraciones
con productores y Dj internacionales. Vuestra moda combina elementos futuristas con estética japonesa y anime. Lo de la estética
japonesa y anime era la inspiración para la colección SS 16. En realidad solemos inspirarnos en las prendas tradicionales dando nuestro
toque, que en algún caso puede ser futurista o no. ¿Cómo definiríais
vuestro estilo? Moda alternativa contemporánea. ¿Cómo son de
importantes las redes sociales en vuestra forma de entender la
moda? Las redes sociales son fundamentales, ya que gracias a ellas
nos dimos a conocer y hemos llegado a gente que no esperábamos,
como Drake o Kiko Mizuhara. También nos parece una saturación de
información y hace que se pierdan ciertos valores o que no nos fijemos en las cosas que son realmente importantes, al mirar solo lo
superficial. ¿Y para comunicarla? La forma de comunicar es lo más
importante en este momento, ya que la mayoría de las fuentes de
información son a partir de las redes sociales. Nosotros estamos buscando alguna forma original de presentar y difundir la marca a tra-
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vés de ellas. ¿En qué os habéis inspirado para esta colección? En la
estética y la subcultura de la década de dos mil (hardcore, videojuegos, skate y prendas deportivas). ¿Cómo veis la moda de nuestro
país? En los últimos años han surgido diseñadores y marcas que
están pisando fuerte a nivel internacional, también gracias a Internet
y las redes sociales. ¿Qué os gusta? La comunicación está mejorando y gracias a Internet la moda española está empezando a tener
algo de presencia en el resto del mundo. ¿Y qué no? Suele quedarse en imagen y desfiles, pero no está enfocada para nada a la venta,
que es el objetivo final. No hay buyers en los desfiles, como en el
resto de los países, y las marcas que participan apenas tienen puntos de venta. ¿Qué cambiaríais? Hace falta una renovación y más
apoyo a marcas jóvenes, como se hace en París, Londres, Tokio o
Nueva York. Estos países dan subvenciones a las marcas para participar en ferias, showrooms o desfiles para exportar su propia cultura y productos. La moda es un gran negocio y forma parte del branding del país, por lo que el estado debería ser consciente de ello.
¿Cómo diseñáis? Hacemos todo entre los dos, desde la idea inicial
hasta el resultado final. ¿Cuáles son vuestras mayores influencias
artísticas? ¿Y estéticas? La cultura hip hop, ya que hemos crecido
con ella; la moda japonesa (especialmente los abuelos de Japón),
cultura street, viajes, ropa vintage, etc. ¿Vuestros planes a corto y
largo plazo? Nuestro plan es expandir más la marca mundialmente
consiguiendo más puntos de venta en muchos países y crear nuestra cultura. Aparte de moda nos gustaría hacer un sello de música,
fiestas, exposiciones, etc., y también alguna instalación.
NOTICIAS MÚSICA
MONKEYWEEK 2016
BRUNCH IN THE PARK BARCELONA
Los próximos 13, 14 y 15 de octubre se celebra en Sevilla la octava edición de Monkey Week. Si algo ha caracterizado a Monkey
Week desde sus inicios es su apuesta firme por el talento emergente. Entre los objetivos del festival Monkey Week está ofrecer
una radiografía tan ecléctica como acertada del panorama musical independiente más actual programando conciertos de hard
punk, punk rock, psych rock, krautrock o folk pop, con actuaciones como las de Michael Rother “plays NEU!”, Harmonia & Solo
Works, Niño de Elche + Los Voluble, White Bats, Melange, Perro
o Juventud Juché, entre muchos otros, para conformar un line up
de música de otro planeta. monkeyweek.org
Llega a la Ciudad Condal un festival capaz de reinventarse, una
cita que en verano tiene lugar 'In the Park' (Jardins de Joan
Brossa, en Montjuïc), y en primavera y otoño 'In the City' (Poble
Espanyol). Esta temporada, Brunch In the Park apuesta por una
particular combinación de gastronomía, música, market y actividades, y presenta doce nuevas y refrescantes fechas de este perfecto crossover entre ocio y cultura, no solo para adultos, sino
también para niños. Todos los domingos, hasta el 11 de septiembre, Montjuïc recibirá Dj internacionales como Claptone, Derrick
Carter, Dubfire, Josh Wink, Hot Chip, Magda, La Mverte, Jennifer
Cardini, Pete Tong, Tale of Us o Vitalic. barcelona.brunch-in.com
MOOG BCN VERANO 2016
DCODE 2016
Desde Ocimag nos confesamos muy fans de la programación de
Moog, el club más underground y ecléctico de Barcelona. La programación que ha diseñado para los meses más calurosos del
año es de una calidad musical inmejorable. Nombres como
Morgan Hamer, Scott Fraser y Timothy J Fairplay, David Lost,
Alex Martin, Javi Redondo, Octave One o Ceephax Acid Crew,
entre otros, acompañados por los residentes y másters Gus van
Sound y Uroz, pasarán por el centro de Barcelona este verano
para ofrecernos noches de calidad y verdadera electrónica
underground. Entérate de todos los artistas que pasarán por
Moog y toma nota. www.masimas.com
El festival Dcode ha anunciado el cartel de su sexta edición, que
se celebrará el 10 de septiembre en el campus de la Universidad
Complutense de Madrid. A la banda californiana Eagles of Death
Metal, primer nombre desvelado hace ya algunos meses, se han
sumado una veintena de artistas como Mark Ronson, Zara
Larsson, Kodaline, Jungle, Bunbury, Jimmy Eat World, Triángulo
de Amor Bizarro, Love of Lesbian, Oh Wonder, Carla Morrison,
Clean Cut Kid, Belako, Noise Nebula, Bear's Den, Nothing But
Thieves, 2ManyDjs, Independence Djs o Delorean, entre otros,
para dar forma a uno de los carteles más variados pero homogéneos del panorama nacional. dcodefest.com
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NOTICIAS MÚSICA
PIXIES HEAD CARRIER
THE DIVINE COMEDY FOREVERLAND
Pixies han anunciado la publicación de su segundo álbum 'postreunión', Head Carrier, el próximo 30 de septiembre, a través del
sello Pixiesmusic. Doce canciones que responden fielmente a su
característica mezcla de surrealismo, psicodelia, disonancia y surf
rock, del que ya se escucha el single de adelanto, Um Chagga
Lagga, en la web de Pixiesmusic. Con portada original del legendario Vaughan Oliver, el álbum estará disponible en diversos formatos y en una caja de lujo edición limitada. Además, también
han anunciado la primera parte de su gira mundial 2016-2017 con
una etapa que arranca en Viena el 15 de noviembre y recala en
Barcelona el 20 del mismo mes. www.pixiesmusic.com
Si hay una banda que sabe llegar a la gente con autenticidad y
calidad es The Divine Comedy, que vuelven con nuevo disco el
próximo 2 de septiembre, el undécimo álbum de la banda, publicado en su propio sello: Divine Comedy Records. Foreverland es
como se titula este nuevo trabajo que contiene referencias a
Catalina la Grande y la Legión Extranjera francesa y trata, en palabras de su líder Neil Hannon, "de encontrar tu alma gemela, y lo
que viene después de ese encuentro". Después de pasar por el
VIDA Festival este 2016, han anunciado una extensa gira que los
traerá a finales de octubre al BIME de Bilbao y en febrero de 2017
a Sevilla, Madrid y Barcelona. www.thedivinecomedy.com
BIME LIVE 2016 PRIMEROS NOMBRES
FOEHN RECORDS CUMPLE 15 AÑOS
BIME Live, el festival de otoño, regresa con Suede como primer
cabeza de cartel confirmado con un espectáculo muy especial.
Liderados por Brett Anderson, Suede llegan a Bizkaia con Night
Thoughts, su primer LP en ocho años y al que Pitchfork o Rolling
Stone han considerado uno de sus mejores trabajos. Junto a
Suede, más nombres: PJ Harvey, Moderat, Toundra, The Divine
Comedy, The Horrors, Kevin Garret, Beasts, James Vincent,
Lambchop, McMorrow, Nacho Vegas y Richmond Fontaine son
los primeros confirmados. La cuarta edición del festival se celebrará los días 28 y 29 de octubre, en el BEC! de Barakaldo, dentro de la oferta musical de este festival de otoño. www.bime.net
Nacido en verano de 2001, con el objetivo de apostar por la vertiente menos tradicional del pop, el rock y la electrónica, y con
más de ochenta referencias publicadas, Foehn Records cumple
15 años. Para la celebración de este decimoquinto aniversario,
han preparado una serie de eventos, acciones y sorpresas para
agradecer y celebrar. Para empezar, presentan un recopilatorio
de los grupos que han pasado por Foehn, de descarga gratuita
desde la web de la casa. Este sello catalán siempre ha apostado
por las vertientes menos tradicionales del pop, el rock y la electrónica, desde un punto de vista underground y atemporal. Un
sello a seguir de cerca. foehnrecords.bandcamp.com
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S E L E C C I Ó N
GNOD
EN APENAS SEIS AÑOS, GNOD SE HA
CONVERTIDO EN UNA DE LAS BANDAS
MÁS VOLCÁNICAS E INCLASIFICABLES
DENTRO DE LA ESCENA PSICODÉLICA
INGLESA. UN COLECTIVO DE TAMAÑO Y
NATURALEZA VARIABLE, CON ESPECIAL
HABILIDAD PARA DAR FORMA A LARGAS
Y EXTRAÑAS JAMS ESPACIALES,
CARGADAS DE ENERGÍA OSCURA. SU
ÚLTIMO DISCO, EL ESTUPENDO MIRROR
(ROCKET, 2016), AÑADE A LA ECUACIÓN
UN CIERTO ESPÍRITU PUNK, EN EL QUE
TIENE MUCHO QUE VER SU ENFADO
CON LAS POLÍTICAS NEOLIBERALES
QUE, SEGÚN ELLOS, ESTÁN
DESTRUYENDO INGLATERRA. PADDY
SHINE, PORTAVOZ DE LA BANDA, HABLA
DE TODO ESTO DESDE SUS CUARTELES
EN LA ACADEMIA DE ARTE DE
ISLINGTON MILL, A TIRO DE PIEDRA DE
LA CIUDAD DE MÁNCHESTER.
Entrevista: Vidal Romero
La última vez que hablé con vosotros los
nombres de los músicos eran un secreto, y
afirmabais ser parte de un colectivo muy
grande, con gente entrando y saliendo.
Desde hace un par de años, sin embargo, ya
es evidente que existe un núcleo de cuatro
personas al que se añaden colaboradores
ocasionales. ¿Qué es lo que ha cambiado?
En realidad, se trata de una progresión natural. No nos gusta estar demasiado tiempo en
un mismo sitio, y jugar con el anonimato era
solo una de las muchas facetas que definen
Gnod. Solo dos miembros hemos estado
desde el principio, Chris Haslam y yo.
Marlene Ribeiro lleva con nosotros ocho
años, Alex Macarte cuatro, y luego tenemos
a Andy, que ha sido nuestro técnico de sonido y de directo desde hace cuatro años. Para
complicarlo todo, seguimos tocando de
manera más o menos regular con David
McLean, que se podría considerar un miembro en la sombra, y últimamente hemos
reclutado a dos nuevos baterías, que ya aparecerán como parte de la banda en el próximo disco. Como ves, es bastante
confuso intentar definir de una
manera precisa qué o quiénes
son Gnod. Ya han pasado más
de cuarenta personas por
nuestras filas. Desde mi punto de vista, ese
repliegue hacia un núcleo compacto ha venido acompañado de discos aún más inspirados. El penúltimo, Infinity Machines (2015)
era muy conceptual, cercano al ambient o a
la música meditativa. También era un disco
muy largo, que parecía querer mostrar todas
las facetas que esconde Gnod en su interior.
Cuando comenzamos a grabarlo teníamos
un par de ideas, pero la mayoría de las canciones se escribieron en el estudio de grabación. En cuanto a los instrumentos utilizados,
también los escogimos de una manera
casual, pero terminaron por convertirse en
auténticos protagonistas. Dentro de la habitación había un bajo con un amplificador,
pero no guitarras. Teníamos una batería, una
caja de ritmos, un MPC, sintetizadores
modulares y digitales y un piano Rhodes.
Nos pareció interesante trabajar de esa
manera, intentar construir todo un universo a
partir de ese puñado de instrumentos. El
concepto todavía no se había desarrollado
del todo, pero ya empezábamos a ver las
cosas claras. Esa nueva manera de trabajar
también se veía reflejada en la portada, con
esos dibujos enigmáticos, que parecían
sacados de algún test de Rorschach. Y también en los títulos de canciones, que resulta-
ban mucho más luminosos de lo habitual. El
concepto global surgió de algo que leí en un
libro, que decía que el cerebro humano es
una máquina infinita con infinitas posibilidades. Así que yuxtapusimos ese concepto
con la idea de que en el mundo actual hay
muchos adictos a máquinas malvadas, que
destruyen la capacidad de pensar por nosotros mismos. Los títulos terminaron por
definirse mientras estábamos mezclando los
temas y, en este caso, sirvieron para reforzar
ese concepto. Frente a esa criatura tan compleja, Mirror es una interpretación bastante
personal de lo que debería ser un disco de
punk rock. Uno que toma referencias de
bandas de los ochenta, como Swans o
Young Gods, y que también utiliza una
estructura de canción más clásica. Después
de la expansión brutal que supuso Infinity
Machines, nos apetecía grabar algo mucho
más básico y directo, reducirnos a un formato más cercano al de una banda clásica de
punk. Y, además, teníamos almacenada
mucha ira hacia la situación política en
Inglaterra, que parecía más apropiado expresar con una combinación clásica de guitarra,
bajo, batería y voces. Entrevista completa en
www.ocimagazine.es
CO N TE M PO P RÁN EA 2 0 1 6
EL FESTIVAL MÁS
DESCARADAMENTE INDIE DE LA
PENÍNSULA CUMPLE ESTE AÑO
21 EDICIONES, SIGUE
MANTENIENDO SU DOBLE SEDE
(BADAJOZ Y ALBURQUERQUE) Y
APUESTA POR UN HOMENAJE A
UN MOMENTO MÍTICO DE LA
HISTORIA DEL INDIE BRITÁNICO:
LA CINTA RECOPILATORIA C86
PUBLICADA EN 1986 POR EL
SEMANARIO NEW MUSICAL
EXPRESS CON CANCIONES DE
BANDAS EMBLEMÁTICAS COMO
PRIMAL SCREAM, THE PASTELS,
MIGHTY MIGHTY, CLOSE
LOBSTERS, THE WEDDING
PRESENT, MCCARTHY, THE
WOLFHOUNDS, THE BODINES O
THE SOUP DRAGONS.
Texto: Half Nelson
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El festival extremeño Contempopránea,
cuya segunda cita de este año tendrá lugar
en Alburquerque el 29 y 30 de julio, toma
este año como fuente de inspiración el aniversario de la mítica compilación en cinta
publicada por el magacín semanal británico
New Musical Express en 1986, uno de los
hitos en la historia de la escena independiente en el Reino Unido. Lo que pretendía ser
una compilación de veintidós nuevas bandas procedentes de sellos independientes
como Creation, Probe Plus, Dreamworld
Records (de Dan Treacy), Head, Pink,
Subway o Ron Johnson significó un importante espaldarazo a la atomizada y desorganizada escena musical underground y el
reconocimiento de una serie de señas de
identidad que configuraron la etiqueta 'indie'
para el gran público. El término C86 se convirtió en sinónimo de pop de guitarras enérgicas, pero esencialmente melódicas, aunque no era ese el espíritu de todas las bandas incluidas en el lote. Fue rampa de lanzamiento para grupos todavía en activo como
Primal Scream (que entregaron la deliciosa
Velocity Girl), los energéticos y guitarreros
The Wedding Present de David Gedge, y los
escoceses The Pastels, que estarán presentes en esta edición del Contempopránea.
Prueba de su influencia han sido los sucesivos homenajes y reediciones de que ha sido
objeto: la última el pasado 16 de abril con
motivo del Record Store Day. A los treinta
años de la publicación, Contempopránea se
suma a esos homenajes tomando el grafismo de la cinta C86 como base para la imagen de esta edición, además de incorporar a
los ya citados The Pastels a su cartel.
También participarán algunas de las bandas
herederas de ese espíritu indie como The
Charlatans (que presentarán su nuevo trabajo Modern Nature), los barceloneses Dorian
y Sidonie, y los gallegos Triángulo de Amor
Bizarro, además de bandas nacionales como
Belako, Tachenko, Linda Guilala, Papaya,
Tigres Leones, Murciano Total, Detergente
Líquido, el Dj set de Guille Milkyway, Hazte
Lapón, Los Bonsáis, Capitán Sunrise, The
Lawyers y Dj Patrullero. Un día antes, el jueves 28 de julio, la plaza de España de
Alburquerque acogerá la fiesta de bienvenida del festival, con las actuaciones de
Colorado y Retrovisor Dj. También habrá
conciertos en el paraje natural de la piscina
de Alburquerque. Al igual que en la pasada
edición, está prevista la actuación de uno de
los nombres importantes del cartel. El viernes 29, a las 17:00 h, actuarán Que Bailen los
Demás, junto a las sesiones de Aftasico Dj.
Contempopránea Alburquerque ofrece
varias opciones de alojamiento para que se
disfrute al máximo de la experiencia CPOP.
En la web del festival se puede elegir entre
zona de acampada gratuita o alojamientos
en hoteles con autobús de ida y vuelta.
www.contempopranea.com
TIM PARIS & IVAN SMAGGHE
AUNQUE EN LOS ÚLTIMOS AÑOS
PARECÍA DORMIDO, DEDICADO POR
ENTERO AL ARTE (QUE TAN BIEN SE LE
DA) DE PINCHAR, IVAN SMAGGHE
GUARDABA UN SECRETO BAJO LA
MANGA. UN PROYECTO A MEDIAS CON
OTRO ILUSTRE EXILIADO FRANCÉS, TIM
PARIS, CON EL QUE DAR RIENDA SUELTA
A TODAS LAS IDEAS LOCAS QUE TENÍA
ALREDEDOR DE LA MÚSICA. UN
PROYECTO BAÑADO EN PSICODELIA Y
BUEN HUMOR, QUE SALTA SIN MIEDO
ENTRE GÉNEROS MUSICALES Y
CONSTRUYE CANCIONES QUE IGUAL
SIRVEN PARA ANIMAR UNA PISTA DE
BAILE QUE PARA PONER BANDA
SONORA A UNA FIESTA EN LA PISCINA.
EN AGOSTO SE PUBLICA SU DISCO DE
DEBUT, EL HOMÓNIMO Y MUY DIVERTIDO
IT'S A FINE LINE (KILL THE DJ, 2016).
Entrevista: Vidal Romero
En el año 2008 se publicó un primer tema
firmado a medias por Tim Paris e Ivan
Smagghe, que ya venía firmado como It's a
Fine Line. ¿Cuándo empezasteis a trabajar
juntos, y por qué ha tardado tanto tiempo en
ver la luz este disco? Tras un par de años
viviendo en Londres ambos sentíamos la
necesidad de embarcarnos en otro proyecto,
de empezar algo completamente nuevo en
esta ciudad nueva. Ivan acababa de dejar
Black Strobe y yo estaba cansado de trabajar solo. Los dos nos conocíamos de París y
solíamos quedar de vez en cuando, así que la
idea de hacer música juntos surgió de manera muy natural. En cuanto al disco, si ha tardado tanto se debe a que hacer música es
un proceso largo: tienes que encontrar ideas
que sobrevivan al paso del tiempo, así que
hemos tenido que abandonar muchas canciones por el camino, hemos tenido que
hacer y cambiar, que rehacer, volver a grabar,
mezclar, cambiar los arreglos y volver a mezclar una y otra vez… Eso sí, nunca se nos ocurrió sentirnos presionados, no es ese tipo de
proyecto. De hecho, It's a Fine Line, con el
amplio espectro de géneros que toca y las
diferentes instrumentaciones que maneja,
suena más a una recopilación de temas que
como un disco pensado de manera unitaria.
¿Se debe, tal vez, a que lo hayáis grabado
intercambiando archivos desde vuestras
casas? Siempre trabajamos juntos y en la
misma habitación, así que tu percepción se
debe a que el disco refleja nuestro amor por
muchas músicas de diferentes géneros y de
diferentes épocas. Por otro lado, los dos
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pensamos que es muy aburrido escuchar un
disco en el que se repite la misma fórmula
una y otra vez, así que es lógico que ciertas
discrepancias se hayan colado a lo largo del
proceso, ayudando a que todo fuera más
interesante. Sería muy sencillo escoger de
antemano qué género asignaríamos a cada
canción, así que decidimos trabajar de un
modo más complicado. Imagino que ese es
nuestro estilo. Esa variedad de géneros, que
abarca desde el techno al house, el disco o
incluso al rock'n'roll, ¿es un reflejo de vuestros gustos a la hora de pinchar? Se trata
más bien de un reflejo de nuestros gustos
musicales, que son bastante caprichosos.
Pero lo cierto es que la música electrónica
necesita alimentarse con otros estilos y tipos
de sonidos, y ese es el auténtico concepto
sobre el que gravita It's a Fine Line. La idea
era trabajar con estéticas opuestas, con ritmos torcidos, mezclando estilos que nadie
hubiera asociado con anterioridad. Por eso
no es un disco para Dj. Quiero decir, nos
encanta la música de baile, pero la música de
baile suele presentarse en formas muy concretas, y nosotros no queríamos ponernos
límites de ningún tipo. En realidad, el único
elemento que creo que podría coser todas
las canciones del disco es una cierta sensación desvaída de psicodelia. Es que esa es la
característica que mejor ha definido It's a
Fine Line desde el principio. Pero, como tú
mismo dices, es un concepto desvaído, que
igual puede referirse al rockabilly psicótico, a
algo de tintes progresivos o a un tema minimalista-hipnótico. En ese sentido, el trabajo
de Gareth McConnell es perfecto para ilustrar toda la imagen del proyecto. Las visuales
y el video que ha creado para el disco constituyen una experiencia alucinatoria, que
forma una pareja ideal con nuestra música.
En el disco también colaboran algunos cantantes: Olivia de Lanzac, Alex Kapranos y
C.A.R. ¿Por qué escogisteis trabajar con ellos
y cuál ha sido su papel en las canciones?
Todos ellos aparecieron cuando los cimientos de las canciones ya estaban construidos,
pero al final terminaron por convertirse en
procesos colaborativos, porque la presencia
de una voz siempre añade perspectivas inesperadas. En cuanto a por qué ellos, los tres
son personas muy cercanas a nosotros, aunque de manera diferente. Alex Kapranos es el
vecino de Ivan, así que fue la casualidad
quien lo trajo hasta nosotros. C.A.R. formó
parte hace varios años de una banda de rock
llamada Battant, con la que trabajamos
como productores. Y el caso de Olivia es el
más especial, porque la verdad es que nunca
nos hemos conocido en persona. La buscamos porque es la cantante de un disco de
Quad Throw Salchow que nos fascina desde
hace varios años. Tanto, que incluso llamamos al productor para que nos contara qué
tipo de efectos estaba utilizando para que la
voz sonara de ese modo. Y nos confesó que
no había hecho nada, que la voz sonaba así
de manera natural. Es algo realmente prodigioso, es muy raro escuchar a alguien con un
rango de voz tan amplio y que encima lo
sepa manejar de esa manera.
PIXIES
"HEAD CARRIER"
CD/LP/DL
----------------------------30/9/16
AGNES OBEL
"CITIZEN OF GLASS"
CD/LP/DL
----------------------------21/10/16
JONES
"NEW SKIN"
CD/LP/DL
----------------------------7/10/16
RÓISÍN MURPHY
"TAKE HER UP TO MONTO"
CD/2xLP/DL
----------------------------8/7/16
FACTORY FLOOR
"25 25"
CD/2xLP/DL
----------------------------19/8/16
THE PARROTS
"LOS NIÑOS SIN MIEDO"
CD/LP/DL
----------------------------26/8/16
B E L I Z E
HAY QUIENES CANCIÓN A CANCIÓN
CAVAN SU PROPIA TUMBA; Y TODO
LO CONTRARIO, LOS QUE TEMA A
TEMA LABRAN UN FUTURO (O
PRESENTE) SENCILLAMENTE
BRILLANTE. LOS PAMPLONICAS
BELIZE, A PESAR DE SU RABIOSA
JUVENTUD, HAN SABIDO CRECER Y
CAMINAR EN MENOS DE CINCO
AÑOS POR ESA DELICADA PARCELA
QUE ES PASAR DE LA
AUTOPRODUCCIÓN A UN SELLO
IMPORTANTE: WARNER MUSIC. EN
LA CAMINATA NO HAN PERDIDO NI
UN ÁPICE DE FRESCURA POP.
ÚNICA, ENTRE LO ACÚSTICO, LO
EXÓTICO Y LO ELECTRÓNICO, SE
CONSOLIDÓ EL AÑO PASADO EN UN
DELICIOSO ÁLBUM DE DEBUT:
BELIZE. DETALLISTAS, INTELIGENTES
Y CON ASPIRACIONES MUY ALTAS.
Texto: Bruno Garca. Foto: Ingrid Ribas
Me consta que decís estar "muy agradecidos
por tener la suerte de trabajar en lo que nos
gusta y de sacar adelante un proyecto propio". Una realidad, una gran fuente de motivación donde "además, trabajamos con
gente estupenda que respeta al máximo
nuestros criterios artísticos y que nos ayuda
muchísimo. Respecto al público, vemos que
cada vez llegamos a más gente gracias al
apoyo de los medios, que nos echan un
cable muy gordo. En general, nuestra propuesta gusta, ¡así que no se puede pedir
más!". Y ¿para qué hacerlo? Dejemos esa
frescura con la que arrancasteis en 2012 fluir
por sí sola. De hecho se palpan en vuestras
composiciones mucha calidez, amor y luminosidad… La música que haces está muy
conectada con la forma en la que vives. Si
andas agobiado y amargado, es muy probable que tus canciones también transmitan
esa negatividad. Por ello, intentamos trabajar desde nuestro estudio, una casa de
campo a las afueras de Pamplona, aunque
siempre que podemos hacemos un viaje por
las Landas francesas: es un lugar muy inspirador. No obstante, si las canciones transmiten esa evasión y calidez que mencionas no
es tanto por el proceso de creación, sino por
necesidad. Buscamos llevar al oyente a un
lugar donde nosotros también queramos
estar. Por eso creamos atmósferas escapis-
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tas: también nosotros queremos viajar a
esos lugares, huir del ritmo frenético de la
vida moderna. Un punto notable de vuestra
música es la manera de intercalar letras en
inglés y español. Para nosotros, cantar en
varios idiomas es una apuesta estilística… La
sonoridad, por ejemplo: cada lengua tiene su
propia musicalidad y es fantástico añadir
esos matices a las composiciones. ¿Qué me
dices de la temática de las letras? Las canciones se desarrollan en clave de diálogo
entre Ángel, la parte racional, y Ana, la emocional. Ambos conversan tal y como harían
razón y sentimiento en nuestra conciencia.
Los dos apenas se entienden porque hablan
lenguajes distintos. Lo tengo que decir: os
envidio, chicos, por vuestra juventud. Aun
con eso no me queda muy claro si vivís al
cien por cien de los discos y bolos. Por suerte o por desgracia, en los tiempos que
corren la vida te obliga a ser multidisciplinar.
Todos tenemos una profesión complementaria. En el grupo hay ingenieros, un arquitecto, una enfermera, una maestra y hasta un
publicista. La parte positiva es que nos organizamos para poner todas esas habilidades y
talentos al servicio de Belize. Otra de las virtudes a destacar de la banda es la pasmosa
habilidad que tenéis de colorear vuestras
canciones con trazos electrónicos, diligentes
y muy bien perfilados. ¿Quiénes son de vo-
sotros los que más se pirran en este tipo de
recursos y referencias musicales? Serían
Pablo y Vicente, sobre todo. Son muy fans
de la música electrónica y la cacharrería
sónica: sintetizadores, secuenciadores, samplers y demás. Se vuelven locos cuando la
electrónica se aplica al género rock, pop y
folk, desde los primeros Kraftwerk hasta
cosas más modernas y melódicas como
Phoenix, Passion Pit, Com Truise y
Starfucker. Por su parte, Ángel [compositor
del grupo] se responsabiliza de ser el amable culpable de regar los temas con arreglos
más exóticos que el país centroamericano
que les presta el nombre. El cual no hemos
podido visitar todavía. Estamos esperando a
ver si nos invitan a dar un concierto [risas].
Tenemos muchas ganas de embarcarnos en
un viaje por el nuevo continente y descubrir
esas influencias de primera mano. A todo
esto, y para ir poniendo el broche, en el tema
Egos decís: "Él va conmigo porque siempre
me acompaña". ¿Quiénes son esas personas,
animales o cosas que acompañan siempre a
Belize, pero nunca dan la cara en una entrevista, sobre el escenario…? Egos habla del
monstruo que todos llevamos dentro y que
de vez en cuando sale para dar algún zarpazo aquí y allá. Hay más criaturas que nos
acompañan: los pájaros, los hombres de las
máscaras, las montañas y las flores.
CONVENANZA 2016
CUANDO UN FESTIVAL CITA EN SU PÁGINA WEB LOS RESTAURANTES CON ESTRELLAS MICHELIN QUE TIENE A
SU ALREDEDOR, SABES QUE HAS ALCANZADO UN NIVEL SUPERIOR. CUANDO APENAS HAY CUATRO CONCIERTOS
O SESIONES CADA JORNADA, SABES QUE LA PRIORIDAD NO ES LA CANTIDAD DE GRUPOS O ESCENARIOS CON
LOS QUE VAS A TENER QUE LIDIAR, SINO LA EXCELENCIA MUSICAL Y LA MÁXIMA COMODIDAD PARA EL
ASISTENTE EN UN AMBIENTE RELAJADO Y AMIGABLE. CUANDO ADEMÁS SABES QUE DETRÁS DE TODO EL
TINGLADO ESTÁ ANDREW WEATHERALL, SABES QUE SI EXISTE UN FESTIVAL MUSICAL GOURMAND, ES ESTE.
Texto: Half Nelson
Andrew Weatherall y sus compinches aterrizarán por tercer año consecutivo en la ciudadela medieval de Carcasona (sur de
Francia) para 'perpetrar' uno de los eventos
más especiales del año: el extravagante, por
único, por diferenciado y por sibarita,
Festival Convenanza. Del jueves 28 de septiembre al sábado 1 de octubre, podrás disfrutar de un cartel corto, pero realmente
deslumbrante, que pretende apabullar más
por la solidez y exquisitez de las propuestas
y la comodidad y calidez del entorno que
por la cantidad de grupos. Desde Silver
Apples, con Simeon Oliver Coxe y su sintetizador The Simeon dando una clase de historia de la electrónica, hasta el portugués Alex
Figueira y su heterodoxo proyecto Fumaça
Preta, pasando por unos de los triunfadores
de esta temporada: los israelíes Red Axes,
que harán doblete actuando en directo y
también como Dj. El cartel de esta edición
promete grandes momentos, aunque sin
ninguna duda el plato fuerte del festival es la
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omnipresencia de Lord Sabre, Andrew
(antes Andy) Weatherall. Muy pocas figuras
en la escena electrónica actual aglutinan el
reconocimiento y la unanimidad que
Weatherall suscita desde hace ya muchos
años. Hablar de él es plegarse a su carácter
visionario desde el primer día que volvió a
Inglaterra tras su famosa visita a Ibiza. Es
maravillarse ante su continuo eclecticismo
lleno de coherencia. Es reconocer su estricta
ética ajena a cualquier atisbo de comercialismo o masificación. Otro día hablaremos de
cuántas barbas han dejado de afeitarse por
su culpa. A la enorme cantidad de proyectos
en los que ha participado (como productor,
remezclador, Dj, ideólogo, negro en la sombra y, ahora también, cantante…) hay que
añadir su faceta como selector en
Convenanza, donde, además, actuará hasta
con tres proyectos distintos. Como Andrew
Weatherall, presentando el estupendo LP
Convenanza (Rotters Golf Club, 2016), una
ecléctica mezcla de rock, dub y electrónica
que supone tan solo su segundo lanzamiento bajo su propio nombre después de más
de veinte años de carrera; como Dj dentro
del exquisito proyecto A Love from Outer
Space (junto a Sean Johnston), y también
cerrando el festival en un B2B con los escoceses Optimo; y, por último, como parte del
impagable proyecto Woodleigh Research
Facility, junto a su fiel colaboradora Nina
Walsh, con quien presentará el LP The
Phoenix Suburb (and Other Stories) (Rotters
Golf Club, 2015), en una línea de electro relajado y divagante. Además, el impresionante
marco de la ciudadela medieval de
Carcasona, el cuidado servicio de catering a
cargo del chef Jérôme Ryon (responsable
del restaurante La Barbacane en el Hôtel de
la Cité) y los vinos de las bodegas de Gérard
Bertrand servirán de complemento ideal a
tres días de refinada actividad musical. En
fin, sea por la excusa musical, por la mitomanía o simplemente por la comida y la bebida,
convenanzafestival.com
DEATH IN VEGAS
DURANTE MÁS DE QUINCE AÑOS, RICHARD FEARLESS HA UTILIZADO DEATH IN VEGAS
COMO UN VEHÍCULO CON EL QUE GRABAR DISCOS DE NATURALEZA COLECTIVA, DISCOS
EN LOS QUE PARTICIPABAN MULTITUD DE MÚSICOS, PRODUCTORES E INGENIEROS, A LOS
QUE ÉL IBA MANEJANDO CON LA SOLTURA DE UN DIRECTOR DE ORQUESTA, MIENTRAS
PERSEGUÍA SU PROPIA VISIÓN DE ALGÚN GÉNERO MUSICAL: DEL ROCK ÁCIDO AL BIG
BEAT, DE LA PSICODELIA AL KRAUTROCK, TODO ERA POSIBLE EN SU PARTICULAR LIBRO
DE ESTILO. UN LIBRO DE ESTILO QUE PARECE HABERSE ROTO CON LA LLEGADA DE SU
NUEVA CRIATURA, TRANSMISSION (DRONE, 2016), Y NO SOLO PORQUE A NIVEL FORMAL
SE TRATA DE UN GIRO IMPORTANTE, DE UN ACERCAMIENTO AL TECHNO DE DETROIT
MÁS PRIMITIVO Y A LA MÚSICA INDUSTRIAL DE LA PRIMERA OLA. TAMBIÉN PORQUE,
POR PRIMERA VEZ EN SU CARRERA, HA GRABADO EL DISCO PRÁCTICAMENTE EN
SOLITARIO, CON LA ÚNICA AYUDA DE UN INGENIERO DE SONIDO Y DE UNA VOCALISTA
DE LUJO: LA ARTISTA Y ACTRIZ SASHA GREY.
Entrevista: Vidal Romero
"Es cierto que todos los discos que había publicado hasta ahora
sonaban de manera diferente entre sí -concede Richard Fearless
desde su estudio de Londres-, pero también es verdad que todos
han salido de un mismo cerebro. Al final, se trataba de una suma de
intenciones personales acerca de cómo de grandioso o de íntimo
quería que fuera el sonido y de con quién me apetecía trabajar en
cada momento". Fearless justifica así la decisión de publicar su
nuevo disco como Death in Vegas, a pesar de que a nivel de sonido
está mucho más conectado con el puñado de maxis que lanzó entre
2014 y 2015, y que vieron la luz bajo su nombre de pila. Maxis como
Gamma Ray (2014) o Higher Electronic States (2014) en los que
abandonaba su habitual rock electrónico, infusionado de psicodelia,
para abrazar un techno musculoso, ácido y oscuro: "Decidí editar
esos maxis como Richard Fearless porque quería potenciar mi faceta como Dj y necesitaba grabar música que reflejara el estilo que
había desarrollado pinchando durante estos últimos años -prosigue-.
Además, me parecía algo importante para ayudar el crecimiento de
mi propio sello, Drone, porque pinchar de manera más continuada
me permite conseguir el soporte financiero necesario para mantenerlo en activo". Una última cuestión influyó en la decisión, "entraron
a robar en mi estudio, se llevaron un disco entero que había grabado como Richard Fearless y tuve que comenzar de nuevo. Estaba en
California, poco después de que sucediera el robo, y tuve una epifanía: lo publicaría como Death in Vegas, pero lo grabaría de esa
manera más inmediata con la que había estado trabajando en los
últimos tiempos. Con todo el equipo conectado, con los secuenciadores y cajas de ritmos disparando los sintetizadores, utilizando el
ordenador solo para grabar el resultado. O sea, que de algún modo
se trataba de hacer borrón y cuenta nueva. Transmission es un reflejo al cien por cien de cómo me siento a nivel musical en este
momento preciso, y la única manera de grabarlo sin comprometer
mi visión pasaba por prescindir totalmente del pasado. Pero creo
que ha sido para bien. Con el tiempo he comprobado que los mejores discos que he publicado, The Contino Sessions (1999), Satan's
Circus (2004) y ahora Transmission, tienen en común que están
hechos sin pensar en cómo se iban a vender o en cómo iba a trasla-
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darlos después al directo, sin pensar en cómo lo recibirían los fans o
la crítica. Los he grabado aparcando todas esas cosas, encerrándome en mí mismo y haciendo música que me saliera de las tripas, que
me saliera del alma. Como tú mismo dices, la característica más
reconocible en Transmission es el uso extensivo de equipo analógico. Me pregunto si es una decisión que se debe a esa vuelta a las
cabinas de Dj de la que hablabas antes, si has escrito el disco pensando en la pista de baile. Todas las canciones del disco se grabaron
en una sola toma, que es lo que añade esa sensación visceral y de
directo a la música. Acercarme a la pista de baile no era la intención
primera, pero es cierto que ha terminado funcionando de esa manera. Y lo más interesante es que se trata del mismo equipo que siempre he tenido en el estudio. Simplemente, nunca había decidido utilizarlo de esta manera. También es importante la paleta de sonidos
escogida, que bascula entre el primer techno de Detroit y la música
industrial de los ochenta. Por lo menos, eso es lo que sugieren los ritmos minimalistas y las melodías esqueléticas que lo salpican por
todas partes. La conexión es lógica, porque muchos de los temas
clásicos de Detroit que me han servido de inspiración a lo largo de
los años se grabaron de esta misma manera. Recuerdo una entrevista con Derrick May en la que hablaba de cómo tenía todo su equipo
conectado en el suelo de su apartamento, de cómo se pasaba semanas trabajando para que todo funcionara y solo cuando estaba convencido de lo que escuchaba se decidía a grabarlo en cinta. Pues
bien, eso es prácticamente lo mismo que mi ingeniero Chris Blakey
y yo hemos estado haciendo en los últimos meses. ¿Cómo afectó el
robo en tu estudio a la producción de Transmission? Al principio
estaba muy deprimido, sobre todo por la sensación de haber perdido el tiempo: durante nueve meses mi esposa se había dedicado a
cuidar a nuestros dos hijos para que yo pudiera trabajar todas las
noches. Y eso es lo que de verdad me mataba, ser consciente de la
bendición que supone tener una compañera que me apoya de esa
manera y que tiene esa confianza en mí como artista. Sin embargo,
desde la distancia, el robo comenzó a verse como algo incluso positivo a cierto nivel, como una especie de limpieza purificadora. Me
sentía purgado, listo para trabajar sobre un lienzo en blanco.
Otro gran atractivo de Transmission es la presencia de Sasha Grey.
Creo que es una elección estupenda para las pistas más cercanas a
un rollo industrial. Algo bastante lógico, porque sus propios proyectos musicales apuntan en esa dirección. ¿Fue esa la clave para escogerla o fuiste derivando hacia ese tipo de sonidos precisamente porque la tenías a bordo del proyecto? Tenía muy claro que no quería
un cantante tradicional, que necesitaba a alguien más cercano al
mundo de la performance. Hace algunos años estuve trabajando
como supervisor musical para el episodio piloto de una serie de televisión. El proyecto era una completa locura, pero el director era uno
de mis mejores amigos. El caso es que la serie nunca llegó a realizarse, pero me fascinó la posibilidad de poder interactuar con los actores, de ayudarles a descubrir cómo tenían que enfrentarse a sus
papeles. En aquella época también estaba trabajando como productor para algunas bandas, y mi papel no se limitaba al proceso de grabación, sino que también me encerraba con ellos en el local de ensayo, discutíamos acerca de cómo tenían que plantearse sus conciertos, y aquello servía para mejorar lo que hacíamos después en el
estudio de grabación. Esas dos experiencias me hicieron pensar en
que necesitaba a alguien que no solo pudiera cantar, sino que también me ayudara a diseñar un espectáculo con el que llevar el disco
que grabásemos al directo. Y cuando descubrí que Sasha Grey era
una fan de Throbbing Gristle y de Chris and Cosey, todo cobró sentido para mí. ¿Y cuál ha sido su nivel de implicación? Quiero decir, sé
que las letras son suyas, pero no sé si las escribió a partir de canciones terminadas o si realizasteis algún tipo de trabajo conjunto. Sasha
me envió varios de sus poemas y me dio completa libertad para arreglarlos, de manera que pudieran encajar en la música. Luego estuvimos ensayando durante algún tiempo en Los Ángeles, y finalmente
nos lanzamos a grabar el disco. Has dicho antes que estáis trabajando en un espectáculo. ¿Qué puedes contarme al respecto? Sasha y
yo estrenaremos el disco en directo en la próxima edición del festival Atonal de Berlín, con el acompañamiento de una película que se
está grabando en este momento. Estamos trabajando en más fechas
para una gira, pero ya serán para después del verano. Un último
aspecto que me interesa mucho de Transmission es el cuidado que
has puesto en los aspectos dinámicos. En un momento en el que
todos los sellos y artistas parecen obsesionados por realizar grabaciones muy altas y compresiones agresivas, resulta refrescante
encontrarse con un disco que da tanta importancia a la intensidad y
al cuidado de los volúmenes, sobre todo en la versión de vinilo. La
dinámica de este disco ha surgido de una manera totalmente natural, como una consecuencia del equipo que se ha utilizado. El producto final se siente, se ve y se huele de una manera perfecta para
mí, y es una recompensa a todo el trabajo duro que hay volcado en
su realización. En cuanto al formato, decidí sacarlo en triple vinilo
para que fuera más fácil de pinchar en los clubes, pero creo que en
este caso el CD tiene mucho más sentido porque permite escuchar
el disco como una pieza de música continua. En los últimos tiempos
estamos leyendo mucho acerca de los problemas que afectan a la
escena de Londres, con clubes históricos cerrando sus puertas y una
fuerte presión económica por culpa de la gentrificación, problemas
que afectan también a otras ciudades como Madrid o Berlín.
¿Estamos en un punto sin retorno o crees que existe una cierta
voluntad política para arreglarlo? Hay muchos factores que influyen,
pero una parte importante del problema se debe a que existe un
pequeño grupo de capullos escogidos que solo se preocupan por lo
que tienen en sus bolsillos. Los concejos locales tienen que darse
cuenta de que esta situación no puede continuar, y que es necesario
apoyar las culturas juveniles y los clubes universitarios. Pero también
habría que hablar del asunto de la seguridad. Hace poco estuve pinchando en Panorama Bar, pasé trece horas en Berghain y no vi a ningún portero en la sala, más allá de los que estaban en la entrada.
Poco después fui a un club de Londres, a ver pinchar a un amigo, y
ahí estaban esos capullos, apuntando con sus linternas a las caras de
la gente. Es algo que destruye la atmósfera de manera inevitable: la
gente va a consumir drogas te guste o no, así que intenta que el
ambiente sea relajado y que cada uno tome sus propias decisiones.
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Dimitri
Hegemann
DIMITRI HEGEMANN ES EL FUNDADOR DE TRESOR, EL MÍTICO CLUB Y SELLO BERLINÉS QUE CUMPLE
VEINTICINCO AÑOS EN 2016. EN 1991, MIENTRAS LA CIUDAD DE BERLÍN APENAS DESPERTABA DE LA
PESADILLA DE LA LARGA POSGUERRA EUROPEA, HEGEMANN Y SU EQUIPO ENCONTRARON EL
LUGAR MÁS EXTRAÑO Y OSCURO DE LA CIUDAD Y DECIDIERON QUE ERA EL MEJOR SITIO PARA
ESCUCHAR Y SENTIR EL TECHNO, AQUEL EXTRAÑO Y OSCURO SONIDO QUE PROVENÍA DE DETROIT.
NO SOLO SE TRAJERON LOS DISCOS, SINO QUE FORMARON UNA SÓLIDA ALIANZA CON LOS
PIONEROS DE LA MOTOR CITY (UNDERGROUND RESISTANCE, JEFF MILLS, ROBERT HOOD…) Y
CAMBIARON LA HISTORIA DE LA MÚSICA PARA SIEMPRE. AHORA HEGEMANN SIGUE AL FRENTE DE
TRESOR, PERO DELEGA LOS ASPECTOS MÁS PROSAICOS EN UN BATALLÓN DE COLABORADORES
MIENTRAS SIGUE ENTREGADO A SU PASIÓN: DESCUBRIR LUGARES RUINOSOS DONDE LA MÚSICA Y
LA VIDA PUEDAN VOLVER A FLORECER.
Entrevista: Half Nelson. Foto: Marie Staggat
Después de perseguirle por media Europa y descubrir que estaba
primero en la Bienal de Venecia y después en la mismísima Detroit,
conseguimos conversar telefónicamente con Dimitri Hegemann
durante casi una hora… ¡¡desde Ibiza!! Muy pronto nos damos cuenta de que Hegemann tiene muchas cosas que contar, pero que es él
el que acostumbra a hacer las preguntas y a exigir las respuestas. En
diversas ocasiones pregunta al entrevistador por sus experiencias y
sus opiniones y no evita dejar muy clara su postura profundamente
contraria a los grandes eventos y a las grandes corporaciones. En el
fondo, estamos ante el mismo jovencito hippie y soñador que abandonó su pequeño pueblo en el centro de Alemania para intentar
cambiar el mundo con el arte. Estoy en Ibiza. La primera vez que
estuve en Ibiza hace ya muchos años no era más que un joven hippie que quería vivir su sueño de libertad. Supimos que Bob Marley
iba a dar un concierto y al final conseguimos colarnos. Era más una
gran fiesta que un concierto en el que hubiera que pagar entrada…
¡¡Todo ha cambiado tanto!! ¿Cuál fue la primera edición de Sónar a
la que acudiste? 1995, la segunda edición con Orbital y Ken Ishii…
Entonces, Sónar es posterior a Tresor, nosotros abrimos en 1991.
Estuve en esas primeras ediciones, invitado por la organización, pero
después ya simplemente se convirtió en algo demasiado grande,
casi rozando el mainstream. Nunca he pretendido gustar a todo el
mundo. Sé que lo que hago se ha convertido en algo grande e influyente, pero nunca pretendí gustar a todo el mundo. Si piensas en
vender a todo el mundo al final acabas haciendo cosas que no quieres realmente hacer. Es algo universal, que sucede en todo el mundo.
El Love Parade en Berlín empezó como una simple manifestación de
los diferentes clubes de la ciudad que queríamos que se nos conociera, pero llegó un momento en que la organización dejó de escucharnos y empezó a programar música que no tenía nada que ver
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con la que sonaba en los clubes. En realidad a nadie le importaba la
música: se vendieron a las televisiones, que solo querían sacar chicas
desnudas bailando, y se convirtió en algo horrible. Cuando algo es
tan grande no puedes atender a todos los detalles, que es lo que
nosotros hacíamos en Tresor. No estaba yo solo: era un equipo de
gente que se encargaba de la puerta, de la decoración, del sonido…
todo para que pudieras estar todo el fin de semana de fiesta sin que
tuvieras que preocuparte de nada. Esa era la idea primordial y el
éxito de los clubes berlineses: tiene que haber una libertad de horario que permita a la gente entrar y salir en diferentes momentos,
mezclarse y evitar las aglomeraciones y desórdenes que se producen si la gente tiene que hacer cola o si es desalojada al mismo tiempo. He estado hace muy poco en Detroit, invitado por su ayuntamiento junto a un grupo de expertos e inversores muy interesados
en volver a levantar la ciudad. Todo el mundo quiere lo mejor para
Detroit. Yo, personalmente, creo que le debo mucho. El ayuntamiento cree que la música, la cultura, puede ser un buen punto de partida para el renacimiento de la ciudad. Sin embargo, la música, la cultura, exigen libertad. Les dije muy claramente que tenían que eliminar las restricciones sobre la venta de alcohol y sobre los horarios de
los clubes: a nadie le interesa una sesión de techno si sabe que a la
una y media de la noche va a estar en la calle… y además en un sitio
tan frío como Detroit. Eso generaría incidentes y altercados. Tienes
que dejar libertad para que cada uno se vaya a dormir cuando realmente se sienta cansado y ya no tenga ganas de estar en la calle.
Hay que sacar a los chavales de la calle. Si los metes en un club y
después los echas de nuevo a la calle toda esa energía se volverá en
tu contra. Háblame de Detroit-Berlin Connection… Es un proyecto en
el que un grupo de personas estamos trabajando para ayudar a las
autoridades de la ciudad de Detroit a volver a levantar la ciudad.
Somos gente de diferentes países y diferentes campos, pero con
interlocución directa con las autoridades. Mi ámbito, lógicamente, es
el cultural, pero no tan solo el clubbing. Hay propuestas muy interesantes, pero todavía es demasiado pronto para ver los frutos. Estuve
también en la Bienal de Venecia con Fernando Palazuelo, el propietario de la Packard Plant (Fisher Body Plant No. 21), en Detroit, y le
expliqué mi proyecto de reconstrucción de la planta. No se trata solo
de crear un club, sino de dar espacios gratuitos a los artistas locales
para que se desarrollen y puedan exponer sus creaciones. Al mismo
tiempo, habrá hoteles, salas de conciertos, galerías de arte, jardines,
mercados, restaurantes… un polo de atracción para el público. En
cambio, en la Michigan Central Station lo que me interesa es el vestíbulo: es un espacio muy interesante que puede convertirse en un
club impresionante. ¿Es esa tu profesión ahora, localizador de espacios? (Risas) Algo así. Soy una especie de arqueólogo industrial.
Busco viejas fábricas en ruinas que sean especiales no solo por la
calidad del espacio, sino también por la simbología. La Packard Plant
es un símbolo del viejo esplendor de Detroit, pero hasta que yo los
convencí de lo contrario todos estaban de acuerdo en derribarla.
Está claro que tienes buen ojo… Gracias. Aún recuerdo cuando
encontramos el que sería el primer emplazamiento de Tresor en la
Potsdamer Platz. El sitio estaba en un estado terrible, pero no había
que ser ningún lince para darse cuenta del magnetismo que desprendía el lugar. Las cámaras acorazadas, los barrotes de acero… era
un espacio increíble. Fue una desgracia para la ciudad que lo cerraran en 2005 para convertirlo en oficinas y centros comerciales. ¡¡La
ciudad no necesitaba más centros comerciales!! Teníamos un plan, la
Tresor Tower, para desarrollar todos los alrededores, pero no quisieron escucharnos. Sin embargo, el nuevo Tresor en la Köpenicker
Strasse, el Kraftwerk, es aún más impresionante… Sí, es un espacio
magnífico, pero quizás sea demasiado grande hasta para nosotros.
Posiblemente solo estemos usando un 20% de su capacidad… Pero
eso te da la posibilidad de cerrar el círculo y rescatar tu primer festival, el Atonal (creado en 1982), y programarlo dentro del Tresor…
Efectivamente. Es un orgullo para mí poder relacionar las que han
sido mis dos pasiones a lo largo de todos estos años y explicar a la
gente el origen de todo: que no habría música electrónica de baile
sin bandas experimentales como Einstürzende Neubaten o Malaria!;
que la experimentación visual es tan importante como la musical…
Fue en el quinto Atonal, en 1990, cuando actuaron los ingleses Clock
DVA, a quienes ya había publicado discos en mi sello Interfisch, con
sus Apple 2000, y los estadounidenses Final Cut con sus cajas de ritmos. A Final Cut los conocí en Chicago: estaba en la tienda Wax Trax
y compré un maxi con solo un número de teléfono de Detroit. Llamé
y acabé hablando con Jeff Mills. La violencia de sus ritmos industriales en aquella edición de 1990 me hizo comprender el poder del
ritmo y cambió mi manera de apreciar la música para abrirme más al
baile, sin dejar de lado la esencia experimental. De ahí a contratar a
Underground Resistance, el siguiente colectivo de Mills junto a Mad
Mike Banks y Robert Hood y publicar Sonic Destroyer, la primera
referencia del sello Tresor, en 1991, no hay más que un par de pasos,
pero eso también fue el final, momentáneo, de 1990 hasta 2013, de
Atonal. El resto, como suele decirse, es historia. Y la guinda de estos
25 años es el festival que tendrá lugar del 21 al 24 de julio… Nuestra
intención era llevar a cabo una celebración, pero también un reconocimiento a todos los artistas que nos han ayudado a convertir Tresor
en lo que ahora significa. Estaba claro que el eje Berlín-Detroit tenía
que estar representado y no se me ocurre nada mejor que el nuevo
proyecto de Juan Atkins con Moritz von Oswald, Borderline…
Además, Robert Hood, Daniel Bell, John Tejada, Gerald Donald
(Arpanet) y Blake Baxter representan a Detroit, y Surgeon,
Vainqueur, Regis James Ruskin y Sleeparchive a sus homólogos
europeos en un line up impresionante. Resumen de una manera de
entender la música electrónica.
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GOLDEN BUG
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OCHO AÑOS DAN PARA MUCHO. SON LOS QUE SEPARAN HOT ROBOT (GOMMA, 2008), EL PRIMER
ÁLBUM DE GOLDEN BUG, DE SU NUEVO TRABAJO, V.I.C.T.O.R, QUE PRESENTÓ EL PASADO MES DE
JUNIO EN SÓNAR BARCELONA, CON VISUALES DEL ESTUDIO DESILENCE. ANTOINE HARISPURU, EL
DORADO PRODUCTOR FRANCÉS QUE HAY DETRÁS DE ESTE PROYECTO, ES UN TIPO TRANQUILO Y
SOSEGADO, DE LOS QUE LES GUSTA HACER LAS COSAS DESPACIO. PERO NO SE DEJEN ENGAÑAR.
EN REALIDAD NO PARA: DIRIGE SU PROPIA EMPRESA DE CONTENIDOS MUSICALES Y SU PROPIO
SELLO DISCOGRÁFICO, LA BELLE RECORDS, DONDE EL PRÓXIMO MES DE SEPTIEMBRE SE
PUBLICARÁ SU NUEVO ÁLBUM, PARA EL QUE ANTOINE HA ESCOGIDO UNA SELECTA LISTA DE
COLABORADORES, ENTRE LOS QUE FIGURAN NOMBRES COMO FABRIZIO MAMMARELLA, JULIENNE
DESSAGNE (SASCHIENNE), MOSCOMAN, YAN WAGNER O PÁJARO SUNRISE. NOMBRES QUE HABLAN
DE CIERTA EVOLUCIÓN DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA DE ESTOS ÚLTIMOS AÑOS QUE, DE ALGUNA
MANERA, PODEMOS RASTREAR EN ESTE DISCO.
Entrevista: Luis Costa
Tu nuevo álbum, V.I.C.T.O.R, que pronto verá la luz, hace referencia
ya desde el título y la portada a Víctor, un robot que te viene acompañando desde que creaste Golden Bug. Ya tu primer álbum de
2008 se titulaba Hot Robot… Todo esto nos remite a ese cine clásico de sci-fi, 2001: una odisea del espacio y su Hal 9000, THX 1138 y
demás. ¿Qué hay de todo eso en tu mundo electrónico? Siendo de
la generación que ha crecido con Mazinger Z, Capitán Harlock, San
Kukai, etc., es una estética que forma parte de mi cultura. Además,
mi madre tenía una tienda de juguetes en París llamada La Maison
du Robot, especializada en juguetes de importación nipona y donde
pasaba horas con mis hermanos. Más tarde me hice fan de las películas de terror que ponían en la tele: Maniac, Viernes 13, Jason, ReAnimator…, de series Z cutres con diálogos mortales, y de revistas
como Mad Movies o Impact. Todos estos inputs me influenciaron a
mí y a toda una generación. Cuando saqué mi primer LP en Gomma,
quisimos hacer una biografía un poco diferente a la típica biografía
de artista y decidimos escoger esta temática contando mi infancia
rodeado de robots en la tienda de mi madre. Este trabajo viene precedido de un maravilloso EP para Les Disques de la Mort, el sello de
Ivan Smagghe. Wild Boys se zambulle en cierta tendencia actual de
la electrónica por adoptar vocales y patrones más orgánicos y más
propios de la era post-punk. ¿Crees que una vuelta de la electrónica
a sus raíces más orgánicas puede ser una salida a buena parte del
actual escenario plano y repetitivo que venimos sufriendo? Hace ya
tiempo que las barreras han saltado y que la gente ha perdido el
miedo a la mezcla de estilos, y es lo divertido. En todos los géneros
hay cosas geniales que te influyen y que ayudan a abrir puertas creativas, ya sean orgánicas o electrónicas, da igual. Estamos en una
época en la cual es imposible vivir vendiendo discos, y es triste, pero,
por otro lado, es un momento propicio para la creatividad. Si sabes
que no vas a vivir de esto, no haces concesiones y sale música más
personal y original. ¿Habrá nuevas entregas para LDDLM? A finales
de año sacaré un nuevo EP en Les Disques de la Mort con tres temas
y un remix. Son temas entre electrónica, dub y psicodelia que he
hecho en paralelo a los temas de mi nuevo LP, V.I.C.TO.R. Cuéntanos
un poco más sobre él. Hace ya dos años que empecé a trabajar en
V.I.C.T.O.R. Hice muchos temas para quedarme al final con 12.
Necesitaba tiempo para madurar ideas y que el LP sonara de una
forma coherente. Me inspire en la música dub, la electrónica lo-fi con
toques psicodélicos, el proto-funk y cosas más abstractas. Colaboré
también con amigos que pusieron su grano de arena para crear el
álbum: Fabrizio Mammarella, Yan Wagner, Moscoman, Julienne
Dessagne (del grupo Saschienne), Pájaro Sunrise, etc. El pasado mes
de junio presentaste en Sónar el directo de V.I.C.T.O.R junto al estudio Desilence, en un show audiovisual brutal. ¿En qué consiste exactamente V.I.C.T.O.R LIVE? ¿Cómo ha sido la experiencia de presen-
tarlo en Sónar? ¿Próximas paradas de este directo? Hacía tiempo
que quería colaborar con Soren y Tatiana, de Desilence, para crear
un show audiovisual, y después de un largo año de trabajo nació
V.I.C.T.O.R LIVE. El arquitecto Christian Leibenger diseño la estructura inspirándose en el famoso juego de los años ochenta, Rubik's
Snake, que nos permite crear un dialogo homogéneo entre la música y lo visual. Lo inauguramos el pasado mes de octubre en el
MACBA de Barcelona y fue un éxito. Después lo hicimos en París,
Génova y Milán. Presentar V.I.C.T.O.R LIVE en el Sónar ha sido una
gran experiencia y una gran recompensa a un largo año de trabajo.
La gente de Sónar son grandes profesionales que nos ayudaron
mucho en la parte técnica para poder enfocarnos al 100% en la parte
artística. Ver al público disfrutar tanto de V.I.C.T.O.R LIVE nos confirmó que estamos en el buen camino creativo. Las próximas paradas
con V.I.C.T.O.R son en el MuCem de Marsella el 3 de julio, en el
Scopitone en Nantes el 23 de septiembre y en A Taste of Sonar+D
en Barcelona el 20 de octubre. De tus últimas sesiones se desprende una tendencia a bajar el pitch y a optar por una selección de ritmos lentos y pausados. Cada vez me gustan más los tempos lentos
y pausados. No quiere decir que no me gusten las sesiones pisteras,
pero me cuesta hacer temas rápidos cuando estoy en el estudio. De
todas formas, creo que se puede bailar igual de bien a 95 que a 130
BPM. No es una cuestión de tempo. Simplemente, de música. Sobre
tus últimos logros como digger compulsivo, ¿qué discos has encontrado que te hayan vuelto loco? Me enamoré del tema Beeline de
Casiotone for the Painfully Alone. También me encanta el nuevo
Front de Cadeaux, que se llama Ouvre ta Bouche; el LP de Yula Kasp
en Kill The Dj, producido por Pilooski; el LP de Nico Motte, Life Goes
On If You Are Lucky del sello Antinote y espero con ganas el nuevo
disco de Pájaro Sunrise, que saldrá en Love Monk. Hay mucha música buena. Háblanos de tu sello, La Belle Records. Tu álbum va a salir
publicado en vinilo pero no es el formato más habitual. Monté La
Belle Records con dos amigos para descubrir nuevos talentos, sacar
la música de artistas que nos gustaban, buscar remixers, etc. Desde
la creación de La Belle hemos tenido la suerte de sacar EP de Marc
Piñol, In Flagranti, Herr Styler, Justin Robertson o FK CLUB, y de
haber conseguido remixers como Red Axes, Fabrizio Mammarella,
Rodion, Alejandro Paz, Moscoman, Mike Simonetti o Kasper Bjørke.
El año 2016 está yendo muy bien: un nuevo EP del dúo inglés In
Fields, el primer LP de Herr Styler y mi nuevo LP V.I.C.T.O.R, que saldrá en vinilo a finales de mayo y en digital más tarde con una portada diseñada por el estudio Lo Siento. ¿Tus sellos de referencia? Soy
fan de sellos como ESP Institute, I'm a Cliché, Love Monk, Dirty,
Antinote, Domestica Spain, Themes of Great Cities, BCore, Kill The
Dj, Phantasy, Foehn, Les Disques de la Mort, Rotten City o Ghost
Box. Son sellos que han creado una identidad musical y visual única.
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SEAN JOHNSTON
A PESAR DE QUE LLEVA PINCHANDO POR ESOS MUNDOS DE DIOS DESDE FINALES DE LOS
OCHENTA, EL INGLÉS SEAN JOHNSTON SIGUE SIENDO UN PEQUEÑO DESCONOCIDO. LA
RAZÓN, POSIBLEMENTE, SE DEBE A SU ESCASA ACTIVIDAD EN LOS ESTUDIOS: SU
PROYECTO MÁS CONOCIDO, HARDWAY BROS, APENAS DISPONE DE MEDIA DOCENA DE
REFERENCIAS, Y ANTES DE ESO SOLO EXISTIERON UN PUÑADO DE OSCUROS ALIAS, QUE
RARAMENTE LLEGABAN A SUPERAR LOS MESES DE VIDA. SIN EMBARGO, SEAN
JOHNSTON TAMBIÉN ES INTERESANTE PORQUE POSEE UN PROYECTO A MEDIAS CON
ANDREW WEATHERALL, A LOVE FROM OUTER SPACE, CON EL QUE EXPLORAN LA
HISTORIA DE LA MÚSICA DE BAILE DESDE UNA PERSPECTIVA DIFERENTE: AQUELLA QUE
DEFIENDE QUE MIENTRAS MÁS RELAJADO SEA EL TEMPO DE LA CANCIÓN, MEJOR. UNA
APUESTA POR LA MÚSICA MUSCULOSA Y COCINADA A CÁMARA LENTA QUE PODRÁN
DISFRUTAR LOS ASISTENTES A LA PRÓXIMA EDICIÓN DEL CONVENANZA FESTIVAL. QUE
POR CIERTO, ES TAMBIÉN EL FESTIVAL PREFERIDO DE JOHNSTON.
Entrevista: Vidal Romero
"Empecé a pinchar un poco por casualidad, porque tenía una buena
colección de discos y me pagaban por utilizarla -bromea Sean
Johnston desde su casa en Londres-. La primera vez que pinché fue
en un bar, en 1986. Llevé una selección de música de todo tipo, desde
soul o funk hasta synth pop. En aquel momento ser Dj era algo utilitario: se trataba de conseguir que la gente bailara, y no existían grandes preocupaciones acerca de la técnica o de la atmósfera. Un par
de años después llegó el house y todo cambió. Decidí mudarme a
Londres para vivir lo que parecía ser una revolución de primera
mano". Johnston vivió aquella revolución y otras muchas que habrían de llegar. "A lo largo de mi carrera he pasado por muchas épocas.
He pinchado house y pop electrónico, he tenido mi etapa de techno
de Detroit, he pinchado breakbeat, drum'n'bass, dub y prácticamente cualquier género que se te pueda ocurrir". En paralelo a su carrera de Dj, Johnston ha ido probando suerte en el mundo de la producción. Durante la década de los noventa alumbró varios alias en
colaboración con amigotes del calibre de Jake Davies o Rich
Johnstone; proyectos como IPO Mob, United Fruitcake Outlet o The
Flash Faction, que hoy están olvidados (y probablemente con
razón). No fue hasta finales de la década pasada cuando, de nuevo
con Jake Davies, dio forma al que se ha convertido en su proyecto
más popular, Hardway Bros: "Al principio era una colaboración tradicional, con los dos produciendo música juntos en el estudio, pero de
repente Jake se mudó a California, a trabajar con gente como Björk,
William Orbit o Madonna, y todo empezó a complicarse. Intentamos
que funcionara, nos enviábamos archivos por Internet y yo viajaba a
Los Ángeles cuando podía, pero al final terminó por convertirse en
un proyecto solo mío". Un proyecto que hunde sus raíces en el pasado, en el intelligent techno de los primeros noventa, en la EBM de los
ochenta, en el pop psicodélico de los noventa, para facturar inspiradísimas pistas de house, capaces de poner boca abajo la pista de
baile más reticente. Su único problema, en realidad, es lo escaso de
su producción, que apenas alcanza a un maxi por temporada, y a
veces ni eso: "Ya estamos otra vez con esa fama de vago que
muchos quieren echarme encima -responde Johnston mientras se
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ríe-. La verdad es que no es tan sencillo. Pincho todos los fines de
semana, hago remezclas con una cierta regularidad, y además soy el
padre de dos niños, así que no dispongo de todo el tiempo del que
me gustaría. Pero, bueno, te puedo avanzar que tengo casi terminada la producción de un disco para la cantante francesa Sarah Krebs,
y que estoy produciendo temas con idea de publicar un disco con
Hardway Bros antes de que termine el año". ¿Cómo conociste a
Andrew Weatherall? Debió de ser alrededor de 1998 o 1999. Nos
presentó un amigo común en una fiesta y descubrimos que teníamos intereses comunes, que vivíamos en el mismo barrio de Londres
y que encima nos gustaba la misma música. Estábamos condenados
a hacernos amigos. ¿Y cuándo se os ocurrió la idea de montar A
Love from Outer Space? Hace seis años, mientras estábamos
hablando, descubrimos que a los dos nos gustaba mucho la música
que iba despacio. Y empezamos a preguntarnos qué pasaría si bajáramos el pitch en general. Ya sabes, en los clubes normales se pincha a una velocidad de entre 120 y 125 BPM, y nosotros estábamos
pensando en reducirla a entre 100 y 105 BPM. La ventaja, además, es
que al bajar la velocidad podíamos empezar a pinchar un montón de
temas de house, disco y techno que no suelen entrar en las maletas
precisamente por eso: porque van muy despacio. ¿Y cómo se ha
tomado el público este concepto? Pues al principio no muy bien. En
los clubes suele haber sobre todo gente joven, que no termina de
entender esta idea de que hay que dejarse llevar, de que hay que
dejar que la música te transporte. Hemos visto casos de gente que
se ponía muy nerviosa y nos llegaba a amenazar (risas). Pero, bueno,
poco a poco se ha ido corriendo la voz y ahora la gente que viene a
vernos sabe lo que se va a encontrar. ¿Cómo es una sesión de A
Love from Outer Space? Pues nos gusta tocar durante mucho tiempo, hacer sesiones muy largas, para poder crear una atmósfera propicia, que es algo más complicado de lo normal porque el público no
está acostumbrado a esta propuesta. Y no tenemos demasiados
prejuicios: pinchamos música actual pero también temas muy antiguos. De hecho, nos gusta definir nuestras sesiones como "paseos
por la historia de la música electrónica y de la música de baile".
En septiembre estaréis pinchando en el Convenanza Festival. ¿Qué
me puedes contar del festival? He estado en todas las ediciones,
echando una mano en lo que podía, y la verdad es que se ha convertido en mi festival favorito. Tiene un concepto muy particular. Visto
desde fuera, parece un campamento de verano que se ha montado
Andrew Weatherall. La verdad es que es una buena definición (risas).
Tiene algo de ese espíritu, el reencuentro con los amigos en un
entorno que parece sacado de un sueño, varios días en los que se
come y se bebe bien, y encima se puede oír buena música. Lo decía
también porque Weatherall está directamente implicado en más de
la mitad de los nombres que aparecen en el cartel, y parece que el
resto son bandas o artistas a los que tiene ganas de ver. Siempre ha
sido un poco de ese modo. Ya desde la primera edición, que se celebró en un club de la ciudad, existía esa sensación de camaradería. Es
algo en lo que Andrew y su socio en el festival, Bernie Fabre, han
puesto mucho cuidado. El entorno también parece muy importante.
Lo es. El escenario del festival está montado en el patio del castillo
de Carcasona. Es un escenario grande y con una iluminación cuidada, lo que ayuda a construir una atmósfera muy intensa. Como público es bastante impresionante, pero cuando estás encima y puedes
ver toda la ciudad y el valle a lo lejos, la sensación ya es indescriptible. Esa atmósfera tan especial es también el talón de Aquiles del
festival, ¿no crees? Lo digo porque el aforo tiene que ser muy limitado. Es cierto. En el castillo caben entre 1.000 y 1.200 personas. Es
todo lo que da de sí el espacio, así que no hay manera de hacerlo
más grande. Imagino que esa limitación es también una parte de su
encanto: si pudiera ser más grande, posiblemente terminaría por
hacerse mucho más comercial. De hecho, parece encajar en ese tipo
nuevo de festival que ha surgido en los últimos años, y que en ciertos círculos se define como "boutique". Un festival para un público
más maduro, que ya no tiene edad para ir a las citas más masificadas, pero sigue queriendo ir a festivales. Es una cuestión interesante.
Y, de hecho, en la primera edición sucedió un poco esto que cuentas. Pero ya en las dos siguientes comenzó a aparecer un público
más joven. Gente que venía de Barcelona o Montpellier, pero también
de sitios mucho más lejanos, como Sudáfrica o Australia. Se está
convirtiendo en una cita muy internacional. ¿Tenéis pensado en algo
especial para la sesión que haréis con A Love from Outer Space?
Llevo algún tiempo comprando muchos discos, tanto nuevos como
antiguos, y recibiendo promos con mucha calidad. Creo que llevaré
unas sesenta o setenta canciones que nunca he usado antes en
nuestras sesiones, y me consta que en el caso de Andrew la cifra
debe de ser parecida. Pero tampoco significa nada: nos gusta ser
espontáneos y no llegar con un plan de acción preconcebido. Es
mucho mejor subir al escenario y dejar que el entorno se apodere de
ti. Pensar en cómo está la gente, en qué temperatura hace, en cómo
de oscura está la noche o en el tipo de respuestas que ha demostrado el público en los conciertos anteriores. Es la suma de todas esas
cosas la que convierte la sesión en algo interesante.
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NUEVOS LANZAMIENTOS
VARIOS /
JACKMASTER
DJ-K
KICKS
(!K7)
TRENTEMØLLER
FIXION
(Hfn / In My Room)
SWANS
THE GLOWING MAN
(Young God)
BRUNA / WOOKY
ARCHIVES
(Lapsus)
ZOMBIES IN
MIAMI
TURQUOISE EP
(Bordello à Parigi)
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Después de multitud de peripecias, que incluyen pinchar en un crucero sin
cobertura y perder la maleta de discos en un taxi, el escocés Jack Revill
consiguió entregar a tiempo la sesión prometida a la gente de la mítica serie
DJ-Kicks. El de Glasgow aprovecha la ocasión para rescatar temas
significativos y homenajear a la siempre bulliciosa escena de su ciudad y a las
sucesivas fiestas en las que ha ido labrándose un nombre. Empieza relajado,
hasta caribeño, pero a la altura de Massimiliano Pagliara y su I Am Running
All My Drum Machines At Once and Dancing la cosa se pone electrosa y el
mítico A Groove de Mike Dunn no hace más que rematar la jugada. La
progresión de la sesión no se centra en los BPM, sino en los cambios de
textura cada vez más sintéticos que acentúan el poder bailable de una sesión
tan inteligente como eficaz. (Half Nelson)
El productor danés Trentemøller continúa por el camino cada vez más
alejado de la electrónica pura señalado por su anterior LP, Lost. En Fixion la
estructura de las canciones es mucho más cercana al pop, pero corrige la
dispersión de aquel LP reduciendo drásticamente el número de cantantes
invitados. Jehnny Beth de Savages parece una Siousxie -especialmente en el
primer single River in Me, redondo si no se hubiera optado por un estribillo
tarareado-, y a su alrededor se tejen los temas cantados: baladas post-punk
con sintes melancólicos, ambientación siniestra y líneas de bajo muy New
Order (Never Fade, Redefine, Complicated). Todo el disco está imbuido por
ese espíritu dark wave que le da coherencia, pero también un excesivo aroma
a revival, que aburridos instrumentales como Sinus o Phoenicia no hacen más
que aumentar. Para los adeptos al género, un disco estupendo. (Half Nelson)
Seis años después de su glorioso retorno con My Father Will Guide Me Up a
Rope to the Sky, Michael Gira y sus Swans cierran su particular tetralogía
(quedan para la posteridad The Seer y To Be Kind) con este The Glowing Man
antes de una nueva refundación que no sabemos lo que les deparará. Como
si pretendieran clavar su recuerdo en lo más profundo de nuestras almas, The
Glowing Man flirtea con la desmesura: doble CD (o triple LP) con tan solo
ocho temas, de los que tres superan los veinte minutos al profundizar en la
repetición como método compositivo. Pese a la contundencia de temas
como The Glowing Man, donde un Gira absolutamente histriónico y una
banda que vomita todo lo asimilado en estos seis años de giras interminables
nos persiguen implacablemente, el conjunto del LP da una cierta sensación
de estancamiento que va a ser corregido muy pronto. (Half Nelson)
Los codirectores del sello (y festival) Lapsus lanzan este split (cara A para
bRUNA y B para Wooky) que demuestra que sus respectivos acercamientos
a la electrónica más ambiental son dispares, pero con abundantes puntos en
común. bRUNA apuesta por una abstracción detallista, muy IDM, de breves
cortinillas bañadas en sensaciones a través de texturas de sintetizador y tan
abstractas que ni siquiera tienen nombre. Me desconcierta el ruidoso track 3
con speech con serio vocoder casi digno de la edición castellana de The
Robots y me maravilla la épica contenida de la melodía del track 4. Pese a los
títulos geográficos, Wooky también apuesta por la abstracción, pero más
matizada por un cierto paisajismo. Me encantan los maravillosos seis minutos
de viaje en tren ante un paisaje cambiante (Black Atlantic) y el gélido y casi
religioso Primary Forest, con guiños muy Jean-Michel Jarre. (Half Nelson)
Las curiosidades de la globalización: el dúo mexicano Zombies in Miami,
formado por Canibal y Jenice, debuta en el sello holandés (con nombre
italiano) Bordello à Parigi, dirigido por Otto Kraanen, tras cinco años de
carrera discográfica y cinco maxis en diferentes sellos internacionales como
La Dame Noir (Francia), Correspondant (el label francoalemán de Jennifer
Cardini) o Love On the Rocks (Alemania). Los mexicanos abren las puertas
del verano con dos temas bastante funcionales pero con cierta gracia.
Turquoise es un número de electrohouse que se basa en la repetición de una
melodía simple y una saltarina línea de bajo que al final cede protagonismo
al sample de voz. Hipodromo tiene un toque más disco con la percusión en
primer plano, la guitarra funkie y la melodía repetitiva de los violines
simulados. Un maxi veraniego para momentos agitados. (Half Nelson)
NUEVOS LANZAMIENTOS
Golden Bug regresan, ya solo con el productor francés residente en
Barcelona Antoine Harispuru a los mandos, con este EP de sonido oscuro y
reflexivo en su propio sello La Belle. Aunque Accroché à moi es el titular, el
protagonista es Un paradis artificiel con tres tomas diferentes: original, dub y
la remezcla del escocés Mr. TC. Destaca la voz sugerente de Julienne
Dessange (Saschienne) que recita sensualmente en francés sobre la cold
wave de la excelente Accroché à moi (con un bajo rotundo a lo Vox Low) y
también sobre la extensa y misteriosa Un paradis artificiel: si la original, llena
de distante encanto, ya es retorcida entre psicodélica, cadenciosa, espacial,
alucinada y levemente cinematográfica, la autorremezcla dub simplemente
elimina la voz, mientras que la de Mr. TC apuesta por el electro esquemático
y envolvente que redondea un maxi de gran altura. (Half Nelson)
GOLDEN BUG
FEATURING
JULIENNE
DESSANGER
ACCROCHÉ À MOI EP
(La Belle)
Aunque todo el maxi esté a nombre de Metatron, en realidad se trata de un
split junto a Traumprinz con dos temas por barba. Aunque también hay que
decir que Metatron y Traumprinz son la misma persona, así que todo queda
en casa. En todo caso, es sorprendente comprobar cómo con unos pocos
elementos se puede redondear un fantástico maxi de house cercano,
emotivo y ensoñador. En los dos largos temas a cargo de Traumprinz -2 The
Sky (Metatron's What If There's No End And No Beginning Mix) y 2 Bad
(Metatron's What If Madness Is Your Only Relief Mix)- una voz femenina
sobrevuela una sencilla base y repite una y otra vez el leitmotiv del tema
alejándonos del mundo conocido. Los temas de Metatron -As I Get Insane y
The Journey- cautivan por envolventes y por samplear la voz de Jake
Gyllenhaal hablando sobre Donnie Darko, respectivamente. (Half Nelson)
DJ METATRON
La productora y Dj británica Catherine Cassy Britton publica su LP de debut
después de una extensa carrera como Dj residente en Panorama Bar (Berlín),
Rex Club (París) y Trouw (Ámsterdam). Entre colaboraciones como cantante
para Zombie Nation o Tiefschwarz y sus propias producciones ha publicado
en sellos con tanto pedigrí como Perlon, Ostgut Ton, Uzuri, Beatstreet o
Playhouse, además de mezclar el magnífico Fabric 71. Donna, producido
junto a King Britt, resulta un agradable disco de deep house ambiental con
desarrollos techno y flirteos ácidos, pero que decepciona por recrear una
atmosfera excesivamente conservadora (cercana al acid jazz de los años
noventa) y abusar de la repetición de las frases cantadas (All I Do). Hay que
quedarse con sus muchos aciertos como This Is How We Know o la versión
de Prince (Strange Relationship). (Half Nelson)
CASSY
Después de unos años de cierto impasse creativo (que no discográfico
gracias a discos en directo y de versiones), Ben Bridwell y su Band of Horses
vuelven con las pilas bien cargadas como demuestra la inicial Dull Times /
The Moon que empieza amable, pastoral y tremendamente melódica y acaba
en tempestad de guitarrazos. En el exquisito equilibrio entre estas dos
tendencias reside la magia de este álbum que nos devuelve tanto a los
Horses introspectivos que amamos (In a Drawer con coro glorioso de J.
Mascis), como a los expansivos y tarareables que nos divierten (Solemn
Oath). De hecho, es ese sagrado equilibrio el secreto del encanto de los de
Seattle, que están tan finos que hasta cuando se ponen un poco demasiado
filosóficos (Hag) parecen The Flaming Lips versionando a Band of Horses. El
poder melódico de este disco es casi curativo. (Half Nelson)
BAND OF HORSES
A partir del proyecto audiovisual Conversations Sur Lettres Mortes (CSLM),
el artista canadiense Jesse Osborne-Lanthier y el productor alemán Grischa
Lichtenberger (Raster-Noton) publican este EP con seis temas propios y tres
remezclas de Low Jack, Gábor Lázár y Rabit. La peculiaridad de su música,
radicalmente experimental, es que está creada a partir de tubos catódicos y
reproductores de VHS: una tecnología ya totalmente obsoleta que estos
artistas reinterpretan. Por ello, los títulos (Good Morning America, Primetime)
hacen referencia a edades pasadas (no tan lejanas, ni absolutamente
superadas), cuando la televisión era el principal electrodoméstico y fuente de
información. El tratamiento digital del sonido añade atractivo al desfile de
zumbidos, silbidos y barridos de frecuencias ordenados como ritmos (CRT
Creeper) o elementos melódicos en función de su crepitación. (Half Nelson)
JESSE OSBORNE
LANTHIER AND
GRISCHA
LICHTENBERGER
2 THE SKY EP
(Giegling)
DONNA
(Aus Music)
WHY ARE YOU OK
(Interscope)
CSLM
(Cosmo Rhythmatic)
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D a v i d
L y n c h
Fotografía: Sebastián Troncoso
Estilismo: Gigi D'Amico
Maquillaje: Patricia Mullen
Asistente estilismo: Francesca Russo
Asistente maquillaje: Nina Lases
Modelo: Ann Muursepp - Uno Models
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Polo FRED PERRY, falda G-STAR
Auriculares SKULLCANDY, camiseta y chaqueta VANS, leggings ROXY, calcetines STANCE, zapatillas CONVERSE
Sudadera NEFF, gorra BRIXTON
Mono y zapatillas G-STAR, calcetines STANCE
Gorra REEF, chaqueta, G-STAR, vestido VANS, calcetines AMERICAN APPAREL, zapatillas VANS
Chaleco VOLCOM, pantalones VANS
Cortavientos y pantalones CARHARTT, mochila HERSCHEL
NOTICIAS DISEÑO Y PROYECTOS
COS X HAY
PROYECTOS EDITORIALES DE ESNE
La marca de moda COS y la empresa de muebles Hay presentan
por segundo año consecutivo su colección de muebles para jardín y artículos para el hogar, además de una línea de sillas de
terraza y macetas. Esta segunda colaboración fue lanzada en
marzo y debido a su éxito se extenderá su venta durante todo el
verano. COS X HAY parte de tres ejes temáticos -la vida, el trabajo y las cenas- para desarrollar una cuidada edición de accesorios
y muebles para la casa. Las dos firmas se ponen de acuerdo en
el uso del metal como el material de partida para las sillas, y los
diseños se mueven en torno a la estética del diseño escandinavo,
combinando elegancia y funcionalidad. www.cosstores.com
¿Por qué crear revistas en un tiempo en el que no se leen? Esa es
la pregunta que se han planteado los alumnos del grado oficial
en Diseño Multimedia y Gráfico, de la Escuela Universitaria de
Diseño, Innovación y Tecnología de Madrid, a la hora de desarrollar un proyecto editorial. El resultado obtenido es rotundo: una
revista impresa es uno de los mejores soportes para investigar
dentro del diseño, ya que es un formato que activa los cinco sentidos. Experimentando con tipografía, fotografía, formatos y
materiales se establecen conexiones con otras disciplinas para
crear un producto único que, por el avance del diseño y la creatividad, nunca debería desaparecer. www.esne.es
TREND GENERATOR
REUNIÓN MASIVA EN LA LUNA
El diseño gráfico es algo complejo. Siendo conscientes de esto, la
reconocida web de tendencias sobre el diseño gráfico contemporáneo trendlist.org ha creado una app a través de la cual podemos crear carteles de manera sencilla y rápida con diseños
actuales y realmente sorprendentes para estar creados con una
app. Trend Generator nos permite elegir entre tipografías variadas y actuales, colores y distintos recursos gráficos, y crear así
carteles con el mínimo esfuerzo. Una aplicación muy intuitiva
para cualquier diseñador, que permite crear composiciones
potentes y actuales con muy buena línea de diseño. Además,
podemos exportar en formato PDF. www.trendlist.org/generator
Reunión masiva en la luna es el libro que ilustra las canciones del
compositor Víctor Algora, una idea de la editorial The Klein Press.
Un total de 53 creadores, como Alfonso Casas, Javier Rico,
Alberto Cuenca, Emo Díaz, Carlos D'Orive, Chema Pop, José A.
Roda, Juanma Carrillo, Oro Jondo, Yago Partal o Tactelgraphics,
entre otros, han sido los encargados de convertir las letras y las
melodías de Algora a imágenes. Se trata de una edición limitada
de 350 ejemplares en los que se incluye un CD y un prólogo
escrito por el artista. Reunión masiva en la luna es definido como
un capricho editorial, una exposición colectiva y una visión del
panorama gráfico en España. thekleinpress.bigcartel.com
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NOTICIAS DISEÑO Y PROYECTOS
THE LONDON DESIGN FESTIVAL 2016
COOKBOOK N.3
The London Design Festival es uno de los eventos más importantes de Europa en interiorismo y mobiliario, y se llevará a cabo del
17 al 25 del mes de septiembre de 2016. En esta muestra que se
celebra desde el año 2003 el interiorismo y el mobiliario son los
completos protagonistas. Durante la celebración de la feria se llevan a cabo actividades independientes en los design districts, los
barrios que tienen un especial interés en el diseño, además de
englobar eventos como el 100% Design, Design Junction,
Decorex Internacional, Tent London y Super Brands. Londres
celebra una cita indispensable para estudiantes y profesionales.
www.londondesignfestival.com
Cookbook, el magacín anual para auténticos gourmets del diseño -creado por el estudio madrileño Naranjo-Etxeberria-, ha lanzado su tercera edición. En cada número de esta publicación se
elige a un artista del que se analizan sus referencias para desarrollar el contenido visual y el diseño de la revista basándose en ellas.
En esta tercera entrega la chef estrella es la joven fotógrafa ucraniana Sasha Kurmaz, cuyo trabajo choca entre la sexualidad de
sus autorretratos y la brutalidad de la arquitectura de su barrio
postsoviético en Kiev. Cookbook es una interesante manera de
conocer los ingredientes que han llevado a cada seleccionado a
conseguir su obra. Una joya del diseño. cookbookmagazine.es
PANTONE CAFÉ
MEJOR DISEÑO DEL AÑO
Pantone Café ha abierto sus puertas hasta el próximo 9 de septiembre de 2016. Se trata de una cafetería pop-up que Monaco
Restaurant Group acaba de estrenar en el paseo del Grimaldi
Forum de Mónaco. Cuenta, entre otras cosas, con un código de
colores a través del cual se identifica cada producto y podemos,
por supuesto, ver la correlación con su respectivo tono Pantone.
Todo está inspirado en Pantone, desde la intensidad del sabor del
café, los refrescos, el agua, las servilletas, las ensaladas o los
menús. Pantone ha conseguido con intervenciones tan originales
como esta pasar a convertirse en un verdadero icono de la cultura posmoderna. www.pantone-cafe.com
Mejor diseño del año es la exposición que recoge las obras finalistas y ganadoras de los principales premios organizados por las
asociaciones del FAD: los premios Laus, los premios ADI, los premios FAD de arquitectura e interiorismo, los premios Habitácola
y los premios ModaFAD. Más de trescientas piezas que representan los mejores trabajos del año en las diferentes disciplinas del
diseño (arquitectura e interiorismo, diseño industrial, diseño gráfico y comunicación visual, imagen y moda...). Una exposición
imprescindible para hacerse una visión general y actual del diseño contemporáneo que podrá visitarse hasta el 30 de octubre en
Disseny Hub Barcelona. ajuntament.barcelona.cat/dissenyhub
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DEAR
HUMAN
CANADÁ ES UN PAÍS CON GRAN
CULTURA DE DISEÑO, PERO EN EL
QUE HISTÓRICAMENTE SUS
CREATIVOS HAN QUEDADO
ECLIPSADOS POR SUS VECINOS DEL
SUR, LOS DISEÑADORES
ESTADOUNIDENSES.
AFORTUNADAMENTE, CADA VEZ SON
MÁS LOS ESTUDIOS CREATIVOS QUE
SE ABREN PASO EN EL COMPLICADO
MAPA DEL DISEÑO CONTEMPORÁNEO,
COMO DEAR HUMAN, QUE
DEMUESTRAN QUE EL RECICLAJE
TIENE CABIDA EN EL DISEÑO
INDUSTRIAL Y LA DECORACIÓN.
Texto: Agustín Velasco
Jasna Sokolovic y Noel O'Connell son los
talentosos diseñadores que se esconden
tras el nombre de Dear Human, un estudio
colaborativo de diseño fundado en
Vancouver (Canadá). Su trabajo en común
se asienta en la comunión de intereses y
principios que pasan por la tradición artesana, la fabricación sostenible y el uso de
materiales poco convencionales, sobre todo
reutilizados. Jasna y Noel se conocieron
mientras residían en Dinamarca y fue un flechazo creativo desde el momento en que
comenzaron a colaborar hasta que en 2011
fundaron su estudio. Desde entonces han
desarrollado un lenguaje propio y coherente
que incluye el diseño de espacios públicos,
productos y artes aplicadas. Este año han
realizado una segunda entrega de sus lámparas Pulplites (2014): "Recientemente
hemos tenido la oportunidad de revisitar
nuestras Pulplites de hace un par de años
para crear una segunda generación -explican los diseñadores-. Estamos orgullosos de
presentar Pulplites Deus o, como nos gusta
llamarlas, Amis de Lumiére". La nueva serie
se presentó en la Toronto Design Week y se
trata de lámparas donde se conjuga cerámica con pantallas realizadas con una pasta de
papel reciclado, que es un claro ejemplo de
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su interés por el reciclaje y la reutilización. En
2015 su producto estrella fueron los azulejos
hexagonales de cerámica diseñados originalmente para la residencia BerdinCuddington, en colaboración con Measured
Architecture. Más de treinta azulejos diferentes con distintos colores, diseños y texturas
para crear combinaciones sorprendentes.
Este producto tiene su antecedente en
Wallpapering, lanzado el año anterior, unos
azulejos que combinaban cerámica y pulpa
de papel reciclado. Igualmente, con sus
Stitch Tiles, azulejos comerciales blancos
que ellos personalizan a base de cruces de
colores, ofrecieron una interesante manera
de jugar a crear murales y diseños como
quien hace punto de cruz sobre las paredes.
No dejan de explorar las posibilidades creativas de los azulejos, con los que crean ilusiones de ventanas y puertas en superficies en
las que estas no existen. Como curiosidad,
cabría señalar que en 2010 hicieron una
incursión en la moda diseñando una corbata
de seda y material reflectante, de forma que
de día lucía como una corbata común pero
de noche resultaba útil para hacerse visible.
Estaba ideada para ciclistas, y con ella quedaron finalistas en la Seoul Cycle Design
Competition. www.dearhuman.ca
MERMELADA
ESTUDIO
LA ESCENA DEL DISEÑO ESPAÑOL ESTÁ CARGADA DE TALENTO, IMAGINACIÓN Y VISIÓN DE
FUTURO. LAURA BLASCO, JUANMI JUÁREZ Y ALEX ESTÉVEZ FUNDARON EN 2012 EL ESTUDIO DE
DISEÑO MERMELADA, Y DESDE ENTONCES SE HAN CONSOLIDADO COMO UNO DE LOS EQUIPOS
CREATIVOS ESPAÑOLES CON MÁS PROYECCIÓN INTERNACIONAL, AL TRABAJAR CON FIRMAS
DE LA TALLA DE MOROSO, KETTAL, BD BARCELONA DESIGN, KVADRAT, FERMOB O RS.
Entrevista: Agustín Velasco
¿Cómo decidisteis fundar Mermelada? Nos
conocimos trabajando en el estudio de diseño industrial de Gemma Bernal en Barcelona,
con la que tenemos una buena amistad.
Desde el primer momento hubo una conexión y con el tiempo nos fuimos marchando
de forma progresiva del estudio por diferentes motivos, pero seguimos manteniendo
contacto entre nosotros. Empezamos a colaborar en proyectos puntuales y concursos, y
pasado un tiempo decidimos formalizar
nuestra colaboración y fundar el estudio. Nos
dimos cuenta de que la idea iba a funcionar
cuando presentamos nuestra primera colección en Milán y tuvo una buena acogida.
¿Tenéis una percepción similar del diseño o
cada uno tiene su propia idiosincrasia creativa? Lo interesante del estudio es que cada
uno tiene percepciones del diseño diferentes,
pero compartimos puntos en común. Esto se
puede ver reflejado en nuestras piezas, que
son el resultado de la mezcla de nuestras
diferentes percepciones bajo un filtro común.
¿Cuál es el principal reto del diseño contemporáneo? Entender a la sociedad y la evolución de sus necesidades. El principal reto del
diseño contemporáneo actual es que los
productos no solo deben ser funcionales,
también deben ser emocionales y no solo
deben hacer más fácil la vida de quien los
usa: también la deben hacer más especial y
generar una conexión personal entre producto y usuario. ¿Cuál es el proyecto que
mejor os representa y os define creativamente? Es difícil escoger solo uno, quizás
nuestra nueva butaca para Moroso. Es un
reflejo de nuestro momento actual, y es la
primera pieza de nuestra etapa de madurez
creativa. Sigue siendo un producto que mezcla humor, ingenio y poesía, que son las tres
características que definen nuestro trabajo,
pero de una forma más equilibrada. ¿Y el
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más complicado? Todos tienen su complicación. Nosotros trabajamos en proyectos muy
variados con empresas también muy diferentes. Cuando no es la presión de trabajar
con una empresa de gran prestigio internacional como es Moroso, que se define por ser
una de las empresas que marca el avantgarde de las tendencias de diseño internacional, tienes la presión de trabajar con una
empresa pequeña, desconocida y local, en la
que si quieres hacer algo que sorprenda y
destaque debes esforzarte y ser igual de
ingenioso que trabajando para uno de los
grandes. ¿Cómo afrontáis el proceso creativo? Todos los conceptos surgen siempre de
un dialogo entre los tres. Nuestra forma de
diseñar está conectada con nuestra forma
de entender el mundo y los objetos que nos
rodean. Por ello es inevitable que de alguna
forma las tendencias te influyan, aunque
intentamos que sea lo menos posible.
Buscamos lo excepcional en nuestra vida
cotidiana y contar historias a través de nuestras piezas. Producimos diseños que sean
funcionales, pero que tengan significado,
con un lenguaje rico y detalles especiales
que se descubren cuando los productos se
miran con atención y se utilizan. Por otro
lado, somos españoles y nuestro país ha
sufrido una fuerte crisis económica, y esto de
alguna forma también ha afectado a nuestra
forma de trabajar y nos ha hecho ser más
sensatos a la hora de usar materiales y procesos industriales. ¿Cómo es España en la
escena de diseño internacional? España es el
león cobarde de El mago de Oz. Somos un
país con mucho talento, pero necesitamos
quitarnos nuestro miedo escénico. Los españoles, sorprendentemente, somos muy tímidos y tenemos poca confianza en nuestro
arte. Tenemos grandes fabricantes y diseñadores, pero tenemos que romper barreras,
como son los idiomas, y de verdad creernos
el potencial que tenemos. La prueba es que
cuando esto pasa, los españoles nos situamos en el top del arte, el diseño… Buenos
ejemplos son Jaume Plensa o Jaime Hayon.
Cada uno en su profesión tienen un gran
reconocimiento a nivel internacional. ¿Dónde
marcáis los límites de la experimentación en
vuestros diseños? Separamos nuestros proyectos en dos categorías: proyectos comerciales y personales que producimos en ediciones limitadas, incluso únicas, bajo el sello
de Mermelada Editions. Depende del tipo de
proyecto, los límites que marcamos son diferentes. Los proyectos comerciales siempre
tienen nuestra esencia, pero son un diálogo
entre nosotros y el fabricante, que es algo
esencial y que nos encanta, pero inevitablemente el producto resultante suele ser más
comedido y comercial. En nuestra otra vertiente de trabajo, también hay límites, pero
son diferentes: es un diálogo entre nosotros
y muchas veces la acotación es por presupuesto o tecnología. ¿Vuestro mayor sueño
como diseñadores? Encontrar a alguien de
aquí a cincuenta años utilizando y disfrutando de nuestros objetos. Eso, definitivamente,
sería un sueño hecho realidad. ¿De qué estáis
más orgullosos? De no perder la ilusión por
la creatividad y por la vida en general: detrás
de cada éxito hay muchos intentos fallidos y
eso puede frustrar tus ánimos. Siempre
hemos sido muy optimistas y nos apoyamos
mucho entre nosotros. Cada crisis la hemos
transformado en una nueva oportunidad.
Creemos en el equipo y en nuestro potencial
y nos sentimos orgullosos de tener el mismo
sentimiento desde que fundamos el estudio.
Hay una frase de Groucho Marx que dice: "Si
no te gustan mis principios, tengo otros".
Nosotros hacemos una variación: "Si no te
gustan nuestras ideas, tenemos otras".
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NOTICIAS ARTE
MAUDE MARIS
JENNY HOLZER EN IBIZA
Maude Maris describe los temas de sus pinturas como "arquitecturas de la emoción". En su obra, Maris colecciona pequeños
fragmentos de objetos encontrados e intenta reflejar las relaciones que estos objetos pueden tener entre sí. Los fragmentos de
objetos, son agrupados por la artista en familias y fotografiados,
para más tarde pintarlos en grandes bastidores para exquisitas
composiciones oníricas. La artista explora en sus obras la estabilidad y la precariedad en un intento de analizar lo aparentemente caótico. Lo interesante en sus obras es que aunque sus pinturas sean bidimensionales, están claramente influenciadas por las
propiedades formales de la escultura. maudemaris.com
Ibiza es conocida por sus idílicas playas y por su intensa vida nocturna, pero este verano los amantes del arte tenemos otra razón
para visitar la famosa isla balear. El coleccionista Guy Laliberte,
que está detrás de las iniciativas de arte ibicencas Lune Rouge y
Art Projects Ibiza, ha lanzado una ambiciosa iniciativa en colaboración con la galería londinense Sprüth Magers, para presentar
trabajos de la artista conceptual Jenny Holzer, quien realiza un
proyecto especialmente pensado para la isla. El resultado es la
exposición Are You Alive?, la cual se podrá visitar hasta el 17 de
diciembre de 2016, y consta de textos de la artista, sus truisms y
trabajos realizados en rocas de la isla. artprojectsibiza.com
WARD ROBERTS
MANIFESTA 11
Ward Roberts, que actualmente vive en Nueva York, creció entre
Australia y Hong Kong, y no para de viajar de un lado a otro del
planeta, lo que queda bien reflejado en su trabajo, ya que sus
obras nos muestran distintos lugares alrededor del mundo. La
fotografía de Ward Roberts refleja espacios públicos en las ciudades, lugares donde mayoritariamente están presentes el
cemento y el acero. De las explanadas urbanas destacan sus
patrones y los colores pastel. Roberts convierte mediante la fotografía estos lugares en espacios mágicos. Se trata de lugares
vacíos (sin personas) donde el protagonismo es para la arquitectura y el poder y las sensaciones. ward-roberts.com
La undécima edición de la Bienal de Arte Contemporáneo itinerante Manifesta se celebra en Zúrich. Este año, la bienal gira en
torno al título What People Do For Money, y cuenta con la participación de 130 artistas, entre los cuales podemos encontrar a
españoles como Carles Congost, Fermín Jiménez Landa,
Fernando Sánchez Castillo, Karmelo Bermejo y Santiago Sierra.
Desde 1996, Manifesta se celebra con el objetivo de fomentar la
producción de arte local en el lugar que acoge la muestra cada
edición. Manifiesta 11 desemboca este año a orillas del Limago y
se podrá visitar hasta el 18 de septiembre en su escenario clave:
la plataforma flotante Pavillon of Reflections. manifesta.org
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NOTICIAS ARTE
THE SWITCH HOUSE
JARDÍN INFINITO
Seis años después de que la primera piedra fuese puesta, la
nueva ala de la Tate Modern de Londres ha abierto sus puertas.
La apertura de este nuevo edificio diseñado por Herzog & De
Meuron amplía el tamaño del museo de arte contemporáneo en
un 60 % y ofrece un enfoque aún más internacional. The Switch
House (así es como se ha bautizado esta ampliación) ofrece
diversas experiencias artísticas. Un lugar donde obras de maestros como Picasso, Mark Rothko o Matisse se mezclan con las
adquisiciones más recientes, como fotografías del artista Lionel
Wendt, de Sri Lanka, o la instalación del cineasta Apichatpong
Weerasethakul, de Tailandia. www.tate.org.uk
El Museo del Prado presenta Jardín infinito, un montaje original
que ha sido concebido para la sala C del museo a partir de la obra
maestra de El Bosco, El jardín de las delicias, y que podrá visitarse hasta el 2 de octubre de 2016. Se trata de una videoinstalación
formada por una multiproyección de vídeo y audio distribuida en
18 canales de vídeo y 16 pistas de sonido con una duración aproximada de 75 minutos en la que imágenes de El jardín de las delicias son objeto de reinterpretación por parte de los autores: Álvaro Perdices y el cineasta Andrés Sanz. Esta videoinstalación crea
un ambiente 'inmersivo' que nos adentra en el célebre tríptico
desde un espacio perceptual increíble. www.museodelprado.es
ESTAMPA COMTEMPORARY ART FAIR
INÉDITOS 2016
Estampa 2016, la feria del coleccionismo y el galerismo español,
se consolida en su vigésimo cuarta edición y da un gran paso
para su internacionalización al incorporar dos programas destinados a estimular las relaciones internacionales y los procesos de
intercambio y conocimiento de la creación artística y el galerismo contemporáneos, con coleccionistas, instituciones y comisarios de distintos países y procedencias. Matadero Madrid será de
nuevo el escenario de la feria, que un año más dedica un espacio
a Colecciona, el programa de impulso del coleccionismo de
Estampa. Es la cita más importante del otoño para el mercado
del arte. (Foto: obra de Natacha Lesueur). www.estampa.org
Inéditos es una convocatoria organizada por La Casa Encendida
que fomenta la inserción de los jóvenes comisarios en los circuitos profesionales de arte y facilita la posibilidad de producir su
primera exposición y editar un catálogo. En esta nueva edición
de Inéditos, los proyectos ganadores han sido Madrid activismos
(1968-1982), comisariado por Alberto Berzosa; Viaja y no lo escribas, de la comisaria Carolina Jiménez, y Deshaciendo texto, comisariada por Irina Mutt. Cada uno de los proyectos nos aproxima
a una realidad distinta de la creación contemporánea. La exposición tendrá lugar hasta el 18 de septiembre en La Casa Encendida
de Madrid. www.lacasaencendida.es
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ABIERTO VALENCIA 2016
ABIERTO VALENCIA CELEBRA SU CUARTA
EDICIÓN. EL EVENTO ESTÁ ORGANIZADO
POR LA VAC (ASOCIACIÓN DE GALERÍAS DE
ARTE CONTEMPORÁNEO DE LA
COMUNIDAD VALENCIANA), Y LA CITA
TENDRÁ LUGAR ENTRE EL VIERNES 30 DE
SEPTIEMBRE Y EL SÁBADO 1 DE OCTUBRE.
COMO YA ES TRADICIÓN, LAS GALERÍAS DE
ARTE INAUGURAN TEMPORADA
EXPOSITIVA, CON UN HORARIO ESPECIAL
PARA QUE LOS VISITANTES PUEDAN
ASISTIR CON MAYOR FLEXIBILIDAD.
Texto: Rubén Vidal
Abierto Valencia, el evento presentado por La Vac
(Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la
Comunidad Valenciana), este 2016 celebra su cuarta edición inaugurando la temporada expositiva en las galerías
de arte valencianas. Uno de los objetivos de esta convocatoria es implicar al público valenciano en el panorama
artístico de su comunidad. Este año, la galería Rosa
Santos inaugurará la temporada con el pintor Chema
López, Espai Tactel con una instalación de Antonio
Fernández Alvira, la galería Luis Adelantado con un Solo
Project de Óscar Carrasco, Juan Olivares estará presente
en Set Espai D'Art, la joven Victoria Iranzo realizará su primera individual en Area 72, la siempre transgresora
Misterpink mostrará un proyecto de Vicente Talens... Y
esto solo por citar algunas de las exposiciones, puesto
que La Vac se compone de un total de 19 galerías: Luis
Adelantado, Aural, Benlliure, Isabel Bilbao, Alba Cabrera,
Cànem, Espaivisor, Misterpink, Galería del Palau, Paz y
Comedias, Punto, Rosa Santos, Set Espai d'Art, Shiras
Galería, Galería Thema, Galería9, Plastic Murs, Pepita
Lumier y Espai Tactel. En palabras de Olga Adelantado,
presidenta de la asociación e impulsora de Abierto
Valencia, "queremos que Abierto Valencia se convierta en
una cita ineludible para los amantes del mundo del arte
contemporáneo generando nuevas sinergias con los
museos e instituciones de la Comunidad Valenciana,
tanto públicas como privadas. Por primera vez el evento
va a contar con un programa VIP y la asistencia de invitados a nivel nacional e internacional". Una cita ineludible
para los amantes del arte contemporáneo en Valencia.
(Fotos, de arriba abajo: Óscar Carrasco, Galería Luis
Adelantado. Fernández Alvira, Galería Espai Tactel.
Victoria Iranzo, Galería Area 72). www.lavac.es
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EARTHWORKS EN SONARPLANTA 2016
ESTE AÑO SÓNAR HA VUELTO A
ACERCARSE A LOS AMANTES DEL ARTE
CONTEMPORÁNEO CON LA PROPUESTA
EARTHWORKS, UNA INMERSIVA
INSTALACIÓN DE MÁS DE 25 METROS
DESARROLLADA POR EL DÚO DE
ARTISTAS BRITÁNICOS
SEMICONDUCTOR. LA PIEZA TRATA DE
LLAMAR LA ATENCIÓN DEL ESPECTADOR
SOBRE LOS CAMBIOS REALIZADOS POR
EL SER HUMANO DURANTE LA ERA
GEOLÓGICA ACTUAL: EL ANTROPOCENO.
DESDE UNA PERSPECTIVA FORMAL, LA
INSTALACIÓN ES TODA UNA
EXPERIENCIA AUDIOVISUAL QUE UNE
POTENTES GRÁFICOS CON UN SONIDO
ENVOLVENTE. FUE PRESENTADA
DENTRO DEL MARCO DEL SONARPLANTA
2016, QUE TIENE COMO OBJETIVO
CELEBRAR Y PROMOVER LA
EXPERIMENTACIÓN DE LOS LENGUAJES
CREATIVOS EN TORNO A LA
TECNOLOGÍA Y EL ARTE NEW MEDIA.
Texto: Tactelgraphics. Foto: Afioco
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Otro año más, Barcelona se ha afianzado
como una de las capitales de la electrónica
con el festival Sónar, donde se da cabida a
más de trescientas propuestas de lo electrónico y digital, desde conciertos, pasando por
conferencias, hasta proyectos de innovación
creativa. Este año cabe destacar la propuesta artística para el Sonarplanta 2016 (una iniciativa conjunta entre Sónar y la Fundación
Sorigué), en la que se ha presentado una
espectacular instalación new media de los
artistas británicos Semiconductor -Ruth
Jarman y Joe Gerhardt- titulada Earthworks.
Semiconductor son un dúo de artistas, y a la
vez exploradores del mundo digital y del
mundo natural. Sus obras toman datos científicos de la naturaleza (movimientos sísmicos, actividad volcánica, movimientos astrales, etc.) y los convierten en piezas donde
pueden verse estos datos de manera tangible y estética. Earthworks llama la atención
con sus más de 25 metros de longitud que
se extienden entre cinco pantallas de gran
tamaño dispuestas en zig zag. Las pantallas
representan el proceso de formación de la
tierra y los cambios que se producen en su
estructura y paisaje, desde los ocasionados
por los fenómenos naturales, hasta el
Antropoceno (la era actual, que se define
por el impacto de la actividad humana en los
ecosistemas terrestres). Esta potente instalación ha consistido en una compleja colaboración entre Semiconductor y expertos
en geotecnología de la Facultad de Ciencias
de la Tierra de la Universidad de Barcelona.
Earthworks proyecta gráficos animados de
alta definición que representan hasta el mas
mínimo detalle el movimiento de los estratos
de la tierra (capas que se funden y separan
en un movimiento constante) impulsados
por datos sismográficos extraídos de fenómenos como volcanes, terremotos, glaciares
y convertidos por este dúo en un flujo envolvente de sonido. Los datos sísmicos, que se
activan a partir de datos sismográficos que
se convierten en sonidos extraídos de glaciares, volcanes y terremotos, han sido obtenidos del archivo público IRIS (Incorporated
Research Institution of Seismology) y posteriormente utilizados por los dos artistas británicos para realizar gráficos animados inspirados en los estratos de la tierra del entorno de Planta (el complejo industrial del
grupo Sorigué, en Balaguer, Lleida).
TIM BISKUP
EL CALIFORNIANO TIM BISKUP FUNDE EN SU TRABAJO LA ANARQUÍA DEL SKATE Y EL PUNK ROCK, LA ANIMACIÓN, EL
CÓMIC UNDERGROUND, DISNEYLANDIA Y GODZILLA CON LA BELLEZA DE LA ILUSTRACIÓN JAZZY DE LOS AÑOS
CUARENTA Y CINCUENTA DE CLÁSICOS COMO JIM FLORA O MARY BLAIR. SU INCREÍBLE DOMINIO DE COLOR Y
ESTÉTICA SE REFLEJA NO SOLO EN SUS PINTURAS ORIGINALES, SINO TAMBIÉN EN PRODUCCIONES PARALELAS QUE
HA DESARROLLADO DESDE LOS AÑOS OCHENTA: TOYS DE VINILO, LIBROS, SERIGRAFÍAS, ETC. HA COLABORADO CON
ARTISTAS DE LA TALLA DE MARK RYDEN O GARY BASEMAN Y SU TRABAJO HA SIDO EXPUESTO EN PRESTIGIOSAS
GALERÍAS DE LOS ÁNGELES, NUEVA YORK, SAN FRANCISCO, TOKIO, MELBOURNE, MILÁN O BARCELONA.
Entrevista: Tactelgraphics
¿Podrías explicarnos tu proceso creativo? Me encanta experimentar,
por lo que mi proceso está siempre cambiando. Tengo algunos
materiales de base a los que sigo volviendo: grafito, vinilo, pintura
acrílica, cinta adhesiva, papel y lienzo. Para las esculturas me gusta
utilizar Casteline y arcillas industriales. Recientemente he estado
concentrado en el dibujo con grafito. Durante varios años he estado
usando el filo de los palillos de grafito grande para hacer dibujos abstractos en el papel. Es una técnica muy rápida y gestual. Debido a la
velocidad de ese gesto, mis pensamientos apenas pueden mantenerse al ritmo de las marcas que voy haciendo. El proceso termina
por sentirse más como meditación o baile. Exige mucha atención y
apertura. Esa inmediatez significa que puedo derramar mucho del
ruido mental que llena mi mente cuando estoy haciendo obras más
complejas. Los dibujos resultantes son muy personales, como una
representación visual de mi identidad. ¿Cuál fue tu primer contacto
con el arte? La mayoría de lo que me ha inspirado en la vida no han
sido cosas que puedan identificarse como arte. He visto un montón
de dibujos animados, he ido a Disneyland, he hecho modelos de
plástico de monstruos y hotrods (bólidos de carreras). Viví en Los
Ángeles entre los vestigios de la era moderna de mediados de siglo:
edificios modernos por todas partes, logos y señales que en aquel
momento todavía estaban en uso. Estas imágenes han formado mi
estética y continúan conmigo. La primera vez que recuerdo haber
sido influenciado considerablemente por un artista específico fue en
una visita al centro Georges Pompidou cuando era un adolescente.
Giré una esquina y estaba cara a cara con un lienzo grande de
Roberto Matta: sentí que estaba siendo absorbido por su mundo.
Reconocí algo en su estética que me pareció la pieza que faltaba en
mi comprensión del universo. Tus orígenes comienzan en el mundo
de la ilustración, pero ahora estas introduciéndote en el mundo del
arte contemporáneo. ¿Es así o estoy equivocado? Yo nunca quise
realmente ser ilustrador. Quería pintar como Matta y DuBuffet.
Estudié Bellas Artes en la escuela (OTIS College, Los Ángeles) pero
yo no estaba interesado en el arte contemporáneo en aquel tiempo.
Eran los años ochenta y la pintura (especialmente el tipo de trabajo
que quería hacer) estaba muerta. Parecía que el minimalismo conceptual era lo que todo el mundo parece respetar, y debido a esta
creencia popular estuve constantemente desalentado por la mayoría de mis maestros. Dejé la escuela sin muchas esperanzas de exponer alguna vez en una galería. Empecé a hacer portadas y diseños
de camisetas para bandas, luego continué haciendo diseños para
tablas de patín y luego seguí con la animación. Durante unos diez
años trabajé en ello constantemente. Era el tipo de entrenamiento
que estaba buscando en la escuela de arte. Aprendí a hacer cosas
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bellas. He hecho la transición a la exposición en galerías organizando subastas de arte de estilo guerrillero en bares. Galeristas y coleccionistas vinieron a mis eventos y me ofrecieron exposiciones. Mi
carrera siempre ha sido así. Voy haciendo lo que me parece que está
bien y con el tiempo el trabajo llama la atención de las personas adecuadas. Con los años he aprendido a confiar más en mí y a encontrar mi propia manera de hacer las cosas. ¿Cuáles son tus mayores
inspiraciones? Tengo una idea muy diplomática de la inspiración, así
que es difícil apuntar a artistas específicos sin nombrar cientos de
personas. Recientemente he estado buscando en un libro de cristal
grabado que solo me da ganas de dibujar. Matta es todavía una gran
influencia, Barry McGee, Jonathan Zawada, Kati Heck, Ryan Travis
Christian, Allison Schulnik... Solo unos pocos. Tu trabajo es cada vez
más abstracto. Ha sido un proceso largo pero no puedo decir que
haya sido difícil porque ha sido muy agradable. Me ha tomado
mucho tiempo para dejar ir la necesidad de crear una imagen representativa cuando trabajo. Y sigo jugando con ese impulso todo el
tiempo. Mientras estoy trabajando veo cosas en mi mente que parecen el camino lógico a seguir. Como cuando una forma abstracta
comienza a parecerse a algo. Mi impulso es convertirlo en esa cosa.
A veces lo hago y a veces no. Últimamente me siento mucho más
cómodo haciendo obra abstracta, y desafiar ese impulso es algo
muy divertido para mí. Me encanta jugar a ese juego: es un diálogo
interno muy personal. ¿Trabajas con una galería de arte contemporáneo? ¿Has estado en España? Solía trabajar con Iguapop en
Barcelona. Hice unas cuantas exposiciones allí y amo a la gente y la
ciudad. Desde entonces sigo encontrándome con más españoles
que se relacionan con mi trabajo y lo apoyan. Conocí a Fer Frances
el año pasado y nos hicimos amigos, y recientemente me presentó
a la Galería Espai Tactel. Estamos organizando una expo individual
en la feria Arte Santander este mes de julio. También estoy planeando una muestra individual con ellos en su espacio en Valencia.
¿Compras arte? ¿Qué tipo de arte? Compro arte de vez en cuando,
pero sobre todo hago intercambios con otros artistas. Es una de mis
tradiciones favoritas de la escena del arte: artistas que negocian
entre sí. Sobre todo, me gustan los cuadros. Todd James, Mark
Ryden, Kaws, James Jean, Josh Jefferson, Amanda Visell, Friends
With You, Eric White... Negociar es complicado, porque los artistas
somos todos diferentes, pero creo que realmente nos ayuda a relacionarnos entre nosotros. Cuando no hay dinero involucrado es solo
el arte. Es refrescante. ¿Qué estás preparando ahora? Estoy trabajando en mas piezas para Arte Santander, dibujando y trabajando en
un libro con Todd Oldham y AMMO Books. Estoy preparando algunos proyectos de música y cine, pero aún están en desarrollo.
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ARTE Y EXPOS
Rorro Berjano
Luciana Novo
Delimbo Gallery, Sevilla. delimbo.com
Luis Adelantado, Valencia. www.luisadelantado.com
Hasta el 10 de septiembre de 2016
Hasta el 23 de septiembre de 2016
SANTOS, DIFUNTOS
POSSIBILITY OF LANDSCAPE
El extremeño Rorro Berjano (Don Benito, 1979) regresa a la escena artística de la mano de Delimbo Gallery, con su nueva y esperada exposición individual titulada Santos, difuntos, dieux et fétiches. En esta primera comparecencia en solitario en la galería
sevillana, el artista nos sumerge en su apócrifa y particular figuración: una que se nutre de las ideas sincréticas y simbólicas que
ha ido tejiendo durante los últimos años, recorriendo un magma
pictoricista que nos acerca a la cosmología antropológica afrocubana, la síntesis pública del grafiti como registro del tiempo
-más allá del arte urbano-, la decadencia de la sociedad de consumo o el imaginario de los ídolos caídos. A modo de bitácora
personal, el extremeño ahonda y explora en su propia idiosincrasia y en su agenda de intereses: música, filosofía e historia del
arte. La exposición cuenta con cierta diversificación disciplinar
objetual, para brindar un absoluto tributo a pintura, escultura y
cerámica. De hecho, los trabajos realizados con barro y esmaltes
tienen un amplio protagonismo discursivo y, junto al resto de
apariciones fetichistas e idólatras, debaten de una manera muy
precisa sobre las ambivalencias de nuestro estilo de vida actual,
siempre desde la cultura de los objetos, la sátira e ironía, la representación y las imágenes.
Luciana Novo es una artista multidisciplinar. Su práctica, muy cercana a la escultura y vinculada a la instalación, genera espacios
que rozan lo fantástico, lo mágico. La exposición Possibility of
Landscape es fruto de un proceso de trabajo que ha tenido lugar
en el propio espacio de la galería, durante el cual la artista ha trasladado física y conceptualmente parte de su estudio a la sala,
haciéndose con el espacio y generando una instalación concreta
y única a través de lo vivencial. Sus piezas se reconocen entre lo
inmutable de la naturaleza y lo fabril de los materiales de consumo, y generan un aura muy característica. Esta instalación ha
sido generada expresamente para el espacio y está conformada
por las mitologías personales de la artista. Se centra en su producción escultórica de corte acumulativo e instalativo. De este
modo, se genera una recreación, una posibilidad de paisaje intuitivo, en la que el realismo asoma con frecuencia. La conjunción
de los elementos de la naturaleza, siempre presente en la esencia de su trabajo, se alía con elementos propios de la sociedad de
consumo. Se busca generar una experiencia sensorial que abarque todos los sentidos y nos transporte al universo de la artista.
Con este fin, la artista colabora con Odo7, quien ha creado una
serie de esencias para la exposición Possibility of Landscape.
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ARTE Y EXPOS
Colectiva
El Bosco
MACBA, Barcelona. www.macba.cat
Museo Nacional del Prado, Madrid. www.museodelprado.es
Hasta el 26 de septiembre de 2016
Hasta el 11 de septiembre de 2016
PUNK. SUS RASTROS EN EL ARTE
EL BOSCO V CENTENARIO
El MACBA presenta Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo,
un recorrido por la influencia del punk en el arte actual, y se hace
eco de la importancia de su presencia como actitud y como referente entre muchos creadores. La exposición comprende instalaciones, rastros documentales, múltiples, fotografías, vídeos y pintura. Además, incluye una sección documental sobre los orígenes
del punk y sus rastros hasta la actualidad. Algunas de las temáticas tratadas son el ruido, la negación, la violencia, el nihilismo o
la sexualidad. La insatisfacción, el inconformismo, la pérdida de fe
en el progreso o la crítica feroz a los iconos del sistema económico y social aparecen en la obra de estos creadores. El punk surgió en Londres y Nueva York entre 1976 y 1978 como una explosión de malestar y descontento ante una situación sin futuro que
enseguida prendió y se extendió geográficamente. Una rabia que
hoy todavía resuena. En esta exposición, el punk aparece como
una referencia explícita en muchos artistas; en los usos de elementos como el ruido, la tipografía de recortes, el antidiseño y el
feísmo; o con la inclusión de referencias musicales explícitas a
grupos musicales. Pero también se muestra el rastro del punk
como actitud: la negación, la oposición y la destrucción, el hazlo
tú mismo, el nihilismo o la reivindicación de la libertad sexual.
El Museo del Prado presenta El Bosco. La exposición del V centenario, una ocasión irrepetible para disfrutar del extraordinario
grupo de las ocho pinturas de su mano que se conservan en
España junto a excelentes obras procedentes de colecciones y
museos de todo el mundo. A la colección del Museo del Prado, la
más numerosa y mejor del mundo y que incluye obras maestras
como El jardín de las delicias, El carro del heno o Adoración de
los Magos, se suman préstamos reunidos por primera vez en esta
exposición, como el tríptico de Las tentaciones de san Antonio
Abad, del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa; Cristo camino del Calvario, de Patrimonio Nacional; La coronación de espinas, de la National Gallery de Londres, y el dibujo del Hombreárbol, de la Albertina de Viena, una verdadera obra maestra. Se
trata del repertorio más completo de El Bosco reunido hasta la
fecha, uno de los artistas más enigmáticos e influyentes del
Renacimiento, que invita al público a adentrarse en su personal
visión del mundo a través de un montaje expositivo espectacular
que presenta exentos sus trípticos más relevantes para que se
puedan contemplar tanto el anverso como el reverso. Un montaje sorprendente y excepcional que reúne más de medio centenar
de obras del imaginario del artista.
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ARTE Y EXPOS
Boltanski
Colectiva
IVAM, Valencia. www.ivam.es
IVAM, Valencia. www.ivam.es
Hasta el 6 de noviembre de 2016
Hasta el 2 de octubre de 2016
DÉPART - ARRIVÉE
VLC. VALENCIA LÍNEA CLARA
"Cuanta más edad tenemos, mayor es la impresión de caminar
sobre un campo de minas. Los amigos saltan por los aires a nuestro alrededor y mañana, quizá, sea nuestro turno". Esta frase de
Christian Boltanski (París, 1944) remite con claridad a los grandes
temas que transitan por sus obras e instalaciones y que marcan
toda su trayectoria artística. La memoria, la pérdida y la muerte
son conceptos principales, casi obsesiones, en la obra de
Boltanski, así como sus reversos en el olvido, la desmemoria, el
azar y el rastro apenas inexistente que deja cualquier vida tras
desaparecer. Aquello que en otras etapas de su trayectoria evocaba la desaparición de la infancia, el deceso de sus padres o la
muerte colectiva, se centra ahora en su propio fin. Todos estos
aspectos quedan reflejados y analizados en la exposición que
presenta el IVAM, realizada con motivo de la concesión del
Premio Internacional Julio González 2014, que cuenta con siete
grandes instalaciones distribuidas por la galería 1. Cuando vemos
una obra de Christian Boltanski no podemos evitar 'reaccionar',
pues la experiencia común de la pérdida de un familiar o de una
persona querida genera un hueco en nuestras vidas que en ocasiones es sustituido atropelladamente: "Me interesan las pequeñas historias de los individuos que no son célebres".
Durante los años sesenta y setenta, Valencia vivió un espectacular momento creativo. Las vanguardias creativas explotaban a
través de grupos como Equipo Crónica y Realidad, que influían
decisivamente en los jóvenes que por aquel momento comenzaban a cursar sus estudios artísticos. Unos jóvenes creadores que,
además, se habían formado en la cultura del tebeo, que tuvo en
Valencia un centro neurálgico durante los años cuarenta y cincuenta. Los tebeos de la Editorial Valenciana, los Jaimito y
Pumby, el TBO o las publicaciones de Bruguera, como Pulgarcito,
generaron un bagaje visual que se amalgamó durante su etapa
formativa con las nuevas tendencias artísticas que inundaban la
ciudad y con las que llegaban del exterior: el cómic que durante
su niñez los atrajo se convertía en Francia y en EE.UU. en un
exponente de contraculturalidad y modernidad, en un mensaje
de libertad e innovación que tuvo en Miguel Calatayud su primer
gran exponente. La exposición del IVAM VLC. Valencia Línea
Clara hace un repaso a ese momento de explosión creativa del
cómic valenciano deteniéndose en la trayectoria de siete de sus
principales autores y mostrando el complejo juego de influencias
que dio lugar a ese estilo y, también, la profunda marca y relación
que entabló con su ciudad de origen.
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ARTE Y EXPOS
Núria Güell
Natacha Lesueur
ADN, Barcelona. www.adngaleria.com
Espai Tactel, Valencia. www.espaitactel.com
Hasta el 9 de septiembre de 2016
Hasta el 5 de agosto de 2016
BUENAS INTENCIONES
I AM A CLICHÉ
En su segunda exposición individual en Barcelona, Núria Güell
presenta en ADN Galería la muestra Buenas intenciones, un compendio de proyectos realizados a partir del año 2014 que cuestionan los límites de la institución del arte y utilizan su infraestructura en distintos niveles -que abarcan de lo legal o financiero a lo
estrictamente humano- para plantear cuestiones acerca de las
bases morales más arraigadas al statu quo. Una de las características principales de la exposición es que, en todas las obras seleccionadas, la artista asume un riesgo o implica a su persona íntegramente: a nivel afectivo, físico, emocional, legal o político. Los
proyectos de Güell abren una puerta a lo impredecible, a aquello
que escapa de su control. Las seis obras funcionan por un lado
como historias autónomas, pero por otro lado también se articulan entre ellas, estableciendo un diálogo que oscila entre lo personal y lo colectivo. Además, Buenas intenciones no plantea únicamente cuál es el valor de las acciones, sino también sus consecuencias, que en muchos casos se miden por oposición: intención vs. efecto, ética vs. moral, acción vs. reacción, y discurso vs.
práctica, entre otros. En conjunto, la composición de la exposición lanza una serie de dilemas y de problemáticas globales a
través de narrativas particulares que implican al espectador.
Espai Tactel presenta la obra de la artista Natacha Lesueur (París,
1971). Lesueur realizó su primera exposición individual en 1996,
ganó el Premio Ricard en 2000 y, además, entre 2002 y 2003
ganó una residencia en la Villa Medicis, en Roma. Expuestas internacionalmente, sus obras han podido verse en las colecciones
públicas y privadas más prestigiosas de Europa. I am a cliché es
su primera exposición en una galería española, pero no es la primera vez que expone en Valencia, donde mostró su trabajo en el
Institut Française en 2006. El trabajo de Natacha aborda cuestiones alrededor de la construcción social del estereotipo y denuncia el diseño cultural de los clichés de género. Sus fotografías
subrayan una serie de usos, de huellas, de marcadores de la identidad femenina (gesto, maquillaje, vestuario, peinado) sobre los
que interviene para señalar el artificio de la apariencia. A través
de estas obras podemos entender cómo la fotografía se ha acercado mucho a la escultura en la (re)presentación de las cosas y,
también, en el retrato del cuerpo como algo performativo. Sus
fotografías son la evidencia crítica de una realidad, de un volumen (el cuerpo, las cosas) que se muestra bajo una apariencia y
esgrimiendo unas actitudes determinadas, detenidas en la foto,
que ponen en cuestión los arquetipos establecidos.
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Element nace en el año 1992, fundada por el artista y skateboarder Johnny Schillereff. Con los años, la
firma se ha convertido en una marca global que abarca una gran variedad de productos representados
por los mejores patinadores del mundo. A través de su continuo programa de embajadores, Element ha
creado una excelente tradición de colaboración con punteros y talentosos artistas, tales como Push,
Thomas Campbell, Jeremy Fish, Timber o el fotógrafo Brian Gaberman, entre otros, y se ha convertido
en una firma referencia de la cultura skate gracias a su buen hacer y al respeto de sus raíces más
profundas: el skate y el estilo de vida que lo rodea. Esta edición de OCIMAG, los primeros en suscribirse
se llevarán una prenda de la colección Element Perspective, la serie de camisetas que la firma lanza
cada temporada con el trabajo de los artistas más destacados que documentan la escena del
skateboarding y su lifestyle. (Producto a elegir sujeto a disponibilidad de stock). #ElementPerspective
www.elementbrand.com
Información y suscripción online: www.ocimag.com
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