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La tercera parte, acompañada por la voz de Seung Joon Jeong, descansó en el concepto de la introspección: se recrearon escenas de meditación, seguidas de puestas en escena del contraste entre el cuerpo inmerso en prácticas físicamente exigentes, como por ejemplo correr, y el cuerpo en estado de relajación, con respiraciones sostenidas y pausas. La obra finalizó con un bailarín que realizaba movimientos cotidianos pero de forma cada vez más frenética, ubicado en el centro del escenario, rodeado de los demás integrantes, que caían abruptamente al piso y se reincorporaban nuevamente, una y otra, y otra vez. Lo más llamativo de Tensión Espacial fueron los dibujos que trazaron los cuerpos, que aludían indudablemente al lenguaje corporal oriental, así como las repeticiones de las secuencias que dotaron de carnadura la idea oriental del movimiento automatizado, como medio para alcanzar el estado de máxima concentración interior que requiere la meditación. El vestuario se destacó por su simplicidad: las bailarinas Magalí del Hoyo, Julieta Gros, María Kuhmichel, Virginia Viberti, María del Mar Codazzi y Yésica Alonso usaron ropa cotidiana color negro mientras que los bailarines Diego Franco, Ernesto Chacón Oribe, Rafael Peralta, Enrique Martín Gil y Nelson Nahuel Leiva iban de traje. A partir del segundo segmento, los hombres dejaron de lado los sacos, creando un contraste entre el negro inicial y el blanco de sus camisas. La iluminación, a tono El saludo final de Kim Jae Duk, siempre sonriente, al frente de la CNDC Fotos . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación con la vestimenta, se compuso de claros y oscuros que realzaron algunas escenas pero principalmente guiaron la mirada del espectador. LOS ARTISTAS Kim Jae Duk, director de la Modern Table Dance Company y coreógrafo invitado permanente desde 2010 en T.H.E. Dance Company, Singapur, es un enérgico y multifacético artista coreano (es coreógrafo pero también compone la música que utiliza en sus obras y recientemente lanzó su propio álbum digital solista) con un peculiar interés en Latinoamérica. Empezó a desarrollar su curiosidad y talento por la música y la danza en la escuela secundaria, motivado por su madre, cantante de jazz y gospel, e influenciado por el artista coreano recientemente fallecido Shin Hae Chul. También estudió filosofía y reconoce en sus obras el legado de Wittgenstein, particularmente del Tractatus Logico-Philosophicus (1921). Kim Jae Duk comenzó a trabajar con Seung en 2014. El cantante de tan sólo 23 años se especializa en pansori (canto narrativo tradicional coreano) desde hace ya diez años, y es quien aporta ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 19 los elementos tradicionales que luego el compositor coreográfico/musical adapta a sus creaciones contemporáneas. Aquellos que se dedican al pansori lo hacen desde muy chicos, en función de esto, Seung empezó tarde, pero según él es gracias a eso que pudo encajar en un proyecto que traza puentes entre lo tradicional y lo contemporáneo. En diálogo con esta cronista, Seung señaló que se dedicó a la música por influencia de su media hermana mayor, a pesar de la ferviente oposición de sus padres. Tales fueron las repercusiones de la participación de Modern Table Dance Company en la gala de apertura del Festival de Danza Contemporánea de Buenos Aires (octubre de 2014, Teatro San Martín) que fue posible que Kim Jae Duk regresara a Buenos Aires para sumergirse en un trabajo intenso durante tres semanas con la CNDC. Balletin Dance robó unos minutos de un ensayo para poder conversar con él. A lo largo de la charla, el creador demostró ser un apasionado del trabajo con el cuerpo y con la música, y en ningún momento lo abandonó su sonrisa. ¿Cómo fue que decidió trabajar con bailarines argentinos? Me interesa toda Latinoamérica. Hace tres o cuatro años estuve en Brasil y en Colombia para el Festival Cena de Danza Contemporánea (Brasil) y Manizales Festival (Colombia), y había una red de diferentes festivales en Latinoamérica. Allí conocí al presidente de una de las asociaciones de la red, Marcelo Zamora, y el año pasado fui coreógrafo de su compañía. Cuando quise 20 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015 Movimiento vibrante de los cuerpos vivos. Tensión y descarga en simultáneo Foto . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación venir a Buenos Aires, lo busqué a él y él organizó todo para que viniera. Claro que la concreción del proyecto fue posible gracias a KAMS y al Centro Cultural Coreano. ¿Cómo pensó esta obra? El diseño siempre va primero. En el momento en que compuse la música, diseñé el sonido en función de un sabor coreano y argentino (está inspirado en cuestiones abstractas del tango y de la música tradicional coreana), pero después en la práctica con la compañía eso lo fui modificando. Fui componiendo a medida que avanzó el trabajo con los bailarines. Las expectativas no siempre son necesarias para la creación. Yo busco el movimiento vital del cuerpo, el valor del movimiento del cuerpo vivo, la intensidad, el poder, lo relajado. Sentir la fuerza muscular. Luego busco textos para interpretar. Mis temas fueron a veces sociales, pero ahora me estoy focalizando en lo introspectivo, interno, por eso la obra se llama Tensión Espacial, porque quiero que realmente aparezca el poder de la relajación, el poder de la velocidad, el poder del sentir, el poder de la inspiración. Si el cuerpo del humano no se mueve, el mundo no se mueve, y por eso la danza tiene tanto valor. El valor del movimiento del cuerpo vivo. ¿Cómo trabaja ‘lo interno’ con los bailarines? No tenemos mucho tiempo para explicar de qué se trata lo interno, ellos aprenden el cómo se hace de lo que yo les marco. Busco interpretar de manera sencilla mis movimientos. De hecho los coreógrafos quieren interpretar, decir acerca de un cierto objeto, de una cierta situación, pero yo lo siento de otro modo. Mi propuesta es: en lugar de decir acerca del movimiento, mostrar. Eso es lo que hace vibrar. ¿Qué puede decirnos acerca de combinar lo contemporáneo con la tradición? Elijo el pansori porque eso me hace ser, por eso existo, soy coreano. Y por otro lado, el pansori no es ritmo, es tempo. El ritmo es así, 1 2 3 4 5 6, seguimos el ritmo. La gente hace danza con música, pero generalmente la música está de fondo, y la danza es velocidad: lento, rápido, lento, rápido. Pansori es sólo tempo, casi no hay ritmo. Eso es lo que tanto me gusta del mundo de Dios: todo lo que podemos ver es el mundo, pero es nuestro mundo. Podemos interpretar cualquier cosa con los números; consistencia, frecuencia, podemos ver eso, contar eso, pero el tempo, eso no lo podemos contar. El pansori es lo que me hace dar cuenta de la existencia. A veces es demasiado picante, como muy condimentado, por eso en esta pieza lo quise probar bien suave. La parte del pansori es la de la interpretación con el alma, el cantar solo, el aparecer del sabor de Corea, sólo eso. ¿Cómo es una jornada de ensayo? Aprendí sobre los ensayos a nivel profesional en Singapur. Aprendí sobre el progreso, el cronograma… Incluyendo pausa para el almuerzo, allá trabajamos de diez de la mañana a siete de la noche. Los bailarines son muy disciplinados, están muy concentrados todo el tiempo. Pero eso, para los bailarines de acá es demasiado; ya cuatro horas es una gran cantidad de tiempo. Entonces, con la CNDC trabajamos cinco horas, pero eso incluye varios breaks y además vamos a un ritmo bastante tranquilo. Imagino que Ud. es muy exigente… Cuando alguno pregunta por qué algo se hace así y no de otra forma, yo pregunto si le gusta lo que está haciendo. Si responde que no, le pido que se retire; y si no, si dice que le gusta, le pido que haga; pero no, no explico. También acepto las opiniones de cada bailarín, porque a pesar de que haya quejas o encuentren dificultades, todos ellos se quedaron, y eso es porque tienen ganas, entonces intento realmente comunicar, adoptar y cambiar las cosas -también- según sus opiniones. La manera de dialogar con los bailarines y de mostrar al máximo los movimientos es a través del amor, hay que decir con mucho cariño y mucho amor. __BD INSTITUTO DE DANZAS A·L·F·R·E·D·O J · U · A · N · A GURQUEL LEDERER PASTEUR 170, 1º PISO (1028) TEL. 4951-9189 CEL. 15-6620-2035 www.lederergurquel.com.ar ELONGACION Y ACONDICIONAMIENTO CORPORAL POR BIOMECANICA METODO ALFREDO GURQUEL ELONGACIÓN X ELONGACION Creado desde el año 1970 por el maestro Alfredo Gurquel (1926-2014) ELONGACIÓN · BARRA À TERRE PREPARACIÓN FÍSICA DANZA CLÁSICA · REPERTORIO INICIACION A LA TÉCNICA DE PUNTAS DANZA JAZZ · DANZA CONTEMPORÁNEA BABY CLASS · NIÑOS · INICIACIÓN A LA DANZA FRANCÉS APLICADO A LA DANZA · YOGA JUANA LEDERER Elongación x Elongación, Técnica clásica y repertorio Ex-bailarina solista del Teatro Arg. de La Plata Ex-primera bailarina del Ballet Nac. de Francia Egresada del Conservatorio Nacional de París Seminarios intensivos en todo el país Nueva página web: www.juanalederer.com ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 21 ACTUALIDAD Con Altas Apuestas Por Nahuel Aguirre Dos artistas emergentes, dos propuestas y un ciclo de danza que se desarrollará en abril en el Teatro El Cubo. En esta entrevista, los bailarines Mauro Cacciatore y Jesús Guiraldi, comentaron cómo surgió el proyecto, cómo lo abordarán y qué esperan de él En 2014, Jesús Guiraldi decidió poner en marcha un festival llamado Una Constante en el Teatro El Cubo. Para sumar propuestas decidió llamar al coreógrafo Mauro Cacciatore, quien se encontraba trabajando en un proceso denominado hoy, Timba. La buena recepción del festival llevó a estos colegas a colaborar en el ciclo Tomá Mate. Entusiasmados con lo que se empezó a gestar, Cacciatore y Guiraldi comentaron a Balletin Dance de qué se trata y opinaron sobre algunos temas relacionados a la danza. ¿Cómo surgió este proyecto? Jesús Guiraldi. Lo que nos unió fue laburar en el Festival Constante de diciembre del año pasado, además ambos estamos en un momento en que tenemos claro lo que estamos haciendo. Nos prestamos a generar cosas, abrir espacios, mostrar nuestro trabajo afuera, a que lo vean. ¿Qué esperan del ciclo? JG. Que participe un público ajeno a la danza, ellos pueden ver otras cosas. No me interesa que sólo vengan bailarines. Mauro Cacciatore. A mí, particularmente, las devoluciones que más me han aportado son las de la gente que no pertenece a la danza. Relatan desde lo que vivieron al acercase al movimiento. Son más participes y no están condicionados por el lenguaje técnico. Multiplicidad de lenguajes en Metadiégesis Foto . Paola Evelina 22 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015 Muchas veces directores y coreógrafos, temen arriesgarse con sus propuestas y presentarse a un público general. “No van a entender o se van a aburrir”, son las excusas habituales. Incluso Cacciatore tenía dudas y afirmó que subestimaba la apreciación de la audiencia. MC. Al principio puse muchos “peros”. El material que trabajo no se ve mucho acá, por eso tenía miedo que a la gente común no le guste, sin embargo lo que pasó en diciembre en El Cubo fue muy loco, se veía a personas disfrutando vernos bailar. JG. Yo también sentí eso. Estaban entregados a ver danza. Se sumergieron en el imaginario. Hay algo importante del festival del año pasado, hubo gente que nunca en su vida pensó que iba a ver lo que hace Mauro. Muchos no saben que es la técnica de Merce Cunningham. Con ganas de mostrar otra forma de hacer danza a un público masivo, estos jóvenes se animaron a poner en marcha este ciclo, que pondrá en escena dos propuestas diferentes, pero con un mismo objetivo: abrir espacios y compartir nuevos imaginarios con el espectador. ¿Cómo describen sus propuestas? JG. Las obras tienen que ver con el azar y lo indeterminado; entonces el espectador va a presenciar siempre algo nuevo porque es una investigación que va mutando. Por otro lado, son laburos que tienen muchas personas que aportan a un trabajo en común. MC. Mi proyecto no está cerrado en su totalidad. Generamos un marco común donde la Inspirados en Cunningham Foto . Camila Florines idea no es ni que la música, ni que el movimiento condicione lo que se vea, ni que haga asociaciones a lugares conocidos. En realidad es un espacio para investigar de ambas partes. Tomá Mate se desarrollará los domingos de abril y tendrá como protagonistas las obras Metadiégesis y Timba. METADIÉGESIS Escoge elementos propios del hip-hop y el parkour, que intentan conjugarse con la danza contemporánea. Improvisando con las posibilidades espaciales, este grupo multidisciplinario interactúa y se desplaza para intentar convivir en escena, para crear un mismo lenguaje. JG. Investigamos e improvisamos sobre lo que trae cada intérprete para un material en común. Hay momentos coreográficos pero es conclusión del aporte de todos. En abril voy a presentar el primer resultado, de lo que llamo El Proceso Uno de esta investigación que es larga y que va a terminar en noviembre de este año. En ese entonces quizás ya esté cerrada como obra. TIMBA Los bailarines de Proyecto Even(t), crean un ambiente similar al de un bar en el que ofrecen movimientos de la técnica Cunningham, mientras los músicos de Desamble componen en base a líneas, puntos y densidades. En escena, ninguno depende del otro, ambos se complementan en un juego inspirado en el azar. MC. Tomo los naipes como una herramienta de composición. En los ensayos además de entrenar técnica, nos concentramos en lo que llamo problemáticas coreográficas: creamos a partir de dificultades de movimiento y se analiza cómo resolverlos. Cada dificultad se plantea desde el resultado de tirar los naipes, mientras los músicos complementan la pieza desde sus improvisaciones. Por un lado efectista y shockeante, por el otro técnico y experimental, estos jóvenes apuestan mucho en este ciclo que tiene como objetivo lograr que el público se sumerja en el imaginario y la danza. Cuando decidieron el nombre del ciclo los entrevistados determinaron que “igual que con el mate, las buenas cosas se comparten”. __BD ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 23 PROVINCIAS | CÓRDOBA Nuevos Bríos para el Ballet Oficial Por Luisa Heredia Marcela Carta, ex bailarina y coreógrafa de la casa, se hizo cargo de la dirección del elenco provincial este año. Ella conoce desde adentro a la compañía y disfruta de este rol que marca un nuevo desafío en su larga trayectoria artística Marcela Carta asumió a principios de marzo la dirección del Ballet Oficial de la Provincia de Córdoba y está feliz con esta convocatoria que marca el inicio de un nuevo ciclo artístico tanto para el elenco como para ella. Carta es un producto del Teatro del Libertador San Martín, se formó en su escuela -el Seminario de Danzas Clásicas Nora Irinova- y fue primera bailarina durante muchos años hasta su retiro en 2008. También en su escenario fue donde mostró sus dotes como maestra repositora y ensayista, y exhibió sus creaciones coreográficas. En diálogo con Balletin Dance, la flamante directora se mostró feliz por su designación y por los logros que ha ido consiguiendo desde que se oficializó su nombramiento, con sólido apoyo de la dirección del Teatro provincial a cargo de Marcela Reartes. Para ejemplificarlos, señala que habían sido planificadas cuatro 24 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015 funciones de El Lago de los Cisnes (versión de Mario Galizzi y reposición coreográfica de Sabrina Streiff), “pero pedí dos más a la dirección y me las dieron” [que se realizaron a partir del 26 de marzo], explicó. El coliseo también fue concediendo escenografía, vestuario y todo lo inherente a una puesta de esta envergadura. “Tuvimos todos los ensayos de Lago… en el escenario, una situación que pocas veces se daba para el Ballet… y contaremos con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de Córdoba, a cargo de Adrián Hávila Arzuza”. Marcela Carta arranca sus tareas con una programación planificada en 2014 en la que ella no participó personalmente, pero está más que satisfecha porque “además de Lago…, vendrá Mauricio Wainrot con Ocho Estaciones y a fin de año haremos El Cascanueces. En total serán veinte funciones aproximadamente”. El objetivo de su gestión, será “que el Ballet de lo mejor de sí” expresa ilusionada la maestra. “Es una compañía con gente de muchísima experiencia y también con bailarines muy jóvenes, Marcela Carta es además psicomotricista, profesión que le brindó una mirada diferente para sacar a la luz lo mejor de cada bailarín. “Con los pacientitos hay que comenzar desde lo que pueden hacer, para lograr aquello que parece imposible. En la danza, con los bailarines, pasa lo mismo. Si el bailarín solamente escucha ‘está mal’ no puede mejorar, necesita confianza para luego poder brillar en el escenario”. abiertos y muy receptivos a aprender”. Por la normativa que rige este elenco, el cuerpo estable tiene 56 bailarines, mitad hombres y mitad mujeres. “Sin embargo, en este momento muchos están por jubilarse o hay carpetas médicas y el elenco cuenta con menos artistas en actividad. Para esta puesta contratamos refuerzos, para completar 30 bailarines en escena, que ofrece un impacto visual muy importante para el público”, explicó. Ser de la casa, como suele decirse en el ambiente teatral, brinda varios puntos a favor para la directora. Su relación con todos los cuerpos artísticos, técnicos y administrativos, es un vínculo de pares, y para ella esto es una ventaja. “Me conocen y hasta ahora las cosas fluyen muy bien”, destacó. Con respecto a su gestión, Marcela Carta asegura que la danza en el mundo ha cambiado. “Ahora los bailarines saben bailar, actuar, cantar, hacen de todo. No se quedan solamente con lo clásico sino que incursionan en diferentes lenguajes coreográficos”. En ese sentido destacó la importancia que reviste para los bailarines tener contacto con los otros cuerpos estables del Teatro del Libertador (Orquestas y Coros) porque “además de crecer artísticamente, es muy estimulante el apoyo mutuo entre los distintos elencos”. En este diálogo la directora también destacó la importancia que tuvo en su carrera la formación que recibió en los dos años que vivió en Buenos Aires y en las clases de perfeccionamiento constantes que ofrece esa ciudad. “Con Martín [Cippollone, su marido] cada peso que teníamos lo invertíamos en viajes a Buenos Aires para tomar clases”. Por aquellas épocas, la generosidad de Liliana Belfiore para con ellos, desde lo artístico y también desde lo económico, fue trascendental. “El año pasado, por iniciativa de Alejandro Cervera [entonces director del Ballet Oficial] viajamos a ver clases en el Teatro Colón de Buenos Aires. Experiencias muy importantes y enriquecedoras porque ves otra forma de trabajar, otra dinámica para las clases, que te permiten aprender muchísimo. Me gustaría que nuestros bailarines también puedan ir al Colón o al Argentino de La Plata a tomar clases, para tener esas vivencias”, agregó. Por otro lado, uno de sus mayores anhelos, es que el Ballet Oficial viaje y salga de las fronteras de Córdoba, “lo que sería una experiencia importante”. __BD El Ballet Oficial de la provincia en El Lago de los Cisnes Foto . gentileza Teatro del Libertador ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 25 La Noche Transfigurada fue creada sobre partituras de Arnold Schöenberg (Opus 4) y será interpretada por Candela Rodríguez y Germán Farías. Según palabras del propio Schöenberg, esta música “no ilustra ninguna acción o drama, sino que se limita a ‘pintar’ la naturaleza y a transmitir sentimientos humanos. Parecería que gracias a esta actitud mi composición ha ganado cualidades que pueden satisfacer también a los que no conocen lo que ella ilustra, es decir la posibilidad de ser apreciada como música ‘pura’ (. . .) La conclusión que cierra ésta partitura glorifica los milagros de la naturaleza que ‘transforma’ una noche trágica en una noche transfigurada. Para hablar de Pléyades, creación sobre música de Frank Martin, Oscar Araiz utiliza palabras de Gastón Bachelard: “Y cuando, en el cielo anónimo, nos fijamos en una estrella, resplandece para nosotros, su fuego se rodea de un poco de llanto, una vida aérea viene a mitigar las penas de la tierra”. Noche Transfigurada / Foto . Serge Buffat Noche Transfigurada + Pléyades Coreografía y dirección: Oscar Araiz / Director asociado: Yamil Ostrovsky Grupo de Danza de la Universidad Nacional de San Martín (Unsam). Magali Brey, Rocío Castagnasso, Romina Castillo, Sofía Crespo, Manuela Diez, Candela Rodríguez, Corina Tate, Antonella Zanutto, Nicolás Baroni, Oscar Farias, Germán Farías, Martín Machín, Matías Mancilla, Gerardo Merlo, Juan Carlos Ojeda y Bernardo Villafañe. Sábados 18 y 25 de abril, 21 hs. El Galpón de Guevara: Guevara 326, Tel: 4554-9877 (Pléyades en versión masculina) Jueves 23 y 30 de abril, 7 de mayo, 21 hs. Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini: Corrientes 1543 (Pléyades en versión femenina) Documentos de Identidad en Cartel. “… La historia del hombre es un largo rodeo alrededor de su casa… y el hombre lejos de su casa se convierte en una llamada sin respuesta”, palabras del escritor jujeño Héctor Tizón elegidas por Ana Deutsch para hablar de su pieza, “porque aluden en parte a lo que me conmueve y es una de las motivaciones de este proyecto”. “Tomo como punto de partida la relación cuerpo-movimiento-espacio –explica la coreógrafa-, como una nueva indagación sobre la subjetividad. Surgen así breves escenas que hacen visibles los momentos de intimidad y soledad entendida como demandas lúdicas, de silencio y monólogo interior. La memoria, los sonidos y objetos de uso cotidiano como acceso para una construcción poética”. Carla Di Grazia / Foto . Gentileza de la producción Idea y dirección coreográfica: Ana Deutsch / Intérprete: Carla Di Grazia Domingos 21 hs (hasta el 3 de mayo), 18 hs (del 10 al 31 de mayo). Espacio Teatral ElKafka: Lambaré 866, Tel: 4861-5439 A La Luz del Flamenco El espectáculo de Graciela Ríos Saiz, que ya lleva tres meses en cartel, se presentará a partir de este mes con nueva música, nuevo vestuario, nueva sala y nuevos horarios. “Una nueva puesta. Saetas, además de seguiriyas, guajiras, tientos, tangos, alegrías y bulerías, se podrán escuchar en este espectáculo” explicó la directora a esta revista. Foto . gentileza de la producción Coreografía y dirección: Graciela Ríos Saiz Ballet Hispania: Natalia Bonansea Ríos, Luciana Di Lorenzo, Laura Garrido, Eugenia Seijó (baile), José Ismael Sierra Flores (guitarra), Mónica Poblete y Paula Suárez (voz) Sábados 20:30 hs. Teatro del Museo Larreta: Mendoza 2250, Tel: 4784-4040 26 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015 ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 27 28 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015 actualidad Una Gran Fiesta Solidaria Por Daniel Sousa La danza dirá presente una vez más en la tradicional Caravana y Mega Festival Solidario a beneficio del Hospital de Niños Dr. Ricardo Gutiérrez, que este año se realizará el domingo 10 de mayo Junto con actores, deportistas, músicos, periodistas, empresarios y dirigentes políticos, figuras de renombre en el ámbito del baile participarán de la vigésimo segunda edición del evento que organiza la Asociación Mutual Conductores de Automotores (AMCA) con motivo de celebrarse el Día Internacional del Taxista. El festival tiene como meta recolectar donaciones para proveer de instrumental y equipamiento médico al nosocomio. Este año, en el que el Hospital celebra su 140º aniversario, buena parte del dinero recaudado se destinará a la construcción de un laboratorio de estudios complejos. La fiesta solidaria comenzará a las 9:30 hs. en la puerta de la casa central de AMCA (Boedo 150). Desde allí partirá Mora Godoy ya dejó la huella de su mano en el Hospital de Niños Foto . gentileza de la organización una caravana de taxis, remises y vehículos repletos de juguetes y obsequios. Recorrerá las principales avenidas de la ciudad y culminará en la puerta del Hospital de Niños (Gallo 1330). Allí se desarrollará un gran festival artístico durante toda la tarde. En ediciones anteriores actuaron Maximiliano Guerra, Violetta, Palito Ortega, Patricia Sosa, La Mosca, Axel, Agapornis, Mora Godoy, Carlitos Balá, Casi Ángeles, David Bolzoni, Antonio Birabent, Panam, Topa y muchos otros artistas. Este año, los organizadores prometen aún más sorpresas. Junto con los artistas que ocupen el escenario, cientos de otros famosos dejarán marcada la huella de su mano en un mural como signo de colaboración y apoyo a los chicos internados en el Hospital. La acción solidaria de AMCA se extiende al resto del año traccionando nuevas donaciones y aportando al sostenimiento general de la institución. Para colaborar: Asociación Cooperadora del Hospital de Niños Dr. Ricardo Gutiérrez, Gallo 1360. Tel.: (011) 49627739/2587. __BD ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 29 actualidad Ley Federal de las Culturas Hasta el 20 de abril hay tiempo para sumarse al proceso de construcción participativa de la Ley Federal de las Culturas. La convocatoria está abierta a ciudadanos de todo el país, quienes pueden acercar sus iniciativas en forma digital (por e-mail) o impresa (por correo o personalmente). La danza está presente Mientras que el proyecto de la Ley de Danza impulsada por los propios hacedores del sector continúa sin tratarse en el Senado, el país entero está diseñando la nueva Ley Federal de las Culturas (como ley marco) que reúne 21 núcleos temáticos que regularán la actividad cultural… incluida la danza. La importancia fundamental de la cultura para el desarrollo humano y como patrimonio de la identidad nacional, patrimonio tangible e intangible, la cultura como derecho, los sujetos, las disciplinas y los espacios culturales, pueblos indígenas, el rol del Estado, límites éticos y legales, federalismo, políticas públicas y presupuesto nacional, la producción, la cultura como trabajo, los derechos de los trabajadores, gestión y formación, entre otros, son los temas que regulará esta ley. Para participar los interesados deben descargar un formulario de internet. Informes: [email protected], Dirección Nacional de Acción Federal, Secretaría de Políticas Socioculturales del Ministerio de Cultura (Adolfo Alsina 1169, CP 1088, Buenos Aires). La elaboración participativa de normas, establecida en el Decreto 1172 de 2003, es un mecanismo creado en el marco de la Ley de Acceso a la Información Pública que permite y fomenta la participación de cualquier persona, física o jurídica, en la elaboración de una ley. A través de estas propuestas de la ciudadanía se busca construir de forma colectiva el anteproyecto de la Ley Federal de las Culturas, concebida como ley marco que incluya y exprese la gran diversidad cultural de la Argentina. Con el mismo fin, el Ministerio de Cultura de la Nación y el Frente de Artistas y Trabajadores de las Culturas vienen realizando encuentros a lo largo del país El borrador del anteproyecto propone una ley de y para todas las culturas, en la que el federalismo sea razón de Estado, y que consagre el acceso irrestricto a los derechos culturales de los 40 millones de argentinos. Establece como sujetos culturales a todas las personas que habitan el territorio nacional, y establece que los artistas, técnicos-profesionales, hacedores y gestores culturales sean definidos por su condición de trabajadores de las culturas. También plantea la necesidad de crear un consejo asesor artístico y cultural para lograr la participación de los colectivos de artistas y trabajadores de las culturas. __BD Reunión en La Plata para debatir el anteproyecto de la Ley Foto . Augusto Starita | Ministerio de Cultura de la Nación 30 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015 ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 31 DANZA ARABE Tamalyn Dallal: De Aquí, de Allá, de Todas Partes Por Eliana Gissara De visita en Argentina, la bailarina e investigadora Tamalyn Dallal analiza la escena de la danza oriental en el mundo. Además reivindica la multiplicidad de estilos y destaca la importancia de aprehender danzas a través de las vivencias populares Pionera del grupo Bellydance Superstars allá en 2003 en Estados Unidos, Tamalyn Dallal es considerada dentro del circuito internacional de la danza oriental como una maestra de maestras. Con un estilo llano e informal, ha formado referentes a lo largo de más de 35 años de carrera. Vivió en aldeas, se codeó con reyes y artistas, escribió tres libros y filmó otros tantos documentales. Una suerte de propaladora de historias mundanas. Hoy regresa a la Argentina, país que eligió para vivir entre 1985 y 1986, junto a su amigo Ryan Yanguchao, también bailarín y oriundo de Beijing. “Él me comentó que uno de sus sueños era visitar Argentina. Decidimos entonces venir juntos, me gusta compartir los varios mundos en los que vivo, con amigos de otros mundos”, dice Tamalyn a su regreso del seminario que brindó el mes pasado en Córdoba. Como referente e historiadora, ¿cómo ve el escenario de la danza oriental en el mundo? Ha crecido muchísimo. Hay mucha variedad en puntos de vista. Es importante esta variedad: que no todos pensamos igual. No todos bailamos igual. Así es un mundo interesante. Lo importante es estar abierto al crecimiento personal en el baile. A través del baile aprendemos sobre la vida interior y sobre el mundo. Hay quienes quieren copiar un estilo; creo que algún día van a cambiar y lograrán ser más individuales y únicos. Hay otros que se interesan por los temas culturales y étnicos; es importante buscar y entender más de la cultura. Pero si separan la cultura del pueblo, sin respetar al pueblo, estamos en problemas. Por ejemplo, analicemos la forma que se ha popularizado el baile Iraqui-Kawliya. Las bailarinas rusas vieron a las gitanas iraquíes, que eran refugiadas, huyendo a otros países para salvar su vida y subsistiendo gracias a este baile. Hoy ya es moda en todo el mundo, olvidando de quién viene. Sería un sueño ver gitanas iraquíes bailando y enseñándonos su baile. 32 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015 ¿Cómo afecta la expansión y el choque de culturas un mismo baile? Hay festivales de baile árabe muy grandes en todas partes del mundo. Es interesante y es bello que surjan amistades entre bailarinas y bailarines de tantos países. A veces hay competencia y celos, pero usualmente es a nivel local, entre bailarinas de la misma región, no al nivel internacional. Nuestro baile comenzó como baile de celebración, así que no es necesaria la negatividad en nosotros. Hay espacio para todo el mundo. En algunos países, adoran el baile pero tratan de quitar lo que es árabe usando música americana o música china -por mencionar alguna-, recurriendo a temáticas como halloween, vestidos de vampiros u otras cosas innecesarias. Yo creo que primero hay que aprender de la cultura, y después si se quiere variar, se puede. Pero tienen que ser claros cuando lo enseñan y explicar de dónde viene este baile. En este momento hay mucho prejuicio contra la cultura musulmana, a través de los medios de comunicación y de la política. Tenemos que superar los prejuicios. No formar parte de ellos. ¿Está de acuerdo con la categorización de estilos según países, como por ejemplo estilo egipcio, argentino, ruso o americano? Es interesante cómo han surgido estilos nuevos: “ruso y argentino”. Cuando bailo en Asia, hay gente que sólo quiere saber del ruso o sólo del argentino. Otros que no quieren saber de ellos. Tienen que entender que los nuevos estilos son bellos, pero son estilos que empezaron en forma personal algunas bailarinas o bailarines muy talentosos. El estilo que ahora llaman “egipcio” es nuevo. Hace 20 años las egipcias bailaban diferente. Hace 40 años, más diferente aún. Nuestro baile pertenece a un mundo grande y bello para descubrir, que no se debe limitar a un estilo. ¿Cómo ha influido en su forma de bailar haber visitado comunidades árabes en el mundo? Antes de viajar y convivir en países árabes y otros lugares que practican nuestro baile en sus celebraciones y forman parte de su vida desde hace siglos, yo hacía más bien gimnasia y usaba elementos. A los 45 años, empecé a conocer el baile más íntimo de los pueblos. Era un buen momento para cambiar mi estilo y hacer algo más interno, trabajar con energía, no gimnásticamente. Todo lo que hice antes estaba muy bien porque bailé Tamalyn Dallal vive la danza desde cada cultura Foto . Denise Marino ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 33 Bailarina, historiadora y directora, introdujo el uso de los elementos en la danza oriental en Argentina Foto . Denise Marino comercialmente. Ahora disfruto de una manera diferente. Me da satisfacción porque no trato de parecer joven o competir con la juventud. Ya no me preocupo por lo que piensan los demás o si me comparan con otras porque mi baile es mío, soy la dueña de lo que hago y lo que siento. Es una madurez que vino con estas experiencias entre culturas. Sentí las tierras diferentes en mi cuerpo. África con energía terrenal y Asia con energía del cielo. El Medio Oriente está en el cruce de los dos continentes. Uso esta sabiduría en mi baile. ¿Puede citar alguna experiencia que le haya modificado la forma de experimentar la danza? En un viaje a África en 2007, estaba con beduinos en el oasis de Farafra en Egipto. Eran puros hombres que comenzaron a tocar música. Un hombre estaba bailando sobre una música que era muy rápida, pero él bailaba lento, con una forma muy diferente y extraña para nosotras. A su vez, tenía un palo grande que usaba para apoyar su cuerpo. Había gente a la que eso no le gustaba, no tenía la estética que acostumbramos. Para mí era fascinante por la forma que él expresó la música en cámara lenta pero bailando dentro de la música. Después, en el mismo viaje, fui a Kenya. En la costa de Kenya está la cultura Swahili, con influencias árabes y de la India. Las mujeres bailaban tres formas de arte: Swahili, hindú y árabe. Ellas eran muy terrenales con el árabe, también hacían movimientos más lentos que la música. Otra vez, me quedé fascinada. Cuando volví a El Cairo, Egipto, estaba en una discoteca e intenté bailar lento con música rápida, usando mucha energía terrenal. Lo importante es usar la energía porque si simplemente bailás lento con música rápida se pierde el encanto. Una mujer egipcia me dijo: “No sé lo que estás haciendo, pero por favor enséñamelo. Me gusta mucho”. verdad y la gente les cree porque no han viajado para investigar con sus propios ojos. Ya es mucho más que falta de comunicación. Es manipulación para que continúen las guerras con fines económicos y no humanitarios. Es muy peligroso. Está llegando al punto que este año han matado árabes vestidos con sus ropas tradicionales sólo por gusto. Los medios tienen mucha responsabilidad, porque mucha gente no viaja fuera de su país y sus ideas dependen de lo que dicen en las noticias. En la última entrevista que realizamos para Balletin Dance (año 2007), usted había afirmado que “la falta de comunicación entre oriente y occidente es la razón principal de las guerras que estamos sufriendo”. ¿Sigue estando de acuerdo con esta frase? ¿Ha cambiado algo desde esa época? No ha cambiado, pero siento esta frase más fuerte ahora. En Estados Unidos y muchos otros países hay más y más prejuicio y mal entendimiento. Eso viene de los periódicos, radio, televisión e Internet, donde hablan del extremismo como si todos los musulmanes fueran extremistas, o como si eso fuera el Islam. Y manipulan al público con la forma en que hacen reportajes. Hasta he oído en radio que los musulmanes no han contribuido en nada a la civilización. Olvidan que Ziryab trajo civilización a Europa cuando no había tal expansión. Dicen cosas que no son Por último, ¿cree que las nuevas tecnologías y el auge de las redes sociales han modificado en algún aspecto la forma en que bailamos y vemos bailar? Hay tanta información… Cualquier baile que queremos ver está en Youtube. Bailarinas de todas las épocas, hasta de 1930, están por Youtube. Es increíble el acceso que tenemos a través de medios electrónicos. Tenemos grandes oportunidades de aprender y educarnos. También, manejar nuestras carreras como bailarinas o bailarines de una forma distinta. Podemos acceder al mundo entero en minutos. Podemos arreglar seminarios, recibir contratos y boletos de avión en minutos. Si uno es inteligente, los medios electrónicos cambian la vida y abren las puertas al mundo entero. Antes no viajábamos tanto. Pocas bailarinas tuvieron oportunidad de ir a Egipto. Menos a estudiar con artistas famosos. Ha cambiado todo y para bien. __BD 34 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015 ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 35 D A N Z A E S PA Ñ O L A Danza y Música de España Por Gabriel Vaudagna Arango El mes pasado se estrenó en el Teatro Astral de Buenos Aires el espectáculo Hispania, una pieza que combina músicas de conocidas zarzuelas y bailes de la escuela bolera Con una puesta muy austera, el director de Hispania, Jorge Mazzini recupera esas canciones que el público quiere escuchar -y que quizás por la envergadura que lleva montar una zarzuela y la escasa producción local no se ven- en un formato de cámara, con cuatro músicos (con destacada participación del cantante Fermín Prieto) y cuatro excelentes cantantes. Aquello de La Maja y el Ruiseñor, o la Habanera, La Mazurca de las Sombrillas o la Violetera… canciones que muchos de los espectadores susurraban y que acompañaban con un entusiasmado aplauso en cada intervención. Elenco completo de Hispania Foto . gentileza de la producción 36 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015 Como acto central de la obra se realizó un Homenaje al Gran Maestro Ángel Pericet con una serie de piezas de la escuela bolera coreografiados por su hermana Luisa e interpretadas con gran precisión por el Ballet Sevilla. No se equivocó Luisa Pericet en la entrevista que concediera a Balletin Dance publicada en la edición de marzo (Nº 240) cuando decía: “Siempre que se hacen bailes boleros el público lo agradece…”. Tanto en las Sevillanas Boleras como en los Panaderos de la Flamenca, el Bolero Liso o las Seguidillas Manchegas; el público ovacionó de pie. Las bailarinas con una notable entrega, frescura y gran manejo de las danzas boleras lograron emocionar y traer el recuerdo de los espectáculos realizados por la familia Pericet allá por los años ‘80 y ’90 del pasado siglo. Unas danzas que se hacen presente para mostrar la gracia del sur andaluz, como diría Luisa, la técnica del clásico y esa desenvoltura Mediterránea. Hispania continuará presentándose durante el mes de abril en el Teatro Astral de Buenos Aires, con producción de Ricardo Gallo, coreografías de Luisa Pericet y dirección general de Jorge Mazzini. __BD
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