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TERAPIA ROCK
Revista Digital Gratuita
NÚMERO 2 - VERANO 2010
1
SUMARIO
Editorial…………………………………………….:
3
En episodios anteriores……………………:
5
Yesterday……………….......………..……….:
6
John………………………………….:
6
Paul………………….……………….:
11
George……………………………..:
22
Ringo………………………………..:
29
El Quinto Beatle……………..………………..:
36
Por sus obras les conoceréis.…………..:
47
Cine de verano………………………………….:
60
Los Expedientes-X del Rock……………..:
68
Treinta años sin Lennon……………………:
72
El cartero de Neruda………………………..:
81
Claves del presente………………………….:
84
Próximo número……...............…….….:
88
Una idea de: El Chamán del Blog
Diseño, artículos, etc, etc, de: Francisco Jaén
http://dreambeatle.webcindario.com/
[email protected]
2
EDITORIAL
A los hijos del Rock & Roll, bienvenidos, gracias por
estar ahí. Vuestro impulso nos hará seres eléctricos,
hermanos. Abrir vuestras mentes, llenaros con un soplo de
Rock, para desalojar a los fantasmas cotidianos. Pues
necesitamos que muchas manos se conviertan en un solo
corazón, para poder llegar así hasta el exorcismo colectivo
que nos haga conectar. Porque, cuando nadie se lo
esperaba, amigos, ¡¡Terapia Rock ha vuelto!! con su
segunda entrega.
Y la verdad es que lo teníamos muy fácil para
regresar, bastaba con lo que vamos a proponeros en esta
ocasión: una recopilación con todas las informaciones
volcadas en nuestra web, dedicada a los Beatles. De esta
forma, las personas interesadas, podrán disponer de toda
esta información en formato de texto, con el que les puede
resultar más cómodo copiar y pegar, o incluso imprimir lo
que consideren oportuno.
Somos plenamente conscientes de que, estos
detallitos, hacen más fácil la vida de otros blogueros y/o
webmasters. A los que estaríamos encantados de añadir en
nuestra “Red Beatle”.
Además, estando esta revista asociada a nuestra
web de temática beatle, lo lógico era que le dedicásemos
un número especial al cuarteto de Liverpool. Bueno, ¿he
dicho revista?, quizás hasta podríamos llamarle ebook. Y no
es que seamos pretenciosos, es que son 90 páginas de
informaciones sacadas de aquí y de allá, y salpicadas con
reflexiones de cosecha propia. Esperamos que el resultado
final pueda captar el interés de algún lector, aunque solo
sea una “mijita”, y aunque solo sea [email protected]
Con tan nobles pretensiones, y para hacerlo más
interesante, hemos añadido artículos con temas que no
habíamos mencionado, hasta ahora, en la web. Como la
3
cuestión del quinto beatle; la del gurú Maharishi Mahesh
Yogi, que les influyó a un nivel espiritual, sobre todo a
George Harrison; la de su filmografía, con una lista de
todas las películas en las que participaron; etc.
Comentaros también que todos los artículos
publicados en la web los subió, poco a poco, desde hace ya
más de un año, la misma persona, así como los nuevos
textos que os presentamos aquí. Por lo que no ha hecho
falta ni firmarlos. Y como el número ha salido solo, tampoco
ha sido necesaria ninguna colaboración más, salvo esta
editorial y la última reflexión, en la que os hemos querido
adelantar nuestras intenciones para el próximo número, y
que esperamos resulten de vuestro interesés. Y si es así,
incluso podéis enviarnos vuestras colaboraciones.
En cualquier caso, como os decía, esta editorial y el
artículo final corren a cargo del abajo firmante, vuestro
amigo chamánico. Y que, tras contactar con los espíritus, os
advierte que los ángeles del apocalipsis anunciarán su
llegada haciendo sonar sus arpas y trompetas, al ritmo
enfurecido, endiablado y salvaje del Rock & Roll, mientras
el eje de la Tierra busca el dial de Radio Beatle.
Firmado: El Chamán
4
EN EPISODIOS ANTERIORES...
Terapia Rock comenzó su andadura
hace ahora un año, fruto del sueño de
una noche de verano.
Aquel primer e histórico número nos
sirvió para marcar un poco el modelo a
seguir, en sucesivas ediciones de la
revista.
Primer número en el que abordamos
el tema de la psicodelia, sus orígenes
y su influencia en el rock. Además de
plantear otros temas que, por su
trascendencia, influyeron en la música
de los 60.
Primera terapia que, si aún no la has
visto, puedes pulsar aquí o en la
imagen. Pedid y se os dará.
5
YESTERDAY
“What's past is prologue” / “Lo que es pasado es prólogo”
William Shakespeare
John Winston Lennon nació el 9 de octubre de 1940, durante
uno de los ataques aéreos alemanes a la ciudad de Liverpool, en la
Segunda Guerra Mundial. Sus padres, Julia Stanley y Freddy
Lennon, no se preocupaban mucho por él. Fred era un marinero que
se pasaba todo el tiempo en la mar, y solo mostró cierto interés por
su hijo cuando este se convirtió en una celebridad. En 1945 su madre
tuvo un romance con John Dykins, un camarero de hotel, con el que
finalmente tuvo dos niñas, las hermanastras de John: Julia y
Jacqueline. Y un día, cuando Freddy Lennon regresó a Liverpool,
Julia le explicó que su matrimonio se había acabado. Sin embargo,
permitió que se llevara a su hijo, de cinco años, de vacaciones a
Blackpool, donde tuvo lugar el acontecimiento más traumático de su
joven vida. Como Freddy no regreba a Liverpool, a la hora acordada,
Julia se trasladó a Blackpool y exigió la devolución de John. Así que
se organizó una buena discusión. Finalmente, Freddy le planteó a
John un dilema terrible: debía escoger entre quedarse con su padre o
marcharse con su madre. Lloroso, John contestó por dos veces a
favor de Freddy. Pero cuando Julia, que también lloraba, salió por la
puerta, el pequeño corrió tras ella, la alcanzó en la calle, y le rogó
que no se marchara. Fue la última vez que Freddy Lennon vio a su
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hijo, hasta que este se hizo famoso. La ruptura entre ambos nunca
cicatrizaría.
Pero, si el jovencísimo John esperaba quedarse con su madre, se
equivocó. Apenas John y Julia hubieron regresado a Liverpool, Julia
entregó al joven John en casa de su tía Mimi, para que lo criase, y
donde permanecería hasta cumplir los dieciocho años. Su madre tan
solo le visitaba en esporádicas ocasiones. A pesar de ello, John
mostró siempre un gran cariño por su madre, que queda reflejado en
las canciones que escribiría recordándola (los temas “Julia” y
“Mother” son un buen ejemplo de esto). Su muerte en accidente de
tráfico, en el verano de 1958, perturbó mucho al joven John.
En casa de su tía Mimi transcurre su infancia, yendo a la escuela
primaria Dovedale, en donde muestra ser un muchacho con dotes
para el aprendizaje. Aunque solía aburrirse con facilidad. Julia, que
tocaba el banjo (un instrumento similar a la guitarra), y que se había
entusiasmado con el Rock and Roll, al igual que su hijo, siempre le
enseñaba algunos acordes a John, en sus esporádicas visitas.
A los 12 años ingresó en el colegio Quarry Bank, una pequeña
escuela pública cercana a su casa, donde hizo los estudios
secundarios. No era de los chicos más populares del colegio, todo lo
contrario, era considerado como una especie de "terrorista callejero",
ya que se pasaba el tiempo con sus travesuras y bromas pesadas. Un
maestro puso en su informe: "No hace más que desperdiciar el
tiempo de otros alumnos". En este colegio formó su primer grupo
musical, The Quarry Men, junto con algunos compañeros.
Durante uno de las primeras actuaciones de los Quarry Men, John
conoció a Paul McCartney. Fue el 6 de junio de 1957, pocos días
antes de la graduación de John. Los Quarry Men estaban tocando en
la reunión social que se celebraba en el jardín de la iglesia de St.
Peter, un festival veraniego de barrio. El amigo y compañero de clase
del Instituto Liverpool, Ivan Vaughan, que conocía a John de la
escuela, y que ocasionalmente solía participar con los Quarry Men,
insistió en que Paul, que ya era un ferviente rocanrolero, escuchara al
grupo.
«Recuerdo que me impresionó - diría McCartney más adelante -.
Pense: caramba, es bueno.» Después de la primera parte de la
actuación, se hicieron las presentaciones y le tocó a un John que
quedaría impresionado. Paul no solo sabía afinar una guitarra, podía
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tocar más de tres acordes, además de la letra completa de las
canciones. Deleitó al grupo con «Twenty Flight Rock», de Eddie
Cochran, y copió la letra para John antes de marcharse. Así comenzó
la asociación que, un día, cambiaría la música popular para siempre,
con la formación del grupo musical más famoso de todos los tiempos:
The Beatles.
John continuaría sus estudios en el Colegio Superior de Arte,
donde conoció a su primera esposa, Cynthia Powell, y con quien
tuvo su primer hijo, Julian. Pero al poco tiempo abandonó los
estudios para dedicarse, por completo, a la música. Debido al
inmenso éxito de los Beatles.
En 1968 inicia su relación con Yoko Ono, relación que acabaría en
boda meses más tarde, en marzo del siguiente año. Las peripecias
pasadas por la pareja en este casamiento quedaron plasmadas en el
tema “The Ballad of John and Yoko”. Junto a ella participa en diversos
sucesos controvertidos, sobre todo en protesta por la Guerra del
Vietnam.
Su temprano lanzamiento como escritor, con sus dos libros de
poesía, "In his own words" y "A spaniard in the works", de
notable éxito, fueron buena muestra de que Lennon siempre tenía
nuevos proyectos en mente. Al conocer a Yoko Ono en 1966, y al
intensificar sus mutuas relaciones, el tándem Lennon-McCartney
dejaría paso al nuevo, formado por el propio Lennon y Ono. Por ello,
muchos críticos y admiradores, señalan a Yoko Ono como la causante
de la ruptura de los Beatles. Sin embargo, no parece lógico, ni justo,
atribuir este suceso a una sola persona, culpabilizándola por ello. La
disolución de los Beatles fue fruto, a mi modesto modo de ver, de
una evolución personal de cada uno de sus componentes, que les
empujaba a explorar otros caminos por separado.
Pero también es cierto que Yoko Ono fue la compañera en una
trilogía de LPs, que marcaron el inicio de la carrera de John fuera de
los Beatles. Dichos LPs, todos lanzados en Apple, fueron "Two
Virgins", con la famosa foto de portada en la que Lennon y Ono
aparecían totalmente desnudos, "Life With The Lions" y "Wedding
Album". Todos estos trabajos eran, más bien, experimentos
conceptuales, fuertemente influenciados por la carrera de Yoko Ono
como artista plástica.
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Por otra parte, después de una serie de actividades pacifistas, que
terminaron con la devolución, por parte de Lennon, de su
condecoración como Miembro de la Orden del Imperio Británico, y
que incluían sus famosas "Bed-Ins" y "Bagisms" (su encamada por la
paz), grabaron "Give Peace A Chance" un himno pacifista
compuesto por Lennon, y atribuido a la recién formada The Plastic
Ono Band, dando ocasión al primer éxito de un Beatle fuera de los
Beatles. Éxito que estaba destinado a convertirse en un himno
generacional, en una de esas canciones que acaban por convertirse
en parte de “la banda sonora de nuestras vidas”.
Con la colaboración de importantísimos músicos, como Eric
Clapton, The Plastic Ono Band actuaron en un festival canadiense,
que tuvo como resultado el lanzamiento de "Live Peace In Toronto
1969", y que consistía principalmente en versiones de clásicos del
rock, pero que contenía también una primitiva versión de "Cold
Turkey", que fue luego el título de su siguiente LP, otro directo
capturado en vinilo, y que venía avalado por el acompañamiento de
músicos de la talla de George Harrison o Keith Moon.
Por aquella época, fueron invitados por los Rolling Stones a un
intento de superprograma para la televisión, llamado "Rock and Roll
Circus". En realidad fueron invitados todos los Beatles, pero sólo
asistieron John y Yoko. El resultado fue una serie de números
musicales que incluían a John Lennon, Eric Clapton, Keith Richards y
Mitch Mitchell, grabados en un escenario circense instalado en unos
estudios de televisión, pero que nunca llegaron a ser emitidos.
La canción "Instant Karma" apareció como una de las últimas
aportaciones de Lennon a los Beatles, pero él la consideraba, más
bien, un forma de evadirse de los constantes malos momentos que el
grupo le hizo pasar, antes de la separación definitiva.
En Diciembre de 1970 fue publicado el primer LP de Lennon, sus
primeros trabajos originales fuera de los Beatles. Y era el resultado
de un largo proceso de rehabilitación, por su adicción a las drogas
duras, bajo la dirección del doctor Arthur Janov y de su terapia,
llamada Primal Scream. Lo cual le llevó a crear un disco
profundamente introspectivo, titulado, simplemente, como "Plastic
Ono Band", donde encontramos piezas de doloroso exorcismo
emocional como "Mother" o "Isolation".
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Su siguiente trabajo fue "Imagine", el más importante éxito de
Lennon en solitario, un LP que contenía también declaraciones
reveladoras como en "How Do You Sleep", con críticas dirigidas a
McCartney, o la bonita canción "Jealous Guy", y la que daba título al
álbum, "Imagine", llena de mensajes utópicos y profundos, que
dejarían una profunda huella.
Tras su llegada a los Estados Unidos, en 1972, se formaría el
grupo Elephants Memory, con los que John y Yoko grabaron
"Sometime in New York City", un LP repleto de ideales políticos de
clara posición izquierdista, y que contenía también extractos de
grabaciones en directo, y una jam session con The Mothers Of
Invention de Frank Zappa.
En 1973 John se separó de Yoko Ono durante 15 meses, yendo a
parar a California. Y alternando una vida dedicada al alcohol y a las
drogas, con la creación de dos nuevos trabajos, "Mind Games" y
"Walls and Bridges", que incluían éxitos como "Whatever Gets You
Through The Night", acompañado por Elton John, o "Nº 9 Dream".
Pero ninguno de estos discos tuvo el recibimiento del anterior,
"Imagine". Lo mismo sucedió con su LP de tributo a sus héroes de
adolescencia, titulado "Rock'n'Roll".
Restablecida su relación con Yoko, quien le dio su segundo hijo,
Sean, en 1975, se dedicó por completo, durante cinco años, a la vida
hogareña, delegando todo asunto de negocios a Yoko, y alimentando
los rumores sobre su retirada definitiva de la música. Sin embargo,
en 1980 vuelve a entregarnos un par de LPs, repletos de nuevas
canciones. El primero, "Double fantasy", fue lanzado al mercado en
otoño de ese año. Casi al mismo tiempo, el 8 de octubre, John fue
asesinado por un joven de 25 años, que le estaba esperando en el
vestíbulo del hotel donde se hospedaba.
Esta tragedia derrumbó el ansiado sueño, de todos los fans de los
Beatles, por verlos reunidos de nuevo, como en los viejos y buenos
tiempos. Y también sirvió para convertir en éxito automático a
"Double fantasy", y a su siguiente y póstumo LP, "Milk and honey".
Los singles "Watching the wheels", "Woman" y "Just like starting
over", fueron enseguida números uno en todas las listas de éxito,
apoyados por un inmenso despliegue de biografías, discos de tributo,
reediciones, y manifestaciones en diversas ciudades de todo el
planeta. Aunque su huella sea imborrable, el mundo no estaba
preparado. John se había ido demasiado pronto. Y cada vez que oigo
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el macabro rugir de los tambores de la guerra, cuando las aves del
desierto planean, con sus vientres preñados de odio y de destrucción
sobre los inocentes, me doy cuenta de lo mucho que le necesitamos.
Aun hoy, como entonces.
Cuando nació James Paul McCartney, el 18 de junio de 1942, la
marea de la guerra había descendido lo bastante como para que
Liverpool ya no tuviera que soportar ataques nocturnos permanentes.
Pero la vida continuaba siendo peligrosa y empobrecida, con escasez
de comida, de combustible, e incluso de vestimenta. Sin embargo,
muchos años después, los Beatles disfrutaron de algo importante,
precisamente por haber nacido durante la guerra, fueron algunos de
los primeros ingleses que aprovecharon la abolición del servicio
militar obligatorio, en el año 1960.
Paul McCartney provenía de un medio auténticamente obrero,
aunque el empleo de su padre, como vendedor de algodón, se
consideraba de clase media. Cuando Paul nació, el Sr. Jim
McCartney había sido llamado a participar en el esfuerzo de guerra;
manejaba un torno durante el día, y apagaba los incendios
provocados por las bombas alemanas por la noche. Después de la
guerra volvió al negocio del algodón, pero el mercado se había
deteriorado y, en consecuencia, su sueldo se redujo. Su esposa,
Mary Patricia Mohin, mantuvo la familia a flote (un segundo hijo,
Michael, había nacido en 1944), volviendo a trabajar de enfermera.
Con su empleo de partera, en una comunidad de viviendas, no solo
ganaba tanto como su marido, sino que logró obtener una casa con
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subsidio estatal para la familia. Paul era un niño regordete, por lo que
«Gordito!» era el mote predilecto de su hermano, pero tenían una
buena relación, y la vida familiar era estable y cariñosa. «Estabamos
muy unidos, siempre había tías y tíos que venían de visita,
cantábamos y celebrábamos fiestas», recuerda Paul. Al igual que
George Harrison, con el que viajaba en autobús por las mañanas.
McCartney iba al Instituto Liverpool, donde era muy bien visto, tanto
entre sus compañeros de clase como entre los profesores.
Desplegaba ingenio, inteligencia, y sobre todo un encanto que era
«absolutamente natural, bastante extraordinario, y completamente
irresistible», recuerda una de sus profesoras. «Era capaz de proferir
un comentario irónico y devastador, incluso a esa edad. Pero, como
era tan buena persona, no solía desarrollarlo... como lo hacía John
Lennon. A Lennon le encantaba lastimar y poner nerviosas a las
personas. Paul también era capaz de hacerlo... Pero no lo hacía.»
Incluso la muerte repentina de su madre, por un cáncer de mama,
cuando Paul tenía catorce años, no turbó su ecuanimidad exterior,
aunque se dormía llorando en la intimidad de su habitación. La
muerte de Mamá Mary fue un golpe económico, además de
emocional. «¿Qué haremos sin su dinero?», soltó Paul, un comentario
nervioso del que después se avergonzaría.
McCartney tenía la ventaja de provenir de una familia musical. En
sus días de soltería, su padre había dirigido una banda de Jazz, y aun
disfrutaba tocando el piano en reuniones familiares y fiestas. Le
regaló una trompeta a Paul en uno de sus cumpleaños; este la
cambió por una guitarra, cuando se dio cuenta de que no podría
cantar si tocaba la trompeta. Pronto descubrió que, aunque era
diestro para todo lo demás, era zurdo tocando la guitarra. Una
condición que resolvió invirtiendo el cordaje del instrumento.
«¿Pierdes una madre y encuentras una guitarra?», preguntó su
hermano Michael, con respecto a la repentina inmersión musical de
Paul después de la muerte de su madre. Pues, como él mismo dice,
«No tenía tiempo para comer ni pensar en otra cosa. Tocaba en el
lavabo, en el baño, en todas partes». Un sitio habitual era la casa de
George Harrison, su compañero de colegio del Instituto Liverpool.
Aunque Paul era un año mayor que George, su obsesión común por la
guitarra consolidó su amistad dos años antes de que McCartney
conociera a Lennon. «Puedo asegurarte que ambos aprendimos a
tocar la guitarra con el mismo libro», recuerda Paul. A pesar de las
habilidades evidentes de Paul, Lennon no estaba seguro de que
quisiera que este se uniera a su grupo musical en el instituto, los
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Quarry Men. Pero la decisión final, como no podía ser de otro modo,
dado el talento de Paul, fue dejarle formar parte del grupo, que, de
esta forma, se fortalecería.
«La muerte de nuestras respectivas madres, fue una de las cosas
que más me unió a John - recuerda McCartney -. En realidad, nunca
lo comentamos demasiado; nadie hablaba de algo real. Había una
expresión conocida: "No me vengas con realidades, tío".» En cambio,
ambos jóvenes se comunicaban a través de la música. El Instituto
Liverpool, el de Paul, estaba justo al lado del Liverpool Art College de
John, y ambos, frecuentemente junto a George, solían pasar
innumerables horas dando rienda suelta a su amor compartido por el
Rock and Roll. Cynthia Powell, la recatada estudiante de arte, que
después se convirtió en la primera esposa de John, estaba
«completamente hipnotizada» por los conciertos a la hora del
almuerzo de los chicos, al igual que muchos de sus compañeros. John
y Paul «parecían amigos de muchos años atrás - recuerda -. George,
como era más joven y no componía canciones, no se comunicaba con
ellos, pero John y Paul no podían dejar de tocar juntos, practicar los
acordes de la última canción de Elvis Presley, o de los Everly
Brothers, adquiriendo confianza para intentar escribir sus propios
temas». Toda esta aventura musical desembocaría en los Beatles.
Pero esa es otra historia.
Meses antes de la disolución de los Beatles, Paul McCartney se
casa con Linda Eastman, el 12 Marzo de 1970. Por la misma época,
editó su primer LP en solitario, "McCartney", grabado en su granja
escocesa, y casi sin la intervención de ningún otro músico; dobló
todos sus elementos, pista por pista. El LP se lanzó pocos días antes
de "Let it be", y estaba lleno de agradables baladas, y de algunos
intentos de rock bien construido. Pronto, los fans del cuarteto de
Liverpool pensaron que, McCartney, sería el encargado de continuar
con el espíritu de los Beatles. Pero esto sería puesto en duda por la
canción de Lennon, "How do you sleep", y contestado por Paul en su
segundo LP, titulado "Ram". Su tercer LP fue "Wild Life", lanzado en
1972, pero bajo la autoría de los Wings, la nueva banda que
McCartney había montado, junto a su esposa Linda como teclista, al
ex Moody Blue, Denny Laine en la guitarra, y con Denny Seiwell en la
batería.
El nuevo cuarteto se dedicó a dar conciertos sorpresa por todo el
Reino Unido y Europa, y fue respaldado por el lanzamiento de cuatro
singles totalmente opuestos uno del otro. El primero era fuertemente
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político, "Give Ireland Back to the Irish"; otro quizá demasiado naif,
"Mary Had a Little Lamb", y que fue prohibido por la BBC debido a sus
picantes letras; un tercero titulado "Hi Hi Hi"; y el último, su LP de
1973, "Red Rose Speedway", y que contenía el bonito tema “My
Love”.
En definitiva, letras vacías, melodías muy comerciales, y
constantes referencias a la vida rural de su creciente familia.
Convirtiendo así, a la carrera musical de Paul, en la total antítesis del
introspectivo y comprometido estilo de su ex compañero John
Lennon. Las críticas despedazaban cada nuevo trabajo de Paul
McCartney con los Wings. Sobre todo después de realizar el
soundtrack para la película de James Bond, "Live and Let Live". Su
siguiente LP fue "Band on the Run", un disco que combinaba fuerza y
melodía, con éxitos como "Helen wheels", "Jet", y una de sus
constantes respuestas a Lennon, por aquella época, "Let me Roll it".
1974 vio el lanzamiento de su nuevo LP, "Venus and Mars",
también complaciente, pero con una mayor calidad, según los
críticos. Al igual que el disco de 1976, "Wings at the Speed of Sound",
donde Paul delegó parte de la responsabilidad artística a los otros
integrantes del grupo, y se embarcó en otro proyecto titulado "Silly
Love Songs".
"Wings Over America" fue el siguiente trabajo, un disco en vivo
que recogía algunas canciones de los Beatles, interpretadas por el
grupo durante su gira mundial. Su éxito fue discreto, pero Los Wings
grabaron, la mayor parte de su siguiente álbum, en un barco
amarrado en las Islas Vírgenes. El single “Mull Of Kintyre” llega a
ser el más vendido en la historia británica, sobrepasando todos los de
los Beatles, aunque no en los Estados Unidos. Y lleva a Paul a ser
galardonado con el premio Ivor Novello.
Paul es nombrado en 'The Guinness Book Of Records' en 1979, con
el Triple Superlative Award, por la venta de 100 millones de discos, y
como propietario de 60 discos de oro. Convirtiéndose en el más
exitoso compositor musical de todos los tiempos. Los Wings editan el
single “Goodnight Tonight”, y el álbum “Back To The Egg”. Lo que les
lleva a otra gira británica, que sería la última, y a encabezar el
concierto en Londres en ayuda por los refugiados de Kampuchea.
Pero la banda se separaría en 1979.
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Y así es como Paul McCartney regresó en solitario, con su álbum
"McCartney II", donde tocaba todos los instrumentos. En 1982
convoca al resto de componentes de los Beatles que seguían vivos en
aquel momento, es decir, a George Harrison, a Ringo Starr, y a él
mismo, Paul McCartney, para la grabación de "Tug of war", que
contenía el éxito mundial "Ebony and ivory", un dueto con Stevie
Wonder. Seguidamente se reúne con Michael Jackson para la
grabación de "Say Say Say", canción que fue incluida en su LP de
1983, "Pipes of peace", que, para mí, es el mejor de los trabajos de
Paul McCartney, desde la disolución de los Beatles.
Más tarde, participa como protagonista en la película 'Give My
Regards To Broad Street', estrenada en 1986, con la participación de
su esposa Linda y de Ringo Starr. El tema “No More Lonely
Nights”, del álbum de la banda sonora, es otro éxito mundial, y
demuestra que, en aquellos años, se encontraba especialmente
inspirado. La canción tiene un aire a balada beatle, tan característico,
del que solo despiertas al ver cantar a Paul en color; en el Reino
Unido se mantiene en las listas de éxitos, simultáneamente junto con
“We All Stand Together”, el tema musical de un corto animado sobre
el oso Rupert, un personaje muy querido en las islas británicas.
En "Press to play", mostró también su interés por componer con
otros artistas. En aquella ocasión fue con Eric Stewart, ex 100cc.
Pero, más tarde, consiguió una mayor calidad con "Flowers in the
Dirt", al lado de Elvis Costello, en 1989. Un año antes, Paul se
convertiría en el primer artista occidental en grabar un álbum
exclusivo en la extinta Unión Soviética, “CHOBA B CCCP”, o “Back In
The USSR” en inglés. Quizás esta circunstancia influyese para que le
otorgasen, a título honorífico, un doctorado de las universidades
británicas, y el premio Silver Clef de la Charity Music Therapy.
En 1989, la nueva banda de Linda y Paul, “Wix”, formada junto
con Wickens en los teclados, los guitarristas Hamish Stuart y Robbie
McIntosh, y el batería Chris Whitten, comienza en Noruega, el 26 de
septiembre, una gira mundial. Gira que concluiría en Chicago el 29 de
Julio de 1990, habiendo visitado 13 países, y con un total de 102
conciertos ofrecidos a 3 millones de fans, incluyendo un record
mundial de audiencia, con 184.000 espectadores en el estadio de
Maracaná de Rio de Janeiro (Brasil).
En 1991, Paul y su banda (con un nuevo batería, Blair
Cunningham) dan el cocierto para la MTV 'Unplugged', publicado poco
15
después en una edición limitada como el álbum 'Unplugged - The
Official Bootleg'. Entre las canciones esta “I Lost My Little Girl”,
escrita por Paul cuando tenía 14 años (su primera composición). Más
tarde, emprenden una pequeña gira por diversos pequeños clubs del
continente europeo y de Gran Bretaña.
“Paul McCartney's Liverpool Oratorio”, su primer disco de música
clásica completo, se presenta como primicia mundial en la Catedral
de Liverpool, dirigido por el compositor Carl Davis, e interpretado por
la Liverpool Philharmonic Orchestra.
En 1992, como productor, edita "Daumier's Law", un premiado
corto animado. Con su banda, graba el siguiente álbum, “Flowers In
The Dirt”, y algunas de las canciones son interpretadas a final de año
en el MTV's 'Up Close', grabado en Nueva York.
Dos años después, lanza un nuevo álbum, “Off The Ground”, cuyo
primer single era "Hope Of Deliverance". Al mismo tiempo, comienza
una nueva gira mundial, iniciada en Australia, en el mes de Marzo, y
con la que atraviesa multitud de países. La canción de Paul,
“Yesterday”, grabada por primera vez en 1965, bate un nuevo
record en USA, donde aseguran que ha sido interpretada 6 millones
de veces, convirtiéndola en la canción más escuchada de todos los
tiempos. Además, trabajaría en otros dos nuevos álbumes durante
1994: “Paul Is Live”, grabado en los conciertos desde Australia hasta
USA; y "Strawberries Oceans Ships Forest", una colección de
canciones de música dance, que Paul, y el productor británico Youth,
firman bajo el pseudónimo ´The Fireman´.
Paul se reuniría con George Harrison y Ringo Starr, para grabar la
nueva canción de los Beatles, 25 años después de su desaparición,
“Free As A Bird”, completando una demo inacabada de John. Y
dedica buena parte del año a preparar la serie para la televisión,
“The Beatles Anthology”, con la que aprovecha para ayudar en la
recopilación de los álbumes para el proyecto discográfico con el
mismo nombre. Discos recopilatorios que aparecerán en 1995 y
1996.
En 1995, Paul, George y Ringo graban otra nueva canción de Los
Beatles, “Real Love”, de nuevo construida sobre una inacabada
demo de John. Y una nueva composición clásica de Paul, una pieza
para piano, titulada “A Leaf”, es estrenada en un concierto de
caridad, organizado por Paul en ayuda del Royal College of Music,
16
donde Paul actúa con Elvis Costello and the Brodsky Quartet. Con tal
motivo, Paul es nombrado Compañero del Royal College of Music, el
mayor honor para un músico británico.
Su serie de 15 programas de radio, 'Oobu Joobu', sale al aire en
las emisoras norteamericanas, donde aparece como guitarrista de
acompañamiento del poeta Allen Ginsberg. Y su corto 'Grateful Dead
- A Photofilm', basado en fotos tomadas por Linda en los años 60, es
sacado a la luz. El año acaba con un renacimiento de la Beatlemanía,
cuando las “Anthology TV series” son emitidas en 102 territorios. Y el
primero de los tres álbumes, lleno de grabaciones inéditas de Los
Beatles (junto a la nueva canción “Free As A Bird”), gana 24 discos
platino.
Al mismo tiempo, “Real Love” vende grandes cantidades, haciendo
que sea la primera vez, en 30 años, que una banda consigue 3
álbumes número 1 en Estados Unidos, dentro del mismo año. Esto da
pie a sacar el vídeo 'Anthology'. En 1996, es anunciado que Paul será
nombrado Caballero de Su Majestad por sus servicios con la música.
Y en 1997 es oficialmente nombrado como Sir, tras su
ceremonia de investidura en el Buckingham Palace.
El nuevo álbum “Flaming Pie”, con los singles “The World
Tonight” y “Young Boy”, y que ambos aparecen en la comedia
'Father's Day', es otro éxito mundial masivo. "The Beatles Anthology"
gana tres premios Grammy. ”Flaming Pie” es lanzado a la venta,
debutando con la posición número 2 en las listas del Reino Unido y de
los Estados Unidos. Se trataba de la mejor entrada en las listas
norteamericanas de Paul, desde la época de Los Beatles. Entre tanto,
en los tres días del lanzamiento de “Flaming Pie”, acumula 81 discos
de oro, una marca que rompe su propio record mundial.
Paul responde a una llamada de George Martin, su productor en
la época de los Beatles, para encabezar una noche benéfica en el
Royal Albert Hall, con el fin de recoger fondos para el pueblo de la
isla de Montserrat, que sufrió los efectos devastadores de una
explosión volcánica. El concierto cuenta también con estrellas como
Elton John, Eric Clapton, Phil Collins, Sting, Mark Knopfler and Carl
Perkins. Paul interpreta “Yesterday” solo, y después llama a los
demás cantantes al escenario para cantar “Golden Slumbers/The
End” y “Hey Jude”. Todos juntos interpretan también “Kansas City”,
con Paul cantando como la voz principal.
17
En memoria de Diana, Princesa de Gales, Paul dona su canción
“Little Willow”, de su trabajo Flaming Pie, para un álbum de
homenaje en el que participaron varias estrellas. El vídeo que
acompaña a la balada, está dirigido por el ganador de un Oscar, John
Schlesinger.
Paul McCartney ganaría el prestigioso premio de la revista ´Q
Magazine´, como compositor del año por “Flaming Pie”, derrotando a
Paul Weller, Beck, y Noel Gallagher. No en vano, “Flaming Pie” sería
nominado para los Grammy de 1998, como álbum del año.
Desgraciadamente, ese mismo año, muere Linda, su mujer,
aquejada de un cáncer de mama. Curiosamente, el mismo mal que le
dejó sin su madre, cuando aún era un niño.
Pero la vida sigue, y tras un parón musical, graba el álbum “Run Devil
Run”, en el que retorna a sus raíces musicales, e interpreta los viejos
clásicos, sus ídolos de adolescencia: Elvis Presley, Gene Vicent y
Chuck Berry. Álbum al que siguió un concierto en The Cavern Pub,
retransmitido a través de internet.
En el año 2001 publicó Wingspan, un documental que narra la
historia de los Wings, el grupo de música que fundó con su esposa
Linda, tras la disolución de los Beatles. Aquel mismo año sale a la luz
su nuevo disco de estudio, “Driving Rain”. También cabe destacar que
Paul compuso el tema "Vanilla Sky", que fue nominada para el Oscar
a la mejor canción original, por la película con idéntico título. El 20 de
octubre de 2001 se sumaría a "The Concert for New York City", en
homenaje a las víctimas de los atentados del 11-S.
Apenas un mes más tarde, el 29 de noviembre de 2001, George
Harrison, su amigo de la infancia, y compañero en su etapa en los
Beatles, fallece víctima de un cáncer. Una vez más, la misma
enfermedad que se llevara a su madre y a su mujer Linda, aparece
en su vida. Un año después, el 29 de noviembre de 2002, participó
en el concierto homenaje a su compañero, interpretando alguna de
las canciones más famosas compuestas por Harrison, como
"Something", "All Things Must Pass", "For You Blue" y "While My
Guitar Gently Weeps".
Durante la mayor parte de 2002 se vio envuelto en una extensa
gira mundial que le llevó a USA, México y Japón. En 2003 llevó su
directo hasta el viejo continente, incluyendo un concierto en la Plaza
Roja de Moscú el 24 de mayo, que posteriormente fue utilizado como
18
documental, y editado en DVD. Un año más tarde visitaría 14
ciudades europeas, en su gira '04 Summer Tour, iniciada el 25 de
mayo en Gijón (España). La gira finalizó en el festival de Glastonbury,
en Inglaterra, el 26 de junio, donde interpretó "Follow Me" como
adelanto de su siguiente trabajo de estudio. El 2 de julio de 2005 fue
el encargado de abrir el megaconcierto Live 8, en Hyde Park, con el
tema "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" junto a U2, y de
clausurarlo con "Hey Jude".
El 12 de septiembre de 2005 publicó el álbum “Chaos and Creation
in the Backyard”, en el que toca de nuevo la mayoría de los
instrumentos, sorprendiendo con un sonido intimista y un álbum en
general aclamado por la crítica musical. Cuatro días después inicia
una gira de promoción, que le llevará a 37 ciudades de los Estados
Unidos.
El 17 de mayo de 2006 anuncia su separación de Heather Mills,
con la que se había casado en el 2002. Tras varios meses de rumores
en la prensa sensacionalista británica, debido al agrio desencuentro
entre ambos. Aunque el divorcio oficial no llegaría hasta el 16 de
marzo de 2008. Pero su carrera musical continuaba, y a principios de
2007 firma un nuevo contrato con el sello discográfico Hear Music,
con el que lanza su nuevo disco, “Memory Almost Full”. Para la
promoción del álbum, McCartney tocó en pequeños clubes de
Londres, Los Ángeles y Nueva York.
Otro dato interesante, en el año 2006, fue la publicación de su
cuarto álbum de música clásica, “Ecce Cor Meum”, donde alternaba el
uso del latín y del inglés en la letra, y con la parte coral interpretada
por un coro compuesto por niños y adultos. El disco entró
directamente en el puesto número 1 en las listas de álbumes clásicos,
el 14 de octubre de 2006. El 3 de mayo de 2007, “Ecce Cor Meum”
fue premiado como mejor disco en la gala de los Classical Brits,
celebrada en el Royal Albert Hall de Londres. El premio fue votado
por los oyentes de Classic FM, y los lectores de la revista homónima,
compitiendo por el premio con Katherine Jenkins, Alfie Boe y Sting.
El 26 de junio de 2007, Paul McCartney asistió como invitado,
junto con su compañero de los Beatles, Ringo Starr, y con las viudas
de George Harrison y John Lennon, las Señoras Olivia Harrison y Yoko
Ono, en el programa de la CNN, “Larry King Live”, para conmemorar
el primer aniversario del espectáculo "Love" del Cirque du Soleil, y
recordar a John y a George. De ese mismo año, comentar también
19
que, el 13 de noviembre, se publica “The McCartney Years”, un box
set de cuatro DVD, que sirven como retrospectiva de su carrera
musical en solitario, desde 1970 hasta el 2005.
En febrero de 2008, McCartney fue galardonado con el Premio Brit,
por su trayectoria musical. El 1 de junio, de ese mismo año,
McCartney celebró el año de su ciudad natal, Liverpool, como Capital
de la Cultura, realizando un concierto en el que colaboró con Dave
Grohl, de los “Foo Fighters”. Grohl acompañó a McCartney en los
temas “I Saw Her Standing There”, “Band on the Run” y “Back in the
U.S.S.R.”, además de cantar “A Day in the Life”, “Give Peace a
Chance” y “Something”, en tributo a John Lennon y a George
Harrison.
El 5 de junio, publicó el tema "Lifelong Passion (Sail Away)" como
donación para una cena benéfica de Adopt-A-Minefield. El tema
supuso una nueva colaboración entre McCartney y Youth, bajo el
pseudónimo de “The Fireman”, y sirvió como adelanto para un nuevo
trabajo de estudio del grupo, publicado en noviembre bajo el título de
“Electric Arguments”. El 14 de junio McCartney participó en el
concierto memorial por el Día de la Independencia de Ucrania,
reuniendo a más de 350.000 personas y convirtiéndose en el mayor
concierto en la historia de aquel país. El 18 de julio McCartney
aparecería en el concierto de Billy Joel en el Shea Stadium,
interpretando "Let it Be" y "I Saw Her Standing There", debido a la
próxima demolición del estadio en el que tocaron los Beatles en 1965.
Dos días después, McCartney participó en los actos conmemorativos
del 400º aniversario de Quebec, en Canadá, con un concierto ante
250.000 personas.
El 25 de septiembre de 2008, McCartney llevó a cabo un concierto en
el Hayarkon Park de Tel Aviv (Israel), ante cerca de 50.000 personas,
en un evento titulado por el propio músico como "Friendship First" (lo
que puede traducirse al español como: "La amistad es lo primero").
Durante su visita a Israel también visitó la Iglesia de la Natividad en
Belén, donde encendió velas por la paz entre israelíes y palestinos.
El 6 de noviembre McCartney fue galardonado con el premio de
honor Ultimate Legend por la MTV, en Liverpool, su ciudad natal. El
premio fue entregado por Bono, vocalista de U2, quien presentó a
McCartney diciendo: "Este es el hombre que inventó mi trabajo".
Más recientemente, el 8 de febrero de 2009, se presentó en los
Premios Grammy, en el Staples Center de Los Ángeles (California),
20
cantando “I Saw Her Standing There” junto a Dave Grohl. Vendió
todas las entradas para su concierto del 19 de abril, en un casino de
Las Vegas, en menos de siete segundos. Los promotores del concierto
en el Hard Rock Hotel indicaron que la venta de cuatro mil entradas
podría fijar un récord mundial, ya que los boletos se vendían a 600
por segundo, cuando salieron a la venta el 14 de febrero.
El 4 de abril de 2009, los dos ex Beatles que quedan con vida, Paul
McCartney y Ringo Starr, volverían a tocar juntos en el Radio City
Music Hall de Nueva York, a beneficio de la Fundación David Lynch.
Actuaría de nuevo en Nueva York durante tres noches del mes de
junio, conciertos que fueron grabados dando lugar al álbum “Good
Evening New York City”.
En ese mismo mes de junio, Paul lanza una campaña para no
comer carne un día a la semana, y colaborar de este modo en la
lucha para frenar el calentamiento global. Según su opinión, si
seguimos comiendo tanta carne, esto afectará al clima, y producirá
un mayor calentamiento global. Lo que, a la postre, afectará a las
generaciones futuras. Paul fue apoyado por su hija Mary McCartney
en esta causa.
Mary es la primogénita de los tres hijos que tuvo con Linda: Mary,
Stella y su único hijo varón, James. Aunque, en realidad, la familia
la componían cuatro hermanos, ya que McCartney adoptaría a
Heather, que es hija biológica de Linda y de su anterior pareja, un
geólogo americano llamado Joseph Jr., del que Linda se divorció tras
un breve matrimonio de dieciocho meses. Años más tarde, conocería
a Paul, con el que se casaría en 1969, cuando su hija Heather
contaba con seis años de edad. Con su segunda esposa, Heather
Mills, tuvo otra hija, el 28 de octubre del 2003, a la que llamaron
Beatrice.
El último dato destacable en su biografía, a fecha de hoy, y
siempre bajo mi punto de vista, es la publicación, el 09 del 09 del
2009, de la discografía de los Beatles en formato digital, así como de
un juego basado en la historia del grupo, “The Beatles: Rock
Band”, publicado para las consolas más populares: la PlayStation 3,
la Wii, y la Xbox 360. Todo este trabajo fue supervisado, como es
natural, por el propio Paul McCartney, por Ringo Starr, por Yoko Ono,
y por Olivia, la mujer de George Harrison. Y también, muy
especialmente, por el hijo de este último, Dhani Harrison, del que
partió la idea original de este proyecto.
21
George Harrison creyó, durante mucho tiempo, haber nacido el
25 de febrero de 1943. Pero, por lo visto, recientes investigaciones
acreditan que vino al mundo el día anterior, el 24 de febrero. El padre
de George Harrison mantenía a su familia, compuesta por su mujer
Louise y sus cuatro hijos (3 chicos y una chica), con el modesto
sueldo de un conductor de autobús municipal. Cuando nació George,
el menor, vivían en una casa adosada de cuatro habitaciones en
Wavertree, un barrio obrero de Liverpool. «Las habitaciones de abajo
estaban terriblemente frías en invierno», recuerda George, añadiendo
que solo había un calefactor en toda la casa, y que el lavabo estaba
en el exterior. Cuando cumplió seis años, los Harrison, después de
pasar dieciocho años en la lista de espera, se mudaron a una casa
más grande, gracias a un subsidio del estado, en la cercana Speke.
«Nos arreglábamos bastante bien - decía su padre, Harold -, pero la
vida nunca fue fácil.» Las carencias materiales se compensaban por
el calor emocional y la solidaridad entre los hermanos. Los chicos
«siempre conocieron la seguridad de una vida hogareña muy unida»,
dijo Harry en cierta ocasión, el hermano de George.
Estudió en la misma escuela que John Lennon, la Escuela
Primaria de Dovedale, situada frente a su casa, muy cerca de Penny
Lane, una calle a las afueras de Liverpool, que los Beatles
inmortalizarían años después, al escribir una canción con ese título. A
los doce años, poco antes de dar inicio el curso, fue ingresado en el
22
hospital debido a una nefritis. Durante su convalecencia compró su
primera guitarra, con la ayuda de su madre, una Egmond, a un
compañero de Dovedale, Raymond Hughes, por 3 libras con 10
chelines. Poco después formaría su primer grupo, The Rebels, con
su hemano Peter y Arthur Kelly.
El joven George fue el único Harrison que asistió a la escuela
secundaria, matriculándose en el prestigioso Instituto Liverpool, pero
descubrió que no sentía más que desprecio por sus maestros, «unos
inútiles, todos ellos», solía afirmar, y rara vez prestaba atención, ni
se aplicaba en clase. Suspendió todas las asignaturas, salvo Arte.
Todas las mañanas se encontraba con Paul McCartney en la parada
del autobús escolar, y subían al mismo vehículo, que los llevaba
hasta el Instituto. Y allí fue donde Paul, tras escucharle tocar, le
propuso entrar en los Quarry Men, con él y John Lennon.
Con catorce años, George aun era un niño para Lennon, que ya
tenía la edad de un universitario; para colmo de desgracias, George
parecía idolatrar a John, hasta el punto de incordiarle cuando
conseguía salir con alguna chica. Sin embargo, a diferencia de
Lennon y McCartney, que rasgueaban acordes, Harrison era capaz de
tocar solos; sus interpretaciones de «Raunchy» le aseguraron su
puesto de guitarrista principal del grupo Quarry Men.
En algún momento de mediados de 1958, los Quarry Men
realizaron una grabación particular en disco de pasta que contenía el
«That'll Be The Day» de Buddy Holly; muchos años después
aparecieron unas copias de cintas pirateadas. Sonaban jóvenes y
enérgicos, especialmente la voz principal, que era la de John.
Tocaban y armonizaban la melodía y el ritmo, ponían mucho hincapié
en ello, pero aun resultaba muy prematuro pensar en lo que
sucedería años más tarde. A finales de 1958, las tres cuartas partes
de los miembros de la banda, que pronto agitaría el mundo, estaban
ya tocando juntos regularmente. Los padres de Paul y George
estimularon los esfuerzos de sus hijos. Pero la tía Mimi de John lo
menospreciaba, le dijo que estaba malgastando su tiempo, y daba la
puerta en las narices a los otros chicos cuando venían a buscarlo. Por
otra parte, Julia, la madre de John, les daba la bienvenida en su casa,
e incluso participaba en los ensayos, que, por razones acústicas,
tenían lugar en el cuarto de baño.
Tras abandonar sus estudios, en 1959, su primer trabajo fue como
aprendiz de electricista en una tienda de Liverpool. Trabajo que
23
compaginaba con su participación en los Quarry Men. Grupo que, tras
varios cambios de nombre, se convertiría en los Beatles.
En pleno éxito de los Beatles, durante la grabación de "A Hard
Day´s Night", conoció a Pattie Boyd, una ex modelo con la que,
tras unos años de convivencia, se casaría en 1966, y a la que le
dedicaría una de sus más bellas composiciones, el tema
“Something”, con la que demostró su gran valía artística. Sin
embargo, las infidelidades entre ambos, y el intenso interés de
George por las cuestiones espirituales, llevarían a la pareja hasta el
divorcio, en 1977.
Muchos críticos y estudiosos consideran que, el creciente talento
de Harrison como compositor, cuando aún formaba parte de los
Beatles, fue una de las causas del aumento de tensión interna dentro
del grupo, y más aún cuando "While My Guitar Gently Weeps",
"Here Comes the Sun" y la mencionada "Something", resultaron los
mayores atractivos de los LPS que los contenían.
Pero la carrera de Harrison, por separado, empieza mucho antes
de que los Beatles se disolviesen, con "Wonderwall" en 1963,
soundtrack de la película del mismo nombre, y lleno de experimentos
musicales, entre la psicodelia y la música hindú. Y posteriormente con
"Electronic sounds", una tentativa de exploración con los nacientes
sintetizadores. Su primer trabajo no experimental fue el LP "All
Things Must Pass" de 1970, un triple álbum que lo convirtió en el
primer ex Beatle en llegar a vender la astronómica cantidad de cinco
millones de copias alrededor del mundo. El hit contenido en este
álbum era "My Sweet Lord", un ejercicio de góspel de gran
espiritualidad y belleza. Aunque, posteriormente, con esta canción,
George tuvo muchos problemas judiciales, debido a sus similitudes
con el tema "He's so fine" de las Chiffons, de 1963.
Sus intereses humanitarios le llevaron a crear Material World
Charitable Foundation, una fundación que vio su nacimiento con la
aportación de un par de conciertos históricos, con los que consiguió
fondos para las víctimas de guerra en Bangladesh, realizados en
Nueva York en 1971, y con una serie de invitados de lujo, como
Ringo Starr, Eric Clapton, o Bob Dylan.
"Living in the Material World" fue su siguiente LP, que, como
todas sus actividades en aquella época, sirvió para donar todos los
24
beneficios a la caridad. Aunque musicalmente correcto, empezaba a
irritar a algunos críticos, por el exceso de prédicas espirituales.
Finalmente crea su propio sello discográfico, Dark Horse. Con el
que publica su álbum titulado del mismo modo, "Dark Horse", de
1974. Su gira promocional incluía una orquesta hindú y revisiones de
éxitos de los Beatles, provocando reacciones negativas entre la
prensa y el público americano.
Harto de tanta incomprensión, se retiró a su estudio, para grabar
"Extra Texture", un nuevo LP que no aumentó mucho su
popularidad entre la crítica, y menos aún después de la acción legal
presentada contra él, por el supuesto plagio de "He's so fine".
Momentos de inseguridad que reflejaría después en "This song", el
primer título de su nuevo disco "Thirty Three and a Third", el cual
tampoco le devolvió el favor de la crítica.
Un largo periodo de ausencia, en su casa de Maui (Hawai), termina
con la realización de su nuevo LP de 1979, titulado, simplemente,
"George Harrison". Plagado de baladas suaves, sin las características
tan llamativas de sus trabajos anteriores.
Pero antes, el 2 de septiembre de 1978, Harrison contrajo
matrimonio por segunda vez con Olivia Trinidad Arias, hija de
emigrantes mexicanos. Poco tiempo después, nacería su primer y
único hijo, Dhani Harrison, que guarda tal parecido con su padre,
que a Paul McCartney le sirvió como anécdota, en el Concert for
George (concierto en homenaje a la figura de Harrison, un año
después de su muerte), diciéndole al público: "Olivia me ha dicho
que, en este escenario, parece como si George permaneciese joven,
mientras todos nosotros envejecemos.", en referencia a Dhani.
En los años 80, Harrison decide dejar un poco de lado la música,
para formar una compañía de producción cinematográfica, que tuvo
como feliz resultado "The life of Brian", un alocado proyecto de los
Monty/Python. La compañía se llama Handmade Films, y es
actualmente una importante entidad en el cine independiente
británico.
Como resultado de las cada vez menores ventas de sus anteriores
álbumes, Warner Brothers empezó a imponerle a Harrison la voluntad
de incluir alguna que otra canción "intensa" en su nuevo LP, titulado
"Sometime in England". A lo que George respondería con la
inclusión de "All those years ago", un momento de melancolía
25
dedicado a Lennon, por su reciente asesinato. Sobre esa misma
época, con la ayuda de Derek Taylor, publicista de Handmade Films,
escribe el libro "I Me Mine", su autobiografía, en la que vuelve a
recordar a sus antiguos compañeros en los Beatles. El título del libro
es también el de una de sus mejores composiciones, en la etapa de
los Beatles, canción que escribió para el álbum “Let it Be”.
En 1982, Harrison se embarca en lo que él esperaba que sería su
último LP, "Gone troppo". Fue un ejercicio refinado de la serenidad
que poblaba su vida privada, y respaldado por unos arreglos
vagamente polinesios. Pero en 1987 volvería con un nuevo LP,
titulado "Cloud Nine", que contenía un éxito llamado "Get my mind
set on you", que llegó a la cima de las listas en los Estados Unidos.
Así que, pensó que sería buena idea intentar grabar una cara B para
un single de "Cloud nine". Con tal fin, se reunieron con Harrison,
nada más y nada menos, que Bob Dylan, Tom Petty y Roy
Orbison, además del productor Jeff Lynne, formando así un
supergrupo que llamaron Travelling Wilburys, quienes en 1990
grabaron una nueva versión de "Nobody's Child", antiquísima
canción que los Beatles habían grabado como single, con Tony
Sheridan. Con los Wilburys, George Harrison grabó un LP con el que
finalizó su contrato con la Warner Bros., obteniendo la libertad
definitiva.
En 1991, Harrison emprendió por Japón, junto a Eric Clapton, su
primera gira desde 1974. Y tras una docena de conciertos, en 1992,
vería la luz el álbum “Live in Japan”. En octubre del mismo año,
Harrison participaría en el concierto tributo a su amigo Bob Dylan, en
el Madison Square Garden de Nueva York, interpretando tres
canciones: "If Not For You", "Absolutely Sweet Marie" y "My Back
Pages".
Entre 1994 y 1996, emprendió, junto a Paul McCartney y Ringo
Starr, el proyecto Anthology, incluyendo la grabación de dos nuevas
canciones de los Beatles, a partir de demos caseros de mediados de
los 70, donde John Lennon tocaba el piano y cantaba. Asimismo, el
proyecto incluía un recorrido visual por la carrera musical del grupo,
con entrevistas a los tres miembros supervivientes en aquel
momento. En 1996, grabaría y produciría, junto a Carl Perkins, el
tema "Distance Makes No Difference With Love" para su álbum “GoCat-Go”.
26
La última aparición de Harrison en televisión tendría lugar en
1997, para la promoción de Chants of India, una colaboración junto a
su amigo y músico hindú Ravi Shankar. En el programa, Harrison
interpretó (después de que un miembro del público le pidiera una
canción de los Beatles insistentemente, y el respondiera "creo que no
conozco ninguna") "All Things Must Pass", y la canción "Any Road",
que aparecería en 2002 en su álbum póstumo “Brainwashed”.
En enero de 1998, Harrison asistiría al funeral de su ídolo de
juventud, Carl Perkins, en Jackson (Tennessee), donde interpretó
una versión de la canción "Your True Love" durante la ceremonia.
A mediados de los 90, y debido a su condición de fumador,
Harrison libró una batalla contra el cáncer, siendo eliminado en
sucesivas operaciones, primero de la boca, y posteriormente del
pulmón.
El 30 de diciembre de 1999, Harrison vivió una secuela del
asesinato de John Lennon, al sobrevivir a un ataque de navaja en su
propia casa, propiciado por un intruso. Harrison y su mujer, Olivia, se
enfrentaron al intruso y lo redujeron, para posteriormente ser
trasladado a dependencias policiales por la autoridad. Michael Abram,
de 35 años, declaró que estaba poseído por el espíritu de Harrison, y
que era una misión concedida por Dios el matarle. Más tarde fue
trasladado a un sanatorio mental. Tras el suceso, Harrison quedó
relativamente traumatizado, y limitó aún más sus apariciones
públicas.
En 2001, Harrison apareció como invitado en el álbum “Zoom”, de
la Electric Light Orchestra, tocando la steel guitar (un instrumento
parecido a la guitarra eléctrica), en "Love Letters", para Bill Wyman &
Rhythm Kings. Restauró canciones de Traveling Wilburys, y compuso
una nueva canción, "Horse To The Water". Canción que sería su
última publicación en vida, y que fue grabada el 2 de octubre, dos
meses antes de su muerte, para aparecer en el álbum “Small World,
Big Band” de Jools Holland.
El cáncer que sufría Harrison reapareció en 2001, siendo
diagnosticado como metástasis. A pesar de los tratamientos
agresivos, pronto descubrió que era terminal, decidiendo de
inmediato pasar sus últimos días en familia, y trabajar en algunos
proyectos, para posteriormente ser terminados por su viuda e hijo.
27
Harrison falleció en un hospital de Hollywood, Los Ángeles, el 29
de noviembre de 2001, a la temprana edad de 58 años, dejando un
hueco insustituible en el mundo de la música, ya que estamos ante
una de las figuras más relevantes del siglo XX. Su muerte fue
consecuencia de un cáncer de pulmón, que había hecho metástasis
con el cerebro. Posteriormente fue incinerado, y si bien algunos
medios afirmaron que sus cenizas habían sido depositadas en el río
Ganges, no ha habido ninguna declaración oficial de la familia que lo
certifique.
Tras la muerte de Harrison, su familia emitió el siguiente
comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de
Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y
amigos". Ahondando en este sentido, cabe recordar las profundas
convicciones espirituales de Harrison, que solía transmitir en sus
canciones, y en las frases que repetía a menudo, como cuando decía:
"Todo lo demás puede esperar, pero la búsqueda de Dios no; amaos
los unos a los otros".
Como suele ocurrir en estos casos, la reedición de "My Sweet
Lord" llegaría a lo más alto de las listas de éxitos. El álbum póstumo
de George Harrison, “Brainwashed”, fue completado por su hijo
Dhani Harrison, y por Jeff Lynne, y publicado el 18 de noviembre de
2002, recibiendo críticas positivas, y alcanzando el puesto #18 en las
listas de álbumes de Billboard. El tema promocional, "Stuck Inside a
Cloud", fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas,
mientras que el primer single, "Any Road", publicado en mayo de
2003, alcanzó el puesto #37 en las listas de éxitos británicas.
Como curiosidad, y para finalizar este breve repaso a la vida de
George Harrison de un modo más amable, comentar que una de las
principales aficiones de Harrison fue la Fórmula Uno. Antes incluso de
ser músico, coleccionaba fotos de pilotos y de sus monoplazas. En
más de una ocasión tuvo acceso privilegiado al Gran Prix de
Inglaterra, en el Circuito de Silverstone, así como en otros circuitos.
El tema "Faster", publicado en el álbum “George Harrison”, está
dedicado a Jackie Stewart y a Niki Lauda. Asimismo, en “The Beatles
Anthology”, puede verse un póster del piloto brasileño de Fórmula 1,
Ayrton Senna, detrás de McCartney, Starr y Harrison, mientras
charlaban animadamente.
28
Richard Starkey, más conocido como Ringo Starr, nació el 7 de
julio de 1940. Por tanto, de los cuatro Beatles, es el de mayor edad.
Sus padres, Elise Gleave y Richard Starkey, eran panaderos. Vivió
en Dingle, un suburbio portuario de Liverpool. Su padre les abandonó
cuando él tenía tres años, y su madre, para poder mantener a su
familia, no tuvo otro remedio que trabajar como camarera. También
soportó bombardeos durante su infancia. Años más tarde, su madre
relataría a Hunter Davies que, durante uno de estos bombardeos, su
hijo Richie lloraba y lloraba, hasta que ella se dio cuenta de que, en
medio de todo aquel terror y confusión, lo estaba llevando cabeza
abajo.
Ingresó en la escuela de Saint Silas, y sólo un año después sufriría
de dolores estomacales, que más tarde se le complicaría en una
peritonitis, al habérsele reventado el apéndice. Estuvo en coma
durante diez semanas, y sufrió complicaciones de muy diferentes
clases. Hasta que, después de estar todo un año en el hospital, se le
diera el alta. Cuando regresó a la escuela, iba mucho más retrasado
que sus compañeros. Tanto es así, que no sabía leer ni escribir.
Afortunadamente, una muchachita de su barrio se molestaba en
enseñarle y ayudarle un poco.
Tiempo después, su madre conoció a un pintor llamado Harry
Greaves, a quien Richard tomó mucho cariño. A los trece años, un
simple resfriado se transformaría en pleuresía, enfermedad que
debilitó sus pulmones. Por lo que tuvo que estar ingresado en el
Hospital de niños Hewall, los siguientes dos años. Ya nunca más
regresaría a la escuela.
29
Cuando por fin salió del hospital, a los quince años, únicamente
tenía capacidad para trabajar de mensajero. Encontró trabajo en los
Ferrocarriles Británicos, pero fue despedido a las seis semanas,
debido a que no logró superar el examen médico. Harry Greaves
logró encontrarle trabajo como aprendiz de ensamblador, en una
compañía mecánica local.
Richard había estado tocando como batería en una sala de
hospital, durante los años que pasó allí, y cuando se inició la locura
por el "skiffle" (un tipo de música folk, influenciada por el jazz y el
blues) en 1956, Richard formó un pequeño grupo junto con Eddie
Clayton, un amigo de la infancia. Actuaban en el mismo circuito de
barrio que los Quarry Men, por lo que la mano del destino también
decidió actuar. Iba pasando el tiempo, y el skiffle se estaba quedando
obsoleto. Durante ese tiempo, Richard había mejorado mucho, y llegó
a tocar en el grupo más importante de Liverpool, los "Rory Storm
And The Hurricanes". Fue durante aquella época cuando cambió su
nombre por el de Ringo Starr. "Ringo" debido a que llevaba muchos
anillos (uno de los significados de “ring” en inglés es “anillo”), y
"Starr", para que su sólo de batería se pudiera anunciar como "Starr
Time" (es decir, el momento estelar).
Los Beatles conocían bien a Ringo, no sólo por el circuito de
Liverpool, sino por Hamburgo, donde habían pasado meses
observándolo con los Hurricanes de Rory Storm. Era sencillo,
amante de las diversiones y se llevaba bien con todo el grupo. Mucho
mejor que el anterior batería de los Beatles, Pete Best. En los meses
siguientes, la popularidad de Rory Storm vendría menguando, y los
Hurricanes quedaron reducidos a cumplir un contrato en el
Campamento de Vacaciones de Butlin. Fue en Butlin donde,
finalmente, George Harrison logró ponerse en contacto con él por
teléfono, para decirle que se le ofrecía el puesto de batería en los
Beatles. Al principio estaría a sueldo, 25 libras por semana, durante
un período de prueba. Después, si todo andaba bien, se le haría
miembro del grupo con todas las de la ley. De inmediato, se cortó el
cabello igual que ellos.
En el invierno de 1965 se casó con Maureen Cox, una muchacha
de Liverpool que conocía desde antes de ser famoso. Con ella tuvo
tres hijos, Zak, Jason y Lee, pero en 1975 se divorciarían.
A pesar de que todo el mundo esperaba que, después de la
separación de los Beatles, Ringo Starr se hundiera en el completo
30
anonimato, fue el único miembro de los Beatles que después siguió
una carrera seria dentro del cine, y también sorprendió con su
capacidad como compositor en múltiples proyectos.
Durante el período de transición, antes de la separación definitiva
de los Beatles, Ringo publicó su primer LP, "Sentimental Journey",
un compendio de canciones en un estilo anterior al rock, cercano al
country, y con el que consiguió una buena reputación. La suficiente
como para que el guitarrista Pete Drake, especialista en “pedal
steel”, le invitara a crear un segundo LP, que titularon "Beaucoups
of Blues", grabado en Nashville, y que consolidó a Ringo Starr como
un respetable compositor, dentro de un estilo cada vez más cercano
al “Country and Western”. Lo cual ya se veía venir, desde sus
contribuciones a la discografía de los Beatles. Su primer single
original fue el exitoso "It Don't Come Easy", que fue seguido de
otro single en 1972, "Back of Boogaloo", del que muchos se han
atrevido a decir que fue un regalo de Marc Bolan, en vista de que,
por aquella época, Ringo Starr hacía su debut como director de cine,
con la película "Born to Boogie" protagonizada por Bolan.
Sin embargo, en 1973 fue el responsable de reunir, de nuevo, a
los ex Beatles entorno a su nuevo disco, titulado "Ringo", y que
contenía colaboraciones de sus antiguos compañeros. Incluso el
exitoso single del LP, "Photograph", era una composición HarrisonStarr. La portada del disco mostraba una toma de la película "Son of
Dracula", que él protagonizó. Pero intervino en otras películas como
protagonista, aparte de la famosa "Magic Christian" junto a Peter
Sellers, como en "Blindman", un spaghetti-westen, o en su mejor
papel, según la crítica, interpretando a Teddy Boy en la película
"That'll be the day", de 1973. También participó en la película de
Frank Zappa "200 Motels", y en "Lisztomania" de Ken Russell.
En 1974 logró un nuevo éxito, con el revival de Johnny Burnette
"You're Sixteen", y también con "Only You" de los Platters.
Seguidamente logró vender muchísimas copias de "Good Night
Vienna", su LP en aquel año. Pero todo cambiaría después de su
reunión con John Lennon en California, durante su famoso "fin de
semana perdido" (que es la forma de definir de Lennon su período
de borracheras, durante meses, tras su separación de Yoko Ono), y
que marcó el inicio del declive de su carrera musical, cuando su LP
"Ringo's rotogravoure" no logró ser nada exitoso, y su single "A dose
of rock and roll" difícilmente pudo mantenerse en los últimos lugares
de las listas. Lo mismo sucedió con sus siguientes dos LPS "Ringo the
31
fourth" y "Bad Boy", y su "Stop and smell the roses" fue elegido como
el peor LP de 1981, por una prestigiosa publicación británica. Esta
cadena de fracasos, terminó en la humillante situación de no tener
ninguna compañía discográfica que quisiera publicar su LP "Old
wave".
Sin embargo, a pesar de su creciente desinterés por la actuación,
logró algunos papeles como en "Sextette", con Mae West y Tony
Curtis; y en "Caveman", película que, aunque también fue un fracaso,
le sirvió para conocer a la que sería su esposa, Barbara Bach, con la
que se casó en 1981. Después, su carrera artística se limitaría a ser
narrador de cuentos infantiles para la televisión británica, y a algún
que otro escarceo narrativo más.
Al final de los años 80 grabó "Act Naturally", la primera canción
que él cantó con los Beatles, como muestra de su progresiva
recuperación, por su dependencia del alcohol. En 1989 se embarcó en
su famosa gira "All Stars", y, recuperando su papel de batería,
recibiría mucho afecto por parte del público. Reafirmando que, dentro
y fuera de los Beatles, Ringo Starr tiene un papel seguro en la
historia del pop, y en nuestros corazones.
El éxito de esta gira animó a Ringo para trabajar en un nuevo
álbum de estudio, “Time Takes Time”, que se publicaría en 1992.
Consiguió una importante promoción, al tiempo que el single
"Weight Of The World" fue notablemente radiado. Los críticos
consideraron Time Takes Time, producido por Phil Ramone, Don Was,
Jeff Lynne y Peter Asher, como el mejor trabajo discográfico de Ringo
desde su disco homónimo. Asimismo, para su grabación contó con la
colaboración de Brian Wilson y Harry Nilsson.
En 1997, tras el éxito del proyecto Anthology, que rescata el
legado musical de los Beatles, para acercarlo a un público más joven,
Ringo es invitado por Paul McCartney para participar en dos
canciones del álbum “Flaming Pie”. En él, el tema "Little Willow" es
dedicado a la primera esposa de Ringo, Maureen Starkey, fallecida a
causa de un cáncer. La grabación de "Beautiful Night" incluye a Ringo
en la batería, mientras al día siguiente grabaron una tema
improvisado, titulado "I Really Love You".
1998 vio la publicación de dos nuevos álbumes, bajo el sello
discográfico Mercury. El álbum de estudio “Vertical Man”, que recibió
buenas reseñas por parte de los críticos musicales, y que supuso el
32
inicio de una relación laboral con Mark Hudson, productor de los
siguientes cuatro álbumes. Este trabajo contó con la colaboración de
la banda “The Roundheads”, además de varios artistas invitados, que
se unieron para la grabación de cierto número de canciones,
incluyendo entre ellos a George Martin, Paul McCartney y George
Harrison. Asimismo, The Roundheads y Joe Walsh se unieron a Ringo
en su aparición en el programa “VH1 Storytellers”, y que fue
publicado posteriormente como álbum, bajo el mismo título. A lo
largo del concierto, alternó las canciones con detalles y anécdotas
sobre su composición.
En 2001, Starr y Harrison fueron invitados a la grabación del
álbum “Zoom” de la Electric Light Orchestra, tocando en dos temas. A
finales de aquel mismo año, Ringo sufrió una fuerte conmoción, tras
la pérdida irreparable de su compañero y amigo, George Harrison, a
causa de un cáncer.
Al año siguiente, Ringo interpreta las canciones "Photograph" y
"Honey Don't" en el concierto homenaje a George, celebrado en el
Royal Albert Hall, al cumplirse el primer aniversario de la muerte de
Harrison. Según lo escrito, en la web oficial del acto, Ringo cautivó a
todos con una interpretación de "Photograph" que parecía resumir el
sentimiento general. La canción, que dice así: "Every time I see your
face / it reminds me of the places we used to go / But all I've got is a
photograph / and I realize you're not coming back anymore",
adquiría, en palabras de Ringo, un significado diferente, tras el
fallecimiento de Harrison. Y que en castellano, podrían traducirse
como: “Cada vez que veo tu rostro / recuerdo los lugares que
frecuentábamos / Pero todo es como en una fotografía / y me doy
cuenta de que ya no vas a volver”.
2002 es también el año en que Ringo fue admitido en el
“Percussive Hall of Fame”, que incluye a celebridades como Buddy
Rich. Un año después, Starr graba para el sello independiente Koch
Records y publica “Ringo Rama”, avalado por la crítica como el
mejor disco de su carrera musical. En él incluye el tributo a George
Harrison "Never Without You" y aparecen Billy Preston, Eric Clapton,
David Gilmour y Willie Nelson, como artistas invitados. En 2005
publica “Choose Love”, que incluye colaboraciones de Billy Preston y
Chrissie Hynde.
El mismo año, Ringo anuncia públicamente la realización de un
cómic, de manos de Stan Lee, para producir un nuevo superhéroe,
33
basado en la personalidad del propio Ringo. Asimismo, en
septiembre, el Ayuntamiento de Liverpool anuncia el derribo de la
casa de nacimiento de Starr, por no tener “significado histórico”, a
pesar del indulto concedido en julio. Posteriormente, el Ayuntamiento
rectificaría a medias, anunciando la desestructuración del edificio,
ladrillo a ladrillo, para preservarlo.
A mediados de 2006, Ringo se embarca en su novena gira con la
All-Starr Band, con Sheila E. en la percusión, el bajista Hamish
Stuart, y Edgar Winter. Después, participa en el álbum de duetos de
Jerry Lee Lewis, “Last Man Standing”, cantando el tema de Chuck
Berry "Sweet Little Sixteen".
El 26 de junio de 2007, Ringo participó en el programa de la CNN
“Larry King Live”, junto a Paul McCartney, Yoko Ono, Olivia Harrison y
el fundador del Cirque du Soleil, Guy Laliberté, para la promoción del
espectáculo circense "Love", que se desarrolla en Las Vegas
(Nevada). El 28 de agosto de 2007, coincidiendo con la edición en
formato digital de sus cuatro primeros álbumes, editados bajo el sello
EMI, se publica el recopilatorio “Photograph: The Very Best of
Ringo”.
El álbum “Liverpool 8”, producido por Mark Hudson y Dave
Stewart, fue publicado en enero de 2008, coincidiendo con la
candidatura de la ciudad natal de Ringo, Liverpool, como Capital
Cultural Europea. Aunque Hudson fue el principal productor del
álbum, fue reemplazado por Stewart, tras varias disputas con Ringo.
Según el propio Hudson, la ruptura tuvo lugar a causa de la
insistencia de Ringo de usar nuevos sonidos, propuestos por Stewart
para el álbum, y que eran rechazados por Mark. Una nueva disputa
enfrentó a Ringo, esta vez con sus seguidores, en octubre de 2008, al
colgar un video en su página web, en el que anunciaba que dejaba de
firmar autógrafos por correspondencia. Según sus palabras: "por
estar muy ocupado, por lo que toda carta desde la fecha señalada [20
de octubre] no será firmada".
El 4 de abril de 2009, Ringo se reunió con Paul McCartney en el
concierto benéfico de David Lynch, "Change Begins Within". Tras
varios sets por separado, McCartney anunció a Ringo como "Billy
Shears", e interpretaron juntos los temas "With a Little Help From
My Friends", "I Saw Her Standing There" y "Cosmically
Conscious". Dos meses después, Ringo volvió a coincidir con
McCartney en un escenario, junto a Yoko Ono y Olivia Harrison, para
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promocionar el videojuego “The Beatles: Rock Band”. Y más
recientemente, en enero de 2010, Ringo publicó su decimoquinto
álbum de estudio, titulado “Y Not”.
Para finalizar este escueto repaso a la vida de Ringo, finalizaré con
dos datos curiosos. El descubrimiento del asteroide 4150 en 1984, y
que fue bautizado con el nombre de Starr, en honor al batería de los
Beatles. Y el acalorado debate que se vive en el Reino Unido, por una
campaña iniciada en algunos medios británicos en el 2006, con el fin
de nombrar a Ringo “Caballero del Imperio Británico”. Preguntado
sobre este particular, en cierta ocasión, Ringo contestó bromeando:
“No, no quiero ser un Caballero, prefiero ser un duque o un príncipe.
Así que si me proponen eso, me lo pensaría seriamente”… Ringo en
estado puro.
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EL QUINTO BEATLE
En este artículo vamos a entrar en un tema controvertido y
polémico donde los haya, porque son varias las personas a las que se
les aplica el apelativo de “el quinto beatle”, y todas cuentan con
argumentos razonables para ello. Aquí vamos a intentar ofrecer una
lista lo más completa posible. Si se me escapó algún nombre, lo
añadiremos a este artículo en el futuro (son las ventajas de una
revista digital). Siempre y cuando caiga en ello, o que alguien tenga
la amabilidad de hacérmelo ver.
Stuart Sutcliffe y Astrid Kirchherr
En primer lugar, mencionaré a Stuart Sutcliffe, íntimo amigo
de John Lennon. Amistad por la que entró a formar parte del grupo
en 1959. Aunque, en realidad, Sutcliffe siempre estuvo más
interesado por otro tipo de manifestaciones artísticas, diferentes de la
música. Con 19 años, era considerado como un joven prometedor,
con talento para la pintura y la poesía.
Su interés por las artes plásticas le hizo fijarse en una famosa
fotógrafa alemana, Astrid Kirchherr, durante la estancia de los
Beatles en Hamburgo. Fotógrafa que, dicen, fue la que aconsejó al
grupo sobre su corte de pelo. Aunque ella siempre lo ha negado.
En realidad, parece ser que la joven Kirchherr llamó también la
atención de Lennon, y que ambos amigos entraron en una etapa de
desencuentros por esta cuestión. Lo cual pudo motivar a Sutcliffe
para tomar la decisión de abandonar el grupo. Además de que nunca
consiguió ser demasiado hábil tocando el bajo. Probablemente, todo
este cúmulo de circunstancias, fuesen las que le animaron para
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quedarse en Hamburgo, y desarrollar allí su carrera como pintor, con
tan bella compañía.
Algunos cuadros de Stuart Sutcliffe
Pero, lamentablemente, esta romántica historia no tuvo un final
feliz. En 1962, poco antes de que los Beatles publicasen su primer
single, “Love Me Do”. Sutcliffe perdió la vida, a causa de una
hemorragia cerebral, que, por lo visto, fue provocada tiempo atrás,
por una pelea en la que se vio envuelto, y en la que recibió golpes en
la cabeza. Stuart Sutcliffe tan solo contaba con 21 años de edad, y su
prometedora carrera como pintor quedó así truncada.
Astrid Kirchherr siguió manteniendo amistad con los Beatles.
Tanto es así, que ha organizado, en su Hamburgo natal, convenciones
y diversos eventos relacionados con el grupo. Y también aconsejó en
la película Backbeat, en la que se cuenta su historia con Sutcliffe y
con los Beatles. Película que recomendamos, pues refleja muy bien la
etapa del grupo en Hamburgo. Además de contar con una banda
sonora excepcional, muy rockera, con las canciones que tocaban los
Beatles antes de ser los Beatles.
A este respecto, añadir que el nombre “The Beatles” fue una
idea conjunta entre Sutcliffe y Lennon. Dándole este nombre al
grupo, pretendían hacer un simpático juego de palabras. Ya que, por
una parte, en inglés el término “Beetles” significa escarabajo,
similitud lingüística con la que pretendían imitar o, conociendo la
acidez de su sentido del humor, quizás debiésemos decir parodiar, al
grupo formado por Buddy Holly, los “Crickets”, es decir, los grillos.
Pero el término “Beatle” ya era utilizado, en los años 50, como
una forma de referirse a aquellas personas que hacen música beat.
Así que, mataban dos pájaros de un tiro, por un lado imitaban la
moda de bautizar a los grupos con nombres de insectos; y por el
37
otro, les permitía definirse en lo musical. En un principio, adoptaron
el nombre de “Long John and The Silver Beatles”, que podríamos
traducir como “John el Largo y Los Escarabajos Plateados”. Pero
quizás, y nunca mejor dicho, era un nombre demasiado largo, así
que, más tarde lo acortaron dejándolo en “The Silver Beatles”. Pero
aun lo acortarían más, con el nombre con el que pasarían a la
historia, el de: “The Beatles”.
Pero sigamos con nuestra historia sobre el quinto beatle. Antes
de que Ringo se uniese al grupo, era otro el batería: Pete Best.
Pete Best
Pete Best era el hijo de la dueña de un local donde los Beatles
solían actuar, Casbah Club. Por ese motivo, pensaron en él cuando,
para poder hacer su famosa gira de Hamburgo, les pusieron la
condición de que debían de encontrar a un batería.
Pero Best nunca acabo de encajar en el grupo. A las chicas les
resultaba el componente más atractivo del grupo, y eso originó celos
dentro de la banda. Y parece ser que iba muy por libre, no tenía
demasiada amistad con ninguno de los restantes componentes de los
Beatles, nunca se quedaba con ellos después de los ensayos, o de las
actuaciones. Y tampoco adoptó el famoso corte de pelo “Mop Top”. En
definitiva, no se integraba.
Estas circunstancias agravaron más el hecho de que, como
batería, no destacaba demasiado. Y que, además, tuvieron que
reemplazarlo varias veces, ya que solía ausentarse. Incluso, durante
la primera sesión para grabar el single “Love Me Do”, tuvo que ser
sustituido por un batería de estudio, Andy White. Aunque también es
cierto que, detrás de esta sustitución, muchos ven la mano de George
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Martin, el productor de la discográfica que publicaría el single, y que
no ocultaba su desagrado con Pete Best, en relación con sus
habilidades para tocar la batería.
En resumidas cuentas, esta falta de compromiso llevaría a,
Brian Epstein, el manager de los Beatles, a tomar la decisión de
despedirle, el 16 de agosto de 1962. Por algún motivo, corrió el
rumor de que el responsable de todo aquello era George Harrison. Y
durante un tiempo muchas fans no se lo perdonarían. Ni a él, ni a su
sustituto en la batería, Ringo Starr. Tanto es así, que a George le
llegaron a dar un puñetazo en el ojo, por este motivo. Y en los
conciertos había chicas que abucheaban a Ringo, y que exigían el
retorno de Pete.
Epstein quiso compensar a Pete ofreciéndole la oportunidad de
formar otro grupo, en el que él fuese el líder. Pero, por lo visto, Pete
Best ya había tenido bastante como ídolo musical, y prefirió llevar
una vida corriente. Trabajó un año como panadero, y acabaría
consiguiendo una plaza como funcionario. Puesto de trabajo que
mantendría hasta el año 1988. Año en que vuelve a formar parte de
un grupo de música. Supongo que, en realidad, sin grandes
pretensiones, en plan hobby.
El hombre que despidió a Pete Best, Brian Epstein, es otro de
los muchos que reciben el apelativo de “el quinto beatle”.
Brian Epstein
Brian Samuel Epstein era hijo de un respetado empresario de
Liverpool, dedicado, principalmente, al negocio de los muebles. Brian
siempre mostró interés por las cuestiones artísticas, y llegó a cursar
estudios en la Real Academia de Arte Dramático de Londres. Su gran
sueño era ser actor. Sin embargo, no llegaría a concluir sus estudios.
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No obstante, su padre supo apreciar, en sus aspiraciones
artísticas, una oportunidad para ampliar los negocios familiares al
ámbito de la música, y le puso a cargo del departamento musical de
la empresa. A su vez, esto le abrió las puertas para conseguir una
colaboración regular con la revista musical Mersey Beat, enfocada a
la música de estilo beat.
Por lo visto, Brian tuvo noticias del potencial de los Beatles
cuando, varios clientes, le preguntaron por el trabajo que estos
habían grabado en Alemania, junto con Tony Sheridan, con el que
solían actuar como grupo de acompañamiento. Fue incapaz de
encontrar este disco, así que, al enterarse de que, por aquella época,
tocaban en el famoso Cavern Club, decidió hacerles una visita de
negocios. Y vaya si los hicieron, en diciembre de 1961, Brian Epstein,
se convirtió, oficialmente, en el manager del grupo. Con un contrato
de cinco años que Brian nunca firmó, para darles así la libertad de
poder rescindir el contrato en el momento en que ellos considerasen
más oportuno.
A partir de ese momento, Epstein les convenció de que debían
dejar a un lado sus chaquetas de cuero, y sus canciones más
rockeras, que debían de profundizar en el estilo de música juvenil
que, intuía, tendría más futuro: la música beat. Y a su juicio, con este
estilo, era más adecuado salir a actuar al escenario vestidos con
traje. Tan solo les permitió la licencia de su peinado característico,
como toque juvenil y “gamberro”. También se piensa que la famosa
inclinación sincronizada, al concluir los conciertos, fue otra de las
ideas de Epstein.
Con esta nueva imagen consiguieron una mayor receptividad de
las discográficas, hasta conseguir un contrato con la modesta
Parlaphone. El fenómeno Beatle, que cambiaría e influiría tanto en la
historia y en la cultura del siglo XX, estaba a punto de dar comienzo.
El éxito de Epstein con los Beatles, le facilitaría otras
oportunidades como manager, trabajando para diversos grupos y
solistas, tales como Gerry & The Pacemakers, The Fourmost, etc.
La homosexualidad de Epstein llevó a muchos a especular sobre
sus verdaderas motivaciones en su interés por los Beatles. La prensa
sensacionalista de la época se hizo eco de esta controversia, llegando
a afirmar que existió un romance entre Epstein y John Lennon.
Cuestión que ha sido siempre desmentida por Lennon.
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En cualquier caso, la vida de Epstein llegaría a su fin en 1967, a
la temprana edad de 32 años, fruto de sus adicciones. Tras ingerir
una mezcla explosiva de barbitúricos y alcohol. Hay quien piensa que
se trato de un suicidio. Sin embargo, para las personas que le
conocieron, esta idea les resulta inconcebible. Por el carácter de
Epstein, y porque su madre acababa de enviudar, y les resulta
impensable el que Epstein decidiese causarle a su madre un dolor
mayor del que ya tenía. Máxime cuando se sentía tan unido a ella.
Tras su muerte, los Beatles tardarían tres años en disolverse.
La lucha de egos dentro del grupo fue a más. Y los negocios
generados por los Beatles también empeorarían. Dio la sensación de
que Epstein fue el único que supo manejarlos, que era el que
mantenía todo aquello en pie. Y que sin él, la disolución de los
Beatles era algo inevitable. A pesar de que el astuto y hábil hombre
de negocios, Allen Klein, manager de los Rolling Stones, se hiciese
cargo de los asuntos económicos del grupo, hasta su disolución.
Pero aquí no acaba la lista de candidatos, a ser considerados
como el quinto beatle. Precisamente, Brian Epstein, fue el que les
presentó a George Martin, un afamado productor y compositor
británico que también merecería recibir este título, a juicio de los
estudiosos e investigadores en la historia de los Beatles.
George Martin
Sir George Martin aprendió a tocar el piano durante su infancia,
pero no sería, hasta mucho más tarde, cuando empezase a
interesarse de forma seria por la música. Durante la Segunda Guerra
Mundial sirvió en la Royal Air Force, donde le animaron para seguir
41
con sus estudios musicales, al detectar su talento. Estudios que
retomaría al finalizar la contienda, en la Guildhall School of Music.
Y estos estudios, finalmente, le dieron la oportunidad de
hacerse cargo de la Parlophone, un pequeño sello discográfico que
dependía de la EMI, y que se dedicaba, principalmente, a la
distribución de discos de música clásica. Pero sin demasiado éxito.
Cuando llegó Brian Epstein acompañado de los Beatles, la compañía
estaba a punto de cerrar.
Quizás esta situación económica influyese para que, George
Martin, accediese a darles una oportunidad, saliéndose un poco de lo
que había sido la línea musical de la Parlophone. Porque, de todas
formas, no había nada que perder.
Lo primero que grabaron fue el sencillo “Love Me Do”. El single
arrasó en las listas de éxitos de 1962, y le permitió a la compañía
seguir funcionando. Así que el LP no se hizo esperar. Poco tiempo
después, en 1963, publicarían “Please Please Me”. El éxito fue aun
más brutal, si cabe. Esto aseguró a George Martin su papel como
productor de los Beatles en todos sus discos, salvo en el último.
Cambio de rumbo en la producción que, seguramente, fue motivado
por las divisiones internas del grupo en aquel 1970.
Y debemos señalar también la importancia de George Martin, en
cuanto a su creatividad para introducir nuevas técnicas de grabación
y de composición, diversos estilos musicales, nuevos sonidos, nuevos
instrumentos, etc. En definitiva, su talento musical, está también
detrás del éxito de los Beatles, como lo estuvo el de John, el de Paul,
el de Harrison y el de Ringo.
Además de los arreglos y orquestaciones, para la película Yellow
Submarine, colaboró también en otros trabajos para el cine, como en
la banda sonora de “Vive y deja morir”, de la famosa saga del agente
británico James Bond.
En la actualidad, aunque no se encuentra en activo, sigue
recibiendo premios y reconocimientos, por su trabajo como productor
musical. Tales como el título de Sir, otorgado por la Reina Isabel II.
Otra de las figuras, en torno al grupo, que suelen asociarse con
la idea de un quinto beatle es la de Mal Evans. Los mismos Beatles
lo insinuaron, en la película Magical Mystery Tour, al hacer interpretar
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a Evans con el papel del quinto mago en el famoso autobús, cuando
ellos eran los restantes cuatro.
Mal Evans
Malcolm Evans vino al mundo un 27 de mayo de 1935, sus
estudios como Técnico en Comunicaciones le facilitaron un trabajo en
el Servicio Postal Británico. Pero sus frecuentes visitas al Cavern Club
de Liverpool acabarían por facilitarle un nuevo empleo, gracias a la
amistad que allí entablaría con los Beatles.
Sus obligaciones, como asistente técnico del grupo, consistían
en conducir la furgoneta, probar los instrumentos y el equipo,
montarlo todo, y desmontarlo al finalizar cada concierto o actuación.
Obligaciones que cambiarían un poco a partir de 1966, cuando
tuvieron que dejar las giras, al percibir que su vida podía peligrar si
continuaban dando conciertos, como consecuencia del alboroto
causado con la famosa declaración de Lennon, cuando dijo aquello
de: “Somos más famosos que Jesucristo”. A partir de entonces, el
apoyo técnico de Evans se centro en los trabajos en el estudio,
incluso participo en algunos temas tocando diversos instrumentos,
como la armónica, la pandereta, la trompeta, el órgano, el piano,
hasta pondría su voz en “Yellow Submarine”, ayudaría en los coros en
varios temas o contaría en voz alta los compases en los cortes de “A
Day in The Life”.
Evans, además, ejerció un papel como buscador de nuevos
talentos en la discográfica de los Beatles, la Apple Records. Siendo el
descubridor de los Badfinger, grupo que sería considerado como los
sucesores de los Beatles durante los 70.
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El sentido del humor de Evans, y su gusto por las bromas, le
hacían ser aficionado a pistolas de aire, y cosas así.
Lamentablemente parece ser que, al menos en enero de 1976, el
Departamento de Policía de Los Ángeles, en California, primero
dispara y luego pregunta, y al confundir su juguete con un revólver
acabaron con su vida.
No contentos con este dramático error, extraviaron la maleta de
Evans durante la investigación de lo sucedido. Maleta que, según
dicen, contenía grabaciones y fotografías inéditas. Y como todo lo que
tiene cierto halo de misterio, la maleta acabaría haciéndose famosa,
conociéndose como “el Archivo de Mal Evans”. Archivo que, en junio
de 2004, un turista inglés en Melbourne, Australia, declararía haber
encontrado en un mercadillo. Investigaciones posteriores
determinaron que los documentos hallados en dicha maleta
australiana eran burdas fotocopias hechas en los 90, y desestimaron
su veracidad.
El último nombre que vamos a dar aquí, es el primero que
aparece en el buscador de internet más popular, el conocido Google,
si se teclea el término “quinto beatle”: Billy Preston.
No acabo de entender muy bien esa predilección de Google por
Billy Preston, como quinto beatle. Pero, lo cierto, es que fue John
Lennon el que dio ocasión para ello, durante la grabación del último
disco de los Beatles, Let It Be, en 1970.
Billy Preston
Parece ser que, durante dicha grabación, uno de los temas, por
los que solían discutir Lennon y McCartney, era acerca de la
conveniencia de nombrar a Preston como miembro del grupo, de
forma oficial. Ya que había colaborado con ellos muy activamente, en
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los que serían sus dos últimos trabajos: Abbey Road y Let it be. Y
además en temas muy importantes de ambos álbumes, como “Get
Back” o “Something”.
Pero, por lo visto, McCartney se negó tajantemente, alegando
que no tenía ningún sentido hacer eso cuando el grupo estaba al
borde de la disolución. Tan solo accedió a acreditar su colaboración
en dichos trabajos.
En cualquier caso, al igual que ocurriese con Ringo, se trató de
otro buen fichaje para el grupo que era propuesto por George
Harrison. Su mejor amigo dentro de los Beatles. Y, probablemente,
hubiese dado unos nuevos e interesantes aires al grupo. Aires de
soul. Aires que, siempre lo he pensado, se adaptan muy bien a los
temas de los Beatles. Pues las versiones de sus canciones, al estilo
soul, son las que más me agradan. Aunque esto último, desde luego,
es una opinión muy personal.
William Everett Preston (Billy Preston) fue, sobre todo, como ya
hemos dicho, un músico de soul. Considerado como uno de los
mejores teclistas del mundo. Y también habría que destacar que
publicó discos de góspel. Y que fue premiado, además, con varios
Grammys. Y que no solo colaboró con los Beatles. Sus
colaboraciones, realmente, impresionan: The Rolling Stones, Ray
Charles, Bob Dylan, Eric Clapton, Sam Cooke, The Jackson Five,
Aretha Franklin, Elton John, Joe Cocker, y un largo etcétera de
grandes artistas. Incluso colaboró con Paul McCartney en su etapa
posterior a los Beatles. Y, por supuesto, con su amigo George
Harrison. Y con los restantes Beatles, John Lennon y Ringo Starr,
también colaboraría en sus carreras por separado.
Entre sus temas en solitario más conocidos, destacar canciones
como “Outa-Space”, “Nothing From Nothing”, “Space Race”, o “Will It
Go Round in Circles”.
Y hasta aquí mi lista de personas que merecen ser consideradas
como el quinto beatle… ¿continuará?
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“Que la vida iba en serio
uno lo empieza a comprender más tarde
-como todos los jóvenes, yo vine
a llevarme la vida por delante.
Dejar huella quería
y marcharme entre aplausos
-envejecer, morir, eran tan sólo
las dimensiones del teatro.
Pero ha pasado el tiempo
y la verdad desagradable asoma:
envejecer, morir,
es el único argumento de la obra.”
Jaime Gil de Biedma
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POR SUS OBRAS LES CONOCERÉIS
Please
Please Me
With The
Beatles
A Hard
Day’s Night
Beatles For
Sale
Help!
Rubber
Soul
Revolver
1963
1963
1964
1964
1965
1965
1966
El 6 de junio de 1962 entraron por primera vez en los estudios
Abbey Road, registrando cuatro temas: "Bésame mucho" y tres
composiciones propias, "P.S. I Love You", "Ask Me Why" y "Love
Me Do". El 5 de octubre del 62 se editó el primer single de los
Beatles, "Love Me Do", que fue grabado entre el 4 y el 11 de
septiembre, en una serie de sesiones donde también registrarían la
edición definitiva de "P.S. I Love You". El tema que daría título a su
primer álbum, Please Please Me, fue grabado el 26 de noviembre,
y conseguiría llegar al nº 2 en las listas británicas. John, Paul, George
y Ringo se encaminaban, sin saberlo, a convertirse en la revolución
cultural más importante de la última mitad del siglo XX, pero todavía
faltaba un último empujón.
El 11 de febrero de 1963, en una sola sesión de grabación, en
el estudio 2 de Abbey Road, registraron 10 temas de su primer álbum
"Please Please Me". El último tema fue "Twist & Shout", con un John
Lennon desgarrando la poca voz que le quedaba, tras casi doce horas
de grabación. Ante este derroche de creatividad, los críticos no
pudieron más que mostrar su admiración, por un disco que tenía muy
buenos temas propios, y que dejaba bien claro que Lennon y
McCartney eran verdaderos autores.
El 2 de mayo consiguieron su primer número uno en las listas
británicas, con el tercer single de su primer álbum. "From Me To
You" fue el primero de los 11 números uno que consiguieron de
manera consecutiva. Vendió más de 650.000 copias, y estuvo más de
siete semanas en lo más alto. La beatlemanía había comenzado.
En agosto de 1963 se editó en Gran Bretaña "She Loves You",
del que se lanzaron, en un principio, 350.000 copias. Y con el tiempo,
el single vendería más de un 1.500.000, convirtiéndose en su primer
Disco de Oro. El 12 de septiembre el tema alcanzó el número uno,
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que mantuvieron un total de seis semanas, cuatro seguidas y dos
más en diciembre. Pocos días después empezaron las sesiones de
grabación de su segundo álbum, titulado With The Beatles. En esa
época se iban grabando singles para lanzarlos directamente al
mercado, cuando se tenían unos cuantos se decidía grabar el álbum.
El 30 de noviembre, “With The Beatles”, desplazó como número
uno de álbums a “Please Please Me”, su anterior trabajo. Se convirtió
en el primer disco en vender más de un millón de copias en Gran
Bretaña. Y su portada, con una fotografía tomada por Robert
Freeman, basándose en las fotos que la famosa fotógrafa alemana,
Astrid Kirchherr, les tomase en Hamburgo, acabaría por convertirse
en un icono, en una de las imágenes más difundidas en la moderna
historia del pop.
El 12 de diciembre de 1963, "I Want To Hold Your Hand",
desplazó como número uno al, también tema de los Beatles, "She
Loves You". Y unos días después, el 20 de diciembre, una revista
británica especializada, la New Musical Express, laureó, al cuarteto de
Liverpool, con dos premios más en su haber: el "Best World Vocal
Group" y el "Best British Vocal Group".
A Hard Day's Night, su siguiente álbum, sale a la venta, por
primera vez, el 10 de julio de 1964. Es el primer LP en el que todas
las composiciones son originales de los Beatles, y fue creado para
servir como banda sonora en la primera película protagonizada por el
propio grupo. Película que llevaría el mismo título que el álbum, y que
intentaba reflejar cómo era un día normal y corriente para los
Beatles. Todo el rato con fans a la carrera, detrás de sus ídolos,
mientras estos lo soportaban con humor, y se las ingeniaban, lo
mejor que podían, para darles esquinazo, y poder seguir así a lo
suyo, con sus buenas canciones.
El título fue una ocurrencia de Ringo Starr, que, al salir de una
de las maratonianas jornadas de rodaje, pensando que aun era de
día, afirmó: "It's been a hard day..." (ha sido un duro día). Y al darse
cuenta de que ya había anochecido, añadió:... "day's night", y
entonces repitió "a hard day's night" (la noche de un duro día).
Los temas, a mi juicio, más destacables en este LP, serían: la
que le da el título al álbum, la famosísima "A Hard Day's Night"; la
pegadiza "Can' Buy Me Love"; y la balada compuesta por
McCartney, "And I Love Her".
48
El 20 de septiembre de 1964, Bob Dylan visitó a los Beatles en
Nueva York, durante el último concierto de su segunda gira
americana. Rápidamente nació una gran amistad entre Bob y los
componentes del grupo británico, pero sobre todo con John. A los dos
les unía su pasión por el poeta Dylan Thomas, del que Bob tomaría
su nombre artístico.
Quizás por ello, existan influencias country en el siguiente
trabajo del grupo, Beatles For Sale. Con temas como "I Don't Want
to Spoil the Party" y "I'm a Loser". Nuevo álbum que grabarían al
regresar a Inglaterra. Comenzando, el 9 de octubre, con la única gira
inglesa de 1964. Un total de 27 conciertos, con Mary Wells y Tommy
Quickly, entre otros artistas invitados.
El 12 de diciembre de 1964, “I Feel Fine” se convirtió en el
cuarto sencillo consecutivo de la banda en vender más de un millón
de copias en el Reino Unido. El 19 de ese mismo mes, Beatles For
Sale, con temas como “I’m a Loser”, “Rock & Roll Music”, o “Eight
Days a Week”, relevó, en el número uno de LP’s, al también disco
de los Beatles, A Hard Day’s Night. El nuevo trabajo incluía nueve
canciones firmadas por Lennon y McCartney, además de seis temas
versioneados de otros artistas.
Su publicación coincidió con un momento especialmente intenso
de su carrera, con múltiples giras y actuaciones. Quizás por ello, en la
portada del disco, se reflejaba cierto cansancio en sus rostros. O
quizás, en su mirada, dejaban entrever que ya eran plenamente
conscientes de que sus vidas ya no volverían a ser las mismas.
Estaban en el momento álgido de su carrera, y querían exprimirlo al
máximo. No fuese a tratarse de una moda pasajera.
Pero no, no lo era. Aunque las prisas, y el stress de aquel
momento, les hizo echar mano de versiones de otros artistas. Sin
embargo, también compusieron creaciones originales de gran calidad.
Como “I Feel Fine” o “She’s a Woman”, que serían lanzadas como
singles, sin incluirlas en el álbum.
Y creo interesante concluir, el análisis de este disco, como lo
empezamos, subrayando la influencia que puede percibirse de Bob
Dylan en el tema “I’m a Loser”. Ya que se trata, según la crítica, del
más logrado en este trabajo. Aunque, personalmente, me quedo con
el “No Reply”, o con el famoso “Eight Days a Week”.
49
En febrero de 1965 empezaron a rodar, en Las Bahamas, su
segunda película, Help!, que en principio titularon “Eight Arms To
Hold You”. El resto del filme se rodó entre Austria e Inglaterra. La
dirección corrió a cargo de Dick Lester, con guión de Marc Behem y
Charles Wood, y estaba protagonizada por Ringo. Fue, en ese rodaje,
cuando Harrison empezó a interesarse por la cultura hindú. En la
grabación de algunas escenas había unos instrumentos hindúes, que
se utilizaron como música de fondo, entre ellos el sitar. Además,
recibió un regalo muy especial: “El libro ilustrado del yoga”. Dos
años más tarde, George comenzaría a practicar el Hatha yoga.
El 29 de julio se estrenó la película “Help!”, en The London
Pavilion. Y en apenas una semana, el 5 de agosto, el single “Help!”
desbancaría como número uno al tema “Mr. Tambourine Man”, de
The Byrds, en las listas británicas. En Estados Unidos lo conseguirían
el 4 de septiembre. El álbum sería publicado el día 6 de agosto. Con
temas como el que le daba nombre, “Help!”, y otros como “I Need
You”, “Ticket To Ride” o “Yesterday”. Consiguiendo, el 14 de
agosto, ser el álbum más vendido de la semana.
El 9 de octubre, “Yesterday”, compuesta por Paul McCartney,
alcanzó el número uno en las listas americanas, manteniéndose en
esta posición durante un mes. Nunca se editó como sencillo en Reino
Unido, mientras el grupo estuvo en activo. Con el tiempo, se ha
convertido en el tema más grabado en la historia de la música, con
más de 5.000 versiones diferentes.
Ciertamente, habrán pasado 45 años, habrá desaparecido el
grupo, y dos de sus miembros; habrán cambiado muchas cosas en el
panorama musical, con nuevos éxitos, nuevas tendencias, y nuevos
fracasos; habrán cambiado los gustos, las modas, los peinados; se
habrá perdido la inocencia y la rebeldía de aquellos años; habrán
cambiado las fronteras, la economía, las ideologías, las creencias;
pero HELP! ha sido, es, y será, una obra maestra en la historia de la
música, destinada a permanecer, a lo largo de los siglos, en la
memoria de la humanidad.
En este disco se puede percibir, con toda su fuerza y genialidad,
la música característicamente beat. Sobre todo en temas como: “The
Night Before”, “You’ve Got to Hide Your Love Away”, “I Need
You”, “You’re Going to Lose That Girl”, “Ticket to Ride”, “It’s
Only Love”, y en la canción que le da título al álbum, “Help!”.
50
Y para rematar la faena, además, añadieron al disco el mítico e
inolvidable “Yesterday”, una composición genial de Paul McCartney,
cuya música le vino a la mente una mañana al despertar, en un flash
de inspiración. Por eso, en un principio, pensó que ya existía, y
estuvo un mes investigando quien podía ser su autor. Cuando cayó
en la cuenta de que había sido obra de sus sueños, quizás de un
regalo de Morfeo, se puso a trabajar en la letra. Una letra que a Paul
nunca acabo de gustarle, por su ambigüedad. Pero es en esa
ambigüedad de la letra en la que muchos encontramos su encanto.
Nos basta con saber que se trata de alguien al que le gustaría volver
atrás en el tiempo, al momento que precede a la tragedia que marco
su vida. Es un argumento sencillo de entender, y con una gran carga
emocional, en el que muchas personas se pueden sentir reflejadas,
quizás por eso sea una canción tan universal. Hay quien piensa que,
esta letra, está motivada por la muerte de la madre de Paul, cuando
este era un niño.
En la portada del disco, se puede ver a los Beatles deletreando
una palabra en el lenguaje “semáforo”, que suele utilizarse en la
marina o en aviación. La palabra que deletrearon fue NUJV. Pero se
piensa que fue un error, ya que si invertimos sus posturas obtenemos
la palabra LPUS, que puede interpretarse como “Help Us” o “Long
Play Us”.
Como curiosidades sobre el año en que publicaron este trabajo,
1965, comentar que en julio finalizaron su tour europeo, actuando,
por primera y única vez, en España. El 2 de julio, en la Plaza de Toros
de Las Ventas de Madrid; y al día siguiente, 3 de julio, en La
Monumental de Barcelona.
Y que el 27 de agosto, aprovechando su tercera gira por los
Estados Unidos, el grupo se reunió, también por primera y única vez,
con Elvis Presley, en Bel Air, California. Elvis tocaba el bajo, y John
y Paul le acompañaron con sus guitarras, improvisando una versión
de “You’re My World”.
Y ya en el otoño de 1965, en octubre, comenzarían a gestar su
sexto trabajo, Rubber Soul, compuesto por temas como “Drive My
Car”, “Nowhere Man”, o “Michelle”, en donde se pueden percibir
mayores cotas de perfeccionamiento técnico, además de una
elaborada fase de producción y de grabación. Con unas letras más
trabajadas, con una mayor experimentación a nivel de sonidos.
Gracias a la introducción, en sus composiciones, de instrumentos
51
como el sitar o el piano. Cuestiones que pueden apreciarse, sobre
todo, en el tema “Norwegian Wood” (sitar), y en "In My Life"
(piano). La realización del álbum se prolongaría hasta mediados de
noviembre, en un tiempo record.
Rubber Soul se editó en Gran Bretaña, el 3 de diciembre de
1965. Por ese motivo, del 3 al 12 de diciembre, se embarcaron en
una nueva gira británica, que comenzaría en la capital escocesa,
Glasgow, y que finalizó en Cardiff (Gales), con el fin de promocionar
su nuevo disco.
El 3 de diciembre publican también un sencillo con dos temas,
"Day Tripper" y "We can work it out", que alcanzaría el número uno
en las listas británicas, el 16 de diciembre. Y en esa misma noche se
emitió, por la ITV londinense, The Music Of Lennon-McCartney, un
bonito tributo de 50 minutos de duración, donde artistas como Peter
Sellers, Marianne Faithfull, Cilla Black, Peter & Gordon, Ella Fitzgerald
o Henry Mancini hacían versiones de los Beatles.
En abril de 1966, tras tomarse unos meses de merecido
descanso, pues llevaban varios años sin parar de grabar, y realizando
giras maratonianas por todo el mundo, empezaron las sesiones de
grabación del disco al que le pondrían por nombre Revolver. Con
temas tan archiconocidos como el Yellow Submarine, o el mítico
Eleonor Rigby, que posteriormente sería versioneado por infinidad
de artistas.
En este nuevo trabajo proseguía haciéndose patente la
evolución del grupo, y su interés por experimentar con sonidos
hindúes. Prueba de esto lo encontramos en temas como “Tomorrow
Never Nows”. Destacar también que se pueden percibir influencias de
otros grupos y solistas de la época, sobre todo del denominado
sonido motown, característico del soul. Del que podemos mencionar,
como nombres más representativos, artistas de la talla de Marvin
Gaye, o de The Supremes. Ejemplo claro, de esto último, lo
encontramos en el single “Got To Get You Into My Life”. Comentar a
su vez que, en este trabajo, jugaron más que nunca con grabaciones
caseras de cualquier clase de sonidos, como las de un reloj de
péndulo, las de una puerta, etc.
A finales de julio, y unos días antes de publicarse Revolver, la
revista americana Datebook sacó a la luz una entrevista con John
Lennon, para el Evening Standard, donde declaraba “...somos más
52
famosos que Jesucristo”. La respuesta, en diferentes ciudades
americanas, fue quemar discos de los Beatles, y toda clase de objetos
relacionados con el grupo. Por ese motivo, entre el 14 y el 31 de
agosto de 1966, realizaron su última gira en los Estados Unidos. Con
el temor a ser tiroteados en cualquiera de sus presentaciones, con el
desencanto producido por el cansancio, por las sonrisas forzadas, y
por la presión de los promotores. Pero con la determinación que les
daba empezar a ser ya conscientes de que estaban haciendo algo
único, realmente especial, y que marcaría un antes y un después en
el mundo de la música.
En esta gira, les acompañaron The Ronettes y Bobby Hebb,
entre otros artistas americanos. Su última actuación tuvo lugar en el
Candlestick Park de San Francisco, el 29 de agosto de 1966. Días
antes, el 18 de agosto, “Yellow Submarine/Eleonor Rigby” se
coronaba como el número uno en las listas británicas, permaneciendo
así durante cuatro semanas.
Y ya en el otoño de 1966 comenzarían la grabación de lo que
sería su nuevo trabajo, por aquel entonces: Sgt. Pepper’s Lonely
Hearts Club Band. Las dos primeras canciones en grabarse,
Strawberry Fields Forever y Penny Lane, no se incluyeron en el
álbum, y se lanzarían en febrero de 1967 con el formato de single. En
el ambiente se respiraba la necesidad de cierta urgencia, por
componer un tema que fuese lo suficientemente bueno como para
reavivar el éxito de la banda. Ya que algunos empezaban a dudar
sobre su futuro, sugiriendo cierto estancamiento en su estilo.
El 10 de enero de 1967 grabaron un tema fabuloso para su
Sargento Pimienta: “A Day In The Life”. Fue la primera vez que un
grupo reunía a cuarenta músicos, en una misma sesión, para grabar
un tema pop. El 30 de marzo realizaron la sesión fotográfica del Sgt.
Pepper. La idea partió de McCartney, quien, siguiendo la moda de la
costa oeste norteamericana, donde muchas bandas tenían nombres
muy largos, decidió crear una especie de alter ego del grupo. Con un
aspecto diferente, usando bigote, y con el pelo mucho más largo. En
una puesta en escena creada por artistas pop, como Peter Blake y
Michael Cooper, que crearon la espectacular portada del disco, en la
que aparecen infinidad de rostros famosos, los protagonistas más
representativos de la cultura, la ciencia, la política, etc, del siglo XX.
Como sugiriendo que, sin la existencia anterior de todas aquellas
figuras históricas, el grupo y el disco no podrían haberse creado.
53
El 1 de junio de 1967, finalmente, se editó el Sgt. Pepper, tras
seis meses de grabaciones, poniendo en práctica todos los avances y
trucos técnicos, inventando otros, y descubriendo el estéreo. Como
ya no tenían la presión del directo, tras lo acontecido el año anterior,
cuando Lennon afirmó que eran más populares que Jesucristo, podían
grabar, regrabar, reproducir al revés sin miedo a tener que hacer eso
en vivo, etc. El resultado: canciones emblemáticas de una época
irrepetible, con temas como “With A Little Help From My Friends”,
o “Lucy In The Sky With Diamonds”.
Sgt. Pepper formó parte de la banda sonora de una generación,
sirviendo de arquetipo para todas las ambiciones de los jóvenes
idealistas en aquel momento. Era una celebración de los viajes
lisérgicos, de la paz, del amor, del derecho a buscar y a vivir en un
paraíso propio. Fue, además, el primer disco de larga duración
concebido como una unidad temática, sentando las bases del actual
modelo de creación musical.
Después del “verano del amor” de 1967, pletórico de flores,
cabellos largos, y grandes ideales; y la publicación de su single “All
you Need is Love”, que se convertiría en la canción de aquel
verano; los Beatles comenzarían la grabación de un nuevo
disco y película: Magical Mystery Tour.
En este trabajo podemos encontrar temas que suscitarían
muchos debates y controversias entre los críticos, empeñados en
buscar significados ocultos entre las letras y acordes de los Beatles.
Como en “I’m the Walrus”, canción en la que Lennon aprovecha
para llamar la atención sobre una interminable serie de referencias
culturales y literarias. La morsa, por ejemplo, es un personaje
bastante conocido de Lewis Carroll en sus libros sobre Alicia, y
Lennon la cita aquí como metáfora de la hipocresía y voracidad de los
políticos capitalistas. Acertado análisis que no ha perdido su vigencia,
por desgracia. Lennon, por supuesto, adoraba desde niño el famoso
relato de "Alicia en El País de Las Maravillas". Pero también podemos
encontrar fragmentos del Rey Lear de Shakespeare, o alusiones al
genial Edgar Allan Poe.
Respecto a la aportación de Paul McCartney en el disco,
destacar, sin duda, la balada “The Fool on the Hill”. A mi modo de
ver, una de las canciones más bellas de los Beatles, cargada de
profundidad en su mensaje, y máxima expresión de la armonía en el
sonido beat, que ellos, como nadie, dominaron.
54
El 6 de diciembre, en el Reino Unido, y el 30 del mismo mes en
los Estados Unidos, “Hello Goodbye” llegó hasta lo más alto en las
listas de éxitos. El clip del tema se presentó a finales de noviembre,
en el famoso show televisivo de Ed Sullivan. El 26 de diciembre se
estrenaría, en la BBC-TV, Magical Mystery Tour, dirigida enteramente
por John, Paul, George y Ringo. Fue la primera vez que los Beatles
recibieron terribles críticas por parte de todos los medios de
comunicación. Aunque su banda sonora, que se publicaría después de
unos meses, era, una vez más, una obra maestra, un disco,
sencillamente, imprescindible.
Tras sus famosas meditaciones en la India, el 30 de mayo de
1968 comenzarían la grabación de su nuevo álbum de estudio, “The
Beatles”, más conocido como The White Album. Hay que anotar que
aquel mayo fue realmente único en la historia, que en abril
asesinaron al Dr. Martin Luther King, que en junio Robert F. Kennedy
sufriría la misma suerte, y que los Beatles no fueron ajenos a todas
estas circunstancias, que acabarían reflejando en sus temas.
La forma en que las revoluciones que irrumpieron en aquellos
días fueron aplastadas, bajo los adoquines de ciudades como París o
Praga, sacaba a la luz un fracaso generacional del que aun, a fecha
de hoy, se sigue discutiendo. Por eso, no debe de extrañarnos que
sea, precisamente en ese convulso año, cuando los Beatles publican
su primer tema con un marcado mensaje político, de la mano de John
Lennon: “Revolution”.
“Revolution”, para una persona sin conocimientos, o interés,
por la política y la historia contemporánea, puede parecer una crítica
feroz a la izquierda. Sin embargo, Lennon fue vigilado por la
Administración Norteamericana cuando residía en Nueva York.
Precisamente, por sus ideas de izquierda. Y hay quien afirma, incluso,
que su asesinato estuvo orquestado por las altas esferas de aquel
país. Lo que Lennon critica en “Revolution” no es a la izquierda, en
general. Es al maoísmo. La versión china del comunismo, que,
durante los sucesos de la Revolución Cultural, en los años 60,
devolvió al gigante asiático hasta la Edad Media. Todo era sospechoso
de ser “burgués”: la ciencia, la tecnología, el arte, la literatura, la
religión, etc. Una generación entera de chinos se vio, así, privada de
desarrollarse como seres humanos, y limitada a una alfabetización
que era utilizada con un único propósito: la repetición autómata de
los lemas revolucionarios. Al más puro estilo de la novela “1984”, de
George Orwell.
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En el mundo libre, a finales de noviembre, salía a la luz “The
White Album”, con canciones como “Ob-La-Di, Ob-La-Da”. Un doble
álbum con 30 temas, y que supuso el debut de Ringo como
compositor, con su “Don’t Pass Me By”. Mención aparte para la
canción de George Harrison, “While My Guitar Gently Weeps”, una
de las mejores composiciones de los Beatles, y que contaba, además,
con la colaboración de Eric Clapton a la guitarra. Sin ningún género
de dudas, un disco fundamental.
Más tarde, en enero de 1969 fue publicado el álbum Yellow
Submarine. Aunque, en realidad, más que un nuevo trabajo, podría
considerarse como un recopilatorio, en especial la cara A de aquel
disco. Muchas de las canciones que contenía este LP no eran nuevas.
El tema que daba nombre al disco, “Yellow Submarine”, es de 1966, y
pertenece al álbum de aquel año, Revolver. Otro tanto sucede con la
famosa “All You Need Is Love”, pues era una canción que ya
publicaron en Magical Mystery Tour. Sin embargo, había también
temas nuevos, como “All Together Now”, o los arreglos orquestales
de George Martin, el productor de los Beatles, en la Cara B.
Salta a la vista, por tanto, que es un trabajo hecho con prisas.
Probablemente, con el único fin de hacerlo servir como banda sonora
para la película de dibujos animados, titulada como el mismo álbum:
Yellow Submarine. Sin embargo, la película, dirigida por el animador
canadiense George Dunning, fue un éxito brutal. Ya que acabaría por
convertirse en un icono arquetípico, de los anhelos y sueños
psicodélicos de una generación que se buscaba a sí misma.
Como curiosidades, comentar que en el año 2012, con motivo
de los Juegos Olímpicos de Londres, la película será reeditada por la
Disney en formato 3D digital. La película y el disco fueron también
reeditados en 1999, con motivo de su 30 aniversario. Y por último
señalar que, Yellow Submarine, es también el himno oficioso de un
equipo de futbol: el Villarreal. En 1967, cuando el Villarreal ascendió
a Tercera, para celebrarlo, por la megafonía del Madrigal sonó una
versión del famoso tema de los Beatles, la de Los Mustangs. De ahí
que les llamen con el apelativo de “El Submarino Amarillo”.
Todos los años, cada 8 de agosto, son muchos los que se
animan a cruzar el paso de cebra que atraviesa la calle londinense de
Abbey Road, como hiciesen los Beatles hace 40 años. Mostrando así
su admiración por un disco mítico, tanto por su contenido como por
su continente.
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La portada fue obra del fotógrafo Ian McMillan. Una obra de
arte que, a algunos, les hizo pensar que Paul había muerto, ya que
en la foto andaba descalzo. Lo cual fue interpretado como una clave
oculta, con la que se pretendía confirmar el absurdo rumor difundido
por la prensa sensacionalista.
Aunque salió al mercado antes que Let it Be, en realidad, fue
el último disco que grabaron. Musicalmente destaca, sobre todo, la
aportación de George Harrison, con su “Something”, tema del que
Sinatra diría más tarde que era la mejor canción de amor en los
últimos 50 años; y con “Here Comes The Sun”, una bellísima forma
de dar la bienvenida a la primavera, compuesta en el jardín de Eric
Clapton. Destacar también el encaje de bolillos que significó la cara B,
donde hicieron enlazar armónicamente varios temas que, Paul y John,
tenían inacabados, lo llamaron “el medley”. El disco concluye con un
sólo de Ringo a la batería, en el tema que titularon, como no podía
ser de otro modo: “The End”. Aunque al final añadirían la primera
“pista oculta” de la historia, un breve tema de 23 segundos que no
aparecía en los créditos originales del disco: “Her Majesty”. Con la
que, por lo visto, Paul McCartney quiso homenajear a la Reina Isabel
II de Inglaterra.
Este tributo a la calle, donde estaban situados los estudios en
los que grabaron gran parte de sus canciones, sale a la luz el 26 de
septiembre de 1969 en el Reino Unido, y el 1 de Octubre en los
Estados Unidos. Sin embargo, los fans suelen celebrar el aniversario
del disco cada 8 de agosto, como hemos comentado, ya que ese día
tuvo lugar la sesión de fotos para la portada del disco. La imagen de
la contraportada también es célebre, y consta de un muro con el
nombre de la calle, y una mujer anónima vestida de azul, que pasaba
casualmente en el momento en que fue tomada la instantánea.
Añadir que el pasado verano, el del 2009, los fans celebraron el
aniversario del disco de forma más animada y activa, si cabe, ya que
se cumplían los 40 años de su publicación. Y que más recientemente,
el grupo discográfico EMI ha desmentido su interés por vender sus
famosos estudios en el número 3 de Abbey Road, saliendo al paso de
rumores en este sentido, y que hicieron declarar al gobierno británico
sobre el interés cultural de dichos estudios.
El título del último álbum que publicaron, Let It Be, que podría
traducirse como “déjalo así”, ya era toda una declaración de
intenciones. La grabación del mismo, entre 1968 y 1970, fue
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bastante tensa, y saco a relucir todas las discrepancias personales
entre los miembros del cuarteto británico, hasta provocar su
disolución. Incluso George Harrison, que se sentía poco valorado,
artísticamente, por sus compañeros, llegó a amenazar con dejar el
grupo antes de finalizar este trabajo. Si no lo hizo fue, muy
probablemente, por la participación de su amigo, el pianista Billy
Preston, en las sesiones de grabación.
Y luego estaban las eternas discusiones entre Paul y John,
probablemente motivadas porque, este último, por aquella época,
cada vez se sentía menos involucrado con el grupo, y solía
ausentarse, o incluso acudir “colocado”.
Así y todo, el resultado final se tradujo en un disco que
arrasaría en las listas de grandes éxitos de 1970; y en una película,
cuya banda sonora recibiría un Oscar de Hollywood en aquel mismo
año. La Academia de Cine Norteamericana quiso reconocer, y premiar
así, su talento, su música, su creatividad, y todo lo que habían
supuesto los Beatles. Sin embargo, el 10 de abril de 1970, darían la
histórica rueda de prensa en la que anunciaron su disolución.
Lo que quisieron proponer con este trabajo, en mi opinión, era
un regreso a las raíces, a los conciertos, y al Rock. De ahí el título de
una de las canciones de este álbum: “Get Back”. Quizás como un
intento de mantener la unión dentro del grupo, ya que, al ser
concebido como un disco para tocar en directo, esto les obligaba a
trabajar en equipo. Y ahondando en esta idea, decidieron grabar un
documental, filmado por el cineasta Michael Lindsay-Hogg, en el
que mostraron al público como preparaban un concierto, y como
sonaban en directo. Y para ello, decidieron realizar, el 30 de enero de
1969, el que sería el último concierto en directo de su carrera,
subidos al tejado del edificio donde estaban situados sus estudios de
grabación. La policía acabaría por suspender el concierto, ante las
quejas de los vecinos. Concierto que pasaría a la historia como “el
concierto de la azotea”.
Este proyecto quedó un poco en “stand by”, al decidir que, para
despedirse, podían hacer un producto de mejor calidad. Y así
empezaron, a mediados del 69, con Abbey Road. Finalmente,
encargaron a Phil Spector la producción del disco. Productor que
gustaba de los coros femeninos, y las melodías armónicas, restándole
un poco del toque rockero que quisieron imprimirle en un principio.
Quizás por este motivo, Paul McCartney, encargaría una nueva
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reedición del álbum, en el año 2003, titulada Let It Be… Naked, con
el sonido original que ellos editaron en 1970.
Muchos de los temas de este disco son grandes éxitos que, por
mucho que pasen los años, seguirán siendo grandes éxitos: “Let It
Be”, “Across The Universe”, “The Long and Winding Road”, “Get
Back”, etc. Personalmente, me encanta el “I Me Mine” de un George
Harrison que, en aquella época, estaba inmenso.
Sgt. Pepper’s…
Magical
Mystery Tour
The White
Album
Yellow
Submarine
Abbey Road
Let It Be
1967
1967
1968
1969
1969
1970
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CINE DE VERANO
Título: ¡Qué noche la de aquel día!
Idioma original: Inglés
Género: Comedia musical
Dirección: Richard Lester
Guión: Alun Owen
Montaje: John Jympson
Reparto: John, Paul, George,
Ringo, Wilfrid Brambell, Norman
Rossington, John Junkin, Lionel
Blair, Victor Spinetti, John Bluthal,
Derek Nimmo
Distribución: United Artists
Productor: Walter Shenson
Música: The Beatles
Fotografía: Gilbert Taylor
Presupuesto: 500.000$
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 1964
Duración: 87 minutos
“¡Qué noche la de aquel día!” supuso la primera inmersión
cinematográfica del cuarteto británico, quizás como manera de
intentar obtener aun mayor partido de una fama a la que ya
podríamos calificar, por aquel entonces, y haciendo uso de ese
término tan socorrido en la actualidad, como global.
Si bien es cierto que ni el guión, ni las capacidades
interpretativas de los Beatles sobresalieron demasiado, si habría que
destacar el trabajo realizado por Ringo en la película. Llegando a
suponer una agradable sorpresa para algunos críticos de cine, que lo
encontraron cómodo, dando la impresión de que se divertía y
disfrutaba en su papel de actor. Lo cual, le acabo sirviendo, más
adelante, para desarrollar una carrera respetable como actor.
La historia es bastante sencilla, muestra como era el ambiente
que rodeaba a los Beatles: las persecuciones de sus fans, los
ensayos, todo para poder llegar hasta la actuación en directo, al final
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de la película. Y en mitad de todo esto una historia rocambolesca, en
torno a un supuesto abuelo cascarrabias de Paul.
Pero, dejando a un lado la parte cómica, los tópicos y las
exageraciones, puede decirse que tiene algo de cine documental, y
que te permite hacerte una idea de cómo era un día normal siendo un
beatle. Además de servir para disfrutar de las canciones de su tercer
L.P., “A Hard Day’s Night”.
Destacar también el trabajo innovador del director de la
película, Richard Lester, y del editor, John Jympson. Pues su técnica
de cortar las imágenes al ritmo de la música supuso el germen que
daría inicio, posteriormente, al fenómeno de los vídeos musicales. A
pesar de que el escaso presupuesto del film obligó a que fuese
rodado en blanco y negro.
Por último, y como curiosidad, anotar la presencia de dos extras
muy especiales en esta película: nada más y nada menos que la de
Phil Collins, el que más tarde sería cantante de Genesis; y la de
Pattie Boyd, una modelo que acabaría casándose con George
Harrison, y después con Eric Clapton.
Título: Help!
Idioma original: Inglés
Género: Comedia musical
Dirección: Richard Lester
Guión: Charles Wood, Marc Behm
Montaje: John Victor Smith
Reparto: John, Paul, George,
Ringo, Leo McKern, Victor Spinetti,
Eleanor Bron, Patrick Cargill, Roy
Kinnear, Mal Evans
Distribución: United Artists
Productor: Walter Shenson
Música: The Beatles, George
Martin, Ken Thorne
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 1965
Duración: 92 minutos
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Tras el buen papel de Ringo en la primera película de los
Beatles, se decidió que, en la segunda, fuese el protagonista
principal. Aprovechando incluso su nombre artístico, ya que “Ringo”
hace referencia a su gusto por los anillos, y la trama gira alrededor
de un anillo, cuyo portador estaba siendo buscado por un peculiar
grupo religioso hindú, para sacrificarlo. Ya podéis imaginar quien era
el portador del susodicho anillo: Ringo. Con tan mala fortuna, que no
había manera de quitárselo del dedo, salvo al final... Final que nunca
hay que contar en una sinopsis.
Pero afortunadamente el amor lo puede todo, y una atractiva
seguidora de esta secta, tras encapricharse de Paul, les advierte del
peligro que corren. Y así nos hacen pasar el rato, en un alocada
persecución, salpicada con las buenas canciones de, para mí gusto, el
mejor disco de los Beatles en el primer lustro de los años 60.
Otro detalle interesante en este film es la parodia que se hace
de varios aspectos tradicionales, y representativos, de las
instituciones británicas más emblemáticas, desde la corona hasta
Scotland Yard. En este sentido, se podría decir que la película sirvió
para representar el enfrentamiento generacional existente en los
años 60. Enfrentamiento en el que, los Beatles, estaban inmersos,
con sus cortes de pelo, y su estilo de música. Lo paradójico de todo
esto es que, con el tiempo, el cuarteto de Liverpool ha acabado por
convertirse en una de las instituciones británicas más emblemáticas,
tradicionales y representativas.
En lo musical, al margen de los Beatles, destaca la mano de
George Martin, haciendo versiones de música clásica, a la que es
tan aficionado, con los temas de los Beatles. Quizás como una forma
de suavizar los momentos más intensos en la película.
Recientemente, en el año 2007, la cinta volvió a ser reeditada
en formato digital, con dos DVD. El primero con la película original, y
el segundo con un documental de 30 minutos explicando cómo se
hizo, con las declaraciones de Richard Lester, el director del film, de
los actores, y con imágenes exclusivas de los Beatles. Además, en
esta nueva edición, se pueden encontrar trailers, spots de radio,
escenas que fueron desestimadas, etc. E incluye un libreto con fotos,
postales, un póster, etc. En resumidas cuentas: una tentación difícil
de resistir, tanto para los modernos consumidores del fenómeno
Beatles, como para los nostálgicos y fetichistas.
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Título: Magical Mystery Tour
Idioma: Inglés
Género: Comedia musical
Dirección: The Beatles, Bernard
Knowles
Guión: The Beatles
Producción: The Beatles, Gavrik
Losey
Reparto: The Beatles, Mal Evans,
Vivian Stanshall, Ivor Cutler, Neil
Innes, Roger Ruskin, Larry Smith,
Sam Spoons, Rodney Slater, Jan
Carson, George Claydon, Shirley
Evans, Nat Jackley
Distribución: New Line Cinema
Fotografía: Daniel Lacambre
Música: The Beatles
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 1967
Duración: 55 minutos
Magycal Mystery Tour fue la tercera de las películas
protagonizadas por los Beatles. Aunque, en realidad, se trata de un
programa especial para la televisión británica, la BBC, emitido el 26
de diciembre de 1967, a modo de simpática presentación de lo que
era, en aquel momento, su último trabajo discográfico.
La idea de rodar las peripecias de un autobús, viajando por
Inglaterra, partió de Paul McCartney. Para ello prepararon una
historia llena de situaciones cómicas, y en torno, una vez más, de
Ringo y de una supuesta tía suya, recientemente enviudada, Jessie
Starkey, y con la que solía enzarzarse en discusiones de todo tipo,
mientras ella se enamora perdidamente de uno de los excéntricos
pasajeros del mágico autobús.
Y el autobús era realmente mágico, porque en él viajaban cinco
magos. Encarnados por los propios Beatles, y por Mal Evans, el
asistente técnico del grupo. Magos que crearán situaciones extrañas y
psicodélicas, al estilo de las canciones del disco. Canciones como “I
Am The Walrus” o “Blue Jay Way”, y que son interpretadas entre
escena y escena.
63
Sin embargo, las críticas, no fueron tan mágicas, y provocaron
que, en los Estados Unidos, las cadenas de televisión decidiesen no
adquirir la cinta, hasta el año 1980. Además, su corta duración, de
apenas una hora, dificultaba su viabilidad comercial en cines y
teatros. En resumidas cuentas, las expectativas eran muy altas, pero
el resultado final no fue muy satisfactorio.
No obstante, hoy en día, es considerada como una película de
culto. Por lo que fue reeditada, en formato DVD, en 1997. Aunque
para ello, se utilizó una copia de mala calidad, ya que los negativos
originales, de 1967, han desaparecido. Y no creo que fuese magia,
parece lógico pensar que a nadie le preocupase eso en aquel
momento, ante las reacciones tan adversas que provocó el film, en
crítica y público.
Título: Yellow Submarine
Idioma: Inglés
Género: Animación Psicodélica
Dirección: George Dunning
Guión: Lee Minoff, The Beatles, Al
Brodax, Roger McGough
Aux. Dirección: Dennis Abey
Producción: Al Brodax
Distribución: Apple Films y United
Artists
Presupuesto: 250.000£ (Libras)
Música: The Beatles, George
Martin
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 1968
Duración: 90 minutos
Tras lo acontecido con la película Magical Mystery Tour, los
Beatles no estaban muy dispuestos a participar en el proyecto
animado dirigido por el canadiense George Dunning, el famoso
Yellow Submarine. Finalmente accedieron a aparecer al final del
film, con el tema “All Together Now”.
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Sin embargo, esta película entusiasmo, a una crítica y a un
público, que percibió en ella un arquetipo sobre el que una
generación volcaba su espíritu vanguardista, rompedor, psicodélico,
experimental, idealista, bohemio. Esta excitación generacional, aun
hoy, impactan sobre el espectador, al que le es posible, así,
sumergirse en el espíritu de los 60.
Pero la película, a mi juicio, tiene aun otro valor añadido, que la
hace muy interesante pasados los años. Por su condición de cine
animado puede servir para introducir al público infantil y adolescente,
de sucesivas generaciones, en el universo de los Beatles. Es decir,
permite ser utilizada desde una óptica educativa.
La película trata sobre un fantástico país musical oculto bajo el
mar, Pepperland, y que sería atacado por los malvados “malines
azules” que odian la música. En el ataque, encerraron en una burbuja
a los Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, y paralizaron a todos los
demás. Afortunadamente, un joven llamado Fred logra hacerse con
un destartalado submarino amarillo, con el que parte a buscar ayuda.
En su viaje llega hasta la ciudad de Liverpool, donde encuentra a
Ringo, y lo convence para unirlo a su causa. Ringo, por supuesto,
acepta, y reúne al resto de los Beatles.
Los cinco partirán hacia Pepperland en el submarino amarillo.
Pero antes de llegar a su destino, deberán de hacer frente a un sinfín
de aventuras, y atravesar todos los mares: el Mar del Tiempo, el Mar
de la Ciencia, el Mar de los Monstruos, el Mar de la Nada, el Mar de
las Cabezas, y el Mar de los Agujeros. Pero, una vez en Pepperland,
la música vuelve a sonar, las flores a florecer, y los “malines” aceptan
su amistad, y se unen a la fiesta.
La película fue reedita en DVD en 1999, coincidiendo con el
treinta aniversario de la película y del álbum. Y, por lo visto, para el
“apocalíptico” año 2012 se planea otra reedición, con motivo de los
Juegos Olímpicos de Londres. Proyecto que será lanzado en formato
3D Digital, y dirigido por Robert Zemeckis para la Disney.
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“Déjalo Estar”
Título: Let It Be
Idioma: Inglés
Género: Documental
Dirección: Michael Lindsay-Hogg
Fotografía: Anthony B. Richmond
Montaje: Tony Lenny
Producción: Neil Aspinall
Productora: Apple Corps
Equipo Sonido: Peter Sutton, Ken
Reynolds, Roy Mingaye
Producción Sonido: Glyn Johns
Producción Musical: Phil Spector
Distribución: United Artists
Reparto: The Beatles, Mal Evans,
George Martin, Billy Preston,
Michael Lindsay-Hogg, Heather
McCartney, Linda McCartney,
Yoko Ono, Maureen Starkey,
Derek Taylor, Peter Brown
Música: The Beatles
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 1970
Duración: 81 minutos
Premios: Oscar a la mejor banda
sonora de 1970
Con el documental “Let It Be”, filmado entre los meses de
enero y abril de 1969, los Beatles nos abren la puerta de sus estudios
y de su intimidad. Nos permiten ser testigos del trabajo que conlleva
la grabación de un disco, de sus discusiones, del liderazgo que
intentaba protagonizar Paul, de lo que esto molestaba a George, del
“pasotismo” de Lennon con respecto al grupo, de cómo correteaba la
hija de Linda (la mujer de Paul) mientras los Beatles trabajaban, de
cómo bailaban Yoko y John, y de lo cansados que estaban de ser los
Beatles. Un documento gráfico imprescindible, y de un valor histórico,
sencillamente, incalculable.
En el film no hay narración ninguna de lo que estamos viendo,
son ellos, tal cual, ensayando, probando sus instrumentos,
discutiendo sobre cómo mejorar tal o cual canción, con Mal Evans y
sus efectos de sonido, con los acompañamientos de Billy Preston, etc.
66
La primera parte se centra en los ensayos, la segunda en las
grabaciones en la sede de Apple, y en la tercera en el famoso
concierto de la azotea.
Precisamente, en el documental somos testigos de cómo, la
idea del concierto en la azotea, que a la postre sería el último
concierto de los Beatles, parte de las quejas de Paul, que protestaba
porque el grupo se limitaba a tocar en el estudio, y que hacía años
que no disfrutaban del directo, ante un público. Así que, para
contentar a Paul, finalmente deciden subir su equipo y sus
instrumentos a la azotea del edificio en el que se situaban sus
estudios de grabación de la Apple Records Corp., en el número 3 de
la Saville Road de Londres, cerca de Picadilly Circus.
En la película pueden contemplarse los rostros de asombro de
la gente que, en mitad de sus quehaceres diarios, son sorprendidos
por un acontecimiento que haría destacar ese día, el jueves 30 de
enero de 1969, como uno los más importantes en la moderna historia
de la música. Se corrió la voz y la calle entera empezó a llenarse de
transeúntes y curiosos, así como las azoteas y ventanas circundantes,
de personas que no podían dar crédito a lo que estaban
contemplando. Sin embargo, no a todos los presentes les debió de
causar una grata sorpresa, y seguramente hubo quien aviso a la
policía, o quizás no hiciese falta, ya que paralizaron media ciudad.
Policía que, al menos, tuvo la gentileza de permitirles concluir el tema
“Get Back”.
Así y todo, fueron 42 minutos de concierto en aquel gélido y
ventoso mediodía londinense, con los temas “Get Back”, “I’ve Got a
feeling”, “Don’t Let Me Down”, “One After 909” y “Dig a Pony”. Al
concluir, Lennon dijo aquello de: “Quiero dar las gracias por mi y por
el grupo, y espero que hayamos superado la audición”. Aunque no sé
si todos tenían el mismo concepto de lo que es superar una audición,
porque, más tarde, Ringo declararía: Si con algo me decepcionó la
policía es al no arrestarnos. Hubiera sido genial terminar el concierto
en la azotea con un titular "Beatles terminan concierto en la cárcel".
Los 41 años, que nos separan de este concierto, no han podido
evitar que su influencia siga vigente en nuestros días, hasta el punto
de que, posteriormente, ha sido imitado por multitud de artistas,
como, por ejemplo, U2 en el 2009, coincidiendo con el cuarenta
aniversario del histórico evento.
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LOS EXPEDIENTES X DEL ROCK
Este artículo ha sido extraído por El Chamán del antiguo
blog de Francisco Jaén, para Terapia Rock, por considerar su
contenido de interés en este número dedicado a los Beatles.
Transcurría el plácido verano de 2008. Mientras la selección
levantaba de sus asientos a la España futbolística, al grito de
¡podemos!, el Sr. Obama hacía lo propio con toda la civilización
occidental. En este marco de alegrías, sueños, esperanzas e
incertidumbres, es en el que llegó a mis manos un curioso libro,
titulado “Los secretos del Club Bilderberg”, y que versaba sobre
conspiraciones políticas.
Me había acostumbrado a otro tipo de lecturas en aquel verano.
Mecido por cálidas arenas, y por el susurro de la brisa, sobre las calas
más apartadas de una de las perlas del Mediterráneo. Y entre baño y
baño, en aquellas tardes, me dedicaba ocioso a uno de mis
pasatiempos, los grandes clásicos de la ciencia ficción. Temática que
también merecería un blog aparte, tal vez en otra ocasión. El caso es
que, quizás por cambiar un poco, y leer otro tipo de cosas, opté por
el texto del Sr. Daniel Estulin.
El libro trata sobre unas personas muy poderosas, miembros de
la realeza europea, grandes magnates y empresarios, políticos
influyentes, etc, que suelen reunirse cada cierto tiempo. Y aporta,
ciertamente, documentación extensa en la que se demuestra la
veracidad de estas cumbres entre poderosos. Ahora bien, las
especulaciones que lanza sobre el contenido de tales reuniones son
eso, especulaciones. Para el autor, todas las guerras, habidas y por
haber, son fruto de estas maquiavélicas asambleas en la sombra. El
11S, el 11M, el 7J, Bosnia, Irak, Afganistán… todos los
acontecimientos relevantes son dirigidos de esta forma, como
68
moviendo los hilos de las masas en forma de marionetas, desde la
más tenebrosa oscuridad del alma humana.
Sin embargo, este fenómeno no es nuevo. ¿No es esto lo que
los nazis afirmaban respecto a los judíos?, ¿no es de esto de lo que el
General Franco acusaba a la masonería?. Inquietantes precedentes
que hacen preguntarme quién es el Sr. Estulin. Aunque siempre es
positivo que alguien siembre el germen de la duda. En mi caso, esto
ocurrió al leer el primer capítulo de este libro. Pues dice cosas muy
curiosas de... ¡¡los Beatles!!. En las que no creo mucho, pero me
dejaron con cierta sensación de duda.
Había pensado escanear la parte del libro dedicada a la música
y los Beatles, y colgarlo aquí. Pero prefiero ser respetuoso con los
derechos de autor. Intentaré resumirlo de la mejor forma que me sea
posible.
La teoría desgranada en el libro parte de la base que, tras las
guerras mundiales que asolaron Europa en el pasado siglo, algunas
mentes cayeron en la cuenta de la importancia de la propaganda, a
través de los medios audiovisuales. En este sentido, fueron
especialmente reveladoras las experiencias de Joseph Goebbels,
ministro de propaganda nazi, y tantos otros. Por este motivo, siempre
según el autor del libro, al finalizar la Segunda Guerra Mundial, fue
creado el Instituto Tavistock, un siniestro organismo dedicado a la
investigación en el terreno del control mental, y en el de la
manipulación social.
Por lo visto, una de las conclusiones a las que llegó este
Instituto es que la forma, más rápida y eficaz, para moldear una
sociedad es influyendo, sobre todo, en las mentes más jóvenes, y por
lo tanto, más influenciables y vulnerables. Y aquí es donde entran a
escena los Beatles, que según esta teoría fueron creados
artificialmente, financiados y apoyados desde las sombras por
oscuros intereses. Intereses que los propios Beatles debían ignorar.
Según Estulin, la idea de un grupo como los Beatles parte de la
mente de Theodor Adorno, un experto en sociología de la música y
colaborador de los servicios de inteligencia británicos. Y siempre
según Estulin, autor de la mayoría de las canciones de los Beatles.
Y un tal Brian Epstein, manager de los Beatles, y que el Sr.
Estulin tacha en su libro, literalmente, de “homosexual maníacodepresivo”, fue el encargado de reconvertir al grupo de Liverpool de
una banda que versioneaba canciones de rock, en una adorable
sensación adolescente. Dejando atrás sus chaquetas de cuero y sus
tupes, para dar paso a los flequillos y los uniformes colegiales.
Desde luego, debo decir que el cambio de imagen de los
Beatles en aquella época, así como de estilo musical, siempre me
69
llamó la atención, y me hizo pensar en consejos a nivel de marketing,
moda y publicidad, sin necesidad de leer este libro. Lo que no
entiendo muy bien es por qué el Sr. Estulin muestra tanta
animadversión hacia personas que, según sus propias teorías, no
eran más que meros instrumentos al servicio de intereses más
poderosos que desconocían. Digo esto porque el Sr. Epstein no es el
único en ser ninguneado, y sale mucho mejor parado que, por
ejemplo, el propio Lennon. Una persona que ya está muerta y que,
por lo tanto, no puede defenderse.
Lo que no me encaja en toda esta historia es que Lennon y los
Beatles fueron seguidos en secreto por el F.B.I y la C.I.A., acusados
como sospechosos de simpatías “comunistas” y de actividades antiamericanas. Cuestión documentada ampliamente, y que quizás
podamos tratar otro día con mayor detenimiento. La temática Beatle
es infinita.
Pero si eran un producto de la C.I.A. ¿por qué les vigilaban?. Es
más, hay quien afirma que el asesinato de Lennon fue promovido por
los servicios de inteligencia norteamericanos, manejando una mente
que veía en Lennon fuerzas oscuras y conspiranoicas, curiosamente
con ideas al estilo de las del Sr. Estulin. No parece muy lógico, si
Lennon era un producto inventado por ellos, y que respondía a sus
intereses. Igual es que el invento les salió rana a los amigos del
Bilderberg. Quizás se asustaron ante el poder de una persona que
con su guitarra y sus canciones, era capaz de mover a la opinión
pública hacia posiciones anti-bélicas que, a la postre, influyeron de
forma decisiva en la retirada de las tropas norteamericanas del
Vietnam. Pero eso, para el Sr. Estulin, no parece tener la menor
importancia.
Pero siguiendo con la explicación de esta teoría, por aquel
entonces, no fue el único grupo moldeado al gusto de los servicios de
inteligencia del Reino Unido, en colaboración con otros, como la C.I.A.
Parece ser que los Rolling Stones, Gerry and The Pacemakers, Peter
and Gordon, The Animals, The Kinks, Manfred Mann, Herman’s
Hermits, The Yardbirds, The Zombies, Petula Clark, y otros muchos,
fueron productos de estos moldeadores de gustos musicales. Siendo
los Beatles, y los Rolling, de los que mejores resultados obtuvieron.
Para el Sr. Estullin, estos grupos eran utilizados con el fin de
fomentar el consumo de drogas, y generar una contracultura
“pasota”, anulando así a las generaciones futuras. Con tal fin, fueron
introducidos en Estados Unidos gracias al show de Edward Vincent
Sullivan. Que, por lo visto, era algo más que un simple presentador
de televisión. Y en su invitación a los Beatles, a su programa de gran
audiencia en la CBS, se escondían sus inconfesables deseos por
manipular a los más jóvenes de sus televidentes.
70
Parece ser que en 1964, poco después del asesinato de
Kennedy, que por supuesto fue orquestado por el famoso Club
Bilderberg, faltaría más, los cantautores tipo Bob Dylan, y sus
canciones protesta, estaban promoviendo una juventud contestaría y
molesta, que debía ser anulada cuanto antes. Por eso el LSD, el
concierto de Woodstock, el movimiento de la New Age, etc, etc… todo
responde a este maléfico plan. Que sin embargo, no pudo evitar las
protestas contra la guerra del Vietnam, las manifestaciones por los
derechos civiles de la América negra, o el mayo del 68. Precisamente
por una juventud anulada y sin inquietudes, siempre según el Sr.
Estullin.
No obstante, la parte para mí más interesante, en toda esta
teoría conspiranoica, es cuando habla del sistema de música atonal,
con una escala de doce tonos, ideada por el misterioso Sr. Adorno. Y
que por lo visto fue inspirado por las investigaciones en este campo,
en la década de 1910, llevadas a cabo por el compositor austríaco, y
agente secreto de la inteligencia británica, el Sr. Arnold Schönberg.
Que, a su vez, se basó en la música europea de entre los siglos XVII
y XIX, que trataba con más importancia unas notas que otras, en
lugar de tratarlas a todas por igual.
Parece ser que esta música atonal de doce semitonos, con
sonidos graves y repetitivos, era ideal para influir, subliminalmente,
en el consumo de alcohol y drogas, además de fomentar los deseos
sexuales. Y este estilo de música fue la que aconsejaron a los
Beatles, en contra de su tendencia por un rock más duro en los años
50, marcando el inicio de sus éxitos, allá sobre el año 1963.
En fin, una teoría discutible, pero que te deja con cierta
sensación de duda. Cada cual saque sus propias conclusiones.
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TREINTA AÑOS SIN LENNON
“Si todos se parecieran un poco a John Lennon este sería un mundo mejor”
Yoko Ono
La libertad de expresión es uno de los derechos fundamentales
e inalienables del ser humano, viene recogida en el artículo 19 de la
Declaración Universal de los Derechos Humanos, firmados en 1948 al
amparo de las Naciones Unidas, y se encuentra reflejada también en
las constituciones de todos los países democráticos del planeta.
Sin embargo, John pagaría muy caro su libertad para ejercer
este derecho. No voy a entrar aquí en el debate de si detrás de su
asesinato estaba la mano de un gobierno, de una secta, de la mafia,
o simplemente la de un hombre atormentado, de si fue planeado por
un poderoso o por un demente, máxime cuando me cuesta tanto
percibir diferencias entre ambas terminologías.
En los próximos meses, seguramente, serán muchos los
documentales y debates que se encarguen de esta cuestión. Al
cumplirse, el 8 de diciembre, el 30ª aniversario de su asesinato. Pero
lo que os vamos a proponer a continuación, a modo de modesto
homenaje, es hablar de las letras de John, con su traducción al
español. Una recopilación de sus canciones más comprometidas con
la paz, el amor, la justicia, y los derechos humanos. Un mensaje, por
lo visto, demasiado peligroso e incómodo para algunos.
Para ello, empezaremos con la primera de sus canciones con un
marcado componente social, “Revolution”, compuesta cuando aun
formaba parte de los Beatles. Pero los acontecimientos en aquel
mayo de adoquines, de barricadas, de vino y rosas, de universidades
cerradas, de aquel París del 68, estaban transformando a aquel
encantador ídolo adolescente, en el líder de un movimiento pacifista
que supondría muchos quebraderos de cabeza, para la administración
republicana del Presidente Nixon.
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English
Español
You say you want a revolution
Well you know
We all want to change the world
You tell me that it's evolution
Well you know
We all want to change the world
But when you talk about destruction
Don't you know you can count me out
Don't you know it's gonna be alright
Alright Alright
Dices que quieres una revolución
Bueno, ya sabes
Que todos queremos cambiar el mundo
Me cuentas que eso es evolucionar
Bueno, ya sabes
Que todos queremos cambiar el mundo
Pero cuando hablas de destrucción
¿No sabes que no cuentas conmigo?
¿Es que no sabes que todo irá bien?
Muy bien, Muy bien
You say you got a real solution
Well you know
We'd all love to see the plan
You ask me for a contribution
Well you know
We're doing what we can
But when you want money for people with
minds that hate
All I can tell you is brother you have to wait
Don't you know it's gonna be alright
Alright Alright
Dices que tienes una solución realista
Bueno, ya sabes
Que a todos nos encantaría ver tu plan
Me pides una contribución
Bueno, ya sabes
Que hacemos lo que podemos
Pero si lo que quieres es dinero para gente
con la mente llena de odio
solo te diré, hermano, que esperes sentado
¿Es que no sabes que todo irá bien?
Muy bien, muy bien
You say you'll change the Constitution
Well you know
We all want to change your head
You tell me it's the institution
Well you know
You better free your mind instead
But if you go carrying pictures of Chairman
Mao
You ain't going to make it with anyone
anyhow
Don't you know know it's gonna be alright
Alright Alright
Dices que cambiarás la Constitución
Bueno, ya sabes
A todos nos encantaría cambiarte la cabeza
Me cuentas que es la institución
Bueno, ya sabes
Sería mejor que liberases tu mente
Pero si vas por ahí con fotos del Presidente
Mao
No conseguirás nada de nadie
¿Es que no sabes que todo irá bien?
Muy bien, muy bien
La crítica al maoísmo, y a lo que supuso su Revolución Cultural
en la China de los años 60, que refleja esta letra, puede confundir a
los que no sepan nada de Lennon, y hacerles pensar que era una
persona conservadora, o algo así. Para nada. Lennon, simplemente,
estaba en contra de todo lo que considerase injusto, inmoral e
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inhumano. Y para él estaba claro, como vemos en esta letra, que el
maoísmo era un problema.
Pero bueno, si esta letra os nubla el entendimiento, ahí va otra
para intentar aclarar vuestras mentes, en cuanto a las convicciones,
los valores, y las ideas de Lennon. Aunque, qué diablos, puede que os
cause más confusión. Hay gente a la que sus letras le incomodan, le
resultan difíciles de entender. Suelen ser personas acostumbradas al
adoctrinamiento y al pensamiento único. Personas que necesitan,
para funcionar, ser guiadas, aconsejadas sobre qué deben de pensar,
decir o cómo actuar, porque son incapaces de pensar, decir o actuar
por sí mismos. En cualquier caso, la siguiente traducción es la de su
tema “Working Class Hero”, buen provecho...
AS SOON AS YOU’RE BORN THEY MAKE YOU FEEL SMALL
BY GIVING YOU NO TIME INSTEAD OF IT ALL
TILL THE PAIN IS SO BIG YOU FEEL NOTHING AT ALL
A WORKING CLASS HERO IS SOMETHING TO BE
NADA MÁS AL NACER TE HACEN SENTIR PEQUEÑO
SIN DARTE TIEMPO EN VEZ DE DÁRTELO TODO
HASTA QUE EL DOLOR ES TAN GRANDE QUE NO SIENTES NADA
UN HÉROE DE LA CLASE OBRERA ES ALGO QUE SER
THEY HURT YOU AT HOME AND THEY HIT YOU AT SCHOOL
THEY HATE YOU IF YOU’RE CLEVER AND THEY DESPISE A FOOL
TILL YOU’RE SO FUCKING CRAZY YOU CAN’T FOLLOW THEIR RULES
A WORKING CLASS HERO IS SOMETHING TO BE
TE HIEREN EN CASA Y TE PEGAN EN LA ESCUELA
TE ODIAN SI ERES LISTO Y DESPRECIAN AL TONTO
HASTA QUE ESTÁS TAN JODIDAMENTE LOCO QUE NO PUEDES
SEGUIR SUS REGLAS
UN HÉROE DE LA CLASE OBRERA ES ALGO QUE SER
WHEN THEY’VE TORTURED AND SCARED YOU FOR TWENTY-ODD YEARS
THEN THEY EXPECT YOU TO PICK A CAREER
WHEN YOU CAN’T REALLY FUNCTION YOU’RE SO FULL OF FEAR
A WORKING CLASS HERO IS SOMETHING TO BE
KEEP YOU DOPED WITH RELIGION AND SEX AND TV
AND YOU THINK YOU’RE SO CLEVER AND CLASSLESS AND FREE
BUT YOU’RE STILL FUCKING PEASANTS AS FAR AS I CAN SEE
A WORKING CLASS HERO IS SOMETHING TO BE
THERE’S ROOM AT THE TOP THEY’RE TELLING YOU STILL
BUT FIRST YOU MUST LEARN HOW TO SMILE AS YOU KILL
IF YOU WANT TO BE LIKE THE FOLKS ON THE HILL
A WORKING CLASS HERO IS SOMETHING TO BE
IF YOU WANT TO BE A HERO WELL JUST FOLLOW ME
CUANDO TE HAN TORTURADO Y ASUSTADO DURANTE VEINTE AÑOS
ENTONCES ESPERAN QUE ELIJAS UNA CARRERA
PERO ESTÁS TAN ACOJONADO QUE NO PUEDES FUNCIONAR
UN HÉROE DE LA CLASE OBRERA ES ALGO QUE SER
TE DROGAN CON RELIGIÓN, SEXO Y TELE
Y TÚ TE CREES TAN LISTO, INDEPENDIENTE Y LIBRE
PERO A MÍ ME PARECE QUE SIGUES SIENDO UN JODIDO PALETO
UN HÉROE DE LA CLASE OBRERA ES ALGO QUE SER
TE DICEN QUE HAY UN SITIO EN LA CIMA
PERO PRIMERO HAS DE APRENDER A SONREIR MIENTRAS MATAS
SI QUIERES SER UN RICACHÓN
UN HÉROE DE LA CLASE OBRERA ES ALGO QUE SER
SI QUIERES SER UN HÉROE, VALE, SÍGUEME
Pero si las letras de estas dos canciones no te han gustado, o
no has entendido nada, no te preocupes, habíamos pensado en esa
eventualidad. Estoy seguro que la que vamos a exponer a
continuación te gustará. A no ser que seas un político corrupto, que
busca saciar su insoportable vacio interior mediante lo fácil, buscando
drogas y sexo, e intentando llegar hasta la cima de la inmensa
montaña de estiércol en la que chapotea. Se trata de “Give Me
Some Truth”, bon appétit Monsieur…
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English
Español
I’M SICK AND TIRED OF HEARING THINGS
FROM UPTIGHT-SHORT SIGHTED-NARROW MINDED HYPOCRITICS ESTOY HARTO DE OÍR COSAS DE
RECTOS HIPÓCRITAS DE MENTE ESTRECHA Y CORTOS DE VISTA
ALL I WANT IS THE TRUTH
LO ÚNICO QUE QUIERO ES LA VERDAD
JUST GIVE ME SOME TRUTH
DAME UN POCO DE VERDAD
I’VE HAD ENOUGH OF READING THINGS
BY NUEROTIC-PYSCHOTIC-PIG HEADED POLITICIANS
ALL I WANT IS THE TRUTH
JUST GIVE ME SOME TRUTH
ESTOY HASTA LA CORONILLA DE LEER COSAS DE POLÍTICOS
NEURÓTICOS, PSICÓTICOS, CON CABEZAS DE CERDO
LO ÚNICO QUE QUIERO ES LA VERDAD
DAME UN POCO DE VERDAD
NO SHORT HAIRED-YELLOW BELLIED SON OF TRICKY DICKY
IS GONNA MOTHER HUBBARD SOFT SOAP ME
WITH JUST A POCKETFUL OF HOPE
MONEY FOR DOPE
MONEY FOR ROPE
NINGÚN ASTUTO CAGUETA CORRUPTO DE PELO CORTO
VA A ENGATUSARME HACIÉNDOME LA PELOTA
CON UN PUÑADO DE ESPERANZA
DINERO PARA DROGAS
DINERO PARA LA SOGA
I’M SICK TO DEATH OF SEEING THINGS
FROM TIGHT LIPPED-CONDESCENDING –MOMMIES
LITTLE CHAUVINISTS
ALL I WANT IS THE TRUTH
JUST GIVE ME SOME TRUTH
I’VE HAD ENOUGH OF WATCHING SCENES
OF SCHIZOPHRENIC - EGO - CENTRIC
- PARANOIC - PRIMA - DONNAS
ALL I WANT IS THE TRUTH
JUST GIVE ME SOME TRUTH
ESTOY ASQUEADO DE VER COSAS
DE TÍAS CREÍDAS DE PICO CERRADO
PEQUEÑAS CHOVINISTAS
LO ÚNICO QUE QUIERO ES LA VERDAD
DAME UN POCO DE VERDAD
ESTOY HASTA LA CORONILLA DE VER ESCENAS
DE ESQUIZOFRÉNICOS Y EGOCÉNTRICOS
DE PRIMADONNAS PARANOICAS
LO ÚNICO QUE QUIERO ES LA VERDAD
DAME UN POCO DE VERDAD
Si a pesar de tanta claridad, sigues sin entender nada, siempre
puedes echar la culpa al mensajero. Pero espero que comprendas que
mis traducciones son de aficionado. En cualquier caso, el propio
Lennon tampoco entendía muchas cosas, así que decidió mostrarnos
todas, o por lo menos algunas, de sus incertidumbres en “Nobody
Told Me”.
Esta canción, en un principio, fue compuesta para el álbum de
Ringo, Stop And Smell The Roses. Pero, tras los disparos en Nueva
York, Ringo fue incapaz de utilizar este material en su trabajo, y
decidió devolvérselo a la viuda de Lennon, Yoko Ono. Lo cual le
honra, y dice mucho de él, ya que las canciones póstumas siempre
acaban siendo un éxito.
Yoko decidió utilizar este tema para el álbum que inició junto a
John Lennon en 1980, Milk and Honey, trabajo que retomaría en
1984. La canción retrata, de algún modo, lo absurdo y surrealista que
75
puede parecer el mundo que nos rodea, haciendo referencia a
problemas como el del hambre en el tercer mundo, y a la pasividad
ante estas dramáticas realidades. Incluso hace mención a un
avistamiento OVNI, del que fue testigo en 1974. Cuestión que
también señalaría en la portada de su álbum de aquel 74, Walls And
Bridges, en donde dejaría escrito: "el 23 de agosto de 1974, a las 9
en punto, vi un OVNI".
English
Español
Everybody's talking and no one says a word
Everybody's making love and no one really cares
There's Nazis in the bathroom just below the stairs
Always something happening and nothing going on
There's always something cooking and nothing in the pot
They're starving back in China so finish what you got
Todos están hablando y nadie dice nada
Todos estan haciendo el amor y nadie lo siente
Hay nazis en el baño debajo de las escaleras
Siempre ocurre algo y nunca pasa nada
Siempre hay algo cocinándose y no hay nada en la olla
Otra vez se están muriendo de hambre en la China, así
que termínate tu plato
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Strange days indeed -- strange days indeed
Everybody's runnin' and no one makes a move
Everyone's a winner and nothing left to lose
There's a little yellow idol to the north of Katmandu
Everybody's flying and no one leaves the ground
Everybody's crying and no one makes a sound
There's a place for us in the movies you just gotta lay
around
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Strange days indeed -- most peculiar, mama
Everybody's smoking and no one's getting high
Everybody's flying and never touch the sky
There's a UFO over New York and I ain't too surprised
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Strange days indeed -- most peculiar, mama
Nadie me dijo que habrían días como estos
Nadie me dijo que habrían días como estos
Nadie me dijo que habrían días como estos
Son días extraños, realmente son días extraños
Todos están corriendo y nadie se mueve
Todos son ganadores y nadie sale perdiendo
Hay un pequeño ídolo amarillo al norte de Katmandú
Todos están volando y nadie se eleva
Todos están llorando y nadie hace ruido
Hay un lugar para nosotros en las películas, solo tienes
que estar presente
Nadie me dijo que habrían días como estos
Nadie me dijo que habrían días como estos
Nadie me dijo que habrían días como estos
Realmente son días extraños, muy peculiares, mamá
Todos están fumando y nadie está flipando
Todos están volando y nunca tocan el cielo
Hay un OVNI sobre Nueva York y no me sorprende
demasiado
Nadie me dijo que habrían días como estos
Nadie me dijo que habrían días como estos
Nadie me dijo que habrían días como estos
Realmente son días extraños, muy peculiares, mamá
76
Si, el mundo puede llegar a ser un lugar hostil y realmente
incomprensible. Sobre todo cuando hablamos de guerras. A Lennon le
preocupaban mucho estas cuestiones, y decidió utilizar su fama para
protestar por la Guerra de Vietnam. Esto, por supuesto, puso
nervioso al gobierno norteamericano, que no le dejó entrar en Nueva
York para hacer su famosa “encamada por la paz”, que finalmente
haría, junto a su mujer, Yoko Ono, en Montreal, Canadá.
Allí, sentados en la cama, rodeados por amigos y por la prensa,
grabaron “Give Peace a Chance”, un himno generacional, pero cuyo
mensaje trasciende cualquier época, cultura, ideología, raza, género
o religión. Y ha acabado por convertirse en un símbolo de paz y unión
entre los pueblos. En un canto que se entona, espontáneamente, en
cada rincón del mundo, cada vez que empiezan a retumbar los
tambores de la guerra, mientras las aves del desierto vacían sus
vientres, sin piedad, preñados de muerte y de odio, contra los rostros
de unos niños cuyos lloros lejanos resuenan en nuestras conciencias,
al contemplarlos en unas frías pantallas que se preguntan cómo
repercutirá esto en el IPC, o en el precio del barril. Para Lennon, las
preocupaciones eran otras…
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Español
TWO, ONE, TWO, THREE, FOUR
DOS, UNO, DOS, TRES, CUATRO
EVRYBODYS TALKING ABOUT
BAGISM, SHAGISM, DRAGISM, MADISM,
RAGISM, TAGISM
THIS-ISM, THAT-ISM, IS-M, IS-M, IS-M
TODOS HABLAN DE
MOCHILERISMO, JODERISMO, ROLLISMO, LOQUISMO,
HARAPISMO, PIJISMO
ESTE ISMO, AQUEL ISMO, ISMO, ISMO, ISMO
ALL WE ARE SAYING IS GIVE PEACE A CHANCE,
ALL WE ARE SAYING IS GIVE PEACE A CHANCE
TODO LO QUE PEDIMOS ES QUE LE DEIS UNA OPORTUNIDAD A LA PAZ
TODO LO QUE PEDIMOS ES QUE LE DEIS UNA OPORTUNIDAD A LA PAZ
YEAH!
CMON
EVRYBODYS TALKING ABOUT MINISTERS,
SINISTERS, BANISTERS
AND CANISTERS, BISHOPS, AND FISHOPS,
AND RABBIS, AND POP EYES, BYE, BYE, BYE BYES
SI!
VAMOS
TODOS HABLAN DE MINISTROS,
TRAGEDIAS, BARANDILLAS
Y LATAS, OBISPOS, Y PESCADERÍAS,
Y RABINOS, Y OJOS SALTONES, ADIÓS, ADIÓS, ACUÉSTATE
ALL WE ARE SAYING IS GIVE PEACE A CHANCE,
ALL WE ARE SAYING IS GIVE PEACE A CHANCE
TODO LO QUE PEDIMOS ES QUE LE DEIS UNA OPORTUNIDAD A LA PAZ
TODO LO QUE PEDIMOS ES QUE LE DEIS UNA OPORTUNIDAD A LA PAZ
LET ME TELL YOU NOW
EVRYBODYS TALKING ABOUT
REVOLUTION, EVOLUTION, MASTURBATION,
FLAGELLATION, REGULATION, INTEGRATION,
MEDITATION, UNITED NATIONS,
CONGRATULATIONS.
AHORA DÉJAME DECIRTE
TODO EL MUNDO HABLA DE
REVOLUCIÓN, EVOLUCIÓN, MASTURBACIÓN
FLAGELACIÓN, REGULACIÓN, INTEGRACIÓN,
MEDITACIÓN, NACIONES UNIDAS,
FELICITACIONES.
77
ALL WE ARE SAYING IS GIVE PEACE A CHANCE,
ALL WE ARE SAYING IS GIVE PEACE A CHANCE
TODO LO QUE PEDIMOS ES QUE LE DEIS UNA OPORTUNIDAD A LA PAZ
TODO LO QUE PEDIMOS ES QUE LE DEIS UNA OPORTUNIDAD A LA PAZ
EVRYBODYS TALKING ABOUT
JOHN AND YOKO, TIMMY LEARY, ROSEMARY,
TOMMY SMOTHERS, BOBBY DYLAN,
TOMMY COOPER,
DEREK TAYLOR, NORMAN MAILER,
ALLEN GINSBERG, HARE KRISHNA,
HARE, HARE
KRISHNA
TODOS HABLAN DE
JOHN Y YOKO, TIMMY LEARY, ROSEMARY,
TOMMY SMOTHERS, BOBBY DYLAN,
TOMMYCOOPER,
DEREK TAYLOR, NORMAN MAILER,
ALAN GINSBERG, HARÉ KRISHNA,
HARE, HARE
KRISHNA.
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
ALL
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
TODO
WE
WE
WE
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WE
WE
WE
WE
WE
WE
WE
WE
WE
WE
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ARE
ARE
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
SAYING
IS
IS
IS
IS
IS
IS
IS
IS
IS
IS
IS
IS
IS
IS
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
GIVE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
PEACE
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
CHANCE
LO
LO
LO
LO
LO
LO
LO
LO
LO
LO
LO
LO
LO
LO
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
QUE
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
PEDIMOS
ES
ES
ES
ES
ES
ES
ES
ES
ES
ES
ES
ES
ES
ES
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
QUE LE
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
DEIS
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
OPORTUNIDAD
Y ya que hablamos de canciones míticas, de íconos en la
historia de la música, que han dejado su impronta como arquetipo del
hombre que lucha por la paz, y por las utopías de aquellos hippies de
los años 70, como símbolo de los sueños por un mundo más justo,
con el que se intentaba conjurar los peligros que acechan en el
interior del alma humana, debemos mencionar, sin duda, el más
famoso de los temas escritos por Lennon: “Imagine”.
Imagine pertenece al segundo álbum en solitario grabado por
John Lennon, que fue titulado de igual forma que esta canción. Su
publicación data de 1971, y se piensa que Lennon utilizó como
modelo el tema de los Beatles “I’ll Get You” de 1963, ya que en el
mismo se puede leer “Imagine I’m in love with you, it’s easy cause i
know”, que guarda cierto parecido. También se habla de las
influencias de Yoko Ono en su composición. Influencias que algunos
han descifrado en un libro de Yoko publicado en 1965, con el título
“Grapefruit”, y en donde dejo escrito “Imagine a raindrop” e “Imagine
the clouds dripping”.
Pero sin más preámbulos, esta es la letra y la traducción…
78
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
A
LA
LA
LA
LA
LA
LA
LA
LA
LA
LA
LA
LA
LA
LA
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
PAZ
English
Español
Imagine there's no heaven
It's easy if you try
No hell below us
Above us only sky
Imagine all the people
Living for today...
Imagine there's no countries
It isn't hard to do
Nothing to kill or die for
And no religion too
Imagine all the people
Living life in peace...
Imagina que no existe el cielo
Es fácil si lo intentas
Sin el Infierno debajo nuestro
Encima de nosotros solo el cielo
Imagina a toda la gente
Viviendo el hoy...
Imagina que no hay países
No es difícil de hacer
Nadie a quien matar o por quien morir
Y también sin religión
Imagina a toda la gente
Viviendo la vida en paz...
You may say I'm a dreamer
But I'm not the only one
I hope someday you'll join us
And the world will be as one
Puedes decir que soy un soñador
Pero no soy el único
Espero que algún día te unas a nosotros
Y que el mundo se convierta en uno solo
Imagine no possessions
I wonder if you can
No need for greed or hunger
A brotherhood of man
Imagine all the people
Sharing all the world...
Imagina que no hay posesiones
Quisiera saber si puedes
Sin necesidad de codicia o de hambre
Una hermandad de seres humanos
Imagínate a toda la gente
Compartiendo el mundo...
You may say I'm a dreamer
But I'm not the only one
I hope someday you'll join us
And the world will live as one
Puedes decir que soy un soñador
Pero no soy el único
Espero que algún día te unas a nosotros
Y que en el mundo se viva con unión
Para finalizar esta colección de grandes canciones, hemos
seleccionado “God”. Un tema dotado de una profundidad especial,
que solo puede ser fruto de una inteligente sencillez y sensibilidad, de
la madurez en lo humano a la que estaba llegando el mito.
No necesitaré consultar la letra ni la traducción en ningún sitio.
Es la única canción en inglés que sé de memoria. En ella, Lennon
desnuda su alma, enseña las cartas, se muestra tal y como es, nos
habla de su verdad. Te puede gustar o no lo que dice, pero no te
dejará indiferente. Porque no resulta habitual que alguien diga lo que
piensa con tanta franqueza y sinceridad, le duela a quien le duela;
que renuncie a su pasado, a sus raíces musicales, a su lucha por
cambiar el mundo. Y acabe declarando, finalmente, que todo a lo que
ambiciona es a tener una vida sencilla y familiar, normal y corriente,
con su pareja. En definitiva, una hermosa declaración de amor.
79
Al menos, después de escribir esta canción, pudo contar con
cinco años en los que cumplir este sueño.
English
Español
GOD IS A CONCEPT
BY WHICH WE MEASURE OUR PAIN
ILL SAY IT AGAIN
GOD IS A CONCEPT
BY WHICH WE MEASURE OUR PAIN
DIOS ES UN CONCEPTO
CON EL QUE MEDIMOS NUESTRO SUFRIMIENTO
LO DIRÉ DE NUEVO
DIOS ES UN CONCEPTO
CON EL QUE MEDIMOS NUESTRO SUFRIMIENTO
I DON’T BELIEVE IN MAGIC
I DON’T BELIEVE IN I-CHING
I DON’T BELIEVE IN BIBLE
I DON’T BELIEVE IN TAROT
I DON’T BELIEVE IN HITLER
I DON’T BELIEVE IN JESUS
I DON’T BELIEVE IN KENNEDY
I DON’T BELIEVE IN BUDDHA
I DON’T BELIEVE IN MANTRA
I DON’T BELIEVE IN GITA
I DON’T BELIEVE IN YOGA
I DON’T BELIEVE IN KINGS
I DON’T BELIEVE IN ELVIS
I DON’T BELIEVE IN ZIMMERMAN
I DON’T BELIEVE IN BEATLES
I JUST BELIEVE IN ME
YOKO AND ME
AND THAT’S REALITY
NO CREO EN LA MAGIA
NO CREO EN EL I CHING
NO CREO EN LA BIBLIA
NO CREO EN EL TAROT
NO CREO EN HITLER
NO CREO EN JESÚS
NO CREO EN KENNEDY
NO CREO EN BUDA
NO CREO EN EL MANTRA
NO CREO EN EL GITA
NO CREO EN EL YOGA
NO CREO EN LOS REYES
NO CREO EN ELVIS
NO CREO EN ZIMMERMAN
NO CREO EN LOS BEATLES
SÓLO CREO EN MÍ
EN YOKO Y EN MÍ
Y ESA ES LA REALIDAD
THE DREAM IS OVER
WHAT CAN I SAY?
THE DREAM IS OVER
YESTERDAY
I WAS THE DREAMWEAVER
BUT NOW I’M REBORN
I WAS THE WALRUS
BUT NOW I’M JOHN
AND SO DEAR FRIENDS
YOU’LL JUST HAVE TO CARRY ON
THE DREAM IS OVER
EL SUEÑO HA TERMINADO
¿QUÉ PUEDO DECIR?
EL SUEÑO HA TERMINADO
AYER
YO ERA EL TEJEDOR DE LOS SUEÑOS
PERO AHORA HE VUELTO A NACER
YO ERA LA MORSA
PERO AHORA SOY JOHN
ASÍ PUES, QUERIDOS AMIGOS
TENDRÉIS QUE SEGUIR VOSOTROS
EL SUEÑO HA TERMINADO
Quizás convendría apuntar que el “I Ching”, o libro de las
mutaciones, es un antiquísimo texto chino que suele ser utilizado con
fines adivinatorios; que el “mantra” es una técnica de meditación,
utilizando para ello la repetición de determinados sonidos, palabras o
frases; que cuando habla de “el gita” se refiere al libro sagrado de
los hindúes, el Bhagavad-Gita; que Robert Allen “Zimmerman” es el
nombre compuesto y apellido real de Bob Dylan; y que cuando se
refiere a “la morsa” se trata de un poema de Lewis Carroll, incluido
en el libro de Alicia en el País de las Maravillas, poema en el que la
morsa era utilizada como alegoría a lo nocivo de una ambición
desmedida y sin limites.
80
EL CARTERO DE NERUDA
En nuestra sección dedicada a la poesía no podía faltar una
referencia a Dylan Thomas, el poeta “maldito”. Y no podía faltar,
primero por su vinculación con la llamada generación beat, en la que
tanto influyó, debido a su carácter rompedor y rebelde, y a su
búsqueda de nuevos horizontes; y segundo, porque era uno de los
poetas preferidos de Lennon. Predilección literaria que, a la postre,
serviría para reforzar la amistad de Lennon con Bob Dylan,
cantautor norteamericano que, precisamente, adoptó ese nombre
artístico en honor al universal poeta galés.
Dylan Thomas nace en tierra celta, concretamente en Swansea
(Gales), un 27 de octubre de 1914. Y ya desde bien pequeño destaca
por su talento y dotes teatrales. Su padre, que ejercía como profesor
en el colegio donde cursó los estudios primarios, fue siempre
consciente de que había que fomentar sus potencialidades literarias,
viendo en su hijo la posibilidad de satisfacer su frustrado sueño de
escritor. Lamentablemente, las penalidades económicas
acompañarían a Dylan durante toda su vida, y no pudo pagarse una
buena carrera. No obstante, consiguió empleo como periodista en el
South Wales Evening Post, donde destacó por la fuerza poética de sus
artículos, y por dar rienda suelta a su natural tendencia al escándalo
con sus críticas de cine y teatro.
Pero donde encontró su camino, y la posteridad, fue en la
poesía. Con 20 años publíca su opera prima, Dieciocho poemas,
impresionando a la crítica por su lenguaje profundo, natural y
mágico, casí de druida, con la tématica que siempre rodeará a sus
escritos: el sexo, la muerte y la espiritualidad, sumergiéndonos en
81
una atmósfera oscura e irreal, quizás reflejo de sus problemas con el
alcohol. Problemas que potenciaron su aura de bohemio, inadaptado
y “maldito”.
Su tono metafísico, de poesía evocadora y de fondo romántico,
que parece sugerir un ambiente como de magia celta, de bosques
bucólicos, de ruinas que esconden un pasado, un misterio, lo
consolidaron como a uno de los más importantes representantes del
movimiento poético llamado “Nuevo Apocalipsis”. Por lo que llegó a
sentirse cómodo ejerciendo un papel casí como de profeta.
En 1936, año en que contrae matrimonio con Gaitlin
MacNamara, publica su segunda obra: Veinticinco poemas. Lo que
no le salva de su precariedad económica. Lo cual, no sé si era la
causa, pero no debió de ayudar en su adicción por el alcohol, que
cada vez era mayor. Adicción en la que se encontraba más cómodo e
inspirado para escribir una poesía que, según sus palabras, debía de
ser oralidad. Y es en esa oralidad donde descubre la radio.
Al estallar la Segunda Guerra Mundial decide alistarse, pero es
declarado como no apto para el combate. Por lo que, en la radio,
encuentra la manera de colaborar con las tropas, animando a los
soldados y a la población civil con su trabajo como guionista;
ejerciendo de comentarista sobre trabajos cinematográficos; y, sobre
todo, fascinando al público como locutor, por su voz profunda,
magnética y cautivadora.
Tras finalizar la contienda, publíca la que es considerada como
su obra cumbre: Muertes y entradas. Y viaja a los Estados Unidos
para trabajar como guionista de cine, gracias a su experiencia en la
radio. Sin embargo, no llegará a ver ninguno de sus trabajos en la
gran pantalla. El 9 de noviembre de 1953 sufre una hemorragia
cerebral, probablemente como consecuencia del coma etílico por el
que pasó algunos días antes, y a la mezcla de medicinas y alcohol. Y
curiosamente, en la misma ciudad en donde Lennon perdería la vida
27 años más tarde, Nueva York.
Pero la muerte no tendrá señorio, como el mismo escribió,
dando paso a la leyenda y al mito. Así que, como no podía ser de otro
modo, finalizaremos este breve artículo, dedicado a “el último
maldito”, con uno de sus poemas más conocidos: “Oh make me a
mask”. En español: “Fabrícame una máscara”.
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Fabrícame una máscara y un muro que detenga a tus espías
de penetrantes ojos esmaltados y garras telescópicas,
estupro y rebelión en las facciones de mi rostro;
una mordaza de árbol caído que sujete a enemigos desnudos,
a la lengua de bayoneta en este rezo desguarnecido,
a la boca presente, y a la dulce trompeta del engaño;
ataviada en antigua armadura, y en roble, la aprobación de un tonto,
para usarla de escudo contra la inteligencia esplendorosa,
y sembrar confusión entre los jueces examinadores;
y el viudo lamentar, manchado por las lágrimas,
curvado al descender por las pestañas,
para disimular la belladona, y que los ojos secos perciban
cómo otros traicionan las mentiras plañideras de sus pérdidas,
con el doblez de la desnuda boca, o de la risa solapada.
- Dylan Thomas -
83
CLAVES DEL PRESENTE
“No parece una actitud saludable el estar bien adaptado en una sociedad
profundamente enferma”
Jiddu Krishnamurti
Maharishi Mahesh Yogui con los Beatles, en 1968
Sin la profunda y transformadora influencia musical y social que
representaron los Beatles, el mundo actual sería muy diferente. Su
influjo puede percibirse, aun hoy, en temas diversos. Entre los que
podría mencionarse: el pop, lógicamente; el cine, como vimos en el
artículo que dedicábamos a esta cuestión; en los videoclips
musicales, pues fueron los primeros en utilizarlos para promocionar
sus singles y LPs; en el fenómeno fans, que hasta su aparición no se
había manifestado de una forma tan evidente; en la política, sobre
todo en el caso de John Lennon y sus encamadas por la paz; etc.
Pero aquí vamos a abordar su participación en una de las
modas más típicas de los años 60: la fascinación por la cultura, la
mística, y las filosofías orientales. Pero quizás es algo a lo que no se
le ha dado excesiva importancia. Cuando, sin embargo, es una de las
claves que explican nuestro presente. Un presente en el que las
grandes religiones tradicionales han ido perdiendo, paulatinamente,
su peso e influencia en las sociedades occidentales. Tanto es así, que
la Iglesia católica se vio obligada a convocar el Concilio Vaticano II,
de la mano de su Santidad Juan XXIII. En el que se adoptaron
medidas para intentar modernizar las anquilosadas tradiciones
eclesiásticas. Tales como dejar de dar misa en latín, y utilizar las
lenguas propias de cada país.
84
Esta percepción, de una Iglesia alejada y ajena a la realidad, ha
llevado a muchos, como digo sobre todo a partir de los años 60, a
interesarse por otras visiones y formas de interpretar y adentrase en
la cuestión metafísica. En este sentido, habría que señalar la
importancia de la obra de Carl Gustav Jung, el más famoso de los
discípulos de Freud, en la que explicaba cómo, en el ser humano,
reside un fuerte instinto espiritual en su interior, que convive junto
con otros de naturaleza más primaria. Y que la historia humana es
como un péndulo que oscila entre épocas “espirituales”, como la Edad
Media; y otras en las que se intenta explicar todo desde la lógica y el
conocimiento, como ocurre en la actualidad. Sin embargo, Jung
advertía que el péndulo empezaba a virar.
Y los Beatles no fueron ajenos a este “despertar” en la cultura
occidental, a esta asimilación de las visiones espirituales de oriente. Y
como protagonistas de su tiempo, aportaron su granito de arena
sobre esta cuestión. Especialmente George Harrison, que, sobre
todo durante los años 70, interiorizó esta problemática, hasta el
punto de convertirse en un referente para muchas personas, en un
icono de espiritualidad y de compasión.
En este marco histórico debe entenderse la visita de los Beatles
a La India, en 1968, para recibir las enseñanzas de Maharishi
Mahesh Yogui. Pero no fueron los únicos, los componentes de los
Beach Boys, por poner otro ejemplo, también se interesaron por sus
cursos de meditación trascendental. Llegando el cantante del surfero
grupo californiano, Mike Love, a convertirse en todo un maestro en
esta sutil disciplina oriental.
Maharishi Mahesh Yogui ya era una celebridad antes de 1968.
En 1960 llega a los Estados Unidos, donde empieza a dar clases de
yoga y de meditación. Tal es su éxito, que comienza a fundar
escuelas, institutos y universidades, centradas en estas enseñanzas,
por todo el mundo. En la India, USA, Holanda, etc. Pero, qué duda
cabe, que la visita de los Beatles a su centro en Rishikesh, en el norte
de la India, acabo por catapultar su éxito e influencia en la
contracultura de los años 60 y 70. Aunque, sin embargo, dicen que
esta visita concluyó de forma un tanto abrupta, tras las insinuaciones
del guru hindú con una de sus atractivas acompañantes.
Esto provocó el desencantó de Lennon, y dicen que le dedicó el
tema “Sexy Sadie”, en cuyo estribillo puede leerse: “¿Qué has
hecho? Nos has dejado a todos en ridículo”. Pero Lennon no fue el
único que crítico las debilidades por las mujeres, el lujo y el dinero,
por parte de este líder espiritual cuyas enseñanzas son seguidas, aun
en la actualidad, por millones de personas en todo el mundo. Críticas
85
ante las que solía responder siempre con la misma sentencia:
“Simplemente sé tú mismo”.
Así y todo, no cabe duda de que la influencia hindú en la música
de los Beatles fue más que notable, a partir de la segunda mitad de
la década de los años 60. Ya que empezarón a utilizar instrumentos
como la sitar, y a introducir en sus letras mensajes que reflejaban el
pensamiento y la filosofía hindú. Mencionar en este sentido, por
ejemplo, el tema “Across The Universe”, en el que utilizaron la
expresión hindú “Jai Guru De Va Om”, que puede traducirse como
“Gracias de corazón Maestro de lo Divino”. A lo que añadieron “nada
cambiará mi mundo”, aludiendo a la influencia de equilibrio interior
que se consigue mediante la meditación trascendental.
Pero para entender bien por qué unos chicos de Liverpool se
dejaron seducir por estas cuestiones, habría que remontarse hasta la
época victoriana, momento de máximo esplendor, e ifluencia, del
Imperio Británico. Un imperio que se cimentaba en sus posesiones
coloniales en el Caribe, África, Oceanía, Oriente Medio, y sobre todo
en la que era considerada la joya de la corona: la India. Colonias
desde las que se obtenían las materias primas, que eran
manufacturadas posteriormente por la naciente industria, fruto de la
Revolución Industrial, en productos de consumo en serie que
enriquecían las arcas británicas, permitiendo así mayores inversiones
en su ejército y armamento. Lo que, a su vez, les facilitaba poder
seguir manteniendo sus posesiones de ultramar. Incluso aumentarlas,
hasta China y el Lejano Oriente.
Pero Gran Bretaña obtuvo de la India algo más que grandes
cultivos de thé, o de algodón. Existió también un intercambio cultural,
fruto del cual nace el Teosofismo, que introduce en occidente las
ideas, religiones y filosofías orientales.
La Teosofía puede considerarse como una pseudoreligión,
fundada por occidentales que descubrieron fascinados la magia y el
encanto de las religiones, y del pensamiento oriental, a finales del
siglo XIX. Este descubrimiento de primera mano del budismo, y del
hinduismo, les hace percatarse de que, en todas las culturas, hay un
intento de aproximación hacia lo divino, desde su particular prisma
social, étnico o histórico. Y concluyen con la idea de que en cada
religión hay una parte de esa verdad, que debe ser buscada.
Y es así como, con estas ideas en mente, empiezan a poner de
moda, y a importar, conceptos como la reencarnación o el karma,
ante las asombradas mentes decimonónicas. Que combinaron con
ideas masónicas, y con pensamientos de diversos movimientos de
origen esotérico, como los gnósticos o los rosacruces; así como, el
entonces muy de moda, movimiento espiritista.
86
Todo este enfoque, aunque parezca increíble en nuestro actual
mundo tecnificado y consumista, tuvo una importante influencia entre
los intelectuales y pensadores de principios y mediados del siglo XX.
Entre los que podemos nombrar poetas como Fernando Pessoa o
William B. Yeats, músicos como Van Morrison, o políticos como
Mahatma Gandhi.
Así y todo, su influencia se limitaba a una minoría de un mundo
elitista. Solían ser personas que disfrutaban de una elevada cultura,
gracias a su también elevada posición social. Lo revolucionario en los
años 60 es que estas ideas se universalizaron, llegaron a todo el
mundo. Algunos opinan ahora que a modo de gigantesco experimento
sociológico, con el que se intenta conseguir una religión común para
toda la humanidad.
Teorías conspiranoicas al margen, lo cierto es que, a partir de
1968 y la visita de los Beatles a Maharishi Mahesh Yogui, la
meditación trascendental, el budismo, las artes marciales (sobre todo
por la influencia de Bruce Lee, también en los años 60 y 70), o el
yoga, son cuestiones cada vez más presentes y con más
protagonismo. Hasta el punto de que nos hemos ido familiarizando
con palabras de origen sánscrito, como “chakra”, “mantra” o “karma”.
Y con otra con la que voy a concluir este artículo… Namasté.
87
PRÓXIMO NÚMERO
“Tengo la sensación de que, en mi vida, no paso nada interesante hasta la aparición de
los Beatles”
Gabriel García Márquez
García Marquez es un excelente novelista, qué duda cabe. Pero
si es cierto que esta cita le pertenece, como dicen, creemos
humildemente que se equivoca. En el sentido de que antes de los
Beatles pasaron cosas muy interesantes, en forma de jazz. Sin
menoscabo de la gradeza del cuarteto de Liverpool. Grandeza a la
que le hemos dedicado este segundo número de nuestra revista,
como se merecían.
Pero hemos pensado en abordar esta cuestión, en la próxima
Terapia, porque el jazz son nuestras raíces, hermanos, nuestra
historia. No podremos entender nada, sobre el Rock ni sobre nada, si
no comprendemos el jazz.
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Próximo número que si se publica será, por supuesto, durante
el próximo verano, el del 2011. Con tal motivo proponemos, a quien
corresponda, que en dicha efeméride sea proclamado “el año
internacional del jazz”.
Porque queremos que descendáis escaleras abajo, en blanco y
negro, esquivando insectos aplastados, vasos rotos, restos de whisky,
y pisando cigarrillos rubios aun encendidos. Y al abrir la puerta del
pasado, encontraros en mitad de una sala humeante, cargada de
vapores etílicos, servidos en pequeñas mesas, en torno a un
escenario en forma de patíbulo, como una insinuación sombría, de la
que surgen melodías improvisadas, notas que acarician el aire,
sonidos que desbordan el alma. Y entonces… ya formas parte del
jazz, hermano.
Si los años 60 fue una era dorada para toda mente creativa
viviente, los 50 marcaron el inicio del Rock And Roll, pero también el
momento en el que el jazz alcanzaría cotas insuperables de
inmensidad artística. Sobre todo en torno al Cool, una de las
múltiples caras del jazz, con la que se hermanaron el estilo de fuerza
e improvisación de los músicos negros, con el toque de orden
rítimico, de música clásica en definitiva, del llamado jazz blanco, que
se estaba popularizando en la costa oeste norteamericana, a
principios de aquellos años 50.
Es en ese marco histórico en el que surgen figuras de la
enormidad de Miles Davis, con su sonido intimista y vulnerable; de
Ornette Coleman, y su búsqueda experimental de nuevos
horizontes; de John Coltrane, y su espiritualidad al saxo; de
Charlie Parker, cuya maestría sobrevuela, aun hoy, en la huella que
dejó impresa en los músicos que le sucedieron; de Dave Brubeck, y
la elegancia y estilo de sus composiciones; de Art Pepper, y su
música atormentada; de Stan Getz, y el tono cálido y lírico de su
arte; de Bill Evans, y su poesía al piano; y de tantos otros.
Además, seguían en activo otros maestros del jazz que ya
habían demostrado sobradamente su talento, como Duke Ellington,
y su orquesta de Swing; o Louis Armstrong y su entrañable sonrisa
y personalidad, que aunado con su talento natural a la trompeta, y
con su peculiar voz, dieron como resultado una leyenda querida,
respetada, y admirada por todos.
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En los 60, con su creatividad extrema, que inundaba el
panorama artístico de aquella época, tuvo también su influencia en el
jazz, en forma de fusiones. Y uno de los intentos más destacables en
este sentido fue la fusión del jazz con el Rock, de Miles Davis. Aunque
creo que se podría decir que Stan Getz tuvo mejor suerte, con su
fusión con la bossa nova brasileña. Gracias al éxito que obtuvo con su
“The Girl From Ipanema”. Tema inolvidable, y que rivalizó en las
listas de éxito con el “A Hard Day’s Night” de los Beatles.
Todo esto, y mucho más, en nuestro próximo número. Os
esperamos a todos.
Firmado: El Chamán
To Be Continued, My Friend
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