El papel de las publicaciones periódicas en la renovación
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El papel de las publicaciones periódicas en la renovación
El papel de las publicaciones periódicas en la renovación modernista Escribo para no morirme antes de tiempo La historiografía cubana ante el problema de la prostitución El enigma de perpetuidad de la Televisión Serrana entana S ur V REVISTA CULTURAL DE LA PROVINCIA DE GRANMA 1 NÚMERO 15 20 años de identidad cultural 2 PARALELOS 3 Las culpas breves del cine Carlos Esquivel sumario Director: Edgardo Hinginio Edición: Mario Cobas Sanz Guatemala: narradores siglo XX, la creación inconclusa 8 Mauricio Núñez Rodríguez Diseño y composición: Carlos Daniel Montejo Matamoros DÉCIMA PÁGINA 10 Eutimio Aguilar Aliaga. Corrección: Abel Guerrero Castro Unimultiplicidad en iberoamérica: 12 El desafío de la construcción de un patrimonio cultural común. José Do Nascimento Junior Relaciones Públicas: Lucy Milanés García El ser cubano. Mis padres y yo nos llevamos bien. 17 Irela Casañas Impresión: Gonzalo Mendoza Rabelo Desafíos del espejo: pensarse. 21 Daniel Díaz Mantilla Encuadernación: Yordanka Mardembough ENTREVISTA 24 Siempre original y desde Manzanillo. Dilbert Reyes Rodríguez LEXÍAS 27 Andrés Conde Vázquez./ Yorelis Alarcón Figueredo./ Ariel Ovidio Álvarez./ Geovanys Almeida Fleitas./ Elizabeth Bringas Ballesteros. A PIE DE PÁGINA 30 Acerca de la fundación de la villa San Salvador. Juan Valentín Gutiérrez Rodríguez./ Elementos histórico sobre la prensa periódica de Bayamo de 1902–1925. Ernesto José Parra Muñoz. FABULACIONES 38 La mariposa. América del Carmen Rego Roqueta./ Sínfonía urbana. Genry Willian Martínez Jeréz./ Algún lugar detrás del vacío. Reinier Rodríguez Guevara. RECONOCIMIENTO 44 Original de Manzanillo: típica expresión de cubanía. Marcio Ulises Estrada Paneque./ Wilfredo Salvador Naranjo y la Orquesta Original de Manzanillo. Onelia Méndez Jiménez. 50 Poesia inspirada en La Original: Hijos de ciudad. Yoendris Rafael Marín Saborit./ Sagrada verdad. Ángel Pascual Larramendi Mecías. EL ÁGORA 51 Panorama del anime Japonés y su influencia en Cuba. Jorge Luís Lovio Caballero./ La burbuja heroica en el Laberinto de la espuma. Susel Ortiz Fonseca./ Con qué música se mueve nuestra emisora comunitaria. Humberto Zamora Fajardo./ CNC: el telecentro provincial granmense. Gleidys Rivas Hidalgo./ Miradas distorsionadas del sexo opuesto: la representación de la mujer en la obra de Gustavo Echevarría, Vladimir León y Lancelot Alonso. Yanet Zulueta Saez. CONSEJO EDITORIAL: Luis Carlos Suárez Arsenio Rosales Juan Salvador Guevara Erwin Caro Iliana Orozco Ludín Fonseca Domingo Cuza Pedrera Envíe sus colaboraciones a: Centro Cultural Ventana Sur General García 166 A, esquina a Luz Vázquez y Moreno Bayamo Granma Cuba C.P: 85100 Telf: (023) 41 1112 C.E: [email protected] En la cubierta: “S/T” Julio Oduardo Cada trabajo expresa la opinión de su autor Impresa en el Taller de Ediciones Bayamo CPLL Granma RNPS: 0369 MÁS ALLÁ DE LA VENTANA 68 José Kozer entre insularidad y juderías Número 15 Ventana Sur 3 Año 2014 EDITORIAL Ventana Sur vuelve, a manos del lector, con el deseo expreso de ser vehículo eficaz de las inquietudes artísticas y literarias de creadores cubanos y de otras latitudes. En el presente número hemos querido rendir merecido homenaje a Wilfredo Salvador Naranjo Verdecia, Pachy, y a la Original de Manzanillo en el aniversario 50 de la fundación de la orquesta insignia de la música en la provincia. Su impronta en la cultura cubana desfila por estas páginas en voces de los protagonistas, a lo cual se suman sendos poemas escritos por Yoendris Marín y Ángel Larramendi. Interesante para el lector será encontrar el trabajo sobre “Las culpas breves del cine”, algo de lo cual tal vez el cine no sea tan culpable. Volvemos –nunca es ocioso hacerlo—al aniversario de la villa San Salvador de Bayamo, que añade esta vez elementos a una polémica aun no resuelta. Por primera vez en nuestras páginas tres artículos que abordan temas fuera del contexto nacional: el referido a los narradores guatemaltecos del siglo XX, otro que aborda la unimultiplicidad en Iberoamérica, y el panorama del anime japonés y su influencia en Cuba. Sirvan esta página de invitación a un encuentro con la presente entrega de Ventana Sur. 4 paralelos LAS CULPAS BREVES DEL CINE 1- La maldita reafirmación de que soy malditamente semejante a mis semejantes me la da el cine, mi devoción falsificada con imágenes. 2- Hablo de la experiencia de parecer uno solo cuando hablo por los demás. Es el invento más lujurioso del arte, al menos para quien converge bajo esos signos. 3- El cine, según el lugar común, es el resumen de todas las artes, o (parodio a Breton) el centro de la historia. Es la respuesCarlos ESQUIVEL ta más frágil para colisionar, enmarañar y agrandar los géneros de la coexistencia artística. Como lo de ciertos (Escritor) hedonismos verbales jerarquizados, integrados, a la fuerza, a una irrupción, a una inauguración de un arco de vanguardia. La rebelión de los plagios creativos ante los plagios clandestinos. Muchas veces unos son otros, y se confunden en el espejo de las ejecuciones, el uno quema la traslación del otro, la cubre con impermeable belleza (el tránsito siempre es adornado por una exterioridad que responde al artificio del mencionado espejo: Erised quiere ser, o verse, como Galadriel, el chamuscado Harry Potter quiere convertirse en la resplandeciente, y transfigurada imagen, de El señor de los anillos). 4- El teatro es el primo más cercano del cine, después de la literatura. No hay hermanos. Abel y Caín juegan un juego más serio. Juntos pero no revueltos: cine y literatura. ¿Y aquel poema de dos bosques uniendo sus incendios? El cine y la literatura. Dos bosques comprometidos con sus propios árboles, con sus propios incendios. La dimisión sería falaz si no comprimiera los fervores intimistas de cada época, de cada público. 5- Veo el garabato de unos westerns donde los cuadros siguen habitados por los mismos personajes de siempre: el reducto de una iluminada instalación plástica donde el espectador puede penetrar en el misterio de la historia porque, simplemente, no hay misterio. No hay historia. No es que sea imprevisible, es que no puede ir más rápido, y cine-cinética parece una ley robótica que los vaqueros yanquis del Black Mountain defecaron a diestras y siniestras. 6- No es complejo asociar la destrucción de la contradicción al orden de indisolubilidades que necesita un saneamiento simplista de la saga de la supervivencia. Si no existiera Hollywood tendríamos derecho a ser más inteligentes. No es que lo seríamos. De eso no se trata, al menos, a la manera norteamericana. Podríamos ser más inteligentes. No la evolución de las especies sino la sustitución de una especie por otra. 7- Gracias a los ingleses existieron Dante, Mozart, Da Vinci: o mejor, gracias a que no descubrieron los Estados Unidos hasta el 1620. 5 paralelos 10- Al desastre de la civilización podemos llamarle la civilización del desastre. Se entiende del mismo modo en que Baudrillard explora la perspectiva simbólica de una violencia comprometida con lo que la inspira. El cine es una leve disyunción de la realidad. Las águilas fílmicas del Torture porn o el snuff movie no podrán ser más violentas que cualquiera de los noticiarios de la ABC. Tarantino o Michael Haneke no son más violentos que el splatter o el gore que ellos describen. 11- Más violentos no, pero tampoco eso los salva. Todos ellos parecen conservadores al evaluar una realidad convulsa y esgrimir la consigna de que solo intentan criticar los rumbos vehementes de su sociedad. Puede que así sea, pero lo primero que hacen es precipitarse a redescubrir una tradición que parece no terminar: la conceptualización grupal de una sociología de la marginal proximidad entre el arte y la violencia. 12- Quizá el arrepentimiento y el resentimiento constituyen ambos la forma última, el estadio supremo de la historia del arte moderno. Baudrillard está consciente de que esa alienación compartida entre el arte y la cosa que nombra el arte es el reducto de un valor opresivo. 13- Entre esos monos de Kubrick y los de Tim Burton (El planeta de los simios, 2001) hay un silencio que devuelve a su estado inicial la culminación de un lenguaje impropio: el de las máscaras. Las máscaras han condicionado el escenario de unas piruetas ensayadas para aplaudir grotescamente el sacrificio de los supuestos elegidos, los genios. Buñuel duerme en una montaña postiza mientras King Kong se acuesta con una sensual dama de Cinecittà. 14- Pienso que Robert Wise era un inútil talentoso, como Alman o Cukor, como Aldrich o Rosellini. Como Orson Welles. Siento el monólogo barroco que mortifica los territorios de un cine folclorista. Increíblemente Joyce es Joyce en Dublín o en una aldea africana: ese camino que Stephen Dedalus descubre es análogo porque nace desde una conciencia Si la gran mancha de país que es USA hubiese sido descubierta hace unos pocos años, el cine no hubiese sido el mismo, los géneros no hubiesen sido los mismos, los nombres no hubiesen sido los mismos. 8- No es el último de los encantos de América que el país entero sea cinematográfico incluso afuera de las películas. Jean Baudrillard vuelve a ser el elegido, el gurú del vertedero. El Ginsberg-Bukowski de su generación. Cada ciclo de pensamiento es superior a su evolución como ciclo. Estoy seguro que la idea “infinito” produce una escisión comprensible en el artista contemporáneo. ¿Por qué en el artista contemporáneo y no en otro? Porque las moscas de la ecología son más teóricas que las que se posaban sobre Botticelli. Porque Buda sube libras por días. Porque la libertad de las tradiciones produce una colisión de otras libertades. Porque ahora puedo hablar con Mask-bot, que es un rostro robot, que no me replica nada, aunque esa estación en la que convivimos sea pasajera, un pacto de claridad difusa. El arte, el artista contemporáneo, representa al David Bowman hibernando en ese vuelo nietzscheano a la odisea espacial de Kubrick. 9- Los monos de la sobrevalorada secuencia de 2001. Una Odisea espacial, demuestran la fenomenología de ese arte expresado no como método sino como memoria o prejuicio de la información. Uno de los grandes desafíos del artista será adaptar los proyectos de comunicación global (los que sobreviven y se establecen desde una ley social limitada y delimitada por el mercado e, incluso, por la compactación política que reproduzca tal sistema) y tamizarlo a la equivalencia individual de esa comunicación. 6 Henry Miller 7 paralelos vida contemporánea se corresponde, y enfrenta, bajo las confluencias de esos signos. La lista de futbolistas del año. La lista de los mejores álbumes pop en Inglaterra. La lista de los servidores de vídeo. La lista de mejores vinos de Borgoña. La lista de Schindler. 19- Revisemos las listas de Henry Miller y las de Fernando Savater. Dos ejemplares diferentes, y por esa figuración, dos apuestas diferentes. Ganancias de objeto de uso, en la lista del autor de los Trópicos, raros objetos de uso: La última carcajada (Emil Jannings), No se necesita dinero (Walter Ruttmann), El ballet mecánico (Léger), Iván el Terrible (Sergéi Eisenstein), El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene), La multitud (King Vidor), A Nous la Liberté (René Clair), Mi adorable enemiga (Max Ophuls), El acorazado Potemkin ((Sergéi Eisenstein), Codicia (Eric von Stroheim), Tormenta sobre México (Sergéi Eisenstein), Moana (Robert O’Flaherty), Mayerling (Charles Boyer y Danielle Darrieux) y Amanecer (Friedrich Wilhelm Murnau). 20- He tomado la bolsa que Miller traía consigo al salir del supermercado y he sacado de ella Un sombrero de paja de Italia, El camino hacia medieval. Cuando digo Joyce puedo decir Godart o Peter Greenaway. Occidente se ha mudado a todas partes. Cuelgan en sus balcones las raídas ropas de naciones infectadas por los caciquismos estéticos que las constriñen hasta convertirlas en anexo de culturas “superiores”. 15- También El hombre araña trata de ser el mismo en Nueva York o en Bagdad. Bagdad es, también, Kabul, y Kabul es, a no dudarlo, el Mekong. Y los puntos discursivos van hacia múltiples direcciones y épocas. 16-La lista de las mejores películas olvidadas podría encabezarla Berlin Express (Jacques Tourneur, 1948). Pero sería una lista compleja porque nadie olvida igual. Aun así, ignoradas y sufriendo por el reconocimiento que se merecen, en un lugar del olvido del que ahora quiero acordarme yacen: El castillo (la única versión digna que, tal vez, se le haya hecho a una obra de Kafka, 1968, Alemania- Suiza, de Rudolf Noelte), Los niños del paraíso (Francia, 1944, de Marcel Carne), El pasto verde (USA, 1936, de William Keighley), Conflicto en el paraíso (USA, 1932, de Ernest Lubitsch, a pesar de ser uno de los directores más reconocidos de su época), La sinfonía pastoral (Francia, 1946, de Jean Delannoy), 55 días en Pekín ( USA, 1963, de Nicholas Ray), Fabiola (Italia, 1951, de Alessandro Blasetti), El último puente (Austria, 1957, de Helmut Kautner), El bufón (USA, 1956, de Norman Panama), Bajo la máscara del placer (Alemania, 1925, de Georg Wilhelm Pabst). Y son muchas más. El tiempo del olvido es el mismo tiempo en el que transcurre el arte. 17-No me apasionan las listas. Veo en ellas un desencuentro con el absolutismo crítico. Muchas repiten el parpadeante catálogo de unas disquisiciones a ras de piel, a ras de murmuración. La mayoría son aburridas, lo pueril encarna el almacenaje de unas vísceras de mercado. El desplome de la gótica mercantil. 18- Siempre subordinamos nuestra capacidad de elección al frágil tejido de contradicciones enmascaradas en una ambigua pluralidad. La paralelos la vida, La sonriente señora Beudet, Rocambolesque, Tres camaradas y una invención, La maternal, Otero, Los marinos de Cronstadt, Muchachas de uniforme, Dorothea Wieck, Crimen y castigo, Pelo de zanahoria, El banquero Pichler, El delator, El ángel azul, y otras. 21- ¿Y qué con la elección hecha por Fernando Savater? En su libro Sobras completas, el autor español amontona diez películas sagradas. 1King Kong (porque es el gran sueño de amor). 2- El hombre que mató a Liberty Balance (por la imposible amistad entre John Wayne y James Stewart). 3- Campanadas a media noche (por la desencantada dignidad con que Falstaff disculpa al rey que no lo reconoce como amigo). 4- To ver or no to be (por el momento en que el actor judío recita el monólogo de Shylock a Hitler). 5- El halcón maltés (por el duelo Bogart – Lorre). 6- Frankenstein (por el monstruoso cariño de Karloff por sus semejantes, o mejor, por sus desemejantes). 7- Con la muerte en los talones (por la escena de la subasta). 8- Sopa de ganso (porque Groucho es Groucho). 9- La quimera del oro (porque en ella Charlot logra ser Charlot). 10- Drácula, príncipe de las tinieblas (por ver a Christopher Lee hacer de espectro mudo). 22-Los comentarios añadidos son de él, por supuesto, y el por supuesto se impone porque yo no enfatizaría igual, aunque coincida en que para elegir hay que desterrar primero. El esqueleto canónico es una posibilidad, pero no la posibilidad. 23-Un decálogo es más que todo una influencia lúdica en nuestros negocios con el arte. El diez comienza a ser la variable estratégica en la que coinciden los efectos de una sensual lógica: el número redondo, que en uno comienza a ser dos. 24-Reviso la perpetua secuencia de mi película personal. Flaherty recupera a Meliès y David Lynch hace lo mismo con D.W. Griffith. Woody Allen transplanta a Frank Capra a Manhattan. El primero es el inventor, el segundo será el popularizador, el tercero será el asesino. La teoría, si acaso puede convertirse en ello, devela la verificación de una lúcida interpretación de Octavio Paz. Él es el inventor entonces, yo lucho por desviarme de los discernimientos ulteriores. Reciclar las ventajas de la inconciencia poética parece una fórmula embridada por un Newton melancólico. El oro se desperdicia. Las metáforas se desperdician. Motín a bordo en un barco de liras. 25-Bienvenidos a la génesis de una depredación solitaria. Un decálogo que para mí no significa diez, quizás porque puedo explorar la dialéctica de un arte congelado por los cuerpos que revelan la abstracción de cualquier cifra. Cuando digo diez me refiero, desde una oralidad oprobiosa, a la marca de un signo alfabetizado por mis cálculos de tradición. 26-10- La vida es bella (es el sueño terrible que no nos supieron contar antes, o quienes lo hicieron estaban muy (a)pegados al disfraz). 9- El ballet mecánico (el mejor rótulo es que expresa una impalpabilidad de sentidos, unos culebreos, unos drippings a la alemana). 8- Último tango en París (esas películas donde el cuerpo se convierte en una imagen muy imprescindible dentro de todas las imágenes, una imagen rebelada por un puritanismo fragmentado entre lo 8 paralelos bello y lo provocador, ahí donde el cuerpo –desnudo– es naturaleza, y es metáfora entrópica de la cópula, entre tragedia y subversión de la misma, siempre a partir del sexo: ahí desfilarían Garganta Profunda, El imperio de los sentidos, La mujer pública, Calígula, Boogie Nights, pero mi fervor coincide con la de Bertolucci). 7- La balada del soldado (reescribe, con desparpajo, un heroísmo, ineludible, el de un país emboscado por torrentosas encrucijadas. Chujrái ha construido una verdadera oda sentimental pero desde una perspectiva en la que pudo vertebrar, en una misma pócima, a Chaplin, a Pudovkin, y a los grande maestros de la narrativa y el teatro ruso). 6- Los cuatrocientos golpes (El guardián en un trigal parisino). 5- Ninotchka (debía haber entre mis adquisiciones alguna comedia. Pensé en Annie Hall, La vida de Brian, Sopa de ganso, algunas de Chaplin. Me atrapó la aureola de El verdugo, de Verlanga y la rara sensualidad de El apartamento. Entonces me decidí por un filme de 1939, en el que Ernst Lubitsch hace sonreír a Greta Garbo, y une y desune géneros). 4- Fanny y Alexander (prefiero a Bergman: es mi compra de la buena suerte, así sin más). 3- Amarcord (las películas de Fellini parece que ejercen una especie de magnetismo cósmico. Parece también que no se terminan. Tal vez eso es lo que deseamos muchos espectadores). 2- El gabinete del Doctor Caligari (lo primero, y casi lo único, que hacen Robert Wiene, Carl Mayer y Hans Janowitz es conectarse con Kafka, no a Freud, como dicen algunos, y la suerte de ellos está en que esa conexión no es decorativa como sí ocurre con una buena parte de las películas expresionistas). 1- Viridiana (o podría ser El discreto encanto de la burguesía. Lo que me importa de estas películas es que sus atmósferas jamás sobrepasan la implicación de los personajes en ellas. El espectador está vivo para saberlo). 27-En fin, el arte es la probabilidad de que lo real parezca real, aunque lo sea. Charles Chaplin 9 paralelos GUATEMALA: NARRADORES SIGLO XX, LA CREACIÓN INCONCLUSA Si se analiza la creación cuentística guatemalteca en el siglo XX a partir del prisma que brinda la antología Guatemala: narradores siglo XX1 que propone el narrador, poeta y editor guatemalteco Armando Rivera2 nos acercamos a un universo con numerosos atractivos idiotemáticos y composicionales al asomarnos a la pasada centuria a través de veintidós piezas de igual número de autores. Múltiples las lecturas Mauricio NÚÑEZ RODRÍGUEZ posibles a este volumen plural y no siempre, precisamente, literarias. Emerge una sociopolítica (y hasta contex(Escritor) tual) que me parece meridiana por estar estrechamente relacionada con el destino y la suerte de sus autores. Me explico más: este volumen integra creadores que permanecieron en su tierra, los exiliados (para siempre o temporalmente) y los desaparecidos. Ello es expresión de las rupturas internas de la sociedad y la nación guatemaltecas desde la pasada centuria. Sociedad que aun está resentida por ese irregular pasado reciente después de haber transcurrido más de una década. Es que son fisuras a veces irreparables a corto plazo. Si se analiza la creación cuentística en ese país centroamericano en el siglo XX a partir del prisma que brinda el volumen que nos ocupa, sobresale un dato desafortunado y sobrecogedor en la biografía de varios de los narradores de la etapa del cual no logro desasirme: se desconoce la fecha exacta de sus muertes. Sucede que algunos fueron secuestrados, desaparecidos y nunca más se conoció acerca de su existencia dejando trunca, no solo su creación literaria, sino su vida. Algunas de sus piezas inéditas en el momento de su desaparición pudieron ser salvadas y publicadas posteriormente, en cambio, en otros casos, las pertenencias también fueron encautadas, decomisadas y destruidas. Creadores en el momento de mayor plenitud y madurez intelectual fueron silenciados e invisibilizada su obra. Por ejemplo, así fue el destino del narrador José María López Valdizón. Había ganado el Premio Casa de las Américas en 1960 con la selección de cuentos La vida rota. El jurado en esa ocasión estuvo integrado por Alejo Carpentier y Miguel Ángel Asturias. Ese mismo año se conoció su novela La sangre del maíz y antes, en 1958, La carta. Cuentos y relatos, por solo mencionar algunas de sus obras. Fue secuestrado y desaparecido en el año 1975. Los datos del narrador y poeta Luis de Lión tampoco poseen su año de muerte. Su novela El mundo principia en Xibalbá, Premio de los Juegos Florales de Quetzatenango en 1985, es una obra fundacional dentro del panorama de la literatura nacional, entre otras razones, porque en su discurso, aparece la visión del indio desde la voz y perspectiva del indio 10 paralelos mismo. Su autor desapareció en 1984. Su nombre integró los datos que se publicaron en el Diario militar en el año 1999 que contenía fotos y breves informaciones de personas desaparecidas entre 1983 y 1985. Escribió varios volúmenes de cuentos y poemas. Es un proceso creativo signado, en buena medida, por lo inconcluso y lo fragmentado derivado del éxodo de buena parte de sus artífices: algunos se trasladaron a México (el espacio hermano más cercano y pacífico), Europa, Estados Unidos y desde allí continuaron sus labores inspiradas en motivos guatemaltecos, centroamericanos y, a la vez, universales. El destino de Otto-Raúl González, por su parte, estuvo coqueteando con los límites. Salió al exilio en 1944, luego que las tropas ubiquistas (del dictador Ubico) casi lo matan en una manifestación pacífica. Vive exiliado en México donde ha desarrollado casi toda su obra literaria. Obtuvo el Premio Nacional de Poesía Jaime Sabines (México, 1990) y el Premio Nacional de Literatura Miguel Ángel Asturias. Tiene publicado más de cuarenta libros en los géneros de narrativa, poesía y ensayo, algunos de los cuales han sido traducidos a varios idiomas. Algunos escritores regresaron a Guatemala después de terminado el período de las dictaduras que por varios años marcaron para siempre la vida y el destino, no solo de creadores y artistas, sino de varias generaciones, de un pueblo, de Mario Monteforte Toledo una nación. Es el caso de Mario Monteforte Toledo que conoció 35 años de exilio en México. Su creación literaria cuenta con narrativa (cuento, novela), teatro y ensayo de corte sociopolítico y cultural. Es considerado por la crítica el segundo novelista de mayor relevancia en Guatemala después del Premio Novel de Literatura Miguel Ángel Asturias. Parecido fue el periplo del poeta, narrador y periodista Marco Antonio Flores. Experimentó el exilio en dos ocasiones. México lo abrigó durante esas estancias. Su novela Los compañeros, conocida en el año 1976, inicia la etapa de la nueva novela guatemalteca. Otros se mantuvieron en el exilio para siempre y continuaron vinculados a la literatura de esos países que los asumió como suyos. Así le sucedió al narrador y ensayista Augusto Monterroso. Se vió precisado a emigrar en 1944. Residió en Bolivia y Chile durante los años cincuenta, en México a partir de 1956 y hasta su muerte en el 2003. Es el cuentista guatemalteco más importante del siglo XX y uno de los más notables del continente. Emigrar fue la posibilidad de seguir viviendo y creando, al menos, para los que aparecen en este Otto Raúl González 11 paralelos ción literaria guatemalteca continuó, geográficamente dispersa: unos en su tierra natal y otros desde latitudes dispares mientras que otros eran silenciados generando espacios de vacío en la historia literaria de Guatemala y Centroamérica. Esta antología rearticula para la historia literaria de Guatemala y Centroamérica la creación de autores no asumidos habitualmente. Es una legitimación desde las márgenes, desde el exilio, desde el silencio. Propone un criterio integrador, inclusivo, amplio para reconstruir el panorama de la creación cuentística durante los vaivenes del siglo XX en Guatemala. Notas 1- Armando Rivera: Guatemala: Narradores siglo XX, Editorial Letra Negra, Guatemala, 2005. 2- Cuento: Utopía tras el farallón (1998), Cuatro cuentos al Sur (2003), Comerciales para mi muerte (2008). Poesía: Piel para una Eva desterrada (2004), Mi ángel pródigo (2006). Antologó y prologó el volumen Guatemala: Narradores siglo xx (2005) y otra selección de cuentos de autores José María López Valdizón guatemaltecos sobre el tema de la guerra (Antología del cuento de la pos- volumen. Seguro habrá otros nombres silenciados para siempre. No todos los que emigran tienen la opción de continuar su vida como creadores. El destino, muchas veces, es incierto. Este es un elemento sustantivo que se debe tener en cuenta al preguntarnos qué sucedió con la creación literaria en Guatemala en el siglo XX, por qué no ha sido más conocida, por qué no trascendió de sus espacios, por qué no transgredió fronteras. Difíciles coyunturas sociales apagaron el eco de numerosos escritores de la región invisibilizando sus voces. Muchos residieron largas etapas en México, Nicaragua, Bolivia, Chile u otros países de América y Europa. Una literatura desde el exilio, pero se mantienen considerados como autores guatemaltecos a pesar de que la mayor parte de su obra algunos la han creado fuera de su país natal. Pensando en las posibles razones que originaron el desconocimiento de estos procesos creativos más allá de sus fronteras nacionales, resulta evidente que no necesitaron ser silenciados por omisión o discriminación desde afuera. Fue un proceso originado por causas internas. La crea- guerra, Editorial Cultura, 1998). 12 N DÉCIMA PÁGINA Eutimio Aguilar Aliaga LA FIESTA DEL UNIVERSO LÁMPARA CHINA a Andrés Conde Vázquez a los organilleros de Guelín Contreras Magia de viento y tambor con la rueda que remolca los tizones de una polka a los pies del bailador. Un lujurioso escozor de barrigas por la danza hace crecer la confianza que elimina el parentesco y al grupo humano, simiesco, el sábado no le alcanza. Albor. Domingo. A la loma se le raja el patrimonio: los gallos en el armonio poniendo el baile en la cama. A la vez que el sol asoma más candela a un son perverso, salta insólito el reverso de un evento parco y noble gritando, rojo, que doble la fiesta del “Universo”. Cañaveral, un potrero, vista corta, de candil, fue la colonia senil antes del triunfo de enero. Un ambiente cunyayero de la vida ruda y ciega, un alma, de bien, entrega en las manos de unos niños un alumbrón de cariños que rápido se despliega. Y cayeron como lluvia las letras en la cuartilla, debajo de la sombrilla la noche se puso rubia la aritmética diluvia nociones elementales más, menos. En los umbrales de la noria en el destino honor al cocuyo chino de las brigadas triunfales. 13 paralelos UNIMULTIPLICIDAD EN IBEROAMÉRICA: EL DESAFÍO DE LA CONSTRUCCIÓN DE UN PATRIMONIO CULTURAL COMÚN —Quería saber qué camino tomar— preguntó Alicia. —Eso depende del lugar a donde quieres ir—respondió el Gato. —Realmente no importa— respondió Alicia. —Entonces no importa qué camino tome— dijo el Gato. (Diálogo de Alicia y el Gato en Alicia en el País de las Maravillas) Una mirada sobre las utopías iberoamericanas José do NASCIMENTO JUNIOR Existen en nuestra región numerosas tentativas de construcción de utopías comunes a todos los ciudadanos y ciudadanas (Antropólogo brasileño) iberoamericanas, desde los imaginarios indígenas y afrodescendientes, a las utopías de carácter político cultural, como fue la visión de Bolívar y Che Guevara, o incluso las acciones estudiantiles de mayo del 68. También está claro para todos nosotros que los conflictos existentes en nuestro continente han venido contribuyendo a ampliar las dificultades para esa integración. En un mundo sin utopías aglutinadoras, la posibilidad de pensar en el camino de la construcción de esa utopía vuelve más próxima su realización. Cuanto más nos unamos en términos antineoliberales, más estaremos aproximándonos, pues la lucha contra los consensos neoliberales aun no ha sido vencida, como vemos cada día a pesar de la crisis creada en la mayor economía capitalista del mundo, las tesis del Estado socio en la crisis y el Estado mínimo en la postcrisis es recurrente en los medios de comunicación, las viudas de Friedman continúan difundiendo su catecismo. A pesar de las ideologías humanistas a lo largo del tiempo, estas han tenido poca potencia movilizadora, con excepción de algunos focos de resistencia en los militantes sociales que circulan en torno al Fórum Social Mundial, en contraposición al decadente encuentro de Davos. La cuestión aun está en nuestras manos: o nos integramos o nos subordinamos a la lógica de la globalización de los países hegemónicos y creamos una nueva hegemonía. Esa es una tarea estratégica para nuestros países en Iberoamérica. Seamos humanistas radicales. La elaboración de una cartografía cultural iberoamericana es un factor estratégico en la resistencia a esas lógicas privatizadoras de la cultura y al individualismo radical presentado actualmente como la única forma de sobrevivir en el mundo. Incluso antes de la crisis económica de 2009, ese tema ya se encontraba presente en el campo de los museos, demostrando que aun dentro 14 15 tura compatible con la dimensión y tareas que garanticen esos derechos. De este modo nos debemos preguntar: ¿Cómo sería un verdadero “choque de gestión” sobre esa perspectiva? ¿Cuál sería de hecho una nueva práctica por parte de los gestores públicos de nuestros países? Esas desigualdades son resultado de políticas neoliberales durante períodos autoritarios. Con todo, en el virtuoso ciclo democrático que viven nuestros países, perdurar esa realidad puede llevar a las poblaciones al desencanto con la democracia por no tener acceso a políticas públicas eficaces. Pensar una nueva matriz de desarrollo parece el desafío contemporáneo. El énfasis en los aspectos sociales se viene mostrando cada vez más el foco de esa nueva imaginación gerencial, construyendo un sistema de valores que incorpore las políticas sociales como centro de las políticas de desarrollo y con ello huyendo de una racionalidad burocrática que niegue esa dimensión. El papel del estado contemporáneo es eliminar los obstáculos que traben las posibilidades de avance de esa nueva matriz de desarrollo con énfasis en lo social. Para ello se vuelve estratégico el cambio profundo de la visión de los dirigentes gubernamentales. El concepto a ser implantado en el siglo XXI es el de desarrollo humano y humanizador, ese parece ser el que se aproxima más a un desarrollo integral de los individuos y de las comunidades. En nuestras sociedades multiculturales y pluriétnicas, la complejidad a la hora de tratar los temas de cultura es un desafío constante. El desarrollo pasa necesariamente por tener respeto a esa diversidad cultural, tomándola como punto de partida para la construcción de un espacio cultural iberoamericano. Las diversidades culturales y naturales son nuestros mayores activos económicos más preciosos y en ese sentido debemos tratarlos, preservándolos sobre esa lógica nueva de desarrollo humano. Por una nueva imaginación museística iberoamericana Nostalgia es amar un pasado que aun no pasó, es rechazar un presente que nos hace daño, es no ver el futuro que nos invita... Pablo Neruda paralelos del campo neoliberal aparecen contradicciones. En el artículo “Museos están colocando todo a la venta, desde sus obras de arte a su autoridad”, publicado el 17 de mayo de 2005 en el periódico The New York Times, Mickael Kimmelman afirmaba que las políticas adoptadas para la gestión de los acervos de museos y bibliotecas en los EEUU a lo largo de los años conllevaron la pérdida de la percepción del papel público de los mismos, dirigiéndolas no solo a un increíble proceso de privatización, como también a la pérdida de noción de autoridad institucional sobre esas colecciones. Ese proceso permitió, por ejemplo, que las instituciones colocasen acervos a la venta de manera totalmente disociada de criterios culturales, sin vinculación a ninguna política pública de memoria y privilegiando exclusivamente el valor pecuniario de esos bienes simbólicos. El desafío para romper con esta lógica neoliberal es la construcción de agendas políticas y culturales comunes a toda la región. El concepto de cultura como articulador de las nuevas políticas públicas Pensar la cultura como factor de cambio presupone hacer una reflexión sobre el concepto de cultura, teniendo como referencia la ambigüedad que ese concepto lleva consigo. La mayoría de nuestros países vive un momento muy particular: tras un largo tiempo tienen la posibilidad de constituir, mirando para el futuro, una visión de nación planeada, fundamentada en políticas que viabilicen la inclusión de amplias capas de la población en los parámetros de la ciudadanía y que se expresen, entre otros factores, por la democratización de acceso a los bienes culturales. El conjunto de las políticas públicas de cultura ha sido percibido como factor de desarrollo económico y de cohesión social, lo que implica el reconocimiento de la cultura como un área estratégica para el desarrollo de un país. En esa perspectiva, lo que se pretende es la generación de un superávit cultural consecuencia de la adopación de políticas transversales integradas entre las áreas de educación, salud y cultura. Aun no se ha visto un estado de bienestar social que no sea inductor de políticas públicas, comprometidas con la ampliación de acceso a bienes y servicios públicos, con la garantía de derechos y con una estruc- paralelos La diversidad cultural existente en el contexto iberoamericano nos coloca frente al desafío de trabajar en esa complejidad la diversidad museística. Desde la mesa redonda de Santiago do Chile, en 1972, hasta el I Encuentro Iberoamericano de Museos, en Salvador, Brasil 2007, los documentos aprobados en esas reuniones concluyen que el escenario museológico de la región no estaba dirigido a la creación de mecanismos articuladores de las instituciones y de las políticas para el campo de los museos. El panorama museológico iberoamericano está constituido por más de 10 mil museos, que reciben alrededor de 100 millones de visitantes al año y que guardan aproximadamente 200 millones de ítems. La fuerza de esos números demuestra la necesidad cada vez mayor de los museos de estar en el centro de las políticas culturales de los 22 países de la región. La potencialidad creativa de esa articulación puede ser bien demostrada en la agenda de 2008 - Año Iberoamericano de Museos, con más de 900 eventos inscritos, y también con la creación del Programa Ibermuseos, cuyo objetivo es un espacio de interlocución e intercambio de políticas en las diversas áreas de actuación de los museos. Debemos pensar los museos como inventario de la diversidad cultural de Iberoamérica, compartiendo acciones que persigan la valoración y el empoderamiento social de ciudadanos y ciudadanas de toda la región por medio de este tipo de institución. Es necesario comprender los museos más allá de sus aspectos institucionales como procesos, como herramientas, como una tecnología, como un lenguaje que deba estar al servicio de todos aquellos que se quieran apropiar para la construcción social de la memoria, de una forma inductiva. Resulta imposible mirar la realidad social iberoamericana, tanto en los países del continente europeo como en el latinoamericano, y no colocar las instituciones culturales en la misión de cambio social. Esa es la utopía republicana y democrática. La articulación del campo museístico permite desarrollar antiguos sueños y proyectos museológicos. Los resultados de esas colaboraciones institucionales - como de buena parte del trabajo en el territorio de los museos y del patrimonio - tienen mucho de dádiva, de deuda realimentada, pero no de sacrificio. El sacrificio tiende a la anulación de la dádiva. Existen, como es bien sabido, diferentes acepciones, definiciones e imágenes asociadas al término museo. 16 Los museos pueden ser concebidos como gabinetes de curiosidades, universidades del objeto, templos, foros, teatros de memoria, laboratorios, centros de convivencia etc. Entre las varias concepciones y comprensiones posibles se destaca una: la del museo como un espacio privilegiado de la res publica. Considerando el museo como fenómeno cultural, o sea, como representación de una cultura y como expresión de la cultura occidental y que el 90% de los mismo en el mundo fueron creados a partir de 1946, la tarea de reflexionar y ampliar la relación con esa institución cultural es muy reciente. En nuestra sociedad contemporánea los museos privados o públicos son (o deben ser) espacios privilegiados de la res publica. No la república como alguna cosa perdida en un pasado cualquiera, sino la república como un desafío actualizado para nuestros museos. Pensarlos con ese prisma significa también comprenderlos como lugar de derecho y de ciudadanía, como lugar de inclusión cultural, de resistencia y combate a preconceptos de cualquier orden, sean religiosos, raciales, sexuales o sociales. Podríamos hablar de una ciudadanía institucional, que comprende la institución, además, como parte de acuerdos usuales, también como un grupo de personas envueltas en estos acuerdos, los recursos y los procesos técnicos que emplean en sus actuaciones, las reglas del juego, y las escrituras míticas que dan justificación a la existencia de la institución y a su perpetuidad. Pensar el museo en su dimensión institucional es comprenderlo como metáfora de la sociedad, como espacio de sociabilidad, de mediación de diversos sistemas simbólicos, o sea, como espacio de poder y disputas ideológicas. 17 paralelos Esa condición de espacio de comunicación al servicio de la política de los significados favorece la comprensión de la polifonía museológica. Lo que está sobre el tapete, cuando hacemos esa propuesta de un museo dialógico, es reflexionar sobre esas instituciones, en un momento de crisis de la memoria, a partir del dilema de Hermes, de la traducción, interpretación, de las construcciones de la alteridad y la comprensión del otro. Se trata de un dilema de cómo transformar los museos en verdaderos espacios de mediación cultural, de fusión de horizontes, conforme nos colocan los hermeneutas. Esas son tareas de aquellos que actúan en esas instituciones: trabajar creativamente para la construcción de una nueva visión en la que el espacio constituya la dialéctica entre el interior y el exterior, en el sentido bachelariano de una imaginación poética. Un museo res publica, no está destinado a los príncipes y sus colecciones, a los curadores y especialistas y sus ilustraciones, a los detentores del poder económico o a los directores de instituciones; el museo res publica se destina a los ciudadanos y hace parte de su función social, del ejercicio del derecho a la memoria, a la historia y a la educación. Sin duda, el campo museístico es campo de tensión, y, por ello mismo, en él hay espacio para múltiples prácticas, y enfoques diferentes. El museo es espacio de antropofagia y, como tal, envuelve donación, recepción y retribución; articula lo material y lo inmaterial. Creemos nuevas dádivas y así crearemos nuevos museos, salgamos de los palacios y caminemos en dirección a los palafitos. Nuestro desafío es garantizar la expresión de diferentes voces; es la práctica de una museología crítica e inclusiva. El museo tiene que imprimir marcas, plantear interrogantes, diferencias, diversidades y conflictos, resignificando los museos y el patrimonio. En ese caso el patrimonio no aparece más como un fin en sí, sino como instrumento de cambio social. A lo largo de los próximos años debemos dialogar con gestores, trabajadores de museos, con los ciudadanos y ciudadanas iberoamericanos preocupados por la preservación del patrimonio, de la memoria y de los museos, y ejercitar cada día nuestra imaginación museística. Derecho a memorias, derecho a mu- paralelos seos. Como cita Cervantes: OPERIBUS CREDIT ET NÓN VERBIS. Una propuesta de agenda común 1) Eliminar los desequilibrios sociales, económicos y culturales entre Norte y Sur del planeta, a través de la implementación de medidas que apunten a la reducción de la exclusión y la promoción de la igualdad. 2) Poner en práctica políticas públicas para ampliar el acceso de los ciudadanos a la cultura, incluyendo la producción cultural; estimular la difusión de bienes y servicios culturales y la protección del patrimonio cultural, material y simbólico de nuestras sociedades. 3) Promover espacios culturales diversos, de inclusión cultural y social, en los que circulen ideas innovadoras y se compartan las inquietudes artísticas e intelectuales; contribuir a la regulación, estructuración y dinamización de las industrias culturales en nuestros países. 4) Priorizar el desarrollo de acuerdos bilaterales y multilaterales, políticas y fondos que estimulen la producción y los intercambios culturales, de modo equilibrado, entre nuestros países y los demás países del planeta, con vistas a un intercambio de bienes y servicios culturales. 5) Defender la exclusión de los bienes y servicios culturales en los acuerdos de liberalización comercial en la Organización Mundial del Comercio (OMC), para que sean posibles los intercambios culturales 18 según el principio de protección a la identidad y a la diversidad cultural de los países; así como la creación de un espacio regulador de esos intercambios. 6) Reforzar la Unesco en la implantación de la Convención sobre la Protección y Promoción de la Diversidad de las Expresiones Culturales. 7) Contribuir a la creación de un sistema internacional de intercambios económicos y culturales basado en la democracia, la igualdad de oportunidades, el equilibrio y el respeto a las diferencias, los derechos humanos y el diálogo pleno entre las culturas. 8) Divulgar estos principios en los órganos multilaterales y eventos internacionales de cultura en los que participemos, con el objetivo de estimular un debate global sobre el papel de la cultura en el desarrollo sustentable de las sociedades contemporáneas. 9) Ampliar las acciones referentes a la implantación de la Carta Cultural Iberoamericana volviéndola de carácter vinculante entre los países de la región, en dirección a la construcción de un patrimonio cultural común. 10) Establecer acciones junto a los parlamentos de los países de la región para la difusión de los principios de la Carta Cultural Iberoamericana. 11) Fortalecer y ampliar la institucionalización de las políticas culturales en toda la región, como forma de garantizar los derechos culturales. memoria Qué mala tenemos. O tenemos demasiada. Me pregunto mientras en la cuadra donde vivo un grupo de músicos poco creativos ensaya y agota las canciones de Los Brincos y de Los Fórmula V. ¿Quiénes somos? ¿Por qué todo parece anárquico y a la vez estrictamente controlado? Hablamos español, nacimos y vivimos en Cuba. Nuestros padres también. Ellos pudieran llenar gigas y gigas de historia oral si se lo propusieran. Que si escuchar a The Beatles a Irela CAZAÑAS escondidas, que si la zafra del setenta, que si las escuelas (Escritora) al campo y todos vestidos iguales, que si comerse los manuales de marxismo hasta en la universidad, que si con una botella de menta se hacía una fiesta [...] Muy bien, no me interesa competir. Algo nos une más allá de las desventajas y de las anécdotas (las cuales ahora al menos son caldo de cultivo del humorismo). Compartimos una cultura, no precisamos contraseña, tenemos una memoria común por la que no hay que explicar el significado de los refranes, ni de las palabras tomadas de dialectos angolanos. No es necesario justificar por qué nos cautivan las casas coloniales en lugar de las casas girón ni por qué no podemos vivir sin música y sin compañía. No obstante, a veces no encuentro mi espacio en esta cultura, y no solo yo siento esto. Y aquí es donde quiero mi espacio. Aquí es donde lo exijo y donde tengo derecho. Quiero llegar a un lugar donde se escuche la música que me gusta, ¿es mucho pedir? Quiero que si desde un grupo de amigos interesados en la cultura surge una revista como Bifronte, esta Mario Vargas Llosa dure más de 19 paralelos EL SER CUBANO. MIS PADRES Y YO NOS LLEVAMOS BIEN paralelos dos números y que nadie me sermonee por publicar allí. Quiero —como tantos— aportar ideas para mejorar nuestro sistema educativo y no esperar a que se vuelva un tema de moda, tal como lo es ahora el de la agricultura y el de la producción en general. Percibo que no tengo ese espacio porque nada ha cambiado respecto a la generación de mis padres. Los conflictos generacionales que han ocurrido en nuestra historia reciente han terminado de la peor manera: se han solucionado. Al final de cada desacuerdo, de cada idea nueva emergiendo sobre lo demasiado quieto, los perdedores se han marchado o se han vuelto hacia dentro, buscando la paz. Pocos han tenido la capacidad y la suerte de sostener un debate manteniendo un rol en lo público. Muchos podrán objetar que estética y socialmente hemos avanzado, que Antonia Eiriz tiene su espacio en Bellas Artes, que se pueden incluir personajes con dudas y miedos en la narrativa, que los creadores homosexuales son respetados, que se publican poemas de contenido fuerte y casi directo, expresando conflictos evidentes sobre el país. Que hace tiempo el subsuelo de la sociedad es el tema preferido de los autores a la hora de denunciar la realidad y que en ocasiones pasan desapercibidas obras plásticas por las que antes sus creadores la hubieran pasado un poco mal. Para cualquier escritor que guste de comunicarse es gratificante poder leer un poema y otro y otro [...] para cualquier lector es algo inocuo andar con un libro de Kundera, Vargas Llosa o de Reinaldo Arenas bajo el brazo. En el campo de las Ciencias Sociales el primer requisito ya no es adaptar el marxismo a la soviética al tema en cuestión, en cambio se acude a la riqueza teórica de la historia de las ideas y la realidad se interpreta desde diferentes posiciones. Pero hoy 26 de junio de 2013 sería de necios creer que algún hecho de estos significa que hemos avanzado. Simplemente sería gracioso y patético que no contáramos con tales licencias. Nuestras libertades y no libertades son funcionales para el poder a la par del tiempo que se vive. Al fin y al cabo somos una sociedad occidental, con una posición geográfica vistosa, nuestros rasgos culturales nos salvan del ascetismo y vivimos en la era de la información. El ser cubano quiere saber para poder ser. El ser cubano es diverso y lo quiere todo al mismo tiempo, y quizá esa ansiedad sea nuestro mayor error y sea la que nos lleva a saborear alegremente un caramelo mientras sin darnos cuenta dejamos de pensar en hornear el pastel. Pero al menos esa ansiedad nos mantiene atentos. Los cambios en los rasgos generacionales que han sucedido en Cuba nunca han implicado giros radicales en ningún aspecto del orden social, los jóvenes experimentan los mismos problemas históricos que sus padres. La falta de participación, la posición rezagada respecto a las posibilidades y expectativas de sus coetáneos de otras sociedades, la dificultad de concebir proyectos de cualquier índole (artística, científica o personal) por causa de la necesidad de solucionar cuestiones vitales a nivel institucional o privado, y la recepción de un discurso oficial que habla de la prosperidad como fruto del esfuerzo colectivo y constante. Sociológicamente hablando, la idea de una duración común es básica para enmarcar una generación. Tengo la impresión de que desde hace unos cincuenta años la sociedad cubana experimenta ese estado. Una duración común de estas situaciones que he enumerado anteriormente. Por lo general cada década ha tenido su propio perfil, con grandes tareas que han involucrado a grandes grupos, casi siempre pertenecientes a la población joven. Grupos convocados a misiones cuyo cumplimiento suponía un futuro mejor. Los convocados asistieron y cuando ya vieron pasar sus días de esplendor pensaron que su sacrificio valdría para las generaciones por venir, pero no ha sido así. Lo que ha estado sucediendo es que el tiempo histórico siempre se ha impuesto al tiempo biográfico. No han existido discontinuidades significativas en el mundo institucional dominante. Por lo tanto, si observamos y valoramos con franqueza podemos determinar que en Cuba no se ha constituido una nueva generación desde mediados del siglo pasado. Que ha habido cambios en los estilos de vida, en las actitudes, es innegable, pero la esencia de la identidad social de todos los nacidos a partir de la década del cincuenta es similar. Como a la mayoría nos ha parecido que el tiempo histórico es algo así como Dios, entonces hemos optado por varios caminos que para obviar tal tiempo omnipresente y abrumador. La apatía social es el más extendido, pero también están la automarginación, la emigración, el individualismo extremo y la autodestrucción inte20 paralelos lectual. ¿Cómo decirlo?, algo así como soñar un par de alas, diseñarlas y luego guardarlas para cuando el viento esté calmo. L A PROSPERIDAD COMO CAMINO Hay una palabra que forma parte de las consignas más recientemente dadas a conocer: «próspero» como pareja del sustantivo socialismo. Me gusta. La prosperidad es una buena idea. La prosperidad la hubiera logrado una sociedad renovada. No aprecio una renovación auténtica de ninguna índole, sin embargo, lo que si aprecio en el discurrir cotidiano, en la pirámide social concebida como fruto de mi experiencia vital, es que ya no se cree en el hombre nuevo sino en el hombre de éxito. El mismo hombre digno de rechazo de una buena película cubana. Ese hombre será sin dudas próspero. Próspero podría ser su alias. El bienestar que el consigue es fruto de un individualismo feroz, un individualismo que en primer lugar le desconecta de la sociedad en que vive a no ser para servirse de ella, y en el que las relaciones personales son equivalentes a alianzas para el progreso. Tal individualismo fortalece el espíritu de gueto, el que no pertenezca ahí nunca obtendrá beneficios. Esto puede encontrarse en todas las zonas de nuestra realidad: entre los cuentapropistas, entre los intelectuales, entre los obreros que logran una artimaña para salir un poco adelante, entre la élite de cada campo social. Sociedad renovada. La palabra renovación sugiere algo optimista, y por supuesto algo vivo, algo que se transforma positivamente. Observo nuevas actitudes y estilos de vida, si definitivamente nuevos en nuestro entorno —o tal vez más populares, más generalizados— basados en antivalores que poco a poco se van legitimando. La anomia se va aceptando como la respuesta normal ante el deterioro social y da la impresión de que eso se pretende aliviar con spots televisivos y radiales en lugar de convocar al gobierno y a la sociedad civil a un debate abierto donde todos los grupos sociales, todos los campos en que se estructura la vida de la nación sean escuchados y respetados. Un debate donde las ideas no queden recogidas en actas sino en la estructuración de un proyecto cuya intención primera sea la de rehacer una confianza justificada, una fe vigorosa pero con garantías en el país donde queremos vivir. ¿Y qué pasa con los inadaptados a la anomia? ¿Qué pasa con los que no tienen alma de comerciante de nada y por eso eligieron una profesión para ejercerla más allá de lo dispuesto, para enriquecer el campo científico o artístico escogido más allá de las 8 horas, más allá de la simulación? Nadie nos prometió un jardín de rosas, como canta Fito Páez pero no es justo que en Cuba se vaya reduciendo el espacio del jardín para extender el huerto. Que se siembren papas pero también rosas. El sentido común nos dice que no debemos esperar a salir del subdesarrollo económico para volver a las ideas, al conocimiento, al arte, a la cultura. ¿Qué pasa con esos que sienten que su momento nunca llega? Esos constituyen la diás-pora más peculiar de la historia. Son la diáspora interna del país en el sentido de la disper-sión que les caracteriza, en el desapego a los modos comunes de supervivencia y en la perseverancia, quizás inconsciente, por conservar e intentar compartir lo mejor de nuestra cultura y de nuestro civismo. Con asombro se percatan de que no se reconocen como parte del día a día que se da en las calles del país. No son como el Sergio de Memorias del subdesarrollo. No han presenciado la violencia de un parto social y político, pero se socia-lizaron entre familias y maestros que les educaron en la utilidad de la virtud y a la hora de salir a volar, han comprobado que les toca hacerlo en una selva sin ley. Y se sienten tan extrañados y solos como Sergio. Prácticamente, son seres de ficción que desoyen cualquier esquema de vida, cualquier orden sensato de prioridades y van como Sísifo empujando su piedra. Invisibles porque no forman parte de ningún grupo en pugna directa por nada, ni se sienten eficazmente representados por ninguna institución; viven en la Cuba profunda, no necesariamente intrincada, si no en la Cuba donde todavía se trabaja por un beneficio común, en la que la inversión material y humana supera la retribución salarial recibida, en la que el horizonte no se define en frases como yo me voy pronto de aquí o me da igual lo que aquí pase. A ese grupo de miles y miles de personas no nos da igual lo que aquí pase pero no tene21 paralelos Abrams definió identidad como la conciencia del entretejido de la historia de vida individual con la historia social. La relación entre esas dos dimensiones de la historia surge claramente si se hace referencia al tiempo social. De hecho, es en el tiempo social donde la sociedad y la identidad se generan la una a la otra de manera recíproca. Pero, ¿qué forma asume esta conexión entre identidad y generación? Para Abrams, una generación en el sentido sociológico es el período de tiempo durante el cual una identidad se construye sobre la base de los recursos y significados que socialmente e históricamente se encuentran disponibles. De la misma forma, las nuevas generaciones crean nuevas identidades y nuevas posibilidades de acción. Por lo tanto, las generaciones sociológicas no se siguen las unas a las otras sobre la base de una cadencia temporal reconocible establecida por una sucesión de generaciones biológicas. En otras palabras, no existe un tiempo normalizado con el cual medir o predecir su ritmo. Por lo tanto, desde un punto de vista sociológico, una generación puede durar diez años, o puede durar varios siglos tal como sucedió en las sociedades premodernas. Puede comprender una pluralidad de generaciones biográficas, al igual que la historia de muchas sociedades tradicionales, o puede incluir una sola generación sociológica. Concluye cuando grandes acontecimientos históricos —o más frecuentemente, procesos lentos, no catastróficos de naturaleza económica, política y cultural—vacían de sentido el sistema previo y las experiencias sociales que se le asocian. mos la voz necesaria para restaurar las grandes intenciones que hicieron surgir nuestra sociedad. Empeñándose en existir, esa diáspora interna se desdibuja, se frustra, se agota. Y casi siempre opta por anularse a sí misma, sin poder poner del todo a disposición de los suyos el talento y las ideas que lograron desarrollar a pesar de la hostilidad del medio. ELIPSIS No me resulta cómodo pensar a miles de personas valiosas como diáspora interna. Y aunque los tiempos hoy tampoco sean propicios no podemos esperar a que lo sean. Nuestro tiempo biográfico es limitado, el tiempo histórico continuará, pero debemos dominarlo, ambos tiempos deben fundirse para transformar las experiencias sociales de modo que sean difíciles las analogías, tan fáciles de elaborar ahora entre las limitaciones y permisividades que han caracterizado cada década desde los sesenta hasta la actualidad. En el futuro quiero saber de una verdadera nueva generación a la que yo no le tenga que decir: Agradece lo que tienes porque yo no lo tuve, sino tú tienes lo que yo quise tener y lo mereces y punto. Quiero olvidar que yo me sé las canciones que el grupo que ensaya en mi cuadra aunque nunca me hayan interesado, yo sé lo que es trabajar en un campo de caña al mediodía y sin tener edad laboral, yo tengo la música de The Beatles pero casi no los escucho. Yo supe que The Rolling Stones dieron un show en la capital de Puerto Rico y pensé: “están tan cerca”, tal como lo pensaron mis padres. 22 espejo Usted se asoma al ; escruta la imagen de su rostro, de su cuerpo, su expresión. Tal vez se reconozca en esa imagen, tal vez llegue a decir: «Ese soy yo». Pero, ¿es usted realmente? ¿Qué es usted? Las preguntas no son mera retórica, es —quiere ser— un reto, una invitación a pensar, a pensarse. Quizás se aleje usted del espejo y diga: «Esa imagen es solo un reflejo», y apuntando con un gesto hacia su cuerpo, diga: «Yo soy esto». Pero otra vez le pregunto: ¿es usted realmente eso que vemos, su Daniel DÍAZ MANTILLA cuerpo, sus manos, su rostro? No se trata de retórica e impertinencia, sino de intentar definir lo que somos; y hacerlo no es un vano ejercicio intelectual, es acaso el primer paso para comprender nuestro lugar en el mundo, nuestra relación con los demás. Pocas veces se detiene uno a pensar tales cuestiones y, sin embargo, con frecuencia se suele decir: «Somos esto o aquello». ¿Qué hay detrás de esos sujetos gramaticales —yo, nosotros—, y cómo nos precisa ese verbo tan común y taxativo, el verbo ser? Va pues, con estas preguntas, un llamado a la cautela, al análisis. Abusar del verbo ser es peligroso, aceptar pasivamente cuanto de nosotros se afirma —sin comprender la intención que las palabras ocultan (y las palabras siempre ocultan alguna intención) — es dejarse moldear, manipular, construir por un discurso que tal vez no aceptaríamos si lo pensáramos un poco. Pensar en uno mismo, conocerse, es establecer un límite, un espacio de libertad personal, un filtro para todo aquello que viene del exterior a influirnos. Y si bien no es provechosa una frontera impenetrable, tampoco resultaría útil su excesiva lasitud. Cada quien, como sujeto individual, dispone límites, barreras que le ayudan a interactuar con el mundo sin rendir su singularidad. Todo lo que estimula el comportamiento, la voluntad, la conciencia, nace de percibir esos límites. Mientras que, por el contrario, descuidar esas fronteras e ignorar el asedio de lo exterior, obnubila la conciencia, quebranta la autonomía, anula y disuelve al individuo en masa dúctil, lo homogeneiza y lo dispone a la pasiva aceptación. El equilibrio entre lo que se acepta y lo que se niega, entre lo que se busca y lo que se relega, y —sobre todo— los medios que usamos para mantener ese equilibrio, son quizás los indicadores más fiables de nuestra individualidad. ¿Qué admitimos como cierto acerca de nosotros mismos, en qué espejos nos miramos, qué modelos guían nuestra conducta? Hablo ahora en plural, porque nada ejerce tanto influjo sobre el individuo 23 paralelos DESAFÍOS DEL ESPEJO: PENSARSE paralelos como su entorno social. La presión del colectivo, el peso de sus tradiciones y sus modas —ese inmenso sistema de prejuicios y leyes, de conocimientos y tabúes, de premios y castigos—, todo cuanto nos aglutina y excluye —la propaganda, la publicidad, la educación—, todo lo que configura y reproduce aquello que los filósofos llamaron Zeitgeist y Volksgeist, como una densa red difícilmente cuestionable, pone en crisis la idea de individuo, violenta sus fronteras, invade su intimidad, lo aplasta. Esa es la circunstancia actual del ser humano, y en esa circunstancia, mirarse al espejo suele ser preguntarse cómo nos ven los otros, y comparar —siempre con angustia— lo que vemos con los paradigmas que la sociedad nos impone. La cantidad hechiza, la muchedumbre ejerce sobre el individuo un efecto hipnótico. ¿Es posible tomar distancia, es posible evaluar críticamente ese cúmulo de influencias y decidir en plena libertad qué aceptar, qué rechazar? Uno de los intentos más notables en tal sentido fue el de Renato Descartes cuando, entre 1639 y 1641, escribió sus Meditaciones metafísicas. Pero ejemplos hay cientos: Baruch de Spinoza, excomulgado y desterrado, proscrito como autor, puliendo lentes y escribiendo a la sombra textos que sacudieron los dogmas religiosos y políticos de su tiempo; Immanuel Kant rechazando el prestigio alcanzado con sus libros de juventud y aislándose durante once largos años para dar a la luz una obra radical, una obra que fue apoyo y palanca del pensamiento crítico contemporáneo. Son grandes nombres, respetados pero casi nunca leídos, personas que opusieron a la cómoda seducción del consenso el sentimiento profundo de su individualidad. Ejemplos hay cientos, más o menos ilustres, y, sin embargo, usted se asoma cada día al espejo, escruta su rostro, su cuerpo, su expresión, y se pregunta angustiado: « ¿Cómo luzco, me queda bien este peinado, se notan mucho estas arrugas, qué pensará de mí la gente?» No está mal preguntarse, pero yo quisiera saber: ¿dónde adquirió usted esas angustias, por qué le inquieta más su apariencia que su esencia? Pregunte usted a alguien qué es y le dirá: «soy barbero, soy maestro, soy doctor»; o acaso: «Soy géminis, soy virgo»; o tal vez: «católico, demócrata, romántico, vampiro, rockero, transexual»; quizás incluso diga: «Soy cubano». ¿Quién colocó sobre su ser todas esas etiquetas, qué se esconde detrás de todos esos términos que con orgullo se asumen? Entretenidos frívolamente en la superficie de la existencia, atentos a banalidades, solemos ignorar la mano que pulsa adentro nuestras cuerdas y, sin advertirlo, nos dejamos convertir en marionetas. Pero el modo en que nos definimos permite ver qué poderes nos dominan. Pregunte usted qué significa ser cubano, cómo son los cubanos, y se topará con una larga lista de adjetivos —los cubanos son alegres, amistosos, emprendedores y valientes, son amantes del béisbol y del baile, son mestizos de africano y español—; adjetivos, etiquetas y estereotipos que al final no dicen nada o casi nada: otros humanos en el mundo son también alegres bailadores, muchos cubanos no lo son. Pero con esos estereotipos se fabrica la «identidad nacional», como una máscara o una camisa de fuerza, como un río caudaloso que nos arrastra, ¿hacia 24 paralelos dónde? Imagine usted, por un momento, que en vez de esa larga lista de adjetivos, alguien le dijera: «Los cubanos son sensatos, respetuosos, honestos, aprecian el conocimiento y la bondad, son gente que prospera con su esfuerzo y disfruta de la vida sin ofender a nadie». Imagine usted que en vez de contestar: «Soy barbero, soy géminis, soy católico, soy cubano»; alguien le dijera simplemente: «Soy un ser que piensa y siente, un ser que sueña y crea». Una de las labores más arduas del individuo, una de sus más grandes responsabilidades, es construirse; y uno de los errores más comunes es ceder a la inercia, dejarse llevar por prácticas que se asumen sin juzgar su utilidad, su conveniencia. Suele la gente creer que es su naturaleza lo que ha ido sumando ciegamente a su carácter. Luego exclaman: «Soy así, ¿qué se le puede hacer a eso?», como si un destino inexorable lo hubiese condenado a ser lo que es, como si su propia negligencia no lo hubiese guiado en la azarosa empresa de adornarse con estas o aquellas cualidades. No podemos escoger la educación que se nos da de niños, ni las presiones sociales que recibimos, ni tantas otras circunstancias en que transcurre nuestra vida; pero hay cierto momento cuando uno debe pararse a pensar si aquello que le enseñaron es válido, si lo que se le exige es dable, si los senderos que se abren ante sus pies lo hacen feliz o si —por el contrario— debe uno desbrozar su propio camino. Ese es el momento de despertar, es ahí que empezamos a ser realmente. Sólo a partir de entonces podemos hablar de una libertad, de un carácter, de una identidad. 25 ENTREVISTA Wilfredo Salvador Naranjo Verdecia (Pachy) SIEMPRE ORIGINAL Y DESDE MANZANILLO Dilbert REYES RODRÍGUEZ (Periodista) Algo bueno, muy bueno, tenía que dar aquel niño de cinco años que dejaba de jugar cuando pasaba, cada tarde frente a la casa, el alegre y contagioso órgano manzanillero. ¿Cuánto pudo definirle el futuro al pequeño Wilfredo Naranjo, la comparsa que ensayaba siempre en el solar cercano al hogar, y la filarmónica que soplaba el padre en cada cumpleaños familiar, y los conocimientos de piano de la madre, y las canciones en la casa cuando faltaba la luz? 26 Rápido los suplantamos por un acordeón, y esa originalidad dentro de una típica determinó el nombre del grupo, que aunque después incorporó los violines, ya se había estrenado como la Original, cuyo nacimiento oficial fue el 21 de diciembre de 1963. En nuestro primer viaje a Las Tunas completamos el nombre, porque los carteles en los carros decían Original, y todo el mundo preguntaba: ¿Original de qué?, ¿Original de dónde? Así se quedó entonces: Original de Manzanillo.” DR: Al cabo de casi 48 años de consolidación de la singular orquesta, Pachy Naranjo considera que bien pudo llamarse Original por el genuino culto a los ritmos autóctonos o más gustados en la región oriental, tanto los puramente cubanos como los caribeños. PN: El órgano y la conga manzanillera, en primerísimo lugar, alimentaron y delinearon a la Original. Al inicio no teníamos conciencia de todo lo demás, de lo que vendría después, pero el órgano y la conga ya estaban sembrados. El verdadero sello Original comienza a definirse en la década de los 70, a partir del acercamiento a aquellos ritmos. Decido cambiar el golpe de güiro, del tradicional machete en las charangas de la capital, a un sonido que imitaba de modo inconfundible al órgano manzanillero. Ese fue uno de lo sellos. A la tumbadora también le hice un cambio de golpe, para hacer el número Sí me gusta el son, de Manolo del Valle, en el 71, que también asemejaba la cadencia del órgano. En fin, comenzamos a originalizar la orquesta desde los ritmos autóctonos de Manzanillo. Era un sello sonoro que ya nos diferenciaba del resto. Claro, mientras madurábamos fuimos incorporando los nuevos conocimientos: en un momento el sabor de la orquesta de Chepín en Santiago de Cuba, el tres a tiempo de El Guayabero, el nengón de la cuenca del Cauto, y otros que nos influencian positivamente porque también nos acercaban a nuestra tierra. Ahí se cuenta la plena puertorriqueña y el merengue dominicano, siempre presentes en el carnaval de Manzanillo, el ballenato, la melcocha, etcétera. Estas incorporaciones también dependieron mucho de nuestro empeño en conocer más, aprender de los estudiosos y especialistas. Por ejemplo, recuerdo que de una conferencia de Harold Gramatches sobre música descriptiva, aprendí y comencé a hacer conciencia 27 ENTREVISTA Por eso no sorprende que el regalo más esperado en el Día de Reyes fuera algún instrumento musical, y cuando por fin llegó una marimbita, pasó muy poco para que le sacara melodías completas, o simulara en un tamborcito, con un cucharón de cocina, el golpe del órgano diario. El niño Wilfredo, de cinco o seis años, ya se molestaba porque le faltaban notas a la marimba, o no le sonaba bien alguna; pero la molestia alegraba a los adultos más cercanos, quienes enseguida notaron la vocación y lo guiaron; sin sospecharlo todavía como el talentoso Pachy pianista, compositor y arreglista, y mucho menos imaginarlo como merecedor un día del Premio Nacional de Música (2011) y galardonado con el título de Maestro de Juventudes (2013). PN: Mi hogar fue sin duda la primera escuela. Esa gran influencia y la del ambiente musical circundante, moldearon durante la infancia todo el ritmo y el oído melódico que dijeron ver en mí. La familia y su entorno fue el precedente fundamental de mi carrera, que formalmente inició en el conservatorio de la ciudad, con los estudios de piano y teoría musical. DR: Aunque había comenzado como cantante en el coro del colegio La Salle, muy pronto supo que su futuro era detrás del teclado. PN: Cuando entré a la secundaria me topé con unos muchachos queriendo armar un grupito; entre ellos Pedro Rivero, que me acompaña hasta hoy como cantante de la Original, y a quien tengo por descubridor. Él era uno de los muchachos que adiestraba al resto, y cuando se enteran del nuevo ingreso, tocador de piano, van enseguida a probarme. Lo hacen con Me voy para la luna, de la Aragón, y al final exclamaron: ¡Este es el tipo! Así surgieron Los Traviesos, formados por solo un piano como acompañante, dos cantantes y un montón de adolescentes tocando percusión. En ese piquete de sana descarga musical fue donde nació la idea de la Original. Tenía 14 años y era el menor de todos. UNA ORIGINAL CARRERA MUSICAL PN: Apasionados con la Aragón, cuya música era imprescindible en nuestras descargas, tomamos la decisión: vamos a hacer una orquesta típica, una charanga, que no hay ninguna en Manzanillo. Fue como empezar de cero. Compramos una flauta y Eduardo Aguirre empezó a estudiarla; Jesús Armesto comenzó a estudiar el contrabajo, y así nos fuimos haciendo de los instrumentos, excepto de los violines, esenciales en una charanga. ENTREVISTA del modo de crear la música con colores, situaciones o descripciones que dan jocosidad, tristeza, ternura, alegría. Todo eso también argumentó lo original en la Original. Igual fuimos vanguardistas en inclusión de tecnología, siempre en función de la esencia rítmica de la orquesta; compartimos con innumerables estrellas como Oscar de León, Altamira Banda Show, Las Chicas del Can, Wilfrido Vargas, Joe Arroyo. En fin, desde que la Original salió lo hizo con buena estrella.” TRES PREGUNTAS FINALES DR: ¿Es la fidelidad –primero a su tierra y luego a los ritmos de los que hereda- un valor que destaca en su carrera, en la orquesta? PN: Sin duda. A Manzanillo, primero, porque es mi tierra. Un gran amigo dijo una vez que quien no quiere a su patria chica no quiere a la grande. Nosotros pensamos igual. De aquí hemos sacado lo más autóctono en sus ritmos, pero heredamos también del carácter sencillo, modesto, hospitalario del manzanillero, dado a la música, afable, y por qué no, fiestero, pero decente. Somos fieles a ese legado, y por eso la Original suena como lo hace.” DR: ¿Como músico, alguna preferencia en su oficio? PN: Sobre todas las cosas, lo que más me gustó siempre fue orquestar. Darle acompañamiento, vida a las 28 canciones. El arreglista tiene un mundo de imaginación y la meta es adaptarla a temáticas específicas. Fue precisamente lo primero que hice con la Original, cuando adapté Naranjo y Lucas, una especie de danzón que tenía la Aragón, cuyos virtuosísimos violines debieron adecuarse a los músicos en ciernes de la orquesta. Llevar la maestría de lo complejo a lo sencillo resulta siempre una gran escuela. El Premio de Orquestación del Adolfo Guzmán en 1981, entre 24 arreglistas tremendos y con Armando Romeu como presidente de jurado, fue uno de los regalos más grandes de mi vida; resultado del montaje de un número de la Original, el son Yo vengo de allá lejos, al cual le sumé la orquesta del Festival. DR: A aquel alegrón de los 80 se sumaron otros dos últimamente: el Premio Nacional de Música 2011 y Maestro de Juventudes este año ¿Alguno le ha hecho pensar en un cierre de su vida artística? PN: Para nada. Constituyen un compromiso al que debo responder por qué lo merecí. No es un problema de demostración ni vanagloria, es porque me late dentro, y si no estuviera siempre conciente de que cada día puede ser mejor al anterior, entonces el premio no hubiera llegado. Así debo seguir en lo adelante, con el mismo rigor y perseverancia en el propósito de hacer disfrutar musicalmente al pueblo, sin deformarlo. Esa ha sido mi responsabilidad con la Original, y ese el argumento de que hoy la llamen la orquesta de la familia cubana. Yo me lo creo. Por mi parte, solo dejaré de hacer música cuando no pueda de verdad. Mientras la mente esté lúcida y las manos se deslicen por el piano, aunque con menos agilidad pero con la misma fuerza del corazón y el sentimiento, Pachy Naranjo seguirá haciendo música hasta que muera. Eso sí, una música original y siempre desde Manzanillo. lexías de la costa sur y sus montañas se ha traido la enorme puerta de roble de la calle León donde guarda su pobre himen de simple mujer ha venido a instalarse: por techo el sol y las estrellas sentir el aroma terrestre de la costa cuando la ola besa y trae una virgen encorsetada entre luceros ven, ven, acaba de llegar aquí tus Juanes te esperamos. 3.42 p.m. 19 Septiembre/2011 Andrés Conde Vázquez (Media Luna, 1949) ESTOY QUERIENDO CANTAR NO SOLO A MEDIA LUNA Si miras las montañas en la lejanía tienen el misterio del paisaje de Leonardo en La Gioconda siempre bruma, es casi otoño no olvidemos. Siempre en septiembre los duendes barbudos, melenudos; pero no harapientos distróficos de espíritu muchos días antes comenzamos a hacer nuestro equipaje el dentífrico, el peine, los poemas y nuestro corazón guardado a tiempo en maletas, bolsos este regalo anual que nos ofertan los magos diminutos que acampan en la aldea y cercanías siempre en septiembre, siempre en septiembre ¡qué gran llamado hacen las montañas! eterno poder de requerir, invitar, solicitantes de tal forma que una muchacha todavía impúber ha comenzado a balbucear letras encima de papeles para acudir al reclamo vegetal y salino Yorelis Alarcón Figueredo (Media Luna, 1985) SIN LIBERTADES Sin libertades te espera mi cuerpo inquieto en las sombras deslizo mi sexo por tu rodilla, va quemando con su estela volcánica todo a su paso. Manos lujuriosas, lívido en areolas ansiosas gula de carne placeres insaciables libas la miel. Llenas tus bolsillos de mi fuerza, lenguas retorcidas, husmeadoras. Socavas mis profundidades de sismos intensos. Una luz, unas voces, una puerta, Nos tumbamos desbocados muertos de placer. 29 lexías Geovanys Almeida Fleitas (Media Luna, 1972) Ariel Ovidio Álvarez Suárez (Media Luna, 1969) a Elizabeth Bringas (Ichi) La poesía es una muchacha vestida de tus años como el aliento de una flor sin heridas todavía, el dulce gemir de la lluvia en la esperanza y la brevedad en la sonrisa de un niño. La poesía es el papalote en el capricho del viento sin el pétalo nostálgico salvaje del abismo la canción sin secreto nacida de los mares en el centro oscuro de la nítida luz. La poesía son todas las puertas abiertas del pájaro libre que disfruta su vuelo llevando esa flor en sus entrañas, para los astros olvidados del secreto como el sueño angélico virginal del tiempo. Es corazón del silencio dialogante aleteando en la neblina de un día perdido. La poesía es la paz interior de la mañana que se abre en tu pecho como esa muchacha que va vestida de tus años. DESNUDA Todo se vuelve hacia ti, cuando navegas en mis ojos, y solo con tu piel parece que puedes vestir al mundo, y hasta el tiempo quiere arrancarte de mi espacio, cuando desnuda rompes, como el sol, en mi horizonte, cuando tu cuerpo andando me va abriendo los caminos. Desnuda, me llegas como el agua a la tierra, siento que brotas, de mí, como el manantial, y en suave caída dibujas mi orillas, que me corres como el arroyo, por encima, y aprieto tus curvas en cada vuelta. Desnuda, me llenas. Te acuestas como el agua. Te doblas, te estiras, me tapas, te pegas a mi forma, y abriendo mis brazos, y con todo mi cuerpo, si eres el mar te sostengo. 30 lexías Elizabeth Bringas Ballesteros (Media Luna, 1932) ORIGEN a Edgardo Hinginio Brillante crece en su cuarto sonríe pícara, temerosa calla, la densa galaxia le ayuda a meditar. Titilan alegres, en su vibración manojos de ellas me conducen en medio del silencio conocer el lugar. Celestial espacio encumbrado glorificado paraíso donde pululan los átomos donde vuela el alma libre que emigra y se llega a transformar. Extensión de salobridad licuada, belleza, aroma peculiar la unión de arenas y océanos nos brinda con su oleaje amor y paz. Crujen las piedras en su lenguaje rebuscado, el flujo corre reflejando quietud. Como canción que se va lentamente y nos hace soñar. Con el embrujo de la luz y las estrellas con el sortilegio del cielo y el mar. Con el rebuscado lenguaje de las piedras en el río, entre ellas, en ese mundo de grandezas pretendo estar. 31 A PIE DE PÁGINA Antecedentes de la fundación Para mediados de 1511 Diego Colón, gobernador de las Indias Americanas, Premio 500 aniversario por la fundación de la villa San Salvador había iniciado la ocupación de la isla de Cuba. En la Real cédula, del 6 de de Bayamo, convocado por la junio de ese año, al virrey D. Diego Colón el rey Fernando señala: “Tengoos Casa de la Nacionalidad Cubana en servicio el cuidado que tuvistes de enviar a Diego Velazquez a Cuba, […]”. 1 El historiador Fernando Portuondo escribió acerca de la experiencia de Diego Velázquez para emprender la conquista de Cuba:“ […] tenía probadas condiciones para dirigir empresas semejantes.” 2 ; Ramiro Guerra certifica que Velázquez poseía: “[…] grandes dotes y aptitudes […] en La Española […] Echó los cimientos de cinco villas: Yáquimo, Maguana, Azua, Xaraguá y Salvatierra de la Sabana […] ”.3 En Real Cédula a Diego Velázquez el rey congratula al conquistador: “Diego Velázquez nuestro capitán de la isla fernandina, Juan Valentín GUTIÉRREZ RODRÍGUEZ vi vuetra carta de XVI de diciembre de DXVIII y en mucho plazer he avido de la pacificación que aveys (Investigador) hecho de los cacique de esa ysla y ha seydo muy bien lo que hizistes y trabajastes en pacificar la costa sur por razon de los navios que alli aportaren de Castilla del oro […]”.4 El historiador Leví Marrero en su libro Cuba: economía y sociedad, afirma: “[…] el rey Fernando había previsto el tutelaje que la isla de Cuba debía desempeñar sobre la nueva colonia de Tierra Firme y en Real Cédula al gobernador y capitán general de Cuba, Diego Velásquez fechada en Valladolid 28, julio, 1513; expone “Por ende yo os mando que todo lo que a la dicha isla enviaren a pedir e fuera menester para la dicha tierra, lo hagais y proveais con el más buen recaudo e diligencia e solicitud que se pueda” 5 En respuesta a la carta del rey Fernando, Diego Velásquez, adelantado en la isla de Cuba, le escribió posteriormente: “[…] muy presto habrá aparejo en la dicha isla para desde allí cargar pan para Tierra Firme” 6 La localización estratégica de Cuba, manifestada durante la conquista de Tierra Firme en Urabá y Darién, determinó la necesidad de crear puntos de abastecimiento en la costa sur de la isla de Cuba para lo cual Diego Velásquez debía comenzar a fundar poblados “a propósito de Tierra Firme” que le sirviera como puntos para proveer los barcos que de Centro América vinieran en busca de abastecimientos. Versiones acerca del sitio de fundación de la villa San Salvador Nicolás Joseph de Ribera, abogado defensor de la Real Hacienda, escribió la obra Descripción de la isla de Cuba a mediados del siglo XVIII, en ella refiere la localización de San Salvador, dentro del cacicazgo de Macaca: “[…] Sn Salvador q e estaba junto al puerto de Niquero cerca de Cabo Cruz, se retiró al río de Bayamo, veinte leguas al nordeste tierra adentro en los más ancho de la Ysla” 7 ACERCA DE LA FUNDACIÓN DE LA VILLA SAN SALVADOR 32 El obispo e historiador Pedro Agustín Morel de Santa Cruz toma la tradición oral a su paso por Bayamo con motivo de la visita eclesiástica, en junio de 1756, y sobre ello expone: “[…] los españoles […] con sus vecindarios fijaron el pie en Macaca […]”.8 Otra de las versiones sitúa la primera fundación de San Salvador en Pueblo Viejo, en el antiguo partido de Vicana, en la provincia india de Macaca. De ello se hace eco el capitán Francisco Sánchez Griñán en 1793. 9 En el libro Crónica y tradiciones de San Salvador de Bayamo, publicado en 1856 el autor asegura “[…] la villa, hoy ciudad de Trinidad, queriendo ser mas antigua que esta del Bayamo se alega, que nuestra actual situación es mas moderna que la que tuvo con el nombre de Nueva Sevilla en la provincia de Macaca, donde hasta hoy se conoce una especie de sabana con el nombre de Pueblo viejo.” 10 Roberto Mateizán es quien, en su obra de principios del siglo XX Cuba pintoresca y sentimental, asegura que: “[…] la villa de San Salvador fue fundada el 5 de noviembre de 1513 en el lugar que hoy ocupa el poblado de Yara”, y da como prueba la existencia a inicios de 1910 del camino real creado por los indios.” 11 El 10 de octubre de 1875, Luis Victoriano Betancourt publicó en la Estrella Solitaria de Camagüey el artículo “Luz de Yara”, donde hace coincidir el lugar del suplicio de Hatuey con el sitio de Yara y lo vincula con el inicio de la guerra de 1868. 12 33 A PIE DE PÁGINA José M. Yero y Ángel Lago en su libro San Salvador: continúa el misterio son concluyentes cuando afirman que: “[…] no está demostrado, sin lugar a dudas, que la quema en la hoguera del cacique Hatuey y la fundación de la villa de San Salvador, ocurrieran exactamente dentro del perímetro urbano que ahora ocupa la población yarera.” 13 En la segunda mitad del siglo XIX el historiador español Jacobo de la Pezuela expone acerca del “primitivo asiento de San Salvador”. “[…] en los Archivos de Indias de la antigua ciudad de ese nombre no aparece ninguna prueba auténtica de que se alzara su primer caserío sobre ninguna otra localidad que la que ocupa; […]” 14 Por lo que sitúa su fundación en el sitio actual de la cuidad de Bayamo. La doctora Hortensia Pichardo señala a San Salvador en la provincia india de Bayamo, como el lugar de la ejecución de Hatuey. 15 El investigador Leocésar Miranda Saborit afirma que la ubicación inicial de la villa de San Salvador ocurrió en el lugar que hoy ocupa la ciudad de Bayamo. 16 El único historiador que señala a Baracoa como el lugar de la muerte de Hatuey es Emilio Bacardí en sus famosas Crónicas de Santiago de Cuba.17 Ludín B. Fonseca en su trabajo Villa San Salvador. Los titubeos de Diego Velázquez, publicados en el libro La Historia en la palabra V afirma: “En 1513 Bayamo poseía mejores condiciones económicas para fomentar una villa, pero estaba muy alejado de la costa. Esta condición fue definitoria para excluirlo como lugar de emplazamiento. Finalmente se fundó la villa en la provincia del Guacanayabo […] ”18 Fundación de la villa de San Salvador en Palmas Altas Después de iniciada la conquista, la persecución de Hatuey y su suplicio, Velázquez escribe al rey dando cuenta de que ha “pacificado” la región y “[…] en el buen tratamiento de los caciques e indios a puesto diligencia, é lo mismo hará de aquí adelante; […]”19 El retorno de Diego Velázquez a la región BayamoGuacanayabo se produce a principio de octubre de 1513 como se aprecia en su Carta de Relación de primero de abril de 1514. El lugar de la fundación tendría que responder a ciertos requisitos -“y lo necesario a el toviese”-, que entre otros debían ser: cercanía al mar, cercanía a un río, altura para evitar las inundaciones, terrenos fértiles propicios a la agricultura, la existencia de un poblado aborigen o las inmediaciones del mismo, cercanía a las minas de oro o punto medio entre ellas. En la Carta de Relación Diego Velázquez plasma categóricamente que “[…] é le dicho asiento é sito se halló a legua y media de un puerto […]”.21 En dicha carta, como se puede observar, la medida para dar la distancia es la legua; la más empleada en España era la de 20 al grado o marítima, equivalente a unos 5 555 metros; además, la de 25 al grado o terrestre, de 4 225 metros; la de posta de 4 kilometro. Tomando el actual puerto de Manzanillo, en el Golfo de Guacanayabo -mencionado por Diego Velázquez como “Puerto de Guacanayabo” en un párrafo más adelante de la Carta de Relación que se analiza-, en dirección al este y a unos 6, 09 kilometro se encuentra el sitio arqueológico Palmas Altas, sustentado en la hipótesis como lugar de fundación de la villa. La doctora A PIE DE PÁGINA Diego Velázquez llegó con la recomendación real de ayudar a las empresas de penetración de Castilla del Oro -llamaban así los españoles a la parte del continente americano comprendida entre el Cabo de Gracias a Dios, al norte y el Golfo de Urabá (Darien) al sur-, cuya gobernación fue concedida a Diego de Nicuesa el día 9 de julio de 1508, y ofrecer posteriormente apoyo a la empresa de Pedro Arias de Ávila, designado por el rey Fernando, el Católico, para gobernar el territorio de Castilla del Oro con el aseguramiento de puntos de abastecimiento en la costa sur de Cuba. El tercer fragmento de la Carta de Relación de Diego Velásquez, contiene los elementos fundamentales que permiten sustentar la hipótesis de que la villa de San Salvador fue fundada en el actual poblado y sitio arqueológico de Palmas Altas: “E ocho días después que llegó á la provincia de Bayamo, porque tenía pensamiento de asentar un pueblo alla ó en la del Guacanayabo, en la que mejor sitio se hallase y lo necesario ó el toviese […]” 20 Con todas estas indicaciones, Velázquez trae como objetivo asentar un pueblo en ella ó en la del Guacanayabo cuando en noviembre de 1513 llega a la región de Bayamo. 34 no significa necesariamente en ribera de este río, sino cerca, en su margen izquierda donde no se producen inundaciones del río. Sigue la carta “[…] tierras muy buenas para ganados […]”. 28 En estas regiones de Bayamo y Guacanayabo, así como en algunos de sus poblados aborígenes, se habían estacionado grupos de españoles desde 1512 hasta la fecha de la fundación de la villa (noviembre de 1513), donde sin lugar a dudas observaron las bondades del terreno para fomentar la crianza de ganado vacuno. Señala a continuación la misiva: “[…] y disposición para la labranza de yuca y ages y maíz […]”29, tales elementos caracterizan la economía de estos grupos humanos. Su agricultura descansaba en el cultivo de la yuca amarga, el boniato y el maíz asentados como estaban en suelos ferrosiolíticos pardos-rojizos, oportunos para los cultivos de viandas y vegetales. Las condiciones geográficas del terreno y el hecho de que el sitio se encontraba en una altura a 29 m sobre el nivel del mar (coordenadas: n: 20º 19´ 50.86´´; o: 77º 04´ 10.14´´), así como las facilidades de tipo económicas del lugar, hicieron que Diego Velázquez expusiera: “[…] muy buen sitio é asiento para é el dicho pueblo […]”.30 Otro elemento de consideración que influyó en la selección del sitio fue: “[…] que las minas están a 15 é 20 leguas de allí […]”.31 La villa debía tener una situación equidistante de las minas, ser 35 A PIE DE PÁGINA Hortensia Pichardo es categórica al afirmar: “No es posible pensar en un error de Velázquez porque fija muy claramente en su carta del primero de abril (1514) los hechos. […]”22 El sitio en cuestión es un residuario arqueológico aborigen con filiación cultural agricultora detectado y excavado por el doctor Bernardo Utset en la década del cuarenta donde encontró entierros con restos humanos entre los que se destacaban cráneos con deformaciones frotooccipital oblicua, además cerámica española del siglo XIV, por lo que el sitio es reportado por el Departamento de Arqueología del Ministerio de Ciencias de Cuba como sitio de contacto indohispánico; las pruebas existentes se verifican en la colección del Instituto Cubano de Antropología del Ministerio de Ciencia Tecnología y Medio Ambiente23 y en el Museo Municipal de Manzanillo. 24 Al continuar la lectura de la carta de Diego Velázquez este afirma que dicho asiento “[…] está apropósito de la navegación de la isla Española y de Tierra Firme […]” 25,este fragmento, junto con el anterior, nos expone la cercanía al mar de la villa fundada, en específico al Golfo de Guacanayabo, desde donde con facilidad se podía navegar a la isla de La Española, a Jamaica y a Tierra Firme (Castilla del Oro), para cumplir el propósito de apoyar la penetración en esas tierras. Ese requisito se cumpliría en la villa fundada, situada a unos 6, 09 km, o sea, legua y media del mar. En un mapa de la isla de Cuba confeccionado en 1564 por Paolo Forlano, se sitúan las villas fundadas hasta agosto de 1514 en el sur de la Isla: San Salvador, Trinidad, Sancti Spíritus (con el nombre de Salina) y San Cristóbal, En el mapa de Forlano se puede observar la inmediatez de la villa de San Salvador a la costa del Golfo de Guacanayabo, otro tanto sucede con la de Trinidad y San Cristóbal, todas al sur y muy cercanas al mar. 26 Y luego la Carta de Relación expone otro elemento de ubicación a tener en cuenta para situar la fundación de la villa: “[…] y cerca de un río grande muy bueno, que se dice Yara […]”.27 Del sitio Palmas Altas al punto más próximo del río Yara, en línea recta, hay 1 430 m, lo que en terrenos propicios para las siembras y para la crianza del ganado, a una distancia prudencial también de las minas […]” 34 Concluciones La segunda villa de Cuba San Salvador, se demuestra, fue fundada por Diego Velázquez en el sitio hoy denominado Palmas Altas, a unos 6,090 km del actual puerto de Manzanillo y cerca (1,430 km) de la ribera izquierda del río Yara. En este lugar se produce el martirio del cacique Hatuey. Referencias bibliográficas. 1.- Archivo de Indias. Real Cédula de 6 de junio de 1511. Aprobación del rey Fernando el Católico sobre el asiento entre Diego Colón y Diego Velázquez para la ocupación de Cuba. Colección de Documentos Inéditos. 2.- Portuondo, Fernando (1965): Historia de Cuba. Editorial del Consejo Nacional de Universidades, La Habana. 3.-Guerra, Ramiro; Pérez, José M.; Remos, Juan J; Santovenia, Emeterio. (1952): Historia de la Nación Cubana. Editorial Historia de l Nación Cubana, S. A. La Habana. 4.- Archivo de Indias. Real Cédula de 8 de mayo de 1513, haciendo merced a Diego Velázquez, por sus buenos servicios (…).Colección de Documentos Inéditos. 5.- Marrero, Leví (1974): Cuba: economía y sociedad. Río Piedra, Puerto Rico, Editorial San Juan, Norte, Vol. II p.135. 6.- Pichardo, Hortensia. (1984): Documentos para la historia de Cuba; época colonial. La Habana. Editorial Pueblo y A PIE DE PÁGINA Diego Velázquez de Cuéllar Educación, t 1., p. 74. 7.- Ribera, Nicolás Joseph de (1975): Descripción de la isla de Cuba. Compilación e introducción de Hortensia Pichardo. una especie de centro. Una de esas minas pudiera ser la de Jobabo, a unos 75 km del lugar (entre 15 y 20 leguas), en el área de Cueyba, según el mapa del Instituto Cubano de Geodesia y Cartografía (ICGC). Se cumplía entonces, con la fundación de la villa en el actual Palmas Altas, con dos propósitos fundamentales: cercanía a un puerto y a las minas. Prueba de ello es lo expuesto en R. C. de 18 de febrero de 1515 enviada por el rey a Diego Velázquez: “[...] los pueblos que en esa ysla aveys hecho me han parecido bien, siendo tan a propósito de las buenas minas e puertos como dezis que son […]”32 Hay otro aspecto de carácter práctico-político que pudo influir en la selección y nombramiento de esta villa: “[…] y la nombró San Salvador, porque allí fueron libres los cristianos del cacique Yahatuey […] 32 Él estaba convencido de que “[…] con la muerte suya se aseguró é salvó mucha parte de la isla […]”.33 Para el historiador Ramiro Guerra no había dudas de que Diego Velázquez había echado los cimientos de una población: “[…] fundada a legua y media de un puerto que halla a propósito para facilitar la comunicación con la Española y con Tierra Firme, y que se encontraba cerca de un río que los indígenas conocían con el nombre de Yara, La Habana. Editorial de Ciencias Sociales, p. 134. 8.- Morell de Santa Cruz, Pedro Agustín (1985): La visita eclesiástica. La Habana. Editorial de Ciencias Sociales, p. 92. 9.- Lago Vieito, Ángel (s.f.): Niquero, una descripción de finales del siglo XVIII, p. 9, Inédito. 10.- Mutra, Francisco (Compilador) (2011): Crónicas y tradiciones de S. Salvador de Bayamo. Granma. Proyecto y Memoria. Edición Anotada: Ludín B. Fonseca García, Bayamo M. N., p. 14. 11.- Mateizan, Roberto (s.f): Cuba pintoresca y sentimental. Santiago de Cuba. Tipografía Arroyo Hermanos, p. 221. 12.- Feijoo, Samuel. (2003): Mitología cubana. La Habana. Editorial Letras Cubanas, p. 179. 13.- Yero Masdeus, José y Lago Vieito, Ángel. (2002): San Salvador de Bayamo: Sigue el misterio. Bayamo, Ediciones Bayamo., p. 51. 14.- Pezuela, Jacobo de la (1966): Diccionario de la isla de Cuba. Madrid. Imprenta del Banco Industrial y Mercantil. 15.- Pichardo, Hortensia. (1983): El suplicio de Hatuey y ¿dónde tuvo lugar? Ponencia al IV Encuentro de Historiadores Latinoamericanos y del Caribe. Bayamo. 16.- Miranda Saborit, Leocésar. (1995): Santiago de Cuba (1515-1550). Santiago de Cuba. Editorial Oriente., p. 11. 17.- Pichardo, Hortensia. (1986): La fundación de las primeras villas de la isla de Cuba. Editorial de Ciencias Sociales, La Habana. P. 15. 18.- Fonseca García, Ludín B. (2008): Villa San Salvador. Los titubeos de Diego Velázquez. En: La Historia en la palabra V. Bayamo, Editorial Bayamo, p. 20. 19.- Pichardo, Hortensia. Ob cit. en 6, p. 65. 20.- Ibídem., p. 70. 21.- Idem. , p.70. 22.- Pichardo, Hortensia. Ob cit. en 15. 23.- Jimenes Santander, José. Instituto Cubano de Antropología. Ministerio de Ciencia Tecnología y Medio Ambiente. Libros de Catalogación. Departamento Arqueología. 24.- Oliva Milán, Rolando. Dirección de Patrimonio. Museo Municipal Manzanillo. Inventario de Sección de Arqueología. 25.- Pichardo, Hortensia. Ob cit. en 6, p. 70. 26.- Pichardo, Hortensia. Ob cit., en 17. Figura 5. 27.- Pichardo, Hortensia. Ob cit. en 6, p. 70. 28.- Idem. 29.- Idem. 30.- Idem. 31.- Idem. 32.- Archivo Nacional. Academia de la Historia de Cuba. Real Cédula de 28 de febrero de 1515, del rey Fernando a Miguel de Pasamonte, funcionario de la corona en la isla La Española. Caja 53. Expediente 491. 33.- Pichardo, Hortensia. Ob. Cit., en 6, t 1, p. 70. 34.- Idem. 35.- Guerra, Ramiro; et al. Ob. Cit., en 3, p. 69. 36 una íntima y extraña complicidad, donde el vínculo mujer-pez nos inducen a suponer presuntas copulaciones. Por otro lado, existen piezas en las que los peces se transforman en huracanadas aguas que atraen al centro mismo del cuadro el mundo pictórico del artífice, disipándose como una suerte de pérdida o ruptura. Visión en sombra, exposición realizada en 2009 en el Centro provincial de Artes Plásticas y Diseño, reasumió esta poética donde el alto nivel factual y la madurez de pensamiento se hacen notar en cada una de las realizaciones. Criterios relativos a la realidad contemporánea son tratados mediante un lenguaje tropológico y una estética que tiende a sintetizar los componentes. Texturas, fuertes empastes, tonos ocres, rojos y azules predominan en las propuestas donde los elementos se confunden unos con otros entre torbellinas líneas; en tanto, los conocidos girasoles de Van Gogh o las largas y ásperas manos pintadas por Guayasamín se integran de manera orgánica al universo representacional de un artista cuya obra se yergue sobre la necesidad de expresión y la eminente voluntad de hacernos cómplices de sus continuas búsquedas espirituales. 37 A la Obra de Julio Oduardo JULIO ODUARDO CASTAÑEDA, VISIONES DE UNA REALIDAD Liutmila Báez García Al referirnos a la plástica manzanillera se habla siempre de esa tendencia de sus creadores a representar al mar como parte indisoluble de su circunstancia, tópico ampliamente trabajado que no deja de parecernos intere- sante debido a la heterogeneidad de miradas y tratamientos poéticos, asumido como sublimación de la ciudad. La energía de las brisas y las aguas del golfo adquieren una nueva dimensión cuando en los lienzos de Julio Antonio Oduardo Castañeda se transforman en onduladas líneas que regularmente mantienen atrapado al ser humano. Este artista de reconocida trayectoria destaca por poseer una obra con amplias miras contextuales e identitarias donde la esencia la constituye la propia existencia del hombre. Graduado de la Academia profesional de Artes Plásticas José Joaquín Tejada, de Santiago de Cuba y posteriormente del Instituto Superior Pedagógico Blas Roca Calderío, de Manzanillo, este creador es miembro desde 1997 de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC). Mediante su labor docente ha contribuido a la formación de nuevas generaciones de artistas plásticos granmenses; cuenta en su quehacer profesional con seis exposiciones personales, disímiles proyectos colectivos, ambientaciones y la realización de varios murales que ST. 123 cm de diámetro, óleo sobre lienzo, 2010 38 develan una iconografía signada por el misticismo. Diversos premios alcanzados en salones provinciales y municipales de artes plásticas como el 10 de octubre y el Julio Girona, dan fe de las cualidades formales y la solidez discursiva de sus propuestas, que lo hacen merecedor, además, del Pergamino de la ciudad de Manzanillo y la distinción Del esfuerzo, la Victoria. Julio Oduardo posee un trabajo que lo tipifica dentro del ámbito cultural granmense. Sus pinturas se centran en problemáticas asociadas a la génesis de la humanidad, el existencialismo, el aislamiento, la nostalgia por tiempos pasados y la sensualidad femenina. Treinta años de creación ininterrumpida han validado una obra que, in crescendo, coquetea con la expresión abstracta. Sus piezas ofrecen reflexiones en torno a conflictos relacionados con la mujer, figura recurrente que en no pocas ocasiones ha personificado a una ciudad imaginaria. En La ciudad no es la ciudad, exposición realizada en 2007, Julio Oduardo brinda una reinterpretación del espacio urbano. Su visión se concentra en la exacerbación de la pasión y la introspección, composiciones en las que volutas y girasoles se imbrican en un fondo del cual asoma tímidamente la imagen femenina. Otros de los modos en que el autor suele aludir a la 39 ciudad es la representación de columnas truncas, elemento simbólico que nos habla de la permanencia de lo antiguo, el abandono, el desamparo y la capitulación. El binomio hombre-pez es asumido desde una perspectiva antropológica que insiste en indagar sobre el origen de nuestra especie. Desde esta postura se percibe un lirismo que los estrecha en una íntima y extraña complicidad, donde el vínculo mujer-pez nos inducen a suponer presuntas copulaciones. Por otro lado, existen piezas en las que los peces se transforman en huracanadas aguas que atraen al centro mismo del cuadro el mundo pictórico del artífice, disipándose como una suerte de pérdida o ruptura. Visión en sombra, exposición realizada en 2009 en el Centro provincial de Artes Plásticas y Diseño, reasumió esta poética donde el alto nivel factual y la madurez de pensamiento se hacen notar en cada una de las realizaciones. Criterios relativos a la realidad contemporánea son tratados mediante un lenguaje tropológico y una estética que tiende a sintetizar los componentes. Texturas, fuertes empastes, tonos ocres, rojos y azules predominan en las propuestas donde los elementos se confunden unos con otros entre torbellinas líneas; en tanto, los conocidos girasoles de Van Gogh o las largas y ásperas manos pintadas por Guayasamín se integran de manera orgánica al universo representacional de un artista cuya obra se yergue sobre la necesidad de expresión y la eminente voluntad de hacernos cómplices de sus continuas búsquedas espirituales. 40 En 1855 Francisco Murtra, animado por algunos vecinos del comercio y hacendados de Bayamo, solicitó establecer una imprenta y un periódico técnico–económico, local puramente1. La solicitud y aprobación fueron tramitadas con prontitud. El 5 de noviembre de ese mismo año se autorizó la imprenta y la publicación2. El periódico se nombraría Boletín Bayamo, el que se publ icó en mayo de 18563. La llegada de la imprenta a la ciudad se convertiría en un suceso de relevancia cultural. Tomada la ciudad de Bayamo por los mambises, Carlos Manuel de Céspedes tiene la visión de crear un periódico que respondiera a los anhelos de los revolucionarios y funda El Cubano Libre, órgano oficial de la revolución donde se publicaron las disposiciones del Gobierno, las noticias de la guerra y las proclamas de sus dirigentes. Con la quema de la ciudad de Bayamo el 12 de enero de 1869, los principales edificios quedaron destrozados por el fuego y junto a ellos una fuente importante de publicaciones y documentos históricos. A partir de 1899 comenzaron a circular en Bayamo los periódicos El Eco y El Oriente. El primero se confirma que existió hasta inicios del siglo XX, ya que aparece un ejemplar de fecha 17 de mayo de 1900, pero no se puede precisar su tiempo de duración, su director fue José Ricardo O´Farril, y el administrador José Mugica Ríos. Denominado como publicación política, e independiente y de intereses generales, en la parte superior del machón refleja el siguiente enunciado: Paz, orden, trabajo, moralidad, Ernesto José PARRA MUÑOZ justicia. Del segundo hasta el momento no se ha (Profesor) encontrado información. En los umbrales del siglo XX tomó auge la creación de nuevos periódicos, algunos preservaron los espacios y características similares a los que le precedieron, otros eran diferentes en su totalidad. También circuló en la ciudad El Bayamés, fundado en 1906, entrega semanal de Intereses generales, dirigido por Olimpo Fonseca Pérez y cuyo administrador era José Mugica Ríos. Contaba con cuatro páginas, editadas a igual número de columnas, impreso en blanco y negro. Circuló en diferentes etapas. En 1907 aparece La Voz del Pueblo, y en 1909 El Fénix. Circulaba también el periódico La Regeneración, denominado diario político independiente, redactado a cinco columnas, en blanco y negro. Tuvo como director a Santiago Palacios y de administrador a Enrique Soriano. Alcanzó quinta y sexta épocas, lo que corrobora su larga permanencia en circulación. En los años 1912 a 1928 y de 1934 a 1937 se edita Bayamo, denominado periódico de información independiente, redactado a seis columnas en blanco y negro, de vida prolífera en el campo de la propaganda y caracterizado por diferentes formas, tamaños y diseños. En el año 1912 fue propiedad del brigadier Luis A. Milanés Tamayo, patriota que lo utilizó como vía para divulgar los asuntos del Partido Liberal, funge como director el doctor Blas A. Domínguez Martí, aunque en los momentos de ser fundado desempeñó ese cargo el periodista Jesús Masdeu. En 1920 Bayamo circuló bajo la idea de ser un órgano de interés político, dirigido por Rafael Fajardo Gamboa; durante los primeros meses de 1937 el editor fue Joel Lovaina 41 A PIE DE PÁGINA ELEMENTOS HISTÓRICOS SOBRE LA PRENSA PERIÓDICA DE BAYAMO (1902-1925) A PIE DE PÁGINA Chacón y su administrador Enrique Orlando Lacalle. Este periódico fue vocero oficial del Centro de Veteranos de Bayamo, posteriormente en él aparecieron temas relacionados con el abandono del Gobierno a la ciudad, y las necesidades por las que atravesaba el pueblo, entre otros temas, además de publicar fotos. En el año 1912, nació El Derecho, que vuelve a circular en los años 1925 y 1932 con diferentes directores y nuevos diseños editoriales. En 1914 se pública El Dictamen, diario oolítico independiente, y también se editó El Káiser, dirigido por Eustaquiano Reyes, con carácter eminentemente político. En 1916 se funda por Manuel de la Guardia Serrano. El Heraldo de Oriente, órgano de información general que se anunciaba bajo el lema “Con todos y para todos”, destinado a los anuncios comerciales. Una particularidad lo hace resaltar: las denuncias en los casos de drogas, prostitución y robo, temas tratados y publicados abiertamente. El Heraldo de Bayamo, 42 sale en el año 1917 dirigido por Olimpo Fonseca y administrado por Santiago Palacios, sus páginas resaltan el valor de la juventud y en él laboraban varios corresponsales de otras regiones. Se mantuvo circulando en el año 1922 y principios del 1923. En 1918 se publica El Tiempo, diario político y de información, y en 1919 La Polémica, denominado diario independiente. En 1920, surge el bisemanario Bayamo Ardiendo, bajo la dirección de Luis Tablada Mojena, que como exponente de las ideas del brigadier Luis A. Milanés, respondía a los intereses del Partido Conservador. En 1923 aparece el periódico El Imparcial, dirigido por Manuel Camps Reyes y editado con una frecuencia diaria. En ese mismo año sale a la luz El Paladín, interdiario defensor de los intereses del pueblo; su estructura y contenido eran similares al señalado anteriormente; de este se editaban mil ejemplares y llegó a circulaba diariamente. Luis Estrada y Estrada fue su director político y Blas Domínguez, administrador y director editorial. En Bayamo circuló en 1920 el bisemanario político, independiente y de interés general La Opinión, bajo la dirección de Manuel Planas Rodríguez, como jefe de redacción Conrado Bonet y en el que laboraban además de los periodistas de plantilla, corresponsales de otras zonas del país. En 1925, reaparece El Derecho como interdiario de la vida bayamesa; su director político Quintín George, jefe de redacción José Maceo Verdecia, administrador Manuel Fabré Bonet y director general Conrado Bonet. Utiliza el género de entrevistas realizadas a personalidades de la época. La prensa periódica bayamesa de 1902 a 1925, está signada por la neocolonia, la herencia empobrecida de una ciudad en ruinas y el deseo de sus pobladores de transformar el ambiente de insalubridad, carencias de escuelas, hospitales e instituciones culturales, lo que se contraponía a las acciones de un pequeño grupo de propietarios de tierra, ganado, y otras producciones así como representantes de partidos políticos, que deseaban el progreso de la ciudad, sin tener en cuenta la intromisión de los intereses que promovía la política de Estados Unidos hacia Cuba, por lo que no siempre el contenido de la prensa bayamesa fue el fiel reflejo de la realidad que vivía. Notas 1 ANC: Fondo Gobierno Superior Civil, leg. 670, exp. 21543. 2 Ídem. 3 Ídem. DOCUMENTOS DE ARCHIVO CONSULTADOS El Bayamés, 2 de Diciembre de 1906 El Bayamés, 24 de Marzo de 1907. El Derecho. Año 8. Núm 284. Bayamo 25 de Julio de 1923. El Derecho. Año II. Núm 72. Bayamo 25 de Julio de 1925 El Derecho. 22 de Agosto de 1925. El Dictamen. Año I. Bayamo, Sábado 26 de Diciembre de 1914. El Eco. Bayamo, 17 de Mayo de 1900. El Tiempo. Año I. No 9. Bayamo, Sábado 24 de agosto de 1018. Heraldo de Bayamo. Año I. No 20. Bayamo, 29 de Mayo de 1919. Heraldo de Bayamo. Año I. No 22. Bayamo, 1 de Junio de 1919. Heraldo de Bayamo. Año I. No 23. Bayamo, 3 de Junio de 1919 Heraldo de Bayamo. Año I. No 24. Bayamo, 4 de Junio de 1919. Heraldo de Bayamo. Año I. No 25. Bayamo, 5 de Junio de 1919. Heraldo de Bayamo. Año I. No 60. Bayamo, 30 de Julio de 1919. Heraldo de Bayamo. Año I. No 61. Bayamo, 31 de Julio de 1919. Heraldo de Bayamo. Año I. No 62. Bayamo, 1 de Agosto de 1919. Heraldo de Bayamo. Año I. No 103. Bayamo, 25 de Septiembre de 1919. Heraldo de Bayamo, Bayamo, 20 de Mayo de 1920. Heraldo de Bayamo. Año I. No 24. Bayamo, 4 de Junio de 1919. Heraldo de Oriente. Año VIII. No 62. Bayamo, 26 de Octubre de 1915. La Polémica. Año I. Núm 56. Bayamo 31 de Julio de 1919. La Regeneración. Año I. Núm. 5. Bayamo, 8 de Septiembre de 1910. La Regeneración. Año I. Núm. 6. Bayamo, 16 de Septiembre de 1910. La Regeneración. Año I. Núm. 7. Bayamo, 23 de Septiembre de 1910. La Regeneración. Año I. Núm. 17. Bayamo, 7 de Diciembre de 1910. La Regeneración. Año I. Núm. 113. Bayamo, 28 de Agosto de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 124. Bayamo, 28 de Septiembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 143. Bayamo, 1ro de Octubre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 152. Bayamo, 12 de Octubre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 170. Bayamo, 5 de Noviembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 172. Bayamo, 6 de Noviembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 173. Bayamo, 7 de Noviembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 174. Bayamo, 8 de Noviembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 175. Bayamo, 9 de Noviembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 178. Bayamo, 13 de Noviembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 193. Bayamo, 6 de Diciembre de 1912 La Regeneración. Año I. Núm. 194. Bayamo, 7 de Diciembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 195. Bayamo, 9 de Diciembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 196. Bayamo, 10 de Diciembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 206. Bayamo, 23 de Diciembre de 1912. La Regeneración. Año I. Núm. 207. Bayamo, 25 de Diciembre de 1912. La Regeneración. Año II. Núm.245. Bayamo, 14 de Febrero de 1913. La Regeneración. Año II. Núm. 249. Bayamo, 19 de Febrero de 1913. La Regeneración. Año II. Núm. 266. Bayamo, 10 de Marzo de 1913. La Regeneración. Año IV. No 105. Bayamo, Sábado 22 de Mayo de 1915. La Regeneración. Año IV. No 105 Bayamo 26 de Febrero de 1916 La Regeneración. Año 8. No. 64 Bayamo, 30 de Abril de 1918. Del Fondo Neocolonia: Legajo 56. Exp. 1583. folio 2 – 19/9/1902. Legajo 61. Exp. 1770. folio 7- 16/3/1906. Legajo 62. Exp. 1819. folio 5 - 30/9/1906. Legajo 64. Exp. 1896. folio 22- 16//7/1907. Legajo 66. Exp. 1935. folio 3- 31/10/1907. Legajo 67. Exp. 1979. folio 2- 27/4/1908. Legajo 69. Exp. 2044. folio 18- 26/3/1909. Legajo 74. Exp. 2240. folio 3- 6/10/1911. Legajo 101. Exp. 4292. folio 2- 14/12/1923. 43 A PIE DE PÁGINA La Regeneración. Año II. Núm. 302. Bayamo, 21 de Abril de 1913. fabulaciones LA MARIPOSA América del Carmen REGO ROQUETA (1969) Otra vez me despierto asustada, creyendo haberme quedado dormida. Miro por la ventana y aun no amanece. Busco el reloj con la vista y tiene los números parpadeantes. No puedo creerlo, otra vez se rompió. Me quedo otro rato en la cama escuchando la respiración de mis hijos que aun duermen, encogidos por el frío de la madrugada, los arropo bien y me levanto. Comienza el día como siempre, las gallinas del vecino jodiendo desde temprano en mi patio, yo sé que hasta que no les eche nada de comer no se irán, por eso no me queda más remedio que sacudirles las sobras de la comida de anoche y esperar que terminen para espantarlas. - “Máaaaaaaaaaa” - Vaya, ya se despertó. El mismo grito y a la misma hora. Corro y le preparo su leche para que vuelva a dormirse y yo seguir en lo mío, lo que siempre hago a esta hora, paso por paso, sin variar nada, todo igual, sin olvidar nada. Solo me consuela la alegría de ver crecer a mis hijos, de luchar por ellos, de vivir para ellos. No pasa nadie para preguntarle por la hora. Parece que nadie se atreve a levantarse con el frío que está haciendo, ¿o será que aun es muy temprano? Enciendo la televisión, ya comenzó mi programa favorito, así que son como las cinco de la mañana. Vuelvo a lo de antes, termino de sacudir la comida y me entretengo mirando las gallinas que ahora juegan con los pollitos, ellos creen que soy su dueña, pero de eso nada. Enciendo la candela y pongo a hacer el café. «Menos mal que no me dio trabajo, porque con tanto frío, la leña amanece un poco hú m e d a » pienso y me quedo mirando como la lla- mita empieza a ensancharse hasta ponerse grande. El perrito hoy no ha querido salir de su cajita a saludarme, nada más bosteza, bosteza duro y con bastante ruido como para hacerme saber que tiene hambre. Yo también, siento hambre, creo que anoche me acosté sin comer, no recuerdo bien. Cuelo el café, que inunda el patio con su aroma. Me tomo una tacita bien caliente, como me gusta, del primer chorrito del colador. Hoy siento que necesita más azúcar, le echo un poquito más al mío, no me parece bien, necesita más… ¿Será que estoy perdiendo el paladar? Siento frío, mucho frío, busco con qué abrigarme, ya está saliendo el sol, los primero rayos me alumbran la cara, tengo que virarme para que no me moleste en los ojos. Una mariposa pasa volando cerca de donde estoy, tiene alas enormes y colores hermosos, me quedo mirándola, «Si yo fuera tú», pienso, «volaría alto, muy alto. Así hasta podría ver el cielo desde más cerca». Sigo trabajando sin descansar un segundo, llega la noche y aun estoy trabajando. Sigo con lo que siempre hago, paso por paso, sin variar nada, todo igual, sin olvidar nada. Solo me consuela la alegría de ver crecer a mis hijos, de luchar por ellos, de vivir para ellos. 44 SINFONÍA URBANA Genry Willian MARTINEZ JERÉZ (1969) ALLEGRO DE LA DESESPERACIÓN -¡Mátala, coño, no seas pendejo! -Pero Hueso… compadre… no hace falta, mira si… -¡Déjame a mí, que el musiquito está caga´o! –dice el Tuerto avanzando con una descomunal navaja. -¡No, cojones, que la mate este pendejo! ¡Tú, comemierda, acaba de pinchar a la singá vieja que ya nos vio la cara! El tono violento del Hueso me hace avanzar. No sé cómo tengo la navaja en la mano. Me estremezco igual o más que la anciana. Miro atrás, el Tuerto sonríe desde una esquina del cuarto. -Disfrútalo –dice irónico. Hago un esfuerzo y observo a mi víctima. El rostro le sangra. Seguramente por el piñazo que le dio el Tuerto. Me acerco. Los ojos casi le saltan de las órbitas. -¡Cojones –pienso- por qué tuvo que despertarse! El Hueso la sujeta más fuerte aun. Miro la navaja. No sé qué hacer. Me recuerda a mi madre. No puedo evitarlo. Todo a mí alrededor es confuso. Ya no me importa lo que dice el Hueso. Solo existen esos ojos, que piden piedad, que me ruegan que no lo haga. ADAGIO DE LA JUSTIFICACIÓN Hacía días que me había cansado de la vida miserable que llevaba. De la horda de chismosos en mi escuela, los gritos desesperantes de los niños, de mis talleres sin futuro, de mi salario; principalmente de mi salario. Tenía que conseguir más dinero ahora que Yanelis estaba embarazada y viviría conmigo. Antes había intentado con negocios; vender ropa, comida, ron. Incluso como barbero pero no, yo no servía para eso aunque me dolía reconocerlo. Era instructor de música. No sabía hacer otra cosa que dar clases y alguna que otra vez componer malamente. A veces me preguntaba si Beethoven en mi situación hubiera podido crear su Novena Sinfonía. En fin, el mundo se me venía abajo. Tenía que mejorar mi situación. De forma ilegal no sabía. De forma legal no me alcanzaba. Así que mi única solución había sido hablar con el delincuente más eficaz del barrio. 45 fabulaciones Amanece. Busco los primeros rayos de sol que entran por las hendijas de la ventana del cuarto. No me importa si el reloj se rompió y no da la hora. Alguien abre la puerta y aprovecho para salir. Me siento extraña. No enciendo el televisor, no me preocupa si el programa comenzó o acabó, solo quiero que abra alguien la puerta del patio. Mi esposo se levanta buscando la leche caliente para la niña. Salgo. Por primera vez en mucho tiempo me siento libre. Él se queda mirando una mariposa que pasa volando cerca de su rostro y se sorprende cuando con una de sus alas le roza el rostro, tiene alas enormes y colores hermosos, se queda mirándola y con la mirada busca, busca algo. fabulaciones Al principio el Hueso me miraba con recelo. Luego lo convencí de que no era fiana y menos de los segurosos. -Lo que necesito es plata. No importa cómo –llegué a decirle. Él me explicó las reglas. Sobre todo que me daría esa oportunidad porque él me conocía de años y yo era un tipo serio que no levantaría sospechas. –Además, tenía a dos socios pa´ un golpe y se me enfermó uno. Esta va a ser tu prueba –dijo. Entonces me contó cómo sería todo. Que facharíamos en una mansión donde vivía una vieja a la que el hijo mantenía desde el yuma. La jugada sería esa misma noche a eso de las tres de la mañana. PRESTO DE LA INDECISIÓN Tengo que hacer algo. No voy a quedarme aquí y así para siempre. Quiero desaparecer, salir de este lugar de una vez. Me cago en la hora en que fui a ver al Hueso. Esto no era en lo que habíamos quedado. Lo mío era ayudarlos a robar. No matar a nadie. Si pudiera irme tranquilo, sin problemas. Pero coño, si digo eso me van a joder a mí. Estos están locos de remate. Tenía que haber inventado otra cosa pa´ conseguir el dinero de la maldita canastilla. Probar de nuevo con la barbería o algo así. Cualquier cosa menos matar a alguien. Pobre señora, de todos modos se la van a cargar. Ellos sí son asesinos. Lo mío es otra cosa. Lo mío es la música. Qué coño hago aquí con esta gente. Pero… ¿qué pasa? ¿Por qué se van? ¿Dónde está la vieja? ¡Cojones, que dónde metieron a la vieja! ¿Y esta sangre? ¿Qué hago lleno de sangre? ¡Coño, díganme! 46 Reinier RODRÍGUEZ GUEVARA (1986) Uno puede corregir la realidad, siempre voluble, y conformar una nueva historia, totalmente distinta, una de sus posibilidades infinitas. Es como perderse en el hueco sin fin de una mina. Alberto Garrido. fabulaciones ALGÚN LUGAR DETRÁS DEL VACÍO Hubiera podido contarle esta historia de mil formas y decir que mi conversación con aquel hombre fue lo más casual que pudo haberme ocurrido, pero lo de narrar me va muy mal y no encontré nada que pudiera explicarle para hacer verosímil mi historia. Si Yaíma me oyera diría: Cada hombre está en la tierra para simbolizar algo que ignora; pero esa frasecita hace mucho que no me funciona, quizá por eso nunca me importó aquel sujeto de la calle Tudor. Hoy tampoco me hubiera importado y lo seguiría ignorando como se debe ignorar un hombre tirado en el contén de la acera con la mirada puesta en la nada. Yaíma seguramente nunca lo vio cuando bajábamos juntos del hospital, porque me habría susurrado al oído: Todos somos hijos de Dios y él es el prójimo, o cualquier aforismo que se le ocurriera con tal de que no lo criticara; pero alguien así está lejos de ser hijo de Dios, con semejante fisonomía y aquel traje sucio solo me hubiera sugerido un personaje de la revista Futuro. De todos modos, al parecer, siempre iba a estar ahí, como ahora, con la cara ancha y serena descubriendo unos ojos muy juntos incrustados en algún punto al final de la calle. Hoy también voy a ignorarlo, capaz de que lo salude y quiera contarme que le va muy mal, que no tuvo infancia, o quiera invitarme a su casa en sabe Dios que suburbio de este asqueroso pueblo. Paso a su lado, tratando de mantener una distancia prudente, todavía no sé por qué me llama la atención alguien así, esas consultas de Yaíma me traen medio trastornado, toso, y luego suspiro profundamente como el que trae muchos problemas consigo, así no se atreverá a acercarse. -Hola- murmura con desánimo. La aberración habla, pienso y suelto una carcajada. En realidad no esperaba que fuera atrevido, ni siquiera descortés, pero ese “hola” tan insípido no merecía otra respuesta que esquivarlo como siempre. -¡Ah!, tampoco- murmura nuevamente. -¿Cómo dice?- pregunté volteándome. Era mi primera frase hacia aquel sujeto en mucho tiempo. Creo que darle cualquier indicio de confianza iba a ser ya demasiado generoso de mi parte. -¿Me ve usted? -Claro que lo veo, siempre lo veo. ¿Por qué no habría de verlo?- añadí. -Es difícil de explicar, usted no me creería- dijo y una sonrisita como de victoria se le dibujó en el rostro. -¡Ah, no! -Supongo. -Pues inténtelo- insistí, algo me decía que su explicación no solo sería absurda sino que además divertida. Primero murmuró algo como de conocer a alguien antes de salir a pescar; de los colores de la gente y luego del mar que está detrás del vacío al final de la calle. Se detuvo y levantó la cabeza como tratando de recordar algo. Después de un rato añadió: 47 fabulaciones -Fue muy rápido, en un momento todo se volvió inestable a bordo, el agua entraba y llegaba hasta el camarote como enviada por el mismo demonio. Dos de los hombres que venían conmigo quedaron muertos al instante atravesados por las astillas del mástil que partió el viento. Nunca vi tanta gente morir así de rápido. Yo me refugié en uno de los botes salvavidas hasta que todo se calmara pero eso no sucedió hasta por la noche que el oleaje disminuyó y pude rescatar algunas cosas. Creo que ya no podían verme. -¡Ah sí! ¿Y el resto de la tripulación?-pregunté tratando de no soltarle la risa en la cara. -El resto -prosiguió- cuando se hizo el espacio en medio del mar atrajo todo lo que quedó en cubierta. Todo fue muy rápido y voraz. De repente me vi solo en medio de cien mil leguas de agua. Los que venían tratando de sostener el timón fueron desmembrados y lanzados al agua igual que el de la vela. El lastre que traíamos se desprendió y quedé a la deriva, a merced de una fuerza que no sé explicar. ¿Ve usted aquellas gaviotas en el agua? – Apuntó hacia el final de la calle- justo allí encontré los únicos cuerpos que pude rescatar para poder darle sepultura. Uno estaba decapitado y a los otros tres casi tengo que armarlo nuevamente. Allá detrás de aquellos arbustos los enterré esta misma mañana. Lo terrible es que siempre supe que iban a morir y no pude decírselo. Que no estuviera bien de la cabeza no iba a ser novedad, Yaíma siempre dice que tengo pasta para ese tipo de gente. Miro el reloj y luego a mi interlocutor haciendo evidente mi incredulidad con un rechistar indiferente. -¿Y entonces?- protesto. -¿Cómo que entonces? Ahora usted es el que está condenado. -¡Ah, comprendo! Ahora soy yo el de la maldición.- digo con tono jocoso. -No sé, no estoy seguro, todo es muy raro. Supongo que es hasta que alguien lo vea a usted. -¿Y si nadie me ve?- pregunto fingiendo mostrar interés. -Tampoco sé, creo que así es como funciona. ¿No entiende? -Lo único que entiendo es que usted ha perdido el tiempo tratándome de convencer de ese absurdo.- respondo pensando que a Yaíma no le hubiera gustado mi tono de voz. -De todos modos le quedan aun muchos años de vida- dice. -¿Cómo lo sabe?- arguyo todavía un poco irritado. -No sé, me lo trasmitió ese a quién conocí, según me dijo otro alguien se lo había dado a él, y a él otro, y así sucesivamente, supongo que habrán sido muchos. -Debe ser genial conocer ese dato tan revelador- comenté. -No es tan fácil, es una tortura constante, lo veo en todos, niños, mujeres, es aterrador. -¿Y qué es lo que ve en realidad? pregunto tratando de no parecer impaciente. No puedo darme el lujo de que piense que su historia me importa en lo absoluto. - Lo veo en los colores que nos rodean. -Sí, creo haber leído sobre eso alguna vez, es el Karma ¿no? -No sé de qué me habla. -¿Cuánto me queda?- pregunto irónico. El hombre no mostró incomodidad, el hecho de que me estuviera riendo en su cara al parecer no le era molesto, quizá ni siquiera ajeno, seguramente había interceptado a otros cuantos para hacerle su estúpida historia. Miro nuevamente el reloj y recuerdo que tengo que recoger a Yaíma para la consulta, debe creer que ando por ahí pensando en las musarañas del barrio como suele decir. - Quédese quieto un momento-dice en voz baja- quédese quieto y haga como si no me conociera, no funciona si me está mirando… creo que ahí está bien… sí, le quedan aun algunos años de vida- concluyó dibujando por primera vez una sonrisa. -Es bueno saberlo, hay gente que me necesita- digo y le doy con la mano abierta dos golpecitos en el hombro.fue ininteligible hablar con usted- agrego convencido de que desconoce por completo el significado de esa expresión. 48 fabulaciones -¿Y entonces qué va a hacer?- me dice agarrándome por el brazo. -Eso a usted no le importa- respondo fingiendo estar indignado por su pregunta y continúo mi camino. Es temprano y supongo que Yaíma esté impaciente. Pienso que en todo este tiempo perdido con el hombre “premonición” ella estuvo necesitando de mí y eso me aterra, ahora está volviendo a recobrar la fe en que se recuperará. Sigo calle abajo y trato de olvidar mi conversación de hace unos minutos, evito mirar hacia atrás por no ver nuevamente al espécimen salido de la revista Futuro; me reventaría verlo diciendo adiós como un anormal, estirando sus brazos egocéntricamente para que crean que es mi amigo. Al final de la calle todo está intacto: el parquecito para los niños, la terraza, las tiendas en divisa, y la casa de Yaíma; no hay una sola alma en toda la cuadra, eso por alguna razón me pone tranquilo. Entro sin tocar y allí está ella, recostada en el sofá cama, inmersa en sus habituales lecturas de Cómo convivir con mi enfermedad, o algo así; la noto un poco pálida, decolorada, no siento ese calor que siempre expide, tengo la sensación de que tal vez hubiera algo cierto en la historia de aquel adefesio, pero me rehúso a admitirlo. Quién podría creer semejante estupidez. -¿Nos vamos?- digo y me agacho a su lado tratando de simular una sonrisita. Pero parece que no me escucha y continúa hojeando su librito. -No creerás lo que me ocurrió- le susurro un poco inquieto al oído y enseguida vi cómo se hacía un vacío al fondo de la casa, una especie de bóveda que empezó a atraerlo todo, aproveché para contarle algo más o menos por encima, pero lo de narrar me va muy mal y no encontré nada que pudiera explicarle, para hacer, al menos, un poco verosímil mi historia. 49 RECONOCIMIENTO ORIGINAL DE MANZANILLO: TÍPICA EXPRESIÓN DE CUBANÍA Las paredes de las casas manzanilleras conservan el eco de las alegrías, tristezas, éxitos y fracasos de quienes las moran o las visitan Marcio Ulises ESTRADA PANEQUE con frecuencia. Las residencias de Wilbia y Wilfredo, (Escritor) Silvia y Armesto, ubicadas en la calle Maceo, tienen ese don. Aun con la precisa propiedad que da la historia, se pueden escuchar en ellas las primeras notas, los primeros acordes y las voces de aquellos jóvenes que – motivados y liderados por uno aun imberbe, pero con cierta educación musical– trataron de irrumpir en el universo musical cubano. Cada noche, cada tarde, cada fin de semana, esas casas fueron testigos de tan esforzado empeño artístico en pos de la esperanza y la búsqueda de una identidad de obligatoria cubanía. Allí, entre sus paredes, surgieron Los Traviesos, devenidos Orquesta Típica Original en la noche del 21 de diciembre de 1963. Al decir de Manuel López Oliva, ilustre pintor e intelectual manzanillero: “La Original nació del embrión que significaron agrupaciones de aficionados en centros escolares de la enseñanza media en la ciudad de Manzanillo”. En sus inicios, hubo que vencer la resistencia de Wilfredo y Wilbia, padres de Pachy, quienes no compartían la idea de que su hijo se convirtiera en músico profesional. El hecho de que su progenitora tocara piano y existieran en el hogar más de uno de estos instrumentos, indujo a Pachy a consagrarse al pentagrama. Refiere Manolo que Rafael Lay, violinista y director de la Orquesta Aragón, conversó con los padres descontentos y les dijo: “Pachy nació para ser músico. No lo hagan estudiar otra cosa que él va a ser músico”.1 Otro estudioso del fenómeno Original de Manzanillo reseña el 14 de marzo de 1963 como fecha de la primera presentación pública de la orquesta en Yara, aun como músicos aficionados. Señala al mes de agosto de ese año, como el momento en que la agrupación tomó el nombre de Típica Original, al que años después sucedió el actual, el de Orquesta Típica Original de Manzanillo.2 Los fundadores fueron trece jóvenes manzanilleros; de ellos permanecen cuatro en la agrupación, cuatro caguairanes que han sabido mantener la esencia que los unió como músicos y abrir las puertas a un sinfín de otros muy buenos artistas, que con 50 51 asimilar en gestos y notas la maravilla que encierra un pentagrama. Para nosotros, la música se esparce como el aire. Quien viaja a la Isla la respira y queda impregnado de ella, a través de los medios de difusión, toques callejeros, o interpretada por disímiles agrupaciones; con instrumentos tradicionales o una simple lata. Esto es posible debido a los siglos de mestizaje cultural y la mezcla de culturas musicales que hallaron nuevos escenarios en el panorama insular cubano.4 La OTOM, con los géneros musicales que cultiva, su sonoridad, el rejuego de sus recursos sonoros (armonía, ritmo, texturas y timbres), es un ejemplo representativo de nuestro crisol musical. Por otra parte, en Cuba convivieron e interactuaron desde el siglo XVI romances, puntos, zapateos, tonadillas y ritmos congos, yorubas, carabalíes, ararás, a la par de los cantos religiosos. Ya en el siglo XVII, el punto guajiro se escuchaba en los campos como expresión del criollo naciente. En el siglo XVIII hubo misas y villancicos, guarachas criollas y conjuntos típicos cuyos sones sonarían por mucho tiempo, y las claves eran bien conocidas. Tras la Revolución de Haití llegaron los franceses con el minuet, el rigodón y la contradanza, considerada esta última, al cubanizarse, el inicio de los géneros musicales criollos. Los negros que vinieron junto a sus amos trajeron, el cinquillo, elemento rítmico fundamental en la formación de la música cubana. De las cenizas de la tonadilla y el sainete españoles nacía el bufo cubano. En el escenario se oyeron zarzuelas, seguidillas, boleros y villancicos, que dieron paso a la guajira, a la décima campesina, a la canción netamente cubana.5 En 1879, Miguel Faílde crea el primer danzón. En los años iniciales del siglo XX todo elemento musical aprovechable pasaba al danzón: boleros de moda, pregones callejeros, arias, cuplés y hasta melodías chinas. El guaguancó nace también con esta centuria, al igual que la trova. En la segunda década del siglo arriba el jazz. Surge, maduro de siglos, en el oriente cubano, el son, RECONOCIMIENTO su estancia en la típica, pudieron consolidar sus aptitudes y competencias musicales. Según la voz más autorizada, la de Pachy, fue en la noche del 21 de diciembre de 1963 cuando hicieron su primer trabajo como profesionales, ya como una orquesta típica charanga con tres violines, flauta, contrabajo, piano e instrumentos de percusión. Para entonces contaban con un repertorio singular, de compositores manzanilleros3. Dentro del hecho cultural más importante acaecido en Cuba –la Revolución misma– se abrió a la cultura cubana todas las posibilidades, y los creadores pudieron ejercer su vocación a plenitud como nunca antes. Esto permitió a Manzanillo, ciudad culta y de amplias tradiciones patrióticas, literarias y musicales, asumir esa noche de 1963, el nacimiento de un nuevo fenómeno musical, danzario, poético y social: nuestra Orquesta Típica Original de Manzanillo (OTOM). Tuve la suerte de ser vecino muy cercano de ese salón de parto y asiduo visitante de los primeros ensayos de aquellos jóvenes fundadores. Me enorgullezco de ello. Entre los tantos méritos de la OTOM, están el haber sido la primera orquesta manzanillera y granmense que representó a su pueblo en el exterior, y el ser la pionera de las agrupaciones cubanas que utilizó la organeta y la guitarra eléctrica en una charanga. Han pasado 45 años desde su nacimiento, lo que la convierte en una agrupación artística madura y reconocida, renovada y siempre creativa, actualizada y muy bien aceptada por el público cubano de San Antonio a Maisí, y más allá de nuestras fronteras. Entonces, cabría preguntarnos ¿Es posible que el proyecto renovador de la sonoridad de la charanga cubana, emprendido desde hace años por la OTOM, haya afectado su tradición musical, originalidad y autenticidad? Creo que no; la OTOM es algo distinto, es un hito de sonoridades populares. De muy hondo le viene la música al cubano, de muy adentro le llegan el ritmo, la cadencia, el talento para RECONOCIMIENTO la OTOM tiene sonoridad propia, es auténtica y respeta su tradicionalidad. Mantiene un formato que no niega estructural, ni funcionalmente su configuración de típica charanga. Ello no la aleja para siempre del riesgo que han corrido otras charangas al asumir formatos novedosos, que finalmente atentan contra su esencia, y se convierten en agrupaciones de showman, con músicas que, independientemente del éxito popular que logren, pierden su musicalidad, la sonoridad y su arte, por la acepción snobista de nuevos ritmos efímeros e instrumentaciones que atentan contra el ritmo, la textura y el timbre de sus obras.9 A manera de conclusión, podemos afirmar que la OTOM, en sus 45 años de vida, ha sido mostrada por los medios, como una orquesta de prestigio que ha enriquecido la música popular cubana y lo llevaron a nuevas alturas de calidad y popularidad. Su impacto en la difusión virtual es alto, con un ranking cercano a los músicos mundialmente conocidos. La OTOM ha preservado los mejores atributos de la música popular gracias a su virtuosismo y a la excelencia musical que han demostrado. hecho con marímbula, bongó, timbal criollo, cencerro y contrabajo. En 1929 nace el danzonete; el mambo, en 1939. En 1951 Enrique Jorrín plasma el famoso chacha-cha, género que hace famosa a la orquesta Aragón. El feeling se expande y en los años 50 surge uno de los emblemas de la música de la Mayor de las Antillas: Beny Moré. Los 60, ven nacer la Nueva Trova. Todos estos géneros musicales, directa o indirectamente, conforman el acervo tradicional de la música que hace la OTOM, al igual que para las orquestas charangas que le precedieron o le son posteriores. Típica Original de Manzanillo, ¿por qué una charanga renovadora? En su Diccionario de la Música Cubana, el musicólogo Helio Orovio ha identificado a la charanga de la siguiente manera: Tipo de agrupación llamada francesa. Surge en los principios del siglo XX, como derivación de la orquesta típica o de viento. Interpreta, principalmente, danzones, aunque a partir de la irrupción del cha- cha- chá (1951) es vehículo idóneo para este nuevo género. Originalmente estuvo formada por flauta, violín, piano, contrabajo, timbal o paila criolla y güiro; después se le ha incorporado la tumbadora, otros dos violines y tres cantantes.6 Algunas orquestas tipo charanga del país han pasado a formar parte del selecto grupo de las inolvidables y se han derivado importantes agrupaciones que también son puntales de la nueva música popular cubana. Por su inconfundible sonoridad, la charanga típica Original de Manzanillo está considerada entre las mejores orquestas cubanas de música popular bailable.7 Sonoridad y autenticidad de la OTOM. La sonoridad es el atributo que nos permite ordenar sonidos en una escala del más fuerte al más débil. La sonoridad es una medida subjetiva de la intensidad con la que el sonido es percibido por el oído humano. Ambas no están reñidas, se complementan en el buen arte. Cuando pensamos en la expresión música tradicional cubana, inmediatamente nos remontamos al sonido, o más bien a los sonidos y estilos de la música popular. La autenticidad tiene que ver con el hecho de la imitación al interpretar conocidos y afamados intérpretes de diversos géneros musicales. Si se quiere conocer de música, hay que estimular la autenticidad, porque solo los auténticos llegan lejos.8 Al considerar estas definiciones, es lógico reconocer que Notas 1- López Oliva, M. Orquesta Típica Original. Disponible en URL: http:// www.lajiribilla.co.cu/2004/n139_01/aprende.html 2- Multimedia. Historia de la Original de Manzanillo. Disponible en URL: http://www.crisol.cult.cu/municipios/manza/instituciones/original%20 de%20manzanillo.htm 3- Zamora, B. Original de Manzanillo. La esencia de lo cubano. Entrevista a W. Naranjo. Disponible en URL: http://www.lajiribilla.co.cu/2004/ n139_01/aprende.html 4- ICM (Cuba). La magia de la música Cubana. Disponible en URL: http:// www.produccionesdelmar.com/longina/estilosautores/estiloscuba.html http://lamar.colostate.edu/~fvalerio/generos.htm 5- Salsa, son y charanga en Cuba. Disponible en URL: http://www.salsa-in-cuba.com/esp/glosario_c.html 6- Helio Orobio. Diccionario de la música cubana. La Habana, 1981. p.114. Boletín Casa de la Música. Disponible en URL : http://www.boletin.soycubano.com/2004/boletin04.htm 7- Quintero, G. El debate sociedad-comunidad en la sonoridad. El desafío de las músicas “mulatas” a la modernidad eurocéntrica convencional. Disponible en URL: http://www/singlefile/?secc=13&subsecc=33&id_ art=2007010110486 8- Costales, A. Música tradicional cubana. Disponible en URL: http:// www.cubamusic.com/page/CUB/ES/tradicionalcubanmusic.aspx 9- Valdivieso, L. Música y autenticidad. Quodlibet: Revista de especialización musical, ISSN 1134-8615, no. 5, 1996, pp. 80-93. Eli Rodríguez, V. La música bailable de Cuba: del son a la timba ¿ruptura o continuidad? Disponible en URL: http://www.sibetrans.com/trans/ trans9/eli.htm 52 RECONOCIMIENTO WILFREDO SALVADOR NARANJO Y LA ORQUESTA ORIGINAL DE MANZANILLO formar una típica […] ¡Y a eso nos dedicamos!”2. El 21 de diOnelia MÉNDEZ JIMÉNEZ ciembre de 1963 se presenta, por primera vez, en el Yates y Pesca3. Desde entonces Pachy realiza los arreglos y las Manzanillo es una ciudad azul, rítmica, talen- orquestaciones de todo lo que hace la Original tosa, fecun- de Manzanillo; compone, versiona clásicos cuda; en su banos y extranjeros, que quedan entre lo mejor seno cre- de la música popular cubana; él es en la Origició el ór- nal, inspiración, pasión y concreción de la obra gano, se de toda su vida. Desde esta perspectiva puede aplat anó afirmarse que la Original de Manzanillo es la la conga, y obra mayor de Wilfredo Salvador Naranjo Verel son se en- decia. Demostrarlo es el fin de esta breve monoriqueció para grafía. Wilfredo Salvador Naranjo Verhacerse único, decia, Pachy, realiza en sus inicios distinguido. En orquestaciones para la Original Manzanillo vio la luz adaptando números de la Aragón una agrupación y de otras agrupaciones, además que sintetizó, de obras inéditas de varios autoen una mezres; con ello va conformando un cla casi perrepertorio propio para músicos fecta, la incipientes, con bajo nivel técnico. Al respecto expresa: “Escribir música en estas condiciones es una gran escuela para el que comienza. Los primeros años, 1963 a 1965, de la Original me dieron la posibilidad de escribir, orquestar sonoridad de esta región. Esta singular or- y aprender; […] de forma autodidacta logré questa devenida principal agrupación musical establecer un concepto muy profundo de lo de la ciudad, la provincia y una de las mejo- que es la música, al lado de personas como res del país, nació en la casa de Jesús Armesto Rafael Lay, Adolfo Guzmán, Tony Taño, OsComas,1 por iniciativa de varios jóvenes con mundo Calzado [...]”4. Pachy, con su estilo inquietudes musicales quienes la llamaron Or- peculiar, le imprime un sello distintivo a la questa Típica Original de Manzanillo. Según sonoridad de esta orquesta cuyo formato es refiere Pachy Naranjo: “[…] comenzamos ju- de charanga francesa: violines, flauta, pailas, gando, yo tenía 14 años […] descargábamos güiro, tumbadoras, piano, bajo y cantantes. en la casa de Jesús Armesto […] ahí ideamos En un principio, antes de ser profesionales, 53 RECONOCIMIENTO no tenían suficientes violines y se usó en su lugar un acordeón de teclado que permitía imitar el sonido de estos instrumentos, de este hecho peculiar nace lo de original en el nombre de la orquesta5 y el comienzo de un proceso de singularización que la distinguirá en el conjunto de las charangas cubanas al tiempo que se ponía lo que bien pudiera llamarse la primera piedra de una sonoridad sedimentada en el sonido peculiar del piano cuando Pachy acaricia el teclado. En octubre de 1964 graba dos discos de 45 RPM en la EGREM, para lo cual necesitó un refuerzo de cuerdas que buscó Rafael Lay Apesteguía entre los primeros violines de Cuba en ese momento, y Alejandro Tomás Valdés, chelista de la Sinfónica Nacional. Pachy, con su gran talento y sagacidad, supo acoplar a estos músicos con la Original de Manzanillo. Al llegar a la orquesta, en 1965, músicos de la Sinfónica de Oriente con mayores posibilidades técnicas, Pachy pudo “[…] apretar la mano en cuanto a la técnica y los arreglos”6, crea un repertorio inédito para la Original con ciertos experimentos musicales que permitieron alcanzar una sonoridad peculiar, con recursos armónicos que fueron marcando lo que sería después el sonido original. En tal sentido comenta: “[…] cuando se incorporan los violines ya la orquesta tenía un timbre que si bien se parecía al de la Aragón, sonaba a Manzanillo”7, tal como se puede apreciar en números como Me sabré conformar8 y Bajando la loma9 Pachy pudo hacer “[…] un trabajo más enjundioso, complicado […] porque […] ya teníamos músicos con más oficio. Todo esto me dio la posibilidad de elaborar un tipo de música que, si bien era muy buena, no se correspondía con las necesidades del bailador […] hicimos como un experimento, una especie de laboratorio incluyendo compases de amalgama, no bailables, con armonías complejas llegando hasta el dodecafonismo, cosas muy complicadas para […] la música popular bailable […] era un época de bús54 queda […] muy influenciados por grupos extranjeros […] éramos como caricaturas de estas cosas. Por suerte en 1971, en un carnaval de Bayamo, alguien del público preguntó: ´¿Pachy, cuándo nos vas hacer bailar?´ […] y Manolo10 dice: ´Hay que retomar esto´, y saca el número Sí, me gusta el son […] y se me ocurre la idea de cambiar el toque de güiro de dos golpes […] por tres golpes […] quise remedar la cadencia del órgano manzanillero […] cambié el golpe de tumbadora imitando el timbal grande del órgano y con el tumba´o de la organeta11 junto con la guitarra eléctrica, que ya la teníamos, en función de un tumba´o a tiempo semejando el tres del Guayabero, enriquecido con el empleo de la cuerda en frases melódicas nos acercamos a la sonoridad de nuestra tierra […] a la cadencia del órgano manzanillero […] y esto se logró con este número […] con el que […] comienza a identificarse el sello sonoro de la Original de Manzanillo”.12 Todo esto conforma el sonido Original junto al modo en que Pachy toca el piano y hace los arreglos. Pachy aprovecha todas las posibilidades que brinda la tecnología para enriquecer las sonoridades de la orquesta: adiciona la organeta en 1970 y el sintetizador o teclado inteligente en la década de los 80. Traigo la última13 fue el primer número grabado en disco por una charanga con estos instrumentos. En la década del 90 la incorporación de la máquina de ritmo y el secuenciador posibilitan el empleo de instrumentos que no están en el formato de este tipo de agrupación, recursos que permiten “[…] orquestar […] sin límites.”14 Un poquito de muchacho y La macorina muestran lo que logra hacer Pachy con la tecnología en una típica sin abandonar su sello característico, su identidad. Wilfredo Naranjo Verdecia, Pachy, es el director de orquesta que más tiempo lleva al frente de una agrupación de música popular bailable en Cuba. Al referirse a este tema dice: “Es algo que la vida me puso en las manos y de lo Notas 1 Bajista y fundador de la orquesta Original de Manzanillo. 2 Wilfredo, Pachy, Naranjo Verdecia. Entrevista concedida al programa Así de Radio Rebelde, trasmitido desde los Estudios San José, en Manzanillo. Junio 25 del 2012 3 Hoy centro recreativo Costa Azul. Manzanillo 4 Wilfredo, Pachy, Naranjo Verdecia. Entrevista concedida a la autora con motivo de la actualización de su currículo. Julio 2011 5 “Del nombre hay mucho que contar, expresa Pachy, lo de típica está claro, responde al formato de la orquesta; lo de original nació de todos en casa de Armesto y […] tiene que ver con el uso del acordeón, ninguna charanga de la época lo tenía, la nuestra lo usó porque no teníamos suficientes violinistas. Lo de Manzanillo nace en Las Tunas, 1964, porque las personas al leer, en las máquinas que viajamos, “Orquesta Típica Original” preguntaron ¿original de dónde, original de qué? y dijimos de Manzanillo[…]. 6 Wilfredo, Pachy, Naranjo Verdecia. Entrevista concedida a la autora. 8 de noviembre de 2012. Inédita 7 Ídem 8 Pieza compuesta por José Pérez Varona, Chiqui, fundador y timbalero de la Orquesta. 1963 - 2002 9 Pieza compuesta por Rogelio Mendoza, Nono, cantante de la Original desde 1964 hasta el 2010. 10 Manolo del Valle cantante de la Original desde 1964 hasta 1982 11 La Original, en 1970 durante un concierto en la ciudad de Baracoa, incorporó la organeta, instrumento que por primera vez se utiliza dentro del formato de una orquesta típica. 12 Wilfredo, Pachy, Naranjo Verdecia. Entrevista concedida a la autora. 8 de noviembre de 2012. Inédita 13 Pieza compuesta por Cándido Fabré Fabré cantante y compositor de la Original desde 1983 hasta 1993 14 Wilfredo, Pachy, Naranjo Verdecia. Entrevista concedida a la autora. 8 de noviembre de 2012. Inédita 15 Wilfredo, Pachy, naranjo Verdecia. Entrevista concedida a la autora. 8 de noviembre de 2012. Inédita 16 Milanés, Benito Joaquín. “Originales una profecía cumplida. 9 de diciembre del 2008. www.radiogranma.cu 55 RECONOCIMIENTO sical de la orquesta Los Originalitos junto a su esposa e hijas. Su casa es hogar cultural. Le gusta la culinaria, le encantan los animales, pero siempre piensa en la música, en crear nuevas melodías, en compartir con la familia y los coterráneos. cual no me arrepiento ni me arrepentiré jamás […] Yo soy un auténtico producto de Manzanillo y gracias a la Original es que he podido ser lo que soy porque la orquesta es mi taller, prácticamente mi vida […] la Original es la obra más grande de toda mi vida […] es mi mejor obra artística, la más consumada y algo que he llevado dentro siempre […] y aquí estoy […] desde Manzanillo15. No solo esto, sino que […] haber encauzado e inducido, sin insolencias, a su grupo fidelidad a la tierra y subordinar el lápiz al nivel del capital profesional bajo su batuta, logrando un empaste sonoro autóctono y perfectamente reconocible por los medios de difusión […] es el principal mérito de Pachy […] quien aun está por entregar a Cuba lo mejor de su talento16. En síntesis puede afirmarse que la conformación y consolidación del ambiente sonoro de la Original de Manzanillo es un proceso marcado por el trabajo creador de Pachy, cuyo resultado es el sonido que identifica el sello característico de su región, por eso ella es, en sí misma, identidad y originalidad, patrimonio cultural y la obra de toda una vida de su director quien en el año 2011 fue reconocido con el Premio Nacional de Música. Wilfredo Salvador Naranjo Verdecia, Pachy, nació el 3 de junio de 1949, en Manzanillo. Sus padres Wilvia y Wilfredo, fueron sus más cercanos críticos y consejeros. Él y su mamá constituyeron un binomio autoral de gran alcance. Fue un estudiante excelente, galardonado en el colegio “La Salle” por su rendimiento académico. Cantó en el coro y tocó la caja redoblante en la banda de la escuela; además, realizó una pequeña incursión en las artes plásticas. Estudió piano en la escuela de las Ross. Fundador del conjunto Los Traviesos en la secundaria básica Bartolomé Masó. Es arreglista, compositor y director de orquesta. Ha hecho mucha música incidental para radio, televisión y espectáculos. Tiene una hermana, dos sobrinos y cinco hijos: Alexei, pianista; Katia y Karelia, cantantes; María de Lourdes violinista y Wilvia de las Mercedes, economista. Tiene 5 nietos. Su esposa es Olga (Katy). Creador junto a ella del dúo Katia y Karelia. Director mu- RECONOCIMIENTO Poesía inspirada en la Original Yoendris Rafael Marín Saborit (Manzanillo) Ángel Pascual Larramendi Mecías (Manzanillo) HIJOS DE CIUDAD SAGRADA VERDAD Como estatuas imprevistas de antiguo mármol los transeúntes se detienen cuando el mar oculta su rítmico ensueño. Enmudece la ciudad. Ha decidido envejecer reencarnando las piedras credos condenadas al olvido. Parece un lienzo ocre sobre el polvo y el resplandor de los comercios. Allí queda inmóvil para contemplarse a sí misma a los hijos más fieles nacidos en la limpia miseria de su sangre. Extraña cofradía alimentada por canciones por poemas cotidianos que levantan templos donde adorar la isla y sus pecados. Ahora la ciudad es cómplice y decide no envejecer más no dejar que sus hijos mueran desterrados bajo el mismo abrazo. Más allá del desconcierto ante edificios derruidos o la euforia de la muchedumbre ella sabe del dolor los cristales escapados en la fiereza inverosímil de los escenarios. El mar acecha con salobres espejismos. Tras sus pupilas azules otros ruidos otros fulgores excomulgan a los hombres. Arduo es siempre regresar a las pálidas calles aferrarse al amuleto de espuma hundir manos corazones en la tierra hasta sentir en los labios el beso sagrado del tiempo. La ciudad no duerme. Entre árboles desnudos escucha en aquella música la voz de sus ancestros el idioma inconfundible de la eternidad. Para permanecer y avivar el fuego una flauta un piano unos bongoes un estruendo de voces y violines entrando en todas las casas hasta instalarse en los espejos un rumor de cantos invadiendo los patios como anuncio de la noche donde el milagro será posible a medida que crezcan los acordes de la Orquesta que ilumina al poeta y salva la luna para que el hombre aprenda a vivir sin lástimas y dibuje su reloj su lámpara en cualquier esquina del tiempo y encamine sus rutas hacia la melodía que resiste a envejecer y a callar porque se sabe sagrada de verdad sobre las aguas del golfo en las calles de este Manzanillo que le dio su apellido para que brille y cante y perdure inaugurando nuevos amaneceres. 56 dibujante de manga Olem Shimokawa, una película del género. En 1917 fue hecha La batalla del mono y el cangrejo, por Seitaro Kitayama. En la década de 1930 la animación japonesa se convirtió en un formato alternativo de la narración de cuentos. La animación permitía a los artistas crear personajes y entornos. El primer largometraje de anime sonoro fue Momo taró, Dios de las olas, realizado en 1943. También tenemos noticias de los dibujos animados La nave fantasma de Noburo OFuji, Ai y Aos, de Yoji Kuri. (I Parte) En Japón la producción de diJorge Luís LOVIO CABALLERO bujos animados se inició antes (Historiador) de la Segunda Guerra Mundial japonés cuenta con con artistas como Mazuo kaKenzo y Seo Taro. Tras El cine más de 90 años de historia y la contienda bélica, esta nación comienza su labor ha convertido a Japón e n e l de animación, cuyo primer título fue Write Coloprincipal productor red Snake (La serpiente blanca), de Toe Animation mundial de este géCompany, LTD, bajo la dirección de Taiji Yabusnero cinematográfico. Los hita, quien siguiendo los pasos de las obras del filmes japoneses de animadibujante Walt Disney, puso énfasis en ción son originalísimos por el los personajes y guiones de forma exiexcelente dibujo, su composición tosa. Algunos tuvieron excelente y las temáticas abordadas. Han sido distribución internacional, susubtitulados y doblados en varios idioperando las expectativas, como: mas, y a la vez de que nos satisfacen y Astro Boy, una serie animada entusiasman, nos hacen lamentar el no concebida para la televisión; sin empoder tener afluencia de más películas bargo, muy diferente conceptualmente procedentes del país del sol naciente, del modelo Disney, sentó las bases para que posee un excelente y refinado la creación de un nuevo estilo de negoarte, demostrando que el cine de cio de la animación japonesa en teanimación nipón está a gran altulevisión, que conllevó al desarrollo ra estética. de nuevos personajes y argumenLa historia del cine de animación tos para el anime. japonés comienza en el siglo XX Las cadenas de televisión en con una serie de cortometrajes Tokio trasmiten simultáneasimilares a los encontrados en países como Estamente filmes de este género dos Unidos, Rusia, Alemania, Francia, entre otros. que gustan muchísimo a los La primera animación japonesa Katsudo Shoshin, niños y en el cine gozan de fue realizada en 1907. Aquí se puede observar la gran preferencia también; participación de un niño marinero. La compañía tanto que llegan a recaudar la tercera parte de los Tennenshoku Katsudo Shoshin (Tenkatsu), es la ingresos de la pantalla grande. En 1979 Goldrake que reacciona primero encargando en 1916 al causaba sensación en Italia y Francia. En Japón exis- el áGora PANORAMA DEL ANIME JAPONÉS Y SU INFLUENCIA EN CUBA animado 57 el áGora ten grandes estudios cinematográficos que producen dibujos animados, pero el más importante es: Toei Animation Company, LTD, considerado como el Walt Disney Pictures del mundo oriental. El fenómeno mundial del anime japonés, la cultura pop de la animación japonesa, está alcanzando mucha afición entre los niños, adolescentes y jóvenes, los cuales se han recreado con las notables series animadas que constituyen clásicos del anime japonés, como: Naruto, Pakemón, Remi, Avatar, Heidi, Marcos, entre otras. El anime japonés conquista la atención mundial desde principios de los años noventa. Es conocido también con la palabra japonesa manga, que nace de la combinación de dos tradiciones del arte gráfico japonés, de una larga evolución a partir del siglo XI y la de la historieta occidental afianzada en el siglo XIX. Solo cristalizada con rasgos que hoy conocemos tras la Segunda Guerra Mundial y la valiosa obra del pionero Osamu Tesuka. El manga puede traducirse como dibujos encadenados; es decir, lo que conocemos como historieta. Su antecedente son los chujugiga, que consisten en cuatro pergaminos en los que se presenta una secuencia de viñetas donde los protagonistas son animales que se comportan como personas y monjes entregados al juego. Esta obra data de los siglos XI y XII y se le atribuye al sacerdote Toba No Sojo, de la cual se conservan actualmente unos escasos ejemplares en 58 blanco y negro. En el período Edo (1600-1867) surgieron los Ukiyoes, que se desarrollaron con vigor y produjeron las primeras narraciones comparables a los géneros actuales del manga, que van de la historieta y el erotismo a la comedia y la crítica, eran grabados en madera, que se hicieron muy populares a principios del siglo XIX. Entre ellos se destacó el trabajo de una de sus figuras: Katsuhika Hokusai, quien utilizó por primera vez los ideogramas manga en uno de sus libros, Hokusai Manga, recopilado a lo largo del siglo XIX. Otros dibujantes como Gyonai Kawanabe, se destacaron también en este período artístico. Es justo aclarar los frecuentes errores en que incurren los aficionados del manga y el anime japonés. Precisemos que manga es el nombre que se le da a la publicación de comics en Japón; es decir, el impreso como tal que genera no pocas adaptaciones animadas, conocidas entonces como anime y que a pesar de este vínculo no poseen parámetros de compatibilidad. A la animación japonesa se le nombra anime, palabra prestada del idioma francés que fue adaptada para definir el género y que se popularizó entre los fans en México, cuando el boom de los comics, a principios de la década del 90. El término anime nació de la compresión de la palabra anglosajona animation. Se utiliza para designar un tipo concreto de animación gestada a partir de finales de los años setenta del pasado siglo en Japón, aunque en el exterior se ha regularizado su uso para denominar a todos los animados procedentes del Japón. El anime japonés, internacionalmente llevó una vez el nombre popular japananimation, pero este término ha caído en desuso. Los fans pronunciaban la palabra preferiblemente como abre- 59 mía en el guión. Tezuka intentó diferentes formas de reducir los costos de producción y mantener el ritmo del trabajo, desarrolló con ello una forma artística particular: tomó dibujos sin movimiento y los hizo aparecer moviéndose como apilando múltiples escenas. Astro Boy fue un tremendo éxito e inició la era de la ciencia ficción con títulos como Irom Man 28 y 8th Man (Octavo hombre). Más de la mitad de los títulos de animación producidos en los años sesenta fueron inspirados por las historias de manga. Tras el éxito de estos filmes animados de televisión basados en historias de manga surgieron por doquier los anime, incluyendo títulos como Sally the Wicth (La bruja Sally) para niñas, Q-Taro the Ghost (El fantasma Q-Taro) en el que se presenta un fantasma tímido y Star of the Gigants (La estrella de los gigantes), sobre un joven jugador de béisbol que buscaba la verdad. Las historias más populares de los mangas fueron llevadas a la televisión y se hicieron eco de la cultura pop. Paradójicamente, con el gran éxito de los filmes de animación entre los más jóvenes y no tan jóvenes, este provocó una gran promoción de los mangas, y generó una gran demanda por la revista de comics. En Estados Unidos, por ejemplo, los héroes de los comienzos de la animación para la televisión, como el citado Astro Boy y Speed Racer (Meteoro) se han convertido en sendos iconos, Heidi, Gir of the Alps y Candy Candy, arrasaron en la televisión europea. Se ha señalado incluso, que casi el 90 por ciento de la población española era entusiasta de Mazinger y algunos jugadores profesionales de fútbol aseguran que comenzaron a jugar asiduamente tras ver Captain Tsubasa (Los súper campeones). En Alemania, el triunfo de Sailor Moon, acrecentó el interés por los filmes de animación y en Asia Doraemon, el gato cósmico y Dragón Ball Z han llegado a ser tan populares que los dibujos animados de Disney. El anime de tipo Cyberpunk, que explora el futuro cercano entre los que se incluyen Katsuhiro Otomo; Evangelion y Ghost in theShel , Stand Alone Complex, de Shiro Masamune generó un modelo que influye en películas como The Matrix. El filme Pocket Monsters (Pokemón), surgido de los videos juegos del mismo nombre, tuvo gran popularidad el áGora viación de la frase japaneseanimation (animación japonesa, en inglés). Vio su mayor uso durante los años 1970 y 1980 que generalmente comprende la primera y la segunda oleadas del anime fandom. El término sobrevivió al menos hasta principios de la década de 1990, cuando pareció desaparecer justo antes de resurgir el anime. El origen del anime japonés data de los años sesenta cuando es adaptado el manga (comics japonés) Astro Boy del prestigioso historietista Osamu Tezuka, lamentablemente fallecido en 1989, y quien dejó un legado de aproximadamente 150 000 páginas dibujadas y 60 proyectos de animación. Es el padre directo del manga y el responsable de la introducción en Occidente del manga moderno, y que influenciado por los dibujos animados de Walt Disney, creó personajes usando un estilo similar, además de aportarle a la historieta un gran dinamismo cinematográfico que se manifestó por primera vez en su libro La isla del tesoro. Osamu Tezuka, desde que era pequeño, gustaba de dibujar y aunque la herencia familiar le dictaba como médico, siempre estuvo ligado al dibujo e inició su trayectoria en 1946 con Ma-Chan-Nikki-Cho. Para 1957, ya era el más afamado creador de comics de su país y fue contratado por la Toei Animation Company, LTD para dirigir uno de sus primeros largometrajes: Monckey King (Kimba el león blanco). En 1962 su contrato con la Toei Animation Company, LTD expira y forma su propia compañía Mushi Production. En ese momento Tezuka se había dado cuenta de que la forma más rápida para llegar a un gran espectador, no era el cine sino la televisión y decide llevar a esta su primer best seller y tal vez su obra más conocida en occidente: Tetzuwan Atom, (Astro Boy) que se publicó en 1951 y 1968; en su forma animada se trasmite entre 1963 y 1966 con una duración de 163 episodios en blanco y negro. Esta será solo una de las muchas series que creó. Fue un gran admirador y seguidor de las producciones de Disney. Cuando trabajaba en Astro Boy, decidió reducir el número de escenas y utilizar con frecuencia las mismas acciones. Este sistema, aunque reducía el movimiento y el atractivo estético, facilitaba la concentración y la econo- el áGora en Estados Unidos y se convirtió en un clásico. En Japón, se producen entre 50 y 60 películas de animación semanalmente y son exportadas un gran número de ellas. Hayao Miyazaki, obsesionado por los ingenios voladores y los comics de su coterráneo Osamu Tezuka, se considera como el padre del anime. Con apenas 22 años comenzó a trabajar en la Toei Animation Company, LTD, muy pronto confirmó su talento para conjugar disímiles influencias y aportar innovaciones a un lenguaje entonces balbuciente, rasgos de la animación francesa y rusa, elementos de las populares historietas de Tin Tin y en medio de cierta dosis de lirismo y poesía, como señala la crítica, un ritmo absolutamente revolucionario para un filme de dibujos animados nipón. Miyazaki después de colaborar con Isao Takahata en las series de televisión Heidi y en Marco, para el Estudio Siuyo Enterprise, ellos participaron en la obra Ana de las Tejas Verdes en 1978, dirigió su primera serie animada titulada Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película de dibujos animados El castillo de Cagliostro. Obtuvo gran éxito con las aventuras de Arsenio Lupin III, fue conocido en Cuba con el título de El castillo de los falsificadores, atrapó a grandes y chicos con su exagerada fantasía, desmesura fílmica donde el pintoresquismo del kistch nos trae las aventuras del Arsenio Lupin III del atento y fino ladrón que fuera Arsenio Lupin y no menos caballeroso que aquel. Dibujo, color y música se unen en maniqueísmo esplendoroso; el azul es más aéreo, el blanco más fino, el verde más vivo, el púrpura más denso, el negro más negro y el oro más reluciente. Una historia romántica de anillos enigmáticos, princesas secuestradas y un secreto de cuatro siglos se encontrarán la luz y la sombra y la verdad acerca del tesoro oculto será revelado a la princesa Clarisse. Con tanto corre y corre, tantos sustos ante los perversos guardias medievales que utilizan las armas más modernas, con tanto dale al que no te dio, quedan en pie Arsenio Lupin y el impecable detective, a fin de continuar sus mutuas persecuciones en próximas aventuras, se atraganta de felicidad, 60 sencillamente, un público que acepta de buena gana y con afán desconectante las cruentas batallas, las barbaridades sin cuento que se inscriben en la mejor tradición de los comics y dibujos animados. El doblaje al español realizado en los Estudios Cinematográficos del ICAIC y dirigidos por Sergio Giral, es una muestra de calidad y buen gusto profesionales, aspecto importante a la hora de comunicar con el respetable público. En 1982 su mágica cinta Kaze no Tani no Nausica (Nausica en el Valle del Viento), la primera cinta producida por el Estudio Ghibli que fundó Miyazaki, junto a su colaborador Isao Takahata marcó una temprana mayoría de edad del anime y aportó los elementos característicos de este tipo de cine: fuertes personajes femeninos, el héroe masculino solitario y la concepción de una naturaleza sagrada, que muta de manera terrible para luchar contra la agresión humana a la cual se añade la inserción de criaturas místicas, de experiencia fascinante. Puede calificarse esta posibilidad excepcional de aproximación a un género cada vez más citado, al abordaje de temas inconcebibles, por ejemplo, en un largometraje de animación norteamericano aunque con punto de contacto con algunas piezas magistrales del cine europeo, al estilo de El planeta salvaje (1973) del cineasta francés Rene Laboux, se añade la propia incidencia del anime en el actual cine de ficción. Nausica en El Valle del Viento apareció por vez primera en la revista Animage. Este trabajo le dio un impulso a su carrera, debido a un estilo diferente de comics infantil, la mayor parte de la obra de Hayao Miyazaki ha estado enfocado a la niñez, lo que le ha valido el sobrenombre de Disney Ja- 61 como el amor y la camaradería. Ellos acompañan en sus aventuras a personajes románticos o diabólicos, equipados con armas futuristas ultra poderosas, casi mágicas, se trasladan de uno a otro planeta de una a otra galaxia en astronaves fabulosas, en navíos de guerra cósmicos, perseguidos y perseguidores, buenos y malos, los que luchan por esclavizar el universo sin importarles perturbar la naturaleza y los que aspiran a la libertad plena del ser humano y el equilibrio venturoso de los mismos. El género de robots gigantes conocido como mecha fuera de Japón, por ejemplo, se concretó en virtud de Osamu Tezuka, desarrollado en el género tomando como patrones los súper robots de Nagai Go y Tadao Nagahama y se revolucionó a finales de la década de 1970 por Yoshiyuki Tomino que desarrolló realmente el género de los robots del anime como las series Gundam y Macross se convirtieron en clásicos instantáneos en la década de 1980 y este género sigue siendo una de las más comunes en el Japón y en todo el mundo actualmente. En esta misma década el anime se hizo más aceptado en la corriente principal de Japón aunque menos que el manga y experimentó un auge en la producción. Tras algunas adaptaciones de anime de éxito en los mercados extranjeros en la década de 1990 y aun más a partir del 2000. En 1997 apareció su filme Princes Mononoke (La princesa Mononoke). Esta es la película japonesa de dibujos animados que ha tenido más éxito en Japón durante toda la historia del cine nipón y le siguen en popularidad otras obras como Spirited Away (El viaje de Chihiro), de 2001, largometraje de animación que obtuvo el Premio Oscar a la mejor película extranjera de dibujos animados otorgado por la Academia de Arte y Ciencias Cinematográficas de Hollywood en el 2003; antes se alzó por primera vez en la historia del Festival Internacional de Cine de Berlín con el máximo galardón, El Oso de Oro . Hayao Mayazaki es uno de los más grandes directores y animadores de Japón. Las tramas entretenidas, los personajes interesantes y la animación vertiginosa de sus películas le ha granjeado renombre internacional de los críticos, así como el reconocimiento del público doméstico y con Spirited Away, Miyazaki ha obtenido fama mundial, después en el 2004 apareció otra de sus el áGora ponés, Su obra trata de temas de contenido antibélicos como el hombre y la naturaleza y de fe en la bondad del ser humano. La animación realizada por el Estudio Ghibli es considerada de excelente calidad, en el que el mismo equipo toma años en pensar a cabo cada detalle. El prestigioso Estudio Ghibli ha realizado muchas películas famosas mundialmente entre las que se encuentran las que relacionamos a continuación: Mi vecino Totoro, de 1988, Laputa y Porco Rosso, de 1992. Estos dos largometrajes de animación bastaron para que Miyasaki fuera aclamado en occidente, especialmente entre los animadores que asistieron esos años a los festivales de filmes de animación de Annecy (Francia) y Ottawa (Canadá) donde fueron presentadas sus obras. Mamuro Oshii fue otro director que cosechó un gran éxito con su obra Those Obnoxious Allien 2 Beatiful Dreame, como resultado el público aficionado al anime comenzó a ver a los creadores de animación como verdaderas celebridades. Los aspectos de entretenimiento comenzaron a ser destacados en los años noventa. Los súper robots de los filmes de dibujos animados procedentes del Japón, los cuales están cada vez más multiplicados, perfeccionados y modernizados en las fantásticas aventuras en las que aparecen cargados de abundante acción, se han enfrentado en titánicos combates con colosales enemigos de otras galaxias, han ido a la conquista del espacio para beneplácito del público infantil y adulto. Desde Goldrake, Mazinger Z, Gran Mazinger Mazinkaiser, Combattla V. Voltus V Daimos, Daltiriam III, Yaltus. Voltron, Gandam, Gigantor hasta Robotech. Luego del fulgurante éxito que han obtenido desde la década del 70 son muy conocidos en todo el mundo, existen muchos fans seguidores del anime nipón, la familia de robots japoneses ha ido ganando mercado mundial en el escaso renglón de producciones de los dibujos animados y constituyen gran interés, actualmente Italia, Francia y Latinoamérica se inscriben entre los grandes compradores de estos materiales audiovisuales, países que consumen así mismo los seriales que para la televisión realizan los Estudios Cinematográficos de Tokio. Estos súper robots son supermáquinas en las cuales se combinan metales y músculos, tienen formas singulares inspiran ideas muy humanas el áGora películas Howl’s Moviny Castle (El castillo andante), fue nominado al Premio Oscar en 2005 como mejor película animada extranjera. Hayao Miyazaki filmó en 2008 un nuevo largometraje titulado Gake no ue no Ponyo (Ponyo en el acantilado). En ese mismo año el Estudio Ghibli creó el Museo Ghibli, donde se puede ver cada detalle de las obras producidas por dicho estudio de animación. Como señala el estudioso español Ángel Sala en la revista Nosferatu: “El anime alcanza en Ghibli la categoría de obra coherente, industrial y sutilmente artística, en un concepto de estudio de animación que choca y pone de evidencia los macro sistemas de producción occidentales”. Takahata, Miyazaki y todo su equipo representan la pervivencia en Japón de un cine autóctono y de tradición capaz de interesar en occidente, sin convertirse en mero producto de consumo masivo y realizado desde los objetivos de la propia idiosincrasia comercial y espiritual del país. Las revistas especializadas en mangas y videos juegos Play Magazine, Shonen Jump Popular manga theworld’s y las cinematecas de todo el mundo se disputan el privilegio de consagrar espacios a un género tan peculiar como menospreciado algunas veces, pero que siempre contó con el favor de no pocos fanáticos que advirtieron sus posibilidades como integrador de géneros. El fenómeno mundial del anime está alcanzando proporciones solo comparables a la del deslumbrante descubrimiento por lo espectadores occidentales de la riqueza y plenitud del cine japonés ocurrida en 1950 a raíz del triunfo en Venecia de Rashomón de Akira Kurozawa. El anime tiene variedad de temas así como diversidad de series para la televisión en el que usan términos de cine como desplazamiento de cámara, zooms fills, pero sobre todo, tiene una cuidadosa narrativa. En las películas concebidas para cine (basadas por lo general de comics manga, entre las que se pueden mencionar docenas de excelentes ejemplos como 62 Ghost in the Shell, que fue una de las inspiraciones de Matrix), Akira es considerada la mejor cinta de anime y que es ya uno de los clásicos del cine de ciencia ficción. Estas dos cintas exploran al máximo su género y todos los recursos que la animación puede dar Nausica en el Valle del Viento, La princesa Mononoke, El viaje de Chihiro, éstas tres últimas del director Hayao Miyazaki considerado un pionero del anime y creador de infinidad de series (se decía que nunca se sintió japonés debido a que sus historias siempre se basaban en Europa) y que ha dirigido varias cintas excelentes mencionadas anteriormente que pese a ser dirigidas principalmente a público infantil, tienen mucha complejidad. En su cine se pueden ver elementos en común, como el protagonismo de una niña adolescente en una aventura épica, la fascinación por volar y un gran contexto ecológico, todo llevado con una gran imaginación y gusto por los mundos fantásticos y las leyendas místicas. Su primer filme de animación producido por su Estudio Ghibli Nausica en el Valle del Viento (1982), sobre un futuro post apocalíptico donde el aire se vuelve veneno, otras de sus cintas son The Castle in Sky (1986), Mi vecino Totoro (1988), Kiki, Entregas a Domicilio (1989), que fue distribuida en video por Disney, Porco Rosso (1992), una gran epopeya aérea, y La princesa Mononoke(1997), una lucha épica del hombre contra la naturaleza y el posible fin de ambos. Una gran implicación ecológica, de buena producción y que es la primera en ser reconocida en Festivales Internacionales de Cine, pasando por Berlín y Cannes, y aunque Miramax distribuyó y adaptó para los cines de Estados Unidos. Hay otros filmes que no dirigió Miyazaki pero sí participó su Estudio Ghibli en el que ha realizado toda su filmografía que vale la pena mencionar como Tumba de las Luciérnagas (1988), dramática y violenta pero a la vez tierna historia de dos niños en la Segunda Guerra Mundial, además de Pompoko (1994) y On Your Mark (1995). place; menciona al finalizar uno de sus textos: Hundo en mi insignificancia de aguantar Susel ORTIZ FONSECA en vano/ cuanto me desprecian y soñar que sigo siendo/ de los buenos de jabón Una del país, aunque mi nombre no esté/ en ninguna o de otro material espumoso quizás sería para nuestra visión una simple circunferencia sumada parte. No obstante podemos apreciar imágenes a los objetos del entorno, deleite para el apetito líricas, sumergidas en un discurso poco melódico del poeta, y quién sabe cuántos sustantivos o y cadencioso, pero sí cargado de sentido en cada adjetivos más; por ello quisiera comentarles una de sus palabras, signos de puntuación, todo sobre una pompa o mejor dicho una burbuja logra compactar y compenetrar, servir a la vista en específico, esta vez traída a nosotros en de un lector de mente abierta y más que abierta, forma de versos para seducir nuestros sentidos, dispuesta a enfrentar sus propias sensaciones, y me refiero al poemario que obtuvo el premio las buenas y malas. Por eso les recomiendo que nacional de poesía Manuel Navarro Luna en busquen estos versos atrevidos, desafiantes, el 2011: La burbuja heroica, del joven poeta y dispuestos a compartir lo más profundo de su narrador José Alberto Velázquez, publicado por transparencia, del cual brota también nuestro reflejo, nuestras palabras perdidas en el laberinto Ediciones Orto en el año 2012. En las páginas de este cuaderno podemos de la espuma oculta de nuestras costas. pompa encontrar algo más que poesía, pues cada texto poético se convierte en ensayo, en el análisis de la conciencia del hombre moderno, del ser que transita las calles de su patria, limpias, sucias, también traslúcidas como los lentes del maestro que domestica nuestros modales. Vemos un cuestionamiento sobre la inconformidad y aceptación de una realidad donde se lucha constantemente como en un campo de batalla. Aquí la burbuja es un símbolo que representa a todo aquello que pasamos como insignificante, estático y simple, pero que en realidad no solo es parte del todo, sino relevante como cualquier hecho extraordinario. Cada sujeto lírico, al igual que en la narrativa, aquí es omnisciente como un dios que observa con ojo acusador, pero también acusado desde su postura a veces impávida. Este poeta tunero nos sumerge en mundos imprecisos, en ocasiones borrosos, descritos por una voz que concluye con el desenfreno del silencio enmohecido por las épocas, los años, las horas. El autor no se esconde entre estrofas amalgamadas con bellos 63 el áGora LA BURBUJA HEROICA EN EL símbolos y metáforas, él se LABERINTO DE LA ESPUMA muestra cuando y como le el áGora CON QUÉ MÚSICA SE MUEVE NUESTRA EMISORA COMUNITARIA pudo darse el lujo de ser conocida con el pomposo sinónimo apelativo de bala mágica. Aunque varios en el contexto cubano siguen viendo demasiado lejos, y por tanto, fuera de sus prioridades, que un indígena maya en Centroamérica sea capaz de gastar el único dólar ganado (según sea el tipo de cambio) en comprar un litro de Coca Cola la tendencia indica que si continúa el orden actual de cosas, en un corto período, parte importante de nuestra sociedad homologará comportamientos con ese presumible ignorante que gastó en un refresco artificial la ganancia de una semana, dejada por comercializar los productos obtenidos de su estéril milpa al ser movido por los invisibles hilos de la publicidad. Y es que a pesar de lo que seamos capaces de creer, los resortes de la ley del mercado están en todas partes. Son omnipresentes y omnipotentes. De hecho, hasta el momento, el único antídoto efectivo parece surgido del entorno que rodea a cada individuo y a su vez, a cada comunidad. Esta red de valores socioculturales propios, que pueden venir incluso de siglos pasados trasmitiéndose de generación en generación, da la impresión de ser lo suficientemente fuerte como para hacer inocuos los virus generados por el capital. Pero como casi siempre sucede con las cosas realmente importantes, la mencionada malla cultural no se forma y menos aun se sostiene por arte de magia. Ahí es donde los medios de comunicación comunitarios, en especial la radio, desempeñan, justifican y a la vez reafirman, su función. Sobre todo si dan prioridad a lo que realmente interesa a sus públicos, si potencian el efecto de cercanía, adelantándo- Humberto ZAMORA FAJARDO tiempos En en los que se debate, casi constantemente, sobre la pertinencia de preservar los valores autóctonos frente la influencia foránea, cuando los unos y los otros miran hacia los medios de comunicación más que como herramientas que permitan preservar y crear patrones culturales, como verdaderos campos de batalla ideológica, podríamos preguntarnos si acercarse hacia lo comunitario, lo endógeno, si poner el oído en la tierra y no en el cristal, puede evitar la emboscada en la que la globalización tecnológico-comercial parece asechar a los modelos propios para aniquilarlos, haciéndolos patéticamente iguales ante las leyes del mercado y sus buenos-malos vicios. Jamás las ingenuidades mediáticas se pagaron tan caras. Igualmente nunca, a los ojos del contexto internacional actual, pareció tan subjetiva la existencia de las fronteras culturales. Leyes escritas o no, obligan a quienes deciden qué poner y qué no al alcance de los públicos, a replicar patrones muy bien concebidos, tanto, que hasta parecen iniciativas propias cuando en realidad responden a estrategias pensadas desde arriba (sino de afuera) con lo más variopintos intereses, pero que en muy pocas oportunidades toman en consideración las necesidades de las comunidades. En otras palabras, no tener agenda propia en materia mediática hoy, es regresar a tiempos en los que la teoría hipodérmica hizo furor y hasta 64 65 el áGora de cualquier programación. Así supera a la información neta, porque en sí misma lo es, a los códigos hablados, los tempos y la dramaturgia. Y en el innoble intento por no ver la luna, Marte o Plutón y dejar fuera al meñique del pie, sería prudente echar un vistazo a la música con que se mueve nuestra emisora comunitaria. Radio Ciudad Monumento es un digno conejillo de indias hacia el cual podemos enfocar el catalejo y sacar cuentas de cómo vamos en pos de preservar los valores propios de cara a la influencia de afuera. Conste que, por lo general, las emisoras municipales son copias al papel carbón de sus hermanas las provinciales y estas, a su vez, de las nacionales. Por tanto, una buena parte de ellas son como células gemelas en el cuerpo mediático criollo. La teoría supone que a un nivel tan primario de la comunicación se esté más cerca de los intereses de los públicos potenciales. Sin embargo, si lo anterior no constituye un eufemismo categórico es porque, en estos gajes, no se permiten posiciones absolutistas. Pruebas, más que todo, se exigen para llegar a conclusiones. Es por eso que más de 10 realizadores radiales fueron entrevistados para conocer su opinión sobre qué tipo de música debe emitirse en una emisora comunitaria y la mayoría coincidió en que tiene que primar la de producción local. Al conocer esa rara coincidencia no se puede más que desconfiar. Cómo no hacerlo si, en el caso que nos ocupa, después de analizar por espacio de dos semanas en 2011, una en enero (entre el martes 18 y el lunes 24) y otra entre octubre y noviembre (del jueves 27 al miércoles 2), toda la producción musical puesta en antena por Radio Ciudad… se comprobó que en poco más de 4 962 minutos de transmisión, en los que se pusieron 538 se a desafíos como el aumento de la potestad de esos consumidores a la hora de escoger qué digerir. O sea, a la tradicional lucha de competencias y supremacía entre esos entes socializadores de productos comunicativos se suman los cada vez más accesibles soportes tecnológicos de reproducción de audio y video a los que cualquiera puede acceder desde casa. Puesto que es muy difícil leer en la inmensidad de ese entramado, a pesar de que se podría contar con el auxilio de libros comunicológicos y semióticos, la práctica indica que es mejor buscar alternativas para simplificar el análisis. Porque aun esos textos se presentan llenos de mensajes iconográficos casi indescifrables y poco concluyentes. Entonces parece prudente parcelar los contenidos en aras de, al menos, digerirlos mejor. Para tales temáticas se recomienda conducir por la enorme autopista del análisis de los contenidos que difunden hoy las llamadas emisoras comunitarias a menos de 60 kilómetros o, como se dice, paso a paso, porque la gran cantidad de lados cóncavos y convexos, o viceversa, en los que se nos presentarán esos mensajes, serán capaces de virarnos patas arriba cual torpe tortuga y quién sabe si en vez de hacer bien, pues mal hagamos. De poder escoger entre las variables que componen la línea editorial de dichas plantas radiales, la que más se pinta presta para ver cómo vamos de cara a la supervivencia cultural, es la música. Lo es porque en ella se reflejan de forma integral los sustratos sociales de quienes la componen, interpretan y, en gran medida, la escuchan y demandan. También constituye, por lo general, más del 50 por ciento del contenido el áGora temas musicales, solo el 10.33 por ciento correspondió a autores e intérpretes bayameses. En opinión de la musicóloga y asesora de programas Caridad Aguilar, que ya acumula más de 15 años en la radio, en una emisora comunitaria, como en todas las emisoras, debe ponerse cualquier tipo de música, pero específicamente la que refleja los valores de la comunidad. Según Caridad: “eso no quiere decir que no vayamos también a los valores nacionales, a los valores universales, porque la música en toda su expresión es reflejo del desarrollo de la humanidad y nosotros, como medio, no podemos estar alejados de esa realidad”. Sin embargo, el viaje a esa universalidad a la que hace referencia Aguilar, en Radio Ciudad…, está instaurado como prioridad a costa de la difusión del enorme potencial musical que existe en lo que fuera la segunda villa de Cuba. Y quizá la justificación ideal la tenga el joven director Jean Almaguer Jorge al expresar que: “todo depende del objetivo que tenga tu programa, porque básicamente estos deben responder al entorno, pero sabemos que la realidad es otra y solo en pocas emisoras, por no decir ninguna, se puede cumplir con lo establecido”. Lo dicho por Almaguer Jorge es reforzado por René Galera Zambrano, otro director pero este de larga data en el medio y quien incorpora algunos ingredientes extras. Según él: “no se puede obviar que el tema del cumplimiento de las regulaciones que existen para el uso de la música en la radio es bien complejo porque el Instituto Cubano de Radio y Televisión te exige pero no te da. Entonces en un programa cultural no se puede poner siempre la misma música, sea del patio, de Cuba o el mundo”. Ahora, si nos circunscribimos al concepto de radio comunitaria, al más puro estilo del estudioso e investigador José Ignacio López Vigil, tan de moda en estos tiempos, esta debe promover la participación de los ciudadanos y defender sus intereses. E igualmente tiene que responder a los gustos de la mayoría. Al aplicar dicha definición nos daremos cuenta que hay algo más que un diferendo con la institución. En fin, no da la lista con el billete. En verdad, lo único que demuestra esa dependencia del Instituto Cubano de Radio y Televisión, aunque en la práctica no se cumplan sus reglas, es que la radio comunitaria continúa clonando modelos al más puro estilo de la oveja Dolly, pero que poco o nada contribuyen a la cultura local, aunque son consumidos y aceptados. Luis Orlando del Toro, operador de sonido y graduado del Instituto Superior de Arte (ISA), aseguró que no se debe desestimar la opinión del oyente. Pero me parece, dijo: “que es el realizador, que está en la emisión diaria, el que debe llevar un control de la música que escucha su comunidad. Tener bien claro qué tipo de música le va a dar, en qué momento lo va a hacer y los gustos estéticos que va a formar a través del programa en sí. No se pueden obviar en este proceso ni los especialistas en música, ni a las investigaciones que puedan existir al respecto”. Algo queda claro, los radialistas conocen su negocio, pero, no lo asumen cabalmente. Por ejemplo, saben que en el caso de Radio Ciudad Monumento, como sus homólogas, la llamada política musical del ICRT aprueba un 85 por ciento de música cubana y un 15 extranjera. Sin embargo, los citados monitoreos revelaron que en enero los musicales de factura nacional alcanzaron un 58.49 por ciento y los foráneos el 42.64. En octubre, ocho meses después del primer sondeo, las cifras llegaron al 51.28 y al 48.72 por ciento, respectivamente. O sea, a ojos vistas no solo se está discriminando el producto del patio, sino también el de la finca. Y si observamos que entre uno y otro estudio transcurrieron varios meses no será difícil pronosticar que el guateque que se ha ido armando puede terminar como la fiesta de los chinos. Tanto es así que ya no es tan categórico lo dicho por Eduardo Bertot 66 niveles, quienes en realidad piensan la música con que se mueve nuestra emisora comunitaria. Que lo hagan bien o no, es algo más que un problema administrativo o sindical. Ojalá fuera únicamente eso, pero no. Podría parecer una trampa sin sentido, pero no por ello menos peligrosa. Es como si al leer la etiqueta de poison veneno se pruebe el contenido para saber si realmente envenena. La formación, confirmación y permanencia de valores culturales en las comunidades es apenas una pequeña pieza de ese gran rompecabezas que constituye la cultura nacional. Si los medios comunitarios, llámense Radio Ciudad Monumento, Radio Granma o Radio Sierra Maestra, continúan alejándose de sus públicos potenciales, por el mero hecho de replicar fórmulas efectivas que diseñaron otros, para otros, en muy poco tiempo la parte que les toca construir para ese rompecabezas jamás entrará en el lugar correcto. 67 el áGora Vieito, manzanillero de pura cepa, director de programas graduado del ISA, escritor, actor y musicalizador, cuando creyó tener la clave al afirmar: “Eso depende de la madurez de los realizadores que trabajen en la emisora. Hace algún tiempo se enraizó en Cuba el concepto de que poner música extranjera era una fórmula de éxito en la audiencia, dejando aparte todo lo que tiene que ver con los intereses de la comunidad. Cuando esa generación maduró comprendió que hay valores estéticos en la música cubana, que en realidad sí es una fórmula de éxito para la gran audiencia”. El punto débil en las reflexiones de Bertot, si nos circunscribimos al caso particular de la emisora bayamesa, es que en la nómina de la misma figuran directores y realizadores de varias generaciones. La fortaleza en lo que coincidimos y que en verdad parece la clave, la verdadera causa, radica en los recursos humanos. Son ellos, en los distintos el áGora CNC: EL TELECENTRO PROVINCIAL GRANMENSE Gleidys RIVAS HIDALGO No sería posible perfilar la trayectoria de la televisión en Granma, sin acercarnos a esos años que precedieron a la emisión inaugural. Al decir de sus fundadores, fue una fragua de profesionales a pie de obra, porque a diferencia de otros, el estudio de televisión resultó un proyecto concebido, animado y ejecutado en gran medida por sus futuros trabajadores. Ellos, antes que directores de programas, locutores, periodistas, operadores de video, editores o camarógrafos, fueron albañiles. El surgimiento del telecentro CNC, en la calle Figueredo número 304 entre Zenea y Pío Rosado, en Bayamo, es un suceso que no ocurrió de golpe; fue el resultado del empeño y la voluntad de un grupo de jóvenes. Conviene advertir que para muchos el espíritu de la televisión había cobrado cuerpo desde algún tiempo atrás, cuando nació en la provincia la corresponsalía y, con ella, la voluntad definitiva de erigir un telecentro. En los inicios de la televisora, el territorio atravesaba una crisis económica, política y social que dejó graves secuelas en estos sectores e impactó fuertemente a la población, fue el llamado Período Especial. Las personas vinculadas con la creación de un telecentro provincial estaban coexistiendo bajo estas circunstancias y fueron testigos de sus resultados, carbones ardientes en la piel del grupo fundador. Entre las causas que impulsaron la creación de este telecentro se encontraba como objetivo primordial informar sobre lo que acontecía en el territorio. Otras de las razones que provocacaron el nacimiento del telecentro fueron mostrar el contexto sociocultural del territorio, así como levantar la autoestima de la población, mostrando su identidad, costumbres y cultura. Con marcada admiración los televidentes descubrieron el 9 de mayo de 1995 en pantalla, la imagen jubilosa de lo nuevo en una programación que la prensa local no vacilaría de calificar de exitosa: espacios musicales, juveniles, entre otros, constituyeron hilos de una trama en la que el pueblo granmense advertiría su obra, su propia imagen. El hecho fue un punto de inflexión en el quehacer audiovisual de la provincia. Sus realizaciones enfatizan en los valores del contexto sociocultural de la comunidad y resaltan las tradiciones, costumbres y especificidades de la misma. Se destacan a la vez, las peculiaridades formales y temáticas de sus producciones, que lo certifican como un espacio de legitimación de los símbolos identitarios de la cultura granmense. Se puede decir que el funcionamiento de CNC ha atravesado por tres etapas fundamentales: la primera, selló las pautas de la realización audiovisual en el territorio. Este momento fundacional abarca el período entre 1995 y 1997. El público, agradeció los diversos espacios que ofrecía la programación, sobre todo los 68 Pero no todo es color de rosa. En el nuevo telecentro coexisten problemas que dificultan el desarrollo del proceso productivo; por ejemplo, este local fue un gran cambio puesto que ganó en espacio, confort y modernidad, aunque el estudio no fue diseñado con las condiciones técnicas para realizar televisión, muestra de ello es la mala ubicación de los equipos para la climatización que interrumpen la proyección y claridad del sonido. El uso de la tecnología digital de avanzada es imprescindible en el trabajo de los editores; sin embargo, en ocasiones se editan materiales donde predominan más los efectos especiales que la misma historia que se narra y en consecuencia el televidente presta más atención a las derivaciones que al objetivo de lo que se dice. Es preciso ser capaces de enfatizar en lo autóctono, lo propio. Si se trabaja más hacia las comunidades, las prácticas culturales de cada municipio, hacia los patrones y símbolos que nos identifican, se logrará un mayor reconocimiento por parte del público televidente. A lo largo de estos años, han existido insatisfacciones debido a las carencias materiales, lo que ha traido como consecuencia que no hayan podido llegar a todas las regiones, barrios, comunidades que hubieran querido reflejar. 69 el áGora informativos. En este lapso desde el punto de vista formal la parrilla de programación se vio afectada por las deficiencias tecnológicas. Sin embargo, desde lo conceptual, los programas evidenciaban solidez temática y respondían a las necesidades de los espectadores; prevalecían los infantiles, juveniles, informativos y de opinión, los cuales abren el camino a las futuras realizaciones. En el segundo período, que comprende los años de 1997 al 2010, el telecentro estaba ubicado en la calle Martí número 110 entre Canducha Figueredo y Saco. Esta etapa se caracterizó por mejoras en la producción audiovisual del canal, así como la llegada de programas notables como Identidad, Café Bolero, La Ventana, Así Somos, Convergencia y Entre Nosotros. La televisora tuvo un crecimiento profesional considerable. Dentro de este marco es palpable una fructífera retroalimentación con el público, se centra la producción en lo cultural, llevando al televidente transmisiones donde se veían reflejadas las costumbres, tradiciones y esencias del granmense. Con un nuevo local, erigido en Amado Estévez sin número, entre calle 10 y Línea, Reparto Roberto Reyes, que constituía una de sus mayores aspiraciones, la tercera y última fase está marcada por la renovación en todos los ámbitos: tecnológicos, conceptuales y formales. Desde el 2010 hasta el 2013 se evidencia una evolución positiva del telecentro en el plano profesional y audiovisual. El personal capacitado está conformado por un grupo importante de realizadores que son reconocidos por su vocación, competitividad y sentido de pertenencia, lo cual se traduce en un evidente impacto comunitario; se proclaman también un nuevo estilo, contenidos diversos y enfoques más actuales en la proyección del telecentro cuya programación, considerablemente ampliada y enriquecida, asume una dimensión territorial y reafirma valores universales. CNC es ante todo la imagen de los granmenses en el microuniverso de sus acciones cotidianas, en la sencillez trascendente de sus sueños y esperanzas. el áGora La dirección del telecentro junto al equipo realizador se han propuesto en lo sucesivo metas para el perfeccionamiento de sus materiales. Uno de los principales fines es mejorar considerablemente desde el punto de vista fotográfico, de sonido, escenografía e imagen; en estos momentos se encuentran en una etapa de actualización técnica, enfrascados en la búsqueda de nuevas temáticas, así como en dedicarles a las personas de la tercera edad un espacio dentro de la programación. Es conveniente que los realizadores retomen y proyecten más sus trabajos en centros laborales y estudiantiles, en barrios; que promuevan debates para que el público evalúe y emita criterios, lo 70 que les permitirá una mayor retroalimentación. A esto hay que añadir la necesidad de saber cuándo un proyecto está o no agotado, cuánta comunicación establece e información estética transmite. A pesar de tener escasos recursos materiales, hay grandes deseos de crear, sobre todo mucha imaginación y disposición de solucionar los problemas que puedan emerger. Si de valores se trata hay que reconocerle a esta institución el hecho de haberse mantenido al aire por diecisiete años; no haber renunciado nunca a transmitir y servir al pueblo granmense. Diecisiete años es un período importante en una programación de bajo presupuesto, comprometida con el arte, el pueblo y verdad. El arte hoy está inquiriendo mostró como ente activo y creativo en muchas zonas de silencio en una sociedad en desarrollo. En la Yanet ZULUETA SAEZ que ponen al descubierto actualidad las nuevas exploraciones problemáticas culturales que realizadas en torno al tema nos la ocupan zonas sensibles de valor social y ético, y que definen como un sujeto portador de múltiples valores y exigen ser afrontadas, y discutidas con total libertad conductas que se visualizan desde planos más humanos y diversidad de análisis que define al contexto actual. y reales, que meramente sociales, y que además, calan Ejemplo de ello lo es el tratamiento que recibe la en aspectos tan subjetivos como su sexualidad. figura de la mujer en las artes plásticas cubanas más En el arte cubano la presencia femenina ha contemporáneas. transitado por diferentes modos de expresión y actos La mujer en el arte siempre se ha asociado a un creativos, elaborándose a través de estos, modelos de comportamiento moral y a una tradición falocéntrica. representación encaminados a la fabricación de un En circunstancias históricas determinadas su categoría sujeto femenino más abierto y más íntimo. De ahí que, sexual ha estado sujeta a una versión simplificadora y desde la modernidad, según la doctora Adelaida de discriminante. Independientemente a ello, numerosos Juan: “La mujer en la plástica se expresa en creciente han sido los estudios que relacionan a las féminas con libertad y ausencia de tabúes, abarcando un mundo las diferentes manifestaciones del arte, y significativa ha sido la labor de las creadoras que han fundamentado su discurso con ideas feministas como un vehículo para perfilar y redefinir el papel de la mujer en la sociedad. Aunque el presente ha subvertido, en gran medida la posición social de la mujer, aun no se aprecia un replanteamiento mucho más abierto de los asuntos femeninos y una liberación de los cánones representativos vinculados a la sexualidad femínea. Es por ello que en las últimas décadas ha existido una tendencia creciente a los estudios de género como una preocupación dada a partir del protagonismo asumido por las féminas en la sociedad actual. En Cuba, en períodos anteriores, se aludió y pensó en la mujer como un mero objeto sexual y se intentó que fuera recatada, asexual, de su casa, servicial y complaciente, buena paridora y con abundante leche para amamantar […]; luego, tiempo después, se le Cuty. La Tina. (2004, tinta sobre lienzo 79 x 69 cm) 71 el áGora MIRADAS DISTORSIONADAS DEL SEXO OPUESTO: LA REPRESENTACIÓN DE LA MUJER EN LA OBRA DE GUSTAVO ECHEVARRÍA, VLADIMIR LEÓN Y LANCELOT ALONSO el áGora de vivencias y reflexiones para abrirse a un lenguaje crecientemente abarcador ”. La representación de la mujer dentro del sistema de producción artístico contemporánea ha revelado diversos y sugerentes análisis. En las artes plásticas, algunas de estas exploraciones han sido descifradas y reveladas por la mirada distorsionada de tres creadores contemporáneos: Gustavo César Echevarría, Vladimir León Sagols y Lancelot Alonso Rodríguez, los cuales alejados de toda concepción ético-moral, centran sus indagaciones plásticas en preocupaciones humanas y sexuales del sexo femenino y advierten mediante una ojeada indiscreta, un mundo femíneo introvertido que al mismo tiempo se nos devela poético y sensual. Gustavo César Echevarría Estrada, Cuty (La Habana, 1960) es uno de de los pintores más peculiares que existen en Cuba en las dos últimas décadas. “[...] el Cuty es una suerte de delincuente estético. Porque no respeta la menor normativa, el discurso canónico regente, “la moral del arte”. Desde el punto de vista temático su poética se centra fundamentalmente en violentar esos espacios íntimos y escatológicos en donde los sujetos —preferentemente mujeres— expurgan apetitos, ansiedades, fluidos para socializarlos al mundo exterior. Un ejemplo de ello es La Tina (2004), obra en la que el artista nos recrea un espacio tan cotidiano y tan frecuente como el baño, presente en muchas de sus creaciones plásticas. Un espacio que deviene zona de meditación de la mujer, donde ella desecha apetencias, preocupaciones, exterioriza sentimientos, deseos, placeres, donde puede encontrar sosiego y autonomía sexual. Colores negros y azules profanan el área, se imprimen y se confunden con la silueta definida del cuerpo de una mujer; un pretexto más para acentuar esta noción de intimidad, de oscuridad, de secreto. Una privacidad que se hace pública, invadida y sorprendida por la mirada insolente del espectador moralista. Relativa a esta línea del fisgón figuran otras obras como Las gorras le quedan bien a las mujeres 1 (2004), La sobremesa (2008), entre otras. Vladimir León Sagols (La Habana, 1975) se ha convertido en uno de los artistas más valiosos del arte cubano joven. Con relación a este creador el crítico Píter Ortega señaló: “El artista se erige en una suerte de psicólogo, un escrutador de la condición humana y la sensibilidad de ese sujeto femenino que padece, que calla sus pesares, su miseria existencial. Se adentra en los predios de los estados anímicos más límites, de las situaciones más sórdidas”. De ahí que una de las obsesiones más litigantes en su obra sea la mujer. Mujeres angustiadas, mancilladas, resentidas por el ser y la sociedad humanos. Mujeres consumidas, endebles, retratos fantasmales que suplican clemencia, justicia, paz, en medio de esa opacidad nocturna. Seres que desean ser escuchados, percibidos, descubiertos. Imágenes desdibujadas, trazos imprecisos, salpicados, representaciones pictóricas que se agolpan bajo los inquietantes nombres de Criaturas, Espectros. Lancelot Alonso Rodríguez (La Habana, 1987) es egresado recientemente de San Alejandro y miembro del Taller Experimental Los Nuevos fieras de Rocío García. Posee una capacidad creativa y un talento admirable. Su obra al igual que la de Cuty transgrede planos cotidianos para develarnos naturalezas eróticas femíneas tradicionalmente inusitadas. Soluciones plásticas que surgen de series tan subjetivas como Huiii (2008) y Voyeur (2009). Su recurso es el color, un color enérgico, intenso, grueso, empastado, en el cual las figuras quedan robustecidas de placer, de goce, de encanto. Personajes e historias en un ambiente íntimo con un alto grado de sensualidad a veces grotesca, son los propulsores que le permiten al espectador disfrutar de esa intimidad ajena. No se trata solo de imágenes que muestran el intuitivo acto sexual, escenas cotidianas o un simple bodegón con un erotismo oculto entre una flor y su sombra. Son imágenes como estas las que desinhiben al espectador y preparan al espíritu para un sincero goce de belleza […] La mujer ha sido educada y construida para mantener en silencio todo goce sexual, por temor a que la juzguen de libertina o libidinosa. Reprimir sus sentimientos y callar sus deseos siempre han sido comportamientos sociosexuales de sociedades patriarcales. Es por ello que vale la pena echar un vistazo al pasado para comprender la obra de estos artistas, obras que, más allá de advertirnos visiones machistas, nos muestran situaciones tatuadas históricamente por la vergüenza, los miedos y los prejuicios, pero que son develadas y expuestas públicamente como una suerte de reafirmación de una identidad que ha sido tradicionalmente oculta. Zonas de acallamiento que reclaman ser abordadas, escuchadas y debatidas desde nuestra realidad. 72 el áGora Cuty. Las gorras le quedan bien a las mujeres 1 Vladimir. Sublimes Criaturas, 2008 Lancelot. De la serie Voyeur. Azul, amarillo y rojo 73 José Kozer entre insularidad y juderías PUNTO DE LLEGADA A partir del presente número Ventana Sur incluirá la sección Más allá de la ventana, que publicará textos de ficción de autores extranjeros o cubanos que han Mis allegados tienen ahora cabeza de buey y de gata. residido temporal o permanentemente fuera de Cuba. Esperamos que este segmento agrade a nuestros Visten fracciones numéricas y letras borrosas. lectores. José Kozer (La Habana, 1940), es un escritor que, a decir de Jorge Luis Arcos, ¨...desde ya debe considerarse como una de las voces más auténticas de la poesía cubana en cualquier tiempo¨. En 2013 recibió el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda, otorgado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), de Chile. Autor de más de cincuenta títulos, que incluyen diarios y textos narrativos, pueden destacarse los Poemarios: Padres y otras profesiones (1972); Este judío de números y letras (1975); El carrillón de los muertos (1987); AAA1114 (1997); La maquinaria ilimitada (1998); BBBBBL60(2013) y muchos más. 74 Los pares mueren primero, los impares y los compuestos, los inclasificables, mueren revolviendo libros en sus cabezas o recitando letanías en un idioma incomprensible. Todos tienen en común el hilo que los guía un buen día ante el Trono azabache de brazos dorados donde la segunda espera termina: todo muda sin mediar palabra, dispersos se desencuentran por fin para siempre, los más deteriorados se vuelven malva o tulipán imperecedero, los menos (quizás los más afortunados) devienen la piedra a la intemperie donde crece moho, encima roya, debajo revientacaballo. Biblioteca Provincial 1868 Medio siglo esparciendo saberes 75 Volumen (acrilico sobre lienzo) Julio 76 Oduardo