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Transcripción

Maestranza
FERNANDO MARCOS
MARZO 2007 Revista de información del Teatro de la Maestranza de Sevilla, número 4
El vuelo de la Compañía Nacional de Danza
ENTREVISTA
PROGRAMACIÓN
REPORTAJE
José Antonio Campos
‘Fidelio’, nueva producción propia
La dirección técnica del Teatro
El director del Instituto Nacional de las Artes
Escénicas y de la Música considera que hay
que “apostar por la calidad y la vanguardia”.
La única ópera de Beethoven es la nueva
producción del Teatro de la Maestranza para
la temporada. Se estrena el 11 de mayo.
El montaje y la producción de los espectáculos que
acuden al Maestranza conlleva el trabajo detrás del
escenario de entre 50 y 60 trabajadores.
Maestranza
MAESTRANZA·MARZO·2007
SUMARIO
REVISTA DE INFORMACIÓN DEL TEATRO DE LA MAESTRANZA DE SEVILLA / NÚMERO 4 / MARZO 2007
L A
T E M P O R A D A
Pasaron por el Maestranza
6
PROGRAMACIÓN 2006-07. Revisión de la programación del Teatro de la Maestranza
en los meses de diciembre y enero
P R O G R A M A C I Ó N
Calendario de próximas actuaciones
10
DÍA A DÍA. Todas las actuaciones del segundo tramo de la temporada.
Ballet Nacional de Marsella
12
DANZA. La compañía interpreta dos de sus coreografías más significativas en Sevilla
‘La boda/ El baile de Luis Alonso’
14
ZARZUELA. El Maestranza acoge en un programa doble la última producción del Teatro
de la Zarzuela de Madrid bajo la dirección musical del maestro Miguel Roa
Eva Yerbabuena Ballet Flamenco
16
DANZA. La compañía de la bailaora granadina Eva Yerbabuena ofrece un espectáculo
diseñado para el Maestranza a través del que repasa sus mejores coreografías
Rosa Torres-Pardo y Lang Lang
18
PIANO. El Teatro del Arenal acoge dos recitales de piano en marzo: Rosa Torres-Pardo
interpreta piezas de Albéniz y Lang Lang obras del Clasicismo y el Romanticismo
Chano Lobato, los Habichuela y Rocío Molina
19
FLAMENCO. Sobre idea y guión de Ortiz Nuevo, surge el espectáculo ‘Yo soy del 27’,
que repasa el arte jondo de los últimos ochenta años de la mano de Chano Lobato
Dorantes, Mayte Martín, Diego Carrasco y la Peña Tío José de Paula
20
FLAMENCO. El lebrijano Dorantes reúne en ‘Lienzo’ a artistas de varias generaciones
‘Dulcinea’
21
ÓPERA PARA ESCOLARES. Esta producción invita a los pequeños a leer e imaginar
Compañía Nacional de Danza
22
DANZA. El grupo dirigido por Nacho Duato escenifica ‘Alas de cera’ y ‘Herrumbre’
‘Fidelio’
24
ÓPERA. El Maestranza produce este título, ambientado en Sevilla, con Halffter al frente
R E P O R T A J E S
Toda la discografía
26
GRABACIONES. La ROSS ha editado 18 discos desde su creación, entre los que destaca
el homenaje a todas las víctimas del terrorismo grabado tras los atentados del 11-M
Entrevista a José María Aguiar
28
PRESIDENTE. Aguiar destaca el alto nivel artístico de los componentes del Coro
Dirección Técnica
30
RESPONSABLE. Antonio Moreno es el director técnico del Teatro
Nueva maquinaria
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FLEXIBILIDAD. Las obras dotarán al escenario de máquinas de última tecnología
REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA
CORO DE LA ASOCIACIÓN DE AMIGOS DEL MAESTRANZA
EL TEATRO DE LA MAESTRANZA VISTO POR DENTRO.
OBRAS EN EL TEATRO
E N T R E V I S T A
/
I N F O R M A C I Ó N
ENTREVISTA José Antonio Campos
“El Teatro debe apostar por el riesgo de la vanguardia”
A G E N D A
El director del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música considera que
Andalucía es de las comunidades mejor situadas en cuanto a oferta cultural
Nuestros patrocinadores
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Cinco de los patrocinadores del Maestranza han renovado los convenios
Propuestas y recomendaciones
36
Las programaciones de otros importantes teatros de todo el mundo
CONVENIOS
AGENDA
4
/
Edita: Teatro de la Maestranza / Dirección: Remedios Navarro y Pedro Halffter / Coordinación editorial: Rocío Castro y Pepe Iglesias / Documentación: Juan Carlos Moreno Diseño, realización y maquetación: SumaySigue Comunicación /
Han colaborado en este número: Catalina Mora, Juanjo Sánchez Cotes, Carlos Seco, Aurora Tristán, Rafael Verdú / Fotógrafo del Teatro: Guillermo Mendo / Publicidad: Emilio Ruiz Rojas / Imprime: Tecnographic / Publicación Cuatrimestral / La
revista Maestranza no se hace necesariamente responsable de la opinión de sus colaboradores, ni de los posibles cambios que pueda sufrir la programación / Depósito legal: SE-3107/05. TEATRO DE LA MAESTRANZA. Paseo de Colón, 22. 41001
Sevilla Teléfono de información: 95 422 33 44 Fax: 95 422 59 95 e-mail: [email protected] web: www.teatromaestranza.com [Taquillas] Teléfono: 95 422 65 73
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3
4
ENTREVISTA
El director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la
Música (INAEM), José Antonio Campos, comenta la realidad actual de
la lírica y de la música sinfónica en
“Es importante contar con espacios consolidados como el Maestranza en el Sur”
el país, con especiales referencias
al papel que juega el Teatro de la
Maestranza de Sevilla en la red de
espacios dedicados a estas manifestaciones culturales.
ENTREVISTA
L
a construcción y rehabilitación
de teatros ha situado a España
a la cabeza de las infraestructuras escénicas. Así lo confirma el director general del Instituto Nacional de
las Artes Escénicas y de la Música
(INAEM), José Antonio Campos.
-¿Qué representa el Maestranza
dentro del conjunto de los espacios
escénicos españoles?
-Es evidente que el Maestranza se
ha consolidado como uno de los
grandes teatros de ópera que existen
en el país, integrado ya también en
los grandes circuitos internacionales.
En estos 15 años, desde su inauguración, el Teatro ha ofrecido una programación atractiva, con producciones propias de calidad y otros grandes títulos internacionales que han
traído a España a grandes figuras de
la lírica y de la música.
-¿Qué supondrá la nueva infraestructura y dotación técnica de la que
disfrutará el Teatro tras las obras?
-El Teatro aborda un proceso de
reforma, en el que el Ministerio de
Cultura realiza un considerable esfuerzo al aportar el 50 por ciento de
la inversión total, por el que se ampliará el escenario para facilitar la representación de grandes producciones, lo que supondrá poder ofrecer
espectáculos de primer nivel en las
mejores condiciones para ese público que se ha ido consolidando en este tiempo, y que cada vez es más
exigente. También se construirá una
sala de ensayos para la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, que de esta
forma podrá desarrollar más adecuadamente su trabajo diario, con un
JOSÉ ANTONIO
CAMPOS
“EL TEATRO
DEBE APOSTAR
POR LA
CALIDAD Y EL
RIESGO DE LA
VANGUARDIA”
El Maestranza, al no
disponer de cuerpos
estables para desarrollar
sus producciones líricas,
tiene firmados acuerdos
de colaboración con la
Real Orquesta Sinfónica
de Sevilla y el Coro de
la Asociación de Amigos
del Teatro, dos
piezas clave en la
programación del
coliseo hispalense
espacio propio independiente de la
actividad del Teatro.
-¿Cuál es la situación de la ópera y
de la música clásica en España?
-Siempre hay que pensar que todo
puede y debe mejorarse, pero lo que
no puede negarse es que la oferta
musical y lírica en España ha mejora-
do progresivamente en la última década. Se ha creado una excelente red
de infraestructuras, que ha impulsado la creación de orquestas y agrupaciones musicales en todo el territorio
nacional y que, a su vez, ha consolidado una afición importante. Y no
hay que olvidar la calidad de las jóvenes orquestas en todo el país, una
cantera para asegurar el futuro.
-Desde el Ministerio de Cultura,
¿cómo se ve esa nueva realidad en
Andalucía?
-El salto que ha dado Andalucía es
muy notable. La diversidad de la
oferta y el buen funcionamiento de
las orquestas en toda la comunidad
hacen que ésta se vea entre las
mejores situadas en España.
-Como teatro público que es, ¿qué
características deben primar en la
oferta del Maestranza?
-El Teatro sevillano consolida su
oferta alrededor de la ópera y de los
ciclos sinfónicos sin perjuicio de otros
contenidos propios generalistas y
abiertos al gran público. Hay que lograr una oferta heterogénea, que
atienda a distintos géneros musicales, apostando siempre por la calidad pero también por el riesgo con
propuestas de vanguardia contemporánea, como ha venido haciendo
con acierto recientemente.
-¿Cómo valora la aportación y nivel de la Sinfónica de Sevilla y el Coro de la Asociación del Maestranza?
-Básicos en un teatro que realiza
producción lírica son sus cuerpos estables. El Maestranza, al no disponer
de los mismos en su organigrama,
mantiene acuerdos de colaboración
con la Sinfónica y el Coro de la Asociación de Amigos del Teatro. La Orquesta es una pieza clave de la programación. No se puede entender la
actividad del Maestranza sin la presencia de este conjunto, que se reconoce como uno de los más importan-
5
tes en el ámbito español. Por lo que
se refiere al Coro, su nivel artístico
asegura el funcionamiento del Teatro
en el más alto nivel lírico.
-¿Qué supone para el Ministerio
que las compañías nacionales puedan contar en el Sur con un espacio
como el Maestranza?
Las compañías nacionales tienen
entre sus objetivos la proyección de
las artes escénicas y musicales en
todo el Estado, más allá de sus sedes
en Madrid. En esta misión, es importante contar con espacios con temporadas consolidadas como el
Maestranza, que puedan acoger
producciones de gran formato y
ofrecerlas al público en las mejores
condiciones. Así se viene haciendo
cada año y continuaremos con esta
línea de colaboración.
-¿Cómo animaría a la iniciativa privada a participar mediante colaboración y patrocinio en el Teatro?
-Ésta es una labor de gestión que
el propio Teatro y, en concreto, su gerencia, debe priorizar. Una vez consolidada la casa y, sobre todo, con la entrada en funcionamiento del nuevo
escenario, seguro que puede cumplirse este objetivo. Las aportaciones
de las administraciones consorciadas
para la gestión del Maestranza, entre
las que se encuentra el Ministerio,
unidas a otros ingresos, aseguran el
mantenimiento del Teatro.
-Y, finalmente, ¿qué le diría a los
españoles para que conozcan y disfruten de la oferta del Maestranza?
-Es muy sencillo: que se animen
a visitarnos, a buen seguro que no
se sentirán defraudados. M
6
LA TEMPORADA
La Orquesta Barroca de Sevilla y
los solistas tras la interpretación
de ‘Dido y Eneas’ en el
Maestranza.
EL COLISEO A PLENO RENDIMIENTO
MESES ANTERIORES La versión operística de Charles Gounod del clásico ‘Romeo y Julieta’ fue una de las principales producciones
que pudieron verse en el Maestranza en diciembre y enero. También pasaron por el escenario sevillano la ópera ‘Dido y Eneas’, el
ballet de Prokofiev de ‘Romeo y Julieta’ en una producción del Ballet Nacional de Hungría y María Pagés.
MIENTRAS CONTINÚAN LAS OBRAS
D
urante diciembre y enero
pasado el público asistió a
la representación de dos títulos operísticos en el terreno del
bel canto; dos montajes de danza
de sabores, escenografías y concepciones muy diversos; y los conciertos de abono que ofreció la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, además
del Festival Iberoamericano Sevilla
Entreculturas.
Romeo y Julieta
La historia de amor y odios de los
amantes universales de Verona ha
tenido desde hace siglos multitud
de versiones. Una de ellas, reciente,
moderna e incluso polémica, es el
Romeo y Julieta de Charles Gounod,
escenificada los días 11, 13, 15 y 17
de diciembre en el Teatro de la
Maestranza. La intervención de la
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla,
dirigida por Michel Plasson, se saldó con una gran ovación al igual
que el canto de la joven soprano
Natalie Manfrino, que interpretaba
por primera vez a la heroína del
amor, Julieta.
El público esperaba con entusiasmo el debut al frente de la orquesta
sevillana del veterano Plasson, una
personalidad reconocida especialmente en el ámbito de la ópera romántica francesa. Y no defraudó.
Supo resaltar la calidad de los profe-
sores y abordó con precisión las
melodías de Gounod.
Ivo Guerra, a cargo de la dirección
escénica, presentó una escenografía en la que destacaban determinadas licencias que imprimieron un
aire renovado al clásico.
En este título, una producción de
la Ópera Nacional de Burdeos, también participó el Coro de la Asociación de Amigos del Maestranza.
Otra versión sobre el romance y
las pugnas entre Montescos y Capuletos del siglo XIV inauguró en el escenario maestrante el año en el terreno de la danza (del 11 al 14 de
enero). Por primera vez en su historia, el Ballet Nacional de Hungría,
con sede en la Ópera de Budapest,
recalaba en Sevilla. El ballet sobre la
tragedia de los amantes de Verona,
con coreografía de László Seregi y
música de Sergej Prokofiev, tuvo en
la dirección musical a Valeria Csányi,
al frente por primera vez de la Sinfónica Sevilla.
Dos repartos, como es habitual
en las grandes producciones y compañías, avalan la propuesta artística
coordinada por el director de la
compañía, Gábor Keveházi. Hasta
24 actores y 80 bailarines dieron vida al teatro dentro del teatro, y es
que la narración del grupo húngaro
se enmarca en un día de ensayo en
el Globe, el espacio en el que Sha-
kespeare solía representar sus comedias.
El título de danza clásica agotó
todas las localidades para las cuatro
funciones semanas antes de su representación. El público seguro que
disfrutó de un ballet esplendoroso
y de los decorados artesanales, hechos de cartón piedra y telas pintadas, que recogían el desarrollo del
argumento.
Con la idea de ofrecer dos visiones diferentes sobre la conocida trama, el Teatro programó una puesta
en escena algo más transgresora
para la ópera de Gounod y más clásica para el ballet de Prokofiev.
El Teatro de la Maestranza tam-
El público esperaba con entusiasmo el debut al frente de la ROSS del veterano Pla
La bailaora y coreógrafa María
Pagés también estuvo en el
Maestranza el trimestre pasado.
LA TEMPORADA
El ballet de Prokofiev ‘Romeo y Julieta’, representado por el Ballet Nacional de Hungría, que se estrenaba en
el Maestranza, agotó todas las localidades para las cuatro funciones se-
bién subió el telón los días 20 y 21
de enero para una de las óperas
más importantes del Barroco, una
de las más conocidas de la producción inglesa y de su autor, Henry
Purcell. Dido y Eneas fue todo un
éxito para crítica y público. Los
aplausos y las letras vertidas en los
medios de comunicación corroboran la idea de que la actuación fue
soberbia.
Mónica Hugget dirigió la ópera
en concierto, precedida de unos
fragmentos de La reina de las alas,
conduciendo a todos sus intérpretes hacia un pleno de matices y
contrastes en perfecta comunión. Y
no era una tarea rutinaria ni una
empresa fácil de salvar. Sobre el
escenario la británica tuvo que coordinar a la Orquesta Barroca de
Sevilla, el Coro Barroco de Andalucía (que actuó por primera vez en
el Teatro) y a los demás cantantes
de la producción.
El coso hispalense brilló por la
pletórica actuación de la Barroca, la
notable entrega y flexibilidad del
Coro y las caricias que todas las voces irradiaban -recuerden a Raquel
Andueza, María Eugenia Boix y Lluis
Vilamajó- desde un magno escenario por el que se pasearon aires nostálgicos, plásticos, teatrales y desgarradores, emanados de esa historia
de amor entre la reina de Cartago,
Dido, y el troyano Eneas. Esta ópera
es de Nahum Tate, un texto inspirado en el Libro IV de La Eneida. M
sson, una personalidad en el mundo de la ópera romántica francesa
manas antes de la representación. La
narración de la compañía húngara se
enmarca dentro de un día de ensayo
en el Globe, en el que Shakespeare
solía representar sus comedias.
7
8
LA TEMPORADA
Grupos de estudiantes de danza pudieron asistir al ensayo general de
‘Romeo y Julieta’ del Ballet Nacional
de Hungría, una actividad con la que
la dirección del Teatro de la Maes-
tranza pretende acercar el Teatro a
otros públicos. También la Orquesta
Sinfónica celebró los días 22 y 23 de
eneros sus conciertos para escolares
con ‘Pedro y el lobo’.
Asistencia de escolares al ensayo
general del ballet ‘Romeo y
Julieta’.
LA TEMPORADA
A
sus setenta y tres años, Michel Plasson es una leyenda
de la música francesa. Más
de ciento veinte grabaciones, treinta años al frente de la Orquesta de
Toulose, más de tres mil conciertos
y representaciones operísticas y un
conocimiento profundo de la música en todos sus aspectos han hecho
que ocupe un puesto de honor en la
historia de la música de nuestro
tiempo.
En sus más de cincuenta años de
carrera ha llevado el repertorio francés por todo el mundo; sin embargo, no había dirigido nunca ópera
en España. El Teatro de la Maestranza ha saldado esta deuda con quien
conoce, aprecia y ha difundido, como pocos, la música hecha en
nuestro país: “La influencia de España es constante en la música francesa (…) Empecé como violinista
tocando con grandes maestros como Ataúlfo Argenta y Eduard Toldrá.
Recuerdo la música maravillosa de
Falla, de Albéniz, en la misma estaba la atmósfera de Triana, de Sevilla. Afortunadamente hay sucesores
de gran calidad individual. He tenido la fortuna de trabajar con la inconmensurable Teresa Berganza y
con ese gran caballero que fue Alfredo Kraus, con quien grabé, precisamente, una de las dos versiones
que he registrado de Roméo et Juliette. Soy muy sensible a las voces
españolas, a las corales, posiblemente las mejores del mundo. Es-
MICHEL
PLASSON
“HE VENIDO
MUY TARDE AL
MAESTRANZA,
PERO ES YA
UNO DE LOS
TEATROS DE MI
CORAZÓN”
El gran maestro del
repertorio francés
dirigió en el Teatro de
la Maestranza ‘Roméo
et Juliette’ de Charles
Gounod, en el que ha
sido su debut como
director de ópera en
España
toy maravillado por la zarzuela, por
su música, por su calidad excepcional. La he dirigido y grabado con Teresa, con Kraus, y ahora con Villazón. Mi fascinación llega también a
la música popular española e hispanoamericana; tuve la suerte de conocer a Rocío Jurado, que me habló
de El Rocío y de Doñana”.
Durante su estancia en el Teatro
de la Maestranza ha estado, además, al frente de la Sinfónica de Sevilla en un memorable doble concierto, ha ofrecido distintas conferencias y participado en mesas redondas, dejando constancia de su
magisterio en cada una de estas facetas. “El papel de la orquesta es
determinante en un teatro musical.
Cuenta la historia con las notas y los
cantantes con las notas y las palabras. El conjunto es una especie de
milagro que lleva a una emoción incomparable. El poder de la música
para emocionar a todos a un mismo
tempo sólo tiene dos rivales, aunque de naturaleza distinta: el deporte y la religión. Estoy por ello seguro de que la música es un factor de
cohesión social. Es una suerte para
el mundo. El hombre tiene necesidad de música, de amor. Los políticos tienen la obligación de facilitar
los medios para cuidar y desarrollar
la música. Es un elemento y una
condición para la supervivencia y el
progreso”.
A pesar de su actividad Michel
Plasson ha buscado tiempo para vi-
Michel Plasson, junto a los protagonistas de la ópera.
sitar la Catedral de Sevilla, donde
tuvo ocasión de ver el baile de los
seises y escuchar los grandes órganos, recorrer el Real Alcázar y sus
jardines y acercarse, río abajo, a
Sanlúcar de Barrameda y al Parque
de Doñana, para disfrutar de otras
de sus pasiones: el mundo de la viticultura y la enología y el de la botánica. Ante un naranjo florecido,
¡en pleno diciembre!, comparó el
azahar con la música francesa que
dirigía en el Maestranza. “Es como
una flor extremadamente frágil pero muy bella, refinada, delicada,
elegante, sensual. La música debe
producir placer y la música francesa
(y la española) de fines del siglo XIX
y principios del XX, como los jardines, como la pintura, es la música
de la dicha, compuesta para el pla-
cer, para hacernos más felices”, declaró el director
El maestro Plasson no ahorró elogios para la realidad musical que vive España: “Tenéis nuevas orquestas, auditorios y teatros que son un
milagro, la envidia de Europa”. “Os
doy las gracias –manifestó en un
encuentro con el público- por permitirme tratar de haceros en vuestro Teatro un poco más felices con la
música. La música es una forma superior del arte, para mí la más elevada. Unifica, elimina barreras; como el amor, habla al corazón. Estoy
feliz por haber descubierto vuestro
magnífico Teatro y vuestra Orquesta. He venido muy tarde al Maestranza, pero os aseguro que es ya
uno de los teatros que llevo en el
corazón.” M
“La música es un elemento de cohesión social que debe ser cuidado “
Michel Plasson, durante los
ensayos de ‘Roméo et Juliette’ en
el Maestranza.
9
10
CALENDARIO
2 Y 4 DE MARZO
22 Y 23 DE MARZO
Ballet Nacional
de Marsella
ROSS: Programa
de abono nº 7
La Compañía, dirigida por
Frédéric Flamand, presenta
dos programas diferentes y
complementarios entre sí. Por
una parte, se aborda la
relación entre cuerpo y
arquitectura en Métapolis II
(día 2) y, por otro lado, se
establecen vínculos entre la
sociedad contemporánea y la
ciudad en La cité radieuse (día
4). Dos prestigiosos arquitectos
colaboran respectivamente en
estas propuestas: la iraquí
Zaha Hadid y el francés
Dominique Perrault. Se
combinan técnicas clásicas y
contemporáneas.
La Sinfónica interpreta un
programa de abono
extraordinario de música sacra
con la obra de Berlioz La
condenación de Fausto. El
programa, dirigido por Pedro
Halffter, reúne a la
mezzosoprano Iris Vermillion,
el tenor Donald Litaker y el
bajo James Johnson. Actúa el
Coro Nacional de España.
17 Y 18 DE MARZO
Eva
Yerbabuena
La granadina Eva Yerbabuena,
nacida en Frankfurt por
casualidad, regresa al
escenario del Teatro de la
Maestranza con un programa
especialmente diseñado para
este espacio. Eva Yerbabuena
Ballet Flamenco ofrecerá al
público un espectáculo que
mira al pasado, a lo más
clásico, e indaga en otros
lenguajes en un guiño hacia el
futuro, con un concepto
escénico no desprovisto de
elementos de otros bailes de
los que se contagia la artista.
9, 10, 12, 13 Y 14 DE MARZO
‘La boda/
El baile de Luis
Alonso’
La boda/ El baile de Luis
Alonso son dos obras corales
de Gerónimo Giménez. La
zarzuela es un homenaje a
Cádiz, sus cantes, su gente,
sus carnavales y sus espacios
más representativos,
recreados por Santiago
Sánchez. El libreto es de Javier
de Burgos y la dirección
musical la aporta Miguel Roa.
20 DE MARZO
Rosa TorresPardo
La pianista madrileña Rosa
Torres-Pardo ofrece el 20 de
marzo un recital de música y
danza sobre piezas de Isaac
Albéniz. En la relectura de
Iberia estará acompañada
por José Antonio Rodríguez y
Lola Greco. Con este programa
se recuperan los ritmos
populares que inspiraron al
compositor, uno de los
elementos que han hecho de
la obra la más internacional
del piano español.
27 DE MARZO
29 DE MARZO
Lang-Lang
Lang Lang, nacido en China en
1982, es el primer pianista de
su país que ha actuado
acompañado por la
Filarmónica de Berlín y por las
grandes orquestas de Estados
Unidos. Para su recital en el
Teatro de la Maestranza, ha
seleccionado un programa con
obras del Clasicismo y el
Romanticismo de autores
como Mozart, Schumann, Liszt
y Chopin, y también ha
querido incluir una pieza de
Granados. El joven músico
homenajea así a la creación
española.
‘Yo soy del 27’
El cante de Chano Lobato, el
toque de Los Habichuela y el
baile de Rocío Molina dan
forma sobre el escenario a una
idea y guión de José Luis Ortiz
Nuevo. Flamenco y poesía se
fusionan en este montaje
irrepetible y único, dado que
como tal sólo podrá verse en
el Maestranza, un espacio que
albergará toda la gracia y
saber hacer de un cuadro
integrado por un gaditano que
es Medalla de Andalucía, los
guitarristas granadinos Los
Habichuela y una joven
malagueña que se impone por
derecho propio en el baile
flamenco. La obra cabalgará
sobre los ecos poéticos del 27.
12 Y 13 DE ABRIL
ROSS: Programa
de abono nº 8
Este programa está
dedicado a Wolfgang
Amadeus Mozart y comienza
con la Serenata número 9, K.
320 en Re mayor
El postillón. Hay que destacar
que es la primera vez que la
Real Orquesta Sinfónica de
Sevilla toca esta obra.
Después sonará la Sinfonía
número 41 Júpiter del mismo
compositor. El octavo
programa de abono estará
dirigido por Michael
Schonwandt.
CALENDARIO
19 Y 20 DE ABRIL
24 Y 25 DE MAYO
7 Y 8 DE JUNIO
ROSS: Programa
de abono nº 9
ROSS: Programa
de abono nº 11
ROSS: Programa
de abono nº 13
La música de tres grandes
compositores será interpretada
en abril por la Sinfónica de
Sevilla y bajo las órdenes del
maestro Marc Soustrot:
Nocturnos 1 y 2, de Debussy;
Concierto para piano número 5
Egipcio, de Saint-Saëns; y
Sinfonía número 4, de Brahms.
Jean-Philippe Collard estará al
piano en este concierto.
Pedro Halffter dirige este
programa de abono con Stefan
Vladar al piano. El programa
incluye La consagración de la
casa y Concierto para piano
número 2, de Beethoven, y La
consagración de la primavera,
de Stravinski.
Es la primera vez que la ROSS
interpreta La canción de la
noche, de Mahler. Ocupa este
concierto una única obra
postromántica, una de las
últimas de la gran tradición
sinfónica centroeuropea. La
obra fue reelaborada varias
veces antes de ser estrenada
en Praga en 1908.
21 Y 22 DE ABRIL
Orquesta
Sinfónica
de Madrid
La orquesta invitada de la
temporada presente, la
Sinfónica de Madrid,
protagoniza el décimo
programa de abono de la
Sinfónica de Sevilla en el
Teatro de la Maestranza.
Jesús López Cobos coordinará
a los músicos que se
enfrentarán a las partituras de
El salón México, de Copland;
Concierto para piano, de
Michel Camilo, con el
compositor al piano; Rapsody
in blue, de Gershwin; y El
pájaro de fuego, de Stravinski.
Éste será un programa de
síntesis de músicas.
11, 14, 17, Y 20 DE MAYO
‘Fidelio’
La nueva producción del Teatro
de la Maestranza será dirigida
por Pedro Halffter y contará en
el reparto con el tenor Robert
Dean-Smith entre otros. La
segunda versión de la partitura
de Beethoven, estrenada en
1814, obtuvo un clamoroso
éxito. Su única ópera parte del
clasicismo, de los hallazgos de
Mozart. La gran orquesta del
compositor requiere voces de
marcado carácter dramático.
Lo coros y las tesituras de los
personajes adquieren gran
importancia y se elevan sobre
la instrumentación. En lo
argumental, esta pieza recrea
un género en boga tras la
Revolución Francesa, en el que
el héroe consigue escapar a un
injusto destino fatal.
29 Y 30 DE MAYO
ROSS: Programa
de abono nº 12
16 DE MAYO
Dorantes
David Peña, Dorantes, acude
al coso sevillano con el
programa Lienzo, un concierto
de piano flamenco. En el
escenario se reunirán artistas
veteranos y de la nueva
generación de flamencos, cuyo
trabajo consigue el
recocimiento de puristas y
modernos. Mayte Martín y
Diego Carrasco ponen la voz.
11, 12 Y 13 DE JUNIO
‘Dulcinea’
1 Y 2 DE JUNIO
Las sopranos y contraltos del
Coro de la Asociación de
Amigos del Teatro de la
Maestranza intervienen en
este concierto, dirigido por
Halffter, y con obras como
La Tierra, de Rueda, y Los
planetas, de Holst.
ROSS: Programa
de abono nº 14
El último programa de abono
de la ROSS en esta temporada
será dirigido por Pinchas
Steinberg y tendrá al violín a
Kuba Jakowicz. Sonarán
las siguientes obras:
Atmosphères, de Ligetti;
Concierto para violín, de
Khachaturian; y Sinfonía
número 9 del Nuevo Mundo,
de Dvorak.
Compañía
Nacional
de Danza
La Compañía clausura el Ciclo
de Danza de la temporada
actual del Teatro sevillano con
dos coreografías: Herrumbe y
Alas de cera. Los bailarines
seguirán las indicaciones del
director artístico de la
Compañía, Nacho Duato.
7 Y 8 DE JUNIO
Sobre el libreto de Andrés
Ibánez construye Mauricio
Sotelo una ópera para
escolares que pone el énfasis
en la lectura, a través del título
universal Don Quijote, de
Miguel de Cervantes. En esta
producción lírica, con dirección
musical de Joan Cerveró y
escénica de Gustavo
Tambascio, diferentes músicas
introducen a los personajes y
las situaciones. Dulcinea, que
sólo existe en la imaginación
del caballero de La Mancha y
el Niño de esta historia, es el
alma de la ópera.
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12
PROGRAMACIÓN
BALLET DE MARSELLA
COREOGRAFIAR
ARQUITECTURA
Y ESPACIO
U
na de las propuestas más
innovadoras e interesantes
del panorama de la danza
actual seduce en marzo al coso hispalense. El Ballet Nacional de Marsella, con Frédéric Flamand en la
dirección, viene a la ciudad con dos
programas distintos y complementarios entre sí: Métapolis II, el viernes 2 de marzo, y La cité radieuse,
el domingo 4 de marzo.
La Compañía aborda la relación
que surge entre un par de binomios.
Cuerpo y arquitectura son los dos
elementos que se fusionan en el
montaje del primer día, mientras
que sociedad y ciudad articulan la
obra de la segunda sesión. Y aunque
ambas piezas se complementan,
cada una goza de sentido propio.
Flamand ha estrechado los lazos
de colaboración con dos prestigiosos arquitectos actuales para
desarrollar sus interpretaciones: la
británica de origen iraquí Zaha Hadid y el francés Dominique Perrault.
Estos nombres no son ajenos al
quehacer arquitectónico de la ciudad hispalense ya que ambos se
presentaron al concurso para la
nueva Biblioteca de la Universidad
de Sevilla en el Prado de San Sebastián. Finalmente, Hadid se hizo con
la adjudicación. La británica es autora, entre otros proyectos, del Museo
Guggenheim de Tokyo. Perrault diseñó la Biblioteca Nacional de Francia y el nuevo Teatro Mariinsky de
San Petersburgo, por ejemplo.
Transformaciones con ritmo
El coreógrafo belga, que dirige el
conjunto francés desde septiembre de 2004, lleva años investigando las conexiones entre la danza y
la arquitectura. En 1996 comenzó a
El Ballet Nacional de
Marsella acude al Teatro
de la Maestranza para
representar dos de sus
títulos en repertorio. Los
espectáculos serán
dirigidos por Frédéric
Flamand, coreógrafo
belga que ha contado
con la colaboración de
dos arquitectos para las
obras: Zaha Hadid y
Dominique Perrault
trabajar con los diseñadores Elisabeth Diller y Ricardo Scofidio. Continuó su labor con Jean Nouvel y,
poco después, entró en contacto
con los arquitectos coautores de las
producciones que acoge el coliseo
hispalense en marzo.
“Todo el espacio está en movimiento; no se sabe si son los bailarines quienes evolucionan ante las
estructuras y las imágenes o, por el
contrario, son ellos quienes las
contienen”, ha explicado Flamand,
quien también integra en sus montajes un dispositvo multimedia que
sirve para hilvanar y apoyar las
sensaciones, historias y sugerencias que proponen los creadores.
La transformación y el cambio continuo son las ideas principales.
En Métapolis II, el coreógrafo
combina la técnica clásica de los
bailarines de la compañía con el
estilo contemporáneo que demuestra su creación. Los ciudadanos, los bailarines sobre el escenario, son los vectores del cambio de
la ciudad. A Hadid le gusta definir
su trabajo como una Babilonia con
“5.000 años de cultura” y reivindica así su patrimonio oriental. Pero
resulta curioso ver cómo hoy la
que fue la esplendorosa reina arquitectónica de Oriente está reducida a ruinas. Quizá ésta sea una
forma de llamar la atención sobre
la responsabilidad de los actos de
los hombres. Esta obra se estrenó
el 4 de julio de 2006 en el Festival
de Marsella.
Por otra parte, Perrault aborda el
mundo generado por la globalización. El francés centra su reflexión
en los llamados no lugares, los espacios de anonimato que cada día
acogen un mayor número de personas que parecen vivir en otro
mundo de silencios, prisas y soledades (aeropuertos, centros comerciales, estaciones de paso...).
Estos emplazamientos son lugares
de paso, sin una identidad fijada y
casi siempre nuevos, es decir, surgidos de la evolución del mundo.
En La cité radieuse, estrenada el 16
de julio de 2005 en el Festival de
Marsella, se monta un sistema de
mallas y tisús metálicos que los
bailarines manipulan. Sus movimientos se desdoblan con su propia imagen. Surge así una intensa
relación entre los intérpretes y las
proyecciones, que permiten trazar
representaciones y evoluciones de
lo que va contándose. El título de
este segundo programa rinde homenaje a la utopía de Le Corbusier:
el sueño de alcanzar la felicidad
gracias a la arquitectura. Coreógrafo y arquitecto se preguntan sobre
las nuevas formas de utopía de la
sociedad moderna.
El espectáculo reflexiona sobre
la exhibición de imágenes de la
publicidad, las autopistas de la información, los deseos y las angustias de cada día, el mito de la eterna juventud, la belleza, el sentimiento de inseguridad... M
El Ballet de Marsella reflexiona en Sevilla sobre la utopía de la ciudad y sus e
Los arquitectos Zaha Hadid y
Dominique Perrault son los
coautores de las dos piezas que
Flamand ofrece en Sevilla.
PROGRAMACIÓN
El Ballet Nacional de Marsella explora las transformaciones del espacio a través de la danza. En las
dos piezas que representa en el escenario del Arenal, los bailarines
Cuerpo y arquitectura
2 de marzo
El primero de los programas que
ofrece el Ballet Nacional de
Marsella explora las relaciones
que surgen entre el cuerpo y la
arquitectura. Los bailarines son
los vectores que indican el
camino de la transformación en
las ciudades. La obra está
firmada por Flamand, director
de la Compañía, y Zaha Hadid.
Sociedad y ciudad
4 de marzo
La segunda función del Ballet
francés depende en gran
medida de la primera ya que
completa su significado. Esta
producción, obra de Flamand y
Dominique Perrault, se pregunta
por las nuevas grandes ciudades
y sus posibilidades de vida tras
la globalización.
espacios, aunando tradición y modernidad a través de sus dos coreografías
son los vectores que señalan los
cambios y la evolución de la sociedad. Clasicismo y modernidad se
dan la mano en dos propuestas que
dirige Frédéric Flamand.
13
14
PROGRAMACIÓN
El Teatro de la Maestranza ofrece en marzo un doble programa con dos sainetes que pondrán sobre el escenario a medio centenar de cantantes, bailarines y actores.
Deliciosa música para exaltar las costumbres de Cádiz
ZARZUELA El Teatro de La Zarzuela de Madrid trae a la ciudad hispalense La boda de Luis Alonso y El baile de Luis Alonso, con
música de Gerónimo Giménez y libro de Javier de Burgos. Miguel Roa dirige musicalmente la producción, cuya estructura dramática ha sido adaptada por Santiago Sánchez. Luis Álvarez y María Maciá interpretan a los protagonistas.
E
l espectador que acuda a ver el
doble programa de zarzuela
que ofrece el Maestranza los
días 9, 10, 12, 13 y 14 de marzo comprenderá que las coordenadas espacio temporales han sido manipuladas, ya que tanto en El baile de Luis
Alonso como en La boda de Luis
Alonso se sitúa la acción en Cádiz entre los años 1840 y 1850.
Ambos títulos, según Miguel Roa,
director musical del montaje y del
Teatro de La Zarzuela de Madrid, “son
dos zarzuelas un tanto atípicas dentro
del género en España dado que, aun
siendo de gran calidad, se han representado poco y han pasado al repertorio casi por los intermedios, como
pasa con La Boda de Luis Alonso, que
se ha tocado así por todo el mundo y
ha sido escuchada en sitios como Japón e Indonesia, donde se recibe con
éxito. Cualquier orquesta de primer
nivel la ha tocado alguna vez”.
Comedia
Los melómanos andaluces entrarán
en un café-cantante, en el que se
mezclan cantes de ida y vuelta con la
canción española, orquestinas con
atracciones circenses, cuplé con flamenco, y donde unos “cantaorescontaores” narran diferentes historias, más o menos reales o verosímiles, entre las que se escucharán La
boda y El baile de Luis Alonso.
Sobre ambas zarzuelas debe puntualizarse que El baile de Luis Alonso,
antes de convertirse en una obra lírica, ya gozaba del favor del público
El montaje cuenta con una
cuidada producción escénica
de enorme plasticidad.
de 1889 como sainete representado
en el Teatro Español. Hasta 1896 el
Teatro de La Zarzuela no acogió su
escenificación.
Tal era el éxito de la obra que Javier
de Burgos y Gerónimo Giménez decidieron contar algo más sobre el personaje y con las mismas características más o menos. Para la sorpresa de
todos, los autores se centraron en un
episodio anterior de la vida de Luis
Alonso, el día de su boda, y no ofrecieron una continuación de lo narrado
en El baile, como esperaban muchos
sectores de la época. La boda de Luis
Alonso se estrenó en el mismo espacio escénico en 1897. Sobre el resultado, Miguel Roa se pronuncia con
claridad: “En más de un 80 por ciento
de las obras de zarzuela, la música
salva el espectáculo. Los libretos de
Javier de Burgos tienen gracia, pero la
música es deliciosa”. También hay
que señalar que en esta propuesta se
representa primero La boda y, después, El baile.
La tradición oral es importante en
esta producción ya que, como apunta
Santiago Sánchez en unas notas al
programa, la situación se centra a
mediados del siglo XIX y “parece que
se habla de un personaje y unos hechos que estaban en la memoria de
las gentes. Este dato, unido a la existencia de un bailarín y profesor de
danza, llamado como el protagonista, nos pareció muy significativo”.
Igual de valioso es el marco geográfico. Cádiz no añade a la trama sino
que la determina, con sus gentes, sus
PROGRAMACIÓN
gran plasticidad, un buen ambiente y
la compañía ha sido seleccionada tras
un riguroso casting. En el Maestranza
se escucharán acentos de toda Andalucía; el reparto es extenso”. Miguel
Roa no quiere incidir más en el argumento del montaje. Prefiere que el
público acuda a ver la producción desde “la absoluta pureza. En Madrid fue
una explosión de calidad. Es de los
mejores títulos que se han hecho de
zarzuela en los últimos años”.
La historia arranca en un café-cantante gaditano.
costumbres, su carácter abierto y especial, sus lugares como Puerta Tierra, el Barrio de la Viña, la Caleta...
Del estudio de todos estos elementos surge la propuesta dramática
del Teatro de La Zarzuela. El espectáculo está imbuido del mundo del flamenco y otorga especial importancia
al papel que jugaron “cantaores-contaores” como Ezpeleta o Pericón de
Cádiz, un legado que ha llegado a la
actualidad a través de figuras como
Chano Lobato, artista que transmite la
historia y la memoria de una forma
muy particular y que es interpretado
en la obra por Alfonso Vallejo.
Flamenco, toros y carnaval son algunos de los referentes que se observan en ambos sainetes. Como explica
el director musical, Santiago Sánchez
“ha hecho un gran trabajo de documentación en todos estos terrenos”
para testimoniar lo más fielmente posible las diferentes facetas de la ciudad gaditana, mostradas sobre el escenario. La producción del Teatro de
La Zarzuela es un homenaje a Cádiz y
sus costumbres. “Ambas piezas son
dos exaltaciones a Cádiz. Hay una
Santiago Sánchez,
autor de la
adaptación
dramática, ha
apostado en este
doble título por un
trabajo de gran
plasticidad. Dino
Ibáñez es el
responsable de
escenografía y
Miguel Ángel Berna
de la coreografía
Música fresca y espontánea
“Gerónimo Giménez es uno de los
músicos más injustamente valorados, con una personalidad tan inmensa en lo musical como desgraciada en lo personal”, apunta Roa,
quien también argumenta que “lo
que hundió a Giménez fue su formación europea, sobrepasar la ignorancia de la cercanía, y su gran habilidad
como director de orquesta”.
Los protagonistas, que llevan el
peso de la obra, derraman una gran
contención sobre el escenario. El barítono Luis Álvarez, que interpreta a
Luis Alonso, adopta el papel de desairado al que le ronda “el fantasma de
los cuernos”, explica Roa. “Hace un
trabajo interpretativo de primer orden y está estupendo en el canto. Y el
resto del reparto igual”. El público será testigo de una “música finísima,
una delicia, en dos obras cortas en las
que verán reflejados a sus bisabuelos”. Para el maestro, “es difícil destacar alguno de los números musicales,
ya que todos son buenos”. Fundamentalmente se escuchará música
popular, heredada del siglo XVIII, de
la gran escuela bolera. “Al café-cantante se añaden músicas de otros números posteriores, pero lo mejor es
no revelar demasiadas cuestiones”,
en palabras de Roa.
Roa espera una acogida calurosa
en el Teatro de la Maestranza. “Se
trata de una comedia muy bien escrita que va a mucha velocidad y que
interesa mucho tanto en Madrid como en Andalucía, aunque menos en
el Norte”. El director musical ya conoce a los espectadores del Teatro de la
Maestranza ya que, como recuerda,
“fuimos los segundos en actuar tras
su inauguración con Plácido Domingo
en El gato montés, única vez que se
ha visto al tenor vestido de torero”.
“Con Sevilla existe muy buena relación y lo pasamos muy bien trabajando juntos”, concluye. M
MIGUEL ROA
“EL PÚBLICO
JOVEN SALE
ENCANTADO DE
LA ZARZUELA
AL DESCUBRIR
OTRO
LENGUAJE”
“Es un error remozar las
obras clásicas ya que es
como meter vino nuevo
en una barrica de hace
200 años. Lo nuevo
debe ser nuevo”, opina
el director musical
E
l aplauso del público, independientemente de lo que la crítica postule, es el mejor de los
reconocimientos que uno puede lograr, según Miguel Roa, director del
Teatro de La Zarzuela.
En este terrero, “se produce una
reacción curiosa”, en palabras de
Roa. Existe un público mayor de 60
años que, ante la transgresión -a veces se trata de una adaptación o nueva versión-, se disgusta pero acaba
aplaudiendo. Y hay otro sector más
joven, que “sale encantado porque
descubre otro lenguaje”. Para Roa, la
zarzuela es una oportunidad para olvidar la televisión por un rato y desconectar de la época virtual y la comunicación a tiempo real. Y además
es un género al que se acercan jóvenes directores “porque hay buenos
medios y está bien estudiado”.
Trayectoria profesional
Miguel Roa ha dirigido desde 1985
producciones en diferentes compañías y ha intervenido en todos
los festivales de ópera españoles y
otros internacionales en Francia,
Londres, Los Ángeles y Washington. Momentos significativos de su
carrera son los compartidos con
Plácido Domingo... También le
emociona recordar su debut en
2003 en el Teatro de la Scala de
Milán con Luisa Fernanda, de Moreno Torroba, un título que llevará
a Los Ángeles y a Viena a partir de
junio. Y entre otros proyectos futuros, Roa sólo se atreve a mencionar sin dar detalles una serie de
grabaciones pendientes con Plácido Domingo, que “aún deben concretarse”, especifica.
Con respecto a la evolución del
género, Roa entiende que la zarzuela ha progresado igual que las
demás artes dependiendo de un
factor fundamental: el dinero. En
cuanto a creación, “se ha hecho
muy poco nuevo. Las últimas obras
de relevancia son de los años 60.
Lo demás está estancado y es un
error remozar las obras clásicas ya
que es como meter vino nuevo en
una barrica de hace 200 años. Lo
nuevo debe ser nuevo”.
Este amante de los crucigramas
de La Vanguardia y lector del diario
El País no sólo es un enamorado de
la música. El bricolaje le ocupa todo su tiempo libre. En su taller se
dedica a montar barcos a escala. M
15
fue aprendiendo de unos y otros,
participó en festivales y descubrió a
los once años cuál era el baile que
ella quería. Con el paso del tiempo,
se ha instalado por derecho entre
las figuras que abanderan el arte
jondo, no sin dotarlo de una nueva
savia. En 1998 creó la Compañía Eva
Yerbabuena Ballet Flamenco, con la
que ya ha recorrido gran parte del
mundo y pisado, siempre con el
mismo respeto, los escenarios y teatros que marcan tendencia, si bien
hay un lugar que tiene encandilada
a Eva y que simboliza para ella un
reto: India.
EVA YERBABUENA
‘SANTO Y SEÑA’
DEL BAILE Y
DE ANDALUCÍA
D
esde que nació siente Eva
Yerbabuena el flamenco. Y
no es un decir. Ella cuenta
que cuando todavía no andaba, se
movía en el carrito festejando algunos sonidos. De aquella época, sus
primeros años, guarda recuerdos
cargados de revelaciones.
Sus padres dejaron a Eva con sólo
17 días con sus abuelos en Granada.
Nació en Frankfurt por casualidad.
Su abuela tenía dos hijas solteras
que estaban pendientes de la niña a
todas horas. Encarnita, que así se llamana una de las tías, no se cansaba
de comentar cómo se “le alteraba la
cara a la niña al escuchar flamenco”.
Y como recuerda la bailaora, “mi tía
no dejaba de insistir en que había
que apuntar a la niña a una escuela
de flamenco”. Al morir Encarnita, la
abuela y la madre de Eva Yerbabuena cumplieron su deseo. Y la niña
OUTOMURO
OUTOMURO
PROGRAMACIÓN
El regreso al Maestranza
En marzo volverá a actuar en uno de
los escenarios hispalenses que la ha
visto crecer. “Hemos escogido de
todas las coreografías las más significativas para el Maestranza”. La
fiesta, este Santo y seña, estará
personificada en cuatro cantaores,
Enrique Soto, Pepe de Pura, Jeromo
Segura y Joselito de Lebrija; en dos
guitarristas, Paco Jarama y Manuel
de la Luz; en la percusión de Manuel Pájaro; y en el saxo y la flauta
de Ignacio Vidaechea, además de
en cuatro bailaores y Eva Yerbabuena. Por ella pasarán la seguiriya, el
tiento y el tango. Los varones interpretarán una bulería y una farruca.
La Compañía acaba de llegar a
España de una gira por Asia y pronto se marcha a Londres. A esa gran
familia que forma el grupo, con 25
miembros, apenas le queda tiempo
Dos semanas después
de recibir en el
Maestranza una de las
Medallas de Andalucía
2007, Eva Yerbabuena
regresa al Teatro con
Santo y seña, un
espectáculo que
reúne sus mejores
coreografías para este
escenario
Espectáculo único
La Compañía Eva Yerbabuena Ballet
Flamenco ofrece un montaje irrepetible con
momentos de sus mejores coreografías.
Sobre el escenario, Yerbabuena
y cuatro bailaores. Al cante,
Enrique Soto, Pepe de Pura,
Jeromo Segura y Joselito de
Lebrija. Al toque, Paco Jarana y
Manuel de la Luz. Acompañan
Manuel Pájaro e Ignacio
Vidaechea.
Compañía estable
Un gran tanto por ciento de lo que se
obtiene se vuelve a invertir.
para reflexionar y digerir lo que le
pasa. Por eso la brújula de esta artista granadina marca siempre el
rumbo del presente. “Entre recordar
el pasado y pensar en el mañana,
¿qué nos queda?”, se pregunta y
ella misma se responde: “Lo mejor
es vivir el día a día”. “Siempre hay
proyectos en mente pero quiero
evitar abarcar más de lo que debo y
disfrutar de cada escenario que piso. Vivir el ahora es importante”, argumenta. La Compañía tiene en la
actualidad todos los espectáculos
en gira y eso “requiere de un gran
esfuerzo por parte de todos”.
De esa apasionante y controvertida fusión entre modernidad y tradición, nace Eva Yerbabuena. Con
bailaoras de referencia como Carmen Amaya, Matilde Coral,
Cercano a sus diez años, el Ballet
es uno de los grupos más
estables del género en
Andalucía. “Recibimos algunas
ayudas para las giras, los viajes y
ese tipo de gastos, pero hay que
adorar este trabajo para seguir
adelante”, argumenta la artista,
que rebela que “la compañía
invierte todo lo que gana cada
dos años en un nuevo proyecto”.
Galardones que motivan
Premio Nacional de Danza en 2001,
Medalla de Andalucía 2007 y asidua de la
Bienal de Flamenco de Sevilla.
Para ella, “todos los premios son
buenos porque llegan en un
momento en el que ves que no
estás sola y se recompensa tu fe
en el trabajo; son una
motivación enorme”.
Todos los miembros de la compañía tienen claro que el objetivo es llevar y defender
OUTOMURO
16
PROGRAMACIÓN
“De todas las bailaoras se va aprendiendo algo. Pero un maestro es algo más fuerte: es la figura en la que
te miras, aprendes de él, pero te da
mucho más: parte de sus vivencias.
Argentinita y Pilar López, se forja
una nueva personalidad para los
tablaos del mundo. “De todas se va
aprendiendo algo. Pero un maestro
es algo más fuerte: es la figura en
la que te miras, aprendes de él, pero te da mucho más: parte de sus
vivencias. Te guía en el crecimiento a todos los niveles. Y luego uno
va escogiendo de quién aprende y
con quién comparte”. Para la bailaora, la mezcla de estilos y filosofías de su baile no es algo buscado.
Necesariamente se busca en lo
tradicional y se aprende de las
grandes figuras y “todo lo demás
viene dado por los cambios, la
época, la evolución del pensamiento y el conocimiento del propio arte. El cante y baile de hoy tienen otro aire. Y en la parte técnica,
hay muchos apoyos. La intención
no es imitar y siempre se añade lo
tuyo, que al final es lo nuevo, lo
moderno y fresco”.
A esta bailaora flamenca, habitual del bolero, la música clásica y
el gospel, le encanta la soleá, la
seguiriya y el tango y reconoce que
todos los bailes “tienen su pizquita
de magia”. Un ingrediente, junto a
una arrebatadora seducción, que
no falta en sus espectáculos.
El objetivo de la Compañía es
que “el flamenco tenga su espacio
y sitio con la calidad que se merece. Y que no siempre se hable de
Andalucía con un olé y los toros.
Siempre trato de dar a entender la
profundidad que tiene este arte”. M
el flamenco en todos los escenarios que visitan
Te guía en el crecimiento a todos
los niveles. Y luego uno va escogiendo de quién aprende y con
quién comparte”, sostiene la bailaora granadina.
17
18
PROGRAMACIÓN
Lang Lang aborda piezas del
Clasicismo y Romanticismo
VIRTUOSO El último recital de piano de esta temporada, programado
para el día 29 de marzo, trae a la ciudad hispalense a uno de los talentos más aclamados en las principales salas y auditorios del mundo, Lang
Lang. El joven pianista chino posee una habilidad extraordinaria para conectar con el público de cualquier país y cultura. Lang Lang ha seleccionado para su actuación en Sevilla un programa con obras del Clasicismo
y el Romanticismo con autores como Mozart (Sonata en Do mayor),
Schumnann (Kinderszenen), Liszt (Soneto del Petrarca y Rapsodia húngara) y Chopin (Sonata número 3 en Si menor), pero, como homenaje a
la música española, ha querido incluir, además, Los requiebros de Goyescas, de Granados.
El artista ha sido designado Embajador de Buena Voluntad de la Unesco y es el primer pianista nacido en China que ha actuado acompañado
por la Filarmónica de Berlín y por las grandes orquestas de los Estados
Unidos: Boston, Cleveland, Chicago, Filadelfia, Los Ángeles y Nueva
York. Lang Lang ha actuado con las orquestas más importantes del mundo y ha sido dirigido por una nómina impresionante de maestros como
Barenboim, Davis, Dutoit, Gatti y Maazel, entre muchos otros. Esta temporada, Lang es artista residente de la Orquesta de la Radiodifusión de
Baviera y, además de sus conciertos con ésta y otras agrupaciones, realizará una gira por Europa y Estados Unidos con recitales de su última
grabación, Memory, número uno en ventas tres semanas después de su
presentación, con obras de Mozart, Chopin, Schumann y Liszt.
A los tres años, Lang Lang ya recibía lecciones de piano del profesor
Zhu Ya-Fen. A los cinco ganó el Concurso de Piano de Shenyang y tocó
en su primer recital público. Entró en el Conservatorio Central de Música
de Pekín cuando tenía nueve años. En los años sucesivos no dejó de impresionar a maestros y crítica y fue ganando concursos para jóvenes intérpretes. A los 14 fue solista en el concierto inaugural de la Sinfónica
Nacional de China y poco después continuó sus estudios con Gary Graffman. El descubrimiento de Lang Lang llegó en 1999, cuando tenía 17
años, con la dramática sustitución de un indispuesto André Watts en el
Festival de Ravinia. M
&
El ciclo de pianistas de la
temporada 2006-2007
del Teatro de la
Maestranza arrancó
con la actuación el
pasado mes de octubre
de Alfred Brendel
Rosa Torres-Pardo actúa junto a José Antonio Rodríguez y Lola Greco.
El pianista chino Lang Lang ha
seleccionado para su intervención en el coliseo hispalense
piezas de Mozart, Chopin, Schumann, Liszt y, como homenaje a
la música española, ha incluido
también Los requiebros de Goyescas, de Granados.
Lang Lang es el primer pianista nacido en China que ha actuado junto a la Filarmónica de Berlín.
Rosa Torres-Pardo conduce
un recital de música y danza
POPULAR El segundo de los conciertos de piano que ofrece el Maestranza en esta temporada 2006-2007 está protagonizado por la pianista madrileña Rosa Torres-Pardo, el guitarrista cordobés José Antonio Rodríguez y la bailaora Lola Greco. Los tres interpretan el 20 de marzo un
recital de música y danza sobre piezas de Albéniz en una escenografía
imaginativa y sencilla firmada por el pintor Eduardo Arroyo.
Rosa Torres-Pardo recibió en 2004, junto a Alicia de Larrocha, la Medalla Isaac Albéniz de Camprodón (ciudad natal del músico) por la difusión e interpretación de Iberia en escenarios
de todo el mundo. El título, una obra que constituye un referente en la historia de la múscia
española, fue compuesto por Albéniz durante
su exilio voluntario. El maestro español no sólo es conocido por sus escritos para piano, sino
también por sus composiciones para teatro,
ópera, orquesta y música de cámara.
Modernidad es uno de los atributos que
más se destaca de la suite creada, poco antes
de morir, por el maestro Albéniz, capaz de re- La bailaora Lola Greco.
flejar con precisión la atmóstera de Andalucía
en los primeros años del siglo XX. Al idioma musical andaluz, Albéniz
suma elementos de las músicas europea contemporánea y popular catalana. Sus composiciones gozaron de gran aceptación por el público.
Iberia comprende 12 piezas para piano agrupadas en cuatro cuadernos y los sonidos de la guitarra flamenca y su acompañamiento: taconeo, palmas, castañuelas... La pianista madrileña ha seleccionado temas de los cuatro cuadernos para dar al público esa imagen que Albéniz inmortalizó hace ya más de un siglo.
El diálogo establecido entre el piano, la guitarra y la coreografía estará dirigido en escena por Ignacio García. M
PROGRAMACIÓN
Memoria andaluza del hijo de la poesía y la gracia
FLAMENCO El Maestranza ofrece el día 27 de marzo el estreno y la única representación del guión escrito por José Luis Ortiz Nuevo, denominado Yo soy del 27. Esta cita convoca en el escenario a Chano Lobato, los Habichuela y Rocío Molina. La memoria de
Chano Lobato invitará a los artistas y al público a viajar a través del flamenco y lo andaluz en los últimos ochenta años.
E
l Teatro de la Maestranza ofrece el 27 de marzo una oportunidad única e irrepetible para
asistir a la ceremonia flamenca que
montan sobre el escenario Chano
Lobato, los Habichuela y Rocío Molina en Yo soy del 27.
El espectáculo, ideado en la mente de José Luis Ortiz Nuevo, congrega todo el desgarro y la magia del
arte jondo y la sensibilidad poética
abanderada por un grupo generacional que sentía admiración por la
poesía de Góngora y que necesitaba
encontrar nuevas fórmulas de expresión. Chano Lobato nació en Cádiz en 1927, el mismo año en que
se constituyó la Generación del 27
en el Ateneo de Sevilla. El gaditano
fue uno de los hijos de la revolución
poética, que encauzó su sensibilidad
hacia el flamenco. Hoy día Chano Lobato es Medalla de Andalucía por toda una vida dedicada a este arte. Tal
como lo define Ortiz Nuevo, el
maestro Chano es “hijo de la poesía
y de la gracia”.
El creador de esta obra ha aprovechado toda la experiencia del cantaor para edificar su montaje, surgido “a partir de la memoria de Chano
Lobato y de la capacidad que él tiene para recrear desde hoy su biografía con gracia, talento y arte”, expone. El propósito del espectáculo es
“recuperar y ofrecer pasajes de su
memoria y hacer que eso sirva como hilo conductor para que exista
un destello de cante, guitarra y baile
en el escenario”.
Intérpretes de lujo
Esta producción es un homenaje al
maestro Chano, que se asienta en
“la grandeza que es poder contar
con la declaración viva de un flamenco de ochenta años”. La voz
del veterano patriarca del cante y
maestro generoso estará acompañada por las guitarras de los Habichuela, los Carmona de Granada,
una de las familias principales del
flamenco a través de distintas ge-
tuación actual como Ortiz Nuevo,
para quien se vive “un momento
espléndido por el número de artistas capaces de interpretar brillantemente el flamenco y por la multiplicación de los públicos que saben atender mejor el arte flamenco contemporáneo, el baile, el toque y el cante”, argumenta.
El público del Maestranza asistirá a “un espectáculo de contrastes
máximos y de corazón abierto”,
según subraya Ortiz Nuevo.
Juan Habichuela (arriba), Chano Lobato y Rocío Molina se suben al escenario de la Maestranza el 27 de marzo.
neraciones. Voz y guitarra hallarán
en el cuerpo de la joven Rocío Molina y en su técnica, habilidad y
sensualidad el templo para abandonarse libremente al mundo del
baile. Y todos sobre el escenario
derrocharán ese arte que ha consagrado ya a cada uno de ellos en
su disciplina artística.
Tener en el escenario a Chano
Lobato, los Habichuela y Rocío Molina será “todo un lujo”, según Ortiz Nuevo, ya que, además de la
calidad de los intérpretes, se trata
de un concierto único en este formato, un estreno y un momento
para el recuerdo irrepetible. Y lo dice un experto en la materia, un andaluz que lleva años investigando
la evolución del flamenco y su si-
Chano Lobato nació en
Cádiz y desde pequeñó
mamó la gracia y el
arte de la Tacita de
Plata. Maestro
generoso, el cantaor
establece un cálido
contacto con el público
Ortiz Nuevo considera
que tradición y vanguardia
ofrecen una tensión
necesaria que mantiene
vivo el arte flamenco
La huella del flamencólogo
Mientras que prepara la programación de la Bienal de Málaga de
2007, Ortiz Nuevo continúa con la
gira de su obra Biznagas, una antología del arte flamenco malagueño. El “empedernido buscador de
los tiempos antiguos para demostrar cómo fue y no cómo quisiéramos que fuera el flamenco” -así se
define- cree fructífera la dicotomía
que se establece entre la tradición
y la vanguardia, “esa tensión inseparable y necesaria que mantiene
vivo el arte y que desenmascara su
camino”. Hay que saber rescatar
del pasado el buen flamenco, las
fórmulas que ya han funcionado, y
añadir en la hechura de cada nueva función algo nuevo, algo personal. “Es necesario aunar la mirada
al pasado y al futuro. Si una no está, malo”, sentencia Ortiz Nuevo.
En el ámbito de la investigación,
el autor está interesado en la actualidad en “el rastreo de huellas
de lo andaluz en los teatros de La
Habana antes de 1850”. Comprender la cultura del Sur en todas sus
manifestaciones es uno de los aspectos que siempre han despertado curiosidad en este amante del
arte culinario, cuya especialidad es
la porra de Archidona.
Uno de los sueños de Ortiz Nuevo es ver representada alguna vez
la ópera Silverio que escribió hace
tiempo y que aguarda a que algún
músico le dé vida. M
19
PROGRAMACIÓN
E
l cante y el baile de los mayores se refugiará en el coso sevillano en mayo. Ecos y pasos
de antaño se sumergirán en la maravillosa música que el lebrijano David Peña, Dorantes, ofrecerá en su
concierto de piano flamenco.
Lienzo es el título del espectáculo que animará la noche del 16 de
mayo. El lebrijano comenzará el
concierto con el piano al desnudo
y, posteriormente, se irán sumando el resto de los instrumentos y
las voces de los artistas invitados.
Junto al toque de Dorantes,
miembro de una de las familias del
flamenco que es todo un mito y
con una formación y trayectoria
que va de lo clásico a lo más actual, emergerán en el escenario
maestrante las voces de Mayte
Martín, veterana y versátil cantaora de la generación de flamencos
catalanes; y del jerezano Diego Carrasco, artista completo y polifacético. Los tres aportarán la solvencia
de su cante y toque para llegar al
final, en tono de gran fin de fiesta
flamenca, con la sabiduría del baile de los mayores de la Peña Tío José de Paula alrededor del piano. En
la función también intervendrán
en el bajo, Manolo Nieto y en la
percusión, Tete Peña.
Talento y creatividad
Dorantes reúne en Lienzo las voces
de figuras del cante y el baile de
los mayores y a un conjunto de artistas de la nueva generación del
flamenco, cuyo trabajo consigue el
DORANTES
CONCIERTO
DE PIANO
CON EL BAILE
DE LOS
MAYORES
Y LAS VOCES
DE MARTÍN Y
CARRASCO
A David Peña hay que
reconocerle el riesgo
que asume al salir al
escenario y dar a cada
concierto unas
características que
hablan de su talento al
piano y de su
creatividad al
componer. Su música
no es exclusivamente
flamenca, ya que se
perciben cadencias
clásicas, brasileñas,
gallegas y jazzísticas,
entre otras
MONICA GUMM
20
Dorantes ofrece un recital de piano flamenco el día 16 de mayo.
reconocimiento unánime de puristas y modernos. Se trata, en suma,
de un espectáculo flamenco serio,
elegante, emotivo, donde tendrán
cabida piezas tradicionales, como
alguna de la Niña de los Peines,
junto a los éxitos de Dorantes (Sur,
Orobroy, Semblanzas de un río…),
además de la presentación de algún tema nuevo.
David Peña es miembro de una
legendaria estirpe flamenca, que
trae a estas páginas un rosario de
nombres como el de su abuela María, La Perrata; su padre Pedro Peña; su tío carnal Juan Peña El Lebri-
jano; y otros como Fernanda y Bernarda de Utrera, Diego Carrasco, El
Turronero, Pedro Bacán, Bambino...
Armonía, compás y melodía residen en el piano que acaricia Dorantes. El lebrijano se inició en el
flamenco a través de la guitarra,
con la que ganó varios concursos,
pero siendo aún muy joven descubrió el piano, se enamoró y decidió
dedicarse a él por completo. El artista conoce bien las estructuras
musicales, desde las más clásicas
hasta las más vanguardistas, y
cuenta con una sólida formación:
piano, armonía y composición en
el Conservatorio Superior de Música de Sevilla.
Esta nueva vía que simboliza el
lebrijano para el flamenco es solicitada por compañías de teatro,
ballet clásico y flamenco y el cine.
Sus composiciones son bailadas
por artistas de la talla de Antonio
Canales, Rafael Amargo, Antonio
El Pipa, Eva Yerbabuena y Belén
Maya. Colabora además con artistas tan variados como Susheela
Raman, Esperanza Fernández, El
Barrio, José Manuel Hevia, Paco
Fernández, Juan Valderrama, Juan
Peña El Lebrijano y Miguel Poveda, entre otros. En 2005 realizó la
composición musical de la obra
Lisístrata para el Ballet Flamenco
de Tokio.
El innovador artista lebrijano
emplea además su talento y creatividad para mejorar en lo posible
su sociedad: ofrece multitud de
conciertos benéficos. M
Dorantes, con su ritmo y compás, ha regalado al flamenco una nueva vía
Dorantes nació en el seno de una
familia dedicada a la música
flamenca. Creció entre las
melodías y compases del arte
jondo y los interiorizó para
devolverlos al mundo tapizados de
nuevos sentidos y matices, de los
que se ha dejado contagiar con el
paso de los años.
PROGRAMACIÓN
21
JAVIER DEL REAL
Revisión de un clásico
Los protagonistas de la historia son
un niño muy pequeño, un libro muy
grande y Dulcinea, una mujer que sólo existe en la mente del niño en esta ópera y en la imaginación del hidalgo caballero en la novela. Entre los
principales intérpretes, destacan José
Hernández Pastor, Javier Galán, Beatriz Lanza y Arantza Armentia.
Cervantes, otro de los personajes,
aparece furioso en este título ya que
observa cómo un puñado de intérpretes y profesionales están cambiando su libro, aunque todos cambian en la mente del lector, que los
entiende y vive de una personal, y a
veces peculiar, forma.
En la Dulcinea de Sotelo, diferentes
melodías y ritmos, dirigidos por Joan
Cerveró, introducen las situaciones y
aventuras y a los personajes. La imagen del niño, por ejemplo, está contenida en el sonido del clarinete. La
dirección de escena la coordina Gustavo Tambascio y la escenografía es
obra de Ricardo Sánchez Cuerda. Jesús Ruiz ha diseñado el vestuario y la
iluminación es de José Luis Canales.
Dulcinea es una coproducción del
Maestranza, el Teatro Real, el Gran
Teatro del Liceo, la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera, la Fundación Ópera de Oviedo, el Palau de las
Arts de Valencia y la Sociedad Estatal
de Conmemoraciones Culturales. M
JAVIER DEL REAL
L
a ópera para escolares Dulcinea, de Mauricio Sotelo, es el
último título lírico que ofrece el
Maestranza en la temporada actual
los días 11, 12 y 13 de junio con funciones para los centros educativos los
tres días a las 10 y 12 horas y para las
familias el martes a las 19 horas.
Esta producción está basada en el
Don Quijote de Cervantes, como explica el autor del libreto, Andrés Ibáñez. La intención de acometer esta
divertida y formativa empresa es inculcar en los niños el gusto y el placer
por la lectura, un acto de imaginación
que aporta nuevas experiencias y
despierta recuerdos que parecían
dormidos.
ÓPERA INFANTIL PARA
ANIMAR A LA LECTURA
JAVIER DEL REAL
‘DULCINEA’
Esta ópera es una
conversación entre
el niño, al que le
aburre Don Quijote,
un libro que debe
leer porque se lo han
mandado en el
colegio y porque es
muy importante
según su madre, y
Don Quijote y su
amigo Sancho
El libreto de Andrés Ibánez está lleno de fantasía y cabalga sobre una eficaz estructura dramática.
ENTREVISTA
B
ailarín, coreógrafo y director,
pero sobre todo artista. Así
puede definirse a Nacho
Duato que, desde que dirige la Compañía Nacional de Danza hace 17
años, ha imprimido a la misma un sello personal y se ha preocupado por
armar cada montaje desde un punto
de vista global. Durante la entrevista
telefónica que mantenemos con el
Premio Nacional de Danza de 2003 sufre una gripe que casi no lo deja
hablar- hace alusión un par de veces
a esa máxima que popularizó
Picasso: “Cuando la inspiración te llegue, mejor que te coja trabajando”.
-Lleva más de tres décadas en el
mundo de la danza. ¿Qué ha cambiado en este país desde que co menzó y qué sigue igual?
-Ahora las instituciones ayudan
más a las compañías, hay más festivales y más grupos -existen dos
compañías nacionales de danza-. La
gente se queja de tener que ir fuera
para crecer profesionalmente, pero
antes eso era mucho más complicado. El panorama ha cambiado mucho. Se sabe más de danza y en eso
se ha avanzado, pero aún no se le da
la importancia que merece.
-Entonces, la situación actual de
este arte en España...
-Creo que la danza cada vez está
mejor. Avanza poco a poco.
-¿Cuál es hoy día la esencia de la
Compañía Nacional de Danza?
-La que ha tenido desde el principio, aunque es cierto que yo he querido darle algo personal. He hecho
obras a medida para los bailarines.
Estoy siempre con el ojo encima de
la Compañía. Lo que se ve es el resultado de un trabajo hecho a medida y un repertorio exclusivo.
-¿Cómo define usted mismo su
trabajo al frente del grupo?
-Yo soy el director y me encargo
de no despilfarrar. Damos una imagen modélica al mundo de lo que se
hace en España. Somos embajadores de la danza española.
-Como coreógrafo, ¿en qué se
inspira para crear sus espectáculos?
NACHO
DUATO
“LO QUE SE
VE ES FRUTO
DEL TRABAJO
HECHO A
MEDIDA Y UN
REPERTORIO
EXCLUSIVO”
La Compañía Nacional
de Danza, dirigida por
Nacho Duato, cierra el
ciclo de espectáculos
de danza programado
esta temporada por el
Maestranza con dos
piezas muy celebradas
en los escenarios, Alas
de cera y Herrumbe.
-En todo, en general y en la música, en particular. Lo importante es
tener algo que decir, y si lo tienes y
la inspiración te llega mientras que
estás trabajando, consigues crear algo interesante.
-¿Quién ha sido su gran maestro?
-Kylián, sin duda, ha sido el más
influyente.
-¿Con que finalidad crea sus obras?
-El objetivo es llegar a la gente y
que ésta reflexione. Es importante
que el espectador cambie y no se olvide de lo que acaba de ver nada
más salir del espectáculo. Lo que pretendo es que se vaya a su casa habiéndose emocionado por haberse
encontrado con algo que le llena.
-¿Cómo se sobrelleva la responsabilidad de surtir de piezas a las compañías más prestigiosas del mundo?
-Además de los estrenos que hago aquí en Madrid y que se ven en
España, monto personalmente ocho
coreografías al año, aunque en total
se mueven 120 montajes míos por
todo el mundo. Tokio, por ejemplo,
me ha dedicado una semana dentro
de su programación de danza, denominada El mundo de Duato.
-De todos los premios que ya tiene, ¿cuál es para usted especial mente significativo?
-Eso me da igual, sobre todo, visto quién recibe premios últimamente... Es algo que no me importa y
que creo que está bien por el dinero.
El verdadero reconocimiento es el
del público, el de tus compañeros y
el tuyo propio. Trabajar por la danza
es mi vida.
-Ahora que cuenta con ese grado que reporta la experiencia, le
satisface ver hasta dónde ha llegado porque...
-Estoy contento porque veo que
tengo mucho que hacer todavía.
Trabajo intesamente en los próximos estrenos que haremos.
-¿Qué le aconseja a los nuevos valores que se interesan por la danza?
-Que se enteren de que todo es
difícil. A veces hay gente que sólo ve
lo positivo, las cámaras y los aplau-
BERNARDO DORAL
22
sos, la popularidad. Pero la danza es
un trabajo muy sacrificado, muy duro. Los jóvenes tienen que sentir lo
que hacen y tener claro que hay que
decir algo.
-¿Qué dedicación requiere de usted la danza? ¿Cuánto tiempo al día
invierte en su trabajo?
-Trabajo en la sede de la Compañía de 10 a 16.30 horas, aunque la
cabeza no descansa en ningún momento. Así es el trabajo de un director que, en casa, sigue escuchando
música y haciendo horas extras.
-Comente algunas de sus aficiones y gustos fuera de la danza.
-Me gusta la televisión y el cine.
También tengo un caballo. Además
me gusta tumbarme a no hacer nada y, a veces, no viene mal salir a tomar unas copas y leer a Orhan Pamuk, Coetzee y Elías Canetti, entre
muchos otros.
-¿Qué ofrecerá la Compañía en el
escenario hispalense?
-Volveremos a Sevilla con dos
obras: Alas de cera y Herrumbre.
Con la primera revivimos el mito de
Ícaro, que quería volar hacia el sol
con sus alas de cera y plumas. La
obra tiene mucho de Tintoretto y Tiziano. Y Herrumbre, uno de mis
montajes más significativos, trata
sobre la tortura.
-¿Qué impresión le produce el reencuentro con el Teatro de la Maestranza de Sevilla?
-Hace bastante tiempo que no vamos. En concreto, cuatro años. Y
creo que todos los españoles tienen
derecho a ver la Compañía, que para eso es nacional, todos los años. A
veces lo importante no es llenar la
sala. La Compañía Nacional de Danza debe estar presente más a menudo en un teatro como el Maestranza. Así que me apetece mucho
volver, además la ciudad es maravillosa y el Maestranza es de los mejores teatros de España. Espero que
la gente disfrute con dos obras tan
importantes.
-Por último, la danza es para usted...
-Es mi vida. No sé hacer otra cosa.
Cuando me levanto, me apetece venir aquí y hacer lo que hago. M
ENTREVISTA
23
La Compañía Nacional de Danza regresa a Sevilla después de cuatro
años para ofrecer dos coreografías,
Alas de cera y Herrumbre, con la in-
FERNANDO MARCOS
FERNANDO MARCOS
tención de que los espectadores re-
“Damos al mundo una imagen modélica de la danza que se hace en España”
flexionen sobre los asuntos que se
plantean desde el escenario y que
no se olviden de lo que han visto al
volver a sus casas, según su director, Nacho Duato.
24
PROGRAMACIÓN
El Castillo de Triana y la Torre del Oro hacia 1670, según un grabado de Louis Meunier.
Un canto a la libertad y al amor conyugal
ÓPERA El Teatro de la Maestranza de Sevilla estrena una nueva producción el 11 de mayo. La función se repetirá los días 14, 17 y
20 de mayo. Fidelio, del compositor Ludwig van Beethoven, es una ópera en dos actos estrenada en su primera versión en 1805
en Viena. Pedro Halffter afronta la dirección musical, mientras que José Carlos Plaza asume la dirección escénica.
T
ras la Segunda Guerra Mundial, muchos teatros de Europa reiniciaron su programación con Fidelio, del compositor
Ludwig van Beethoven. Todo cuanto encierra este título de valores
que dignifican al ser humano permanecerá intacto en la versión que
ha preparado el Teatro de la Maestranza de Sevilla como cierre de lujo para la temporada lírica actual.
La fecha de estreno elegida para
esta ópera es el 11 de mayo, aunque habrá más representaciones
los días 14, 17 y 20 del mismo
mes. Con Fidelio, de Beethoven, el
Maestranza vuelve a profundizar
en esa línea de trabajo de producciones propias vinculadas o ambientadas en Sevilla.
La dirección musical corre a cargo del director artístico del Maestranza, Pedro Halffter, mientras
que el afamado director de escena
de la adaptación teatral de Solas,
José Carlos Plaza, asume la dirección escénica del espectáculo. En
esta ocasión, son la soprano Lisa
Gasteen (quien asume el papel de
Leonore, esposa de Florestán y
transformada posteriormente en el
Fidelio protagonista) y el tenor Robert Dean Smith, triunfador en el
último Festival de Bayreuth, los
que dan vida a los roles principales
del reparto internacional de esta
pieza operística. La escenografía y
la iluminación son obra de Paco
Leal, mientras que el vestuario lleva la firma de Pedro Moreno.
Cartel del Maestranza para la
ópera ‘Fidelio’ diseñado por
Manuel Ortiz.
La obra relata el intento de Leonore, disfrazada como Fidelio, de
entrar en una prisión de Sevilla de
finales del XVIII y principios del XIX
para poder salvar a su marido o, al
menos, llevarle el mayor consuelo
posible. Tras una serie de escenas,
Fidelio encontrará a su amado y logrará rescatarlo de sus duros días
en una prisión situada a pocas leguas de Sevilla.
El agitado panorama social y político de la primera década del siglo
XIX, unido a las complejas circunstancias personales del compositor,
remiten hacia una ópera “de rescate”, género en boga tras la Revolución Francesa, en la que el héroe
consigue escapar a un injusto destino fatal. Beethoven le otorga un
significado ideal y simbólico al personaje que da título a la ópera.
Leonora, ejemplo de amor conyugal, es un prototipo de lucha por
ese ideal, casi una alegoría de la libertad. Fidelio se convierte en un
manifiesto en un momento en el
que en Viena estaban aún en funcionamiento las prisiones políticas
de las fortalezas de Spielberg y de
Kufstein.
Un hecho real
El compositor alemán, que basa su
historia en un hecho real acaecido
a fines del siglo XVIII, propone un
hilo argumental que rebosa enormes cargas de lealtad, fidelidad y
libertad. Este hecho, unido a toda
la magia que supone llevar a cabo
PROGRAMACIÓN
tima a la composición de Beethoven. El músico, desilusionado por la
fría acogida que tuvieron las dos
primeras versiones de este título,
retiró la partitura. Algunos años
más tarde realizó una reelaboración de la ópera que se estrenó en
1814 y que obtuvo un éxito clamoroso, siendo considerada desde entonces su oda a la libertad.
Para su única ópera, Beethoven
parte del Clasicismo, de los hallazgos de Mozart, y sienta las bases
de la ópera romántica alemana. Su
concepción es netamente sinfónica. Aparte del despliegue de sus
famosas cuatro oberturas, la orquesta actúa como integradora de
la acción, tratando a las voces como instrumentos de la misma y situándolas a una altura similar a las
de la Sinfonía coral o la Misa solemne. La gran orquesta beethoveniana requiere voces de marcado
carácter dramático.
Ludwig van Beethoven, en un retrato de Stieler.
un espectáculo de estas características, ha atraído también a otros
músicos y libretistas a lo largo de la
historia. Beethoven se interesó en
1804 por el libreto en francés de
Jean-Nicolas Bouilly, pero compositores como Ferdinando Paër y Simon Mayr también concibieron
óperas sobre ese argumento, en
1804 y 1805, respectivamente.
No siempre se tuvo la misma es-
Beethoven,
desilusionado por la
fría acogida de las
dos primeras
versiones de la
ópera, retiró la
partitura y creó una
tercera versión
Dicotomía de ambientes
La estructura escenográfica de la
nueva producción de Fidelio del
Maestranza es moderna, actual,
contundente, con referencias tanto
a la creación plástica española contemporánea como al ambiente sevillano consagrado por la tradición,
aunque alejado de los tópicos. La
escenografía está pensada para
dar una sensación de opresión similar a la vivida en las prisiones de
la época.
Los movimientos creados específicamente para esta escenografía, junto al diseño de luces, simularán varios espacios: dotarán a la
escena de la sensación de opresión
de la celda subterránea; represen-
tarán un área más abierta y diáfana; recrearán el patio de la prisión
desde el que, en la lejanía, se vislumbra una visión de Sevilla a través de elementos que simbolizan
el colorido y el triunfo, contrastando con el ambiente de rigidez de la
prisión.
En cuanto al vestuario, Sevilla y
el sur tendrán un ligero reflejo en
la línea de los figurines para los trajes de Marcelina, Joaquino y en el
de las mujeres del coro final. M
Personajes destacados
Los personajes se basan en un hecho real
acaecido tras la Revolución Francesa,
aunque la acción se traslada a Sevilla.
Fidelio es un personaje
encarnado por Leonora vestida
de muchacho; Leonora, ejemplo
de amor conyugal, es un
prototipo de lucha por ese ideal,
casi una alegoría de la libertad;
Don Pizarro es el director de la
prisión; Rocco es carcelero y el
padre de Marzelline, enamorada
de Fidelio.
El argumento
La trama se apoya en un género en boga
La obra, única ópera del en la época, en la que un preso consigue
escapar a su injusto destino.
compositor, se enmarca
En lo argumental, el agitado
dentro de lo que se ha panorama social y político de la
primera década del siglo XIX,
venido en llamar la
unido a las complejas
segunda etapa del
circunstancias personales del
compositor, nos remiten hacia
artista (1802-1816),
una ópera de rescate, género en
esto es, una etapa de
boga tras la Revolución francesa,
transición, en donde da en la que el héroe consigue
escapar a un injusto destino
por agotadas las viejas fatal.
fórmulas del Clasicismo
La música
y se adentra en nuevas La ópera corresponde a la segunda etapa
con el fin de poder dar del compositor (1802-1815)
La música de Fidelio
a la música una serie
corresponde a una etapa de
“transición” de Beethoven en
de sentimientos
donde se observa un cambio de
rumbo al considerar el
clasicismo como agotado,
tratando de plasmar en la
música las emociones.
25
26
SINFÓNICA
La Real Orquesta Sinfónica de Sevilla sorprende a sus seguidores por la calidad y adecuación que demuestra en cada actuación y en sus grabaciones, pese a la amplitud de estilos que abarca.
Registro histórico de una poderosa fuerza interpretativa
ORQUESTA SINFÓNICA Heterogeneidad, versatilidad y capacidad de adaptación son algunos de los atributos de esta formación, que
se atreve con músicas del repertorio clásico y moderno sin dar la espalda a los sucesos de su tiempo. Desde su constitución en 1991,
ha editado dieciocho discos de temática, estilo y estructura diferentes, dirigidos por diversos maestros del panorama actual.
C
asi una veintena de discos
ha producido la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla en sus
dieciséis años de existencia. En su
trayectoria, desde que comenzara
a andar su camino en 1991 y hasta
la actualidad, ha trabajado siempre
con la misma premisa por bandera:
tocar música de una gran calidad
artística con un deseo implícito de
superación profesional.
Su última entrega ha sido la grabación en la 55 edición del Festival
Internacional de Santander en
2006 con el sello de RTVE-Música.
Bajo la dirección de Pedro Halffter y
con la guitarra de María Esther Guzmán, interpretó un programa integrado por el estreno de Montañesa,
de Manuel de Falla, en la versión
orquestal del maestro Alegría; el
Concierto de Aranjuez para guitarra
y orquesta, de Joaquín Rodrigo; y la
Sinfonía número 2 en Mi menor,
Op. 27, de Rachmaninov. La ROSS
participó en el citado festival junto
a otras formaciones sinfónicas.
Versatilidad
Los discos de los últimos años demuestran la gran ductilidad de la
formación sevillana. En 2005 publicó dos discos. Con uno de ellos recordaba uno de los sucesos más
crueles de toda la historia de España. De la mano de la Secretaría General del Parlamento de Andalucía
interpretó Homenaje 11 M. A todas
las víctimas del terrorismo. Con este disco, la Orquesta daba muestras
una vez más de su apego a la realidad social y se solidarizaba con los
asesinados en los atentados de
Madrid. La cantaora Carmen Linares
y la soprano Alicia Molina ponen las
voces al trabajo, dirigido por Halffter, que integra composiciones como Elohim, de Juan Cruz Guevara;
Sanar, de Diana Pérez Custodio, Abyad-Kamoon, de José María Sánchez-Verdú; Pájaros azules, de Luis
Ignacio Marín; Críptico, de Raquel
Jurado Díaz; Próxima estación, de
Rafael Díaz; 11-M, de Manolo Sanlúcar; De civitate spei, de García Román; y De profundis, de Juan Alfonso García. Este álbum está dedicado
a las víctimas del terrorismo sin distinciones.
Con dirección de Eduardo Alonso-Crespo, la Sinfónica grabó con
Naxos en 2005 el disco Leonardo
Balada. Del compositor catalán se
recuperaron obras como la sinfonía
número 5 para orquesta, Americana; Sinfonieta Praga para orquesta,
Divertimentos para orquesta de
cuerdas y Quasi un pasodoble: movimiento sinfónico.
En el año 2003 se editó la grabación en directo de la producción
en el Teatro de la Maestranza Manon Lescaut, de Giacomo Puccini,
con la soprano Daniela Dessí, el tenor Fabio Armiliato, la barítono
Marcel Vanaud y el bajo Enzo Capuano. Del mismo año es Aires barrocos en el órgano de Los Venerables, dirigido por el concertino
asistente de la formación Biao
Xue. LOrquesta de Cámara de la
ROSS y José Enrique Ayarra al órgano interpretan el Concierto Op. 7,
número 4 de Haendel.
En homenaje a Joaquín Rodrigo,
la Sinfónica dio forma en 2001, dos
años después de su muerte, a un
disco que fue publicado con el
nombre del maestro. Concierto de
Aranjuez es probablemente la obra
más famosa del buscador de los
sonidos de todos los pueblos de España. Dai Kimura pone los acordes
de guitarra, mientras que Juan Luis
Pérez dirigió el CD que sacó al mercado Sony Records. Sin embargo,
ésta no fue la primera vez que la
formación se adentraba en el universo creativo de Rodrigo, ya que
en 1998 editó la misma obra antes
citada pero en versión para arpa,
tocada por Isabelle Moretti. Además, el disco recoge Serenata andaluza y Sones en la Giralda. Edmon Colomer asumió la dirección.
SINFÓNICA
La ROSS trabajó a las órdenes de
Miguel Roa y junto a un grupo de
intérpretes de máxima calidad en
su cuarto disco: Plácido Domingo,
Ainhoa Arteta, Enrique del Portal,
Linda Mirabal y Carlos Álvarez.
Con obra de otras personalidades actuales o históricas de la música, la Sinfónica ha editado otros
discos. Entre 2000 y 2001, se centró en la figura de Lorenzo Palomo.
Bajo las órdenes de Rafael Fühbeck
de Burgos, se concretó un álbum
que incluye obras para voz, guitarra y orquesta con la soprano María
Bayo. También atrajo la atención
del grupo el músico, escritor y humanista Henri Collet, el más español de todos los compositores franceses. En Henri Collet: concertos
flamencos, dirigido por Gary Brain,
se incluyen tres de sus obras: la
afamada Sinfonía de la Alhambra,
Concierto flamenco número 1 para
violín y orquesta, y el Concierto flamenco número 2 para piano y orquesta. Participan en el disco de
1997 el violinista Regis Pasquier y
el pianista Ricardo Requejo.
Zarzuela
Más antiguos son John Williams:
The Seville concert, dirigido por José Buenagu, y Amadeo Vives: Doña Francisquita, con el maestro Miguel Roa al frente. En este último
título, la ROSS trabajó con el Coro
de Ópera de Cajasur y con solistas
de renombre internacional: Plácido
Domingo, Ainhoa Arteta, Enrique
del Portal, Linda Mirabal y Carlos
Álvarez. Y, cómo no, la Sinfónica no
podía olvidar entre su nómina de
homenajeados a Manuel Castillo,
el músico universal de raíces sevillanas. En 1993, se publicó Manuel
En 2005, la Real
Orquesta Sinfónica de
Sevilla publica un disco
en homenaje a todas
las víctimas del
terrorismo, dirigido por
Pedro Halffter y con la
cantaora Carmen
Linares y la soprano
Alicia Molina
Sobre estas líneas, la carátula del primer disco editado por la ROSS.
Castillo: cinco sonetos lorquianos.
El tenor Manuel Cid, el violoncello
Pedro Corostola y el director de orquesta Vjekoslav Sutej trabajaron
con la Orquesta en aquella ocasión.
La grabación incluye la Sinfonía número 2, encargo de la Sinfónica de
Sevilla al maestro Manuel Castillo.
Entre 1997 y 1998 se grabó el segundo de los discos sobre Castillo.
Con dirección de Juan Luis Pérez y
la pianista Ana Guijarro, la ROSS interpreta Obertura festiva, Concierto para piano y orquesta número 2
y Sinfonía número 3, Poemas de
luz, en homenaje a Manuel Castillo
por la concesión al compositor del
Premio Fundación Guerrero de Música Española.
Por otra parte, la ROSS ha dado
respuesta a otro tipo de trabajos
discográficos. En 1995, con Vjekoslav Sutej al frente, editó Marchas
procesionales sevillanas. Este disco
incluye, entre otros, temas como
Pasa la Virgen Macarena, María
Santísima del Dulce Nombre, La
Madrugá, Virgen de las Aguas y Coronación de la Macarena. De la
misma fecha data La generación
del 27, con Antonio Ros en la dirección y Daniela Iolkitcheva al arpa.
La presencia de Miguel Roa es
requerida una vez más en 1998
para dirigir el disco Suspiros de España: pasadobles. Este recopilatorio es editado por Pasarela y reúne,
entre otras, coplas tan populares
como La rosa de Capuchinos, !Ay!
Mari Cruz y Francisco Alegre, de
López-Quiroga.
Músicas para el tercer milenio es
el título del trabajo, dirigido por Ramón Encinar, con el que la ROSS saludaba a una nueva época. Se eligieron obras de autores cuyo mayor
desarrollo profesional tuvo lugar en
la segunda mitad del siglo XX: Carmelo Bernaola, Tomás Marco, Luis
de Pablo y Antón García Abril. Con
cariño y con la distancia y experiencia que otorga el tiempo escuchará
la ROSS su primer disco, Desde Sevilla: gala lírica, de 1991. M
La Sinfónica de Sevilla ha editado dieciocho trabajos discográficos desde 1991
Steven Mercurio dirigió en el
Teatro de la Maestranza la ópera
‘Manon Lescaut’, de Puccini.
27
28
DIRECCIÓN TÉCNICA
EL TEATRO DE LA MAESTRANZA
VISTO POR DENTRO
P
lanificación y coordinación son algunas de las condiciones que hay que
destacar de la Dirección Técnica del
Teatro de la Maestranza. En cada
producción que ofrece el coliseo
hispalense han de ponerse de
acuerdo entre 50 y 60 personas, en
condiciones normales, y hasta 80
para montajes como el de Tosca. Este refuerzo de personal es algo habitual con las grandes producciones
de los teatros europeos, según el director técnico del Teatro, Antonio
Moreno.
Este departamento del Maestranza está intregrado por personal
de seis secciones, coordinadas por
Moreno: maquinaria, iluminación,
audiovisual, sastrería, utilería y
regiduría.
Trabajo de engranaje
Asistir en Sevilla a la representación
de los títulos del repertorio actual
de los grandes teatros de ópera de
Europa y América es posible no sólo
por las características del espacio
escénico hispalense y por la gestión
de sus regidores, sino también por
un laborioso trabajo de engranaje
en la producción y ejecución técnica
de cada obra, que no permite retrasos y requiere de una gran comunicación entre el director técnico y cada jefe de sección. “Tengo la suerete de tener a muy buenos profesio-
La Dirección Técnica, integrada por maquinaria,
iluminación, audiovisual, sastrería, utilería y regiduría, se encarga de la implatación de los espectáculos en el escenario y del mantenimiento de
las instalaciones escénicas.
nales en las jefaturas de las secciones que me facilitan el trabajo”.
Moreno explica que la Dirección
Artística del Teatro propone los títulos de cada temporada con antelación y que una vez hechas las primeras gestiones, “entramos en
contacto con la Dirección Técnica
del teatro que ha producido ese título para ver si es posible por sus dimensiones y condiciones técnicas
llevarlo a cabo aquí”. Es decir, se
comprueba si se puede implantar la
escenografía en el Maestranza y
CÓMO FUNCIONA
LA DIRECCIÓN
TÉCNICA
“en caso positivo, aunque siempre
existen algunas correcciones que no
van en detrimento de las creaciones, se llega a un acuerdo para poder traerla”.
Hay un aspecto que la Dirección
Técnica debe tener en cuenta y que
es prioritario para diseñar los ajustes de cada título al espacio maestrante y es que “no hay maquinaria
de movimiento vertical ni horizontal como en el Real, en el Liceo, en
Valencia, aunque en el futuro el
Maestranza podrá alternar diferentes espectáculos o decorados cuando se terminen las obras de instalación de maquinaria de las plataformas de movimientos horizontales”,
que permiten almacenar varios escenarios. “Hasta finales del siglo XX,
los teatros españoles no disponían
de esta tecnología de desplazamiento de grandes plataformas (vagonetas) de movimientos verticales
y horizontales”, recuerda Moreno.
Evaluación del espacio
En los últimos años se ha evidenciado que falta espacio en el Maestranza, una carencia que se suple
con las nuevas obras de ampliación
y dotación de maquinaria de última
tecnología. El nuevo espacio que se
incorporará al escenario hará realidad los movimientos horizontales a
través de motores computerizados.
Además, se renovarán los equipos
de iluminación y audiovisual.
Una vez cotejados los planos de
escenario del Teatro de la Maestranza y del que produce el montaje, se pasa a la evaluación del espacio acto por acto y, posteriormente,
se analizan las posibilidades de iluminación. A veces, como señala
Moreno, el Maestranza dispone de
tecnología para cubrir las necesidades de iluminación por lo que no es
preciso transportar la del teatro de
procedencia. Cada producción se
coordina entonces con cada jefe de
sección a través de un sistema de
consultas muy precisas.
A continuación hay que calcular
de cuánto tiempo se dispone para
tener todo lo necesario en Sevilla
semanas antes de cada representación. Se elabora un calendario en el
que se planifica cada movimiento.
“Hay que determinar con exactitud
qué día y a qué hora llegan los materiales de una producción a Sevilla
y prever el espacio de almacenaje o
montaje directo y el tiempo que la
compañía, artista u ópera precisa
para los ensayos tanto de escenografía como musicales”, explica el
director técnico.
Por todo esto no es de extrañar
que se coordine la salida y entrada
del material. “Calculamos milimétricamente todo: desde el orden y el
número de camiones que llegan al
Maestranza hasta los tiempos de
descarga”. Hay que impedir cualquier
maniobra que dificulte el trabajo en
el escenario y se controla el orden de
descarga para que nada estorbe.
DIRECCIÓN TÉCNICA
La adecuación técnica de cada
montaje es calculada milimétricamente por el personal del Teatro de
la Maestranza que, tras comprobar
que el título puede representarse
También hay que planificar el ritmo del montaje en función de los
espectáculos que están en el escenario cada semana y de los ensayos
que están programados, en los que
intervienen, dependiendo de la
función, el Coro de Amigos del
Maestranza, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, los figurantes y los
solistas. Es decir, que el trabajo de la
Dirección Técnica siempre tiene en
cuenta a todos los colectivos que
trabajan en el Maestranza. “Llegamos a planificar el trabajo diario hora por hora”, precisa el responsable.
Casi todo el material que se traslada es maquinaria, vestuario y ulitería. Lo demás suele aportarse por
el Maestranza.
Mantenimiento adecuado
La Dirección Técnica también se
ocupa de que el escenario esté
siempre en buen funcionamiento.
“Hacemos la vigilancia y mantenimiento de las instalaciones. El Teatro de la Maestranza es como un
gran taller de trabajo en el que hay
que tener cuidado con los deterioros propios del escenario, el suelo,
las averías...”. Existe una constante
revisión y reparación, por lo que el
escenario y la maquinaria se mantienen por su propio personal.
“El nuevo espacio permitirá producir títulos operísticos equiparándonos al resto de los teatros europeos”,
concluye el responsable técnico Antonio Moreno. M
en Sevilla, comienza a estudiar la
implantación de cada decorado en
el escenario. Además, hay que evitar cualquier maniobra o tarea que
dificulte el trabajo tanto en el escenario como en otras dependencias.
29
30
REPORTAJE
El Coro de la Asociación de Amigos
del Maestranza ha participado en
la mayoría de los títulos que
programa el coliseo desde 1995.
UN CONJUNTO CONSOLIDADO
ORGANIZACIÓN El Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza nació en 1995 para participar en las temporadas líricas
del Maestranza. Ahora, además, fomenta la difusión de la música coral lírica y sinfónica y la promoción de sus integrantes. El presidente de
la Asociación, José María Aguiar, explica el funcionamiento de esta agrupación cultural, integrada por 128 socios.
QUE SE GUÍA POR LA CALIDAD ARTÍSTICA
D
esde la primera intervención del Coro en Rigoletto, de
Verdi, en enero de
1996 hasta la actualidad, la agrupación ha participado en todas las
temporadas líricas del Maestranza y
ha demostrado su apoyo a la difusión
de la música coral y sinfónica.
El Coro es un órgano dependiente
de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza, que goza de
plena autonomía en su organización
y funcionamiento. La Asociación, una
agrupación cultural sin ánimo de lucro, consta de una Junta Directiva, el
órgano representativo de los asociados del Coro. En la actualidad, hay
128 socios activos, de los que entre
70 y 90 están operativos para participar en las funciones, según explica el
presidente de la Asociación, José María Aguiar. Este subgrupo surge de las
pruebas que el maestro Julio Gergely,
nuevo director del Coro, hizo a los
músicos en el inicio de la temporada.
Funcionamiento
La Junta Directiva se reúne en asamblea y su legislatura dura dos años.
Durante este período, los miembros
de la Junta “trabajamos como locos
para sacar adelante administrativamente la Asociación sin un incentivo
económico a cambio”.
El funcionamiento de la Asociación
también requiere del trabajo de la
Comisión Técnica, formada por los
cuatro jefes de cuerda, cuatro representantes de cuerda, un coordinador
y el maestro. Este grupo decide los
coralistas que están en lista para las
producciones de cada temporada. El
director del Coro, el maestro Gergely,
tiene voto de calidad.
Para otros asuntos puntuales, como elaborar un dossier informativo o
estudiar en profundidad una obra,
existe otro cuerpo, de nueva creación, denominado Órgano Asesor de
la Junta Directiva, integrado por socios que por su antigüedad, valía,
conducta y proceder emiten una opinión significativa al respecto y aceleran la tramitación de lo planteado.
Así, hay casos en los que no es necesario que el tema se derive posteriormente a la Asamblea.
La idiosincrasia del Coro
Cuando se pensó en la creación de un
coro lírico, se convocaron audiciones
abiertas a través de las que entraron
integrantes de diferente índole como
maestros, profesionales de conserva-
torio y estudiantes. Así se salvaron las
actuaciones en los primeros años.
Después comenzó a afinarse más el
perfil de los miembros ya que debían
pasar pruebas y se les exigían requisitos mínimos, relata Aguiar. “Hoy día
pasan a formar parte del Coro entre
el 5 y el 10 por ciento de los que se
presentan a las audiciones y así se va
recabando savia nueva para la formación, que hace también un trabajo de adecuación entre los viejos y
nuevos miembros, estudia las técnicas y el empaste de las voces”, sostiene el presidente.
El 80 por ciento del grupo, que es
paritario en número de hombres y
mujeres, son personas con cualificación específica. El resto se ha ido adecuando a las exigencias de forma autodidacta y actualizando su currículo
y formación. Además, el Coro del
Maestranza es muy joven y no sólo
porque acabe de celebrar su undécimo aniversario. Sus integrantes tienen una media de 30 años. El más joven ha cumplido los 22 y los más
mayores rondan los 55 años.
“No somos profesionales en el
sentido de que no cobramos de la
Administración, es decir, la música no
es nuestro único modo de vida”. Pero
éste es el único aspecto por el que se
puede decir que la formación no sea
profesional ya que su calidad, sus
años de permanencia en el mercado
y la respuesta del público tanto en
Sevilla como en el resto de los lugares que visitan avalan su buen hacer.
Formar parte de este sueño hecho
realidad es posible ya que se celebran audiciones cada seis meses. Durante el primer año los nuevos socios
viven un período de prueba. M
Entre 70 y 90 coralistas de los 128 socios intervienen en las producciones de esta
La formación musical está
integrada por entre 70 y 90
coralistas en activo.
REPORTAJE
El Coro de la Asociación
de Amigos del Teatro de
la Maestranza tiene por
bandera beber de una
continua formación por
lo que sus miembros no
JOSÉ MARÍA
AGUIAR
“BUSCAMOS
LA PERFECCIÓN
PARA LLEGAR
A LA SITUACIÓN
ÓPTIMA”
Uno de los deseos de la
Asociación de Amigos
del Maestranza es
cambiar su estatuto
administrativo antes de
que termine la actual
legislatura y lograr la
utilidad pública ya que
así se simplificarían
muchos trámites
L
a nueva Junta Directiva de la
Asociación de Amigos del
Maestranza se constituyó en
octubre de 2006 por lo que cuenta
aún con tiempo para situar el Coro
en la meta que persigue. “Buscamos la perfección para llegar a la
situación óptima en nuestra dedicación a la música”, destaca el presidente de la Asociación, José María Aguiar.
Otro de los deseos de la agrupación es “cambiar el estatuto administrativo antes de que termine la
legislatura actual y lograr el reconocimiento de utilidad pública, ya que
esto simplificaría mucho las cosas
administrativamente”, resuelve el
presidente. El patrocinio de otras
entidades o instituciones abriría una
nueva línea de trabajo para esta
agrupación, motivado por el amor a
la música y la ilusión que despierta
cada producción en la que participa.
Aguiar llegó a Sevilla hace 15
años y, a través de un amigo de la
tuna, hizo su audición en el Coro. Él
cuenta que su evolución ha sido
vocacional y autodidacta. “Siempre
he participado en coros de los de
antes y además vengo del denostado mundo de la tuna”. En el Coro
del Maestranza existe un gran grupo de tunos y ex tunos. Tras su paso por las tunas -era solista de la
de Medicina-, Aguiar se fue a navegar. Este marino retirado de la
Armada vuelve a dedicar ahora su
tiempo a la música. M
temporada del Teatro de la Maestranza a las órdenes del maestro Gergely
dejan de aprender y
estudiar nuevas
partituras que añadir a
su nutrido repertorio
de ópera, zarzuela y
sinfónico
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ACTUALIDAD
FIRMA DE CONVENIOS
NUESTROS
PATROCINADORES
E
n representación del Tetro de
la Maestranza, Guadalupe
Ruiz, directora general de Fomento y Promoción Cultural de la
Consejería de Cultura, se han reunido con representantes de las distintas entidades patrocinadoras del
Teatro. Por un lado, con José Manuel Amores, jefe de la Obra Social
de la Caja San Fernando, procediendo ambos a la renovación del
convenio. La Caja San Fernando es
patrocinadora general de la temporada 2006-2007 y patrocinadora
especial del Ciclo de Flamenco, de
la ópera en concierto Dido y Eneas,
la Compañía María Pagés y Eva Yerbabuena Ballet Flamenco.
Por su parte, Fernando Vega, jefe
de gabinete del presidente de la
Fundación El Monte, también se
reunió con Guadalupe Ruiz para la
renovación del convenio. La Fundación El Monte también patrocina la
temporada 2006-2007 del Teatro, y
especialmente el ballet Romeo y
Julieta, interpretado, dentro del Ciclo de Danza, por el Ballet Nacional
de Hungría y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, el pasado enero.
Asimismo, la Fundación es pionera
en la iniciativa de patrocinio de las
actividades del Teatro de la Maestranza desde su reapertura, en
1993, una vez finalizada la Exposición Universal Sevilla ‘92.
La Fundación Real Maestranza
de Caballería de Sevilla, además de
intervenir en el patrocinio general
de la temporada 2006-2007 del
Maestranza, es patrocinadora de la
La Caixa, la Fundación
El Monte, la Obra Social
de Caja San Fernando y
la Fundación Real
Maestranza de
Caballería y Renfe han
renovado su patrocinio
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.
A la firma de renovación de este
convenio acudieron Alfonso Guajardo-Fajardo, presidente de la Fundación y teniente de hermano mayor de la Real Maestranza de Caballería de Sevilla y Guadalupe Ruiz
por parte del Teatro.
‘Tosca’
La Caixa, que también participa en
el patrocinio general de la temporada, promueve especialmente la
ópera Tosca, así como el nuevo
proyecto Abono Joven. José María
Rodríguez, viceconsejero de Cultura de la Junta de Andalucía, fue, en
esta ocasión, el encargado de firmar con Manuel Romera, director
territorial de la Zona Sur de La Caixa, para la renovación del convenio
con el Coliseo.
Además de estas entidades, la
compañía de transporte público
Renfe también ha renovado su
convenio de patrocinio con el Teatro de la Maestranza para la presente temporada. M
De arriba abajo, los actos de renovación de convenios con Caja San Fernando, Fundación El Monte y La Caixa.
El Teatro de la Maestranza tiene ya como patrocinadoras a once instituciones
A la derecha, la firma de la
renovación de convenio con la
Real Maestranza de Caballería de
Sevilla.
ACTUALIDAD
400 ANIVERSARIO
E
l Teatro de la Maestranza celebró con dos jornadas de puertas abiertas el Día Europeo de
la Ópera, con motivo del 400 Aniversario del estreno de Orfeo, de
Monteverdi. Los días 16 y 17 de febrero más de 2.500 personas visitaron las instalaciones sevillanas.
La directora del teatro, Remedios
Navarro, expresó su satisfacción
por la gran acogida del acontecimiento entre los espectadores,
destacando que ésta es una actividad que “año a año se consolida,
demostrando que la ópera
sigue viva”.
Iniciativa europea
El Maestranza se sumó a los más
de cien teatros europeos que organizaron acontecimientos especiales para presentar sus escenarios y
el trabajo desarrollado en los mismos. Alumnos de veinticinco institutos de Sevilla y su provincia y público general, entre el que destacó
la presencia de numerosos niños,
pudieron disfrutar de una reconstrucción del Orfeo, interpretada por
el grupo Folengo, y de una explicación sobre el origen de la ópera y la
evolución de la técnica escénica a
cargo de Juan Carlos Moreno, documentalista del Teatro.
Posteriormente, los asistentes
realizaron un recorrido por el interior del Maestranza -se hizo especial hincapié en su escenario- para
finalizar con la asistencia a una escenificación de los últimos minutos
de la ópera Tosca, coordinada por
Juan Dolores Caballero. Así, el público pudo conocer de cerca el vestuario de una producción de ópera,
la escenografía de la misma y con-
EL TEATRO
ABRE SUS
PUERTAS
EN EL DÍA
EUROPEO
DE LA
ÓPERA
templar a telón abierto distintos
movimientos técnicos realizados
por el equipo del Teatro.
Estas Jornadas de puertas abiertas son una de las actividades promovidas por la asociación Ópera
XXI, creada en 2005 para incrementar en España las actividades relacionadas con la ópera y buscar nuevos públicos. Entre sus finalidades,
destacan potenciar la actividad operística en el país, acentuar la cooperación entre los promotores y la vocación por lograr un nuevo modelo
cultural operístico que responda a
las necesidades sociales de las organizaciones y de las audiencias del
siglo XXI. Ello conlleva la mejora en
la gestión y el aprovechamiento de
recursos para poder atender así a
las expectativas y el interés creciente por la ópera de los últimos años.
Como organización representativa
del ámbito operístico español, actúa
como interlocutora ante organismos oficiales o privados en España
y en el entorno internacional, aunando esfuerzos para conseguir
apoyos. Ópera XXI trabaja para promocionar la ópera en la actualidad y
Alumnos de veinticinco institutos de Sevilla y la provincia acudieron al Teatro en las Jornadas de puertas abiertas.
Se ofrecieron charlas para que los
más jóvenes pudieran aclarar sus
dudas sobre la ópera.
adaptar el género a las nuevas prácticas de funcionamiento de la sociedad y a las nuevas tecnologías.
Dado el interés de esta entidad
en la creación de nuevas audiencias, otro de sus proyectos se dirige
a los espectadores más jóvenes, a
los niños. Para responder a esta inquietud, se programan títulos como Dulcinea, la ópera infantil a la
que se dedica un apartado en este
número de la revista Maestranza,
coproducida por el Teatro Real de
Madrid, Teatro del Liceo de Barcelona, Teatro de la Maestranza, Asociación Bilbaína de Amigos de la
Ópera, Fundación Ópera Oviedo,
Palau de las Artes de Valencia y la
Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales. Esta ópera basada en Don Quijote, de Miguel de
Cervantes, tiene música de Mauricio Sotelo sobre libreto de Andrés
Ibáñez. M
Teatros de toda Europa
invitaron al público a
descubrir y redescubrir
la ópera, forma de
creación artística
europea que aúna las
mejores disciplinas
artísticas y que
evoluciona al ritmo de
las épocas y estéticas,
con motivo del Día
Europeo de la Ópera
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REPORTAJE
Las obras del Maestranza afectan a
4.965 metros cuadrados.
LA OBRA DOTA AL TEATRO DE
REMODELACIÓN La próxima temporada, el Maestranza estrenará nueva maquinaria escénica y hará uso de la ampliada chácena (parte
posterior en el escenario que sirve para almacenar decorados y dar profundidad al escenario). La reforma de este espacio significará también el inicio de una nueva etapa para la Sinfónica de Sevilla, que trasladará al coliseo su sede al disponer de una sala de ensayos propia.
MÁS FLEXIBILIDAD PARA PROGRAMAR
E
l crecimiento controlado y la ocupación ordenada del espacio son
dos de las guías que el
arquitecto Aurelio del
Pozo no ha perdido de
vista desde que proyectó el Teatro de
la Maestranza y ahora que se encarga de su remodelación. Las obras de
reforma están encaminadas a reordenar la caja escénica (con la intención de aumentar su superficie) y
crear nuevas salas de ensayo y una
sede permanente para la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.
Versatilidad escénica
A partir del próximo otoño, el Teatro
de la Maestranza dispondrá de los
medios, la capacidad técnica y la estructura arquitectónica para comenzar a programar con más flexibilidad.
Ésta es sin duda una de las ventajas
de las que podrá presumir el coliseo,
tras la finalización de las obras de reforma que se acometen hoy día.
La intervención, que comenzó en
el verano de 2005 y se prolongará
hasta el otoño, dotará al Teatro de un
nuevo peine (estructura que se sitúa
en el techo del escenario y que soporta el peso de las poleas y cuerdas
con las que se cuelgan los decorados). Un sistema de plafaformas horizontales permitirá efectuar cambios
de escenografías con rapidez, limpieza y seguridad. Como apunta uno de
los arquitectos que diseñó el edificio
y que ahora se encarga de la remodelación, Aurelio del Pozo, esta incorporación será “algo muy positivo en
la práctica para el Teatro, ya que el
movimiento horizontal no plantea
tantos riesgos como el vertical”.
Los espectadores podrán percibir
esta reforma de un modo tangible y
concreto, ya que permitirá a los melómanos disfrutar de más títulos en
un corto espacio de tiempo. Para el
responsable de la obra, “un teatro capaz de dar de un día para otro una
oferta diferente es un gran teatro”.
Por otra parte, el escenario contará
con una mayor profundidad. El Maestranza tendrá casi 50 metros de fondo y, aunque no es conveniente ni
especialmente habitual explotar la
condición de profundidad, sí hay producciones que la emplean. El coliseo
hispalense dispone así de una gran
boca de escenario con una corbata
(zona más próxima al público) de casi 20 metros. Los cambios no se apreciarán visualmente demasiado desde el patio de butacas, si bien el espacio de trabajo del escenario pasará
de 800 a 2.400 metros cuadrados.
Hay que tener en cuenta que se añadirá un nuevo acceso posterior al escenario, por la chácena, para el depósito de material escénico y la prolongación de la escena. Con todas estas
obras, el Maestranza dispondrá de
unas dimensiones de boca de escenario y fondo similares a las de todos
los grandes teatros europeos. El número de butacas -1.800- no variará.
Y, por otra parte, la reestructuración también afectará al exterior. En
este caso, tal como comenta Aurelio
del Pozo, la intención ha sido “encajar
el edificio nuevo en el antiguo, que
ya es aceptado por los sevillanos”. El
Teatro incorporó en su construcción la
antigua fachada del cuartel maestrante de Artillería. De esa parte de la
silueta de la ciudad antigua que cae
sobre la orilla del Guadalquivir, el
Teatro de la Maestranza destaca por
su característico volumen cilíndrido y
por coronar el espacio del Arenal.
Nueva sede para la ROSS
La mejora del Teatro significa una
nueva etapa para la Real Orquesta
Sinfónica de Sevilla, que se trasladará
definitivamente al edificio maestrante al terminar las obras. La Sinfónica,
institución independiente pero vinculada al coliseo sevillano, dispondrá de
una sala de ensayos propia. También
se habilitarán espacios de trabajo para el Coro de la Asociación de Amigos
del Maestranza y las compañías visitantes. La sala de la Sinfónica se sumará a las dos existentes: la Sala
Principal y la Sala Manuel García.
El Teatro de la Maestranza podrá
acoger a todo ese “público itinerante
que se desplaza cientos de kilóme-
Los nuevos sistemas de movimiento escénico, en sentido horizontal, revolucionarán
El prespuesto destinado para esta
remodelación asciende a los diez
millones de euros.
REPORTAJE
Las obras, que se
alargarán hasta el
próximo otoño,
permitirán cambiar de
escenografía con
rapidez, limpieza y
tros para ver determinados espectáculos” que hasta ahora no podían representarse en el gran teatro del Sur.
Así que la instalación operística, con
su adecuación a las necesidades técnicas, también contribuye a la promoción turística de la ciudad, como
expresa Del Pozo.
Maquinaria de última generación
En marzo han comenzado las obras
para introducir en el Maestranza la primera maquinaria de la escenografía,
que “supone la modernización de los
sistemas de movimientos escénicos”.
La informática ha revolucionado el
quehacer del teatro, otorgándole una
autonomía desconocida hasta hace
unos años. “Tal es su influencia en el
sector que el coeficiente de error de
estas máquinas es de un milímetro”,
resalta. El arquitecto confiesa que introdujo esta tecnología en su proyecto
de reforma cuando, hace algo más de
un año, se quedó maravillado por los
adelantos tecnológicos de la nueva
Ópera de Copenhague. “No existe en
España ningún teatro con esta tecnología”, asegura del Pozo.
Otro de los acicates que motivan la
implantación de este tipo de maquinaria en el Teatro es que las nuevas
tecnologías “no dejan huellas en el
edificio, no hay cables ni cadenas por
el suelo, por ejemplo”, destaca el arquitecto, que añade que “el hallazgo
de esta tecnología implica movimientos sin rastros y absoluta precisión” para que su ausencia haga brillar a las estrellas de cada función. M
la vida del Teatro de la Maestranza facilitando su operatividad
seguridad a través de
movimientos
horizontales, según ha
confirmado el
arquitecto responsable,
Aurelio del Pozo.
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AGENDA
TEATROS DEL MUNDO
Plácido Domingo clausura la temporada
Una obra de Verdi para echar el telón en París
Teatro Real de Madrid
Ópera Nacional de París
Este espacio acoge la representación de la ópera romántica Madame Butterfly, de Giacomo Puccini, con diferentes repartos. El
español estará encabezado por Cristina Gallardo-Domas y podrá
disfrutarse los días 14, 17, 20, 23 y 26 de julio. Plácido Domingo se encarga de la dirección musical y Mario Gas es el responsable de la escena. Además, Jesús López Cobos dirigirá el concierto lírico que el tenor madrileño Plácido Domingo y la soprano portorriqueña Ana María Martínez, que visita por primera
vez este espacio, ofrecerán el día 21 de julio, a partir de las 20
horas, como broche final de la temporada.
Un ballo maschera, de Giuseppe Verdi, es la nueva producción
que ofrece a los melómanos uno de los espacios líricos europeos de referencia. El melodroma en tres actos, con libreto de Antonio Somma, está coordinado por dos directores musicales:
Semyon Bychkov (días 4, 7, 10, 19, 22, 25 y 28 de junio y el 1
y el 4 de julio) y Paul Weigold (días 13 y 16 de junio y 7, 10 y
13 de julio). Gilber Deflo acomete la dirección de escena, mientras que Marcelo Álvarez se mete en la piel del papel protagonista, Riccardo. En la última producción del Teatro de la Ópera,
participan la Orquesta y el Coro de la Ópera de París.
Milagros Poblador actúa otra vez en Bilbao
La intensa carga emocional de la primavera
Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera
Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia
Con una composición de Wolfgang Amadeus Mozart se despide
la temporada para la agrupación bilbaína. De Die Zuaberflöte,
producida por el Teatro Carlo Felice de Génova, se han programado cuatro funciones: 5, 7, 9 y 11 de mayo. El día 4, Cosme
Marina, crítico del diario ABC, hará una introducción a esta ópera en dos actos, que dirige Jean François Spinosi y que tiene a
Daniele Abbado en la dirección escénica. Entre otros nombres
del reparto, destacan Kwanchoul Youn, Topi Lehtipuu, Anna
Chierichetti y la madrileña Milagros Poblador, que es seguida
con especial atención y cariño desde Bilbao.
Los espectadores tienen la oportunidad de ver dos títulos del
compositor, poeta y teórico musical Richard Wagner,
de gran intensidad emocional, entre abril y mayo en
Valencia: El oro del rin y La valquiria. El prestigioso Zubin Mehta y Carlos Padrissa, director del exitoso grupo de teatro La Fura dels Baus, acometen la dirección
musical y escénica, respectivamente. La Orquesta de
la Comunitat Valenciana participará en esta producción. Espectáculo coproducido con el Maggio Musicale Fiorentino.
Doble programa para cerrar el calendario
Julie Kent y Marcelo Gomes, por partida doble
Teatro de La Zarzuela de Madrid
The Metropolitan Ópera de Nueva York
Con un doble programa, integrado por Las bribonas y
La Revoltosa, se despide este espacio madrileño. Del
22 de junio al 22 de julio, estos dos obras congregan
sobre el escenario a artistas como Josep Miquel Ramón, María Rodríguez y Luis Varela, entre otros. En
Las bribonas, zarzuela en un acto y cinco cuadros, luce la música de Rafael Calleja, mientras que en el sainete lírico se exalta la composición musical de Ruperto Chapí. Enrique Diemecke y Ramón Torrelledó
están a cargo de la dirección.
Dos grandes títulos de ballet clausuran la temporada.
Manon se podrá ver del 11 al 16 de junio. La coreografía ha sido diseñada por Kenneth MacMillan y cuenta
con la dirección de escena de Nicholas Georgiadis. Destacan Julie Kent y Marcelo Gomes en los papeles protagonistas. Ambos artistas vuelven a repetir en Cinderella, la última pieza de la temporada, del 2 al 7 de julio.
James Kudelka, autor de la coreografía, David Boechler
y Chirstopher Dennis integran el equipo artístico. Participan varios repartos en ambos títulos.
Mísia interpreta la música de Piazzolla
Roberto Saccá en la piel de Tito Vespasiano
Teatro Nacional de Sâo Carlos de Lisboa
Staatsoper Unter Den Linden de Berlín
La ópera tango María de Buenos Aires, de Astor Piazzolla, se escenifica los días 29 y 30 de junio y los días 1, 3 y 4 de julio. El
músico de tango más célebre del mundo y gran compositor comenzó a trabajar ya en su madurez creativa con el poeta Horacio Ferrer, junto a quien escribió este título. Esta producción propia del teatro portugués cuenta con un elenco de lujo, encabezado por Mísia, en el papel de María; Víctor Alterio, como Duende; y Keith Lewis, interpretando a Jairo. Además, hay que mencionar la participación de la Orquesta Sinfónica Portuguesa y la
del Coro del Teatro, con el maestro Giovanni Andreoli al frente.
Con una de las grandes composiciones de Mozart echa el telón
esta casa de ópera: La clemencia de Tito. Philippe Jordan
conduce el espectáculo, que protagonizan el tenor Roberto Saccá, como Tito Vespasiano, y la soprano Melanie
Diener, como Vitellia. La pieza fue compuesta para la coronación de Leopoldo II de Austria como rey de Bohemia y muestra la imagen de un gobernante recto pero
clemente con su pueblo. El teatro berlinés ha programado, incluida la première, seis funciones: los días 3, 7, 10, 13, 16,
19 y 22 de junio. Ópera en italiano, subtitulada en alemán.
¡
Una nómina de nútridas voces seducen durante los útlimos meses de la temporada lírica actual los principales teatros del mundo. El melómano podrá seguir el rastro a artistas como Plácido Domingo, Milagros Poblador, Mísia, Josep Miquel Ramón, María Rodríguez, Ramón Vargas, Roberto Saccá, Stefan Vinke y Giovanna Casolla, entre otros.
!
AGENDA
TEATROS DEL MUNDO
Una historia de amor frustrado para el cierre
Un estreno para cerrar el ciclo actual
Teatro alla Scala de Milán
Teatro Bolshoi de Moscú
La Traviata, de Giuseppe Verdi, clausura la temporada
del escenario del bel canto por excelencia. La producción, a cargo de Lorin Maazel, se escenificará hasta 12 veces del 3 de junio al 2 de julio con diferentes
repartos. Este título está dirigido por la directora de
cine, ópera y teatro Liliana Cavani. En los papeles protagonistas, destacan el tenor Ramón Vargas, el barítono Leo Nucci y la soprano Angela Gheorghiu. El libreto está basado en la novela La dama de las camelias y fue
estrenada en Venecia en 1853.
Con una nueva producción, la ópera en dos actos Boris Godunov, se prepara el final de la temporada en
Rusia. El teatro estrena este título el 25 de abril y
ofrece otras tres funciones para los días 26, 27 y 28
del mismo mes. Este título lírico es obra de Mussorgsky y narra algunos pasajes de la historia del zar
Boris Godunov y la lucha entre el pueblo ruso y el polaco. Boris Godunov ha sido revisada y versionada en
varias ocasiones por diferentes expertos, entre otros
su autor, y orquestada por Rimski-Korsakov y Shostakovich.
La música de la destrucción nuclear
Wagner y Stefan Vinke sellan la temporada
Der Nederlandse Opera de Amsterdam
Teatro La Fenice de Venecia
La creación de la bomba nuclear, su uso y sus consecuencias,
uno de los capítulos más controvertidos de la historia
moderna, es el argumento de la ópera del compositor John Adams. Doctor Atomic, estrenada el 1 de octubre de 2005 en la Ópera de San Francisco, es una
coproducción de la Ópera Lírica de Chicago y la Ópera de Londres. Adams emplea la estructura de las películas de ciencia de ficción de los años 50. La producción subirá al escenario los días 10, 13, 17, 19, 23,
25, 27, 29 de junio y el primero de julio en Amsterdam.
Siegfried, del compositor, director de orquesta y poeta alemán
Richard Wagner, sella la temporada actual del espacio italiano. Esta producción lírica con ballet, dirigida
por Jeffrey Tate, cuenta con la interpretación de Stefan Vinke, Ablilnger-Sperhacke y Greer Grimsley, entre otros. Los interesados podrán disfrutar de esta historia los días 14, 17, 20, 23 y 26 de junio en diferentes horarios. Esta pieza está basada en las leyendas
de los nibelungos. Siegfried es la tercera de las cuatro óperas que forman parte de dicha tetralogía.
Londres se entrega a una leyenda sevillana
La lucha interna de Giovanna Casolla
Royal Opera House Covent Garden
Teatro de la Ópera de Roma
Hasta diez funciones en junio están programadas de la
ópera Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart,
cuya obertura fue compuesta un día antes de su estreno en Praga en 1787. El peso interpretativo recae
en Erwin Schrott, Reinhard Hagen y Anna Netrebko.
Ivor Bolton y francesa Zambello se encargan de la dirección musical y escénica, mientras que Stephen
Mear ha diseñado la coreografía. De todas las obras
musicales sobre la leyenda de Don Juan, la de Mozart
es la más conocida. Cantada en italiano con subtítulos en inglés.
El drama lírico en cuatro actos Manon Lescaut, primer gran éxito de Giacomo Puccini, se representa el 15, 16, 17,
19, 20, 21 y 23 de junio en la capital italiana con un
reparto que incluye voces tan respetadas como la soprano napolitana Giovanna Casolla, que se viste de
Manon. Ésta lucha entre el amor de un joven y el de
un viejo rico. Bajo las órdenes del maestro Donato
Renzetti y de Giuseppe Giuliano, brillará en una de las
óperas más apreciadas de Puccini, que es grabada y representada con regularidad.
Homenaje a la zarzuela española
‘Werther’, de Massenet, para decir adiós
Theatre du Capitole de Toulouse
Staatsoper de Viena
Escrita por Federico Romero y Guillermo Fernández
Shaw e inspirada en La discreta enamorada, de Lope
de Vega, Doña Francisquita es interpretada en la ciudad francesa por Ruth Rosique, Milagros Martín e Ismael Jordi en los papeles principales. Esta zarzuela
con música de Amadeo Vives está en cartel del 22 al
27 de junio a las 20 horas y del 24 al 30 de junio a las
15 horas. Dirección musical y escénica corren a cargo
de David Giménez y Emilio Sagi, respectivamente.
Los decorados están firmados por Ezio Frigerio.
Las óperas del compositor francés Jules Massenet fueron muy
famosas a finales del siglo XIX y principios del XX. Así
sucedió con su Werther, un título lírico estructurado
en cuatro actos y basado en la novela Los sufrimientos del joven Werther, de Goethe. Marco Armiliato
asume la dirección de esta producción que tiene a
Neil Shicoff como el protagonista. La versión francesa
fue estrenada en la Opera-Comique de París el 16 de
enero de 1893. Esta historia se representa en varias ocasiones
del 14 hasta el 30 de junio, fecha en la que se echa el telón.
La primavera se instala en muchos de
los espacios líricos más importantes
con exaltaciones de amor como en el
Teatro Real, el Palacio de las Artes de
Valencia, el Teatro alla Scala de Milán y
la Ópera de Roma. Mozart, Puccini,
Verdi y Wagner son los compositores
más representados en todo el mundo.
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PROGRAMACIÓN
INTERNET
E
l Teatro de la Maestranza de
Sevilla estrena nueva página
web. Ésta es, además de un
elemento de consulta válido para
los aficionados que se acercan en
busca de información práctica, una
memoria viva del devenir del Teatro,
de sus funciones, de la acogida del
público y la crítica, de su evolución y
de las visitas que hacen los grandes
de la música hoy día al espacio del
Arenal. Así, el Maestranza estrecha
virtualmente los lazos de unión con
sus espectadores y logra estar cada
vez más cerca de sus intereses y demandas a través de la dirección
www.teatromaestranza.com.
Contenidos
La nueva dirección de Internet es
un contenedor de información
práctica y de consulta para todo
aquel que la visite pero, además,
es un testimonio de la historia, las
producciones, la evolución arquitectónica y artística del Teatro...
Cuatro grandes apartados dan
respuesta a las principales demandas de contenido del melómano:
Programación, en la que se cuelga
con todo lujo de detalles cada producción que se ofrece; El Teatro, en
la que se narra brevemente su historia, las características del edificio
y se aportan otros datos de utilidad
para el público; Venta de Localidades, un apartado en el que se explica todas las modalidades de
compra de una butaca; y Última
EL TEATRO
ESTRENA
WEB CON
NUEVO
CONTENIDO
Y DISEÑO
GRÁFICO
La nueva web responde
a la necesidad de dotar
al Maestranza de un
espacio en internet con
calidad, basado en la
continua actualización
de sus contenidos y en
la oferta de información
de servicios
Visita virtual
Hora, una nueva sección a través
de la que el Teatro informa de
acontecimientos puntuales. A través de estas secciones el coliseo se
acerca más a su público. La navegación, sencilla y eficaz, permite
acceder de manera directa y rápida
a la información buscada.
Imagen gráfica
La nueva web descansa sobre su
imagen corporativa. Hasta ahora,
cada año, la página del Teatro había adaptado la imagen gráfica de
la programación a su esquema de
navegación, de manera que iba
cambiando a medida que lo hacía
la programación anual. A partir de
ahora se apuesta por una imagen
sólida y permanente. Así el Teatro
fundamenta los contenidos en su
imagen corporativa y no en los registros cambiantes de su programación anual. Granate, amarillo,
dorado y gris acero, colores que recoge el manual de identidad corporativa del Teatro, son los tonos
del nuevo diseño.
Tecnología
El nuevo dominio del Teatro de la
Maestranza persigue que el usuario disfrute de una mejor experiencia de navegación. Al empleo de
tecnologías de código abierto se
suma el uso de un programa que
descarga de trabajo los continuos
accesos al servidor y reduce los
tiempos de espera del usuario.
La nueva dirección ofrece la posibilidad de
dar un paseo virtual por el edificio.
El usuario de la web podrá
disfrutar de un paseo virtual por
el edificio y conocer de primera
mano sus características
técnicas. Además, encontrará
información sobre las obras de
ampliación del Teatro.
Versión en inglés
Como todos los grandes teatros líricos , el
Maestranza ofrece sus datos en inglés.
Granate, amarillo, dorado y gris
acero son los colores de la web.
Los melómanos extranjeros que
siguen con especial atención la
programación de los grandes
teatros líricos del mundo
pueden acceder a la información
del escenario sevillano en
español e inglés.
Pensando en la prensa
En este mismo sentido, se ha diseñado una interfaz gráfica muy ligera en cuanto a peso de archivos.
Diversas tecnologías se integran a
la perfección en la página web para hacer de la navegación una experiencia intuitiva.
El sitio web cuenta con un panel
de control, que proporciona una
completa gestión de la documentación, que en diversos formatos
(pdf, doc, jpg, etcétera), estará disponible para el usuario más entusiasta. Se ha creado una web a la
altura de un espacio como el Teatro
de la Maestranza de Sevilla. M
Los periodistas podrán descargarse todo
tipo de archivos.
Con la nueva sección de Noticias,
el Maestranza pone especial
atención en facilitar el acceso a
los profesionales de la
comunicación a todo tipo de
archivos útiles.
La web es un elemento de consulta y la memoria viva sobre el Maestranza
La página, con un diseño limpio y
ordenado, permite una navegación
intuitiva y amigable.

Descargar - Teatro de la Maestranza

Transcripción

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