Murgas

Murgas
pasión popular
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Contenidos
Artículos
murgas en el mundo
1
Murga
1
Coral (música)
5
Teatro
6
Musical
13
Música popular
17
Carnaval
18
Qué pasa con la murga en España?
45
Chirigota
45
Pasodoble
49
Rumba
51
Sevillanas
54
...Y en Uruguay?
58
Candombe
58
Tambores de candombe
64
Marcha camión
66
Comparsa
68
...Y en Chile?
Tuna
72
72
Referencias
Fuentes y contribuyentes del artículo
76
Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes
77
Licencias de artículos
Licencia
79
1
murgas en el mundo
Murga
La murga es, por un lado, un género
coral-teatral-musical y, por otro, la
denominación que se le da a los
conjuntos que lo practican. Es un
género de música popular desarrollado
en varios países, generalmente durante
alguna festividad como Carnaval,
fiestas patronales, aniversarios de
fundación o eventos deportivos. Es
muy popular en Uruguay, España y
Argentina, donde suele ser interpretada
por un coro con el acompañamiento
musical de instrumentos de percusión.
Historia
Un grupo de murga uruguaya actuando en ocasión de la asunción del Presidente Tabaré
Vázquez en Montevideo, marzo de 2005.
La palabra "murga" tiene su origen en España. El origen del género, de acuerdo a la definición del reglamento del
Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavalescas de Uruguay, se produjo en el año 1909 cuando llegó a Uruguay un
grupo de zarzuela. Algunos de sus componentes formaron una suerte de chirigota, la murga "La Gaditana", para salir
a la calle a cantar y "pasar la gorra" (expresión rioplatense que significa pedir dinero), ya que no habían podido
convocar suficiente público en sus funciones.
Al año siguiente una agrupación del carnaval se autodenominó "Murga La Gaditana que se va", para parodiar lo
acontecido con los artistas españoles. A partir de ese momento la palabra "murga" se empezó a usar para denominar
a esos conjuntos que ya existían desde el siglo XIX y que hasta ese momento eran llamados "mascaradas". El género
fue evolucionando, tanto en la música como en las letras. Se le añadieron elementos del candombe y de otros ritmos
que, adaptados a la batería de murga (bombo, redoblante y platillos de entrechoque) introducida en 1915, le dieron
nueva sonoridad. En el aspecto teatral, la murga rioplatense recibió influencias del Carnaval de Venecia y de la
Comedia del arte, adoptando los personajes de Momo, Pierrot y Colombina.
Murga
Murga en Uruguay
La murga uruguaya suele entonar canciones
y realiza cuadros musicales (con personajes
y línea argumental) donde la temática
principal
ronda
alrededor
de
los
acontecimientos salientes del año, con
crítica política y social.
Las murgas son el principal atractivo del
carnaval uruguayo junto al candombe. Éste
es el carnaval más largo del mundo y
convoca durante 40 días a decenas de miles
de personas, llegando a vender más entradas
Un grupo de murga uruguaya actuando en ocasión de la asunción del Presidente
que el fútbol en todo el año. También se
Tabaré Vázquez en Montevideo, marzo de 2005.
fomenta como atracción turística hacia otros
países. A diferencia de los carnavales en el resto del mundo, caracterizados por sus desfiles callejeros, en Uruguay el
carnaval está concebido principalmente como un gran festival de teatro al aire libre, en el que las murgas cumplen un
rol central. En los mismos escenarios actúan también otras categorías de agrupaciones de menor trascendencia:
humoristas, parodistas, lubolos y revistas.
Murga en Argentina
En Argentina también se denomina
murga a los conjuntos compuestos por
músicos percusionistas, bailarines y
fantasías, que decoran todo el desfile
murguero. Estos conjuntos participan
en los desfiles de carnaval conocidos
como corsos todos los fines de semana
de febrero. Algunos conjuntos agregan
lanzallamas, malabaristas, bailarines
con espaldares o zancos, vedettes,
estandartes y otros artistas. A estos
grupos más numerosos de los
denomina comparsa.
Las diferencias más destacadas entre
las murgas de Ciudad Autónoma de
Buenos Aires y las de otras regiones de
Una murga porteña en desfile callejero.
Argentina, están dadas, no sólo por los
ritmos y las orquestaciones o arreglos que se utilizan, sino también por la ubicación de estos grupos en el corso. Las
murgas de las provincias siempre presentan su espectáculo caminando y bailando a lo largo del corso y sin cantar,
entregando su mejor parte al pasar delante del escenario, donde muchas veces están ubicadas las autoridades
organizadoras y estatales del lugar. Los ritmos de murga y comparsa de las provincias están diferenciados entre sí,
por su origen, tempo y arreglos. En cambio, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires cuenta también con un lugar
2
Murga
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fijo, generalmente sobre un escenario o palco donde suben los directores que presentan a su murga en una
introducción, recitan algunas de sus canciones de murga y las criticas, y al final la canción de despedida.
Los colores de la murga
Los distintos colores se usan para que se alegre. La vestimenta es algo muy importante para la presentacion.
Murga en Chile
Los mayores exponentes de la murga en Chile son agrupaciones que salen por las calles con instrumentos de cuerda,
percusión, y en algunos casos de viento. De estos grupos de murga en Chile, los hay pertenecientes a colegios,
parroquias, como también grupos independientes. Las hay compuestas por hombres, por mujeres y mixtas, así como
también por niños y por agrupaciones teatrales. También se denomina murga a los conjuntos musicales formados por
estudiantes o no, que tratan de imitar la antigua tradición de estudiantes Universitarios más conocidos como tunas,
los cuales despectivamente se dirigen a ellos como Murga (Imitadores de la Tuna).
En el año 2006 nació la murga La Urdemales[1] gracias a talleres impartidos por el uruguayo Edu "Pitufo"
Lombardo, del cual se desprendió un grupo de jóvenes que actualmente se dedican al género de murga uruguaya.
Murga en España
Badajoz
En el carnaval de Badajoz, las murgas están
compuestas como mínimo por 10 personas y
como máximo por 15, más cinco figurantes.
Unas semanas antes de carnaval, las murgas
compiten en el teatro López de Ayala para
ver quien tiene la crítica más ácida de la
sociedad y divierte más al público que suele
llenar el teatro. Se valora la música, la letra,
los trajes y la puesta en escena. Cuentan
además algunas murgas con numerosos
seguidores. Tanto es así que se producen
largas colas para conseguir las entradas del
certamen. Estas son una parte esencial del
carnaval de esta ciudad, del que son
indesligables. La cifra de murgas sigue
aumentando año tras año.
Murga Ese Es El Espíritu (Badajoz).
En 2007 el número de murgas fue en total de treinta y dos. La ganadora del concurso fue La Caidita, seguida de
Jarana y Agüitas, en tercer lugar.
En 2008, un total de 35 murgas participaron en el concurso, siendo la clasificación de las mismas la siguiente: 1º Los
Niños, 2º Jarana y Marwan (empate), 4º Los Murallitas, 5º La Caidita, 6º Ad Libitum, 7º Ese es el Espíritu y 8º
Dakipakasa.
En 2009 participaron un total de 41 murgas, quedando la clasificación de la siguiente manera: 1º Marwan, 2º Los
Niños (Escuela de Ninjas Pacenses), 3º Dakipakasa, 4º Jarana, 5º La Caidita, 6º Las Chimixurris, 7º Titirimundi, 8º
La Mascarada, 9º Pa' Cuatro Días y 10º Los 3W.
Murga
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En 2010 volvieron a participar 35 murgas, siendo el orden final: 1º Los Niños, 2º Los 3W, 3º Al-Maridi, 4º Jarana, 5º
Los Water Closet (La WASA), 6º Los Murallitas, 7º Titirimundi, 8º Llerena (Sr. Sáez), 9º Marwan, 10º Pa' Cuatro
Días.
Cádiz
Véase también: Carnaval de Cádiz
En 1909 una modesta compañía de teatro de Cádiz llamada "La Gaditana" emprendió viaje a Uruguay y, en su
capital, representó una obra de teatro dirigida por Diego Muñoz. La obra resultó un fracaso los actores quedaron sin
dinero para pagarse el pasaje de vuelta. Sólo se les ocurrió, para recaudar algo, cantar por las calles y plazas de
Montevideo, coplas de las "Murgas" de Cádiz, precedentes de las actuales chirigotas y comparsas de Andalucía y
antecesoras de las murgas uruguayas. No sólo lograron lo necesario para regresar sino que generaron afición a las
coplas de Carnaval. Por el fracaso de una compañía, se exportó con éxito las comparsas del Carnaval de Cádiz.
La murga uruguaya Araca la Cana se hermanó con la gaditana Araka la Kana para festejar los 100 de los carnavales
de Cádiz y Montevideo. Hoy las comparsas de Cádiz y las murgas uruguayas son parte del folclore de Anadalucia,
Canarias y Uruguay.
Los Instrumentos mucicales
Los instrumentos musicales, son una de las cosas mas importantes de una murga. Se utilizan, para alegrar, para que a
la gente le divierta y le guste
Murga en Panamá
La Murga es un género músical ejecutado por grupos orquestales callejeros propio de los Carnavales de las
provincias centrales de Panamá, fue ideado por Manuel Consuegra Gómez[2] , a mediados del siglo XX, donde
transporta el ritmo folclórico del Carnaval de Las Tablas, el tamborito, a la orquesta.
Alcanzó su reconocimiento internacional con el tema "La murga de Panamá", de autoría de Héctor Lavoe y Willie
Colón, que además de ellos cantada por otros artista de salsa como Rubén Blades y Oscar De León.
Este género se caracteriza por la ejecución de piezas musicales corridas de Tamborito, Típico y Cumbia panameña
como ritmo alegre para bailar de forma suelta.
A diferencia de otros estilos musicales que se ejecutan y se bailan en Panamá, la murga es solo música instrumental
cuando se ejecuta en fiestas. Pero en las tunas de Carnaval, esta música va acompañada de letra cantada en armonía
con los acordes musicales.
Véase también
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•
•
Chirigota
Comparsa
Carnaval en España
Carnaval en Uruguay
Carnaval en la Argentina
Carnaval de Las Tablas (Panamá)
Marcha camión
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Murga
Referencias
[1] Murga Urdemales (http:/ / myspace. com/ murgalaurdemales)
[2] Artículo de la Prensa de Panamá: Manuel Consuegra y su música (http:/ / mensual. prensa. com/ mensual/ contenido/ 2008/ 09/ 01/ hoy/
panorama/ 1502227. html|)
Coral (música)
El término coral se utilizaba originalmente para designar los cantos monódicos que tenían lugar en la liturgia de la
Iglesia Occidental, como, por ejemplo, el canto gregoriano. En el siglo XIV se distinguía entre los cantos corales o
eclesiásticos (cantus choralis sive ecclesiasticus) y los cantos figurales (cantus figuralis). Los primeros eran
monódicos y eran interpretados por la Schola (de ahí el término coral). Los segundos correspondían a la música
polifónica interpretada en la iglesia.
A partir del siglo XV se empezó a usar el término coral para referirse al himno eclesiástico de la Iglesia Luterana,
sobre todo a su canto firme o a su melodía (ver coral luterano). Más adelante, en el siglo XVIII, se llamó corales a
los cantos de la Iglesia Protestante en general. Igualmente se comenzó a llamar también corales a las piezas de
órgano que utilizan como base un coral o un tema con características similares a las de un coral, como, por ejemplo,
los tres corales de César Franck.
Desde el siglo XIX se utiliza el término para designar piezas homofónicas, con melodías principalmente diatónicas y
ritmos sencillos, similares a muchos de los corales en estilo cancional encontrados en las cantatas y oratorios
barrocos. Sin embargo, aunque muchos de los corales barrocos tienen estas mismas características, no se debe
confundir el coral luterano con este tipo de piezas, pues en el primero la melodía es lo más importante y no el manejo
homofónico (no siempre presente) de las voces.
Véase también
• Canto gregoriano
• Coral luterano
Enlaces externos
• CPDL.org [1] The Choral Public Domain Main Library (inglés)
• Partituras de corales [2] de J.S. Bach (PDF+Midi)
Referencias
[1] http:/ / www. cpdl. org
[2] http:/ / www. kantoreiarchiv. de/ archiv/ choir_orchestra/ bachchoraele
5
Teatro
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Teatro
Para otros usos, vea Teatro (desambiguación).
El teatro (del griego θέατρον theatrón 'lugar para contemplar') es la rama del arte escénico relacionada con la
actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía,
música, sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas para un escenario,
ante un público. El Día del Teatro se celebra el 27 de marzo.
En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro también toma otras formas como la ópera, el ballet, la
ópera china y la pantomima.
Aproximación histórica
La mayoría de los estudios consideran
que los orígenes del teatro deben
buscarse en la evolución de los rituales
mágicos relacionados con la caza, al
igual que las pinturas rupestres, o la
recolección agrícola que, tras la
introducción de la música y la danza,
se embocaron en auténticas ceremonias
dramáticas donde se rendía culto a los
dioses y se expresaban los principios
espirituales de la comunidad. Este
carácter de manifestación sagrada
resulta un factor común a la aparición
del teatro en todas las civilizaciones.
Ejemplo de teatro: la Comédie-Française (acuarela de A. Meunier, París, siglo XVIII).
África
El teatro africano, entre tradición e historia, se está encauzando actualmente por nuevas vías. Todo predispone en
África al teatro. El sentido del ritmo y de la mímica, la afición por la palabra y la verborrea son cualidades que todos
los africanos comparten en mayor o menor medida y que hacen de ellos actores natos. La vida cotidiana de los
africanos transcurre al ritmo de variadas ceremonias, rituales o religiosas, concebidas y vividas generalmente como
verdaderos espectáculos. No obstante, aunque África ha conocido desde siempre este tipo de ceremonias, cabe
preguntarse si se trataba realmente de teatro; a los ojos de muchos, estos espectáculos están demasiado cargados de
significado religioso para que puedan considerarse como tal. Otros estiman que los tipos de teatro africanos guardan
cierto parecido, como en otros tiempos la tragedia griega, como un preteatro que nunca llegara totalmente a ser teatro
si no se desacraliza. La fuerza y las posibilidades de supervivencia del teatro negro residirán, por lo tanto, en su
capacidad para conservar su especificidad. en el África independiente está tomando forma un nuevo teatro.
Nuevo Teatro: Se trata de un teatro comprometido, incluso militante, concebido para defender la identidad de un
pueblo que ha logrado su independencia.
Teatro de Vanguardia: Se orienta actualmente hacia una investigación sobre el papel de actor, próxima a la de
Jerzy Grotowski y su teatro laboratorio. Así, en Libreville, Gabón, se formó en 1970 un teatro vanguardista que
realizó dos espectáculos que dejaron una huella perdurable en las jóvenes generaciones de comediantes. Otra vía de
investigación es el teatro de silencio, creado por François Rosira, cuyo fin era realizar espectáculos en los que el
canto, el recitado, la música y el baile se complementen en perfecta armonía.
Teatro
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Antiguo Egipto
En Antiguo Egipto, a mediados del segundo milenio antes de la edad cristiana, se representaban ya dramas acerca de
la muerte y resurrección de Osiris. Se comienza el teatro por medio de máscaras y dramatizaciones con ellas.
Grecia y Roma
Las raíces en ritos órficos y en los festivales celebrados para Dioniso, donde se
llevaban a cabo las escenificaciones de la vida de los dioses acompañadas de
danzas y cantos (Ditirambos). Más tarde comenzaron las primeras
representaciones ya propiamente dramáticas, ejecutadas en las plazas de los
pueblos por compañías que incluían solo un actor y un coro. A fines del Siglo
VI a.C alcanzó extraordinaria celebridad el legendario poeta e intérprete
Tespis, en cuyo honor la frase el carro de Tespis alude, aún hoy, al conjunto
del mundo del teatro.
El teatro griego surge tras la evolución de las artes y ceremonias griegas como
la fiesta de la vendimia (ofrecida a Dionisios) donde los jóvenes iban danzando
y cantando hacia el templo del dios, a ofrecerle las mejores vides. Luego un
joven que resaltó entre el grupo de jóvenes se transformó en el Corifeo o
maestro del coro, quien dirigió al grupo. Con el tiempo aparecieron el bardo y
el rapsoda, que eran recitadores.
En el curso del siglo V a. C., durante la edad clásica de Grecia, se establecieron
los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia, y los dramaturgos
Esquilo y Sófocles añadieron respectivamente un segundo y tercer actor a la
acción, lo que dio a ésta una complejidad que hacía necesaria la creación de
mayores escenarios. Para ello se erigieron grandes teatros de piedra, entre los
que cabe citar el aún conservado de Epidauro en el siglo V a. C., capaz de
albergar unas 12.000 personas, y el de Dioniso, en Atenas, en el siglo IV A.C.
Su construcción se realizaba mediante el aprovechamiento de las faldas de una
Sófocles
colina, donde se disponían en forma semicircular las gradas que rodeaban la
orquestra, espacio circular en el que se efectuaba la mayor parte de de la
representación. Tras la orquestra se levantaba una edificación llamada skené, escena, destinada a que los actores
cambiaran su vestimenta. Delante de ella se levantaba una pared columnada, el proscenio, que podía sostener
superficies pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con las túnicas y máscaras empleadas
por los actores y algunas máquinas rudimentarias, constituían todo el aparato escénico.
Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro (dirigido por el Corifeo o maestro del
coro) que cantaba [el coro] y danzaba en torno a un altar. En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la
tragedia, obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas heroicas y utilizaba, oportunamente, a
los dioses para su final, y la comedia satírica, que criticaba humorísticamente a políticos y a las obras e incurrían en
una mímica iniciada por un coro de sátiros, y comedias que tenían por tema asuntos de la vida cotidiana; todas
estaban escritas en verso y utilizaban máscaras.
Teatro
Teatro romano
Los teatros romanos heredaron los rasgos fundamentales de los griegos, si bien introdujeron ciertos elementos
distintivos. Construidos inicialmente en madera, sólo en el año 52 a. C. Pompeyo, erigió en Roma el primero en
piedra. A diferencia de sus modelos helénicos, se levantaban sobre el suelo plano y poseían varias plantas erigidas en
mampostería. Con objeto de mejorar la acústica, los arquitectos romanos redujeron la orquestra a un semicírculo, y
los espectáculos se presentaban sobre una plataforma, el pulpitum, levantada delante de la antigua skene que
constituye el origen de los modernos escenarios. La frons scaenae era una fachada monumental de varios pisos, que
servía de fondo de escenario. El graderío (cávea) se divide en 3 partes: Ima, media y suma , ubicándose la primera en
la zona inferior donde se sentaban los senadores y la clase dirigente; quedando asentados en la superior las mujeres y
los esclavos y en la media el pueblo llano. El conjunto podía cubrirse con un velum. Roma optó también por la
comedia, ya que éstos tomaron el teatro como una manera de divertirse o entretenerse.
Civilizaciones americanas
En las culturas americanas prehispánicas el teatro llegó a adquirir un notable desarrollo, particularmente entre los
mayas, una de las obras más representativas del teatro maya es el drama quiche Rabinal Achí el teatro maya se
hallaba parcialmente vinculado a los ciclos agrícolas y a la épica de sus eventos históricos, y entre los aztecas e
Incas, sociedades que en correspondencia con su estructura teocrática dieron a sus actividades teatrales un matiz
eminentemente guerrero y religioso.
Civilizaciones orientales
Las manifestaciones dramáticas en Asia se remontan a
épocas antiquísimas. En China se practicaban ya, bajo
la forma de poemas escenificados, a fines del segundo
milenio antes de la era cristiana. En la India su
aparición fue posterior, mas el hecho de que en el
Mahabhárata, poema épico que adquirió su forma
definitiva hacia el siglo IV a. C., se mencione
específicamente este arte revela la existencia de
remotas formas teatrales relacionadas con las creencias
védicas. El carácter marcadamente ritual y simbólico
del teatro oriental que determinó un protagonismo de la
música y la danza muy superior a la occidental, marcó
Representación del teatro Nô, 能.
asimismo en Japón, el desarrollo del teatro 能, en
español llamado Nō surgido en el siglo XV, del que dos
centurias más tarde brotó el 歌舞伎 o kabuki, el más popular, y basado sobre todo en la capacidad de los intérpretes,
y en la apelación a los sentidos antes que al intelecto.
Edad Media europea
Tras siglos de olvido, la recuperación del teatro en Occidente tuvo principal apoyo en el clero, que lo empleó con
fines didácticos. Así, desde el siglo XI, fue habitual la representación en las iglesias de misterios y moralidades,
cuyo objeto era presentar de forma sencilla la doctrina cristiana a los fieles. A fin de facilitar la comprensión, el latín
cedió paso paulatinamente a las lenguas vernáculas, y en los siglos XIII y XIV, tanto las piezas religiosas como las
florecientes farsas profanas comenzaron a representarse.
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Teatro
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Renacimiento
La eclosión del Renacimiento en Italia tuvo consecuencias decisivas sobre la evolución del teatro, pues, al surgir una
producción dramática de carácter culto, inspirada en los modelos clásicos y destinada a las clases aristocráticas, se
generalizó en el transcurso del siglo XVI la construcción de salas cubiertas y dotadas de mayores comodidades.
Teatro en Italia
Como primero de los teatros modernos suele citarse el Olímpico de Vicenza, diseñado por Andrea Palladio y
finalizado en 1585, que constituía una versión de los modelos romanos y presentaba, al fondo del escenario, una
perspectiva tridimensional con vistas urbanas. El modelo clásico del teatro italiano, vigente en muchos aspectos, fue
no obstante el teatro Farnese de Parma, erigido en 1618, cuya estructura incluía el escenario, enmarcado por un arco
proscenio y separado del público por un telón, y una platea en forma de herradura rodeada por varios pisos de
galerías. Durante este tiempo se desarrolló también en Italia una forma de teatro popular, la comedia del arte, que
con su énfasis en la libertad de improvisación del actor dio un gran avance a la técnica interpretativa.
Inglaterra: el teatro isabelino
Muy diferentes fueron los teatros erigidos en Inglaterra durante el
reinado de Isabel I de Inglaterra, época de excepcional esplendor del
género dramático, entre los que se destacó el londinense The Globe
donde presentaba sus obras William Shakespeare. Carentes de techo y
construidos de madera, su rasgo más característico era el escenario
elevado rectangular, en torno al cual el público rodeaba a los actores
por tres lados, mientras las galerías se reservaban para la nobleza.
España: los corrales de comedias
William Shakespeare.
En España, y en la misma época que el teatro Isabelino en Inglaterra
(siglos XVI y XVII) se crean instalaciones fijas para el teatro al aire
libre denominadas Corrales de Comedias, con las que guardan
similitudes constructivas. A diferencia del caso inglés, en España si
han pervivido algunos ejemplos de estas edificaciones. Exponentes de
esta época son los autores Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón
de la Barca, claros exponentes del importante Siglo de Oro español.
Barroco y neoclasicismo
The Globe Theatre.
El transcurso de los siglos XVII y XVIII dio lugar a un gran
enriquecimiento de la escenografía. La recuperación por parte del
drama clásico francés de la regla de las tres unidades —acción, tiempo
y lugar— hizo innecesaria la simultaneidad de decorados, con lo que se
empleó sólo uno en cada acto, y pronto se generalizó la costumbre de
cambiarlos en los entreactos. Posteriormente, la creciente popularidad
de la ópera, que requería varios montajes, favoreció el desarrollo de
máquinas perfeccionadas que dieran mayor apariencia de veracidad a
efectos tales como: la desaparición de actores y la simulación de vuelos
—las llamadas "glorias", por ejemplo hacían posible el descenso de las
alturas del escenario de una nube que portaba a los cantantes. El teatro
Teatro
de la Scala de Milán, finalizado en 1778, constituye un ejemplo de las grandes dimensiones que eran precisas para
albergar tanto al público como a la tramoya y al aparata escénico.
Teatro moderno
Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se mantuvieron en esencia
inalterables, si bien las exigencias de libertad creativa iniciadas por los autores románticos condujeron a fines de la
centuria a un replanteamiento general del arte dramático en sus diversos aspectos.
Fundamental en este sentido fue la construcción del monumental Festspielhaus de Bayreuth, Alemania, erigido en
1876 de acuerdo con las instrucciones del compositor Richard Wagner, que constituyó la primera ruptura respecto a
los modelos italianos. Su diseño en abanico, con la platea escalonada, el oscurecimiento del auditorio durante su
representación y la ubicación de la orquesta en un pequeño foso, eran elementos concebidos para centrar la atención
de los espectadores sobre la acción y abolir en lo posible la separación entre escenario y público.
Esta exigencia de integración entre el marco arquitectónico, la escenografía y la representación fue acentuada en los
últimos decenios del siglo XIX y primeros del XX por la creciente importancia concedida a la figura del director
gracias a personalidades como el alemán Max Reinhardt, autor de espectaculares montajes, el francés André
Antoine, adalid del naturalismo, el ruso Konstantín Stanislavski, director y actor cuyo método de interpretación
ejercería gran influencia sobre el teatro moderno, o el escenógrafo británico Edward Gordon Craig, que en su
defensa de un teatro poético y estilizado abogó por la creación de escenarios más sencillos y dúctiles.
La aparición del teatro moderno, pues, se caracterizó por su absoluta libertad de planteamiento mediante el diálogo
con formas tradicionales y las nuevas posibilidades técnicas darían lugar a una singular transformación del arte
teatral. En el campo del diseño arquitectónico y escenográfico las mayores innovaciones se debieron al desarrollo de
nueva maquinaria y al auge adquirido por el arte de la iluminación, circunstancias que permitieron la creación de
escenarios dotados de mayor plasticidad (circulares, móviles, transformables, etc.) y liberaron al teatro de la
apariencia pictórica proporcionada por la estructura clásica del arco del proscenio.
Elementos básicos
El teatro como se ha podido observar, constituye un todo orgánico del que sus diferentes elementos forman una parte
indisoluble. Esos elementos, no obstante, poseen cada uno características y leyes propias y, en función de la época,
de la personalidad del director o de otras circunstancias, es habitual que se conceda a unos u otros mayor relevancia
dentro del conjunto. Estos elementos son:
Texto
Las obras dramáticas se escriben en diálogos y en primera persona, en el que existe las acciones que van entre
paréntesis, (llamado lenguaje acotacional)
En la tradición occidental, el texto, la obra dramática, se ha considerado siempre la pieza esencial del teatro, llamado
"el arte de la palabra". Dado que, de forma más matizada, esta orientación predomina también en las culturas
orientales, cabe cuando menos admitir como justificada tal primacía. A este respecto deben hacerse, no obstante, dos
consideraciones: en primer lugar, el texto no agota el hecho teatral, pues una obra dramática no es teatro hasta que se
representa, lo que implica como mínimo el elemento de la actuación; en segundo lugar, son numerosas las formas
dramáticas arcaicas y los espectáculos modernos que prescinden por completo de la palabra o la subordinan a
elementos cual la mímica, la expresión corporal, la danza, la música, el despliegue escénico.
El hecho de que la obra sólo adquiera plena vigencia en la representación determina además el carácter distintivo de
la escritura dramática respecto a otros géneros literarios. La mayoría de los grandes dramaturgos de todos los
tiempos, desde los clásicos griegos al inglés William Shakespeare, el francés Molière, el español Pedro Calderón de
la Barca o el alemán Bertolt Brecht, basaron sus creaciones en un conocimiento directo y profundo de los recursos
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Teatro
escénicos e interpretativos y en una sabia utilización de sus posibilidades.
Dirección
La personalidad del director como artista creativo por derecho propio sólo se consolidó, según se apuntó
anteriormente, a fines del siglo XIX. Su figura, de cualquier forma, había existido siempre, en cuanto responsable de
la coordinación de los elementos que representan, desde la escenografía a la interpretación. A él corresponde, en
definitiva, convertir el texto, si existe, en teatro, por medio de los procedimientos que juzgue precisos. para inducir a
la reflexión por los alemanes Bertolt Brecht y Erwin Piscator o el ascetismo del polaco Jerzy Grotowski
Actuación
Las técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre de manera uniforme. En el
teatro occidental clásico, por ejemplo los grandes actores, los "monstruos sagrados", tendían a enfatizar las
emociones con objeto de destacar el contenido de la obra, en la comedia del arte el intérprete dejaba rienda suelta a
su instinto; los actores japoneses del Nō y kabuki, hacen patentes determinados estados de ánimo por medio de
gestos simbólicos, bien de gran sutileza o deliberadamente exagerados.
En el teatro moderno se ha impuesto por lo general la orientación naturalista, en que el actor por medio de
adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del estudio de sí mismo y del personaje, procura recrear en
escena la personalidad de éste. Tal opción, evolucionada en sus rasgos fundamentales a partir de las enseñanzas del
ruso Konstantín Stanislavski y muy extendida en el ámbito cinematográfico, no es desde luego la única y en último
extremo la elección de un estilo interpretativo depende de características del espectáculo y de las indicaciones del
director.
Sin embargo, actualmente, a inicios del siglo XXI, la actuación teatral con tendencia naturalista está siendo
replanteada seriamente. La teatralidad contemporánea requiere una crítica del naturalismo como simple reproducción
del comportamiento humano, pero sin lazos con su entorno. Actualmente ha habido grandes transformaciones del
trabajo de Stanislavski siendo las más importantes Antonin Artaud, Jerzy Grotowsky Étienne Decroux y Eugenio
Barba. Estas técnicas, llamadas actualmente extracotidianas implican una compleja síntesis de los signos escénicos.
Otros elementos
De forma estricta, se entiende por decorado al ambiente en que se
desarrolla una representación dramática, y por escenografía, al arte de
crear los decorados. Hoy en día, tiende a introducirse en el concepto de
"aparato escenográfico" a todos los elementos que permiten la creación
de ese ambiente, entre los que cabría destacar fundamentalmente a la
maquinaria o tramoya y la iluminación.
En la antigüedad, la escenografía se hallaba condicionada a
limitaciones técnicas y arquitectónicas, circunstancia que se mantuvo
durante toda la Edad Media. Fue ya a fines del Renacimiento y, sobre
todo, durante los siglos XVII y XVIII, cuando la escenografía comenzó
a adquirir realce, gracias al perfeccionamiento de la perspectiva
El balcón de Julieta, en Verona, de la obra creada
pictórica, que permitió dotar de mayor apariencia de profundidad al
por Shakespeare.
decorado, y posteriormente al desarrollo de la maquinaria teatral. En el
siglo XIX, con la introducción del drama realista, el decorado se
convirtió en el elemento básico de la representación. El descubrimiento de la luz eléctrica, en fin, dio pie al auge de
la iluminación. Las candilejas, que en principio eran un elemento accesorio, se consideran poéticamente un símbolo
del arte teatral.
11
Teatro
12
Estrechamente vinculado con la concepción escénica, se ha hallado siempre el vestuario. En el teatro griego, la
tosquedad de los decorados se compensaba por medio de máscaras —trágicas o cómicas— y las túnicas estilizadas
de los actores, cuyo objeto era de resaltar el carácter arquetípico de los personajes. Durante el Barroco y el
Neoclasicismo adquirieron importancia el maquillaje y el vestuario, si bien éste se empleó a menudo de forma
anacrónica —se representaba por ejemplo una obra ambientada en Roma con ropajes franceses del siglo XVII hasta
la aparición del realismo. En la actualidad, la elección del vestuario no es sino un elemento más dentro de la
concepción general del montaje.
Véase también
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Historia del teatro
Actuación
Comedia
Drama
Dramaturgia
Ópera
Taller de teatro
Teatro kabuki
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Teatro de marionetas bunraku
Mimo corporal dramático
Teatro Nō
Teatro (arquitectura)
Teatro de estilo Art Déco
Teatro de estilo isabelino
Teatro de estilo italiano
Teatro de estilo post
Teatro de vanguardia
Teatro del absurdo
Teatro en la educación
Teatro físico
Tragedia
Tragicomedia
Match Impro
Enlaces externos
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romanaCommons.
Musical
Musical
El musical es un género teatral o cinematográfico en que la acción se desenvuelve con secciones cantadas y bailadas.
Es una forma de teatro que combina música, canción, diálogo y baile, y se representa en grandes escenarios, como
los teatros de West End (Londres) o en Broadway (Nueva York).
Según la RAE[1] su origen es angloamericano. A lo largo del siglo XX tuvo un éxito inédito, sobre todo en la ciudad
de Nueva York.
Características
El musical remonta sus orígenes a varias fuentes teatrales del siglo IX, incluida la opereta, la ópera cómica, la
comedia musical, la pantomima, el minstrel show, el vodevil y el género burlesco.
Historia
El musical es una producción presentativa en la que se integran en una trama emocional canciones y bailes,
acompañamientos instrumentales e interluiodios y, a menudo, también danzas. Este género renació como se conoce
hoy en día en la Europa del siglo XI como una variante de la opereta, aunque en los diferentes países no existía teatro
musical con diferentes estilos: zarzuela, género chico y comedia musical en España, opera cómica y music hall en
Inglaterra u operette en Francia. Mucho después, durante la primera mitad del siglo XX, se desarrolló en Estados
Unidos, país donde ha registrado el máximo desarrollo.
El musical moderno se desarrolló por tipos, desde el show boat (el ‘barco-espectáculo’, 1927), hasta las fantasías de
jazz de los años treinta, y los musicales dramáticos de los años cuarenta como Oklahoma (1943), Carousel (1945) y
South Pacific (1949). En los años '1960 y '1970 la subida de los costos de producción y salariales apagaron muchos
grandes teatros, mientras que proliferaban pequeñas compañías experimentales no comerciales conocidas como el
«off Broadway» y el «off off-Broadway».
Hoy día, es fácil encontrar obras nuevas en los auténticos teatros de Braodway, cuyos espectáculos principalmente se
centran en el musical británico, las reposiciones o alguna representación para estrellas consagradas.
Últimamente han aparecido espectáculos musicales con canciones de grupos famosos con tintes de teatro musical
como Hoy no me puedo levantar (con canciones del grupo Mecano), Mamma Mia! (del grupo ABBA) y We will rock
you de Queen, que no pueden considerarse estrictamente musicales, puesto que las canciones no se han compuesto
para la historia, sino a la inversa. Un ejemplo de teatro musical clásico en España sería sin embargo A B C, de Nacho
Cano, pues las canciones se escribieron expresamente para ese musical.
Broadway
Broadway, una de las calles comerciales más importantes de la ciudad de Nueva York, se extiende siguiendo un eje
norte-sur. Desde los años ochenta, la ciudad de Nueva York ha intentado que se produzca un nuevo resurgir de la
actividad teatral en el distrito de Broadway. También tienen su sede en Broadway el Centro Lincoln para las Artes
Escénicas y la Universidad de Columbia donde se preparan también los actores de esta disciplina teatral
Centenares de obras se han presentado en esta calle, comedias musicales clásicas como Gypsy, Sweet Charity, Hello
Dolly, Annie, A chorus line, Godspell, Dreamgirls en los años ochenta, así como éxitos rotundos como las obras de
Andrew Lloyd Weber que atravesaron océanos para presentarse en el equivalente al West End británico, como lo son
Cats, El fantasma de la ópera, Evita, Starlight express y Sunset boulevard.
13
Musical
14
Algunos musicales famosos
Dentro de este género se pueden destacar obras
como
• Show Boat (1927), de Jerome Kern
• West Side Story (1957), de Leonard Bernstein
• La ópera de los tres centavos de Bertold
Brecht
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El hombre de La Mancha
El rey y yo (musical)
My Fair Lady
Evita
Funny Girl (musical)
Los miserables
La bella y la bestia
Wicked
Piaf
El fantasma de la ópera
Chicago
Grease
Cats
The Sound of Music
In the heights
Mamma Mia!
Fama
Annie (musical)
Billy Elliot
Avenue Q
Dreamgirls
Hairspray
El mago de Oz
The Book of Mormon
Gypsy
Spring awakening
Dreamgirls
Billy Elliot
Avenue Q
A Chorus Line
Los productores (musical)
Jersey Boys
Drácula, el musical Cibrián-Mahler
Rock of ages
Rent
American Idiot: The Original Broadway Cast Recording
Los miserables en Broadway.
Musical
Musicales en otros países
Los musicales han salido de su ámbito anglosajón original y se han exportado y adaptado a países del todo el mundo
donde la tradición del teatro lírico ya existía en formas como zarzuela, ópera, opereta y revista musical. Muy
recientemente varios países han empezado a crear sus musicales, sin partir de adaptaciones.
En los países latinoamericanos como Argentina, Colombia, Chile, Cuba, México y Perú existe también una oferta de
teatro musical.
Argentina
En Argentina el género musical se empezó a difundir con el estreno, en 1991, de Drácula, el musical de Pepe Cibrián
y Ángel Mahler. Como consecuencia, durante los años noventa se desarrolló una fuerte corriente de musicales en la
avenida Corrientes (llamada «la Broadway de Argentina»). Obras extranjeras, tales como Los miserables y El
fantasma de la ópera hicieron notar su influencia.
Brasil
Brasil cuenta con un sólido repertorio de teatro musical de los cuales se destacan Muerte y vida Severina (1966) y La
ópera del malandro (1985) con música de Chico Buarque y letras de João Cabral, que han sido representadas en
muchos países. El pagador de promesas (de Anselmo Duarte) ha sido llevada al cine.
Chile
La más conocida comedia musical chilena es La pérgola de las flores de Isidora Aguirre.
Cuba
Cuba es un país con una tradición de comedia musical desde los primeros sainetes del teatro bufo y vernáculo, ya
que desde principio de siglo XX se estableció el teatro Alhambra, que presentó temporadas durante 35 años.
También tuvo relevancia el teatro Martí y en el desaparecido Teatro Molino Rojo que después se llamó Regina. Los
musicales más importantes fueron "Mefistofeles" de Ignacio Sarachaga, "La isla de las cotorras" de F. Villoch y las
zarzuelas María La O (de Ernesto Lecuona en los años treinta), Cecilia Valdés (de Gonzalo Roig) y Amalia Batista
(de Rodrigo Pratts).Se destacaron intérpretes internacionales como Rita Montaner, Rosita Fornes y Ma. de los
Angeles Santana.Las vedette cubanas invadieron el cine musical de México como Ninón Sevilla, Rosa Carmina,
Amalia Aguilar y Ma. Antonieta Pons. A Argentina llegaron Blanquita Amaro y Amelita Vargas muchas
consagradas en el famoso centro nocturno Tropicana. Compositores como Ernesto Lecuona, Gonzalo Roig, Rodrigo
Prats o Jorge Ankerman que han contribuido con sus obras al desarrollo de este género teatral y se extendieron a
otras naciones.
España
Las obras más conocidas de compositores españoles en los últimos años son, entre otros:
• Mar y cielo, de Dagoll Dagom
• Sancho Panza, el musical, con música de José Luis Morán
• La Maja de Goya, con música de Fernando Arbex.
Entre los cantantes y actores del musical español se encuentran:
• Antonio Banderas
• Pedro Ruy Blas
• Raphael
• José Sacristán
• Paloma San Basilio
15
Musical
• Camilo Sesto
México
Este país suele poner en escena el repertorio estadounidense, debido a su cercanía geográfica. Sin embargo tiene sus
propias obras como Que plantón, Bésame mucho, Ciudad blanca, Mentiras, el musical y "Si nos dejan".
Perú
En este país existen varias productoras.
Los musicales en el cine
Se han llevado a cabo distintas adaptaciones de musicales a películas como:
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Singin’ in the rain (1952).
My fair lady (1964).
Hairspray (2007).
Evita
Grease
• El fantasma de la ópera
• La vida en rosa
Y otras que fueron hechas exclusivamente para el cine y luego pasaron a ser representaciones teatrales:
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Chitty Chitty Bang Bang
Mary Poppins
Shrek, el musical
Footloose
Saturday night fever
Flashdance
Notas
[1] Artículo «musical» (http:/ / buscon. rae. es/ draeI/ SrvltConsulta?TIPO_BUS=3& LEMA=musical) en el Diccionario de la lengua española
de la RAE.
16
Música popular
Música popular
La música popular es la que se opone a la música docta, es un conjunto de géneros y estilos musicales que, a
diferencia de la música tradicional o folclórica, no se identifica con naciones o etnias específicas. Por su sencillez y
su corta duración, no suelen requerir conocimientos musicales elevados para ser interpretados. Se comercializa y
difunde gracias a los medios de comunicación de masas.
La música popular surge en Europa con la llegada de la Revolución industrial en el siglo XVIII, cuando la mejora
tecnológica hace posible que los fabricantes puedan comenzar a producir instrumentos musicales en serie y a
venderlos a un precio razonable, llegando así a la clase media.
Otro avance importante en el desarrollo de este tipo de música se produce en el siglo XIX gracias al fonógrafo de
Edison y al gramófono de Berliner, que permiten al público en general grabar su propia música o escuchar la música
compuesta por los demás sin necesidad de asistir a un concierto en directo. De hecho, a finales de los años veinte del
siglo siguiente, muchos compositores prestigiosos e intérpretes populares ya habían efectuado múltiples grabaciones
que pudieron difundir a través de otros inventos modernos de la época como la radio y, posteriormente, la televisión.
Pero no será hasta la década de los cincuenta cuando la música popular alcance realmente la divulgación que tiene
hoy en día gracias al desarrollo del rock and roll y a la popularidad que alcanzaron las gramolas en los bares, pubs,
cafeterías y restaurantes. Además, no tuvo que pasar mucho tiempo antes de que apareciesen en el sector nuevos
géneros y subgéneros como el heavy metal o el punk, hasta tal punto que actualmente los estilos musicales son tantos
y tan variados, y las fronteras tan difusas, que es difícil saber cuando se está hablando de uno y cuando de otros.
Ejemplos
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Jazz
Hip hop
Rock
Blues
Pop
Música electrónica
Punk
Heavy metal
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Carnaval
18
Carnaval
El carnaval es una celebración pública que tiene lugar
inmediatamente antes de la cuaresma cristiana, con fecha variable
(desde finales de enero hasta principios de marzo según el año), y
que combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y fiestas
en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en
cualquier época del año. A pesar de las grandes diferencias que su
celebración presenta en el mundo, su característica común es la de
ser un período de permisividad y cierto descontrol.
Máscaras venecianas — detalle de El rinoceronte, de
El origen de su celebración parece probable de las fiestas paganas,
Pietro Longhi.
como las que se realizaban en honor a Baco, el dios del vino, las
saturnales y las lupercales romanas, o las que se realizaban en honor del buey Apis en Egipto. Según algunos
historiadores, los orígenes de esta festividad se remontan a las antiguas Sumeria y Egipto, hace más de 5.000 años,
con celebraciones muy parecidas en la época del Imperio Romano, desde donde se expandió la costumbre por
Europa, siendo llevado a América por los navegantes españoles y portugueses a partir del siglo XV.
El carnaval está asociado principalmente con el catolicismo, y en menor medida con los cristianos ortodoxos
orientales; las culturas protestantes usualmente no celebran el carnaval o tienen tradiciones modificadas, como el
carnaval danés.
Según el libro Guinness de los récords, la celebración del carnaval más grande del mundo es la de Río de Janeiro;[1]
y la mayor agrupación carnavalesca (comparsa), Galo da Madrugada de la ciudad de Recife, sitio de otro carnaval
muy importante.[2] Otros carnavales internacionalmente famosos son los de Barranquilla en Colombia, Oruro en
Bolivia, Venecia en Italia, Santa Cruz de Tenerife y Cádiz en España, Veracruz y Mazatlán en México.
Los etnólogos encuentran en el carnaval elementos supervivientes de antiguas fiestas y culturas, como la fiesta de
invierno (Saturnalia), las celebraciones dionisíacas griegas y romanas (Bacanales), las fiestas andinas prehispánicas y
las culturas afroamericanas. Algunos autores consideran que para la sociedad rural, fuertemente estructurada por el
cristianismo, el tiempo de «carnestolendas» ofrecía mascaradas rituales de raíz pagana y un lapso de permisividad
que se oponía a la represión de la sexualidad y a la severa formalidad litúrgica de la Cuaresma.
Etimología
A comienzos de la Edad Media la Iglesia Católica propuso una
etimología de carnaval: del latín vulgar carne-levare, que significa
'abandonar la carne' (lo cual justamente era la prescripción
obligatoria para todo el pueblo durante todos los viernes de la
Cuaresma).
Posteriormente surgió otra etimología que es la que actualmente se
maneja en el ámbito popular: la palabra italiana carnevale, que
significaba la época durante la que se podía comer.
Pero a fines del siglo XX varios autores comenzaron a sospechar
el origen pagano del nombre. Carna es la diosa Celta de las habas
y el tocino. También estaría conectada con fiestas indoeuropeas,
dedicadas al dios Karna (que en el Mahabhárata aparece como un
ser humano, hermano mayor de los Pándavas, hijo del dios del Sol
y la reina Kuntí).
El carnaval es una fiesta de origen pagano recuperada
en la Italia de la Edad Media. En la foto, el clásico
Carnaval de Venecia.
Carnaval
19
Actualmente el carnaval se ha convertido en una fiesta popular de carácter lúdico. El término «Carnaval» se aplica
también a otros tipos de festividades que no están situadas en el tiempo de las carnestolentas (tiempo previo a la
cuaresma), pero que comparten elementos similares, tales como los desfiles de comparsas.
El carnaval en el mundo
Alemania
Véase también: Carnaval de Colonia
Véase también: Carnaval de Mainz
Las cabezas gigantes en
Mainz
Argentina
En la Argentina la celebración del carnaval tiene una gran
importancia y se realiza de maneras diversas de acuerdo a la
región geográfica cultural.
La ciudad de Corrientes es la Capital Nacional del Carnaval; los
desfiles tienen lugar en un Corsódromo y su fiesta carnestolenda
es considerada entre los mejores carnavales del mundo junto al de
Rio de Janeiro, Niza, Gualeguaychú, Venecia y Nueva Orleans. Se
destacan las comparsas Ará Berá y Sapucay.
En la región noroeste andina, las celebraciones de carnaval señalan
la subsistencia de antiguas tradiciones indígenas pertenecientes a
la civilización andina prehispánica. Los hitos más importantes dentro de las ceremonias de carnaval son el
desentierro y el entierro del diablo de carnaval. El carnavalito, es un estilo folclórico centenario, desarrollado
precisamente para las celebraciones.
Murga de carnaval en Buenos Aires.
En la región mesopotámica, limítrofe con Brasil y Uruguay, existen importantes celebraciones en un estilo similar al
carnaval brasileño, aunque con elementos de la cultura rioplatense como el candombe. De gran fama, son los que
tienen su centro en la ciudad de Corrientes, en la provincia del mismo nombre, que ofrecen desfiles de carrozas y
comparsas con vestuarios muy lujosos ostentando el título de la ciudad "Capital Nacional del Carnaval". También
son de importancia, el Carnaval de Gualeguaychú (Denominado el Carnaval del País, ubicado entre los 5 mejores
carnavales del mundo junto con el de Río de Janeiro, Niza, Corrientes, Venecia y Nueva Orleans) y el de Gualeguay,
en la provincia de Entre Ríos por su majestuosidad, cantidad de integrantes que desfilan y sus corsódromos, similares
Carnaval
20
al de Brasil con una capacidad para 40.000 y 17.000 personas respectivamente, características que los diferencian de
los restantes carnavales de la provincia.
En la Provincia de Buenos Aires, es famoso el carnaval de Lincoln, ciudad que ha sido declarada capital nacional del
carnaval artesanal.
En la ciudad de Buenos Aires, se festeja al ritmo del bombo y el platillo, de las murgas porteñas. La mayoría de los
barrios tienen su corso con sus murgas.
En la ciudad de Rosario, también se festeja al ritmo del bombo y el platillo, con las murgas rosarinas a pleno,
haciéndolo en un espacio a tal efecto y además en distintos barrios recorriendo así la ciudad.
En la Provincia de La Rioja (Argentina) La Chaya Riojana es una fiesta ancestral y popular muy ligada al Carnaval,
que reconoce como principal protagonista al Pujllay, un muñeco de trapo de tamaño natural con cabeza canosa en
torno al cual se desarrolla la celebración. Este dios del carnaval nace el sábado anterior al festejo y su entierro tiene
lugar el Domingo de Cenizas. Actualmente la Chaya se festeja en todos los barrios regada de buen vino y con el aire
perfumado de albahaca, realizándose los tradicionales “Topamientos” entre familias, presididos por el “Compadre” y
la “Cuma”.
La convocatoria multitudinaria es el festival folklórico que se realiza por las noches en El Estadio del Centro, con la
particularidad de que unos pocos escuchan sentados a los artistas, mientras los demás disfrutan jugando con harina y
bailando al ritmo pegadizo de chayas, chacareras, zambas y demás ritmos folclóricos.
Bélgica
Véase también: Carnaval de Binche
Carnaval de Binche
Nombre descrito en la Lista del Patrimonio de la Humanidad.
Los gilles, durante el Carnaval de Binche
País
Bélgica
Región
Europa
Año de inscripción
2003 (XXVII Sesión)
En peligro
No
[3]
Carnaval
21
Carnaval de Aalst
Nombre descrito en la Lista del Patrimonio de la Humanidad.
[3]
Proseciones de Gigantes durante el Carnaval de Aalst
País
Bélgica
Región
Europa
Año de inscripción
2010 (XXXIV Sesión)
En peligro
No
En varias regiones de Bélgica se celebran los carnavales durante el mes de Febrero; destacan los carnavales de las
regiones de Binche, Aalst, Heist y Malmedy.
Uno de los carnavales más antiguos de Bélgica se celebra en la ciudad de Binche, ésta celebración data desde el siglo
XVI y se celebra tres días antes de la cuaresma. La celebración tiene matices multicolores el martes de carnaval, en
el cual salen a las calles unos personajes denominados "gilles" ataviados de trajes tradicionales y lanzando naranjas
rojas a la multitud. La celebración del carnaval de Binche fue proclamada en el 2003 "Obra maestra del patrimonio
oral e intangible de la Humanidad" por la UNESCO, posteriormente el 2008 pasó a formar parte de la "Lista
representativa del patrimonio inmaterial de la Humanidad".
Asimismo, UNESCO también proclamó al carnaval de Aalst como parte de la "Lista representativa del patrimonio
inmaterial de la Humanidad" en el 2010. Aalst es una ciudad del norte de Bélgica, situada en la región de Flandes
Oriental.
El Carnaval de Aalst tiene una duración de 3 días, desde el domingo anterior a la cuaresma. Algunas tradiciones del
Carnaval de Aalst son:
• La proclamación del «Príncipe del Carnaval» como alcalde simbólico de Aalst.
• Las procesiones de gigantes.
• Baile de cepillos, entre otros.
Durante las «procesiones de gigantes» también destaca la representación de «Bayard» (el caballo legendario de
Carlomagno).
El último día del Carnaval de Aalst, la esfigie del carnaval es quemada.
Bolivia
Oruro
Carnaval
22
Carnaval de Oruro
Nombre descrito en la Lista del Patrimonio de la Humanidad.
[3]
El Carnaval de Oruro - Conjunto "Diablada Artística Urus"
País
Bolivia
Región
Latinoamérica y el Caribe
Año de inscripción
2001 (XXV Sesión)
En peligro
No
El Carnaval de Oruro, es un celebración religiosa y un proceso cultural de interculturalidad e intangibilidad que
rebasa los 2000 años de antigüedad que por medio de la creatividad, la continuidad y la ritualidad llegó a constituirse
en un modelo de “Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad” (UNESCO) capaz de generar
manifestaciones culturales parecidas en otros espacios geográficos. La fiesta de Ito fue transformada en ritual
cristiano, la Virgen Candelaria (Virgen del Socavón) celebrada el 2 de febrero, y la tradicional “lama lama” o
“Diablada”, se convirtió en el baile típico, propio y principal de Oruro, Bolivia.[4] A lo largo de la festividad
participan más de 48 conjuntos folklóricos distribuidos en 18 especialidades de danzas que realizan su peregrinación
hacia el Santuario del Socavón cada sábado de carnaval en la tradicional “Entrada”. El carnaval de Oruro al ser la
conjunción de más de 28 000 danzantes, cerca de 10 000 músicos distribuidos en 150 bandas, baile callejero con un
escenario repleto de más de 400 000 espectadores del país y extranjeros en casi cuatro kilómetros de distancia, en
una reunión inimaginable de niños, niñas, mujeres y hombres, que cantan, bailan y trabajan, en honor a la Virgen del
socavón, Patrona de los mineros y Reina del folklore de Bolivia. Llego a convertirse en un centro de irradiación de
danza y música de Diabladas, morenadas, caporales, tobas, tinkus, etc. y constituirse de esta forma en una “Obra
Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad”.[5]
Tarija
El carnaval de Tarija es otro de los carnavales más importantes de Bolivia. Esta fiesta comienza con un mes de
anticipación, con recorridos de comparsas y banda por las calles.
Faltando dos semanas para el carnaval, el día jueves, hombres y mujeres transitan las calles de la ciudad con
hermosas tortas adornadas con fruta de la temporada, dulces, flores, queso, etc; todo esto en una gran canasta con
globos y serpentinas, se trata de la fiesta de "Comadres y Compadres". Quien recibe el presente se convierte en
compadre o comadre y se compromete a acompañar en las buenas y en las malas a su nuevo pariente espiritual. Por
las noches las mujeres de Tarija salen a la plaza a bailar con sus tortas.
Las comparsas tienen como costumbre llevar un diablo enjaulado a la plaza, donde se libera de su cautiverio; este
acto da inicio a la fiesta.
Tarija es famosa por la belleza de sus mujeres. Entre ellas se realiza la elección de la Reina de Carnaval. Los
habitantes organizan el Corso Infantil y el Corso de Mayores, el cual está lleno de colorido y alegría y se
complementa con el Concurso Folklórico Campesino de Música y Baile. Posteriormente comienza el gran baile
popular en la plaza principal en el cual participan las comparsas, la población y los visitantes. Es interesante ir a los
pueblos porque cada uno presenta sus manifestaciones folklóricas.
Carnaval
Al comienzo de la cuaresma, se entierra al diablo en una fiesta especial, evento único en el cual los tarijeños usan
una máscara elaborada con cuernos de oveja, chivo o vaca imitando al diablo. Mientras un hombre le abre paso al
diablo, va detrás la "negra santera" pintándole la cara a los curiosos con hollín. A ellos les sigue el diablo y los
grupos carnavaleros.
Santa Cruz
En Santa Cruz de la Sierra destacan principalmente los concursos de diferentes grupos ( murgas infantiles y adultas,
agrupaciones músicales, comparsas y rondallas) además de cabalgatas y el gran Coso Apoteósico.
Se celebran actos de elección de reinas (infantil, adulta y de la 3ªEdad) donde lucen las fantasías creadas por los
diseñadores.
Se realizan diversos eventos durante toda la semana destacando el Entierro de la sardina, celebrado el miércoles de
ceniza, y el carnaval de día, este se celebra desde el año 2008 y ha tenido una gran aceptación. El carnaval de noche
muy conocido por las actuaciones realizadas en vivo en diversos puntos de la capital donde se pueden elegir diversos
ambientes y estilos musicales, este carnaval congrega a una gran multitud.
Se celebra con diferentes elementos como ser pistolas de agua, globos de agua, pistolas de tinta, tinta, valdes, nieve
artificial o crema de lustrar para armar una mini guerra entre los grupos también llamados comparsas.
Brasil
Los centros más importantes son las ciudades de Recife y Olinda
en Pernambuco, Salvador de Bahía, Río de Janeiro y São Paulo.
En el carnaval brasileño desempeñan un rol central las escolas de
samba y los blocos, conjuntos muy elaborados de danza, música y
canto, que desfilan por las calles (en Salvador) y en
"sambódromos" (en São Paulo y Río De Janeiro). Las músicas del
carnaval es el samba y (en Recife y Olinda). Grandes cantantes
estuvieron presentes en sus blocos en Salvador, como Ivete
Sangalo, Daniela Mercury, Olodum, Cláudia Leitte, Filhos de
Gandhi, etc. Mucho Frevo en las ciudades hermanas de Recife y
Escuela de samba en el carnaval carioca.
Olinda en Pernambuco. En Río de Janeiro y São Paulo son los más
destacado las escuelas de samba, entre ellas están: En Río: Mangueira, Portela, Salgueiro, Beija-Flor, União da Ilha,
Mocidade Independente, etc. São Paulo: Vai-Vai, Nenê, Camisa, Rosas de Ouro, Mocidade Alegre, Peruche,
Leandro de Itaquera, entre otras.
Colombia
Véanse también: Carnaval de Barranquilla, Carnaval del Diablo y Carnaval de Negros y Blancos
23
Carnaval
24
Carnaval de Barranquilla
Nombre descrito en la Lista del Patrimonio de la Humanidad.
[3]
Marimondas del Carnaval de Barranquilla
País
Colombia
Región
Latinoamérica y el Caribe
Año de inscripción
2003 (XXVII Sesión)
En peligro
No
Carnaval de Negros y Blancos
Nombre descrito en la Lista del Patrimonio de la Humanidad.
[3]
Carroza del Carnaval de Negros y Blancos
País
Colombia
Región
Latinoamérica y el Caribe
Año de inscripción
2009 (XXXIII Sesión)
En peligro
No
En Colombia se realizan varios carnavales, entre los que se destacan: El Carnaval de Barranquilla, declarado
Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad por la Unesco en 2003 y Patrimonio Cultural de la Nación en 2001
por el Congreso de Colombia,considerado el segundo mas concurrido y famoso del mundo despues del carnaval de
rio de janeiro, La fiesta inicia con la Lectura del Bando, lo que da inicio a la temporada de «precarnavales», durante
la cual se celebran diversas actividades como la Coronación de la Reina y la Guacherna, preparatorias para el
Carnaval, el cual se celebra los 4 días de previos al Miércoles de Ceniza. Los carnavales inician con un gran desfile
de carrozas y disfraces conocido como la Batalla de Flores (además de otras actividadesca el Sábado de Carnaval
tales como el Carnaval del Sur, desfile por la calle 17 y luego por el Boulevard del barrio Simón Bolívar y el
Carnaval de Antano, desfile que baja por la carrera 44); el Domingo de Carnaval el acto central es la Gran Parada de
Tradición (desfile de disfraces tradicionales); prosigue el Lunes de Carnaval con la Gran Parada de Fantasía (desfile
de disfraces de fantasía) y el Festival de Orquestas (competencia de grupos musicales por el Congo de Oro); el
Carnaval finaliza el martes con un desfile por la calle 84 y luego con la muerte de Joselito (personaje que representa
Carnaval
25
el fin del Carnaval) y el concurso de letanías. La festividad congrega tradiciones indígenas, africanas y europeas
traídas desde el descubrimiento de América. Igualmente se dan cita los ritmos más representativos de la Costa Caribe
colombiana, como la cumbia, la puya, el mapalé, el garabato y el jalao.
También se celebra en Colombia el Carnaval de Negros y Blancos, declarado patrimonio Oral e Inmaterial de la
Humanidad por la Unesco en 2009 y Patrimonio Cultural de la Nación en 2001 por el Congreso de Colombia. Es una
de las fiestas más antiguas de la región sur colombiana, cuya versión moderna se remonta alrededor de 1912; se
celebra principalmente en la ciudad de Pasto, aunque también tiene su expresión en otras poblaciones del
departamento de Nariño como Ipiales y Túquerres, entre el 2 de enero y 7 de enero. Su principal diferencia con otras
festividades en la región latinoamericana es que esta celebración es de carácter festivo enfocado en la expresión
artística del pastuso. Su identidad es bastante compleja de describir, ya que mezcla una serie de tradiciones locales,
como la Llegada de la Familia Castañeda (4 de enero), con sucesos históricos en la región que forjaron una fiesta que
exalta la libertad del pueblo afroamericano celebrada el día de los Negros (5 de enero) y una variación de la
celebración del Día de Reyes o día de los Blancos (6 de enero), que es cuando se presentan las monumentales
carrozas en el Desfile Magno, donde algunos de sus motivos se inspiran en la identidad indígena de la región. Por eso
se considera que esta fiesta resalta la libre convivencia de razas en América Latina.
El Carnaval de Bogotá fue fundado en 2005 como una respuesta de la capital colombiana ante las propuestas
culturales del resto del país, promovida por el alcalde Luis Eduardo Garzón y se celebra alrededor del 6 de agosto,
fecha de fundación de la ciudad.
Chile
Véase también: Carnaval con la Fuerza del Sol
En Chile, en el año 1816, el último gobernador realista; Casimiro Marcó del Pont prohibió los carnavales a través de
la siguiente orden: "Teniendo acreditada por la experiencia, las fatales y frecuentes desgracias que resultan de los
graves abusos que se ejecutan en las calles y plazas de esta Capital en los días de Carnestolendas principalmente por
las gentes que se apandillan a sostener entre sí los risibles juegos y vulgaridades de arrojarse agua unas a otras; y
debiendo tomar la más seria y eficaz providencia que estirpe de raíz tan fea, perniciosa y ridícula costumbre; POR
TANTO ORDENO Y MANDO que ninguna persona estante, habitante o transeúnte de cualquier calidad, clase o
condición que sea, pueda jugar los recordados juegos u otros, como máscaras, disfraces, corredurías a caballo, juntas
o bailes, que provoquen reunión de gentes o causen bullicio..."
Ecuador
En Ecuador por su alta población indígena en la sierra, se celebran
los carnavales con agua, espuma de carnaval, talco o maicena para
pintarse la cara o cualquier tipo de pintura del tipo vegetal. El
lugar más conocido de esta celebración es la ciudad de Guaranda,
capital de la Provincia Bolívar, a 4 horas de la capital del Ecuador,
a donde llegan desde la misma sierra y la costa ecuatoriana por
encontrarse en medio del Ecuador. Se bebe el típico licor de la
zona, el "pájaro azul". Existe un desfile de carros alegóricos,
identificando diversos temas y la mayoría de comparsas baila el
tradicional himno carnavalero "El carnaval de Guaranda". Una
celebración diferente es la que se lleva a cabo en Ambato, tierra de
las flores y de las frutas, donde la característica, a diferencia del
resto
del
Ecuador,
son
las
comparsas
culturales,
Foto del Carnaval en Ecuador.
donde
se
lleva
a
Carnaval
cabo el desfile de carros alegóricos, decorados con flores y frutas
de la zona y llegan delegaciones de otros países para desfilar en él.
En la costa la cebración a demás del agua, la espuma y globos
también se une las celebraciones culturales de la zona como en
Esmeraldas donde se realizan festivales internacionales de culturas
afro americanas en lugares como "La calle 8" y el Balnerio las
Palmas. En Guayaquil, que es la ciudad mas grande y poblada del
Ecuador,conocida como "La Perla del Pacífico" se realiza desde el
2008, el Carnaval de Guayaquil, gracias a la iniciativa de la Muy
Ilustre Municipalidad de Guayaquil, se ha promovido como un
festival de cultura.
26
Foto del Carnaval en Ecuador.
Actividades diversas que involucran a niños, jóvenes y adultos, han hecho que esta fiesta se constituya en un
acontecimiento turístico y cultural de gran envergadura en nuestra ciudad. Shows artísticos, Desfiles con carros
alegoricos, comparsas, entre otras muchas actividades, han hecho que la imagen de un carnaval de juegos con agua,
tinta, harina y aceite, se vaya desvaneciendo, para convertirlo en un evento lleno de colorido y cargado de tradición,
que durante 4 días (del 05 al 08 de marzo) inundará las calles de la ciudad con mucho ritmo y diversión.
España
Categoría principal: Carnaval en España
Véanse también: Carnaval en los Pirineos y Jueves Lardero
Los carnavales de Santa Cruz de Tenerife y Cádiz tienen la categoría de Fiesta de Interés Turístico Internacional.[6]
[7] [8]
Andalucía
Almería
• Almería
Véase también: Carnaval de Almería
Cádiz
• Algeciras.
• Cádiz.
El Carnaval de Cádiz es uno de los más famosos de España y del
mundo, por lo que ha sido reconocido (conjuntamente con el
Carnaval de Santa Cruz de Tenerife) como de Interés Turístico
Internacional.[9] [10] Respecto a los orígenes del Carnaval los
estudiosos remiten hasta precedentes de distintas civilizaciones
que, sin usar el mismo concepto de la fiesta, han manejado objetos
y utensilios similares a los que se usan en Carnaval, y recuerdan el
origen remoto que pueden suponer las bacanales (fiestas en honor
de Baco), las saturnales (al Dios Saturno) y lupercales (al Dios
Pan), celebraciones que se conocieron tanto en la antigua Grecia
como en la Roma clásica.
• Chiclana de la Frontera.
• El Puerto de Santa María.
Chirigota del Carnaval de Cádiz.
Carnaval
• San Fernando
Córdoba
• Córdoba
Véase también: Carnaval de Córdoba
Huelva
• Ayamonte
Véase también: Carnaval de Ayamonte
• Isla Cristina
Véase también: Carnaval de Isla Cristina
Aunque de dimensiones más modestas que el de Cádiz, el carnaval de Isla Cristina posee una amplia tradición
debido a sus orígenes, gente de la mar que una vez al año disfrutaban de la vida para volver la temporada siguiente a
la dura vida en el océano. Este carnaval se parece más al de Cádiz, con sus murgas y comparsas, que a cualquier otro
de España y seguramente le sigue en importancia, aglutinando en su teatro a agrupaciones tanto regionales (Huelva,
Sevilla y Cádiz) como de la vecina Portugal. En la ciudad se ha creado un museo que recoge las costumbres y
tradiciones del carnaval isleño.
Jaén
• Martos
• La Carolina
Málaga
• Málaga
Véase también: Carnaval de Málaga
Sevilla
• La Rinconada
Véase también: Carnaval de La Rinconada
Aragón
Huesca
En el Sobrarbe, el rito, la historia y la diversión se mezclan para celebrar estas fiestas que, en su mayoría,
pervivieron inalterables tras la Guerra Civil y las prohibiciones franquistas, conservando su sabor popular. En
muchas poblaciones de Sobrarbe se ha conservado gran parte de esta tradición a través de los personajes y símbolos
carnavalescos que se mantienen de forma clara a pesar de la adaptación a los nuevos tiempos. También son
numerosas las referencias a Carnavales hoy desaparecidos como los celebrados en Jánovas, Boltaña o Broto, y a
otros recuperados en las últimas décadas y que muestran gran interés etnológico. En todos ellos, lo importante es
divertirse, bailar y disfrutar de la magia de Carnaval.
• Bielsa
Celebra uno de los Carnavales más afamados y tradicionales del Pirineo oscense y de toda España. Los jóvenes se
disfrazan de “trangas”, personajes míticos mitad humanos y mitad animales -machos cabríos, por lo general-, que son
símbolos de la virilidad y la fertilidad, y que se dedican a asustar e intimidar a quienes se encuentren en su camino.
Las jóvenes van ataviadas de "madamas", con vestidos blancos y gorros adornados de cintas de colores. Son la
representación de la pureza. Pero hay más personajes en las calles belsetanas: onsos, domadores, amontanos, caballés
27
Carnaval
o garretas. Pero además hay un muñeco que encarna la figura del Carnaval, Cornelio Zorrila. Durante las fiestas
Cornelio penderá de la fachada del ayuntamiento viendo el bullicio y la alegría. Tras los pasacalles, charangas,
verbenas y resto de actividades festivas, Cornelio será “ajusticiado”, poniendo fin al Carnaval belsetano.
• Torla
En Torla el Carnaval es una bestia negra, con cuernos y cubierta de pieles, que representa todo lo malo que ha
sucedido durante el año. Vive en Ordesa y allí está hasta que “El Tenedor” va a darle caza, para, posteriormente,
exhibirlo, atado y humillado, por la calles del Torla, hasta que es juzgado y condenado.
• Gistaín / Chistén (Bal de Chistau)
En Gistaín/Chistén el Muyén es la representación antropomorfa del Carnaval. Como otras "encarnaciones
carnavaleras" el Muyén recorre las calles con las rondas hasta que el Domingo de Piñata es ajusticiado, dando
comienzo al periodo de Cuaresma.
• San Juan de Plan / San Chuan de Plan (Bal de Chistau)
Los mayordomos y las madamas en San Chuan de Plan son los encargados de organizar una fiesta en la que se pasea
al Peirot, muñeco con ropas viejas que va montado sobre un burro, junto con las rondas que van pidiendo por las
casas. La quema del Peirot en la plaza Mayor marca el final del Carnaval. Antes, los mayordomos y las madamas
habrán protagonizado el pasodoble “Domingo de Carnaval”, baile reservado exclusivamente para ellos y vigilado por
el Melitá, especie de militar que evita que las parejas se acerquen demasiado.
• Plan (Bal de Chistau)
Plan tiene un Carnaval más sosegado y familiar. Esta fiesta se celebra junto con las águedas y son los mozos del
pueblo quienes organizan y realizan la ronda que recorre las calles de la localidad y que está dividida en grupos de
edad. Por la noche se celebra el baile de disfraces.
• Nerín
Nerín tiene como personaje protagonista al Carnuz. Un muñeco construido con trapos viejos y relleno de paja, que es
juzgado y condenado a morir en la hoguera tras el baile. Una vez completado este trámite, en la madrugada, los
vecinos recorren las calles de Nerín en una sonora esquillada.
Teruel
• Carnavales de Luco de Jiloca, con los zarragones y madamas.
• Carnaval de Villafranca del Campo, con la tradicional azuletada el martes de carnaval.
• Carnaval de Torrelacárcel, con los mascarones y viejas.
Zaragoza
• Cinco Villas
En las Cinco Villas encontramos personajes populares del carnaval en diversas localidades como el Amortajau de
Navardún, el Esquilón de Biel, Longás y Luesia, el Allaga y el Cuernazos de Pintano, el Ensabanau de Rivas, el
Hombre del Higuico de Luesia y Pintano; el Cobertor de Uncastillo, el Madamas, de Longás y Pintano, y el
Mascaretas un personaje común a muchos municipios de la zona.[11]
• Tauste
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Carnaval
Asturias
• Avilés
El Carnaval de Avilés o Antroxu es una de las fiestas más importantes en el Norte de España. Dura alrededor de una
semana repleta de actividades, concursos y actuaciones de todo tipo, entre las que destacan el Jueves de Comadres, el
concurso de "Chigres Antroxaos" (los bares y restaurantes se disfrazan), el Desfile de Carnaval, el Descenso Fluvial
de Galiana o el Certamen del Rey del Gochu la Faba. Se realizan, además, actuaciones de orquestas y grupos de
actualidad en El Parche (Plaza de España).
• Gijón
Canarias
Durante los carnavales que se celebran en las distintas
islas canarias, miles de personas salen a la calle durante
más de una semana. La fiesta cuenta con murgas,
comparsas, grupos de disfraces, etc. celebrándose
distintos concursos como la Gala de Elección de la
Reina. Los carnavales se celebran en todas las islas; los
más concurridos son: el Carnaval de Santa Cruz de
Tenerife (declarado Fiesta de Interés Turístico
Internacional, el de mayor importancia de España, y
uno de los principales del mundo)[12] [13] [14] y el
Carnaval de Las Palmas de Gran Canaria, del que
destaca la Gala Drag. Otros importantes son el
Reina del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife 2006
Mataculebra de Puerto de la Cruz, y el de Candelaria
(éste último con un importante encuentro de murgas
regional) ambos en Tenerife, el Carnaval de Playa del Inglés en Gran Canaria y el de Arguineguín, en la misma isla.
Los Carneros del Hierro, los Diabletes de Teguise y la parranda Los Buches de Arrecife, ambos de Lanzarote; Los
Indianos de Santa Cruz de La Palma y el Carnaval de Los Llanos de Aridane ambos de la isla de La Palma.
Santa Cruz de Tenerife
• Candelaria
• Tacoronte (Piñata Chica)
• El Hierro
Véase también: Carnaval de El Hierro
• Los Llanos de Aridane
Véase también: Carnaval de Los Llanos de Aridane
• Puerto de la Cruz
Véase también: Carnaval de Puerto de la Cruz
• Santa Cruz de La Palma
Véase también: Carnaval de Santa Cruz de La Palma
• Santa Cruz de Tenerife
• (El Carnaval de Santa Cruz de Tenerife actualmente aspira a convertirse en Patrimonio de la Humanidad).[15]
Esta declaración por parte de la UNESCO supondrá, de producirse, la mayor promoción internacional que haya
tenido Santa Cruz de Tenerife, por ser el primer Carnaval de España en obtener este reconocimiento, por su
carácter permanente en el tiempo y porque llegaría a los cinco continentes a través de la UNESCO.
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Carnaval
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Las Palmas
• Arguineguín
• Arrecife
Véase también: Carnaval de Arrecife
• La Aldea de San Nicolás
Véase también: Carnaval en La Aldea de San Nicolás
• Las Palmas de Gran Canaria
Véase también: Carnaval de Las Palmas de Gran
Canaria
• Maspalomas
• Teguise
Véase también: Carnaval de Teguise
Una de las noches temáticas del Carnaval de Las Palmas de Gran
Canaria 2008.
Cantabria
• Silió
Castilla-La Mancha
Albacete
• Tarazona de la Mancha
• Villarrobledo
Ciudad Real
• Alcázar de San Juan
• Herencia
• Miguelturra
Toledo
• Toledo
• Guadalajara
Los carnavales en Guadalajara duran casi una semana completa, los primeros actos son desfiles de cabezudos para
niños o onvite a bizcocho borracho en alguna de las plazas de la ciudad. El sábado de Carnaval se hace un gran
desfile, donde participan los adultos, en parejas, individuales, o grupos, el ganados suele llevarse un premio. El
domingo por la mañana se celebra el desfile infantil con las mismas características que el de adultos.
El carnaval cierra el miércoles con el Entierro de La Sardina, que está declarado de interés turístico, durante 5 días
los niños tienen libre en colegios e institutos.
Carnaval
Castilla y León
Ávila
• Cebreros
Véase también: Carnaval de Cebreros
Fiesta Interés Turístico Regional
León
• La Bañeza
Véase también: Carnaval de La Bañeza
Burgos
• Rabanera del Pinar
Véase también: Quivaca
Soria
• Soria
Véase también: Carnaval de Soria
Salamanca
• Ciudad Rodrigo Fiestas de Interés Turístico Nacional,
Véase también: Carnaval del Toro
Zamora
• Benavente
Véase también: Carnaval de Benavente
Cataluña
Como casi cualquier otro Carnaval del planeta, el Carnaval es la fiesta pagana que se celebra en el intervalo de
tiempo que va desde la venida de los Reyes Magos, hasta el miércoles de ceniza, día en el cual comienza la
Cuaresma.
En catalán se dice Carnestoltes, deriva del latín carnis cualis, o sea 'carnes privadas', y hace alusión a la prohibición
de comer carne durante los cuarenta días de la Cuaresma.
El miercoles de Ceniza,el rey Carnestoltes se enfrenta a un juicio contra la Vella Cuaresma (De cual,la Vella sale
ganando siempre),una vez terminado el juicio se condena al rey carnelstoltes a muerte y se incendia el muñeco que
representava al Rey Carnelstostels,cuando acaba la incineracion delmuñeco comienza la Cuaresma (40 dias en los
que no se puede comer carne)
Los más famosos carnavales catalanes son los de Solsona, Cunit, Villanueva y Geltrú, Sitges, Rubí, Tarragona, Olot,
Torelló, Palamós y Castillo de Aro. El Carnaval de Solsona tiene una gran afluencia de publico el Sábado de
Carnaval debido a la típica ceremonia de "Penjada del Ruc". El Carnaval de Castillo de Aro tiene una afluencia de
100.000 espectadores y 7.000 figurantes. El Carnaval de Villanueva y Geltrú es el carnaval más tradicional que,
seguramente, podemos encontrar en el mundo, destacando el acto central "Las Comparsas de Vilanova" ("Les
Comparses de Vilanova") el Domingo de Comparsas, donde más de 20.000 personas se enzarzan en una guerra de
caramelos.
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Carnaval
Lérida
• Solsona Fiestas de Interés Turístico Nacional
Véase también: Carnaval de Solsona
Barcelona
• Sitges Fiestas de Interés Turístico Nacional
• Sallent
• Villanueva y Geltrú Fiestas de Interés Turístico Nacional,
• Torelló
Gerona
• Palamós
• Castillo de Aro
Tarragona
• Cunit
• Tarragona
Extremadura
Badajoz
• Badajoz
Véase también: Carnaval de Badajoz
• Quintana de la Serena
Cáceres
• Navalmoral de la Mata Fiestas de Interés Turístico Regional de Extremadura
• Jaraíz de la Vera
• Villanueva de la Vera Fiestas de Interés Turístico Nacional,
Véase también: Carnaval de Villanueva de la Vera
Véase también: El Peropalo
• Peraleda de la Mata
Galicia
Véase también: Entroido
Orense
• Verín
• Laza
Véase también: Carnaval de Laza
Región de Murcia
En Murcia, se celebra el carnaval en bastantes localidades como los de Águilas que están declarados de Interés
Turístico Nacional, además de las localidades de: Alcantarilla, Aljucer, Beniaján, Cabezo de Torres, Cartagena,
Fortuna, La Unión, Las Torres de Cotillas, Llano de Brujas, Lorca, Librilla, Molina de Segura, Sangonera la Verde,
Santiago de la Ribera, Yecla, Zeneta y otros.
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Carnaval
• Águilas Fiestas de Interés Turístico Nacional,
Véase también: Mussona
Navarra
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
Alsasua
Aoiz
Aranaz
Bacáicoa
Baztán
Berriozar
Burlada
Cintruénigo
Cendea de Cizur
Estella
Goizueta
Huarte
Ituren
• Lanz
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
Lesaca
Leiza
Lumbier
Valcarlos
Pamplona
Tafalla
Tudela
Unanua
Vera de Bidasoa
Zubieta
País Vasco
Véase también: Carnaval del País Vasco y Navarra
Álava
•
•
•
•
Amurrio
Llodio
Salvatierra
Zalduondo
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Carnaval
Guipúzcoa
• Éibar
• Tolosa
Vizcaya
• Bilbao
• Mundaca
• Ondárroa
Comunidad Valenciana
Alicante
• Alicante
• Jávea
Castellón
• Alcalá de Chivert
• Grao de Castellón
• Vinaroz
No hay datos exactos de los comienzos de la fiesta del Carnaval en la ciudad de Vinaroz, en la Comunidad
Valenciana. El documento más antiguo que se conserva en el Archivo municipal corresponde a la realización de un
baile de máscaras que se celebró en el año 1871, en el cual se recaudaron cincuenta reales que el Sr. Nicolás Bas
Rodríguez hizo entrega al alcalde presidente del Ayuntamiento, el Sr. Demetrio Ayguals de Izco, para la
beneficencia.
Posteriormente y en tiempos de la segunda república española, ya hay indicios de la celebración espontánea del
Carnaval, pasando a partir de 1939 a ser una fiesta prohibida, siendo muchos vecinos que se disfrazaban, contando
un poco de manga ancha por parte de las autoridades del momento, lo cual hizo que esa iniciativa llevada a cabo por
algunos vecinos continuara.
Llegando hasta nuevos días y con la llegada de la democracia, la fiesta del Carnaval empezó a resurgir con mayor
fuerza, siendo para el año 1983 cuando las primeras comparsas y libres empiezan a desfilar por las calles de Vinaròs
hasta llegar a la actualidad, donde 32 son las comparsas que desfilan acompañadas de un nutrido grupo de libres.
En la actualidad de Vinaroz, el carnaval se celebra 40 días antes del inicio de la cuaresma. Doce días antes del
miércoles de ceniza dan comienzo los diferentes actos del Carnaval, los cuales durarán 11 días. Son muchos los actos
multitudinarios, como la imposición de corbatines a los estandartes de las comparsas, la proclamación de las reinas,
dos grandes desfiles que se celebran en el último fin de semana, diferentes actos de tipo deportivo, cultural,
gastronómico, etc. Todo ello llenará un amplio programa de fiestas, elaborando y organizado por la Comisión
Organizadora del Carnaval (C.O.C) y contando con el patrocinio y colaboración del Magnífico Ayuntamiento de
Vinaroz.
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Carnaval
Valencia
•
•
•
•
Bélgida
Carlet
Ollería
Villar del Arzobispo
Francia
En Francia es famoso el Carnaval de Niza, con fantásticas carrozas alegóricas cada año a distintas partes del mundo
y culturas de épocas actuales o pasadas, como por ejemplo la época de los cowboys, de la conquista del espacio, etc.;
se constituye en un fenómeno turístico.
Honduras
Véase también: Gran carnaval internacional de la Amistad.
El Carnaval más importante que se celebra en Honduras es el Gran Carnaval Internacional de la Amistad celebrado
en la ciudad de La Ceiba, al norte del país. Se lleva a cabo cada tercer sábado de mayo en honor a San Isidro
Labrador, patrón de la ciudad. Se lo considera como uno de laos importantes en Centroamérica; durante esa semana
la población de la ciudad, que oscila entre los 250 y 300 mil habitantes, se duplica con la llegada de mas de 400 mil
extranjeros cada año que llegan principalmente del interior de Honduras, Estados Unidos, Japón, Taiwan, Canadá y
el resto de Centroamérica.
Italia
Véanse también: Carnaval de Viareggio y Carnaval de Venecia
México
Véanse también: Carnaval de Veracruz, Chimalhuacan, Carnaval de Tenabo, Carnaval de Tlaxcala, Carnaval de
Papalotla de Xicohténcatl (Tlaxcala, México), Carnaval de Mérida, Carnaval de Tenosique y Carnaval de Tlaltenco
Carnaval de Ensenada
En Ensenada cuya ciudad se encuentra en el sur de Baja California, se hace un gran carnaval, es una ciudad que tiene
un gran puerto y donde viene mucha gente a visitarla su nombre completo es: Ensenada de todos los Santos así se
le llamó por el descubridor de la ciudad. Este carnaval incluye bailes folcroricos, cultura, tradiciones, atracciones,
etc. Normalmente se hace un desfile para inaugurar el Carnaval en Ensenada llega gente de Mexicali, Tijuana,
Rosarito, Tecate y hasta de EU ya que llegan en grandes barcos.
Carnaval de Campeche
En México el carnaval mas antiguo con 428 años de existencia es el carnaval de Campeche, ubicado en el sureste de
México (península de Yucatán).
Se presume que la primera celebración del Carnaval en la ciudad de San Francisco de Campeche, se efectuó en 1582
tras la orden del Gobernador Español de la provincia Guillén de las Casas. En el Siglo pasado a la señorita elegida
para representar la belleza, se le llamaba Lucero o Estrella del Carnaval, este título sufrió otro cambio antes de
Reina, fue Flor del Carnaval más o menos por 1930.
Las comparsas Típicas, que son la herencia que llega hasta nuestros días de añejos carnavales basados en el folklor
que les caracteriza, influenciada por la cultura negra, como las Jicaritas, el Gallo, los Papagayos y la Guaranducha
Campechana.
35
Carnaval
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Las coronaciones del carnaval de Campeche. Las famosas noches de coronación del carnaval de Campeche,
empiezan con la coronación de los reyes con discapacidades diferentes, cabe mencionar que la ciudad de
Campeche,del estado de Campeche fue el primer carnaval en tener reyes de discapacidad, demostrando que el
carnaval es para todos y de todos. La segunda noche de coronación corre a cargo de los reyes infantiles, que año con
año dan un espectaculo de primer nivel al igual que la tercera noche de coronación que encabezan los reyes del
carnaval que igual brindan un espectaculo de gran nivel y la última noche de coronación es de la reina de la TV,
donde se invita a una celebridad para ocupar el cargo de reina del carnaval de campeche como representante de la
TV y donde la acompaña un chambelán de TV.
Carnaval de Chimalhuacan
Carnaval de Chimalhuacan: Las comparsas: Es un baile regional
tradicional celebrado en la comunidad de Chimalhuacan en todos y
cada uno de los barrios el cual representa los caciques y la gente
de dinero que celebraba la venida de su dios y una forma de
agradecimiento a la vida estos bailes regionales son
representativos en cada localidad de Chimalhuacan "los charros"
como originalmente se les conoce en cada uno de los barrios son
los representantes nacionales de las típicas tradiciones de esta
localidad. actualmente existen muchas comparsas y se realiza un
desfile por todo el pueblo de chimalhuacan. Estos desfiles son una
de las principales fiestas esperadas en este municipio y
principalmente estas comparsas han sido preservadas gracias a
tradiciones familiares, pues en la actualidad son dirigidas y
creadas por familias completas, la mayoría de estas familias son
habitantes de Chimalhuacan desde sus inicios. Las comparsas no
son definidas para algún sector en especial, pues hay de niños y
adultos, y los habitantes pueden escoger su pertenencia a la que
más les agrade.
Carnaval en Chimalhuacan.
Las andancias: Es un baile regional celebrado en la localidad representando a los peregrinos de Nazaret pidiendo
posada, de igual manera estos personajes disfrazados de mujeres y animales salen a las calles a realizar dicho baile y
durante el transcurso de este se realiza una colecta en favor de la parroquia de cada comunidad con lo que culmina
una fiesta regional exquisitamente representativa de Chimalhuacan.
Son cinco los tipos de bailes utilizados para el carnaval de los cuales desatacan las cuadrillas y las virginias además
del paso doble, y el paseo que sirve para avanzar y por último el lanzero que ya casi no se practica, en total son 68
grupos los que bailan con su propio estilo Entre los nombres de algunas comparsas podemos encontrar "Los
Calaveras" y "los Gavilanes", entre otros.
La Guelaguetza es una tradición en este municipio con más de 10 años en el que se fusiona la tradición y cultura de
Oaxaca y Chimalhuacán, se lleva a cabo cada año en la explanada de la casa de cultura del Barrio Vidrieros que en
los últimos tres años asistieron alrededor de 10 mil visitantes.
La fiesta se compone de tres partes: el Convite que es una procesión vespertina en la que se van regalando cosas; la
Calenda es una procesión nocturna en la que hay bebida y quema de juegos pirotécnicos; y la Guelaguetza que es
cuando se presentan danzas.
La selección de la música y bailes de las ocho regiones representativas de Oaxaca dan colorido a la festividad en la
que hombres y mujeres muestran la diversidad de ritmos y bordados que caracterizan a cada región
Carnaval
En este tradicional festejo participan representantes de las ocho delegaciones municipales quienes reparten a los
espectadores comida y antojitos típicos de Oaxaca y culmina con la venta de artesanías y muestra gastronómica de
Oaxaca. (Lucía Peralta Segura)
Otro baile muy tradicional que se realiza en las bodas es el baile del Tonal, es una tradición traída del estado de
Oaxaca que consiste en bailar en hombros a dos guajolotes atados en un canasto, una cargado por una mujer y otro
por un hombre estos deberán ser los papas o padrinos de los recién casados, realizando el baile con el fin de atraer la
abundancia para los recién casados y la buena suerte.
Carnaval de Puebla
En México hay varios tipos de "Carnavales" que dan a entender parte de la historia de México; pero uno de los mas
importantes es el que se realiza en el centro del estado de Puebla. Este carnaval da inicio en el Primer Barrio De
Puebla y mas importante de Puebla El Barrio Del Alto Sus personajes son: El Huehue, Diablo, Maria(Urbana), Maria
(clásica) y La Maringuilla.
Carnaval de Mazatlán
Anualmente la ciudad de Mazatlán celebra el Carnaval, se realiza al igual que los demás cuarenta días antes de
semana santa. En su libro Los gringos, el teniente Wise hace una somera descripción del carnaval que le tocó
presenciar en este puerto en 1848, durante la invasión estadounidense. Es este el primer Carnaval de Mazatlán
realmente documentado. No obstante, la versión moderna de esta carnestolenda se remonta al año 1898. Para una
Historia oficial de esta festividad se recomienda visitar la página web oficial del Carnaval de Mazatlán [16].
Carnaval de Ciudad del Carmen
El Carnaval de Ciudad del Carmen es el segundo más antiguo de México, se ha celebrado desde finales del siglo
XVIII (hace 214 años) en esta ciudad del estado de Campeche. Se inicia el 20 de Enero con la coronación del Rey
Feo o Rey Momo, que preside las fiestas; una semana antes de la semana de carnaval se coronan a los reyes
infantiles, el primer jueves antes del miércoles de ceniza se celebra el Primer Bando Infantil de Carnaval que recorre
las principales calles de la ciudad o el circuito del malecón de la calle 20; el viernes se corona la reina; el sábado las
familias de la ciudad se reúnen desde tempranas horas en la Av. 31, para presenciar el sábado de bando, en que los
reyes usan sus trajes de coronación; el domingo en la Av. Central se lleva a cabo el segundo bando donde los
participantes usan sus trajes de comparsa; el lunes en el malecon se lleva a acabo el corso infantil, y el martes, en las
calles 56 y 35, se lleva a cabo el Gran Bando Final, donde toda la ciudad acude a bailar y disfrutar de la algarabia, el
miércoles de ceniza por la noche se realiza la premiación de los carros, las comparsas y disfraces, al terminar se
realiza la quema de Juan Carnaval con un show de pirotecnia; cabe mencionar que al terminar los bandos hay bailes
populares o presentación de artistas.
Carnaval de Quintana Roo
El carnaval de Quintana Roo es uno de los más rítmicos, por la mezcla de culturas entre el país de Belice y México,
la celebración se realiza entre las fechas de mediados de febrero y principios de marzo culminando con la quema de
juan carnaval o la imposición de la ceniza (catolicismo). El carnaval inicia en Chetumal alrededor de 1912, traído
por los chicleros y con una fuerte influencia inglesa por su relación con Belice. En su origen este carnaval tenía un
atractivo muy particular para la población: la comparsa. Esta era una especie de revista en la que se satirizaban al
ritmo de la música, el baile y el canto festivo, los más importantes acontecimientos que habían tenido lugar los meses
anteriores.
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Carnaval
Carnaval de Mérida
Desde el siglo XIX, el Carnaval de Mérida se festeja anualmente, en la ciudad de Mérida, Yucatán. Como todos los
carnavales, es una fiesta popular en la que reina la alegría y la diversión. Sin embargo, por la cultura yucateca, la
gente suele ser más reservada y organizada, lo que vuelve dicha fiesta muy agradable para todas las edades y
condiciones.
El Carnaval de Mérida se caracteriza por su original aspecto estnico, ya que se fusionan la cultura comtemporanea
con la cultura Maya,y tiene un dia en especial que hace algarabia a pueblo yucateco, con un desfile regional, en
donde se luce el traje de meztiso, con una combinacion del carnaval de alegres comparsas y coloridos carros
alegoricos.
Carnaval de Tlaltenco
En San Francisco Tlaltenco, Delegación Tlahuac se realiza desde hace muchos años esta tradición que es el carnaval,
desde trajes de disfraces (a los que se les dice feos), hasta los charros con damas, reyna, princesas y carro alegorico.
Es conocido como uno de los mejores carnavales del Distrito Federal y se llevan a cabo durante la cuaresma.
Carnaval de Veracruz
Es celebrado desde 1925 en Veracruz, Ver.
El sabado se realiza el primer gran desfile o paseo en la noche, asimismo de realizan el domingo en la mañana y la
tarde, el lunes en la tarde, y el martes en la tarde y en la noche.
En los paseos hay gran variacion de carros alegoricos y comparsas.
El miercoles de ceniza, se termina el carnaval con "El entierro de Juan Crnaval", donde se le un testamento chusco y
se entierra a dicha celebridad.
El Carnaval de Veracruz se realiza en la ciudad de Veracruz. Se ha realizado desde hace 87 años, en sus inicios
recorría la Av. Independencia en el centro histórico de la ciudad, actualmente se realiza en el boulevard Manuel
Ávila Camacho.
El Carnaval de Veracruz es el más importante de México, y uno de los más importantes del mundo, considerado El
Más Alegre del Mundo.
Durante nueve días, los nueve anteriores al Miércoles de ceniza se realizan desfiles llenos de color que inundan sus
calles con un ambiente musical y festivo, el primer evento del carnaval es la quema del “Mal Humor”, y en el noveno
día se realiza el entierro de Juan Carnaval. Durante los festejos se organizan grandes bailes y fiestas de máscaras, y
se interpreta el danzón tradicional del folclore de Veracruz. Su música a partir de arpas, marimbas y guitarras inunda
toda la festividad, siendo ésta la más popular del lugar.
En el año 2010 el Carnaval de Veracruz, hizo énfasis en las celebraciones del Bicentenario de la Independencia
Mexicana y el Centenario de la Revolución.
Esta fiesta veracruzana ha tenido varios patrocinadores, destaca Cerveza Superior, en los años más recientes el
patrocinador ha sido Cerveza Sol con múltiples personajes; (especialmente mujeres modelos). Cabe destacar que
hasta el momento han promocionada tres generaciones: las diosas del sol, las amazonas del sol y las invasoras del
sol.
Nicaragua
El carnaval celebrado en Nicaragua es llamado "Carnaval Alegría Por La Vida". Tiene lugar regularmente durante
Febrero en la ciudad Managua, la capital. La celebración está llena de colorido, música, bailes típicos de la nación,
etc. Durante el carnaval ocurre la elección de la reina. En este certamen participan 15 jóvenes de distintas partes del
país, donde luego una de ellas se alza con la corona. Aparte de esto, también se elige la mejor comparsa de todas las
participantes. A pesar de ser una celebración reciente, ha alcanzado un importante reconocimiento por los
38
Carnaval
nicaragüenses y extrangeros que se deleitan con esta.
Panamá
Véanse también: Carnaval de Panamá y Carnaval de Las Tablas
Los Carnavales de Panamá, también denominados fiestas del rey Momo, son festejados por cuatro días consecutivos,
anteriores al Miércoles de ceniza. Esta festividad de Panamá termina el martes en la noche con el entierro de la
sardina.
Los más famosos son los carnavales que se realizan en:
•
•
•
•
•
•
•
•
Las Tablas
Villa de los Santos (en la provincia de los Santos
Ocú
Chitré (en la provincia de Herrera)
Penonomé (en la provincia de Coclé)
Aguadulce (en la provincia de Coclé)
Santiago (provincia de Veraguas)
Ciudad de Panamá.
En la capital se disfruta en las mañanas las “mojaderas” o "culecos" que refrescan el calor tropical; en las tardes los
desfiles y paradas con “Reinas” de extravagantes y lujosos disfraces en carros alegóricos, acompañadas de
“comparsas” y “tunas” son el deleite de chicos y grandes. En las noches los bailes populares en sitios públicos y
avenidas culminan un día lleno de actividades festivas. Las horas de descanso son pocas pues tan pronto el sol
calienta se inicia nuevamente la fiesta.
En el Carnaval de Las Tablas los culecos se realizan, además de los carros cisternas que tiran agua por mangueras,
también con carros alegóricos extravagantes y preciosos, con materiales de lujo y costosos, casi igual que en las
noches. Cada Tuna (Calle Arriba y Calle Abajo) sale con un solo carro. En las noches son donde las reinas salen
ataviadas con su mejor traje para lucirse, en pedrerías finas y plumajes exóticos. Cada Tuna sale con dos carros, el
primero lleno de damas y el segundo donde va la reina y sus princesas. En esta ciudad, cada tuna se da el lujo de
tirar, cada vez que su reina va a salir, montones de fuegos artificiales que iluminan el cielo en señal de un triunfo
arrollador. También se tiran durante el paseo de la reina. La Calle Arriba tiene de sede la calle la Bolívar y Calle
Abajo Punta Fogon. Durante las cinco noches se dan unas series de temas con relación a una característica en
especial. El Viernes sale la reina saliente en un carro nuevo y muy bonito, igual que una noche de carnaval, luego se
procede a la coronación de la reina entrante en la sede de cada tuna. El sábado en la noche, la reina sale con un
disfraz. El domingo en la noche sale con el vestido de coronación y sus carros van adornados con tema de
coronación. El lunes es el día de más lujo. Se sale con un disfraz gigante y se trata que sea el día de más gala. El
martes en la noche se sale primero a pie con tuna de caja y tambor y luego paseo con murga (como todos los días
anteriores) con el traje típico nacional, la pollera, y un tema relativo a una fantasía nacional surgida de la historia,
literatura, flora, fauna o mitología indígena. Los culecos son con disfraz, siguiendo la característica que el lunes es el
día de más fantasía y el martes de fantasía nacional. A eso de las 5 de la mañana del miércoles de ceniza, comienza
el Topon, que no es más que la quema de cohetes en el área del parque y la tuna a pie con la reina en pollera, para
indicar: Triunfo, finalización del carnaval y para medir fuerzas entre las tunas. El viernes y el sábado siguiente a
estos se realizan los carnavalitos, que son consideradas las fiestas del pueblo, ya que para los carnavales, vienen
muchos turistas del país y del extranjero. El viernes en la noche se usa un traje de gala y la corona. El sábado hay un
culeco con disfraz y en la noche es un paseo con disfraz (1 solo carro en las noches). Generalmente el carnavalito es
algo rehusado del carnaval.
39
Carnaval
40
Perú
Véanse también: Carnaval de Cajamarca, Carnaval
ayacuchano, Carnaval de Juliaca, Carnaval de
Ucayali, Carnaval de Qopamayo y Carnaval de San
Pablo
El carnaval en el Perú tiene dos connotaciones, la
primera es la de «fiesta folclórica» y la otra es la de
«juegos con agua y pintura». En la mayoría de los casos
ambas se conjugan en una sola celebración.
Los juegos con agua y pintura inician en el mes de
febrero en todo el Perú y se prolongan por todo el mes;
las fiestas folclóricas en cambio se inician por lo
general unos días antes del miércoles de ceniza, aunque
en el caso del carnaval chico de la ciudad de Juliaca
(también llamada «kashwa de San Sebastían»), ésta se
celebra en enero.[17] Lo más común es que las fiestas
folclóricas del carnaval giren en torno al miércoles de
ceniza, pudiendo ser días antes o días después, o
ambos, según el pueblo o ciudad que los celebre. En el
caso de las fiestas folclóricas, en las zonas rurales y las
ciudades de influencia quechua y aymara, van
acompañadas de ritos a la pachamama o a imágenes
católicas.
En el Perú es tradicional de muchas regiones adornar un árbol con
regalos, para luego bailar al rededor de él y tumbarlo a machetazos
durante el carnaval. En la foto la "humisha", nombre que recibe este
árbol en la selva peruana.
En el Perú, por lo menos 5 celebraciones del carnaval
han sido proclamadas como Patrimonio cultural de la
Nación y estas son: el carnaval ayacuchano, el carnaval del pueblo de Santiago de Pupuja en el departamento de
Puno, el carnaval de San Pablo en la provincia de Canchis (Cusco), el carnaval de Abancay y el carnaval de Marco
en la región Junín.[18]
República Dominicana
De acuerdo con la documentación existente, antes de 1520 ya había carnaval en la ciudad de Santo Domingo aunque
para algunos investigadores, las primeras manifestaciones de carnaval de la isla, y de América, se realizaron en lo
que es hoy las Ruinas de la Vega Vieja, en febrero de 1520, en ocasión de una visita de Don Fray Bartolomé de las
Casas. Los habitantes de la Vega Vieja se disfrazaban de moros y cristianos y realizaban festejos que evolucionaron
en las celebraciones actuales.
En 1795 ya habían carnavales para las fiestas patronales, en honor a Santiago Apóstol, para Corpus Christi y para
carnestolendas, en la ciudad de Santiago de los Caballeros, cuyas manifestaciones provenían desde los días de la
colonia española.
Esta tradición colonial se incrementó luego de las luchas independentistas, teniendo gran significación las fechas de
nuestra Independencia (27 de febrero de 1844) y de la Restauración (16 de agosto de 1865), de forma tal que los
principales carnavales del país están asociados a estas fechas y no necesariamente a las carnestolendas.[19]
En la celebración del Carnaval Dominicano se aprecia, en particular en los atuendos y disfraces, una mezcla muy
variada por regiones de elementos y tradiciones africanas traídas por los esclavos transportados al Nuevo Mundo y
las costumbres y ropajes europeos de sus amos y colonizadores.
Carnaval
Se confunden en las festividades los diablos cojuelos, con sus trajes de capa cubiertos de espejos, cascabeles y
cencerros, que ridiculizan a los señores medievales, con los platanuses y otros disfraces netamente africanos, así
como un sinnúmero de manifestaciones de la creatividad popular.
Entre nosotros, por ejemplo, los lechones de Santiago aparecieron después de la Restauración, al amparo de los
bailes de máscaras celebrados en la casona de Madame García.[20]
En el país, existen algunos carnavales de origen más africanos y cuyas celebraciones generalmente no están
relacionados ni con las carnestolendas ni con las fechas patrióticas. Estos carnavales son conocidos como
"carnavales cimarrones" y el más conocido de ellos es el de Cabral, que se celebra en Semana Santa. Comienza el
Jueves Santo y es llamado de esa manera debido a que se realiza en lugares donde ocurrieron movimientos
cimarrones por parte de esclavos africanos que se alzaron en busca de su propia identidad y libertad.[21]
En todo el país se celebra el carnaval (aunque sea del tipo cimarrón), presentándose variaciones regionales.
Azua
El Carnaval de la ciudad de Azua de Compostela es uno de los más antiguos del país; se celebraba, además del
período de carnestolendas, para sus fiestas patronales en honor a la Virgen de las Mercedes (24 de septiembre).
Igualmente se celebra para el 19 de marzo, en conmemoración de la Batalla del 19 de Marzo de 1844, mezclando así
lo festivo con lo patriótico, común en el país.
Cabral
En Cabral, en la provincia de Barahona, como parte del Carnaval Cimarrón, diferente al carnaval europeo de
carnestolendas, encontraremos a las Cachúas, nombre dado por la presencia de sus "cachos" (cuernos), al final de la
Semana Santa. Las Cachúas, con un mameluco coloreado y alas de murciélago, tienen una de las máscaras más
hermosas del país sin pintura, en base a papel multicolor de vejiga y crepé, donde sobresale una enorme cabellera.
Cotuí
Aunque algunos de los personajes carnavalescos son comunes a otras partes del país, en Cotuí se desarrollan algunos
tipos exclusivos, siendo los más impactantes y hermosos Los Platanuses (con sus derivados Los Papeluses). Con sus
trajes de hojas secas de plátanos y sus máscaras vegetales de higüeros, adornados indiscriminadamente de comején
(termites) y panales de avispas, el carnaval de Cotuí logra una hermosa dimensión artística, cultural y antropológica,
única en el país.
La Vega
Durante años el carnaval vegano mantuvo una expresión predominantemente españolizada, simbolizada en una
expresiva teatralización, el baile de las cintas y sus Diablos Cojuelos, con trajes simples de color rojo, amarillo,
verde y con sus máscaras representativas del diablo medieval, andromorfo, mefistofélico, con sus dos cachitos
frontales clásicos, orejas grandes, boca abierta y dientes al aire, la cual fue posteriormente criollizada con barbas de
cuero de chivo.
Cada domingo del mes de febrero en horas de la tarde, los Diablos Cojuelos salen a la calle armados de sus vejigas
de toro, golpeando a todo el que ose bajar a la calle, pero respetando a los que se mantienen en la acera o calzada.
Montecristi
Montecristi tiene una hermosa tradición de carnaval popular, muy singular y extraordinariamente simbólico,
expresado privilegiadamente en Los Toros como personaje central, que se dramatiza con sus enfrentamientos con
Los Civiles. Estos consisten en un verdadero duelo con fuetes (látigos), con los que se procura derribar al oponente o
atemorizarlo.
Los Toros tienen el rostro cubierto con una máscara de lechón (cerdo) y usan vistosos trajes de colores, revestidos en
su interior con material para protegerlos de los azotes de sus contrarios. Los Civiles en cambio, deben usar
pantalones cortos y ropa normal. El ganador del encuentro es quien soporta con mayor éxito los embates del
contrario o quien consigue derribar a su oponente.
41
Carnaval
San Pedro de Macorís
El rasgo más característico del carnaval macorisano es la presencia de los Guloyas, declarados Patrimonio de la
humanidad por la UNESCO. Diablos vestidos con trajes de llamativos colores, adornados con espejos pequeños y
capa amarilla y roja. Con sus vejigas de toro y fuetes, bailan al compás de la flauta, el cencerro y la tambora.
Santiago de los Caballeros
En los inicios, el carnaval se dividía en función de la estratificación social de las clases sociales existentes en
Santiago, con manifestaciones en clubes privados por parte de los sectores pudientes y en las calles de los barrios
populares, particularmente en La Joya y Los Pepines, de donde surgirán los Lechones y los Pepines de la ciudad,
disfrazados con coloridos trajes y atacándose mutuamente, siguiendo una larga tradición de vieja rivalidad entre
ellos. Los Lechones usan máscaras que se asemejan cerdos, mientras que los Pepines usan máscaras con cuernos
puntiagudos. [22]
Uruguay
El Carnaval en Uruguay es la fiesta popular por excelencia,
considerándose además el más largo del mundo, con cuarenta días
de duración. Su capital, Montevideo, fue declarada en 2009
Capital Iberoamericana del Carnaval. Se estima que el carnaval en
tan sólo un mes, vende más entradas que todos los demás
espectáculos tanto deportivos como culturales juntos, incluyendo
el fútbol, deporte más popular del país. El carnaval en Montevideo
se abre con el Desfile Inaugural el último jueves de enero, que se
realiza en la principal avenida, 18 de Julio, donde desfilan las 50
agrupaciones del carnaval (parodistas, murgas, humoristas,
La murga uruguaya «Curtidores de hongos» en el
revistas y comparsas de negros y lubolos), los carros alegóricos,
Carnaval de 2008.
los cabezudos y las reinas del carnaval, llamadas y escuelas de
samba. Este espectáculo es seguido por decenas de miles de
personas en el sitio y por millones por medio de los medios de comunicación. El otro desfile importante del Carnaval
son las Llamadas, desfile de coomparsas de negros y lubolos que tocan el rítmo del candombe, y que se realiza el
primer jueves y viernes de febrero, y donde participan más de 40 agrupaciones formadas por cien personas. Pero este
carnaval es fundamentalmente un carnaval de espectáculo que se desarrolla en escenarios al aire libre (tablados)
diseminados por toda la ciudad y a los que concurren los distintos grupos todas las noches. También hay un
Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavalescas que se lleva a cabo en el Teatro de Verano, donde concurren 6.000
personas cada noche a seguir las alternativas del mismo.
Venezuela
La tradición del carnaval de Puerto Cabello se ha mantenido sin interrupción desde 1871, pasando de una generación
a la otra, hasta nuestro días. El Grupo de Rescate Folklórico “San Millán” se ha distinguido en esta notable labor de
revitalización de la cultura del carnaval popular de Puerto Cabello. El Museo de la Cultura de Valencia tiene una
excelente exposición dedicada a las raíces étnicas del barrio San Millán y a su Carnaval.
En Barquisimeto desde el año 2000 se celebran año a año los Carnavales Internacionales de Barquisimeto, los cuales
han venido evolucionando año tras año. La celebración cuenta con desfiles, conciertos y competencias. Cada año se
suman mas carrozas de diferentes parroquias se estiman entre 100 y 120 carrozas. El desfile de comparsas También
se hace presente en esta celebración con una aproximado de 80 comparsas de jóvenes, niños y adultos, que desfilan
al ritmo de la música de las diferentes bandas juveniles que los acompañan. Las comparsas y carrozas pasan por una
evaluación de un grupo de jueces que durante 4 días evalúan su desempeño, las que terminen ganadoras son
42
Carnaval
premiadas con un premio en efectivo. Cabe destacar que en el 2010 desfilaron carrozas de otros municipios, como lo
son Torres y Palavecino.
Otro de los más importantes celebraciones del Carnaval en Venezuela son los Carnavales de Maturín. Maturín es
la capital del Estado Monagas en el oriente del país con una privilegiada ubicación geográfica y riqueza petrolera.
Cada año Maturín y su gente celebra de manera entusiasta las festividades del Rey Momo, con la participación de
sus comunidades, instituciones educativas e industrias privadas. Durante décadas la avenida Bolívar, principal
avenida de la ciudad, congrega a más de 200 mil personas y cada año se suman más. A lo largo de la avenida Bolívar
se ubican los espectadores los cuales la noche anterior al desfile traen sus asientos y sillas para asegurarse un puesto
y apreciar el recorrido de las carrozas, comparsas, disfraces individuales de niños y adultos, provenientes de
escuelas, comunidades, empresas públicas y privadas, así como las respectivas candidatas que esperan coronarse
como la reina del Carnaval. Son muchas las transformaciones que ha sufrido esta tradición; sin embargo, en oriente
ha prevalecido el gusto por las rumbas con influencia africana, europea, caribeña y carioca. También es común la
música afroamericana en ritmos de salsas, merengues, los calipsos y la samba. Asimismo, se aprecian disfraces
brasileños que se confunden con las fantasías de temáticas modernas, en donde por supuesto no faltan las
tradicionales diversiones orientales como el Pájaro Guarandol, el Carite, la Burriquita y el Chiriguare.
Véase también
• Mardi Gras
• Rey Momo
Referencias
[1] O carnaval de Rio de Janeiro, o maior carnaval do mundo! (http:/ / community. guinnessworldrecords. com/
_O-carnaval-de-Rio-de-Janeiro-o-maior-carnaval-do-mundo/ BLOG/ 1852274/ 7691. html)(En portugués)
[2] Socialismo y Carnaval (http:/ / www. socialismo. org. br/ portal/ arte-cultura/ 77-artigo/
221-o-melhor-carnaval-do-mundo-e-de-recife-apesar-da-mangueira)
[3] http:/ / whc. unesco. org/ es/ list
[4] Documentos Asociación de Conjuntos folklóricos de Oruro enviados a la UNESCO (http:/ / www. carnavaldeoruroacfo. com/ documentos/
FORMULARIO DE CANDIDATURA. pdf)
[5] Documentos Asociación de Conjuntos folklóricos de Oruro enviados a la UNESCO (http:/ / www. carnavaldeoruroacfo. com/ documentos/
FORMULARIO DE CANDIDATURA. pdf)
[6] Historia del carnaval chicharrero, Página Web oficial del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife (http:/ / www. carnavaltenerife. es/
origen-del-carnaval)
[7] « Una imagen del carnaval de Cádiz, representa a España en la web de la Unión Europea (http:/ / europa. eu/ abc/ european_countries/
eu_members/ spain/ index_es. htm)».
[8] « Carnavales del mundo (http:/ / www. elmundo. es/ ariadna/ 2001/ A034/ A034-06. html)». España: El Mundo (2006).
[9] « Una imagen del carnaval de Cádiz, representa a España en la web de la Unión Europea (http:/ / europa. eu/ abc/ european_countries/
eu_members/ spain/ index_es. htm)».
[10] « Carnavales del mundo (http:/ / www. elmundo. es/ ariadna/ 2001/ A034/ A034-06. html)». España: El Mundo (2006).
[11] Ejea de los Caballeros celebra las fiestas de Carnaval con actividades para niños y animación con charangas (http:/ / www. europapress. es/
aragon/ noticia-ejea-caballeros-celebra-fiestas-carnaval-actividades-ninos-animacion-charangas-20100211090516. html)
[12] Noticia sobre el Carnaval en Canarias (http:/ / www. canarias7. es/ articulo. cfm?Id=46222), publicada por el diario Canarias7, 07-02-2007
[13] <<Yoteca>> Guía de ayuda documentada, (http:/ / www. yoteca. com/ url/ Informacion-de-carnavales. asp), 22-2-2008
[14] « Historia Portal turístico y ocio de Santa Cruz de Tenerife Islas Canarias - SANTACRUZ MÁS (http:/ / www. santacruzmas. com/
SantaCruzMas09. asp?IdMenu=10& IdSeccion=41& IdSubseccion=230)».
[15] « Patrimonio de la Humanidad Portal turístico y ocio de Santa Cruz de Tenerife Islas Canarias - SANTACRUZ MÁS (http:/ / www.
santacruzmas. com/ SantaCruzMas09. asp?IdMenu=10& IdSeccion=41& IdSubseccion=238)».
[16] http:/ / www. carnavalmazatlan. net
[17] « Inician ensayos para el "Carnaval chico" (http:/ / correoperu. pe/ correo/ nota. php?txtEdi_id=18& txtSecci_parent=0& txtSecci_id=61&
txtNota_id=518919)» (en español). Puno. Diario Correo. Consultado el 12 de febrero de 2011.
[18] « Declaratorias del patrimonio cultural de la Nación (http:/ / intranet. inc. gob. pe/ intranet/ dpcn/ index. jsp?menu=consulta)» (en español).
Portal web oficial del Ministerio de Cultura del Perú. Consultado el 12 de febrero de 2011.
[19] (http:/ / www. fortunecity. es/ felices/ margarita/ 3/ cultura/ carna_dom. html)
43
Carnaval
44
[20] (http:/ / www. carnaval. com. do/ historia/ carnavaldominicano. htm)
[21] Carnaval Cimarron (http:/ / maguana. net/ index. php?option=com_content& view=article& id=61:carnaval-cimarron& catid=37:folklore&
Itemid=63).
[22] (http:/ / www. fortunecity. es/ felices/ margarita/ 3/ cultura/ carna_reg. html)
Enlaces externos
•
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•
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45
Qué pasa con la murga en España?
Chirigota
La chirigota es una agrupación músico coral de carácter carnavalesco que canta principalmente por las calles
ofreciendo coplas humorísticas al pueblo. También se denomina genéricamente chirigotas a las canciones
interpretadas por estas formaciones corales.
Las chirigotas son coplillas recitativas y monólogas y poseen unas formas musicales muy simples procedentes del
pasodoble, la rumba, la sevillana, el tanguillo, la seguidilla, la jota, la isa canaria etc. Las letrillas inventadas ad-hoc
se acoplan a esta música y tratan de muy diversos temas, centrándose sobre todo en la actualidad, tanto política como
de la prensa del corazón. En muchos carnavales del mundo se celebran concursos donde los grupos compiten por
diversos premios, valorándose principalmente tres aspectos: el vestuario o presentación, la calidad de las voces y la
agudeza de las letras.
El objetivo principal de la chirigota es hacer reír al público a través de la crítica satírico-humorística.
En Cádiz
El concurso oficial de agrupaciones carnavalescas (COAC), se celebra en el Gran Teatro Falla donde las chirigotas
comparten escenario con otras tres modalidades de agrupaciones: los coros de carnaval, las comparsas y los cuartetos
carnavalescos.
La chirigota está compuesta por un máximo de 12 componentes y un mínimo de 7, que interpretan el repertorio
como mínimo a dos voces. Las voz que suele usar la chirigota es el tenor, que lleva la melodía. Esta voz se
acompaña de segundas voces, como por ejemplo la segunda (barítono), el contralto, la tercera (descendencia de la
segunda), la octavilla y a veces con bajos. La chirigota se acompaña musicalmente de un bombo, una caja, dos
guitarras y de los güiros. El repertorio que interpretan las chirigotas que se presentan al Concurso Oficial de
Agrupaciones Carnavalescas consta de una presentación (no necesariamente con música inédita) que esté relacionada
con el tipo (disfraz) que lleva esa agrupación, dos pasodobles (con música original de la agrupación), dos cuplets
(con música original), un estribillo (cantados al final de cada cuplet y también originales) que esté relacionado con el
tipo de la agrupación y con un popurrí (dividido en cuartetas) que también hace referencia al tipo de forma burlesca y
humorística. En la chirigota, a diferencia de las comparsas y los coros de carnaval, lo que más puntos da a la
agrupación son los dos cuplets más el estribillo.
Los premios de chirigotas de los últimos años son:
1er Premio
[1] Ricas y Maduras de Antonio Pedro
Serrano Álvarez (el Canijo de Carmona)
2011
2010
2º Premio
[2]
Los Joaquín Pamplina, cantautor de la
Los niños cantores de viena ó de manolete
Plaza Mina de Manuel Enrique García
de José Antonio Alvarado Ramírez y David
Rosado (Kike Remolino) y Francisco Javier Márquez Mateo (el Carapapa)
García Rodríguez (Javi, el Ojo)
Los que van por derecho de José Antonio El escuadrón de los jartibles de José
Vera Luque (el Vera)
Manuel Braza Benítez (el Sheriff)
[3] Salón de belleza "El Tijerita" de Manuel
Álvarez Seda y Manuel Enrique García
Rosado (Kike Remolino)
2009
3er Premio
Las muchachas del congelao de Antonio
Pedro Serrano Álvarez (el Canijo de
Carmona)
Los que no se enteran de José Luís García
Cossío (el Selu)
Los enteraos de José Luís García Cossío (el
Selu)
Chirigota
46
[4] Las pito-risas de José Manuel Valentín
Donda, Manuel Álvarez Seda y Manuel
Enrique García Rosado (Kike Remolino)
2008
Los monstruos de pueblo de José Guerrero
Roldán (el Yuyu) y José Manuel Sánchez
Reyes
[6] Los Juan Palómez yo te lo guiso y tu me Los prejubilaos del grupo de José Luís
lo comes de Antonio Pedro Serrano
Ballesteros Castro (el Love)
Álvarez (el Canijo de Carmona)
2007
[7] Los aguafiestas de José Manuel Braza
Benítez (el Sheriff)
2006
[5]
El código Da Viñi de Rafael Valero
Castellón, Antonio Rivas Cabañas, Francisco
Sánchez Payán (Pacoli) y Antonio Manuel
Saenz Sánchez
Los gladiadores de la Caleta de Francisco
Abeijón Ramos (el Carapalo), Antonio Rivas
Cabañas, Mario Rodríguez Parra y José Manuel
Galvez Nuñez (Manolín Galvez)
Los que no paran de rajar de José Guerrero Esto es pa verlo de Manuel Alvarez Seda,
Roldán (el Yuyu)
Julian Balmón Fernández y José Antonio
Alvarado Ramírez
2005
Los que salimos por gusto de Antonio
Pedro Serrano Álvarez (el Canijo de
Carmona)
Soltero y sin compropiso de José Luís
García Cossío (el Selu)
Los doctores Jekyll del grupo de José Luís
Ballesteros Castro (el Love)
2004
Lo que diga mi mujer de José Luís
García Cossío (el Selu)
No somos nadie del grupo de José Luís
Ballesteros Castro (el Love)
Los valientes de José Manuel Braza Benítez (el
Sheriff)
2003
¡Ay, que malito estoy y que poquito me
quejo del grupo de José Luís Ballesteros
Castro (el Love)
Los Pringaos de José Manuel Braza
Benítez (el Sheriff)
Don Quijote Concervantes y Colorantes de
Francisco Javier Marquez Mateos y David
Marquez Mateos (los Carapapas)
2002
¡Ojú, ya saltó el levante! del grupo de
José Luís Ballesteros Castro (el Love)
Los que Vinieron de Leningrado por que no Villanciscos Pop-Pulares de José María
era de su agrado de José Guerrero Roldán Barranco Cabrera (el Lacio)
(el Yuyu)
2001
Tampax goyescas, comparsa fina y
segura de José Guerrero Roldán (el
Yuyu)
El Atletico Agujetas de Manuel Santander
Cahué
2000
Los de Capuchinos de Manuel Santander Los rockeros de la puebla en concierto de
Cahué
José Guerrero Roldán (el Yuyu)
Los enterraores del siglo XX de Francisco
Manuel Cárdenas Ruso, Ramón Peñalver
Hoyos y Manuel Sánchez Alba (el Noly)
1999
Los yesterday de Juan Carlos Aragón
Becerra
Los pofesionales del grupo de José Luís
Ballesteros Castro (el Love)
Los panchitos de Guardalajarra de José
Manuel Braza Benítez (el Sheriff)
1998
Los juancojones del grupo de José Luís
Ballesteros Castro (el Love)
Los arapahoe que joe de José Guerrero
Roldán (el Yuyu)
Club de fans de Estrellita Castro de José
Manuel Sánchez Reyes y Antonio Martín
García
1997
Los aleluyas de José Manuel Braza
Benítez (el Sheriff)
Banda de música de Cagarrutas del Monte
de José Luís García Cossío (el Selu)
Blancanieves y los siete enanitos de de
Francisco Javier Marquez Mateos y David
Marquez Mateos (los Carapapas)
1996
Una chirigota con clase del grupo de
José Luís Ballesteros Castro (el Love)
Los bordes del área de José Guerrero
Roldán (el Yuyu)
Las marujas de José Luís García Cossío (el
Selu)
1995
Los lacios de José Luís García Cossío (el
Selu)
Los últimos en enterarse de José Guerrero
Roldán (el Yuyu), Erasmo Ureba Morón,
Jose Manuel Sanchez Reyes y Francisco
[8]
Abeijón Ramos (el Carapalo)
Los hombres del Neardenthal, ¡Hola que tal!
del grupo de José Luís Ballesteros Castro (el
Love) y Antonio Martin Garcia
1994
Las viudas de los bisabuelos de los
viejos del 55 de Manuel Sánchez Alba (el
Noly), Ramón Peñalver Hoyos y
Francisco Manuel Cárdenas Ruso
Los titis de Cai de José Luís García Cossío
(el Selu)
Caimán José Manuel Braza Benítez (el Sheriff)
1993
Con el sudor del d´enfrente de José Luís Partido de Risa Obrero Español del grupo
García Cossío (el Selu)
de José Luís Ballesteros Castro (el Love) y
Antonio Martin Garcia
Los puestos de h´lao de José Quirós Villalobos,
Kiko Nieto Hueto y Jaime Fernández de la
Puente Alcántara
El que vale vale de José Luís García Cossío (el
Selu)
Chirigota
47
1992
El que la lleva la entiende de José Luís
García Cossío (el Selu), Erasmo Ubera
Morón y José Guerrero Roldán (el Yuyu)
Bien nos distes coba Cristoba del grupo de
José Manuel Romero Pareja (el Petra),
Francisco Abeijón Ramos (el Carapalo) y
Antonio Martín García
Salsero sero sero siete y salío el salsero sero
sero seis de Francisco Manuel Cárdenas Ruso y
Jose Antonio Perez Fernández (el Habichuela)
1991
Los príncipes encantados, ¡gracias
igualmente! del grupo de José Luís
Ballesteros Castro (el Love)
Bebé a bordo del grupo de José Manuel
Romero Pareja (el Petra), Francisco
Abeijón Rámos (el Carapalo), Manuel
Santander Cahué y Antonio Martin Garcia
El concierto del siglo de Juan Rivero Torrejón
1990
Hasta que la muerte nos separe del
grupo de José Manuel Romero Pareja (el
Petra), Francisco Abeijón Ramos (el
Carapalo) y Antonio Martin Garcia
Los santos inocentes de Juan Rivero
Torrejón y José Manuel Prada Durán
Salimos de Marte un miércoles para llegar el
jueves porque el viernes era fiesta de Fernando
Villegas Mejías y José Ignacio Villegas Mejías
y los primeros premios de otros años
• 1989: El crimen del mes de mayo del grupo de José Manuel Romero Pareja (el Petra) y Francisco Abeijón Ramos
(el Carapalo).
• 1988: Los combois da pejeta de Luís María Rodríguez Rondán y Enrique Valdivia Bosh.
• 1987: Un montón de guanaminos de Francisco Abeijón Ramos (el Carapalo).
• 1986: Las momias de güete pa gua los niños del grupo de José Luís Ballesteros Castro (el Love).
• 1985: Los brutos secos de Juan Rivero Torrejón y José Castellón Pareja (el Pellejo).
• 1984: Los llaveros solitarios de José Manuel Gómez (el Gómez) y Emilio Rosado Rodríguez.
• 1983: Los tontos no se separan de Juan Rivero Torrejón.
• 1982: Los cruzados mágicos de José Manuel Gómez (el Gómez) y Emilio Rosado Rodríguez.
• 1981: Los marchosos de Fuentegirola de José María Ramos Borrero (Requeté).
• 1980: Los monos sinvergüenzas de Juan Poce Blanco.
Los Cruzados Mágicos (1982)
1er Premio - Chirigotas 1982
• Localidad: Cádiz
• Letra y Música: Jose Manuel Gómez, Emilio Rosado Rodríguez,
Francisco Rosado Rodríguez y Juan Romero " Caracol"
• Dirección: Francisco Rosado Rodríguez
Chirigota sorprendente que rompió la monotonía existente esos años en
la modalidad. El soniquete, la forma de cantar, el estilo abrió paso a un
nuevo concepto de chirigota. Llegaron con un repertorio muy fresco y
a la vez sencillo, que quedo grabado en la historia sobre todo su
popurrit. Este era la historia del cruzado D. Romualdo en un día de
playa con su mujer y los niños. Lo verdaderamente peculiar de la
historia es que era una historia real en parte y su protagonista llevaba el
mismo nombre que un miembro de esa chirigota, el conocido
D.Romualdo Pavon. En sus filas gente como Manolo Padilla, hermano
de la popular Paz Padilla, Juan Romero "caracol ", y como no Paco
Rosado, autor de otros grupos conocidos con posterioridad a esta
Caratula de Los Cruzados Magicos(1982)
aventura chirigotera. Este grupo permaneció unido llegando al
concurso hasta el año de Los Cubatas (1986), donde decidieron no volver mas y algunos de ellos crearon la chirigota
callejera mas esperada del carnaval cada año, Los Fantasmas, Los curas de Pueblo, etc.
Chirigota
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Cruzado cruzado me dice el enemigo
ay cruzado¡ que cruz me ha caio contigo
El que la lleva la entiende (1992)
1er Premio - Chirigotas 1992
• Localidad: Cádiz
• Letra: Erasmo Ubera Morón, José Guerrero Roldán "Yuyu", José
Luis García Cossío
• Música: José Luis García Cossío
• Dirección: José Torres Vela
Iba por Canalejas por la acera del muelle
con una risa que me llegaba de oreja a oreja
iba pensando ay Alberti que hermosura de cartel
que carajo es eso Dios mío de mi alma.
El que la lleva la entiende (1992)
Y con el morazo me dió un mareillo
y en la reja del muelle yo me fui a dejar caer
me rompí el careto que pellejazo pegué
cago en los muertos del que echao
la reja pa allá diez metros
Considerada por los autores y componentes del carnaval como la mejor chirigota de la democracia, el que la lleva la
entiende fue uno de los pelotazos mas sonados en la historia del carnaval de Cadiz
Los yesterday (1999)
1er Premio - Chirigotas 1999
• Localidad: Cádiz
• Letra y música: Juan Carlos Aragón Becerra
• Dirección: Francisco Javier Bohórquez Gutiérrez
Come on, baby, come on, baby, sexo, drogas y rock&roll,
no hagas la guerra y haz el amor.
Y la hierba, y la hierba, no la pises, fúmala, ...
y menos trabajo y más carnaval,
¡y menos trabajo y más carnaval!
CaratulaYesterday
Chirigota
Véase también
• Murga
Referencias
[1]
[2]
[3]
[4]
[5]
[6]
[7]
[8]
http:/ / www. diariodecadiz. es/ article/ carnaval2011/ 919170/ migueles/ canijo/ tovar/ y/ morera/ se/ llevan/ los/ primeros/ premios. html
http:/ / carnaval. lavozdigital. es/ agrupaciones/ 2011/ los-ninos-cantores-de-viena-o-de-manolete. html
http:/ / www. diariodecadiz. es/ article/ carnaval/ 355561/ julio/ pardo/ morera/ kike/ remolino/ y/ antonio/ martin/ ganadores. html
http:/ / www. diariodecadiz. es/ article/ carnaval/ 44891/ una/ final/ casi/ sin/ sorpresas. html
http:/ / carnaval. lavozdigital. es/ agrupaciones/ 2008/ el-codigo-da-vini. html
http:/ / www. diariobahiadecadiz. com/ version1_0/ noticias/ 718notfallofinalcoac07carnavalcadiz. htm
http:/ / www. diariobahiadecadiz. com/ version1_0/ noticias/ 436nottercerfallojuradoconcursofalla2006. htm
http:/ / item. slide. com/ r/ 1/ 0/ i/ KqelTr1t5z8zSnhYAg6SJNJuP33ad2PC/
Pasodoble
El pasodoble es la música de un baile español de compás binario y movimiento moderado. En su versión para banda
fue introducido en las fiestas de los toros ("La Gracia de Dios",[1] "España Cañí", "Gallito"...) También se utiliza en
los desfiles militares como marcha, en las que el paso reglamentado está en 120 por minuto. ("Los Voluntarios",
"San Marcial"...)
Diferentes modalidades de pasodobles
"... Musicalmente consiste en una introducción basada sobre el acorde dominante, a la que sigue una primera parte
en el tono principal y una segunda parte, llamada "trío" que está escrita en la subdominante, en lo pasodobles en
modo mayor y el relativo menor, en los de modo mayor. Cada parte está precedida de cortas entradas (o
introducciones) y, para finalizar, el trío, interpretado en "piano", se repite en "fuerte" ..." Ramón T. Berenguer,
compositor
49
Pasodoble
50
Pasodoble marcha
El "paso-doble" o "pasodoble" es una marcha ligera, adoptada como paso
dos reglamentario de la infantería, con una característica especial que hace
que la tropa pueda llevar el paso ordinario. En su día recibió este nombre de
"pasodoble", ya fuera para desfiles militares o taurinos. También recibió el
mismo nombre la danza, que fue popularizada hacia 1926. Se compone con
un compás de 2/4 o 6/8.
Parece ser que el pasodoble procede de la tonadilla escénica, que era una
composición que en la primera mitad del siglo XVIII servía como
conclusión de los entremeses y los bailes escénicos y que luego desde
mediados del mismo siglo era utilizada como intermedio musical entre los
actos de las comedias.
Orígenes del baile
La fiesta de los toros ha influido de manera
notable en la creación y difusión del
pasodoble torero
Se conoce como pasodoble el baile originado en España hacia 1533 y 1538.
Utilizado en varias regiones para la celebración de eventos, es, además, uno
de los pocos bailes de pareja que siguen arraigados hoy en día; está presente
en muchas fiestas (verbenas populares) y sigue formando parte de la
tradición de todas las regiones de España. "A principios de siglo se
relacionó con el garrotín, un baile de pareja gitano, bastante vivo y
repetitivo". También se cree que este baile pudo originarse en Francia,
donde se llamó pas-redouble, tocado por bandas para marchas militares
desde 1780. Desde este país se fue desarrollando y extendiendo a otros
territorios como una marcha rápida de infantería que regulaba el paso de los
soldados.
El pasodoble es un baile muy sencillo, con figuras muy libres, por lo que resulta bastante fácil aprenderlo. La
posición de la pareja es igual a la de todos los bailes de salón, uno enfrente del otro y con los cuerpos pegados
ligeramente desplazados hacia la izquierda. Su ritmo básico es muy simple: un paso por tiempo y se debe
permanecer todo el tiempo con los cuerpos en paralelo y con la mano izquierda y derecha del hombre y la mujer,
respectivamente, unidas. El pasodoble forma parte del repertorio de las bandas de música españolas y suele constar
de introducción y dos partes principales, con un ritmo aflamencado. Como danza es semejante al one-step; se
diferencia en el número de pasos que se dan al bailar y en sus respectivos nombres.
Los más conocidos
• Taurinos: Suspiros de España, España cañí, La Gracia de Dios[1] El Gato Montés, Pan y toros, La Morena de mi
Copla (foto) Francisco Alegre, Amparito Roca, El Beso, Plaza de las Ventas, Xábia, y Pepita Greus.
• Militares: Soldadito español, El Abanico, Los Nardos, Las Corsarias, San Marcial o Los Voluntarios.
• Populares: La Entrada, Islas Canarias, En er Mundo, Costa Dorada, Brisas de Málaga, Valencia, Mi jaca
• Banda: Paquito el Chocolatero, Fiesta en Benidorm, Petrel Pasodoble,[2] Alegría Agostense, Educandos de
Benejúzar, Pepe Antón, etc.
También se deben destacar fantásticos pasodobles del maestro mexicano Agustín Lara como Silverio Pérez, El
Novillero o Fermín.
Pasodoble
Tunas y pasodobles
Actualmente, una de las maneras por las que se ha mantenido vivo este ritmo (aparte de las bandas de música) son
las Tunas, agrupaciones musicales universitarias, provenientes del siglo XII. Hoy en día, los pasodobles forman parte
importante del repertorio de estas agrupaciones, sean de España o de otras regiones del mundo. Uno de los elementos
característicos de los pasodobles interpretados por las tunas, es la vistosidad, ya que, además, se acompañan con
ciertas piruetas denominadas Fantasía de Pandereta (tocar el instrumento con distintas parte del cuerpo, sin perder
el ritmo), Baile de Bandera (mover el estandarte de la Tuna al ritmo de la canción) y el Baile de Capa (agitar la
capa emulando al movimiento de los toreros)o: "Las Cintas de mi Capa", "Tuna Compostelana", "Tuna de
Ingenieros"; teniendo en cuenta que cada Tuna, en su mayoría tiene un pasodoble creado por ellos mismos, que, a
manera de Himno es el distintivo de éstas canciones.
Referencias
[1] La Gracia de Dios - Mp3 (http:/ / soundclick. com/ share?songid=5519662) Berenguer González, Ramón T. 2008 Legran Orchestra, (Versión
autorizada).
[2] Petrel Pasodoble - Mp3 (http:/ / soundclick. com/ share?songid=5917413) Berenguer González, Ramón T. 2008 Legran Orchestra (Versión
autorizada).
Bibliografía
• Berenguer González, Ramón T.. "Pasodobles de España". ISBN 6914850.
Rumba
La rumba es tanto una familia de ritmos musicales como un estilo de danza de Cuba. Este complejo musical es de
raíz africana.
Variantes
Hay tres variantes principales del complejo de la rumba :
• el Guaguancó, (La Habana)
• la Columbia, (Matanzas)
• el Yambú. (Matanzas)
La instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras (la tumbadora es un tambor inventado en Cuba que, a
diferencia de los africanos, tiene llaves; se puede afinar, y escribir partituras. Hoy es universal) y dos palillos que
repiquetean sobre una caja de madera. Dos de los tambores, (la tumbadora prima y el segundo o tres), marcan el
ritmo básico; la tercera tumbadora llamada "quinto", (que se afina más alto), da los golpes improvisados, los floreos
dirigidos a los bailarines.
El guaguancó
De las tres variantes el guaguancó es la más elaborada, tanto musical como en lo referente a los textos. El guaguancó
es danza típica de los barrios negros de la ciudad de La Habana. Las otras dos variantes (yambú y columbia) son
rurales y de la provincia de Matanzas. Su canto se hace enteramente en español en vez de usar expresiones africanas
o vocabulario del argot de los barrios bajos. En el sentido de los textos el guaguancó está muy relacionado con el
"punto cubano", forma que tomó en Cuba la improvisación canaria y andaluza. El tempo del guaguancó es levemente
más lento que el de la columbia y más rápido que el yambú. El guaguancó tiene también alguna relación musical con
el "cante hondo".[cita requerida]
51
Rumba
En su forma primitiva el guaguancó estaba formado por tres secciones:
• La primera parte era la "diana": un fragmento melódico en el cual el cantante, con mucho aplomo, improvisaba
algunos "tralalala lalá", sin ningún significado textual, sino con el objetivo de tararear la melodía que desarrollaría
durante el canto. Es que, como el grupo de guaguancó carece de instrumental melódico, es la voz humana la
encargada de toda la melodía.
• Después, el cantante introducía el tema de la canción, el texto. El texto del guaguancó trata acontecimientos
diarios referidos a las personas específicas o a las cosas. Los versos podían ser décimas (estrofa octosílaba de diez
versos también llamada "espinela". Son versos pareados), o incluso prosa. La temática de los guaguancós es
frecuentemente luctuosa o, al menos, melancólica.
• En la tercera sección todos los miembros del conjunto entran en un frenesí rítmico mientras se repite un estribillo.
Es de una alegría desbordante que sirve de contrapeso a la tristeza del tema, es una relativización de la desgracia
que marca la alegría de la vida. El negro es esclavo y se ríe. En esta sección, como en todos los formatos de
llamada y de respuesta, el coro repite un patrón, estribillo o sistema de frases, mientras que el cantante improvisa.
En épocas recientes, la parte vocal del Guaguancó ha eclipsado el componente bailable. Fuera de Cuba (en Nueva
York, Nueva Jersey y Miami), las versiones modernas de guaguancó bailable, no tienen ninguna semejanza a la
original. Ahora es bailada por los parejas múltiples o "ruedas" que están libres para hacer una variedad de pasillos al
son del ritmo. La amalgama del guaguancó con su hija, la guaracha, y otros géneros es de tal magnitud, que uno
puede reconocerse apenas a un guaguancó.
Historia
La rumba era típicamente una danza folklórica afrocubana que servía como un baile de fertilidad. Tomó sus bases
para baile de salón en el siglo XVII a partir del son cubano. La rumba se bailaba en las tabernas, bares y similares de
aquella época. Se hizo popular en las primeras décadas del siglo XX. Los anglosajones suelen utilizar la palabra
rumba para definir casi todos los bailes cubanos (no notan las diferencias).
La Rumba es un término colectivo que engloba una gran variedad de formas de baile históricas y presentes en Cuba,
las cuales ya se conocían des siglo XVIII. Muchas de las formas que posteriormente se desarrollaron fueron
limitadas solamente a Cuba. Las plantaciones de caña de azúcar en Havanna y Mantanzas fueron los centros
principales de evolución de la Rumba. Los elementos característicos de este baile abierto de pareja, con figuras de
baile a menudo complicadas, son los movimientos cadera y pelvis basados en la tradición africana.
La Rumba se caracteriza por sus movimientos eróticos y a veces grotescos. Las canciones hablan a menudo sobre la
vida diaria de la gente de color de clase obrera. Muchos de los elementos de la Rumba han influido y han
enriquecido otros bailes folklóricos: la Guaracha, la Carioca, el Beguine, la Conga, el Mambo y el Cha-cha-cha. En
1930 la Rumba llegó a Europa de forma estabilizada y comercializada vía Nueva York, donde ya había adoptado
varios elementos del Jazz.
Durante el Tercer Reich la Rumba fue prohibida, y en otros países el interés fue disminuyendo. Después de la
Segunda Guerra Mundial hubo un renacimiento de este fascinante baile con dos variantes: el estilo rápido cubano de
la Rumba (Mambo Bolero), cuya coreografía provenía de Gran Bretaña, y el estilo continental lento cuadrado de la
Rumba (Bolero de Rumba) basado en una coreografía francesa. (El Bolero cubano debe ser separado del Bolero
español basado en el Fandango con un ritmo de tiempo 3/4.).
Desde 1956 hasta 1958 y desde 1961 hasta 1963 se llevaron a cabo dos "guerras de Rumba" entre Gran Bretaña y
Francia, para estandarizar la Rumba. La pelea terminó con la decisión de los comités internacional de aceptar ambas
variantes. Finalmente la variante lenta de la Rumba fue incluida como "la Rumba Cuadrada" en el programa de baile
y la Rumba cubana más difícil, en el programa de la competición que se bailó en 1964.
Como bailar
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Rumba
La rumba se baila con un movimiento lateral de la cadera de los bailarines con el torso derecho. El paso básico de la
rumba son dos pasitos rápidos al lado y un lento paso al frente.
Rumba (competición)
La Rumba se originó en Cuba como un baile típico de un ambiente caliente. Este baile se ha convertido en el baile
más clásico de los bailes latino-americanos. En este baile, se intenta representar el viejo papel de que la mujer
domina sexualmente al hombre, insinuándole e intentando deslumbrarle con sus encantos. En una buena coreografía
de este baile debe aparecer un elemento típico como es el "tease and run", es decir, la mujer acepta al hombre pero
después lo empuja y ya no lo desea. Este baile se convierte así en un juego de amor entre dos. Otras versiones de la
Rumba son el "Beguine", "Calypso" y la "Guaracha".
La rumba en España
La rumba ha llegado a España apareciendo las llamadas rumba flamenca y rumba catalana, en realidad más
relacionadas con la guaracha que con la misma rumba cubana.
La rumba en Argentina
La rumba llegó a Argentina, en la época del esplendor de la música tropical de los '60. Varios sectores escuchaban
esta música, y en la comunidad que más fuerte caló fue en los afroargentinos del tronco colonial del Gran Buenos
Aires, en especial en los del Partido de la Matanza. En esto también tuvo que ver el hecho de que algunos músicos
cubanos de "música tropical", se quedaron a vivir en el Gran Buenos Aires. Con el paso del tiempo la rumba cubana
se "afroargentinizó" influida especialmente por el Candombe porteño, y evolucionó en su toque y pasó a ser llamada
"Rumba Abierta". El grupo musical más reconocido de este subgénero de la rumba, la rumba abierta, es "La Familia
Rumba Nuestra".[1] Cabe recalcar que a partir del gusto por la rumba abierta y la rumba cubana, esta comunidad de
afroargentinos desarrolló un gusto muy especial por la Salsa; en especial este género agrada a los afroargentinos del
Partido de la Matanza (Provincia de Buenos Aires, Argentina).[2] [3]
Referencias
[1] La Familia Rumba Nuestra - Candombe porteño y rumba abierta (http:/ / www. elmurocultural. com/ Columnistas/ cperezmartin09. html)
[2] "¿Cómo suena la música afroporteña hoy? Hacia una genealogía del patrimonio musical negro de Buenos Aires" Norberto Pablo Cirio
(http:/ / www. sibetrans. com/ trans/ a131/
como-suena-la-musica-afroportena-hoy-hacia-una-genealogia-del-patrimonio-musical-negro-de-buenos-aires)
[3] Tocando, bailando y cantando rumba abierta en La Matanza (Provincia de Buenos Aires, Argentina). Lo primero es rumba abierta, y lo de
después es un candombe porteño (http:/ / www. youtube. com/ watch?v=11riEl0WNZM)
Enlaces externos
• Documental de 52 minutos sobre la rumba (http://www.documen.tv/asset/Rumba.html)
• Documental: Zaiko Langa Langa (http://www.documen.tv/asset/Zaiko_Langa_Langa.html)
53
Rumba
54
Véase también
•
•
•
•
Música cubana
Música española
Afroargentinos
Candombe
Sevillanas
Las sevillanas[1] son un cante y baile típico de Sevilla, que se cantan y
se bailan en las distintas ferias que se celebran por toda la región
andaluza, sobre todo en la Feria de Abril de Sevilla y también en la
romería de El Rocío, en la aldea almonteña de Huelva, y todas las de
Andalucía, o en las Cruces de Mayo de Lebrija (Sevilla) y en la
romería de Ntra. Sra. de la Cabeza (Andújar). También son populares
en las distintas romerías y en la antigüedad, en los corralones de
vecinos y patios. Su origen se encontraría en los años previos a la
época de los Reyes Católicos, en unas composiciones que eran
conocidas como "seguidillas castellanas", con el tiempo evolucionaron
y se fueron aflamencando, añadiéndose el baile en el siglo XVIII hasta
llegar a los cantes y bailes con que son nombradas actualmente.
Bailando sevillanas
Está incluida entre los palos del flamenco. A la Feria de Sevilla llegaron el mismo año de su fundación con el
nombre que la caracteriza, aunque no fueron reconocidas legalmente con ese término por la Real Academia Española
de la lengua hasta el 1884 que fue incluida en el diccionario de la lengua española. En la actualidad es el baile
regional más bailado en España y fuera en el extranjero, ya que hay numerosos profesionales y academias de bailes
repartidas por todo el mundo, para enseñar a bailar sevillanas, rumbas, flamenco y un largo etc de esta misma rama.
El cante
El cante, hasta la segunda mitad del siglo XX es un cante popular,
cantado por el pueblo y para el pueblo, recogiendo en sus letras pasajes
de la vida cotidiana y de sucesos habituales:
• Alguna crítica simpática:
"María la morena
puso un potaje
y le salieron duros
vaya malaje"
eso sería que Maria la Morena
se dormiría."
• Historias graciosas:
"Me casé con un enano, salerito
pa hartarme de reír
¡ole ahí ese tío que va ahí!
Giros
Sevillanas
55
eso si que fue de vera
que al bajarse de la cama,salerito,
se calló en la escupidera.
• Rocieras:
La historia de una amapola,
que escapó de esntre los trigos
dicen que la vio el almendro
dicen que la vio el olivo
dicen que la vio la luna
por enmedio de un camino
y el lunes por la mañana.
ese lunes de gentío
dicen que bajó del cielo
con la Virgen del Rocío
acariciando su pelo .
• O acontecimientos importantes:
"Por el puente Triana
pasa la Reina
no llevaba corona
tampoco peina".
Este último pasaje hace referencia al paso de la Reina Isabel II durante la inauguración del puente que lleva su
nombre en Sevilla, conocido popularmente como el Puente de Triana. Un ejemplo de grupo de sevillanas rocieras
son Los marismeños, que con sus canciones acompañan a las romerías andaluzas que hacen el Camino hacia El
Rocío.
En las sevillanas existe una variedad infinita de temáticas entre las que podemos clasificar como las más relevantes:
las regionalistas, las de tipo amoroso, rocieras, corraleras, bíblicas, boleras, litúrgicas, de feria, etc.
Autores
En la década de 1950 hacen aparición los primeros discos por
sevillanas, sus pioneros fueron Los hermanos Toronjo, dos hermanos
del municipio onubense de Alosno que tal vez ni imaginaran al
principio lo que supondría para el futuro el registro de sus canciones.
Sus sevillanas se hicieron míticas, conocidas como "bíblicas", después
se decantaron por dedicarle sevillanas a la Virgen del Rocío y su
romería.
A los pocos años, aparecieron en este campo de las sevillanas Los
hermanos Reyes, originarios de Castilleja de la Cuesta. Con ellos llegó
Cambio
la revolución a las sevillanas, incluyeron cambios como la diversidad
completa en la melodía, sin repetir de una sevillana a otra, dedicaron sus cantes, además de a la Virgen del Rocío, a
los monumentos, a las tradiciones, a las calles, puentes e historia de Sevilla.
Un importante compositor de sevillanas fue Manuel Pareja Obregón.
Sevillanas
También fueron interpretadas por grandes cantantes de la copla como fueron: Concha Piquer, Estrellita Castro,
Paquita Rico, Lola Flores, Gracia de Triana, la Niña de La Puebla, Miguel de Molina o la cantaora María Jiménez
que llegaron en algún momento incluso a realizar alguna película donde inmortalizar este cante y baile.
Como solista la primera en destacar fue La Niña de los Peines, y más recientemente ha tenido grandes éxitos como
cantante de sevillanas María del Monte. A partir de la década de 1960 surgen grupos que se dedicaban
exclusivamente a este tipo de cante, entre los más famosos se encuentran Los romeros de la Puebla, Amigos de
Gines, Los choqueros, Los de la trocha, y un largo etcétera. La popularidad de algunos de ellos ha sobrepasado las
fronteras de España.
Otros grupos y solistas que han dejado profunda huella son:
• Los marismeños, dedican sus canciones sobre todo a la Virgen del Rocío y su entorno (camino, ermita, marismas,
Río de Quema).
• El Pali, uno de los más conocidos en la ciudad, apodado "el trovador de Sevilla", cantó principalmente a Sevilla y
sus tradiciones.
• Cantores de Híspalis, otros revolucionarios de las sevillanas que la llevaron a lo más alto dándole auténtica
dimensión mundial, haciendo verdaderas representaciones en sus espectáculos con grandes puestas en escenas
(uno de sus discos está acompañado musicalmente por la Filarmónica de Londres).
• Ecos del Rocío, también muy conocidos hasta el día de hoy, han logrado llegar al gran público interpretando
temas sensibles.
Durante la década de 1980 con la inercia de los coros de las hermandades del Rocío, surgieron los coros rocieros
haciéndose muy famosos, añadieron a las sevillanas alguna característica de polifonía coral clásica. De estos los que
más han destacado son: el Coro de Huelva, el Coro de Almonte, el Coro de Emigrantes de Huelva, el Coro de Triana,
el Coro de Sevilla y el Coro de Coria. Separándose un poco de lo que son los coros sin dejar de ser otro, aparece
Raya Real, cantando las sevillanas de manera distintas siendo conocidas sus versiones aceleradas de antiguos éxitos.
El baile
El baile, es el folclórico más popular y más conocido en España pudiéndose diferenciar entre bailes rápidos o lentos.
Las sevillanas se suele bailar por pareja, salvo excepciones y experimentales combinaciones donde el baile lo ejecuta
una formación de más de dos personas al mismo tiempo, al son de las cuatro coplas en que se divide la sevillana. En
otros tiempos eran siete coplas las que componían la sevillana completa, escasamente se puede escuchar que haya
alguien que las cante como antes. Se pueden diferenciar cuatro movimientos dentro del baile: paseíllos, pasadas,
careos y remate. El fin de la última copla se hace coincidir la música y el baile haciendo los que lo ejecutan un
bonito y a veces romántico y provocativo desplante.
Su compás es de 3 x 4, es decir, de tres tiempos. De estos tiempos, el primero es fuerte y los dos siguientes son
flojos.
La música
La música que acompaña a la sevillana surge por norma de las cuerdas de una guitarra que se toca en cualquier tono,
dependiendo del cantante. Los primeros sones que se ejecutan es rasgueando, hasta que el cantante o el guitarrista
hace la introducción del cante.
Suele acompañarse los toques de guitarra con palmas que hacen los palmeros que acompañan al cantante o al grupo,
también son típicas en algunas ocasiones, las Castañuelas (o palillos como se conocen popularmente en Andalucía),
pito rociero, tamboril y /o pandereta.
56
Sevillanas
57
Referencias
[1] Véase la definición de sevillanas en el DRAE.
Enlaces externos
•
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Sevillanas. Commons
• Vídeos de sevillanas (http://www.sevillanas.tv/)
• Letras de sevillanas (http://www.rocio.com/sevillanas/)
• Blog de Letras de sevillanas (http://letrasdesevillanas.blogspot.com/)
58
...Y en Uruguay?
Candombe
El candombe y su espacio sociocultural: una práctica comunitaria
Patrimonio Cultural Inmaterial
Nombre descrito en la Lista del Patrimonio Inmaterial.
[1]
País
Uruguay
Tipo
Cultural inmaterial
N.° identificación
00182
Región
América Latina y el Caribe
Año de inscripción
2009 (IV Sesión)
[2]
Candombe
Orígenes musicales
Música africana principalmente, del área bantú
Orígenes culturales
Comunidad africana del Río de la Plata, y en menor parte otras mezclas culturales de la región
Instrumentos comunes Uruguay :
Tambor "Chico"
Tambor "Repique"
Tambor "Piano"
2 tambores: llamador o tumba, contestador o repicador, taba y mazacaya (en el porteño)
Popularidad
En Uruguay muy alta, desde el siglo XX. Está fuertemente vinculado al carnaval.
En la Argentina muy alta entre los afroporteños
El candombe es un género musical que tiene sus raíces en el África bantú,[3] y es propio de Uruguay, la Argentina y
Brasil. El candombe uruguayo es el más practicado y difundido internacionalmente y ha sido reconocido por la
Unesco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.[] El candombe argentino puede encontrarse, en
menor medida y en forma focalizada, en las ciudades de Buenos Aires, Santa Fe, Paraná, Saladas y Corrientes.[4] En
Brasil aún conserva su carácter religioso y lo vemos en el Estado de Minas Gerais.[5]
Originado a partir de influencias de música africana, fue desarrollándose en ambas orillas del Río de la Plata debido
a la gran afluencia de negros esclavos durante la época colonial y hasta bien entrado el siglo XIX, ya con la forma
republicana en vida en ambas orillas. Con el correr del siglo XX el candombe uruguayo fue dejando paulatinamente
de ser una característica exclusiva de los afrouruguayos para pasar a ser un rasgo de identidad de la cultura
uruguaya.[6] El candombe argentino recién cobró visibilidad hace pocos años y su práctica se circunscribe a los
Candombe
afroargentinos del tronco colonial.
Historia
Uruguay
El candombe surge en la época colonial como el principal medio de comunicación de los africanos esclavizados que
desembarcaban en el puerto de Montevideo, de forma que auna comunicación, danza y religión. La palabra
candombe aparece por primera vez en una crónica del escritor Isidoro de María (1808–1829). Su origen se remonta a
fines del siglo XVIII en el Virreinato del Río de la Plata, en lo que hoy es Argentina y Uruguay, con su característico
tamboril y sus personajes prototípicos. Originalmente concebida como pantomima de la coronación de los reyes
congos, imitando en la vestimenta y en ciertas figuras coreográficas, aunó elementos de la religión bantú y la
católica. Si bien es original de la actual Angola, de donde fue llevado a Sudamérica durante los siglos XVII y [siglo
XVIIIXVIII por personas que habían sido vendidas como esclavos en los reinos de Kongo, Anziqua, Nyongo,
Luango y otros, a tratantes de esclavos principalmente portugueses Los mismos portadores culturales del candombe
colonizaron Brasil (sobre todo en la zona de Salvador de Bahía), Cuba, y el Río de la Plata con sus capitales Buenos
Aires y Montevideo. Las distintas historias que siguieron estas regiones separaron el tronco común originario dando
origen a diversos ritmos hermanados en la distancia. Es de gran importancia remarcar que en su danza no existe
imitacion alguna por parte de los ejecutantes de su danza hacia sus amos (en esa época) sino que utilizaban su
vestimenta en días de fiesta como conmemoración de días religiosos de la cultura.
Fue en las grandes barriadas negras de Montevideo donde esta música surge y se mantuvo viva, a pesar de
extenderse a Buenos Aires, el candombe surge en Montevideo debido a su puerto natural de la época que facilitó la
constitución de Montevideo como principal centro comercial de trata de esclavos junto con Cuba. El candombe
termina adquiriendo su actual fisonomía en el Barrio Sur y el barrio Palermo durante los siglos XIX y XX. La
mayoría de los negros se mezclaron en lo que hoy es la cultura global. Sus ritmos africanos y sus rasgos culturales se
mezclaron con el fondo cultural común de estos países. Pero en los conventillos de Montevideo como el Medio
Mundo y el de Ansina pervivieron grupos de familias extensas que se fortalecieron en torno al candombe. Así el
candombe se convirtió en emblema, representativo de la negritud. No obstante numerosos investigadores concuerdan
que el Candombe, a través del desarrollo de la milonga es un componente esencial en la génesis del Tango. En
realidad, Tango, Milonga y Candombe forman un tríptico musical proveniente de la misma raíz africana. Pero con
evoluciones distintas.
Inicialmente, la práctica del candombe corría exclusivamente por parte de los negros, quienes tenían destinados
lugares especiales llamados tangós. Este vocablo origina en algún momento del siglo XIX la palabra tango, aunque
todavía sin su significado actual.
Posteriormente surge La Comparsa, es la agrupación que congrega a los personajes típicos del candombe como son
La Mama Vieja, El Gramillero, El Escobero y un numeroso cuerpo de baile representado por bailarines de ambos
sexos, vibrando con el ritmo generado por La cuerda de tambores. También se les llama popularmente tamboriles,
aunque esto delata que quien la emplea no es conocedor del tema.
59
Candombe
Actualidad
Si bien el candombe se toca todo el año por las
barriadas montevideanas, en febrero se realiza en dos
barrios, Barrio Sur y Barrio Palermo de Montevideo el
desfile de llamadas, que involucra a decenas de
comparsas. Cada una está formada por unos cincuenta
percusionistas como mínimo, quienes se complementan
con un cuerpo de bailarines y los diversos personajes
propios del género.
El candombe es también un ritmo que se usa en
Uruguay como base para canciones de distintos estilos
musicales. Ha sido adaptado a la murga,otro de los
géneros característicos de Uruguay, con el nombre
Uruguay Comparsa tocando frente al Palacio Legislativo en la
candombeado. Desde los años 1970 grupos como
primera celebración del Día Nacional del Candombe.
George Roos, Manolo Guardia y su Combo
Candombero, Pedro Ferreira y su Cubanacan, El Kinto, Negrocan, Totem y Rey Tambor usaron el ritmo del
candombe. Artistas como Eduardo Mateo, Rubén Rada, Jaime Roos cultivan el candombe canción, fusionándolo con
el rock y la murga uruguaya. También en los setenta, al influjo del jazz fusión en boga en la época, los hermanos
Hugo Fattoruso y Osvaldo Fattoruso junto a Ringo Thielmann, formaron Opa (con la colaboración también de Rubén
Rada y el percusionista Airto Moreira), recalando en los Estados Unidos con su candombe jazz. En los últimos años,
algunas agrupaciones de música bailable de la llamada música tropical uruguaya han incorporado también la "cuerda
de tambores" del candombe a su producción.
Hoy se asiste a un resurgimiento, aunándose a la tradición de las Comparsas y del Carnaval con la fusión de otros
ritmos (jazz, rock, beat, salsa, reagge, rap y a una expansión. Esta última debido, sobre todo, a los movimientos
migratorios Desde el Uruguay a las comunidades en el mundo entero. Donde con orgullo exhiben esta expresión del
candombe en los lugares más remotos. Estos candomberos hacen escuchar el cuero en Argentina, Nueva York, Ibiza,
Cuba, París, Barcelona, Japón, etc..
Argentina
La influencia africana no fue ajena a la
Argentina, donde el candombe también se
desarrolló con características propias. En
Buenos Aires hay población negra africana
esclavizada desde su misma fundación, en
1580. La mención más antigua documentada
de la palabra candombe en Buenos Aires
aparece en un documento del Cabildo del 27
de junio de 1825 en el que se prohibieron a
los negros hacer sus "batuques" y
"candombes".[7] [8] Sin embargo su
permanencia en la cultura argentina fue
prácticamente extinta debido a hechos como
Argentina. Afroargentinos tocando candombe porteño en la noche de san Juan
de 1939.
la epidemia de fiebre amarilla y la Guerra
del Paraguay que diezmaron la población
negra y la llevaron al borde de la desaparición y, con ella, sus rasgos identitarios ancestrales.[9]
60
Candombe
En la ciudad de Buenos Aires, fundamentalmente en los barrios del sur hoy llamados San Telmo, Monserrat y San
Cristóbal, se congregaban multitudes de negros para practicarlo. Fue decreciendo paralelamente con la
invisibilización que diversos gobiernos nacionales hicieron con los negros desde la segunda mitad del siglo XIX,
diezmados por las causas citadas y el caudal inmigratorio de blancos europeos que los desplazó del servicio
doméstico, los oficios artesanales y la venta calleja. Por otra parte, el candombe porteño permaneció oculto de cara a
la sociedad envolvente por voluntad de los propios afrodescendientes durante más de un siglo.
El candombe porteño o argentino no tiene otro apelativo que éstos. Sus cultores no reconocen denominaciones como
"candombe rioplatense" y "candombe guariló", ya que provienen de personas ajenas a la actividad y por tanto
carecen de representatividad.[10]
El candombe afroargentino influyó en la milonga pampeana campera, y a través de ésta y con el paso del tiempo,
influyó en el tango argentino.
Actualidad
Últimamente algunos artistas han incorporado este
género a sus composiciones y crearon grupos de
candombe argentino y ONGs de afrodescendientes,
como la Asociación Misibamba, Comunidad
Afroargentina de Buenos Aires. Sin embargo, es
importante tener en cuenta que el Candombe de
Uruguay es aún el más practicado. Debido a la
inmigración de uruguayos y por lo seductor de su
ritmo que cautiva a los argentinos. Por ese motivo no
solo que estudian su música sino también su baile y
personajes que recrean de una forma parecida. Se
toca mucho en los barrios de San Telmo, Monserrat y
Argentina. Comparsa Negros Argentinos de la Asociación
La Boca. Mientras que la variedad argentina tuvo
Misibamba tocando candombe argentino.
menos difusión local (comparada con la difusión que
hubo en Uruguay); principalmente por la mermación
de población de origen negroafricano, su mezcla con inmigrantes blancos y la prohibición del carnaval durante la
última dictadura.El candombe porteño lo tocan sólo los afroargentinos en el ámbito privado de sus casas, ubicadas
mayormente en el conurbano bonaerense.[11] Recientemente, a partir de su cambio de estrategia de pasar del
ocultamiento a la visibilización, hay algunos emprendimientos para interpretarlo en el espacio público, como
escenarios y desfiles callejeros. Entre los grupos de candombe argentino se encuentran Tambores del Litoral (unión
de Balikumba, de Santa Fe y Candombes del Litoral, de Paraná, Entre Ríos), Bakongo (estos, cuentan con su propia
página web), Bum Ke Bum y la Comparsa Negros Argentinos; estos tres últimos del Gran Buenos Aires.
61
Candombe
62
Características musicales
Uruguay
El candombe uruguayo tiene un ritmo de cuatro negras por compás con clave 3:2, la misma clave 3:2 del son cubano.
Instrumentos del candombe
El candombe uruguayo hoy en día se toca
con tres tambores: chico, repique y piano,
ordenados de más agudo a más grave. Hoy
en día se fusiona con guitarra, piano, y otros
instrumentos.
Chico
El chico es el tambor más pequeño y de
registro más agudo; es la base del
candombe, el patrón que toca vendría a ser
como el de una maraca o una cáscara pero
en un tambor. Toca la segunda semicorchea
de cada negra con la mano mientras que la
tercera y la cuarta con el palo, dejando en
silencio la primera semicorchea de cada
negra. El chico repicado toca la segunda
semicorchea con la mano mientras que la
primera, tercera y cuarta con el palo. El
chico tiene un patrón fijo: cada negra del
compás de cuatro cuartos, se divide en
cuatro partes: Chico de 2
Uruguay - Tambores de candombe: repique (izquierda), piano (medio) y chico
(derecha).
1. Un silencio —de semicorchea.—
2. Un golpe acentuado, semiabierto (como
un snap(conga) pero sin dejar la mano en
el cuero), de mano izquierda,
3. Dos golpes de palo, el cual se sostiene
con la derecha.
Ejemplo: Compás 4/4 s M p p s M p p s M p
p s M p p \\ Chico de 3 ó 4
El músico uruguayo Eduardo Mateo (1940-1990),
1. Un golpe acentuado, semiabierto, de
fundador del Candombe Beat (foto del LP "Mateo
mano izquierda,
solo bien se lame", 1972).
2. Tres golpes de palo, el último golpe que
algunos lo tocan acentuado(cae en la semicorchea número 1) el cual se sostiene con la derecha.
Ejemplo: Compás 4/4 s M p p p M p p p M p p p M p p \ p M p p p M p p p M p p p M p p \\
Repique
Las dimensiones del repique lo sitúan en el medio, más grande que el chico pero más pequeño que el piano y, en
cuanto a registro, también está situado en el medio. Básicamente cuenta de un ritmo de 2 células de 2 negras donde
se acentúa la 2.ª semicorchea de la primera negra y la primera y cuarta semicorchea de la 2.ª negra. Entre estos
Candombe
acentos que son tocados con la mano el palo rellena; este relleno depende totalmente del barrio y del tocador. El
repique también cumple la función de llevar la clave (madera) sobre el casco del tambor y «conversa» con los otros
repiques y con los pianos. Normalmente es el tambor que llama tanto a subir o bajar de tempo e intesidad como a
cerrar y abrir el toque. El repique es el que más improvisa y difícilmente se puede describir con lenguaje técnico su
ritmo. Una base de ejemplo es: s M s p M p s M p M s p M p s p\
Piano
El piano es el tambor más grande de registro más grave. El patrón que toca depende del barrio y del tocador que lo
ejecute. No todos los tocadores de piano repican pero es algo que se da cada vez más en los diferentes barrios de
Montevideo. El piano «llama», «contesta», «rezonga» y «tiene una conversación» con los repiques y con los otros
pianos. El piano suele improvisar bastante variando de acuerdo a una u otra zona de Montevideo. Por lo general cada
agrupación cuenta con un ritmo de piano propio que la identifica.
Argentina
El candombe argentino se toca con dos tipos de tambores, de exclusiva ejecución masculina: “llamador”, "base",
"tumba", “quinto” o “tumba base” -que es grave- y “contestador”, “repicador”, “requinto” o "repiqueteador" -que es
agudo-. Sendos tambores los hay, a su vez, en dos modelos: en tronco excavado, que se cuelgan con una correa en
bandolera y se tocan en desfile de comparsa; y con duelas, más altos que aquellos y se tocan de sentado. Ambos
tipos, se percuten directamente con las manos. Otros dos tambores se tocan ocasionalmente: el “macú” y el “sopipa”.
Ambos son hechos con tronco excavado, el primero se toca acostándolo en el piso pues se trata del tambor más
grande y grave de todos, y el “sopipa” que es pequeño y agudo, colgado o sosteniéndolo entre las rodillas.
Entre los idiófonos que siempre acompañan está la “taba” y la “masacalla” (o “mazacalla”), pudiéndose sumar el
“quisanche”, el “chinesco” y la “quijada”. Sea que el candombe se toque de sentado o en desfile, se trata de una
práctica vocal-instrumental, existiendo un nutrido repertorio de cantos en idiomas africanos arcaicos, en español o en
una combinación de ambos. Suelen estructurarse en forma de diálogo y se interpretan de manera solista,
responsorial, antifonal o en grupo. Aunque generalmente el canto es una práctica femenina, también intervienen
hombres. En los casos que hay más de una voz, siempre es al unísono.
Véase también
•
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Murga
Carnaval
Tango
Alberto Castillo
Día Nacional del Candombe
Lágrima Ríos
Rubén Rada
Jaime Roos
José Carbajal
Desfile de llamadas
Zemba (o Charanda)
63
Candombe
64
Referencias
[1]
[2]
[3]
[4]
http:/ / www. unesco. org/ culture/ ich/ index. php?pg=00011
http:/ / www. unesco. org/ culture/ ich/ index. php?lg=es& pg=00011& RL=00182
¿Que es el candombe?. (http:/ / www. candombe. com/ html_sp/ whatis. html)
La desaparición del candombe argentino: los muertos que vos matáis gozan de buena salud. (http:/ / www. cebela. org. br/ imagens/ Materia/
1ART06 Norberto. pdf)
[5] Congados, Calunga, Candombe: Our Lady of the Rosary in Minas Gerais, Brazil (http:/ / www. jstor. org/ pss/ 3513857)
[6] El legado africano en el Río de la Plata. (http:/ / www. larepublica. com. uy/ cultura/ 379101-el-legado-africano-en-el-rio-de-la-plata)
[7] ¿Cómo suena la música afroporteña hoy? Hacia una genealogía del patrimonio musical negro de Buenos Aires. (http:/ / www. sibetrans. com/
trans/ trans11/ art14. htm)
[8] Ausente con aviso ¿Qué es la música afroargentina? (http:/ / www. revistaquilombo. com. ar/ documentos/ cirioqueeslamusicaafroargentina.
pdf)
[9] El regreso del Candombe desterrado. (http:/ / www. clarin. com/ suplementos/ zona/ 2001/ 04/ 22/ z-00801. htm)
[10] Cirio, Norberto Pablo. “De Eurindia a Bakongo: El viraje identitario argentino tras la asunción de nuestra raíz afro”. Silabario 12: 65-78.
Córdoba, 2009. (http:/ / es. wordpress. com/ tag/ norberto-pablo-cirio/ )
[11] Del sueño de la Argentina blancaeuropea a la realidad de la Argentina americana: la asunción del componente étnico-cultural afro y su
(nuestro) patrimonio musical. (http:/ / www. revistaquilombo. com. ar/ documentos/ cirioargentina. pdf)
Enlaces externos
•
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Candombe. Commons
• http://www.candombe.com
• http://www.candombe.info
• Candombe del Uruguay (http://www.candombe.com.uy)
Tambores de candombe
Tambor de Candombe
Características
Clasificación
Membranófono de un solo parche, tocado con una baqueta y una mano
Instrumentos relacionados Tumbadora, Conga
Músicos
•
Percusionistas
Los tambores de candombe o tamboriles son membranófonos usados para tocar música de Candombe de Uruguay.
Tienen un solo parche de piel y existen tres tamaños: piano (rango bajo), repique (rango tenor) y chico (rango alto).
Los tambores están hechos de madera y tienen la forma de barril curveado con la base muy angosta.
Tambores de candombe
Discripción y ejecución de los tambores
Chico
El chico es el tambor más pequeño y de registro más agudo; es la base del candombe, el patrón que toca vendría a ser
como el de una maraca o una cáscara pero en un tambor. Toca la segunda semicorchea de cada negra con la mano
mientras que la tercera y la cuarta con el palo, dejando en silencio la primera semicorchea de cada negra. El chico
repicado toca la segunda semicorchea con la mano mientras que la primera, tercera y cuarta con el palo. El chico
tiene un patrón fijo: cada negra del compás de cuatro cuartos, se divide en cuatro partes: Chico de 2
1. Un silencio —de semicorchea.—
2. Un golpe acentuado, semiabierto (como un snap de conga, pero sin dejar la mano en el cuero), de mano izquierda,
3. Dos golpes de palo, el cual se sostiene con la derecha.
Ejemplo: Compás 4/4 s M p p s M p p s M p p s M p p \\ Chico de 3 ó 4
1. Un golpe acentuado, semiabierto, de mano izquierda,
2. Tres golpes de palo, el último golpe que algunos lo tocan acentuado(cae en la semicorchea número 1) el cual se
sostiene con la derecha.
Ejemplo: Compás 4/4 s M p p p M p p p M p p p M p p \ p M p p p M p p p M p p p M p p \\
Repique
Las dimensiones del repique lo sitúan en el medio, más grande que el chico pero más pequeño que el piano y, en
cuanto a registro, también está situado en el medio. Básicamente cuenta de un ritmo de 2 células de 2 negras donde
se acentúa la 2.ª semicorchea de la primera negra y la primera y cuarta semicorchea de la 2.ª negra. Entre estos
acentos que son tocados con la mano el palo rellena; este relleno depende totalmente del barrio y del tocador. El
repique también cumple la función de llevar la clave (madera) sobre el casco del tambor y «conversa» con los otros
repiques y con los pianos. Normalmente es el tambor que llama tanto a subir o bajar de tempo e intesidad como a
cerrar y abrir el toque. El repique es el que más improvisa y difícilmente se puede describir con lenguaje técnico su
ritmo. Una base de ejemplo es: s M s p M p s M p M s p M p s p\
Piano
El piano es el tambor más grande de registro más grave. El patrón que toca depende del barrio y del tocador que lo
ejecute. No todos los tocadores de piano repican pero es algo que se da cada vez más en los diferentes barrios de
Montevideo. El piano «llama», «contesta», «rezonga» y «tiene una conversación» con los repiques y con los otros
pianos. El piano suele improvisar bastante variando de acuerdo a una u otra zona de Montevideo. Por lo general cada
agrupación cuenta con un ritmo de piano propio que la identifica.
Cuerda de tambores
"Cuerda de tambores" es el nombre que se la da a la familia formada con cada uno de los tres tambores: tambor
chico, tambor repique y tambor piano. Una cuerda consiste de tres personas como mínimo, cada una tocando uno de
ellos. Sin embargo, una cuerda puede formarse de muchas más personas, siempre y cuando participen los tres tipos
de tambores repitiéndose así la serie. Cada tambor es tocado por una persona. En "las llamadas" el percusionista
cuelga su tambor de un hombro, y lo toca percutiendo en el parche con una de sus manos abierta y con un palo en la
otra. De esa manera "la cuerda" lo toca caminando en formación.
65
Tambores de candombe
Enlaces
• You Tube video - Música de Candombe [1]
• Diseño y Construcción de Tambores de Candombe [2]
Referencias
• Beck, John (1994). Encyclopedia of Percussion. Garland. ISBN 978-0-8240-4788-7.
Referencias
[1] http:/ / www. youtube. com/ watch?v=REsWrqBXYRw
[2] http:/ / construcciontamboriles. blogspot. com/ 2009/ 11/ diseno-y-construccion-de-un-tambor. html
Marcha camión
Se conoce como marcha camión a uno de los ritmos de base de la murga uruguaya.
Descripción
La banda que acompaña a la murga, está compuesta de tres instrumentos de percusión: redoblante, bombo y platillo
(hi-hat o charles de 13" o 14"). Con dichos instrumentos se ejecuta un ritmo característico que simula el rum tum
tum de circular por las calles. Durante el carnaval de Uruguay las murgas suelen realizar varias presentaciones por
noche en escenarios situados en diferentes barrios. El traslado de los conjuntos se realiza en camiones. La
denominación de marcha camión surgió porque era el ritmo que se hacía oír durante dichos traslados en camión.
La Comisión del Patrimonio Cultural de la Nación de Uruguay, estudia declarar "bien protegido" del patrimonio
cultural inmaterial al ritmo musical "marcha camión", según un proyecto presentado por los músicos Julio Brum y
Raúl García en 2006.
Historia
Originalmente la murga utilizaba una variedad de instrumentos: flauta, pistón, saxofón, bombo y platillos.
Posteriormente se agregaron otro tipo de instrumentos caseros: caños o tubos con una hojilla de fumar en un extremo
que el murguista hacía vibrar con su propia voz, candelabros que hacían sonar con el recurso de la hojilla de fumar y
hasta una batería de cocina a modo de instrumentos de percusión. En 1915 la murga "Los Profesores Diplomados"
incorporó al conjunto a un negro, que era soldado y tambor de la Escuela Militar, para que tocara el redoblante. Esta
innovación, que tal vez no tuvo mayor trascendencia en un principio, fue tomada y perfeccionada por el director José
Ministeri (“Pepino”), quien implantó y popularizó en 1918 con sus "Patos Cabreros", la batería de murga tal como se
conoce actualmente.
Inicialmente el ritmo era ejecutado con un bombo similar al bombo de la murga porteña, pero con la diferencia de
que el parche era de cuero y se percutía con una sola mano, ya que la otra mano sostenía el bombo debido al peso del
mismo. Luego el parche de cuero fue sustituido por el hidráulico, ganando un sonido más armónico. También
cambió el tamaño, pasando a ser de 20 pulgadas, no tan pesado como el anterior, lo que permite que las dos manos
estén libres sobre el parche para lograr diferentes ritmos.[1]
El ritmo también fue variando. En un primer momento, tal vez influenciadas por el ritmo de marcha de los desfiles,
las murgas cantaban sus melodías con un ritmo adecuado para el desfile. Luego, las influencias de la música
montevideana fueron haciendo variar este ritmo hasta la marcha camión. En este nuevo ritmo hubo influencias de los
golpes utilizados en la ejecución del tambor "chico" del candombe. Es posible que haya sido algún "tamborilero" de
candombe el que introdujo directamente esta modalidad rítmica, o pudo haber sido asimilación intuitiva de las
66
Marcha camión
formas básicas del candombe ejecutados con instrumentos de murga.
Otros ritmos
Además de la marcha camión, la murga ha empleado otros ritmos como el candombeado o "murga candombeada"
(ritmo relacionado con el candombe) y combinaciones de plena, marcha y malambo.[2]
Últimamente, ritmos de la música brasileña y centroamericana han sido tomados por las murgas, introduciendo
además síncopas y variaciones rítmicas, así como también otras vertientes musicales de variada procedencia (rock,
jazz) que han obligado a cambiar incluso la modalidad tradicional de ejecutar el redoblante, el bombo y los platillos.
La batería de murga ha continuado ampliando sus posibilidades sonoras hasta permitirse hoy día variantes bastante
complejas.[3]
Referencias
[1] Breve evolución: Bombo de murga uruguaya (http:/ / www. elarteylatecnologia. com. ar/ spip. php?article48) Crear, arte y tecnología.
Consultado el 12 de julio de 2011.
[2] Historia y origen de la murga uruguaya (http:/ / www. viajeauruguay. com/ cultura/ historia-y-origen-de-la-murga-uruguaya. php)
Viajeauruguay.com. Consultado el 12 de julio de 2011.
[3] Diverso, Gustavo. Murgas, la representación del Carnaval. 1989 (http:/ / www. lasmurgas. com/ descargas/ murgas_de_uruguay. pdf)
Consultado el 5 de febrero de 2011.
Enlaces externos
• La marcha camión cruzó el charco (http://www.revistatodavia.com.ar/notas/fabregat/textofabregat.htm)
• Comisión estudia declarar patrimonio cultural al ritmo "marcha camión" (http://coladosalcamion.blogspot.com/
2008/11/comision-estudia-declarar-patrimonio.html)
• A ritmo de marcha camión (http://zonaentremareas.blogspot.com/2007/02/ritmo-de-marcha-camin.html)
• A marcha camión (http://apresmoiledeluge.blogspot.com/2005/11/marcha-camin.html)
• Partituras de marcha camión y candombeado (http://corosdeluruguay.com/Acompañamientos para piano.
html)
67
Comparsa
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Comparsa
Tipo de agrupación carnavalesca que sale a la calle
a interpretar su música y baile. Los instrumentos,
el tipo de baile y el carácter del espectáculo es
específico para cada país en que existen, y en
muchos carnavales del mundo se realizan
concursos donde éstas compiten por diversos
premios.
En España
Comparsa Perucas, en Alcalá la Real, Jaén, España.
En Canarias
Las comparsas son grupos de baile que organizan una presentación de música, baile y color que da vida a los
animados desfiles de carnaval. Cada año se premia a las comparsas mejor preparadas. Originalmente buscaban sus
ritmos en músicas brasileñas, derivando en la actualidad a ritmos latinos en general. Están compuestas por tres partes
bien diferenciadas "batucada" que es la que aporta la percusión y sonido, "la parranda" que aporta su letras y "cuerpo
de baile" que desarrolla coreografías. Cabe destacar que son aficionados que durante meses se reúnen para aportar al
Carnaval su buen hacer. Son junto con las murgas los grupos que más destacan en este Carnaval. Sus espectaculares
diseños dan el color que necesita un Carnaval para brillar. Durante las fiestas se celebran dos concursos de estas
agrupaciones: "Interpretación y Presentación" y "Ritmo y Armonía". El primero se desarrolla en un escenario y se
valora la puesta en escena así como el diseño elegido, en el segundo se premia a aquella comparsa que mejor
desarrolle un desfile que se realiza en la calle y en el que el sonido de las "batucadas" hace bailar no solo a los
comparseros sino al público asistente.
Entre las más populares se encuentran Los Joroperos, Danzarines Canarios Los Cariocas y los Rumberos en el
Carnaval de Santa Cruz de Tenerife o Jaguaribe, Aragüimé y Cubatao en Las Palmas de Gran Canaria.
En Cádiz
El creador de esta modalidad en el carnaval de Cádiz, tal como se conoce hoy día, fue Paco Alba. Entró como
modalidad en el COAC en 1960 a mano de su creador Paco Alba. Es la modalidad más comprometida. La comparsa,
en el Carnaval de Cádiz, es realmente una chirigota más fina, es decir, una estilización de ésta. Mientras la chirigota
busca un aire paródico o esperpéntico, la comparsa busca una crítica poética más exigente, y un repertorio musical
más elaborado, verbigracia la utilización de tres guitarras, frente a tan sólo las dos de la modalidad de chirigota.
Está compuesta desde 12 hasta 15 componentes que cantan en diferentes voces: octavilla, contralto, tenor y segunda.
Se acompañan de dos o tres guitarras, un bombo, una caja y pitos o güiros. Su repertorio, al igual que el de la
chirigota, se compone de presentación, pasodobles, cuplés, estribillo y popurrí.
El concurso oficial de agrupaciones carnavalescas (COAC), se celebra en el Gran Teatro Falla donde las comparsas
comparten escenario con otras tres modalidades de agrupaciones: los coros, las chirigotas y los cuartetos.
Los premios de comparsas de los últimos años son:
Comparsa
69
1er Premio
[1] Juana la Loca de Constantino Tovar
Verdejo (Tino Tovar).
2011
2º Premio
3er Premio
Los currelantes de Jesús Bienvenido
Saucedo.
Las locuras de Martín Burton de Antonio
Martín García y José Guerrero Roldán (el
Yuyu).
Medio Siglo del grupo de los Majaras,
Antonio Rivas Cabañas y José Martínez
González (Pepe el guitarra).
Los caballeros de la piera reonda de Antonio
Martín García.
2010
Los santos de Jesús Bienvenido Saucedo.
2009
La mare que me parió de Antonio Martín La pensadora gaditana de Joaquín Quiñones
García.
Madera, José Luis Bustelo Sánchez y José
Manuel Martínez Sierra (el Taka).
Los trasnochadores de Jesús Bienvenido
Saucedo.
2008
La comparsa de Momo de Francisco
Javier y David Márquez Mateo (los
Carapapas).
Los mendas lerendasde Jesús Bienvenido
Saucedo.
La banda del capitán veneno de Juan Carlos
Aragón Becerra.
2007
Araka la kana de Juan Carlos Aragón
Becerra.
La playa de los secretos de Joaquín Quiñones La república gaditana de Constantino Tovar
Madera, Manuel Sánchez Alba (el Noly) y
Verdejo (Tino Tovar).
José Antonio Cheza Martínez (Nene Cheza).
2006
La caldera de Joaquín Quiñones Madera,
Manuel Sánchez Alba (el Noly) y José
Antonio Cheza Martínez (Nene Cheza).
La cuadrilla de Francisco Javier y David
Márquez Mateo (los Carapapas).
La bella escondida de Luís Manuel Rivero
Ramos.
2005
El Espíritu de Cai de Constantino Tovar
Verdejo (Tino Tovar).
Los hijos de la tierra de Luís Manuel Rivero
Ramos.
La Atlántida...? de Joaquín Quiñones Madera,
Manuel Sánchez Alba (el Noly) y José
Antonio Cheza Martínez (Nene Cheza).
2004
La cárcel vieja de Joaquín Quiñones
Los regaera de José Luís Bustelo Sánchez.
Madera y Manuel Sánchez Alba (el Noly).
Las estaciones de Constantino Tovar Verdejo
(Tino Tovar).
2003
Guadalupe de Luis Rivero.
Los vikingos de de Joaquín Quiñones Madera
y Manuel Sánchez Alba (el Noly).
Calle de la mar de Antonio Martínez Ares.
2002
Los ángeles caídos de Juan Carlos
Aragón Becerra.
La revolución de Antonio Martínez Ares.
La mina de plata de Francisco y José Luís
Alcántara Pedemonte.
2001
La niña de mis ojos de Antonio Martínez
Ares.
Los condenaos de Juan Carlos Aragón
Becerra.
Mal de amores de Antonio Busto Pavón.
2000
Los del año catapum de Constantino
Tovar Verdejo (Tino Tovar).
El tronío de Cai del grupo de los gitanos de
El Puerto de Santa María.
A sotavento de Manuel Pecci Piniella y José
Antonio Romero Lobón (Nono Lobón).
Y los primeros premios de otros años:
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1999: La parra bomba del grupo de los gitanos de El Puerto de Santa María.
1998: Los piratas de Antonio Martínez Ares.
1997: Los buscavidas de Antonio Martín.
1996: La trinchera de Antonio Martínez Ares.
1995: Charrúas de Joaquín Quiñones.
1994: La ventolera de Antonio Martínez Ares.
1993: Los miserables de Antonio Martínez Ares.
1992: Suspiros de Cai de Joaquín Quiñones.
1991: Encajebolillos de Antonio Martín.
1990: La mar de coplas de Antonio Martín.
1989: Nos quedamos de piedra de los hermanos Alcántara.
1988: Al compás de mi cepillo de la Peña Nuestra Andalucía.
1987: A fuego vivo de Antonio Martín.
1986: Soplos de vida de Antonio Martín.
Comparsa
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1985: Entre rejas de Antonio Martín.
1984: Filo Andaluz de Manuel Varo de Barbate.
1983: Agua Clara de Antonio Martín.
1982: Dioses del Olimpo de Joaquín Quiñones.
En Badajoz
En Badajoz, las comparsas están compuestas como mínimo por 30 componentes, algunas sobrepasan los 150
componentes acercándose a los 200. Las comparsas en esta ciudad no cantan, bailan. El domingo de carnaval, se
hace un desfile por las calles de la ciudad, donde las comparsas compiten por el mejor traje y por la mejor música. El
desfile dura varias horas y llegan visitantes de toda Extremadura y Portugal. Un mes antes, en las Candelas, las
comparsas compiten en la Tamborada por la mejorcusión.
En Málaga
Son aquellas agrupaciones carnavalescas que están obligadas a interpretar su repertorio a un mínimo de dos cuerdas
(tenor y segunda). Está compuesta desde 12 hasta 15 (17 en Málaga) componentes que cantan en diferentes voces:
octavilla, contraalto, tenor y segunda. Se acompañan de con una, dos o tres guitarras y con un bombo, una caja y
pitos o güiros. Su repertorio se compone de presentación, pasodobles, cuplés, estribillos y popurrí.
Se pueden nombrar como comparsistas populares en Málaga a: David Santiago, Juan Bernardo Cobos, Antonio
Carlos Rojas, especial mención se merecen la Comparsas provinciales de Marbella, que ha alcanzado en dos
ocasiones las semifinales del concurso de Cádiz,Ronda (agrupacion de la provincia que mejor clasificacion ha
obtenido en dicho concurso), Alhaurín y Arroyo de la Miel, ésta última obra del arcense Máximo Gómez Padilla,
considerado por muchos, a pesar de su juventud, el mejor escritor de comparsas de la historia de Málaga. En
Alhaurín tampoco hay que dejar atras a Dede, que con sus letras y la musica de Juani Serrano han sido varias veces
primer premio de Málaga.
En Villanueva y Geltrú actualmente Vilanova i La Geltrú
Los ciudadanos el domingo de Carnaval[2] las comparsas o "els comparsers" en catalán, salen a la calle con sus
sociedades y acompañados por más de 100 charangas o banda de música provinentes de todas las regiones de
España. Son ese día, "Els Comparsers" los animadores de la fiesta, que van en pareja, ellos visten de gala, con el
típico gorro catalán "barretina" y van a buscar a sus compañeras a primeras horas de la mañana entregándoles un
obsequio, ellas engalanadas con su "mantón de Manila", inician el baile desde las ocho de la mañana, danzando al
son de la música de la charangas que acompaña durante todo el trayecto a "La Comparsa", tirando y lanzando
caramelos por todas las calles y plazas de la ciudad hasta llegar a la "Plaça de la Vila", al grito de "La Plaça es
nostre" en donde todas las sociedades se reunen al son de la música del Turuta para iniciar la batalla de caramelos
y lanzar caramelos a todo el mundo.
Desde los balcones de la plaza se puede apreciar un colorido espectacular en cada una de las batallas, aumentando
con el tiempo la dulzura de la plaza. ¡En cada unas de las batallas, se recogen toneladas de caramelos. Algunos
abuelos aprovechan este día para agarrar raudos los dulces para luego darselos a sus nietos o para endulzar sus
propias vidas!
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Comparsa
En Uruguay
En Uruguay, las comparsas que son llamadas de negros y lubolos (blancos que se disfrazaban de negro para
participar de las fiestas de los negros en la época colonial) interpretan diversos ritmos musicales vinculados al
candombe. Estas comparsas están integradas por un cuerpo de bailarines, una "Cuerda de tambores" y la
participación de los personajes típicos del candombe, como "La Mama Vieja", "El escobero y "El Gramillero".[3]
Aunque tienen su esplendor en los desfiles callejeros también participan en los tablados con una actuación bastante
distinta. Sale un pequeño grupo de tambores, bailarines, etc. Los vestuarios son espectaculares y hay un especial
énfasis en el canto.
Véase también
• Cofradías de Mardi Gras
• Murga
Referencias
[1] http:/ / www. diariodecadiz. es/ article/ carnaval2011/ 919170/ migueles/ canijo/ tovar/ y/ morera/ se/ llevan/ los/ primeros/ premios. html
[2] http:/ / www. carnavaldevilanova. cat/ index. php/ els-dies-del-carnaval/ diumenge-les-comparses
[3] El toque del candombe (http:/ / toquecandombe. tripod. com/ comparsa. htm)
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...Y en Chile?
Tuna
Una tuna es una hermandad de
estudiantes universitarios que portan
una combinación de vestimentas
antiguas y que interpretan temas
musicales del folclore europeo e
hispanoamericano,
haciendo
uso
generalmente, de cordófonos. Los
orígenes de estas agrupaciones no
están claramente determinados. Para
Tuna de Medicina de Sevilla en Badajoz (2007).
algunos sus raíces se encuentran en los
antiguos Sopistas y pícaros de antaño
(siglos XV o XVI), para otros se encuentran en los propios continuadores de la tradición goliarda: Los estudiantes
pobres (siglos XIII), que se valían de sus habilidades musicales para cubrirse sus estudios y sus necesidades. De
carácter alegre y pícaro, las tunas nacieron en España y en el último siglo aparecieron tunas en diferentes partes de
Europa e Hispanoamérica, debido al carácter viajero de estas agrupaciones.
Etimología
El origen de la palabra tuna viene de la palabra tunante que era una palabra despectiva referida a esos estudiantes
nocheriegos que hacían ruido por las noches, que por uso derivó en "Tuna". Esta teoría se apoya en el carácter
mendicante de los "sopistas", estudiantes pobres que sobrevivían a expensas de la "sopa boba", distribuida
gratuitamente en ese tipo albergues, de modo que, (he aquí la conexión) debieron de llamarles ´´tunos´´.
Otros sostienen, con el apoyo de un "diccionario de autoridades" del siglo XVIII - de dudosa precisión – que la
palabra deriva del español "atún", dada la similitud que existe, (según la opinión de los autores) entre la naturaleza
migratoria de estos peces y el carácter ambulatorio de los Tunos. Según esta teoría, "Tunos" serían los trabajadores
estacionales que se desplazaban hacia el sur de España buscando trabajo, siendo éste proporcionado por la temporada
del atún del Mediterráneo. Estos trabajadores de temporada pudieron haber inspirado a los estudiantes a llevar una
vida errante.
Otras teorías más ampliamente difundidas procuran situar el origen en el latín "tonare" (sonido), aunque esta
evolución es contraria a la legislación de los cambios fonéticos del latín a las lenguas ibéricas. Sin embargo, existen
otras teorías.
La Tuna, en sus albores, la constituía estudiantes que, debido a sus escasos recursos, tenían que cantar o tocar de
lugar en lugar para poder ganarse la vida, o simplemente, para sustentarse durante el viaje de vuelta a sus casas
cuando llegaban las vacaciones (en algunos casos). De ahí que esa actividad se designe con un verbo específico:
"TUNAR", o "correr la tuna", que significa: llevar una vida viajera, vagabunda, tocando y cantando. Del verbo tunar
se deriva el término "TUNA", por el cual se nombran estas agrupaciones y "tunos" a los miembros de éstas. El
término tuna también se deriva de la expresión francesa Roi de Thunes (Rey de Túnez), un apelativo utilizado para
designar a líderes de vagabundos.
Tuna
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Historia
Siendo una tradición íntimamente ligada a las universidades, las tunas mantienen vivas las costumbres heredadas de
los estudiantes universitarios del siglo XIII. Alfonso X el Sabio se refirió a los tunos como juglares, en su Código de
las Siete Partidas al escribir: "Esos escolares que troban y tañen instrumentos para haber mantenencia". Coetánea
suya, también lo hizo la obra Razón de amor con los denuestos del agua y el vino, describiendo las cintas que aún
penden sobre la capa del tuno: una por cada conquista amorosa, una por cada mujer.
El Arcipreste de Hita, en El Libro de buen amor, subraya su carácter mendicante.
... en el cortejo que sale a rescibir a Don Amor : la guitarra morisca, el corpudo alaut, la reciancha bandurria, el
panderete (que) con sonajas de azófar faze dulce sonete.[1]
"Libro del Buen Amor", Juan Ruiz, Arcipreste de Hita, Act 1232.
La tuna en sus orígenes aglutinaba a aquellos estudiantes que por su condición económica no podían costearse su
estancia en la universidad, y trovaban por las fondas y mesones para conseguir algo de dinero y un plato de sopa con
los que mantenerse. Por esta razón se les conocía como "sopistas", y se decía que vivían de la sopa boba.
Para tales menesteres portaban guitarras y bandurrias, y cantaban coplas populares. También se servían de sus
habilidades musicales para enamorar a las doncellas que pretendían. Constancia de ello queda en la primera
referencia escrita que hay sobre las Tunas, que se encuentra en el archivo de la Universidad de Lérida, y en la que se
prohíbe a los estudiantes hacer rondas nocturnas bajo pena de confiscarles los instrumentos.
No puede hablarse de tunos, hasta 1538, año en que los sopistas se acogieron a las viviendas benéficas que les
ofrecía la Instrucción para bachilleres de pupilos. A partir de ese momento, comenzaron a cantar sin que en ello les
fuera la supervivencia. Porque, entonces, los ya ex sopistas, en calidad de estudiantes veteranos, se hicieron servir
como escuderos por los «bobos» o estudiantes nuevos, a los que supuestamente debían apoyar, según la norma, a
cambio de legarles su gaya ciencia musical.
Lo cuenta «La vida del pícaro Guzmán de Alfarache», haciendo hincapié en el status de estudiante rico que así
alcanzaron los otrora sopistas. Luego, en El Buscón de Francisco de Quevedo, se habla de las bromas que les
aguantaban los estudiantes novatos, hasta cumplir el meritoriaje que les terminara equiparando a ellos...
El tuno mendicante casi desaparece de la escena española merced a la abolición del traje de estudiante en el año de
1835, y posteriormente a mediados de siglo durante la regencia de María Cristina, que permite la libre asociación, se
crean asociaciones de músicos y artistas entre las que sobresalen las "estudiantinas", grupos musicales a la batuta de
un director, con un formato de número musical que fue todo un éxito en la época, haciendo que estudiantinas como
la "Figaro" trascendiera fronteras y continentes.
A imagen de estas estudiantinas, se recrean en las universidades españolas las primeras Tunas como las vemos hoy,
que evocan las otrora comparsas de estudiantes que con sotana y manteo raído recorrían ciudades y campos, pero
ahora con el traje y formato musical de la estudiantina.
Características
Las tunas en la actualidad se suelen clasificar por la facultad a la que pertenecen sus miembros, como por ejemplo
Tuna de Medicina, sin perjuicio de existir tanto las tunas universitarias, compuesta por tunos de varias facultades de
la misma universidad, como las tunas de distrito, compuesta por tunos de diferentes universidades del distrito donde
estudia el tuno.
La indumentaria de la tuna está compuesta de capa, jubón, camisa, calzas, bombachos o gregüescos sobre éstas,
zapatos o botas y finalmente la beca que es lo que identifica a cada Tuna y varía de acuerdo a la facultad a la que
pertenezca, ejemplo: amarilla si es de medicina, roja si es de derecho, azul si es de ingeniería o ciencias exactas, etc.
• El jubón es una chaqueta ceñida al busto. El jubón se cita documentalmente por vez primera en la Península
Ibérica en 1377, y en el siglo XVI se generalizó su uso como prenda ligera.
Tuna
• La camisa generalmente de color blanco. Aparece bajo el jubón.
• Como pantalones se utilizan bombachos o gregüescos. Los pantalones bombachos o gongorinos son cortos y
anchos, y ceñidos por la parte inferior. Los gregüescos o cervantinos son calzones muy anchos usados sobre todo
en los siglos XVI y XVII.
• Las calzas o mallas son prendas que cubren el pie y la pierna hasta la cintura, usándose solas o bajo los
gregüescos. Con los pantalones bombachos se utilizan medias calzas, o simplemente medias, que cubren toda la
pierna.
• La beca es la banda de color que se coloca sobre el pecho y los hombros, en forma de V, por encima del jubón.
Antiguamente indicaba que su portador estaba becado por su universidad, y como becario disponía de una ayuda
que le hacía menos costosa su estancia en la misma. Los colores de la beca y el escudo que en ella figura bordado
identifican la universidad y la escuela o facultad a la que pertenece el tuno. La beca es entregada al tuno por sus
compañeros cuando éstos consideran que ha alcanzado el grado suficiente de veteranía, y puede así representar
correctamente a su tuna. El acto en el que se entrega la beca es llamado "bautizo".
Por lo general la beca es del color representativo de la universidad o facultad a la que pertenezca la tuna (amarillo:
medicina, azul: ciencias, rojo: derecho, etc.). Las becas suelen alcanzar hasta la mitad superior de la espalda. Las
becas de las tunas de Valladolid son particularmente diferentes al resto, dado que son más largas (de forma que por
la espalda se cruzan y llegan sus extremos hasta más abajo del cinturón del jubón) y tienen en uno de sus extremos
un aro (quizá como recuerdo de un sombrero que se llevaba cosido a la beca). Hay dos excepciones: la Tuna
Compostelana (no lleva beca, porta cosida en el jubón una Cruz de Santiago bordada) y la Tuna de Distrito de
Granada (lleva al pecho el escudo de la Universidad de Granada).
• Otra prenda importante en la indumentaria del tuno o la tuna es la capa que es una prenda de vestir larga y suelta,
sin mangas, abierta por delante, que se lleva sobre los vestidos. La capa, además de fiel protectora del tuno en sus
noches de frío, representa dos de las condiciones fundamentales de los mismos: la de viajeros infatigables y la de
galán. Sobre su capa se exhiben los escudos de las ciudades y países que ha recorrido en sus correrías. Muestra
asimismo cintas multicolores bordadas con dedicatorias cariñosas por mujeres que demuestran así al tuno su
afecto o su amor, las cuales ellas portaban en sus cabellos y se las entregaban durante las serenatas. Provengan de
pretendientes, de una madre, o de las amigas, como reza la canción Tuna Compostelana: "cada cinta que adorna
su capa guarda un trocito de corazón". Actualmente, las damas no portan cintas en sus cabellos, por ende llevar
cintas en las capas deja de tener un respaldo histórico-cultural, sin embargo se sigue continuando con esa
tradición.
Hay otra indumentaria de tuna propia de las tunas portuguesas. Llevan el traje de estudiante negro y la capa negra.
En vez de cintas dejan que les rasguen la capa personas que son importantes para ellos. Se diferencian de las tunas
españolas en que por lo general le dan más importancia a la música que a la fiesta.
Por lo que respecta a la música, encontramos dos tipos de instrumentos básicos. Por un lado está la guitarra que se
utiliza como acompañamiento de la melodía. La melodía la crean las voces y los cantos, entre los cuales destacan
principalmente el laúd y la bandurria (las tunas portuguesas suelen usar mandolina en vez de bandurria y laúd), el
contrabajo se ha convertido en la actualidad en instrumento casi imprescindible en todas las tunas del mundo. No nos
podemos olvidar, sin embargo, de otro instrumento característico de la música estudiantil: la pandereta, así como
también podemos encontrar al pandero y las castañuelas.
Además de los instrumentos básicos, sin los cuales no se podría crear música de tuna, utilizan muchos otros que le
confieren una riqueza muy especial. Éstos han llegado gracias a la fusión con la cultura de muchos pueblos, y
también muchas veces por los propios instrumentos regionales de las localidades de origen de la tuna. Entre los más
destacados encontramos el timple canario, la bandola y el charango. También suelen usarse en las tunas de todo el
mundo el cuatro venezolano, tres cubano, cuatro puertorriqueño y el acordeón para acrecentar la variedad sonora. En
la actualidad también se han añadido instrumentos de viento tales como la quena y la flauta traversa. En conclusión
la tuna recoge la cultura musical de cada país y/o región que visita y la adopta en su repertorio.
74
Tuna
La mayoría de las tunas y estudiantinas de México, adaptan dos instrumentos básicos del mariachi como son: la
vihuela mexicana y el guitarrón, esto con el fin de enriquecer más aún las melodías. Cabe mencionar que algunas
estudiantinas parroquiales, también utilizan el acordeón para armonizar la pieza musical.
Las albadas medievales y cantos escolares pobres constituyeron el primer repertorio del tuno. Después, su
cancionero se ha enriquecido con temas populares españoles, así como pasodobles y vals, y folclore regional, como
jotas, isas, malagueñas, etc. También, por su carácter viajero el Tuno ha engrosado su repertorio con canciones de
todo el mundo en miles de idiomas, siempre para poder sorprender y alegrar cada fiesta en la que se encuentren.
Referencias
[1] "Libro del Buen Amor" (http:/ / www. cervantesvirtual. com/ servlet/ SirveObras/ 24661685545133385754491/ p0000001. htm) Juan Ruiz (c.
1283 - c. 1350), Consultado el 23 de junio de 2007.
Enlaces externos
•
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Tuna. Commons
• Historia de la Tuna (http://www.geocities.com/latunaes/historia.htm)
• Archivo del Buen Tunar Emilio de la Cruz Aguilar (http://archivobuentunar.iespana.es)
• Seminario Internacional del Buen Tunar (http://seminariobuentunar.iespana.es)
• Historia de la Tuna (http://www.murcia.com/tunamedicina/historia.asp)
• Historia de la Tuna y más información de interés (http://www.uspceu.com/usp/tuna/Actividades/IndexActiv.
htm)
• Enlaces a tunas de España (http://www.der.uva.es/tuna/enlaces/tunaesp.htm)
• Material audio y video sobre Tuna, Blog, Comunidad, Red Social de Tunos del Mundo (http://www.tunet.es/)
• Colección de canciones y músicas de tuna (http://tuna.upv.es/cancion/)
• Estudiantinas Chilenas 1884-1955, Ministerio de Educación, Chile (http://issuu.com/ramonandreuricart/docs/
libroestudiantinaschilenas)
• Diálogo entre dos tunantes (http://issuu.com/ramonandreuricart/docs/dialogoentredostunantes)
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Fuentes y contribuyentes del artículo
Fuentes y contribuyentes del artículo
Murga Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=51019231 Contribuyentes: .José, A ver, Alavisan, Aleposta, Angel GN, Antur, Asiria, Atardecere, Batamurguera, Beaire1, Beto29,
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El rrienseolava, ElCorbobes, Ellibriano2, Ernalve, Ersaviola, FAR, Ferchipi, Folkvanger, Guillealves, Hprmedina, Humberto, InesA, Jecanre, Jkbw, Jorge Brayer, Lam, Luan, MGRSRB,
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Coral (música) Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=51059157 Contribuyentes: 0R1C4LC0, A ver, Airunp, Aldera, Alex299006, Amadís, Chien, Dangelin5, Dhidalgo, Obelix83,
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Teatro Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=50696035 Contribuyentes: .Sergio, @IE, Airunp, Alejandrocaro35, Aleposta, Alhen, Almorca, Aloneibar, Amadís, Anassesduses,
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Lycaon83, Marc lucas, Moustique, Oestrimnium, Turzh, UMH1234, Urdangaray, Viento Turquesa, Will vm, Xaverius, Yonderboy, 79 ediciones anónimas
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Fernando Estel, Fmariluis, FrancoGG, Grillitus, Hispa, Huhsunqu, Joselarrucea, Juan Quisqueyano, Keegscee, Kordas, Lin linao, MaSt, Miguel303xm, Moriel, Netito777, Opus88888,
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