TEMA 6: SIGLO XX

TEMA 6:
SIGLO XX
El siglo XX es un período de cambios acelerados en el
que conviven diferentes estilos musicales, se irá
abandonando el uso de la tonalidad y se va creando un
nuevo universo sonoro.
La música contemporánea comienza a finales del siglo
XIX con los movimientos nacionalistas y con otras
tendencias como el Impresionismo o el Expresionismo.
A principios del siglo XX surgen el Futurismo y el
Dadaísmo, y un poco más tarde el Dodecafonismo; en
torno a 1920 aparece el Neoclasicismo y, tras la
Segunda Guerra Mundial, nuevas corrientes de
vanguardia como el Serialismo, la música concreta, la
electrónica y la aleatoria.
1. EVOLUCIÓN
El Impresionismo y el Expresionismo son dos manifestaciones distintas de una postura
hiperromántica. Los dos movimientos marcan un abandono de las leyes de la tonalidad
y de la armonía, pero suponen una evolución necesaria en un lenguaje demasiado
repetido y agotado.
1.1. Impresionismo
A finales del siglo XIX se produce una
reacción a las corrientes naturalistas y
realistas. En la pintura aparece el
Impresionismo en cuadros de paisajes
difuminados con gran riqueza de luz y
colores puros. En la literatura surge el
Simbolismo, que exalta lo misterioso y lo
irracional.
El Impresionismo musical es un movimiento
francés relacionado con ambas tendencias;
sus principales representantes son Claude Debussy (1862-1918) y Maurice Ravel.
Las características de la música impresionista son:
· Melodías sin líneas ni cadencias claras, utilizan escalas modales,
pentafónicas, cromáticas o de tonos enteros.
· Armonía libre con acordes que toman valor por su sonoridad.
· Utilizan los instrumentos de forma individual y no como un conjunto
orquestal.
· Creación de una atmósfera sonora basada en “impresiones” auditivas.
Audición 1: Debussy - Arabesque 1
1.2. Expresionismo
El Expresionismo es un movimiento alemán que afecta a la pintura, la literatura y la
música. Se caracteriza por la expresión del alma de forma dura y pesimista. El
compositor más representativo de esta tendencia es Arnold Schoenberg (18741951).
Audición 2: Schoenberg - Pierrot Lunaire. Gebet an Pierrot
Las características de la música expresionista son:
· Búsqueda de lo dramático mediante disonancias que producen una tensión
continua.
· Utilización de un sistema atonal que rompe todas las reglas de organización.
· Sustitución de la melodía por un canto recitado que tiene como objetivo la
expresión violenta y agresiva del texto.
· Interpretación para formaciones de cámara en las que cada instrumento es
solista.
1.3. La nueva sonoridad: Stravinsky
El compositor ruso Igor Stravinsky (1882-1971) es uno de los músicos más
importantes del siglo XX. Su obra marca el inicio de una sonoridad contemporánea que
influirá en todos los compositores de la época.
El término impresionistas
les fue impuesto de modo
peyorativo por el crítico
Louis Leroy al ver la obra
de Monet Impresión
atardecer o Impresión
sol naciente en la
exposición de 1874.
La gran obra de Stravinsky es el ballet La consagración de la
primavera. Su estreno el 29 de mayo de 1913 en el Teatro de los
Campos Elíseos de París provocó el mayor escándalo de la historia
de la música moderna; a la música de Stravinsky se añadió la
coreografía de Vaslav Nijinsky utilizando movimientos bruscos y
golpes y desplazamientos sobre el suelo.
Audición 3: Stravinsky - La consagración de la primavera
1. Lee el texto, ve el vídeo y responde a las siguientes preguntas:
El escándalo Stravinski: cien años de "La Consagración de la Primavera"
El Universal, Domingo 26 de mayo de 2013
París.- Es quizá el escándalo más conocido de la historia de la música: el 29 de
mayo de 1913, la pieza "Le Sacre du Printemps" ("La consagración de la
primavera") del ruso Ígor Stravinski conmocionó al público en París y provocó
tumultos durante la premiere en los que se llegó incluso a las manos, y que dieron a
conocer al compositor en todo el mundo. […]
"Todos los espectadores entendieron que estaba ocurriendo algo nuevo. Los más
mayores lo rechazaban, los jóvenes sintieron el cambio", cree el experto en música
alemán Ulrich Michels. Para él, fue esa noche en el Théatre des Champs Elysées
donde nació la música moderna.
¿Pero qué ocurrió allí? El ballet ruso dirigido por Serge Diaghilev encargó una pieza
a Stravinski, que entonces, a sus 31 años, era conocido sobre todo por su ballet "El
pájaro de fuego". Éste se desmarcó de su tradición rusa y presentó una composición
basada casi exclusivamente en el ritmo.
El bailarín Vaslav Niyinsky fue autor de la coreografía del ballet, que giraba en
torno a una mujer que en un ritual arcaico era sacrificada al dios del sol, con
movimientos novedosos, angulosos y pesados. […]
Un testigo del momento escribió sobre un joven espectador que veía la obra detrás
de él: "Sufría tal excitación que tamborileaba continuamente con sus puños en mi
cabeza. Y mi excitación era tal que durante mucho tiempo ni siquiera sentí los
golpes".
Muchos espectadores de esa noche acabaron arrastrados en un tumulto, recordaba el
escritor Jean Cocteau. "La gente reía, había burlas, pitaba, hacía sonidos de animales
y quizá se hubieran cansado a la larga si no fuera porque la multitud de estetas y
músicos, en su exagerado celo, se puso a ofender al público de los palcos, y a
atacarlo físicamente".
Se produjeron algunas peleas que dejaron 27 heridos. El propio Stravinski huyó de
la zona de espectadores para esconderse en el lugar destinado para la orquesta y
después a la parte de atrás del escenario saltando por una ventana.
Las críticas fueron devastadoras. Giacomo Puccini escribió: "No hay duda de que la
pieza es de una originalidad y una notable parte de talento. Pero en conjunto
recuerda a la obra de un loco". Claude Debussy habló de una "Massacre du
Printemps" (masacre de la primavera).
Coco Chanel et Igor Stravinsky. Le Sacre du Printemps
a) Por lo que has leído en el texto, ¿te parece justificada la reacción del público ¿Por qué?
b) ¿Cómo crees que reaccionaría el público si se produjera un escándalo parecido?¿Y la organización
del evento?
2. RUPTURA
Futurismo, Dadaísmo y Dodecafonismo son los primeros movimientos que se desligan
de las formas de composición tradicional.
2.1. Futurismo
Es un movimiento estético nacido en Italia en 1909 que defiende una nueva época
caracterizada por las máquinas y el movimiento.
Sus precursores son Pratella y Russolo, que abogan por la introducción de los ruidos en
la orquesta. Russolo, en su Manifiesto de los ruidos (1913), propone los nuevos sonidos
en seis familias:
- Gruñidos, rugidos, agua que cae.
- Silbidos, siseos y resoplidos.
- Cuchicheos, murmullos y susurros.
- Estridencias, crepitaciones, zumbidos y rompimientos.
- Percusiones sobre metales, maderas, pieles y piedras.
- Voces de animales y hombres: risas, gritos, sollozos y gemidos.
2. Lee el texto y responde a las siguientes preguntas:
El arte de los ruidos. Manifiesto Futurista, 1913
Luigi Russolo (MILÁN, 11 de marzo 1913)
1.- Los músicos futuristas deben ampliar y enriquecer cada vez más el campo de los sonidos.
Esto responde a una necesidad de nuestra sensibilidad. De hecho, en los compositores geniales
de hoy notamos una tendencia hacia las más complicadas disonancias. Al apartarse
progresivamente del sonido puro, casi alcanzan el sonido-ruido. Esta necesidad y esta
tendencia no podrán ser satisfechas sino añadiendo y sustituyendo los sonidos por los ruidos.
2.- Los músicos futuristas deben sustituir la limitada variedad de los timbres de los
instrumentos que hoy posee la orquesta por la infinita variedad de los timbres de los ruidos,
reproducidos con apropiados mecanismos.
3.- Es necesario que la sensibilidad del músico, liberándose del ritmo fácil y tradicional,
encuentre en los ruidos el modo de ampliarse y de renovarse, ya que todo ruido ofrece la unión
de los ritmos más diversos, además del ritmo predominante.
4.- Al tener cada ruido en sus vibraciones irregulares un tono general predominante, se
obtendrá fácilmente en la construcción de los instrumentos que lo imitan una variedad
suficientemente extensa de tonos, semitonos y cuartos de tono. Esta variedad de tonos no
privará a cada ruido individual de las características de su timbre, sino que sólo ampliará su
textura o extensión.
5.- Las dificultades prácticas para la construcción de estos instrumentos no son serias. Una vez
hallado el principio mecánico que produce un ruido, se podrá modificar su tono partiendo de
las propias leyes generales de la acústica. Se procederá por ejemplo con una disminución o un
aumento de la velocidad si el instrumento tiene un movimiento rotativo, y con una variedad de
tamaño o tensión de las partes sonoras, si el instrumento no tiene movimiento rotativo.
6.- No será a través de una sucesión de ruidos imitativos de la vida, sino que mediante una
fantástica asociación de estos timbres variados, y de estos ritmos variados, la nueva orquesta
obtendrá las más complejas y novedosas emociones sonoras. Por lo que cada instrumento
deberá ofrecer la posibilidad de cambiar de tono, y habrá de tener una extensión mayor o
menor.
7.- La variedad de ruidos es infinita. Si hoy, que poseemos quizá unas mil máquinas distintas,
podemos diferenciar mil ruidos diversos, mañana, cuando se multipliquen las nuevas
máquinas, podremos distinguir diez, veinte o treinta mil ruidos dispares, no para ser
simplemente imitados, sino para combinarlos según nuestra fantasía.
8.- Invitamos por tanto a los jóvenes músicos geniales y audaces a observar con atención todos
los ruidos, para comprender los múltiples ritmos que los componen, su tono principal y los
tonos secundarios. Comparando luego los distintos timbres de los ruidos con los timbres de los
sonidos, se convencerán de que los primeros son mucho más numerosos que los segundos. Esto
nos proporcionará no sólo la comprensión, sino también el gusto y la pasión por los ruidos.
Nuestra sensibilidad, multiplicada después de la conquista de los ojos futuristas, tendrá al fin
oídos futuristas. Así, los motores y las máquinas de nuestras ciudades industriales podrán un
día ser sabiamente entonados, con el fin de hacer de cada fábrica una embriagadora orquesta de
ruidos.
a) ¿Por qué hay que iniciar la búsqueda de nuevos sonidos?
b) ¿Hay que grabar los ruidos directamente de la vida? ¿Qué deben hacer los compositores?
El movimiento futurista no duró mucho tiempo, pero su uso de los ruidos de la vida
moderna tendrá una gran influencia.
Entre las obras más célebres destacan Ionización de Edgar Varèse y Pacific 231 de
Arthur Honegger.
Audición 4: Intonarumori
Audición 5: Varèse - Ionisation
Audición 6: Honegger - Pacific 231
2.2. Dadaísmo
Es un movimiento antiestético que se desarrolló principalmente en
Alemania, Francia y Estados Unidos entre 1916 y 1920. El término
“Dadá” es una denominación carente de sentido. El Dadaísmo exalta
el absurdo, negando la historia y todas las formas de arte, es una
ideología radical que busca el escándalo del público.
Musicalmente su importancia está en la anticipación de las
vanguardias posteriores como la música aleatoria.
Marcel Duchamp:
Rueda de bicicleta
2.2. Dodecafonismo
Es una técnica de composición basada en los doce sonidos de la escala cromática. Fue
creado por Schoenberg en el año 1923 con la intención de establecer un nuevo sistema
organizado.
Según explica Schoenberg es “un método de composición con doce sonidos sólo
relacionados entre sí”. Todas las notas tienen la misma importancia porque no se puede
repetir ninguna por encima de las demás.
Estos doce sonidos se ordenan formando una “serie” a partir de la cual se construye la
composición. Las series se pueden presentar en el plano armónico o melódico y en
cualquier registro o timbre. Pueden aparecer de forma retrógrada (hacia atrás), invertida
(en espejo) o retrógrada invertida.
El Dodecafonismo será continuado por sus discípulos Alban Berg y Anton Webern.
Audición 7: Schoenberg - Suite Op. 29
3.
Haz la serie retrógrada, la serie inversa y la serie retrógrada inversa de la
siguiente serie dodecafónica.
El Intonarumori es una
familia de instrumentos
musicales inventados en
1913 por el compositor
futurista italiano Luigi
Russolo.
Eran generadores de ruido
acústico que permitían
crear y modular diferentes
tipos de ruidos.
3. LA VUELTA ATRÁS: NEOCLASICISMO
El Neoclasicismo surge en la década de 1920 y supone una vuelta a la claridad formal
del Clasicismo.
El iniciador es Igor Stravinsky con el ballet
Pulcinella. Entre los principales representantes del
Neoclasicismo figuran los compositores franceses
Eric Satie y el llamado Grupo de los Seis (Francis
Poulenc, Georges Auric, Arthur Honegger, Darius
Milhaud, Germaine Tailleferre y Louis Durey).
Otros compositores neoclásicos son Kurt Weill
(1900-1950) con su obra la Ópera de tres
peniques, Carl Orff con su Carmina Burana y
Sergei Prokofiev con el cuento para narrador y orquesta Pedro y el lobo.
Las características de la música neoclásica son:
· Recuperación de las formas y géneros barrocos y clásicos.
· Música tonal de estilo claro y conciso que evita toda emoción personal.
· Riqueza tímbrica pero sin grandes agrupaciones.
· Importancia de la melodía, sencilla y sin cromatismos.
· El objetivo principal es lograr una música agradable y fácil de escuchar.
Audición 8: Satie - Gymnopédie I
Audición 9: Milhaud - Scaramouche
Audición 10: Weill - Mack the Knife
Audición 11 Orff - O Fortuna Imperatrix Mundi
Audición 12: Prokofiev - Pedro y el lobo
4. NUEVAS CORRIENTES DE VANGUARDIA
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial surgen nuevas corrientes de vanguardia, los
compositores buscan una revolución en el lenguaje y el desarrollo de los medios de
comunicación facilitó una amplia difusión de todas estas innovaciones.
4.1. Serialismo
Consiste en la aplicación del concepto de serie a todos los
parámetros del sonido y no solo a la altura. El resultado es una
música organizada y racional, calificada de “fría”, en la que todo
está perfectamente organizado.
Destacan los compositores Olivier Messiaen con el Cuarteto por el
fin de los tiempos y Pierre Boulez con El martillo sin dueño.
Audición 13: Messiaen - A Short Film for the End of Time 1.
Quartet for the end of time 7
Audición 13b: Messiaen - A Short Film for the End of Time 2. Quartet for the end of
time 8
4.2. Música concreta
Corriente que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la realidad que se graban en
cintas y se manipulan en un laboratorio.
No existen partituras ni intérpretes.
Los principales representantes son Pierre Schaeffer y Pierre Henry (1927) con la obra
Variaciones para una puerta y un suspiro.
Audición 14: Pierre Henry - Variaciones para una puerta y un suspiro
4.3. Música electrónica
Es una música producida en laboratorio en la que los sonidos se crean, procesan y
graban electrónicamente. El compositor más representativo es Karheinz Stockhausen
(1928-2007), con sus obras Estudio I y Estudio II.
Partitura de música electrónica
Concebido
y
escrito
durante mi cautividad, el
Quatuor pour la Fin du
Temps se presentó en
primera audición en el
Stalag VIII A el 15 de
enero de 1941, por Jean
Le Boulaire (violinista),
Henri Akoka (clarinetista), Etienne Pasquier
(violoncellista)
y
yo
mismo, al piano. Estuvo
directamente
inspirado
por el citado fragmento de
El Apocalipsis.
Su lenguaje musical es
esencialmente inmaterial,
espiritual y católico. Los
modos poseen melódica y
armónicamente
una
especie de ubicuidad tonal
y acercan al auditor a la
eternidad en el espacio o
infinito.
Los
ritmos
especiales, fuera de toda
medida,
contribuyen
poderosamente a alejar lo
temporal.
Olivier Messiaen
Audición 15: Stockhausen - Estudio II
4.4. Música electroacústica
Es la unión de la música concreta con la música
electrónica. La primera obra fue El canto de los
adolescentes de Stockhausen.
Otros compositores.Bruno Maderna y Luciano Berio.
Stockhausen en su estudio de sonido
Audición 16: Stockhausen - El canto de los adolescentes
4.5. Electrónica en vivo
Son obras que reúnen la interpretación en vivo de voces o instrumentos convencionales
con la música grabada compuesta en laboratorio.
Los principales representantes son Luciano Berio con Differences y Stockhausen con
Kontakte.
4.6. Música aleatoria
Es una música opuesta a las anteriores en
función del azar y de la libertad de quien la
interpreta. Emplea grafías alternativas muy
libres o textos que invitan a la creación y la
improvisación.
El principal precursor fue John Cage (19121992) que en 1938 inventó el “piano
preparado”, transformando su sonido al
introducir entre las cuerdas diversos objetos.
Otra de sus aportaciones es la incorporación del silencio como un material musical más.
Audición 17: Cage - David Greilsammer prepared piano
Audición 18: Cage - Sonata V
Audición 19: Cage - 4´ 33´´
5. LA DANZA CONTEMPORÁNEA
5.1. El desarrollo del ballet: los ballets rusos
El Romanticismo había llevado al ballet a un desarrollo técnico difícil de superar. El
ballet contemporáneo huirá de la técnica fría y mecánica con un nuevo concepto de
danza en el que el bailarín utiliza libremente todo su cuerpo.
El impulsor de esta revolución será el empresario ruso Sergei Diaghilev con la
fundación de los Ballets Rusos en 1909. Contrató a los mejores artistas para trabajar al
servicio de una unidad en la que todos los elementos eran igual de importantes. Su
compañía se deshizo en 1929 con su muerte.
Diaghilev contrató a pintores como Pablo Picasso, Salvador Dalí y
Joan Miró; compositores como Stravinsky, Ravel, Debussy, Satie
o Falla; bailarines como Tamara Karsavina, Anna Pavlova o
Vaslav Nijinsky y coreógrafos como Fokine, Massine y
Balanchine.
Audición 20: Debussy - Preludio a la siesta de un fauno
4. Lee el texto y responde a las siguientes preguntas:
John Cage, el hombre que «compuso» el silencio
Israel Viana (ABC, 04/10/2012)
El 29 de agosto de 1952, el compositor David Tudor se acercó al piano instalado sobre el escenario
del Maverick Concert Hall, en Woodstock (Nueva York). La audiencia siguió con los ojos al joven
intérprete, que gozaba ya de cierta reputación en la vanguardia musical de Estados Unidos. Se sentó y,
cuando todo el mundo esperaba la primera nota, cerró la tapa del piano y permaneció en silencio
durante 30 segundos. Después volvió a abrir y cerrar la tapa, como señal de inicio del segundo
movimiento, y volvió a quedarse inmóvil otros 2 minutos y 23 segundos, ante el asombro de los
asistentes, muchos de los cuales comenzaron a abandonar la sala. Y repitió el gesto por última vez,
permaneciendo en silencio 1 minuto y 20 segundos más, mientras leía la partitura en blanco que había
frente a él.
El «shock» que provocó en los oyentes aquel concierto carente de todo sonido provocado por el
pianista, y que muchos consideraron una tomadura de pelo, era el estreno de «4'33''» de John Cage
(Los Ángeles, 1912 – Nueva York, 1992). Una obra conocida también como la «pieza silenciosa» y
que, con el paso del tiempo, ha alcanzado un estatus legendario no solo en la carrera musical del
compositor estadounidense, sino también en el arte del siglo XX. […]
«Sabía que se lo tomarían todo como una broma y una renuncia al trabajo, pero aun así –dijo sobre su
pieza después de aquella primera interpretación en Woodstock–, quería que mi música estuviese
exenta de mis gustos y aversiones, porque creo que la música debería estar libre de los sentimientos e
ideas del compositor. Yo sentía, y esperaba haber llevado a otras personas a sentir, que los sonidos de
su entorno constituían una música más interesante que la música que oirían si asistiesen a una sala de
conciertos».
Cage quiso demostrar que su «pieza silenciosa» no se formaba de silencios. Cage consideró «4'33''»
como parte de una crítica social del gusto musical medianamente cultivado y de la mercantilización
del arte a través de la industria del espectáculo. Y, como el mismo expresó, quería demostrar también
que su «pieza silenciosa» no está formada realmente por silencios, sino por los sonidos ambiente que
se producen de forma natural en el entorno y entre el público.
«Durante el primer movimiento, se oía el viento que soplaba en el exterior; durante el segundo, las
gotas de lluvia empezaron a repicar sobre el tejado. Y durante el tercero, las propias personas
emitieron todo tipo de sonidos interesantes, mientras hablaban o se encaminaban hacia la salida»,
contó el propio Cage sobre su experiencia como oyente en el Maverick Concert Hall, aquel 29 de
agosto de 1952.
Durante los más de cuatro años que pasó gestándola, Cage pasó por diferentes fases. La primera vez
que hizo públicas sus intenciones fue durante una conferencia en 1948. […]
La idea permaneció latente hasta 1952 bajo el temor de que si «crease una pieza carente de sonidos,
pensarían que estoy de broma». Pero entonces topó con dos acontecimientos que le empujaron
definitivamente hacia adelante. El primero, conocer las pinturas completamente blancas y negras de
Rauschenberg […].
El segundo, entrar en una cámara anecóica, una habitación pensada para no tener sonidos externos.
Allí, músico se sorprendió de escuchar dos sonidos, uno agudo y otro grave, cuando pensó que estaba
experimentando el silencio absoluto. El ingeniero le explicó que el primero era su sistema nervioso y
el segundo su circulación sanguínea. «Hasta que muera habrá sonidos. Y continuarán después de mi
muerte. No hay que preocuparse por el futuro de la música», dijo.
a) ¿Qué quería demostrar John Cage con esta obra? ¿Cómo lo consiguió?
b) ¿Cómo fue recibida la obra? ¿Por qué? ¿Era algo que esperaba el autor?
5.2. La danza moderna
El siglo XX asistirá al nacimiento de otros estilos de danza caracterizados por un
rechazo al espectáculo y a las normas del ballet. Entre los pioneros de esta nueva
corriente destacan;
· Isadora Duncan: creó un estilo de “danza libre” bailando descalza de forma
improvisada sobre cualquier tipo de música.
Audición 21: Isadora Duncan, la musa de la danza libre
Audición 22: Isadora Duncan - Momento musical. Schubert
· Martha Graham: combinó el movimiento en el espacio y en el suelo y utilizó la tensión
y relajación muscular como energía motora.
Audición 23: Martha Graham - Lamentation
· Merce Cunningham: colaboró con John Cage defendiendo la independencia de música
y danza con coreografías basadas en la improvisación.
5.3. Las nuevas danzas urbanas
Los bailes de salón europeos se difunden en el siglo XX por el continente americano
donde recibirán la influencia de ritmos negros y latinos.
· A principios del siglo XX los bailes de moda serán el tango y el cakewalk.
Audición 24: Tango
Audición 25: Cakewalk
· En la década de 1920 el baile más popular fue el charlestón.
Audición 26: Charlestón
· En la década de 1930 surge el interés por los bailes latinoamericanos, poniéndose de
moda la rumba y la samba.
Audición 27: Rumba
· En la década de 1940 se difunde el claqué, que marcará la época dorada del cine
musical americano.
Audición 28: Claqué
· En la década de 1950 se ponen de moda el chachachá y otros estilos de baile
caribeños.
Audición 29: Chachachá
· En la década de 1960 irrumpen con una fuerza espectacular todos los bailes derivados
del rock y sus variantes.
Audición 30: Rock
·A partir de la década de 1980 se difunden los estilos de baile asociados al hip hop y la
música disco.
Audición 31: Hip hop
6. EL SIGLO XX EN ESPAÑA
6.1. La generación del 98
Con este nombre se designa a una grupo de compositores nacidos
a finales del siglo XIX, coetáneos de la generación literaria del 98
(Unamuno, Machado, Azorín, Baroja, Valle-Inclán). Estos
compositores se incorporan plenamente en la música europea.
Manuel de Falla (1876-1946) es el compositor más importante
de esta generación, llevó el nacionalismo a su punto culminante y
el que tuvo mayor proyección internacional. Entre sus obras más
destacadas están las Siete canciones españolas para canto y
piano, los ballets El amor brujo y El sombrero de tres picos o El
retablo de maese Pedro (basado en El Quijote).
Audición 32: Falla - El amor brujo
6.2. La generación del 27
Su nombre viene dado por la generación literaria del 27, formada por
poetas como García Lorca, Alberti, Pedro Salinas, Jorge Guillén,
Gerardo Diego, etc.
Los compositores buscan la consolidación de la música española y su
proyección internacional, consiguiendo la plena integración en las
vanguardias europeas y el reconocimiento de la sociedad española de
su tiempo.
Destacan los compositores Federico Mompou, los hermanos Rodolfo
Halffter y Ernesto Halffter y Joaquín Rodrigo con su célebre Concierto de Aranjuez.
Audición 33: Mompou - Cancion y Danza nº 6
Audición 34: Joaquín Rodrigo - Concierto de Aranjuez (Yepes)
Audición 34b: Joaquín Rodrigo - Concierto de Aranjuez (Lucía)
6.3. El nacionalismo español
Al terminar la Guerra Civil, la mayor parte de los compositores de
la Generación del 27 tuvieron que exiliarse y la música española
volverá a un pobre nacionalismo cumpliendo los ideales estéticos
del régimen franquista.
La llamada Generación del 51 renueva el panorama musical
español, recuperando en poco tiempo los años perdidos y
asumiendo las nuevas corrientes de vanguardia como el serialismo,
la música aleatoria, la electrónica o el minimalismo.
Entre los principales compositores destacan Juan Hidalgo, Ramón Barce, Carmelo
Bernaola, Cristóbal Halffter, Luis de Pablo o el aragonés Antón García Abril.
Audición 35: Carmelo Bernaola - Verano azul
Audición 36: Antón García Abril - El hombre y la tierra
Audición 37: Antón García Abril – Himno de Aragón
El Grupo Zaj
Fundado por Juan Hidalgo y Ramón Barce, representó la corriente más radical
de vanguardia basada en la experimentación, la provocación y el rechazo a la
estética convencional.
Sus “etcéteras” o breves actuaciones en las calles utilizando gestos, objetos de
todo tipo y frases escritas, suscitaron la indignación y la burla del público
español, pero conquistaron el interés fuera de nuestras fronteras.
5. Copia en tu cuaderno y completa los siguientes enunciados:
· Las corrientes de evolución que abren el siglo XX son… y sus compositores…
· Los primeros movimientos de vanguardia son… y se caracterizan por…
· El Neoclasicismo supone… y sus principales representantes son…
· Las corrientes de vanguardia tras la Segunda Guerra Mundial son…
· Entre los principales compositores de las nuevas vanguardias destacan…
· El principal impulsor del ballet contemporáneo fue…
· La danza moderna se caracteriza por… y sus pioneros fueron…
· Las principales danzas urbanas del siglo XX son…
· En la música española destacan las generaciones de compositores…
6.
Resuelve el crucigrama contestando a las definiciones que se indican a
continuación:
Horizontales
1. 1. Danza popular afrobrasileña de moda en los años ’30.
2. Método de composición creado por Schoenberg sobre los doce sonidos de la escala cromática.
3. Música de vanguardia que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la realidad para grabarlo y
manipularlo después.
4. Estilo musical que revolucionó la década de 1960 y que tiene distintas modalidades de baile.
5. Instrumento electrónico que permite la composición en tiempo real desde un control que suele
tener forma de teclado.
6. Movimiento musical alemán que se caracteriza por la expresión más desgarrada y pesimista.
7. Sistema de composición que no sigue las leyes de la tonalidad.
8. Música de vanguardia que combina las técnicas de la música concreta y la electrónica.
9. Estilo de baile popularizado por el musical americano en los años ’40.
10. Danza popular afrocubana característica de los años ’30.
11. Especie de canto recitado utilizado por el Expresionismo.
12. Movimiento de finales del Romanticismo que permitirá la recuperación de la música española en
el siglo XX.
13. Tipo de baile asociado al hip hop en el que los b-boys parece que se rompen.
14. Los Ballets de Diaghilev tomaron ese nombre aunque nunca actuaron en su país.
15. Danza popular cubana con un nombre onomatopéyico que describe su ritmo.
16. Baile de pareja sensual y elegante argentino en el que las piernas se hacen un verdadero lío.
17. Movimiento musical nacido en Italia que aboga por la introducción de los ruidos.
18. En ese estudio se compone música electrónica aunque sin tubos de ensayo.
19. Compositor al que le gustaba oír suspirar a una puerta.
Verticales
1. Conjunto de sonidos ordenados que utiliza el dodecafonismo y el serialismo integral para escribir
sus composiciones.
2. Los compositores españoles de la Generación del 27 también se denominan así por el movimiento
político en el que desarrollaron su labor.
3. Movimiento musical de finales del siglo XIX típicamente francés que busca la representación sutil
de ambientes.
4. Discípulo de Arnold Schoenberg.
5. Música de vanguardia en la que los sonidos se generan, procesan y graban en un laboratorio.
6. Corriente musical que vuelve a la claridad formal del Clasicismo.
7. Escala de doce sonidos a distancia de semitono utilizada en las series del Dodecafonismo.
8. Nombre del grupo de compositores más radical y vanguardista de la música española.
9. Baile rápido relacionado con el jazz muy popular en los años ‘20.
10. Estilo de baile popularizado por Travolta y definido más por su ambiente que por su coreografía.
11. Música de vanguardia que utiliza la composición algorítmica por ordenador.
12. Música de vanguardia basada en el azar y la libertad del intérprete.
13. Corriente musical que amplía el concepto de serie dodecafónica a todos los parámetros del
sonido.
14. Para los futuristas son los sonidos más modernos aunque para muchas personas sean molestos.
15. Movimiento deliberadamente antiestético y radical que exalta el absurdo negando los valores
establecidos.
16. En una magnetofónica se graban los sonidos naturales de la música concreta.
17. Casi toda la música contemporánea lo es, sobre todo para los más anticuados.
18. Como en realidad no existe, para John Cage era tan importante como el sonido.
1
4
8
1
2
10
11
18
7
13
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