XVIII Festival Internacional de Fotografía y Artes

Transcripción

XVIII Festival Internacional
de Fotografía
y Artes Visuales
Dossier de Prensa
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Prensa internacional
María Peláez
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Oficina de prensa
Vanesa Uceda
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ÍNDICE
4
Estructura del Festival
7
31
32
40
41
42
43
44
SECCIÓN OFICIAL
Madrid
Alcalá de Henares
Alcobendas
Cuenca
Getafe
Huete
Móstoles
Zaragoza
49
53
SEDES INVITADAS
Madrid
Otras ciudades
57
FESTIVAL OFF
65
65
66
66
67
67
PROGRAMAS PROFESIONALES
PIC.A. Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña
Máster PHotoEspaña en Fotografía
Semana Descubrimientos PHE. Visionado de porfolios
Semana Descubrimientos PHE. Seminarios
Semana Descubrimientos PHE. Campus PHE Proyectos Colaborativos
Semana Descubrimientos PHE. Campus PHE Maratón de Edición
69
69
70
70
71
71
72
72
73
73
74
74
75
75
PROGRAMAS PARA PÚBLICOS
Concurso Fundación Canal. Madrid insospechado: Escenas latinoamericanas
Los talleres de los sábados
Concurso. Un día en la vida de Madrid
Concurso Instagram Madrid Destino
Itinerarios Polaroid. Una ciudad sin reflejos
Subasta Fundación Balia
PHEstudios: Imagen no disponible
PHotoBook Week
Do It Yourself! Cultura en tiempo de crisis
Documental. La calle en un instante
V Jornada de Arquitectura y Fotografía. Zaragoza
PHotoWalk Zaragoza
PHotoWalk Lanzarote
Talleres de fotografía en Alcalá de Henares
76
76
77
78
Trasatlántica PHotoEspaña
Protectores PHotoEspaña
Premios oficiales PHE15
Créditos
GRANDES PATROCINADORES
PATROCINADORES INSTITUCIONALES
GOBIERNO
DE ESPAÑA
MINISTERIO
DE EDUCACIÓN, CULTURA
Y DEPORTE
SECRETARÍA
DE ESTADO
DE CULTURA
ENTIDADES PATROCINADORAS
COLABORADORES ASOCIADOS
INSTITUCIONES INTERNACIONALES
SEDES
GOBIERNO
DE ESPAÑA
MINISTERIO
DE ECONOMÍA
Y COMPETITIVIDAD
Embajada del Ecuador en España
ENTIDADES AMIGAS Y PROVEEDORES
MEDIOS ASOCIADOS
CANAL180.PT
LOGOTIPO PRINCIPAL + WEB (fondo blanco)
ESTRUCTURA DEL FESTIVAL
SECCIÓN OFICIAL
OTRAS CIUDADES
SECCIÓN OFICIAL
MADRID
BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA
Los mejores libros de fotografía del año. Colectiva
Mirar la arquitectura: Fotografía monumental en el siglo XIX. Colectiva
CASA DE AMÉRICA
Latinoamérica es un pueblo al sur de Estados Unidos. Colectiva
CENTROCENTRO CIBELES
Develar y detonar. Fotografía en México, ca. 2015. Colectiva
Latin Fire. Otras fotografías de un continente 1958-2010. Colección Anna
Gamazo de Abelló. Colectiva
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA PICASSO
Ana Casas Broda. Kinderwunsch. Colecciones fotográficas de
la Fundación Televisa
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA MINERVA
En la mirada del otro. Fotografía histórica del Ecuador: la irrupción
en la Amazonía. Colectiva
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA GOYA
Lola Álvarez Bravo. Colecciones fotográficas de la Fundación Televisa
COMUNIDAD DE MADRID / SALA ALCALÁ 31
Chema Madoz 2008-2014. Las reglas del juego
COMUNIDAD DE MADRID / SALA CANAL DE ISABEL II
Enrique Meneses. La vida de un reportero
CONDE DUQUE. SALA DE BÓVEDAS. ESPACIO M125
Historia de Almayso. Pasado, presente y futuro de la obra
de Alfredo Mahou y Solana
ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA
Luis González Palma. Constelaciones de lo intangible
LOEWE, SERRANO
Tina Modotti
MATADERO MADRID
Premios Descubrimientos PHE. 1998-2014. Colectiva
MATADERO MADRID / ABIERTO X OBRAS
Florentino Díaz. Pasajes de Europa
MUSEO CERRALBO
Korda, retrato femenino
MUSEO ICO
Construyendo mundos. Fotografía y arquitectura en la era moderna.
Colectiva
MUSEO LÁZARO GALDIANO
Manuel Carrillo. Mi querido México. Obras de la Colección de Bank
of America Merrill Lynch. Colectiva
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA
Aún no. Sobre la reinvención del documental y la crítica de la
modernidad. Colectiva
MUSEO NACIONAL DE CIENCIAS NATURALES
Janek Zamoyski. Heave Away
REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO /
CALCOGRAFÍA NACIONAL
Trama centroamericana, una mirada colectiva a la migración. Colectiva
REAL JARDÍN BOTÁNICO – CSIC
Mario Cravo Neto. Mitos y ritos
REAL JARDÍN BOTÁNICO – CSIC
Julio Zadik. Un legado de luz
TABACALERA. ESPACIO PROMOCIÓN DEL ARTE. LA FRAGUA
Resonancias. Iñaki Domingo y Ding Musa
ALCALÁ DE HENARES
PLAZA DE LOS IRLANDESES
Alcalá. Puerta de América. Colectiva
ALCOBENDAS
CENTRO CULTURAL ANABEL SEGURA
Instante continuo. Máster PHotoEspaña. Colectiva
Antonio Olazábal. In a silent way
CENTRO DE ARTE ALCOBENDAS
Jorge Fuembuena. InsideInsect
José Guerrero. After the Rainbow
Magdalena Correa. Destellos. Dos orígenes
Mariela Sancari. Moisés
Miguel Ángel Tornero. The Random Series
Transvisiones: Alcobendas: 2015. Colectiva
CUENCA
FUNDACIÓN ANTONIO SAURA. CASA ZAVALA
Osvaldo y Roberto Salas. La poesía de la imagen
GETAFE
BARRIO DE LA ALHÓNDIGA
¡Retrátate!
HUETE
FUNDACIÓN ANTONIO PÉREZ. MUSEO DE LA FOTOGRAFÍA
Català-Roca. Obras Maestras
MÓSTOLES
CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO-CA2M
Esto aún -no- ha sido. Obras de la Colección CA2M y Colección
Fundación ARCO. Colectiva
ZARAGOZA
CENTRO DE HISTORIAS
Bonadies+Caula: Cartografías de un territorio compartido
CENTRO DE HISTORIAS
Schapiro. Retrospectiva
LA LONJA
Nicolás Muller. Obras Maestras
GALERÍA CAROLINA ROJO
Iñaki Bergera. Twentysix (Abandoned) Gasoline Stations
SEDES INVITADAS
MADRID
SEDES INVITADAS
OTRAS CIUDADES
ALLIANCE FRANÇAISE MADRID
V Concurso de fotografía Alliance Française de Madrid. Colectiva
BOGOTÁ
MUSEO DE ARTE DEL BANCO DE LA REPÚBLICA
Graciela Sacco. Nada está donde se cree
CASA VELAZQUEZ / ACADÉMIE DE FRANCE À MADRID
Fotógrafos de la Casa de Velázquez 2015. Colectiva
EFTI
Pedro Armestre. Derecho al agua
ESCUELA UNIVERSITARIA DE ARTES Y ESPECTÁCULOS TAI
L A T I N O. Colectiva
FNAC CALLAO
Aitor Lara. Pobreza infantil en España
FUNDACIÓN ONCE. ESPACIO CULTURAL CAMBIO DE SENTIDO
Chimo Serrano. Pervivencias
GALERIE DU 10. INSTITUT FRANÇAIS DE MADRID
Françoise Núñez
GOETHE-INSTITUT MADRID
Icónico. La imagen como referencia. Arte visual de Alemania
y Latinoamérica. Colectiva
HOTEL IBEROSTAR LAS LETRAS GRAN VÍA
Bernard Plossu
INSTITUTO CULTURAL DE MÉXICO EN ESPAÑA
Luz portátil. Colectiva
ISTITUTO ITALIANO DI CULTURA
Valerio Bispuri. Mirada interior
REAL SOCIEDAD FOTOGRÁFICA
Paco Gómez. Aquella manera de ver
CASCAIS
FUNDAÇÃO DOM LUÍS I. CENTRO CULTURAL DE CASCAIS
LISBOA
CARPE DIEM ARTE E PESQUISA
Instantánea. Fotógrafos latinoamericanos de la Colección
Carpe Diem. Colectiva
LONDRES
12 STAR GALLERY
Pablo Guidali. MAD
PANAMÁ
MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO MAC
Matías Costa. Zonians
PARÍS
INSTITUTO CERVANTES
Rafael Trobat. Aquí, junto al agua. Nicaragua
SÃO PAULO
SESC VILA MARIANA
Fotolibro. Una selección actual
FESTIVAL OFF
6MAS1
Xavier Delory
LA FRESH GALLERY
Ricardo Cases
ÁLVARO ALCÁZAR
Rafael Díaz
LA NEW GALLERY
Cristina de Middel
ASTARTÉ
Lola Guerrera
LUCÍA MENDOZA
Pedro Luis Raota
BAT ALBERTO CORNEJO
Tres mujeres, tres miradas.
Colectiva
LUIS BURGOS
Harvey Stein
BLANCA BERLÍN. ESPACIO 1
Luis González Palma
Jorge Panchoaga
BLANCA SOTO
Imanol Marrodán
CÁMARA OSCURA
Vicente Tirado del Olmo
CASA SIN FIN
Jorge Ribalta
CERO
David Schafer
ELBA BENITEZ
Paul Graham
ESPACIO FOTO
Miguel Bergasa
ESPACIO VALVERDE
Luis Asín
FERNÁNDEZ-BRASO
Colita
FERNANDO PRADILLA
Mira Bernabeu
FREIJO FINE ART
Matías Costa
HELGA DE ALVEAR
Axel Hütte
IVORYPRESS
Under 35. Colectiva
JOSÉ DE LA MANO
Grupo Forum. Fotografía subjetiva
en Argentina.
Colectiva
LA FÁBRICA
Pablo Guidali
Juan Diego Valera
MAD IS MAD
Sergio de Luz
MAGDA BELLOTTI
Paula Usuga
MARLBOROUGH
Alejando Guijarro
MATERNA Y HERENCIA
Pío Cabanillas
MAX ESTRELLA
Bernardí Roig
MONDO
Javier Silva Meinel
MY NAME’S LOLITA ART
Juan Manuel Díaz Burgos
ODALYS
Carlos Herrera
PAULA ALONSO
Salvi Danés
PILAR SERRA
Eduardo Nave
PONCE+ROBLES
Irene Grau
R.O. PROYECTOS / RAFAEL
ORTIZ
Aitor Lara
SLOWTRACK
Carpe Diem. Colectiva
SPAIN MEDIA
Nigel Parry
TIEMPOS MODERNOS
Martín Chambi
TWIN GALLERY
Aitor Saraiba
Sección Oficial
SECCIÓN OFICIAL MADRID
Los mejores
libros de fotografía del año
Fechas: 11 junio - 4 octubre
Organiza: PHotoEspaña
Produce: SAGO
Colabora: Biblioteca Nacional de España
Los libros de fotografía más destacados del último año se exponen en la Biblioteca
Nacional de España
Cerca de un centenar de publicaciones candidatas al Premio al mejor libro de
fotografía del año de PHotoEspaña
Mientras un amplio sector del medio afirma que la fotografía vive tiempos difíciles, el
libro fotográfico o fotolibro atraviesa un momento excelente apoyado por la atención
prestada tanto por el mundo académico como por el público. Las colecciones de este
tipo de publicaciones aumentan, surgen nuevas editoriales, revistas y librerías especializadas, festivales y exposiciones monográficas.
Desde sus primeras ediciones, PHotoEspaña premia los mejores libros de esta disciplina del año. Tras una convocatoria abierta, a la que han concurrido autores y editores
de todas las nacionalidades con libros de fotografía impresos o en formato digital,
publicados entre marzo de 2014 y marzo de 2015, un jurado especializado ha seleccionado cerca de un centenar de títulos para esta exposición.
© Jacobo Medrano
Los mejores libros de fotografía del año reúne los volúmenes más destacados por su
concepto, diseño y calidad gráfica. Entre ellos, un comité compuesto por profesionales del sector editorial y del mundo del arte escogerá a los ganadores de los premios
PHotoEspaña al mejor libro de fotografía en cuatro categorías: mejor libro de fotografía
nacional, mejor libro de fotografía internacional, editorial destacada del año y mejor
libro autopublicado.
7
Mirar la arquitectura.
Fotografía monumental en el S XIX
Comisarios: Helena Pérez Gallardo y Delfín Rodríguez Ruiz
Fechas: 3 julio – 4 octubre
Organiza: Biblioteca Nacional de España
La Biblioteca Nacional de España revisa sus fondos para crear un relato histórico,
artístico, fotográfico y patrimonial sobre la fotografía de arquitectura en el XIX
Trabajos de Beacucorps, Le Clercq, Clifford o Laurent acompañados por obras
procedentes de instituciones como el Museo del Prado o Bibliothéque Nationale de
France
Desde el mismo nacimiento del daguerrotipo, los edificios y los monumentos fueron
uno de los principales objetos fotografiados. Esta exposición pretende poner de
manifiesto las diferentes vinculaciones que mantuvieron la fotografía, la arquitectura
y la ingeniería en el siglo xix a partir de una amplia investigación de los fondos de
la Biblioteca Nacional de España y acompañada por obras de capital importancia
procedentes de la Bibliothèque Nationale de France o el Museo Nacional del Prado,
entre otras instituciones.
J. Laurent, Monasterio de San Lorenzo del Escorial. 1870.
© Biblioteca Nacional de España, Madrid
La muestra, articulada en seis secciones que contarán con más de doscientas piezas,
explicará a través de tratados, grabados, fotografías, imágenes y álbumes cómo era la
representación de la arquitectura hasta ese momento y el porqué del surgimiento de
la necesidad de reproducirla en Europa, para después responder a las razones que
motivaron la elección de las obras y monumentos a retratar, concluyendo con cuál
fue el destino principal de todas esas fotografías. En resumen, Mirar la arquitectura
pretende mostrar el cómo, cuándo, quién, por qué y para qué se produjo fotografía de
arquitectura y, en especial, cuáles fueron las características de su práctica en España.
8
CASA DE AMÉRICA
Latinoamérica es un pueblo
al sur de Estados Unidos
Comisariado: La Silueta y La Fábrica
Fechas: 2 junio – 1 agosto
Organizan: PHotoEspaña y Casa de América
Colaboran: Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo – AECID y su
Red de Centros Culturales, Hahnemühle y Samsung
Produce: The Folio Club y Hahnemühle
Una exposición con forma de lista de reproducción musical que ofrece una
particular propuesta sobre el estado de ánimo de la fotografía latinoamericana
La muestra nace de los trabajos revisados en las diferentes actividades que el
programa Trasatlántica PHE ha desarrollado en 16 países desde 2008
Trasatlántica es el foro de fotografía y artes visuales que PHotoEspaña y la Agencia
Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo – AECID llevan a cabo
en América Latina desde 2008. Durante este tiempo han organizado actividades en
dieciséis países –visionados de porfolios, encuentros profesionales y exposiciones–
que han fomentado la reflexión y creación de redes en torno a la fotografía y a través de
las cuales han podido ser testigos de la heterogénea obra de múltiples fotógrafos.
Esta exposición revisa el estado de ánimo de la fotografía latinoamericana –un estado
diverso, complejo e incompleto–, utilizando como herramienta una lista de canciones
que se convierte en su columna vertebral. La música, al igual que la fotografía, posee
una capacidad emotiva que la muestra utiliza para ofrecer la mirada de un grupo de
artistas, en su mayoría jóvenes, que hablan de las particularidades de su territorio,
Latinoamérica. El título de la exposición hace referencia a una canción del grupo
chileno Los Prisioneros, en la que se describe un territorio de «veintitantas banderitas»
al sur de un área angloparlante que influye sobre él y le hace sentir que «Latinoamérica
es un pueblo al sur de Estados Unidos».
Casa de América acogerá además una selección de vídeos presentados a la convocatoria
abierta “Trasatlántica para proyectos audiovisuales”.
Piñata, de la serie Casita de Turrón, 2010.
© Roberto M. Tondopó
9
Develar y detonar.
Fotografía en México, ca. 2015
Comisarios: Hydra (Ana Casas Broda, Gabriela González Reyes y Gerardo Montiel Klint)
Organizan: Fundación Televisa, Conaculta, Centro de la Imagen, CentroCentro Cibeles
y PHotoEspana
Produce: Fundación Televisa
Colabora: Secretaría de Relaciones Exteriores de México y Agencia Mexicana de Cooperación
Internacional para el Desarrollo
Cincuenta y tres artistas integran una exposición colectiva que revisa la
producción fotográfica en el México actual
Esta exposición busca mostrar nuevas miradas y formas de fotografiar así como abrir
el debate sobre la imagen fotográfica contemporánea
México es un país que ha sufrido profundas transformaciones sociales, políticas e
ideológicas, una nación cambiante en la que la producción fotográfica y los circuitos
de esta práctica artística han crecido exponencialmente. La exposición colectiva
Develar y detonar plantea una revisión de la fotografía mexicana en la actualidad.
Los autores seleccionados, de diversas generaciones y procedencias geográficas,
confluyen para trazar un mapa complejo, contradictorio e inquietante de México. Con
este atlas se plantean preguntas y se abre la fotografía a reflexiones y diálogos. Por un
lado, «develar» nuevas formas de mirar y producir instantáneas, y por otro, «detonar»
una reflexión sobre la imagen contemporánea.
A partir del entrecruzamiento de miradas, la exposición plantea puntos de contacto
entre la obra de autores muy diferentes e identifica tiempos o situaciones específicas
que muestran preocupaciones artísticas y estrategias de creación; traza un eje en
el retrato actual de México en un momento en el que la frontera entre géneros o
prácticas se desdibuja; y cuestiona la identidad, el cuerpo, la noción de comunidad y la
naturaleza misma del medio fotográfico.
1. 2014.
© Carlos León. Cortesía del autor.
10
Latin Fire
Otras fotografías de un continente 1958-2010.
Colección Anna Gamazo de Abelló
Comisarios: Alexis Fabry y María Wills
Fechas: 3 junio – 13 septiembre
Organizan: CentroCentro Cibeles y PHotoEspaña
PHotoEspaña presenta una selección obras de los fondos de la Colección Anna
Gamazo de Abelló, una de las más destacadas de Europa en el ámbito de la
fotografía latinoamericana
Una muestra que revisa un periodo de alta efervescencia política y social a través
de la mirada de más de 60 artistas de 8 países
La colección de Anna Gamazo de Abelló es uno de los acervos de fotografía
latinoamericana más importantes de Europa. Latin Fire revisa sus fondos para
presentar una exposición -compuesta por más de ciento ochenta obras de cerca
de sesenta artistas de ocho países diferentes- que muestra facetas poco conocidas
dentro del marco general de la fotografía latinoamericana.
Más allá de pretender trazar localismos o estandarizaciones regionales, la muestra
expone rasgos comunes que pueden hallarse en las temáticas candentes en la
región en un periodo de alta efervescencia política y social como es la segunda mitad
del siglo xx. Las obras, realizadas entre 1958 y 2010, oscilan desde el fuego de las
armas, las revoluciones, los movimientos reivindicativos de género o raza y las luchas
culturales y contraculturales, hasta la fogosidad de la vida nocturna y marginal de
ciudades como Lima, México D.F., Buenos Aires, Caracas, Santiago y La Habana.
Boda en Coyoacán, 1983.
© Pedro Meyer
Los artistas emplean una gran diversidad de técnicas, materiales y soportes, desde
la fotografía tradicional, la heliografía, la fotocopia o incluso imágenes reproducidas
en offset. La imagen fotográfica se convierte así en material de apropiación y de
experimentación.
11
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA GOYA
Ana Casas Broda
Kinderwunsch
Organizan: Fundación Televisa, Círculo de Bellas Artes y PHotoEspaña
Colaboran: Secretaría de Relaciones Exteriores de México y Agencia Mexicana de Cooperación Internacional para el Desarrollo
Colecciones fotográficas de la Fundación Televisa
Ana Casas Broda se vale del arte para explorar de forma honesta los conceptos
del cuerpo y de la maternidad
Una muestra que introduce al espectador en un mundo íntimo y personal, generando
una profunda reflexión sobre la experiencia de la maternidad
Kinderwunsch es un término alemán que hace referencia a la unión de las palabras
«niños» y «deseo»; al deseo de tener hijos, de lograr un embarazo o de la infertilidad.
Ana Casas Broda (Granada, 1965), que ha recorrido intensamente ámbitos como la familia y la memoria a lo largo de su trayectoria artística, ha bautizado así a un proyecto
desarrollado a lo largo de siete años que ha visto la luz en forma de libro y ahora lo
hace en formato de exposición. En él aborda la maternidad como una experiencia
llena de contradicciones a través de una exhaustiva y profunda exploración.
Kinderwunsch es el resultado de un proceso de búsqueda de la identidad, del
cuestionamiento de nociones como la infancia, el cuerpo, el desnudo, la sensualidad,
la infertilidad, el afecto y el papel de la mujer en el intenso y determinante proceso
de la maternidad. La muestra utiliza diferentes formatos, lenguajes y soportes para
articular un discurso a la vez visual y literario, con proyecciones, audio y secuencias
que generan una experiencia tanto espacial como temporal. Leche II (3). Año 2010.
© Ana Casas Broda
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CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA MINERVA
En la mirada del otro
Fotografía histórica de Ecuador:
la irrupción en la Amazonía
Comisarios: Julio César Abad y Lucía Chiriboga
Organizan: Gobierno Nacional del Ecuador, Instituto Nacional de Patrimonio Cultural,
Círculo de Bellas Artes y PHotoEspaña
Testimonios fotográficos de la penetración occidental en la Amazonía, de carácter
religioso o mercantil
La exposición reúne valiosas piezas para dilucidar cómo las fotografías han construido
la imagen del mestizo y de los indígenas
La penetración occidental en los territorios amazónicos, llevada a cabo entre finales
del siglo xix y comienzos del xx, tuvo carácter religioso, en algunos casos, y en los
más, presentó una función mercantil, debido al importante aumento de la producción
del caucho con objeto de ser utilizado por la creciente industria automovilística de la
época.
Esta exposición da a conocer este proceso a través de obras inéditas en España,
entre ellas se encuentra una selección de un legado fotográfico extraordinario, un
conjunto de negativos fotográficos en placas secas de vidrio procedentes del Vicariato
Apostólico Salesiano en la Amazonía Ecuatoriana y del fotógrafo Manuel Jesús
Serrano.
Fotógrafo anónimo. Indígenas shuar – achuar “saludando al misionero, Padre Mattana”,
circa 1894.
La muestra pretende describir esa incursión en la Amazonía –en el territorio
ecuatoriano, concretamente– en todas sus vertientes, comenzando por la
cristianización de los grupos étnicos -como el shuar-achuar, el más resistente a la
colonización-; pasando por la explotación económica y la industria cauchera; hasta
los retratos de los colonos y la representación fotográfica de estudio de diferentes
comunidades indígenas.
13
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA PICASSO
Lola Álvarez Bravo
Comisario: James Oles
Organizan: Fundación Televisa, Círculo de Bellas Artes y PHotoEspaña
Colecciones fotográficas de la Fundación Televisa
El Círculo de Bellas Artes descubre la obra de la fotógrafa mexicana Lola Álvarez
Bravo, figura clave del renacimiento artístico de México tras la revolución
Álvarez Bravo creó un estilo propio desde las raíces de lo auténticamente mexicano,
expresando con su cámara la dignidad, humanidad e individualidad de sus retratados
Lola Álvarez Bravo (México, 1903-1993) es una de las fotógrafas mexicanas más
prolíficas del siglo xx y una figura clave del renacimiento artístico posrevolucionario de
su país junto a Tina Modotti, Frida Kahlo, Diego Rivera y el que fue su marido durante
casi una década, Manuel Álvarez Bravo. Su trayectoria profesional, desarrollada a lo largo
de cincuenta años, abordó fotografía comercial, retratos profesionales, registró la obra
de destacados pintores para el archivo del Instituto Nacional de Bellas Artes, documentó
eventos culturales para revistas y periódicos, impartió clase en la Academia de San
Carlos, creó un taller de fotografía y la Galería de Arte Contemporáneo.
Inspirada por fotógrafos como Weston o Cartier-Bresson, desarrolló una extensa obra
fotográfica en la que destacan imágenes documentales de la vida cotidiana mexicana
y experimentos con el fotomontaje y el fotomural. Álvarez Bravo saltó las fronteras de la
imagen como mero objeto documental para utilizarla para dignificar la identidad de los
personajes que capturaba con su cámara. Así, creó una biografía visual del México de
la primera mitad del siglo xx desde sus esferas culturales y artísticas hasta las urbanas
y rurales.
Lola Álvarez Bravo. Tiburoneros. 1950.
© Center for Creative Photography, The University of Arizona Foundation, VEGAP, Madrid 2015
14
COMUNIDAD DE MADRID / SALA ALCALÁ 31
Chema Madoz 2008-2014.
Las reglas del juego
Comisario: Borja Casani
Fechas: 13 mayo – 2 agosto
Organiza: Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid La Comunidad de Madrid presenta una muestra con la obra más reciente de uno
de los fotógrafos españoles más aclamados
Nuevos trabajos en los que Madoz profundiza en su característica poética de objetos,
en la que realidad e ilusión se mezclan y confunden
Chema Madoz (Madrid, 1958) es uno de los fotógrafos más relevantes de la escena
artística española y cuenta con una gran proyección internacional, como atestigua su
presencia en la última edición de Les Rencontres d’Arles. Su obra ha sido galardonada
con el Premio PHotoEspaña en 1998, el Premio Nacional de Fotografía en el año 2000 y
el Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid en 2012, entre otros. La trayectoria
creativa de Madoz comienza en 1983, año en que realiza su primera muestra individual
en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Desde 1990 desarrolla su poética de
objetos, una temática constante en su trabajo hasta la actualidad.
Esta exposición se centra en recorrer la producción más reciente del artista, obras
realizadas entre los años 2008 y 2014 en las que ahonda y amplía las claves que han
marcado su línea de investigación fotográfica. En esta selección los visitantes podrán
ver cómo sus referentes e influencias se van abriendo a la presencia de la naturaleza,
la aparición de la figura animal, la inclusión del dibujo como forma de representación o
la introducción del texto como un vehículo natural de la imaginación.
Sin título, 2012.
© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2015
15
COMUNIDAD DE MADRID / SALA CANAL DE ISABEL II
Enrique Meneses
La vida de un reportero
Comisario: Chema Conesa
Fechas: 16 abril – 26 julio
Organizan: Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid,
Fundación Enrique Meneses y La Fábrica La Comunidad de Madrid presenta la primera exposición retrospectiva del
reportero español más internacional del siglo XX tras su fallecimiento en 2013
La muestra recorre los principales acontecimientos históricos que Meneses cubrió a lo
largo de su amplia carrera para decenas de medios como Paris Match, Life o ABC
El nombre de Enrique Meneses (Madrid, 1929-2013) es uno de los más destacados
de la fotografía documental española. Periodista incansable y testigo de los grandes
acontecimientos internacionales de la segunda mitad del siglo xx, esta exposición
recorre su carrera a través de una selección de fotografías, material personal y un
documental realizado para la ocasión.
Reportero vocacional desde la adolescencia, Meneses cubrió su primer
acontecimiento con tan solo diecisiete años, momento a partir del cual recorrió el
mundo narrando grandes hechos históricos para diversas agencias de noticias y
medios de comunicación. Entre sus hitos se encuentran el haber retratado a Fidel
Castro y el Che Guevara en Sierra Maestra en su intento de derrocar al dictador
Batista. Antes de esta exclusiva ya había cubierto el ascenso al poder de Nasser en
Egipto y la primera guerra del canal de Suez. La fotografía de Enrique Meneses se
caracteriza por el instinto periodístico y la ausencia de artificio, herramientas con
las que retrató sucesos como la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos
y la marcha sobre Washington con Martin Luther King; personajes como Salvador
Dalí, Marlon Brando, Paul Newman y Cassius Clay; o las bodas reales de los reyes de
España y de Bélgica.
Enrique Meneses. Dalí posa para Vogue. Sesión de Richard Avedon, 1964.
© Fundación Enrique Meneses, VEGAP, Madrid, 2015
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CONDE DUQUE – SALA DE BÓVEDAS. ESPACIO M125
Historia de Almayso. Pasado, presente y
futuro de la obra de Alfredo Mahou y Solana
Fechas: 1 junio – 20 julio
Organiza: Mahou
Más de 5.000 placas de vidrio correspondientes al archivo del estudio Almayso
descubren el Madrid del siglo XIX
Una muestra que desvela la pasión por la fotografía de Alfredo Mahou y Solana,
director de la primera fábrica de cerveza Mahou
Con motivo del 125 aniversario de Mahou-San Miguel, la compañía quiere compartir
con el público uno de los archivos de fotografía más grandes de Europa pertenecientes
a un solo estudio: el fondo fotográfico del siglo XIX de Alfredo Mahou y Solana
(Almayso). Alfredo Mahou y Solana, director de la primera fábrica de cerveza Mahou
situada en la madrileña calle Amaniel, desarrolló allí sus dos pasiones: la cerveza y la
fotografía, utilizando la técnica de la platinotipia para el revelado.
La exposición recoge una selección de algunas de las más de cinco mil placas
de vidrio que componen el archivo, una joya patrimonial que tiene su origen en el
estudio abierto por este fotógrafo en la fábrica del Arco Iris en 1870, veinte años antes
de abrir la fábrica de cerveza. En la muestra se pueden ver, entre otras, imágenes
costumbristas, teatralizaciones, paisajes y espacios de Madrid.
Almayso. Disfrutando de una cerveza en el Retiro, 1901
© Fondo Almayso / Almayso Collection
17
ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA
Luis González Palma
Constelaciones de lo intangible
Comisario: Alejandro Castellote
Fechas: 11 junio – 18 octubre
Organiza: Fundación Telefónica
Una exposición que recorre la trayectoria artística de uno de los autores más
representativos de la fotografía latinoamericana contemporánea
La muestra reúne más de 200 obras en las que se aprecian los ejes temáticos más
representativos de su trayectoria artística, entre ellos la identidad, la memoria y la
intimidad
El universo de Luis González Palma (Guatemala, 1957) está formado por
constelaciones temáticas que orbitan alrededor de su obra en un ciclo de permanente
ida y retorno. La identidad y la memoria son abordadas desde el retrato con
persistentes ecos a la pintura religiosa y al barroco. Otras de sus temáticas son la
introspección, la intimidad, la reflexión sobre el poder y la representación de lo no
visible. Su obra está teñida por una sinfonía de soluciones formales que son, en sus
palabras, «un intento de darle cuerpo a los fantasmas que gobiernan las relaciones
personales, las jerarquías religiosas, la política y la vida».
En sus trabajos más recientes, los retratos se exhiben a modo de sudarios
reconstruidos a partir de fragmentos dispares; cosidos como se cosen las heridas,
convirtiendo las suturas en metáforas del tránsito por la vida. Las obras de esta serie
– algunas de ellas realizadas expresamente para la muestra– exhiben como primer
atractivo una superación de la bidimensionalidad del soporte fotográfico mediante la
intervención sobre los materiales que invitan al espectador a una contemplación en
clave sensorial. El 11 de junio a las 12 h, se celebrará en el auditorio del Espacio de la Fundación
Telefónica un encuentro con el artista y Alejandro Castellote, comisario de la
exposición. Además, se realizarán visitas guiadas, para adultos y ninos, a la muestra.
Más información: http://espacio.fundaciontelefonica.com/
Möbius, 2014.
© Luis González Palma
18
LOEWE, SERRANO
Tina Modotti
Comisaria: María Millán
Organizan: Fundación Loewe y PHotoEspaña
Loewe presenta la primera exposición individual en Madrid de Tina Modotti, una
de las fotógrafas más relevantes de la Latinoamérica del siglo XX
Una fotógrafa e intelectual de apasionante biografía con un reducido legado de
imágenes tomadas en su mayoría en México durante apenas seis años
Tina Modotti (Italia, 1896 – México, 1942) emigró a California cuando tenía diecisiete
años, donde trabajó como operaria en fábricas y consiguió cierta notoriedad como
actriz de cine mudo. Se trasladó a México en 1923 junto a su mentor, Edward Weston.
El país vivía un renacimiento cultural que atrajo a artistas e intelectuales expatriados.
Uno de sus primeros trabajos fue documentar los murales de Rivera, Orozco y
Siqueiros, encargos del gobierno, que pretendía minimizar la tradición colonial europea
y revalorizar la historia precolombina.
Sin renunciar a la estética formalista aprendida de Weston, las fotografías de Modotti
pasaron a mostrar un estilo personal con el que retrató la arquitectura y la sociedad de
las zonas indígenas. Sus imágenes plasman el activismo social del que también tomo
parte como destacada figura de la revolución cultural mexicana. Acusada de participar
en la muerte de su pareja, Julio Antonio Mella, Modotti abandonó México y antes de
partir regaló su cámara a Manuel Álvarez Bravo. Su distanciamiento de la fotografía
marcó otra etapa en su vida política, que desarrollaría entre Berlín, Moscú y España,
donde trabajó como enfermera para el bando republicano durante la Guerra Civil.
Tina Modotti. Hands resting on a shovel, 1926
© Tina Modotti. Cortesía Throckmorton Fine Art
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MATADERO MADRID
Premios Descubrimientos PHE. 1998-2014
Organizan: Matadero Madrid y PHotoEspaña
Pedro Álvarez / Fernando Brito / Matías Costa / Juan de la Cruz Megías / Sophie Dubosc
/ Yann Gross / Stanislas Guigui / Yaakov Israel / Alejandra Laviada / Paula Luttringer /
Nancy Newberry / Vesselina Nikolaeva / Harri Palviranta / Comenius Roethlisberger /
Mariela Sancari / Vanessa Winship
Matadero Madrid exhibe una selección de fotografías de los ganadores del Premio
Descubrimientos PHE, que PHotoEspaña entrega desde su primera edición
La exposición recoge una imagen de cada uno de los 17 autores premiados hasta el
momento, entre los que se encuentran Matías Costa, Alejandra Laviada o Vanessa
Winship
El programa Descubrimientos celebra este año, como el propio festival, su
decimoctava edición. Desde 1998, el proyecto de visionado de porfolios de
PHotoEspaña ha sido una plataforma de presentación y análisis del trabajo de los
fotógrafos que, procedentes de distintos puntos del planeta, tienen la oportunidad
de comentar su obra con reconocidos profesionales del medio. La convocatoria de
visionado, una de las actividades profesionales más destacadas del festival, culmina
con la selección de un galardonado anual que celebra, en la edición siguiente, una
exposición individual de su trabajo.
Con ocasión de la mayoría de edad del programa, se presenta una selección de
obras de los diecisiete autores ganadores hasta la fecha. De las series elegidas,
se muestra una imagen ilustrativa del trabajo de cada autor en el momento en el
que fue seleccionado. La obra de creadores tan diversos en estética, concepción y
origen, como Matías Costa –primer premiado, en 1998–, Tanit Plana (2002), Vesselina
Nikolaeva (2005), Harri Palviranta (2007), Vanessa Whinship (2010), Fernando Brito
(2011) o Nancy Newberry (2013), se exhibe en las «camas», icónicas estructuras del
patio de Matadero Madrid.
Million de la serie Cartucho. Colombia, Bogota, 2004.
© Stanislas Guigui. Agence Vu’
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MATADERO MADRID / ABIERTO X OBRAS
Florentino Díaz
Pasajes de Europa
Comisaria: Carlota Álvarez-Basso
Organiza: Matadero Madrid
Matadero Madrid presenta el nuevo trabajo del artista Florentino Díaz, una
reflexión acerca de la historia de Europa en el último siglo
La instalación está inspirada en el último gran proyecto de Walter Benjamin, El libro de
los pasajes
Walter Benjamin murió en 1940, dejando inacabado su gran proyecto El libro de los
pasajes, en el que mostraba sus reflexiones, cuestionando el desarrollo de la historia
hasta ese momento. Una historia que, a su modo de ver, no había cumplido las
expectativas de liberación humana, y que en sus ruinas mostraba la imposibilidad de
alcanzar sus metas últimas.
Escena de Moscú, 1935.
© Florentino Díaz
En esta instalación, Florentino Díaz (Cáceres, 1954) trata de transmitir a los
espectadores un sentimiento reflexivo sobre el acontecer de la historia al estilo de la
obra de Benjamin y los interpela para que se hagan preguntas. La obra se asemeja
a un barracón construido con viejas puertas de madera de cuyo tejado cae agua
continuamente, remitiendo a uno de aquellos que acogen a inmigrantes, refugiados
o incluso, similares a cualquier campo de concentración. En él se proyectan
simultáneamente vídeos compuestos por fotografías de viejos archivos y álbumes de
sucesos que no presagian el trágico destino que aguarda a sus protagonistas. Así,
Díaz realiza una reflexión sobre los acontecimientos que han ocurrido en Europa en
el último siglo, y que de alguna manera aún condicionan el presente y futuro de sus
habitantes.
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MUSEO CERRALBO
Korda, retrato femenino
Comisaria: Ana Berruguete
Organizan: Estate Korda, Museo Cerralbo y PHotoEspaña
Produce: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
Una exposición que muestra una de las facetas más desconocidas de la obra de
Korda, sus retratos femeninos
La muestra desvela la pasión que el autor del mítico retrato del Che Guevara sintió por
la belleza de la mujer
Alberto Díaz Gutiérrez (Cuba, 1928-2001), más conocido como Korda, alcanzó fama
internacional por su mítico retrato del Che Guevara como guerrillero heroico. Pero, más
allá de esta icónica fotografía, Korda sintió auténtica pasión por representar la belleza
femenina y creó una amplia colección de imágenes caracterizada por su particular
estilo y por el uso de luz natural.
En 1953, junto a Luis Pierce, crearía los Studios Korda, dedicados fundamentalmente
a la fotografía publicitaria. De entre los encargos que recibían, Korda se reservó las
campañas publicitarias de importantes firmas comerciales, siempre vinculadas a
la belleza femenina como género. Muchos de estos reportajes fueron publicados
en la revista Carteles, decana de la prensa cubana, acompañados por textos de
Cabrera Infante, creando un mano a mano entre literatura e imagen. Con el inicio de
la Revolución castrista, Korda sumó a su dinámica cotidiana la responsabilidad de
retratar el nuevo contexto político y social, por lo que las modelos fueron sustituidas
por jóvenes guerrilleras y mujeres que asistían a los desfiles militares. A todas ellas las
retrataría sin restarles feminidad y hermosura.
Nidia Ríos, ca. 1956.
© Korda, VEGAP, Madrid, 2015
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MUSEO ICO
Construyendo mundos.
Fotografía y arquitectura en la era moderna
Comisaria: Alona Pardo y Elias Redstone
Fechas: 4 junio - 6 septiembre
Organiza: Fundación ICO
Exposición comisariada y organizada por el Barbican Centre
Berenice Abbott / Iwan Baan / Bernd y Hilla Becher / Hélène Binet / Walker Evans / Luigi Ghirri /
Andreas Gursky / Lucien Hervé / Nadav Kander / Luisa Lambri / Simon Norfolk / Bas Princen /
Ed Ruscha / Stephen Shore / Julius Shulman / Thomas Struth / Hiroshi Sugimoto / Guy Tillim
El Museo ICO presenta una muestra producida por el Barbican Centre que explora
la simbiótica relación entre fotografía y arquitectura desde la América de 1930 al
Pyongyang actual
Entre los 18 fotógrafos que conforman la exposición se encuentran Berenice Abbott,
Walker Evans, Ed Ruscha, Hiroshi Sugimoto, Guy Tillim y Bernd y Hilla Becher
Construyendo Mundos reúne más de 250 obras de 18 relevantes fotógrafos, desde
la década de 1930 hasta la actualidad, que han cambiado nuestra forma de ver
la arquitectura y de reflexionar sobre el mundo en que vivimos. Organizada tanto
cronológica como temáticamente, la exposición comienza con la obra de Berenice
Abbott, Walker Evans, Julius Shulman y Lucien Hervé. A continuación profundiza en el
legado del estilo documental objetivo de Walker Evans y su interés por la arquitectura
vernácula mediante la obra de Ed Ruscha, Bernd y Hilla Becher, Stephen Shore y
Thomas Struth.
El siguiente apartado se centra en las interpretaciones y en las respuestas de los
fotógrafos tanto a los arquitectos como a los icónicos edificios de la era moderna,
considerando la relación simbiótica entre fotografía y tema arquitectónico, como queda
de manifiesto en el trabajo de Luigi Ghirri, Hélène Binet, Hiroshi Sugimoto, Luisa Lambri
y Andreas Gursky.
Nadav Kander. Fengjie III (Monumento al progreso y la prosperidad), 2007.
© Nadav Kander. Cortesía Flowers Gallery.
Construyendo Mundos concluye explorando algunas ciudades que han experimentado
cambios dramáticos, reflejados en las fotografías de Guy Tillim, Simon Norfolk, Bas
Princen, Nadav Kander e Iwan Baan.
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MUSEO LÁZARO GALDIANO
Manuel Carrillo. Mi querido México. Obras de
la Colección de Bank of America Merrill Lynch
Comisario: Stuart A. Ashman
Organizan: Bank of America Merrill Lynch Art in our Communities® programme, Museo Lázaro
Galdiano y PHotoEspaña
Ansel Adams / Manuel Álvarez / Manuel Carrillo / Graciela Iturbide / Charles Rushton
/ Edward Steichen / Paul Strand / Brett Weston / Edward Weston
Una selección de fotografías de la prestigiosa colección del Bank of America
Merrill Lynch que presenta la obra del llamado “Maestro mexicano”
La obra de Manuel Carrillo, caracterizada por su respeto y amor a México y sus gentes,
se presenta junto a la de fotógrafos coetáneos como Ansel Adams, Paul Strand y
Edward Weston
Manuel Carrillo (México, 1906-1989), más conocido como “El Maestro mexicano”,
se mudó a Nueva York con tan solo 16 años. En 1930, regresó a su país natal para
encargarse de la oficina del ferrocarril central de Illinois en México D.F. hasta su
jubilación. La relación de Carrillo con la fotografía comenzó relativamente tarde,
cuando a los 49 años se unió al Club Fotográfico de México y a la Photographic Society
of America. Celebró su primera exposición internacional cinco años después, en 1960.
A partir de ese momento, su trabajo alcanzó rápido reconocimiento y sus obras fueron
expuestas tanto en México y Estados Unidos como en Inglaterra, Rumanía, Francia y
China.
Manuel Carrillo. Sin título (mujer y cabestro).
© Manuel Carrillo. Cortesía Universidad de Texas en El Paso
La fotografía de Manuel Carrillo permite apreciar la calidez de su personalidad
artística y su amor por la temática mexicana, además de su virtuosismo técnico como
modernista. El valor poético de sus imágenes se une a la importancia que estas tienen
como herramienta para la documentación social. Carrillo capturó la belleza abstracta
de la esencia mexicana: documentó la vida diaria en México a través de fotografías que
evocan una sensación de experiencia compartida y conexión universal. Por lo tanto, su
obra se entiende como la búsqueda de una identidad mexicana unificada y nacional.
Su mirada única, junto a la de sus contemporáneos, ha ayudado a forjar la imagen con
la que México es percibido por el resto del mundo.
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MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA
Aún no. Sobre la reinvención
del documental y la crítica de la modernidad
Comisario: Jorge Ribalta
Fechas: 11 febrero – 13 julio
Organiza: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Una aproximación a los debates que tuvieron lugar en los años 70 y 80 sobre
el género documental en un momento en que la fotografía adquiría nuevo
protagonismo en el mercado artístico y las políticas culturales
La exposición plantea un recorrido temático, cronológico y de acuerdo a áreas
conceptuales a través de más de 800 obras
Aún no. Sobre la reinvención del documental y la crítica de la modernidad, ofrece una
aproximación a los debates que tuvieron lugar en los años setenta y ochenta sobre
el documento fotográfico como crítica del arte moderno y de las instituciones. En
aquella época, una nueva generación de artistas entró en escena y, recuperando el
origen político de la fotografía obrera de los años veinte, inició la reinvención de la
práctica documental entendida como crítica a las formas de modernidad heredadas
de la Guerra Fría –que había consagrado el humanismo como el discurso dominante
en la cultura fotográfica–, tal y como planteó Allan Sekula en su ensayo Dismantling
Modernism, Reinventing Documentary, de 1978.
La muestra incluye más de ochocientas piezas –algunas de ellas nunca expuestas
anteriormente– entre fotos, revistas, libros, fotomontajes, carteles, producciones
audiovisuales o instalaciones, dispuestas en un recorrido organizado por áreas
conceptuales que abordan temáticas como la segunda fotografía obrera alemana
surgida en 1973, su recepción en el círculo londinense de Jo Spence y Terry Dennett y
la actividad del grupo de San Diego en torno a Allan Sekula y Martha Rosler.
Maqueta del reportaje gráfico «Berichtsheft eines Lehrlings». Arbeiterfotografie, nº 7
© Centro de documentación. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Donación Dieter Mielke
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MUSEO NACIONAL DE CIENCIAS NATURALES
Janek Zamoyski
Heave Away
Organizan: Instituto Polaco de Cultura y Museo Nacional de Ciencias Naturales
Produce: Instituto Polaco de Cultura
Colabora: Fundación Lablab
El artista polaco Janek Zamoyski presenta imágenes que retratan los 21 días de
travesía desde España a Latinoamérica que realizó Colón en su segundo viaje al
Nuevo Mundo
Un trabajo con el mar como protagonista en el que se vierten todos los intereses
creativos del autor, interesado en la estética de la fotografía contemporánea
El fotógrafo y comisario Janek Zamoyski (Polonia, 1978) es uno de los fundadores
de la galería varsoviana Czułość, un grupo artístico que aglutina a creadores
jóvenes de procedencia internacional centrados en la problemática de la fotografía
contemporánea.
Sin título, 2015. De la serie Heave Away
© Janek Zamoyski. Cortesía Galería Czułość
En esta exposición presenta una serie fotográfica que retrata la ruta de España a
América Latina que recorriera Cristóbal Colón en su segundo viaje al Nuevo Mundo.
Las veintiuna fotografías que componen la muestra retratan los veintiún días de
travesía oceánica. Sin embargo, en este trabajo lo esencial no es el tema sino cómo, a
través de este proyecto, Zamoyski lleva a la práctica sus hipótesis teóricas y estéticas,
independientes de la realidad fotografiada. En este contexto, la experiencia del
océano y la travesía, se ajustan a la perfección a las tesis del artista. El océano, como
universo extremadamente reducido, resulta atractivo como objeto porque puede ser
representado en su totalidad, sin que sea necesario delimitarlo a un tema concreto. A
la vez, el proyecto va acompañado de una vivencia intensa y profunda, el recorrer por
primera vez una ruta marítima de gran envergadura.
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REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO. CALCOGRAFÍA NACIONAL
Trama centroamericana, una mirada
colectiva a la migración
Comisaria: Eliett Cabezas
Organizan: Calcografía Nacional y PHotoEspaña
Andrea Aragón / Andrés Asturias / Walterio Iraheta / Dulce Pinzón / Ruth Prieto /
RUIDO Photo (Edu Ponces y Toni Arnau)
Cuatro proyectos fotográficos abordan las problemáticas de la migración
a Estados Unidos
Puntos de vista diversos sobre las contradicciones y complejidades de la migración
prestando atención a aquellos que migran y a quienes dejan detrás
Trama centroamericana interconecta cinco proyectos fotográficos de autores que
reflexionan sobre el fenómeno de la migración a Estados Unidos, que está generando
transformaciones sociales, culturales y materiales en México y todos los países
de Centroamérica. La exposición proporciona puntos de vista diversos sobre esta
situación y dirige la mirada hacia aquellos que migran y a quienes dejan detrás.
En el camino, del colectivo RUIDO Photo, documenta el descarnado viaje que los
migrantes irregulares emprenden hacia Estados Unidos. Superhéroes, de Dulce
Pinzón, los convierte en héroes en el sentido más literal. La cotidianidad de algunos
de esos superhéroes es la que puede verse en Safe Heaven, serie de Ruth Prieto
dedicada a las jóvenes migrantes. Los efectos de las rupturas familiares, las influencias
culturales y el dinero que fluye en una dirección, son visibles en Arquitectura
de remesas, de Walterio Iraheta y Andrés Asturias, que presenta una serie de
viviendas construidas en Guatemala y El Salvador con el dinero enviado por los que
se fueron. Por su parte, Home, de Andrea Aragón, desvela algunos rasgos de las
transformaciones culturales que acontecen en países como Guatemala.
Sin título, de la serie Safe Heaven – Green, 2012.
© Ruth Prieto
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REAL JARDÍN BOTÁNICO–CSIC
Mario Cravo Neto
Mitos y ritos
Comisaria: Oliva María Rubio
Colabora: Real Jardín Botánico-CSIC
Primera retrospectiva en Europa de la producción fotográfica del artista brasileño
Mario Cravo Neto
Fotografías urbanas de Nueva York y Salvador de Bahía junto a sus representativos y
simbólicos trabajos de estudio, imágenes plagadas de iconografía que se sitúan entre
lo real y lo ficticio
Aun cuando Mario Cravo Neto (Brasil, 1947-2009) se dio a conocer como artista
plástico, la fotografía formó parte de su itinerario creativo desde su inicio. Procedente
de una familia de artistas, comenzó a trabajar con la escultura y la fotografía tras una
estancia en Berlín, experimentos que proseguiría en Nueva York. A su regreso a su
ciudad natal, continuó pintando y creando esculturas pero también retrató la urbe y
su extrarradio. Tras un accidente de tráfico se concentró en la fotografía de estudio
y desarrolló sus características escenificaciones protagonizadas por modelos de su
entorno familiar, que a menudo portan objetos como piedras, dagas y máscaras, o
posan con animales.
Mitos y ritos es la primera retrospectiva de su obra fotográfica en Europa y repasa su
producción junto a algunos de sus trabajos en vídeo. Su obra se apropia de elementos
diversos para construir un lenguaje artístico que mezcla religión y erotismo, violencia
y drama, naturaleza y cultura. Escenifica rituales y mitologías que sintetizan la
confluencia cultural, étnica y racial del noreste brasileño; la mezcla de la tradición de la
población indígena con el legado cultural portugués y africano.
Heart of Stone, 1990
© Mario Cravo Neto
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REAL JARDÍN BOTÁNICO–CSIC
Julio Zadik
Un legado de luz
Comisario: Andrés Asturias
Organizan: Estate Julio Zadik y PHotoEspaña
Produce: Estate Julio Zadik
Colaboran: Fundación Paiz, La Fototeca y Real Jardín Botánico–CSIC
PHotoEspaña presenta la obra de Julio Zadik, fotógrafo guatemalteco que
permaneció alejado de la vida pública durante casi cuatro décadas
Esta exposición coloca su obra en la dimensión que le corresponde a través de una
revisión de su legado fotográfico
En la Guatemala de la década de los cincuenta, la generación de artistas a la que
perteneció Julio Zadik (Guatemala, 1916-2002) marcó una época, alcanzando una
calidad y cantidad de producción que no sería igualada hasta finales del siglo xx. Zadik
estudió fotografía en Nueva York y recorrió tanto Guatemala como el resto del mundo
empujado por su curiosidad, utilizando la fotografía como pretexto y la poesía como
estilo. Tras participar en numerosas exposiciones y concursos, a mediados de los
sesenta decidió alejarse voluntariamente de las exhibiciones públicas, aunque siguió
fotografiando hasta su muerte. En el año 2008 comienza varias investigaciones que lo
posicionan como pionero de la fotografía moderna en toda la región centroamericana.
Sin título, París.
© Julio Zadik. Cortesía Estate Julio Zadik
La fotografía no era para Zadik una profesión, sino una forma de vida, la manera de
probar su propia existencia. Su intención no era documentalista, sino que la asumió
como un medio de expresión con el que construyó su propio lenguaje. El equilibrio de
sus imágenes se encuentra en un punto impalpable, resultado de un conocimiento
profundo, construido a partir de la práctica y la experimentación, de una persecución
meticulosa e infinita.
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TABACALERA. ESPACIO PROMOCIÓN DEL ARTE. LA FRAGUA
Resonancias
Iñaki Domingo y Ding Musa
Fechas: 2 julio - 6 septiembre
Organizan: Tabacalera. Espacio Promoción del Arte y PHotoEspaña
Produce: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
Iñaki Domingo y Ding Musa presentan un proyecto expositivo realizado en
colaboración a través del cual muestran sus intereses artísticos comunes
Dos fotógrafos pertenecientes a una generación que ha trabajado con aspectos como
el espacio, la luz o la forma geométrica
Resonancias es un proyecto de Ding Musa (Brasil, 1979) e Iñaki Domingo (Madrid,
1978), dos fotógrafos pertenecientes a una misma generación de creadores que
comparten intereses relacionados con conceptos como la luz, la percepción, el
espacio o la forma geométrica. Su colaboración comienza en 2014, momento en
que contactan y deciden mantener un diálogo visual a través del cual compartir sus
búsquedas y preocupaciones, que culmina en una exposición en la que muestran su
trabajo conjuntamente por primera vez.
Límite 1. 2014.
© Ding Musa. Cortesía del artista
Entre las características comunes a su generación artística están el abordaje de la
fotografía desde una perspectiva que asume la práctica tradicional pero que a la vez
trata de expandirla; la reflexión sobre el lenguaje visual, la implicaciones que entrañan
la creación de imágenes y el análisis de materia de la que se componen; así como un
sentido de responsabilidad política con el que cuestionan las imágenes existentes y
proponen una nueva construcción visual del mundo y de su representación desde lo
fotográfico. La exposición se configura como el resultado de una interacción entre
ambos artistas interviniendo un espacio específico.
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PLAZA DE LOS IRLANDESES
SECCIÓN OFICIAL ALCALÁ DE HENARES
Alcalá. Puerta de América
Organizan: Ayuntamiento de Alcalá de Henares y PHotoEspaña
Andrea Aragón / Ángela Bonadies / Ana Casas Broda / Koral Carballo / Manuel Carrillo /
Tito Caula / Matías Costa / Mario Cravo Neto / Armando Cristeto / José Luis Cuevas /
Karina Juárez / Tina Modotti / Pablo Ortiz Monasterio / Luis Enrique Pérez / Dulce Pinzón /
RuidoPhoto / Osvaldo Salas / José Luis Venegas / Julio Zadik
Una exposición al aire libre ocupará los balcones del centro neurálgico
de Alcalá de Henares
Una selección de fotografías de la Sección oficial de PHE15 que girarán en torno
al tema de esta edición del Festival: la fotografía latinoamericana
El Ayuntamiento de Alcalá de Henares se suma a PHotoEspaña por séptimo año
consecutivo con una exposición urbana que ocupa los balcones del centro de la
ciudad y que permite disfrutar de un recorrido participativo y cercano por algunas
de las imágenes más impactantes del Festival. El programa expositivo de PHE15
está dedicado de forma monográfica a analizar el desarrollo y la complejidad de la
fotografía latinoamericana, desde sus orígenes hasta la actualidad. Así, pretende ser
una plataforma para potenciar a autores reconocidos, dar a conocer a otros que lo son
menos y a generaciones más jóvenes, así como apostar por autores cuya trayectoria
merece mayor reconocimiento.
© Karina Juárez
Alcalá ha sido, históricamente, la Puerta de América. Con este proyecto reivindica
este papel y convierte la calle en un cruce entre Latinoamérica, la fotografía y la misma
ciudad, mostrando imágenes de maestros clásicos como Tina Modotti y Manuel
Carrillo; figuras con amplio reconocimiento internacional no demasiado difundidas en
España como Mario Cravo Neto y Osvaldo Salas; así como talentos contemporáneos
como Ana Casas y Matías Costa.
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SECCIÓN OFICIAL ALCOBENDAS
Instante continuo
Comisaria: Emily Adams
Fechas: 1 junio – 27 junio
Colabora: Ayuntamiento de Alcobendas
Álvaro Calvo / Lourdes Carcedo / Iván Clemente / Claudio de la Cal / Aránzazu Enríquez /
Pepe Guinea / Esteban Lahoz / Mar León / Gabriela Navarro / Beatriz Polo Iañez /
Angélica de la Llave
Una exposición colectiva que reúne los trabajos de los alumnos de la séptima
edición del Máster PHotoEspaña en fotografía
Una reflexión sobre el tiempo en la que once fotógrafos trabajan sobre la idea de que la
imagen fotográfica suspende el momento y existe en un instante continuo
Los fotógrafos que han cursado la séptima edición del Máster PHotoEspaña Teorías
y prácticas artísticas en PIC.A en la Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña
PIC.A, presentan en esta selección de sus obras una reflexión sobre el tiempo,
partiendo de la idea de que la imagen fotográfica suspende el momento y existe en un
instante continuo.
Sin título, de la serie Kalendae.
© Claudio de la Cal
Con esta propuesta, los alumnos han creado, a partir de imágenes de su archivo y de
nueva producción, una instalación en la que recurren a un montaje de secuencias y
repeticiones con el fin de generar una introversión conceptual y plástica sobre cómo
percibimos el tiempo en la fotografía. La muestra hace testigo al espectador de una
explosión, señales perceptibles en el paisaje nocturno, la atemporalidad del archivo
digital, la impresión intervenida que fragmenta la captura, entre otras piezas. La
diversidad de las propuestas es un reflejo de las distintas trayectorias de sus autores,
que han enriquecido el curso con su formación en múltiples áreas, desde la publicidad
y el periodismo hasta la fotografía de autor, la pintura y el dibujo.
32
Antonio Olazábal
In a silent way
Comisario: José María Díaz-Maroto
Fechas: 1 julio – 25 julio
Organiza: Ayuntamiento de Alcobendas
Un trabajo fotográfico realizado en Tokio que trata traducir la soledad y la multitud
que habitan la capital japonesa
El título de la muestra, que remite a una canción de Miles Davis, hace referencia a la
manera silenciosa y serena con la que el fotógrafo pretende retratar la capital nipona
De formación autodidacta, Antonio Olazábal comenzó a exponer sus trabajos con
regularidad en el año 2005 y desde entonces ha realizado numerosas exposiciones
colectivas e individuales. Ha participado en ferias nacionales como Estampa, Art
Madrid y Madrid Foto, e internacionales como Berliner Liste. Su obra forma parte
de colecciones públicas y privadas, entre las que destacan la Colección de Arte
Contemporáneo de la Comunidad de Madrid, Seguros Santa Lucia o British Petroleum.
El trabajo In a silent way, que también ha visto la luz como libro, se realizó en Tokio en
2012. En él, Olazábal utiliza la ciudad para buscar el silencio y la serenidad individual
que se oculta en la multitud y en su compleja estructura urbana. Aunque la capital
nipona supone un asombroso escenario, el fotógrafo no trata de retratarla, pues ya
existen muchos y excelente retratos de la ciudad, sino más bien de mirarse en ella.
Tokio es un refugio para su narración, siempre en voz baja, apenas susurros, sin nada
que explicar, sin querer convencer.
© Antonio Olazábal
33
Jorge Fuembuena
InsideInsect
Comisaria: Belén Poole
Fechas: 2 julio – 23 septiembre
Organiza: Centro de Arte Alcobendas
El Centro de Arte Alcobendas exhibe InsideInsect de Jorge Fuembuena, un
proyecto sobre la obra y construcción y representación del universo de Luis
Buñuel
Un ensayo fotográfico compuesto por fotografías y materiales de archivo que recorren
los territorios más importantes en la vida del cineasta aragonés
Jorge Fuembuena (Zaragoza, 1979) vive y trabaja entre Madrid y Nantes (Francia). En
sus proyectos investiga las relaciones entre el hombre y su entorno. En este sentido
se inscriben series como Holidays y The New Painting. Destaca en su obra el retrato,
protagonista de exposiciones individuales como Portraits y The Argonauts, que
reflexionan sobre la naturaleza del sujeto. Su exposición The End of Cathedrals, formó
parte de PHotoEspaña 2013.
En InsideInsect, Fuembuena realiza una investigación fotográfica que actualiza la
figura de Luis Buñuel desde perspectivas contemporáneas y que explora el uso y la
función de las imágenes mezclando hechos y ficciones. El proyecto, que toma la forma
de ensayo fotográfico, busca las huellas del paso del cineasta por diversos territorios
que marcaron su obra como Calanda, Zaragoza, Madrid, Toledo, París, Nueva York,
Los Ángeles y México D.F., y juega con los sistemas de signos y la representación
fotográfica mezclando deliberadamente realidad y ficción, el mito del pasado y
presente y la realidad.
El sacerdote, 2014.
© Jorge Fuembuena
34
José Guerrero
After the Rainbow
El fotógrafo granadino José Guerrero utiliza el género del paisaje para que el
espectador reflexione sobre su relación con el entorno
La exposición recoge obras realizadas en diferentes estancias del autor en Estados
Unidos desde el año 2002
José Guerrero (Granada, 1979), cuya formación académica se ha desarrollado en dos
áreas –la fotografía y la arquitectura–, utiliza la primera de ellas desde un punto de vista
que va más allá de lo meramente estético. Se sirve de ella como vehículo para retratar
el paisaje y conectarlo con el individuo, cuya figura, aunque eminentemente ausente,
está de cualquier modo presente y es por tanto parte de su obra. Esta relación invita al
espectador a reflexionar sobre sí mismo y a comprender su relación con el entorno.
En su exposición individual en el Centro de Arte Alcobendas, que lleva como título
After the Rainbow, Guerrero presenta una selección del trabajo que ha realizado
durante sus diferentes estancias en Estados Unidos. En ella se encuentran fotografías
y porfolios pertenecientes a su primera serie, titulada California y realizada en 2002,
hasta el resultado de cuatro viajes distintos llevados a cabo por el oeste americano
entre 2011 y 2013. Además, en la muestra también se incluyen algunas vistas
nocturnas de Nueva York realizadas esos mismos años.
Half Dome and Rainbow, California, 2002
© José Guerrero, VEGAP, Madrid, 2015
35
Magdalena Correa
Destellos. Dos orígenes
Fechas: 7 mayo – 4 julio
Patrocina: FONDART. Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y Las Artes del Gobierno de Chile
Colabora: Centro Andaluz de la Fotografía
Dos series recientes de Magdalena Correa abordan lugares aislados o
desconocidos que coexisten con la vida cotidiana
Mientras que La rinconada aborda la difícil situación de un pueblo peruano, Luxury has
a new Adress muestra la ostentación y el lujo de Kuwait
El trabajo artístico de Magdalena Correa (Chile, 1968) explora territorios que se
encuentran en situación de aislamiento y olvido, lugares en los que se desarrolla
una forma de vida humana en precario. Correa se detiene en espacios geográficos
y humanos aislados y desconocidos que coexisten de manera habitual y real a la
vida cotidiana. Su obra nace del trabajo de campo en esos lugares y de las capturas
que realiza a través de la fotografía y el vídeo. Después, reelabora o reinterpreta esa
materia prima desde su óptica personal.
En la serie La rinconada se aproxima a un municipio peruano cuyos habitantes viven
de la explotación de una mina de oro situada en un antiguo glaciar. El pueblo vive
en una situación surrealista, fuera de la ley, y sus pobladores se obstinan en creer
que la mina es una fuente inagotable de riqueza, huyendo de la cruda realidad en
que viven. Por su parte, Luxury has a new Address muestra el mundo de la riqueza
de los kuwaitíes, quienes manifiestan una tendencia casi enfermiza a demostrar su
capacidad adquisitiva alejándose, en la mayoría de los casos, de la discreción.
© Magdalena Correa
36
Mariela Sancari
Moisés
Patrocina: Centro de Arte Alcobendas
El Centro de Arte Alcobendas presenta el trabajo de la ganadora del Premio
Descubrimientos PHotoEspaña 2014, la fotógrafa argentina radicada en México
Mariela Sancari
Moisés, el trabajo con el que obtuvo el premio, es una búsqueda metafórica de su
padre, fallecido en trágicas circunstancias cuando la artista era una niña
Mariela Sancari (Argentina, 1976) tenía catorce años cuando falleció su padre. Ni ella
ni su hermana gemela pudieron prepararse para una muerte repentina y poco natural.
Tampoco tuvieron la posibilidad de ver su cuerpo por última vez para asimilar su
ausencia física. Como una forma de sanar esta pérdida y usando la fotografía como
herramienta, la artista comenzó a enfrentarse a esta parte de su historia, primero con
la serie El caballo de dos cabezas y luego con Moisés, con la que obtuvo el Premio
Descubrimientos PHotoEspaña en 2014.
En este trabajo, la artista busca metafóricamente a su padre retratando a hombres
de físico y edad similar a la que él tendría en la actualidad. En 2013, con una beca del
gobierno mexicano (FONCA-CONACYT), la artista regresó a Buenos Aires para poner
en marcha este proyecto. El punto de partida fue un anuncio de «se busca» con el
retrato de su padre en el que pedía la participación de varones con un aspecto físico
parecido al del hombre de la imagen. Lo publicó en prensa, lo colgó por toda la ciudad
e instaló su estudio fotográfico en una plaza en la que jugaba cuando era pequeña. Así
realizó un trabajo marcado por la ausencia de la figura paterna.
Moisés, 2014
© Mariela Sancari
37
Miguel Ángel Tornero
The Random Series
Fechas: 30 abril – 4 julio
Miguel Ángel Tornero muestra paisajes urbanos, espacios insólitos y enigmáticos,
fruto de un nuevo tipo de azar tecnológico
Para crear sus imágenes, utiliza softwares concebidos para confeccionar panorámicas
a base de encadenar varias tomas
Miguel Ángel Tornero (Jaén, 1978) propone en el proyecto The Random Series un
particular ejercicio que ha ido realizando durante cuatro años en Berlín, Roma y Madrid.
En él encontramos una extraña aproximación a la fotografía, a la ciudad y a uno mismo.
Durante su estancia en cada una de las ciudades, Tornero ha ido retratando su día
a día de forma intensa e instintiva y ha recopilado una serie de imágenes que sirven
como materia prima para collages digitales. Su mirada conjuga los rasgos de un
flâneur baudelairiano con los del turista fotográfico-compulsivo; todo ello filtrado por la
espontaneidad infantil aún no doblegada a los convencionalismos estéticos y culturales.
En el proceso de creación de estos inquietantes trabajos, el autor utiliza la
incongruencia con la que un software interpreta órdenes para las que no está
programado. Al desconocer los parámetros de corte y unión que el ordenador va a
seguir para coser y editar las imágenes, lo imprevisto pasa a ser protagonista y marca
el ritmo de la serie. Así, el resultado final es en gran medida dejado al azar.
Untitled 28, de The Random Series.
© Miguel Ángel Tornero
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Transvisiones: Alcobendas 2015
Comisaria: Marta Soul
Maricel Delgado / Ignacio Evangelista / Julio Galeote / Carlos Iván Hernández / Andrés
Pachón / Yuri Tuma
El Centro de Arte Alcobendas organiza un programa de residencias artísticas en
centros de arte de todo el mundo que culmina con un encuentro y una exposición
en el propio centro
El programa apostará por la promoción del formato de fotolibro y se enriquece con
talleres, proyecciones y debates
El Centro de Arte Alcobendas organiza Transvisiones, un programa de residencias
artísticas en centros de arte de todo el mundo que culmina con un encuentro y
una exposición en el propio espacio. Este programa es, además, un proyecto de
creación basado en el intercambio de experiencias visuales que propone generar
nuevas plataformas de visibilidad, discusión y crítica en torno a la fotografía. Incluye
actividades como talleres, proyecciones y discusiones y apuesta por nuevas formas de
creación como el fotolibro.
Camión vacío, 2010.
© Carlos Iván Hernández
Igualmente, pretende servir como plataforma de promoción para este formato
otorgando un premio a uno de los trabajos de autor presentados para la edición de
un libro. Tras haber cursado diferentes residencias simultáneamente en el Centro
de Arte Alcobendas, Art Center South Florida de Miami, Instituto Sonorense de
Cultura de Hermosillo en México y en el Centro de la Imagen de Lima, seis artistas se
reunirán en Alcobendas para compartir sus experiencias y procesos creativos. De este
intercambio, realizado desde marzo a junio de 2015, surge asimismo una exposición en
el CAA, donde estos creadores mostrarán al público su trabajo artístico.
39
FUNDACIÓN ANTONIO SAURA. CASA ZAVALA
SECCIÓN OFICIAL CUENCA
Osvaldo y Roberto Salas
La poesía de la imagen
Comisario: Lourdes Socarrás
Organizan: Fundación Antonio Saura. Casa Zavala y PHotoEspaña
Dueño de una extensa trayectoria, el fotógrafo cubano Osvaldo Salas osciló
entre el glamour de las estrellas del cine y del deporte, y la documentación de la
Revolución Cubana
Esta exposición, la primera del artista en Europa, reúne una amplia representación
fotográfica de todos los temas que abordó y la pone en relación con los trabajos de su
hijo, Roberto Salas
La vocación de Osvaldo Salas (Cuba, 1914-1992) por el arte fue muy temprana y pronto
se matriculó en la Academia de Bellas Artes de San Alejandro. Sin embargo, cuando
tuvo que partir a Nueva York junto a su familia, abandonó su proyecto de juventud.
Años más tarde regresó al arte de forma autodidacta y entre 1950 y 1958, alcanzó
prestigio como fotógrafo. Colaboró con múltiples publicaciones retratando a estrellas
del cine como Marilyn Monroe, Ava Gardner, Salvador Dalí y Sara Montiel, y a ases del
deporte como Joe DiMaggio o Rocky Marciano.
© Osvaldo Salas
En 1955, su camino se cruza con el de Fidel Castro, que había viajado a Nueva York
para recaudar fondos para el Movimiento 26 de julio, y comienza a colaborar con
la organización en actos públicos de repulsa contra Batista. Al tiempo, arranca una
línea de trabajo documental que continuará en Cuba, donde regresó tras el triunfo de
la revolución. Allí sería el responsable del departamento de fotografía del periódico
Revolución y trabajaría como fotorreportero en Granma. El valor de su obra radica
en su cubanía y en su deseo de usar la lente de manera insaciable. Esta exposición
presenta su obra en España y la pone en relación con la de su hijo, el también fotógrafo
Roberto Salas.
40
BARRIO DE LA ALHÓNDIGA
SECCIÓN OFICIAL GETAFE
¡Retrátate!
Fechas de la actividad: mayo
Fechas de la exposición: junio
Organizan: Ayuntamiento de Getafe y PHotoEspaña
Durante un fin de semana, Jorge Fuembuena y Jonás Bel retratarán de forma
gratuita a todo aquel que se acerque a la Plaza de la estación de Getafe
Las mejores imágenes formarán una exposición urbana y colectiva
Getafe se suma por segundo año consecutivo a la programación de PHotoEspaña
con ¡Retrátate!, un proyecto que invita a los habitantes de Madrid a ser modelos de
relevantes fotógrafos especializados en el género del retrato y, a la vez, a protagonizar
una impactante exposición que ocupará el Barrio de la Alhóndiga. Este proyecto
artístico y participativo pretende democratizar la fotografía y atraer a los ciudadanos.
Jorge Fuembuena y Jonás Bel instalarán su estudio fotográfico en la plaza de la
estación de Getafe y retratarán a quienes quieran participar. Cada uno de los
retratados podrá llevarse como recuerdo, y en el momento, una copia impresa del
mismo en formato 10 x 15 cm. Una selección de las mejores imágenes integrará
la exposición ¡Retrátate!, una muestra popular y colectiva, formada por todos los
ciudadanos.
© Jacobo Medrano
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FUNDACIÓN ANTONIO PÉREZ. MUSEO DE LA FOTOGRAFÍA
SECCIÓN OFICIAL HUETE
Françesc Català-Roca. Obras Maestras
Organizan: Fundación Antonio Pérez, Diputación de Cuenca y PHotoEspaña
Producen: Fundación Barné y La Fábrica
Colabora: Arxiu Fotografía COAC
El nuevo museo de la fotografía de Huete se incorpora como sede de
PHotoEspaña con una exposición dedicada a uno de los grandes maestros de la
fotografía española
151 imágenes y un documental de un fotógrafo que recorrió la España que comenzaba
a cambiar y convirtió la fotografía en una filosofía de vida
Francesc Català-Roca (Valls, 1922 – Barcelona, 1998) es uno de los grandes nombres
de la fotografía española. Se trata del principal representante de la vanguardia
fotográfica catalana y un autor imprescindible a la hora de entender el documentalismo
en España. La calidad estética y documental de su obra traspasó fronteras e impulsó
una nueva forma de entender la fotografía alejada de cualquier tipo de manipulación.
Català-Roca. Obras maestras nace de un proyecto de investigación y de recuperación
de la obra de un autor que recorrió España con su cámara con incansable dedicación.
Sus viajes, realizados a lo largo de tres décadas, fueron la génesis de un legado de
más de doscientos mil negativos impecables, ya que en su esmero por desechar lo
superfluo, destruyó todo disparo imperfecto.
La muestra incluye algunas de sus fotografías más célebres, como las dedicadas a la
Gran Vía madrileña o las que registran el proceso creativo del pintor Joan Miró. Supone
así un extenso homenaje al gran maestro a través de la recuperación de su legado y la
exhibición de numerosas fotografías, aún inéditas, que se han convertido en un valioso
y precioso testimonio.
Francesc Català-Roca. Señoritas por la Gran Vía, Madrid, ca. 1959
© Arxiu Fotogràfic de l’Arxiu Històric del COAC
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CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO
SECCIÓN OFICIAL MÓSTOLES
Esto aún -no- ha sido. Obras de la Colección
CA2M y Colección Fundación ARCO
Comisaria: María Virginia Jaua
Fechas: 24 junio - 26 julio
Organiza: CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid Eduardo Abaroa / Alexander Apóstol / Iñaki Bonillas / Mario García Torres / Carlos Motta
/ Oscar Muñoz / Gabriel Orozco / Gustavo Romano / Melanie Smith
Una selección de la colección del Centro de Arte Dos de Mayo realizada en torno
al tema de PHotoEspaña 2015
La exposición reunirá obras de diversas tipologías desde mediados del siglo XX hasta
la actualidad
La visualidad y el ser son los dos ejes en torno a los que se organiza esta muestra. El
primero remite estrictamente al ojo y al dispositivo óptico-químico, ahora más bien
electrónico-digital, a través del cual se producen las imágenes. Subyace la pregunta de
si lo que da en llamarse fotografía lo sigue siendo. La imagen –ya no sólo fotográfica–
es hoy una suerte de máquina de auto-producción en diversos formatos y soportes;
por tanto se aborda tanto la fotografía como todas las técnicas asociadas (fotografía
digital, video, diapositivas o instalación) que la exceden, con la intención de producir no
otra cosa sino visión.
Mientras, el segundo eje, estrechamente ligado al anterior, es el de la ontología, el del
«ser», y complejiza la relación entre los artistas y las obras seleccionadas para esta
muestra colectiva. En los trabajos escogidos se abordan cuestiones como la memoria,
la marca de la identidad y la colonia, la reflexión sobra la propia construcción del
imaginario, el tiempo y el escenario en donde el artista se disuelve.
Pink Tianguis, 2012.
© Melanie Smith
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CENTRO DE HISTORIAS
SECCIÓN OFICIAL ZARAGOZA
Bonadies+Caula: Cartografías
de un territorio compartido
Comisaria: Lorena González
Asesores del comisariado: Vasco Szinetar Gabaldón y Diana López
Organizan: Sociedad Municipal Zaragoza Cultural, Archivo Fotografía Urbana de Venezuela
y PHotoEspaña
Produce: Archivo Fotografía de Venezuela
Dos fotógrafos de dos diferentes generaciones se unen en una exposición que
indaga sobre las posibilidades artísticas del archivo fotográfico
Un diálogo entre artistas que tiene como temáticas principales la memoria y la pasión
por lo urbano
En el año 2012, la artista Ángela Bonadies (Venezuela, 1970) inició un proceso de
investigación del archivo del fotógrafo Tito Caula (Argentina, 1926-1978), que formaba
parte de los fondos de la Fundación Fotografía Urbana de Venezuela. Caula se
estableció en Caracas como fotógrafo publicitario y documentalista de oficio a partir
de 1960, cuando tuvo que emigrar por la difícil situación política y social de la Argentina
de entonces.
Bonadies+Caula supone una pesquisa sobre este archivo fotográfico que, por un lado,
sirve para aproximarse a la obra reciente de Bonadies, investigadora de la imagen
preocupada por los confusos territorios de la autoría y la imagen actual, y el archivo de
Caula, quien transitó entre la fotografía de encargo y su propia mirada. La exposición
consta de varios ejercicios de intercambio desde la fotografía, la memoria, el archivo
y la copia, e indaga el archivo fotográfico desde la poética. Así, se crea un recorrido
hacia la obra de Caula, quien observa su entorno capturado por la artista, la cual, a
su vez, lo observa y lo superpone en la cadena de sus propias visiones, alterándolas y
certificándolas.
Industria, circa 1970.
© Tito Caula
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CENTRO DE HISTORIAS
Steve Schapiro. Retrospectiva
Comisarios: Maurizio Guidoni, Vittoria Mainoldi, Mario Martín Pareja y Beatrice Piantanida
Organizan: Sociedad Municipal Zaragoza Cultural y Contemporánea Fotoperiodismo, retratos de celebrities y rodajes de cine en una exposición que
repasa los cincuenta años de trayectoria profesional de Steve Schapiro
Un fotógrafo que ha documentado la sociedad estadounidense y sus mitos desde sus
estrellas más rutilantes a los acontecimientos sociales más destacados
A lo largo de cincuenta años, Steve Schapiro (Estados Unidos, 1934) ha documentado
la sociedad estadounidense y sus mitos, desde sus estrellas más rutilantes a los
acontecimientos históricos más importantes. Alumno del mítico fotógrafo W. Eugene
Smith, comenzó su carrera como fotógrafo documental y, más tarde, trabajó para los
estudios cinematográficos realizando reportajes fotográficos de películas de culto.
Lou Reed y Nico.
© Steve Schapiro
Schapiro. Retrospectiva recoge obras inéditas y nunca expuestas en España. Dividida
en cuatro secciones, la primera parte de la muestra está dedicada a las celebridades
que retrató en momentos íntimos o lúdicos, como Woody Allen, Jack Nicholson,
Truman Capote, Barbra Streisand o Tina Turner. La segunda parte está dedicada a un
conjunto de imágenes de Andy Warhol y la Velvet Underground. La tercera recoge las
obras realizadas en rodajes como Cowboy de medianoche, Taxi Driver, Chinatown y
El Padrino III. Por último, la muestra cierra con el trabajo fotoperiodístico que Schapiro
ha dedicado a la gente común, fotografía de calle que retrata una América real: el
movimiento por los derechos civiles, la marcha sobre Washington o la vida de los
trabajadores inmigrantes en Arkansas. 45
LA LONJA
Organiza: Ayuntamiento de Zaragoza. Servicio de Cultura
Una exposición que ofrece una relectura de la obra de Nicolás Muller, testimonio
excepcional de su época por su valor y su calidad artística
125 fotografías tomadas en Hungría, Francia, Portugal, Marruecos y España, entre ellas
una amplia representación de las personalidades a las que retrató: Ortega y Gasset,
Azorín, Pío Baroja, Aleixandre, Menéndez Pidal y Marañón
Nicolás Muller (Hungría, 1913 – Asturias, 2000) tuvo que abandonar su país en 1938
debido al nazismo y a la persecución de los judíos en Centroeuropa. A partir de
entonces recorre distintos países como Francia, Marruecos o Portugal. Tras una visita
a Madrid, invitado por Revista de Occidente, Muller abre su estudio de fotografía en
la ciudad y retrata a algunos de los personajes más destacados de la vida cultural
española: Ortega y Gasset, Azorín, Pío Baroja, Vicente Aleixandre o Marañón. Su
trabajo es un testimonio excepcional de su época por su valor y su calidad artística.
Las influencias de las teorías constructivistas y las nuevas formas visuales originadas
en Bauhaus producen, en su caso, una fotografía directa, expresiva y social que retrata
a las clases sociales más desfavorecidas.
La exposición Nicolás Muller. Obras maestras realiza una amplia selección del archivo
del artista. De entre sus más de catorce mil negativos, se han recogido fotografías
en blanco y negro, documentos, objetos y un vídeo realizado específicamente para
la muestra, con el propósito de permitir al visitante entender y contextualizar la
trayectoria vital y artística del autor.
Tres hombres, (Marsella), Francia, 1938.
© Nicolás Muller
46
GALERÍA CAROLINA ROJO
Iñaki Bergera
Twenty Six (Abandoned) Gasoline Stations
Organiza: Galería Carolina Rojo
Iñaki Bergera documenta expresiones visuales del actual contexto de crisis
y abandono en forma de gasolineras abandonadas
El autor reflexiona así sobre la caducidad del entorno cotidiano
Ed Ruscha comenzó en 1963 una serie fotográfica sobre gasolineras situadas en la
mítica Ruta 66 que publicaría un año después en forma de libro bajo el título Twenty Six
Gasoline Stations. Iñaki Bergera (Vitoria, 1972) presenta un proyecto en el que también
muestra veintiséis gasolineras, como en el trabajo del artista norteamericano.
Aunque a Bergera no lo mueve el afán documentalista, las fotografías pueden leerse
como documentos y expresiones visuales del actual contexto de crisis y abandono.
Sin embargo, su mirada directa y explícita trata de dar forma a una imagen de carácter
arquitectónico, preocupada por la composición, la perspectiva y el balance estético. En
conjunto, huye del carácter espontáneo y directo que tenían las de Ruscha.
Las gasolineras de Bergera se encuentran en estado de abandono. La mayoría de ellas
dejaron de utilizarse en los años noventa, cuando se les impusieron nuevas y costosas
exigencias y la construcción de nuevas autopistas y circunvalaciones contribuyó a
su aislamiento. Con sus imágenes, el autor reflexiona sobre la caducidad del entorno
cotidiano construido y la capacidad que la arquitectura tiene para transformar lugares
comunes y genéricos.
California 117, Desert Center, California, 2012
© Iñaki Bergera
47
Sedes invitadas
SEDES INVITADAS MADRID
ALLIANCE FRANÇAISE MADRID
CASA VELAZQUEZ / ACADÉMIE DE FRANCE À MADRID
V Concurso de fotografía Alliance
Française de Madrid
Fotógrafos de la Casa de Velázquez 2015 Pedro Armestre
Tania Blanco Rubio / Guillaume Lemarchal / Luisa Fernanda
Derecho al agua
Lindo / Albert Merino / Renaud Perrin / Pierre Primetens /
Quentin Ravelli / Fernando Sánchez Castillo / Esther Señor
EFTI
El concurso fotográfico de la Alliance Française de Madrid
nació en 2009, apoyado por la Fundación Pilar Citoler, con
el objetivo de fomentar los intercambios entre culturas
a través de producciones de calidad y apoyar a nuevos
talentos. Tras cinco convocatorias, el concurso ha ido
aumentando en participación y calidad. Esta exposición
recopila las fotografías ganadoras y finalistas de la última
edición, que ha girado en torno al concepto «sin fronteras».
La Casa de Velázquez, institución que depende del
Ministerio de Enseñanza Superior e Investigación de
Francia, acoge cada año a unos cuarenta artistas –
franceses y españoles en su mayoría– a través de la
concesión de becas anuales o mensuales. Todos ellos
proponen horizontes variados y trabajan en prácticas
artísticas diferentes. Las fotografías de esta muestra son
propuestas singulares en un espacio expositivo que es,
también, lugar de vida y de creación.
El derecho humano al agua en Centroamérica se ve
comprometido por la mala gestión y los intereses de
grandes empresas internacionales, que dificultan el
acceso a la misma de las poblaciones más desfavorecidas
de algunas regiones de El Salvador, Guatemala y
Nicaragua. Pedro Armestre (Verín, 1972) documenta los
problemas de la contaminación industrial en espacios
naturales, la transformación de las zonas afectadas y sus
pobladores y los efectos nocivos de las explotaciones
mineras.
Derecho al agua
© Pedro Armeste. VEGAP, Madrid, 2015
Orduña desde la barrerilla, 2013.
© María Uriarte
Forme, 2015.
© Guillaume Lemarchal
49
ESCUELA UNIVERSITARIA DE ARTES
Y ESPECTÁCULOS TAI
Colectivo TAI Foto
LATINO
L A T I N O es una colección de retratos de artistas
latinoamericanos en la que se respira la fuerza de una
cultura arrolladora representada por unos protagonistas
que la extienden allá donde llega su expresión artística.
Una exposición en la que el espectador se deja seducir por
la atracción de estas personalidades a través de la visión
del colectivo TAI FOTO y de la fuerza del retrato como
género fascinante y cómplice.
FNAC CALLAO
Aitor Lara
Pobreza infantil en España
FUNDACIÓN ONCE.
ESPACIO CULTURAL CAMBIO DE SENTIDO
Chimo Serrano
Pervivencias
El derecho humano al agua en Centroamérica se ve
comprometido por la mala gestión y los intereses de
grandes empresas internacionales, que dificultan el acceso
a la misma de las poblaciones más desfavorecidas de
algunas regiones de El Salvador, Guatemala y Nicaragua.
Pedro Armestre (Verín, 1972) documenta los problemas
de la contaminación industrial en espacios naturales, la
transformación de las zonas afectadas y sus pobladores
y los efectos nocivos de las explotaciones mineras.
Las fotografías de esta exposición son el resultado de los
diversos viajes que Chimo Serrano (Valencia, 1960) ha
realizado a Latinoamérica. Recogen elementos diversos
–paisajes, culturas, gentes o pueblos– que estaban en
aquellas tierras antes de la llegada de los europeos y que
aún perviven. Algunos de ellos permanecen inmutables,
otros son testigos de un pasado glorioso, y todos son un
bagaje para el futuro. Parte de la esencia de un continente
que ayuda al espectador a comprenderlo.
Edificio de nueva construcción expropiado por un banco
y ocupado por familias sin hogar. Corrala La Utopía, Sevilla.
© Aitor Lara
Adaptación, 2007.
© Chimo Serrano
Proyección artística, 2015
© Ana Belén Fernández, TAI FOTO
50
GALERIE DU 10. INSTITUT FRANÇAIS MADRID
GOETHE-INSTITUT MADRID
HOTEL IBEROSTAR LAS LETRAS GRAN VÍA
Françoise Núñez
Icónico. La imagen como referencia.
Arte visual de Alemania y Latinoamérica
Bernard Plossu
El Institut Français Madrid presenta la obra de Françoise
Nuñez (Francia, 1957), quien comenzó a fotografiar durante
un viaje a España y estudió la técnica en el taller de Jean
Dieuzaide. Ha trabajado en España, Grecia, India, Turquía,
Polonia, Etiopía, Senegal y Japón, país en el que creó en
2005 la serie MU-JÔ, treinta y tres fotografías en blanco
y negro de las ciudades de Nara y Kioto. La exposición
reúne los viajes de la autora en América Latina por México,
Chile y Paraguay, desde 1981 hasta 2014.
El Goethe-Institut presenta una exposición enfocada en el
concepto de representación y sus contradicciones desde
una perspectiva de las artes visuales de Latinoamérica
en diálogo con artistas alemanes. Para ello presenta
polifacéticos experimentos de arte contemporáneo, a
través de la música o el vídeo, entre otras y diferentes
estrategias artísticas, en lugar de abordar los iconos y su
superación en un sentido clásico.
La fotografía de viaje es la piedra angular de la carrera
artística de Bernard Plossu (Vietnam, 1945). Fotógrafo
viajero por excelencia, su espíritu nómada le ha llevado
a recorrer todo el mundo y a través de fotografías de
pequeño y mediano formato ha trabajado el género del
paisaje desde una mirada íntima y poética. Esta exposición
presenta imágenes inéditas del oeste americano
realizadas en la década de 1970 así como una selección de
sus obras más conocidas.
Los Ángeles, 1974.
© Bernard Plossu
Tepoztlan, México, 1981.
© Françoise Núñez
Sharks, 2008.
© Sebastian Stumpf. Cortesía Galerie Kleindienst Leipzig/
Galerie Thomas Fischer
51
INSTITUTO CULTURAL DE MÉXICO EN ESPAÑA
ISTITUTO ITALIANO DI CULTURA
REAL SOCIEDAD FOTOGRÁFICA
Luz portátil
Valerio Bispuri
Mirada interior
Paco Gómez
Aquella manera de ver
«Cuando el ojo está cansado de mirar, realmente se
empieza a observar. La profundidad de una imagen nace
de la perfecta armonía entre lo que se siente y lo que se
ve». Así expresa el fotorreportero Valerio Bispuri (Italia,
1971) el sentido del recorrido fotográfico que ofrece esta
exposición. La muestra recorre algunos de sus reportajes
más significativos realizados en Italia, Bosnia, India, Cuba y
América latina, empujado por el deseo de encerrar en cada
disparo un complejo universo de experiencias humanas y
de emociones.
La Real Sociedad Fotográfica rinde tributo a uno de sus
mayores exponentes, Paco Gómez (Navarra, 1918 – Madrid,
1998), un creador dotado de sencillez, sutileza y visión
certera con las que configuró imágenes llenas de verdad y
belleza. Su obra gira en torno a la obsesión por la
búsqueda de lo singular, lo imperceptible y lo cotidiano. La
exposición pone en valor su particular forma de entender el
arte fotográfico mediante una selección de copias de época
pertenecientes a la fototeca de la Real Sociedad Fotográfica
P. Aguinaco / A. Ahumada / L. Almeida / Y. Andrade / L. Armandáriz / A.
Asiain / S. Casarin / U. Castellanos / Y. del Real / G. Figueroa / F. Gama
/ C. Kahlo / F. Kochen / J. Lépez Vela / M. López / N. Lorusso / J. A.
Martínez / A. Mendieta / G. Montiel Klint / G. Narezo / T. Parcero / N. Paz
/ E. Ramírez / D. Simmons / P. Tzontémoc / J. Vértiz / A. Zirión
Entre todas las artes de México, la fotografía sobresale
por su diversidad y consistencia, calidad y cantidad,
experimentación y rica tradición. Sin embargo, a esta
riqueza le acompaña una gran insuficiencia en los canales
para difundirla. Esta exposición está dedicada al ensayo
fotográfico y no a la personalidad o prestigio de un fotógrafo
y supone un ámbito donde fotógrafos con ideas sólidas, con
gran fuerza estética en su obra y tenacidad se enfrentan al
reto exigente de vivir y compartir un ensayo visual.
© Valerio Bispuri
Sin título. De la serie, El campo del dolor.
© Lorenzo Armendáriz
Blanco y Negro, 1972.
© Paco Gómez
52
SEDES INVITADAS OTRAS CIUDADES
BOGOTÁ. MUSEO DE ARTE DEL BANCO
DE LA REPÚBLICA
Graciela Sacco
Nada está donde se cree…
CASCAIS. FUNDAÇÃO DOM LUÍS I.
CENTRO CULTURAL DE CASCAIS.
MOSTRA ESPANHA 2015
Fechas: 18 diciembre – 17 abril 2016
LISBOA. CARPE DIEM ARTE E PESQUISA
Instantánea: Fotógrafos latinoamericanos
de la colección Carpe Diem
A. Afonso / M. Guerra / J. Kater / H. Martins Costa / C.Meirelles /
D. Musa / M. Rennella / P. Scamparini / M. Vilela
La artista Graciela Sacco (Argentina, 1956) ha trabajado
sobre los tránsitos, las migraciones, los exilios, la
conflictividad social o las distintas batallas cotidianas. Esta
antológica, presentada anteriormente en el Muntref-Centro
de Arte, adquiere una nueva configuración a la manera
de un «sitio específico». Propone una nueva experiencia
en relación con las obras y el recorrido que el espectador
realiza por los espacios y, más allá de la reunión de trabajos
de distintos períodos, se sitúa en un presente continuo
actualizando sus sentidos e interpelando a cada visitante.
Nicolás Muller (1913-2000), nacido en Hungría en el
seno de una familia judía, comenzó sus viajes en 1938
huyendo de la persecución nazi en Centroeuropa. En ese
momento ya había dado comienzo su trabajo, investigando
la situación social de Hungría, con fotografías en las que
denuncia la situación casi feudal de los campesinos.
Mediante un vasto recorrido, esta exposición descubre
su trayectoria desde Hungría hasta Francia, Portugal y
Marruecos, para llegar finalmente a España en el año 1947.
A lo largo de seis años, el Centro de Arte Carpe Diem ha
creado una colección de más de cien piezas que resulta
de la colaboración directa con los artistas expuestos, y que
da continuidad a un proyecto de comisariado que se inicia
con residencias artísticas y concluyen en una exposición.
Instantánea muestra la diversidad de la fotografía
latinoamericana en la actualidad y posiciona a Carpe Diem
como un espacio de producción artística plural.
Bocanada, 1993-2014.
© Graciela Sacco.
Fronteira, 2012.
© Ding Musa
Tatuaje, Burdeos, Francia, 1938
© Nicolás Muller
53
LONDRES. 12 STAR GALLERY.
SPAIN NOW! 2015
Pablo Guidali
MAD
Fechas: octubre – noviembre
El programa anual de cultura y arte contemporáneo
de España en Londres Spain Now! presenta MAD, de
Pablo Guidali (Uruguay, 1976), un trabajo realizado tras
una residencia artística en la Casa de Velázquez. Ya en
anteriores ocasiones, Guidali ha utilizado la deambulación
como estrategia creativa y la ciudad como terreno de
juego. En esta serie, Guidali trabaja aún más en esa vía,
escapa del registro documental en sentido estricto y
convierte la ciudad en un espacio de creación.
PANAMÁ. MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO MAC
PARÍS. INSTITUTO CERVANTES
Matías Costa
Zonians
Rafael Trobat
Aquí, junto al agua. Nicaragua
Fechas: 2 septiembre – 24 octubre
Fechas: 10 septiembre – 29 septiembre
El Museo de Arte Contemporáneo de Panamá acoge
el proyecto de Matías Costa (Argentina, 1973) Zonians,
exposición de la que también puede verse una muestra
en la Galería Freijo Fine Art, dentro del marco del Festival
Off. En este trabajo, Costa asume una investigación casi
antropológica sobre los zonians, una comunidad que vivió
casi todo el siglo XX en la Zona del canal de Panamá. Estas
imágenes, tomadas entre 2011 y 2013 en el canal de Panamá
y Orlando, siguen sus huellas y los últimos momentos de su
existencia como agrupación.
Rafael Trobat (Córdoba, 1965) ha desarrollado este proyecto
en un momento clave en la historia de Nicaragua: el fin de la
Revolución Popular Sandinista y el comienzo de una etapa
de transición, que utiliza como telón de fondo para realizar
un retrato social. Iniciado en 1990 y resultado de casi 20
años de trabajo, este conjunto de imágenes despliega una
mirada cómplice hacia un pueblo de poderosa personalidad
que celebra la vida por encima de los numerosos conflictos
y catástrofes que han acompañado su historia.
Él es mi guía, 1998
© Rafael Trobat
Sin título 7, de la serie MAD, 2013-2014.
© Pablo Guidali
Sin título. De la serie «Zonians», 2013.
© Matías Costa
54
SÃO PAULO. SESC VILA MARIANA
Fotolibro. Una selección actual
Fechas: 8 abril – 14 junio
Dentro del programa del encuentro de fotolibro que
organizan el Sesc Vila Mariana y La Fábrica en São Paulo,
se incluye una exposición con ciento cuarenta y seis
fotolibros editados en todo el mundo a lo largo de los
últimos años, para presentar una visión panorámica de las
últimas tendencias en la edición de libros de fotografía.
Dentro de esta selección se incluyen cuarenta volúmenes
editados en Brasil con el objetivo de mostrar el desarrollo
del fotolibro en el mercado editorial del país.
© Virginia Talita
55
Festival Off
56
FESTIVAL OFF MADRID
6MAS1 ARTE
ÁLVARO ALCÁZAR
ASTARTÉ
Xavier Delory
Un día negro en una casa de mentira
Rafael Díaz
Anonymous
Lola Guerrera
Lo vulnerable
Fechas: 2 julio – 31 julio
El título de esta exposición, extraído del poemario
Habitaciones, de Louis Aragon, conecta las situaciones
en las que ésta se articula. En ella se muestra el trabajo
realizado por Xavier Delory (Bélgica, 1973) a través
de dos series fotográficas en las que ensoñación y
crítica coinciden: Habitat, donde convierte en icono las
consecuencias del constructivismo contemporáneo; y Villa
Savoye, reflexión sobre un nuevo proyecto corbusierano
que destila el fracaso del movimiento moderno.
¿Puede alguien ser anónimo hoy día? Con esta cuestión
de trasfondo, y desde su singular perspectiva como
médico y artista, Rafael Díaz (El Salvador, 1972) explora
en Anonymous los límites éticos del uso y el negocio de
la información privada. Las fotografías de este proyecto
se consideran no-retratos donde los rasgos y emociones
se ocultan intencionadamente, tanto para honrar el
juramento hipocrático que lo obliga a mantener su
intimidad, como para denunciar la violación del derecho
a la privacidad del individuo.
Lola Guerrera (Córdoba, 1982) busca crear imágenes
cargadas de simbolismo y expresividad. Su trabajo
se asienta en la investigación de lo efímero y en las
posibilidades escultóricas de los elementos que utiliza. En
Lo vulnerable realiza un estudio sobre la persistencia de la
idea del memento mori en el arte de la cultura occidental.
Así, se sirve de la fotografía para documentar cómo sus
acciones condicionan la percepción de lugares que se
transforman en escenarios abiertos a la imaginación.
BAT ALBERTO CORNEJO
BLANCA BERLÍN
BLANCA SOTO
Tres mujeres, tres miradas
Luis González Palma. La piel del ojo
(lo familiarmente extraño)
Jorge Panchoaga. La casa grande
Imanol Marrodán
Frozen Trees
Irene Cruz / Leticia Felgueroso / Sheila Pazos
Fechas: 9 junio – 18 julio / 1 -12 septiembre
En este proyecto creativo tres artistas multidisciplinares,
con su propio estilo y universo imaginario, invitan a
dejarse llevar por la emoción y a explorar a través de sus
fotografías un mundo de expresiones, que van desde
el conceptualismo y punto de vista autorreferencial de
Irene Cruz (Madrid, 1987), pasando por la imaginación
desbordante de Sheila Pazos (Ginebra, 1986) jugando con
la ciudad, hasta el clasicismo actual y rompedor de Leticia
Felgueroso (Madrid, 1963).
Luis González Palma (Guatemala, 1957) persigue en este
proyecto la creación de obras ambiguas e indeterminadas,
abiertas a nuevos argumentos y posibilidades.
Paralelamente, se presenta el proyecto ganador del concurso
NEXOFOTO 2014: La casa grande, un trabajo de Jorge
Panchoaga (Colombia, 1984) que supone un acercamiento
a la cotidianeidad de la vida indígena del departamento
de Cauca como eje de reflexión en la resistencia histórica
ejercida por sus pueblos.
En Frozen Trees, Imanol Marrodán (Bilbao, 1964) parte
de la premisa de que los árboles son extraordinarios
seres vivos. Pretende evidenciar su valor e importancia
ofreciendo la posibilidad, a través de su situación
geográfica dentro del paisaje, de visitarlos y contemplar
su proceso de crecimiento y lenta transformación. Así,
ha recogido en un mapa el lugar y entorno donde viven
a través de sus coordenadas geográficas, convertidas
también en códigos QR para la visualización en móviles.
57
FESTIVAL OFF MADRID
CÁMARA OSCURA
CASA SIN FIN
CERO
Vicente Tirado del Olmo
A Promise
Jorge Ribalta
Johnny
David Schäfer
Relaciones causales
Vicente Tirado del Olmo (Castellón, 1967) utiliza la
fotografía como soporte de expresión e introspección.
En el proyecto A Promise reflexiona sobre el poder de
atracción que la naturaleza ejerce sobre el individuo
y sobre la instrumentalización que la publicidad hace
de este deseo. A través de una doble presencia en el
espacio expositivo propone el paisaje como escenario de
confrontación, y cuestiona la capacidad del sistema para
manipular nuestros anhelos.
Jorge Ribalta (Barcelona, 1963), comisario, crítico de arte y
fotógrafo, realiza observaciones sobre el campo cultural,
entendido y presentado como resultado de la intersección
del arte, la política, la economía y la historia. Esta serie,
compuesta en total por unas veinte fotografías en pequeño
formato, documenta una visita a la tumba de John Heartfield
en el cementerio de Dorotheenstadt, en el distrito berlinés
de Mitte, una tarde de verano a la caída del sol.
David Schäfer (Argentina, 1977), es un fotógrafo que
como investigador especializado ha tenido acceso al
Archivo Provincial de la Memoria de Córdoba, Argentina,
para realizar su serie Relaciones causales. Este espacio
contiene imágenes de retratos policiales pensadas para
encuadrar los rostros y en los que la información sobre el
entorno es accidental. Partiendo de los fuera de campo, el
autor reconstruye la escena y asume el rol de prisionero
para reflexionar sobre el pasado de su país.
ELBA BENÍTEZ
ESPACIO FOTO
ESPACIO VALVERDE
Paul Graham
Miguel Bergasa
Miradas en Latinoamérica
Luis Asín
Latitudes
Miradas en Latinoamérica propone un recorrido por el
archivo fotográfico de Miguel Bergasa (Pamplona, 1954),
seguramente uno de los más completos sobre el tema
realizado por un fotógrafo español, tanto por el periodo
de tiempo como por el territorio que abarca. Este trabajo
ofrece una visión más humanista que antropológica e
invita a preguntarse si el protagonismo está en la mirada
del fotógrafo o en las gentes y lugares fotografiados.
La obra de Luis Asín (Madrid, 1962) ha estado presente en
varias exposiciones individuales y colectivas en EE.UU.,
España, Francia y Portugal. En este trabajo realiza una
incursión en los terrenos de la intimidad y para ello narra
un relato con una estructura metafórica, no literal. Hay un
alejamiento de la nitidez y un acercamiento al ensueño:
las imágenes sugieren conexiones poéticas que parten
de la biografía de Asín pero que avanzan hacia un terreno
evocativo y polisémico.
Exposición individual dedicada a Paul Graham (Reino
Unido, 1956) centrada en sus últimos trabajos, los cuales
siguen reflejando las temáticas que ha desarrollado a lo
largo de su trayectoria. Este proyecto pertenece a la serie
Does Yellow Run Forever? e incluye fotografías que tratan
la cuestión efímera de los anhelos del ser humano y el
valor en la vida, el amor, la riqueza, la belleza, la realidad de
ojos claros o un mundo de ensueño interior.
58
FESTIVAL OFF MADRID
FERNÁNDEZ-BRASO
FERNANDO PRADILLA
FREIJO FINE ART
Colita
Mira Bernabeu
Panorama social,
1965-2007† - 2009* - 2014
Matías Costa
Zonians
Isabel Steva (Barcelona, 1940), más conocida como Colita,
cuenta con una extensísima carrera como fotógrafa, y
aún hoy sigue haciendo un ejercicio de expresión visual
extremadamente libre. Esta exposición presenta una
selección de su obra fotográfica que se desarrolla a través
de varias décadas y momentos importantes de nuestra
historia más reciente. La colección expuesta ha sido
elegida por la autora y responde a su gusto personal para
que el público disfrute de su mirada única.
La interacción del público ha sido un tema recurrente
en el recorrido profesional de Mira Bernabeu (Alicante,
1969), donde tanto de manera individual como colectiva
ha determinado la interpretación de las obras, y su propio
sentido ulterior. Las fotografías de este proyecto muestran
el espacio del antiguo Zoo de Valencia como si hubiera
sido escaneado con exhaustividad, y manifiestan asimismo
la exuberancia estival de la naturaleza apropiándose de la
arquitectura en decadencia.
El trabajo de Matías Costa (Argentina, 1973) utiliza la
fotografía y escritura para la construcción y reconstrucción
de relatos. En esta exposición se interesa por el territorio,
la identidad y la memoria, temas recurrentes en su
obra fotográfica, y desarrolla una investigación casi
antropológica sobre los zonians, una comunidad de
personas que habitó durante el siglo XX en la Zona del
canal de Panamá, mediante imágenes que siguen sus
huellas hasta los últimos momentos de su existencia.
HELGA DE ALVEAR
IVORYPRESS
JOSÉ DE LA MANO
Axel Hütte
Under 35
Fechas: 21 mayo – 30 junio
Laia Abril / Alberto Lizaralde / Javier Marquerie Thomas /
Óscar Monzón / Jordi Ruiz Cirera
Grupo Forum. Fotografía subjetiva
en Argentina
Juan Becchis / José Costa / Max Jacoby / Sameer
Makarius / Ricardo Sansó
Axel Hütte (Alemania, 1951) es uno de los fotógrafos más
reputados en la escena artística internacional. El autor
expone en este trabajo una serie de fotografías de dos
culturas y ámbitos contrapuestos en las que muestra
una ausencia total de vida en una visión casi abstracta
de la realidad natural. Por otro lado, presenta el proyecto
audiovisual Attonitous, que rompe con la línea y la pureza
de sus fotografías, donde imágenes distorsionadas son
acompañadas por una abstracción de sonidos.
Esta exposición colectiva reúne el trabajo de cinco jóvenes
fotógrafos, Laia Abril (Barcelona, 1986), Alberto Lizaralde
(Madrid, 1980), Javier Marquerie Thomas (Madrid, 1986),
Óscar Monzón (Málaga, 1981) y Jordi Ruiz Cirera (Barcelona,
1984). Su obra es el reflejo de una nueva generación de
artistas españoles conscientes de su momento histórico.
Este reconocimiento se plasma en su labor a través de la
visión particular que tiene cada uno de ellos.
El Grupo Forum, una de las primeras agrupaciones de
fotógrafos independientes argentinos, fue creado en
1955 por Sameer Makarius y Max Jacoby, y frecuentado
después por otros fotógrafos como Ricardo Sansó,
José Costa y Juan Becchis. La galería José de la Mano
presenta una muestra colectiva de su propuesta estética,
enmarcada en el denominado documentalismo subjetivo:
fotografías aparentemente simples, pero de alto contenido
interior y con una visión humanista de la imagen captada.
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FESTIVAL OFF MADRID
LA FÁBRICA
LA FRESH GALLERY
LA NEW GALLERY
Juan Diego Valera. Diente de Chucho
Ricardo Cases
El porqué de las naranjas
Cristina de Middel
This is what hatred did
Dos autores coetáneos comparten escenario en esta
propuesta creativa. Por un lado, Diente de chucho trata
sobre el estado de desorientación y alerta de un fotógrafo,
Juan Diego Valera (Argentina, 1976), inmerso en situaciones
incontrolables durante una estancia de veintiocho días en la
ciudad de Guatemala. Por su parte, Pablo Guidali (Uruguay,
1976) construye en MAD un trabajo en torno al concepto de
deambulación, el cual utiliza a través de distintos territorios
como estrategia creativa, creando un universo cargado de
un contenido onírico y fantástico.
Para Ricardo Cases (Orihuela, 1971) documentar los
síntomas superficiales de la realidad no es suficiente.
Indaga en la vida circundante para retratar lo invisible,
lo esencial, lo mecánico. En El porqué de las naranjas
el fotógrafo desvela desde la fértil región de Levante
los momentos efímeros que de otro modo pasarían
desapercibidos. Para ello, emplea el paisaje a la manera
de un laboratorio, un lugar en el que estos mecanismos se
pueden manifestar libremente.
La obra de Cristina de Middel (Alicante, 1975) cuestiona el
lenguaje y la veracidad de la fotografía como documento
y juega con reconstrucciones que difuminan la frontera
entre la realidad y la ficción. En este proyecto pretende
construir una versión contemporánea ilustrada de la
novela de Amos Tutuola Mi vida en la maleza de los
fantasmas adaptando los personajes, el entorno y el
ambiente a la realidad nigeriana actual, en un lugar en el
que parece no prevalecer ninguna lógica.
LUCÍA MENDOZA
LUIS BURGOS
MAD IS MAD
Pedro Luis Raota
Harvey Stein
Entre la vida y la muerte
Sergio de Luz
Impronta
El artista norteamericano Harvey Stein (Estados Unidos,
1941) muestra en esta exposición una serie de fotografías
de sus viajes a México, lugar donde lo real se funde con
lo imaginario, la vida con la muerte, lo medio recordado
con lo sentido una vez. A través de ellas trata de penetrar
en los misterios de este multifacético país, de iluminar su
entendimiento a través de la exploración de la alianza de la
vida y la muerte; y de revelar su fascinación por la cultura,
la gente y sus contradicciones.
La galería Mad is Mad acoge la exposición y presentación
en España de la obra Impronta, del fotógrafo Sergio de Luz
(Madrid, 1978). Sus imágenes son auténticos puzzles de
creatividad e imaginación a completar entre quien muestra
y quien mira. A partir de elementos cotidianos crea, con la
economía de medios que aporta un móvil, escenografías
que nos sugieren visiones oníricas muy distintas al objeto
real del que parten, en consonancia con la tendencia del
autor a descomponer la realidad.
Pablo Guidali. MAD
Fechas: 9 julio – 30 agosto
Pedro Luis Raota (Argentina, 1934-1986) está catalogado
como uno de los máximos exponentes de la fotografía
americana. Con el paso de los años desarrolló un estilo
muy propio y personal que ha llegado a ser prácticamente
su marca registrada, con fuertes acentos de luz resaltando
sobre un fondo oscuro. Para este proyecto se han
seleccionado obras de sus distintas facetas artísticas para
conseguir una completa exposición que reúne y explica su
trabajo.
60
FESTIVAL OFF MADRID
MAGDA BELLOTTI
MARLBOROUGH
MATERNA Y HERENCIA
Paula Úsuga
Separar-se: ser cebolla
Alejandro Guijarro
Momentum
Fechas: 7 mayo – 19 junio
Pío Cabanillas
Sombras. Horizontes de Atacama
y Catamarca
La artista plástica Paula Úsuga (Colombia, 1975) plantea en
su trabajo las problemáticas sociales asociadas al género.
Ese es el punto de partida de sus propuestas con el cuerpo,
donde utiliza el suyo propio a través de performance como
vehículo de conexión con los otros y con su pasado. En esta
representación aparece desgajando cebollas y dejando
sus restos en la calle, descalza, con el torso desnudo,
mostrando así las capas que crea el individuo con los años
en la construcción de sí mismo.
Momentum es un proyecto de tres años en el que
Alejandro Guijarro (Madrid, 1979) se ha trasladado a las
más reconocidas instituciones del ámbito de la mecánica
cuántica para sumirse en el misterioso universo de esta
rama de la física. El artista ha utilizado una cámara de gran
formato para fotografiar las pizarras que iba encontrando
y las ha reproducido en tamaño real, de manera que
transforma ese espacio de reflexión de los físicos en un
lienzo abierto a un múltiple número de posibilidades.
Sombras es un proyecto expositivo que forma parte
de una serie de trabajos de Pío Cabanillas (Madrid,
1958), realizados entre el desierto de Atacama y la
Catamarca argentina y centrados en la naturaleza como
marco esencial. Concibe la sombra como elemento
conceptualizador del paisaje y no solo como ausencia
de luz. El alma de la fotografía está en las sombras de los
objetos enfocados, atrayendo la mirada del espectador y
descubriendo las texturas de las superficies.
MAX ESTRELLA
MONDO
MY NAME’S LOLITA ART
Bernardí Roig
POETS (99 hombres y una mujer barbuda)
Javier Silva Meinel
Proscenio
Juan Manuel Díaz Burgos
La Habana
Fechas: 7 mayo - 4 julio
Bernardí Roig (Palma de Mallorca, 1965) es uno de los
artistas contemporáneos españoles más relevantes en el
panorama internacional. La incomunicación del hombre
moderno, la muerte o el viaje interior son algunas de las
constantes en su obra. Poets es una suerte de exposición
de escultura en dos dimensiones compuesta por cien
imágenes de personas de su entorno, realizadas con una
cámara instantánea de medio formato Polaroid, en las que
el molde figurado sería la película fotosensible.
Javier Silva Meinel (Perú, 1949) se esfuerza por depurar
su conocimiento de la realidad en lugar de apresurarse
a fijarla con su lente. Sus fotografías relacionadas con la
supervivencia de los pueblos indígenas tienen una fuerte
dimensión simbólica, cultural y mítica. En Proscenio
fotografía la tradición peruana de los Andes hasta la
Amazonía y plantea una escena en la que el otro pasa
de ser observado a protagonista; quiebra el eje espacial
reemplazando el análisis por el entendimiento.
Con más de noventa exposiciones individuales y
más de cien colectivas, la obra de Juan Manuel Díaz
Burgos (Cartagena, 1951) es un referente en el relato
de lo cotidiano. Su trabajo con imágenes de la vida y
de las gentes, cargadas de realismo e intensidad, está
representado en La Habana, muestra en la que el autor
selecciona parte de sus proyectos habaneros, así como
material inédito, del espacio que posiblemente más haya
fotografiado y con el que tiene una especial vinculación.
61
FESTIVAL OFF MADRID
ODALYS
PAULA ALONSO
PILAR SERRA
Carlos Herrera
Salvi Danés
Blackcelona
Eduardo Nave
Ab aeterno (desde siempre)
Carlos Herrera (Venezuela, 1909-1988) es considerado
uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX en
Venezuela por su contribución al hecho fotográfico.
En esta muestra se aprecia el compromiso y la actitud
asumidos por el creador frente a su obra. Exploró el tema
del paisaje con una perspectiva y un sentido espacial
pictóricos y desarrolló un estilo personal, producto de
un profundo estado de introspección, que lo acercaba a
veces a la pintura y a veces a la fotografía pura o directa.
Salvi Danés (Barcelona, 1985) centra su objetivo en
escenas que explican fragmentos de diversas situaciones
sociales con un estilo directo y personal. Con los clásicos
del reportaje como referente, utiliza la narrativa del género
con el fin de encontrar un lenguaje expresivo propio
para dar sentido a sus historias. Blackcelona supone una
celebración de su ciudad como receptáculo de distintas
manifestaciones de su contenido: la humanidad que la
habita, la sufre o la disfruta.
A lo largo de su trayectoria, Eduardo Nave (Valencia, 1976)
ha desarrollado proyectos en los que el paisaje ha adoptado
la dimensión de cuerpo lastimado, de superficie sensible
que retiene las huellas e incisiones sobre lugares donde
han ocurrido hechos relevantes. En esta exposición se
presentan fotografías inéditas que el artista ha realizado
durante todo este tiempo y que no han formado parte de
sus series anteriores. Así, muestra porciones de lo vital y del
camino recorrido para llegar a cada uno de sus proyectos.
PONCE + ROBLES
R.O. PROYECTOS
SLOWTRACK
Irene Grau
Lo que importaba estaba en la línea,
no en el extremo
Aitor Lara
Confines
Simultánea: Fotógrafos latinoamericanos
de la colección Carpe Diem
Albano Afonso / Martín Guerra / Júlia Kater / Helena Martins
Costa / Christina Meirelles / Ding Musa / Mariano Rennella /
Paula Scamparini / Márcio Vilela
A partir de la señalética de caminos y senderos y de la
coincidencia de tres tipos de rutas, clasificadas en rojo,
amarillo y verde en función de la distancia, Irene Grau
(Valencia, 1986) propone un proyecto en el que la propia
exposición se transforma. Cada uno de los periodos en los que
se articula está asociado a un color: rojo (29.05 – 13.06.2015),
amarillo (16.06 – 27.06.2015) y verde (30.06 – 17.07.2015).
Los elementos se repiten, varían de color y distribución y se
entremezclan a medida que los tramos se suceden.
En esta propuesta expositiva, Aitor Lara (Barakaldo, 1974)
selecciona parte del trabajo de retrato documental que
ha realizado a lo largo de los años en diferentes países
del mundo, en el que ha profundizado en las dimensiones
antropológicas de diferentes cultos religiosos y de algunas
minorías étnicas. Aborda cuestiones relacionadas con
valores socioculturales, identidad y anonimato, sugiriendo
un modo de interpretar la realidad contemporánea.
La diversidad de la fotografía latinoamericana
contemporánea está reflejada en esta exposición, que
presenta el proyecto completo de Márcio Vilela (Brasil,
1978) Estudo cromático para o azul –quien utiliza la
imagen, la documentación y la performance de manera
científica–, y las obras de nueve artistas cuyos trabajos
integran la colección del centro Carpe Diem Arte e
Pesquisa de Lisboa, creada para dar un sentido de
continuidad al programa creativo que plantea este espacio.
62
FESTIVAL OFF MADRID
SPAINMEDIA GALLERY
TIEMPOS MODERNOS
TWIN GALLERY
Nigel Parry
Martín Chambi
La Edad de Oro
Aitor Saraiba
The black mark
Fechas: 26 mayo– 24 julio
Martín Chambi (Perú, 1891-1973) es uno de los grandes
nombres de la historia de la fotografía. Reconocido por
su trabajo de hondo testimonio biológico y étnico, ha
retratado profundamente a la población peruana. Para esta
exposición, la primera del autor celebrada en una galería
comercial, se han seleccionado imágenes de entre sus
archivos que han sido reproducidas, a partir de las placas
de cristal originales, en copias analógicas, acercándose
así a la calidad de los originales.
The black mark es un documental fotográfico que el artista
Aitor Saraiba (Talavera de la Reina, 1983) ha desarrollado
durante más de tres años, donde los protagonistas son
el autor y sus amigos en un entorno musical de metal
extremo. Es un diario que empezó siendo la búsqueda
de un colectivo y terminó como la exploración de una
identidad. En él retrata lugares, espacios diferentes,
además de festivales y conciertos que muestran un estilo
de vida, una forma de concepción del mundo.
El artista Nigel Parry (Escocia, 1969) expondrá por
primera vez en España su trabajo Dead Famous 10, una
selección de imágenes de celebridades que ya han
fallecido. Desde que inició su trayectoria ha tenido el
privilegio de retratar no sólo a famosos, sino también a las
figuras más importantes e influyentes de la actualidad. Ha
sido contratado por las publicaciones más destacadas,
agencias de publicidad, de entretenimiento, empresas
corporativas y de la música en todo el mundo.
63
Programas profesionales
PIC.A Escuela Internacional
Alcobendas PHotoEspaña
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PROGRAMAS PROFESIONALES. PIC.A ESCUELA INTERNACIONAL ALCOBENDAS PHOTOESPAÑA
PIC.A Escuela Internacional
Alcobendas PHotoEspaña
Máster PHotoEspaña
Teorías y prácticas artísticas
La Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña PIC.A es un centro internacional
de formación en fotografía con un amplio programa formativo que cubre el espectro
que va desde el nivel básico o amateur hasta el profesional. PIC.A consolida su
propuesta y cuenta con una nueva sede localizada en el Espacio Miguel Delibes de
Alcobendas, en la que se forman anualmente más de cuatrocientos alumnos.
Sede: PIC.A Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña
Matrícula abierta a partir del 30 de junio
Información: [email protected] y www.phe.es
PIC.A establece su recorrido formativo en cuatro años. Dos están dedicados a los
estudios básicos; uno a la especialización, cursando estudios superiores; y culmina
con un año de participación en el Máster PHotoEspaña en fotografía, un programa que
permite a los alumnos emprender una carrera profesional en esta disciplina.
Durante todo el año, PIC.A organiza clases magistrales abiertas al público, talleres
monográficos impartidos por artistas y especialistas en fotografía con una trayectoria
de amplio reconocimiento internacional, seminarios profesionales en los que se
profundiza en campos como la edición y la gestión, así como cursos online.
El Máster PHotoEspaña. Teorías y prácticas artísticas en PIC.A Escuela Internacional
Alcobendas PHotoEspaña, recoge toda la experiencia del festival para ofrecer un
completo programa de formación en fotografía, diseñado especialmente para aquellas
personas que buscan tanto encaminar su obra de autor como consolidar su actividad
en el sector.
El programa sirve como marco para la producción de nuevos trabajos y para la
creación de una red internacional de destacados profesionales. Los alumnos exploran
los aspectos teóricos de la imagen a través de diferentes prácticas y cada uno de ellos
realiza un porfolio, un libro de autor, un proyecto expositivo y una pieza audiovisual.
El programa de estudios se articula en módulos impartidos por profesionales en
activo de destacada trayectoria como Javier Vallhonrat, Rafael Doctor, Chema Conesa,
Horacio Fernández, Carlos Gollonet y Sérgio Mah. Las visitas a los estudios de artistas
así como a galerías, imprentas y centros de arte completan el programa. El curso
ofrece las herramientas necesarias para que los alumnos puedan emprender su
actividad a desde la creación hasta la promoción de sus proyectos.
65
Semana Descubrimientos PHE
Seminarios
Actividades previa inscripción en www.phe.es
Apoyan: Air France, Editorial EACHEVE, Foro Cultural de Austria, Embajada de Letonia,
Fundación Chile-España, Goethe-Institut Madrid, Instituto Cultural Rumano, Institut Fran.ais
Madrid e Instituto Polaco de Cultura en Madrid
Actividades previa inscripción en www.phe.es
El programa de visionado de porfolios Descubrimientos PHE cumple dieciocho
años. Desde sus inicios, han participado en este programa más de mil fotógrafos y
más de trescientos especialistas –editores gráficos, responsables de instituciones
artísticas, comisarios y críticos– que han ofrecido a los participantes consejos
profesionales y asesoramiento para mejorar sus proyectos. Para celebrar su mayoría
de edad, Descubrimientos PHE extiende sus fechas de celebración de tres días a una
semana; amplía la convocatoria para reunir a cerca de doscientos fotógrafos; ofrece
un grupo de visionado más amplio y heterogéneo, formado por cincuenta expertos
internacionales; y presenta un programa de actividades como conferencias sobre
buenas prácticas y presentaciones sobre tendencias actuales..
La Semana Descubrimientos PHE ofrece a los participantes un espacio para mostrar
su trabajo a comisarios y editores en el que pueden conectar con destacados
profesionales del sector, explorar nuevas posibilidades profesionales, mejorar la
presentación de proyectos, descubrir tendencias actuales y entrar en contacto con
otros fotógrafos para conocer sus procesos y métodos de trabajo.
La Semana Descubrimientos PHE organiza seminarios sobre buenas prácticas
profesionales abiertos y gratuitos para los participantes inscritos en la Semana
Descubrimientos PHE. Mary Virginia Swanson, autora de diversos manuales de
referencia para el sector, analizará los pros y contras tanto de la autoedición como
de la posibilidad de ver editado el propio trabajo fotográfico. Su seminario abordará
cómo sacar provecho de un visionado de porfolios, cómo elegir en qué convocatorias
participar y la financiación de un proyecto a largo plazo.
En cuanto a las prácticas contemporáneas, Anne Lacoste, comisaria del Musée de
l’Elysée de Lausana, hablará sobre las aproximaciones multidisciplinares a la fotografía;
Louise Clements, directora del Festival FORMAT de Derby, presentará proyectos que
incorporan públicos participativos y masivos; Gordon MacDonald, de la editorial GOST
Books, indagará en la relación entre fotografía y texto en el fotolibro; Lorenza Bravetta,
de Camera, Centro Italiano per la Fotografia, dialogará con los participantes sobre las
posibilidades que ofrece la fotografía expuesta en pared; Fernando Bernal, de Vice
Iberia Group, tratará nuevos modelos, contenidos y audiencias; y, por último, Matt
Shonfeld, de la empresa inglesa de gestión artística Institute, analizará el negocio de la
fotografía. Además, los fotógrafos Alberto Salván, Mariela Sancari, Jorge Fuembuena
y Ignacio Navas, quienes han participado en los visionados de porfolios en anteriores
ediciones, hablarán sobre su práctica creativa.
66
Campus PHE Proyectos colaborativos
Campus PHE Maratón de edición
Actividad previa inscripción en www.phe.es
Actividad previa inscripción en www.phe.es
PHotoEspaña organiza desde 2004 Campus PHE; talleres de fotografía impartidos
por experimentados fotógrafos. El objetivo de estos cursos es que los alumnos
exploren sus límites y mejoren su lenguaje visual a través de la visión personal y la
experiencia de profesionales del medio. Cada fotógrafo orientará a un grupo reducido
de participantes mediante un programa intensivo de disparo fotográfico, revisiones
diarias, críticas en grupo, tutorías y sesiones de edición.
La oferta profesional de la Semana Descubrimientos PHE incluye un taller diseñado
para fotógrafos que han desarrollado un proyecto y desean convertirlo en un fotolibro.
Su objetivo es ayudar a los participantes a desarrollar narrativas visuales eficaces a
través de la edición de las imágenes. Impartido por Iatã Cannabrava, fotótografo y
gestor cultural, y Claudi Carreras, comisario y editor, ambos del Estúdio Madalena de
São Paulo la intención del taller es generar junto a los alumnos un espacio de reflexión,
discusión y debate sobre los procesos de edición de sus imágenes. Una imagen
posibilita diversas interpretaciones y permite que la imaginación vuele en múltiples
direcciones. En el universo digital cada vez es más fácil fabricar imágenes y cada vez
resulta más complicado encontrar en ellas sentido y construir narrativas eficaces. Sin
duda, el gran desafío para el fotógrafo contemporáneo es encontrar mecanismos para
transmitir sus ideas.
Los profesores de esta edición de Campus PHE, que se celebra dentro de la
programación de la Semana Descubrimientos PHE serán Cristina de Middel y
David Birkitt. Los participantes compartirán unos días junto al fotógrafo que elijan
desarrollando su lenguaje e identidad fotográfica y sus habilidades prácticas,
técnicas y conceptuales. Una oportunidad única para aprender a enfocar un proyecto
fotográfico con herramientas como la creación de un porfolio, el aprendizaje de
técnicas de edición, el trato con clientes y galerías, así como practicar la toma
de fotografías. Además, el programa permite el intercambio de puntos de vista y
comentarios con otros docentes y estudiantes en un ambiente informal.
Cada alumno participante deberá aportar al menos cincuenta imágenes impresas de
una serie definida, listas para ser editadas, sobre las cuales se establecerán ruedas de
edición con todos los participantes del taller.
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Programas para públicos
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Madrid insospechado:
escenas latinoamericanas
Los talleres de los sábados.
¡Construye tu historia!
Talleres infantiles y juveniles de fotografía
Fechas convocatoria: 4 mayo – 7 junio
Participación en madridinsospechado.phe.es
Organizan: Fundación Canal y PHotoEspaña
Organizan: Fundación Canal y PHotoEspaña
Para niños y jóvenes de 5 a 15 años agrupados por edades
Inscripción: Previa y limitada en www.phe.es y [email protected]
Precio: 5 €
Sábados 30 mayo, 6, 13 y 27 junio. De 11 a 13 y de 17 a 19 h
PHotoEspaña y la Fundación Canal lanzan un divertido reto a todos los amantes de
la fotografía: captar estampas propias de América Latina sin salir de la Comunidad
de Madrid: lugares, escenas, personas, paisajes, fiestas... en las que la Identidad de
Madrid se desdibuja hasta hacerla irreconocible a través de imágenes propias del otro
lado del Atlántico.
Los participantes, sin límite de edad o de conocimientos fotográficos, podrán enviar
entre una y cinco fotografías, explicando dónde se han tomado. Las imágenes
formarán parte de una galería on line y optarán a un premio de 2.000 euros y dos
accésit de 500 que otorgará un jurado especializado.
Por séptimo año consecutivo, la Fundación Canal y PHotoEspaña presentan «Los
talleres de los sábados», que se desarrollarán durante cuatro sábados en los jardines de
la Fundación y permitirán a niños y a jóvenes familiarizarse y profundizar en la práctica
de la fotografía. En el programa de este año los participantes construirán, a partir de la
teatralización y la ficción, sus propias historias a través de imágenes que ellos mismos
realizarán.
69
Un día en la vida de Madrid
Concurso: #Madrid, América Latina y yo
Apertura convocatoria: 25 mayo
Cierre convocatoria: 8 junio
Fechas exposición: 23 junio – 30 agosto
Participación en www.phe.es
Patrocina: Samsung
Fechas: 8 junio – 5 julio en #selfielatamenmadrid
Organizan: PHotoEspaña y Ayuntamiento de Madrid a través de Madrid Destino
Patrocina: Madrid Destino
Colabora: Samsung
Votaciones: 6 junio - 12 julio
Anuncio ganadores: 13 julio
Tras el éxito de la primera edición, en la que se recibieron más de tres mil
fotografías a concurso, el concurso online Madrid 24 h. Un día en la vida de Madrid,
organizado por PHotoEspaña con el patrocinio de Samsung y con la participación
del Ayuntamiento de Madrid, invita de nuevo a todos los amantes de la fotografía a
mostrar su visión de la capital.
América Latina está muy presente en Madrid. Multitud de espacios como calles,
plazas, paradas de metro o centros de enseñanza llevan el nombre de ciudades, países
e ilustres personalidades latinoamericanas. Como homenaje al constante eco que el
continente tiene en la ciudad de Madrid, Madrid Destino y PHotoEspaña organizan un
concurso en el que buscan la complicidad del público proponiéndole que se sumen a
la fiebre del selfie.
El certamen busca crear un retrato fotográfico urbano, colectivo y masivo de lo que
acontece en la ciudad a lo largo de las veinticuatro horas de un día. Además, se creará
una categoría especial, «Noches de Madrid, by Samsung Galaxy S6», dedicada a la
fotografía nocturna que reconocerá las mejores imágenes tomadas tras la caída del
sol. Para participar, deberán subir sus capturas a la web del concurso, sin límite de
fotografías ni de edad. Un jurado especializado será el encargado de seleccionar
las veinticuatro mejores imágenes que optarán a premios en las categorías: mejor
fotografía, premio del público y mejor imagen nocturna. Los galardonados recibirán un
teléfono Samsung Galaxy S6 Edge. Además de poder verse en la web del concurso, las
fotografías formarán una exposición en CentroCentro Cibeles y se proyectarán en las
pantallas de la Plaza de Callao.
Los ciudadanos y visitantes de Madrid deben localizar los lugares de la ciudad
cuyos nombres estén más ligados a América Latina y compartir su autorretrato en el
Instagram de PHotoEspaña. La imagen que más likes consiga ganará el Premio del
público mientras que un jurado premiará la fotografía más creativa y original. Ambos
ganadores se llevarán un teléfono Samsung Galaxy S6 y los mejores selfies del
concurso se proyectarán en las pantallas de Callao durante los meses del Festival.
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Itinerarios Polaroid. Una ciudad sin reflejos
Subasta Fundación Balia
Fotógrafos con la infancia
Fechas. Inscripciones: 27 mayo – 10 junio
Recorridos fotográficos 12, 13, 19 y 20 de junio. De 19.00 a 21.00 h.
Exposición en ópticas: 2 julio – agosto
Grupos: 15 personas. Inscripciones en [email protected]
Organizan: Polaroid y PHotoEspaña
Subasta Benéfica: 22 junio. Museo Thyssen-Bornemisza
Entradas: 35 €. A la venta en www.ticketea.com
Exposición: 19 mayo – 21 junio. Restaurante Lateral. Pº Castellana 42, Madrid
Organiza: Fundación Balia
Colaboran: PHotoEspaña, Galería Betty Guereta, Christie’s y Museo Thyssen-Bornemisza
Si existe un elemento imprescindible para la fotografía, ese es la luz. PHotoEspaña y
Polaroid presentan una actividad especialmente creada para aprender a manejarla y
apreciar las diferentes sensaciones y resultados que ofrecen las lentes polarizadas
tanto a la hora de fotografiar como de observar.
El 31,9% de los niños de España está en riesgo de pobreza o exclusión, según el último
informe “El Estado de la Pobreza en España” de la AEPN. La Fundación Balia intenta
mitigar estas desigualdades mediante proyectos socio-educativos de asistencia y
prevención dirigidos a menores. Así, el año pasado, 4.900 personas se beneficiaron de
sus actuaciones y programas, actividades que requieren de una importante dosis de
financiación. Con este propósito, la Fundación Balia celebra la II edición de su Subasta
Benéfica “Fotógrafos con la infancia” con la colaboración de PHotoEspaña, Galería
Betty Guereta, la casa de subastas Christie’s y con el apoyo, entre otras instituciones,
de la Fundación Jesús Serra, la Fundación Banco Sabadell y el Museo ThyssenBornemisza.
A tal efecto, organizarán visitas para disfrutar de las mejores panorámicas de Madrid
desde espacios como la azotea del Círculo de Bellas Artes y de Conde Duque, el
Palacio de Cristal del parque del Retiro o los miradores de la Casa de Velázquez
y el templo de Debod, entre otros. Con la ayuda de las gafas de sol Polaroid, los
participantes podrán fotografiar paisajes únicos durante el atardecer acompañados
por dos fotógrafos profesionales que utilizan habitualmente cámaras con lentes
polarizadas. Ellos les ofrecerán consejos para fotografiar paisajes y manejar la luz, al
tiempo que compararán la visión que se obtiene con y sin lentes, ya que «mientras que
las lentes no polarizadas solo hacen que las cosas se vean más oscuras, las gafas de
sol Polaroid bloquean prácticamente todo resplandor». Al término de la actividad, una
selección de imágenes tomadas por los fotógrafos que guían el recorrido se exhibirá
en los escaparates de diferentes ópticas seleccionadas por Polaroid.
En la subasta, los asistentes podrán pujar por obras de Chema Madoz, Miguel Rio
Branco, Brassaï, Elena del Rivero, Eduardo Marco, Isabel Muñoz, Hiroshi Sugimoto,
Luis González Palma, Uta Barth, Juan Manuel Castro Prieto, James Casebere, Joan
Fontcuberta, Noe Sendas, Bohnchang Koo, Alberto García Alix, Lucas Foglia, Ori Gersht,
Javier Vallhonrat, Juan Manuel Ballester y William Klein. La recaudación se destinará al
desarrollo de programas socioeducativos para niños de entre 3 y 12 años en situación
de desventaja social, académica y económica.
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PHEstudios: Imagen no disponible
PHotoBook Week
Comisarias: Emilia García- Romeu y Selina Blasco
Organizan: Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid y PHotoEspaña
Colabora: Metro de Madrid
Sede: La Fábrica (Alameda 9. Madrid)
Con el objetivo de desarrollar nuevos proyectos en torno a las artes visuales y
plásticas, fomentar la participación ciudadana, apoyar a jóvenes artistas, investigar
nuevos formatos para la presentación y difusión artística, la Comunidad de Madrid
y PHotoEspaña crean PHEstudios: imagen no disponible, un proyecto que plantea
reflexiones sobre la presencia latinoamericana en Madrid.
El título de la iniciativa hace alusión al mensaje generado automáticamente por el
ordenador cuando no reconoce el formato de una imagen y pretende ofrecer al público
ser partícipe de acciones artísticas y encontrarlas en lugares y formatos inesperados.
El proyecto tendrá lugar en diferentes espacios públicos como calles y plazas, locales,
canales digitales, redes sociales y los soportes de comunicación de Metro de Madrid.
Participarán en PHEstudios Los Hijos, dedicado al cine de no-ficción y al videoarte;
Estudio Mendoza, cuyas disciplinas prioritarias son la pintura y la escultura;
PlayDramaturgia, centrado en la práctica escénica; y Peña Difunta de Francia, que
realiza proyectos interdisciplinares donde conjuga música, poesía, fotografía y diseño
gráfico.
Durante la segunda semana de junio La Fábrica acoge la segunda edición de la
PHotoBook Week, un programa de actividades enfocado en el fotolibro que reunirá a
una veintena de autores internacionales para participar en presentaciones, firmas de
libros y encuentros.
Entre los autores participantes en la PHotoBook Week se encuentran Max de Esteban,
Eugenia Maximova, Mattia Insolera, Matías Costa, Roberto M. Tondopó, Vari Caramés
y Mariela Sancari. En los encuentros programados se analizarán publicaciones míticas
de autores como Robert Frank, Sebastiao Salgado y Robert Capa.
La iniciativa incluye una feria de fotolibros en la que se pondrán a la venta cerca de un
centenar de volúmenes autoeditados y autopublicados seleccionados a partir de una
convocatoria abierta así como los últimos lanzamientos de editoriales especializadas
en fotografía de todo el mundo como Mack, Pierre Von Kleist, Xabier Barral, Ca l’isidret,
Ediciones anómalas, Steidl, Aperture, Thames & Hudson, Hatje Cantz, Damiani, Tate,
Nazraeli y Phaidon.
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Do it Yourself! Cultura en tiempo de crisis
La calle en un instante.
Un homenaje visual a la ciudad
Fechas: Fechas: 10 junio
Sede: La Fábrica (Alameda 9. Madrid)
Organizan: The Eyes y PHotoEspaña
Colabora: Institut Français Madrid
Proyección: Cineteca Matadero. 9 julio. 20.30 h
Mesa redonda: 16 junio. 20.00 h.
Produce: Canal +
Colaboran: Cineteca Matadero y La Fábrica
La revista de fotografía The Eyes, bilingüe en francés e inglés, propone un viaje por
Europa a través de los ojos de artistas visuales y creadores, un recorrido, gracias a la
fotografía, por vastos territorios y culturas, explorando influencias, medios tradicionales
y nuevos movimientos. La revista busca optimizar las sinergias del papel y lo digital y
enriquece la experiencia del lector a través del uso de la realidad aumentada.
En el trasiego de la ciudad, suceden cada día miles de anécdotas que pasan
desapercibidas para la mayoría de los viandantes salvo para el fotógrafo de calle.
El documental La calle en un instante desvela algunas de estas historias con el
testimonio de sus fotógrafos y los propios fotografiados, y aborda cuestiones como
el valor de la intimidad en la era digital, el temor a ser fotografiado o el exceso de
imágenes actual. En este recorrido, la ciudad se revela como la gran musa en cualquier
época y lugar. Y como si de una resonancia urbana más se tratara, de entre el bullicio
surge una pregunta: Al final, de todas estas imágenes, ¿cuál perdurará? La respuesta
la proporcionarán algunos de los fotógrafos de calle actuales y sus referentes como
Eugeni Forcano, Leopoldo Pomés, José Manuel Navia, Luis Baylón o Txema Salvans.
The Eyes viaja a Madrid para ofrecer, dentro de la PHotoBook Week organizada por
La Fábrica, una charla en torno a la iniciativa y la innovación en el sector fotográfico
en tiempo de crisis en la que participarán el editor de la revista, Vincent Marcilhacy;
Remi Coignet, redactor jefe y autor del blog delivresetdesphotos y David Marcilhacy,
profesor titular en Estudios Hispánicos en la Universidad Paris-Sorbone. Además, en el
encuentro se presentará el número 4 de la revista, dedicado a Madrid.
Cineteca Matadero proyectará este documental producido por CANAL +, que
además ofrecerá una selección de contenidos del Festival a través de CANAL+XTRA
y la plataforma online YOMVI (acceso abierto a todos los usuarios en Yomvi.es/
photoespana).
Por su parte, La Fábrica acogerá una mesa redonda en torno al proceso de creación
de este documental.
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V Jornada de Arquitectura y Fotografía
PHotoWalk Zaragoza
Fecha: 28 mayo
Lugar: Sala Pilar Sinués, Edificio Paraninfo Universidad de Zaragoza
Organiza: Proyecto de Investigación Fotografía y Arquitectura Moderna en España, 1925-65
Director: Iñaki Bergera
Patrocina: Ayuntamiento de Zaragoza
Colabora: Vicerrectorado de Cultura y Política Social. Universidad de Zaragoza
Organizan: Ayuntamiento de Zaragoza y PHotoEspaña
La arquitectura moderna encontró en la fotografía el canal ideal para retratar la nueva
imaginería y elevarla, mediante su difusión mediática y la propaganda, a la categoría de
icono y símbolo de una nueva manera de habitar. Paralelamente, la práctica fotográfica
vislumbró en la arquitectura y la ciudad modernas el tema y escenario perfecto
para ejercitar esa nueva manera de mirar la realidad y de retratar una sociedad en
constante transformación.
El programa PHotoWalk PHE es una experiencia fotográfica en la que quince
fotógrafos tienen la oportunidad de recorrer y descubrir diferentes ciudades de la
mano de un reconocido fotógrafo español. Es esta ocasión, Zaragoza acogerá esta
iniciativa de la mano de José Guerrero, quien expone su obra en el Centro de Arte
Alcobendas dentro de la Sección Oficial de PHotoEspaña 2015. En el recorrido, guiado
por el autor, el grupo documenta su entorno, intercambia experiencias sobre los
procesos fotográficos y aprende métodos de trabajo.
La V Jornada de Arquitectura y Fotografía reúne a cuatro destacados ponentes,
el académico y profesor Juan Bordes, el periodista Llàtzer Moix y los fotógrafos
Duccio Malagamba y Juan Rodríguez, quienes abordarán cuestiones relativas a
la documentación y el coleccionismo, el papel y los retos del uso de la imagen
por parte de los medios de comunicación, los alcances y manifestaciones de la
práctica profesional y la aproximación personal o artística al trabajo del fotógrafo de
arquitectura.
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PHotoWalk Lanzarote
Talleres de fotografía en Alcalá de Henares
Fechas: octubre
Organizan: Centros de Arte, Cultura y Turismo de Lanzarote, Cabildo de Lanzarote
y PHotoEspaña
Fechas: noviembre
Sede: Centro Sociocultural Gilitos
Inscripción previa, limitada y gratuita en ww.phe.es entre 1 y 23 octubre
Organizan: Ayuntamiento de Alcalá de Henares y PHotoEspaña
PHotoEspaña y el Cabildo de Lanzarote organizan la tercera edición del PHotoWalk
PHE Lanzarote, una actividad orientada a fotógrafos de toda condición y experiencia
en la que se les propondrá realizar un proyecto fotográfico documentando el entorno
privilegiado de la isla. La actividad estará guiada por un fotógrafo de destacada
trayectoria que plantea un taller teórico- práctico y acompañará a los participantes
durante dos días. El taller arrancará con un encuentro para presentar los proyectos,
continuará con un acompañamiento y desarrollo práctico del trabajo de cada
participante y una posterior valoración de los resultados obtenidos.
Indiscutiblemente, la fotografía ha revolucionado la comunicación. La integración de
la cámara fotográfica en los smartphones hace que la fotografía sea usada con una
naturalidad sorprendente, especialmente entre la población más joven, que genera
y consume más imágenes fotográficas que ninguna otra generación anterior. Sin
embargo, los más jóvenes ven la fotografía como parte de su paisaje comunicativo,
casi nunca como un elemento creativo o artístico, mientras que los adultos la utilizan
más como una herramienta de memoria y recuerdo.
El Ayuntamiento de Alcalá de Henares y PHotoEspaña presentan un programa de
talleres de fotografía para jóvenes entre 14 y 19 años, pero también para adultos, en los
que pretende abordar las posibilidades expresivas y narrativas de la fotografía urbana,
la de archivo y del género del retrato. Así, a través de ejercicios fotográficos y de
presentaciones de obras de los grandes fotógrafos de la historia, se acercarán juntos
a un medio de infinitas posibilidades artísticas y comunicativas de una manera lúdica y
divertida.
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Trasatlántica PHotoEspaña
Protectores de PHotoEspaña
En 2008, PHotoEspaña creó el foro de fotografía y artes visuales en América Latina
Trasatlántica con el objetivo de promover el encuentro profesional y crear redes de
trabajo en el ámbito de la fotografía y las artes visuales de Iberoamérica. PHE ha
convocado a fotógrafos, investigadores, críticos y comisarios de arte iberoamericanos
para participar en una amplia oferta de actividades como encuentros, talleres de
edición de fotolibros, visionados de porfolios, exposiciones y concursos online, en las
que se han inscrito más de 3.000 participantes.
Más información: [email protected]
Trasatlántica PHotoEspaña ha organizado hasta el momento actividades en 16 países:
Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, España, Estados Unidos,
Guatemala, Honduras, México, Nicaragua, Perú, República Dominicana, Uruguay y
Venezuela. En otoño de 2015, gracias al apoyo de la Agencia Española de Cooperación
para el Desarrollo-AECID y la colaboración del Banco Interamericano de Desarrollo,
Trasatlántica celebrará visionados de porfolios en América Latina. En estas reuniones
personalizadas con destacados profesionales internacionales del arte y la fotografía,
los fotógrafos podrán promocionar su trabajo y recibir valiosos consejos profesionales.
Además, los participantes tendrán la opción de formar parte de una exposición dentro
del festival PHotoEspaña 2016 en Madrid.
PHotoEspaña nació en 1998 con el propósito de mostrar al público la obra de los
mejores fotógrafos y artistas visuales y convertirse en una cita para la reflexión y el
encuentro en torno a la fotografía. Con una visión internacional que sitúa la fotografía
española en un contexto global, en PHotoEspaña se han celebrado, en las principales
instituciones del país, más de un millar de exposiciones y actividades con obras de
más de 3.000 artistas.
El Festival es un proyecto realizado desde y para la sociedad y cada año, la suma
de voluntades lo hace realidad gracias a acuerdos y colaboraciones que reparten el
esfuerzo, la responsabilidad, el entusiasmo y la celebración. PHotoEspaña solamente
es posible con el cuidado de muchas manos y por ello, el Festival invita a la sociedad
civil y empresarial a que forme parte del programa de Protectores de PHotoEspaña
para continuar celebrando la fotografía.
Ser Protector de PHotoEspaña permite conocer la concepción y desarrollo del
proyecto desde sus inicios hasta su clausura de la mano de sus principales
protagonistas, vivir actos públicos en primera fila, disfrutar de eventos exclusivos en
contextos especiales, compartir experiencias y emociones con quienes las generan
y disfrutar, a lo largo de todo el año, de proyectos y convocatorias concebidas en
exclusiva para los Protectores.
76
PREMIOS OFICIALES PHE15
Premios oficiales PHE15
PHotoEspaña premia la trayectoria profesional de fotógrafos nacionales e
internacionales consagrados y emergentes y las mejores publicaciones del año
Galardones otorgados por jurados compuestos por destacados especialistas
internacionales
Premio PHotoEspaña. Reconoce la trayectoria profesional de una personalidad en el
ámbito de la fotografía nacional o internacional. Anteriores ganadores: Ramón Masats,
Bernard Plossu, Alberto García-Alix, Thomas Ruff, Graciela Iturbide, Malick Sidibé,
Martin Parr, Robert Frank, Hiroshi Sugimoto, William Klein, William Eggleston, Helena
Almeida, Nan Goldin, Duane Michals, Chema Madoz, Luis González Palma y Josef
Koudelka.
Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria profesional española en fotografía. El
premio está otorgado por el legado de Bartolomé Ros. Anteriores ganadores: Gervasio
Sánchez, Carlos Pérez-Siquier, Fundació Foto Colectania, Chema Madoz, Chema
Conesa, Isabel Muñoz, Ricard Terré, Marta Gili y Javier Vallhonrat (ex aequo), Alejandro
Castellote, Librería Kowasa, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Juan Manuel Castro
Prieto, Ramón Masats, Cristina García Rodero y Publio López Mondéjar.
Premio PHE al Mejor Libro de Fotografía del Año. Distingue los mejores libros de
fotografía del año. Anteriores Ostalgia, de Simona Rota, editado por Fabulatorio y los
Cuadernos de Kursala y Party. Quotations from Chairman Mao Tse-Tung, de Cristina de
Middel, editado por RM y Archive of Modern Conflict. El Premio a la Editorial destacada
del año fue para Dewi Lewis.
Premio Festival Off. Un jurado de expertos elige la galería que haya mostrado la mejor
exposición del Festival Off. Anterior ganador: Images of an Endless Journey (A Human
Document) de Manolo Bautista
Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos. PHotoEspaña y la revista
OjodePez reconocen un trabajo de fotografía documental que destaque los valores de
solidaridad, ética, justicia o esfuerzo. Anterior ganador: Aitor Lara por Pobreza infantil
en España.
Premio del Público. Los visitantes del Festival escogen su exposición preferida de la
Sección Oficial.
Premio Revelación. PHotoEspaña y El Corte Inglés reconocen el trabajo de un
fotógrafo español menor de 35 años cuya obra haya destacado en el año anterior.
Anterior ganador: Carlos Irijalba.
Premio Descubrimientos PHE. Otorgado al autor del mejor proyecto presentado
en los visionados de porfolios celebrados en Madrid, Tegucigalpa y Rosario. Anterior
ganadora: Mariela Sancari.
77
CRÉDITOS
Alberto Anaut
Presidente
Directora
María García Yelo
Prensa internacional
María Peláez
Luis Palacios
Adjunto al Presidente
Coordinación general
Ana Belén García Mula
Alberto Fesser
Vicepresidente
Responsable de exposiciones
Ana Berruguete
Oficina de prensa
Vanesa Uceda
Marina Villarreal
Claude Bussac
Directora general
Arte y festivales
Coordinación de exposiciones
Maíra Villela
Sergio Sánchez
Álvaro Matías
Director general
Editorial, proyectos y comunicación
Directora del Master PHotoEspaña
y Descubrimientos PHE
Emily Adams
Agustín García Benavente
Director general
Administración
Responsable de programas
pedagógicos y profesionales
Ana Morales
Oliva María Rubio
Directora artística
Coordinación de programas pedagógicos
Sonia Camino
Luis Posada
Subdirector de Festivales y Exposiciones
Producción
Leticia Díez
La Fábrica
Verónica, 13
28014 Madrid
Tel + 34 91 360 13 20
[email protected]
www.lafabrica.com
Relaciones externas y protocolo
Luis Posada
Lola Pastor
Jefa de prensa
Myriam González
Coordinación www.phe.es
Maíra Villela
Directora de administración
Verónica Martín
Administración
Lorena Gómez
Vanessa González
Alicia Holgado
Miguel López
Rocío Soler
Dirección creativa
Nadie. The creative think tank
Diseño
gráfica futura

XVIII Festival Internacional de Fotografía y Artes

Transcripción

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