Sachin Teng Las 25 revistas

Las 25 revistas
Más admiradas por
su diseño
Un artista sin igual
Sachin Teng
Belleza Fotográfica
Skymetrics
1
2
3
Hemos triunfado. El hecho de volvernos a
Gerente editorial
Rosana Di Turi
Coordinación
Magaly Rodríguez
Redacción
Isbel Delgado
Carola Eteggui
Edición de textos
Adriana Ramírez Pavon
Jefe de diseño
Karina Devia
Diseño gráfico
Adrian Sandoval
Productora gráfica
Solution Studio
Fotografía de portada
Mauricio Villahermosa
encontrar nos lo dice claramente. La palabra
Gerente general
Jorge Papatzikos
Editor Jefe
Cenovia Casas
Director Ejecutivo de
Negocios
Daniel Pérez Poleo
Gerente de ventas
Sonia Jacir
Jefa de ventas
Mayerling Vargas
Ventas
Vanessa Zambrano
Coordinadora de
Mercadeo
Ángelica Polanco
Coordinación
de Pre-impresión
Leonardo Cedeño
Maqueteo Electrónico
Ricardo Gomez
Luís Díaz
Calidad gráfica
Adrain Sandoval
César Duran
Teléfonos de redacción
(0212)203 3601
Teléfonos de ventas
203 3372/ 3628/ 3139
Depósito legal
199902DF600
Rif: J-00012242-3
Circula con
Diario Idea
exenciones aduanera
junto al gesto está acuñando otros referentes.
Estamos avanzando en los pasos de ser una nueva
Diseño Gráfico
humanidad, un nuevo pueblo se alza victorioso del
sopor almidonado de los claustros, y los eternos
fastidios que producen las celebraciones patrias
cuando son de mentira, dan paso a los nuevos
04 - 05 El mix perfecto de diseño gráfico y música
rituales, menos pomposos, pero muchísimos más
está en Santander Music 2014
honestos. De todas partes las frutas enrojecen
y su olor a maduro hace el efecto sutil de atraer
06 Las 25 revistas más admiradas por si diseño
en 50 años
nuestra mirada. Esa fruta nombrada en cada
lengua nuestra se hace visible en el vínculo,
en el encuentro humano que hacemos a punta
07 Helsinki ya no es la capital pero si la cuidad del diseño
de voluntad y que trascenderá mil veces los
convenios industriales y los gasoductos y las
08 Diseño gráfico y fotografía, un vínculo indisoluble
Índice
Fotografía
09 Skymetrics, belleza fotográfica
10 - 11 Toni Vidal , retrata la cultura catalana de los 70
12 Fha + Mindo
13 Txema Rodríguez
14 Dionisio González, la profunda reflexión de como
habitar la cuidad contemproránea
Arquitectura
17 - 18 300 millaas de la arquitectura moderna en vermont
Arte
19 L’Art en guerre. Exposición en el Guggenheim bilbao
20 -21 Milo Lockett , un artista fuera de los estereotipos
Ilustración
22 - 23 Alex Mathers: “Soy un ilustrador nómada”
24 Saching Teng , un artista sin igual
Como remate,
Santander Music
2014 incluye un
concurso de College
Musical dirigido
a los estudiantes
de artes gráficas y
que premiará sus
habilidades en la
materia del collage.
La intención con este
proyecto es levantar
el interés en las artes
gráficas e inspirar a
jóvenes y profesionales acercándoles
a estos creadores
referente en portales
y publicaciones de
tendencias.
Diseño gráfico, música y juventud son los conceptos que reúne Santander Music, el festival que
este 2014 celebrará su 2ª edición del 31 de julio
al 2 de agosto, coincidiendo cvrtesantander y con
un programa que incluye conciertos, la exposición
del ilustrador Julien Pacaud, la masterclass Ya soy
diseñador…. ¿Y ahora qué?
El festival cántabro ofrecerá en su line
up música independente, pop-rock y
electrónica como ingredientes a partes
iguales, e irá confirmando los nombres
que formarán el cartel de su sexta edición
en los próximas meses.
Bajo la denominación de Jornadas de
Fomento de la Creatividad a través del
Diseño Gráfico y con el apoyo de la Dirección
General de Igualdad, Mujer y Juventud del
Gobierno de Cantabria, dentro de Santander
Music se han proyectado diversas actividades
que ponen de manifiesto la unión entre
disciplinas como la música y el diseño.
Dentro de esta programación, cabe destacar
la exposición del artista Julien Pacaud, designado para realizar el cartel de la edición de
este año del Santander Music. Pacaud es un
referente mundial en el campo de las artes
gráficas, como lo fuera su predecesor en el
2013, el peruano Gianmarco Magnani. Su
trabajo se puede ver en numerosas publicaciones internacionales. En 2012 fue ganador
del prestigioso premio Swatch para jóvenes
artistas y creó su propia línea de relojes de la
famosa marca. También ha realizado trabajos
para el New York Times y portadas de discos
como The Jungle Planet, del famoso Dj Jeff
Mills, incluida en la muestra. La exposición
se podrá visitar del 26 al 30 de julio en el
Palacio de Exposiciones y Congresos de
Santander. Entrada gratuita.
Love of Lesbian son los primeros en confirmar su actuación en la sexta edición de
Santander Music. Una banda que necesita ya pocas presentaciones como uno
de los grupos más representativos del
circuito independiente nacional, sabiendo
fabricar un sonido propio a lo largo de su
trayectoria. Liderada por Santi Balmes, es
una de las bandas imprescindibles para
entender la evolución del sonido indie
nacional desde su formación en 1997 y
con más de diez discos publicados. Todo
un lujo contar con Love of Lesbian en
esta nueva edición de Santander Music
que presentarán su nuevo EP y un directo
especial para festivales.
La segunda confirmación para Santander
Music será la banda catalana Sidonie.
Una de las formaciones nacionales mas
potentes de rock alternativo, desde su
formación en 2001. Viejos conocidos del
festival, será una de las actuaciones mas
esperadas de Santander Music 2014, en
la que presentarán su último trabajo, que
está en proceso de grabación.
Podrán disfrutar de la masterclass Ya soy
diseñador…. ¿Y ahora qué? impartida
por Víctor Palau y Ana Gea, directores
de Gràffica. Dirigida específicamente a
jóvenes estudiantes, la masterclass consta
de dos jornadas de 3 horas en el Palacio de
Exposiciones. Se abordará la realidad y las
4
estrategias para que
la aventura de ese
tránsito que va de ser
estudiante a trabajar
como profesional
sea placentera en un
entorno cambiante.
Love of Lesbian,
Sidonie, Iván Ferreiro
y León Benavente,
Joseph Cloony primeros nombres para
esta nueva entrega
del festival Stander.
Santander Music contará con la primera
actuación en el festival de Iván Ferreiro.
El nombre de este artista vigués estará
siempre ligado a la formación Los Piratas,
aunque tras varios discos en solitario,
Ferreiro ha demostrado que aún tiene
mucho que decir, como muestra en su
último trabajo, fechado el pasado mes de
septiembre y resultado de tres años de
trabajo, desde la edición de su anterior
grabación.
5
La revista GDUSA presenta
los resultados de un estudio
realizado entre sus lectores en el
que estos valoran las 25 revistas
más admiradas por su diseño
en 50 años de historia. Esta
encuesta se complementa con
otros dos sondeos presentados
hace un par de meses donde
daba a conocer los 25 logotipos
más admirados y los 10 posters
más admirados en las últimas
cinco décadas. Estas encuestas
forman parte del 50º Aniversario
del magazine
En el puesto número uno se sitúa Rolling
Stone, la revista musical fundada en 1967 y
que en sus inicios hacía bandera de la contracultura hippie.
En el segundo puesto Harper’s Bazaar, toda
una leyenda de los magazines que tuvo en
su plantilla a grandes fotógrafos (Man Ray
y Henri Cartier-Bresson) y diseñadores, destacando especialmente la figura de Alexey
Brodovitch
El tercer puesto del ranking lo ocupa Esquire. Desde sus inicios, la revista ha sido
el lienzo de muchos artistas e ilustradores.
Además, directores de arte como Jean-Paul
Goude, Paul Rand, Roger Black y Samuel
Antupit
La cuarta posición la revista Life, que pasó
de ser en sus orígenes una revista de humor
e información general a convertirse en una
publicación con gran énfasis en el fotoperiodismo
6
El quinto puesto la revista satírica Spy. La libertad tipográfica y los montajes fotográficos
locos casi hasta el delirio y ochenteros son
el sello personal de esta publicación editada
desde la Gran Manzana.
La sexta posición es para Colors, la revista
creada por Tibor Kalman y Oliviero Toscani
en 1991. Tal fue el poso que dejó dentro del
ámbito del diseño, que en 2007 se incluyó
una serie completa de ejemplares de Colors
dentro de la exposición 25/25 en el Design
Museum de Londres, en la que se reunían
los 25 objetos de diseño más influyentes de
los últimos 25 años.
El séptimo puesto, para Wired. El magazine
dedicado a la tecnología, pero desde el
punto de vista de cómo afecta a la cultura,
fue un gran éxito editorial desde su lanzamiento en 1993. Wired ha sido comparada
con Rolling Stone por su impacto en la sociedad norteamericana.
Octavo puesto para Interview creada por el
artista Andy Warhol y Gerard Malanga en el
1969 en Manhattan, Interview estaba dedicada al culto de las celebridades, incluyendo
entrevistas e imágenes vanguardistas de
personajes famosos.
En el noveno puesto se sitúa New York Mag.
Revista fundada en 1968 por Milton Glaser
Glaser también fue presidente y diseñador
hasta 1977 y Clay Felker Felker, dedicada a
los estilos de vida, cultura, política para hacerle la competencia a The New Yorker.
Décimo puesto para Ray Gun, la revista
icono de la cultura grunge liderada en la
dirección de arte por el amado y odiado a
partes iguales David Carson se hizo célebre
en la comunidad del diseño por su experimentación, especialmente en el apartado
tipográfico.
La lista continua con lassiguientes revistas:
11. National Geographic 12. Mad 13. Look
14.Playboy 15. Vogue 6. U&lc 17. Martha
Stewart Living 18. Vanity Fair 19. The New
York Times 20. Emigre 21. ID 22. Wallpaper 23.
Seventeen 24. New Yorker 25. Nylon
Este 2014 la
capitalidad
mundial del
diseño ha
recaído en Ciudad del Cabo,
en Sudáfrica.
Este título lo
ostenta cada
dos años una
ciudad del
planeta, pero
¿alguien se
acuerda de cuál
fue la anterior?
Nosotros sí y
hemos visitado
Helsinki para
saber qué queda de aquella
ciudad inmersa
en el diseño y,
sorprendentemente, sigue
respirándose
en cada barrio
¿Qué no puede faltar en la casa de un finlandés? Es lo primero que nos preguntan al
aterrizar. Y es que todos tienen en su casa
como mínimo una prenda de ropa de la
marca de diseño más reconocida, Marimekko, que se hizo internacionalmente famosa
en los años 60 por sus creaciones en blanco
y negro así como la utilización de muchos estampados en flores, y unas tijeras en naranja
chillón de la marca Fiskars.
Helsinki destila diseño por todos sus poros.
Pongamos un ejemplo. Para ello nos acercamos al trabajo realizado por el estudio
Kokoro & Moi en Torikorttelit –el casco
antiguo de la ciudad–. El estudio finés creó
una plataforma donde las personas pudieran transformar su ciudad en un lugar más
valiente, más emocionante, más abierto, más
común y aún más preciado Helsinki.
Algo tan sencillo y cotidiano ya demuestra
que el diseño está ligado al día a día de los
finlandeses. Y para comprobarlo recorreremos desde su parte más monumental a su
atractivo Distrito del Diseño, pasando por
la parte más histórica del centro Arabia y la
más de moda –o hipster– del momento.
Arabia en Helsinki Construido en 1873, con
su industrial facha de ladrillo caravista y su
enorme chimenea coronándolo, es uno de
los centros del diseño de Helsinki.
Uno de los destinos hipsters del mundo
Puede que sea una etiqueta que te guste
más o menos, pero el barrio de Kallio está
considerado actualmente como uno de los
más hipsters del planeta, así que no nos lo
íbamos a perder. ¿Y qué significa eso? Pues
que tengas que hacer cola para desayunar o
tomar el brunch mientras bebes champán en
un club nocturno (¡a las diez de la mañana!)
como el Pacifico, que si eres amante de la
tipografía no te resistas a fotografiar el escaparate de hand-lettering de tiendas como
Made in Kallio, a que te pares en la tienda
de vinilos Panic Room especializada en rock
de los 70, soul y blues. ¿Qué más? Comida
orgánica, música indie, bicicletas, tiendas
vintage, librerías… Vamos un antiguo barrio
obrero con mucha vida y que ahora sería la
patria de cualquier moderno del planeta.
El Distrito del Diseño
A sabiendas de la importancia del valor de
marca, en 2005 bautizaron una zona del
centro de la ciudad como Distrito del Diseño.
25 manzanas donde concurren floristerías,
boutiques del interiorismo y diseño como
Artek o Aero Design Furniture, museos como
el Design Museum, coquetas galerías de
arte como la de la fotógrafa Nattali Karppinen, estudios como A&A Design, agencias
de diseño y branding como Bond, Werklig,
Kokoro &Moi, entre otros, responsables del
packaging y la identidad visual de numerosos
productos, restaurantes, establecimientos,
centros comerciales y tiendas de moda que
vemos en nuestro paseo por la ciudad y que
nos dan su singular visión del diseño finés.
Cuando lo recorres te das cuenta de que no
es postureo. Es un barrio de diseño vivo,
auténtico.
7
Entender el diseño
editorial sin la fotografía
es un sinsentido similar a
concebir un cielo sin nubes.
Ambas disciplinas caminan
de la mano, y conocer las
herramientas y singularidades
de cada una es algo básico que
todo profesional que desarrolle su actividad en
este ámbito debe
conocer
Técnica y estilo,
arte y profesionalidad, capacidad analítica
y labor crítica… metodología,
capacidad de conceptualización y
agilidad en la ejecución. Todos estos aspectos son lindantes cuando nos referimos
al diseño editorial y la fotografía. Y todos ellos tienen sus pequeños matices y peculiaridades. están presentes en la Diplomatura
de Fotografía y Diseño Editorial de EINA.
Skymetric es un término que se
compone de dos palabras: sky,
en referencia al cielo, y metrics,
en referencia a la geométrica.
El diseñador napolitano Lino
Russo nos descubre universos
inexplorados de la arquitectura urbana. La geometría y el
minimalismo son los puntos en
común en este trabajo que
conecta la fotografía
y porsupuesto
el diseño
Bajo la dirección de Manel Esclusa, la
Diplomatura de postgrado en Fotografía y
Diseño Editorial de EINA abarca, la práctica
fotográfica a través de la elaboración de un
proyecto personal así como la adquisición
de capacidades críticas y analíticas necesarias para esta actividad creativa. Un programa
formativo que también incluye la aplicación
de la fotografía, desde el punto de vista del
diseño gráfico, en diferentes tipologías de
soportes gráficos –libro de fotografía, publicación periódica…– a través del uso
de fotografías propias
y/o ajenas.
«El diseño gráfico y la
fotografía requieren de
una importante especialización por parte de
los profesionales que los
desarrollan», explican en
EINA. «Saber moverse con
criterio dentro de los estrechos vínculos existentes
entre la técnica y el diseño,
el discurso artístico y la práctica profesional, es indispensable para elaborar proyectos
creativos e innovadores que a
su vez comuniquen de manera
eficaz, eficiente y estratégicamente el mensaje»
8
El tema de Skymetric pone de relieve la
descontextualización de los lugares y espacios arquitectónicos con el fin de alterar la
estructura natural. Estos lugares que nos presenta Lino Russo tienen en común el hecho
de que todos son completamente cuadrados,
con líneas regulares y esquemáticas, de
modo que la sencillez y la eliminación de
todo ruido visual nos dan ese aspecto limpio
y pulcro que atrapa la mirada. Otro punto en
común en Skymetric es el cielo. De hecho,
cada fotografía muestra un fondo de color
azul claro que contrasta notablemente con
los colores vivos y saturados de las figuras
arquitectónicas. Así que estos lugares dejan
de existir, la visión que se hace es solamente
de composiciones y estructuras sistemáticas
y organizadas, que no son reconocibles en la
imagen original
9
La exposición
Toni Vidal se instaló en Barcelona
en 1968 y a partir de esa fecha,
el fotógrafo menorquín retrató
a escritores, ensayistas, artistas,
arquitectos, músicos y directores
de teatro de los años setenta.
Los rostros de Dalí, Brossa,
Espriu, Foix, Tàpies, Rodoreda,
Villalonga y García Márquez los
descubrimos en un amplio trabajo de archivo fotográfico entre
las más de 100 fotografías que
componen la exposición que se
puede ver en la Fundació Palau
desde el 19 de junio y hasta el 12
de octubre de 2014
La obra de Vidal tiene un registro amplio,
que ha desarrollado en gran parte en
forma de series, algunas de las cuales han
estado publicadas en libros o carpetas. Sus
temas preferidos son el retrato, los oficios
artesanos, en los que aparecía el interés por
mostrar la dignidad humana del trabajo, la
arquitectura y el paisaje, sobre todo las rocas
y el mar, los vegetales y fiestas y rincones
10
típicos de su isla natal. Escenarios naturales
y situaciones vitales captadas con sensación
de fluidez.
Toni Vidal explora la personalidad de sus
retratos y muestra los espacios donde se
lleva a cabo su trabajo. La exposición que
acoge la Fundación Palau pone en relieve la
profundidad del trabajo del fotógrafo, su minuciosidad, la capacidad de crear atmósferas
En 1968 el fotógrafo Toni Vidal (Es Castell,
Menorca 1934) se instaló en Barcelona. Uno
de sus proyectos fue fotografiar la gente de
la cultura –gente honesta, desinteresada,
que trabajaba para construir el país-: escritores y ensayistas, artistas y arquitectos,
músicos y directores de teatro, editores,
activistas y eruditos.
El resultado es una extraordinaria colección
de fotografías en blanco y negro y en color,
que son el testimonio del milagro catalán
de los años sesenta: la recuperación de la
cultura catalana, fruto de la suma de muchos
esfuerzos individuales que generaron un
movimiento de gran alcance: los exiliados
de París y Tolosa, los que habían vuelto de
México o Chile, las nuevas generaciones
surgidas bajo el franquismo, los jóvenes de
los setenta.
introspectivas y, al mismo tiempo, mostrar
el vigor y el sentido colectivo de una cultura
que renace. Comisariada por el escritor
Julià Guillamon, Toni Vidal retrata la cultura
catalana de los setenta es un inmenso fruto
de un trabajo de archivos fotográficos de
Toni Vidal que ha permitido a lo largo del el
tiempo realizar una selección de más de cien
retratos.
Este juego entre exilio y exilio interior da
lugar a dos secuencias de fotos: las casas tan
modestas, de algunos políticos y activistas,
en Tolosa de Llenguadoc, en París o en Barcelona, después de volver. Destaca el retrato
de la líder anarquista Frederica Montseny
con su hermano Germinal, en Tolosa. Al lado,
otro exilio, el de los monjes de Montserrat,
dedicados a tareas eruditas como Maur Boix,
que fue director de la revista ‘Serra d’Or’ o el
historiador Josep Massot i Muntaner.
Para terminar, el visitante encuentra una sala
en la que se muestra una instalación conceptual construida a partir de unas setenta
fotografías (18×24). Esas imágenes recubren
las cuatro paredes y hacen que el espectador
se sumerja en un remolino de instantaneas.
Las fotografías están ordenadas en un
montaje espectacular: desde la generación
de los que vivieron la guerra (Teixidor,
Riquer, Boix i Selva, Maurici Serrahima),
hasta las nuevas generaciones (Josep Termes,
Ricard Bofill, Quico Pi de la Serra, Xavier
Corberó, Montserrat Roig y Gabriel García
Márquez y Mario Vargas Llosa, cuando vivían
en Barcelona), pasando por escritores de la
posguerra (Pedrolo, Perucho, Sarsanedas,
Espinàs, Capmany) o los intelectuales
comprometidos del realismo social (Molas,
Castellet, Vallverdú, Candel). La instalación
pone el acento en el efecto multiplicador de
la cultura: de los primeros grupos residentes,
al gran momento de la cultura catalana del
paso de los años sesenta a los setenta.
La primera sala está dedicada a los grandes
retratos en color: poetas como J.V. Foix,
Salvador Espriu, Joan Brossa; artistas
como Antoni Tàpies, Josep Guinovart o un
retrato de Eduardo Arranz Bravo debajo de
su retrato pintado pop. Toni Vidal comprende
la densidad humana de los personajes. Por
ejemplo, en el caso del retrato del geógrafo
Pau Vila, en su despacho, con una luz tenue,
rodeado de libros, o en el caso contrario,
de máxima extroversión, en el caso de Dalí,
en la casa de Portlligat, con un excéntrico
vestido.
En una segunda sala se encuentran los tres
retratos fantásticos de Josep Pla: un primer
plano y dos imágenes en las cuales se ve
el escritor trabajando en la cama, donde
generalmente escribía. A continuación, diez
retratos de gente del interior y gente del
exilio, quizás las imágenes más potentes
que han salido de la cámara de Toni Vidal.
La escritora de los años treinta Rosa M.
Arquimbau, encerrada en su exilio interior,
un comunicativo Joan Fuster, o la imagen
contenida de Joan Pagès, superviviente del
campo de concentración de Mauthausen.
11
Entre sus fotógrafos de referencia
destacan Robert Capa, Diane
Arbus, Edward Steichen, Sergio
Larrain y Lee Miller
Txema Rodríguez, nacido en La
Guardia (Pontevedra), empezó su
pasión por la fotografía, casi sin
saberlo, con la primera cámara
que tuvo; la que le regalaron
en su primera comunión. En la
actualidad es el editor gráfico del
diario Las Provincias, en Valencia
Fah + Mindo son un dúo creativo
con sede en la ciudad de Nueva
York. Fah tiene amplia experiencia en la dirección de arte,
mientras que Mindo domina la
fotografía editorial y comercial,
un terreno en el que ambos
llevan trabajando desde hace
algún tiempo como un tándem
casi perfecto
12
Antes de trabajar juntos, Fah + Mindo
iniciaron sus carreras en solitario. Fah es
director de arte premiado que cuenta con
más de 10 años de experiencia en diseño
editorial con proyectos para revistas de
moda, portadas de libros y naturalezas muertas. Por su parte, Mindo ha trabajado en
Londres, Sydney, Bangkok y Nueva York. Su
especialidad es la fotografía comercial y de
piezas de arte por con una base conceptual
repleta de abundante imaginería. Fotografías
que en cierto modo combinan el drama
cinematográfico, el humor y el misterio.
El hecho de unirse para trabajar en tándem
sucedió de una manera natural. Ambos vieron que las disciplinas que cada uno domina
eran complementarias y voilà!
A la hora de empezar un nuevo proyecto,
antes de disparar una nueva foto, todo
pasa por un proceso previo de ideación.
Un brainstorm de ideas y a partir de ahí la
selección de tres conceptos, pulir esas ideas,
ver diferentes matices y entonces sí, darle al
botón y hacer clic. Para Fah + Mindo el éxito
de una buena fotografía depende de que
ésta pueda contar una buena historia, siempre que ésta de ejecute bien. Una imagen sin
palabras, pero que sea inteligente. Debe ser
reconocida por el público.
Txema Rodríguez ha pasado por diversas profesiones antes de descubrir que su vocación
era la fotografía. Trabajó de peón de albañil,
de encofrador, de camarero; trabajó como
poeta, como periodista, como diseñador
gráfico y como director de marketing de una
empresa azulejera. También ha realizado
varias biografías de algunas personalidades
y ha escrito un par de novelas. Mientras
tanto Txema realizaba fotografías sin parar
como aficionado.
Sin dedicarse por completo a la fotografía,
Txema Rodríguez ha estado haciendo
fotografías durante muchos años. Pero no
decidió dar el paso y meterse en la profesión
de lleno hasta que entró en una crisis
profesional. Fue entonces cuando se planteó
realmente quién era él y descubrió que era
fotógrafo, que servía para eso y que podría
vivir de la fotografía. En otras palabras,
descubrió cuál era su vocación.
En 2005 inició su andadura pública con su
participación en el Festival Internacional
de la Imagen de Chaves (Portugal) y con la
selección de una de sus obras para la exposición The Blink of an Eye, en el Midtown
Loft de Nueva York. De igual modo, otro de
sus trabajos forma parte de una muestra
que recorre las ciudades más importantes de
Estados Unidos, y se incluye en la publicación
PostSecret: Extraordinary Confessions from
Ordinary Lives.
En 2005 inició su andadura pública con su
participación en el Festival Internacional
de la Imagen de Chaves (Portugal) y con la
selección de una de sus obras para la exposición The Blink of an Eye, en el Midtown
Loft de Nueva York. De igual modo, otro de
sus trabajos forma parte de una muestra
que recorre las ciudades más importantes de
Estados Unidos, y se incluye en la publicación
PostSecret: Extraordinary Confessions from
Ordinary Lives.
Txema Rodríguez pretende mantenerse lejos
de las corrientes estéticas actuales. Su objetivo, en cada trabajo, es desaparecer tras la
imagen dejando al espectador enfrentado a
una realidad profunda, reflexiva y pura: «Mi
fotografía se dirige al alma, más que a los
sentidos», explica el fotógrafo. Para lograr
este objetivo, el fotógrafo procura no intervenir en sus fotografías, ni en la iluminación,
ni en el posado de las personas que salen en
ellas, etc. Txema Rodríguez cree firmemente
que una buena imagen debe provocar una
respuesta emocional.
13
La preocupación por el espacio
que habita el ser humano le
viene a Dionisio González de
largo tiempo atrás. El fotógrafo
de Gijón regresa a su ciudadpara
presentar la exposición La ciudad
análoga. Fotografías en las que
la arquitectura gana sobre la
presencia humana, presenciando
un escaparate de un urbanismo
salvaje, no planeado, en
ocasiones devastador
Sin tener un carácter retrospectivo ni plantear una revisión antológica, la exposición La
ciudad análoga de Dionisio González (Gijón,
1965) contempla la mayoría de las series en
las que viene trabajando el artista desde el
año 2001.
La exposición queda organizada en dos
recorridos complementarios cuyo argumento
principal gira en torno a la arquitectura. La
línea vertebral de La ciudad análoga se sustenta en la profunda reflexión que plantea el
autor sobre los modos de habitar la ciudad
contemporánea, una investigación en torno
a las formas de vivir en el siglo XXI y las
relaciones que establece el hombre con el
medio que le ha llevado a recorrer durante
este periodo infinidad de lugares distintos en
países de todo el mundo, entre otros Brasil,
Vietnam, Corea del Sur o Italia. En palabras
de Dionisio González: «Habitar no es sólo
tener un abrigo, un apartamento o un
módulo asignable, habitar es conformar una
14
estructura de extroversión y de generación
de espacios contextuales».
Además de esta búsqueda de ecosistemas
no homologados y explorar fórmulas constructivas generadas a partir de soluciones
vernáculas, las últimas obras de Dionisio
González han ido derivando progresivamente
hacia otro tipo de posiciones más literales
que recuperan proyectos no ejecutados
de grandes figuras de la modernidad. Una
investigación que acaba tomando como eje
central a Le Corbusier, después de Palladio
el creador que más a fondo ha recapacitado
sobre la propia arquitectura y las maneras en
las que el hombre puede entenderse con el
entorno que habita.
La ciudad análoga. Fotografías de Dionisio
González
Centro de Cultura Antiguo Instituto
C/ Jovellanos, 21 – Gijón
Hasta el 3 de septiembre de 2014
15
“¿Basura o pintura de construccuión?. Tu
decides. Gracias.”
House II, diseñado por Peter Eisenman, se
encuentra en Hardwick. Foto de Donald M.
Kreis
Pero, ¿qué de los edificios que comenzaron a aparecer en Vermont hace
menos de 100 años, y siguen proliferando
aquí? Arquitectura experimentó un espasmo
en todo el mundo en el siglo 20 en el que
el antiguo orden dio paso a las nociones de
simplicidad, innovación y una relación más
resonante entre la estructura y el sitio. En las
escalas nacional y mundial, arquitectos como
Le Corbusier en Francia, Walter Gropius y
Ludwig Mies van der Rohe en Alemania,
y Louis Kahn en los EE.UU., por nombrar
sólo algunos, cambiaron la esencia misma
de lo que es un nuevo edificio o, al menos,
un nuevo edificio con las aspiraciones a la
grandeza que realmente debe ser similar.
Estas tendencias fueron sin duda sintieron en
Vermont, en particular después de la mayoría de los grandes diseñadores de Alemania al nazismo para Estados Unidos
huyeron a establecer su residencia
en Harvard y otras universidades.
A partir de ahí el llamado
estilo internacional y otras
nociones arquitectónicas
conocen vagamente estos
días como “modernismo”
extendido por todo el reino.
Algunas de las luces brillantes
de la arquitectura del siglo 20
diseñadores como Edward Larrabee
Barnes, Eliot Noyes y Peter Eisenman
recibió encargos de los clientes de Vermont. Otros incluyendo Marcel Beaudin,
Ruth y William Freeman, y David vendidos
se instalaron aquí directamente.
Los diseños frescos y algunas veces extrava-
Así reza un cartel improvisado viró a un
montón de escombros estudiante de arte
que está acumulando polvo en el interior de
un edificio en ruinas situado en un rincón
desolado del campus de Goddard College, en
Plainfield. Y, con un poco de licencia poética,
esta consulta resume acertadamente por
qué 25 personas de todas partes de Nueva
Inglaterra pasaron un fin de semana de
agosto de conducir casi 300 kilómetros a la
redonda del estado de la montaña verde de
revisar los edificios.
Vermont es un estado profundamente
comprometida con la preservación histórica.
Usted puede ganar un grado en la asignatura
en la Universidad de Vermont. Impactos
adversos indebidas a los sitios históricos es
una razón para el bloqueo de los proyectos
de desarrollo bajo la Ley 250 Nuestros
impuestos apoyan una división estatal
de preservación histórica. Y parece que
tenemos un consenso en todo el estado
que debemos preservar y reverenciamos
a aquellos edificios en todo el estado
estructuras como tabernas coloniales,
iglesias tablilla, graneros del monitor y los
palacios de justicia de estilo griego que dan
testimonio de los días pasados ​​de nuestro
estado como una república independiente
y uno de los posibles paraíso agraria.
gantes de estos arquitectos, y otros de su
calibre, se esconden aquí y allá alrededor
de Vermont, a veces a plena vista. A medida
que estos edificios envejecen y adaptarse, las
preguntas se ciernen: ¿Cuál de estos edificios
son la pena salvar? Deben permanecer en
uso o llegar a ser piezas de museo? No hay
respuestas fáciles para la sencilla razón de
que, aunque tendemos a saber lo que nos
gusta cuando se trata de edificios muy viejos,
estamos menos seguros de estructuras que,
en muchos casos, llegaron dentro de los
tiempos de vida de las personas encargadas
de decidir si mantenerlos..
Afortunadamente, la organización internacional “Docomomo” el nombre es un
neologismo que significa “la documentación
y conservación de edificios, sitios y barrios
del movimiento moderno” ha surgido para
asumir estas preguntas. Para el capítulo
de Nueva Inglaterra de Docomomo y su
coordinador, el área de Boston arquitecto
Marie Sorensen, va el crédito para la organización de gira de dos días de este año de
importantes edificios modernos en Vermont
un viaje épico que comenzó en Norwich,
procedió al norte a Hardwick, virado al oeste
de Burlington, procedió de allí al valle del
río Mad, y concluyó en Killington 296 millas,
de acuerdo con una odómetro.Por ejemplo,
hubo House II en Hardwick, el primer edificio
que se dio cuenta por el algo notorio Peter
Eisenman uno de la llamada “New York Five”
que llegó a la fama en la década de 1960.
Estos son los tipos que inventaron en esencia
lo que se burló de hoy como “starchitecture”
y en el caso de Eisenman, las exigencias que
imponen a los que contrató le inspiró uno de
sus clientes, Suzanne Frank, para escribir un
libro entero quejándose gravemente de su
creación y estilo, Casa VI.
El edificio de Pintura en el Goddard College,
en Plainfield es uno de los tres edificios
Warren arquitecto David Sellers creados con
estudiantes allí. Foto de Donald M. Kreis
17
En esencia, lo que Eisenman hizo tanto en
Casa II y Casa VI era tratar de encarnar en
forma integrada las nociones deconstructivistas del filósofo francés Jacques Derrida.
Así como Derrida es una oportunidad difícil
para la mayoría de los lectores, la creación
de Hardwick de Eisenman ofrece una vida
difícil para un dueño de casa a pesar de su
ravishly hermosa ubicación en la ladera. En
esencia, Eisenman creó 19 cubos blancos
y cuidadosamente removido y alterado
(es decir, deconstruidos) varias partes de
acuerdo a una lógica artística rigurosa que
asiente con la cabeza sólo de vez en cuando a
la funcionalidad como una casa real. El lugar
cayó en mal estado sólo para ser comprado
y rehabilitado en 2000 por una pareja de
Florida que ahora están dispuestos a vender
la casa.
Los 40 minutos que se tarda en coche desde
Casa II de Goddard College, en Plainfield fue
todo el tiempo que había que reflexionar
sobre qué hacer acerca de la creación de
Eisenman antes de la armada doconomo se
enfrentó a un problema aún más vejatoria y
fascinante en el ámbito de la preservación de
la modernidad. Su nombre es David Sellers.
Mientras que Eisenman hace tiempo que
dejó detrás de Vermont, Sellers es todavía
muy presente entre nosotros y de hecho,
bastante se puede describir como la encarnación de un enfoque opuesto al diseño de
un edificio. Eisenman está en la facultad de
la escuela de arquitectura de Yale. Los vendedores capacitados en Yale como arquitecto
allí, pero famoso dejaron New Haven en 1960
porque estaba enfermo de la teoría y era
con ganas de tierra era barata, y el esquí era
genial, en Warren “construir algo.” Lo que los
vendedores se dirigieron al norte.
18
Vendedores con frecuencia utiliza la palabra
“loco” para describir su enfoque, que puede
resumirse como reunir personas interesadas
en conjunto, utilizando cualquier material
que están a la mano, improvisando mucho
más que la planificación, y ver qué surge.
Eventualmente esto atrajo la atención de
Goddard College (cuya aproximación a
la pedagogía, a continuación, y cómo, es
similar Freelance) donde Sellers fundaron
un programa de diseño y, con sus colegas y
estudiantes, creado tres edificios: el Centro
de diseño, la construcción Pintura, y el
Edificio Escultura.
Estos son hitos emergentes de Vermont. ¿Son
basura? ¿O son los edificios dignos, dignos
de nuestra continua atención? Averiguar si y
cómo preservarlos, y trabajar para cultivar la
apreciación del público de ellos, es una tarea
crítica. Evitar que el trabajo corre el riesgo
de dar al mundo la falsa impresión de que
la civilización en Green Mountain State no
ha evolucionado desde un Vermonter última
ocupó la Casa Blanca en 1929.
Artistas frente a la adversidad… El arte como
un arma contra la opresión… La exposición
L’Art en guerre. Francia, 1938–1947: de
Picasso a Dubuffet que acoge el Museo Guggenheim Bilbao va más allá de una muestra
de alto valor pictórico. Con 500 piezas
de más de 100 artistas entre los que se
encuentran Alexander Calder, Dalí, Duchamp,
Giacometti, Kandinsky, Matisse Fernand
Léger, René Magritte… la selección de obras
y autores para mostrar este recorrido en
toda su amplitud no ha sido fácil. «La base
de una exposición temática es saber elegir y
juzgar lo más claramente posible», explican
Laurence Bertrand-Dorléac y Jacqueline
Munck, comisarias de la exposición. «Nuestra
premisa consistió en no mostrar todo lo
que ya se sabía de la vida oficial durante
este periodo, que fue objeto de un primer
estudio histórico hace ya una treintena de
años. Queríamos mostrar la parte sumergida
del iceberg y eso que Roland Barthes ha denominado acertadamente ‘pesadilla siniestra
y helada’, lo menos conocido y también lo
menos accesible».
De esta forma, las obras que se presentan
son en su mayor parte, piezas que «se habían
producido pero no expuesto durante esa
época, o bien fueron expuestas de forma
clandestina o semiclandestina». Muchas
de estas obras fueron creadas en refugios
que después eran campos, cárceles, talleres
escondidos, cuevas, etc. En la selección,
sus comisarias han dado prioridad a los
«artistas que ya no tenían la palabra o que
estaban vetados por ser persona non grata:
republicanos españoles, judíos, exiliados
enemigos, alemanes antinazis, miembros de
la resistencia, indeseables, y la verdad, es
que había bastantes», subrayan Bertrand y
Jacqueline.
Así, en L’Art en guerre, el espectador
descubre no sólo el legado artístico, notable
y transgresor de estos creadores; a través
de un intenso recorrido por las diferentes
piezas que se exhiben, el visitante se adentra
en la historia sorprendente de aquellos que
con su obra y su vida hicieron ‘la guerra a
la guerra’, resistiendo las condiciones más
hostiles durante la ocupación de Francia por
los nazis. Para que este recorrido sea lo más
claro posible, se ha estructurado en doce
secuencias, «como escaparate para mostrar
el contraste tonal entre las zonas oficiales,
en la zona iluminada, y las zonas más
oscuras con muros de diferentes colores para
presentar las obras realizadas en condiciones
clandestinas o de exilio». Según explican las
comisarias, «nuestro talentoso escenógrafo
lo ha hecho lo mejor para que se comprenda
su interior».
Durante la tendencia regresiva después de
1918, las corrientes artísticas de vanguardias
nacidas en los años 1910-1920 como Dadá, el
Surrealismo o el Arte abstracto, en particular,
quedaron completamente eclipsadas por
L’Art en guerre. Francia,
1938–1947: de Picasso a
Dubuffet muestra en el Museo
Guggenheim Bilbao cómo,
ante el amenazador contexto
de opresión vivido en Francia
durante la II Guerra Mundial y
la ocupación nazi, los artistas de
la época se rebelaron frente a
las consignas oficiales mediante
novedosas respuestas estéticas
que modificaron el contenido
del arte. Hoy Laurence BertrandDorléac y Jacqueline Munck,
comisarias de la exposición, nos
explican cómo se ha ido forjando
esta muestra
toda Europa. «De pronto, lo que se hacía
durante la guerra en Francia parece muy
comprometido y provoca muchas adhesiones
a su línea», explican. Así, la exposición
presenta las obras «menos conocidas
de esas corrientes, pero también obras
nacidas del desastre, muy particulares, por
el uso del material de recuperación en un
contexto de penuria». El grupo de Grasse
con Magnelli, Sophie Taueber y Arp. «Y luego
están las piezas realizadas por los artistas
no profesionales como Joseph Steib, en el
límite de lo ingenuo, pero con mucha fuerza
dentro de ese contexto. Ídem para las obras
hechas aquí y allá por los presos, que son
obras maestras a su manera. De cualquier
modo, esto conmueve bastante al público
que nunca las ha visto».
19
tener un mundo mejor tenemos que participar de ese mundo, de esa construcción y no
quedarnos únicamente en el discurso.
¿En qué proyectos trabaja actualmente?
Milo Lockett es un artista
plástico chaqueño, que comenzó
su carrera como autodidacta,
luego de trabajar varios años en
la industria textil. Sus referentes
se encuentran en la obra de
Jorge de la Vega, Nigro, Macció y
Deira. En el año 2006 fue artista
revelación en ArteBA y en 2009
fue elegido en la terna como
artista del año junto a León
Ferrari. Desde el 2000 participa
en exposiciones individuales y
colectivas en la Argentina
y el mundo. Lejos de los
estereotipos y cerca
de la gente, Milo
Lockett es uno de
los artistas que
más vende
¿Cómo comenzó su relación con
el dibujo y la pintura?
conseguir un lenguaje distinto.
Yo creo que estoy entre lo que sería el “Art
Brut” y el “Arte Primario”. Por momentos mi
Siempre me gustó dibujar y tuve la suerte de obra se vuelve un poco gráfica y luego un
poco pictórica…pero no me importa mucho
que me mandaran a los talleres libres de la
Escuela de Bellas Artes de Chaco, como tarea eso, no estoy preocupado por estar dentro
alternativa a la tarde, durante toda la escuela de un lugar o por pertenecer. Siempre estoy
preocupado por si me gusta lo que estoy haprimaria. Yo era un chico muy hiperactivo.
ciendo. En la prueba y error está el comienzo
Esta actividad me dio la certeza de que me
del aprendizaje, que no necesariamente uno
gustaba el dibujo y que me gustaría vivir
tiene que tener una teoría para hacer; mude esta “tarea”. Luego esto no sucedió ya
chas veces la teoría sale de la acción, y me
que me dediqué a hacer deporte. Los chicos
parece que nunca me interesó el hecho de si
me cargaban porque me gustaba dibujar,
lo que hago está bien, sino que me interesa
entonces dejé de hacerlo. Retomé a los 21
el proceso, cómo lo hago. Me parece que el
años con la idea de pintar. Después todo se
espectador tiene una importancia absoluta,
precipitó con la crisis del país del año 2001.
En ese momento yo tenía una empresa textil porque cuando una persona compra una
y me fundí, como le pasó a gran parte de los obra, esa obra lo va a acompañar gran parte
de su vida. Esto me pasa a mí con obras que
argentinos. Debido a lo que me pasó, decidí
he comprado y sé que me van a acompañar
retomar la pintura, y sin querer empecé una
gran parte de mi vida. Son elecciones, no es
carrera. No fue algo planeado.
como comprar cualquier otro objeto.
¿Podría definirse como artista?
Yo siempre hice lo que quise, nunca fui un
chico ordenado, nunca respeté ninguna
estructura. No sé si esto es un valor o no
pero por lo menos me dio la posibilidad de
20
¿Cuál es el espacio que ocupa en
su vida la acción solidaria?
Todo lo que sea la acción social con el arte,
poder haber conectado la posibilidad de
pintar con la
acción social,
fue para mí muy
importante.
Tuve la suerte
de juntarme con
Carlos Alabe quien
me ayudó a poder
visualizar la creación
de otro tipo de obras a
partir de una subasta, y
junto con Polo y con Carlos
pudimos comenzar a construir
la Casa Garraham, que hoy está en
proceso. Para mi ésta es la obra de mi
vida en la cual yo participo como padrino.
Es más fácil que un artista llame a colaborar
para una acción solidaria a que lo haga,
por ejemplo, un político. Es más creíble un
artista que un político, y esto me parece muy
importante. Uno a veces piensa que como
dibuja o pinta, parece que su trabajo no es
tan importante, y sin embargo la sociedad a
uno lo reconoce y le da un lugar de credibilidad que es muy importante. Me parece que
si uno tiene la posibilidad de estar bien en
lo emocional y en lo económico, tiene que
comprometerse con la sociedad; si queremos
En este momento estoy más interesado en
masificar la obra, en expandirme, aún más.
Tengo la necesidad de tener una obra que
sea accesible y alcanzable. Cuando uno empieza a tener un valor de mercado, hay una
parte del público que se empieza a quedar
fuera. Yo decidí correrme otra vez de este
lugar y decido hacer una obra alcanzable
económicamente y que la puedan tener
muchas personas; que cualquiera pueda
alcanzar ese deseo que genera unicamente
la obra de arte.
Tiene la magnífica cualidad de hechizar a
quien conoce sus criaturas. Figuras de ojos
grandes y almendrados que desplazan sus
pupilas hacia el rabillo del ojo. Seres con
bocas rojas y definidas como corazones.
Elefantes multicolores. Lagartos rayados.
Hipopótamos. Un mundo de ensueño e
ingenuidad aparente que lleva la firma Milo
Lockett, el artista del momentos
El chaqueño, que ahora expone en el nuevo
espacio Quadro Arte Contemporáneo de
Martínez, es capaz de fascinar por igual a un
nene de cuatro años; a una consagradísima
Marta Minujín; a alguien que jamás se topó
con una obra de arte; o a la actriz Jennifer
Aniston, que compró dos obras para llevárselas a Hollywood.
Gratis hasta el 25 de julio, en Avenida del
Libertador 14354, se pueden ver 30 de los
cuadros de Milo, requeridísimo en todas
las vernissage, el artista que jamás tomó
un curso de pintura, que no terminó el
secundario y que de chico vendía ajo por la
calle en Resistencia. En “Rey Milo”, el documental filmado por Federico Bareiro y que se
estrenó hace un par de semanas, su mamá
Blanca rescata una anécdota valiosa: “Me
decía que a los 50 años iba a ser empresario
y ganaría plata. El no jugaba mucho, dibujaba
increíble desde los seis y siempre andaba
gestando ideas y proyectos”.
“Estoy feliz de inaugurar esta galería en
San Isidro y que haya gente que apueste,
crea y sienta ganas de trabajar por el arte.
San Isidro siempre tuvo un cariño especial
conmigo, nunca deja de sorprenderme”,
completó Lockett, el día de la apertura del
espacio, donde además del intendente Gustavo Posse, estuvieron los amigos de Milo,
Juan Carr, fundador de Red Solidaria, y el
dibujante Nik. Al chaqueño se lo ve relajado.
“La felicidad pasa por disfrutar del día a día.
Soy feliz viendo crecer a mis hijos Olivia (16)
y Jerónimo, de cuatro meses. Y si alguna vez
me sentí triste, como todo el mundo, me
quedo con los pequeños momentos felices”.
21
Alex Mathers: <<Soy un
ilustrador nómada>>
Alex Mathers es un ilustrador y
escritor autodidacta de Londres,
nacido en Copenhague en 1984.
Está especializado en mapas
digitales vectorizados, diagramas
y paisajes, y está muy influido
por sus estudios de Geografía
Desde que entró en el mundo de la ilustración
«por diversión» a través de una web de ilustración en 2006, Alex Mathers ha trabajado
como freelance con clientes como Sony, Google,
Mars y la BBC. Autodefinido como nómada,
a Alex le gusta viajar, los volcanes, el té y los
macacos de cara roja y nunca trabaja en un
mismo lugar durante mucho tiempo. Es un especialista en presentar información geográfica,
fotos y datos en mapas ilustrados y funcionales, aunque también estilizados. Sus mapas
ilustrados son alegres y divertidos; ilustraciones
simbólicas y espaciales pero que mantienen su
carácter informativo. Aparte de dibujar, es fácil
leer artículos y textos publicados por Mathers
en sites y publicaciones especializadas en comunicación visual como 99u, Design Taxi, Computer Arts, Six Revisions y Digital Arts.
Lista de clientes
Saatchi & Saatchi, NY
Google
Washington Post
Sony
Time Out London
Macworld
pingüino
Marte
Wired Magazine
Usborne
A través de Red Lemon Club, Mathers ha
publicado cuatro libros, entre los que encontramos 9 Things Freelancers Must Do to
Land Lots of Quality Clients [9 cosas que un
freelance debe hacer para conseguir muchos
clientes de calidad] The Only Option. Win
more Client Work than you Need, by Being
Indispensable [La única opción. Gana más
trabajo con clientes de lo que necesitas,
siendo indispensable]. Una especie de libro
de autoayuda donde da consejos al estilo
«no hace falta ser una superestrella para
atraer a los clientes con los que uno sueña…
Incluso si no sabes por dónde empezar y has
aborrecido la sordidez de marketing». Alex
Mathers también gestiona una plataforma
de ilustración online: Ape on the Moon, en
la que muestra el trabajo de ilustradores
contemporáneos.
Paralelamente, dedica mucho tiempo a
trabajar en una web sobre marketing para
profesionales creativos llamada Red Lemon
Club, una plataforma que desde aquí recomendamos que le echéis un vistazo ya que
ofrece diferentes recursos y consejos para
ilustradores freelance.
24
23
Sachin Teng
un artista sin igual
Sachin Teng es un artista formalmente de Nueva York, ahora vive
y trabaja en California. Aunque
soy un ilustrador, creo que más
como un diseñador, y trato de
hacer todo mi trabajo decir algo.
El arte puede ser la Mona Lisa o
puede ser propaganda, es importante lo que dice. He trabajado
para diversas publicaciones
como la revista Wired, The New
Yorker, Discovery Channel, y he
mostrado en varias galerías como
Galería Núcleo y Luz Grey Art
Lab. Ganador de la Medalla de
Oro de la Sociedad de Ilustradores, trato de hacer continuamente
la próxima gran cosa. La estancia
hambrienta, permanece absurda
Pensamientos hablan hacia fuera y las
ingerido internamente a menudo comparten
un lenguaje netamente opuesta y se colocan
uno al lado del otro a menudo puede parecer
como algo de código complejo espera de
ser roto. Afortunadamente Sachin Teng
tiene un don para resolver estos enigmas,
combinando el a dos - sobre el otro - para
revelar la belleza que le espera. Zach
Tutor (Supersonic Electronic) pidió al
ilustrador ciudad de Nueva York
10 preguntas sobre diversos
temas recientemente
24