Guía LondresRE

British Museum
Viaje a Londres
National Gallery
I.E.S Pedro Soto de Rojas
Organiza: Departamento de Inglés
Tate Modern
Abril 2013
DATOS DE INTERÉS:
SALIDA:
Viernes 26 de abril
Hora de presentación en el Instituto: 17:30 Salida hacia Málaga.
Salida desde el aeropuerto de Málaga: 21:55
Vuelo: 8612
Llegada a Londres Gatwick: 23:45 hora local. (Granada 00:45)
PASAPORTE Y DOCUMENTACIÓN SANITARIA:
Antes de facturar equipaje revisaremos toda la documentación: pasaporte en vigor ó dni en vigor
acompañado del permiso firmado ante la policía, además del documento de atención sanitaria en el
extranjero.
EQUIPAJE:
Se permite en cabina solamente un bulto de mano que no puede exceder de 10 kgs. de peso y de las
medidas 55 x 40 x 20 cms.
Cualquier otro bolso más pequeño ó mochilas deben ir dentro del bulto mayor.
En ese bulto no se pueden llevar tijeras, cuchillos o cualquier otro objeto cortante.
Los líquidos, en pequeña cantidad, deben ir dentro de una pequeña bolsa de plástico transparente.
El equipaje que se factura es solo una maleta que no puede sobrepasar los 20 kgs. Cada kilo extra
hay que pagarlo a razón de 20 € por kilo.
HOTEL:
London Kings Cross Royal Scot Travelodge
http://www.travelodge.co.uk/hotels/269/London-Kings-Cross-Royal-Scot-hotel
100 de Kings Cross Road
London WC1X 9DT, United Kingdom
0044 871 984 6272 (para llamadas desde España)
TELÉFONOS:
Las comunicaciones con las familias podrán hacerse a través de los teléfonos móviles. Conviene
asegurarse con antelación de la disponibilidad del servicio en el Reino Unido. Recordad que de las
llamadas realizadas cada teléfono paga una parte, así que conviene tenerlo en cuenta para no
quedarse sin saldo en las tarjetas.
Los profesores llevarán una relación de teléfonos de cada uno de los alumnos y se os proporcionará
el número del teléfono que llevan los profesores para caso de emergencia.
VESTUARIO NECESARIO:
El clima de Londres es extraordinariamente cambiante. Conviene llevar un poco de todo: para el
calor, el frío y la lluvia. Se recomienda chubasquero y sobre todo calzado cómodo para moverse por
la ciudad.
DINERO:
Para cubrir las comidas estimamos que habrá de sobra con alrededor de ochenta / noventa euros (en
el supuesto de hacer las comidas del mediodía en plan de pic-nic y en un establecimiento no muy
caro).
El resto de los gastos (compras ó entradas a otras atracciones) depende obviamente de cada familia.
Es conveniente llevar dinero cambiado (en libras esterlinas) ya que el pago con euros puede
presentar dificultades, y el cambio de moneda allí no siempre es favorable. También se puede optar
por utilizar (si la tienen) tarjeta para obtener libras en los cajeros automáticos.
ELECTRICIDAD:
En Gran Bretaña los enchufes no son como en España. Si lleva cargadores de batería deberá llevar
un adaptador que se puede encontrar en las tiendas de electricidad.
REGRESO:
Vuelo 8611
Salida de Gatwick el martes 30 de abril a las 17:30 hora local.
Llegada a Málaga a las 21:20
Regreso aproximado a Granada 23:45
(Granada 18:30)
Los horarios pueden sufrir alguna alteración por razones de tráfico aéreo.
COMPORTAMIENTO Y ACTITUD
El hotel no es un hotel de estudiantes o acostumbrado a acoger viajes de estudios. El ruido o las
reuniones en las habitaciones están estrictamente prohibidos, tanto de día como de noche. Cualquier
actitud de este tipo puede acarrear multitud de problemas al grupo, por lo que rogamos que los
estudiantes acudan mentalizados a que estos comportamientos no son posibles en el Reino Unido.
Durante los desplazamientos por la ciudad conviene ser ágil, puntual y hacer caso de las
indicaciones de los profesores con prontitud.
Siguiendo estas recomendaciones estamos seguros de que todos
disfrutaremos del viaje
EL VIAJE DÍA A DÍA
Día 26 de abril, viernes.
17:30 Concentración en el Instituto y traslado al aeropuerto de Málaga de los
participantes en el viaje.
21:55 Salida hacia Londres en vuelo de la compañía EasyJet
23:45 (00:45 en España) Llegada al aeropuerto London Gatwick y traslado al Hotel.
Distribución de habitaciones.
Día 27 de abril, sábado.
08:00. Desayuno y desplazamiento en Metro hasta Picadilly. Paseo de situación hasta
Trafalgar Square, St. Martin-in-the-Fields. Visita a la National Gallery (2 horas
aproximadamente)..
Paseo hasta Westminster. The Houses of Parliament, Big Ben, London Eye. (Almuerzo en
la zona).
Desplazamiento en metro hasta Covent Garden. Visita de la zona.
Regreso al hotel para la cena.
Picadilly Circus
La plaza es conocida por sus carteles luminosos y la fuente de Eros situada en el centro, que se ha convertido
en uno de los iconos de Londres.
La oferta de ocio de Picadilly Circus es muy extensa, desde una gran cantidad de tiendas, cines y teatros,
hasta restaurantes para todos los gustos.
Picadilly Circus es uno de los lugares más animados de Londres y una de las principales zonas de fiesta de la
ciudad.
Trafalgar Square
Siendo una de las grandes plazas públicas de Londres, Trafalgar Square es al mismo tiempo una visita
obligada para los turistas y un sitio de
demostración política para los ingleses. En
esta plaza es donde acuden las grandes
manifestaciones de colectivos como por
ejemplo las grandes muestras ciudadanas
para pedir la liberación de Nelson Mandela.
La plaza fue ideada en 1829, y ha sido
remodelada en uno de sus lados para
convertirla en una zona peatonal que ha dado lugar a un espacio abierto con bancos, terrazas y cafés, de tal
modo que ahora podemos disfrutar eventos de la agenda cultural londinense.
La gran referencia para el turista en esta plaza es la columna de Nelson. Esta columna se erigió en recuerdo a
la batalla de Trafalgar, en la que Nelson como almirante de la flota británica derrotó a una escuadra hispanofrancesa mucho más numerosa pero peor dirigida.
La columna tiene unos 50 m y muestra al celebérrimo almirante observando la ciudad. El almirante inglés
celebra la victoria de Nelson sobre Napoleón. Alrededor del monumento aguardan unos grandes leones de
bronce, justo en frente de las fuentes que iluminan la plaza por la noche.
Al este de la plaza se levanta la magnífica iglesia de St Martin-in-the-Fields, en la que durante el almuerzo y
por la noche se celebran conciertos y recitales de música clásica. La iglesia que vemos hoy fue obra de James
Gibbs y fue acabada en 1726. Su modelo arquitectónico se exporto a los Estado Unidos de América donde
sirvió de molde para muchas iglesias coloniales. En su interior, como peculiaridad tiene un Palco Real a la
altura de la galería y a la izquierda del altar. En el lado norte está la National Gallery, que alberga una de las
mayores colecciones pictóricas del mundo.
La Abadía de Westminster
El templo desde fuera es impresionante. Del conjunto de la abadía es notable el techo de la capilla, resuelto
con bóvedas de abanico de exuberante nervadura, uno de los mejores ejemplos del gótico perpendicular
maduro. Al exterior su nota más destacada es la resolución de la cabecera del transepto. Iniciada su obra en
1245 bajo el mandado de Enrique III, se levantó por encima de una antigua basílica. Esta abadía sirve de
incomparable escenario a la coronación y sepulcro de los monarcas británicos. Uno de los lugares preferidos
es el rincón de los poetas, donde descansan los restos de Charles Dickens, Geoffrey Chaucer, Samuel
Johnson y Rudyard Kipling. Podemos visitar las tumbas de eminentes científicos británicos como Isaac
Newton y Charles Darwin. Distinto fue el destino de Oscar Wilde, que tras años de marginación por su
homosexualidad, se le puso una placa conmemorativa en 1995.
En el pasado la Piedra del Destino, que es la piedra de coronación escocesa, permaneció debajo de una silla
de madera y formó parte de las ceremonias de coronación. Sin embargo, a mediados de 1996 el gobierno
decidió devolverla a Escocia y hoy luce en el Castillo de Edimburgo.
Palacio de Westminster
El Palacio de Westminster (Palace of Westminster), también
conocido como las Casas del Parlamento (Houses of Parliament), es
un edificio gótico victoriano que alberga las dos Cámaras que
componen el Parlamento Británico.
El antiguo palacio
Palacio de Westminster En octubre de 1834, un asolador incendio
destruyó el antiguo palacio que había alojado el Parlamento desde
1512. El edificio también había servido como residencia real en
Londres desde la época de Guillermo el Conquistador.
Del antiguo palacio sólo se pudo salvar una ínfima parte, compuesta por el Westminster Hall, los
claustros y la cripta de St Stephen´s Chapel y la Jewel Tower, una construcción del siglo XIV en la
que se guardaban las joyas y el oro.
El nuevo palacio
De los 97 proyectos presentados para la construcción del nuevo edificio, los ganadores del concurso
fueron los arquitectos Charles Barry y Augustus Welby Pugin. En 1847 el edificio se veía
prácticamente terminado con la construcción de 1.200 habitaciones, 11 patios y 3,5 kilómetros de
pasillos.
La ostentosa fachada del edificio ofrece un bello panorama mientras los pináculos dorados y las
estatuas de los reyes se reflejan en el río. El palacio se encuentra flanqueado por la Victoria Tower,
una imponente torre que reúne las copias de todas las leyes del Parlamento desde 1497, y también
por la carismática torre del Big Ben.
El Big Ben es el nombre con el que popularmente se conoce a la Torre del
Reloj de Palacio de Westminster, sede del Parlamento Británico, torre
enclavada en el extremos noroeste del edificio, y es sin duda el monumento
más representativo de Londres.
En realidad, el nombre de Big Ben se refiere a la campana del reloj, una
campana de 13,8 toneladas de peso que se encarga de dar las horas. En cuanto
al nombre, se cuenta que hace referencia a Benjamin Hall, primer encargado
de su construcción.
La historia del Big Ben se puede decir que empieza en 1834 con el incendio
del viejo palacio de Westminster, por lo que este hubo de ser reconstruido,
obra que se encargó a Charles Barry, quien lo diseñó siguiendo un estilo
gótico victoriano, dándole a la torre una altura de algo más de 96 metros de
altura.
El London Eye (Ojo de Londres), también conocido como Millennium Wheel (Rueda del Milenio),
terminado en 1999 y abierto al público en marzo de 2000, fue la mayor noria-mirador del mundo
hasta la apertura de la Estrella de Nanchang en mayo de 2006, y la posterior Singapore Flyer en
2008. El London Eye alcanza una altura de 135 m sobre el extremo occidental de los Jubilee
Gardens, en el South Bank del Támesis, distrito londinense de Lambeth, entre los puentes de
Westminster y Hungerford.
Covent Garden
Construido hace unos 40 años, el Covent Garden actual es el corazón del turismo de Londres. El
centro de esta zona es la plaza donde está el mercado, allí mismo y en sus alrededores encontramos
todo tipo de tiendas, pubs, restaurantes, en muchos casos incluso puede que disfrutemos de algún
espectáculo de teatro en la misma plaza.
Originalmente, el centro de la zona era un jardín de un convento ligado a la Abadía de Westminster
que tras la disolución de los monasterios fue cedido al primer conde de Bedford. Fue el cuarto
conde de Bedford quien la proyectó.
Al sur de Covent Garden se encuentra The Strand, una zona que unía la City con Westminster y que
en su día estaba poblada de palacios.
Día 28 de abril, domingo.
08:00. Desayuno y desplazamiento en metro hasta Notting Hill. Visita al mercadillo de
Portobello.
Desplazamiento y paseo por la zona pasando por el Albert Memorial, Royal Albert Hall
hasta el Natural History Museum para visitarlo. Almuerzo.
Desplazamiento hasta Buckingham Palace y St James’s Park.
De regreso al hotel pasaremos por la zona de Chinatown y el Soho.
Cena y alojamiento.
Notting Hill, situado en la parte oeste de Londres, es uno de los barrios más visitados por los
turistas. La célebre película de Julia Roberts y Hugh Grant y su famoso carnaval de agosto lo han
convertido en uno de los barrios más populares de la ciudad, disipando de una vez por todas, su
fama de barrio conflictivo con el que fue tachado hasta finales de la década de los 50.
Desde entonces, Notting Hill ha sabido paulatinamente aunar a la perfección lo más chic con lo más
alternativo, mostrando en la actualidad un ambiente multicultural que sorprende a los viajeros.
Perderse por sus calles mientras curioseas en su infinidad de tiendas de ropa de todo tipo, joyerías,
floristerías, tiendas de souvenirs, galerías de arte, restaurantes, pubs, discotecas... etc, es una
auténtica delicia que nadie debería perderse. Y si tienes la opción de visitar el barrio un sábado
podrás disfrutar del famosísimo mercado de Portobello, uno lo los mayores mercados de anticuario
del mundo donde cientos de tiendas se echan a las calles a vender sus productos y donde infinidad
de personas, tanto turistas como locales, se codean para conseguir los artículos más preciados.
El Albert Memorial es un monumento en memoria del príncipe Albert,
consorte de la Reina Victoria. El monumento fue mandado construir por la
Reina Victoria y erigido, en estilo neogótico, por Gilbert Scott en 1861, poco
después de la muerte del príncipe Albert.
El Albert Memorial se colocó en la zona sur de Hyde Park, y próximo a otro
de los lugares relacionados con el príncipe Albert como es el Royal Albert
Hall.
En el Albert Memorial se pueden observar nada menos que 169 esculturas de
diversos personajes conocidos de cuatro continentes: europeo, asiático, americano y african o.
El Teatro Royal Albert Hall de las Artes y de las
Ciencias de Londres, es uno de los teatros más conocidos
del mundo. Inaugurado el 29 de marzo de 1871, tiene una
capacidad para 8.000 espectadores, uno de los teatros
cubiertos más grandes del mundo. Fue construido por la
Reina Victoria de Inglaterra en memoria de su fallecido
marido, Alberto de Sajonia-Coburgo.
Es una de las construcciones más distintivas del Reino Unido y alberga el órgano más grande de
Inglaterra.
Desde su inauguración, han pasado por su escenario los más grandes artistas del mundo, de música
clásica hasta bandas de rock. Ha sido sede de galas benéficas, entregas de premios, banquetes,
conferencias, eventos públicos, torneos de tenis, incluso se ha presentado el reconocido Circo del
Sol (Cirque du Soleil).
El Museo de Historia Natural (Natural History Museum) de South Kensington, en Londres, es
uno de los tres grandes museos localizados en la calle
Exhibition Road, en Kensington (los otros dos son el
Science Museum y el Victoria and Albert Museum). El
museo posee una variada colección con más de 70
millones de especímenes y objetos en exposición. Las
cinco colecciones más importantes son las
correspondientes a las áreas de: botánica, entomología,
mineralogía, paleontología y zoología.
El museo es conocido por su gran salón central donde
se muestran esqueletos de diferentes dinosaurios, en
particular, un enorme diplodocus que domina la entrada al edificio además de un mastodonte
encontrado en la Laguna de Tagua Tagua, Chile.
El museo de historia natural fue construido entre 1873 y 1880 para albergar la creciente colección
de esqueletos, plantas y fósiles que constituían una sección del Museo Británico. Legalmente el
museo de historia natural permaneció como parte del Museo Británico hasta 1963. En 1986
absorbió el cercano Museo geológico adquiriendo el nombre oficial de The Natural History
Museum.
El Palacio de Buckingham (Buckingham Palace) es la residencia oficial del monarca británico en
Londres. El palacio es usado para ceremonias y visitas de Estado, visitas turísticas y como
residencia por parte de la reina Isabel II, y es además la
sede principal de la colección real de arte (Royal
Collection), cuyas principales joyas se exhiben al
público.
El palacio, originalmente conocido como Buckingham
House, era en un principio un petit hôtel construido
para el primer duque de Buckingham en 1703 y
adquirido por el rey Jorge III en 1762 para convertirlo
en residencia privada. En los siguientes 75 años sufrió
una serie de ampliaciones dirigidas por los arquitectos
John Nash y Edward Blore (1850), creándose tres alas formando un patio central abierto. Con la
llegada al trono de la reina Victoria de Inglaterra, el Palacio de Buckingham pasó a ser la residencia
oficial de la monarquía. Durante los siglos XIX y XX se hicieron algunas reformas en el palacio,
como la que se llevó a cabo en 1913 (a cargo de Aston Webb) y que dio al palacio su fachada
principal actual, incluido el balcón desde donde saluda la familia real.
El interior georgiano original se componía de brillantes escayolas con incrustaciones de lapislázuli
azul y rosa. Eduardo VII redecoró el palacio añadiendo una decoración del tipo Belle époque en
tonos crema y dorados. Algunos salones de recepción están decorados en estilo chino con muebles
provenientes del pabellón real de Brighton y de Carlton house. Los jardines del palacio constituyen
los jardines privados más grandes de Londres. Fueron creados originalmente por Capability Brown,
pero rediseñados por William Townsend Aiton y John Nash. El lago artificial fue creado en 1828 y
recibe agua del Lago Serpentine, el lago que se encuentra en el Hyde Park.
El Parque de Santiago, San Jaime, San Jacobo o St. James’s Park es una extensión de 23
hectáreas en la zona de Westminster, en el centro de Londres (R.U.), es el más antiguo de los
Parques reales de la ciudad. Se encuentra en el extremo sur de la zona de St. James’s, que fue
nombrado en honor de un hospital de leprosos dedicado a Santiago el Menor.
St James’s Park está rodeado por el Palacio de Buckingham al oeste, El Mall (Londres) y Palacio de
St. James al norte, Horse Guards al este, y Bridcage Walk al sur. El parque tiene un lago pequeño,
el St. James-Park's Lake, con dos islas, Duck Island (llamado así debido a la colección de patos del
lago), y West Island. Un puente que cruza el lago ofrece una magnífica vista al oeste del Palacio de
Buckingham enmarcado por árboles y fuentes, y una estupenda vista del edifico principal de la
Foreign and Commonwealth Office, al este.
Chinatown Al comienzo del siglo 20, la población china de Londres se
concentran en esa zona, estableciendo negocios que sustentaba a los marineros
chinos que frecuentaban Docklands. Esta zona comenzó a hacerse conocida,
según ciertos informes un tanto exagerados, y leyendas, más como zona de
fumaderos de opio (legales) y barrio de viviendas de pobres, que por los
restaurantes chinos y supermercados, como ocurre en la actual Barrio chino.
Después de la Segunda Guerra Mundial, sin embargo, la popularidad creciente
de cocina china y la afluencia de inmigrantes de Hong Kong condujo a un
creciente número de restaurantes chinos. El área fue dañada por un bombardeo
en la Segunda Guerra Mundial, aunque un cierto número de ancianos chinos
todavía prefiera vivir en este zona.
El actual Barrio chino, de la Avenida Shaftesbury en Londres, no comenzó a empezar a establecerse
hasta los años 70. Hasta entonces, esto era parte del área del Soho.
Soho ha sido la prolongada historia de un declive. Hasta fines del siglo XVII fue lugar de
aristócratas y familias importantes de la sociedad londinense. Luego la gran sociedad se trasladó al
West End y el Soho inició su transformación hasta su aspecto actual. Recibió sucesivas oleadas de
inmigrantes que hallaron en este barrio su hogar. Su multiculturalismo atrajo a importantes tertulias
literarias y artísticas y, hoy en día, no hay ningún lugar en Londres donde se pueda ver gente tan
distinta.
Día 29 de abril, lunes.
08:00. Desayuno y desplazamiento hasta la Tower of London en el metro y perspectiva del
Tower Bridge. De ahí, hasta la Tate Modern Gallery. (visita de 1 hora y media).
Almuerzo pic-nic en los alrededores. Perspectiva del Globe Theatre.
A través del Millennium Bridge hasta a St Paul’s Catedral (visita) y la City.
Visita de la zona de compras de Oxford Street. Regreso al hotel y cena.
La Torre de Londres, oficialmente el Palacio Real y Fortaleza
de su Majestad, es un castillo histórico situado en la ribera
norte del río Támesis en el centro de Londres, Inglaterra. Se
encuentra Se fundó hacia el fin de 1066 como parte de la
conquista normanda de Inglaterra. La Torre Blanca, que da
nombre al castillo entero, fue construido por Guillermo el
Conquistador en 1078, convirtiéndose en símbolo de la
opresión en Londres por parte de la nueva elite gobernante.
Desde al menos 1100, el castillo fue usado como prisión,
aunque no era éste el propósito primario.
En conjunto, la Torre es un complejo de varios edificios situado dentro de dos anillos concéntricos
de muros defensivos y un foso; el castillo se amplió en varias fases, sobre todo bajo el mandato de
Ricardo Corazón de León, Enrique III y Eduardo I en los siglos XII y XIII. La disposición general
de finales del siglo XIII se ha mantenido a pesar de la actividad posterior.
La Torre de Londres ha representado un destacado papel en la historia de Inglaterra. Fue sitiada en
varias ocasiones y tenerla controlada era importante para controlar el país. La torre ha servido como
armería, tesorería, casa de fieras, Real Casa de la Moneda, registros públicos, y casa de las Joyas de
la Corona del Reino Unido.
El apogeo del uso del castillo como prisión sobrevino en los siglos XVI y XVII, cuando personajes
como Isabel I (antes de convertirse en reina) cayeron en desgracia y fueron retenidas entre estos
muros. Este uso ha derivado en el dicho "enviar a la torre" como sinónimo de "enviar a prisión.
Tower Bridge
El Puente de la Torre, en inglés Tower Bridge, es un puente levadizo situado en Londres que cruza
el río Támesis. Se sitúa cerca de la Torre de Londres, la que le da su nombre.
En 1876 se creó un comité especial para encontrar una solución al paso sobre el río, que convocó un
concurso para elegir el diseño del futuro puente. Más de 50 diseños fueron propuestos, incluido uno
de Sir Joseph Bazalgette. La evaluación de los diseños estuvo rodeada de controversia, y no fue
hasta 1884 cuando el creado por Horace Jones, el Arquitecto de la Ciudad, fue aprobado.
El diseño de Jones era un puente levadizo de 244 m de longitud, con dos torres de 65 m de altura.
La distancia central de 61 m entre las dos torres, se divide en dos levas, que pueden elevar hasta un
ángulo de 83 grados para permitir pasar el tráfico fluvial. A pesar de que cada leva pesa más de
1000 toneladas, están contrapesadas para minimizar la energía requerida para elevarlas durante un
minuto. El mecanismo hidráulico original utilizaba agua a presión almacenada en seis
acumuladores. El agua era bombeada dentro de los acumuladores mediante motores de vapor.
Actualmente, la maquinaria hidráulica original todavía abre el puente, aunque ha sido modificado
para utilizar aceite en lugar de agua, y motores eléctricos han sustituido el lugar de las máquinas de
vapor y los acumuladores. El antiguo mecanismo está abierto al público. El puente puede cargar
más de 2000 toneladas.
Millennium Bridge
El Puente del Milenio es un puente colgante, peatonal y
fabricado con acero que cruza el río Támesis, a su paso por
Londres, en Inglaterra, uniendo la zona de Bankside con la
City.
El diseño del puente fue elegido por concurso, en 1996 por el
concilio de Southwark. El diseño ganador fue muy
innovador, y fue realizado por Arup, por Foster and Partners
y por sir Anthony Caro. Debido a las restricciones de peso, y
para mejorar la vista, la suspensión del puente tuvo que tener
cables de apoyo bajo el nivel de la cubierta, dando una sensación de poca profundidad en las aguas.
El puente tiene dos plataformas de soporte y está hecho en tres secciones de 81m, 144m, y 108m
(de norte a sur) con una estructura resultante de 325m; la cubierta de aluminio mide 4m de ancho.
Los 8 cables que mantienen el puente en suspensión, están tensados para poder sostener 2000
toneladas de peso, lo suficiente para soportar a 5000 personas en el puente al mismo tiempo.
St Paul's Catedral es el nombre que se usa para referirse a la catedral gótica de la City de Londres
construida entre 1087 y 1314.La catedral fue la tercera
iglesia más larga de Europa y tuvo una de las agujas
más altas. Fue destruida en el Gran Incendio de Londres
de 1666, y en su lugar se erigió la actual Catedral de
San Pablo, construida en estilo barroco inglés por el
arquitecto Christopher Wren.
El edificio ha sido reconstruido y reformado en cinco
ocasiones y es la única catedral barroca del país. Desde
el exterior se pueden ver claramente los cuatro bloques
que la forman: la nave, la cúpula, el crucero y el coro.
En la fachada hay un relieve que representa la conversión de San Pablo.
La cúpula descansa sobre ocho arcos, hasta donde se alzan las columnas corintias. Los frescos de la
vida de San Pablo son los únicos originales.
Desde el crucero sur se puede acceder a la cripta donde se muestran los diseños que preparó Wren
para construir la catedral y además se encuentra su tumba, junto a la de Nelson, el duque de
Wellington, y los artistas Joshua Reynolds, J.M.W. Turner y John Singer Sargent.
En el interior destacan la American Memorial Chapel detrás del altar, la Lady Chapel donde se
ubica el altar original de Wren.
En esta catedral se celebró el matrimonio entre el príncipe Carlos y Lady Diana en 1981 y los
funerales de Nelson en 1806 y de Churchill en 1965.
La City de Londres (en inglés City of London, y más informalmente, the City o Square Mile,
debido a que su superficie es de alrededor de 1 milla cuadrada o 2,6 kilómetros cuadrados), es una
pequeña área en el Gran Londres. La conurbación moderna de Londres se desarrolló alrededor de la
City y la cercana ciudad de Westminster, la cual es el centro del gobierno real. La city de Londres
es uno de los más importantes distritos financieros de toda Europa, junto con La Défense, en París.
Oxford Street es una de las grandes calles de Londres, Inglaterra, ubicada en la Ciudad de
Westminster, y una de las calles más famosas del mundo para las compras. Con más de 300 tiendas,
es la calle comercial más grande del mundo.
Es sede de los principales almacenes y otros cientos de pequeños comercios. Es la mayor calle de
compras del centro de Londres, aunque no es la más cara o la que ofrezca las últimas tendencias en
moda, y forma parte de un gran distrito de compra con Regent Street, Bond Street y otras calles más
pequeñas contiguas. La otra zona principal de compras en Londres es Knightbridge, famosa por
albergar los almacenes Harrods.
The Globe .El Shakespeare´s Globe Theatre es una fiel
reproducción del teatro construido en 1599, en el que
Shakespeare interpretó sus obras de más renombre. Situado a
menos de 200 metros del recinto original, el teatro se
construyó a partir de diferentes fuentes de información que
lograron crear un edificio prácticamente idéntico al original.
El teatro original fue construido en 1599 para la compañía de
teatro de William Shakespeare. Muchas de sus obras
maestras fueron creadas para ser representadas en el Globe,
convirtiéndose así en uno de los teatros con más éxito de
Londres.
En 1613 una de las representaciones se vio sumida en el caos
cuando el tejado de paja comenzó a arder y el fuego terminó
destrozando el teatro.
Sobre el mismo terreno se construyó un segundo teatro que funcionó como sede de la compañía de
Shakespeare hasta 1642, cuando todos los teatros de la ciudad fueron clausurados por la Administración
Puritana Inglesa. Al encontrarse fuera de uso, en 1644 el teatro fue demolido.
En 1949 el actor, director y productor Sam Wanamaker realizó un viaje a Londres y, tras observar con
desilusión cómo sólo quedaba una placa conmemorativa como homenaje a Shakespeare, en 1970 comenzó a
reunir fondos para la reconstrucción del teatro. Tras su fallecimiento, en 1997 la fiel reproducción del
edificio del teatro se vio finalizada.
Día 30 de abril, martes.
08:00. Desayuno y visita al British Museum (2 y 1/2 horas aproximadamente). Hay que
dejar el equipaje preparado y cerrado.
12:30 Regreso al hotel para recoger el equipaje y trasladarnos al aeropuerto de London
Gatwick.
17:30 Regreso a Málaga en el vuelo de EasyJet.
21:20 Llegada al aeropuerto de Málaga y traslado a Granada. Recogida de los alumnos
por sus familias (en torno a las 23:45) Fin del viaje.
British Museum
El origen del museo se remonta a una colección de más de 80.000 artículos procedentes de la colección
privada de Sir Hans Sloane, médico y naturalista. Este médico donó su colección privada al estado británico.
La colección incluía libros, manuscritos, cuadros de Durero, su colección de ciencias naturales y medicina, y
antigüedades de Egipto, Grecia, Roma, de Oriente Medio y Extremo Oriente, y de América. El gobierno
británico adquirió esta colección por el precio simbólico de 20.000 libras. Además, también se adquirió la
biblioteca de Sir Robert Cotton y la del anticuario Robert Harley.
Sus administradores decidieron que su primera ubicación fuera en la casa Montagu, una mansión del siglo
XVI .
Desde su inauguración, el museo no ha hecho más que aumentar su colección, bien mediante donaciones o
mediante compras. Aunque al principio su principal patrimonio eran los documentos y libros, pronto empezó
a recibir gran cantidad de objetos antiguos. En el año 1782 aumentó de forma significativa la colección de
antigüedades, por la compra por parte del Estado de las obras y objetos de Sir William Hamilton, embajador
británico en Nápoles, que incluían piezas de Grecia y Roma. La derrota de Francia en la batalla del Nilo
permitió que el Museo Británico adquiriera en 1801 gran cantidad de antigüedades egipcias y la célebre
piedra de Rosetta. También se añadieron un gran número de esculturas griegas, como las de la colección
Townely en 1805 y los Mármoles de Elgin, más conocidos como los mármoles del Partenón, donados por el
conde de Elgin en 1816. La donación del año 1823 por parte del rey Jorge IV al estado británico de la
biblioteca de su padre, la Biblioteca del Rey, hizo que se considerara la necesidad de trasladar la colección a
una nueva sede, debido a la falta de espacio en la casa Montagu. Tras la mudanza, la antigua sede fue
demolida en el año 1845. El arquitecto
Robert Smirke fue el encargado de diseñar
la actual sede del museo. El museo
empezó a atraer a muchos conservadores e
historiadores, lo que hizo que se
comenzaran a catalogar y a clasificar todas
las piezas que contenían. En el año 1887,
debido a la falta de espacio, trasladaron
toda la colección de piezas naturales al
Museo de Historia Natural de Londres,
que se convirtió en museo propio en el año
1963. Entre los años 1970 y 1998 toda la
colección etnográfica del museo estuvo
ubicada en el Museo de la Humanidad, en
Londres. En el año 1973 se separó del museo la Biblioteca Británica, aunque todavía mantiene en el museo
gran cantidad de volúmenes y su gran Sala de lectura. Los libros permanecieron en el museo hasta el año
1998.
El museo siempre ha permanecido abierto, con la excepción de las dos guerras mundiales, en las que
permaneció cerrado por miedo a posibles daños en sus obras. Se hicieron evacuaciones parciales de obras,
aceleradas, durante la Segunda Guerra Mundial, por los daños que produjeron las bombas sobre el museo
durante los bombardeos sobre la ciudad de Londres.
El Museo Británico posee más de siete millones de objetos que cubren la historia de la cultura humana desde
sus orígenes hasta la actualidad. Muchos de estos artefactos no están expuestos sino que se conservan en un
subterráneo, ya que el museo no dispone de suficiente espacio.
Detalles del edificio
.El museo abrió oficialmente al público el 15 de enero de 1759,
en la mansión Montagu, pero cuando ésta se quedó pequeña se
inició, en 1852 y en la misma ubicación, la construcción de un
nuevo edificio de estilo neoclásico, diseñado por Robert Smirke.
La construcción de la nueva sede del museo, la que ha llegado
hasta nuestro días, finalizó en 1857 con la construcción de la
Sala de estudio circular. En su fachada principal, en el frontón,
se instaló en el año 1852 un conjunto escultórico construido por
el escultor británico Richard Westmacott.
Dibujo de la casa Montagu
La sala Duveen, que alberga la colección del Partenón, fue
construida en el año 1938 por el arquitecto John Russell Pope, pero en el año 1940 fue dañado por una
bomba en los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, reconstruyéndose y abriéndose de nuevo al
público en el año 1962.
Una de las últimas ampliaciones del Museo Británico se inauguró en
diciembre de 2000. Se trata del Gran Atrio de la Reina Isabel II.
Ubicado en el centro del museo, está diseñado por el estudio del
arquitecto Norman Foster. Ocupa el sitio que antes ocupaba la
Biblioteca Británica, ya trasladada a su nueva sede. El Gran Atrio se
ha convertido en la mayor plaza cubierta de Europa (90 x 70 metros).
El techo del atrio es de cristal y acero, y está compuesto por 1.656
pares de cristales.
Gran Atrio de Isabel II, inaugurado en el año 2000
En el centro del Gran Atrio está ubicada la sala de lectura,
que antes formaba parte de la Biblioteca Británica. Los
volúmenes de sala fueron consultados por muchas grandes
personalidades a lo largo de su historia, como Karl Marx,
Oscar Wilde, Mohandas Gandhi, Rudyard Kipling, George
Bernard Shaw, Vladimir Lenin o H. G. Wells. La sala de
lectura está
La Sala de lectura
La colección
El Museo Británico es, ante todo, un museo de antigüedades, sobre todo desde que por problemas
de espacio ya no contiene las colecciones de ciencias naturales ni la Biblioteca Británica. Además,
su colección de pintura es bastante escasa. Esto lo distingue de otros museos como el Louvre, el
Metropolitan de Nueva York o el Hermitage en San Petersburgo, considerados museos universales
de arte y cultura. Sin embargo, este museo tiene un área etnológica muy importante.
Ground floor
Upper floor
Algunas colecciones y piezas destacadas
Lower floor
Algunas colecciones y piezas destacadas
Los Mármoles de Elgin, también conocidos como mármoles del Partenón.
Los Mármoles de Elgin es el nombre popular con el que se conoce a una extensa colección de mármoles
procedentes del Partenón griego. La colección llegó a Gran Bretaña entre 1801 y 1805 de manos de Thomas
Bruce, conde de Elgin, un oficial británico residente en la
Atenas otomana, quien ordenó que se retiraran estas
piezas del Partenón. Desde 1939, los mármoles se
exponen en una sala habilitada especialmente dentro del
Museo
Británico
de
Londres.
En total, la colección representa más de la mitad de las
esculturas decorativas del Partenón: 75 metros de los casi
Metopa de los mármoles del Partenón.
160 que tenía el friso original; 15 de las 92 metopas; 17
figuras parciales de los pedimentos así como otras piezas de
arquitectura.
Las adquisiciones de Elgin incluían también piezas de otros edificios
de la Acrópolis ateniense: el Erecteión, , los Propileos y el Templo de
Atenea Niké. Los mármoles de Elgin incluyen, por tanto, algunas
estatuas procedentes de los pedimentos, las metopas que describen
enfrentamientos entre lapitas y centauros, así como el friso del
Partenón que decoraba la parte interior del templo. En la actualidad,
aproximadamente dos terceras partes del friso están en Londres y el
resto permanece en Atenas. No se sabe a ciencia cierta cual es el
significado del friso pero los expertos coinciden en decir que describe
Detalle del friso
una procesión de los juegos atenienses que se celebraban en Atenas
cada cuatro años. La procesión del friso termina al este del Partenón y
representa a los dioses griegos sentados a cada lado del templo con sus sirvientes en el centro.
- Antigüedades griegas y romanas - Destacan fragmentos del friso del Partenón, así como restos de dos de las
antiguas maravillas del mundo: el Templo de Artemisa y el Mausoleo de Halicarnaso.
La Vasija de Portland.
La Vasija de Portland es un recipiente romano construido en el siglo I. .Está expuesta en
el Museo Británico desde 1945. La vasija de Pórtland mide aproximadamente 25
centímetros de alto y 56 de diámetro. Está hecha de cristal azul violáceo y envuelta con
un camafeo de cristal blanco que representa a humanos y dioses. Aunque aún sigue
siendo un misterio, una de las interpretaciones que se ha dado a este dibujo es que las
figuras describen dos escenas diferentes: una es la historia del emperador Augusto junto
al dios Apolo; la otra es un sueño premonitorio de Hécuba en el que se muestra como el
Juicio de Paris traería la destrucción de Troya. Según las escenas y el estilo del
trabajo, se cree que la vasija se construyó en Alejandría entre el 20 a. C. y el
año 100.
La vasija de Portland.
La Copa Warren.
La copa Warren es una copa de plata romano. Es única por estar decorada con
representaciones homoeróticas, dos actos sexuales explícitos entre hombres, de
gran calidad artística. Es conocida por el nombre de su primer dueño en época
moderna, el coleccionista y escritor Edward Perry Warren. Probablemente fue un
encargo a un artesano griego de un cliente romano del primer siglo D.C,
posiblemente durante el reinado de influencia helenística de Nerón..
Copa Warren.
La Piedra de Rosetta.
La Piedra de Rosetta es un fragmento de una antigua estela egipcia de
granodiorita inscrita con un decreto publicado en Menfis en el año 196 a. C. en
nombre del faraón Ptolomeo V. El decreto aparece escrito en tres alfabetos: el
texto superior en jeroglíficos egipcios, la parte intermedia en escritura demótica
y la inferior en griego antiguo. Gracias a que presenta esencialmente el mismo
contenido en los tres alfabetos, con diferencias menores entre ellos, esta piedra
facilitó la clave para el entendimiento moderno de los jeroglíficos egipcios.
Originalmente dispuesta dentro de un templo, la estela fue probablemente
trasladada durante la época paleocristiana o la Edad Media y finalmente usada
como material de construcción en un fuerte cerca de la localidad de Rashid
(Rosetta), en el delta del Nilo.
La Piedra de Rosetta.
El Juego Real de Ur
El Juego Real de Ur se refiere a dos juegos de mesa encontrados en las
Tumbas Reales de Ur por Sir Leonard Woolley en la década de 1920.
Las dos tablas datan de la fecha de la Primera Dinastía de Ur, antes del
2600 a. C., con lo que el Juego Real de Ur probablemente es el más
antiguo set de un juego de tablero encontrado. Uno de los dos tableros
es exhibido en las colecciones del Museo Británico en Londres. Un
juego de mesa conocido con cierto grado de certeza es más viejo que el
Juego Real de Ur, es el antiguo juego egipcio llamado Senet, existen
registros posiblemente anteriores al siglo XXXIII a. C. Ambos juegos
pueden ser predecesores del actual backgammon.
El Juego Real de Ur
La Colección Stein de Asia central.
Sir Aurel Stein fue un arqueólogo muy conocido por sus
exploraciones en Asia Central, China e India. La mayor parte de la
carrera de Stein se desarrolló asociado a instituciones británicas e
indias, consiguiendo la mayor parte de sus colecciones y
publicaciones revolucionar los estudios orientales en el siglo XX.
La Colección Stein de la Biblioteca Británica se centra en
manuscritos chinos, tibetanos y de Tangut, además de muchos
tipos de documentos recopilados en sus viajes por Asia Central en
los años veinte y treinta. Fue el descubridor de los manuscritos de
la lengua Tocharian, una lengua perdida de los oasis de Tarin
Basin y descubrió muchos yacimientos en Irán y Balochistan.
Su mayor descubrimiento fueron las cuevas de Mogao, conocidas como las “cuevas de cien budas”, cerca
de Dunhuang. Allí se descubrió el diamante Sutra, el texto impreso más antiguo del mundo, además de otros
40.000 pergaminos.
Colección de momias egipcias.
La gran colección de arte egipcio del Museo Británico. Esta colección se extiendo por zonas del
mismo. Por un lado, las grandes piezas arqueológicas las encuentras en las grandes galerías y
salas de la planta baja,.
En esta zona pueden ver, entre numerosas y espectaculares esculturas y objetos diversos, el
Coloso de Ramses II, que fué trasladado al museo a principios del siglo XIX.
Sarcófago de la sacerdotisa Henutmehyt
El Obelisco de Nectanebo II o la estatua de Amenofis III son algunos otros ejemplo de arte egipcio que
puedes ver en esta zona del museo.
El otro gran atractivo proveniente de Egipto que nos muestra el Museo Británico son los espectaculares
sarcófagos y las numerosas momias egipcias. Estas piezas las encontraremos en otra zona diferente del
museo: en la segunda planta. Las salas egipcias del segundo piso contienen una colección única de momias,
sarcófagos y otros objetos funerarios, junto con varios objetos que ilustran la vida cotidiana de los egipcios.
De especial interés son las ilustraciones a las diversas ediciones del Libro de los Muertos, desde la XVIII
dinastía (ca. 1400 a. C.) hasta el s. II d. C.
Los Bronces de Benin.
Los bronces de Benín son una colección constituida por más de mil piezas
conmemorativas que provienen del palacio real del reino de Benín. Fueron creadas por
los pueblos edos desde el siglo XIII y, en 1897, los británicos se apoderaron de la mayor
parte de ellas. Los bronces de Benín propiciaron una mayor apreciación por parte de
Europa de la cultura africana y del arte tribal. Inicialmente, parecía imposible e increíble
que gente tan «primitiva» y «salvaje» fuese la responsable de la creación de objetos tan
desarrollados. Incluso se llegó a la conclusión que habían tomado el conocimiento
metalúrgico de los portugueses. Actualmente, se sabe que los bronces eran fabricados en
Benín desde el siglo XIII y que buena parte de las colecciones datan de los siglos XV y
XVI.
Placa de bronce de Benín
El sello de Ciro y varios objetos persas.
El tesoro de Oxus de Persia data de los siglos V y IV antes de Cristo y fue
encontrado en la región de Takht-i Kuwad, Tadjikistan, siendo la colección
más importante de arte en oro y plata del periodo persa de Achaemenid que
sobrevive en nuestros días.
En el Museo Británico hay 170 objetos, que probablemente se hallasen en
un templo. El tesoro de Oxus contiene muchos tipos de piezas: vasijas,
pequeñas copias de carros tirados por caballos, sellos, anillos, diferentes
tipos de objetos personales y monedas.
Los bajorrelieves de los palacios de Nínive y Nimrud.
Nínive era una importante ciudad asiria, cercana a la actual Mosul en
Iraq,se encuentra en la orilla oriental del Tigres.En cuanto a Nimrud fue
una de las capitales de Asiria, junto con Assur, Nínive y Dur Sharrukin.
Está situada junto al río Tigris, a unos 30 km al sudeste de Mosul.
Los asirios desarrollaron un gran imperio y se harán con el poder de
Mesopotamia. Se trata de una monarquía militar. Los reyes más
importantes son: Assurnasirpal II (s. IX, 883 - 859), quien instaura la
capital en Nirnud; Salmanesar III (858 - 824) y mantiene la capital;
Sargón II el Grande(721 - 705) que sitúa la capital en Khorsabad;
Senaquerizo (705 - 631) que trasladan la capital a Nínive; y Assurbanipal
(669 - 626) que mantienen la capital en Nínive.
Los bajorrelieves de Nínive y Nimrud se llaman "ortostatos", hechos en piedra, mármol o alabastro yesoso.
Se completaban con pinturas cuya finalidad era básicamente propagandística, pretendiendo realzar la figura
del monarca. Los temas están en relación a esta finalidad ya que la temática religiosa es secundaria. Por
tanto, predominan las acciones bélicas y los temas de caza, para exaltar la fuerza y el valor del monarca.
Las principales características del relieve son que las figuras se representan especialmente en tres cuartos y
en ellas se pretende captar el movimiento, siendo más visible en los animales que las personas. Todos los
relieves son narrativos y en ellos se busca el detallismo.
Las figuras más famosas son el toro alado que eran genios que protegían al palacio. El toro está
representado de frente y a la vez de perfil, por eso tiene cinco patas, de frente está quieto y de perfil
está andando. Otra característica importante son las alas: están hacia atrás y en posición horizontal.
La cabeza es humana, con melena y barbas largas y tocado con cuernos, lo que le relaciona con la
divinidad.
En cuanto a los relieves de los palacios son todos muy parecidos. Son frisos continuos esculpidos
en bajorrelieve en los que siempre se representa al rey luchando, cazando, victorioso, etc.
El busto de Pericles.
Pericles nació el 495 a.C, siendo un importante e influyente político y orador
ateniense en los momentos de la edad de oro de la ciudad, convirtiéndose en el
principal estratega de Grecia. Pericles fue uno de los grandes dirigentes de Atenas,
un hombre honesto y virtuoso, tan importante que se le llegó a llamar “el primer
ciudadano de Atenas”, llegando a considerar el periodo en el que Pericles gobernó
Atenas como el “Siglo de Pericles”.
El autor de tan afamado busto de Pericles fue Krésilas. Este artista de Kydonia
vivió en el siglo V a.C, trabajando en Atenas durante las guerras del
Peloponeso, siendo un gran seguidor de la escultura idealizada de Mirón. Por
ello, el busto de Pericles lleva el casco Corintio, como símbolo de su posición
de estratega. Se han hecho numerosas copias, que se recogen en los Museos Vaticanos, el Museo
Británico y el Altes Museum de Berlín.
La copia romana del Discóbolo de Mirón.
El Discóbolo es una escultura realizada por Mirón de Eleuteras en torno al 455 a. C.,
que representa a un Atleta justo en el instante anterior a lanzar un disco.
Mirón representa el cuerpo en el momento de su máxima tensión y esplendor; ese
esfuerzo no se refleja sin embargo en el rostro de la estatua , que muestra solo una
tenue concentración. La torsión del cuerpo, es vigorosa, pero al mismo tiempo
armoniosa y delicada. Todo el cuerpo está echado hacia delante, para producir con el
balanceo posterior el impulso necesario para poder lanzar el disco.
Artefactos encontrados en el barco funerario de Sutton Hoo.
El buque anglosajón de Sutton Hoo fue descubierto por arqueólogos en 1939. Es
el ejemplo mejor preservado de un barco construido en Europa del Norte que
haya sido descubierto hasta la fecha. Gracias a la cámara mortuoria ubicada
sobre el área central de la nave, se conservaron inestimables y maravillosos
tesoros históricos, incluyendo una armadura, armas, objetos de oro, monedas y
ropas.
El Obelisco de Nectanebo II.
El Obelisco de Nectanebo II es un monumento erigido hacia el año 350 a. C., en la época de
Nectanebo II, Senedyemibra Najthorhabet, el último faraón de la dinastía XXX de Egipto, la
última dinastía de reyes egipcios. El obelisco es gemelo de otro, y los dos estaban erigidos a
la entrada del santuario de Tot, (dios de la Luna), situado en la antigua Hermópolis Magna, la
actual ciudad egipcia de El-Ashmunein. El obelisco era un símbolo solar y en el aparecen
varias inscripciones que son una dedicatoria al dios Tot (señor de Hermópolis).
La mayor colección de porcelana China de Europa.
La mayor colección de numismática del mundo.
Huellas de Buda, esculturas procedentes de Asia.
El Obelisco de Nectanebo II.
1 hora en el museo
National Gallery
La National Gallery o Galería Nacional es el principal museo de arte de Londres, situado en la parte norte de
Trafalgar Square. Exhibe pintura europea de 1250 a 1900, procedente de la colección nacional de arte del
Reino Unido.La colección permanente, que consta de 2.300 pinturas.
A pesar de haber sido fundada sin una colección real que la sustente (la Colección de Isabel II subsiste como
un ente independiente), la National Gallery de Londres se ha convertido en una galería de arte de renombre
internacional desde su fundación en 1824. Fue conformada principalmente por sus primeros directores,
incluido el pintor Sir Charles Lock Eastlake, y aumentada por donaciones privadas, que actualmente
componen dos tercios de su colección permanente. Aunque de tamaño reducido, en comparación con otras
pinacotecas como el Louvre, la National Gallery destaca por exhibir obras maestras de toda la Historia de
Arte occidental, haciendo posible admirar a través de su colección la evolución de los estilos pictóricos desde
el comienzo del Renacimiento hasta el Postimpresionismo. La original National Gallery en el siglo XIX
estaba basada primordialmente en arte italiano y neerlandés mientras que poco a poco fue aumentando sus
obras de arte moderno.
La National Gallery ha sido alojada en tres edificios diferentes, cada uno de los cuales se vio con el tiempo
inadecuado para los propósitos expositivos. El edificio actual fue comenzado por William Wilkins, y ha sido
objeto de notables extensiones, cuyas obras principales estuvieron a cargo de Edward Middleton Barry y
Robert Venturi.
Frente a la riqueza asimétrica de muchos museos de origen real, que son ricos en unos artistas y pobres en
otros, la National Gallery es un museo bastante homogéneo en calidad y variedad, con un despliegue casi
enciclopédico de la historia de la pintura. Ha mantenido una política férrea: adquirir sólo pinturas (no hay
esculturas ni objetos decorativos como en otros museos) y siempre de la máxima calidad. A esto hay que
sumar las ricas aportaciones del coleccionismo privado. En los siglos XVIII y XIX, la aristocracia británica
fue seguramente la más activa de Europa comprando obras maestras del continente, y gradualmente, muchas
de estas obras han ido ingresando en la National Gallery.
El fondo del Renacimiento italiano es justamente famoso, y se considera el más completo que puede verse
fuera de Italia. Hay artistas italianos que tienen mejor presencia aquí que en los más renombrados museos de
su país. Sobresalen los ejemplos de Piero della Francesca, la rica colección de Rafael y los cuadros de
Tiziano, en su mayor parte de su etapa juvenil. Combinados con los del Museo del Prado, permitieron
montar una antológica exposición que se mostró en ambos museos.
El fondo holandés del siglo XVII es también ilustre, con abundantes ejemplos de Rembrandt. El fondo de
pintura española es algo reducido en número, pero de máxima calidad, con piezas fundamentales desde
Bartolomé Bermejo hasta Goya. Sobresale la Venus del espejo, obra capital de Velázquez y que muchos
consideran la principal joya de este museo.
La batalla de S. Romano. Paolo Ucello
Poco después de que la batalla, luchada en 1432,
tuviera lugar, Paolo Uccello pintó tres escenas de la
misma. Inicialmente, se encontraban en el Palacio
Medici, de Florencia; actualmente están en tres de los
museos más importantes del mundo: la National
Gallery, de Londres, la Galería de los Uffizi, en
Florencia y el Louvre, en París.
El más conocido de ellos es el que se encuentra en
Londres. En él, el mercenario comandante de los
florentinos, Niccolo Maurizi di Tolentino, se lanza a
galope montando un caballo blanco. La batalla se convierte en un campo sembrado de lanzas que marcan la
verticalidad y la horizontalidad, creando prácticamente un tablero sobre el suelo, a la vez que indican un
punto de fuga principal ubicado casi en el centro de la pintura. Todo está en desorden, condensándose la
mayoría de los personajes en el lado izquierdo de la imagen mientras que las figuras que luchan se
encuentran a la derecha. Al fondo hay distintas escenas que quedan separadas del escenario principal por los
árboles.
El Matrimonio Arnolfini . Van Eyck. 1434.
Es un cuadro lleno de enigmas así como de belleza. Un enigma nos
lo proporciona la inscripción de Van Eyck en el muro del fondo, en
bellísimos caracteres góticos entrelazados. La inscripción no dice
que Van Eyck pintara el cuadro, sino que "Jan van Eyck estuvo
aquí". Es una extraña declaración, que se explica si pensamos que
Van Eyck era amigo de los Arnolfini y que probablemente actuara de
padrino o testigo de la boda. A esta solución apunta también el
espejo del muro, que refleja a dos asistentes al enlace, uno de los
cuales parece un pintor (el que está vestido de azul). La
minuciosidad de Van Eyck permite identificar no sólo las figuras
reflejadas, sino también los adornos del espejo: son diez escenas con
la Pasión y muerte de Jesucristo. Otros elementos simbólicos que han
llenado de conjeturas el cuadro aparecen en la estancia como simples
objetos dispersos por la habitación: el perrillo a los pies de los
esposos indica fidelidad conyugal, la lámpara con una sola vela
encendida simboliza el matrimonio, como también la esculturita de
Santa Margarita en el pomo de la cama, el manojo colgado de la
misma cama simboliza la fertilidad, y así un largo etcétera. Casi
todos los elementos que aparecen tienen algo que ver simbólicamente con la escena, pero Van Eyck los pinta
como accesorios totalmente casuales esparcidos por la habitación.
El cuadro podemos valorarlo desde dos puntos de vista, por un lado sus aportaciones estéticas desde una
perspectiva exclusiva del lenguaje pictórico. En este sentido, estéticamente la pintura destaca por el
protagonismo que se otorga a la línea, precisa y detallista como es habitual en todos los cuadros de su autor;
la utilización de la luz, que gracias al óleo produce una sensación atmosférica brillante y luminosa, y su
naturalismo delicado y de una minuciosidad exquisita.
La técnica al óleo consigue finalmente unas calidades casi palpables en los objetos, lo que se advierte
especialmente en la minuciosidad y detallismo de los aspectos más pequeños. Es lo que se ha dado en llamar
realismo sensorial.
Venus y Marte . Boticelli. 1483. Renacimiento Italiano. Óleo sobre tabla
Si bien la temática mitológica es
muy reducida en la producción
total de Botticelli, no deja de ser
sorprendente que se trate de la
más popular. Obras como el
Nacimiento
de
Venus,
la
Primavera, Minerva y el Centauro,
la Calumnia o esta composición
que conserva la National Gallery
de Londres forman parte de la
iconografía renacentista más
conocida por el gran público, rayando a la misma altura que las obras religiosas.
El apaisado formato y la temática de esta tabla hacen pensar a los especialistas que estamos ante un panel
para un banco o arcón, uno de los regalos de boda más habituales entre las elitistas familias florentinas. Al
aparecer unas avispas -vespe, en italiano-zumbando alrededor de Marte indican que podría tratarse de un
regalo para un miembro de la familia Vespucci, precisamente una de las ramas familiares que había adoptado
la avispa en su escudo de armas.
Venus, la diosa del amor y la belleza, aparece vigilante mientras su amante, Marte, el dios de la guerra y
símbolo del deseo violento, duerme. Tres traviesos sátiros juegan a su alrededor y ni así consiguen sacarle
del profundo sueño. Los amantes aparecen reclinados uno junto al otro, en una gruta formada por un mirto,
árbol dedicado a Venus, lo que hace suponer que nos encontramos en un espacio dominado por la diosa del
amor, idea reforzada por el gesto y la posición dominante de Venus. La diosa, medio incorporada,
observando con mirada atenta y segura a su amante medio desnudo, se cubre con un vestido casi
transparente, efecto conseguido gracias a un tenue sombreado que ha sido aplicado sobre un sombreado más
ligero con el que ha sido modelada la carne de Venus, definiendo el maestro los contornos con una línea
negra, firme y sinuosa. Cintas doradas y un broche de perlas sobre el pecho adornan la blanca túnica de
Venus, entendiendo el broche como un símbolo de castidad.
El tema de la tabla es el triunfo del amor sobre la guerra, consiguiendo Venus distraer a Marte de sus
acciones bélicas, consiguiendo incluso que los sátiros utilicen sus armas como juguetes. Uno de los sátiros
intenta despertarle soplando una concha en su oído mientras otros dos roban la lanza del dios, un cuarto se
prueba el casco y un quinto sale gateando de la coraza, mirando con un gesto cargado de picardía.
El bautismo de Cristo. Piero Della Francesca .1448-50. Renacimiento Italiano
El Bautismo de Cristo es una de las obras tempranas más famosas de
Piero della Francesca. En ella encontramos una referencia paisajística
básica para la pintura del Quattrocento ya que se acerca a la realidad que
circunda al artista, considerándose una imagen de las cercanías de
Sansepolcro donde el pintor nació y vivió la mayor parte de su tiempo.
Encontramos así una destacable alusión a la perspectiva, fundamental en
la obra de Piero, ya que las propias figuras conforman el espacio donde
se asientan. La figura de Cristo se sitúa en el centro de la composición,
recibiendo el agua bendita de su primo san Juan Bautista; sobre su
cabeza encontramos la paloma del Espíritu Santo y bajo sus pies las
aguas del río Jordán. Tres figuras aladas se sitúan junto al árbol; han sido
identificadas como los ángeles que acompañaban a Cristo en su bautismo
pero no portan las vestiduras ni los elementos típicos, interpretándose
como una alusión a la Concordia entre las Iglesias occidental y oriental
que llegaron a acercamientos en el Concilio Ecuménico celebrado en
Florencia en 1439, fecha en la que el maestro se encuentra en la capital
de la Toscana. Esa hipótesis se refuerza con los atuendos orientales de los personajes que se aprecian tras el
catecúmeno que se despoja de sus ropas. Las figuras están sabiamente interpretadas, obteniendo un marcado
acento volumétrico gracias al empleo de la luz, resaltando el aspecto escultórico y anatómico de los
personajes, especialmente de Jesucristo. Las tonalidades no son muy vivas, al bañar las figuras con esa luz
blanca y uniformemente distribuida. Las referencias a la Escuela florentina del Quattrocento, tan admirada
por el maestro, son obligadas, encontrando ecos de Masaccio, Masolino, Fra Angelico o Domenico
Veneziano.
Los embajadores. Hans Holbein, el Joven .1533
Cuando Holbein inserta a sus retratados en un espacio perspectivo,
como en su famoso retrato de Los embajadores Jean de Dinteville y
George de Selves, prototipo e hito en el género de retrato doble, la
propia perspectiva es burlada insertando una calavera curiosamente
deformada mediante la "anamorfosis" -también empleada por
Leonardo- que, en su mensaje de vanitas dirigido sólo a quienes sepan
ver, convierte las múltiples actividades de los protagonistas del cuadro,
atestiguadas en los numerosos accesorios incluidos, en pura vanidad.
La presencia de la calavera cuestiona toda la espacialidad del cuadro,
plena de elementos de naturaleza muerta -preciosos instrumentos
musicales y científicos dispuestos sobre la mesa cubierta con un
elegante tapiz- que adquieren un valor simbólico, centrado en el laúd
con una cuerda rota -la armonía se ha quebrado- que, a su vez, centra la
composición.
La obra fue realizada por Holbein para recordar la visita, acaecida en
Londres en 1513, del eclesiástico Georges de Selve -que en el lienzo se
presenta a la derecha- a su amigo Jean de Dinteville, embajador francés en la
capital inglesa. Los dos personajes son emprendedores jóvenes de la época
ya que con 25 y 29 años respectivamente habían alcanzando importantes
éxitos en la carrera diplomática. De Selve había sido elevado desde niño a la
dignidad obispal, acreditándose después ante la Santa Sede para convertirse
más tarde en embajador en Venecia, intentando en numerosas ocasiones
conciliar a católicos y protestantes. De Dinteville será uno de los principales
miembros de la diplomacia francesa, siendo utilizado en numerosas
ocasiones por el rey Francisco I como colaborador para los asuntos
internacionales.
Santo Entierro. Miguel Ángel. 1500-1501. Técnica mixta
El Santo Entierro (en italiano, Sepoltura) es un cuadro inacabado
atribuido al pintor renacentista italiano Miguel Ángel. La datación es
alrededor de 1500-1501. Una técnica mixta (témpera y óleo). Mide
162 centímetros de alto y 150 cm. de ancho. Se conserva en la
National Gallery de Londres, Reino Unido.
La obra ha sido objeto de una serie de disputas sobre su posición
cronológica, aunque en general se considera obra de juventud. Según
otros, fue una obra de un alumno de Miguel Ángel a partir de un
dibujo de su maestro o, directamente, una imitación .
Según un documento descubierto en 1981 , Miguel Ángel recibió el
encargo de una tabla para la iglesia de San Agustín en Roma, pero
llegó un momento en que el artista devolvió la suma que le habían
anticipado. Aunque no existe ninguna certeza, es probable que la
obra en cuestión fuese de hecho este Santo Entierro, que quedó
inacabado debido al regreso de Miguel Ángel a Florencia.
El centro del cuadro representa a Jesucristo llevado al sepulcro. El hombre con barba que está tras él es José
de Arimatea, el hombre que dio su tumba para la sepultura de Cristo. La figura de la izquierda es
probablemente san Juan, con una larga túnica roja, mientras que arrodillada a sus pies estaría María
Magdalena.
La identidad de las dos figuras de la derecha es incierta (Nicodemo, la del interior, y María Salomé se han
sugerido). La otra figura que falta sería la de la Virgen María.
Baco y Ariadna. Tiziano .1520-22 . Oleo sobre lienzo .Renacimiento Italiano.
En 1516 Tiziano inicia una estrecha relación con Alfonso d´Este, el duque de Ferrara, quien encargará al
pintor algunos cuadros de la Cámara de Alabastro para su
castillo de Ferrara. Durante cuatro años Tiziano realizó tres
cuadros mitológicos: la Ofrenda a Venus, la Bacanal y el Baco
y Ariadna. La cámara sería destruida a finales del siglo XVI.
Ariadna era hija del rey Minos y fue ella quien dio a Teseo el
hilo con cuya ayuda el héroe ateniense consiguió escapar del
laberinto. El héroe y la joven huyeron de Creta pero Teseo
abandonó a Ariadna en el litoral de la isla de Naxos. Cuando
ella descubrió que había sido abandonada rompió a llorar
siendo escuchado sus lamentos por Baco, quien se apiadó de la
joven. El dios del vino se enamoró y tomó por esposa a
Ariadna. Cuando ella falleció, Baco recuperó la corona de oro
que le regalara y la convirtió en estrella. En este cuadro
podemos contemplar el momento en el que el cortejo de Baco
llega ante Ariadna. Una carroza tirada por tigres, danzantes,
sátiros y músicos forman el cortejo mientras que el dios aparece en la zona del fondo, subido a una mula.
Ariadna se sitúa en la izquierda, haciendo un primer gesto de desprecio al que más tarde se convertirá en su
marido. En la zona de la derecha encontramos al Laoconte con las serpientes rodeando su cuerpo. Las figuras
están integradas a la perfección en el paisaje, siguiendo el estilo de Giorgione, mientras que en la sensación
de fuerza y tensión se manifiesta cierta cercanía a la obra de Miguel Angel. Sin embargo, el color y la luz
serán una importante aportación de Tiziano, creando una acertada sensación de movimiento y alegría que
provoca la integración del espectador en la escena. Las tonalidades brillantes, las calidades de las telas, el
detallismo en algunas zonas serán elementos que identifican el estilo tizianesco de estos años iniciales de la
década de 1520.
La Virgen de las Rocas. Leonardo da Vinci .1506 Oleo sobre tabla.Renacimiento Italiano
Leonardo recibió un encargo, el
veinticinco de abril de 1483 para
realizar una Madonna. El cliente era
la Hermandad de la Inmaculada
Concepción, con la que Leonardo
entró en contacto a través de los
hermanos Evangelista y Ambrogio
de Predis. Los monjes recibieron
una primera versión de la Virgen de
las Rocas, que hoy se encuentra en
el Louvre, rechazada por ciertas
inconveniencias
formales.
Esa
primera versión fue comprada por el
rey de Francia
El tema iconográfico que elige
Leonardo para la obra es un capítulo
apócrifo de la vida de Jesús: cuando
Juan el Bautista niño, San Juanito,
huérfano, refugiado dentro de una
gruta y protegido por un ángel,
Nacional Gallery
encuentra a la Sagrada Familia en su
huida a Egipto.
En el cuadro predominan la línea que contornea las figuras y los colores más utilizados son el marrón, el
negro, el azul y el color carne. Hay contrastes de luz y sombra que provocan el efecto de que el sol ilumina la
imagen.
En esta obra Leonardo pone en práctica con total maestría su teoría de la “perspectiva aérea”, según la cual la
profundidad en los cuadros se consigue usando tonalidades de azul y que los elementos sean cada vez menos
detallados conforme se alejan del primer plano, creando así una ilusión óptica.
La Virgen está sentada en el suelo de un refugio rocoso de alta montaña..Es un ambiente absolutamente
innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas
que caen y aguas que se arremolinan. Tanto las flores como las plantas acuáticas están representadas con
gran precisión, si bien las especies representadas son distintas en uno y otro cuadro.
La Virgen se encuentra situada en el centro, con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista, a quien la
Virgen está mirando. A su izquierda hay un ángel sentado, Uriel, y más abajo está el niño Jesús, el cual
también mira a Juan Bautista.
En la versión del Louvre, Uriel apunta a Juan y, con una leve sonrisa, mira ligeramente hacia el espectador.
Este gesto falta en la versión londinense, en la que el ángel mira al niño y no hace ninguna señal con el dedo.
Otra diferencia entre la versión de Londres y la de París es que en la de la National Gallery aparecen
atributos que faltan en la del Louvre, como los halos de santidad y la tradicional vara cruciforme de San
Juan.
Cena en Emaús . Caravaggio. 1600-01.Oleo sobre lienzo
La escena de este óleo narra los primeros pasos de Cristo
resucitado. Habiendo encontrado éste a dos de sus discípulos en el
camino a Emaús, los hombres no reconocen a su maestro hasta el
momento de la cena en una posada, pues al bendecir Jesús el pan y
el vino reconocen el gesto de la Eucaristía y, por ende, a su Señor.
Caravaggio ha utilizado una composición muy frecuente en la
pintura veneciana, en especial de Tiziano, con Cristo en el centro,
acompañado de un sirviente. Sin embargo, ha llenado la escena de
sutiles indicativos de la divinidad y el misterio desvelado de la
resurrección, que algunos coetáneos de Caravaggio criticaron por
ser inapropiados. Uno de estos elementos fue el cesto de frutas que
adorna la mesa: copiado literalmente del Cesto de Frutas, se censuró el que contuviera frutos de otoño,
cuando la resurrección había tenido lugar en primavera. Sin embargo, como apreciamos en el comentario del
citado Cesto, cada fruta es una alusión simbólica: la manzana al pecado original, la granada a la pasión, etc.
Por otro lado, el resto de los manjares resume los elementos de la Eucaristía: el pan, el vino y la jarra de
agua. Los gestos y las posiciones de los personajes también nos indican el verdadero significado de la
escena: Cristo bendice el pan con el mismo gesto del Dios Creador del Juicio Final de Miguel Angel. Pedro
extiende sus brazos en el mismo gesto de un crucificado, como lo fue Cristo y como lo habría de ser el
apóstol más tarde. Sólo los discípulos pueden reconocer el gesto de Cristo, por lo que el criado, ignorante de
lo que está presenciando, no se ha descubierto la cabeza como haría si reconociera al Mesías. Un último
detalle que revela la divinidad de Cristo oculta a los ojos humanos es la sombra que el criado proyecta sobre
el fondo pero no sobre Jesús, quien parece iluminado por una luz interna.
Mujer de pie tocando el virginal. Vermeer de Delft. 1672-73. Oleo sobre lienzo.
Buena parte de los especialistas consideran que los asuntos musicales
pintados por Vermeer están relacionados con alusiones a la
seducción, por lo que nos encontramos ante obras de clara intención
moralizante. La joven que aquí contemplamos, elegantemente
vestida y ataviada con un collar de perlas, aparece de pie, tocando el
virginal y dirigiendo su mirada hacia el espectador. Como es habitual
en los trabajos del maestro, la escena se desarrolla en un interior
burgués, destacando el zócalo con azulejos de figuras y la bicromía
del suelo, así como los amplios ventanales de la izquierda que
permiten penetrar un amplio haz de luz que ilumina toda la estancia.
En primer plano nos encontramos ante una silla tapizada en azul,
elemento típico de la pintura de Vermeer que siempre ubica algún
objeto cercano al espectador para enlazar -o alejar, según se
considere- con sus figuras. En la pared encontramos dos cuadros que
se consideran claves interpretativas del asunto: un paisaje con marco
dorado y el Cupido de Cesar van Everdingen -presente también en
Clase de música interrumpida-; el dios del amor sostiene en su mano izquierda una carta, inspirado en un
grabado de Otto van Veen, uno de los maestros de Rubens. Se considera que esta alusión al amor estaría
relacionada con el amor único del marido, mientras que el nombre del instrumento musical que toca la dama
se vincularía con la virginidad, asunto que preocupaba especialmente a los moralistas de la época. El gesto
risueño de Cupido podría aludir a la duda ante la virginidad de la muchacha, ironizando sobre uno de los
temas fundamentales de la moral social de la época moderna.
Técnicamente, nos encontramos con una obra de gran calidad al interesarse Vermeer por los tonos brillantes
-azules, amarillos, blancos- que se resaltan gracias al empleo de una iluminación potente y clara, creando
contrastes lumínicos que recuerdan a los caravaggistas de Utrecht, sin renunciar a la influencia de
Rembrandt. Las calidades de las telas y de los diferentes objetos están representadas de manera acertada, a
pesar de la sensación atmosférica que envuelve la estancia. El resultado es una obra de gran impacto visual,
relacionada en el tema con la Mujer sentada tocando el virginal.
La Venus del Espejo. Velázquez. 1648. Oleo sobre lienzo.
Es la única obra conservada de Velázquez en la
que aparece una mujer desnuda, aunque sabemos
que pintó alguna más. Por supuesto, nadie duda
de su autenticidad, pero sí existen discusiones en
torno a la fecha: unos piensan que la hizo en
1648 y otros que fue en Italia, entre 1648-1650.
Lo que sí es cierto es que apareció en un
inventario en 1651 como propiedad del Marqués
de Eliche, gran amante de la pintura de
Velázquez y de las mujeres, por lo que se piensa
que puede representar a su esposa o a una de sus
amantes. Quizá por despistar, el pintor coloca el
rostro del espejo difuminado para así reflejar el
cuerpo desnudo de la dama que el marqués
amaba. Existen numerosas referencias en la
obra: Rubens, Tiziano, Giorgione e incluso Miguel Ángel. Pero el sevillano supera a todos ellos y coloca a
una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el
paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto. Posiblemente esto provocó que
una sufragista inglesa acuchillara el cuadro en 1914 con siete puñaladas que apenas sí se notan. Da la
sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que
se refleja el rostro de la belleza, aunque lo que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa. En cuanto a la
técnica, cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las
figuras circula aire, el famoso aire velazqueño.
Autorretrato a la edad de 34 años. Rembrandt, 1640. Oleo sobre lienzo
Buen conocedor de la pintura italiana del Cinquecento, Rembrandt utilizó
como fuente de inspiración varias obras de Rafael y Tiziano a la hora de
realizar este autorretrato. De hecho se presenta vestido a la moda del siglo
XVI, trasladándose a la Florencia de los Médici, empleando una pose apoyándose el codo sobre una balaustrada - muy querida por Tiziano. Pero
será el rostro donde el maestro centre toda su atención. Rembrandt tiene en
estos momentos 34 años, su arte es solicitado por la clase más importante
de Amsterdam, está casado con una mujer de buena familia y posee una
buena casa. Todo esto le hace posar con un gesto de felicidad y con un
atuendo y una pose digna de un cortesano renacentista. Como viene siendo
habitual en las obras de estos años iniciales de la década de 1640, el
maestro recurre a una luz muy dorada y potente que otorga un sensacional
efecto atmosférico a las composiciones, difuminando los contornos y los
detalles, creándose una sensación tremendamente realista.
La Temeraire camino del desguace. Joseph M. William Turner .1839
Material:Oleo sobre lienzo
En alguna ocasión, Turner puso sus pinceles al
servicio de la crónica de su tiempo. En primer lugar
con El incendio de la Cámara de los Lores y después
con la Temeraire, un famoso barco de combate que
había participado en la batalla de Trafalgar y que fue
desguazado en 1838. Turner ha querido jugar con el
destino de la embarcación al utilizar un ocaso cuya luz
se filtra entre las nubes y se refleja en las aguas del
mar. Ese ocaso será el de la propia Temeraire. Junto a
la nave podemos observar un remolcador de vapor; la
tecnología ha vencido a la tradición. El humo del
remolcador es otro punto importante de referencia al
igual que los reflejos de ambos barcos en el agua. Los
azules, amarillos y blancos serán muy comunes en la
paleta del maestro londinense, haciéndolos aún más luminosos al emplear una potente iluminación. El
resultado es una obra cargada de romanticismo con la que Turner cosechó un importante éxito.
El carro de heno. John Constable .1821 .Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Romanticismo Inglés
Durante una visita de Gericault a Londres tuvo la
oportunidad de contemplar este lienzo pintado por
Constable. El pintor francés alabó la tela a su regreso a
París y en 1824 el galerista francés John Arrowsmith
adquirió la tela para exponerla en el Salón de ese año.
Constable consiguió la medalla de oro y Delacroix se
impresionó tanto con la obra que decidió cambiar el fondo
de su Matanza en Schios. La influencia que el pintor inglés
manifestará en la pintura francesa será muy elevada,
especialmente a partir de Courbet y la Escuela de
Barbizon, llegando a los impresionistas. El Estado francés
quiso comprar la obra pero el galerista no quiso venderla
por separado por lo que hoy cuelga en la National Gallery
de Londres. Gracias al premio obtenido y las excelentes críticas en el país vecino, Constable aumentó su
confianza a pesar de que en Inglaterra la tela no fue recibida con mucho entusiasmo cuando fue exhibida en
la exposición de la Royal Academy de 1821.
El carro de heno es una de las obras más famosas del maestro inglés. Se trata de una de los "six-foot", obras
de gran tamaño realizadas para conseguir importante éxito de crítica tomando como temática la vida
cotidiana del valle del Stour. La protagonista es una carreta, dispuesta en diagonal, tirada por dos caballos
que cruza el río. Al fondo podemos apreciar los amplios campos de heno bañados por la luz, apreciándose
algunas figuras trabajando. En la zona izquierda de la composición la famosa casa de Willy Lott y unos
frondosos árboles cierran la perspectiva. Un perrillo en primer plano, una mujer lavando y un hombre
pescando son los elementos pintorescos que incorpora el artista. Pero lo principal será el tiempo atmosférico,
tal y como refleja su primer título: Paisaje: mediodía, ya que el maestro nos muestra el momento en que el
sol alcanza su máximo esplendor.
Siguiendo el naturalismo que caracteriza sus composiciones, Constable se interesa por el efecto atmosférico
y el juego de claroscuro, mostrando el aire que se respira en la composición de manera difícilmente
superable.
Realizado a partir de un amplio número de bocetos y estudios, Constable parece presentar con cierta
nostalgia el paisaje en el que se había criado, en sus propias palabras "una plácida representación de una
serena mañana gris de verano".
Baños en La Grenouillère . Claude Monet .1869.Estilo:Impresionismo
Uno de los lugares favoritos de Monet y Renoir era el
restaurante de la isla "La Grenouillère" junto al Sena,
cerca de Bougival; los baños y los paseos en bote eran
las actividades demandadas por los numerosos parisinos
que se desplazaban al lugar, los jóvenes pintores
encontraron en este maravilloso entorno la inspiración,
realizando varias obras.. En el verano de 1869 Monet y
Renoir pasan una temporada en La Grenouillère, un
hermoso lugar a orillas del Sena, no lejos de París, donde
la gente se reunía los fines de semana. Allí elaboran la
técnica impresionista de pinceladas fragmentadas y
colores brillantes. De esta época es Baños en La
Grenouillère, considerada como la obra en que se
manifiesta por primera vez esta técnica. La pincelada
empleada por Monet es muy rápida, con largos toques de color que consiguen una mayor sensación de
momentaneidad. Los jóvenes pintores impresionistas se alejan así de la tradición académica imperante en
aquellos años finales de la década de 1860.
Catorce girasoles.Vincent Van Gogh .1888 . Oleo sobre lienzo
Estilo:Neo-Impresionismo
La soledad de Van Gogh en los primeros meses de estancia en Arles
- sólo charlaba con varios amigos y el cartero Roulin - llevó a su
hermano Theo a animar a Gauguin para que fuera a vivir con
Vincent a la Casa Amarilla. Vincent pretendía organizar, a partir de
ahí, la comunidad de artistas del sur en la que se compartieran gastos
e ideas y se ofrecieran apoyo mutuo. Desde agosto a octubre de 1888
Vincent acondiciona la casa pintando, comprando mobiliario nuevo e
instalando entradas de gas para que Gauguin la encontrara
confortable. Para decorar las paredes pensó que podría realizar
bodegones con girasoles provenzales. Éste es uno de los que realizó Jarrón con girasoles - y muestra catorce grandes girasoles en un
simple jarrón. Vincent emplea una gruesa línea para marcar la silueta
del jarrón y la supuesta mesa que delimita el espacio en el que se
sitúa el bodegón. Pero lo más destacable son las flores, obtenidas con
una amplia gama de amarillos y verdes, en una increíble sensación
de alegría y vida, tal y como se encuentra el ánimo del artista en
estos momentos. La pincelada empleada es rápida y vibrante,
creando el estilo peculiar de un genio universal del color como es
Van Gogh. Uno de los paneles que formaba parte de esta decoración fue vendido en 1987 por 5.000 millones
de pesetas a una aseguradora japonesa.
El Museo
Tate Modern
dispone de una
de las colecciones de arte moderno
importantes y prestigiosas del mundo.
El
más
Tate Modern es una de las galerías de arte
moderno más relevantes del mundo, solo
comparable con el MoMA de Nueva York, el Centro
Pompidou de Paris o el Museo Reina Sofía de
Madrid. Posee obras modernas y contemporáneas
de los mejores artistas del siglo XX.
El edificio
Una de las peculiaridades de este prestigioso museo es el edificio donde se aloja. Se trata de la
antigua central eléctrica de Bankside, situada en la orilla del Támesis y frente al Puente del
Milenio. Esta enorme central de ladrillos se construyó entre los años 1947 y 1963 por el arquitecto
Giles Gilbert.
La decisión de trasladar el museo a la central eléctrica se planteó en el año 90. El anterior edificio se
estaba quedando sin espacio, por lo que se pensó en la central, que llevaba desde el año 81
abandonada y proporcionaba una amplia superficie donde exponer las colecciones.
Tras una importante obra de acondicionamiento no fue hasta el mes de mayo del 2000 cuando el
nuevo museo abrió sus puertas al público. Desde entonces es uno de los museos más visitados de
Londres. Su gran torre de 99 metros es otro de los aspectos llamativos del edificio del Tate Mordern.
En el hall de entrada del Tate Modern, nos suele recibir una instalación gigante, la cual la suelen
cambiar de 2 a 3 veces por año
Colecciones
El Tate Modern posee una espectacular colección de obras de
arte
moderno.
corresponde
a
la
antigua
Sala de
La primera planta
Turbinas llamada The Turbine Hall, dedicada a exposiciones
temporales. Estas exposiciones suelen cambiar una vez al año.
La segunda planta contiene
una pequeña galería donde se
exponen de manera temporal
trabajos de estilo contemporáneo.
Estas exposiciones suelen tener una duración de entre 2 a 3 meses.
El tercer nivel del museo es de los más importantes con
exposiciones temporales que abarcan obras abstractas, impresionismo e
impresionismo abstracto de artistas de la talla de Monet, Kapoor,
Matisse y Dean Tacita entre otros. También cuenta con exposiciones de
obras de artistas surrealistas y otras obras inspiradas en este estilo.
La cuarta planta corresponde a galerías donde se
realizan exposiciones temporales especiales con
importantes obras de arte. Las exposiciones suelen durar
alrededor de 4 ó 5 meses y para acceder a estas es
necesario pagar una entrada.
Lichtenstein: A Retrospective
Tate Modern: Exhibition
21 February – 27 May 2013
La quinta y última planta se centra en el cubismo, vorticismo, pop art, el futurismo, el
minimalismo y arte povera. Se pueden ver obras de Picasso y Andy Warhol.
Colección permanente de Tate Modern
Es la colección que expone permanentemente la Tate Modern de Londres. Se puede dividir según su
época en colecciones de obras de arte indviduales.
Impresionimo y postimpresionismo
La galería conserva una selección de las figuras que marcaron el nacimiento del arte contemporáneo.
Renoir, Pisarro, Sisley, Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Paul Gauguin y Seurat están
representados. También se exhiben cuadros como Álamos en el Epte, de Claude Monet, y El
jardinero, de Cézanne, en los que se utilizaron las técnicas innovadoras que condujeron al arte
abstracto.
Principios del siglo XX
El siglo XX se abre con escenas íntimas y decorativas de los nabis Vuillard y Bonnard. Después, la
pintura de vanguardia comienza con los fauvistas (la palabra significa "animales salvajes"),
representado con el retrato de Henri Matisse de su amigo Derain. Todos los grandes movimientos de
principios de siglo están representados: el cubismo revolucionario de Picasso, Braque y Léger; el
dinámico futurismo inspirado en las máquinas con artistas como Severnini y Boccioni; las obras
estremecedoras de Munch, Kirchner, Bewckman y otros expresionistas alemanes, así como otros
estilos más tradicionales que florecieron en Gran Bretaña después de la I Guerra Mundial. Lo más
notable en esta última sección son algunas obras de Sir Stanley Spencer, como Resurrection,
Cookham.
Hay también importantes trabajos de artistas abstractos de relieve internacional como Kandinsky,
Mondrian y Malevich, y abstractos británicos como Ben Nicholson. En cuanto a escultura, hay obras de
Rodin, Brancusi, Hepworth y Moore. Los surrealistas también están presentes con varios cuadros de
Dalí a la cabeza de todos ellos.
Segunda mitad del siglo XX
La serie de estilos y escuelas de después de la II Guerra Mundial refleja el desarrollo internacional en la
pintura y escultura abstracta y figurativa. Desde el desolado paisaje de Paul Nash, Totes Meer (Mar muerto),
a las sobresalientes sobrecogedoras "nuevas imágenes del hombre" creadas por Giacometti, Dubuffet y
Bacon. Las obras de Picasso, Matisse y Léger reflejan la evolución del arte abstracto y expresionista del
período de postguerra. Una de las mejores obras es el gigantesco collage de recortes de papel de Matisse,
Caracol. La galería posee también varios cuadros expresionistas abstractos estadounidenses de los años
cuarenta y cincuenta: De Kooning, Newman, Pollock y Rothko. Adquisiciones posteriores de la colección
son los lienzos de Morris Louis. La enorme colección de la Tate Britain sigue creciendo y recoge la
evolución del arte contemporáneo.