Programación Teatro Juan Bravo primer trimestre

Transcripción

Teatro Juan
Bravo
Dosier
ENERO FEBRERO
MARZO / 2015
Diputación de Segovia
Area de Cultura, Turismo y Juventud
ENERO FEBRERO MARZO 2015
Dia 2 de Enero
“ALADIN “ EL MUSICAL DE DISNEY
(CICLO TEATRO FAMILIAR NAVIDEÑO)
Con Naim Tomas como Aladin
Recomendado para niñ@s a partir de
4 años y público familiar
2 Funciones : 18:00 Hrs. y 20:00 hrs.
Precio: 15 € (único)
Dias 3 y 4 de Enero
“SFERA” Espectaculo Circense
(CICLO TEATRO FAMILIAR NAVIDEÑO)
Compañía: Teatrapo Teatro
Recomendado para niñ@s a partir de
4 años y público familiar
Función: 19:00 Hrs.
Precio Amigos del Juan Bravo: 4 € (único)
Día 21 de Enero
CONCIERTO MUSICA CLASICA
NATALIA SOKOLOVSKAYA PIANO
Función: 20:15 horas
Precio: 15 Euros (único)
Programa Sociedad Filarmónica de Segovia
Día 22 y 23 de Enero
JUEVES 22
VIERNES 23
JUAN BRAVO UN TEATRO DE CINE
FIN DE SEMANA DE GANGSTER S
“UNO DE LOS NUESTROS”
“ERASE UNA VEZ EN AMERICA”
Función: 20:30 HRS.
Precio entrada: 2 €
Día 24 de Enero
JUAN VALDERRAMA SINFONICA CON LA BANDA MUNICIPAL DE
MUSICA DE EL ESPINAR
Función 20:30 hrs.
Precio entrada: 12 € único
Precio amigos del Juan Bravo 10 €
Día 25 de Enero
CICLO BANDAS DE MUSICA PROVINCIAL
Horario: 13:00 hrs.
Precio de entrada : 3 € único.
Día 28 de Enero
ROMÁNTIC TRIO / Gennady Dzyubenko (piano), Pierfrancesco
Fiordaliso (violin)
Día 30 de Enero
CICLO TEATRO INSTITUTOS
FUNCION ESPECIAL CENTROS ENSEÑANZA / INSTITUTOS
“PERDIDOS EN NUNCA JAMAS”
Horario de Función: 12:00 hrs.
Precio: 4 Euros / Alumno
Día 31 de Enero
“ANTOLOGIA COMICA DE LA ZARZUELA”
Compañía: Compañía Lírica Ibérica
Función: 20:30 hrs.
Precio Club Amigos del Juan Bravo 10 €
Red de Teatros Públicos de Castilla y León
Día 1 de Febrero
CICLO APERITIVOS A BANDA
Horario: 13:00 hrs.
Día 5 de Febrero
“CENICIENTA” POR CONFIRMAR
Espectáculo infantil Patrocinado por Leche Gaza
Ganaderos de Zamora
Entrada Libre hasta completar aforo, previa retirada de invitación
Horario : 19:00 hrs.
Día 6 de Febrero
CESION
GRAN GALA DEL DEPORTE SEGOVIANO
Organizado por la Asociación de la Prensa Deportiva
Entrada por invitación y libre hasta completar aforo
Día 7 de Febrero
“INSOLACIÓN”
Compañía: Faraute Producciones
Con Maria Adanez
Precio: 20, 18 y 16 €
Precio Club Amigos del Juan Bravo 18, 16 y 14
Dia 8 de Febrero
“EL PRINCIPITO”
Recomendado a partir de 4 años y público familiar
Dia 9 de febrero
“EL PRINCIPITO”
FUNCION ESPECIAL CENTROS DE ENSEÑANZA
Espectáculo Infantil
Día 11 de Febrero
QUINTETO DE VIENTO “ORFEO”
Día 19 de Febrero
JUAN BRAVO UN TEATRO DE CINE
HUMOR EN BLANCO Y NEGRO
“Sopa de Ganso” Los Hermanos Marx
Función: 20:30 HRS.
Precio entrada: 2 €
Día 20 de Febrero
“JUGADORES”
Compañía: Producciones Teatrales Contemporáneas
Precio: 20, 18 y 16 €
Día 21 de febrero
CESION ESPACIO TEATRO J. BRAVO BENEFICO
TODOS CON LEO
MARATON DE ESPECTACULOS
Función:
Precio de entrada:
Día 22 de Febrero
Horario: 13:00 hrs.
Día 25 de Febrero
YEDAM KIM PIANO
Día 27 de febrero
CESION ESPACIO TEATRO J. BRAVO
ASOCIACION MIASTENIA concierto música cámara
Función: 20:30 Hrs
Precio de entrada: 10 € único
Día 28 de Febrero
EFECTO MARIPOSA CICLO ACUSTICOS DEL JUAN BRAVO 2015
Precio Club Amigos del Juan Bravo 13 €
Dia 1 de Marzo
PINTA PINTO
Compañía: Ruido Interno
Dia 2 de Marzo
PINTA PINTO FUNCION ESPECIAL CENTROS DE ENSEÑANZA
Compañía: Ruido Interno
Día 5 de Marzo
“REVIENTO SI NO LO CUENTO”
SERGIO PAZOS
Entrada previa retirada de invitación
PATROCINADO POR ONDA CERO RADIO
Día 6 de Marzo
“A VUELTAS CON LA VIDA” CLASICOS SEGOVIA 2015
Compañía: Txalo Producciones
Con Beatriz Carvajal
Precio: 20, 18 y 16 €
Día 7 de Marzo
“LAS HERIDAS DEL VIENTO”
Con Kity Manver y Dani Muriel
Función del Espectador
Precio: 15 € (única)
Dia 8 de Marzo
“POMPON”
CICLO ESPECIAL PARA BEBES Y NIÑOS DE 6 MESES A 4 AÑOS
Compañía: Teatro La Sonrisa
Recomendado a partir de 6 meses hasta 4 años
Día 11 de Marzo
METROPOLITAN JAZZ BAND DE PRAGA Y EVA EMINGER
Día 12 de Marzo
CESION
ACTO PUBLICATESSEN
ALUMNOS PUBLICIDAD
Entrada por invitación.
Día 13 de Marzo
RAMONCIN CICLO ACUSTICOS DEL JUAN BRAVO 2015
25 ENTRADAS VIP PRECIO 48 € ACCESO UNA HORA ANTES PARA VER
ENSAYOS Y PRESENTACION Y SALUDO AL ARTISTA.
Día 14 de Marzo
“LA CURVA DE LA FELICIDAD”
Con: Sergio Fernandez, Josu Ormaetxe, Antonio Vico y Jesús Cisneros
Precio: 20, 18 y 16 €
Dia 15 de Marzo
“CORPORE OHH!
CICLO ESPECIAL PARA BEBES Y NIÑOS DE 6 MESES A 4 AÑOS
Compañía: Eugenia Manzanera
Recomendado a partir de 1 a 4 años
Precio: 3 € (único
Día 20 de Marzo
CICLO TEATRO INSTITUOS
FUNCION ESPECIAL CENTROS ENSEÑANZA / INSTITUTOS
“CORTEN” teatro Improvisado
Colaboración de Susso 33 (Escenografia y diseño de fondos)
y Nacho Mastreta (Música)
Precio: 4 Euros / Alumno
Día 20 de Marzo
“CORTEN” teatro Improvisado
Colaboración de Susso 33 (Escenografia y diseño de fondos)
y Nacho Mastreta (Música)
Precio: 8 Euros
Día 21 de Marzo
“CHEQUIN” ESPECTACULO DE MAGIA TEATRALIZADO
PAULINO GIL
Precio: 6 €
Día 22 de Marzo
Horario: 13:00 hrs.
Precio de entrada : 3 € único
Día 25 de Marzo
ERNESTO GRISALES & VICTOR CARBAJO TENOR Y PIANO
Día 26 de Marzo
CESION A JUNTA DE COFRADIAS DE SEMANA SANTA
Concierto guardia real
Hora: 20:30 hrs.
Entrada libre
Día 27 de Marzo
“TERESA, MISERERE GOZOSO”
Espectáculo conmemorativo celebraciones del V Centenario del
Nacimiento de Santa Teresa de Jesús
En colaboración con la Junta de Castilla y León
Horario: 20:30 hrs.
Precio: 15 €
Día 28 de Marzo
CESION ESPACIO TEATRO J. BRAVO
CONCIERTO / PINKTONES
VERSIONES PINK FLOYD
ASOCIACION AMREF
Precio de entrada: 20 € único
Día 29 de Marzo
Horario: 13:00 hrs.
Precio de entrada : 3 € único
de 24 años Natalia Sokolovskaya , nacido en
Astrakhan, Rusia, comenzó a tocar el piano a la
edad de tres años. Actualmente, ella está
estudiando tanto como pianista y compositor en
el Royal College of Music de Londres con Norma
Fisher y en el Conservatorio Estatal de Moscú con
Yuriy Slesarev y Alexander Tchaikovskiy. Sra
Sokolovskaya ganó 1 st premio en el 2013 Ricard
Viñes La competencia en España, y 4 ºpremio en
el Concurso de Piano 2013 Europea en
Francia. Natalia ha dado numerosos recitales por
toda Europa y ha participado en conciertos bajo
los auspicios del Concurso Internacional de
Piano Frederic Chopin de Varsovia (2010).
CINE FIN DE SEMANA DE
GANGSTERS
Título original Goodfellas
Año 1990
Duración 148 min.
País
Estados Unidos
Director Martin Scorsese
Guión Nicholas Pileggi, Martin Scorsese (Novela: Nicholas Pileggi)
Música Varios
Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Paul Sorvino, Debi
Mazar,Mike Starr, Tony Darrow, Frank Sivero, Frank Vincent, Chuck Low, Frank
DiLeo,Clem Caserta, Illeana Douglas, Melissa Prophet, Samuel L.
Jackson, Michael Imperioli, Tobin Bell, Billy L. Sullivan, Frank Adonis, Louis
Eppolito, Victor Colicchio,Isiah Whitlock Jr., Tony Sirico, Vincent Pastore
Productora Warner Bros.
Thriller. Drama | Mafia. Crimen. Años 70. Años 80. Película de culto. Basado en
hechos reales
Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, vive en Brooklyn y se siente
fascinado por la vida que llevan los gángsters de su barrio, donde la mayoría de
los vecinos son inmigrantes. Paul Cicero, el patriarca de la familia Pauline, es el
protector del barrio. A los trece años, Henry decide abandonar la escuela y entrar
a formar parte de la organización mafiosa como chico de los recados; muy pronto
se gana la confianza de sus jefes, gracias a lo cual irá subiendo de categoría.
(FILMAFFINITY)
Premios 1990: Oscar: Mejor actor secundario (Joe Pesci). 6 nominaciones
1990: Globos de Oro: 5 nominaciones, incluyendo Drama, Director y Actor Sec.
(Pesci)
1990: 5 Premios BAFTA, incluyendo mejor película y director. 7 nominaciones
1990: National Board of Review: Mejor Actor Sec. (Joe Pesci), 10 mejores
películas
1990: Festival de Venecia: León de Plata (Mejor director)
1990: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, Mejor director. 5
Nominacio
Título original Once Upon a Time in America
Año 1984
Duración 225 min.
País
Estados Unidos
Director Sergio Leone
Guión Sergio Leone, Leonardo Benevenuti, Piero Bernardi, Enrico Mendioli, Franco Arcalli,
Franco Ferrini
Música : Ennio Morricone
Tonino Delli Colli
Reparto Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Tuesday Weld, William
Forsythe, Treat Williams, Jennifer Connelly, Burt Young, Joe Pesci, Danny Aiello,Clem
Caserta, James Russo, Mario Brega, Brian Bloom, Chuck Low, James Hayden,Larry
Rapp, Richard Bright, Rusty Jacobs, Scott Schutzman Tiler
Warner Bros. Productor: Arnon Milchan
Drama | Mafia. Crimen. Amistad. Años 20. Años 30. Años 60
Principios del siglo XX. David Aaronson, un pobre chaval judío, conoce en los
suburbios de Manhattan a Max, otro joven de origen hebreo dispuesto a llegar
lejos por cualquier método. Entre ellos nace una gran amistad y, con otros
colegas, forman una banda que prospera rápidamente, llegando a convertirse, en
los tiempos de la Ley Seca (1920-1933), en unos importantes mafiosos.
Premios 1985: 2 nominaciones a los Globos de Oro: Mejor director, banda sonora original
1985: 2 premios BAFTA: Mejor vestuario, banda sonora original. 5 nominaciones
1985: Premios de la Academia Japonesa: Mejor Película Extranjera
1985: Premios David di Donatello: Nominado Mejor Director Extranjero
1985: Sindicato Italiano de Periodistas de Cine: 5 premios incluyendo Mejor Director
1985: Kinema Junpo Awards (Japón): Mejor Película Extranjera
“ROMÁNTIC TRIO” fue creado en 1991. Ya las primeras actuaciones del grupo atrajeron la
atención de la prensa y la primera gira artística en 14 ciudades de España encontró una amplia
resonancia entre el público y los críticos españoles.
En la manera de tocar de los músicos se destacan: inspiración y animación profunda,
profesionalidad impecable, interpretación artística de las obras, sintonía y virtuosismo del
conjunto. En los años siguientes los conciertos del “ROMÁNTIC TRIO” no hacen más que
confirmar
las críticas unánimes que ha venido recibiendo hasta ese momento en la prensa de Rusia,
Letonia, Eslovenia, Alemania, Luxemburgo, Francia, Portugal y Japón donde el conjunto toca
en varias ocasiones y participa en los festivales internacionales. En 1995 el “Romántic trio”
graba su primer disco en los EEUU sobre las obras de Antón
Rubinstein que hasta ahora prácticamente no se han
interpretado: Trio N 1, op. 15 y Trio N 3, op. 52. Su actuación
recibe una apreciación muy alta, “5 diapasons” en la revista
musical parisiense “Diapasón” y, un periodista de la famosa
revista inglesa “The Strad” reconoce que “...el “Romántic
Trio” es magnífico dando vida a la música romántica
olvidada”.
De la actividad creativa del “Romántic trio” hablan muchas
radios y compañías de la TV en Rusia - “Eco de Moscú”; “Radio Rusa”; “Mayak” (”El Faro”);
“Orfeus”; TV6; en España - “Radio Nacional de España”; en Francia - “Radio France”; diferentes
radios de música en los Estados Unidos.
El repertorio del conjunto, además de las obras maestras de compositores clásicos de Europa
Occidental, incluye prácticamente todos los tríos conocidos de los compositores rusos. Este
trabajo también recibe resonancias muy entusiastas de la crítica musical y del público.
Una técnica musical magnífica, una afección abnegada a la música y un rigor a su trabajo
permite al conjunto ganar el amor y el reconocimiento de los millones de espectadores.
Sinceridad auténtica, expresividad romántica son los rasgos característicos del arte del
“Romàntic trio”, que según un crítico musical francés, ha tenido toda la razón de haberse
escogido este nombre.
PERDIDOS EN NUNCA JAMÁS
“Intento desesperadamente hacerme mayor, pero no puedo,” decía James
M. Barrie, el escritor de Peter Pan en sus diarios. Y eso hacemos nosotros.
En este País de Nunca Jamás Trabajarás en lo que Estudiaste que es España, Peter Pan ya no
cree en las hadas y es un nini que ni estudia ni trabaja. Wendy en sus 30 ha tenido que volver a
casa de sus padres, era periodista y ahora no sabe lo qué es… de niña le gustaba contar
historias. Un reencuentro, una noche en el bar de Garfio en el que puedes ser todo lo que
desees: tener un trabajo acorde a tu formación, una casa, una familia…un cuento de hadas
para adultos. Pero ¿es eso lo que Wendy verdaderamente quiere? Y un aeropuerto por el que
desfilan un montón de jóvenes, los chicos perdidos de los que tanto se habla. Wendy está allí,
como en el original, con su
maleta,
abandonando
Nunca Jamás para poder
crecer.
Esta obra habla de los
sueños de nuestros padres
y de los nuestros, de un
país reconstruido con
basura porque se nos
quedó
obsoleto.
Es
un music hall gamberro,
una canción de nana que
hace mucho que no
escuchamos, una de piratas…
En el primer Peter Pan, hay un mensaje muy claro: nunca hay que perder la fe infantil, capaz
de producir prodigios.
Y eso decimos nosotros también: en tiempos difíciles, creemos en las hadas.
Estreno 12 de abril 2013,en el Teatro Circo de Murcia
PREMIO “JOSÉ LUIS ALONSO” PARA JÓVENES DIRECTORES, ADE 2013
Considerado como tercer mejor espectáculo del 2013 por El País
PROMO: https://vimeo.com/73663245
WEB: www.thecrossborderproject.com
FACEBOOK: https://www.facebook.com/crossborderproject
TWITTER: https://twitter.com/crossborderproj @crossborderproj
#nuncajamas
VIMEO: Píldoras de la obra para difusión en redes sociales:
http://vimeo.com/74517035
http://vimeo.com/73661845
INSTAGRAM: http://instagram.com/crossborderproject
Dirección e idea original de: Lucía Miranda
Dramaturgia: Silvia Herreros de Tejada
Poemas cedidos por: Brenda Ascoz e Isabel Cadenas
Producido por Cross Border Project con la colaboración del Teatro Circo de Murcia, el LAVA de
Valladolid y el Centro Cultural de San Chinarro.
Reparto
Peter Pan: Ángel Perabá
Garfio, Hada, Padre de Wendy: Rennier Piñero
Lelo, Hada: Efraín Rodríguez
Wendy: Belén de Santiago
Madre de Wendy,Plumífera,Hada: Laura Santos
Espacio sonoro y música: Nacho Bilbao
Equipo técnico y artístico
Diseño de Luces: Toño Camacho y Pedro Yagüe / Escenografía: Basurama
Vestuario: Laura Velasco y Paz Yañez / Documental sonoro: Déborah Gros
Sonido: Enrique Chueca / Producción: Andrés Gil
Diseño de cartel: Poliedro y Raúl Allén
Fotografías: Andrés Gil y Eva Filgueira
Antología Cómica de zarzuela
Esta Antología es un espectáculo que recrea los diferentes tipos cómicos que tan bien supieron
reflejar nuestros autores en el Género Chico.
Este espectáculo es diferente a las habituales en el género, ya que basa su protagonismo en los
números cómicos, sin olvidar, por supuesto, las romanzas de la gran zarzuela. El público ve
desfilar ante sus ojos escenas de diferentes zarzuelas (La Verbena de la Paloma, La Revoltosa,
Agua Azucarillos y Aguardiente, El Bateo etc.)y así de una manera amena y divertida se van
hilvanando retazos de un España alegre, personajes tan entrañables como Don Hilarión, la señá
Rita o Julianillo (“el que tié madre”) se dan la mano con “La Revoltosa” o con Asia la niña cursi
de principio del siglo XX. Así mismo se han metido
en el espectáculo algunas escenas habladas (por
ejemplo el dialogo de Vicente y Lorenzo de los
Azucarillos) que también con sus chascarrillos y
chulerías hacen disfrutar al publico de un lenguaje
lleno de tipismo y picardía.
Esta compañía está formada por un grupo de
profesionales que habitualmente colaboran con las
mejores compañías nacionales de zarzuela y teatro
(actores, cantantes y músicos), reunidos con la
intención de hacer llegar un género tan español
como la Zarzuela, Género Chico y Sainete a todo
tipo de espectadores; pequeños y grandes,
conocedores o no de este género. Con sus voces y
su buen hacer aportan a este espectáculo una
calidad que el publico ha sabido reconocer y
valorar en los diferentes teatros en donde ha sido
representada, es de resaltar el vestuario que
aporta una nota de color y magia de otro tiempo ya
que esta cuidado al máximo para así recrear tipos, usos y costumbres de la época.
Nuestro objetivo principal, aparte del ya mencionado, es hacer resurgir y a la vez valorar este
género que por diversos motivos está desapareciendo.
CONTENIDO DEL ESPECTACULO
La duración aproximada del espectáculo es de setenta minutos sin descanso. Los números
musicales son una gran selección de las siguientes zarzuelas:
La tabernera del puerto
Los Claveles
El año pasado por agua
Las Leandras
La alegre trompetería
La corte de Faraón
La Revoltosa
La Verbena de la Paloma
María La O
Agua, azucarillos y aguardiente
Estos números van enlazados entre sí con textos de diferentes autores, algunos de ellos
pertenecientes a las zarzuelas reseñadas. No se ha utilizado escenografía en el espectáculo por
lo tanto se puede realizar en salas grandes con cámara negra o en pequeñas salas de
conciertos. Hemos cuidado al máximo el vestuario, intentando que sea un fiel reflejo de la época
y tipos que representa. La música del espectáculo es en directo con piano.
Cantantes
Moisés Molín
Guadalupe Sánchez
José Luis Gago
Estrella Blanco
Dirección musical
Cesar Belda
Dirección artística
Estrella Otaola
Con Insolación, Emilia Pardo Bazán no solo escribió una fenomenal historia de
amor, sino una acendrada defensa del derecho a elegir de las mujeres. Lo hace en la
persona de Francisca de Asís Taboada, marquesa viuda de Andrade, gallega como la
propia autora y afincada en un Madrid de final de siglo donde las tradiciones y el
conservadurismo de la aristocracia y la alta burguesía generan un clima asfixiante que
constriñe los deseos e ilusiones de una dama todavía joven y atractiva que, de repente,
asumirá la capacidad de pensar y decidir por su cuenta.
En los apenas seis días que dura la acción, Asís conoce a Diego Pacheco, un muchacho
de buena sociedad con fama de conquistador, se deja requebrar por él más allá de lo
aceptable, se plantea lo incorrecto de su proceder, se dispone a abandonar un
comportamiento inconveniente regresando a su apacible y querida Galicia, y
finalmente decide dejar de plegarse a la
moral sexual de su entorno y no ya
entregarse sin miedo al placer, sino
capitanear la relación admitiendo que uno
debe intentar ser protagonista de su propia
historia.
Asís Taboada habita un entorno
aparentemente ilustrado, donde la gente
se reúne en salones y tertulias para
departir, pero en el que aún no ha calado a
fondo la idea de la igualdad entre hombres
y mujeres. Así ocurre con el tercer vértice
del triángulo, Gabriel Pardo, hombre culto
y reflexivo, aspirante a obtener en un
futuro la mano de la marquesa, y sorprendido por la rapidez con que Asís desarrolla su
desenvoltura. Es una manera masculina de negar los propios prejuicios pero al final
quedar en evidencia.
Esa apuesta por la evolución personal y la transformación entera de un modelo de vida
es uno de los elementos más destacados de Insolación. Para Marina Mayoral, “la
libertad, la independencia de la mujer, parece decirnos la autora, han de ganársela las
mujeres por su cuenta, porque el hombre mejor intencionado, a la hora de la verdad,
reacciona como el más convencional y obediente defensor de unas normas que, en
definitiva, les favorecen a ellos”. Pero al mismo tiempo fue el motivo por el que la
novela supuso en gran escándalo en el momento de su publicación.
El escándalo de Insolación
Como ocurriese con muchas otras de sus obras, Insolación fue considerada
pornográfica por parte de la crítica. Emilio Bobadilla (Fray Candil), llegó a escribir que
“una señora, lo que se llama una señora, no una disfrazada de señora -¡haytantas que
a la postre resultan unas tías!- no admite de buenas a primeras, y con ocasión de ir a la
iglesia, la invitación de un hombre casi desconocido a una romería donde menudean
los navajazos y las borracheras. ¿Qué amor religioso es ese que prefiere la juerga al
rezo?”.
No más indulgente se muestra un escritor rival, José María de Pereda, contraponiendo
la marquesa de Andrade a la que él mismo retrató en La Montálvez:
“Debo suponer yo que está mejor estudiada del natural, y por propia observación, la
otra marquesa, la de usted, la que se va de buenas a primeras con un galán, a quien
sólo conoce por haberle saludado la noche anterior en una tertulia, a la romería de San
Isidro; y allí se mete con él en figones y merenderos, se emborracha, etc., etc., hasta
volver ambos ahítos y saciados de todo lo imaginable, para continuar amancebados a
la vista del lector, con minuciosos pormenores sobre su manera de pecar. ¿Lo cree así
la señora Pardo? ¿Cree que esta marquesa es más humana y verosímil que la mía?
Santo y bueno; pero conste, en tal caso, que no he sido yo el que más ha agraviado a la
clase social a la que ambas pertenecen, y que si he pecado al pintar a la Montálvez, ha
sido por carta de menos, que siempre es de agradecer.”
Para Carmen Bravo Villasante, “lo que desconcierta al lector de la época es que en
Insolación la Pardo Bazán escribe con una sinceridad tremenda, desde su punto de
vista de mujer, y lo mismo que Rosalía expresó como poeta lo que sintió como mujer,
ahora la Pardo expresa como novelista estos sentimientos femeninos que nadie se
hubiera atrevido a manifestar. Así, es nuevo, desusado oír a una dama decir qué
hermosas son las piernas masculinas”.
Con sentido del humor, Carmen Bravo pone el ejemplo de “un caballero presuroso”
que “entra en el Casino de la Amistad, de Marineda, con las manos en la cabeza”, y
exclama: “¡Qué escándalo, Dios mío! ¡Qué escándalo! Insolación y Morriña en el
escaparate de la Librería Central”.
Lo autobiográfico de Insolación
Insolación está dedicada a José Lázaro Galdiano. Mientras mantenía una relación
semiclandestina con Benito Pérez Galdós, Emilia Pardo Bazán conoció al célebre
periodista y coleccionista durante la Exposición Universal de Barcelona de 1888, y tuvo
con él un breve romance que confesaría a Galdós en una carta: “Mi infidelidad
material no data de Oporto, sino de Barcelona, en los últimos días del mes de marzo –
tres después de tu marcha”.
La carta continúa así: “Perdona mi brutal franqueza. La hace más brutal el llegar tarde.
Y no tener color de lealtad. Nada diré para excusarme, y sólo a título de explicación te
diré que no me resolvía a perder tu cariño confesando un error momentáneo de los
sentidos fruto de circunstancias imprevistas. Eras mi felicidad y tuve miedo a
quedarme sin ella. Creía yo que aquello sería para los dos culpables igualmente
transitorio y accidental. Me equivoqué: me encontré seguida, apasionadamente
querida, y contagiada. Solo entonces me pareció que existía problema: solo entonces
empecé a dejarme llevar hacia donde –al parecer- me solicitaban fuerzas mayores,
creyendo que allí llenaba yo mayor vacío y hacía mayor felicidad. Perdóname el
agravio y el error, porque he visto que te hice mucho daño; a ti, que solo mereces
rosas y bienes, y que eres digno del amor de la misma Santa Teresa que resucitase”.
Publicada en 1889, Insolación ha sido vista en numerosas ocasiones como una
trasposición de la pasión que un año antes había tenido la autora con Lázaro,
semejante a la que describe entre Asís y Pacheco. Aunque Ermitas Penas Varela ha
mostrado que la novela se había empezado a escribir antes de que este conocimiento
se produjese, ha estudiado las variantes del texto y las galeradas concluyendo que los
cambios en la redacción de la novela sí reflejan lo sucedido entre ambos escritores en
la vida real: “Esta experiencia, error de los sentidos, pero al fin vivida
apasionadamente como escribía doña Emilia a Galdós, podrían orientar bastantes de
las numerosas enmiendas de las galeradas.
Insolación nos habla del encuentro de dos latitudes españolas, el norte y el sur, como
metáfora de las clases sociales imperantes en la España de finales del siglo diecinueve.
La clase aristocrática y sus estrictas leyes sociales frente a la España más popular con
una moralidad menos asfixiante y más libre. La autora presenta el encuentro entre la
gallega marquesa de Andrade y el apuesto gaditano Pacheco que viene a romper la
pacífica y acomodada vida de la marquesa. Lo interesante que muestra la autora en
esta novela que ahora llevamos a su versión para la escena no es la lucha de estas dos
personalidades sino su encuentro, no es un mensaje segregador, al contrario, unifica y
nos hace intuir que la separación entre clases en la España del diecinueve empieza
poco a poco a transformarse.
El discurso y las acciones de los protagonistas es en cierto modo revolucionario y no
me extraña las críticas machistas y el escándalo que produjo la publicación de esta
novela. Emilia Pardo Bazán nos describe a Asís Taboada como una mujer que se revela
como heroína posromántica, describiendo el amanecer de la pasión dentro de ella y
siendo consecuente con lo que le despierta Pacheco, su última acción mostrando su
amor públicamente nos hace descubrir que las mujeres empiezan a reivindicar su
papel social y político.
El sol de España como elemento determinista hace que las pasiones ocultas florezcan
en un precioso y caluroso día de San Isidro. Imaginamos la puesta en escena de este
nuevo texto dramático en un espacio natural, abierto a los influjos del astro supremo
sobre la ciudad de Madrid, con el cielo y los sonidos de esa ciudad que empieza a
despertar hacia un siglo que se avecina determinante para el futuro de las relaciones
entre hombres y mujeres.
Gracias a Pedro Víllora y a Celestino Aranda por dejarme redescubrir a Emilia Pardo
Bazán de mano de esta novela increíble y preciosa donde todo huele a libertad y a
amor.
María Adánez Almenara (Madrid, 12 de marzo de 1976)
es una actriz española conocida sobre todo por su papeles en tres de las series cómicas de
mayor éxito la historia de la televisión española como son el de Lucía Álvarez en la serie Aquí
no hay quien viva y el de María en Farmacia de guardia y Pepa y Pepe. En cine destaca su
papel de Lena en la película norteamericana My Life
in Ruins que se estrenó en un total de 13 países yrecaudó más de 20 millones de dólares. En la
actualidad, interpreta el papel de Rebeca Ortiz en La que se avecina.
CINE
1982 Mar brava Loca por el circo 1983 El currante El crack II Mar brava1989 El rey del mambo
El vuelo de la paloma 1994 Los peores años de nuestra vida 1995 La ley de la frontera 1997
Corazón loco actriz Enfermera tocólogo El tiempo de la felicidad 1998 Perdón, perdón El grito
en el cielo Cha-cha-chá actriz 1999 Entre las piernas 1999 Rewind 2001 Tiempos de azúcar
2002 Todos menos la chica 2002 X 2003 El lápiz del carpintero Descongélate! 2004 Tiovivo c.
1950 2007 El espíritu del bosque 2009 Mi vida en ruinas 2011 5ºB Escalera Dcha, Directora
TELEVISIÓN
1990 Crónicas urbanas 1993-1994 Farmacia de guardia 1995 Ay, Señor, Señor 1995 Pepa y
Pepe 1996-1997 Menudo es mi padre 1997 Los negocios de mamá 1998 Quítate tú pa'
ponerme yo 1999 Ellas son así 2002-2003 Javier ya no vive solo 2003-2006 Aquí no hay quien
viva 2007 Círculo rojo 2008-2009 Estados alterados 2011 El secreto de Puente Viejo 2013 La
noche en Paz 2013 La que se avecina
TEATRO
El príncipe y la corista (2002) La tienda de la esquina (2004) Dir. Lander Iglesias Salomé (2005)
Dir. Miguel Narros Las brujas de Salem (2007) Dir. Alberto González Vergel La señorita Julia
(2007-2008) Dir. Miguel Narros Beaumarchais (2010) La escuela de la desobedencia (20112012) Dir. Luis Luque La verdad (2012) Dir. Josep María Flotats
DOBLAJES
El espanta-tiburones como Angie (2004) Bee Movie como Vanessa Bloome (2007)
PREMIOS
Premios de la Unión de Actores: 2003 Mejor actriz protagonista de teatro El príncipe y la
corista Nominada 2005 Mejor actriz protagonista de televisión Aquí no hay quien viva
Ganadora Premios Ercilla: 2003 Mejor actriz revelación de teatro El príncipe y la corista
Ganadora Premios Mayte de Teatro: 2005 Mejor interpretación teatral La tienda de la esquina
Nominada 2008 Mejor interpretación teatral Las brujas de Salem Nominada 2009 Mejor
interpretación teatral La señorita Julia Nominada Festival de Cine de Islantilla: 2012 Premio
Luna de Islantilla a la mejor dirección 5ºB Escalera Dcha Nominada
Chema León
CINE:
“ANTES DE MORIR PIENSA EN MI” – Dir. Raúl Hernández
Garrido
TELEVISIÓN:
“HOSPITAL CENTRAL” – Telecinco “NO ESTÁS SOLA,
SARA” – TVE “UCO” - TVE
“MAITENA, ESTADOS ALTERADOS” - La Sexta “GUANTE
BLANCO” – TVE “FAGO” – TVE “AMAR EN TIEMPOS
REVUELTOS” – TVE “MESA PARA CINCO” – La Sexta
TEATRO:
“LA DAMA DUENDE” – Dir. Miguel Narros “YERMA” –
Dir. Miguel Narros “EN LA ROCA” - Dir. Ignacio García
“BARROCO” – Dir. Thomas Pandur “ASI ES (SI ASÍ OS
PARECE) – Dir. Miguel Narros “SALOMÉ” – Dir. Miguel
Narros “LA VOZ HUMANA” – Dir.Nacho García
“CLAXON” – Dir. Yllana EL PELÍCANO” – Dir. Rafa Galán
“SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO” – Dir. José Piris “CUANDO LADRAN LOS PERROS” – Dir.
Natalia Menéndez “LA DIVINA COMEDIA” – Dir.Mauricio Celedón
CORTOMETRAJES:
“VENTURA” – Dir. Diego Pérez
José Manuel Poga
CINE:
“PALMERAS EN LA NIEVE”- Dir. Fernando González Molina “EL MUNDO ES NUESTRO” – Dir.
Alfonso Sánchez “321 DÍAS” – Dir. Enrique García “EL NIÑO” – Dir. Daniel Monzón "MIEL DE
NARAJAS" - Dir. Imanol Uribe "GRUPO 7" - Dir. Alberto Rodríguez "UN MUNDO CUADRADO" Dir. Álvaro Begines
TELEVISIÓN:
“AQUÍ PAZ Y DESPUES GLORIA” – Telecinco "LA QUE SE AVECINA" - Telecinco
"ARRAYÁN" - Canal Sur "LAS 2001 NOCHES" - Canal Sur
TEATRO:
“TOMAR PARTIDO” – Dir. Pedro Álvarez-Ossorio "LA FIESTA DEL TORO" - Cía. 2Toreros2
Premio al Mejor Actor en el Festival de Comedias La Palma 2010
"HISTERIA ACÚSTICA PARA DOS VOCES" - Dir. Javier Berger "NOCHE LIBRESCA" - Dir. Jorge
Dubarry "RICKY RICARDO EL ARTISTA PLASTIFICADO" - Dir. Jorge Dubarry "DESTINO ANDALUSÍ"
- Dir. Antonio Reina "NO HAY BAR QUE POR BIEN NO VENGA" - Cia. El Calvo Invita "DE BAR EN
PEOR" - Cia. El Calvo Invita
Premio a la Mejor Interpretación Masculina en el Festival de Humor
Radio City 2004
CORTOMETRAJES:
“LA CLÁUSULA A-24”. - Dir. José Rodriguez y J. Antonio Moreno “LA OTRA CAMILLA” - Dir. Luis
Melgar “CINCO CONTRA UNO” - Dir. Jorge Naranjo.
Pepa Rus
TEATRO
“LOCURAS COTIDIANAS”- Dir. Carlos Be "LIFTING" - Dir. Félix Sabroso " ISTORIAS DE UN
KARAOKE" - Dir. Juan Luis Iborra "CHIRIGÓTICA" Dir. Antonio Álamo. "FREAK CABARET" – Dir.
José Troncoso.
"Había una vez un niño que habitaba un planeta apenas más grande que él y que tenía
necesidad de un amigo…" El principito vive solo en un pequeño planeta, el asteroide B612,
donde pasa sus días limpiando sus tres volcanes y quitando los árboles baobab que
constantemente intentan echar raíces allí -de permitirles crecer, los árboles partirían el
planeta en pedazos. Su única distracción es ver las puestas de sol.
Un día, de una semilla extraviada, nace en su planeta una hermosa flor...
El famoso relato de Antoine de Saint-Exupéry contado en clave de teatro musical, pero sin
dejar de ser absolutamente fiel al texto.
Música original, un coro de niños y una puesta en escena llena de imaginación y poesía, hacen
de este musical una experiencia única para compartir en familia: los niños aprenden a mirar las
cosas con un poquito más de profundidad y los mayores aprenden a ser niños otra vez.
El Principito es un clásico de la Literatura universal que ha cautivado a millones de lectores. El
escritor y aviador francés Antoine de Saint- Exupéry escribió el libro en 1943 y, desde su
publicación, ha sido traducido a más de 250 idiomas y dialectos, siendo la obra literaria
francesa más leída en el siglo XX y la tercera más difundida del mundo después de la Biblia y
Das Kapital, de Karl Marx.
En 1974 tuvo lugar el estreno de su adaptación cinematográfica, dirigida por Stanley Donen
(Siete novias para siete hermanos, Cantando bajo la lluvia, Un día en Nueva York,…).
Curiosamente, el papel protagonista del aviador se le ofreció en primer lugar a Richard Burton,
que no lo aceptó. La película tuvo
2 nominaciones a los Oscar, en las
categorías de Mejor canción y
Canción original de la BSO.
“Puede decirse que esta versión
de El Principito que ahora se
presenta
es
una
digna
representante del teatro infantil y
familiar. Promueve valores como
la amistad, la diversidad, el
sentido de la vida y el amor.
El Principito que planteamos
consiste en una transposición al
teatro musical de los elementos
que conforman el famoso libro.
El argumento es bien conocido por todos: un piloto tiene un accidente en el desierto del
Sáhara, sin agua y con pocas posibilidades de supervivencia de no arreglar a tiempo su avión.
Conoce entonces a un misterioso personaje, el Principito, que viene de una estrella. El
Principito le cuenta su periplo de planeta en planeta hasta llegar a la Tierra y todas las cosas
que le pasan aquí. Se hacen amigos.
En este relato hay dos marcos narrativos (uno dentro del otro, como las cajitas chinas). El
narrador de la novela, el piloto (proyección en la ficción del propio Exupéry), cuenta una
historia que habla de un extraño personaje (el Principito) y que tiene como destinatarios a los
niños lectores. Pero dentro de esa historia, el propio Principito se convierte en narrador para
contarle al piloto (su destinatario) cómo es su planeta y cómo ha sido su viaje hasta llegar a
encontrarse. En esta estructura de doble narración radica la esencia de nuestra propuesta, de
nuestra especial manera de convertir este relato en teatro.
Partimos de un trabajo de rastreo en el que buscamos la principal fuente de alimentación del
cuento, la defensa de lo infantil, de lo ingenuo, de lo espontáneo y de lo verdadero, en el
fondo la defensa de lo invisible y de la imaginación. Pueden parecer muchos conceptos, pero
todos ellos están íntimamente ligados y se pueden reducir a la contraposición niño-adulto,
porque el adulto, en la visión que de él ofrece Exupéry, no es ni infantil, ni ingenuo, ni
espontáneo, ni verdadero, ni imaginativo, sino todo lo contrario. ¿Qué expresa, pues, para
nosotros, la relación entre el piloto y el Principito? La recuperación del niño interior por parte
de un adulto que ha perdido la fe, algo así como un “volver a creer” en lo que no se ve sino con
los ojos de un niño (un cordero en el fondo de una caja llena de agujeros pintada en un papel)
En definitiva, creemos que, “El Principito”, es un espectáculo para los niños que saben lo que
buscan y para los adultos que aún recuerdan que una vez fueron niños.
El espectáculo comienza con un prólogo-monólogo en el que el piloto advierte a los niños del
teatro que van a presenciar la historia de lo que le ocurrió una vez que tuvo un accidente en el
desierto y conoció a una personita muy extraña y misteriosa. Este será el marco general de la
obra. Aparecerá entonces el Principito y comenzará su interacción con el piloto, pero cuando
vaya a contarle cómo es su planeta y cómo ha sido su viaje (lo que sería la narración dentro de
la narración), en lugar de narrar (como sucede en la novela), mostrará (como debe suceder en
el teatro).
Sin embargo, no aparecerán, a parte del coro de niños, más actores en escena creando un
segundo plano de ficción en el que se muestren las cosas que cuenta el niño; el Principito
pedirá al piloto que le haga el favor de ir él mismo representando, mediante improvisados
títeres, todos los personajes de su relato (la rosa, el rey, el vanidoso, la serpiente, etc.). Es
decir, el Principito incorpora al piloto a su relato a través del juego dramático para convivir con
él su experiencia del viaje. Esto confundirá al piloto, quien, sin embargo, irá poco a poco
entrando en el juego, desdoblándose en cada uno de los personajes que el Principito le pida.
Se trata, simplemente, de un juego, un juego a través del cual ese hombre sin fe, descreído,
puede volver a creer en lo invisible reencontrándose con su niño interior. ¿Y qué juego más .
hermoso que el teatro? ¿Qué hacen dos niños cuando juegan sino teatro? Para ahondar más
en el papel crucial que desempeña la imaginación, se buscará, en la puesta en escena,
vestuarios y escenografías poéticas y sugerentes en los que prime la teatralidad, la artesanía y
el amor por el juego con los objetos, que aparecen dotados de un valor significativo y estético
únicos y originales. Un personaje como la serpiente será representado por el piloto, a modo de
títere, mediante una bufanda; la rosa, mediante un pañuelo rojo abierto en la palma de la
mano, etc. La estética que se plantea aqu aquí se sostiene por el sentido ví que los ojos de un
niño pueden dar a las cosas: el trabajo lo tiene que hacer la imaginación, no debe venir ya
hecho para ser recibido pasivamente.
El espectáculo comienza con un prólogo-monólogo en el que el piloto advierte a los niños del
teatro que van a presenciar la historia de lo que le ocurrió una vez que tuvo un accidente en el
desierto y conoció a una personita muy extraña y misteriosa. Este será el marco general de la
obra. Aparecerá entonces el Principito y comenzará su interacción con el piloto, pero cuando
vaya a contarle cómo es su planeta y cómo ha sido su viaje (lo que sería la narración dentro de
la narración), en lugar de narrar (como sucede en la novela), mostrará (como debe suceder en
el teatro).
Sin embargo, no aparecerán, a parte del coro de niños, más actores en escena creando un
segundo plano de ficción en el que se muestren las cosas que cuenta el niño; el Principito
pedirá al piloto que le haga el favor de ir él mismo representando, mediante improvisados
títeres, todos los personajes de su relato (la rosa, el rey, el vanidoso, la serpiente, etc.). Es
decir, el Principito incorpora al piloto a su relato a través del juego dramático para convivir con
él su experiencia del viaje. Esto confundirá al piloto, quien, sin embargo, irá poco a poco
entrando en el juego, desdoblándose en cada uno de los personajes que el Principito le pida.
Se trata, simplemente, de un juego, un juego a través del cual ese hombre sin fe, descreído,
puede volver a creer en lo invisible reencontrándose con su niño interior. ¿Y qué juego más
hermoso que el teatro? ¿Qué hacen dos niños cuando juegan sino teatro? Para ahondar más
en el papel crucial que desempeña la imaginación, se buscará, en la puesta en escena,
vestuarios y escenografías poéticas y sugerentes en los que prime la teatralidad, la artesanía y
el amor por el juego con los objetos, que aparecen dotados de un valor significativo y estético
únicos y originales. Un personaje como la serpiente será representado por el piloto, a modo de
títere, mediante una bufanda; la rosa, mediante un pañuelo rojo abierto en la palma de la
mano, etc. La estética que se plantea aqu aquí se sostiene por el sentido í que los ojos de un
niño pueden dar a las cosas: el trabajo lo tiene que hacer la imaginación, no debe venir ya
hecho para ser recibido pasivamente.
En lo tocante a la incorporación de la música y las canciones, también se ha cuidado que
tengan una relación estrecha y directa con la historia y que sean fieles al espíritu del relato de
Saint-Exupéry. Dada la importancia de los dibujos que el narrador va intercalando a lo largo del
cuento, se ha cambiado el cuadernillo de acuarelas por composiciones musicales. Si el
protagonista de la novela quiso ser pintor de pequeño, pero los adultos frustraron su carrera
artística riéndose de su primer dibujo, el protagonista de esta adaptación quiso ser músico,
pero le pasó exactamente lo mismo con su primera composición musical, así que abandonó.
Los pequeños instrumentos infantiles que utilizó en aquella primera composición (una flauta
dulce, un cascabel, un cencerro, una carraca…) y que guarda celosamente en su bolsa los irá
incorporando a la música general de la obra a medida que se deje llevar por el juego que le
propone el Principito. Con las canciones pasa algo parecido. En un principio, el Principito canta
y el Piloto no, ya que está todavía muy lejos de su niño interior. La incorporación del piloto a
las canciones será más bien progresiva, a medida que vaya entrando en el juego dramático al
que le lleva la relación con el Principito y recuperando su interés por la música.
La música, toda ella original, parte de tarareos
y canciones populares infantiles, y será
ones ejecutada por una orquesta de niños
empleando, junto a instrumentos mayores
(piano,
clarinete y violonchelo principalmente),
muchos otros escolares y de juguete (timbales,
xilófonos, metalófonos, triángulos, flautas,
marac maracas, etc.) Junto con el Principito
y el Piloto, actúa en escena un coro de 10
niños que canta iloto, cantan, baila , bailan,lleva llevan a cabo cambios escenográficos e
interactúa interactúan con los protagonistas. Todo esto es de una gran riqueza visual y poética.
Toda la obra está concebida en función del punto culminante, justo al final, cuando la
serpiente inyecte al Principito su veneno mortal para que este vuelva a su planeta (una
alegoría estremecedora de la muerte). La paradoja de que sea el propio piloto quien maneje a
la serpiente (la bufanda-títere) hará especialmente dramática la situación, ya que aquí el juego
adquirirá una enorme seriedad: la desaparición del Principito va a ser real y vendrá de la
propia mano del Piloto, quien a estas alturas habrá establecido un vínculo de cariño y
admiración absolutos por él. Es así como al final del camino, igual que pasa con el mundo de la
infancia, la realidad deviene juego y el juego se hace real; es más, a estas alturas resulta
imposible distinguir entre lo que es real y lo que no, porque ya no importa, lo único que
importa es que los sentimientos despertados por la obra en los actores y en los espectadores
es auténtico, y esa es la única verdad que perdura como tal en este juego del teatro, del arte y
de la vida.
En definitiva, no se trat trata de contar el a cuento en un escenario (para eso ya está el libro),
sino de recrearlo (transponerlo) para convertirlo en obra de teatro.
El Quinteto de Viento "ORFEO" (flauta, clarinete, oboe, trompa y fagot) está formado por
alumnos y antiguos alumnos de nuestro Conservatorio Profesional de Música "Francisco
Guerrero" de Sevilla. Un grupo de extraordinarios jóvenes estudiantes y apasionados de la
música quienes, tras culminar sus estudios Profesionales en Sevilla, continúan una excelente
Formación Superior y gran trayectoria Nacional e Internacional.
El Quinteto nos visitará el próximo Martes, ofreciendo un ambicioso programa, con el que
próximamente participarán en el Concurso de Juventudes Musicales en Málaga. Disfrutaremos
con obras de Jean Français y Ligeti, entre otros.
El Quinteto de Viento "ORFEO" está compuesto por...
Flauta: Alberto Acuña Almela
Clarinete: Alvaro Pastor
Oboe: Francisco Onieva Luque
Trompa: Norberto López
Fagot: Beatriz Bueno Fernández
Yedam Kim, nacida en 1988 en Incheon, Corea del Sur. Comienza sus estudios de piano a la
edad de 6 años. Ha estudiado en la Yewon Arts School y en la Universidad National de las
Artes de Corea, con los profesores Eun-Ock Kim, Hae-Jeon Lee y Choong-Mo Kang, ganando
diversos primerios premios en competiciones nacionales.
Vive en Francia desde 2002, donde estudia con Billy Eidi en el Conservatoire National de
Region de Paris y en el Conservatoire National Superieur de Musique de Paris con Henri Barda
y Bruno Rigutto, donde obtiene su master con honores en 2010. En 2012 es admitida para
continuar sus estudios de postgrado en el Mozarteum de Salzburgo con Jacques Rouvier y en
la Ecole Normale de Musique de París con Henri Barda.
Premiada en concursos internacionales como Steinway
(2003), San Sebastian (2003), Ile-de-France (2008), Piano
Campus (2008), Andorra (2008), Mayenne(2009), Fauré
(2009) En 2011 primer premio en el Concurso Internacional
de Paterna y segundo premio en el Concurso Internacional
de Lyon. En 2012 gana el primer premio en el Amadeo
International Competition en Aachen y el segundo premio en
el Concurso Internacional de Compositores Españoles en
Madrid. Ha sido becada por fundaciones como Banque
Populaire - Natixis, Adami, Yamaha Europe Foundation.
Yedam Kim realiza conciertos de solista con orquestas como
Orchestre
Symphonique
de
CNR
de
Paris,
Ostinato
Orchestra, Orchestra of Conservatoire de Paris, Orchestre
Bel Arte en salas tan prestigiosas como Tchaikovsky Hall en Moscú, Théâtre du Châtelet en
Paris, Théâtre Musical de Besançon, Perm National Philharmony Hall en Russia. Invitada para
tocar recitales por el Chopin Festival en Paris (Pleyel Hall, Orangerie de Bagatelle), Animato
Concert (Cortot Hall), ‘Piano en Valois’ Festival en Angoulême, Orphèo concert series in
Kerkrade, Festival de Santander, Festival Flame en Salzburg, Rencontres internationales
F.Chopin in Nohant… Radio France ha transmitido en directo su actuación en su ciclo “Los
jóvenes solistas”
PRESENTANDO SU NUEVO TRABAJO ”COMIENZO”
Existe un momento en la carrera de todo grupo de éxito en
que resulta muy saludable echar temporalmente el freno de mano para mirar hacia atrás,
coger perspectiva y renovar energías
con las que afrontar todo lo bueno que queda por venir.
Ese momento le llegó al trío malagueño Efecto Mariposa después de su última gira en 2011,
con la que se presentó en multitudinarios conciertos y festivales. Así que la ocasión había
llegado: dejando el listón muy alto, se retiraron a sus cuarteles de invierno para atender a
asuntos personales como, por ejemplo, el estreno en la maternidad de Susana.
Claro que la música siguió rondando permanentemente en sus cabezas, hasta que empezó a
materializarse en nuevas canciones allá por los albores de 2013. Echaba a rodar así la historia
de 'Comienzo', quinto álbum de estudio de la banda (sexto en el cómputo total de su
discografía, si contabilizamos también el directo 'Vivo en vivo'). Y su título no es casual, porque
tiene mucho este nuevo trabajo de arranque de una nueva etapa para los autores de éxitos
incontestables como 'Por quererte' o 'No me crees'.
La grabación del álbum ha tenido lugar en los Estudios Montepríncipe, bajo la supervisión de
Bori Alarcón (Dani Martín, La Oreja de Van Gogh...), que también ha coproducido los temas
junto a la banda. Se aprecia de inmediato una mayor rotundidad en el sonido, con un
equilibrio casi milimetrado entre los elementos eléctricos y los acústicos, otorgando
protagonismo a las cuerdas, los teclados, la armónica, las programaciones o, incluso, el
Hammond, con los que se van incorporando capas sobre la base elemental de guitarra, bajo y
batería. Cabe destacar la colaboración del ex-Pereza Rubén Pozo, aportando su buen hacer con
la guitarra eléctrica en el tema 'El enemigo en casa', uno de los más enérgicos del disco; y
también del maestro de la armónica Antonio Serrano, que nos deja su arte en “A la deriva”.
Un 'Comienzo' ciertamente envidiable, ya que aspira a regresar al punto de partida en cuanto a
empuje, frescura e ilusión se refiere, pero con el bagaje que supone ser una de las bandas pop
de referencia en nuestro país, con tres lustros de experiencia a sus espaldas. Cuando lo que se
pretende es vivir de la música, con honestidad y disfrutando de ello, este nuevo empuje es
altamente recomendable. Efecto Mariposa lo ha encontrado y basta con escuchar su nuevo
trabajo para comprobarlo y disfrutarlo. ¡Feliz 'Comienzo', veteranos!
PINTA, PINTO nos introduce de una manera divertida en el mundo de la pintura, nos ayuda a
entender en que consiste este proceso creativo, un acercamiento al mundo del arte desde una
experiencia sensorial directa. Se trata de poner en valor la importancia de la educación
artística como complemento fundamental en el desarrollo humano, usando todas las
herramieNtas que nos da el teatro (música, imagen, texto, danza, objetos, etc). El
acercamiento a los procesos de creación artística se convierte en un útil importantísimo para
entender la sociedad actual.
Iria e Ylenia son dos jóvenes artistas que
nos guiarán por el mundo de la expresión
pictórica desde sus propias vivencias. Nos
cuentan la importancia que han tenido
diferentes momentos relacionados con el
arte en su vida. Desde su experiencia, nos
muestran aquellos aspectos básicos del
lenguaje pictórico (el punto, la línea, el
color, la forma), compartiendo sobre el
escenario los momentos más especiales de
su vida en relación con la pintura,
intentando transmitir la misma emoción
que sintieron cuando se encontraron, por
ejemplo, con el trabajo de diferentes
artistas o la emoción de visitar un gran
museo.
Actrices: Iria Angulo e Ylenia Ruiz
Bailarina vídeo y animaciones: Isabel
Fernández
Autor, dramaturgia y vídeo: Juan Carlos Fernández Izquierdo
Coreografía: Ángeles Almendral / Iluminación: Pancho V. Saro/ Asistencia técnica: Carlos
Rodríguez / Organización y gestión: Mª del Carmen Campo/ Vestuario: Luis Alonso
Diseño cartel: Nikolina Radulovic / Fotografía: Álvaro Ramiro
Duración: 50´
FICHA ARTÍSTICA
Recomendada para niños y niñas / a partir de 4 años y público familiar
RUIDO INTERNO
Ruido interno comienza su andadura en febrero de 2012 como proyecto cultural que
desarrolla su actividad en el campo de la gestión, realización, producción y fomento de
actividades escénicas y audiovisuales.
La propuesta escénica nace con la intención de consolidar nuestra posición en la escena
cántabra y nacional. Siempre hemos asumido proyectos de riesgo y para esta nueva etapa no
iba a ser menos. Arropados por un público fiel, deseoso de enfrentarse a una manera distinta
de hacer teatro, heredada del trabajo realizado durante 12 años con Esfera Teatro.
Nuestro trabajo se centra en el uso de aquellos elementos que se han convertido en nuestra
seña de identidad: sencillez escénica, hibridación artística (uso de diversos lenguajes) y uso de
tecnologías audiovisuales aplicadas a la escena, como en esta ocasión, incorporando pequeños
toques de tecnología vídeo mapping aplicada a la escena.
Este elemento tecnológico nos enfrenta a un nuevo reto escénico de gran complejidad actoral
y técnica, debido a la coordinación y sincronización que debe existir entre las actrices y la
proyección del vídeo.
EL ARTE DE VER ARTE
Los medios audiovisuales responden a una tecnología con unas posibilidades de aplicación a
todos los ámbitos de la comunicación y el conocimiento humanos, cuyos límites están muy
lejos de ser alcanzados. Son un fin en sí
mismos, y a la vez, un recurso para la
obtención de otros muchos fines. Quien
los domina está en posesión de la
licencia para hacerlos pasar por fines y
medios, simultáneamente. Juan Carlos
Fernández Izquierdo los domina.
Director de la Compañía Ruido Interno,
ha venido haciendo de los medios
audiovisuales el elemento articulador de
los espectáculos que ha presentado,
siendo autor de alguno. Y ha sido en
“Pinta, pinto”, la última oferta escénica, estrenada, estrenada el pasado día 8, en el Palacio de
Festivales, donde eleva los medios a fines, sin dejar de ser soportes de una trama teatral, que
tiene el arte, en concreto la pintura, como objeto. Pero no de una pintura cualquiera, sino la
de reconocidos artistas como Picasso, Degas, Warhol, Dalí, El Greco, Da Vinci, van Gogh…,
cuyas obras más celebradas se compadecen con un tratamiento tecnológico al servicio de un
festival de colores, formas, sorpresas, un festín para el sentido y la sensibilidad. No se piense
que se usan unos medios para poner modificaciones en los cuadros, sino para aprender a
verlos, por más que no estén presentes. De mostrarlos se encargan dos actrices, Iria Angulo e
Ylenia Ruiz, quienes, en un actuación ágil, alegre, sugerente, juegan a adivinar, mediante pistas
obvias, qué ha pintado cada una, pero que también invitan a los espectadores a recorrer los
pasillos y las salas de un museo virtual donde se exhiben para la ocasión un puñado de obras
pictóricas, cumbres de la pintura universal, con algunos de cuyos autores se encuentran y
saben de sus entusiasmos, sus frustraciones, o de sus actitudes ante el lienzo aún sin formas ni
colores. La meta es la sala de los relojes, donde los dalinianos marcan el tiempo soñado, que
materia del sueño ha sido la visita al museo. Para seguir soñando despiertas el juego de
adivinar qué pinta cada una.
La función está animada por una intención didáctica, que propicie en los niños el gusto por el
arte, de entrada como espectadores, que aprendan a verlo según sus propias miradas, y un día
no puedan colarles brochazos por pinceladas, aunque si bien es verdad que el juego del pinta,
pinto los más pequeños son cómplices, también lo es que el recorrido por los cuadros
consagrados tiene sus destinatarios entre quienes transitan la segunda niñez, rayana con la
adolescencia. Unos y otros, y los adultos disfrutamos de una estética escénica, festiva y
luminosa, que invitó a ver con mirada propia. El director subió al escenario, para acompañar a
las actrices. A él le acompañó un pintor próximo, Roberto Orallo, que “había indicado el
camino”. Con el elenco compartió el agradecimiento del público, en forma de un aplauso
prolongado, por merecido.
BEATRIZ CARVAJAL, presenta “ A Vueltas con la Vida”
SINOPSIS
La vida de MariCarmen no ha sido un camino de rosas. Una familia humilde, un marido cruel y
una soledad tremenda han sido su única compañía hasta que, gracias a los libros, descubre a
cuatro heroínas que le enseñan el valor de la libertad: Marilyn Monroe, Chavela Vargas, Santa
Teresa de Jesús y Cleopatra. A través de estas amigas que le revelan sus secretos más íntimos,
MariCarmen aprende a quererse.
Atrapada en un quinto piso sin ascensor
al que llega la música de un vecino
pianista, una música que se convierte en
su banda sonora, MariCarmen se pasa el
día a vueltas con la vida: sus recuerdos,
sus miedos, sus complejos, todo aflora
con humor y nostalgia en las alocadas
conversaciones que mantiene con esas
mujeres sabias, generosas, valientes.
Con ellas, y el recuerdo amable de su madre, MariCarmen llena su vida de luz y color, dejando
atrás los días oscuros.
Sinopsis
La muerte de su padre obliga a David a hacerse cargo de su legado. Entre sus pertenencias
encuentra algo inesperado: las cartas de amor de otro hombre. Desconcertado por el
descubrimiento, decide
visitar
al
supuesto
amante
de
su
progenitor y descubrir la
verdad.
Palabras del autor
“¿Somos dueños de
nuestras decisiones o
unas meras marionetas
en manos del destino?
Está claro que no
elegimos nacer y, en la
mayoría de los casos, no
elegimos morir. Pero
¿qué ocurre con
todo lo que hay en
medio? En resumidas cuentas, ¿qué ocurre con nuestra existencia? ¿Somos responsables de
nuestros sentimientos? ¿Nos enamoramos de la persona que elegimos? ¿O es el amor quien
nos elige y zarandea a merced de su caprichoso viento? La casualidad y el azar nos envuelven
una y otra vez, como una peonza que gira sobre sí misma y que, desde luego, no
tieneintención de detenerse. Al menos no hasta que ella lo decida. Claro que siempre tenemos
la opción de alargar la mano y, rozándola levemente con la punta de los dedos, alterar el curso
de sus caprichosas piruetas. O al menos intentarlo. Ese es todo el consuelo que nos queda en
ese corto espacio de tiempo que transcurre entre nuestro primer aliento y el último suspiro.
Ese corto espacio de tiempo que llamamos vida...”
Juan Carlos Rubio
Planteamiento de Producción
“Las heridas del viento” es, sin duda, una de las obras de
un dramaturgo andaluz contemporáneo más
ampliamente representadas. La paradoja es que
siempre han sido producciones extranjeras las que han
podido verse en países como EEUU, Grecia, México o
Chile, y en las contadas ocasiones que se ha visto en
España ha sido de la mano de elencos foráneos. Con una
larga tradición de dirigir sus propios textos (“Humo”,
“Tres”, “100 m2”, etc) resultaba contradictorio que el
texto de más éxito de Juan Carlos Rubio no hubiera sido
nunca dirigido por él. De ahí surge la necesidad de crear un espectáculo de producción propia
que tendrá su estreno nacional en Lucena (Córdoba) el 14 de octubre de 2013 para hacer luego
temporada en el off del madrileño Teatro Lara donde donde han surgido éxitos de referencia
nacional como “La función por hacer”.
Además, el autor y director ha agregado un elemento distintivo a esta producción, invirtiendo
el rol de género esperado haciendo que el personaje protagonista, Juan, sea interpretado por
una mujer. No porque sea mujer, sino por el convencimiento de que los grandes actores
pueden interpretar a cualquier personaje. Se da el hecho de que Juan es hombre y Kiti Mánver,
la gran actriz, es mujer, pero esto no ha sido obstáculo para formar el elenco.
El planteamiento de explotación es también particular. Con
el convencimiento de que es necesario buscar nuevos
modelos no sólo de acercamiento del público al teatro sino
también de negocio, hemos cimentado este espectáculo
sobre la base de un laboratorio creativo abierto a todas las
personas que lo deseen desde el mismo proceso de
ensayos, a puertas abiertas hasta las funciones, en espacios
singulares o restringidos con aforos máximos de 100
personas que tras la función podrán participar con el
equipo artístico de un encuentro donde haya una
interacción entre el público y los creadores. Críticas sobre
esta obra en España
"Una auténtica joya (...) Una función magnética,
arrebatadora, que envuelve su drama en suave celofán. (...)
Pura esencia de teatro, donde el texto y la interpretación se
ofrecen desnudos al espectador." Julio Bravo.
“Imprescindible”. Daniel Galindo. La Netro. “Divertida y dramática soledad... (...) Una magnifica
pieza teatral escrita
con soltura, viveza y dominio del lenguaje.” Javier Paisano. Diario de Sevilla.
"Una de las más interesantes obras de la cartelera madrileña (...) Un texto delicioso que nos
descubre la magia de la vida." El embrujo.
"Una de esas obras en las que existe un compromiso, no solo teatral, si no también
emocional." Todosalteatro.com
"Uno de los textos más brillantes que se ha escrito en los últimos años." Mibutaquita.com
"Una producción teatral de esas que llegan al corazón y te lo encoge hasta el punto de sentirlo
en el esófago". Coverset.es
Críticas sobre esta obra en Estados Unidos
“Los amantes del teatro disfrutarán de la obra tanto como si ellos la protagonizaran.” Adriana
Herrera T. El Nuevo Herald (Miami 21/1/2005) “Un drama de primera clase (...) Las heridas del
viento es teatro con T mayúscula, esa clase de obra cuyo tema universal funciona en cualquier
cultura.” Marta Barber. The Miami Herald (Miami 26/1/ 2005) “El mensaje de la obra evoca
una fuerte reflexión pública”. Jesús Hernández. En escena- Diario Las Américas (Miami 24/1/
2005) “Una obra maestra (...) Diálogos estremecedores, dardos directos a la sensibilidad de
cualquier individuo. Wanda Ferrer. El Periódico (New York 1/7/ 2005)
SINOPSIS
El circo ha llegado ¡Bieeeeen! Y en la verde hierba su carpa ha instalado En él está Pompón
Un payaso elegante y bonachón Con su flor y su bombín Hará que nuestro corazón Suene tilín
tilín Javier y Alicia nos llevarán en volandas al son de las campanas. A través de la música y la
voz en directo y del “más difícil todavía”, estos jefes de pista nos proponen un viaje por el
mayor espectáculo del mundo. Pompón está a punto de salir a conocer a los más pequeños.
TEATRO LA SONRISA - TRAYECTORIA DE LA COMPAÑIA
Teatro La Sonrisa nace como grupo teatral en 1987, inspirados en la investigación teatral en
línea de CLOWN. La base fundamental de su trabajo es la producción propia creando
espectáculos tanto de sala como de calle.
Ramoncín llega al Teatro Juan Bravo, dentro del ciclo Acúsicos 2015, esta gran estrella del rock
de nuestro país, después de sus discos en el mercado entre los que se encuentran los grandes
Barriobajero, Arañando la Ciudad, Corta, Ramon 5 etc, y haciendo famosos muchos de sus
grandes temas que han sido cantados por generaciones.Gracias a la publicación de su primer
disco disco Ramoncín y W.C.?, Ramoncín debutó con apenas 22 años. El álbum contenía
temas como "El rey del pollo frito", narración en primera persona en la que el cantante se
ponía en la piel de un alto dirigente discográfico. El público la malinterpretó, creyendo que
hablaba de sí mismo, lo que a la larga le valió el apelativo de "rey del pollo frito".Saca al
mercado su segundo disco, Barriobajero, que contenía canciones que incidían en la temática
social (sobre todo en los retratos de personajes marginales, como en "Chuli"). Pero fue
en 1981 cuando consiguió un éxito comercial mayor gracias a "Arañando la ciudad", para
muchos su mejor disco. En él, Ramón se abre hacia un nuevo sonido que irá evolucionando
hacia el rock durante los años 80. Además, contenía hits como "Hormigón, mujeres y alcohol"
(más conocida como "Litros de alcohol"), "Reina de la noche", "Putney Bridge" o "Ángel de
cuero". Después des este disco publica ¡Corta!, un disco que contiene temas reseñables como
"Bajando" y "Sal de naja". Gran aficionado a los cómics, se dedica durante una buena
temporada a la crítica de los mismos, con una sección titulada "Dibujos para vacilar" en la
revista Rambla.4 También en esa época hace su primera aparición en el cine, en la película
"Adolescencia". Su quinto disco, llamado Ramoncinco, con un cambio en su sonido gracias a
temas como "Nicaragua", de gran carga política, co-escrito con Manolo Tena, o "La chica de la
puerta 16", firmada a medias con Pepe Risi (Burning). Un año después sale al mercado Como el
fuego, en la línea del anterior trabajo, con canciones como "La cita".Con La vida en el filo. La
canción que abre el disco, "Como un susurro", cuenta con la guitarra de Brian May,
de Queen. Fe ciega (1988) contaba con temas como "¡Ayúdame! (no soy un héroe)", "Forjas y
acero" y "Dos vidas".En 1998 vuelve a los estudios de grabación para sacar Miedo a soñar, un
nuevo disco en el que presenta nuevos planteamientos sonoros.
En 2000 saca al mercado Ángel de cuero - 20 años de canciones, un recopilatorio que recoge lo
mejor de su carrera como cantante, con varios temas en directo y el añadido de cinco nuevas
canciones. Dos años después presenta Canciones desnudas - Volumen 1, compuesto por un
disco grabado en directo en Pamplona en 1984, un disco de rarezas y un DVD; el disco no ve la
luz hasta el año siguiente por problemas de distribución. Sus trece discos llegaron a vender
algo más de un millón de copias, por lo que recibió en 2006 un Disco de Diamante.
Actualmente y desde 2011 lanza dos discos. En primer lugar, Grandes éxitos definitivo de
Madrid a México, un disco en directo que le permite abrirse a un nuevo mercado al otro lado
del Atlántico. El 6 de septiembre del mismo año, lanza Cuando el diablo canta, un disco de
canciones nuevas 13 años después. Se presenta en nuestro escenario con toda la garra, fuerza
y autenticidad del rock que siempre le ha caracterizado, y que hará disfrutar sin duda a todos
nuestros espectadores y a todos sus seguidores.
¿Es cierto que los hombres sufren una crisis a los 40?
Todos los que han atravesado la crisis de los 40 saben que el hombre es el sexo débil de la
pareja: inseguro, indeciso y frágil. Aunque sueñe con irse de marcha, le asusta vivir solo y
volver solo a casa después de unas noches locas que nunca son tan locas. En su delirio, llega
a imaginar que su madurez es poderoso imán que atrae a las mujeres de 30 e incluso más
jóvenes.
Quino,
el
protagonista, de 40
años,interpretado con
humor y ternura por
“El
Monaguillo”,
guionista
de
televisión, víctima del
trabajo inestable y en
plena crisis de los
cuarenta,
es
abandonado por su
mujer: “por gordo y por calvo”, asegura que le dijo su mujer al irse. Hasta la fecha ha vivido en
un piso amplio del centro de la ciudad, pero su mujer ha abandonado la vivienda familiar y
espera que Quino la venda para recibir la mitad de su precio.
La venta del piso le provoca una enorme angustia de carácter estresante porque, entre otras
cosas, significa la pérdida definitiva de CARMEN... Y él querría volver con ella por inseguridad,
costumbre y dependencia psíquica. Forzado y presionado por su mujer a vender el piso,
intenta, en continua contradicción, por todos los medios que no se lo compren: lo
desaconseja, asegura que las instalaciones eléctricas y las tuberías son viejas... pero su
personalidad frágil, insegura, indecisa y sin voluntad le lleva a firmar documentos de
compromiso de venta a cada uno de los tres personajes: Javier, Manuel y Fer , tipos muy
distintos de hombres, que irán apareciendo en escena, con lo que se irán creando una serie de
conflictos en cadena y vueltas de giro con final sorpresa que nos mostrarán ,en clave de
comedia, una reflexión sobre cómo ven y cómo llevan las relaciones con las mujeres unos tipos
de cuarenta.....
REPARTO
QUINO: Sergio Fernández “El Monaguillo”
JAVIER: Jessús Cisneros
FER: Antonio Vico
MANU: Josu Ormaetxe
VOZ CARMEN: Yolanda Arestegui
AUTOR: Eduardo Galán y Pedro Gómez
DIRECTOR: Josu Ormaetxe, basado en la dirección de escena de Celso
Cleto
El reparto
Sergio Fernández “EL MONAGUILLO”, actor
y showman reconocido, nuestro Quino, hará reír a
carcajadas con su irritante indecisión, con su incapacidad
para vivir la vida a tope a los 40…
Jesús Cisneros, el de ‘Lleno, por favor’, ‘Al salir de
Clase’ y otras series de TV, nos hará sonreír con su falsa
prepotencia de ‘macho ibérico’ en su papel de Javier.
Sus últimas producciones han conseguido la fidelidad del
público:” Se Infiel y No mires con quien”,”Rumores” y “No
te Vistas para Cenar”.
Antonio Vico, actor de dinastía y gran trayectoria
teatral, compone su personaje de Fer en continuo
equilibrio entre su profesión, psicólogo-consejero, y su
situación, abandonado por su mujer.
Y
Josu Ormaetxe, actor de fina intuición cómica que
sabe destacar en todos sus trabajos nos divertirá con su
personaje de Manu incapaz de mantener una relación de
pareja estable.
La Curva de la Felicidad nos presenta hombres frágiles, indecisos, inseguros, que provocan la
risa del público, mientras que poco a poco van mostrando su cara humana, su ternura, su
tremenda soledad, que acaba conquistando el corazón de los espectadores. Y de las
espectadoras. Porque, la verdad, es que nuestros personajes dicen lo contrario de lo que
sienten y presumen de una fortaleza emocional de la que carecen. Aunque lo nieguen y
persistan en sus sueños de noches golfas, buscan el amor, sí, el amor. Así de sencillo.
De «La curva de la felicidad» se desprende en clave de humor, que referirse a esa prominencia
que se forma en el vientre masculino a base de cervezas y tapitas del bar, es hablar de crisis.
Pero también el momento de hacer todo tipo de locuras para volver al mismo sitio: la
búsqueda de la estabilidad. Después del desastre conyugal, Quino tendrá que enfrentarse a la
venta de la vivienda común y a la compra de un apartamento en el que pasar sus nuevas
noches solitarias. Una situación de lo más rutinaria pero que cuenta con el problema añadido
de que Quino no sabe decir «no». «Serán muchos los hombres que se identificarán con él»,
aseguran sus creadores «y muchas mujeres las que se reirán cómplices con sus maridos».
El niño descubre su cuerpo. Descubre que se comunica con los demás y siente el mundo a
través de él. Descubre que su cuerpo ve, huele, oye y suena, que emociona y se emociona.
Su mundo corporal está basado en el afecto y se vivencia en un universo multi-sensorial
donde cuerpo y mente, emociones y pensamientos, son una y la misma cosa. Desde un CORAZÓN que aúna corazón y cerebro, CorporeOOOH! es un homenaje al asombro de descubrir
y descubrirse corporalmente.
El juego y la risa son el líquido amniótico que alimenta a CorporeOOOH!. “Qué grandes
pedagogos éramos, cuando no sabíamos nada de pedagogía”. Esta irónica frase del pedagogo
francés Daniel Pennac ilustra su espíritu, donde lo que late es el juego en todas sus formas.
Movimientos, gestos, sonidos, imágenes, palabras y notas juegan a convertirse y reconvertirse
en un ejercicio creativo y recreativo que apela a la capacidad del niño para transitar entre lo
real y lo imaginario.
Pero andar, hablar y pensar, procesos íntimamente relacionados entre sí, no es juego de niños.
CorporeOOOH! se pone en la piel del bebé, echándole mucho humor a esas arduas empresas
que acomete durante sus primeros años de vida. En busca de su empatía, aborda temas que
encandilan su imaginación, como el auto-escondite, la repetición, la glotonería.
Con el compromiso de sacarle al cuerpo todo su jugo, CorporeOOOH! sorprende a la más
tierna infancia con un fascinante viaje corporal en y por todos los sentidos que tampoco dejará
indiferente a los adultos que le acompañan. Su objetivo es propiciar una experiencia multisensorial, donde unos sentidos muy CON-SENTIDOS lo mismo huelen imágenes, que comen
olores, ven sonidos, escuchan texturas o tocan sabores. Aquí las manos bailan poemas visuales
en lengua de signos, el cuerpo se pone al servicio de canciones infantiles de toda la vida con un
toque diferente musical.
CorporeOOOH! se define como un espectáculo teatral en clave de clown. ¿Tienen sentido del
humor los bebés? ¿Qué provoca su carcajada? Dos hechos constatados disipan toda duda: la
risa es contagiosa y alimenta más que cualquier complejo vitamínico. Jajajear se convierte
pues, en punto de partida y meta de un montaje que conecta con su público a través de una
risa nutritiva y cómplice.
CorporeOOOH! explora divertido en la sonoridad del lenguaje verbal. La lengua es música para
el bebé. De la voz del otro aprende las palabras y el sentido. Ritmo, acento y entonación
aportan connotaciones rítmicas y melódicas que trasmiten información no contenida en los
fonemas. De ahí que el espectáculo apueste por la poesía sonora, los juegos de palabras
fonéticos y semánticos, las onomatopeyas o el idioma gramelot. Llegar al hueso de la palabra,
libre de las ataduras del contenido, o darse un banquete de términos, son algunas de sus
propuestas. Con un poco de imaginación e ingenio, las palabras ven, saben, suenan, huelen y
tocan.
No podía CorporeOOOH!
privar a los niños de la magia
de la música en directo,
invitándoles a la experiencia
de ver, oír y sentir al músico y
a los instrumentos. En vivo,
sus tonos y melodías llevan la
batuta en el discurso paralelo
de las emociones, crean
espacios sonoros que acunan,
arropan, arrullan, mecen y, en
un momento dado, alborotan
la escena.
A través de su anatomía, la infancia establece vínculos con el mundo animado e inanimado que
le rodea. De su mano explora, aprende, conoce, reconoce y se relaciona. En esta exaltación
del cuerpo y los sentidos como fuente primigenia del conocimiento, CorporeOOOH! estimula
su capacidad de asombro, su imaginación y su creatividad a ojos vista. Enseñándoles el mundo
con una mirada no empañada por la cotidianeidad, nos lo mostramos a nosotros mismos.
CorporeOOOH! quiere gritar a los cuatro vientos que cuerpo y mente no están separados
como nos han contado en Occidente. El CO-RAZÓN está lleno de CO-RAZONES que nos llevan a
afirmar que pensar con el corazón o sentir con el cerebro es posible. Los niños dan fe de ello.
EQUIPO CREATIVO
CorporeOOOH! cataliza en la bioquímica de un grupo de personas que, además de grandes
profesionales, aman el trabajo que realizan.
Aunque no lleve nariz, a la actriz Eugenia Manzanera le sale el clown por los cuatro costados.
Le encanta provocar sonrisas, risas y carcajadas. Bailarina de manos, trae y lleva el lenguaje al
antojo de sus dedos. En su locuaz gesto caben los cinco sentidos y en cuanto puede, saca los
pies del texto en busca de poéticas visuales. Disfruta de su público y en escena permanece
abierta para no perderle el pulso en ningún momento. La improvisación suple cualquier
imprevisto, cualidad inestimable con bebés de por medio.
Periodista y escritora, Mercedes Martín Luengo se deja la piel en busca de los tesoros que
esconden las palabras, aunque para ello tenga que destriparlas en vocablos. Asume a pies
juntillas el reto de llegar al hueso de las preguntas que surgen a lo largo y ancho del trabajo, y
no ceja ni pestañea hasta cada palabra encuentra el orden preciso y precioso que ella espera.
Poética, filósofa-cama y flamenca hasta la médula, anda siempre detrás del duende aportando
pellizco, aire y poderío a las escenas.
Eugenia y Mercedes lo pasan en grande jugando con las palabras y sus dobleces. Disfrutan
como niñas cuando se juntan codo con codo a crear, estimulándose y retroalimentándose
mutuamente.
Jovis Fernández es un músico de pies a cabeza que sabe sacar la melodía a cada momento.
Creativo, dinámico y tranquilo a un tiempo, da gusto trabajar con él. Toca varios instrumentos
y cambia de palo en un abrir y cerrar de ojos. Igual te rasga la guitarra flamenca que te
envuelve con su maestría en la flauta travesera. Lleva ya unos años trabajando hombro con
hombro con Eugenia Manzanera, a quién ya huele en el aire. Cuando Eugenia improvisa, él la
sigue en su devenir sin despeinarse.
Lupe Estévez es una artista
plástica de tomo y lomo.
Diseñadora de vestuario,
siempre te deja boquiabierto
con sus propuestas estilísticas.
Su fuerte es abrir puertas a las
ideas
que
le
llevas,
transformándolas con una
magia y un dinamismo que
quieres tener ya el traje en el
cuerpo para sacarle todo lo
que lleva dentro. Llevar un
traje diseñado por ella es
sentirte un poquito una pieza
de museo, aunque sólo seas el marco. Y punto en boca.
A la actriz y narradora oral Magdalena Labarga le gusta definirse como “dama de compañía en
procesos creativos”. Su hombro será decisivo para la puesta en escena del espectáculo. Es más
lista que el hambre y en su sabiduría se muestra muy respetuosa con las propuestas que le
ofrecen los actores, en cuya piel sabe ponerse. Carne adentro, está llena de arriesgadas y a la
par sencillas ideas poéticas. Conoce el trabajo de Eugenia desde hace muchos años y ambas
empastan como anillo al dedo en su manera de entender el teatro. Trabajar a su costado es
fácil porque es divertida y positiva. Carne adentro guarda ideas poéticas, arriesgadas y a la par
sencillas, que siempre está dispuesta a regalarte.
Reyes Guijarro, ilustradora y narradora oral, es de las que ponen toda la carne en el asador. Se
devana los sesos y el corazón en sus creaciones hasta que siente que ya no puede sacar más
jugo. Aporta su saber y su genio a manos llenas en la creación del cartel, que será también el
niño “a cachos” de la escena primera. Sus sencillos dibujos, rebosante de carga emocional y
buen hacer, suelen arrancar la sonrisa a quienes los observan.
A Raúl Baena le han salido los dientes en esto de la iluminación. De sus años de oficio, que
hasta a él mismo le asustan, brotan iluminadas ideas que saben acoplarse como un guante a
las necesidades del montaje y del espacio con los mínimos recursos. Eugenia Manzanera lleva
mucho tiempo trabajando con él y aún se sorprende cuando de la nada crea atmósferas tan
diversas como evocadoras.
Actor y músico, Fernando Cayo también se pondrá manos a la obra como asesor de la puesta
en escena y el espacio sonoro.
Pepa Cobo maestra de Infantil desde 1980 en la escuela infantil Obra Social Caja Madrid de
San Sebastián de los Reyes, nos abrirá los ojos de cara a las peculiaridades de nuestro público.
También maestra de infantil, Carmen Cortés desarrolla talleres de olores y colores para
profesores en Acción Educativa y pondrá al servicio del espectáculo su exquisita nariz.
CORTEN (Las Patrañas Efímeras del Manifiesto Corten)
A partir de las sugerencias del público nace CORTEN (Las Patrañas Efímeras del Manifiesto
Corten). Ellas servirán para crear el texto, la iluminación, la escenografía, el vestuario y la
música en directo. De modo que cada noche nacerá un nuevo CORTEN.
CORTEN es un reto, un divertido riesgo dramático que comparten los actores y el público. Un
paso más allá en la Improvisación Teatral, disciplina dónde cada función es diferente y única,
con escenas creadas en el momento a partir de las sugerencias del público.
Tres elegantes personajes se encuentran en el escenario y se proponen crear una obra de
teatro en directo, sin un texto previo. Para conseguirlo pedirán diferentes sugerencias al
público que aparecerán en la historia creada. Del mismo modo, la historia que inventen tendrá
que seguir diferentes normas y atenerse a ciertas reglas, las que constituyen el “Manifiesto
Corten". La más importante: todo ha
de crearse en el momento y a la
vista del público.
A partir de entonces, todos los
elementos
teatrales
(texto,
escenografía, iluminación, vestuario,
música...) irán creando en directo
una historia para conseguir el
objetivo que estos tres personajes
se han marcado. El público
presenciará y participará de esta
obra de teatro, así como descubrirá
los mecanismos de la creación en
directo. La banda sonora de CORTEN
está en manos de Nacho Mastretta, quién improvisará la música en directo.
CORTEN es un lienzo en blanco sobre el que SUSO33 pintará la escenografía que enmarca Las
Patrañas Efímeras del Manifiesto Corten.
FICHA ARTÍSTICA
Dirección: Ignacio López, Ignacio Soriano y Jorge Rueda
Autores (en directo): Ignacio López, Ignacio Soriano y Jorge Rueda
Música en directo: Nacho Mastretta
Escenografía en progreso: SUSO33
Vestuario en directo: Tatiana de Sarabia
Dirección técnica: Daniel Espinosa
Sonido: Antonio Sánchez
Producción y distribución: Impromadrid Teatro
ldea original: Impromadrid teatro
NACHO MASTRETTA
Compositor, músico, productor… atípico e mprevisible, Nacho Mastretta es uno de los
talentos más respetados y polifacéticos de la música nacional.
Su último trabajo como compositor y músico es “¡Vivan los Músicos!”, junto la orquesta
Mastretta, donde trata de potenciar la personalidad de cada músico y la improvisación;
trascendiendo de la partitura en aras de la sorpresa y las ensaciones, alcanzando en directo su
máxima expresión. Algunos de sus trabajos anteriores son: Highballito (1998), Melodías de
Rayos X (1998), Música de Automóvil (2001), Mastretta en El Sol (Directo, 2007).
Su discografía incluye también composiciones de bandas sonoras cinematográficas como
(selección): Los Abajo Firmantes (Joaquín Oristrell, 2003), Torremolinos 73 (Pablo Berger,
2003), Looking for Fidel (Oliver Stone, 2005) o Va a ser que nadie es perfecto (Joaquín Oristrell,
2006) o el Gran Vázquez (Óscar Aibar, 2010). Como Productor y músico sus colaboraciones
incluyen: Renato Carosone, Peret, Pablo Novoa (Novoa cruza el Atlantico), Tonino Carotone
(Mondo Dificile), Josele Santiago (Las Golondrinas, etc.), Liquits (Mexico), La Marabunta,
Xabarin Club, El show de Dodó, Racalmuto, Bailes Vespertinos, Vilma y los Señores, La
Musgaña, Enrique y Estrella
Morente, etc.
SUSO33
Precursor
del
graffiti
iconográfico
y
de
la
experimentación
con
el
lenguaje en dicha disciplina, así
como pionero del "street art"
en Madrid y mayor exponente
del livepainting en España,
actualmente desarrolla un
proyecto artístico personal
llamado "Pintura Escénica en
Acción", en el que conjuga
recursos provenientes de las
artes escénicas, la pintura y el
audiovisual, en una especie de
performance global en la que
se suelen plantear diversos aspectos conceptuales de la comunicación, el arte, la palabra y la
imagen. Con ello fue responsable de la inauguración del Festival de Teatro Clásico de Almagro
y dos temporadas de La Laboral Escena de Gijón, o el Festival de las Artes de Castilla y León en
España además de en otros países europeos y otros continentes.
Artista plástico, escenógrafo, muralista, videoartista y performer, ha expuesto y trabajado en
Europa, América y Asia, invitado por instituciones públicas y privadas para participar en
festivales y exposiciones de carácter internacional. Ha sido además protagonista del
documental "AEROSOL", nominado a los premios Goya 2005, en el que se muestra su
trayectoria y obra.
Tiene una amplia trayectoria profesional en los campos del muralismo artístico y la pintura
para ópera, teatro, danza, y cine, habiendo realizado más de 50 escenografías para
instituciones como el Teatro Real, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de
Danza, Ayuntamiento de Madrid, Biblioteca Nacional, Pasarela Cibeles, entre otros.
Chequín es un espectáculo actualizado del mago Paulino Gil, que interpreta a Leonardo un
mágico viajero que llega al Hotel Extravaganza donde le espera un singular recepcionista
llamado Mirilla ,y allí comienza su aventura.
Paulino Gil ha conseguido recientemente con una versión de este espectáculo el Premio al
mejor espectáculo de Magia cómica en el Campeonato mundial celebrado en Alemania en
Agosto 2014. Chequín, nombre inspirado en expresión Check in que es cuando se produce la
entrada en un hotel, en este caso entramos a un lugar donde lo imposible se hará realidad. Es
un espectáculo homogéneo y dinámico en el que el público participa de forma activa. También
es una obra cargada de expresividad y de guiños cómicos que atrapan al público, utilizando
como medio de comunicación el gesto en vez de la palabra, unido a una cuidada banda
musical, escenografía, y coreografía.
FICHA ARTÍSTICA
Escrito y dirigido por: Paulino Gil
Asesoría Mágica: Luis de Matos
Asistencia de escena: Julio Rapado
Residente permanente:Luis Miguel Jorge
Construcción de Ilusiones: Eduardo Perdigón
Carles Ferrándiz
Efectos especiales: Flash Art
Banda sonora: Matlet Music
Diseño gráfico: Vanesa Viana
Tratamiento imágenes: Fotos Martín
Factory Vidium
Vestuario: Carlan
Dream Shoes
Redondel
A
sesoría escénica: Grupo Alcatraz.
Distribución: Ideas Proactivas, S.L. y Luis de Matos Produçoes Lda
SINOPSIS
Alejada de los relatos hagiográficos y de la utilización redentora de manos incorruptas, la
figura de Teresa de Jesús campea hoy de una manera fundamentalmente humana.
Que una MUJER, descendiente de conversos, de familia bien, profese en un convento al uso
y, víctima de graves enfermedades, decida a sus 45 años lanzarse al ruedo y pelear, tiene
mucho de extraordinario. Espiritual y mística, pero también escritora, reformadora y MUJER
capaz de administrar conventos o de escribirle una carta al rey posicionándose contra una
guerra.
¿Quién era esta MUJER que fundamentó el diálogo directo con la divinidad? ¿Cómo
una MUJER, lectora compulsiva y escritora por mandato, se las ingenió para sacar adelante su
obra en un mundo exclusivo de hombres?
Vaya nuestro empeño en comprender por qué
vivió y actuó así. Entre líneas, asaltaremos ese “castillo interior” para entablar un diálogo
franco, abierto, con ella. Con Teresa de Cepeda y Ahumada, hija de Alonso Sánchez de Cepeda
y Beatriz de Ahumada; Teresa Sánchez, en realidad.
TEATRO CORSARIO MONTARÁ EN 2015, COINCIDIENDO CON LAS CELEBRACIONES DEL V
CENTENARIO DEL NACIMIENTO DE SANTA TERESA DE JESÚS,
EL ARGUMENTO. La lucha de una MUJER, vehemente y apasionada, por llevar a cabo una
misión contra viento y marea. Encontrar una protagonista que encarnar, con todas las trazas
de humanidad y presentarla en escena, es un aliciente. Extraer de aquella “fémina inquieta y
andariega” retazos que signifiquen el presente es nuestra humilde pretensión.
De lo que en el teatro llamamos conflictos, aquello que enriquece la acción, encontramos en
su vida y en su obra múltiples y posibles aspectos:
- Consigo misma. Desde sus propias contradicciones hasta la pelea con la enfermedad
casi toda su vida. Desde su afición a la lectura, Libros de Caballerías incluidos, hasta el
misticismo arrebatador: el contacto con la divinidad “no está basado en el temor, sino en el
amor”.
- Antagonistas. Su padre no quería que se consagrara a Dios. Fue vigilada por los
dogmáticos, los letrados y confesores, por los que no querían que nada cambiara. Su forma de
entender la espiritualidad, la reforma de la Orden y sus escritos la pusieron en el punto de
mira de la Inquisición. Las Fundaciones, sus tiras y aflojas con los dignatarios. La pelea contra
su propia orden calzada. Y, sobre todo, la entrega en la reivindicación de las mujeres en una
sociedad sacralizada.
EL MONTAJE. Concebido para una plantilla de 4 actores, el espectáculo resultante, como otros
de la compañía, se acomoda a diferentes espacios.
La dirección correrá a cargo de Luis Miguel García.
NOTAS. Nos subyuga el personaje quijotesco, el temple cercano y sencillo, su tesón. Nos
acongoja la fragilidad de su salud y el empeño en el viaje. Nos fortalece su comportamiento
ante las discordias, las denuncias, las persecuciones. Una MUJER de su tiempo en lucha con
su tiempo. TERESA.El espectáculo está concebido en 4 escenas. No pretendemos plasmar su
biografía sin más; la utilizaremos muchas veces con sus mismas palabras, para corporeizar un
personaje creíble, “fieramente humano”. De ahí que la protagonista transite de escena a
escena en guerra con sus contradicciones y con los conflictos que la vida y la experiencia le
deparan.
1ª ESCENA. “… y cuando caminaba a gatas daba gracias a Dios”. El 15.08.1539, Teresa está a
punto de morir. Pasará tres años tratando de restablecerse. Rescatamos a la joven Teresa de
Ahumada, su linaje converso, su huida de la casa paterna, su primera “conversión.” Las
enfermedades expresan tanto de una persona y de su vida como una mirada o su escritura.
2º ESCENA. Cuaresma de 1554. “La segunda conversión”. Comienzo de la vida mística.
Primeros impulsos de la Reforma.
Lecturas y oración mental. Primeras escrituras. 1559. La política religiosa e inquisitorial es
implacable: Índice de Valdés, proceso del obispo Carranza, Autos de Fé en Valladolid. Casi todo
está perdido. Contra los dogmáticos.
3º ESCENA. “Los jueces del mundo, como son todos hijos de Adán, y en fin todos varones, no
hay virtud de mujer que no tengan por sospechosa”. Teresa sin libros. Teresa entre los
hombres. La fuerza de una mujer que con 50 años cambia de vida. De la oración en exclusiva a
la acción, las Fundaciones. Una escritora que, lejos de la primera apreciación, escribe sabiendo
que tiene que nadar y guardar la ropa.
4ª ESCENA. “Frente a la honra de la limpieza de sangre, la honra verdadera de la libertad de
conciencia”. La muerte de una hija de conversos.
Día
MARZO 2015
5 Jueves
“TERESA”
6 Viernes
“TERESA”
27 Viernes
“TERESA”
Auditorio Municipal
Francisco
Auditorio Municipal
Francisco
Teatro Juan Bravo
de
San ÁVILA
de
San ÁVILA
SEGOVIA
ESPECTÁCULO COPRODUCIDO POR LA FUNDACIÓN SIGLO PARA EL TURISMO Y LAS ARTES EN
CASTILLA Y LEÓN. JUNTA DE CASTILLA Y LEÓN.
CINE CICLO HUMOR EN BLANCO Y
NEGRO
Sinopsis La República Democrática de Freedonia, un pequeño país centroeuropeo, a cuyo
frente se encuentra el muy liberal señor Rufus T. Firefly, se ve amenazada por la dictadura de
Sylvania, país de vieja y reconocida solvencia como agresor. Dos espías de prestigio, Chicolini y
Pinky, sirven a Sylvania, lo que no impide que acaben siendo ministros del ahora ya
excelentísimo Firefly.
Críticas
Groucho y compañía dirigen la república más desternillante de la historia del cine en la,
para muchos, mejor comedia de los hermanos Marx, lo cual es decir la comedia más
delirante y el humor surrealista más divertido del séptimo arte. Definirla como magistral
es quedarse corto, pues "Duck Soup" es la quintaesencia de unos cómicos geniales que, a
pesar de no tener apenas éxito en su estreno, supuso el primer clásico de una serie de
legendarios títulos como "A Night at the Opera, 1935", "A Day at the Races, 1937", "Room
Service, 1938", "At the Circus, 1939" y "Go West, 1940". Casi nada.
C.C. Baxter (Jack Lemmon) es un modesto pero ambicioso empleado de una
compañía de seguros de Manhattan. Está soltero y vive solo en un discreto
apartamento que presta ocasionalmente a sus superiores para sus citas
amorosas. Tiene la esperanza de que estos favores le sirvan para mejorar su
posición en la empresa. Pero la situación cambia cuando se enamora de una
ascensorista (Shirley MacLaine) que resulta ser la amante de uno de los jefes que
usan su apartamento (Fred MacMurray).
1960: 5 Oscars: Película, director, guión original, dirección artística, montaje. 10 nomin.
1960: 3 Globos de Oro, incluyendo Mejor película - Comedia. 4 nominaciones
1960: BAFTA: Mejor película
1960: Festival de Venecia: Mejor actriz (Shirley MacLaine)
1960: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película (ex-aequo), director y guión
En 1644, el señor de Canterville condena a su hijo a ser emparedado por traicionar el
honor de la familia. Desde entonces su fantasma vaga por el castillo. Trescientos años
después, durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), una compañía de infantería
americana se aloja en el castillo y se dedica a hacer todo tipo de gamberradas al
fantasma.
El extravagante sentido para los negocios de Groucho hace embarcar hacia
Nueva York a las grandes estrellas de la Ópera de Milan, con unos polizones
inesperados a bordo: Harpo y Chico. Entre los tres revolucionan el barco,
organizan un escandalo en Nueva York y convierten la noche del estreno en una
locura que el mundo de la ópera nunca podrá olvidar.
Años 50. Villar del Río es un pequeño y tranquilo pueblo en el que nunca pasa
nada. Sin embargo, el mismo día en que llegan la cantante folclórica Carmen
Vargas y su representante, se recibe la noticia de la inminente visita de un comité
del Plan Marshall (proyecto económico americano para la reconstrucción de
Europa). La novedad provoca un gran revuelo entre la gente, y el bonachón
alcalde del pueblo (Pepe Isbert) propone a los vecinos que se disfracen al más
puro estilo andaluz para causar buena impresión a los americanos que vienen a
repartir dinero.
Un humilde barbero judío tiene un parecido asombroso con el dictador de
Tomania, un tirano que culpa a los judíos de la crítica situación que atraviesa el
país. Un día, sus propios guardias lo confunden con el barbero y lo llevan a un
campo de concentración. Al mismo tiempo, al pobre barbero lo confunden con el
tirano.

Programación Teatro Juan Bravo primer trimestre

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